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7 503001 190785

19 $90.00 MX

PORTADA POR IÑAKI ECHEVERRÍA TENDENCIAS 2014 | ESPECIAL COLOR | RETAIL & POP-UP


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KOHLER se enorgullece de ser el promotor de la música en la ducha. La primera en su clase, regadera + bocina inalámbrica Moxie® le permite cantar a toda voz mientras se baña e incluso una vez que terminó.

kohler.mx © 2013 Kohler Co.


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this must be the place AZÚCAR

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Directora General

FOTOGRAFÍA

Editora en Jefe

Carlos Madrid

Greta Arcila

Juvencio Bermúdez

greta.arcila@glocal.mx

Sófocles Hernández

Coordinación Editorial

Consejo editorial

Itayedzin Aragón

Presidencia

itayedzin@glocal.mx

Gina Diez Barroso

CORRECCIón de estilo

Consejeros honorarios

Janine Porras

Arturo Aispuro Coronel Miguel Ángel Aragonés

Asistente de Dirección

Jorge Arditti

Verónica Del Pozo

Arturo Arditti

veronica@glocal.mx

Juan Carlos Baumgartner Fernando Camacho

Becaria

Carmen Cordera

Karla Rodríguez

Héctor Esrawe

karla@glocal.mx

Rodrigo Fernández Jorge Gamboa de Buen

Diseño

Juan Manuel Lemus

Cítrico Gráfico

Beata Nowicka Carlos Pascal

Traducción

Gerard Pascal

David Ravaux

Ariel Rojo Fernando Rovzar

DIRECTORA DE VENTAS

Sagrario Saraid

Y ESTRATEGIA DIGITAL Adriana Rodríguez G.

Contabilidad

adriana@glocal.mx

Víctor Villareal Arturo Xochipa

VENTAS Eduardo Rodríguez

Contacto

eduardo@glocal.mx

www.glocal.mx info@glocal.mx

Colaboradores

Manchester 13, piso 1,

Alejandro Cabrera

Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc,

José Luis González Cabrero

México, D.F.

Luis Mercado Rojo

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Juan Carlos Baumgartner

Portada Iñaki Echeverría. Composición José Luis Rangel O.

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Febrero-Marzo 2014. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Pernas y Cia. Editores y Distribuidores, Poniente 134 No. 650, Col. Ind. Vallejo, Delegación Azcapotzalco, 02300 México, D.F., Tel. 5587-4455. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

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editorial

U

n proyecto editorial como el nuestro tiene muchos pros y también, como en cualquier proyecto creativo, en ocasiones los contras nos hacen pensar que quizá estamos en el camino equivocado. Sin embargo, eso lo vemos como un reto. Levantarse, re-pensar, re-evaluar, re-escribir, re-inventarse, eso es lo que nos mantiene a pulso y nos obliga a salir e investigar qué sucede en nuestro ámbito creativo con el único fin de aprender más cada día y ofrecer un proyecto de calidad. En nuestra nueva edición dedicada al color y al retail quisimos presentar proyectos que utilizaran color como elemento importante pero no como el gestor de las ideas. Finalmente, una de las tendencias que más hemos visto en los últimos años es el uso del color en el mobiliario o en los objetos. Presentamos proyectos que son totalmente 360° ya que la arquitectura no sería lo mismo sin un buen trabajo de interiorismo, y éste no sería lo mismo sin un diseño de mobiliario capaz de sostener el contenido de la obra con su sola presencia. Para nuestra portada platicamos con Iñaki Echeverría, arquitecto que apuesta por llevar materiales al límite con el fin de encontrar una solución diferente a problemas o soluciones ya probadas en la arquitectura como la conocemos. Echeverría se muestra como una persona que siempre está en constante investigación y búsqueda para que a través de su trabajo —el cual no concibe sin un equipo multidisciplinario—, veamos, vivamos y experimentemos nuevos discursos. Su interés por crear un lazo estrecho con disciplinas como la gastronomía, la física, la química, las artes plásticas, entre muchas otras, hacen de él un hombre con una visión atípica y nada práctica, pero sin duda esa es una de sus fortalezas pues en su despacho nunca existe un momento de paz mental, al contrario, su espacio está lleno de maquetas, libros, apuntes, arte y un sinfín de objetos que nos hablan de un profesional nada ordinario. Los invitamos a escuchar y a ver su entrevista a través del código QR en portada y en las páginas dedicadas a presentar sus proyectos. Disfrútenla tanto como nosotros. Bienvenidos a nuestra edición 19.

Greta Arcila

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CONTENIDO Editorial Trazos

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ciudad

Col u mn a

Anteproyecto Merced José Muñoz Villers y Carlos Marín México

c a s a

014

g lo c a l

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De Manet a Ives...el camino del color en el diseño Luis Mercado Rojo 10 Tendencias para el 2014 Juan Carlos Baumgartner

036 039

ENFOQUE Iñaki Echeverría Mexico

042

D i se ñ o + em p res a All City Canvas + Herman Miller + Impact Hub México

028

no v el Rodrigo Noriega México

David Derksen Reino Unido

030 031

NÚMEROS Silla Sedia1 Enzo Mari

106 Croquis Traducciones 107 OBJETO GLOCAL 112 8

Qela UXUS Qatar

052 054

Penhaligon's Christopher Jenner Reino Unido

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Placebo Pharmacy Klab Architecture Grecia

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TEXTILES We can´t go home again Didier Faustino Francia

R E T AI L & p o p - u p

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arquitectura y diseño de interiores textil y moda industrial, mobiliario y objeto multidisciplinario

Level Shoe District SHED Architecture & Design Emiratos Árabes Unidos Burma Boutique Atelier du Pont Francia

Electra House Lee Broom Reino Unido Camper Granada A-cero España Casa Condesa Arturo Ely México

058 060

062 064 066

Pakta Restaurant El Equipo Creativo España

École Maternelle Pajol Oliver Palatre Architectes Francia Bluetrain Restaurant Studio Equator Australia Digital Museum Claudiu Ionescu Rumania

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Cisco Offices Studio O+A EUA

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072 073 0 74

Google Madrid Jump Studios España

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Institución Financiera Space México

088 092 096

Ergolding Secondary School Behnisch Architekten Alemania

COLOR El color en el diseño e interiorismo Sölvesborg Bridge Ljusarkitektur Suecia

068 070

Vienna University CRAB Studio Australia

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Socio-Cultural Center Mulhouse Paul Le Quernec Francia

R E S ID E N CIA L Casa Los Cabos Gloria Cortina Estudio México Bloomberg Jump Studios Reino Unido (Re)Mix Club Beijing Dariel Studio China

100

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trazos

AMAZON NBBJ | Seattle, EUA | 2013

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omo parte de los trabajos para revitalizar el área Denny Triangle de Seattle, la firma NBBJ proyectó los nuevos espacios corporativos para el minorista virtual con mayor importancia en el mundo, Amazon.com El proyecto abarca aproximadamente 3,3 millones de pies cuadrados distribuidos en tres manzanas, entre ellas habrá tres torres de 28 pisos para oficinas, más un par de edificios de menor altura y un centro de convenciones con capacidad para 1,800 personas. El equipo de arquitectos busca construir un espacio con fuertes principios de diseño urbano, con especial énfasis en la actividad peatonal para reflejar la identidad de Amazon. El plan arquitectónico incluye un parque público, ciclopista de doble sentido y un sistema de muros que se extienden hacia las torres para crear pantallas. En las fachadas se pretende crear una dinámica barrial de uso mixto. La primera etapa del proyecto está avanzando y se prevé que quedará terminado a finales de 2015. www.nbbj.com

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DANISH NATIONAL MARITIME MUSEUM Bjarke Ingels Group | Dinamarca. | 2013

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ogrando espacios escultóricos y de interés cultural, la peculiaridad de este proyecto es su construcción, pues ésta se desarrolló debajo de la tierra, aproximadamente 7 m por debajo del suelo. Bjarke Ingels y David Zahle, en conjunto con todo su equipo de trabajo, lograron conectar los espacios de exposición con los salones de actos, la sala de clase, las oficinas y la cafetería; el auditorio del museo es el que sirve como un puente que enlaza el adyacente Patio de Cultura con el Casillo de Kronborg, dicha estructura en forma de zig-zag lleva a los usuarios a la entrada principal. La inclinación del puente ofrece a los visitantes la oportunidad de ver los majestuosos alrededores por encima del suelo, así como también por debajo de éste. Las paredes del muelle, después de estar 60 años en abandono, ahora cuentan con las galerías dispuestas en un bucle continuo alrededor de los muros de dique seco, logrando así, una zona abierta en la que los visitantes experimentan la escala de la construcción naval. www.big.dk

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trazos

latitud 19 Arquitectura en Movimiento | Veracruz, México | 2013

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ituado a las orillas del Golfo de México en el km 2.5 de la costera veracruzana, el estudio mexicano Arquitectura en Movimiento lleva a cabo Latitud 19, un centro comercial diseñado bajo el parámetro de un rompeolas. El uso de plazas en las que se generan actividades al aire libre son comunes en Veracruz, por ello, este proyecto trae consigo un conjunto de espacios tanto interiores como exteriores inspirados en la forma de la escollera —obra hecha de bloques de cemento u hormigón en el fondo del agua para formar una defensa contra el oleaje del mar—, en un terreno de 15,854.23 m2 y áreas rentables de 20,000 m2 aproximadamente. El estacionamiento subterráneo de dos plataformas en diferente nivel permite la apreciación del paisaje, a través de las plazas abiertas y los locales comerciales gracias a las losas-tapa. Los recorridos peatonales se ven beneficiados gracias a las escolleras, las cuales proyectan sombra aminorando las altas temperaturas de la región y beneficiando las corrientes de aire. www.arqmov.com

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P ER N A M B U C O

A R E N A Fernandes Arquitetos Associados | Recife, Brasil | 2013

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on una capacidad para 46,000 aficionados, la Arena Pernambuco se proyectó en el área metropolitana de Recife y albergará un punto importante de intercambio socioeconómico y cultural para la zona. El objetivo conceptual fue crear un espacio cómodo para los usuarios y ofrecer una experiencia única para los apasionados del futbol y sus jugadores. Al ser un espacio de usos múltiples —ya que puede albergar distintos tipos de espectáculos como conciertos, festivales, congresos, ferias y por supuesto, eventos deportivos— la Arena también es referencia en materia de sustentabilidad, con sistemas que promueven el uso de iluminación y ventilación natural, además de ahorro y reutilización de agua. El diseño preserva las características naturales de los alrededores y se integra al ecosistema de la zona, al generar menor impacto visual con una forma sencilla, de fácil lectura y que despierta la curiosidad de los peatones. La firma buscó un volumen que pareciera haber germinado de la tierra, a través de una transición inclinada y suave, que se extiende mezclando el inmueble con el suelo, volviendo a la Arena Pernambuco parte de la topografía local. www.fernandes.arq.br

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ciudad

ANTEPROYECTO MERCED JOSÉ MUÑOZ VILLERS Y CARLOS MARÍN Texto Redacción Imágenes cortesía de José Villers

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evalorizar el espacio público como elemento articulador de actividades sociales, comerciales y culturales forma parte del eje central del proyecto Plan Maestro de la Merced, donde el objetivo es detonar el proceso de reconstrucción del tejido social, reconectar con barrios contiguos y mejorar la imagen, movilidad, seguridad, funcionamiento y habitabilidad de la zona. Durante el año pasado, el Gobierno del Distrito Federal y el Consejo Consultivo para el Rescate Integral de la Merced a través de la Secretaría de Desarrollo Económico, con el apoyo técnico del Colegio de Arquitectos de la Ciudad de México A.C. y la Sociedad de Arquitectos Mexicanos A.C., convocaron al Concurso del Anteproyecto conceptual para el Plan Maestro de la Merced. El proyecto triunfador fue el del equipo coordinado por Carlos Marín y José Muñoz Villers, en el que además participaron los urbanistas Víctor Hugo Hofmann y Emma Morales, el diseñador industrial Ariel Rojo, el paisajista Hugo Sánchez y los arquitectos Juan José Zárate y Edith Gutiérrez. El ganador fue seleccionado de entre 100 anteproyectos y se destacó por sus estrategias emplazadas a corto, mediano y largo plazo, que tienen como intención revitalizar la zona de La Merced a partir de revalorar el espacio público y sus mercados. El jurado estuvo integrado por el maestro Gabriel Mérigo Basurto —presidente del jurado—, Bernardo Gómez-Pimienta, Desireé Martínez, Luis Wertman, Joaquín Álvarez Ordóñez, Gabriela Alarcón y Martha Schteingart, entre otros. Los principios del anteproyecto conceptual debían incluir un modelo sustentable, el rescate de mercados públicos como medios de revitalización urbana, detonar y fortalecer los valores de la zona (comerciales, sociales,

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históricos y culturales), habilitar y hacer más eficientes la movilidad, la accesibilidad y la conectividad respecto a otros sectores, reordenar la estructura urbana y explotar su potencial de desarrollo. La propuesta está organizada a partir de la construcción de una nueva plaza pública en el corazón de La Merced y una red de andadores peatonales que promuevan las actividades sociales, recreativas y culturales del barrio. Entre las principales estrategias del proyecto se encuentran: la creación de una identidad arquitectónica en los mercados no catalogados; la revalorización del patrimonio edificado a partir de la peatonalización de calles, y la recuperación de plazas y atrios. Se pretende potenciar el desarrollo comercial de la zona a partir de la creación de espacios como el Centro Nacional Gastronómico, el Centro de Transferencia Multimodal (Cetram), e incrementar el número de espacios comerciales. La propuesta también incluye una estrategia de ordenamiento urbano donde se intervendrán inmuebles y predios en condiciones de deterioro, también un programa de arborización para dar identidad y dirigir el flujo peatonal, enmarcar vistas o mitigarlas. Asimismo se plantea la posibilidad de incorporar huertos urbanos. Aunado a esto existe un programa de mobiliario urbano que generará una vista integral de los espacios públicos. Como parte de la enseñanza histórica, se propone la colocación de hidrantes que sirvan para controlar incendios rápidamente, pues el ocurrido en 2012 consumió casi una tercera parte de la nave mayor de La Merced. www.lab07.mx www.munoz-villers.com


EXTERIOR PROJECTS HENSE

Texto Redacción Fotografía cortesía hense

A

lex Brewer, mejor conocido como hense, es un artista estadounidense que se caracteriza por su trabajo, inicialmente con grafiti, en el que incorpora línea, forma y gesto, dando como resultado la creación de composiciones abstractas que generan un ritmo rápido por las calles de la ciudad; calles no sólo de Atlanta, de donde es originario, sino también de otras ciudades, que han sido escenario del trabajo de hense, el que surge a partir del interés por crear relación entre elementos, formas, colores y la manera en que interactúan entre sí. Los muros son el medio por el cual este artista comparte con la sociedad su talento. Para intervenir un inmueble, una pared, para iniciar un proyecto, lo principal es pensar en el contexto y el lugar donde se realizará la obra y le da importancia al medio ambiente y la arquitectura que lo rodea, así como la experiencia que podrá vivir el espectador. Refiriéndonos a una pintura en lienzo o madera, el pensamiento de hense cambia sólo un poco, pues el contexto del lugar de apreciación por parte del espectador es muy distinto al de una obra en alguna barda.

