Edición 83 | Mujer & Forma

Mujer & Forma

CONVOCATORIA ABIERTA

Ed.83

Editora Fundadora

CEO

Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx

Directora Editorial

Martha Lydia Anaya martha@glocal.mx

Diseño Maestro

Gensler México

Diseño de Edición

Sandra Montiel

Coordinadora General

Caly Pérez caly.perez@glocal.mx

Coordinadora de contenido especial

Monserrat Navarro Canadilla montse.navarro@glocal.mx

Gerencia Comercial

Alexandra Becerril López alexandra.becerril@glocal.mx

Colaboradores

Claudia Cerezo

José Margaleff

Mauricio J. Flores

Jorge Medina

Colaboradores en Italia

Estelle Van de Winckle

Luca Cantarale

Corrección de Estilo

Silvia Sánchez Flores

Consejo Editorial

Consejeros Honorarios

Gina Diez Barroso

Miguel Ángel Aragonés

Jorge Arditti

Arturo Arditti

Juan Carlos Baumgartner

Fernando Camacho Nieto

Carmen Cordera

Juan Manuel Lemus

Beata Nowicka

Carlos Pascal

Gerard Pascal

Ariel Rojo

Sagrario Saraid

Contabilidad

Víctor Villareal

Contacto glocal.mx info@glocal.mx

Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México.

Teléfono 52(55) 5533 6818

Portada Arte por Jorge Medina @sincuerdo

Foto por José Margaleff @josemargaleff

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S. A. de C. V. Revista Bimestral abril - mayo de 2025. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, Ciudad de México, México. Impresa en: Smartpress Vision, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, Del. Benito Juárez, C.P. 03910, Ciudad de México. Tel. 55 5611 7420.

Protagonistas de su vida.

Crear comunidad. Ver y redescubrir el talento creativo. Apostar por aquellos que crean para servir, para hacer un cambio en un núcleo familiar o en una comunidad. De eso trata esta edición. Sí, es nuestra revista en donde la mujer es el bastión creativo. Para llegar a la selección buscamos entender su entorno personal para desde ahí redescubrir su propuesta de valor. Para nuestra primer portada con personas como protagonistas quisimos mostrar a profesionales dispuestas evolucionar y reinventarse en casa proyecto o en cada momento en que la vida se los ha exigido. Con Mariangel Coghlan la historia comenzó en un viaje de trabajo hace 13 años en dónde compartimos proyectos y sueños -muchos de ellos hoy son realidad-, pero lo fundamental en ella es que ha creado todo su mundo creativo alrededor de su familia y viceversa. Su propuesta, llena de vitalidad, se pinta de de un sin fin de colores que abrazan la forma final de cada una de sus obras.

Ana Landa es la revolución de texturas antagónicas por naturaleza, pero en sus manos, son la fórmula perfecta para espacios llenos de vida y expresión.

Con Fernanda Patiño tuvimos la fortuna de trabajar y de ver cómo transformó nuestro pequeño espacio en Design House en 2017. Hoy, a la cabeza en la rama de arquitectura interior en Sordo Madaleno Arquitectos, la vida la reta día tras día con clientes en distintos continentes en donde con firmeza y un agudo conocimiento de formas y materiales, crea ambientes que abrazan a los visitantes.

Olga Hanono, se ha recreado a sí misma en múltiples ocasiones y en distintos ámbitos, y esto le ha brindado una agilidad tácita para que en una hoja de papel baje la idea de una de las lámparas más vendidas de Lladró o haga el esbozo de una gran residencia.

El aprecio por Renatta Chain y Lina Siman nació al verlas concursar y ganar el Premio Noldi Shreck. Al conocerlas en persona supimos lo distinto de sus personalidades pero la complicidad se delata al ver cómo se responden con la mirada. Su propuesta es expresiva gracias el dominio de la luz, las sombras y las formas.

El primer acercamiento con Anette Askenazi fue a través de su proyecto ASHŌ con el que llegaron a la final del Premio Noldi Shreck, el jurado votó por ella por hacer con pocos metros y bajo presupuesto, un proyecto sumamente funcional y estético. Y la constante en su obra son esos acentos que marcan los espacios haciéndolos únicos.

Paola Alencaster, cofundadora de PAIR Arquitectura, la conocímos gracias a su socio. Ella fue de las primeras en llegar el día de la toma fotografíca y fue casi la última en irse. Su vitalidad y seguridad son también impronta en su noble trabajo. Luz, tonos cálidos y el uso de diseño mexicano en sus trabajo nos regalan una bocanada de aire fresco.

El mejor aliado para este especial lo encontramos en una de las primeras marcas que apostó por nosotros hace 15 años y para quienes el cuidado al detalle y a la excelencia está en todo momento, gracias Porcelanosa por sumarse a crear contenido de calidad.

Y sí, fuimos invitados al Salone del Mobile. Vivimos la experiencia de ser jurado del SaloneSatellite, el premio de diseño al talento joven más importante del mundo, y no podemos aún expresar la emoción de compartir opiniones con gente a quienes admiramos profundamente. Caminamos pasillo por pasillo. En esta edición verán las instalaciones y nuestra selección nace de la reflexión de muchas voces: es momento de detenernos, de mirar y de regalarnos momentos para el libre pensamiento ya que en la reflexión nacen las ideas. Esperen la siguiente edición con la selección del editor (con editores invitados) y lo mejor de Euroluce. ¡Gracias por leernos!

Foto José Margaleff

Contenido

01 / Agenda

Eventos y exposicones .Museo Amparo, Museo Franz Mayer, LagoAlgo.

Magali Lara Museo Universitario de Arte Contemporáneo

Foto Barry Domínguez. Cortesía MUAC/UNAM

01.

Lo Real y su Doble, Beatriz Ezban

Seminario de Cultura Mexicana, Galería 526 Hasta el 8 de junio del 2025 Masaryk 526, Polanco, CDMX.

Reúne 45 obras bidimensionales (pintura, collage, fotografía y dibujo) que desmontan la construcción de la identidad en la era digital. La artista cuestiona cómo las selfies —esos reflejos curados de nuestro yo— enmascaran más de lo que revelan en reaidad.

@seminariodeculturamx

Agenda

02.

Best of Both Worlds: ITALY

ADI Design Museum Hasta el 15 de junio del 2025

Piazza Compasso d’Oro 1 , Milán, Italia.

Curada por Stefano Casciani y con una escenografía minimalista de Piero Lissoni, esta muestra revela cómo los objetos icónicos de Italia construyeron nuestra sociedad estética actual. Una oportunidad única para entender por qué Italia sigue dictando las reglas del buen diseño.

adidesignmuseum.org

03.

Antonio. Moda indomable

Museo Franz Mayer Hasta el 29 de junio del 2025 Av. Hidalgo 45, Centro Histórico, CDMX.

La muestra captura la esencia de una época revolucionaria a través de pantalones acampanados, estampados psicodélicos y combinaciones audaces. El diseño expositivo transporta a los ambiente de las míticas fiestas disco, con sus esferas de espejos y luces neón.

franzmayer.org.mx

04.

Reinventar América: Construir, borrar, repetir Museo Amparo

Hasta el 1 de julio del 2025

C. 2 Sur 708, Centro Histórico, Puebla, Pue.

Esta exhibición desmonta los estereotipos creados entre los siglos XV y XIX en grabados, mapas y crónicas, donde América fue retratada como un territorio exótico y sus habitantes como ‘salvajes’. Destacan obras como el Mapa de Tenochtitlán (1524) de Cortés y el mural contemporáneo de Baniwa, que reinterpretan la colonización vista desde la cosmovisión amazónica.

museoamparo.com

05.

Capítulo VII: Shifting Grounds

LagoAlgo Hasta el 14 de julio del 2025

Bosque de Chapultepec, II Secc, pista El Sope S/N.

Una exposición que pone énfasis en el impacto humano sobre el entorno, la migración, las estructuras económicas y las tensiones identitarias, revelando cómo la acción —o su ausencia— perpetúa estos ciclos. lago-algo.mx

06.

Ventanas al futuro Universum, Museo de las Ciencias de la UNAM Hasta el 7 de septiembre del 2025

Circuito Cultural de Ciudad Universitaria S/N, Coyoacán, C.U.

La muestra invita a reflexionar sobre cómo la tecnología moldea futuros posibles. Con la asesoría del estudio Invisible, especializado en diseño prospectivo, propone una narrativa que integra factores sociales, ambientales y culturales. universum.unam.mx

07.

Magali Lara

Museo Universitario de Arte Contemporáneo

Hasta el 1 de octubre del 2025

Insurgentes Sur 3000, Coyoacán, C.U.

La exposición comienza con las obras más recientes de Magali Lara —como los murales creados ex profeso: Estiro los dedos (2025) y La piel son nubarrones negros (2025)— para descender hacia sus dibujos pioneros de los años 70.

muac.unam.mx

Nobu Cuaik|CDS Ciudad de México 2024

Nobu, uno de los restaurantes más prestigiosos del mundo, renovó su sede en la plaza comercial Arcos Bosques de la Ciudad de México con un diseño que abraza la calidez, la armonía y la elegancia japonesa. La madera, inspirada en la estética de los hoteles Aman, se trabajó como celosía modular para dar escala, textura y unidad al proyecto. Cuaik|CDS lideró un proceso colaborativo con chefs, diseñadores y Grupo Hunan, donde cada decisión —desde la iluminación cálida hasta el acomodo de mesas— fue pensada para exaltar la experiencia. Tanto los murales, como el mobiliario y todo en absoluto fue diseñado en detalle y renderizado en 3D. Nobu Arcos no es solo un restaurante: es una coreografía de luz, materiales y emociones que se viven con todos los sentidos.

cuaik.com nobu.mx

Nobu, one of the world’s most prestigious restaurants, has renewed its location at Arcos Bosques in Mexico City with a design that embraces Japanese warmth, harmony, and elegance. Inspired by Aman hotels, wood was crafted into modular latticework, bringing scale, texture, and cohesion to the space. Led by Cuaik|CDS, a collaborative process with chefs, designers, and Grupo Hunan ensured that every detail—from warm lighting to table arrangement—was meticulously designed and 3D-rendered. Nobu Arcos is not just a restaurant; it is a choreography of light, materials, and emotions experienced through all senses.

El Perdido Estudio ALA El Pescadero, B.C.S. 2023

Enclavado en el corazón del desierto, donde el océano Pacífico abraza el chaparral costero y las cumbres de la Sierra Nevada se recortan en el horizonte, el hotel boutique El Perdido emerge como un refugio de serenidad y sofisticación; su hospitalidad invita a reconectar con el ritmo pausado de la vida. Aquí, el lujo se mide en la libertad de habitar un entorno en el donde el tiempo fluye con naturalidad.

Inspirado en las construcciones indígenas, cada espacio se ha diseñado para integrarse con el paisaje, utilizando materiales naturales como madera local, arcilla y piedra. La arquitectura dialoga con el entorno: el desierto, el mar y el cielo son los protagonistas de una propuesta que prescinde de artificios. Esta filosofía se refleja en cada rincón, con senderos de piedra que serpentean entre la vegetación autóctona, donde la luz natural conversa con las frescas sombras proyectadas por los techos de palma y las texturas entablan una conexión profunda con la tierra.

estudioala.com elperdido.com

Nestled in the heart of the desert, where the Pacific Ocean meets the coastal chaparral and the peaks of the Sierra Nevada cut across the horizon, El Perdido boutique hotel emerges as a sanctuary of serenity and sophistication, inviting guests to reconnect with the unhurried rhythm of life. Here, luxury is measured by the freedom to inhabit a place where time flows naturally. Inspired by indigenous architecture, each space is designed to blend seamlessly with the landscape, using natural materials like local wood, clay, and stone. The architecture engages in a dialogue with its surroundings, where desert, sea, and sky take center stage in a design stripped of all artifice. Stone paths wind through native vegetation, natural light dances with cool shadows cast by palm-thatched roofs, and textures forge a deep connection with the land.

04 /Diseño + Creando historias alrededor de la mesa

Texto Monserrat Navarro Fotos Zaickz Moz

La renovación del corporativo Anfora, por Doméstico Estudio, honra su historia centenaria mediante una narrativa espacial que conecta tradición y modernidad. Materiales, colores arcillosos y texturas reinterpretan técnicas como el esmaltado, evocando el oficio cerámico sin caer en lo literal. Un plafón colgante de cerámica actúa como pieza escultórica envolvente, mientras que los acabados aportan una lectura contemporánea. «Esta selección no solo construye un relato visual coherente, sino que también ancla el espacio en la memoria táctil y sensorial del usuario», describe el equipo de Doméstico Estudio.

El showroom, dividido en seis ambientes flexibles, permite reconfiguraciones dinámicas, y el coworking promueve la colaboración entre equipos internos y creativos externos. Así, Anfora no solo renueva sus espacios, sino que celebra con orgullo su legado, mismo que se proyecta hacia el futuro con sensibilidad y carácter.

anfora.com domestico.mx

La narrativa del showroom de Anfora parte de una intención clara: honrar la historia centenaria de la fábrica a través de materiales y atmósferas que evocan la cerámica sin caer en lo literal.

The renovation of Anfora’s corporate headquarters, by Doméstico Estudio, pays tribute to its hundred-year history through a spatial narrative that bridges tradition and modernity.

Earth-toned materials, ceramic-inspired textures, and glazed surfaces reinterpret artisanal techniques, evoking the craft of ceramics subtly and abstractly. A suspended ceramic ceiling becomes a sculptural and immersive gesture, while finishes offer a fresh contemporary view.

«This selection not only builds a coherent visual story but also anchors the space in the user’s tactile and sensory memory», explains the team at Doméstico Estudio.

The showroom is divided into six flexible environments, allowing dynamic reconfiguration, while the coworking area fosters collaboration between in-house teams and external creatives.

Ánfora’s renovation transcends mere updates; it is a thoughtful reinterpretation of its legacy—projected into the future with refined sensitivity and architectural rigor.

Del Librero

Las arquitectas de nuestro especial Mujer & Forma nos comparten los libros que han inspirado su visión del espacio, la materia y el habitar.

01. Habitar

Juhani Pallasmaa

Gustavo Gili

02.

Pensar la arquitectura

Peter Zumthor

Gustavo Gili

03.

Un viaje a la realidad invisible: una visión cuántica del Universo

Jorge Ramírez

04. The architecture of happiness

Alain de Botton

Vintage Books

Pallasmaa explora el arte de habitar con sensibilidad poética, en un viaje íntimo por los espacios que dan forma a nuestra existencia. Fernanda Patiño de Sordo Madaleno Arquitectos recomienda su lectura.

Zumthor nos invita a recordar cómo habitamos. Un libro de atmósferas, memoria y emociones que dan sentido al espacio, sugerido por Anette Askenazi de ASHŌ.

Diana Colombiana

Este libro explora los fenómenos cuánticos desde una visión que une ciencia y experiencia humana, cuestionando la realidad. Ana Landa de Línea Vertical lo ha leído en diversos momentos.

Alain de Botton explora cómo la arquitectura influye en nuestro bienestar y revela cómo los espacios nos transforman. Interesante lectura recomendada por Mariangel Coghlan.

en la lup@

Cuentas que nos inspiran: una selección de perfiles de arte, arte objeto, arquitectura y fotografía que despiertan la creatividad.

@Adricollage

@lalorecordova

@seungjin_yang_

@_materia

@ohfa__

Soundtrack

Foto Rafael Gamo

PEDRE porJSa y MTA+V

México en Milán 2025

Cobertura por Greta Arcila, enviada a Milán

Fotos cortesía diseñadores y despachos

01. Sten Studio, Cosmic Resonance. Alcova

02. Balmaceda, Jardines

03. Pedro Arturo, La Mano y la Máquina. Salon Satellite

La edición 63 del Salone del Mobile Milano 2025 se articuló bajo el lema Thought for humans (Diseño a medida del ser humano), una campaña visual desarrollada por Dentsu Creative Italy con imágenes del fotógrafo estadounidense Bill Durgin que fusionaron materiales como madera, metal, bioplástico y textiles con la forma humana. Este enfoque resonó con gran impacto en las propuestas mexicanas que viajaron a Milán, las cuales despuntaron por su dimensión emocional, social y sustentable.

La presencia del talento mexicano materializó la oportunidad de visibilidad internacional y también fue una declaración del crecimiento, madurez y diversidad del diseño nacional. Las propuestas abarcaron desde la artesanía reinterpretada hasta el diseño especulativo, reafirmando a México como un actor clave en la conversación global sobre diseño. Así, nuestro país volvió a marcar territorio en el epicentro de la escena creativa mundial.

Desde piezas conceptuales hasta objetos de profunda carga simbólica y técnica, Alberto Essesi/Essesi, Studio David Pompa, Studio H. Fernández, Andrés Lhima, Pedro Arturo, Artell x Code Studio, STEN Studio, Panorama, Kanak Studio, Tenam y Balmaceda Studio. Además de la participación de Rodrigo Noriega, Sebastián Ángeles, Axoque, Colección Estudio y el CIDI UNAM en SaloneSatellite, el diseño nacional destacó por su destreza técnica y capacidad para dialogar con la visión internacional contemporánea.

salonemilano.it

04. Colección Estudio, SendaLounge

05. Axoque, El Futuro Hecho a Mano

06. CIDI UNAM, El arte en la vida diaria.

07. David Pompa, Materia México

08. Sebastián Ángeles, Frequency 2.0

09. Alberto Essesi , Vida Pitcher

10. Artell-CodeStudio, Neoequipal collection

11. Rodrigo Noriega, Jarrones David. Salone Satellite

The 63rd edition of Salone del Mobile Milano 2025 unfolded under the theme Thought for Humans, a campaign by Dentsu Creative Italy with images by Bill Durgin, merging materials with the human form. This concept echoed in the Mexican proposals, noted for their emotional, social, and sustainable focus.

Their presence marked the growth and diversity of Mexican design, from reimagined craft to speculative pieces. Featured were Studio David Pompa, Colección Estudio, Andrés Lhima, Pedro Arturo, Artell x Code Studio, STEN Studio, Panorammma, Kanak Studio, Tenam, and Balmaceda Studio, along with Rodrigo Noriega, Sebastián Ángeles, Axoque, Colección Estudio, and CIDI UNAM at SaloneSatellite.

/Arte & Ferias

Artesanía e innovación: the winners 06

, arquitecta y diseñadora abrazaron el talento de las jóvenes promesas del diseño global.

La 14ª edición del SaloneSatellite Award 2025 reafirma que las técnicas tradicionales, reinventadas con innovación tecnológica, son esenciales para el diseño contemporáneo y sostenible.

Jurado del SaloneSatellite Award 2025. El expertise de personalidades como Nao Tamura, diseñadora; Greta Arcila, fundadora y CEO de Glocal Design; María Porro, presidenta del Salone del Mobile Milano; Marco Sabetta, gerente general del Salone del Mobile; Marva Griffin, fundadora de SaloneSatellite; Paola Antonelli, arquitecta; Hicham Lahlou, fundador de Africa Design Organization; Jean Blanchaert, galerista y curador; Guilia Foscari, arquitecta, curadora y activista, y Carolina Gismondi

The SaloneSatellite Award 2025 once again positioned itself as the epicenter of young innovation in global design, celebrating “New Craftsmanship” as an urgent response to contemporary challenges. From over 130 submissions, the jury recognized four projects that weave ancestral techniques with current tools such as 3D printing and generative design, reaffirming the enduring relevance of craftsmanship in building sustainable futures.

The first prize was awarded to Kazuki Nagasawa of the Japanese studio Super Rat with the Utsuwa-Juhi Series, a collection of vases and containers crafted from natural bark and traditional dyeing methods. These pieces transcend functionality to become “vessels of history,” featuring organic forms and a low environmental impact—an exemplary manifestation of new craftsmanship.

From the Netherlands, Luis Marie received the second prize with Plissade, a textile room divider structured without adhesives or composite materials, reimagining the art of pleating and offering new circular solutions for interior design. Its impeccable execution and tactile and chromatic research made it one of the most significant proposals of this edition.

The third prize recognized Riccardo Toldo from Italy for Fil Rouge, a wall-mounted lamp that captures the magic of a minimal gesture: an almost invisible filament, just 1.8 millimeters in diameter, that emits up to 1,200 lumens when powered by opposing poles. Inspired by the myth of the red thread of destiny, Fil Rouge is a synthesis of research, technique, and poetry.

