Paleleo nº 1

DIBUJO CONTEMPORÁNEO ESPAÑOL

1

N º 1 / D I B U J O C O N T E M P O R Á N E O E S PA Ñ O L

Si yo fuera… Javier Díaz-Guardiola Cristina Almodóvar

4 8

Ana H. del Amo

14

Javier Arce

20

Tamara Arroyo

26

Raúl Artiles

32

Nadia Barkate

38

Manuel Blázquez

44

Alejandro Botubol

50

Marta Bran

56

Gonzalo Elvira

62

María García Ibáñez

68

Kepa Garraza

74

Irene González

80

Paco Guillén

86

Fernando Gutiérrez

92

Fernando Martín Godoy

98

Estefanía Martín Sáenz

104

Ruth Morán

110

Felipe Ortega-Regalado

116

Guillermo Peñalver

122

José Miguel Pereñíguez

128

Santiago Ydáñez

134

English Version

140

3

El primer

número

Papeleo es una publicación de periodicidad irregular, oportunista e indisciplinada, dedicada al dibujo contemporáneo internacional. Nace con la misión de apoyar el trabajo de investigación y divulgación de este ámbito realizado desde la feria especializada Drawing Room. Como un pequeño observatorio de la práctica dibujística en los artistas actuales, especialmente en los españoles, Drawing Room cuenta con un excelente comité curatorial de expertos.

En su primer número, papeleo recoge la obra de veintidós artistas españoles cuya aportación al dibujo actual es realmente significativa, siendo este médium central en sus respectivas prácticas.

Las reseñas que les dedicamos, en español y en inglés (al final del ejemplar), se refieren al trabajo realizado en los últimos años, destacando especialmente las obras que han estado presentes en las dos primeras ediciones de Drawing Room, celebradas en Madrid en 2016 y 2017. De este modo, “Dibujo contemporáneo español” comienza con una mirada hacia los orígenes del proyecto e invita al crítico de arte Javier Díaz Guardiola, que ha seguido la evolución de nuestra manifestación, a recordar con nosotros a los artistas que hemos tenido ocasión de presentar al público madrileño, gracias a la participación de las mejores galerías de arte, españolas e internacionales.

Por otro lado, el mencionado carácter indisciplinado de papeleo se manifiesta en la elección de los artistas y las obras de esta primera entrega, en donde la referencia a lo dibujístico está enmascarada en muchos casos por una formalización de carácter tridimensional, cinematográfica, performativa, etc.

Quedamos en deuda con muchos artistas españoles cuya obra de dibujo contemporáneo admiramos y no hemos podido presentar en este número. Esperamos que haya muchos más.

Mónica Álvarez Careaga, directora

Si

yo

JAVIER

fuera…

DÍAZ-GUARDIOLA

Si yo fuera dibujante, me gustaría que mis proyectos se sostuvieran sobre un andamiaje conceptual tan potente como el de un artista como Gonzalo Elvira (Argentina, 1971). Perforar el papel o la tela para configurar las imágenes de mi obra, u ocupar las superficies de mapas y publicaciones antiguas con nuevas manchas de tinta que todo lo cubren y ocultan, como en su conjunto “Bauhaus 1919, modelo para armar”. En esa serie, este creador argentino residente en España recuperaba la figura del artista-artesano para ensalzar la labor de las mujeres en la mítica escuela alemana. No me importaría tampoco que lo mío saltara las dos dimensiones para adquirir un aspecto más tridimensional, como ocurre en las propuestas del británico Jonathan Callan (Manchester, 1961), cuyos gestos orgánicos sobre el papel acaban dialogando con sus piezas escultóricas cuyo origen son los libros que moldea como si de un nuevo material se tratara y de los que impide acceder a sus contenidos. Es el poder limitado del lenguaje. Una relación similar se establece entre los grabados y dibujos de Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) con su esculturas, cuyas alusiones a las formas de la Naturaleza, también a sus fuerzas incontenibles, tampoco despreciaría.

Me gustaría que el color fuera tan positivista como en las instalaciones de profunda carga irónica de Elena Blasco (Madrid, 1950). Los juegos de escala, los cambios de material, los encuentros inesperados se establecerían como una partitura fascinante para controlar las reacciones del espectador ante mi obra en papel. Estaría genial contar con los referentes culturales e históricos que José Miguel Pereñíguez (Sevilla, 1977) retuerce y reconstruye en sus series, y que se amoldan a la perfección con las formas que adopta su trazo en carboncillo sobre el cartón. No hay más que volver a la serie “Restos / Lugares” para comprobarlo. Su “oscuridad” contrastaría sin muchos problemas con el empleo de estrategias compositivas como las de la italiana Alessandra Maio (Italia, 1982), cuando utiliza la escritura para generar enjambres de letras cuyo lectura solo es posible si uno se acerca mucho a la obra, ya que, en la distancia, da pie a superficies de color más o menos saturadas, más o menos vaporosas.

Tendría tendencia a acabar en resultados como los de Jesús Zurita (Ceuta, 1974). ¡Me hipnotiza tanto este creador! Sus amplias superficies se pueblan con múltiples microescenas que dialogan a la par, dando coherencia a unos conjuntos que, no por la tendencia a la reducción cromática pierde en fuerza expresiva. Muy al contrario, todo ello le aporta poesía y misterio. Dibujos orgánicos en toda regla. Muy en sintonía con los del extremeño Felipe Ortega-Regalado (Cáceres, 1972), en los que la figuración es solo una excusa, porque hacia donde realmente quiere llevarnos es a los límites de lo representado, a atender a la fuerza expresiva de lo ornamental (en muchas ocasiones, entendido como algo superfluo). Ambos artistas reflejan un interés por las fórmulas que se inspiran en la Naturaleza, y quizás, el hecho de que éstas nos resulten tan familiares, se establece como estrategia perfecta para fijarnos un itinerario mental desde el que los dos nos conducen allá donde ellos quieren retener nuestras emociones.

5 Me apetecería mucho que los resultados tuvieran el carácter expresivo de los cuadros y los dibujos de Santiago Ydáñez (Jaén, 1969). ¡Cuánto se puede contar con esos empastados! ¡Cuánto dicen de él esas formas reconocibles que no son sino una excusa para divertirse con la técnica, para regocijarse en ella! Como si de una prueba personal se tratara, en el andaluz se impone la ejecución rápida y la reducción de la paleta para situarse él mismo contra las cuerdas. Suda, sí, pero la obra final se presenta como una evidente recompensa. Al otro lado de este mismo ring, Tamara Arroyo (Madrid, 1972), que parte de lo vivencial para reducirlo a formas geométricas. Es la secuencialidad la que marca el ritmo de su labor como dibujante, y la clave para entender la relación que se establece entre realidad y representación.

Seguro que sentiría la necesidad de rodearme de la magia de Fernando Martín Godoy (Zaragoza, 1975), otro artista que acude a los libros como “material”. Sus intervenciones mínimas sobre imágenes extraidas de estos o su deseo más reciente de cubrir todas las portadas con formas que le evocan los textos contenidos son una excusa perfecta para mirar más allá de lo evidente. Para ocultar fantaseando, para darle una segunda oportunidad a las historias “originales”. En ese diálogo entre lo que había y lo que habrá se posiciona Gabriela Kraviez (Argentina, 1965), jugando a repintar papeles ya pintados, dando pie a instalaciones envolventes con un punto de fuga indeterminado. También acudiría a la capacidad sugestionadora de las intervenciones de Fernando Gutiérrez (Oviedo, 1973), esos paisajes, en el fondo mentales, construidos con personajes antropomórficos que, en ocasiones, gracias al vídeo, pululan a nuestro alrededor, o que, por efecto de la pintura luminiscente, aparecen ante nosotros cuando cae la luz. ¿Y por qué no atreverme a dibujar con sombras, con formas, con estructuras más o menos efímeras? En ese caso, tendría en mente las series escultóricas de Liliana Zapata (Bolivia, 1985), en las que el papel y las tijeras son sus herramientas. No hace falta mucho más. Son las incisiones en el material, y un rigor geométrico, las que dan pie a sutiles deconstrucciones de sus volúmenes blancos en las que los vacíos son tan imprescindibles como las presencias. De regreso a la bidimensionalidad con vocación de trampantojo, mi referente sería Ruth Morán (Badajoz, 1971). Esas superficies suyas enmarañadas, generalmente en grandes formatos, que gravitan sobre fondos neutros. A lo largo de su trayectoria, esta creadora ha ido avanzando en el uso de los materiales, del temple al rotulador, hasta llegar a soluciones como las de horadar la superficie del soporte, como comentábamos antes que lo hacía en ocasiones Gonzalo Elvira. ¡Y Javier Arce (Santander, 1973), por supuesto! Cuando este creador se centra en el papel, ya sea estrujado o “estirado”, muchos han de callar.

Si supiera “construir” con el dibujo, lo mío estaría muy cercano a lo que saben hacer a la perfección autores como Teo Soriano (Mérida, 1963) o Ana H. del Amo (Cáceres, 1977). Seguir las líneas que va marcando sobre los soportes el primero es un deleite para los sentidos. Un artista que jamás ha renunciado a expandir la materia, a que el grafismo, las espesuras, los límites generen campos de fuerza de los que es complicado apartar la mirada. La segunda, célebre por sus delicadas e inestables estructuras tridimensionales en las que la pintura tiene la última palabra, ha conseguido trasladar estos principios al papel (serie “Rombos”), poniendo a prueba al mismo equilibrio. Pocas veces los bastidores han sido más fundamentales que el lienzo. ¡Si no fuera por el reciclaje!

Me refugiaría en muchas de las fórmulas de Alejandro Botubol (Cádiz, 1979), grande sobre el lienzo pero superior en los grabados. En su caso, su potencial reside en el empleo de elementos simbólicos que, con ligeras variaciones de una escena a otra, generan enigmáticos paisajes, pese a que su actitud sea la de un pintor abstracto. Lo reconocible se funde con lo reducido a esquemas para dar pie a escenarios para la luz, el color y las sensaciones.