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casa glocal

E

n esta edición de Casa Glocal, decidimos relajarnos y entregarles dos propuestas para salas de estar, mismas que algunas veces funcionan como habitaciones de entretenimiento, diálogo familiar e incluso estudio. Se dice que lo cosmopolita corresponde a un orden universal, que trasciende de las divisiones geopolíticas. En diseño podemos ignorar tales límites fácilmente al adquirir diseño italiano en una tienda mexicana o viceversa, es posible combinar estilos y colores de manera despreocupada, ya que al final lo único que debe preocuparnos es corresponder a nuestro gusto y conseguir armonía en los espacios que habitamos.

1. Sofás Ro y Favn, por Jaime Hayón para Fritz Hansen 2. Revistero Crossdock, por Dick van Hoff para Functionals 3. Perchero Wing, por Lievore Altherr Molina para Arper 4. Credenza Secretos, por Laura Noriega 5. Matrioshka, por Sasa Mitrovic para Creative Space Serbia

COSMOPOLITA 1

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L

as características estéticas de una habitación tienen que ver con la relación espacio-usuario, además de las formas, colores, texturas y acabados. Cuando hablamos de diseño recreativo nos referimos a los objetos que nos permiten recibir entretenimiento, momentos divertidos para distraernos de la vida laboral. El simple hecho de vivir un espacio puede aportarnos sensaciones frescas en el cuerpo y la mente. Los colores vibrantes son un gran recurso para reanimar nuestros sentidos, patrones divertidos, sonidos agradables y objetos de uso alternativo, con características juguetonas y funciones poco convencionales son la mejor opción. 1. Colección Loving Living System de Lube 2. Calendario Round &Round, por David Weatherhead 3. Silla Bauchair por Gianni Rossi + Selab 4. 4. Asiento Bééth, por Alessandro Zambelli 5. Mesa À la carte, por BBMDS para Seletti 6. Sofá Merge, por Nemschoff para Herman Miller

RECREATIVO 1

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casa glocal

B AĂ‘ O S

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E

l eclecticismo es una corriente filosófica que se caracteriza por escoger ideas de diferentes orígenes pero que pueden ser compatibles entre sí. Aplicando este principio en decoración podemos obtener combinaciones fabulosas. Mezclar texturas, acabados o materiales de forma coherente en un espacio da como resultado un conjunto de estilo único. Podemos enriquecer la habitación del baño poco a poco, tomar lo que nos guste de alguna marca y combinarla con accesorios de otra, la idea es que se complementen.

E C L É C T IC O 1

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1. Colección Byte 2.0 ver.5 de Mastella 2. Llave mezcladora de la Serie Giro para Niken de Porcelanosa 3. Lámpara para incienso, por Henriette Melchiorsen para Menu 4. Colección para ducha Axor Stark, por Philippe Stark para Hansgrohe 5. Lámpara de techo Fairy, por Manuel Vivian para AXO Light


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Superficies de Cocina y Baño Cada elemento que nos rodea contribuye a construir nuestra realidad. Esa es la existencia auténtica, la que define quién eres. Silestone® te permite vivir tu cocina o baño con un sentido de autoexpresión. La única cubierta de cuarzo con protección bacteriostática, disponible en diferentes y exclusivas texturas.

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“Amo la arquitectura de autor y la moda de pasarela, pero lo auténtico está en las casas que habitamos, en la ropa que vestimos las personas reales. Eso es lo que cuento en mi blog. Eso es Authentic Life.” Macarena Gea (Blogger - Arquitecta)

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casa glocal

C O CI N A S

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n música, el minimal es un concepto de composición, donde los sonidos son llevados a su mínima, pero esencial expresión. Todas las ideas pueden ser llevadas a otro plano, en este caso ambiental. Los objetos pueden expresar su esencia a través de líneas suaves, colores absolutos y acabados naturales. La cocina es una habitación llena de cargas visuales, para contrarrestarlo podemos equiparla con los objetos que llamen nuestra atención en viajes, tiendas e incluso hechos por nosotros mismos con materiales y geometrías sencillas.

MINIMAL 1

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1. Instalación Ikea 2. Organizador Gamma de Arclinea 3. Vasos Storage Stone, por Norm para Menu 4. Vasija Terracota, por Benjamin Hubert para Scandinavian Design 5. Destapador de la serie Wine&Bar, por Aurelien Barbry para Normann Copenhagen 6. Sacacorchos de la serie Wine&Bar, por Aurelien Barbry para Normann Copenhagen 7. Jarra Pour, por Felix de Pass para Established & Sons


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diseño + empresa

ALL CITY CANVAS GLOBAL SERIES I M P A C T H U B D F | H ER M A N M ILLER COL ABORACIÓN ARTÍSTICA DE ALTO IMPACTO

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En diciembre del año pasado Augustine Kofie, artista californiano, intervino un muro adyacente a las instalaciones recién inauguradas de Impact Hub DF equipadas con apoyo de Herman Miller, marca especializada en mobiliario y organización corporativa.

Texto Redacción | Fotografía cortesía Arto

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ll City Canvas en su edición Global Series (accgs) realiza intervenciones públicas, faceta independiente de su producción de festivales, y trabaja con un artista a la vez para permitir una interacción personalizada y llegar a diferentes ciudades en un mismo año. El trabajo que realizó Augustine fue el tercero de 2013, y con su sello característico de geometrías y formas constructivas contemporáneas intervino un muro, en colaboración con el programa Herman Miller Cares, impulsados por el deseo de crear atmosferas de arte y diseño en espacios públicos. Herman Miller cuenta con presencia en México desde hace más de 20 años. Fundada en 1923 en Holland, Michigan, se ha dedicado a diseñar soluciones basadas en el estudio y la investigación con el objetivo de crear diseños y tecnologías innovadoras, además de proveer de servicios estratégicos para organizaciones ya sea corporativas, educativas, de salud y vivienda. Augustine Kofie, por su parte, se inspira en bloques de formas básicas y el mundo geométrico; su obra se identifica por la representación de una estética retro-futurista en la que combina los colores y las formas abstractas. Kofie juega con la forma, la línea, el balance y la profundidad

en sus murales, incluye ilustraciones y composiciones creando perspectivas dinámicas. Gracias al conocimiento heredado por su madre — ­ egresada en arte por la ucla (University of California, Los Angeles)— el color, la perspectiva y la composición se vierten en la elaboración de su graffiti, técnica callejera que le ha dado reconocimiento como artista urbano. All City Canvas es una plataforma que reúne a artistas urbanos, diseñadores e ilustradores a nivel mundial para producir colaboraciones de impacto social y cultural. Su inspiración surge del movimiento muralista mexicano. Nació en 2012 con la producción del primer festival de arte urbano en México, el cual fue catalogado como uno de los mejores del año en el mundo. Este 2014 la Fundación Herman Miller trabajó de la mano con Impact HUB, una comunidad colaborativa de emprendedores que funciona globalmente y que promueve ambientes profesionales inspiradores. Su objetivo es generar conectividad en casi 40 ciudades del mundo. www.allcitycanvas.com www.hermanmiller.com.mx www.impacthubdf.net 29


novel nacional

RODRIGO NORIEGA DISEÑO Y CAPACIDAD DE ASOMBRO Texto Itayedzin Aragón Fotografía Rodrigo Noriega

Para resolver un problema de manera innovadora se deben buscar nuevas estrategias en el proceso de solución; Rodrigo Noriega, joven diseñador industrial, considera que la curiosidad es lo más valioso para hacer diseño y esa ha sido su inspiración. Adicción y sustracción para Anfora

R

odrigo es originario de la Ciudad de México y su curiosidad lo llevó a estudiar Diseño de Mobiliario y de Producto en CENTRO de Diseño, Cine y Televisión. Él disfruta hacer experimentación con nuevos materiales y aplicarlos a objetos de uso cotidiano. Ha obtenido premios como el Perrier Art Contest 2011 elección del jurado, organizado por Zona MACO; además del concurso “Diseña una silla”, creado por Moda in Casa, siendo finalista y primer lugar. Participó en Zona MACO 2012 con la galería Xuh-Ta, de cuya colección destaca la mesa inspirada en el metate, que consiste en una superficie de pino con incrustación de piedra volcánica sostenida por tres patas. Además la colección Hecho en México fue presentada durante la inauguración del Design Week. Actualmente, Rodrigo se basa en la observación diaria sin perder la capacidad de asombro por las cosas; considera que ese es un método eficaz para resolver los desafíos que se le presentan. El año pasado recibió el premio Embajador Universitario por parte del grupo papelero Scribe, cuyo fin es fomentar el desarrollo de proyectos innovadores y creativos, ganó el primer lugar con el proyecto “Arrecifes artificiales”, el cual ha sido estructurado a partir del diseño y la experimentación con un candado unido a una cadena. www.rodrigonoriega.com

Silla Michelle

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novel internacional

david derksen

retomar la relación con el cobre

Texto Redacción Imágenes cortesía David Derksen

Los principios y procesos que se encuentran en la naturaleza son las principales fuentes de inspiración del diseñador holandés David Derksen.

D

Faun, por Wei Uzen Zhang

urante la pasada edición de Ventura Lambrate se presentaron siete estudios de diseño holandés, entre ellos, el de David Derken, un joven diseñador industrial que retomó el uso del cobre, material con un gran valor estético. Derksen se graduó en 2009 en la Academia de Diseño de Eindhoven y en 2011 completó su maestría en Diseño Industrial en la Universidad Tecnológica de Delft; posteriormente fundó su propio taller-estudio en Rotterdam. Su trabajo se caracteriza por el uso de cobre, material en tendencia para varios diseños; esto se traduce en un fuerte enfoque en cómo se comportan los materiales. Según Derksen: “producir objetos es como jugar con las fuerzas de la naturaleza”. Dentro de su trabajo destaca Copper Lights, lámparas colgantes hechas con el llamado “metal rojo”. Son objetos facetados que reflejan distintas tonalidades, desde el marrón oscuro hasta el naranja; la parte que más destaca es su relación con la luz. Derksen, junto con el diseñador Lex Pott, idearon una serie de espejos Transcience. Respecto a este proyecto, menciona: "Transcience muestra la belleza del proceso de oxidación natural de los espejos”. Al acelerar y la manipulación de este proceso, los espejos Transcience muestran diversas etapas de la oxidación en tres patrones geométricos diferentes. Normalmente, el proceso de oxidación en un espejo se produce aleatoriamente y evoluciona lentamente con el tiempo. Estos espejos revelan los diferentes estados de este proceso. En este caso, el azufre se utiliza para crear un proceso de oxidación acelerada. Dependiendo del tiempo que la plata está reaccionando con azufre, diferentes tonos de color se puede lograr, que van desde el oro a marrón, a púrpura a azul. El objetivo final de los diseños de Derksen no es siempre la de crear un producto funcional, sino más bien expresar la belleza de la construcción. www.davidderksen.nl

Milk on Wheels, por Love Hulten

"Producir objetos es como jugar con las fuerzas de la naturaleza" –David Derksen

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nĂşmeros

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W E CAN ' T G O H OM E AGAI N

DIDIER FAUSTINO

Texto Redacción Fotografía Florian Kleinefenn cortesía Didier Faustino y Michel Rein

Para su segunda exposición individual, el artista Didier Faustino hace una crítica con intenciones arquitectónicas y nos invita a penetrar en un mundo ambiguo que nos recuerda a una armadura construida a partir de los materiales propios de una casa.

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bicada en París, Francia, la Galería Michel Rein ya había alojado en 2011 otra exposición de Didier llamada The Wild Things. En esta ocasión albergó We can’t go home —No podemos ir a casa— exposición que moviliza los signos del entorno familiar, pero se esfuerza en ponerlos al revés, literalmente, como un guante que se proyecta al visitante en un universo inestable. La muestra juega con varios motivos de limitación, movimiento e inversión. El nombre de hogar se repite como una letanía que es aparentemente apacible y discretamente discordante. De esta manera, el espectáculo no tiene que seguir adelante como dice el refrán, sino volver a casa. Sin embargo, esta casa se declara inaccesible y su dulzura se ha endurecido. Mientras las piezas se mueven en estos juegos de palabras con cambio de sentido, los temas hábitat y confort rozan contra los de la apariencia y lo irreversible.

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Justamente, la instalación se caracteriza por su reversibilidad. De la misma manera que la casa representa, de manera alternativa, una vivienda disponible y un destino imposible, las figuras antropomórficas que ocupan el espacio principal de la galería constituyen interiores y exteriores, contenedores y contenidos. Invocan historias extrañas que hacen referencia a armaduras que el hombre ha ido creando alrededor de su existencia. Didier Faustino es un artista visual que vive entre París y Lisboa, sus piezas han sido expuestas en Viena, Marsella, Nueva York, Lisboa y Yokohama, entre otras ciudades. www.didierfaustino.com


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columna

DE MANET A IVES…

e l c a m i n o d e l c o l o r e n e l d i s eñ o Texto Luis Mercado Rojo

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“Pueden tener el coche del color que quieren, siempre y cuando el color que quieran sea negro.” – Henry Ford

