Mondo Sonoro marzo 2022 by MONDO SONORO

Nº 304 Marzo 2022 www.mondosonoro.com

shego diversidad METRONOMY, ALT-J, LOS PLANETAS, EL ÚLTIMO VECINO, ELANE, GINESTÀ, ILEGALES, MARUJA LIMÓN, KORN, ROJUU

CD | C D LTD | K7 | 2LP | 2 LP LTD DISPON IBLE: 11 DE M A RZO E

N D I RE 25/06 CTO: MALLO R C A LIVE 25/10 B FESTIVA ARCEL L ONA S ANT JO 26/10 M RD I ADRID WI Z I NK 27/10 B ILBAO ARENA

CD | LP | LP Ltd - Ya disponible dominomusic.com

Entradas a la venta en sansanfestival.com

LOS VIERNES

LOS SÁBADOS

5/Mondo freako

Metronomy Hecho, S es simple

Los placeres sencillos. La vida en familia. La amistad. La vuelta a lo básico. Se nos dijo que nada sería igual a como era antes de marzo de 2020, y así ha sido en el caso de Metronomy. Han vuelto con “Small World” (Because Music/Universal, 22), el disco más austero y cálido de toda su carrera. OBRE TODO ELLO charlamos con Joe Mount vía telemática desde su casa en Kent (Reino Unido) y eso seguramente es lo que espera volver a contarnos desde los escdnarios.

—“Small World” es un disco mucho más

básico que los anteriores, que reivindica los placeres sencillos. Entiendo que la pandemia influyó. Quería hacer algo más acústico. Más musical, en ese sentido. Supongo que cuando el mundo se paró fue cuando cambió mi enfoque y le di un ángulo aún más distinto. En realidad, iba a ser así antes del confinamiento, pero se agudizó luego debido a él.

—Es curioso porque en el caso de algu-

nas figuras de la música más bailable, no necesariamente ligadas a lo que vosotros hacéis, el efecto fue el contra-

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rio. Kylie Minogue, Dua Lipa o Jessie Ware en 2020, o For Those I Love y Fred Again.. en 2021: todos reivindicaban la nostalgia del baile en sí mismo, y de compartir la experiencia en grupo. Sí [risas]. Supongo que se debe a varias razones. En primer lugar, que no me sentía con el estado de ánimo para hacer un álbum así. Y en segundo lugar, porque aunque siempre se ha relacionado a Metronomy con una música electrónica y bailable, y me gusta esa asociación, necesitaba abrir como otra avenida en nuestro propio camino, la posibilidad de que se nos asocie a otras cosas. Necesitas dar con nuevas formas de expresarte para poder crecer. Supongo que es chocante, porque yo trabajé con Jessie Ware en su último álbum, y recuerdo que ella me hablaba sobre cómo quería que sus canciones sonaran en la radio y en los festivales. Pero bueno, la gente hace dis-

marzo 2022 #5

“

“Cuanto mayor eres, más aprecias la simplicidad de las cosas”

cos con diferentes espíritus e ideas. Yo quería que este fuera un poco más relajado. —¿Has sentido siempre esa necesidad, la de ha-

cer discos que fueran ligeramente distintos al anterior? Más que la necesidad, creo que es algo que hago de forma instintiva. Los artistas a los que admiro y respeto, lo hacen. Evolucionan. Como en un viaje. Cuentan una historia. Nunca me ha interesado estar haciendo lo mismo durante mucho tiempo, y siento que siempre estoy aprendiendo. Aún explorando.

—Hablando de canciones particulares: “It’s Good

EN CONCIERTO l Oporto 01 marzo. Hard Club l Lisboa 02 marzo. Coliseu de Lisboa l Madrid 04 marzo. La Riviera l Valencia 05 marzo. Moon l Barcelona 06 marzo. Razzmatazz l Barcelona 02-12 junio. Primavera Sound l Palma de Mallorca 25-26 junio. Mallorca Live Festival l Benidorm 29-31 julio. Low Festival

#6 marzo 2022

To Be Back”, el primer adelanto, surge de tus recuerdos escuchando música en el coche de tus padres cuando eras niño, discos que te parecían horribles, pero en los que siempre encontrabas una o dos canciones que te gustaban mucho. No termino de entender la idea ligada a la canción. Supongo que lo que quería decir es que, por ejemplo, el primer álbum que escuché de Talking Heads fue “Little Creatures” (85), uno de los últimos que publicaron, en el que ya no sonaban post-punk ni afilados como cuando eran jóvenes. Pero como mis padres no tenían ese gusto especial por la música, lo tenían puesto en el coche y había solo dos o tres canciones que me gustaban: la mayoría, no. Y luego cuando te haces mayor te das cuenta de que Talking Heads es una banda increíble y que sus primeros discos tienen muchas aristas. Pero cuando yo les conocí fue en una etapa mucho más tardía. Supongo que muchos fans de Metronomy deben tener hijos ahora, y posiblemente vayan en el coche con sus críos escuchando nuestro nuevo disco, y los niños pueden estar pensado que el disco no les gusta pero que hay alguna canción que les puede hacer gracia: esa debería ser “It’s Good To Be Back”. Está entre dos mundos, medio acústico y medio electrónico. Y la idea que la inspira es lo a gusto que se está, o que estaba yo al menos, pasando la mayor parte del tiempo en casa con mi familia.

—También es curioso cómo a veces canciones

a las que puedes llegar a odiar profundamente adquieren una connotación mucho más cálida cuando le gustan a tus padres, ¿no? A mí me ocurre con “Sacrifice”, de Elton John, una canción espantosa a la que tengo cariño porque a mi madre siempre le ha gustado. Totalmente. La conozco y me recuerda a una época muy joven de mi vida. Veía su videoclip y no entendía nada. Me preguntaba si aquel tipo era un cura o qué diablos pasaba con él. Me parecía algo aburridísimo [risas]. Pero sí, es más complejo, es como una representación de algo que entonces no te gustaba y luego entiendes.

—“Things Will Be Fine” fue el mensaje que du-

rante el primer confinamiento ilustraba mu-

chos de nuestros balcones y ventanas. Como eso de que íbamos a salir mejores. ¿Tiene algo que ver? Sí, aunque pensaba más en mi relación con lo que estaba ocurriendo, y al mismo tiempo con la necesidad de decirles a mis hijos que todo iba a salir bien. Es ese momento en el que te das cuenta de que no tienes ni idea de si las cosas van a salir bien, pero tu rol como adulto es tranquilizar a los niños. Tiene que ver con eso. En realidad, durante el confinamiento no tenía seguridad sobre nada. Daba miedo coger el virus y morir. Pero también pensaba que, incluso si no pudiera volver a salir de gira nunca más, tenía en casa todo lo que necesitaba. No había por qué preocuparse. La canción va sobre el mensaje que les transmitía a mis hijos. —¿Cómo surge la colaboración con

Dana Margolin de Porridge Radio en “Hold Me Tonight”? Cuando tuve terminada la canción, sentí que necesitaba volver a empezarla de nuevo. Darle un giro. Y fue nuestro manager quien sugirió a Porridge Radio para las voces. Tiene sentido, pero no fue hasta que escuché la maqueta que lo entendí. Ella la transformó en algo especial.

—En “Right On Time” reivindicáis los placeres

simples, con esa línea que dice “disfrutemos de la luz del sol”, y que tiene unos arreglos de cuerda que me han recordado, no sé por qué, a los de “I Will Survive” de Gloria Gaynor. [Risas] Mi idea era hacer una canción abiertamente positiva. La idea de disfrutar del sol es demasiado básica, demasiado simple, pero bueno, es como “Here Comes The Sun” de The Beatles. Sensación de felicidad. Y supongo que “I Will Survive” puede coincidir en esa idea de canción que te eleva el espíritu, sí.

—La última canción, “I Have Seen Enough”, es

como un registro muy de crooner elegante. Al estilo de Serge Gainsbourg y su “Je T’aime Moi Non Plus” o incluso de un Jarvis Cocker maduro. Un canon infrecuente en Metronomy. Recuerdo estar hablando sobre Tame Impala y pensar en lo maravilloso que sería un disco suyo con Kevin [Parker] cantando una octava por debajo [risas]. Que sorprendiera a todo el mundo. Quería aplicarme esa idea, en cierto modo. Algo más cerca de mi habitual forma de hablar, que también me resultara más cómodo de cantar. Si tengo que madurar en la música, esa es una forma cool de hacerlo. Ese punto en el que te puedes convertir en

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MONDO FREAKO

lo que quieres ser. ¿Un crooner? Pues un crooner. Es una idea bonita. —Todo esto me lleva a pensar en esa

idea tan extendida entre muchos músicos de que lo más sencillo suele ser lo más complicado. Es algo de lo que se dan cuenta según maduran. Una depuración de estilo, en cierto modo. Creo que tiene mucho que ver con tu experiencia haciendo música. Y seguro que hay paralelismos con el hacer películas o las artes visuales. Cuanto mayor eres como artista, más aprecias la simplicidad de las cosas. Ahora aprecio más la canción en sí misma como algo interesante, y no tanto por los efectos de sonido o los instrumentos escogidos. Irónicamente, o quizá no, aprendí eso trabajando con artistas pop como Robyn. Trabajando con ella te esperas todos esos complejos y complicados arreglos, cuando en realidad solo hay dos, tres o cuatro cosas en la canción, y eso es todo lo que necesitas, y el resto está en la voz. Llega un punto en que el arte es deconstrucción o sobreconstrucción.

—¿Crees que puede tener algo que ver

también con el hecho de que los artistas, sean de la disciplina que sean, cuando empiezan tienden a ocultar sus sentimientos bajo metáforas y construcciones enrevesadas, por temor a mostrarse tal y como son, y luego por suerte van perdiendo eso? Sí, es cierto, es una buena observación. Creo que el público responde mejor a las voces que son abiertamente honestas. Es lo que les gusta. Y hoy en día la gente está mucho más atenta a los problemas de salud mental, y la forma de combatirlos es ser lo más abierto posible. Ser transparente. No hay necesidad de ocultarse. Al mismo tiempo, hay millones de formas distintas de escribir canciones. Y yo le estoy cogiendo el gusto a ser más directo. Creo que es más maduro. —Hace un año celebrabais el décimo aniversario de “The English Riviera” (11), vuestro disco más popular. Sus temas siguen siendo los más celebrados por el público en cada concierto. ¿Alguna vez os han dado rabia las compa-

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raciones con él a la hora de publicar un nuevo disco? ¡No, está bien! Es una suerte tener un disco con tanto éxito, que conecte con la gente en la forma en la que “The English Riviera” lo hizo. Sí que he sentido a veces un poco de pena porque tenemos muchas otras canciones buenas, pero cualquier artista te diría lo mismo. No me preocupa. Está bien así. Y en cierto sentido te motiva para escribir mejores canciones. No es que intente hacer siempre algo mejor que “The Look”, ni que intente hacer algo siquiera parecido, porque sería imposible. Porque a medida que me hago mayor y compongo más música, más gente descubre esa canción, más reproducciones acumula, con lo que es como una carrera que nunca voy a ganar. No puedo competir con ella [risas].

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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marzo 2022 #7

MONDO FREAKO

El Último Vecino ha vuelto a las andadas y esta vez nos presenta su tercer disco “Juro y prometo” ([PIAS], 22). Un álbum muy esperado que ve la luz primero en digital y, en primavera, ya en formato físico. Nueve canciones entre las que se encuentran “El desastre” o “Ábreme la puerta”.

El Últ Lo que ten

#8 marzo 2022

ón “Me haría mucha ilusi estar en una pelea con sillas en un bar” y he podido sacar a mi niño, a mi energía creativa. —Decías también que “El desastre” es la canción más alegre que has escrito nunca, pero el título podría llevar a pensar lo contrario. No es que la canción sea alegre, pero sí que cuando la escribí estaba en un momento muy feliz. Como te decía antes estoy contento de poder compartir este álbum ya que muestra este momento actual por el que estoy pasando y de este bloqueo del que he conseguido salir. —Debo decirte que “Mentirosa” es mi canción favorita. Es posible que por ese

sonido tan característico, incluso tiene un deje folclórico. Muchas gracias pero, ¡Uf!… ¡Qué canción más dura para que sea tu favorita! A mi también me gustan los temas duros realmente. Soy de Barcelona y mi familia no es flamenca pero sí que es verdad que me llama ese sonido. Me gustan los sonidos y la música con esa rabia, no sé cómo decirlo, con garra como el punk o el flamenco. —Sí, te entiendo. A mí me ocurre algo parecido y digo que me gustan las cosas “marroneras”. Exacto, eso es, marronero [risas]. Me encantan las cosas marroneras. Yo soy