The Special Mention and the Róng Design Award were granted to Venezuelan designer Juan Cortizo for the Quibor Project, a biomorphic speaker that celebrates Venezuelan craft traditions while proposing a strong and contemporary visual language, opening a dialogue between identity, memory, and technology.

The jury, chaired by Paola Antonelli (MoMA) and comprising personalities such as Michael Anastassiades, Nao Tamura, and Greta Arcila (CEO of Glocal Design Magazine), emphasized how the fusion of craftsmanship and innovation is not only an aesthetic resource but an ethical stance essential to responsible and culturally significant design.

El SaloneSatellite Award 2025 volvió a ser el epicentro de la innovación joven en el diseño global, celebrando el “Nuevo Artesanado” como respuesta urgente a los retos contemporáneos. De más de 130 propuestas, el jurado reconoció cuatro proyectos que entrelazan técnicas ancestrales con herramientas actuales como la impresión 3D y el diseño generativo, reafirmando la vigencia de la artesanía en la creación de futuros sostenibles. El primer premio fue para Kazuki Nagasawa del estudio japonés Super Rat con Utsuwa-Juhi Series, una colección de jarrones y contenedores realizados con corteza natural y técnicas tradicionales de teñido. Estas piezas trascienden su funcionalidad para convertirse en “contenedores de historia”, con formas orgánicas y bajo impacto ambiental, ejemplo sublime del nuevo artesanado.

Desde los Países Bajos, Luis Marie recibió el segundo lugar con Plissade, un biombo textil estructurado sin adhesivos ni materiales compuestos, que reinterpreta el arte del plisado y propone nuevas soluciones circulares para el diseño interior. Su ejecución impecable y su investigación cromática y táctil lo convirtieron en una de las propuestas más relevantes de esta edición.

El tercer premio reconoció a Riccardo Toldo, de Italia, con Fil Rouge, una lámpara mural que captura la magia de un gesto mínimo: un hilo casi invisible de 1.8 milímetros de diámetro que, alimentado por polos opuestos, emite hasta 1,200 lúmenes. Inspirado en el mito del hilo rojo del destino, Fil Rouge es una síntesis de investigación, técnica y poesía.

La mención especial y el Róng Design Award fueron para el venezolano Juan Cortizo con Quibor Project, un altavoz biomórfico que celebra las tradiciones artesanales de Venezuela y propone un lenguaje visual potente y contemporáneo, abriendo un diálogo entre identidad, memoria y tecnología.

01. Kazuki Nagasawa, serie Utsuwa-Juhi

02. Luis Marie, Plissade

03.

04.

El jurado, presidido por Paola Antonelli (MoMA) e integrado por personalidades como Michael Anastassiades, Nao Tamura y Greta Arcila (fundadora y CEO de Glocal Design Magazine), resaltó cómo la fusión entre artesanía e innovación no es sólo un recurso estético, sino una postura ética imprescindible para un diseño responsable y culturalmente significativo.

salonemilano.it

Riccardo Toldo, Fil Rouge

Juan Cortizo, biomórfico Quibor Project

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Arte & Ferias Las promesas del diseño: SaloneSatellite 2025

Curaduría por Andrés Lhima, director de la carrera de Diseño Industrial y Desarrollo de Producto del Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey (CEDIM)

La historia de Andrés Lhima y su conexión tanto emocional como profesional con el Salone del Mobile Milano comenzó en sus años de estudiante. Cuando supo de este evento, parecía lejano, pero no imposible de alcanzar; fue así que con esfuerzo, determinación y mucho trabajo se hizo de un espacio entre los seleccionados para participar en SaloneSatellite, una plataforma que además exigía de otras características para ser susceptible de entrar.

Para Andrés, esto solo fue un punto de arranque. «SaloneSatellite ha sido la antesala del Salone del Mobile y es algo en lo que seguiré trabajando, aprendiendo y buscando mi sitio entre los mejores», expresa totalmente agradecido y cubierto de una capa de orgullo bien ganado. Esta vez, en ocasión de la reciente edición del Salone del Mobile Milano 2025, Lhima nos comparte su selección de proyectos y diseñadores que más lo cautivaron en SaloneSatellite.

«Un común denominador para mí –dice–fue la innovación en el uso de los materiales convencionales. Definitivamente los tres primeros lugares de Satellite Award están presentes: Kazuki Nagasawa, Luis Marie y Riccardo Toldo (1er, 2º y 3er lugar, respectivamente), pero los demás chicos también tienen proyectos innovadores».

Lhima ha participado en SaloneSatellite desde hace unos años, una plataforma que le abrió las puertas de la industria global del diseño y de la que ahora nos comparte su particular curaduría.

The story of Andrés Lhima and his connection to Salone del Mobile Milano began in his student years. At first, the event felt distant—but not unreachable. Through determination and effort, he earned a place at SaloneSatellite, a selective platform with specific entry criteria.

For Lhima, that was only the beginning.

«SaloneSatellite has been the prelude to Salone del Mobile for me—something I’ll keep working on, learning from, and striving to be part of,” he shares. For the 2025 edition, Lhima curated a selection of the most compelling designers and projects.

«A common thread was innovation through conventional materials. Of course, the top winners—Kazuki Nagasawa, Luis Marie, and Riccardo Toldo—stood out, but many others showed truly original work.»

He also noted a stronger presence from China and Japan. «Sofía Pigozzo, now at FuoriSalone, told me how Mexican design feels more context-rooted, which enriches the fair. Asian proposals can feel more impersonal,» he says.

Lhima’s favorites included a project by Leo Koda (ECAL) and kitchenware by María Isenia Spatola—«a rarely seen category.» Yang Shueiyuan’s glass hourglass also stood out: «Functional and sculptural.»

Yang Shueiyuan

Railing vase

MOOOMO

Andrés Lhima valora el contexto mexicano en SaloneSatellite y destaca piezas como las de Spatola.

Agrega que este año se ha sentido más la participación de China y Japón. «Hablando con Sofía Pigozzo (excolaboradora de SaloneSatellite y quien ahora trabaja en FuoriSalone), me comentó que le parece importante que participemos más los mexicanos, ya que percibe que en nuestros objetos hablamos más de un contexto y eso se vuelve bastante enriquecedor para los visitantes a la feria. Las propuestas de Asia son interesantes, pero a título de ella, mantienen una línea más impersonal».

«Mi favorito fue el proyecto de Leo Koda que estudia en The École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) y otro que me gustó mucho fue el de María Isenia Spatola, ella presentó objetos para la cocina y me parece un área poco vista en Satellite. En mi percepción, se presenta mucho mobiliario, pero pocos objetos pequeños/utilitarios para la cocina. Y hablando de piezas favoritas, para mí lo fue el reloj de arena en vidrio de Yang Shueiyuan, lo resumiría en funcional y escultórico», concluye el diseñador.

salonemilano.it andreslhima.com

Kazuki Nagasawa

Luis Marie

De la emoción del primer paso al orgullo de volver: Andrés Lhima revive su conexión con el SaloneSatellite y celebra lo que lo inspira.

Leo Koda

Kazuya Maie

Kazuki Nagasawa

María Isenia Spatola

Luz, espera y contemplación

La Milan Design Week (MDW) 2025, que se celebró del 8 al 13 de abril pasado, presentó una variedad de instalaciones y exposiciones en diversos espacios. ¿Cuáles fueron nuestras preferidas?

Cobertura por Greta Arcila, enviada especial a Milán

El Salone del Mobile Milano 2025 reafirma su poder emocional con instalaciones que van más allá de la forma para tocar lo invisible. La luz, el agua y el tiempo se convirtieron en lenguajes poéticos que conectaron cuerpo y pensamiento. Desde la monumental Library of Light de Es Devlin, donde el conocimiento giró como un organismo vivo hasta la hipnótica La dolce attesa de Paolo Sorrentino, que reencantó el acto de esperar, cada proyecto invitó a detenerse para sentir y contemplar. A Beat of Water de BIG y Roca, reveló la danza oculta de los sistemas hidráulicos. Nuevamente, Milán se convirtió en un escenario emotivo donde el diseño entabló un diálogo con el alma, los recuerdos y el transcurrir del tiempo.

Salone del Mobile Milano 2025 reaffirmed its emotional power with installations that went beyond form to touch the invisible. Light, water, and time became poetic languages connecting body and thought. From Es Devlin’s monumental Library of Light, where knowledge spun like a living organism, to Paolo Sorrentino’s hypnotic La dolce attesa, which re-enchanted the act of waiting—each project invited us to pause, feel, and contemplate. A Beat of Water by BIG and Roca unveiled the hidden dance of hydraulic systems. Once again, Milan became a sensitive landscape where design engaged with the soul, memory, and time.

La dolce attesa Paolo Sorrentino

En La dolce attesa, Paolo Sorrentino transformó la espera médica en un acto poético. Entre pulsos, sonidos del viento y vestigios de cine, la instalación invitó a habitar el tiempo suspendido como un umbral fértil, donde el diseño abrazó, conmovió y recordó que lo invisible también late.

@paolosorrentino_real

In La dolce attesa, Paolo Sorrentino transformed medical waiting into a poetic act. Amid pulses, the sound of the wind, and cinematic traces, the installation invited visitors to inhabit a suspended moment—a fertile threshold where design embraced, moved, and reminded us that the invisible also beats.

The Gift

Chen Yaoguang + KUKA HOME

En The Gift, Chen Yaoguang y KUKA HOME celebran la belleza efímera de la naturaleza con una instalación de 250 m² de flores que envuelve al visitante en un círculo de vida y conexión cultural. Un homenaje sensorial al planeta, donde el diseño cede protagonismo a lo esencial: la tierra.

En.kukahome.com

In The Gift, Chen Yaoguang and KUKA HOME celebrated the fleeting beauty of nature with a 250 m² floral installation that embraced visitors in a circle of life and cultural connection. It was a sensorial tribute to the planet, where design yields to what truly matters: the Earth.

A beat of water BIG Group + ROCA

En el Cortile d’Onore, Bjarke Ingels Group (BIG) y Roca dieron vida al pulso del agua con una instalación poética que reveló su flujo invisible. Una coreografía de tubos y válvulas celebró el equilibrio entre diseño, sostenibilidad y tecnología, invitando a contemplar el valor de cada gota.

big.dk roca.com

In the Cortile d’Onore, Bjarke Ingels Group (BIG) and Roca brought the pulse of water to life through a poetic installation that revealed its invisible flow. A choreography of pipes and valves celebrated the balance between design, sustainability, and technology, inviting visitors to contemplate the value of each drop.

TAMTAM; Templo, Azione, Movimento

Alvisi Kirimoto

Un templo de columnas blancas y plásticas se convierte en un organismo vivo, flexible y colectivo. TAM TAM, de Alvisi Kirimoto, invita al visitante a transformar el espacio con su presencia. Reflexión e interacción se entrelazan en esta arquitectura sagrada que se mueve al ritmo de la gente.

A temple of white plastic columns became a living, flexible, and collective organism. TAM TAM, by Alvisi Kirimoto, invited visitors to reshape the space through their presence. Reflection and interaction intertwined within this sacred architecture, moving to the rhythm of the people.

Alvisikirimoto.it

The Amazing Plaza MAD + Amazon

En The Amazing Plaza, MAD y Amazon transforman el Cortile della Farmacia en una plaza contemporánea donde el diseño se celebra como encuentro. Bajo un pabellón rodeado de tiras coloridas de ETFE, la instalación combina realidad física y aumentada, evocando la energía de los mercados italianos y su vitalidad colectiva.

In The Amazing Plaza, MAD and Amazon transformed the Cortile della Farmacia into a contemporary piazza where design becomes a place of gathering. Beneath a pavilion surrounded by colorful ETFE strips, the installation blended physical and augmented reality, evoking the energy and vitality of Italy’s vibrant markets. i-mad.com amazon.com

07 / Arte & Ferias

Library of light Es Devlin

En el corazón del Cortile d’Onore, Library of Light de Es Devlin transformó la luz en palabra y los libros en puentes de pensamiento. Con más de 3,000 títulos girando en un cilindro monumental, la instalación envolvió al visitante en un viaje poético donde el conocimiento brilló, vibró y se compartió.

At the heart of Cortile d’Onore, Es Devlin’s Library of Light transformed light into language and books into bridges of thought. With over 3,000 titles spinning inside a monumental cylinder, the installation immersed visitors in a poetic journey where knowledge shimmered, vibrated, and was shared.

esdevlin.com

Foto Monica Spezia

Villa Héritage

Pierre-Yves Rochón

En Villa Héritage, Pierre-Yves Rochon convirtió la herencia en libertad creativa. Entre ópera, arte y memoria, cada sala despertó los sentidos y reveló que el lujo real habita en la emoción que perdura. Una oda al tiempo, donde el diseño se vivió como experiencia íntima y profundamente humana.

pyr-design.com

At Villa Héritage, Pierre-Yves Rochon transformed heritage into creative freedom. Amid opera, art, and memory, each room awakened the senses, revealing that true luxury lies in enduring emotion. An ode to time, where design became an intimate and profoundly human experience.

Source of Pleasure

En Source of Pleasure, Juliana Lima Vasconcellos transformó el café en un viaje íntimo y sensorial. Entre aromas, sonidos y formas circulares, la instalación celebró al café como ritual de placer, energía y contemplación, envolviendo al visitante en un espacio sagrado y lleno de descubrimiento.

lavazza.com vasconcellosstudio.com

In Source of Pleasure, Juliana Lima Vasconcellos transformed coffee into an intimate, sensory journey. Through aromas, sounds, and circular forms, the installation celebrated coffee as a ritual of pleasure, energy, and contemplation, enveloping visitors in a sacred space full of discovery.

Golden Light Cage

Moscapartners variations +. LCD Textile Edition

En la Sala degli Specchi de Palazzo Litta, una jaula luminosa envuelve un candelabro majestuoso. Hecha de hilos de cobre esmaltado y materiales reciclados, la instalación vibra con la presencia del visitante, reflejando la belleza frágil y efímera de nuestro tiempo en un juego infinito de luz y espejos.

In the Sala degli Specchi of Palazzo Litta, a luminous cage enveloped a majestic chandelier. Made from enameled copper threads and recycled materials, the installation pulsed with visitors’ presence, reflecting the fragile and ephemeral beauty of our time in an endless game of light and mirrors. moscapartners.it

lcd-textile-edition.com

Foto Greta Arcila

/Baños y cocinas Refugios de bienestar

OASI by Antonio Lupi

Baños

Helvex

Limited

Cumplir 75 años en los hogares de México y el mundo es un reflejo de la pasión con la que trabaja Helvex, que celebra ese legado con una colección exclusiva que redefine la elegancia en cada detalle.

Su línea de aniversario es una declaración de lujo y sofisticación. Con acabados de excelencia en Duna (oro cepillado) y Titanium (platino cepillado), cada pieza —desde los monomandos altos y bajos de Máxima hasta el toallero de barra, el toallero corto, el gancho sencillo y el portapapel— ha sido diseñada para transformar los espacios de baño en un santuario de confort.

Porcelanosa

Lounge Fluid y Swan

Noken, de Porcelanosa Grupo, desvela sus innovaciones recientes, inspiradas en la fluidez del agua. Reafirma su apuesta por el diseño de autor con la ampliación de las colecciones: Lounge Fluid, diseñada por Simone Micheli y Swan, diseñada por ERRE Arquitectura.

Micheli hace un restyling de su icónica grifería e incorpora nuevos elementos que destacan por su diseño sofisticado y soluciones eficientes; mientras que ERRE Arquitectura combina tecnología y diseño con un enfoque ecológico.

Otras novedades de Noken son sus griferías sostenibles: Mallorca, Ibiza y Menorca con esencia mediterránea y enfoque sostenible en su diseño.

Interceramic

Suite Meissen de Essen

Además de acabados en tendencia, esta suite de la marca premium de Interceramic hace un especial énfasis en el sanitario inteligente. Meissen se compone de una trilogía de muebles de baño: grifería, sanitario y tina, como una solución completa a las necesidades de los espacios contemporáneos de baños, que buscan las piezas idóneas para proyectos tanto residenciales como comerciales. Su diseño esencialista con geometrías orgánicas, equilibra lo estético con el alto desempeño, lo que permite elevar la experiencia dentro de los espacios más personales al interactuar con la estética y armonía visual. Una propuesta para el estilo de vida contemporáneo que invita a redescubrirse y conectar con uno mismo a través de una experiencia sensorial completa.

helvex.com

porcelanosa.com

interceramic.com

Cocinas

Abimis

Ego, Atelier y Àtria

Cítricos y composiciones florales monocromáticas celebran las colecciones de cocina

Ego, Atelier y Àtria de Abimis, las cuales están fabricadas en acero inoxidable de alta gama. Particularmente, Ego celebró su décimo aniversario durante la Semana del Diseño de Milán 2025 donde se presentó con una configuración de isla pulida a mano, con tiradores de latón satinado en contraste y una barra integrada.

Ernestomeda

Sign Round

Con motivo de la Semana del Diseño en Milán, Ernestomeda presentó Sign Round, un nuevo concepto de uno de sus modelos más emblemáticos, concebido para redefinir la cocina como un espacio abierto y sociable. Creada por Giuseppe Bavuso, director artístico de la firma, esta serie introduce líneas suaves y fluidas, sustituyendo los bordes rectos por curvas envolventes que aportan a la cocina una sensación de continuidad sin renunciar a la funcionalidad.

ARAN Cucine

Sipario

Diseñada por Makio Hasuike & Co. en colaboración con el equipo de diseño de ARAN Cucine, la cocina Sipario sugiere una solución concebida como un escenario donde se celebra no solo el arte de cocinar, sino también –como enseña el teatro– el encuentro y el intercambio de ideas. Un proyecto de agregación y participación en el que cada detalle ha sido estudiado para mejorar la idea de un espacio interactivo para vivir.

abimis.com

ernestomeda.com

arancucine.it

Recubrimientos

Quartzforms

Ecotone

Durante Milan Design Week 2025, Quartzforms –marca de Scapin Group– presentó una ampliación de su gama Ecotone, una colección fabricada con componentes reciclados, resina de origen biológico y menos del 5% de sílice cristalina, manteniendo las propiedades físicas y técnicas de la piedra natural. Con cuatro nuevas variaciones de color, esta línea explora la relación entre naturaleza y tecnología, abriendo el abanico para crear espacios donde materiales de diferentes orígenes coexisten e interactúan.

quartzforms.com

Cesantoni

Texturas orgánicas

Enfatizando cómo los acabados cerámicos, los formatos y las texturas generan atmósferas que invitan al descanso o estimulan la creatividad, Cesantoni sigue apostando por un diseño integral en el que bienestar y estética se complementan. Porcelanatos en acabado mate como Piatra Duna o Coffee y Bruni permiten crear espacios atemporales, evocando materiales naturales como la madera, piedra y texturas orgánicas. Estilos en tendencia como el Japandi o el Modern Cottage proponen esa mezcla entre simplicidad estética y calidez emocional.

cesantoni.com.mx

Formica Diseñar los espacios

La instalación Formica (r)Evolution –diseñada por Sopa Design Studio en el marco de MDW 2025– incluyó una serie de elementos de mobiliario icónicos y piezas de coleccionista, seleccionados por Daniele Lorenzon, propietario de la Compasso Gallery y por el Arq. Alessandro Pedretti, diseñador y coleccionista de diseño, los cuales guiaron un cautivador viaje por los años más importantes en la evolución de los laminados Formica desde la década de 1940 hasta 1970. La exposición muestra cómo las superficies de la marca han transformado la forma de vivir y diseñar los espacios.

formica.com

Cocinas y baños 2025-2026: espacios con alma, identidad y bienestar por Cosentino

Con una antología que inspira al mañana, Cosentino recién presentó su primer informe global de tendencias en diseño y arquitectura: Shaping Tomorrow / Future Design & Architecture que más que una publicación se convierte en una herramienta inspiracional para diseñar espacios.

Dicho estudio plantea cinco macrotendencias: Origen, Refugio, Natura, Urban y Wonder, las cuales exploran la visión y experiencia en torno al diseño del mañana tomando como referencia diversos ángulos y testimonios de figuras internacionales. Estas nuevas propuestas apuestan por conceptos pilares como la estética, funcionalidad y sostenibilidad, sin pasar de largo temas relevantes como la tecnología, la artesanía y el confort sensorial al vivir los espacios.