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s difícil imaginar que el color tuvo un camino tortuoso para ser parte de nuestras vidas y que necesitara de grandes avances en la tecnología y el arte para lograrlo. Una de las cosas que más me llama la atención es que hoy, cuando estamos acostumbrados al uso de colores en todas sus gamas y en todas las aplicaciones, Apple haya conquistado el mundo de las computadoras personales, tan sólo por ofrecerlas en diferentes colores. Apenas en 1923, General Motors presentó el “Oakland” en dos colores y un año después Curtis Publishing Company sacaba el primer anuncio en cuatro colores. El color empezaba a rodear la vida cotidiana, tanto que en 1929 la revista Fortune publicó un artículo llamado “Color en la Industria”, donde los editores maravillados declaraban que el color era una forma de tocar las emociones humanas y mejorar la vida diaria. La revista nombró este fenómeno: “La revolución de color”. En ese sentido, nos hemos vuelto tan “insensibles” al color, que nos es imposible imaginar el impacto que pudo tener el color del vestido de la Reina Victoria durante la boda de su hija mayor en 1858, ¿el color? Lila. Hoy en día, nadie le daría importancia a este hecho, pero a mediados del siglo xix, el color del vestido significaba el espíritu progresista de la Revolución Industrial. Desde el imperio romano los tonos lilas, púrpuras y morados se obtenían en Europa a partir de la mucosa glandular de los moluscos, lo cual lo hacía sumamente caro y, por ende, era símbolo de lujo y riqueza Es también en esta época que inician los movimientos modernos en el arte, la exploración del color y su camino hacia la abstracción, ambos elementos fundamentales de la práctica del diseño contemporáneo. Fue también a mediados del siglo xix cuando Manet empezó a quitar detalles en el Bebedor de absenta (1858-1859), cada generación posterior fue eliminando más información visual para captar la luz atmosférica (impresionistas), acentuar las cualidades emotivas de color (expresionistas y fauvistas) o para ver un objeto desde varios ángulos (cubistas), esto inevitablemente terminaría en un proceso de eliminación de todo detalle y llegaríamos a la abstracción pura. Manet y sus sucesores habían redefinido el rol del artista en un mundo postfotográfico. La cámara los liberó del trabajo de reproducir semejanza y les permitió explorar nuevos caminos de representación. Los avances científicos que se vivían en París, llevaron a Seurat, y a muchos otros, a buscar soluciones científicas a sus exploraciones cromáticas. En Optiks (1704) de Issac Newton (donde describe cómo la luz se dispersa a través de un prisma en un espectro de siete colores); en la Teoría del color (1810) de Johann Wolfgang von Goethe y en especial en Las leyes del contraste simultáneo del color —La loi du constaste simultané des couleurs, et de lássortiment des objects colorés, 1839— de Michel Eugéne Chevreul (1786-1889). Chevreul entendió que, en lugar de experimentar con las fórmulas durante el teñido, las fábricas textiles podían obtener resultados satisfactorios manipulando las ilusiones ópticas del diseño en el tramado. Su mayor contribución a la teoría de la percepción de color fueron sus leyes sobre contraste sucesivo y contraste simultáneo. La Ley de contraste sucesivo describe el efecto visual o “fantasma” cuando después de observar una imagen por mucho tiempo , vemos una “imagen” o “sombra”, por ejemplo, una imagen de color verde nos deja una “memoria visual” durante 10-15 segundos, causando que el siguiente objeto que observemos tenga un tono ligeramente verde. Por otro lado, la Ley de contraste simultáneo, explica cómo dos colores diferentes que se ponen lado a lado darán la impresión de “radiarse” entre ellos. Si ponemos amarillo al lado de rojo, tendremos la ilusión de ver algo naranja. En el tema formal, fue Cézanne quien observó que cuando observamos un paisaje no vemos detalles, sino más bien bloques de colores, fue así como

empezó a reducir los campos, los árboles, las montañas y hasta las personas en formas. Su exploración por el camino de la reducción de figuras a formas geométricas, llevaría irremediablemente a su conclusión lógica: la abstracción absoluta. El trabajo de Cézanne fue la piedra angular que dio como resultado el Cubismo y una de las aportaciones más importantes de éste sería que por primera vez no se usó el lienzo como una “ventana”, si no que era presentado como un objeto en sí mismo, Picasso lo llamaba “pintura pura”, refiriéndose a que es el observador quien debe juzgar la imagen por su calidad, por el diseño (color, línea y forma) y no por la calidad del engaño ilusorio. Este enfoque llevaría a expresiones como la de František Kupka (1871-1957) quien empezó a producir pinturas que estaban más allá del entendimiento común, lienzos coloridos que no daban ninguna pista sobre el sujeto representado. Dos años después Robert Delauny presentó Disco Simultaneo (1912) en el que sencillamente hace del color su tema, inspirado, como Seurat, en el libro de Chevreul. La música juega un rol mucho más importante del que podríamos imaginar en el desarrollo del diseño contemporáneo. Sería la misantropía de Schopenhauer (1788-1860) la que había inspirado a Richard Wagner (18131883) a desarrollar su idea de Gesamtkustwerk, la creación de un arte integral que incluyera todas las disciplinas. Y fue justo durante una representación en el Teatro Bolshoi en Moscú donde Wassily Kandinsky se preguntó si podría “hacer una pintura tan emocional y épica como Lohengrin de 37


Wagner”, si podría crear una experiencia paralela donde los colores fueran las notas y la tonalidad su composición. ¿Qué más se podía hacer después de la abstracción pura?... No mucho, podríamos pensar, pero qué pasa si nos enfocamos no en la narrativa, sino en los elementos de la pintura misma: el color, la composición, tono, peso, textura. Para poder enfocarse puramente en el aspecto técnico y material de una obra de arte se necesita reinterpretar el arte desde su mera concepción, se necesita romper con la tradición, y fue en la Rusia bolchevique donde se dieron las condiciones para explorar este camino artístico. Mientras los líderes revolucionarios planeaban una nueva nación nunca antes vista o probada, los artistas avant-gard desarrollaron un nuevo tipo de arte que sería igual de avanzado y democrático. Cuando en 1913 invitan a Kazimir Malevich (1878-1935) a diseñar la escenografía de la opera futurista Victoria Sobre el Sol, Malevich pintó un cuadrado negro sobre fondo blanco, su intención era que sólo fuera parte de la escenografía y no una pieza de arte por sí sola, pero no resultó así. Fue un momento sísmico en la historia del arte, a la par del descubrimiento de la perspectiva matemática, los experimentos binoculares de Cézannne y el mingitorio de Duchamp. Para 1915, durante la segunda puesta en escena de la ópera, Malevich ya era consciente de las implicaciones de su composición y llamó a este tipo de arte, Suprematismo. Hoy en día los diseños contemporáneos comparten la misma base teórica: la geometría abstracta, simplificar la forma, reducir la paleta de colores y concentrarse en la pureza de la forma. El Suprematismo de Malevich iba de la mano con el Constructivismo de Tatlin, juntos montaron la exposición 5x5=25 en 1921, en donde Aleksander Ródchenko (1891-1956) presentó su tríptico Color rojo puro, Color azul puro y Color amarillo puro (1921), que colectivamente se conoció como La última pintura o La muerte de la pintura. Con ello empezaron a denominarse “productivistas”; dejaron el pedestal del arte y se convirtieron en diseñadores, cumpliendo los deseos de Lenin de ampliar su contribución a la sociedad. Al mismo tiempo Piet Mondrian creaba el Neoplasticismo en Europa. Su intención era ayudar a la sociedad a tener un nuevo comienzo después de las atrocidades de la guerra. Su objetivo era: “expresar de forma plástica qué tienen en común todas las cosas, en lugar de las que nos separan”. Concluyó que para lograr esto, era necesario reducir todo a lo más esencial: color, forma, líneas y espacio. Por supuesto que su “viaje” inició en el mismo lugar que Tatlin, en el estudio de París de Picasso en 1912, cinco años más tarde Mondrian fundó con Theo van Doesburg (1883-1931) la revista De Stilj y publicaron su epónimo manifiesto. Poco después, Gerrit Rietveld (1888-

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1964) le dio forma física al movimiento con sus sillas. Era la primera vez que un manifiesto artístico tuvo repercusiones directas en una pieza de diseño industrial y en 1928 diseñó la Casa Shröeder, llevando la misma filosofía a la arquitectura. Por diferentes caminos el arte había llegado a la misma conclusión: abstracción. Ahora iban a confluir en un mismo lugar: la Bauhaus de Walter Gropius, Wassily Kandinsky, Paul Klee, El Lissitzky y Van Doesburg. Todos respondieron al llamado de Gropius a explorar las posibilidades de una escuela que llevara adelante las ideas de Wagner con su Gesamtkustwerk y la “Arts and Crafts” de Ruskin y Morris. Fue en este crisol donde se sentaron las bases de diseño que todos conocemos y que con la llegada nazi se dispersaría por todo el mundo definiendo todas las corrientes de diseño hasta nuestros días. Bibliografía Regina Lee Blaszccy, The color revolution, (MIT Press 2012), (Lemelson Center studies in invention and innovation) Will Gompetz, What Are You Looking At?: The Surprising, Shocking, and Sometimes Strange Story of 150 Years of Modern Art (Plume, 2013) Foster, Krauss, Bois, et al, Art Since 1900: Modernism, Antimodernism, Postmodernism (Thames & Hudson, 2011) “Color en Industry”, Fortune (Feb. 1930) 85-94 M. E. Chevreul, The Principles of Harmony and Contrast of Colours, and Their Applications to the Arts (Longman, 1854), The Laws of Contrast of Colour, new edition (Routledge, 1861); Viénot, Josef Albers, Interaction of Color, revised edition (Yale University Press, 2006) Rudolph Arnheim, Art and Visual Perception: A Psychology of the Creative Eye, revised edition (University of California Press, 1974) The Art of the Everyday Object (Melcher Media, 2004) Salvador Macias Corona, Josef Albers en México (1935-1976) Aproximaciones a la arquitectura mexicana (ETSAB-UPC,Barcelona 2008)


columna

10 TENDENCIAS P A R A E L

2014

EN VOZ DE JUAN CARLOS BAUMGARTNER, DIRECTOR DE SPACE A R Q UI T E C T U R A , DI S E Ñ O , N E G O CI O S Y E S T I L O D E VIDA

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Por casi una década y año con año en Space hemos desarrollado un análisis de tendencias desde lo que, en nuestra perspectiva, está cambiando e influyendo al mundo. En el pasado, hemos utilizado el estudio de estas tendencias para generar propuestas de diseño que ayuden a nuestros clientes en la planeación y utilización de sus espacios.

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as diez tendencias son resultado de una observación en el comportamiento de las organizaciones con las que colaboramos, del estudio de bibliografía referente a diversos temas, del contenido de congresos y conferencias de los que hemos sido parte durante los últimos meses. De acuerdo con la Ley de la Aceleración de los Retornos (Loar, por sus siglas en inglés), basada en la teoría exponencial del desarrollo por Ray Kurzweil, la evolución es exponencial y no lineal, como muchos hemos creído. Esto quiere decir que los avances que veremos en el futuro cada vez serán mas grandes en menos tiempo y, seguramente, a niveles que la mayoría no hemos sospechado. Por esto, estamos convencidos de la importancia que tiene el análisis de tendencias en cualquier industria, pero principalmente en las que el negocio principal sea planear para el futuro. En esta ocasión, y por primera vez, hemos decidido compartir con nuestros clientes y amigos este trabajo de definición de tendencias esperando nos ayude a todos a comprender un poco mejor hacia dónde se mueve el mundo. —Juan Carlos Baumgartner Leed Ap Director SpAce

1. Teoría exponencial del desarrollo De acuerdo con esta teoría, el desarrollo o evolución, como ya lo comentamos, no se realiza de forma lineal si no exponencial. Cuando alguna tecnología surge y comienza a desarrollarse, al principio parecería que su evolución es lineal hasta que está suficientemente avanzada para que los “brincos” sean inimaginables. Creemos que a partir del 2014 empezaremos a ver estas diferencias entre el desarrollo lineal y el exponencial en temas como tecnología, biotecnología, neurología, etcétera.

2. Consolidación de la sustentabilidad Quizá uno de los resultados claros del 2013 es que fue un año en el que finalmente la arquitectura sustentable demostró no ser una moda o una tendencia pasajera. En México, actualmente existe una cantidad considerable de proyectos en proceso de certificación Leed. El mercado ha aceptado esta certificación como un nuevo estándar de calidad en diseño y edificación. El incremento en proyectos Leed y con certificación Pces será notable en el 2014.

3. Calidad y equilibrio de vida Si se parte del entendido de que la preocupación por los temas de sustentabilidad es un tema consolidado, y de que la gran mayoría de las organizaciones se encuentran haciendo algo al respecto, en menor o mayor medida, muchos de los individuos de estos grupos comenzarán a enfocar su atención en el equilibrio y la calidad de vida. En el 2014 veremos muchos esfuerzos en distintos ámbitos por proporcionarle a los seres humanos espacios que les permitan alcanzar un equilibrio y calidad, veremos cada vez más desarrollos de usos mixtos que mezclarán tipológicas buscando esta armonía.

4. Una imagen vale más que tres mil quinientas palabras 40

Nos hemos convertido en una sociedad en la que predomina lo visual; cada vez más, el lenguaje de las imágenes está sustituyendo otras formas de comunicación. La tecnología ha revelado al fotógrafo que todos teníamos dentro. El diseño interior, la arquitectura, el diseño industrial no estará ajeno a esta evolución en la forma de comunicarse, ya que las imágenes se integran cada vez más dentro del resto del diseño.

5. Mucho gusto, te presento a tu cerebro De acuerdo con los expertos, una de las grandes revoluciones que estamos viviendo derivará de los avances con los que contamos hoy respecto al conocimiento que tenemos de cómo funciona el cerebro. La facilidad con la que hoy se pueden usar equipos de resonancia magnética para escanear el cerebro ha logrado darnos más información acerca de nuestro cerebro en la última década de lo que se logró generar durante los 150 años anteriores. Hasta hoy, la mayoría de estos estudios han sido aplicados al campo de la neurología o medicina. Pero esto ha comenzado a cambiar: esta gran revolución de conocimientos impactará prácticamente cualquier profesión e industria. En marketing, la neurología irá tomando cada vez más relevancia y en diseño se verá cómo surge una subdisciplina: el neurodiseño.

6. El diseño como parte de tu vida La mayoría de los retos que iremos enfrentando como sociedad generará la necesidad de replantearnos muchas cosas: cómo educamos, cómo trabajamos y, en general, cómo vivimos. De estos cuestionamientos nacerá la inmediata necesidad de crear soluciones más innovadoras, más empáticas y que respondan adecuadamente a los retos que nos enfrentamos. Tendremos la oportunidad de rediseñar nuestra sociedad, nuestros sistemas educativos, nuestras economías, nuestras ciudades. Por décadas hemos visto cómo el diseño se ha limitado a espacios y objetos, pero esta manera de entender el diseño irá cambiando: todo puede ser diseñado, desde servicios hasta experiencias, pasando por procesos y comunidades completas.

7. Aprendizaje social Ésta fue, posiblemente, una de las grandes tendencias del 2013 y vuelve a estar en las primeras 10 tendencias que influirán radicalmente el 2014. Fundamentada en lo que en los ee.uu. se conoce como “Social Learning Theory”, se basa en una serie de estudios que han demostrado que alrededor de 50% de lo que aprende una persona lo hace en ambientes sociales. Estos estudios y toda la literatura al respecto, ha generado la duda de si los espacios en los que hemos sido educados por décadas responden realmente a la forma en la que el ser humano aprende y si las organizaciones que los han diseñado promueven el aprendizaje. La respuesta es, en la gran mayoría de los casos, negativa. En 2014 veremos cómo instituciones educativas y organizaciones migran a espacios más enfocados a la colaboración social, promoviendo encuentros casuales.

8. Las ideas no son cosas aisladas, son un network Hoy sabemos que las ideas se generan en el cerebro, no como elementos aislados, sino como resultado de miles de conexiones, como resultado de un network de neuronas. Esto aplica si se quiere resolver un problema complejo


de física o si se quiere escribir el párrafo de una novela. El cerebro cuenta con aproximadamente un billón de neuronas, que no lograrían mucho si no fuera por su capacidad de interconectarse. En las organizaciones y sociedades no es distinto. Las buenas ideas se generan en la medida en que dicha organización pueda interconectarse. Si bien, como muchas otras tendencias, este concepto no es exclusivo de este año que inicia, en el 2014 veremos que las empresas más creativas son las que han logrado entender cómo interconectar organizaciones y a los individuos que las componen. De acuerdo con Steven Johnson, todas las revoluciones intelectuales en la historia de la humanidad han estado ligadas a entornos físicos que lograron interconectar personas en ambientes que permitieron construir ideas alrededor de los pensamientos de los demás. Y así surge para este año una pregunta trascendental: si nuestro cerebro y la generación natural de las ideas funciona así, ¿por qué no hemos sido capaces de construir ambientes que permitan este intercambio en las escuelas, universidades y empresas?

