Mondo Sonoro marzo 2021-2

Nº 293 Marzo/2 2021 www.mondosonoro.com

C. TANGANA, KINGS OF LEON, SHINOVA, EVANESCENCE, RAYDEN, CHRIS FRANTZ

Sen Senra Alma libre

EL PETIT DE CAL ERIL XOEL LÓPEZ CLARA PEYA PAU VALLVÉ MARWÁN IVÁN FERREIRO EL KANKA INDIA MARTÍNEZ MALA RODRÍGUEZ SECOND CARLOS SADNESS NOUVELLE VAGUE ARNAU GRISO NIL MOLINER JUDIT NEDDERMANN JOAN MIQUEL OLIVER VIC MIRALLAS

DANIEL SABATER LOS SECRETOS KEVIN JOHANSEN ELS AMICS DE LES ARTS FERRAN PALAU LA M.O.D.A MARCEL I JÚLIA COQUE MALLA ANDRÉS SUÁREZ SUU MUCHACHO Y LOS SOBRINOS MARÍA PELÁE MARTA SOTO ALBA CARMONA M CLAN LUCÍA FERNANDA

JUANITO MAKANDÉ PEDRO JAVIER GONZÁLEZ MERITXELL NEDDERMANN CIAO MARINA LILDAMI THE MILK CARTON KIDS DANNY OCEAN BELY BASARTE ZUCCHERO ELEFTHERIA ARVANITAKI CHARLIE CUNNINGHAM Aplazados al 2022: JOE SATRIANI LIGABUE PAT METHENY

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Empieza casi a ser tendencia.

Esto de que los músicos de rock de estadio se hayan tomado el largo barbecho escénico como una forma de focalizar sus esfuerzos en discos poco explosivos, que no están pensados para petarlo en directo (porque no hay nada que petar sin giras en el horizonte), empieza a ser cada vez más común. Es también el caso de Kings Of Leon con un continuista “When You See Yourself” (Sony, 21)

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E NUEVO producido por Markus Dravs (Coldplay, Arcade Fire), que se esmera más en la evocación de un estado de ánimo concreto que en la facturación de singles en potencia, “When You See Yourself” es un octavo disco que, según la propia banda, es el más confesional

de su carrera (¿la clásica coletilla de disco de madurez?). En él, la banda juega con los límites de la realidad y con la percepción de la propia imagen externa del grupo y todas sus aristas. Hablamos por teléfono con Jared Followill, bajista, hermano pequeño y benjamín (34 años aún) de los de Nashville, quien nos atiende desde Florida, donde pasa unos días de vacaciones.

—¿Cuál crees que es la principal diferencia entre este álbum y el primero?

Creo que hemos trabajado más duro en este. Quizá no haya una gran diferencia, pero nos hemos tomado tres veces más tiempo que con otros discos. No tomamos ningún atajo en la grabación, hemos podido prestar atención a todos los pequeños detalles, y estamos contentos con el resultado.

—¿Habéis tenido más tiempo debido al parón de la industria?

Bueno, en realidad lo teníamos ya terminado justo antes del primer confinamiento. Pero hemos tenido todo un año para darle vueltas, y aunque por suerte no tuvimos la necesidad de volver sobre nuestros pasos y cambiar nada esencial, era un desafío estar contentos con el resultado antes incluso de que

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FOTO: ARCHIVO

5/Mondo freako

Kings Of Leon Mirando hacia dentro

fuera publicado. Por eso intentamos no repensar demasiado las cosas. A veces puede ser perjudicial.

—Tengo la impresión de que no hay muchos hits en potencia. Lo más cercano serían canciones como “Stormy Weather”, “Time In Disguise” o “Echoing”. Pero prevalece la idea de que el álbum que es como un estado de ánimo global, por encima de lo que sería un simple acopio de canciones nuevas. ¿Lo veis así?

Sí, de hecho, esa fue una de las primeras reglas que nos marcamos al principio de la grabación: no pensar en singles, en absoluto. Resultó así porque ninguna de las canciones es muy corta. Hemos tenido largas conversaciones con nuestro sello y con nuestro management sobre cuáles serían las más adecuadas para salir como singles, y es complicado porque todas duran más de cuatro minutos y quince segundos, y eso es un problema. Pero no queríamos escribir canciones que tuvieran hechura de singles o hits, ni nada por el estilo. Solo un cuerpo de trabajo que fuera como un todo al que respetar.

—Es el segundo trabajo consecutivo en el que trabajáis con Markus Dravs

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“Somos tan distintos a los de 2003, que no pasaría nada si cambiáramos de nombre”

marzo 2021 #5

MONDO FREAKO "Intentamos no fijarnos demasiado en bandas nuevas porque no es algo que intentemos hacer, no tratamos de copiar a ninguno de nuestros contemporáneos"

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(Arcade Fire, Coldplay, Mumford & Sons) como productor. ¿En qué medida se nota su mano en vuestras canciones?

Se implica muchísimo en la construcción de las canciones, y nos ayuda mucho. Le presentamos las canciones en una maqueta y él las deconstruye por completo, de forma que es como si empezáramos de nuevo de cero. Luego vamos recuperando ideas que teníamos en un principio pensadas para cada canción, al mismo tiempo que él va añadiendo cosas por aquí y por allá.

Es un productor muy recto y trabajador. Nos hace trabajar muy duro, y creo que, precisamente por ser así, saca lo mejor de nosotros. No nos permite optar por la vía fácil. Ni tomar atajos. Eso nos viene muy bien, teniendo en cuenta la cantidad de discos que tenemos ya en nuestro catálogo, que nos podrían incitar a acomodarnos. Nos encanta trabajar con él.

—Por las letras y los títulos de algunas de las canciones (“Time In Disguise”, “Fairytale”, “The Bandit” o incluso “When You See Yourself, Are You Far Away”), ¿dirías que la percepción de la identidad y los límites de la realidad es la idea central del disco?

Sí, la idea que domina el álbum es esa. La identidad y la forma en la que te ves a ti mismo, la forma en la que te ven los demás y la importancia que eso tiene, pero no fue una idea preconcebida antes de empezar a grabar, simplemente es como fueron sucediendo las canciones: una a una, empezaron a casar unas con otras.

Aparecieron ligeras coincidencias entre algunas, vimos que unas enlazaban con otras. Se puede decir que esa es la idea común que subyace a todo el disco.

—¿Es fácil mantener una buena convivencia y frescura creativa entre tres hermanos y un primo después de casi veinte años de carrera y todo lo que habéis vivido?

Sí, siempre es un desafío, más teniendo en cuenta el tiempo que llevamos juntos, y que nos hacemos mayores. Es más fácil cuando estamos en el estudio, porque estar enfrascados en la creación de algo nuevo es lo que más nos ilusiona. Cuando tocas en directo, tienes una energía que se contagia al público, pero estás tocando las mismas canciones una y otra vez. Cuando te metes en el estudio, todo es nuevo. Eso te da toda la chispa y la excitación que posiblemente no has sentido desde la última vez que te metiste en uno. También te da la oportunidad de cambiar la forma en la que la gente ve a tu banda, de reescribir tu propia historia y ganarte el respeto de gente cuya adhesión puede haber perdido por los discos anteriores. Y a la vez, también puedes perder el respeto de otra gente. Pero siempre es divertido tener algo nuevo entre manos. #6 marzo 2021

—¿En qué medida sois distintos de aquellos chava-

les que debutaron en 2003, con “Youth And Young Manhood”? ¿Pensabais que vuestra carrera llegaría hasta aquí?

Creo que ninguno de nosotros lo pensaba. En realidad, creo que nadie lo pensaba. No pensábamos que fuéramos ni a vender tantos discos ni a estar tanto tiempo juntos. Somos músicos completamente distintos a los de entonces, hasta el punto de que no pasaría nada si nos cambiáramos el nombre. No soy un gran bajista.

Tampoco lo soy ahora, ojo, pero me resulta todo mucho más fácil hoy en día. Es una diferencia como de la noche al día. Como si aquella hubiera sido otra vida.

Me resulta complicado recordar los sentimientos y las emociones que tenía entonces, cuando empezamos.

—He leído hace poco en la revista American Songwriter Magazine unas declaraciones en las que decías: “estoy lidiando con el hecho de hacerme mayor, no me gusta la pinta que tengo, y odio verme en las fotos, por eso me gusta esa sensación de misterio que dan muchas de muestras imágenes promocionales, que son borrosas”. ¿Tan mal llevas esto de la edad? Eres el más joven del grupo, solo treinta y cuatro años.

Pues es algo duro, no te creas. Sobre todo para mí, que siempre he sido el chiquillo del grupo, el hermano pequeño, cuando empezamos solo tenía quince años.

Vives tu vida de ciudad en ciudad, con todo el mundo recordándote lo joven que eres, cuando tienes dieciséis o diecisiete, hasta que un día te ves rodeado de gente que es más joven que tú. Cuando empecé a pedir botellas de vino en los restaurantes sin que me pidieran el carnet de identidad, fue un punto de inflexión. Esto de estar casado, ser padre e intentar ser una estrella de rock (aunque odio esa expresión) es algo muy extraño, te pone un poco del revés y te descoloca, la verdad. Es una transición difícil, pero creo que todos estamos muy contentos con nuestra vida. Simplemente es diferente. Tienes que manejarte en una vida que es nueva y distinta.

—Por cierto, ¿qué música escucháis últimamente? ¿Hay algo que os haya supuesto una revelación, un gran descubrimiento, y que haya podido influiros?

Creo que todos nosotros tenemos, individualmente, distintas fuentes de inspiración, pero intentamos no fijarnos demasiado en bandas nuevas porque no es algo que intentemos hacer, no tratamos de copiar a ninguno de nuestros contemporáneos, pero siempre mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

LA MÍA Vivos, muy vivos

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nos hemos nutrido de la música alternativa de los años ochenta, como Echo & The Bunnymen, Television, The Replacements, New Order… y eso no significa que no nos gusten muchas bandas nuevas, claro. Hay un grupo de Oklahoma, Broncho, que ahora mismo son mis favoritos, no puedo dejar de escucharlos. Tame Impala también me encantan. Se publica muchísima música buena hoy en día.

—Por cierto, siempre he sentido curiosidad por saber cómo os tratan en Nashville. Sois la banda más popular de una ciudad que es como la meca del country rock, que es algo de lo que os habéis alejado hace ya mucho tiempo. ¿Se os ve con cierta suspicacia por parte de la ortodoxia?

Probablemente. Tampoco prestamos mucha atención a lo que se dice de nosotros. Pero fue un desafío, sin duda. Es fácil que te estigmaticen. Nashville no es conocida por el rock, en absoluto. No hay muchas bandas de rock decentes allí. Nunca las ha habido.

Pero todos los músicos son buenísimos. Allí te sientes siempre rodeado de músicos increíbles, ya sean de country, de blues o de vientos. Eso te obliga a mejorar, a incrementar tu nivel técnico para no quedar en evidencia en el escenario, por culpa de cualquier músico mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

que sea mejor que tú. Esa es la parte positiva, que puedes aprender de músicos que sean de géneros completamente diferentes al tuyo. Por mucho que lo nuestro sea el rock, y no el country.

—La última vez que os vimos por aquí fue hace poco más de un año y medio, tocando en el FIB, en julio de 2019. Supongo que debéis echar mucho de menos los escenarios. ¡Oh, Dios mío! ¡Estamos deseando volver! Cada vez que lo pienso, me entran ganas de llorar. Tocar delante de tanta gente, y ese intercambio de energía con el público, se puede convertir en una droga. Es duro que te lo quiten sin previo aviso. Y no hay nada claro sobre cuándo vamos a poder volver a hacerlo. Obviamente, es un shock enorme para el mundo de la música. Todos los músicos que conozco se sienten igual.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

R Más en www.mondosonoro.com

a muerte por Covid-19 volvió a dejar un cadáver ilustre dentro del movimiento alternativo latinoamericano.

Aunque es verdad que Sax, carismático integrante de Maldita Vecindad y Los Vecinos del Quinto Patio, tenía una salud muy delicada antes de contraer el virus, no es menos cierto que su marcha con tan solo 52 años de edad, deja un terrible sabor de boca -otro más- en todo lo relacionado con esta maldita pandemia que tanto nos ha cambiado la vida. Cuando alguien se va para siempre, lo normal es recordar los buenos momentos que nos proporcionó en vida. Y aunque es verdad que Maldita Vecindad no fue un grupo que se prodigó demasiado en directo por nuestro escenarios, no puedo dejar de pensar en el disparatado concierto que protagonizaron en la antigua sala KGB de Barcelona en la que fue su primera visita en marzo del 93. Por entonces andaban presentando “El Circo” (91), primer álbum que acabó resultando el mejor y más emblemático de todos, con canciones memorables como 'Pachuco', 'Solín' o 'Kumbala'. Recuerdo con mucho cariño, a pesar de que ya han transcurrido la friolera de 28 años, que fue uno de esos directos que prevalecen en la memoria sobre todo por el desmadrado final. Una fiesta por todo lo alto en la que el grupo invitó al público a hacerse cargo de sus instrumentos, liando un guirigay de dimensiones cósmicas. Uno de esos conciertos en los que se suda y se disfruta de forma corpórea. Y puede que sea la nostalgia de crítico envejecido, pero uno echa mucho de menos bolos como aquel de los Maldita. Directos que se convertían en toda una celebración y que se grababan a fuego en tu memoria. Y eso es algo impagable. Podría ponerme nostálgico y recordar bolos como la primera visita de Marilyn Manson a la Bikini de Barcelona, donde demostró que estaba lejos de ser una persona muy equilibrada; el famoso concierto de Ryan Adams en esa misma sala donde se negó a seguir tocando hasta que el público no le devolviera el zapato (sic); al loco de Tyla de los Dogs D'Amour rajándose con una botella de vino el torso en la KGB de Barcelona; la primera visita de Rammstein a la sala Garatge o de Gwar, los Ramones, The Cramps, Mano Negra, Supersuckers, QOTSA, Living Colour, Motorhead, Black Crowes... Tantos y tantos momentos inigualables que nadie podrá borrar y de los que andamos tan necesitados. Porque pocas cosas son comparables a un concierto con una sala entregada y un grupo dándolo todo en el momento más álgido de su carrera.

El frenesí que puede llegar a generarse, es una sensación única que buscamos revivir una y otra vez, aunque no siempre se alcance de nuevo. Por eso, aunque está muy bien eso de la cultura segura y asistir a directos haya sido casi un acto de militancia, no es menos cierto que estamos deseando volver a saltar, derramar nuestra cerveza y bailar como alma que lleva el diablo. Queremos volver a sudar y sentirnos que estamos vivos muy vivos. ¡Ojalá sea pronto! —DON DISTURBIOS

marzo 2021 #7

ENTREVISTA

A veces, las canciones suelen tener mucho de premonitorio y cobran su verdadero significado tiempo después de haber sido creadas. Puede ser el caso de los once cortes que forman “La buena suerte” (Warner, 21), el nuevo disco de Shinova, que fueron compuestos en su mayoría antes de que la pandemia estallase pero que, debido a su espíritu optimista, parecen haber sido escritos para ayudarnos a salir de esta angustiosa situación. Ellos mismos nos explican cómo ha sido el proceso —TEXTO Javier Escorzo

A

nte todo, me gustaría saber cómo os encontráis, si estáis bien y cómo habéis llevado estos tiempos tan extraños.

