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Directora General Editora en Jefe Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx Editora Adjunta Mabel Téllez mabel@glocal.mx Coordinadora Editorial Marina Peniche marina.peniche@glocal.mx Asistente de Dirección Verónica Del Pozo veronica@glocal.mx Directora de Arte Ruth Vázquez RESPONSABLES DE SECCIÓN Trazos Alfonso Maldonado Diseño Rodrigo Fernández Traducción Ana Guzmán de Dellarie Directora Comercial Daniela Luna ventas@glocal.mx COLABORADORES Fotografía Sófocles Hernández Carlos Madrid Luis García

PORTADA Collage para la exhibición Bivouac. Publicada en exclusiva para Glocal Design, fotografía de Bouroullec & Eric & Marie.

Yolanda Bravo Saldaña Rodrigo Fernández Adrián Moncada Gabriela González José Luis González Cabrero Marcos G. Betanzos Alfonso Maldonado CONSEJO EDITORIAL Presidencia Gina Diez Barroso Consejeros honorarios Ariel Rojo Carmen Cordera Juan Carlos Baumgartner Juan Manuel Lemus Juan Bernardo Dolores Fernando Camacho Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés Carlos Pascal Gerard Pascal Hector Esrawe Arturo Aispuro Coronel Fernando Rovzar Jorge Gamboa de Buen

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Octubre - Noviembre 2012. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2010-112513245300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15057. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Publicaciones CITEM. S.A de C.V., Av. Del Cristo 101, Col. Xocoyahualco, Tlalnepantla de Baz, Edo. de México. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

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Contabilidad Víctor Villareal Arturo Xochipa Contacto: www.glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1 Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, México, D.F. Teléfono: 52 (55) 55.33.68.18


Editorial

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os seres humanos creamos redes a través de la comunicación, sin ésta no se conciben las ideas para el progreso ideológico. Conscientes de esto, abrimos el diálogo a la industria con la que convivimos día a día, con el fin de conocer de primera voz proyectos y conceptos que construyen nuestro futuro y pasado inmediatos. El proceso de realización fue complejo y completo. Viajamos para conocer a muchos de los personajes de la siguiente manera: Philippe Starck y Philippe Grohe (Alemania), Josa y Giovanni de Trista, Andrés Mier y Terán y Amanda Forrest (Nueva York), a los Hermanos Boullourec y Claudio Luti (Italia). En México, visitamos en su despacho a: Tatiana Bilbao, Francisco Pardo y Julio Amezcua, Esteban Suárez, Iñaki Echeverría, Paola Calzada, Héctor Galván, Abraham Cherem, C Cúbica, Erika Krayer y Ofelia Uribe, Cadaval & Solá Morales. Entrevistamos en su showroom a Alessio Alessi; en el Design House platicamos con: Roy Azar, Muro Rojo, Beata Nowicka, Adán Carabes, Carlos Acosta y Rodrigo Alegre, y Louis Poiré; también entrevistamos a amoATO y a los involucrados en el proyecto Jardín Lab. Al mismo tiempo, trabajamos con Ricardo Casas, Joel Escalona, Christian Vivanco, Jorge Diego Etienne e Ian Ortega, Masisa y Ribaya, en la producción de las piezas del proyecto compartido: Objeto Glocal Deco, el cual es tanto para nosotros como para Masisa, la muestra de que sí se puede trabajar en conjunto para sumar y para crecer. Este proyecto de un año de trabajo se mostrará dentro del marco de Design Week 2012. Gracias a todos por participar y creer. ¿Qué nos deja esta edición? Estar conscientes que aprendemos aún más de la mirada, de los gestos, de ver cómo explican sus proyectos, y de las risas de cada uno, que de años de lectura. Todo ser humano es un libro abierto, y en esta ocasión podemos decir que leímos una biblioteca muy rica, compleja y basta, la cual, ahora que ya estamos en silencio, podemos comprender y gozar.

Greta Arcila

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Artistique el alma de tu cocina

COCINAS ARTISTIQUE J a i m e B a l m e s N o . 11 L o c . 2 3 . P l a z a P o l a n c o , M e x i c o D . F. Te l . 5 5 8 0 -18 7 0 8

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Cas aG 7 loc al T ext em 12 ura pre sy sa C Com olo res Mé ex. C x u 14 i ltur co Nov as q el am ue oAT Ins pir OS an. 20 t udi Elia o . M M Vie ang éxi w E co ia. Ital ntr 30 e i a Dis vist Tex eño a c o tile n en 34 sT mo Aleja ela v imi ndr r e Dis ent o Lu s eño de la o. M na 36 de s Nu éxi . O c b o axa es. Cua Cen ca. Ing dros e M t Núm r éxi late 38 n co o de ero rra el Su s S e l o. T ho op Esp wtime Flo Il M a 40 or. C ñ hai obi a r de le Lon Jaim don Dis eH eño Des ayó 41 n. ign Chr F i s est Dec tian iva o co Viv l. In n M anc gla 42 asi o. O ter Dis sa. bje ra e ñ t Mé Mé o pa xico o Gloc xico ra 44 Den al + Su la Ed tro u eci Des Enf a + cació ign oqu Ale n W ma . eek e E 51 nia ntr Mé e x vis ico De t 201 Per obj la lógi a con 2 son eto ca a Erw 54 . Fr aje a l a n s E anc for B ma ouro nt ia 60 lida ulle de revist Diá dd c. L a e c el ón. log os Mé on Teo Mé xico do xico ro G onz 66 ále z Dis eño +

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Alfonso Maldonado / Imágenes cortesía firmas invitadas

Centro Cultural Helena Garro Fernanda Canales + Arquitectura 911 S.C. México, D.F., 2012 El Centro Cultural Elena Garro, ubicado en el emblemático barrio de la Conchita de Coyoacán, se concibió como un espacio de vida comunitaria en torno a los libros, que brinda una permanente oferta de actividades que pone al alcance de los vecinos diversas expresiones culturales de México y el mundo. La propuesta del proyecto es destacar la casona existente del siglo XIX y hacer de la librería un espacio abierto. Desde el exterior, el edificio

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se percibe como un gran vestíbulo público donde se exhiben los libros, la vegetación y la fachada de la casa, sirviendo como preámbulo del resto del programa. El proyecto se distribuye en tres bloques principales: el frente de triple altura, se maneja casi como espacio exterior; la casona, destinada para librería, se convierte en el espacio de transición hacia la parte trasera del predio forzando el paso de los visitantes por todo el recinto, y el bloque rectangular, ubicado al fondo del terreno, se destina para un auditorio, aulas, servicios, oficinas, estacionamiento. El Centro Cultural Elena Garro, próximo a inaugurarse, forma parte de la muestra mexicana en la Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia de 2012. www.arq911.com www.fernandacanales.com

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Nuevo Campus para UTEC – Universidad de Ingeniería & Tecnología Grafton Architects Lima, Perú, 2011 La relación única de Lima con el mar, a través de los acantilados que delimitan su borde, causaron gran impresión en Yvonne Farrell y Shelley McNamara, directoras de Grafton Architects, quienes ganaron el primer lugar en el concurso para el diseño de la sede de UTEC, ubicado en el distrito de Barranco de la ciudad de ciudad. El edificio consiste de 30,000 m2 que incluyen laboratorios, espacios didácticos y un centro cultural. El auditorio, las salas de juntas, cine y teatro están localizados en la base del acantilado delimitando el borde norte hacia la avenida como una forma de promover la interacción con el público. Mientras que la fachada norte funciona como un acantilado o barrera hacia el ritmo vertiginoso de la ciudad, la fachada sur desciende suavemente en una serie de jardines que reflejan una relación distinta de tiempo. Desde la planta baja y hasta la logia en el último nivel, el paisaje es tejido hacia, en y entre el edificio, logrando una amable transición de escalas desde el área residencial existente en el borde sur del terreno. En agosto de 2012, Grafton Architects exhibió el proyecto en su exposición Arquitectura como Nueva Geografía, ganando el León de Plata en la 13 Bienal de Arquitectura de Venecia. Exhibieron modelos de gran escala de su obra junto con las del Estadio Serra Dourada en Goiania, Brasil de Paulo Mendes da Rocha como una referencia del campus como una “arena del aprendizaje”.. www.graftonarchitects.ie O T BRE • NO IEMBRE 2012

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Meeting Lines Ateliers Jean Nouvel - Mia Hägg 13 Bienal de Arquitectura de Venecia, 2012 Con motivo de la 13 Bienal de Arquitectura de Venecia, que lleva por título “Common Ground”, el reconocido arquitecto Jean Nouvel y Mia Hägg decidieron presentar su proyecto finalista del concurso Slussen Masterplan. Éste consiste en un plan maestro de desarrollo urbano designado en Estocolmo para crear un vínculo entre el barrio de Gamla Stan en el nucleo histórico de la ciudad con la principal isla en el sur, Södelmalm, permitiendo la transformación de caminos y vías de tren en áreas compartidas de esparcimiento urbano mediante tres vínculos. El primero, ubicado en el punto donde el agua dulce se encuentra con el mar, une dos calles comerciales principales a través de una especie de Ponte Vecchio nórdico. El segundo cubre el metro con una “sala urbana” de 400 metros de longitud. El tercero se encuentra encima de una autopista urbana con una superficie conformada por áreas de juegos infantiles, canchas deportivas, un espacio geométrico abstracto y una cubierta que se extiende sobre el agua entre los botes. Cada uno de estos espacios es una conjunción lineal de funciones y contrastes. La idea era crear tres nuevos espacios que extendieran a cada uno de los barrios segregados y que fueran directamente accesibles a pie, en bicicleta, en tren o en coche. Estos vínculos reinventan y mejoran el paisaje urbano y crean nuevos pasatiempos en el corazón de la ciudad central.. www.habiterautrement.net www.jeannouvel.com

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Proyecto de Reconstrucción de Miyato-Jima SANAA Miyato-Jima, Japón, 2012 En la prefectura de Miyagi, Japón, se encuentra la isla Miyato-Jima, donde través de la pescadería establecida y el turismo local, los residentes han integrado un asentamiento entre las colinas y el océano. Sin embargo, a raíz del tsunami de 2011, los habitantes fueron obligados a trasladarse tierra arriba, y más de la mitad de los 260 hogares de la isla fueron arrastrados por las olas. A través de numerosos talleres, donde participan residentes locales y compañías, el despacho de arquitectura SANAA desarrolló un plan de reconstrucción de la isla con la esperanza de sostener la cultura y las industrias locales. Con motivo de la 13 Bienal de Arquitectura de Venecia, exhibieron una maqueta de gran escala que muestra a detalle el paisaje y topografía de la isla. Esta maqueta fue utilizada para estudiar la reconstrucción de la isla y está dividida en módulos que permiten su transporte entre Tokio y Miyato para ser usada como base de discusión en los talleres. En el modelo, el plan para los nuevos asentamientos e instalaciones de trabajo son representados con volúmenes, así como la vegetación utilizada para la fitorremediación del suelo y que será instalada como humedales para remover la salinidad de la tierra. Así como la comunidad de la isla desarrolló las industrias locales e pesca y turismo antes del tsunami, la base del nuevo desarrollo revitalizará las industrias que existían, haciendo referencia al pasado para repensar un camino sustentable hacia el futuro. www.sanaa.co.jp O T BRE • NO IEMBRE 2012

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Team Chicago: City Works Studio Gang Chicago, EUA, 2012 Hoy en día, conforme la ciudad de Chicago, EUA, entra a una era posindustrial, sus cuerpos de agua están listos para una nueva ronda de transformaciones urbanas, reclamando sus márgenes para la vida humana y un ecosistema diverso que tome en cuenta el bienestar de todos los habitantes de la ciudad. La propuesta “Team Chicago: City Works”, del despacho Studio Gang, consiste en cinco

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proyectos desarrollados que muestran un trabajo orientado hacia una ecología urbana futura: Northerly Island, un antiguo campo aéreo en los márgenes del Lago Michigan, es regresado al público como un espacio abierto y como hábitat. El proyecto del Malecón Natural del Zoológico de Lincoln Park consiste en la transformación de un estanque en una reserva funcional de agua de lluvia, hábitat y parque. El Centro Ambiental Ford Calumet es un edificio hecho de los remanentes del pasado acerero de Chicago donde los trabajadores recibirán capacitación para la remediación, restauración y conservación de la tierra. La infraestructura y diseño urbano en Bubbly Creek consiste en una

barrera en el río de Chicago que evita el paso de especies invasoras hacia el Lago Michigan y crea vínculos entre barrios. Por último, el cobertizo para botes en el Río Chicago provee instalaciones recreativas para que los jóvenes tengan acceso al río. Las propuestas de Studio Gang fueron expuestas como parte de las intervenciones de Team Chicago en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2012. www.studiogang.net

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casa glocal

Scala por Gino Carollo Sala de estar con mobiliario modular lounge con estructura de aluminio , ROLF BENZ 2012

RUGOSO Se puede percibir la rugosidad de los cuerpos a través del tacto y la vista. Generalmente estos elementos traen consigo cierto peso visual por lo que dan una apariencia rústica generando una representación naturalista de las figuras. Esta cualidad tiende a la fragmentación del todo manifestándose como un accidente de diseño, algo aleatorio y desordenado. No obstante, estas texturas se dan por procesos productivos muy estudiados. Los tejidos, adiciones, pliegues y entrelazados acentúan esta propiedad, ya que permiten percibir irregularidades en una superficie dándole volumen y viveza a los ambientes.

Delta I por Rich Brilliant Willing Lámpara de techo hecha en tela plisada fabricada por RBW, RICH BRILLIANT WILLING 2011

Dia por Chi Wing Lo Gabinete con puertas corredizas de cuero y marco de madera maciza enchapado en nogal. Con cajones, estantes de madera y dos bandejas giratorias ajustables de altura, GIORGETTI 2012

Sanya por Carlo Colombo Cama matrimonial con cabecera acolchada con pespunte, FLOU 2012

Palladio RV2 por Raffaello Galiotto Revestimiento para pared 3D de piedra natural de la colección Le Pietre Incise Palladio, con investigación del Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio, LITHOS DESIGN 2012

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Alfombra Elegance Valencia Alfombra trenzada en materiales sintéticos 100% reciclables, CASA PALACIO - VALENCIA: CRUCE DE VANGUARDIAS, NATUREX 2012 Acanto por AstoriDePontiAssociati - Nicola De Ponti Sofá con respaldo y marco de álamo contrachapado, recubierto con Assopiuma e inserto de poliuretano y nailon. Estructura de acero con acabado en pintura epóxica, MUSSI ITALY 2012

Inverno por Emmanuel Gallina y Clara Giardina Alfombra texturizada de aspecto elegante y clásico, TOULEMONDE BOCHART 2012

Oliver por Emanuela Garbin y Mario Dell’Orto Cama con cabecera y base de cuero tejido con marco de acero, FLOU 2012

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Koala por Mikko Laakkonen Silla con asiento de fieltro y poliéster 100% reciclable, estructura de madera y tubo metálico, INNO 2012

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Colección Event por Amboan, Jose Vicente Puchades Línea de mobiliario con elementos artesanales, CASA PALACIO VALENCIA: CRUCE DE VANGUARDIAS, AMBOAN 2012

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Ira por Chi Wing Lo Cama con dosel de madera maciza de nogal, GIORGETTI 2012

Leer componentes lisos es muy agradable para la vista. Como elemento plástico, este carácter puede enriquecer enormemente la expresividad de lo plano y afincarse en lo uniforme. Este tipo de superficies nos cautivan no sólo por la cantidad y el tipo de luz que reflejan, sino también por la manera en que expresan suavidad, ligereza y brillantez. Como resultado, las caras lisas plasman en cualquier lugar una gran sensualidad estática.

B.4 por Fabien Baron Asiento terminado en madera y con opción en colores, BERNHARDT DESIGN 2012

Papillon por Karen Chekerdjian Asiento base de aluminio y acero, con respaldo de capas de chapa de madera, VALSECCHI 1918, COLECCIÓN 2012

Paris Seoul por Jean-Marie Massaud Mesa de centro que representa lo esencial gracias a sus formas limpias, POLIFORM 2012

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Colección SAGA por Christophe Delcourt Línea de mobiliario de madera de álamo tratada con lacas al agua, ROCHE BOBOIS

Compor por AstoriDePontiAssociati - Nicola De Ponti Sillón con estructura tubular de acero pintado en rojo y soporte en banda elástica. El cojín del asiento, reposa brazos y respaldo en pluma certificado Assopiuma con inserto de poliuretano, MUSSI ITALY 2012

Obi por Davide Anzalone y Tommaso Bistacchi Mueble contenedor fabricado en madera con laca en diferentes colores, VALSECCHI 1918, COLECCIÓN 2012

Monks por Paolo Cappello Aparadores fabricados en madera con el borde pintado de diferentes colores, VALSECCHI 1918, COLECCIÓN 2012

Sama por Cuno Frommherz Cama matrimonial con franjas laterales en nogal Canaletto, con cabecera que se completa con dos paneles ligeramente arqueados y separados en el centro, revestibles en tejido, piel o Ecopelle desenfundables, FLOU 2012

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Colección CP Launge por Charles Pollock Silla con estructura metálica y recubrimiento de cuero, BERNHARDT DESIGN 2012

CÁLIDO La impresión de calidez presenta temperaturas elevadas y transmite serenidad y calma. La paleta de colores abarca la escala de rojo y amarillo, o se basa en la mezcla de éstos; a veces se pueden combinar con otros colores, siempre y cuando se mantengan en la gama de los colores pasteles para que no pierdan su suavidad. Las telas entran dentro de esta categoría ya que ofrecen sensaciones de calor y seguridad. Estos componentes reducen visualmente el espacio donde son aplicados y ofrecen cordialidad y confort en entornos acogedores y armónicos.

Agatha, la lámpara optimista por Luis Eslava Lámpara de suspensión hecha de lamas de madera entrelazadas a mano, con pantalla disponible en ocho acabados de chapa de madera, CASA PALACIO - VALENCIA: CRUCE DE VANGUARDIAS, LZF 2012

Tago por Paolo Cappello Perchero de madera de Fresno macizo con dos módulos unidos por tornillos, VALSECCHI 1918 COLECCIÓN 2012

Galatea por Tommaso Caldera Silla con estructura y patas en forma de ‘U’ hechas de madera maciza de Fresno y respaldo tapizado, VALSECCHI 1918, COLECCIÓN 2012 Twine por Matteo Thun y Antonio Rodríguez Cama en madera maciza de nogal con cabecera de listas ortogonales que forman una parrilla, HORM 2011

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Ermes por Rodolfo Dordoni Cama de madera de Nogal con base tapizada en tejido desenfundable, FLOU 2012

Pandora Day por Jean-Marie Massaud Aparador de roble lacado, con opción de 23 colores, POLIFORM 2012

NYN por Chi Wing Lo Mueble de guardado fabricado en madera de nogal pulida, GIORGETTI 2012

Radient Lámpara de pared con pantalla circular de madera maciza y tecnología LED, RICH BRILLIANT WILLING

Leo por Marta Laudani y Marco Romanelli Escritorio con estructura de madera maciza de fresno y mesa de vidrio para poder observar tus cosas, VALSECCHI 1918, COLECCIÓN 2012

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Colección Coltrane Lámpara con aplique de hierro, DELIGHTFULL UNIQUE LAMPS 2012

Kangura por Gio Mussi Sillón giratorio que se desdobla para convertirse en una silla longue, MUSSI 2012

FRÍO Dentro del círculo cromático, el carácter frío se da en la gama de los verdes, azules y todas sus respectivas combinaciones. En cuanto a materiales y texturas, el metal suele ser un componente ejemplar, así como los elementos lisos. Los espacios se caracterizan por ofrecer frescura y pasividad, y por el efecto de amplitud que producen, lo cual lo ha hecho muy popular entre los usuarios. El estilo minimalista ha sido el protagonista de esta particularidad en interiorismo. De igual modo es común encontrar espacios fríos en oficinas y lofts.

Charlotte por Christophe Pillet Silla de plástico con cojín de poliuretano y estructura tubular metálica, SERRALUNGA 2012

Essentia por ThesiaProgetti Cama con un diseño sencillo y liviano con cabecera recubierta de tejido elástico y estructura tubular de hierro, FLOU 2012

Birdy Clección Forestier por Emmanuel Gallina Lámpara de mesa con base de mármol y estructura tubular de metal pintado blanco, MEET MY PROJECT 2012

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Quart Floor Lámpara digital con pantalla dirigible, base de acero y tecnología LED, FABRICADO POR RBW, RICH BRILLIANT WILLING 2011

Forest por Arik Levy Banco con estructura de acero tubular y asiento en blanco, BERNHARDET DESIGN 2012

Sanya por Carlo Colombo Cómodas con estructura de aluminio doblado y cajones de MDF, FLOU 2012

Basso S Silla con estructura tubular metálica, INNO 2011

Turner por Diogo Carvalho Lámpara cona Forest por Arik Levy Banco con estructura de acero tubular y asiento en blanco, BERNHARDET DESIGN 2012 arcos hechos de latón con un acabado de cobre y pantalla de aluminio lacado en blanco, DELIGHTFULL UNIQUE LAMPS 2012

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Forjando la tendencia del color De ser un negocio familiar que hace 60 años soñó con el color y vio en éste una manera de aportar a la cultura e industria mexicana, Comex nos lleva de la mano a conocer su proyecto más amado: Culturas que inspiran.

Greta Arcila Imágenes cortesía Trista, Andrés Mier y Terán, Amanda Forrest y Comex Group

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ocas veces se tiene la posibilidad de ver cómo trabajan los creativos y las empresas para entender las ideas que están en nuestro entorno glocal, social y cultural, y con esta lectura, generar conceptos claros que en pocos meses serán tendencias, claro está, si el mercado las acepta como tales. Fuimos invitados a la ciudad de Nueva York por Comex a conocer a detalle uno de sus proyectos más ambiciosos y más queridos: Culturas que Inspiran. Éste es un programa, presentado cada año en un libro que editado por Comex donde se presentan interesantes paletas de colores, acabados y texturas que provienen de un intenso trabajo de reconocidos arquitectos, diseñadores industriales, artistas plásticos y diseñadores de moda. Todos ellos son invitados por tres días a una especie de think tank del diseño y color. Eddie Harari Achar, Gerente de Mercadotecnia de Color, nos comentó que es un proyecto en el que quieren invertir lo necesario para que los profesionales usen de la mejor manera posible el color, e inclusive ayudar a generar más colores —no hay que perder de vista que esta empresa tiene 1400 colores que ofrecer al mercado mexicano.

TRISTA En esa ocasión, les presentaremos lo que significó esta experiencia para los talentos mexicanos participantes. Por el ámbito de la moda estuvo presente Trista, equipo conformado por Giovanni Estrada y José (Josa) Alfredo Silva, quienes a decir de Bibiana Ruiz Esparza,

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Gerente de Vinculación Profesional de Comex, fueron seleccionados por ser unos de los jóvenes diseñadores de moda con mayor proyección internacional, “Lo que nos brinca a primera vista es el cuidado al detalle, el valor que le dan a lo hecho a mano y el juego de las texturas, así como el manejo de las transparencias”. Ellos abrieron su discurso exponiendo que lo más importante en su trabajo es el proceso y no el resultado final, ya que toda la investigación que se hace para un proyecto es lo que los forma como creativos. Posteriormente mostraron la estética de las tribus urbanas de los Cholombianos, Guapiteños y Tepichulos, las cuales se han desarrollado en zonas marginadas. Para Trista el grado de información y de influencia que tiene cada una de estas tribus es lo que las hace únicas; son grupos que no se visten o expresan de una manera sólo por el hecho de resaltar, si no por pertenecer y ser fieles a sus creencias. Para Josa, los mexicanos somos muy contenidos en muchos aspectos, no nos gusta llamar la atención con nuestra ropa ni con nuestra manera de expresarnos; es por eso que las culturas indígenas nos llaman tanto la atención, ya que no les importa ser diferentes del resto. Para estas culturas alternas el tema religioso es muy importante. Josa nos comenta que todos los colores de los ornamentos de las iglesias o de sus santos, como las luces neón que enmarcan a sus santos, están presentes en estas culturas. Para Trista la experiencia que vivieron en Culturas que Inspiran, va más allá de la mera creación de una tendencia, lo importante de este tipo de proyectos es crear nexos de ideas con todos los presentes, y darse cuenta de la magnitud de empresa mexicana que es Comex. O T BRE • NO IEMBRE 2012

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ANDRÉS MIER Y TERÁN Andrés Mier y Terán es un arquitecto que maneja su vida entre México y Nueva York. Para Ruiz Esparza ese fue el motivo para que su presencia fuera indispensable, pues vive entre dos ciudades muy similares en lo urbano, pero con tantos contrastes en lo cultural y social. Él fue el responsable de la intervención del Museo de la Revolución Mexicana y de los interiores del Museo Soumaya. En cada uno de sus proyectos, Andrés cuida desde el diseño gráfico hasta el interiorismo, pasando por la arquitectura y la comida que se servirá, en el caso de ser restaurantes. Andrés nos habló del resultado de la paleta de colores que armó con su equipo: “Nuestra gama de colores habla de la experiencia de viajar. Hoy en día todos son más globales y, muchas veces, lo que recuerdas de esas experiencias no son forzosamente elementos estéticos; tal vez pueden estar relacionadas con comida o algún bienestar físico. De hecho, cuando pusimos la imagen de la comida todo el mundo estuvo de acuerdo. Quisimos recolectar una imagen definida que demostrara las vivencias y sensaciones de un instante perecedero”. Al preguntarle dónde puede ver aplicados estos colores nos comentó: “Lo bueno de la paleta es que no hay que verla como un todo, sino que realmente es como una selección de colores, de los cuales debes escoger un par de ellos y con eso crear. Esto fue algo que me gustó de mi posición en el taller, pude ver los colores no sólo para darles uso en casas, sino que pueden funcionar para un tema público”.

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AMANDA FORREST Amanda Forrest es una interiorista de gran renombre en Canadá, donde es considerada una líder de opinión gracias a un programa de televisión en donde da consejos de cómo vestir un espacio. Para ella, la experiencia fue muy intensa: “Es muy interesante cómo al principio cada uno lanza sus ideas a la mesa. Luego, durante el curso del día, pudimos poner toda esa nube de ideas en dinámicas concretas de trabajo. Observar cuándo y cómo la gente tiene que filtrar y superar su línea de pensamiento, enfrentándose a una serie de barreras culturales”. Para ella, al igual que Giovanni, lo importante son las colaboraciones profesionales que se logran. Forrest sabía la responsabilidad que tenía en hombros: “El reto era pensar qué le gustaría más a los usuarios, aclarar mis pensamientos y decidir las futuras tendencias para 2014”. No te pierdas la cobertura completa en glocal.mx

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Proceso de trabajo de Culturas que inspiran.

