10. Nuevos productos
Columnas invitadas
18. La inteligencia artificial en la producción musical
Por Ferrer León
22. Tavo, Dave y Charly, voraces predadores del sonido
Por Mérlindon Crosthwaytt
6. Detrás del micrófono
EKOS, evolución sonora a una década de su debut
62.
28. Escenario Soundgirls.org en sound:check Xpo 2023
Por Carolina Anton
42. LARA, de DAS Audio, en el tour más caliente de Bad Bunny
60. Curandera, una guitarra para el alma Por Alonso Arreola
56. Reporte especial Rihanna: diamantes para su show en el Super Bowl
66. Avances sound:check Xpo 2023 ¡Es este mes, es este mes!
La industria de la música y el espectáculo 1
D i r e c c i ó n Jorge Urbano
E d i t o r a y c o p y w r i t e r Nizarindani Sopeña
D i s e ñ o Héctor Barrera
S t a f f E d i t o r i a l Marisol Pacheco
A d m i n i s t r a c i ó n Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera
V e n t a s y M e r c a d o t e c n i a Claudia Pérez
D i g i t a l M a r k e t i n g C h i e f Edith García
Una vez más nos sentimos muy emocionados de invitarlos a la que se ha convertido en la reunión más importante de la Industria de la Música y el Espectáculo: sound:check Xpo, que como cada edición, se ha esmerado en ofrecer grandes opciones en la producción de shows de todo tipo, ya sea en equipos (audio, video, iluminación, video, escenarios, DJ y relacionados), y en actualización y capacitación para los profesionales de nuestro gremio.
Además de asistir al piso de exhibición, las salas demo y todos los espacios en los que se exhibirán los equipos y servicios de la Industria, eerá un honor que nos acompañen una ocasión más en esta celebración, en la que nos encontraremos para conocer las tendencias de la Industria y aprender; hemos planeado tres masterclasses que no se pueden perder, con Alonso Arreola, Benny Ibarra y Fela Domínguez, además de tener la presencia del ingeniero de estudio y productor Ed Stasium, que compartirá sus invaluables experiencias con bandas como Talking Heads y Ramones. ¡No se la pierdan!
Más personajes de nuestro medio estarán presentes para impartir charlas en las Tendencias Tecnológicas de audio, video, iluminación y producción; además, sound:check Xpo contará con espacios como De músico a músico, Audio Engineering Society (AES), Avixa y SoundGirls.
Es por todo esto que, para abrir boca, publicamos en esta edición la charla que sostuvimos con Ed Stasium, en la que conoceremos un poco más de su trayectoria y de cómo evolucionó su carrera con tantos cambios como ha sufrido el medio de la grabación en el mundo. Acompañado de nuestras secciones mensuales, escritos por nuestros talentosos colaboradores, les aseguramos una lectura amena, previo a su asistencia a sound:check Xpo.
Ya quedamos entonces: ¡allá nos vemos!
Nizarindani Sopeña
twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena
E d i t o r A u d i o v i s u a l José Luis Careaga
C o r r e s p o n s a l G u a d a l a j a r a Juan Carlos Flores
I n t e r n e t www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx
T e l é f o n o (55) 5240 1202
Revista mensual. Año 25, No. 296.
Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo.
Orgulloso miembro
Adiez años de su lanzamiento, “Luz Interna” representó el punto de partida en la auto producción discográfica para la banda mexicana EKOS.
Con un concierto en el Foro 1869, la banda celebró sonando completo el álbum, añadiendo invitados sorpresa, intervención pictórica en vivo y el estreno de nuevas canciones. De cómo ha evolucionado su trabajo en el estudio y su sonido, reflexionan Ana Camelo (teclados), Jesús Torres (guitarra y voz), Víctor Juárez (bajo) y Ricardo Castro (batería).
“Teníamos que celebrar porque son diez años de nuestro primer disco y de permanecer como banda independiente. Nunca hemos tenido un productor externo, pero cada disco ha sido una experiencia de aprendizaje tremenda de todo esto. En ese primer álbum, cuando llegamos a Subteraudio no sabíamos nada. En el segundo disco nos fuimos a Sound Moe, donde conocimos a otros ingenieros increíbles, como Gabriel Chávez y Manuel Vargas, y fue trabajar con otro equipo, preamplificadores, interfaces y micrófonos y eso fue un nuevo conocimiento; en uno nos grabaron con Cubase y en otro con Pro Tools... todo fue una experiencia nueva. El cuarto que tienen en Sound para grabar las baterías y las voces, las guitarras, significó un aprendizaje y ahí conocimos a Gabo, quien se volvió nuestro ingeniero de sala”, relata de inicio Ana.
De esa primera sesión en Subteraudio Digital, la batuta la marcó el ingeniero Pablo Núñez, responsabilizándose de la captura, mezcla y masterización. El proceso de “Luz Interna” tomó dos años para su realización, en contraste con la grabación de sus subsecuentes discos, como expone Jesús: “Algunos procesos, como la masterización, nos fuimos dando oportunidad de hacerlo con otros oídos, como pasó con el segundo –“Otra dimensión”-, que masterizó Brett Caldas-Lima en Francia; la mezcla de éste la hizo Toño Ruíz y del tercero -”Instinto”-, se encargó Manuel Vargas. Eso ha ido marcando cómo hemos ido evolucionado y avanzado poco a poco”.
En aquella primera grabación, el sonido de cada integrante se comenzó a distinguir por el uso de los siguientes instrumentos: “Yo siempre he sido fan del sonido de Pearl en la batería, bien equilibrado, ni muy agudo ni muy grave. Ese disco lo grabé con la Pearl Masters Custom y platillos Zildjian que me encantan porque creo están bien balanceados. De hardware combino Pearl, DW y Gibraltar y en baquetas siempre voy con Vic Firth, que duran muchísimo”, detalla Ricardo Castro.
Por su parte, Ana se estaba acomodando a un controlador M-Audio: “Ahí diseñaba todos mis sonidos usando Omnisphere, un plug in inmenso que está padrísimo y tiene muchos sintetizadores y samplers. Casi todo el disco lo diseñé con eso. En el estudio grabé un piano Kurzweil y en esos dos años que tomó grabarlo, logré comprarme el teclado de mis sueños: un Nord Stage X con el que volví a grabar varios tracks. Me gusta su fidelidad sonora y que tienes todo a la mano, pianos sampleados que suenan como ninguno y puedo escoger si quiero tocar con un Yamaha o un Steinway; el Stage que escogí tiene una sección de síntesis que me encanta y da muchas posibilidades de diseño de audio y con él aprendí a hacer síntesis. Ahora ya todo se descontroló y colecciono análogos. Ahora tengo conectado un Korg al Nord y es como expandir el cerebro del sintetizador; desde ahí puedo asignar mis pedales y todo queda muy accesible. Como teclado en vivo es inigualable para mí”.
En el caso de Víctor, todo arrancó con su amor por el sonido de los bajos Yamaha:
Para la presentación en vivo de “Luz Interna” en su décimo aniversario, se tuvieron invitados como los exintegrantes Ricardo Castro y Eduardo Carrillo, además de Erika
Flores, flautista de la Orquesta Filarmónica de México, y Alex Otaola.
“Había usado un TRB de seis cuerdas. Estuve 15 años con ellos y ahora, como parte de esa evolución, estoy sonando un Fender de cuatro cuerdas, un cambio radical que ha sido pasar de seis a cuatro cuerdas, un proceso muy divertido para pasar las ideas ahí”.
Batería
Pearl Masters Custom
Platillos Zildjian
Hardware Pearl, DW y Gibraltar
Baquetas Vic Firth
Teclados
Controlador M-Audio, plug in Omnisphere
Piano Kurzweil
Nord Stage X
Korg
Guitarra
Music Man, Fender, pedales Boss, PRS, Helix
Encisos, que en uno de sus cuadros está basada la portada del disco. “Pensamos en un show multimedia porque el Foro 1869 se presta para ese tipo de espectáculos, su equipamiento es muy bueno, con audio y pantallas de alta calidad; las canciones se acompañaron con proyecciones que permitieron hablar de la esencia de las canciones y así tratar de reflejar y mostrar al público que “Luz Interna” fue el resultado de muchas ideas”, comenta Jesús.
Para Jesús, la aventura arrancó con Music Man y Fender: “Luz Interna’ lo grabé con una guitarra Music Man, amplificadores Fender y pedales Boss. De ahí he llegado a la que se ha vuelto mi marca favorita: PRS. Son instrumentos que para mí son la evolución de la guitarra. Esta marca tiene mucha variedad de sonidos; estoy enamoradísimo de la marca, de la belleza del instrumento y su sonido. Otro gran descubrimiento fue usar Helix, procesador de efectos para guitarras; sí me costó, pero lo estudié bastante. Vale la pena el cambio y haces un diseño de audio muy bueno que los ingenieros aman. Para la voz uso Shure, un Beta que me encanta su parte de medios agudos, que para nuestras voces queda muy bien”.
Lo nuevo para la banda de rock progresivo es ir presentando nuevas canciones en el formato de sencillos y apostar por el lado coleccionista de sus fans: “Parte de la evolución que vivimos fue que en la pandemia estudiamos audio y armamos nuestro estudio. Ya estamos capturando y mezclando y ya tenemos cuatro composiciones nuevas que iremos manejando como sencillos. Estamos muy emocionados porque se está sumando Gustavo Sacchetti, ganador de Grammys, quien está masterizando y haciendo una mancuerna interesante con nosotros. Lo admiramos por su trabajo con gente como Patitucci y Cerati, y que nos haya pedido los stems para mezclarnos una canción, nos dio mucho gusto. Además hicimos una pieza Alex Otaola que estrenamos en el aniversario y quedará para la grabación del show en vivo”, detalla Ana.
Para la presentación en vivo de “Luz Interna” en su décimo aniversario, se tuvieron invitados como el regreso de ex integrantes como Ricardo Castro y Eduardo Carrillo, además de Erika Flores, flautista de la Orquesta Filarmónica de Méxic, y Alex Otaola, además de la intervención pictórica en vivo de la pintora Laura
bloque de canciones que comentamos será lanzado por sencillos y tendremos una playlist sonando. Además, lanzaremos discos de vinil por pedido a través de Luz María Cardenal, que hace maquila de discos por pedido y artesanales. Para coleccionistas será una buena opción”, comparte finalmente Víctor.
Entevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
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Para depurar el ruido ambiental que se llegara a capturar en la grabación de voces, Clarity Vx es un plug in que ayuda a eliminar el sonido de instrumentos en el escenario, ruido de la multitud o ruido ambiental, sin restar fidelidad o interferir con la voz. Está impulsado por el mismo motor de Waves Neural Networks, es de fácil uso a través de su interfaz simplificada que produce pistas vocales limpias sin daños en el material de origen. Clarity Vx elimina el ruido generado por el aire acondicionado, los ventiladores de las computadoras, el tráfico, entre otras fuentes de ruido. Vari Internacional. 55 9183 2700
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Con entradas y salidas que se pueden cambiar entre instrumento y nivel de línea, el H90 funciona tanto en estudio como en vivo, y está basado en la arquitectura ARM del H9000. Posee 62 algoritmos de efectos e innumerables parches, usando la tecnología de cambio de tono polifónico de baja latencia que Eventide llama SIFT, para seguimiento de frecuencia instantánea espectral. Entres sus efectos destacan: Polifony para cambiar de tono acordes y dar efectos de coro, Prism Shift para cambiar arpegios separados de tonos de acordes individuales y WeedWacker que opera como overdrive. eventideaudio.com
Se trata de la evolución del Rectifier con actualización tonal conseguida de acoplar los circuitos del preamplificador Badlander a una sección de potencia cargada EL84 conmutable de 25 a 10 watts, basada en la potencia patentada Dyna-Watt de MESA. Cuenta con dos canales que pueden funcionar como Clean, Crunch o Crush; lleva el Cabclone IR incorporado (como también lo hacen ya otros modelos de Mesa Boogie), un sistema de caja de carga y reproductor de IR’s que permite grabar este cabezal sin pantalla y en silencio. Cuenta con un loop de efectos a válvula y, en el caso del combo, está equipado con un altavoz Celestion Creamback 65 Watt. mesaboogie.com
Conforme la tecnología avanza, hemos podido ver cómo la inteligencia artificial (IA) está adquiriendo una mayor importancia como herramienta valiosa para músicos y productores; es un hecho que este recurso está cambiando la manera en la que creamos, producimos y consumimos la música.
