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Mes en contra de la violencia hacia las mujeres y niñas y por la equidad de género
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La fuerza y la energía que las artes escénicas pueden generar, se debe al ineludible careo entre el escenario y el público; las miradas de actores y espectadores se cruzan y los ánimos son un intercambio completamente pasional entre ellos. El éxito de un concierto o de una puesta en escena depende, en igualdad de proporciones, de ambas partes. Cada aplauso, carcajada o lágrima del auditorio, contagia también el desenvolvimiento del artista sobre el entarimado y viceversa. Un espectáculo artístico en vivo es un compromiso para todos los presentes dentro de un recinto.
Cuando estas conexiones se establecen adecuadamente, entonces los mensajes detrás del guión o la partitura también pueden transmitirse con atino y pulcritud. Los lazos creados atraviesan el simple entretenimiento y generan vínculos intelectuales o hasta espirituales, porque entonces no hay barreras físicas, emocionales ni doctrinarias. Precisamente, al Festival InternaLa comunión artística se cional Cervantino arriban propuestas completa. escénicas de muchos y diversos rincones del mundo, que se enfrentan de inicio, algunas, a las barreras idiomáticas, culturales o estéticas del público nacional. Sin embargo, todas las compañías y bandas llegan con el objetivo de enchufar al espectador y comunicarse con él. En esta última edición, los mensajes eran variados: pensemos, comprendamos y apoyemos a los migrantes; conectemos y conozcamos a nuestro propio espíritu y nuestras raíces; confiemos en la juventud y su talento. Pero el más importante, sin duda, el que mereció tiempo, espacio y reflexión en más de un acto fue Ayotzinapa. Bajofondo, Jan Fabre y Rubén Blades, entre otros, pidieron a su vez por justicia para los 43 estudiantes desaparecidos. De esto se tratan los arcanos escénicos y este número de N3RVIO.
Cinco minutos de m煤sica que traspasa la piel, luces rob贸ticas que aparentan poder tocarse y mucho humo de antro son la combinaci贸n perfecta para acaparar los sentidos en Tesseract / Hypercube, de 1024 Architecture.
Por: DANIELA BA’DUNASHI
La migración existe por el instinto de supervivencia; porque cualquier especie que cumpla sus funciones básicas y biológicas, debe buscar condiciones más prósperas para sobrevivir. De esta manera, el tema migratorio se traslada a la especie “humana”. Algunos, como el salmón, caminan río arriba, al norte, para buscar condiciones menos hostiles; aunque en el trayecto deberán sortear a otras tantas especies que se alistan para recibirlos y cazarlos.
Los migrantes, igual que los salmones, son la carne que alimenta a cientos a su paso: cárteles, policías, pandillas, gobiernos y un sinfín de personas que los utilizarán para trata de blancas, venta de órganos en el mercado negro, como sicarios y como todo lo que la mente retorcida de un humano pueda elucubrar. Y a pesar de eso, la famosa tierra prometida es, sin duda, un gran aliciente para que día tras días cientos de personas se embarquen en un viaje que, saben, tiene altas probabilidades de terminar mal.
Paso del Norte es una ópera mexicana que encara esta realidad, la cruel realidad de la migración humana. La frontera México-EU indudablemente es la franja más famosa en este tema, al menos de este lado del hemisferio; una franja que ha dejado miles de cadáveres sobre su regazo.
En esta grandiosa ópera, Víctor Rasgado pretende mostrar de una forma estruendosa y con los recursos vocales que ofrece este género, lo desgarrador de este viaje: el hambre, el sol, la sed, el cansancio físico y mental, la incertidumbre y, lo peor de todo, la muerte que deben encarar hombres y mujeres de una América demasiado desigual. Algunos dirán que el tema está por demás explotado; pero mientras los migrantes sean tratados como seres inanimados, éste seguirá siendo vigente. 5
Desde Gambia, Sona Jobarteh y su banda llenaron de fiesta la Explanada de la Alh贸ndiga. Tras su kora y su guitarra, hizo que la gente coreara alegremente sus canciones, traspasando las barreras idiom谩ticas.
