MondoSonoro mayo 2022

Nº 306 Mayo 2022 www.mondosonoro.com

Arcade Fire Nosotros FONTAINES D.C., REX ORANGE COUNTY, CIUDAD JARA, ANTÒNIA FONT, CERAMIC ANIMAL, CARPENTER BRUT, WHITE LIES

RECINTO FERIAL DE IFEMA MADRID

1 9 - 2 1 M AY O | 2 0 2 2

JUEVES 19

SEN SENRA RIGOBERTA BANDINI ALIZZZ CUPIDO CARIÑO ROJUU PUTOCHINOMARICÓN JIMENA AMARILLO TRASHI CONFETI DE ODIO SUEDE SLOWDIVE KEVIN MORBY ROLLING BLACKOUTS COASTAL FEVER CAROLINA DURANTE GOAT GIRL VVV [Trippin’you] BIZNAGA THE HAUNTED YOUTH YAWNERS SÁBADO 21

JUNGLE JARV IS… KINGS OF CONVENIENCE SHAME CONFIDENCE MAN THE MARÍAS CAMELLOS LAS LIGAS MENORES LE BOOM LA PLATA KOKOSHCA

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Fontaines D.C. La maldición del ciervo Los de Dublín tienen nuevo disco. En “Skinty Fia” (Partisan/[PIAS], 22) consolidan un crecimiento y una madurez que no pueden ser casuales, devorando influencias y explorando territorios inéditos con naturalidad, a la vez que abrazando sus raíces.

U

N ABISMO SEPARA algunos de los cortes más directos de “Dogrel” (19) de los momentos más radicales del tercer álbum de la banda, este “Skinty Fia”. Y aún así, su propuesta sigue siendo coherente y está perfectamente hilvanada por la intensidad del trabajo del quinteto, las letras espléndidas de Grian Chatten y la vocación explícita de recuperar la esencia de lo irlandés, en tiempos de uniformidad en los que más bien se tiende a renegar de las propias raíces.

También hay referencias cultas: del escritor Nabokov a “Roman Holiday”. ¿Alusión a la película romántica de Audrey Hepburn y Gregory Peck? Se llama personalidad, carácter. Tras algunos problemas técnicos, logramos conectar con Carlos O’Connell, guitarrista nacido en Madrid de una banda especial que por fin tocó en España hace

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unas semanas y mostró un repertorio más amplio y complejo.

—Tengo que empezar destacando vues-

tra productividad. La cuestión es si estáis constantemente haciendo canciones, o más bien ha sido la situación de no poder tocar lo que os ha llevado a sacar tres discos tan seguidos.

Yo creo que si quieres, realmente puedes componer un disco en una semana. Si quieres. Que vaya a ser bueno o no, no sé. Al final, escribir cualquier cosa es básicamente tomar decisiones: esto sí, esto no. Y en eso no hay tanto tiempo que perder. Somos gente un poco ansiosa: siempre tenemos que tener algo delante. Eso es lo que ha pasado. Pero sí que es verdad que ahora, desde que acabamos el último disco, que grabamos el año pasado, no hemos estado trabajando en nada nuevo con el grupo porque hay mucho amontonado detrás.

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“

“Desde el principio este grupo ha explorado la identidad irlandesa”

3

—Tengo la impresión de que no tenéis

miedo a ir cada vez más lejos respecto a las canciones más inmediatas del primer disco. ¿De dónde sale esta necesidad?

Es una curiosidad normal. Creo que es natural. Empezamos como un grupo de canciones muy inmediatas y directas. Pero eso tenía sentido porque éramos, uno, muy jóvenes y dos, no teníamos mucho equipo.

Estábamos tocando con guitarras y batería, un equipo de voces de mierda y ya está. Al final, compones con lo que tienes, ¿no? De entrada, somos cinco tíos metidos en un local de ensayo enano, alguno cuenta hasta cuatro y ¡bang!, suena enorme. Porque está hecho para que suene enorme con sólo esos elementos. Luego, de repente estás tocando en directo y tienes más espacio. Yo lo que he encontrado musicalmente es que el impacto está en el espacio que dejas. No necesariamente en hacer todo a la vez. Ese espacio no se puede apreciar en un local de ensayo pequeño.

—Es un disco complejo y, por momen-

tos, oscuro. Son canciones mayormente lentas que incluso tienen progresiones, como “Bloomsday”. “The Couple Across The Way” es sólo voz y acordeón. ¿Es un álbum más pensado para oír entero?

No está concebido de manera conceptual.

Lo que pasa es que nosotros, cuando componemos un disco, escribimos treinta canciones y de ellas sacamos un hilo. Fue lo que pasó con estas diez que escogimos. Y está organizado para que se pueda apreciar que tiene ese hilo. La canción que viene antes, intenta presentar la siguiente. Pero no lo pensamos como disco de principio a fin. En cuanto a singles, yo creo que igual no son tan tradicionales, pero a mí me parece que “Jackie Down The Line” es una de las mejores canciones que hemos hecho nunca.

Es un single tochísimo. Y hay otras: “Skinty Fia” fue otra canción muy emocionante de hacer. Conseguir ese efecto de música como más industrial, estilo The Prodigy, pero haciéndolo directo, en una toma.

—¿Habéis vuelto a trabajar con Dan Ca-

rey como productor? Se ha convertido en un hombre muy solicitado.

Sí, desde el principio era con quien lo íbamos a hacer, y estaba al tanto de todo lo que estábamos haciendo, le mandábamos maquetas... Luego, decidimos ir a un estudio residencial cerca de Oxford más grande, porque queríamos un sonido más expansivo de lo que hubiéramos conseguido en su estudio. Pero lo hicimos muy parecido.

#8 mayo 2022

—En las letras y los títulos hay muchas referencias al “amor”. “The Couple Across The Way” parece una historia muy triste. ¿El amor es el tema central del disco, lo pensasteis así?

La verdad es que no. Esa canción la compuso Grian [Chatten], que también toca el acordeón. Por lo que sé de otras entrevistas que hemos hecho juntos, es literalmente sobre la pareja que vivía enfrente de su casa en Londres, que discutía mucho. En el edificio de al lado, por la ventana siempre veía a un señor asomarse al balcón súper enfadado y respirando profundamente: se intentaba relajar, y luego volvía a entrar para empezar a gritar otra vez con su mujer. Grian intentó escribir una historia desde el punto de vista de los dos: la pareja joven, enamorada, con todo por delante, y los que llevan juntos toda la vida y se pelean a diario sin saber por qué, atascados

CRITICANDO Skinty Fia

Partisan/[PIAS]

8 ROCK / Da un poco de vértigo ver a dónde

han llegado en menos de cuatro años. Se metieron en el bolsillo al público acercándose, con total honestidad y mucha inspiración, al punk asilvestrado de acordes abiertos que tantas glorias dio en su verde isla. Sin embargo, ya en “Dogrel” (19) plantaban las semillas de lo que desarrollaron majestuosamente en el sobresaliente “A Hero’s Death” (20): una inquietud indomable por explorar influencias sin mayor prejuicio que su carácter. Es la fuerte y apasionada personalidad de la banda, su claridad de ideas para negarse a caer en lo obvio, lo que les ha llevado a ser apreciados, con total razón, como una de las bandas más interesantes del panorama actual. Pues “Skinty Fia” les lleva aún más lejos. Siguen experimentado y renuncian a la velocidad, concentrándose en cortes densos y austeros como “Bloomsday”. Algunas de las canciones, como los singles “Jackie Down The Line” o la emocionante “I Love You”, están ya entre sus momentos más inspirados. —JC PEÑA

en ese momento de vida por cualquier motivo. Ellos mismos miran por la ventana y ven a la pareja joven que lo tiene todo por delante. Es como mirarse al espejo y que el espejo te mire a ti. La letra es increíble.

—“I Love You” me parece una de las mejo-

res canciones. Tiene un tono que me recuerda a The Cure. ¿Cómo la encarasteis?

Sois muy melómanos, y os gustan cosas muy diferentes. En el caso de este disco, ¿ha habido inspiraciones concretas de música más oscura o algo que hablarais concretamente?

Sí, el desarrollo del sonido del grupo también es el desarrollo de nuestro gusto.

Cuando éramos más jóvenes estaba el punk, después hemos descubierto un montón de música. Y todo eso acaba de alguna manera cayendo dentro de lo que hacemos.

En este disco creo que nos ha influenciado mucho Sinèad O’Connor y un grupo irlandés que se llama Whipping Boy. Una banda de los noventa que no llegó a tener éxito, pero era un grupazo. The Cure siempre nos han gustado mucho. Sí, hay música un poco más oscura, pero un poco de todo.

También hay un montón de influencias de drum’n’bass y electrónica. Queríamos pasárnoslo bien. En este disco las influencias son muy variadas. Muchísimo más que en los otros, eso seguro.

—Sin desmerecer el trabajo instrumental, creo que uno de los puntos fuertes que tenéis son las melodías de la voz principal y de los coros. ¿Trabajáis mucho en ello?

Sí, bastante. En cuanto a los coros, Grian tiene un oído increíble. Siempre encuentra un montón de melodías que complementan a la principal. Tiene mucho oído para esas contra-melodías. Lo que hacemos es componer la canción, hacemos los arreglos, y luego siempre añadimos los coros.

Son más herramientas que puedes usar.

En el segundo disco hablamos mucho de la influencia de The Beach Boys. Nos encantan por eso: eran capaces de hacer algo increíble con sus voces.

—Me gustaría que me contaras algo del

título. Es una expresión irlandesa que creo que tiene una historia interesante. ¿Es popular en Irlanda?

No es popular para nada. Salió de un familiar de Tom [Coll, batería]. Sus abuelos hablaban sólo irlandés. Y nos habló de esta expresión que tenía este familiar suyo, “Skinty Fia!”. No la habíamos oído. Probablemente es algo muy rural de aquella

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MONDO FREAKO

zona. Nos gustó mucho el sonido: las dos palabras suenan bien, se quedan. Y luego, el significado: es como decir “¡Me cago en todo!”. La traducción literal es algo así como “La maldición de los ciervos”. El irlandés tiene una profundidad enorme que se ha perdido mucho, porque está casi perdido. Nos pareció bastante curioso. Se te cae una copa de vino encima y dices: “¡La maldición de los ciervos!”. Es una expresión enorme para algo tan pequeño. Desde el principio este grupo ha sido como una exploración de la identidad irlandesa. ¿Qué es algo tan importante para toda la Humanidad? Pertenecer a algo. Con todo. Con la Historia que tiene Irlanda, cómo Reino Unido entró en Irlanda y destruyó la manera que tenía la gente de comunicarse…

es en irlandés. Pero de todos mis amigos, igual sólo hay cuatro que lo hablan fluido. No es tan normal. Hay una tendencia ahora a intentar traerlo de vuelta, es bastante bonito. Queríamos meter todo eso porque todo el disco se empezó a formar alrededor de la primera canción, “In ár gCroíthe go deo”. El título es también irlandés, significa: “Nuestros corazones para siempre”. Es una historia que pasó en Coventry, Inglaterra, hace un par de años.

Una familia quería inscribir esa frase en la tumba de su madre, que era irlandesa, y no les dejaron.

Decían que era provocador y como una incitación al terrorismo tener una frase en irlandés. Una discriminación total que sigue existiendo. Por eso nos importó tanto usar el título. —JC PEÑA

—¿Ya no se habla?

Se estudia en el colegio, pero a un nivel bastante básico. En algunas zonas se habla, y siempre hay un canal de televisión y una radio en las que todo

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Ciudad Jara Evolución sincera

ar, “Si no me vas a respet me e qu no hace falta ni que nos muestra en “Cantantes” o “Maldito escuches”

Esa aventura llamada Ciudad Jara nació casi junto a la pandemia y poco a poco se ha ido ganando su hueco en el panorama nacional.

Tras presentar “Donde nace el infarto” (20) en una gira marcada por las restricciones, ahora llegao “CINEMA” (El Último Pasillo, 22). Hablamos con Pablo Sánchez sobre el disco, la pandemia y lo que hemos aprendido.

A

que ver estas diez canciones con el resto de su discografía. “Tenía la necesidad de romper algunos cánones compositivos que he utilizado siempre. Quería intentar huir del concepto de ‘himno’ y ser más sincero en lo que la letra refleja”. Aunque dicho así suena fácil, cambiar tanto estos parámetros ha hecho que a Pablo le surjan muchas contradicciones. “Mientras lo componía me daba una sensación de satisfacción brutal, pero ahora estoy con miedo”.

Miedos que se suman a aquellos con los que los artistas tienen que convivir de base, como los

L OÍR POR PRIMERA VEZ “CINEMA” nos damos cuenta de que es un trabajo totalmente experimental en cuanto a lo sonoro y en el que las letras divagan entre la realidad y la fantasía.

De hecho, Pablo tiene claros los objetivos que quieren lograr con este álbum.

“Queremos expandir nuestro imaginario a nivel de concepto, imagen y música”. Unos fines que se ajustan a la realidad de la banda, ya que apenas llevan tres años en activo en los que han visto como se les cancelaban sus primeros conciertos por culpa de la pandemia…

Aunque esta les ha ayudado a dar forma a este trabajo. “Está compuesto desde lo más sincero. Es un álbum muy íntimo que refleja un momento vital muy concreto. El noventa por ciento está compuesto durante la pandemia”.

Mientras más avanzamos en el disco, más nos damos cuenta de que poco tienen mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

escritor”. “La gente de mi edad se ha criado con la sensación de no saber si lo que estábamos haciendo era un trabajo o un hobby”. Pero, lo que más nos impacta es que se planteó aparcar Ciudad Jara por culpa de la COVID-19. “Fue un golpe muy duro y, si hubiera dependido de mí, el proyecto no hubiera salido adelante. Por suerte no ha sido así porque tengo un equipo de gente detrás que tienen una motivación increíble”. Un equipo que ha conseguido que, a pesar de la corta trayectoria de Ciudad Jara, colaboren con toda clase de artistas, desde Rozalén hasta Delaporte, aunque él se queda con Juan de Amaral. “Con la mochila y los años que lleva detrás, estaba muy ilusionado. Fue lo que más me impresionó”.

ES INEVITABLE HABLAR con Pablo y no preguntarle por La Raíz y aunque haya abandonado las formas compositivas de aquella época, nos destaca algo que echa de menos de aquellos años más joviales.

“El desenfado si fallábamos en el escenario.

Ahora debemos tener un nivel de concentración mucho más alto”. Para poder ver dicha concentración deberíamos rogar todos a la pandemia –y a los rusos– que nos dejen disfrutar de la gira de “CINEMA” en la que “habrá un rato para que los músicos se luzcan” y podamos dejarnos la voz con estas nuevas canciones.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

R Más en www.mondosonoro.com

RONDA RÁPIDA Un artista nacional Sabina o Mecano Un disco para escuchar en el coche Un poco de todo, desde The Cranberries hasta Harry Styles Un disco que todo el mundo debería escuchar “Descanso dominical” de Mecano Una canción para llorar “Cantantes” de Ciudad Jara Una canción para bailar Alguna de Fatboy Slim Colaboración soñada Va por épocas, ahora mismo Sen Senra, Calamaro y Jorge Drexler Vuestra mejor canción “La canción del pensador” Un lugar para escuchar vuestra música En el coche, en un viaje largo Describe a Ciudad Jara en una palabra Calidad

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CARPENTER BRUT “

Metal y sintetizadores

“El álbum debía ser más maduro, oscuro y agresivo que el anterior”

La fiebre de las colaboraciones es algo que va más allá de lo más viral de Spotify. El sádico aunque colorista mundo de Franck Hueso, o Carpenter Brut para que nos entendamos, ha avanzado un capítulo más en su trilogía conceptual en “Leather Terror” (Virgin, 22), y con él un impresionante abanico de músicos invitados que van desde Converge a Ulver pasando por Sylvaine o Tribulation.

U

NO DE LOS ASPECTOS más notables de este nuevo álbum es la ausencia intencionada de guitarras, a pesar de que las líneas de sintetizador parecen emular el comportamiento de una guitarra eléctrica. “Para el directo mantendremos a Adrien [Grousset] a las guitarras, ya que eso siempre da más potencia y además seguiremos tocando canciones antiguas. Aún así es cierto que para este álbum quería limitarme a uti-

#12 mayo 2022

lizar sonidos de sintetizador que sonaran grandes, si bien es cierto que en Carpenter Brut siempre han habido pocas guitarras, a excepción del álbum ‘Leather Teeth’ (18). Mi objetivo era el de ver si era posible conseguir un sonido masivo sin guitarras.

La verdad es que fue un reto. Y bueno, al igual que había artistas como Queen que especificaban que no había sintetizadores en sus discos, ya que eran vistos como muy cursis entonces, quería hacer un álbum levemente metal sin guitarras [risas]”. La pregunta es, entonces, si este cambio tiene que ver con el storytelling de esta trilogía conceptual o hay algo más.

“Cuando salió ‘Leather Teeth’ introduje a varios personajes en la historia: el protagonista, Bret Halford, el geek de la química súper fan del glam rock y secretamente enamorado de Kendra, la animadora que, a la vez, estaba enamorada de Chip, el quarterback más popular del instituto. La historia iba sobre amor, glamour, recuerdos de adolescencia, celos, ira y traición. También sobre transformación, ya que al final de la historia Bret, que está desesperado por volver al equipo de fútbol americano que le humilló en una fiesta del instituto, hace una poción para controlarles que termina por desfigurarle. Ahí es cuando decide que un día se vengará, pero mientras se entrega en cuerpo y alma para convertirse

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ENTREVISTA

en una estrella del glam bajo el nombre de Leather Teeth. Necesitaba dar guía a todos esos sentimientos, por lo que el sonido debía ser en general más ligero y menos oscuro. En ‘Leather Terror’ han pasado ya cuatro años: Bret Halford se ha convertido en una estrella del rock obsesionada por la venganza. Por ello, el álbum debía ser más maduro, oscuro y agresivo que el anterior”.

