Papeleo Nº 4

PANORAMA ITALIANO

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OBSERVATORIO Mónica Álvarez Careaga Directora

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PANORAMA ITALIANO Antonio De Falco Comisario

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ENTREVISTA: ANDREA LOSAVIO, DIRECTOR DE GALLERIA D406 Antonio De Falco Comisario

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DIBUJOS NARRADOS PARA UNA OBRA Francesca Holsenn Comisaria

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LA COLECCIÓN DE DIBUJO CONTEMPORÁNEO DE LA ACCADEMIA NAZIONALE DI SAN LUCA (ROMA) Francesco Moschini Comisario y secretario general

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ARTISTAS

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2501 DANIELA ALFARANO ELVIO CHIRICOZZI ERICAILCANE FABRIZIO COTOGNINI GIULIA DALL’OLIO ROCCO DUBBINI TAMARA FERIOLI ALDO GIANNOTTI FAUSTO GILBERTI GILBERTO GIOVAGNOLI EVA MARISALDI LAURINA PAPERINA STEFANO RICCI MICHELANGELO SETOLA NICOLA TOFFOLINI

OSSERVATORIO Mónica Álvarez Careaga Direttrice PANORAMA ITALIANO Antonio De Falco Curator INTERVISTA: ANDREA LOSAVIO, DIRETTORE GALLERIA D406 Antonio De Falco Curator DISEGNI NARRATI PER UN’OPERA Francesca Holsenn Curator

OBSERVATORY Mónica Álvarez Careaga Director ITALIAN PANORAMA Antonio De Falco Curator INTERVIEWING ANDREA LOSAVIO DIRECTOR OF GALLERY D406 Antonio De Falco, Curator NARRATED DRAWINGS FOR A WORK Francesca Holsenn Curator

Curatore e segretario generale

THE COLLECTION OF CONTEMPORARY DRAWING OF THE NATIONAL ACADEMY OF SAN LUCA (ROME) Francesco Moschini Curator and general secretary

ARTISTI

ARTISTS

2501

2501 DANIELA ALFARANO ELVIO CHIRICOZZI ERICAILCANE FABRIZIO COTOGNINI GIULIA DALL’OLIO ROCCO DUBBINI TAMARA FERIOLI ALDO GIANNOTTI FAUSTO GILBERTI GILBERTO GIOVAGNOLI EVA MARISALDI LAURINA PAPERINA STEFANO RICCI MICHELANGELO SETOLA NICOLA TOFFOLINI

LA COLLEZIONE DEL DISEGNO CONTEMPORANEO DELL’ACCADEMIA NAZIONALE DI SAN LUCA (ROMA) Francesco Moschini

DANIELA ALFARANO ELVIO CHIRICOZZI ERICAILCANE FABRIZIO COTOGNINI GIULIA DALL’OLIO ROCCO DUBBINI TAMARA FERIOLI ALDO GIANNOTTI FAUSTO GILBERTI GILBERTO GIOVAGNOLI EVA MARISALDI LAURINA PAPERINA STEFANO RICCI MICHELANGELO SETOLA NICOLA TOFFOLINI

OBSERVATORIO Mónica Álvarez Careaga Directora

Papeleo, la revista oportunista e indisciplinada de Drawing Room, acompaña a la feria en su aspiración de convertirse en un observatorio del dibujo contemporáneo internacional.

La programación de Drawing Room se ha detenido en diversas tradiciones y contextos artísticos como la pintura china de paisaje, la tinta japonesa, la escena bonaerense o el clasicismo figurativo italiano, que constituyó una sección específica en la edición madrileña de 2017. Volvemos ahora a subrayar la rica y variada práctica del dibujo contemporáneo en Italia dedicándole íntegramente este número de Papeleo, creado por el comisario boloñés Antonio De Falco, en el que se muestran obras de dieciséis artistas y se escuchan tres voces imprescindibles. La comisaria Francesca Holsenn aporta una interesante reflexión sobre el dibujo como primogénita realización gráfica de la idea. Recuperamos un texto de Francesco Moschini, secretario general de la Accademia Nazionale San Luca sobre la iniciativa puesta en marcha en 2007 por la institución romana para coleccionar el dibujo contemporáneo de artistas, escultores y arquitectos. Y una entrevista a Andrea Losavio, galerista y comisario de la Biennale del Disegno de Rímini nos ayuda a comprender la evolución reciente del dibujo italiano desde el aspecto creativo y su actual reconocimiento en las ferias de arte y los museos.

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OSSERVATORIO

OBSERVATORY

Mónica Álvarez Careaga Direttrice

Mónica Álvarez Careaga Director

Papeleo, la rivista opportunista ed indisciplinata di Drawing Room, accompagna la fiera con il suo intento di diventare un osservatorio sul disegno contemporaneo internazionale.

L’attenzione di Drawing Room si è concentrata su tradizioni e contesti artistici diversi quali la pittura paesaggistica cinese, l’inchiostro giapponese, il panorama artistico di Buenos Aires o il classicismo figurativo italiano, al quale è stata dedicata una sezione specifica nell’edizione madrilena del 2017. Torniamo ora a porre l’accento sulla ricca e variegata scena del disegno contemporaneo in Italia a cui è interamente dedicato questo numero di Papeleo stilato dal curatore bolognese Antonio De Falco, in cui sono illustrate opere di sedici artisti e si ascoltano tre voci fondamentali. La curatrice Francesca Holsenn presenta un’interessante riflessione sul disegno quale primigenia realizzazione grafica dell’idea. Abbiamo recuperato le parole di Francesco Moschini, Segretario generale dell’Accademia Nazionale San Luca, sull’iniziativa avviata nel 2007 da questo ente romano, di collezionare il disegno contemporaneo di artisti, scultori e architetti. Infine, un’intervista ad Andrea Losavio, gallerista e curatore della Biennale del Disegno di Rimini ci aiuta a capire come il disegno italiano si è evoluto a livello creativo e il suo riconoscimento attuale nelle fiere d’arte e nei musei.

Papeleo, the opportunist and undisciplined magazine of Drawing Room, accompanies the fair in its aspiration to become an observatory of international contemporary drawing.

