La Freccia Sans Frontières - aprile/maggio 2022

ANNO/ANNÉE I – NUMERO/NUMÉRO 1 | APRILE-MAGGIO/AVRIL-MAI 2022 | NON GETTARE SULLA STRADA PUBBLICA/NE PAS JETER SUR LA VOIE PUBLIQUE

SANS FRONTIÈRES

RINASCERE INSIEME RENAÎTRE ENSEMBLE

EDITORIALE/ÉDITORIAL

UN FUTURO SENZA FRONTIERE L’

abbiamo sottotitolata Sans Frontières – e vuole essere un augurio – questa edizione bilingue de La Freccia dedicata a chi viaggia sul Frecciarossa tra Milano, Torino, Modane, Chambéry, Lione e Parigi.

Il magazine La Freccia accompagna da oltre dieci anni i passeggeri dell’Alta Velocità di FS Italiane, come delle altre Frecce Trenitalia (Frecciargento e Frecciabianca). Ha l’ambizione di intrattenerli e stimolarli, anche suggerendo loro nuove mete e viaggi, cerca di regalare un po’ di svago, qualche informazione, curiosità e buona lettura, e qualche incontro con persone che hanno storie interessanti da raccontare, siano esse attrici o scrittrici, atleti o artisti, musiciste o intellettuali. Insomma, nel tempo La Freccia è diventata un’apprezzata compagna di viaggio e tale ci augu-

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riamo diventi anche questa edizione Sans Frontières.

Perché senza frontiere? Eppure sappiamo che le frontiere esistono, che persino ogni abitazione ha un dentro e un fuori e che non sempre i rapporti con il vicino, anche di pianerottolo, sono idilliaci. Sappiamo che per difendere o spostare di qualche chilometro le proprie frontiere si scatenano anche oggi conflitti sanguinosi.

Lo stiamo vedendo e, in alcuni casi, persino vivendo. E proprio per questo quel Sans Frontières intende essere un augurio. Quello di poter sempre viaggiare liberamente e confrontarsi gli uni con gli altri, superando qualsiasi barriera e diffidenza di qualsivoglia natura. Misurandosi con la storia e la cultura altrui, mossi da curiosità e capacità di ascolto e rispetto. L’augurio di potere e sapere apprezzare il valore e la ricchezza della diversità

e della pluralità di idee e modi di vivere, bere, mangiare, vestirsi. Il tutto difendendo la propria identità nella misura in cui tuteliamo quella altrui.

Italia e Francia hanno tanti elementi che le accomunano e tanti che le distinguono. Come accade tra le città italiane, tra i tanti borghi ciascuno geloso della propria storia e delle proprie tradizioni. Conoscerle e viverle arricchisce il patrimonio di ciascuno ed è un piccolo contributo a quel dono prezioso quanto delicato che è la pace. Essere liberi di viaggiare aiuta a vedersi e sapersi uguali, pur nelle differenze anche di lingua, fede religiosa, credo politico, e a sentirsi uniti in un vincolo di umana fratellanza. La Francia l’ha inciso come proprio motto, figlio della propria storia: liberté, egalité, fraternité. Sarebbero gli ingredienti per vivere e prosperare tutti in pace.

© daboost/AdobeStock

UN AVENIR SANS FRONTIÈRES N

ous avons sous-titré Sans Frontières – et c'est un vœu – cette édition bilingue de La Freccia dédiée à ceux qui voyagent sur le Frecciarossa entre Milan, Turin, Modane, Chambéry, Lyon et Paris.

Le magazine La Freccia accompagne les passagers des trains à grande vitesse de FS Italiane, ainsi que des autres Freccias (Frecciargento et Frecciabianca) de Trenitalia, depuis plus de dix ans. Il a pour ambition de les divertir et de les stimuler, en leur proposant également de nouvelles destinations et de nouveaux voyages. Il tente de leur apporter un peu de divertissement, d'information, de curiosité et de bonne lecture, ainsi que quelques rencontres avec des personnes qui ont des histoires intéressantes à raconter, qu'elles soient actrices ou écrivaines, sportifs ou artistes, musiciennes ou intellectuelles. Bref, au fil du temps, La Freccia est devenue un compagnon de voyage apprécié, et

nous espérons que cette édition Sans Frontières le sera tout autant.

Pourquoi sans frontières ? Car que nous savons bien que les frontières existent, que même chaque maison a un intérieur et un extérieur et que les relations avec les voisins, même sur le palier, ne sont pas toujours idylliques. Nous savons que pour défendre ou s'éloigner de quelques kilomètres de ses frontières, aujourd'hui encore, des conflits sanglants éclatent. Nous le voyons et, dans certains cas, nous le vivons. Et c'est précisément pour cette raison que Sans Frontières est une sorte de vœu. Celui de pouvoir toujours voyager librement et de nous confronter les uns aux autres, en surmontant toutes les barrières et les méfiances de toutes sortes. Le vœu de pouvoir se mesurer à l'histoire et à la culture des autres, animé par la curiosité et la capacité d'écoute et de respect. Le vœu de pouvoir apprécier la valeur et la richesse de la diversité et la pluralité

des idées et des manières de vivre, de boire, de manger et de s'habiller. Tout cela en défendant notre propre identité dans la mesure où nous protégeons celle des autres. L'Italie et la France ont de nombreux éléments en commun et beaucoup qui les distinguent. Comme c'est le cas entre les villes italiennes, entre les nombreux villages, chacun jaloux de sa propre histoire et de ses traditions. Les connaître et les vivre enrichit le patrimoine de chacun et constitue une petite contribution à ce don précieux et délicat qu'est la paix. Le fait d'être libres de voyager nous aide à voir et à savoir que nous sommes égaux, malgré les différences de langue, de foi religieuse et de convictions politiques, et à nous sentir unis dans un lien de fraternité humaine. La France l'a gravée comme sa propre devise, fruit de son histoire : liberté, égalité, fraternité. Tels sont les ingrédients pour que nous puissions tous vivre et prospérer en paix.

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SOMMARIO/SOMMAIRE APRILE-MAGGIO/AVRIL-MAI 2022

IN COPERTINA COUVERTURE MIKA

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36 LA VITA FA FESTA LA VIE EN FÊTE

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44 IN VIAGGIO SUI TRENI STORICI EN VOYAGE SUR LES TRAINS HISTORIQUES

IL PARCO DEL COLOSSEO E I SUOI SEGRETI LE PARC DU COLISÉE ET SES SECRETS

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PHOTOSTORIES

12 RENDEZ-VOUS

18 WHAT’S UP

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«NON RAPPRESENTO NIENTE, DIPINGO» « JE NE REPRÉSENTE RIEN, JE PEINS »

56 UN SORSO DI SOGNI UNE GORGÉE DE RÊVES

GUSTA & DEGUSTA

24 VOILÀ, MIKA

ETERNA MONICA ÉTERNELLE MONICA

L’ARTE DI YVES SAINT LAURENT L’ART D’YVES SAINT LAURENT

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IL CORAGGIO PER VINCERE LE COURAGE DE VAINCRE

SCAMPOLI DI REALE BRIBES DE RÉALITÉ

LA CINA VISTA DA BRESSON LA CHINE VUE PAR BRESSON

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Tra le firme del mese/Parmi les signatures du mois

I numeri di questo numero/Les chiffres de ce numéro

EDITORE/ÉDITEUR

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Direzione Centrale Comunicazione Esterna Communication Piazza della Croce Rossa, 1 | 00161 Roma fsitaliane.it Contatti di redazione Coordonnées rédaction Tél. +39 06 44105298

l’edizione del prossimo Festival del cinema a Cannes L’édition du prochain Festival de Cannes [pag. 18] GIULIANO COMPAGNO Ha pubblicato 24 volumi tra saggistica, narrativa, aforismi e comica, oltre ad aver scritto quattro libretti di opera contemporanea per il maestro Vittorio Montalti. Vive a Roma, da dove in genere parte e ritorna Il a publié 24 volumes dont des essais, des fictions, des aphorismes et des écrits comiques, et a composé quatre livrets d'opéra contemporain pour le Maestro Vittorio Montalti. Il vit à Rome, d'où il part et revient régulièrement.

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gli ettari del Parco del Colosseo a Roma Les hectares du Parc du Colisée, à Rome [pag. 43]

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le artiste e gli artisti alla 59esima Esposizione d’arte a Venezia les artistes de la 59e Exposition d’art, à Venise [pag. 57]

GIULIANO PAPALINI Giornalista professionista con una lunga esperienza nel settore economico e finanziario.

Collezionista ed esperto di arte moderna e contemporanea, segue come art advisor alcune collezioni private italiane e internazionali Journaliste professionnel ayant une longue expérience dans le secteur économique et financier. Collectionneur et expert en art moderne et contemporain, il suit certaines collections privées italiennes et internationales en tant que conseiller artistique.

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gli anni dalla prima sfilata di Yves Saint Laurent les années du premier défilé de Yves Saint Laurent [pag. 72]

Direttore Responsabile Directeur responsable Marco Mancini Responsabile Editoria Responsable éditorial Davide Falcetelli Caporedattrice Rédactrice en chef Michela Gentili Coordinamento editoriale Coordination éditoriale Sandra Gesualdi, Cecilia Morrico, Francesca Ventre In redazione En rédaction Gaspare Baglio Segreteria di redazione Secrétaire de rédaction Francesca Ventre Coordinamento creativo Coordination artistique Giovanna Di Napoli Ricerca immagini e photo editing Recherche images et photos édition Claudio Romussi Hanno collaborato a questo numero Collaborateurs de ce numéro Francesco Bovio, Giuliano Compagno, Fondazione FS Italiane, Giuliano Papalini, Enrico Procentese, Andrea Radic Traduzioni Traductions Verto Group Srl - Perugia

REALIZZAZIONE STAMPA RÉALISATION ET IMPRESSION

Via A. Gramsci, 19 | 81031 Aversa (CE) Tél. + 39 081 8906734 | info@graficanappa.com Coordinamento tecnico Coordination technique Antonio Nappa

PROGETTO CREATIVO PROJET CRÉATIF SANS FRONTIÈRES

BIMESTRALE GRATUITO PER I VIAGGIATORI DI BIMENSUEL GRATUIT POUR LES PASSAGERS DE FERROVIE DELLO STATO ITALIANE ANNO/ANNÉE I – NUMERO/NUMÉRO 1 APRILE-MAGGIO/AVRIL-MAI 2022 ENREGISTREMENT TRIBUNAL DE ROME N° 28/2022 DEL/DU 23/02/2022 CHIUSO IN REDAZIONE IL/CLÔTURE DE LA RÉDACTION LE 31/03/2022

ANDREA RADIC Giornalista professionista, si è occupato di comunicazione per enti pubblici e privati ed è stato vicedirettore di Italia a Tavola. Oggi scrive per Identità Golose e Ansa, conduce su Radio Rai A spasso con Radic e su Gambero Rosso Channel Italia Vicina. Dal 2018 scrive su La Freccia e su FSNews.it.

Journaliste professionnel, il a travaillé dans le domaine de la communication pour des entités publiques et privées et a été rédacteur en chef adjoint de Italia a Tavola. Il écrit pour Identità Golose e Ansa, dirige sur Radio Rai A spasso con Radic et sur Gambero Rosso Channel Italia Vicina. Depuis 2018, il écrit sur La Freccia et sur FSNews.it.

Foto e illustrazioni Photos et illustrations Archivio fotografico/Archives photographiques FS Italiane Adobestock Copertina/Couverture : © Giulio Rustichelli Se non diversamente indicato, nessuna parte della rivista può essere riprodotta, rielaborata o diffusa senza il consenso espresso dell’editore Tous droits réservés Sauf indication contraire, aucune partie de la revue ne peut être reproduite, modifiée ou diffusée sans l'autorisation expresse de l'éditeur

ALCUNI CONTENUTI DELLA RIVISTA SONO RESI DISPONIBILI MEDIANTE LICENZA CREATIVE COMMONS CERTAINS CONTENUS DE LA REVUE SONT MIS À DISPOSITION SOUS UNE LICENCE CREATIVE COMMONS

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Team creativo Équipe de projet Antonio Russo, Annarita Lecce, Giovanni Aiello, Manfredi Paterniti, Massimiliano Santoli

PER LA PUBBLICITA SU QUESTA RIVISTA POUR LA PUBLICITÉ SUR CETTE REVUE advertisinglafreccia@fsitaliane.it | + 39 06 4410 4428

La carta di questa rivista proviene da foreste ben gestite certificate FSC®️ e da materiali riciclati Le papier de cette revue provient de forêts certifiées FSC® et de matériaux recyclés.

On web/En ligne La Freccia Sans Frontières si può sfogliare su Vous pouvez également lire La Freccia Sans Frontières sur fsnews.it e ISSUU 5

RAILWAY heART

IN VIAGGIO SUI TRENI STORICI 6

EN VOYAGE SUR LES TRAINS HISTORIQUES

Treno del Sacro Monte Da Novara a Varallo Sesia, attraverso 54 km di ferrovia, per scoprire la pianura e le colline piemontesi fino alla valle racchiusa tra le Alpi Pennine, dove sorge l'imponente complesso architettonico del Sacro Monte, Patrimonio dell'umanità dal 2003. Un’esperienza di viaggio che unisce la bellezza del territorio ai sapori dei prodotti tipici alpini e prealpini Train du Sacro Monte De Novare à Varallo Sesia, à travers 54 km de chemin de fer, pour découvrir la plaine et les collines piémontaises jusqu'à la vallée encerclée par les Alpes pennines, où se dresse l'imposant complexe architectural du Sacro Monte, inscrit au patrimoine mondial depuis 2003. Une expérience de voyage qui allie la beauté de la région aux saveurs des produits typiques des Alpes et des Préalpes 7

RAILWAY heART

TRE ITINERARI TURISTICI, DA PERCORRERE SU CONVOGLI D’EPOCA, PER SCOPRIRE VALSESIA, BRIANZA E LAGO MAGGIORE a cura di/sous la direction de Fondazione FS Italiane

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a Fondazione FS Italiane è nata nel 2013 per preservare e valorizzare il patrimonio di storia e tecnica delle Ferrovie dello Stato Italiane. Da quasi dieci anni promuove studi e ricerche sulla cultura ferroviaria del Paese, grazie a un ampio patrimonio di documenti, gestisce il Museo ferroviario nazionale di Pietrarsa, vicino Napoli, e le attività di turismo culturale a bordo dei treni storici restaurati.

Grazie al progetto Binari senza Tempo, infatti, la Fondazione FS regala nuova vita a 11 linee ferroviarie italiane sospese, recuperate con una nuova vocazione turistica. Oltre 600 km di strada ferrata, non più utilizzati per il trasporto regolare, oggi vengono percorsi da convogli storici che accompagnano i viaggiatori alla scoperta di panorami, tesori d’arte e sapori. Le foto di queste pagine raccontano tre di questi itinerari.

foto/photos © Archivio Fondazione FS Italiane

Besanino express Da Milano a Lecco attraverso la Brianza, circondata dalle valli prealpine del Triangolo lariano, su un treno storico a vapore – il Besanino – che ha compiuto 110 anni. Un paesaggio armonico che, incorniciato nel finestrino del treno, ricorda un quadro impressionista Besanino express De Milan à Lecco en passant par la Brianza, entourée par les vallées préalpines du Triangolo Lariano sur un train à vapeur historique – le Besanino – qui fête ses 110 ans. Un paysage harmonieux encadré dans la fenêtre du train, évoquant une peinture impressionniste 8

Laveno express Il treno storico parte da Milano, capitale economica italiana, e conduce i viaggiatori fino alla città di Laveno, sul bacino borromeo del Lago Maggiore. Un viaggio unico nel suo genere, per godere di un panorama mozzafiato e assaporare i prodotti tipici di tanti borghi caratteristici Laveno express Le train historique part de Milan, la capitale économique de l'Italie, et emmène les voyageurs dans la ville de Laveno, sur le bassin borroméen du lac Majeur. Un voyage unique pour profiter d'un panorama à couper le souffle et déguster les produits typiques de nombreux villages caractéristiques

TROIS ITINÉRAIRES TOURISTIQUES EN TRAIN D'ÉPOQUE POUR DÉCOUVRIR LA VALSESIA, LA BRIANZA ET LE LAC MAJEUR

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a Fondation FS Italiane a été créée en 2013 pour préserver et valoriser le patrimoine historique et technique des chemins de fer italiens. Depuis près de dix ans, elle encourage les études et les recherches sur la culture ferroviaire du pays, grâce à un vaste patrimoine documentaire, en gérant le Musée national du chemin de fer de Pietrarsa, près de Naples, et des activités de tourisme culturel à bord de trains historiques restaurés.

Grâce au projet Binari senza Tempo, la Fondation FS donne une nouvelle vie à 11 lignes ferroviaires italiennes suspendues, restaurées avec une nouvelle vocation touristique. Plus de 600 km de voies, qui ne sont plus utilisées pour le transport régulier, sont désormais parcourus par des trains historiques qui accompagnent les voyageurs dans leur découverte des paysages, des trésors artistiques et des saveurs. Les photos de ces pages décrivent trois de ces itinéraires.

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RAILWAY heART

PHOTOSTORIES a cura di/sous la direction de Enrico Procentese

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LUOGHI La stazione Centrale di Milano La gare de Milan mickeyfalzone

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Utilizza l’hashtag #railwayheart oppure invia il tuo scatto a railwayheart@fsitaliane.it. L’immagine inviata deve essere di proprietà del mittente e priva di watermark. Le foto più emozionanti tra quelle ricevute saranno selezionate per la pubblicazione nei numeri futuri della rubrica. Railway heArt è un progetto di Digital Communication, FS Italiane.

Utilisez l’hashtag #railwayheart ou envoyez votre photo à railwayheart@fsitaliane.it. La photo envoyée doit être la propriété de l'expéditeur et ne pas comporter de filigrane. Les photos les plus intéressantes seront sélectionnées pour être publiées dans les prochains numéros de la rubrique. Railway heArt est un projet de Digital Communication, FS Italiane.

PEOPLE In viaggio sul Frecciarossa 1000 En voyage sur le Frecciarossa 1000 davide_drums

IN VIAGGIO La Gare de Lyon a Parigi La Gare de Lyon à Paris ferrovispot_photo

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RENDEZ-VOUS a cura di/sous la direction de Francesca Ventre – f.ventre@fsitaliane.it

save the date

APRILE-MAGGIO/AVRIL-MAI

2022

GIULIO CESARE IN EGITTO/JULES CÉSAR EN ÉGYPTE PARIGI DALL’11 AL 22 MAGGIO L’opera di Georg Friedrich Händel va in scena al Théâtre des Champs-Elysées l’11 maggio, con repliche il 14, 16, 18, 20 e 22. Diretta da Damiano Michieletto, con l'orchestra affidata a Philippe Jaroussky, vanta un cast composto da grandi interpreti del barocco. Gaëlle Arquez è Giulio Cesare, Sabine Devieilhe interpreta Cleopatra, Franco Fagioli è Sesto Pompeo e Carlo Vistoli Tolomeo. Händel ritrae il dittatore romano già vecchio, ormai vicino al momento del tradimento dei suoi, che lo pugnaleranno a morte. È «un dramma sul destino», come spiega lo stesso regista, simboleggiato dalle tre Parche che con i loro fili stabiliscono la lunghezza della vita. theatrechampselysees.fr PARIS DU 11 AU 22 MAI L'opéra de Georg Friedrich Händel sera présenté au Théâtre des Champs-Élysées le 11 mai, avec des répliques les 14, 16, 18, 20 et 22 mai. Dirigé par Damiano Michieletto, avec l'orchestre confié à Philippe Jaroussky, il s'appuie sur une distribution de grands interprètes baroques.