9. La década del engagement Desafortunadamente, no existe una palabra en español que traduzca engagement con todo su significado. The Gallup Group recientemente publicó el estudio “State of the Global Workforce” que encuestó a más de 47,000 empleados alrededor del mundo.

Los resultados de este estudio demostró lo que ya sospechábamos: la mayoría de las organizaciones están haciendo muy mal trabajo en cuanto a generar engagement entre sus empleados. En este año, veremos cómo este tema se convierte en una prioridad para muchas organizaciones.

10. Diseño basado en evidencias Al igual que algunas otras tendencias, ésta es una que lleva gestándose varios años. El Concepto de Diseño Basado en Evidencias (ebd por sus siglas en inglés), es un campo de estudio que revela cómo el diseño afecta a los usuarios de un espacio. Ebd se irá convirtiendo en la metodología por excelencia en el diseño de espacios para la salubridad, buscando mejorar la salud de los pacientes y reducir el estrés de sus familiares y cuidadores. Paradójicamente, el atraso y el rezago que tiene México y algunos países centroamericanos nos ofrece la oportunidad de aplicar nuevas estrategias en el diseño de espacios para la salud que en otro momento no podrían haber estado disponibles, como es el caso de ebd. En el 2014 veremos que estos países comenzarán a aplicar un diseño basado en evidencias para crear una nueva generación de espacios para la salud en los que la arquitectura será un componente fundamental.

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enfoque

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IÑAKI ECHEVERRÍA I

ñaki Echeverría es arquitecto y paisajista urbano; fundó su propia firma en 2008. Sus oficinas se encuentran en la Ciudad de México y en ellas desarrolla planes arquitectónicos de alto perfil, tanto públicos como privados. Entre sus proyectos destaca el Parque Ecológico Lago de Texcoco, perfeccionado por más de 150 especialistas dirigidos por el equipo Echeverría. El Museo Papalote Verde Monterrey, museo dedicado a la sostenibilidad y educación ambiental, cuenta con el enfoque multidisciplinario de su equipo quienes se desenvuelven dentro de

búsquedas específicas y soluciones para la complejidad de cada proyecto, que van desde la rehabilitación ambiental a gran escala, proyectos públicos de recuperación, hasta la planificación de paisaje urbano. La combinación de diseño, arquitectura y arte están presentes gracias a la educación de Iñaki, arquitecto egrasado de la unam, además cuenta con una maestría por la Universidad de Columbia, y estudios en Historia del Arte en la uc Berkeley. Es profesor de diseño en la Universidad Iberoamericana y director del Berlin Summer Workshop en Aedes Network Campus Berlín.

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PAPALOTE VERDE MONTERREY E

ste museo subterráneo, actualmente en construcción, está ubicado en el Parque Fundidora de la ciudad de Monterrey, Nuevo León; cuenta con una superficie de 9,717 m2 de construcción, de los cuales 8,173 m2 se dividieron en tres niveles, y los 1,544 m2 restantes conforman espacios reutilizados. Cabe mencionar que son 7,421 m2 de paisaje fragmentados en 3,866 m2 de techos verdes, y 3,555 m2 de plazas, jardines y cuerpos de agua. El proyecto se basa en dos estrategias: por un lado, la restauración de dos edificios ya existentes y, por el otro, la construcción subterránea de

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un edificio nuevo con el objetivo de que la estructura subterránea reduzca el impacto visual y ambiental en el sitio, para así ayudar a conservar la horizontalidad del parque. El estudio arquitectónico deja a un lado el concepto de museo tradicional y hace al edificio parte de la experiencia de aprendizaje, además de esperar que se convierta en uno de los primeros edificios en México con certificación leed Platinum.


PARQUE ECOLÓGICO LAGO DE TEXCOCO E

l objetivo del proyecto es convertirse en el parque urbano más grande del mundo con una superficie de 143’885,800 m2. Esta área se ubica en el Valle de Texcoco en el Estado de México. Será un nuevo sistema ambiental que incorporará naturaleza, cultura e infraestructura, lo que el equipo de arquitectura y paisaje ha denominado como “ecología cultural”. Dicha infraestructura será capaz de enlazar a la ciudad con su geografía, además de incorporar los ciclos hidrológicos, eliminar los peligros de inundaciones y coadyuvar al restablecimiento del ecosistema nativo.

El programa arquitectónico reúne un pabellón de información, la rambla Nabor Carrillo, zonas deportivas, ecorrecreativas, agroecosistemas, humedales demostrativos y un recinto ferial. Se pretende fomentar la recuperación del ecosistema local a través de la reforestación, la revegetación y la reintroducción de especies. www.parquetexcoco.com

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T I E N D A D E PA R TA M E N TA L A LTA B R I S A E

l proyecto de diseño de fachada en Altabrisa, en Villermosa, Tabasco, fue inaugurado en marzo de 2012. Tuvo como principal objetivo lograr un estilo moderno y dinámico que le diera a Liverpool una nueva imagen, ya que es la más grande de México con 8,070 m2 de superficie. El reto consistió en enfrentar el clima tropical de la región, como respuesta a esto se optó por hacer uso de concreto como material de diseño ya que es resistente tanto a las inclemencias del tiempo como al

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envejecimiento. Se crearon cinco tipos de piezas precoladas en forma de hélice, las cuales constituyen la fachada; cada una de éstas rota 180° sobre su propio eje variando su altura entre 16 y 20 metros. La sensación de movimiento, los cambios de luz durante el día y la iluminación artificial de noche proveen a la fachada una imagen única.


PARQUE BICENTENARIO L

a propuesta de diseño para el Parque Bicentenario no está basada tan sólo en su imagen, sino en su capacidad de desempeño y adaptabilidad, es decir, su competencia ecológica a través de estrategias útiles para el parque. La ubicación del proyecto, en caso de haber resultado ganador, era en Azcapotzalco, Ciudad de México, el parque conmemorativo del 200 aniversario de la Independencia de México se conformaría de un orquideario, un jardín botánico, museo, acuario, delfinario, auditorio, áreas deportivas y recreativas, y espacios administrativos, desarrollado en una superficie de 550,000 m2.

El concepto respondía al contexto urbano inmediato mediante un programa arquitectónico de mayor presencia volumétrica ubicado al borde —se planteó ubicarlo cerca al Sistema de Transporte Colectivo Metro— y, por otro lado, un proyecto de menor intensidad en el centro del espacio, adjudicándole la idea de un oasis. Ambos desarrollos se entrelazan y ofrecerían al usuario diversas interpretaciones tanto del sitio como del proyecto.

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AEDES ARCHITEKTUR FORUM L

a galería berlinesa Aedes Architektur Foum invitó al arquitecto y urbanista Iñaki Echeverría a presentar su trabajo, convirtiéndose en la primera firma mexicana que lleva sus proyectos al recinto. La exhibición estuvo enfocada al proyecto Parque Ecológico Lago de Texcoco en México, mostrando la relación existente entre experiencia, geografía y arquitectura, característica que define los proyectos del despacho. 48

A través de material gráfico, planos y una instalación diseñada ex profeso, los asistentes conocieron los detalles sobre el Parque Ecológico Lago de Texcoco y otros proyectos de Iñaki, tales como el Museo del Niño: Papalote Verde Monterrey, la Casa Tres Vidas y el Museo del Lago.


I N S U R G E N T E S E

l proyecto se ubica en Avenida Insurgentes 465, Colonia Condesa, Ciudad de México, el edificio abarca un proyecto de vivienda de 30 apartamentos, un local comercial en el mezzanine, estacionamiento, bodegas y cuarto de máquinas, sumando un área total construida de 4,500 m2. Cada nivel consta de tres departamentos, dos laterales y uno central; los laterales cuentan con cocina, ½ baño, sala-comedor, balcón, recámara, vestidor y baño; los centrales con cocina, sala-comedor, recámara y baño. El primer nivel alberga una terraza privada y, por otro lado, el nivel 11 consta de tres penthouses.

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Los penthouses laterales cuentan con cocina, ½ baño de visitas, salacomedor, un balcón, recámara, vestidor y baño completo, el departamento se desarrolla a doble altura en la zona central, en la que se ubica una escalera para acceder al roofgarden en la azotea. El penthouse central aloja cocina, sala-comedor, recámara y baño completo y, de igual manera, se desarrolla a doble altura en su totalidad. www.inakiecheverria.com

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M E D I A PA R T N E R :

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POP-UP EL DISEÑO COMO INTEGRADOR DEL ESPACIO INTERIOR Texto Itayedzin Aragón

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n materia de espacios comerciales la misión es simple: crear atmósferas que satisfagan y motiven a los usuarios. Pero el trabajo creativo es mucho más complejo: escaparates, exhibidores, cajas de cobro, espacios de almacén, vestidores; todos en conjunto deben proyectar lo mismo, ya sea la marca, la identidad de la temporada o un concepto definido, por mencionar una infinidad de posibilidades. Hoy en día, la experiencia de compra in situ ha tomado un orden complaciente más atractivo, competir con los sitios de compra-venta virtual se vuelve cada vez más palpable, sin embargo, y especialmente en las grandes ciudades, los barrios de alto intercambio comercial siguen siendo puntos de referencia, por ello deben mantener su vigencia estética.

Los diseñadores ya sea arquitectónicos, industriales o de interiores recurren al color como elemento unificador, se apoyan en materiales que reflejan cualidades específicas basados en su textura, acabados y dimensiones. La sutileza del diseño radica en cumplir su objetivo unificador de manera natural, hacerlo casi imperceptible. A continuación les presentamos una selección de espacios comerciales que reflejan determinados propósitos y conceptos a través de su diseño: desde espacios de menos de 50m2, hasta lujosos complejos de 400 m2. Por supuesto, la diferencia no sólo radica en sus dimensiones.

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PLACEBO PHARMACY KLAB ARCHITECTURE Fotografía Panos Kokkinias cortesía de KLAB Architectur

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os comercios dedicados a la venta de medicamentos suelen ser octogonales y vacíos en su propuesta estética, para contrarrestar dicha creencia, la firma de arquitectura klab diseñó Placebo Pharmacy, un espacio de 600 m2 ubicado en Atenas, Grecia. El proyecto estuvo a cargo de Konstantinos Labrinopoulos, con la colaboración de Xara Marantidou, Enrique Ramírez y Mark Chapman. El proceso de diseño consistió en reformar un espacio existente hasta darle una apariencia cilíndrica, con el fin de crear una espiral que pretende conversar con el movimiento rápido de las avenidas con las que el edificio convive. Los paneles de la fachada se perforaron imitando la escritura Braille —que alude al uso del sistema en el envasado de diversos productos farmacéuticos—, la visibilidad de dichas perforaciones aumenta y permite el paso de la luz hacia el interior del edificio.

En el interior, los estantes para productos forman un eco del diseño arquitectónico circular, mientras que una rampa se eleva hasta el nivel superior y se extiende con el dinamismo de la espiral. La farmacia se distribuye en dos niveles: la planta baja es el espacio principal de la tienda, mientras la parte alta sirve como una oficina auxiliar. Los materiales que se utilizaron para los acabados fueron: placas de metal, paneles de yeso, acero, mdf y plexiglás. El patrón radial de la farmacia permite que el área de cajas, ubicada en el centro, tenga completa visibilidad del espacio. Este modelo da un flujo natural al espacio y permite el aprovechamiento de la luz en todo momento durante el día. www.klab.gr

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l Luxury Group de Qatar le solicitó a uxus el desarrollo de la nueva tienda para la marca Qela, que incluye productos de marroquinería, joyería y moda para mujeres de altos estándares de calidad. La nueva tienda establece un delicado equilibrio entre el patrimonio cultural de la marca y su espíritu progresista, sumergiendo a los visitantes en el mundo del arte, la cultura y el diseño. La boutique, de 400 m2, combina el intimismo de una galería de arte con objetos hechos a mano; la estética del espacio tiene sus raíces en los viajes de exploración y encierra las características de los paisajes tranquilos, puros y naturales, con líneas ondulantes y curvas que fluyen hacia la planta alta. El uso de texturas y elementos de diseño remiten la elegancia y comodidad de la marca. El logotipo de Qela fue repetido en la fachada para crear un patrón abstracto en gruesas placas de bronce. Los materiales lujosos y la elegante

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paleta de color hacen referencia al desierto: el bronce, la madera maciza de nogal, las losas de travertino y Nero d’Avola se suavizan con alfombras de seda anudadas a mano. El espacio es una integración de la complejidad artesanal que fluye en la ciudad de Doha, capital de Qatar, y celebra las raíces árabes de Qela. La planta alta está reservada para la exhibición de joyería, la que está dispuesta en vitrinas cilíndricas que permiten una vista completa. Además, el espacio cuenta con un salón privado donde se presentan colecciones de alta costura, inspirado en la hospitalidad de los hogares en el desierto. Al centro del lugar se aprecia una cúpula de madera tallada con un patrón dibujado que consiste en estrellas de ocho puntas, característico de la cultura árabe. www.uxusdesign.com


Q ELA UXUS Fotografía Adrian Haddad cortesía de UXUS

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P E N H ALI G O N ' S CHRISTOPHER JENNER Fotografía cortesía de Christopher Jenner 56


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bicada en Regent Street, la casa de fragancias inglesas Penhaligon’s abrió su nueva tienda, un espacio de 50 m2 que fue creado por Christopher Jenner, diseñador británico graduado de la Escuela de Arte de Johannesburgo y la Escuela de Diseño de Boston en Cape Town. La búsqueda del placer es la esencia temática del lugar, que propicia un estilo excéntrico apegado al esplendor de las bellas artes de la época de Luis XIV. El sitio favorece las cualidades estéticas de la marca a través de la belleza, lo que hace un conjunto de estos valores creados a través de patrones, formas y texturas en una síntesis del trabajo artesanal inglés y la fabricación de alta tecnología. La simbiosis entre lo clásico y lo contemporáneo crea un efecto caleidoscópico, donde el visitante se recrea entre morados, verdes y marrones, además de las texturas que proporciona la marquetería de roble blanco y el capitoneado de los muros. Las cajas de luz que exhiben algunos productos atraen la atención junto con los rosetones inspirados en la Abadía de Westminster; el techo presenta un calado estilo Tudor con acabado brillante del que penden candelabros Brighton Pavilion Onion Dome. El mobiliario está hecho de roble blanco con acabado brillante y detalles de latón cortado con láser. Las mesas parecen estar rodeadas de grandes caramelos brillantes junto con taburetes de arco de color morado. La instalación luminaria está conformada por luces colgantes de acrílico, Bespoke de diferentes tamaños y luces led empotradas. El piso está hecho con baldosas encáusticas de cemento y tarimas de nogal, con bordes de latón. La señalética del espacio está hecha en pan de oro inglés. El conjunto es una exploración de la relación entre la marca, el reto del espacio mínimo, el lujo y la artesanía. www.christopher-jenner.com

