Portafolio_Historia del arte_Diaz Zevallos, Ariana_2022-1

PORTAFOLIO

ARIANA XIMENA DIAZ ZEVALLOS 20210875

325

Profesor: Amada Núñez Noriega

HISTORIA DEL ARTE

Facultad de Ingeniería y Arquitectura

Carrera de Arquitectura - Área de Historia y Teoría de la Arquitectura Ciclo 2022-1

LEYENDA: CRITERIOS RIBA

CG2 Conocimiento adecuado de las historias y teorías de la arquitectura y las artes tecnológicas y ciencias humanas.

CG3 Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico.

TABLA DE CONTENIDOS

EC1-1

EC1-4

Arte Romano:

Arte Rupestre:

Análisis de Obras arquitectónicas o Monumentos conmemorativos

Comentario y Reflexión a través del dibujo

CG2

PÁG. 06 - 09

EC1-2

CG2 – CG3

EC1-5

Arte Mesopotámico:

Arte Bizantino:

Comentarios y Reflexión del Poema de Gilgamesh

Análisis de la Basílica de Santa Sofía

CG2

PÁG. 10 - 13

EC1-3

CG2 – CG3

PÁG. 26-35

EC2-6

Arte Egipcio:

Arte Gótico:

Análisis del Templo de Khonsu y Pintura mural en la tumba de Khnumhotep

CG2 – CG3

PÁG. 18 -25

Análisis comparativo entres dos obras pictóricas

PÁG. 14 - 17

CG2 – CG3

PÁG. 36 - 43

4

EC2-7 Arte Renacentista Análisis de obras a través del Comic

CG2 – CG3

PÁG. 44 - 49

EC2-8 Arte Barroco Comentarios y Reflexión del Poema de Gilgamesh

CG2 – CG3

PÁG. 50 - 57

EC2-9 La imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte: Análisis general y comparativo de 10 obras pictóricas y/o escultóricas

CG2 – CG3

PÁG. 58 - 98

5

EC1-1 Arte rupestre Comentario y Reflexión a través del dibujo

CG2

El encargo de esta actividad consistía en realizar una pintura rupestre, esta tenia que representar como es que veíamos nuestro propia realidad. Esta debía ser 2D y el estilo para hacerla era libre por lo que yo opte por hacer algo más minimalista de lo que normalmente dibujo, asimismo, lo hice de manera digital para facilitarme la tarea de luego pasarlo formato de entrega. Este formato era una hoja A4 y el dibujo debía tener unas medidas de 16 x 16cm En la composición debían presentarse los elementos que consideráramos los más resaltantes en nuestro día a día, asimismo, se podía presentar una jerarquía entre ellos dependiendo de la importancia que cada uno de estos elementos presentase. Además en la parte inferior del dibujo se debían presentar datos como: el nombre del autor, el titulo de la obra y la fecha.

Para luego realizar un párrafo donde se explicara lo que buscaba representar mediante mi mural, en este también teníamos que hablar sobre las similitudes y diferencias de mi pintura rupestre y las originales, y si es que este tipo de arte sigue siendo relevante a día de hoy.

6

EC1-1 Arte rupestre

Nombre: Ariana Ximena Diaz Zevallos Título de la obra: Mi felicidad Fecha: 2022 d.C. Mi pintura rupestre fue hecha en un estilo más minimalista y no tan detallado para seguir el estilo de las pinturas mostradas durante la clase, asimismo, se buscó exponer mediante una composición los elementos que más considero que me representan como personas, las cosas que disfruto hacer, mis hobbys y la gente que aprecio.

EC1-1 Arte rupestre

En primer lugar, se puede presenciar como aparezco disfrazada del

principito, ya que, además de que uno de mis hobbys más resaltantes es leer, considero que el principito es un libro que me marco de pequeña y aún lo sigue haciendo hasta el día de hoy, a mi lado se puede observar una chica, la cual, es mi mejor amiga Miranda y mi perrita Tammy, ambas son muy importantes para mí, disfruto mucho su compañía, siempre me hacen reír y pasar un buen rato. En el fondo se puede observar una construcción, esta busca representar mi amor por la arquitectura de estilo gótico.

También se pueden apreciar estrellas posiciones como si fueran notas musicales en una partitura, esto se debe ya que considero que la música es

algo que puede representar a una persona o expresar los sentimientos de la misma, además, las estrellas no solo representan mi color favorito que es el amarillo, si no, que también representan mis expectativas y metas, aunque parezcan lejanas y difíciles de tocar siguen ahí y me motivan para seguir adelante.

La relación que encuentro con mi mural y con las pinturas rupestres antiguas es que ambas buscan representar la vida, conocimientos o sentimientos de la persona que los dibujo. Las semejanzas son que mi mural

busca representar a la persona que lo pinto de alguna forma o expresar algo, asimismo, dejar un tipo de huella de la existencia de esta para que otros puedan apreciarlo.

8

EC1-1 Arte rupestre

Mientras que las diferencias presenciadas entre mi mural y el arte rupestre es que los contenidos son diferentes debido al contexto en el que cada uno se encuentra, nuestra cosmovisión, la forma en que vemos el mundo, es diferente, además, el contenido que estas últimas buscaban comunicar eran de un carácter más explícito y eran echas con los materiales que tenían a la

mano como rocas o pigmentos pulverizados, no como ahora que se pueden utilizar diversos estilos, pinturas, oleos, acuarelas o hasta pueden hacerse de manera digital.

Finalmente, considero que este tipo de expresión sigue siendo relevantes, aunque no sea tan literal como pintar un mural, a día de hoy se usan las redes sociales para mostrar el estilo de vida que llevamos, las cosas que nos gustan, las cosas que nos representan como personas a nosotros y a las personas más cercanas que nos rodean.

A mi parecer fue una actividad divertida de realizar y aún más como primer ejercicio, ya que era una forma en la que podíamos demostrar que era lo que nos gustaba hacer y que era imperante para nosotros en nuestra vida, asimismo, hacia más interesante y fácil de recordar lo aprendido en esa clase, debido a que, lo estábamos relacionando con cosas de nuestra vida.

9

EC1-2 Arte Mesopotámico Comentarios y Reflexión del Poema de Gilgamesh

CG2

Este trabajo fue el primer encargo grupal que tuvimos que realizar, hice grupo con Paola Guerra y Guadalupe Ponce, ya que, son personas que conocía con anterioridad y eso me cercioraba de que iban a trabajar.

En cuanto a la actividad, se nos pidió que leyéramos 2 libros referenciales en el aula virtual, esto nos permitiría tener la información adecuada para comentar y reflexionar sobre el tema indicado, que en este caso fue el poema de Gilgamesh. Este poema hablaba de como Gilgamesh, el rey de Uruk, luego de perder a su amigo Enkidu, emprendió un viaje en busca de la inmortalidad hasta los confines del mundo.

Luego de investigar sobre el poema tuvimos que resolver unas preguntas, las cuales, buscaban que analizáramos el poema, que nos preguntáramos que buscaba Gilgamesh, donde se desarrolló toda la trama, que enseñanzas conseguíamos de la historia, y porque esta siguió influenciando tantas culturas y trascendió tantos siglos.

A la hora de realizar el trabajo no se nos presentó ninguna problemática, debido a que, todas trabajamos como equipo, realizamos a tiempo lo acordado y nos ayudamos entre si cuando se presentaba alguna duda sobre el tema.

EC1-2 Arte Mesopotámico

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 2

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

Poema de Gilgamesh 1. ¿Qué busca Gilgamesh en este poema?

Debido a la pérdida de su amigo Enkidu, Gilgamesh emprendió un viaje en busca de la gloria e inmortalidad, esta última llevándolo hasta los confines del mundo en busca del sabio Utnapishtim, rey de la antigua ciudad Shuruppak y últimos sobreviviente del diluvio junto a su mujer. La muerte de Enkidu, fue a causa de una enfermedad enviada por Anu, que tuvo que sobrellevar durante doce días, ya que a diferencia de Gilgamesh, él era un simple mortal.

2. ¿Dónde se desarrolla?

La saga o epopeya de Gilgamesh se desarrolló en la ciudad de Uruk, que estaba rodeada de la civilizaciones de palestina, Anatolia, próximo a oriente y la llanura mesopotámica, ya que este era el rey de esta ciudad.

3. ¿Qué enseñanzas sacamos del poema?

El poema nos muestra diferentes sentimientos, por ejemplo la amistad, el duelo y sufrimiento por parte de Gilgamesh, ya que este había sufrido la pérdida de su mejor amigo Enkidu, por lo que nos enseña a sobrellevar el duelo de algún ser querido para nosotros; asimismo, nos adiestra valores

EC1-2 Arte Mesopotámico

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 2

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

como la fidelidad, fortaleza, el amor, la gloria. Nos enseña que es algo humano el tenerle miedo o rechazar la muerte. Habla de cómo a lo largo de la historia, Gilgamesh deja de buscar el secreto de la inmortalidad.

4. Por qué piensan que ha trascendido tantos siglos y ha influenciado a tantas culturas?

Debido a que llegó a un punto en el que se convirtió en un conjunto de creencias que con el tiempo se fue adaptando a diversas culturas,

generando así diferentes versiones de estas narraciones. Su impacto se puede observar en diferentes narraciones literarias, como los poemas homéricos, y los textos religiosos hebreos. La idea de que Enkidu y Gilgamesh representaban dos partes de la sociedad paleobabilónica, los dos personajes principales fueron diseñados tipificando los polos extremos del contraste cultural que se vivía en mesopotamia en los primeros milenios representaba la barbarie y la civilización, ya que la civilización no surgió de modo súbito, sino, evolucionó gradualmente a lo largo de la vida.

EC1-2 Arte Mesopotámico

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 2

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

REFERENCIAS Anónimo (2020) Gilgamesh.

Lara Peinado, Federico (2008). Poema de Gilgamesh: un viaje fallido a la inmortalidad. Bitarte. Revista Cuatrimestral de Humanidades. Año 15, No 45. Donostia. España

EC1-3 Arte Egipcio Análisis del Templo de Khonsu y Pintura mural en la tumba de Khnumhotep

CG2 – CG3

En esta ocasión se nos encargó hacer un análisis del templo de Khonsu y la pintura mural de la tumba de Khnumhotep.

A la hora de realizar la actividad comencé por el templo de Khnosu, en el cual se nos pidió que recopiláramos información tanto de porque fue construido, que representaba, las dimensiones que este presentaba, la distribución de sus espacios, etc. Asimismo, tuvimos que realizar dibujos arquitectónicos donde se pudieran observar los espacios y características de la construcción. Por lo que, yo realice una planta y un corte perspectivado, en los cuales, señale lo explicado en el texto para facilitar su entendimiento. Luego, analicé la pintura mural en la tumba de Khnumhotep y hable sobre el contexto en el que este se pinto, sobre el arte egipcio y como es que estos realizaban este tipo de pinturas, mas no expliqué lo que estaba sucediendo en la pintura.

EC1-3 Arte Egipcio

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 3

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

Ejercicio 3_Arte Egipcio El templo de Jonsu o Khonsu está ubicado en el conjunto religiosos de Karnak, este presenta una longitud de 70m y una anchura de 30m. Se comenzó a construir en la época de Ramsés III y es considerada una de las obras más características de su arquitectura. En la planta del templo se puede apreciar cómo es que el templo

cuenta

con

una

avenida bordeada de esfinges, una entrada demarcada por dos pilonos, un patio hipero (lugar

público),

una

sala

hipóstila (lugar para iniciados) y una sala de barca divina.