Por: CALIFORNIO CHIAPAS DURANGO
Carlos Chávez, jefe de Bellas Artes en épocas post-revolucionarias, tuvo en mente poder armar una orquesta que, utilizando instrumentos tradicionales del amplio mosaico de sonidos que la cultura mexicana había generado a lo largo de toda su historia, se diera a la tarea de hacer composiciones y ejecuciones de la talla de una orquesta sinfónica clásica. La idea era recobrar esa riqueza musical, para identificar en sus sonidos a un pueblo que se rehacía de nuevo como país. Entonces, surgió la Orquesta Mexicana, con composiciones del propio Chávez —el repertorio Cantos Mexicanos—, que dedicó a su amigo, el también compositor Silvestre Revueltas. Éste sería el proyecto que culminaría la corriente del “mexicanismo”… pero sólo se presentó una sola ocasión, en octubre de 1933.
Con instrumentos como la flauta de carrizo, el arpa, las vihuelas, la sonaja, el raspador, el huéhuetl, los teponaztles, las marimbas, los violines, el tambor indio, el gong, las guitarras, el tololoche y una serie de metales que habían estado arrumbados por más de 80 años, Rubén Luengas, director de la Orquesta Pasatono, retomó este proyecto, que por tanto tiempo había quedado si no en el olvido, sí bajo el estigma occidental, criticado por no ser un arte refinado y, acaso, cuando más, un berrinche, un acto de resistencia ante la conquista cultural de Europa por parte de los compositores. En el Templo de la Compañía y en las manos de los músicos de Pasatono, la Orquesta Mexicana y sus Cantos volvieron a una reluciente vida en tiempos en que la diversidad es el valor principal de las propuestas. Entre cada pieza, Luengas pasaba al proscenio a dar lectura en voz alta a ciertos pasajes de las cartas que se mandaban Chávez y Revueltas, que eran, al cabo, debates entre lo “popular”, lo “refinado” y lo “indio”; el mundo contemporáneo y su falta de visón hacia lo tradicional. “Volvámonos indios. No existe el arte popular, ya que para el que lo hace, es el único arte que tiene”. Envolviendo al público con sonidos que rápidamente transportarían a épocas prehispánicas o a escenarios actuales en los que los pueblos originarios viven su vida cotidiana, los Cantos Mexicanos suenan más actuales que cualquier otra cosa. Y además de los trabajos de Chávez, Luengas también pudo dar gala de composiciones de su autoría y, si había alguna duda de la actualidad de esta propuesta, se estrenó La Danza de un Poeta y el Viento, de Enrico Chapela. 9
El candombe, la milonga y el tango —en ese orden genealógico— se fusionan festivamente de la mano de Bajofondo, la banda argentina-uruguaya creada por el legendario Gustavo Santaolalla y Juan Campodónico. Ellos se encargaron de hacer retumbar la Alhóndiga con la brillante combinación de su música regional con rock, electrónica y hip-hop. Luego, entre el ambiente de baile y alegría, Gustavo se tomó una pausa para empuñar su charango y pronunciar un emotivo mensaje de empatía: “sabemos muy bien lo que es tener hijos, hermanos, estudiantes y profesores desaparecidos”. Ellos vivieron, en los 70, “las páginas más oscuras” de su historia. Así que, para solidarizarse con los normalistas de Ayotzinapa, interpretó el nostálgico tema De Ushuaia a La Quiaca.
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Por: CALIFORNIO CHIAPAS DURANGO
No sabemos a ciencia cierta si la locura deviene en brutalidad o al revés. Pero es posible que al utilizarla como un recurso que conecte a las personas consigo mismas y con el entorno que las rodea; al pasar, en palabras de Jan Fabre, creador de The Power of Theatrical Madness (El Poder de la Locura Teatral), “del acto al actuar” y al conectar la locura interna de los actores con la del público por más de cuatro horas, se convierta en más que una bonita y entretenida obra y sea, más bien, un reto para reflexionar.