Una de las principales formas en las que la IA está impactando la producción musical es a través del uso de algoritmos para generar y componer música. Existen programas de este tipo
capaces de generar melodías, armonías, ritmos, arreglos y acordes complejos, permitiendo a los músicos y productores experimentar con nuevos sonidos y estilos sin tener que pasar horas componiendo a mano. También existen herramientas de IA que pueden analizar grandes cantidades de datos sobre música publicada y sugerir patrones y tendencias para ayudar a los músicos a componer música que sea más probable que sea popular. Además, la IA también está teniendo un gran impacto en el proceso de composición musical, ya que
es capaz de generar música de forma autónoma, utilizando algoritmos para crear melodías, armonías y ritmos únicos. Estos programas utilizan técnicas como el aprendizaje automático y la generación de texto para crear música que suena coherente y estilísticamente similar a la música creada por humanos.
La inteligencia artificial también está impactando la forma en que se mezcla y masteriza la música. Ya se dispone de programas de IA que pueden analizar y ajustar automáticamente los niveles de volumen, ecualización y compresión en una canción, lo que permite a los productores ahorrar tiempo y esfuerzo en la etapa final del proceso de producción. Además, hay herramientas que pueden analizar y mejorar el sonido de una canción para que suene lo mejor posible en diferentes sistemas de reproducción, desde audífonos de alta gama hasta altavoces de baja calidad. Por otro lado, la IA también está cambiando la forma en que se promueve y se consume la música. Ya contamos también con aplicaciones de este tipo que analizan los datos de reproducción de una canción y pueden sugerir a las disqueras y los artistas la forma de promocionarla mejor; así mismo, hay herramientas de inteligencia artificial que pueden recomendar nueva música a los consumidores en función de su historial de reproducción y de las canciones que les gustan, lo que les permite descubrir nueva música más fácilmente.
Sin embargo, también hay preocupaciones sobre el impacto de la IA en la industria musical. Ha comenzado a nacer el miedo de que este recurso reemplace a músicos y productores humanos, o que pueda generar música fría, artificial y sin alma. También hay temor sobre cómo la IA afectará a la diversidad y la creatividad en la industria musical, ya que se teme que los algoritmos puedan favorecer ciertos géneros y estilos sobre otros. Otra preocupación existente es que la inteligencia artificial pueda continuar con ciertos prejuicios y desigualdades existentes en la industria, por ejemplo, si los datos utilizados para entrenar una inteligencia artificial provienen de una población predominantemente de un género o raza específica, es probable que la herramienta continúe con estas desigualdades al recomendar y promover principalmente
música de ese género o raza. Si bien la inteligencia artificial tiene el potencial de ser una herramienta poderosa para mejorar la producción, promoción y consumo de música, también plantea desafíos y preocupaciones importantes sobre la diversidad y la inclusión en la industria musical. Es por ellos que es importante abordar estos desafíos de manera ética y responsable para asegurar que la IA contribuya de manera positiva a la industria musical.
Este recurso no reemplazará a los músicos, que tienen una necesidad inherente de expresión y que seguirán tocando y creando música.
Otra forma en la que la inteligencia artificial está impactando la producción musical es mediante la creación de instrumentos virtuales y samples muy realistas, que pueden ser utilizados en la producción de música electrónica y en la creación de bandas sonoras para películas y juegos, así como también está siendo utilizada para generar partituras y notas para orquestas y bandas, lo que facilita la creación de música a gran escala.
La inteligencia artificial también está siendo utilizada para mejorar el rendimiento en vivo de los artistas, ya sea mediante la creación de efectos visuales y sonoros personalizados, o mediante la generación de música en tiempo real en función de las acciones del artista o del público. Esto permite a los artistas crear experiencias de concierto únicas e interactivas para su audiencia.
Después de experimentar con la IA e investigar un poco sobre ella, he llegado a la conclusión de que puede que se segmenten los nichos a corto o mediano plazo, pero este recurso no reemplazará a los músicos, que tienen una necesidad inherente de expresión y que seguirán tocando y creando música. Una inteligencia artificial difícilmente sentirá lo que el músico siente para crear su obra; sin embargo, estará a la disposición de aquellos que no son precisamente músicos, pero quieren hacer música a través de estas herramientas. Sin duda será
una herramienta muy relevante en la industria, que por un lado permitirá a músicos y productores obtener opciones y sugerencias y/o ampliará sus posibilidades artísticas, su creatividad y su conocimiento, mientras que por otro lado será capaz de crear éxitos musicales de manera automatizada para
Sigamos creciendo y haciendo música sin temor a ser reemplazados; usemos a favor esta gran herramienta que ya está disponible, preparémonos y sin duda crearemos obras que tomen un curso insospechado.
aquellos que así lo deseen sin necesidad de ser músicos o sin tanto esfuerzo. Lo que sí queda muy claro es que, nuevamente nos vemos en medio de los desafíos de adaptarnos y aprender a sacar el mejor provecho para crecer como músicos, productores y artistas.
En el futuro, se espera que la inteligencia artificial también tenga un impacto significativo en la forma en la música sea distribuida y consumida la música. Los programas de IA podrían ser utilizados para crear listas de reproducción personalizadas y recomendaciones de música en función de las preferencias individuales de los usuarios, lo que permitiría a los artistas llegar a su público objetivo de manera más eficiente. También se espera que ayude a los artistas y sellos discográficos a monetizar mejor su contenido, ya sea mediante la creación de nuevos modelos de negocio o mediante el uso de tecnologías de blockchain para garantizar la autenticidad y la propiedad musical.
En conclusión, la inteligencia artificial está teniendo un gran impacto en la producción musical, tanto en términos de creación de música como de producción y distribución. A medida que la tecnología avanza, es probable que veamos un aumento en la utilización de la IA en la industria musical, lo que permitirá a los artistas y productores crear música de mayor calidad y llegar a su público de manera más eficiente. Sin embargo, es importante tener en cuenta que la Inteligencia artificial no debe ser vista como un reemplazo
para la creatividad humana, sino como una herramienta que puede ser utilizada para mejorar y amplificar nuestra capacidad creativa. Así que sigamos creciendo y haciendo música sin temor a ser reemplazados, usemos a favor esta gran herramienta que ya está disponible, preparémonos y sin duda llegaremos a crear obras que tomen un curso insospechado con la utilización correcta de las posibilidades que nos brinda; adaptémonos y saquemos el mayor provecho de toda la tecnología que conocemos y de toda la que esté por venir.
*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com
Los arriesgados Dave Shaman en las voces, Charly Muñoz en la batería e ingeniería y Tavo Cabre en la guitarra, de la banda Predador, son a tal grado tan hambrientos del sonido y de la composición, que parasitaron, vorazmente y sin piedad, el rendimiento sonoro de cada uno de sus instrumentos musicales. Consolidaron, con su gran experiencia dentro de la industria de la música y siendo jóvenes, su primera producción discográfica titulada “Fuera de control”. Definitivamente se descontrolaron en la apetitosa búsqueda de reencontrarse a sí mismos y resonar con su poderosa capacidad de adaptación a los difíciles retos impuestos por la pandemia; los cuales continúan, no sólo superándola con gran y admirable valor, sino que además van por muchas más composiciones, grabaciones y formas naturales de sonar.
Cuando pregunté a Tavo Cabre qué guitarras utilizó, contestó: “Todas; usé todo”; a lo que Dave y Charly agregaron: “Queremos todo”. Con Dave en las voces, Charly en la batería y en la ingeniería, este original trío, logra honrar a lo mejor del rock engendrado en las décadas de los setenta y ochenta, a través de los auténticos y originales riffs de la potente y fina guitarra de Tavo Cabre, quién usó todos sus equipos al máximo y al detalle. Para lograr sus 10 canciones, no dejaron nada que los armónicos y las alturas tímbricas de la voz, la batería, el bajo y las guitarras, puedan ofrecer a sus insaciables oídos. Estos tres resilientes artistas se devoraron la pandemia y le sacaron provecho al aislamiento para lograr letras de alto nivel intelectual, existencial y con gran calidad humana. El encierro les permitió explotar, en sus home studios, sus mentes, su calidad auditiva, la reflexión profunda y los estragos experimentados, en carne propia, sobre las duras enseñanzas de la pérdida.
Predador que no va por su presa, su presa irá por él
Dave y Charly definen: “Predador” proviene del arquetipo seductor, hipnótico y devorador que representa a la serpiente a través de su sigiloso movimiento y capacidad de permanecer estática, como a la vez focalizada sobre su víctima. Cada uno de nosotros, como seres humanos, somos predadores. Nos comportamos seductores, eróticos e hipnóticos en muchos sentidos para conseguir cazar algo o, a alguien”. Concluyen que cada persona debe ser “consciente y responsable” de la forma en la que va por lo suyo.
Bajistas invitados en cada canción
Diana Wolf: “Predador”
“Pabletion” Pablo Enríquez: “De hoy en más”
Danny Pérez: “Fuera de control”
Fito Cedillo: “Destino”
Fabs Tejeda: “Enciéndelo”
Allan Pérez: “Retrospectiva múltiple (Sigo aquí)”
Aleksey Zharun: “Loop eterno”
Tío Beto (Beto Abín): “Un grito”
Gualo García: “Anaconda”
Lu Salinas: “Fundido en tu piel”
Guitarras, batería y micrófonos para voz
Tavo Cabre utiliza guitarras y procesadores Telecaster Custom P90 para guitarras rítmicas con overdrive y crunch, Gibson Firebird Studio P90 para rítmicas limpias y con overdrive, Gibson Firebird Std para rítmicas y solos, Fender Stratocaster am STD para guitarras limpias, Schecter PT fastback para guitarras crunch, Gibson Les Paul std para solos, Washburn P290 para rítmicas. Procesadores: HotoneAmpero II Stomp . Nux – MG30 y un Line 6 Helix. Cuerdas: D’Addario NYXL1046 y XTE1046. Cables: D’Addario.
Charly Muñoz utiliza batería Premier. Dave Shaman utiliza micrófono AKG C12.
Antes de formar Predador, Tavo Cabre conoció al grupo Ágora mientras éstos grababan su primer disco titulado “Segundo pasado” y al mismo tiempo conocieron, por fin, al baterista Charly Muñoz; quien en ese instante era parte de Tercer acto y estaba previo a iniciar su nuevo proyecto Hydro entre los años 2003 y 2005. En paralelo, Tavo inició tocando la guitarra con la banda de metal Radar, momento para el cual instaló su home studio y una sala de ensayo, donde Ágora, Hydro y Radar ensayaban. Para una presentación de Hydro y Radar en el lugar Las Hormigas y durante el soundcheck, el guitarrista de Hydro no llegó, así que Tavo cubrió la prueba de sonido; al terminar fue cuando Charly le comentó: “Algún día deberíamos hacer algo juntos” y así formalizaron hasta el año 2017. Dave Shaman en la voz se integró a la banda por el gusto que le generaron las primeras maquetas y actualmente aporta su calidad vocal y talento para desarrollar las letras.
Una vez consolidado el trío, a pesar de no contar con un bajista, el grupo inició a grabar maquetas con Dave en Caguama Records, el estudio de Charly; justo en ese momento se decretó el encierro por la pandemia y comenzó la preocupación ante la posibilidad del contagio. Aun así, arrancaron a grabar el tema “Anaconda” y continuaron en la creación de los temas “Fundido en tu piel” y “Fuera de control”. Explotó la creatividad en la banda y Tavo compuso diversas canciones, al tiempo de subir a las redes sociales un tema a la vez, siendo precisamente “Anaconda”. Al ver cómo la crisis sanitaria generaba destrucción, se inspiraron en componer “Destino”; los estragos y las secuelas del encierro comienzan, gradualmente, con su doloroso impacto.