The Drawing Room programme has lingered over various artistic traditions and contexts such as Chinese landscape painting, Japanese ink, the Buenos Aires scene, or figurative Italian classicism, to which a specific section was devoted at the Madrid edition of 2017. Let us again emphasise the rich and varied practice of contemporary drawing in Italy by devoting entirely to it this issue of Papeleo, created by the Bologna curator Antonio De Falco, in which works of sixteen artists are shown and three essential voices are heard. The curator Francesca Holsenn contributes an interesting reflection on drawing as a primitive graphic production of the idea. We recover a text by Francesco Moschini, the general secretary of the Accademia Nazionale San Luca, on the initiative set in motion in 2007 by the Rome institution to collect the contemporary drawings of artists, sculptors, and architects. There is also an interview of Andrea Losavio, the gallery owner and curator of the Biennale del Disegno of Rimini, which helps us to understand the recent evolution of Italian drawing from its creative aspect and its current prestige at art fairs and in museums.

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PANORAMA ITALIANO Antonio De Falco Comisario

Son pocos los ámbitos del arte que, como el dibujo, logran poner de acuerdo a teóricos, artistas y expertos incluso con los puntos de vista más diversos. Es un medio en el que aspectos como la inmediatez de la idea, la esencialidad y la espontaneidad del gesto son ampliamente reconocidos y compartidos por todos.

Sin embargo, a pesar de esta homogeneidad de opiniones, en el panorama de propuestas existen matices y ejemplos muy diferentes entre sí desde un punto de vista formal. El mercado del arte incluye y presenta obras incluso muy distantes, realizadas por artistas con enfoques totalmente diferentes.

Observamos así que en el mismo contexto y en el mismo plano -que puede ser una exposición, una feria o una publicación como esta- se presenta un conjunto aparentemente heterogéneo de propuestas que oscilan entre lo conceptual, lo abstracto, lo narrativo o lo ilustrativo.

En esta recopilación, que nace de una observación casi objetiva del panorama italiano, se incluyen artistas actualmente presentes en el mercado del arte y en exposiciones a nivel nacional. Es una especie de fotografía de lo que proponen ferias y galerías que apoyan y promueven a los artistas que dibujan, con resultados que se cruzan e irrumpen en diferentes poéticas.

Actualmente el dibujo está pasando por un momento favorable, de ímpetu, tanto a nivel de mercado como de interés general. En las grandes subastas internacionales y ferias del sector como las de París, Nueva York, Ámsterdam, Bruselas, Madrid, Lisboa y últimamente también en Italia (donde Artissima presenta una sección dedicada al dibujo), se detecta un fenómeno en aumento que suscita la curiosidad de instituciones y coleccionistas, incluso de nuevos aficionados que quieren iniciarse en un coleccionismo más refinado.

Una de las razones por las que el coleccionismo se está volviendo a interesar por estas obras, que siempre se consideraron una producción secundaria, es que en el dibujo se puede captar la esencia del artista y acercarse a su idea con una relación más íntima. También en artistas que utilizan esta técnica en la fase preparatoria (escultura, performance, instalación, street art), el dibujo parece más relevante y más funcional al proceso creativo, como unas auténticas bambalinas de la obra final.

Cabe pensar que este interés por el dibujo, por “el arte divino”, pueda ir en aumento, por lo atractivo de la emotividad del papel, que recoge todas las tensiones y las fragilidades del artista, donde no se puede borrar ni retroceder, un soporte casi espiritual que no admite vuelta atrás.

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PANORAMA ITALIANO

ITALIAN PANORAMA

Antonio De Falco Curator

Antonio De Falco Curator

Pochi sono gli ambiti dell’arte che riescono a mettere d’accordo anche i più diversi punti di vista di teorici, artisti ed esperti, di come riesca a fare il disegno. Un medium in cui gli aspetti dell’immediatezza dell’idea, dell’essenzialità e della spontaneità del gesto, sono da parte del settore ampiamente riconosciuti e condivisi.

Nonostante questa omogeneità di pareri, esistono però, nel panorama di proposte, declinazioni ed esempi formalmente molto differenti fra loro. Il mercato dell’arte ingloba e presenta al suo interno opere anche molto distanti, realizzate da artisti con approcci totalmente diversi.

Vediamo così presentarsi nel medesimo contesto e sullo stesso piano, sia esso una mostra, una fiera o una pubblicazione come questa, un insieme apparentemente discontinuo di proposte, che oscillano tra il concettuale, l’astratto, il narrativo o l’illustrativo.

In questa raccolta, che nasce da un’osservazione quasi oggettiva sul panorama italiano, vengono proposti artisti che sono al momento presenti sul mercato dell’arte e negli ambiti fieristici a livello nazionale. Una sorta di fotografia di quello che propongono le fiere e le gallerie che sostengono e promuovono artisti che disegnano, con risultati che attraversano e sconfinano varie poetiche.

Attualmente il disegno sta vivendo un momento favorevole, di slancio, tanto a livello di mercato che di interesse generale.

Few fields of art share with drawing the capacity to have theorists, artists, and experts agree even when their points of view are very diverse. It is a medium in which aspects such as the immediacy of the idea, essentiality, and the spontaneity of the gesture are widely recognised and acknowledged by them all.

Despite this homogeneity of opinions however, the panorama of proposals includes nuances and very different examples from a formal point of view.

The art market contains and presents even very distant works produced by artists with completely different approaches.

It can thus be observed that in the same context and on the same plane (which may be an exhibition, a fair, or a publication such as this) an apparently heterogeneous ensemble of proposals is presented which vary between what is conceptual, abstract, narrative, and illustrative.

This compilation, which has its origin in almost objective observation of the Italian panorama, includes artists which currently have a presence on the art market and in national exhibitions. It is a kind of photography of what fairs and galleries propose to support and promote artists who draw, with results that cross and burst into different poetics.

Drawing is currently enjoying a boom as far as both the market and general interest are concerned.

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At the major international auctions and fairs of the sector such as those of Paris, New York, Amsterdam, Brussels, Madrid, Lisbon, and recently also in Italy (where Artissima is presenting a section devoted to it), a growing phenomenon is perceived which arouses the curiosity of institutions and collectors and even of new enthusiasts who wish to start more refined collecting.