Y cuando precisara ser uno de los mas afinados figurativos, el primer nombre al que recurriría sería a Kepa Garraza (Berango, 1979). Su proyecto “Power” nos lo ha devuelto grande, seductor, poderoso. El arte como instrumento de propaganda queda denunciado en unas piezas de gran formato en la que el uso del claroscuro es cercano al de los maestros del Barroco. Tengo claro que si esa figuración hubiera de tornarse de nuevo abstracción, sin perder en ese proceso cierta naturaleza orgánica, mi artista de cabecera habría de ser Daniel Verbis (León, 1968). Un creador siempre obsesionado por la deconstrucción del lenguaje pictórico y el cuestionamiento del soporte, mientras los más extraños materiales se convierten en sustitutos adecuados y pertinientes del óleo, el acrílico, el grafito o el carboncillo. Y puestos a hablar de entramados expresivos que no se alejan del paisajismo más canónico, pero al que se le dota de una mirada genuinamente contemporánea, me refugiaría en Carlos León (Ceuta, 1948). Heredero de la corriente Supports-Surface, en sus obras, cada trazo o pincelada se convierten en elementos indispensables de una muy personal gramática.

Si yo fuera dibujante, me agradaría tener la habilidad de trasladar al papel todas esas imágenes -incluso todos esos objetos- que previamente es capaz de manipular y procesar el portugués Nuno Sousa Vieira (1971).

Es éste otro de esos creadores que alertan sobre nuestra desorbitada dependencia de lo material, y nuestra capacidad innata para ir dejando residuos obsoletos a nuestro alrededor. Obsolescencias programadas antes de tiempo. Una apuesta que tiene un reflejo similar en la producción de Manuel Caeiro (Évora, 1975), estando el segundo más preocupado por la arquitectura y el diseño. Y en esa línea en la que el dibujo se convierte en collage, invitaría a mi imaginario a dos creadores españoles de las últimas hornadas que me seducen por completo. Guillermo Peñalver (Tarragona, 1982) y Estefanía Martín Sáenz (Bilbao, 1982). Para el catalán, los referentes son su entorno y su propio cuerpo. La naturaleza y la arquitectura. Piezas que se convierten en recortes y sobre los que se construyen sus poderosos paisajes oníricos en los que se da rienda suelta a lo irracional frente a lo racional. Y así sucesivamente. Por su parte, la bilbaína deleita mientras sitúa en primera línea una necesaria revisión del papel de la mujer y su visibilización en sociedad. Porque la reivindicación no está reñida con unos resultados de alto voltaje expresivo, narrativo y de gran lirismo.

Cuando tuviera hambre de abstracción geométrica me alimentaría con el buenhacer de dos mujeres pertenecientes a dos generaciones diferentes: de un lado, la joven María García-Ibáñez (Madrid, 1978). “Geometría del hueco”, que toma como punto de partida la estructura modular de las colmenas de abejas, es una serie hipnótica. Y esa repetición modular, que tanto remite al urbanismo uniformizante que hemos sufrido sobre nuestro territorio en las últimas décadas, ofrece mil posibilidades.

7 Tantas como a la música siete notas. Del otro, la ya veterana Regina Giménez (Barcelona, 1966), que encuentra esos referentes geométricos en la Historia de la Modernidad, a los que ella dota de una segunda vida al descontextualizarlos y generarles una autonomía, que después pueden desplegarse hasta el infinito en función de las posibilidades que le ofrecen a su autora.

Si pudiera optar a la consideración de dibujante, y en mis designios estuviera la de generar una obra de trasfondo poético, no tendría más remedio que lanzarme a los precipicios de Clara Sánchez Sala (Alicante, 1987), cuando ella se ha ocupado de esta disciplina. La atracción que ella ha experimentado por las antiguas cartografías, por la literatura, por el paisaje construido, destila en unos intereses, sin embargo, racionalistas, que rompen las costuras por su obstinado lirismo. Y desde luego no me olvidaría, ya que de creadores más o menos emergentes hablamos, de contagiarme de la pasión por el caos de Emmanuel Lafont (Argentina, 1980). Un caos que él tiende a ordenar con un estilo realista que emplea sobre los soportes más delicados y que se condensa en apuntes biográficos que atrapan al que a ellos se acerca. Como “caóticas” son (porque en el fondo, destilan dolor), las instalaciones a partir del dibujo de Alfredo Igualador (Madrid, 1971). Su trazo grueso lo es siempre en sentido literal y metafórico.

Todo esto resumiría mi trabajo si yo fuera dibujante… Pero no lo soy.

Digamos que mi creatividad termina saliendo a la superficie por otros derroteros. Que a mí se me da mejor eso de “pintar” con palabras. Por eso tenemos que congratularnos con la existencia de ferias como Drawing Room, en Madrid. En sus dos primeras convocatorias nos ha permitido disfrutar con la labor de todos los artistas que he mencionado líneas atrás. Porque si algo nos ha facilitado una cita como ésta es volver a poner en valor la autonomía de una técnica como la del dibujo (que jamás fue un arte menor, sino en la mayor parte de los casos, la base de la producción de todo grande maestro), así como constatar que es una disciplina “en expansión”, que comulga a la perfección con soluciones propias de la instalación, de la escultura, de la imagen en movimiento… Y descubrir a algunos autores en un terreno fértil en el que quizás no esperábamos encontrárnoslos y que tan buenos resultados les ha deparado. Con todo lo que nosotros ganamos con ello, ¿para qué quiero ser yo entonces dibujante?

Madrid, 12 de noviembre de 2017

*Javier Díaz-Guardiola es periodista, crítico y comisario de exposiciones. En la actualidad es coordinador de la sección de arte, arquitectura y diseño de ABC Cultural y autor del blog de arte contemporáneo “Siete de Un Golpe”.

“Líneas Platónicas” es el título del proyecto que Cristina Almodóvar (Madrid, 1970) presentó en Drawing Room 2017, vertebrado por una serie de dibujos a tinta que se escapan del papel para materializarse en alambres que proyectan su sombra en el espacio. La artista explora los límites del dibujo que, reconvertido en escultura, adquiere un valor tridimensional. El juego entre materia e imagen o lo real y las apariencias, nos remite al mito de la caverna de Platón y a la visión engañosa de nuestros sentidos para instar a una reflexión sobre cómo percibimos y conocemos la realidad. Tras finalizar sus estudios de Bellas Artes en la especialidad de escultura en la Universidad Complutense de Madrid, Cristina Almodóvar obtiene una mención de honor en los premios de licenciatura. Inicia su trayectoria expositiva a partir de los noventa, siendo galardonada en 2011 con el Premio Internazionale Giovane Scultura de la Fondazione Francesco Messina.

(1) Horizonte. Línea, 2015 Hierro lacado, 13x142x12 cm Quiebro, 2016 Acero cortén, 110x75x24 cm (2) Líneas platónicas III, 2016 (Detalle) Tinta, alambre, grafito y sombra, 57x29 cm (3) Ramas, 2015 Tinta, grafito, alambre y sombra, 21x29 cm (4) Caligrafía, 2015 (Detalle) Tinta, grafito, alambre y sombra, 40x100 cm (5) Liquen. Radiación, 2017 Papel blanco cortado y plegado, y color reflejado, 80x80 cm (6) Afloramiento, 2016 Instalación sobre nieve. Acero cortén, 200x110 cm (7) Formaciones rocosas. Dibujos de alambre continuo, 2016 Medidas diversas, 20m. exactos de alambre c/u (8) Simbiosis, 2016 Rama natural y hierro lacado, 115x110x65 cm

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El trabajo más reciente de Ana H. del Amo (Cáceres, 1977) constituye una reflexión sobre la pintura, su materialidad y objetualidad.

Licenciada en Bellas Artes, en la especialidad de pintura, por la Universidad de Barcelona, obtiene el Diploma de Estudios Avanzados con una investigación sobre la pintura en la era digital. Los dibujos de las serie “Rombos” muestran diferentes estructuras geométricas de madera pintada al óleo, planteando diferentes situaciones de equilibrio y disposiciones en el espacio. En ocasiones, introduce notas de color en los cantos de los listones de madera, subrayando la naturaleza pictórica de su proceso creativo, ya que de alguna manera remiten al propio bastidor.

La asociación de madera y pintura dota de un carácter escultórico a estos dibujos, proponiendo una reconversión de la práctica pictórica hacia otro paradigma basado en el reciclaje y ensamblaje de fragmentos encontrados.

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(1) Sin título, 2014 Óleo sobre madera, 104x84x3,5 cm (2) Sin título, 2014 Óleo sobre madera, 110x13x12 cm (3) Sin título, 2014 Óleo sobre madera, 115x94x3,5 cm (4) Sin título, 2014 Lápiz sobre papel, 29,7x42 cm (5)(6)(7) Sin título, 2017 Técnica mixta sobre papel, 42x29,7 cm

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Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y graduado en Técnicas de Estampación en Oviedo, Javier Arce (Santander, 1973) posee un máster de escultura por la Wimbledon School of Art de Londres. Desde que iniciara su trayectoria a mediados de los noventa, su obra ha sido mostrada en significativos centros de arte nacionales e internacionales, habiendo recibido el Premio de la Fundación Marcelino Botín de Artes Plásticas (2006), la Mención de Honor de Generación Caja Madrid y el Premio ABC (2007) o las becas de la Fundación de Arte y Derecho (2008) y el International Studio & Curatorial Program de Nueva York (2009). Su proyecto sobre La Engaña, vertebrado por una serie de dibujos realizados con su propia sangre, recoge la memoria del túnel ferroviario construido por presos republicanos en la localidad pasiega de Vega de Pas, con el objeto de enlazar Cantabria y el Mediterráneo, que fue abandonado antes de su conclusión.