Con relación a la banda de covers de Tavo llamada “La Furia”, lamentablemente falleció su vocalista Manuel López Cagina en agosto del 2021, junto a otra pérdida muy sensible en su entorno privado; ambas pérdidas por covid. “Las canciones ya estaban hechas; sin embargo, lo más doloroso fue el encierro, el cual aproveché para componer en las madrugadas entre 2020 y 2021”, agrega Tavo. Mientras tanto en la ingeniería y la producción, Charly trabajó -on Line- con artistas de Rusia y Dubai. Le fue muy bien y pese al encierro, continuó con su ritmo de vida dentro de su estudio. Por su lado, Dave, con su banda Shaman y quien radica en San Luis Potosí, experimentó la pérdida de su ex-baterista, también por el virus. “Sentí que no podía hacer nada por ayudar y
pese a que me gusta mi privacidad, caí en depresión por no lograr desenvolverme durante la pandemia, pero aproveché para continuar impartiendo clases como “Vocal Coach” en línea, comenta Dave. Como ejemplo de superación y trabajo en equipo, este primer disco de Predador está disponible en todas las plataformas digitales y se encuentran en: booking@ rockgnosis.com
*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, filántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.
¡Estrategias de grabación políticamente incorrectas!
En la canción “Loop Eterno”, para el solo, Tavo grabó, en un canal, la guitarra y en el otro sólo la reverb, logrando una sensación en estéreo muy interesante. Para la misma canción, Charly utilizó afinaciones diferentes para la batería y además la grabó al natural, sólo microfoneando el set y abrió la puerta del baño para explotar la reverberancia de los azulejos y la bañera. Dave acompañó su canto en “Destino” con una guitarra Washburn Electroacústica Jumbo Thin Cutaway EA40SCE; lo más políticamente incorrecto fue que grabó la voz con audífonos de manos libres y quedó con muy buena calidad para el disco. El bajista Ruso Fabs Tejeda, desde España, envió 6 tracks y Charly casi no movió frecuencias para dejar lo más natural posible las sesiones.
“Fuera de Control” fue mezclado por Charly Muñoz en Caguama Records (@CaguamaRecords) y fue masterizado por Luis Gutiérrez en Estudios Noviembre, excepto: “Anaconda”, masterizada por Paul Grundman en Bernie Grundman Mastering.
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La música se ha utilizado muchas veces como expresión social. Hay canciones y artistas que ponen en palabras lo que muchos estamos pensando. Al interpretar canciones que abordan los principales problemas de nuestro tiempo, como la diversidad, grandes músicas como Vivir Quintana y Natalia Lafourcade han sido ejemplos a seguir.
Actualmente se ha visibilizado mucho más la parte musical; festivales, plataformas de streaming y disqueras han mostrado interés en apoyar a las mujeres y esto es un paso primordial en todo sentido, pero estamos olvidando un punto muy importante…somos muchas mujeres que realizamos trabajos “invisibles” dentro de la industria del espectáculo, el área
técnica y ejecutiva donde muchas mujeres ejercemos trabajos como ingenieras de iluminación, de sonido, productoras musicales, de espectáculos, managers, técnicas y muchas más áreas que son fundamentales para que esta industria pueda existir. Espacios como sound:check Xpo han brindado un gran apoyo además de muchas marcas y empresas y lo más importante: mujeres profesionales, estudiantes, artistas, productoras e ingenieras se han sumado para hacer comunidad, unir fuerzas y con esto visibilizar el profesionalismo de esta área que muchas veces no se ve.
Soundgirls.org ¿Quiénes somos?
Es una organización sin fines de lucro fundada por Karrie Keyes, que tiene como objetivo brindar a las mujeres de la industria
del espectáculo una comunidad de apoyo y asesoramiento, así como de empoderamiento e inspiración. Desde su creación en 2012 se ha convertido en una organización internacional con más de 6,000 miembros y sedes en todo el mundo. Uno de los principales objetivos de Soundgirls.org es brindar becas, tutorías, oportunidades laborales, desarrollo empresarial y talleres, y creemos firmemente que “No puedes ser lo que no puedes ver”.
En 2016 comenzó la sede de Soundgirls.org en México, siendo la primera organización en apoyo a las mujeres del espectáculo en nuestro país. Gracias a patrocinios de marcas, empresas y por supuesto sound:check quien actualmente es nuestro más grande patrocinador, hemos logrado hacer el Escenario de Soundgirls.org dentro de sound:check Xpo 2023 en la Ciudad de México.
sound:check Xpo fue donde se presentó por primera vez Soundgirls.org en México y ha sido increíble el crecimiento que hemos tenido, ya que hemos logrado llegar a más mujeres que trabajamos en la misma industria y también hemos logrado colaborar con más mujeres de Latinoamérica e Hispanoamérica. La participación de Soundgirls en estas regiones ha logrado hacer diversos seminarios en español, impartidos por mujeres, además de hacer capacitaciones y certificaciones enfocadas a profesionalizarnos y mantener vigentes los conocimientos tecnológicos. Estamos muy contentas de que más mujeres latinoamericanas se hagan acreedoras a becas nacionales e
internacionales para cumplir sus sueños y metas, logrando un crecimiento y con esto hacer visible al talento y gran trabajo de muchas de nosotras e impulsando a las nuevas generaciones. Contamos con distintos convenios con diversas universidades donde se han impartido pláticas y masterclasses con el fin de compartir conocimientos a los y las estudiantes.
Actualmente contamos con una mesa directiva en México y en Estados Unidos para asegurar que toda la información, capacitación y soporte sea confiable y segura.
En las actividades de 2023, contaremos con masterclasses y una mesa redonda que hablará de temas importantes, relacionados a la industria de la música. Por otro lado, para nosotras es también fundamental apoyar la parte creativa, por lo que presentaremos a grandes artistas que nos deleitarán con su música. Cabe mencionar que toda la realización técnica se llevara a cabo por voluntariado de miembros Soundgirls. org. (si te interesa participar, favor de contactarnos al correo soundgirls@soundgirls.org).
Este año, dentro del marco de sound:check Xpo, estamos muy contentas de anunciarles a nuestras invitadas y colaboradoras.
Con el objetivo de hacer comunidad y fomentar la equidad de género, es una gran felicidad para nosotras tener la participación y patrocinio de La Academia Latina de Artes y
Ciencias de la grabación (Latin Grammy), con la conferencia “Capacidad, Calidad y Equidad presentado por La Academia Latina de la Grabación”. Participarán:
Isabel Paz, nombrada recientemente Directora de Servicios a Miembros en La Academia Latina de la Grabación. En su nuevo cargo, Isabel combina los conocimientos que adquirió durante más de 20 años en el sector para prestar el mejor servicio a nuevos y actuales miembros, retener y aumentar activamente el número de miembros diversos y a la vez poner en práctica campañas estratégicas para motivar la participación continua. Antes de incorporarse a La Academia Latina, Isabel Paz trabajó en Warner Music Group como directora adjunta de Prensa y Publicidad. Su trayectoria en el campo de comunicaciones le permite conectar con la gente fácilmente. Además, su experiencia en el trabajo directo con artistas, disqueras, promotores de conciertos, medios de prensa e importantes líderes de opinión, la hace una aliada de confianza para los miembros de Latin Grammy y creadores de música en todo el mundo.
como Mary J. Blige, Ricky Martin, Marc Anthony, New Kids on the Block, Juanes, Laura Pausini, Paula Arenas, Aterciopelados y muchos más.
María Elisa Ayerbe. Ingeniera de sonido y productora musical colombiana ganadora del Latin Grammy, con más de 15 años de experiencia en grabación, mezcla, post-producción de audio y producción musical. María Elisa ha trabajado para artistas
Salomé Limón. Productora, ingeniera, compositora y diseñadora de sonido, ganadora de 5 Latin Grammys y nominada cinco años consecutivos a mejor ingeniería de sonido. Salomé ha trabajado con artistas de la talla de Andrés Calamaro, Paco de Lucía, Anoushka Shankar, Chick Corea, John Legend, Vampire Weekend, Enrique y Estrella Morente, entre muchos otros. Es fundadora y presidenta de PIAudio.
Natalia Perelman. Productora y gestora. Ha trabajado para artistas y productores como Gustavo Cerati, Abel Pintos, Hilda Lizarazu, Guillermo Vadalá, León Gieco, Liliana Herrero, Teresa Parodi, Víctor Heredia, Soledad Pastorutti, El Canto del Loco (España), Daniela Mercury (Brasil), La Bruja Salguero, Los amigos del Chango, Peteco Carabajal, Popi Spatocco, Luis Gurevich, Facundo Guevara, Andrés Calamar y Raly Barrionuevo, entre otros. Es fundadora de la Red Multisonora (RMS).
Giovanni Asselta. Dolby Senior Sales Manager dará una plática sobre el formato Dolby Atmos Binaural. El público podrá vivir la experiencia de escuchar música en este formato, utilizando audífonos.
Artistas invitadas
Por otro lado, en el Escenario Soundgirls.org tendremos la presencia musical de Andrea Franz, León Neón, Ale Moreno y Mare Advertencia junto con Vivir Quintana, quienes por primera vez presentarán el tema “Árboles bajo el mar”, que forma parte del soundtrack de la película “Black Panther: Wakanda Forever”. Además, las artistas nos platicarán sobre el proceso creativo de este tema.
Carolina Antón. Empresaria, manager, productora e ingeniera de sonido. Presidenta de Soundgirls.org en México, es miembro activo de La Academia Latina de la Grabación y del Círculo de Productores e Ingenieros de los Latin Grammy. Ha trabajado con artistas de la talla de Natalia Lafourcade, Alondra de la Parra, Olga Tañón, Cage The Elephant, Justin Timberlak y Vivir Quintana, entre muchos otros.
Las masterclasses de Soundgirls.org México en sound:check Xpo
Además de la conferencia de Latin Grammy, se impartirán las siguientes masterclasses:
María Elisa Ayerbe. “Del demo a las plataformas de streaming”. Se explicará el proceso que lleva realizar una canción desde la creación hasta las plataformas.
Salomé Limon. “Detrás de la mezcla y producción de flamenco”.
Natalia Perelman. “El arte de escuchar. ¿Cómo lograr una identidad sonora?
La industria de la música y el espectáculo
La artista Raphaëlla hablará sobre la producción en formatos audiovisuales inmersivos junto a sus productores.
Así mismo, contaremos con un área de networking, donde agendaremos citas para resolver preguntas con La Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación y la distribuidora ONErpm, entre otras empresas, y habrá rifas y regalos sorpresa gracias a nuestros patrocinadores Dolby Lab y Audeze.
Agradecemos especialmente a los patrocinadores que apoyarán el Escenario Soundgirls.org en sound:check Xpo 2023: The Latin Grammy, sound:check, Dolby, Audeze, Sennheiser, ONErpm, RMS, Backline, PIAUDIO, Meridian, Chingona Sound, 3BH, We Are Moving the Needle y GoroGoro IL.
¡Les esperamos en el escenario Soundgirls.org los días 23, 24 y 25 de abril en el WTC de la Ciudad de México, en la Sala Palenque!
*Ingeniera de sonido, sistemas de audio en sala y monitores con más de quince años de experiencia; ha colaborado con artistas y producciones distinguidos en más de veinte tours a nivel nacional e internacional. Ha mezclado para artistas como Kool & The Gang, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui. Actualmente se encuentra realizando mezclas en formatos de sonido inmersivo. Es cofundadora de la empresa 3BH, que desarrolla proyectos de integración tecnológica para estudios de post-producción y música en México y Latinoamérica y a partir de 2016 comenzó a representar a la organización Soundgirls.org en México, apoyando a las mujeres a profesionalizarse en la industria del espectáculo.
on más de cinco décadas en activo, el ingeniero de grabación, mezcla y productor Ed Stasium ha estado involucrado en proyectos con Ramones, Talking Heads y Gladys Knight and the Pips, entre una enorme lista de bandas y músicos que han pasado por sus oídos. Él se asume parte de la agrupación cuando se encarga de conseguir el mejor sonido y está abierto a todas las posibilidades que el estudio de grabación ofrece actualmente.
A punto de presentarse en el Auditorio sound:check Xpo el próximo domingo 23 de abril a las 15:00 horas durante este evento en el World Trade Center en una masterclass acompañado por John Krivit, expresidente de Audio Engineering Society (AES), pudimos conversar con él acerca de su historia, la evolución de la tecnología y los nuevos proyectos que está realizando. Definitivamente, alguien a quien hay que conocer.