Gaëlle Arquez est Jules César, Sabine Devieilhe joue Cléopâtre, Franco Fagioli est Sextus Pompée et Carlo Vistoli, Ptolémée. Händel dépeint un dictateur romain déjà âgé, proche du moment de la trahison par ses hommes, qui le poignarderont à mort. C'est « un drame sur le destin », comme l'explique le metteur en scène lui-même, symbolisé par les trois Parques dont les fils déterminent la durée de la vie. theatrechampselysees.fr

HYPERRÉALISME. CECI N’EST PAS UN CORPS LIONE FINO AL 6 GIUGNO La Sucrière, edificio industriale di un secolo fa completamente ristrutturato nel 2011, è la sede di una mostra che sovverte la classica visione dell’arte. Più di 40 sculture iperrealiste esprimono una minuziosa rappresentazione della natura, tanto da annullare quasi la distinzione tra creazione e corpi viventi. Le opere suscitano infatti una sensazione di straniamento, ma nello stesso tempo sono portatrici di significati potenti. Tra i nomi internazionali degli autori presenti spiccano George Segal, Ron Mueck, Maurizio Cattelan, Berlinde De Bruyckere, Duane Hanson, Carole A. Feuerman, John De Andrea. lasucriere-lyon.com HYPERRÉALISME. CECI N’EST PAS UN CORPS LYON JUSQU’AU 6 JUIN La Sucrière, un bâtiment industriel centenaire entièrement rénové en 2011, est le lieu d'une exposition qui subvertit la vision classique de l'art. Plus de 40 sculptures hyperréalistes expriment une représentation méticuleuse de la nature, brouillant presque la distinction entre la création et les corps vivants. Les œuvres évoquent un sentiment d'aliénation, mais sont en même temps porteuses de significations puissantes. Parmi les artistes internationaux présents figurent George Segal, Ron Mueck, Maurizio Cattelan, Berlinde De Bruyckere, Duane Hanson, Carole A. Feuerman, John De Andrea. lasucriere-lyon.com Carole A. Feuerman, General's Twin © Tempora - Catalina, Carole A. Feuerman

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Sileno disteso, I sec. d.C. Particolare. Affresco da Villa Arianna, Stabiae/Silène allongé, Ier siècle Après J.C. Détail. Fresque de la Villa Arianna, Stabiae

INVITO A POMPEI TORINO DALL’8 APRILE AL 29 AGOSTO Si entra nelle case alle pendici del Vesuvio, per capire come erano arredate o decorate e quali oggetti venivano usati ogni giorno da chi le abitava. È un viaggio nell’antica città di Pompei, distrutta dall’eruzione del 79 d.C., la mostra allestita nel Museo civico d’arte antica, a palazzo Madama.

Il percorso si snoda attraverso la ricostruzione delle residenze più lussuose e propone una selezione di 120 opere, tra affreschi, statue, gioielli, bronzi, oltre ai drammatici calchi in gesso di alcune vittime. Si possono ammirare spazi domestici come il triclinio, il peristilio con il giardino e le stanze da letto. In esposizione anche il plastico di fine ‘800 della Casa del poeta tragico, una di quelle che più hanno stimolato l’immaginario di viaggiatori e artisti del Grand Tour. palazzomadamatorino.it

INVITATION À POMPEI TURIN DU 8 AVRIL AU 29 AOÛT Nous entrons dans les maisons sur les pentes du Vésuve, pour comprendre comment elles étaient meublées ou décorées et quels objets étaient utilisés quotidiennement par leurs habitants. Il s'agit d'un voyage à travers la ville antique de Pompéi, détruite par l'éruption de 79 après J.-C., dans le musée civique d'art antique du Palazzo Madama.

Le parcours serpente à travers la reconstruction des résidences les plus luxueuses et offre une sélection de 120 œuvres, dont des fresques, des statues, des bijoux, des bronzes, ainsi que des moulages en plâtre spectaculaires de certaines des victimes. Les visiteurs peuvent admirer les espaces domestiques tels que le triclinium, le péristyle avec le jardin et les chambres. Également exposée, la maquette de la fin du XIXe siècle de la Maison du poète tragique, l'une de celles qui ont le plus stimulé l'imagination des voyageurs et des artistes du Grand Tour. palazzomadamatorino.it MIA FAIR| MILAN IMAGE ART FAIR 2022 MILANO 28 APRILE>1° MAGGIO Oltre settemila m² del Superstudio Maxi accolgono la più importante fiera italiana dedicata alla fotografia internazionale. L’immagine coordinata dell’XI edizione è firmata dall’artista olandese Larissa Ambachtsheer, che a Mia Fair propone opere tratte dalla serie You Choose, I seduce (2017), con nature morte di frutta e verdura create per interrogarsi sul ruolo del colore nel cibo e sulla sua manipolazione. Tra le sezioni d’interesse, la Main section e Beyond Photography-Dialogue riservata alle gallerie che promuovono i giovani. Torna anche il Premio New Post Photography, dedicato alle tendenze più creative. miafair.it MIA FAIR| MILAN IMAGE ART FAIR 2022 MILAN 28 AVRIL>1ER MAI Plus de sept mille m² du Superstudio Maxi accueillent le plus important salon italien dédié à la photographie internationale. L'image coordonnée de la XIe édition est signée par l'artiste néerlandaise Larissa Ambachtsheer, qui propose à Mia Fair des œuvres tirées de la série You Choose, I seduce (2017), avec des natures mortes de fruits et légumes créées pour questionner le rôle de la couleur dans la nourriture et sa manipulation. Parmi les sections d'intérêt, la section principale et Beyond Photography-Dialogue réservés aux galeries qui promeuvent les jeunes. Le prix New Post Photography, dédié aux tendances les plus créatives, est également de retour. miafair.it

Larissa Ambachtsheer, Red Lemon (2017) Courtesy Project 2.0/Gallery Den Haag

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An Exclusive Architectural Experience www.hadstudio.com Hinovia Group

Via Siora Andriana Del Vescovo 5/C - 31100 Treviso

Tel. +39 0422 1860100

RENDEZ-VOUS

TRENTO FILM FESTIVAL TRENTO 29 APRILE>8 MAGGIO La storica manifestazione festeggia 70 anni con un’edizione in presenza. In occasione dell’anniversario, il manifesto dell’evento è firmato dal fumettista e illustratore italiano Milo Manara.

In programma lo speciale Destinazione... futuro, sette film di science-fiction con protagonisti il paesaggio, la montagna, la natura e i pianeti lontani. Tra gli ospiti, anche l’astronauta Paolo Nespoli. Da non perdere lo speciale Nécessité de Moullet - Omaggio a Luc Moullet, dedicato al cineasta della Nouvelle Vague, amante della montagna, che dal 3 al 6 maggio, a Trento, incontra il pubblico e presenta i suoi film. trentofestival.it

Una scena del film La terre de la folie (2009), regia di Luc Moullet/Une scène du film La terre de la folie (2009), réalisé par Luc Moullet

TRENTO FILM FESTIVAL TRENTE 29 AVRIL>8 MAI L'événement historique fête ses 70 ans avec une édition en présence. Pour marquer cet anniversaire, l'affiche de l'événement est signée par le dessinateur et illustrateur italien Milo Manara. Au programme, le spécial Destinazione... futuro, sept films de science-fiction mettant en scène paysages, montagnes, nature et planètes lointaines. Parmi les invités figurent l'astronaute Paolo Nespoli. Ne manquez pas la spéciale Nécessité de Moullet - Omaggio a Luc Moullet, consacrée au cinéaste de la Nouvelle Vague, amoureux de la montagne, qui rencontrera le public et présentera ses films à Trente du 3 au 6 mai. trentofestival.it

Pierre-Auguste Renoir Tramonto, veduta di Guernsey Coucher de Soleil, vue de Guernesey (1893) © Région Normandie/Inventaire général/Patrick Merret

MONET E GLI IMPRESSIONISTI IN NORMANDIA TRIESTE FINO AL 5 GIUGNO Oltre 70 opere esposte nel Museo Revoltella raccontano i legami tra il movimento impressionista e la Normandia. Pittori come Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Eugène Delacroix e Gustave Courbet, dipingendo en plein air, colsero la vitalità del paesaggio e diedero vita a capolavori.

Le tele provengono dalla Collezione Peindre en Normandie, dal Musée Marmottan Monet di Parigi, dal Belvedere di Vienna, dal Musée Eugène-Boudin di Honfleur e da collezioni private. Tra le opere si possono ammirare La spiaggia a Trouville di Gustave Courbet (1865) e Tramonto, veduta di Guernsey (1893) di Pierre-Auguste Renoir. museorevoltella.it MONET ET LES IMPRESSIONNISTES EN NORMANDIE TRIESTE JUSQU’AU 5 JUIN Plus de 70 œuvres exposées au musée Revoltella illustrent les liens entre le mouvement impressionniste et la Normandie.

Des peintres tels que Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Eugène Delacroix et Gustave Courbet, peignant en plein air, ont capturé la vitalité du paysage et donné vie à des chefs-d'œuvre.

Les toiles proviennent de la Collection Peindre en Normandie, du Musée Marmottan Monet à Paris, du Belvédère à Vienne, du Musée Eugène-Boudin à Honfleur et de collections privées. Les œuvres comprennent La Plage à Trouville) de Gustave Courbet (1865) et Coucher de Soleil, vue de Guernesey (1893) de Pierre-Auguste Renoir. museorevoltella.it 15

RENDEZ-VOUS

I FARNESE. ARCHITETTURA, ARTE, POTERE PARMA FINO AL 31 LUGLIO Il Complesso monumentale della Pilotta, dove si trovano anche il Teatro Farnese e la Biblioteca Palatina, ospita una rassegna dedicata alla storia del collezionismo dei Farnese. In esposizione pezzi rari appartenuti alla storica famiglia, sottratti dai Borbone alla città emiliana dopo il 1734. Tra le 300 opere anche la Messa di San Gregorio eseguita dagli indios messicani per ringraziare papa Paolo III, che nella bolla Sublimis Deus condannò il loro sfruttamento. In mostra anche capolavori dal Museo e Real Bosco di Capodimonte, opere di Raffaello, El Greco e Tiziano. complessopilotta.it LES FARNESE. ARCHITECTURE, ART, POUVOIR PARME JUSQU'AU 31 JUILLET Le Complexe monumental de la Pilotta, qui abrite également le Teatro Farnese et la Biblioteca Palatina, accueille une exposition consacrée à l'histoire de la collection de la famille Farnese.

Sont exposées des pièces rares ayant appartenu à la famille historique, volées par les Bourbons dans la ville d'Émilie après 1734. Parmi les 300 œuvres, citons la Messe de Saint-Grégoire exécutée par les Indiens du Mexique pour remercier le pape Paul III, qui avait condamné leur exploitation dans sa bulle Sublimis Deus. Sont également exposés des chefs-d'œuvre du Museo e Real Bosco di Capodimonte, des œuvres de Raphaël, du Greco et du Titien. complessopilotta.it

Tiziano Vecellio, Ritratto di Papa Paolo III/Portrait du Pape Paul III (1543) © Museo e Real Bosco di Capodimonte

Ionesco Suite 21 © Agathe Poupeney

EXILS INTERIÉURS, IONESCO SUITE, SIX PERSONNAGES EN QUÊTE D’AUTEUR FIRENZE DAL 12 AL 23 APRILE Tre spettacoli da non perdere vanno in scena al Teatro della Pergola. Grazie a una collaborazione con il Théâtre de la Ville di Parigi e, in particolare, con il suo direttore Emmanuel Demarcy-Mota, il 13 e il 14 aprile arriva a Firenze Exils Interiéurs, con la regia di Amos Gitai, che si sviluppa intorno al ruolo degli intellettuali nei regimi autoritari.

Sul palco dal 21 al 23 aprile, invece, Ionesco Suite, basato sui frammenti di sei testi del noto drammaturgo e diretto da Demarcy-Mota, che firma anche la regia di Six personnages en quête d’auteur. Il testo, in cartellone dal 22 al 24 aprile, è basato sul capolavoro di metateatro scritto da Luigi Pirandello. teatrodellapergola.com EXILS INTERIÉURS, IONESCO SUITE, SIX PERSONNAGES EN QUÊTE D’AUTEUR FLORENCE DU 12 AU 23 AVRIL Trois spectacles à ne pas manquer se déroulent au Teatro della Pergola. Grâce à une collaboration avec le Théâtre de la Ville de Paris et, en particulier, avec son directeur Emmanuel Demarcy-Mota, les 13 et 14 avril arrive à Florence Exils Intérieurs, mis en scène par Amos Gitai, qui se développe autour du rôle des intellectuels dans les régimes autoritaires.

Sur scène du 21 au 23 avril, en revanche, Ionesco Suite, basée sur des fragments de six textes du célèbre dramaturge et mise en scène par Demarcy-Mota, qui signe également la mise en scène de Six personnages en quête d'auteur. Le texte, à l'affiche du 22 au 24 avril, s'inspire du chef-d'œuvre de métathéâtre écrit par Luigi Pirandello. teatrodellapergola.com 16

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WHAT’S UP

UNA CITTÀ DA FILM A SPASSO PER CANNES, TRA VOLTI FAMOSI DIPINTI SUI MURI E LOCATION DI PELLICOLE CULT. IN ATTESA DEL 75ESIMO FESTIVAL INTERNAZIONALE DEL CINEMA

© Philippe Turpin/GettyImages

di/par Gaspare Baglio

gasparebaglio

Cannes, Costa Azzurra, Francia/Cannes, Côte d'Azur, France

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a settima arte a Cannes è di casa. Non solo per il Festival internazionale del cinema, che illumina la Croisette, ma perché l’intera città sulla Costa Azzurra è costellata da attrazioni turistiche a prova di cinefilo.

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In attesa di conoscere le pellicole che, dal 17 al 28 maggio, saranno presentate alla 75esima edizione della kermesse – rumor insistenti danno per certo il biopic Elvis di Baz Luhrmann, Top Gun: Maverick di Tony Scott e, per l’Italia, L’immensità di Emanuele Cria-

lese – gli amanti del grande schermo possono respirare il profumo della sala anche solo passeggiando per le strade dell’elegante città francese.

A cominciare dal Palais des Festivals, che ogni anno ospita la famosa manifestazione. Proprio davanti all’edificio,

© Chris Hellier/GettyImages

Murale di Marilyn Monroe su una parete del Cannes Riviera Hotel/Peinture murale de Marilyn Monroe sur un mur du Cannes Riviera Hotel

LA VILLE DU CINÉMA UNE PROMENADE DANS CANNES, DEVANT LES VISAGES CÉLÈBRES PEINTS SUR LES MURS ET LES CÉLÈBRES LIEUX DE TOURNAGE. EN ATTENDANT LE 75E FESTIVAL INTERNATIONAL DU FILM

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e septième art est chez lui, à Cannes. En plus du Festival International du Film, qui illumine la Croisette, toute la ville de la Côte d'Azur est parsemée d'attractions touristiques qui ne manqueront pas de ravir les cinéphiles.

En attendant de connaître les films qui seront projetés lors de la 75e édition du festival, du 17 au 28 mai – des rumeurs persistantes parlent du biopic de Baz Luhrmann Elvis, de Top Gun : Maverick de Tony Scott et, pour l'Italie, de L'immensità d'Emanuele Crialese – les amoureux du grand écran peuvent respirer le parfum du cinéma rien qu'en marchant dans les rues de l'élégante ville française. À commencer par le Palais des Festivals, qui accueille chaque

année le célèbre événement. Juste devant le bâtiment, sur l'esplanade Pompidou et dans les jardins voisins, il est possible de se promener sur le Chemin des Étoiles, où l'on trouve plus de 400 empreintes de mains (avec signatures) d'acteurs et de réalisateurs internationaux, de JeanPaul Belmondo à Sharon Stone.

On y trouve également de nombreuses peintures murales qui ont transformé la cité balnéaire en un véritable musée à ciel ouvert consacré au cinéma.

Les premières œuvres thématiques ont été inaugurées en 2004 et, pour garantir le respect de l'architecture des bâtiments choisis, chaque fresque a été soumise au jugement d'un responsable. En se promenant dans Cannes, il est donc possible

de retrouver les visages des acteurs Gérard Depardieu, Jean-Pierre Léaud, James Dean, Marilyn Monroe, Charlot, Harold Lloyd, Bourvil et Jean Gabin, mais aussi du réalisateur François Truffaut et de personnages fantastiques tels que Batman et le droïde R2-D2 de La Guerre des Étoiles.

Parmi les dernières réalisées, on trouve trois fresques : Alain Delon dans le film de 1960 Plein soleil est visible sur l'avenue Francis Tonner, les plus beaux baisers du grand écran se distinguent sur le boulevard de la République, tandis que les voitures de cinéma les plus célèbres sont visibles sur le parking Berthelot. Et puis, près du boulevard de la Croisette, sous le pont Alexandre III, vous pourrez admirer les représentations de deux 19

© Chris Hellier/GettyImages

WHAT’S UP

Charlie Chaplin e il monello/Charlie Chaplin et le kid, Boulevard Vallombrosa,

sulla spianata Pompidou e nei giardini vicini, è infatti possibile percorrere il viale delle stelle, dove ci sono più di 400 impronte di mani (con tanto di firme) di attori e registi internazionali, da Jean-Paul Belmondo a Sharon Stone.

Sono tanti, poi, i murales che hanno trasformato la città balneare in un vero e proprio museo a cielo aperto dedicato al cinema. Le prime opere a tema sono state inaugurate nel 2004 e, per assicurare il rispetto dell'architettura dei palazzi scelti, ogni affresco è stato sottoposto al giudizio di un addetto responsabile.

Passeggiando per Cannes, quindi, è possibile trovare i volti degli attori Gérard Depardieu, Jean-Pierre Léaud, James Dean, Marilyn Monroe, Charlot, Harold Lloyd, Bourvil e Jean Gabin, ma anche del regista François Truffaut e di personaggi fantasy come Batman e il droide di Guerre stellari R2-D2. Tra gli ultimi realizzati ci sono tre affreschi: Alain Delon nel film del 1960 Delitto in pieno sole si può ammirare in Avenue Francis Tonner, i baci più belli del grande schermo campeggiano in Boulevard de la République, mentre al Parking Berthelot ci sono le movie car più celebri. E poi, nelle vicinanze di Boulevard de la Croisette, sotto il ponte Alexandre III, si possono ammirare i dipinti di due lungometraggi

vincitori della Palma d’oro: Pulp Fiction (1994) di Quentin Tarantino e Lezioni di piano (1993) di Jane Campion.

Non manca, poi, un trenino turistico che attraversa i luoghi che hanno fatto sognare spettatori grandi e piccini. Tra questi l’Hotel Barrière Le Majestic dove dono stati girati i film Ronin (1998) di John Frankenheimer con Robert De Niro e Femme Fatale (2002) di Brian De Palma con Antonio Banderas. L’Intercontinental Carlton Cannes, invece, è stata la location di Caccia al ladro (1955), thriller di Alfred Hitchcock interpretato da Grace Kelly e Cary Grant. Ma i movie lover doc non possono prescindere dalle sale indipendenti dove scovare vere chicche. Primo fra tutti Les Arcades, dove non si trovano pellicole che sbancano il box office ma solo film in lingua originale. C’è poi L’Olympia, cinema degli anni ‘20 dove durante il Festival del cinema vengono proiettati i film da premiare e che durante l’anno ha in cartellone i più grandi successi hollywoodiani. Infine, si può fare una capatina allo Studio 13/ MJC Picaud, un centro multi-artistico dove è possibile apprezzare anche interessanti cortometraggi. Non resta che tuffarsi nel mare di cinema che regala Cannes. festival-cannes.com

© Valery Hache/GettyImages

Murale del film Pulp Fiction, ponte Alexandre III, Boulevard de la Croisette/Peinture murale du film Pulp Fiction, pont Alexandre III, Boulevard de la Croisette

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Le mani di Sharon Stone e, sotto, quelle di Jean-Paul Belmondo sul viale delle stelle/ Les mains de Sharon Stone et, ci-dessous, celles de Jean-Paul Belmondo sur le Chemin des Étoiles

L'Intercontinental Carlton Cannes, quant à lui, a été le lieu de tournage de La Main au collet (1955), le thriller d'Alfred Hitchcock avec Grace Kelly et Cary Grant.

Mais les cinéphiles purs et durs ne manqueront pas les cinémas indépendants où ils pourront trouver de véritables perles. Tout d'abord Les Arcades, où on ne diffuse pas les super productions du box-office, mais uniquement des films en langue originale. Il y a également L'Olympia, un cinéma

des années 1920, où des films primés sont projetés pendant le Festival du cinéma et où les plus grands succès d'Hollywood sont disponibles tout au long de l'année.

Enfin, vous pouvez faire un tour au Studio 13/MJC Picaud, un centre multiculturel où vous pourrez également apprécier d'intéressants courts-métrages. Il ne reste plus qu'à plonger dans la mer de cinéma que Cannes a à offrir. festival-cannes.com

© Semec

longs métrages ayant remporté la Palme d'or : Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino et La leçon de piano (1993) de Jane Campion.