SIGUIENDO CON EL CONCEPTO y el personaje, su evolución parece seguir un camino progresivamente más oscuro y marcado por la “sed de sangre”, abandonando así algo del sentido del humor habitual en Carpenter Brut. “Puedo asegurarte que mi narrativa no va a cambiar en lo más mínimo, sigue en la línea del más puro film slasher/revenge de los ochenta, con todos sus clichés y humor subyacente. Es cierto que este es el punto más oscuro de la historia de Bret, ya que se venga de todos aquellos que le humillaron en el instituto.

Creo que la tercera parte será una mezcla de ambas facetas: tan oscura como alegre.

También quería dejar de lado la estética de película de serie B y dar paso a una estética más personal”. Es de suponer, por tanto, que dentro de esta parodia sobre el cine de terror ochentero, habrá mucho del propio Hueso en el personaje. “Bret Halford, aka Leahter Teeth, es un cliché

de villano de película slasher tipo Jason [Voorhees] de ‘Viernes 13’ o Mike Myers de ‘Halloween’, salvo por el detalle de que es un chaval al que le encanta el glam rock y que se ha convertido en una estrella adicta a los psicotrópicos, lo cual le hace navegar entre su faceta de rockstar y la de las alucinaciones en las que se ve a sí mismo como un vengador implacable, siendo incapaz de distinguir qué es real y qué no.

Por supuesto, como en toda película del género que se haga respetar a sí misma, el malo muere al final, así que evidentemente no hay nada en común entre la historia de Bret y la mía, gracias a dios. Mi adolescencia fue bastante tranquila”.

PASEMOS AHORA a las colaboraciones del disco. Una de las más inquietantes e intensas es la de Greg Puciato de The Dillinger Escape Plan. “En general, cada vez que escribo una canción, sea o no instrumental, trato de que sea un hit. No me malinterpretes, mi objetivo no es hacer temas de radiofórmula, sólo trato de que mis canciones sean efectivas y fáciles de recordar, y añadir a un vocalista siempre ayuda a cumplir ese objetivo. La canción se compuso teniendo eso en mente, ya que no escribo de la misma forma si sé que habrá voz. Escribí una canción tipo Filter o Deftones, se la enseñé a Ben Koller [Con-

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verge, All Pigs Must Die, Killer Be Killed, Mutoid Man] y le pregunté si se le ocurría a alguien que pudiese cantar en él, por pura curiosidad. En realidad yo ya sabía que Ben y él tocaban juntos en Killer Be Killed, por lo que mi idea era básicamente la de que me diese su contacto, pero quise preguntarle de un modo inocente para ver si la canción era buena”. Y podríamos continuar hablando de las aportaciones de Kristoffer Rygg [Ulver, quien ya participó en el tema “Cheerleader Effect”] o Converge, por citar dos. “En realidad fue bastante simple tenerles en el disco, ya que todo el mundo estaba muerto de asco en casa [risas]. No creo que el álbum hubiese sido el mismo en circunstancias normales.

Muchos de estos grupos habrían estado en la carretera y los cantantes no habrían tenido tiempo para nada. Ben Koller aprovechó para grabar sus baterías durante una sesión de Converge. Greg Puciato suele trabajar a menudo con Steve Evetts, por lo que tampoco hubo mucho problema. Kathrine [Shepard, Sylvaine], Alex [Westaway, Gunship] y Persha grabaron desde sus casas, y Kris tiene un estudio con Ulver a donde va a trabajar cada día”.

—FERNANDO ACERO

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mayo 2022 #13

MONDO FREAKO

Rex Orange County Cuidarse Rex Orange County ha vuelto por todo lo alto. No solo porque, aunque el éxito nunca le ha faltado, es con “WHO CARES?” (Sony, 22), su cuarto álbum, con el que ha conseguido su primer número uno en Reino Unido, sino también porque estamos probablemente ante su mejor trabajo hasta el momento.

Up”, que recuerda mucho a canciones clásicas de los setenta (“me he inspirado mucho en ellas para hacer las armonías o el estribillo”) y en cierto modo suena a canción romántica de esa época sin serlo... O quizás siéndolo, porque al final el mensaje sería un poco ese, pero respecto a uno mismo: “I never give myself respect / most my life I’m asking why”. “He querido centrarme en seguir adelante aún cuando te encuentras mal, cuando te encuentras en un punto en que todo te cuesta. Seguir siendo tú mismo aún así, y llevarte a ti mismo adelante”, nos dice.

Y ES QUE, AUNQUE “Keep It Up” tenga N 2020 TUVIMOs la primera notiun aura optimista que puede venirnos cia sobre “WHO CARES?”, el cuarmuy bien en 2022, hay también lugares y to álbum de Rex Orange County, preocupaciones comunes en nuestra genepero no hubo novedades en todo ración, como ese sentimiento todo el rato 2021, y no ha sido hasta ahora cuando se ha de frustración, con pocas esperanzas en publicado. “El disco estaba hecho, pero enel futuro y poca capacidad para disfrutar tonces las cosas empezaron a ir mal en mi el presente, y le quisimos preguntar por vida personal. El año pasado fue una época ello, y por si tenía la sensación de que todo muy difícil para mí, la verdad. Elegí dejarlo esto había empeorado por la pandemia. en mi vida privada hasta que estuviese me“Es una pregunta muy interesante, porque jor, y no compartirlo con el mundo, pero lo a ver, creo que es cierto lo que dices. El fue. Y me di cuenta de que, de hecho, tenía problema para muchos es que nos cuesta que dejar en un segundo plano mi vida estar en el presente, y puede que la pandepública, redes, todo eso, y centrarme en mia lo haya hecho cuidarme a mí mispeor, pero en mi mo, porque lo necaso yo diría que cesitaba. Estaba en he aprendido de un lugar muy feo, la todo esto. Yo no verdad. Y no era en sabía disfrutar sí por esa relación o WHO CARES? Sony Music del presente, la cualquier relación, verdad, y todo esto sino por mí mismo. de la pandemia ha Así que decidí que el hecho que aprenda álbum saldría cuana hacerlo, así que do me encontrase para mí ha sido mejor, ya fuese en mejor... Pero pro2021, en 2022 o en 8 bablemente para 2025. Primero tenía otras personas que estar mejor yo.

POP / Alex O’Connor continúa navegando haya sido peor. Lo Tenía que ‘ponerme entre dudas e inseguridades, pero esta vez que está claro es en forma’ por así dese muestra con una mirada más positiva y que ha sido muy dicirlo y entonces ya luchadora que en sus trabajos anteriores. fícil para todos, de pensar ‘Vale, estoy El británico está protagonizando un viaje distintas maneras. listo’. Si no me hude autoaceptación del que somos testigos Personalmente, biese cuidado a mí a través de unas letras directas y sensiyo encontré todo mismo, no habría bles con las que es difícil no identificarse. este tiempo muy sido capaz de sacar Con el paso del tiempo, O’Connor se ha concomplicado pero a este disco. Así que, vertido, además, en un experto a la hora la vez aprendí muen retrospectiva, es de mezclar géneros. En sus manos resulta cho, y saqué este muy bueno que me sencillo establecer puentes entre el pop disco que no me tomase ese tiempo”, clásico, el electrónico, las cadencias y los veía capaz de sacar. nos cuenta Alex. acordes jazz, el folk, el hip hop o el funk, y Creo que a veces “WHO CARES?” en esta ocasión incluso enriquece su proaprender lo que no se dio a conocer prepuesta con unos arreglos orquestales que quieres es mejor cisamente con un sirven de hilo conductor a todo el álbum. que aprender lo lead single tan opti—JULIA CATALÀ que sí quieres”. mista como “Keep It

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EN “WHO CARES?”, Alex O’Connor, a quien conocemos como Rex Orange County, presenta una colaboración con su gran amigo Tyler The Creator (“siempre ha sido un mentor para mí, me ha ayudado de muchísimas maneras y me ha dado numerosos consejos que me han sido tremendamente útiles”), pero no ha querido meter más featurings, aunque no descarta una colaboración con Frank Ocean en el futuro. Lo cierto es que “Open A Window”, el tema en que ambos colaboran, ha sido single, y en este trabajo hay varios cortes que podrían serlo.

“Hicimos un vídeo para ‘If You Want It’, así que quizás salga algún día”, nos aclara, a la vez que reivindica ‘The Shade’ (“es una de mis preferidas, me encanta la melodía”) y ‘Shoot Me Down’ (“es uno de los temas en que me he sentido más libre y quería expresarlo. Al final habla un poco de eso, de no restringirte”).

CRITICANDO

#14 mayo 2022

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SIN DUDA ESA HA SIDO la principal diferencia entre “Pony”(19), su trabajo anterior, y este disco.

“Con ‘Pony’ estaba muy estresado, estaba pensando demasiado. Esta vez no. Todo me venía de manera muy orgánica, muy libre, e hice el esfuerzo de no darle muchas vueltas a lo que la gente pudiera pensar del resultado”. Para terminar, le preguntamos por una curiosidad: Alex estudió en el BRIT School, de donde salieron también Amy Winehouse, Adele y el actor Tom Holland, que tiene casi su misma edad. ¿Se conocerían en los pasillos, o solo coincidieron? Pues parece que ninguna de las dos cosas: como Chenoa, cuando Alex fue, Tom venía de allí. “No le conozco, pero ¿sabes qué? Justo el año que entré en la escuela era cuando le habían elegido para Spiderman, así que el colegio estaba lleno de carteles y pantallas diciendo ‘¡Enhorabuena, Tom!’, y yo pensando ‘¿Pero este tío quién es?’ [ríe]. Y ahora es una superestrella, me alegro mucho de que le vaya tan bien. Pero no le he conocido, ¡aunque me encantaría!”. —PABLO TOCINO

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FOTO: ARCHIVO

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“Si no me hubiese cuidado, no habría sido capaz de sacar este disco”

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mayo 2022 #15

30.06 02.07

THE AVALANCHES·PARCELS·BALTHAZAR SOCCER MOMMY ISRAEL FERNÁNDEZ Y DIEGO DEL MORAO RODRIGO CUEVAS BARBIÁN·BAIUCA LIVE BAND ROCÍO MÁRQUEZ+BRONQUIO MIQUI PUIG·FONKI CHEFF·BRAVA·TRASHI·ANNA ANDREU·B1N0·PACO MORENO NIÑOS LUCHANDO·GERMÀ AIRE·MARIALLUÏSA·SALVATGE COR·CINE NURIA ALESA DJ·END OF THE ROAD DJ·EXTINTOR DJ·DJ RAMZÉH·HELSINKIPRO (DJ) MASSAVIU·LOTINE·SOURI CACHENGUE·WAXBEATS KOLLEKTIV·TALI CARRETO

BELLE & SEBASTIAN·RHYE·CAT POWER GUITARRICADELAFUENTE·LEWIS OFMAN MISHIMA·LEY DJ·THE PARROTS·MAREN·SOCUNBOHEMIO ROCÍO SAIZ·CRUDO PIMENTO·THE BIRD YELLOW BISCUIT·CARLOTA FLÂNEUR·EVE OWEN·HENRIO·INTANA·COSMEN ARNAU SABATÉ·DJ XEXE·ELI KAPOWSKI·ELECTRICGATO·DJ DANWIE HIDDEN TRACK RECORDS·MACHINDA DJ·POOLAREA·SONIDO TUPINAMBA·SUNDA COLUGA TE JODES Y BAILAS DJ·TROPIKAL ROCKERS

ALT-J·BLACK PUMAS·ALIZZZ·DESTROYER PAU RIBA HOMENATGE·DELAPORTE·SPORTS TEAM·BOYE SON ROMPE PERA·TITO RAMÍREZ·LA LUDWIG BAND AMAIA MIRANDA·CABIRIA·DA SOUZA·HABLA DE MÍ EN PRESENTE·SHEGO MAINLINE MAGIC ORCHESTRA·MAADRAASSOO·IRIS DECO·VEN’NUS ALANAIRE·ARIANA ABECASIS ALEXANDRU AXU·DJ FORMAT C·ENEIDA FEVER!·JAWSELEKTOR·LIDIUSKA LLAMADAS PERDIDAS DJ·MUJERES DE LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA·SONIA HEIS STEFANO ROMANELLI·UNDO·VIR-GINIE·VIDA DJ

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#16 mayo 2022

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.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Mayte Alvarado

El año pasado, la dibujante e ilustradora Mayte Alvarado firmó una novela gráfica indispensable, “La isla” (Reservoir Books, 21), Mejor Cómic Español del año para nuestra publicación. Le hemos preguntado por los seis discos de su vida y aquí está el resultado.

Nick Drake Pink Moon (1972) Hace ya casi mil años que una amiga me regaló un recopilatorio de Nick Drake.

Desde entonces, su música me acompaña.

“Pink Moon” es su tercer y último disco.

Once canciones en apenas media hora de duración construidas con guitarra y voz, desnudas y esenciales. Su voz convierte la fragilidad en algo tangible, casi corpóreo, que estremece en la escucha. Nunca me canso de este disco, siempre me resulta emocionante en su sencillez.

Grouper Ruins (2014) Le había perdido un poco la pista a Liz Harris/ Grouper después de su “Dragging A Deer Up A Hill” de 2008 y este “Ruins” supuso un bello reencuentro. Escucharlo es como habitar una casa llena de fantasmas, imágenes residuales de lo vivido que se niegan a desaparecer invocadas por el piano minimalista de Harris y sus paisajes sonoros. De sonido brumoso y evanescente, puede parecer un disco “pequeño” por su extensión y la falta de producción, pero su belleza se expande más allá de su duración.

David Bowie Hunky Dory (1971) Tenía que incluir algún disco de David Bowie en esta selección. Creo que “Hunky Dory” es mi favorito o, al menos, el que más he revisitado a lo largo de los años.

Puede resultar un disco poco cohesionado, con temas en los que el drama, la exageración y lo teatral prevalece, como “Changes” o “Life On Mars?”, frente a otros más intimistas y de aires folk, como “Quicksand”, una de mis favoritas. Todas suenan maravillosas y no se agotan.

Cate Le Bon Reward (2019) Cate le Bon se ha ido ganando un sitio en mi banda sonora personal disco a disco, sin aspavientos pero con seguridad. “Reward” ha consolidado nuestra relación. Canciones livianas como una pluma pero elaboradas, con maravillosos arreglos a veces sorprendentes y ligeramente excéntricos pero elegantes. Un disco de introspección y soledad que no deja de lado lo lúdico y el humor. Me quedaría a vivir en algunas de las canciones de este disco, como en “Daylight Matters”, por ejemplo.

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Lasha de Sela The Living Road (2003) Hace poco he recuperado este disco, que sonó mucho en mi vida en su momento y que fue con el que conocí la música de Lasha. Intensa, poderosa y vulnerable, por lo expuesta que se presentó, aunque nunca frágil. Así es como yo la entiendo y la escucho. “The Living Road”, cantado en español, inglés y francés, es un disco fronterizo entre la música tradicional mexicana, el rock y el folk. Me parece muy bello, emocional y valiente.

Sufjan Stevens Carrie & Lowell (2015) Más despojadas de arreglos y accesorios que en otros discos de Stevens, las canciones de “Carrie & Lowell” conectan conmigo de una manera muy directa y muy pura. La primera vez que lo escuché, pensé que era el disco más conmovedor que había escuchado y lo sigo pensando.

Un hermoso disco sobre el duelo y la pérdida, sobre nuestras propias imperfecciones y las de aquellos que amamos.

—MS

mayo 2022 #17

MONDO FREAKO

Antònia Font Años como segundos Una de las bandas más influyentes del panorama catalán vuelve. Lo hace con el tiempo –medio– presente: figura en el título del disco, “Un minut estroboscòpica” (Primavera Labels, 22), en sus próximos pasos, unos pocos bolos en dos años… Pero no en sus líneas maestras: Antònia Font, lo bueno, lo mantiene. Para siempre.

P

OCAS COSAS más literarias que el tiempo. Jugar con él, detenerlo y hasta perderlo. Pero para lo importante, el tiempo poco importa: Pau Debón y Joan Miquel Oliver se sientan ante unos cortados como hacía años que no pasaba. De charlas promocionales por el canónico, a saber lo que eso quiere decir para Antònia Font, “Un minut estroboscòpica” y la gira que lo acompaña. Con más canas, con la seguridad de que era el momento.

—La mía será la experiencia de muchos: no os he visto en directo.

(Pau Debon) ¿Nunca?

—¡No! ¿Tú has sentido muy diferentes ahora las canciones?

(Pau Debon) No, no he tenido sensación #18 mayo 2022

de “regreso”. Es como si hiciese muy poco que hubiésemos parado. Siempre me siento cómodo cuando recibo una canción de Joan Miquel. Y en ese disco ha sido exactamente igual.

—¿Las dinámicas no se habían anquilosado?

(Joan Miquel) La experiencia es un grado, siempre. El funcionamiento del grupo ha sido prácticamente igual de como lo habíamos hecho otros años. La canción ya estaba estructurada al principio, después cada miembro ha visto qué podía aportar.

Yo he recopilado todas esas aportaciones.

Primero tempos, después bajos, finalmente hemos metido a Pau. Algo que sí hemos hecho es grabar dos veces. Grabamos una maqueta.

(Pau Debon) La pandemia lo retrasó todo.

Teníamos tiempo. Así que pudimos grabar primero. Cuanto más cantas una canción, mejor te sale. Más puedes fijarte en otras cosas. Cuando grabamos “Coser i cantar” (07) llevábamos tocando los temas en directo mucho tiempo, entré a grabar con una seguridad… Como nunca antes.

—¿Cómo te has sentido volviendo al estudio? Porque el resto no se han desvinculado del todo de la profesión...

(Pau Debon) Tengo ilusión, como todos, pero a nivel físico no sabía cómo iría.

Ocho años sin cantar... Aunque bien visto, no he parado. Soy muy cantarín. Cuando

estoy solo o cuando duermo a los niños, les canto cuatro canciones; eso no ha cambiado. No tiene que ver, pero sí.

