MondoSonoro junio 2021-2

Nº 296 Junio/2 2021 www.mondosonoro.com

THE CRAB APPLES, NAJWA NIMRI, MAIKA MAKOVSKI, LA OTRA, NO TE VA GUSTAR OQUES GRASSES, KOKOSHCA, WOLF ALICE, BLACK MIDI, CHRISTINA ROSENVINGE

Queralt Lahoz Pura

VETUSTA MORLA HINDS·RIGOBERTA BANDINI·JOE CREPÚSCULO THE NEW RAEMON & PAULA BONET ·GUILLE MILKYWAY DJ SET

01.07 03.07

POL BATLLE & RITA PAYÉS· RENALDO & CLARA·BIZNAGA·MOURN·VERA FAUNA HICKEYS·PAULA VALLS·CANDELEROS·SÚPER GEGANT·PAU ROCA·DANIEL WATTS

NATHY PELUSO STAY HOMAS·MARIA ARNAL I MARCEL BAGÉS·FERRAN PALAU PAU VALLVÉ·LADILLA RUSA·MAZONI RUSOWSKY + MORI·MERITXELL NEDDERMANN·BRONQUIO·TVERSKY·BAYWAVES SAM BERRIDGE·HIJOS DEL TRUENO·MYŌBOKU·JORDI SERRADELL MIQUI PUIG DJ·SAU POLER

LOVE OF LESBIAN SEN SENRA·CLARA PEYA·MARIA JOSÉ LLERGO·MUJERES NÚRIA GRAHAM·EL PETIT DE CAL ERIL·ENRIC MONTEFUSCO CAMELLOS·BOYE·ZULU ZULU·MELENAS·TARTA RELENA·CHAQUETA DE CHÁNDAL LA TRINIDAD·MARETA BUFONA·MAADRASSOO·JMII VILANOVA I LA GELTRÚ Patrocinadors oficials:

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Melodías pegadizas, cuidadas cortinas sonoras, ritmos intensos y letras descriptivas sobre sueños y pesadillas que acabarán de nuevo siendo himnos de festival. Ingredientes, todos ellos, que definen el pop electrónico de los catalanes Dorian. A la espera de que publiquen su esperado próximo disco de estudio -del que nos avanzaron hace unos meses “Dual”, su colaboración con Pimp Flaco–, publicamos una extensa charla repasando toda su carrera.

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Si hay un grupo en España al que la pandemia de las narices ha ralentizado su meteórico proceso de crecimiento y desarrollo es Carolina Durante. Su primeros pasos fueron fulgurantes y eso les llevó a estar en todos los festivales que podían programar en sus apretadas agendas. No sabemos cómo les habrá sentado la desaceleración, pero estamos seguros de que cuando todo esto pase, lo retomarán con más energía que nunca.

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5/Mondo freako

The Crab Apples es una formación que empezó a publicar sus canciones hace casi siete años. Tras dos proyectos discográficos, dan el pistoletazo de salida a una nueva era con “Crap” (DSK Pop, 21). Charlamos con las tres artistas que forman la banda sobre la salida de su tercer álbum.

H

The Crab Apples Un nuevo inicio mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

A PASADO UN TIEMPO desde “Crap”, vuestro tercer disco. ¿Cómo estáis viviendo la recepción del público y la prensa?

Ahora mismo estamos como en una nube. El parto aún es relativamente reciente y todo el feedback que estamos recibiendo es súper positivo. Pero, sinceramente, lo que nos preocupa bastante es la posible caída emocional que vayamos a sufrir en unas semanas, cuando el disco ya no sea tan reciente y no podamos lanzar la gira de presentación que nos gustaría...

—Durante todo el 2020 fuisteis publicando varios adelantos que forman parte de este nuevo trabajo.

Un disco que, como se puede comprobar, se ha ido cocinando a fuego lento, ¿cómo ha sido el proceso de creación y composición del álbum?

Ha sido muy distinto a todo lo que habíamos hecho anteriormente. En parte lo buscábamos, porque queríamos tratar cada canción como una entidad propia, mimarla al detalle. Pero, por otro lado, la pandemia nos obligó a terminar de componer y producir a distancia los temas que faltaban por grabar, algo que no estábamos nada acostumbradas a hacer. Además, tuvimos que entrar en el estudio por tandas porque, al ser pequeño, no podía haber tantas personas a la vez.

Eso fue muy raro. ¡Siempre hemos grabado juntas!

Aún así, estamos muy contentas y orgullosas con el resultado.

—En esta referencia os centráis en temas más complejos y duros que nunca. Un trabajo que refleja a la perfección los sentimientos que hemos podido todos desde que comenzó esta pandemia. Pero ¿qué sensaciones esperáis que se despierten en los oyentes al escucharlo? ¿Cuáles os despiertan a vosotras?

Es cierto que nosotras también tenemos la sensación de haber publicado un disco que trata temas más universales, con los que nos podemos sentir identificados, a diferencia de nuestros anteriores discos, que tal vez eran un poco más personales. La verdad es que todas las letras se escribieron antes de que estallara la pandemia, así que realmente ninguna canción habla del COVID en sí, pero hasta nosotras mismas ahora vemos paralelismos. La música tiene esa fuerza… Puede acompañarte en momentos muy distintos de tu vida y siempre te dará algún tipo de respuesta. A nosotras nos gustaría que el disco despertara alguna sensación, en general, en los oyentes. Que lo hagan y lo sientan suyo. Eso sería maravilloso.

—Estas ocho piezas tienen un sonido más cercano al pop actual, pero sin dejar apartada la esencia habitual del grupo. Esta evolución de vuestro sonido, ¿es algo deliberado? ¡Es cien por cien deliberado! Por eso llamamos a Víctor Valiente para la producción. Nos apetecía experimentar con samples y las posibilidades casi infinitas de la música electrónica. Y ha sido muy divertido, la verdad.

3

junio 2021 #7

MONDO FREAKO

LA MÍA Los nueve dedos

Y

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—A pesar de ser un álbum de temática más oscura, hay algunos ritmos que te llevan directamente a bailar como en “Me da igual” o “Cucarachas” que contrastan con “2020”, esa balada tan dura que nos hace volver a la realidad. ¿Os es más fácil componer canciones con mensajes duros y ritmos bailables que con ritmos más lentos?

Nos ha pasado desde siempre que, de pronto, un tema nuestro más bailable tiene una letra oscura. En el primer trabajo con el tema “Lovely Girls” y en el segundo con “Open Your Mind”. Nos gusta camuflar mensajes potentes en canciones aparentemente desenfadadas.

—¿Ha habido alguno de estos ocho temas que os haya costado más acabar?

“Me da igual” fue el tema más difícil. Le dimos quinientas vueltas a la producción, a la letra, a la estructura… Era un tema que nos flipaba cuando lo compusimos y sabíamos que tenía potencial, pero nos costó mucho sacarle el brillo con el que reluce ahora.

—Habéis citado ya al productor, Víctor Valiente, que ha trabajado con otras grandes bandas nacionales como Sidonie o Mucho. ¿Cómo ha sido trabajar junto a él? ¿De qué forma ha complementado vuestras creaciones?

Víctor es un gran músico, instrumentista y productor. Le conocemos desde que empezamos con el grupo porque era el profesor de bajo y guitarra de las Laias, así que trabajar con él ha sido muy fácil y cómodo. La producción de Víctor nos ha ayudado a unificar todas las canciones del disco, que son bastante diferentes entre sí, bajo un mismo universo sonoro. Como nos conoce desde siempre, ha sabido entender muy bien qué camino queríamos tomar con este disco y también ha respetado mucho lo que somos. De hecho, no se ha vuelto loco a poner sintetizadores o elementos ajenos a la banda a lo bestia, sino que, en muchos casos, la producción ha partido de nuestros propios instrumentos que él ha sampleado y ha transformado en otra cosa.

—Es la primera vez desde que empezasteis que componéis en castellano. Ya os habíamos #8 junio 2021

ores “Nos hemos hecho mayrtido juntas y hemos compatales” muchos momentos vi podido escuchar tanto en inglés como en catalán, pero no en este idioma.

Fue algo muy natural. Para nosotras, que somos bilingües y contamos con muchos referentes de lengua inglesa, todos estos idiomas nos parecen lo más normal del mundo y no nos forzamos especialmente en usar uno u otro. Todo depende de la canción y del mensaje. También es cierto que hacía años que algunos músicos nos recomendaban cambiarnos al castellano “porque nos iría mejor”. Nosotras no cerrábamos esa puerta, pero queríamos que surgiera de forma natural, sin forzarlo. Con “Vidas paralelas” llegó ese momento y nos sentimos muy cómodas con el castellano.

—Evolucionáis vuestro sonido, introducís un nuevo idioma, empezáis a trabajar con Dsk Pop, producís el disco junto a Víctor Valiente, dais mucho peso a artistas como Colmillo de Morsa… ¿Qué ha cambiado de aquellas The Crab Apples que lanzaron “Right Here” (Discmedi, 14) a las de ahora?

Ha cambiado lo mismo que puede cambiar la vida de cualquier persona de los diecinueve a los veintisiete años. Terminar la universidad, introducción en el mundo laboral, preocupación por pagar facturas… ¡Nos hemos hecho mayores! Y lo más bonito es que nos hemos hecho mayores juntas y hemos compartido muchos momentos vitales, con lo que todo esto se ve reflejado inevitablemente en la música que hacemos.

—Y justo cuando empezasteis a publicar los singles de este nuevo trabajo casi que, al arrancar esta pandemia, ¿cómo se ha visto afectado la publicación del disco por culpa de la actual situación?

El disco estaba previsto para verano del 2020 así que… os lo podéis imaginar. Ha sido todo un compendio de catastróficas desdichas, pero aquí estamos con todo esto superado y con un nuevo disco bajo el brazo. ¡Felices de la vida!

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

R

a está aquí el veranito y con él esas largas sobremesas bajo la acogedora sombra de una higuera, música de fondo y la botella de tu licor preferido que aligere la digestión y desate la lengua. Momentos algo etílicos en los que los comensales empiezan la conversación charlando de una cosa y acaban en otra muy distinta, previo paso por las teorías más disparatadas. Y aquí es a donde quería llegar.

Porque justo eso es lo que me sucedió el otro día, cuando surgió como tema la labor de la crítica en la quejicosa y puñetera sociedad actual y, mira tú por donde, elaboré sin querer una teoría que desconozco si tiene nombre en la psicología moderna, pero que yo he bautizado como el síndrome de los nueve dedos. Y espero que me perdonéis el atrevimiento algo pedante, en especial los psicólogos y sociólogos que pueda haber en la sala.

El caso es que mi teoría viene a afirmar que vivimos en una época donde la gente enmascara más que nunca su impericia o poca valía, para evitar encarar lo que no se quiere asumir por lo duro que resulta. Es como esa aspirante a mecanógrafa que se presenta a las pruebas de una empresa y, al no superarlas, afirma enfadada y henchida de orgullo que si no la han cogido es porque tiene nueve dedos, obviando que ha estado tecleando solo con los dos dedos índices. Pero claro, es mejor, menos doloroso, achacar tu fracaso a la discriminación que se ha producido por tener nueve dedos, que asumir que en realidad solo has usado dos y mal. Ahora extrapolemos eso a cualquier otra circunstancia de la vida. A ese famoso "no apruebo porque el profeso me tiene manía" en lugar de admitir que no has pegado tajo. Ese "si no triunfo es por culpa del patriarcado, el machismo, la inmovilidad social, el racismo, la ausencia de contacto o porque soy gordo, bajo, feo y llevo gafas". No quiero decir con esto que esas situaciones de discriminación no se produzcan en la sociedad actual, que se producen y más de lo que sería deseable. Lo que quiero decir es que en muchas ocasiones sirven también para encubrir evidentes fracasos por culpa de la falta de valía. Y es ahí donde entra la crítica. Es ahí donde la labor del crítico está para decir de forma educada y, sobre todo argumentada, que en realidad no te han elegido porque solo usas, y mal, dos dedos al teclado y no porque te falte uno. De hecho es esa sinceridad la que te va a empujar a usar los nueve dedos y a mitigar la falta del meñique. Con voluntad y esfuerzo. Pero eso eso es, en ocasiones, exigir demasiado. Es mejor ampararse en lo injusto que es todo lo que me rodea y esquivar encarar que no todo el mundo sirve para todo, por mucha voluntad que le pongas. Y es que la falacia esa del sueño americano, por la cual cualquiera puede lograr lo que desee si se esfuerza de verdad, es algo que deberíamos enterrar de una vez por todas entre todos. Eso y lo de esconder la cabeza bajo el ala para mitigar el fracaso achacándolo a los males de la sociedad que hemos creado. — DON DISTURBIOS

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M

E ENCANTAN los compases iniciales del disco con “Incendio”. Creo que esa guitarra marca ya la calidez que vamos a encontrarnos a lo largo de todo el disco. ¿Estás de acuerdo?¿Está “Incendio” abriendo el álbum a conciencia?

Pues sí que estoy de acuerdo. sí. “Incendio” abre y da nombre al disco porque tiene mucho de declaración de intenciones. Es extraño intentar explicar con palabras este álbum después de haberlo hecho sin ser plenamente consciente de todo lo que iba poniendo en él, porque las palabras son siempre más estrechas que las canciones y no quisiera estrechar nada. Aún así, me encanta la pregunta porque la calidez y la ternura son dos elementos que he necesitado y he querido convertir en columnas vertebrales de este disco, y agradezco que así se reciba. “Incendio” la comencé a escribir dejándome llevar, y también terminé de componerla sin buscar controlar del todo lo que salía. Resulta que salió algo que creo refleja muy bien mi evolución: una serie de temas que me importan mucho (la amistad, la comunidad, la conciencia de pertenecer a una tradición amplia de voces disidentes, la memoria, la rebeldía…) y una manera de componer en la que lo musical y los elementos poéticos cobran la misma importancia expresiva que las ideas. Este ensanchar las canciones a través de lo musical y lo poético me está resultando muy liberador y es una de las cosas que define mi evolución.

—“Solo para ti” está dedicada a una amiga tuya que, por lo que parece, no lo ha estado pasando bien. ¿Crees que la música sana los corazones al margen de que conozcas o no a la persona que te está cantando o a la que le estás cantando?

Creo plenamente en el poder transformador de la música y del arte en general. Últimamente he escuchado dos frases que parecen explicar algo que yo ya sabía (eso que pasa cuando encuentras expresado algo que te atraviesa, ¿sabes?). La primera dice: “la cultura es lo que nos permite escapar de nuestro

destino” y la otra: “el arte es ese lugar en el que realizarte, y convertirte en la persona que quieres ser. Aunque no lo seas”. El arte es un espacio en el que podemos acceder todas a las herramientas de transformación. Somos seres finitos, que somos cuerpos, que encarnamos nuestra historia y no siempre podemos hacer o ser todo lo que quisiéramos, porque tenemos limitaciones. En el arte, contrariamente a lo que pasa en la “vida-no-artística” (por decirlo de alguna manera), la fantasía y la realidad no son dimensiones separadas, sino que se entrelazan. En el arte yo puedo transformar el dolor, las contradicciones o la frustración en otras cosas, en belleza, en poder, en sanación personal… Las canciones para mí son ventanas a todo esto.

—¿Qué sentimientos te mueven más a componer canciones: el amor, el desamor, el dolor, la nostalgia, la melancolía, etcétera?

No sabría dar prioridad a uno de ellos…

En general trato de transformar realidades que no soporto a través de la escritura y la música, o bien trato de procesar, elaborar ideas y sentimientos que tengo atrancados o perdidos, y también busco cristalizar aprendizajes, para que no se me olviden. En general todo va de quitar el veneno y retener lo nutritivo, así que me puede inspirar cualquier sentimiento intenso.

—Parece que fue ayer, pero son ya diez años desde “Amanecer luchando”. ¿Cómo ves con el paso del tiempo canciones como tan desnudas como “A veces” o “Esas noches”?

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La Otra La calidez del fuego

¡Pues acabo de volver a escucharlas después de años a raíz de esta pregunta!

Y me han dado mucha ternura, y se me han hecho muy entrañables… efectivamente parece que fue ayer pero son ya diez años! Me gustan. Me gusta tener ese testimonio de lo que fui, y es hermoso que fuera algo compartido. Son canciones crudas, desnudas como dices, la guitarra está desafinada y yo también desafino, me voy de tempo, y recuerdo además que esas cuestiones me daban bastante igual en esa época. Esto me encanta.

—Instrumentalmente tu música ha crecido muchísimo, pero me pregunto si los inicios mucho más acústicos y con vocación de cantautora, ¿eran fruto de tus intenciones o de tus limitaciones?

Pues esta es una pregunta que yo también me he hecho antes de cada paso en mi evolución. Y creo que fue una mezcla. Por una parte hice de la necesidad virtud, porque “la poesía es de quien la necesita” y mi intención era ser comunicadora y no tanto artista. Lo que pasa es que luego el arte me enamoró y la vida me fue mostrando caminos por los que sembrar y en esos caminos me encuentro. Llegué a la música a través de la política y el medio cobró sentido por sí mismo, así que yo diría que a medida que he ido venciendo algunas limitaciones, mis intenciones se han ido ensanchando. —ENRIQUE GIJÓN

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FOTO: ARCHIVO

Hace unas semanas vio la luz “Incendio” (Propaganda Pel Fet!, 21), el nuevo trabajo de La Otra, nuevo paso adelante de una artista que ha sabido seguir su propio camino sin dar nunca su brazo a torcer.

En este tercer álbum, nos ofrece doce historias en las que se pasea por temas como el feminismo, el amor, la libertad y la amistad, desde una perspectiva tan personal como irónica y crítica.

junio 2021 #9

ENTREVISTA

“ “La pandemia me ha ayudado a darme cuenta de que había automatizado el privilegio de tocar en directo”

#10 junio 2021

A

TODO LO DICHO se le puede sumar ese talante respetuoso de coordenadas humanistas. Una persona también curiosa, obstinada y con un gran sentido del humor. Después de cuatro años sin disco, en los que no ha estado exenta de proyectos, entre los cuales ha destacado ser la presentadora de La Hora Musa en La 2, ahora vuelve en calidad de artista. Que es lo que nunca ha dejado de ser. Ahora mismo pienso que me encantaría ver una autoentrevista suya en ese programa. Eso sería la hostia. Pero de momento me conformo con entrevistarla yo. Que no es poco. Una experiencia de placer y aprendizaje a partes iguales.

—La última vez que te entrevisté fue hace más de diez años, han pasado tantas cosas… ¿Podrías decirme qué coincidencias y qué diferencias hay con esa Maika que empezaba a despuntar en la escena de Barcelona?