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FOTO: NEELAM KHAN VELA

“

JURO Y PROMETO es el primer álbum que lanzas desde “Voces” en 2016. ¿Cuál es el motivo de volver ahora a este formato? Si te soy sincero no es una decisión pensada. He estado sacando singles porque el formato me funcionaba mucho mejor, no me agobiaba tanto. No era capaz de hacer otra cosa, me costaba hacer discos enteros. Es algo que quería hacer pero que no he podido hasta ahora. Me daban envidia los grupos que son capaces de hacer una canción por ensayo mientras a mí me costaba mucho. Ahora estoy mejor y ya he podido hacerlo. Estoy en un momento mucho más bueno. —Es interesante porque eso significa que el disco guarda total relación con tu yo más actual. Efectivamente. Me ilusiona mucho poder enseñar este disco porque lo escucho y ¡soy yo ahora mismo! Antes, desde que lo escribía hasta que salía pasaba mucho tiempo y para cuando lo escuchaba ya no me representaba para nada, decía “esto no soy yo”. Estoy muy ilusionado con este disco. Ha sido como sacar el niño que llevo dentro y ahora no tengo ninguna expectativa. Antes estaba metido en un circulo vicioso en el que me comparaba con otros artistas más jóvenes y pensaba “si ahora tuviese quince años menos”… Pero ya no lo hago, me centro en mi proyecto y estoy contento de este nuevo álbum. Además es eso, este álbum está hecho de una forma muy rápida, así que todavía me identifico con lo que hay en él. —De hecho, decías en Instagram que con este álbum estabas tan emocionado como con el primer disco. ¿Se debe a esto que comentas? Pues sí. Cuando empecé era mucho más puro, no estaba tan condicionado por el entorno, por la industria. Es un espacio muy competitivo y en el que te comparas mucho. Ahora estoy en un momento en el que me da igual. Estoy seguro y tranquilo

timo Vecino nga que ser una persona muy tranquila y yo quiero mucho a todo el mundo y a todos los animales, pero sí que soy un poco marronero. De hecho, me haría mucha ilusión estar en una pelea con sillas en un bar [risas]. —¿Y qué puedes contarme de la experiencia de trabajar con InnerCut como productor del disco? Trabajar con Adrià ha sido genial. Él me contactó para saber si quería cantar en un tema suyo y fue así como nos conocimos. La verdad es que la experiencia de trabajar juntos ha sido una maravilla. Me ha ayudado muchísimo a que el álbum llegase al punto en el que está. Hemos pasado de trabajar juntos a que sea mi médium y mi amigo, por eso hay una gran parte suya en este disco, porque me ha ayudado mucho. Estaba atascado y tenía dudas sobre cómo volver a hacer las cosas como las hacía yo antes, quería volver a la manera que tenía de hacer, pero estaba atascado y tenía miedo y él me ayudó mucho a sacarlo. Para mí somos almas gemelas. —También en este álbum sigues trabajando Neelam, quien ha fotografiado y dirigido varios videos de El Último Vecino. De hecho te lo iba a decir yo si no me lo preguntabas tú. Para mí este disco está hecho entre Neelam, Adrià y yo. Con Neelam empecé a trabajar hará un año y medio aproximadamente. Ella hizo muchas de las fotografías de El Último Vecino y encajamos mucho a la hora de trabajar. —El Último Vecino es un proyecto en el que se nota que la estética está cuidada. Las portadas, los vídeos o tus redes sociales. ¿De qué forma habéis escogido la línea estética esta vez? Podría hacerte la respuesta corta de que lo soñé, pero voy a pensarlo un poco. Me gusta esta estética como religiosa, como folclórica o como cuando una persona hace un ritual satánico aunque yo no los haga, o un amarre. El nombre del disco también va por ese camino, “Juro y prometo”. Creo que es algo pasional y tiene que ver con esta cosa espiritual. Es oscuro pero a la vez con mucha claridad, que es como siento realmente este álbum. Porque en este disco he hecho un proceso que me hace feliz. He podido trabajar con personas a las que siento como almas gemelas, gente que me ha hecho de médium para poder superar el bloqueo que tenía antes. No tengo expectativas, simplemente creo y que sea lo que tenga que ser. —IRENE MAESE

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LA MÍA

Causa-efecto

EN GIRA l Valencia 10 marzo. Loco Club l Granada 18 marzo. Planta Baja l Madrid 25 marzo. Cool l Barcelona 07 abril. Apolo 2

RABAJO EN UN MEDIO de comunicación. Uno especializado para ser exactos. Aquí nos dedicamos a informar a nuestros lectores sobre la música, los libros, los cómics o las películas que nos parecen interesantes. Intentamos reclamar su atención hacia creaciones culturales que nos parecen atractivas sea por el motivo que sea. A la gente que nos lee le presuponemos una mente despierta que les permite diferenciar la realidad de la ficción. Porque eso es lo que debe ser. Entender que la gente es inteligente y que ha aprendido a discernir lo que es real y lo que es ficción. Es una capacidad que cualquier persona centrada tiene desarrollada desde su más tierna infancia. De crío mis padres me permitían ver cualquier salvajada de película que echasen por televisión –el limite me lo marcaba yo mismo si por la noche llegaban las pesadillas–, cualquier anime violento y, por supuesto, no había problema en que escuchase cualquier cafrada de música que me apeteciese. Luego llegaron los libros, y puedo asegurarles que he leído cosas realmente crudas desde joven. Y aquí sigo, pacifico y evitando el conflicto, sin que haberme expuesto a todas aquellas imágenes, páginas y letras me haya llevado a ser un tipo violento con ansias de cometer atrocidades. El parricida de Elche, cuentan en grandes titulares algunos periódicos y algunas cadenas de televisión, habría leído “La edad de la ira” de Nando López, una novela en la que un joven mata a su padre e hiere a sus hermanos, poco tiempo antes de llevar a cabo su salvaje asesinato. Cuentan también que era una de las lecturas recomendadas por el instituto al que iba ese chico de quince años. Para algunos voceros mediáticos las cosas parecen así de sencillas. Un chaval lee el libro y unos días después acaba con su familia. Tan sencillo. Si quienes escriben esas líneas opinan así, no les entiendo. Ni les entenderé jamás. Lleva muchos años ocurriendo y los ejemplos se acumulan, desde el Comics Code Authority en los Estados Unidos de los cincuenta hasta hordas de padres reclamando que se retirase “Dragon Ball” de las televisiones públicas en la España de los noventa. Quizás “La edad de la ira” no sea un libro que recomendar a los adolescentes, pero de ahí a buscar una simple relación causa-efecto en una actitud tan extrema me parece sorprendente. ¿Y qué ocurre con todos los demás chicos y chicas que han leído ese libro? ¿Les ha desequilibrado aunque sea un poquito? Quizás muchos compren una teoría tan absurda porque, en el fondo, resulte una forma sencilla de (pretender) entender la complejidad de la mente humana, de las enfermedades mentales graves, de los desequilibrios que pueden esconderse en un cerebro aparentemente como los demás. Sencilla y equivocada. —JOAN S. LUNA

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MONDO FREAKO

Elane Rap del puro Hace un par de años que Elane empezó a publicar sus canciones, pero no fue hasta el 2020 cuando se dio a conocer gracias a su EP “#SonDeEsas” (20). Ahora regresa con su primer larga duración bajo el brazo, “Metamorfosis” (Propaganda pel Fet!, 22). El rap está de enhorabuena, Elane ha llegado para quedarse.

MPEZAMOS HABLANDO sobre su visión del rap y sobre “Metamorfosis”, el cual ha cocinado a fuego lento. “El proceso de creación ha sido largo, pero muy bonito. He contado con mucha ayuda, sobre todo de Daax y Fran Masarelli [productores], dándole un toque más profesional y personal al álbum”. Un trabajo en el que gracias a su peculiar voz nos hace transitar por distintas emociones. “Espero que cuando la gente lo escuche se sientan identificados y lo lleven a su vida. Es puro sentimiento”. Algo que llama la atención al escucharlo por primera vez es ese sonido más propio de los noventa, siendo este un tema que suscita debate entre los más veteranos del género. “Para mí, cualquier persona que haya sentido el rap alguna vez en la vida y haya podido fluirlo, será siempre rapera. Es una manera de vivir, por tanto, aunque ya no hagas boom bap duro, sigues siendo rapera”. Aunque no todo el sonido es noventero, Elane también juega con la electrónica y lo latino. “En la vida

#10 marzo 2022

hay que probarlo todo y he tenido la oportunidad de jugar y probar que tal me sentaban y cómo me podía desarrollar sobre beats que no fueran de rap puro y duro”. Así, al margen de contar con Daax y Fran Masarelli, también ha invitado a participar en su disco a varios artistas, como Lia Kali o Adala. “La gente que colabora aporta frescor y ayuda a romper las dinámicas en las que estás sumergida. ¡Cuanta más peña brillan-

ar, “Si no me vas a respet no hace falta ni que me escuches”

do, más brillante va a ser la movida!”. Incluso se atreve a arriesgarse incluyendo dos temas bilingües, “Fa mal” y “La clau”, en las que une el catalán y el castellano. “No pienso en estas cosas cuando estoy en el lío. Cuando hablo de ‘rap puro’ me refiero a hacer lo que me sale de dentro y en este caso ha sido así”. Es evidente que Elane se ha dejado la piel en este “Metamorfosis”, algo que también se percibe en unas letras en las que expone sus pensamientos más íntimos. “Cuando escribo lo hago en la intimidad y no pienso en las repercusiones. Después lo reflexiono, pero al final es mi vida y la tienes que respetar. Si no lo vas a hacer, no hace falta ni que me escuches”. Esa necesidad de escribir y rapear no le viene de ahora, si no que le nació hace ya muchos años. “Fue de adolescente. Me crucé casualmente con el rap y escucharlo se convirtió en adicción. Ahí me di cuenta de que podía hacer lo mismo que hacía la gente a la que escuchaba”. Pero lo que más lugar ocupa en su mente ahora mismo son sus próximos conciertos. “Estamos preparando un directo más potente, con un formato más orgánico e incluso alguna versión en acústico”.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

R Más en www.mondosonoro.com

RONDA RÁPIDA Un artista nacional No puedo elegir uno Un artista internacional Orishas Un disco que todo el mundo debería escuchar “Panorámica” de Piezas y Jayder Una canción para llorar “Polvo y recuerdos (Acoustic)” – Selecto Picasso Una canción para bailar “Ya me fui” de Duki, Nicki Nicole y Bizarrap Colaboración Soñada Shakira Tu mejor canción “Metamorfosis” Un lugar para escuchar tu música En todos lados Descríbete en una palabra Caos

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Gira 2022 #GiraVibraMahou

Abril

E R E A R E A R E R A R E A R E D A D D A D D D BO G BO T G BO G T BO G T BO G O BO T O BO T O BO O T O O

Guadalajara 1 abril - Sala Oxido Cuenca 2 abril - Sala Directo Vigo 8 abril - Sala Rouge Ponferrada 9 abril - Sala la Vaca Pontevedra 22 abril - Sala karma León 23 abril - Sala Espacio Vias

Mayo Ciudad Real 6 mayo - Sala Majestic Vitoria 20 mayo - Sala Jimmy Bilbao 21 mayo - Sala Sonora

Junio Salamanca 4 junio - Sala Camelot Madrid 23 junio - Sala La Riviera

Septiembre Santiago de Compostela 2 septiembre - Sala Malatesta Valencia 17 septiembre - Sala loco club Málaga 23 septiembre - Paris 15 Almendralejo 24 septiembre - Sala St. Patrick’s

Octubre Elche 7 octubre - Sala La Llotja Gijón 22 octubre - Sala Albeniz

@VibraMahou

@arde_bogota

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marzo 2022 #11 Mahou recomienda el consumo responsable 5,5º.

MONDO FREAKO

tar “A veces hay que moles a mucha gente”

Ilegales Salva tu pellejo El infatigable Jorge Martínez lleva cuatro décadas al frente de Ilegales. Tras un descanso en 2011, regresaron con más fuerza en 2015 en una nueva etapa en la que ya han publicado tres discos de estudio. El último es “La lucha por la vida” (Warner Music, 22), donde el asturiano ha vuelto a impregnar de su irrepetible personalidad cada una de las canciones.

N “LA LUCHA POR LA VIDA” nos encontramos con hasta dieciséis canciones, casi todas compuestas durante la pandemia. Todo para celebrar a lo grande los cuarenta años de la banda junto a dieciséis artistas invitados, en una colección de colaboraciones en la que escucharemos voces tan variopintas como la de Evaristo Páramos o Niño de #12 marzo 2022

Elche pasando por la de Bunbury o Luz Casal. Interrumpimos la firma de tarjetas personalizadas que está llevando a cabo en su casa –lleva unas seiscientas en el momento de nuestra llamada– para charlar largo y tendido con el músico que menos pelos tiene en la lengua. “La lucha por la vida” nace a raíz de la crisis sanitaria y el estado de alarma de 2021. Jorge Martínez asegura que “Ilegales es un grupo acostumbrado a luchar por la vida desde el primer momento. Hemos pasado por dificultades desde el primer día de nacer. Tiene su origen más en el título de la trilogía homónima de Pío Baroja. Pero sobre todo en que es una constante, en un grupo que siempre ha estado atrapado en circunstancias adversas. La pandemia casi fue un descanso. Me dio tiempo a leer muchísimo y a hacer algunas cosas que tenía pendientes. Eso de abandonar por un tiempo los festejos nocturnos, con todas esas cacerías monstruosas que se dan en las horas más nerviosas de la noche, alivia un poco la tensión [risas]”. El asturiano aprovechó aquel descanso para componer estas nue-

vas canciones. “La filosofía era que cada canción eligiese un artista. Una la haces pensando en ‘ésta la cantaría bien Loquillo. Pues venga, vamos a llamar a Loquillo’. Hay que buscar gente que tenga la generosidad suficiente y el tiempo para hacerlo. Pero las capacidades estaban aseguradas, porque la canción era quien elegía al artista. Esas canciones que se habían fabricado durante la pandemia la mayor parte. Y las otras, que son anteriores –salvo una, que ha elegido uno de los artistas [Bunbury]– es material nuevo. Es una putada invitar a un artista y hacerle cantar una canción muy rodada, porque enseguida existen las comparaciones con la original”. Por un lado, en “La lucha por la vida”, hay temas con “sonido Ilegal”, más rockeras, y otras no tanto: tango, flamenco… El músico afirma que han “ido en todas las direcciones. Probablemente encontremos muchos compañeros de tramos poco recorridos por nosotros, pero se pueden ver cosas en estilos muy distintos. Ilegales es una banda muy versátil. Eso hace que sea muy caro, porque los músicos versátiles,

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eficientes y efectivos son mucho más caros [risas]. Y un instrumental que te permita una paleta de sonidos amplia pues también requiere una mayor inversión de tiempo y, sobre todo, de dinero. Pero hay que hacerlo. Incluso a veces hay que molestar a mucha gente. Todo el mundo sabe que no se puede hacer tortilla sin romper un poco los huevos, por lo menos por una esquinita hay que cascarlos [risas]”. Para gestionar todas las colaboraciones en plena pandemia hicieron verdaderos malabares. Tras grabar la parte instrumental entre los miembros del grupo, las voces invitadas se fueron gestando en diversos lugares: “En un estudio puente que teníamos en Madrid, otro en Alicante, otro en el País Vasco… Incluso hubo cosas en Los Ángeles, en Estados Unidos. Hubo que hacerlo de esta manera por las restricciones sanitarias, por una cuestión de evitar contagios y viajes que pudiesen provocarlos. Así hemos tenido que trabajar. Es menos divertido, pero ha resultado tremendamente efectivo. De esa manera se habrán evitado muchas celebraciones que podían haber sido peligrosas. Aunque alguna ha habido. Tuve el placer de compartir ‘Te prefiero lejos’ con Coque Malla y, joder, cogimos una buena. El uso recreativo del alcohol, de vez en cuando, produce situaciones. Muchos artistas lo han utilizado como vehículo. Evitando que el consumo sea constante, está bien. Excesivo sí, pero constante no”. En marzo arranca la gira de presentación. Primero por las principales ciudades españolas,W y después por América, “desde la frontera de Canadá hasta la Patagonia”. Jorge nos explica que estarán “yendo y viniendo, igual que en 2019. Fíjate, solo en ese año acabé con tarjeta platino de Iberia, de tantas veces que fuimos y volvimos. Y no era ni siquiera del club de Iberia Plus o lo que sea. Hicimos muchos viajes a América, mucha gente creía que estábamos constantemente de gira allí, y otros que estábamos constantemente en España. Sé que los países a los que de momento vamos a ir, si no se tuerce la cosa por cuestiones sanitarias, son Colombia, Ecuador, Chile, Perú y México. Esos están seguros. Luego hay más países que estamos pensando si hacerlos o no, vamos a ver”. —JESÚS CASAÑAS

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WALA. WALA.