(Joan Miquel) Tampoco Antònia Font ha sido nunca un grupo de una gran dificultad técnica. Vamos a lo que vamos.

No nos complicamos. Por tanto, si Pau se hubiera pasado ocho años sin cantar ópera... Con cuatro canciones cada día para acostar a los niños basta. ¡Y él siempre ha tenido muy buena voz de natural! Tiene el mismo aparato fonador, eh. Antònia Font siempre ha sido un proyecto espontáneo y natural. Su actitud en el escenario... Siempre ha sido doméstica.

(Pau Debon) Por eso ahora es fácil volver.

—Y en el momento que hicisteis el concierto por la Llibertat d’Expressió en Palma, ¿en qué pensaste, qué conversación se produjo?

(Pau Debon) Aquí es donde empecé a pensar: “Hostia, tío, quizá me gustaría volver...”.

Porque subimos al escenario sin ensayar y sin habernos visto y fue una conexión total desde el primer momento. Fue real.

—¿No es fortísimo volver y saber que llenarás?

(Joan Miquel) Lo es.

(Pau Debon) Durante todos estos años, el porqué no lo sé, pero la gente ha seguido queriendo el grupo.

—¿Tiene que ver con la carrera de Joan Miquel?

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WALA. WALA.

“Es vuestra puta culpa, porque no pagáis a los artistas por su trabajo, por ir a verlos o por escucharlos, así que solo accedéis a los únicos artistas que pueden conseguir dinero prostituyéndose en plataformas como Instagram” Alex Kapranos, de Franz Ferdinand en Ruta 66

“Igual como generación estamos un poco hartos de canciones muy dramáticas, muy tristes y que te vendan que todo es horrible.

Sabemos que las cosas están mal, pero hay que meter un poco de humor” Lara Miera, de Aiko el grupo en Muzikalia

(Pau Debon) Él ha mantenido algo vivo, evidentemente.

Pero por lo general la cosa baja. Y no, la gente nos quiere.

Hicimos el bolo que comentas, ¡y hostia! Sabíamos que un mínimo de éxito tendríamos, pero…

—Decís que era un disco pensado para recuperar lo que la gente quería. ¿En que se traduce esto en las decisiones de producción?

(Joan Miquel) Antònia Font desde el principio en cada disco siempre ha intentado dejar de ser Antònia Font para defender la idea de que Antònia Font es lo que sus miembros quieren que sea. Pero no era ahora el momento.

—¿Y hacer gira sin canciones?

(Joan Miquel) Era una posibilidad. Podíamos hacer un Palau Sant Jordi y ya. Hubiéramos ganado pasta, nostalgia a tope y ya. Pero yo estoy convencido de que este disco es competitivo con lo que se hace ahora. Y si el grupo no hubiera existido, el disco hubiera funcionado; no por nuestro nombre, sino porque tiene razón de ser.

—Sigues haciendo lo que quieres. Tus micromundos. La vida del escalador Miquel Riera es canción ahora.

(Joan Miquel) Éramos muy amigos. Hice su biografía.

—Lo dicho: puedes escribir sobre lo que...

(Joan Miquel) … Busco cosas que me motiven y que me hagan transitar un estado de emoción e implicación. Y no es fácil encontrarlo. Y más cuando has hecho ciento cincuenta canciones. Me cuesta muchísimo llegar al punto de creer en lo que estoy haciendo.

—Llegado a este punto entonces… Mejor no reinventar la rueda, solo utilizarla.

(Joan Miquel) [Ríe] Bien visto.—YERAY S. IBORRA

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“Mudarme a Seattle fue algo intensamente intimidatorio. Imaginaba que habría algo así como ‘¿Y este tío quién diablos es?’, sobre todo de la gente que amaba a Stone, a Jeff y a Mother Love Bone” Eddie Vedder en Mojo

“No hay grupos jóvenes que me vuelen la cabeza. Necesitamos más bandas de rock. Tal vez el hecho de que nosotros hayamos vuelto haga a la gente pensar: ‘¿Qué demonios están haciendo esta panda de viejos? Nosotros podemos hacerlo mejor’” Nicke Andersson, de The Hellacopters en Rockzone

“DESEARÍA DECIR QUE EL PRIMER DISCO QUE ME COMPRÉ FUE ‘JAGGED LITTLE PILL’ DE ALANIS MORISSETTE, EN EL QUE ME METÍ POCO DESPUÉS, PERO LAMENTABLEMENTE CREO QUE FUE ‘LOS PITUFOS HACEN POP’” Kae Tempest en NME

mayo 2022 #19

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WE” ES UN TRABAJO ambicioso, conceptual, grabado entre Nueva Orleans, El Paso y Mount Desert Island, con el británico Nigel Godrich (Radiohead, Paul McCartney, Beck) a la coproducción y dividido en dos partes: “I”, la primera, la del yo, que habla del aislamiento individual en los tres primeros cortes, y una segunda que es realmente la del “WE”, la del nosotros, la de las cuatro últimas canciones, que trata sobre la reconexión. ¿LE HA DADO A LA BANDA de Montreal un ataquito de trascendencia pandémica tras la liviandad de aquel endeble “Everything Now” (17)? ¿Responde el disco a las expectativas que lo acercan a una especie de ópera rock (siete canciones en cuarenta minutos)? Dejémoslo en que quizá no reverdezca sus mejores laureles pero sí endereza, en gran medida, el rumbo extraviado. Me lo cuentan Win Butler y Régine Chassagne a través de la pantalla del PC desde su casa y estudio de Nueva Orleans, donde pasan la mayor parte del año, durante una buena media hora y justo al día siguiente de que Will Smith le largue un bofetón a Chris Rock ante la mirada atónita del mundo.

Pese a la grandilocuencia marca de la casa, tanto Will como Régine defienden que este es un disco que se sostendría si sus canciones fueran tocadas de la forma más austera posible, ya que el material llegaba ya muy pulido al estudio después de haber sido trabajado por ellos en su casa. “Todo en este disco se puede interpretar con un piano o con una guitarra acústica. Si le quitas todo el reverb y los efectos especiales, las canciones funcionan. Ese era el desafío en este disco”, afirma Win. A lo que Régine apostilla que “si puedes escribir canciones que puedas condensar con un piano o una guitarra, es que funcionan. Si tuvieras que tocar estas canciones alrededor de una hoguera, ¿cómo lo harías? Pues así”.

ARCAD

Lo individual y en tiem

EL ESTALLIDO DE LA PANDEMIA se solapó en su caso con la decadencia de la administración Trump y sus últimos y patéticos coletazos, y eso obliga a preguntarles si canciones como “End Of The Empire I-IV” también tienen que ver con el papel de Estados Unidos en el contexto político internacional. En este caso, la pregunta más obvia tiene también una respuesta previsible, pero bien matizada.

“Sí, la canción habla sobre el declive del imperio americano, pero también creo que todas las generaciones viven un momento en el que creen que el mundo se derrumba a su alrededor, aunque luego #20 mayo 2022

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DE FIRE

y lo colectivo mpos de crisis

Estaba cantado: a tiempos convulsos y complicados como los que vivimos, era de esperar que una banda que siempre ha apelado a los valores colectivos a través de la épica rock respondiera con un disco como “WE” (Columbia/Sony, 2022).

—TEXTO Carlos Pérez de Ziriza —FOTOS Michael Marcelle

EN PORTADA

nunca llega a hacerlo”, afirma Win. ¿Pero hay alguna diferencia entonces entre esta generación y estos tiempos y los anteriores? “La diferencia es que ahora está todo más interconectado: las formaciones de extrema derecha cuyas ideas crees que se limitan a un par de países y resulta que son parte de la misma enfermedad, que se expande internacionalmente, por ejemplo. Este disco trata sobre los dos aspectos: el negativo, el de ese racismo que se alimenta recíprocamente entre un país y otro, y al mismo tiempo, por otro lado, el poder apoyarnos unos en otros.

Estamos conectados a través de continentes y generaciones distintas, pero básicamente procedemos del mismo ADN y de las mismas raíces”. Y ahí enlazaríamos con la idea dual que rige el álbum y que también es transversal a todo el disco: no solo entre lo individual y lo colectivo, sino entre la alegría y la tragedia, que son cara y cruz de nuestra existencia. “La humanidad es una. Pero tienes a gente en Ucrania escribiendo a sus familiares en Rusia y estos no creen lo que les cuentan aquellos, como si vivieran en otra realidad.

Ambas cosas ocurren al mismo tiempo.

Hay vida y hay sombra, y son partes de lo mismo. Igual que hay películas que te hacen llorar y reír. En este disco hemos tratado de mostrar ambos aspectos”, arguye el vocalista de la banda.

EN CUALQUIER CASO, la estructura del álbum también condiciona la forma y el sonido de las canciones. La primera mitad, la del “I”, la del “yo”, es más sombría, y la segunda, la del “WE”, la del “nosotros”, es más esperanzadora, con canciones más luminosas, más bailables. Pero incluso ahí el tratamiento tiene sus luces y sus sombras. “Sí, porque incluso en las más animadas, como ‘Unconditional I (Lookout Kid)’, hay una línea de texto que dice ‘la vida sin sufrimiento sería aburrida’. Creo que expresa y resume el contenido del disco completo”, corrobora Butler.

No puedo dejar de consultar a la pareja si no creen que este es un disco que sintetiza las diferentes facetas de Arcade Fire a lo largo de su carrera. La más lúdica, la más bailable, la más experimental, la más épica, la más electrónica, la más guitarrera… Hay un poco de cada una de ellas a lo largo de estos cuarenta minutos. Pero Win Butler echa, de algún modo, balones fuera retrotrayéndose a los orígenes de la banda, hace ya veinte años. “Lo que dices lo pienso de otros discos. Si retrocedes a ‘Funeral’ (04), el primero… Cuando lo estábamos grabando tenía la sensación de que era como una mixtape. Muchos géneros distintos. ‘Neighbourhood #4 (7 Kettles)’ es como folk, luego hay sintetizadores y cajas de ritmos, material

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mayo 2022 #21

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más punk, una canción como ‘Haiti’, que incorpora ritmos caribeños, y de la que nadie sabía que el origen es que Régine provenía de allí hasta hace unos diez años… Cuando escucho nuestro primer material me doy cuenta de que siempre quisimos ser una banda que no pudiera ser etiquetada. Que explorase diferentes sonidos”. De hecho, en el propio ADN y en la misma acta fundacional de Arcade Fire ya figuraba la mezcla de muchos estilos, con lo que ellos no piensan que ahora estén haciendo nada esencialmente distinto. “Encontré hace poco un cartel que distribuimos por Montreal al principio de nuestra carrera, cuando nos conocimos y empezamos a buscar otros músicos, y las referencias que pusimos eran Motown, Pixies, Debussy, Arvo Pärt, Bob Dylan o Neil Young. Algo que sobre el papel suena completamente dispar, como mundos distintos, pero cuando escucho nuestra música todavía detecto esas influencias.

Es el material de base que nos ligó. Y hay algo bonito en ello. Tu música puede ser una enorme caja a la que te tiras toda la vida desenvolviendo, que puede no tener fondo. A partir de nuestro segundo disco recuerdo que ya empecé a irme al principio del jazz, mientras a Régine le gustaba mucho la música medieval”, dice Win. Lo que le lleva a Régine a acordarse de una de sus primeras visitas a nuestro país. “Hice un viaje a España con dieciocho años, entonces ya me gustaba la música medieval, y estuve en el Monasterio de Montserrat y flipaba con los textos que había escritos en los muros. Veía ahí letras de canciones que quería hacer, pero

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“Si puedes escribir canciones que puedas condensar con un piano o una guitarra, es que funcionan”

EL APUNTE

El impulso de Wolf Parade

C

UANDO LE PREGUNTO a Win Butler por la marcha de su hermano Will, quien anunció hace muy poco que abandonaba el grupo ante la inconveniencia de salir de gira con tres hijos esperándole en casa, me comenta que su baja ha sido suplida por Dan Boeckner, de Wolf Parade, y eso nos lleva a una confesión que tiene mucho de reivindicación de sus antiguos vecinos de Montreal.

“No sé si Arcade Fire existirían sin Wolf Parade: escribimos ‘Rebellion (Lies)’ después de verlos en

#22 mayo 2022

directo, tras su primer concierto”, recuerda Win. “Podías sentir la energía aquella noche traspasando las paredes de la sala, nos quedamos flipados con ellos”, rememora Régine Chassagne. Y está muy bien que así sea, y que al menos sirva para volver a resaltar el trabajo de una banda que fue esencial como catalizadora de toda aquella escena canadiense que agitó el indie rock de la primera mitad de la década de los dos mil desde presupuestos estéticos poco habituales. —C.P.Z.

yo era la única persona que los entendía así. Que alguien pueda escribir unas palabras en una pared de un monasterio, hace ochocientos años, y que algo de eso se pueda colar en tu música, es muy inspirador”.

DADA ESA DISPARIDAD de influencias que siempre han manejado, y a modo de balance de estas dos décadas de trayecto, parece pertinente consultarles acerca de si alguna vez esperaban ser un grupo tan popular. El razonamiento de Win Butler tiene su lógica, y es aplicable a cualquier aspecto de la creación artística. “La verdad es que no lo sé. Cuando escucho a The Beatles, sobre todo el material de Paul McCartney, veo que es muy pegadizo, como un poco cursi, como la música británica de secciones de viento y cosas así, cosas que seguramente él escuchó de niño y que, de alguna manera, convirtió luego en algo cool. Porque tú no eliges tus influencias, simplemente se alojan en tu cabeza. Esa es la magia. La

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alquimia del arte. Jean Michel Basquiat tenía orígenes haitianos, su padre era de allí, y algunas de las pinturas que tenía en su apartamento neoyorquino eran idénticas a las que vimos en algunos templos vudú de Haití. La gente en Nueva York flipaba, lo veían como algo muy diferente a todo, muy extraño, todos esos grabados en las paredes. Pero eso es algo que se ha hecho desde hace más de mil años. Puede parecer moderno si le cambias el contexto y lo colocas en la pared de un museo, pero puedes dar con ellos también en lugares en los que lleva ahí siglos y no genera la misma reverencia”.

TRAS TANTO TIEMPO ALEJADOS de los escenarios, me cuentan que tocaron hace unos días en el Bowery Ballrrom de Nueva York en un bolo exclusivo y que el ambiente rozó la locura colectiva, al menos para los estándares del público de la Gran Manzana, que tiene fama –desde su óptica– de distante. Me dicen también que ni imaginan cómo les puede acoger de nuevo el público español, al que consideran –junto con el irlandés– de los más entusiastas que se han encontrado nunca. Les pregunto si cuando componen lo hacen ya pensanmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

do siempre en cómo sonarán sus canciones sobre el escenario, y lo asumen como algo natural, pero también dicen que quieren que sus conciertos gocen de más registros. “Siempre lo hacemos. El directo es lo que nos da la vida, pero, para serte sincero, vimos a Neil Young en directo hace unos años tocando ‘Rust Never Sleeps’ (79) y su material más rock y luego cuando abordó ‘The Needle and The Damage Done’, él solo en acústico, el pabellón entero se calló como si estuviéramos en una iglesia, y eso me hizo pensar en que tenemos un par de canciones en este disco que son las más tranquilas, como ‘End Of The Empire I-IV’, que nunca hemos tocado sobre un escenario y creo que pueden funcionar muy bien en un gran recinto. Y combinar el material más enérgico con esas canciones puede ser muy interesante. Este disco que hemos hecho no es ‘The Wall’ [Pink Floyd, 1979], pero es lo más parecido a un álbum conceptual, que encapsula todo lo que somos como banda. Creo que nuestro show va a ser coherente y especial a la vez”. —C.P.Z.

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mayo 2022 #23

#WEMUSTCHANGETHEW

RLD

BURNING SPEAR | DAMIAN “JR. GONG” MARLEY

ALBOROSIE

| MORGAN HERITAGE | BARRINGTON LEVY N’ZENG, TROY BERKLEY | NATIRUTS | L’ENTOURLOOP & BLABBERMOUF | MALA RODRÍGUEZ

& THE SHENGEN CLAN

THE JULIAN MARLEY &UPRISING | MAX ROMEO | THE SKATALITES CLINTON FEARON ISEO & DODOSOUND | O.B.F. FT JUNIOR ROY, CHARLIE P, SR. WILSON, BELÉN NATALÍ | MORODO WE REMEMBER TOOTS W/OBESSA FATOUMATA DIAWARA | AFRICA UNITE | MELLOW MOOD FT EMETERIANS W/

& THE CHARMAX BAND

& THE RIDDIM SOURCE

& OKOUMÉ LIONS

FORMER MEMBERS OF TOOTS & THE MAYTALS

& THE THE ARTIKAL | THE | YANISS ODUA &BAND MONKS | NKULEE DUBE HIGHER POWER HEMPRESS SATIVA &UNCONQUEREBELS SOOM T &STONE HIGH | BLAIZ FAYAH MARCUS GAD &TRIBE | IQULAH RASTAFARI | XANA ROMEO | AZA LINEAGE &TIDETHEBAND

CHILL MAFIA | LION D | RAPHAEL | LA DAME BLANCHE | THE DUALERS | KT GORIQUE CONSCIOUS | DUB PRINCESS &HOTSTEPPAS | JAHSTA &VIBES BAND NATTY | AUXILI | BLEND MISHKIN & THE CARROLL THOMPSON | SAMORA | CAPTAIN ACCIDENT DISASTERS | MIGHTY MYSTIC SOUL REBEL PROJECT | SHAKALAB | SWEET BARRIO | IRREGULAR ROOTS | GREENLIGHT SOUND FREDDIE KRUEGER | WARRIOR SOUND | SEANI B BBC SYSTEM 1XTRA | ENGLISH FIRE & KILLA MIKE & ROOTS EVOLUTION

NATTY BO | CHAMPIAN

PRODIGY MOVEMENT

WAX | CONSTANT JAMMIN GLADDY | TONY MASSIVE INTL | DJ ALICIA | FIRE WARRIOR SOUND MARK FOGGO | KIKO NUÑEZ NEMBOKID | JOHN RUDIE P | MISS POLLIE TIGHTEN UP CREW

MÁS POR ANUNCIAR 8 ESCENARIOS / FORO SOCIAL / REGGAE UNIVERSITY / HOUSE OF RASTAFARI / AFRO VILLAGE / PACHAMAMA ROTOTOM CIRCUS / SUNBEACH / TEEN YARD / MAGICOMUNDO / ÁREA NO PROFIT / SOCIAL ART GALLERY CAMPING / MERCADO ARTESANO / BARES Y RESTAURANTES / MERCADILLO

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MONDO FREAKO

“La vida es oscuridad y tristeza, pero también subidones y alegría”

GOOSE Correr hacia la luz GOOSE continúan apostando por una combinación de electrónica, indie pop y rock en su nuevo trabajo, “Endless” (Safari/ Universal, 22). Pero además esta vez lo presentarán en nuestro país en Mallorca (24 junio, Mallorca Live Festival). Antes de su publicación nos trasladamos a París para charlar con ellos.