Pues, al margen del asunto pandémico, estamos bien, con ilusión y trabajando más que nunca para que la gira de “La buena suerte” pueda seguir sumando fechas, incluso en estas circunstancias.

—¿Ha afectado la situación general a las canciones del disco?

Creo que el grueso del repertorio estaba escrito antes de que estallara todo el asunto del Coronavirus.

Así es, solo hay dos canciones compuestas en los días de confinamiento, “Torre de naipes” y “Te debo una canción”. La primera, con un mensaje crítico, de doble filo, y la segunda, escrita desde ese “echar de menos” a los nuestros, una manera de reducir a través de la música esa obligada distancia. El resto del disco, como bien dices, estaba ya muy avanzado y, escapó, al menos artísticamente, al impacto del Coronavirus.

—El hecho de que no hayáis grabado el disco del tirón, sino por partes, ¿estaba pensado así o ha sido por culpa de la pandemia?

Hubiera sido así de todas formas. Como aún estábamos en plena gira, para que encajaran las fechas decidimos grabar el disco en dos tiempos. Solo cambió la fecha de la segunda parte de la grabación, que, en vez de abril, pasó a ser en julio y agosto.

—A pesar de las circunstancias, creo que os ha salido un disco bastante optimista, ¿no? ¿Ha sido premeditado?

Cada disco es una fotografía de un instante, o de un tramo temporal. En “La buena suerte” se concentran nuestros últimos dos años, y estos han sido increíbles, viviendo cosas que uno puede soñar, pero que quizá no espera que se materialicen. Venimos de #8 marzo 2021

"En 'La buena suerte' ses concentran nuestros don últimos años, y estos ha sido increíbles"

Shinova

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una etapa de mucha luz, y puede que esa sea la razón por la que las nuevas canciones visten ese carácter más optimista.

—Habladme del sonido. Creo que se aprecia una evolución importante, pero al mismo tiempo se os sigue reconociendo está ahí vuestro sello.

Ese era el plan. Buscamos esa evolución en cada trabajo, y con este nuevo disco hemos cruzado líneas que quizá en otro momento no tocaba cruzar, o que ni siquiera conocíamos.

—¿Qué papel ha jugado Manuel Colmenero en la producción? ¿Cómo os habéis entendido con él?

Trabajar con Manuel ha sido una experiencia increíble. Desde la primera conversación que tuvimos, a mediados de 2019, hasta el cierre definitivo del disco, hemos aprendido una barbaridad. Supo leer muy bien nuestras intenciones, y partiendo de algo tan esencial como eso, comenzamos a trabajar en esa dirección, potenciando lo mejor de nuestra identidad como banda, y cargándonos muchos de aquellos elementos que quizá no aportaban demasiado o difuminaban el mensaje de nuestras canciones.

—Me ha parecido muy original la forma en la que habéis ido mostrando los adelantos del mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO FREAKO

Las canciones ue nos debían disco. En “La sonrisa intacta”, por ejemplo, contasteis con cameos de El Kanka, Patricia Benito, Diego de Veintiuno para las redes sociales. ¿De dónde salen esas ideas?

Nacen del equipo que nos está echando un cable en redes y, por supuesto, de la buena fe de esos amigos que se prestan a que les liemos con nuestras cosas. El Kanka, Patricia o Diego son personas que admiramos y queremos mucho, y ha sido una maravilla ver cómo suena “La sonrisa intacta” desde sus puntos de vista, siempre únicos.

—Hablando de colaboraciones, en “Palabras” contáis con Ele. ¿Cómo se cruzaron vuestros caminos? ¿Por qué pensasteis en ella para esa canción?

Coincidimos con ella en el Inverfest del año pasado. Allí escuchamos su voz por primera vez y nos quedamos prendados de su forma de expresar la música. Por aquel entonces, ya existía “Palabras”, en una demo con su primera versión, e intuimos de una manera muy clara que la voz de Ele encajaría como anillo al dedo y que sumaría muchísimo en una canción de estas características. Tardamos en pedírselo, pero cuando lo hicimos, fue todo muy sencillo y fluyó de una manera maravillosa.

—Otra canción importante del disco, sobre todo por su significado, es “Te debo una canmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ción”, en la que mostráis vuestro agradecimiento con el mundo, desde las personas que tenéis más cerca hasta otras de fuera de vuestro entorno. ¿Sentíais la necesidad de mostrar vuestra gratitud?

Si miramos por el retrovisor, nos damos cuenta de que cada una de las personas, cada uno de los pasos, han sido fundamentales para llegar hasta aquí, y aquí es donde queremos estar. Los días más claros, los más grises, las sonrisas y los momentos tristes, las heridas, la cura… Todo ha sido necesario para llegar a “La buena suerte”. A todos los hechos, y a todas las personas que nos hemos cruzado, le debemos gratitud, o en este caso, una canción.

—El disco se titula “La buena suerte”. Qué grado de importancia creéis que puede tener la suerte para triunfar en la vida en general, y en la música en particular?

Hay muchos factores fuera de nuestro alcance, y ante eso poco podemos hacer, pero lo que esté de nuestra mano, siempre irá adelante, con la pasión y la fe necesaria. Así hemos construido nuestra trayectoria. Nunca ha sido fácil. Nunca hemos estado en el foco mediático, pero lo hemos contrarrestado con el día a día, con el trabajo constante, y de esa manera, hemos acabado haciendo de la música nuestra profesión. Supongo que esa ha sido nuestra manera de buscar la buena suerte, y se puede extrapolar a la vida en general.

—Cuando se publique esta entrevista el disco acabará de salir a la venta, pero ya habéis tenido la oportunidad de hacer un par de presentaciones en directo. ¿Cómo está siendo la reacción del público? Cuando tocasteis en Vitoria, de hecho, el disco todavía no había visto la luz.

Lo de Vitoria fue arriesgado, porque tocamos muchos temas que aún no había escuchado nadie, y la jugada podía salir muy bien… o muy mal, y lo cierto es que nos llevamos una alegría de las grandes al ver la reacción de la gente. Hubo una conexión instantánea y fue de esos momentos que recordaremos, por lo especial del instante y porque las primeras veces siempre quedan en la memoria.

—Para terminar, y siguiendo con el tema de los conciertos: vosotros que estáis dentro y tendréis información de primera mano, ¿qué perspectivas se manejan? ¿Vamos a volver a una relativa normalidad en un futuro próximo o habrá que esperar todavía?

Ojalá todo vaya acercándose a la normalidad pronto. Lo único que sabemos es que la gente de Hontza y Planeta Sonoro, nuestras oficinas, están trabajando una barbaridad para lograr llevar “La buena suerte” a los escenarios de una manera digna, y aunque es mucho más difícil de lo habitual, están saliendo un buen número de fechas, algunas anunciadas y otras, por precaución, todavía bajo llave.

—En cualquier caso, supongo que con un gran disco en la calle, estaréis con ganas de subir a la furgoneta y presentarlo en todos los sitios que podáis, ¿no?

Entendemos la música de esa manera. Nos conocimos en un local de ensayo, hace años, y desde ese momento, hacer carretera en la furgoneta, de escenario en escenario, ha sido nuestro modo de vida. —J.E.

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marzo 2021 #9

ENTREVISTA

Fusión C.Tangana nuclear

Pudiera parecer que tras El Madrileño hay un nuevo ‘yo’. Pero el alias es un cúmulo: Crema, C. Tangana y Antón Álvarez. Y las fiestas con familia y amigos y sus músicas. “El Madrileño” (Sony, 21) es una licuación, pero también una disolución, más colaboradores que nunca, con un objetivo: un renacimiento artístico definitivo.

“Soy mucho mejor compositor que director de marketing. De lo otro sé un par de trucos”

#10 marzo 2021

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ueves de ciencia y música en Mondo Sonoro. Mancillo sección a La Vida Moderna para aclarar en una frase qué ha pasado con Antón Álvarez (Madrid, 1990): C. Tangana no ha matado a C. Tangana. Lo ha fusionado. Con Crema, con Pucho y, claro, con El Madrileño. Lo dice Wikipedia: la fusión nuclear es el proceso por el cual “varios núcleos atómicos de carga similar se unen y forman uno más pesado”.

El yo de C. Tangana se ha fortalecido y a la vez –paradoja– se ha dispersado; en tantas y tantas colaboraciones de calado, casi todas masculinas, pero de géneros (musicales) variados. Con “El Madrileño” ha bajado al fango para probarse, para generar un renacimiento –y un reconocimiento– artístico que conecte presente y pasado y desdibuje lo urbano y lo popular. Un mural que escape a lo provincial.

La vida va rápido. ¿Cuántas veces os comisteis el toque de queda? Pero con Álvarez lo va más. En unos pocos años, ha pasado del underground más absoluto al mainstream, y de ahí a El Madrileño. Sin duda, todo pasa más rápido con Pucho; más aún si hay que destripar un regreso tan esperado en veinte minutos vía Zoom.

—TEXTO Yeray S. Iborra

—¿Se puede conectar de veinte a veinte minutos con la gente?

Son estados mentales. Es como el día de partido o la pretemporada, ¿sabes? Vas entrando en distintos estados... Hay que saber llevarlo y tampoco rayarse mucho.

—¿Pero es grato este frenesí?

Hablar con gente sobre tu trabajo es mucho más llevadero que otro tipo de promo. Estoy súper chill con prensa especializada. Mejor que ir a hacer el imbécil a según qué sitios. Ahí es más jodido.

—Voy a ser el más educado: ¿Antón, Pucho, C. Tangana o El Madrileño?

Como quieras, Pucho está bien. Es como me conoce todo el mundo.

—Para alguien que sea de Barcelona o Teruel, y no haya pasado más que por Atocha una vez o ninguna... ¿Qué es ser El Madrileño?

[Se sonríe] —¿La forma más extremada de tus identidades? ¿La más diluida?

Precisamente. Si queremos hablar en términos políticos, este El Madrileño no se basa en los nacionalismos, en la frontera hacia dentro, sino que se basa en la frontera hacia fuera; no creo en las fronteras.

El nombre viene porque una vez en México se pensaban que yo tenía que hablar como esos españoles de los dobladores de los dibujos animados: con la z y que dize las cozaz azí...

—¿Madriz?

Me decían que no hablaba así, pero que me notaban el ejque. Era más joven y hablaba peor probablemente [ríe], tenía más acento madrileño y yo les decía “claro, que yo, yo soy madrileño, no soy de Córdoba”.

A partir de ahí me acuerdo surgió una broma: “Ah, claro que no es mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

español, que es madrileño”. Un vacile. Y yo me lo tomé como algo bueno, como una forma de estar en el mundo. O sea, yo cuando estoy en Colombia, soy madrileño y cuando estoy en España también soy madrileño. Una personalidad que me define desde la variedad. Madrid es un lugar que está hecho por gente que no es de Madrid. O sea, lo de ser “gato, gato”...

—¿Madrid es una zona de paso amable o es depredadora de culturas?

Siento que Madrid es muy abierta y que siempre ha sido la casa de la gente que pensaba un poco distinto y que en sus pueblos no podía estar porque no se les entendía. Historias muy típicas. Igual políticamente no se ha entendido así y que haya un personaje como yo que piensa distinto de lo que es la idea que se tiene de Madrid, pues también es reivindicable: los madrileños no estamos obligados a ser lo que ha vendido el PP ni lo que ha vendido TV3. Los madrileños podemos reivindicarnos a nosotros mismos como otras cosas.

—Decías en un clip para Spotify que siempre estabas intentando huir del personaje artístico que habías creado anteriormente. ¿Disfrutas en algún momento del presente?

Mi gente me dice que no soy capaz de disfrutar del presente. Y todos sabemos que la felicidad es el presente y es estar en el momento, ¿no? Todo el mundo lo dice. Y es verdad que es un modus operandi, el mío, un poco cansado para la gente de mi entorno; bueno, para mis amigos, porque son con los que trabajo. Una insatisfacción constante y una huida constante, un renegar todo el rato. Pero para mí eso funciona de motor. Es la gasolina principal.

—¿Gasolina, para?

O sea, el respeto artístico... Todos estamos obsesionados con que nos lo den... Mi principal motor es de alguna forma renegar y querer actualizar quién soy realmente como artista. Y decir: “Esto yo ya no lo soy.

Esto está patrás. Esto no es, ¿sabes?”. No estoy enamorado de esto, no lo hago. Lo necesito para vivir. Siempre necesito un proyecto que esté por llegar. De hecho, los días de lanzamiento, que normalmente deberían ser una fiesta, yo me repliego sobre mí mismo: siento que ya no tengo algo creíble que el mundo no conoce y que me va a cambiar la vida. Es lo que pienso siempre.

Esa es como mi adicción.

—Se habla mucho de tus acciones comerciales. ¿Aciertas tanto porque no descansas de buscar en lo que estás hoy?

Empecé a hablar del mercado, como han hecho muchísimos... De la necesidad de los artistas de sobrevivir, que parece una locura y debería ser lo más normal del mundo. Reivindicar nuestro puesto, de que la música urbana pasase, como finalmente ha pasado, a otro lugar. Como yo vine con ese discurso y como utilicé la comunicación no sólo para sacar canciones, pareció como que todo tenía que ver con eso. Y eso solo ha sido una parte: una cosa es eso y luego otra es el estudio, intentar que todo me lleve a estar en el estudio el más mayor tiempo posible. Si hago una canción voy a tra-

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tar que esa canción me dé otros seis meses de estudio.

—¿De eso se trata?

De eso se trata. Hay un discurso emborronado de mi yo como creador, que hasta este disco no me he sacado de encima: soy mucho mejor compositor que director de marketing. De lo otro sé un par de trucos, pero son trucos rollo como el de “te quito la nariz” [se anuda el pulgar entre los dedos y lo acerca a la nariz]. No me he podido quitar el Sambenito hasta ahora. Ahora ha sido como “ah, vale, esto definitivamente va más allá de la mercadotecnia, es algo que tiene que ver con emociones y un conocimiento cultural”. Lo he dejado patente. Y luego, por otro lado, sí que hay un estar presente en mi vida: componer. Eso está radicalmente presente.

—Aquello de no meterte a escribir cualquier cosa por mantenerse...

Me lo decía Drexler, una cosa entre otras muchas, porque yo a todos estos lo que hago es escucharles y darme cuenta de cómo soy yo gracias a ellos. Se sentía muy conectado a mí en el compromiso tan radical que tenía con lo que escribía. Yo no sabía qué significaba eso, y lo que significa es que no puedo escribir tonterías, cosas que emocionalmente no me conecten, ¿sabes? No puedo.

—¿Lo mismo con la gente?

Yo no estaba metido en un grupo de artistas o he empezado a contactar con gente... No, yo con el único con el que contacté al principio fue con Paco [Niño de Elche] y el resto han sido artistas que se han ido adhiriendo, pero todo lo que hago viene de mi entorno, de mis amigos, que son con los que trabajo, de mi equipo creativo y de mi familia, por decirlo así. Desde las canciones que me ponía mi padre hace mucho tiempo, a la visión de Santos Bacana [Little Spain], gente a la que amo.

—La apertura de tu yo hacia esos otros artistas es clave para el disco. ¿Cómo te sientes cuando estás con ellos?

Desde luego para mí ha sido un ejercicio de salirse de la zona de confort y no ser yo el que tomase todas las decisiones, sino meterse con artistas de gran voladura con los que tuviese que lidiar. Y también sobre todo de los que pudiese aprender.

