de arte ,AZ
CURIOSIDADES • Benediktas Gylys é o artista por trás do portal que ligava Nova York a Dubai. A obra, que conectava pessoas nas duas cidades, foi fechada dias depois da abertura devido ao comportamentoturbulentoeextremodo público que a utilizava. O artista, que admitiu ficar surpreso com a reação, prometeu continuar com o seu projeto e espera reabri-lo em breve.
GIRO NA CENA • PompidoueEstadodo Paranánegociamparatrazerumafilialdo famoso museu francês ao Brasil. O governador do Paraná, Ratinho Júnior, se reuniu com o presidente do museu francês, Laurent Le Bon, para avançar as negociações, em andamento desde 2022. O diretor do museu francês é esperado para visitar o Brasil e poderá confirmarafuturainauguraçãoembreve.
MERCADO • Leonora Carrington se tornou a artista feminina nascida na Grã-Bretanha mais valiosa em leilão, depois de sua pintura ser vendida por mais de 22,5 milhões de libras pela Sotheby’s de Nova York. Após uma batalha de licitação de 10 minutos, o empresário argentino Eduardo Costantini, fundador do Museu de Arte Latino-Americana de Buenos Aires (MALBA), foi quem arrematou a tela.
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GIRO NA CENA II • Pela primeira vez, a Galeria Serpentine e Thames & Hudson publicarão um manuscrito escrito pela artista Judy Chicago no início dos anos 1970. A obra visionária é uma recontagem radical da história humana, recuperando algumas das histórias de mulheres que a sociedade procurou apagar e Chicago nunca imaginou que seria publicada durante a sua vida.
NOVOS ESPAÇOS
Bienal das Amazônias (CCBA) abriu as portas com a proposta de mostrar a diversidade do universo das artes visuais da Pan-Amazônia e da Amazônia Legal. Localizado no centro histórico da capital paraense, com 8 mil m2 de área, o CCBA dispõe de um café, uma loja e uma biblioteca. As mostras inaugurais são do pintor colombiano Carlos Cruz-Diez e da fotógrafa Paula Sampaio.
Rua Manoel Barata, 400, Belém-PA.
• DISSE FRANCIS BACON, ao se referir ao seu Recentemente, fitas inéditas do famoso artista britânico revelaram sua frustração com sua galeria de arte de longa data em Londres, a Galeria Marlborough.
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David Salle é pintor renomado e um crítico loquaz. Ele escreve sobre arte de maneira inspiradora e estimulante. Com um olhar afiado, ele guia os leitores pelo complexo mundo da arte contemporânea com generosidade, honestidade e uma habilidade inquietante de reordenar e renovar o ato de ver.
ARTE: OLHAR E PENSAR • Aut. David Salle • 304 páginas • Editora Martins Fontes • R$ 79,90
Um dicionário para abrir os sentidos e libertar as palavras de seus significados costumeiros. Filosofia, poesia, collage e humor negro convergem nesta publicação onde André Breton e Paul Éluard condensam a investigação fascinada dos surrealistas pelos dicionários e seu potencial poético. Publicado pela primeira vez em 1938, a versão finalmente chega ao Brasil em edição inédita com tradução e notas de Diogo Cardoso.
DICIONARIO ABREVIADO DO SURREALISMO • Aut. Andre Breton e Paul Eluard • Editora 100/CABEÇAS • 176 páginas • R$ 105,00
Primeira publicação monográfica da artista Julia Kater, o livro bilíngue (em português e inglês) destaca sua produção recente, sobretudo em suas investigações acerca das superfícies, das múltiplas camadas de presença e da própria plataforma fotográfica. Kater apresenta uma proposta de expansão da fotografia em arranjos tridimensionais a partir das relações entre o recorte gestual e a sobreposição de planos.
JULIA KATER • Aut. Julia Kater • Editora Capivara • 208 páginas • R$ 150,00
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Livros,
Capa
Copyright
MARK ROTHKO
(Detalhe) Untitled, 1958. National Gallery of Art, Washington, Gift of The Mark Rothko Foundation, Inc.
ROTHKO
Copyright © 2023 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
AS PINTURAS DE ROTHKO, SIMPLESMENTE, TRANSFORMAM A NOSSA COMPREENSÃO. SUA RELAÇÃO DURADOURA COM O PAPEL
RENDEU A MESMA GAMA HIPNOTIZANTE DE EFEITOS E ESTADOS DE ESPÍRITO VISTOS EM SUAS TELAS. EM UM AMPLO ARCO
TRAÇADO AO LONGO DE SUA CARREIRA, AS PINTURAS EM PAPEL
TAMBÉM OFERECEM UM VISLUMBRE REVELADOR DA CRIATIVIDADE E EXPERIMENTAÇÃO DE UM ARTISTA PROEMINENTE DO SÉCULO
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POR ADAM GREENHALGH
“Uma imagem vive de companheirismo, expandindo e acelerando diante dos olhos do sensível observador. Morre pelo mesmo motivo. Portanto, é um ato arriscado e insensível enviá-la ao mundo.”