One of the reasons why collectors are beginning to take an interest in these works, which have always been considered secondary productions, is that in drawings one capture the essence of an artist and draw near to his idea in a more intimate relationship. Also in the case of artists who use this technique in their preparatory stages (sculpture, performance art, installations, street art), drawing appears to be a more relevant and more functional part of the creative process in the form of true drop scenes of the final work.

It may be supposed that this interest in drawing, in “divine art”, may increase owing to the attraction of the emotive nature of paper, which reflects all the tension and the fragility of the artist, who can neither erase nor retreat, in an almost spiritual medium which means there is no going back.

Dalle grandi aste internazionali alle fiere di settore come Parigi, New York, Amsterdam, Bruxelles, Madrid, Lisbona ed ultimamente anche in Italia ad Artissima, con una sezione dedicata, si riscontra un fenomeno in crescita, che stuzzica la curiosità di istituzioni e collezionisti, anche nuovi che vogliono intraprendere ed iniziarsi in un collezionismo più raffinato.

Una delle ragioni per cui il collezionismo si sta riavvicinando a queste opere, che sempre sono state considerate una produzione secondaria, è perché nel disegno si può cogliere l’essenza dell’artista, avvicinandosi in una relazione più intima all’idea. Anche in artisti che utilizzano questa tecnica in fase preparatoria (scultura, performance, installazione, street art) il disegno appare più rilevante e più funzionale al processo creativo, un vero e proprio backstage dell’opera finale. È lecito pensare che questo interesse per il disegno, per “l’arte divina”, possa crescere maggiormente, affascinato dall’ emotività della carta, che raccoglie tutte le tensioni e le fragilità dell’artista, dove non si può cancellare ne indietreggiare, un supporto quasi spirituale che non ammette ripensamenti.

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ENTREVISTA: ANDREA LOSAVIO

DIRECTOR DE GALLERIA D406 ARTE CONTEMPORANEA Antonio De Falco Comisario

- ¿Cómo explicas este interés por el dibujo por parte del sector y las ferias especializadas, como Drawing Room, que han ido surgiendo en los últimos años?

Realmente en los últimos años también en Italia entre los profesionales del sector, tanto públicos como privados, y por consiguiente por parte de un tímido nuevo coleccionismo se ha detectado un interés creciente por el dibujo como obra de arte autónoma y completa y no un elemento subalterno y al servicio de formas expresivas consideradas más “elevadas” (sobre todo en términos de valoraciones de mercado...) o de más atractivo. Entre las entidades públicas cabe recordar al Ayuntamiento de Rímini con su valiente Biennale del Disegno, creada gracias a la intuición y el compromiso extraordinario de Massimo Pulini, que fue concejal de cultura, historiador del arte y artista que durante unos años (demasiado pocos) se dedicó a la política. Fue un evento muy exitoso (documentada por exhaustivas y cuidadas publicaciones) desde el año 2014 y en las tres ediciones siguientes, para implicar a toda la ciudad en la valorización de la práctica del dibujo con decenas de exposiciones de calidad, capaces de atraer, en los tres meses de desarrollo, a un público muy numeroso. Recuerdo entre otras, la estupenda exposición de la colección Ramo con el sugerente título “I Marziani, disegno italiano del xx secolo”, organizada en el magnífico Castel Sismondo (presentada y ampliada recientemente en el Palazzo Reale de Milán) y la dedicada a Pino Pascali en el Palazzo Gambalunga con sus dibujos al servicio de la publicidad televisiva (sin embargo, al ser la animación mi pasión más grande, puede que peque de falta de objetividad…). También cabe destacar la sección dedicada al dibujo que desde hace tres años ocupa un espacio central en la acreditada feria Artissima de Turín, así como el nacimiento de la feria WopArt, totalmente dedicada a obras sobre papel, con sede en Lugano, pero italiana tanto por la organización, como por las galerías participantes y el público presente.

- ¿Cómo ha reaccionado el coleccionismo ante este fenómeno?

En el mercado se ha registrado alguna señal alentadora y también nuestra experiencia en WopArt el año pasado fue satisfactoria. Si luego se mira al mercado del dibujo no reconocido como perteneciente al del arte, se observa un fuerte interés, compartido por nuestra galería, por el dibujo ilustrativo y las ilustraciones originales (cómics), con una proliferación de casas de subasta especializadas, algunas de reconocida competencia y calidad en cuanto a propuestas y producción de materiales documentales.

Paradójicamente, aunque desde el punto de vista del volumen global de negocio este mercado parezca todavía muy reducido, la figura del coleccionista resulta notablemente fidelizada, aunque aún siga siendo muy fuerte el desinterés, o incluso la abierta hostilidad, del mundo del arte italiano ante estas formas expresivas de lenguaje menos elitista, propias del dibujo narrativo e ilustrativo, nacido al servicio de la industria editorial.

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Es cierto que en Italia son muy pocas las galerías que se ocupan exclusivamente del dibujo sobre papel, pero esto depende también en gran medida del hecho de que los beneficios de la venta de dibujos son más bajos respecto a pinturas e instalaciones. ¡No se pueden recordar sin sonrojarse los ínfimos precios de subasta alcanzados por dibujos de calidad de célebres artistas italianos del siglo XX, cuyo mercado de gráfica original puede considerarse prácticamente extinguido!