—¿Te sentías pequeño con ellos?

Este ha sido un movimiento muy egoísta. En el sentido de que no es lo mismo estar en el estudio con un músico de sesión que lleva dos años que con un tío que ha cantado con lo más grande y que ha tocado con lo más grande. Ahí hay una intención egoísta de aprender; siempre la he tenido. Nunca me he creído que yo... Lo que no tengo son recursos.

Tengo buena intuición, pero yo ni soy intérprete, ni tengo conocimientos técnicos, ni de producción, ni de solfeo...

—Cantas mucho más en este disco.

Ha habido un esfuerzo. Ha sido algo muy paulatino y lo que he hecho es ir yéndome lo más lejos de mí posible. Subir al ring. Para mí hubo un cambio con Elíades Ochoa, que fue el que viendo mi forma de trabajar, que es una puta locura, y acostumbrado a que la gente le llegara al estudio con partituras escritas... Me miró a los ojos y se quitó el sombrero y me dijo que “sí, que podía”. Ahí fue cuando empecé a atreverme en el estudio con cualquiera. Ese ha sido para mí el proceso del disco más heavy. Me ha hecho humilde, porque me ha hecho ver que yo antes quería que me dieran mucho crédito artístico, pero nunca me había echado realmente al barro. “Yo soy la polla, yo soy la polla”. Pero no lo he demostrado hasta ahora.

—Hemos vivido un momento rarísimo. Además, lo ejemplificaste muy bien con tus videos en Youtube en pleno encierro. ¿Te preguntaste si se podía ir a tomar por culo todo el proyecto de vida que habías construido?

No pienso que por circunstancias que no sean yo, mi papel como artista, vaya a cambiar nada. Siempre me tendré que adaptar. Creo que eso también es intuición: la adaptabilidad a los tiempos. Yo vengo de rapear con chavales en parques y he pasado a tocar en Sónar, ser tendencia, que me pongan en la radio. Ser renovador, ser main total, ser underground. He hecho todas esas cosas y me he adaptado a la situación que ya había. Esa adaptabilidad siempre me ha hecho #12 marzo 2021

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ENTREVISTA

pensar que yo tendré la culpa y la responsabilidad de seguir siendo un artista. Ser un artista es un juego que tú tienes con el sistema, de tal forma que tú no tienes que trabajar. Nunca. Es otra forma de trabajar, es otra forma de estar en el mundo. Nunca he pensado que las condiciones me iban a joder eso, porque siempre he ido a buscar el truco. Desde la excitación. ¡Salto de mi zona de confort y algo tiene que suceder! Y de hecho eso hizo que sacase “Bien:(“(20) y ahora “El Madrileño”.

—Dices que las cosas tienen que cambiar desde la cultura, que los chavales tienen que tener referentes para poder hacer “lo que quieran”. ¿Pero cómo se vehicula eso a lo colectivo?

Tener ejemplos de nuevos paradigmas, de gente que cambia cosas...

Es un discurso que he tenido siempre. Y creo que no he hecho un disco más colectivo nunca en mi vida. Creo que es el momento en el que más he reivindicado que yo curro con mis colegas y que todo mi beneficio en todos los sentidos: beneficio social, político, capacidad de influencia, dinero, capacidad de poder expandirte e intereses...

Es para ellos. Puedes dejar una estela en el mundo, puede generar cambios en el mundo. Empieza por tu entorno, despacito. El mayor mensaje es que las condiciones de fuera dan igual.

—¿Sí?

Nunca dan igual, siempre son relevantes y hay gente que vive sin el privilegio suficiente como para que las condiciones de fuera sean prescindibles y no pueden cambiar las cosas, pero en un 95% de los casos existen posibilidades. Este disco, mira cómo se ha hecho... Se ha hecho con personas de todo el mundo. Y yo con mis colegas. Yo compongo, Christian [Alizzz] produce, Victor [Martínez] produce y arregla. Nosotros mezclamos. Y a nosotros nos dan la pasta y elegimos dónde va... Siempre hemos tenido un espíritu de autogestión. Y se sigue manteniendo. Lo puedes llevar hasta “El Hormiguero”, ese espíritu. Creo que es un espíritu que los chavales en la música urbana lo han entendido y lo están ejecutando.

—Ese espíritu vocacional acaba cayendo en derivados oscuros: la autoexplotación. ¿Qué le dirías a un chaval de veinte años para evitarlo?

Le diría que viajase y que ese término es de blanco con privilegios, porque una persona cuya familia ha vivido siempre en el campo y él vive explotado realmente, eso de la autoexplotación probablemente le haga gracia. Es un problema intelectual que surge en la izquierda.

La autoexplotación es lo mejor que te puede pasar en la vida: que no te venga otro a explotar. Otra cosa es que no tengamos la inteligencia suficiente y que el sistema esté hecho para que tu audacia no lo supere. Vale, ahí buscaremos herramientas. Estoy de acuerdo con que hay que espabilar respecto al sistema, pero también estoy a favor de autoexplotarnos un poco si eso conlleva que nos hagamos más libres frente a otros.

—Si todo sigue como parece, lo del directo va a estar jodido. Tendrás plan.

Veo dos formas.

—¿Cuáles?

Mi tío Jesús Rico tocaba la guitarra y su hija Carola cantaba en las reuniones familiares... Era habitual que la fiesta fuese sentados en sillas y cantando a la gente. Pasaba en Nochebuena, en el cumpleaños de mi madre... Hemos construido las canciones con Víctor mamando de eso; él es el multi instrumentista que me lleva acompañando desde que compusimos “Un veneno”, y ese plan se puede hacer en un formato muy pequeño y que se parezca a una sobremesa. Algo muy poco pro, pero con una calidez que me gusta. Cantar con mis amigos canciones que me gustan, no solo mías. Entre medias de una juerga y un campamento. Y luego la otra forma de hacerlo es esperar a que se puedan llenar estadios: un Wizink hasta arriba. O pequeño o gigante.

Lo intermedio, no.

“Lo mío es una insatisfacción constante y una huida constante, un renegar todo el rato” “Los madrileños no estamos obligados a ser lo que ha vendido el PP ni lo que ha vendido TV3”

[Nos cortan la conexión] Al final fueron treinta minutos para entender “El Madrileño”.

Pues sí, la próxima que sea cara a cara y que tengamos más rato, ¿no?

[Se sonríe] —Y.S.I.

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marzo 2021 #13

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EN PORTADA

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"Una de las cosas que más me gusta es no ser predecible.

Me gusta el riesgo, me gusta experimentar a nivel creativo"

#14 marzo 2021

ablamos con él para que nos cuente un poco más sobre el punto en el que se encuentra, su libertad como creador y cómo lleva lo de ser un ídolo para ciertas generaciones.

—Desde el primer momento dejaste claro que Sen Senra era un proyecto artístico que iba más allá de una propuesta musical al uso. Con este nuevo EP hay un crecimiento enorme a nivel visual y se aprecia eso más que nunca. Cuéntame cómo surge este salto desde “Sensaciones” a “Corazón Cromado”.

Teníamos la gira de “Sensaciones” ya montada en la cabeza. Pero había que parar como todo el mundo y fue ahí donde surgió “Corazón Cromado”. Empecé a recuperar toda la música que tenía guardada y la uní a canciones que seguía haciendo un poco en paralelo. Además, aproveché también un poco como dices para explorar a nivel visual, potenciar más la creatividad, llegar a más campos… Meterle ahí un poquito más de punch a lo visual. Jugar un poco y explorar un poco más esos mundos.

—De hecho, yo no sé si lo has visto pero desde que salieron los videoclips tienes un montón de gente haciendo video reacciones e intentado sacar hasta el mínimo detalle (Risas) Sí, súper. Muy bonito claro, al final es un poco el juego ese.

Hay un enorme trabajo creativo detrás en pequeños detalles en los que entiendo que la gente quiera rebuscar y encontrar los secretillos que hay por ahí.

—En “Corazón Cromado” vuelve a haber dolor, sexo, perdón y mucha dependencia emocional. Ese enganche físico y psicológico hacia otra persona cuando solo piensas en estar con ella.

Ummm, sí, no sé. No tengo una pretensión a la hora de escribir e intentar reflejar eso. Quizás me inspire sin darme cuenta, está dentro de mí y sí que puede ser una parte en la que me apoyo mucho. O sea, me gusta mucho darles cariño a las letras y que la gente se identifique, las reciba de esa forma, que piensen… Pero tampoco quiero hacer a nadie reflexionar sobre su vida.

—Por otro lado, yo sí que siento tus canciones como una especie de limpieza o sanación. Y no solo lo veo en ti. Si te pones a revisar comentarios de un montón de gente en redes sociales tienes aquello de “estoy en la mierda” escuchando a Sen Senra y al rato ves que otros hablan de haber encontrado la paz a través de tus canciones.

Eso es, sí, eso es. Al final ese es el rollo. Las letras que tengo así un poco como la de “Ya no te hago falta” tienen el feeling ese como de mucho dolor y sí que hacen un poco también hasta ese ejercicio de sanación y de limpieza. ¿Sabes?

—Y es que además, no se te puede ver más libre como creador. Tus proyectos desde el principio respiran por sí solos, no se te ve nada forzado, no hay prisa.

Totalmente. En mi carrera artística una de las cosas que más me gusta es no ser predecible. Me gusta el riesgo, me gusta experimentar a nivel creativo. Me siento totalmente libre para hacer todo lo que quiera a nivel musical, a nivel artístico y experimentar con todo lo que nazca dentro de mí. Lo que me venga en gana.

—Es que es un poco eso. La sensación que tengo es que has conseguido romper con un montón de limitaciones o suposiciones de lo que iba a ser tu carrera. Que ahora bajo Sen Senra nos podríamos encontrar cualquier cosa.

Sí claro, es que yo al final escucho mucha música y a la hora de crear no me pongo para nada un patrón o una guía. No me da miedo de repente irme por lares que a priori no suelo explorar. Yo no entiendo la música si no es siendo libre a la hora de hacer tu creación. Aunque

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Libertad total Sen Senra

Pocos tienen la habilidad que posee Sen Senra para encapsular emociones, lanzarlas y que sientas que habla de ti con una sola escucha . El artista vuelve a abrirse por dentro de par en par con “Corazón Cromado” (Sonido Muchacho/ Universal, 21) en una breve colección de temas que reflejan un nuevo salto de madurez en su carrera, su inmersión en el terreno de la producción y una apuesta estética, y visual, mucho más compleja y arriesgada. El disco estará disponible el 26 de marzo.

FOTO: YAGO CASTROMIL

—TEXTO Álex Jerez

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marzo 2021 #15

3

al final siempre todo acaba pasando por el filtro de Sen Senra. Y eso me permita hacer mogollón de cosas manteniendo mi identidad.

—En “Tumbado en el jardín viendo atardecer” dices eso de “Hice lo que hice sin pensar en nada más”. Al final es un poco eso, te lo puedes aplicar no solo a tus historias de amor si no también a muchas cosas en tu carrera.

Eso es, exactamente eso es. Por ahí van los tiros sí.

—Como te decía, más que un EP o como lo queramos llamar yo veo “Corazón Cromado” como una colección de piezas artísticas que para mí funcionan súper bien. Son singles, pero no sólo se quedan en la canción.

Sí, es lo que dices tú, es un poco una compilación de canciones que podrían funcionar perfectamente solas. Pero que a mí me parecía interesante reunir en un EP que en este caso es “Corazón Cromado”. Por otro lado, el tema del arte de las portadas es un trabajo que desde siempre estoy haciendo con mi hermana Vaas Senber y al que le damos mucho cariño. Ella es una artista multidisciplinar, la admiro, y tenemos un feeling muy bueno a la hora de crear. La verdad que es una fantasía que sea mi hermana la que está detrás de eso, claro.

—Bueno, se acabó ya el título de promesa y de futuro artista “que lo va a petar”. Tu carrera ya está en otro lugar. ¿Tú dónde te ves dentro del mercado actual?

Pues si te soy sincero, no me veo dentro de ningún mercado. Yo me considero un artista súper libre. Quiero seguir haciendo música, quiero seguir experimentando en todos los ámbitos a nivel creativo. Este EP también me ha ayudado muchísimo a encontrarme más como productor. Y no sé, me veo creciendo, estando contento con todo lo que esté haciendo. Siguiendo a lo mío y estando orgulloso de lo que esté creando.

—Cuéntame un poco más sobre eso, sobre la faceta de productor que cada vez va a más. ¿Te ves produciendo para otros?

Bueno, de momento estoy muy cómodo trabajando en mi música y produciéndola yo. Además, me ayuda a llegar a sitios que antes no llegaba. A ver tampoco es que vaya a producirme siempre a mí mismo porque al final creo que es súper bonito compartir momentos en el estudio con otros productores. Mezclar ideas y todo… Pero bueno, aquí estoy ganando conocimientos ya que al final es una de las partes que más me gusta de todo esto. Estar en el estudio haciendo música desde que empieza un acorde hasta que está el máster, ¿sabes?

—En “Perfecto” dices aquello de “Sensaciones, nueva religión”. Y en parte ya me has comentado que no quieres presionar a la gente, ni inculcar nada, que solo buscas que ellos se identifiquen con tus temas si lo sienten. Pero, al final ha sido un álbum que ha marcado mucho a una generación determinada. ¿Te sientes de alguna forma responsable?

No, yo responsabilidad no veo. Siento más bien orgullo por cómo ha sido aceptado. Sí que es verdad que sentí como muy buen feedback, y bueno lo sigo sintiendo a día de hoy. Como que ese disco marcó muy fuerte a mucha gente.

Desde la música, las letras, a todo lo que rodeó “Sensaciones”. Entonces es un poco eso, orgullo y felicidad. Súper feliz por ese lado.

—Revisando tus redes, tanto en Twitter como en Facebook descubrí que tu primera publicación es un artículo que hice para MTV España en 2015, en una pequeña sección que teníamos de música alternativa por aquel entonces, promocionando “Permanent Vacation”. Cómo pasa el tiempo es brutal.

Guau, creo que me acuerdo del tweet que puse y todo. Que fue algo así como “gracias MTV for pimpim my album”. ¿Puede ser?

—Sí, exacto. Y añadiste las fechas de la gira de por aquel entonces (risas).

Qué bueno, ya ves guapísimo.

—¿Qué sientes cuando vuelves a conectar con el Sen de aquellos años? El crecimiento ha sido muy grande, pero a la vez tú siempre fuiste muy claro explicando lo que querías para tu carrera. Recuerdo aquellas primeras entrevistas en las que ya te negabas a que te catalogaran como un artista que solo hacía garage.

Pues sí, es lo que dices tú, claramente no soy el mismo porque uno va creciendo y va cambiando ciertas cosas. Pero sí, desde un principio tenía muy claro en sí cómo quería que fuese mi carrera. La manera de enfocar y encarar mi carrera y lo sigo manteniendo.

—Si hasta fuiste Demoscópico en MondoSonoro Galicia por aquel 2016. Si es que, aunque parezca que Sen Senra es solo el presente, es increíble todo el recorrido que has hecho en estos años.

Sí, sí, y yo me acuerdo de pillar la furgoneta y conducir ocho horas para tocar para seis personas. ¿Sabes? (risas).

—Bueno, pero eso al final también es bonito y forma parte de todo el camino que haces como artista.

Claro, sí, sí, hombre. Y gracias a eso soy quien soy ahora. Eso te curte y te hace valorar aún mucho más el crecimiento.