(Mark Rothko)
Escrevendo em 1947, Mark Rothko descreveu o que era, talvez, sua preocupação mais duradoura: a relação entre uma obra de arte e um espectador. Mas ele havia examinado esse tema duradouro pela primeira vez em uma pequena aquarela do final da década de 1930. Uma figura se senta diante de uma pintura em um cavalete de um de pele azul e cabelos cor-de-rosa. A paleta terrosa do quarto circundante contrasta com o vibrante e expressivo retrato no cavalete. O personagem pintado chama com um braço azul curvo, como se convidasse o espectador para um espelho ou porta; o rosa chiclete reflete sobre a figura sentada, tingindo seu rosto. Nessa pequena e complexa aquarela, o ato de olhar é transformador e recíproco. A pintura, depois de liberada para o mundo, ganha vida por meio de um diálogo ativo com o espectador.
O fato de Rothko ter abordado esse assunto crucial primeiro em uma aquarela finalizada demonstra a importância que ele atribuía às suas pinturas em papel. Parece que ele não destruiu muitas, se é que alguma, de suas obras em papel, mantendo centenas que nunca foram exibidas ao público. Enquanto esses desenhos privados podem revelar processos criativos e técnicos, fontes ocultas, revisões e relações internas, eles são complementares à história das pinturas em papel acabadas e autônomas. Rothko era extremamente cuidadoso com a forma como suas obras eram exibidas ou vendidas. Ao decidir enviar pinturas em papel para o mundo, ele as incluiu intencionalmente na narrativa principal de seu projeto artístico: como ele escolheu se apresentar e apresentar seu trabalho ao público. Essas obras públicas são aquelas que Rothko mesmo acreditava merecer atenção, estudo e interpretação.
14 Untitled, 1959. Collection of Kate
Prizel and
Prizel. Copyright © 2023
Prizel &
/ Artists Rights
New York.
Rothko
Ilya
Kate Rothko
Christopher Rothko
Society (ARS),
Untitled (seated figure in interior), c. 1938. National Gallery of Art, Washington, Gift of The Mark Rothko Foundation, Inc. Copyright © 2023 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
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1933: ASPIRAÇÃO
No verão de 1933, Rothko, na época ainda conhecido como Markus Rothkowitz, viajou de carona quase três mil quilômetros de Nova York até sua cidade natal, Portland, Oregon. Ele havia feito isso várias vezes nos últimos anos, depois de ter se mudado para o leste, em 1921, para frequentar a Universidade Yale, antes de desistir e se estabelecer em Nova York, em 1923. Mas 1933 foi diferente por duas razões. Primeiro, ele estava acompanhado de sua esposa, Edith Sachar. Eles haviam se casado no ano anterior, e o objetivo ostensivo da viagem era apresentar Edith à mãe de Rothko. Em segundo lugar, Rothko teve sua primeira exposição individual no Museu de Arte de Portland, em julho e agosto. Portanto, a viagem teve tanto um marco pessoal quanto profissional para o artista aspirante.
Os pais de Rothko, em Portland, não puderam hospedar os recém-casados, então eles acamparam nas colinas com vista para a cidade. Segundo o irmão de Rothko, Moise (conhecido como Maurice Roth), “com lona ou qualquer coisa que tivessem, eles construíram uma cabana lá e viveram sem qualquer instalação”. Tela era adequada para uma tenda na floresta, mas, para pintar ao ar livre, Rothko preferia papel. Leve e portátil, o papel era uma escolha lógica para um verão itinerante.
Não foi encontrada uma lista ou um catálogo para a exposição de Portland, mas a resenha de Catherine Jones no jornal local descreveu as obras em exibição como aquarelas, “principalmente paisagens”, que revelavam “um toque de sua admiração por Cézanne”, bem como obras pintadas com “tinta preta para cartaz” em “folhas de um bloco de papel de linho de 10 centavos”. As paisagens de Rothko foram recebidas positivamente. “O artista procurou reter o efeito de complexidade que se encontra ao
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ar livre e mostrar sua ordem e beleza final”, comentou Jones, continuando: “Elas são cuidadosamente pensadas e de forma alguma são teatrais ou dramáticas”. ( ), uma vista do rio Willamette e do vale além, posiciona o artista no Forest Park, nas montanhas Tualatin a oeste do centro de Portland. O monte Hood é sugerido no pico semelhante a uma nuvem na borda superior da folha. Rothko produziu inúmeras aquarelas desse ponto de vista, possivelmente na Terwilliger Boulevard, uma avenida cênica que serpenteia ao longo das colinas perto do Forest Park. Essas obras demonstram a familiaridade de Rothko com as convenções da pintura de paisagens, com grandes árvores enquadrando uma vista que, frequentemente, apresenta um relevo de água. provavelmente também foram pintadas nesse verão. A tinta aquarela semitranslúcida aplicada com traços de hachura estacados ou traços paralelos agitados com lavagens transparentes de tinta e reservas de papel aquarela texturizado produzem efeitos atmosféricos cintilantes. Um interesse precoce pela abstração também é evidente, já que folhagens e troncos de árvores beiram o gesto puro e a treliça padronizada.