Sobre todo experiencia. Aunque cada vez hago regresiones más largas. Ahora voy por los siete años de mi vida. A medida que cumplo años se me abren más los ojos. Aquella Maika de antes tenía algo de infantil, por la falta de experiencia y las ganas. Me tiraba a la piscina con la inconciencia que te da el no saber. Yo grabé mi primer disco sin tener ni idea de producción, ni de grabación, ni de nada y por eso tardé un año en hacerlo. Aprendí sola cosas tan sencillas como subir la caja para que una canción funcione, y no por cabezonería, sino porque pensaba que esa era la manera. Comparto ese entusiasmo con la Maika de antes. Y la pandemia me ha ayudado a darme cuenta de que había automatizado el privilegio de tocar en directo y que no lo valoraba. Ahora me he dado cuenta de lo importante que es.

—Cuando hablas de regresiones, ¿a qué te refieres?

Para saber quién era, me ensucié mucho. Me metí en el barro y llegué a todos los limites posibles. Ahora ya no me hace falta. Ni probar musicalmente quién soy, ni probarme trajes para ver si me sientan bien.

Sé quién soy y no necesito ensuciarme, sino todo lo contrario. Cada vez me siento más niña en ese sentido: más pura. Parece que esté hablando de Salvaslip [risas]. Básicamente es que cada vez lo tengo más claro y necesito probar menos. Todo lo vivo con muchísima más tranquilidad.

—En este sentido, leía una entrevista de la época en la que sacaste “Chinok Wind” y creo que hiciste un gran ejercicio de enraizamiento. Hablabas de que tenías cubierta la parte más femenina o materna, pero que tenías un vacío en la parte más paterna y la fuiste a buscar...

No la fui a buscar, me la encontré de bruces. Me fui a Macedonia para desconectar, porque me estaba pasando de todo. Tuve un desencuentro profesional muy grande con mi manager de aquel entonces. Me

CANDI Y FUER ANIM Maika Makovski

Candidez y fuerza animal.

Serenidad y bestialidad.

Calidez casera y frialdad felina. Polaridades que se juntan al lado de una brasa cargada de espontaneidad.

Saltan chispas encarnadas en el inconsciente más surrealista, que cabalga delante de tus ojos en fracciones de segundo. Algo así debe ser la ignición creativa de Maika Makovski. No muy distante de la persona que te encuentras delante cuando la entrevistas, en este caso con motivo del lanzamiento de “MKMK” (BMG, 21), su nuevo larga duración.

—TEXTO Andreu Cunill Clares

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IDEZ RZA MAL

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junio 2021 #11

“ “Todos estamos compuestos de miles de matices. Y la música puede traducirlos todos perfectamente”

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di cuenta de que nos había estado mintiendo todo el tiempo y cada vez que tiraba de la manta lo que iba saliendo era más gordo. También a nivel personal terminé algunas relaciones y me fui a Macedonia para escapar de todo esto. Mis expectativas eran: “voy a encerrarme en el apartamento de mi padre y voy a componer canciones”. Pero llegué allí, mi familia me secuestró, y en lugar de desconectar conecté con toda esa parte de mí que nunca había estado llena porque apenas la conocía. Porque no sabía de qué partes estaba compuesto mi propio padre. Qué partes era él, y cuales eran culturales. Desde allí lo pude entender mucho mejor, y de repente con toda esa experiencia me colmé de amor. Eso sí, no escribí nada.

—Entonces si en el anterior disco la motivación principal fue escapar de problemas y encontrarte con tus raíces, ¿cuál sería la motivación que te ha empujado a escribir “MKMK”?

Yo creo que este disco es la búsqueda de la compañía y piensa que está escrito antes de la pandemia. Vivimos muy conectados a una pantalla, inmersos en mucha soledad, y este es un gran mal endémico de nuestro tiempo. Venía de escribir la banda sonora de “Quien a hierro mata” que es un proceso muy solitario, muy pegada a un ordenador, muy de yo conmigo misma y mis pensamientos y la tecnología. Lo que quería era un disco muy orgánico, muy directo y vital, que me sacara de esa sensación de vivir delante de una pantalla y que me pusiera al lado de otros músicos. A rebotar ideas. Y a pegar puñetazos sonoros. Ese es el germen del disco: la búsqueda de la banda, de la compañía… de la energía coral.

—¿Qué significa una canción para ti?

Es una traducción de la vida, en cualquiera de sus prismas. Por lo tanto, puede significar cualquier cosa porque todos estamos compuestos de miles de matices. Y la música puede traducirlos todos perfectamente.

—Empezar el disco con “Love You Til I Die”, una canción que habla del amor incondicional, es una declaración de principios que cuadra mucho con esa compañía que reclamabas. Es un tipo de amor #12 junio 2021

que no se encuentra con la abundancia que nos gustaría. ¿Qué significa exactamente para ti y qué es lo más difícil al entregarlo?

Es un amor que no se parece en nada al que vemos en las películas, que es ideal, fácil, bonito y excitante. Muchas veces el amor es lucha, es barro, es salir magullado y es enfrentarte, sobre todo a ti mismo. Muchas veces, cuando estamos enamorados, lo que hace la otra persona es hacer que nos enamoremos de nosotros mismos cuando estamos en su compañía. Y va por los dos lados claro. Muchas veces el amor es mirar una imagen tuya que es muy dura a través de otra persona y aceptarla, a la vez que aceptas al otro. Se trata de aprender de verdad qué es la compasión tanto por ti como por el otro.

—El sobado, pero real aforismo de que es casi imposible amar a los demás sino puedes amarte a ti mismo.

Amar es vivir en la ternura, desde el núcleo hasta el infinito.

—Yo tengo una amiga que dice que amar es permanecer.

Esto me hace pensar en una vez que le preguntaron a la mujer de George Harrison “¿Cómo hacéis para seguir casados?”, ella contestó: “No divorciándonos” [Risas].

—En otra de las canciones del disco le pides al propósito que no se marche. ¿Qué te da miedo al respecto?

Hay épocas muy duras en las que no hay inspiración y no vives con propósito. Entonces te levantas por las mañanas y ves ese abismo de la no acción o del no saber, y es muy duro convivir con él. Al final es perder el control de nuestro día a día, el no saber a dónde vas.

Y el propósito es el gran paño caliente para esa incertidumbre. Y la canción es una especie de oración para que el propósito permanezca.

—El otro día Santi Balmes me contaba en una entrevista que el vacío es el miedo al que un compositor se tiene que enfrentar día sí y día también, que nunca desaparece, porque no le sirve de nada todo lo que ha hecho antes.

Para mí hay épocas en las que ni te enteras de que hay un vacío o de que puede haberlo. De repente es primavera y todo está floreciendo y estás recogiendo lo que plantaste en otoño y todo es maravilloso. Pero de un día para otro viene el invierno y dices: “¿Y ahora qué hago?”. De repente sientes mucho, mucho vértigo y no sabes cuál es el sentido de nada ni por qué te levantas de la cama. Y a mí me aterra eso. Podría decirte que es casi lo que más me aterra del mundo.

—Para mí, la Maika de “Chinook Wind” era más introspectiva, con un sonido más minimalista, sutil y corpóreo, pero también más unitario. Parece que con “MKMK” vuelves a unos sonidos mucho más expansivos y contundentes y, a la vez, te dejas llevar mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ENTREVISTA

más por la canción que por el sentido de disco. ¿Lo ves igual que yo? ¿Era algo necesario para ti?

Yo lo veo diferente. Las canciones de “Chinook Wind” las escribí durante un periodo de cuatro años. Y si te fijas en el esqueleto de las canciones, verás que no se parecen mucho entre sí. Lo que ocurre es que John Parish hizo algo muy bien, que fue darles un hilo conductor sonoro.

—Eso es lo que percibí como oyente Pues yo creo que en “MKMK” también hay un manifiesto sonoro y además todas las canciones parten de una misma época y de un concepto más cerrado. El esqueleto de las canciones es más conceptual. Sonoramente tienen en común que son muy orgánicas, son más directas y que hay mucho juego en ellas. De todas formas, esa dicotomía de introversión y extroversión me temo que siempre va a estar ahí. Cuando estuve en Tucson grabé otro disco a la vez que este, que no va a salir todavía. Era un disco de más hacia adentro, de canciones más nocturnas. En realidad, yo los concebí como disco uno y disco dos de lo que para mí tendría que haber sido un doble.

—Hay momentos del disco en los que tu voz está próxima al quiebro y era algo que no te había oído antes. Me recuerda a la Courtney Love más abrumada o a la PJ Harvey más furiosa.

Tienes razón. Por ejemplo, en “Love You Till A Die” pasa. Y curiosamente esa voz pertenece a una maqueta previa. La intenté grabar en Tucson y la aniquilé. No conseguí invocar la magia con esta canción. Cuando la escuchaba me dije: “preparen la camilla, la hemos perdido”. Y entonces cogí la acústica y la voz que había grabado en la demo y me la llevé a Garate. Llamé a Oskar Benas, Sam Bredíkhin y Martxell Arkarazo y entre los tres grabaron la base y así reanimamos la canción.

Y con lo que comentas de la voz… Lo que te quería explicar es que he aprendido que no hay nada que guardarse para luego. Eso me lo ha dado la experiencia.

Antes, en general, tenía más miedo y estaba buscando distintas cosas. Por ejemplo, hubo una época con el tercer disco que buscaba la tensión, el no soltar.

—Claro, yo aquí noto esa voluntad de soltar, de no guardar nada.

Absolutamente. Eso lo que quise hacer. Y sin ningún tipo de complejo. Vivimos en una época musical en que la contención está mejor vista y la gente la entiende mejor. Se puede escuchar música muy agresiva, pero muy recortada de medios, que al final no resultan estridentes. Sobre todo los jóvenes, no entienden de qué va el rock’n’roll hoy en día. Les molesta al oído.

Y yo tomé la decisión, absolutamente consciente, de buscar esa estridencia.

—Y en ese soltar, ¿cómo te sentiste con la voz?

Simplemente lo hice. Despaché a mi Srta. Rottenmeier interior, le pedí que se fuera a tomar algo. Le di diez euros y le dije: “luego vuelve si quieres, pero ahora mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

déjame un ratito sola”.

—Claro, es eso. Vuelve, porque también tiene su función la Srta. Rottenmeier.

[Risas] Por supuesto, pero hay que tener criterio. Algunas veces es mejor hacer cosas a sus espaldas.

—En “The Posse” pones de manifiesto la superficialidad y la vanidad de algunos mundos creativos. ¿Por qué decides hacer una canción así?

Porque te paseas con tu corazoncito en la mano, con la intención consciente, además. Es decir, el intentar no ponerte armaduras. Y te mueves por lo que estás escuchando y te conmueve o por algo bonito que alguien hace o alguien dice. Entonces te das cuenta de que vives en un mundo en el que la prioridad de mucha gente no es esa. Es seguir una moda, es colgarse de ella. Conseguir un estatus. Juntarse con quien interesa. Fingir ser. Básicamente el no tener el corazón conectado con los sentidos. Vino a raíz de eso. El estatus no es lo importante aquí, no es lo importante en la música, desde luego no para mí. La escribí un día de esos de: “¡Hasta los cojones de esta mierda!”.

Decidí escribirla para poder desquitarme y luego poder volver a ser feliz.

—No es fácil operar desde la vulnerabilidad. Yo muchas veces tengo la sensación de que salimos a la calle con nuestras armaduras invisibles que van chocando unas con otras. ¿Tú crees que se puede crear desde esa armadura?

Se pueden crear cosas. Es más, cosas que te hagan ganar mucha pasta. Porque en realidad no hace falta abrirte en canal para que la gente le guste una canción.

Puedes hacer algo muy estético, muy efectista y que funcione. Lo puedes hacer, con tu sentido del gusto, con lo que te mola y con lo que no te mola. Y ya está.

—Pero…

Pero siempre depende de lo que quieras hacer o aspires a hacer o lo que no seas capaz de hacer. En mi caso yo creo que es un poco de todo. Me resuenan mucho las palabras de Lucien Freud cuando decía que hasta cuando pintas una silla estas haciendo un autorretrato. Pues yo tampoco he podido escapar de eso.

—Escuchando algunos de los temas como “Where Are You” o “Reaching Out To You” me he acordado de tus inicios, cuando versionabas a The Stooges y tenías muy presente el sonido Detroit. En este disco he vuelto a ver el bicho y me ha gustado.

Me alegro. Estoy de acuerdo. Yo veo muchas similitudes con mi primer disco sobre todo en intención.

Como te he dicho antes, el primer disco no es lo que quería hacer. Yo quería hacer algo mucho más sucio, pero no tenía las herramientas. Pero sí, vuelve a ser un disco directo, juguetón y, sin lugar a dudas, he soltado el bicho. —A.C.C.

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junio 2021 #13

EL DISCO. RECUPERADO.

LOS DISCOS DE MI VIDA

Mary Timony Mountains Matador

Pello Reparaz (Zetak)

Pello Reparaz es el corazón y el cerebro de Zetak, una aventura musical que combina pop y música electrónica.

Aprovechando su participación en el ciclo L’H, en la sala Salamandra el próximo 4 de junio, le hemos invitado a que nos descubriese Los discos que han marcado su vida.

El disco que descubriste por tus padres: Andrew Lloyd Webber Jesus Christ Superstar (1970)

El día en que sorprendí a mi padre escuchando la banda sonora de “Jesus Christ Superstar”. Me voló la cabeza. Tanto que veinte años después acabé haciendo una investigación sobre Andrew Lloyd Webber.

Un disco que aparentemente no encaja con tus gustos: Tool Fear Inoculum (2019)

Creo que a estas alturas no existe un estilo con el que no pueda disfrutar si el momento, el sonido y el lugar acompañan.

Pero puede que a más de uno le sorprenda mi debilidad por “Fear Inoculum” de Tool.

#14 junio 2021

El primer disco que te compraste: Pink Floyd The Wall (1979)

El disco de un artista nuevo: Eddy de Pretto

Dudo mucho que a mis diez años, visionando la película “The Wall”, fuera capaz de entender algo.

Pero lo que sí llamaba mi atención era la fascinación por aquella pieza audiovisual que reflejaban los ojos de mi padre, así que se lo regalé por su cumpleaños.

Aparte de mi admiración por el proyecto en sí, el disco enciende algo diferente en mí. El francés hace que su obra sea muy exótica para mí, a pesar de su cercanía geográfica. Al mismo tiempo es un mundo muy familiar.

Un disco que te compraste por casualidad: Incubus Morning View (2001)

Un disco de los que más has escuchado: Gatibu Zoramena (2002)

Cuenta mi madre que entró a una tienda de discos y preguntó: “Oye, a mi hijo le gusta Kortatu. ¿Qué otro disco puedo regalarle?”.

Aquel señor decidió venderle a mi madre “Morning View”. Nunca podré entender que lo llevo a cometer tal sinsentido. Pero no hay día que no se lo agradezca.

Cuando quedo con mis colegas, lo que suena son las canciones que nos han acompañado a lo largo de toda una vida. En el caso de mi kuadrilla de Arbizu, no cabe duda de que Gatibu se lleva la palma. —MS

Cure (2018)

HAY DISCOS QUE PARECEN hechos para esta sección, más aún cuando son reeditados. Triste consuelo para el artista que sufre la incomprensión en su momento, pero si el tiempo le sienta de maravilla a un álbum, es buen síntoma. El debut en solitario de la ex Helium (que años más tarde formaría Wild Flag y Ex Hex) es paradigmático. Cómo esta joya de folk introspectivo, indie rock recio y extravagante medievalismo melódico a flor de piel pudo ser ignorada o machacada en su momento (Pitchfork la despachó sumariamente con una nota de 4,7…) nos recuerda lo delgada que es la línea entre el éxito y todo lo demás.

Y lo extemporáneos que son discos hechos desde las tripas más que desde el cálculo.

En 1998 Helium, la banda de Timony, había terminado la que sería su última gira. La norteamericana no pasaba por un buen momento: a su timidez patológica y el final de su grupo se añadía la incapacidad para integrarse en la industria, no digamos vivir de la música. Sumemos trabajos de mierda, rupturas sentimentales, enfermedad y muerte a su alrededor. Volcarse en su lado más introspectivo le sirvió para exorcizar los demonios de la depresión en un disco que veinte años después suena pletórico en su rara y frágil sinceridad juvenil.

Reacia a encasillarse en el indie canónico, la de Washington D.C. se alió con la ingeniera y batería Christina Files (Victory At Sea) para desplegar su talento compositivo en su dimensión más cruda y personal, pero también fantasiosa. Gran parte fue grabado en la antigua fábrica del downtown de Boston donde vivía Files, lo cual le da un carácter que estos años han engrandecido: entre el piano fantasmal desafinado de la confesional “Dungeon Dance” (gran título) y el desahogo eléctrico de “Rider On The Stormy Sea” hay canciones mayúsculas como “The Bell” o “1542”, que aupaban a Timony como una de las compositoras más personales de su generación. Pocos lo vieron entonces: apenas dos años después, “The Golden Dove” sería su canto del cisne con Matador, que ya estaba a otras cosas.

Honra al sello que, con motivo de su veinte aniversario, haya reeditado “Mountains” en lujosa edición en doble vinilo que incluye cuatro cortes adicionales de aquellas sesiones y máster de Bob Weston (Shellac), quien lo mezcló originalmente. Hoy brilla como un álbum mágico y al margen de cualquier moda, en el que el lenguaje indie se expande entre lo contemplativo, lo onírico y esas melodías certeras marca de la casa. —JC PEÑA

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Escenarios Dan Millson 05 de junio El Sol

Red House Revival 05 de junio Hangar 48

12 de junio Gruta 77

Estrella Fugaz + Betacam 11 de junio Maravillas

El Chelista + Cuarteto Arima 11 de junio Contraclub

#VuelvealaSalas Más información en mahou.es/vibra

Kurt Baker + Gong Show

Greg Izor Quartet 19 de junio Moe

Nube Piroclástica 25 de junio Rincon del Arte Nuevo

Mahou recomienda el consumo responsable 5,5º

MONDO FREAKO

N

AJWA NIMRI volvía después de ocho años de silencio (musical) con “Viene de largo”, un disco oscuro que ella misma definía como “apocalíptico” y en el que se planeaba una gira lo más oscura posible.

Pero, una semana después de publicarse el disco, se inició el confinamiento domiciliario en España.

Najwa se vio obligada a cambiar de planes, y nos cuenta que en ese momento tan oscuro empezó a materializarse este nuevo disco, mucho más luminoso: de tararear las canciones que le cantaba su madre se decidió a grabarlas. El resultado es este “AMA” que, en algunos momentos, se mantiene más fiel al bolero clásico, pero en general lo mezcla con el flamenco, el trap melódico, o hasta el lo-fi, contando además con las colaboraciones de Pablo Alborán, Israel Fernández, rusowsky, y hasta de su compañero de reparto Álvaro Morte.

—Al enfrentarte a clásicos tan versionados como “Perfidia” o “Piel canela”, ¿te asustaba el pensar “qué puedo aportarle yo?”

No me asustaba, pero porque no las afronté como canciones que conocía. Me explico, eran las nanas que me cantaba mi madre, entonces me sentí muy cómoda cantándolas. No pensaba “son canciones de grandes cantantes, así que como no estoy a la altura, mejor ni lo intento”. Si hubiese tenido un conocimiento profundo del bolero, igual no habría querido cantarlas.