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LEVEL SHOE DISTRICT SHED ARCHITECTURE & DESIGN Fotografía cortesía de shed Architecure & Design

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a firma de arquitectura en interiores Shed, con sede en Londres y Singapur, fue la encargada de diseñar el espacio comercial exclusivo para calzado de lujo. El resultado se encuentra ubicado en Dubai, al interior del centro comercial más grande del mundo. Los espacios, que suman casi 30,000 m2, revelan una combinación de creatividad y lujo, distribuidos en 40 boutiques de diseñadores exclusivos como Prada, Gucci y Louis Vuitton, mismas que exhiben sus productos dentro de cuatro pabellones, cada uno con una temática comercial diferente: Women’s Designer, Contemporary, Trend y Men’s —cada pabellón está diseñado de manera individual con una atmósfera personalizada—. El área Women’s Designer se extiende a través de arcos de latón abovedados que se mezclan con jaulas de oro, y detalles en mármol y cobre. El mobiliario se adapta a través de su geometría y los colores pastel. Contemporary es el espacio con mayor peso arquitectónico, ya que recrea una instalación con paneles de metal donde la atmósfera se vuelve más oscura y queda acentuada con un domo de estilo avant garde (esta enorme pieza fue suspendida con ayuda de tecnología de construcción especializada). El espacio denominado Trend consiste en una serie de volúmenes de mármol y enormes esculturas de cobre que se proyectan hacia el techo. Dicho espacio está pensado para realizar eventos y celebraciones exclusivas. Para el mercado masculino se ha dedicado el espacio Men’s, ambientado con geometrías que combinan una paleta de colores sobrios con cristal y madera de roble. La estética de los espacios no interfiere en la creación de un conjunto armonioso, que se delimita del resto del centro comercial a través de un perímetro suavemente iluminado. El departamento de calzado incluye zonas vip en cada pabellón y un área de cafetería exclusiva para el área femenina. www.shed-design.com

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B UR M A B OUTI Q UE ATELIER DU PONT Fotografía Philippe Garcia cortesía de Atelier du Pont

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arís es una de las ciudades más importantes en cuanto a moda se refiere, los accesorios no se quedan atrás y la marca de joyería Burma abrió recientemente su boutique en la Rue de la Paix, de dicha ciudad. El proyecto fue llevado a cabo por la firma de arquitectura Atelier du Pont, integrada por Anne-Cécile Comar, Philippe Croisier, Stéphane Pertusier bajo la dirección de Aline Defert. La fachada frontal de la boutique presenta acabados en cristal y negro ultrabrillante que toma su inspiración de una galería de retratos antigua; los espacios exteriores e interiores atraen e interactúan con los usuarios. Las joyas en el escaparate se exhiben en vitrinas colgantes de formas elípticas que parecen flotar en el aire, la parte posterior de los exhibidores es una evocación de un espejo de mano. Dichos escaparates son la introducción a la tienda.

El interior está diseñado como una caja de joyería a gran escala, la luz difusa queda proyectada por una enorme araña hecha a partir de malla dorada cuyos reflejos brillan sobre las superficies. Atelier du Pont diseñó también todas las mesas con espejos móviles. Todo fue hecho a la medida para asegurar que el mobiliario y los acabados se adaptaran al espacio como un guante. La atmosfera del lugar es discreta, el estilo interior suave y refinado que proporciona un juego entre líneas rectas y ovales creando un ambiente fascinante y magnético. www.atelierdupont.fr

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urante el Festival de Diseño de Londres del año pasado, el diseñador de producto e interiores Lee Broom presentó su nuevo espacio comercial Electra House, con el propósito de lanzar su línea más reciente de iluminación, tapicería y accesorios. Ubicado en el corazón de Shoreditch en Londres, la tienda fue el escaparate del lanzamiento de diversos productos como: Carousel, Quilt, Fulcrum y olo. El espacio además de funcionar como establecimiento, también sirve de galería: la sala de exposición contemporánea presenta la colección completa de luminarias y mobiliario de manera única, ya que cada objeto es cubierto por una campana de cristal hecha a la medida. Inspirada en tiendas de curiosidad, Electra House tiene un sentido surrealista. Las líneas limpias y delicadas se suman a la paleta moderna de color característica de la marca: grises y blancos crean un ambiente pulido y contemporáneo. Los ventanales de piso a techo permiten ver el interior en su totalidad; el espacio está dividido en tres partes: la parte frontal funciona como un área más conceptual y versátil; la sala de exhibición al medio ofrece un ambiente atmosférico, mientras la parte trasera de la sala tiene un toque más contemporáneo. Un arco abierto conecta la sala de exposición con el estudio de diseño, lo que permite a los visitantes observar el trabajo creativo que respalda a los productos en venta. La planta baja alberga una consultoría centrada en los proyectos comerciales del estudio, el espacio está compartido con The Snug —un club para realizar reuniones creativas, inspirado en clubes masculinos tradicionales—. Los dos espacios se dividen por ventanas y puertas recuperadas que complementan la arquitectura industrial del edificio. www.leebroom.com

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ELE C TRA H OU S E LEE BLOOM Fotografía cortesía Lee Broom Studio

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C A M P ER G RA N ADA A-CERO Fotografía cortesía A-cero

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l estudio de arquitectos A-cero fue el encargado de realizar la tienda de Camper —marca española de zapatos­— ubicada en la ciudad de Granada, en la vía comercial y peatonal más célebre de la urbe: la calle Mesones. La primera necesidad del proyecto fue aprovechar al máximo la superficie para la actividad destinada y conseguir un espacio sensorialmente más amplio y práctico en el sentido funcional. El objetivo creativo del estudio fue crear un diseño actual, fresco y dinámico, característico del despacho que dirige Joaquín Torres y su socio Rafael Llamazares. El local corresponde a un área de apenas 48 m2 que sirve como el primer espacio para exposición y venta de calzado exclusivo para la marca en la capital andaluza. Los espacios interiores están dominados por dos colores: blanco y rojo. También presentes en los proyectos de interiorismo de A-cero desde su fundación en 1996 y patentes en la imagen que identifica a la casa Camper. Se proyectó un espacio diáfano al añadir elementos con formas orgánicas, impregnadas en los muebles de exposición que están fabricados en madera lacada con acabado mate e iluminación indirecta por lámparas led.

Los estantes de color blanco están colocados sobre muros de color rojo. El piso fue cubierto con alfombras Bolon en los mismos colores y formas sinuosas. Desde el fondo de la tienda, en la parte central, un módulo curvo emerge a modo de banco y aporta profundidad al establecimiento, además de servir como elemento escultórico hace la función de probador. La pared posterior se cubrió con espejo, elemento que sirve para crear la sensación de amplitud. La fachada es de panel composite de aluminio rojo y el escaparate de vidrio con vinilos en el mismo color que siguen el diseño de la tienda. El resultado es una fusión interesante entre los recursos corporativos y de diseño de Camper con las aportaciones de A-cero. La tienda sirve como escaparate a la modernidad comercial de la zona. www.a-cero.com

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C A S A C O N DE S A A R T U R O E LY FotografĂ­a Carlos Madrid

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na casa de los años 40 totalmente reformada da cabida a nueve distintos ambientes de interior: retro, vintage, ecléctico, maximalista, urbano. En ellos, el uso del color, texturas, acabados, materiales y estilos le brindaron personalidad a cada espacio. Ubicada en Ámsterdam 263, en la popular Colonia Condesa de la Ciudad de México, Casa Condesa alberga una amplia colección de elementos para interiores y cada detalle fue resultado de la creatividad del arquitecto Arturo Ely, quien tras concluir sus estudios en Madrid volvió a México con la intención de crear un espacio de interiores que promoviera el diseño mexicano. Inaugurada en 2012, Casa Condesa mantiene una constante: 80% de su exhibición es diseño nacional, desde personalidades reconocidas en el medio hasta creaciones elaboradas de manera artesanal en comunidades

de Oaxaca, Chiapas, Tequisquiapan, San Miguel de Allende, entre otros. La exhibición del showroom cambia de manera constante, ya que las habitaciones son renovadas cada mes en mobiliario y piezas decorativas, y la casa es transformada cada semestre en acabados y paleta de color. La gama de materiales, productos, técnicas, texturas y estilos tan divergentes hacen un espacio armonioso e inspirador. Casa Condesa no sólo es un showroom, cuenta con un equipo creativo multidisciplinario, conformado por un diseñador gráfico, un industrial, una arquitecta de interiores, quienes abordan proyectos de renovación y decoración de interiores, por lo que también diseñan, fabrican y comercializan su propia línea de mobiliario. www.casacondesa.mx

Casa Condesa Amsterdam no. 263, Colonia Hipódromo Condesa, México D.F. Teléfono 6273 - 3465 6395 - 2837 www.facebook.com/casacondesa.mx info@casacondesa.mx

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diseテアo

EL

C O LO R EN EL DISEテ前 E INTERIORISMO

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Texto Karla Rodríguez

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l ser el color una fuente luminosa mediante la cual se transmiten y reciben mensajes, sensaciones y emociones, resulta atractivo llevar este elemento de comunicación visual a un plano tan amplio como lo es el del diseño y la arquitectura. La implementación del color en proyectos arquitectónicos y de diseño se encuentra en constante crecimiento; podría apreciarse que conforme pasa el tiempo las tendencias, los estilos y las modas, se ha suavizado la intensidad perceptiva del color, ya que su uso es inherente en muchos aspectos del diseño. La creación de espacios y ambientes está estrechamente relacionada con el manejo del color y la iluminación, pues no se trata simplemente de poner determinada lámpara o foco en una habitación, sino que es indispensable saber qué se quiere resaltar en algún recinto. El color ha sido objeto de infinitas charlas y discusiones respecto a su uso. En entrevista, el arquitecto mexicano de Studio Spazio, Carlos Avilés compartió que en muchas ocasiones se le pierde el respeto tanto al color como a los espacios, pues se ha observado en diferentes países que el color ha sido muy explotado. Actualmente, existe la posibilidad de crear color, ya no sólo con rgb — rojo, verde y azul por sus siglas en Inglés —, sino ahora con rgbw (w representa al blanco), permitiendo así los tonos apastelados, suaves y amables ante un diseño interior o exterior. El color en la iluminación tiene una fuerte presencia porque, además de generar luz, también se logran sombras, capaces de proporcionar formas y texturas, así, no sólo se trata de saturar un espacio, al contrario, se trata de hacer de éste un lugar de equilibrio y contraste. “La luz es un elemento que hay que sentir, ver y trabajar con él”, compartió Carlos con una sonrisa de satisfacción y gusto. El efecto óptico conforma un aspecto esencial en el ámbito lumínico, pues logrará que un proyecto sea único y logre transmitir el mensaje

deseado al usuario: una luz intensa, suave, puntual, baña muros, oval, rítmica, etcétera, siempre tendrán un objetivo. En la actualidad, la iluminación ha marcado moda dentro del diseño y la arquitectura, tal situación ha generado un amplio abanico de posibilidades en instalaciones lumínicas con color, pero su uso debe de ser muy bien estudiado para lograr un exitoso empleo de éstas. Lograr un ambiente estético y de vanguardia mediante la iluminación con color trae consigo el análisis del espacio que será escenario del proyecto decorativo. Luz, color y la fusión de ambos debe reflejar la personalidad y cultura de quien los utiliza —usuario, arquitecto o diseñador—, pues el objetivo de un creador es dejar huella de su estilo en cada uno de sus proyectos y así lo cree Carlos Avilés. La luz de color representa un estado anímico, representa un sentir, razones suficientes por las que es esencial el respeto hacia el color, tanto al aplicarlo en muros o al momento de transportarlo al mundo de la iluminación. El arquitecto Carlos Avilés hizo énfasis en que saber iluminar forma parte de una educación, así como también lo es saber ofrecerle al cliente lo que necesita, orientarlo para que con ese conjunto de ideas se logre aquello que hará de un espacio toda una escena. Ante el rico y amplio panorama que nos ofrece la iluminación con color, no resta más que formar parte del proceso de desarrollo, ya sea de manera directa en la planeación y creación de un proyecto, o como usuario, es decir, apreciando las obras. Parecería que los mundos del diseño y la arquitectura no tienen fin debido a su firme crecimiento y desarrollo, éstos naturalmente se involucran con el color y la iluminación, elementos que ofrecen infinidad de experiencias a través de la creación de espacios armoniosos, abriendo la puerta hacia un mar de sensaciones y placeres.

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SÖLVES B O RG B RIDGE

L J U S A R K I T E C T U R Fotografía cortesía de Ljusarkitectur

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l estudio de arquitectura danés Ljusarkitektur, llevó a cabo el proyecto Sölverborg Bridge, el cual consistió en emplear un sistema de iluminación que incluyera al entorno natural, la rica avifauna y el color en el puente peatonal europeo más largo, Sölvesborg. La integración de los elementos del ambiente y la luz artificial dieron como resultado una iluminación colorida; una tenue luz colocada debajo del puente permite reflejos en el agua. Esta atmósfera iluminada va de la nueva área de viviendas en Ljungaviken y llega al otro lado de la bahía de Sölvesborg. Las tres bóvedas, el puente peatonal de madera, los árboles y los juncos se encienden cambiando de color durante la noche y representa la migración de las aves durante los 365 días del año. Ljusarkitektur se destaca por la implementación de métodos de diseño que se adaptan a todo tipo de proyectos, aspecto que permite lograr en cada uno autenticidad y es básicamente la iluminación arquitectónica un aspecto fundamental dentro del diseño en la construcción de ambientes, Sölvesborg Brigde forma parte del excelente empleo de la luz de Ljusarkitektur. www.ljusarkitektur.com

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PAKTA RESTAURANT EL EQUIPO CREATIVO

Fotografía Adrià Goula

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erca de la Avenida del Paralelo en Barcelona, en la vertiente subiendo hacia el Mercat de les Flors y el Montjuic Park, se encuentra Pakta, restaurante acogedor envolvente de sabores peruanos, colores, tradiciones e ingredientes. Partiendo de que en quechua, idioma de Perú, pakta significa ‘unión’, Albert y Ferran Adrià y los hermanos Iglesias vieron materializado su más reciente proyecto gastronómico: un restaurante que es unión de dos culturas y sus respectivas gamas gastronómicas: la peruana y la japonesa. El Equipo Creativo, fundado por Oliver Franz Schmidt y Natali Canas, un dúo especializado en el diseño de espacios gastronómicos y comerciales, se encargó del interior de Pakta, con el elemento que caracteriza a la pareja: la idea de que los espacios, igual que la comida, han de relatar historias, crear sensaciones y producir experiencias. Los elementos básicos del restaurante —los bares, la cocina y los muebles—, basan su diseño en la gastronomía nikkei, cocina que emerge de la japonesa, pero que, en este caso, fue adaptada a los sabores, colores y tradiciones peruanos.