“Un amigo que acababa de salir de una reunión con un estudio de cine me dijo que querían hacer una película de terror con Foo Fighters. Le respondí: ‘Esa es la idea más estúpida que he escuchado en toda mi vida’”. Dave Grohl, de Foo Fighters en Spin

“Soy autodidacta, así que siempre suena a ‘yo tocando la guitarra’. Como cantante tengo una voz que gusta a algunas personas y que otras personas odian, pero al menos tiene algo de personalidad” Dean Wareham en Muzikalia

“Oírte en un taxi y que el taxista cambie la canción. Jojojo. Mejor baño de humildad posible. Gracias universo” Rigoberta Bandini en Twitter

EN GIRA l Zaragoza 18 marzo. Teatro de las Esquinas l Bilbao 19 marzo. Santana 27 l Santiago de Compostela 26 marzo. Sala Capitol l Valladolid 1 abril. Lava-Sala Blanca l Barcelona 8 abril. Razzmatazz l Valencia 9 abril. Sala Repvblicca l Murcia 22 abril. Parque Fofó l Granada 23 abril. Sala El Tren l Sevilla 6 mayo. Sala Custom l Madrid 7 mayo. La Riviera l Benidorm 7 octubre. Iberia Festival

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“He hablado con periodistas polacos y me han pintado un panorama muy negro en su país. Cuando a una manifestación anti-feminista va más gente que a una feminista es que hay un problema enorme” Manuel Gagneux, de Zeal & Ardor en Rockzone

“ME GUSTARÍA PENSAR QUE LA MAYORÍA DE NOSOTROS SOMOS GENTE JODIDAMENTE DECENTES, PERO TODOS TENEMOS NUESTROS DÍAS EN LOS QUE PODEMOS SER UN POCO MALCRIADOS, CUTRES O COBARDES” Liam Gallagher en NME

marzo 2022 #13

EN PORTADA

UANDO RAQUEL Cerro y Maite Gallardo decidieron formar una banda y poco después se les unieron Irene Garrido y Aroa Elvira, no se imaginaban que rápidamente acumularían cientos de miles de reproducciones en Spotify y darían conciertos por todo el país. A pesar de que shego solo acaban de empezar, ya se perfilan como uno de los grupos más prometedores de la escena nacional emergente. Con un sonido que fluye entre el pop, el lo-fi, el rock electrónico y el alternativo y letras que equilibran perfectamente mordacidad y vulnerabilidad, el cuarteto es un ejemplo de que uno de los ingredientes de la receta del éxito siempre es mantenerse fiel a uno mismo. —Acabáis de salir de un 2021 cuando

menos intenso, e innegablemente un momento definitorio en vuestras carreras. Hace casi exactamente un año se anunciaba que os uníais a Ernie Records, y desde entonces habéis sacado vuestro primer EP, ”tantos chicos malos y tan poco tiempo”, y tocado en Madrid, en Barcelona y participado en el Monkey Week. ¿Lo habéis procesado todo ya? (Raquel) Justo se lo recordé a Maite el otro día, le dije: “El año pasado estábamos en The Living Room y hemos terminado 2021 tocando en La Riviera”. Si realmente nos paramos a hacer un balance, te preguntas “¿Qué cojones ha pasado?”. (Aroa) Pero yo he empezado a procesarlo todo ya, la verdad. Obviamente son oportunidades que no pensábamos que íbamos a tener, pero intento no endiosar lo que nos está pasando, ahora lo siento más como un trabajo. Estoy tan enfocada en sacar adelante lo que está por venir que necesito haber procesado lo anterior para hacerlo.

—¿Cuáles han sido los mayores retos de

esta etapa introductoria? (Maite) Creo que estamos aprendiendo cómo funcionar. No somos una banda que lleve cinco años preparándose, sino que nos hemos ido formando a medida que nos ha ido saliendo trabajo. Uno de los grandes retos ha sido compaginar nuestra vida fuera del grupo con las necesidades del grupo y también con llevarnos bien como amigas y dedicar tiempo juntas a cosas que no sean shego.

—¿Qué os ha parecido este primer chapu-

zón en la industria? ¿Os sentís cómodas y satisfechas? ¿Creéis que realmente se ha

#14 marzo 2022

hecho espacio a las mujeres y a las personas con identidades disidentes? (Aroa) Yo no creo que se haya hecho un espacio, creo que nos hemos abierto un camino a golpes, pero nadie está cediendo huecos voluntariamente. (Irene) En poco tiempo te das cuenta de quién tiene el dinero, quién controla los medios, pero al fin y al cabo acabamos de llegar, así que intentamos que no nos coma la moral. Siempre lo decimos, pero no queremos darle muchas vueltas a cómo está el panorama, preferimos centrarnos en hacer música y ser lo mejor que podamos.

—Se os ha definido frecuentemente como

una propuesta musical feminista, principalmente porque firmáis canciones como “Vicente Amor”, en la que caricaturizáis un arquetipo de “aliado” que lo único que busca es alimentar su ego y llevarse a chicas vulnerables a la cama. Pero ya habéis dicho que vuestras aspiraciones como banda no son pedagógicas ni necesariamente reivindicativas, que simplemente retratáis vuestras realidades. ¿Creéis que, a pesar de que no sea vuestra intención, lo que hacéis es inherentemente algo feminista? ¿Os molesta que se añada

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Las cosas han ido a toda velocidad.En apenas unos meses y gracias a canciones como “oh boi”, “Vicente amor” o “La kiero a morir” se han convertido en uno de los grupos con más futuro de la nueva escena independiente. El año pasado publicaron el EP “tantos chicos malos y tan poco tiempo” (Ernie, 21) y ahora acaban de lanzar una versión en castellano del “Paul” de Big Thief. En breve tendrán listo su álbum de debut. —TEXTO Salomé Lagares —FOTOS Alejandro Madrid

QUERERLAS A MORIR shego

esa coletilla o más bien os da igual? (Irene) No nos molesta para nada, pero sí es verdad que a veces la gente nos pregunta en exceso por este tema y quizá preferiríamos hablar sobre otras cosas. Nos gustaría que no fuera necesario que nos adjudicaran esa etiqueta, pero somos conscientes de que si en privado tenemos una forma concreta de ver las cosas es inevitable que se acabe reflejando en lo artístico. (Aroa) Que nosotras existamos es algo político en sí, y eso lo entendemos y estamos de acuerdo con ello. Lo que nos cansa es que se nos reduzca solo a eso.

—¿Existe una tendencia a diluir o sim-

plificar como “activismo” lo que hacen algunos artistas por pertenecer a ciertos colectivos? (Aroa) Sí, es lo más directo y fácil ahora mismo. Somos cuatro personas hasta cierto punto reivindicativas y eso es con lo que se quedan los medios. (Irene) Y es algo que no te permite legitimar del todo tu trabajo creativo. Tal como están las cosas, es más sencillo hablar de shego como un grupo feminista que hacernos una crítica constructiva o tener una conversación con nosotras sobre nuestras

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ambiciones creativas. (Maite) Hemos sacado seis canciones, una de ellas tiene ese punto más reivindicativo y resulta que ya nos hemos ganado ese título para siempre. Si por casualidad nos apetece hablar de estas cosas, genial, pero no es nuestra labor adoctrinar a nadie, no hicimos el grupo para eso. —Todas escribís y tanto Irene como Aroa

tenéis proyectos en solitario, que no es que sean contradictorios con shego pero sí algo distintos. ¿Compartimentáis en vuestros procesos creativos, hay cosas

marzo 2022 #15

EN PORTADA

que escribís pensando a nivel individual y otras más en shego? (Aroa) Últimamente a mí me cuesta mucho separarlo. Por ejemplo, estas semanas que hemos estado escribiendo más intensamente para el disco cuando me iba a casa y me ponía a hacer cosas mías acababa diciendo: “Joder, esto es shego”. Pero en general, cuando compongo veo casi de forma instintiva cuando algo es para mí y cuando es para el grupo. La diferencia está muy clara, tienen incluso lenguajes distintos. Si realmente quisiéramos, todo podría adaptarse, pero cuando me apetece hacer cambios libremente sé que no es para el grupo, porque hay más opiniones a tener en cuenta. (Irene) A nivel sonido y referencias yo compartimento bastante: escucho muchas cosas y las separo según el proyecto con el que mejor me encajan porque es algo que suelo hacer. Siento que en mi vida llevo una línea interna de investigación imaginaria a la que voy añadiendo ideas. También depende de si nos puedo imaginar juntas encima del escenario. Cuando algo me inspira, si rápidamente nos veo tocándolo en formato banda entonces sé que funcionaría mejor así. —Formáis parte de un momento de ebullición de

la industria musical española, de la proverbial “nueva ola” que da título a una de las canciones de vuestro EP. ¿Qué creéis que es lo que mejor define este período actual y qué es lo que más os gusta de poder participar en él? (Raquel) Que es muy fácil conocer a otras personas con proyectos propios. Cuando Maite y yo conocimos a Irene en 2019 y empezamos a salir juntas nos dimos cuenta de que todo el mundo estaba haciendo música, es genial poder compartir esta experiencia con más gente. (Irene) También es una burbuja. Es complicado saber con exactitud qué está pasando y sobre todo cuánto va a durar. Al fin y al cabo somos muchos haciendo cosas y no todo puede salir siempre adelante. Mientras tanto, lo divertido es aprovechar, conocer gente y aprender de aquellos que tienen ganas de ayudar, que son muchos. Entre artistas nos echamos un cable a menudo.

EN GIRA l L’Hospitalet 11 marzo. Let’s Festival

l Vigo 01 abril. La Iguana Club

l Sarria (Lugo) 02 abril. Esmorga Fest

l Benicàssim 15 abril. SanSan Festival

l Navarra 14 mayo. Estaciones Sonoras

l Sabadell 20-21 mayo. Embassat

l Madrid 16 junio. Sound Isidro

l Ronda (Málaga) 22-23 julio. Ronda Cool Fest

#16 marzo 2022

—Vuestros lanzamientos hasta ahora han sido

un trabajo más en equipo. (Irene) Hemos empezado a componer desde los acordes, dejando macerar las cosas unos meses e incluyendo ideas más espontáneas, intentando acercarnos a lo mismo desde otros caminos. —En “la kiero a morir” la idea original era acer-

caros a un sonido más urbano, pero al final acabó encargándose Maria Blaya de la producción y el tema tomó forma de rock alternativo. ¿Todavía os gustaría hacer una canción con elementos urbanos? (Aroa) Ojalá, nos encantaría. A todas nos gusta mucho la música urbana. (Maite) En principio “la kiero a morir” nació porque estábamos obsesionadas con la música de Sen Senra y el staccato que hace con la voz y queríamos usar algo así, más trap, y escribir un tema de ese estilo. Finalmente salió otra cosa distinta que también nos gusta, pero nos apetecería mucho meter una canción así en el nuevo disco, que va a tener un poco de todo.

—“Pablo”, vuestro último sencillo, es una adap-

tación al castellano que Maite e Irene hicisteis de “Paul” de Big Thief. Irene, tú ya publicaste tu versión en castellano de “Norman Fucking Rockwell!” de Lana del Rey. ¿Sueles traducir temas que gustan? (Irene) En realidad solo lo he hecho con esas dos canciones y fue más o menos a la vez, antes de la pandemia. Dio la casualidad de que en estos dos temas me encajó todo. Luego lo intenté con alguna canción más pero nada que me saliera demasiado bien… Pero bueno, tampoco hay que forzar estas cosas. Cuando tradujimos “Paul” yo ya tenía la versión de Lana del Rey pero ni siquiera se la había enseñado a ellas porque nos acabábamos de conocer. Era la segunda o tercera vez que nos veíamos, estábamos en casa de Maite… Ya habíais empezado vosotras a traducirla. (Maite) Sí, yo tenía una parte hecha y le propuse a Irene terminarla. Raquel también tenía que venir pero estaba en Alcalá y llegó más tarde, y para entonces ya estaba acabada. (Raquel) Solo os faltaba una frase del final.

una mezcla de pop, punk, rock electrónico, lo-fi… ¿Ha sido un eclecticismo premeditado o ha surgido de forma orgánica? (Raquel) Yo siento que es algo que ha ido fluyendo porque hasta ahora hemos querido experimentar, ver qué nos apetece más hacer. (Maite) El grupo empezó con la idea de tener un sonido muy concreto y a medida que íbamos escribiendo nos dimos cuenta de que no queríamos ser solo una cosa. Lo que escuchamos es tan diverso que no tiene sentido sonar solo de una manera, podemos intentarlo todo.

—¿Por qué habéis optado por una versión como

—¿Cómo ha cambiado vuestro proceso de compo-

—¿Quiénes son vuestros letristas de referencia?

sición desde que fundasteis el grupo a ahora que estáis confeccionando vuestro primer álbum? (Aroa) Está cambiando constantemente. Las canciones que hemos sacado hasta ahora son principalmente de Maite y Raquel. Las trajeron muy formadas e Irene y yo les dimos el toque de la banda con el bajo y la batería. Ahora estamos intentando que sea

siguiente single? ¿Qué tiene esta canción en particular que conecte tanto con vosotras como banda? (Maite) Llevamos tocándola mucho tiempo, desde el principio, y eso influye bastante… A mí se me olvida que es una versión. Y además a la gente le suele gustar, luego nos la piden, nos escriben mensajes por Instagram diciendo: “¡A ver si grabáis esta!”. (Raquel) Y yo la disfruto mucho en directo, me encanta tocarla. (Maite) Es una canción aparentemente simple pero muy intensa, muy desgarradora. (Irene) Bad Gyal (Aroa) ¡Y tanto! (Maite) La número uno. (Irene) Y luego cada una tiene sus cosas más particulares. (Aroa) La verdad es que yo soy súper clásica en esto, me da hasta vergüenza. Quizás es muy evidente,

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“

“No es nuestra labor adoctrinar a nadie, no hicimos el grupo para eso” pero admiro mucho a David Bowie. (Irene) Como soy muy de pop, yo te diría Lorde o Taylor Swift. (Maite) A mí lo que más me sorprende es que da igual qué estés escuchando, cuando prestas un poco de atención te das cuenta de que puedes encontrar letras increíbles en canciones que no te esperabas, que es lo que nos pasa un poco con Bad Gyal. Si estás atento das con cosas interesantes en cualquier estilo. —¿Tenéis alguna línea favorita de Bad Gyal? Os veo

muy entusiasmadas con ella. (Irene) Cuando nos preguntan por otros artistas siempre nos vamos a referencias muy elevadas y tenemos que ser realistas, lo que más nos gusta es Bad Gyal, hay que empezar a admitirlo. (Aroa) A mí me encanta “Una verdad como un piano”. (Raquel) Y cuando repite tres veces “joyería”… ¡Eso solo le queda bien a ella!