Asimismo, en la isometría del templo se pueden observar que la edificación está hecha de piedra; sus muros son gruesos con declive en la parte exterior y es vertical en el interior, estos delimitan el recinto y lo aíslan; las columnas se presentan con abundancia, ya que, son usadas como soporte del templo, son grandes y presentan forma fitomórfica, además, están ubicadas una cerca de la otra debido al gran peso de las cubiertas; estas últimas están formadas por losas de piedra y tienen una forma rectangular.

EC1-3 Arte Egipcio

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 3

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

Los elementos decorativos de la construcción son esculturas de bulto redondo, bajorrelieves en pilonos, fustes en las columnas, etc. Asimismo, las pinturas en este tienen una gran importancia en la composición, estas

presentan un carácter vegetal estilizado o figurativo, eran utilizadas con temática religiosa o exaltación monárquica.

El orden de la composición es ortogonal y presenta una circulación lineal; su luminosidad es poco abundante, ya que esta pasa por las aberturas situadas en la parte superior de los muros, rejas de piedra o lucernarios estrechos.

Finalmente, quiero resaltar que estoy en desacuerdo con la ide de Worringer en la que afirmaba que la construcción llegara a crear espacios expresivos. A mi parecer todo espacio o construcción buscar dar un tipo de sensación o expresar algo, y asea para los usuarios que lo van a utilizar o

para la persona que lo construyó, por lo que, considero que el templo si busca expresar una idea y esa era la cosmovisión que tenían los egipcios sobre la vida, la cual, era que ellos debían caminar por el estrecho camino de la vida hasta llegar al más allá, sin olvidar el carácter sagrado que este templo presentaba, puesto que, para las egipcios era realmente importante

la representación religiosa en sus construcciones.

2. Los pintores egipcios poseían una forma distinta de representar la vida real completamente distinto al de ahora, para ellos no era importante la belleza, si no, la perfección. Su misión era representar de manera más clara y perpetua posible.

EC1-3 Arte Egipcio

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 3

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

Por esa razón, la cabeza de las personas era

dibujadas de perfil, ya que se consideraba que de esta manera se presenciaba de mejor manera; además, los ojos debían ser dibujados frontalmente, el torso superior debía dibujarse de frente mientras que los brazos y piernas de manera lateral, y ambos pies

eran

izquierdos;

lo

cual

puede

observarse en la imagen.

Asimismo, la relevancia del usuario era importante a la hora de retratarlos, ya que, según la importancia de este se le podía retratar de menor o mayor tamaño. Como se observa en la imagen hay dos hombres de mayor tamaño comparado con los otros, lo cual, representa su mayor importancia frente a los otros que pueden ser sus criados, sus hijos o su mujer. Además, la mujer era pintada de un color más claro comparada con los hombres.

REFERENCIAS Gombrich, E.H. (2007) La Historia del Arte. Londres: Phaidon Press Limited.

Morante López F. y Ruiz Zapata A.M (1997) Tema I Introducción. En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: Estudio de Obras de Pintura, Arquitectura y Escultura. pp. 11-19. Editorial Edinumen. Madrid.

-Tema II Arte Egipcio. En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: Estudio de Obras de Pintura, Arquitectura y Escultura. pp. 31-39. Editorial

Edinumen. Madrid.

EC1-4 Arte Romano Análisis de Obras arquitectónicas o Monumentos conmemorativos

CG2 –CG3

Teatro de Mérida

Este trabajo fue grupal nuevamente, por lo que, volví a forma grupo con Paola Guerra y Guadalupe Ponce, ya que, me sentía más segura al estar trabajando con un grupo que ya conocía previamente.

Para esta actividad se nos pidió hacer un análisis a profundidad de una obra arquitectónica o un monumento, en esta oportunidad mi grupo decidió que quería realizar una obra arquitectónica, siendo más exacta, un teatro romano, el cual fue, el teatro romano de Mérida. Nos distribuimos las tareas para el análisis, esto hizo facilitó la investigación e hizo que se pudiera hacer el documento más rápido.

Luego de generar el documento con toda la información pedida, tuvimos que realizar una presentación para así poder exponer a la clase lo previamente investigado.

Posteriormente se nos indicó que debimos proporcionar más imágenes y relacionarlas más con el texto. Mas, considero que en la exposición nos fue un poco mejor pese a que, estaba algo nerviosa.

EC1-4 Arte Romano

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 4

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

Teatro Romano de Mérida El Teatro Romano de Mérida, uno

de los edificios más emblemáticos del

yacimiento

emeritense,

se

construyó entre los años 16 y 15 bajo el patrocinio del cónsul Marco Vipsanio Agripa en la colonia Augusta Emerita, actual Mérida en España. Este se ubicó en la ladera del cerro San Albín, lo cual abarató los costes de su construcción. Asimismo, el

teatro es patrimonio de la humanidad desde 1993 como parte del conjunto arqueológico de Mérida y sigue cumpliendo con la función de servir como escenario para acontecimientos importantes. En este se celebra el festival de Teatro Clásico de Mérida.

El Teatro Romano de Mérida, uno de los edificios más emblemáticos del yacimiento emeritense, se construyó entre los años 16 y 15 bajo el patrocinio del cónsul Marco Vipsanio Agripa en la colonia Augusta Emerita, actual Mérida en España. Este se ubicó en la ladera del cerro San Albín, lo cual abarató los costes de su construcción. Asimismo, el teatro es patrimonio de la humanidad

EC1-4 Arte Romano

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 4

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

desde 1993 como parte del conjunto arqueológico de Mérida y sigue

cumpliendo con la función de servir como escenario para acontecimientos importantes. En este se celebra el festival de Teatro Clásico de Mérida. Los orígenes del teatro en Roma se dan en un evento llamado "ludì", el cual era una fiesta anual en la que había varios espectáculos como danzas,

canciones y breves cuadros escénicos. En el año 240 a.C Livio Andronico estrena la primera obra dramática escrita y los ludi se empiezan a hacer con más frecuencia, aumenta el número de escritores que componen comedias y tragedias.

La función principal del teatro fue permitir un espacio de ocio y entretenimiento, asimismo, este tuvo influencia griega, ya que las primeras obras teatrales romanas no fueron más que traducciones de obras griegas, pero más adelante dejaron de serlo, aunque sin llegar nunca a convertirse en obras realmente originales. Por otro lado, la concepción del teatro en

Roma no tenía el mismo significado que en Grecia. Para los romanos, las representaciones eran ludi; esto es, "juegos", entretenimiento, diversiones, al igual que los espectáculos en el circo y en el anfiteatro.

El diseño del teatro se basa en los modelos vitruvianos, tiene una base de

hormigón, el cual, fue recubierto con sillares, asimismo, por mármoles de diversos colores y granito para así embellecerlo.

EC1-4 Arte Romano

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 4

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

Los espacios que conforman esta construcción eran: la orchestra, las gradas , el escenario y el peristilo. El primero presentaba una forma semicircular de 30 metros de diámetro, esta

estaba rodeada por tres gradas de poedría reservadas para las personas de la alta sociedad, era el lugar donde se colocaban los músicos y cantores que acompañaban las representaciones.

El segundo se dividía en tres zonas, las cuales eran: ima cavea, media cavea y summa cavea. La inma cávea, tenía delante tres filas de asientos cubiertos de mármol, tras ellas había un pasillo seguido de 23 filas de asientos,

divididos en cinco cunei delimitados por escaleras y un corredor que lo separaba de las gradas superiores, asimismo, tiene seis vomitorios que dan acceso a un corredor semicircular cubierto por una bóveda anular. Por encima de la inma cávea destaca el pequeño muro (balteus) con cinco vomitorios que comunican con el exterior. Por otro lado,la cávea media y la superior tienen cinco filas de asientos sustentados por arcos y bóvedas separadas por un balteus, el acceso a los vomitorios se realiza por escalinata exterior, ambas cáveas tenían una capacidad para seis mil espectadores. El tercero, estaría pavimentado de madera en la Antigüedad,

asimismo,

EC1-4 Arte Romano

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 4

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

el frente de la escena es la parte más espectacular y característica del teatro está formado por un basamento de sillares recubiertos de mármol rojizo sobre el que reposan dos cuerpos de columnas de orden corintio que combinan el mármol de vetas azuladas de sus fustes con el blanco de basas y capiteles. Estas columnas sustentan un entablamento con arquitrabe, friso y cornisa ricamente decorados. Un gran muro revestido de mármol cierra la parte trasera de la escena. La decoración de esta parte se completa con la disposición de esculturas entre las columnas de los dioses Ceres, Plutón, y Proserpina. Tres puertas permiten la entrada de los actores a

escena, una central valva regia y dos laterales valva hospitalia. Finalmente, el peristilio, en donde Tras la escena se construyó una zona de jardín de planta cuadrangular rodeada de columnas y pórticos.

Al fondo de este jardín, existe una pequeña sala dedicada al culto imperial, según el hallazgo de un retrato escultórico del emperador César Augusto.

En este jardín también están las letrinas, y al oeste los restos de una casa construida tras el abandono del teatro esta casa cuenta con un patio rodeado de columnas y pilastras y habitaciones , la mayoría de ellas con pinturas murales que representan figuras humanas a tamaño natural.

EC1-4 Arte Romano

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 4

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

El diseño que conforman los elementos del teatro romano de Mérida consta de un graderío circular dividido en 3 alturas con 22 gradas. El teatro tenía capacidad para 5.800 personas con un diámetro de 95 metros. La parte inferior está excavada y sustentada en la pendiente del terreno, no cuenta con soportes artificiales.

Esta parte se divide en cinco sectores radiales delimitados por escaleras que sirven para circular y de manera horizontal por un corredor que separa de

las graderías superiores y estas se sustentan por arcos y bóvedas. El frente está formado por sillares recubiertos en mármol rojizo sobre el que reposan 2 cuerpos de columnas corintias que combinan tonalidades entre azul y blanco. En la parte del entablamento consta con arquitrabe friso y cornisa,

estos están decorados y culminados con marmol. En la zona del peristilo está formado por 2 columnas de estilo corintio que alcanzan 30 metros de altura.

Como grupo elegimos el teatro romano de mérida, ya que, gran parte de este sigue en pie, y sigue siendo usada hasta el día de hoy como centro de actividades, como los festivales, asimismo, una gran parte de la

EC1-4 Arte Romano

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 4

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

construcción está generado por columnas de estilo corintio, que soportan el peso de las lozas. Todo esto hecho de un material innovador que fue hecho de una especie de hormigón para finalmente ser cubierta de mármol y otros elementos decorativos.

EC1-4 Arte Romano

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 4

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

REFERENTES: Lifante, M. P. (2017, junio 5). ARQUITECTURA ANTIGUA: EL TEATRO ROMANO DE

MÉRIDA. Pedro Lifante. https://pedrolifante.com/arquitectura-antigua-teatro-romano-merida/ A. (2022, 23 maart). Teatro romano de Mérida. Urbipedia. Geraadpleegd https://www.urbipedia.org/hoja/Teatro_romano_de_M%C3%A9rida MORÁN SÁNCHEZ, C. J. (2022). RECONSTITUCIÓN, RESTITUCIÓN, RECONSTRUCCIÓN: EL LEVANTAMIENTO DEL FRENTE ESCÉNICO DEL TEATRO ROMANO DE MÉRIDA. Instituto de Arqueología de Mérida, 1–36. https://digital.csic.es/bitstream/10261/233109/1/reconsromamerida.pdf Parra Faba, J. (2022). Capítulo VIII: MÉRIDA. Ciudad Patrimonio Mundial

de

la

Humanidad

desde

el

año

1993.