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(1) Engaña (El puño de Jacobo Roldan Losada). Díptico, 2015 (detalle) Sangre del artista sobre papel Hahnemühle, 28,5x31 cm (2) Engaña (Capilla). Díptico, 2015 Sangre del artista sobre papel Hahnemühle, 37x31 cm cada uno (3) Imagen de la exposición Engaña, Galería Siboney. Santander, 2016.

Fragmentos del suelo original del Túnel de La Engaña, cemento y hierro.

(4) The joy of life, 2012 Lápiz portaminas y papel prensa, 70x110 cm.

(5) Imagen de la exposición Keep politics out of this picture. Galería T20. Murcia, 2015 (6) Dead Soldier, 2012.

Lápiz portaminas y papel prensa, 120x120 cm (7) Paisaje político (Los Altrancos), 2017 Grafito sobre papel prensa, 45x60 cm (8) Gezi Taksim (Parque), 2015 Grafito sobre papel prensa, 137x200x5 cm (9) Gris #1, 2017 Grafito y ceniza de madera sobre papel prensa, 46x32,5 cm (10)Paisaje político (Bosque y fuego), 2017 Grafito sobre papel prensa, 50x62 cm

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Tamara Arroyo (Madrid, 1972) es licenciada y doctoranda en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. En su obra hay una insistencia sobre la habitabilidad de los espacios que deriva en un cuestionamiento sobre la “domesticación” del habitante moderno y el consumo de ciertas formalizaciones y objetos en los interiores de las viviendas actuales, así como en una referencia autobiográfica que articula un discurso sobre la memoria individual y familiar. Mediante series de dibujos, objetos, fotografías y obras site-specific inspiradas en objetos y elementos arquitectónicos rescatados de su entorno inmediato, Arroyo habla sobre como influye el entorno y su arquitectura, distinguiendo entre el espacio vivido, vivencial o existencial que opera inconscientemente, y el espacio físico y geométrico.

Recientemente ha disfrutado de una residencia en Artista x Artista en La Habana, Cuba, dentro del programa Ranchito, Matadero Madrid.

Ha recibido el primer premio Ciutat de Fanalixt, 2017. En 2015 obtuvo la beca de producción BilbaoArte.

En 2013 disfrutó de la beca de la Academia de España en Roma.

(1) Estructuras I, 2016 Hierro y hierro calibrados curvado, 70x50x1 cm (2) Celosías, 2016 Intervención para el mercado de la Ribera Bilbao, cajas de mercancías de plástico y bridas, medidas variables (3) Ventanales de lugares de estudio, 2015 Madera y pintura acrílica, medidas variables (4) Estructuras IV, 2017 Hierro pintado de negro, medidas variables (5) Relaciones, 2016 Piezas de persiana de hierro pintadas de oro, bronce y negro, medidas variables (6)(7) Sin título, 2015 Serie de 30 dibujos de lápices de colores sobre papel, 27,9x21 cm

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Raúl Artiles (Las Palmas de Gran Canaria, 1985) vive y trabaja entre Gran Canaria (España) y Múnich (Alemania). Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, estudios que completa en la Hochschule für Bildende Kunste de Braunschweig. Trabaja generalmente en grandes formatos, presentando instalaciones de papeles al carboncillo con los que pretende desarticular la visión académica y decimonónica que adjudicaba al dibujo el rol de obra menor, dependiente de otras disciplinas.

Recurre a menudo a la estética del souvenir, como posible estrategia representativa de la conducta del mundo contemporáneo.

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Sus obras se despliegan en el espacio rozando lo monumental, cuestionando el modo en que nos aproximamos a las imágenes en la era digital. Sus paisajes imaginarios constituyen visiones en fuga, dominadas por planteamientos catastróficos o visiones apocalípticas, no exentas de ironía, que sugieren una metáfora de la situación económica y política actual, a la vez que insinúan la posibilidad de una salida y un nuevo renacimiento.

(1) Tiburón, 2015 Carbón sobre papel, 150x300 cm (2) Colchoneta, 2015 Carbón sobre papel, 300x150 cm (3) Agujero, 2015 Carbón sobre papel, 110x200 cm (4) Humo, 2015 Carbón sobre papel, 110x200 cm (5) Black Hole, 2015 Carbón sobre papel, acero inoxidable, 320x700 cm

RAÚL

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La artista Nadia Barkate (Bilbao, 1980) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Las composiciones de gran formato de la serie Bring Wodka mit, realizadas con tinta estilográfica, se encuentran próximas al cómic y al lenguaje audiovisual, pero también a la lógica heráldica. La artista aborda el dibujo como una práctica performativa, que se desarrolla en sesiones en las que interviene su estado físico y emocional. Nadia Barkate recurre a la combinación e insistencia en la repetición de una forma determinada, hasta el agotamiento de sus posibilidades, tomando a priori una serie de decisiones, como dibujar de memoria o reducir los elementos técnicos al mínimo. Tiende a situarse en condiciones que propician el error, que constituye un aspecto fundamental de su poética y en ocasiones llega a convertirse en el motivo central, repitiéndose hasta generar un sistema.

(1) Domingo, 10 de Abril, 2016 Cianotipia, 100x70 cm (2)(3)(4) Serie No hoy ni mañana, 2016 Cianotipia, 100x70 cm (5)(6) Bring Wodka mit, 2015 Dibujos a tinta, 100x70 cm (7) Tubérculos, 2016 Tinta china, 29x42 cm (8) Paisaje erecto, 2016 Mural, 340x800 cm

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El trabajo sobre el papel y sus límites físicos constituyen una de las principales señas de identidad de la obra del artista valenciano Manuel Blázquez (1978), licenciado en Bellas Artes con la especialidad de grabado en la Academia de Bolonia tras cursar el primer ciclo de Publicidad y Comunicación Aplicada en la Universitat Jaume I de Castellón.

Todas las series de trabajo parten de un proceso de investigación sobre los parámetros vitales de espacio y tiempo, inspirado en el proceder de los antiguos escribanos, cuando diseñaban la estructura interna de la página a partir de líneas que llegaban a desempeñar la función del texto escrito. Mediante cortes manuales de carácter milimétrico sobre bloques de hojas de papel superpuestas, Manuel Blázquez dibuja el vacío en un espacio volumétrico, dando lugar a una serie de hendiduras que sugieren estructuras escalonadas de resonancias minimalistas y despliegan un rotundo juego de luces y sombras.

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(1) Albarium publicación, 2015 Impresión digital, 21x28 cm (cerrada) (2) Caja abierta para A4+, 2017 Cartón passepartout cortado y plegado a mano, 2: 23x32,5x2,5 cm (3) FV6 (detalle), 2015 Cartulina L 180 g. cortada a mano de Guarro Casas (4) Abundante, Altamente Abundante, compuesto, 2017 Tinta sobre papel Basik 130 g., 105: 21x29,7 cm (5) DIN A4/2V en A4+, 2017 Papel Basik 130 g. cortado a mano, 2: 23x32,5x2,5 cm (6) Intervallum (plantillas para planchas de cartón), 2016 Impresión digital sobre papael de 80g., 165x225 cm (7) Intervallum, 2016 Instalación en Museo Lázaro Galdiano (8)(9) Dei canti lamentosi, 2017 Papel Hahnemühle 188 g. cortado a mano, 112x285 cm (10) Fenicia, 2015 Instalación en Centro Párraga

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Formado en la Facultad de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla, Alejandro Botubol (Cádiz, 1979) completa sus estudios en Nueva York, donde acusa la influencia de varios artistas norteamericanos como James Turrell o Dan Flavin, y con un Máster en Arte Contemporáneo, Idea y Producción en la Universidad de Sevilla. Actualmente vive y trabaja en Madrid. Los dibujos que presentó en Drawing Room 2017 conforman una serie muy procesual de pintura de paisajes que se van solapando buscando el encuentro fortuito. El propio artista ha manifestado que una constante en su obra es su persistente exploración de los fenómenos espaciales, incorporando elementos internos y simbólicos que tienen que ver con experiencias vitales, a veces partiendo de imágenes encontradas.

Botubol propone una pintura infinita que profundiza en cuestiones como la ausencia, la gravedad y el tiempo, destacando su trabajo con la geometría, el color y la luz.

(1) Caminando en el color, 2015 Instalación en ECCO, Espacio de creación contemporánea de Cádiz (2) Serie 19 obras en papel, 2017 Rotulador Pigment Markers, lápiz grafito y óleo Artist Winsor & Newton sobre papel Winsor & Newton moul made 300 gr, 50×40 cm cada una

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Marta Bran (Melide, A Coruña, 1986) es artista visual, docente e investigadora. Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Vigo en 2017. Máster en “Arte Contemporáneo.

Creación e Investigación” por la Universidad de Vigo en 2011. Pese a que su incorporación al panorama expositivo es reciente, a lo largo de los últimos años ha sido reconocida en varios certámenes de artes plásticas. Próxima a la ilustración, su poética remite a la iconografía infantil, tamizada por las nuevas tecnologías y el concepto de campo expandido aplicado al collage contemporáneo.

“Escenas campestres” es una instalación multidisciplinar que funde una intervención a lápiz directamente realizada sobre la pared con dibujos, objetos y piezas de cerámica, componiendo una estampa bucólica donde se intuye la celebración de una particular merienda, poblada de detalles, en un guiño actualizado a la célebre composición de Manet, que se inspira en los orígenes del cine.