Il est également possible de monter à bord d’un train touristique qui traverse les lieux qui ont fait rêver les spectateurs de tous âges. Parmi eux, l'hôtel Barrière Le Majestic, où ont été tournés les films Ronin (1998) de John Frankenheimer avec Robert De Niro et Femme Fatale (2002) de Brian De Palma avec Antonio Banderas.

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GUSTA & DEGUSTA

di/par Andrea Radic

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TRIBAUT SCHLOESSER: PROFESSIONALITÀ E PASSIONE

TRIBAUT SCHLOESSER : PROFESSIONNALISME ET PASSION

a maison, fondata nel 1929, è giunta oggi alla quarta generazione: un percorso familiare di professionalità e passione. Ci troviamo tra i comuni di Romery, Cormoyeux e Fleury-la-Rivière, non lontano da Épernay. Uno stile identitario, quello di Tribaut Schloesser, dove eleganza, raffinatezza e carattere ben si declinano nelle lineee Les Traditionnelles e Les Audacieuses. Complessità e nobili note di pain brioche per la Cuvée René, che affina cinque anni sui lieviti. Una qualità altissima, dedicata a René Schloesser, fondatore della maison. champagne.tribaut.wine

a maison, fondée en 1929, en est aujourd'hui à sa quatrième génération : un parcours familial fait de professionnalisme et de passion. Nous sommes à cheval entre les communes de Romery, Cormoyeux et Fleury-la-Rivière, non loin d’Épernay. Une identité forte que celle de Tribaut Schloesser, où l'élégance, le raffinement et le caractère s'expriment parfaitement dans les lignes Les Traditionnelles et Les Audacieuses. Complexité et notes nobles de pain brioché pour la Cuvée René, élevée cinq ans sur lies.

Une qualité supérieure, dédiée à René Schloesser, fondateur de la maison. champagne.tribaut.wine

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ENCRY: CHAMPAGNE DAL NOBILE CARATTERE

ENCRY : CHAMPAGNE AU CARACTÈRE NOBLE

Mesnil-sur-Oger, nel cuore della Côte des Blancs, nasce la storia della maison Encry. Il suolo calcareo e ricco di fossili dona ai vini sapidità e mineralità, l’escursione termica preserva un’ottimale acidità e una notevole freschezza. Champagne di nobile carattere: profondità, struttura e persistenza.

Come zero dosage avvolgente e intenso al naso, giunge al palato teso e dinamico. Un vino “gioiello”.

Naso intrigante e fragrante per il Grand Rosé: Chardonnay con un 5% di vino rosso da Pinot Nero. Nel sorso coerenza stilistica rispetto alle note olfattive e una spalla acida che dona slancio, prima del lungo finale. champagne-encry.com

est au Mesnil-sur-Oger, au cœur de la Côte des Blancs, que naît l'histoire de la maison Encry. Le sol calcaire, riche en fossiles, confère aux vins saveur et minéralité, tandis que l'amplitude thermique préserve une acidité optimale et une fraîcheur remarquable.

Champagne au caractère noble : profondeur, structure et persistance. Zéro dosage au nez enveloppant et intense, il joint au palais tendu et dynamique. Un vin « joyau ».

Nez intriguant et parfumé pour le Grand Rosé. En bouche, une cohérence stylistique en rapport avec les notes olfactives et une bonne structure acide qui donne de l'élan, avant la longue finale. champagne-encry.com

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VALLEPICCIOLA E LA NUOVA PETITE-VALLÉE

VALLEPICCIOLA ET LA NOUVELLE PETITE-VALLÉE

a Vallepicciola è immersa tra le dolci colline del Chianti Classico, nella zona di Pievasciata, che vanta i vigneti nelle migliori posizioni e vini di forte identità. Perlinetto Rosè, metodo classico di Pinot Nero 100% con 48 mesi di affinamento, esprime pienezza ed eleganza. Al naso agrumato e floreale, al palato avvolge e scatena felici emozioni.

La grande novità di Vallepicciola si chiama Champagne Petite-Vallée. Quattro tipologie che nascono dall’amicizia tra Bruno Bolfo, proprietario dell’azienda, Michel Forget e Frédéric Jorez della maison Forget-Brimont: classe, finezza, bevibilità. vallepicciola.com

allepicciola est nichée parmi les jolies collines du Chianti Classico, dans la zone de Pievasciata, qui compte des vignobles dans les meilleures positions et des vins à la forte identité. Le Perlinetto Rosè, méthode traditionnelle 100 % Pinot Noir avec 48 mois d’affinement, exprime plénitude et élégance. Au nez, des senteurs d’agrume et florales, la bouche est enveloppante et déclenche des émotions de joie intense.

La grande nouveauté de Vallepicciola s'appelle Champagne Petite-Vallée.

Quatre types nés de l'amitié entre Bruno Bolfo, propriétaire de l'entreprise, Michel Forget et Frédéric Jorez de la maison Forget-Brimont : classe, finesse et volupté. vallepicciola.com

COLOSI: BOLLICINE SICILIANE E NERO D’AVOLA

COLOSI : BULLES SICILIENNES ET NERO D'AVOLA

rofumi portati dal vento, panorami affascinanti, vigneti terrazzati che respirano il mare, dove la forza misteriosa degli antichi vulcani segna lo spirito del luogo. Sull’isola di Salina, nell’arcipelago siciliano delle Eolie, Colosi produce Bolentino, un metodo Charmat da uve grillo, dal perlage fine, persistente ed elegante. Al naso sentori di fiori bianchi e crosta di pane, giunge al palato minerale con ottima freschezza e una punta sapida. Perfetto con la frittura di pesce e i crostacei. Piero e Pietro Colosi producono anche un notevole Nero D’Avola in purezza, piacevolmente fruttato, con sorso morbido e avvolgente. cantinecolosi.it

es parfums portés par le vent et des paysages fascinants, des vignobles en terrasses qui respirent les embruns et la force mystérieuse des anciens volcans. Sur l'île de Salina, dans l'archipel sicilien des îles Éoliennes, Colosi produit le Bolentino, une méthode Charmat à partir de raisins Grillo, avec un perlage fin, persistant et élégant. Au nez, il présente des notes de fleurs blanches et de croûte de pain ; en bouche, il est minéral avec une excellente fraîcheur et une note savoureuse. Il accompagne idéalement les fritures de poissons et les crustacés. Piero et Pietro Colosi produisent également un Nero D'Avola remarquable de pureté, agréablement fruité, au goût délicat et voluptueux. cantinecolosi.it

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INCONTRO/RENCONTRE

LA POPSTAR È PRONTA A CONDURRE L’EUROVISION SONG CONTEST, DAL 10 AL 14 MAGGIO A TORINO. IN VISTA DEI LIVE PER LA FRANCIA A LUGLIO E DEL TOUR AL PIANOFORTE CON CUI GIRERÀ L’ITALIA A SETTEMBRE di/par Gaspare Baglio

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© Danilo D’Auria

olorato, creativo, un po’ folle. Mika è una delle popstar più originali ed ecclettiche sulla piazza. Un gioiellino duttile, capace di rimanere credibile quando compone hit e, al contempo, in grado di accendere la curiosità degli spettatori in tv, che sia dietro al bancone dei giudici nella versione italiana di X Factor o come coach del talent show francese dei record The voice: la plus belle voix.

Dopo l’Eurovision Song Contest, che si terrà a Torino dal 10 al 14 maggio, partirà per una serie di live che toccherà anche la Francia: il 6 luglio ad Albi e il 7 a Nîmes. Il 18 settembre, invece, comincia The Magic Piano Tour, progetto

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VOILÀ,

MIKA

LA POPSTAR EST PRÊTE À PRÉSENTER LE CONCOURS EUROVISION DE LA CHANSON, QUI SE DÉROULERA DU 10 AU 14 MAI À TURIN. AVANT SA TOURNÉE EN FRANCE EN JUILLET ET LA TOURNÉE PIANO QUI SE TIENDRA EN ITALIE EN SEPTEMBRE

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oloré, créatif, un peu fou.

Mika est l'une des popstars les plus originales et éclectiques du moment. Un bijou ductile, capable de rester crédible lorsqu'il compose des tubes et, en même temps, capable d'enflammer la curiosité des téléspectateurs, que ce soit derrière le bureau des juges dans la version italienne de X Factor ou en tant que coach dans l'émission française The voice : la plus belle voix.

Après le Concours Eurovision de la chanson, qui se tiendra à Turin du 10 au 14 mai, Mika participera à une série de concerts qui se tiendront également en France : le 6 juillet à Albi et le 7 à Nîmes.

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INCONTRO/RENCONTRE

in esclusiva per l’Italia, che prevede due spettacoli totalmente differenti in ogni città toccata: Verona, Firenze, Bari, Milano e Roma. La prima sera in un teatro ci sarà uno show più intimo, la seconda in un’arena la performance cambia e si trasforma in esplosione di intrattenimento. Una tournée a cui il cantautore (ormai) italiano d’adozione tiene particolarmente.

Partiamo dall’Eurovision Song Contest che condurrai con Alessandro Cattelan e Laura Pausini.

Un programma straordinario. Aver scelto noi tre permette di inserire nella conduzione e nella scrittura dello show la nostra parte personale oltre a quella artistica. L’approccio è molto creativo. Stiamo cercando di costruire lo spettacolo ed è impressionante la

© Giulio Rustichelli

Mika, Laura Pausini, Alessandro Cattelan

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sua complessità: una sfida enorme, in un momento così difficile per l’Europa, offre anche un’altra chiave di lettura, visto che il concorso ha, come fondamenta, l’universalismo del Vecchio Continente.

Come si pone una popstar in un mondo che è cambiato così tanto nel giro di due anni?

La risposta di un artista deve essere sempre poetica. Il Covid-19 è stato un momento surreale, ma anche di trasformazione: quella pausa arrivata così bruscamente ci ha dato la possibilità di ribaltare la vita, farci domande importanti. Dal mio punto di vista, nei miei concerti, sono allergico alla banalità, cerco di trovare un linguaggio unico, ancor più di prima, per non sprecare un’opportunità.

L’artista ha anche il compito di alleggerire i momenti difficili.

Si può fare, ma rispettando la parte umana. Dobbiamo essere al servizio dell’emozione per provocare empatia.

Bisogna evitare di cadere nella fredda trappola delle statistiche, non predicare storie, ma comunicarle con umanità.

Sei stato coach e giudice di talent show. Cos’è, per te, il talento?

Tantissime cose, ma non è legato alla bravura tecnica: la cosa più difficile è arrivare al cuore di tanta gente. Il talento è una luce e, quando si identifica, va coltivato, non schiacciato. Adesso c’è una fretta incredibile di diventare popolari, senza preparazione. In questo modo il talento diventa una fiamma che si brucia. La maturità è fondamentale.

Le 18 septembre marquera le début de The Magic Piano Tour, un projet exclusif pour l'Italie, qui prévoit deux spectacles totalement différents dans chaque ville visitée : Vérone, Florence, Bari, Milan et Rome. Le premier soir dans un théâtre, il y aura un spectacle plus intime, le second dans une arène, la représentation changera et deviendra une explosion de divertissement. Une tournée qui tient particulièrement au chanteur (désormais) italien d’adoption.

Commençons par le Concours Eurovision de la chanson, que tu animeras avec Alessandro Cattelan et Laura Pausini.

Un programme extraordinaire. Le fait de nous avoir choisis tous les trois nous permet d'inclure notre côté personnel ainsi que notre côté artistique dans la gestion et l'écriture du spectacle. L'approche est très créative. Nous essayons de construire

le spectacle et c'est impressionnant de voir à quel point il est complexe : un défi énorme, à un moment si difficile pour l'Europe, il offre aussi une autre clé d'interprétation, étant donné que le concours a pour fondement l'universalisme du Vieux Continent.

Comment une popstar se positionnet-elle dans un monde qui a tant changé en deux ans ?

La réponse d'un artiste doit toujours être poétique. La Covid-19 a représenté un moment surréaliste, mais aussi un moment de transformation : cette rupture si brutale nous a donné l'occasion de changer de vie, de nous poser des questions importantes. De mon point de vue, dans mes concerts, je suis allergique à la banalité, j'essaie de trouver un langage unique, encore plus qu'avant, pour ne pas gâcher cette occasion.

L'artiste a aussi pour mission d'alléger les moments difficiles.

C'est possible, mais en respectant la partie humaine. Nous devons être au service de l'émotion pour provoquer l'empathie. Nous devons éviter de tomber dans le piège froid des statistiques, ne pas prêcher des histoires, mais les communiquer avec humanité.

Tu as été coach et juge d'un talent show. C’est quoi, le talent, pour toi ?

Tant de choses, mais ce n'est pas lié à la capacité technique : le plus difficile est d'atteindre le cœur de tant de gens. Le talent est une lumière et, lorsqu'on l'identifie, il faut le cultiver et non l'écraser. Aujourd'hui, il y a une urgence incroyable pour devenir populaire, sans préparation. De cette façon, le talent devient une flamme qui s'éteint. La maturité est essentielle.

Tu es très aimé en France.

Une partie de moi, de mon cœur, est française. C'est un pays qui présente tant de contrastes sur le plan

© Francesco Prandoni

In questa foto e a pagina 29, Mika durante il concerto del 24 novembre 2019 a Torino/Sur cette photo et à la page 29, Mika lors du concert du 24 novembre 2019 à Turin

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© Matteo Bazzi/Ansa

INCONTRO/RENCONTRE

Mika entra in scena durante la puntata finale di X Factor, il 9 dicembre 2021/Mika entre en scène lors de l'épisode final de X Factor, le 9 décembre 2021

Sei molto amato in Francia.

Una parte di me, del mio cuore, è francese. È un Paese che topograficamente ed emotivamente ha tanti contrasti.

Ma è straordinario, rappresenta la ricchezza della contaminazione. È il posto dove ci siamo trasferiti da Beirut, la mia città di nascita, e siamo ripartiti da una situazione molto difficile. Poi mio padre fu preso come ostaggio durante la guerra del Golfo. E questo ha avuto conseguenze profonde: ha perso il lavoro, abbiamo perso tutto. Così siamo partiti dalla Francia, quasi scappando, per cominciare un’altra vita.

Ricostruire un legame con questo Paese è un’ambizione fortissima, che mi porto dietro fin dall’infanzia.

Sei sempre in viaggio. Che cosa rappresenta per te?

Libertà. Ho in testa l’immagine romantica degli americani che si spostavano in Europa portando mezza casa con loro, quando per arrivare in un luogo ci volevano tre settimane. Ora devo coscientemente frenarmi dal viaggiare troppo per goderne di più. E lasciare spazio alle idee e all’ispirazione.

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Se ti dico “treno” cosa ti viene in mente? È un mezzo molto meditativo, mi piace tantissimo. Regala un senso di contatto con la terra. Emozionalmente, quando arrivi in una città, ti prepari al luogo che stai raggiungendo, senza lo shock di salire e scendere da un aereo.

Hai qualche ricordo in particolare legato ai binari?

I viaggi in treno, in Cina, con la mia famiglia. A 18 anni, sul treno da Shangai a Pechino, ho iniziato a canticchiare un pezzo seguendo il ritmo dei binari. E, alle 2 del mattino, ho scritto la canzone Lollipop.

Parli spesso di famiglia… È la parola più complessa, ricca, felice, difficile del mio vocabolario. La famiglia è come un vento forte: pensi di poter resistere, ma a volte devi cambiare, è un’evoluzione continua.

E se ti dico “Mika” cosa ti balena in testa?

Il pezzo di una catena, un individuo non isolato, parte di un puzzle più grande fatto di cuore, famiglia, musica e di tutte le anime che riempiono la vita. mikamusic.it mikasounds mikainstagram

THE MAGIC PIANO TOUR Settembre • Verona, 18 (Teatro Filarmonico) e 19 (Arena di Verona) • Firenze, 21 (Teatro Verdi) e 22 (Nelson Mandela Forum) • Bari, 25 (Teatro Petruzzelli) e 26 (Pala Florio) • Milano, 29 (Teatro degli Arcimboldi) e 30 (Mediolanum Forum) Ottobre • Roma, 3 (Auditorium Parco della Musica) e 4 (Palazzo dello Sport)

moitié de leur maison avec eux, alors qu'il fallait trois semaines pour aller quelque part. Maintenant, je dois consciemment me retenir de trop voyager pour en profiter davantage.

Et laisser de la place aux idées et à l'inspiration.

Qu'est-ce qui te vient à l'esprit si je te dis « train » ?

C'est un moyen de transport très méditatif, j'adore ça. Cela te donne un sentiment de contact avec la terre. Sur le plan émotionnel, lorsque vous arrivez dans une ville, vous vous préparez à l'endroit où vous allez, sans le choc de la montée et de la descente d'un avion.

As-tu des souvenirs particuliers liés au train ?

Les voyages en train, en Chine, avec ma famille. À 18 ans, dans le train reliant Shanghai à Pékin, j'ai

commencé à fredonner une chanson au rythme des rails. Et, à 2 heures du matin, j'ai écrit la chanson Lollipop.

Tu parles souvent de la famille...

C'est le mot le plus complexe, le plus riche, le plus heureux, le plus difficile de mon vocabulaire. La famille est comme un vent fort : vous pensez pouvoir résister, mais parfois vous devez changer, c'est une évolution continue.

Et si je dis « Mika », qu'est-ce qui te vient à l'esprit ?

Le morceau d'une chaîne, un individu non isolé, une partie d'un plus grand puzzle fait de cœur, de famille, de musique et de toutes les âmes qui remplissent la vie. mikamusic.it mikasounds mikainstagram

© Francesco Prandoni

topographique et émotionnel. Mais il est extraordinaire, cela représente la richesse de la contamination. C'est un endroit d'où ma famille est partie après une situation très difficile : nous avons déménagé de Beyrouth, où je suis née, à Paris. Puis, mon père est parti et a été pris en otage pendant la guerre du Golfe, ce qui a eu de profondes conséquences : il a perdu son emploi, nous avons tout perdu.

Nous avons donc quitté la France, presque en fuyant, pour commencer une nouvelle vie. Reconstruire un lien avec ce pays est une ambition très forte, que je porte en moi depuis l'enfance.

Tu es toujours en voyage. Qu’est-ce que cela représente pour toi ?

La liberté. J'ai en tête l'image romantique d'Américains se déplaçant en Europe, emportant la

THE MAGIC PIANO TOUR Septembre • Vérone, 18 (Théâtre Philarmonique) et 19 (Arènes de Vérone) • Florence, 21 (Teatro Verdi) et 22 (Nelson Mandela Forum) • Bari, 25 (Teatro Petruzzelli) et 26 (Pala Florio) • Milan, 29 (Teatro degli Arcimboldi) et 30 (Mediolanum Forum) Octobre • Rome, 3 (Auditorium Parco della Musica) et 4 (Palazzo dello Sport)

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© Daniele Ratti

INCONTRO/RENCONTRE

Evelina Christillin al Museo Egizio di Torino/Evelina Christillin au Musée égyptien de Turin 30

IL CORAGGIO PER VINCERE DALLA PRESIDENZA DEL MUSEO EGIZIO ALL’IMPEGNO NELLA FIFA, FINO ALLE OLIMPIADI 2026. NELLA CULTURA O NELLO SPORT, EVELINA CHRISTILLIN È CAPACE DI TRASFORMARE LA PASSIONE IN LAVORO di/par Andrea Radic

Andrea_Radic

andrearadic2019

LE COURAGE DE VAINCRE DE LA PRÉSIDENCE DU MUSÉE ÉGYPTIEN À SON IMPLICATION DANS LA FIFA, EN PASSANT PAR LES JEUX OLYMPIQUES DE 2026.

DANS LA CULTURE OU LE SPORT, EVELINA CHRISTILLIN EST CAPABLE DE TRANSFORMER LA PASSION EN TRAVAIL

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© Elena Aquila/Pacific Press

INCONTRO/RENCONTRE

Christillin con il Presidente della Repubblica italiana, Sergio Mattarella, in visita al Museo Egizio (2015)/Christillin avec le président de la République italienne, Sergio Mattarella, en visite au Musée égyptien (2015)

È

la presidente del Museo Egizio più antico del mondo, quello di Torino. L’unica donna a far parte del Consiglio della Fifa, la Federazione internazionale di calcio.