Academia,

1–24.

https://d1wqtxts1xzle7.cloudfront.net/65648665/capitulo8merida-withcoverpagev2.pdf?Expires=1651383765&Signature=Ka9y5KYkGoaRPCzOv1YOu 9R5AzGXCnEzLA46fMaz9o~ruVRBgxxdZJjIZwmH~si2ZFtHvIowyiwdiHBPss n0jNR088Ade9OHzjSn9H4P~zgNJk2GjmkwfFkqcRoaNoI04n8cq~7h1yVr7 Ud2CpxCNgCDoJ91Gy1Nu~BPigEPbZ0QXzcHEfUAkyJ0knjMmbg7sYTVLZL HcEu9d5wcP6UcsspgVumJ20K6Gmcj35Cq617qwENp0Z~BgVIcd8oz76NYY APZCpDIwmCP6~QiRMJ9~x4WUOZvo7lYHI2qX2xCIjzPTT5MoJvrmjjDO9rD

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EC1-5 Arte Bizantino Análisis de la Basílica de Santa Sofía

CG2 –CG3

Basílica de Santa Sofía

Para esta actividad grupal, volví a forma equipo con Paola Guerra y Guadalupe Ponce.

Esta vez se nos encargó realizar el análisis de una arquitectura, la cual, fue la Basílica de Santa Sofía.

Para realizar este análisis nos dividimos el trabajo en partes equitativas, esto hizo que el trabajo fuera más rápido, mas, a comparación del trabajo anterior, buscamos que hubieran más fotos, permitiendo que se entendiera con mayor facilidad la información recopilada en el documentos, asimismo, nos encargamos que estas imágenes estuvieran relacionadas con el texto. El análisis fue realizado usando las pautas dadas en el trabajo anterior, por lo que, no se nos presentaron muchas dificultades a la hora de hacerlo.

Pese a que mejoramos nuestro análisis en cuanto a las imágenes, no llegamos a incluir las citas, ya que, la confundimos con las referencias.

EC1-5 Arte Bizantino

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 5

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

La Iglesia de Santa Sofía

La iglesia de Santa Sofía fue construida por el emperador Justiniano en el año 532 al y fue terminada en el año 537 d. C siendo considerado uno de los monumentos más importantes de la historia. Cubre la superficie de 16.000 m² y aún conserva parte de los mosaicos originales de la época bizantina y gran parte del arte observado en esta época fue relacionado con la religión y la cúpula de Santa Sofía es un símbolo de grandeza del

Imperio y de su emperador.

La iglesia de Santa Sofía fue construida durante el mandato de Justiniano entre los años 532 y 537, es una de las obras maestras

del

arte

bizantino.

Esta

fue

antiguamente una basílica bizantina convertida posteriormente en mezquita, para luego ser un museo, pero desde el 1 de agosto de 2020 de nuevo en mezquita.

La primera iglesia fue inaugurada en el año 360. Era conocida como iglesia grande, y se construyó durante el reinado de Constancio II.

EC1-5 Arte Bizantino

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 5

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

Se trataba de una basílica latina tradicional, precedida de un atrio, con columnas, galerías y techos de madera. Fue quemada y derrumbada en el año 404 y en la actualidad no se conserva nada de ella.

La segunda iglesia se construyó en el reinado de Teodosio II en el año 415 por el arquitecto Rufinus,

pero,

fue

quemada y derrumbada durante los disturbios de Niká en el años 532, del incendio solo quedaron

algunos bloques de mármol con relieves de los doce apóstoles.

La tercera iglesia y actual, fue construida en el año 532 por Isidoro Mileto y Antemio de Tralles, durante el reinado de Justiniano I. Lamentablemente los terremotos entre los años 553 y 557 causaron

grietas en la cúpula principal y en la media cúpula oriental. La cúpula principal se derrumbó durante un terremoto en el año 558 y destruyó el ambón, altar y el copón, este terremoto causó la deformación de los pilares que sujetan la cúpula principal, ya que esta tenía una carga y empuje excesivo que era horizontal hacia los soportes ya que era un diseño bastante plano. Luego, fue reconstruida por Isidoro el joven en el año 568, él utilizó materiales más ligeros elevando la cúpula hasta su altura actual.

EC1-5 Arte Bizantino

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 5

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

Un nuevo terremoto azotó la basílica en el año 689, con esto colapsó media

cúpula.

Le

sucedió

un

terremoto en el año 989 que la derrumbó

otra

vez

para

ser

restaurada por Armenio Tradt.

Los daños que fueron ocasionados por este último terremoto requirieron 6 años de reparación y reconstrucción, hasta el año 994. Entre los años 1204 y 1262 la iglesia se convirtió en una catedral católica. Durante el reinado de Selim II el arquitecto Sinan reforzó la mezquita con contrafuertes exteriores. El es considerado uno de los primeros ingenieros en introducir refuerzos antisísmicos. La mayor restauración se realizó por los arquitectos Gaspare y Giuseppe Fossati en el año 1849, ellos consolidaron la cúpula y las bóvedas. En 1931, la mezquita fue cerrada al público durante el mandato de Mustafa Kemal y fue reabierta como un museo en el año 1935. Desde 1931 hasta el 2020 estaba prohibido usarlo como lugar de culto hasta que el 10 de julio del 2020 se aprobó transformar Santa Sofía de nuevo en mezquita

EC1-5 Arte Bizantino

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 5

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

La planta, un rectángulo con 70 metros de ancho y 75 de largo, está ubicada dentro de un cuadrado, que está orientada hacia Jerusalén, orientación este, unifica la tradición occidental, planta central y tres naves (la diferencia de altura de las naves fue aprovechada para levantar un segundo piso), con la oriental, planta centralizada, inscrita en una planta de cruz griega y centralizando la concepción espacial del edificio

mediante una gran cúpula. De igual manera se observa que es un rectángulo donde sus proporciones son casi cuadradas, que termina en ábside interior semicircular. Asimismo, en la parte exterior de la iglesia se extiende un gran atrio de cinco pórticos, en donde se aprecian las

columnas y el recipiente donde se vierte el agua bendita. Se podría decir que el lado este era utilizado como pórtico de entrada, exonártex, muy característico en las iglesias bizantinas. Después de este, existen dos vestíbulos que mediante nueve puertas se conectan con la iglesia. El edificio básicamente se compone en los pies, de un atrio y doble vestíbulo. El material con el que está construida la edificación es de ladrillo, mármol, presentado en una gama de diversos colores, basalto y pórfido como parte de la pavimentación y las columnas.

EC1-5 Arte Bizantino

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 5

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

Asimismo, los pilares fueron hechos con piedra en sillares, los muros se hicieron de materiales como piedras, ladrillos y las cubiertas de ladrillo u

otro material.

Elementos arquitectónicos: • La cúpula: es la gran protagonista de la estructura constructiva y del efecto conseguido. Asimismo, obtiene sus dimensiones, 31 metros de diámetro y 56 de altura. El peso de la cúpula se reparte en un sistema concatenado y encadenado, a través de las exedras, afianzándose por medio de los soportes estáticos que representan los cuatro grandes pilares centrales y que, a su vez, transmiten el peso de la cubierta por medio de arcos transversales a los contrafuertes exteriores, también de

considerables dimensiones y tremenda apariencia • Las exedras: No sólo servían para lograr que la cúpula resistiera en pie, sino que además ayudan a marcan el eje longitudinal del espacio. Así las dispuso, una a la cabecera y otra a los pies, añadiendo dos exedras más

pequeñas a ambos lados como un conjunto de soportes sucesivos que se

EC1-5 Arte Bizantino

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 5

Integrantes: Ariana Diaz Guadalupe Ponce Paola Guerra

ven afianzados por cuatro grandes pilares, arcos y contrafuertes exteriores.

• Semicúpula: Se dispusieron delante y detrás de la cúpula central dos semicúpulas del mismo diámetro que la principal y que descansan, a su vez, en dos pequeños nichos, conformando un sistema de contención coherente y eficaz. Estas estaban ubicadas en el eje longitudinal del espacio, es decir, en el este y en el oeste; semicúpulas que descansan a

su vez en dos pequeños nichos dispuestos en diagonal respecto al eje.

• Pechina:

Con forma de cúpula gallonada, con 40 nervios y 40

elementos curvos, la estructura está apoyada sobre cuatro pechinas decoradas con mosaicos con la representación de ángeles. El uso de las

pechinas se difundió a partir de entonces en el resto de obras bizantinas influyendo de manera decisiva en el arte Románico, y de ahí hasta el Renacimiento.

• Tambor: Es una serie de ventanas alrededor del gran casquete esférico, que ilumina el interior de la iglesia.

• Contrafuertes: En la fachada norte y sur, se pueden observar los grandes contrafuertes que ayudan en la descarga de los grandes pesos de las cúpulas. Entre estos contrafuertes se pueden observar ventanales con arcos de medio punto y al igual que en la fachada este, la construcción se eleva bruscamente. Estos tenían que ser lo suficientemente gruesos como para sostener los empujes laterales de los arcos internos.

EC1-5 Arte Bizantino

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 5

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• Columnas: Fueron reutilizadas de obras anteriores como se hacía en época romana, a las que se le añade un capitel de estilo corintio con cimacio en la parte superior. Trabajados a trépano con una decoración de hojas de acanto, estos capiteles conseguían elevar los arcos y con ello la altura de la nave central.

• Pilares: Fueron construidos con piedra que, aunque era caliza, no quedaba sujeta a la contracción y elasticidad del ladrillo con mortero.

Sobre los pilares principales, que determinan un cuadrado de 44 metros de lado, se tendieron cuatro grandes arcos, los de los lados norte y sur embebidos en los muros laterales de la nave y apenas perceptibles desde el interior, pero fuertemente marcados en el exterior por encima del

tejado.

Análisis del revestimiento interior Los mosaicos bizantinos estuvieron muy enfocados en la religión católica, Cristo era el tema principal, y eran elaborados mediante vidrios y piedras de colores. Asimismo, mediante el uso del simbolismo, se quería transmitir sus ideales a otras personas, este buscaba exaltar lo divino y una fusión entre la iglesia y el estado por lo que se glorificaba al gobernador. Las características fundamentales que se pueden observar en este tipo de arte es la fuerte presencia del color y la luminosidad.

Pese a que la gran mayoría de los mosaicos de la época bizantina fueron destruidos con los años, algunos han sobrevivido los años, como son:

EC1-5 Arte Bizantino

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● Mosaico de la Deësis: Este mosaico es considerado uno de los mejores creados en el periodo bizantino. Este sirvió como referencia para otras obras del arte

ortodoxo como es el niño en la segunda planta. En este mosaico se puede observar como la virgen María y Juan Bautista le piden a Cristo que interceda por los seres humanos el

día del juicio final. ● Mosaico Conmeno: Este mosaico busca justificar la imagen humana divina de María como intermediaria entre los seres humanos y los cielos. En este se puede ver como María está de frente con la mano derecha por encima del pecho de Jesús y la

izquierda lo sostiene mientras que este con la mano derecha bendice y con la izquierda agarra un pergamino. Asimismo, a su izquierda se encuentra la emperatriz Irene y a su derecha Juan II Comneno. ● Mosaico del Ábside: En este se puede observar a la Virgen María sentada en un trono con sus pies

se encuentran en un pedestal lleno de joyas, mientras Jesús está situado en su regazo.

