¡Felicidades GANADORES del Premio Interceramic de Arquitectura e Interiorismo Décimo Segunda Edición! Gracias a los Profesionales del Diseño y la Arquitectura de México y Guatemala por haber hecho con sus proyectos e ideas una edición más de Premio Interceramic llena de creatividad y propuestas que enaltecen los espacios que habitamos. Celebramos su pasión, creatividad, perseverancia y gran trabajo.
28 0855 / VAN VAN ATELIER ARQUITECTURA COMERCIAL
FERROCARRIL DE CUERNAVACA 780 / HEMAA ARQUITECTURA INSTITUCIONAL
Editora Fundadora
CEO
Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx
Directora Editorial
Martha Lydia Anaya martha@glocal.mx
Coordinador Editorial
Pedro Rodríguez redacciongdm@glocal.mx
Coordinador Web Mario Ostos mario.ostos@glocal.mx
Coordinación General Gabriel Arcila gabriel.sarcila@glocal.mx
Gerente Comercial
Berenice Muñoz berenice.munoz@glocal.mx
Colaboradores
Karen Velázquez
Tatiana del Toro
CONSEJO EDITORIAL
Consejeros Honorarios
Gina Diez Barroso
Miguel Ángel Aragonés
Jorge Arditti
Arturo Arditti
Juan Carlos Baumgartner
Fernando Camacho Nieto
Carmen Cordera
Juan Manuel Lemus
Beata Nowicka
Carlos Pascal
Gerard Pascal Ariel Rojo
Sagrario Saraid
Contabilidad Víctor Villareal
Contacto glocal.mx info@glocal.mx
Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Teléfono 52(55) 5533 6818
Pasión y compromiso
Tener una edición que cierra y abre un nuevo ciclo, nos da la posibilidad de poner un pie en un año que se visualiza complejo por los tiempos políticos que vive nuestro país en su futuro inmediato, pero al mismo tiempo, nos da la siguiente certeza: mientras haya ciudadanos comprometidos en su especialidad, tratando de impactar para bien en su propia comunidad, todo estará bien.Y es que todo, absolutamente todo, seguirá bien si desde las raíces existe el interés genuino por aportar. Hablando desde nuestra comunidad, todo se mantendrá frme y crecerá si seguimos conviviendo en espacios dignos y amables para los usuarios y para la tierra en donde habitan.
Fe de erratas
En nuestra edición anterior, Glocal 74, los nombres de nuestros colaboradores para el especial El how to de la inteligencia artifcial aparecen escritos incorrectamente. Los nombres correctos son: Carlos Castillo e Irving Reséndiz (IXA Lab)
Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S. A. de C.V. Revista Bimestral diciembre 2023 - enero de 2024. Distribuidora Comercializadora ABREVER S.A. de C.V. Dirección Oriente 28 #362 Col. Reforma C.P. 57840 Nezahualcóyotl, Estado de México. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certifcado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certifcado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, Ciudad de México, México.
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¿De dónde nace la anterior refexión? De volver a mirar y gozar los proyectos que están en esta edición de aniversario y que representan una parte de lo más destacado en arquitectura, interiorismo y diseño en nuestro país, en los últimos doce meses. Este ejercicio de ver para atrás cada año y que hacemos desde el día cero, nos da también esa certidumbre, ya que hemos vivido —y hemos sido parte activa— de la evolución del México creativo, y lo que es hoy este gremio, que nunca antes en la historia fue tan sólido.Vivimos un momento creativo en el que los contrastes conviven más íntimamente y se complementan mejor que nunca ¡Qué delicia!
Y con los pies puestos en este compromiso, tenemos que decir que hace trece años no había revistas que reunieran en sus páginas lo mejor del diseño, arquitectura e interiorismo bajo un mismo título. Macrotendencias fue un paradigma al introducir al diseño de moda en los proyectos
editoriales de arquitectura e interiorismo (y viene la segunda temporada; así que ¡agárrense!). Las colaboraciones editoriales entre creativos e industria simplemente no existían. Los premios de lo más destacado como lo hacemos nosotros, tampoco sucedían. Nadie celebraba a los grandes personajes y otorgaba premios a las trayectorias con la formalidad necesaria. Las coberturas foráneas y alianzas con las ferias más reconocidas del mundo, nadie antes que nosotros las hacía. Las dobles portadas, lo intentaron otros títulos con nombres internacionales y no pudieron sostenerlas. Sí, me enorgullece decir que somos parte de esos proyectos bien hechos y estructurados que hablan de su momento y nacieron después de una ardua investigación, y nos sustenta el profesionalismo de más dos décadas de trabajo.
Glocal Design surge después de mi propia experiencia en el medio editorial, y hoy después de 13 años, seguimos en evolución constante. Cierro agradeciendo a ustedes: nuestra comunidad; sin su trabajo nuestra labor sería muy aburrida. Gracias a nuestros aliados comerciales, sin ustedes no seríamos parte de una industria tan inquieta y propositiva. Gracias a mi equipo editorial, que liderado por Martha Lydia Anaya, ha sabido sortear los cambios de los últimos años (con 8 años en casa, es la persona más dedicada y comprometida con su labor). Seguimos y seguiremos con la misma pasión, compromiso y listos para los nuevos proyectos que irán conociendo poco a poco.
Greta Arcila ceo y editora fundadora
Portada: Casa Camelia por Romero de la Mora Foto: Ariadna Polo
52 Spa en Tepoztlán | Soler Orozco Arquitectos + JSa Taller de Arquitectura
56 Casa Basáltica | REIMS 502
60 Los Jales House | Ezequiel Farca Studio
64 Casa Escuela | Ezequiel Farca Studio
68 Parque Vía | Soler Orozco Arquitectos
72 Camelia House | Romero de la Mora Architecture and Development
76 Gran Acuario Mazatlán Mar de Cortés | Tatiana Bilbao Estudio
80 Hotel Boca de Agua | Frida Escobedo
84 Centro de Desarrollo Comunitario en antiguo Rastro Municipal | Laboratorio de Acupuntura Urbana
88 Albor Hotel Tapestry by Hilton | PRODUCTORA + ESRAWE
92 Casa FS | Weber Arquitectos
96 Villa Cava | Espacio 18 Arquitectura
100 Casa El Tamarindo | Taller Estilo Arquitectura
104 Casa Mejorada | Oriundo Taller
COLUMNA
117 Arquitectura Circular
Por Homero Hernández
118 Protagonista silencioso en el mundo de Félix Candela
Por Alexander Garduño
119 Los jardines de Frank Lloyd Wright
Por Marcela Duana
OBJETO GLOCAL
120 Lámparas totémicas de Jeremy
Anderson para Gallery FUMI | Design
Miami 2023
A GEN DA
TODO SE VUELVE MÁS LIGERO
HASTA EL 11 DE FEBRERO DE 2024
Ubicación: Museo Jumex
Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra 303, Granada, CDMX.
El título está inspirado en el poema Everyone Gets Lighter, del reconocido artista John Giorno quien leyó sus poemas en la Fundación Jumex, en Ecatepec, hace veinte años. Todo se vuelve más ligero presenta obras creadas entre 1961 y 2023 por artistas que han empleado diferentes enfoques de la luz, no solo para iluminar una imagen o un objeto, sino como tema o medio en sí mismo. Con motivo de esta exposición, el Museo Jumex presentará en su plaza Waterfall (1998), escultura de gran formato de Olafur Eliasson, expuesta por primera vez al público. fundacionjumex.org
GUERRA Y PAZ. UNA POÉTICA DEL GESTO
HASTA EL 28 DE JUNIO DE 2024
Ubicación: Museo Universitario de Arte Contemporáneo Av. Insurgentes Sur 3000, Ciudad Universitaria, CDMX.
La muestra, conformada por 63 obras y curada por Cuauhtémoc Medina y Natalia Gutiérrez Montes, difiere radicalmente de las revisiones que el trabajo de Beatriz González ha tenido recientemente en Europa y Estados Unidos: la propuesta del muac no se trata sólo de una retrospectiva de la trayectoria de una supuesta pop sudamericana, sino que revisa las metodologías de González en la exploración del poder comunicativo de la figura. La exposición del muac busca mostrar la calidad del trabajo de González como pintora en términos de su capacidad de comunicación sensible y a través del trabajo mismo de la invención formal y pasional a partir de imágenes ordinarias. muac.unam.mx
MEXICHROME
HASTA EL 3 DE MARZO DE 2024
Ubicación: Palacio de Bellas Artes Av. Juárez s/n, Centro Histórico, CDMX. Mexichrome es resultado de un análisis exhaustivo sobre el uso histórico y estético del color en la fotografía mexicana, comenzando desde la introducción de la primera película en color —hace más de 80 años— distribuida por Kodak. La muestra reúne una selección meticulosa de 208 obras capturadas por 124 autores provenientes de México, América Latina, Estados Unidos y Europa. En Mexichrome el público podrá conocer obras emblemáticas de los pioneros de la técnica fotográfica a color en México, entre ellos Paul Outerbridge, Juan Guzmán, Walter Reuter, Bob Schalkwijk y Pedro Meyer. También se presentan ejemplos atípicos del trabajo en color, como Manuel Álvarez Bravo, Héctor García y Mariana Yampolsky, quienes generalmente se inclinaron por capturar momentos en blanco y negro. palacio.inba.gob.mx
Guerra y Paz. Una poética del gesto | Museo Universitario de Arte Contemporáneo
PEDRO LASCH. ENTRE LÍNEAS | BETWEEN LINES
HASTA EL 19 DE MAYO DE 2024
Ubicación: Laboratorio Arte Alameda
Dr. Mora 7, Centro Histórico, CDMX.
Pedro Lasch es un artista que de forma inusual oscila entre la autonomía estética del trabajo de estudio y el involucramiento comunitario; entre el género tradicional, como la pintura, la escultura, además de los procesos artísticos participativos y colectivos que siempre incluyen a otras personas. Estos intereses se unen a su compromiso con la migración como temática, tanto la suya como la de múltiples colaboradores en Estados Unidos, país donde ha establecido su hogar desde hace 30 años. Se trata de la primera revisión de media carrera en México. Esta exhibición toma como punto de partida su obra pictórica y escultórica, poco conocida contra sus proyectos de arte en pedagogía socialmente comprometida y experimental. artealameda.inba.gob.mx
POÉTICAS FEMINISTAS. ANA VICTORIA JIMÉNEZ | ALICIA D’AMICO
HASTA EL 11 DE FEBRERO DE 2024
Ubicación: Museo de Arte Moderno Av. Paseo de la Reforma s/n, Bosque de Chapultepec 1ª sección, CDMX. La exposición Poéticas feministas. Ana Victoria Jiménez | Alicia D’Amico pone en diálogo el trabajo documental y artístico de estas dos relevantes fotógrafas protagonistas del movimiento feminista en sus respectivos países —México y Argentina—, quienes, a través de una mirada que abarca desde lo íntimo y lo poético hasta lo social, incorporaron a su quehacer fotográfico su compromiso social con una estética feminista. Se muestra así, los alcances y contactos entre los movimientos de mujeres latinoamericanas, a la vez que se sitúa la trayectoria de estas dos creadoras en el contexto del arte latinoamericano. mam.inba.gob.mx
PETRIT HALILAJ: RUNIK
HASTA EL7 DE ABRIL DE 2024.
Ubicación: Museo Tamayo
Av. Paso de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, CDMX.
Para Halilaj (Kosovo, 1986) el arte no es sólo un vehículo para viajar y aprender del mundo, sino un medio a través del cual expresarse y explorar las complicadas emociones que rodean la historia de su tierra natal y su identidad queer. La obra de Halilaj está profundamente vinculada a la historia reciente de Kosovo y a las consecuencias de las tensiones políticas y culturales de la región. Su trabajo dialoga con el concepto de memoria colectiva, y a menudo se origina en experiencias personales. Al igual que las criaturas a las que da vida su obra, Halilaj ha aprendido a crear un hogar donde siente una conexión. La exposición reúne pájaros, mariposas, polillas, serpientes, tortugas y otros animales imaginarios que el artista ha realizado a lo largo de los últimos 15 años de su carrera. Esto se verá representado a través de diversos medios, como el dibujo, la escultura, la instalación y la escritura. Dichas creaciones se enmarcan en el complejo momento histórico contemporáneo. museotamayo.org
DOLORES PORRAS: TALLER
HASTA MARZO DE 2024
Ubicación: Museo Nacional de Cultural Populares. Sala Cristina Payán Av. Hidalgo 289, Col. Del Carmen, CDMX.
La obra de Dolores Porras llegó al Museo Nacional de Culturas Populares en Coyoacán; lugar al que también han llegado los hijos de la artesana, para dejar con la boca abierta a los asistentes con una muestra que huele a tierra mojada, orgullo, tradición y mucha creatividad. Dolores Porras continuó con una herencia milenaria de un pueblo de artesanos que trabajaban el barro y ella lo llevó a un nivel de maestría que hoy, 10 años después de haber trascendido, conquista la capital del país y recibe nada más que admiración. María Eladia Hagerman de ONORA, puso sus ojos en su obra y, aunque no la descubrió, la promueve y la presume como lo que es: una artista en toda la extensión de la palabra. mncp.cultura.gob.mx
ZONA MACO ®. 20 AÑOS
HASTA EL 7 AL 11 DE FEBRERO DE 2024
Ubicación: Centro Citibanamex Av. del Conscripto 311, Lomas de Sotelo, CDMX.