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(1) Conversaciones con una tostada, 2014 Cerámica pintada, 11x11x3 cm (2) Creatures of the light and night, 2014 Gouache sobre papel, 25x19 cm (3) De la serie Escenas campestres, 2015 Cerámica pintada, papel y madera, 11x11x13 cm (4) Escenas campestres, 2016 (Detalle) Instalación, dibujo a gouache sobre papel encima de una base de dibujo y acrílico sobre pared, medidas variables (5) De la serie Barbudos, 2014 Óleo sobre papel y tabla, 96x69 cm (6) Acciones en casa, 2013 Óleo sobre tela y mecanismos de rodillo metálicos, medidas variables.

(7) Picnic, 2014 (Detalle) Instalación, cerámica pintada, plástico, mantel y óleo sobre tela, medidas variables.

(8) De la serie Barbudos, 2014 (Detalle) Óleo sobre papel y tabla, 96x69 cm

MARTA

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BRAN

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MARTA

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Nacido en la Patagonia argentina, Gonzalo Elvira (1971) vive y trabaja en Barcelona desde 2000. Recibe formación en la Escuela de Artes Visuales Antonio Berni de Buenos Aires e inicia su trayectoria expositiva en 1993. En la actualidad combina su práctica artística con su actividad docente en diferentes proyectos educativos. El proyecto “Bauhaus 1919, modelo para armar”, formado por dibujos construidos mediante perforaciones en la tela o el papel con aguja y martillo, o intervenciones con tinta sobre diferentes mapas y publicaciones, tiene como punto de partida, por un lado, el año de fundación de la escuela de arte Bauhaus por Walter Gropius y, por otro, el título de la novela de Julio Cortázar “62 Modelo para armar”, esbozada en el capítulo 62 de “Rayuela”. Gonzalo Elvira recupera la figura del artista artesano-productor para destacar el papel que desempeñaron las mujeres en la Bauhaus, como Günta Stolz, Marianne Brandt o Grete Stern.

(1) La silla de M, 2015 Tinta sobre mapa, 63x46 cm (2) WGMD, 2017 Tinta sobre papel, 39x49 cm (3) MWG, 2016 Tinta sobre papel, 50x70 cm (4) BS, 2016 Tinta china sobre papel Britania, 50x70 cm (5) RS, 2016 Tinta china sobre papel Britania, 50x70 cm (6) YS, 2016 Tinta china sobre papel Britania, 50x70 cm (7) Bauhaus II, 2016 Tinta china sobre papel Britania, 70x50 cm (8) El capital, 2017 Tinta china sobre papel Britania, 70x50 cm

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El proyecto “Geometría de un hueco” de María García-Ibáñez (Madrid, 1978) explora la representación del vacío, tomando como punto de partida la estructura de las colmenas, su repetición modular y su relación con el paisaje y el territorio. La artista, licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid ha sido reconocida en 2017 con la Residencia Basu Art Foundation Award (Calcuta, India) y el Premio Adquisición Colección DKV en la feria Drawing Room 2017, así como con la Ayuda a Creadores de la Embajada de España en México en 2012 y la Residencia para Creadores de Iberoamérica en México (AECID) en 2009. Afincada en la actualidad entre Madrid y México, trabaja con líneas, siluetas y geometrías que le permiten desenvolverse en distintos medios. Es el caso del tejido en el telar, el papel recortado a láser, los ladrillos esmaltados o la acuarela y el gouache; procedimientos todos ellos que remiten al dibujo, que se convierte en el vehículo expresivo elegido para investigar las posibilidades gráficas del hueco y, por extensión, del vacío.

(1) De la serie Cóncavo, 2015

Gouache sobre papel Arches, 50x40 cm cada uno

Lana tejida en telar horizontal, 244x61 cm

Acuarela y gouache sobre papel Arches, 378x90 cm

Papel recortado, 244x200 cm (medidas variables)

(2) Telar de la serie Cóncavo, 2015 (3) Panal, 2016

(4) Maqueta nómada, 2016

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MARÍA

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Los dibujos del proyecto “Power” de Kepa Garraza (Bizkaia, 1979) ofrecen una lúcida reflexión sobre la representación del poder en la cultura occidental y su relación con el arte a lo largo de la historia. El artista toma como punto de partida retratos escultóricos de líderes políticos o militares, reproducidos de forma fidedigna en riguroso blanco y negro, enfatizando los claroscuros. Esta galería de personajes trasladados al papel muestra cómo el arte ha servido de propaganda del poder desde la Grecia clásica hasta la actualidad.

Formado en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco, el Bradford Art College de Inglaterra y la Universidad de Barcelona, el recorrido expositivo de Kepa Garraza arranca en 2004, habiendo sido reconocido desde entonces con premios como el de Estampa–Casa de Velázquez en 2015, el de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 2013 o el de la Fundación Focus-Abengoa en 2005.

(1) Protesters 4, 2015 Pastel sobre papel, 200x140 cm (2) Protesters 2, 2014 Pastel sobre papel, 200x140 cm (3) Augustus, 2016 Pastel sobre papel, 200x140 cm (4) Charles V, 2016 Pastel sobre papel, 140x100 cm (5) Kim Jong-il, 2016 Pastel sobre papel, 140x100 cm

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Licenciada en Bellas Artes con un Máster en Dibujo por la Universidad de Granada, los dibujos presentados por Irene González (Málaga, 1988) en Drawing Room 2017 pertenecen al proyecto “Espacios afectivos, zona de ruinas”. Se trata de una serie de composiciones en blanco y negro, con claras reminiscencias de la fotografía antigua, que versan sobre la melancolía. Representan una serie de lugares conectados con los juegos infantiles y los espacios del pasado, la memoria y el recuerdo.

Según ha expresado la artista, no hay nada más melancólico que la repetición, el eterno retorno, el regreso al espacio ya conocido, a nuestras zonas afectivas.

Irene González siente que vagamos en círculos por un laberinto, mientras intentamos llegar a un centro inalcanzable, donde se encuentra el fantasma de los orígenes y el misterio de la pérdida, de ahí la profunda extrañeza que producen estos dibujos.

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(1) Sin título, 2017 Conté sobre papel, 96x76 cm (2) Melancolía, 2015 Conté sobre papel, 76x76 cm (3) Haiku 4, 2017* Conté sobre papel, 19x50 cm (4) Haiku 18, 2017* Conté sobre papel, 19x50 cm (5) Haiku 19, 2017* Conté sobre papel, 19x50 cm (6) Haiku 20, 2017* Conté sobre papel, 19x50 cm (7) Sin título, 2017* Conté sobre papel, 96x76 cm (8) Melancolía, 2016 Conté sobre papel, 36x36 cm *(Para la exposición [des]encuentros en Galería Silvestre)

IRENE

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Paco Guillén (Las Palmas de Gran Canaria, 1974) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha con un máster en Producción Multimedia por la Universidad Politécnica de Valencia.

Expone con regularidad desde finales de los noventa y en 2013 fue galardonado con el Premio Comunidad de Madrid en la feria Estampa. El dibujo constituye para él un campo de experimentación con el que reflejar su entorno cotidiano más inmediato, planteando interrogantes sobre la naturaleza del ser humano y su rol social, sus miedos, sus fobias, sus incertidumbres y, en general, los aspectos más absurdos de nuestra cultura. Utilizando los más diversos soportes, como el papel, la intervención directa sobre pared o la videoanimación, sus dibujos, concisos y sintéticos, suelen incluir textos caligrafiados con palabras o frases que incorporan una dimensión irónica y crítica, cuestionando el virtuosismo técnico como requisito fundamental para hacer arte.

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(1)(2)(3)(4) Sin título, 2017 Plástico, grafito y acuarela en papel, 42x30 cm (5) No one knows how much of a loser I am, 2009 Tinta sobre papel, 70x50 cm (6) 3rd Place, 2009 Tinta sobre papel, 70x50 cm (7) Después de largos años de lucha, el artista dejó de buscar su identidad, 2009 Tinta sobre papel, 70x50 cm (8)(9) Instalación “Carne fiesta”, 2016 Lejía, fijador y agua sobre papel fotográfico analógico, 30,5x24 cm (10)Instalación “Carne fiesta”, 2016 (detalle) Videoanimación monocanal sin sonido, 29’’ loop

PACO

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Fernando Gutiérrez (Oviedo, 1973) estudió Bellas Artes en La Universidad de Salamanca y ha mostrado su obra asiduamente en España y en el extranjero desde 1993. Gutiérrez es un creador de paradojas visuales que ha desarrollado la mayor parte de su actividad artística desde presupuestos pictóricos. En los últimos años centra su producción en el dibujo, experimentando distintos procedimientos y técnicas como el diseño, la fotografía o el vídeo, que acaban por incorporar a su obra el collage articulado como proceso de trabajo y la animación como soporte.

Interesado en recepción y la distribución de las imágenes, Gutiérrez apuesta en la actualidad por un marcado carácter provisional en la estructura de sus propuestas, realizando distintos proyectos ambientales, alterando espacios y transformándolos temporalmente en paisajes mentales a través de envolventes intervenciones gráficas de carácter emocional, sensitivo y ocasionalmente lúdico.

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Gyimnástica, 2016 Animación digital HD, 24” loop Sin título, 2016 Collage, impresión digital, tinta, acetato, 21x28 cm

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Finalizados sus estudios de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y en la School of Visual Arts de Nueva York, Fernando Martín Godoy (Zaragoza, 1975), se incorpora al panorama expositivo a partir del año 2003, recibiendo numerosas becas y galardones, entre los que cabe destacar el JustMag Premio Joven en 2015 o el de la Diputación Provincial de Zaragoza en 2006.

Su trabajo ha sido expuesto en numerosas ferias y en espacios nacionales e internacionales y forma parte de colecciones públicas y privadas en Europa, Asia y América.

Actualmente vive y trabaja en Londres.

En su obra están presentes el misterio en lo cotidiano, una geometría intuitiva y una característica labor de síntesis formal. Sus series en tinta china funcionan como una extensión de su trabajo pictórico, dando un nuevo valor a una técnica con una gran carga histórica. Sus minuciosos collages, realizados a partir de reproducciones de fotografías rescatadas de libros antiguos, hablan del papel simbólico de la arquitectura o del poder del ser humano sobre el paisaje.