También es cierto que la proliferación incontrolada de casas de subasta, nunca tan numerosas e improvisadas como en los últimos tiempos, está creando enormes dificultades a galeristas y artistas. El dibujo, a menudo en blanco y negro, puede resultar menos espectacular que cierta pintura o fotografía y por consiguiente menos apetecible para un público generalista. Además, a menudo el tamaño pequeño del papel se percibe como detrimento del valor de la obra, reduciendo así el poder de atracción del dibujo para el coleccionista. También la supuesta fragilidad del papel juega en su contra, siendo este un aspecto que hoy en día, con los nuevos materiales y las modernas técnicas de conservación, es más una creencia que una limitación real. Sin embargo, por supuesto esta tendencia no es sólo italiana y voy a poner un ejemplo que me parece muy ilustrativo: si tomamos a tres grandes artistas internacionales en la cumbre en cuanto a reconocimiento y prestigio en el mundo del arte contemporáneo, que practican casi exclusivamente el dibujo y proceden de experiencias muy distintas, como William Kentridge, Robert Longo y Raymond Pettibon, observamos que sus obras sobre papel -reconocidas como obras maestras de su contexto histórico- se cotizan menos respecto a obras sobre lienzo de artistas menos conocidos, mucho más jóvenes y de interés limitado desde un punto de vista histórico, artístico y cultural. Volviendo al caso de Italia, me parece increíble que las escasas y preciosas obras realizadas en ambas caras de la hoja de papel por Carlo Zinelli en los años sesenta (fue magnífica la exposición recién clausurada en la Collection de l’Art Brut de Lausana en la que se expusieron las 99 láminas de la colección) cuesten mucho menos que cualquier pintura de un mediocre artista contemporáneo y más aún ¡que los dibujos de Andrea Pazienza se puedan comprar por poco más de 1.000 euros! En definitiva, a pesar de las contradicciones que tan sólo he apuntado, este renovado interés por el dibujo ofrece hoy excelentes oportunidades para el coleccionista atento y curioso, que no se deja condicionar sólo por las carísimas modas que demasiado a menudo han llevado a una homologación desalentadora en muchas colecciones de arte.

- ¿Existe una auténtica línea divisoria entre dibujo narrativo y el dibujo contemporáneo?

En lo que nos atañe, no existe una división o una jerarquía entre el dibujo considerado elevado y el bajo, es decir entre artistas reconocidos en el mundo del arte, respecto a los que han elegido un lenguaje más popular. La originalidad de la investigación y la calidad del resultado final han sido nuestros objetivos, sin ningún prejuicio acerca de la modalidad expresiva propuesta. El tabú que pesa sobre el dibujo ilustrativo/narrativo no pertenece a nuestra experiencia y francamente nunca lo he entendido...

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INTERVISTA A ANDREA LOSAVIO

INTERVIEWING ANDREA LOSAVIO

DIRETTORE GALLERIA D406

DIRECTOR OF GALLERY D406

Antonio De Falco Curator

Antonio De Falco Curator

-Come spieghi questo interesse per il disegno da parte del settore e delle fiere specializzate, come Drawing Room, emerse negli ultimi anni?

- How do you explain this interest in drawing from the sector and the specialised fairs, such as Drawing Room, which have arisen in recent years?

In effect, in recent years also in Italy among the professionals of the sector, both public and private, and therefore among timid “new” collectors there has been growing interest in drawing as an independent and complete art form and not as a secondary element “at the service” of expressive categories considered more “elevated” (especially in terms of market values...) or having more “pull”. Among the public entities the Rimini Town Council should be acknowledged for its courageous Biennale del Disegno which was created thanks to the intuition and the extraordinary commitment of Massimo Pulini, who was town councillor of culture, an art historian, and an artist who for a few years (too few) was a politician. It was a very successful event documented by exhaustive and meticulous publications and held in 2014 and in the three following editions so as to involve the whole town in the assessment of the practice of drawing with tens of quality exhibitions capable of attracting a large number of visitors in the three months they were open to the public. I remember among others the magnificent exhibition of the Ramo Collection with the evocative title of “The Marcians, 20th-century Italian drawing”

Effettivamente negli ultimi anni anche in Italia si è riscontrato un interesse crescente da parte degli operatori di settore sia pubblici che privati e di conseguenza da parte di un, seppur timido, “nuovo” collezionismo nei confronti del disegno quale autonoma e compiuta opera d’arte e non più dunque un disegno subalterno e a “servizio” di forme espressive ritenute più “alte” (soprattutto dalle stime del mercato...) o di maggior “tendenza”. Fra le Istituzioni Pubbliche ricordo il Comune di Rimini con la sua coraggiosa Biennale del Disegno, nata grazie all’intuito e all’impegno straordinario dell’ex Assessore alla Cultura Massimo Pulini, storico dell’arte e artista per alcuni anni (troppo pochi) prestato alla politica. Tentativo questo riuscitissimo (documentato da esaustive e curate pubblicazioni), dall’anno 2014 e per tre edizioni successive, di coinvolgere l’intera Città nella valorizzazione della pratica del disegno con decine di esposizioni ricche di qualità, capaci di attirare, nei tre mesi di svolgimento, un pubblico molto numeroso. Ricordo davvero fra le tante, la pregevolissima esposizione dalla Collezione Ramo dal suggestivo titolo “I Marziani, disegno italiano del xx secolo”, tenutasi nel magnifico Castel Sismondo (mostra recentemente riproposta, 13

which was organised in the imposing Castel Sismondo (presented and expanded recently at the Palazzo Reale in Milan) and that devoted to Pino Pascali in the Palazzo Gambalunga with his drawings for television advertising (however, as “animation” is my greatest passion I may lack objectivity…). I would also like to stress the section devoted to drawing which has been an important part of the reputable Artissima Fair of Turin and the first edition of the WopArt Fair, entirely devoted to works on paper and based in Lugano, but Italian owing to both the organisation and to the galleries taking part and the visiting public.

con ampiamenti a Palazzo Reale a Milano) e quella dedicata a Pino Pascali a Palazzo Gambalunga con i suoi disegni a servizio della pubblicità televisiva (ma per questa posso non essere del tutto obbiettivo, essendo “l’animazione” la mia passione più grande...). Ed ancora la sezione dedicata al disegno che da tre anni occupa uno spazio centrale all’interno della blasonata Artissima a Torino; la nascita della fiera WopArt interamente “votata” alle opere su carta, con sede a Lugano, ma italiana sia nell’organizzazione, nelle gallerie partecipanti e nel pubblico presente.

- E il collezionismo come a reagito a questo fenomeno?

- How has the world of collecting reacted to this phenomenon?

The market has shown some encouraging signs and our experience last year at WopArt was also satisfactory. Although the market for drawing is not recognised as being part of that of art, a strong interest is being observed (which is shared by our gallery) in illustrative drawing and original illustrations (comics) with a proliferation of specialised auction houses, some of which are of recognised competence and quality as to proposals and the production of documentary materials. It is a paradox that although from the point of view of the overall turnover this market may seem still very limited strong collector loyalty is being shown, even though there is still a notable lack of interest or even hostility on the part of the world of Italian art in these more popular (or rather less elitist) forms of expression of narrative and illustrative drawing born to serve the publishing industry.