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L CIELO DE PARÍS está descubierto, algo poco habitual, y el azul brillante choca con la calidez de la madera y las luces tenues del estudio Motorbass. Cruzar las puertas de este mítico espacio es hacerlo acompañado de los ecos de Phoenix, Cat Power, Metronomy, Charlotte Gainsbourg o Two Door Cinema Club, por citar solo algunos de los que han sucumbido al french touch del desaparecido Philippe Zdar y su equipo. Ahora es el turno de GOOSE. Charlamos con el cuarteto belga sobre “Endless”, un disco lleno de dualidades y fuerzas opuestas en equilibrio. “Escribimos el disco en Kortrijk, en nuestro estudio Safari y luego lo grabamos en Motorbass. Así que quizá haya esa influencia también de la esencia de Bélgica contrastada con la de aquí”, explica Tom

Coghe, bajista de la formación. “Endless” es un disco que transita por la oscuridad, para encontrar cierta redención en la pista de baile. “Queríamos subrayar la emoción”, puntualiza Bert Libert, batería del grupo, a lo que su cantante, Mickael Karkousse, añade: “La emoción prevalece sobre lo mental y es eso lo que queríamos transmitir. No lo pensamos demasiado, solo nos juntamos y comenzamos a escribir desde cero”.

Este quinto esfuerzo –o sexto si consideramos “Nonstop (Live At Pukkelpop)” (18)– se sumerge en sonoridades del electro pop de los ochenta y noventa, con un twist contemporáneo, abrazando la oscuridad de una manera casi religiosa, liberado tanto en su forma como en contenido.

Laten las influencias de bandas como Justice o Daft Punk en “Endless”, pero también hay espacio para la rave electropunk de “Rock”, que tanto nos aceleraba antaño o herederas de los sintetizadores pegadizos como “Run Away”. Los medios tiempos como “Shadowplay” capturan la esencia de espacios sacros gracias a los teclados, construyendo atmósferas muy emo, así como otras que se arrastran languideciendo, sexy, como “We Are Vibe”.

“World Party”, corte instrumental situado a mitad del disco, representa parte de esas fuerzas en oposición: un beat electrónico que recuerda al latir de un corazón. La tristeza y la liberación, culminando en un

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FOTO: CHARLIE DE KEERSMAECKER

crescendo de guitarras. “Todos sabíamos tocar, así que ¡toquemos!”, afirma el guitarrista David Martijn, con una enorme sonrisa en su cara. Máquina vs humano.

“Queríamos separarnos del ordenador; liberarnos de él”, reconoce Karkousse y añade: “Así que somos músicos usando la tecnología para hacer que esos sonidos sean orgánicos”. Y eso se nota en la imperfección del beat y en entender la tecnología al servicio de la canción, no viceversa.

Sobre el disco planea también cierto aire familiar, como si ya lo hubieras escuchado antes y tu cabeza no pudiera evitar buscar paralelismos y trazar rutas sónicas que se expanden desde Manchester a París, pasando por Detroit. “Quizá la familiaridad viene por la honestidad del disco”, afirma Coghe. “Al final la vida es oscuridad y tristeza, pero también subidones y alegría. Es agotador, ¡pero es así!”, puntualiza Libeert. Las diez canciones que conforman “Endless” cuentan una historia atemporal o, como su propio cantante describe, “captura el rollo de una house party”. Todos nos miramos y acto seguido asentimos sonriendo. —MARTA TERRASA

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White Lies Pulso a la vida

CRITICANDO As I Try To Not Fall Apart [PIAS]

Con más de una década a sus espaldas, el conjunto de Ealing formado por Harry McVeigh, Charles Cave y Jack LawrenceBrown, ha encontrado en “As I Try Not To Fall Apart” (PIAS, 22) los útiles necesarios para hablar de la vulnerabilidad humana y de cómo hemos ganado licitud a la hora de expresar nuestras inquietudes más ocultas y perniciosas.

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AS I TRY NOT TO FALL APART” es el sexto trabajo de White Lies, un álbum que se mueve entre mirar atrás y aportar novedades a su propuesta. Así nos lo cuenta Harry McVeigh, líder y vocalista del grupo. “Algunas

#26 mayo 2022

7 POP ROCK / A pesar de contar con seis discos

en su haber y de que todos ellos reúnan una correctísima ejecución, sorprende con cierto pesar que el trío londinense no haya logrado cosechar una mayor presencia en la escena. Si la cosa va de mantenerse en una zona de confort previsible y oportuna donde la fórmula es reconocible, “As I Try To Not Fall Apart” cumple su función. Si por el contrario, de lo que se trata es de arriesgar y salirse del marco, Harry McVeigh y cía continúan teniendo esa asignatura pendiente.

No obstante, y a pesar de esas reminiscencias revival que son ya una marca personal, nos hablan del presente y de la ansiedad generalizada como consecuencia de esos dispositivos tecnológicos que parecen dominar nuestra existencia. —F.G.A.

canciones, como ‘I Don’t Want To Go To Mars’, me han hecho sentir totalmente conectado con algunos de nuestros primeros trabajos, y es muy agradable disfrutar de ese ligero aroma a nostalgia que en cierto modo nos recuerda quiénes somos y cuál es nuestro verdadero estilo”. No obstante, el británico no pierde ocasión para mencionar que en este “As I Try Not To Fall Apart” también han logrado combinar esa pátina de irremediable nostalgia con el hecho de abrazar ideas inéditas hasta la fecha. “Las canciones suenan muy diferentes unas de otras, y personalmente pienso que eso hace que disten mucho de cualquier otra cosa que hayamos hecho antes […]

Recuerdo escuchar mucho ‘Goat Head Soup’ (73) de The Rolling Stones, donde claramente cada canción parece sacada de un álbum distinto. Eso es algo que nos flipa y que abiertamente quisimos replicar en este disco”.

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MONDO FREAKO “Ahora nos preocupa menos el impacto que puedan tener nuestros verdaderos sentimientos” LO QUE SIN DUDA Harry trata de constatar en el discurso de este disco es que, a pesar de que la pandemia haya marcado el devenir y el sentido de “As I Try Not To Fall Apart”, no es la primera vez que el trío londinense hace acopio de estos temas para nutrir su obra. “Este álbum nos recuerda y nos recordará para siempre a la pandemia […] Ahora nos preocupa menos el impacto que pueda acarrear el expresar nuestros verdaderos sentimientos. Pero lo cierto es que nosotros siempre hemos escrito canciones que abrazaban estos temas, especialmente hablando sobre la vida y la muerte, cosas malas que te suceden y cómo lidiar con ellas. No es algo inédito en nuestro repertorio”, argumenta.

COMO DECÍAMOS, la nostalgia es otra de las piedras angulares de “As I Try Not To Fall Apart”, de la cual su propio artífice se confiesa adicto.

“Pertenecemos a una generación muy nostálgica, y nos gusta mucho regodearnos en ella. No te voy

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a mentir, a mí personalmente me encanta hacerlo.

Comenzamos a componer y a armar las ideas de este álbum cuando volvimos de una pequeña gira que hicimos como conmemoración del décimo aniversario de nuestro primer álbum, así que no cabe duda de que estábamos sumidos en un estado muy nostálgico que se puede sentir en este disco”.

Algo que irremediablemente lleva al británico a pensar en su propio yo de 2009, cuando la banda comenzó a dar sus primeros coletazos mediáticos.

“Tuvimos épocas realmente intensas de tocar por todo el mundo y no parar por casa durante un año entero. Cuando estás en tus veinte puedes sobrellevarlo, pero llega un momento en el que aprecias poder tener tiempo para ti. Sin duda, a mí yo del pasado le diría que descansara más”, sentencia McVeigh. —FRAN GONZÁLEZ APARICIO

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EN GIRA l Barcelona 13 mayo. La [2] de Apolo l Santiago de Compostela 15 mayo. Sala Capitol l Madrid 18 mayo. Sala Mon Live

mayo 2022 #27

PARADIS E METAL

¡¡Y MUCHAS MÁS BANDAS!!

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#28 mayo 2022

P AT R O C I N A D O P O R

MEDIOS OFICIALES

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TAN. CERCA.

EL DISCO. RECUPERADO.

RREl Circuito Estatal de Músicas

Populares Girando Por Salas (GPS) llega a su duodécima edición y anuncia ahora la lista de veintiséis bandas y solistas seleccionados. Todas estas propuestas protagonizarán un mínimo de seis conciertos por la geografía nacional hasta noviembre de este año. La lista incluye a A Banda Da Loba, Body & The Soulers, Cabiria, Colectivo Da Silva, Comandante Twin, Emlan, Eva Ryjlen, Hafa Afrosweet, Izaro, Javi Ruibal, Joven Dolores, Karmento, Koko-Jean & The Tonics, María Guadaña, Molina Molina, Pablo Lesuit, Pipo Romero, Salazar, Santero y Los Muchachos, Staytons, Suu, Travis Birds, Tribade, Venturi, Vic Mirallas y Zetak.

Real Lies Real Life (2015) HAY ÁLBUMES que funcionan por sí mismos como pasaportes errantes que nos permiten volar a grandes urbes sin salir de nuestra pequeña burbuja, otorgándonos entre sus cadencias y su narrativa la capacidad de desfilar por una serie de escenarios idóneamente desdibujados. El afán autobiográfico que definió su hacer conjunto permitió a Kev Kharas, Tom Watson y Patrick King llevar a cabo esta hazaña, plasmando en su disco debut, “Real Life”, su realidad más próxima, y a su vez concedernos la oportunidad de presenciar desde sus retinas la representación de un Londres tosco, sucio, hedonista y oscuro.

El hermanamiento de este trío británico que se traduce en la formación de Real Lies nace exactamente del lugar al que nos trasladan sus beats y sus relatos. Un colegueo espontáneo generado en las colas previas a la entrada del club nocturno de marras, un piso compartido reconvertido en el punto de acogida de cientos de fiestas clandestinas que duraban días, y esa considerable mixtura de melancolía y euforia que siempre trae consigo cualquier noche de excesos. Si a este cóctel de emociones le sumamos unas claras inclinaciones atemporales por las tonalidades más primigenias de la electrónica y las particulares aportaciones de cada uno de los miembros, dotando así de una personalidad única las once pistas que componen el álbum, obtenemos un proyecto con aptitudes suficientes como para mirar de frente a otros grandes del género, como Happy Mondays, Primal Scream o Pet Shop Boys.

Un mantra en formato de spoken word para “Blackmarket Blues”, que perfectamente podría llevar la marca de Irvine Welsh, es el encargado de subir las persianas de un nuevo día en la big smoke y adentrarnos en esta visión áspera y atípica de la capital de Reino Unido. Las trazas melódicas de Watson, los reflexivos monólogos de Kharas y las evocadoras e industriales atmósferas de King logran desplegar en cuestión de segundos sus mejores armas, haciendo gala de su perfecta sinergia. No menos desdeñable es su versatilidad, pues también nos plantan una “Dab Housing” plagada de ritmos desacelerados, jugando con la herencia más exótica que caló hondo en el imaginario británico de la era Madchester, de los chándales de táctel y de los gorros con forma de cubo. Aunque no será hasta la irresistible “North Circular” que las referencias más directas al entorno nativo comiencen, regalándonos profundos y reflexivos versos que funcionan como perfectos acompañantes para un sórdido y lúgubre paseo bajo la lluvia como “Bag on my shoulder and a pocket full of rage, how many late nights does it take you to change?” o una mucho más festiva y agitada “Seven Sisters”, en honor al vecindario homónimo.

“Real Life” amplifica la voz de esa rama de artistas que se anticipó al revivir de la estética rave y genera la más pertinente banda sonora para toda esa generación artsy que ve en la nostalgia y la decadencia club los recursos necesarios para nutrir su disconformidad vital.

RRTras diez años de celebración

en Bilbao, el BIME expande fronteras y se va hasta Bogotá (Colombia). BIME Bogotá se celebrará la primera semana de mayo con un amplio programa de charlas y actuaciones.

Pasarán por su parrilla talentos emergentes como Cala Vento, Amantes del Futuro, Catnapp, Francisca Valenzuela, Zetak y una veintena más de artistas internacionales. En la cita –a celebrar del 4 al 7 de mayo– se hablará del desarrollo sostenible, de la innovación y de la música en directo, entre muchos otros temas. El encuentro se cerrará con el festival BIME LIVE con Nathy Peluso, Nanpa Básico, The Change, Recycled J y Rap Bang Club.

—FRAN GONZÁLEZ APARICIO

FOTO: JAMIE STOKER

RREl 6 de julio en Almería será

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el estreno del Motomami World Tour de la artista catalana Rosalía. Pistoletazo de salida de una gira internacional.En España ofrecerá un total de doce fechas. A esa cita le seguirán Sevilla (9), Granada (12) y Fuengirola (14) pasando por el WiZink de Madrid (19 y 20) y el Palau Sant Jordi de Barcelona (23 y 24). Tras el periplo español la gira visitará quince países de América y Europa para finalizar el 18 de diciembre en París. —MS

mayo 2022 #29

CARLA Conexión mística “Reflection” (Great Canyon, 22) es uno de esos discos en los que una artista, en este caso CARLA, se expresa con total libertad, dejándose llevar por su creatividad y experimentando –ella y otros– con su música para crecer hacia lugares en los que el corazón vuelva a mandar.

L

A RELACIÓN DE CARLA SERRAT con la música es casi mística. Cada proceso creativo, cada canción, deja una huella imborrable en la artista. Sin embargo, a veces caemos en la rutina y nos olvidamos verdaderamente del valor de mantener viva la llama. De esa forma, sin darse apenas cuenta, CARLA terminó perdiendo completamente la conexión con ese lado tan especial de su ser.

Pero, por suerte, “Reflection” apareció en su vida para salvarlo todo y volver a poner

orden. “Me di cuenta de que ya no estaba ese feeling que tenía con la música a la hora de trabajar, todo lo que sentía a través de ella. Y, de repente, a medida que fui creando las nuevas canciones descubrí que me estaban ayudando. Valoré la importancia de este proceso creativo. Así que aparecieron mis ganas de colaborar con gente, de compartirlo con otros”. Este mini álbum nace inevitablemente en el contexto de la pandemia. La catalana se da cuenta de que, por un lado, sentía la necesidad de relacionarse, de buscar en el otro, pero, a su vez, también descubre la oportunidad que existía de aprovechar esa soledad para la autorreflexión. “Una de las cosas que veo es la necesidad que tengo de buscar en el otro para encontrarme a mí misma. Pero también de buscar en mí para poder encontrar un punto en común con el otro. O sea, generar ese diálogo que nos lleva al nombre de ‘Reflection’. Esa idea de espejo, de diálogo constante. Esa es la idea del disco”.

A ELLA LE GUSTA hablar de la música

“Tengo necesidad de buscar en el otro parama” encontrarme a mí mis

RREl rapero estadounidense

Kendrick Lamar ha anunciado que ya tiene listo su nuevo trabajo, “Mr. Morale & The Big Steppers”, que verá la luz el próximo 13 de mayo.

RR3rd Secret es un nuevo

TAN.LEJOS. Pinpilinpussies es el nombre del dúo eusko-catalán formado por Ane Barcena y Raquel Pagès. Tras debutar en 2019, siguen adelante y nos azotan con “Hipocondría” (Aloud Music, 22), un grito público de rabia, más oscuro y crudo que nunca.

D

EBUTARON CON EL EPÉ “80/B” en 2019 para fichar con Aloud Music y publicar su primer álbum, “Fuerza 3” (20), en un fatídico año para la música –para todo en realidad– y ahora las tenemos de vuelta. Pese a las adversidades, Ane y Raquel han seguido trabajando hasta dar forma a “Hipocondría”, un grito público de rabia, que no de #30 mayo 2022

supergrupo formado por Krist Novoselic, antiguo bajista de Nirvana, los miembros de los desaparecidos Soundgarden Matt Cameron y Kim Thayil, el guitarrista Bubba Dupreee de Void y las vocalistas Jennifer

ayuda, más oscuro y crudo en su sonido, con mucha más energía, pero también serenidad en los escenarios. Y con las cosas más claras todavía, si es que eso era posible. Pinpilinpussies nace del juego de palabras entre pinpilinpauxa (mariposa en euskera) y pussy (vagina en inglés) y creo que no hace falta que diga que es un nombre que no pasa desapercibido. Y es que si algo tienen estas dos artistas es que, ya sea por su nombre, por su música o por su presencia escénica, siempre llaman la atención. Ya la propia combinación de euskera e inglés en el nombre nos da pistas de que no hay frontera lingüística para el dúo, que combina inglés, euskera y catalán con una frescura impresionante.

(Ane) “El euskera es mi idioma materno, la lengua con la que he crecido en casa de mi amama [abuela]. He crecido escuchan-

Johnson y Jillian Raye (Giants In The Trees, proyecto que comparte con Novoselic desde hace años).