—Sé que os habéis encontrado con alguna crí-

tica porque vuestras canciones hayan sonado en la radio en horario infantil e Irene perdió una campaña publicitaria por haber criticado a Vox en un tema y en redes. ¿Creéis que para ser aceptadas del todo en el mainstream tenéis que

EL APUNTE

Las cosas claras

O HAN LLEGADO a la industria para ser súbditas de nadie y se han ganado el respeto de todos en muy poco tiempo. Shego han conseguido despertar nuestro interés gracias a su autenticidad y seguridad. Pero también a todos esos movimientos que han realizado con tremenda inteligencia. Da gusto escuchar esas letras que salen de unas lenguas cargadas de rabia porque no se hacen las cosas bien. Son independientes con letras en mayúscula, tienen un espíritu punk muy vivo y la única riqueza que les pirra es la de construir temazos que verdaderamente aporten algo al mercado musical (“Prefiero respeto, no me ofrezcas coca”). Es alucinante ver el salto tan grande que han dado sin tener aún su primer álbum en el mercado. Más bandas así por favor. —ÁLEX JEREZ

descafeinaros? ¿Es ser aceptadas por el mainstream algo que queráis, siquiera? (Aroa) No sé si queremos ser aceptadas por el mainstream o simplemente poder vivir de la música que hacemos, pero supongo que depende de a qué tengamos que renunciar. (Irene) Estaría bien encontrar un equilibrio en el que no tuviéramos que sacrificar principios y pudiéramos seguir diciendo lo que queremos decir tanto en nuestras canciones como en nuestra vida y a la vez tener unos ingresos regulares. (Aroa) Tampoco queremos ser millonarias, con dejar de ser precarias nos vale. Si eso requiere descafeinarse un pelín… Pero no, es que tampoco nos apetece. (Irene) Yo creo que la clave es no descafeinarse, si cedes ya estás un poco perdida. (Aroa) En el momento en el que dejemos de decir tacos o de cagarnos en la puta madre de alguien será porque queremos, no porque nadie nos lo diga. Lo que más nos molesta es que nos digan qué tenemos que hacer. (Raquel) Sí, yo creo que es una parte importante de nuestra identidad. —SALOMÉ LAGARES

De izquierda a derecha y de arriba a abajo Aroa Ay, Irene Garrido, Maite Gallardo y Raquel Cerro

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marzo 2022 #17

.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Albert García (Itaca Band)

l Barcelona 13 abril. Apolo l València 23 abril. Repvblicca l Albacete 28-30 abril. Viñarrock l Santiago 20 mayo. Malatesta l Vigo 21 mayo. Master Club l Madrid 27 mayo. Mon l Vic 11 junio. Cabrorock l Granada 16 junio. El Tren l Murcia 28 octubre. Garaje Beat Club l Bilbao 11 noviembre. Stage Live l Burgos 12 noviembre. Andén 56

Han pasado tres años desde el anterior trabajo de Ítaca Band, pero aquí les tenemos de nuevo con “Mil tormentas y un sol” (Halley, 22), un álbum con el que recuperarán el tiempo perdido. Aprovechando el lanzamiento, le preguntamos a su vocalista por sus discos favoritos.

Nirvana Nevermind (1991) Uno de los primeros discos que me regalaron de pequeño y, sin conocer mucho su historia, me transportó a mundos que nunca había imaginado. Desde la ignorancia más absoluta de mi ser creo que fue el disco que me despertó el interés por el mundo de la música. Con esas guitarras, esa voz que me llegaba tan adentro. Lástima que Kurt Cobain no fuera capaz de gestionar tal éxito y nos dejara poco después. Aún a día de hoy espero que salga algún disco tan sincero como este.

Zulú 9:30 Huellas (2008) Todo un referente para mí y para el resto de la banda cuando tan solo éramos unos chavales. Siempre quisimos sonar como ellos aunque nunca lo conseguimos… Flipábamos con las canciones, con sus arreglos, sus melodías, sus estribillos pegadizos. Toda una obra de arte sin duda. A día de hoy sigo preguntándome como un grupo de esta magnitud no sigue en escena.

#18 marzo 2022

FOTO: ARTUR GAVALDÀ

EN GIRA

Camarón de la Isla La leyenda del tiempo (1979)

Metallica St. Anger (2003) El que para muchos de sus seguidores fue el peor de sus discos para mí fue todo un descubrimiento. Fue un regalo tras una operación y estuvo en bucle en mi discman durante las semanas que duró el ingreso. Era un género que todavía no había escuchado demasiado y sin duda despertó en mí un gran interés. No tanto por sus canciones sino por ese sonido arrollador que me dejaba los tímpanos temblando cada vez que lo escuchaba. Sobre todo el sonido de esa caja de la batería, un sonido metálico y estridente que emulaba el sonido del yunque de un herrero y me ponía los pelos de punta.

Dover Devil Came To Me (1997) Sin ningún tipo de rencor guardo “Devil Came To Me” como uno de mis discos preferidos. A pesar del cambio de rumbo que cogió la banda en 2006 con “Let Me Out”, nunca podré olvidar esas guitarras y esas melodías que se incrustaban en mi cabeza y me incitaban día a día a querer ser también una estrella del rock’n’roll.

“La leyenda del tiempo” habla por si solo. No hacen falta presentaciones para este disco pionero dentro de un mundo tan purista como el del flamenco. De la primera a la última canción se presenta una revolución de ritmos e instrumentos que, hasta el momento, nunca habían sonado en canciones de este estilo. Simplemente por el atrevimiento y la osadía del maestro al publicar este disco ya merece estar en un pedestal. Su voz y las colaboraciones de Tomatito, Raimundo Amador y Kiko Veneno, entre otros, hacen el resto.

Bob Marley Legend (1984) De todos sus discos me quedo con este. Un recopilatorio que contiene para mí la mayor parte de todos los éxitos de toda su carrera. “No Woman No Cry”, “Could You Be Loved”, “Get Up Stand Up” y “Jamming”, entre otros. Un disco sencillo como todo lo que planteaba en sus canciones, fácil de escuchar y que llegaba al alma. —MS

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marzo 2022 #19

MONDO FREAKO

Ginestà El amor está en el aire

pleando “Tratamos el amor em rigido un lenguaje actual y di a nuestra generación”

FOTO: JOAN MARTÍNEZ URANGO

Ginestà son una rotunda realidad en Cataluña. Ahora editan su tercer trabajo, el excelente “Suposo que l’amor és això” (Kasba, 22). Disco dedicado a algo tan eterno y universal como el amor, con un envoltorio de pop preciosista de autor. Ideal para descubrir el catalán como idioma dulce y delicado.

L SÍNDROME DE LA INMEDIATEZ, de quererlo todo y quererlo ya, puede ser uno de los principales males que asole a cualquier banda primeriza. No ha sido así en el caso de Ginestà. Lo suyo está siendo una carrera de fondo que por el momento parece no tener techo. Por eso cada álbum de los tres que llevan en su haber, ha significado un cualitativo paso

adelante es su proceso de consolidación, pero también en esa complicada tarea que consiste en definir tu personalidad como banda. “Suposo que l’amor és això” es el álbum que va a aupar a los hermanos Serrasolsas hasta los primeros puestos de la liga de bandas de pop preciosista en catalán para codearse de tú a tú con luminarias del género como Ferran Palau, Joan Dausà, Els Amics de les Arts o Pau Vallvé. Un disco que cabe tildar de bonito y cuidado hasta el más mínimo detalle. Bonito porque sus dulces melodías están andamiadas a partir del ritmo sincopado de baterías eléctricas y un colchón de sintetizadores de corte ambiental que contribuyen a realzar el preciosista empaste vocal de los hermanos. Sin duda uno de los puntos fuertes del dúo. El responsable del sonido del álbum ha sido su batería y productor Cesc Valverde (Xicu) que les ha dado una nueva dimensión. (Júlia) “Creo que nuestro disco anterior era más Ferran Palau y ahora lo veo en una onda más Clairo.

Tiene referencias de corte más internacional porque, si no es así, al final, si cantas en catalán y utilizas los ‘sintes’ del pack que utiliza otro artista, acaba sonando todo igual. ¡Es peligrosísimo! [risas]”. Al preciosismo del disco también ha contribuido y de qué manera, el hecho de que la casi totalidad de las canciones traten de esa temática tan universal como es el amor, pero de una forma alejada de lo tradicional. (Pau) “Creo que tratamos el amor de una manera diferente, empleando un lenguaje actual y dirigido a nuestra generación. No es un disco de amor para todo el mundo, sino que está muy enfocado a un público concreto que es gente de nuestra edad o incluso un poco más joven. Aunque eso no quiere decir que el disco no le pueda gustar a mucha más gente… Pero el enfoque era ese: tratar el amor de una manera distinta”. —DON DISTURBIOS

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#21

alt-J La tecla correcta

“The Dream” (Infectious/BMG, 22) es lo más complejo y aventurado que han hecho nunca Alt-J. Un cuarto álbum que confirma su progresión, alentada por eso que de tanto reiterar nos aburre: pandemia, confinamientos y el largo barbecho de los directos. Han tenido tiempo de sobra para armar concienzudamente un trabajo igual de notable pero más abigarrado de lo habitual en ellos. —TEXTO Carlos Pérez de Ziriza —FOTOGRAFÍA George Muncey

“

“Con diez años de carrera, ya no sufrimos el síndrome del impostor”

#22 marzo 2022

L TECLISTA Gus Unger-Hamilton nos atiende vía telemática desde su piso de Londres, ejerciendo de portavoz del trío de Leeds (residente en la capital hace ya unos años) que completan Joe Newman a la voz y guitarra y Thom Green a la batería. Hablamos de canciones, arte y medios de comunicación. De las diferencias entre Reino Unido y Estados Unidos. De cómo se les trata en un lugar y en otro. Y del triste legado que les va a dejar Boris Johnson. —No seré muy original, pero te lo voy a

preguntar: ¿Es “The Dream” una forma de escapismo respecto a lo que hemos vivido durante estos dos últimos años, ya desde el título? Un poco. A veces nos sentíamos como en un sueño, en el sentido de que no sabías muy bien ni dónde estabas ni en qué época del año: tenías que pellizcarte para

darte cuenta. Costaba distinguir el invierno de la primavera o el verano. Esa sensación de que el tiempo discurre de una forma extraña es algo muy parecido a vivir dentro de un sueño. —¿Fue más difícil de grabar este disco

que los anteriores? Fue más fácil, porque tuvimos bastantes parones de trabajo en estudio debido a los confinamientos, y a veces estar varios meses seguidos en el estudio es como estar metido en un submarino: eso de estar metido tanto tiempo con la misma gente en el mismo espacio sin luz natural y respirando el mismo aire… Es mucho más saludable tener descansos entre medias, al menos para nuestras cabezas. Cuando vuelves te sientes rejuvenecido y con energías renovadas. Fue un buen momento para hacer un álbum, la verdad.

—Te he leído en otro medio decir que

algo murió con “Relaxer” (17) y algo nuevo ha nacido con “The Dream”.

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ENTREVISTA

Estábamos muy cansados tras haber hecho tres álbumes con sus respectivas giras. Y un poco hartos de estar metidos en una banda, si te soy sincero. Necesitábamos un descanso. Nos tomamos 2019 como un año para desconectar. Aún nos veíamos porque somos buenos amigos, pero nos metimos a hacer cosas distintas por nuestra cuenta, ya fuera música con otra gente o cualquier otro proyecto. En 2020 estábamos como nuevos. Simplemente necesitábamos descansar los unos de los otros. —Tengo la sensación de que se nota en el

sentido de que es un disco más aventurado, más arriesgado. Creo que sí, que asumimos más riesgos, pero al mismo tiempo lo pasamos muy bien haciéndolo. Estábamos felices, teníamos por fin nuestro propio estudio, con lo que pudimos escribir y grabar en el mismo lugar, salir y entrar cuando queríamos, decorar el estudio como nos apetecía, y el hecho de sentirnos tan cómodos y de tan buen humor creo que fue lo que nos animó

a ser más experimentales y tratar de hacer cosas nuevas. Supongo que la confianza entre nosotros es ahora mayor que nunca. —¿Os habéis nutrido de alguna nueva

influencia, ya sea musical, literaria o cinematográfica? Para serte sincero, creo que no hemos tenido inspiración de libros y películas, al menos no de la forma en la que solíamos. Creo que simplemente indagamos en nuestra relación de amistad y en la química entre nosotros. Puede que en el pasado sí sintiéramos esa necesidad de introducir referencias a libros, a películas y a otros artistas, en general, como para darle a nuestros textos cierta seriedad. Pero creo que ahora tenemos suficiente madurez como para no hacerlo.

—¿Crees que con la madurez tiendes a

ser más transparente y honesto con tus sentimientos? Creo que sí. Había cierto sentimiento cuando éramos más jóvenes como de que

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no éramos suficientemente serios o experimentados como para escribir buenas letras. Pero ahora, con diez años de carrera y la edad que tenemos, y más después de ser padres, ya no sufrimos ese síndrome del impostor. —Entiendo que “You And Me” es una

canción basada en ese placer simple de estar en un festival con tus amigos, algo que todos hemos echado de menos. Es una canción que Joe ideó después de asistir a un festival el 1 de enero de 2020: por un lado es muy positiva, trata sobre pasar un buen rato en un festival con tus amigos, pero por otra parte, mirando en retrospectiva, es como echar un vistazo a algo que luego sabes que no va a ocurrir en mucho tiempo. Y eso también es triste.