El Equipo Creativo dividió el largo y estrecho espacio en tres zonas: la entrada, la barra de sake y el exterior del local. En conjunto, Pakta envuelve a sus clientes en una composición de colores, lámparas japonesas y elementos gráficos. Un elemento que distingue al restaurante son los telares de algodón de aspecto artesanal, ásperos y de acabado mate, fueron diseñados uno por uno, intercalados de tal manera que se logra una intensidad cromática que va desde los colores cálidos como el rojo y el dorado, hasta los tonos más frescos como el verde y el marrón. Los telares se encuentran en un marco doble de madera, siendo el paño tejido el que gira en torno a la estructura interior. Mediante el uso de acabados naturales y transformando lo menos posible su estado original, el diseño de Pakta conforma una atmósfera de calidez, color y esencia natural, el cual se fusionan con el abanico gastronómico que ofrece el lugar. www.elequipocreativo.com

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ÉCOLE MATERNEL PAJOL

OLIVIER PALATRE ARCHITECTES

Fotografía Luc Boegly

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poyando a los niños en su primera etapa escolar y pensando en la alegría que se les puede causar, Oliver Palatre Architectes, firma de arquitectura que en sus proyectos trata de provocar un eco del universo sensible y musical, llevó a cabo el proyecto École Marternelle en Pajol, París. École Maternelle es una escuela de nivel preescolar en la que el color y las texturas tienen gran importancia, pues ambos elementos estimulan el desarrollo de los niños, por ejemplo, el arco iris —símbolo de alegría y felicidad—, además de ser una atracción visual infantil, se convirtió en la fuerza creadora del proyecto. Antes de convertirse en escuela, el inmueble era un edificio en malas condiciones pero con una estructura arquitectónica rescatable, al darse cuenta de ello, el equipo de Olivier Palatre Architectes se dio a la tarea de hacer funcional y agradable la construcción reorganizando el espacio. Es aquí donde también está presente el arco iris, ya que anuncia un momento de bienestar después de la tormenta. El patio frontal comprende tres niveles en el que se generó un ambiente de diversión para los niños; los espacios interiores cuentan con un diseño

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que tiene la total intención de interactuar con los alumnos y crear diversas emociones: variados colores, muebles en formas geométricas y materiales de diferentes texturas como madera, caucho y metal para estimular el crecimiento y el desarrollo de los niños. El color, además de ser la primera percepción visual en los niños, es también el elemento fundamental en este proyecto, pues juega un papel de identificación para la firma arquitectónica, es decir, el color que corresponde a cada una de las áreas depende del significado que suele adjudicársele, un ejemplo: las puertas que pertenecen al área de salud son rojas asociándolas con las emergencias. Desde tiempo atrás ha existido la leyenda de que al final del arco iris se encuentra un tesoro, éste lo representan los niños y la importancia de su educación, afirma Olivier Palatre Architectes. www.olivierpalatre.com


BLUETRAIN RESTAURANT S T U D I O E Q U A T O R

Fotografía Andrew Wuttke

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l restaurante Bluetrain, ubicado en Melbourne, Australia, ha sido diseñado por Studio Equator —agencia de diseño enfocada al retorno de la inversión—, al descubrir en su vigésimo aniversario una nueva oportunidad para crear un punto de reunión dentro de la región. El objetivo de este “People’s Café” es el de crear una conexión emocional con los clientes mediante una atractiva opción gastronómica, al mismo tiempo que logra un ambiente casual de cafetería, siempre tomando en cuenta los valores fundamentales de Bluetrain. Estos mismos servicios fueron esenciales en el diseño del espacio combinando eclécticos y peculiares materiales que reflejan a Australia y Melbourne mediante elementos que resaltan la importancia del flujo peatonal y vehicular de las calles de la zona. Los pilares que resaltan dentro del restaurante simulan el callejón de Degrave, ya que están pintados por artistas urbanos (conocidos especialistas en grafiti); la iluminación resalta aquellos elementos importantes dentro del diseño como los muros de hormigón. La experiencia culinaria que ofrece y todo el conjunto de Bluetrain conforman el estilo peculiar que Studio Equator tuvo como objetivo desde un inicio. Con ello se logró acentuar el estilo chic agrupando música, diseño, arte y cultura.

Colores como el amarillo, azul y rojo están plasmados a lo largo de las paredes revestidas de madera, atrayendo la pasión del jazz a cada uno de los usuarios. Este estilo persiste en todo el lugar, por ejemplo, una pared se encuentra completamente cubierta de vinil en estampado geométrico, complementándose con ruedas de bicicletas iluminadas para crear simetría en sus sombras. Sillas de terciopelo, adornos en oro y negro, mármol, acabados lumínicos sofisticados y sonidos soulful, son sólo algunos de los elementos que complementan el estilo y esencia de Bluetrain inspirados en la seducción del jazz. www.studioequator.com

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DIGITAL MUSEUM CLAUDIU IUNESCU Fotografía Cortesía Claudiu Ionescu

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bicado en Pecica, Rumania — comunidad antigua con una historia enriquecedora rodeada de tradiciones —, Digital Museum es el primer museo digital permanente que ofrece a sus visitantes el entorno por el que pueden encontrar cualquier otro museo del mundo, indagar en aspectos relacionados con el ambiente, las tradiciones locales y la historia. Los medios que permiten realizar dichas búsquedas son posibles gracias a proyecciones en video 3D, pantallas 3D y pantallas táctiles, entre otros. Los Mures Floodplain Natural Park, área de protección ambiental, son testigos del establecimiento de este proyecto que corre a cargo del arquitecto nacido en Rumania, Claudiu Ionescu, por ello, Digital Museum mantiene un carácter ecológico. Son sus instalaciones que no contaminan el entorno y el techo del edificio —que Claudiu define como una rebanada más grande de la naturaleza, por estar cubierto por pasto—, lo que le da el aspecto y la vida ecológica. La estructura arquitectónica tiene una estrecha relación con el ambiente que lo

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rodea, pues la sombra que plasma el edificio sobre el pavimento tiene la peculiaridad de marcar la hora exacta, como un gran reloj solar. Una sorpresa que tiene Digital Museum para sus visitantes es la oportunidad de ser testigo del arte de hacer pan, pues Pecica, es también el nombre de la marca local dedicada a la panificación, y, está presente en el museo ya que es muy apreciada en la comunidad desde tiempo atrás. La creación de este museo no fue tarea sencilla para los ingenieros que estuvieron a cargo, ya que Pecica es una zona sísmica activa. Este reto fue logrado en cinco meses gracias a los 7.5 m de largo que quedan volando, en dos paredes inclinadas a 15 grados hacia el exterior, apoyando sobre ellas el techo verde. Actualmente, el Digital Museum ya forma parte de la comunidad de Pecica en Rumania y se ha convertido en un ícono para los lugareños, el cual les permite ir más allá del entorno que los rodea. www.claudiuionescu.ro


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VIENNA UNIVERSITY C R A B

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Fotografía Ronald Kreimel

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eter Cook y Gavin Robotham conforman Crab Studio, una unión de ideas entre ambos diseñadores, unidad que les ha permitido emprender diversos proyectos como el Departamento de Leyes y la Administración Central de la Vienna University. Las instalaciones de la universidad abarcan 200 m2 que van de este a oeste en un ritmo de colores que se distingue del cielo grisáceo que a menudo se aprecia en el distrito Prater de Viena. El inmueble está construido y diseñado bajo la creencia de que un edificio para ese nivel de estudios debe tener espacios generosos y atractivos que no deben ser precisamente salas de reuniones, sino lugares para estar, de recreación, que animen a los estudiantes a quedarse después de tomar sus clases. Este pensamiento dirigió el proyecto pues ha formado parte de la filosofía de la universidad desde años atrás. El exterior está cubierto con celosías de madera que, en cierto modo, combinan con los bosques que rodean el campus. En lo que corresponde al interior, Crab Studio incorporó “capsules of quiet” —cápsulas de 76

silencio—, en la biblioteca; “sound clouds” —nubes sonoras—, en las salas, las cuales cuentan con mobiliario capaz de emitir ondas sonoras, un ejemplo de ello son las sillas; además de agregar “sunshine corners” —esquinas de sol—, para aquellos alumnos que desean tomar un descanso. Es importante destacar que el nuevo campus de la Vienna University of Economics and Business (wu) fue planeado por BUSarchitektur ZT Gmbh e incluye edificios de Zaha Hadid Architects, Hitoshi Abe, Estudio Carme Pinós S.L., y No.Mad Architects. Forma, color y espacio son los elementos que Cook y Robotham retomaron para llevar a cabo este proyecto, el cual estuvo fundamentado en la educación y la recreación para el bienestar y máximo aprovechamiento de la universidad por parte de los jóvenes. www.crab-studio.com


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BLOOMBERG J U M P 78

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Fotografía cortesía Jump Studios

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omando como inspiración la figura de un árbol, Jump Studios se dio a la tarea de crear las instalaciones de Bloomberg —empresa que conecta a los tomadores de decisión más influyentes a una red dinámica de información—, compañía donde confluyen personas e ideas mediante tecnología innovadora, ahora en Finsbury Square en el Centro de Londres. La idea de Jump Studios de partir de un elemento de la naturaleza se debió a querer compensar, de alguna manera, el ambiente tecnológico y frenético de Bloomberg (pantallas de TV, monitores y transmisiones de audio). El diseño debía resultar útil y accesible para todo el personal, según la única condición puesta por la empresa. El espacio destinado a la realización del proyecto constó de tres plantas consecutivas. La metáfora del árbol propuesta por Jump Studios se dividió en tres partes, mismas que parecen elevarse a través de los niveles. El tronco juega el papel de un rincón privado, las ramas conforman los bancos integrales y la cubierta está compuesta de piezas de espuma suave, menos formal, que permite la relajación y el descanso del cuerpo. El propósito de utilizar un árbol, el punto de partida del proyecto, va más allá de sólo transmitir el mensaje o la imagen de un árbol como tal, funcionalmente destina elementos tanto en mobiliario como en espacio para quienes laboran en Bloomerg, brindándoles la oportunidad de escapar y relajarse. www.jump-studios.com

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(RE)MIX CLUB BEIJING D A R I E L

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Fotografía cortesía Dariel Studio

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ariel Studio se encargó de convertir a (Re)Mix Club en un espacio más maduro y sofisticado, manteniendo la esencia del hip-hop. Al llegar los ritmos del hip-hop a Beijing, Mix se convirtió en un club popular entre la sociedad, por ello, los dueños buscaron ofrecer una mejor vista del recinto para los asistentes que, como el nombre del lugar lo indica, es frecuentado por personas de todas partes del mundo. El diseño de Dariel Studio —empresa dedicada al diseño de interiores—, además de cumplir con los espacios tradicionales de cualquier club: pista de baile, bar, zonas de estar, salas vip, ofrece un ambiente loungy, en el cual se puede disfrutar de las bebidas de manera más íntima homenajeando a países como África, Japón e Italia. Tres estilos son los que destacan en (Re)Mix: francés, hip-hop y el tradicional “fiesta kitsch”, el conjunto alcanza un diseño maduro, digerido y asumido; un reflejo de ello son los paneles de madera y molduras que se encuentran a través de todo el espacio asociándose típicamente al estilo francés.

El uso de colores contemporáneos como el rosa y el amarillo, alrededor de la pista de baile, contrasta con la barra central brillante e intencionalmente bling-bling, también los sanitarios comparten esta característica brillante del hip-hop. (Re)Mix Club forma parte de los últimos proyectos de Dariel Studio —conformado por 25 profesionales—, demostrando su originalidad y creatividad, aspectos que le han permitido ser galardonado con diversos premios de diseño. www.darielstuido.com

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CISCO OFFICES S T U D I O

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Fotografía Jasper Sanidad

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+A, firma de diseño de interiores que tiene como misión llevar el diseño urbano sofisticado a Silicon Valley, San Francisco, California, desarrolló las nuevas oficinas de Cisco Systems —líder mundial en redes que ha transformado la manera en que la gente se conecta, comunica y colabora—, aprovechando la vista panorámica del paseo marítimo de San Francisco: el impacto visual de luz natural fue la inspiración del diseño interior. Se tomó en cuenta la amplitud, el color brillante del entorno y el gran campo de visión para enfatizar la simplicidad y, por supuesto, la funcionalidad considerando la identidad de la compañía en fusión con Meraki, firma dedicada al manejo de redes empresariales. Para la realización del proyecto, O+A se dio a la tarea de encuestar a los empleados de la sede, para que con base en los resultados el diseño resultara exitoso. En todo momento fueron considerados los usuarios de las oficinas, por eso, a lo largo de éstas se colocaron pizarrones para que los trabajadores tuvieran la oportunidad de esbozar gráficos y anotar sus ideas. La gama de colores plasmada tanto en el interior como en el exterior de las oficinas se vio influenciada por el brillo de la Bahía de San Francisco, otorgándole un toque cristalino a las instalaciones. En el interior, las

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tonalidades violetas, azules, verdes y grises (sin olvidar el blanco) destacan, al mismo tiempo que el empleo de la madera, principalmente reflejado en el mobiliario. Un elemento que se distingue del diseño de Cisco-Meraki son los asientos horizontales colocados en las paredes con la intensión de provocar intimidad y preservar un amplio campo de visión y espacio. Por otro lado, una terraza con vista al parque de béisbol y el puente de la bahía, permite descansar confortablemente a los usuarios gracias al mobiliario que desprende armonía y frescura al incorporar plantas, las cuales otorgan continuidad entre el entorno que rodea la sede y el interior. Resulta evidente que O+A se aferró a factores que permitieran la movilidad, la facilidad y la adaptabilidad en el espacio para lograr cumplir con las expectativas de Cisco-Meraki y sus empleados, elementos visibles en la selección de muebles y áreas de trabajo que, en conjunto, desprenden armonía en el ambiente. www.o-plus-a.com


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GOOGLE MADRID J U M P

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Fotografía cortesía Jump Studios

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on materiales innovadores y manteniendo un espacio inspirador para las actividades y operaciones ibéricas de Google, Jump Studios —oficina de arquitectura especializada en interiores, instalaciones y diseño arquitectónico—, revoluciona el concepto de diseño de las oficinas de la empresa multinacional. El resultado del proyecto es un espacio de oficina que cumple con un alto grado de flexibilidad, funcionalidad y zonas accesibles; dichas cualidades le han permitido conseguir a Google un incremento en la productividad y la satisfacción del personal que labora en el edificio, así como de los usuarios de la sede en Madrid. El diseño general, adaptado al estilo de la empresa estadounidense y tomando en cuenta a los trabajadores locales, está distribuido en plantas adyacentes: en la menor de ellas se encuentra la recepción principal, sala de conferencias, comedor y una zona multifuncional con cocina completamente equipada; la mayor parte de la planta superior cuenta con

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oficinas, amplios espacios de descanso con juegos y zonas de reuniones, e incluso duchas y sala de masajes. En términos de rendimiento acústico, las oficinas Google Madrid resultan ser las más avanzadas de la Península Ibérica. El uso de materiales altamente sostenibles alcanzó un estándar medioambiental que se confirma con la calificación leed Oro del proyecto. La ejecución de esta obra fue posible gracias a los lazos de colaboración que se crearon entre la arquitectura, la ingeniería y la constructora —Jump Studios, Deerns y Construcía—; en el desarrollo del proyecto: Project Mangement a través de Artelia España, empleadas y dirigidas en su ciclo de ingeniería y metodología por Lean Construction. Con el trabajo de dichas corporaciones se lograron las oficinas de Google en Madrid a un ritmo rápido y constante. www.jump-studios.com


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INSTITUCIÓN FINANCIERA S

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Fotografía cortesía Space

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pace, es una empresa mexicana que basa sus proyectos arquitectónicos en aprovechar la distribución espacial, característica que se puso a prueba en la renovación de una institución financiera, pues el reto fue pasar de dos ubicaciones a un solo edifico. Los espacios fueron dispuestos tomando en cuenta las áreas de interacción social, las que más tarde fueron denominadas “cafés”. A cada uno de éstos se le adjudicó un tema en especial retomando los oficios que la institución apoya con créditos, por ejemplo, la industria del barro negro o la carpintería. El diseño, además de representar la filosofía de la institución con el cliente, también cumple con algunos elementos que reflejan la arquitectura y la cultura de México, un ejemplo de ello es la alfombra que cubre el suelo y que tiene como patrón inspirador los tejidos en telares.