Em Portland, ainda em 1933, Rothko também desempenhou o papel de curador, supervisionando uma exposição de obras de seus jovens alunos – com idades entre cinco e 14 anos – da Academia do Centro Judaico de Brooklyn, onde ele ensinava meio período desde 1929 e continuaria a fazê-lo até 1946. Rothko admirava o trabalho de seus alunos e compartilhava sua abordagem e materiais, como em um notável conjunto de aquarelas figurativas vibrantes pintadas em cartolina, um papel barato produzido
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The Bathers, 1934. National Gallery of Art, Washington, Gift of The Mark Rothko Foundation, Inc. Copyright © 2023 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
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Untitled (seated woman in striped blouse), 1933/1934. National Gallery of Art, Washington, Gift of The Mark Rothko Foundation, Inc. Copyright © 2023 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
e comercializado principalmente para uso infantil. Um retrato de meia altura de uma mulher intensamente focada vestida de uma blusa listrada laranja revela cores saturadas, a sangria e a turbulência que Rothko era capaz de evocar a partir desses materiais humildes.
Já em seu ensaio de 1947, , Rothko escreveu que, para ele, “as grandes realizações dos séculos em que o artista aceitou o provável e o familiar como seus temas foram as imagens da figura humana sozinha em um momento de completa imobilidade”. Ele provavelmente estava pensando nos retratos holandeses do século 17 – na complexidade psicológica de Rembrandt van Rijn ou na absorção das figuras de Johannes Vermeer. Parece que, nessas primeiras aquarelas em cartolina, Rothko estava tentando produzir suas próprias expressões de caráter e intimidade. Um grupo de retratos do início dos anos 1930, muito possivelmente todos da esposa de Rothko, Edith, exibe aproximações quase contraditórias, alternando grande concentração com distração melancólica. Muitos trabalhos, sente-se que Rothko lutou com os indivíduos e a representação convincente de uma personalidade genuína, reduzindo os rostos a máscaras em branco. Ele parece mais livre e confiante nos fundos, nos espaços circundantes ou nas superfícies dos móveis internos. Rothko pintou em cartolina pelo menos 150 vezes na década de 1930. Muitos parecem ser esboços, exercícios técnicos ou estudos exploratórios, e alguns estão relacionados a telas conhecidas. Outros são altamente acabados, testemunhando um nível sério de atenção e comprometimento. Vários estão inscritos com títulos e preços e foram emoldurados pelo próprio artista, indicando que podem ter sido exibidos ou oferecidos para venda. Rothko frequentemente tratava uma composição várias vezes no papel, revisando e levando o assunto a um grau mais alto de acabamento. Ocasionalmente, o trabalho feito no papel se manifestava em uma tela. E, às vezes, obras relacionadas em papel e tela eram ambas levadas a público.
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A partir de 1944, Rothko voltou a pintar em papel e começou a produzir um número considerável de aquarelas autônomas destinadas ao público. Em 1945, a influente negociante e colecionadora Peggy Guggenheim fez uma exposição individual para Rothko em sua galeria, , que incluía 15 telas e um grupo de aquarelas. esteve em exibição de 9 de janeiro a 4 de fevereiro. Essa foi a primeira exposição do trabalho de Rothko da década e sua primeira exposição individual desde 1933. Foi em sua maioria bem recebida, com elogios para o “idioma eloquente e sugestivo” de Rothko e “a cor tão sutil e subjugada que tem um efeito hipnótico”. As telas receberam mais atenção, mas um crítico, presumivelmente se referindo às aquarelas em exibição, observou que “Rothko é especialmente bem-sucedido nas pinturas de médio e pequeno porte, nas quais a integração é mais segura”. Três telas foram vendidas, incluindo a grande , adquirida pela própria Guggenheim. A pintura retrata duas figuras biomórficas envolvidas em uma espécie de dança retorcida. Sua postura lado a lado e o cenário –à beira-mar – lembram os banhistas espectrais de uma década antes, embora remodelados em um vocabulário visual surrealista. A tela foi pintada durante o namoro de Rothko e Mary Alice “Mell” Biestle, e as figuras são comumente interpretadas como substitutos para o casal, que se casou em 1945. Pelo menos duas aquarelas também foram vendidas na mostra de Guggenheim. Em fevereiro de 1946, Rothko submeteu à Exposição Anual de Escultura, Aquarelas e Desenhos Contemporâneos, do Whitney Museum of American Art, de onde foi adquirida, tornando-se a primeira obra de Rothko a entrar em uma coleção de museu. Nessa pintura, duas figuras antropomórficas ladeiam uma menor sobre a qual a água parece fluir em cascata de uma fonte estilizada. Pintada com lavagens diluídas de aquarela, a sutileza líquida da imagem é animada por linhas de tinta que irradiam de um vórtice central, explosões de estrelas, criaturas rastejantes derivadas de Joan Miró (veja a lagarta de nariz longo) e curvas serpenteantes rítmicas de aquarela laranja e azul rastreadas com um pincel fino.