#16 marzo 2021

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"Estoy acostumbrado a tocar con banda. Me siento muy cómodo con una banda a mi alrededor"

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FOTO: ÁLEX CASCALLANA

EN PORTADA

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—Ahora de hecho es lo contrario. Después de tus últimos conciertos la gente estaba flipando con la seguridad y el control que tienes sobre el escenario.

Sí, supongo que viene también de haber tocado durante tantos años. Al final estoy acostumbrado a tocar con banda. Me siento muy cómodo con una banda a mi alrededor e ir tocando yo también los instrumentos. Supongo que eso ya viene también de atrás.

—Dices “Todo es moda si puede pasar de moda. Que trascienda el tiempo ya es otra cosa”. Aún sabiendo tu libertad artística, ¿cómo te afectan las modas y las tendencias de la industria a la hora de crear?

Pues, no me afectan nada básicamente. Si yo me dejara llevar por modas perdería todo el sentido y la forma en la que concibo yo mi música.

—Y hablando de modas en “Qué facilidad” tienes a C. Tangana como colaborador. ¿Cómo surge su participación? ¿Qué piensas que la gente pensará cuando os vea en un tema juntos?

Pues surge de una forma súper natural porque nos conocemos ya desde hace tiempo. Ahora cuadró que estábamos los dos en la misma ciudad y decidimos ir al estudio sin pretensión de nada, desde cero. Nos metimos en cabina a hacer música y surgió muy natural la verdad. Me gusta mucho cómo quedó, que la gente lo reciba como quiera.

—De hecho, en “The Art Of Self-Pressure” ya tenías contacto con Royce Rolo. Yo creo que al final es, como dices, bastante natural este encuentro.

Claro, eso es. Sí sí, si al final nos conocemos por los colegas que tenemos en común que en este caso pues eran ellos. Rolo y demás de Vigo. Cuando iba por allí nos presentaron.

—En lo sonoro siguen liderando las bases de r’n’b, los sintetizadores, son temas además bastante pop… Pero, también le has metido un punto latino con la colaboración de Feid en “Wu Wu”.

Tenía una demo en mi ordenador desde hace tiempo. Feid me contactó por Instagram diciéndome que le había flipado “Sensaciones”. Y fue ahí cuando dije ostia igual tiene su nombre “Wu Wu” y mola también. Además, Feid tiene un disco que se llama “FERXXO” que lo sacó hace no mucho que me encanta.

—Al otro lado, “Euforia” es casi como el punto más íntimo del disco siendo uno de los cortes más acústicos con esa guitarra que domina la pieza.

Sí, surgió un poco como toda mi música. En este caso estaba con la guitarra y poco más. Yo es que cuando hago música ya te digo, realmente surgen todas las canciones desde el mismo punto. Que es como de una forma como muy pequeñita y poco más.

No sé, natural.

—En “Perfecto” haces referencia a “Fallen Angels”, la película de Wong Kar-wai.

Un largo muy introspectivo lleno de monólogos y de conversaciones que nunca llegan a exteriorizarse. ¿Usas tus canciones como una vía de escape? ¿Te cuesta más soltar las cosas en la vida real?

No, no me cuesta. Toda la gente que me conoce sabe que tampoco es que sea el más extrovertido, pero tampoco lo más introvertido. Soy una persona normal a la que le gusta divertirse, le gusta hacer lo mismo que a todos. Y no sé, eso sí lo que no me nace a día de hoy aún es hablar demasiado de mi vida por las redes y tal. Al final cuento mis historias en las canciones y ya está.

—Sí, las redes sociales las usas casi más como plataforma de promo, ¿no?

Bueno, más bien las uso cuando me acuerdo, la verdad (risas).

—¿Algún disco o artista que te haya flipado últimamente?

Me mola mucho lo que está haciendo Slowthai. Buenísimo, me encanta. Me encanta lo que está haciendo.

—Bueno, y hablando de otros artistas, viendo el vídeo de “Sublime” me vienen todo el rato flashes de un imaginario muy parecido a los más recientes de Perfume Genius o Christine And The Queens. No sé lo que teníais en mente con él.

Bueno, pues eso es un trabajo que hice con Pedro Artola que es un súper director.

Un tío que la verdad es que es buenísimo y todo su equipo también. Al final mano a mano planteamos un poco por dónde tirar y Pedro se encarga de llevarlo al límite.

Eso es cosa ya de ellos.

—Después del EP, ¿qué idea tienes en la cabeza? ¿Tendremos nuevo disco pronto?

Sí, bueno, yo ya tengo canciones en la recámara. Sigo haciendo canciones. Este año seguramente saldrá más música, intentaremos sacar otro larga duración para el año que viene o por ahí. Vamos, seguir haciendo música.

—¿Y el salto internacional? Tienes mucho público en Latinoamérica que te reclama.

Sí, total. Somos conscientes al cien por cien de ello y, tan pronto como nos dejen, está en nuestros planes ir para allá. Hacer un poco México y rular por todos esos lados que están ahí encima de todo de una forma tan bonita.—A.J.

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marzo 2021 #17

La comunidad de música independiente

TOP RECOMENDACIONES INDEPENDIENTES DE MARZO BY ACQUSTIC

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19/Mondo VINILOS 8

El nuevo C. Tangana C. Tangana

El Madrileño Sony Music

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POP / “El Madrileño» supone un cambio de

paradigma respecto de lo que había sido hasta ahora la carrera de C. Tangana. Mientras en el pasado brillaba por y a pesar de sí mismo y era su genio y su personaje lo que lo convirtió en un icono en la cultura joven española gracias a su aparente control exhaustivo de los tempos y el discurso, muchas veces fuera de lo estrictamente musical, en esta ocasión todo se revierte. C. Tangana plantea un disco absolutamente coral, en el que se acompaña de las voces y los instrumentos de algunos de los artistas más grandes de la música contemporánea en castellano. De Andrés Calamaro a Elíades Ochoa, pasando por Pepe Blanco y José Feliciano, C. Tangana ha buscado, como ya hizo en “Ídolo», la eternidad. Pero esta vez, esa perdurabilidad en el tiempo no se la ha dado un discurso ni una identidad, sino un elaborado trabajo musical (y visual) que bebe de las raíces de la música tradicional y que tiene la intención de tender puentes generacionales y culturales. Reivindicar la tradición bien entendida está empezando a consolidarse como una de las corrientes culturales más exitosas a día de hoy en nuestro país, y C. Tangana siempre ha sabido leer los cambios antes que los demás. Esta visión se materializa en catorce canciones que tocan todas las vertientes del imaginario musical iberoamericano: las

marchas de cornetas y tambores de Semana Santa en «Demasiadas mujeres», el único tema interpretado únicamente por él (el otro es «Nunca estoy» que a veces me parece el mejor del álbum); los corridos mexicanos contemporáneos en una canción brutal como «CAMBIA!»; la bossa nova de «Comerte entera» o la rumba flamenca en «Ingobernable», junto a los Gypsy Kings. Un tema que resume el que quizá sea el único handicap del trabajo: que la presencia de Tangana queda, en ocasiones, como ésta, demasiado diluida entre tanto All-Star. Algo que no ocurre en «Párteme la cara», junto a Ed Maverick, por ejemplo. Intuyendo como intuyo que el peso en la composición en las letras es suyo, definitivamente estamos ante un cambio de mentalidad: la obra por encima del artista.

Y es que este trabajo funciona por sí mismo. Y los números lo demuestran. “El Madrileño” es el segundo disco más escuchado en España en su primera semana; el más escuchado de un artista español pulverizando los récords de “El Mal Querer” y ha colocado todas sus canciones en el Top25 de Spotify, amén de otros logros internacionales. Todo esto siendo un disco alejado de fórmulas excesivamente comerciales más allá de “Tu me dejaste de querer”, que más que comercial es un temazo. Unos éxitos y una manera de trabajar que, si hubieran resultado este álbum firmado un artista que no fuera el propio Pucho, haría las delicias de todos esos opinadores, que no oyentes, claro, que en 2021 y con toda la música del mundo a su alcance, critican propuestas como ésta sólo por venir de dónde viene. Como bien canta Elíades Ochoa junto a El Madrileño, “se están muriendo de envidia las flores, las estrellas y la mar bella”. —LUIS M. MAÍNEZ

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Shinova

Tindersticks

La buena suerte Warner

POP ROCK / “La buena

Distractions City Slang/ Music As Usual

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POP / Hay bandas como

suerte” es el nuevo disco (el sexto ya) de Shinova. Curiosamente, el optimismo que desprende su título no es una respuesta premeditada a la actual situación, pues el grueso del repertorio fue compuesto antes de que estallase la pandemia.

En cualquier caso, reconforta el chute de energía que uno recibe al escuchar canciones como “Puedes apostar por mí” o “Ídolos (los mejores momentos están por llegar)”. El álbum ha sido producido por Manuel Colmenero (Vetusta Morla, Nena Daconte...) y bajo sus órdenes han conseguido un sonido compacto, con garra pero muy bien equilibrado y plagado de guitarras, teclados y detalles electrónicos. Así, la banda se sitúa en el grupo de cabeza del indie nacional junto a bandas como Izal o Miss Caffeina. —JAVIER ESCORZO

Tindersticks cuya fiabilidad resulta más que contrastada, con un currículo en el que cuesta encontrar un borrón y protagonizado desde sus inicios por elegancia, profundidad y buen gusto. Unas coordenadas que se extienden hasta el que ya es decimotercer álbum de estudio de Stuart Staples y compañía, en el que el grupo luce un aspecto suficientemente actualizado pero de solemne respeto por aquellas claves originales capaces de aportar personalidad. Un disco versátil que cunde exponencialmente al hacer de cada una de sus piezas un acierto, todo a pesar de sumar solo siete temas entre los que se incluyen hasta tres versiones (Neil Young, Television Personalities y Dory Previn). Tindersticks parecen infalibles y mantienen intacta la capacidad emocional de su música. —RAÚL JULIÁN

Club del Río

Julien Baker

Lejos Autoeditado

Little Oblivions Matador/ Popstock!

FOLK / Tras dos años sin publicar canciones inéditas, Club del Río regresan con un nuevo proyecto discográfico. En esta ocasión lo han hecho todo ellos mismos, ya que es la primera vez que se autoeditan un álbum. “Lejos” es un trabajo de ocho temas que viran sobre una sonoridad similar. La naturaleza es una pieza fundamental para este grupo de amigos y así lo demuestran en sus letras. Una clara referencia de esto es “Mareas”, que con sus coros finales te transportan directamente a un lugar indeterminado frente al mar. Y aunque esta referencia parece moverse por un tono más melancólico en cuanto a la musicalidad, hay alguna que rescata un tono más festivo como “Corres hacía el mar” o “Alegría”, que son dos de las canciones que tienen más elementos musicales completando el trabajo de las voces.

vechado el tiempo desde su último disco para ofrecernos una versión más contundente de ella misma con su tercer trabajo.

La compositora sigue mirando hacia su interior, sirviéndose de sus canciones para plasmar esas introspecciones que caracterizan su estilo. Sin embargo, ahora se ayuda de una instrumentación más compleja para dejar de lado a la Julien más íntima y lanzarse con más presencia a un público que seguramente pueda sumar adeptos. Baker equilibra estas novedades instrumentales con un buen trabajo de contención vocal.

La voz se hace fuerte en momentos muy puntuales y permite que teclados y batería se empoderen dignamente. Con ello consigue que el discurso del álbum pase por fases de altibajos emocionales muy bien defendidos.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

—ISAÏES ALBERT

7

8

POP / Julien Baker ha apro-

marzo 2021 #19

MONDOVINILOS

Anna B Savage

A Common Turn City Slang/ Music As Usual

El banquete de Califato ¾

8

Califato ¾

La Contraçeña Breaking Bass

9 ELECTRÓNICA / Tras su exitoso “Puerta de

la Cânne” (19), Califato ¾ vuelven menos sampleados y más auténticos con “La Contraçeña”. Su ADN reivindicativo intacto, la misma guasa y un extra de energía y fiesta andalusí en vena. Le dan una patadita flamenca a la luna tornándola bola de espejos, reflectando multicolor a ritmo de lust for life por sevillanas, rave rumbera o guajira.

De la intro en pie de guerra “Indiô del Çûr”, dinamita para encender la mecha de los nuevos directos, a “Canelita en rama”, con atmósfera creciente de electrónica con regusto a Mogwai y ecos a “Camino de Aghmat” y, de repente, ¡boom! Quiebro total con una “Te quiero y lo Çabê” que pide verbena, feria o velada de barrio a gritos. Pura energía y buen rollismo en la que el quinteto funde genialidad y locura en un parpadeo, nutriéndose de la negritud magnética del “I Love You, I Know” de Psychic TV para

desembocar en el tecno pop noventero de Ray que rumbearon y popularizaron Los Sobraos.

Si ya nos conquistaron con un tridente de adelantos ganadores: “Çambra der Huebê Çanto” (hardcore-rap de los noventa a ritmo de marcha de penitencia y western), “Fandangô de Carmen Porter” (bruma espacial de dreampop, shoegaze y psicofonías) y “La bía en roÇa” (el tema rompepistas total del lote), ahora nos terminan de dejar tocados y hundidos con “Er carrito de lô muertô”, entremezclando cantes

Roosevelt

Clara Peya

Polydans City Slang/ Music As Usual

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POP ELECTRÓNICO / “Po-

lydans” es a la vez la consolidación del característico sonido de Roosevelt y un estancamiento en una apuesta una vez más por la música disco, el synth-pop y un baño retro que no termina de favorecer a su protagonista. Abandona el intento rock de saltar a las masas que supuso “Young Romance” para recuperar la esencia DIY de su debut y potenciar los sintes y el sonido vintage que tanto le gusta. Vuelve a viajar al pasado y se esconde entre sonidos ochenteros con una colección de temas producidos, eso sí, de una forma impecable. A grandes rasgos sigue tratándose de una playlist destinada a llorar sobre la pista, de espíritu pop, lentejuelas y mucha vida nocturna por delante. Guitarras setenteras, dance ochentas, disco, funk, glo-fi…

Con “Strangers” se sumerge en la electrónica francesa realizando un homenaje al sonido Daft Punk y únicamente en “Montjuic” hay un intento de trabajar con beats más oscuros y pesados para hacer algo diferente. —ÁLEX JEREZ #20 marzo 2021

jondos por seguiriyas y tonás, fundiendo quejío de bronce añejo con auto-tune y con la voz salvaje y genuina de Andrés de Jerez al mando.

Cambio de registro y otro hit en “Tó ba a Çalih bien mamá”, con Queralt Lahoz en el ojo de un huracán de hip-hop aflamencao, con riff grunge de inicio que serpentea y rompe por palmas a son de tangos. Califato ¾ alcanzan velocidad de crucero en La Contraçeña y consiguen el híbrido perfecto entre electrónica y banda que buscaban. —DAVID PÉREZ

POP / No hay quien no

pueda identificarse con las periferias. Los hay que no saben que pertenecen a una de ellas; también están los necios que directamente se niegan a aceptarlas. O las reprimen. Como decía la escritora feminista Brigite Vasallo, todos podemos ser oprimidos y ejercer de opresores.

Si el poder no se tiene, se ocupa, todo el mundo ha transitado alguna periferia emocional, social, sexual o económica. En un momento extremado y cruento como el actual, el “centro” se estrecha y los márgenes ganan terreno.