E, dopo aver portato al successo la candidatura piemontese alle Olimpiadi invernali del 2006, è ora nel board dei consiglieri per la realizzazione dei Giochi di Milano Cortina 2026.

Mai ferma ma con i piedi ben saldati a terra. «Sono riflessiva, per questo amo viaggiare in treno, mi concede il tempo per pensare». Evelina Christillin non “se la tira” per nulla, è autoironica di carattere, preferisce affrontare le sue grandi responsabilità con grazia, fermezza e volontà. Lo ha imparato quando da ragazza faceva parte della nazionale di sci alpino: «Mi hanno insegnato a lottare, a vincere poco e a ricominciare ogni giorno, allenandomi e puntando a migliorarmi».

Il Museo Egizio, il calcio ai massimi livelli, le Olimpiadi in arrivo. Una vita impegnativa.

Il museo è senz’altro l’impegno più intenso. Anche se in questo periodo sono state molto complesse le decisioni che abbiamo dovuto prendere 32

come Fifa e come Uefa, l’unione delle Federazioni calcistiche europee, in un contesto internazionale diviso tra le sanzioni alla Russia e la disperazione per la popolazione ucraina. Abbiamo dovuto spostare la finale di Champions League da San Pietroburgo a Parigi ed escludere le squadre russe dalle competizioni. È stata una grande sofferenza, ma non si è potuto agire diversamente.

Torniamo a Torino e al Museo Egizio: come affronti questa responsabilità?

Nel 2015, con il nuovo direttore Christian Greco, abbiamo avviato un progetto di totale rinnovo dello spazio, quasi un raddoppio. Portiamo le nostre mostre all’estero, dal Brasile alla Cina, e stiamo finanziando una campagna di scavo in Egitto, a Saqqara. Insieme abbiamo scritto il libro Le memorie del futuro. Musei e ricerca (Einaudi, pp. 144 € 12). Sosteniamo che i musei non vadano classificati per numero di ingressi ma per l’attitudine a fare ricerca e formazione. La prima indirizzata agli specialisti, la seconda a tutti, dai bambini ai dottorandi.

Come sei riuscita a dare al museo una dimensione internazionale?

La riforma Franceschini è stata fondamentale: ha dato responsabilità manageriale ai direttori, che ora possono avere autonomia e gestire il budget.

Noi abbiamo scelto di sviluppare il digitale e i progetti di inclusione sociale, come la mostra Liberi di imparare che sta girando tutto il Piemonte e presenta i lavori realizzati in carcere dai detenuti insieme ai nostri curatori.

In più, nel 2024 compirà due secoli.

Sì, il nostro è il Museo Egizio più antico del mondo. E per l’occasione abbiamo in programma cinque grandi progetti di restituzione alla città. Copriremo il cortile per realizzare una seconda area, adiacente a piazza Carignano, con un giardino egizio al suo interno, aperta alla città, come al British Museum di Londra. In questo progetto è incluso il Tempio di Elesia. Donato dall’Egitto all’Italia come segno di riconoscenza al termine dei lavori per la costruzione del lago artificiale Nasser, farà parte della nuova piazza, godibile a tutti.

Un arricchimento per il capoluogo piemontese, come avvenne per le Olimpiadi del 2006.

Quello fu un lavoro colossale che ha molto cambiato la città.

E

lle est la présidente du plus ancien Musée égyptien du monde, à Turin. Elle est la seule femme à siéger au conseil d'administration de la FIFA, la Fédération internationale de football.

Et, après avoir contribué au succès de la candidature du Piémont aux Jeux olympiques d'hiver de 2006, elle fait désormais partie du comité des conseillers pour la réalisation des Jeux de Milan Cortina 2026.

Jamais immobile, mais avec les pieds sur terre. « Je suis quelqu’un de réfléchi, c'est pourquoi j'aime voyager en train, cela me donne le temps de penser. » Evelina Christillin ne se tresse jamais de louanges, elle fait preuve d'autodérision et préfère faire face à ses grandes responsabilités avec grâce, fermeté et volonté. Elle l'a appris lorsqu'elle était jeune fille et qu'elle faisait partie de l'équipe nationale de ski alpin : « Ils m'ont appris à me battre, à gagner peu et à recommencer chaque jour, en m'entraînant et en m'améliorant. » Le Musée égyptien, le football au plus haut niveau, les Jeux olympiques à venir. Une vie bien remplie.

Le musée est sans doute l'engagement le plus intense. Ces derniers mois, les décisions que nous avons dû prendre en tant que FIFA et UEFA, l'union des fédérations européennes de football, ont été très complexes, dans

un contexte international partagé entre les sanctions contre la Russie et le désespoir de la population ukrainienne. À commencer par le déplacement de la finale de la Ligue des champions de Saint-Pétersbourg à Paris et l'exclusion des équipes russes. C'était une décision difficile à prendre, mais il ne pouvait en être autrement.

Revenons à Turin et au Musée égyptien : comment gérez-vous cette responsabilité ?

En 2015, avec le nouveau directeur Christian Greco, nous avons commencé un projet de rénovation totale de l'espace, en le doublant.

Nous emmenons nos expositions à l'étranger, du Brésil à la Chine, et nous finançons une campagne de fouilles en Égypte, à Saqqara. Ensemble, nous avons écrit le livre Le memorie del futuro. Musei e ricerca (Einaudi, pp.

144 € 12). Nous nous battons pour que les musées ne soient pas classés en fonction du nombre de visiteurs, mais en fonction de leur capacité à mener des recherches et des formations. La première s'adresse aux spécialistes, la seconde à tout le monde, des enfants aux doctorants.

Comment avez-vous réussi à donner au musée une dimension internationale ?

La réforme de le ministre de la culture, Dario Franceschini, a été fondamentale :

elle a donné la responsabilité de la gestion aux directeurs, qui peuvent désormais avoir une autonomie et gérer le budget. Nous avons choisi de développer des projets liés aux technologies numériques et à l'inclusion sociale, comme l'exposition Liberi di imparare, qui fait le tour du Piémont et présente le travail réalisé en prison par des détenus avec nos commissaires.

En outre, en 2024, le musée fêtera ses deux siècles d'existence.

Oui, notre musée est le plus ancien Musée égyptien du monde. Et pour marquer l'occasion, nous prévoyons cinq grands projets de restitution à la ville. Nous couvrirons la cour pour créer un deuxième espace, adjacent à la Piazza Carignano, avec un jardin égyptien à l'intérieur, ouvert sur la ville, comme au British Museum de Londres. Le Temple d'Elesia fait partie de ce projet. Donné par l'Égypte à l'Italie en signe de reconnaissance à la fin de la construction du lac artificiel Nasser, il fera partie de la nouvelle place pour le plaisir de tous.

Je suis heureuse de dire que nos partenaires comprennent le Groupe FS, avec lequel nous avons déjà travaillé ces dernières années sur une initiative de durabilité environnementale qui prévoyait des prix réduits pour ceux qui rejoignaient le musée en train.

© Fabio Ferrari/LaPresse

Christillin a Losanna, nel 2019, durante l'annuncio della vittoria della candidatura di Milano e Cortina per le Olimpiadi invernali 2026/Christillin à Lausanne, en 2019, lors de l'annonce de la candidature gagnante de Milan et Cortina pour les Jeux olympiques d'hiver de 2026

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© Ennio Leanza/Ansa

INCONTRO/RENCONTRE

Christillin durante la riunione del Consiglio Fifa a Zurigo, in Svizzera, il 14 ottobre 2016/Christillin lors de la réunion du Conseil de la FIFA à Zurich, en Suisse, le 14 octobre 2016

Per te ora lo sport è una responsabilità istituzionale, ma è sempre stato anche una grande passione.

Sì, fin da piccola. A 14 anni sono entrata nella nazionale di sci alpino dal club di Sestriere, dove è nato il mio interesse per gli sport invernali. Sono di “costituzione montana”, la mia famiglia è di Issime, paesino della valle di Gressoney, in provincia di Aosta. L’altra grande passione è il calcio: sono una grande tifosa della Juventus. Ho cominciato raccogliendo le figurine dei calciatori e conoscevo a memoria le formazioni di tutte le squadre. Oggi questo sport è diventato un lavoro bellissimo ma molto impegnativo, al quale spero poter dare un contributo con impegno e passione.

Cosa è cambiato nel calcio negli ultimi decenni?

Tutto. Io sono della generazione di Marco Tardelli e Antonio Cabrini. Era un’epoca più normale, non c’era il divismo: la sera dopo la partita si andava a cena insieme. Se fosse meglio o peggio non lo so. Ma è rimasto uguale il fischio dell’arbitro, quando inizia e finisce la magia della partita.

Nelle persone cosa apprezzi di più e cosa non sopporti?

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Innanzitutto, spero che gli altri sopportino me. Apprezzo la curiosità e la passione, quella che ti mette il fuoco negli occhi. Detesto ipocrisia e falsità, preferisco una verità sgradevole a un falso complimento.

Che rapporto hai con il viaggio in treno?

Lo amo incondizionatamente, sono “treno-dipendente”. Per me è un grande piacere salire sul vagone e accomodarmi con i miei libri o guardare dal finestrino la città di Orvieto appesa sulla collina. Il viaggio mi rende felice: scelgo spesso l’area silenzio e ci sto benissimo, nessuno mi disturba, un vero rifugio.

Conta più il merito o le buone conoscenze?

Decisamente il merito. Puoi conoscere chi vuoi, ma se sei un disastro tale resti.

Poi in Italia, dove contano parentele e affinità, ci vuole un po’ più di coraggio per vincere. Anche se conta molto partecipare.

Arrivano le Olimpiadi di Milano Cortina.

Sono da lungo tempo molto amica di Giovanni Malagò e sono convinta che il suo amore per lo sport, unito alla professionalità di Vincenzo Novari e al coraggio del sindaco di Milano Beppe

Sala, siano una garanzia per la riuscita di queste Olimpiadi.

Su loro invito dovrei entrare a far parte di un advisory board dei Giochi 2026, senza ovviamente alcuna responsabilità operativa, ma per esperienza pregressa e eventuali consigli. Bello che le Olimpiadi tornino in un Paese europeo come l’Italia, con grande tradizione negli sport invernali. Cortina e Bormio sono due culle dello sci. Dal punto di vista atletico dobbiamo lavorare, ma arriveremo preparati, in particolare con le squadre femminili.

Se tornassi bambina quale sarebbe il profumo della tua infanzia?

L’erba e le campanule nei prati del mio paesino valdostano, Issime.

Quando ripensi alla tua amicizia con l'avvocato Giovanni Agnelli cosa provi?

Un’infinita gratitudine. Gli devo tutto: dall’esperienza nel calcio, quando andavo con lui a vedere le partite in tutto il mondo, al mio incarico per le Olimpiadi di Torino 2006. Io ero il braccio ma la mente era sempre lui. Quei Giochi sono stati il suo ultimo regalo alla città. museoegizio.it milanocortina2026.org

Un enrichissement pour la capitale du Piémont, comme ce fut le cas pour les Jeux olympiques de 2006.

Ce fut un travail colossal, qui a beaucoup changé la ville.

Pour vous, le sport est aujourd'hui une responsabilité institutionnelle, mais il a aussi toujours été une grande passion.

Oui, depuis mon enfance. À 14 ans, j'ai rejoint l'équipe nationale de ski alpin du club de Sestriere, où mon intérêt pour les sports d'hiver est né. J'ai une "constitution de montagne", ma famille est originaire d'Issime, un petit village de la vallée de Gressoney, dans la province d'Aoste. Mon autre grande passion est le football : je suis une fervente supporter de la Juventus.

J'ai commencé par collectionner des autocollants de football et je connaissais la formation de toutes les équipes par cœur. Aujourd'hui, ce sport est devenu un beau métier, mais très exigeant, auquel j'espère pouvoir contribuer avec engagement et passion.

Qu'est-ce qui a changé dans le football au cours des dernières décennies ?

Tout. J'appartiens à la génération de Marco Tardelli et Antonio Cabrini.

C'était une époque plus normale, il n'y avait pas de star system : le soir, après le match, nous allions dîner ensemble.

Je ne sais pas si c'était mieux ou pire.

Mais le coup de sifflet de l'arbitre est resté le même, quand la magie du jeu commence et se termine.

Qu'est-ce que vous appréciez le plus chez les gens et qu'est-ce que vous ne supportez pas ?

Tout d'abord, j'espère que les gens me supportent, moi ! J'apprécie la curiosité et la passion, celle qui vous met le feu dans les yeux. Je déteste l'hypocrisie et le mensonge, je préfère une vérité désagréable à un faux compliment.

Quelle est votre relation avec le train ?

Je l'aime inconditionnellement, je suis une accro du train. Pour moi, c'est un grand plaisir de monter dans un wagon et de m'asseoir avec mes livres ou de regarder par la fenêtre la ville d'Orvieto nichée sur sa colline. Le voyage me rend heureuse : je choisis souvent une zone tranquille et je m'y sens bien, personne ne me dérange, un vrai refuge.

Est-ce le mérite ou les bonnes relations qui comptent le plus ?

Le mérite bien sûr. Vous pouvez connaître le monde entier, mais si vous êtes un désastre, vous restez un désastre. Et puis en Italie, où la parenté et l'affinité comptent énormément, il faut un peu plus de courage pour faire la différence.

Même si l’important est toujours de participer.

Les Jeux Olympiques de Milan Cortina arrivent.

Je suis depuis longtemps une bonne amie de Giovanni Malagò et je suis convaincue que son amour du sport, ainsi que le professionnalisme de

Vincenzo Novari et le courage du maire de Milan, Beppe Sala, sont une garantie de succès pour ces Jeux olympiques. À leur invitation, je devrais rejoindre un comité de conseillers pour les Jeux de 2026, sans avoir évidemment de responsabilité opérationnelle, mais pour mon expérience passée et les conseils que je pourrais prodiguer. C'est formidable que les Jeux olympiques reviennent dans un pays européen comme l'Italie, qui a une grande tradition dans les sports d'hiver. Cortina et Bormio sont deux berceaux du ski. Du point de vue sportif, nous devons travailler, mais nous arriverons préparés, surtout avec les équipes féminines.

Si vous étiez à nouveau enfant, quel serait le parfum de votre enfance que vous aimeriez retrouver ?

L'herbe et les campanules dans les prés de mon petit village de la Vallée d'Aoste, Issime.

Quand vous pensez à votre amitié avec l'avocat Giovanni Agnelli, que ressentez-vous ?

Une gratitude infinie. Je lui dois tout : de mon expérience dans le football, lorsque j'allais avec lui voir des matchs dans le monde entier, à mon travail pour les Jeux olympiques de Turin en 2006. J'étais son bras, mais il a toujours été le cerveau. Ces Jeux ont été son dernier cadeau à la ville. museoegizio.it milanocortina2026.org

Evelina Christillin con il giornalista Andrea Radic/Evelina Christillin avec le journaliste Andrea Radic

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TRAVEL/VOYAGE Scoppio del Carro, Firenze/ L’explosion du Char, Florence (Italie)

LA VITA FA FESTA UN VIAGGIO ALLA SCOPERTA DELLE TRADIZIONI PASQUALI. TRA PROCESSIONI STORICHE, CELEBRAZIONI RELIGIOSE, CORTEI IN COSTUME di/par Francesco Bovio 36

© Stefano Cellai/AdobeStock

LA VIE EN FÊTE UN VOYAGE DE DÉCOUVERTE À TRAVERS LES TRADITIONS DE PÂQUES. PARMI LES PROCESSIONS HISTORIQUES, LES CÉLÉBRATIONS RELIGIEUSES ET LES DÉFILÉS COSTUMÉS 37

© by-studio/Adobestock

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La basilica dell'Immacolata Concezione di Lourdes (Francia)/La basilique de l'Immaculée-Conception de Lourdes (France)

L

a Pasqua testimonia la resurrezione, la ripresa della vita, l’energia che rinasce. Il passare oltre, come dice la stessa parola di derivazione ebraica: Pesach. È la principale solennità del cristianesimo ma è diventata nel tempo anche un momento di festa, un’occasione per ritrovarsi, magari in viaggio verso una delle località più suggestive della penisola.

La Settimana santa è costellata di circa tremila rappresentazioni in costume che animano la Francia e l’Italia: riti, tradizioni popolari, feste, antiche processioni e rievocazioni storiche dal forte impatto emotivo.

IN FRANCIA, TRA CAMPANE VOLANTI E UOVA Dopo il silenzio iniziato con il Giovedì santo (quest’anno il 14 aprile), la domenica di Pasqua (il 17 aprile) in tutta la Francia tornano a suonare le campane.

Una leggenda popolare racconta che 38

proprio in quei giorni le campane volino via alla volta di Roma, per raggiungere la Santa Sede e udire direttamente dal Papa l’annuncio della resurrezione di Cristo. La mattina di Pasqua, poi, fanno ritorno in Francia per riportare a tutti il lieto messaggio. La tradizione vuole che nel viaggio di rientro, attraversando il Paese, siano proprio queste “campane volanti” a lasciar cadere nei prati, nei parchi e nei giardini di casa uova e coniglietti di cioccolata, per la gioia di bambine e bambini che si divertono a cercarli fra i cespugli.

Dalla leggenda fantastica alla realtà: in Francia, infatti, la mattina di Pasqua i più piccoli si mettono in cerca delle uova di cioccolato di ogni forma e colore che i genitori hanno nascosto in casa o appeso sugli alberi in giardino.

In Alsazia, poi, la colazione si fa con l’osterlammele, un piccolo dolce a forma di agnello, simile al pan di spagna ita-

liano, cotto in stampi di terracotta invetriata prodotta nelle fabbriche di Soufflenheim, comune del Basso Reno. Un dolcetto che, per aspetto e storia, ricorda l’agnello di pasta di mandorle diffuso nelle regioni del Sud Italia, soprattutto in Puglia e Sicilia.

Nel Sud-Ovest della Francia, invece, nei villaggi dell’Aquitania, il lunedì di Pasqua si rinnova una ricorrenza secolare: la sfida all’ultimo uovo per cucinare la frittata più grande. Nella piazza principale di Haux, ogni anno, viene servita un’omelette gigante realizzata con quasi seimila uova e 50 chili di pancetta per soddisfare l’appetito di circa mille persone.

Anche in Italia a Montaquila (IS), nella valle del Volturno in Molise, viene preparata una frittata con più di mille uova, emulando l’antico gioco della Tuzza: la competizione del lancio delle uova che, una volta rotte, finiscono in padella.

P

âques témoigne de la résurrection, de la reprise de la vie, de l'énergie qui renaît. Passer outre, comme le dit le mot lui-même, d’origine hébraïque : Pesach. C'est la principale solennité du christianisme, mais au fil du temps, elle est aussi devenue un moment de fête, une occasion de se réunir, peutêtre à l'occasion d'une excursion dans l'un des lieux les plus évocateurs de la péninsule.

La Semaine Sainte est riche d'environ trois mille représentations costumées qui animent la France et l'Italie : rites, traditions populaires, fêtes, processions anciennes et reconstitutions historiques à fort impact émotionnel.

EN FRANCE, PARMI LES CLOCHES VOLANTES ET LES ŒUFS Après le silence qui a commencé le Jeudi saint (le 14 avril cette année), le dimanche de Pâques (17 avril) les cloches se remettent à sonner dans toute la France. Selon une légende populaire, les cloches s'envolent vers

Rome pour atteindre le Saint-Siège et entendre l'annonce de la résurrection du Christ directement du pape. Le matin de Pâques, elles retournent en France pour rapporter l'heureux message à tous. La tradition veut qu'au cours de leur voyage de retour à travers le pays, ces « cloches volantes » laissent tomber des œufs et des lapins en chocolat dans les prairies, les parcs et les jardins de leurs maisons, pour le plus grand plaisir des enfants qui aiment les chercher dans les buissons.

De la légende fantastique à la réalité : en France, le matin de Pâques, les enfants recherchent des œufs en chocolat de toutes formes et de toutes couleurs que leurs parents ont cachés dans la maison ou accrochés aux arbres du jardin.

En Alsace, le petit-déjeuner est servi avec des osterlammele, un petit gâteau en forme d'agneau, semblable à la génoise italienne, cuit dans des moules en terre vernissée produits dans les usines de Soufflenheim, dans

le Bas-Rhin. Cette friandise rappelle, par son aspect et son histoire, l'agneau à la pâte d'amande populaire dans le sud de l'Italie, notamment dans les Pouilles et en Sicile.