Baptismal Scene, 1945. Whitney Museum of American Art, New York, purchase, 46.12. Copyright © 2023 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
PASSOS
1946: PRÓXIMOS
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1958-1959: PAUSA
Em junho de 1958, Rothko aceitou uma encomenda para pintar uma série de telas para o restaurante Four Seasons, no Seagram Building, o arranha-céu de Nova York projetado por Ludwig Mies van der Rohe e Philip Johnson e concluído naquele ano. Em 1958 e 1959, Rothko pintou cerca de trinta telas de grande escala para o projeto em tons de vermelhos escuros, tingidos de laranja, e pretos sobre fundos de marrom profundo, dos quais sete teriam sido instalados se ele não tivesse abandonado o projeto no final de 1959 por motivos ideológicos. Em sua decisão de desistir da comissão, Rothko citou as insensibilidades percebidas dos clientes da luxuosa sala de jantar do Four Seasons, que ele descreveu como “um lugar onde os bastardos mais ricos de Nova York virão para se alimentar e se exibir”. Além do projeto Seagram, Rothko fez cerca de 15 pinturas em papel em 1958. Em 1959, ele pintou aproximadamente 40. Os fundos tendem a ser listrados, soltos e semitransparentes, caracterizados por poças, Untitled, 1959. Private collection. Copyright ©
De 1949 até sua morte, em 1970, Rothko produziu cerca de 350 pinturas em papel, principalmente em dois períodos relativamente breves e produtivos. O primeiro ocorreu em 1958 e 1959. Durante esse período, Rothko completou cerca de 55 pinturas autônomas em papel em seu estilo característico de retângulos horizontais dispostos contra fundos monocromáticos. Nessas pinturas em formato clássico, cores contrastantes, pinceladas gestuais e relações entre formas produzem qualidades visuais vívidas. As pinturas parecem pulsar e tremeluzir. Rothko foi capaz de extrair uma ampla gama de efeitos e humores – radiantes, sombrios, serenos, cataclísmicos – a partir de uma fórmula composicional aparentemente simples. Os resultados podem ser hipnotizantes. Mas Rothko não estava focado exclusivamente em questões formais. Como ele mesmo colocou em 1956, “Estou interessado apenas em expressar emoções humanas básicas – tragédia, êxtase, condenação e assim por diante – e o fato de muitas pessoas se desmancharem e chorarem quando confrontadas com minhas imagens mostra que eu comunico essas emoções humanas básicas”. Ele concluiu que “se você é movido apenas pelas relações de cor, então você perde o foco!”
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2023
Kate
Rothko
Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
pingos, linhas de maré e manchas. Eles são pintados com lavagens diluídas, frequentemente em meios à base d’água, o que lhes confere uma sutileza aquática e uma intensidade líquida. Esses fundos também sugerem incerteza espacial, em contraste com as formas retangulares de bordas suaves de Rothko em óleo, que se destacam de forma marcante. Essas presenças substanciais se afirmam ao empurrar ou recuar da superfície implícita do plano da imagem.
Sua paleta em tela escureceu em 1957, afastando-se dos amarelos, laranjas e vermelhos do início da década para tons de marrom e carmesim profundo. A tinta se infundiu no papel, absorvida de forma a devolver a cor em um brilho profundo e forte. As cores mais escuras são exuberantes e ricas em tons de sangue de boi, bordô e roxo. Elas evocam vinho derramado ou frutas esmagadas, mas as superfícies são surpreendentemente opacas e aveludadas. Algumas tendem a ser quentes e esfumaçadas, com formas semitranslúcidas e insubstanciais pairando como uma névoa escura contra os campos de fundo, enquanto outras oferecem campos frios, quase reflexivos, em tons de cinza pálido. Muitas fazem a justaposição de cores assertivas em composições audaciosas de vibração sem precedentes.