—En “Hard Drive Gold” habláis de la fie-

bre de las criptomonedas, pero no sé si es también una crítica velada a los excesos del capitalismo. No es que vaya directamente contra el

marzo 2022 #23

ENTREVISTA De izquierda a derecha Gus Unger-Hamilton, Joe Newman y Thom Green

capitalismo, digamos que se queda en los márgenes esbozando una sonrisa. Eso creo. Sería falso por nuestra parte decir que somos anticapitalistas, porque somos una banda de éxito y lo disfrutamos. Pero no dejamos por ello de pensar que esta fase del capitalismo en la que vivimos es poco democrática y muy explotadora. Me preocupa que la gente asuma la codicia como el principal valor en la vida. Es algo que nos debería preocupar como sociedad. —Hay dos canciones consecutivas dedica-

das a ciudades norteamericanas, “Chicago” y “Philadelphia”. “Chicago” es como un sueño que trata sobre un hermano y hermana que tienen como una noche oscura del alma, en lo alto de una colina, y se llama así porque fue compuesta como una jam mientras estábamos en Chicago, de gira en una prueba de sonido. Mantuvimos ese nombre porque creemos que tiene un feeling parecido al de la música house, y Chicago es donde nació. Y “Philadelphia” es una canción sobre un asesinato real, diría. Su texto es muy oscuro, pero musicalmente es muy positiva.

—Teniendo en cuenta que es un disco

más experimental, me gustaría saber en qué medida es fruto de la improvisación o, por el contrario, de lo planeado con anticipación. Bueno, hay ideas en este disco que son

muy viejas. Por ejemplo, el riff de guitarra de “Happier When You’re Gone” procede de una canción que compusimos en 2008 cuando aún éramos estudiantes y vivíamos en Leeds, que se llamaba “Robber From The Seventies”. Una canción alegre que nunca llegamos a grabar, porque pensábamos que no era precisamente la mejor que habíamos escrito. Pero hace un par de años a Joe se le ocurrió recuperar su riff y pensamos que era muy bueno. No nos gustar desechar nada. Incluso si arrinconamos una canción, nos gusta recuperar luego fragmentos para componer cosas nuevas. Por otra parte, sí que es verdad que algunas canciones del disco surgieron de jams espontáneas. “You And Me”, por ejemplo. Su riff de guitarra, el estribillo, todo surgió de forma espontánea en una prueba de sonido antes de un concierto, con la fortuna de que un miembro de nuestro equipo lo grabó, de forma que pudimos luego trabajar sobre ella. —Hace unos días decías en New Musical

Express que os sentís más cómodos en Estados Unidos que en vuestro país. Que allí la gente simplemente disfruta de vuestra música, sin sentirlo como un placer culpable. Curiosamente, hay muchos músicos norteamericanos que piensan al revés, que tienen mejor acogida en Europa que en su país. Entrevisté hace unos días a Lucinda Williams y me decía que en Europa y en Reino Unido hay menos

CRITICANDO The Dream

Canvasback / Infectious / BMG

8 INDIE POP / Los sueños (las pesadillas, más bien) de la pandemia han producido monstruos, y en ese sentido puede decirse que el cuarto álbum de Alt-J sintoniza con lo que fue el último de Villagers: lo narcotizante como vía de escape. De ahí su título. De ahí su sugestiva portada, diseño de Joel Wylie. El trío originario de Leeds sigue plasmando un éxito que tiene algo de inverosímil, casi de milagroso. Demasiado indie para el mainstream y demasiado mainstream para el indie. Para el indie pata negra, se entiende, si es que aún queda algo de eso. Si es que aún tiene sentido esa distinción. Lo más curioso es que muchos de sus textos y dobleces de

#24 marzo 2022

guión siguen siendo demasiado sombríos, ácidos y abigarrados para una banda que llena grandes pabellones deportivos, arenas de alto copete y slots de primer orden en cualquier festival. O al menos, ahora son más complejos que nunca. Suenan revigorizados, rejuvecenidos, oxigenados. Más inteligentes, laberínticos y aventurados. Más capaces de combinar su veta más pop con la más experimental. Y también más empapados del mal de altura (para bien, ojo) que tradicionalmente sobreviene a las bandas inglesas que se dejan seducir por la cultura yanqui. Como si fueran conscientes de cómo conviene secuenciar un álbum en la era del streaming inmisericorde, su tramo inaugural luce radiante en tonadas bajo cuya luz se oculta casi siempre una temática, como mínimo, inquietante. Más sabios, más certeros y más naturales. Menos necesitados de agarrarse a coartadas arty o recursos líricos de manual. Mas creíbles y sólidos, en definitiva. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

prejuicios que en su país. Curioso, ¿no? Es interesante. Supongo que te sonará esa expresión de “la hierba es siempre más verde al otro lado”. Creo que hay algo de eso. Hay una larga historia de artistas norteamericanos que son más apreciados en Europa o en Reino Unido que en Norteamérica, sí. Recuerdo que eso ocurría con The Strokes, The White Stripes o Kings Of Leon, cuando yo era muy joven, a principios de los 2000. Pero creo que lo que dije en esa entrevista tenía más que ver con los medios de comunicación que con el público. Creo que aquí hay una conciencia muy arraigada en los medios, e incluso en la conciencia de gran parte del público en general también, de que las personas que tienen éxito son objetivos plausibles. Alguien a quien atacar. Y estoy de acuerdo en cierto modo.

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“

“Sería falso decir que somos anticapitalistas, porque somos una banda de éxito y lo disfrutamos” sino también de sentir el desafío de leer mucho, sobre todo textos críticos, mucha crítica cultural, y esencialmente estar en un entorno en el que era normal tener un intenso debate con tus compañeros sobre cualquier tema. El cuestionarte todo, el darle la vuelta a las cosas, el observarlas desde diferentes perspectivas. Ese ambiente crítico creo que fue muy importante para la formación del grupo. Somos un producto de todo eso. No sé en qué medida es importante ahora, porque aquello fue un corto periodo de nuestra vida, solo tres años, y llevamos ya diez como banda profesional, lo cual supone una formación aún mayor que aquellos años universitarios. Pero sí, claro que fue importante estar en aquel entorno académicamente inquisitivo y exigente. —Por último, me gustaría saber qué opi-

Porque creo que, si quieres meterte con alguien, mejor atacar a quienes tienen éxito que a quienes no lo tienen. Lo segundo sería injusto. Pero también tengo la sensación de que en los medios ingleses siempre tiene que haber alguien a quien atacar. Un chivo expiatorio. Nos dimos cuenta muy pronto: tuvimos un éxito muy rápido con el primer disco y muchas publicaciones decidieron que éramos un buen objetivo de caza. No es muy importante tampoco, a veces lo encuentro un poco frustrante, pero así es como son las cosas. —En cierto modo, no deja de ser una bue-

na señal. Peor sería la indiferencia. Exactamente. Pero es un poco frustrante porque no montamos este grupo para ser odiados por The Guardian, por ejemplo. No

era nuestro sueño ser bien considerados y tener éxito, pero tampoco esperábamos toparnos con esa animadversión. Nuestro sueño era hacer buena música. De todos modos, en cuanto volvamos a estar de gira, volveremos a apreciar lo que más valoramos: la gente que acude a nuestros conciertos, se gasta su dinero en nuestros discos y canta nuestras canciones. Es la que de verdad nos importa. Hacemos música para ellos, no para los medios. —Me gustaría saber en qué medida vues-

tra formación en una escuela de arte os ha influido. Es una larga tradición británica, que viene de los tiempos de The Rolling Stones o The Who. Deja una huella muy profunda, claro que sí. Porque no se trataba solo de estudiar arte,

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nión tenéis de lo que está ocurriendo en vuestro país con el primer ministro y sus fiestas en plena pandemia. Sé que no sois una banda con letras explícitamente políticas, pero seguro que tenéis una opinión. Es una situación extraña. Creo que Boris Johnson ha sido un personaje muy oscuro y corrupto durante muchos años. Siempre ha querido el poder a toda costa, empleando cualquier triquiñuela a su alcance. Funciona según sople el viento. Lo irónico es que esto, que podría ser el final de su carrera política, o al menos eso espero, es como cuando a Al Capone lo trincaron por evasión de impuestos. A veces no son tus crímenes más graves aquellos por lo que te pillan. Aún así, todo el lío del Brexit no va a poder ser revertido en muchísimo tiempo. Ya veremos. —C.P.Z.

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EN CONCIERTO l Vilanova i la Geltrú 02 julio. Vida Festival l Madrid 06-08 julio. Mad Cool l Lisboa 7 julio. Nos Alive l Barcelona 14 Noviembre. Sant Jordi Club

marzo 2022 #25

Rojuu Retrato de un artista Rojuu apuesta por el pop más que nunca en su nuevo trabajo “Kor Kor Lake” (Sonido Muchacho, 22), un disco en el que el joven barcelonés prácticamente redefine a toda una generación. Volvemos a entrevistarle, esta vez ya mayor de edad.

#26 marzo 2022

siempre “La cultura japonesa en auge se ha usado, que esté me viene genial” ‘Evangelion’ porque quería frases para las canciones y entré en un episodio y dijeron eso. Cuando hice la canción de ‘¿Cuánto tiempo nos queda?’ estaba leyendo un manga. Entonces leía una frase, y sumaba esa frase a la canción. Son básicamente frases de un manga que eran frases perfectas. También lo hago con ‘La Biblia Satánica’”. Rojuu saca el libro del bolso y lo abre delante de mí: “Leo y subrayo frases y si un día voy a un estudio cojo y lo abro y leo, por ejemplo, “No hay ninguna persona en el mundo que se libre del adorno”. Un frasote perfecto. Muchas veces escribo así”.

En esta forma de componer no solo están las referencias sino la facilidad de entender el proceso creativo como algo colectivo y donde la autoría original cada vez queda más diluida. El camino que comenzó con el arte pop y la posmodernidad cada vez está más inserto en la cultura popular y Rojuu se enmarca en la generación que ha hecho de Tiktok –una red social donde la gracia es replicar trends– una forma de expresión que ya llega al arte. Del mismo modo, en “Kor Kor Lake”, el álbum que ha presentado este mes de febrero, Rojuu asume la imposibilidad de adscribirse a

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FOTO: IVAN SALVADOR

OJUU LEE DISTRAÍDO un manga que ha sacado de su bolso negro del que asoman otros tres o cuatro lomos de libros, entre los que luego descubriré que se encuentra La Biblia Satánica. Puede parecer solo un dato más, sabiendo que Rojuu lleva desde el inicio de su carrera, cuando ni siquiera superaba la edad legal para dar un concierto, utilizando esta estética de manera hábil y precisa, salpicando sus canciones, sus visuales y sus intervenciones en redes sociales y entrevistas con pinceladas de una de las grandes referencias de la generación nacida en los primeros 2.000 a día de hoy. Pero hay algo en la manera en la que salta de un libro a otro después de dejar de jugar a mitad de una partida con la máquina de arcade retro que adorna las oficinas de Sonido Muchacho en Madrid, y cuyos sonidos están presentes durante toda la entrevista, que convierte esta imagen en algo más que en una mera anécdota para convertirse en alegoría. Cuando Rojuu nació en 2003 –sí, solo tiene dieciocho años– era impensable que un artista nacional con la proyección del catalán (colaboración con Amaia, a la sazón, ganadora de Operación Triunfo, millones de reproducciones y decenas de miles de fans) se sirviera de este acervo cultural para llegar al pop. Rojuu no solo ha sido capaz de adelantarse brutalmente a la tendencia –la propia Amaia, Rosalía o Bad Bunny ya han sacado canciones con referencias más o menos directas a la cultura pop japonesa– sino que es capaz de llevarla al siguiente nivel con pasmosa naturalidad. No es lo mismo utilizar la estética como accesorio, que sumergirse en ella como hace Rojuu. “La verdad es que la cultura japonesa siempre se ha usado y que esté en auge me viene genial. El otro día me habló Marcusiano, de Depresión Sonora, sobre ‘Adults Down Bad’. Me dijo ‘¿Esa canción viene de ‘Evangelion’?’ Y dije ‘Hostia, sí’, y me hizo recordar que esa frase es de un episodio random del anime. Estaba revisando capítulos de

MONDO FREAKO

a adolescente

EN LA MALETA

un género concreto, dejándose llevar e incluyendo, a modo de catálogo, toda una serie de propuestas sonoras que van de las cantaditas de “100xre a tu lado estaré”, al drum’n’bass de “Post Velada”, pasando por el indie pop de nueva generación de “¿Cuánto tiempo nos queda?”. “A mí me flipan los contrastes, y de hecho hasta el merch de la gira es totalmente metalero y me flipa. A quien le guste más mi vertiente indie tendrá cinco o seis canciones en el álbum. A quien le guste lo más cañero, el final del disco. Igual con algo más rockero o trapero, que tienen una canción. Cuando escucho un álbum me parece interesante que haya temas que me hagan recordar épocas pasadas del propio artista. Hay veces que, a medida que va pasando el tiempo, los artistas te dejan de gustar porque van cambiando, pero si de repente encuentras una canción que te recuerda a su swag anterior puedes escucharla mil veces”. La cuestión no es solo que Rojuu haya culmi-

Chica Gang

Rocío y Albal forman el colectivo Chica Gang, responsable de la fiesta madrileña Chica y DJ’s con una trayectoria que ha ido moviéndose entre estilos diversos. El próximo 13 de marzo cerrarán el festival electrónico MUTEK en Barcelona.

nado un proceso de madurez artística con tan solo dieciocho años firmando el álbum de neo pop –o shadow pop, como él mismo lo bautizó en nuestra entrevista en Flashes– que el resto de artistas de la escena matarían por hacer, sino cómo lo ha hecho. Ahí radica la diferencia máxima respecto a los demás. En este sentido, su entendimiento del uso de la nostalgia cuando apenas ha rebasado la mayoría de edad es asombrosa. Aquí Rojuu también representa a la perfección la tensión entre el pasado y el futuro. Entre el neo pop y los sonidos indie más clásicos a los que él se aproxima como novedad después de haber empezado con sonidos underground y de tendencia. Lo nuevo es viejo y viceversa. —LUIS M. MAÍNEZ

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or qué motivos empezasteis a pinchar? ¿Mantenéis el espíritu de vuestros inicios? Siempre nos ha flipado la música y, en cuanto empezamos con la primera fiesta de Chica, teníamos claro que queríamos pinchar en nuestras fiestas, pero no fue hasta que nos animó un amigo a pinchar en el afterparty de un concierto de Princess Nokia que nos lanzamos a la piscina sin tener ni idea de nada. —¿Es Madrid una buena ciudad para lo que soléis pinchar Chica Gang? Sí, el público que se ha ido consolidando a lo largo de los años es un público muy cálido que llevaba mucho tiempo esperando este tipo de sonido y de fiesta. —Vais a cerrar la noche final del Mutek después de Shygirl. ¿Tenéis algo especial planeado para esa fecha? Nos hace muchísima ilusión cerrar un festival tan innovador con apuestas electrónicas tan punteras. Estamos preparando un set que sea la mezcla perfecta de ambas, y sin duda estamos deseando encontrarnos por allí con Shygirl… —¿Cuál es la ocasión en la que más os ha sorprendido la sesión de otro Dj? ¿Por qué motivo? Abyss X me sorprendió mucho cuando vino al festival She Makes Noise en La Casa Encendida. Pocas veces he sentido tantas cosas escuchando un dj set. —Se supone que Chica Gang sois Rocío y Albal, pero en ocasiones contáis con