Dans les villages d'Aquitaine, dans le sud-ouest de la France, le lundi de Pâques voit renaître une tradition séculaire : le défi du dernier œuf pour cuisiner la plus grande omelette. Chaque année, sur la place principale de Haux, une omelette géante composée de près de six mille œufs et de 50 kilos de lard est servie pour satisfaire l'appétit d'un millier de personnes.

En Italie également, à Montaquila, dans la vallée du Volturno, dans le Molise, on prépare une omelette avec plus de mille œufs, en imitant l'ancien jeu de la Tuzza : le concours de lancer d'œufs qui, une fois cassés, finissent dans la poêle.

DE LOURDES À ARLES, PROCESSIONS ET CORRIDAS Il y a également des processions religieuses traditionnelles pour

© PlanetEarthPictures/Adobestock

Il teatro antico e il campanile del chiostro di Saint Trophime ad Arles, Provenza/Le théâtre antique et le clocher du cloître Saint-Trophime, à Arles, Provence (France)

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DA LOURDES AD ARLES, PROCESSIONI E CORRIDE Per festeggiare la Pasqua, poi, non mancano le tradizionali processioni religiose. A Lourdes, durante la Settimana santa, si radunano ogni sera migliaia di pellegrini per le fiaccolate in onore della Madonna, il cui culto richiama ogni anno quasi sei milioni di devoti.

A Perpignan, paese catalano nella zona dei Pirenei orientali, il Venerdì santo (il 15 aprile) si assiste alla processione della Sanch, un evento che simboleggia la Via Crucis e coinvolge ogni anno oltre 10mila persone. L’antica rappresentazione ripercorre un fatto storico avvenuto nel XVI secolo, quando i domenicani proteggevano i condannati a morte dal linciaggio della folla, assicurando loro una degna sepoltura. Una storia di valori concreti e radicati sul territorio dove la tradizione si mescola alla fede.

Arles, alle porte della Camargue, nel Sud della Francia, ha mantenu-

to intatta nei secoli le tradizioni della Feria de Pâques. In questo paese della Provenza, attraversato dal fiume Rodano, si svolge l’evento più atteso dell’anno con circa 500mila visitatori che seguono corride nelle arene cittadine, spettacoli equestri e animazioni musicali. A sottolineare la sintesi tra modernità e tradizione l’abrivado (dal provenzale abriva, accelerare), un gioco che si svolgeva quando i butteri si lanciavano nella cavalcata con le mandrie al galoppo per sfuggire alla carica dei tori. Ancora oggi questi animali vengono accompagnati dai pascoli alle arene di Arles dai guardiani a cavallo in abiti caratteristici, in una corsa sfrenata, che aggiunge alla festa il brivido della corrida.

TRADIZIONI D'ITALIA PROCESSIONI DI SICILIA A Trapani, la processione dei Misteri è tra le più scenografiche. Di origine spagnola, questa ricostruzione della Via Crucis segue un cerimoniale che risale ai primi anni del XVII secolo.

Il Venerdì santo 20 gruppi di fedeli incappucciati sfilano per la città, in uno scenario che dal monte Erice si allunga fino alle saline e spalanca la sua finestra sulle isole Egadi. Caltanissetta, nella domenica delle Palme (10 aprile), si colora con la processione di Gesù Nazareno che ne rievoca l'ingresso a Gerusalemme. La statua di Cristo sfila per la città su una barca ricoperta di fiori, accompagnata da bambini con rami di olivo e palme intrecciate. A Modica (RG), perla del barocco siciliano, la domenica di Pasqua si celebra la festa della Madonna Vasa Vasa. Dalla chiesa di Santa Maria di Betlem partono due processioni, una con il simulacro del Cristo Redento, l’altra con quello della Madonna Addolorata per incontrarsi nella piazza del municipio, dove si celebra il “bacio” di mezzogiorno tra madre e figlio. Un movimento del fercolo, lettiga sulla quale sono trasportate le statue, fa alzare le braccia della statua della Madonna verso quella

© SWllr/AdobeStock

L’osterlammele, il dolce francese di Pasqua a forma di agnello/L’osterlammele, le gâteau français de Pâques en forme d’agneau

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© Pro Loco Quattro Torri

La Pupatta della Quaresima a Santa Croce di Magliano (CB)/La Pupatta della Quaresima, à Santa Croce di Magliano (Italie)

célébrer Pâques. À Lourdes, pendant la semaine sainte, des milliers de pèlerins se rassemblent chaque soir pour des processions aux flambeaux en l'honneur de la Vierge, dont le culte attire chaque année près de six millions de fidèles. À Perpignan, ville catalane située dans les Pyrénées orientales, a lieu la procession de la Sanch du Vendredi saint (15 avril), un événement qui symbolise le chemin de croix et auquel participent plus de 10 000 personnes chaque année.

L'ancienne représentation retrace un événement historique qui s'est déroulé au XVIe siècle, lorsque les Dominicains ont protégé les condamnés à mort du lynchage par la foule, leur assurant une sépulture décente. Une histoire de valeurs concrètes ancrées dans le territoire où la tradition se mêle à la foi.

Arles, aux portes de la Camargue

dans le sud de la France, a conservé intactes les traditions de la Feria de Pâques au fil des siècles. Cette ville de Provence, traversée par le Rhône, accueille l'événement le plus attendu de l'année, avec quelque 500 000 visiteurs qui suivent les corridas dans les arènes de la ville, les spectacles équestres et les animations musicales. Soulignant la synthèse de la modernité et de la tradition, l'abrivado (du provençal abriva, « accélérer »), un jeu qui met en scène les vachers galopant pour échapper à la charge des taureaux.

Aujourd'hui encore, ces animaux sont accompagnés des pâturages aux arènes d'Arles par des cavaliers en tenue caractéristique, dans une course effrénée, qui ajoute le frisson de la tauromachie aux festivités.

TRADITIONS D’ITALIE PROCESSIONS DE SICILE À Trapani, la procession des Mystères est l'une des plus spectaculaires.

D'origine espagnole, cette reconstitution du chemin de croix suit un cérémonial qui remonte au début du XVIIe siècle. Le Vendredi saint 20 groupes de fidèles encapuchonnés défilent dans la ville, sur un fond qui s'étend du mont Erice aux marais salants et ouvre sa fenêtre sur les îles Egadi. Caltanissetta, le dimanche des Rameaux (10 avril), est colorée par la procession de Jésus Nazaréen, qui commémore son entrée à Jérusalem. La statue du Christ défile dans la ville sur un bateau couvert de fleurs, accompagnée d'enfants portant des branches d'olivier et des palmes tressées. À Modica (RG), perle du baroque sicilien, la fête de Notre-Dame Vasa Vasa est célébrée le dimanche de Pâques.

Deux processions partent de l'église de Santa Maria di Betlem, l'une avec le simulacre du Christ Rédempteur, l'autre avec celui de Notre-Dame des Douleurs, pour se retrouver sur 41

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Madonna Vasa Vasa, Modica (RG)/Madonna Vasa Vasa, Modica (Italie)

di Gesù. A seconda del modo in cui si svolge questo bacio simbolico, la “vasata” appunto, i contadini traggono auspici per la nuova annata.

CANTI E PIETRE DELLA PUGLIA «La vera terra di Puglia è quella arcaica non arretrata ma immemorabile», scriveva lo storico dell’arte Cesare Brandi nel suo viaggio letterario e artistico, Pellegrino di Puglia.

Stretto tra due mari, lembo estremo e finis terrae, il Salento è ancora oggi fortemente legato ai suoi riti pasquali, accompagnati dai versi e dai canti della Passione in grìco, l’antichissimo idioma della comunità ellenofona in terra d’Otranto.

Alcuni di questi sono chiamati Le Kalimere, proprio perché augurano a tutti giorni felici. E alle porte di Calimera, centro in provincia di Lecce che trae il suo nome dal “buongiorno” greco, viene celebrato il rito arcaico di purificazione della pietra forata nella chiesetta di San Vito. È abitudine, per gli abitanti del paese, trascorrere la giornata del lunedì di Pasqua nella campagna che circonda questa cappella rurale del ‘500, 42

tra muretti a secco e ulivi secolari. In attesa della messa del pomeriggio, durante la quale si passa attraverso il foro di una grande pietra, un megalite calcareo di epoca precristiana conservato nell’edificio.

IN CAMPANIA L’ANTICA PASSIONE Vallata (AV) è famosa per la rappresentazione del Venerdì santo, che fin dalla metà del ‘500 narra i momenti più drammatici della Passione di Cristo. I giovani di questo paese dell’Irpinia orientale, vestiti da littori e centurioni romani, sfilano al suon di trombe e tamburi con aste, insegne e tele di antica fattura, mentre alcuni cantori declamano i versi dalla Passione di Gesù Cristo l’opera del poeta settecentesco Pietro Metastasio. Il corteo, composto da circa 200 figuranti, si chiude con il feretro di Cristo circondato dai medici del paese e l’immagine dell’Addolorata attorniata da giovani in abito nero.

LA VECCHIA SIGNORA DEL MOLISE Bisogna spostarsi in Molise a Santa Croce di Magliano (CB) per conoscere la Pupatta della Quaresima: una bambola vestita di nero che viene

esposta nelle case o appesa ai balconi durante i 40 giorni prima di Pasqua.

In mano la vecchia signora, nota anche come Quarantana, tiene il fuso e la conocchia, a simboleggiare la pazienza e il tempo che passa. Secondo una versione differente, la pupatta sarebbe invece una personificazione della Quaresima, moglie del defunto Carnevale, intenta a filare in attesa di ricongiungersi con il coniuge il giorno di Pasqua.

LE COLOMBE DI FIRENZE E SULMONA Simbolo per eccellenza di questa Festa è senza dubbio la colomba, segno di purezza e di pace già nei testi biblici. Tra le tradizioni più celebri c’è la Colombina di Firenze: un congegno meccanico che la mattina di Pasqua “spicca il volo” dall’altare del Duomo.

Se il rito va a buon fine e avvia lo scoppio del carro Brindellone è segno di buon auspicio. A Sulmona (AQ) sono sempre le colombe ad accompagnare la Processione della Madonna che scappa. La statua della Vergine, sostenuta sulle spalle dai fedeli, corre improvvisamente verso il figlio, tra il volo di vere colombine liberate.

la place de la mairie, où l'on célèbre le "baiser" de midi entre la mère et l'enfant. Un mouvement du ferculum, la litière sur laquelle les statues sont portées, élève les bras de la statue de la Madone vers ceux de Jésus.

Selon la manière dont se déroule ce baiser symbolique, la « vasata », les agriculteurs tirent des auspices pour la nouvelle année.

CHANSONS ET PIERRES DES POUILLES « La vraie terre des Pouilles est celle qui est archaïque, non pas arriérée mais immémoriale », écrit l'historien de l'art Cesare Brandi dans son parcours littéraire et artistique, Pellegrino di Puglia. Pris en sandwich entre deux mers, une bande de terre extrême et des finis terrae, le Salento est encore fortement lié à ses rites de Pâques, accompagnés de versets et de chants de la Passion en grec, l'ancienne langue de la communauté hellénophone du pays d'Otrante.

Certains d'entre eux sont appelés Le Kalimere, précisément parce qu'ils souhaitent à tous des jours heureux.

Et dans les environs de Calimera, une ville de la province de Lecce qui tire son nom du grec « bonjour », le rite archaïque de purification de la pierre perforée est célébré dans la petite église de San Vito. La coutume veut que les villageois passent le lundi de

Pâques dans la campagne entourant cette chapelle rurale du XVIe siècle, au milieu des murs de pierres sèches et des oliviers séculaires. En attendant la messe de l'après-midi, au cours de laquelle on passe par le trou d'une grande pierre, un mégalithe calcaire de l'ère pré-chrétienne conservé dans l'édifice.

EN CAMPANIE, LA PASSION ANTIQUE Vallata (AV) est célèbre pour la représentation du Vendredi saint, qui, depuis le milieu du XVIe siècle, raconte les moments les plus dramatiques de la Passion du Christ.

Les jeunes de cette ville de l'est de l'Irpinia, habillés en licteurs et en centurions romains, défilent au son des trompettes et des tambours avec des bâtons, des pancartes et de vieux tissus, tandis que certains chanteurs déclament des vers de la Passion de Jésus-Christ, œuvre du poète du XVIIIe siècle Pietro Metastasio. La procession, composée d'environ 200 participants, se termine par le cercueil du Christ entouré des médecins de la ville et par l'image de Notre-Dame des Douleurs entourée de jeunes gens en robe noire.

LA VIEILLE DAME DU MOLISE Il faut se rendre dans le Molise, à Santa Croce di Magliano (CB), pour faire connaissance avec la Pupatta

du Carême : une poupée vêtue de noir qui est exposée dans les maisons ou accrochée aux balcons pendant les 40 jours précédant Pâques. Dans sa main, la vieille femme, également connue sous le nom de Quarantana, tient le fuseau et la quenouille, qui symbolisent la patience et le passage du temps. Selon une autre version, la pupatta est plutôt une personnification du Carême, l'épouse du défunt Carnaval, décidée à filer en attendant d'être réunie avec son époux le jour de Pâques.

LES COLOMBES DE FLORENCE ET DE SULMONA Le symbole par excellence de cette fête est sans doute la colombe, signe de pureté et de paix déjà présent dans les textes bibliques. L'une des traditions les plus célèbres est celle de la colombe florentine : un dispositif mécanique qui "s'envole" de l'autel du Duomo le matin de Pâques. Si le rituel est réussi et déclenche l'éclatement de la charrette de Brindellone, c'est un signe de bon augure. À Sulmona (L’Aquila), ce sont toujours les colombes qui accompagnent la Procession de la Vierge qui fuit. La statue de la Vierge, soutenue par les épaules des fidèles, court soudain vers son fils, parmi le vol de véritables colombes lâchées.

© dudlajzov/Adobestock

Il Palazzo dei re di Maiorca a Perpignan (Francia)/Le Palais des rois de Majorque, à Perpignan (France)

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IL PARCO DEL COLOSSEO E I SUOI SEGRETI L’AREA ARCHEOLOGICA NON COMPRENDE SOLO L’ANFITEATRO PIÙ CELEBRE DEL MONDO ANTICO. MA ANCHE GIOIELLI MENO NOTI COME LA CASA DELLE VESTALI E IL ROSETO DEL PALATINO

© Parco archeologico Colosseo

di/par Francesca Ventre – f.ventre @fsitaliane.it

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© Parco archeologico Colosseo

LE PARC DU COLISÉE ET SES SECRETS

LA ZONE ARCHÉOLOGIQUE NE COMPREND PAS SEULEMENT L'AMPHITHÉÂTRE LE PLUS CÉLÈBRE DU MONDE ANTIQUE, MAIS AUSSI DES JOYAUX MOINS CONNUS TELS QUE LA MAISON DES VESTALES ET LA ROSERAIE DU PALATIN 45

© Parco archeologico Colosseo

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Gli ulivi nel Palatino/Les oliviers du Mont Palatin

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alcare gli spalti dove i Romani tifavano per i gladiatori o godevano sadicamente alla vista di una belva ferita, ma anche vedere zampillare di nuovo una fontana che duemila anni fa ornava i giardini degli imperatori. Sono emozioni da vivere nel presente, capaci di annullare il tempo. È possibile sperimentarle al Parco archeologico del Colosseo, un’area estesa per decine di ettari, che comprende non solo l’anfiteatro più conosciuto al mondo, ma anche il Foro Romano, il Palatino e la Domus Aurea.

DAI SOTTERRANEI ALL’ARENA «Per il Colosseo la grande novità è che da pochi mesi i sotterranei sono finalmente interamente visitabili. Con punti di sosta multimediali e pannelli tattili. Diamo al visitatore ogni mezzo per seguire una storia nata nell’80 d.C., quando il monumento venne inaugurato, fino al 523, data dell’ultimo spettacolo di caccia al suo interno»», racconta la direttrice del Parco, Alfon-

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sina Russo.

Tutto questo in attesa del completamento dell’Arena, nel 2023, che riprodurrà il grandioso piano in legno che veniva ricoperto di sabbia (si chiama arena per questo) per assorbire il sangue di uomini e animali. «È un progetto importante che ricostruisce la visione e le funzioni originarie del luogo, ma protegge anche i sotterranei da intemperie e danni del clima», continua Russo. «Il più grande anfiteatro dell'antichità era l’unico, in assoluto, ad avere un palcoscenico ligneo e modificabile nei secoli. Saranno ricostruite decine di piattaforme e ascensori che permettevano, grazie a una complessa e perfetta regia, di far salire le gabbie con gli animali dai sotterranei fino al piano dell’arena e di farli poi uscire da tante bocche diverse. Era di sicuro uno spettacolo grandioso».

Per riprovare le sensazioni dei Romani alla vista dei gladiatori, in lotta tra loro o con le belve, ora viene in aiuto anche la tecnologia, con l’app Y&Co -

You and Colosseo, disponibile in nove idiomi e nel linguaggio dei segni.

DENTRO LA CASA DELLE VESTALI Dall’estate scorsa, nel Foro Romano all’interno del Parco, è possibile visitare anche la Casa delle Vestali, residenza delle custodi del fuoco sacro.

In questo edificio molto esteso, che fu dimora del più antico sacerdozio femminile di Roma, sono stati ricollocati dei reperti solitamente conservati nei depositi.

«Nei prossimi mesi», anticipa la direttrice, «dovrebbe poi riaprire la Domus Tiberiana, il più antico palazzo imperiale, con l’esposizione di opere d’arte finora non visibili al pubblico. Anche la Domus Aurea si è arricchita di statue e capitelli tirati fuori dai depositi, immersi in un sistema di illuminazione che riproduce sia l’effetto grandioso voluto dal padrone di casa, Nerone, sia la luce fioca delle torce usate dagli artisti rinascimentali alla scoperta degli affreschi da loro ribattezzati “grottesche”».

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e promener sur les gradins où les Romains acclamaient les gladiateurs ou savouraient avec sadisme la vue d'une bête blessée… Revoir jaillir une fontaine qui, il y a deux mille ans, ornait les jardins des empereurs… Voilà des émotions à vivre dans le présent, capables d'annuler le temps. C’est en tout cas ce que l’on éprouve en parcourant le parc archéologique du Colisée, une zone de plusieurs dizaines d'hectares qui comprend non seulement l'amphithéâtre le plus connu au monde, mais aussi le Forum romain, le Palatin et la Domus Aurea.

DES SOUTERRAINS À L'ARÈNE « La grande nouveauté pour le Colisée est qu'il y a quelques mois, toute la zone souterraine a enfin été ouverte au public. Le tout avec des supports multimédias et des panneaux tactiles.

Nous donnons au visiteur tous les moyens de suivre une histoire qui commence en 80 après J.-C., lorsque le monument a été inauguré, jusqu'en 523, date du dernier spectacle de chasse », explique la directrice du parc, Alfonsina Russo.

Tout cela en prévision de l'achèvement de l'Arène, en 2023, qui reproduira le grandiose plancher en bois qui était recouvert de sable (on l'appelle arène pour cette raison) qui servait à absorber le sang des hommes et des animaux. « C'est un projet important qui reconstitue la vision et les fonctions originales du lieu, mais qui protège également les souterrains des dommages causés par les intempéries et le climat », poursuit Mme Russo. « Le plus grand amphithéâtre de l’Antiquité était le seul à posséder une scène en bois qui a pu être modifiée au fil des siècles. Des dizaines de plateformes et d'ascenseurs seront reconstitués. Grâce à un plan complexe et parfait, il était possible d'amener les cages des animaux depuis les souterrains jusqu'au sol de l'arène, puis de les faire sortir par de nombreuses portes différentes. C'était certainement un grand spectacle.

Pour vivre les sensations des Romains à la vue des gladiateurs, s'affrontant entre eux ou défiant les bêtes, on fait désormais appel à la technologie, avec l'application Y&Co - You and Colosseum, disponible en neuf langues

et même dans la langue des signes.