Untitled, 1959. Collection of Christopher Rothko. Copyright © 2023 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
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Untitled, 1959. Collection of Christopher Rothko. Copyright © 2023 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
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Untitled, 1968. Collection of Christopher Rothko.
Copyright ©
Kate Rothko
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Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
1968-1969: RETROSPECTIVA
De 1960 a 1967, Rothko produziu, em média, uma ou duas pinturas em papel por ano. Em 1962, ele produziu cerca de quarenta pequenos estudos em papel para uma série de murais doados à Universidade Harvard. Esses estudos desencadearam um punhado de desenhos pequenos notáveis que transmitem as energias pulsantes de seu formato favorito em linhas de contorno de tinta nervosas e delicadas e lavagens de cinza. Em 1967, ele fez cerca de duas dúzias de pequenas pinturas em papel em tons de rosa, azul, verde, vermelho, preto e cinza. Estas seguiram a conclusão de uma grande comissão que o consumira nos três anos anteriores: uma série de telas escuras de roxo-negro para uma capela não denominacional em Houston, concebida por Dominique e John de Menil. Assim como após o projeto Seagram, Rothko voltou-se para o papel, aparentemente aliviado e energizado por estar trabalhando em uma escala menor e com recompensas mais imediatas. As pinturas menores em papel de 1967 foram, segundo Robert Goldwater, “em quase todos os aspectos diferentes da imensidão sombria da Capela, de cujo domínio ele parecia ter se liberado”. Em abril de 1968, Rothko sofreu uma dissecação aórtica quase fatal e inoperável. Seu médico aconselhou uma mudança na dieta e no estilo de vida e proibiu o artista de fazer pinturas com mais de 100 cm de altura. Depois de se recuperar por vários meses, Rothko voltou ao trabalho e, surpreendentemente, completou quase 120 pinturas em papel até o final do ano. Trabalhou principalmente em três tamanhos: 60 × 45 cm, 83 × 63 cm e 99 × 66 cm. Também pintou três telas, tornando 1968 o ano mais produtivo de sua carreira até então. Quando seu amigo, Dore Ashton, o visitou em fevereiro de 1969, Rothko mostrou a ele
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pinturas recentes em papel de 1968, cujo número exato ele contabilizou “com orgulho, como se dissesse”, nas palavras de Ashton, “com todos os meus problemas, fui capaz de fazer isso”. Seja desafiador ou angustiado, Rothko trabalhou com uma produtividade sem precedentes para um homem que, segundo todos os relatos, estava deprimido, assustado e fisicamente limitado. Em 1969, o artista trabalhou em várias pinturas simultaneamente. Bordas rasgadas e salpicadas de tinta, que que teriam sido cortadas ou dobradas durante a montagem, revelam seu processo rápido de produção. Por volta do meio de 1969, Rothko parou de usar grampos. Remover a fita de uma pintura concluída deixava, portanto, uma borda limpa de papel não pintado que o artista decidiu sistematicamente manter como parte de suas composições.
Na segunda metade de 1969, Rothko produziu uma notável série de pinturas opalescentes e em tons pastel, com bordas suaves e esfumaçadas. Reduzindo sua paleta, Rothko pintava rapidamente e de forma expressiva com apenas uma ou duas camadas de tinta em tons de lavanda, lilás, salmão, malva, siena queimada, rosa empoeirado e cinza prateado, permitindo que o papel fosse visível através, entre e ao redor das formas. Esse grupo de cerca de vinte obras provavelmente foi feito antes de quatro pinturas em tons de rosa, salmão e azul, em um formato que lembra as pinturas em papel de 1959 – um campo central grande entre faixas horizontais mais finas na parte superior e inferior.
Destacando a primazia e a força generativa do papel nesse momento, Rothko incorporou uma borda branca pintada em uma série de 18 telas intimamente relacionadas, conhecidas coletivamente como os . A tinta nessas telas não mais “dobra o canto”, como havia feito em trabalhos anteriores. O manuseio da tinta, além disso,
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Untitled, 1969. Collection of Christopher Rothko. Copyright © 2023 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
Untitled, 1969. Collection of Christopher Rothko. Copyright © 2023 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York.
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Copyright © 2023
Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko Artists Rights Society (ARS), New York.
Untitled, 1969. National Gallery of Art, Washington, Gift of The Mark Rothko Foundation, Inc.
continua no modo solto e energético estabelecido no papel, com Rothko aplicando tinta acrílica com pincéis grandes em um estado diluído e líquido como nunca em sua carreira, especialmente nos campos inferiores e mais pálidos.