Por primera vez, ZONA MACO® presentará FORMA, un programa especial en conmemoración de su veinte aniversario, donde las galerías de mayor trayectoria en la feria mostrarán proyectos históricos o site-specific. Con motivo de su vigésimo aniversario, la feria contempla un nutrido programa de conversaciones con panelistas nacionales e internacionales que dialogarán en torno a temas de relevancia actual sobre el ámbito artístico, además de presentar editoriales y publicaciones especializadas, más un extenso programa de actividades paralelas que se llevarán a cabo con motivo de la celebración de sus veinte años.
zsonamaco.com
FORMA POR EDGAR ORLAINETA
EXHIBICIÓN TEMPORAL PARA COLECCIONISTAS (PREVIA CITA)
HASTA EL7 DE ABRIL DE 2024
Ubicación: Archivo Nouvel
Gral. Agustín Millán 10, San Andrés Atoto, Edo. Mex.
Desde su origen, Nouvel ha estado interesado en colaborar y co-crear piezas de vidrio con un gran valor conceptual y técnico, uniendo esfuerzos no sólo con diseñadores o arquitectos, sino también con distintos artistas como Jan Hendrix, Francisco Toledo, Jorge Yaspik, Tania Candiani y Edgar Orlaineta. El vínculo entre Edgar Orlaineta y Nouvel ha sido fructífero, dando paso a distintas piezas y ediciones limitadas que mantienen el sello distintivo de las obras de arte del escultor, pero también la manufactura e interés por la innovación constante del estudio de vidrio. Desde 2015, juntos han desarrollado y producido cinco series: Katsina, Katsina de Autor, Katsina Omaw, Katsina Nata Aska y, recientemente, Forma. nouvel.glass
Diseño y SUSTENTABILIDAD en los antiguos caminos novohispanos
Teniendo como contexto la presentación de una nueva línea de mobiliario con formas orgánicas donde los materiales cobran una importancia simbólica, Covadonga Hernández ha invitado al artista César López Negrete a crear, en colaboración, un espacio que hable por las artes, pero sobre todo por la arquitectura.
El artista ha desarrollado un trabajo que siempre busca mantener los paisajes y el contexto de las personas como el lienzo de su obra, donde a través de la investigación espacial, histórica y sensorial, se cuestionan las prácticas artísticas y sus infinitas posibilidades.
Cuando uno piensa en San Miguel de Allende, vienen a su mente inmediatamente los caminos empedrados novohispanos que, junto a su colección de edificios Barrocos dan un sello particular a una de las ciudades cuna de la independencia mexicana. Sin embargo, al ser un punto focal del turismo contemporáneo su diseño ha trascendido y los elementos sustentables son piezas clave de sus nuevos centros de hospitalidad.
Our Habitas San Miguel de Allende se suma a la tradición de la cadena internacional y trae para la ciudad del bajío, un espacio que crea la intersección perfecta entre naturaleza y cultura a través de sus 60 habitaciones de lujo, inspiradas en la Tierra y construidas de manera sustentable que, al estar separadas una de otra, brindan lo mejor del diseño y la privacidad que se buscan en un viaje de encuentro consigo mismo, uno de los fines que buscan la cadena.
La naturaleza rodea cada espacio dentro de Our Habitas desde las habitaciones, hasta los espacios de uso común como La Troje, su restaurante o su recepción, pero no se quedan en los espacios exteriores, sino que, al interior de cada habitación y espacio, hay una selección de piezas de diseño contemporáneo mexicano que los convierten en acogedores, bellos y confortables. Our Habitas San Miguel de Allende se convierte en el destino ideal de cualquier temporada vacacional —o de relajación— donde se mezclan integralmente diseño, tradición y cultura. —PR
Juntos, Hernández y López Negrete han generado un recorrido sensorial que reúne la arquitectura —e interiorismo— residencial de ella, junto al conocimiento artístico de él, obteniendo como resultado una experiencia contemplativa del campo del arte y la arquitectura que amplifica su rango de legibilidad y razón de ser.
«Me gusta diseñar de la mano de las personas para entender a fondo su esencia y diseñar cada elemento, cada mueble, cada espacio en sintonía con obras de arte. El resultado se traduce en un estilo de vida en perfecto equilibrio, que se plasma en el bienestar de los residentes en su día a día», expresa Covadonga Hernández, quien fundó MarqCó hace más de 25 años, diseñando espacios personalizados para sentirse y vivir plenamente. —MLA
Prado Sur 130 Lomas de Chapultepec, CDMX. marqco.com
Fotos: Pepe Molina
Our Habitas San Miguel de Allende | Our Habitas RISE | San Miguel de Allende, MX | 2022
Carretera San Miguel de Allende 37713, San Miguel de Allende Guanajuato, México
Diseño, LUJO y estilo de vida
Range Rover House | JLR Group | Bosques de las Lomas, Miguel Hidalgo, CDMX – 2023
Sofisticación y opulencia se enlazan completamente al diseño utilitario, y ese es uno de los preceptos que inspira la edición pionera de Range Rover House en ciudad de México.
«HICIMOS UN TRABAJO EXTENSO de búsqueda e investigación para conocer a detalle a los protagonistas actuales del diseño que queríamos mostrar en esta edición de Range Rover House que, además, nos emocionaba especialmente por ser la primera en la región México y Latinoamérica», indica Montserrat Martínez, Head of brand and Marketing para JLR – México & LACRO respecto a la instalación temporal de la primer Range Rover House en la Ciudad de México, los pasados 4 y 5 de diciembre.
Para la marca, el lujo esta intrínsecamente ligado al diseño: «en nuestro mundo automotriz, no podemos permitirnos crear algo que no tenga funcionalidad y, además, estética», puntualiza Mónica, quien recalca la importancia del trabajo de creativos de distintas disciplinas no sólo en sus productos, sino en las experiencias que ofrecen a su público y futuros clientes.
Esta primera edición de Range Rover House tuvo como escenario ‘Casa Rombos’ del arquitecto mexicano Miguel Ángel Aragonés, que se vio vestida con el trabajo de distintos diseñadores
de varias ramas creativas quienes compartieron una experiencia —casi inmersiva— a través de los valores de la marca y sus objetivos como empresa: vivir una experiencia de lujo y compromiso con el buen diseño.
El espacio se vistió con el talento y la creatividad de Ana Hop, Mauricio Lara, Andrés Monnier, Esteban Fuentes de María y Yakampot, quienes fueron algunos de los creativos seleccionados por la marca para presentar colecciones o trabajos encaminados a entender mejor la visión del producto a través de sus obras y procesos propios. «Esperamos que esta primera edición tenga como consecuencia la presentación de otras versiones de la casa —y la marca— no sólo en la Ciudad de México, sino en otras urbes del país», concluye Montserrat Martínez.
Otro de los proyectos de JLR, consistió en la celebración de una cena llevada a cabo entre Defender (otra de las marcas imprescindibles del grupo) y Arca Tierra. Ambos realizaron un evento con algunas figuras clave de la gastronomía mexicana contemporánea: Elena Reygadas, Gabriela Cámara, Lucho Martínez, Eduardo García y Eduardo Morali, quienes agregaron su sazón particular para crear una experiencia culinaria única, elaborada con ingredientes agroecológicos de la red Arca Tierra y un elemento fundamental: el cuidado a la naturaleza y a ecosistemas endémicos que, además de ofrecer alimentos de calidad, preservan tradiciones agrícolas que forman parte de la cultura mexicana.
jaguarlandrover.com
Entre MUROS IMPERFECTOS y piedra volcánica
Casa Club Pumas alberga 110 camas, áreas sociales, sitios de estudio y conocimiento, lugares de esparcimiento, entre otros espacios compartidos en la cantera azulgrana.
«El principal reto para Casa Club Pumas, fue entender el programa arquitectónico, pues este atiende las necesidades de jóvenes entre 13 y 17 años que necesitan estancias dignas acorde a su edad y requerimientos». — Alonso de la Fuente , director general de DFArquitectos
Con un total de 3,700m2 de construcción la Casa Club se divide espacios en públicos, privados y semi privados.
ENTRE PIEDRA VOLCÁNICA al sur de la Ciudad de México se edificó, bajo el mando de DFarquitectos, la Casa Club para el primer equipo de Pumas. Un proyecto que llega para resolver las necesidades de los canteranos que entren al club.
La propuesta arquitectónica se centra en dos volúmenes de cuatro niveles cada uno, ubicando en planta baja área de estacionamiento techado, algunos servicios de limpieza y cuartos de máquinas, y los espacios sociales como lo son aulas de estudio, biblioteca, comedor y terrazas, así
como un espacio de encuentro para las familias de los jóvenes que se hospedan en el lugar.
Los siguientes dos niveles de ambos edificios, contemplan 44 habitaciones con baños propios para hospedar cerca de 110 usuarios. El último nivel, son espacios de esparcimiento para los jóvenes, áreas de entretenimiento y terrazas que gozan de una extraordinaria visual de todo el complejo deportivo de los equipos de Pumas en todas sus categorías ubicadas en la Cantera. El uso de piedra volcánica como elemento fundamental de fachada, hace que ambos
edificios se acoplen perfecto al contexto inmediato, dejando más libre los niveles habitacionales, en donde por medio de una celosía dirigida a base de precolados que simulan el movimiento de los muros imperfectos naturales de la misma Cantera Universitaria complementan las fachadas. Con un total de 3,700m2 de construcción la Casa Club se divide espacios en públicos, privados y semi privados, dependiendo del nivel. —MAO dfarquitectos.com pumas.mx
Casa Club Pumas | DFArquitectos | CDMX – 2023
La piña como forma primigenia
José Bañuelos fundó Marva Studio hace cuatro años teniendo siempre una sola primicia: experimentar con las figuras de las piñas michoacanas sobre las formas del diseño mexicano contemporáneo.
Entrevista y texto
PEDRO RODRÍGUEZ
Fotos CORTESÍA MARVA STUDIO
AUNQUE LAS PIÑAS MICHOACANAS no son una artesanía milenaria —ya que su origen se remonta a la primera mitad del siglo xx—, para José Bañuelos sus formas representaban más que una estética o un uso como objeto doméstico. Para él se ha convertido en la posibilidad infinita de reproducción en piezas de diseño contemporáneo que también, le han permitido experimentar en técnicas de horneado de barro y cerámica, así como de la transformación material de la forma primigenia, a otras más abstractas como murales formados por decenas de mosaicos que representan las formas del fruto.
Sobre sus procesos y el amor que encontró a las piezas michoacanas, comenta: «Cuando empecé a convivir con las comunidades en Michoacán, conocí no solo sus procesos artesanales, sino la manera en que vivían y producían no solamente sus objetos de uso diario, sino sus propios alimentos. Bien dicen que ‘donde crece un aguacate, crece cualquier cosa’ y de verdad, aprendí muy bien el trabajo que la tierra representa para ellos y de ahí aprendí también que, si el barro produce la dureza necesaria para crear tabiques con los que se construye, sus posibilidades en cuestión de artesanía y resistencia pueden ser sorprendentes. Parte de esa experiencia ha generado que desarrollemos piezas a distintas temperaturas de cocción, lo que lleva a que cada pieza obtenga un carácter y personalidad únicos».
Aunque José es abogado de profesión, la pasión por el diseño lo ha llevado no solamente a la creación de su taller —Marva Studio— sino a enfocarse ahora en profesionalizar sus resultados a través de una formación en diseño de interiores y dirección de arte.
«Siempre he tenido una inquietud y gusto por el arte. Cuando conocí e identifiqué las piñas michoacanas, lo primero que me pregunté fue: ¿por qué estas piezas no son tan conocidas? Y al responder a esa pregunta y conocer los procesos que hay detrás de cada una, me di cuenta de que son comunidades muy cerradas en cuanto a sus trabajos artesanales, además de que cada vez existían menos personas que se interesaran por hacerlo, al no ser redituable económicamente. Actualmente hemos logrado trabajar con cinco familias en San José de Gracia y generar más de mil piezas por año que les permiten mantener sus propias tradiciones de alfarería y trabajos manuales en barro, pero ahora con una dirección comercial y creativa distinta que sí representa un negocio para ellos. Hemos trabajado de la mano con los primos Sergio y Antonio Gutiérrez, quienes se han convertido en un pilar fundamental de nuestro proyecto», concluye José Bañuelos, director de Marva Studio. marvastudio.com
«Desde que iniciamos nuestro proyecto Ananas, nos hemos preocupado por mantener un fuerte sentido de responsabilidad social».— equipo Marva Studio
Fomentamos y promovemos los principios de la economía social siendo solidarios y desarrollando talleres comunitarios en los que participan familias de San José de Gracia, Michoacán, elaborando diferentes piezas de arte en barro vidriado, siendo la piña la más representativa». equipo Marva Studio
Santuario para el arte, diseño y color
Barroco es una oportunidad para ser irreverentes; si ya hacemos todo muy riguroso todos los días y con tantas limitaciones, por qué no cautivar al espectador —para bien o para mal— con un espacio que nos llene de emociones.