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Space generó un sitio al centro de cada planta del edificio que resuelve la necesidad de los espacios de reuniones formales. Dicha estructura está conformada por una caja de madera insertada en el área cuyos laterales están fabricados de cristal y, para lograr un toque cálido al interior, se colocaron cortinas como elemento de privacidad. Los colores del diseño interior terminan por completar el vínculo con México, pues son los tonos rosa, azul, verde, naranja, rojo, amarillo y violeta los que actualmente distinguen las instalaciones de la institución financiera. A dichos elementos se les agregó el mobiliario, el cual se resolvió con un sistema free standing y panelería con una altura baja que permite el aprovechamiento de luz natural en todos los espacios del edificio. www.spacemex.com


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ERGOLDING SECONDARY SCHOOL BEHNISCH ARCHITEKTEN

Fotografía David Matthiessen

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a Escuela Secundaria Ergolding, en Alemania, actualmente luce como un gran salón de actos constituyendo un encuentro interior y una conexión visual entre los distintos departamentos que la conforman. Behnisch Architekten —firma fundada en 1989, comprometida a ayudar a sus clientes en la búsqueda de la excelencia del diseño en el entorno construido—, se encargó de facilitar a los estudiantes el traslado de un aula a otra mediante un eje central que permite un libre trayecto por cuatro niveles: los superiores, que alojan la zona de música, el gimnasio y la cafetería, y la planta baja en la que se encuentran las salas de recreación. El diseño de las aulas tiene la característica de ser flexible y versátil adecuándose a los diferentes espacios de trabajo, ya sea en grupo o individual. Los pasillos, que conducen a éstas y a los talleres, se van abriendo poco a poco con el propósito de crear un encuentro informal, es decir, con suficiente espacio para poder reunirse, intercambiar información y planificar actividades extracurriculares entre estudiantes, maestros y padres de familia. Fortalecer esencialmente el trabajo pedagógico en la secundaria fue la idea primordial en el empleo de diversos colores: naranja, azul, amarillo,

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verde, y la alineación de las áreas. En la planta baja es donde se vincula el patio de la escuela con el interior, en el que se hallan la sala de música, la sala de artes y los laboratorios de computación. La tercera planta alberga los espacios de Ciencias Naturales, los cuales están divididos en las asignaturas de Física, Química y Biología. La nueva Escuela Secundaria Ergolding envuelve a los estudiantes en un ambiente cálido, dinámico, atractivo y, por supuesto, colorido, al mismo tiempo que ofrece comodidad en espacios de descanso y recreativos. A este bienestar dentro del edificio se le añade la luz, un elemento clave en el diseño de un proyecto. Behnisch Architekten destinó un sistema director de luz e hizo uso de un aire acondicionado híbrido, el cual funciona manual y automáticamente asegurando la distribución continua del aire. El proyecto de este espacio educativo refuerza las cualidades de la visión pedagógica de la escuela, contribuyendo al desarrollo y desempeño de los estudiantes dentro de las aulas, lo que se logra gracias al diseño, funcionalidad e interacción entre sus espacios. www.behnisch.com


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SOCIO-CULTURAL CENTER IN MULHOUSE PAUL LE QUERNEC Fotografía cortesía Paul Le Quernec

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xpresar el dinamismo de un centro cultural y social con sus usuarios es la idea desde donde Paul Le Quernec —arquitecto nacido en 1976 en Quimper, Bretón Kemper, Francia—, parte para la creación de Socio-Cultural Center en Mulhouse, ciudad al este de Francia. La realización de este edificio dedicado a la cultura se asocia con la palabra metamorfosis, la razón de ello es que el barrio en el que fue construido se considera problemático, y con el centro cultural se ha buscado mejorar el ambiente en la vida de sus habitantes y darle una mejor vista a la calle de Agen. Paul Le expresó dicha concepción bajo dos frentes: el primero, en el “ámbito privado” relacionado con la demolición y reconstrucción o reestructuración de proyectos de vivienda; el segundo, en el “dominio público” relacionado con la construcción o reconstrucción de edificios públicos como centros sociales y culturales como es el caso de este proyecto. El diseño interior del centro refleja dinamismo, elemento que es transmitido a los usuarios a través de los colores naranja, azul y blanco, además de su singular y aparentemente asimétrica estructura. Otro de los principios que Paul Le empleó en esta obra es la transparencia, visible en la eliminación de pasillos largos y estrechos que provocan una sensación de aislamiento en el espacio, dándole importancia al sentido de orientación de quien visite el edificio. Considerando que el área de construcción está ubicada en un barrio donde existen actos de delincuencia, se tomaron medidas preventivas y antibandálicas para el edificio (es importante aclarar que no se usaron los típicos telones de acero, bloques de concreto o barras de hierro). Para asegurar la conservación del centro se implementó un sistema compuesto de escamas de zinc en el revestimiento de madera con el fin de fortalecer la cubierta del inmueble. Los elementos diseñados en vidrio fueron módulos de 1,5 o 2 m para evitar las superficies grandes, y para proteger las paredes bajas del centro cultural se creó un foso vegetal que las hiciera más resistentes e inaccesibles. El hecho de que las medidas de seguridad no sean evidentes, ha logrado que los habitantes de Mulhouse respeten de manera automática el edificio; muestra clara de que Paul Le cumplió su propósito: transformar una parte del barrio y brindarle a la comunidad local un centro cultural en el que existe un diálogo entre los habitantes y el espacio. www.paul-le-quernec.fr

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Casa Los Cabos Gloria Cortina Estudio Texto Redacción Fotografía Héctor Velasco cortesía Gloria Cortina Estudio

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Ubicada en Los Cabos, Baja California Sur, esta casa de verano presenta un estilo mexicano con elementos contemporáneos, los cuales, en conjunto, hacen de ella un espacio rodeado de armonía que permite el pleno descanso.

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ara el diseño de Casa Los Cabos, cuyo proceso de trabajo duró entre 8 y 9 meses, Gloria Cortina Estudio, firma líder de interiorismo en México, retomó el uso de componentes característicos de la cultura mexicana tales como: colores vivos — azul turquesa, naranja y verde limón—, textiles, rebozos, bordados, entre otros. El despacho se encargó de lograr un estilo mexicano contemporáneo que, a pesar de emplear colores fuertes, no evidenciara un ambiente cargado de color, para ello, el blanco sirvió como mediador, pues éste permite que cada uno de los elementos brille por cuenta propia. A Gloria Cortina le gusta involucrarse con su cliente con la intensión de reflejar en el proyecto de diseño no sólo su trabajo, sino también la personalidad de quien lo habita y lo disfruta. La razón de usar el color azul en la decoración se encuentra precisamente en ello, pues es el color favorito de la dueña de Casa Los Cabos. Elementos naturales como la madera parota (común en Cabo) fueron utilizados en el diseño de carpintería fija en baños y closets. Gloria trabajó en conjunto con el despacho de arquitectura Ogarrio Zapata para disponer el acabado de determinados muebles, por ejemplo, en la tina, que presenta un terminado en mármol.

La casa cuenta con cinco habitaciones, tres salas, dos comedores y un mediaroom, además de los baños. Cada espacio de la casa está adaptado y diseñado con base en las necesidades y preferencias de la familia; las habitaciones contienen elementos de gusto personal como el color e involucran a la cultura mexicana a través de bordados en los blancos y cojines de rebozo que lucen diferentes y únicos. Una cerámica en color azul turquesa —que fue diseñada por Gloria Cortina y manufacturada en Italia— fue utilizada en la cocina, misma que crea contraste con la madera en tono chocolate. Elementos de arte fueron seleccionados y otros creados por la firma de interiorismo para lograr completar un ambiente de riqueza cultural en la residencia, estas piezas fueron colocados principalmente en los pasillos que unen un espacio con otro. Contemporaneidad, color, mexicanidad, cultura, arte y estilo conforman un cuerpo creativo que distingue a Casa Los Cabos, pues Gloria Cortina Estudio ofrece a quien la habita una completa escena de diseño que permite una estancia armoniosa y placentera en el puerto de Baja California Sur, México. www.gloriacortina.mx

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Para Casa Los Cabos, Gloria Cortina retomó el uso de componentes característicos de la cultura mexicana: colores vivos —azul turquesa, naranja y verde limón—, textiles, rebozos, bordados, entre otros.

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croquis

MELTDOWN JOHAN LINDSTÉN

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n 2012, Giulio Cappellini descubrió el diseño del suizo Johan Lindstén durante el Salone del Mobile en Milán, Italia. El producto de ese encuentro fue la producción de Meltdown por parte de Cappellini, marca que se caracteriza por su diseño de vanguardia. Meltdown es una lámpara esférica de cristal de colores, está hecha de manera artesanal con la técnica del soplado. Su forma está inspirada en el accidente nuclear de Fukushima, ocurrido en marzo de 2011. El desastre se refleja en las lámparas, donde la pantalla y el foco parece que están a punto de fundirse entre sí. El diámetro de cada lámpara es de 285 mm y puede ser colocada de manera lineal o en composiciones interesantes. Los colores en los que se manufactura son: rosa, tabaco, azul claro, amatista y ámbar. www.lindstenform.com www.cappellini.it

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From Manet to Ives… the path to color in design Text: Luis Mercado Rojo “Any customer can have a car painted in any color that he wants as long as it is black.” Henry Ford

It is hard to imagine that color went through a tortuous path to be part of our lives and which needed great advances in technology and art to manage it. One of the things which most strikes me is that today when we are used to using colors in all its ranges and applications, Apple has conquered the world of the personal computers, just by offering them in different colors. Just in 1923, General Motors presented the “Oakland” in two colors and one year after Curtis Publishing Company made the first advertisement in color in four colors. The magazine called this phenomenon: “The color revolution.” In this regard, we became so “insentive” to color that it is impossible for us to imagine the impact that could have the color of the dress of the Queen Victoria during the weddings of her older son in 1858, the lilac color. Nowadays nobody would give importance to this fact but in the mid of the 19th century, the color of the dress meant the progressive spirit of the Industrial Revolution. Since the Roman Empire, the tones lilac and purple were obtained in Europe from the glandular mucus of the mollusks, which made it extremely expensive and finally was the symbol of luxury and richness. It is also in this period of time when the modern art movements, the color exploration and its path towards abstraction start; both fundamental elements in the practice of the contemporary design. It was also in the mid of the 19th century when Manet started to remove details in The Absinthe Drinker (1858-1859); each posterior generation progressively eliminated more visual information to capture the atmospheric light (impressionist), to stress on the emotional qualities of color (expressionist and fauvist) or to see an object from various angles (cubist); this inevitably resulted in a removal process of each detail to arrive to the pure abstraction. Manet and his successors had redefined the artist role in a post-photographic world. The camera freed them from the work of reproducing similarities and enabled them to explore new ways of representation. The scientific advances experimented in Paris led Seurat and many others to look for scientific solutions to their chromatic explorations.

In Optiks (1704) by Isaac Newton (where he discovers how light scatters through a prism in a seven-color spectrum) in the Theory of Colors by Johann Wolfgang von Goethe and especially in the Laws of the simultaneous contrast of color – the law of the simultaneous contrast of colors and of the assortment of colored objects, 1839 – by Michel Eugène Chevreul (1786-1889). Chevreul understood that instead of making experiments with the formulas during the coloring process, the textile factories could obtain satisfying results by manipulating the optical illusions of design in the weave. His major contribution to the theory of color perception was its laws on successive contrast and simultaneous contrast. The law of successive contrast describes the visual effect or “ghost” when after observing an image during a lot of time we see an “image” or “shadow” for example a green image leaves us a “visual memory” during 10-15 seconds, making the next object we observe have a lightly green tone. From the other hand, the Law of simultaneous contrasts explains how two different colors put side to side will give the impression of “irradiating” between them. If we put yellow next to red, we will have the illusion of seeing something orange. In the formal topic, it was Cézanne who observed that when we observe a landscape, we do not see details but rather color blocks; this is how the forms of the fields, the trees, the mountains and even the person started to be reduced. His exploration through the way of reducing geometrically-shaped figures inevitably led to his logical conclusion: the absolute abstraction.

Music plays a much more important role that what we could imagine in the development of the contemporary design. Schopenhauer's misanthropy (1788-1860) might have inspired Richard Wagner (18131883) in developing his idea of Gesamtkustwerk, the creation of a total art including all the disciplines. And it was during a representation in the Bolshoi Theatre in Moscow where Wassily Kandinsky wondered whether he could “make a painting as emotional and epic as Lohengrin by Wagner”, whether he could create a parallel experience where colors are notes and color schemes his composition. What more could be done after pure abstraction…? Not much, we could think, but what if we do not focus on the fiction but on the elements of the painting itself: color, composition, tone, weight, texture? To focus purely on the technical and material aspect of an art piece of work, art has to be reinterpreted from its mere conception, tradition has to be broken with, and it was in the Bolshevik Russia where the conditions to explore this artistic path were present. Whereas the revolutionary leaders planned a new nation never seen or tested before, the avant-garde artists developed a new type of art which pretended to be as advanced and democratic. When in 1913 Kazimir Malevich (1878-1935) was invited to design the scenography of the futurist opera Victory over the Sun, Malevich painted a black painting on a white background, his intention was to make it only part of the scenography but not a piece of art; but this is what did not happen in fact.

Cézanne's work was the cornerstone which resulted in cubism and one of the most important contributions to this was that for the first time canvas was not used as a “window” but was represented as an object in itself; Picasso called it “pure painting”, referring to the fact that it is the observer who has to judge the image for its quality, design (color, line and form) and not for the quality of the illusory trick.

It was a seismic moment in the history of art, in addition to the discovery of the mathematic perspective, Cézane's binocular experiments and Duchamp's urinal.