EC1-5 Arte Bizantino

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 5

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REFERENCIAS Gombrich, E.H. (2007) La Historia del Arte. Londres: Phaidon Press

Limited. ● De la Peña, M.P. (2008). Manual Bascio de Historia del Arte.

Universidad de Extremadura. Servicio de Publicaciones, ed. III. Serie.

Cáceres, España. ● Morante López F. y Ruiz Zapata A.M (1997). Análisis y Comentario de la Obra de Arte. Editorial Edinumen. Madrid. ● Prado Pérez, L. D. (2022). Análisis estructural de la cúpula de Santa Sofía. ●

Discusión:Iglesia

de

Santa

Sofía.

(s.

f.).

EcuRed.

https://www.ecured.cu/Iglesia_de_Santa_Sofia ● G. (2021) Santa Sofía de Constantinopla. WordPress.com. https://enclasedehistoria.wordpress.com/2015/10/12/santa-sofia-deconstantinopla/

● Cimadevilla, L. S. B. (202). Estilo Bizantino. Iglesia de Santa Sofía (página 2). Monografias.com. https://www.monografias.com/trabajos55/iglesiasantasofia/iglesia-santa-sofia2

EC2-6 Arte Gótico Análisis comparativo entres dos obras pictóricas

CG2 –CG3

En esta actividad mantuve el grupo de siempre, porque al haber trabajado con ellas antes, tenia mayor confianza en que iban a trabajar bien. En esta ocasión se nos pidi[o que realizáramos una análisis entre dos pinturas del arte gótico que representaban la misma escena de la biblia, la cual, era la anunciación a María.

Para esto primero investigamos a profundidad sobre ambas pinturas y luego en un cuadro fuimos colocando las diferencias que encontrábamos entre ellas, desde la forma en que fueron pintadas, el año, el estilo, las dimensiones, profundidad, etc.

Luego, con ayuda del cuadro que realizamos comenzamos a redactar párrafos que explicaran lo que habíamos escrito en el cuadro comparativo, ya que, buscamos se lo más concisas posible y simple de entender en este, mas, para proporcionar un buen análisis tuvimos que redactarlo a mayor profundidad.

EC2-6 Arte Gótico

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Arte gótico

EC2-6 Arte Gótico

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Las escenas que aparecen en la biblia cristiana han sido retratadas innumerables veces a lo largo de la historia, cada una presentando diferentes características según la época en la que se retratará, además, de representar las ideas del pintor, su visión y lo que quería transmitir.

Esto se puede apreciar en el caso de la pintura de la anunciación a María por Simón y Jahn Van Eyck, las cuales, a pesar de buscar retratar la

EC2-6 Arte Gótico

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misma escena, estás presentan composiciones muy diferentes a simple vista. En primer lugar, para situarnos en contexto de la escena representada en las pinturas, debemos hablar de la anunciación. Según San Lucas (2002), este suceso ocurre cuando: A los seis meses, Dios envió al ángel Gabriel a Nazaret, pueblo de Galilea, a visitar a una joven virgen comprometida para

casarse con un hombre que se llamaba José, descendiente de David. La virgen se llamaba María. El ángel se acercó a ella y le dijo: que ella tendría en su vientre al hijo de Dios. Este le explicó que no había nada que temer porque ya que el hijo al

cual va a concebir deberá tener el nombre de Jesus ya que este será un Gran hombre. Maria se cuestiono sobre lo que le menciono el ángel ya que ella era virgen, a lo que el ángel respondió que el espíritu santo vendrá por ella y el poder del altísimo te cubrirá con su sombra y al santo niño se le hará llamar como el hijo de Dios. Además tu parienta Eliasbet va a tener un hijo, dado a la que decian esteril esta ahora mismo en su sexto mes de embarazo, ya que para Dios no hay imposibles.

María aceptó la propuesta con mucha alegría. (p.197-199) Al comparar ambas pinturas lo que primero que se puede observar es la fecha en la que se hicieron, estás presentan tan solo x años de diferencia, siendo la de Simone Martini de 1333 y la de Jahn Van Eykc fue de 1434.

EC2-6 Arte Gótico

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Asimismo, las pinturas fueron hechas con diferentes técnicas, la primera fue hecha con temple, el cual, es una técnica en la que se disuelve el pigmento en agua y aglutinante. mientras que la segunda fue hecha con óleo, el cual, es una técnica en la que se va aplicando el color en capas, se usa un aglutinante a base de aceite para poder aplicarlo.

Aunque ambas pinturas fueron hechas con el estilo gótico y son de la anunciación del Ángel Gabriel a María, ambas representan aquella

ocasión de manera distinta teniendo diferentes características que resaltan en una más que en la otra o que simplemente no están presentes en la composición.

Los colores empleados en la composición de Simone Martini son

mayormente el dorado, el azul y el rojo, la composición presenta luces y sombras en menor cantidad, por lo que, la pintura no enseña mucha profundidad haciendo que se vea mayor mente plana. Los rostros y las vestimentas presentes en la composición tienen un menor detalle a comparación de la pintura de Jan Van Eyck. Mientras que la pintura del último emplea una mayor gama de colores, tiene un mayor empleo de luces y sombras, las cuales, generan una mayor profundidad, además, de que se usan puntos de fuga. Los detalles y texturas de las vestimentas, los rostros y el edificio son mayores.

Siguiendo con un análisis compositivo se puede decir que la anunciación de Simone, se trata de un tríptico con las figuras principales, la virgen el arcángel en la parte central, y los santos en los laterales.

EC2-6 Arte Gótico

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Asimismo esta pintura posee un eje central en el que es muy importante la disposición así como la simetría observada en los arcos apuntados de las hojas que componen la escena. Las líneas visibles son delgadas y curvas. Da sensación de movimiento y más volumen. aunque no

demasiado Pero gracias al plegado de piezas y algo de ligero contraste y gradación. Por el otro lado, la pintura de Jan van solo presenta a los dos personajes principales los cuales son la virgen y el arcángel, de la misma manera presenta una linealidad porque se puede observar que todos los personajes están a la misma altura entre otros elementos como los ventanales que le dan una verticalidad interesante. También se puede decir que su composición es radial centralizada ya que los personajes están ubicados en el medio de la pintura, mostrando cierta jerarquía. En cuanto a las proporciones, si comparamos ambas pinturas, se puede ver que la de Simone es aparentemente proporcional, sin embargo si se observa minuciosamente, los personajes principales presentan mayor tamaño, por lo cual podemos deducir que el pintor quería darle una importancia discreta y en cuanto a la de Jan Van si podemos ver una

proporción más balanceada, ya que los personajes resaltan más que el espacio, dado que ellos tienen mayor relevancia en la pintura.

Finalmente analizando las obras, podemos darnos cuenta que ambas representan las mismas situaciones pero plasmadas de distinta manera,

es decir, las obras tratan del anuncio del ángel Gabriel a la virgen María, mencionando que llevará en su vientre al hijo de Dios.

EC2-6 Arte Gótico

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El estilo de la pintura es distinto ya que en la pintura de Simone Martini se detalla más el escenario en el que están los personajes dándole resalte al color dorado y exagerando las expresiones faciales de sus personajes, en cambio la pintura de Jan Van Eyck muestra más tonalidades de pintura y también hace que resalten los personajes dándoles expresiones menos exageradas. Sobre los personajes principales en ambas pinturas se pueden visualizar a la virgen María y al

ángel Gabriel, pero en la pintura de Simone Martini, añaden a 2 personajes más los cuales son San Ansano y Santa Margarita. Pero a pesar de las diferencias de las pinturas ambas tienen el mismo significado, es decir, la misma representación del anuncio del ángel

gabriel a la virgen maria sobre que llevaba en su vientre al hijo de dios, es decir, la diferencia solo va en la estética. Finalmente, las obras están en distintos museos, la de Simone Martini se encuentra en la galería Uffizi(Florencia) y la pintura de Jan Van Eyck se ubica en la Galería Nacional de Arte (Washington D.C.) En conclusión, se pudo observar que a lo largo del texto que a pesar de que ambas pinturas se representan de diferentes maneras. Respecto a la composición, la escena que se buscaba transmitir en la pintura varía según la visión de cada autor, ya que se sigue buscando transmitir la misma idea con el mismo estilo gótico-religioso.

EC2-6 Arte Gótico

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De igual manera se puede deducir que estas obras están muy influenciadas con el contexto en que vivieron los pintores según las ideas que se buscan expresar y tienen sobre este suceso divino.

REFERENCIA: Biblia Latinoamericana (87.a ed.). (2002). Verbo Divino.

Anunciación de Van Eyck | La guía de Historia del Arte. (2016, 19 abril).

Arte Laguia. https://arte.laguia2000.com/pintura/anunciacion-de-vaneyck La anunciación de Simone Martini. (2017, 27 febrero). studylib.es.

Recuperado 5 de junio de 2022, de https://studylib.es/doc/3160513/laanunciaci%C3%B3n-de-simone-martini

EC2-7 Arte Renacentista Análisis de obras a través del Comic

CG2 –CG3

Para el trabajo del arte renacentista, el cual, fue en grupo nuevamente, se nos encargó realizar un comic. Mi grupo decidió hacerlo a mano, ya que, queríamos utilizar la técnica de acuarelas a la hora de pintarlo.

El trabajo podía presentarse de dos formas, mi grupo escogió la distribución en la que se debía hablar sobre la biografía de una autor y luego hablar sobre 2 de sus obras más resaltantes, en ves de hablar sobre dos autores y una obra de cada uno respectivamente.

El autor que elegimos para realizar este trabajo fue Michelangelo Buonarrotti y dos de sus obras, las cuales fueron, la escultura de David y la creación de Adán que esta ubicada en la capilla Sixtina.

Considero que fue el trabajo más divertido que realizamos en este ciclo y en el que más empeño pusimos, ya que, desde que lo mencionaron, nosotras nos pusimos a trabajar, tanto así que en tan solo dos días ya teníamos más de la mitad del trabajo terminado.

EC2-7 Arte Renacentista

EC2-8 Arte Barroco Marco Histórico, Características principales y Análisis de una obra

CG2 –CG3

Esta actividad se realizó, a diferencia de los demás, de martes a jueves. Este debía presentar un marco teórico del arte Barroco para así explicar la razón de las características principales que este movimiento presentaba, además, se debía analizar una pintura del mismo movimiento trabajado.

Este trabajo se realizó de manera personal y para este se debió recolectar la información presentada en clase, asimismo, tuve que leer un libro que se encontraba en materiales del curso.

Para analizar la pintura, la cual fue, La incredulidad de Santo Tomás, tuve que usar de referencia los análisis previamente hechos e investigar sobre la pintura, que es lo que buscaba representar y como es que esta se relacionaba con el movimiento en el que fue pintada.

EC2-8 Arte Barroco

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 8

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Arte Barroco El Barroco es un movimiento que nació a finales del siglo XIV en Italia, este se fue expandiendo hasta mediados del siglo XVIII. Luego del periodo de grandes conflictos, hambruna, enfermedad y pobreza que sufrió Europa en el siglo XVI que se dio por conflictos entre los países protestantes y los de la Contrarreforma se termina con la paz de Westfalia, permitiendo así que Francia culmina su rivalidad con el Imperio Germánico y el Imperio Español, además, esto generó que hubiera una tolerancia religiosa.