En ese contexto, los tres ejes conceptuales que guían la visión del interiorismo particularmente para el diseño de cocinas y baños son: Origen, Refugio y Wonder

1. Origen: volver a la esencia de nuestras raíces

Esta tendencia se centra en rescatar lo esencial: nuestras raíces culturales, arquitectónicas y gastronómicas. Se trata de revalorizar la autenticidad, lo hecho a mano, los materiales locales y las técnicas artesanales tradicionales; de reconectarnos con nuestra identidad en un mundo globalizado y de tendencias fugaces.

En cocinas y baños, esto se traduce en el uso de materiales naturales como piedra, madera y cerámica, así como la preferencia por muebles fabricados con conciencia ambiental.

La propuesta de Cosentino para esta tendencia es Avorio, una superficie de color claro y acabado natural, inspirada en la piedra italiana homónima, que contiene conchas fosilizadas. Ideal para espacios que buscan continuidad visual y un diseño atemporal.

2. Refugio: diseñar para disfrutar el bienestar

Después de la pandemia, nuestros hogares han asumido un rol de contención emocional. La tendencia Refugio propone crear espacios que estimulen los sentidos y cuiden de nuestro bienestar físico y mental. El diseño interior se vuelve multisensorial: se presta atención a la textura, la luz, el aroma, la temperatura y el color, generando ambientes nos invitan a estar presentes.

En los baños, esto se traduce en el auge de los lavabos XL, acabados suaves, iluminación cálida, griferías en negro mate y el uso de materiales táctiles que fomentan la conexión emocional. En cocinas, se priorizan las formas orgánicas, superficies que invitan al tacto y paletas cromáticas neutras o cálidas.

La propuesta de Cosentino para Refugio es Sandik, una superficie inspirada en el mármol Crema Marfil español, con un fondo cremoso y sutiles vetas grises. Su acabado suave refuerza la experiencia háptica, ideal para quienes buscan sensación de seguridad y confort en su entorno cotidiano.

3. Wonder: creatividad que rompe moldes

Frente a la sobriedad del diseño minimalista de años anteriores, Wonder abraza la experimentación cromática y la sorpresa visual. Esta tendencia busca romper con lo predecible y abrir paso a combinaciones de colores inusuales, efectos inesperados y materiales llamativos. La idea es generar espacios que despierten la imaginación y celebren la individualidad.

Esta búsqueda se ve especialmente en cocinas abiertas con carácter, el uso de superficies con vetas dramáticas, y la introducción de tonos vibrantes incluso en baños, donde resurgen los acabados mate, los sanitarios coloridos y los contrastes intensos.

Cosentino da forma a esta tendencia con Jardin Emerald, una superficie que conjuga elegancia parisina con espíritu bohemio. Su tono verde intenso, vetas elegantes y detalles matizados evocan la estética de los jardines clásicos de la Ciudad de la Luz.

Las cocinas y baños han evolucionado más allá de su funcionalidad básica para convertirse en entornos profundamente conectados con nuestras emociones y raíces.

Además del enfoque conceptual de Cosentino, el panorama global del diseño para cocinas y baños en 2025 destaca:

• Cocinas abiertas y multifuncionales, pensadas como centros de interacción social y trabajo.

• Tecnología inteligente integrada: iluminación, sonido y electrodomésticos conectados.

• Materiales sostenibles y reciclados, como maderas certificadas y encimeras ecológicas.

• Baños sensoriales y envolventes, donde predominan los tonos tierra, lavabos de gran tamaño, y superficies que invitan al tacto.

• Diseños exteriores, como cocinas al aire libre, que amplían los límites de lo doméstico.

El 2025 nos invita a habitar espacios bellos y funcionales que también hablen de quiénes somos, cómo nos sentimos y qué valoramos. Con su propuesta basada en Origen, Refugio y Wonder, Cosentino marca el rumbo hacia una arquitectura emocional, que fusiona lo ancestral con lo contemporáneo, lo sensorial con lo racional y lo estético con lo sostenible.

Su nuevo showroom: Cosentino City Monterrey –emplazado en el centro de San Pedro Garza García, municipio del estado de Nuevo León– no solo combina tecnología e innovación, sino que también desvela estas tendencias pensadas para nuestros espacios de bienestar.

01. Origen, 02. Refugio, 03. Wonder

Departamento CDG Cuaik |

CDS

Ciudad de México 2024

Conoce los proyectos completos de este especial en el sitio web y redes sociales de Glocal Design.

Los baños evocan un spa privado: mármol dramático, luz suave y texturas envolventes. Mármol italiano, luz escénica y grifería de lujo lo transforman en un espacio sensorial.

Departamento CDG fusiona diseño clásico contemporáneo con funcionalidad y lujo sensorial. En los baños, el proyecto destinó gran parte del presupuesto a mármoles y grifería italianos, el resultado: atmósferas de spa con iluminación en distintas escenas que se adaptan al ritmo del día. Asesorado por expertos en luz y guiado por referentes como la diseñadora norteamericana Kelly Wearstler, se crearon espacios envolventes donde la textura, la acústica y la calidez elevan la experiencia. ¡CDG es vivir el arte desde la intimidad!

cuaik.com

CDG Apartment blends contemporary classic design with a profound focus on functionality and sensory luxury. In the bathrooms, a significant portion of the budget was dedicated to Italian marble and premium fixtures, creating spa-like retreats where material richness and atmosphere take center stage. Layered lighting, carefully orchestrated to adapt to the changing rhythm of the day, transforms the space into a dynamic environment. Expert consultation in lighting design, coupled with the sculptural and sensual influence of American designer Kelly Wearstler, ensured that every texture, sound, and surface contributes to an immersive experience.

At CDG, the bathroom becomes more than a functional space—it is a curated journey into tactile pleasure, acoustic warmth, and intimate elegance.

Materiales locales como piedra volcánica y concreto aparente se combinan con madera cálida para crear una experiencia sensorial envolvente en Casa Noah.

Foto Sandra Pereznieto

Casa Noah Cadaval Estudio

Avándaro, Valle de Bravo, Estado de México 2023

Nestled within the lush landscape of Valle de Bravo, Casa Noah emerges in two carefully crafted volumes that harmonize with the forested terrain and rainy climate.

The material logic is striking: smooth concrete forms the base, while volcanic stone rises above, inverting conventional construction norms to foster a deeper dialogue with the surrounding environment. This thoughtful inversion extends to the bathroom, where porticos, double-height ceilings, and a terrace dissolve the boundaries between interior and exterior.

More than a private retreat, the bathroom at Casa Noah becomes a sanctuary—an architecture of serenity where light, air, and stone embrace the human experience.

Enclavada en Valle de Bravo, Casa Noah se despliega en dos cuerpos que armonizan con el bosque y el clima lluvioso. El concreto liso en la base y la piedra volcánica en la parte superior invierten la lógica material para dialogar con la naturaleza. Con pórticos, dobles alturas y una terraza que funde interior y exterior, el baño de Casa Noah es más que un espacio íntimo y personal: se transforma en un refugio de calma donde la arquitectura abraza el paisaje.

cadaval.eu

Casa Chukumera

P11 Arquitectos

Mérida, Yucatán 2022

Concebida desde la pasión por el recubrimiento de Chukum como elemento potencial entre elegancia y naturalidad, Casa Chukumera se convierte en una residencia precursora de dicho material, proveniente de un árbol endémico de la península de Yucatán. Sus espacios buscan resaltar las cualidades tanto bioclimáticas (por su impermeabilidad) como estéticas (por sus atractivos de coloración y textura) de este estuco natural, logrando innovar con su versatilidad y haciéndolo un protagonista en todos los espacios de la casa, incluyendo el espacio íntimo y personal del baño.

p11.mx

Casa Chukumera was born from a passion for chukum—a noble finish that balances elegance and rawness. Derived from a tree endemic to the Yucatán Peninsula, chukum offers both aesthetic beauty and practical bioclimatic benefits.

Throughout the residence, chukum defines the material language, providing natural waterproofing, distinctive hues, and a tactile richness that connects the home to its environment. The bathroom, envisioned as a sanctuary of intimacy, exemplifies the versatility and sensory depth of this material. Here, chukum’s subtle textures and earthy tones create a serene dialogue between architecture and nature.

At Casa Chukumera, tradition and innovation merge to create a deeply personal and enduring retreat.

Foto Eduardo Calvo Santisbón

Una villa que, en su esencia, narra una historia de respeto por la naturaleza, de diseño pensado para el ser humano y de una estética que encuentra su esencia en el chukum, un material de identidad regional.

Bajo una paleta de color neutra y cálida, el diseño de Departamento Cape parte de un cuerpo central de madera que funciona como vestíbulo y distribuidor, sirviendo además como umbral o filtro entre los espacios públicos y privados.

Foto Héctor Velasco Fascio

Departamento Cape Gerardo García Studio + Arq. Verónica Peyrelongue Bosques de Santa Fe, CDMX 2025

This project involved the full renovation of a 420 m² apartment located in Bosques de Santa Fe. The intervention included the complete replacement of original finishes, along with functional and layout modifications. A comprehensive aesthetic reconfiguration of all spaces was carried out. Notably, the bathrooms and walk-in closets were crafted from natural walnut wood, while Porcelanosa’s engineered marble was used to achieve a natural appearance with the added benefit of minimal maintenance and long-term durability, ideal for spaces of this nature.

Este proyecto consiste en la remodelación integral de un departamento de 420 m², ubicado en Bosques de Santa Fe. La intervención abarcó el cambio total de los acabados originales, con algunas modificaciones funcionales y de distribución. Se llevó a cabo una reconfiguración estética de todos los espacios.

En particular, los baños y vestidores del departamento están fabricados con madera de nogal natural, y se usó mármol tecnológico de Porcelanosa para dar un aspecto completamente natural, con la ventaja de que son materiales que no requieren de un mantenimiento periódico y tienen una vida útil adecuada para este tipo de espacios. gerardogarcia.studio

Casa Entremuros MAAD Arquitecctura y Diseño/Mariano Aguirre

Playa Plataforma, Puerto Escondido, Oaxaca

2023

La idea generadora detrás de Casa Entremuros es un abanico que se abre hacia el mar con orientación al atardecer, lo que resulta en 5 ejes principales cruzados en forma radial para generar los bloques habitacionales y de áreas comunes.

La planta baja está completamente abierta, accediendo a la villa a través de un vestíbulo en donde se encuentra una lámpara entretejida de gran formato además de varias macetas con plantas locales. A través de uno de los grandes muros se puede acceder a la cocina abierta; la contrabarra de ésta es de concreto con puertas, cajones y repisas de madera de macul, también conocida como rosa morada o palo de rosa.

maad.mx

At Casa Entremuros, architecture unfolds in a fan-shaped embrace toward the Pacific, organizing spaces along five radial axes that align with the setting sun. This layout allows for a natural integration of the private and communal zones, blending built form with the surrounding landscape.

The ground floor is entirely open, welcoming guests through a vestibule illuminated by a large woven pendant lamp and punctuated by native vegetation arranged in clay pots. One of the massive concrete walls conceals the kitchen—a space that reflects the home’s raw yet refined ethos. Here, an exposed concrete back counter is softened by the warm tones of macul wood, also known as rosewood, used for the cabinetry.

Casa Entremuros offers a kitchen where simplicity and strength converge—rooted in local craftsmanship, yet open to the changing rhythms of light, air, and ocean.

Esta villa es una obra maestra del minimalismo moderno en una playa apartada al sur de Puerto Escondido. Su diseño enmarca espectaculares vistas del atardecer a través de imponentes muros de concreto que se integran a la perfección con el paisaje.

Casa Huolpoch Workshop Diseño y Construcción

Mérida, Yucatán

2021

La cocina de Casa Houlpoch es el corazón palpitante del diseño: recubrimientos en pasta y cuarzo se entrelazan con una campana reinterpretada al estilo yucateco, mientras lámparas de Axoque Studio flotan sobre bancos de tzalam. La calidez del mobiliario se combina con piezas traídas de Mozambique. Todos los elementos se combinan para crear un puente emocional entre culturas, lo que genera una atmósfera envolvente donde el pasado y el presente cocinan juntos, con identidad, intención y alma. workshop.com.mx

At Casa Huolpoch, the kitchen is the emotional core where architecture, memory, and culture intertwine.

Pasta and quartz finishes envelop the space, while a hood reinterpreted in the Yucatán style acts as a sculptural centerpiece. Suspended above tzalam benches, delicate lamps by Axoque Studio introduce a playful lightness, bridging artisanal craftsmanship and contemporary spirit.

Furniture brought from Mozambique adds another layer of warmth, infusing the kitchen with a spirit of travel and shared tradition. Every element—texture, material, light—becomes part of an immersive atmosphere where the past and present “cook together,” shaping a space defined by identity, intention, and soul.

Una residencia que enlaza tres culturas bajo el sol yucateco. Su cocina con recubrimientos en pasta y cuarzo, reinterpreta las antiguas campanas yucatecas sobre la estufa.

El diseño de esta casa celebra lo introspectivo y lo social, fusionando tradición, paisaje y bienestar sensorial. Piezas monocromáticas emergen como elementos escultóricos en algunas áreas de la residencia.

Casa ‘O’ Reyes Rosiñol Mérida, Yucatán 2023

At Casa ‘O’, architecture becomes an emotional journey. Inspired by Mayan and colonial syncretism, the residence is organized around a sacbé—a sacred white path—that culminates at a guaya tree, a living symbol of continuity encircled by water. Materials like kankab and sascab shape an atmosphere where light, shadow, and vegetation encourage stillness and reflection. Paths meander slowly, while grounded volumes respond sensitively to the urban context, ensuring that the home feels as much lived as it is heard, breathed, and sensed.

Casa ‘O’ is not merely a dwelling—it is a refuge that reconnects its inhabitants to the essentials of place, memory, and time.

Inspirada en el sincretismo maya y colonial, Casa ‘O’ se organiza en torno a un sacbé que culmina en un árbol de guaya, símbolo vital envuelto por agua. La mezcla de kankab y sascab genera atmósferas íntimas donde la luz, la sombra y la vegetación invitan a la introspección. Con recorridos pausados y volúmenes sólidos que respetan el contexto urbano, esta casa no solo se habita: se siente, se escucha, se respira. Es un refugio emocional que honra la tierra y reconecta con lo esencial.

reyesrosinol.com

Casa Suna YDR estudio

La Ribera, Baja California Sur, México 2024

En Casa Suna, la cocina trasciende su función: es vínculo entre tradición, paisaje y convivencia. Integrada al núcleo social que rodea el patio circular, conecta con fogata, comedor y terraza.

Revestida con concreto beige y madera cálida, se mimetiza con el paisaje. «Queríamos que cada espacio, incluida la cocina, formara parte del paisaje, no solo como fondo, sino como experiencia viva», explican los arquitectos.

Pasta y cuarzo evocan técnicas tradicionales reinterpretadas. Con mobiliario continuo, ventilación cruzada e iluminación regulable, la cocina es un espacio contemplativo, funcional y en sintonía con el entorno. ydrestudio.com

At Casa Suna, the kitchen transcends its traditional function to become a bridge between tradition, landscape, and social life. Integrated into the social core surrounding the circular courtyard, it connects seamlessly with the firepit, dining area, and terrace.

Clad in beige concrete and warm wood, the kitchen blends harmoniously into the landscape. «We wanted every space, including the kitchen, to become part of the landscape—not merely as a backdrop, but as a living experience,» the architects explain.

Stucco and quartz reinterpret traditional techniques, while continuous cabinetry, cross-ventilation, and adjustable lighting create a contemplative, functional space that remains in perfect harmony with its natural surroundings.

Este refugio costero en La Ribera trasciende la idea de una casa de descanso: la cocina se convierte en un santuario cotidiano que conecta con el mar, el desierto y las montañas a través del diseño y los sentidos.

/ Enfoque

Mujer & FormaInteligencia, belleza e interiorismo

presentado por Porcelanosa

Fuerza interior, tenacidad, empatía, inteligencia y belleza son parte de los motores femeninos, pero más que eso detrás de la historia personal de cada mujer existen retos, miedos, planes, ilusiones y mucho trabajo ejecutado durante noches infinitas de insomnio, tomando decisiones.

Con esa esencia y ánimo de contar historias es que este Especial de Mujer & Forma comparte la experiencia de Paola Alencaster, Anette Askenazi, Mariangel Coghlan, Renatta Chain+Lina Siman/Chain+Siman, Olga Hanono, Ana Landa, Fernanda Patiño y Sandra Wainberg/Gerbilsky Wainberg, todas ellas arquitectas/ diseñadoras, emprendedoras y empresarias.

Dirección de proyecto Greta Arcila

Entrevistas Martha Lydia Anaya

Retratos José Margaleff @josemargaleff

Paola Alencaster Anette Askenazi

Mariangel Coghlan

Chain+Lina Siman

Renatta

Olga Hanono

Fernanda Patiño

Ana Landa

Sandra Wainberg

La cofundadora de PAIR Arquitectura, Paola Alencaster, nos comparte cómo la creatividad, lo versátil y la capacidad de adaptación se han convertido en las claves de su éxito, tanto en la arquitectura como en el interiorismo. Su visión del diseño está profundamente arraigada en las personas y sus historias, crea espacios únicos que responden a sus necesidades y a la naturaleza de su personalidad.

Paola Alencaster

«Creo que las mujeres tenemos una ventaja natural para ser multitareas, y eso nos permite manejar proyectos complejos y dinámicos con éxito.»

Ubicada en Tepejí del Río, algunos kilómetros fuera de la mancha urbana de la zona metropolitana del Valle de México, Casa FA prioriza sus vistas privilegiadas hacia la presa y el campo que se extiende hasta las montañas.

Paola Alencaster, cofundadora de PAIR Arquitectura, ha logrado forjar una carrera sólida en la arquitectura y el interiorismo. Su enfoque guarda una característica fundamental: el diseño tiene que ser un reflejo genuino de la identidad de cada cliente.

Desde pequeña, Paola sintió una profunda fascinación por la estética, el diseño y la creación de espacios. A lo largo de los años, esa pasión la llevó a estudiar arquitectura en la Universidad Anáhuac, donde encontró el equilibrio perfecto entre sus intereses por el diseño de interiores y la arquitectura.

«Al principio quería estudiar diseño de interiores, pero descubrí que la arquitectura podía ser la base para especializarme en lo que realmente me apasionaba», comenta. Al llegar al séptimo semestre, decidió especializarse en proyectos arquitectónicos, pero la vida la fue llevando de vuelta al interiorismo, un campo que hoy disfruta a plenitud. «Me fascina el interiorismo, y es algo que he tenido la oportunidad de explorar a fondo, especialmente ahora en PAIR Arquitectura, donde soy la responsable de todos los proyectos de interiorismo», explica.

Para ella, la arquitectura y el interiorismo no son disciplinas separadas; más bien, se complementan. «Un buen diseño tiene que ver en cómo resuelve las necesidades de las personas que vivirán esos espacios. Cada cliente tiene su propia historia, sus propias necesidades, y el diseño debe hablar por ellos», afirma con seguridad.

Crear espacios no es simplemente una cuestión de estética, sino de adaptación y funcionalidad. Paola sostiene que cada proyecto debe tener su propia identidad y, para ello, es esencial entender a fondo las necesidades del cliente. «Nosotros, en PAIR, siempre les decimos a nuestros clientes: tú eres quien va a vivir aquí. El diseño tiene que ser para ti y que funcione para tu vida. Debes hacerte sentir cómodo, a gusto», señala.

Uno de los secretos de su éxito es su capacidad para escuchar. Paola no cree en fórmulas rígidas ni diseños estándar. Cada proyecto debe ser un reflejo auténtico de la

persona o la familia que lo habitará. Desde casas residenciales hasta proyectos comerciales, su enfoque siempre es el mismo: crear espacios que resuelvan las necesidades prácticas y emocionales de los usuarios, y hacerlo de una forma que los sorprenda y enamore.

Versatilidad femenina en el diseño

Además de ser arquitecta, Paola es una emprendedora exitosa. Como muchas mujeres en su campo, ha tenido que navegar por los retos que trae consigo el ser mujer en una profesión que históricamente ha estado dominada por hombres. Sin embargo, ha logrado sortear esos obstáculos con una mezcla de profesionalismo, inteligencia emocional y gran capacidad para delegar. «Creo que las mujeres tenemos una ventaja natural para ser multitareas, y eso nos permite manejar proyectos complejos y dinámicos con éxito».

Aunque no es madre, Paola observa con admiración a muchas de sus colegas que logran equilibrar su vida personal y profesional con una energía admirable. «Las mujeres tenemos una gran capacidad de organización y flexibilidad, y eso se refleja en nuestra forma de liderar equipos y llevar proyectos. Lo importante es saber delegar y confiar en tu equipo», dice.