«Durante las sesiones para revisar el proceso de desarrollo y ejecución de Barroco hablamos mucho desde la parte del arte y de cómo contrastar el impacto del rojo. Creo que ha sido la aplicación de color más arriesgada que se ha hecho en un espacio no cotidiano». — Rodrigo Fernández, co-fundador y director de Diez Company
FUE HACE UN PAR DE AÑOS cuando al co-fundador y director de Diez Company, Rodrigo Fernández, se le ocurrió la idea de montar un espacio que tuviera la estética de un santuario: un lugar sagrado con la luz —como protagonista— y la resonancia de otros elementos arquitectónicos como el arte, los aromas, la música y el color. «Siempre había tenido la inquietud de crear un espacio con un sentido religioso. Precisamente había visitado una presentación en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en Madrid, España y con esas impresiones tan gratas y maravillosas en mente, fue que pensé en el gran sentido que tendría el desarrollo de un proyecto similar en ciudad de México», platica Fernández.
«En esos momentos —continúa relatando— estábamos en la ejecución de Maison Diez Company y por cuestiones de tiempo no fue posible llevar a cabo esa idea; era muy rápido para realizar el proyecto. Sin embargo, en la pausa de proponer conceptos para la siguiente edición, surgió la oportunidad de hacerlo en la misma locación y fue entonces cuando pensé: ahora es el momento de recrear ese espacio que tanto he imaginado».
«Pensar en la idea de una iglesia como locación era complicado; busqué varios espacios, pero los requisitos eran que se tratara de inmuebles desacralizados, además de que también existía un tema de requerimientos de gobierno. A final de cuentas, no encontré el sitio idóneo, quizá algunas capillas en el Centro Histórico de la ciudad de México, pero por sus características eran de difícil acceso y de estructuras muy frágiles para colocar las piezas y el montaje que queríamos».
«La posibilidad de quedarnos y reutilizar la misma sede se alineó entonces como un ejercicio distinto de creatividad y permanencia por convertir el lugar en algo diferente, por crear un
espacio nunca antes visto que rompiera con las locaciones anteriores y desafiara a la gente a a maravillarse y dejarse sorprender. El reto era: nunca hemos hecho espacios tan grandes, a lo mejor este es el lugar correcto para materializar la idea de ser tocados por la emoción espiritual. Así surge: Barroco, la más reciente edición de Maison Diez Company», cuenta emocionado el creativo. En esa misma línea, estaba la alianza con la empresa española Santa & Cole para el uso de las imágenes de los archivos de piezas de arte exhibidas en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, como parte de su selección Neoseries de la Colección Thyssen-Bornemisza. De esta manera, Diez Company trae en exclusiva para Maison Diez Company las imágenes de famosas pinturas realizadas por artistas como Velázquez, Caravaggio, Rubens, Sweerts, Cranach y Christus, las cuales se exhiben por primera vez en México. Se trata de los lienzos de obras maestras barrocas en las que la luz es el alma que les da vida y significado, transportando a las audiencias a un mundo de emociones y espiritualidad.
La expresión de Barroco resuena aún más con la aplicación de «Ardiente», color del año que sale de la paleta WOW de Comex Trends 2024. «[Ardiente] es un color interesante, con una fuerza importante y que le da una percepción imponente al espacio. Este color [rojo] se ha asociado con el poder, la propuesta o la muerte; en Barroco adquiere otro significado y es todo lo contrario, se interpreta hacia el amor, la esperanza, la positividad y la paz, con lo que logramos que nuestra «Capilla Ardiente» se convierta en un sitio con otra dimensión a través del uso del binomio luz y color», concluye Fernández. —MLA diezcompany.mx comex.com.mx
«Desde la primera edición de Maison Diez Company he buscado que la luz sea el punto de partida. En otros espacios, la iluminación se ha explorado en
secundario cuando el binomio: luz
color
mano
Lo mejor del año en arquitectura
La arquitectura traza el lenguaje de las ciudades y de los lugares que se quedan en nuestra memoria. Como cada año, Glocal Design hace su selección de las mejores obras con el objetivo de poner sobre la mesa los proyectos más destacados por su composición, uso de elementos arquitectónicos y monumentalidad, que se suman a la evolución de esta disciplina en México.
Proyecto
La perfecta mimetización con el contexto
El respeto por el paisaje del proyecto, convierte a Casa UNO de Claclá, en una continuidad visible de su propio contexto natural que respeta colores, formas y texturas.
La vegetación en una zona como Ensenada es fundamental para la conceptualización de un proyecto como Casa UNO, que se integra por completo a su contexto natural.
Casa UNO | CLACLÁ (Claudia Turrent y Axel de la Torre) | Ensenada, MX | 2022
Los colores sólidos y arenosos para piezas de mobiliario y carpinterías interiores, complementan el propósito de mantener el ambiente exterior hacia adentro del proyecto.
ENTERRADA EN EL TERRENO como si se tratara de una caverna, casa UNO de Claclá se mimetiza con su contexto natural a través de formas y colores que se relacionan directamente con el paisaje, el cual se aprovecha no solamente de manera conceptual, sino física al integrar la vegetación y los recursos de iluminación y ventilación natural para que el programa arquitectónico responda completamente a su naturaleza de sitio.
Al ingresar a la casa, el usuario puede experimentar la sensación de entrar en una caverna, donde el reflejo de luz que provoca el carril de nado del nivel superior ilumina un pasillo de altura considerable por el que comienza el recorrido hacia las tres habitaciones, cada una con ventanas de gran tamaño, terrazas y domos que iluminan y ventilan naturalmente los espacios, algo imprescindible para los climas extremos de la península de Baja California.
Al enterrar buena parte de la construcción, el proyecto se puede entender como una operación a corazón abierto, donde tras terminar la obra, se dio paso a restituir la vegetación original del sitio que temporalmente fue trasladada a un vivero. Al mismo tiempo, al considerar como parte del diseño un jardín-fachada, era necesario también considerar el buen manejo de un recurso fundamental para la supervivencia de ese elemento: el agua. Toda el agua consumida en la casa se reutiliza mediante un sistema pasivo integrado en el diseño, haciendo que el riego sea sostenible y, con el tiempo, se logre restaurar la huella de la intervención. Actualmente, después de 3 años de trabajo de reforestación, el contexto vuelve a retomar su cauce natural.
Una de las intenciones principales del proyecto por parte de sus diseñadores ha sido que el programa refleje emociones a través no solamente de su arquitectura, sino de sus materiales y contexto. Ellos mismos definen al proyecto como una arquitectura artesanal que sigue procesos manuales en su construcción y la utilización —y selección— de materiales en pro de una buena mimetización con su contexto natural. clacla.com.mx
Habitar donde emerge el horizonte
Un diálogo respetuoso con la topografía del lugar, genera que Casa Zilin cumpla con el programa diseñado para sus habitantes por Taller Gabriela Carrillo.
La piedra emerge como contenedora de la topografía, extendiendo la vivienda en un entorno escaso de lluvia, pero necesitado de protección contra los vientos y el sol.
Casa Zilin | Taller Gabriela Carrillo | Ensenada, Baja California MX – 2023
LA PENÍNSULA DE BAJA CALIFORNIA cuenta con unas de las topografías más extraordinarias de nuestro territorio por la variedad de formas y materialidades que la conforman. Casa Zilin de Taller Gabriela Carrillo ha aprovechado cada movimiento del contexto natural de Ensenada para crear un espacio que se mimetiza por completo con el paisaje.
Como estrategia para no agredir el paisaje, el programa arquitectónico se contiene entre dos muros que se encajan sobre la topografía para dar estructura a un espacio flotante que surge entre la neblina matutina y vespertina de Cuatro Cuatros; de esa manera, se logra elevar el programa de una casa flexible, donde los confines de intimidad se disuelven entre el interior y el exterior, lo público y lo privado.
Igualmente, se genera naturalmente un observatorio superior capaz de reflejar las estrellas, al mismo tiempo que divide el espacio para la vida de una pareja y sus posibles visitantes. Dos patios laterales ofrecen espacios para la práctica de yoga, así como mantener encuentros al aire libre, enmarcando miradas, brisas y transparencias, reconociendo orientaciones y viento.
La piedra emerge como contenedora de la topografía, extendiendo la vivienda en un entorno escaso de lluvia, pero necesitado de protección contra los vientos y el sol. El espacio es multifacético: zona de lectura, trabajo, contemplación, descanso, comida y cuidado personal. La casa limita su expresión en el terreno, tejiendo ejes entre muros y un tercer elemento: un carril de nado en su cubierta que fluye como un negativo o positivo, generando desplantes en escaleras y sombras en la doble altura del espacio social.
La conexión con la calle, la conjunción de trabajo y sueño, la integración interior-exterior en distintos niveles, permiten que este espacio sea útil para una familia y para posibles habitantes en convivencia, sin interferir. Como un ejercicio de síntesis en ejes, materiales y escalas, el silencio, la luz y la orientación componen cuatro espacios íntimos dentro del mismo proyecto. gabrielacarrillo.mx
Casa Zilin entabla un diálogo estrecho con la topografía, mientras las vistas hacia la montaña, el reflejo de las estrellas, la reserva natural y el conjunto habitacional se entrecruzan.
Espacio público que dialoga con el Océano Pacífico
Ciudades hermanas | [H] Arquitectos por Javier Hidalgo | Mazatlán, MX – 2020
Ante la necesidad natural de los profesionistas del diseño y la construcción por mejorar su propio contexto, [H] Arquitectos desarrolló un programa integral de recuperación de un espacio público que dio como resultado el parque «Ciudades hermanas».
Fotos: Horacio Varissimo
A TRAVÉS DE UNA COLABORACIÓN
entre la iniciativa privada y [H] Arquitectos, se ha desarrollado el proyecto de espacio público nombrado «Ciudades hermanas», en honor al nombramiento que une distintas localidades del mundo bajo características particulares de hermandad cultural.
Fusionado perfectamente con su contexto, el parque público dialoga con el Océano Pacífico y entabla un discurso que no se queda en lo visual y emotivo, sino que va a lo práctico y social con los distintos usos que tienen los espacios proyectados por la oficina de arquitectura.
Para generar un mantenimiento mínimo y lo más económico posible, se decidió emplear concreto aparente, al mismo tiempo que se ideó un programa completo que pueda dar cabida a distintos tipos de actividades: un gimnasio, juegos infantiles, una cancha de basquetbol, fuentes interactivas y espejos de agua donde aparte del recreo de sus visitantes, se puede conseguir refrescar la temperatura que en la zona puede alcanzar hasta los 40º C. Unas techumbres metálicas, escalonadas y de formas hexagonales a manera de panal coronan la parte alta del parque que por las noches, funcionan como grandes pantallas de luz. En el centro se ubica el «Monumento a las Ciudades Hermanas», donde monolitos en acero cortados las recuerdan y dan origen al nombre del parque. Entre las plataformas, los recorridos se generan por medio de superficies ajardinadas y rampas de tucuruguay que hacen que el parque sea apto para todos.
Al estar orientado directamente al poniente, el parque «Ciudades hermanas» permite a sus visitantes admirar los atardeceres y, al mismo tiempo, generar la convivencia de los mazatlecos quienes ya han utilizado el espacio para ferias, festivales y conciertos. En general, el proyecto genera un espectaculo visual para todos sus ocupantes, quienes con el atardecer ven también el paso de tonos naranjas y rosas por toda la superficie del parque.
harquitectos.com
Al centro del proyecto se ha colocado el monumento a las «Ciudades hermanas», creado a partir de monolitos de acero que recuerdan y dan origen al nombre del parque.
El terreno
El parque que hace revivir a una capital
Parque de la Ciencia-Fundadores I | Víctor Márquez Arquitectos | Toluca, MX – 2023
Con la renovación del Parque de la Ciencia-Fundadores I en Toluca, la capital del estado ha recuperado sus emblemas históricos y culturales en un espacio de convivencia apto para todos los grupos sociales de la entidad.
«Significativamente compleja fue la interpretación de los antecedentes históricos y el entendimiento de los patrones de flujo peatonal en la plaza existente; es decir: ¿cómo lograr una apropiación cultural de un nuevo espacio tan [importante] para los habitantes de la ciudad?». —Víctor Márquez , director de VMA / Víctor Márquez Arquitectos
Fotos: Jaime Navarro
LA IDEA DE UN PARQUE como atracción turística y de esparcimiento para los habitantes de la capital del Estado de México se completó en una de sus etapas con la conclusión del proyecto para el Parque de la Ciencia-Fundadores I, a cargo de Víctor Márquez Arquitectos quienes han apostado ambiciosamente en el diseño de un espacio público que, además de renovar la imagen de Toluca, traiga arraigo por parte de sus habitantes y se convierta, poco a poco, en un emblema cultural más de la ciudad.
Tras enfrentarse a procesos burocráticos complejos y tardados, la oficina liderada por Víctor Márquez ha entregado apenas el inicio de un plan maestro que busca el rediseño de gran parte del Centro y, con ello, la dignificación del contexto para sus usuarios, convirtiendo el programa también, en un proyecto urbano de gran importancia social y económica.