—De todas formas, lo cierto es que te llevas las canciones a otro terreno.

Mira, hablando con gente más conocedora del bolero, me comentaban que muchas surgieron en la posguerra, y a mí me surgieron en la pandemia. Me puse a cantar canciones que cantaba mi madre, y de repente cogí el Garage Band y me puse a grabarlas. Fue así de senci#16 junio 2021

“

“Nunca he estado cómoda en ningún sitio”

llo. Es que claro, “Viene de largo” lo sacamos justo antes de que cerraran todo, una semana antes, entonces nos quedamos con todas las ganas, así que yo seguí haciendo música.

—En cuanto a producción, aunque empezase siendo algo entre el Garage Band y tú, ¿luego has colaborado con más personas para ir

L

matizándolas?

Sí, sí, Josh Tampico ha estado supervisándolo todo. Es el productor de todo el álbum. Yo las grababa con la cadencia que creía, las mandaba, él me iba mandando arreglos, yo se las volvía a mandar... Y así hasta que nos pudimos juntar en el estudio, por el tema del confinamiento.

—¿Por qué has elegido “Muñequita linda” como primer single?

Porque fue la primera que salió, la primera canción pandémica. La hice, la mandé, me dijeron que qué bonito, dije que quería sacarla, y ya pensamos si hacer también otra, y otra... Y llegamos a la idea del disco. Aunque también hay unas cuantas que se han quedado fuera.

—Yo no conocía la historia detrás de “Muñequita linda”, y no imaginaba que fuese tan triste [ndr: su autora, María Grever, dedicó la canción a su hija fallecida].

Yo tampoco la conocía, me la contó luego mi manager. “¿Tú sabías que esta mujer se la dedicó a su hija muerta?”, y yo le respondí “no, y me la cantaba mi madre, prefiero no pensar en ello, que yo estaba viva”.

—En la versión de “Esta tarde vi llover” colaboras con rusowksy, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Najwa Nimri sigue adelante con su exitosa carrera como actriz, sin que eso signifique que haya dejado la música a un lado. Tras “Viene de largo”, su disco de 2020, ahora vuelve con “AMA” (Mushroom Pillow, 21), un trabajo en el que va del bolero al trap, contando, además, con colaboraciones especiales.

LA PUTA AMA —TEXTO Pablo Tocino —FOTO Virgili Jubero

Najwa Nimri

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una mezcla lo-fi y bolero que a priori podría parecer imposible. Pero queda estupendamente bien, de hecho diría que es mi favorita del álbum. ¿Ah, sí? ¡Qué fuerte! [a su manager]. ¡“Esta tarde vi llover” es la que más le gusta! ¡Sí, sí! [vuelve]. No, es que a todos os estoy preguntando y de momento no hay como una clara favorita, pero nadie había dicho esta canción. Me alegro mucho. Es que ahí es donde más claramente, cuando entra mi voz y entra el bajo, se entiende la mezcla de estilos. Está en todos los temas, pero aquí poderosamente. Mira, rusowksy es un tipo que tiene un potencial inmenso. Ya le venía yo bicheando, pero es que es muy suyo [ríe]. Me decía “es que estoy en Fuenla y estamos confinados, va a ser un lío”, y yo le dije que le mandaba el tema y sin presiones... Que me lo enviase cuando pudiese. “Vale, pero yo voy a hacer lo que me de la gana” me respondió, y yo le dije que eso era lo que quería. Me devolvió esta mezcla de voces magnífica, los coros que entran y se van... Cuando lo escuché dije “guay, ya sabía yo que era él a quien había que llamar”.

—“Solamente una vez” es otra mezcla que sale bien, en este caso con flamenco junto a Israel Fernández. ¿Qué tal ha sido trabajar con él? Me parece que tiene una voz y una pasión tremendas.

Israel es... Es una experiencia trabajar con él, una de la que no creo que me olvide nunca. Pasan pocas de esas. Es como el mejor tren que te puede pasar... por encima, porque es que te pasa por encima. Es un tipo que luego se quedó toda la tarde con nosotros, grabando, cantando más. Tuvimos un día de grabación espectacular, realmente emocionante.

—La que tiene un regusto más clásico, o con menos mezclas de otros estilos, es quizás “Historia de un amor”, tu colaboración con Pablo Alborán. Ha sido una sorpresa para tus fans más alternativos. ¿Por qué la elección de Pablo?

Pues mira, porque es un tipo que canta súper bien, tiene un dominio apabullante de la voz. Yo tenía muy claro que iba a estar como pez en el agua... ¿Qué pasó? Pues que, al contrario que las otras canciones, muy bien visto por ti, esta vez daba igual lo que hiciéramos con el ritmo, no nos encajaba ese punto de trap melódico, tuvimos que dejarlo en un corte un poco más clásico. Nos peleamos mucho con el ritmo de esa canción, y hubo que dejarla como estaba.

—En el caso de “Acércate más”, es una colaboración con tu compañero de “La Casa de Papel”, Álvaro Morte. Tengo que preguntar... ¿Se os ocurrió en rodaje? ¡De hecho sí! Mira, el rodaje de “La Casa de Papel” en la pandemia ha sido muy duro, hemos sacado la serie adelante porque el equipo es fantástico, pero las condiciones han sido muy duras. Todo muy oscuro. Entonces yo tenía un día de estudio muy luminoso en el que había citado a Israel, a rusowksy y a Alborán, y le dije a Álvaro “vente al estudio, tío, que te va a dar la vida ver a esta gente”. Y ahí salió. Tuvo que ver con disfrutar de la burbuja de la música.

—En una entrevista reciente, comentaste que querías haber metido una colaboración con una chica también, pero que no conseguisteis cuadrar agendas. ¿Podemos saber quién era?

Podría colaborar con muchas amigas, pero es que queríamos una chica en concreto, y esa chica a la que tanteamos dijo que no por fechas, no sé si sería por fechas o porque no le dio la gana, pero fue así. No sé si puede decir porque igual al final sale...

Me encantaría decírtelo porque creo que te encantaría.

—¡¿Sí?!

Sí [risas]. Pero es que... [a su manager] mejor no lo decimos, ¿no? Nada, nada. Pero bueno, que ya estábamos moviendo lo de los chicos, entonces salió muy fácil.

—Decías antes que algunas canciones se habían quedado fuera. ¿Qué versiones eran? ¿O tienes pensado sacarlas más adelante?

Sí, hay colaboraciones muy potentes, pero serán para más adelante, para cuando estén. Lo que queremos es ir sacando single a single poco a poco.

—No sé si has escuchado “Puta”, el último disco de Zahara. Su uso de la electrónica, la estética feísta y la oscuridad de las letras me recordó un poco a tu etapa de “Rat Race”.

Pues mira, no lo he escuchado, pero escuché el otro día por encima una canción y me llamó la atención. [A su manager] ¿Tú has escuchado “Puta” de Zahara? ¿Está bien? Pues luego lo mismo me lo escucho, porque vi que había algo en el beat que me interesaba también. Es menos pop, ¿no? Es como dance, al menos la que yo escuché, es que no sé el nombre de la canción.

—En una entrevista reciente te preguntaban sobre retos, si te encontrabas más cómoda en la música o en el cine, y tú respondiste “la comodidad no es algo que me preocupe en mi trabajo, solamente para dormir”. Al hilo de eso te quería preguntar si es mejor tener retos que estar cómoda, o si está sobrevalorado eso de los retos.

Pues es que la comodidad no es una cosa que busque; de hecho, si me siento demasiado cómoda, puff... Me aburro. Es verdad que en la no-comodidad te puede salir el tiro por la culata, pero me arriesgo. Prefiero ir buscando. Si me mantuviera en un sitio que creo que es mío, donde yo creo que estoy cómoda... pero es que no soy yo, nunca he estado ahí. Nunca he estado cómoda en ningún sitio [risas]. —P.T.

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junio 2021 #17

MONDO FREAKO

No Te Va Gustar En constante evolución “Me encantan las canciones con s estribillos memorablea y que puedas cantar ” todo pulmón

Podría decirse que No Te Va Gustar, la banda uruguaya más internacional, inicia una nueva etapa con Emiliano Brancciari como miembro más antiguo de la formación.

Y por lo escuchado en “Luz” (Elefante Blanco, 21) parece que las cosas marchan más que bien.

T

ENIENDO EN CUENTA que Gonzalo Castex ya no está en NTVG, ¿supone “Luz” una especie de nueva etapa para el grupo o es el grupo un proyecto en constante evolución?

Un poco de todo, la banda siempre está mutando y de un tiempo a esta parte la participación de él había sido escasa en todos los sentidos por una falta propia de interés. Llegó un momento en que ya no compartíamos prácticamente nada. Decidió seguir otro rumbo y la verdad que la banda no se vio afectada en lo más mínimo porque queda en el grupo la gente que quiere estar realmente y para nosotros fue un cambio que terminó siendo positivo pero, como dices, la banda siempre va mutando, evolucionando, yendo hacia diferentes lugares y tratamos de no mirar atrás.

—Me gusta el aire ramoniano del riff de “La Rama”. ¿Cuál es el embrión concreto de esta canción?

Es una canción que se le puede dedicar a cualquier hater, ahora que hay

#18 junio 2021

un montón por todos los lados. Pero es, en particular, a una persona que quiso hacerse el gracioso conmigo en el verano de principios de 2020. Una noche, en un lugar acá, que está buenísimo y se llama Cabo Polonio, quiso hacerse el gracioso delante de otra gente y a partir de eso cree la letra de la canción, que empezó siendo un poco folk y terminó punk.

—Siempre he pensado que NTVG es un grupo cuyo sonido bebe y actualiza el tipo de canciones que se hacían en los ochenta. Canciones que buscan estribillos y líneas melódicas que la gente pueda hacer suyas y recordar con facilidad.

Sí, es así, a mí me encantan las canciones con estribillos memorables y que puedas cantar a todo pulmón. Es lo que a mí me gusta escuchar y es lo que a mucha gente también le gusta de nosotros. Antes me pasaba que, en algunas canciones, en los estribillos, les iba cambiando alguna palabra o cosas así, pero después me di cuenta de que el estribillo tiene que ser siempre igual. Porque hasta a mí, cuando las canto en vivo, me cuesta recordar esas pequeñas palabras que cambio, así que imagínate para la gente.

—Y justo después de decir eso, también tengo que decir que “Yendo” sí aporta una cara más experimental

a vuestro sonido. ¿Cómo veis este disco en relación con vuestros otros discos?

Esa canción tenía que tener ese mood, porque es una letra que habla sobre la muerte. Entonces tenía que ser medio mántrico el asunto y la verdad que fue lo que hizo que la canción entrara. Tal vez había otros temas que quedaron afuera que eran más convencionales o que tenían más que ver con lo que nosotros hacemos pero creo que lo distinto de “Yendo” fue lo que lo hizo entrar en la selección de las doce canciones. Nos aportaba algo distinto, algo nuevo, algo que podíamos experimentar, que podíamos divertirnos con eso y por esa razón entró. A nosotros nos gusta, siempre, que cada disco aporte algo distinto a lo que la gente ya conoce de nosotros.

—Sorprende ver la colaboración de Nicki Nicole en este disco y creo que el resultado es muy bueno en esta unión entre dos mundos que parecen lejanos, pero que realmente no lo son.

Al principio, cuando decidimos que era ella porque la canción nos lo pedía y lo comunicamos, la gente no lo entendía, no podía asociar cómo podíamos amalgamar algo que viene de lugares tan distintos pero que en realidad venimos de la misma actitud

rockera que teníamos nosotros a su edad, más allá del género. El rock como actitud está en las nuevas generaciones en lo que hagan, no tiene por qué ser una banda de rock, creo que en ese punto tenemos una unión.

Cuando escuchas la canción, no es una canción que sea ajena a nosotros y no es ajena a ella, es muy natural.

—¿Y qué hay de Emiliano Brancciari en NTVG y qué hay de NTVG en Emiliano?

Tiene mucho que ver en ambos sentidos. Al ser el compositor de casi todas las canciones, hay un montón de mí en la banda y un montón de trabajo y dedicación. También la banda forma parte de mi vida desde hace muchísimos años, entonces no me acuerdo cómo era yo mismo antes de entrar en la banda. Pero tengo una vida absolutamente normal, no existe la categoría de estrella acá en Uruguay y, por suerte, tengo una vida súper normal donde hago lo que hace cualquier persona y no tengo que vivir encerrado como, a veces, viven en otros países por el agobio de la gente. Acá no pasa nada de eso más allá del reconocimiento o el saludo, así que es una vida súper normal. No me agobia. —ADRIÁN LERMA

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02 JULIO

FUEL FANDANGO (SOLOS SET ELECTRÓNICO)

OFIUCA NUNCA 03 JULIO

ANTÍLOPEZ

DOUBLEGLEZ · MUCHOPELO 01 AGOSTO

CIUDAD JARA

MARÍA RUIZ Y LA MARE

ISEO & DODOSOUND 05 AGOSTO LEÓN BENAVENTE

02 AGOSTO

MARÍA DE JUAN

12 AGOSTO

NIÑOS MUTANTES SUU

EL JOSE TÉCANELA 14 AGOSTO ISRAEL FERNÁNDEZ 13 AGOSTO

ROSARIO LA TREMENDITA CRISTIAN DE MORET 15 AGOSTO

SHINOVA DELOBOS

MARÍA ARNAL I MARCEL BAGÉS

11 SEPTIEMBRE

Alegría de vivir Queralt Lahoz

#20 junio 2021

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EN PORTADA Fue una de las más gratas sorpresas de 2019. Después de hacer carrera en grupos como De la Carmela, su primer EP en solitario, “1917”, la situó en la picota. Y después, frenazo.

Pandemia. La aprovechó para quererse y aunar flamenco y urban en “Pureza” (Say It Loud, 21). Queralt Lahoz: verdad, candor y amor.

—TEXTO Yeray S. Iborra

E

S COMO SU SEGUNDA CASA. La Canyella, un pequeño bar esquinero en Santa Coloma de Gramanet, es hogar. Ha cantado allí desde que tenía quince años. Queralt Lahoz está en corrillo, con los suyos, como siempre. Gasta una sonrisa que le llega a los aros de las orejas. No es para menos: “Pureza”, su primer largo, después del EP presentación “1917” (19), está en la calle. Pandemia, sufrimiento y alegría mediante. La carrera en ascenso de la catalana, puede seguir. Modestia pero autoestima y compases con los nudillos en una mesa de madera. Una “Alegría de vivir”, que cantaba Ray Heredia, contagiosa. Viveza, marca Lahoz.

—Podías tirar hacia algo más urbano como “Tu boca” o acogerte a tu parte más de raíz. Al final han cabido las dos cosas en el disco.

He dejado de juzgarme. Porque al final es como: “Todas esas caras forman parte de mí”. Y tengo que abrazarlas. He entendido que yo soy todas esas Queralt, ¿sabes? Todas me representan. Está la parte más íntima, “La misa”… Está “El tiroteo”... Ahí está la Queralt que dice: “Yo tengo mis ideas: ponte a grabar, que yo tengo esto”. Soy muy músico. Tengo una idea, la canto y digo “vale, aquí va ir esto, este tipo de batería…”. Esa canción, por ejemplo, tiene un guiño a “Omega” de Enrique Morente.

—La épica profunda de “Omega”.

Fíjate cuando entra al disco de “Omega” que dice: “La hierba”.

[Lo canta] Y entra la batería... “Tiroteo” [lo canta], y entra la batería... [Da palmas]. Era un guiño a ese dolor. “El tiroteo” es una canción que habla de la guerra, algo muy social. Queralt se encuentra en todos esos viajes. Me ha encantado poder respetarme y poder abrazar todas mis ideas. Quería que se diesen la mano todos esos mundos que viven en mí y que la gente entendiese que este es mi primer disco; lo otro fue un EP, no tiene nada que ver. Nada. Aquí está la Queralt que se muestra, se desnuda. Vienen todas juntas. Quería que fuese algo sincero, como la pureza que vive en mí.

—Repasemos las purezas del disco. Pienso en el título y me vienen todos estos meses de pantallas...

Total...

—Ya hablamos de pureza en “1917”, pero creo que ahora las purezas son más importantes que nunca. Nos salvan.

Viví con mucha ansiedad todo el proceso de “1917”, y todo el proceso de empezar este disco... Me di cuenta de que este no es un mundo que me acabe de gustar, de que yo hago cosas porque tengo que hacerlas, de que las redes sociales me las tomo como a mí me gusta... No soy la típica chica que hace todo el día stories, no soy esa típica chica... Quien me siga, lo puede ver.

Yo hago un stories cuando me apetece... mostrar mi cara; yo comparto muchas cosas de mi trabajo... Porque es mi trabajo.

Pero no soy la típica persona a la que le gusta estar todo el día: “¡Eh!”.

—¿Por qué?

Tengo mucho trabajo y no estoy para esas tonterías. Pero es cierto que me vi en un momento en el que todo era demasiado virtual y la gente se olvidaba de lo esencial, se olvidaba como de... Coño, de creer en lo verdadero. De creer más allá de lo que vende, del fast food. Era como que todo el mundo bailaba los likes de Instagram. “Oye, por favor, que alguien pare el mundo: no puedo más”. ¿Por qué nos hemos tenido que adaptar constantemente? ¿Por qué no creamos nuestra realidad? Por qué no decimos: “No voy a seguir esto. Yo voy a hacer algo que me beneficie a mí”. A mi salud emocional y mental. Se cuida muy poco todo eso.

—Por ahí no andaba la pureza. Claramente.

Entendí que haciendo mi música, escribiendo mis historias, creyendo en mí, en mi verdad, en lo que yo estaba sintiendo, así sí que se guardaba mi pureza. Yo no he vivido la pandemia

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junio 2021 #21

EN PORTADA como la gente: quizás porque no he querido parar de hacer música, no he querido dejar de encontrarme.

Yo no quiero parar. Entonces ahí he sentido que había vida más allá de la muerte que nos mostraban constantemente y me he reencontrado conmigo. Y me he dado cuenta de que no soy como lo que se está vendiendo y eso hace que me reafirme en mi música. Me hace ser diferente y me encanta. Esa pureza: ser yo. Me hace feliz. Lo digo y sonrío.

—En su día al hablar sobre la búsqueda de esa pureza, de esa forma hacer las cosas como uno quiere, hablábamos de pasarse de frenada: autoexplotación... [“Escucha Queralt, te dejo las llaves, tú ya cierras la persiana y me las dejas en el paki. Es esta llavecita”, le comentan los dueños del bar] —... Como en tu casa.

Esta es mi casa. Me han visto crecer… Desde los quince aquí cantando.... En fin, ¿por dónde iba?… Hice mucho trabajo personal. No quería volver a sufrir ansiedad que ya estaba sufriendo suficiente. Creía que lo mejor era hacer meditación, encontrar herramientas y de hecho lo vi como, hostia, todo lo que le he pedido a mis Dioses: “Dadme al menos dos semanitas de descanso, para cuidarme…”. Y llegó... No lo quería tampoco así, claro, pero siento que tuve que aprovecharlo. Pero sí, soy adicta a la presión y al trabajo. Me pone mucho.