Paola también habla del desafío de hacer que el interiorismo sea un negocio rentable, algo que ha logrado con creces en PAIR Arquitectura. «Nosotros trabajamos con proyectos de distintos presupuestos, y siempre buscamos que el diseño sea accesible, no solo para los que tienen grandes presupuestos, sino también para aquellos con recursos limitados. El diseño tiene que ser para todos», dice Paola, al destacar la importancia de la creatividad para adaptarse a cada situación.

La calidad es una de las piedras angulares en el enfoque de Paola hacia el diseño,

/ Enfoque

«Lo que más disfruto es darle nueva vida a espacios existentes. Es un reto encontrar la forma de mantener la esencia original del proyecto, pero dándole una nueva personalidad.» –Paola Alencaster, co-fundadora de PAIR Arquitectura.

Casa FA se caracteriza por largas líneas de techo que recuerdan el estilo de la Pradera, pero se ven interrumpidas por un gran núcleo de concreto del tono de la tierra, lo que da carácter y contexto a la composición.

y una de las marcas con las que más disfruta trabajar es Porcelanosa. «Hemos trabajado con ellos en varios proyectos y sus productos siempre son una garantía de calidad. El revestimiento cerámico Bottega Caliza es uno de mis favoritos, y las griferías en acabado titanio se están convirtiendo en un must en nuestros proyectos», dice Paola, quien valora la innovación y la durabilidad de los materiales de esta marca.

Además de los proyectos de lujo que realiza, Paola tiene una especial inclinación por las remodelaciones. «Lo que más disfruto es darles nueva vida a espacios existentes. Es un reto encontrar la forma de mantener la esencia original del proyecto, pero dándole una nueva personalidad», explica. En su propia vida, Paola vivió este reto cuando trabajó en la casa de sus padres. «Mi papá es ingeniero civil, y trabajar con él fue una experiencia increíble. Fue la oportunidad de compartir nuestras perspectivas y de crear algo único que reflejara lo mejor de lo que ambos sabíamos hacer».

Lecciones para los jóvenes

Con una carrera consolidada, Paola está comprometida con la mentoría hacia las nuevas generaciones de arquitectas e interioristas. «Hoy en día, hay muchas mujeres que están destacando en el diseño, y eso me hace sentir muy orgullosa. Mi consejo es que no se detengan ante los obstáculos, que sigan adelante, porque siempre habrá dificultades, pero lo importante es no rendirse». «En PAIR siempre les decimos a nuestros colaboradores que sean ingeniosos para resolver los problemas. Es esa chispa de creatividad y perseverancia la que nos hace superar cualquier obstáculo».

Su trabajo es una muestra del poder del diseño para transformar vidas y cómo, a través de la arquitectura, podemos construir un mundo más funcional y bello. Empatía y versatilidad son el legado que ella está dejando a las futuras generaciones de arquitectos e interioristas.

pairarquitectura.com

La paleta de color de Casa GC busca crear espacios acogedores a través de las maderas de encino, los muros ostión y las piedras en colores neutros. Con la idea de preservar el carácter de los materiales, las piedras fueron instaladas con acabados naturales.

Foto Jaime Navarro

09 / Enfoque

Situado en el corazón de Polanco, en CDMX, Departamento FC se erige como un testimonio del arte de la refinación sutil.

Fotos Mariana Achach

Designing Spaces, Creating Relationships

Paola Alencaster, co-founder of PAIR Arquitectura, has built a solid career in architecture and interior design. Her approach centers on one key principle: design must be a genuine reflection of each client’s identity.

From a young age, Paola felt a deep fascination with aesthetics, design, and the creation of spaces. Over time, that passion led her to study architecture at Universidad Anáhuac, where she found the perfect balance between her interests in interior design and architecture.

“At first, I wanted to study interior design, but I realized that architecture could be the foundation for specializing in what I was truly passionate about,” she shares. By her seventh semester, she chose to specialize in architectural projects—but life eventually led her back to interiors, a field she now enjoys to the fullest. “I love interior design, and I’ve had the opportunity to explore it in depth, especially now at PAIR Arquitectura, where I’m in charge of all interior projects,” she explains.

For Paola, architecture and interior design aren’t separate disciplines—they complement one another. “Good design is about how it meets the needs of the people who will live in those spaces. Every client has their own story and needs, and the design should speak on their behalf,” she says with conviction.

Creating spaces, she insists, is not just about aesthetics, but also about adaptation and functionality. Paola believes every project must have its own identity, and that requires truly understanding the client. “At PAIR, we always tell our clients: you’re the one living here. The design has to work for you and your life. It should make you feel comfortable and at ease,” she points out.

One of her greatest strengths is her ability to listen. Paola doesn’t believe in rigid formulas or one-size-fits-all designs. Each project must be an authentic reflection of the person or family who will live in it. From private residences to commercial projects, her approach is always the same: to create spaces that meet both the practical and emotional needs of users—and do so in a way that surprises and delights them.

Feminine Versatility in Design

In addition to being an architect, Paola is a successful entrepreneur. Like many women

in her field, she has had to navigate the challenges of working in a profession historically dominated by men. Still, she has overcome those obstacles with a blend of professionalism, emotional intelligence, and a strong ability to delegate. “I think women have a natural advantage when it comes to multitasking, and that allows us to successfully manage complex and dynamic projects.”

Although she’s not a mother, Paola admires many of her colleagues who skillfully balance their personal and professional lives. “Women have great organizational skills and flexibility, and that shows in how we lead teams and manage projects. The key is knowing how to delegate and trusting your team,” she says.

Paola also addresses the challenge of making interior design a profitable business— something she has achieved successfully at PAIR Arquitectura. “We work on projects with a wide range of budgets, and we always strive to make design accessible—not only for those with large budgets but also for clients with more limited resources. Design should be for everyone,” she emphasizes, highlighting the importance of creativity in adapting to each situation.

Quality is a cornerstone of Paola’s design philosophy, and one of her favorite brands to work with is Porcelanosa. “We’ve collaborated with them on several projects, and their products are always a guarantee of quality. The Bottega Caliza ceramic tile is one of my favorites, and their titanium-finish faucets are becoming a must in our projects,” says Paola, who values the brand’s innovation and durability.

In addition to her luxury work, Paola has a special passion for renovations. “What I enjoy most is giving new life to existing spaces. The challenge is preserving the original essence while giving it a new personality,” she explains. She lived this challenge firsthand when working on her parents’ home. “My dad is a civil engineer, and working with him was an incredible experience. It was a chance to share our perspectives and create something unique that reflected the best of what we both do.”

With a well-established career, Paola is committed to mentoring the next generation of women architects and interior designers.

“There are so many women excelling in design today, and that makes me very proud. My advice is to not let obstacles stop you— keep going. There will always be difficulties, but what matters is not giving up.”

One of the core values Paola promotes within her team is the ability to be resourceful. “At PAIR, we always tell our team to be inventive—to find creative ways to solve problems. It’s that spark of creativity and perseverance that allows us to overcome any challenge.”

Paola Alencaster’s work is a powerful example of how design can transform lives— and how, through architecture, we can build a more functional and beautiful world. The essence of her work, grounded in empathy and versatility, is the legacy she’s leaving for future generations of architects and designers.

Portrait José Margaleff

Lessons for the Next Generation

Cuando era niña, Anette Askenazi descubrió en el arte y el diseño un refugio y una inspiración. Hoy, como fundadora de ASHŌ, transforma espacios con una sensibilidad única que fusiona estética, funcionalidad y alma. Esta es la historia de una arquitecta que construye mucho más que lugares: construye experiencias.

Anette Askenazi

«Zumthor habla de la importancia de la luz, de la esencia de los materiales. De crear espacios para ser sentidos. Eso resuena mucho conmigo.»

Desde niña, Anette Askenazi fue una observadora silenciosa; una mente curiosa que absorbía el arte y la belleza que la rodeaban. Su mundo estaba lleno de sensibilidad: su abuelo materno era escultor y su abuela, pianista. En ese ambiente artístico floreció su amor por el diseño. Anette es arquitecta egresada de la Universidad Anáhuac del Norte y hoy, es fundadora de ASHŌ, un estudio que fusiona arquitectura e interiorismo con una visión integral.

ASHŌ se especializa en proyectos residenciales y comerciales bajo un enfoque «llave en mano»: desde la conceptualización, el desarrollo y ejecución de obra, hasta la parte inmobiliaria y decorativa. «Me entrego completamente a cada uno de nuestros proyectos», cuenta Anette. Su perfeccionismo creativo y su profundo compromiso con los detalles se sienten en cada espacio que diseña. Sin embargo, más allá de lo estético, su objetivo es captar la esencia de sus clientes y traducirla en lugares habitables, funcionales y profundamente personales.

El viaje interior de emprender

Emprender no ha sido fácil. Anette describe su camino como uno lleno de retos, de altas y bajas, de disciplina y resiliencia; pero también, como una aventura que ha valido cada esfuerzo. «Lo importante es no quitar el dedo del renglón», dice con firmeza. Cree que hacer lo que uno ama es la fórmula secreta para alcanzar plenitud y paz. Su historia es testimonio de una mujer que ha hecho de su vocación un proyecto de vida. Como mujer en un sector históricamente dominado por hombres, reconoce que aún existen retos, no obstante, hay avances significativos. «Cada vez hay menos brecha de género», afirma. Y aunque queda camino por recorrer, cree con firmeza en el poder de la comunidad femenina. «Tenemos que apoyarnos entre mujeres, valorarnos, ayudarnos y crear redes de mucho apoyo».

A las jóvenes arquitectas y diseñadoras les deja un consejo sencillo pero poderoso: hacer lo que aman, incluso si da miedo.

«Siempre habrá dificultades, pero lo importante es seguir creyendo en una misma».

Uno de los mayores retos de su carrera ha sido su participación en Design House durante dos años consecutivos. Fue ahí donde tuvo un acercamiento profundo con los productos de Porcelanosa. «La diversidad de materiales que ofrecen es impresionante», explica. Recientemente incorporó porcelánico en cocinas y baños de un proyecto, logrando atmósferas que combinan frescura, lujo y funcionalidad. Para ella, el porcelánico es un material que ofrece infinitas posibilidades: texturas, durabilidad, calidad y una estética versátil que eleva los espacios.

Detrás de su exigente labor profesional, hay una mujer sensible que encuentra calma en la música clásica, especialmente cuando está bajo presión. También estudió fotografía de arquitectura, una pasión que cultiva con admiración por figuras como Julius Shulman. Le fascina cómo sus imágenes no solo capturan la forma, sino además el estilo de vida de una época.

Entre sus libros favoritos está Pensar la arquitectura, de Peter Zumthor. De hecho, visitó uno de sus proyectos, las Termas de Vals, y esa experiencia la marcó profundamente. «Zumthor habla de la importancia de la luz, de la esencia de los materiales. De crear espacios para ser sentidos. Eso resuena mucho conmigo», confiesa.

Hay un objeto que Anette lleva siempre consigo: un anillo con las iniciales de su padre, quien falleció hace siete años. Lo encontró entre sus pertenencias y, desde entonces, se ha convertido en un recordatorio poderoso. «Representa muchas cosas que él me enseñó, pero, sobre todo, me recuerda lo incierta que es la vida. Me hace recordar que venimos a esta vida a disfrutar, a gozar y a hacer lo que nos apasiona».

Así es Anette: una mujer que diseña con el alma, que se entrega a cada proyecto con emoción y propósito, que transforma espacios y toca vidas. Una arquitecta que da forma a muros y también a historias.

asho.mx

En el interior de una antigua casona ubicada en el barrio de Polanco en la CDMX, Olivine rinde homenaje a la belleza femenina con elementos a través de líneas curvas y fluidas.

09 / Enfoque

El perfeccionismo creativo de Anette y su compromiso por los detalles se sienten en cada espacio que diseña.

El condominio Be Grand en un complejo residencial de lujo en la Ciudad de México usa una mezcla de mobiliario contemporáneo y mid century.

09 / Enfoque

«Tenemos que apoyarnos entre mujeres, valorarnos, ayudarnos y crear redes de mucho apoyo».

Materiales y texturas en Privalta crean una estética sofisticada y cálida, además de contraste visual conforme una paleta de colores sobrios y neutros.

El interiorismo de SLS se guía confore una paleta de materiales y de color de tonos cálidos y de tonos simples que comparten elegancia y belleza estética.

Designing with Heart and Soul

As a child, Anette Askenazi found in art and design both a refuge and a source of inspiration. Today, as the founder of ASHŌ, she transforms spaces with a unique sensitivity that fuses aesthetics, functionality, and soul. This is the story of an architect who builds much more than places—she creates experiences.

Since childhood, Anette Askenazi has been a quiet observer—a curious mind absorbing the art and beauty around her. Raised in an artistic environment—her grandfather was a sculptor, her grandmother a pianist— her love for design blossomed early. Anette graduated in Architecture from Universidad Anáhuac del Norte and is the founder of ASHŌ, a studio merging architecture and interior design through a holistic approach.

ASHŌ specializes in residential and commercial projects with a “turnkey” model: from concept and construction to real estate and décor. “I give myself completely to every project,” Anette says. Her perfectionism and commitment to detail are evident in every space she creates. Beyond aesthetics, her goal is to capture her clients’ essence, translating it into functional, deeply personal environments.

The Inner Journey of Entrepreneurship

Starting a business has been a journey of challenges, discipline, and resilience—but also one filled with meaning. “The important thing is to stay the course,” she asserts. Doing what you love, she believes, is the key to fulfillment. Her story reflects a woman who made her calling her life’s project.

In a traditionally male-dominated field, she acknowledges progress while recognizing ongoing challenges. “The gender gap is narrowing,” she notes. She believes strongly in female solidarity: “We must support, value, and uplift each other.”

To young architects and designers, her advice is simple but powerful: do what you love—even if it’s scary. “Difficulties will arise, but believing in yourself is what matters most.”

One milestone in her career was participating in Design House for two consecutive years, where she deepened her appreciation for Porcelanosa’s materials. “Their variety is impressive,” she says. She recently incorporated porcelain tiles in kitchens and bathrooms, achieving atmospheres of freshness, luxury, and functionality. She sees porcelain as a material full of potential: durable, textured, versatile, and of superior quality.

Behind her professional rigor is a sensitive woman who finds calm in classical music—especially during stressful times. She also studied architectural photography, inspired by Julius Shulman, whose images capture not just structures, but the spirit of an era.

Among her favorite books is Thinking Architecture by Peter Zumthor. Visiting Zumthor’s Therme Vals was a transformative experience for her. “Zumthor speaks about light, the essence of materials, and spaces meant to be felt. That deeply resonates with me,” she shares.

One object Anette always carries is a ring engraved with her late father’s initials. It serves as a reminder of his teachings and of life’s fleeting nature. “It reminds me to enjoy life and pursue what I’m passionate about.”

That is Anette: a woman who designs with soul, emotion, and purpose. An architect who shapes not just spaces, but stories too.

Portrait José Margaleff

Arquitecta, diseñadora y empresaria, Mariangel Coghlan ha hecho del interiorismo una forma de transformar vidas. A lo largo de más de 25 años de trayectoria, ha construido una firma reconocida por su sensibilidad, enfoque humano y su pasión por la belleza con propósito. Esta es la historia de una mujer que diseña espacios y también emociones.

Mariangel Coghlan

«Creo enormemente que la belleza puede cambiar vidas. Como dice Dostoyevski: ‘la belleza salvará al mundo’. Y yo lo creo.»

Arquitecta de formación, diseñadora de vocación y empresaria por convicción, Mariangel Coghlan es una de las voces más reconocidas del interiorismo en México. Al frente de su firma Mariangel Coghlan, ha dedicado más de 25 años a transformar espacios con una visión profundamente humana y estética. Optimista, apasionada del color, la luz y los detalles, ha construido un camino profesional guiado por una idea poderosa: la belleza puede cambiar vidas.

Desde niña sintió una atracción especial por lo estético. Creció en un fraccionamiento diseñado por Luis Barragán, donde los juegos infantiles se mezclaban con la arquitectura. Recuerda con claridad la Fuente de los Amantes y la Cuadra San Cristóbal, así como el momento en que su padre le leyó el discurso de Barragán al recibir el Premio Pritzker, en el que el arquitecto hablaba del color y la magia de los espacios. Aquellas palabras quedaron grabadas en su memoria.

Ese amor por el entorno se convirtió en un hábito. Miraba planos, analizaba la distribución de su casa y soñaba con transformar los espacios antiestéticos que veía desde la ventana del coche en algo bello, casi como con una varita mágica. Cuando le regalaron una casa de muñecas, no se interesó en jugar con las muñecas, sino en decorar la casita. Ahí confirmó que su pasión estaba en diseñar lugares que hicieran sentir bien a las personas. Su madre, en un gesto que marcó su destino, le preguntó qué quería hacer el resto de su vida. La respuesta fue clara: transformar espacios para hacerlos más bellos y humanos.

«Creo firmemente que la belleza puede cambiar vidas», dice con plena convicción. «Como decía Dostoyevski: ‘La belleza salvará al mundo’. Y yo lo creo».

Esa vocación se convirtió en proyecto de vida. Fundó su propio despacho en 1997 y desde entonces ha construido una trayectoria sólida, premiada y admirada. La Sociedad Mexicana de Interioristas le otorgó la Cruz de Tolsá; The New York City Journal la nombró una de las «20 diseñadoras de interiores a seguir». Ha publicado tres libros La vida que mereces, La belleza está en todas partes y Diseñar con propósito— y recientemente lanzó Espacios de México, una serie en YouTube para difundir la riqueza del diseño nacional.

Aunque el camino no ha estado libre de retos, Mariangel celebra haber nacido en una época en la cual las mujeres pueden elegir su rumbo profesional. Reconoce que muchas puertas se han abierto gracias al trabajo de generaciones anteriores y que aún queda camino por recorrer, sobre todo en sectores históricamente dominados por hombres. Pero también confía en la fuerza del liderazgo femenino, no como una competencia, sino como una visión complementaria que enriquece el trabajo en equipo.

En su estudio, la colaboración es clave. Cada proyecto involucra a decenas de personas que aportan talento, ideas y soluciones. Y aunque muchas veces en obra hay más hombres, lo que marca la diferencia es el respeto mutuo y la disposición para construir algo juntos.

Para la remodelación de esta villa en Acapulco se hizo una propuesta integradora en donde la madera juega un papel importante en el interiorismo.

La paleta cromática y de acabados de Torremar partió de la naturaleza y del entorno en donde se ubica.

La armonía como filosofía de vida y trabajo

Para Mariangel, diseñar no es solo una profesión: es un acto de amor. En cada proyecto busca generar un impacto positivo, crear armonía y embellecer los espacios con un sentido profundo de propósito.

Se considera una emprendedora por accidente, pues fundó su firma no desde una visión de negocios, sino por el profundo deseo de transformar espacios y mejorar la vida de las personas que los habitan. «Jamás me ha movido la economía. En cada proyecto me mueve la posibilidad estética de hacer algo hermoso», confiesa. Y, paradójicamente, esa vocación tan auténtica ha sido clave para su éxito empresarial. Cree con firmeza que cuando se trabaja con pasión, compromiso y profesionalismo, el reconocimiento —también el económico— llega por añadidura.

Para ella, la clave está en valorar el trabajo creativo y aprender a pedir una retribución justa por él, sin perder de vista que el verdadero premio está en la conexión con el cliente. «Cuando hago una entrega y los clientes te abrazan y se les salen las lágrimas… Para mí, ese es el mayor valor de todo.»

Su filosofía de diseño se ancla en la armonía: un concepto que trasciende lo estético y se refleja también en su forma de vivir. Mariangel no cree en el equilibrio perfecto entre vida personal y profesional, sino en la atención plena. «Intento vivir en armonía. Si estoy con un cliente, me meto al 100% con el cliente. Si estoy con mis hijos, intento estar al 100% con ellos. No siempre es fácil, pero trato de vivir el aquí y el ahora», explica. Ella, como muchas mujeres, ha enfrentado la presión de querer hacerlo todo bien, pero con el tiempo ha sabido soltar la idea de la perfección. «Lo que he aprendido es que se vale equivocarse. De hecho, necesitas equivocarte para avanzar.»

Madre de cuatro hijos —dos niñas y dos niños—, habla con orgullo del vínculo que mantiene con cada uno de ellos. Con sus hijas, incluso, tiene un «reto de lectura» mensual: apuntan cuántos libros lee cada una y comparten lo que aprenden. Su hogar es un reflejo de su mundo interior: una sala-biblioteca llena de libros y música, donde el diseño convive con la vida cotidiana.