Ed Stasium es originario de Nueva Jersey, donde se interesó por las grabadoras y las guitarras cuando era joven. Grabó y fue guitarrista de innumerables bandas de garaje durante sus años de formación y mientras asistía a la Escuela de Artes Visuales de Manhattan, se unió a un grupo local de su estado, llamado Brandywine. “Empecé en un home studio, con mi amigo Tony Camillo y Mike Bonagura. Yo tenía 15 o 16 cuando conocí a Michael y se empezó a volver famoso como compositor con una banda llamada Billy & The Boys. Yo estaba muy emocionado de estar en grupos con él, hasta que me dijo que su papá estaba construyendo un estudio de grabación y nos invitó a conocerlo para que hiciéramos lo que quisiéramos. Me tomó meses hacerlo, porque no terminaba de estar listo; fuimos y los equipos aún no se instalaban. Las consolas estaban en el suelo, los micrófonos en sus cajas y demás”, inicia Ed.
“Yo había trabajado en Ampeg, pero ya no lo hacía más, porque tocaba en grupos y siempre llegaba tarde por las mañanas. Estaba viviendo en el sótano de la casa de mis padres con mi primera esposa y mi hijo pequeño -era 1972-, y empecé a visitar el estudio. Ya había hecho algunos demos en lugares como Mediasound y llevé a mis amigos como Tony Bongiovi –productor e ingeniero-. Siempre estuve fascinado por los procesos de grabación, así que en este estudio era feliz; podía estar 16 horas al día, los 7 días de la semana experimentando, y ahí comencé a aprender por mí mismo”. A partir de ese momento, Ed se involucró con la construcción y el cableado de la sala del estudio, llamado Venture Sound, y se convirtió en ingeniero, donde recibió su primera experiencia práctica en grabación profesional, ya que grabó y mezcló el primer sencillo exitoso: “Midnight Train to Georgia”, de Gladys Knight & the Pips, que llegó a los diez primeros lugares de popularidad.
equipo. “Yo había llegado a Nueva York a trabajar como consultor de audio y Tony me llamó para contarme la idea y que querían que fuera el jefe del estudio. Me decidí, regresé a vivir a Nueva Jersey, participé en la construcción del estudio y en la selección del equipo –instalamos una consola Studer-, y nuestro primer disco fue ‘Leave Home’ de Ramones. También trabajé en el disco ‘77’, de Talking Heads”, recuerda.
Por el camino de la independencia
Después de permanecer en Power Station un par de años, Ed decidió comenzar una carrera independiente: “No fue fácil, porque puedes estar buen tiempo sin trabajo. Tuve proyectos en Mediasound, en Caribou Ranch –un estudio de grabación fantástico con una consola Neve hermosa y micrófonos grandiosos-; creo que la mayoría de los discos de Chicago se grabaron ahí“. Con esta carrera independiente, Ed ha grabado y producido artistas tan diversos como Ramones, Talking Heads, Julian Cope, Peter Wolf, Nona Hendryx, Mick Jagger, Jeff Healey, Joan Jett, Marshall Crenshaw, Living Colour, Soul Asylum, The Smithereens, Motörhead, Baby Animals, Biohazard, The Reverend Horton Heat, Shirley Caesar, Simon Phillips, Misfits, Blackfire, Joey Ramone, The Chesterfield Kings, Sihasin, Hoodoo Gurus, The Empty Hearts y The Long Ryders, entre muchos otros.
Después de tres años en Venture Sound, Ed tomó un puesto en Le Studio Morin Heights en Quebec, donde produjo su primer álbum de oro para el grupo franco-canadiense Garolou. Mientras visitaba Nueva York en 1976, se encontró nuevamente con Tony Bongiovi y su nuevo socio, el exgerente de Mediasound, Bob Walters, quien le pidió que uniera fuerzas con ellos para iniciar un nuevo estudio, que posteriormente se convertiría en el legendario Power Station, donde desempeñó un papel importante en el diseño de la sala y la elección del
“Siempre estuve fascinado por los procesos de grabación, así que en este estudio era feliz; podía estar 16 horas al día, los 7 días de la semana experimentando”.
Ramones
Leave Home (1977). Ingeniero de audio
Rocket to Russia (1977). Ingeniero de audio
Road to Ruin (1978). Productor
It's Alive (1979). Productor
Rock 'n' Roll High School (1979). Productor
End of the Century (1980). Productor
Too Tough to Die (1984). Productor
Mondo Bizarro (1992). Productor
Talking Heads
Talking Heads: 77 (1977). Ingeniero de audio
More Songs About Buildings and Food (1978) ).
Ingeniero de audio
The Name of This Band Is Talking Heads (1982) .
Ingeniero de audio
Motörhead 1916 (1991). Productor
The Smithereens
Beauty and Sadness (1983). Ingeniero de audio
11 (1989). Productor
Blow Up (1991). Productor
Mick Jagger
Primitive Cool (1987). Ingeniero de audio
Joan Jett and the Blackhearts
Pure and Simple (1994). Productor
Living Colour
Vivid (1988). Productor
Time's Up (1990). Productor Biscuits (1991). Productor
Freddie Mercury
Living on My Own (1985). Ingeniero de audio
“Yo había llegado a Nueva York a trabajar como consultor de audio y Tony me llamó para contarme la idea. Me decidí, regresé a vivir a Nueva Jersey, participé en la construcción del estudio Power Station y en la selección del equipo –instalamos una consola Studer-, y nuestro primer disco fue ‘Leave Home’ de Ramones.Sólo algunos de los trabajos de Ed Stasium
El tiempo pasó y los cambios de la tecnología en la industria de la grabación llegaron hasta Ed. ¿Cómo fue vivido el cambio de lo análogo a lo digital por él? “Fue en 1999 cuando trabajé con Pro Tools por primera vez, en un proyecto llamado Handsome Devil. También trabajamos con Cake Walk y la interfaz 001 de Digidesign, con lo que pude experimentar y empezar a aprender. Con el operador de Pro Tools aprendí bastante y esos fueron mis inicios en la tecnología digital. Estuve unos años más haciendo algunos proyectos en cinta”. Con apariciones de herramientas como los plug ins, Ed menciona: “Lo cierto es que han mejorado mucho con el tiempo. Me gustan mucho los de Universal Audio. Actualmente, mis mezclas las hago todas in the box, pero también tengo preamplificadores, compresores, Distressors, equipos Manley, dbx y demás. Siempre he aprendido por mí mismo; es algo instintivo”.
Gracias a su apertura profesional y su entusiasmo, Ed cuenta con un estudio de mezcla en Dolby Atmos en su lugar de residencia en San Diego, California. “Hace tres años conocí el formato y en 2021 comencé a hacer este tipo de mezclas. Necesitaba un espacio de este tipo para la remezcla de los discos de Talking Heads y fue así como me interesé en conseguir las especificaciones y las opciones de equipo disponibles. Por fortuna, los últimos dos años para mí han estado muy ocupados con este tipo de proyectos. He tenido hasta tres bandas trabajando al mismo tiempo en el estudio. Me encantan este tipo de mezclas y otros de los proyectos han sido con Bad Company, Stone Temple Pilotos, Pantera y Deep Purple, y están por hacerse trabajos de The Stooges, Alice Cooper y Velvet Underground”.
Ed es feliz escuchando su colección de discos de 78 y 45 rpm, así como sus LPs. Su entusiasmo lo lleva a trabajar en entornos de grabación analógicos y digitales, y con sus proyectos en Dolby Atmos, se suma a esta tendencia que está haciéndose cada vez más popular. Como Ed afirma, “todo se trata de la música”, y el amor por este arte lo ha llevado a lugares insospechados. Escuchemos a este interesantísimo profesional del audio y las grandes historias que tiene que contar, que dejará a nuevos y veteranos profesionales grandes aportes en sus carreras. ¡Allá nos vemos!
*Con información de edstasium.com
“Hace tres años conocí el formato Dolby Atmos y en 2021 comencé a hacer este tipo de mezclas. Necesitaba un espacio así para la remezcla de los discos de Talking Heads y fue así como me interesé en conseguir las especificaciones y las opciones de equipo disponibles”.
a compañía ENLAB, con sede en la República Dominicana, se convirtió en la primera en Latinoamérica en adquirir el nuevo line array LARA de DAS Audio, para estrenarlo en el concierto de Bad Bunny, durante su gira “World’s Hottest Tour Stadium”, en el estadio Félix Sánchez de Santo Domingo.
El sonido ideal para una atmósfera feliz
Con un ambiente de fiesta en la playa, el show fue un espectáculo visual y conceptual que destacó especialmente por el sonido. La configuración del sistema de audio estuvo integrada de 36 unidades para el PA principal, 28 gabinetes para out fills, 50 cajas de LARA-Sub, 6 unidades de Aero 20 para el front fill, 8 Aero 40 en el down fill, 32
Aero 40 como delay y 24 Aero 20 para los laterales. Todo este equipo hizo posible que los más de 50,000 asistentes pudieran disfrutar de una experiencia sonora de altísima calidad.
Vicent Olucha, especialista en optimización y ajuste de sistemas de refuerzo sonoro y responsable del soporte de sonido en vivo de DAS Audio, se encargó del diseño de audio para este concierto en Santo Domingo: “El estadio tiene 160 metros de fondo y 100 de ancho y eso en sí mismo era un desafío para el diseño. Foros de esas dimensiones, donde es necesario mantener el nivel de presión sonora (SPL) y un target de frecuencia óptimo y constante, es realmente complicado, de manera que el trabajo previo al show y la organización durante la preproducción es fundamental para dejar el sistema al 100 por ciento para el artista”.
(36) Unidades LARA (PA principal)
(28) Unidades (Out fills)
(50) Unidades de LARA-Sub
(06) Unidades de Aero 20 (Front fill)
(08) Unidades de Aero 40 (Down fill)
(32) Unidades Aero 40 (Delay)
(24) Unidades Aero 20 (Laterales)
Martínez (crew chief e ingeniero de sistemas del tour). Al mismo tiempo, Luis Velázquez “Peewe” (ingeniero de sala del artista), destaca: “El equipo reacciona muy bien, tiene una respuesta muy plana, lo que hace muy fácil para mí realizar la mezcla de la voz con el resto de los instrumentos; me ha sorprendido mucho la claridad y la potencia; estamos a 76 metros de distancia y tenemos 120 dB en sala. Es un gran sistema”.
El equipo técnico de Bad Bunny se mostró muy satisfecho con el rendimiento del sistema. “Mi impresión es muy buena; es un sistema muy poderoso, muy controlado, con muy buena coherencia, y el sub es espectacular”, comenta “Carlitos”
LARA es un sistema que destaca por su inteligibilidad, alto nivel de SPL, control de frecuencias y eliminación de ruido en el escenario, así como por su rigging práctico y eficiente. “Nosotros somos usuarios de DAS desde hace mucho tiempo y siempre hemos creído en la marca, en lo que puede hacer y en su innovación. Creo que DAS es una de las marcas que más se desarrolla con cada producto que lanza para este segmento del mercado. Si te fijas en las características que ahora tiene el LARA respecto al Aero-40A, su tecnología es aún más elevada. La marca ha mejorado en todos los aspectos; sus técnicos y desarrolladores están muy comprometidos en hacer un producto cada vez mejor”, comenta Enmanuel Martínez de ENLAB.
“Mi impresión es muy buena; es un sistema muy poderoso, muy controlado, con muy buena coherencia, y el sub es espectacular”.
“Carlitos” Martínez.Izq a der: Rolando León “Rolo” (Stage Manager Bad Bunny), Brayn Martínez (monitores y RF), "Peewe" (Director del show y audio en sala). Izq. a der: Ramón Franco (Pro Audio DAS Miami), Pewee, Rolo, Manolo Perios (CEO Das Valencia). Arr: Carlos Martínez: Ingeniero de sistemas.