—Esto ya me lo habías contado.

No te habías dado cuenta, ¿verdad? [Ríe] Me cago en la madre que parió. Pues soy adicta, soy adicta que te cagas y me gusta, me pone. Y es que no puedo evitarlo.

Sólo que ahora he aprendido a manejar la ansiedad; mira la pierna, no puedo parar, soy una chica nerviosa e inquieta. Me gusta aprender, me pone mucho hacer vídeos. Hay muchas formas de poder haber hecho tres vídeos, como he hecho yo. Tenía un cuarto. Yo misma fui capaz de decir “vamos a parar. Vamos a grabarlo en tres semanas”. Eso, la Queralt de hace unos meses, quizá no lo habría dicho. Es cierto también que si quieres conseguir algo, tienes que ir a fondo, a gas. Tienes que mostrar que puedes. Y la industria lamentablemente quiere a “una chica”, aunque somos muchas mamis las que estamos luchando por ello, quiere una cara. Yo no pretendo ser la cara, yo quiero ser la voz. Quiero que la gente se dé cuenta de que aunque haya precariedad se pueden hacer las cosas.

—No es lo mismo autogestión que explotación.

Tengo mucho carácter y sé poner los puntos. Yo me puedo explotar a mí misma, porque soy la que lidio conmigo, pero que no venga otra a hacerlo. Eso no.

—Eso mismo lo decía C. Tangana para Mondo Sonoro. Pero hablemos de pureza. Detecto muchos tipos aquí: amor, memoria e identidad de clase.

Es que la pureza es quererte y creerte. La pureza es que nada te nuble, que tú tengas tan claro lo que ves, que ya puede llover, puede haber niebla, que tu parabrisas lo va a limpiar todo. Tengo muy claro lo que quiero. La Queralt de “1917” no es la de “Pureza”, fíjate tú, y no ha pasado tanto. Tengo muy claro que yo en una canción puedo cantar a cuatro cosas diferentes y todas van unidas, porque yo tengo todas esas diferencias y soy la misma persona. “Tu boca”, por ejemplo, es una canción de amor puro, sí. De hecho se la empecé a escribir a mi sobrino, que es uno de los amores más puros que he sentido. A ese niño yo lo amo, cuando me dijeron “vas a tener un sobrino”, ya empecé a hacer hucha. Pero luego escribí a otros tipos de amores, a una persona de la que estaba enamorada... No en plan amor romántico...

—Amor de bolero.

Amor de bolero; me encantan. Pero luego por ejemplo, “Con poco”, pues con poco realmente es muy... [chasquea los dedos y sube un hombro] “Con poco, te rompo #22 junio 2021

“

“Si quieres conseguir algo, tienes que ir a fondo, a gas.

Tienes que mostrar que puedes”

el coco, con poco”. O sea, lo que te escribo, ni lo entiendes... No lo estás entiendo... Así que voy a hacer facilita la movida para que te des cuenta de esto. Y al mismo tiempo es un canto a hombres de la historia, porque hay un beat que se repite que es de Caracol... Están los vientos de la “La niña de fuego” de Caracol. Caracol era un tío de lo más grande del flamenco, pero también un machista de lo más grande de la historia; la época…

Pero era un gran cabrón. Es una crítica también a todas esas personas que te hacen sentir que eres alguien porque estás bajo su yugo o su sombra. Esta canción es empoderamiento. Nuestra dignidad está en nuestros deseos. Empieza el disco con una canción de amor total que es “Tu boca”. Y “Ya no” es una ruptura del amor.

Hay una mujer que detrás de esa tristeza se empodera y acaba diciendo: “Pureza. Esa niña es pureza”.

—Y empieza también en “Origen”.

Está to’ pensao [ríe]. Realmente están tres mujeres muy importantes en esa intro. Quería meter otras más, pero había que seleccionar. Mayte Martín, Mercedes Sosa y Lola Flores. Mayte Martín para mí es esa imagen de mujer visualmente cero por ciento femenino, que se atreve a vestir como un macho. Esa imagen de lesbiana fuerte e increíble. Abrió muchas puertas y nos lo hizo muy fácil. Mercedes habla de la libertad del músico y del poeta. Estamos viendo que no somos libres. Y luego llega Lola hablando de cómo la belleza de un músico puede traspasar fronteras; si no hay belleza, si no hay amor en todo lo que haces, no puedes hacer que la gente vibre. ¿Quién supera a Lola Flores? Estoy orgullosa de hacer eso en un disco y que pueda tener naturalidad.

Esos tres discursos son la pureza.

—¿Has intentado una mezcla de todas ellas?

Sí, yo creo que eso es lo que me hace ser única. O sea, yo no he visto a nadie hoy día que haga algo como lo que yo hago. Ni como lo que va a haber en directo. Una cosa es tomar referencias flamencas o de cadencia andaluza, que no es lo mismo… El flamenco tiene un compás, tiene un respeto. “Si la luna quiere” es una soleá, por bulería lo que entra y una soleá por bulería lo que cierra. No hay tu tía, es lo que hay y eso es verdadero.

Luego entremedio puede haber otras cosas. “El tiroteo” es una bulería al final [hace el compás en la mesa], es una bulería total, pero es muy personal. Entonces yo nunca me atrevo a decir realmente que canto flamenco. Canto a través de cadencias andaluzas, pero tengo mucho respeto al flamenco. Si la gente quiere decir que yo hago flamenco, vale, pero yo juego con muchas otras cosas. Hip hop, soul, r’n’b. En este proyecto bailo entre muchas aguas.

—¿En ese sentido, se parece al mestizaje? ¿Ojos de brujo? Me comentaba Don Disturbios que le recordaba...

Yo creo que ellos hacían un sonido más “calle” y yo hago un sonido mucho más cuidado. Cuando escucho música es como si viese un cuadro. Y yo con Ojos de

Brujo veo siempre brochazos sucios, pero un cuadro excelente, unos colores vivos. Mis colores quizás no siempre son tan vivos, pero hay unas pinceladas al detalle, y eso es lo que nos diferencia. Sin embargo, hay un punto de unión. Es como el paisaje: somos de “Barcelona”. Hay una cosa que en Barcelona pasa: nos llegan muchas influencias. A mí me encanta viajar a Sevilla, pero si tú quieres hacer una buena vaina, no lo vas a hacer allí, hermano; eso no es el lugar. ¿Tú quieres hacer algo con un buen beat? Vente a Barcelona, o a Madrid.

—La gente en general es mucho más diplomática.

Qué bien que te expreses con tanta sinceridad sobre otros artistas. Y sobre tí misma. ¿Por qué no puede un artista decir “soy bueno”? ¿Por qué esa falsa modestia?

—Esa falsa modestia la vivimos constantemente.

Estoy hasta las narices de hacer entrevistas donde la gente me está diciendo A y veo que piensa B. Es que yo odio eso. Me di cuenta de que me rodeaba mucha gente que luego... Qué asco de persona, tío…

Pensaba que era verdadero, puro, que era real... Y luego por detrás... Pues tío, no pasa nada por ser bueno. ¿Qué de malo tiene? Coño, si lo he estudiado, si me lo he currado... ¿Por qué tengo que decir que soy malo... Si me he dejado la piel en ello? Querer ir de puto amo por la vida... Eso es diferente.

—Y se gasta mucho.

Ser soberbio es algo que odio. Lo que hago, lo hago con mucho curro detrás, llevo muchos años dejándome la piel en esto... Y yo no soy tan buena como Aretha Franklin, evidentemente, no. Soy Queralt Lahoz, pero bueno, quizá algún día seré tan buena como la Queralt Lahoz del futuro. Yo no quiero ser otra persona. Joder, es que somos mucha gente buena. Ese es el problema de la sociedad, que creemos que sólo puede haber una persona increíble, y somos muchas personas increíbles, y las que no conocemos. Quizá hay tanta gente desconocida mejor que las que lo son... ¡Nos barrerían!

Pero esta es mi verdad, mi cosa.

—¿Hay mucha diferencia de músicos entre “1917” y “Pureza”?

Hemos ampliado; hemos ampliado productores. Hemos trabajado con, entre otros, Arnau Figueras, que es un gran músico... De hecho ha sido también percusionista de Mayte Martín. Trabaja con mucha gente. Yo creo que Arnau Figueras es una pieza muy valiosa en este trabajo. Me ha entendido muy bien. Hemos producido con él de “La cueva los olivos”, “Si la luna quiere”...

—Las más de raíz.

De hecho, yo tenía muy claro que no quería que fuesen los mismos productores. Quería que hubiera diferencia entre temas, porque siento que cada cosa tiene un sonido, tiene un mensaje que musicalmente tiene que cambiar. Estoy muy contenta. Mucha gente… Óscar Soriano, Jorge Pardo...

—¿Y el directo también se va a ampliar?

A ver, si todo va bien...

—Y no vas a decir nada más de hacia dónde va a ir, ¿no? ¿Será tan cabaretero? ¿El anterior era cabaretero? [Ríe] —Hombre, por supuesto… En el mejor de los sentidos.

Sigue habiendo eso, y seguiremos los cuatro. Estamos las cuatro presentes otra vez. Yo creo que eso se tiene que mantener, sigue habiendo esa historia entre nosotros, pero más elaborada, más guay. Todo tiene que estar más cuidado.—Y.S.I.

R Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA

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junio 2021 #23

25/Mondo VINILOS

Dinosaur Jr.

Idoipe

Sweep It Into Space Jagjaguwar

9

Oques Grasses a tope con la vida Oques Grasses

A tope amb la vida Halley Records

8

POP / Tras el descomunal éxito de su anterior trabajo, “Fans del sol”, tocaba lidiar con la resaca. Y no era tarea fácil. Oques Grasses han pasado de ser el grupo más inclasificable, y ajeno a la etiqueta de lo que se conoce como mestizaje catalán, a convertirse en el buque insignia del género. Parece y es un contrasentido, pero la vida es así: puta y contradictoria. Por eso hay que cogerla por los cuernos. Por eso hay que vivirla soñando.

Por eso todo aquello que no entendemos, es lo que nos llena. Por eso cuando uno no puede ir a peor, ya no tiene absolutamente nada que perder. Por eso hay que ‘petarlo’ todos los días del año. Por eso… Por eso Oques Grasses se han sacado un discazo de la manga como continuación del anterior, cargado de máximas existenciales que nos invitan a eso: “A tope amb la vida”. Toda una declaración de intenciones directa y clara. Aquí hemos venido a disfrutar, bailar y gozar dejando los prejuicios lejos, muy lejos. Y es que cuanto menos aprieta el corsé de lo que se puede y no se puede hacer, mejor y más libres salen las cosas. Y en eso ha consistido esta grabación: La liberación definitiva.

“A tope amb la vida” es la continuación de “Fans del sol”, pero sin tomar prisioneros. Es un disco que muestra a las claras cómo han

crecido Josep Montero y Joan Borrás en su rol de Justin Delasiembra. Es decir, como dúo de productores que han engrandecido el sonido de la banda, logrando que las percusiones te golpeen duro en el pecho; la fanfarria de vientos consiga abrir las puertas del mismísimo infierno y los coros amplifiquen, embelleciendo, la canción. Han ido sin complejos a emular al Quincy Jones más funk y ochentero en “Petar-ho”; dejarse acoger por el ritmo del reguetón más sideral y urbano (“Lakilove”); rendir un homenaje inconsciente a C. Tangana (“Talismà”); lanzarse a un himno expansivo a lo Coldplay (“Elefants”), trasladarse a la Colombia caribeña (“Vida d’oferta”); demostrar que Santa Salut canta tan bien como rapea (“Goodline”) y ya para redondearlo, hacer uno de los vídeos más cachondos de la temporada (“Bye bye”). Pero no solo eso. Oques Grasses demuestran también con este disco que, cuando se ponen tiernos, logran magníficos resultados. Dos de los mejores temas de “A tope amb la vida” son de lo más delicado que han hecho en su carrera. En uno “La gent que estimo” brilla la colaboración de una voz preciosa como la de Rita Payés. Y el otro, “De Bonesh”, es uno de los temas más dulces e inspirados de su carrera. Una pequeña joya que crece con unos coros de inspiración africana, que hará olvidar a más de uno que Txarango lo dejan. A rey muerto, rey puesto.

“A tope amb la vida” es un disco que debería dar, aunque parezca imposible, un nuevo impulso a la carrera de los catalanes. El empujón definitivo para saltar con fuerza más allá de las fronteras.

—DON DISTURBIOS

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ROCK / En 2005, el trío fun-

Cierzo lento El Tragaluz

7

FOLK ELECTRÓNICO / Cons-

dacional de Dinosaur Jr., integrado por Mascis, Barlow y Murph se reúne para varios bolos y la formación se reactiva, pero sinceramente, y aunque desde entonces han facturado más de un disco de buen nivel, creo que nunca habían alcanzado desde su reunión el de este trabajo. El álbum ofrece todo lo bueno que pueden ofrecer Dinosaur Jr. Ahí están esos riffs de guitarras dilatados y las atmósferas densas. Aunque se pueden encontrar temas inmediatos como “I Ran Away”, un auténtico himno como la inicial “I Ain’t”. Pero también ofrecen lo más grasiento del grupo en temas como “Hide Another Roun” que se combinan con la angustia de “You Wonder” o la ternura de “Garden”. Han vuelto, y lo han hecho por la puerta grande ¿Qué más se puede pedir?

truido en base a la comunión entre pulsión electrónica y la música tradicional aragonesa.

Dicho así, “Cierzo lento” suena como una especie de variación geográfica de lo que están haciendo Califato ¾ en Andalucía y Baiuca en Galicia, aunque nada más lejos de la realidad. De hecho, lo que más pesa es la materia dance del deep house y las tendencias más oníricas de grupos techno pop de los ochenta y noventa como Pet Shop Boys. Eso sí, filtrados desde una concepción atmosférica de las formas 2.0. En este último caso, no hay más que adentrarse en “O sol espunta” o “Tañe”, en las que prende su alquimia en condicionantes ya reconocidos de aquella era. De hecho, la inclusión de elementos tradicionales, se integran como una parte más de la ecuación pop.

—EDUARDO IZQUIERDO

—MARCOS GENDRE Crowded House

Damien Jurado

Dreamers Are Waiting EMI

7

POP / Neil Finn ha decidido

que el sueño no está muerto y que era hora de darle a sus fieles seguidores un nuevo disco de Crowded House, tras once años del último. El mundo ha tomado un rumbo hacia las tinieblas, así que mejor aliviar las penas con nuevas canciones de uno de los mejores artesanos de canciones pop de las últimas décadas. Alguien que cuando le pides que te construya tu hogar no esperas que te entregue la casa de la cascada de Frank Lloyd Wright sino un sitio sin fisuras, confortable, en el que poder pasar un rato agradable, algo que ha vuelto a cumplir a la perfección, entregando un disco que puede que no tenga una canción tan grande como “Don’t Dream It’s Over”, “Fall At Your Feet” o “Distant Sun”, pero que puede mirar a la cara a cualquiera de los discos de su discografía sin sentirse inferior. —SERGIO ARIZA

The Monsters Who Hated Pennsylvania Maraqopa Records

8

AMERICANA / La última pa-

rada de Damien Jurado es este álbum de diez canciones de impactante título, que el propio cantautor define como un paseo por el Lou Reed de “The Bells” o el Paul McCartney de “Ram”. Es decir, sonidos crudos, secos, menos melosos de lo que habitúa. Para eso se rodea de una serie de personajes que convierten el álbum en algo que se queda a medio camino entre el disco conceptual y algo más convencional. Tiene en su espíritu lo-fi –otro elemento casi siempre presente en la carrera de Jurado– algo de aroma al “Nebraska” de Bruce Springsteen, aunque, en este caso, la voz del cantante sirva de diferencia clara entre ambos. El Boss era entonces rudo, por mucha guitarra acústica que empuñara, mientras que Jurado es más tierno, más aterciopelado. Damien Jurado en estado puro. —EDUARDO IZQUIERDO junio 2021 #25

MONDOVINILOS

Rag ‘n’ Bone Man Life By Misadventure Sony Music

La experimentación de Black Midi

6

Black Midi

Cavalcade Rough Trade/ Popstock!

8 POST-PUNK / La irrupción de los londinen-

ses con “Schlagenheim” pilló a casi todos con el pie cambiado: ¿un grupo de veinteañeros indies que se atrevían a zambullirse en las turbias aguas progresivas? Los que les vimos darlo todo en un escenario comprendimos que aquello no era ninguna broma. Fogueados en las catacumbas del Windmill, la sala underground por excelencia de la capital británica, Geordie, Cameron, Matt y Morgan habían creado un monstruo de voracidad insaciable difícil de definir; híbrido imposible entre el post-punk asilvestrado, la improvisación con un pie en el jazz y las progresiones hasta hace poco vetadas. Una base rítmica fuera de lo común era su secreto. Ponerle continuación a un debut tan visceral y extremo no era tarea fácil, pero el ahora trío (Matt se ha tomado un respiro temporal) ha solventado el reto con brillantez, llevando su rock futurista

Current Joys

Sebastián Cortés

Voyager Secretly Canadian/ Popstock!

POP / A pesar de contar con una generosa discografía previa, Current Joys son casi totales desconocidos por estas latitudes. El proyecto de Nick Rattigan (al margen de su otro grupo, Surf Curse) debería cosechar más atención gracias al precioso e inspirado álbum que acaba de publicar, en lo que es un compendio del mejor indie-pop que apuesta por bonitas melodías y buen trato de las voces con una única intención: acercarse una y otra vez a la canción redonda. Un tipo de acierto que abunda en el presente disco, con las dianas sucediéndose una tras otra en forma de temas bonitos y emocionantes, quedando casi todos ellos señalados como singles potenciales.