DANS LA MAISON DES VESTALES Depuis l'été dernier, dans le Forum romain à l'intérieur du Parc, il est également possible de visiter la Maison des Vestales, résidence des gardiennes du feu sacré. Dans ce très grand bâtiment, qui abritait le plus ancien sacerdoce féminin de Rome, des artefacts habituellement conservés en réserve ont été replacés. « Dans les prochains mois, anticipe l'archéologue, la Domus Tiberiana, le plus ancien palais impérial, devrait rouvrir, avec une exposition d'œuvres d'art jusqu’à présent non visibles au public. Même la Domus Aurea a été embellie de statues et de chapiteaux sortis des dépôts, plongés dans un système d'éclairage qui reproduit à la fois l'effet grandiose voulu par le maître des lieux, Néron, et la faible lumière des torches utilisées par les artistes de la Renaissance pour découvrir des fresques qu'ils appelaient "grotesques" ».

UN PARC AU CŒUR DE LA NATURE Cette zone archéologique est également un poumon vert au cœur de

© Parco archeologico Colosseo

La Casa delle Vestali nel Foro Romano/La Maison des Vestales au cœur du Forum Romain

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TRAVEL/VOYAGE

UN PARCO ATTENTO AL GREEN Questa zona archeologica rappresenta anche un polmone verde nel cuore di Roma, esteso per 77 ettari, di cui 44 aperti al pubblico. Russo ricorda il progetto del Parco green, nato nel 2019: «Grazie ad alcune sponsorizzazioni, il verde è curato e mantenuto con attenzione. Inoltre, produciamo miele e olio con le olive coltivate in loco. Queste attività, che puntano anche alla riduzione degli sprechi, sono tema di laboratori per le scuole e visite tematiche speciali».

Un altro elemento di attenzione è l’acqua. «Da poco è stata riattivata la fontana delle Pelte, nella Domus Augustana, con zampilli accompagnati da brani musicali di Mozart. Mentre nell’impianto di irrigazione sono stati inseriti dei sensori per calibrare la quantità di acqua e stiamo implementando le fontanelle a disposizione de-

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gli ospiti». Inoltre, aggiunge la direttrice, «negli Horti Farnesiani all’interno del Parco cresce la Rosa Augusta Palatina, creata in esclusiva per questo luogo eterno. A maggio fiorirà e sarà uno spettacolo».

ARCHEOLOGIA ANTE LITTERAM Questa zona è da secoli sede di ricerche e attività di studio. Nella mostra Giacomo Boni. L'alba della modernità, visitabile fino al 30 aprile, si racconta la vita dell’archeologo che si dedicò agli scavi del Foro dalla fine dell‘800 ai primi del ‘900.

«Amico di Gabriele D’Annunzio ed Eleonora Duse, ebbe grande influenza sulla cultura e la società dell’epoca. Personalità poliedrica – fu anche architetto e botanico – applicò per primo il metodo stratigrafico per lo scavo archeologico», spiega Russo.

La mostra è diffusa in diverse sedi all’interno dell’area, tra cui la chiesa di

Santa Maria Antiqua riportata alla luce proprio da Boni.

Il Parco è un gioiello da curare e promuovere con responsabilità, mantenendo come obiettivo centrale il singolo visitatore. Un obiettivo ambizioso, visto che prima del Covid-19 il flusso si attestava su circa 7,5 milioni di presenze all’anno. «È un luogo che pesa come impegno e responsabilità, soprattutto in questi due anni di convivenza con la pandemia», confida la direttrice. «Ma mi trasmette continue emozioni. La sera, all’uscita, mi trovo davanti agli occhi uno scenario sempre diverso, a cui scatto foto da postare sui social. Il Parco archeologico del Colosseo è fitto di memorie, da cogliere in più e più volte». Un invito, per ogni visitatore, a vivere e condividere le proprie esclusive impressioni. parcocolosseo.it

exclusivement pour ce lieu éternel.

En mai, elle fleurira et ce sera un vrai spectacle. » ARCHÉOLOGIE AVANT LA LETTRE Cette zone est le lieu de recherches et d'études depuis des siècles. L'exposition Giacomo Boni. L'alba della modernità, ouverte jusqu'au 30 avril, retrace la vie de l'archéologue qui s'est consacré aux fouilles du Forum de la fin du XIXe siècle au début du XXe. « Ami de Gabriele D'Annunzio et d'Eleonora Duse, il a eu une grande influence sur la culture et la société de l'époque. Personnalité aux multiples facettes – il était également architecte et botaniste – il a été le premier à appliquer la méthode stratigraphique aux fouilles archéologiques », explique Russo. L'exposition est présentée dans différents lieux de la région, dont l'église de Santa Maria Antiqua, qui a été redécouverte par Boni lui-même.

Le parc est un joyau dont il faut prendre soin et qu'il faut promouvoir de manière responsable, en mettant chaque visiteur au centre du projet.

Il s'agit d'un objectif ambitieux, étant donné qu'avant le Covid-19, le flux de visiteurs était d'environ 7,5 millions par an. « C'est un lieu qui pèse en termes d'engagement et de responsabilité, surtout dans ces deux années de vie avec la pandémie », confie la directrice. « Mais cela me procure des émotions constantes. Le soir, en partant, je vois un paysage toujours changeant devant moi, et j'en prends des photos pour les poster sur les réseaux sociaux. Le parc archéologique du Colisée est plein de souvenirs, à saisir encore et encore ». Une invitation pour chaque visiteur à vivre et à partager ses propres impressions intérieures.

© Parco archeologico Colosseo

Rome. Elle couvre 77 hectares, dont 44 sont ouverts au public. Russo rappelle le projet Parco Green, né en 2019 : « Grâce à certains parrainages, la verdure est soigneusement entretenue et maintenue. En outre, nous produisons du miel et de l'huile à partir d'olives cultivées sur place. Ces activités, qui visent également à réduire les déchets, font l'objet d'ateliers pour les écoles et de visites thématiques spéciales. » L'eau est également un élément important. « La fontaine des Pelte de la Domus Augustana a été récemment réactivée, avec des jets accompagnés de musique de Mozart. Des capteurs ont été installés dans le système d'irrigation pour calibrer la quantité d'eau, et nous mettons ces fontaines à la disposition des visiteurs. » En outre, ajoute la directrice, « dans les Horti Farnesiani à l'intérieur du parc, pousse la rose « Augusta Palatina », créée

parcocolosseo.it

La Domus Tiberiana sul Palatino\La Domus Tiberiana du Mont Palatin

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ARTE/ART

«NON RAPPRESENTO NIENTE,

DIPINGO»

L’ARTE RADICALE DI GIORGIO GRIFFA IN UNA MOSTRA MONOGRAFICA AL CENTRO POMPIDOU DI PARIGI di/par Giuliano Papalini

Giorgio Griffa nel suo studio/Giorgio Griffa dans son atelier © Giulio Caresio, courtesy Archivio Giorgio Griffa

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« JE NE REPRÉSENTE RIEN,

JE PEINS ».

L'ART RADICAL DE GIORGIO GRIFFA DANS UNE EXPOSITION MONOGRAPHIQUE AU CENTRE POMPIDOU, À PARIS

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ARTE/ART

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arigi riscopre Giorgio Griffa. Il Centro Pompidou dedica un’ampia monografica all’artista torinese, classe 1936, ripercorrendone l’intera ricerca, iniziata verso la fine degli anni ‘60. «L’esposizione nasce da una donazione di un selezionato gruppo di lavori da parte del maestro al Museo nazionale d'arte moderna», spiega la curatrice Christine Macel, già direttrice della Biennale di Venezia nel 2017, «e ci permette di apprezzare questo grande attore della pittura italiana ed europea della seconda metà del ‘900, finora troppo poco conosciuto dal grande pubblico».

La mostra, aperta fino al 27 giugno, presenta diversi cicli compositivi che vanno dal 1969 al 2021 e un’opera inedita realizzata appositamente nel 2020 per il Centro Giorgio Griffa Linee verticali (1971) Courtesy collezione privata, Milano

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Pompidou. Intitolata La Recherche, è un omaggio allo scrittore Marcel Proust composto da 24 tele trasparenti che, appese al muro, creano parziali sovrapposizioni.

«Austera e al tempo stesso libera e gioiosa, la sua arte», sottolinea ancora Macel, «oscilla in un sottile equilibrio tra l’apollineo e il dionisiaco». Associato al gruppo della Pittura analitica italiana, a cavallo degli anni ‘70, Griffa ha tuttavia sempre mantenuto una sua indipendenza e originalità. «Non ho mai avuto alcun interesse per gli impulsi morali o sociali nell'arte», afferma, «e non sono mai stato un rivoluzionario che vuole distruggere per creare qualcosa di nuovo».

Il suo percorso, da allora in solitaria, per una decina d’anni – quando a dominare erano i movimenti dell’Arte Povera e dalla Transavanguardia

– lo ha tenuto lontano dalla scena artistica: in quel periodo è tornato a esercitare la sua professione di avvocato, che non ha mai abbandonato.

La sua arte è una posizione consapevole: «Io non rappresento niente, dipingo. La mia pittura non presenta nulla, esiste e basta. Sono semplici segni, una traccia umana che arriva fino alle grotte del Paleolitico».

Come a dire che, quando i mezzi per dipingere sono esauriti, bisogna tornare alle origini.

E racconta anche del suo fugace rapporto con il movimento tenuto a battesimo dal critico Germano Celant, che codificò un'arte engagé, nel 1969 lo portò a esporre nella galleria di Gian Enzo Sperone a Torino e, l'anno successivo, alla Sonnabend Gallery di New York: «Quando mi invitò a esporre nei suoi spazi, dove

© Alessandro Bartolini/LapresseStock

Centro Pompidou, Parigi/Centre Pompidou, Paris

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aris redécouvre Giorgio Griffa. Le Centre Pompidou consacre une grande exposition monographique à l'artiste turinois, né en 1936, retraçant l'ensemble de sa carrière, qui a débuté à la fin des années 1960. « L'exposition naît d'une donation d'un groupe sélectionné d'œuvres du maître au Musée national d'art moderne », explique la commissaire Christine Macel, ancienne directrice de la Biennale de Venise en 2017, « et nous permet d'apprécier ce grand acteur de la peinture italienne et européenne de la seconde moitié du XXe siècle, jusqu'ici trop peu connu du grand public. » L'exposition, ouverte jusqu'au 27 juin, présente plusieurs cycles de composition allant de 1969 à 2021 et une œuvre inédite créée spécifiquement en 2020 pour le Centre Pompidou. Intitulée La Recherche, elle est un hommage à l'écrivain Marcel Proust composé de 24 toiles transparentes qui, accrochées au mur, créent des superpositions partielles. « Austère et en même temps libre et joyeux, tel est son art, souligne Macel, lequel oscille dans un équilibre subtil entre l'apollinien et le dionysiaque. » Associé au groupe de la Peinture

analytique italienne au tournant des années 1970, Griffa a néanmoins toujours conservé son indépendance et son originalité. « Je ne me suis jamais intéressé aux impulsions morales ou sociales dans l'art, dit-il, et je n'ai jamais été un révolutionnaire qui veut détruire pour créer quelque chose de nouveau. » Son parcours, depuis lors solitaire, l'a tenu éloigné de la scène artistique pendant une dizaine d'années, à l'époque où les mouvements de l’Arte Povera et de la Trans-avantgarde italienne dominaient : il est alors retourné exercer sa profession d'avocat, qu'il n'a jamais abandonnée.

Son art est une prise de position consciente : « Je ne représente rien, je peins. Ma peinture ne présente rien, elle existe et c’est tout. Ce sont de simples signes, une trace humaine qui remonte jusqu'aux grottes du paléolithique. » Comme pour dire que lorsque les moyens de peindre sont épuisés, il faut revenir aux origines.

Il raconte aussi sa relation éphémère avec le mouvement baptisé par le critique Germano Celant, qui a codifié un art engagé, et qui l'a conduit en 1969 à exposer dans la galerie de Gian Enzo Sperone à Turin et, l'année suivante, à la galerie Sonnabend à

New York : « Lorsqu'il m'a invité à exposer dans ses espaces, où se trouvaient également des artistes de l'Arte Povera que je connaissais, j'ai étalé une grande toile sur le sol et j'ai peint directement dessus. Depuis, j'ai toujours travaillé de cette manière. » C'était dans les années 1960, lorsque Griffa collaborait avec le mouvement de ces jeunes artistes autour de Turin et qu'il se sentait sur la même longueur d'onde qu'eux. « Nous étions tous animés par l'idée d'utiliser la matière sans la maîtriser, mais en la servant. Et cela correspond tout à fait à mon approche », poursuit-il. « Mais j'étais le seul peintre de ce groupe et je me suis vite rendu compte que je n'y avais tout simplement pas toute ma place. D'un autre côté, j'ai toujours été convaincu que la peinture ne s'arrêterait jamais. Il fallait juste qu'elle suive l'histoire contemporaine. » De fait, à partir de ces années, Griffa se distingue par un langage pictural réduit à ses composantes essentielles que sont la toile, le signe et la couleur, qu'il choisit d'utiliser dans une fonction non représentative. Il travaille sur du papier et des tissus non traités, choisissant des matériaux tels que le coton, le lin et le chanvre, dont les différentes qualités d'épaisseur, 53

ARTE/ART

Giorgio Griffa Segni orizzontali (1970) © Giulio Caresio, courtesy Archivio Giorgio Griffa

c’erano anche artisti dell'Arte Povera che conoscevo, ho steso una grande tela sul pavimento e ci ho dipinto direttamente. Da allora, ho sempre lavorato così».

Erano gli anni ‘60, quando Griffa collaborava con il movimento di quei giovani artisti presenti nei dintorni di Torino e si sentiva sulla loro stessa lunghezza d'onda. «Tutti eravamo animati dall’idea di utilizzare il materiale senza padroneggiarlo, ma servendolo. E questo è del tutto in linea con il mio approccio», prosegue. «Ma io ero l'unico pittore di quel gruppo e presto mi resi conto che, semplicemente, non vi appartenevo pienamente. D’altronde, sono sempre stato convinto che la pittura non si sarebbe mai fermata. Doveva solo stare al passo con la storia contemporanea».

Difatti Griffa, a partire da quegli anni, si è distinto per un linguaggio pittorico ridotto ai suoi componenti essenziali di tela, segno e colore, che sceglie di usare in funzione non 54

rappresentativa. Lavora su carte e tessuti non trattati, scegliendo materiali quali cotone, lino, canapa, le cui differenti qualità di spessore, trama e colorazione originale restano dichiaratamente esposte. Per queste sue unicità, è diventato uno degli artisti italiani più importanti della sua generazione e tra gli esponenti più radicali della ricerca contemporanea internazionale. Dal ‘69 decide di eliminare il supporto del telaio anche nelle esposizioni, creando una condizione il più possibile vicina a quella in cui lavora nello studio. I segni impiegati si distinguono per l’estrema semplicità formale, secondo il suo desiderio di usare un linguaggio potenzialmente semplice che potrebbe appartenere alla mano di tutti. Si vedono linee e aste tracciate in senso verticale, orizzontale, oppure diagonale. E macchie di varie grandezze che segnano la coerenza della sua ricerca compositiva, sostenuta da colori a olio nei primi anni, poi a tempera e successivamente ad acrilico.

La mostra parigina riunisce anche nove opere della serie Segni primari (1969-1970) che raccontano le sue iniziali indagini astratte e svelano le costanti delle sue creazioni: colori diluiti, segni grafici anonimi, tele grezze e lasciate allentate che comunicano un senso di non finito. Dopo aver esposto in tutto il mondo, con opere presenti in prestigiose collezioni pubbliche e private italiane e internazionali, l’evento al Beaubourg è un riconoscimento all’intera carriera dell’artista piemontese, riassunta in serie di undici cicli pittorici tutti caratterizzati da una data di inizio ma non di fine. «Non c’è progresso, un ciclo segue all’altro non già perché il precedente si è concluso e il nuovo parte da quelle conclusioni», spiega l’artista. «Sono semplici variazioni fisiologiche fra vari percorsi, sono sentieri diversi nella stessa foresta oscura». centrepompidou.fr CentrePompidou centrepompidou

de tissage et de coloration originale restent ouvertement exposées.

Grâce à ces singularités, il est devenu l'un des artistes italiens les plus importants de sa génération et l'un des représentants les plus radicaux de la recherche contemporaine internationale. À partir de 1969, il décide d'éliminer le support du cadre même dans les expositions, créant ainsi une condition aussi proche que possible de celle dans laquelle il travaille en atelier. Les signes qu'il utilise se distinguent par leur extrême simplicité formelle, selon son désir d'utiliser un langage potentiellement simple qui pourrait être à la portée de tous. On voit des lignes et des tiges tracées

verticalement, horizontalement ou en diagonale. Et des taches de tailles diverses qui marquent la cohérence de sa recherche compositionnelle, soutenue par la peinture à l'huile les premières années, puis la tempera et plus tard l'acrylique.

L'exposition parisienne réunit également neuf œuvres de la série Segni primari (1969-1970) qui retracent ses premières recherches abstraites et révèlent les constantes de sa création : couleurs diluées, signes graphiques anonymes, toiles brutes laissées en vrac qui communiquent un sentiment d'inachevé. Après avoir exposé dans le monde entier, avec des œuvres dans de prestigieuses collections publiques et privées

italiennes et internationales, l'événement à Beaubourg est une reconnaissance de toute la carrière de l'artiste piémontais, résumée dans une série de onze cycles picturaux, tous caractérisés par une date de début, mais sans fin. « Il n'y a pas de progression, un cycle succède à un autre non pas parce que le précédent s'est terminé et que le nouveau commence à partir de ces conclusions », explique l'artiste. « Ce sont simplement des variations physiologiques entre divers chemins, ce sont des chemins différents dans la même forêt sombre. » centrepompidou.fr CentrePompidou centrepompidou

Giorgio Griffa Verticale (1977) © Giulio Caresio, courtesy Archivio Giorgio Griffa

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ARTE/ART

UN SORSO DI SOGNI ALLA 59ESIMA ESPOSIZIONE INTERNAZIONALE D’ARTE CON LA CURATRICE CECILIA ALEMANI. UNA BIENNALE DELLE DONNE, DEI CORPI E DELLO STARE INSIEME di/par Sandra Gesualdi

sandragesu

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agliette a righe orizzontali, ricci genuini, eloquenza fluida e una lucida e affabile capacità di raccontare, ricercare e intercettare il meglio dell’arte contemporanea. Oltre a un curriculum in continua evoluzione che da Milano l’ha portata a studiare, vivere e lavorare a New York.

Cecilia Alemani, classe 1977, è la curatrice della 59esima Esposizione internazionale d’arte di Venezia. Tra il Padiglione centrale, i Giardini e l’Arsenale, dal 23 aprile al 27 novembre, espongono 213 artiste e artisti, di 58 nazioni, con 1433 opere e 80 nuove produzioni. Una Biennale che vuole essere soprattutto una colta, libera e leggera boccata d’aria. O un sorso di latte confortante.

Ci stai lavorando da due anni. Com’è la tua Biennale?

Rispondo come spero che sia: un evento gioioso in cui poter celebrare ciò che amiamo di più, l’arte. In presenza fisica e in comunione di corpi e di sensi così a lungo isolati e tenuti a distanza. Nonostante la difficile situazione internazionale, mi auguro che la mostra festeggi la voglia di stare insieme.

Hai scelto un titolo poetico, surreale, generativo: Il latte dei sogni. Cosa significa?

Mi piace rubacchiare dalla letteratura parole o frasi che mi colpiscono. Il titolo l’ho preso da un libro di favole di Leonora Carrington, in cui si descrive un mondo magico e immaginario nel quale la vita viene costantemente reinventata ed è possibile trasformarsi con libertà, cambiare senza imposizioni e gerarchie, diventare altro da sé.

Baya Mahieddine Femme au panier et coq rouge (1947) Collection Adrien Maeght, Saint Paul © Photo Galerie Maeght, Parigi

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UNE GORGÉE DE RÊVES À LA 59E EXPOSITION INTERNATIONALE D'ART AVEC LA COMMISSAIRE CECILIA ALEMANI. UNE BIENNALE DES FEMMES, DES CORPS ET DE LA CONVIVIALITÉ

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es t-shirts à rayures horizontales, des boucles authentiques, une éloquence fluide et une capacité lucide et affable à raconter, rechercher et intercepter le meilleur de l'art contemporain. Sans parler de son cursus en constante évolution qui l'a amenée à étudier, vivre et travailler de Milan à New York.

Cecilia Alemani, née en 1977, est la commissaire de la 59e exposition internationale d'art de Venise. Entre le Pavillon central, les Jardins et l'Arsenal, du 23 avril au 27 novembre, 213 artistes de 58 nations exposeront un total de 1 433 œuvres dont 80 nouvelles productions.