El éxito del concierto de Bad Bunny con el sistema LARA de DAS Audio en el estadio Félix Sánchez de Santo Domingo superó las expectativas de la industria de la música en Latinoamérica. Su calidad del sonido se destacó por su potencia y naturalidad, lo que dejó a los asistentes y profesionales del sonido sorprendidos y satisfechos: “Recibimos comentarios muy positivos, creo que la gente no se esperaba este resultado. La cobertura en todo el estadio fue excelente. Luego del espectáculo hablé con Carlitos Martínez, el jefe de sistemas, y él quedó muy satisfecho con el resultado. También conversé con ‘Peewe’ y me dijo: ‘noto algo bueno en el sistema: cuando estoy mezclando me quito los audífonos y escucho lo mismo que tengo en los audífonos en el PA”, señala Emmanuel.
En resumen, el estreno del sistema LARA de DAS Audio en Latinoamérica durante el concierto de Bad Bunny en el estadio Félix Sánchez de Santo Domingo fue todo un éxito y esto abrió las puertas para que otras compañías de producción de eventos en la región puedan adquirir esta tecnología y ofrecer a sus clientes una excelente experiencia de sonido.
Sala YAQUI - Segundo Nivel Sala de Exposiciones
Cuando Sucede lo Inesperado. Ven a descubrir por qué nuestra nueva serie ARA ha sido nominada a premios y escucha la revolución del mundo del audio inteligente. Con el experto de fábrica Ramón Franco en la feria, sea testigo de la evolución de DAS Audio.
www.dasaudio.com
“El equipo reacciona muy bien, tiene una respuesta muy plana, lo que hace muy fácil para mí realizar la mezcla de la voz con el resto de los instrumentos; me ha sorprendido mucho la claridad y la potencia”. Luis Velázquez “Peewe”.
Nuestra mente hace millones de procesos al día, literalmente; por ejemplo, gestionar el número de parpadeos que necesitan tus ojos, analizar un sonido a profundidad para tomar decisiones de ecualización, registrar las voces de personas que acabas de conocer, analizar el sabor de tu comida favorita y demás. En fin, nuestra mente realiza millones de procesos cognitivos día con día, con los cuales, interactuamos y entendemos al mundo.
Clasificar los procesos cognitivos entre alta y baja demanda resulta de lo más útil para la vida cotidiana y para nuestra profesión, porque un entendimiento claro de esto nos hará
replantearnos cómo y cuándo realizamos ciertas actividades. Analicemos juntos la importancia de esta clasificación en nuestra vida profesional.
Procesos cognitivos de alta demanda
¿Cuánta energía, enfoque y atención te demanda una actividad? Los procesos cognitivos de alta demanda, como su nombre lo dice, son aquellas actividades que ejecutas de manera consciente y que consumen una gran parte de tus recursos cognitivos; es decir, cualquier actividad que consume una carga importante de energía que te mantiene atento por un periodo largo de tiempo y que no te deja prestarles atención a otras cosas. Son procesos clasificados como de alta demanda. Pongamos algunos ejemplos:
Resolución de problemas de dos o más variables:
De la vida cotidiana: Son más de las 9 de la mañana, vas retrasado en tu auto rumbo a una junta importante, recuerdas que te faltó agregar algunos puntos a tu presentación y de repente se te poncha una llanta. Aunque suene trágico, sé que a muchos nos ha pasado. El análisis mental que requiere la resolución de cada uno de los detalles para lograr el objetivo requiere de toda tu atención y enfoque consciente para poder buscar las mejores decisiones y ejecutarlas para lograr el objetivo.
De la ingeniería de audio (anécdota personal): Te faltan 15 minutos para entrar al aire en televisión nacional, tú eres el operador de audio del programa en vivo, te percatas que uno de los micrófonos inalámbricos tiene ruido de radiofrecuencia y encima se acerca el productor para comentarte un cambio en la escaleta. El análisis mental para conocer la solución de cada una de las cosas y saber comunicarla con eficiencia a los microfonistas y decidir qué vas a resolver tú mismo para entrar exitosamente al en vivo requiere de un gran desgaste cognitivo.
Aprendizaje:
A manejar motocicleta: Estás decidido a aprender a andar en motocicleta y estás en tu primer día con el instructor, te explica dónde está el acelerador, los frenos, los cambios y demás. La demanda mental de acelerar con la mano derecha, soltar el embrague poco a poco con la mano izquierda y estar prevenido con los frenos delanteros y traseros, es mucha de primera vez, tanto que si logras avanzar y pasar a segunda velocidad sin caerte es un gran logro para el primer día.
A mezclar: Cuando quieres aprender a mezclar alguna canción y es de tus primeras veces frente a un DAW, requiere de toda
Clasificar los procesos cognitivos entre alta y baja demanda resulta muy útil para la vida cotidiana y para nuestra profesión, porque un entendimiento claro de esto nos hará replantearnos cómo y cuándo realizamos ciertas actividades.
tu capacidad mental para poder escuchar los sonidos, analizarlos, tomar decisiones, cambiar tu atención a lo visual para poder enfocarte en buscar el ecualizador indicado, hacer las modificaciones pertinentes, pasar tu atención a lo auditivo para poder registrar el cambio y poder determinar si se logró lo buscado. Son 4 pasos cognitivos involucrados en este proceso: Escuchar, pensar, ver, escuchar y analizar el resultado; sin contar que cada brinco cognitivo también tiene un desgaste.
Aprender a tocar la guitarra: Cuando aprendes a tocar algún instrumento como la guitarra, tienes que estar consciente de la posición, las manos, la secuencia de notas, el sonido, la afinación y demás.
Cuando estamos cansados:
Leer: Un clásico de este tema es cuando estás leyendo, avanzas tres páginas y de repente te detienes porque te das cuenta de que no sabes de lo que está hablando la lectura, a pesar de que estas leyendo.
Mezclar fatigado: Haces cambios y cambios y ya casi no los notas; tu mente esta tan cansada que no distingue de la misma manera como si estuvieras fresco por la mañana después haber dormido bien.
que se ejecutan en piloto automático y consumen muy pocos recursos energéticos. Por lo general son procesos que aprendió nuestra mente de manera consciente y los automatizó. Aquí algunos ejemplos:
De la vida cotidiana:
El acento de tu región o país: Cuando salimos de viaje a alguna provincia es fácil notar el acento del lugar y que ellos detecten el nuestro. Nadie se esfuerza por alargar las notas o cortarlas con cierta constancia y estructura; la mente lo hace sola.
Hay 2 cosas que es necesario entender para manejar la alta demanda: La conciencia; es decir, que tan consciente estás en la actividad que estás realizando, y que los recursos cognitivos son limitados. No es lo mismo tu capacidad cognitiva en la mañana después de haber dormido bien y desayuno, que en la tarde-noche, después de un día de trabajo y tal vez con hambre de no haber cenado. Está científicamente comprobado por la neurociencia que bajo esas dos diferentes condiciones, tu percepción y toma de decisiones serán diferentes.
Procesos cognitivos de baja demanda
Son todos los procesos que gestiona nuestra mente de manera inconsciente y automática, casi sin nuestro consentimiento y
Reconocimiento de timbres: Este proceso ya lo hemos comentado con anterioridad. El hecho de poder escuchar una voz y hacer un análisis tímbrico con las voces guardadas en nuestra memoria para poder determinar quién nos habla con una exactitud es un proceso que la mente gestiona con mucha facilidad.
Localización de las fuentes sonoras: La Head Related Transfer Function (HRTF), describe el proceso que hace nuestra mente para analizar la diferencia de fase, frecuencia, amplitud y tiempo entre los oídos para poder determinar la ubicación de una fuente sonora. Esto es increíble y la mente lo hace en una región de baja demanda de forma inconsciente. Nadie se concentra en analizar el tiempo de retardo de un oído con respecto al otro.
La respiración: Este es un gran ejemplo, porque es de las actividades que el cerebro aprende desde el primer día de nacido y lo hacemos de manera inconsciente, pero que puedes tomar conciencia y total decisión de ella, pasándola a la región de alta demanda y así pensar en su duración o profundidad si así se quiere, y después sólo la soltamos para que regrese a la región de baja demanda inconsciente.
De ingeniería de audio:
Shortcuts: Después de una buena cantidad de sesiones con un DAW, será muy fácil, con base a la repetición, que incorporemos a nuestro flujo de trabajo shortcuts de tal manera que ya ni pensemos en qué teclas son y sólo los ejecutamos. Es gracioso
preguntarle a alguien sobre qué shortcut utiliza para alguna tarea y que para recordarlo tenga que colocar los dedos sobre el teclado.
Mezcla de sala en tu consola favorita: Después de la repetición y de algunos shows con una consola en particular, nos acostumbraremos de manera tal, que nuestro cerebro procesará fácil y rápido dónde están los ecualizadores o cómo cambiar de página, haciendo que nuestros recursos cognitivos se centren más en la mezcla de sala y no en dónde encontrar o cómo ejecutar los cambios.
Darle a cada instrumento su espacio en la mezcla estéreo: Después de un buen entrenamiento auditivo y horas de vuelo mezclando, será muy intuitivo y fácil escuchar dos instrumentos que, por compartir el rango de frecuencias, estarán ocupando la misma altura en el eje vertical de la mezcla y se podrán tomar decisiones de paneo o ecualización para poder hacer inteligibles ambos sonidos.
Los procesos de baja demanda, a menudo, son resultado de la repetición periódica de una actividad, haciendo que el cerebro aprenda, se habitúe y automatice las actividades para liberar recursos cognitivos para poderlos administrar mejor.
Como conclusión podemos decir que una actividad que se aprende y se repite, pasa de la alta demanda consciente y la baja demanda inconsciente y el cerebro utiliza el recurso de baja demanda para que la mente libere y enfoque los recursos cognitivos a las actividades conscientes que requieren de nuestra atención y enfoque.
Algunos tips para un buen manejo de los recursos cognitivos:
1. Salud mental. Para que la mente esté en óptimas condiciones es necesario, dormir bien, beber agua, alimentarse sanamente y hacer ejercicio. La persona que falla en algunos de estos puntos está con sus recursos cognitivos a medias y su rendimiento puede mermar de una manera considerable.
2. Automatización de procesos. Evaluar las actividades del día a día que se pueden mejorar y no requieren de nuestro alto enfoque; por ejemplo, el orden de los utensilios de cocina para hacernos de desayunar o la elección de la distribución de nuestra ropa. Todo esto se puede organizar estratégicamente para que se realice lo más automático posible.
3. Realizar procesos pesados en la mañana. La toma de decisiones más importantes o los problemas más difíciles es mejor realizarlos en la mañana, después del desayuno. Será más fácil encontrar opciones y soluciones que en la tarde con los recursos ya desgastados.
Después de estudiar esto llego a una reflexión: Para conocer las prioridades de una persona, basta en fijarnos cómo administra su tiempo, su dinero y sus recursos cognitivos.
*Es Ingeniero en Comunicaciones y Electrónica por el IPN. Cuenta con dos diplomados en Neurociencias y educación y Neurociencias para mandos medios, por el Instituto INECO-U. Ha sido docente por más de 12 años en instituciones como SAE Institute y Rec Música y es CEO y director académico en Sonic Ear Training Institute: soniceartraining.com. Contacto: raul.bustos@soniceartraining.com
Con dos campus en activo, una pedagogía híbrida en su enseñanza y personalizada para su alumnado, REC Música se ha consolidado como una alternativa educativa contemporánea para quien anhela formar parte de la industria musical. Son sus fundadores, Fernando Chávez, Sebastián Otero y Mijal Grinberg quienes comparten los pilares de esta permanencia y crecimiento.
Hay distintas áreas para desempeñarse
Para REC Música el objetivo ha sido el bienestar de sus alumnos, consolidando y adaptando un proyecto educativo ligado a la innovación y para potenciar el talento individual. Que logren sentirse exitosos académica y profesionalmente. En ese camino,
la pedagogía ha sorteado favorablemente la flexibilidad, la optimización de recursos y el efecto de la pandemia. Así el origen y cómo va el recorrido a una década.