Current Joys juegan en la misma liga que Conor Oberst, Sondre Lerche, The Decemberists o Ed Harcourt, y ‘Voyager’ es una poderosa llamada de atención que tiene todo para ser contestada, al incluir mayoría de canciones capaces de quedarse en la memoria por arte de magia y desde la segunda escucha. —RAÚL JULIÁN

8

#26 junio 2021

dislocado a territorios insospechados: en las ocho canciones grabadas en Irlanda por John Murphy, los jóvenes músicos muestran una variedad de recursos notable. Cada canción tiene su propio carácter (y su personaje, explican ellos), pero el disco no adolece de falta de coherencia. Y es que hay que tener una confianza ilimitada en las propias posibilidades para pasar del magma rítmico enloquecido de “John L” y sus parones abruptos a los serenos aires bossanova de “Marlene Dietrich”; o del

BEDROOM POP / Sebastián

Cortés publica su primer álbum, “Canciones que hice en mi habitación”. Un trabajo de doce cortes en las que se atreve a jugar con los sonidos, algo que queda claro con “Ya queda poco”, la primera pista. Su pieza más completa es “Aclárate”, en la que se desprende de tintes de electrónicos y su voz es la protagonista, al contrario que en “Solo me quieres cuando estas triste”. Se acerca a producciones más mainstream con “Tenerte” y luego nos regala “Volvernos a ver”, hecha a base de un ukelele y autotune. En la segunda parte del disco es cuando explora más sonidos como en “No quiero verte”, “Cuando estabas aquí” y “Nada es demasiado por ahora”. Y en medio, nos encontramos con “Quiéreme un poco”, una auténtica pieza de rock que deja ver otra faceta del artista. Además, incluye tres de sus antiguas canciones: “Me da la vida”, Yo q se” y “Borracho”. Así es como ha completado un disco totalmente creado por él. Una brillante gesta.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

URBANO / Israel B venía con el hype por las nubes después de soltar los “BBS VOL.1”, en los que demostró que hay pocos como él en España en lo que a escribir se refiere. Pero el proyecto grande, para el que los freestyles servían de antesala, era “Islas”, una mixtape que poco tiene que ver, más allá de su propio talento, con el purismo rap que el madrileño exhibió en las “BBS”. Del mismo modo, poco tienen que ver las “Islas” que ha dibujado “La Cabra” unas con otras. En una exhibición de versatilidad, la mixtape pasa por estilos punteros como el drill en “Creo que no”, junto a Ergo Pro, por beats de trap bachata como “Dominicana” con El Ima o por un “Pártete” que abre el trabajo y que recuerda a “YYANOSÉ”, su mayor hit. Israel B, así firma un trabajo en el que le vemos en su vertiente más melódica y menos explotada pero a la que siempre recurre en sus proyectos. Una nueva muesca en el revólver de Israel B que, eso sí, deja con ganas de más. —LUIS M. MAÍNEZ

7

se le llena la boca recordando al mundo que grabó su segundo largo únicamente en seis días. Este nuevo proyecto se centra supuestamente en desnudarle y presentar su lado más íntimo, y personal. Sin embargo, “Life By Misadventure” es más bien un regreso estudiado y más pensado de lo que nos quieren hacer creer.

A través de un ambiente más pausado y pulido que en “Human”.

Rag ‘n’ Bone Man deja atrás el alma soul, y el blues, de su anterior disco para centrarse en un pop melódico que se alimenta del country. A lo largo de todo el Lp hay una intención muy marcada de conquistar al pueblo americano y para conseguirlo cuenta con Mike Elizondo, productor de estrellas del country contemporáneo como Carrie Underwood o Keith Urban. Además, Rory no se siente cómodo escribiendo y construyendo melodías por sí solo y para salir airoso se agarra de la mano de dos figuras de puro Nashville como son Mike Reid y Allen Shamblin. —ÁLEX JEREZ James

Lord Huron

Israel B

All The Colours Of You Nothing But Love/Music As Usual

Long Lost Republic/ Universal

Islas Lowlight Music

Canciones que hice en mi habitación Autoeditado

8

funk matemático reconcentrado del single “Slow” a la enrarecida atmósfera acústica de “Diamond Stuff” y luego el corazón rítmico arrollador de “Dethroned”, en la que pasan del gancho melódico a la experimentación con total fluidez. Es la gran virtud de un segundo disco en el que, lejos de limitarse a repetir la jugada de su volcánico debut, se arriesgan incluso a bajar revoluciones y jugar al folk minimalista, como en el emocionante inicio de la épica “Ascending Forth”. —JC PEÑA

POP / Quienes solo conocen a Lord Huron por la aparición de “The Night We Met” en “13 razones” tienen que hacerse un favor y escuchar este disco, y no solo porque sea el mejor que han editado en su carrera, que también, sino porque contiene dos barbaridades hechas canción, dos claras candidatas a canción del año, en las maravillosas “Mine Forever” y “I Lied”, gemas que le pueden disputar sin problema el título de mejor de su carrera. Claro que “Long Lost” consigue mantener un muy buen nivel en todos sus surcos, más allá de sus dos grandes cimas, desde el orquestal comienzo de “The Moon Doesn’t Mind” hasta ese onírico final con los catorce minutos de “Time’s Blur”, logrando que los dos picos no se queden totalmente aislados en un disco que representa el cénit de la banda, una obra atemporal que resulta perfecta para todos aquellos que tienen en un pedestal el primer disco de Fleet Foxes o el “I Love You, Honeybear” de Father John Misty. —SERGIO ARIZA

8

COUNTRY / A Rory Graham

POP / El combo liderado por Tim Booth alcanza el que ya es su décimo sexto disco de estudio con un trabajo resplandeciente y animado, tanto en mensaje como en aspecto y consecuencias. Si en las dos obras previas de los británicos el protagonismo se lo repartían teclados y sintetizadores, adornos, y una sobreproducción empalagosa, ahora los focos cambian de objetivo. La increíble voz de Booth recupera el primer plano y su efecto mesiánico –por momentos casi sanador–, y funciona como hilo argumental cristalino en torno al que enganchar cada composición. Once temas que siguen apostando por esa épica marca de la casa, pero con dosis mejor medidas y encajando de manera natural en canciones empáticas y emocionantes. El mejor trabajo de James en una década, que recupera la esencia indispensable de un grupo que, entre ambición, magia y misticismo, concreta ese tipo de canción terapéutica que puede llegar a iluminar el día con sus propiedades. —RAÚL JULIÁN

7

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Garbage

7

ROCK / Hay bandas cuyo

nombre ha quedado inevitablemente ligado a los noventa, cuando su presencia resultaba imponente. Es lo que sucede con Garbage, que ahora publican un séptimo disco de estudio con el que suman otra referencia digna a esa segunda fase del trazado.

Un álbum que puntúa en positivo tras resultar convincente en su mayor parte, manteniendo el espíritu característico del grupo, aunque actualizado tanto en contenido (las letras se muestran críticas con temas candentes como la igualdad de género) como en un aspecto algo remozado y favorecedor. Unos elementos apreciables en la instrumentación, pero también en la madurez implícita de la vocalista Shiriley Manson, tan natural como incuestionablemente poderosa. El combo sale bien parado en mayoría de los once cortes, manteniendo su vigencia y alejándose de esa temida caricatura en la que algunos compañeros generacionales parecen haber caído. —RAÚL JULIÁN

Van Weezer Crush Music/ Atlantic Recording

5

revisar en clave orquestal los viejos hits sin sonar pretencioso? Ese es el reto al que se ha enfrentado Moby, perfectamente sabedor de que sus mejores registros forman parte de un pasado que ya sobrepasa las dos décadas, y lo cierto es que ha logrado extraer jugo a partituras añejas sin caer en lo pomposo. Nada hará que este disco, su celebrado ingreso en el histórico sello berlinés de música clásica, vaya a cosquillear la curiosidad de quienes no hayan empatizado hasta ahora con Moby, pero al menos el neoyorquino, que es un tipo sensato y con tremenda vista para imponer una sana autocrítica, elude la tentación de la ampulosidad mediante un tratamiento que, con la ayuda de la Budapest Art Orchestra y un puñado de colaboradores estelar (Gregory Porter, Kris Kristofferson, Mindy Jones, Jim James, Mark Lanegan), ajusta el foco de su repertorio de electrónica sedante a un clasicismo nada estridente ni pasado de rosca. .

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

POP ROCK / El disco número

Bugzy Malone

Reprise Deutsche Grammophon

POP ORQUESTADO / ¿Cómo

—

quince de Weezer les sitúa en una tensa posición que incluye algunos momentos que podríamos tildar de cierta vergüenza ajena. La obsesión de Rivers Cuomo de realizar homenajes a sus referentes creativos le ha llevado esta vez a crear un proyecto tedioso, pobre y nulo en creatividad. Un intento de introducir el heavy entre sus registros poperos que acaba sonando al disco malo de una banda adolescente de pop-punk. Bajo la producción de Suzy Shinn (Fall Out Boy, Panic!

At The Disco) el grupo intenta resucitar el espíritu de Ozzy Osbourne en “Blizzard Of Ozz” o hacer honor a Kiss que ya en los noventa era el grupo favorito de Cuomo. Sin embargo, han acabado haciendo un pastiche metalero sin sentido (“Blue Dream”) que no va a ninguna parte. ¿Se puede tomar a Van Halen como referencia y sonar a 5 Seconds Of Summer?

Pues sí, se puede y además se puede hasta lograr que un disco de solo treinta y un minutos termine haciéndose eterno. —ÁLEX JEREZ

Moby

7

MONDOVINILOS

Weezer

No Gods No Masters BMG

The Resurrection B. Somebody/ Music As Usual

7

GRIME / “The Resurrec-

tion” es Un disco sobre la experiencia cercana a la muerte que sufrió Aaron Jones, o Bugzy Malone, el año pasado, cuando su moto tuvo un accidente en el que estuvo a punto de pasar al otro barrio. Pero cuando has crecido en un barrio como el de Malone, y tienes su color de piel, las experiencias cercanas a la muerte no son algo tan extraño, y es que este tipo ya había pasado por la cárcel, presenciado el asesinato a tiros de su tío o comenzado una carrera como boxeador, antes de autoproclamarse el Rey del Norte de la escena grime brtánico, consiguiendo algo de respeto para Manchester en un género dominado por Londres. Es un disco ambicioso pero irregular, con una producción que tira de la épica, buscando un alcance cinematográfico, pero que no arriesga especialmente. A pesar de varios aciertos, el Rey del Norte todavía no está en la disposición del reclamar el Trono de Hierro del grime a gente como Stormzy o Skepta. —SERGIO ARIZA

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El ejercicio de estilo extremo de Sufjan Stevens Sufjan Stevens Convocations Asthmatic Kitty/ Popstock!

8 EXPERIMENTAL / Huye. Ya lo han hecho otros.

Sólo hay que echar un vistazo a la bajada del número de reproducciones del quíntuple álbum a medida que este avanza –salvo contadas excepciones, como los singles con los que ha acompañado la salida escalonada de los discos–. Sal corriendo si amas al Sufjan Stevens folk, pop o incluso experimental. Este no es un largo para bailar, enamorarse, reír o llorar. Es un álbum para apartar la mirada de la pantalla y mirarse los ojos por dentro. Un buen rato. Y ya vemos.

Los cinco discos que componen “Convocations” suman dos horas y media de minutaje. Pero, como indican sus entregas, divididas por bloques (meditaciones, lamentaciones, revelaciones, celebraciones y encantamientos), puede escucharse en función de lo que le pida a uno el diafragma aquel día. Correr –con el disco puesto, o alejándose de él– es una opción en función de si la meditación forma parte o no de los campos de interés del oyente.

“Convocations” es un disco de ambient sin, obviamente, grandes sobresaltos. En las aguas más calmas de las composiciones de Brian Eno navega este “Convocations”, un ejercicio de estilo exhaustivo y extremado. Pero, después de practicarlo (no puede abordarse de otra forma), consigue lo pretendido: fineza, nebulosa, ritmo circular y tensión justa. El noveno largo del variopinto compositor estadounidense es un homenaje a su padre biológico, fallecido en septiembre de 2020, solo dos días después del lanzamiento de “The Ascension”. Pero más allá de eso, es un regalo para los momentos de introspección. Una alternativa a las listas zafias que en los mundos del ‘stream’ siguen búsquedas como “relajación”. Él mismo lo ha calificado como un disco “holístico y sanador”. No hace falta ser Ravi Shankar para hacer música espiritual; Stevens va de la necesidad propia a la colectiva, a llenar necesidades de la ‘nueva normalidad’.

El artista llevaba un tiempo avisando. Por ejemplo, con el ‘livestream’ sobre “Convocations” que empezó a emitir en rotación el pasado abril. Ya no hay excusa para no probarse con música de altísima calidad en el arte de ver pasar y aceptar los pensamientos. —YERAY S. IBORRA

junio 2021 #27

ENTREVISTA

D “ “Nos gustaría poder llegar con nuestro mensaje a peña que todavía no nos ha escuchado, y poder llegar a otras culturas”

#28 junio 2021

ICEN QUE AL COMPOSITOR, cantante y líder de Oques Grasses no le gustan demasiado las entrevistas. Puede que en realidad lo que no le guste demasiado sean las entrevistas más tontorronas.

Las que se hacen para salir unos minutos en los informativos de turno y que suelen girar siempre alrededor de las mismas preguntas más típicas, y que no acaban de profundizar nunca en la esencia del disco que las motiva. Por ello, debo decir que con Mondo Sonoro Josep Montero estuvo muy relajado y parlanchín en una conversación que se alargó hasta casi la hora. Y todo ello en medio del idílico entorno natural de la casa-estudio que tiene en medio del Montseny con unas vistas privilegiadas. Un lugar en el que es difícil que nada pueda salir mal, ya sea un disco o una entrevista.

—Antes de entrar a hablar de este nuevo disco “A tope amb la vida” me gustaría preguntarte por el anterior “Fans del sol” (19) y en concreto si os esperabais que tuviera tanto éxito y por qué crees que lo tuvo.

Mientras lo estaba acabando noté que ese disco tenía algo que los otros no tenían. Era que, en cuanto al sonido, era más moderno y más internacional... Y a la vez estaba más cerca de lo que en ese momento estaba de moda, aunque eso no fue algo buscado. En realidad, yo siempre había tenido dentro de mi cabeza cómo quería que sonaran nuestras canciones pero con los discos anteriores, nos habíamos quedado lejos de conseguirlo. En cambio con “Fans del sol” sí que logramos plasmar por primera vez esa idea tal y como la habíamos pensado. Y eso fue algo que me satisfizo muchísimo y, a la vez, pienso que en ese disco había canciones de muchos tipos que podían contentar a públicos distintos. Al público que teníamos de siempre, le podían gustar canciones como “Escopinya”, “Deixa” o “Serem ocells”. Y después había canciones como más actuales.

Canciones como “In The Night”, “Torno a ser jo” o “Sta Guai”. Había mucha variedad y me daba la impresión de que, en función de lo que buscara la gente, podían encontrar una canción u otra, y eso le daba más posibilidades al disco de gustar. Ahora bien, de aquí a que funcionara tan tan bien el disco... A mí también me sorprendió e incluso me costó mucho de encajar. Ya hacia el final de la gira de “Fans del sol”, tuve un momento de necesitar interiorizar todo lo que había pasado, porque yo nunca he hecho música para lograr la fama. Y, bueno, súper contentos de que pasara y todavía asimilándolo.

—¿En qué medida “A tope amb la vida” es fruto de esa asimilación de lo que sucede con “Fans del sol”?

Creo que es fruto al cien por cien. Este disco viene justo del momento previo a que empiece la pandemia. Un momento en el que intento asimilar todo lo que está pasando con “Fans del sol” aquí en casa, haciendo de jardinero y pensando que realmente no estoy preparado para otra gira. No tenía espacio suficiente en mi cabeza para seguir metiendo cosas nuevas, cuando en un año me habían pasado tantas y tantas... En ese sentido, a mí el parón de la pandemia a nivel interno y emocional me vino bien en cuanto a lo que es mi vida profesional, ¿no? Y en “A tope amb la vida” hay una parte de todo esto. También una parte de reflexiones, como ha tenido todo el mundo, a partir de lo que sucedió con la pandemia y la incertidumbre que se generó. Es curioso porque siempre decimos eso de que se ha de vivir el momento y siempre lo hemos visto como una cosa guay

A TOP

Oques Gr

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PE

rases

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No lo tenían nada fácil Oques Grasses tras el enorme éxito cosechado con “Fans del sol” (19) su anterior disco. Pero, lejos de amilanarse, “A tope amb la vida” (Halley, 21) es mucho más que un digno sucesor. Y lo es porque han logrado ahonda r en las claves que les llevaron a estar en lo más alto de todas las fiestas populares de Cataluña. Pero dejemos que sea el propio Josep Montero quién nos lo explique en esta extensa entrevista.

—TEXTO Don Disturbios

junio 2021 #29

ENTREVISTA

3 y, de repente, pasa un pandemia que te obliga a “vivir el momento” y entonces lo ves como algo chungo. Es esa contradicción de ver que aquello que estabas buscando, y ahora te ves obligado a vivir, ya no te parece tan bien. Por eso creo que el nuevo disco tiene mucho que ver con esas dos cosas: con la interiorización de todo lo que pasó con “Fans del sol” y con el momento de tener que vivir la pandemia. Al final “A tope amb la vida” plasma toda esa época de mi vida. Hay gente que se inventa historietas para escribir canciones y yo eso no lo sé hacer. Estaría guapo que lo pudiera hacer porque entonces haría discos como churros [risas], pero no sé.

—Pero si fueras capaz de inventar historias sobre terceras personas, las canciones de Oques Grasses perderían toda su personalidad. Porque, si uno analiza las letras de tus canciones, todas tienen un mensaje muy potente y claro. No sé, por ejemplo en “Elefants” el mensaje es: “No deixis mai de ser tu” (No dejes nunca de ser tú) y lo mismo sucede con tú música, que no dejas de ser tú y te desnudas a la hora de escribir.

Sí, lo he entendido siempre así. Y decía lo de que me gustaría hacerlo de otra forma para vender, porque en muchos momentos sentiría menos responsabilidad para conmigo mismo y menos presión. Pero lo cierto es que estoy muy feliz haciéndolo así. Además a mí esto me sirve para entenderme mejor, y para entender mejor todo lo que me pasa. Aunque después, al final, no me entero de nada ni tengo puta #30 junio 2021

idea de nada [risas]. Pero le sirve a mi cabeza.

—Es como una terapia.

Exacto. Es como sentarse con un colega a hablar de la vida. Lo único que yo, además de sentarme, luego lo escribo y así lo recuerdo, porque tampoco tengo muy buena memoria.

—Vayamos al sonido de los discos porque “Fans del sol” fue el primer disco en el que vosotros os encargabais de la producción, ¿no?

Bueno, en realidad la producción la habíamos ido haciendo con todos.

Lo que pasa es que no sabíamos demasiado qué era el hecho de producir.

—Por tanto ha sido un proceso de aprendizaje y con “Fans del sol” ya ibais con una mayor intención.

Nosotros sabíamos que la producción existía, y que era importante.

Pero con los otros discos en realidad grabábamos y ya está. Lo que salía, salía. Habíamos llegado hasta ahí. En cambio con “Fans del sol”, por el hecho de tener mas tiempo, nos dimos cuenta al finalizar de grabar que podíamos modificar el sonido, podíamos añadir o quitar elementos, buscar un rollo más crudo, menos crudo o buscar elementos electrónicos sin barreras. También nos quitamos muchos prejuicios del tipo: “¡Uy, esto suena muy comercial! ¡Uy, esto no suena a Oques!”. Al final el rollo este de: “Esto es Oques, esto no es Oques”, lo encuentro una chorrada de la hostia. De hecho, recuerdo que, cuando acabamos el disco, un día les dije a los de grupo a nivel de coña: mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

EN PORTADA

“

“'Tu me dejaste de querer' de C. Tangana me marcó mucho y pienso que es la mejor canción que ha hecho”

“Ahora vendrá la gente y nos dirá que este disco es más Oques que los discos anteriores” [risas]. ¿Qué coño es ser Oques? Yo no sé qué es ser Oques, si no sé ni quién soy yo. Hoy soy este, mañana seré otro [risas]. Al final, lo que manda es lo que tienes ganas de transmitir, plasmar y explicar. El sonido que tienes ganas de buscar, buscarlo y no limitarte. Eso es lo que pienso que se acerca más al arte y a la esencia de crear. Todo lo que sea ir con miedo o pensar que eso no acaba de encajar con tu sonido, todo eso, pienso que te limita. —En este sentido, el de hacer las cosas sin limitaciones ni complejos, hay temas que son muy evidentes como “Lakilove” en el que la base es directamente un reguetón.