Más allá de un proyecto arquitectónico, el Parque de la Ciencia-Fundadores I traza un programa de atracción de público en una de las ciudades más rezagadas en términos de turismo a nivel nacional: Toluca, la capital del Estado de México. La importancia de un proyecto de esta escala reacae, además de en el diseño, en la renovación de espacios que se encuentran en la consciencia pública: edificios religiosos, de gobierno y administrativos que ahora encuentran en el Parque, un espacio en común donde nuevos conceptos de identidad puedan ser forjados. victormarquez.com
«En
patinan y envejecen con
parque». —Víctor Márquez, director de VMA Víctor Márquez Arquitectos.
Arquitectura en conexión con el paisaje nayarita
Palma + HYBRID han creado NICO Sayulita: un tesoro que pareciera mantener los vestigios de la arquitectura moderna selvática, en medio del verde contexto de Nayarit.
«Un puente que cruza la alberca principal se convierte en el cruce hacia un proyecto que integra la naturaleza en cada uno de sus rincones. De la misma forma, los materiales juegan un papel importante al permitir esa integración o bien, una mutación futura en caso de ser necesaria». —Equipos de HYBRID + Palma
ESCONDIDO EN PAREDES DE CONCRETO armado e inmerso en la jungla nayarita, NICO se posiciona como un hotel boutique que abandera el desarrollo de una zona que, además de gozar de lo mejor del Pacífico mexicano, cuenta con un desarrollo que lo está convirtiendo en el nuevo lugar de descanso ideal para disfrutar de la playa y la arquitectura contemporánea mexicana. El hotel tiene solamente cinco suites, y cada una ha sido diseñada desde las generalidades y hasta las piezas más simples de mobiliario que componen cada espacio. En los espacios públicos, que se localizan en planta baja y azotea, se localizan dos albercas públicas con azulejos color turquesa; la primera, rodeada completamente del contexto natural de la zona; y la segunda, que ofrece vistas a la bahía, el mar y el cielo que se articula con las vigas de concreto que recuerdan al modernismo tropical.
Las comodidades del hotel —de categoría boutique— fueron pensadas minuciosamente por los equipos de diseño de ambas firmas para que pudiera preservarse la intimidad de los huéspedes al mismo tiempo que exista una conexión con el paisaje nayarita. Además, al ser pensado como un lugar de confort personal, ofrece una conexión en sus áreas públicas que se pierde de una manera progresiva al adentrarse a la intimidad de las suites. Ambas firmas han desarrollado un proyecto integral donde, además de mezclar sus visiones particulares de diseño, reúnen sus concepciones de una arquitectura fresca y joven que brinda la nueva imagen de un lugar en expansión turística. palma-mx.com hybridarc.com
La naturaleza como inspiración para el diseño arquitectónico
La península de Yucatán cuenta con bondades naturales que dan a su paisaje natural características únicas que Jaque Studio ha aprovechado para el desarrollo del proyecto Casa Tropical.
Para la construcción del proyecto se utilizan soluciones constructivas y acabados locales, como la piedra caliza y el chukum; sin embargo, la madera es el principal elemento utilizado al tener una huella menor de carbono y ser un material renovable.
Casa Tropical | Jaque Studio | Tulum, Quintana Roo MX – 2023
Fotos: César
Béjar
LAS PROPIEDADES NATURALES del terreno han sido aprovechadas por Jaque Studio para diseñar un programa arquitectónico en un solo nivel y distribuido a través de una planta en forma de ‘L’ que distribuye todo a raíz de un cuerpo de agua existente y de las vistas naturales de la selva, para lo que el proyecto fue orientado hacia el norte.
Gracias al cuerpo existente de agua, el terreno goza de una excelente —y abundante— vegetación de árboles tropicales que dan su nombre al proyecto. El entorno tropical es el protagonista, donde incluso los baños de cada uno de las cuatro recamaras, están resueltos en patios privados abiertos a la intemperie. El pasillo principal, que conecta toda la casa, funciona también como una gran terraza, en referencia a las haciendas y casas de campo mexicanas, donde este tipo de espacios por lo regular cumplen una doble función, de comunicar y ser un área de estar. La construcción en su mayoría es de sección angosta, con la intención de aprovechar la luz natural y ventilación cruzada en cada uno de sus espacios. La selección de materiales y acabados ha tenido como resultado que la madera se convierta en el principal actor de la obra al ser un elemento renovable y que, estéticamente, brinda elementos de una arquitectura especializada en el detalle. La casa es 100% autosuficiente, produce su propia energía con un sistema de paneles solares, trata sus aguas negras con una red de humedales y aprovecha el agua del sitio a través de equipos de filtración y suavización. De igual forma, se ha conservado el 77% de la superficie del predio con los árboles y vegetación preexistente. jaquestudio.com
Casa Tropical es un proyecto que se planta en el terreno como un espectador del contexto natural, con materiales y acabados que se mimetizan con el entorno; cada espacio ofrece una oportunidad de desconectarse, relajarse y disfrutar.
Arquitectura y misticismo
Spa en Tepoztlán | Soler Orozco Arquitectos + JS a Taller de Arquitectura | Tepoztlán Morelos, MX – 2021
Spa en Tepoztlán es un proyecto que aprovecha el misticismo y el contexto verde y natural del municipio morelense para crear un espacio de relajación y goce físico y espiritual.
«A pesar de tener un dezplante considerable, el Spa en Tepoztlán es de forma cónica y resulta difícil visualizarlo en su totalidad. Materialmente, hemos buscado —y logrado— que se mimetize con su contexto, adaptándolo a éste y no al revés».— Soler Orozco Arquitectos
El cliente, intenso deportista, buscaba construir un lugar enclavado en un contexto de energía creativa y curativa, en donde pudiera dedicarle tiempo al bienestar corporal y anímico.
SOLER OROZCO ARQUITECTOS ha creado —en colaboración con JS Taller de Arquitectura— un proyecto que reúne todas las características naturales de la zona de Tepoztlán, en el estado de Morelos: un sitio rodeado por montañas con un río de temporada y un verde espeso, interminable que se funde con un cielo vasto al horizonte. De esas características surge Spa en Tepoztlán, que replantea la manera de conectar con la naturaleza para lograr un equilibrio perfecto entre goce y relajación, logrados a través de un programa que brinda espacios para el disfrute y contemplación del cuerpo. Formalmente, un cono de piedra volcánica se trunca por un platón de vegetación verde y abundante en la parte superior, una zona sin bordes que se une al contexto que rodea el cuerpo, en general. Simbólicamente se trata de una procesión, que comienza entrando a la montaña por un túnel, sigue circulando por los espacios para atender al cuerpo, y resurgir al otro lado por una escalinata, descubriendo la abrumadora naturaleza desde otro plano.
La premisa del proyecto fue integrarlo al sitio, sin afectar el paisaje tratando de hacer desaparecer la arquitectura, fundiéndola con el contexto natural para lograr apreciar desde cada espacio los cambios de temporada, tanto la sequía, como la lluvia.
La propuesta del programa se desarrolla en una planta circular rodeada por estructuras radiales que dan cabida a la mayor paete de los espacios. El espacio central, circular se ilumina cenitalmente a través de un lucernario redondo, por donde se cuelan el sol y el agua. Espacios adicionales que completan el programa como el gimnasio, las regaderas, baños, sauna y frigidarium rodean la parte central en planta baja. Al subir, el programa se vuelve contemplativo, donde alrededor de un fuego o dentro de una tina de agua caliente, se disfruta del amanecer, el atardecer o la noche. soa.mx Fotos:
Conexión con el exterior
Una residencia unifamiliar ubicada en un fraccionamiento privado en Querétaro, colindando con un espacio público verde y un lago. Su diseño responde a la pérdida de privacidad causada por las regulaciones del condominio.
Este proyecto brinda una alternativa de influencia en los alrededores, donde la casa misma ofrece una solución ganar-ganar al problema de negociación de vistas exteriores y privacidad al interior.
Casa Basáltica | REIMS 502 | El Campanario, Querétaro, Qro. MX – 2022
ESTA CASA SURGE DE LA OBSERVACIÓN y el sentido común. «Una pareja con dos hijos pequeños nos mostró su terreno junto a un parque con ciclovía alrededor de un hermoso lago. Querían que sus hijos pudieran andar en bicicleta y disfrutar de las vistas al lago. Sin embargo, notamos que todas las casas vecinas, a pesar de tener amplios ventanales e integración con el parque, se encontraban negando su propósito al exponer su vida privada a los transeúntes, obligándolos a bajar las persianas constantemente». «A partir de esta reflexión, decidimos proyectar una casa que protegiera la intimidad interior sin perder las valiosas vistas. Optamos por invertir el orden del programa público-privado, colocando todas las áreas de servicios, habitaciones y espacios familiares en la planta baja, creando así un basamento del tamaño total del terreno en el nivel del parque. En la planta alta, creamos un amplio jardín con alberca para los niños, rodeado por los espacios sociales de la casa, los cuales se ubicaron en el perímetro para lograr privacidad visual desde el exterior y conexión con el espacio público exterior; actuando también como un amortiguador térmico para el programa privado debajo, lo que elimina la necesidad de aire acondicionado en una región predominantemente semidesértica», describe el equipo de REIMS 502. Simultáneamente, estrategias de diseño como la ventilación cruzada para todos los espacios públicos superiores, páneles solares para calentar agua, generación de energía solar y sistemas de almacenamiento de agua mediante un biodigestor para la lluvia y aguas grises, implementados para el riego diario del patio y áreas verdes, contribuyen a su eficiencia energética general.
La elección de los materiales de la casa se basó en romper con la norma del contexto vecinal, donde todas las casas son blancas. Optamos por revestir la casa con piedra báltica, un material oscuro, duradero y resistente, que también refuerza el discurso de la obra.
Una característica única de esta vivienda son las persianas de barras de piedra que cubren todo el frente que da al parque. Estas persianas permiten una permeabilidad regulada hacia el exterior desde las habitaciones, y también ofrecen la opción de abrirse, extendiendo así las habitaciones hacia el parque a través de un pórtico intersticial. reims502.com
Composición sencilla entre patios y espejos de agua
Casa Los Jales se define como una casa para disfrutar de adentro hacia fuera: una apertura y convivencia hacia los espacios abiertos del jardín, las terrazas y la piscina.
Casa Los Jales | Ezequiel Farca Studio | Zapopan, Jalisco, MX – 2022
Fotos: Fernando Marroquín y José Miguel González
EL DISEÑO DE CASA LOS JALES parte de crearle un ‘corazón social’ como se describe el proyecto. Es una casa muy funcional, algo racionalista también (se nota en el lenguaje de la residencia y su estructura y ritmo modular) siendo una casa muy sencilla de entender. «Básicamente, decidimos agrupar los espacios que necesitaban mayor privacidad —dormitorios, baños, estudios, etc.— de una cierta manera ordenada que abrazara el vacío principal que es el área social, generando un recorrido muy interesante acompañado de iluminación y ventilación natural en forma de patios y espejos de agua, por ejemplo». —Equipo Ezequiel Farca Studio.
«Para dar una mayor sensación de orden y coherencia a todos estos espacios, creamos un pórtico que, además de ser una estructura, es el cinturón que une todos estos espacios y se convierte en ese importante espacio habitable, antes de llegar al jardín que rodea la casa». Este pórtico estructural y la modulación de la casa en sus fachadas fueron los ejes para considerar el material y proceso constructivo del concreto aparente; la modulación dicta los ritmos de espacios abiertos, pisos y otros detalles desde el exterior hacia el interior.
El corazón del proyecto es definitivamente el espacio social en la planta baja, especialmente la cocina que funciona de manera dinámica gracias a un par de puertas corredizas de gran tamaño que conectan (o cierran) los demás espacios del estudio, sala y comedor hasta llegar a la terraza, piscina y jardín, creando un gran eje social. El proyecto arquitectónico consta de sótano y dos niveles sobre la calle. El sótano, además del garaje y el área de servicios, cuenta con un espacio de juegos iluminada en medio de un patio. Finalmente, el lote donde se desarrolló el proyecto se encuentra dentro de una urbanización suburbana de viviendas unifamiliares. El contexto cercano son dos vecinos de características similares en cuanto a alturas y recovecos que no generan circunstancias a las que prestar atención. Es una casa que sigue principios simples de cerrarse a la calle y a los vecinos, y abrirse tanto al patio que la rodea como a los espacios interiores. ezequielfarca.com
Ubicada en Zapopan, cerca de la ciudad de Guadalajara, hablamos de un proyecto pensado para una familia con tres hijos, quienes disfrutan mucho de departir con familiares y amigos.
Las relaciones entre habitaciones, acabados y otras coincidencias en los materiales son relevantes en Casa Los Jales para darle la importancia necesaria a todos los detalles de la casa, desde el de mayor escala hasta el más pequeño.
La vida como una obra de arte
Como el agua de un río, Casa Escuela es un espacio vivo en constante movimiento. Sus raíces unen el arte, la cultura, la hospitalidad y prácticas holísticas donde las personas y sus comunidades se entrelazan para acceder a la sabiduría ancestral y despertar la conciencia.