Está felizmente casada desde hace 26 años y reconoce que su relación de pareja ha sido un pilar fundamental en su camino personal y profesional. «Seguimos siendo cómplices, amigos, confidentes», dice con una sonrisa. Su esposo es músico, así que su vida ha estado siempre rodeada de notas y conciertos. De hecho, cuando escribe, lo hace escuchando música clásica, en especial a Bach; su favorita: la Suite para chelo No. 1.

Además de leer —es fan de Marian Rojas y libros de desarrollo personal—, le apasiona viajar, tomar fotografías y disfrutar de una buena comida en un lugar bien diseñado. Tiene una obsesión por capturar la belleza: su celular guarda más de 300 mil fotos y, su nube, más de un millón. Para ella, cada imagen es una forma de observar el mundo con atención, de entrenar el ojo y el alma para seguir creando con propósito.

Viajar, dice, es una inversión en su actualización profesional. Conocer nuevos lugares, explorar museos, asistir a conciertos y descubrir cómo se vive el diseño en distintas culturas es parte de su constante búsqueda por crecer y evolucionar. «Todo esto te enriquece para hacer un mejor trabajo profesional.»

Mariangel es una mujer que diseña espacios, sí, pero también diseña relaciones, momentos y emociones. Su trabajo está hecho de formas, colores y texturas, así como de humanidad, empatía y presencia. Porque para ella, transformar un espacio es, en el fondo, una forma de transformar la vida de quien lo habita.

mcoghlan.mx

Rancho San Francisco se transformó en un lugar mágico, pero sobre todo entrañable por sus espacios amplios e iluminados.

Esta exclusiva suite en Miami se desarrolló bajo un concepto de diseño contemporáneo en donde las vistas al exterior formaron parte del entorno; predominan tonalidades neutras en grises con algunos acentos en verde que dan calidez al espacio y que, en contraste con el azul de las vistas, generan una atmósfera fresca.

La filosofía de diseño de Coghlan se ancla en la armonía y el sentido profundo de dar propósito a los espacios. Para ella, ese es el impacto positivo de su quehacer creativo.

Design with Purpose

Architect, designer, and entrepreneur, Mariangel Coghlan has made interior design a way to transform lives. Throughout more than 25 years of experience, she has built a firm recognized for its sensitivity, human-centered approach, and passion for purposeful beauty. This is the story of a woman who designs not only spaces, but also emotions.

An architect by training, designer by vocation, and entrepreneur by conviction, Mariangel Coghlan is one of the most recognized voices in interior design in Mexico. Leading her firm, she has spent over 25 years transforming spaces with a deeply human and aesthetic vision. An optimist passionate about color, light, and detail, she believes in a powerful idea: beauty can change lives.

Growing up in a development designed by Luis Barragán, where childhood games blended with architecture, she discovered an early love for the built environment. She vividly recalls Barragán’s Pritzker acceptance speech and the magical impact of spaces, memories that deeply influenced her vocation. As a child, she preferred decorating her dollhouse over playing with dolls, confirming her passion for creating places that evoke well-being.

This calling became her life’s project. In 1997, she founded her firm and built a solid, award-winning career. The Mexican Society of Interior Designers honored her with the Cruz de Tolsá, and The New York City Journal named her among the “Top 20 Interior Designers to Follow.” She has authored three books and recently launched Espacios de México, a YouTube series celebrating Mexican design.

Although her journey hasn’t been without challenges, Mariangel is grateful to live in an era where women can choose their paths. She acknowledges the progress made by previous generations and strongly believes in the complementary strength of female leadership.

In her studio, collaboration is essential: each project involves teams contributing ideas and talent. Even in male-dominated construction environments, she believes mutual respect and teamwork make the difference.

Harmony as a Life and Work Philosophy

For Mariangel, design is an act of love. Every project aims to create a positive impact, foster harmony, and enhance lives with purpose. She considers herself an “accidental entrepreneur,” having founded her firm driven by passion, not business ambition. “Economics has never moved me. The aesthetic possibility of creating something beautiful is what drives me,” she confesses. Ironically, that authenticity has fueled her success, affirming her belief that passion and professionalism bring recognition naturally.

For her, valuing creative work and seeking fair compensation is crucial, but the real reward lies in connecting with clients. “When they embrace you with tears of joy— that’s the greatest value,” she says.

Her philosophy is rooted in harmony, not perfection. She strives for full presence: 100% with her clients, 100% with her children. Mistakes, she believes, are necessary for growth.

A mother of four, she shares a “reading challenge” with her daughters and lives surrounded by books, music, and daily design. Married for 26 years to a musician, she finds inspiration in classical music—especially Bach’s Cello Suite No. 1—when writing. Besides reading and traveling, she has an obsession with capturing beauty, with hundreds of thousands of photos stored as a way to observe the world attentively and creatively. Traveling, she says, is key to her professional evolution: museums, concerts, and cultural experiences enrich her work. Mariangel designs spaces, but also designs relationships, moments, and emotions. For her, transforming a space ultimately transforms lives.

Portrait José Margaleff

Chain + Siman

Dos mujeres, una visión compartida y una pasión por el diseño que trasciende estilos y tendencias. Renatta Chain y Lina Siman no solo transforman espacios; crean experiencias con alma, sensibilidad y carácter.

«Nos educaron para trabajar, para superarnos a nosotras mismas y para no depender de una pareja. Una vez que notan nuestro compromiso, todo cambia.»

En el universo del diseño hay encuentros que marcan un antes y un después. Así es la historia de Renatta Chain y Lina Siman, dos mujeres apasionadas, creativas y decididas, que juntas han construido una firma que no solo diseña espacios; crea experiencias. CHAIN + SIMAN es una empresa de arquitectura e interiorismo con sede en la Ciudad de México, así mismo, conforma una fusión de trayectorias, sensibilidades y sueños que se traducen en proyectos únicos.

Para Renatta, la estética ha sido parte de su vida desde siempre. Nieta de la reconocida escultora Charlotte Yazbek, creció rodeada de arte, formas y texturas que poco a poco fueron perfilando su sensibilidad. Aunque estudió diseño gráfico, el destino la llevó primero a probar suerte en el cine y, finalmente, a enamorarse del diseño de interiores y la arquitectura, con un enfoque intuitivo y profundamente humano.

«Desde muy chiquita estoy rodeada de temas artísticos, gráficos, manualidades... Siempre me gustó la parte estética», recuerda Renatta. Su carrera profesional comenzó en Miami, Florida, en proyectos residenciales que le abrieron las puertas a una visión internacional. En 2003 fundó su propio despacho, RCH, enfocado en hospitalidad y residencias.

El giro definitivo llegó en 2013, cuando Lina Siman se sumó al equipo. Lina, arquitecta egresada de la Universidad Iberoamericana, encontró en el diseño interior su verdadera vocación. «Desde que empecé a trabajar con Renatta, supe que era lo mío», comparte. En 2016, la sinergia entre ambas las llevó a convertirse en socias y formar CHAIN + SIMAN, una firma que hoy lidera proyectos residenciales, hoteleros y corporativos con un sello distintivo: equilibrio entre funcionalidad, belleza y emoción.

Una mirada femenina al diseño

Aunque en sus trayectorias han enfrentado los desafíos propios de ser mujeres en un mundo históricamente dominado por hombres, ambas han transformado esos retos en oportunidades. «Nunca sentí que ser mujer fuera un impedimento; al contrario, creo que te abre muchas puertas», afirma Renatta. En su equipo, más del 60% son mujeres, y el ambiente laboral refleja esta visión de inclusión y colaboración.

Para Lina, el trabajo ha sido una herramienta de empoderamiento desde siempre. «A mí me educaron para trabajar, para ser fregona, para superarme a mí misma y no depender de una pareja. Y aunque al principio algunos clientes dudan por ser mujer o por verme joven, una vez que ven mi compromiso y capacidad, todo cambia».

Una anécdota recurrente refleja esa percepción: «Cuando llegamos a una reunión de trabajo, piensan que Renatta es mi mamá; pero no, soy su socia, y me he ganado mi lugar aquí», comenta Lina.

El Ocojal respeta la naturaleza sin tocar el terreno natural. Las casas están totalmente voladas como si fuera ‘una casa en el árbol’, lo que logra una integración al bosque y a la fauna del mismo.

El alma detrás de los espacios

Uno de los proyectos más emblemáticos de Renatta y Lina es la remodelación del Hotel Avándaro, en Valle de Bravo. Un desafío arquitectónico que implicó dialogar con la historia del lugar —diseñado en 1958 por Francisco Artigas y renovado en los 90 por Arnold ‘Noldi’ Schreck— y, al mismo tiempo, darle nueva vida con materiales, iluminación y paisajismo contemporáneos.

«Fue uno de los proyectos más retadores que hemos hecho. Teníamos que respetar lo que ya existía, sin tirar todo a la basura; encontrar un balance», explica Renatta. Además, el proyecto tenía una dimensión personal: ella y sus hermanas son las dueñas del hotel. «Había muchas opiniones, muchas sensibilidades. Fue un reto, pero también una oportunidad hermosa de crear algo que nos enorgullece y nos llena de satisfacción».

Lina, por su parte, fue clave en la selección de mobiliario, textiles y detalles interiores. «Tenía que gustarles a todas las mujeres de la familia», dice sonriendo. «Fue una lección de sensibilidad y de escuchar una a una, todas las opiniones».

En sus proyectos, materiales como los porcelánicos de Porcelanosa han sido esenciales. «Los usamos mucho en baños, en regaderas… Y lo que están haciendo ahora con cubiertas, con formatos grandes y texturas mates, es espectacular. Es una tendencia que va perfecto con las casas de campo que estamos diseñando últimamente», comenta Renatta.

La Casa de al Lado se abre al paisaje a través de grandes ventanalaes y una paleta cálida de materiales naturales, como piedra en los muros y madera expuesta en la arquitectura.

Para Renatta Chain la estética ha sido parte de su vida desde siempre. Nieta de la reconocida escultora Charlotte Yazbek creció rodeada de arte, formas y texturas.

Un equipo que multiplica

En CHAIN + SIMAN, el trabajo en equipo es una prioridad. Renatta y Lina cuentan con un equipo de 25 arquitectos que aportan creatividad y rigor a cada proyecto. La dinámica entre ambas socias es clara y complementaria: Renatta lidera la parte arquitectónica y el primer acercamiento con los clientes; Lina toma la batuta en el diseño de interiores, desde la selección de muebles hasta los más mínimos detalles. «Nos vemos casi todos los días en la oficina y, cuando no, estamos en obra, supervisando o tomando medidas. Es un despacho muy activo», señala Lina.

Ambas mujeres comparten una vida plena fuera de la oficina. Renatta es madre de tres jóvenes exitosos y amante de los deportes: juega golf, pádel, esquía en agua, monta a caballo. «Todos mis tiempos libres los dedico a hacer deporte o a viajar. Viajar me ha dado muchas de las ideas que aplico hoy en día en mis diseños».

Lina también encuentra inspiración en los pequeños placeres: la música, la literatura, los objetos con historia. Siempre lleva consigo su estuche de plumas, lápices de colores y todo tipo de útiles de trabajo por si necesita corregir un plano o una buena idea se le cruza en el camino. Ambas coinciden en algo fundamental: el diseño no se trata únicamente de estética, sino de crear espacios que hagan sentir a las personas en casa.

Con Renatta y Lina al frente, CHAIN + SIMAN es el resultado de dos trayectorias que se cruzaron para crear algo mayor. Es la prueba de que la sensibilidad, la creatividad y la determinación pueden transformar el mundo, un espacio a la vez.

chainsiman.com

A través del uso de madera y piedra, Gran Reserva se integra al entorno boscoso de Rancho Avándaro, creando un ambiente que respira calma y conexión con el paisaje.

La Casa de al Lado se inspira en la antiguas haciendas mexicanas, pero con toque moderno gracias a su mobiliario en tonos neutros y verdes. Grandes ventanales maximizan la entrada de luz natural y conectan interior con exterior.

Foto Rafael Gamo

Designing Spaces, Creating Experiences

Two women, one shared vision, and a passion for design that transcends styles and trends. Renatta Chain and Lina Siman do not simply transform spaces; they craft experiences with soul, sensitivity, and character.

In the world of design, some encounters change everything. Such is the story of Renatta Chain and Lina Siman, two passionate, creative women who built CHAIN + SIMAN— an architecture and interior design firm based in Mexico City that turns spaces into experiences.

For Renatta, aesthetics have always been part of life. Granddaughter of sculptor Charlotte Yazbek, she grew up surrounded by art and textures. After studying graphic design and briefly exploring film, she fell in love with interior design and architecture. Her career began with residential projects in Miami, eventually leading to her own firm, RCH, in 2003, specializing in hospitality and residential work.

Everything changed in 2013 when Lina, a Universidad Iberoamericana graduate, joined her team. ‘From the moment I started working with Renatta, I knew this was it,’ Lina says. Their partnership became official in 2016, marking the birth of CHAIN + SIMAN—a firm defined by balance between functionality, beauty, and emotion.

A Feminine Vision in Design

Both partners acknowledge that being women in a historically male-dominated world shaped their journey. ‘I never felt being a woman was an obstacle; I think it opened doors,’ says Renatta. Over 60% of their team is women, reflecting an inclusive and collaborative culture.

For Lina, work is empowerment: ‘I was raised to be strong, to overcome challenges. Sometimes clients doubted me, but commitment and professionalism erased that quickly.’

A favorite anecdote: ‘When we arrive at meetings, people think Renatta is my mom— but no, we are partners,’ Lina laughs.

The Soul Behind Their Projects

Among their signature works is the renovation of Hotel Avándaro in Valle de Bravo—a sensitive balance between history and modernity. Designed in 1958 by Francisco Artigas and renovated in the 90s by Arnold Schreck, the hotel was given new life through updated materials, lighting, and landscaping. It was a deeply personal project, as Renatta and her sisters own the hotel. In their designs, materials like Porcelanosa porcelain have been key, particularly for bathrooms and countertops in their country house projects.

A Dynamic Team

CHAIN + SIMAN today includes 25 architects contributing creativity and rigor. Renatta leads client relations and the architectural side; Lina focuses on interior design, from furniture to the smallest detail. ‘It’s a very active, hands-on office,’ says Lina.

Outside of work, Renatta is a sports enthusiast and avid traveler, drawing inspiration from global experiences. Lina treasures simple pleasures: music, literature, and sketching with her ever-present pencils.

Together, Renatta and Lina prove that sensitivity, creativity, and determination can transform the world—one space at a time.

Portrait

Producción visual: Mauricio J. Flores @miquerreque

Redacción y cuidado de edición: Claudia Cerezo + Silvia Sánchez

Locación: Showroom Porcelanosa Valle Dorado @porcelanosa

Mobiliario: Christian Vivanco + Balsa @chris_vivanco @balsa_mx y Breuer Signature @breuer.signature / Diseño de Arturo Verástegui para Breuer

Joyería: Iker Ortiz @ik_iker @ik_joyeros y Romo Herrera @romoherrera_mx

Maquillaje y estilismo: Dannyel Kovoz @dannyelkovoz

Taller de tufting: Arenera Espacio Creativo @arenera.espacio.creativo

Su historia comenzó lejos del diseño, pero una conexión profunda con la creatividad la llevó a transformar espacios en experiencias sensoriales. Hoy, Olga Hanono celebra 25 años de trayectoria marcados por emoción, intuición y arte.

Olga Hanono

«Cuando me dí cuenta ya estaba diseñando espacios, haciendo arte. Comprendí que no puedo negar que esto es lo que soy.»

Olga Hanono no planeó convertirse en diseñadora. Tampoco heredó una tradición familiar ni estudió desde joven esta disciplina. Su camino fue distinto. Encontró su vocación en un momento más maduro de la vida, cuando ya había explorado otras facetas personales; no obstante, cuando esa vocación apareció, lo hizo con una fuerza tan clara, tan luminosa, que transformó su destino para siempre. «Conecté con esta energía creativa que siempre he tenido en mí, pero de una forma expansiva», recuerda. Ese encuentro la llevó a fundar OH Studio en el año 2000, con la intención de explorar el diseño desde un lugar más artístico, emocional y libre. Lo que comenzó como una búsqueda personal se convirtió en una trayectoria profesional de 25 años, construida con intuición, pasión y un estilo propio que ha dejado huella en el diseño contemporáneo.

Conectando lo emocional con lo estético

Para Olga, diseñar no es un trabajo, es una forma de ser. Una manera de habitar el mundo. «No hay una división entre mi vida personal y mi vida profesional. Soy una persona totalmente transparente. No podría ser una en mi vida personal y otra en mi vida profesional o artística», afirma. Esa coherencia entre su interior y su obra es la base de su autenticidad: cada proyecto refleja lo que ella es, lo que siente, lo que vive.

A lo largo de estos años, Olga ha construido una estética que desafía las convenciones. «Me considero una diseñadora que rompe paradigmas; disruptiva», dice. No le interesa seguir tendencias, le interesa crearlas. Sus espacios son narrativas visuales cargadas de intención, donde los colores, las formas y los materiales se convierten en medios para provocar emociones. Diseña desde el arte, y a su vez, desde el corazón. «El verdadero diseño del espacio para mí es transformacional», explica.

Ese enfoque la ha llevado a recibir múltiples reconocimientos internacionales, desde el Sky Design Awards en Japón hasta el Property Awards en Londres, y ha sido seleccionada tres veces para el prestigioso Andrew Martin Interior Designer of the Year Award, en Reino Unido. En 2017 fue nombrada Interiorista del Año y su trabajo se ha mostrado en plataformas globales, como la Bienal de Arte de Venecia. Sin embargo, más allá de los premios, lo que Olga valora es la posibilidad de tocar la vida de las personas a través del espacio. En cada proyecto se pregunta: «¿Qué quiero que el usuario sienta?». Esa interrogante guía su proceso creativo y la ha llevado a diseñar espacios profundamente sensoriales, donde todo —desde un mosaico hasta una lámpara— tiene un propósito emocional.

En la actualidad diseñó un espacio residencial en Cancún que ella misma describe como futurista. Uno de sus elementos favoritos es una cúpula de micromosaicos con amalgama metálica que instaló sobre el desayunador. «Me cautivó… Creo que va a causar sensación». A este detalle se suman mármoles italianos y mosaicos de Porcelanosa,

En Cuernavaca, Morelos, Casa Sumiya emerge como una reflexión del lujo y el buen vivir. Es un refugio que redefine la experiencia del descanso a través del diseño.

Fotos Jaime Navarro

Fotos Jaime Navarro

La propuesta disruptiva de Hanono se visualiza en departamento Zaga, cuyo proyecto tiene influencias mediterráneas y formas orgánicas que dominan el diseño.

seleccionados con la precisión casi obsesiva que la caracteriza. «Vas a ver que mis proyectos tienen 15 o 18 años, y sin embargo siguen vigentes», dice, convencida de que el diseño no debe tener fecha de caducidad.

También se ha mantenido en constante evolución intelectual. En 2023 concluyó una maestría en creatividad en la Future London Academy, fue seleccionada junto con otros 30 creativos de trayectoria internacional. Para ella, esa experiencia constituye un punto de inflexión: un espacio de reflexión profunda sobre el futuro del diseño y el papel de la creatividad en el mundo actual.

Entre sonidos, letras y viajes

La inspiración de Olga no solo proviene del diseño. Es una apasionada del arte en todas sus expresiones. «Soy amante de la música. Para mí, es un canal vibracional que me pone en modo creativo, indispensable al momento de crear». Escucha música lounge o deep house mientras dibuja a mano en hojas blancas con plumones, como si cada proyecto fuera un lienzo. Esa conexión entre lo sensorial y lo creativo es la esencia de su proceso. «Con la música apago el lado racional y activo el lado creativo», explica.

También encuentra inspiración en los libros. Dos títulos la han marcado profundamente: You Are A Dream, de Guillaume Wolf, un manifiesto sobre cómo moldear la realidad desde el poder del ser, y The Creative Act: A Way of Being, de Rick Rubin, que explora el momento de inspiración como un acto vital y expansivo. Son lecturas que, como su trabajo, conectan el arte con lo humano.