María de la Peña Gómez (2008) señala que "Tras los primeros momentos críticos del siglo XVI con la Reforma de Lutero, el catolicismo se afianza en la primera mitad del siglo XVII para pasar a una etapa de máximo esplendor en su poder terrenal y espiritual." (p.94). El movimiento fue

creado como contrarreforma a la reforma protestante generada por Lutero, impulsando un arte religioso dirigido a glorificar a Dios, como imagen incentivadora a la devoción de la población y para resaltar aquel triunfo que tuvo la iglesia frente a los protestantes que la llevó a su

esplendor máximo. Asimismo, al considerarse que los reyes y príncipes tenían un origen divino y absoluto, ya que no existía ninguna fuerza mayor a este, estos eran retratados de igual manera, era usado para resaltar el poder real.

EC2-8 Arte Barroco

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 8

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Además, Las obras barrocas tenían como finalidad hacer que el destinatario se sienta dentro de esta, que es parte de lo presentado, ya sea por que la escena está representada con gran fidelidad o que los personajes están utilizando ropajes de la época.

Esto busca disimular el afán de persuadir al pueblo por parte de la iglesia.

El arte barroco tenía como objetivo ser propaganda de la Iglesia Católica, ya que todo lo que negaba Lutero era reafirmado por la iglesia, como la

veneración a la virgen, los santos, etc.

Este movimiento representaba la realidad sin embellecerla y estaba dirigido a las emociones, no a la razón; por lo que, predominan las curvas

por encima de las líneas, buscaban generar un mayor movimiento y dinamismo, el cual, al ser comparado con el renacimiento hacia que este último pareciera estático; una excesiva expresionalidad en los rostros y posturas de los personajes, se valoraba mucho el detalle, la excesiva ornamentación, el contraste de las luces y las sombras que buscaban darle a la obra una sensación de mayor divinidad; la composición de estas obras era más libre y no seguía parámetros predispuestos comparado con el renacentismo.

EC2-8 Arte Barroco

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 8

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Se rechazaba la belleza ideal que tanto se idolatraba en movimientos pasados, esto generaba que las figuras humanas muchas veces se deformaran y aparecieran más alargadas comparadas con las proporciones presentadas en las obras, además, la paleta de colores era

muy arbitraria, algo que no era común en el renacimiento. Este no se quedó solo en el arte sino que se expandió de construcciones arquitectónicas hasta obras teatrales, canciones, etc. Finalmente, este movimiento llega a su final junto al Rococó.

Michelangelo Merisi. (1602). La incredulidad de Santo Tomás [Pintura].

EC2-8 Arte Barroco

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Un claro ejemplo del movimiento barroco es la obra de Caravaggio: la incredulidad de Santo Tomás, de 1602. Esta presenta unas dimensiones de 107 x 146 cm, fue realizada con la técnica de óleo en un lienzo y presenta una clasificación Sacro-Barroca. El autor, Michelangelo Merisi también conocido como Caravaggio, fue un pintor italiano que nació el 29 de septiembre de 1571 en Milán, Italia, y falleció el 18 de julio de 1610 en Porto Ercole, Italia. Caravaggio pintaba pintaba temas mitológicos pero en mayor cantidad los religiosos, tomaba como modelos a las personas humildes de su pueblo, lo cual, le quitaba el carácter sagrado a sus personajes. Actualmente, esta pintura está ubicada en el Palacio de Sanssouci, Potsdam, Alemania.

El tema que buscaba tratar es la escena bíblica en, en la cual, Jesús se presenta resucitado ante los apóstoles, luego de ser crucificado, debido a la incredulidad de Tomas Jesús lo invita a introducir su dedo en la herida que tenía en su costilla para que confirmara que realmente era él en

carne y hueso.

Este es un cuadro influenciado por la religión cristiana y su idea de persuadir al observador a creer en esta, los personajes presentes en la obra son Jesús, Santo Tomas y 2 apóstoles más.

EC2-8 Arte Barroco

Curso: Historia del arte Sección: 325 Profesora: Amada Núñez Ejercicio 8

Integrantes: Ariana Diaz

Esta presenta un gran brutalismo y realismo contrastado por las luces que buscaban el efecto del tenebrismo y sombras de la composición, los personajes están puestos de tal manera en que se genera profundidad a pesar de la falta de un fondo, presenta una distribución sencilla y clara.

Asimismo, pueden observar una gran cantidad de detalles, las posiciones que los personajes presentan, la fluidez en el movimiento, dinamismos, una gran excepcionalidad de sus rostros y las figuras son algo alargadas,

estas son muy características del barroco, las cuales, pueden ser observadas con gran claridad en este cuadro creando la ilusión de que la escena observada realmente está ocurriendo frente a los ojos de espectador.

Las transiciones de colores presentes en la pintura son casi imperceptibles, tiene pinceladas cortas y delicadas; además, se puede observar una textura lisa y mate en el lienzo.

La iluminación de la obra es de tipo natural y hace que el claro oscuro de la pintura resalte la importancia de los personajes, el fondo presente en la pintura es plano, es completamente negro por lo que resalta a las figuras de los persones presentes en esta, esto les da mayor protagonismo.

EC2-8 Arte Barroco

La paleta de colores empleada es armónica, usa colores cálidos con matices rojos y amarillos.

En conclusión, el arte barroco mediante la gran expresividad, movimiento y dinamismo que este presenta genera un impacto importante en las personas, no solo busca representar escenas vistas en la biblia, sino, que tienen un trasfondo mayor, estas buscaban persuadir e influir en las ideas de las personas para que las ideas del catolicismo se fortalecieron frente a los protestantes. El movimiento resaltó entre los anteriores a

este y se extendió a obras teatrales, canciones, arquitecturas, pinturas, etc. Además, fue una época extravagante que exaltó el triunfo de la religión católica haciendo que fuera aún más resaltante aumentando así la importancia de esta última.

EC2-8 Arte Barroco

REFERENCIAS: Pilar De La Peña Gómez, M. (2008). Manual Básico de Historia del Arte.

Manuales

uex,

49(2),

94–97.

https://core.ac.uk/download/pdf/304886932.pdf Núñez, A. (2022, 13 junio). ARTE BARROCO [Diapositivas]. Blackboard.

Morante Lopez, F., Ruiz Zapata, A. M. (2022). Análisis y comentario de la obra de arte. Iniciación universitaria, 15–18. Merisi, M. (1602). La incredulidad de Santo Tomás [Pintura].

EC2-9 Trabajo final La imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte: Análisis general y comparativo de 10 obras pictóricas y/o escultóricas

CG2 –CG3

Cómo trabajo final del ciclo se nos encargó realizar un análisis de 10 figuras pictóricas y/o escultóricas. Este también fue un trabajo grupal que realice con Paola Guerra y Guadalupe. Al inicial este trabajo decidimos que cada una iba a hacer 3 análisis y una comparación, para luego dividirnos lo que faltará, mas, al hacer eso nos dimos cuenta que hicimos de más y terminamos con 11 figuras pictóricas.

Mi grupo decidió solo trabajar figuras pictóricas para el trabajo, fuimos analizando cada uno con gran cuidado, para que no se nos pasara ningún detalle y usamos el libro de análisis de figuras pictóricas para tener un referente de que debía estar dentro del análisis de cada una de las pinturas.

Fue complicado realizar este trabajo, porque, se juntó con los trabajos finales de otros cursos, los cuales, necesitaban mucho tiempo para ser terminados. Mas, igualmente nos esforzamos hasta el último momento y lo hicimos de la mejor manera posible.

Universidad de Lima Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de Arquitectura

La imagen de la mujer a lo largo de la historia

del arte: Análisis general y comparativo de 11 obras pictóricas y/o escultóricas Ariana Diaz Zevallos - 20210875

Paola Guerra Rodriguez - 20213644 Guadalupe del Carmen Ponce Blas - 20212127

Profesor Mag. Amada Nunez Noriega

Lima - Peru Julio de 2022 1

2

RESUMEN

El arte ha sido usado durante siglos como una manifestación de las ideas que han ido surgiendo a causa de los estereotipos de sus respectivas épocas. Estos estereotipos eran reflejados por los ideales de la sociedad. Un claro ejemplo de esto es la representación que la mujer ha tenido a lo largo de la historia de la humanidad.

La percepción que hubo hacia la mujer a lo largo de la época es resaltante, se le consideraba inferior al hombre y se podía observar en el arte, en las representaciones pictóricas y escultóricas se les menosprecia, ya que esta idea estaba normalizada. Esta acción se sigue dando hasta la actualidad, aunque ahora este pensamiento es considerado como algo retrógrado y misógino, por algo el Perú es uno de los países con mayor tasa de feminicidios en el mundo, el machismo está arraigado a la historia de los seres humanos Por consiguiente, realizaremos esta investigación mediante el uso de textos académicos, los ppts vistos en clase e investigaciones propias de Google

Academic. En tal sentido, esta monografía representa el desarrollo que ha tenido la imagen de la mujer en el contorno pictórico y escultórico, es decir, cómo es que la cosmovisión de la sociedad participa la percepción que hay sobre el valor de la mujer.

Palabras clave: Machismo,

cosmovisión,

inferioridad,

valor,

contexto,

comparación,

representación.

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TABLA DE CONTENIDO INTRODUCCIÓN CAPÍTULO I: ANÁLISIS DE LA FIGURA FEMENINA PICTÓRICA Y ESCULTÓRICA

1.1. Pinturas murales de la tumba de Khnumhotep 1.2. Akenatón y Nefertiti con sus hijas 1.3. La anunciación, Simone Martini 1.4. El nacimiento de Venus 1.5. Alegoría de la Primavera 1.6. Las tres Gracias 1504-1505 1.7. Dánae recibiendo la lluvia de oro

1.8. Las tres Gracias - 1638 1.9. Olimpia 1.10. La inspección médica 1.11. La raya verde

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CAPÍTULO II: ANÁLISIS COMPARATIVO 2.1. La representación de la mujer en el antiguo Egipto.

2.2. La representación de la mujer en las diversas versiones de las tres gracias.

2.3. La representación de la mujer en la mitología griega y en la religión católica.

2.4. La representación de la mujer en el nacimiento de Venus y La alegoría de la primavera.

2.5. La representación de la mujer en el nacimiento de la Venus y Olimpia.

CONCLUSIONES

REFERENCIAS

CAPÍTULO I

La imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte: Análisis general de 10

obras pictóricas y/o escultóricas 1.1. Pinturas murales de la tumba de Khnumhotep 1.2. Akenatón y Nefertiti con sus hijas

1.3. La anunciación, Simone Martini 1.4. El nacimiento de Venus 1.5. Alegoría de la Primavera 1.6. Las tres Gracias 1504-1505 1.7. Dánae recibiendo la lluvia de oro 1.8. Las tres Gracias - 1638 1.9. Olimpia

1.10. La inspección médica 1.11.

La raya verde

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INTRODUCCIÓN

En el siguiente trabajo monográfico se podrá presenciar el desarrollo que ha tenido la imagen de la mujer en el ámbito pictórico y escultórico a lo largo de la historia y cómo es que la cosmovisión de la sociedad ha influido en la representación de estas, es decir, cómo es que el contexto histórico a influido en las ideas de las personas y su percepción en la imagen de la mujer.

Las pinturas que elegimos buscan representar las ideas de la sociedad según la época en la que se realizaron Por ejemplo, en el arte egipcio, la representación de la mujer es claramente diferente a la del hombre, llegando a pintarlas de una proporción menor ya que su valor no era tanto como el de su marido.

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1.1. Pinturas murales de la tumba de Khnumhotep - 1900a.C

La pintura mural de la tumba de Khnumhotep data de 1900a.C, en este se pueden observar dos escenas diferentes que representaban las costumbres que tenían los faraones de Egipto.