El componente distintivo y palpable en Casa Escuela se siente en la artesanía de las personas que contribuyeron al diseño y la construcción. Es parte de la energía de la casa.
Casa Escuela | Ezequiel Farca Studio | Mérida, Yucatán MX – 2021
Fotos: Fernando Marroquín
CONSTRUIDO EN 1919 el edificio que alberga Casa Escuela fue diseñado originalmente como una residencia privada para una familia local radicada en Mérida, Yucatán. En 1965 se convirtió en una escuela mixta en el creciente centro de la ciudad y después de su cierre en el 2011, el lugar se mantuvo abandonado hasta que en 2018 fue adquirido por los actuales dueños.
La restauración fue un proyecto de preservación de cuatro años liderado por Ezequiel Farca y Mónica Calderón. Su enfoque contemporáneo respeta con sensibilidad el carácter original de la arquitectura histórica de la propiedad; la pareja de creativos la imaginó como un santuario de arte multidisciplinario, una residencia de artistas y un centro cultural, un lugar para celebrar a la familia, la comunidad y la herencia mexicana. Así pues, Casa Escuela cumple con la misión multifacética de forjar puentes entre el diseño mexicano tradicional y contemporáneo, y el arte, la artesanía, la gastronomía e incluso prácticas de bienestar holístico. Es más que un destino, es un lugar para crear conexiones profundas a través de la exploración, el descubrimiento y la generación de experiencias únicas a través de talleres culturales, retiros y prácticas curativas y tradicionales de la medicina maya local. El espacio es tan versátil que puede convertirse en una galería de arte tradicional, un espacio de actuación o un estudio de trabajo adicional para que el público experimente. El objetivo es usarlo a medida que surjan las necesidades de la comunidad. ezequielfarca.com
Entre concreto, recinto y madera
A medida que la avenida más importante de la ciudad sube la loma, se ensancha en carriles laterales, rodeados de un parque lineal frondoso. Justo ahí, se sitúa Parque Vía, una casa separada del tráfico por fresnos, eucaliptos y jacarandas.
Dentro de los límites del predio, la casa está rodeada por un jardín lleno de plantas florales, que atraen insectos y pequeños pájaros, y que parece que siempre estuvo ahí.
Parque Vía | Soler Orozco Arquitectos | Ciudad de México – 2022
Fotos: César Béjar
UN JARDÍN LLENO DE FLORES es el contexto de esta casa construida por Soler Orozco Arquitectos, y por ello no solamente son importantes los elementos de biofilia que se manifiestan al exterior, sino las relaciones y el microecosistema que éste genera. Las flores y sus diferentes estadios, los insectos y aves que han hecho de este lugar su hogar, el espejo de agua y la jacaranda morada son el escenario de este proyecto residencial en la Ciudad de México. La casa, construida en concreto aparente, se abre hacia el exterior con vanos y ventanas. El vestíbulo de doble altura encuadra un árbol, y la escalera escultural se vincula con el ritmo de los exteriores. Su corazón es un gran salón, iluminado con luz natural que se filtra desde todas direcciones gracias a los altos ventanales. Al área privada se accede por medio de una escalera que le da una pausa al ritmo de la composición, gracias a las curvas de la madera y el concreto. La doble altura del vestíbulo superior asegura la iluminación y los ventanales permiten nuevamente la presencia del entorno natural hacia la parte privada de la casa. «Buscamos que la casa fuera fluida y “transparente” para que el interior y el exterior sean una característica dominante de los espacios», dicen los arquitectos. En el sótano, el gris oscuro de la piedra volcánica recubre los muros, y el suelo adoquinado con pórfido, se extiende entre los desniveles de escalones labrados también de recinto. Ahí abajo, a un costado del garaje, un paseo bordeado de vegetación baja y trepadora, y con árboles jóvenes, conduce a una escalinata que remata con la entrada principal, sin remedio, al acceso principal de la casa. Sin importar el lado por el que se entre en la propiedad, la entrada principal es la que se usa siempre, dándole sentido al recibidor semi-abierto y a doble altura, ventilado y fresco. soa.mx
En Parque Vía se abren vanos y ventanas, matizados por postigos de madera al exterior.
Sin límites entre interior y exterior
Camelia House se desplaza en 455 m 2 , sobre un terreno con un declive importante que requirió de un arduo trabajo de cimentación y contención para lograr la elevación adecuada.
Casa Camelia utiliza paneles solares para generar electricidad, tiene un sistema de reutilización de aguas jabonosas, captación de lluvia y de calefacción natural que funciona con una caja de piedra de río que se calienta con el sol.
Camelia House | Romero de la Mora Architecture and Development | Amanali Country Club & Nautica, Tepeji del Río de Ocampo, Hgo. MX – 2021
HACE CASI DOS DÉCADAS que los especialistas en tendencias empezaron a notar cómo ciertos conceptos relativos al lujo se modificaban. Así, el saber-hacer artesanal, los materiales naturales y con poco tratamiento y el énfasis en las experiencias se han vuelto parte del universo del lujo, dentro de un nuevo paradigma que también incluye el cuidado de los recursos, el respeto porlos contextos naturales y sociales, y la revalorización de los procesos productivos.
Muchos de estos conceptos son visibles en el trabajo de Romero de la Mora, quien ejecutó el proyecto Casa Camelia, una residencia de fin de semana en el estado de Hidalgo. La programación arquitectónica de Casa
Camelia se hizo bajo la idea de abrir la edificación hacia las cuatro coordenadas, proporcionando vistas hacia el campo de golf y las áreas verdes. Además, gracias a las terrazas privadas, jardines, dobles alturas y patios se logran grandes entradas de luz y mucha ventilación.
El empleo de la madera en esta casa tiene significados más allá de los estéticos. Utilizada para las dobles alturas y en los acabados, transmite calidez, y en conjunto con la piel del edificio (en la que destacan los ventanales) genera fluidez, difuminando las fronteras entre el interior y el exterior.
Además, la selección de este material es congruente con los objetivos de la oficina al inclinarse por el uso de recursos renovables: elegir maderas sustentables de bajo mantenimiento por sobre los materiales altamente industrializados, Romero de la Mora se alía a una cultura más limpia que afecta en menor medida el entorno.
Una selección curada de objetos hechos por artesanos de Oaxaca, Jalisco e Hidalgo, entre otras regiones, enriquecen el panorama interior en esta residencia al mismo tiempo que promueven y reconocen el saber-hacer de los artesanos de México.
romerodelamora.com
El concepto del interiorismo en Camelia House se alinea con el nuevo arquetipo del lujo. Materiales naturales, cierta rusticidad (sin dejar de ser contemporáneo), texturas variadas y colores neutros crean atmósferas de disfrute y paz.
Una Antártida surgiendo del fondo del mar
Este edificio es un lugar donde el mar y la naturaleza terrestre se encuentran con la arquitectura y el mundo humano. La naturaleza vive y crece en el interior y el exterior, dando identidad al proyecto y convirtiéndolo en una experiencia única.
La exposición integral se puede contemplar como cualquier ecosistema. Pero además, el visitante puede seguir la muestra de forma continua y flexible debido a la secuencia de espacios que comunica los programas con el entorno natural exterior.
Gran Acuario Mazatlán Mar de Cortés | Tatiana Bilbao Estudio | Mazatlán, Sinaloa MX – 2023
El proyecto se describe como una detonación al espacio: una estructura ortogonal, racional, funcional y flexible, que tiene identidad con el lugar donde se ubica. Resuelve de manera unitaria y simultánea los espacios, estructura, entorno, instalaciones e integración al contexto.
ENTRE MUROS que parecen emerger de la vegetación cerca de las playas de Mazatlán, Sinaloa, se encuentra el Gran Acuario Mazatlán Mar de Cortés, un espacio de 26, 000 m2 en el que destacan 19 salas de exhibición, donde habitan medusas, estrellas de mar, tortugas y liebres marinas, así como mantarrayas.
Esta obra —cuyo concepto fue diseñado por la arquitecta mexicana Tatiana Bilbao— tiene el objetivo primordial de promover la conciencia ecológica, sumado a la tarea de crear un atractivo social y turístico que fomente la conservación e investigación y, a la vez, proyecte modernidad y progreso.
En palabras de Bilbao, cuando su equipo y ella misma estaban en el proceso de diseño del espacio se guiaron mucho por la premisa de que no pareciera un acuario, sino más un espacio relacionado con la naturaleza. «A mí me costaba trabajo entender que teníamos que hacer un acuario porque estos espacios son estos mundos en donde el hombre controla el universo y es cómo traer a nuestro mundo una vida que no podemos realmente vivir, desde ese momento se fue reestructurando todo para volverse un centro de investigación y de protección de la vida del Mar de Cortés», cuenta la arquitecta.
La idea de este espacio —pensado en beneficio de la sociedad mazatleca y la reactivación económica del Estado— surgió del empresario Ernesto Coppel, quien quería impulsar un proyecto para un museo con el objetivo de sumar sitios de cultura y aprendizaje en la entidad, y en donde la gente pudiera conocer cómo nació Mazatlán y su historia.
Hoy, Gran Acuario Mazatlán Mar de Cortés es un espacio totalmente interactivo con áreas que recrean las olas de mar, los arrecifes y un tanque oceánico que concentra la mitad del agua destinada al abastecimiento del inmueble.
La arquitecta Tatiana Bilbao creó un concepto relacionado a la Antártida que emerge del fondo del mar, «por eso de las paredes de su entrada emerge agua y aparecen simulaciones de especies a manera de fósiles incrustadas en ellas», describe Coppel. El edificio cuenta con más de 350 pilas de cimentación, con una profundidad de 21 metros y destaca una estructura circular que da acceso al interior. Todos los materiales como el concreto, quedaron aparentes y sin pintura en las superficies. tatianabilbao.com granacuario.com
Arquitectura que regenera el ambiente
Hotel Boca de Agua se construye bajo la premisa de ser un sitio que ofrece a sus huéspedes una experiencia regenerativa única y de relajación.
Hotel Boca de Agua fue construido bajo el concepto de ser un aporte al medio ambiente, a la sociedad y la cultura de la región.
Hotel Boca de Agua | Frida Escobedo | Bacalar, Quintana Roo, MX – 2023
SITUADO JUNTO A LA MÁGICA LAGUNA DE LOS SIETE COLORES Boca de Agua se funde en la generosidad y exuberancia de la península de Yucatán; se construyó sobre la voluntad de crear un lugar que aporte a la regeneración medioambiental, social y cultural, al tiempo que ofrece a sus huéspedes una experiencia igualmente regenerativa, única y de relajación en espacios que fueron diseñados por Frida Escobedo. Este nuevo proyecto de hospitalidad ofrece casas de árbol que flotan sobre pilares para evitar cubrir el suelo y disminuir el impacto ambiental. Los espacios están diseñados para que los huéspedes puedan compartir espacio con la selva que está en su mayoría intacta, incluyendo la vida silvestre que deambula libremente en la propiedad. Las 26 habitaciones, donde la madera, la luz natural y los tonos neutros son protagonistas, se funden con la magia que ofrece el corazón de Bacalar. Toda la construcción está pensada para envejecer naturalmente con el tiempo y contar su propia historia. Inscrito en el marco de un turismo regenerativo, el proyecto pretende también contribuir positivamente a la inclusión social, el desarrollo económico local, y la conservación de la naturaleza, al fusionar principios de responsabilidad medioambiental que conviven con un entorno inspirador. Con referencias a la cultura local, las zonas comunes funcionan como anclas visuales en el paisaje. Una serie de pasajes conectan estos espacios con las villas, el área de la piscina y las zonas recreativas y de descanso. El diseño de la experiencia funciona como un reflejo moderno de los tradicionales centros sociales con templos de piedra y viviendas de madera de la región de Yucatán. Gracias a la construcción sobre pilares se mantuvo intacto más del 90% de la superficie. Se utilizó madera de Chicozapote de origen local, el aprovisionamiento de estas maderas fue resultado de un programa de tala forestal certificado por la Forest Stewardship Council. Además, la propiedad cuenta con una planta de tratamiento de aguas residuales para usos específicos, ningún residuo finaliza en la laguna.
fridaescobedo.com
bocadeagua.com
El mobiliario de Boca de Agua está diseñado por el equipo de Frida Escobedo en colaboración con los artesanos locales.
Rehabilitación que crea comunidad
Centro de Desarrollo Comunitario en antiguo Rastro Municipal | Laboratorio de Acupuntura
Urbana | San Cristóbal de las Casas, México – 2023
«El Centro de Desarrollo Comunitario en Antiguo Rastro Municipal brinda a la comunidad un espacio seguro de libre acceso en donde puedan desarrollarse y fomentarse actividades para crear una comunidad que se sienta orgullosa de sus raíces». —Laboratorio de Acupuntura
Urbana
Fotos: Rafael Gamo
EL POLÍGONO DEL PROYECTO: "Construcción de Centro de Desarrollo Comunitario en Antiguo Rastro Municipal", se ubica en el sector Las Rosas en la ciudad de San Cristóbal de las Casas, en el estado de Chiapas y cubre un área de 2,614.39 m2
El proyecto busca la recuperación y transformación del Antiguo Rastro Municipal de la ciudad de San Cristóbal de las Casas, rehabilitando la infraestructura física existente, respetando los elementos y características principales para crear una unión con los espacios abiertos y la creación de nuevos espacios públicos que a su vez permitan la integración con los elementos culturales que hacen parte de la memoria colectiva, contribuyendo al desarrollo integral de la sociedad desde un enfoque de género a través de programas de atención a pueblos indígenas y grupos vulnerables y aportar, por medio de la educación, a la mejora de la seguridad pública y la conservación del medio ambiente.