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EN GIRA l Valencia 03 marzo. Repvblicca l Alicante 04 marzo. The One l Barcelona 06 marzo. B·Xtra l Tarragona 11 marzo. Zero l Zaragoza 12 marzo. Las Armas l Vigo 18 marzo. Rouge l A Coruña 19 marzo. Playa Club l Córdoba 24 marzo. Hangar l Sevilla 26 marzo. Fanatic l Málaga 27 marzo. La Trinchera l Pamplona 31 marzo. La Zentral l Bilbao 01 abril. Stage Live l Donostia 02 abril. Dabadaba l Benicàssim 14-16 abril. SanSan Festival l Salamanca 22 abril. Potemkin l Valladolid 23 abril. Cientocero l Santander 29 abril. Escenario Santander l Gijón 30 abril. Acapulco l Madrid 19 mayo. Tomavistas l Barcelona 15-18 junio. Sónar

voces invitadas. ¿El hecho de ser un colectivo os permite ser flexibles en ese sentido? Totalmente, no vemos la música como un negocio, sino como una manera de conectar con otras personas. —¿Qué es lo peor que puede hacer un DJ mientras está pinchando? Yo creo que crear una distancia con el público o ser poco empático con la gente. —Si solamente pudiérais hacer un b2b con alguien antes de dejarlo para siempre, ¿con quién os gustaría hacerlo? (Rocío) Yo con CONDUCTA creo. Aunque hice un b2b con Danny L Harle y pensé justo eso “Ya puedo dejarlo tranquila”. (Alba) La verdad es que no podría decir un nombre porque se me ocurren muchos y en distintos momentos podría variar bastante, pero estoy bastante de acuerdo con Rocío con que hacer b2b con Danny L Harle fue bastante dream come true. —¿Qué es lo que más os ha costado aprender a la hora de pinchar? (Rocío) Disfrutar de la música sin sentir presión porque al público le guste. (Alba) Que no se puede complacer a todo el mundo. —¿Cuál ha sido la mejor sesión que habéis protagonizado hasta la fecha? ¿Por qué? La mejor fue la de la primera fiesta de Chica tras la pandemia en octubre de 2021. Fue un reencuentro con la música y con el club y me emocionó mucho. Me recordó por qué estoy metida en esto. —MS

marzo 2022 #27

#28 marzo 2022

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TAN. CERCA.

EL DISCO. RECUPERADO.

RRTras lanzar sus colabora-

ciones con Pimp Flaco y Suu en “Ritual”, podemos confirmar que en el nuevo disco de Dorian nos vamos a encontrar también con Ana Mena (“No dejes que pase el tiempo”), Alizzz (“Energía rara”), Lido Pimienta (“Libre”) y Youthstar de Chinese Man (“Mundo perdido”), sin contar a Sergio Acosta (Zoé), que es el productor del álbum.

Amor a Traición Amor a Traición Dro/Warner HISTORIAS QUE CAMINAN por el lado salvaje, empapadas de alcohol, amigos, amores y madrugadas interminables enredadas en humo y neón. Con el fino mercurio dylaniano en vena y el nervio desbocado de su querido Lou Reed bajo las alas, Rafael Berrio pudo tejer en “Amor a traición” (94) la poética eléctrica de las calles que llevaba dentro. Pero no fue fácil este debut homónimo del grupo donostiarra formado en 1983 por Rafael Berrio (voz y compositor), José Manuel Puerto (guitarra), Enrique “Endika” Cámara (bajo) y José López (batería). Tardaron más de una década en editar su primer largo. La banda grabó un segundo y último disco antes de separarse, “Una canción de mala muerte” (96), con José Luis “Cheli” Lanzagorta (teclados), Paúl Zubillaga (guitarra) e Iñaki de Lucas (batería) en sus filas. Amor a traición, tras dos intentonas discográficas fallidas, a la tercera fue la vencida. Rafa creó un nuevo repertorio junto a su hermano, Iñaki Berrio, y Warner se interesó por el artefacto poético explosivo que tenían entre manos. En “Amor a traición”, también conocido como “el disco negro”, encontramos doce chutes de venenoso rock n’ roll, a caballo entre el ácido aterciopelado de The Velvet Underground y el halo romántico/decadente, jazzístico y cabaretero de “Transformer” (72). “Y quedé deslumbrado / por el brillo de esas drogas / y por las luces de ciudad. / Pero vengo arrepentido / para decirte que te quiero, / dile a tus padres que me quedo / en estas

calles que llevo dentro, / te juro que esta vez es cierto…”. Rabiosamente magnético ese inicio desenfrenado de “No pienso bajar más al centro”, con un Hammond omnipresente y la banda a tumba abierta, con Rafa a la cabeza y ese cantar descarnado y único. Los teclados siguen iluminando los surcos en otra de las masterpieces del disco, “La misma mujer distinta”, con Berrio estrujándose el corazón verso a verso, mientras los vientos de saxo no nos dejan tocar el suelo hasta que finaliza la pieza. El rock relampaguea y acelera las pulsaciones en cada curva con “La senda del olvido” y otras de esas estrofas que Rafa hace carne y huesos: “No tienes por qué preocuparte, / nadie baila solo con su desesperación. / Siempre hay alguien a quien abrazarse, / alguien que espera que le saquen a bailar / en algún rincón”. “Todo sueño es transparente y frágil”, pero eterno en canciones de amantes que dejan huella como “Ella dormía a mi lado cada día”, “Te llama el amor por tu nombre” o en ese final de los finales de “Estaba enamorado y ahora estoy perdido”, un “Ángel caído” con Berrio quemando una vez más las naves y renaciendo en cada fraseo. Del nihilismo underground de “Dulce limbo”, al esperanzador y ebrio rayo de luz de “El principio de una buena racha”. Vida y peligro en una toma, “Amor a traición”, el primer zarpazo eléctrico del poeta donostiarra más auténtico e irrepetible.

RREl ciclo de conciertos madri-

leño Inverfest ha completado ya una parte muy importante de su programación, pero ahora anuncia las fechas de los conciertos aplazados a causa de los positivos entre los propios artistas. Este mes de febrero se celebrarán los de Los Telepáticos (17 febrero, El Sol), Johnny Garso (19 febrero, El Sol) y Tiburón 2 (24 febrero, Siroco). www.inverfest.com

RRMetallica serán los principa-

les cabezas de cartel del Bilbao Bizkaia Rock Day, que se llevará a cabo el próximo 3 de julio en el Estadio San Mamés de Bilbao, pero eso no es todo. Les acompañarán los también estadounidenses Weezer y The Regrettes, los suecos The Hellacopters y los británicos Nothing But Thieves. Metallica también actuarán en julio en el madrileño Mad Cool.

RRAl acabar su actual gira, Izal

se retirarán de los escenarios de forma indefinida. A sus espaldas quedan doce años de trayectoria y cinco discos de estudio. De todos modos, todavía tienes oportunidad de verles en ciudades como Valencia, A Coruña, Pamplona, Granada, Albacete, Cádiz, Bilbao, Barcelona o Madrid, esta última ciudad punto final de la gira el 29 de octubre. Entradas disponibles en www.izalmusic. com. Izal también estarán actuando festivales como Sonorama Ribera, Low Festival, Warm Up y Jardín de las Delicias.

—DAVID PÉREZ

RAFAEL BERRIO FOTO: ARCHIVO

RRDope Lemon ha aplazado su

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gira europea, con nuevas fechas en Barcelona y Madrid. Los conciertos que estaban previstos para este próximo mes de marzo pasan al 20 de septiembre (Bikini, Barcelona) y el 21 de septiembre (Copérnico, Madrid). Todavía quedan entradas disponibles para las nuevas fechas. Las entradas adquiridas para los conciertos aplazados serán válidas, por lo que no hay que realizar ningún cambio. —MS

marzo 2022 #29

Maruja Limón Deconstruyendo el sistema Maruja Limón nos sorprendieron hace ya cuatro años con “Más de ti” (18), su álbum debut. Les llegó su confirmación un año más tarde con “Ante mí” (19). Charlamos con ellas para que nos presenten “Vidas” (Satélite K, 22), su nuevo álbum.

“

VIDAS” es uno de esos discos que se ha hecho de rogar por culpa de la pandemia. “Se nos cancelaron unos sesenta conciertos… pero, después del shock, nos vino una energía que nos reactivó e hizo que compusiéramos desde casa. Aunque esto solo nos dio cuatro temas que tenían poco de nuestra esencia y aprendimos que hacer música en comunidad da un resultado mucho más satisfactorio y placentero”. Sin duda, ha sido un disco peculiar en todos los sentidos, empezando por la propia composición. “Antes

TAN. LEJOS. Cinco años han pasado desde su anterior larga duración, pero aquí tenemos de nuevo a Alynda Segarra con “Life On Earth” (Warner, 22), un disco con un espíritu combativo y con mucha conciencia de lo que nos rodea como personas. El 20 de mayo lo estará presentando dentro del festival Tomavistas.

UCHO TIEMPO ha transcurrido desde la publicación de “The Navigator” (17), el disco que puso el nombre de Hurray For The Riff Raff en boca de todos. Pese a todo ese tiempo alejada de #30 marzo 2022

RONDA RÁPIDA Un artista nacional Lola Flores Un artista internacional Chavela Vargas Un disco para escuchar en el coche Una buena playlist de salsa Un disco que todo el mundo debería escuchar “Pasaje del Agua” de Lole y Manuel Una canción para llorar “Hallelujah” de Leonard Cohen Una canción para bailar “Te estoy amando locamente” de Las Grecas Colaboración Soñada Residente Vuestra mejor canción “Más de ti” o “Cárcel” Un lugar para escuchar vuestra música En la calle, mirando al mar, en la pista de baile… Describir a Maruja Limón en una palabra Pa’lante

tirábamos más de composiciones individuales y ahora hemos reforzado la composición en equipo, dando más presencia a nuestra manera de entender la música”. Y no solo han cambiado esto, sino también la forma de trabajar en el estudio. En esta ocasión, han optado por grabarlo en directo, tal y cómo se podrá vivir en sus conciertos. “Grabar los temas juntas fue una decisión más que acertada. Además, volvemos un poco a una práctica que parece en desuso”. Dentro del disco nos encontramos con una primera mitad plagada de vitalismos y reivindicaciones sumergidas en ritmos animados. “Con ‘Vidas’ pretendemos dar visibilidad a situaciones diversas como la falsedad del amor romántico-platónico, el cáncer, la transexualidad, las drogas, las críticas al sistema… Pero lo más interesante es como las hemos descontextualizado a través de la música, haciendo canciones bailables, pero bastante crudas y reflexivas”. En la segunda mitad, los mensajes son más crudos y en clave feminista, algo más que necesario hoy en día. “Tenemos la intención de que estos mensajes se impregnen en nuestro subconsciente a través de ese contexto de música y festividad y podamos crear un mundo más respetuoso”. Pero para conseguir estos objetivos,

RR Dave Grohl, y posiblemente Foo Fighters, han grabado “canciones perdidas” de Dream Widow, es decir el grupo de metal que murió al completo –a manos de su vocalista poseído por Satán– en el estudio y que aparece en “Studio 666”, la película de terror protagonizada por Grohl y sus compañeros. RR Ben Gibbard (Death Cab For Cutie, The Postal Service) ha sido el curator del disco tributo “Ocean Child: Songs Of Yoko Ono”. En él aparecen artistas

los focos, da la sensación de que Segarra siempre haya estado ahí durante este tiempo. Si allí defendía sus orígenes puertorriqueños, calándonos profundamente, teníamos la esperanza de que Segarra retormaría el camino en el mismo lugar en que lo dejo, pero dirigiendo la vista hacia nuevos horizontes. “En realidad, creo que el disco no tiene un estilo o una categoría concretos y si los hay, me los invento. En estas canciones están presentes todas mis influencias y, de alguna manera, a esto lo llamo “nature punk”. Hay mensaje y también compromiso. Es un disco acerca de la resistencia y que habla de supervivencia. En él me planteo cuestiones como la vida que sostiene el planeta y hacia dónde nos dirigimos. Me preocupa la forma en la que vamos a cuidarlo. Y a todo esto, a colación de estas inquietudes vitales, ser

como Sharon Van Etten, David Byrne, Yo La Tengo, Deerhoof, The Flaming Lips, US Girls, Sudan Archives o Japanese Breakfast. RR Dallas Good, cantante y guitarrista de la banda de rock canadiense The Sadies, falleció a finales del pasado mes por causas naturales. Tenía cuarenta y ocho años de edad. The Sadies colaboraron con Neko Case, Neil Young, Mekons, Kurt Vile y muchos más a lo largo de los años, y lanzaron su álbum más reciente, “Northern Passages”, en 2017.

felices mientras tomamos decisiones”. El resultado es un trabajo calmado, pero agrio, combativo y naturista. “La música tiene ciertas capas de protección. Eso ayuda a prestar más atención a las letras, el sonido otorga cierta calma, y te invita a lo próximo con intriga, misterio. Por ejemplo, si hablo de la crisis climática, la intención está clara y todo tiene que fluir para que se entienda así”. En canciones como “Rhododendron” su voz puede recordar en fuerza y en espíritu a la de Patti Smith. “¡Oh, qué halago! Ella es mi reina. Siento su fuerza y su sentimiento a todas horas. Pensé en convertirme en artista tras conocerla a ella”. Aunque entre las influencias que ella menciona a la hora de grabar el disco, pone en el mismo escalafón a The Clash y a Bad Bunny. Seguramente, y aunque haya gente que no

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MONDO FREAKO

todas han tenido que aportar su granito de arena. “Al ser cinco cabezas con inquietudes y sentimientos diferentes, ha sido un proceso muy bonito de darnos espacio las unas a las otras y apoyar las propuestas de cada una”. Aunque lo que sí que han mantenido es esa versatilidad musical que las acompaña desde los inicios. “Esto nos hace sentir libres y más conscientes del mensaje que vamos a lanzar. A ver qué grupo tienes que proponga un directo con temas de flamenco rock, pero incluya momentos solemnes de soleá o bulerías y de repente te ponga a bailar con ritmos latinos”. Y para dar forma a este álbum han contado con Juan R. Berbín a los mandos de la producción. “Gracias a su trabajo tenemos el disco más personal, directo y fresco de Maruja Limón”. Pero ahora lo que les toca es centrarse en su nueva gira. “Vamos a presentar un directo lleno de energía positiva, queremos llegar a todos los rincones y enamorar a quién no nos conozca”. —ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

RR “Forever On My Mind”, el álbum inédito del “padre del Delta blues” Son House se publicará el 18 de marzo via Easy Eye Sound, discográfica propiedad de Dan Auerbach de The Black Keys. El disco fue grabado en el otoño de 1964. RR Ha visto la luz la versión en estudio de “Bad Habits”, la colaboración entre el cantautor Ed Sheeran y la banda Bring Me The Horizon, que interpretaron juntos en la ceremonia de entrega de los BRIT Awards hace unas semanas.