The Power of Theatrical Madness es un ensayo de este creador belga-flamenco acerca de la historicidad del teatro; aunque más allá de un documento, exige el límite de las resistencias físicas, fisiológicas y emocionales. Si bien es cierto que rompiéndolos se establecen conexiones, en esta obra, se evidencia. A medias luces, se establece un juego de poder: todos quieren entrar a la función de teatro, pero nadie sabe cómo se ha visto el Teatro en las épocas modernas, desde el estreno del Anillo de los Nibelungos, “¿1876?”. Había que romper el rol de representar solamente un papel sobre el escenario; hay que destrozarlo para, realmente, actuar siendo, montando escenas largas, repitiendo diferentes poses que refieren al manierismo, sacando a flor de piel las tensiones musculares, sudor del sobresfuerzo, cansarse hasta que se sienta uno morir. Al fin, si no duele, no sirve. Hay una mezcla de elementos, como el dolor, el amor, la muerte, la libertad y el conflicto con el poder, en lo cuales el cuerpo nunca miente.
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Para poder forjar el espíritu del escenario, The Power of Theatrical Madness crea la experiencia humana a través de performances. La libertad, esa cualidad de la condición humana que puede jugar un papel de ilusión, genera una relación de poder entre un dominado y su dueño, ya sea trotando hasta que el cansancio tumbe a los actores en el escenario y fumen un cigarrillo para relajarse o traspasando las normas del movimiento bailando en trajes de luces mientras una bailarina hace un developé y plié por cerca de una hora. Sufrir las amargas mieles del romance, esa placentera confusión, significa para los actores recibir una serie de nada amables bofetadas por más de 40 minutos, mientras se cantan de frente lindas canciones de amor. O, también, experimentando la desnudez como objeto de deseo, pero también como sujeto de cariño o de crueldad. Amar es desfallecer, resucitar para volver a amar en ciclos infinitos y, en el escenario, por cerca de una hora. Hay un halo de desquicio. Pero qué va, así es la analogía del amor. Fabre, solidarizándose con la situación reciente en el país, dedicó esta obra de poder a los 43 normalistas desaparecidos en Ayotzinapa; en todas las butacas había un mensaje de dedicatoria, que durante la conferencia aclaró: “Hay que contar con la experiencia de la humanidad, que es celebrar la vida. Yo creo que el arte está para combatir al cinismo y la crueldad, por eso hice la dedicatoria”.
Un solo hombre (Paulo Furtado) es capaz de hacer sonar múltiples instrumentos a la vez y de poner a bailar a todo el público al más puro estilo rockabilly. Él es The Legendary Tigerman.
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Por: ALEJANDRO MENDOZA
El concepto de la globalización ha sido, desde hace mucho tiempo, rebasado por su materialización. Si bien el internet y otras tecnologías han permitido conectar a la gente con facilidad a pesar de las distancias internacionales, otras cuestiones de mayor impacto, como los recursos —naturales y monetarios—, siguen perteneciendo a unas cuantas manos y naciones. La riqueza, por supuesto, no tiene nada de global. Así que, consecuentemente, la migración se ha vuelto un fenómeno a escala mundial que, por desgracia, también acarrea una sinfín de problemas y tragedias en cualquier frontera y no exclusivamente en la que nos delimita al norte, en las laderas del Río Bravo. Entre los países que reciben un mayor número de migrantes en busca de mejorar su calidad de vida, además de Estados Unidos, se encuentran varios euro-occidentales, como Francia, adonde arriba cualquier cantidad de ciudadanos africanos, principalmente, y de donde es originaria, precisamente, la Compañía Carabosse, cuyo objetivo es intervenir espacios públicos y callejeros para producir funciones e instalaciones gratuitas. En este caso, inspirados en el problema migratorio que también impacta a su tierra, trajeron al 42 Festival Internacional Cervantino su monumental instalación Artículo 13. De acuerdo con dicho apartado de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, toda persona tiene derecho a elegir su residencia en cualquier lugar del mundo y a salir y regresar a su país cuando quiera. En pocas palabras, en este artículo se declara la libertad de migrar de quien sea.