RRKurt Cobain murió hace

veintiocho años. La vida y su muerte han sido motivo de varios libros, documentales y películas. Una de ellas es “Last Days”, dirigida por Gus Van Sant en 2005 que ahora se convertirá en ópera en Londres con música de Oliver Leith y libreto de Matt Copson.

do música en euskera y por qué no voy a exponer estos referentes. Es importante proteger estos idiomas que están no en desuso, pero sí desprotegidos, véase el euskera, véase el catalán, véase el galego.

Y a nivel más personal, cuando escribía en inglés sentía que me ponía una coraza, que la gente no iba a entender lo que decía y me escondía detrás de este idioma extranjero. Ahora estoy más cómoda con que la gente entienda lo que digo”.

OTRA TEMÁTICA que aparece en su nuevo álbum y que podemos descifrar por su nombre es la importancia de tratar y hablar de experiencias desde una visión feminista. Un ejemplo claro es su single “ERRE”, en el que evidencian experiencias en las que “no es amor, es violencia”. (Raquel) “La conexión que hemos tenido con el público femenino en estos conciertos ha sido súper

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MONDO FREAKO

CRITICANDO Reflection

Great Canyon Records

FOTO: ANDREA ROSEMERCY

como sinónimo de curación y asegura que esta nueva entrega le ha llevado a meterse en lo más profundo de su ser. “Reflection” supone el principio de una nueva era para Serrat y reúne la enorme capacidad creativa de CARLA. Todo lo que es capaz de hacer, la multitud de caminos que puede seguir. Es como un pequeño árbol en el que de cada rama florece un nuevo paisaje sonoro verdaderamente interesante. “Son canciones que lanzan muchas preguntas y las respuestas las iré recogiendo con el paso del tiempo. Creo que es un poco como un puzzle y que todo esto tiene que ver también con el álbum que estoy empezando a componer ahora. En él se verán muchas de esas respuestas de las que hablamos y será más conceptual”.

“REFLECTION” COMIENZA con una apuesta por el hyperpop y esa colaboración de NOIA, pasa por su lado más neo-soul con “Desire” y potencia su lado más oscuro con “Undo Remake (Reprise)”. Un tema que la propia artista adora y considera muy importante en esta etapa de su carrera. “Es

RRLa neozelandesa Lorde ha

versionado ni más ni menos que “HENTAI”, la reciente canción de Rosalía, durante un concierto en Nueva York. Aunque no es la primera vez que se declara fan de la catalana.

RR“Dig Me Out”, el clásico de

POP ELECTRÓNICO / “Reflection” despren-

de fragilidad y fuerza a partes iguales.

Mezclado y masterizado por Àlex Ferrer en The Groove Studio, con quién ya trabajó en “Kill A Feeling”, este nuevo álbum marca un gran cambio en el universo de la catalana. Con él se carga de una nueva paleta de colores con los que dibujar su futuro en la industria y refleja su entrega total a la escena electro sin prejuicios. A grandes rasgos, en “Reflection” (19) se intenta dar el mismo peso a la voz que a cualquier beat que pueda aparecer. Carla se funde y entrelaza con las canciones como si fuera un elemento más. Ha decidido iniciar un viaje sin rumbo fijo para enriquecerse, conocer nuevos destinos, escuchar a los demás y aprender de todos ellos. —A.J.

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EN CONCIERTO l Manresa 14 mayo. Faba l Barcelona 02 junio. Primavera Sound l Málaga 16 junio. Centro Cultural MVA

pe (TV On The Radio), Tyler Cole, Big Joanie o Black Belt Eagle Scout, entre otros.

RRJack White se prometió y casó

con Olivia Jean, durante un concierto en Detroit el pasado mes.

White invitó a Jean a unirse a él para versionar “Hotel Yorba” de The White Stripes y, tras cantar eso de “Let’s get married”, le pidió matrimonio. Al comienzo del bis, el cofundador de Third Man, Ben Swank, subió al escenario para oficiar la ceremonia.—MS

FOTO: PABLO ARCHIVO

Sleater-Kinney de 1997, será versionado al completo por artistas como Low, Wilco, St. Vincent, Courtney Barnett, Jason Isbell & Amanda Shires, The Linda Lindas, Margo Price, Tunde Adebim-

7

un tema que me gusta mucho, está producido solo por mí y fue el inicio de muchas cosas significativas en relación a este disco.

Aunque sea oscuro, quería que estuviera porque representa un sueño del que luego termino despertando. Me lo pasé muy bien trabajando en él, me permitió jugar, explorar como un rollo incluso un poquito más Arca. Aunque bueno, ojalá”. En los directos estará acompañada por Toni Serrat a la batería y Joan Solana encargándose de los sintetizadores y “cacharros” para que toda su paleta de colores se vea al completo y luzca como se merece. —ÁLEX JEREZ

Pinpilinpussies Rabia y frustración mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

bonito y súper saludable y muy necesaria.

Creo que este ha sido el cambio más fuerte del primer disco a este”.

EN TODO CASO, “Hipocondría” es una herramienta que las dos artistas usan para expresar y mostrar toda la rabia que diferentes situaciones de su día a día les provocan y, gracias a su música ruda y oscura, muchas otras personas se sentirán escuchadas y comprendidas. Con este grito buscan acción, algo que las artistas junto a su equipo ya hacen, creando en sus conciertos espacios seguros, algo imprescindible para ellas. (Ane) “Pinpilinpussies es un grupo feminista. Si vas a venir a un concierto y no vas a respetar lo que significa esto, no vengas, punto”. — IRENE MAESE

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mayo 2022 #31

ENTREVISTA

M

ÁS ALLÁ DE SU AFAMADO productor, que también publica el álbum en su sello Easy Eye Sound, el grupo de Filadelfia hace gala de méritos propios en un encantador álbum de diez temas, cortito, al pie, y poco menos que redondo. Contactamos con Chris Regan, vocalista y guitarrista del grupo, para conocer algo más acerca de este trabajo que posiciona definitivamente el quinteto. Antes de todo esto, el combo ya había publicado tres discos, si bien con “Sweet Unknown” cambian muchas cosas. “Los tres primeros álbumes eran básicamente yo sentado en una habitación escribiendo y grabando las demos. Luego llevaba esas demos al resto del grupo y entre todos le dábamos color. Sin embargo, ‘Sweet Unknown’ se creó de un modo mucho más tradicional. El álbum fue escrito y grabado en el estudio Easy Eye Sound de Dan Auerbach. No sé si es tanto un nuevo comienzo como una vía tangencial a lo que ya hemos hecho. Hay un enfoque diferente, además de diferentes sonidos y diferentes técnicas de grabación, que se unen para crear una nueva faceta de Ceramic Animal”. Su ficha-

CRITICANDO Sweet Unknown Easy Eye Sound/ Music As Usual

8 POP / El combo de Filadelfia hace gala de

méritos propios en un álbum de diez temas y treinta y cinco encantadores minutos, cortito y poco menos que redondo. Una referencia que destila buenas vibraciones y desprende misticismo en base a un aspecto clásico y casi vintage de ese indie-pop con querencia folk y de raíces que el quinteto maneja con soltura. Un disco de sonido impecable en el que el relleno brilla por su ausencia, que supura elegancia y bebe de diferentes fuentes pero que, al mismo tiempo, muestra una identidad propia suficiente para que este sea un gran año para ellos. —R. J.

#32 mayo 2022

je por el sello Easy Eye Sound, propiedad del mencionado Dan Auerbach, parecía sin duda una gran ocasión. “Desde Easy Eye Sound se acercaron a nosotros en 2020 y a partir de ahí todo fue creciendo. Estábamos contentos de seguir siendo independientes, pero esta oportunidad parecía algo que, sencillamente, tenía que pasar”. Pero es que, además, el líder de The Black Keys se ha encargado también de la producción del elepé, algo que estuvo claro desde el principio. “Sí, esa fue una de las principales razones por las que firmamos con Easy Eye Sound. Es increíble trabajar con Dan y todos en el estudio son geniales. El sonido está influenciado por muchas técnicas y equipos de grabación clásicos que le dan ese sonido atemporal”. El resultado es uno de los discos más irresistibles de lo que va de año, y parece que esa era también premisa indisimulada para Regan y compañía.

“El objetivo era hacerlo limpio, honesto y directo. Queríamos que fuera obvio en muchos sentidos. Ahí estamos nosotros en la portada, ahí están las canciones. Queríamos que fuera fácilmente comprensible a primera vista y desde la primera escucha.

De hecho, grabamos cuatro o cinco cancio-

Cerami Animal El secre mejor g

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“

ic

“Bowie, T. Rex, Iggy Pop y Mott The Hoople influyen en cada álbum”

eto guardado Aunque tuviesen tres discos previos, a Ceramic Animal se les había hecho poco caso por estos lares. Al menos hasta ahora, porque “Sweet Unknown” (Easy Eye Sound/Music As Usual, 22) luce como exquisito compendio de indie-pop aderezado con diversos condimentos y producido por Dan Auerbach de The Black Keys.

—TEXTO Raúl Julián

nes más, pero terminamos dejándolas fuera para mantener esa idea de sencillez. Tal vez podamos escucharlas más adelante”.

“SWEET UNKNOWN” también trasmite buenas vibraciones y un irresistible aroma vintage que cruza todo el trabajo, de principio a fin. “Creo que ese look vintage es un efecto de la estética que Dan Auerbach sigue con Easy Eye Sound: una mirada atemporal. Los artistas que me influyen siempre en cada álbum son Bowie, T. Rex, Iggy Pop y Mott The Hoople”. Escuchando “Sweet Unknown”, uno puede asociar a Ceramic Animal con bandas contemporáneas como de The Coral, Kings Of Leon, Deer Tick, Eels o Woods. “Puedo ver esas conexiones. Pero no estoy seguro de cómo de cerca estamos de cada uno de ellos.

Me refiero a que solo estamos tratando de hacer aquello que nosotros queremos escuchar, así que estoy seguro de que a veces tenemos elementos en común con todas esas grandes bandas. Y también con otras”. En cualquier caso, nos encontramos ante un disco muy diverso, en el que incluso cabe alguna pieza como “Long Day”, cercana al funk y al soul. “Fue la primera

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canción que escribimos para el álbum. Me encanta esta canción y es una de mis favoritas. La escribí con Dan el primer día que le conocí y antes incluso de que firmáramos. Simplemente sucedió todo muy rápido y el resto fue historia”. Por su parte, “I Can’t Wait” puede verse como una mezcla entre Billy Idol y Arctic Monkeys. “Maldita sea, me gusta eso. Para esta canción estaba pensando en ‘Raw Power’ de The Stooges, porque utilizo diferentes registros vocales entre el verso y el estribillo, y es un clásico de Iggy”. Mientras que “Forever Song” recuerda a la escena clásica de Laurel Canyon. “No estoy muy familiarizado con la escena de Laurel Canyon, pero ‘Forever Song’ definitivamente tiene una energía particular. Algo divertido es que Dan dobló la voz conmigo en el estribillo, así que si te fijas puedes escucharlo con bastante claridad. Y, si lo haces, desde entonces no podrás dejar de escucharlo”.

EN BASE A TODA LÓGICA, los parabienes incluidos en “Sweet Unknown” deberían valer para potenciar exponencialmente la popularidad de Ceramic Animal, una idea que el cantante tampoco rechaza. “Espero que sí. Siento como si en este disco hubiera algo que pudiese gustar a unos y otros, y todo ello sin dejar de tener una cohesión.

También mejora y se vuelve más intrigante con cada escucha”. Para terminar, conviene despejar la duda acerca de cómo son los conciertos del quinteto, y también si habrá ocasión de verles próximamente sobre los escenarios españoles. “Los conciertos son puro rock and roll, tío. Nos divertimos y todo eso deriva en un buen espectáculo.

Tienes que verlo para creerlo. Definitivamente estamos planeando ir a España y con suerte será en 2023”. —R. J.

R Lee aquí la entrevista completa >>

mayo 2022 #33

MONDO FREAKO Al trío catalán Stay Homas se le habían quedado temas de la terraza en el tintero.

Canciones que pedían a gritos la oportunidad de ser grabadas de nuevo. Y, a ser posible, con esos colaboradores de postín que se apuntaron al juego. El resultado ha sido una segunda mixtape de seis temas titulada “Here2Play” (Cukileo/Halley, 22) para disfrute de todos.

S Persiguien

#34 mayo 2022

para la “La mixtape quedará señársela prosperidad, para en a mis hijos y nietos” tema y nos empezó a salir con esta onda más ‘beatleliana’, con todo ese rollo más sesentas. Y recuerdo que un día Arnau dijo: ‘¡Oye! ¿Os imagináis que fuéramos a grabarlo a Abbey Road?’. Y de repente lo miramos y le dijimos ‘¡Vamos a hacerlo! Ya que el tema está cogiendo este cauce, vamos a hacerlo’. Y lo cierto es que fue una experiencia increíble; entrar allí, en esa especie de museo en el que está todo tal cual de la época. Fue muy inspirador. Y los dos días que estuvimos se nos pasaron volando. Un sueño... Además el tema está muy crudo.

No está procesado. Casi no tiene autotune, ni edición del tempo”.

PODEMOS AFIRMAR que “Here2Play” ha sido un regalo post-pandémico en todos los sentidos. Aquí sí cabe decir que nada será como antes, pero para bien. Y es que esta tercera entrega de Stay Homas es un nuevo ejemplo de que los sueños a veces se cumplen. ¿O cómo demonios cabe catalogar entonces la presencia de un mito de la salsa neoyorquina de los setenta como el panameño Rubén Blades en “Es por ti”?

(Guillem Boltó) “Un día Rubén Blades hizo un tuit compartiendo una canción nuestra, y nosotros en plan ‘¡Es Rubénnnn!’. Y su community manager nos dijo que él quería

FOTO: ARCHIVO

P

ARECE MENTIRA pero han pasado ya más de dos años desde que el mundo se encerró durante unas eternas semanas para acabar con la pandemia y combatir el virus.

Tres meses en los que nos las ingeniamos para capear el tedio de muchas maneras: Series de televisión, libros de cocina, yoga online, diarios del encierro y música, mucha música. Así es como surgió el trío Stay Homas y así se dieron a conocer al mundo.

Viralizando los vídeos que colgaban en la red desde “el terrat” de su casa, para los que contaban con la ayuda de cómplices colaboradores de lo más diverso. Quien iba a imaginar por aquel entonces que, de aquellas sesiones confinadas, surgiría un proyecto sólido y exitoso con un montón de conciertos festivos y variados como pocos.

Actuaciones que tendrían la virtud de recuperar ese espíritu verbenero heredado de Gato Pérez, La Salseta del Poble Sec o La Orquesta Platería. El mismo ambiente de fiesta del que estábamos tan ávidos en aquellos días grises de encierro. (Klaus Stroink) “Hubo un día en el que dijimos: A ver, en algún momento vamos a tener que ser un grupo y vamos a tener que tener un sonido propio y no tener un eclecticismo tan bestia ¿no?”... Sonido aposentado que, tras una primera mixtape con temas de la terraza, materializaban el año pasado en un disco titulado “Agua” de la mano de una ‘multi’ como Sony Music. Pero es que había otros temas de las sesiones confinadas que el grupo pensaba que también merecían ser recuperados y darles una segunda vida con más medios. Incluso permitiéndose regalos como ir a grabar el tema que abre “Another Love Song” a los estudios Abbey Road de Londres donde sus admirados The Beatles confeccionaron su obra catedralicia. Esos días han quedado plasmados en el vídeo del mismo tema. (Klaus Stroink) “Todo esto empezó el año pasado cuando, a la hora de preparar la gira y ensayarla los tres junto a Arnau y Kimi con los que ampliamos la banda, empezamos a tocar este

Stay Homas ndo sueños hablar con nosotros y que si algún día nos apetecía, pues que teníamos su contacto. Después nos llamó el mismo Rubén Blades un día que estábamos los tres tirados en el sofá y estuvimos una hora y pico hablando de un montón de cosas: batallitas suyas, de música, de la industria, de la prensa, de todo. Fue increíble. Entonces quedó pendiente hacer una canción juntos y en 2021 le enviamos ‘Es por ti’. Un tema con un rollo latin-rock a lo Santana o a lo Jarabe de Palo, que también es una influencia máxima para nosotros. Pensamos que podía encajarle, sin irnos totalmente al bando de Rubén y hacer una salsa...

Y resulta que le moló y grabó su parte”. Aunque ya puestos a soñar, que es gratis, si hay un padrino en lo que al crossover latino se refiere ese es sin duda Manu Chao. Así que contar para “El silencio” con el músico que con sus Mano Negra inspiró a miles de bandas de todo el mundo, ¿cómo lo calificarías?. Ahí están Stay Homas persiguiendo y cazando sueños de nuevo. (Klaus) “Cualquier músico que haya nacido y se haya criado o alimentado en Barcelona, o en el mundo del mestizaje en España y en el mundo entero, tiene que reconocer que Manu Chao es el A-B-C de cómo hay que hacer las cosas. Si tú, como músico, quieres tirar por esta mezcla, lo has de conocer, porque es historia indiscutible de la música y una de las voces que ha guiado el rumbo de este tipo de música”. (Guillem) “Para mí ‘Clandestino’ (98) es su obra maestra... Una inspiración”. (Klaus) “La verdad es que yo después de esto ya me puedo jubilar; y aunque se borre Instagram o cualquiera de estas plataformas de streaming o incluso pasen de moda, la mixtape quedará para la prosperidad, para enseñársela a mis hijos y nietos… Nos hemos quedado bastante tranquilos”. —DON DISTURBIOS

TOP VÍDEOS. Q

Ibeyi Lavender and Red Roses (ft. Jorja Smith)

1

Preciosos clip dirigido por la realizadora argentina Lucrecia Taormina con una larga y premiada experiencia en el sector. Una historia cargada de simbolismo sobre la incapacidad de salvar a alguien que se encuentra en el interior de su propio pozo.

Q

Wet Leg Ur Mum

2

Nuestro dúo revelación favorito va creciendo a cada día que pasa. Y no solo ellas, también los presupuestos que se empiezan a manejar a su alrededor. Solo hay que ver esta tierna historia adolescente perfectamente ambientada para certificarlo.