Deberíamos pensar –o al menos empatizar– con esos márgenes que duelen y vulnerabilizan.

Pero, ¿nos atrevemos a hablar de ellos? Afortunadamente, los hay que sí. Queda claro en el primer verso de “Perifèria”, en “¿Quién se atreve a hablar?”. Y los hay que saben cómo hacerlo. Clara Peya, compositora catalana, ha hecho de su nuevo disco un acompañamiento sosegado, sensible y poético de muchas periferias.

—YERAY S. IBORRA

POP / Eclécticamente suaves continúan siendo las canciones de François & The Atlas Mountains en “Banane Bleue”. Inspirándose en el trayecto entre varias ciudades europeas, Frànçois Marry ha dado forma a este séptimo álbum. El hecho de que el propio compositor haya escrito las canciones viajando refleja este espíritu transfronterizo desde sus inicios. “The Foreigner” (ya con el mismo título nos da qué pensar) combina en sus versos el castellano, el francés o el italiano, como en una gran metrópolis, al mismo tiempo que trabaja en ambientes diversos. Podemos hablar de “Coucou” (seguramente el tema más representativo de este trabajo) o “Julie” como buenos ejemplos de las canciones más guitarreras, mientras que en “Tourne-Autour” la electrónica toma la iniciativa. La voz ejerce de conductora de la mayoría de piezas sin grandes excesos, siempre acompañada por sintetizadores y esas mismas voces en coro. —ISAÏES ALBERT

7

Pino Palladino & Blake Mills

Memories Of Love Legere Records

Banane Bleue Domino/ Music As Usual

8

de Anna B Savage corre y se empodera como un dulce veneno embriagador, tejiendo un laberinto barroco de catarsis continua del que te costará salir o no querrás hacerlo. Preguntas sin respuesta que vuelan como pájaros, cruzando barreras mentales y dejando caer expectativas sentimentales como lastres del pasado. Así, tejiendo un universo que se nutre de referencias culturales sin complejos, surca la sexualidad femenina e invita a la búsqueda del placer como liberación personal, orgasmo entre las piernas y ecos de Cohen y Joplin incluidos, bajo la eterna luz de neones rojos que se cuela por la venta de una habitación del “Chelsea Hotel #3”. De la intimidad dolorosa de relaciones pasadas que teje bajo su vibrato celestial y los preciosistas arreglos en “Baby Grand” o en la épica desgarradora de la titular “A commo turn”, al giro y relanzamiento electrónico que se abre paso entre cuerdas punzantes en “Two”. —DAVID PÉREZ

Myles Sanko

Frànçois & The Atlas Mountains

“Perifèria” Vida Records

POP / La vulnerabilidad

SOUL / El de Accra (Ghana),

Notes With Attachements Caroline/Music As Usual

aunque británico de adopción, sigue apostando fuerte por una mezcla de jazz, blues y soul edulcorada y elegante. Así que este es un disco de esos en los que todo está perfectamente colocado en su sitio. No renuncia Myles Sanko a los estribillos pegadizos, y ahí está “Freedom Is You” como prueba irrefutable de ello, pero tampoco a las canciones con mensaje. Entre ellas destaca poderosamente “Whatever You Are”, destinada a su hijo, a modo de mensaje vital, y que nace de un discurso del mítico Martin Luther King. Aunque si tuviéramos que quedarnos con un tema este sería el amor. Presente en diferentes canciones, desde “Never My Friend”, hasta “Who To Call” o “Broken”, el cantante es capaz de ubicarse en diferentes ángulos de su propia personalidad para hablar de la perfección y la imperfección de las relaciones entre seres que se aman, de la pérdida y el encuentro, o de la nostalgia de tiempos pasados.

JAZZ / Pino Palladino, uno de los bajistas de sesión estrellas de la historia del rock, y el productor Blake Mills (John Legend, Fiona Apple, Britanny Howard) unen fuerzas en “Notes With Attachements”. Con dichos antecedentes, uno podía esperar un disco de rock, o como mucho de blues, quizá. Pero al leer los créditos y comprobar que la banda que completa el álbum está plagada de nombres destacables.

El protagonismo, claro está, lo tienen el bajo de Palladino y las excelentes atmósferas que crea Mills, pero el resto no se quedan atrás. En sus ocho temas de duración contenida para lo que es el género –el más largo llega apenas a los cinco minutos y medio– se pasean por el jazz o el funk, aderezándolo con especias extraídas de Cuba o del continente africano, consiguiendo una mezcla que funciona la mar de bien. Vamos, que hacen lo que intentó Robbie Krieger con “The Ritual Begins At Sundown” el año pasado, pero con bastante mejor resultado.

—EDUARDO IZQUIERDO

—EDUARDO IZQUIERD

7

7

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Zara Larsson

7

POP / Ha tardado en llegar

la continuación de “So Good”, el debut internacional de Zara Larsson que a día de hoy sigue siendo el segundo debut de una artista femenina más reproducido en la historia de Spotify.

Curioso cuanto menos porque “Ruin My Life”, el “primer single” de su nueva era salió solo un año después. Pero le costó funcionar, y los siguientes singles casi que ni eso, así que la cosa se fue posponiendo, además llegó la pandemia... y por fin tenemos aquí “Poster Girl”, cuyo primer single de verdad ha sido “Love Me Land”.

De hecho, “Don’t Worry Bout Me” y “All The Time” se han quedado fuera; “WOW”, revisitada el año pasado con Sabrina Carpenter tras su aparición en “Work It” sí que ha entrado en el álbum (pero en solitario) siendo la única de esos singles “de transición” que ha pasado el corte aparte –obvio– de “Ruin My Life”. El resultado es mucho más cohesivo que “So Good”, y es uno de los discos pop más disfrutables de lo que llevamos de año. —PABLO TOCINO

MONDOVINILOS

Muerdo

Poster Girl Epic/ Universal

La sangre del mundo Warner

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MESTIZAJE / Muerdo nos

presenta su quinto disco en el que nos hace viajar “de Madrid al cielo y del cielo al sur del sur”. El murciano sigue explorando los géneros latinoamericanos que le han llevado a construir su tan característico sonido. Dentro del álbum encontramos temas más cercanos al pop como “La sangre del mundo” o “Aguacero”, al tiempo que explora nuevos sonidos. Por eso hay tonos jamaicanos y mexicanos como vemos en “Mensajero” y “Tierra Sagrada”.

Una de las máximas del intérprete es conseguir que su música sea también de aprendizaje, por eso incluye una versión de “Yo pisaré las calles” de Pablo Milanés e incluso algunos textos básicos de la cultura sudamericana en “Coplas”. Para redondearlo, incluye colaboraciones como Niño de Elche, Perotá Chingó o Lido Pimienta, brindándonos como resultado un álbum de consolidación de un artista que no tiene miedo a adentrarse en distintos estilos.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO Judit Neddermann

The Staves

Good Woman Nonesuch/ Warner

Aire Música Global/ Universal

El clamor de Maria Arnal y Marcel Bagés Maria Arnal i Marcel Bagés

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FOLK / The Staves se han

hecho mayores. En el buen sentido. Ya han vivido lo suficiente para escribir sobre temas más serios. En los últimos tiempos ha habido algún terremoto que otro a su alrededor, en el terreno familiar, en el sentimental, y todo eso se refleja en la canciones de “Good Woman”. Tras ser apoyadas por Justin Vernon, en “Good Woman” vuelan solas, aunque tienen a alguien en la sombra que les da consejos, el productor John Congleton (St Vincent, Swans). Hay un punto de euforia y otro de victoria. Esta alianza de fuerzas motiva el equilibro de un disco en el que cobran fuerza unos arreglos que conducen a las canciones a un nivel superior.

Estas crecen gracias a ello, aunque The Staves saben en todo momento dónde está la frontera para que no acabe restando protagonismo a su principal virtud: el poder de unas voces que continúan siendo la columna vertebral de su repertorio.

—TONI CASTARNADO

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POP / Judit Neddermann

se ha dejado guiar por el instinto. Ha dejado que el plan fluya y las canciones se sucedan con naturalidad. Quizás la inclusión de una nueva lengua como el castellano ha influido, Judit canta con menos ataduras, más suelta si cabe. Puede que el optimismo con el que afronta el proyecto y la nula necesidad de ambicionar algo que ahora no toca, ayuda a que su voz suene distinta. Judit Neddermann, así lo anunció con su anterior “Nua”, busca mostrar su lado más crudo, desnudarse emocionalmente y plasmar esa cara positiva a través de las canciones. Para “Aire” insinúa que ha dado un paso más allá en ese discurso, si bien también podríamos hablar de libertad y de darse ese aire que proclama el título. Son tiempos de mirar más hacia dentro, con lo que todo cobra sentido, un sentido que ni siquiera ella imaginaba cuando empezó a grabar un disco que, quizás, tenía otros objetivos.

“Aire” es el triunfo de la sencillez y lo simple. —TONI CASTARNADO

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Clamor Fina Estampa

9 ELECTRÓNICA / “Clamor” es un estado febril

y curativo al mismo tiempo, una alquimia reveladora que marca un nuevo principio tras un final. Una invitación al juego, a bailar y saltar en el abismo de la mano de Maria Arnal i Marcel Bagés. Once pistas de pop electrónico mutante en las que vuelven a redimensionar el concepto de tradición y lanzarlo al futuro. Todo como arte radical en el que aumentan la intensidad emocional y la experimentación digital, partiendo de una exploración de crisis personal y de la infinita capacidad del ser humano para transformarse y seguir adelante. Un recorrido que va de lo individual a lo colectivo a base de un hipnótico funambular del deseo y la imaginación, donde cruzamos descalzos, profundos y ligeros, la línea del horizonte de punta a punta, en una huida de toda rutina paralizante. De ese “caminito de perlas, muérdeme el cuello” con el que nos taladran la cabeza y el corazón en “Fiera de mí”, del que despertamos con arañazos y una animalidad a estrenar, a la vulnerabilidad en llamas de “Meteorit ferit” o el

comienzo luminoso y sanador de ese “Milagro” hecho canción en el que, si cierras los ojos mientras suena, es posible que al abrirlos estés a un palmo de suelo o en otra dimensión. Ese “miedo que todo lo halla” se evaporara como un mal sueño a cada fraseo de Maria, a cada golpe electrónico, a cada loop y riff de Marcel, para terminar en una explosión de luz que te llevará con energía renovada a un repeat sin pausa. Las emociones siguen cruzándose a ciegas en cada surco y la revelación alcanza una de sus cimas bajo el manso sonar de un rebaño de cabras, en la adaptación del drama litúrgico medieval “Cant de la Sibil·la” –adaptada a lo largo de los años por artistas como Dead Can Dance o Maria Del Mar Bonet– y, en un parpadeo, volvemos a levitar en el espacio exterior o en un olimpo más allá del bien y del mal. Con la visionaria Holly Herndon al frente, como profetisa electrónica y tripulante especial de una pieza cumbre.

Si en “Jaque”, en medio de una tormenta de beats, funden fuerzas con el mítico Kronos Quartet, en “Tras de ti” hacen lo propio junto a Morphosis Ensemble, amplificando la telaraña electro acústica y atmosférica, con un susurro que late imborrable: “No se puede huir si el incendio arde por dentro”.

No, “Clamor” no es un viaje fácil, pero jamás querrás bajarte de esta nave espacial que surca carne y estrellas. —DAVID PÉREZ

marzo 2021 #21

MONDO FREAKO

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“

NTREVISTAMOs a Amy Lee, frontgirl de la banda, sobre cómo ha sido el proceso creativo en pleno confinamiento y en qué consiste esta “verdad amarga” que se esconde tras los doce cortes de un disco que verá la luz el 26 de marzo.

—Lleváis muchos años en la industria y ahora además con disco nuevo. ¿En qué crees que se diferencia “The Bitter Truth” de los demás álbumes de Evanescence que llevamos tiempo escuchando?

Mmmm, creo que la gran diferencia es la perspectiva. Siento que han pasado muchas cosas desde el último álbum que hicimos. Mi perspectiva ha cambiado, soy una madre de treinta y nueve años que lidera una banda desde hace, qué se yo, ¿veinte años? Es algo muy distinto, estoy en un sitio muy diferente, pero es donde debo estar.

Hemos pasado muchas cosas juntos como una familia, hemos experimentado pérdidas y como grupo, los cinco, hemos tenido que pasar mucho tiempo juntos para volver a ser una unidad.

—¿Por qué “The Bitter Truth”?¿Cuál es esa “verdad amarga”?

La realidad. Ha habido muchas mentiras que han avanzado como el fuego en nuestro país, en Estados Unidos. Estamos sedientos de verdad. Sabemos que el suelo se derrumba bajo nuestros pies y hasta que no lo asumamos, no vamos a poder arreglarlo. Esa es mi verdad amarga.

—Grabasteis el disco durante la primera ola del Covid-19, pero incluso así todo ha salido adelante. ¿Cómo te has sentido con respecto a la pandemia mundial y al hecho de procesar un álbum en un momento tan complicado?

Ha sido una experiencia muy extraña, de verdad. Este año ha sido diferente para todo el mundo. El haber podido encontrar una forma de seguir y hacer este álbum en un momento así es algo de lo que siempre me sentiré muy orgullosa. No ha sido fácil, con lo que hemos tenido que pensar de una forma diferente a la habitual.

—¿Dirías que os ha afectado negativamente a ti o a la banda en el proceso creativo del nuevo disco?

Bien, hemos tenido que ser mucho más creativos. Me he sentido como en los inicios de tocar con la banda, no había mapa de ruta.

Hemos tenido que reconstruir caminos para conseguir aquello que queríamos. Después de grabar las primeras cuatro canciones de manera normal, la pandemia nos pilló con las manos en la masa.

Aunque también debo decirte que, durante el proceso creativo, yo siempre me aíslo, así que esta vez ha sido algo así como una manera de estar forzada en concentrarme. En ese sentido te diría que no se me ha hecho difícil crear.

—¿Así que, en cierta manera, te sientes agradecida aunque la situación no sea la más favorable?

Evidentemente. Estoy muy contenta de haber podido grabar esas cuatro canciones antes de que nos encerraran en Estados Unidos. Las pudimos compartir con nuestros fans en un momento en el que todo el mundo estaba mal. En muchos sentidos, este álbum nos ha dado una razón para vivir, para seguir adelante.

—Entonces, la música fue una de las razones que más os ayudo a mirar hacia adelante con ilusión.

Claramente. Realmente la música llegó a ser nuestro chaleco salvavidas. Me dio la vida, literalmente.

—¿Hubo muchos problemas por el camino?

Y tanto. Jen (guitarra) es de Alemania y cuando nos encerraron ya no la pudimos ver más, hasta el día de hoy. Ha sido duro y muy decepcionante para ella. Quería involucrarse en todo y de forma total, pero no pudo ser. Trabajando a distancia, grabándose a si misma desde lejos, enviándonos archivos, etcétera. Fue duro y triste para ella. #22 marzo 2021

"Este álbum nos ha dado una razón para vivir, para seguir adelante"

La amar verd

Evanesce

—¿Y para los demás?

Al principio creíamos que si no estábamos juntos, no podríamos seguir adelante. Pero decidimos que debíamos avanzar y lograrlo fuera como fuera. Así que, en plena cuarentena, nos hicimos tests, alquilamos buses para traer a los demás desde las dos “Costas” y nos confinamos juntos unas seis semanas aquí, en Nashville.