Otra gran fuente de inspiración para Olga son los viajes. Uno de los que más la han marcado fue su visita a Naoshima, la icónica isla japonesa dedicada al arte. «Desde que llegué sentí una inquietud tremenda. Le decía a mi esposo: ‘No me quiero ir nunca de acá. Es mi lugar feliz, no quiero que acabe nunca’». El tiempo, cuenta entre risas, parecía no ser suficiente. Visitaron museos diseñados por Tadao Andō y recorrieron la isla como si fuese un sueño. «El concepto de que exista una isla dedicada al arte en un rincón de Japón me voló la mente. Es algo increíble, muy inspirador para futuros proyectos, y creo que me marcó muchísimo».

Además de diseñadora, Olga es profesora de la maestría en Diseño de Interiores de la Universidad Anáhuac. También es madre, esposa y amiga. No esconde ninguna de esas facetas; al contrario, las abraza todas con orgullo. «Nada en la vida me da mayor gratificación que ser mujer, ser mamá, ser esposa y ser profesionista», afirma. Para ella, esa energía femenina, intuitiva y generosa es también una fuente creativa que alimenta su trabajo.

En un mundo donde el diseño aún suele estar dominado por voces masculinas, Olga ha elegido no enfocarse en la lucha de géneros, sino en el poder de la colaboración. «Más allá de los géneros, esas barreras para mí no tienen ninguna importancia realmente. Creo que hay una mancuerna increíble energética con todo el equipo… El proyecto lo refleja cuando existe una armonía creativa de todos los integrantes».

Así ha vivido estos 25 años: diseñando desde el alma, guiada por la intuición, impulsada por la emoción. Ha logrado construir una trayectoria en la que lo personal y lo profesional no se contraponen, sino que se nutren mutuamente.

Olga Hanono no solo diseña espacios. Crea experiencias que despiertan, que conmueven, que hacen sentir; porque su mayor talento está en eso: hacer tangible lo intangible.

@olga_hanono

Fotos Frank Lynen

«El

verdadero diseño del espacio para mí es transformacional.» –Olga Hanono

Helechos tiene un proyecto arquitectónico basado en los espacios interiores; la estética y el diseño de cada uno de los elementos representa el balance entre la proporción, la escala y el color. El mobiliario son piezas únicas arte-objeto creadas para el espacio.

Fotos Jaime Navarro

Designing Spaces, Creating Relationships

Her story began far from design, yet a deep connection to creativity led her to transform spaces into sensory experiences. Today, Olga Hanono celebrates 25 years of a career defined by emotion, intuition, and art.

Olga Hanono never planned to become a designer. She didn’t inherit a family tradition, nor did she study design from a young age. Her path was different. She found her calling later in life, after exploring other personal facets. But when that calling arrived, it came with such clarity, such brilliance, that it changed her destiny forever.

“I connected with this creative energy I’ve always carried within, but in an expansive way,” she recalls. That encounter led her to found OH Studio in 2000, driven by a desire to explore design from a more artistic, emotional, and liberated place. What began as a personal journey evolved into a 25-year-long professional career, built on intuition, passion, and a unique style that has left a mark on contemporary design.

Connecting the Emotional with the Aesthetic

For Olga, design isn’t a job—it’s a way of being. A way of inhabiting the world. “There’s no division between my personal and professional life. I’m completely transparent. I

couldn’t be one person in my personal life and another in my professional or artistic life,” she says. That coherence between her inner self and her work is the root of her authenticity: every project reflects who she is, what she feels, what she lives.

Over the years, Olga has shaped an aesthetic that defies convention. “I see myself as a paradigm-breaking designer—disruptive,” she says. She isn’t interested in following trends; she’s interested in creating them. Her spaces are visual narratives filled with intention, where colors, shapes, and materials become tools to provoke emotion. She designs from art—but also from the heart. “True spatial design, to me, is transformational,” she explains.

That approach has earned her numerous international accolades, from the Sky Design Awards in Japan to the Property Awards in London. She’s also been selected three times for the prestigious Andrew Martin Interior Designer of the Year Award in the UK. In 2017, she was named Interior Designer of the Year, and her work has been featured on global platforms like the Venice Art Biennale.

But beyond awards, what Olga values most is the ability to touch people’s lives through space. In every project, she asks herself: “What do I want the user to feel?”

That question drives her creative process and has led her to design deeply sensorial spaces, where everything—from a mosaic to a light fixture—carries emotional intention.

She recently completed a residential space in Cancún that she describes as futuristic. One of her favorite features is a dome made of micromosaics with a metallic amalgam, installed above the breakfast nook. “It captivated me... I think it’s going to make an impact. You’ll see that my projects are 15 or 18 years old and still relevant,” she says, convinced that design should have no expiration date.

Between Sounds, Words, and Journeys Olga’s inspiration doesn’t come solely from design. She’s passionate about art in all its forms. “I’m a music lover. For me, it’s a vibrational channel that puts me in a creative

state—it’s essential when I create.” She listens to lounge or deep house music while sketching by hand on blank sheets with markers, as if each project were a canvas. That connection between the sensory and the creative is the essence of her process. “Music turns off the rational side and activates the creative one,” she explains.

She also draws inspiration from books. Two titles have deeply impacted her: You Are A Dream by Guillaume Wolf, a manifesto on shaping reality through the power of being, and The Creative Act: A Way of Being by Rick Rubin, which explores inspiration as a vital and expansive act. Like her work, these books connect art with humanity.

Travel is another great source of inspiration for Olga. One of her most memorable experiences was visiting Naoshima, Japan’s iconic art island. “From the moment I arrived, I felt an overwhelming restlessness. I kept telling my husband: ‘I don’t ever want to leave. This is my happy place, I never want this to end.’” Time, she recalls with laughter, never seemed enough. They visited museums designed by Tadao Andō and wandered the island as if in a dream. “The concept of an island devoted entirely to art in a corner of Japan blew my mind. It was incredibly inspiring for future projects and left a profound mark on me.”

In addition to being a designer, Olga is a professor in the Master’s in Interior Design program at Universidad Anáhuac. She is also a mother, wife, and friend. She hides none of these roles—on the contrary, she embraces them all with pride. In a world where design is still often dominated by male voices, Olga has chosen not to focus on gender struggles, but on the power of collaboration. This is how she has lived the past 25 years: designing from the soul, guided by intuition, driven by emotion. She has built a career where the personal and the professional are not in opposition—they nourish each other. Olga Hanono doesn’t just design spaces. She creates experiences that awaken. That move. That make you feel. Because her greatest talent lies in this: making the intangible, tangible.

Portrait José Margaleff

Ana Landa

La fundadora de Línea Vertical, Ana Landa, nos comparte su enfoque único para transformar espacios, su proceso creativo y cómo su entorno familiar fue clave para empoderarla como mujer profesional.

«Vivo el aquí y el ahora. Esa es la filosofía de vida que me inspira a crear.»

Ana Landa tiene una capacidad excepcional para convertir cada espacio en una experiencia que refleja la personalidad y necesidades de quienes lo habitan. Fundadora de Línea Vertical, un despacho especializado en arquitectura e interiorismo, Ana ha dedicado más de 20 años a crear ambientes que no solo sean funcionales, sino profundamente humanos y emocionales. Su enfoque es arquitectónico y también intuitivo, crea cada proyecto con la misma pasión con la que se enfrenta a la vida.

El camino inesperado hacia la arquitectura

La historia profesional de Ana comienza de manera inusitada. Aunque se graduó como ingeniera agrónoma parasitóloga en el Tecnológico de Monterrey, la vida la condujo de manera inesperada hacia la arquitectura y el diseño de interiores. «Nunca tuve ninguna inclinación hacia la arquitectura; soñaba casas mientras dormía, pero la vida me puso en este camino cuando mi hermano y mi cuñada me pidieron que les ayudara a construir su casa. En un abrir y cerrar de ojos ya me había convertido en su gerente de proyectos», nos cuenta Ana, revelando una de las lecciones más importantes de su carrera: a veces, los destinos se forjan sin planearlos. En sus primeros años estuvo involucrada en el diseño de moda y textiles –incluso diseñaba su propia ropa–, lo que le permitió desarrollar un ojo excepcional para la estética y la combinación de colores y formas, cualidades que llevaría al mundo de la arquitectura.

Transformando espacios, transformando vidas

«Lo que más nos gusta en Línea Vertical es hacer desde la arquitectura hasta el interiorismo. Nos encanta resolver todo, entregar un proyecto muy determinado», explica Ana, y destaca a su vez, el enfoque integral de su despacho, donde cada detalle tiene el propósito de hacer que el cliente se sienta

no solo satisfecho, sino pleno. La empatía juega un papel fundamental en su trabajo. Cada proyecto es, en su esencia, una extensión del cliente, de sus sueños y necesidades. Ana y su equipo se dedican a entender profundamente a quienes habitarán esos espacios, para que cada diseño esté alineado no solo con lo funcional, sino con la felicidad y el bienestar de los usuarios. Uno de los aspectos que Ana resalta sobre su forma de trabajar es su capacidad para vivir en el presente. «Yo no soy una persona que puede planear las cosas. Vivo el aquí y el ahora. Cuido muchísimo la intención que tengo hacia el hacer», nos comparte. Esta filosofía de vida la ha llevado a desarrollar una carrera exitosa, sin preocuparse demasiado por el futuro, confiando en que la energía que pone en cada proyecto la llevará a los resultados deseados. Y, a decir de los muchos proyectos exitosos que ha ejecutado, esta forma de ser ha sido clave para su éxito.

Ana también atribuye gran parte de su empoderamiento como mujer profesional al ambiente que vivió en su hogar. Criada por padres igualmente profesionales —su madre, química farmacobióloga, y su padre, ingeniero químico— Ana creció con la firme convicción de que el género no es una barrera para no lograr lo que uno se propone. «Mi madre era muy adelantada a su época. Nos enseñó a ser muy empoderadas. Mi padre, muy respetuoso, también nos enseñó a aprovechar las características femeninas, como la intuición y la persuasión», explica. La relación con su familia, especialmente con sus padres, fue clave para cultivar una visión abierta y poderosa de la vida profesional.

Diseño que provoca emociones y conexiones

Para Ana, el diseño va más allá de la estética: se trata de crear un impacto sensorial y emocional en los usuarios. «A mí me gusta provocar mucho las experiencias. Siempre busco que el espacio sea envolvente; que cree sensaciones», nos dice, y destaca cómo

El sello único de Renacimiento recae en su diseño simple, pero sofisticado basado en una paleta cromática sobria con acentos de color.

Contrafuerte añora la tradicional Villa italiana de los papás de una familia, lo que representó el primer reto para remodelar esta casa. El tipo de arquitectura establecido en la colonia obligó a mantener la mayoría de la superficie en techos inclinados y tejas.

Fotos Jorge Taboada

su trabajo tiene como propósito hacer que las personas sientan algo profundo cuando interactúan con los espacios que ha diseñado. La búsqueda de esa emoción y conexión es lo que le da vida a cada proyecto.

A lo largo de su carrera, Ana ha trabajado con marcas de renombre, y entre ellas resalta la colaboración con Porcelanosa, una empresa que ha sido parte esencial de muchos de sus proyectos. «Con Porcelanosa he trabajado muchísimas cosas. Realmente disfruto todos sus materiales. En todos mis proyectos hay algún producto de Porcelanosa». Un ejemplo de esta colaboración es el proyecto de un departamento, donde utilizó sus materiales para crear un baño que se integrara perfectamente con el resto del espacio. «Recubrí todos los muros con duela clara de piso, así que en el baño usé las placas grandes de Porcelanosa, que son como de madera. Todo el baño lo recubrí de madera. Fue una experiencia muy padre», dice, reflejando cómo la innovación y la calidad de los productos empleados son elementos esenciales para la materialización de sus ideas.

Fuera del trabajo, Ana se define como una persona demasiado introspectiva. A pesar de su personalidad fuerte y decidida, tiene un lado sensible que necesita ser alimentado a través de la reflexión interna. «Soy una persona muy directa, muy transparente, muy emotiva, muy espiritual, pero tengo que trabajar mucho interiormente. Todos los días», confiesa.

La música juega un papel importante en su vida, sobre todo cuando busca relajarse y encontrar ese balance emocional. A menudo, escucha música tranquila mientras se sumerge en sus procesos creativos, dejando que las notas la guíen hacia nuevas ideas y perspectivas. Se siente muy identificada con la canción Mi plan de vida, de Kany García. Como lectora, se sumerge en libros de desarrollo personal, libros que la inspiran y la ayudan a encontrar paz en medio de su día a día, lleno de trabajo y creatividad. Actualmente está releyendo Un viaje a la realidad invisible, de Jorge Ramírez. «Es un libro precioso que nos entrega una visión cuántica del universo», dice.

Ana Landa no es solo una arquitecta excepcional, es una mujer que ha logrado integrar su ser profundo y reflexivo con su capacidad para crear espacios que transforman vidas. Su historia es un testimonio de que cuando se sigue la pasión y se escucha a la intuición, los resultados pueden ser sorprendentes.

línea-vertical.com

Izquierda. En Real de Monteza se buscó crear un ambiente Zen con espacios envolventes en negro, blanco y madera.

Derecha. Contrafuerte prioriza la vista hacia el jardin interior de la casa; la apertura de un muro frontal –separadode la sala por una celosía en acabado bronce y madera de nogoal– hace de remate elegante al ingresar a la casa.

Fotos Jorge Taboada

Acero y madera son los materiales principales en Elemental, la casa 75 Aniversario del Sorteo Tec–. Al ingresar a la residencia, una escalera se convierte en elemento protagónico del espacio, en donde una gran sala sirve para crear ambientes diferentes.

Con un talento nato para el diseño de espacios y una intuición muy desarrollada, Landa se confiesa apasionada de la arquitectura y el interiorismo.

Fotos Jorge Taboada

Architecture that Evokes Emotion

Founder of Línea Vertical, Ana Landa has spent over 20 years designing spaces that are functional, human, and emotional. Her method is architectural yet intuitive—infused with the passion that also drives her life.

Ana Landa has an extraordinary gift for transforming spaces into experiences that reflect the essence of those who inhabit them. As the founder of Línea Vertical, a studio specializing in architecture and interior design, she has spent over 20 years crafting environments that are functional, emotional, and profoundly human. Her approach combines architectural precision with deep intuition, infusing each project with the passion she brings to life itself.

An Unexpected Journey into Design

Though Ana graduated as an agricultural parasitologist engineer from Tecnológico de Monterrey, life had other plans. When her brother and sister-in-law asked for help building their home, she found herself unexpectedly stepping into architecture—and never looked back.

Before this shift, Ana was immersed in fashion and textile design, honing an eye for color, texture, and form that would become essential in her architectural work.

At Línea Vertical, Ana and her team embrace a holistic vision: handling both architecture and interiors to deliver cohesive, soul-filled spaces. Empathy sits at the heart of their practice, guiding them to deeply understand their clients’ dreams and create spaces that don’t just function—but fulfill.

Ana’s philosophy is grounded in living fully in the present. She trusts in the energy she pours into her work, believing it naturally leads to the right outcomes. This mindset, rooted in intentionality and authenticity, has been a key driver of her success.

Raised by professional parents—a pharmaceutical biochemist mother and a chemical engineer father—Ana grew up with the unwavering belief that gender should never limit ambition.

“My mom was ahead of her time; my dad taught us to embrace our femininity,” she says. This upbringing shaped her strong yet intuitive professional identity.

Designing for the Senses and the Soul For Ana, design transcends aesthetics. She strives to evoke emotions, creating immersive spaces that stir the senses and leave a lasting impression.

“I love provoking experiences,” she says. “Spaces must create sensations.”

Her collaboration with Porcelanosa has been a hallmark of her career. In one standout project, she covered a bathroom in Porcelanosa’s wood-like slabs, seamlessly blending it with the adjacent light-wood flooring—an example of her innovative use of materials to enhance emotion through design.

Beyond her professional world, Ana is introspective and spiritual. Her candid, emotional nature is balanced by a daily commitment to inner work. Music plays an essential role in nurturing her creativity and emotional well-being, especially calming melodies that inspire her design processes.

She particularly resonates with Kany García’s Mi plan de vida, and is currently rereading A Journey to the Invisible Reality by Jorge Ramírez, a book that expands her vision of the universe through a quantum lens.

Ana Landa is much more than an architect—she is a creator of meaningful experiences, a woman whose intuitive spirit and authentic passion breathe life into every space she designs. Her story is a testament to the beauty of trusting one’s path, even when it unfolds unexpectedly.

Portrait José Margaleff

Con una visión única del espacio, Fernanda Patiño ha logrado consolidarse como una lideresa en el interiorismo mexicano, llevando su pasión por diseñar ambientes que inspiran y sanan a un nivel profesional.

Fernanda Patiño

«El interiorismo exige pasión, compromiso y constancia. Es una plataforma enorme de crecimiento.»

Desde niña, Fernanda Patiño sentía una atracción natural por imaginar espacios. No jugaba con muñecas, sino con sus casas. Las diseñaba dibujando alzados de calles con teatros, supermercados y viviendas. Sin saberlo, ese impulso infantil era el comienzo de una vocación. «Desde que tengo uso de razón me interesaba crear espacios; me divertía más con la casita que con la muñeca», recuerda. Hoy, esa niña es la directora de Diseño de Interiores en Sordo Madaleno Arquitectos, uno de los despachos más influyentes de México.

Fernanda estudió arquitectura en la Universidad Anáhuac. Su camino hacia el interiorismo no fue planeado desde la carrera. Llegó por una oportunidad inesperada: una vacante en Sordo Madaleno que, aunque no era en arquitectura sino en interiorismo, decidió tomar con entusiasmo. «Me atrapó. No lo vi venir, pero me enamoré del interiorismo desde que entré a este mundo», cuenta. A partir de entonces, su carrera ha sido un viaje profundo hacia lo que realmente significa habitar un espacio.

Ser mujer en una industria que durante décadas ha sido dominada por hombres constituye, en sus palabras, un reto constante, y a su vez, una oportunidad de evolución. Aunque no ha enfrentado situaciones de violencia de género, sí ha sentido la necesidad de posicionar sus ideas, su trabajo y a su equipo en un entorno donde, muchas veces, se espera que la voz femenina hable hasta el final. «Hace 13 años que entré a Sordo Madaleno, éramos cinco mujeres. Hoy, no sé si ya somos 50-50%, pero estamos cerca. Eso me da mucho gusto», señala con orgullo.

Fernanda también ha trabajado en encontrar un equilibrio personal. Por años se volcó por completo en lo profesional, hasta que entendió que únicamente al darse espacio como mujer, pareja, hija y amiga podría construirse de forma más íntegra. «Es un esfuerzo de todos los días. Si una misma no se compromete con ese balance, la vida te arrastra», afirma.

El interiorismo como profesión

Fernanda habla con franqueza sobre los retos de vivir del interiorismo. «Sí se puede, pero hay que tener claro que no se vive del amor al arte. Hay que entender los tiempos, los costos, el objetivo de cada proyecto». Incluso, en el entorno estructurado de un despacho como Sordo Madaleno, Fernanda identificó un hueco: hacía falta alguien que se encargara de la parte administrativa y financiera de su célula de trabajo. Incorporar esa figura transformó su gestión. «Fue un antes y un después. Tener claro cuánto cuestan las cosas, cuánto tiempo llevan, qué recursos requieren, es fundamental», resalta. Con una trayectoria consolidada, Fernanda no olvida la importancia de inspirar a las nuevas generaciones. A las jóvenes interesadas en el interiorismo les aconseja pensarlo bien, no por desanimarlas, sino porque sabe que se trata de una carrera que exige pasión, compromiso y constancia. «Actualmente hay muchas formas de desarrollarse dentro del campo. No es excluyente, al contrario: la arquitectura de interiores es una plataforma enorme», afirma.

Su trabajo se ha consolidado, especialmente en proyectos de hotelería en los que Porcelanosa ha sido un aliado clave. «Nos hemos encontrado con ellos como un buen partner, sobre todo en proyectos de playa, de muchas habitaciones, muchas áreas públicas. Se han vuelto nuestro one stop shop», dice. Hoy, Fernanda colabora en dos proyectos de residencias de marca con estándares muy altos de diseño, calidad y suministro, donde el fabricante de cerámica español ha sido un apoyo confiable.

Objetos, lecturas y recuerdos

Fuera del trabajo, hay objetos y lecturas que hablan de la esencia de Fernanda. Uno de sus libros favoritos es Habitar, de Juhani Pallasmaa, una reflexión sobre lo que signi-

Casa J es la transformación de una antigua oficina en un espacio residencial con transiciones espaciales en áreas públicas y privadas. Su narrativa arquitectónica se ve influenciada por el arte en toda la casa.