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Inspirados en este derecho y de la mano con Teatro Línea de Sombra (México), Artículo 13 probablemente sea la gran dedicatoria artística que los migrantes, en sus peligrosas y muchas veces mortales travesías, merecen. Montada sobre un terraplén, que representaba a la perfección un terreno desértico, la instalación ocupaba alrededor de mil 500 metros cuadrados, dividida en más de una decena de módulos. Cada uno de éstos, abordaba un tema específico acerca de la migración mediante fuego —elemento primordial de la instalación—, simbolismo y teatralidad. Además, Artículo 13 puede considerarse un happening, dado que el público tiene la libertad de migrar entre los diferentes escenarios a placer y permanecer el tiempo deseado en cada uno; así que la experiencia para cada espectador es única, completamente introspectiva y subjetiva. Ninguno, en realidad, visita la misma instalación. Y sin embargo, en todos los módulos el mensaje central es el mismo: los migrantes tienen rostro y una voz para contar sus historias y motivaciones al emprender el viaje. Los altoparlantes de Artículo 13, así lo manifiestan. El gran telón se cierra cuando todos los actores se reúnen al centro del montaje, bajo una gran viga superior que atraviesa el terreno de lado a lado. Entonces, con los reflectores apuntados directamente hacia ellos, una cortina de arena les llueve para decretar el final de una de las instalaciones más impresionantes que se han visto en un Cervantino y que, afortunadamente, dedica un colosal homenaje a todos y cada uno de quienes han tenido que tomar su mochila y llenarla de esperanzas para dar el primer paso hacia un futuro prometedor pero, sobre todo, incierto. Todo hombre o mujer valiente merece recibir grandes honores.
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En el pedestal que sostiene al micrófono, cuelgan un par de maracas forradas con la bandera de Panamá. La luz roja, iluminándolas. Hacia fuera, hay un público impaciente por ver a Rubén Blades desplazarse hacia el medio, tomarlas para marcar el compás con la orquesta y tocar canciones como Amor y Control, Decisiones y Pedro Navaja, que prenden como llamarada al ambiente de la Alhóndiga de Granaditas. Con gran porte, da pequeñas introducciones para cada tema; cada uno, lleno de sentido social y goce. Se acomoda el sombrero y ve a lo lejos manifestantes pidiendo justicia por los 43 estudiantes desaparecidos. Todo coincide: comienzan a aparecer sus fotos y, con ellas, suena Desapariciones.
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Por: DANIELA BA’DUNASHI
The Tiger Lillies Perform Hamlet es, sin duda, una muestra viva y magnífica de lo que la escuela mezclada con el talento puede generar. En esta representación, Hamlet no sólo es fatídico, sino que es aún más oscuro, más dramático, mucho más terrible y desgarrador; y, además, con un toque cabaretero, gitano y hasta circense, lo cual se logra cuando se fusionan el sonido grave del contrabajo, un acordeón lastimero y terrorífico y una batería estridente y suave al mismo tiempo.
Y es que hasta en el elenco de este performance se perciben las mezclas, pues ellos pueden ser la descripción gráfica de “hombre orquesta”, ya que no se limitan a ser actores, sino que también dejan ver sus dotes de músicos, cantantes, equilibristas y demás cualidades que, combinadas, dan al espectador dos horas y media de una riquísima obra, que le lleva a experimentar todas las emociones en un instante, desde el amor y la dulzura hasta el dolor y el llanto por la muerte del Rey, que conmociona a Hamlet, a Ofelia, a la reina y al hermano, al grado de que terminan matándose unos a otros en busca de venganza y apaciguamiento de sus almas. Aunado a la actuación, la voz circense de Marty Jacques, cabeza de The Tiger Lillies, es, hasta cierto punto, frívola y de miedo, pues va de tonos graves y terrosos hasta los picos más altos, que sólo los cantantes de ópera como él pueden alcanzar y que le proporcionan al performance una atmósfera underground-parisina-cabaretera o de zona roja, tipo Ámsterdam, que traslada a Hamlet a un ánimo decadente y casi podrido de la sociedad, el cual Shakespeare quería reflejar en esta obra y que, curiosamente, se mantiene vigente y quizá un poco más descompuesta que en el siglo XVI. Talento bien aprovechado es este performance, en donde los tres integrantes de The Tiger Lillies no se limitan a un solo instrumento, ¡no! Eso es para novatos. Adrian Stout, encargado de las cuerdas en el contrabajo, también le entra con fe al theremín, al canto y demás dotes histriónicos. Y la batería, a cargo de Mike Pickering, es simplemente deliciosa, pues va de lo sutil con escobillas a lo estridente con las baquetas más pesadas. Además, está Marty Jacques, quien no sólo es cantante de ópera, sino que ejecuta el piano y el acordeón con total maestría. Y es que Hamlet es simplemente las licencias que estos músicos y actores de la compañía de teatro Republique se han otorgado para explotar y transformar una obra clásica en algo irreverente, oscuro y de bares y hoteles baratos.