“Nuestros planes de estudio son nuestro fuerte. Empezamos con dos programas, Producción e Ingeniería en Audio, y de ahí fuimos evolucionando. Hay muchas universidades que tienen esto en su conjunto y lo ven más hacia el lado digital o en el estudio, pero para nosotros era muy importante dar su lugar al título de ser un productor y su trabajo con el artista, la composición, el arreglo, incluir todo con lo que tiene que ver la tecnología y el uso del estudio de grabación y de esa forma separar la parte de ingeniería, porque al ingeniero hay que darle otras herramientas. La industria del audio es muy grande, entonces la visión era que pudieran conocer qué es la postproducción, qué es la acústica, y que a su vez ellos puedan tener herramientas y habilidades para tener un estudio en buen estado, desarrollar habilidades para poder construir hardware. Esa es la visión que teníamos de cuál debe ser el profesionista dentro de la música y el audio”, inicia Sebastián.
carrera que no sólo los dejara como ejecutantes, sino también que les ayudara a llevar una carrera longeva como artista independiente”.
“Han sido diez años muy interesantes, de mucho crecimiento. Desde el principio sabíamos que teníamos que ofrecer esa parte de innovación y tecnología que impulsara a los chicos a conocer otras cosas y que fuera el equipo base para que en su futuro pudieran acoplarse a cualquiera y fueran resilientes”.
Para mantener esa ruta, en 2015 REC Música abrió un nuevo estudio y en 2016 iniciaron un acuerdo de colaboración con Berklee College of Music, que le permite a sus alumnos validar estudios en la prestigiosa academia estadounidense. A eso siguieron sumándose nuevas instalaciones y programas educativos, como detalla Sebastián: “Posterior a eso, en 2018 inauguramos otra espacio con más salones, un estudio de grabación que es entre lo que podría ser un home studio profesional con equipo top, con lo que se trabaja ahora como profesionistas de la industria. Esto se debió a la necesidad de expandirnos y en 2020 creamos un tercer programa, Autogestión e Interpretación Musical para el Músico Independiente, porque vemos que el enfoque de los conservatorios y otras instancias se enfocan completamente en el instrumento, no en cómo poder ser o llevar tu proyecto y vida como músico hacia la parte laboral; por eso era importante para nosotros tener una
“Nuestros tres programas llevan un tronco común en la parte musical, tecnológica y en lo administrativo. Nuestros egresados tienen que hacer una tesis que en realidad es un proyecto de emprendimiento y tienes que hacerte de tus propios medios y trabajo; por eso era importante para nosotros tener esto en la parte de estudios junto con aquello que les ayudara a profesionalizarse, como son nuestros programas de prácticas profesionales. Nuestros alumnos son muy globales y para nosotros su preparación es lo más importante”.
El desafío que implicó mantener el proyecto durante la pandemia trajo como resultado un modelo de enseñanza híbrido que permanece, como cuenta Mijal Grinberg: “Tuvimos
“Han sido diez años muy interesantes, de mucho crecimiento. Desde el principio sabíamos que teníamos que ofrecer esa parte de innovación y tecnología que impulsara a los chicos a conocer otras cosas”.
Sebastián Otero.
que cambiar todo en línea en la pandemia y en una semana ya teníamos todo así. Fue una adaptación administrativa de cómo hacer ciertas cosas que a veces no sabes, cambiar muchos procesos y empezar a ver herramientas y cómo enseñar música, capacitar a los maestros para que usaran las plataformas en línea y tomar todas las herramientas digitales que había a la mano. Sorprendentemente sacamos adelante el proceso de estar en casa, usando recursos como la opción de Pro Tools que permite trabajar en tiempo real. Fue muy positivo, porque veíamos este proceso de digitalización como algo que debíamos planear y de pronto, debimos hacerlo de un día para otro. Vimos que fue más fácil de lo que uno pensaba y ahora ya tenemos estas herramientas; hicimos salones totalmente híbridos con una pantalla al fondo, donde se ve a toda la gente que está en casa, tenemos un micrófono ambiental que recibe el audio de todo el salón y un pizarrón que se digitaliza para poder mandar el PDF con la clase”.
nunca, algo que no hubiera pasado así de no haber vivido el desafío de la crisis sanitaria”.
En este sentido, Fernando Chávez menciona: “Creo que el valor que encontramos en esto fue cómo los alumnos apreciaron más lo que tienen en sus casas, sus equipos, y verlos sacar el mayor jugo a todo, haciendo oído crítico, que es una de las herramientas más importantes que tienen. Creo que parte de lo que más pudieron desarrollar fue su oído y sacar los mejores sonidos con lo que tienen”, añadió.
Esa infraestructura híbrida es la que se suma ahora para expandir la pedagogía del proyecto a través de la tecnología, como destaca Sebastián: “Es de las cosas que pudimos ver que se pueden quedar y usar para master classes, exámenes profesionales y maestros colaborando a distancia, que en verdad nos han ayudado mucho en este regreso y que se suman a los festejos de diez años que tendremos con la Semana REC en este mes, donde habrá invitados internacionales de la industria, productores y disqueras, foros y esto nos permite invitar a gente de Miami, España, Italia, y ser más flexibles que
La Semana REC también incluirá master classes en colaboración con Berklee y además, se espera retomar proyectos como la realización de su concurso “Produciendo en 24 horas”, donde se vincula a los alumnos con productores y estudios, con un resultado que se sube a plataformas y se destina a beneficencia: “Nuestra comunidad es muy importante, tanto de maestros como de alumnos; como músico tienes ciertos objetivos, pero entre todos se ayudan y saben que es la gente con la que trabajarán en un futuro en la industria. Estamos orgullosos de eso y de las actividades que hemos creado. En la actualización que hicimos de los planes de estudio y la carrera de Producción, por ejemplo, ahora tiene materias selectivas y como parte de éstas hay una de remix a nivel de producción para integrar la parte de DJ. También tenemos cosas como certificaciones, como la de Avid en Producción e Ingeniería, y de Sibelius, pero también tenemos otros softwares para que los chicos conozcan y sepan acoplarse para trabajar con cualquier músico y recursos”, ahonda Sebastián.
“El valor que encontramos durante la apreciaron más lo que tienen en sus mayor jugo a todo, haciendo oído
Finalmente, a una década de distancia, para los fundadores de este proyecto educativo las prioridades se mantienen, como expone Mijal: “Uno de los retos ha sido mantener la personalización, porque al inicio empezamos haciendo todo, y gracias al tipo de colaboradores que tenemos, hemos dado continuidad a la personalización con la que buscamos dejar huella y tener el mismo cuidado que hubo con nuestro primer alumno, su bienestar y desarrollo al centro de todo. Empezamos tres y ahora, administrativamente, somos 21 y 63 maestros”.
“Tenemos un Departamento de Orientación y Bienestar, donde los alumnos tienen un tutor que los apoya anímica y profesionalmente. La pandemia nos hizo voltear a vernos y valorar realmente nuestra salud mental y nos sirvió para fortalecer ese departamento y que los chicos se acerquen. En la Semana REC siempre hay un día para eso. Nos ha ayudado a decirle a alumnos, maestros, colaboradores y administrativos: “Volteen a verse y acá estamos nosotros para ayudarlos”.
Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
crisis sanitaria fue cómo los alumnos casas, sus equipos, y verlos sacar el oído crítico”. Fernando Chávez.
“Uno de los retos ha sido mantener la personalización, porque al inicio empezamos haciendo todo, y gracias a los colaboradores que tenemos, hemos dado continuidad a la personalización con la que buscamos dejar huella”. Mijal Grinberg.
Ganadora de nueve Grammys, Rihanna tomó el desafío de convertir el emparrillado del Super Bowl LVII en el escenario para su show de medio tiempo. O, para ser más precisos, tomó el cielo del estadio montada en una plataforma flotada, colgada al rigging del Glendale, State Farm Stadium, en una producción épica que puso las miradas en su vestuario rojo. Fue una actuación que rivalizó con el juego en sí: 13 minutos con lo mejor de sus grandes éxitos, incluidos “Umbrella”, “Work”, “Diamonds” y “Run This Town”, y un elenco de aproximadamente 100 bailarines, muchos de los cuales también estaban suspendidos en el aire. El espectáculo exigió un despliegue en plataformas móviles, escaleras abatibles, asientos plegables, iluminación LED y sonido que se logró gracias a las productoras All Access y Audiotek (Clair Global).
El espectáculo de medio tiempo del Super Bowl LVII tuvo el escenario más amplio, plagado de colores sumamente brillantes, midiendo más de 71 metros lineales. La casa productora All Access fue la responsable del diseño, creación y montaje, destacando los siguientes elementos:
Cada show de medio tiempo presenta variables y acertijos únicos que las compañías de producción deben construir. Este año, para proteger el césped natural del State Farm Stadium, la NFL limitó la cantidad de carritos a usar sobre el campo a un máximo de 25. El total usado fueron 23, catorce para el escenario y el sistema de pista y ocho para la iluminación. El escenario central, de más de 9 metros, estaba compuesto por cinco carros personalizados, y cada lado de la pista tenía cuatro carros de pista personalizados y uno más de cobertura en el extremo. También se construyeron marcos personalizados para los carros de iluminación y ahí se acomodó el gran tamaño y la cantidad de accesorios lumínicos. Se usó un sistema de escenario de campo Versa, que usa llantas neumáticas especialmente diseñadas para rodar suavemente y proteger tanto el césped natural como el artificial.
Para reducir la cantidad de carros en general, se diseñaron carros de pista personalizados con escaleras que se articulaban hacia arriba, lo que brindó autonomía, además de que le dio al escenario una apariencia de acabado uniforme, sin espacio libre que dio la impresión de asentarse directamente sobre el césped, logrando una estética monolítica, sólida y en bloques.
Determinar el tono perfecto de rojo para pintar el escenario resultó ser una tarea difícil. El equipo de diseño proporcionó una referencia de color y después de reducirla a 10 o 15 opciones, los diseñadores eligieron la pintura Wildfire luminiscente en rojo brillante. Se usaron 57 galones para crear ese vívido escenario fluorescente.
El State Farm Stadium tiene un campo de césped natural, que se asienta sobre una plataforma que rueda fuera del estadio para recibir la luz del sol. Dicha plataforma eleva el campo un poco más de un metro, haciéndolo inaccesible para los carros de los túneles de acceso, por lo que se hizo una rampa de acceso al campo personalizada, que tenía 4 metros de ancho y casi 19 metros de largo, para permitir que las piezas del set rodaran en el campo.
Se armó un escenario simulado adicional a gran escala en un estadio diferente en Phoenix para los ensayos de los artistas, que también tuvo que evolucionar para reflejar cualquier cambio en el escenario para el medio tiempo real.
Todo el sistema de escenario y pasarela se delineó con cinta Enviromental Lights LED RGBW (más de 900 metros de tiras) y cuatro filas de bandas LED en la base, CS106, también de Environmental Lights para envolver las plataformas.
Se utilizaron entre mil y 1,200 metros de LED, lo que requirió más de tres kilómetros de cableado y canal, dando como resultado una estética visual potente que contribuyó a una actuación inolvidable para más de 100 millones de espectadores.
La empresa ATK Audiotek/Clair Global eligió colgar los altavoces L-Acoustics K, por primera vez en más de dos décadas, llevando el refuerzo de sonido a las alturas. En el Super Bowl anterior, el sistema de música temporal se cargaba en carros con ruedas que se podían mover rápidamente a su posición, como parte de la puesta en escena de la producción general de medio tiempo, que se lleva a cabo en cuestión de minutos con decenas de voluntarios locales empujando todos los elementos, apenas suena el silbato del árbitro en el medio tiempo. Sin embargo, la
Audio
(128) Altavoces L-Acoustics K2
(36) Subwoofers L-Acoustics K1-SB
Controladores amplificados L-Acoustics LA12X y LA8
Interfaces Focusrite RedNet D16R
(02) Consolas Digico Quantum338 (sala)
(01) Consola Digico SD5
Iluminación
Proveedor de iluminación: PRG
(146) Luminarias Vari-lite VL3600 Profile, (35) VL2600
(72) Luminarias Robe Robin 1200
(325) GLP X4
(76) TMB Solaris Flare
(03) Consolas MA Lighting GrandMA3 Full Size, (01) MA Lighting
grandMA3 Lite
(06) Strong Gladiator IV
(06) Britebox Flame LT3000
(06) PRG Best Boy Ground Control Long Throw
(04) MDG The One
(08) Reel EFX Diffusion DF-50
(08) Reel EFX Fans
(02) Servidores Zactrack PRO (para traducir los datos de posicionamiento para todas las plataformas móviles para que los equipos de iluminación puedan programarse correctamente mientras están en movimiento).
ubicación del Super Bowl de este año en el State Farm Stadium, significaba que se jugaría en el campo de césped retráctil único pero cuidadosamente preparado del lugar.