—¿Por qué Nashville?

Nuestro productor, Nick Raskulinecz, es de aquí. Y él siempre saca lo mejor de todos nosotros, así que yo también me mudé aquí. Nick estaba muy emocionado con el proyecto y se sentía a gusto trabajando con horarios extraños en este momento extraño (risas). No hubiera podido hacer todo esto desde Nueva York, con lo que Nick lo hizo posible en gran medida.

—Tras tantos años de carrera, ¿crees que el “sonido Evanescence” ha cambiado?

Lo ha hecho, sí… Pero no diría que “The Bitter Truth” es un disco de Evanescence si no sonara como tal. Es decir, parte de la perspectiva que todo este tiempo me ha dado pasa por la oportunidad de saber cuál es nuestro sonido y qué nos une con los fans. Todos queríamos llegar a este punto y, a partir de ahí, aportar novedades. Y creo que, después de todo este tiempo en activo, grabando y girando, lo hemos conseguido. ¡Y seguimos dando caña! ¡Más que nunca! (risas). Es decir, que hemos cambiado, pero sin predecirlo y sobre todo manteniendo nuestra identidad.

—¿Qué tema del álbum dirías que representa mejor a los Evanescence de estos momentos? ¡Whoah! ¡Qué difícil! Hoy mismo… Si has escuchado el disco completo me gustaría saber cuál es tu favorita.

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Los americanos Evanescence están a punto de lanzar su próximo disco “The Bitter Truth” (Sony, 21).

Después de su último álbum “Synthesis” (BMG, 17) y tras casi cuatro años de silencio, la banda vuelve con su característica fuerza en un momento bastante complicado para la música.

—TEXTO Tanit Cortés

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—Sí, la mía es “Wasted On You”.

Bien, porque esa también es una de mis favoritas. Pero déjame un minuto... Vale, ahora mismo creo que la canción sería “Broken Pieces Shine”. Es un tema que habla de ser quién tu quieras, de ser genuino y de no avergonzarte por mostrarte tal y como eres. Es una canción que llevamos en nuestro corazón.

—Me ha parecido que varias canciones del disco están dedicadas al amor. ¿Hay muchos mensajes románticos en las letras del disco?¿Van por ahí los tiros de “Wasted On You”?

Simplemente son mis sentimientos, pero sí, hay bastante romance (risas). En cuanto a “Wasted On You”, es una canción que vino a nosotros. Sigo creyendo en la magia.

Cuando escribo puedo controlar algunas cosas, pero otras no. Y sí, veo amor en “Wasted On You”, pero también veo lo que ha sido 2020 y la pandemia, y la opresión.

—Hablando de opresión, ¿cómo has vivido la situación política Biden-Trump en Estados Unidos?

Como te imaginarás, muchos americanos están realmente asustados. Se están dando cuenta de que tenemos un problema, de que el mundo tiene un problema, pero ahora además se han dado cuenta de que nuestro país está roto. Se han expuesto las cosas feas y creo que es nuestra responsabilidad dar voz a las personas que quieren cambiar las cosas como Biden. El nuevo presidente ha aceptado que tenemos problemas y quiere solucionarlos.

—En el caso de la política, ¿crees que los músicos tenéis un compromiso en este sentido?

Yo voy a seguir sintiéndome fiel a mi misma. No quiero ser política, la verdad, pero este año me he visto involucrada por primera vez en lo que sucedía en el país. Creo que es importante levantarnos por lo que creemos.

—¿No crees que sois un altavoz para las ideas y el cambio?

Bueno, es cierto que la música tiene un poder increíble. Más que nada, la música une a las personas y a los sentimientos. Es un motor de cambio, definitivamente.

—T.C.

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marzo 2021 #23

ENTREVISTA

SinRayden etiquet David Martínez Álvarez, más conocido como Rayden, nos concede una entrevista por el lanzamiento de su disco “Homónimo” (Warner, 21).

Con él cierra un ciclo que había empezado hace más de veinte años y que le ha llevado a crear cien canciones exactamente. Nos habla sobre su presente y su futuro más próximo en esta charla.

“La carrera musical de un artista es un castillo de naipes, cuesta mucho levantarlo y aún más mantenerlo”

#24 marzo 2021

C

ON “HOMÓNIMO” cierras tu trilogía de la palabra y tu hexología de álbumes en solitario. Un trabajo donde se nota tu evolución musical. ¿Qué es aquello que diferencia este álbum de los demás? ¿Por qué le consideras “el disco de tu trayectoria”?

Antes de nada, decirte que estoy muy ilusionado porque es la primera entrevista de este disco y me emociona. Porque creo que es un trabajo que tiene una razón de ser gracias a los otros cinco. Desde que empecé en la música me gustaba que me dijesen que a los segundos de escuchar una canción ya sabían que era mía y yo no sabía a qué quería sonar cuando decían eso y ahora sí que lo sé. Justifica y valida los anteriores, los hace canon y, por sí solo, sigue cumpliendo ese papel de disco conceptual. Cada álbum que hago es el de mi vida porque refleja la etapa que vivo en ese momento, pero este refleja todas las vidas que he vivido en cada uno de ellos, por eso es el disco de mi trayectoria.

—Es un disco muy variado, con temas con ritmos más altos, como “Ya no quedan centrales como los de antes”, y después todo lo contrario, como “El mejor de tus errores”. Algo que vuelve a reafirmar más tu título de “artista sin etiquetas” y que, cómo tú dices, has creado un género propio, pero ¿cómo definirías el sonido Rayden?

Creo que es mi registro, siempre les pregunto a las canciones cómo quieren sonar y no todo vale. Hay una cosa que como oyente me mata, que es cuando alguien habla de algo en el contenido y el continente no es coherente, porque me parece que está metido con calzador. Yo igual soy más laxo y le pregunto al tema cómo quiere sonar y si “El mejor de tus errores” quiere sonar a folk va a sonar así; “La comedia del año en Francia” me lo imagino como una película de persecución de los setenta; “Coachella” es la música de un festival, de 2019, que termina en unas fogatas en las playas; “Ya no quedan centrales como los de antes” es música de

—TEXTO Alejandro Caballero Serrano estadio… No creo que en cada canción me vaya a las antípodas, todo tiene un nexo y sé aunar todo bajo un mismo concepto, pero me gusta imaginar que cuando alguien en Finlandia escucha mi música puede aproximarse a lo que yo quiero reflejar. Algo que no pasaba cuando empecé con las instrumentales de rap que tenían la marca de agua del productor, ya que no había empezado el tema y ya me habías sacado de él, ya sé quién lo produce y si encima dijese mi nombre y el año peor todavía, yo lo respeto, pero mi forma de entender la música es diferente.

—Has hablado de “La mujer cactus y el hombre globo” como la canción de tu carrera. Y mira que es algo complicado para alguien que lleva cien canciones… ¿Qué crees que la convierte en un tema diferencial?

La construí desde la necesidad, y no en mis propias carnes, es muy raro. Esto se lo robé a Leiva que dijo que los cantantes somos egoístas solidarios, algo que nos hace muy recelosos ya que hablamos de nuestras vivencias y en el momento en que lo sacamos al escuchante ya no es nuestra y tenemos que lidiar con esa sensación de perdida.

Somos egoístas solidarios pero muchas veces la gente me da las gracias porque pongo palabras a emociones que no saben describir y yo me hago pequeñito porque son cosas que yo he vivido e intento abrirme camino con ellas. Esta canción parte de una novela en verso que estoy haciendo que tendrá una banda sonora hecha por mí. Uno de mis fetiches, que ya he cumplido, es que una canción mía forme parte de la banda sonora de una serie o una película, de esa magia que se descontextualice, de que me arranquen la canción y cobre vida en un momento visual potente que no tenga nada que ver con lo que yo había pensado. Y como estoy haciendo la novela pues quería hacer la banda sonora. Me dedico a la escritura y a la música pues voy a utilizarlo. Pero es que la canción me gusto tanto que no podía dejarlo como un tema suelto, como una isla y me acordé de que “Haz de luz” tampoco iba a formar parte de “Sinónimo” (WM, 19), sino que era parte de un documental. Entonces si sentía que tenía que meterla dentro del disco, lo tenía que hacer. Esta canción no habla de mí, he hecho el proceso inverso, me meto en la piel de los personajes del libro y es curioso porque he empatizado tanto que parece que lo cuento de una manera que la gente se va a pensar que yo soy “el hombre globo” y alguien es “la mujer cactus” cuando no es así, aunque se parecen mucho a dos de mis mejores amigos. Me gusta mucho como camina la canción, desde la construcción de acordes, que empieza solo con armónicos, que es la inercia del propio instrumento, que yo mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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me lo imagino como la inercia de la tracción, y como termina, con todos los elementos percusivos, con esas campanas que parecen de boda, con todo alejándose, llegando al clímax... Empiezo en un, mal llamado, indie, y pasa a ser pop-rock, luego en la segunda estrofa rapeo, en la tercera hago un puente de rock argentino como Calamaro y termina como Woodkid. Entonces, tal y como está construido me parece que es la composición mas madura que he hecho. Y cuando se lo enseño a gente de mi entorno, por ejemplo, me acuerdo de enseñárselo a Nil Moliner en el estudio y no se creía que no lo hubiese vivido. Me parece curioso porque es un camino que nunca había hecho a la hora de llevar la canción a la realidad por eso es de las que más me gustan, sino la que más.

—En el álbum colaboras con cuatro artistas de diferentes registros: Alice Wonder, Sebastián Cortés, Fredi Leis y Ciudad Jara. Siempre has dicho que cuando colaboras buscas llevar la canción a un sitio al que no podrías llegar por ti mismo, ¿a qué lugar has podido llegar gracias a las colaboraciones de este trabajo?

“El mejor de tus errores” no tiene razón de ser sin Alice, de hecho, yo le di una frase y unos acordes y ella vino con su parte de la letra y del estribillo. Nunca había sentido que tantos compañeros y compañeras de gremio me habían felicitado por un tema y creo que es por ella. En España muchos artistas la tenemos como nuestra favorita. Con Fredi Leis yo me imaginaba un tema como “Lovefool” de The Cardigans, un poco sensual y necesitaba un compañero con una voz así y él la tiene. Luego quería hacer una reversión de “El rayo de luna” de Bécquer y necesitaba que fuésemos dos personas que tuviéramos un flechazo con la misma persona en un festival. Y aquí tengo que agradecer a Spotify que Sebastián Cortés me apareciera en “Novedades viernes”. Escuché “Borracho” y tuve que ir directamente a hablarle por Instagram porque era el único que veía que podía entrar en este tema. Y ya desde La Raíz quería hacer algo con Pablo Sánchez, pero cuando sacó “La canción del pensador” ya con Ciudad Jara dije tenemos que hablar de lo gratificante que es el trabajo de la música juntos. Es un tema que empieza lo-fi y acaba siendo música de cantautor tras una gran experimentación de géneros de por medio. Él aúna toda esa amalgama y es bestial. Y después en la versión extendida habrá más colaboraciones que, igual que con estas, necesito de ellxs para llevarlas hasta donde quiero ir. Si que es cierto que probablemente sea mi último trabajo con colaboraciones, porque ya estoy más hecho y estoy cansado de que me pregunten con quién colaboró antes de cómo suena cuando voy a lanzar un álbum. Y ahora está muy de moda los featuring, te metes en una lista de novedades y está todo lleno de esto.

Esto se percibe como una forma de sumarse escuchas como main artist y así presumir de números, pero para mí es una forma de redondear la canción independientemente de las cifras.

—Has presentado cuatro temas con sus respectivos videoclips. Y has dicho que te gustaría tener unos seis o siete clips de este trabajo, cuando en los anteriores has presentado siempre unos cuatro. ¿Qué te hace querer profundizar más en el apartado audiovisual de este disco? ¡Que tengo más presupuesto! (Se ríe). A mí me encan-

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marzo 2021 #25

ENTREVISTA

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taría haber sacado más videoclips, tengo espinitas clavadas con temas anteriores, ya que pasan los años y me sigo imaginando como serían los vídeos. Hay gente que dice “si yo tuviese tanto dinero que no supiera donde gastarlo me volvería drogadicto”. Yo que no consumo drogas me lo gastaría en videoclips. A mí me encantan, me parece muy bonito descontextualizar una canción y llevarla a otro simbolismo con un vídeo y así potenciar el significado. Por ejemplo, “El mejor de tus errores” no sería el tema que es sin el vídeo. En este disco todos los temas van a tener apoyo audiovisual.

Dos días antes del lanzamiento del disco estrenaremos el vídeo de “Don Creíque”, último single del álbum. Y el día de estreno sacaremos el resto. No son tan potentes como los anteriores, pero estoy contento. No los hago por el pensamiento de que parece que solo se escuchan videoclips, aunque ahora ya se está regulando la cosa, es porque yo soy un frikazo de series, videoclips y películas y necesitaba hacerlos.

—Todas las portadas de los singles son naipes de póker y junto a ellas escribes que “dentro de poco veréis que llevaba la mejor mano”. ¿Qué significado tiene para ti esta baraja de póker en relación con el álbum?

La carrera musical de un artista es un castillo de naipes, cuesta mucho levantarlo y aún más mantenerlo.

También es cierto, que por las sonoridades de este disco encontré muchos puntos en común con la época de los años setenta, hay temas que parecen música de esa época, pero con instrumentación de ahora como “Don Creíque” o “Dios Odio”. Y justo en esa etapa, con el alzamiento de la ultraderecha, se crearon movimientos contraculturales que abrazaban la música de Led Zeppelin, etcétera. Entonces yo quise que tuviera este componente de como si fuese algo anclado, una cápsula del tiempo de los años setenta en Francia. Por eso la baraja es francesa. Cuando publiqué la carta de “Solo los amantes sobreviven” la gente no entendía por qué era una D y no una Q. Y en la edición física viene toda la baraja, las cincuenta y dos cartas. Me parece que la vida es una partida de cartas y tienes que tirar con ellas, a veces tienes que marcarte un farol y a veces, si sabes que tienes la mejor mano vas all-in. Mi all-in es este disco.

—Cuando presentaste “Sinónimo” decías que podría encontrarse en el Top 50 de los mejores discos de la historia de España. Ahora ¿dónde crees que podría llegar “Homónimo”?

Es que yo creo que este es muy especial. Yo sigo escuchando “Sinónimo” y a esa afirmación digo que sí.

Mira que ha sido número uno en ventas, me ha traído mucho éxito, pero lo veo infravalorado por “Homónimo”. Este disco, no lo sé, es que ni siquiera juega a eso, es de comer a parte. He hecho el contra-disco: canto en francés, el último tema son seis minutos y la última parte son audios de mis seguidores… es un homenaje para mí. Creo que si viene publico nuevo lo va a flipar, ya que muchas de las canciones podrían ser single. Y luego me permito hacer licencias que hoy en día con la rapidez de la música no se dan. Para mi me parece mi mejor trabajo. ¿Que estaría entre los cincuenta mejores? Yo te digo que sí, porque si no, no lo sacaría.

—Entre tus dos últimos trabajos publicaste el EP de “La casa de papel”. El lanzamiento de este lo hiciste #26 marzo 2021

“Aunque empecé en la escritura, curiosamente a lo que primero me dediqué profesionalmente fue a la música” en medio de esta dura cuarentena que hemos tenido que vivir, ¿por qué decidiste lanzarlo ahí y no retrasarlo cuando todo estuviera mejor?