The Tiger Lillies Perform Hamlet es una obra maestra de inicio a fin y un trabajo que más y más compañías de teatro y músicos deberían experimentar. Porque en este mundo hay que arriesgarse, salirse de los moldes, de los cánones establecidos y permitirse ser atascados hasta lo kitsch, lo de mal gusto, y estudiar y estudiar y ser profesionales hasta vomitar, puesto que sólo así, alcanzando los estándares más altos, es cuando puedes dejarlos atrás y proponer una nueva visión, como lo hacen The Tiger Lillies y Republique, que han trasformado un clásico shakesperiano sin temor a ser criticados. 23
Con el espacio como escenario, suspendidos a 30 metros sobre el suelo, el espectáculo Muaré, de Voalá Project, combina a Duchamp Pilot, banda de un rock supersónico, con ejecuciones aéreas que escenifican pasajes alucinantes. Alrededor de 25 bailarines cuelgan como un móvil de patrones de moiré y colores chillantes y arrojan ocasionalmente papeles metalizados al público. 24
Esta puesta en escena habría provocado que René Magritte se quitara el sombrero. Nubes es una mágica combinación de teatro y danza con infinidad de objetos sobre el escenario —casas coloridas, nubes, demonios y escaleras al cielo—, que el director argentino Enrique Cabrera escribió inspirado por la obra del pintor belga. 25
Por: CALIFORNIO CHIAPAS DURANGO
Andar por el Templo de la Valenciana es algo parecido a andar por la cima del mundo, cerca del Sol; sólo se puede contemplar cómo llegan los rayos a la ciudad, bañándola en oro barroco. Desde ahí pudo disfrutarse del acto de clausura de la Academia Cervantina, el primer proyecto del FIC que va más allá de sólo ofrecer espectáculos de calidad y llenar a Guanajuato de turistas. Había que generar propuestas que conectaran a los artistas invitados con aspirantes que quieran vivir nuevas experiencias. Esta academia lanzó una convocatoria por América Latina para jóvenes menores de 35 años que desearan formar parte del primer ensamble. Los resultados fueron impresionantes. Una vez conformado con muchachos latinoamericanos de Cuba, México, Chile y Guatemala, recibieron clases de los invitados: Next Mushroom Promotion, Cuarteto Arditti y Steve Schick, por mencionar algunos. Juntos, hicieron un compilado de obras que definieran el ímpetu de estos creadores, con piezas de Silvestre Revueltas, Aaron Copland e Igor Stravinsky. Apenas al primer movimiento de Planos, de Revueltas, se hizo notar la energía de estos muchachos, a diferencia de orquestas con camino recorrido, pues parecía que hubieran descifrado a este compositor y el misterio de esta pieza. Y para cuando llegó el momento de ejecutar a Copland, la atmósfera de entusiasmo con el público ya estaba puesta y podía notarse que estos muchachos se tomaban en serio su papel. De la mano de su director, Juan Trigos, el cierre tuvo un cambio: la orquesta de la Academia Cervantina se empeñó en generar momentos de tensa calma, suspenso y serpentinas sonoras con la pieza de Ligeti Kammerkonzert y con el Concierto en Mi Bemol, Dumbarton Oaks, de Stravinsky. Así, demostraron que no había más que lanzarse con fe hacia el Sol. 27
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