FOTO: LAURA ABAD

R Lee aquí la entrevista completa >>

unidad “Hacer música en com más da un resultado mucho placentero”

RR El grupo de horrorcore Ho99o9 vuelve a la actividad. Tras estrenar los singles “Battery Not Included” y “Nuge Snight”, anuncian el que será su nuevo trabajo, “Skin”, para el 11 de marzo, con producción de Travis Barker, batería de Blink-182 y colaborador habitual de Machine Gun Kelly. RR Vince Staples y Mustard han colaborado en el single “Magic”, primer sencillo de avance del próximo largo de Staples, “Ramona Park Broke My Heart”, a publicar en abril.

RR Foals han publicado “2am”, segundo adelanto de su próximo álbum, “Life Is Yours”, tras la bailable “Wake Me Up”. Las dos canciones apuntan caminos distintos del futuro próximo del grupo. Gran parte de su próximo disco está inspirado en el tema del escapismo. RR Doja Cat estrenó su versión del “Celebrity Skin” de Hole para el anuncio de Taco Bell en la Super Bowl de este año. El comercial denominado

“The Grande Escape”, presenta la canción de 1998 con letras reelaboradas en asociación con la propia Courtney Love. RR El 24 de junio se estrenará en España el biopic “Elvis”, dirigido por Baz Luhrmann (“Moulin Rouge”, “The Great Gatsby”) y protagonizado por Austin Butler y Tom Hanks en el papel del manager. La película cubre veinte años de carrera del rey del rock’n’roll y ya está disponible el primer tráiler —MS

FOTO: ARCHIVO

y y a The Clash “Lo que une a Bad Bunn do” es la ausencia del mie

Hurray For The Riff Raff Punk natural mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

comprenda la conexión, quizás no haya tantas diferencias entre ellos. En el fondo, y aunque para generaciones distintas, la intención es parecida. “Así es. Yo creo que lo que une a Bad Bunny a The Clash es la ausencia del miedo y que, a su manera, conectan con la gente. Después hay ese trasfondo político o si se quiere, social. Pero entiendo que a la generación de The Clash le cueste ponerlos en una misma frase”. —TONI CASTARNADO

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marzo 2022 #31

MONDO FREAKO

Korn Energía y sentimientos Por primera vez en su larga e ilustre carrera, Korn tuvieron que dejar los escenarios a causa de la pandemia. En vez de quedarse de brazos cruzados, los pioneros del nu metal aprovecharon para crear “Requiem” (Loma Vista/ Universal, 22), un álbum musicalmente sólido y conceptualmente muy profundo, seguramente el mejor de su última década. Podremos verles el 3 de julio en Resurrection Fest.

L GUITARRISTA James Shaffer, más conocido como “Munky”, nos cuenta las peculiaridades del proceso de creación de “Requiem”, nacido con total libertad temporal y compositiva. En sus ojos y expresiones se puede ver la gran ilusión que tiene de volver a los escenarios. Desde finales de

#32 marzo 2022

enero ya están de nuevo en gira, reencontrándose con sus fans cara a cara para presentar “Requiem”. Han pasado veintiocho años desde que Korn iniciaron su andadura y han sido muchos los éxitos que han logrado. Pero la auténtica pregunta sería saber qué es lo que motiva a una banda a seguir creando nuevos proyectos, a no dejar nunca de hacer música. “La música ocupa una parte principal en nuestras vidas, es una necesidad que se manifiesta cada día. Tenemos que satisfacer esa necesidad de “consumir” música, ya sea creándola, escuchándola, descubriendo nuevas bandas… Estamos siempre buscando nuevas maneras de descubrir algo que sea nuevo y sorprendente, sea un tono, un sonido, una combinación de notas o un acorde. Lo que sea. La música es arte al fin y al cabo, por eso nos gusta mirarla desde todos los ángulos”. Y lo mejor de todo, mirarla juntos de nuevo tras el confinamiento pandémico. “Después de cuatro meses separados empezamos a preocuparnos: ¿Podremos volver a hacer música? ¿A hacer conciertos? ¿A tocar delante de fans? Nos ocurrió como a muchos artistas,

justo nos cancelaron toda la gira europea. Pero no podíamos quedarnos sentados quejándonos. Teníamos que despertar de algún modo. Fue entonces cuando decidimos quedar en un estudio, tomando todas las medidas de seguridad e incluso haciéndonos tests regularmente. Cuando nos reunimos todos por primera vez nos dimos cuenta de que la razón por la que estamos en este planeta es hacer música juntos. Fue una sensación extraordinaria estar en la sala con todos ellos. Hemos pasado por muchos altibajos juntos a lo largo de estos años y el simple hecho de estar allí reunidos fue muy emocionante”. Así que “Requiem” es un disco nacido en medio de la pandemia, algo que ha permitido al grupo trabajarlo a fuego lento, a permitirse tomar aire y respirar conforme lo grababan. “Sí, no teníamos calendario, no teníamos presiones temporales, ni limitaciones creativas: solo jugábamos y experimentábamos, y lo hacíamos con más libertad que nunca. Creo que eso lo vais a notar”. A eso hay que sumarle que, casi por primera vez, Jonathan Davis decidió pasarse por el estudio prácticamente cada día, algo no muy habitual en el @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ica “Para nosotros, la mús se e es una necesidad qu manifiesta cada día”

TOP VÍDEOS. Q

Sen Senra Hagan 40º

pasado según me cuenta Munky. “Nosotros siempre grabábamos la música primero y él añadías las voces y la letra después. Esta vez, en cambio, apareció con muchos ánimos, nos daba consejos y participaba en la composición instrumental. Es por eso que ‘Requiem’ es un álbum más coral, un disco con más esencia Korn”. Y qué mejor manera de compartir esa esencia Korn con el mundo que empezar lanzando “Start The Healing”, un sencillo muy íntimo y emotivo en el que Davis expresa, una vez más, sentimientos muy personales. “Jonathan ha pasado por mucho estos últimos años, pero incluso así sigue sin rendirse y ha estado tratando de reencontrarse con la felicidad. ‘Start The Healing’ va en parte de eso. Es una canción que simplemente surgió. No estaba planeada, pero ahora que miro atrás me doy cuenta de lo perfecto que fue ese momento, de lo adecuada que es la canción y la letra para representar a este álbum. Es cierto que, en ocasiones, tengo que plantarme y recordarle a Jonathan que hay otra gente en el grupo, pero él tiene una capacidad increíble de exponerle sus sentimientos más íntimos al mundo. A pesar de no haber vivido lo que él, abre de tal manera su corazón que es difícil no conectar con lo que expresa o no entenderle. Mucha gente nos cuenta que sus letras le han salvado de la mierda más absoluta, y esa conexión especial forma parte del poder de la música. Aún así, ‘Requiem’ no deja de ser un proyecto de toda la banda. Todos hemos aportado y conectado con él”. Entonces, ¿cuál es el concepto que ha querido transmitir el grupo al completo con este nuevo y arrollador trabajo. “La vida, la muerte, la resurrección, la curación… Todo se mezcla con la voluntad de que casi se pueda ver de manera cinemática, como una película en tu cabeza. ‘Requiem’ no es sólo algo para escuchar y mover la cabeza, sino que tiene como objetivo penetrar en el público y llegar a sus mentes para llevarlos en una especie de viaje interior íntimo”, comenta Munky, antes de continuar hablando de un modo más genñerico. “Creo que esta vez hemos conseguido dar con melodías más maduras, con un concepto muy ligado a las emociones. Lo veréis en las letras, en las partes instrumentales, pero sobre todo en las voces. Jonathan ha estado experimentando y trabajando muy duro para llegar al resultado final”. —VÍCTOR NAHARRO

La directora valenciana Joana Colomar da en este clip una nueva muestra de su sensibilidad y veteranía. Y es que un tema tan redondo y emotivo como este magnífico single del infalible Sen Senra, bien merecía un vídeo que rezumara esa misma ternura.

Arlo Parks Softly

La inglesa sigue con paso firme su imparable carrera ascendente a base de entregar canciones tan solventes como esta “Softly”. Tema que viene acompañado de un clip que logra atrapar al espectador con sus logrados efectos y no precisamente digitales.

Rex Orange County Amazing

Una oda al enamoramiento que viene acompañada de un videoclip dirigido por Chris Ullens y que utiliza de forma certera personajes hechos con guantes de tela para narrar una emotiva historia de amor.

Foals Wake Me Up

Arrebatador single que viene acompañado por un divertido clip repleto de colorido, con una escenografía de lo más lograda que le saca el máximo provecho a la versatilidad de un teatro y un cuerpo de baile y tramoyistas al mismo tiempo.

Innercut Enganchao (Ft. Recycled J, Beauty Pikete)

Excelente clip que transmite a la perfección lo trepidante que resulta este temazo. Un vibrante tema que, con un acertado juego de cámara e imágenes, se adapta como un guante al ritmo marcado por los beats.

Lee aquí la entrevista completa >> mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

marzo 2022 #33

ENTREVISTA

USCAR GRIETAS en el sistema para comunicar ideas y construir espacios nuevos donde convivir, donde broten como un manantial las relaciones sentimentales, a veces sencillas y sanadoras, otras complejas y dolorosas, pero siempre liberadoras y sustento verdadero del vivir. Lo llevan haciendo desde hace casi tres décadas con su música y ese espíritu reivindicativo perdura en “Las canciones del agua”. Sobre todo ello charlamos con J, líder de la banda granaína. —“Las canciones del agua” es vuestro

LOS PL

A la luz de las ra

décimo trabajo de estudio y primer número uno de ventas nacional en vuestra carrera, ¿A qué crees que se debe este éxito de ventas y por qué piensas que no llegó antes? Creo que con este disco hemos recogido el fruto del trabajo de todos estos años, y el público de Los Planetas siempre va creciendo… Lo curioso es que antes contábamos con el apoyo de empresas potentes como Sony, RCA, y en realidad nunca hemos tenido tanto éxito como ahora, que lo estamos autogestionando todo nosotros desde Granada. Eso sí que tiene mérito, conseguirlo fuera de la industria. Además de ahorrarnos todo el dinero que se llevaban por nuestro trabajo, que era muchísimo, y ahora te das cuenta de que no era el modo más efectivo.

—¿Y cómo estás? Menudo susto el acciden-

te de moto… ¿Totalmente recuperado ya? Sí que fue un susto grande. No, aún no estoy bien del todo. Me rompí cuatro costillas, están ya soldadas, pero lo que no recuperé todavía es el tono físico y la capacidad pulmonar. Estoy un poco flojo, pero voy mejorando poco a poco.

—Centrándonos en el nuevo disco, está

claramente diferenciado en dos bloques. Las primeras cuatro canciones que nos llevan a vuestra tierra, a la Granada de Lorca y las raíces; y la segunda, con las cinco restantes, donde realizasteis viñetas, ácidas y críticas del caos global que nos tocó vivir en tiempos de pandemia. ¿En qué momento surge esta estructura del disco, en la que, en esas dos caras, forma y fondo se contraponen y funden dialécticamente? No sé exactamente en qué punto, pero fuimos grabando esas canciones. La primera fue “La nueva normalidad”, con la intención de ir sacándolas rápidamente, porque hablaban de cosas de actualidad y perdían sentido si se demoraban. Y bueno, empezamos a sacar esos singles y, por

#34 marzo 2022

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LANETAS

aíces sentimentales Los Planetas mantienen su espíritu en el que es su décimo trabajo, “Las canciones del agua” (El Ejército Rojo, 22), con la jondura poética de Lorca como faro y vacuna contra el caos global. —TEXTO David Pérez —FOTOS Adrián N. Maesso

otro lado, yo tenía en la cabeza desde hace tiempo el poema de Lorca, “El manantial”, y lo fui montando… Y sí, efectivamente, iba cobrando un poco de sentido todo. Las canciones de la cara B son nuestra expresión personal, nuestro modo de ver el mundo y, en cierta manera, ese caos global nos lleva al “manantial”, a las raíces, a descubrir un poco más de seguridad en tu cultura y en tu gente… bueno, en tu cultura sobre todo, ya que no podíamos ver mucho a la gente en aquellos momentos. “El manantial” le daba sentido a todo eso. —Es un poco como quitarnos la venda

capitalista de los ojos, de volver todo lo que se pueda a la naturaleza, a la tierra, al manantial… Sí, exacto, algo así. Además, contiene una especie de iluminación, del por qué Federico quiere dedicarse al trabajo que hace, a la poesía. Y me siento identificado con esa idea, con esa forma de verlo. El disco explica un poco eso. Expresarse a través de la música y de las palabras. Lorca es un poeta simbólico, su muerte fue simbólica, y sus versos me ayudaban a hacer referencia a que, en tiempos tan difíciles como estos o como los que sufrió Lorca, hay gente especialmente vulnerable que no son culpables de lo que está pasando, pero que de alguna manera pagan el pato. Y bueno, es una forma de ser justos, contando lo que pasó entonces. Reclamar la esencia de Lorca con su arte, con esas palabras y música que fluyen de las entrañas de la tierra, denunciar su persecución y crimen para que no vuelva a pasar y su espíritu nos libere.