Foto Rafael Gamo

08 / Enfoque

fica realmente vivir un espacio: la conexión emocional, física y psicológica que se establece con él. Otro de sus preferidos es Mauna. La enseñanza del silencio, de Swami Satyananda, un libro que llegó a su vida en un momento donde necesitaba reencontrarse con el silencio como camino de sanación. Y, en otro tono, Leonora, de Elena Poniatowska, la biografía de una mujer fuerte, imperfecta, poderosa. «Ese tipo de historias me inspiran; me recuerdan que en la imperfección también hay belleza y fuerza», dice.

Actualmente está leyendo otra biografía, la de Tina Modotti, y continúa explorando esa mirada hacia mujeres que, como ella, han construido una identidad única.

Entre los objetos personales que Fernanda compartió con Glocal Design, destacan unos casetes, los cuales tienen un lugar especial. Son recuerdos de su infancia; de las largas horas que pasaba escuchando bossa nova con sus padres. «Es música que me conecta con mi familia, con una parte muy íntima de mí», confiesa. Pero los casetes también fueron parte de su creatividad infantil: «Yo no jugaba con legos, pero me sacaba toda la colección de casetes de mis papás y los usaba como bloques para construir casitas. Los acomodaba de distintas maneras, creando espacios y formando pequeñas casas. Ya desde pequeña estaba armando mi mundo de espacios».

Fernanda también guarda con cariño un objeto muy especial: su primera tarjeta de presentación, que conserva como un símbolo de sus inicios en Sordo Madaleno.

Fernanda Patiño no solo diseña interiores, diseña experiencias. Y lo hace desde la intuición, la sensibilidad y la convicción de que el espacio también puede sanar, inspirar y abrazar. Su historia demuestra que, a veces, el camino no se elige: el interiorismo la encontró, y ella supo reconocerlo para hacer de esta vocación su proyecto de vida. sordomadaleno.com

El diseño arquitectónico de Valle San Nicolás enaltece dos elementos naturales protagónicos: la montaña y el lago. que se relacionan a través de una pieza como la Casa Club, que se conceptualizó como una barca anclada al lago.

Fotos Rafael Gamo

«Sobre los retos de vivir del interiorismo: sí se puede, pero hay que tener claro que no se vive del amor al arte. Hay que entender los tiempos, los costos y el objetivo de cada proyecto.» –Fernanda Patiño, directora de interiores en Sordo Madaleno Arquitectos.

Fotos Rafael Gamo

El diseño interior de Lavo Restaurante, ubicado en Santa Fe, CDMX, se basa en una arquitectura clásica con un toque ecléctico que resalta los techos en forma de bóveda y una terraza con techo retráctil.

Designing Spaces, Creating Experiences

With a unique vision of space, Fernanda Patiño has established herself as a leading figure in Mexican interior design, taking her passion for creating environments that inspire and heal to a professional level.

Since childhood, Fernanda Patiño felt a natural pull toward imagining spaces. She didn’t play with dolls—she played with their houses. She designed them by drawing elevations of streets filled with theaters, supermarkets, and homes. Unbeknownst to her, that early creative impulse marked the beginning of a lifelong calling. “For as long as I can remember, I’ve been drawn to creating spaces. I had more fun with the dollhouse than with the doll itself,” she recalls.

Today, that same girl is the Director of Interior Design at Sordo Madaleno Arquitectos, one of Mexico’s most influential architectural firms.

A Journey into Interior Design

Fernanda studied architecture at Universidad Anáhuac, but her path into interior design came from an unexpected opportunity at Sordo Madaleno. Though the position wasn’t in architecture but interiors, she embraced it with enthusiasm. “It hooked me. I didn’t see it coming, but I fell in love with interior design from the moment I entered this world,” she says. Her career evolved into a deep journey into what it means to inhabit a space.

Challenges and Growth

Being a woman in a male-dominated field has been a constant challenge for Fernanda, but also an opportunity for growth. She has faced the need to assert her ideas in environments where the female voice is often last to be heard. “When I joined Sordo Madaleno 13 years ago, there were five women. Today, I don’t know if we’re at 50-50, but we’re close. That makes me very happy,” she shares proudly.

For Fernanda, balancing work and life has been an ongoing journey. For years, she was fully devoted to her career until she realized that making space for herself as a woman, partner, daughter, and friend was necessary for her growth. “It’s a daily effort. If you

don’t commit to that balance yourself, life sweeps you away,” she states.

Interior Design as a Profession

Fernanda speaks candidly about the challenges of making a living from interior design. “Yes, it’s possible, but you have to understand it’s not just about loving the art. You need to know the timelines, the costs, and the goals of each project.” She realized the importance of managing the administrative and financial side of her team, a decision that transformed how her group operated. “It was a turning point,” she says. “Knowing how much things cost, how long they take, and what resources they need— that’s fundamental.”

A Vision for Future Generations

Fernanda advises young women interested in interior design to consider the profession thoughtfully. She encourages them to approach it with passion, dedication, and consistency. “There are so many ways to grow within this field now. It’s not exclusive—on the contrary, interior architecture is a vast platform,” she says.

Her work in hospitality design has flourished, with Porcelanosa being a key partner. “We’ve found them to be a great ally, especially for beachfront projects with lots of rooms and public areas. They’ve become our one-stop shop,” she explains.

Objects, Books, and Memories

Beyond her professional life, Fernanda treasures certain books and objects. One of her favorites is The Eyes of the Skin by Juhani Pallasmaa, reflecting on the emotional and psychological connections we build with spaces. Another, Mauna: The Teaching of Silence by Swami Satyananda, helped her reconnect with silence as a healing path.

She also holds dear childhood memories, including cassette tapes of bossa nova music that connect her to her family. “That music

connects me to my family, to a very intimate part of myself,” she shares. These cassettes also fueled her early creative play, where she built tiny houses from her parents’ tape collection—a precursor to her architectural journey.

One of her most treasured items is her first business card from Sordo Madaleno, a symbol of her beginnings. “It reminds me of how I started and everything that has happened since,” she says with nostalgia.

Fernanda Patiño doesn’t just design interiors—she designs experiences. Her story proves that sometimes, we don’t choose the path—the path chooses us. Interior design found her, and she recognized it, turning that calling into her life’s work.

Portrait José Margaleff

Arquitecta, cofundadora del estudio Gerbilsky Wainberg y mujer que hace del diseño una forma de vida, Sandra Wainberg ha convertido cada proyecto en una extensión de su historia, de sus pasiones y de su visión del mundo.

Sandra Wainberg

«El equilibrio no implica perfección, sino presencia. Mi vida profesional y familiar están profundamente entrelazadas y esa fusión se refleja en el ambiente creativo que he construido alrededor.»

Por más de dos décadas, Sandra ha desarrollado su carrera en México, país que no solo eligió para vivir, sino también para construir un legado en la arquitectura de interiores junto a su socio y esposo, Luciano Gerbilsky. Desde su despacho, Gerbilsky Wainberg, ha forjado un estilo propio que se nutre del diálogo con el cliente, la exploración de materiales y la sensibilidad hacia el entorno.

«Nos encanta interactuar con los clientes finales; conocer cómo viven, qué sueñan, cómo quieren habitar sus espacios. Participar de sus familias nos llena muchísimo», dice Sandra, con una calidez que acompaña a cada una de sus palabras.

Pero su historia va mucho más allá de planos y materiales; es también la historia de una mujer que ha sabido equilibrar la maternidad con el liderazgo empresarial, la creatividad con la innovación, y la pasión con la disciplina.

Originaria de Venezuela, Sandra llegó a nuestro país hace más de dos décadas y desde entonces ha desarrollado aquí la parte más significativa de su carrera. «Luciano y yo empezamos a trabajar juntos y a desarrollar este despacho, que ya tiene casi 20 años. Al principio hacíamos mayormente proyectos comerciales, hasta que nos fuimos inclinando hacia el residencial de lujo», comparte.

Del objeto a la emoción: una vocación que se transforma

Sandra estudió arquitectura en la Universidad Central de Venezuela y, más tarde, realizó varios diplomados en la Universidad de Nueva York. Desde entonces, su vocación por el diseño interior ha sido constante, alimentada por su afinidad con los objetos y su deseo de materializar ideas de forma tangible. «Vengo de una familia que fabrica joyería, siempre he sido muy manual. Me gusta crear el objeto que voy a entregar. A diferencia de la arquitectura civil, el interiorismo me permite ver más rápido el resultado de lo que imaginé. Me gusta hacer sentir a la gente cómoda, como si ese espacio hubiese sido creado solo para ellos», explica.

Su trabajo busca crear entornos que reflejen no solo estética, sino también identidad y bienestar. «Me interesa que los espacios tengan alma. El interiorismo tiene esa capacidad de tocar a las personas. No es únicamente una cuestión de diseño; es una manera de decir: ‘Esto es tuyo; esto es para ti’».

El camino de Sandra no ha estado exento de desafíos, sobre todo al combinar su papel como empresaria con su vida personal. «Cuando estuve embarazada seguí trabajando. Mis hijos estaban en la oficina para que yo pudiera alimentarlos. Luego, ya siendo mamá y empresaria, fue muy difícil y muy cansado, pero también lo más gratificante de la vida. Hoy que mis hijos son mayores, pueden ver todo lo que construí. Claro que les leía cuentos, pero también pudieron ver que soy una mujer luchona, echada para adelante, que progreso por mí y por ellos».

Para Sandra, el equilibrio no implica perfección, sino presencia. Su vida profesional y familiar están profundamente entrelazadas, y esa fusión se refleja también en el ambiente creativo que ha construido a su alrededor. «En mi casa se respira diseño. Una de mis sobrinas vive conmigo y le estoy enseñando todo lo que hago. Hace poco me escribió una carta en la que me decía que admiraba que Luciano y yo viviéramos de lo que amamos. Y sí, cada vez nos va mejor. Gracias a la innovación, a la exploración de materiales y a nuestra forma de trabajar, hemos logrado crecer como estudio y como personas».

Un nombre que se gana su lugar

Durante años, el despacho se llamó Luciano Gerbilsky Arquitectos. Pero recientemente, el cambio de nombre a Gerbilsky Wainberg marcó un hito importante para Sandra. «Era necesario que dejara de estar en el backstage. Siempre estuve involucrada y era parte esencial del negocio, pero era momento de que eso también se reflejara en nuestra marca. Luciano me dio ese lugar. Fue un acto de reconocimiento que agradezco profundamente».

En Valley House, el diseño del paisaje convive con cada volumen. Un espejo de agua que nace en la entrada de la casa se transforma en dos arroyos que rodean la residencia.

En medio del campo y con vista al lago principal del fraccionamineto Valle Santana, en Valle de Bravo, se integra Walden House con un lenguaje arquitectónico, creado a partir de una serie de capas en diferentese materiales.

Fotos Héctor Velasco Facio

Aunque es consciente de que el gremio ha cambiado, Sandra también ha sabido ganarse su lugar en el terreno de la obra, donde tradicionalmente predominan los hombres. «Cuando Luciano va a obra, todos están relajados. Pero cuando saben que yo voy a ir, los obreros se preocupan: ‘¡Ay no, viene la arquitecta!’, dicen. Me respetan mucho, porque soy muy directa y también me involucro físicamente. Soy hands on. Me pongo a hacer cosas con ellos. Eso ha hecho que no sufra por ser mujer; más bien, me he ganado mi espacio con trabajo y compromiso». Los proyectos de Sandra están marcados por una exploración constante. Uno de los más recientes es el departamento RD225 en Polanco, donde utilizó piedra de Porcelanosa en todos los baños. «Eran piezas enormes. Cada una necesitaba seis personas para colocarse. Pero el resultado fue excepcional”. También destaca un proyecto en Bosque Real, donde mezcló acabados brillantes y mate del mismo proveedor. “Nos encanta experimentar con materiales. Eso enriquece el diseño y hace que nuestras propuestas siempre sean únicas».

Inspiración en movimiento

Su proceso creativo es introspectivo, pero también conectado con el entorno. «Me encanta el Bauhaus y el art nouveau. Admiro a Le Corbusier y a Erik Gunnar Asplund, un arquitecto que es menos conocido, pero para mí es un gran referente. También a Victor Horta, el precursor del art nouveau». Contrario a lo que podría pensarse, la música no forma parte de su rutina de diseño. «Para mí, la música es para socializar. Prefiero espacios tranquilos. Me gusta trabajar con una vista hacia afuera, ya sea desde mi balcón o desde mi casa en Valle de Bravo. Necesito ver el mundo moverse. Eso me inspira, porque ahí está la vida».

Para cerrar la conversación, Sandra deja un mensaje contundente para otras mujeres arquitectas, diseñadoras o apasionadas del interiorismo: «Luchen por su espacio. No se trata de géneros, sino de capacidades. Y las mujeres tenemos muchas. Podemos ser madres, profesionales, líderes. Pero hay que cuidarnos y luchar. Luchar por nuestros sueños y vivir. Esa es la clave».

La historia de Wainberg nos recuerda que la arquitectura, cuando se vive con pasión, puede transformar no solo los espacios, sino también las vidas que los habitan.

@swainbergs

@gerbilsky_wainberg

Simbiosis visualiza un programa arquitectónico desafiante con formas suaves en sus remates visuales y cortes qu generan aperturas al exterior. Su nombrese inspira en la interacción de la naturaleza con la residencia y su relación simbiótica entre el proyecto y su ábito natural.

«Vengo de una familia que fabrica joyería, siempre he sido muy manual. Me gusta crear el objeto que voy a entregar.»

Cortesía de Gerbilsky Wainberg

En los interiores de Walden House prevalecen elementos duros como piedra volcánica o cemento, que se van suavizando con celosías de madera que envuelven una serie de patios y terrazas exteriores que rodean la casa.

Fotos Héctor Velasco Facio

Designing Spaces, Creating Relationships

Architect, co-founder of the Gerbilsky Wainberg studio, and a woman who has made design a way of life, Sandra Wainberg has turned every project into an extension of her story, her passions, and her vision of the world.

For over two decades, Sandra Wainberg has built a legacy of interior architecture in Mexico—a country she chose to call home. Alongside her partner and husband, Luciano Gerbilsky, she co-founded Gerbilsky Wainberg, a firm known for its distinctive style, material exploration, and deep client relationships.

“We love learning how people live, what they dream of, how they want to inhabit their spaces. Becoming part of their lives gives our work meaning,” Sandra shares.

Originally from Venezuela, Sandra studied architecture at the Central University of Venezuela and completed diplomas at NYU. Her love for design was rooted in her family’s background in jewelry—an early connection to creating tangible, personal objects. “Interior design lets me shape something real, intimate. I want people to feel like the space was created just for them.”

From Object to Emotion:

A Transformative Vocation

Her early work focused on commercial spaces, but her heart led her to luxury residential design. For Sandra, interiors must reflect identity and well-being as much as aesthetics. “I want each space to have soul. Design is not just about how it looks—it’s about saying: ‘This is for you.’”

Sandra also speaks openly about navigating motherhood and entrepreneurship. “When I was pregnant, I kept working. My children were with me at the office. It was exhausting, but the most rewarding experience. Now they see what I’ve built—for myself and for them.”

Balance, to her, isn’t about perfection— it’s about presence. “Design breathes in my home,” she says. One of her nieces now lives and works with her. “She wrote me a letter

saying she admires that Luciano and I make a living doing what we love. That meant everything.”

A Name That Earns Its Place

For years, the studio operated under the name Luciano Gerbilsky Arquitectos. But the transition to Gerbilsky Wainberg marked a defining moment. “I was always involved, but now it’s reflected in the brand. Luciano gave me that space, and I deeply appreciate it.”

She’s earned her place in an industry historically led by men. “When Luciano visits a site, it’s relaxed. When they hear I’m coming, they say: ‘The architect’s coming!’ I’m direct, hands-on. I work with them. That’s why I’ve never struggled for being a woman—I’ve earned my space.”

Inspiration in Motion

Sandra’s design process is rooted in experimentation and curiosity. At RD225 in Polanco, she used oversized Porcelanosa slabs to create dramatic bathrooms. In Bosque Real, she combined matte and glossy finishes from the same line to create contrast and depth. “Playing with materials enriches the design. It ensures every project is unique.”

Unlike many creatives, music isn’t part of her process. “Music is for socializing. I prefer silence, a view—movement outside my window. That’s what inspires me. That’s where life is.”

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En medio del bosque

En un terreno arbolado, Cuatro Casas Pinares se integra orgánicamente con su entorno natural. Este proyecto se adapta cuidadosamente al paisaje, mismo que preserva los sublimes árboles existentes.

Fotos Agustín Garza

Grupo Arquitectura Cuatro Casas

Pinares

Valle de Bravo, Estado de México 2024

Sobre una topografía completamente arbolada y en pendiente descendente, Grupo Arquitectura llevó a cabo un proyecto de cuatro casas independientes de dos niveles con sus servicios comunes. Tras visitar el terreno y observar enormes árboles, los arquitectos decidieron no tocarlos. En su lugar, plantaron las casas de forma casi quirúrgica, adaptándose a los desniveles y a las condiciones naturales del terreno. El resultado son casas que parecen haber sido construidas durante años, con vegetación que se plantó de manera simultánea.

La estructura de las casas es metálica con pisos de vigas y paneles de madera aparente; por otra parte, las paredes son de Travertino Plateado y paneles de madera, mientras que los muros de contención y las cercas generales del complejo son de piedra regional, colocada sin junta. Los pisos interiores y las terrazas integraron piedra gris de la India llamada Caledonia.

El diseño de las casas es escalonado, las áreas de estar acaparan vistas descendentes, dejando las circulaciones y los servicios hacia la fachada posterior para lograr privacidad. Todos los sistemas de instalación se concibieron cuidadosamente con respeto al medio ambiente. Las aguas residuales se reciclan y tratan, mientras que la iluminación se automatiza para una mayor eficiencia. Además, las ventanas cuentan con vidrios de última generación diseñados para conservar la temperatura y aislar el ruido.

grupoarquitectura.com

Located on a wooded, sloping site, Grupo Arquitectura developed a set of four independent, two-story homes with shared services. After visiting the site and observing the majestic trees, the team chose not to disturb the landscape. Instead, they precisely positioned the houses, adapting to the natural contours and elevation changes. The result is a group of residences that feel as if they have always belonged, embraced by vegetation planted simultaneously with construction.

Each home uses a metal structure with exposed wood beam-andpanel floors. Walls combine Silver Travertine and wood panels, while retaining walls and perimeter fences are built from locally sourced stone, placed dry without mortar. Interior floors and terraces feature gray Caledonia stone, enhancing the project’s organic feel. The homes follow a staggered layout:

- Main living spaces open toward downhill views.

- Circulation and service areas are tucked along the rear façades for privacy.

Sustainability was a priority: wastewater is treated and reused, lighting is automated for efficiency, and next-generation windows ensure thermal and acoustic insulation. At Cuatro Casas Pinares, architecture and nature coexist with thoughtful precision.

Este proyecto fue ganador de la Medalla de Oro en la categoría Second Homes en la XII Bienal Iberoamericana

CIDI de Interiorismo, Diseño y Paisajismo 2023-2024

Diseño que abraza el jardín

Casa Río se extiende como una estructura fluida, donde la relación entre arquitectura y naturaleza se refuerza a través de la transparencia, la integración espacial y una materialidad consciente del entorno.

Fotos Ariadna Polo

Laboratorio de Arquitectura

Casa Río

Santiago de Querétaro, Qro. México

La disposición en ‘V’ de Casa Río responde al terreno trapezoidal y genera un jardín central que articula los espacios interiores, enmarcando las vistas al entorno natural. Esta forma organiza la casa en dos alas: una pública, con sala, comedor a doble altura, bar en tapanco y oficina con acceso independiente; y otra privada, con cocina, sala de TV y cuatro recámaras en planta alta, sobre un sótano de servicios y lavandería.

El jardín se despliega como vacío central, conectado visual y físicamente a todas las áreas. Canceles de piso a techo en la fachada posterior disuelven los límites entre interior y exterior, mientras que las aperturas en zonas íntimas se diseñan para mantener privacidad sin sacrificar luz ni vistas.

El primer volumen se adapta al terreno con una doble altura que amplifica la espacialidad; al exterior, una alberca y un fogatero siguen la modulación estructural. El segundo volumen alberga servicios y circulaciones. Las escaleras conectan niveles de forma eficiente, desembocando en un vestíbulo que distribuye el tránsito.