This approach led to expressions such as Frantisek Kupka's one (1871-1957) who started to produce paintings which went beyond the common understanding, colored canvas which gave no clue about the subject represented. Two years after Robert Delauny presented Simultaneous Disk (1912) where he simply made color his subject; like Seurat he got inspired from Chevreul's book.

Nowadays the contemporary designs share the same theoretical basis: abstract geometry, simplifying the form, reducing the range of colors and focusing on the pureness of the form. Malevich's Suprematism went hand in hand with Tatlin's Constructivism; they both showed the exhibition 5x5=25 in 1921 where Aleksander Ródchenko (1891-1956) presented his triptych Pure red color, Pure blue color and Pure yellow color (1921) which was collectively known as the Last Painting or the End of Painting. With

By 1915, during the second mise en scène of the opera, Malevich was already aware of the implications of his composition and called this type of art Suprematism.

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this, they started to be called “productivists”; they left the pedestal of art and became designers, satisfying Lenin's wishes of giving their contribution to society. At the same time, Piet Mondrian created Neoplasticism in Europe. His intention was to help society to have a new start after the war atrocities. His aim was: “to express in a plastic way what all the things have in common instead of the things which separate us”. He concluded that to reach this, reducing everything to the essential was necessary: color, form, lines and space.

Rudolph Arnheim, Art and Visual Perception: A Psychology of the Creative Eye, revised edition (University of California Press, 1974) The Art of the Everyday Object (Melcher Media, 2004) Salvador Macias Corona, Josef Albers en México (1935-1976) Aproximaciones a la arquitectura mexicana (ETSAB-UPC,Barcelona 2008)

10 trends for 2014 SpAce | Arquitectura Mexicana Contemporánea Architecture, design, business and life style

Off course his trip started in the same place of Tatlin, in Picasso's studio in Paris in 1912. Five years after Mondrian founded with Theo van Doesburg (1833-1931) the magazine De Stilj and they published his famous eponym. Soon after Gerrit Rietveld (1888-1964) gave a physical form to movement with his chairs. It was the first time when an artistic manifesto had direct repercussions on a piece of industrial design and in 1928 he designed the Shröeder House, giving the same philosophy to architecture. Art had come to the same conclusion through different paths: abstraction. They were about to converge in the same place: Bauhaus school of Walter Gropius, Wassily Kandinsky, Paul Klee, El Lissitzky and Van Doesburg. They all responded to Gropius' s call to explore the possibilities of a school which would carry forward Wagner's ideas with his Gesamtkustwerk and “Arts and Crafts” of Ruskin and Morris. It was in this melting pot where the basis of design we all know were laid and which scattered throughout the world with the Nazi arrival, defining the design movements until nowadays.

Bibliography Regina Lee Blaszccy, The color revolution, (MIT Press 2012), (Lemelson Center studies in invention and innovation) Will Gompetz, What Are You Looking At?: The Surprising, Shocking, and Sometimes Strange Story of 150 Years of Modern Art, (Plume, 2013) Foster, Krauss, Bois, et al, Art Since 1900: Modernism, Antimodernism, Postmodernism (Thames & Hudson, 2011) “Color in Industry”, Fortune (Feb. 1930) 85-94 M. E. Chevreul, The Principles of Harmony and Contrast of Colours, and Their Applications to the Arts (Longman, 1854), The Laws of Contrast of Colour, new edition (Routledge, 1861); Viénot, Josef Albers, Interaction of Color, revised edition (Yale University Press, 2006) 108

For almost one decade and year after year in SpAce we have developed an analysis of trends which,

We believe that from 2014 onwards we will start to see these differences between linear and exponential development in issues such as technology, biotechnology, neurology, etc… 2. Sustainability consolidation Perhaps one of the clear results of 2013 is that it was the year when finally sustainable architecture proved not to be a fashion or a temporary trend. In Mexico, there is currently a considerable quantity of projects in process of leed certification. The market has accepted this certification as the new quality standard in design and building. The increase of leed projects and pces certification will be notable in 2014.

to our view, are changing and influencing the world. In the past we used the study of these trends to generate design proposals which help our clients to plan and use their places.

The ten trends are the result of an observation of the behavior of the organizations with which we collaborate: we studied the bibliography related to various topics and the content of congresses and conferences in which we participated during the last months. According to the Law of Accelerating Returns (loar) based on the exponential theory of the development by Ray Kurzweil, the evolution is exponential and not linear, as many thought. This means that the advances we will see in future will be increasingly great in less time and probably at levels the majority has not thought. This is why we are convinced of the importance trend analysis has in any industry but mainly in those where planning future is the main business. In this occasion, and for the first time, we have decided to share with our customers and friends this work of trend definition, hoping this will help all of us to understand a bit better where the world is heading for. Juan Carlos Baumgartner Leed Ap Director SpAce

1. Exponential theory of development According to this theory, the development or evolution, as we commented, does not take place in a linear but in an exponential way. When a technology emerges and starts to develop, at the beginning its evolution seems to be linear until when it is sufficiently and in such a way advanced that the “leaps” are unimaginable.

3. Life quality and balance If we assume that the concern for sustainability issues is a strong issue and that the great majority of the organizations are doing something in this regards, to a greater or lesser extent, many individuals of these groups will start to focus their attention on the balance and quality of life. In 2014 we will see many efforts in different areas made to provide human beings with places which will enable them to reach a balance and quality; we will see more and more developments of mixed uses which will mix typologies and seek this harmony. 4. An image is worth three thousand five hundred words We have become a society where the visual is predominant; the language of images is increasingly replacing other forms of communication. Technology has revealed the photographer that we all had technology inside. Interior design, architecture, industrial design will not remain aloof to this evolution in the way of communicating as the images integrate more and more the rest of design. 5. How do you do? I present you your brain According to the experts, one of the great revolutions we are seeing will derive from the current advances regarding the knowledge we have about how the brain works. The easiness in which magnetic resonance equipments can be used to scan the brain has managed to give us more information regarding our brain in the last decade in comparison with what was managed to be generated in the last 150 years. Up to date the majority of these studies have been applied to the neurology or medicine field.


But this has started to change: this great knowledge revolution will virtually impact any job and industry. In marketing, neurology will be increasingly relevant and in design, we will see how a subdiscipline emerges: neurodesign. 6. Design as part of your life The majority of the challenges we will face as a society will generate the need to rethink of many thinks: how we educate, how we work and in general how we live. The need to create more innovative, more empathetic solutions which adequately respond to the challenges we face will emerge from these interrogations.

The brain has approximately one trillion neurons which will not work a lot without the ability to interconnect. In the organizations and societies, it is not different. Good ideas are generated insofar as this organization can be interconnected. If like many other trends, this concept is not exclusive of this beginning year, in 2014 we will see that the most creative companies are those which managed to understand how to interconnect organizations and individuals which compose them.

another moment would not have been available, as this is the case of ebd. In 2014 we will see that these countries will start to apply an evidence-based design to create a new generation of health care places where architecture would be a fundamental component.

Focus Iñaki Echeverría

Iñaki Echeverría is an architect and urban landscapist; he founded his own firm in 2008.

We will have the opportunity to redesign our society, our education systems, our economies, our cities.

According to Steven Johnson, all the intellectual revolutions in the history of humanity were linked to physical environments which managed to interconnect people in atmospheres which enabled to build ideas about the other people's thoughts.

We have seen for years how design has been limited to spaces and objects but this way of understanding design will be changing: everything can be designed, from services to experiences, including processed and complete communities.

And this is how this year a significant question emerges: if our brain and the natural generation of ideas work in this way, why have not we been able to build environments which enable this exchange in schools, universities and companies?

7. Social learning This was probably one of the biggest trends of 2013 and it is again part of the first 10 trends which will radically influence 2014.

9. The engagement decade Unfortunately there is no word in Spanish which translates engagement with all its meaning.

The Museum Papalote Verde Monterrey, a museum dedicated to sustainability and environmental education has the multidisciplinary approach of his whole team who work in specific searches and solutions for the complexity of each project, going from environmental restoration at a large scale, public restoration projects to urban landscape planning.

It is based on what in the USA is known as “Social Learning Theory” and relies upon a series of studies which have proved that about 50% of what a person learns takes place in social atmospheres.

The Gallup Group recently published the study “State of the Global Workforce” which surveyed more than 47.000 employees around the world.

These studies and all the literature on this matter have generated the doubt if the places where we were educated during decades really respond to the way the human being learns and if the organizations which designed them promote learning. The answer is negative in the great majority of the cases. In 2014 we will see how education institutions and organizations will migrate to places focused on social collaboration, promoting fortuitous encounters. 8. The ideas are not isolated things but form a network Today we know that the ideas are generated in the brain not as isolated elements but as the result of thousands of connections, as the result of a network of neurons. This is true if we want to resolve a complex problem of physics or if we want to write the paragraph of a novel.

The results of this study showed what we were already supposing: the majority of the organizations are doing a bad job regarding the generation of engagement with their employees. This year we will see how this topic becomes a priority for many organizations. 10. Evidence-based design Like some other trends, this is a tendency which has been growing for many years. The evidence-based design (ebd) is a study field which reveals how design affects the users of a place. ebd will become the key methodology in the design of health care places, seeking to improve the health of the patients and reduce the stress of their relatives and caregivers.

Paradoxically the delay and backwardness of Mexico and other Central American countries give us the opportunity to apply new strategies in the design of health care places that in

His offices are located in Mexico City and he develops there both public and private high-profile architectural plans. Among his projects, there is the Ecological Park of Texcoco Lake perfected by over 150 specialists headed by the Echeverría team.

The combination of design, architecture and art are present thanks to Iñaki's education, an architect graduated from the una, in addition to having a Master Degree from Columbia University and studies in History of Art in the uc Berkeley. He is design teacher in the University Iberoamericana and director of Berlin Summer Workshop in Aedes Network Campus Berlin. Papalote Verde Monterrey This subterranean museum, currently under construction, is located in the Park Fundidora of Monterry City, Nuevo León; it has a surface of 9,717 m2 built from which 8,173 m2 were divided into three areas and the remaining 1,544 m2 form the reused places. It is worth mentioning that it is 7,421 m2 of fragmented space in 3,866 m2 of green ceiling and 3,555 m2 of squares, gardens and water bodies. The project is based on two strategies: from the one hand, the restoration of two already existing buildings and on the underground construction of a new building so that the subterranean structure reduces the visual and environmental impact in the place to help to conserve the horizontality of the park.

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The architectural studio leaves the traditional museum concept aside and makes the building part of the learning experience, in addition to hoping it becomes one of the first buildings in Mexico with leed Platinum certification.

Ecological Park Texcoco Lake The project objective is to become the biggest urban park of the world with a 143’885,800 m2 surface. This area is located in the Valley of Texcoco in the State of Mexico. It will be a new environmental system which will incorporate nature, culture and infrastructure, what the architecture and landscape team denominated “cultural ecology”. This infrastructure will be able to link the city to its geography, in addition to incorporating the hydrological cycles, eliminating the flooding dangers and helping to reestablish the local ecosystem. The architectural program gathers an information pavilion, the Nabor Carillo “rambla”, sports, eco-recreational areas, agroecosystems, demonstrative wetlands and a fairground. The project aims at fostering the local ecosystem through reforestation, replanting and the reintroduction of species. www.parquetexcoco.com Altabrisa Department store The front design project in Altabrisa, in Villermosa, Tabasco, was inaugurated in March 2012. Its main objective is to achieve a modern and dynamic style which will give to Liverpool a new image as it is the biggest brand of Mexico with 8,070 m2 of surface. The rest consisted in facing the tropical climate of the region. To respond to this, the concrete was chosen to be used as a design material for it is resistant both to the inclement weather conditions and to aging. Five types of prefabricated pieces in propeller form were created and make the front up: each one rotates 180° on its own axis; its height varies from 16 to 20 meters. The movement sensation, the changes of light during the day and the artificial lighting by night give to the front a unique image. Bicentennial Park The proposal for designing the Bicentennial Park is not only based on its image but in

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its performance and adaptability capacities that is to say on its ecological competence through useful strategies for the park.

and a bathroom. The first level has a private terrace and the 11th level has three penthouses.

Located in Azcapotzalco, Mexico City, the commemorative park of the 200th anniversary of the Independence of Mexico is composed of an orchid garden, a botanical garden, a museum, an aquarium, a dolphinarium, sports and recreational areas and administrative places developed in a 550,000 m2 surface.

The lateral penthouses have a kitchen, a 1/2 guest bathroom, a dining room, a bedroom, a dressing room and a complete bathroom. The apartment is being developed at double height in the central area where there are stairs to access to the roof garden in the flat roof. The central penthouse houses a kitchen, a dining room, a bedroom and a complete bathroom, and similarly is being entirely developed at a double height.

The concept responds to the immediate urban context through an architectural program of a greater volumetric presence located on the edge – it was considered to be located near the Metro Collective Transport System – and from the other hand it is a lower-intensity project in the center of the place, which gives the impression of being an oasis. Both developments are intertwined and give to the users several interpretations of both the place and the project. Aedes Architektur Forum The Berlin gallery Aedes Architektur Foum invited the architect and urbanist Iñaki Echeverría to present his work and becomes the first Mexican firm in exhibiting his projects in the museum. The exhibition was focused on the Project Ecological Park Texcoco Lake in Mexico, showing the existing renovation between experience, geography and architecture, a characteristic defining the office projects. Through graphic material, plans and an installation designed ex profeso, the assistants knew the details on the Ecological Park Texcoco Lake and Iñaki's other projects such as the Children's Museum: Papalote Verde Monterrey, the House of the Three Lives and the Lake Museum.

Insurgentes 465 The project is located in 464 Insurgentes Avenue, Colonia Condesa, Mexico City. The building includes a housing project of 30 apartments, a commercial premises in the mezzanine, a parking, a store house and machine rooms, making up a 4,500 m2 built total area. Each level has three apartments, two lateral and one central; the lateral apartments have a kitchen, 1/2 bathroom, a dining room, a balcony, a bedroom, a dressing room and a bathroom, the central apartments have a kitchen, a dining room, a bedroom

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COLECCIÓN

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lum es una serie de enseres para bar que atrapa la cultura de la coctelería y las bebidas tradicionales en objetos contemporáneos. Realizadas a partir de vidrio y cobre, cada pieza ofrece una función atractiva para restaurantes, bares u hogares. Cada elemento de vidrio fue soplado y cortado a mano. La coctelera futurista de chapa de cobre es un cilindro con el centro abultado y redondo, los extremos cuentan con bordes más afilados que ofrecen un buen agarre y equilibrio firme. El extremo delgado de la tapa también funciona como medidor. 112

El juego está conformado por accesorios esenciales: pinzas, jarrones, mezcladores, coctelera, bandeja, hielera, exprimidor y vasos. A través de la colección, la firma londinense Tom Dixon buscó una forma sofisticada para servir bebidas. www.tomdixon.net www.studioroca.com


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GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 19 Portada por / Cover by: IÑAKI ECHEVERRÍA