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Imágenes de archivo #40, 2013 Tinta china sobre papel Montval, 35,5x26 cm Imágenes de archivo #52, 2013 Tinta china sobre papel Montval, 35,5x26 cm Prelude I, 2016 Tinta china sobre papel Montval, 51x42 cm Prelude II, 2016 Tinta china sobre papel Montval, 51x42 cm Dune construction, 2015 Collage sobre papel, 17x16 cm Scottish pyramid, 2015 Collage sobre papel, 18x15 cm Black cube, 2016 Collage sobre papel, 25x20 cm Desert block, 2016 Collage sobre papel, 21’5x17’5 cm

FERNANDO

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Los versos de Emily Dickinson son el nexo conductor del trabajo reciente de Estefanía Martín Sáenz (Bilbao, 1982), reunido bajo el epígrafe “1600”, en alusión al título de la antología que recoge los primeros seiscientos poemas de la escritora estadounidense. La joven artista, galardonada en 2015 con el Primer Premio de Dibujo DKV-MAKMA por “Las Ausentes”, un trabajo centrado en los personajes secundarios de los cuentos clásicos, profundiza de nuevo en el vínculo existente entre lo visual y lo literario, tomando como punto de partida las palabras de la poeta de Amherst, una de tantas creadoras invisibles para la historia, que solo fue reconocida tras su muerte.

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El dibujo se funde con el textil, incorporando en ocasiones bordados u otros materiales, como la purpurina o el espumillón de colores, que ocultan parte del rostro de las figuras representadas a la vez que dotan de un carácter tridimensional a algunas composiciones.

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(1) Somos brujas, 2017 Mixta sobre mármol, 60x40 cm (2) Aquelarre, 2017 (Detalle) Mixta sobre tela estampada, 180x240 cm (3) La Recogida, 2017 Mixta sobre tela, 50x35 cm (4) Mascarada, 2017 Mixta sobre tela, 50x35 cm (5) Aquelarre, 2017 (Detalle) Mixta sobre tela estampada, 180x240 cm (6) En mi flor, 2016 Técnica mixta sobre papel, 50x35 cm (7) Poema 520, 2016 Técnica mixta sobre papel, 70x50 cm (8) Sin título, 2016 Técnica mixta sobre papel, 70x50 cm

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Ruth Morán (Badajoz, 1976) es licenciada en Bellas Artes por Universidad de Sevilla. Con varias becas y galardones en su haber, ha expuesto individualmente en importantes centros de arte españoles, como el MEIAC de Badajoz, el CAAC de Sevilla o el Centro de Arte de Alcobendas y ha participado en ferias internacionales como Ch.ACO, Art Lima, ARCO, Context Art Miami, Pinta Art London, ArteBA, Los Ángeles o Berliner Liste. Sus características composiciones en blanco sobre fondo negro de vocación abstracta son resultado de la utilización de diferentes procedimientos, desde el temple vinílico y el rotulador a sus recientes papeles perforados hechos a mano, casi siempre de generosas proporciones. Ruth Morán ha evolucionado desde el empleo de tramas lineales enmarañadas de apariencia textil que ocupaban prácticamente toda la superficie compositiva a la presentación de construcciones tectónicas densamente estratificadas, más geométricas y ordenadas, gravitando sobre el espacio vacío y estableciendo un diálogo con él.

(1) Espacio Vegetal, 2016 Temple vinílico, acrílico, guache sobre papel, 180x140 cm (2) Expansión, 2016 Temple vinílico, acrílico, guache sobre papel, 180x140 cm (3) Signo y Destello, 2017 Temple vinílico, acrílico, guache, tinta sobre papel, 190x150 cm (4)(5)(6) Signo y Destello, 2016 Temple vinílico y tinta sobre papel, 60x42 cm (7)(8) Expansión, 2016 Acuarela y tinta sobre papel, 60x42 cm

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El dibujo es uno de los ejes vertebrales del proceso creativo de Felipe Ortega-Regalado (Cáceres, 1972). Artista multidisciplinar, en 2001 completa su licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, donde lleva a cabo el trabajo de investigación con el que obtiene el D.E.A. en 2007.

Compagina su labor artística con el comisariado de exposiciones y la organización de diferentes propuestas culturales. Ortega Regalado explora en sus dibujos la periferia de lo ornamental y los límites de la construcción figurativa, sugiriendo narrativas que se articulan a partir de historias entrecortadas que dotan a su trabajo de un profundo carácter onírico de ascendencia surreal, protagonizadas por formas que insinúan tallos, raíces, semillas, bulbos, nervaduras y otras sugerencias vegetales. En ocasiones, los dibujos sirven de punto de partida a la elaboración de vídeos de corta duración, que le permiten explorar otras narrativas, donde las formas mutan y se reflejan mostrando su proximidad a cierto orden natural.

(1)(2)(3) A3, 2017 Lápiz de color sobre papel, 42x29,7 cm (4)(5) Subyacente 3, 2014 Grafito sobre papel, 56x32 cm (6)(7)(8) Plisados, 2016 Tinta sobre papel manipulado e instalado

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La base de las creaciones de Guillermo Peñalver (Tarragona, 1982) son los recuerdos latentes, almacenados en forma de imágenes, que pasan a ser reconstruidos a través de dibujos y collages de papeles recortados, donde la naturaleza se confronta con la arquitectura y el cuerpo.

El resultado es una serie de construcciones oníricas que plantean la eterna pugna entre naturaleza y cultura, lo orgánico y lo mecánico, lo racional y lo irracional, lo salvaje y lo doméstico, incluyendo en ocasiones referencias clásicas o su propio autorretrato. En 2009 se licencia en Bellas Artes en el Centro de Estudios Superiores Felipe II de Aranjuez-Universidad Complutense de Madrid, momento a partir del cual realiza sus primeras exposiciones. Tras su última comparecencia expositiva en 2016 bajo el epígrafe “Blanco sobre fondo blanco”, el artista tarraconense presentó en Drawing Room 2017 el proyecto “Revestimiento. Imaginarios paganos”. Actualmente combina su labor docente de dibujo y pintura con su trabajo artístico.

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La Maga, 2016 Papel (recortado) y grafito sobre papel, 65x50 cm Ya no somos unos niños, 2013 Papel (recortado) y grafito sobre papel, 63x70 cm El cazador, 2017 Papel (recortado) y lápiz de color sobre papel, 60x40 cm El escondite, 2017 Papel (recortado) y lápiz de color sobre papel, 36x26 cm Hice lo que pude, 2016 Papel (recortado) y lápiz de color sobre papel, 52x43,5 cm El cable rojo o el azul, 2017 Papel (recortado) grafito y lápiz de color sobre papel, 41x62 cm

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José Miguel Pereñíguez (Sevilla, 1977) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Aunque se formó como pintor, Pereñíguez se expresa fundamentalmente a través del dibujo y la escultura, recurriendo a referentes históricos y culturales que reconstruye, reproduce, deforma, desmiente o celebra a través de una incesante labor en el taller.

A lo largo de la última década ha recibido diferentes becas y menciones, como la del proyecto Generaciones de Caja Madrid en 2006, la beca Velázquez otorgada por el Ministerio de Cultura en 2007, el Premio Lissone en 2010 o el premio Alhambra Arte Emergente en 2017, siendo considerado como uno de los valores emergentes del arte español. Los dibujos reunidos bajo el epígrafe “Restos/Lugares”, realizados a carbón sobre cartón, conforman un catálogo de objetos, de espacios y de técnicas que la imaginación emplea para confundirse con la realidad tangible o para confinarse en el dominio de la representación.

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Fábula de las lechuzas y el cuervo, 2011 Tiza, carbón y lápiz conté sobre cartón, 92x65 cm Monte Davamand, 2011 Tiza, carbón y lápiz conté sobre cartón, 92x65 cm Isfandiyar y Simurgh, 2011 Tiza, carbón y lápiz conté sobre cartón, 92x65 cm Haddjí Murat, 2012-2016 Tiza, carbón y lápiz conté sobre cartón, 105x150 cm Iwan, 2012-2016 Tiza, carbón y lápiz conté sobre papel, 57x34,5 cm Paisaje persa, 2012 Carbón sobre papel, 23,5x30 cm Olimpia, 2017 Carbón, lápiz de color lápiz conté sobre cartón, 52,5x37,5 cm Kourós de Volomandra, 2014 Carbón sobre papel, 42x29,7 cm La caja caucasiana, 2012 Tinta, carbón y lápiz conté sobre cartón, 105x150 cm

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Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, ciudad en la que reside a caballo con Berlín desde hace años, Santiago Ydáñez (Jaén, 1967) es uno de los artistas con mayor proyección internacional del panorama español de su generación. Su trabajo ha sido reconocido con los premios de pintura ABC y Generación de Caja Madrid en 2002 o las becas del Colegio de España en París en 2001 y la de la Fundación Botín en 1998. Pintor de temas clásicos, especialmente valorado por la expresión facial que imprime en los rostros de sus retratos, sus composiciones se caracterizan por la utilización de una escala de colores muy reducida, próxima al blanco y negro, y una pincelada amplia, cargada de expresividad y tensión, que resuelve mediante una ejecución rápida que le permite captar lo esencial. Sus principales referencias se encuentran en la naturaleza, la infancia o la historia del arte que, con frecuencia, acompaña de diferentes mensajes éticos y políticos.