En la zona izquierda se retrata una cacería en la que el personaje principal es un hombre, éste aparece situado encima de un bote cazando aves con una especie de boomerang, se puede observar que esta acompañado con su esposa, concubina y uno de sus hijos, los cuales, también están situados encima del bote. En la zona derecha se puede observar al mismo hombre pescando aves acuáticas con una red, mientras que es acompañado por su hijo.

Las imágenes pictóricas presentadas en la pintura siguen con la forma única que tenían los egipcios para representar algo, para ellos lo más importante a la hora de representar una

escenas era la perfección y no la belleza, algo que es apreciado muchas veces en las pinturas de épocas posteriores, esto se debía a que la misión de los artistas egipcios era retratar la vida real de la forma más clara y perpetua posible.

La técnica pictórica utilizada en la representación es precedente a la técnica de frescos y la

tempera, se utilizaron pigmentos de procedencia natural, asimismo, la textura de la composición no es lisa debido a que se encuentra trabajada encima de un muro hecho de piedra, generando así un acabado rugoso. La iluminación en la obra es nula y no presenta sombras, presenta un ausencia completa de profundidad o de perspectiva, no hay degradado o difuminado alguno. Además, los colores en la obra son planos, es decir, no presentan matiz alguno. No se presenta ningún tipo de movimiento o fluidez, las figuras son estáticas y se presentan una diferencia de proporciones en los personajes, lo cual, representa el valor que estos tenían

1.2. Akenatón y Nefertiti con sus hijas - Imperio Nuevo, dinastía XVIII.

El retrato de Akenatón y Neferetiti con sus hijas tiene una medida de 32.5x 39, en esta se retrata a Akenatón y Nefertiti sentados en sus tronos, mientras juegan con sus tres hijas. En el medio de los personajes se encuentra un disco solar, Atón, Este fue realizado en un bajo

relieve de piedra caliza y data del imperio nuevo, dinastía XVIII. Presenta líneas de contorno, presenta una proporción que era fuera de lo común en el antiguo egipto, siempre se mantenía la medida de los 38 puños, más algo que se puede resaltar de este periodo es que las proporciones se volvieron más alargadas y con mayor movimiento, pese a que se siguen viendo algo estáticas, fue un cambió muy radical para la época. Pese a que es un bajo relieve tallado en piedra, se puede observar una idea de profundidad no tan marcada, y al tener esta leve profundidad se da un idea de sombras e iluminación.

La luz representada en la composición era natural, esta era emitida por el sol situado en el centro superior de la misma, la cual, mediante rayos da la idea de iluminación. No presenta

ningún color, más que el color de la piedra y la perspectiva es sencilla y clara. En la obra se presenta cierta simetría en la distribución de los personajes lo cual provoca una idea de armonía en la imagen. Los rostros son inexpresivos, es decir, estos no presentan emoción alguna y pese a que la mujer ya no es retratada diminuta, sigue presentando una menor proporción que la del hombre. Asimismo, no se usan las proporciones reales de un niño en las hijas, ya que, estas se presentan muy alargadas como si fueran pequeñas mujeres adultas.

1.3. La anunciación - 1333

En el arte gótico se sigue presenciando la idea de que la proporción de los personajes tienen relación con la importancia del personaje aunque en esta época se priorizan las ideas religiosas comparadas con las ideologías sexistas de la sociedad.

Como se puede observar a la hora de retratar a la virgen muchas veces se le da una proporción mayor a los otros personajes, como otros personajes secundarios en la composición.

Esta obra fue pintada por Simone Martini se dice que en el año 1333, sus dimensiones son 184x114 y pertenece al estilo Gótico-Sacro, su técnica es temple, esta obra presenta

una influencia bizantina por los fondos dorados, también delimita los contornos con tintas oscuras o negras, se puede ver en el ángel que hay una delimitación negra en su vestimenta.

Aparte del color dorado de la pintura, otra parte que también resalta es la vestimenta de la virgen, ya que el azul resalta en la obra porque la mayor parte es pintura dorada.

La pintura está dividida en 3 espacios, en la parte del medio al lado izquierdo está el arcángel Gabriel, con una vestimenta más clara que el fondo dorado y una rama de olivo que simboliza la paz, mientras que Maria está a la derecha sentada en un trono mirando al arcángel.

En la parte superior se pueden ver círculos como medallones, en ellos se encuentran los profetas Jeremias, Ezequiel, Isaias y Daniel. En el arco del medio no existe ningún medallón.

1.4. El nacimiento de Venus - 1485-1486.

Esta pintura está realizada al temple sobre el lienzo. En la composición tiene un esquema

triangular con el vértice en la cabeza de la diosa (Venus) y las figuras de Céfiro y Aura dibujan una diagonal, el manto de flora completa el otro lado del triángulo para terminar la composición de la figura.

El nacimiento de Venus es una obra pintada por Sandro Bottivelli en el siglo XV, en su obra se puede observar a Venus, que es la que más resalta en la obra, ella representa la belleza del arte renacentista.

La escena de Venus sobre la concha simboliza la fertilidad y la reencarnación. En esta escena todo está realizado con un significado, hasta la postura en la que intenta cubrir su desnudes, se cree que la parte de su mano que cubre su zona genital hace referencia a la fertilidad. De igual manera se pueden ver flores en el fondo cayendo a modo de lluvia, esto simboliza la presencia de Cloris, la diosa de las flores.

Los personajes presentes son: Venus, la diosa, Céfiro junto a Cloris, y la mujer con ropa de flores que hace una alusión alegórica a las horas.

Unas características de la obra es que la mirada de venus no se enfoca en ningún punto, se podría decir que está mirando a la nada y pareciese que estuviese recordando algo en particular, al parecer según el título de la obra ella nació como una adulto, por lo que se dice que es un nacimiento inusual ya que ella es una Diosa. Está mostrada desnuda

porque es un ser sobrenatural, se dice que nada puede afectarla ni lastimarla.

El artista quiso mostrarnos que la expresión de venus era una expresión que muestra la belleza de otro mundo, un mundo el cual los mortales no pueden conocer o entender donde todo se basa en ser perfecto tal y como Venus.

En la vestimenta de la mujer con vestido de flores, las rosas significan amor con espinas y las guirnaldas de mirto significan amor eterno.

La concha trata de armonizar la mitología con la religión.

El nacimiento de Venus saliendo del mar en una concha también simboliza de manera espiritual al bautismo. Las ondas marinas no son tan detalladas, están reducidas y

parecen pequeñas ¨V¨ en referencia a la diosa.

También las prendas o mantos con los que se cubren y el cabello de Venus dan sentido al movimiento en el cuadro, haciendo que este se vea pausado y elegante.

1.5. Alegoría de la Primavera - 1477-1478.

Esta obra mide 2,03 x 3,14 m y es una pintura al temple hecha sobre tabla.

La pintura se distribuye con 9 personajes de manera rítmica y equilibrada, está hecha de manera simétrica, Venus es el personaje principal de la obra, ella está rodeada de un espacio frondoso en el cual hay gran variedad de frutos y flores, estos le dan forma a la composición.

Venus, también conocida como afrodita en la mitología griega es la madre de Cupido/Eros y en este cuadro vemos que está levantando su mano derecha, algunos lo representan como un saludo al espectador.

Cloris es conocida por ser la deidad griega de los jardines, en el cuadro se da una representación de que está siendo raptada por cefiro, tuvieron una unión, la unión se conoce como la madre de la primavera y carpo, dios de las frutas, por eso es que brotan flores de la boca de cloris. Sobre Céfiro se le conoce como el viento del oeste ya que su soplo es conocido como el viento fructificador que anuncia la primavera.

En la pintura se puede ver que Cloris está tomando el brazo de Flora, conocida como la diosa de las flores, los jardines y la primavera en la mitología romana, también se sabe que Cloris es la equivalente de Flora en la mitología griega. Existen comentarios que mencionan que Cloris al unirse con Céfiro se convirtió en Flora.

Las tres gracias son conocidas como deidades de la belleza, la naturaleza, el encanto, la fertilidad y la creatividad humana, se consideran a las tres como : Aglaya, que representa a la belleza ; Eufrósine que representa al Júbilo y Talía que representa lo floreciente, estas visten ligeras telas aunque en otras obras son consideradas desnudas, pero su representación en la obra de botticelli es diversa, algunos consideran que representan tres ciudades – Pisa, Nápoles y Génova.

Después podemos ver a Mercurio al lado izquierdo de la pintura, él es considerado el mensajero de los dioses y es hijo de Júpiter. El es la versión romana de Hermes en griego.

En la obra se puede entender que está atrayendo las nubes con su vara, la cual dicen que infunde el sueño.

El último personaje que se puede ver en la obra es cupido, también conocido como Eros. Es el hijo de Venus y Marte, cupido se encuentra sobre Venus con los ojos vendados, tiene una flecha en llamas que está apuntando a una de las 3 gracias, esto simboliza el deseo amoroso.

1.6. Las tres Gracias - 1504-1505

La pieza fue pintada con óleo sobre lienzo y tiene forma cuadrada, con una dimensión de 6,7 pulgadas por 6,7 pulgadas. La fecha de origen no se ha determinado con certeza, aunque se especula que fue entre los 1500 a 1505. A lo largo de la historia, las Tres Gracias han sido

interpretadas de diversas maneras. Son los asistentes de las diosas y generalmente se les considera la personificación de la gracia y la belleza. También se ha considerado que representan los tres aspectos de la generosidad (dar, recibir y devolver regalos); las tres fases del amor (belleza, excitación del deseo, realización); y como la personificación de la castidad, la belleza y el amor. Las tres gracias de Rafael Sanzio representan la mitología griega, que

se cree que representan la belleza, la creatividad y la fertilidad, asimismo, esta pintura representa la primera vez que Rafael simboliza la forma femenina desnuda en las vistas frontal y posterior.

Las tres mujeres en la pintura pueden ser interpretadas por las etapas de desarrollo de la mujer, con la figura ceñida a la izquierda representando a la doncella y la mujer a la madurez de la derecha. Como se puede apreciar, esta pieza posee unas proporciones perfectamente equilibradas, ya que muchos creen que esta pintura es la misma mujer vista en diferentes lados. En cuanto el color, se observa que Sanzio emplea colores cálidos, lo que le da a este cuadro un ritmo simple y cadencioso de los tres desnudos, la gracia de los gestos y su sutil balanceo, la disposición de las figuras cuyas formas sinuosas se destacan contra el suelo, el cielo y el horizonte azulado.

Finalmente, la luz, muy suave, subraya la perfección de las formas de los tres cuerpos y los unifica: uno tiene la impresión de que es una misma mujer vista desde tres ángulos diferentes.

Además, el estilo del fondo de Las Tres Gracias se ha comparado con el de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci, ya que ambos están realizados en lo que se conoce como sfumato, un estilo de pintura renacentista asociado con un aspecto brumoso o borroso. En contraste con las hermosas Gracias, el telón de fondo es bastante sombrío, lo que contrasta directamente con la representación de las Gracias de Botticelli de 1482. Seguidamente, las figuras forman un conjunto encantador por la elegancia de las actitudes y la pureza de las líneas que se destacan sobre el fondo de un paisaje accidentado. Se puede afirmar que la fisonomía de las tres doncellas se halla a la altura de las mejores obras del pintor y representa el prototipo de belleza de la escuela clásica italiana.