Hace tiempo que pienso que el ritmo del reguetón, esa base, es algo que tiene mucha fuerza. Y es que el ritmo en sí, si no le añades las cajas, es un ritmo que te queda lento. Pero, si le pones las cajas, te coge un camino como muy loco y tenía muchas ganas de ir hasta el final. Eso es precisamente “Lakilove”, ir hasta el fondo con un reguetón.

—Además es un tema que tiene una gran carga sexual e imagino que no es por casualidad. ¡Claro! El punto este de hablar del descontrol sexual y mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

plasmarlo en un reguetón encajaba. Y luego hay una cosa, que he ido descubriendo con los años, y es que mola que las canciones te transmitan en las letras más una sensación y no tanto un concepto. Es algo que considero que es muy difícil de lograr y por ejemplo Manu Chao lo hace mucho. Ese transmitir una sensación en una canción y que esta quede totalmente abierta. Y con “Lakiove” lo que quería era transmitir esa sensación de calentura máxima de la sociedad. Que somos animales y el descontrol que eso genera.

—Estamos hablando de la influencia del reguetón, pero también hay mucha influencia de los sonidos más ‘urban’ y, sobre todo, hay una canción como “Talismà” que parece un homenaje al “Tu me dejaste de querer” de C. Tangana, y no sé hasta que punto ha sido producto del subconsciente o algo totalmente buscado.

Ha sido mucho del subconsciente. A mí esta canción del Tangana me marcó mucho y pienso que es la mejor que ha hecho. Y mira que tiene muchas canciones que me gustan mucho, y en las que ha jugado mucho con el rollo latino. Porque de Tangana sobre todo me gustan las canciones que llevan ese rollo latino. Y esta en concreto me marcó, y me gustó mucho el instrumental con esa guitarra como recurso... Pero luego creo que, en cuanto a las notas, en cuanto al tipo de sonido, en cuanto al tipo de canción y lo que trasmite, creo que los dos temas son muy diferentes. Pero el recurso sí.

Sí que te puede hacer pensar que es el mismo recurso.

Pero luego, si lo escuchas bien, verás que no hay ninguna nota de ese recurso que sea igual. La rítmica no es igual. Aunque debo reconocer que me llegué a rallar, y estuve unos cuantos días pensando incluso en cambiar la melodía, pero cuando me dijeron desde fuera que no había nada igual, que no era la misma, la dejé.

—En “A tope amb la vida” hay varios temas que destacaría por su producción. Uno es “Petar-ho” que destaca porque parece una producción de Quincy Jones con ese toque funk. Luego está el otro extremo que es “Elefants”, con esa producción tan expansiva que parece más un tema de Coldplay. Imagino que el hecho de tener estudio propio, ha propiciado que podáis trabajar mucho más el sonido, pero ¿no se corre el riesgo de no saber ponerle fin a un tema?

Ese estar todo el rato añadiendo o quitando cosas, jugando con la canción sin saber nunca cuándo está finalizada del todo.

Sí, a mí eso me pasa mucho. De hecho con “Fans del sol” nos pasó y con este, aunque hemos tenido que correr un poco más, ha sido una locura porque no acabarías nunca. Es una lucha. Aunque primero tienes la lucha de que te vengan las ideas. Porque de ideas puedes tener muchas, pero que te gusten y que creas que puedes tirar con ellas hacía delante, hay pocas. Al menos es mi caso —Sé que a muchos músicos no os gusta hablar de

objetivos y metas, pero imagino que la vuestra debe pasar por llegar a más gente e ir más allá de Cataluña, donde ya sois muy grandes, y tocar más fuera, ¿no?

Sí, nos gustaría poder llegar con nuestro mensaje a peña que todavía no nos ha escuchado, y poder llegar a otras culturas. Sería muy guapo. Además a mí me gustaría poder llegar a un punto de poder hacer solo quince bolos al año y hacerlos todos con una película diferente. Eso sería perfecto. En lugar de estar tocando tres bolos todos iguales a la semana. Eso me parece muy poco artístico y se transforma en algo muy mecánico. Por eso mi sueño sería poder permitirme el lujo de tocar diez veces y hacer que cada concierto fuera diferente. Pero para poder permitirte eso, hay que llegar a mucha más gente.

—Hablábamos de retos de futuros e imagino que otra de las cosas que os gustaría hacer es seguir produciendo a otros artistas, aprovechar el estudio que habéis montado y hacer ese trabajo más de creación, ¿no? [ndr: Josep Montero y el teclista de la banda, Joan Borràs, conforman la pareja de productores Justin Delasiembra].

A mí lo que más me gusta es crear. Tocar también mola, pero lo que pasa es que es mucha más presión, más responsabilidad. Hay que cuidarse, viajar, estar simpático... Entras en muchas más cosas en las que hay algunas que no me gustan. En cambio en la creación me gusta todo, y es lo que más me flipa. A la larga mi intención es lo que te decía: poder tocar poco y pasarme la vida creando para mí, pero también para otra gente o conjuntamente con otra gente. Por ejemplo he flipado mucho con Stay Homas y la manera que tienen de trabajar y la cantidad de recursos que tienen y también con Doble [ndr: rapero catalán que colabora en el disco]. Además ves otras formas de hacer y trabajar.

—Te carga las pilas.

Sí, es muy guapo ver cómo trabaja la gente joven ahora.

Sobre todo porque mis referentes han sido Albert Pla, Joan Garriga, Adrià Puntí... Gente que ahora ya está un poco de vuelta de todo. Y, claro, ver a gente joven por la que sientes admiración, te hace sentir vivo y te genera de nuevo ilusión. Y lo de Oques lo veo como algo que no tendrá un final, pero sí que se tendrá que ir haciendo algo más exclusivo, para que siga teniendo cierto prestigio sin prostituirnos, ni hacer cosas raras o acabar como algunos grupos que tienen cincuenta años y todavía siguen haciendo lo mismo que hacían cuando tenían veinticinco, ¿no? Yo no quiero eso. Quiero darle el valor que creo que tiene la música y el arte, y eso pasa por tener recursos para poder vivir y no tenerte que limitar a hacer una cosa que ya has hecho muchas veces. —Y.S.I.

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junio 2021 #31

MONDO FREAKO

Oda a Kokoshca

“Me gusta cómo eres, la fe que siempre tienes en el pop”, nos cantan en su nuevo álbum. Y pocas frases podrían calificar de forma más acertada a uno de los grupos más difícilmente clasificables del panorama independiente español. Sirva el más ambicioso “Kokoshca” (Sonido Muchacho, 21), que acaban de publicar, para subrayarlo.

“En España hay pensamientos diferentes que tienen que convivir, pero a veces hay que ponerle un poco de humor”

#32 junio 2021

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ETRÁS DE ESA IMAGEN chulesca y desacomplejada que les ha llevado incluso a reformular el “Himno de España”, hay una sensibilidad y habilidad especial por las melodías y las historias que, de nuevo, se nos presentan en este nuevo trabajo de los “pamplodonostiarras”. Hablamos con Amaia Tirapu sobre este sexto álbum en el que Kokoshca suenan más universales, colosales y ambiciosos.

En definitiva, el trabajo que debería confirmarles como lo que son: la banda pop definitiva.

—¿Os han llamado para oficializar “Himno de España”?

No, todavía no [risas]. Ha sido la canción que más nos ha costado acabar en el disco. Y, sin duda, ha sido el ejercicio más difícil que hemos hecho como banda. En este tema nos hemos enfrentado a ritmos de rumba, de flamenco… En definitiva, a nivel de composición nos costó mucho. Siempre nos ha parecido que España tiene ese conflicto entre la razón y la pasión. Como Estado es un país latino limítrofe con África, y a su vez está dentro de la misma Unión Europea de Dinamarca o Austria. Además como pueblo es amable, pícaro, visceral y caótico. Para un trozo de la letra sintetizamos alguna idea del historiador Paul Preston de su libro “Un pueblo traicionado”. La verdad es que son cosas duras de contar, porque en España hay pensamientos diferentes que tienen que convivir, pero a veces hay que ponerle un poco de humor. Era como retratar que todo es España y que hay que vivir. Y tomárselo con humor, porque a España lo que le pasa es que no sabe reírse de sí misma.

—¿Cómo habéis mantenido esa buena actitud después de lo que hemos vivido?

Han sido tiempos muy raros para la música, sobre todo por el tema conciertos. Antes casi todos los fines de semana salíamos por ahí a tocar. Y eso que nosotros paramos la gira en enero de 2020, que es cuando

—TEXTO Alberto Bonilla tuvimos el último concierto. En aquel momento teníamos en mente tocar poco, pero al menos tocar algo en los meses sucesivos. Y eso fue lo que más nos afectó. También a la hora de componer juntos el nuevo disco, ya que llegó el confinamiento y no podíamos hacerlo en el local. Nos tuvimos que adaptar a la nueva situación. Nos pusimos con Ableton cada uno en su casa, y al menos, cuando nos juntamos en el local a los meses, ya había como una idea de lo que queríamos hacer.

—Además os llega el parón cuando quizás os estaba yendo mejor como banda.

Sí, la verdad. Justo daba la impresión que habíamos dado un salto como grupo. Recuerdo que llenamos la Joy Eslava, el concierto de Zaragoza que fue muy chulo... Y de repente veíamos que había una pequeña masa de gente que nos seguía. Sé que es un poco como le ha pasado a todo el mundo, pero igual para nosotros fue un golpe más gordo. Parecía que dabas un pasito y de repente vuelves para atrás.

—Pienso en grupos de vuestra discográfica como Carolina Durante que llevaban un ritmo de directos muy potente; en Mujeres, que justo publicaron disco… Les tuvo que sentar como un tiro.

Bueno, justamente a Mujeres diría que les ha ido bien. Al final Mujeres y nosotros empezamos casi a la vez y hemos estado en situaciones similares. Y es cierto que de repente sacaron el disco en pleno confinamiento, pero creo que dieron un claro paso adelante. Que parecía que a priori no iba a ser así, pero al final les ha beneficiado. Al haber vivido un tiempo sin conciertos ha habido muchas ganas de música nueva. A nivel de vender discos, de que la gente escuche tus canciones… Ha habido y hay ganas de música, lo que pasa es que hace falta que haya más directos. Creo que hay bandas que con este tiempo sin conciertos han generado ganas de escuchar su música en directo. A Mujeres les ha ido muy bien y, es más, nos animan para que no nos preocupemos, que todo va a ir bien con la salida de este álbum.

—Da la impresión al escuchar el álbum que suena más directo, con menos referencias concretas, más universales… ¿Crees que es la obra más completa y accesible que habéis hecho?

Sí, además es algo totalmente intencionado. “El Mal” era un disco más oscuro, experimental, raro… Con este queríamos hacer un trabajo de canciones redondas. De hits, que creo que es lo mejor que sabemos hacer, en definitiva, buenos estribillos. Las letras queríamos que fuesen de libre interpretación para cada persona que las escuchase.

Lógicamente habla de cosas nuestras y nuestras emociones, pero nosotros no dejamos de ser como cualquier persona y queríamos de mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

al pop

alguna forma llegar a todo el mundo y a cada uno a su manera.

—Hablando de interpretaciones, ahora que está tan de moda lo de vivir sin encontrarte a tu ex, vais y hacéis una canción (“Regresando a la ciudad”) que habla sobre eso mismo…

Bueno, lo de encontrarte a tu ex es cierto. Yo también tengo esa sensación y a veces cruzo los dedos para que no ocurra. Parece que estoy comprando el discurso [risas]. Es una canción que habla de algo que le pasa a todo el mundo. En este caso habla de encontrarte con un ex por el que todavía sientes algo. Esos ex con los que piensas, igual hay algo, igual volvemos. No habla precisamente de los ex que no te quieres encontrar…

—Ahí decís que “Vota al PP todo el vecindario”. ¿Pongamos que hablo de Madrid?

No exactamente. Al final hablamos de un chico que vuelve a la ciudad en la que vivía con su chica. Vuelve al barrio por el que han paseado juntos y ella ya no vive ahí. Va a su nuevo barrio y la letra sirve para definir que ella está fuera de todo lo que fueron, en un barrio más pijo. Es solo una definición de escenarios.

En realidad hay muchos sitios de España en los que se vota al PP. Y ahora que lo pienso en Madrid ahora se vota mucho, sí.

—“Voy a salir de esta” me recuerda a Los Punsetes y a algunos temas de otros discos como “Algo real” o “Hay una luz”.

La melodía quizás sí recuerda a Los Punsetes. Y en cuanto a las referencias de nuestros anteriores trabajos siempre están ahí, pero jamás pensamos en canciones tipo lo que ya hemos hecho. Esta la escribí en el confinamiento y es totalmente mía. Estaba encerrada pasando un momento muy malo, pero no quería hacer canciones obvias contando lo que me pasaba sino que quería transmitir esa sensación de horror. Estoy en la mierda y voy a salir. Pues ahí está.

—En “No quiero cambiarte” decís “me gusta cómo eres, la fe que siempre tienes en el pop”. ¿Cuánta fe tenéis Kokoshca en el pop?

Toda. A veces está un poco denostado, sobre todo en España. Parece que no es lo suficientemente punk, pero creemos que el pop es muy punk.

—Ya son doce años en la carretera, ¿cómo resumirías vuestro camino?

Ha sido un recorrido muy divertido, prácticamente vital. A Iñaki y a mí nos ha marcado la vida desde que nos conocimos. Ha sido nuestro proyecto juntos, nuestro proyecto de vida. Ha habido momentos duros, claro… Al principio era más como una afición, pero se ha acabado convirtiendo en una forma de vida. Algo que ha dado sentido a nuestra manera de vivir. Prácticamente una ideología. —A.B.

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junio 2021 #33

ENTREVISTA

Luz en la oscurid Wolf Alice

Los británicos Wolf Alice han llegado muy dentro de sus fans. Lo han conseguido combinando rabia y sensibilidad, manipulando la emoción. Y, obviamente, su nuevo y esperado “Blue Weekend” (Dirty Hit/Music As Usual, 21) no iba a ser una excepción.

“Nos morimos de ganas de entrar a tocar a cualquier garito, oler a cerveza rancia y que todo el mundo se ponga a saltar a nuestro alrededor. Pero tío, eso aún está muy lejos”

#34 junio 2021

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S INCREÍBLE LA CAPACIDAD de conexión que tiene Wolf Alice con sus seguidores. Cuando “The Last Man On Earth” salió a la luz, como single de presentación de “Blue Weekend”, las redes sociales se llenaron de videos de fans llorando emocionados felicitándoles, dando las gracias al grupo por la canción y por seguir siendo capaces de regalarles temas con los que sentirse identificados. “Este nuevo disco está repleto también de subidas y bajadas emocionales como el anterior. No todo es oscuridad y tampoco todo es luz. Nos gusta siempre tener un poco de ambos mundos. Si todo fuera oscuridad, depresión y mentiras sería demasiado nauseabundo”, me comenta Ellie Rowsell sobre las nuevas canciones. El nuevo álbum de Wolf Alice tiene un poco esa energía de renacer tras la oscuridad, de dejar el pasado atrás, abrir las alas entre las cenizas, secar tus lágrimas y seguir hacia adelante. Hay mucha tristeza, pero también esperanza de un futuro mejor y hasta romanticismo. Un ejemplo de ello es ese salto folk que supone “Safe From Heartbreak (If You Never Fall In Love)” en mitad del disco y que no les habíamos escuchado hasta ahora. “Estaba con mi hermano escuchando ‘Hammond Song’ de The Roches sentados en una especie de hoguera. Dije: ‘Madre mía, ¿qué es esto? Me encanta esta canción’. Y pensé que necesitaba escribir una canción con un viaje vocal tan espectacular como este. Esa canción fue compuesta por tres hermanas generando unas armonías espectaculares y yo quería conseguir algo así. Estuvimos barajando varias versiones que sonaban muy bien con mayor peso del bajo, guitarra y percusión. Pero, terminamos despojando el tema de todo eso, y haciéndolo más acústico, porque al fin y al cabo parte de una inspiración mucho más folk”. O, por

—TEXTO Álex Jerez

ejemplo, esa maravillosa “No Hard Feelings” que incluye como referencia el “Love Is A Losing Game” de Amy Winehouse y esa imagen mítica en la bañera que todos tenemos en mente del videoclip de “You Know I’m No Good”. “Amy nos parece una artista realmente inspiradora. Ella era increíble”.

Este nuevo proyecto es una colección de las canciones favoritas que han compuesto los miembros del grupo de forma individual desde sus casas o que habían acumulado en la pasada gira. Al reunirse de nuevo para construir “Blue Weekend”, cada uno de ellos presentó su propio bloque de demos de las que han acabado saliendo los temas definitivos del álbum.

Joff Oddie (guitarra) explica que, a día de hoy, no saben hacer álbumes conceptuales, que se lo han planteado, pero que su línea de trabajo sigue siendo la de apostar simplemente por las canciones que verdaderamente les apasionan como es el caso de “Lipstick On The Glass”. Tema que formaba parte de las demos de Ellie y en la que la líder realiza un trabajo vocal espectacular. “Tengo un recuerdo muy lúcido del momento en el que estábamos escuchando la canción frente al ordenador, o lo que fuera. Y yo decía ‘vale, sí, mola, es una canción genial’. Y en cuanto entró el estribillo recuerdo levantarme de la silla de golpe y decir ‘¡Dios mío, es un temazo!’. Así que sí, comparto contigo que es una de mis canciones favoritas de este disco también. Recuerdo además que no fue un tema fácil de grabar. Hicimos muchas versiones hasta encontrar las bases definitivas de lo que es a día de hoy. Probamos todo tipo de instrumentación, tres juegos de batería, guitarra clásica…

Y jugamos con cosas que no habíamos tocado hasta ahora en nuestro repertorio. Creo que esta canción nos saca un poco de la comodidad a la que estábamos acostumbrados. Siento que es un tema en el que hemos arriesgado, definitivamente”, explica Joff.