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novel

amoATO y su diálogo con uno de los materiales más nobles: el papel

Greta Arcila Fotos cortesía amoATO

¿Cómo se conforma el equipo de amoATO? Nos conocimos en la Universidad cuando estudiamos juntos la carrera de Diseño Industrial. Trabajamos en equipo en algunos proyectos y nos gustaba la dinámica y el resultado que lográbamos. Al terminar la carrera, cada uno tomó diferentes rumbos, pero nos reunimos un día y platicamos que era un buen momento de empezar a trabajar en equipo de manera profesional. El papel es el elemento más utilizado en sus proyectos. ¿Por qué seleccionaron este material? Cuando tuvimos la oportunidad de trabajar para el proyecto de Bijoux en el Museo Franz Mayer, buscábamos un material que se adaptara y que resultara creativo, por lo que decidimos utilizar el papel, porque es un material que se puede transformar y manipular en un sinfín de formas. Notamos que existía una tendencia a nivel mundial donde diferentes artistas y diseñadores transformaban el papel en piezas fantásticas, así que vimos un área de oportunidad en México. El proyecto tuvo mucho éxito y a la gente le pareció algo muy novedoso, así que nos empezaron a buscar para desarrollar más proyectos en papel. La gama de colores que utilizan es muy diversa... ¿cómo entienden el color dentro del diseño? El color transmite diferentes emociones y las personas tienen una reacción muy instintiva hacia él. Para nosotros es importante seleccionar los colores de acuerdo al proyecto y al mensaje que se quiere transmitir.

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¿Cómo se ven diseñando en diez años? Lo que más disfrutamos de nuestro trabajo son las colaboraciones con diferentes ramas, así que nos encantaría seguir trabajando con firmas de moda, diseño, arquitectura, etcétera. Nos gustaría realizar intervenciones artísticas a gran escala, posiblemente en espacios públicos; trabajar con marcas comerciales desarrollando proyectos que vinculen al diseño con la industria. Hace poco presentamos la primera colección de mobiliario y ha sido una gran experiencia, así que seguramente seguiremos diseñando mobiliario y accesorios como resultado de nuestra inquietud por explorar nuevas áreas. Esperamos que nuestra pasión por el diseño siga determinando el rumbo de nuestros proyectos. www.amoatostudio.com O T BRE • NO IEMBRE 2012

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novel

Elia Mangia Greta Arcila Fotos cortesía Elia Mangia

Elia Mangia no tiene la falsa pretensión de cambiar al mundo a través de su diseño, para él, cada proyecto es sólo la expresión de un pensamiento comunicando su propia escala de valores.

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omo es bien sabido, uno de los objetivos del diseño industrial es crear productos que sirvan a la sociedad pero, sobre todo, que su estructura ayude a que la producción en masa sea posible y asequible. Sin embargo, el diseño de las grandes firmas parece haber perdido ese objetivo: cada vez es más complicado comprar alguna pieza. El poder que la mercadotecnia le ha otorgado al nombre del diseñador o al de las grandes empresas productoras, ha hecho que las distancias entre el precio real y el precio de venta sean cada vez más lejanas. Caminando por el Salón del Mueble de Milán, uno se enfrenta con esa realidad paso a paso. Pocos son los proyectos que la sociedad común puede adquirir, pero, también suceden las sorpresas. Viendo propuestas en el Salone Satellite de Milán, hace dos años, descubrí el trabajo de Elia Mangia y prácticamente enmudecí. Pocos intentan no hacer íconos u objetos que se pierden en la experimentación. Las piezas del diseñador italiano, quien realizó sus estudios en Central Saint Martins College of Art and Design en Londres, así como en el Istituto Europeo di Design en Milán, responden a la posibilidad de creación. Elia nos platica que para que esto suceda la relación del diseño industrial con otras disciplinas es indispensable: “Creo que un buen diseño —y el pensamiento que lo genera— es el resultado de ideas procedentes de cualquier dirección. Una mirada abierta a muchas disciplinas creativas —o no— es, en mi opinión, la única manera de producir un pensamiento bri-

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llante y con visión de futuro, capaz de prospectar nuevos escenarios y responder a nuevas necesidades”. Al preguntarle sobre el uso de los materiales, Elia es contundente: “La combinación de materiales juega un papel clave en el éxito de un proyecto; comunican la imaginación de un objeto y definen su idioma. Sin embargo, un proyecto de diseño siempre es el resultado de las oportunidades dadas y se debe desarrollar dentro de un contexto productivo preciso, la mayoría de las veces se tiene que enfrentar con la técnica o cuestiones económicas. Pero, creo que uno de los retos más emocionantes del diseño es adaptarse a lo que se dispone y mejorarlo”. www.eliamangia.com O T BRE • NO IEMBRE 2012

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“Lo que realmente importa es que mi trabajo evolucione en conjunto con el contexto social que lo rodea, que esté conectado con la realidad y sea sensible al cambio”

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view

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Diseño en movimiento

Entrevista con Alejandro Luna Alejandro Cabrera Fotos cortesía de Alejandro Luna

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n la época en la que había que decidir la carrera, al salir de la secundaria, uno empieza a descartar el ejército, los bomberos, el seminario y todas esas cosas. Finalmente, decidí estudiar arquitectura por una razón un poco tonta: porque se me facilitaba el dibujo”. Así platica Alejandro Luna acerca del origen de su vocación y cómo fue que gracias al bajo porcentaje de arquitectas en la facultad, el instinto lo llevó a la facultad de Filosofía y Letras en donde la proporción era al revés. “Por eso digo que mi atracción hacia las humanidades era sexual, andaba buscando el otro género de mi especie y entonces me metí a teatro.” La intención de querer actuar fue poco duradera y su formación provocó que el resto de los estudiantes le pidieran las escenografías. “Me gustó muchísimo, quería ser actor. Me llamaban a actuar con la condición de que les hiciera la escenografía y luego me llamaban a hacer la escenografía con la condición de que no actuara y esa es la razón por la que me dediqué a estas cosas.” A partir de entonces, la arquitectura teatral y la escenografía fueron sus dos caminos de desarrollo profesional. La primera como una especialización que pocos tienen en México y uno de los nichos que mayor conocimiento y experiencia demandan. Por su parte, la escenografía fue el resultado de las clases de arquitectura, donde aprendió el manejo del espacio. “Yo creo que la escenografía es la organización del espacio para la puesta en escena, la arquitectura es la organización del espacio para la vida. Es la única diferencia.” Después de cinco décadas de trabajo teatral, Alejandro Luna presenta una retrospectiva de su trabajo en el Museo de Arquitectura del Palacio de Bellas Artes, donde presenta un compendio extenso del mundo del teatro más

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allá del mundo de la escenografía. Un espacio que documenta la historia del teatro a través de su propia historia y que es el resultado de una larga carrera dedicada al espacio teatral. Cinco décadas de diseño escenográfico marcadas por el subir y bajar del telón, por el diseño del arte efímero. “Ese espacio y tiempo es un movimiento y yo creo que diseñar una escenografía es diseñar un movimiento. Es un arte cinético.” Sin duda un apasionado de su quehacer profesional y de la vida misma. De una calidez particular, de aquella que da la experiencia, de esa forma se despide el Maestro Luna y nos agradece la visita.

Alejandro Cabrera @portavoztv www.portavoz.tv

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textiles

Telares de las Nubes Marina Peniche Fotos cortesía de Centro de Diseño de Oaxaca

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on el objetivo de mostrar el nuevo diseño textil oaxaqueño, El Centro de Diseño de Oaxaca, el Museo Textil de Oaxaca, en conjunto con Remigio Mestas, vehemente promotor del arte textil oaxaqueño, anudaron fuerzas para realizar y exhibir piezas exclusivas. Dentro de la muestra se encuentran obras especializadas de reconocidas tejedoras y artistas del telar, entre ellas se encuentran Olga y Zenaida González Pérez. Los lienzos y huipiles son del tipo más fino, hechos con hilaturas industriales de alta calidad, como hilo de algodón egipcio, algunas combinaciones con hilados manuales de seda y algodón, así como otras hebras privilegiadas en el mercado. También están los diseños teñidos con colorantes característicos de Oaxaca, como la grana del nopal, el caracol púrpura y el añil vegetal. La expresión plástica del talento oaxaqueño nos ofrece un universo de colores, texturas, formas e imágenes que nos hacen revivir nuestro patrimonio cultural visto desde conceptos más vigentes. www.cdo.gob.mx

Curaduría: Remigio Mestas, Alejandro de Ávila Investigación y textos: Alejandro de Ávila Identidad y Museografía: Jaime Ruiz, Centro de Diseño de Oaxaca Conservación: Héctor Meneses, Laura Gudiño

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Cuadros en el Suelo Marina Peniche Fotos Cortesía de Top Floor

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rear alfombras y tapetes con distintos matices, formas, texturas, colores y diseños es el sello distintivo de la firma Top Floor, cuyo lema es “Design Underfoot”. Fundada en 1998, esta creativa empresa con base en Londres se centra en fabricar alfombras para interiores con efectos visuales y detalles imponentes que se convierten en la pieza central de cualquier habitación. El diseño de estas contemporáneas alfombras y tapetes, la mayoría hechas a mano, crea un efecto óptico que cambia la perspectiva, dándoles profundidad y composiciones asombrosas. Este año, la marca ha sido nombrada como “Most Inspiring Showroom-Highly Commended” por la revista Elle Decoration, dentro del marco del London Design Week, y en 2008 la alfombra “Esquire” fue nombrada “British Design of the Year”. Ésta acentúa los juegos visuales por medio de una asombrosa degradación de color. Los diseños los desarrolla la propia creadora de la marca, Esti Barnes, quien se ha encargado de llevar a Top Floor a la cima, dándole reconocimiento internacional y vistiendo con sus diseños cualquier habitación magistralmente. www.topfloorrugs.com

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números Por José Luis González Cabrero

Bibliografía Oficina de Prensa BD Barcelona 2012. Oficina de Prensa Jaime Hayon 2012. www.bdbarcelona.com www.addrede.com www.hayonstudio.com Sketch de Jaime Hayon: Olivia Lee (www.olivia-lee.com) Parte del proyecto Limited Edition Designers Dolls 2008

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* José Luis González Cabrero, diseñador industrial originario de San Luis Potosí, actualmente radica en Milán donde trabaja como product designer para diversos estudios, también escribe e ilustra sobre temas de diseño para publicaciones en México e Italia. www.gonzalezcabrero.com @gonzalezcabrero

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il mobile

London Design Festival En pleno apogeo cultural, gracias a los Juegos Olímpicos, la capital inglesa recibió lo mejor del diseño, demostrando una vez más que su tan auténtico estilo estridente sigue en pie. Marina Peniche Fotografías cortesía de las marcas

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l Festival de Diseño de Londres es un acontecimiento que muestra diseños internacionales a través de exposiciones, galerías y tiendas de la ciudad. Este año, celebrando su décimo aniversario, se llevó a cabo del 14 al 23 de septiembre con más de 300 eventos, como lanzamientos de productos, conferencias magistrales, foros de diseño, instalaciones y exhibiciones, convirtiéndose en uno de los eventos culturales y comerciales más importantes del gremio. En el marco del festival se realiza Global Design Forum, un evento que reúne a notables figuras del diseño para debatir los temas que afectan a esta industria, Sir John Sorrell, presidente del festival, explica que nos encontramos en un nuevo periodo: la era de la creatividad. En ésta, las naciones, ciudades, empresas e individuos alrededor del mundo se dan cuenta que el diseño y la creatividad no son sólo vitales en un sentido social y cultural, sino también, y muy significantemente, en un sentido económico. Para tomar ventaja de esto y lograr que estos elementos nos ayuden a formar un mejor mundo, tenemos que hablar de cómo queremos que el diseño y la creatividad impacten el mundo. Dentro de la feria, diseñadores consagrados y emergentes presentaron propuestas innovadoras a través de productos y expresiones artísticas. Aquí mostramos algunos de ellos. www.londondesignfestival.com

Foco Rojo por Ariel Rojo Fotografía de Felix Friedmann Photography Expuesto en Marion Friedmann Gallery Tapete que retrata desde una vista panorámica la Ciudad de México, un momento de alerta y cambio cultural y social. El diseño consiste en un anudado a mano con lana de Nueva Zelanda extra virgen, fabricado por Odabashian.

Royal Mahuida Tableware Collection por Great Things to People (gt2P) en colaboración con AFA Gallery Expuesto en 100% Design, Chilean Pavillion Accesorios para mesa que rinden tributo a los Incas, quienes ante la conquista española esconden oro en el bosque nativo chileno. Formalmente inspirado en los árboles Araucaria, representativos del bosque. Pieza fundida a troquel y hecha de bronce.

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Kilin, Mole y Diz por Sergio Rodrigues para Espasso Expuesto en 19 Greek Street Gallery House Mobiliario contemporáneo inspirado en las formas y tradiciones brasileñas.

Pallet Project por Nina Tolstrup y Re-Imagined por Nina Tolstrup y David David Design Studio para Studiomama Expuesto en 19 Greek Street Gallery House Muebles de madera recuperada y rediseño de sillas ya existentes para apoyar el rehúso de muebles viejos o en mal estado.

Flower lamp y Cube Illusion por Laszlo Tompa Presentado en London Tent Lámpara y caja con una superficies cubiertas de adornos geométricos torneados en madera, éstos crean una ilusión óptica en la pieza.

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Giulia Sofa y Storage Ciccio de la colección Spontaneo Insieme por Be+Have Presentado en London Tent Objetos inspirados en el diseño italiano de la década de 1980. Sofá con estructura metálica y poliéster. Mueble de guardado de MDF y base de metal.

La Familia por Bravo! Presentado en 100% Design, Chilean Pavillion y Tent London Colección de contenedores modulares fabricados en madera nativa chilena y cobre, cuyo concepto es la simpleza logrando adaptarse a cualquier espacio.

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Nidos por Bravo! Presentado en Tent London Colección de muebles armables que combina la simplicidad y funcionalidad a través de la unión del trabajo de carpintería tradicional y las nuevas tecnologías. Fabricados en madera nativa chilena.

Fernando Bench y Fernando Copper por Julian Mayor Presentado en Tent London Banco y silla desarrollados por medio de modelos computarizados y fabricados mediante pliegues y soldadura. La distorsión por calor del proceso de fabricación se propaga en efectos cromáticos sobre las superficies.

End-grain y Ligneous por Gareth Batowski Presentado en Tent London End-grain es una silla de madera con recubrimiento de cuero. Ligneous es un gabinete con estructura de madera mezclado con polímeros. Esta colección une los procesos tradicionales con los industriales.

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That Piece of Time: A Coffe Table Por Luna Seo Presentado en Tent London Mesa de centro inspirada en el tiempo. Fabricada en madera con un elemento triangular que refleja la luz natural o artificial segĂşn donde estĂŠ direccionada.

Sedici por Roberto y Stefano Truzzolillo para Amitrani Presentado en Tent London Gabinete hecho de madera maciza con piezas montadas con cortes de 45 grados.

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Window Chair & Couch por Mars Hwasung Yoo Fotografía de Stephanie Wiegner Presentado en Tent London Asientos de respaldo alto inspirados en las formas de las ventanas antiguas. Hecho con fibra de vidrio recubierta de PVC, hilo de algodón, acero, madera contrachapada y tela de lino. Con un respaldo tejido que proporciona confort en la espalda.

Let’s Play de la colección Fetiche por Munna Presentado en Super Brands y Decorex Biombo inspirado en la estética gráfica del juego de Backgammon, que a través de la composición de las telas genera efectos visuales de profundidad.

King por Roberto y Stefano Truzzolillo para Amitrani Presentado en Tent London Perchero desarrollado por medio de algoritmos que forman una estructura tejida que aprovecha la flexibilidad natural de la madera.

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Glocal Design Magazine, Forma y función que toma vida Suscríbete por un año y recibe 8 ediciones Recuerda que cada una de nuestras portadas es coleccionable ya que es realizada por reconocidos talentos del diseño. Busca en cada edición las propuestas de los personajes que generan vanguardia.

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diseño

Anafres

Christian Vivanco Mabel Téllez Imágenes cortesía de Christian Vivanco Chuun

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ara esta quinta edición de Objeto Glocal Deco, Christian Vivanco se une al proyecto para crear “Los Tabos”, una línea de taburetes y bancos en distintas alturas cuya intención es generar una diversidad de usos. Christian es diseñador industrial, fundador de Christian Vivanco Studio y The Emotion Lab. Realizó sus estudios en la Universidad Autónoma de San Luis Potosí y, posteriormente, realizó un Máster en Conceptualización y Diseño de Producto en la Escuela Elisava en Barcelona. Por más de dos años fue diseñador jefe de DesignCode y del estudio de Hiroshi Tsunoda. Ha colaborado con organizaciones como Hewlett-Packard, Santa & Cole, Cosmic, Ofita, Luz Difusion, Almerich y Chocolat Factory, entre otros. En su corta carrera, Christian ha destacado a nivel internacional gracias a su constante búsqueda por perfeccionar la función de los objetos cotidianos y el uso directo de los materiales en sus propuestas únicas. Sus diseños están inspirados en el estilo de vida mediterránea, la estética japonesa, en corrientes como el minimalismo, el cual está basado en la naturaleza y en la interacción y en diversos factores socioculturales de nuestro país. Esta última característica está presente en “Las nenas”, colección conformada por tres sillas intervenidas por Christian, quien toma O T BRE • NO IEMBRE 2012

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como referencia algunos iconos representativos de la cultura mexicana, como los vestidos típicos de Oaxaca o la figura colorida y festiva de la piñata. Sin duda, todos estos elementos promueven un perfil fuerte y único, distintivo en cada uno de sus trabajos. Sus proyectos han sido expuestos en las Ferias de Diseño más importantes del mundo, como el

Salone Internazionale del Mobile de Milán; Feria Hábitat, en Valencia; Exposición El Cambio en Washington, EUA; Feria Ambienteen Frankfurt, Alemania y en el Design Week de Tokio, Japón. Asimismo, sus diseños se presentaron en la exposición Fábrica mexicana: diseño industrial contemporáneo en el Museo de Arte Moderno. www.christianvivanco.com

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diseño / OBJETO DECO

» “Los Tabos” (Octavios + Taburetes) » INSPIRACIÓN: Hace medio siglo el taburete cumplía una función secundaria y casual, hoy en día se ha convertido en un elemento reconocible en prácticamente todos los espacios arquitectónicos, tanto por razones espaciales como utilitarias.

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» PROPUESTA: Familia de taburetes con diferentes alturas que varían ligeramente entre sí, proponiendo una interacción con el objeto más dinámica entre sus usuarios que va acorde al tiempo en que vivimos.

» CONTEXTO: Es un sistema de taburetes que pueden adecuarse a espacios habitacionales, públicos, restaurantes y bares, permitiendo un flujo diverso de usuarios. Todos los taburetes tienen el mismo ángulo de apertura, que a primera vista pareciera un ejercicio simple, pero que en realidad conlleva una serie de cálculos para conservar el equilibrio y la ergonomía sin sacrificar expresión.

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* La línea que Masisa ha desarrollado para la fabricación de muebles y arquitectura interior. Estructura en MDF, más versátil y con amplia variedad de diseños. El tablero de MDF permite mayores opciones de transformación en ensambles y uniones, posibilidades de cortes curvos y ‘routeado’. Tiene un alto desempeño a nivel industrial con bajo desgaste de la maquinaria y un corte muy limpio.

www.masisa.com +52 (55) 9138 2300 O T BRE • NO IEMBRE 2012

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» TRANSPORTE Y ALMACENAJE: El almacenamiento puede considerarse óptimo, pues la configuración en forma de “asterisco” permite un acomodo entre taburetes mucho más ajustado, lo que permite el ahorro de espacio al momento de guardado.

» MATERIAL: El material propuesto es el tablero DecoMDF de 1.2 mm con acabado en Nogal Urbano. » MEDIDAS GENERALES EN USO: Varían particularmente en sus alturas (30, 40, 50 y 60 cm)

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diseño

Diseño Para la Educación Por Marina Peniche Fotos Jardín Lab cortesía de Masisa, Vittra Telefonplan por Kim Wendt, Mann Elementary School por Jan Bitter

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a llegada de la era de la información y la comunicación ha transformado nuestra vida cotidiana y por ende, empieza a estar presente en aulas escolares como una herramienta más en el proceso educativo. En el lenguaje pedagógico de los últimos años se han introducido los conceptos de interacción, autogestión, flexibilidad e igualdad, entre otros, dejando de lado el ambiente autoritario, y cada vez menos funcional, del siglo XX. Para reforzar este modelo de enseñanza, diseñadores y arquitectos trabajan por la elabo-

ración de proyectos más didácticos y el desarrollo de una propuesta educativa en función de las necesidades actuales. A continuación hablaremos de tres proyectos que subrayan estas nuevas demandas. Empecemos por descubrir un proyecto nacional que se gestó debido a la falta de recursos para mejorar las condiciones educativas en México, uno de los problemas más graves del país. Creativos mexicanos y empresas trabajaron en conjunto con el propósito de beneficiar a niños de escasos recursos. Jardín Lab. Masisa, Ariel Rojo, Cecilia León de la Barra, ROW Studio, CIDI de la UNAM, Centro y la Ibero, regalaron su talento para dignificar un jardín de niñós público.

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Masisa, por medio del programa “Articula”, cuya intención es vincular los principales integrantes de la industria del mueble, convocó a estudiantes y profesionales a donar su trabajo para contribuir a la remodelación del Jardín de Niños “José María Luis Mora”, mismo que se encontraba en malas condiciones. Para lograr este objetivo, el diseño de tres aulas corrió a cargo de grupos conformados por estudiantes y profesores de diseño. Por un lado, la Universidad Autónoma de México (UNAM) realizó una colorida propuesta con mobiliario vivo y dinámico. La Universidad Iberoamericana Campus Ciudad de México vistió el salón con mesas modulares capaces de encadenarse en una “sola mesa”, mientras que la universidad Centro de diseño, Cine y Televisión dotó el espacio con diseños que remiten a elementos naturales y pueriles. A su vez, reconocidos creativos como Ariel Rojo, Cecilia León de la Barra y Row Studio diseñaron el salón de usos

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múltiples, el cual se transforma en un pequeño auditorio que conecta con el espacio exterior. Sin duda, una colaboración que debe continuar a través de los años. Un ejemplo de cómo la participación entre diferentes sectores puede crear proyectos a favor de la educación y de cómo el diseño genera un impacto positivo en la sociedad. Otro proyecto que tiene como prioridad desarrollar nuevos métodos de enseñanza y la interacción como base para la educación es la escuela Vittra, ubicada en Estocolmo. Teniendo en cuenta esta premisa, el despacho danés Rosan Bosch diseñó los espacios de la escuela con mobiliario e interiores que facilitan la formación y el aprendizaje. Las nuevas áreas permiten a los niños relacionarse amplia e independientemente, asi-

Escuela Vittra, diseñada por el despacho Rosan Bosch, tiene la intención ayudar a la educación a través del juego y la comunicación.

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mismo, motiva la curiosidad con ayuda de elementos sensoriales y visuales. Se desplazaron las aulas convencionales por espacios con cierta familiaridad y ambientes informales que fomentan la confianza del estudiante. Funcionando como una plataforma instrumental, donde el espacio es el mediador entre el niño y su formación intelectual, se diseñaron zonas de aprendizaje individuales y colectivas, espacios de relajación y recreación, así como muebles a la medida para cada situación. También cuentan con laboratorios flexibles que proporcionan oportunidades para enfocarse en proyectos especiales. Vittra tiene un gran interés en introducir medios digitales y didácticos que se apeguen a su doctrina, y Rosan Bosch los incorpora en el proyecto adecuando los espacios para que la tecnología se relacione con el ambiente y con los estudiantes. El diseño de la escuela actúa como una herramienta para el desarrollo educativo a través de las actividades diarias. Finalmente, nos encontramos con un programa universitario que funcionó como promotor del aprendizaje: Die Baupiloten, implementado en la Universidad Técnica de Berlín como apoyo a la formación de los alumnos. Consiste en proyectos de construcción que los universitarios llevan a cabo con la orientación y supervisión del estudio de arquitectura Susanne HofO T BRE • NO IEMBRE 2012

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mann. Bajo este programa se realiza el diseño de interiores de la escuela primaria Mann Elementary School, ubicada en Berlín, incluyendo un ambiente de formación primaria que se adapta a los recientes modelos de enseñanza. Siguiendo esta nueva premisa, se decidió crear una serie de talleres para que los niños pudieran participar y diseñar su escuela. Así se proyectaron las necesidades y fantasías de los alumnos a lo largo de los pasillos y aulas. “Dragón” fue el concepto que abrazaron todos, y a partir de éste se crearon muchos otros adyacentes. La creación de una serie de espacios libres y adaptables con mobiliario multifuncional fue propio de este diseño vanguardista. Se crearon asientos que permiten a los niños explorar y conocer sus cuerpos en forma de capullos elásticos y con una serie de mesas – sillas de superficies horizontales e inclinadas con elementos plegables. Éstos elementos permiten a los alumnos encontrar, de manera autodidacta, la posición más cómoda para aprender y

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jugar. También se implementaron filtros de luz que modifican la iluminación conforme cambia el clima; reflectores distribuidos a lo largo de la escuela que permiten la comunicación entre alumnos; paredes magnéticas con mosaicos de colores; espacios con caleidoscopios que cambian cuando los alumnos modifican los muros, y un salón lleno de “pétalos” que protegen a los niños y desarrollan su creatividad, ya que pueden ser decorados por ellos mismos. Hablar de diseño educativo es una innovación cuyo entorno se ha convertido, para las nuevas generaciones, en un elemento auxiliar en el proceso del aprendizaje. Estos proyectos son una muestra del proceso de transformación y progreso de los espacios escolares, con la finalidad de que los alumnos sean los protagonistas y crear ambientes que permitan el acceso para apropiar y procesar información. wwww.rosanbosch.com www.baupiloten.com www.masisa.com

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Proyecto llamado Die Baupiloten de la Universidad Técnica de Berlín, con arquitectura Susanne Hoffman busca que los alumnos regresen al sistema autodidácta con el fin de que los niños busquen nuevamente la experimentación.