Qualche segnale di incoraggiamento è stato effettivamente registrato dal mondo del mercato, e anche la nostra esperienza a WopArt lo scorso anno è stata soddisfacente. Rivolgendo poi uno sguardo verso un mercato del disegno non riconosciuto come appartenente a quello dell’Arte, non si può non rilevare un forte interesse (condiviso peraltro dalla nostra galleria) per il disegno illustrativo e per le tavole originali (fumetti), con il moltiplicarsi di case d’asta dedicate, alcune di queste di comprovata competenza e qualità quanto a proposte e produzione di materiali documentaristici. Paradossalmente, anche se questo mercato dal punto di vista del volume complessivo di affari appare ancora molto contenuto, la figura del collezionista risulta fortemente fidelizzata, ma, è bene sottolinearlo, ancora fortissimo è il disinteresse, se non addirittura l’aperta ostilità del mondo dell’Arte italiana nei confronti di queste forme espressive di linguaggio più popolare (o meglio: meno elitario) proprie del disegno narrativo e illustrativo, nato a servizio dell’editoria.

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It is true that very few galleries in Italy are exclusively devoted to drawing on paper, but this depends also to a large extent on the fact that the profits from the sale of drawings are much lower compared with paintings and installations. One cannot but blush on recalling the knockdown prices fetched at auction by quality drawings by famous 20th-century Italian artists, the market for original graphic designs of which can be considered to be practically defunct! It is also true that the uncontrolled proliferation of auction houses, which have never been as numerous and as hastily set up as in recent years, is making life extremely difficult for both gallery owners and artists. Drawings, which are often in black and white, may be less spectacular than certain paintings or photographs and therefore less attractive to the general public. Moreover, often the small size of the paper is perceived as having a negative effect on the price of a work which thus makes drawings of lesser interest to the collector. The alleged fragility of paper also works against it, but nowadays with new materials and modern preservation techniques this is more a belief than an actual limitation.

Naturally this trend is not confined to Italy and I would like to give an example that seems to me to be highly revealing: if we take three major international artists who are highly prestigious in the world of contemporary art and who (almost) exclusively produce drawings and whose experiences are very different, such as William Kentridge, Robert Longo, and Raymond Pettibon, it can be observed that their works on paper (which are recognised as masterpieces in their historical context) command much lower prices than works on canvas by less well

Certo le gallerie che si occupano esclusivamente di disegno su carta in Italia sono pochissime, ma questo dipende anche in larga misura dal fatto che i profitti dati dalla vendita di disegni sono molto inferiori rispetto a pitture e installazioni: come non ricordare, senza imbarazzo, gli infimi prezzi d’asta subiti da carte di qualità di notissimi artisti italiani del 900, di cui il mercato della grafica originale può ritenersi pressoché estinto! (E certamente il proliferare incontrollato di case d’asta, mai così numerose e improvvisate come negli ultimi tempi, sta creando enormi difficoltà a galleristi e artisti). Il disegno, spesso in bianco e nero, può risultare meno “spettacolare” di certa pittura o fotografia e dunque meno appetibile per un pubblico generalista. E poi ancora la dimensione della carta spesso contenuta viene percepita come riduttiva del valore dell’opera, così esaurendosi il potere attrattivo del disegno sul collezionista.

Anche la ritenuta fragilità della carta gioca a suo sfavore. Aspetto questo che oggi, con i nuovi materiali e con le moderne tecniche conservative, risulta essere più una suggestione che un limite reale.

Ma questa tendenza non è ovviamente soltanto italiana, faccio un esempio che credo molto esplicativo: se consideriamo tre grandissimi artisti internazionali ai vertici quanto a riconoscimento e apprezzamento nel mondo dell’arte contemporanea che praticano (quasi) esclusivamente il disegno, provenienti da esperienze molto diverse, quali William Kentridge, Robert Longo e Raymond Pettibon, ebbene le loro quotazioni massime per opere su carta riconosciute capolavori storicizzati, risultano decisamente inferiori rispetto ad opere su tela di artisti meno noti, molto più giovani 15

e di limitato interesse da un punto di vista storico/artistico e culturale. Oppure, ritornando all’Italia, trovo incredibile che le (poche sul mercato) magnifiche carte recto e verso degli anni Sessanta di Carlo Zinelli (bellissima la mostra appena conclusa presso la Collection de l’Art Brut di Losanna che ha visto esposte tutte e 99 le carte della collezione) costino molto meno di una qualsiasi pittura di un mediocre artista contemporaneo.

E, forzando ancora di più la mano, che disegni di Andrea Pazienza siano acquistabili per poco più di 1000 euro!

Insomma, pur con le contraddizioni di cui ho solo accennato, questo rinnovato interesse per il disegno offre oggi ottime opportunità per il collezionista attento e curioso, capace di non farsi condizionare solo dalle (costosissime) mode che troppo spesso hanno portato ad una sconfortante omologazione in molte collezioni d’arte.

known artists who are much younger and of limited interest from a historical, artistic, and cultural perspective. To return to the case of Italy, I find it incredible that the scarce and precious works produced on both sides of sheets of paper by Carlo Zinelli in the 1960s (the recent exhibition at the Collection de l’Art Brut of Lausanne of the 99 sheets of the collection was magnificent) are worth much less than any painting by a mediocre contemporary artist, and even more so that the drawings of Andrea Pazienza can be acquired for little over 1000 euros! In short, despite the contradictions I have pointed out, the renewed interest in drawing today offers excellent opportunities for the watchful and curious collector who does not allow himself to be conditioned merely by the (extremely expensive) fashions which too often have led to discouraging levelling in many art collections.

-Esiste un vero confine fra disegno narrativo e il disegno contemporaneo?

- Is there a true dividing line between narrative drawing and contemporary drawing?

As far as we are concerned there is no division between or hierarchy of drawing which is considered to be “elevated” and “low”, in other words among artists recognised in the world of art regarding those who have chosen a more “popular” language. The originality of the research and the quality of the final result have been our objectives with no prejudice as to the expressive category proposed. The taboo attached to illustrative/narrative drawing is not part of our experience and frankly I have never understood it...