Porque era una maqueta. En esta hexalogia me planteé hacer cien canciones, y como no quería que el último fuera muy largo, pensé en sacar un trabajo de cinco temas y liberar de tanta carga de canciones a “Homónimo”. Estaba viendo la película de “Alicia en el país de las maravillas” de Tim Burton y vi que tenia su propia cultura pop, con sus neologismos y dije “¿y si saco un trabajo de conceptos de esto?”, pero pensé que iba a ser un ladrillo. Pero justo vi la tercera temporada de “La casa de papel” y me di cuenta de los conceptos como “No tengas miedo” o “Jarana” y me decidí. Quería sacar una maqueta por jugar a hacer canciones, de hecho, de este EP la única canción que hubiese tenido validez por su nivel en “Homónimo” sería “No tengas miedo”, pero lo demás era jugar. Es un trabajo que todos los temas tienen videoclip, y quería sacar uno cada mes, pero con esto de la pandemia quise liberarlo porque si alguien le entretenía, para adelante. También coincidía que salía la nueva temporada de la serie y deje que pasase una semana para que no pareciera que era un “huele pedos”, pero lo liberé. Fue una maqueta, tampoco me lo curré demasiado.

—Has publicado tres libros y con tu disco saldrá un cuarto ejemplar y viene un quinto en camino, ¿qué necesitó David de Rayden para acabar publicando su primer libro y que necesitó Rayden de David?

Por que has querido separar una cosa de otra en las redes sociales hace muy poco…

Desde que tengo puño y letra empecé en la escritura, más mal que bien, pero empecé en la escritura.

Curiosamente a lo que primero me dediqué profesionalmente fue a la música. Un año que fui a la feria del libro de Madrid a dar una sorpresa a Luis Ramiro y Marwán, que estaban allí firmando, vi que de casetas para adentro no había tanto ego como en la industria musical, de casetas para dentro hay incluso más, pero eso yo no lo sabía. Entonces pensé que era el momento de retomar esto y tenía cosas que contar y saqué un libro sin ninguna pretensión. Pero de pronto ves que se coloca en la estantería de los más vendidos y empiezas a hacer el cálculo y dices “si fuese un disco en vez de un libro ya llevaría un disco de platino”, y pues te das cuenta de que esto ya también es un trabajo. Es algo que he querido separar porque me ha ocurrido una cosa muy rara, hay gente que por los libros luego ha llegado a mi música, hay gente que viene de mi música y luego ha llegado a los libros y hay gente a la que le gusta lo que hago con los libros y no en las canciones y al revés. Entonces he decidido separarlo, porque creo que la gente si solo quiere ver cosas de libros o de música se pierde.

—Durante los últimos meses has anunciado que te encontrabas trabajando en una novela escrita en verso y hace poco has dicho que saldrá el próximo año y “La mujer cactus y el hombre globo” tiene mucho que ver… ¿Qué nos puedes adelantar?

Soy la segunda persona en España que lo hace, el primero fue Adolfo Domínguez, sí, el de la marca de ropa.

Es una cosa que me llama mucho la atención, estoy creando una obra titulada “El acercamiento de la mujer cactus y el hombre globo” con mucha chicha,

RONDA RÁPIDA Un artista nacional Alice Wonder Un artista internacional Paolo Nutini Un disco para escuchar en el coche Cualquiera de Bruno Mars Un disco que todo el mundo debería escuchar “Homónimo” Una canción para llorar “Sargento de hierro” de Morgan Una canción para bailar “Perm” de Bruno Mars Colaboración soñada Con Residente y Wos en la misma canción Tu mejor canción “La mujer cactus y el hombre globo” Un lugar para escuchar tu música Con los cascos corriendo Descríbete en una palabra Jardinero

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muy interesante y cuidada. No quiero desvelar mucho.

He escrito de una forma muy ingeniosa donde cada personaje hace apología del honor del arte de escribir y sobre todo de la poesía. Aunque es difícil, ya que no quiero caer en la rima fácil y quiero contar muchas cosas y cada personaje tiene una identidad muy definida y estoy desdoblándome para poder representar cada papel.

—Si pudieras volver atrás, cuando empezabas a rapear en un banco de Alcalá de Henares con Jorge (Dj Mesh) y José (Lumier/Chakal), ¿qué le dirías a aquel chico que escribía poemas y empezaba a rapear “obligado”?

No le diría nada, porque a lo mejor no hubiese tenido ese punto humilde. Porque esto fue antes de la Batalla de Gallos, yo empecé con dieciséis años, en 2001, y si me hubiese pillado con esa edad no me hubiera dicho nada, porque me habría flipado y ahora no hubiese llegado donde estoy. Creo que el personaje me hubiese comido.

—Hace unos meses hicimos un top con las que creíamos que eran tus quince mejores canciones, aunque para entonces no teníamos las de tu último trabajo.

Si tu tuvieras que escoger las cinco mejores, con las doce de “Homónimo” incluidas, ¿cuáles serían? ¿Las cinco mejores? Vale, tú dime cuantas meterías de este nuevo disco en el top.

—Pues tres o cuatro.

Pues te voy a decir mi top quince, sin orden. “Haz de Luz”, “La mujer cactus y el hombre globo”, “Matemondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

mática de la carne”, “Imperdible”, “El mejor de tus errores”, “Habla bajito”, “La comedia del año en Francia”, “Sastre de sonrisas”, “Finisterre”, “Nunca será siempre”, “Gargantúa”; “Abrazos impares”, “Si vas”, “Comunicado oficial” y “No tengas miedo”. De este disco metería eso, tres o cuatro. Estas que te he dicho y quizás “Coachella” o “Don Creíque”. Y con “La comedia del año en Francia” me pasó algo curioso. Yo cuando voy a escoger los singles lo consulto con mis amigos, con mi banda, con la oficina de Sonde3 y con Warner, y como primer sencillo me dijeron cada uno siete temas distintos. Pero cuando Warner no dijo en ningún momento “La comedia del año en Francia” dije “¿os he enviado este tema?”. Para mí es increíble, pero entiendo que canto en francés y que es un poco largo… Pero sí, de doce canciones, metería cuatro o cinco.

—A pesar de estar en la situación en la que nos encontramos, empezaras en breves la gira de presentación de tu disco. ¿Vas a volver con toda la banda o mientras sigamos así harás más acústicos como has hecho en varias ocasiones?

Con toda la banda. Lo que hice acústico, primero era porque no se podía hacer de otra manera, y segundo porque era algo que quería hacer desde hace tiempo.

En enero del año pasado hicimos un concierto a trío, acústico, con Manolo (contrabajo) y Héctor (guitarra).

Esa misma noche era el cumpleaños de mi guitarrista y le dije “tenemos que hacer una gira en acústico” y lo planteamos de tal manera que íbamos a hacer la gira de salas, después la de festivales, viaje por Latinoa-

mérica y finalmente la gira acústica. Pero tras la pandemia decidimos adelantar esta última. Entonces ahí tenía una razón de ser, quería girar, ya que no se puede dejar al mundo sin cultura, y una de las mejores, y más románticas, muestras de amor por la cultura es hacerla en vivo, y porque yo necesito el escenario, no por el aplauso, desde las pruebas de sonido ya lo noto. Pero ahora en la gira, aunque tengamos que hacer dobles o triples sesiones y entre una y otra me tengan que pinchar un “urbason” en el culo iremos toda la banda.

—En el horizonte te queda un acto de celebración por todo lo alto en el WiZink Center con más de tres horas de concierto, una banda aumentada y más de veinte colaboraciones. ¿Nos puedes desvelar algo de este directo tan especial?

Quedan mil entradas para que se llene el aforo de nueve mil personas y después abriremos a doce mil.

Si alguien sigue mi música puede esperar todo de este concierto, porque tal y como se está construyendo todo es para hacerlo. Cuando veo artículos como el vuestro de “Top 15 canciones” imagino que para un oyente que me sigue será como haber juntado a Los Vengadores y, cuando más se amplía mi repertorio, más complicada la elección. Será muy brutal para el recuerdo de los seguidores. No puedo desvelar mucho más.—A.C.S.

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marzo 2021 #27

LIBROS

Chris Frantz Memorias de una cabeza parlante

Batería de los referenciales Talking Heads (y de Tom Tom Club), Chris Frantz gira la vista al pasado para plasmar en papel lo mucho y lo muy fascinante que ha vivido. La excusa es descubrirnos sus capítulos como metrónomo de uno de los grupos más influyentes de la historia de la cultura pop. En el fondo (y en la superficie), “Amor crónico” (Libros del Kultrum, 2021) – cuaderno de prosa sencilla para un narrar una gran historia– es una declaración de amor de quinientas páginas (repletas de vivencias y anécdotas extraordinarias) a Tina Weymouth.

Q

UÉ TE IMPULSÓ a llevar tu vida al papel?

Hacía un montón de tiempo que le venía dando vueltas a la idea de escribir un libro. Yo diría que una década o así. De hecho, no había empezado a escribir el libro y ya tenía hasta la portada. (La entrevista es por Zoom y Chris Frantz me muestra un libro con una cubierta cuyo diseño dice “Talking Head. Chris Frantz”).

—¿El libro se iba a llamar “Talking Head”?

Primero de todo tengo que decirte que la cubierta que te acabo de enseñar, es solo eso, una cubierta. El libro que esconde dentro es una biografía de Tom Petty. El diseño lo hizo un amigo hace años. Ý lo del título también es cosa suya. “Talking Head”. No es un mal título para mi biografía.

—¿Cómo surgió el título que finalmen-

te dio nombre al libro?

Dándole vueltas, pensé que el título debía ser algo que ilustrara lo que me diferencia a mí del resto de músicos.

—Y la gran diferencia es Tina Weymouth (bajista de Talking Heads y mujer de Chris Frantz).

Exacto. Eso es lo que me diferencia del resto, la larga relación, tanto en lo sentimental y emotivo, como en lo musical, que mantengo con ella. Así fue como llegué al título de “Remain In Love”. En español se ha traducido como “Amor crónico”, lo que me parece una extraordinaria adaptación. Me gusta.

—De hecho, el libro es una declaración de amor pública a Tina.

Lo es.

—¿Qué le ha parecido a ella el libro?

Gracias a Dios, le ha gustado. No quise que lo leyera hasta que tuve acabada la versión definitiva. Pensaba que si le mostraba una de las primeras versiones y no le gustaba, no sería capaz de aca-

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barlo nunca. Pero cuando se lo enseñé, le gustó. No solo eso, sino que me ayudó con alguno detalles de la edición y me corrigió algunos datos, algunos pocos lugares y fechas que estaban mal.

—Es de destacar lo rico que es el libro en esos pequeños (grandes) detalles.

He sido bendecido con una muy buena memoria. Ya tengo una edad y toco madera para que siga siendo así.

—Lo cual es sorprendente, porque en el libro no te cortas a admitir todas las drogas que tomaste de joven.

Tomé toneladas de drogas. Tengo fama de ser uno de los tipos más majos en el mundo del rock, tal vez lo sea o tal vez es que estaba colocado cuando conocí a toda esa gente que habla bien de mí.

—Me gusta la primera parte del libro.

Los capítulos en los que hablas de tu infancia, de tus años en Kentucky, del internado en el que estudiaste, de cómo descubriste a The Beatles, James Brown...

3 marzo 2021 #29

TINA WEYMOUTH Y CHRIS FRANTZ FOTO: ROGER GORDY

29/Mondo Media

MONDO MEDIA

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en este pensamiento salir de un entorno artístico?

La verdad es que nos conocimos en una escuela de arte, la Rhode Island School Of Design.

Tina y yo estudiábamos pintura y David (Byrne) estaba haciendo de todo un poco. Y sí, ya entonces, antes de formar el grupo, una de las ideas que nos guiaba era que estaba bien tener otros artistas como referentes, de hecho está muy bien conocer la obra de los artistas más importantes que te han precedido, pero lo que no tiene ningún sentido es copiarlos. Si quieres que se te tome en serio, tienes que hacer algo que sea único. Era lo que creíamos cuando éramos estudiantes de arte. Lo que seguimos pensando cuando formamos Talking Heads. Y lo que aún creemos hoy en día.

—¿Es difícil conseguir un estilo propio?

Se trata de rebuscar mucho dentro de ti, en tu alma y en tu corazón. Ahí encontrarás lo que realmente te separa y diferencia del resto.

—Irónicamente, creasteis algo único con Talking Heads, pero os han copiado infinidad de bandas que han venido después.

Fue en los noventa cuando empecé a darme cuenta de la influencia de Talking Heads en grupos más jóvenes. Primero fueron bandas como Radiohead o Blur, y posteriormente e incluso de una manera mucho más evidente, Vampire Weekend, Franz Ferdinand o LCD Soundsystem. Y lo mismo con Tom Tom Club, cuya influencia es innegable en muchos artistas contemporáneos de R&B. —Escribiendo el libro también has tratado de ser único.

Curiosamente, ese fue un consejo que me dio Ian Hunter de Mott The Hoople: “Chris, eres un tipo de puta madre. No intentes ser el escritor que no eres, escribe tal y como eres”. Y así lo hice. Es un libro escrito con una prosa muy sencilla, que es tal y como yo hablo. Fue mucho más difícil acabarlo.

—¿Por qué?

Primero escribí tres capítulos con el objetivo de conseguir un contrato editorial. Eso fue fácil. Lo complicado llegó cuando conseguí el contrato y

me di cuenta de que ahora debía escribir otras trescientas o cuatrocientas páginas (ríe). Tuve diversos ataques de ansiedad. Hasta que descubrí el CBD. —¿El aceite de cannabis?

Exacto (ríe). Pero es legal. Leí que era bueno para paliar los ataques de ansiedad: tres gotas bajo la lengua y como nuevo. Lo hice y conseguí escribir todo el libro.

—¿Has aprendido algo de ti mismo escribiendo el libro?

Desde el día que vi por primera vez The Beatles en la tele, mi sueño era estar en un grupo de rock. Pero no todo el mundo tiene ese sueño.

Hay gente que incluso estando en un grupo de rock muy importante, desean estar haciendo otras cosas.

—¡Por quién irá eso!

(Ríe) Me he dado cuenta de que me encantaba estar en un grupo. Fue una experiencia que disfruté a cada segundo. Pero, aun viviendo lo mismo, no todo el mundo lo disfruta.

—Y esa gente que no disfruta estando en un grupo ha leído el libro.

Una de esas personas es Tina. Y sí, ella ha leído el libro. Y, sí, la otra persona en la que pensaba era David Byrne (ríe).

—¿Y él ha leído el libro?

Le envié un correo electrónico preguntándole si quería que le enviara una copia promocional antes de publicarlo. Me contestó que no hacía falta porque no lo iba a leer.

—¿Tal cual?

Me dijo que no lo iba a leer porque así no tendría que dar explicaciones. Si no lo tenía y no lo leía, cuando la gente le preguntara por el libro, podría responder sin mentir que no podía decir nada al respecto porque no lo había leído.

A David Byrne le tienes que amar tal y como es.