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dentro

Design House 2012, una apuesta por el interiorismo Entrevistas: Marina Peniche y Greta Arcila Fotos de Luis García www.designweekmexico.com

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na de las actividades centrales del Design Week México es Design House. En esta cuarta edición se reunieron 19 diseñadores y colaboraron más de 50 empresas para intervenir los espacios de una casa. El ingenio de prestigiosos despachos interioristas participantes se ve reflejado a través de muros, pasillos, jardines y terrazas, donde podemos visualizar diferentes historias, propuestas, puntos de vista, estilos y conceptos relacionados al interiorismo. Platicamos con los diseñadores, quienes nos permitieron leer los espacios a través de sus propios ojos:

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“El concepto detrás de la cocina es lograr que esta área transmita sensaciones diferentes y obtener una integración entre el interior y exterior. La cocina es de Piacere. Utilizamos una roca de Esencial en contraste con un tapete de Gandia Blasco; también tenemos obras de arte provenientes de la Galería Enrique Guerrero. Incluimos un póster en la parte exterior con mucha personalidad. Para integrar más exterior con interior usamos un espejo descuadrado. Si bien este proyecto es itinerante y más experimental, queremos que —como creadores de espacios habitables—, se perciba como un espacio vivible, acogedor y al mismo tiempo alternativo, sin salir del plano elemental. Es la búsqueda de relacionarnos con las cosas y decirlo de manera diferente”. Muro Rojo

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“Pensando en qué queríamos, decidimos salirnos del esquema de la recámara tradicional. Nuestro concepto empezó siendo primitivo: con una mezcla de materiales naturales que nos remitieran a la naturaleza, con un look más áspero inspirado en los árboles que se encuentran enfrente de la ventana, que te hacen sentir como en un bosque. Al aterrizar el concepto, buscamos materiales de demolición, por ejemplo, de barro, bloques de cantera, de recinto de demolición, etc. El baño tiene un acabado que es microcemento que logra un aspecto de cemento habitual. Como no podíamos tocar elementos arquitectónicos ni las ventanas, buscamos enmarcar con la intención de resaltar los detalles, para que dentro de esta oscuridad, que tiene bastante iluminación, fueras descubriendo poco a poco los elementos que conforman el espacio”. Carlos Costa, Studio Roca

“Nos asignaron la parte trasera de la casa, el patio. Al principio no sabíamos muy bien qué iba a pasar. Empezamos con el concepto de una casita en el árbol y quisimos que éste fuera el protagonista del espacio. Asimismo, queríamos que el espacio se concibiera un adentro y afuera, entre construido y en construcción. Seleccionamos muchos muebles y marcas, entre ellos objetos de Blend, Casa Palacio, habitación 116, Diez Iluminación, Studio Roca, C de Casa, tapetes de Calvin Rug, materiales de Hunter Douglas, Triform, y los pisos de madera de iGreen. Fuimos muy cuidadosos porque teníamos que lograr un aspecto infantil, amigable y creativo. Es un espacio donde nos divertimos haciéndolo y queremos que se diviertan visitándolo”. Lisa Beltrán, Materia Arquitectónica O T BRE • NO IEMBRE 2012

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“El espacio de la escalera me funcionó como pretexto para plasmar ideas que ya tenía pensadas. Fue un experimento total. Tenía ganas de hacer un mural y trabajar con Swarovski, así que fundí los conceptos. Jugamos con la perspectiva, los planos y la confusión virtual, lo cual requirió de mucho estudio y análisis espacial. Dirigimos todo a un sólo punto de fuga, que remata con la pieza del Sagrado Corazón. Tratamos de recrear una escena fuerte que sirviera como transición para entrar al estudio. Aquí comienza un choque conceptual, la entrada se dirige a un espacio acogedor, un lugar con fines intelectuales que cuenta una historia: el espacio para tejer de la mamá, el área de lectura del papá, los libreros y objetos de la vida cotidiana. La parte de abajo lleva un estilo maximalista contemporáneo y moderno, pero con muchos toques orientales”. Adan Cárabes

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“Un pantry es una zona de transición entre cocina y comedor. Es un espacio difícil, angosto y largo, con una tipología que nadie conoce, así que tuve que sacar mi lado creativo para que pudiera nacer el proyecto. El concepto consiste en presentar el túnel como una reminiscencia histórica. Colaboramos, una vez más, con la artista mexicana Marta Flores, quien en esta ocasión realizó un trabajo digital. Tenemos piezas barrocas colocadas sutilmente con piezas futuristas contemporáneas; una unión orgánica como la vida misma. Está el pasado, donde uno va recolectando cosas y recuerdos; después viene el momento contemporáneo, actual, y a lo lejos se visualiza el futuro blanco donde puedes prescindir de muchas cosas. Lo que importa realmente es el interior y el espacio que te rodea”. Beata Nowicka

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“Convertimos un cuarto en un estudio de grabación para mostrar las posibilidades que tiene un lugar. La música, al igual que el diseño, es una forma de expresión, y con ésta se puede ambientar y crear emociones. El estudio refleja relajación, es un lugar que brinda las herramientas necesarias para sumergirte en tu propio mundo o compartirlo con personas cercanas. Es un espacio donde la música es el tema principal, pero lo más importante fue tratar de lograr un ambiente acogedor con mucha personalidad. Utilizamos elementos que remitieran a la marca Moda In Casa, tratando de hacerlo de una forma novedosa. El significado del color azul refleja muchas cualidades: ayuda a controlar la mente, a tener claridad de ideas y ser creativos; representa profundidad, conocimiento y tranquilidad”. Louis Poire, Moda In Casa

“Cada espacio que diseño representa un reto muy especial: tiene que ser único y original. En esta ocasión se trata del comedor, lugar que tiene como característica especial unir a las personas, y es motivo de convivencia. Al buscar un espacio fresco y acogedor, empleé una paleta de color muy neutra, con detalles en bronce. Sobre las diferentes piezas que conforman el mobiliario utilicé la versión “Bar” del Secretaire que presenté el año pasado, sólo que ahora está forrado en luna clara y entrepaños de cristal. Tuvimos la oportunidad de intervenir la mesa de comedor que era la única pieza que había en la casa. Nuestra selección de mobiliario se basó en Ma Maison en BLEND y varias pieles con textura “poni”, siempre presentes en mis propuestas de diseño, y un candil de la firma Bocci”. Roy Azar

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enfoque

De la l贸gica a la formalidad del objeto Entrevista con Erwan Bouroullec 66

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Greta Arcila Fotos cortesía Ronan & Erwan Bouroullec

He visto muchos de sus diseños en la feria. Siendo un estudio pequeño, ¿cómo manejan su tiempo y la cantidad de trabajo? De entrada, trabajamos juntos y sentimos mucha emoción por el diseño. Nos damos muchos apoyo. Una de nuestras cualidades es que siempre podemos saber si las cosas van bien o no. Nos las arreglamos para organizar nuestra carrera de tal forma que podemos conservar la independencia económica de nuestro pequeño estudio, y a su vez poder controlar todo. Desde luego, en la producción industrial tienes que trabajar duro, a veces tenemos que pelear en contra de las cosas que no entendemos en términos de producción, porque hay otras sorpresas.

Sobre su propuesta de diseño en Vitra, ¿qué nos pueden decir de las cosas que han producido para la marca? Realizamos diseños muy templados, suaves y tenues. Propusimos las repisas “Corniches” para Vitra, donde buscamos algo muy formal, porque actualmente nadie reconoce la configuración de las cosas. Las repisas tienen usos diferentes que se adaptan al estilo de vida de las personas, principalmente son un sistema de almacenamiento, pero alguien puede utilizarlas para colocar sus libros, o bien, un cocinero podría pensar que quedarían perfectas en la cocina. Nosotros diseñamos muchos objetos que son importantes para la vida cotidiana, y francamente tengo la impresión de que éstos son absolutamente diferentes. Por ejemplo, en este momento traigo celular, llaves, ropa, etc., todos son objetos que marcan mi estilo de vida y mis acciones día con día. Son hechos de diversas formas y utilizados en diferentes momentos; por eso la cualidad de estas repisas es que no ocupan mucho espacio y son muy versátiles. Se adaptan al estilo de vida de cualquiera, pues

permiten diferentes configuraciones. Tratamos de hacerlas un poco irregulares para que de esta forma exista variedad en la línea sin afectar los procesos productivos. Dentro de los proyectos que han hecho, como el sofá, el color es muy importante. Da la impresión que buscan colores diferentes a los que no estamos acostumbrados. ¿Cómo escogen esos colores? Creo que la clave para la elección del color correcto, especialmente en el sofá, consiste en que el cliente puede escogerlo. De hecho, cuando diseñas algo, no es como componer una ópera que puede durar dos horas, puedes tener muchas notas y canciones, puede ser muy libre, pero en diseño tienes un presupuesto, un cliente, ciertos materiales, demasiados requerimientos, muchas limitaciones y especificaciones. Por eso, buscamos añadir algo especial al diseño, aunque estemos muy restringidos y no tengamos muchos elementos con los que podamos trabajar. En cierto sentido, el

The North Tiles

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sofá habla de enseñanza, de cómo caminar y trabajar con telas. Cada vez que hacemos un diseño buscamos un modo particular de añadir algo singular y único, y tratamos de encontrar esa particularidad en los detalles de las telas, así como elementos que hagan las superficies más agradables al observarlas. El color es muy importante para el cuadro porque indica cierta ecuanimidad (equilibrio) en el diseño y es vitale para transmitir propiedades y generar percepciones en la gente. Cuando tenemos limitantes, pensamos horas y horas sobre cada detalle, porque es lo único que tenemos para trabajar y nos gusta explotarlo.

Hablando de los objetos, para mí el lenguaje que utilizan es simple. Sin embargo, puestos en un lugar poseen cierto carácter que nos recuerda nuestra humanidad. ¿Es ésta una de las intenciones en sus diseños? Sí claro, los diseños ofrecen confort y la búsqueda de esta cualidad es muy humana. Pero, por otra parte, el confort no es suficiente. En ergonomía no hay una fórmula que se aplique al usuario internacional, puedes sacar promedios y jugar con eso; a veces diseñas un sofá pequeño o uno más grande, siempre con una

intención clara de proporción. De hecho, parte del confort se trata de lenguaje, nosotros pensamos mucho y tratamos de realizar productos que visualmente se perciban cómodos. La mayoria de las veces se trata de los detalles. En las telas, por ejemplo, se trata de escoger la textura adecuada y el material correcto. Si quieres algo muy delgado piensas en lycra; para algo más aspero en algodón o telas más fibrosas, tienes que pensar en la capacidad de plegado, elasticidad, suavidad y durabilidad. Muchas veces nuestros proyectos están centrados en la idea de la técnica de producción.

Docklands para Bene

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Tratamos de valorar lo más que se pueda, todo lo que involucra esta técnica para convertirla en parte potencial del diseño. Dentro del discurso de su trabajo, podemos observar un lenguaje universal que todo el mundo puede usar y entender. ¿Cómo logran un diseño auténtico y único? Desde mi punto de vista, es un riesgo. Muchas veces, cuando hacemos un diseño, nos basamos en una investigación previa sobre las posibles problemáticas que conlleva la funcionali-

dad y los procesos de un objeto. Por ejemplo, la silla Magis está hecha de acero y madera, nos concentramos básicamente en la unión de la estructura de las patas de madera con la parte superior de acero que genera el porta brazo y el respaldo. O bien, en el caso del sofá Plum, lo importante era lograr que el tejido elástico se adaptara a la forma del mueble. Yo no estoy pensando en cómo la gente debería sentarse, ya que cada quien se acomoda según su cuerpo, estoy pensando en cómo construir un buen sofá, en la manufactura y en cómo hacer una investigacion de la fabricación. Estoy pres-

tando atención en la evolución y desarrollo de cada detalle que crea un especifico carácter en el producto. Por ejemplo, cuando prendes una lámpara táctil estas pensando en la luz, en cómo se prende, en la sorpresa, no estás pensando en la lógica detrás de la lámpara, sólo en la idea principal de la misma. Finalmente, cuando te concentras en un tema, terminas utilizando un lenguaje universal, porque un pedazo de madera va a tener la misma dificultad de desarrollo en todo el mundo, no tiene nada que ver con política o cultura, simplemente es algo que le per-

Vegetal Blooming

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Axor

tenece a la lógica misma del objeto. Yo sólo estoy pensando en diseñar objetos y hacerlos de una forma en la que se sea fiel a uno mismo. Sólo quiero encontrar una mejor forma de intervenir un pedazo de madera y me concentro en la forma de hacer eso. Y algo especial saldrá de eso, que será percibido por las personas. Sobre la cualidad universal, no estoy buscando generar algo más allá de lo formal que no esté en el objeto mismo. En nuestro cerebro hay una concepción y autoconciencia del mundo, es decir, todos concebimos que una bicicleta tiene dos ruedas, pero si vemos una con más ruedas o formas más aerodinamicas y piensas que es más rápida que una convencional, porque en nuestro cerebro no es un objeto cotidiano, lo relacionamos como algo especial y eso sorprende. Nuestro cuerpo reacciona de forma automática y rápida. Dentro de los productos y el mobiliario los detalles de la imagen completa se perciben más rapido por el ojo y el cerebro, mucho antes de que puedas pensar o analizar las partes del producto. En el sofá Plum uno percibe la comodidad antes que cualquier otra cosa, uno asume de entrada esta característica. Lighthouse

Muchas veces uno percibe más rápido de lo que piensa, y al final el diseño se trata más de esto. ¿Qué opina usted? Así es, porque es ahí en donde entra la parte activa del diseño. La única expectativa que tengo y la única cosa que puedo hacer con los sofás es hacer que la gente se sienta increiblemente cómoda. Tenemos que poner atención a

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las personas, porque son las que usarán y descansarán en ella, así que todo se vuelve físico. Cuando uno tiene un sofá en casa se convierte en un punto de reunión, de relajamiento, de momentos en la vida y yo trato de que se convierta en un objeto de bienvenida, que en cualquier situación libere tu mente y te transporte a vivir el momento, pensando en el bienestar corporal. Trato de hacer que la gente se sienta cómoda en los diseños que hago. Se trata de crear emociones favorables para la gente. En cada edición del Salón del Mueble, ¿qué es lo que esperas ver? Trato de no ver. A veces veo algunos diseños,

pero, no lo hago debidamente. Lo único que veo con detenimiento son las revistas y demás publicaciones. El diseño es muy importante para mí, y cuando vengo pienso si diseñamos las mismas cosas. No es que no me guste ver otros trabajos, pero es mucha información. La mayoría de las compañías con las que trabajamos, con base en Europa, son pequeñas, pero son grandes marcas en el mundo. Incluso Vitra, que es una referencia de diseño para todos, tiene pocos empleados. Lo que nos tiene desesperados, es que cuando estás produciendo debidamente en Europa, a veces tienes que improvisar, pues los precios o procesos son muy complejos para producir diseños

Baguettes chair

Losanges Carpet

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sustentables y de calidad. Los precios para los usuarios generalmente no son muy accecibles. Buscar la manera de producir de otras formas es muy importante, así como encontrar la humanidad y sustentabilidad en las cosas . Tenemos que pensar en el medio ambiente. No comprendo cómo es que las personas no terminan de entender que el acto político más fuerte es diseñar y comprar productos diseñados bajo términos ecológicos.

Slow chair

Un amigo mío, el diseñador mexicano Emiliano Godoy sigue esta misma línea. Nosotros, como consumidores, tenemos la gran responsabilidad de saber qué vamos a comprar y a consumir.t ¿Nos podrías dar tu punto de vista? Estamos consumiendo el mundo. Decimos que estamos pensando en ecología, pero por otro lado, cuando compramos algo no nos damos cuenta realmente de lo que implica, son productos que involucran procesos, empleados, etc. La relación de la empresa con la ecología no es muy clara. Quizá debamos volver a lo básico y ser concientes de estos conceptos, de lo que implican las producciones industriales y la tecnología. Por ejemplo, no sé si la lógica del iPhone es lo mejor para todos, tenemos que encontrar un balance en las cosas. No es lo básico ni lo exesivo, el secreto está en el balance. www.bouroullec.com

Alcove Sofa

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Clouds

Ploum

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personajes

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Con motivo de la ampliación del Museo Rufino Tamayo, solicitamos una plática con uno de los arquitectos que más obra pública ha construido en México. Amable, inteligente y contundente, nos platicó sobre su experiencia de un museo que ama profundamente.

Entrevista con

Teodoro González de León Greta Arcila Fotos cortesía Taller González de León

Como arquitecto, ¿qué representa para usted que la mayor parte de sus obras sean consideradas iconos de la arquitectura mexicana? Es un elogio muy bello, me conmueve. Pienso que la arquitectura debe instalarse en la ciudad y dialogar con el espacio público. No pasar por encima de ella. El propósito de la arquitectura va más allá de construir unos edificios; nosotros los arquitectos tenemos la responsabilidad de hacer ciudad, de interpretar nuestro entorno y dialogar con él, ése es el propósito del diseño arquitectónico. La arquitectura habla de la historia de un país, es un bien cultural, un legado de un tiempo. Un edifico debe irradiar historia, y narrar cuentos. Debe de hablar con un ciudadano que vive su ciudad, la cual, se forja con los pasos del individuo. Sin duda, uno de los elementos distintivos de su arquitectura es el uso de concreto y cincelado… Es una necesidad mucho más pragmática. Es una manera de solventar los problemas de la mala mano de obra. Cincelando borramos las imperfecciones que en el concreto aparente se calcan inmediatamente, y por ende se ven. Los errores de desajuste de cimbra son muy comu-

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nes. No tenemos buena mano de obra, está muy mal pagada y mal adiestrada. Pero sí, es una característica que le da fuerza a la obra. Pero no siempre ha sido así, por ejemplo, cuando Pancho Serrano y yo diseñamos la Embajada de México en Berlín, quisimos llevarnos a albañiles mexicanos a dejar esa bella mano de obra, pero allá lo resolvieron con tecnología. Diseñaron un cincel electrónico que hacía los golpes muy rápido y justo. Algo importante de su obra es el manejo de la luz y las sombras, que sin duda, son espacios que nos guían en silencio hacia distintos recorridos. La luz es, quizás, lo más difícil en arquitectura, lo que uno tarda más en aprender a manejar, porque la luz es la que revela toda la composición interior y exterior de los espacios arquitectónicos. Yo me tardé mucho en aprender a leer las sombras, a convivir con ellas y con la luz, y a saber proyectar con ellas. Pero una vez que aprendes ese idioma, es fantástico todo lo que puedes lograr en una obra. La primera vez que logré que una luz se fuera hacia donde yo quería, fue una de las alegrías más grandes, pues supe que comenzaba a ser arquitecto. En las ocasiones que he tenido la oportunidad de hablar con usted, siempre me ha hablado de muchas ciudades. ¿Qué ciudad es arquitectónicamente valiosa para la humanidad? He visitado muchos lugares, me gusta viajar, por lo menos lo hago tres o cuatro veces al año. Es una manera de tener fresca la cabeza. Viajo para ver edificios, museos y escuchar conciertos, nada más. Personalmente tengo una cercanía con Nueva York. Es y seguirá siendo la ciudad más peatonal del mundo. Hay transporte colectivo, pocos automóviles privados en relación a la población y no hay estacionamientos. Eso hace que la gente camine en la calle. La cantidad de gente que hay en las avenidas y calles de Nueva York no la tiene ninguna ciudad del mundo. París, es famoso por sus

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avenidas, pero se queda corto en ese aspecto. Nueva York es una ciudad trazada de una forma rarísima. Pero en sí, es perfecta; el espacio central en el parque es brutal, pero si uno analiza su traza urbana, el diseño se va a lo mínimo, no es rebuscado para el peatón. Nos puede platicar del proyecto México Ciudad Futura que trabaja en conjunto con el arquitecto Alberto Kalach. Ese proyecto continúa. Es de largo plazo, y justamente por esa condición, los políticos le rehúyen. Espero que se retome con el nuevo presidente, porque es una persona que conoce a fondo el proyecto. Inclusive ya hicieron ciertos avances. Tenemos muy buenos datos de que va por buen camino. No como anunciaron hace una semana el gran Parque Ecológico; en primer lugar, hacer un metro cuadrado de parque en el lago de Texcoco es imposible. ¿Cómo surgió este proyecto con el Arq. Kalach? Empezó en la escuela de Arquitectura. Me invitó a dar un pequeño taller porque tenía conocimientos sobre Texcoco gracias al ingeniero Nabor Carrillo, quien en ese momento estaba haciendo sus estudios sobre el lago. Kalach me dijo: “el proyecto que estamos emprendiendo estaría cojo si no trabajas con nosotros”, y acepté. www.glocal.mx


¿En qué medida el proyecto beneficiará a la ciudad? En la década de 1930, y casi a final de 1950, se veía el horizonte del lago, pero a partir de los años 50, se acabó. El proyecto rescata ese paisaje. Por otra parte, tiene un litoral de ochenta kilómetros para el desarrollo urbano. Hasta ahora, la superficie del lago puede ser tres veces mayor que la bahía de Acapulco. La evaporación de esa agua natural, cambia prácticamente nuestra atmósfera, las partículas contaminadas bajarán con esa transpiración. Limpiará una buena parte de la tierra. Cuéntenos un poco sobre el trabajo que realizó anteriormente en el Museo Tamayo con el Arq. Zabludovsky. Entiendo que la arquitectura, para que dialogue con el arte, debe de ser silenciosa. Fue un proyecto muy largo, porque, desde que comenzamos a trabajar hasta que se hizo, pasaron nueve años. El problema fue que no dejaban a Rufino que el museo estuviera en el bosque, y él a fuerza lo quería situado en ese lugar, porque había visto cómo el Museo

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de Antropología había crecido y había logrado establecerse silenciosamente en el bosque, además que las entradas al museo con esa ubicación subieron un 300%. Rufino lo planteó muy bien, el museo tenía que estar en el bosque, porque el arte contemporáneo hay que enseñárselo a México, donde está la gente. Pero fue muy difícil obtener el permiso porque ya estaba el museo de Antropología. Aparte, nadie quería a Rufino porque habían muchos intereses detrás. Lo veían como el malo de los cuatro pintores, los otros eran los buenos (Rivera, Siqueiros y Orozco), porque hacían pintura mexicana. Y Rufino hacía pintura de la escuela de París. Resulta ser que la pintura de Rufino es mucho más mexicana que la de los otros; si lo vemos ahora, tiene algo no definible, pero profundamente mexicano en toda su obra. Pero en sí fue Hank Rohn quien nos otorgó el terreno, él creyó en el proyecto y en que se debía de invertir en el arte que hablara de un México más actual. Muchas cosas no salieron muy bien del proyecto; por ejemplo, el auditorio se tuvo que abandonar, porque abajo se metía el agua, hay un lago ahí abajo. El museo está flotando sobre lodo, es un barco que navega en el bosque. Para ciertos edificios es muy malo, para otros no. Y al momento de la ampliación del museo, ¿cómo retoma el discurso que tenía el Museo Tamayo? ¿Qué aspectos tenían que mejorar? Desde un inicio, el proyecto tenía un discurso, mismo que le vendimos a Rufino, diciendo que era como una extensión de un árbol. Todo

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museo necesita expansión, y así se prospectó. Esta fue la cuarta vez que se intentó ampliar, las otras tres las hice con Abraham, y no ocurrieron, porque de repente Bellas Artes se echaba para atrás. Afortunadamente esta vez siguió adelante. El museo, desde que nació, fue un proyecto privado. Surgió de una donación de Rufino, de toda una colección que formó intercambiando su obra. Para usted, ¿hacia dónde se dirige la arquitectura mexicana? Nadie sabe. Lo que nos debe de preocupar es el presente. Nunca pienso en el futuro. Si pienso a futuro no hago nada. Me enfrento al presente con un fuerte conocimiento del pasado. Todos los días construimos ese futuro que no sabemos hacia dónde va a ir, o hacia dónde nos va a llevar. ¿Qué necesitamos para hacer una arquitectura de vanguardia? Enfrentarnos bien al presente. Eso es lo que necesitamos. O T BRE • NO IEMBRE 2012

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5 Arquitectos + 5 Interioristas en México 4

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No cabe duda que nuestro país es tan vasto y diverso que podemos encontrar diferentes formas de percibir e intervenir los espacios. Por ese motivo, Glocal Design Magazine reunió a arquitectos e interioristas que, a lo largo de los últimos años, han configurado una nueva identidad en México a través 80

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de proyectos habitacionales, urbanos, sustentables, comerciales y patrimoniales. Mediante una ronda de entrevistas, Michel Rojkind, Iñaki Echeverría, Abraham Cherem, Tatiana Bilbao, at103, Paola Calzada, C Cúbica, Uribe Krayer, Héctor Galván (Omelette) y Esteban Suárez (BNKR Arquitectura) nos exponen sus procesos creativos y su particular visión sobre la actualidad en México. O T BRE • NO IEMBRE 2012

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Toma en la terraza del Hotel Downtown México de Grupo Habita. 1. Iñaki Echeverría. 2. Ofelia Uribe, UribeKrayer 3. Marco Coello, C Cúbica 4. Paola Calzada. 5. Emelio Barjau, Bunker Arquitectura 6.Francisco Pardo, at103. 7. Michel Rojkind. 8. Andrea Cesarman y Emilio Cabrero, C Cúbica. 9. Erika Krayer, UribeKrayer

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diálogos

“Para mí el entendimiento de una colaboración no se trata de si te gusta o no, se trata de entender por qué, cómo lo está haciendo y de respetarlo”.

Dellenkamp. Foto Iwan Baan

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Arquitectura que genera una mejor calidad de vida Tatiana Bilbao Alfonso Maldonado Fotos cortesía Tatiana Bilbao S.C. e Iwan Baan

En 1999 formaste, junto con Fernando Romero, el Laboratorio Ciudad de México. Y en 2004 abriste tu propio despacho. ¿Cómo fue esta transición? Mi etapa en el Laboratorio Ciudad de México fue vital en términos de formación. Fue una experiencia excesivamente intensa, misma que se dio por ser tan joven. Pero fue primordial para formar esta oficina. En LCM entendí que la arquitectura no se trata de hacer diseños preciosos, sino que es espacio, y que pue-

des pasarte la vida haciendo renders bonitos y maquetas bonitas, pero, si no se construye, a final de cuentas no es arquitectura. También aprendí que si un taller de arquitectura no es una empresa, y se piensa como ésta, en términos de organización y economía, tampoco puedes hacer arquitectura. Necesitas esa parte empresarial establecida, y por otro lado, necesitas todo el conocimiento para saber cómo hacer arquitectura y cómo conseguir al cliente para construirla.