Para este Centro Comunitario, el Laboratorio de Acupuntura Urbana generó un eje compositivo central llamado ágora recreativa, que conecta las edificaciones preexistentes con los nuevos, buscando adaptarse a las variaciones de tiempo y necesidades económicas, físicas y culturales de todos los actores involucrados.
El proyecto contempló el uso de materiales responsables con el medio ambiente como el concreto vertua para la reducción de CO2, gravas que permitan la filtración de agua, materiales locales como la madera y teja de barro, siempre pensando en el bajo mantenimiento y larga durabilidad para que la comunidad y los usuarios puedan tener edificaciones de calidad y eficientes a lo largo del tiempo.
En el interior de los elementos se encuentran espacios de doble altura, respetando los materiales existentes de la región como la madera y teja de barro creando un contraste con el concreto y así generar diversos ambientes. Se aprovecha la mayor cantidad de luz solar y se crean ventilaciones cruzadas en los espacios. spazi.com.mx
El recorrido del proyecto termina con un acceso secundario y un arte retroiluminado que nos indica que no es el fin del camino porque aún hay más por descubrir.
Diseño flexible en interior y exterior
Un espacio lleno de texturas, arte y materiales coloridos que se integran al paisaje del entorno, simulando un lugar que emerge de la naturaleza del sitio.
En el Hotel Albor destaca el basamento pétreo de aspecto texturizado y colorido que se integra al entorno natural.
Albor Hotel Tapestry by Hilton | PRODUCTORA + ESRAWE | San Miguel de Allende, GTO – 2022
SI BIEN, CORRIENTES COMO el modernismo, el brutalismo e incluso el deconstructivismo actual tienden a modificar el ambiente; gran parte de la arquitectura contemporánea está basada en el respeto del entorno. Integrarse al contexto natural y social son algunos de los objetivos de esta arquitectura más consciente y responsable. Estos sistemas constructivos y de diseño se fundamentan en el mínimo deterioro al ambiente, y otra de sus cualidades es que intentan potencializar la vida de la comunidad.
Este es el caso del Hotel Albor en San Miguel de Allende, una colaboración de PRODUCTORA (un despacho con base en la Ciudad de México bajo la dirección de Abel Perles, Carlos Bedoya, Víctor Jaime y Wonne Ickx) en la parte arquitectónica; y ESRAWE (la oficina de diseño, arquitectura e interiorismo de Héctor Esrawe) para la arquitectura de interiores.
El Hotel Albor está emplazado en un valle semidesértico compuesto por matorrales y cactus. Un basamento pétreo de aspecto texturizado y colorido surge en el paisaje y se integra al entorno natural. Es en esta franja constructiva donde se encuentran las zonas públicas del hotel: el lobby, un restaurante, un bar, el gimnasio, una sala multiusos y una piscina con grill que en el futuro se extenderá hacia un jardín con terrazas para eventos. Para el interiorismo de esta zona, ESRAWE ha elegido una paleta de tonos púrpura, típicos de la piedra local, que crean un contraste con el entorno. Grandes piezas escultóricas de cerámica inspiradas en la flora local, hechas de manera artesanal por Latitude, se encuentran suspendidas en el espacio y el conjunto es complementado con intervenciones gráficas del artista mexicano Omar Barquet. productora-df.com.mx esrawe.com
Fotos: César Béjar
La arquitectura del Hotel Albor en San Miguel de Allende se integra sin esfuerzo al entorno natural que lo rodea.
Armonía entre piedra y entorno
FS | Weber Arquitectos | Valle de Bravo, México – 2023
Valiéndose de la piedra volcánica como base para el diseño, Casa FS integra cuidadosamente cada una de las piezas para mezclarse con el entorno natural, con lo que consigue una conexión armoniosa y no pretenciosa con el entorno.
El conjunto que se compone por casa principal, dos cabañas de visita y casa de velador, ofrece también soluciones responsables con el ambiente al incluir en su construcción un espacio para la recolección pluvial.
Casa
Fotos: Sergio López @sergiolopezfoto
CASA FS a cargo de Weber Arquitectos, es un residencial de descanso que se ubica en Valle de Bravo, donde se erige este proyecto que centra su concepto en el uso de materiales naturales, teniendo un énfasis en los volúmenes con líneas simples y limpias. Con lo que a la par se consigue que sean sencillos y sobrios, que crean una espacio atemporal y perdurable.
Cada uno de los cuatro volúmenes responde a un programa diferente, se articula a través de distintas terrazas y caminos que conforman el proyecto. La forma cuadrada de estos espacios se abre por medio de vanos que se repiten rítmicamente, que siguen una modulación rigurosa y que consigue así vistas en todas direcciones a partir del predio.
El diseño de Casa FS, tiene como característica principal el uso de la piedra con la que se envuelven los distintos volúmenes. Este material se selecciona y se le da forma para que sea capaz de mezclarse con el entorno natural y así conseguir una conexión armoniosa y no pretensiosa con el entorno.
En el interior, es la propia piedra la que continúa como principal protagonista, se combina con la estructura y los suelos cálidos de madera con lo que se aporta una sensación de contraste y de equilibrio. La estructura define los diferentes espacios, dentro de la casa, para así dotarla de otra de sus principales características que es el ser cálida y con texturas apreciables a simple vista en el conjunto.
Así, el residencial que se conforma de la casa principal, un estudio privado, dos cabañas para visitas y la casa del velador, se convierte en un proyecto integral que suma terrazas colocadas en diferentes puntos del terreno a manera de áreas de convivencia, donde el confort y la atemporalidad de los materiales juega un papel crucial en la resolución de las necesidades de cada uno de los habitantes. weberarquitectos.com
Apelar a los sentidos
Villa Cava es un residencial lleno de espacios sensoriales: un lugar de encuentro, reunión, descanso, inspiración y crecimiento personal.
La materialidad elegida por Espacio 18 Arquitectura fue pensada para mimetizarse con el contexto inmediato; por lo que, entenderlo fue esencial.
UNA JOVEN PAREJA halló en Tulum, Quintana Roo, el sitio idóneo para formar un hogar. El cenote Suytun, en Yucatán, se convirtió en la inspiración de Villa Cava; las pautas del diseño, por su parte, fueron proponer un espacio habitado con luz cenital, donde el lujo se logra a través de «lo natural».
Ubicada en Aldea Zamá, un fraccionamiento exclusivo dentro de la selva maya, y a sólo 15 minutos de la playa y la zona arqueológica, Villa Cava propone una casa llena de espacios sensoriales que se pudieran generar experiencias únicas; un lugar de encuentro, reunión, descanso, inspiración y crecimiento personal.
Al entender el contexto y el reglamento constructivo, los árboles dispusieron la traza de la casa, así como las vistas a la selva, donde el terreno cuenta con una ubicación privilegiada al tener dos áreas de reserva natural al frente y en la parte posterior.
«Desde un inicio quisimos alejarnos de ser un proyecto sin sentido, donde la arquitectura pudiera mostrar qué haciendo bien las cosas se pueden crear proyectos que también son redituables», comenta el equipo de Espacio 18 Arquitectura. Los materiales elegidos se pensaron para mimetizarse con el contexto inmediato. «[Debíamos] entender que ésta es una zona húmeda, de lluvia y con posibles huracanes. Por ello, creamos una fortaleza que se va descubriendo poco a poco y se desenvuelve para mostrarse por completo como una escultura. El concreto y la madera crean el equilibrio para generar calidez interior al usuario y marcar los recorridos. Además, el interiorismo por parte de Kayla Pongrac, convierte el proyecto en un hogar».
@espacio18
Una casa que abraza al entorno natural
Casa Tamarindo es una vivienda que pretende explicar la simbiosis entre la arquitectura y la naturaleza. Siendo el Árbol la pieza principal y eje ordenador del proyecto arquitectónico.
Una vivienda con una profunda conexión con la naturaleza y el arte.
Casa El Tamarindo | Taller Estilo Arquitectura | Mérida, México – 2022
El árbol de tamarindo es el eje rector del proyecto, que en lugar de evitar o quitar la vegetación decide integrarla al proyecto.
CON LA PREMISA: «Él llegó primero», Casa Tamarindo es una vivienda que pretende explicar la simbiosis entre la arquitectura y la naturaleza. Siendo «el Árbol» la pieza principal y eje ordenador del proyecto arquitectónico.
Elementos construidos que enmarcan la naturaleza desde el acceso principal hasta los demás espacios conforman el programa de la residencia. La ubicación de los muros que ordenan la planta funciona como la directriz que lleva hasta el acceso principal a la casa.
Las áreas públicas y privadas se separan de manera natural por orientación y respondiendo a la ubicación original del árbol, manteniendo la mayor parte del paisaje original intacto y trayendo el paisaje natural al interior.
Todas las áreas de la vivienda se conectan naturalmente con los exteriores, buscando siempre patios internos y recorridos que rematen en jardines. Una propuesta que no sólo rescata un árbol, sino que lo vuelve el protagonista del proyecto. Enclavado en un centro de manzana del Barrio de San Sebastián, un terreno particular por sus características irregulares y por sus preexistencias de vegetación fue el lienzo para desarrollar una casa unifamiliar para un artista plástico y su esposa diseñadora gráfica y escritora.
Si bien el programa arquitectónico no era complejo, las características del terreno, los requerimientos del cliente en cuanto a la imagen, la vegetación existente de talla mayor que había que conservar en su totalidad y los elementos colindantes fueron los factores que crearon el reto de resolver una vivienda de 2 habitaciones con baño, sala, comedor, cocina en planta abierta, estudio para obra plástica y un estudio de escritura y trabajo además de diversas áreas exteriores que contemplan áreas de jardín, piscina, comedor exterior, área de sala exterior y zona de camastros, todo resuelto en una sola planta.
El concepto general del proyecto fue crear una vivienda que permita a sus habitantes disfrutar durante todo el día, diversos espacios en todo el conjunto, organizar estos, en torno a el Tamarindo que era el árbol de mayor edad y talla buscando la mejor orientación posible para el aprovechamiento de los vientos cruzados y la iluminación natural.
tallerestiloarquitectura.com
Adaptación a un barrio histórico
El encargo de Casa Mejorada fue el de desarrollar un nuevo hogar para una familia que decide mudarse a Yucatán.
Casa Mejorada | Oriundo Taller | Mérida, México – 2023
Fotos: Manolo R. Solís
La Mejorada es uno de los barrios más emblemáticos de Mérida, la renovación arquitectónica permite preservar estas piezas.
DE LOS BARRIOS MÁS ANTIGUOS e históricos de la Mérida colonial, destaca por su importancia, belleza y preservación la zona de La Mejorada, con su imponente iglesia y convento de piedra caliza de la región a los pies de la plaza del mismo nombre. La que fue antes una zona de mercaderes y estación de trenes, es hoy en día un barrio tranquilo, pero lleno de vitalidad por las distintas escuelas, facultades y museos que llenan sus calles, este es el entorno en el que se edifica Casa Mejorada.
El encargo del proyecto fue el de desarrollar un nuevo hogar para una familia que decide mudarse a Yucatán; enamorados de su clima tropical, de su vegetación exótica y su relativa paz, con la idea de tener una experiencia de vida de menos ajetreo, más relajada e inmersa en el más puro ambiente yucateco.
La construcción original de la casona data del siglo xvi como una construcción sencilla de muros de mampostería y techos de 6 metros de altura. La casona contaba con dos crujías originales y una serie de espacios de intervenciones modernas, los cuales se deciden demoler por carecer de valor relevante.
Un terreno de generosas proporciones para un Centro Histórico tan denso como es el de Mérida, donde habitan tres árboles importantes, que definen un esquema y acomodo del programa de partes: un pepino local, un mango de la región y al fondo de la propiedad un roble de más de 100 años de antigüedad que creció de manera salvaje en los linderos entre el predio dispuesto y el del vecino posterior.
Como intención arquitectónica se quería crear un jardín tropical y patio central, para dar iluminación y ventilación natural a todos los espacios, además de pretender ser un oasis dentro de la casa que diera confort, serenidad y referencia a cada uno de los espacios restantes. Donde las copas de los árboles convergen para dar una sensación de frescura y verdor; a este esquema, se añaden una serie de patios intercalados entre el programa arquitectónico para permitir el cruce natural del aire, llenando de luz y vida cada rincón de la casa. Con este esquema milenario, sencillo y racional se da paso a ordenar espacios contiguos que crean un eje central y circulación principal que recorre toda la casa de principio a fin. oriundo.mx
Chukum y colores cálidos, esta fue la paleta de colores elegida por el despacho creador.