As pinturas em papel de 1969 são o resultado de uma produtividade radical e de uma nova direção para Rothko. Elas representam uma clarificação de suas intenções, que sempre foram expressar emoção humana e drama espiritual. Seja pintando escuro ou claro, grande ou pequeno, Rothko sempre considerou seu propósito como a “expressão em forma concreta das... verdades do tempo e espaço, vida e morte, e os cumes da exaltação bem como os abismos do desespero”. Se os Marrons e Cinzas sugerem desespero ou morte, é porque Rothko sempre esteve interessado em assuntos trágicos. Em uma palestra no Pratt Institute, em 1958, Rothko compartilhou sua “receita de uma obra de arte”. O primeiro ingrediente era “uma preocupação clara com a morte – intimações de mortalidade... A arte trágica, romântica, etc., lida com o conhecimento da morte”.
No final está o começo. Para Rothko, no começo e no fim, as obras-chave eram as pinturas em papel. De fato, o vigoroso impulso criativo de seus últimos anos foi impulsionado pela retrospectiva e avaliação de uma vida de trabalho na qual o papel não era periférico, mas central. Das pequenas às grandes, das leves e arejadas às cataclísmicas e sombrias, as pinturas em papel que Rothko escolheu enviar ao mundo encapsularam as esperanças, decepções e triunfos de sua carreira.
Adam Greenhalgh é curador associado da National Gallery of Art e autor principal do raisonné Mark Rothko: The Works on Paper
MARK ROTHKO • PAINTINGS ON PAPER
NATIONAL GALLERY OF ART • WASHINGTON • EUA • 19/11/2023 A 31/3/2024
THE NATIONAL MUSEUM OF ART, ARCHITECTURE AND DESIGN • NORUEGA • 16/4 A 22/9/2024
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Destaque Yoko FILM NO. 4 (‘BOTTOMS’) 1966–7. © Yoko Ono.
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Ono
AMPLAMENTE RECONHECIDA COMO UMA PIONEIRA DA ARTE CONCEITUAL, VIDEOARTE E PERFORMANCE E CELEBRADA COMO MUSICISTA, YOKO ONO TAMBÉM SE DESTACA POR SEU ATIVISMO PELA PAZ. SUAS ESTRATÉGIAS E COLABORAÇÕES RADICAIS CONTINUAM A RESSOAR COM GERAÇÕES DE ARTISTAS NO DIAS DE HOJE
POR KIRA WAINSTEIN
1933-1945
Yoko Ono nasceu em 18 de fevereiro de 1933, em Tóquio. Passou a maior parte de sua infância no Japão, vivendo nos Estados Unidos por dois curtos períodos, enquanto seu pai trabalhava lá. Cresceu em uma família musical: o pai era um habilidoso pianista de concerto; a mãe tocava múltiplos instrumentos tradicionais japoneses, e a tia russa, Anna Bubnova, era uma violinista célebre. A educação musical de Ono incluiu a tradição da Lied alemã e ópera italiana.
Na primavera de 1945, Ono foi levada para o interior após as Forças Aéreas do Exército dos EUA bombardearem Tóquio, durante a Segunda Guerra Mundial.
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Yoko Ono with Glass Hammer. Foto: © Yoko Ono.
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Lighting Piece, 1955. Foto: © Yoko Ono.
1946-1955
Após o final da guerra, Ono retornou a Tóquio em 1945, frequentando a escola de elite Gakushūin, em 1946. Em 1951, ingressou na Universidade Gakushūin como a primeira estudante de filosofia do sexo feminino. Após dois semestres, se mudou para Scarsdale, Nova York, seguindo a família, que havia se mudado no ano anterior. Em 1953, matriculou-se na Sarah Lawrence, estudando poesia e composição musical. Lá escreveu algumas das primeiras obras que ela denominou como ou , incluindo a peça (1955).
1956-1961
Após abandonar a Sarah Lawrence, Ono se mudou para Manhattan, fugindo com Toshi Ichiyanagi, compositor e pianista japonês, em 1956.
Ono se integrou aos círculos vanguardistas de Nova York, sustentando-se pelo ensino de artes tradicionais na Japan Society.
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Half-A-Room, from Half–A Wind
at
Show
Lisson Gallery London. Foto: Clay Perry © Yoko Ono.
Abaixo: Painting to be Stepped On, 1960. À direita: A Grapefruit in the World of Park, 1961. Fotos: © Yoko Ono.
Em seguida, Ono alugou um loft na 112 Chambers Street, onde organizou a com La Monte Young, de dezembro de 1960 a junho de 1961, proporcionando um palco para performances vanguardistas.
é uma das várias exibidas por Ono durante a série. Essas obras consistem em uma tela e instruções convidando o espectador a completar a pintura, seja pela ação física ou em sua mente. Elas
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estão inclusas na primeira exposição individual de Ono, em julho de 1961, na AG Gallery, de propriedade de George Maciunas, que mais tarde fundou o Fluxus.