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Sin título, 2015 Acrílico sobre papel, 24x32 cm Sin título, 2015 Acrílico sobre papel, 32x24 cm Sin título, 2015 Acrílico sobre papel, 24x32 cm Sin título, 2006 Carboncillo sobre papel, 37x47 cm Sin título, 2006 Carboncillo sobre papel, 37x47 cm Sin título, 2017 Grafito sobre papel montado en objeto antiguo, 25x34 cm Sin título, 2015 Acrílico sobre madera entelada montada en caja antigua, 5x15x39 cm

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The first Issue

By Mónica Álvarez Careaga, director

If I were…

By Javier Díaz-Guardiola*

Papeleo is a publication of irregular periodicity, opportunistic and undisciplined, dedicated to contemporary international drawing. It was born with the mission of supporting the research and dissemination work of this field, carried out from the Drawing Room specialized fair. As a small observatory of the drawing practice in current artists, especially in Spanish ones, Drawing Room has an excellent curatorial committee of experts.

If I were an artist, I would like my projects to be supported by conceptual scaffolding as powerful as that of a creator such as Gonzalo Elvira (born in Argentina, 1971). Perforating paper or fabric so as to shape the images of my work, or filling ancient maps and publications with new blots of ink that cover and conceal everything as in his series entitled “Bauhaus 1919, a model to assemble”. With this work the Argentine creator based in Spain has revived the figure of the artist-artisan to praise the work of the women of the legendary German school. Neither would I mind if my creations went beyond two dimensions to acquire a third, as is the case with the proposals of the Englishman Jonathan Callan (Manchester, 1961), whose organic gestures on paper end up entering into dialogue with his sculpture exhibits, which originate from the books that he moulds as if they were a new material and prevents access to their contents. Such is the limiting power of language. A similar relationship is established between the engravings and drawings of Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) with her sculptures, the allusions of which to the forms of Nature and its uncontrollable force I would not reject.

In its first issue, Papeleo includes the work of twenty-two Spanish artists whose contribution to current drawing is really significant, being this the central medium in their respective practices.

The reviews, refer to the work done in the last years, highlighting the works that have been present in the first two editions of Drawing Room, which were held in Madrid in 2016 and 2017. In this way, “Contemporary Spanish Drawing” begins with a look at the origins of the project and invites the art critic Javier Díaz Guardiola, who has followed the evolution of our event, to remember with us the artists we have had occasion to present to the public of Madrid, thanks to the participation of the best art galleries, both Spanish and international.

On the other hand, the aforementioned undisciplined nature of Papeleo is manifested in the choice of artists and works of this first issue, where the reference to drawing is masked in many cases by formalizations that can play many roles: three-dimensional, cinematographic, performative, etc…

We are indebted to many Spanish artists whose work of contemporary drawing we admire and have not been able to present in this issue. We hope there will be many more.

I would like colour to be as positivist as in the deeply ironic installations of Elena Blasco (Madrid, 1950). Games of scale, changes of material, and unexpected encounters would be established as a fascinating score to monitor the reactions of the viewer to my work on paper. It would be wonderful to have the cultural and historical references that José Miguel Pereñíguez (Seville, 1977) twists and reconstructs in his series and which adapt perfectly to the shapes formed by his charcoal strokes on cardboard. It suffices to return to the “Remains / Places” series to confirm this. His “darkness” would contrast relatively easily with the use of compositional strategies such as those of Alessandra Maio (Italy, 1982) when she uses writing to produce myriads of letters that can only be read if one is very close to the work, as from a distance it gives

141 rise to colour surfaces that are more or less saturated and more or less subtle.

I would tend to end up with results such as those of Jesús Zurita (Ceuta, 1974). This creator mesmerises me! His extensive surfaces are filled with multiple microscenes that engage in dialogue simultaneously, giving consistency to series that have no less expressive force despite their tendency towards chromatic reduction. Quite the reverse; all this creates poetry and mystery. These truly organic drawings are very much in keeping with those of the artist from Extremadura Felipe Ortega-Regalado (Cáceres, 1972) in which figurative representation is but an excuse, because where he actually wants to take us is to the limits of what he reproduces, to heed the expressive force of what is ornamental (frequently understood as superfluous). Both artists show their interest in formulae inspired

by Nature, and it may be that the fact that these are so familiar to us makes this the perfect strategy for establishing a mental itinerary from which they both lead us to where they wish to retain our emotions.

I would very much like the results to be as expressive as the paintings and drawings of Santiago Ydáñez (Jaén, 1969).

So much can be told by these impasto works! These recognisable shapes that are no more than an excuse to play with the technique and to delight in it say so much of him! As if he were putting himself to the test, the Andalusian artist sets himself rapid execution and reduces his palette so as to put himself on the ropes.

It is hard work, but the final result is clearly worth the trouble. On the other side of the same ring, Tamara Arroyo (Madrid, 1972) starts from existential experience to reduce it to geometrical shapes. It is sequentiality that sets the pace of her work as an artist and is the key to understanding the relationship that she establishes between reality and representation.

No doubt I would feel the need to imbue myself with the magic of Fernando Martín Godoy (Zaragoza, 1975), another artist who turns to books for “material”.

His minimal productions on images taken from them or his most recent desire to fill all covers with shapes that conjure up the texts contained within them are the perfect excuse for looking further than what is self-evident. To create hidden dreams, to give the “original” stories a second chance. It is at this dialogue between what there was and what there will be that Gabriela Kraviez (Argentina, 1965) stands; she experiments by repainting paper that has already been painted, giving rise to enveloping installations with an unspecific vanishing point. I would also avail myself of the power of suggestion of the productions of Fernando Gutiérrez (Oviedo, 1973), those landscapes that are actually mental ones constructed with anthropomorphic characters that occasionally, thanks to videos, swarm around us or which owing to the effect of luminiscent paint appear before us when the light goes down.

And why should I not dare to draw with shadows, with shapes, with more or less fleeting structures? In that case I would have in mind the sculptural series of Liliana Zapata (Bolivia, 1985) in which her tools are paper and scissors. Not much more is needed. It is the incisions in the material and her geometric rigour which give rise to subtle deconstructions of its blank volumes in which the spaces are as indispensable as the presences.

To return to bidimensionality with a vocation for sleight of hand, my point of reference would be Ruth Morán (Badajoz, 1971). Those tangled surfaces of hers, generally large in format, which rest on neutral backgrounds. Throughout her career this creator has progressed in the use of materials, from tempera to marker pens, finding solutions such as perforating the surface of the medium which Gonzalo Elvira sometimes did as we have mentioned. And naturally Javier Arce (Santander 1973)!

When this creator concentrates on paper, whether it be pressed or “stretched”, many have nothing to say.

If I knew how to “build” by drawing, I would come very close to the perfection of creators such as Teo Soriano (Mérida, 1963) or Ana H. del Amo (Cáceres, 1977).

Following the lines that the former traces on the media is a delight for the senses.

An artist who has never abandoned the expansion of matter and the generating of force fields which are hard to look away from by means of graphic art, densities, and limits. The latter, renowned for her delicate unstable three-dimensional structures in which painting has the last word, has managed to transfer these premises onto paper (the “Diamond Shapes” series) to put the same balance to the test. It is not often that the medium has been more important than the canvas. If it were not for recycling!

I would take refuge in many of the formulae of Alejandro Botubol (Cadiz, 1979), who is outstanding on canvas but even better as an engraver. His potential lies in the use of symbolic elements which generate enigmatic landscapes with slight variations from one scene to another, despite the fact that his attitude is that of an abstract painter.

What is recognisable merges with what is reduced to sketches so as to give rise to scenarios of light, colour, and sensations.

And if I felt the need to be one of the most polished figurative artists, the first name I would turn to would be Kepa Garraza (Berango, 1979). His “Power” project has made him great, mesmerising, and powerful.

He denounces art as a propaganda tool in large-format exhibits in which his use of chiaroscuro comes close to that of the baroque masters. It is clear to me that if this figurative representation were to become abstract once more, without losing a certain organic nature in the process, my bedside artist would have to be Daniel Verbis (León, 1968). A creator continually obsessed with the deconstruction of pictorial language and the questioning of the medium, while the strangest materials become suitable and relevant substitutes for oils, acrylic paint, graphite, or charcoal. And while we are on the subject of expressive frameworks that do not stray from the most canonical landscape painting albeit with a genuinely contemporary focus, I would take refuge in Carlos León (Ceuta, 1948). An inheritor of the Supports-Surface school, in his works each line or brushstroke becomes an essential element of a very personal lexicon.

If I were an artist, I would love to have the skill of transferring onto paper all those images (even all those objects) that the Portuguese Nuno Sousa Vieira (1971) is capable of handling and processing.

He is another of those creators who alert us to our excessive dependence on the material world and our innate capacity for leaving obsolete waste around us. Premature planned obsolescence. A similar echo can be found in the creations of Manuel Caeiro (Évora, 1975), who is highly committed to architecture and design. And in this vein in which a drawing becomes a collage, I would invite my imagination to be stimulated by two Spanish creators of the latest crop that have completely captivated me: Guillermo Peñalver (Tarragona, 1982) and Estefanía Martín Sáenz (Bilbao, 1982).

The points of reference of the Catalan are his environment and his own body. Nature and architecture. Exhibits that become clippings on which his powerful oneiric landscapes are constructed in which he gives free rein to irrationality compared with rationality. And so on. For her part, the Basque delights and at the same time brings to the fore a necessary revision of the role of women and their visibility in society. Because protest is not at variance with high voltage results that are expressive, narrative, and show strong lyricism.

If I hungered for geometric abstraction I would feed off the fine work of two women from two different generations: on the one hand the young María GarcíaIbáñez (Madrid, 1978). “Gap geometry”, the starting point of which is the modular structure of beehives, is a hypnotic series. This modular repetition, which so strongly reminds us of the homogeneous urban development that our country has suffered in recent decades, provides endless possibilities. As many as music is given by its seven notes. On the other hand, the experienced Regina Giménez (Barcelona, 1966) finds these geometrical reference points in the History of Modern Times, into which she breathes new life by decontextualising them and giving them independence, so that they can subsequently unfold indefinitely according to the possibilities that they give their creator.