Jinhua Architecture Park. Fotos Iwan Baan

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Platícanos un poco sobre el proceso del libro Zona Metropolitana del Valle de México. Surge del interés por la ciudad y la producción del espacio urbano. Se gesta de la idea de entender más el rol del arquitecto, no sólo como creador de espacios bellos. Yo creo que la arquitectura tiene este poder de proporcionar una mejor calidad de vida, puede impactar de forma positiva o negativa. La realización de este libro consistió en entender nuestro contexto y en dónde estamos parados. Nos sirvió mucho para crear una base sobre la cual estamos trabajando actualmente.

ciudad a nivel macro, mientras que la intención del taller MXDF era meternos a profundidad en distintos temas, en ese sentido empezamos a ver las viviendas y el espacio público en las periferias de la ciudad. Sin embargo, no lo hemos desarrollado más, pero me gustaría retomarlo en algún momento. ¿Qué rol tiene el proceso en tu arquitectura? Es vital. El proceso, que a lo mejor a oídos externos sonaría errático, es lineal, no es igual en ningún proyecto porque parte de distintos puntos. Precisamente es la arquitectura que hacemos,

Impartiste un taller sobre el tema en la Universidad Iberoamericana. ¿Cómo funcionó este taller? ¿Qué elementos se desarrollaron a través de él? El libro Zona Metropolitana del Valle de México es un diagnóstico simple y somero para ver la

Jinhua Architecture Park. Fotos Iwan Baan

Tatiana Bilbao es arquitecta egresada de la Universidad Iberoamericana. En 2004 creó su propio despacho con el propósito de profundizar en la arquitectura, la investigación y los estudios urbanos. Recibió el galardón de la Academia de las Artes de Berlín, Alemania. Entre sus proyectos más importantes está la Casa Observatorio de Gabriel Orozco, la sala de exposiciones de Zheijiang en China, el Jardín Botánico de Culiacán y la Ruta del Peregrino en Jalisco.

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“La arquitectura tiene este poder de proporcionar una mejor calidad de vida, puede impactar de forma positiva o negativa”.

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la cual proviene de la línea contemporánea, del entender el contexto, la situación, el momento específico del sitio, del cliente y de la situación política y económica. El proceso puede empezar investigando el material o los recursos puedes emplear para que el impacto en el entorno que sea menor. El acercamiento del proyecto se inicia de distinta manera. No hay un proceso definido. Si bien no hay una secuencia, ¿hay algunos rasgos en común entre los diferentes proyectos? Lo que mueve el proyecto es lo esencial del mismo; investigamos cuál es la necesidad más profunda, y a partir de ahí diseñamos, creo que ese es el rasgo común. Desde luego, todas las necesidades son radicalmente distintas, y por ende, todos los proyectos lo serán. Muchos de tus proyectos han sido resultado de colaboraciones. ¿Cómo se da este proceso de colaborar con alguien que tiene una forma de trabajar muy diferente a la tuya? Para mí, las colaboraciones son vitales, por tanto las busco y las fomento. La arquitectura ya no es una labor de genio o del típico arquitecto dibujando en su estudio. Hemos entendido que la colectividad nos hace ser mejores y actualmente creo que es la mejor manera de hacer arquitectura. Trabajar con personas cuyo sistema de trabajo es radicalmente diferente a mi proceso es todavía mejor, porque me confronto a situaciones que desconozco o que no entiendo, y esto enriquece más la colaboración.

resaba entender este rol del arquitecto como una persona que puede generar una diferencia a nivel social, y cultural, y la injerencia que pueda tener. Por ellos, realizamos distintos eventos para difundir la cultura contemporánea, nacional e internacionalmente. Y una de las cosas que organizamos fue una conferencia de Herzog & De Meuron en México, con la idea de mostrar al país lo que está pasando en la arquitectura contemporánea, quiénes son los líderes, qué están planteando, etc. Posteriormente vino Jacques Herzog, quien tiene una filosofía muy interesante. Piensa que no va a trascender si no trasmite su conocimiento a los jóvenes. Le gustó lo que estábamos haciendo y empezó a apoyar nuestra carrera invitándonos a distintos proyectos, exposiciones y conferencias. Al paralelo desarrollamos una amistad personal, pero nunca hemos colaborado con ellos directamente.

¿Colaboraste en algún momento con Herzog & De Meuron? No, nunca he colaborado con ellos. Precisamente cuando estaba con Fernando, nos inte-

Ordos. Fotos Rodolfo Díaz Cervantes y Enrique Macías Martínez

“La colectividad nos hace ser mejores y actualmente es la mejor manera de hacer arquitectura”.

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Tres de tus proyectos son parte de la colección permanente del Centro Pompidou. Eres la primera mexicana que tiene esa oportunidad, ¿cómo se dio esto? Todavía no me la creo. La gente del Centro vino porque quería empezar a abrir su colección a arquitectos jóvenes. En términos de arte tienen una colección vanguardista y eventualmente posee una colección de artistas consagrados, pero también apuestan por artistas jóvenes, O T BRE • NO IEMBRE 2012

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situación que no pasa en el área de Arquitectura. Por ello, vinieron a evaluar mis proyectos, y aunque no tenía ninguna esperanza, fue un honor que me hayan visitado. El proceso duró un año, hasta que finalmente se decidieron por mi trabajo. En cuanto a la arquitectura mexicana, ¿cómo la visualizas en diez años? La arquitectura mexicana siempre ha tenido presencia a nivel internacional porque genera un diálogo con las personas, tiene un discurso importante. Se refuerza cada vez más, y creo que con la estabilidad económica y política del país, la arquitectura va tomando impulso, tiene mayor producción, y con la misma influencia e importancia a nivel internacional. www.tatianabilbao.com

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diálogos

Arquitectura como resultado de la colaboración Michel Rojkind Staff Fotos cortesía Rojkind Arquitectos

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“Para mí, la arquitectura de vanguardia es la que tiene la capacidad de dialogar y articular un discurso que vaya más allá de la arquitectura misma”.

¿Cómo intervenir dignamente la Cineteca Nacional, una obra representativa de la arquitectura mexicana y su cultura? Es un gran compromiso. Después de ver el potencial visualizamos áreas de oportunidad. Antes de diseñar, realizamos diagnósticos y estrategias que mejoren el proyecto. Cuando nos hacen el encargo de la Cineteca, lo primero que cuestionamos al llegar al lugar fue qué más podríamos hacer. Vimos la magnitud del terreno y pensamos en quitar los coches, hacer un edificio de estacionamiento en frente y establecer un espacio público. Lo interesante del proyecto es la intersección de ejes importantes (Av. Coyoacán y Mayorazgo) crea un punto de encuentro entre las salas nuevas y las salas existentes, generando un elemento de tensión muy bonito de todo lo que está pasando con esta gran techumbre que liga los dos espacios. Hay un diálogo con la arquitectura de Manuel Rocha, se restauran las salas, pero todo queda en un espacio público y un área verde. Posteriormente corremos con la suerte de invitar a Mauricio Rocha a formar parte del proyecto para realizar el museo del Cine. ¿Cómo va a convivir la Cineteca Nacional del Siglo XXI con el Museo del Cine? Todo se integra, nos pusimos de acuerdo en materiales, tonalidades, en secuencias, recorridos, y en una serie de elementos que terminan reflejándose en la arquitectura misma. ¿Cuáles fueron las características que CONACULTA destacó de tu propuesta arquitectónica para que fuera asignado? Que somos un despacho arriesgado; empujamos las ideas para meterlas dentro de un tiempo político, económico y social. Sabemos trabajar con todos los factores que tienen una relación directa con la arquitectura. Esto queda claro con proyectos como la restauración del Museo Nacional de Archivos de la Ciudad de México, concurso que no ganamos, pero que obtuvimos una mención porque reflejamos esta visión que tenemos de empujar a México. La presidenta de CONACULTA conoció el proyecto del nuevo Museo junto con una serie de proyectos que le gustaron, porque hablan de un México nuevo y contemporáneo, y eso quiere que refleje la Cineteca del siglo XXI. Siendo tan joven, ¿qué representa para ti que cada una de tus obras despierte tanta polémica positiva y sean consideradas icónicas por la gente especializada y el público en general? Lo que hacemos son trajes a la medida. La

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Michel Rojkind es arquitecto y fundador de Rojkind Arquitectos. Su despacho fue considerado en 2005 una de las mejores diez firmas “Design Vanguard”. Entre sus proyectos más destacados están el Museo del Chocolate Nestlé, el restaurante Tori Tori y la Cineteca Nacional del Siglo XXI.

arquitectura es lo último que hacemos en nuestros proyectos. Primero hacemos un diagnóstico y una investigación, buscamos quiénes son los actores principales, cuál es el valor de cambio que podemos dar, y después diseñamos. Son proyectos que responden a consecuencias o situaciones políticas, económicas y sociales. Armamos equipos interdisciplinarios dependiendo del proyecto, integramos arquitectos de paisaje, financieros y sociólogos. Experimentamos, nos arriesgamos, y nunca sabemos cuál será el resultado del diseño ni de sus materiales, por lo que algunos proyectos resultan más icónicos que otros. Una constante en nuestros proyectos es que reflejan movimiento, sentido del humor y ciertos valores que lo encuentras en la calles de nuestro país, como el caos y el conflicto. Julio Amezcua y tú hablan mucho de colaboración en sus últimos talleres, ¿qué es para ti la colaboración en la arquitectura? Somos una generación preocupada por regresar a la colaboración. Yo estaba asociado con Isaac Broid y Miquel Adrià quienes venían de un grupo unido, pero de repente se fracturó, al igual que la amistad generacional entre Kalach, Broid, Norten. Nosotros hemos peleado y trabajado para mantener una amistad, competir juntos en concursos y enseñar nuestros antes wde entregar para saber si estamos presentando cosas diferentes. Y eso sucede con Javier Sánchez, Derek Dellenkamp,

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“Una constante en nuestros proyectos es que reflejan movimiento, sentido del humor y ciertos valores que lo encuentras en la calles de nuestro país”.

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“Somos un despacho arriesgado; empujamos las ideas para meterlas dentro de un tiempo político, económico y social. Sabemos trabajar con todos los factores que tienen una relación directa con la arquitectura”.

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Tatiana Bilbao, Mauricio Rocha, Julio Amezcua y Francisco Pardo, nos gusta platicar qué está pasando actualmente. No existe un proyecto en esta oficina donde no intervenga la colaboración. ¿Cómo concibes una arquitectura de vanguardia? Una arquitectura que responda y que ayude a entender las condiciones actuales generales, los cambios sociales importantes que están pasando. Que tenga un impacto económico, político, y que pueda dar un valor de cambio por existir. Si ayudó a la comunidad, generó empleos, espacios verdes, si tuvo sistemas sustentables, qué le está dando a la comunidad, si generó valor comunitario, cambió las reglas, etc. Esa es la arquitectura que a mí me interesa, la que es capaz de jugar con los espacios, que entreteja todo y borre un poco las fronteras que nos fueron heredadas de sociedades anteriores. La arquitectura como el pretexto para encontrar áreas de actividad nuevas, áreas de acción. Para mí, la arquitectura de vanguardia es la que tiene que tener la capacidad de dialogar y articular un discurso que vaya más allá de la arquitectura misma. www.rojkindarquitectos.com O T BRE • NO IEMBRE 2012

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diĂĄlogos

Pensar global y actuar local at103 Alfonso Maldonado Fotos cortesĂ­a de at103

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“Es importante trabajar con un arquitecto, porque te transmiten en horas y días lo que ellos aprendieron en muchos años”.

Los dos hicieron la licenciatura en la Universidad Anáhuac y la maestría en la Universidad de Columbia. ¿De qué manera influyeron cada una en su trabajo? Francisco Pardo: Para mí es muy importante la influencia de las dos escuelas. Por un lado, la licenciatura en la Universidad Anáhuac me dio un lado técnico, práctico y me enamoró de esta profesión. Por otro lado, empecé a trabajar muy joven en el despacho TEN Arquitectos junto a Enrique Norten y Bernardo GómezPimienta. El enriquecimiento entre la escuela y el trabajo fue muy grande, las dos partes se beneficiaron. Sin embargo, me faltaba una base teórica y de autocrítica, así como entender y desarrollar un discurso y un análisis del proceso creativo, por lo que la maestría en Columbia fue fundamental para estas necesidades. Julio Amezcua: Las escuelas influyen mucho, independientemente si el nivel de una es superior a la otra. Eventualmente tu pensamiento va a ser distinto si vienes de cierta universidad. No obstante, si ves que la escuela no te está dando lo suficiente, tú tienes que salir a buscarlo. Ese fue el caso de Francisco y el mío. Por ello, a la mitad de la carrera entré a trabajar en Ten Arquitectos como maquetista los primeros años y posteriormente pasé al área de proyectos. La formación en el despacho fue muy buena técnicamente. Es importante trabajar con un arquitecto, porque te transmiten en horas y días lo que ellos aprendieron en muchos años. Hace diez años la mayor parte de su trabajo eran obras de pequeño formato, especialmente proyectos de interiorismo y vivienda. ¿Qué tan importantes fueron en su desarrollo? FP: Muy importantes; por ejemplo, en Nueva York diseñábamos departamentos de 40 metros para familias o parejas, estas condiciones te enseñan a valorar cada cm2. El espesor de un acabado, multiplicado por los metros lineales puede repercutir en m2 desperdiciados. El diseño a detalle y el aprovechamiento de espacios es fundamental para la nueva vivienda del siglo XXI, y en México está mal entendido, porque el espacio que sobra ya no es lujo, sino un mal diseño. JA: Todo es importante. Hay cosas que son atemporales y técnicas que no sabes cuándo las vas a aplicar, si en una escala pequeña o en una grande. Lo difícil de la arquitectura es disfrutar el proceso, porque uno se plantea metas a largo plazo, pero no te das cuenta que lo más importante es lo que estás haciendo hoy, porque no sabes en qué va a derivar. Hay proyectos de interiores que tienen una gran complejidad y hay otros muy grandes como Foros Azteca, el más grande que hemos hecho, que resultan mucho más fáciles. Hoy me siento mucho más preparado gracias a esos proyectos.

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Hace algunos años hubo un giro notorio en la forma en que abordan los proyectos. ¿Cómo se dio este cambio? FP: Hubo un momento de madurez y de sensatez. La euforia por tener proyectos nos hizo experimentar de diferentes maneras. Actualmente estamos muy interesados en la arquitectura que perdura y que a su vez funcione como una herramienta para el desarrollo del país. Los proyectos que nos interesan ahora van mas allá de la experimentación formal, sin dejarla a un lado, que de alguna manera tienen que servir a la sociedad. JA: Todos los proyectos arquitectónicos son muy similares al ser humano, tienen una parte superficial, que es la parte evidente, pero también tiene una parte espiritual y emocional, misma que no lo genera las formas. Lo que pasaba al inicio de at103, es que teníamos formas preconcebidas y tratamos de justificarlas a costa de muchas cosas. Ahora tratamos que la forma sea el

“Estamos muy interesados en la arquitectura que perdura y que a su vez funcione como una herramienta para el desarrollo del país”.

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“Nuestros mejores proyectos han sido resultado de la colaboración. Nos gusta discutir, aprender y llegar a diferentes resultados mucho más complejos”.

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resultado final de toda una investigación .Por ello, hoy en día nos centramos en la parte social, económica, geográfica y tectónica del proyecto, y a partir de ese análisis se deriva una forma acorde a los requerimientos. En entrevistas y conferencias pasadas utilizaban la frase “think global, act mexican”, ¿a qué se referían? FP: La seguimos usando. Nos identificamos mucho con esta frase. Hoy pensar en un mundo globalizado trae muchos problemas. Uno debe pensar global pero actuar local, es decir, ver qué sucede en el mundo y pretender tener la misma calidad y rigor de la arquitectura en detalles y manufactura global, pero sin copiar ni convertir este país en una extensión de lo “globalizado”. En la arquitectura hay un gran valor en materiales, procesos, industria y artesanía mexicana que nos interesa llevar a niveles de calidad global. JA: La frase tiene que ver con reconocer nuestro país y pensar que los mexicanos somos muy buenos y estamos a la altura de cualquier potencia mundial. Hay una generación que está haciendo proyectos muy distintos, pero que tienen ciertas constantes. México te permite esa diversidad, que en otros lugares es difícil de encontrar. Están desarrollando varios proyectos de arquitectura social. ¿Cómo surge este interés en proyectos que, en muchos casos, pueden estar limitados por cuestiones de presupuesto o por diversas circunstancias que condicionan su margen de acción? FP: Este tipo de proyectos nos dan mucho. Creemos en un mejor México y desde luego, en un mejor mundo. Creo que no es una decisión, todos los seres humanos debemos hacer que nuestro trabajo se dirija hacia un bien común. JA: Nos dimos cuenta de que los proyectos que más satisfacción nos daba tienen que ver con el ámbito social, que le dan más al cliente, a un grupo, familia, sociedad o a una colonia. Proyectos que se vinculen con los social, no únicamente con lo urbano. Entre más restricciones tenía-

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mos en presupuestos y tiempos, los proyectos eran mejores, porque ponen a prueba tu creatividad. Creemos que la arquitectura es una herramienta indispensable para el desarrollo social del país. Ambos tienen intereses paralelos a la arquitectura diferentes. ¿Cuáles son y de qué manera han influido en su trabajo? FP: Creo que por más diferentes que seamos al final tenemos el mismo fin: realizar un buen proyecto. No nos preocupamos por las discusiones sobre pequeños detalles, nos enfocamos en las discusiones de estrategias generales, tratamos de guardar el ego y llegar a una tercera solución. JA: Nuestros intereses personales refuerzan el diálogo. Teniendo un socio siempre habrá una retroalimentación, y al final siempre tratamos de negociar y tomar una decisión por la vía democrática. www.at103.net

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At103 es un despacho de arquitectura conformado por Julio Amezcua y Francisco Pardo. Con más de siete años de trayectoria, fue fundado con la intención de investigar y resolver problemas arquitectónicos en una de las ciudades más grandes del mundo. Entre sus proyectos más importantes están La Casa de Bomberos Ave Fénix y el complejo de departamentos situado en el Corredor Reforma Lisboa 7 (ambos proyectos premiados con la medalla de plata en la Bienal de Arquitectura de México 2008 y 2009).

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Papalote Verde Monterrey Renderistas: Dieguez Fridman, Arquitectos & Asociados

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La ciudad entendida como paisaje Iñaki Echeverría Alfonso Maldonado Fotos cortesía Iñaki Echeverría

Estudiaste en la UNAM y posteriormente en Columbia y Berkeley. ¿De qué manera influyeron estas escuelas en tu trabajo? Influyeron mucho. La Facultad de Arquitectura estaba en un momento importante, había una generación de gente interesante, como Javier Sánchez, Felipe Leal y Mauricio Rocha. Fue importante porque me encontré con gente que me transmitió pasión por la profesión. En Berkeley estudié un curso de historia del arte y me ayudó mucho a complementar lo que estaba viviendo en la universidad. Posteriormente estudié en la Universidad de Columbia, en Nueva York, una ciudad que siempre me ha encantado. Fue una forma de tener contacto con gente que estaba proponiendo algo distinto a nivel de diseño urbano. A mí me interesaba estudiar en un lugar donde hubiera diferencia entre planeación y diseño. Por lo que Columbia me funcionó muy bien. Precisamente en esa época, en 1997, fue la primera exposición que hubo de Landscape Urbanism, curada por Charles Waldheim, quien bautizó con ese nombre a un grupo de gente que estaba tratando de encontrar formas distintas de hacer ciudad. Por lo general, ¿cuál es el proceso que sigues para desarrollar tus proyectos? Trato de hacer el proceso tan abierto como sea posible. Quizá lo mejor es concentrarse en algo, pero suelo ser bastante disperso. Hasta el momento no tengo una línea de trabajo. La idea es explorar la parte más intensa de los proyectos. Me interesa que sean más balanceados y más sofisticados. El proceso tiene mucho que ver hacia dónde podemos empujar, qué podemos aprender y qué tecnologías podemos involucrar.

“El proceso tiene mucho que ver hacia dónde podemos empujar, qué podemos aprender y qué tecnologías podemos involucrar”. O T BRE • NO IEMBRE 2012

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Sin embargo, los temas ambientales se han vuelto una constante en tus proyectos. ¿Cómo abordas este tema en cada uno de ellos? El tema ambiental me lo inculcaron desde siempre, sobretodo mi madre, quien ha estado involucrada mucho antes de que en la UNAM fuera un tema formal. Empecé como consultor en su grupo de investigación en temas de diseño urbano. El tema ambiental es algo que tenemos que implementar. Generalmente encontramos soluciones que surgen de exploraciones que se han hecho en otros países, por ello, tenemos que desarrollar un conocimiento local que nos permita aplicar soluciones mucho más inteligentes.

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Platícanos sobre el Museo Papalote Verde en Monterrey. Llevamos cinco años en este proyecto. Y todavía falta un par de años de construcción porque no está fondeado completamente por una organización. Es el primer museo que proyectamos. Es un foro donde niños y adultos van a aprender. La idea de “enterrar” el museo fue algo que los retó y les resultó interesante. Lo hicimos por varias razones. Primeramente había que construir algo nuevo. Por otro lado, Monterrey es un clima muy extremo, y el museo, al estar enterrado, puede controlar un poco más el calor. Por último, la idea de enrejar el lugar no me interesaba. Me parece que el parque tiene que tener estos flujos naturales que ya existen hoy en día y que no deberían de ser interrumpidos. Además, nos permitía llevar a otra dimensión el Parque Fundidora y triplicar el terreno. De pronto, todo el jardín que nos habían donado lo pudimos aprovechar para crear el primer jardín botánico en Monterrey, que queda dentro de la infraestructura del parque.

“Tenemos que desarrollar un conocimiento local que nos permita aplicar soluciones mucho más inteligentes”. También estás desarrollando no sólo tu proyecto más grande, sino quizá el que cualquier arquitecto mexicano esté haciendo ahora: Parque Ecológico Lago de Texcoco. ¿Nos puedes platicar de él? El Parque Ecológico Lago de Texcoco es una oportunidad para el país de hacer las cosas distintas. Es ir a contrapelo. El proyecto de la zona que queremos desarrollar, se conservará como una reserva, sería el primer paso para un proyecto más ambicioso de restablecimiento de los lagos y de restablecer una lógica hídrica dentro de todo el valle. Desde luego no puedes cambiar 500 años de historia en un santiamén. Tenemos que ir cambiando la dirección. Puede ser un primer paso para hacer las cosas distintas, y en muchos sentidos la política pública

Parque Texcoco

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Parque Texcoco

Parque Texcoco

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Liverpool Villahermosa Fotografía: Jaime Navarro

“La idiosincrasia de los mexicanos encontrará su forma de operar en otros contextos que no necesariamente tienen que ser geográficamente cercanos al suyo”.

debe ganar espacios. Hoy en día, no creo nadie pueda imaginar que Av. Madero vuelva a ser vehicular. Es un territorio ganado. Queda clara la importancia a nivel de infraestructura y a nivel natural. Sin embargo, ¿es viable un parque urbano de esa escala? Hablar de un parque; este proyecto es más bien una reserva. La intención es que tenga la capacidad de operar como un sistema natural que funcione solo y sin mantenimiento. Si generas un sistema que naturalmente puede ser indu-

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cido, se robustece solo, y conforme va madurando se vuelve más resistente y beneficia al entorno mismo. Un proyecto de ciudad no es de escala grande o escala chica en diseño urbano, de hecho, dentro del discurso arquitectónico se ha confundido mucho la palabra escala. Para mí, es una medida relativa. Una intervención urbana tiene la capacidad de operar a diferentes escalas, puede ser al nivel de un peatón, un barrio o una zona. La escala no es tamaño. ¿Dónde ves a la arquitectura mexicana en 10 años? Por todos lados. Por ejemplo, la década de 1980 fue muy difícil para los arquitectos, no solo aquí sino en todo el mundo. Hubo una generación que buscó poner la arquitectura de nuevo en la mesa de discusión, porque los arquitectos ya no opinaban. Sin embargo, toda una nueva generación de arquitectos mexicanos restableció esa situación. La idiosincrasia de los mexicanos www.glocal.mx


“En la arquitectura no hay materiales o técnicas malas, lo que hay son diferentes formas de usarlas”.

encontrará su forma de operar en otros contextos que no necesariamente tienen que ser geográficamente cercanos al suyo. ¿Cómo se hace arquitectura de vanguardia en México? Tenemos que hacer las cosas bien hechas. Creo que hay que entender, como en la cocina, que no hay un ingrediente malo, sino que hay que saber cómo lo preparas. De igual forma, en la arquitectura no hay materiales o técnicas mala, lo que hay son diferentes formas de usarlas. En México tenemos una oportunidad de tener contacto con sistemas tan sofisticados como quisiéramos acceder, tanto en términos de producción, como en el manejo de material. Tenemos una serie de técnicas artesanales que podemos sacarles provecho, así como códigos de construcción que todavía son laxos, con lo cual hay mucho campo para experimentar. Por otro lado, el trabajo a mano es impensable en otros sitios, les es difícil pensar que pueda utilizarse como un recurso. Me interesa trabajar en esa interacción. www.inakiecheverria.com Iñaki Echeverría es arquitecto y paisajista egresado de la Facultad de Arquitectura de la UNAM, posteriormente realizó estudios en University of California, Columbia University y University of Southern California. Desde 2007 cuenta con su propio estudio de arquitectura. Su trabajo está enfocado hacia la reconstrucción del paisaje urbano, la arquitectura y las problemáticas ambientales, temas presentes en sus más recientes proyectos: El Museo Papalote Verde en Monterrey y El Parque Ecológico Lago de Texcoco.

Papalote Verde Monterrey Renderistas: Dieguez Fridman, Arquitectos & Asociados

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Obsesión por la experimentación Esteban Suárez / Bunker Arquitectura Alfonso Maldonado Fotos cortesía Bunker Arquitectura

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¿Cómo surge Bunker Arquitectura? Fundé BNKR en 2005, al salir de la carrera, cuando surgió la oportunidad de remodelar una pequeña cafetería. Como recién egresado, mis recursos eran limitados, por lo que renté como oficina una bodega ubicada el sótano de un edificio, era un espacio frío, mal iluminado y sin ventanas, un búnker −de ahí el nombre−. En un principio estaba yo solo, y siete años después, el despacho se ha convertido en un equipo multidisciplinario de quince personas con proyectos de diversas tipologías. Ahora nuestra oficina tiene ventanas, cosa que agradecemos de sobre manera. ¿Existe alguna relación entre tu trabajo como arquitecto y como músico? No directamente y a la fecha todavía no me ha tocado desarrollar un proyecto como un estudio de grabación, casa de música o sala de conciertos. Pero en lo personal, las dos están íntimamente relacionadas, son las pasiones de mi vida. Y curiosamente, abordamos de la misma manera ambas profesiones. Con cada nuevo disco buscamos reinventarnos, al igual que con cada nuevo proyecto. No tenemos fórmulas preestablecidas de cómo crear una canción o un edificio, y tanto en la música como en la arquitectura evitamos generar un estilo. El hilo conductor de cada nuevo disco o proyecto es la obsesión por la experimentación.