Q

Natalia Lacunza Muchas Cosas

3

Solo cabe felicitar al realizador Héctor Herce y su equipo por la perfecta factura de este videoclip.

Pese a su juventud, Héctor no es un novato y su paso por una productora como CANADA se nota.

Q

Emeli Sandé There Isn’t Much

4

Mucho ha llovido desde que los Brit Awards de 2013 encumbraran a la escocesa Emeli Sandé y no siempre para bien. Pero parece que hay ganas de volver a la actualidad de forma rotunda y esta maravilla titulada “There Isn’t Much” lo demuestra.

Escucha aquí el podcast >>

EN GIRA l Granada 03 mayo, En Órbita l Valladolid 25 junio, Conexión Valladolid l Valencia 01 julio, Concerts de Vivers l Canet de Mar 02 julio, Canet Rock l Barcelona 07 julio, Cruïlla l Girona 10 julio, Girona Music Festival l Talarn 15 julio, Talarn Music Experience l Alcúdia 23 julio, Canet Rock Mallorca

l Calella de Palafrugell 24 julio, Festival Cap Roig l Alcañiz 29 julio, Festival Aragón Sonoro l Villava 30 julio, Hatortxu Rock l Tarragona 05 agosto, Tarraco Arena l Sitges 06 agosto, Jardins Derramar l L’Escala 12 agosto, Portalblau l Alp 13 agosto, Cerdanya Music l Benidorm 20 agosto, Bombastic l Donostia 17 septiembre, Donostia Festibala

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Flume Sirens (feat. Caroline Polachek)

5

Flume nos regala un videoclip preciosista y muy visual. Aunque más que una sirena Caroline Polacheck resulta ser un verdadero ángel capaz de rescatarte de la muerte con su canto sanador.

mayo 2022 #35

vigo · 2022

anni b sweet DIGITALISM DJ SET + mwëslee HENS TABURETE LADILLA RUSA XISCO FEIJOÓ A BANDA DA LOBA ángel stanich soleá morente Berto + familia caamagno lilA downs ortiga + grande amore delafé y las flores azules SÉS DANI BABYKATZE CARLA LOURDES SOA LAW AS FILLAS DE CASSANDRA máIs artistas por confirmar entradas en:

www.teuticket.com

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RECINTO FERIAL LA FICA · MURCIA

9, 10 Y 11 JUNIO 2022

borgore • carnage • chelina manuhutu c.r.o • delaossa • dubvision • fatima hajji fernandocosta • miss k8 in alphabetical order

b jones • chumi dj • david penn • don fluor • hard gz javi boss • lara taylor • luna ki • mandy • quevedo shoda monkas • soge culebra • taao vicente one more time • yeyo y muchos más special stage:

entradas disponibles en: animalsoundfestival.com #36 mayo 2022

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37/Mondo VINILOS

Ty Segall

Whirlybird Drag City

ELECTRÓNICA / No contento con ser uno de los músicos jóvenes de rock más prolíficos y brillantes de su generación, el californiano se descuelga con su primera banda sonora compuesta para el documental de su amigo Matt Yoka. El filme sigue a un tormentoso matrimonio que sobrevuela en helicóptero Los Angeles en busca de noticias durante los ochenta y noventa.

Armado con su arsenal de sintetizadores, cajas de ritmos, teclados Wurlitzer y percusiones, y apoyado por el saxo de su colaborador habitual Mikal Cronin, Segall nos mete de lleno en el lado oscuro de aquella ciudad ultra competitiva. Son píldoras en las que pasa de la contención en los tonos atmosféricos minimalistas (“First Date”) al kraut extravagante (“Los Angeles News Service”), el funk descacharrado (“Lawrence Welk III”), la oscuridad carpenteriana densa (“Sky Duo”), la melancolía sintética (“High”) o la electrónica casi industrial (“News Junkies”). —JC PEÑA

6

Red Hot Chili Peppers: patrimonio de todos Red Hot Chili Peppers Unlimited Love Warner

7 ROCK / Cuando un grupo alcanza las dimen-

siones que tienen Red Hot Chili Peppers, cualquier análisis sobre su obra se vuelve difuso, ya que la música que se convierte en “propiedad” del público queda sujeta a millones de percepciones. Es complicado poner en valor esta obra comparándola con otras porque ¿pierde ante la genialidad extraterrestre de “Blood Sugar Sex Magik” (91)? Sí. ¿Pierde ante el pasmoso nivel de resolución en la búsqueda de un nuevo sonido de “One Hot Minute” (95)? Sí, obvio que sí. ¿Pierde ante el nivel de “hiterío” que tenía “Californication” (99)? Y… sí. Pero lo bueno de todas estas derrotas es que hoy a Kiedis, Flea, Smith y Frusciante les da exactamente igual medirse las pollas con su pasado. Desde “By The Way” (02) que no se vol-

vían a conectar con cierta parte de su esencia: el saberse líderes de un sonido y que lo demás realmente no importe. Porque todo funciona distinto cuando Frusciante enchufa su Stratocaster rodeado de sus tres compañeros, regala su inspiración tanto en esas guitarras de sentimiento hipnótico o en su voz sangrante de emoción.

En varios momentos electrizante (“These Are The Ways”, “Here Ever After”, “Aquatic Dance Mouth”), en menos de ellos aburrido (“Tangelo”, “Veronica”) pero auténtico y maduro todo el rato, el viaje emocional culmina con “The Heavy Wing” en la que todo sucede.

La intro y estrofas muestran a la banda en su mejor juego de hoy día y deja surgir a la mejor obviedad posible: como a bordo de una alfombra mágica, flanqueado por el viento y elevado por la luz de los astros, aparece el John Frusciante del que la banda nunca pudo ni se podrá despegar. “No todo lo que brilla es oro; sangraré sobre vuestras diversiones” canta con el alma, vistiendo un estribillo épico y dejando en una nueva zona de confort a un grupo al que ya no se le tenía tanta fe.

—ADRIANO MAZZEO

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Tears For Fears

The Tipping Point Concord/Universal

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POP / ¿Qué cabe esperar de una

formación que regresa a escena tras dos décadas sin publicar nuevo disco y que, además, vivió su época dorada en los ochenta? Pues que, al menos, justifiquen el retorno en cuestión demostrando buen gusto y ese tipo de elegancia –madura, coherente y bien asentada– de la que efectivamente hacen gala Roland Orzabal y Curt Smith en la presente entrega. El dúo vuelve a la actualidad con “The Tipping Point”, blandiendo unas cualidades depuradas con las que consiguen despejar el escepticismo. La obra se caracteriza por ese trazo limpio protagonizado mayoritariamente por pop bien parecido, alejado de aquellos sonidos algo más oscuros que manejaron en el pasado. Un álbum suave pero que luce bien ornamentado y se centra en trabajar melodías inspiradas con extremo cuidado, tanto a nivel instrumental como vocal.

Un bonito trazado de pop, en definitiva, para todos los públicos. —RAÚL JULIÁN mayo 2022 #37

#38 mayo 2022

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Meshuggah

Stay Homas

Immutable Atomic Fire

Here2play Cukileo/Halley Records

POP / Dos años después

Klai, Rai y Guillem presentan su tercer proyecto discográfico “Here2Play”. Un mixtape de seis canciones en las que han mezclado temas surgidos en su mítica terraza durante el confinamiento con otros más nuevos, pero dejando claro que han llegado para quedarse y aún les quedan muchos ases bajo la manga. Pero, tal y como llevan mostrando desde que empezaron, no tienen miedo a probar otros géneros. En esta ocasión se unen a Juanito Makandé en una suerte de rumba en “Dos besos” o se acercan a The Beatles en “Another Love Song”, una actitud camaleónica que hace que los grandes artistas de la música les reconozcan por poseer un talento muy especial. De ahí que Rubén Blades participe en “Es por ti” o que Manu Chao no dudara en unirse a “El silencio”. Una vez que ha pasado el boom inicial, siguen atrayendo a la gente.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

8

Meshuggah no abandonan ese camino que obstinadamente recorre hace décadas en el que disco a disco acrecienta su leyenda como uno de los grupos más interesantes del metal en general y los malditos jefes del metal prog extremo. Todo detalle está calculado al máximo y esto es algo que se refleja en el nivel de solidez que tienen estos temas y las sensaciones que causa su escucha: la transportación sensorial que se experimenta al entregarse a la escucha de un disco de la banda es cosa seria. Muy de moda está la psicodelia dentro de distintos géneros musicales y estos tipos quizá sin proponerse explícitamente llevarte a la alucinación, pueden lograrlo a base de una intensidad vocal y lírica narcótica y unos tempos y arreglos que actúan como esas clases de gimnasia que te hacen saber que tenías tal o cual músculo que no habías registrado jamás, solo que aquí las agujetas que quedan son mentales. —ADRIANO MAZZEO

PUNK / Stefan Babcock, Steve Sladkowski, Zack Mykula y Nestor Chumak encuentran una vez más en la distorsión y en el punk más liberador los útiles para sanar sus mentes y sus almas tras esta acometida sin precedentes en la que se ha convertido nuestra actualidad. Los canadienses PUP parecen mostrar su lado más displicente en este cuarto trabajo, sintiendo que no tienen que rendir cuentas a nadie y desnudando los sinos que erigen su condición como banda (desde catárticos arrebatos de punk melódico como “Totally Fine” o “Matilda”, hasta pasajes más íntimos e introspectivos como “Cutting Off The Corners”). No pierden ocasión para ironizar con las relaciones sentimentales 2.0 en “Robot Writes A Love Song” y hasta atreverse con algo de electrónica en “Habits”, confirmando así que la mano de Peter Kutis hace de este cuarto disco el más ambicioso y liberado de los canadienses hasta la fecha.

—FRAN GONZÁLEZ APARICIO

7

MESTIZAJE / Tras “Estricta-

ment personal” (16) y “Viaje al centro” (19), Seikos vuelven a la carga con “Estival”. La banda de Sant Feliu de Llobregat ha optado esta vez por asumir la producción del disco y sumar una ingente cantidad de colaboradores (Mabel Flores, La Plaga, Els Amics de Manel, Balkan Paradise o Cronopios) a sus nueve integrantes. El resultado son ocho canciones que se mueven entre ritmos cubanos, rock, ska, reggae o música electrónica, aunque con una clara apuesta por el pop.

Música bailonga y letras buenrolleras que derrochan optimismo por todos los lados, en clara contraposición a los tiempos que corren. Queda patente desde la apertura del disco, “Luna lejana”, en la eficaz “Primavera” o en “Ánimo”. Y podríamos seguir con la bailable “Entre les branques”, las guitarras eléctricas de “Andaré” u otras canciones no menos efectivas como “Verde”, “Se te nota” y “Del revés”. —JESÚS CASAÑAS

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INTERNACIONAL

1 Sexy Zebras Calle Liberación

1 Wet Leg Wet Leg

2 Antònia Font Un minut estroboscòpica

2 The Linda Lindas Growing Up

7

3 Placebo Never Let Me Go

3 Ciudad Jara CINEMA

4 Aldous Harding Warm Chris

4 Compro Oro Estarantos

5 Ceramic Animal Sweet Unknown

5 Xarim Aresté Ses entranyes 6 CARLA Reflection

6 Father John Misty Chloë and the Next 20th Century

7 Monte del Oso Son los demás los que están equivocados

7 Red Hot Chili Peppers Unlimited Love 8 The Weather Station How Is It...

9 Mishima L’aigua clara

9 PUP The Unraveling Of Puptheband

10 Seikos Estival

10 Tears For Fears The Tipping Point

Springtime

Yard Act

Springtime Joyful Noise/ Popstock!

Estival Coopula

The Unraveling Of Puptheband Rise Records

NACIONAL

8 Stay Homas Here2Play

Seikos

PUP

8

METAL / Con “Immutable”,

top 10 .

7

ROCK / De la unión de Ga-

reth Liddiard (The Drones, Tropical Fuck Storm), Jim White (Xylouris White, Dirty Three) y Chris Abrahams (The Necks) nace Springtime. Los australianos debutan con un disco homónimo influenciado por Nick Cave, Low, Vic Chesnutt, Swans, Radiohead o Einstürzende Neubauten, en una amalgama sonora de tintes diversos enrevesados entre sí.

Una marcada dualidad que no termina de decantarse, repartida entre tensión manifiesta y belleza inquietante al amparo de la experimentación. Es en esa anomalía, que supone el principal motivo del álbum, donde radica el interés de “Springtime”. Siete piezas que beben de la improvisación rock, avant-garde, krautrock, industrial o free-jazz, en un semi-caos de consecuencias hipnóticas. Un disco contemporáneo y descriptivo que apunta hacia una época en la que la raza humana está en entredicho, tanto a nivel moral como de propia supervivencia. —RAÚL JULIÁN

The Overload Island/Music As Usual

9

POST-PUNK / “The Overload”

de Yard Act no solo es ese disco de guitarras feroces y letras desenfadadas que siempre agradece el respetable más prosaico, sino que además guarda tras de sí una acidez a caballo entre el humor y la conciencia de clases que pone a su líder y vocalista James Smith a la cabeza de los letristas más brillantes de la escena punk actual. Desde la gentrificación, el consumismo o el auge de la derecha en Reino Unido, pocos son los asuntos de estado que se libran de la mordaz y perspicaz dosis de spoken-word incendiario de Yard Act, aunque también contemplan combinaciones menos aceleradas con las que rebajar la tensión, como las resultantes de las cálidas melodías encontradas en “Quarantine The Sticks” o “100% Endurance”. Con este material incendiario, Yard Act se colocan a la cabeza de la nueva generación británica del post-punk que tantas alegrías nos está dando en estos últimos años.

—FRAN GONZÁLEZ APARICIO mayo 2022 #39

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MONDOVINILOS

The New Raemon, David Cordero & Marc Clos

Así caen los días BMG

POP / “A los que nazcan más tarde” (21) fue la primera colaboración entre el inclasificable y prolífico artista catalán Ramón Rodríguez con el músico de ambient David Cordero y el multi instrumentista Marc Clos.

Una alianza artística pensada desde el origen como tríptico. Las composiciones de esta segunda entrega se internan en similares atmósferas evocadoras parcialmente electrónicas y con mucho espacio. El disco arranca con pianos mínimos, ritmos primitivos y ambientes misteriosos. “Mientras se pregunta en qué año murió el mundo…”, canta Rodríguez, en una propuesta insólita emparentada con la delicadeza esencial de un Mark Hollis. El pop de autor filosófico y sentido coge vuelo en cortes como “Un impulso” o “Todas esas palabras”. Rodríguez da muestra de su capacidad interpretativa vocal en “Los molinos” o en “Todo lo que conocemos”, donde brilla la versión slowcore del trío. —JC PEÑA

8

The Weather Station

How Is It That I Should Look At The Stars Fat Possum

7

Wet Leg: el indie no está muerto Wet Leg

POP / “Ignorance” (21), de

The Weather Station, fue uno de los discos más celebrados del pasado año, y este sexto disco es el reverso intimista y desnudo de aquel. La sensibilidad no merma, la delicadeza tampoco, y el hilo argumental es otra vez la complejidad de las relaciones personales y la necesidad de plantar cara al cambio climático.

Pero el registro es muy distinto.

Demanda un ejercicio de empatía introspectiva por parte del oyente. La voz, el piano y esas leves notas de saxo, clarinete o contrabajo, pinceladas por músicos de la escena jazz de Toronto, son los únicos ingredientes de un disco que por su propensión a la monocromía puede presentar la misma exigencia que “Boys For Pele” (96) de Tori Amos, “White Chalk” (07) de PJ Harvey o “Mid Air” (12) de Paul Buchanan, por buscar tres similitudes. Como en el caso de aquellos tres, la inmersión vale la pena. Su hondura lo merece. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Wet Leg Domino/Music As Usual

9 POP / Las británicas son la penúltima sensación de la escena británica y en estos casos es normal ponerse a la defensiva ante la amenaza del hype. La realidad es que el dúo procedente de la minúscula y muy musical isla de Wight convenció al prestigioso sello Domino antes incluso de que las vieran sobre un escenario.

Lo nunca visto. ¿Su secreto? Juventud, descaro, humor entre ácido y surrealista enfatizado en sus vídeos, capacidad para destilar píldoras de indie pop con capacidad de cautivar tanto a un público joven, como a talluditos nostálgicos del pop garajero amable o de cierto indie cuya pista puede rastrearse de los noventa (las melodías vintage de The Breeders) a los primeros dos mil. Y, como han reconocido ellas, con la delicadeza vocal de una Adrianne Lenker.

A su favor, Hester y Rhian reconocen que ni en sus mejores sueños pensaban seriamente en

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semejante repercusión antes incluso de haber publicado su debut. Esa sincera frescura es el mayor activo de esta colección de canciones armadas en el estudio del ubicuo Dan Carey (Goat Girl, Fontaines D.C.), de un tiempo a esta parte el productor más ocupado y versátil del Reino Unido. Porque al final eso es lo que hay aquí: doce canciones pop ingeniosas con un punto de sana ligereza y un toque excéntrico, que navegan entre el pasado y el presente, y que no esconden su vocación de querer gustar.