“La opción fue ir por el aire, y eso nos dio más espacio e implicó más de 200 cajas, en comparación con las 76 cajas que podíamos cargar en los carros, y se tradujo en más potencia y una mejor y mayor cobertura, incluso en los tramos superiores del estadio”, comenta Kirk Powell, ingeniero de audio en jefe del proyecto.
El State Farm Stadium ya contaba con un sistema L-Acoustics instalado en 2016, que comprende un total de 122 altavoces K2 y 32 subwoofers K1-SB. En preparación para el espectáculo de medio tiempo de este año, ATK complementó dicho sistema, añadiendo seis arreglos idénticos (más de 13 K2 sobre cuatro K1-SB), tres arreglos por lado suspendidos más cuatro colgantes laterales de subwoofers KS28). También volaron dos arreglos de 10 gabinetes de L-Acoustics K2, más un colgado de subwoofers de ocho KS28 en cada zona de anotación. El sistema ideado por ATK fue alimentado por controladores amplificados L-Acoustics LA12X, mientras que los controladores amplificados LA8 controlaron el sistema del estadio.
“Desactivamos los colgadores K2 de la zona de anotación del estadio porque no estaban en las posiciones que necesitábamos para el espectáculo. El K1-SB en los grupos secundarios, se configuró pensando en la extensión de baja frecuencia de ésos, con los ocho grupos del KS28 proporcionando el rendimiento de subwoofer “verdadero”. Además, también se pusieron ocho subwoofers para la parte inferior. Había mucha potencia y muchos subs. Este fue un espectáculo pesado y poderoso en bajos y graves”, afirma Kirk.
El transporte de la señal se realizó a través de Dante con las interfaces Focusrite RedNet D16R y de éstas a los amplificadores LA12X a través de AES. El sistema se completó con un par de
consolas de audio Digico Quantum338 en sala y una consola SD5 para mezcla de monitores.
Dave Natale, quien mezcló la actuación de Rihanna, ha tenido una carrera histórica realizando esa labor en vivo para The Rolling Stones, Prince, Tina Turner, Stevie Nicks, Yes, Mötley Crüe, Fleetwood Mac y más, así como los cuatro espectáculos de medio tiempo del Super Bowl más recientes. En una palabra, quedó impresionado por el rendimiento del sistema K2 como se configuró:
“Éste fue un verdadero sistema de megafonía ‘rock’; uno gigantesco para música hecho con la mejor tecnología y armado por personas que realmente sabían lo que hacían y lo que se necesitaba. No sólo sonaba genial para los músicos, sino en todas partes. Alex Guessard (gerente de proyectos de audio de ATK, diseñador de sistemas e ingeniero de mezcla de eventos previos y posteriores al juego) y yo recorrimos todo el lugar, desde el nivel 100 hasta el nivel 300, más los dos niveles de suites en el medio, y cada asiento sonaba genial. Y eso se logró a pesar de una situación de manipulación desafiante que limitaba dónde podían colocar colgados los equipos, que en su mayoría estaban al margen”, menciona Dave.
Todos quedaron asombrados con el desempeño de la combinación del subgrupo KS28 de ocho cajas en cada zona de anotación, los cuatro K1-SB en la parte superior de cada ramal lateral y los dos grupos de subs KS28, en acción con los ocho subs adicionales, que crearon un entorno de bajos y graves espectacular, como afirma para concluir Dave: “Tuvieron que mover una gran cantidad de aire allí y lo hicieron dejando mucho espacio libre. Fue simplemente poderoso”.
Tener un PA L-Acoustics como sistema instalado en el lugar también fue una gran ventaja, como afirma Kirk Powell: “Elegimos L-Acoustics principalmente porque es un sistema de gran sonido y porque realmente simplificó el diseño del sistema y la integración con lo que ya había en la casa. Nos dio más opciones y eso fue genial. El programa sonó fantástico y todos estaban contentos con el resultado. Todos estábamos sonriendo al final”.
stamos felices de compartirles esta nueva aventura: Curandera, una guitarra concebida y diseñada por Alejandro Sanz, su laudero sevillano de cabecera Antonio Álvarez Bernal, y yo mismo. Se trata de un instrumento que nació para regocijo de artistas profesionales, principiantes o amateurs que desean un sonido electroacústico robusto y brillante, pero sobre todo portátil.
Con la creencia de que en tiempos de agitación la música desarrolla su mejor nobleza, llevamos a la realidad nuestra conversación en torno a una “guitarra de compañía” que impulsara la creatividad y alimentara al alma, pensando en la sustentabilidad ecológica con una filosofía sanadora. De allí su nombre y etiqueta en forma de hoja.
Hecha con los mejores estándares pero a un precio asequible (lo más difícil de lograr), Curandera es un poco más pequeña que sus cuatro hermanas mayores: Cai, Triana, Manuela y La
Alejandro Sanz y LeidenCurandera es un instrumento que nació para regocijo de artistas profesionales, principiantes o amateurs que desean un sonido electroacústico robusto y brillante, pero sobre todo portátil.
Loba, diseñadas previamente por Sanz y Bernal con distintas características constructivas y tímbricas. Entre los artistas que tienen el privilegio de contar con alguna de esas guitarras se hallan Ed Sheeran, Pat Metheny, Juanes, Vanesa Martín, Gustavo Santaolalla, Juan Luis Guerra, Manuel Carrasco, Maná y Jovanotti.
Curandera se fabrica con maderas de Abeto para las tapas, Caoba para los aros y el fondo, Corazón Púrpura para el puente, Arce para el mástil y Ébano para el diapasón. Su color es mate natural con acabado satinado. El sistema electrónico y de ecualización es Fishman. Las cuerdas son D’Addario. La tipografía y logotipo son de los diseñadores Mayra Díaz y César Benítez; la funda de manta serigrafiada fue creada por Alejandro Aponte.
Soñada durante la pandemia y nacida en tiempo récord, Curandera fue obsequiada el pasado 7 de marzo durante la gira de Alejandro por México, en el escenario del Auditorio Nacional, a cinco músicos ampliamente reconocidos en el medio latinoamericano: Vivir Quintana, Leiden, David Aguilar, Javier Calderón y Lari Ruiz Velasco. En ellos encontramos un eco que resuena con las ganas de construir belleza.
Para conocer más sobre éste y otros instrumentos, visita alejandrosanzguitarras.com, así como nuestro stand en sound:check Xpo, del 23 al 25 de abril de 2023. Allí estaremos Antonio y yo, personalmente. Además daré una master class el domingo 23 a las 13 horas, en el Auditorio sound:check principal. El sonido de Curandera será parte del encuentro.
Esta guitarra se fabrica con maderas de Abeto para las tapas, Caoba para los aros y el fondo, Corazón Púrpura para el puente, Arce para el mástil y Ébano para el diapasón.Con Javier Calderón
El olfato para las ventas lo traía desde pequeña y el gusto por las artes se fue dando para saciar su espíritu inquieto. Berenice Gutiérrez ha marcado una fascinante trayectoria en el ámbito de la comercialización y el desarrollo de mercados para marcas y empresas de distribución en la Industria del Espectáculo. Su currículum incluye periodos con Hermes Music, Vari Internacional, NTX, Novotech y actualmente es Representante de Ventas y Marketing Regional para Martin Audio Ltd, además de fundadora, directora en Pro Active Latin America y Miembro del consejo de Mujeres AV en Latinoamérica en AVIXA.
“Desde pequeña me gustó mucho la parte de vender y teníamos negocios en la familia; saliendo de la escuela me iba a trabajar a una de las tiendas y mi papá pasaba después de un rato por mí. Siempre fui muy activa y me involucraba en varias cosas artísticas, pero estar en el ámbito de las ventas ya formalmente, fue circunstancial pues la muerte de mi padre me llevó a buscar trabajo y combinar el estudio con un ingreso. Fue cuando encontré una vacante para recepcionista bilingüe en Hermes Music con Juan Perches. Ese fue el kick off, mi primer trabajo en la Industria, en recepción”, evoca sonriente Berenice, quien además tiene estudios en teatro por el INBA.
En Hermes Music se mantuvo asistiendo a la gerencia de ventas y ascendió hasta la asistencia de Dirección General y de Presidencia, donde aprendió y desempeñó tareas de marketing, relaciones artísticas y patrocinios: “Me fui fogueando mucho por todo lo que debíamos hacer y ahí estuve cinco o seis años. Me tocó colaborar en la implementación de las oficinas que se abrieron en Centro y Sudamérica y todo aquello me encantaba por lo que me permitía aprender y resolver”.
Tras esa experiencia, llegó para Berenice una nueva etapa en Vari Internacional, que sentó más conocimientos que la llevarían a colaborar posteriormente para NTX y Novotech, y alistarla para desafíos en el plano internacional: “Estuve en puestos de compras nacionales e importaciones, donde me di cuenta de toda esta otra parte que se debe saber para traer o no productos a un país y todo lo que ha cambiado a partir de entonces y hasta ahora, donde las reglas cambian de acuerdo a cada gobierno y a cada país, con una velocidad increíble. He manejado ventas para empresas en Latinoamérica, con un par de empresas de representación, comenzando en 2010, cuando me inicié con marcas como Turbosound, Denon PRO y DJ, Marantz, Tannoy, TC Group, Dyn Audio, Allen & Heath, Aviom, Labgruppen y Lake, entre ellas. Abarcamos la parte de Latinoamérica para estas marcas, desarrollando mercados de DJ, audio profesional, retail, instalación y broadcast; ahí conocí los mercados verticales y me tocó sumar para empezar a desarrollarlos”
“Luego de haber vuelto a Vari Internacional, Me llamó Debbie Maxted de Allen & Heath para ofrecerme colaborar con ellos nuevamente en el desarrollo de mercado para esta marca vía
Global Market, de la mano de Bardy Hayes. Empecé a trabajar esa marca y después de un tiempo estuvimos haciendo un grupo de trabajo especial para Latinoamérica; fuimos los pioneros en crear un equipo de soporte, teníamos un ingeniero en Brasil y otro con base en México, quienes se encargaban de hacer toda la capacitación y seguimiento para la región. Después pudimos hacer también cosas para Martin Audio, trabajando con la dirección de Dom Harter, con quien ya había colaborado anteriormente en Turbosound”.
La experiencia con Martin Audio fué un parteaguas, porque trajo a Berenice el conocimiento y experiencia para reestructurar sus procesos de comercialización y mercado: “Esa marca actualmente es nuestra bandera. Creamos una nueva empresa haciendo sociedad con Global Market para tener presencia en Estados Unidos y en México. Soluciones Proactive Latin América nace para ir dando forma y estructura local como la primera empresa de su tipo y formato en México, eso en 2018. A partir de ahí, es la única compañía con base en nuestro país en este formato de representación y que puede atender cabalmente la parte de soporte técnico, servicio y marketing. Con ella hacemos representación, asesorías de comercio internacional, planeación para eventos y obviamente lo hacemos de la mano con otros socios de negocio”.
“Mi visión nunca ha sido exclusivamente en un área, sino investigar y aprender de todas las demás para ir buscando esas áreas de oportunidades o maneras de agilizar y desarrollar con más velocidad las fortalezas que se tienen.presentación de dLive de Allen & Heath Con Dom Harter
En Soluciones ProActive están marcas como Martin Audio, Optimal Audio de Grupo Focusrite, NST AUDIO y de la empresa InMusic, Denon, Marantz y Rane Professional, además de iMAG Systems, una empresa australiana que desarrolla productos para hacer envío de audio y video por IP. Para Berenice, las claves que la mantienen vigente en su quehacer siguen siendo la capacitación y búsqueda de soluciones: “En todas las áreas en las que me he involucrado he sido una persona que investiga. En el área de compras se deben buscar alternativas y he tenido que tomar mucha capacitación, incluso en la parte técnica, que conozco, aunque no la ejerza como tal, porque aquí debes entender el por qué de la Industria. Creo que uno de los principales retos a los que me he enfrentado es justo esa división general entre el área comercial y el área técnica que se da en todos los mercados, como touring o integración y entonces, cuando hablas con alguien técnico y saben que eres del área comercial, piensan que sólo quieres vender, y a veces es difícil hacer ver que si bien esa es una parte de mi función, más que vender, lo importante es saber qué necesitan los clientes o lo que se puede mejorar para decirle a los fabricantes que lo consideren y si pueden, lo fabriquen o modifiquen, contribuyendo así a la evolución”.