Lo mejor del año en diseño
La agenda de este año llevó al equipo de Glocal Design a recorrer diversas galerías, ferias y exposiciones. Te presentamos las piezas y objetos que más nos cautivaron por su propuesta y uso de materiales.
UXMAL
ENSAMBLE
Estudio 84 para Peca
Ensamble nace de la colaboración Peca (Guadalajara, 2007) y Studio84 (Ciudad de México, 2011) quienes desde su individualidad presentaron una serie de piezas que tangibiliza la intersección entre el mobiliario de diseño Mexicano y los textiles artesanales respectivamente, demostrando una visión extraordinaria del interiorismo.
Este encuentro entre los materiales orgánicos, los tonos naturales y los procesos artísticos de ambos estudios no puede sino derivar en la confección exquisita de creaciones que balancean la belleza y la cualidad llamativa con la atemporalidad. En estos diseños, cada parte promete destacar la una a la otra e invitan a la audiencia a jugar con las posibilidades, permitiéndoles también sorprenderse al visualizar otras instancias de las cuales Ensamble es solo el comienzo.
peca.com.mx
studio84.mx
Fotos: Andrés Alejos
Baron & Vicario
CHROMEO
Sarah Ellison | Design Within Reach Mx
La silla Chromeo es la primera incursión de la diseñadora australiana Sarah Ellison en el trabajo con metal. Combinando tubos cromados curvos con cómodos cojines de gran tamaño, Chromeo es un estudio de contrastes.
Elegante y contemporánea, con un guiño a su inspiración Bauhaus, este nuevo clásico nítido se ofrece con una tapicería de rica textura y en exclusiva para Design Within Reach. «Me inspiro en la década de 1970. Mis colecciones tienen que ver con la comodidad, las formas esculturales, las proporciones atrevidas y la yuxtaposición de texturas», dice la diseñadora Sarah Ellison.
dwr.com
Fotos: Cortesía Design Within Reach Mx
Esta pieza forma parte de la colección NÁAY que significa «soñar» en náhuatl. Soñar con llevar más allá, pues Baron & Vicario va más allá de sus fronteras con esta serie de piezas que se caracterizan por un trabajo artesanal que habla de la unión entre culturas. NÁAY surge de la inspiración de las vasijas cantábricas de Grecia, vasijas esenciales y utilitarias que, por su origen artesanal y de materiales naturales, tenían acabados sencillos, pero artesanales; en contraposición con nuestros objetos prehispánicos que, elaborados en tiempos y espacios distintos, presentan rasgos similares. Uxmal es un elogio a las formas, creaciones y sentidos; desde su origen, un tributo a nuestras raíces y orígenes esenciales. baronyvicario.com
Fotos: Cortesía Baron & Vicario
SILLA TABACHÍN
Fabien Cappello para Mexa Design
Estas divertidas y ultracómodas tumbonas presentan proporciones generosas y una silueta curvilínea. Los asientos, tejidos con plástico pvc multicolor, se adaptan naturalmente a la forma del cuerpo y hacen que las sillas sean robustas pero ligeras. El diseño pretendía invitar a sentarse y descansar, como si estuviera sentado bajo un árbol de Tabachín, admirando la geometría de sus ramas y hojas que generan su especial sombra. En un ambiente moderno, junto a la piscina, para una siesta o simplemente como elemento principal de una habitación. mexadesign.com
fabiencappello.com
Fotos: Cortesía Mexa Design
CRINOIDEA Caralarga
El pulpo es uno de los animales marinos más misteriosos que existen. Caralarga utiliza sus formas y patrones para crear una luminaria en la que se exploran la flexibilidad y recursos de proyección de luz de los materiales para jugar con formas y texturas que se mezclan con una estructura formada por pulpos de herrería artesanal revestidos con crines de algodón crudo, convirtiendo al espacio donde se encuentre, en un luminoso fondo marino. La luminaria fue parte de El salón del trono, de la más reciente edición de Design House. caralarga.com.mx
Fotos: Cortesía Caralarga
AURA
Bandido Studio
La colección Aura se conforma por 3 lámparas, las cuales, a través de los materiales concentrados en sus cuerpos, proporcionan un destello a manera de resplandor que, al mismo tiempo, da el nombre a la colección. La lámpara de mesa genera iluminación creando un contraste entre sus dos lunas de acero porcelanizado. La base cilíndrica de madera sólida de nogal sostiene un difusor de vidrio opalino que es el resultado perfecto de un balance entre los materiales, textura y tonalidades, que, además juntan técnicas industriales y artesanales, notorias en detalles que hacen de cada pieza única. bandidostudio.com
Fotos: Cortesía Bandido Studio
OBJ 05
Manuel Bañó
El cobre es el protagonista de una colección de piezas limitadas que se ha convertido en la bandera con la que Manuel Bañó navega en el mundo del diseño que bien podría entrar en la clasificación de arte-objeto, pero al mismo tiempo con un sentido utilitario, lo cual, destaca sobre muchas otras piezas con esta clasificación. OBJ 05 es una silla elaborada en cobre que, a través de sus pátinas naturales y las formas que creó el diseñador, explora los límites y propiedades de un material utilizado artesanalmente en la región michoacana y que funcionó como inspiración de este trabajo. manubano.com
Fotos: Cortesía Manuel Bañó
VOLCANIC SHADES
Sten Studio
En colaboración con la Fundición Artística Galindo y su Maestro Reyes Hernández, Acoocooro ha realizado la pieza Ignis Ossium que, además de ser el objeto central de su espacio más reciente en Design House, es una muestra de su trabajo artesanal transformado en piezas de mobiliario utilitario. Los huesos, representados en esta silla, son el alma de sus artesanos, lo que queda visible y refleja su habilidad de dominio de un material —el bronce— que ha sido trabajado cuidadosamente para permanecer como el alma no visible del cuerpo representado. acoocooro.net
Fotos: Alejandro Ramírez
LA SOCIEDAD DE LOS GABINETES
Estudio Claudina Flores
El respeto por un legado femenino en torno a los objetos del hogar es uno de los principales conceptos que La sociedad de los gabinetes honra con sus formas y uso artesanal de materiales a través de técnicas centenarias que integran la utilización de pigmentos naturales, maderas, metales y piedras. Las piezas, robustas y resistentes, visibilizan la participación activa de las mujeres en las disciplinas creativas actualmente, así como la integración de familias de artesanos quienes, mediante sus técnicas, contribuyen también a brindar un enfoque sostenible de la elaboración actual de mobiliario. claudinaflores.com
Fotos: Cortesía Claudina Flores
A través de un lenguaje geométrico abstracto donde cubos y cilindros se alternan lúdicamente, estos taburetes representan las conexiones milenarias existentes en el interior de la Tierra; son una metáfora visual de los volcanes, donde los cráteres abren líneas de falla en el núcleo de la Tierra, exponiendo la lava fundida de colores brillantes en el interior. Hechos de bloques de una variante de piedra de lava e inserciones talladas en varios minerales, presentan materiales que se originaron en una era geológica lejana, que encarna un período de tiempo que la mente humana apenas puede comprender. stenstudio.com
Fotos: Cortesía Sten Studio
IGNIS OSSIUM Acoocooro
PERPETUO
PUPA
Lørdag & Søndag
Como reflejo del viaje transformador de la metamorfosis de un insecto, las patas de forma única de este taburete están ingeniosamente diseñadas para simbolizar las diferentes etapas de cambio, de ahí su nombre: «Pupa». El trabajo de tejido con fibras de mimbre naturales fue realizado por las manos del experto artesano Alberto Cruz Mejía en Tequisquiapan, Qro., mientras que una estructura metálica proporciona soporte y estabilidad a esta pieza, que se describe como un testimonio de la fusión de diseño innovador y artesanía tradicional, concebida por las mentes creativas de Lørdag & Søndag, un despacho guiado por los hermanos Salvador y Enzo Compañ en ciudad de México. lordagsondag.com
Fotos: Salvador C. cortesía Lørdag & Søndag
Sebastián Ángeles + Martín Cruz
Sebastián Ángeles explora su reflexión en torno a la permanencia de los oficios manuales como parte de los legados ancestrales de México con ‘Perpetuo’. Esta escultura formó parte de la exhibición ‘Visión y Tradición’ en la Media Luna del Museo Nacional de Antropología, donde se mostraron obras únicas del programa de residencias artísticas de Design Week México 2023. Fruto del rencuentro entre Sebastián Ángeles y Martín Cruz, la obra parte de la búsqueda de un creador y un artesano por mostrar las posibilidades del tejido de mimbre. sebastianangeles.com
Fotos: Cortesía Sebastián Ángeles
META PARALELL
David Pompa
A través de varias columnas de fiorita dispuestas de manera lineal y a diferentes alturas, David Pompa crea una luminaria escultórica que se balancea perfectamente gracias al peso de sus propios componentes. La característica principal de la pieza se logra gracias a las formas poéticas que la componen. Para la colección, fueron utilizados dos tipos principales de latón: uno avejentado y uno pulido que dan características singulares a cada uno de los modelos, cada uno brinda diferentes efectos de iluminación, gracias al manejo artesanal de los materiales. davidpompa.com
Fotos: Cortesía David Pompa
GREEN IN CONCRETE
Mónica Moussali Art
Elaborado en mármol para el espacio de Sulkin Askenazi en la más reciente edición de Design House, Green in concrete es un intrincado juego de contrastes, donde los conceptos opuestos coexisten en armonía. El exterior se encuentra con el interior, el frío se fusiona con lo cálido, y el caos se equilibra con el orden. A través de su obra, somos testigos de una manifestación artística que trasciende la época industrial moderna. monicamoussali.com
Fotos: Cortesía Mónica Moussali
COLECCIÓN 13-25 AD HOC
El taller de objetos, muebles y espacios AD HOC teje una conexión entre las raíces ancestrales de Oaxaca y la rica tradición artesanal de Michoacán. Con la «Colección 13-25» rescata la técnica del popotillo de Tzintzunzan cuya fibra proviene del trigo del cual se crean historias a través de sus tejidos, además de una paleta cromática inspirada en Oaxaca, compuesta por rojos quemados, ocres, naranjas, amarillos, dorados y el blanco.Todos estos colores se comportan con un doble reflejo, originados por la mano del artista-artesano, quien articula un lenguaje único e irrepetible, describen los fundadores del despacho, Mauricio Álvarez y Juan José Nemer. adhoc.mx
Fotos: Cortesía Ad Hoc
TABURETE III BLEO
Daniel Couttolenc
Esta pieza fue creada con motivo de la exhibición «Diseñando el Futuro xv años de Design Week México», forma parte de la colección BLEO de Daniel Couttolenc en la que se pueden encontrar pedestales, mesas y varios tipos de taburetes. Estos últimos están contruidos en madera de encino y con un acabado lechado, aunque también pueden encontrarse hasta en 4 diferentes tonos.