—ORIOL RODRÍGUEZ

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TALKING HEADS FOTO: ARCHIVO

He tenido mucha suerte en la vida, empezando por una infancia casi idílica. Mis padres eran buena gente, fueron felices juntos y nos trataron muy bien. Fui a buenos colegios, tuve buenos profesores y tuve la fortuna de viajar mucho. Con el tiempo descubrí que mucha de la gente que me rodeaba había sufrido infancias terribles. No fue mi caso. Creí que era importante descubrir mis raíces, que son el fundamento de lo que he acabado siendo como persona. Unas raíces muy diferentes a las de Dee Dee Ramone, por ejemplo, que vivió una infancia horrible. Como supongo que horrible fue también la infancia de Johnny Ramone. Mi familia siempre me apoyó cuando decidí dedicarme al mundo del arte y la música.

—De hecho, jugando a la psicología barata, partiendo de vuestra infancia, no es difícil de entender por qué Talking Heads hacíais la música que hacías, y Ramones eran Ramones.

Nadie podía, ni ha podido ser más punk que Ramones. Lo puedes intentar, pero no lo conseguirás. Probablemente sea como tú dices.

—Aun así, sois fruto de un tiempo y un lugar muy concreto. Toda una eclosión de bandas que, a ritmo de punk y subgéneros colindantes, protagonizasteis una de las grandes revoluciones en la historia de la música.

Si nos ceñimos exclusivamente a Talking Heads, no puedo negar que estamos muy contentos de habernos podido ganar la vida muy bien y ser famosos.

—¿Era importante para vosotros ser famosos?

Bueno, ya lo dijo Andy Warhol: es genial ser famoso. Aun así, nuestro gran objetivo, y creo que lo conseguimos, siempre fue dejar nuestra marca en la historia de la música. Ese siempre fue nuestro reto.

—¿Ya cuando fundasteis la banda pensabais en grande, en hacer historia?

Muy al inicio, mi principal preocupación era tocar mínimamente bien la batería (risas). Pero sí, desde que comenzamos, nuestro objetivo fue crear un sonido único y personal.

Hacer algo que ninguna otra banda hiciera.

—¿Qué influencia tuvo

con “Me encantaría volver vid Da Talking Heads pero bor” Byrne no está por la la

#30 marzo 2021

Amor crónico Chris Frantz (Libros del Kultrum, 2021)

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CINE Y SERIES Escena del crimen: desaparición en el Cecil Hotel

Bruja Escarlata y Visión Jac Schaeffer

Joe Berlinger

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“BRUJA ESCARLATA Y VISIÓN” es la continuación de la historia de los superhéroes que han dominado la gran pantalla durante la última década, Los Vengadores. Se trata de la primera serie del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), la cual ha cerrado su primera temporada por todo lo alto. Aunque los primeros episodios son algo soporíferos y parece que no se acaban de entender, todo era una previa de lo que se venía con el último tramo de la temporada. Uno de los grandes aciertos de la serie es que cada capítulo, a excepción de los dos últimos, está situado en una sitcom de décadas diferentes. La serie trata sobre Wanda Maximoff/Bruja Escarlata (Elizabeth Olsen) y Visión (Paul Betany) quienes tratan de mantener una vida idílica en Westview.

Su vida se empieza a torcer poco a poco, mientras descubrimos por qué parece que los acontecimientos de “Vengadores: Endgame” no existen en ese pequeño pueblo. En el recorrido de este vuelven personajes y se suman otros que darán mucho que hablar en el futuro del UCM.

Los nueve capítulos dejan cerradas muchas preguntas que se habían abierto con un gran final, pero deja muchas otras por resolver. De hecho, la serie pertenece a la llamada “Trilogía del Multiverso”, una sección dedicada a explorar la profundidad de los distintos universos de Marvel que continuará con “Spiderman: No Way Home” y terminará con “Doctor Strange In The Multiverse Of Madness”.

Esta serie es el inicio de la Fase 4 del UCM, en la que se van a presentar a los nuevos héroes de Marvel. Y, por lo visto, va a ser una gran fase para los fans de las películas y los cómics, ya que en la serie se han reflejado varias historias de estos. Los fans de la franquicia han estado estas semanas creando sus propias teorías acerca del desenlace de la historia, por tanto, el hecho de sacar cada semana un capítulo genera mucho más hype que publicarla al completo. En definitiva, una serie a la que le cuesta arrancar pero que acaba dejándote con un buen sabor de boca y con ganas de más.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

ESTE TRUE CRIME basado en la desaparición de Elisa Lam en el misterioso hotel Cecil traslada al contexto televisivo ese morbo ontológico tan propio de la cultura del creepypasta cuya inauguración en el mainstream podría situarse en el estreno de “El proyecto de la bruja de Blair” (99). Porque pocas cosas hay más estimulantes que un relato que deambula entre lo ficticio y lo real, un limbo que las redes generan de forma casi innata. ¿Acaso hemos olvidado ya el hilo de Manuel Bartual? Después de una introducción que nos recuerda a una especie de “Psicosis” (60) construida desde el acelerado montaje publicitario, el documental se convierte en un ensayo visual sobre el contexto social, histórico y político que envuelve el caso de forma algo anodina.

Es contraproducente centrar un producto en otorgar contexto a una pieza audiovisual cuya razón de ser reside justamente en esa falta de contexto. Querer racionalizar el video del hotel Cecil es querer racionalizar un mito contemporáneo, aquellos tan necesarios para nosotros,

Music

Paco Loco: Viva el noise

Sia

Daniel Cervantes

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“Y BUENO, ESO ES MÁs o menos lo que he hecho estos veinte años. Eso y comer un poco”. Lo increíble de “Paco Loco: Viva el noise” no es que se haya hecho un documental sobre la figura de Paco Loco, uno de los grandes productores de pop rock de nuestro país, lo increíble es que no se haya hecho antes. Daniel Cervantes, con un guion elaborado junto a Mikel Gil, repasa la vida y la personalidad del mítico productor asturiano durante ochenta y cinco minutos y con testimonios que van desde Bunbury a Pepe Colubi, desde Mikel Erentxun a Hinds.

Donde otros documentales se centran en la manera que tiene el protagonista de entender la vida, “Viva el noise” se centra en la manera que tiene Paco de entender la música y, con ello, la vida (para los más interesados, eso es algo sobre lo que se explaya en los dos libros publicados por H&O: “Loco. Cómo no llevar un estudio de grabación” y “Loco 2. Cómo llevar un estudio de grabación y no morir en el intento”). Esa pasión, esa locura que

le da su apodo, es la que hace que los distintos invitados tengan que aclarar que lo único que Paco bebe es su adorada agua fresquita, y que lo único que se mete son chapuzones en su piscina.

Cervantes acierta convirtiendo esto en algo más relacionado con su personalidad que en el típico recorrido cronológico por sus trabajos, salpicando el propio tono del documental.

Porque, aunque quizás tanto chiste interno y referencias de unos a otros hagan que a alguien ajeno al mundillo le cueste entrar, es también ese mismo espíritu lo que le puede terminar conquistando. Quizás no entienda las comparaciones entre mesas de producción que se hacen, o cuál es la polémica del Monkey que se menciona, pero sí puede conectar con puntazos como los “derechos de autor” de los pezones o el fotocol, o con la tierna relación de Muni y Paco. O con la forma que tienen ambos de entender la música, el amor y la vida.

—PABLO TOCINO

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la generación del desencanto. La miniserie parece obsesionarse por anular la inquietante naturaleza fantástica que la historia de origen presenta. Siendo las casualidades que parecen causales nuestro fetiche narrativo por excelencia, me sorprende lo reacio que es el documental a echar más leña a ese fuego. Aunque realmente no me sorprende tanto, puesto que en su recta final parece desvelar sus motivos, adoptando una vertiente mucho más crítica sobre todo lo que hemos estado comentando.

El documental juzga cómo las redes parecen gamificar esta serie de eventos en muchas ocasiones, haciendo sentir a los usuarios como jugadores de una experiencia cuyo lugar en lo real suele ser olvidado. Ficcionar puede llegar a ser una forma de banalizar, de convertir a personas en personajes y a sus traumas en arcos argumentales, lo haga Twitter o Netflix. Decir que Elisa Lam estaba poseída por ese ascensor es mucho más poético que digerir el hecho de que la joven sufría bipolaridad. —DANIEL GRANDES

LA OPERA PRIMA DE SIA, que ha llegado a las plataformas españolas de puntillas, es muy difícil de digerir, no nos vamos a engañar. La representación del autismo que “Music” nos brinda es tan involuntariamente paródica como inevitablemente ofensiva. Resulta extremadamente incómodo ver cómo se trata a la protagonista autista como un ser extraño, incomprensible e indescifrable mientras se glorifican los comportamientos del resto de personajes simplemente por acceder a convivir con ella. Hay un maniqueísmo enfermizo, propio del positivismo manierista del peor de los posts motivacionales de Facebook. Todo aquello que otras ficciones como “Atípico” (17) hacían a la perfección, remarcando que estar en contacto con el autismo no te convierte directamente en héroe y que, por el contrario, puede despertar a tus peores monstruos, se banaliza en “Music” hasta puntos absurdos.

Tampoco se podría decir que la banda sonora de la película sea mala. Las canciones mantienen, aunque sea de forma casi apócrifa, la esencia de la discografía de

la cantante, por mucho que ninguna parezca estar destinada a ser memorable. Es inevitable detectar una falta de carácter, tanto en la música como en los números musicales (valga la redundancia) que la acompañan. El problema es que esos bailes tan físicos que en sus videoclips simbolizaban cierta rabia y existencialismo no parecen contarnos nada en la película, envueltos de un sintético decorado multicolor que parece insonorizar y aislar la visión del mundo de la protagonista en vez de intentar generar una empatía sobre su visión del mundo.

Sia presenta cierta inocencia en “Music”, lo cual acaba por banalizar las problemáticas que quiere visibilizar y por convertirse en ese producto policromáticamente naif criticado en la propia cinta que cree que toda historia trágica se soluciona con un cambio de mentalidad. Y es que incluso dejando de lado todo lo relacionado con la nefasta representación del autismo, una cinta cimentada sobre la filosofía indirectamente neoliberal del “follow your dreams” no podría haber llegado en peor momento. —DANIEL GRANDES marzo 2021 #31

LIBROS

CÓMICS

Edita Sister Sonic, S.L.

15

David Muñoz y Andrés G. Leiva Astiberri

8 Hace unos años, David Muñoz escribió una descarnada novela gráfica ambientada en la Guerra Civil española. La dibujó Rayco Pulido; se llamaba “Sordo”. Sabiendo eso, entenderán fácilmente que “15” no sea una de esas típicas historias de buenos y malos, sino un golpe en el estómago de esos que deberían hacernos pensar.

Más todavía atendiendo a que se inspira en una historia real. Verano del 38 en un barrio de Madrid, un francotirador apostado en un piso elevado que acaba con varias vidas. Un francotirador de solamente quince años y ardiendo en rabia por la muerte de su hermano. Abajo, en la calle, el capitán Matías y sus hombres tejiendo un plan para atraparle. A partir de ahí, un montón de dudas, fantasmas personales, temores y odios que se entrelazan en un cómic crudo y directo tanto en su dibujo como en su narración. —JOAN S. LUNA Un trabajo como cualquier otro Alex W. Inker Catarata/ Ponent Mon

8 Resulta un placer indescriptible darse de narices con una obra que te remueve por dentro y, sobre todo, que lo hace de forma inesperada. Y eso es precisamente lo que me ha ocurrido –una vez más– con “Un trabajo como cualquier otro”, cómic firmado por el francés Alex W. Inker en el que adapta la relativamente reciente –estamos hablando de 2016– novela de la escritora estadounidense Virginia Reeves. Y me encontré con el dibujo rudo, moderno y al mismo tiempo ideal de Inker para lo que nos acabará contando... Así que aquí estamos. “Un trabajo como cualquier otro” es un cómic dramático, con una fuerte carga social y con un dibujo que ayuda a sentir la crudeza de cada uno de los episodios vividos por los protagonistas, y que, pese a estar firmado por un francés, mantiene un espíritu totalmente estadounidense. —JOAN S. LUNA #32 marzo 2021

El bebé es mío

Oyinkan Braithwaite Alpha Decay

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La luz en sus entrañas Manuel Pinazo y Chema Domínguez Muzikalia

8

También los escritores han sabido aprovechar el confinamiento a causa de la pandemia. La nigeriana afincada en el Reino Unido Oyinkan Braithwaite –quien explosionó su talento en su debut “Mi hermana, asesina en serie”– no solamente lo hizo, sino que incluso ambientó esta novela corta en el confinamiento de dos semanas en Nigeria. En ese breve espacio de tiempo, el protagonista (Bambi) debe compartir piso con su tía Bidemi, quien acaba de perder a su marido, Esohe, amante del fallecido, y un bebé. Sin necesidad de destripar la trama, podemos decir que lo que viene a continuación es una adictiva historia de misterio que se situaría en algún lugar entre el famoso Juicio de Salomón y uno de los breves tour de force entre personajes de Amélie Nothomb.

Eso, aunque con fuertes lazos a la cultura nigeriana. —ESTEBAN VIVES Un tablao en otro mundo

David López Canales Alianza Editorial

8 Se ha hablado mucho de la relación entre el flamenco y el Japón, incluso en ocasiones de las aventuras de Pepe Habichuela o Chiquito de la Calzada allí, hasta –muchas veces sin el respeto que merecerían– de los japoneses que pasaron por nuestro país para profundizar en el cante, el baile y la guitarra. Pero David López Canales consigue trasladar al papel lo que ocurrió en realidad y poner esas aventuras tan aparentemente surrealistas en voz de sus protagonistas. Y el viaje, se lo aseguro, vale la pena. Sobre todo porque aquí nadie va a hablarles de apropiacionismo cultural, sino de experiencias reales de gente que dejó su tierra para viajar a mundos que jamás hubieran podido imaginar. Los de aquí a la búsqueda de una vida mejor; los de allí, adictos a una música extranjera que les cambió la perspectiva del mundo. —ENRIQUE GIJÓN

Haber conseguido que el esquivo, tortuoso y siempre genial Fernando Alfaro se haya abierto en canal, ante propios y extraños, mediante la publicación de una serie de sinceras y descarnadas entrevistas, realizadas a tumba abierta con el icónico músico albaceteño, en las que estuvo dispuesto a contarlo -casi- todo, es el gran mérito de este extraordinario trabajo, que firman a medias los periodistas Manuel Pinazo y Chema Domínguez y publica Muzikalia. Trescientas treinta páginas que son ambrosía en vena para sus muchos acólitos –y de Surfin’ Bichos y Chucho– y para lo que aún no lo son, pero lo serán antes de que caiga la noche con su manto gris. Estamos ante el libro definitivo sobre un artista único, creador de un doliente y propio imaginario musical y literario que felizmente no cesa, como el rayo. —FERNANDO FUENTES Antisocial Andrew Maratz Capitán Swing

8 Aunque las primeras páginas de “Antisocial. La extrema derecha y la ‘libertad de expresión’ en Internet” nos advierten de lo mucho que nos queda por leer, ir sumergiéndose en ellas supone una verdadera revelación.

Marantz –redactor de The New Yorker– nos lleva de la mano por un mundo sorprendente. Empezamos descubriendo algunos de los nombres fundamentales del grupo supremacista Proud Boys, aunque ese es solamente el aperitivo. A partir de ahí leeremos sobre los vínculos entre la extrema derecha estadounidense y diversos emprendedores tecnológicos, entre nombres respetados de Silicon Valley y grupos de agitprop de extremismo neofascista; descubriremos a expertos en redes sociales cuyo principal objetivo es difundir fake news. Así está el mundo. —JOAN S. LUNA

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