Mah, per quanto ci riguarda non esiste un confine o una gerarchica fra disegno considerato “alto” e quello “basso”, ovverosia fra artisti riconosciuti nel Mondo dell’Arte, rispetto a quelli che hanno scelto un linguaggio più “popolare”. L’originalità della ricerca e la qualità del risultato finale sono stati i nostri obbiettivi, senza alcun pregiudizio sulla modalità espressiva proposta. Il tabù che grava sul disegno illustrativo/ narrativo, non appartiene alla nostra esperienza e francamente non l’ho mai capito...

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DIBUJOS NARRADOS PARA UNA OBRA Francesca Holsenn Comisaria

Si el dibujo es la primera realización gráfica de una idea ¿qué ocurre entre la visión mental de esa idea y su primera realización gráfica? Sin embargo, creo que también se le puede dar la vuelta a la pregunta. ¿Qué pasa cuando el trazo recién realizado empieza a comunicar por sí mismo con el cerebro a través de la mirada y lo va influenciando? Ilusionismo, magia, representación, intercambio instantáneo, reacción vertiginosa. ¿Qué es más rápido? El dibujo es la mediación entre pensamiento y obra, es el lenguaje-máquina, el nivel cero de la expresión, simple y complejo por su propia naturaleza, para expresar algo que todavía no existe o, mejor dicho, que todavía se oculta, primordial y misterioso, es la materialización de algo latente que se revela, que se descubre y desvela. Sirve para comunicar, para autoconvencerse de la posibilidad de realizar un concepto artístico que tomará vida en esta realidad.

Si la obra es el pensamiento puesto en práctica, el dibujo es su análisis. A través del dibujo la universalidad de la idea se disecciona y anatomiza, se psicoanaliza, y es quizás la vía para volver a esa universalidad sólo concebida y vista por la mente, cuando la obra va a conquistar su espacio en la realidad de las cosas.

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DISEGNI NARRATI PER UN’OPERA

NARRATED DRAWINGS FOR A WORK

Francesca Holsenn Curator

Francesca Holsenn Curator

Se il disegno è la primogenita realizzazione grafica di un’idea, che cosa accade tra la visione mentale di quell’idea e la sua primogenita realizzazione grafica? Ma la domanda vale anche al contrario, credo. Cosa accade quando il tratto appena fatto comincia lui stesso a comunicare con il cervello attraverso la visione e lo influenza in itinere?

Illusionismo, magia, rappresentazione, scambio istantaneo, reazione a tempo zero. Chi è più veloce? Il disegno è la mediazione tra pensiero e opera, il linguaggio macchina, il livello zero dell’espressione, semplice e complesso per sua natura, per esprimere qualcosa che ancora non esiste, o meglio, che ancora si nasconde, primordiale e misterioso, è la messa in atto di una latenza, che si rivela, che viene scoperta e svelata. Serve per comunicare, per auto-convincersi della realizzabilità di un concetto artistico che prenderà vita in questa realtà. Se l’opera è il pensiero messo in atto, il disegno è la sua analisi.

L’universalità dell’idea, attraverso il disegno viene sezionata e anatomizzata, psicanalizzata, ed è forse la strada per tornare a quell’universalità soltanto pensata, vista dalla mente, quando l’opera conquisterà il suo spazio nella realtà delle cose.

If drawing is the first graphic reflection of an idea, what happens between the mental vision of this idea and its first graphic production? However, I believe that the question can be looked at from the opposite perspective. What happens when the stroke which has just been executed begins to communicate with the brain of its own accord through its viewing and influences it? Illusions, magic, representation, instantaneous exchange, dizzy reaction. Which is the fastest?

Drawing is mediation between thought and work, the language-machine, the level zero of expression, simple and complex by its very nature, so as to express something that does not yet exist or rather that is still concealed, primordial and mysterious, the materialisation of something latent which is revealed, discovered and unveiled.

It serves to communicate, to convince oneself of the possibility of executing an artistic concept which will come to life in this reality. If work is thought put into practice, drawing is its analysis.

Through drawing the universality of the idea is dissected, anatomised, and psychoanalysed, and is perhaps the way of returning to that universality which is only conceived and seen by the mind, when the work will conquer its space among the reality of things.

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LA COLECCIÓN DE DIBUJO CONTEMPORÁNEO DE LA ACCADEMIA NAZIONALE DI SAN LUCA* Francesco Moschini Francesco Moschini, comisario y secretario general Accademia San Luca

La iniciativa se puso en marcha en 2007 con el propósito de destacar la apertura de la Accademia al dibujo contemporáneo de artistas, escultores y arquitectos. Dentro de sus amplias colecciones históricas se cuentan, entre otras obras, dibujos de figuras humanas y de arquitectura, realizados a partir de finales del siglo XVI. Se llegó así a la creación de un nuevo fondo dedicado a este momento expresivo específico en la creatividad contemporánea.

La elección de privilegiar el dibujo como momento creativo importante de los artistas y arquitectos contemporáneos es una referencia explícita al significado profundo del dibujo como momento crucial de cada disciplina figurativa, cuando el diálogo con la materia y las ideas es más libre y directo, con una identidad más marcada. La fuerza didácticamente propositiva y moderna del relanzamiento de la gran tradición de la Accademia di San Luca, que en sus inicios fue academia de dibujo, reside precisamente en el dibujo como sujeto que identifica el arte en su desarrollo, antes y más allá de cualquier juicio histórico-crítico habitual.

Con esta iniciativa, la Accademia desea presentarse en su propia dimensión de proyecto: el dibujo como promesa de una arquitectura, de una obra que llegará, una especie de gran obra que va a ver la luz, encerrada en este trabajo sobre el signo, el dibujo y la pintura. No es casualidad que todos los autores de alguna manera realicen esta operación de confluencia y mirada cruzada, contaminación entre pintura, escultura y arquitectura, aún manteniendo la estrecha disciplina de las artes.