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dad mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

junio 2021 #35

ENTREVISTA

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Tras el aplaudido “Visions Of A Life”, un disco que en 2018 les convirtió en el grupo más importante del Reino Unido al recibir el Mercury Prize, el grupo se ve expuesto a una enorme presión con “Blue Weekend” y las expectativas generadas. Aún así dicen que tienen la gran suerte de haber sorteado con éxito todas las locuras que llegan cuando te expones a los medios de comunicación. Que la gente no ha terminado entrometiéndose en sus vidas ni se han obsesionado por cosas fuera de lo que es su carrera músical. “Todo el mundo se ha portado de una forma increíble con nosotros. La verdadera presión con este disco en realidad está en que los cuatro tenemos unas expectativas muy marcadas con las nuevas canciones, hemos apostado mucho por ellas y esperamos que se haga justicia. Nos hemos dejado la piel para que sonaran lo mejor posible. Y, la verdad, creo que hemos conseguido lo que queríamos y que a la gente a la que les gustamos les gustará, porque a nosotros nos gusta”, cuenta Theo Ellis (bajista). Quien, a su vez, explica que tiene la sensación de estar viviendo como en una especie de doble vida, ya que asegura que a día de hoy, a pesar de formar parte de una banda como Wolf Alice, podría ir a comprar a cualquier tienda y nadie le reconocería.

“Lo bueno es que eso te permite quitarte la máscara, ponerte el pijama y desconectar. Pero que conste que con esto no quiero decir que no nos entreguemos a tope al rock and roll”, añade entre risas. Y es que la banda no ha tenido miedo alguno con este nuevo álbum a apostar todo a su caballito ganador y se han dejado la piel para que el grupo diera el salto que se merecía. En tiempos en los que está tan de moda el DIY, grabar y producir todo en casa. Ellos se han lanzado a grabar todo a lo grande e ir a un estudio muy al estilo de “la vieja escuela”. Aseguran que el principal motivo es que desde el principio querían que las canciones crecieran todo lo posible, evolucionaran y sonaran como nunca. Por esta misma razón, han contado también para la producción con una figura de primera línea como es Markus Dravs (Florence + The Machine, Arcade Fire). Aunque tienen muy claro que esto no les asegura para nada el llevarse un Grammy a casa. “No sé si seguiremos haciendo discos así. Pero, la verdad es que cuando tienes una banda te das cuenta de que una buena grabación necesita un gran espacio. La batería, todo el montaje, varios micrófonos, el equipo de sonido…

Todo necesita su lugar. Hay mucha gente que lo hace de una manera híbrida grabando parte del material en casa y usando el estudio para cosas más precisas.

Pero nosotros queríamos hacerlo a lo grande y que alcanzara la mayor calidad posible. Buscábamos un sonido perfecto, que todo estuviera muy pulido y cuidado”, comenta Theo. “Para ‘The Last Man On Earth’ recuerdo por ejemplo recorrer todas las habitaciones en busca del piano perfecto. Hasta que te das cuenta de que eso es imposible por mucho tiempo que lleves en la industria”, apunta Joel entre risas.

#36 junio 2021

“Amy Winehouse nos parece una artista realmente inspiradora.

Ella era increíble”

Feminismo y redes sociales Wolf Alice han tenido la suerte de poder evolucionar en un mercado lleno de obstáculos, de tener el aplauso de todos y de poder escapar de una industria que sigue estando cargada de desigualdades e injusticias. Y mucho más si la líder de tu banda es una mujer. “Creo que se habla mucho de luchar por la igualdad y por una representación justa de la mujer en la industria musical. Pero, sinceramente, aún no hemos visto resultados de todas esas conversaciones. Solo tienes que mirar las listas de nombres de muchos festivales que se celebran, por ejemplo, aquí en el Reino Unido. Hay un enorme desequilibrio con respecto a la cantidad de grupos masculinos que se contratan frente a los femeninos. E igual pasa con todo el personal que trabaja con esos artistas. Así que, la verdad, creo que es innegable que se podría trabajar mucho más para intentar equilibrar la balanza. Al menos es lo que yo pienso. Es un tema muy complicado de tratar y a la vez muy interesante”.

Con temas como “Smile”, Wolf Alice lanza un mensaje con este disco a todas esas críticas vacías en las redes sociales y todos esos juicios de valor sin fundamento. Cómo alguien puede llegar a hablar de ti sin saber ni siquiera quién eres. Y también es una crítica a los medios de comunicación, a la imposición de determinadas ideas y a las noticias falsas que llenan de basura muchos de ellos. “Bueno, yo creo que al fin y al cabo las redes sociales han permitido que la gente pueda defenderse de opiniones que no les representan o son falsas. Les han dado poder”, explica Ellie. “Sí, han conseguido que se genere debate y que no nos centremos en que la única opinión válida es la que nos dicen los medios de comunicación. Es increíble cómo han acabado con todo eso y creo que aún nos queda mucho por ver. Y sí, es muy difícil protegerse emocionalmente de las opiniones de las redes a día de hoy. Y más cuando hay personas que están veinticuatro horas al día comentando sin parar. Es difícil lograr separar todo y que no te afecte en el mundo real”, añade Theo.

El lanzamiento de “Blue Weekend” coincide con el fin cada vez más cerca de las restricciones por la pandemia. Con la esperada llegada de nuevas medidas que nos hagan recuperar cada vez más la libertad que desapareció con el 2020. Y eso incluye, por supuesto, poder vivir los conciertos en las mismas condiciones que lo hacíamos en el pasado. He podido ver a Wolf Alice cuatro veces en directo y no me imagino la energía de sus conciertos agarrado a una silla blanca de plástico y sin poder levantarme. Creo que ellos tampoco, la verdad. “Nos morimos de ganas de entrar a tocar a cualquier garito, oler a cerveza rancia y que todo el mundo se ponga a saltar a nuestro alrededor. Pero tío, eso aún está muy lejos. Hasta principios del año que viene nada. Eso sí, seguro que va a ser muy emocionante”, explica Theo. Como novedad, les veremos encima de las tablas con muchos más músicos a su alrededor, parece ser que la grabación de “Blue Weekend” les ha mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

llevado a abrir su universo a artistas ajenos al grupo y se lo han pasado bien haciéndolo. Esto claramente significa dar un salto en la puesta en escena del grupo y apostar por un tour mucho más ambicioso que no nos pensamos perder. “Le hemos pillado el gusto a tocar con más músicos en el escenario. Vamos a tocar con muchas cuerdas y sí se podría decir que nos inspiramos en Arcade Fire [risas]”, explica Ellie.

Una vez pasada la frontera de “Visions Of A Life” y la consolidación de la banda. “Blue Weekend” supone el regreso por todo lo alto de Wolf Alice y una clara declaración de intereses por parte del grupo de llegar a un público más masivo, romper todo tipo de limitaciones del pasado e ir a por todas. Y, lo mejor de todo esto es que lo han conseguido sin generar ni una sola arista en la identidad del grupo y en la sólida imagen que desde el principio han proyectado. Su tercer álbum es una clara apuesta por un sonido mucho más pulido, perfeccionista, por hacer todo a lo grande y ver hasta dónde son capaces de llegar sus canciones. Pero siguen teniendo muy claro lo que les define como grupo y eso les hace aún mejores. “Hemos pasado por muchas fases con este material y nos hemos dejado la piel para que sonara poderoso y lo mejor posible. Pero, bueno, está claro que cuando todo el mundo empiece a hablar del disco en redes nos afectará también. Es inevitable”. —A.J.

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CRÍTICANDO Blue Weekend

Dirty Hit/Music As Usual Rock 8/10

SI TUVIERA QUE DEFINIR de algún modo la música de Wolf Alice, diría que es consistente. El grupo londinense sabe cómo confeccionar canciones que prácticamente se pueden tocar o masticar.

Por la tangibilidad y robustez que les proporciona su sonido, sus melodías y sus instrumentos. Mezclando constantemente lo sucio con lo limpio; a veces desdibujando la voz y haciéndola fantasmagórica entre guitarras y baterías altas, otras desnudando la estructura de una balada a piano al más puro estilo clásico. Pero siempre defendiendo toda su obra a capa y espada, transmitiendo una confianza y una presencia que solo son propias de unos pocos afortunados.

Todo eso está en este “Blue Weekend”, el

nuevo disco de Wolf Alice que llega cuatro años después del fantástico “Visions Of A Life”, el cual les dio el merecido Mercury Prize en 2018.

Quienes hemos visto a Wolf Alice en directo sabemos qué tipo de público mueven y qué show ofrecen. Una propuesta, por supuesto, punkarra, pero a su manera. Con momentos más o menos soft o introspectivos, en los que la voz de Ellie Rowsell es la protagonista de la fiesta, pero sin resultar demasiado cursis. Porque, cuando menos te lo esperas, de repente has perdido a todos tus amigos entre la pista, tu pelo está empapado de cerveza y tus pies no están tocando el suelo. Sí, los pogos eran algo que existía antes de que todo esto pasara (y volverán, tranquilos). Y esa energía pasional e hiperactiva es la que desprende este nuevo disco, en el que te puedes encontrar temas más agresivos (“Play The Greatest Hits”, “Smile”), pero también atmosféricos (“The Beach”) e incluso dulces (“No Hard Feelings”, “Safe From Heartbreak”, “How Can I Make It OK?”). —ÁLVARO TEJADA

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junio 2021 #37

MONDO FREAKO

La banda londinense regresa con “Cavalcade” (Rough Trade/Popstock!, 21), otro artefacto inclasificable en el que centrifugan rock progresivo caótico, free jazz, folk psicodélico y post-punk asilvestrado, en una propuesta que mantiene intacto su raro magnetismo abriéndose a nuevas direcciones.

—TEXTO JC Peña

M

ORGAN SIMPSON es el heroico batería del por el momento trío londinense (el guitarrista Matt Kwasniewski-Kelvin decidió dejarlo temporalmente para recuperarse de un problema mental). Nos atiende vía telemática para hablar de un álbum diferente a su celebrado primer disco, pero que no se deja por el camino un ápice de su volcánica energía primaria ni sus excentricidades.

—Habéis dicho que las canciones de este disco son menos improvisadas que las de “Schlagenheim”. Hay instrumentos acústicos, percusión…

Me pregunto si la idea era alejaros lo que pudierais de vuestro debut.

Sin duda. Desde que empezamos, una de las cosas que nos propusimos fue intentar hacer álbumes muy distintos. Discos en los que se viera una progresión. Creo que, en “Schlagenheim”, la propia naturaleza del material implicaba que no teníamos mucho margen para meter diferentes sonidos y sonoridades, porque tenía un tono muy particular y un sentimiento muy concreto. El material de “Cavalcade” nos pedía el uso de más colores, tonalidades y texturas. Por eso hemos utilizado muchos más instrumentos, porque tenía sentido. En mi opinión, es el material lo que debe influir en las decisiones, no al revés.

—Aunque es bastante corto, es todo un viaje: cada canción es prácticamente un mundo y, –según he leído–, se refiere a un personaje. Por ejemplo, el contraste entre “John L” y “Marlene Dietrich” es una locura. ¿Esto también fue una decisión premeditada?

Pues creo que no. Todo el tema de los personajes se hizo sobre la marcha, según nos dábamos cuenta de que era el hilo conductor. No fue algo consciente, como quizá se podría pensar. Más bien es que siempre nos ha gustado la idea de explorar conceptos de otro mundo, hacer que la gente se evada. La música es, en gran medida, una forma de escapismo. Desarrollar personajes es una manera de hacerlo. Por supuesto, no quiero hablar por Geordie (Greep) y Cameron (Picton), que son quienes escribieron las letras, pero creo que como grupo creemos en esta idea de nuestra música como forma de evasión.

—¿Por qué lo grabasteis en Irlanda? ¿Queríais alejaros de vuestro entorno habitual con el que estáis familiarizados?

La razón principal fue que John Murphy, el productor, tiene allí el estudio.

En tiempos normales supongo que habría tenido más sentido que él se hubiera venido con nosotros a Londres, pero después de estar seis meses encerrados en Londres nos apetecía salir y estar en un espacio comple#38 junio 2021

Escap mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“Queríamos poner de nes acuerdo las grabacio Frank de jazz con el caos de Zappa” tamente distinto. Creo que esto afectó en cierta medida al proceso de grabación, porque si hubiéramos grabado en una calle concurrida de Londres, con el mismo equipo, naturalmente eso afecta lo que sale. Estábamos en Dublín a pocos minutos en coche del centro, con mucho campo…tuvo todo el sentido del mundo y estuvimos muy a gusto.

—Me encanta el sonido tan natural y delicado que tiene. ¿Cuáles son vuestras referencias en cuanto al sonido, qué os interesa? ¡Buena pregunta! Una de las ideas que más usamos para describir a dónde íbamos fue referirnos a las grabaciones de jazz de alta fidelidad que se hacían en una única sala, mezcladas con el caos de Frank Zappa. Nos parecía que poner de acuerdo estos dos mundos tenía sentido, porque siempre ha parecido que tienes que elegir entre una de las dos cosas, en lugar de conciliarlas. Parece que no hay muchos matices entre medias.

Pero a nosotros nos intrigaba la idea de explorar esta idea. Si nos encantan las grabaciones de Keith Jarrett, que son increíbles, pero también Frank Zappa, tenía sentido intentarlo. Esos fueron los puntos de referencia.

—¿De qué modo ha influido que lo grabarais en trío junto a dos músicos con los que habéis tocado en directo (el saxofonista Kaidi Akinnibi y el teclista Seth Evans)?

Correcto. Ellos habían girado un poco con nosotros, son muy buenos amigos, y se involucraron en el disco. Son músicos e intérpretes increíbles. Y muy buena gente. Tenía mucho sentido porque una parte del material que acabó en el disco lo tocamos con ellos en una gira por el Reino Unido en febrero del año pasado, así que estaban familiarizados con las partes e hicieron sus cosas. Salió de forma natural pero, por supuesto, fue un proceso diferente al que nos tuvimos que adaptar. No diría que hubo diferencias marcadas y drásticas, pero por fuerza tenía que ser distinto.

—Hablando de diferencias, yo diría que es un álbum más dramático que el anterior. ¿Estás de acuerdo? ¿Tiene esto que ver con el título “Cavalcade” (“cabalgata”)? ¡Sí! Yo creo que la idea del drama en la música es mucho más prevalente de lo que solemos pensar. Sólo que la gente no se da cuenta. En la entrevista de antes dije que, para mí, “What’s Going On?” de Marvin Gaye es un disco tan dramático como el nuestro, pero de un modo completamente distinto. Lo mismo pasa con “Bohemian Rhapsody” de Queen. Las canciones buenas tienen mucho drama, pero ese drama sale de maneras diferentes. Es algo de lo que siempre hemos sido fans y siempre nos ha intrigado. Y, de nuevo, el material nos permitía ir a aspectos más efectistas. El drama es lo que hace que nos emocionemos.

—La cosa es que hacéis música muy vanguardista, pero también juguetona y con sentido del humor. ¿Cuál es el mejor modo de disfrutar de este álbum?

Hay que darle tiempo y espacio. Creo que, a diferencia de “Schlagenheim”, éste es un disco que se puede escuchar independientemente del humor que tengas. Para oír “Schlagenheim” tenías que estar en un determinado espacio, porque es muy intenso y tiene una energía muy directa. Éste tiene un espectro más amplio. Mucha más gente puede disfrutarlo, por motivos diferentes.

—Os vi tocando en Madrid y lo cierto es que, como vi en la sala, sois músicos consumados. ¿Crees que en el indie no se le da suficiente importancia al dominio de un instrumento? En vuestro caso parece que os entendéis de un modo muy especial, casi telepático.

Mmm. Personalmente, creo que es fácil ir a uno de los extremos. El primero es: “Oh, vale. No necesitas tocar bien un instrumento, con que pilles una guitarra y la toques, ya está”. El otro extremo es: “Tienes que ser el mejor”. No creo en ninguno de ellos. Creo que hay muchos matices. Tocar bien te permite conseguir más cosas, pero no me parece que sea un fin en sí mismo. Porque hay muchísimos grupos en los que los intérpretes no eran técnicamente tan alucinantes, y su música es increíble. Grupos como The Doors o The Who no tienen músicos muy técnicos per se, pero es que no se trata de eso. La música es lo más importante. El sonido.

Cómo llegues a ese sonido no importa en realidad. —F.F.

pismo Black Midi mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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junio 2021 #39

41/Mondo Media

CINE Christina Rosenvinge no se pone límites.

Eso sí, siempre con respeto y trabajando duro. Después de publicar su primer libro, “Debut” (Penguin Random House, 19), Rosenvinge se estrena en el cine con “Karen” (dirigida por María Pérez Sanz y distribuida por Begin Again Films), su primer papel protagonista. Una versión más humana y cotidiana de los últimos días de Karen Blixen, la escritora danesa que aterrizó en el continente africano para iniciar una plantación de café y, más tarde, heredar una granja familiar.

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FOTO: GUSTAFF CHOOS

Christina Rosenvinge Otras memorias de África mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

N PRIMER LUGAR, enhorabuena por la película. Me parece que es un proyecto que nos ha sorprendido a todos por tu parte. ¿Cómo os conocéis María Pérez, la directora, y tú, y cómo surge esto?

María aparece en el camerino de Joy Eslava, en la presentación de “Un hombre Rubio”. Llega hasta mi casa, no sé con quién, y alguien me dice: “Esta chica es directora de cine, te quiere proponer algo”. Le dio mucha vergüenza pero me pidió el número de teléfono, y luego me dijo que quería que hiciera la música de su película, a lo que yo le dije que sí inmediatamente. De hecho, quedamos para hablar, me contó un poco lo que era y le dije: “No solamente te digo que sí, sino que tengo un tema que me acaba de salir al que no le he hecho letra todavía porque es una canción que tiene una melodía tipo años treinta y no sé muy bien qué hacer con ella”.

Fuimos a mi casa, se la toqué y dijo: “Es perfecta”. En ese momento, ella no me dice nada, pero días después volvemos a quedar y me dice: “Bueno, el otro día no te lo dije, pero en realidad quiero que hagas de Karen”.

Quedamos para hablar de ello y en un principio le dije que no. Estaba escribiendo un libro, de gira… No quería distraerme con otras cosas. Pero ella me contó el proyecto, me dio un tratamiento de guion y la verdad es que me enganchó porque me gustó mucho la idea de contar esta historia de una forma completamente distinta a la forma en la que estaba contada en la película que todos conocemos [“Memorias de África”, Sydney Pollack, 1985]. Desmitificándola y basándose más en las cartas que intercambiaba con su familia e incluso en el último relato que escribe, “Sombras en la hierba”.

Me gustó mucho la idea de hacer una especie de drama doméstico de algo que todos conocemos por una película épica. Más parecido a lo que debió ser.

—Hace unos meses me leí tu libro, “Debut”, y en las presentaciones del mismo decías que te había dado algo de vértigo meter la cabeza en el mundo más puramente literario o de narrativa, a pesar de que eres compositora de tus propias canciones desde hace muchos años. ¿Enfrentarte a un proyecto cinematográfico como “Karen” ha supuesto también esa sensación de vértigo?

No sé si vértigo es la palabra. Entras con mucho respeto porque, aunque lleves toda la vida leyendo y viendo películas, nunca me había puesto frente a una cámara con tanta exposición. Pero también hay una cosa buena respecto a hacer ahora estas dos cosas que no había hecho antes y es la falta de pudor. Hay algo de asumir junio 2021 #41

to “Nunca me había pues n co frente a una cámara ” tanta exposición el riesgo y confiar en tu criterio. Si sale mal, no pasa nada, volveré a hacer otra cosa. Tienes menos miedo a pegártela.