@danielcouttolenc
Fotos: Cortesía Daniel Couttolenc
AMBRA
Studio David Pompa
La nueva serie de esculturas luminosas denominada Ambra Toba combina volúmenes de piedras antiguas y aluminio. La pieza central es la piedra mexicana “Toba volcánica”, que consiste en minerales, vidrio y escombros volcánicos expulsados hace un millón de años durante erupciones severas. Los fragmentos en las superficies geométricas son testimonio de estas explosiones y movimientos. El contraste entre las texturas porosas y el suave rojo oscuro subraya el enfoque contemporáneo del estudio sobre los materiales y la artesanía tradicionales. Los componentes de conexión entre los elementos escultóricos de piedra y las piezas de aluminio surgen de una intensa investigación para vincular formas únicas hechas a mano con piezas industriales. davidpompa.com
Fotos: Cortesía David Pompa
DIAGRAMA
Estudio Claudina Flores para Labenze
Diagrama, la primera colaboración en su tipo que hace Labenze Design Furniture de la mano del Estudio Claudina Flores, es una colección que representa una interesante fusión entre diseño contemporáneo y el uso de materiales naturales tradicionales mexicanos como el corcho y la piedra volcánica que se adaptan perfectamente al mobiliario y los objetos cotidianos. Esta colección está compuesta por seis objetos que tienen una cohesión estética y una narrativa común que refleja la visión de Labenze y Estudio Claudina Flores. labenze.com
claudinaflores.com
Fotos: Cortesía Labenze
CLAVIJERO
Christian Vivanco para Peca
Clavijero es una colección conformada por una butaca individual y una banca, ambas diseñadas por Christian Vivanco. Creada con líneas sencillas y materiales nobles que definen a este trabajo artesanal con técnicas tradicionales de la carpintería. La finalidad de estas piezas es que sean utulizadas para la conversación, la lectura, el descanso y la contemplación. El equilibrio de materiales de la línea Clavijero eleva las características de la madera y la piel de vacuno, consiguiendo un aspecto único y atemporal. La Butaca y Banca Clavijero están disponibles en madera de encino terminado en negro, o madera de rosa morada y vaqueta color negro o natural en el respaldo y el asiento. peca.com.mx
@chris_vivanco
Fotos: Cortesía Peca
PUENTES 03
Taller Nacional
Los espejos han sido vistos como portales místicos y mágicos a través de diferentes culturas, a lo largo de la historia. También, son elementos de la vanidad, por excelencia que nos conectan con la imaginación, pero también con la consciencia. La colección Puentes de Taller Nacional —la primera de espejos en su historia—, es una invitación a cuestionarnos sobre lo que vemos y cómo lo vemos. Las piezas constituyen la unión de un elemento que Taller Nacional maneja a la perfección: la madera, que conecta con la ligereza y naturalidad de los espejos. La invitación de la pieza va más allá de los términos intelectuales y te lleva a la admiración —y descubrimiento— de cada cara del objeto. tallernacional.com
Fotos: Cortesía Taller Nacional
BANCO SALERO
Andrés Lhima
A través de un proceso de cerámica de alta temperatura, Andrés Lhima se inspira del clásico salero en forma de barril que todos los mexicanos podemos ver en puestos callejeros, fondas o comedores populares y lo convierte en una pieza de deseo, revalorizando los objetos con los que convivimos diariamente en los barrios populares de nuestro país. Los colores y el detalle que cada banco de esta colección mantiene, hace pensar que se trata de una pieza en gran formato del clásico salero de plástico que todos tenemos en nuestra mente al hablar de la tradicional comida callejera mexicana. andreslhima.com
Fotos: Cortesía Andrés Lhima
XALLI
Perla Valtierra para Nouvel
La artista ceramista Perla Valtierra lanzó una colección en vidrio este 2023 de la mano de los especialistas de NOUVEL, las piezas destacan por ser únicas y realizarse con técnicas tradicionales que datan del antiguo Egipto, en moldes de arena. Xalli, nombre tomado del náhuatl, consiste en una colección de 6 piezas de vidrio soplado en arena, diseñada por Valtierrra. La colección está compuesta de 2 tamaños chicos en edición de línea y de 4 tamaños distintos más grandes en edición numerada y limitada a 100 ejemplares cada uno. perlavaltierra.shop
Fotos: Cortesía Nouvel
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Arquitectura Circular
Por HOMERO HERNÁNDEZ Ilustración TATIANA DEL TORO
HACE APENAS UN PAR DE SEMANAS se llevó a cabo la Reunión Nacional de la Asociación de Instituciones de la Enseñanza de la Arquitectura de la República Mexicana ASINEA 109 en la Ciudad de Puerto Vallarta auspiciado por la Universidad de Guadalajara, campus CUCOSTA, en la cual se escogió como tema a discutir el siguiente: “Estrategias y criterios del diseño circular en la arquitectura del siglo xxi”, tema que está muy presente ante la gran dilapidación de materia prima utilizada en la producción de inmuebles en nuestras ciudades.
La arquitectura contemporánea se encuentra en una encrucijada decisiva: la necesidad de abordar los desafíos actuales de sostenibilidad y eficiencia, y al mismo tiempo fomentar la creatividad y la estética. En este contexto, el diseño circular emerge como un enfoque innovador que aborda dichos desafíos de manera integral, buscando la creación de espacios que sean respetuosos con el medio ambiente, socialmente responsables y económicamente viables.
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El diseño circular en la arquitectura se basa en los principios de la economía circular la cual fue desarrollada en los años ochenta como contrapropuesta de la economía lineal y se centra en la reducción de residuos, la reutilización de recursos y la regeneración de sistemas naturales. En este contexto, el enfoque arquitectónico circular busca minimizar la huella ecológica de los edificios y promover la sostenibilidad a lo largo de todo su ciclo de vida, desde la extracción de materiales hasta la demolición y la reutilización de componentes. Uno de los aspectos fundamentales del diseño circular es la elección de materiales sostenibles. En lugar de depender de recursos no renovables y altamente contaminantes, los arquitectos debemos fomentar el uso de materiales reciclados,
renovables y de bajo impacto ambiental. Así mismo, la reutilización de materiales existentes y la adaptación de estructuras preexistentes son prácticas comunes en el desarrollo de la arquitectura circular. Esto no solo reduce la cantidad de residuos de construcción, sino que también ahorra energía y recursos al evitar la producción y el transporte de nuevos materiales. Además, el diseño circular se enfoca en la durabilidad y flexibilidad de los edificios. Se promueve la construcción de estructuras modulares y adaptables que puedan cambiar de uso con facilidad a medida que las necesidades evolucionan. El diseño circular también fomenta la eficiencia energética y el uso de fuentes de energía renovable. La implementación de tecnologías de construcción sostenible, como la orientación solar adecuada, el aislamiento térmico eficaz y el uso de sistemas de energía solar, eólica o geotérmica, los cuales redu-
cen significativamente el consumo de energía de un edificio y su impacto ambiental.
De esta manera, la arquitectura circular no solo se limita a la construcción de edificios, sino que también aborda la gestión de los espacios urbanos y el diseño de comunidades sostenibles. La planificación urbana circular busca crear entornos que fomenten la movilidad sostenible, la biodiversidad, la gestión de residuos eficiente y la participación ciudadana en la toma de decisiones. Esto implica la promoción de la agricultura urbana, el transporte público accesible, la gestión de agua sostenible y el diseño de espacios públicos multifuncionales. De esta manera, la ahora denominada “Arquitectura Circular”, representa una evolución necesaria en la forma en que concebimos y construimos nuestras ciudades y se presenta como un camino prometedor hacia un futuro arquitectónico más equitativo y sostenible.
La encrucijada de la arquitectura contemporánea recae en la necesidad de abordar los desafíos de sostenibilidad y eficiencia, al tiempo de fomentar la creatividad y estética.
@jomerman
Protagonista silencioso en el mundo de Félix Candela
Los paraboloides hiperbólicos de madera que daban forma al México moderno de concreto.
Por ALEXANDER GARDUÑO
Ilustración TATIANA DEL TORO
EN EL INTRIGANTE UNIVERSO CREATIVO y técnico de Félix Candela, destaca su maestría en el cálculo estructural y las deslumbrantes cubiertas que, junto con otros arquitectos colaboradores, definieron al México moderno. Sin embargo, entre las líneas de acero y las curvas del concreto, existe un protagonista silencioso. Uno de los principales objetivos de Candela, durante su madurez profesional en México, fue encontrar soluciones para cubrir grandes espacios de manera económica, lógica y eficiente. Para esto, experimentó con cubiertas innovadoras para su época: paraboloides hiperbólicos, superficies doblemente regladas que se pueden construir a partir de rectas.
Cada línea, cada curva, comenzó en el papel, pero también en las cimbras, esos moldes temporales que preceden al concreto final. El visionario arquitecto español -que estuvo exiliado en México– no sólo esculpió el concreto para crear sus icónicas estructuras, también les dio forma con la ayuda de un material en apariencia modesto: la madera. Juan Antonio Tonda, colaborador de Félix Candela, describe claramente este proceso, donde las cimbras para los paraboloides hiperbólicos se trazaban en planta sobre el terreno. Según Tonda, de ahí se desplantaban los postes de tres y media pulgadas, los cuales contaban con diferentes alturas y recibían a las vigas principales de tres y media pulgadas. Posteriormente, se apoyaban las vigas secundarias, que eran tablones de una
y media pulgadas por cuatro pulgadas, a cada sesenta centímetros.
Finalmente, menciona el también arquitecto, se colocaba el forro de duela en el mismo sentido de las vigas principales, hecho a base de tablillas rectas que conforman la superficie alabeada. La confección de la complicada cimbra, ese fino tejido artesanal, era clave en el proceso constructivo. Así, la madera, con su capacidad única para formar superficies doblemente regladas, se convirtió en el cómplice perfecto en la creación de estructuras complejas de concreto vaciado. Lo que hace a la madera tan especial en este contexto, aparte de su flexibilidad y resistencia, es su papel en la materialización de lo intangible. Las cimbras de madera de Candela, como soportes temporales, permiten que las ideas se moldeen y tomen su lugar en la realidad. No es sólo un medio para un fin, sino un protagonista que, tras el desmoldado, se revela con las marcas y huellas de cada enduelado. Las fibras de la madera que corren en un solo sentido se convierten en el relieve de la obra, mostrando su comportamiento estructural. Un testimonio visual de este trabajo de Candela está en las fotos de Hanss Gutman (Juan
Guzmán), germano-hispano-mexicano, en el restaurante los manantiales en Xochimilco, las cuales nos ayudan a comprender la complejidad de estas estructuras de madera. El éxito, en su momento, de la empresa Cubiertas ALA de Candela no solo residía en la genialidad del diseño. Existe otro factor relacionado con el oficio, la destreza de la mano de obra de carpinteros, algunos oriundos de Tlaxcala, y un ingrediente clave: la utilización de la madera. La obra de Félix Candela se desarrolló en México y no en otros países debido a las circunstancias históricas y a las necesidades económicas que traían consigo las necesidades creativas. Candela fue un maestro de la sostenibilidad antes de su tiempo. Además de utilizar el concreto mínimo necesario para sus cascarones, reciclaba la madera de las cimbras para apuntalar y dar forma a las siguientes creaciones. Sin duda, sus paraboloides hiperbólicos primarios hechos de madera son una herencia y una prueba palpable del manejo de la madera como material renovable en nuestro país.
@ajgardunos
Los jardines de Frank Lloyd Wright
Por MARCELA DUANA
Ilustración
TATIANA DEL TORO
EN 1909 a los 42 años y después de 20 años de vivir y trabajar en Chicago, el arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright decidió hacer una estadía de dos años en Europa. Cuando volvió a Estados Unidos comenzó la construcción de su nueva casa en Wisconsin, conocida como Taliesin East.
En esta casa manipuló el terreno no sólo para que la propiedad fuera productiva y autosuficiente, sino también para proporcionar patrones de sombra que cambiaran según la hora del día y la estación, plantó diversos cultivos de forma que el juego de los colores de los granos dorados y el verde del maíz formaban curvaturas, creó un lago e incluso se las arregló para eliminar más de 30 construcciones que eran “molestas” para la vista de la casa. Era tal la integración de los jardines con el paisaje, que la casa parecía surgir entre el valle.
En 1911 el gobierno japonés buscó a Wright para la construcción del Hotel Imperial proyecto que inició en 1916 y concluyó en 1922, en el cual diseñó un sistema de jardines, terrazas y cubiertas-jardín inspirado en la arquitectura tradicional japonesa. Ambas experiencias influyeron en el resto de su carrera. Wright no sólo sabía cuál era la mejor manera de situar una residencia en un sitio particular o cómo superar los accidentes de los terrenos, sino que sabía de qué manera exaltar a la naturaleza, alterando el paisaje para crear increíbles vistas que desaparecen en el infinito.
Algunos elementos importantes para Wright en la creación de sus jardines fueron: la creación de lagos y/o espejos de agua; el uso de esculturas como puntos focales, al final de un camino o a la entrada de los jardines siempre cuidando su escala; la colocación de enredaderas trepadoras
en pedestales y ventanas; y árboles y arbustos creciendo de forma natural, es decir, sin ser podados de forma decorativa.
El uso de plantas, flores y arbustos de la región en que se construía el edificio era uno de los puntos clave, pues además de requerir menos mantenimiento, se mimetizaban mejor con el paisaje, asimismo, el juego de los colores y las texturas de éstos tenía un papel clave en lo armónico de su arquitectura. Wright tenía la sensibilidad para identificar qué materiales podrían utilizarse de tal manera que estos se integraran con las piedras, maderas y plantas del entorno, con lo que lograba arreglos armoniosos y un diálogo entre el edificio y el contexto, lo cual sería una de sus tesis principales sobre la arquitectura orgánica.
Wright sabía de qué manera exaltar a la naturaleza, alterando el paisaje para crear increíbles vistas que desaparecen en el infinito.
Diseño utópico en arcilla
LÁMPARAS TOTÉMICAS DE JEREMY ANDERSON PARA GALLERY FUMI | DESIGN MIAMI 2023
«La inspiración para estas piezas luminosas procede de mi exploración de formas y figuras que, en última instancia, creo como personajes que se convierten en mis compañeros de juego en el estudio». —Jeremy Anderson.
El ceramista Jeremy Anderson —radicado en Nueva York, EU.— se presenta por primera vez en Design Miami con una serie de tres lámparas totémicas diseñadas para Gallery FUMI, así como una instalación de iluminación llamada Space Relics, compuesta por pendientes suspendidos que hablan de temas del espacio e ideas de un planeta utópico.
El encargo de Gallery FUMI fue creado específicamente para la feria de diseño, evento para el que Anderson optó por el montaje de tres lámparas de tamaño humano, esculpidas en arcilla, llamadas: Coraline Emmet y Sky. Estas piezas encarnan figuras totémicas y están adornadas con líneas verticales pintadas a mano; su estructura en forma de discos abovedados hace referencia a sus cabezas o cuerpos y, desde lejos, se asemejan a seres humanos velados del futuro avanzado. El concepto tiene sentido, ya que Jeremy Anderson extrae sus influencias de diseño de los temas del espacio o las ideas de un planeta utópico. Las enredaderas colgantes que se integran a su instalación Space Relics simbolizan que descienden del cielo e iluminan el camino al caer en cascada desde sus cúpulas. —MAO jeremy-anderson.com galleryfumi.com designmiami.com
Fotos
CORTESÍA DE ETHAN HERRINGTON PARA GALLERY FUMI
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