143 If I could be considered an artist, and if producing a work of poetical undertones were among my plans, I would have no choice but to throw myself into the precipices of Clara Sánchez Sala (Alicante, 1987) as she has devoted herself to this discipline. However, her attraction to ancient mapmaking, to literature, to a constructed landscape exudes rationalist interests, which burst at the seams owing to their obstinate lyricism. And as we are talking of more or less emergent creators, I would certainly not forget to become infected by the passion for chaos of Emmanuel Lafont (Argentina, 1980). A chaos that he tends to arrange with a realist style that he uses on the most delicate media and which condenses into biographical notes that draw in anyone who approaches. They are as “chaotic” as the installations based on drawings of Alfredo Igualador (Madrid, 1971) because deep down they exude pain.

His thick strokes are thus both literal and metaphorical.

All this would sum up my work if I were an artist… But I am not one. Let’s say that my creativity finally emerged from an unexpected direction. That I am better at painting with words. For this reason we can congratulate ourselves on the existence of events such as the Drawing Room Fair in Madrid. In its first two editions it has allowed us to enjoy the work of all the creators that I have mentioned above. Because if there is one thing that has made it easier to organise an event such as this it is the return to emphasising the autonomy of a technique such as that of drawing (which was never a minor art form as it was in most cases the basis of the production of all great masters) together with the confirmation that it is an expanding discipline perfectly in keeping with solutions typical of installations, of sculpture, of images in motion… And discovering artists in a fertile environment where we perhaps did not expect to find them and which has given them such good results. With all that we gain from this, why then do I want to be an artist?

Madrid, 12th November 2017

*Javier Díaz-Guardiola is a journalist, critic, and organiser of exhibitions. He is currently the coordinator of the art, architecture, and design section of ABC Cultural and writes the contemporary art blog “Seven at One Go”.

CRISTINA ALMODÓVAR Born in Madrid, 1970 “Líneas Platónicas” (Platonic Lines) is the title of the project presented by Cristina Almodóvar in Drawing Room 2017, which consists of a series of ink drawings that escape from the paper to materialise in the form of wires that project their shadows on the space. The artist explores the limits of the drawing, which becomes a three-dimensional sculpture. The play between matter and image or reality and appearances take us back to the myth of Plato’s cave and the deceptive vision of our senses to encourage a reflection of how we perceive and appreciate reality. After completing her Fine Art studies with the speciality of sculpture at the Complutense University of Madrid, Cristina Almodóvar obtained a honourable mention in the degree course awards. She began to exhibit in the 1990s and in 2011 was awarded the Internazionale Giovane Scultura Prize of the Fondazione Francesco Messina.

ANA H. DEL AMO Born in Caceres, 1977 The most recent work of Ana H. del Amo constitutes a reflection on painting and its materiality and objectuality. A Fine Arts graduate with the speciality of painting from the Universidad de Barcelona, she obtained an Advanced Studies Diploma for her research into painting in the digital age. The drawings of the series “Rombos” (Diamond Shapes) show different geometrical wooden structures painted in oils to put forward different situations of balance and arrangements in space. On occasions she introduces touches of colour to the edges of the wooden strips to stress the pictorial nature of her creative process as in a way they refer to the border itself. The association of wood and painting gives a sculptural character to these drawings, proposing a reconversion of pictorial practice to another paradigm based on the recycling and assembling of fragments that have been found.

JAVIER ARCE Born in Santander, 1973 Bachelor of Fine Arts from the University of the Basque Country and graduated in Printing Techniques in Oviedo, he holds a master’s degree in sculpture from the Wimbledon School of Art in London. Since the beginning of his career in the midnineties, his work has been shown in significant national and international art centres, having received the Prize of the Marcelino Botín Foundation of Plastic Arts (2006), the Honourable Mention of Generación Caja Madrid and the ABC Award (2007) or scholarships from the Art and Law Foundation (2008) and the International Studio & Curatorial Program of New York (2009). His project on La Engaña, structured by a series of drawings made with his own blood, collects the memory of the railway tunnel built by republican prisoners in the Pasiega town of Vega de Pas, with the purpose of linking Cantabria and the Mediterranean, railway which was abandoned before its conclusion.

RAÚL ARTILES Born in Las Palmas de Gran Canaria, 1985 Raúl Artiles lives and works between Gran Canaria in Spain and Munich in Germany. He is a Fine Arts graduate from the La Laguna University and completed his studies at the Hochschule für Bildende Kunste of Braunschweig. He generally works with large formats presenting installations of papers in charcoal with which he aims to break down the 19th-century academic concept that makes drawings minor works that depend on other disciplines. He often resorts to the souvenir aesthetic as a possible representative strategy of the behaviour of the contemporary world.

His works unfold in space in almost a monumental way, questioning the way we address images in the digital age. His imaginary landscapes constitute fleeing visions dominated by a catastrophic or an apocalyptic approach not without irony that suggest a metaphor of the current economic and political situation and at the same time hint at a possible solution and a new Renaissance.

TAMARA ARROYO Born in Madrid, 1972 Tamara Arroyo is a graduate and doctoral candidate in Fine Arts from the Complutense University of Madrid. In her work there is an insistence on the habitability of the spaces that derives in a questioning about the “domestication” of the modern inhabitant and the consumption of certain formalizations and objects in the interiors of current dwellings, as well as in an autobiographical reference that articulates a discourse on individual and family memory.

Through series of drawings, objects, photographs and site-specific works inspired by objects and architectural elements rescued from their immediate surroundings, Arroyo talks about how the environment and its architecture influence, distinguishing between the lived or existential space that operates unconsciously, and the physical and geometric space. Recently she has enjoyed a residency in Artist x Artist in Havana, Cuba, within the program Ranchito, Matadero Madrid. She has received the Ciutat de Fanalixt award, 2017. In 2015 she obtained the BilbaoArte production grant.

In 2013 she enjoyed the scholarship of the Academy of Spain in Rome.

NADIA BARKATE Born in Bilbao, 1980 Nadia Barkate has a degree in Fine Arts from the University of the Basque Country.

The large format compositions of the Bring Wodka mit series, made with ink fountain, are close to the comic and audiovisual language, but also to the heraldic logic.

The artist approaches drawing as a performative practice, which takes place in sessions in which her physical and emotional state intervenes. Nadia Barkate resorts to the combination and insistence on the repetition of a certain form, until the exhaustion of its possibilities, taking a priori a series of decisions, such as drawing from memory or reducing the technical elements to a minimum. Tends to be placed in conditions that encourage error, which is a fundamental aspect of her poetry and sometimes becomes the central motive, repeating itself until generating a system.

MANUEL BLÁZQUEZ Born in Valencia, 1978 Working on paper and the roles it plays from a plastic or artistic viewpoint constitutes one of the main distinguishing

145 marks of the work of the Valencian artist Manuel Blázquez, who is a Fine Arts graduate with the speciality of engraving from the Academy of Bologna after having studied the first cycle of Advertising and Applied Communications at the Jaume I University of Castellón. The series “Fenicia” (Phoenicia) is the result of a process of research into the vital parameters of space and time inspired by that used by the ancient scribes, who designed the internal structure of the page from lines that came to play the part of the written text. By means of minute manual cuts on blocks of superimposed sheets of paper, Manuel Blázquez draws emptiness in a volumetric space to give rise to a series of splits that suggest staggered structures of minimalist resonances and unfold a clear play of lights and shadows.

ALEJANDRO BOTUBOL Born in Cadiz, 1979 This painter from Cadiz was trained at the Santa Isabel de Hungría Fine Arts Faculty of Seville. He completed his studies in New York, where he absorbed the influence of several North American artists such as James Turrell and Dan Flavin, and with a master’s degree in Contemporary Art, Idea and Production from the Universidad de Seville. He currently lives and works in Madrid. The drawings he presented in Drawing Room 2017 make up a highly evolving series of landscape paintings that overlap in search of the chance encounter. The artist himself has declared that a constant in his work is his persistent exploration of spatial phenomena with the incorporation of internal and symbolic elements that have to do with life experiences, sometimes starting from images he has found.

Alejandro Botubol proposes infinite painting that goes deeper into matters such as absence, gravity, and time; his work with geometry, colour, and light stands out.

MARTA BRAN Born in Melide, A Coruña, 1986 Marta Bran is a visual artist, teacher and researcher. PhD in Fine Arts from the University of Vigo in 2017. Master in Contemporary Art. Creation and Research,

University of Vigo, 2011. Although her incorporation into the exhibition scene is recent, over the last few years she has been recognized in several plastic arts contests. Next to the illustration, Bran poetics refers to children’s iconography, sifted by new technologies and the concept of an expanded field applied to contemporary collage. “Countryside scenes” is a multidisciplinary installation that fuses a pencil intervention directly on the wall with drawings, objects and pieces of ceramics, composing a bucolic image where the celebration of a particular snack is perceived, populated with details, in an updated wink to the famous composition of Manet, which is inspired by the origins of cinema.

GONZALO ELVIRA Born in Neuquén, Argentina, 1971 Born in the Argentinian Patagonia, Gonzalo Elvira has lived and worked in Barcelona since 2000. He received training at the Antonio Berni School of Visual Arts in Buenos Aires and began his exhibition career in 1993. He currently combines his artistic practice with his teaching activity in different educational projects. The project “Bauhaus 1919, model to assemble”, consisting of drawings made by perforations in the fabric or paper with needle and hammer, or interventions with ink on different maps and publications, has as its starting point, on one hand, the year of foundation of the Bauhaus art school by Walter Gropius and, on the other, the title of Julio Cortázar’s novel “62 Modelo para armar”, sketched in chapter 62 of “Rayuela”.

Gonzalo Elvira recovers the figure of the artisan-producer artist to highlight the role played by women in the Bauhaus, such as Günta Stolz, Marianne Brandt or Grete Stern.