“Hay una nueva generación de arquitectos Hay una clara división entre los trabajos jóvenes mexicanos que estamos rompiendo que realizan para clientes y aquellos que con el estigma del “estilo mexicano desarrollan como propuestas no solicitadas. Mientras los primeroscon son claramente contemporáneo”, el que nos han pragmáticos y realizables, los segundos clasificado en las ultimas décadas”. son de escalas imposibles y contextos O T BRE • NO IEMBRE 2012

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Bunker Arquitectura es un despacho de arquitectura fundado en 2005 por Esteban Suárez, que se enfoca en la continua investigación, en la búsqueda de nuevas tecnologías y en la constante experimentación. Algunos de sus proyectos son el Hookah Lounge Satélite, Filadelfia Corporate Suites en la colonia Nápoles, La Estancia Chapel y el rediseño de las galerías del Polyforum Siqueiros, entre otros. sumamente complicados que parecieran tener poca relación con los primeros, salvo un lenguaje contemporáneo similar. ¿Cuál es la finalidad de estos últimos proyectos? En BNKR tenemos un compromiso con la parte teórica de la arquitectura. Continuamente estamos involucrados en proyectos de investigación que buscan aportar soluciones a diferentes problemáticas que vamos identificando en las ciudades. El principal objetivo no es su construcción, si no aportar una solución especifica a un problema particular y único. Aunque sí buscamos presentarlo a las autoridades porque creemos que en el fondo se deberían de llevar a cabo. De esta manera le regresamos algo a la comunidad y mantenemos en equilibrio nuestra balanza entre la teoría y la práctica. Nuestra obsesión por abarcar un amplio espectro de tipologías y escalas nos lleva a no ponernos límites a la hora de proponer soluciones. Los proyectos religiosos se han vuelto casi una especialidad del despacho, ¿cómo se dieron estos proyectos? ¿Hay algún otro proyecto que estén desarrollando con esta misma temática? Hemos construido dos capillas, empezamos la obra de la tercera hace unas semanas y estamos desarrollando actualmente dos iglesias, una en Culiacán y otra en Nepantla. También nos llegó a la oficina el proyecto más extravagante que hemos tenido a la fecha y es de carácter religioso: una virgen habitable de 70 metros de altura en Coyuca, Acapulco. ¿Por qué tantos edificios religiosos? Es curioso como en la arquitectura un proyecto de una cierta tipología te lleva a otro igual si haces un buen trabajo. Pero no buscamos especializarnos en el ámbito religioso, ha sido mera coincidencia. Tampoco queremos encasillarnos en esa tipología, nos aburriríamos en poco tiempo. Buscamos siempre estar involucrados en proyectos muy diferentes entre sí.

“Continuamente estamos involucrados en proyectos de investigación que buscan aportar soluciones a diferentes problemáticas que vamos identificando en las ciudades”. O T BRE • NO IEMBRE 2012

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“Más allá de generar arquitectura de vanguardia, lo que nos interesa es desarrollar una arquitectura responsable con el contexto, el medio ambiente, la sociedad, la cultura, los presupuestos y los clientes”.

¿Dónde ves a la arquitectura mexicana en los próximos 10 años? Hay una nueva generación de arquitectos jóvenes mexicanos que estamos rompiendo con el estigma del “estilo mexicano contemporáneo”, con el que nos han clasificado en las ultimas décadas. Estamos alejándonos de convencionalismos. No dudo que en diez años, si la economía de este país sigue un camino estable, logremos generar un movimiento que coloque a la arquitectura mexicana a la altura de cualquier país de Norteamérica, Europa o Asia. ¿Se puede hacer arquitectura de vanguardia en México? La palabra vanguardia es engañosa y me incomoda. Prefiero decir que es arquitectura “en resonancia con nuestros tiempos”. Pero, si utilizamos esa palabra, yo diría que en México se puede hacer arquitectura más vanguardista que en países de primer mundo, porque afortunada o desafortunadamente en México existe una falta de regulación en los reglamentos, situación que nos da mayor flexibilidad a la hora de proyectar. Y más allá que tratar de generar arquitectura de vanguardia, lo que nos interesa es generar arquitectura responsable con el contexto, el medio ambiente, la sociedad, la cultura, los presupuestos y los clientes. www.bunkerarquitectura.com O T BRE • NO IEMBRE 2012

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“Nos gusta que la arquitectura envejezca con gracia y dignidad”.

Balance Interior C Cúbica Arquitectos Marina Peniche Fotos cortesía de C Cúbica Arquitectos

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Casa de la Luz

¿Cómo lograr el balance entre funcionalidad y estética? Lo primero siempre es la función, que las cosas tengan una lógica y sean prácticas. No hay una línea ni una fórmula, en realidad el buen diseño te da por sí mismo ese balance. ¿Qué valor encuentran en lo sencillo y lo rectilíneo? Nos gusta que la arquitectura envejezca con gracia y dignidad. Cuando permites que el envejecimiento de las cosas siga un curso natural, se dan estas cualidades. Creemos que las líneas limpias y rectas envejecen con más decoro y perduran más. Buscamos atemporalidad en nuestras obras, aunque sabemos que están delineadas por el tiempo en el que vivimos y por ende influenciadas formalmente por ello, nos gusta pensar que en un futuro las casas que hemos proyectado seguirán, de alguna manera, actuales. Y aunque reflejen su tiempo, habrán envejecido honrosamente. Noté que en muchos de sus proyectos residenciales utilizan grandes ventanales en fachadas. ¿Cuál es la razón de utilizar el cristal de esta forma? Integrar el interior con el exterior para que se perciba como un solo espacio. Cuando hemos tenido la oportunidad de trabajar en terrenos grandes es importante vincular la arquitectura, el interiorismo y la naturaleza. Vivimos en una jungla urbana llena de cemento, y qué mejor que tener un espacio tranquilizante, con luz natural, vista agradable y jardín como parte de O T BRE • NO IEMBRE 2012

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tu entorno. Siempre tratamos de proyectar las plantas arquitectónicas de cierta manera para que el exterior conviva con el interior. ¿Cómo afecta la luz en los espacios? ¿Qué elementos se deben tomar en cuenta para generar una iluminación adecuada? Hay tres tipos de iluminación: indirecta, que es la que más nos gusta usar; la iluminación a través de lámparas decorativas, que complementa muy bien la iluminación indirecta; y la directa, con la que tienes que ser muy cuidadoso porque puede llegar a ser invasiva. La iluminación es muy importante y para nosotros es un elemento básico porque genera estados de ánimo; es la pintura arquitectónica, de cierta forma la luz pinta los espacios. Por eso debe de tener una intención y manejarse con mucho cuidado. ¿Como diferenciar un espacio cálido de uno frío? ¿Cuál es el que más utilizan? Hay muchas cosas que lo definen. Normalmente los materiales naturales siempre te dan mayor calidez; la paleta cromática de colores cálidos y la luz también son determinantes. Los espacios más asoleados y mejor iluminados te dan mayor calidez. Es una fórmula visual para

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“Hoy por hoy el interiorismo es una economía que mueve el mundo actual”. lograr que el espacio se sienta tuyo, y que te acoge visualmente, aunque haya un solo sillón. Las sensaciones frías se dan en lo opuesto, con el metal, las iluminaciones indirectas y la paleta de colores fríos, entre otros elementos. Nosotros preferimos lo cálido, aunque a veces buscamos un balance. Las dobles alturas y los cristales grandes pueden transmitir frialdad, sin embargo, se vuelven acogedores visualmente al utilizar maderas y plantas.

Casa del Ojo

¿Cuáles son los desafíos del interiorismo actual? Hoy por hoy el interiorismo es una economía

Casa del Puente

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que mueve el mundo actual. Por muchos años fue un poco despreciado y hasta ignorado, pero ahora los interioristas se han convertido en una pieza clave en el mundo. Se involucran muchas cosas: muebles, pisos, accesorios y telas, entre otras. La cantidad de dinero que se mueve en esta industria nos está haciendo partícipes de la economía global, ya que generamos trabajo, dinero, investigación, etc. ¿Cómo concibe C Cúbica el concepto de vanguardia? Vanguardia es realizar proyectos con una visión real del tiempo en el que vivimos, tomando en cuenta, en todo momento, las responsabilidades que tenemos ante el contexto, la sociedad, la economía, el medio ambiente y el espíritu del ser humano.

¿Qué elementos necesita México para estar en avanzada en un tema como el interiorismo? Los diseñadores mexicanos tenemos que aprender a trabajar más en armonía entre nosotros mismos. Trabajar de la mano con la industria, los académicos, estudiantes, distintas disciplinas y el público en general, para desarrollar una auténtica vanguardia que se convierta en genuinamente mexicana con una visión a futuro. www.ccubicaarquitectos.com

C Cúbica Arquitectos fue fundado por Emilio Cabrero, Andrea Césarman y Marco Coello en 1990. Es un despacho que ha realizado proyectos interioristas y arquitectónicos residenciales, comerciales, de imagen corporativa y de gran escala marcando el mundo de la arquitectura y el interiorismo mexicano.

“La iluminación es la pintura arquitectónica; es la luz que pinta los espacios”.

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“Una arquitectura coherente y funcional es la que nunca va a pasar de moda”.

Espacios e ideas Cosmopolitas Abraham Cherem Mabel Téllez Fotos cortesía Cherem Arquitectos y CheremSerrano Arquitectos

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Platícanos cómo te involucraste en la arquitectura Nací en este mundo desde pequeño, en gran medida porque mi papá es arquitecto; desde el principio fue parte de mi educación. Cada viaje que hacíamos, a cualquier lugar que fuéramos, siempre buscábamos elementos arquitectónicos. También recuerdo obras que me impactaron mucho, como el Seagram en Nueva York, el Louvre de París y el Pabellón de Barcelona; desde luego la obra de mi papá. De chico jugaba con bloques de LEGO, les decía a todos que iba a ser arquitecto. ¿Y actualmente qué proyectos te han impactado? Definitivamente las termas de Vals, de Peter Zumthor; es de lo más impresionante que he visto. ¿Cómo definirías la propuesta arquitectónica de Cherem Arquitectos? Cada proyecto es diferente, tiene distintas características, cualidades, y retos. Eso es muy bonito de la arquitectura, que es tan diversa O T BRE • NO IEMBRE 2012

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y cambiante. Por lo general, tienes que generar un estilo, y siempre tienes ciertas ideas en la mente a la hora de proyectar; sin embargo, cada obra tiene que ir acorde a cada cliente y situación. A mí no me gusta casarme con una idea, ni tener algo predeterminado, sino más bien dejarlo al momento. Por otra parte, siempre me ha gustado buscar cosas nuevas, experimentar con los materiales, tomar elementos comunes y volcarlos a la arquitectura. En ese aspecto, ¿cómo es tu proceso creativo? Primeramente ver el lugar, escuchar al cliente, después analizar todas las posibilidades que tenga el proyecto, empezar a proponer y buscarle la mejor solución. Actualmente la mayoría de los proyectos arquitectónicos incluyen elementos sustentables, ¿cómo insertas éstos en cada una de tus obras? Siempre hay que pensar en cuidar nuestros recursos naturales, porque, sino somos cons-

“No creo que debamos pensar el espacio interior y exterior por separado, sino por el contrario, concebirlos como una unidad”.

cientes de eso, nos lo vamos a acabar muy rápido. Hay que tratar de ahorrar energía y agua lo más que se pueda; y yo creo que todo eso se puede hacer con ingenio. ¿Cómo percibes la arquitectura actual? Yo la percibo muy enriquecedora, con muchas propuestas diferentes y atrevidas. Cada vez más la tecnología nos está ayudando a cuestionar y a retar la forma, aunque muchas veces creo que una arquitectura coherente y funcional es la que nunca va a pasar de moda.

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En cada uno de tus proyectos, ¿cómo estableces la relación entre el espacio interior y el exterior? No creo que debamos considerarlos por separado, sino por el contrario, concebirlos como una unidad. Un gran ejemplo son los japoneses, ellos cultivan sus propios jardines, es una cultura tan rica en ese aspecto que piensan el espacio como una sola cosa y no como exterior e interior; debe ser una unidad siempre. Platícame un poco de cómo surgió el Hotel Downtown con Grupo Habita Fue un proyecto divertido y muy interesante, tanto tener como clientes al Grupo Habita, como al mismo propietario. Grupo Habita han hecho muchos proyectos distintos, siempre tratan de darle innovación y elementos específicos a cada obra que hacen. El proyecto surgió de conocer a los dueños. Los mismos del Grupo Habita nos propusieron a nosotros para hacerlo. Ya habíamos colaborado con mi papá en la realización del Dis-

Abraham Cherem, junto con Javier Serrano, fundaron el despacho Cherem Serrano Arquitectos, que en 2007 ganó el Premio Nacional de Interiorismo por El Japonez. Sus proyectos más recientes son El Charro, La Nona y Fuga. Finalistas en el concurso del Pabellón de México en Shanghái y para construir el Arco Bicentenario.

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trito Capital, creo que ahí se quedó el gusanito sembrado en el grupo, y fue cuando nos propusieron como arquitectos; tuvimos la suerte de hacerlo. El edificio es una propiedad que tiene su encanto, y desde luego fue un reto para nosotros mezclar lo nuevo con lo antiguo. Explícanos un poco más sobre los retos que enfrentaron al convertir el Palacio de los Condes de Miravalle en el Hotel Downtown. La finalidad era entender un poco dónde estaba situado el edificio, su significado, su historia y el programa. El hostal fue surgiendo conforme íbamos haciendo el hotel, los locales comerciales, los restaurantes, etc. Lo primero fue darle forma y su espacio a cada cosa. Estábamos buscando algo que nos distinguiera como mexicanos. Enseñar esa riqueza de artesanía, de materiales y sensaciones que muchas veces nos perdemos. Aprovechamos los materiales que estaban ahí, recuperamos la luz, sombras, celosías, e hicimos una mezcla entre lo contemporáneo y lo antiguo. ¿Cómo concibes una arquitectura de vanguardia? La pregunta es difícil de responder, ya que la arquitectura y la estructura que define la vida urbana cambia continuamente casi en todos los sentidos. Aunque, creo que la vanguardia depende mucho del entendimiento de nuestra cultura local, de las circunstancias de la arquitectura para poder avanzar sin perder una identidad y crear un valor en la sociedad. Y en ese sentido, ¿cómo sería un México de vanguardia? México estaría a la vanguardia cuando comencemos a entender nuestras circunstancias, así como nuestras capacidades para reaccionar y dar soluciones a las necesidades de la ciudad. www.cheremarquitectos.com

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“Siempre me ha gustado buscar cosas nuevas, experimentar con los materiales, tomar elementos comunes y volcarlos hacia la Arquitectura”.

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Confluencia entre Arte y Diseño Uribe Krayer Marina Peniche Fotos cortesía de Uribe Krayer

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“Aprendes de proyectos donde tienes más retos, un cliente difícil o un espacio complejo”

¿Cómo reflejar la vida de los usuarios en un espacio? Para nosotras es muy importante el usuario, basamos los proyectos en función de éste. Las personas que habitan el espacio son las que te dan determinada información para diseñar. Los entrevistamos, obtenemos suficiente información para incluirlos en el proyecto y que se vuelvan parte de él. Esto es fundamental para propulsar un diseño desde el usuario, sacar la esencia del cliente y reflejarla en los espacios ofreciéndoles una solución. Ambas trabajaron en el despacho de Legorreta + Legorreta, siendo él uno de los pioneros en la búsqueda por la identidad mexicana, ¿de qué manera influyó en ustedes? Seguimos trabajando juntos; adquirimos conocimiento de Víctor Legorreta y del equipo, y desde luego extrañamos mucho a Ricardo. Hemos O T BRE • NO IEMBRE 2012

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aprendido muchas cosas del despacho, entre ellas cómo entender los espacios y los colores. En particular nos gusta mucho rescatar artesanía, tratamos de localizar las mejores piezas y presentarlas de forma distinta. Enmarcamos las piezas resaltando su valor artístico y expresivo hasta lograr que se lean como objetos de arte. ¿Han notado alguna evolución de su trabajo desde el momento en el que formaron Uribe Krayer hasta hoy? Estamos juntas desde hace más de doce años, y hemos podido ver y experimentar un progreso gradual. Empezamos en las salas y comedores de nuestras casas. Todos los procesos y resultados se han ido refinando con el tiempo. Uno de los aspectos en el que más notamos esta evolución y crecimiento, es que hemos desarrollado procesos dentro del despacho, como sistemas para manejar la información, de cómo hacer proyectos y presentárselos al cliente, dando formalidad y profesionalidad a nuestro trabajo. ¿Cómo definen su propio trabajo? Es difícil adaptar y explicar estilos. La clasificación de los mismos se da por diferentes componentes formales, culturales, técnicos y estructurales, entre otros. Tenemos cierta inclinación por espacios cálidos y acogedores, por lo que

utilizamos muchos materiales naturales. Integramos arte, tratamos de colaborar con artistas, diseñadores y artesanos para que compartan su propia experiencia, conocimiento y creatividad, esto con la finalidad de enriquecer el proyecto. También propiciamos la mezcla. Creamos espacios compuestos, es decir, nos gusta combinar el mobiliario. Por ejemplo, podemos tener en un mismo espacio un mueble italiano de vanguardia y otro diseñado por nosotras; nunca ponemos todo el mobiliario de línea. Es gratificante que haya elementos que sólo pueden estar dentro de ese proyecto específico. El usuario otorga un valor único y cierta personalidad. Nos gusta contar con ese ingrediente que viene tanto de él, como de nosotras, para confluir en un espacio. ¿Qué espacio tiene mayor grado de complejidad, de escala grande o pequeña? Todos tienen su propia complejidad y el desafío consiste en cómo lo abordas. Parte del lema de nuestro despacho es: “el carácter está en los detalles”. La escala no dicta la complejidad del proyecto, la finalidad es ir respondiendo a las necesidades tanto del uso como del espacio en sí. El lugar te va pidiendo su propia escala, hay que ser proporcional con el sitio. Lo que cambia es la escala de los objetos y las configuraciones espaciales.

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“Una parte fundamental del interiorismo es arrancar el diseño desde el usuario”.

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A lo largo de su trayectoria se habrán enfrentado a varios retos. ¿Destacarían uno en particular? El reto depende de los requerimientos y del cliente. Aprendes de proyectos donde tienes más retos, un cliente difícil o un espacio complejo. Involucrarse en la vida privada de las personas es un desafío constante en interiorismo. Lo que nos proponemos es que cada proyecto sea como un traje a la medida; en ese sentido, cada cliente y proyecto es un reto diferente. ¿Hacia dónde se dirige el interiorismo mexicano? Nos está tocando un momento padrísimo en el interiorismo mexicano. Desde que nosotras empezamos, y desde antes, el interiorismo se ha expuesto a un proceso de varios años que lo han llevado a profesionalizarse sorprendentemente. Ahora la gente entiende más el porqué de esta disciplina dándole un valor más allá de lo decorativo. El interiorismo se ha convertido en la integración de muchos elementos como arquitectura, mobiliario e iluminación, entre otros. Es toda una industria. Algo que

Uribe Krayer es un despacho de interiorismo y consultoría de arte conformado por Ofelia Uribe y Erica Krayer. Ambas arquitectas de profesión, han desarrollado proyectos de diferentes escalas a nivel nacional e internacional creando una firma que integra diseño y arte en sus espacios. A lo largo de su trayectoria han asesorado y diseñado proyectos como el Hotel W en D.F., el Hotel Aqua en Cancún y las villas Four Seasons en Nayarit, muchos en colaboración con despachos como KMD Architects, Legorreta+Legorreta, Diego Villaseñor Arquitectos y Asociados, entre otros.

ha estado pasando últimamente es la integración del diseño industrial mexicano a los proyectos de interiores; sin duda los mejores proyectos son aquellos que integran un buen equipo y logran colaboraciones exitosas. www.uribekrayer.com Oficina A

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Creando memorias sensoriales Paola Calzada Mabel Téllez Fotos cortesía Paola Calzada Arquitectos

Al entender más los espacios interiores me di cuenta que era muy importante mi formación como arquitecta, porque podía manipular esos espacios.

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¿Quiénes fueron tus influencias para dedicarte a la Arquitectura e Interiorismo? De profesión soy arquitecta, luego estudié diseño industrial en Milán, Italia; ahí entré al despacho de Matteo Thun. Eventualmente quería entrar en la parte de arquitectura pero finalmente terminé en interiores. Un día, entré a un salón de materiales, donde se encontraba un diseñador francés que hacía styling, y me invitó participar, en ese momento me di cuenta que estaba en el lugar indicado. Ahí encontré mi personalidad como interiorista. ¿Qué elementos encontraste en el despacho de Matteo Thun que te acercaron al interiorismo? La manera en la que trabajaban, misma que yo traté de implementar en mi oficina; ahí colaboraban diseñadores industriales, gráficos, de interiores y arquitectos. Los cuatro equipos trabajábamos juntos, ahí aprendí a respetar cada área. Al entender más los espacios interiores me di cuenta que era muy importante mi formación como arquitecta, porque podía manipular esos espacios. Fue enriquecedor, los proyectos salían más completos. Matteo definitivamente fue una influencia muy grande para mí. ¿Cómo concilias tus ideas y propuestas con los requisitos del cliente? Tienes que entender que cada proyecto tiene que involucrar al cliente y que éste tiene mucho que aportar. La casa o el negocio puede madurar y ser mucho más personalizado si lo trabajas de la mano con él. Si le dedicas 80 % de tu tiempo al proyecto, hay que disfrutarlo y realmente meterse por completo, porque si no te haces amigo del cliente y si no te diviertes, estás perdiendo una parte muy humana de tu trabajo. Dejarlo a un lado me parece una falta de recurso importante.

Cada proyecto tiene que involucrar al cliente ya que éste tiene mucho que aportar. Dejarlo a un lado me parece una falta de recurso muy importante.

¿Qué papel juega el interiorismo a la hora de darle carácter e identidad a un espacio? Una cosa que logra mucho el interiorismo, y en la arquitectura también, es que es sensorial; tú tocas las sillas, sientes el frío del mármol o ves una pared rugosa muy cálida. Es mucho más fácil crear una memoria sensorial con el interiorismo que con la misma arquitectura, porque está todavía más cercana a tu cuerpo y a tu piel. Puedes crear memorias y sensaciones mucho más táctiles de manera fácil y cercana al usuario. Ese es el papel que juega el interiorismo: crear una memoria sensorial. Y hablando del proceso creativo, ¿cómo inicias un proyecto? ¿Cuál es tu punto de partida? Inicio con procesos visuales a partir de fotos y materiales, de ahí saco ideas y hago collages muy grandes. También escucho a la gente que está en el despacho, nos divertirnos y lanzamos ideas; después las acotamos para saber

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Con el interiorismo puedes crear memorias y sensaciones mucho más táctiles de manera fácil y cercana al usuario.

cuál es el concepto más importante de todos los recursos que sacamos. Normalmente llegamos a una palabra, que es la que rige conceptualmente el proyecto. Puede tratarse de movimiento, un verbo, un adjetivo y hasta un chiste. ¿Cómo concibes la arquitectura de hace diez años y cómo crees que haya evolucionado hasta ahora? Creo que se ha internacionalizado de una manera no tan positiva, a tal grado que puedes ver a Philippe Starck en cada esquina. Esta globalización de estilo se ha vuelto muy visual, lo cual me parece negativo, pero al mismo tiempo es interesante cómo las imágenes se mueven con mucha velocidad. También creo que la manera de trabajar en otros continentes y en otros países ha llegado mucho más rápido, por lo que resulta más fácil que alguien, que ni siquiera ha viajado tanto, tenga el acceso a distintas perspectivas y pensamientos. Lo que define nuestra generación es rapidez. Tenemos que dar dos pasos hacia atrás y entender mejor los espacios, al cliente y el lugar donde estamos trabajando. En cuanto a interiorismo, ¿cómo concibes a un México de vanguardia? Creo que para estar a la vanguardia en diseño tenemos que estudiar y enorgullecernos de nuestras raíces. Al estudiarlas nos daremos cuenta de la infinita inspiración que podemos encontrar en la estética y cultura de nuestro México indígena, europeo y finalmente mestizo. La diferencia entre una greca arquitectónica maya y azteca (por mencionar solo un par de las miles de culturas indígenas) es enorme, sin embargo, en las escuelas de arquitectura nos hacen estudiar más la diferencia entre un capitel dórico y jónico. Los brasileños han encontrado ya un nicho en el diseño, entendiendo bien su cultura y transformándola en productos que el consumidor educado brasileño quiere. La segunda bandera más portada en los vestidos después de la estadounidense, es la brasileña. México, al igual que Brasil, es un pueblo mestizo. Extrañamente, en el diseño mexicano vemos mucha influencia del diseño contemporáneo europeo y recientemente está muy presente la influencia del diseño vernáculo o popular. Ambas son buenas fuentes de inspiración, pero desde mi punto de vista encontraremos un verdadero estilo “hecho en México” con reconocimiento mundial cuando recordemos de dónde venimos. www.paolacalzadaarquitectos.com

Paola Calzada trabajó en el departamento de arquitectura y de interiores en el despacho de JSa Arquitectura, liderado por Javier Sánchez. Fue arquitecta junior en Matteo Thun Studio, en Italia. En 2008 fundó su propio despacho: Paola Calzada Arquitectos. Entre sus proyectos está el diseño interior del Hotel Brick, las oficinas de Clear Channel, Hotelito Desconocido en Jalisco y la remodelación de una casa en Bosques de las Lomas. O T BRE • NO IEMBRE 2012

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Economía aplicada al diseño Héctor Galván Marina Peniche Fotos cortesía Omelette

“Hay que escuchar y saber que puedes ofrecer muchas soluciones nuevas, y una amplia utilidad de espacios”.

¿Cómo defines lujo sustentable? Se trata de comprar algo con mayor margen de conciencia, con un fundamento que está basado en algo muy personal. Realizas diseños, no porque sepas usar una computadora, sino porque haces proyectos más humanistas, porque conceptualizas y revisas la historia de las cosas y de las costumbres.

“Tenemos que revisar nuestro origen en cuestiones de técnica, inspiración, líneas de tiempo y antropología; estos elementos te dan mucha originalidad”. mos teorías para hacer una propuesta. Para ello, tenemos que revisar nuestro origen en cuestiones de técnica, inspiración, líneas de tiempo y antropología; estos elementos te dan mucha originalidad. Siempre es importante tener un conocimiento de lo que está en las tiendas y en las galerías. Uno diseña cosas específicas para los espacios, y con el tiempo uno va logrando un carácter propio en el trabajo. ¿Qué rol juega el interiorista a la hora de reconfigurar espacios? Primero, comprender las necesidades de un cliente y llevarlas al extremo, que no se refiere a realizar un proyecto más grande, sino a ampliar y aprovechar las distintas posibilidades del lugar. La función del interiorista es comprender esa parte del cliente, que necesita interiormente y escucharlo bien, porque él mismo puede llevar al fracaso el proyecto. Hay que escuchar y saber que puedes ofrecer muchas soluciones nuevas, y una amplia utilidad de espacios. ¿Cómo concilias lujo sustentable, arquitectura, interiorismo, diseño industrial, en un sólo proyecto? Por un lado cuando se crea el discurso que queremos, y cuando se hace un planteamiento a nivel económico que proyectamos, y vemos cómo caben las cosas, y empiezan a dialogar, se da una cierta congruencia. Tiene que ver con el concepto, los límites, que son bien importantes, es lo que más nos han enseñado. www.omelette.com.mx

Héctor Galván fundó su propio despacho Omelette en el año 2000, un taller de experimentación estética donde converge arquitectura, comida, comercio y diseño. Ha realizado proyectos como el Hotel Básico, El Deseo y el Hotel Condesa DF del Grupo Habita. Tiene su propia línea de mobiliario llamada República. Ha ganado el Premio en la Bienal de Quito y el T+L Design Awards.