Une Biennale qui se veut avant tout un bol d'air de culture, libre et léger. Ou une gorgée de lait réconfortante.

Vous travaillez depuis deux ans sur ce projet. Comment se déroule votre Biennale ?

Ma réponse est ce que j'espère qu'elle sera : un événement joyeux dans lequel nous pouvons célébrer ce que nous aimons le plus, l'art. Dans la présence physique et la communion des corps et des sens si longtemps isolés et tenus à distance. Malgré la situation internationale difficile, j'espère que l'exposition célébrera le désir d'être ensemble.

Vous avez choisi un titre poétique, surréaliste, génératif : Il latte dei sogni (« Le lait des rêves »). Qu'est-ce que cela veut dire ?

J'aime voler des mots ou des phrases de la littérature qui me frappent. J'ai emprunté le titre à un livre de contes de Leonora Carrington, dans lequel elle décrit un monde magique et imaginaire où la vie est constamment réinventée et où il est possible de se transformer librement, de changer sans impositions ni hiérarchies, de devenir autre chose que soi-même.

Que représente la réouverture de la Biennale ?

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ARTE/ART

Elle Pérez Petal (2020/2021) Courtesy l’artista; 47 Canal

Cosa rappresenta la riapertura della Biennale?

Incarna l’idea di essere insieme. Passeggiare e vedere l’arte dal vivo in quel grande museo a cielo aperto che è 58

Venezia.

Hai chiamato a partecipare molte artiste, storiche e giovani, anche poco conosciute, dando un indirizzo molto paritario a questa edizione.

Oltre l’80% dei partecipanti sono donne, ho voluto imprimere un segno forte e invertire una tendenza. Fino a oggi è stato esattamente il contrario: le donne presenti in Biennale sono state una

Loïs Mailou Jones Africa (1935)

représentaient un pourcentage ridicule, mais personne ne l'a jamais remis en question. J'ai travaillé avec beaucoup d'entre elles et cela m'a facilité la tâche ; à Venise, je voudrais que leur travail soit enfin apprécié. J'étais intéressée par une relecture de l'histoire de l'art et aussi de l'Exposition, en regardant ces moments où la figure féminine a été occultée de force.

L'art est un espace sans frontières, de dialogue et de paix. Au moment où nous réalisons cet entretien, vous travaillez à l'ouverture des pavillons

© Andrea Avezzù/Courtesy La Biennale

Elle incarne l'idée d'être ensemble. Se promener et voir l'art directement dans ce grand musée en plein air qu'est Venise.

Vous avez invité de nombreux artistes à participer, tant confirmés qu’en devenir, parfois peu connus, donnant ainsi une orientation très égalitaire à cette édition.

Plus de 80 % des participants sont des femmes, je voulais marquer les esprits et inverser une tendance. Jusqu'à présent, ça a toujours été exactement le contraire : les femmes présentes à la Biennale

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The Johnson Collection, Spartanburg, South Carolina

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ARTE/ART

percentuale residua, ma nessuno si è mai posto il problema. Ho lavorato con moltissime di loro e questo mi ha facilitata, a Venezia vorrei far apprezzare i loro lavori. Mi interessava rileggere la storia dell’arte e anche dell’Esposizione guardando a quei momenti in cui la figura femminile è stata oscurata forzatamente.

L’arte è spazio senza frontiere, di dialogo e pace. Mentre scriviamo questa intervista state lavorando per aprire il padiglione ucraino e quello russo, nonostante la guerra...

La Russia ha rinunciato a partecipare, mentre lo spazio dedicato all’Ucraina apre e ci stiamo impegnando per questo. L’artista Pavlo Makov, protagonista del padiglione, è riuscito a uscire dal Paese. Sono tempi molto complicati e dolorosi, ci chiediamo se abbia senso parlare di arte in questa situazione, ma abbiamo percepito che le curatrici del padiglione vogliono proprio parlare di arte e non di guerra.

Il corpo nelle sue varie declinazioni è uno dei temi centrali. Cosa ci racconta? È il pivot della mostra ed è diventato la piattaforma e il palcoscenico per una riflessione più esistenziale. Attraverso il corpo ci relazioniamo con l’esterno e in Biennale ne raccontiamo le meta-

morfosi, il rapporto con il Pianeta o la tecnologia, indaghiamo sulla definizione di umano.

Hai dato molto spazio alla formazione, esponendo anche opere di studenti.

Lanciamo per la prima volta la Biennale college arte con programmi di supporto e attività per artisti agli esordi.

Quattro di loro sono stati selezionati ed espongono all’Arsenale nella rassegna principale, confrontandosi con le stesse problematiche di spazio e allestimento dei senior.

Quali sono le nuove avanguardie e tendenze?

Mi sono accorta che questa è un’edizione molto pratica, materica, pragmatica. Non è presente molta arte digitale, ma tanti quadri, sculture, installazioni.

Non so se ci sia un ritorno alla fisicità dell’oggetto arte, sicuramente molto è lo spazio dedicato all’introspezione. Gli artisti hanno indossato lenti più personali, oniriche e a volte surreali per scandagliare la realtà.

Come si diventa curatrice della Biennale d’arte di Venezia?

Non c’è una strategia da seguire. Mi ha aiutato curare il Padiglione Italia nel 2017, poi è importante avere una buona dose di apertura internazionale e l’idea globale dell’arte. Ma anche un po' di fortuna.

Chi sono stati i maestri che ti hanno aiutata e ispirata?

In Italia il critico e curatore Francesco Bonami: la sua eccentrica Biennale del 2003, tra le prime che ho visto, mi ha trasmesso energia, entusiasmo ed effervescenza. A New York Marcia Tucker, fondatrice del New Museum of Contemporary Art e mia docente al master per curatori al Bard College. Mi ha insegnato a essere aperta a tutto, al bello, al brutto, al disgustoso e al mostruoso, senza avere paura di ricercare oltre la bellezza. Di pensare all’arte come una convergenza di gusti, stili e discipline diverse e cacofoniche da cui trarre la forza per aprire porte nuove.

Come vorresti che fosse ricordata questa tua Biennale?

La mostra della rinascita e del ritrovarsi insieme. Transtorica perché mixa più periodi. E l’edizione delle donne, anche se non voglio etichettarla come tale.

Ma è giunta l’ora che lo sia.

La domanda delle domande. A cosa serve l’arte?

A farci vedere il mondo con una lente che a volte è intimista e critica ma ci aiuta ad aprire le prospettive, cambiare i punti di vista e scorgere quello che ci sta attorno in maniera diversa. labiennale.org/it/arte/2022

Maria Bartuszová Untitled dalla serie Endless Egg (1985) Photo Michael Brzezinski. Courtesy The Estate of Maria Bartuszová, Košice; Alison Jacques, London. © The Archive of Maria Bartuszová, Košice

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ARTE/ART

ukrainien et russe, malgré la guerre...

La Russie a décidé de ne pas participer, tandis que l'espace dédié à l'Ukraine sera ouvert et nous y travaillons.

L'artiste Pavlo Makov, le protagoniste du pavillon, a réussi à quitter le pays. Ce sont des moments très compliqués et douloureux, et nous nous demandons si cela a un sens de parler d'art dans cette situation, mais nous avons eu le sentiment que les commissaires du pavillon voulaient vraiment parler d'art et non de guerre.

Le corps sous ses différentes formes est l'un des thèmes centraux. Quel est le message ?

C’est le pivot de l'exposition et il est devenu la plateforme et la scène d'une réflexion plus existentielle.

Nous sommes en relation avec le monde extérieur par le biais du corps, et à la Biennale, nous parlons de sa métamorphose, de sa relation avec la planète ou la technologie, et nous étudions la définition de l'humain.

Vous avez donné beaucoup d'espace à la formation, en exposant notamment des œuvres d'étudiants.

Nous lançons pour la première fois la Biennale des écoles d'art avec des programmes de soutien et des activités pour les artistes à leurs débuts. Quatre

d'entre eux ont été sélectionnés et exposent à l'Arsenal dans l'exposition principale, confrontés aux mêmes problèmes d'espace et de conception d'exposition que les seniors.

Quelles sont les nouvelles avantgardes et tendances ?

Je me suis rendu compte que c'est une édition très pratique, matérielle, pragmatique. Il n'y a pas beaucoup d'art numérique, mais beaucoup de peintures, de sculptures et d'installations. Je ne sais pas s'il y a un retour à l'objet d'art physique, mais il y a certainement beaucoup d'espace dédié à l'introspection. Les artistes ont porté des lunettes plus personnelles, oniriques et parfois surréalistes pour sonder la réalité.

Comment devient-on commissaire de la Biennale d'art de Venise ?

Il n'y a pas de stratégie à suivre. J’ai été la commissaire du pavillon italien en 2017, et puis il est important d'avoir une bonne dose d'ouverture internationale et une idée globale de l'art. Mais aussi un peu de chance.

Quels ont été les maîtres qui vous ont aidé et inspiré ?

En Italie, le critique et commissaire Francesco Bonami : son excentrique Biennale 2003, l'une des premières

© Francesco Galli

Il Padiglione Centrale ai Giardini, Venezia/Le Pavillon central aux Jardins, Venise

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que j'ai vues, m'a donné énergie, enthousiasme et effervescence. À New York, Marcia Tucker, fondateur du New Museum of Contemporary Art et ma professeur au Master pour commissaires au Bard College. Elle m'a appris à être ouverte à tout, au beau, au laid, au dégoûtant et au monstrueux, sans avoir peur de regarder au-delà de la beauté. Penser l'art comme une convergence de goûts, de styles et de disciplines différents et cacophoniques dans laquelle on puise la force d'ouvrir de nouvelles portes.

Comment souhaitez-vous que l'on se souvienne de votre Biennale ?

L'exposition de la renaissance et du rassemblement. Elle est transhistorique, car elle mélange plusieurs périodes.

Et l'édition des femmes, même si je ne veux pas l'étiqueter comme telle. Mais il était temps qu’il en soit ainsi.

La question des questions. À quoi sert l'art ?

Il nous permet de voir le monde de manière parfois intime et critique, mais il aide également à ouvrir des perspectives, à changer de point de vue et à voir ce qui nous entoure d'une manière différente. labiennale.org/it/arte/2022

© Express Newspapers/Courtesy of GettyImages

CULTURA/CULTURE

ETERNA MONICA ATTRICE INDIMENTICABILE, ICONA DELLA COMMEDIA ALL’ITALIANA E MOLTO AMATA IN FRANCIA. IN RICORDO DI VITTI, SCOMPARSA IL 2 FEBBRAIO di/par Giuliano Compagno

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francesi l’hanno amata tanto quanto gli italiani. Una stella nella Nuit, l’ha descritta il quotidiano francese Libération, nel giorno della sua morte, facendo riferimento al film del 1961 girato con Marcello Mastroianni. «Il y a dans cette voix adulte la douloureuse mélancolie des femmes auto-nomes. Sa tristesse et sa fantai-

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sie. Et c’est peut-être tout simplement de l’intelligence», ha commentato sulla stessa testata la cineasta Rebecca Zlo-towski.

Monica Vitti è scomparsa il 2 febbraio scorso, ma da circa un ventennio non era più sensibile ad alcun contatto che non fosse teneramente mediato dal regista Roberto Russo, suo mari-

to e amore a tal punto infinito da accompagnarla, con un ulteriore piccolo passo, verso il distacco.

Grazie al cuore di questo grande uomo, l’attrice romana è vissuta nel silenzio e nella dimenticanza della malattia che l’aveva colpita. Non è trapelata la più piccola notizia né una sola immagine è apparsa a sgualcir-

ÉTERNELLE

MONICA UNE ACTRICE INOUBLIABLE, UNE ICÔNE DE LA COMÉDIE ITALIENNE TRÈS APPRÉCIÉE EN FRANCE. EN MÉMOIRE DE MONICA VITTI, DÉCÉDÉE LE 2 FÉVRIER

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es Français l'aimaient autant que les Italiens. Une étoile dans la Nuit, c’est ainsi que l’a décrite le quotidien français Libération, le jour de sa disparition, en référence au film qu'elle a tourné en 1961 avec Marcello Mastroianni. « Il y a dans cette voix adulte la douloureuse mélancolie des femmes autonomes. Sa tristesse et sa fantaisie.

Et c’est peut-être tout simplement de l’intelligence », a commenté la cinéaste

Rebecca Zlotowski dans le même journal.

Monica Vitti s'est éteinte le 2 février dernier, mais depuis une vingtaine d'années, elle n'était plus sensible à aucun contact qui ne soit celui du regard du réalisateur Roberto Russo, son mari habité d’un amour si profond qu'il l'accompagna, pas à pas, vers le retrait total.

Grâce au cœur de ce grand homme, l'actrice romaine a vécu dans le silence et l'oubli de la maladie qui l'avait frappée. Pas la moindre nouvelle n'a filtré, pas une seule image n'a paru plisser son visage légendaire. Grâce à ce miracle contemporain, la mémoire

Monica Vitti durante la promozione del film Modesty Blaise (1965)/Monica Vitti lors de la promotion du film Modesty Blaise (1965) 65

© Archivio Cameraphoto Epoche/GettyImages

CULTURA/CULTURE

Vitti a Venezia (1980)/Vitti à Venise (1980)

ne il volto. Grazie a questo miracolo contemporaneo, la memoria di Vitti è rimasta intatta. Nell’ottobre del 1964 Cahiers du Cinéma, prestigiosa rivista cinematografica d’Oltralpe, le dedicò la copertina, facendola assurgere a icona non conforme, capace di oltrepassare tanto la Nouvelle Vague quanto le opere di culto di Michelangelo Antonioni.

I nostri cugini avevano colto ancor prima di noi che Monica aveva incarnato una figura femminile della modernità. Non già la donna “liberata” ma la donna libera, capace di condividere e creare, con il regista, una poetica comune: «Michelangelo cercava cose difficili ma era anche l’uomo più semplice della Terra. L’uomo Antonioni era ingenuo. Il genio è ingenuo, di solito», disse di lui. I due trascorsero dieci anni a comprendersi l’un l’altra, fin dal primo approdo-debutto, su un’isola pontina, che formò il loro sodalizio. Vitti gliene regalò, di idee. È vero che «il film è del regista», come diceva lo scrittore Tonino Guerra, ma vi sono stati grandi attori italiani che incarnavano una tal potenza da co66

struire un’opera cinematografica con le loro espressioni, le loro voci, i loro gesti. Monica Vitti e Anna Magnani sono state questo genere di attrici.

Stupiva che una donna degli anni ’60 sapesse imporsi con personalità e orgoglio in un ambiente dove i dominanti stereotipi maschili di produttori, registi e attori non erano minimamente contrastati. Monica mise in essere un’implicita rivolta che, superando il primo femminismo, riuscì a realizzare attraverso i suoi personaggi. Così ha narrato l’amore femminile con un sarcasmo e una leggerezza che da soli frantumavano ogni ruolo prestabilito sul set o sul palcoscenico.

C’è una foto dei primi anni ’90, apparsa in rete lo scorso febbraio, che la ritrae assieme a Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Alberto Sordi e Ugo Tognazzi. Manca solo Marcello Mastroianni. È la generazione della commedia italiana, che nei giorni della sua scomparsa si è riunita nei luoghi della nostra memoria. In poche ore quell’immagine ha richiamato migliaia di commenti affettuosi, eco dello smarrimento comune che aveva ge-

nerato la morte dell’attrice romana.

Ultimo grande artefice di un’epoca irripetibile, l’attore e regista Giancarlo Giannini non si è perso in un commiato lacrimevole. Ha salutato un’attrice a cui si sentiva prossimo, per il tempo e per l’arte che i due avevano vissuto assieme, con queste parole: «Per sapienza tecnica, per intelligenza emotiva e per il suo grande stile, Monica Vitti è stata una delle più grandi attrici del mondo!».

Se la commedia italiana è esistita, lo si deve anche all’estro con cui lei mise a soqquadro i canoni della comicità, perché prima che attrice Monica era una donna toccata dal dono dell’anticipo. Arrivava prima, non trovava nessuno e aspettava. Che non fosse bella, per esempio, se lo diceva da sola, eppure in molte immagini appare magnifica. «Eternelle», titoleranno ancora i francesi. La sua eleganza, poi, era immota. Si potevano emulare tante attrici fantastiche, lei no. Era inimitabile. E come una dandy nuova, ciò che indossava, guardava e pensava, faceva suo. E il mondo ti ha tanto amata, Monica.

de Monica Vitti est restée intacte. En octobre 1964, la prestigieuse revue de cinéma, les Cahiers du Cinéma, lui consacre sa couverture, faisant d'elle une icône anticonformiste, capable de transcender à la fois la Nouvelle Vague et les œuvres cultes de Michelangelo Antonioni.

Les Français avaient compris, avant même les Italiens, que Monica avait incarné une figure féminine de la modernité. Non pas une femme « libérée », mais une femme libre, capable de partager et de créer, avec son réalisateur, une poétique commune : « Michel-Ange cherchait des choses difficiles, mais il était aussi l'homme le plus simple du monde.

L'homme Antonioni était naïf. Le génie est généralement naïf », disait-elle de lui. Les deux ont passé dix ans à se comprendre, dès le premier tournage, sur une île Pontine, qui scella leur collaboration. Vitti lui en donna, des idées. Il est vrai que « le film appartient au réalisateur », comme le disait l'écrivain Tonino Guerra, mais il y a eu de grands acteurs italiens qui ont incarné un pouvoir tel qu'ils ont construit une œuvre cinématographique avec leurs

expressions, leurs voix et leurs gestes.

Monica Vitti et Anna Magnani étaient des actrices de cette trempe. Il était étonnant qu'une femme des années 60 puisse s'imposer avec personnalité et fierté dans un environnement où les stéréotypes masculins dominants des producteurs, des réalisateurs et des acteurs n'étaient pas le moins du monde remis en cause. Monica a mis en place une révolte implicite et, dépassant un féminisme précoce, elle est parvenue à l’incarner à travers ses personnages.

Elle a ainsi raconté l'amour féminin avec un sarcasme et une légèreté qui, à eux seuls, ont fait voler en éclats tout rôle préétabli sur le plateau ou la scène.

Une photo du début des années 90, apparue sur internet en février dernier, la montre avec Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Alberto Sordi et Ugo Tognazzi.

Seul Marcello Mastroianni manque à l'appel. C'est la génération de la comédie italienne, qui, à l’heure de sa mort, s’est rassemblée dans les lieux de notre mémoire. En quelques heures seulement, cette photo a suscité des milliers de commentaires affectueux, écho de la perplexité générale qu'avait suscitée la mort de l'actrice romaine.

Dernier grand personnage d'une époque révolue, l'acteur et réalisateur Giancarlo Giannini ne s'est pas égaré dans des adieux larmoyants. Il a salué une actrice dont il se sentait proche, pour le temps et l'art que les deux avaient vécus ensemble, avec ces mots : « Pour ses compétences techniques, pour son intelligence émotionnelle et pour son grand style, Monica Vitti était l'une des plus grandes actrices du monde ! » Si la comédie italienne a existé, c'est aussi grâce au flair avec lequel elle a bouleversé les canons de la comédie, car, avant d'être actrice, Monica était une femme touchée par le don de l'anticipation. Elle arrivait avant, ne trouvait personne et attendait. Qu’elle ne fut pas belle, par exemple, elle se le disait toute seule à elle-même, et pourtant elle était si magnifique sur de nombreuses photos. « Éternelle », titreront les revues françaises. Son élégance, de fait, était comme figée. On peut imiter beaucoup de grandes actrices, mais pas elle. Elle, elle était inimitable. Et telle une nouvelle diva, elle faisait sien ce qu'elle portait, regardait et pensait. Le monde t'a tellement aimée, Monica.

© Keystone/Hulton Archive/GettyImages

Michelangelo Antonioni e Monica Vitti a Venezia durante il Festival internazionale del cinema (1962)/Michelangelo Antonioni et Monica Vitti à Venise lors du Festival international du film (1962)

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PHOTO A TORINO, OLTRE 200 IMMAGINI PROVENIENTI DAL MOMA DI NEW YORK. SCATTATE NELLA PRIMA METÀ DEL XX SECOLO, RACCONTANO LA TRASFORMAZIONE DELLA FOTOGRAFIA IN OTTAVA ARTE di/par Sandra Gesualdi

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sandragesu

ll’inizio degli anni ‘20 si manteneva a Parigi vendendo stampe a 25 franchi l’una. Qualche anno dopo acquista una Leica e le fotografie diventano le sue parole. André Kertész, uno dei grandi maestri del ‘900, ha lasciato immagini legate ai lati più semplici della vita quotidiana, trasformando oggetti di uso comune, come una forchetta appoggiata su un piatto, in una composizione intima e lirica.