En lo que respecta a la arquitectura, el elemento unitario es la relación con la historia. En cambio, para los pintores el elemento fundamental puede ser la superficie pictórica: desde Lucio Fontana en adelante, el intento es investigar el espesor, incluso atravesando el lienzo, para mostrar lo que hay más allá de la mera piel, el sentido de un signo que busca, corroe, estimula y hace aflorar una especie de arqueología del presente.

También es así para la escultura: piénsese en la relación entre el proyecto y las obras de gran tamaño, como las de carácter urbano que sirven de foco en los grandes espacios públicos donde se colocan.

Extracto de la entrevista Sat2000TV, Abril 2009 *Las obras donadas están recogidas en el catálogo a cargo de Francesco Moschini Per una Collezione del Disegno Contemporaneo, De Luca Editori d’Arte, Roma 2008.

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LA COLLEZIONE DEL DISEGNO CONTEMPORANEO DELL’ACCADEMIA NAZIONALE DI SAN LUCA (ROMA)*

THE COLLECTION OF CONTEMPORARY DRAWING OF THE NATIONAL ACADEMY OF SAN LUCA (ROME)*

Francesco Moschini Curatore e segretario generale

Francesco Moschini Curator and general secretary

L’iniziativa, avviata nel 2007 con l’intento di sottolineare l’apertura dell’Accademia nei confronti del disegno contemporaneo di artisti, scultori e architetti, ha portato alla costituzione di un nuovo “fondo” all’interno delle già ampie collezioni storiche dell’Accademia (che contano, tra le altre opere, disegni di figura e di architettura, realizzati a partire dalla fine del Cinquecento) dedicato specificatamente a questo particolare momento espressivo della creatività contemporanea.

La scelta di privilegiare il disegno come importante momento creativo dei singoli artisti e architetti contemporanei ha voluto essere un esplicito richiamo al significato profondo del disegno come momento cruciale di ogni disciplina figurativa, quando il confronto con la materia e con le idee è più libero, più diretto, di più marcata identità. Proprio nell’essere fortissimo soggetto identitario del farsi dell’arte, prima e al di qua di ogni usuale giudizio storico-critico, sta la forza didatticamente propositiva e provocatoriamente moderna del rilancio della grande tradizione dell’Accademia di San Luca che fu, ai suoi inizi, Accademia del Disegno.

L’Accademia, con questa iniziativa, intende presentarsi nella propria dimensione progettuale. Il disegno come promessa di una architettura, come promessa di un’opera avvenire. Una sorta di grande opera in luce, sottesa da questo lavoro sul segno, sul disegno e sulla pittura.

This initiative was set in motion in 2007 with the aim of highlighting the opening of the Academy to contemporary drawing by artists, sculptors, and architects. Within the extensive historical collections of the Academy (which include among other works drawings of human figures and architecture dating back to the late 16th century) a new section was thus created devoted to this specific expressive moment of contemporary creativity.

The decision to encourage drawing as an important creative form for contemporary artists and architects is an explicit reference to the deep significance of drawing as a crucial part of each figurative discipline in which the dialogue with the matter is freer and more direct and has a more marked identity. The didactically proactive and modern force of the relaunching of the great tradition of the Academy of San Luca, which was initially an Academy of Drawing, lies precisely in drawing as a subject which identifies art in its development before and beyond any habitual historical-critical judgement.

With this initiative the Academy wishes to introduce itself in its own project dimension: drawing as the promise of an architecture, of a work to come, a kind of great work which will see the light, enclosed in this task on signs, drawings, and paintings. It is not by chance that all artists in some way carry out this 20

Non è un caso che tutti gli autori in qualche modo facciano questa operazione di attraversamento, di sguardo incrociato, di contaminazione fra pittura, scultura e architettura, pur mantenendo la stretta disciplinarità delle arti.

Per quanto riguarda l’architettura l’elemento di unitarietà è il rapporto con la storia. Invece per i pittori l’elemento fondativo può essere la superficie pittorica, il tentativo da Lucio Fontana in poi è quello di indagare lo spessore, di attraversare addirittura la tela, dii fare vedere quello che c’è oltre la pura epidermide, il senso di un segno che indaga, che corrode, che sollecita e fa riaffiorare una sorta di archeologia del presente.

Così è anche per la scultura, basti pensare al rapporto fra il progetto e le opere realizzate in grande, come opere a carattere urbanistico che fanno da fuoco urbano nei grandi spazi pubblici dove sono state collocate.

operation of confluence and crossed glances, of contamination between painting, sculpture, and architecture, albeit maintaining the narrow discipline of the arts.

As far as architecture is concerned, the unitary element is its relationship with history. In contrast, for painters the essential element may be the pictorial surface: from Lucio Fontana onwards the idea has been to investigate thickness, even going through the canvas, to show what there is beyond the skin, the sense of a sign which seeks, corrodes, stimulates and brings out a kind of archaeology of the present.

This is also the case of sculpture: think of the relationship between the project and large-scale works, such as urban creations which serve as a focus in the open public spaces where they are erected.

Estratto da intervista Sat2000TV. Aprile 2009

An extract from interview Sat2000TV. April 2009

*Le opere donate sono raccolte nel catalogo curato da

*The works are included in the catalogue by Francesco Moschini Per una Collezione del Disegno Contemporaneo, De Luca Editori d’Arte, Rome 2008.

Francesco Moschini Per una Collezione del Disegno Contemporaneo, De Luca Editori d’Arte, Roma 2008.

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Galerías colaboradoras Gallerie che collaborano

Collaborating galleries Cellar Contemporary D406 Arte Contemporanea Galleria Anna Marra Galleria de’Foscherari Galleria Enrico Astuni Officine dell’Immagine Prometeogallery di Ida Pisani Shazar Gallery Traffic Gallery

2501 DANIELA ALFARANO ELVIO CHIRICOZZI ERICAILCANE FABRIZIO COTOGNINI GIULIA DALL’OLIO ROCCO DUBBINI TAMARA FERIOLI ALDO GIANNOTTI FAUSTO GILBERTI GILBERTO GIOVAGNOLI EVA MARISALDI LAURINA PAPERINA STEFANO RICCI MICHELANGELO SETOLA NICOLA TOFFOLINI

2501 1981 Lives and works in Milan, Italy

Moto circolare Scansione lineare, 2018 Monotype on paper 160x160 cm.