La estructura es ligera: columnas esbeltas y tensores metálicos permiten aperturas limpias y se integran como parte del lenguaje arquitectónico. En las recámaras, los tensores controlan el asoleamiento y direccionan las vistas.

Los muros laterales flotantes, el uso de mármol Santo Tomás, chapa de nogal y jardines secos con vegetación nativa refuerzan la relación con el entorno, minimizando el impacto ambiental y permitiendo que la casa “desaparezca” en el paisaje.

labarq.mx

@laboratoriodearquitectura

Casa Río’s V-shaped layout responds to the trapezoidal site, creating a central garden that organizes the interior spaces and frames views of the natural surroundings. The form defines two wings: a public wing with a double-height living and dining area, a mezzanine bar, and an independent-access office; and a private wing with a kitchen, TV room, and four bedrooms above a service and laundry basement.

The garden acts as a central void, visually and physically connecting all areas. Floor-to-ceiling sliding doors at the rear façade dissolve boundaries between interior and exterior, while openings in private spaces maintain light and views without compromising privacy.

The first volume adapts to the terrain with a double-height space that amplifies the sense of openness; outside, a pool and fire pit extend the structural rhythm. The second volume houses services and circulation. Stairs connect the levels efficiently, leading to a vestibule that distributes movement.

A light structure—slender columns and steel ties—allows clean openings and integrates seamlessly into the architectural language. In the bedrooms, the ties regulate sunlight and direct views.

Floating side walls, Santo Tomás marble, walnut veneer, and xerophilous gardens with native vegetation reinforce the bond with the landscape, minimizing environmental impact and allowing the house to blend into its surroundings.

“El diseño busca que la arquitectura desaparezca entre los árboles, con planos opacos al frente y una apertura total hacia el paisaje en la parte posterior.”

Inspiradora intervención

Una remodelación inspiradora que logra mantener el carácter original de la casa blanca de Niemeyer –construida a fines de los años 60– viene al presente sumando valor y metros cuadrados con un nuevo anexo.

Fotos Ruy Teixeira

Siqueira + Azul Itaúna House

Río de Janeiro, Brasil 2024

Casa Itaúna se ubica en un terreno que originalmente albergaba una residencia compacta diseñada por Oscar Niemeyer. Gracias a la adquisición del terreno colindante y la transformación del paisaje que lo circunda, el equipo de Siqueira+Azul logró ampliar la propiedad. Esta expansión permitió reconfigurar el paisaje urbano, creando una conexión ajardinada entre la casa original y su entorno. El proyecto introduce un nuevo jardín definido por líneas verticales y horizontales distintivas que realzan la sensación de amplitud.

El punto focal de la ampliación es el nuevo anexo de ocio, ubicado en un plano expresivo que parece flotar entre la piscina y el jardín. Este diseño aporta dinamismo a la propiedad, a la vez que crea una sólida conexión visual con los espacios exteriores. El área de entretenimiento se incorpora a la composición general del proyecto, reforzando la cohesión entre los elementos preexistentes y los contemporáneos. Su diseño, basado en materiales naturales como la piedra y el concreto, establece límites a través de la diferenciación de planos y usos, en contraste con la continuidad visual que unifica el conjunto.

El proyecto consta de tres construcciones independientes, todas ellas interconectadas por senderos, pasarelas y escaleras. Estas conexiones permiten una circulación fluida por toda la propiedad, lo que promueve una integración completa entre las diferentes estructuras. El diseño arquitectónico prioriza la fluidez funcional y la facilidad de acceso, a la vez que adapta los espacios interiores con la idea de motivar nuevas formas de habitar la casa.

Una de las características que definen Casa Itaúna es la incorporación de grandes paneles pivotantes a las fachadas de los bloques principales existentes. Estos paneles se apoyan en un esquema estructural a la medida de una malla cuadrada de hierro, lo que les permite funcionar eficientemente y se convierten en un atractivo elemento visual al exterior. Los límites entre los espacios interiores y exteriores se suavizan mediante el uso continuo de un largo banco que delimita los bordes de las losas.

Un óculo, diseñado como punto de observación y fuente de luz natural, ofrece vistas al patio superior. Esta característica realza la circulación vertical dentro del proyecto, que se ve reforzada por una escalera helicoidal que conduce a una torre con grandes paneles corredizos de vidrio. Dicha escalera, además de fungir como elemento escultórico del diseño, conecta los distintos niveles de la propiedad.

siqueira-azul.com.br

Casa Itaúna sits on a site that originally housed a compact residence designed by Oscar Niemeyer. Following the acquisition of the adjacent plot and the transformation of the surrounding landscape, Siqueira+Azul expanded the property, reconfiguring the urban fabric and creating a landscaped connection between the original house and its new surroundings. The project introduces a garden defined by distinct vertical and horizontal lines, enhancing the sense of openness.

The focal point of the expansion is a new leisure annex, positioned on an expressive plane that appears to float between the pool and garden, bringing dynamism to the property and establishing a strong visual link with the outdoor spaces. This entertainment area integrates seamlessly into the overall composition, bridging pre-existing and contemporary elements.

Constructed from natural materials like stone and concrete, the annex defines boundaries through the differentiation of planes and uses, contrasting with the visual continuity that unifies the whole.

The project comprises three independent structures connected by pathways, walkways, and staircases, enabling fluid circulation and full integration across the site. The design prioritizes functional flow and ease of access while adapting the interiors to encourage new ways of living within the house.

A defining feature of Casa Itaúna is the addition of large pivoting panels on the façades of the existing main blocks. Supported by a custom iron grid structure, these panels function efficiently while serving as a striking visual element.

The transition between indoor and outdoor spaces is softened by a continuous bench running along the slab edges.

A skylight, designed as a viewing point and source of natural light, frames views toward the upper courtyard, enhancing vertical circulation, which is further emphasized by a helical staircase leading to a tower with large sliding glass panels. This staircase not only connects the property’s various levels but also acts as a sculptural centerpiece within the architectural composition.

El nuevo anexo de ocio de Casa Itaúna se construyó con materiales naturales como piedra y hormigón, creando una sensación de armonía con el paisaje circundante.

Un óculo funciona como mirador y proveedor de iluminación adicional, además de que permite la vista al patio superior de Casa Itaúna.

Elegancia escultórica y espacial

Fotos Dave Kulesza

Ubicada en uno de los suburbios más frondosos de Melbourne, la residencia Kernan se inspira en la forma escultural del exterior, logrando una sensación de calma mediante detalles refinados y una paleta de materiales. Al entrar, las habitaciones conectadas invitan a la conversación informal y a una fluidez natural, mientras los espacios privados ofrecen luz y calidez cuidadosamente diseñadas.

Escultural y central, la escalera conecta niveles y eleva la experiencia de habitar con protagonismo e intriga.

Jack Fugaro Architect K Residence

Melbourne, Australia 2024

Ubicada en uno de los suburbios más frondosos de Melbourne, la residencia Kernan se inspira espacialmente en la forma escultural del exterior, logrando una sofisticada sensación de calma mediante detalles refinados y una vasta paleta de materiales.

Al entrar en la casa e iniciar su recorrido, las habitaciones interconectadas dan la bienvenida con un ambiente abierto y acogedor. La isla de la cocina y el vestíbulo de entrada invitan a la conversación informal y a una fluidez natural, lo que los convierte en lugares ideales para reuniones espontáneas. Mientras tanto, los espacios privados se abren de manera amigable para el descanso y la relajación; cada uno con luz natural y una esmerada selección de materiales. Esta interacción, cuidadosamente coreografiada entre amplitud y aislamiento confiere a la casa una calidez acogedora.

Ubicada en el centro de la planta, la escalera escultural capta la atención como una obra de arte en una galería. Más que un elemento visual central, ancla la casa conectando las áreas sociales de la planta baja con los dormitorios y las zonas privadas de la planta superior. Al definir los espacios habitables circundantes, la escalera crea una sensación de intimidad en cada pieza contigua, manteniendo un lenguaje de diseño general. Esta característica responde directamente al gusto y peticiones de la familia: amplificar la experiencia interior reflejando la audaz identidad escultórica del exterior.

El objetivo era realzar la experiencia interior, con inspiración en la sólida estética escultural del exterior: una serie de espacios bien pensados que realzan momentos inesperados a través de una serie de volúmenes de doble altura, llenos de luz que conectan con sus moradores, a la vez que se entrelazan con las zonas de descanso y de recreo privadas de la planta superior.

Para los interiores, el equipo de Jack Fugaro Architect seleccionó una combinación serena de madera, superficies texturizadas y una paleta de colores controlada. Los diseñadores combinaron estos materiales para crear momentos sutiles, pero impactantes, desde volúmenes de doble altura que inundan los espacios interiores con luz natural hasta rincones que invitan a la relajación. Esta meticulosa atención al detalle une cada elemento y refuerza la visión de la casa de una vida moderna y tranquila.

jackfugaro.com.au

Located in one of Melbourne’s lushest suburbs, Kernan Residence draws spatial inspiration from its sculptural exterior form, achieving a sophisticated sense of calm through refined detailing and an extensive palette of natural materials. Upon entry, interconnected rooms welcome residents and guests into an open and inviting atmosphere. The kitchen island and entry vestibule foster informal conversation and a natural flow, becoming ideal spaces for spontaneous gatherings. Meanwhile, the private areas open up graciously for rest and relaxation, each space bathed in natural light and crafted with a curated material selection.

At the center of the plan, a sculptural staircase stands as a visual centerpiece, anchoring the social spaces of the ground floor to the private quarters above. Beyond its aesthetic role, the staircase defines surrounding living spaces, creating intimate pockets while maintaining a cohesive design language. It reflects the family’s wish to amplify the interior experience by mirroring the bold, sculptural identity of the exterior.

The interiors, designed by Jack Fugaro Architect, present a serene composition of timber, textured surfaces, and a restrained, earthy palette. These materials are orchestrated to create subtle but powerful moments—double-height volumes flooded with natural light and secluded nooks for quiet reflection. Meticulous attention to detail unites every element, reinforcing the home’s vision of modern, tranquil living deeply connected to its environment.

Todos los espacios celebran las voluminosas proporciones de la casa, a la vez que crean espacios íntimos para la tranquilidad.

El mármol esculpe la esencia de Kernan House: espacios luminosos, cálidos y de refinada elegancia.

Organizado por:

Columnas Salone del Mobile Milano 2025: Un diálogo global en el diseño

Kenya Rodríguez

una perspectiva única que refleja la riqueza cultural de nuestro país. Reafirmando a México como un actor clave en la conversación internacional sobre diseño.

Al contemplar estas obras, es evidente que el diseño tiene el poder de resonar con nuestras emociones más íntimas. Nos brinda la posibilidad de descubrir la belleza en lo simple y de apreciar la funcionalidad que honra nuestras raíces. La filosofía de Yanagi, que sostiene que “la belleza se encuentra en las cosas cotidianas”, se manifestó con claridad en la edición del Salone de este año.

La presencia activa de diseñadores mexicanos subraya la importancia de conectar con nuestras herencias culturales, estableciendo un diálogo que trasciende fronteras. Estas propuestas no solo embellecen espacios, sino que cuentan historias que unen a las comunidades y nos recuerdan la riqueza de la experiencia humana. En un mundo que a menudo olvida lo esencial, cada pieza y elemento de diseño son un recordatorio de que la belleza está presente en lo cotidiano y que, al apreciarla, podemos forjar un sentido de comunidad.

Thought for Humans — Diseño a medida del ser humano fue el lema creado por Dentsu Creative Italy que enmarcó el Salone del Mobile 2025, iniciando un diálogo hacia un diseño más humano y consciente. Es difícil no sentir la emoción que impregna cada rincón de este evento emblemático para todos aquellos que somos parte del mundo del diseño ya sea que nos conectemos a él por la arquitectura, el arte, el interiorismo, o sólo por simple gusto y disfrute. La cita obligada

de la creatividad y diseño no solo celebró la estética en esta edición, sino que también invitó a la reflexión sobre el impacto del diseño en nuestras vidas y entornos. Entre las diversas propuestas que inundaban cada rincón de Milán, las obras de diseñadores mexicanos sobresalieron con particular fuerza, destacándose por su enfoque emocional y social. Creativos como Balmaceda Studio, Artell + Code Studio, Studio David Pompa y Rodrigo Noriega aportaron

En esencia, el Salone del Mobile 2025 se transformó en un foro para el intercambio de ideas, donde la creatividad y la funcionalidad se entrelazan en un abrazo perfecto e inagotable. En este cruce de caminos, diseñadores de todo el mundo y marcas como Ingo Maurer, Poliform, Verdi, Marset y Santa & Cole las qué más me sorprendieron con sus propuestas, invitándome a valorar la autenticidad y a redescubrir la belleza que reside a nuestro alrededor. Esperemos con emoción qué maravillas y talentos nos sorprenderán en la próxima edición.

kenyarodriguez.com.mx @kenyarodriguez_estudio

Columnas El futuro del trabajo es una comunidad, no solo un espacio

Arturo Bañuelos

Las oficinas han dejado de ser espacios exclusivamente funcionales para convertirse en entornos vivos, diseñados para generar experiencias que inspiren, conecten y eleven el bienestar de quienes las habitan. La migración del modelo tradicional de oficinas hacia ecosistemas comunitarios responde a un cambio en la manera en que las personas perciben y valoran su entorno laboral. Hoy, las nuevas generaciones buscan mucho más que escritorios y salas de juntas: aspiran a espacios que reflejen su identidad, fomenten la creatividad y les permitan equilibrar su vida personal y profesional. El trabajo híbrido ha sido un catalizador de esta

transformación. Las empresas han comprendido que no basta con ofrecer oficinas abiertas o zonas de colaboración si éstas no generan interacciones significativas. Ejemplo de lo anterior es el modelo de oficinas llamado Community-Based Design, concepto creado por la empresa Steelcase que se caracteriza por espacios con funciones específicas, inspirados en la estructura de una ciudad. Estos entornos incluyen el “centro de la ciudad”, que actúa como un núcleo social; los “vecindarios”, concebidos como bases operativas de equipos e individuos; el “centro de negocios”, donde la colaboración fluye de manera espontánea; los

“parques urbanos”, que brindan un respiro necesario; y el “distrito universitario”, destinado al aprendizaje y la reflexión.

Desde mi experiencia en JLL, he observado que aquellas empresas que han apostado por la transformación de sus oficinas bajo esta lógica han logrado resultados tangibles en la atracción y retención de talento. Un diseño bien concebido, que privilegie la flexibilidad, el bienestar y la conexión humana, no solo favorece la productividad, sino que también refuerza la cultura organizacional y los valores compartidos.

Aún hoy, a cinco años del confinamiento derivado por la pandemia, el mayor desafío que enfrenta el sector sigue siendo el retorno de la fuerza de trabajo a la oficina. Para muchas empresas, la solución ha estado en reimaginar el propósito del espacio de trabajo. Atrás quedaron los días en que el 80% de la oficina estaba destinado a estaciones fijas; hoy, este porcentaje se ha reducido por debajo del 60% en favor de áreas compartidas, no asignadas, que favorecen la colaboración y la movilidad. Este cambio responde a una necesidad evidente: las personas no quieren regresar a oficinas impersonales, sino a espacios que los inspiren, los motiven y les den razones para el trabajo presencial. Diseñar oficinas bajo un modelo comunitario implica comprender que la interacción no sucede por imposición, sino por atracción. Las empresas que han consolidado espacios con significado han entendido que el diseño no solo responde a criterios estéticos o funcionales, sino a la creación de experiencias que potencien la conexión humana. Por lo anterior, el futuro de las oficinas no se define por metros cuadrados, sino por la calidad de los vínculos que se generan dentro de ellas.

@arturo.banuelosoficial

Director de Proyectos y Desarrollos en @jllmexico

Construir con el árbol entero: lecciones desde los troncos

Veronika Kudriashova

La construcción con troncos enteros de madera tiene raíces profundas que se remontan a los siglos IX–X, en regiones nórdicas y boscosas como Escandinavia y Europa del Este, especialmente en lo que hoy es Rusia, Finlandia, Noruega y Suecia.

La madera se seleccionaba con sumo cuidado, en bosques profundos, lejos de cualquier actividad humana. Se utilizaban especies como pino y abeto, por su abundancia, facilidad de trabajo y buena resistencia. Se elegían troncos de densidad y tamaño similares, asegurándose de que no presentaran daños por insectos ni humedad. Solo se utilizaban aquellos cuya sección transversal superaba los 20 cm. Los carpinteros comenzaban a cosechar la madera en pleno invierno, cuando los árboles ofrecían mayor durabilidad. El corte se realizaba en marzo y

luego los troncos se dejaban reposar durante varios meses, o incluso años, para permitir su encogimiento natural. Mientras tanto, se elegía cuidadosamente el lugar donde se levantaría la cabaña, considerando la orientación y las condiciones del terreno.

Las casas antiguas se construían sin un solo clavo, gracias a conocimientos transmitidos de generación en generación. Para unir los troncos en las esquinas se usaban diferentes ensambles tradicionales, que garantizaban estabilidad y durabilidad. La madera se tallaba con hachas, sierras y formones hasta lograr que un tronco encajara perfectamente con el siguiente. También se aplicaban uniones como la “media madera”, que permitían que los troncos descansaran unos sobre otros con firmeza. Dado que cada tronco tiene su forma única, entre

¿Puede la tradición del tronco entero de madera guiarnos hacia una arquitectura más sustentable?

ellos podían quedar espacios, los cuales se rellenaban con materiales naturales como musgo seco, paja, lino o fieltro de lana. Además del trabajo preciso, era el peso propio de los elementos ensamblados lo que contribuía a la estabilidad de toda la estructura. Este tipo de construcción evolucionó como una respuesta práctica, cálida y accesible a los climas más severos. Las casas de troncos protegían del frío de forma natural y creaban en su interior un ambiente cálido, respirable y profundamente humano. ¿Pero cómo influyó esta técnica ancestral en la construcción en madera de hoy?

La construcción con madera maciza fue el punto de partida para el desarrollo de materiales más tecnológicos, como la madera laminada estructural (Glulam). Las limitaciones del tronco entero −como el tamaño máximo del árbol, los largos tiempos de secado y los movimientos irregulares del material al perder humedad− provocaban deformaciones y afectaban la durabilidad de las edificaciones.

Para superar estos retos, en países como Japón, Alemania y Escandinavia, a inicios del siglo XX comenzaron a experimentar con la unión de tablas delgadas mediante adhesivos estructurales, creando piezas más estables y resistentes. Así nació el Glulam, un material compuesto por varias láminas de madera cuidadosamente seleccionadas, secadas y luego unidas bajo presión. Este sistema permite obtener vigas y columnas de mayor estabilidad, resistencia y libertad dimensional que las que podrían encontrarse en un solo árbol. Además, hoy en día es posible fabricar vigas curvadas, perforadas o de dimensiones especiales, impensables en la madera sólida tradicional.

Desde una perspectiva sustentable, el Glulam también ofrece ventajas: se pueden usar piezas cortas o más delgadas, ello concede aprovechar mejor el recurso forestal y fomentar plantaciones diseñadas específicamente para este fin, sin necesidad de cortar árboles centenarios con grandes diámetros. En definitiva, el desarrollo de la madera laminada es una evolución natural de la construcción con troncos enteros. Fue precisamente a partir de las limitaciones de la madera maciza que surgieron las innovaciones de ingeniería que hoy nos permiten llevar la construcción en madera a nuevas escalas, sin olvidar las lecciones esenciales que nos dejaron los primeros carpinteros del bosque.

@ee_nika

12 / Objeto Glocal

Kaleidoscope

Estudio Campana para Objets Nomades de Louis Vuitton

En otra demostración de su imaginación desbordante y su ingenio narrativo, Estudio Campana ha reinterpretado la icónica mesa del juego de futbolito, transformándola en una pieza sofisticada, caprichosa y única. Los jugadores de fútbol, en un guiño al mundo submarino, se han convertido en ágiles sirenitas y el gabinete-cancha de juego hace una oda a los viajes y a la herencia de Louis Vuitton. Ahora en una versión azul, este mueble multifacético: Kaleidoscope ha sido fabricado como una

pieza única en ocho colores y cuenta con más de 500 componentes, cada uno tapizado en cuero Louis Vuitton mediante un meticuloso proceso artesanal. El interior, revestido en cuero y compuesto por unidades de almacenamiento y exhibición, evoca el ingenio de los históricos baúles de la Maison. La pieza se integra a la colección Objets Nomades de Louis Vuitton. estudiocampana.com.br louisvuitton.com