Son pequeñas historias juveniles condensadas en singles tan certeros como “Chaise Longue” o la traviesa “Wet Dream” (“puede que te quieras venir a casa conmigo, tengo ‘Buffalo 66’en DVD…”, cantan), en las que la voz normalmente impasible de Rhian se ve arropada por una instrumentación básica y los coros sutilmente divertidos de Hester. Pueden pasar de las guitarras garajeras (“Angelica”) a las melodías tiernas con un punto perverso (la estupenda “I Don´t Wanna Go Out”, “Loving You”, “Piece Of Shit” y su estribillo) sin que la inspiración se resienta. Tampoco baja cuando canta Rhian (“Convincing”), se ponen hilarantemente ácidas (“Oh No”), festivas (“Supermarket”) o melancólicas (“Too Late Now”), lo cual completa un debut tan convincente como disfrutable. —JC PEÑA

mayo 2022 #41

#42 mayo 2022

MONDOVINILOS

Placebo: fin de la espera Placebo

Never Let Me Go So Recordings

8 INDIE / Han pasado nueve años desde que

viese la luz “Loud Like Love” (13), el que hasta ahora era último álbum de estudio de Placebo. Un largo periodo de asueto que llega definitivamente a su fin con la publicación de “Never Let Me Go”, flamante nuevo elepé de Brian Molko y Stefan Olsdal y octavo dentro de su discografía. Una referencia que recupera aquel sonido clásico y a todas luces reconocible de Placebo, con mayor intensidad que en anteriores entregas y conformando lo que bien podría ser una continuación lógica de “Black Market Music” (00) y “Sleeping With Ghosts” (03).

Una obra copada por trazo intachable e inclusivo, en el que la inconfundible voz de Molko –tan penetrante como elegante y madura– cruza de arriba a abajo unos am-

bientes oscuros y ampliamente sugestivos. El álbum se abre con los ecos industriales de la hermética “Forever Chemicals”, antes de que el espléndido single “Beautiful James” evidencie que el uso de sintetizadores será un elemento clave en el disco. También destaca la inquietante “Surrounded By Spies”, mientras que “Try Better Next Time” es la apuesta pop del lote y los violines engalanan sin eufemismos “The Prodigal”. Ya en el tramo final se ubican

ELECTRO-POP / Este enérgico

y carismático cuarteto de la “down under” tenía la ardua tarea de traernos una pizca del clima australiano al fallido inicio de nuestra primavera, y con ello equiparar su aclamado debut con un trabajo que renovase sus votos y confirmase que su propuesta es capaz de elevar nuestros montantes de serotonina al máximo.

“TILT” cumple exactamente con su propósito, en tanto en cuanto la sucesión de sus ritmos no nos concederá ni un respiro. El viaje entre épocas y el choque temporal protagonizado por pildorazos de acid house (“Feels Like A Different Thing”) se da la mano con extraordinarias notas de liberalismo femenino (“Woman”) y el sugerente relato de un sábado por la noche al que no querremos verle nunca el final (“Push It Up”). Un oasis de dicha, emoción y deleite de esos que a la mañana siguiente cuesta recordar con exactitud, pero que mientras duran no importa nada más. —FRAN GONZÁLEZ APARICIO

7

REGGAE / El reggae está

necesitado de nuevos talentos, de jóvenes artistas que como Misha1dem garanticen su futuro. Tampoco es que ella haya revolucionado el sonido del reggae en este disco, de hecho su música no trasciende mucho más del new roots, pero voces y mensajes como los de esta canadiense asentada en Barcelona auguran la (buena) supervivencia del género. “Black & Alive” te produce esa sensación de revival con la que te vienen al cuerpo las raíces de la música jamaicana al mismo tiempo que te contagia de la energía de una voz joven llena de fuerza y con ganas de cambiar el mundo. Canciones como “Taste Of Freedom” y “Conscious” son ejemplo del espíritu inconformista que se halla tras la privilegiada voz de Misha1dem. El suyo será uno de los grandes nombres del reggae si continúa la línea marcada por este “Black & Alive”.

—ALFONSO GIL ROYO

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Sexy Zebras

soft butch El Genio Equivocado

Black & Alive La Panchita Records

TILT I Oh You

7

Bonitx

Misha1dem

Confidence Man

los aciertos introspectivos, con “This Is What You Wanted”, “Went Missing” y “Fix Yourself” ejerciendo como cierre. El trabajo se ubica entre los dos mundos propiedad de Placebo, pudiendo resultar claustrofóbico pero también esperanzador, en una dualidad realista que señala al momento angustioso e incierto de ahí afuera. El tipo de disco que todos los seguidores del combo ansiaban recibir. —RAÚL JULIÁN

POP / Poco a poco van apareciendo artistas que consiguen hacerse un hueco entre demasiados prejuicios y estructuras inmóviles. Es el caso de Bonitx, une artiste barcelonese que, tras estrenar “bonitx”, ahora se consolida en la escena musical queer española con “soft butch” (en minúsculas). Si una palabra puede definir este trabajo de Bonitx esa es honestidad. Es cierto que su manera de habitar el género es uno de los temas protagonistas de “soft butch”, pero sin duda no es el único, puesto que también hay espacio para la reflexión sobre los vínculos entre personas, diversas preocupaciones individuales y, sobre todo, la crítica social, a la que se acerca en “no me mires, hetero”, por ejemplo, e incluso se arma de sátira en “cosas de chicos”. Aunque este disco contiene buenas propuestas, lo que lo hace especialmente interesante es la semilla que siembra, el cambio al que da a luz, el precedente que establece. —CLÀUDIA PÉREZ

7

Calle Liberación Autoeditado

ROCK / Han conseguido superar la crisis con éxito, de los cambios en la formación a la pandemia, y el resultado es este “Calle Liberación”, cuyo título hace referencia a la calle de Hortaleza en la que se criaron los tres integrantes del grupo. Una reivindicación de su vuelta a los orígenes, pero con la sabiduría que da la experiencia. “Calle Liberación” suena maduro a la vez que fresco, reflexivo pero espontáneo, simple y complejo al mismo tiempo. A día de hoy, Sexy Zebras tan pronto pueden sonar a puro rock como tirar por la new wave ochentera en “O todos o ninguno”. “Jaleo” es, como su nombre indica, una ruidosa invitación a la jarana. “Marte”, por su parte, es una balada cósmica en la que el trío coquetea con la psicodelia. Por no hablar del que ha sido sexto y último single del trabajo, “Una canción para resucitar”, toda una declaración de principios desde su título. La espera ha valido la pena.

8

—JESÚS CASAÑAS mayo 2022 #43

#44 mayo 2022

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MONDOVINILOS

Ho99o9 SKIN Elektra Records

7

CROSSOVER / “SKIN” es el clá-

sico disco que puede que no te diga demasiado en una primera escucha, pero con las sucesivas cambian las conclusiones. Aquí las influencias son bastante claras: NIN, Mike Patton, The Prodigy, Dälek, Death Grips y el horrorcore.

Pero el dúo logra saldar la deuda que genera esa obviedad con algunas composiciones interesantes y un gran sentido de la dinámica. Porque, a pesar de no ser un disco para escuchar antes de la siesta, tiene una escuchabilidad bastante amable. Los llamativos feats son causa de aprobación: el mítico Saul Williams, Corey Taylor (Slipknot), el bocazas de Jasiah y Bun B no pasan desapercibidos. De ahí que Ho99o9 sigan amenazando con convertirse en un grupo más trascendental de lo que han sido hasta ahora. Oscilante entre los colores sepia y una fría gama de grises acero, “SKIN” es cerebral y punzante como la inmortal combinación de electrónica y guitarras que lo domina. —ADRIANO MAZZEO

Compro Oro Estarantos Desorden Sonoro

8

Aldous Harding: madera de clásico Aldous Harding

POP / El cuarteto almerien-

se Compro Oro, tras dejar huella con su debut “Carmen” (19) y demostrar su poderío y magnetismo en directo, reaparecen con un segundo largo en el que perfeccionan su personal fórmula, firmando uno de los mejores discos nacionales de lo que llevamos de año. Y es que este “Estarantos” rezuma autenticidad y pellizco por cada surco, mezclando a la perfección electrónicas y raíces, con letras marca de la casa y una cuidada producción. Doce cortes que son hits en potencia casi por igual, con regusto a mal de amores en vena y el ADN cañí del rock aflamencao y marginal que abanderaron Los Chorbos, Las Grecas y Los Chichos, más un extra de autotune que arde a la luz de una candela de psicodelia y actitud punk. De los “Celos” iniciales, a la lisergia de “¿Qué nos pasó?” o la verbena de “Amores extraños”, pasando por esos descarnados “Claveles” con espinas o la rave sudorosa de “Mala hierba”. —DAVID PÉREZ

Warm Chris 4AD/Popstock!

8 INDIE FOLK / Esta mujer está hecha con la madera de los clásicos. Por derecho propio. Es una artista de raza. De ley. Dotada con un talento descollante, de los que necesitan bien poco para despuntar. Escasos mimbres, pero muy bien dispuestos. Sí, es algo que ya sabíamos por sus tres anteriores álbumes, pero que en este cuarto se confirma con una radiante amplitud de frecuencias, dejando las evocaciones a los espectros de Scott Walker o al polvo de estrellas de Kate Bush como algo demasiado restrictivo, una descripción que es un corsé. La producción corre a cargo de John Parish por tercera vez consecutiva y se nota: esa forma de dejar que las canciones hiervan en su propio jugo, que crujan y palpiten con la crudeza del trabajo artesanal que no requiere superávit de ingredientes, que permite que todos sus elementos respiren por sí mismos y todo fluya con pasmo-

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sa naturalidad, más aún si llegan con el aval de los estudios Rockfield de Gales, crisol de discos canónicos en la historia del pop y del rock.

Pero aquí (casi) todo suena más grácil, más dinámico, más radiante. Y decimos “casi” por su primera mitad: el riff de piano como hilo conductor y el saxo como puntal en una “Ennui”, la dicción slacker a lo Liz Phair (de su primera época) que se enseñorea del primer tramo de la folk pop “Tick Tock”, el ritmo travieso y grácil de una “Lawn” en la que su voz reviste una engañosa liviandad o la conducción imperial de una “Passion Babe” que suena como si fuera la vis femenina de John Cale. Los últimos cuatro cortes de estos diez son otro cantar, más en sintonía con la austeridad de anteriores trabajos, pero ni bajan el listón cualitativo ni desmienten su apabullante versatilidad como vocalista y transmisora de emociones a flor de piel, sin un miligramo de adulteración, aquí realzada como nunca. En las preciosas “Staring At The Henry Moore” y “Bubbles” recuerda a la mejor Nico, y en esa perversa nana de cierre que es “Leatheary Whip” consigue que la voz de Jason Williamson (Sleaford Mods) suene sutil, sin secretar bilis. Un trabajo espléndido, a ratos deslumbrante, de una artista en pleno crecimiento. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

mayo 2022 #45

CD | K7 | LP | LP Ltd - ya disponible en directo: 03.06 barcelona - primavera sound dominomusic.com

CD | LP | LP LTD YA DISPONIBLE #46 mayo 2022

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MONDOVINILOS

Antònia Font: una banda atemporal Antònia Font

Un minut estroboscòpica Primavera Labels

8 POP / Tan sencillo –o tan difícil– como pedirles que fuesen quienes son. Dicho y hecho: Antònia Font vuelven como si el tiempo no hubiera pasado. El combo mallorquín ha demostrado ser una banda atemporal: de las que funcionan, por su gusto orfebre y un encanto críptico, publiquen cuando publiquen.

Los años son más leves para ellos. Pese a que han sido casi diez las temporadas de silencio, “Un minut estroboscópica” interrumpe un punto y coma. Como un amigo al que dejaste de ver. Pero a los pocos minutos juntos, de nuevo complicidad. Encontramos reminiscencias a lo último de su carrera, “Una daixona de pols” suena al “Clint Eastwod” de “Lamparetes” (11), sintetizadores juguetones, pop de cámara, batiburrillos preciosistas (“Cançó de llum”), cambios de tonalidad… Y,

sobre todo, canciones. Canciones de fondo galáctico, precioso primer single homónimo, muy terrenales, como el homenaje a Miquel Riera, reflexiones de corte existencial (“Oh la la”) y temas de amor (“Venc amb tu”). Como siempre, nos encontramos con la pluma sofisticada de Joan Miquel Oliver: versátiles juegos de palabras, recursos literarios por doquier (raros en el pop, paronomasia o anadiplosis) y una bestial sensibilidad por el léxico. Era difícil que Antònia

Oso Oso

Fort Romeau

Sore Thumb Triple Crown Records

Kepler

Beings Of Light Ghostly International

EMO / Menos es más casi siempre, y el último ejemplo es “Sore Thumb” de Oso Oso, un disco mucho menos producido que trabajos previos. Podemos notar las costuras de este cuarto trabajo de la banda de Long Beach, un largo manufacturado por Jade Lilitri y Tavish Maloney durante un invierno pandémico.

La muerte del segundo, que solo tenía veinticuatro años, a punto estuvo de enviar estas composiciones al cajón del olvido. Lilitri, sin embargo, decidió publicarlas como homenaje póstumo. Así, este nuevo plástico captura con extrema fidelidad un instante exacto de la banda, seguramente en su mejor momento, capaces de crear grandes joyas emo pop como “Computer Exploder”, “Nothing To Do” y “Describe You”, y también de introducir en su fórmula percusiones latinas en “Father Tracy” y guiños a The Beatles y The Beach Boys en otras piezas de corte más clásico como “Because I Want To”.

nudos que enlazan el nuevo largo del británico Fort Romeau van atados con suma delicadeza. No sorprende si controlamos al de Chester. En “Beings Of Light” se reitera en su fórmula de crear electrónica excursionista que, aunque no está exenta de fantasmas y recovecos turbios, se digiere sin problemas. El tejido conectivo es bastante similar al de sus anteriores trabajos. Quizás un tanto más intimista y austero en cuando a la arquitectura del sonido.

Ese house y disco que tanto le pirran, quedan reducidos a electrónica dub y minimalista en cortes como “Power Of Grace” o “Ramona”. Este último, bizarro y vidrioso. Pero no faltan tampoco los reconfortantes, bailables y hermosamente hipnóticos como “Untitled IV” y “The Truth”. Charcutería fina a la altura de The Field, con atmósferas notables y equilibrio.

—LUIS BENAVIDES

—BRUNO GARCA

8

7

ELECTRÓNICA / Los ocho

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Font le perdiesen el pulso a lo que funciona; ellos han marcado el surco de lo que fluye. La sensación es que Joan Miquel Oliver ya se ha fogueado todo lo que debía con su proyecto personal. Por ello, compone para sumar temas, para explotar como solo él sabe la voz de Pau Debón y, en esencia, para contentar a los fans de la banda. Al final era tan sencillo como pedirles a Antònia Font que fuesen Antònia Font. —YERAY S. IBORRA

Ciudad Jara

Hasta que duelan los pies Lengua Armada

7

PUNK ROCK / “Hasta que due-

lan los pies” supone el primer larga duración de Kepler, que ya habían debutado discográficamente en 2019 con un EP de cinco canciones, y que cogen prestado el nombre al astrónomo y matemático alemán Johannes Kepler. Solo que esta vez pilló la crisis sanitaria de por medio, así que tras dos años llega al fin esta ópera prima. Una docena de temas de punk rock noventas, fresco y pegadizo, a medio camino entre el hardcore melódico, el rock y el metal, con un sonido sorprendentemente compacto. Y lo mejor, evitando en todo momento la monotonía o el caer en clichés en sus letras, defendidas por la genuina voz de Daniel Casado y acompañadas en todo momento de los coros característicos del género. Los adelantos “Invencible” y “Renegados” fueron buena muestra de ello. Pero también dejan hueco para medios tiempos limpios y acústicos como “El eco de tu voz” o “Adiós”, y para riffs gordos como el de “Esencia”. —JESÚS CASAÑAS

CINEMA El último pasillo

POP / Ciudad Jara supieron reponerse del golpe y tras el prepandémico “Donde nace el infarto” (19) nos deleitan con “CINEMA”. La banda de Pablo Sánchez rompe en estas diez canciones con esos clichés que arrastraban de épocas pasadas, tanto a nivel sonoro como compositivo. Es un disco que se gesta durante la pandemia y en el que podemos rememorar varios sentimientos: desde el golpe de realidad y positivismo en “Para volver a rodar” hasta la lucha por la vuelta a la normalidad en “Cuzco” o “Mamuts”. Pero no solo se habla de pandemia, también de las ambigüedades que viven los artistas en “Cantantes” y “Maldito escritor” o de ese anhelo de la niñez y la vuelta a épocas mejores en “Foto con melena”, el hit del álbum que emociona más con cada escucha. Seguramente este disco defraude a los que echan de menos a La Raíz; pero a los demás les parecerá un gran paso evolutivo.

8

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO mayo 2022 #47

49/Mondo Media

CINE

Ingrid García-Jonsson Muerte en Venecia “Veneciafrenia”, el último descenso a los infiernos orquestrado por Álex de la Iglesia, es una oda al giallo y a las resacas históricas.

Tras conquistar el musical en “Explota, explota”, la actriz Ingrid García-Jonsson no le tiene miedo a un par de asesinos enmascarados.

C

ÓMO FUE PREPARAR el papel de Isa? Al fin y al cabo “Veneciafrenia” es una película que oscila entre una comedia desfasadísima y un cine de género puro y crudo…

Lo preparé tal y como lo preparo todo; con mucho ensayo por mi cuenta, con mucho estudio e intentando tener claras todas las posibilidades que le podían interesar a Álex. Volví a ver toda su filmografía para tener claro qué tipo de personajes le gustan y cuál es el tono de sus proyectos. Puedes ver una película de Álex de la Iglesia y saber que es suya, y creo que eso tiene mucho que ver con sus personajes. Son personajes que van siempre de cero a cien. Quería tener eso lo más controlado posible para luego a la hora de rodar –y además sabien-

do que era una película que se iba a hacer en muy poco tiempo– estar lo más inmersa en el “mundo Álex de la Iglesia” posible.

Hay que estar dispuesta a hacer y no pensar, a tirarse a la piscina.

—Hay una parte de la película centrada en la fiesta y el puro hedonismo que, estando aún en época pandémica, llegaba a ser incluso anacrónica. ¿Cómo viviste esa parte del rodaje en Venecia?

Teníamos muchísimas ganas de rodar eso [risas]. Al fin y al cabo era nuestra oportunidad de pegarnos un fiestón en un momento en el que no te podías reunir con más de cuatro personas en Madrid. Daba susto, eso sí. Pero los rodajes son entornos muy controlados y este en concreto aún más… ¡La verdad es que fue un fiestón! ¡Te aseguro que Ingrid se lo pasó mejor que Isa! —De hecho ese ambiente de fiesta se trasladó por completo a la presentación de la película en el festival de Sitges.