La Macchina, 2016 Installation. Variable measures

Courtesy Galleria D406

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DANIELA ALFARANO 1976 Lives and works in Modena and Milan, Italy

Un giorno raccoglierò le mie piume e volerò via series, 2016/2019 Graphite on paper, variable measures

The End series, 2010 Graphite on paper, 21x13 cm. each

Courtesy of the artist

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ELVIO CHIRICOZZI 1965 Lives and works in Rome, Italy

Si aprĂŹ e poi si chiuse, 2017 Pencil on canvas, 200x200 cm.

Nuvole sole, 2018 Pencil on canvas, 200x200 cm.

Nuvole sole, 2013 Pencil on wood, 120x120 cm.

Courtesy Galleria Anna Marra

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ERICAILCANE 1980 Lives and works in Sardegna, Italy

La scimmia, 2011 Mural in Rome, 25x10 m.

Cavalieri dell’Apocalisse 2, 2008 Mixed media on paper, 35x25 cm.

Serie Assassini, Il Boia, 2006 Mixed media on paper, 35x25 cm.

Courtesy Galleria D406

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FABRIZIO COTOGNINI 1983 Lives and works in Macerata, Italy

For everything there is a fixed time, and a time for every businnes under the sun, 2017 Red pencil, biacca, ink and mylar on an original 18th century print, 50x35 cm.

Courtesy of the artist and Prometeogallery of Ida Pisani

No monster’s land, 2018 Biacca and 24 k gold leaf on black french paper, 50x35 cm.

Courtesy of Bruno ed Ilenia Paneghini

Darwin, 2019 Biacca, pantone, ink and mylar an original 18th century print, 85x65 cm Courtesy of Bruno ed Ilenia Paneghini

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GIULIA DALL’OLIO 1983 Lives and works in Bologna, Italy

g 19][145 d, 2019 Charcoal and pastel on paper, 40x30 cm.

Courtesy Traffic Gallery

g 19][165 d, 2019 Charcoal on board, 40x40 cm.

Courtesy Galleria Studio G7

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ROCCO DUBBINI 1969 Lives and works in Ancona, Italy

Gli occiali che sapevano vedere... Pasolini series, 2013 Pencil on paper 70x100 cm.

Quando il gioco si è fermato... Pasolini series, 2019 Pencil on paper 120x170 cm.

Courtesy Rocco Dubbini and Shazar Gallery

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TAMARA FERIOLI 1982 Currently lives and works in Milan, Italy

Self-sufficiency, 2018 Pencils and hair on tissue paper and canvas,100x150 cm.

Volcano’s lullaby, 2018 Pencils and hair on tissue paper and canvas, 190x200 cm.

Invisible mending, 2018 Pencils and hair on tissue paper and canvas, 100x120 cm.

Courtesy Officine dell’Immagine

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ALDO GIANNOTTI 1977 Lives and works in Vienna, Austria

Two different Buildings. Building on buildings series, 2017 Mural, enamel on the wall, Vienna

Retractile building, Godspeed you! series, 2017 Marker on paper, 29,5Ă—21cm.

Roof Slope, Godspeed you! series, 2017 Marker on paper, 29,5Ă—21cm.

Courtesy of the artist

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FAUSTO GILBERTI 1970 Lives and works in Brescia, Italy

Thursday radiations, 2012 Indian ink on paper, 250x140 cm.

No camping, 2009 Pencil on paper, 33x48 cm.

Courtesy Galleria D406

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GILBERTO GIOVAGNOLI 1954 Lives and works in San Marino

100 Ritratti Di Antonin Artaud, 1999 Mixed media on paper, 297x215 cm.

Collezione privata, Rivabella, Rimini

Porno series, 2003 Mixed media on paper, 29,7x21 cm.

Porno series, 2002 Mixed media on paper, 29,7x21 cm.

Courtesy of the artist

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EVA MARISALDI 1966 Lives and works in Bologna, Italy

Surround (Pappagallo) Series of 22 photocopies of drawings, A4 and original transparencies, variable dimensions

Surround (Disegni Generati dal Suono) Series of 29 A4 prints, and original digital files, variable dimensions

Courtesy Galleria de’Foscherari

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LAURINA PAPERINA 1980 Lives between Italy and Duckland, a small town in the Universe

27 Club, 2016 Mixed media on paper, 40x29,7 cm.

Bang, 2015 Mixed media on 147 Post-it notes, 73x220 cm. aprox.

Courtesy Cellar Contemporary

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STEFANO RICCI 1966 Lives and works in Hamburg, Germany

Lettera D con Ericailcane. Zoologia Politica series, 2018 Mixed media on paper, 110x80 cm.

Senza titolo, 2019 Mixed media on paper, 21x29,5 cm.

Courtesy of the artist

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MICHELANGELO SETOLA 1980 Lives and works in Bologna, Italy

Gli sprecati, 2019 Mixed media on paper, 40x30 cm.

Battaglia fra trichechi, 2015 Mixed media on Lucida transparent paper, 70x100 cm.

Courtesy of the artist

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NICOLA TOFFOLINI 1975 Lives and works in Firenze, Italy

Sezione A#01, 2017 Pen on paper, 250x150 cm.

Raffica e Albero, 2018 Pen on paper, 60x120 cm.

Courtesy Galleria D406

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Agradecimentos Ringraziamenti

Thanks Bruno e Ilenia Paneghini Gianluca La Bruna Giorgio Porcheddu Studio G7 Valentina Bellocchio

Papeleo. Cuadernos Drawing Room Dirección / Director Mónica Álvarez Careaga Contacto / Contact Distribución y Publicidad / Distribution and Advertising Sales info@drawingroom.es +34 942 375 568 www.drawingroom.es Publica / Publish Exhibit Art Management SL Tres de noviembre 10, bajo 39010 Santander. España +34 942 375 568

Papeleo 4. Panorama italiano Coordinación / Coordination Antonio De Falco Textos / Texts Antonio De Falco Andrea Losavio Francesca Holsenn Francesco Moschini Fotografías / Photographs © Los autores / The authors Partners institucionales / Institutional Partners Accademia S.Luca Roma OGR Torino

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