—Resulta muy original y fresca la visión de María Pérez en esta nueva adaptación de “Memorias de África” porque se tiene en cuenta por primera vez la visión individual de Karen, y sobre todo su relación con su criado, Farah. ¿Crees que vuestra Karen completa, empodera o humaniza más a la que ya hemos visto todos, encarnada por Meryl Streep?

Nuestra Karen es mucho más frágil. En el sentido de que ella está en África en una situación de dependencia respecto a Farah y a sus trabajadores. Porque si ellos deciden abandonarla, se muere de hambre prácticamente. También es una romántica, porque cree que puede contribuir a hacer de este mundo un lugar mejor. Ella piensa que en su granja puede crear un microcosmos. Está muy herida en el orgullo, porque ella reconoce que no solamente ha fracasado, sino también fallado a toda su familia, que ha invertido en un proyecto demencial que no ha salido bien.

—Y tú, Christina, ¿te has visto representada o identificada con Karen Blixen? Leí en alguna entrevista que, además, de raíces, teníais algún vínculo más en común, ¿no?

Hay muchas cosas en común. No me resulta extraño el tipo de familia del que ella viene. Se parece mucho a mi familia paterna y un poco a la materna. Conozco bien esa rigidez y esa conciencia de su significancia social. Conozco bien de dónde viene todo eso y de dónde está escapando. Porque ella está escapando de todo eso para ir a África a sentirse libre, y eso mismo es lo que hicieron mis padres cuando vinieron a España. También es una insensata, al igual que mis padres. O, no sé, quizá la sensatez esté ahí. Y conozco esa insensatez porque, de alguna forma, yo también cerré aquí mi casa y me fui con un bebé de seis meses a #42 junio 2021

Nueva York a vivir la aventura musical.

—Habiendo superado esta prueba, ¿crees que la música y el cine comparten algo en común a la hora de mentalizarse o prepararse para la acción? Es decir, ¿dirías que la sensación de ensayar para un concierto es parecida a la de leerse un guion y preparase para la escena?

Para mí, cantar no es muy distinto a actuar, por la parte performativa. Se utilizan los mismos músculos, tienes que saberte el texto al dedillo para luego olvidarla por completo y ser capaz de recrearlo en las situaciones más adversas.

Sea sin prueba de sonido o sea a las cinco de la mañana, después de un día largo de trabajo y teniendo seis tomas para clavar algo. En eso se parece muchísimo. En el tener que mantener la frescura en momentos en los que es lo último que tienes. Requiere de mucha capacidad de concentración. Por otro lado, para mí la escritura y la composición de canciones también son un poco lo mismo. No veo fronteras. Además, la película, por ejemplo, habla de una escritora, con lo cual todo forma parte un poco de lo mismo.

—Volviendo a hacer un paralelismo entre el cine y la música, ¿crees que un artista se desnuda igual sobre un escenario que un actor frente a la cámara?

Te desnudas más frente a una cámara. Una cámara realmente es una rotura de la intimidad bestial. Ves partes de tu piel, de tu cara, de tus expresiones que no eres consciente que tienes.

Y en ese sentido hace falta perder absolutamente el pudor y que te de igual cómo sales o cómo se te va a ver. La cuestión es llegar a lo genuino.

—Lo que sí es cierto es que, a pesar de que no hubieses participado como protagonista en una película hasta ahora, creo que tu proyecto artístico siempre ha estado muy ligado a lo visual. Recuerdo, por ejemplo, la performance que hiciste con “Romance de la Plata”, o tus videoclips. Incluso la puesta en escena de tus

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MONDO MEDIA

conciertos tiene ese toque teatral o dramatúrgico. ¿El cine ha influido en tu carrera?

Yo a los dieciséis estaba en un grupo punk, pero no pensaba que me fuera a dedicar a la música. Yo pensaba que me iba a dedicar a la escena. Me había preparado como bailarina, e incluso toda la parte de escenografía y texto me atraía mucho. Pero la música surgió después por una cuestión de mi entorno. En ese momento en Madrid era mucho más fácil hacer música que cualquier otra cosa. Era un momento de auge musical. Había muchas bandas, pero también había mucha gente dispuesta a ficharte. Era todo un ecosistema.

—¿Qué personajes o historias cinematográficas te han inspirado?

Hay una película alemana sobre Hannah Arendt (filósofa), dirigida por Margarethe von Trotta y protagonizada por Barbara Sukowa, que no fue muy celebrada en su momento, pero cuya interpretación es impresionante.

Cómo es capaz de decir esos textos sin pestañear, de una forma natural. La vi dos o tres veces pensando en que quería hacer algo parecido.

—Tengo que terminar esta entrevista preguntándote por tus próximos pasos musicales. Fui a verte charlar con Cristina, de El Columpio Asesino, en el festival Santas Pascuas de Tudela y me acuerdo que dijiste que, después de algo tan grande como ha sido esta pandemia, tiene que haber una reacción artística. Y que tú en concreto tenías tres reacciones o tres caminos. ¿Has elegido uno ya?

Ahora mismo me estoy volviendo loca, porque estoy trabajando en paralelo en dos de ellos y no sé cuál ocurrirá.

De momento, lo que sale dentro de poco es una canción que cierra la serie de Bob Pop, “Maricón perdido”. Bob me llamó y me pidió que hiciera una canción para la escena final de la serie. Era un encargo difícil porque parte de la canción está entrometida dentro de la secuencia y parte está en los créditos. No solo me gusta la serie sino también cómo escribe Bob. Saldrá dentro de poco.

—ÁLLVARO TEJADA

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CINE Y SERIES Oxígeno

El vecino

Alexandre Aja

Nacho Vigalondo

7

6

VISTA LA SEGUNDA temporada de “El vecino”, en Netflix, me pregunto si ha sido la serie o si he sido yo el que ha cambiado en el último año y medio. Cuando se estrenó la primera temporada me pareció una de las sorpresas más interesantes de la temporada y que, siendo española, debíamos cuidarla como oro en paño. “El vecino” salió de la primera temporada con la capa perfectamente atada y exhibiéndose por la parrilla de Netflix como un buen acercamiento a una comedia española a la altura de los tiempos. Del mismo modo, la segunda temporada consigue mantener el buen pulso humorístico cuando juega al absurdo y al tocar referencias cotidianas del público como el mindfulness o la corrupción política.

Mención de honor a la aparición de un Fran Perea metarrefrencial, uno de los mayores aciertos de la serie.

Sin embargo, la segunda temporada de “El vecino” quiere convertir una comedia basada en el absurdo en una comedia políticamente correcta. Intentan meter con calzador tantas frases e

ideas alineadas con lo que la mayoría pensamos haciéndolas pasar por revolucionarias que la serie pierde credibilidad también en lo cómico. El espectador rompe el pacto ficcional que hace con la serie ante tan poca sutileza. No es que las ideas no estén bien, es que la puesta en práctica no tiene sentido y no sirve, en ningún momento, para hacer avanzar la trama. En especial con la Policía del Karma. Ni el asalto a la tienda homófoba, ni el desmantelamiento de la plaza de toros, ni el romance de Julia influyen realmente en el resultado final. Esas ideas y la ficción se merecen, ambas, un intento mejor y más creíble de conjugación. Aún así, es una verdadera lástima que “El vecino” termine con esta segunda temporada. Se merecía una tercera ronda sin lugar a dudas. La sorpresa final es un vuelco interesante para la serie. “El vecino” se merecía más respaldo por parte de una plataforma que se equivocaría si dejara de apostar por el contenido menos convencional.

—LUIS M. MAÍNEZ

TENÍA LAS EXPECTATIVAS altas cuando me senté a ver la nueva película de Alexandre Aja y, a los pocos minutos, casi habían desaparecido. Cuando pasa eso, uno casi espera que la cosa vaya a peor para poder escribir una reseña dura e irónica. Hubiera mencionado el pastiche entre “Buried” de Rodrigo Cortés y el aluvión de películas de ciencia ficción inquietante que hemos visto en los últimos años, tipo “Ex-Machina”. Hubiera mencionado que quizá ya estamos un poco curados de espanto con lo de hablar con inteligencias artificiales para salvar la vida, sobre todo cuando hay quien habla con Alexa hasta para hacerse un filete con patatas. Hubiera mencionado lo que sucede demasiado a menudo con este tipo de filmes: que una situación supuestamente angustiosa carece de los resortes narrativos para emocionar al espectador…. Un montón de cosas que se quedaron en el tintero porque “Oxígeno” crece conforme pasan los minutos. Sigue pecando de frialdad, pero engancha y mucho. Juega a emocionar pero la clave no está ahí y la propia pelí-

First Cow

Shorta. El peso de la ley

Kelly Reichardt

Frederik Louis Hviid y Anders Ølholm

9

7

UN PASILLO EN PENUMBRA, unos gritos y el cuello de un joven negro presionado por un brazo policial. Balbucea: “No puedo respirar”. Las mismas últimas palabras que pronunció George Floyd antes de morir por la acción desmesurada de los agentes que lo detuvieron en mayo del año pasado en Minneapolis. Así empieza “Shorta. El peso de la ley”, debut en el largometraje de sus directores, en lo que, a priori, se podría interpretar como una declaración de intenciones oportunista de un film cuyo título significa “policía” en árabe. Sin embargo, la película, que se acabó de rodar siete meses antes del deceso de Floyd, está inspirada en un suceso ocurrido en Dinamarca en 1992 con un joven activista de izquierdas agredido por tres policías. Una alarmante coincidencia.

Este marco fuertemente vinculado con la realidad, en cambio, se desarrolla en la película en el ghetto ficticio danés de Svalegarden, un hervidero de tumultos a raíz del hecho con el que se inicia la cinta y en el que se encuentra la pareja de policías protagonista, ambos blancos.

Aquí el film despliega una doble tensión, la exterior, llevada con eficacia y ritmo siguiendo planteamientos habituales en películas de género de supervivencia en territorio hostil, y otra de cariz interno, la relación entre los dos hombres; uno, violento, racista y de mente, a priori, unidireccional y el otro, templado y con más pliegues. En esa segunda vertiente es donde la película es más rica y desarrolla arcos de transformación creíbles de los policías hasta un giro final tan sorprendente como convincente. No obstante, aunque el guion muestra también habilidad en hacer converger los dos conflictos, en ocasiones aisladas fuerza la máquina con decisiones argumentales que demandan la indulgencia del espectador. Esa voluntad de escarbar y remover las profundidades de los protagonistas se extiende a la mirada sobre el paisaje multicultural de la sociedad danesa actual ejemplificada en Svalegarden, un tratamiento que, con pocas pinceladas, huye de maniqueísmos y muestra la complejidad de la situación.

—J. PICATOSTE VERDEJO

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cula acaba solventando el error. El desarrollo del personaje es muy interesante y es lo que la diferencia de otras películas del mismo estilo. Liz se encuentra ante una situación desasosegante cuando descubre que está encerrada con apenas hora y media de oxígeno pero más desasosegante es que no se acuerda de quién es.

Solo unos vagos recuerdos que se suceden sin coherencia.

En el descubrimiento de la identidad de Liz está una de las claves de la película. Es realista y, aunque se sienta tentada de tirar del (ya) cliché nolaniano del amor como arnés a la vida en tramas de ciencia ficción, no se queda solo en eso.

En “Oxígeno” hay una narrativa muy bien construida de superación gracias a la inteligencia y el coraje, algo que agradezco muchísimo como espectador. Aja consigue una película notable que aporta una visión responsable y empoderadora del ser humano como individuo frente a las adversidades, y que plantea de refilón cuestiones interesantísimas a nivel moral y científico. —LUIS M. MAÍNEZ

“FIRST COW” es la deconstrucción perfecta del paradigma del western clásico justamente porque no necesita referenciarlo para dinamitarlo. Para Reichardt caer en lo performativo, en lo paródico o en lo épico sería aceptar la dependencia que los relatos contemporáneos tienen de los clásicos incluso cuando se quieren señalar los pecados de estos primeros. Es tan reconfortante esta bofetada que la cineasta propina a la tóxica noción de la masculinidad que el género ha dibujado, en menor o mayor medida, a lo largo de su trayectoria como género que prácticamente nos la hace imperceptible. Es decir, es un western que trasciende su propia condición de western. Lo realmente novedoso es cómo Reichardt encapsula esas pinceladas arquetípicas en un espacio sistemáticamente obviado por el western y reservado para sus epílogos, básicamente porque su ausencia es un requerimiento esencial para la existencia de esos tan venerados relatos: el hogar. La directora y guionista pronuncia aquí un antónimo, articulando su historia a partir de esa falta de épica que no parecía tener que

interesarnos. El ejercicio de “First Cow” consiste en poner en primer plano lo que suele estar en segundo y en segundo lo que suele estar en el primero. Quedan en fuera de campo el antropocentrismo falocéntrico antiguamente predominante y se abre paso un costumbrista retrato de una historia que parece no haber existido por el siemple hecho de no haber sido contada anteriormente. El espacio mítico se convierte ahora en co-protagonista de una historia que reivindica la sencillez y pasividad con la que la naturaleza proclama su belleza. El paisaje se despliega en “First Cow” de una forma tan poco abusiva como absolutamente omnipresente, al igual que lo hace la precisa dirección de Reichardt, permitiendo estructurar sobre sí misma hiperbatones visuales con la sutileza de quien recoge setas en un bosque o hace un suave paneo de cámara. La naturaleza es, por lo tanto, como esa vaca que participa en la acción pero solamente observa esperando a que la historia se escriba como si no fuera consciente de que es ella quien en realidad la está escribiendo. —DANIEL GRANDES junio 2021 #43

LIBROS

CÓMICS Edita Sister Sonic, S.L.

Pet Shop Boys, literalmente

Chris Heath Contra

9 Que Chris Heath es uno de los periodistas que más petróleo ha extraído del subconsciente de las estrellas pop british ochenteras quedó más que certificado en su brillante carrera en Smash Hits, revista en la que trabajaba Neil Tennant, antes de embarcarse en su aventura con Pet Shop Boys.

Tennant ya conocía personalmente a Heath, a quien involucró como periodista oficial de la primera gira del grupo. Todo un espectáculo sobre las tablas, que arrancó en verano de 1989, documentado aquí con todas sus luces y sombras, mediante uno de los trabajos más brillantes que se han realizado jamás acerca de lo que esconde el trasfondo del telón. En este caso, representado por medio de un fascinante recorrido personal de entrevistas, armado en forma documental, que nos lleva hasta las tripas de un icono pop como Pet Shop Boys. . —MARCOS GENDRE

Bartleby, el escribiente José Luis Munuera Astiberri

7

8

Nadie se va a sorprender al leer que “Bartleby, el escribiente”, el relato de Herman Melville, es una de esas obras maestras que supera el paso del tiempo. Una obra publicada originalmente en 1853 y que sigue haciéndonos pensar sobre la forma en la que nos enfrentamos a la vida. Ahora llega la adaptación de José Luis Munuera, que se intuye desde un primer momento fruto de una adoración del dibujante por la obra del escritor de “Moby Dick”. Y no es para menos, así que ahí no hay pero que valga. Quizás le podríamos haber pedido el haberse distanciado algo más del texto, pero ni siquiera eso es necesario. Munuera tira de oficio y redondea un cómic visualmente atractivo y que mantiene las claves de su referente.

Sus dibujos y su colorido captan a la perfección la melancolía y la desesperanza de la existencia de Bartleby. —ESTHER RIUS

Se estrena en España la primera novela gráfica larga del dibujante de Kentucky Ben Sears, músico, ilustrador y diseñador en la serie de animación filosófica de Pendleton Ward, “The Midnight Gospel”. Sears ha hecho diseño de portadas de discos, pero también ha publicado cómics para Image, Boom y Koyama Press como historias sueltas para el cómic de “Hora de aventuras”, “Dead Dudes” o “Double + Adventures”. Éste es un cómic creado para un público joven, pero que sorprenderá a cualquier fan del noveno arte. Un prodigio visual con una arquitectura narrativa asombrosa en un excitante tricolor de amarillo, blanco y negro. Sears llena las construcciones que rodean el fondo de las aventuras nocturnas de Chico Sombra con un mimo detallista que parece Frank Quitely o Geoff Darrow dibujando “Hora de aventuras”. —MANU GONZÁLEZ La mujer del retrato

Mónica Rodríguez y Teresa Novoa Nórdica

Temporada de Melocotones Alba Flores y Ángel Abellán Andana Editorial

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Apabulla. Impresiona. Aturulla.

El conocimiento que Julian Cope demuestra en este libro sobre la escena rock japonesa tras la Segunda Guerra Mundial es tan impresionante que deja sin aliento. Este “Japrocksampler” prolonga el método ya empleado en su anterior “Krautrocksampler” (95), pero enfocado a todo lo que se cocía en Japón entre finales de los cincuenta y mitad de los años setenta, sobre todo en su escena menos adocenada y comercial.

Su gran mérito es no solo la erudición, la fidelidad a su criterio y el ácido sentido del humor que destila, sino también una capacidad de contextualización social encomiable. Por el camino desfilan los pioneros de su música experimental, la era de los convencionales group sounds, o los delirios de los grupos progresivos. Un ensayo magistral.

Lo mejor de este cómic es la historia, en la que seguimos a tres mujeres cuyos caminos se entrelazan, y vemos cómo, a pesar de que no tienen nada en común, se establecen los vínculos afectivos entre ellas. Lo bonito es que acaban siendo una found family, como una manada de lobos, cada una única e independiente, pero formando parte de algo más grande. Y las conocemos gracias a unos dibujos poco detallistas, pero singulares. Podría decirse, sin embargo, que ese es uno de los problemas de la obra. Tanta sencillez, en la ilustración y la narración, hacen de ella algo poco memorable. El retrato costumbrista y la profundidad que aquí se esconden quedan deslucidas, quizá por el formato, y la simpleza de los bocetos dificulta distinguir algunos personajes. Aún así, es como un abrazo reconfortante.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

—JUDIT MONFERRER BARRIONUEVO

#44 junio 2021

Ben Sears La Cúpula

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Japrocksampler.

Cómo el rock le voló la cabeza al Japón de posguerra Julian Cope Contra

Chico Sombra

7 Nunca es tarde para enmendar errores y para devolver a las grandes mujeres que ha tenido este país el protagonismo que la historia ha pretendido restarles. Y este cómic, subtitulado “Concepción Arenal. Vida de una niña pelirroja”, suma bastante, en la medida en que una novela gráfica puede hacerlo, a que prestemos atención a la figura de una de las pensadoras y escritoras más importantes del XIX español. Teresa Novoa da forma a una biografía ficcionada de su tatarabuela con la ayuda de la escritora Mónica Rodríguez y le brindan a Manuela Carmena –en parte motor del proyecto– encargarse del prólogo. Y si hay ficción –basada en documentos e información familiar, eso sí– es porque “La mujer del retrato” pretende sumergirnos en la infancia y la juventud de Arenal. —ESTHER RIUS

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