Em 24 de novembro de 1961, Ono fez sua primeira grande performance, , no Carnegie Recital Hall. As obras incluíam peças de poesia, , e , uma “ópera” multipartes incluindo artistas amarrados com garrafas e latas penduradas tentando andar silenciosamente pelo palco, corpos de artistas empilhados no palco, o som de um vaso sanitário sendo descarregado e várias fitas de áudio tocadas simultaneamente.
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Acima: Painting to Shake Hands. Abaixo: Add Colour (Refugee Boat).
Fotos: © Yoko Ono.
1962-1964
Ono retornou ao Japão em 3 de março de 1962, juntando-se ao marido Ichiyanagi. Em 24 de maio, fez um concerto, , no Centro de Arte Sogetsu, Tóquio. Membros proeminentes da vanguarda de Tóquio participaram de suas obras. Estas incluíam , cujos problemas matemáticos eram resolvidos enquanto se faziam sons em um microfone; , na qual um fósforo era aceso e observado até se apagar; e , uma progressão das obras mostradas na AG Gallery, foram exibidas fora da sala de concertos. Essas obras, cada uma composta apenas por uma instrução escrita, marcaram um momento-chave na história da arte conceitual.
A reação da imprensa ao concerto de Ono foi mista.
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Freedom, 1970. Foto: © Yoko Ono.
Em 1962, Ono conheceu o cineasta americano Anthony Cox. No ano seguinte, Ono e Ichiyanagi se divorciaram, Ono e Cox se casaram, e sua filha Kyoko Ono Cox, nasceu em 3 de agosto de 1963.
Em 1964, Ono mostrou seu trabalho em eventos individuais na Galeria Naiqua, Tóquio, incluindo , cujos os participantes foram instruídos a “voar”, e , em que Ono vendia “manhãs futuras”, com suas datas escritas em pedaços de papel presos a cacos de vidro. Ela também performou muitas vezes no telhado de seu apartamento e em um parque.
Happening
script happenings
Algumas semanas depois, Ono estreou uma de suas obras de performance mais importantes, , no ,
Kyoto, em 20 de julho de 1964. Ono se sentou em silêncio no palco enquanto a plateia cortava pedaços de suas roupas.
O envolvimento de Ono com o grupo Fluxus cresceu, apresentando-se na Fluxorchestra no Carnegie Recital Hall, em 25 de setembro de 1965. Em 1966, Maciunas convidou Ono a usar uma câmera de filme científico de alta velocidade. Os filmes mostravam o acendimento em câmera lenta de um fósforo e o piscar de olhos, respectivamente. No início daquele ano, Ono também filmou as nádegas nuas de pessoas associadas ao Fluxus.
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Cut Piece, 1964. Foto: © Yoko Ono. 49
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Acima: Painting to Hammer a Nail, 1966. Abaixo: SKY TV, 1966. Fotos: © Yoko Ono.
Em setembro de 1966, Ono participou do Simpósio de Destruição na Arte (DIAS) em Londres, que reuniu um grupo internacional de artistas. Ela deu uma palestra durante o simpósio e foi a única mulher com um evento solo. A artista permaneceu em Londres, posteriormente divorciando-se de Cox. Em novembro, ela abriu uma exposição solo, , na Indica Gallery, em Londres, exibindo a nova direção conceitual baseada em objetos de sua prática. As obras incluem , onde os visitantes são convidados a martelar um prego; , um jogo de xadrez inteiramente branco que os visitantes podem jogar; e , uma televisão mostrando uma transmissão ao vivo do céu.
Entre 1966 e 1967, Ono criou uma versão de um longa-metragem, retratando duzentas nádegas como uma “petição pela paz”. Foi banido pela Junta Britânica de Censura de Filmes. Ono protestou enviando flores para os escritórios da Junta e distribuindo flores para os transeuntes.
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1968-1974
Ono e Lennon fizeram sua primeira aparição pública juntos com o Acorn Event, em 15 de junho de 1968, plantando dois carvalhos do lado de fora da Catedral de Coventry como um ato de paz, iniciando anos de ativismo para o casal. Em 20 de março de 1969, Ono e Lennon se casaram. Para a lua de mel, organizam o , um evento antiguerra em seu quarto de hotel no Amsterdam Hilton, de 25 a 31 de março. O foi organizado novamente em Montreal, no Hotel Queen Elizabeth, de 26 de maio a 2 de junho, onde escreveram e gravaram . Convidaram a imprensa e celebridades, ganhando ampla atenção da mídia.