¿Y cómo lo aplicas en tus proyectos? Si un cliente te pide un campo de golf, donde cada temporada hay 80, 000 flamingos, te niegas, no por ser ecologista, sino porque es un tanto ingenuo hacer un hotel y esperar que éstos emigren en tan corto tiempo. En esos casos tienes que convencerlo de que haga otra cosa, o que de plano no lo haga. Este tipo de pensamientos es lujo sustentable, no se trata de ecología, sino de economía. Por eso creo que la economía es la relación del ser humano con la naturaleza, mientras que la ecología es el tratado de la naturaleza. Tenemos que construir un diálogo con ésta para sustentar la posibilidad de una relación económica y pensar en cómo generar más recursos naturales. ¿Cuál es el criterio de selección o los lineamientos para escoger el mobiliario? Nos dedicamos a coleccionar cosas nuevas o que están de moda. Primero que nada hacemos un proyecto que esté sujeto a un discurso propio, tal es el caso del hotel Básico. RevisaO T BRE • NO IEMBRE 2012

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“Los procesos y sistemas constructivos deben volverse parte de la propuesta arquitectónica”.

En búsqueda de la esencia Cadaval & Solà-Morales Marina Peniche Fotos cortesía de Cadaval y Solà Morales

La colaboración entre dos personas de diferentes nacionalidades, ¿los hace más locales o globales? Las dos simultáneamente. Nos hemos considerado dos oficinas locales y por lo tanto biculturales. Como despacho tenemos la condición de trabajar activamente en dos sitios geográficos distintos pero que conocemos muy bien: México y Barcelona. ¿Cuál es el proceso por el cual determinan el carácter formal de un proyecto? Desarrollamos el proyecto a partir de nuestra intuición, y después le aplicamos un juicio rigurosamente funcional. Cada proyecto lo abordamos desde diferentes puntos de vista. Realizamos muchas propuestas y pruebas; luego evaluamos las virtudes de cada forma. Pensamos en formas que puedan resolver problemas. Hay una parte muy intuitiva pero evaluada, de tal manera que la forma no se vuelva un capricho sino una composición que responda positivamente a términos lumínicos y de asoleamiento; que rescate las mejores vistas y genere los mejores espacios. Una vez que encontramos una forma, hacemos un trabajo de depuración práctico y la pulimos al máximo para hacerla simple y funcional. Ustedes utilizan el concepto “arquitectura efímera” para sus exhibiciones. ¿Cómo perduran éstas a través del tiempo utilizando muy pocos recursos, tal y como lo hicieron en el proyecto de Reporteros sin Fronteras? Reporteros sin Fronteras y Ulls del Món (Ojos del Mundo), son dos ONG´s que nos pidieron una exposición. Inicialmente íbamos a hacer dos exposiciones, una para cada organización. A la mitad del encargo nos redujeron el presupuesto a la mitad, y en vez de partirlas en dos, propusimos el mismo sistema expositivo en ambas. En “Reporteros sin Fronteras” se utilizaron dos telas entrecruzadas que van al centro y forman una X; en Los Ojos del Mundo las telas se transforman desdoblándose y se quedan a los costados formando un túnel. Esto partió de una postura personal. Cuando empezamos a ver los montajes de las exposiciones notamos que había un desperdicio enorme de recursos económicos, energéticos y de mano de obra, por ello sintetizamos lo esencial, lo que realmente se necesita para exponer algo, quedándonos sólo con los elementos más importantes; por tanto el proyecto obtuvo más fuerza.

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¿Cuáles son para ustedes las características de la arquitectura efímera? Lo importante es la experiencia del usuario y en segundo lugar economizar en recursos para que no se convierta en un “drama” ecológico. En la arquitectura efímera tienes condicionantes muy especificas. Lo efímero te puede dar una vivencia muy diferente de lo permanente; el usuario debe recordar su experiencia. Los materiales aplicados pueden ser efímeros. Por ejemplo, el papel es un material que tiene un tiempo de vida muy corto, no se puede hacer nada permanente con él, pero para nuestro propósito es un material perfecto, porque es reciclable, genera texturas, suavidad y ligereza. ¿De dónde surge su lenguaje ortogonal y purista? De una lógica y un pragmatismo constructivo. De entender los procesos y sistemas constructivos para que se vuelvan parte de la propuesta arquitectónica; es fundamental para disminuir el margen de error en una obra. Desde un punto de vista poético, sus casas parecen pinceladas en el paisaje, lo que habla de una integración. ¿Cuáles son los elementos que hay que cuidar para no romper con el silencio del entorno? Tiene que ver con cierta madurez en nuestro trabajo. De entender que el arquitecto no siempre tiene que gritar. No es una competencia; la arquitectura no tiene que ganar a través del escándalo, sino que debe haber

“Una vez que entiendes los sistemas constructivos, explótalos”.

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una integración. Hemos tenido la suerte de construir en lugares increíbles. Se debe intervenir el lugar a favor del contexto y del proyecto con elementos justificables. Algo que define su trabajo es la búsqueda por la esencia de los proyectos. ¿Esto es un discurso visual que manejan como un común denominador de su obra o más bien es algo sorpresivo que surgió en el camino? Creemos que es algo que buscamos constantemente, y en cada obra se revela de distintas formas. Todos los proyectos son diferentes, pero los diseños buscan su esencia y abrazan la simplicidad que los representa. Quisiéramos pensar que no tenemos un estilo estético único, no obstante nos encantaría llegar a un punto en nuestra trayectoria en donde podamos voltear y ver que nuestra obra refleja cierta austeridad y una búsqueda de la esencia de las cosas. www.ca-so.com

“Nuestra obra refleja cierta austeridad y la constante búsqueda por la esencia de las cosas”. Eduardo Cadaval (México) y Clara Solà-Morales (España) fundaron su despacho en Nueva York en 2003. Desde entonces, la firma ha desarrollado proyectos principalmente en Barcelona, México y Estados Unidos. Han ganado premios internacionales como el Bauwelt en Múnich, Jóvenes Arquitectos del Colegio de Arquitectos de Cataluña en Barcelona, Design Vanguard Award en Nueva York y la medalla de plata de la XI Bienal de Arquitectura Mexicana.

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La naturaleza como un lujo Philippe Grohe y Philippe Starck Greta Arcila Fotos cortesĂ­a Hansgrohe

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Tuvimos la oportunidad de viajar a Berlín para conocer y platicar con Phillipe Grohe (PH) y Phillipe Starck (PS) con motivo de la presentación de la nueva línea Organic de Axor. Aquí un poco de la plática con ambos.

GA Mencionaste que probaste los productos de Axor Starck Collection por nueve meses. ¿Cuándo finalizó el diseño de éstos? PG El último producto estuvo listo en abril. El 98% de los productos estarán listos el primero de noviembre para ser entregados. También esperamos que llegue al mercado internacional, pero no tenemos que hacer grandes cambios técnicos. Por ejemplo, si miras el convector termostático, no es algo meramente nuevo, es decir, tiene un diseño fantástico, pero no es precisamente un producto nuevo. Tiene un buen manejo y está en una nueva etapa; es una edición limitada que estará en el mercado en nueve meses y aproximadamente en tres meses podremos entregarlo.

que quise hacerme cargo de ella. Trabajé ahí durante las vacaciones y descubrí una compañía fantástica. Recuerdo una discusión interesante con mi padre cuando estaba trabajando como fotógrafo en una compañía de video, en ese momento quería pasarme de la fotografía al cine. Fue a visitarme y tuvimos una conversación sobre cuánto tiempo tenemos en la vida para hacer cosas. Yo le preguntaba muchas cuestiones sobre qué puedes hacer, qué debe esperar la gente de un nuevo grifo, porqué es necesario en el mercado, y así cuestionamos a la vida y a la industria, fue un gran momento que definió mi vida. Después de esta conversación tomé un programa de tres años en Alemania donde tienes la oportunidad de pasar la mitad del tiempo estudiando y la otra mitad aplicar lo que aprendiste en una compañía real. Puse en pausa la fotografía y desde el momento en que entré a Hansgrohe me di cuenta lo que realmente es la compañía y me gustó. GA Tienes las riendas del lado creativo de la compañía. ¿Cómo eliges con quién trabajar? ¿Por qué Philipe Starck y no alguien más? PG En realidad yo no lo escogí, fue mi padre. Pero si he seleccionado a los demás; debo decir que intervienen muchos factores diferentes, pero principalmente tienes que observar cuidadosamente sus propuestas. Alguien me dijo que si quieres ser un diseñador, tienes que hacer una silla, porque es lo más impecable que se puede lograr, ya que pasas mucho tiempo en las sillas. Por ejemplo, los lentes sólo te los

GA ¿Cómo es el proceso? ¿Siempre estás probando y probando los productos? PG Ha sido recreativo. De hecho, también es una gran diversión para mis hijos, porque están conviviendo constantemente con nuevas duchas, y terminan sabiéndolo todo porque crecieron probando prototipos. Les pregunto qué piensan del producto, aunque por lo general hablo con mis dos hijas acerca de productos. GA ¿Y sus opiniones te han hecho cambiar algo? PG Nunca se ha cambiado algo dramáticamente. Sin embargo, una vez que tienes todo el trabajo de retroalimentación en el área de comunicación, pueden decirte algo que te haga pensar en el diseño; posteriormente todas las personas comienzan a ver eso y se va depurando formalmente. GA Hace tiempo fuiste un fotógrafo. ¿Cuándo decidiste entrar al negocio de la familia? PG Sabía que vendría ese día. Cuando tenía doce años, fui con mamá a Suiza, ahí entré a una escuela pública. Fue importante para mí hacer algo más, y cuando logré eso fue muy satisfactorio. Al ser fotógrafo tuve varios clientes, sabía que tenía la capacidad de hacer mi vida sin el respaldo de la compañía; esa fue la primera vez O T BRE • NO IEMBRE 2012

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pones cuando hay sol, sin embargo, con la silla, te sientas en ella cuando trabajas, cuando estás en casa, esperando, etc. Para tomar una decisión tienes que ver diferentes industrias, observar a la gente detrás, cómo actúan, hablar con más personas y de esta forma te vas guiando. De hecho cuando empecé a trabajar en Axor, nunca estuve más adelantado que las personas que están en Milán, que conocen muy bien a los diseñadores de todas partes del mundo. Mientras aprendía quiénes eran los buenos del gremio y me relacionaba, escogí a diseñadores por mis propios medios. Le doy toda mi confianza a los diseñadores, y tengo la determinación y el compromiso de ir hasta el final de cada proyecto. Para trabajar con diseñadores tienes que tener una relación muy cercana y no se puede quedar sólo en el plano profesional. Es una cuestión de confidencia, emociones, sentimientos, presiones y de mucho entendimiento. La selección es un poco compleja, primero tengo que contestarme qué hacen, cómo lo hacen, qué es lo que yo quiero hacer y dónde veo una oportunidad. GA ¿Qué tipo de oportunidad viste cuando empezaste a trabajar con Antonio Citterio, Patricia Urquiola o los hermanos Bouroullec? PG Antonio es muy claro en sus proyectos, pensamos mucho en el valor del agua, y actualmente es uno de lo mejores en mostrar el valor en el diseño y en el material. Él fue el primero en traer a la industria el valor de las cosas tradicionales. Los hermanos Bouroullec, Patricia Urquiola y los demás, son personas capaces de

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ver ese valor de las cosas y expresarlo. Una de las metas a largo plazo de Axor es que la gente perciba el valor real del agua, porque su valor ha sido banalizado en el siglo XX, se convirtió en algo muy normal y común en el mundo y ahora implica un gran problema social. Al final del día la gente no encuentra ese verdadero valor, porque les es muy fácil tener agua, o tal vez porque es algo cotidiano, y por ende, no lo valoran. GA Según tu punto de vista, ¿cómo es el baño del futuro? PS Para mí el baño del futuro es limpio, con un grado de sencillez impecable, pero lo más importante es que debe de ahorrar agua, y eso sólo se logra trabajando con empresas que invierten en el cuidado del agua, por eso me gusta trabajar con Axor. Como empresa familiar sabe que el cuidado de nuestro propio entorno es fundamental, por eso comprende la importancia de hacer las cosas bien. Y si lo piensas, el baño es el lugar donde más en contacto estamos con nosotros mismos, por lo que debe de brindar placer, no puede ser complicado. Un baño brinda al ser humano calidad de vida, y eso, es nuestra máxima responsabilidad como diseñadores: regalar sensaciones, vida, risas; crear objetos con los cuales la gente no tenga la necesidad de pensar si se siente bien o mal. Estoy seguro que si logramos eso con alguna pieza, nuestro trabajo será un éxito. En sí, volviendo a la pregunta, el baño del futuro debe de ser atemporal, ahí están los recuerdos de la gente: en su mente, en el espacio, en lugar en donde el tiempo es sólo un concepto.

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GA Para ti, ¿cuál es el papel del diseño en nuestra época? PS Resolver espacios, resolver objetos, inspirar, lograr calidad de vida. Los diseñadores no venimos a cambiar el mundo ni a salvar vidas, sólo a dar un poco de placer a través de nuestro trabajo. Yo no me creo el cuento que el diseño es lo más importante, vivir lo es, lo demás, es sólo cuestión de números y enfoque. GA ¿Nos puedes hablar de tu proceso de diseño? PS He luchado por años por no convertirme en un hombre de negocios. Hace años cerré mi compañía, le pagué a todos los que les debía, liquidé a todo a mi equipo, y todo con un fin: tener la certeza de sólo trabajar en unos cuantos proyectos al año, porque la creatividad no es una industria. Para mí la creatividad es igual a un hombre sentado frente a una hoja en blanco, desnudo con sus pensamientos, y con mucha ansiedad de desarrollar algo nuevo. Yo trabajo en mi mesa por horas, concentrado en mis ideas, trabajo, trabajo y trabajo, pero para llegar a una O T BRE • NO IEMBRE 2012

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conclusión, que quizá me lleve a nuevos pensamientos, es otra cosa, yo me enfoco en un proyecto y cuando lo termino, sigo con otro. Por ejemplo, cuando Phillipe me visita a la oficina para trabajar, no hago nada más que escucharlo y platicar hacia dónde va el producto, en ese día decidimos todo. Para mí ver los ojos de mi cliente, y en este caso, mi amigo es fundamental ya que sólo nutriéndote, con ideas de los demás, te puedes mantener fresco, sólo así puedes seguir siendo humano, puedes resolver yseguir siendo creativo. GA En la conferencia de prensa mencionaste que tu esposa fue parte de tu inspiración, ¿qué parte de tu vida te mueve para diseñar? Mi esposa es lo más bello del mundo, es mi compañera, quien me soporta en mis malos días, quien me sugiere las cosas más divertidas, su risa es lo que mueve mi mundo. Pero, siendo realistas, lo que me mueve es la vida misma. Disfruto caminar por las tardes, leer, platicar con mis colegas y con mi equipo. Para mí, todo puede ser motivo de diseño. Para la nueva línea con Axor me inspiré también en una rama de un árbol, y viendo ésta sólo pude pensar en cómo cuidarla, por eso cuando hablé con Phillipe le dije que era indispensable el ahorro de agua en esta pieza, y lo logramos, pues sólo gasta 3.5 litros de agua en un minuto, no hay otra en el mercado que haga tal cosa. www.hansgrohe.com www.starck.com

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Alessi se ha posicionado como una de las marcas más sobresalientes de Italia y el mundo, gracias a la creación y distribución de objetos de diseño vanguardista. Recientemente se inauguró la primera Alessi Store en México y en Latinoamérica, ubicada al interior del nuevo Centro Comercial Paseo Interlomas. Por este motivo entrevistamos a Alessio Alessi, C.E.O. de Alessi, quien nos platicó acerca de las colaboraciones de la marca con reconocidos diseñadores y arquitectos y sobre la incursión de los productos Alessi en el mercado mexicano.

¿Cómo ha evolucionado Alessi desde sus inicios en 1921 hasta ahora? En 1921 la empresa comenzó con mi abuelo y artesanos; después de la segunda guerra mundial, Alessi se convirtió en una empresa de producción en masa y en una de las empresas de más alta calidad en productos de acero inoxidable para cocina. A mediados de la década de 1970 empezamos a asociarnos con mentes creativas, arquitectos y diseñadores, que hasta el día de hoy continúan dando su apoyo y trabajo a Alessi. Y esto es la singularidad de la marca: productos de alta calidad que cuentan con un elemento de creatividad proveniente de una multitud de diseñadores. ¿Qué elementos utiliza Alessi para otorgarle un carácter innovador a los productos cotidianos? El ingrediente es el diseño, es lo que da vida al producto y es la parte estética que se comunica con las personas que lo compran. Alessi busca funcionalidad, pero también añade arte y poesía a los objetos de uso común. Normalmente el arte y la poesía se encuentran en expresiones artísticas como la música o la pintura, pero también el diseño puede aportar esta característica artística a los objetos que utilizamos diariamente. Y, ¿cuáles son los criterios o lineamientos para escoger determinado diseñador o arquitecto? Hay varias formas. Una es trabajar con diseñadores reconocidos, personas que ya sabemos cómo trabajan y que han colaborado con nosotros. Por otra parte, trabajamos con líderes de opinión, les pedimos su sugerencias. También colaboramos con Universidades y escuelas de diseño en el descubrimiento de nuevos talentos. O T BRE • NO IEMBRE 2012

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Objetos cotidianos con un enfoque artístico Alessio Alessi Mabel Téllez Fotos cortesía Alessi

¿El diseño es libre o tienen peticiones específicas para cada colaboración? Es una combinación de ambos. Tratamos de respetar, lo más que se pueda, la selección y el trabajo del diseñador, pero también damos pautas y sugerencias sobre qué es posible producir y lo que no puede salir al mercado. Pero siempre respetamos la expresión individual de cada uno. Durante este proceso de colaboración, ¿el creativo seleccionado les proporciona avances, o ven el resultado final en su totalidad? El diseñador da la idea, se hace una evaluación previa, hecha principalmente por mi hermano

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Alberto Alessi y su equipo interno, quienes hacen una valoración sobre los costos, realizan pruebas, y con base a los resultados, se determina si será aceptado por el público. Es una combinación de muchos elementos, tanto económicos, de producción y marketing como de la participación creativa del diseñador. Sobre la reciente apertura de la tienda en Paseo de Interlomas, ¿qué esperan del mercado mexicano? ¿Qué estrategias de mercado tiene para acercarse a la gente que no conoce los diseños de Alessi? El proceso de mercado de Alessi funciona gracias a la recomendación de gente que ama el diseño. La tienda es un paso más para acercarnos a esas personas, quienes encon-

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trarán más fácilmente la colección Alessi. Desde luego, queremos que sea un punto de encuentro para la gente cercana al diseño, pero que también genere una aventura para aquellas personas que no lo están. Creo que la tienda en México, la única en Latinoamérica, tiene gran potencial para mostrar los productos de la marca, por lo que nuestras expectati-

vas son muy grandes. Fue necesario invertir en la tienda, era un paso natural para relanzar la marca y llegar a otro público. ¿Habrán todavía más colaboraciones futuras con diseñadores? Nosotros nos consideramos un laboratorio-taller de investigación de nuevos productos, que siempre está en busca del desarrollo de diseños vanguardistas. Cada año, lanzamos cerca de ochenta o más productos, lo cual constituye un periodo de dos años antes de sacarlos al mercado. ¿Qué podemos esperar de Alessi en el futuro? Buscar mejores diseño cada vez más. Aumentar y tener una gran variedad de productos. Nos hemos enfocado mucho a la cocina, por ellos, nos gustaría abarcar otras áreas. www.alessi.com

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diálogos

En constante renovación CEO Claudio Luti de Kartell Greta Arcila Fotos cortesía Kartell

Ghost chair por Philippe Starck

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Por otro lado, la distribución es una de las cosas más importantes; la selección del almacenaje, las tiendas y sus ubicaciones tiene que ser muy cuidadosa. La clave es ser lo suficientemente astuto para ver las oportunidades que te ofrece este mundo tan grande y no los problemas de la competencia. La inversión más importante debe ser en el diseño. ¿Cómo selecciona el talento con el que van a trabajar? Primeramente trabajo y ejecuto las ideas de los productos, de los materiales y la tecnología. Me gusta explorar estas ideas, ver el trabajo de los demás diseñadores, entenderlos y evaluar quién puede ser el que pueda desarrollar y aportar algo en los diseños. De esta forma trabajamos juntos y tratamos de formar un equipo. Ellos necesitan mucha energía para entender y absorber mi capacidad y yo debo dejar fluir su creatividad. Por lo general busco diseñadores que ponen las cosas sobre la mesa con generosidad, que utilizan todo su potencial, los que se toman hasta el último minuto para ver las propuestas y platican unos con otros para crear.

Casa de la Luz

Claudio Luti Francesco Brigida

¿Cómo logra Kartell tener una presencia mediática tan importante? Prácticamente los encontramos en todos las revistas y blogs de diseño… Los productores, diseñadores, todos en la empresa nos preparamos para cada año presentar en Milán nuestras innovaciones y colaboraciones, y con esto lograr abrir más tiendas. Es mucho trabajo, pero como tenemos presencia en más de 20 países, lo que presentamos cada año se conoce y difunde muy rápido. Ahora podemos estar en comunicación continua, nos gusta que se puedan encontrar los mismos productos en cualquier parte del mundo. Puedes estar en México, Milán, Nueva York o Tokio y siempre encontrarás un grupo de personas que sean iguales, que lleven la misma calidad de vida, pertenezcan a la misma sociedad, y desde luego, puedes encontrar el mismo diseño en todos lados. Hoy en día es muy importante cuidar la marca, y aunque Kartell ya está desarrollada, hay seguir impulsándola para que no se vuelva obsoleta. Con casi 60 años de vida, ¿cómo logran mantenerse como líderes en el mercado? Yo trato de confiar en mí y seguir mis instintos. Primero que nada trabajamos en la innovación de productos todos los días. Colaboramos con grandes diseñadores que puedan trabajar continuamente conmigo. Por ello convocamos a juntas para revisar los adelantos y progresos de cada proyecto.

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“Hoy en día es muy importante cuidar la marca, y aunque Kartell ya está desarrollada, hay que seguir impulsándola para que no se vuelva obsoleta”.

Super Impossible Chair por Philippe Starck & Eugeni Quitllet

One More Please por Philippe Starck

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“Usamos la creatividad proveniente de todos lados, no es sólo italiana, ya que el diseño está orientado para el mundo, es global”.

Masters por Philippe Starck & Eugeni Quitllet

Usamos la creatividad proveniente de todos lados, no es sólo italiana, ya que el diseño está orientado para el mundo, es global. Lo único que retomamos es la estrategia de la compañía, la innovación y la buena calidad. Por eso creamos objetos que pueda identificarse directamente con las personas, que le den cierto sentido al usuario. Recorriendo todos los pasillos del Salón Internacional del Mueble, sabemos que hay mucho que analizar. ¿Cómo analizan ustedes lo que está sucediendo, cómo leen las tendencias? Estoy enfocado en Kartell y es demasiado lo que se presenta en Milán como para verlo; lo que yo hago es concentrarme en lo que estoy haciendo y en lo que vine hacer. Tengo que estar atento con mis diseñadores y con la marca, no quiero ver alrededor porque no quiero ser influenciado por lo que veo. Kartell está en el mercado y yo tengo que permanecer en el stand. En la vida uno debe ser feligrés, no un hombre de ficción. Debes apegarte a tu origen, a dar material, trabajo, estilo e innovación, en eso ponemos todo nuestro empeño.