“Mi visión nunca ha sido exclusivamente en un área, sino investigar y aprender de todas las demás para ir buscando esas áreas de oportunidades o maneras de agilizar y desarrollar con más velocidad las fortalezas que se tienen. A veces tardamos mucho buscando en dónde podemos mejorar, cuando realmente lo que ya está bien y funciona, requiere que lo potencialicemos y se hace mucho más efectivo desarrollar avances desde ese lado”.
Un perfil laboral en constante evolución
Acorde al momento que vive el mundo, tras la pandemia y con una ola feminista que lo permea todo, para Berenice la estrategia es hacer coincidir las maneras de trabajo entre hombres y mujeres, para que genuinamente se den las mismas oportunidades. “Es una realidad que te tienes que preparar mucho y quitarle tiempo a actividades recreativas, porque a la larga te vendrán las consecuencias que se buscan. Hoy hay más chicas con otro chip que puede funcionar mucho para mantener canales de colaboración abiertos, como lo que hace SoundGirls o lo que se ve en congresos como el de AVIXA, del que soy parte, y hay más y más mujeres que se están empoderando de forma armónica con los hombres, porque ambos mundos deben coexistir desde una visión ética para aportar a la Industria y permitir que siga mejorando y existiendo”.
“El ámbito comercial, a raíz de lo ocurrido por la pandemia, ha dejado un mercado totalmente distinto con empresas que cerraron, otras que están renovándose y unas más que heredaron especialistas que ahora están emprendiendo. Eso te obliga a entender más qué ofrece esta Industria, prepararte en algo tan básico como el dominio del inglés para que salgas y
“Sería interesante propiciar prácticas profesionales, donde los
cosas que les puedan gustar y elijan mejor, puesEn ISE Barcelona, con los ingenieros Carlos Aldama y Óscar Tovar En Avixa Women, con el Consejo de Latinoamérica
puedas irte a capacitar y visitar ferias en el extranjero, que en automático te ponen en contacto con otras maneras locales de hacer las cosas, desde el diseño de productos hasta su venta”.
“Pienso que a las nuevas generaciones debemos recordarles que se involucren y conozcan más todo lo que ofrece este gremio, que no todo está detrás de las consolas. Es importante que sepan de dónde vienen las marcas y cuál es su filosofía y misión, porque hoy varios productos pueden ser similares pero
en realidad son diferentes y eso les da un lugar en el mercado. Sería interesante propiciar prácticas profesionales, donde los aspirantes estén rotando por distintas empresas para que vean cosas que les puedan gustar y elijan mejor, pues es una Industria sumamente demandante. Hay lugar para todos, pero si pierden la capacidad de seguir aprendiendo día a día, pueden quedarse frustrados o fuera, y eso es más un compromiso personal”.
Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
Por fin ha llegado el momento y estamos a días de comenzar la gran fiesta de la Industria de la Música y el Espectáculo en sound:check Xpo. Son los días 23, 24 y 25 de abril los señalados para recibirlos en el World Trade Center Ciudad de México, para recorrer más de 12 mil metros cuadrados de exposición con todo lo relacionado para la producción de los más fascinantes espectáculos en rubros como audio, video, iluminación, escenarios, DJ y muchos más. Pero como en cada una de las ediciones de este evento, son muchas más las actividades que se podrán encontrar en el mismo espacio y que complementarán la experiencia de los visitantes.
Avances sound:check Xpo 2023
Auditorio sound:check
Un lugar destinado a grandes masterclasses y a las Tendencias tecnológicas de audio, video, iluminación y producción, con conferencias y páneles con temas de gran actualidad para los profesionales de la Industria:
Domingo 23 de abril.
Alonso Arreola.
Bajísmos y palabrarísmos. Conversatorio performático sobre el bajo eléctrico, la literatura y la creatividad.
Lunes 24 de abril.
Benny Ibarra.
Martes 25 de abril.
Fela Domínguez.
¡El Rockstaff! Un romance artístico con la tecnología. Tendencias tecnológicas de audio, video, iluminación y producción
Abraza Tu Pánico Escénico.
El domingo 23 de abril se presentará en este mismo espacio la conferencia del productor Ed Stasium (Talking Heads, Gladys Knight and the pips y The Ramones), acompañado por John Krivit, expresidente de Audio Engineering Society (AES).
Nada de cues, nada de time code, nada de plots. ¿Por qué mejor no sólo hablamos de luz?
Juan Carlos Zamudio “Charly” (diseñador de iluminación)
Germán Pereyra “Tiffy” (diseñador de iluminación)
Moderador: Alberto García (Especialista de ChamSyS para LATAM)
Viviendo el sueño del estudio de grabación profesional. Casos de estudio.
Max Arnold (Sonic Den)
Francisco Oroz (Sonic Den)
Fernando Albanés (Agavia Studios)
Coordinador del panel: Sergio Molho, Director de WSDG.
ONErpm, la fuerza de la independencia y su evolución en modelos de negocio.
Christian González (Director general de ONErpm Guadalajara. Iram López (Ingeniero de sonido, productor y diseñador acústico).
industria de la música y el espectáculo 65
Avances sound:check Xpo 2023
Josh Perales (Guitarrista de Charles Ans, co-fundador y productor musical del sello independiente LWKY y productor musical en Desert Niños).
David Leo Gómez Díaz (Ingeniero de audio en estudio de grabación y productor musical).
Hamurabi Castro (Country Manager de ONErpm para México).
Soluciones Harman a la vanguardia
César Cruz Cruz (Gerente de ventas de Harman Profesional para los mercados de retail, cinema, touring & broadcast).
Ignacio Téllez Limón (Área de preventa y capacitación).
Dolby Atmos
Giovanni Asselta (Senior Sales Manager Dolby LATAM).
Fundamentos de la fotometría aplicada a tecnologías y proyectos
Joseph C Rubenak (experto en iluminación arquitectónica).
¿Sabías que existe un programa de vigilancia profunda del SAT? ¡Acompáñanos!
Dirigido a la Industria de la Música y el Espectáculo
Joel Navarrete Lucio (asesor en Elysian Sys México).
Ricardo Carrillo.
Otras sesiones que formarán parte de esta jornada educativa en sound:check Xpo serán realizadas en las salas Tajín, Petén, Monte Albán, Uxmal y Palenque, ubicadas en el mezzanine. Organizaciones como Audio Engineering Society México (AES), el Centro de Creadores Musicales (CCM), Avixa y SoundGirls presentarán varias actividades atractivas para los asistentes.
De músico a músico. Sala Uxmal
Genaro Ochoa Creando música para imagen.
Mario Santos
El arte de crear música.
Juan Carlos Sotelo
¿A quién quieres engañar? Una disertación sobre las múltiples dimensiones del volumen.
Raúl Ojanguren
Cine y música, el encuentro de dos lenguajes.
Federico Sánchez
La composición aplicada a la producción discográfica.
Por su parte, SoundGirls, organización con origen en Estados Unidos y una importante representación en México, recibirá la visita de importantes mujeres profesionales del audio, que hablarán de distintos tópicos de nuestro gremio en sus masterclasses. Ellas son:
María Elisa Ayerbe. Ingeniera de sonido y productora musical colombiana, ganadora del Latin Grammy, con trabajos con Mary J Blige, Ricky Martin, Marc Anthony, New Kids on the Block, Juanes, Laura Pausini, Paula Arenas, Aterciopelados y muchos más.
Salomé Limón. Productora, diseñadora e ingeniera de sonido, presidenta fundadora de PIAudio (Asociación Iberoamericana
de Productoras e Ingenieras de Audio) y miembro activo de Grammy Academy y secretaria del CPI (Círculo de Productores e Ingenieros) de los Latin Grammy. Es ganadora de 5 Latin Grammys. Ha trabajado con Seal, Wynton Marsalis y Abraham Laboriel, entre una extensa lista de artistas.
Natalia Perelman. Productora musical, técnica de grabación y mezcla y mastering, música y docente. Ha trabajado en los principales estudios de grabación de Argentina con artistas de la talla de Gustavo Cerati, Charly García, Andrés Calamaro, León Gieco, Abel Pintos, Hilda Lizarazu y Teresa Parodi, entre muchos otros.
Soundgirls también organizará la mesa redonda con Latin Grammy, con la participación de Isabel Paz (Directora de Servicios a Miembros en Latin Grammy , Natalia Perelman, Salome Limón, María Elisa Ayerbe y Carolina Anton, presidenta de Soundgirls México).
Además, Soundgirls ofrecerá diferentes conciertos en sesiones acústicas, en las que se presentarán las artistas Vivir Quintana, Mare Advertencia y León Neón.
Desde su particular visión y bagaje, Lourdes Botello ha capturado la esencia del ser interior que habita en cada artista. Cada obra refleja un relato visual, una historia íntima y honesta que contar…a través de esta exhibición invitamos a sumergirse en un viaje para descubrir al ser que habita más allá de la música y los escenarios y así admirar aún más la vida y obra de estos seres geniales y extraordinarios que llamamos “estrellas”. Gracias a Eclectic Art México, esta artista plástica se integrará a la Galería de la Industria en sound:check Xpo 2023.
Ya estamos listos para abrir las puertas del gran evento de la Industria de la Música y el Espectáculo. Regístrense en www. soundcheckexpo.com.mx y nos vemos los próximos 23, 24 y 25 de abril. ¡Los esperamos!
37 ADJ
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2F AVID
Vari Internacional t. 55 9183 2700 ventaspa@varinter.com.mx
04 ALLEN & HEATH t. 55 3300 4550 Representaciones de Audio www.rda.com.mx
11 ASHDOWN Gonher t. 55 9152 4614 administracion.ventas01@gonher.com www.gonher.com
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63 MAAAC organizacionhql@gmail.com
15 MASTERCLASS – sound :check Xpo t. 55 5240 1202 www.soundcheckexpo.com.mx
33 MORETTI Gonher t. 55 9152 4614 administracion.ventas01@gonher.com www.gonher.com
25 SHURE
Representaciones de Audio t. 55 3300 4550 www.rda.com.mx
02 SOUND:CHECK XPO 2022 03 t. 55 5240 1202 www.soundcheckexpo.com.mx
3F TENDENCIAS TECNOLÓGICAS – sound:check Xpo t. 55 5240 1202 www.soundcheckexpo.com.mx
43 SOUNGIRLS – sound :check Xpo t. 55 5240 1202 www.soundcheckexpo.com.mx
15:00 A 16:30 HRS. Producción musical Ed Stasium y John Krivit
15:00 A 16:30 HRS. La fuerza de la independencia y su evolución en modelos de negocio Hamurabi Castro, Christian González, Iram López, Josh Perales y David Leo Gómez Díaz
15:00 A 16:30 HRS.
Fundamentos de la fotometría aplicada a tecnologías y proyectos Joseph C.a Rubenak
17:00 A 18:00 HRS.
Nada de cues, nada de time code, nada de plots. ¿Por qué mejor no sólo hablamos de luz? Alberto García, Juan Carlos Zamudio “Charly” y German Pereyra “Tiffy”
17:00 A 18:00 HRS.
Soluciones Harman a la vanguardia Cesar Cruz Cruz e Ignacio Téllez Limón
17:00 A 18:00 HRS. Mas allá de la mezcla Eddie Caipo
18:30 A 20:00 HRS.
Viviendo el sueño del estudio de grabación profesional. Casos de estudio. Sergio Molho, Max Arnold, Francisco Oroz y Fernando Albanés
18:30 A 20:00 HRS. VARI / DOLBY ATMOS Giovanni Asselta
18:30 A 20:00 HRS.
¿Sabías que existe un programa de vigilancia profunda del SAT? ¡Acompáñanos! Joel Navarrete Lucio y Ricardo Carrillo