MARÍA GARCÍA-IBÁÑEZ Born in Madrid, 1978 The project “Geometry of a gap” by María García-Ibáñez explores the representation of the void, taking as a starting point the structure of the hives, its modular repetition and its relationship with the landscape and the territory. The artist, graduated in Fine Arts from the Complutense University of Madrid,

has been recognized in 2017 with the Basu Art Foundation Award (Calcutta, India) and the DKV Collection Acquisition Award at the Drawing Room 2017, as well as with the Help for Creators of the Embassy of Spain in Mexico in 2012 and the Residence for Creators of Ibero-America in Mexico (AECID) in 2009. Currently living between Madrid and Mexico, she works with lines, silhouettes and geometries that allow her to work in different media. This is the case of weaving on the loom, laser-cut paper, enameled bricks or watercolor and gouache; All these procedures refer to the drawing, which becomes the expressive vehicle chosen to investigate the graphic possibilities of the hole and, by extension, the vacuum.

KEPA GARRAZA Born in Berango, Bizkaia, 1979 The drawings of Kepa Garraza’s “Power” project offer a lucid reflection on the representation of power in Western culture and its relation to art throughout history. The artist takes, as a starting point, sculptural portraits of political or military leaders, reproduced reliably in rigorous black and white, emphasizing the chiaroscuro. This gallery of characters transferred to paper shows how art has served as propaganda of power from classical Greece to the present. Graduated in Fine Arts at the University of the Basque Country, Bradford Art College of England and the University of Barcelona, Kepa Garraza’s professional career started in 2004, having been recognized since then with awards such as Estampa-House of Velázquez in 2015, The Royal Academy of Fine Arts of San Carlos of Valencia in 2013 or the Focus-Abengoa Foundation in 2005.

IRENE GONZÁLEZ Born in Malaga, 1988 A Fine Arts graduate with a master’s degree in Drawing from the Universidad de Granada, Irene González presented for Drawing Room 2017 the series of drawings of the project “Espacios afectivos, zona de ruinas” (Affective spaces, areas in ruins). This is a series of compositions in black and white that are clearly reminiscent of old photographs and are about melancholy. They represent a

series of places connected to children’s games and the spaces of the past, the memory, and remembrance. As the artist has expressed, there is nothing more melancholic than repetition, the eternal return, and the return to the space that is already known, to our affective areas.

Irene González feels that we are wandering in circles through a maze as we try to reach an unattainable centre where the phantom of origins and the mystery of loss can be found, hence the profound strangeness of these drawings.

PACO GUILLÉN Born in Las Palmas de Gran Canaria, 1974 Paco Guillén lives and works in Las Palmas. He is a Fine Arts graduate from the Castilla-La Mancha University and holds a master’s degree in Multimedia Production from the Polytechnic University of Valencia. Since the late 1990s he has been exhibiting regularly and in 2013 he was awarded the Prize of the Region of Madrid. He considers drawing to be a field of experimentation in which to reflect his most immediate daily environment, posing questions about the nature of the human being and his social role, his fears, his phobias, his uncertainties, and in general the most absurd aspects of our culture. Using the most varied mediums such as paper, direct intervention on walls, and video animation, his concise and synthetic drawings tend to include texts in a stylish hand with words or phrase incorporating an ironic and critical dimension, questioning technical virtuosity as an essential requirement for producing art.

FERNANDO GUTIÉRREZ Born in Oviedo, 1973 Fernando Gutiérrez studied Fine Arts at the Salamanca University and has been exhibiting his work regularly since 1993.

Gutiérrez is a creator of visual paradoxes who has developed most of his artistic activities from pictorial premises. In recent years he has concentrated his production on drawing while trying out different procedures and techniques such as design, photography, and video. He includes in his work a large number of personages of his own with both human and animal physical and psychological

147 characteristics, articulated collage as a work process, and animation as a medium. Interested in the reception and distribution of images, Gutiérrez is currently putting his faith in a pronounced provisional nature in the structure of his proposals, carrying out various environmental projects, altering spaces, and temporarily transforming them into mental landscapes by means of absorbing graphic interventions that are emotional, sensitive, and occasionally leisure-related.

FERNANDO MARTÍN GODOY Born in Zaragoza, 1975 After finishing his studies in Fine Arts at the Complutense University of Madrid and at the School of Visual Arts in New York, Fernando Martín Godoy joined the exhibition scene from 2003, receiving numerous scholarships and awards, including the JustMad Young Award in 2015 or the Provincial Council of Zaragoza in 2006. His work has been exhibited in numerous fairs and national and international spaces and it is part of public and private collections in Europe, Asia and America. He currently lives and works in London. In his work are present the mystery in everyday life, an intuitive geometry and a characteristic work of formal synthesis. His Indian ink series work as an extension of his pictorial work, giving a new value to a technique with a great historical burden.

His meticulous collages, made from reproductions of photographs rescued from old books, speak of the symbolic role of architecture or the power of the human being over the landscape.

ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ Born in Bilbao, 1982 The verses of Emily Dickinson are the leitmotif of the recent work of Estefanía Martín Sáenz that has been collected under the title “1-600” in allusion to the anthology of the first six hundred poems of the writer from the United States.

The young artist, who was awarded in 2015 the First DKV-MAKMA Drawing Prize for “Las Ausentes”, a work concentrating on the minor characters of classical stories. It again takes a closer look at the link between what is visual and what

is literary using as a starting point the words of the poet from Amherst, one of many creators that history forgot and who was only recognised after her death. Drawing is merged with textiles as she sometimes uses embroidery or other materials such as glitter or coloured tinsel, which hide part of the faces of the figures represented and at the same time give a three-dimensional character to some of her compositions.

RUTH MORÁN Born in Badajoz, 1976 Ruth Morán, who is from Extremadura, has a degree in Fine Arts from the University of Seville. With several scholarships and awards to her credit, she has exhibited individually in important Spanish art centres, such as the MEIAC of Badajoz, the CAAC of Seville or the Art Centre of Alcobendas and has participated in international fairs such as Ch.ACO, Art Lima, ARCO, Context Art Miami, Pinta Art London, ArteBA, Los Angeles or Berliner Liste. Her unique compositions in white on black background of abstract vocation are the result of the use of different procedures, from vinyl tempera and markers to her recent perforated papers made by hand, almost always of generous proportions. Ruth Morán has evolved from the use of tangled linear patterns of textile appearance that occupied practically the entire compositional surface to the presentation of densely stratified tectonic constructions, more geometric and ordered, gravitating on the empty space and establishing a dialogue with it.

FELIPE ORTEGA-REGALADO Born in Caceres, 1972 Drawing is one of the cornerstones of the creative process of Felipe Ortega Regalado. Multidisciplinary artist, in 2001 he completed his degree in Fine Arts from the University of Seville, where he carried out the research work with which he obtained the D.E.A. in 2007. He combines his artistic work with the curating of exhibitions and the organization of different cultural proposals. Ortega Regalado explores in his drawings the periphery of the ornamental and the limits of figurative construction,

suggesting narratives that are articulated from interrupted stories that endow his work with a deep dreamlike character of surreal descent, starring in forms that hint stems, roots, seeds, bulbs, ribs and other plant suggestions.

Sometimes, the drawings serve as a starting point for the development of short videos, which allow you to explore other narratives, where the shapes mutate and reflect showing their proximity to a certain natural order.

GUILLERMO PEÑALVER Born in Tarragona, 1982 The creations of Guillermo Peñalver are based on latent memories stored in the form of images that are reconstructed by means of drawings and collages of paper cutouts in which nature is confronted with architecture and the body. The result is a series of oneiric constructions that put forward the eternal conflict between nature and culture, what is organic and what is mechanical, what is rational and what is irrational, including on occasion classical references or his self-portrait. His spaces are invaded by plant formations taking the form of a labyrinth (a metaphor for the work of the study) or grow disproportionately to even project themselves towards the exterior, contrasting what is wild with what is domestic. These constructed landscapes reflect rather than idyllic nature our precarious relationship with our habitat, at a time when “Manet’s Déjeuner sur l’Herbe has become a self-service shop open 24 hours a day” as the artist himself points out.

JOSÉ MIGUEL PEREÑÍGUEZ Born in Seville, 1977 José Miguel Pereñíguez has a degree in Fine Arts from the University of Seville. Although trained as a painter, Pereñíguez expresses himself primarily through drawing and sculpture, drawing on historical and cultural references that he reconstructs, reproduces, deforms, denies or celebrates through incessant work in the workshop. Throughout the last decade he has received different scholarships and mentions, such as the Generations of Caja Madrid project in 2006, the Velázquez scholarship granted by the Spanish Ministry of Culture in 2007,

the Lissone Prize in 2010 or the Alhambra Emerging Art prize in 2017, being considered as one of the emerging values of Spanish art. The drawings collected under the heading “Remains / Places”, made in charcoal on cardboard, make up a catalog of objects, spaces and techniques that imagination uses to confuse itself with tangible reality or to confine itself in the domain of representation.

SANTIAGO YDÁÑEZ Born in Jaen, 1969 With a degree in Fine Arts from the University of Granada, a city where he has lived alternating with Berlin for years, Santiago Ydáñez is one of the artists with the greatest international projection on the Spanish scene of his generation. His work has been recognized with the ABC Painting and Generation of Caja Madrid awards in 2002 or the scholarships of the College of Spain in Paris in 2001 and that of the Botín Foundation in 1998.

Painter of classical themes, especially valued by the facial expression that he prints on the faces of his portraits, his compositions are characterized by the use of a very small scale of colours, close to black and white, and a broad brushstroke, full of expressiveness and tension, which resolves through a quick execution that allows him to capture the essential. Its main references are found in nature, childhood or the history of art, elements which often accompany different ethical and political messages.

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