Con la sua iconica Fork, del 1928, l’artista ungherese è tra i protagonisti presenti alla mostra Capolavori della fotografia moderna 1900-1940.

La collezione Thomas Walther del Museum of Modern Art, New York, organizzata negli spazi di Camera, a Torino, dal 3 marzo al 26 giugno.

Con lui Edward Weston, Brassaï, Henri Cartier-Bresson, Max Busolo August Sander, Cami e Sasha Stone, solo per citarne alcuni. Le oltre 200 opere provenienti dal MoMa sono un pezzo di storia della fotografia che, da scoperta scientifica, dopo le prime sperimentazioni si è trasformata in un linguaggio espressivo capace di rivoluzionare il modo di narrare l’umanità.

L’ottava arte ha fermato uno scampolo del reale, su carta e chimicamente, rendendo la visione del mondo più oggettiva rispetto alla rappresentazione pittorica. E grazie alla sua poetica capacità di fissare il tempo, da fine ‘800 foraggia il grande archivio della memoria pubblica

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SCAMPOLI DI REALE

BRIBES DE RÉALITÉ

À TURIN, PLUS DE 200 PHOTOS DU MOMA DE NEW YORK. PRISES DANS LA PREMIÈRE MOITIÉ DU XXE SIÈCLE, ELLES RACONTENT LA TRANSFORMATION DE LA PHOTOGRAPHIE EN HUITIÈME ART

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André Kertész Fork (1928) © Estate of André Kertész Digital Image © 2021 Museum of Modern Art, New York

u début des années 1920, il vivait à Paris et vendait des estampes à 25 francs pièce.

Quelques années plus tard, il acheta un Leica et les photographies sont devenues son langage. André Kertész, l'un des grands maîtres du XXe siècle, a laissé des photos liées aux aspects les plus simples de la vie quotidienne, transformant des objets de tous les jours, comme une fourchette posée sur une assiette, en une composition intime et lyrique.

Avec son iconique Fork, de 1928, l'artiste hongrois figure parmi les protagonistes de l'exposition Chefs-d'œuvre de la photographie moderne 1900-1940. La collection Thomas Walther du Museum of Modern Art, New York, organisée dans les espaces de Camera, à Turin, jusqu’au 26 juin. Avec lui, Edward Weston, Brassaï, Henri Cartier-Bresson, Max Busolo August Sander, Cami et Sasha Stone, pour n’en citer que quelques-uns. Les plus de 200 œuvres du MoMa sont un morceau de l'histoire de la photographie qui, de découverte scientifique, après les premières expériences, s’est transformée en un langage expressif capable de révolutionner la manière de raconter l'humanité.

Le huitième art permet d’immortaliser une bribe de réalité, sur papier et chimiquement, rendant la vision du monde plus objective que la représentation picturale. Et grâce à sa capacité poétique à fixer le temps, elle alimente depuis la fin du XIXe siècle les grandes archives de la mémoire 69

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Max Burchartz Lotte (Eye) (1928) © Max Burchartz, by Siae 2021 © 2021 Max Burchartz / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Germany Digital Image © 2021 Museum of Modern Art, New York

e privata. In mostra volti resi immortali, come Woman smoking dell’Atelier Stone o Lotte (Eye) di Max Burchartz, metropoli in bianco e nero, ombre trasformate in personaggi, esperimenti dadaisti. La storia del mondo, le sue declinazioni estetiche, o i più svariati atteggiamenti antropologici sono stati strappati al tempo e nel tempo da scatti memorabili, grazie all’uso sempre più sapiente di contrasti di luce, allo

studio delle prospettive ma anche a una molteplicità di sperimentazioni tecniche: collage, doppie esposizioni, fotomontaggi.

L’esibizione ospita anche opere di Berenice Abbott, Florence Henri, Irene Hoffmann, Lee Miller, Tina Modotti, Lucia Moholy, a sottolineare il ruolo centrale delle donne nella prima fotografia moderna. Quella torinese è l’ultima tappa europea per ammirare questi capolavori, dopo le mostre che si sono svolte in Francia e Svizzera grazie alla collaborazione fra Camera, la Galleria nazionale del Jeu de Paume di Parigi e il Masi di Lugano. camera.to cameratorino

Umbo (Otto Umbehr) Mystery of the Street (1928) © Otto Umbehr, by Siae 2021 © 2021 Umbo / Gallery Kicken Berlin / Phyllis Umbehr / VG Bild-Kunst, Bonn Digital Image © 2021 Museum of Modern Art, New York

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publique et privée. En exposition, des visages rendus immortels, tels que Woman smoking de l'Atelier Stone ou Lotte (Eye) de Max Burchartz, des métropoles en noir et blanc, des ombres transformées en personnages, des expériences dadaïstes. L'histoire du monde, ses déclinaisons esthétiques ou les attitudes anthropologiques les plus variées ont été arrachées au temps et au fil du temps par des prises de vue mémorables, grâce à l'utilisation de plus en plus habile des contrastes de lumière, à l'étude des perspectives mais aussi à une multitude d'expériences techniques : collages, doubles expositions, photomontages.

L'exposition comprend également des œuvres de Berenice Abbott, Florence Henri, Irene Hoffmann, Lee Miller, Tina Modotti et Lucia Moholy, soulignant le rôle central des femmes dans la photographie moderne des débuts.

Turin est la dernière étape européenne pour admirer ces chefs-d'œuvre, après les expositions organisées en France et en Suisse grâce à la collaboration entre Camera, la Galerie nationale du Jeu de Paume à Paris et le Masi à Lugano. camera.to cameratorino

Atelier Stone Cami Stone e Sasha Stone Woman Smoking (1928) Committee on Photography Fund Digital Image © 2021 Museum of Modern Art, New York

Kate Steinitz Backstroke (1930) © The Steinitz-Berg Family Art Collection, 1930 Digital Image © 2021 Museum of Modern Art, New York

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Creazioni di Yves Saint Laurent, Museo d’arte moderna di Parigi/Créations de Yves Saint Laurent, Musée d’Art Moderne de la ville de Paris

© Nicolas Mathéus

L’ARTE DI YVES SAINT LAURENT SEI MUSEI DI PARIGI RENDONO OMAGGIO AL GRANDE STILISTA DEL NOVECENTO A 60 ANNI DALLA PRIMA SFILATA DELLA SUA GRIFFE di/par Cecilia Morrico 72

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L’ART D’YVES SAINT LAURENT SIX MUSÉES PARISIENS RENDENT HOMMAGE AU GRAND COUTURIER DU XXE SIÈCLE, 60 ANS APRÈS SON PREMIER DÉFILÉ DE MODE 73

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© Hélène Mauri

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redo che il lavoro di un couturier sia molto vicino a quello di un artista». Con queste parole, Yves Saint Laurent suggella il ruolo dello stilista.

L’arte e la moda sono sempre state legate a doppio filo per il designer francese, a cui la città di Parigi rende omaggio a 60 anni dalla prima sfilata della sua maison.

Per festeggiare questo anniversario, sei tra i musei più importanti della Ville Lumière ospitano, in un dialogo immaginario, le creazioni dello stilista e le opere d’arte che l’hanno ispirato. Una mostra diffusa dal titolo Yves Saint Laurent aux Museés che, fino al 18 settembre, prende in esame ogni sfumatura del genio.

Al Centro Pompidou è possibile ammirare la famosissima collezione Autunno-Inverno 1965: una serie di abiti in omaggio al pittore olandese Piet Mondrian che raccontano come Saint Laurent fosse un creativo radicato nel suo tempo e profondamente in sintonia con i movimenti artistici del ‘900.

Nel lavoro del couturier occupa un posto speciale il padre del Cubismo Pablo Picasso. «Mi ha ispirato oltre misura. In un periodo particolare,

Abito omaggio a Piet Mondrian Autunno-Inverno 1965 accanto al quadro del pittore Composizione in rosso, blu e bianco II (1937), Centro Pompidou/Robe hommage à Piet Mondrian Automne-hiver 1965 à côté du tableau du peintre Composition en rouge, bleu et blanc II (1937), Centre Pompidou

mentre lavoravo alla mia collezione, avevo un blocco e non mi veniva nessuna idea. Una domenica sono andato a vedere una mostra sui Ballets Russes e ho scoperto i modelli dei costumi che Picasso aveva realizzato per la compagnia. Il giorno dopo ho preso un pezzo di velluto nero e uno blu e li ho accostati insieme». Così nacquero i capi dell’Autunno-Inverno 1979, esposti insieme ai capolavori del

© Nicolas Mathéus

Giacca omaggio a Pablo Picasso Autunno-Inverno 1979 accanto all’opera dell’artista Ritratto di Nush Eluard (1937), Museo nazionale Picasso/Veste hommage à Pablo Picasso Automne-hiver 1979 à côté de l’œuvre de l’artiste Portrait de Nush Eluard (1937), Musée national Picasso

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pittore spagnolo nel vis-à-vis allestito al Museo nazionale Picasso.

L’alternanza tra colori e trame è invece il file rouge della mostra al Museo d'arte moderna dove sono esposti, tra gli altri, i due abiti primaverili Ensemble ispirati a Pierre Bonnard (2001) in dialogo con l’opera Il giardino (1937) del post-impressionista francese.

Al Louvre, i visitatori possono scoprire il fascino della luce e la passione per l'oro del couturier attraverso tre giacche ricamate che richiamano i decori della sontuosa Galleria di Apollo.

L'indagine estetica non può essere pienamente compresa senza approfondire il ruolo svolto dallo scrittore Marcel Proust nel lavoro dello stilista, che ha sfidato i codici di genere mescolando abbigliamento femminile e maschile. Al Museo d'Orsay il loro rapporto viene ricordato con una selezione di smoking e vestiti in stile Belle Époque.

Infine, al Museo Yves Saint Laurent sono presenti importanti materiali d'archivio della maison, conservati con cura negli anni da Pierre Bergé, storico compagno del couturier e co-fondatore della casa di moda francese. Materiali in gran parte inediti che approfondiscono il processo creativo del maestro, aiutano a capire come sono nati i suoi capi, illustrano il lavoro quotidiano all'interno della casa di moda e rendono omaggio ai suoi numerosi e preziosi collaboratori. museeyslparis.com

© Nicolas Mathéus

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Alcuni capi di Yves Saint Laurent, Museo d'Orsay/Créations de Yves Saint Laurent, Musée d'Orsay

compagnie. Le lendemain, j'ai pris un morceau de velours noir et un morceau de velours bleu et je les ai assemblés. » C'est ainsi que sont nés les vêtements de l'automne-hiver 1979, exposés avec les chefs-d'œuvre du peintre espagnol dans le vis-à-vis installé au Musée national Picasso.

L'alternance des couleurs et des textures est en revanche le leitmotiv de l'exposition au Musée d'Art Moderne où, entre autres, les deux robes de printemps Ensemble inspirées de Pierre Bonnard (2001) sont présentées

© Nicolas Mathéus

e crois que le travail du couturier approche beaucoup celui d'un artiste ». Par ces mots, Yves Saint Laurent scelle le rôle du tailleur. L'art et la mode ont toujours été étroitement liés pour le créateur français, à qui la ville de Paris rend hommage 60 ans après le premier défilé de sa maison de couture.

Pour célébrer cet anniversaire, six des plus importants musées de la Ville Lumière accueillent un dialogue imaginaire entre les créations du couturier et les œuvres d'art qui l'ont inspiré. Une vaste exposition intitulée Yves Saint Laurent aux Musées qui, jusqu'au 18 septembre, passe en revue toutes les nuances du génie.

Au Centre Pompidou, vous pourrez admirer la fameuse collection automne-hiver 1965 : une série de vêtements en hommage au peintre néerlandais Piet Mondrian qui montre à quel point Saint Laurent était un homme créatif ancré dans son époque et profondément en phase avec les mouvements artistiques du XXe siècle.

Dans le travail du couturier, le père du cubisme Pablo Picasso tient une place particulière. « Il m'a inspiré outre mesure. À un moment donné, alors que je travaillais sur ma collection, j'ai eu un blocage et aucune idée ne venait.

Un dimanche, je suis allé voir une exposition sur les Ballets russes et j'ai découvert les maquettes de costumes que Picasso avait réalisées pour la

Alcuni capi di Yves Saint Laurent del 2001, Museo d’arte moderna di Parigi/Créations de Yves Saint Laurent de 2001, Musée d’Art Moderne de la ville de Paris

en dialogue avec l'œuvre Le Jardin (1937) du postimpressionniste français.

Au Louvre, les visiteurs pourront découvrir la fascination du couturier pour la lumière et sa passion pour l'or à travers trois vestes brodées qui rappellent les décors de la somptueuse galerie d'Apollon.

Cette recherche esthétique ne peut être pleinement comprise sans s'intéresser au rôle joué par l'écrivain Marcel Proust dans l'œuvre du créateur, qui a défié les codes de genre en mélangeant vêtements féminins et masculins. Au musée d'Orsay, leur relation est évoquée par une sélection de vestes de soirée et de robes dans le style Belle Époque.

Enfin, le musée Yves Saint Laurent abrite d'importantes archives de la maison de couture, soigneusement conservées au fil des années par Pierre Bergé, partenaire historique du couturier et cofondateur de la maison de couture française. La plupart des documents n'ont jamais été vus auparavant et offrent un regard nouveau sur le processus créatif du maître, nous aidant à comprendre comment ses vêtements ont vu le jour, illustrant le travail quotidien au sein de la maison de couture et rendant hommage à ses nombreux et précieux collaborateurs. museeyslparis.com 75

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LA CINA VISTA DA

BRESSON

LA CADUTA DI NANCHINO NEL 1948 E IL GRANDE BALZO IN AVANTI DI MAO ZEDONG 10 ANNI DOPO. IN MOSTRA A MILANO DUE STORICI REPORTAGE DEL FOTOREPORTER FRANCESE di/par Francesca Ventre – f.ventre@fsitaliane.it Foto di/photos par Henri Cartier-Bresson © Fondation Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos

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LA CHINE VUE PAR

BRESSON

LA CHUTE DE NANKIN EN 1948 ET LE GRAND BOND EN AVANT DE MAO ZEDONG 10 ANS PLUS TARD. DEUX REPORTAGES HISTORIQUES DU PHOTOJOURNALISTE FRANÇAIS SONT EXPOSÉS À MILAN

Gli studenti stessi, senza l’ausilio di macchine, costruiscono la piscina dell’Università, Pechino (giugno 1958)/Les étudiants, sans l'aide de machines, construisent la piscine de l'université, Pékin (juin 1958)

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In Lui Chi Chang, la via dei negozi di antiquariato, la vetrina di un venditore di pennelli, Pechino (dicembre 1948)/À Lui Chi Chang, la rue des antiquaires, la vitrine d'un vendeur de pinceaux, Pékin (décembre 1948)

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ue “istanti decisivi”, che hanno determinato il destino di una delle più grandi potenze mondiali, colti dall’“occhio del secolo”. È questa la sintesi della mostra Henri Cartier-Bresson. Cina 1948-49 | 1958, ospitata fino al 3 luglio nello Spazio Mudec Photo e realizzata in collaborazione con la fondazione dedicata al fotoreporter francese. In oltre cento stampe originali in bianco e nero, Cartier-Bresson racconta due frammenti importanti della storia contemporanea, subito dopo la Seconda guerra mondiale.

Il 25 novembre 1948 la rivista Life gli commissionò un reportage sugli “ultimi giorni di Pechino” prima dell’arrivo di Mao con le sue truppe. Il soggiorno, che doveva essere di due settimane, durò dieci mesi, principalmente nella zona di Shanghai. Il fotografo lasciò il Paese solo poco prima della procla-

mazione della Repubblica popolare cinese, il 1° ottobre 1949. E in quel periodo ebbe l’occasione di documentare il primo evento cardine: la caduta di Nanchino, retta dal partito politico del Kuomintang.

Le sue immagini riscossero da subito un grande successo sulle pagine di Life e delle maggiori riviste internazionali, tra cui la neonata Paris Match. Fu una svolta epocale per il fotogiornalismo. Gli scatti dell’agenzia Magnum Photos, che lo stesso Bresson aveva contribuito a fondare un anno e mezzo prima, stupirono tutti per lo stile emozionante e poetico. L’attenzione del maestro francese si sofferma sulle persone e sulla loro vita quotidiana, che prosegue quasi incurante del contesto drammatico. Ecco allora lo scatto che riprende un barbiere per strada o il viso di un bambino davanti alla vetrina di un negozio di pennelli.

Il secondo avvenimento storico documentato, il grande balzo in avanti di Mao Zedong, conferma la scelta di una narrazione empatica. Nel 1958, quando la Cina faceva ormai parte del blocco comunista, Cartier-Bresson ritornò nel Paese per quattro mesi.

Scortato sempre da una guida, percorse migliaia di chilometri immortalando con il suo obiettivo paesi rurali, complessi siderurgici, dighe in costruzione e pozzi petroliferi. Attraverso l’obiettivo il reporter fissò gli aspetti che venivano nascosti dalla propaganda di regime, come, per esempio, lo sfruttamento dei lavoratori. Emblematica, per esempio, la foto con un gruppo di studenti che faticano, quasi nudi, per costruire una piscina. Toccante, come tutto il reportage China 1958 che riscosse un vasto successo mediatico in tutto il mondo. mudec.it 79

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eux « moments décisifs » qui ont déterminé le destin de l'une des plus grandes puissances du monde, saisis par « l'œil du siècle ». C'est la synthèse de l'exposition Henri Cartier-Bresson.

Chine 1948-49 | 1958, accueillie jusqu'au 3 juillet au Spazio Mudec Photo et réalisée en collaboration avec la fondation dédiée au photojournaliste français. Avec plus d'une centaine de tirages originaux en noir et blanc, Cartier-Bresson retrace deux fragments importants de l'histoire contemporaine, immédiatement après la Seconde Guerre mondiale.

Le 25 novembre 1948, le magazine Life lui confiait un reportage sur les « derniers jours de Pékin » avant l'arrivée de Mao et de ses troupes.

Le séjour, qui devait durer deux semaines, dura en tout dix mois, et eut lieu principalement dans la région de Shanghai. Le photographe n'a quitté le pays que peu de temps avant la proclamation de la République populaire de Chine, le 1er octobre 1949. C'est au cours de cette période qu'il a eu l'occasion de documenter le premier événement clé : la chute de Nankin, dirigée par le parti politique Kuomintang.

Ses photos connaissent immédiatement un grand succès dans les pages de Life et dans les grands magazines internationaux, dont le tout nouveau Paris Match. Ce fut un tournant pour le photojournalisme.

Les clichés réalisés par l'agence Magnum Photos, que Bresson avait lui-même contribué à fonder un an et demi plus tôt, ont émerveillé tout le monde par leur style émouvant et poétique. L'attention du maître français se concentre sur les gens et leur vie quotidienne, presque sans tenir compte du contexte dramatique. On repense au cliché de ce barbier dans la rue ou au visage de cet enfant devant la vitrine d'un magasin de pinceaux.

Le deuxième événement historique documenté, le grand bond en avant de Mao Zedong, confirme le choix d'un récit empathique. En 1958, alors que la Chine fait partie du bloc communiste, Cartier-Bresson retourne dans le pays pendant

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Sfilata di studenti, con un ritratto di Mao Zedong e la stella rossa, Shanghai (12 giugno 1949)/ Défilé d'étudiants, avec un portrait de Mao Zedong et l'étoile rouge, Shanghai (12 juin 1949)

quatre mois. Toujours accompagné d'un guide, il parcourt des milliers de kilomètres, capture avec son objectif des villages ruraux, des aciéries, des barrages en construction et des puits de pétrole. À travers ses photos, le reporter immortalise des aspects alors cachés par la propagande du régime, comme l'exploitation des travailleurs.

Par exemple, la photo d'un groupe d'étudiants travaillant d’arrache-pied, presque nus, pour construire une piscine, est emblématique. Touchant, comme l'ensemble du reportage Chine 1958, qui a été un énorme succès médiatique dans le monde entier. mudec.it