Invisible Table por Tokujin Yoshioka

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Cuando te acercas a los diseñadores, como Patricia Urquiola o Tokujin Yoshioka, para pedirles que trabajen juntos por otro año o para Milán, ¿cuáles son las ideas que se manejan en la mesa? Se manejan ideas completamente diferentes. Antes que nada debemos entender su parte creativa, qué es lo que quieren transmitir, cuáles son sus conceptos y cómo leen a Kartell. Nosotros tenemos que pensar en los nuevos materiales, la tecnología, la función. Eventualmente se crea una relación, yo les muestro cómo es Kartell y lo que requerimos de ellos, posteriormente nos reunimos para discutir los diseños y empezamos. Cuando produces algo, tenemos que combinar las dos partes, la compañía y los diseñadores; yo trato de tomar lo mejor de ambos lados. Si estamos convencidos de desarrollar un producto, invertimos en los moldes, de otra forma, retomamos los conceptos y propone-

mos nuevas ideas. Por ejemplo, Patricia realizó la colección del sofá y propuso algo diferente, se orientó más hacia a lo residencial. Uno de los nuevos colaboradores es Eugeni Quitllet, fue arquitecto por 10 años, confié en él y finalmente empezamos a trabajar juntos con una colección para exteriores. ¿Qué veremos el próximo año? Me gustaría presentar un enfoque diferente de la misma empresa, porque para mí lo que realmente destaca son los proyectos en el stand. Mostrar que los mismos productos pueden ser usados y percibidos de diferentes maneras, y que se adaptan al contexto en el que están, ya sea en una casa, oficina o inclusive en una tienda. Los productos se adaptan a los diferentes escenarios y los complementan de distintas formas. www.kartell.it

Foliage por Patricia Urquiola

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texturas

Experiencias dobladas

Marina Peniche Fotografías cortesía Rai Royal

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os principios estéticos del origami tienen origen en la cultura japonesa. A partir de la introducción del arte de la fabricación de papel en Japón en el año 610, cuya producción estuvo por mucho tiempo limitada a China, aparece la papiroflexia y la experimentación en papel. En la cultura japonesa, esta motivación de realizar todo tipo de formas a partir de pliegues de papel tenía un significado ceremonial, pero no fue sino hasta finales del siglo XIX que se convirtió en todo un arte. Petra Storrs, firma inglesa que engloba proyectos de dirección de arte, vestuario y estilo, así como diseño de escenografía, videos musicales, películas y cortometrajes, se inspiró en esta tradición milenaria para crear prendas de papel para una sesión de moda de la publicación Sublime Magazine. Estas exclusivas creaciones, que evocan la esencia del mundo artesanal, articulan arte y ciencia a partir de un estudio geométrico y numerosos patrones de doblado. Asimismo, una combinación de ángulos y rectas generan una gran variedad de formas complejas con una estructura interna interesante. Los trajes de papel, conformados por diseños escultóricos, con volúmenes, poliedros y pliegues, captan el movimiento en un sentido estático. A través de la búsqueda estética y la aplicación metodológica de términos geométricos, los diseños de Petra Storrs revelan un mundo extraño compuesto de efectos ópticos, ilusiones e intensidad. http://petrastorrs.com/

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galer铆a

From the Forest to the Mill to the Store to the Home to the Streets and Back Again. 2009-2010 Maple log, salvaged wood and steel 35x25x20 feet

Jason Middlebrook, abstracci贸n y naturaleza

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Marco Antonio Silva Barón Fotos Dodge Gallery

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Has utilizado materiales desechados o regenerados para construir esculturas e instalaciones, ¿hay una conexión simbólica entre su estado previo como materias primas y el significado artístico que les das ahora? Me encanta la idea del segundo acto, los materiales tuvieron una primera vida y al cambiar su contexto, me esfuerzo por darles una segunda vida. A menudo los materiales son clasificados como “escombros”, lo que tiene una connotación negativa en un entorno urbano, mucho como la palabra “hierba” en un jardín. Para mí, “escombro” sugiere esperanza y promesa. Si los materiales son regenerados apropiadamente La naturaleza, el diseño y la arquitectura y tratados con cuidado, pueden renacer a una convergen en tu trabajo. ¿Cuál es el punto vida nueva: una vida del objeto artístico, o mejor de arranque en él, un patrón en la natu- todavía, en “arte”. raleza, la forma de los materiales, o hay alguna idea preconcebida que después se Ciertamente haces que los espectadores materializa? reflexionen o estén conscientes de los mateEl punto de arranque, en nueve de diez ocasioriales y de la sobre abundancia de los misnes, es la locación. Incluso si se trata de una mos en la vida diaria. ¿Te preocupa que tu pintura en un muro, la locación juega un rol en trabajo sea visto como <<político>> o sobre mi trabajo casi todos los días. Mi inspiración la política ambientalista? para trabajar es el lugar mismo, puesto que Durante algún tiempo me preocupó que mi establece los cimientos y fija las reglas de lo trabajo fuera visto como una forma de actique se realiza. Sin la locación pierdo el punto de vismo. Seguido le decía a los espectadores que arranque. Creo en lo que llamo las tres ces: La no tenía las respuestas o soluciones sobre el locación es el “contexto” de mi práctica, y las medio ambiente. Siento que el trabajo que ocaotras dos son “contexto” y “composición”. sionalmente me interesa hacer es parte de un

acido en 1966, en Jackson, Michigan. Maestro de Bellas Artes por parte del San Francisco Art Institute, ha realizado más de treinta exposiciones individuales en Europa y Norteamérica. Middlebrook es un artista que mezcla mundos en aparente colisión: el mundo de las formas naturales, y la abstracción artística. La escultura, sesudamente construida, y el desecho. Su obra reciente constituye una meditación sobre la abstracción, en la que opta por liberar de narrativa su trabajo, para que sean los contornos naturales, realzados mediante la aplicación de pintura, los que dominen la atención del contemplador.

Finding Square. 2011 Acrylic on maple plank 108 x 108 x 1 inches

Cast Concrete Plastic Bottles 2. 2008 Cast concrete bottles Dimensions variable

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The Pine Cone and The Wooden Debris Field. 2008 Pencil on paper with acrylic and ink 30 x 41 inches

Inspired by the Countless Trips from My House to My Studio. 2008 Graphite on paper 53.125 x 60.875 inches

diálogo con el movimiento “verde”. Muchos artistas lo están haciendo y lo han hecho en los últimos años. Hay una abundancia de desperdicio y consumo en nuestras comunidades. Hacer preguntas o señalar a los desechos humanos es a veces más interesante que diseñar o crear soluciones. Siempre he estado interesado en el aspecto residual de la humanidad y en la habilidad de la naturaleza de recuperarse o ser dañada y alterada. Son las corporaciones y los autores de las políticas públicas quienes tienen la responsabilidad de reducir nuestra huella en el planeta. Un artista puede señalar su abuso, el abuso humano. Encuentro fascinante la manera en la que combinas la abstracción con las formas orgánicas de los troncos en tu exposición de 2011 en la Dodge Gallery. Para ti, ¿cómo encaja la abstracción en el mundo natural, o más específicamente, en la madera? Siempre he estado interesado en el aspecto formal de la abstracción. Mis primeras pinturas en la univer-

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Geode Plank 2011 Acrylic on english elm 104.75 x 36 x 2.5 inches

All of the Corners 2011 Acrylic on myrtle 55.5 x 28 x 2 inches

sidad eran de tipo abstracto. De Kooning era mi héroe. Los troncos son formas orgánicas comprimidas con el tiempo. Encuentro las formas y el tiempo comprimido en ellas, que se ve en el granulado, muy inspiradoras. Las líneas abstractas y la pintura deben complementar el granulado y las formas individuales. Para mí, esta serie une todos mis intereses en arte, escultura, pintura, locación y medio ambiente. Las líneas pictóricas en ocasiones intentan imponer mi voluntad en la forma, pero de tal modo que preserven lo que el árbol mismo ha hecho a lo largo del tiempo. Veo posibilidades inagotables dentro de este tema, que me llena de alegría y confianza como creador. Has hecho bastantes trabajos para locaciones específicas. ¿Cuál de todos es tu favorito y por qué? Estoy orgulloso de la pieza que realicé para el Museo de Arte Contemporáneo en Chicago, y mi reciente comisión para el metro en Brooklyn, Nueva York. Ambos proyectos se refieren a su espacio específico y toman en consideración tanto la escala como al contemplador. Trabajé duro antes de iniciar la producción, tomé en consideración la audiencia, el lugar y la historia. Ambos trabajos aluden al medio ambiente de cada lugar y eso tiene el mayor efecto en nuestras vidas. jasonmiddlebrook.com/ O T BRE • NO IEMBRE 2012

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traducciones

Interview with Teodoro González de León P. 74 BY GRETA ARCILA PHOTOS COURTESY OF LEON GONZALEZ WORKSHOP

With the enlargement of the Museo Rufino Tamayo, we requested a chat with one of the architects who has built more public works in Mexico. Friendly, intelligent and forceful, he told us about his experience of a museum that he deeply loves. As an architect, what does it means for you that most of your works are considered icons of Mexican architecture? It’s a very nice compliment, I am moved. I believe that architecture must be installed in the city and dialog with the public space. Not to pass over it. The purpose of architecture goes beyond making some buildings, we architects have a responsibility to make city, to interpret our surroundings and dialog with it, that is the purpose of architectural design. The architecture tells the story of a country; it is culture, a time legacy. A building must radiate history, it must tell a story. You should speak about the citizen who lives in the city, made through its steps. Definitely one of the distinctive elements of your architecture is the use of chiseled concrete. It’s much more a pragmatic necessity. It is a way to solve the problems of poor workmanship. Chiseling we erase imperfections in concrete that are immediately apparent, and therefore visible. Mismatch errors are very common form of work. It is a way to delete them. We don’t have good labor it is poorly paid and poorly trained. But yes, it is a feature that gives strength to the work. It has not always been the case, for example, when Pancho Serrano and I designed the Embassy of Mexico in Berlin, we wanted to bring Mexican construction works and leave a trace of that beautiful Mexican labor, but the problems of imperfection there were solved with technology. Germans designed an electronic chisel that blows very quick and fair. Something important of your work is the use of light and shadows, which undoubtedly are spaces that guide us in silence to different routes. The light is perhaps the most difficult aspect to use in architecture, so it takes longer to learn to use, because the light reveals the whole composition of the interior and exterior architectural spaces. It takes long to learn to read the shadows, to live with them and with the light, and knowing how to project them. But once you learn that language, it’s fantastic what you can achieve in a project. The first time I got a light to go where I wanted, was one of the greatest joys I knew, it was when I started to become an architect. The times I have had the opportunity to speak with you, you always mentioned many cities, which city is architecturally valuable for humanity? I have visited many places, I like to travel. I do it at least three or four times a year. It is a way to have a cool head. I travel to see buildings, museums and concerts, nothing more. Personally I feel a proximity to New York. It is and will remain the world’s pedestrian city. There is public transportation; there are few private cars in relation to population and no parking. That makes people walk in the street. The amount of people in the avenues and streets of New York you do not see in any other city in the world. Paris, which is famous for its avenues, falls short in that regard. New York is a city laid out in a bizarre way. But yes, it’s perfect, the central space in the park is brutal, but if you look at their urban layout, the design will be the minimum, not contrived for pedestrians. Can you talk to us about the Mexico City Futura project, where you work with the architect Alberto Kalach. This project continues. It is long term, and for just that condition, politicians shun it. I hope for the new president to accept it, because he is a person who has mastered the project. We already made some progress. We have very good data that is on track. Not as the announced last week of the great ecological park on Lake Texcoco, where is impossible to make a square meter or park.

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How did this project with Kalach started? It started in the School of Architecture. He invited me to give a small workshop because I had some knowledge of Texcoco thanks to the engineer Nabor Carrillo, who at the time was doing his studies on the lake. Kalach said, “we are undertaking the project but it would be lame if you do not work with us,” and I agreed. To what extent the project will benefit the city? In the 1930s and almost at the end of 1950 you could see lake in the horizon, but after that it was over. The project rescues that landscape. On the other hand, it has a coastline of eighty kilometers for urban development. Until now, the lake’s surface can be three times that of Acapulco Bay. The natural water evaporation changes our atmosphere; contaminated particles will fall with the perspiration. It will clean much of the land. Tell us a little about the work he did earlier in the Museo Tamayo with Architect Zabludovsky. I understand that architecture, to dialogue with art, must be silent. It was a very long project, because, since I started working until it was completed, it took nine years. The problem was that they did not allow the museum Rufino to be in the forest, and he wanted necessarily to be located there, because he had seen how the Museum of Anthropology grew and became established in the forest silently. The number of entries to the museum with that location went up 300%. Rufino put it very well, the museum had to be in the forest, because contemporary art must be shown to Mexico, where the people are. But it was very difficult to get permission because the Museum of Anthropology was already there. Besides, no one wanted to do it because there were many interests behind. They saw Rufino as the villain of the four painters, the others were good (Rivera, Siqueiros and Orozco), as they did Mexican painting. And Rufino was a painter from the school in Paris. Turns out Rufino’s painting is much more Mexican than the other, if we see it now, is something not definable, but deeply Mexican in all his work. Hank Rohn gave us the land; he believed in the project and in the investment in art that reflected Mexico. Many things did not go well in the project, for example, the auditorium had to be abandoned because the water got below, there is a lake underneath. The museum is floating in mud, is a ship sailing in the forest. For certain buildings it is very bad but for others no. At the moment of the expansion of the museum, how do you retake the discourse in the Tamayo Museum? What aspects have you improved? From the outset, the project had a discourse; same that we sold to Rufino, saying it was an extension of a tree. Like any museum it needs expansion, and so was projected. This was the fourth time they tried to expand, the other three I made with Abraham, and did not occur, because suddenly Fine Arts backed down. Fortunately this time it went on. The museum, since its creation, was a private project. It grew out of a grant from Rufino, who formed a collection sharing his work. For you, where is Mexican architecture headed to? No one knows. What should worry us is the present. I never think of the future. I do not do anything for the future. I face the present with a strong knowledge of the past. Every day we build the future that we do not know where it will go or where it will take us. What do we need to do avant-garde architecture? Deal well with the present. That’s what we need.

Interview with Tatiana Bilbao Architecture which generates a better quality of life P. 82 BY ALFONSO MALDONADO PHOTOS COURTESY TATIANA BILBAO S.C.

You created along with Fernando Romero, Laboratorio Mexico City, in 1999. And in 2004 you opened your own office. How was the transition? My time in Mexico City Laboratory was vital in terms of training. It was an intense experience, because I was very young. But it was essential to create this office. In LCM i understood that architecture is not about making beautiful designs, but it is space, and you can spend your life doing nice renderings and models, but if you do not built, in the end it is not architecture. I also learned that if architecture workshop is not a company, and you do not think in terms of organization and economy, you can not do architecture. You need to set the business side, and on the other hand, you need all the knowledge on how to do architecture and how to get the customer to build it. Tell us a little about the Metropolitan Area of Mexico (Zona Metropolitana del Valle de Mexico) book. It comes from the interest in the city and the production of urban space. It exploits the idea about understanding over the architect’s role not only as the creator of beautiful spaces. I believe that architecture has the power to provide a better quality of life, it can impact positively or negatively. The creation of this book was to understand our situation and where we stand. We did little to create a basis on which we are currently working. You taught a workshop on the subject at the Universidad Iberoamericana. How did this workshop worked? What elements were developed through it? The book Metropolitan Area of Mexico is a simple and shallow diagnostic to see the city on the macro level, while the intention of the MXDF workshop was to explore in depth different issues, in that sense we began studying the houses and public space on the outskirts of the city. However, we have not developed more, but I will pick up at some point. What role has the process in your architecture? It is vital. The process, would sound erratic to external ears, is linear, it is not the same in every project because it starts in different points. It is precisely the architecture we do, which comes from the contemporary line, from understanding the context of the situation, the specific time of the site, the client and the political and economic situation. The process can begin researching the material or resources that you can use to impact less on the environment. The project’s approach starts differently. There is not a defined process. While there is not a sequence, are there some commonalities between the different projects? What moves the project is essentially the same, we investigate what is the deepest need, and from that we design. I think that’s the common thread. Of course, all needs are radically different, and therefore, all projects will be. Many of your projects have resulted from collaborations. How does this process work with someone who has a very different way of working than yours? For me, partnerships are vital, so I seek and promote them. The architecture is no longer a work of geniuses or the typical architect drawing in his studio. We have understood that the community makes us better and now I think is the best way of making architecture. Working with people whose work system is radically different from my process is even better, because I confront situations I do not know or do not understand, and this enriches collaboration. You collaborated with Herzog & De Meuron at some point? No, I’ve never worked with them. When I was with Fernando, we were interested in understanding the role of the architect as a person who can make a difference to the social, cultural, and any interference you may have. For them, we conducted various events to promote contemporary culture, nationally and internationally. One of the things was a conference organized by Herzog & De Meuron in Mexico, with the intention to show the country what is happening in contemporary architecture, who are the leaders, who is raising, etc.. Then came Jacques Herzog, who has a very interesting philosophy. He thinks he will not transcend if he doesn’t transmit his knowledge to young people. He liked what we were

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doing and started inviting us to support various projects, exhibitions and conferences. In parallel we developed a personal friendship, but we’ve never worked with them directly. Three of your projects are part of the permanent collection of the Centre Pompidou. You’re the first Mexican who has that opportunity, how did you achieved this? I still can not believe it. People from the Centre came because they wanted to start a collection open to young architects. In terms of art the Centre has an edgy collection and eventually has a collection of established artists, but they also bet on young artists, situation not happening in the area of architecture. So they came to assess my projects, and although I had no hope, it was an honor to be visited. The process lasted a year, until they finally decided on my work. How do you visualize Mexican Architecture in ten years? Mexican architecture has always had an international presence that generates a dialogue with people, it has an important discourse. It reinforces itself increasingly, and I think with the economic and political stability of the country, the architecture is gaining momentum, has increased production, and with the same international influence and importance. www.tatianabilbao.com Architect Tatiana Bilbao graduated from the Universidad Iberoamericana. In 2004 she created her own office with the purpose of deepening the architectural research and urban studies. She received the award from the Academy of Arts in Berlin, Germany. Among her most important projects is the Observatory House Gabriel Orozco, the Zheijiang showroom in China, Culiacán Botanical Garden and the Pilgrim Route in Jalisco.

“For me the understanding of collaboration is not about whether you like it or not, it is trying to understand why, how is someone doing it and respect.” “Architecture has the power to provide a better quality of life, can impact positively or negatively.” “The community makes us better and now is the best way of making architecture.”

Interview with Michel Rojkind Architecture as a result of collaboration P. 88 BY GLOCAL DESIGN PHOTOS COURTESY ROJKIND ARQUITECTOS

How to intervene the Cineteca National with dignity, as a representative work of Mexican architecture and culture? It is a big commitment. After seeing the potential we visualize areas of opportunity. Before designing, we diagnose and make strategies to improve the project. When we took the task of the Cineteca, the first question we came with was: what more we could do? We saw the magnitude of the plot and we wanted remove the parking lot. We thought about making a parking structure in the front and establish a public space. The interesting thing about the project is the intersection of major boulevards (Av Coyoacan and Mayorazgo) it creates a meeting point between the new facilities and existing facilities, creating a nice tension element of everything that is going on with this great roof linking the two spaces. There is dialogue with Manuel Rocha’s architecture, rooms were restored, but everything is in a public space and a green area. Then we were lucky enough to have Mauricio Rocha join the project for the Museum of Cinema.

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How will the Cineteca National del Siglo XXI convenes with the Film Museum? Everything is integrated, we agreed in materials, colors, sequences, tours, and a number of items that end up being reflected in the architecture itself. What were the characteristics highlighted by CONACULTA in your architectural proposal that assigned you the project? We are a risky office we push ideas to put them in a political, economic and social time. We work with all the factors that have a direct relationship to architecture. This is clear with projects such as the restoration of the National Archives Museum of Mexico City, competition we did not win, but we got a mention because we reflected the vision to improve Mexico. CONACULTA’s president learned about the new museum along with a number of projects that she liked, because they speak of a new and contemporary Mexico, that is what she wanted to be reflect in the Cineteca del siglo XXI. Being so young, what represents to you that each of your works wakes up so much positive controversy and are considered iconic by skilled people and the general public? What we do suits our measure. Architecture is the last thing we do in our projects. First we make a diagnosis and research, we find out who the key players are, the value of change that we can provide then we design. Projects are specifically designed to respond to political, economic and social consequences. We assemble interdisciplinary teams depending on the project, integrate landscape architects, financial experts and sociologists. We experience, we risk, and we never know what the outcome of the design or materials will be that is why some projects are more iconic than others. A constant in our projects is that they reflect movement, sense of humor and you find certain values from streets of our country, such as chaos and conflict. Julio Amezcua and you talk a lot about their recent collaboration workshop, what is for you collaboration in architecture? We are a generation concerned about returning to the collaboration. I was associated with Isaac Broid and Miquel Adrià who came from a united group, but it suddenly broke, like the generational friendship between Kalach, Broid, Norten. We have fought and worked to maintain a friendship, to teach each other project skills and be together in competitions. We present each other our projects before delivering them to see if we are presenting different things. That’s what happens with Javier Sanchez, Derek Dellenkamp, Tatiana Bilbao, Mauricio Rocha, Julio Amezcua and Francisco Pardo, we like to discuss what is happening now. There is a project in the office where collaboration does not intervene. How do you conceive in architecture? As architecture that respond and help you understand the general current conditions, significant social changes that are happening. An architecture that has an economic and political impact and can give an exchange value. An architecture that helped the community, generated jobs, green spaces, sustainable systems, that is giving to the community, if it generated value, changed the rules, and so on. This is the architecture that interests me, which is able to play with the spaces that weave around a bit and clear boundaries that we inherited from previous societies. Architecture as a pretext for finding new business areas, areas of action. For me, architecture is the art that has the ability to communicate and articulate a discourse that goes beyond the architecture itself. www.rojkindarquitectos.com Michel Rojkind architect and founder of Architects Rojkind. His office in 2005 was considered one of the top ten firms “Design Vanguard”. Among his most notable projects are the Nestle Chocolate Museum, Tori Tori restaurant and the National Film XXI Century.

“For me, architecture is the art that has the ability to communicate and articulate a discourse that goes beyond the architecture itself.” “One constant in our projects is that they reflect movement,

sense of humor and certain values that are in the streets of our country.” “We are a risky office we push ideas to put them in a political, economic and social time. We work with the factors that have a direct relationship to architecture “.

Interview with at103 Think globally and act locally

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BY ALFONSO MALDONADO PHOTOS COURTESY OF AT103

The two of you got a degree from the Anahuac University and MA from the University of Columbia. How did each influenced your work? Francisco Pardo: For me the influence of the two schools is very important. On one sense, the degree at the Universidad Anahuac gave me the knowledge in the technical and practical side and made me fall in love with this profession. We started working very young in the office of TEN Arquitectos with Enrique Norten and Bernardo Gómez-Pimienta. The enrichment between school and work was great, both parties benefited. However, I lacked a theoretical basis and self-criticism, as well as an understanding and development of speech and an analysis of the creative process, so the MA from Columbia was fundamental to those needs. Julio Amezcua: Schools greatly influenced me regardless whether the level of one is above of another. Eventually your thinking will be different if you come from a certain college. However, if you feel that the school is not giving you enough, you have look for one that will. That was what happened to Francisco and me. I started working as a model maker in Ten Arquitectos and then spent some time in the project area. Training in the office was very good technically. It is important to work with an architect, because they will teach you in hours and days what they have learned in years. Ten years ago most of your work was small, especially housing and interior design projects. How important were they in your development? FP: Very important, for example, in New York we designed 40 meters apartments for families or couples. These conditions taught us to value each cm2. The finishes thickness multiplied by the meters can become wasted square meters. The detail in design and use of space is central to the new home of the century, and in Mexico is poorly understood, because space left is no longer luxury but a bad design. JA: Everything is important. There are some things that are timeless and techniques that you do not know when to apply, whether on a small or large scale. What is difficult in architecture is to enjoy the process, because one thinks long-term goals, but you do not realize that the most important thing is what you’re doing today because you do not know what will result. There are interior projects that are very complex and there are some very large like Azteca studios, the largest we’ve done, which are much easier. Today I feel much better prepared through these projects. Some years ago there was a noticeable shift in the way you approach projects. How did this change? FP: There was a moment of maturity and wisdom. The euphoria of having projects made us experience in different ways. Currently we are very interested in architecture that endures and that in turn act as a tool for development in our country. The projects that interest us now go beyond formal experimentation .without leaving it aside, that somehow have to serve society. JA: All architectural projects are very similar to humans, have a superficial part, which is the obvious part that can be seen, and also a spiritual and emotional, that does not generate forms. What happened at the beginning of at103, is that we had preconceived forms and we to try to justify them at any cost. Now we try to shape the final outcome of any investigation. Therefore, today we focus on the social, economic, geographic and tectonics of the project, and from this analysis derives a form consistent with the requirements.

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In interviews and past conferences you have used the phrase “think global, act mexican”, what do you mean? FP: We still use it. We identify a lot with this phrase. Now think of a globalized world that brings many problems. One must think globally but act locally, ie see what happens in the world and claim to have the same quality and rigor of architecture in detail and global manufacturing, but not copy or turn this country into an extension of the “globalized”. In architecture there is great value in materials, processes, and Mexican crafts industry that we will like to bring to global quality levels. JA: The phrase has to do with recognizing our country and thinking that Mexicans are very good and we are on par with any world power. There is a generation that is doing very different projects, but have certain constants. Mexico offers such diversity, in other places it is difficult to find. You are developing several projects in social architecture. How does the interest in these projects emerges, that in many cases, may be limited for budgetary reasons or due to various circumstances that determine its scope of action? FP: These types of projects give us much. We believe in a better Mexico and of course, in a better world. I think it is a decision, all human beings must do our work directed towards a common good. JA: We realized that the most rewarding projects we did have to do with the social, giving more to the customer, group, family, society or colony. Projects that are linked to the social, not just with the city. The more restrictions we had in budgets and time, projects were better, because they test your creativity. We believe that architecture is an indispensable tool for social development of the country. Both have different interests parallel to architecture. What are they and how have influenced your work? FP: I think the more different we are at the end we have the same goal: to make a good project. We do not worry about small details discussions, we focus on the general discussion of strategy, trying to put the ego aside and reach a third solution. JA: Our interests are to strengthen dialogue. When you have a partner there will always be feedback, and in the end we always try to negotiate and decide by democratic means. www.at103.net At103 is an architectural firm created by Julio Amezcua and Francisco Pardo. With over seven years of experience, was founded with the intention to investigate and solve architectural problems in one of the largest cities in the world. Among its major projects are The Phoenix Fire House and apartment complex located in the Lisba Reform Corridor 7 (both projects awarded with the silver medal in Mexico Architecture Biennale 2008 and 2009).

“It is important to work with an architect, because they teach you in hours and days what they learned in years.” “The space left is no longer luxury but a bad design.” “We are very interested in architecture that endures and that in turn act as a tool for national development.” “Our best projects have resulted from the collaboration. We like to discuss, learn, and reach different much more complex results. “

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BY MARINA PENICHE PHOTOS COURTESY OF C CUBE ARCHITECTS

How do we achieve the balance between functionality and aesthetics? The first will be function. I mean, that things are logical and practical. There is a not a line or formula, good design itself gives that balance.

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I noticed that in many of your residential projects you utilize large windows in facades. What is the reason for using glass in this way? We want to integrate the interior with the exterior to be perceived as a single space. When we have had the opportunity to work on large lots it is important to link the architecture, interior design and nature. We live in an urban jungle full of cement, and what better to have a calming space with natural light, nice view and garden as part of your environment. We always try to project architectural plants in a way to live with the outside inside. How does light affect the spaces? What elements should be taken into account to generate adequate lighting? There are three types of lighting: indirect, which is what we like to use the most, the lighting by decorative lamps, which nicely complements indirect lighting, and direct light, with which you have to be very careful to use because it can be invasive. Lighting is very important for us because it is a basic element that generates moods. We consider it to be architectural paint, somehow it paints spaces. It must have an intention and be treated with care.

Interview with Abraham Cherem Cosmopolitan Spaces and ideas P. 118 BY MABEL TÉLLEZ PHOTOS COURTESY CHEREM SERRANO ARCHITECTS

Tell us how you got involved in architecture I was born in the architectural world since childhood, because my father is an architect, from the beginning it was part of my education. Each trip we did, anywhere we went, we were always looking for architectural elements. I remember works that struck me like the Seagram in New York, the Louvre in Paris and the Barcelona Pavilion and certainly my father’s work. As a kid playing with LEGO blocks, told everyone that I will be an architect. So now what projects have impacted you? Definitely the baths of Vals, Peter Zumthor, are ones of the most impressive I’ve seen. How would you define Cherem Architects architectural proposal? Each project is different, has different characteristics, qualities, and challenges. That’s very nice of architecture that is very diverse and changing. Usually, you have to create a style, and you always have some ideas in mind when planning, but each work has to be according to each client and situation. I do not like to marry with an idea, or have some predetermined, but rather leave it to the moment. Moreover, I’ve always liked looking for new things, experimenting with materials, taking common elements and turn them into to architecture.