1.7. Dánae recibiendo la lluvia de oro - 1553

La Dánae y la Lluvia de Oro fue pintada en un lienzo sobre óleo, sus dimensiones son 129x180cm y

se encuentra en el Museo del Prado (Madrid, España). Fue un encargo del rey de España, Felipe II (Welthey, 1975) hacia el autor de la obra Tiziano Vecellio. La obra está basada en la princesa mitológica Danaë.La escena representa el momento en que Dánae está encerrada en la torre y recibe la lluvia dorada, que es la personificación de Zeus. De esta concepción nace Perseo nueve meses después. Dánae fue vista en la Edad Media y el Renacimiento como un símbolo del efecto

corruptor de la riqueza, que podía manchar incluso la belleza femenina o la virtud moral. La pieza básicamente sería un desnudo. Toda la escena es un conjunto, por lo tanto, se encuentra en un único plano. En él se observa a una figura femenina desnuda recostada sobre un lecho en actitud de espera. Al lado se observa otra figura femenina más vieja y vestida, levantando su delantal para recoger las monedas que caen del cielo. Detrás en la parte derecha nos aparece lo que parece parece ser el muro de una torre, aunque no se distingue muy bien. También podemos destacar un perro junto a la figura desnuda, que está adormecido en el lecho. Se observa un claro predominio del color rojo y estas tonalidades le dan a la obra un carácter de dinamismo, vitalidad y un toque atractivo, asimismo se logra observar un contraste violento de amarillos y azules. También se ve la transición de la piel blanquecina de la joven en contraposición a la nube dorada que aparece en la parte superior, y el color oscuro de la sirvienta o celestina.

El principal foco de luz es la figura femenina desnuda, ya que se nos presenta con la piel muy pálida y blanquecina, al igual que el lecho donde se reclina. De igual manera, vendría otro foco de luz del cielo desde donde caen las monedas. En cuanto a las formas, el posicionamiento de triángulo escaleno que tiene Dánae, la podemos asociar con ideas de estabilidad y eternidad. La distribución de esta obra es sencilla y clara, ya que nos está narrando un mito, además, el uso de líneas curvas demuestra suavidad, tranquilidad, delicadeza, serenidad, calma, pasividad y encanto.

1.8. Las tres Gracias - 1638

En la composición se pueden observar tres mujer desnudas, las cuales son denominadas como Las

Tres Gracias, estas están inspiradas en Eufrosine, Talía y Áglae, las cuales, son personajes presentadas en la mitología griega. La pintura fue realizada mediante la técnica de óleo sobre una tabla y sus dimensiones son de 221 cm x 181 cm, está inspirada en la representación que hizo Rafael en el renacimiento, impulsando a Rubens a realizar su propia interpretación de la misma escena. Las gracias siempre han sido asociadas con la belleza y el amor, por lo que, eran la representación del prototipo de la belleza de la mujer a lo largo de las épocas y estas mismas cambiaban según el autor y la época en la que fueran retiradas.

En la interpretación de Peter Paul Rubens, se puede observar un cambio en el canon, volviéndose una adoración a los cuerpos femeninos más blandos, que estos presentaron mayor cantidad de grasa. Asimismo, la composición presenta fluidez en el accionar de los personajes y sus poses, ya que, en este movimiento predominan mucho las curvas.

Se presenta gran fluidez y continuidad en la línea, asimismo se empleó el uso de luces y sombras

para generar profundidad en la composición, la iluminación presentada en la composición es natural, ya que, la escena se lleva a cabo en un ambiente exterior, asimismo, se presentan gran cantidad de sombras.

La paleta de colores elegida genera un gran contraste entre el fondo que está lleno de detalles, frente al cuerpo de las tres gracias, el cual, es mucho más claro. La gama de colores empleados son

cálidos y los colores son metalizados, se sigue presentando en la composición una idea de simetría entre los personajes que están posicionados en la zona central de la obra y presentan gran expresividad. Además, se presenta una estructura formal geométrica que en este caso es triangular y la composición es compleja, debido a que, toda esta busca dar una sensación de movimiento.

1.9. Olimpia de E. Manet -1863

Edouard Manet fue un artista realista francés. Pintó el Olympia en 1863 aunque la pintura se exhibió por primera vez en 1865. Olympia es un óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 130,5 por 190 centímetros. Actualmente se exhibe en el Museo D'Orsay en París, Francia. Esta pintura era muy inusual en comparación a otras obras de Manet, ya que Olimpia era demasiado visual y clara, el artista la pintó de forma que se podían notar todos los símbolos que utilizó, debido a que lo hizo con pinceladas más fuertes,amplias y rápidas. La pintura resalta a la mujer desnuda que se representa con un tono de piel pálido, de modo que cada vez que la luz golpea la pintura, se convierte en el punto focal. El gato negro y la criada africana también realzan este foco, ya que están pintados en un color negro apagado y, por lo tanto, no desvían la atención del foco principal de la pintura. Lo logran creando un contraste de color en comparación con la mujer desnuda. Más aún, la composición de la pintura está formada por superficies con un gran color, que es superficial en profundidad, creando así

un contraste cuando las luces brillan debido a la presencia de medios tonos. Las grandes superficies de color se utilizan para potenciar el contraste deseado, mientras que los medios tonos eliminados proporcionan un contraste más claro entre la mujer desnuda de piel pálida, la criada de piel oscura y el gato negro del cuadro. Además, si se utiliza una iluminación brillante, se enfatiza su desnudez.

Pasando al tema de la perspectiva y línea, hay aquí un un evidente juego horizontal y vertical, por

ejemplo, la horizontalidad de la figura de Olympia y su chaise longue ocupan el ancho de la composición. Lo que llama la atención es la línea vertical dorada en el papel tapiz del fondo, que divide la parte roja oscura de la pared del verde oscuro. Esta línea está ligeramente separada del área genital de Olympia, donde descansa su mano. Se puede evidenciar el uso de la perspectiva lineal de Manet, ya que le da al cuadro un aspecto más plano y nos acerca a toda la escena.

Finalmente, Manet rechazó un enfoque establecido de la pintura que valoraba lo atemporal y eterno, Olympia sirvió para encarnar aún más, para sus escandalizados espectadores, un sentido del mundo

moderno como uno rebosante de incertidumbre y novedad. Olympia ocupa un momento crucial en la historia del arte. Situado en el umbral del cambio de la tradición clásica a una modernidad industrializada, es una metáfora perfecta de un pasado que desaparece irremediablemente y un futuro aún incognoscible.

1.10. La inspección médica - 1894

La inspección médica es una pintura de 1894, esta fue realizada con la técnica al óleo sobre un cartón y tiene unas dimensiones de 83.5cm x 61.4cm.

En esta se puede ver cómo es que dos mujeres, prostitutas, hacen cola para una revisión médica.

Estas tienen sus vestimentas alzadas mostrando la parte inferior de su cuerpo, en la cual, solo llevaban medias altas negras. Pese a considerarse una acción humillante, esta era un protocolo importante serciorarse de que no hubieran contraido una enfermedad venerea, ya que, en parís la prostitución era legal, solo se necesitaba un carnet y someterse periodicamente a inspecciónes.

En la pintura se buscaba representar de manera cruda lo triste, sórdido y enfermizo de la sociedad.

Estas mujeres llevaban a cabo uno de los trabajos más peligrosos, no solo por el hecho de que podía

contraer alguna enfermedad sexual, si no, que si llegaban a dar positivo tendrían que ingresar al hospital de Saint-Lazare o seguirian trabajando arriesgando su salud y la de sus clientes. Si es que daban negativo tendrían que seguir vendiendo su cuerpo hasta la siguiente inspección.

La composición presenta largas y rápidas pinceladas, asimismo, el color más predominante en la composición es el rojo, el cual, representaba la pasión, sangre, la infección; asimismo, este era un

color típico de ese tipo de lugares. La gama de colores empleados son cálidos y no presentan difuminado. Las líneas son notorias y se presenta una idea tanto de fluidez como de movimiento en la obra. Las dos mujeres resaltan frente al fondo casi monocromático que le da una idea de profundidad. Finalmente, se puede observar luz y sombras para darle textura a la vestimenta de las chicas y a estas mismas.

1.11. La raya verde - 1905

Esta obra pertenece al estilo Fauvista, el cuadro mide 40 x 32 cm. Fue pintado en el año 1905, su

técnica es óleo sobre lienzo. La mujer retratada es la esposa del pintor, si analizamos la obra podemos darnos cuenta que tiene una estética oriental por el peinado y la forma de los ojos ya que estos se ven ligeramente almendrados.

En la pintura se ve que las pinceladas tienen siguen un patrón de dirección y ritmo, tiene una cantidad escasa de contornos, contando que tiene elementos básicos.

Si miras a profundidad se ve que en el mismo lienzo se han mezclado los colores, también se enfoca en usar los colores primarios y los contrasta con colores secundarios, tiene una raya verde en el frente, según el artista es para dividir el lado en el cual cae la sombra y le da contraste. Se puede ver el cromatismo de la obra que provoca cierta frialdad, ya que hace parecer que ciertos aspectos han sido olvidados, tales como la luz y la perspectiva.

CAPÍTULO II

La imagen de la mujer a lo largo de la historia del arte: Análisis comparativo de 11 obras pictóricas y/o escultóricas 2.1. Análisis comparativo

ANÁLISIS COMPARATIVO DE LAS PINTURAS EGIPCIAS: LA REPRESENTACIÓN DE LA MUJER EN EL ANTIGUO EGIPTO A lo largo de la historia la mujer ha sido retratada de diversas formas dependiendo de la época, ya sea en esculturas o pinturas. La mujer no siempre ha sido vista como una persona con valor o era vista como algo inferior frente al

hombre. La sociedad siempre a estado llena de prejuicios y esto podía ser observado muchas veces en las representaciones artísticas de la época

Un ejemplo de esto es la forma en la que la mujer del antiguo Egipto era representada frente al hombre. Como ya se mencionó con anterioridad, la mujer era representada como inferior al hombre, siendo más común, su marido. A la hora de pintarlas la proporción de estas era mucho más inferior que la del hombre, su proporción era igual a la de los hijos o de los sirvientes.

La proporción de los personajes representa la importancia que estos tenían.

Asimismo, no se mostraba ningún tipo de comportamiento que infligieron en su dignidad de manera muy rígida

Hasta que Amenofis IV, o Akenatón reformó el estilo artístico, este mandó a

retratar escenas de él junto a su esposa e hijos jugando. Pese a que mostraba mayor realismo, movimiento (menor proporción), esta reforma no duró mucho y aun se podía observar a la mujer siendo retratada más pequeña que su esposo.

Las mujeres eran retratadas de un color mucho más claro comparado con los hombres.

ANÁLISIS COMPARATIVO DE LAS COMPOSICIONES PICTÓRICAS DE LAS

3 GRACIAS: LA REPRESENTACIÓN DE LA MUJER EN LAS DIVERSAS VERSIONES DE LAS 3 GRACIAS.

Las representaciones de la mujer varía mucho según la época de donde se hable, para esta en específico la mujer está representada como la personificación de la gracia y la belleza, todo lo perfecto y su realización idónea que existe en ella. A lo largo de la historia, las tres gracias han sido interpretadas de diversas maneras.