Bed-in
Give Peace a Chance
Em 1971, Ono e Lennon se mudaram para Nova York. A exposição de Ono, , abriu em outubro, no Everson Museum of Art, em Syracuse, onde mais de cem participantes, incluindo John Cage e Andy Warhol, contribuíram com recipientes que Ono encheu com água conceitual. Em 1º de abril de 1973, em resposta a questões pessoais de imigração, Ono e Lennon declararam a formação de um país conceitual, Nutopia, do qual qualquer pessoa pode se tornar cidadã. Em outubro de 1973, Ono e Lennon se separaram.
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”
Bed-in for Peace, 1969. Foto: © Yoko Ono.
“
Ono e Lennon se reuniram em janeiro de 1975. Seu filho, Sean Ono Lennon, nasceu em 9 de outubro. Eles fizeram uma pausa no trabalho nos cinco anos seguintes; Lennon cuidava do filho deles, enquanto Ono cuidava dos assuntos comerciais. Em agosto de 1980, Ono e Lennon retornaram ao estúdio para gravar seu primeiro álbum juntos desde 1972. foi lançado em novembro. Menos de um mês depois, em 8 de dezembro de 1980, John Lennon foi assassinado.
Ono se envolveu em ativismo antinuclear, participando de um fórum internacional em Moscou, em 1987. Durante esse período, começou a trabalhar com bronze, fazendo novas versões de obras dos anos 1960. Uma exposição no Whitney sinalizou um renovado interesse na prática de Ono; com a ajuda do curador e arquivista Jon Hendricks, seu trabalho foi exibido extensivamente pelo mundo. A artista embarcou em uma infinidade de novas obras de arte, incluindo , uma série contínua de desenhos iniciada em 1994, e , mostrada pela primeira vez, em 1996, na Shoshana Wayne Gallery, na Califórnia.
1975-1999
.”
“ ” Árvore dos Desejos, 1966. Foto: © Yoko Ono. 55
A maior exposição de Ono até a data, , abriu em 2000 na Japan Society, em Nova York, e fez uma digressão por 12 locais em toda a América do Norte e Ásia Oriental. Desde então, Ono teve mais de trinta grandes exposições individuais em todo o mundo.
Ono estabeleceu a Bolsa LennonOno para a Paz em 2002. Em 2003, seu trabalho foi mostrado na 50ª Bienal de Veneza, incluindo , , assinada por Ono e Lennon, em 1973, e , cujos espectadores eram convidados a carimbar “IMAGINE PAZ” em mapas em grande escala. Em 2004, Ono criou para a Bienal de Liverpool, com imagens dos “peito e vagina” de uma mulher (conforme observado por Ono para fazer referência às primeiras coisas que uma criança vê após o nascimento), distribuídas por toda a cidade, e um convite para os visitantes compartilharem mensagens sobre suas mães no Tate Liverpool. Em 2023, Sean Ono Lennon criou uma “árvore dos desejos” virtual para marcar o nonagésimo aniversário da artista, incentivando as pessoas a fazerem um desejo ou plantarem uma árvore em sua homenagem. Ono continua vivendo e trabalhando em Nova York.
2000-2023
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Kira Wainstein é assistente de pesquisa e curadoria no Tate Modern, London.
YOKO ONO • MUSIC OF THE MIND • TATE MODERN • LONDRES • 15/2 A 1/9/2024
My
Mummy Was Beautiful ,2004. Foto: © Yoko Ono.
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A Casa. © José Bechara.
Foto: Filipe
B. © José Bechara.
Sator e Senk
Ricardo Ferraço, Vivian Coser e Knopp Ferro
Matheus Garcia e Joao Mansur
Paula Zarth, Luiz Baltar, Évlen Joice Lauer Bispo, Dante Gastaldoni e Marcia Mello
Débora Oliver e Luiz Baltar
Aercio Barbosa Oliveira e Luiz Baltar
Diego Revollo Luis Fronterotta e Renato Tomasi
Flavio Serqueira e Jean-Michel Othoniel
Diego Matos e Nino Cais
Ricard Akagawa, Jean-Michel Othoniel e Waldir Simões de Assis
Fernanda Cajado e Flavio Cohn
Marcia Mello e Luiz Baltar
Luiz Baltar Sesc Nova Iguaçu
Jane, Pedro, Gabriel e Glória Wickbold
Jorge Da Hora e Ludmila Veiga
Renato Mendonça e Cláudio Nogueira
Antonia Bergamin
Enzo Celulari e Allan Weber
Udi Lagallina e Benoit Pierrang
Fotos:João Mario Nunes
Marisa Abate e Marcia Barbosa
Ana Holck, Felipe Scovino e Amalia Giacomini
Ana Costa Ribeiro e Elizabeth Jobim
Paulo Venancio Filho, Felipe Scovino e Ana Costa Ribeiro
Jady Tofoli, Eduardo Caíres e Rhelden
Mariana Ximenes