Fue algo muy intenso. Rodar con Álex no es fácil y esta película tampoco lo fue. Me lo pasé muy bien, pero estuvimos al límite en muchas situaciones. Revivir esa experiencia después de un año con tanta gente reunida en un mismo espacio me pareció algo extraño. Ver las películas por primera vez para mí es algo muy íntimo y tener que

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FOTO: ARCHIVO

e “No quería ser yo la qu lesia” matara a Álex de la Ig compartirlo Enrico Lo Verso, Silvia con tantísima Alonso, Álex de la Iglesia gente es muy e Ingrid García-Jonsson especial, pero también muy duro. Volver a juntarnos todos después de un año fue bonito. Pero después de la proyección y los aplausos me fui a mi habitación a llorar [risas]. No podía con tantas emociones.

—Recuerdo que en esa misma proyección Álex dijo que había sido el rodaje más difícil de su carrera. ¿Ha influido mucho el rodar en Venecia?

Rodar en Venecia es imposible. No es imposible porque lo hemos hecho, pero te pone en situaciones muy complicadas. En Venecia no hay coches, tienes que moverte en barco. Los tiempos son otros, las dimensiones son otras… La película era muy ambiciosa y los planes iban muy ajustados.

Y a todo esto se le suma el hecho de estar rodando una película de terror. Estás experimentando cosas desagradables y difíciles de ver, y eso al final influye mucho al equipo. Recuerdo a Álex diciendo que le iba a dar un telele y que ya no tiene edad como para esto [risas]. No quería ser yo la que matara a Álex de la Iglesia. —DANIEL GRANDES

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mayo 2022 #49

CINE Y SERIES The Garlic Phantoms.

Esplendor y caída

Studio 666

Juan Pérez-Fajardo

B.J. McDonnell

8 DE ALGÚN MODO, cabe entender la cinta de Juan Pérez-Fajardo como una versión castiza y actualizada de aquella mítica ida de olla que era “This Is Spinal Tap” (Rob Reiner, 84). Todo un piropo para una obra igual de descacharrante que abre en canal aquellos entresijos que podrían mover los hilos de la escena musical del indie-poprock en este país. El argumento de este mockumentary se centra en la efímera aunque intensa trayectoria de The Garlic Phantoms –Edu Molina y el propio Juan Pérez-Fajardo que dirige la cinta– que, en base a una única canción, consiguen reventar esa escena.

Una espiral de éxito mal digerido y guiada por un representante de dudosa reputación que acabará en lucha de egos y todo tipo de excesos propios (y obligados) del rock & roll. La disponibilidad del realizador para abarcar estratos es

precisamente una de sus virtudes, repartiendo a diestro y siniestro.

Colegueo entre bandas, festivales, el fenómeno fan, prensa musical y publicidad, promotores de salas y festivales, y hasta los plagios.

Nada ni nadie se libra de la mirada cínica de estos chalados canallescos, manteniendo como constante argumental una hiriente fidelidad a la realidad en clave de humor. A pesar de que pierda algo de fuelle en su tramo final y hubiese ganado efectividad de haber sido acortado ligeramente, estamos ante un film divertidísimo y que, al mismo tiempo, da en el clavo y oferta pistas importantes acerca del sarao infinito que mueve esa mezcla de negocio y pasión que es la música, tras desgranar tópicos con chispa, ironía, humor negro pero también generosa veracidad.

—RAÚL JULIÁN

6 TODA LA PLANTILLA de Foo Fighters puede presumir de tener un gran sentido del humor, tal y como ha demostrado en gran parte de los videoclips y cameos televisivos que ha protagonizado a lo largo de su carrera. En “Studio 666”, la banda originaria de Seattle vuelve a poner sobre la mesa este factor metiéndose de lleno en la interpretación con una película en la que se parodian a ellos mismos mezclando comedia con terror y gore con todos los clichés posibles de estos géneros. “Studio 666” recrea la situación hipotética del grupo pasando un bache artístico mientras graba su décimo disco con el objetivo de pagar una serie de deudas. Dave, Taylor –en paz descanse–, Pat, Chris y Rami se alejan del mundanal ruido y se encierran en la típica mansión embrujada en la que suceden cosas extrañas (idea de su mánager)

Morbius

X

Daniel Espinosa

Ti West

8

4 JARED LETO PARECE estar últimamente maldito por lo que respecta a su carrera cinematográfica.

En muchos casos sin él tener la culpa. Véanse “Escuadrón Suicida” (16) y –en cierta medida– “La casa Gucci” (21). Y no parece que las cosas vayan a cambiar con “Morbius”. Tras años de retraso, Daniel Espinosa firma la que probablemente sea la peor película de su filmografía y una de las peores del UCM junto a “Venom 2” (21) o la denostada –aunque infravalorada– “El increíble Hulk” (08). En esta cinta se nos cuenta la historia de Michael Morbius (Leto), un bioquímico que sufre una extraña enfermedad en la sangre que le lleva a la búsqueda de una cura que, cosas de la experimentación clínica, acabará convirtiéndole en un vampiro y dotándole de poderes sobrenaturales. El caso es que

y que esconde un secreto en su sótano que provocará la posesión de Dave y consecuente inspiración de éste para grabar un disco influenciado por el metal de bandas como Venom, Celtic Frost o Slayer.

En el transcurso de los excesivos ciento seis minutos de duración van sucediendo los variopintos y bastante logrados asesinatos de los distintos miembros del grupo, que logran por los pelos el cometido de divertir gracias también, en parte, a los cameos de la joven promesa Jenna Ortega (“Scream 5”, “X”), Kerry King (Slayer) o los mismísimos Lionel Richie y John Carpenter. Es cierto que la interpretación no es el fuerte de Grohl y compañía, pero esa es parte de la gracia de esta película que lleva al límite lo paródico de cada miembro consiguiendo despertar la curiosidad del espectador.

—JAIME TOMÉ

ni las sólidas interpretaciones de Jared Leto, Adria Arjona y sobre todo Matt Smith –quien lo da todo en sus papeles– logran salvar un barco que, salvo inesperada sorpresa de taquilla, parece destinado a hundirse.

Los motivos son un guion excesivamente convencional –algo que era de esperar viendo que los guionistas al mando son los autores de títulos tan infames como “Dioses de Egipto” o “El último cazador de brujas”–, la tortuosa e inconexa edición y unos efectos especiales excesivos y confusos, propios de producciones superheróicas fallidas de años atrás como “Daredevil” (03) o “Linterna verde” (11), por poner dos ejemplos. Todo ello dinamita una película que se presumía interesante y que ha terminado por ser un blockbuster plano y olvidable. —ALEJANDRO TEIGA ROBLES

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SI BIEN LA RECIENTE “Scream” era una película que lograba totalmente sus pretensiones como placer culpable y “La abuela” de Paco Plaza ha logrado encontrar su público –siendo una obra inferior en la filmografía del director español–, “X” de Ti West (“La casa del diablo”, “The Sacrament”) es una firme candidata a ser la película de terror del año. Y es que estamos ante todo un festín para los fans del terror protagonizado por las nuevas scream queens Mia Goth –interpretando a dos personajes– y Jenna Ortega, habituales en los últimos años en diferentes películas del género. Les acompañan unos inmensos Martin Henderson, Brittany Snow, Owen Campbell, Stephen Ure y el rapero Kid Cudi. Homenajeando al cine de explotación y al slasher, sus principales fuentes de inspiración recaen en el cine de Mario Baba,

Darío Argento o Rob Zombie, con cierto toque de “Boogie Nights” (97) y especialmente “La matanza de Texas” (74) de Tobe Hooper.

Como es de imaginar, la premisa no sorprenderá a nadie: un grupo de jóvenes llega a un lugar hostil en el que la gente que vive allí, no les reciben con los brazos abiertos precisamente. Tampoco la ambientación, en los Estados Unidos de los años setenta, pero West sabe sacarle muchísimo partido.

Es apabullante, sucia y totalmente opresiva, recalcando en todo momento la hostilidad del lugar y de sus habitantes. Véase el programa del predicador evangelista proyectado en la televisión de los ancianos, leitmotiv de la trama, o el magistral plano cenital en el pantano. A eso podemos sumarle homenajes a clásicos del terror como “Psicosis” o “El resplandor”.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES mayo 2022 #51

CÓMICS

LIBROS Nothin’ But A Good Time

¿Por qué estamos polarizados?

Tom Beaujour & Richard Bienstock Neo-Sounds

Ezra Klein Capitán Swing

7 ¿Es la polarización política la enfermedad? ¿O más bien la sintomatología de algo mucho más profundo? El afamado columnista y editor Ezra Klein propone un viaje repleto de lucidez hacia los entresijos del sistema político estadounidense, sus políticas de identidad y la correspondiente evolución que han experimentado a lo largo de las últimas décadas. Más allá de su lectura –ágil y amena, pero rigurosa–, el principal acierto de Klein reside en saber profundizar en los diferentes escenarios que han conducido a la crispación social: la fusión de las identidades culturales con las políticas, el impacto de los nuevos medios, las lógicas del razonamiento colectivo, la inundación imparable de las emociones en el debate político…

Tan interesante como perturbador.

—TOMEU CANYELLES

Nora Krug Salamandra Graphic

7

7 Nunca un título –el del libro y el de la canción de Poison– ha sido más evocador de una época. Y es que estamos ante una narración oral por la que transitan desde Van Halen hasta Guns N’ Roses, pero cuyos principales protagonistas son aquellos grupos que tiñeron de melodías pop, testosterona, laca, maquillaje y color el rock duro estadounidense (por no decir angelino) de los ochenta: Mötley Crüe, Ratt, Quiet Riot, Warrant, Dokken, Poison, Stryper, L.A. Guns y muchos otros.

A partir de sus declaraciones nos sumergimos en los inicios, el auge y la posterior caída de toda una generación de rock stars obsesionados con el éxito y que hizo bandera de los estribillos, pero también del hedonismo, los excesos y el sexo por el sexo.

—JOAN S. LUNA

Nora Krug conquistó nuestros corazones con aquel complejo, riquísimo y premiadísimo “Heimat, lejos de mi hogar” en el que la autora nos hablaba sobre huir de la complicidad de algo tan aberrante como el Holocausto.

Ahora acude al texto del superventas del mismo nombre de Timothy Snyder para tomar partido, como diciendo a la tiranía y al autoritarismo “No con mi silencio”. El resultado es una suerte de ensayo visual –ni cómic, ni novela gráfica– que podemos describir con las palabras que Octavio Botana escribió en este mismo medio sobre “Heimat”: “se debe comprar, regalar y disfrutar como el buen whisky, a sorbitos, a tragos cortos. Lo que viene a ser degustar”. Cuanta razón Botana, y cuanta razón Krug y Snyder.

—ESTHER RIUS El almanaque del vídeo. Histo-

Yo creo que Bansky eres tú

Remate Mrs. Danvers

IN.

Will McPhail Norma Cómics

ria gráfica y oral de la era del videoclub Xavi Sánchez Pons Males Herbes

7

¿Cuál fue la primera cinta que viste en el reproductor VHS del salón de tus padres? ¿Cuál llegaste a desmagnetizar tras darle al play mil y una veces? ¿Cuándo pisaste por última vez un videoclub?

Estos y muchos otros recuerdos asaltan al lector al sumergirse en las páginas de este documentado repaso a la historia de un formato y una industria indisociables de los ochenta y que marcó la educación audiovisual y sentimental de toda una generación. Repleto de fotos y carátulas que recrean la sensación de perderse entre las estanterías de santuarios del cine, “El almanaque del vídeo” te transporta al pasado con la efectividad del aroma más evocador.

Más romántico y entusiasta que nostálgico, el libro reivindica el papel del VHS en la cultura pop.

—JOSÉ DE MONTFORT

—DAVID SABATÉ

Cómo ser feliz

Eleanor Davis Astiberri

8 Con un precedente como “El difícil mañana”, Eleanor Davis no podía hacer otra cosa que quedarse corta. “Cómo ser feliz” es bueno, es excelente, zeitgeist del mejor. Porque si algo sabe hacer Davis a sabiendas o de una manera involuntaria es leer el mundo en el que vive, sus miserias y sus ansias, sus ganas de superarse, de comprenderse y, de algún modo, de cambiar a mejor. A través de short-stories con sus registros y sus colores y sus tonos diferenciados, Davis presenta un elenco de personajes a la búsqueda de la felicidad.

Gerentes que huyen de sus empresas, familias que viven en futuros distópicos, músicos, madres, adolescentes... una panoplia coral en un cómic fabuloso de una de las grandes autoras de su generación. —OCTAVIO BOTANA El accidente de caza. Una historia real de delincuencia y poesía David L. Carlson y Landis Blair Planeta Cómic

8

Es esta nouvelle una suerte de opereta postmoderna, un gran espectáculo donde las historias se contrapuntean con la música (que es casi un personaje más), pero en pequeño formato. Una serie dividida en diez episodios que mezcla diferentes artes; un festival sinestésico que se desarrolla en un tiempo elástico y en el que se nos presenta la figura de Bansky como paradigma de la contemporaneidad (aquel que no es nadie y, a la vez, puede ser cualquiera: un vacío de significado, pues). Un Bansky que aparece anárquico y caótico, de manera casi accidental (al modo del error perceptivo) por los diferentes planos visuales por los que, como quien moviera la lente de la cámara, nos guía el narrador.

#52 mayo 2022

Sobre la tiranía

8 En su primera obra larga, el británico Will McPhail maneja a su antojo las fronteras entre lo triste y lo divertido, entre lo entrañable y lo melancólico. Y lo hace con tal maestría que resulta complicado no emocionarse frente a los problemas de Nick, el protagonista, para comunicarse honestamente con sus semejantes. Es posible que las primeras páginas de este magnífico “IN.” provoquen cierto desconcierto, pero conforme la acción avanza descubrimos que los humanos dejamos de ser lobos para convertirnos en almas cercanas cuando hablamos desde el corazón incluso con desconocidos. Suena muy cándido, lo sé, pero McPhail nos cuenta el viaje de Nick con tal frescura que cada página es un disfrute y un motivo más para abrirnos a los demás.

—JOAN S. LUNA

9 El pasado año, “El accidente de caza” se llevó la Fauve D’Or de Angouleme en una edición con duros contrincantes, pero leyendo estas más de cuatrocientas páginas se entiende. Porque si resulta complicado narrar la evolución de un protagonista como Matt Rizzo –quien sufre ese “accidente de caza”– lo es todavía más conseguir que nos metamos en la cabeza de alguien de la laberíntica y oscura personalidad de Nathan Leopold, aquel con quien debe compartir celda y al que repudiamos tanto como intentamos entender. Pero Carlson y Blair lo consiguen con una obra que nos habla sobre sufrimiento, sobre redención, sobre la traición o sobre mentiras piadosas. Sobre la complejidad del comportamiento humano, en suma. —JOAN S. LUNA

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¿Crees que “El Señor de los Anillos” es El Cigala?

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BELLE AND SEBASTIAN NUEVO ÁLBUM 6 DE MAYO

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mayo 2022 #53

ESPECIALES WEB

Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com

Recordando a Taylor Hawkins:

Repasamos “The Boatman’s Call”

“Mi hermano de otra madre, mi mejor amigo, por el que daría la vida”. Así, en estos términos tan profundos, escribe Dave Grohl en su recién publicada autobiografía sobre su inseparable Taylor Hawkins. Por desgracia nos vemos en la tesitura de repasar su carrera en 10 momentos con motivo de su fallecimiento poco antes de dar un concierto.

En 1996 Nick Cave pasaba por un momento duro, seguía enganchado a la heroína y se acababan de romper dos relaciones muy importantes para él, la primera con la madre de su primer hijo, Viviane Carnero, la segunda el breve, pero apasionado, romance que mantuvo con PJ Harvey, una cantante que le igualaba en intensidad.

Coordinador general Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com PUBLICIDAD Director comercial Dani López T. 687 914 719 dani@mondosonoro.com Coordinador publicidad David Morell T. 607 366 693 david@mondosonoro.com Ed. Madrid Publicidad: María Alfonso maria@mondosonoro.com T. 915 400 055 Ed. Cataluña Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com T. 607 366 693 Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró T 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Iker Bárbara T. 665 050 639 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia sur@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González T. 699 339 245

Error! Design

The Cure es el ejemplo más claro de pop de baile de disfraces. Su carrera está plagada de cambios de dirección, en los que el más significativo y dañino fue “Pornography” (1982). Cuarenta años después de su publicación, conserva latente la primigenia intensidad malsana que lo elevó a la condición de disco autodestructivo.

Xavi Forné es el nombre que se esconde tras Error! Design, probablemente uno de los diseñadores gráficos más conocidos dentro del panorama musical. Ahora presenta “Error! Design: 20 Years Of Music Artwork” (E!D, 22) un libro que recoge su trabajo y con el que celebra una trayectoria de más de veinte años.

FLASHES

40 años de “Pornography”

Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Álvaro Tejada, Anaïs López, Andreu Cunill Clares, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Esther Rios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jose Carlos Peña, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Marcos Gendre, Mariona Longarón Ropero, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Víctor Naharro, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros Depósito legal B. 11 809-2013

Fyahbwoy

Sofi de la Torre

Exactamente, una década y media, es lo que lleva Fyahbwoy haciendo música de forma profesional y con una repercusión tan grande que ha conseguido marcar a una generación entera de jóvenes. Si la cultura urbana era para raros, qué decir del universo reggaedancehall, del que Fyahbwoy es precursor en España. Sin él, quizá Bad Gyal no existiría.

Ecléctica, poco conocida por el gran público y, aún así, capaz de grabar con un icono como Pablo Alborán o con uno de los referentes de la escena urbana como Cruz Cafuné. Sofi de la Torre también es capaz de sumarse a un ritmo marcado por los 808’s mientras planea el lanzamiento de una balada R&B.

#54 mayo 2022

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mayo 2022 #55