Según Enrique Gil Calvo (2005)

las tres gracias permiten pensar que la

feminidad está definida en términos de madurez, libertad y pureza. (p.498)

Un ejemplo de esto es la misma pintura, interpretada por diferentes artistas, las tres gracias de Rafael Sanzio (1483-1520), Sandro Botticelli (1477-1478) y la de Peter Paul Rubens (1630-1635). La mujer representada por Rafael era símbolo de belleza, fertilidad y creatividad, de igual manera pasaba con las demás

gracias, todas tienen algo en común, que vendría a ser el amor. A esto me refiero al valor que le da cada autor con su obra, por ejemplo en las gracias de Rubens, su tema principal del cuadro fue el amor por su última esposa y un encanto a la belleza y sensualidad, asimismo, los gestos y las expresiones son delicadas y amables. Las 3 figuras principales aparecen enlazadas por los brazos como si fueran a danzar, aquí podemos ver como el amor a su mujer pudo hacer que él realizara esa magnífica obra. De igual forma para las Gracias de Botticelli, en esta pintura, literalmente a las tres gracias danzando (Aglaya, Eufrósine y Talía), asimismo se puede ver la profundidad que sandro le dio a esta obra, hablo de los paisajes, y el volumen en sus ropajes.

También el movimiento y las formas ondulantes que las hacer ver más estilizadas

como si las tres mujeres estuvieran en el centro del enfoque, todo esto de tal manera en que se pueda observar la exaltación del cuerpo y la sensualidad de sus figuras.

Finalmente, puedo decir que todas las gracias fueron retratadas de la misma

proporción y detalladas, esto representaba su importancia, la importancia de la mujer como símbolo de cariño y amor.

ANÁLISIS COMPARATIVO DE LAS PINTURAS MITOLÓGICAS Y LAS CATÓLICAS: LA REPRESENTACIÓN DE LA MUJER EN LA MITOLOGÍA GRIEGA Y EN LA RELIGIÓN CATÓLICA Pese a que ambos tipos de pinturas se desarrollaron en un ámbito religioso, ya que, en ambos se presentaban dioses pese a que estos fueran diferentes, la forma en la que las mujeres eran representadas en sus respectivos cuadros eran

completamente diferentes.

En la mitología griega la mujer era muchas retratada desnuda usando la excusa de que al ser mitología de esa manera se representaba su divinidad, más estas mismas mujeres eran representadas siendo raptadas por otros dioses, siendo violadas, etc. Este tipo de representación demostraba que la mujer muchas veces era vista como un objeto, algo que los hombres podían poseer a su gusto sin que ellas pudieran decir nada al respecto, como se puede observar en la pintura ̈Dánae y la Lluvia de Oro¨ de Tiziano Vecellio. Según J.C. Bermejo Barrera, F.J. Gonzáles García y S. Reboreda Morillo (1996),

La

mujer,

para

los

griegos,

se

encontraba

orientada

única

y

exclusivamente desde el mismo momento de su nacimiento, hacia el matrimonio. Por ello se les educaba en la defensa y salvaguarda de su virginidad. Se las mantenía, hasta el momento de casarse como un ser que no debía visto, recluido en el hogar y que cuando esta salía al exterior

se debe mostrar únicamente su aspecto externo, su silencio y moderación (p.211)

Mientras que en las pinturas catolicas, La mujer más representada de manera pictoria es la Virgen Maria, como se puede obser en la pintura de ¨La anunciación¨ de Simone Martini, esta es completamente vestida y sentada en un trono de oro, viestiendo vestimentas llenas de detalles y de color azul, el cual, representaba su divinidad. Pero, cabe resaltar que a la hora de retratar la Virgen María se dejaba los prejuicios hacia las mujeres atrás, ya que esta era la madre de Jesús y no por el hecho de que fuera mujer en sí.

Por último, se sabe que el arte mitológico representa a las mujeres desnudas en casi su totalidad usando como excusa el hecho de que es mitología mientras que era una blasfemia mostrar el cuerpo de la mujer fuera de ese contexto, ya que era considerado que no tenía razón alguna. El cuerpo de la mujer era retratado estilizado, pálido, delicado y sin vello, un reflejo de “perfección” y de cómo se tenía que ver una mujer para considerarse bella. Mientras que los hombres eran retratados con vestimentas y más corpulentos. Se retrataban violaciones, secuestros y actos bárbaros hacia la mujer como algo común ya que era considerado que era en el ámbito mitológico. Y esta pieza no es la excepción, ya que representa una vioalcion de Zeus hacia Dánae. Se puede observar claramente como se sexualiza a la mujer de manera completamente innecesaria

usando la excusa de resaltar su divinidad, cuando lo que realmente querían dar a ver es su completa vulnerabilidad hacia los demás

ANÁLISIS COMPARATIVO DE LAS PINTURAS MITOLÓGICAS: LA REPRESENTACIÓN DE LA MUJER EN EL NACIMIENTO DE VENUS Y LA ALEGORÍA A LA PRIMAVERA

En las pinturas la mujer suele ser pintada de diversas maneras de la cual llama la atención del espectador, en especial por el tipo de vestimenta que les ponen, en muchas pinturas representan a la mujer de manera desnuda o con prendas casi transparentes en las que muestran todo su cuerpo. Según Laia Cabanillas Goñalons (2020):

Según algunos autores tales como Gombrich, Botticelli se sintió inspirado por las cartas de Lorenzo de Pierfrancesco y las transformó en propuestas plásticas de carácter mitológico, como La Primavera (1481-82) y El Nacimiento de Venus (1484). (p.22)

La diferencia entre las pinturas de el nacimiento de Venus y Alegoría a la primavera es que a la Venus en una de las pinturas se le visualiza con ropa, esta no está desnuda a comparación de la otra pintura en la que se le muestra tratando de cubrir su cuerpo desnudo.

Si vemos la pintura a detalle y notamos a los personajes secundarios nos damos

cuenta de que normalizan el hecho de secuestrar a una mujer ( Céfiro secuestrando a Floris), si averiguamos el contexto de la obra también podemos enterarnos de que en la obra Cloris fue raptada por Céfiro y la tomó como esposa, es decir, se da a entender que en la época la mujer es representada como un deseo del hombre, eso la minimiza.

ANÁLISIS COMPARATIVO DE LAS PINTURAS MITOLÓGICAS: LA REPRESENTACIÓN DE LA MUJER EN EL NACIMIENTO DE VENUS Y OLIMPIA

Para esta etapa la mujer se pintaba de la misma forma que la mitología, sin embargo en tal época, estaba "normalizado" porque hablábamos de temas mitológicos y ficticios. Pero para este tiempo, no habría ninguna excusa por la cual pintar a la mujer desnuda, y más aun representando a un común

prostituta,una mujer de la vida contemporánea. Ademas, se ha covnertido en un pintura muy edbatida dentro del movimiento feminista, especificametne en lo que respecta al tema de la mirada masculina y el papel de la criada.

Se observa como Manet explora cómo se representa a la criada de Manet de manera occidental y desde una perspectiva europea. La criada aparentemente se ve eclipsada por la mujer blanca reclinada frente a ella, se cree que hace desaparecer a la criada entre las cortinas del fondo. Mientras que la mirada de confrontación de Olimpia a menudo se menciona como el pináculo del desafío hacia el patriarcado, la mirada de oposición de la doncella de Olimpia se ignora: ella es parte del fondo y se presta poca o ninguna atención al papel crítico de su

presencia.

Como bien mencionamos en el anterior párrafo, esta pintura habría sido vista principalmente por hombres, pero es igualmente apropiado que el tema sugiere que la mujer es una prostituta que habría sido observada por los hombres y

habría sido el objeto de su afectos y deseos. Y para este punto, no cambia mucho de la perspectiva que vieron la pintura de venus.

Para un buen ojo entrenado en todo este periodo del curso de historia en el estilo clásico, Olimpia claramente no era un homenaje respetuoso a la obra maestra de Tiziano; el artista ofreció en cambio una copia empobrecida. En lugar de la voluptuosa figura de Venus de contornos perfectos, situada en un mundo ricamente atmosférico e imaginario, Olympia estaba pintada de forma plana, mal contorneada, carecía de profundidad y parecía habitar el sórdido mundo contemporáneo de la prostitución parisina.

Por lo que finalmente se puede decir que, la mujer está representada como una representación de mero placer para la satisfacción de los hombres, ya que en las dos obras, se ve como la figura masculina siempre intenta minimizar a la mujer, resaltando un desnudo en un tema no mitológico, como en este caso, el trabajo más antiguo del mundo y muchas veces denigrante para una mujer, la prostitucion.

CONCLUSIONES

•

Conclusión 1:

La representación de la mujer en el ámbito pictórico y escultórico está arraigada a la visión que la sociedad tenía de ellas, es decir, está llena de prejuicios y estereotipos que estaban presentes en cada una de las épocas. Eran vistas como algo inferior al hombre y que muchos veces no •

Conclusión 2

En algunas obras usaban a la mujer como una representación sexual, pintándola de manera desnuda o pintándola de manera erótica tratando de representar la perfección.

También dicen que en las pinturas se muestra la belleza y la perfección que

solamente los dioses pueden tener.

•

Conclusión 3

La mujer no era valorada, no tenía voz ni voto, era como no tener presencia, su único trabajo era ser bonita y acompañar al esposo que la eligiese. A

comparación de los hombres era minimizada de forma que en el arte era vista con proporciones más pequeñas que los hombres, lo que simbolizaba como inferioridad.

8

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REFLEXIÓN FINAL OBJETIVOS Y PENSAMIENTOS SOBRE EL CURSO:

El objetivo principal que tuve a lo largo del curso fue dar lo mejor de mi y realizar todos los trabajos de la mejor manera posible, entregar todo a tiempo y prestar atención a la clase lo más que pudiera, ya que, se me complica mucho los cursos que tengas historio, esto se debe a la gran cantidad de información que nos dan, por lo que, siempre intentaba tomar apuntes para recordar los temas que se exponían en clase Muchas de las actividades tomaron gran parte de mi tiempo para asegurarme de que estuvieran bien trabajadas y pese a que considero que me fue regular, me siento orgullosa de los trabajos que hice.

Considero que el mejor trabajo que hice fue el comic renacentista, fue uno de los más divertidos de hacer junto a la pintura rupestre.

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SOBRE MI

ARIANA XIMENA DIAZ ZEVALLOS CONTACTO 20210875@aloe.ulima.edu.pe

Soy una persona animada y alegre de segundo ciclo en la Universidad de Lima en la facultad de arquitectura. Me gustan mucho los temas relacionados con el arte, dibujo, pintura, etc. Prefiero leer antes que salir, me gusta mucho la ropa formal, el estar con la gente que quiero y las pequeñas acciones son cosas que me hacen feliz.

RECONOCIMIENTOS TERCIO SUPERIOR EN EL COLEGIO DECIMO SUPERIOR – FACULTAD DE ARQUITECTURA – CICLO 1

+51 999 942 647 Lima, Perú, Burgos 179, San Isidro 19/04/2004

PROYECTO FINAL DEL CURSO DE ARQUITECTURA I 2021-1 – SELECCIONADA PARA EXPOSICIÓN DECIMO SUPERIOR – FACULTAD DE ARQUITECTURA – CICLO 2 PROYECTO FINAL DEL CURSO DE ARQUITECTURA III - 2022-1 – SELECCIONADA PARA EXPOSICIÓN

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HISTORIA DEL ARTE Sección 325 Nombre del profesor

AMADA NÚÑEZ NORIEGA Sumilla del curso El curso de Historia del Arte es una asignatura teórica obligatorio, que inicia los cursos de historia y teoría de la arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

Objetivo general Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestro días.

Objetivos específicos 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental.

2. Dar al estudiante ejemplo que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida.

3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura.

4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

5. Objetivos de Desarrollo Sostenible - ODS: - Objetivo 5: Lograr la igualdad entre los géneros y empoderar a todas las mujeres y las niñas - Objetivo 10: Reducir la desigualdad en y entre los países - Objetivo 11: Lograr que las ciudades sean más inclusivas, seguras, resilientes y sostenibles