How to differentiate a warm or cold space? What is the most used? There are many things that define it. Normally natural materials always give you extra warmth, the palette of warm colors and light are also crucial. Sunnier spaces and better lit give you warmth. It is a visual formula to make the space feel yours. It welcomes you visually, even if there is only one chair. The cold sensations occur in the opposite, with the metal, the indirect lighting and cold color palette, among other things. We prefer it warm, but we look for a balance. The double height and big windows can transmit coldness, however, become visually welcoming by using wood and plants.

In that regard, how is your creative process? I see the place first. Listen to the client, and after I analyze all the possibilities of the project I begin to propose and seek the best solution.

What are the challenges of the modern interior? Today the interior design is an economy that moves the world. For many years it was a bit neglected and even ignored, but the interior now has become a key player in the world. It involves many things: furniture, flooring, accessories and textiles, among others. The amount of money involved in this industry is making us participants in the global economy, as we generate jobs, money, research, etc.

How do you perceive the current architecture? I perceive it very rich, with many different and daring proposals. Increasingly, technology is helping us to question and challenge form, , though often I think a coherent and functional architecture will never go out of style.

How do you see the concept of C Cubic forefront? Vanguard is carrying out projects with a real vision of the time we live in, taking into account, at all times, the responsibilities we have to the context, society, the economy, the environment and the human spirit. What elements does Mexico need to advance on the issue of interior design? Mexican designers have to learn to work in harmony with each other. Working closely with industry, scholars, students, different disciplines and the general public, to develop a real edge to become genuinely Mexican with a vision for the future. www.ccubicaarquitectos.com

Interview with C Cúbica Architects Inner Balance

What is the value found in the simple and straight? We like architecture to age with grace and dignity. When you allow aging to follow its natural course, you achieve these qualities. We believe that clean and straight lines age with more decorum and last longer. We seek timelessness in our works, but we know that they are shaped by the time in which we live and therefore formally influenced by this. We like to think that in the future, the houses we have planned, will in some way remain current and even reflect their time, having aged honorably.

C Cube Architects was founded by Emilio Cabrero, Andrea and Marco Coello Césarman in 1990. It is an office that has worked interior and architectural residential, commercial, corporate and large scale marking the Mexican world of architecture and interior.

“We like that architecture age with grace and dignity.” “The lighting is architectural paint, the light paints the spaces.” “Today the interior is an economy that moves the world.”

Currently most architectural projects include sustainable elements, how do you insert them in each of your works? I always think of caring for our natural resources, because, are not conscious about them, we’re going to finish them very quickly. I try to save energy and water as much as possible, and I think everything that can be done smartly.

In each of your projects, how you establish the relationship between interior and exterior space? We shouldn’t consider them I think we should, but instead, think of them as a unit. A great example are the Japanese, they grow their own gardens, is a culture so rich in the aspect that they conceive space as a single thing, not as not as interior and exterior but always as a unit. Tell me a bit about how did the idea of Hotel Downtown with Grupo Habita emerged? It was a fun project and very interesting, both as clients Habita Group and the owner. Habita Group has many different projects, always trying to give innovation and specifics elements to each work they do. The project emerged when I met the owners. The same group proposed to do the project. We had worked with my father in the creation of the Distrito Capital. I think the idea was planted in the group, and that was when they proposed us as architects. We were lucky to do so. The building is a property that has its charm, and certainly was a challenge for us to mix the new with the old. Tell us a bit more about the challenges you faced when converting the Palace of the Counts of Miravalle Hotel in Downtown? The purpose was to understand a little where the building was located, its meaning, its history and program. The hostel came up as we were doing the hotel, shops, restaurants, etc..

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The first thing we did was to shape space and every thing. We were looking for something to distinguish us as Mexicans. Teach our wealth of craftsmanship, materials and sensations that we often lose. We used materials that were there, we recovered the light, shadows, shades, and made a blend of contemporary and ancient. How do you conceive in avant-garde architecture? The question is difficult to answer, because architecture and structure that defines urban life continually changes. Although, I think it depends very much on the cutting edge understanding of our local culture, the circumstances of architecture to advance without losing an identity and the creation of value in society. And in that sense, how would an avant-garde Mexico would be? Mexico would be at the forefront when we begin to understand our circumstances, our ability to react and provide solutions to the needs of the city. www.cheremarquitectos.com Cherem Abraham, along with Javier Serrano, Serrano founded Cherem Architects office, which in 2007 won the National Award for El Japonez. Their most recent projects are El Charro, La Nona and Fuga. They were also finalists in the Mexican Pavilion in Shanghai and to build the Bicentennial Arch.

“I do not think we should think about the interior and exterior space separately, but instead, think of them as a unit.” “A functional architecture is consistent and that will never go out of style.” “I’ve always liked looking for new things, experimenting with materials, taking common elements and turn them into architecture.”

Interview with Uribe Krayer Intersection of Art and Design

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BY MARINA PENICHE PHOTOS COURTESY OF URIBE KRAYER

How to reflect the life of the users in a space? For us it is very important the user, we relay our projects rely on them. People living in such space are who give you certain information to design. We interview them to get enough information to be included in the project and become part of it. This is essential to propel a design from the user, get the essence of the client and reflect it in the spaces offering a solution. Both worked in the office of Legorreta + Legorreta, he being one of the pioneers in the search for Mexican identity, how did he you influenced you? We continue to work together. We gained knowledge from Victor Legorreta and his team and of course Ricardo sorely missed. We have learned many things from his team, including how to understand the space and color. We particularly love to rescue crafts, try to locate the best pieces and present them differently. We frame the pieces highlighting their artistic and expressive worth until read as art objects. Have you noticed any changes in your work from the time when Uribe Krayer formed until today? We have been together for over twelve years, and we have seen and experienced a gradual progress. We started in the living and dining rooms of our homes. All processes and results have been refined over time. One of the aspects most noticed in this evolution and growth, is that we’ve developed processes within the firm, such as systems to manage information, how to do projects and present them to the client, giving formality and professionalism of our work. How do you define your own work? It is difficult to adapt and explain styles. The classification O T BRE • NO IEMBRE 2012

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of these components is given by its different formal, cultural, technical and structural,characteristics among others. We have a penchant for warm and inviting spaces, and we use many natural materials. We integrate art, try to collaborate with artists, designers and craftsmen to share their experience, knowledge and creativity, this in order to enrich the project. Also we propitiate the mixture. We create compounds, ie, we like to combine the furniture. For example, we have in one space leading Italian furniture and one designed by us, we never utilize all the furniture line. It is gratifying that there are elements that can only be within that specific project. The user gives a unique value and some personality. We like to have that ingredient that is so much from the user, like from us, to come together in a space. What space has greater complexity, large or small scale? Everyone has their own complexity and the challenge is how you approach it. Part of our firm’s motto is: “the character is in the details”. The scale does not dictate the complexity of the project, the aim is to respond to the needs of both the use and the space itself. The place itself asks its own scale, must be proportionate with the site. What has changed is the scale of objects and spatial configurations. Along your path have you faced several challenges? Stand out one in particular? The challenge depends on the requirements and the client. You learn from projects where you have more challenges, a difficult client or a complex space. Get involved in the private lives of the people is a constant challenge in interiors. What we propose is that each project is a tailored suit in that sense, every client and project is a different challenge. Where do you think that the Mexican interior is going? We are experiencing a wonderful moment in Mexican interior. Since we started, and before, the interior has been exposed to a multi-year process that led it to professionalize surprisingly. Now more people understand why this is a discipline by giving it a value beyond the decorative. The interior design has become the integration of many elements such as architecture, furniture and lighting, among others. It’s a whole industry. Something has been happening lately, it is the integration of Mexican industrial design to interior projects, no doubt the best projects are those that make a good team and achieve successful collaborations. www.uribekrayer.com Uribe Krayer is an interior design office and an art consultancy formed by Erica Krayer and Ofelia Uribe. Both architects by profession, have developed different scales projects nationally and internationally creating a firm that integrates design and art in their spaces. Throughout his career they have advised and designed projects such as the W Hotel in Mexico City, the Aqua Hotel in Cancun and the Four Seasons villas in Nayarit, many in collaboration with firms such as KMD Architects, Legorreta + Legorreta, Diego Villaseñor Architects and Associates, among others.

“A key part of interior design is to start from the user.” “You learn from projects where you have more challenges, a difficult client or a complex space” “The best projects are those that integrate a good team and achieve successful collaborations.”

What is the selection criteria or guidelines to choose the furniture? We are dedicated to collecting things that are new and trendy. First of all do a project that is subject to its own discourse, as in the case of Basic hotel. We review theories to make a proposal. To do this, we must review our origin in technical issues, inspiration, timelines and anthropology; these elements give much originality. It is always important to have a knowledge of what is in the shops and galleries. One designs specific things for spaces, and eventually one achieves character at work. What role does the interior designer plays when reconfiguring spaces? First, understands the needs of a client and take them to the extreme, which is not about making a bigger project, but to expand and exploit the possibilities of the place. The interior designer function is based on the understanding of the customer needs, what does he needs internally and to listen well, because if not it can lead to failure of the project. You have to listen and find new solutions and greater utilization of spaces. How do you reconcile sustainable luxury, architecture, interior design, industrial design, in one project? On one hand when we make the speech, when we approach the economic level projected, and we see how things fit, and start talking, there is a certain consistency. It has to do with the concept, the limits, which are very important, it is what we have learned. www.omelette.com.mx Héctor Galván founded Omelette his own firm in 2000, a space aesthetic experimentation where he converges architecture, food, trade and design. He has done projects like Hotel Basico, Deseo and the Hotel Condesa DF Habita Group. He has his own line of furniture called Republica. He has won the award in the Biennial of Quito and the T + L Design Awards.

“The role of the interior designer is to understand what the customer needs internally.” “You have to listen and find new solutions and a greater utilization of spaces.”

Interview with Cadaval & Solà-Morales In search of the essence

Hector Galván Interview Economics applied to design

And how do you apply it in your projects? If a customer asks for a golf course, where every season there are 80, 000 flamingos, you refuse, not because you are an ecologist, but because it’s a bit naive to make a hotel and expect the flamingos to migrate in such a short time. In those cases you have to convince him to do something else, or at this point not to do it. This kind of thinking is sustainable luxury, it is not about ecology, but about economics. So I think the economy is the relationship between human beings and nature, while ecology is the nature sought. We have to build a dialogue with it to support the possibility of an economic relationship and think how to generate more resources.

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BY MARINA PENICHE PHOTOS COURTESY OF CADAVAL AND SOLÀ-MORALES

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BY MARINA PENICHE PHOTOS COURTESY OMELETTE

How do you define sustainable luxury? It is to buy something with more room of conscience, with a foundation that is based on a very personal thing. You make designs, not because you know how to use a computer, but because you do more humanistic projects because you conceptualize and look over the history of things and customs.

The collaboration between two people of different nationalities does it make you more local or global? The two simultaneously. We have considered two local offices and therefore bicultural. As a firm we work actively in two different geographical locations but that we know very well: Mexico and Barcelona. What is the process by which they determine the formal character of a project? We developed the project from our intuition, and then later we apply a strictly functional judgment. Each project is

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approached from different points of view. We make different proposals and obtain evidence, then we evaluate the strengths of each form. We think of ways to solve problems. There is a very intuitive but assessed way, so that the form does not become a fad but a composition that responds positively to terms of lighting and sunlight, to rescue the best views and generate the best spaces. Once we find a way, we do practical work purifying and polishing to make it simple and functional. You used the term “ephemeral architecture” for your exhibits. How do the exhibits endure through time using very few resources, as they did in the draft Reporters Without Borders? Reporters Without Borders and Eyes of the World (Eyes of the World), two NGOs who asked us to participate in an exhibit. Initially we were going to make two exhibitions, one for each organization. After some time our budget was reduced by half in both exhibitions, so rather than splitting them in two, we proposed the same display system in both.In “Reporters Without Borders” we used two fabrics interwoven into the center to form an X. In The World’s Eyes the fabrics are transformed unfolding the sides to form a tunnel. This came from a personal position. When we began to see the mounting of the exhibits we noticed there was a huge waste of economic resources, energy and labor. We synthesized what it really takes to essentially to expose something, leaving us only with the most important elements, Therefore the project got stronger. What are for you the characteristics of ephemeral architecture? What matters is the user experience and secondly economize on resources so that it does not become an ecological “drama” green. In the ephemeral architecture you have very specific conditions. The ephemeral can give you a very different experience of what is permanent, the user must remember their experience. Applied Materials may be ephemeral. For example, paper is a material that has a very short lifetime, you can not do anything permanent with him, but for our purpose of making temporary is a perfect material because it is recyclable, creates texture, softness and lightness. Where does your language purist orthogonal comes from? From a logical and constructive pragmatism. From understanding the processes and building systems to become part of the architectural proposal, is essential to reduce the margin of error in a play. From a poetic point of view, their houses look like brushstrokes in the landscape, which speaks of integration. What are the elements that you take care not to break the silence of the environment? It has to do with some maturity in our work. From understanding that the architect does not always have to shout. It’s not a competition, the architecture does not have to win over the scandal, but should be integration. We have been fortunate to build amazing places. You should intervene the place in favor of the project’s context and justifiable elements. Something that defines your work is the search for the essence of the projects. Is this a visual discourse that you handle as a common denominator of your work or rather is somewhat surprising that emerged in the way? We believe it is something that we are constantly searching for and each work reveals in different ways. All projects are different, but all designs are looking for its essence and embrace the simplicity that represents them. We would like to think that we do not have a unique aesthetic style, however we would love to get to a point in our trajectory where we can turn around and see that our work reflects certain austerity and a search for the essence of things. www.ca-so.com Eduardo Cadaval (Mexico) and Clara Solà-Morales (Spain) founded his office in New York in 2003. Since then, the firm has developed projects mainly in Barcelona, Mexico and the United States. They have won international awards including Bauwelt in Munich,

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Young Architects College of Architects of Catalonia in Barcelona, Design Vanguard Award in New York and the silver medal of the XI Biennial of Mexican Architecture.

“The processes and building systems must become part of the architectural proposal.” “Once you understand the building systems, explode them.” “Our work reflects certain austerity and the constant search for the essence of things.”

Interview with Alessio Alessi Everyday objects with an artistic approach P. 140 BY MABEL TÉLLEZ IMAGES ALESSI

ALESSI HAS positioned itself as one of the most prominent Italian brands and in the world, through the creation and distribution of modern design objects. The first Alessi Store was recently opened in Mexico and in Latin America, located inside the new Promenade Mall Interlomas. Glocal interviewed Alessio Alessi, Alessi CEO, who talked to us about the brand’s collaborations with renowned designers and architects and the incursion of Alessi products in the Mexican market. How has Alessi evolved since its beginnings in 1921? The company started in 1921 with my grandfather and some craftsmen. After WWII, Alessi became a mass production company and one of the companies with highest quality in stainless steel products for the kitchen. In the mid1970s webbegan to partner with creative minds, architects and designers, who until today continue to give their support and work with Alessi. The brand’s uniqueness is: high quality products that have an element of creativity from a variety of designers. What elements does Alessi utilize to give an innovative character to everyday products? The ingredient is the design, it is what gives life to the product and the aesthetic that communicates with people who buy them. Alessi searches functionality, but also adds poetry and art to everyday objects. Normally art and poetry are found in artistic expressions such as music and painting, but also the design can provide this artistic feature in objects we use daily. What are the guidelines or criteria for choosing a particular designer or architect? There are several ways. One is working with renowned designers, people who already know how they work and who have collaborated with us. Moreover, we work with opinion leaders, we ask for their suggestions. We also collaborate with universities and design schools were we discover new talent. Is the design free or does it have specific requests for each collaboration? It is a combination of both. We try to respect, as much as possible, the selection and work of the designer, but also we provide guidance and suggestions on what you can produce and what they cannot release. Always respecting individual expression of each. During this collaborative process, does the artist selected provides advances, or you only see the final result? The designer gives the idea, then we make an assessment, mostly by my brother Alberto Alessi and his house team, who make an assessment of the costs, conduct tests, and based on the results, determines whether the idea will be accepted by the public. It is a combination of many factors, economic, production, marketing and the designer’s creative participation.

On the recent opening of the store in Paseo de Interlomas, what do you expect from the Mexican market? What are your marketing strategies to approach people unfamiliar to Alessi designs? The Alessi market process works thanks to the recommendation of people who loves design. The store is one more step to get closer to those people who can find the Alessi collection. Of course, we want to be a meeting point for people close to the design, but we also want to create an adventure for those who are not. I think the store in Mexico, the only one in Latin America, has great potential to show the brand’s products, so our expectations are very high. It was necessary to invest in the store, it was a natural step to relaunch the brand and reach new audiences. Will there be even more future collaborations with designers? We consider ourselves a laboratory-research workshop of new products, which is always looking for the development of advanced designs. Each year, we launch about eighty or more products, these take a period of two years before being marketed. What can we expect from Alessi in the future? To find better design every time. To increase and have a wide variety of products. We have focused in the kitchen but we would like to cover other areas. www.alessi.com

Interview with Claudio Luti of Kartell In constant renewal

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BY GRETA ARCILA PHOTOS COURTESY KARTELL

How is it that Kartell accomplished to have such an important media presence? Virtually you are found in every magazine and design blogs. The producers, designers, everyone in the company each year prepares to present, every April in Milan, all our innovations and collaborations that is how we achieve to open more stores. It is hard work, but as we are present in more than 20 countries, every year whatever we present is well known and disseminated very fast. Now we can be in constant communication, we like that you can find the same products anywhere in the world. You can be in Mexico, Milan, New York and Tokyo and you will always find a group of people that are the same, bearing the same quality of life, belong to the same society, and of course, you can find the same design on all sides. Today it is very important to check the brand, and although Kartell is already developed, there is a need to continue furthering it so that it does not become obsolete. How do they remain the market leaders in innovation for nearly 50 years? I try to trust me and follow my instincts. First of all we work on product innovation every day. We collaborate with great designers who can work with me continuously. We convened meetings to review progress and progress of each project. Furthermore, the distribution is one of the most important things, the selection of storage, stores and their locations have to be very careful. The key is to be smart enough to see the possibilities offered by this world and not the competition problems. The most important investment should be in the design. How do you select the talent that will work for you? First we run work and ideas of products, materials and technology. I like to explore these ideas, see the work of other designers, understand and evaluate who can be the one to develop and make a difference in the designs. In this way we work together and try to create a team. They need lots of energy to understand and absorb my ability and I then www.glocal.mx


let their creativity flow. Usually I look for designers who put things on the table generously using their full potential and who take up to the last minute to see the proposals and talk with each other about their creativity. We use creativity from everywhere, not just Italian, since the design is oriented to the world, is global. All that we take is the company’s strategy, innovation and quality. So we create objects that can be identified directly with people that give a sense to the user. Walking the hallways of Salone Internazionales del Mobile we know that there is much to discuss. How do you analyze what is happening, how do you read the trends? I’m focused on Kartell . What is presented in Milan is too much to see. I focus on what I’m doing and what I came to do. I have to be careful with my designers and brand. I do not want to be around to be influenced by what I see. Kartell is on the market and I have to stay in the stand. In life you must be churchgoer, not a man of fiction. You stick to your home, to give material, work, style and innovation, in our best. When you approach designers like Patricia Urquiola and Tokujin Yoshioka, asking them to work together for another year or Milan, what are the ideas that are used in the table? We handle completely different ideas. First of all we must understand their creative side, what you want to convey, what their concepts are and how to read Kartell. We have to think of new materials, technology and function. Eventually you create a relationship and I show them how Kartell is and what we require of them. Then we meet to discuss the designs and get started. When you produce something, we have to combine the two parts, the company and designers. I try to take the best from both sides. If we are convinced of developing a product, we invest in the molds, otherwise, we return to the concepts and propose new ideas. For example, Patricia made the sofa collection and proposed something different, to be oriented more towards the residential. One of the new collaborators is Eugeni Quitllet who has been an architect for 10 years, I trusted him and we finally started working together with an outdoor collection. What will we see next year? I would like to present a different approach to the same company, because for me what really stands out are the projects in the stand. Show that the same products can be used and perceived in different ways, and that they fit in the context which they are, whether in a home, office or even in a store. The products are adapted to different scenarios and complement each other in a different way. www.kartell.it

Bent Experiences

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BY MARINA PENICHE PHOTOS COURTESY OF ROYAL RAI

THE AESTHETIC principle of origami has its origin in the Japanese culture. With the introduction of the art of paper manufacturing in Japan in 610, whose production was limited to China, appears origami paper folding and experimentation. In Japanese culture, the motivation to fold paper in all kinds of shapes had a ceremonial significance, but it was not until the late nineteenth century that it became an art. Petra Storrs, a British firm which projects include: art direction, costumes, style and set design, music videos, films and shorts, got their inspiration from the origami ancient tradition to create paper garments for a Sublime Magazine fashion session. These unique creations evoke the essence of the craft. They articulate art and science from the geometric study of bending numerous patterns. In the same sense the combination of angles and straight lines generate a variety of complex shapes with interesting internal structure. The paper suits, comprised of sculptural designs, volumes, polyhedral and folds, capture the movement in a static sense. O T BRE • NO IEMBRE 2012

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Through esthetic search and methodological application of geometrics Petra Storrs designs reveal a world compound with strange optical effects, illusions and intensity. www.petrastorrs.com

Jason Middlebrook Abstraction and Nature

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BY MARCO ANTONIO SILVA BARON PHOTOS COURTESY OF GALLERY DODGE

BORN IN 1966 in Jackson, Michigan, Master of Fine Arts graduated from the San Francisco Art Institute, Middlebrook has conducted over thirty solos exhibits in Europe and North America. He is an artist who mixes worlds in apparent collision: the world of natural forms, and artistic abstraction. The sculpture is waste sensibly built. His recent work constitutes a meditation on abstraction, in which he chooses to release its work from narrative so that they could consist of natural contours, enhanced by applying paint, to dominate the attention of the viewer.

ests in art, sculpture, painting, location and environment. The pictorial lines sometimes attempt to I impose my will on the form, but in such but in the same way they have to preserve what the tree itself has made over time. I see possibilities inexhaustible within this theme which fills me of joy and confidence as a creator. You’ve done enough work for specific locations. What is your favorite of and why? I am proud of the piece I did for the Museum of Contemporary Art in Chicago, and of my recent commission for the subway in Brooklyn, New York. Both projects deal with its specific space and take into consideration both the scale and the viewer. I worked really hard before starting production. I took into consideration the audience, place and history. Both pieces refer to the each place environment and the effect on our lives.

Nature, design and architecture cover his work. What is the starting point for it, a pattern in nature, the materials shape, or is there some preconceived idea that later materializes? The starting point, in nine out of ten times, is the location. Even if it is a paint on a wall, the location plays a role in my job most days. My inspiration to work is the location in its self, since it lays the foundation and sets the rules for what is created. Without the location I lose the starting point. I believe in what I call the three Cs: The location is the “context” of my practice, and other two are “context” and “composition”. You have used or discarded materials regenerated to build sculptures and facilities, is there a symbolic connection between its previous status as a raw subject and artistic meaning you give them now? I love the idea of the second act, the materials had a first life and by changing their context, I try to give them a second life. Often the materials are classified as waste which connotes a negative meaning in an urban environment, just as the as the word “weed” in a garden. For me, “waste” suggests hope and promise. If the materials are regenerated properly and treated with care, they can be reborn to a new life: a life of the art object, or better yet, in “art”. Certainly make the viewer reflect or be aware of the materials and abundance of them in daily life. Are you worried that your work can be seen as political >> or <<environmental policy? For a while I was concerned that my work was seen as a form of activism. Often I will explain the viewers that I had no answers or solutions on the environment. I feel that the work I am occasionally interested is doing a part of a dialogue with the “green” movement. Many artists are doing and have done it in recent years. There is an abundance of waste and consumption in our communities. To ask questions or point out human waste is sometimes more interesting than to design and create solutions. I have always been interested in the residual aspect of humanity and its ability to recover, to be damaged or altered. Corporations and the authors of public policy are responsible to reduce our footprint on the planet. An artist may signal abuse, human abuse. I find fascinating the way you combine abstraction with organic forms of Wood logs in your 2011 exhibition in the Dodge Gallery. For you, how the abstraction fit in the natural world, or more specifically with wood? I’ve always been interested in the formal aspect of abstraction. My first paintings in college were abstract. De Kooning was my hero. Logs are organic forms compressed over time. I find the forms and time compressed that you see in the granules compressed within them very inspiring. Lines and the abstract painting should complement the granule and the individual forms. For me, this series unite all my inter-

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croquis

“Es el primer museo que proyectamos. Es un foro donde niños y adultos van a aprender. La idea de “enterrar” el museo fue algo que los retó y les resultó interesante. Lo hicimos por varias razones. Primeramente había que construir algo nuevo. Por otro lado, Monterrey tiene un clima muy extremo, y el museo, al estar enterrado, puede controlar un poco más el calor. Por último, la idea de enrejar el lugar no me interesaba. Me parece que el parque debe de tener estos flujos naturales que ya existen hoy en día y que no deberían de ser interrumpidos. Además, nos permitía llevar a otra dimensión el Parque Fundidora y triplicar el terreno. De pronto, todo el jardín que nos habían donado lo pudimos aprovechar para crear el primer jardín botánico en Monterrey, que queda dentro de la infraestructura del parque”. Iñaki Echeverría sobre el Museo Papalote Verde en Monterrey

*El croquis forma parte de la Exposición “Croquis en el MAM” organizada por Design Week México

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notas


objeto glocal

Remplazando formalidad por comodidad Marina Peniche Foto cortesía de Coalesse

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U

na vez más Patricia Urquiola idea un diseño que se adapta a las necesidades actuales de trabajo. Ante las nuevas preferencias de trabajar desde casa o en ambientes relajados e informales, la diseñadora española elaboró para Coalesse, una de las marcas líderes en mobiliario, el asiento lounge “Hosu”. Con la finalidad de articular el trabajo y la comodidad de la casa, el mueble cuenta con dos posturas diferentes, desplegándose de un sencillo asiento a una cómoda tumbona. Fabricado con tela texturizada Hexa, este mobiliario cuenta con bolsillos laterales que permiten guardar cuadernos, lap tops, tablets , folders o cualquier otra herramienta de trabajo. Asimismo tiene la opción de colocar un cable conector a través de la tapicería del asiento dándole mayor flexibilidad al diseño y haciéndolo portátil. En respuesta a una necesidad de diseño del mercado actual, el asiento integra el estilo de vida cotidiano con las nuevas formas de trabajo. www.coalesse.com

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GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 11 Portada por / Cover by: RONAN & ERWAN BOUROULLEC