—Pues sí, más de doce minutos de pura

luz liberadora. Yo soy lorquiano a muerte, pero tengo que confesar que no conocía este poema, así que te doy las gracias doblemente. La pieza es una auténtica maravilla. ¿Cómo llegas a “El manantial”? Sí, desde que lo descubrí me pareció muy fuerte, un poema muy rítmico. Yo tampoco lo conocía, me lo enseñaron hace ocho o nueve años y siempre quise hacer algo con él. No es de los más conocidos de Lorca, es un poema largo, de la primera época, allá por 1919, del primer libro de Federico. El poema llamaba a la música, lo leí y me pareció muy potente, con esa iluminación y claridad de saber a lo que va a dedicar su vida e incluso con esa idea de premonición de su propia muerte, con metáforas y hasta haciendo referencias a sitios concretos, como la Fuente de las Lágrimas, que está cerca de Víznar, donde lo mataron… Es un poema muy especial. —¿Y cómo fue el reto de musicarlo y grabarlo haciendo equipo con David Montañés al piano? A David le envié una maqueta de la canción

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marzo 2022 #35

ENTREVISTA

con arreglos de cuerda, para que él fuera adaptando la pieza. Y a raíz de los ensayos de este pasado verano, de los “Conciertos esenciales” que hicimos en formato trío, Florent, yo y David, ensayamos “El manantial” a piano y vimos que funcionaba y fluía muy bien, así que lo fuimos puliendo y dándole forma desde entonces. —Seguimos recorriendo los surcos y, tras

la colaboración en el anterior disco con Yung Beef en parte de la letra de “Islamabad”, ahora volvéis al trap de la mano de Khaled con la versión de “Se quiere venir”. ¿Qué es lo que más te atrae del trap? ¿Ves un poco reflejado vuestros inicios con esta revolución y democratización artística? Sí, eso es muy importante e interesante, porque mucha gente puede acceder a los medios. En nuestra generación era un poco más complicado, pero ahora pueden grabar y publicar sus canciones de forma más fácil que nunca. Es un gran avance. Un poco por lo que luchábamos en nuestra época, los medios para hacer música y distribuirla. Además, del trap me interesa mucho la conciencia y posición crítica de algunos artistas, un posicionamiento que creo que también tiene muchas cosas en común con nuestra generación, cuando empezó el indie y todo eso.

—Pasamos del trap al flamenco con “Ale-

grías de Graná”, en la que brilla fuerte esa vertiente jonda que lleváis en la sangre y que comenzó a reflotar, discográficamente, con “La leyenda del espacio” en 2007 y desde entonces, con bastante pozo

#36 marzo 2022

en “Una ópera egipcia” (10) y en “Zona temporalmente autónoma” (17), es una constante en vuestra música. ¿Cómo de importante es el flamenco en el ADN planetario y cuál dirías que fue la chispa que despertó ese interés? En el ADN planetario es muy importante el flamenco y la cultura de nuestra tierra. Lorca es el más flamenco de los poetas. Las músicas de Granada, especialmente el flamenco, han tenido gran calado cultural, el acervo de nuestra tierra. Cuando eres más joven tiendes a buscar cosas nuevas, cosas de tu tiempo, pero conforme te vas haciendo mayor, vuelves a las raíces, a entender las cosas más antiguas, a investigar en el pasado y descubrir cosas nuevas… —Además, tirando de esas raíces flamen-

cas, tras “La leyenda del espacio” (07), abristeis una puerta para las demás bandas, impensable en aquellos momentos para el mundo indie… Sí, en aquel momento es verdad que la música de la escena alternativa era muy anglófona, y era normal, porque todo el circuito alternativo había mamado de esa corriente que nos llegaba de Inglaterra. Y en un momento dado, yo creo que cuando fuimos a Nueva York a grabar “Una semana en el motor de un autobús” (98), nos dimos cuenta de que era una escena cerrada y que estaban dejando un poco al margen las culturas más periféricas; nos pareció que era el momento de empezar a reivindicar la cultura de nuestra tierra de forma más intensa, que estaba siendo ninguneada. Al terminar el disco en Nueva York, pensamos

en reelaborar De izquierda a derecha: nuestro disJulián Méndez, Banin, curso y modo Jota, Eric Jiménez y de trabajo, Florent montando nuestro propio estudio en Granada y centrándonos en lo cercano, en desarrollar una visión más localista. Ese fue el camino de vuelta de Los Planetas a las raíces, al flamenco, a la cultura de nuestra tierra. —En relación con esto, cuéntame, por fa-

vor, un poco el lazo de amistad y trabajo de Enrique Morente con Los Planetas, la relación que teníais con él y esa retroalimentación pop-rock flamenca tan importante en vuestras carreras. Yo conocí a Enrique la primera vez que él tocó con Lagartija Nick, en un concierto de Lagartija en Armilla, aquí en Graná. Al final del bis, se tocaron el “Omega” (96). Nosotros compartíamos agencia de contratación con Lagartija Nick y estábamos siempre muy juntos, teníamos el mismo manager, hacíamos muchas giras con ellos y estábamos muy atentos a lo que hacían. Y cuando hicieron “Omega” en esa presentación, fue bastante impactante. Entonces, en aquellos momentos, Enrique estaba ya por aquí en Graná, que antes vivía en Madrid, y empezamos a tener más contacto con él, cada vez más y, claro, se convirtió en una persona muy influyente para nosotros. A la hora de abordar este acercamiento al flamenco, me dio muchos consejos y muchos ánimos cuando estábamos haciendo“La leyenda del espacio”. Yo le preguntaba

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qué le parecía y, si a él le gustaba, eso me animaba a seguir. Enrique tenía esa idea de abrir el flamenco a un público menos especializado, no solo para los puristas del flamenco que puedan entender un lenguaje más complejo, más clásico. Nosotros seguimos un poco esa enseñanza y ese camino, lo que tú antes decías, abrir la puerta a una generación que entonces escuchaba poca música en español y casi nada de música tradicional, antigua, flamenca o lo que sea… Desde entonces parece que sí que ha habido un cambio cultural en ese aspecto y ha cobrado mucha importancia el volver a las raíces, el excavar en la riqueza de la cultura cercana y pasada.

en la tierra y en el pueblo, ahí somos lo mismo y podemos participar de una forma igualitaria. Le termina de dar sentido al disco porque tiene una parte granaína y una parte social, y está situada en la transición de la cara A de Granada y la cara B, más global…

—Volviendo al disco y a la actualidad, con

habéis sido una banda reivindicativa y os habéis mojado artísticamente, pero en esta cara B sois más explícitos que nunca, ¿no? ¿A qué se debe esta claridad en el discurso? Como te comentaba antes, empezamos a sacar las canciones como pegadas a acontecimientos que nos llamaban mucho la atención, que estaban sucediendo en ese mismo instante y queríamos señalarlos sin que perdieran actualidad… Son más explícitas quizás por eso, porque están hechas muy sobre la marcha, muy a la primera, con la urgencia del momento. Otras veces nos comemos más la cabeza y buscamos metáforas más complejas o menos evidentes, pero estas canciones nacieron de esta manera y de ahí su claridad. —D.P.

la nueva reforma laboral aún caliente y siguiendo con las raíces musicales, llegamos a “La Morralla” de Carlos Cano y “lo primero, los obreros”. Transición perfecta para pasar de la cara A, a la crítica social global de la B. ¿Cómo nace esta versión de Carlos Cano? Es una canción que me gustaba mucho cuando era pequeño, del disco “A la luz de los cantares” (77). Admiro mucho a Carlos Cano y siempre me ha gustado este tema. Y hace cinco o seis años, participamos en un homenaje a Carlos Cano que se hizo aquí en Granada y preparamos la versión. La tocamos allí y de camino la grabamos. Decidimos rescatarla porque cuando estábamos haciendo el disco creíamos que tenía mucho sentido lo que estaba intentando explicar, un poco como la idea de que es fácil encontrar las raíces donde agarrarse,

—Se quedó fuera del disco una versión de

“La Torre de la Vela” de 091. ¿La escucharemos en algún momento? Al final no cabían las dos en formato vinilo, la de Carlos y la de los 091, así que había que sacrificar una. Pero sí, la sacaremos como single próximamente.

“

“Cuando eres más joven tiendes a buscar cosas nuevas, cosas de tu tiempo, pero conforme te vas haciendo mayor, vuelves a las raíces”

—Casi treinta años de historia y siempre

EN GIRA l Málaga 30 abril. Ronda. Concierto Esencial l Barcelona 23 junio. Sala por confirmar l Madrid 1 julio. Tomavistas Extra l Oviedo 2 julio. Sala por confirmar l Valencia 23 julio. Concerts de Vivers l Vilagarcía de Arousa 16 julio. Atlantic Fest l Granada 16 septiembre. Teatro del Generalife, La Alhambra. Concierto Esencial

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marzo 2022 #37

#38 marzo 2022

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39/Mondo VINILOS

Animal Collective

Time Skiffs Domino/ Music As Usual

POP / Es “Time Skiffs” un disco de 2022, a todos los efectos. Un decimotercer trabajo largo que participa, como cualquiera de los inmediatamente anteriores, de esa cualidad acuosa en continuo fluir que tiene su música, sin aparente ruta previa. Con una vocación diáfanamente pop, es un trabajo algo desigual pero de una exuberancia reconfortante, perfecto compañero de fatigas incluso mientras dedicamos nuestro tiempo a cualquier empeño doméstico. Tal cual. Y volvemos un poco a lo mismo: no sé hasta qué punto su música nació para acompañar o para transformar. Para sedar o para volar la cabeza. “Time Skiffs” resulta uno de esos discos con los que, dependiendo de hasta qué punto empaticemos con aquello del “no eres tú, soy yo”, socorrido latiguillo para explicar el desencanto por la oxidación que marca el paso del tiempo, lo disfrutaremos en mayor o menor medida. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

El eclecticismo de Big Thief Big Thief

Dragon New Warm Mountain I Believe In You 4AD/Popstock!

9 FOLK POP / “Dragon New Warm Mountain I Believe In You” es un caleidoscopio de sonidos, historias, anécdotas y géneros musicales que se relacionan y se enredan entre sí, a medida que lo haces girar. El cuarto disco de Big Thief no huye de las etiquetas, sino que las abraza casi todas en una onda expansiva de veinte canciones que galopan entre el folk más delicado, el trip hop, el country de raíz o el pop. Un trabajo en el que la esencia de la banda está presente a través de letras llenas de metáforas y simbolismo, donde lo familiar se extrae de todo contexto para ser examinado por una mirada extraterrestre, además del cuidado por un sonido en el que pareciera que cada nota no podría existir en otro espacio, ni lugar, que no fuera en esa canción. Pero hay más. Los de Brooklyn deliberadamente escogieron cuatro localizaciones tan dispares como Upstate New

York, Topanga Canyon (California), las Montañas Rocosas (Colorado) y Tucson (Arizona), para componer y grabar, además de combinar grabaciones en estudios caseros con otros de última generación. Es fácil trazar un mapa sónico e identificar los ecos del sur de Emmylou Harris de “Dried Roses”, “Red Moon” o “Certainity”, la canción preferida de Buck Meek, guitarrista del grupo, grabada durante un apagón, tirando de una grabadora enganchada al encendedor del coche. La aparente levedad del country de “Spud Infinity” contrasta con los ritmos quebradizos, loops y la frialdad de cortes como “Flower Of Blood”, “Heavy Bend” o “Blurred View”; como si alguien hubiera traido a Portishead al 2026. La intensidad se disipa con medios tiempos como “Promise Is A Pendulum” o “Change”, de esos en los que la vulnerabilidad cotiza alto. Y entre tanto viaje, encontrar caras familiares como “Simulation Swarm”, donde todos los elementos que hacen de Big Thief lo que son están alineados, pero con un twist: como si las guitarras estuvieran más afiladas, la sencillez del ritmo convertida ahora en algo desafiante... Un viaje en el que puedes caminar por la superficie, o adentrarte en los agujeros de gusano para descubrir que lo que ves no es solo lo que hay. —MARTA TERRASA

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Eric Fuentes

Hostia y Perdón HangTheDjRecords

POP / Ya lo dice el manido refrán:

renovarse o morir. Los riesgos y la versatilidad que han ido definiendo la carrera de Eric Fuentes a lo largo de los años hacen que un disco como éste tenga todo el sentido del mundo. “Hostia y Perdón” son diez breves cortes en un inédito castellano que evidencian una vez más cómo, lejos de anclarse a viejas fórmulas, Fuentes logra encontrar con éxito nuevas vías de escape con las que reafirmar su presencia y reinventarse. En este caso, son los miembros de Wood y de Cala Vento, en compañía del joven productor Senén Lores, los encargados de ayudarle a mudar su piel y conseguir que su talento no solo se conjugue en pretérito. El resultado es una sorpresiva zambullida de pop luminoso y bailable (“Entrégate ya”, “Tormentas”) que nos confirma que, cante en el idioma que desee y componga en el registro que mejor defina su presente, siempre es un placer atestiguar un paso más en su trayectoria. —FRAN GONZÁLEZ APARICIO marzo 2022 #39

MONDOVINILOS

Mystic Braves

Pacific Afterglow Mystic Braves

POP / Los californianos

Mystic Braves vienen del circuito de la neo-psicodelia y los sonidos revival de la Costa Oeste, y en su nueva entrega se acercan, con excelentes resultados, a una línea de pop cristalino y aspecto retro generador de vibraciones positivas, en la línea de Woods, Sunset Canyoneers, Wooden Shjips o Tame Impala. La portada resulta representativa del contenido que se esconde tras ella, con colores marcados definiendo esa lisérgica y cálida puesta de sol que también sugieren composiciones como “Changing My Colors”, “This Whole World”, “Sundown”, “Lonely Heart”, “Coffee Song” o las casi bailables “Hanging On” y “Out Of Sight”. Julian Ducatenziler y Shane Stotsenberg apuestan por un filtro más depurado que toma el relevo de aquellas preferencias psicodélicas o garajeras de anteriores referencias y, si bien no inventan nada, sus canciones alimentan en base a un contenido atemporal, elegante y sabrosón. —RAÚL JULIÁN

Zeal & Ardor

Carolina Durante, disco de consolidación Carolina Durante Cuatro Chavales Sonido Muchacho

8 ROCK / Se podría hablar de ellos como unos

auténticos supervivientes. A Carolina Durante los dos años de pandemia que llevamos les han puesto al límite. Su álbum homónimo arrasó en todos los sentidos en 2019, se comieron los festivales, el publicó se enganchó a esos temazos que no paraban de encadenar y les elevaron como auténticas estrellas. Pero, de repente todo eso desapareció, se cancelaron los conciertos y se vieron forzados a no ser libres a la hora de evolucionar como banda por el confinamiento. Por suerte, la llegada de “Cuatro Chavales” sirve ahora como consolidación del sonido que tantas alegrías le ha dado a la banda. Un proceso creativo que les ha regalado una profesionalización que inunda todo el disco. Ahora son mejores en lo que ya hacían de lujo y regresan cargados de nuevos temazos.

#40 marzo 2022

Zeal & Ardor MVKA

“Cuatro Chavales” es un álbum continuista y siguen apostando por esa vena punk, junto a esa inspiración shoegaze, sobre la que construyeron su identidad. Cuentan una vez más con Bernardo Calvo en la producción y, junto a él, aparece la figura de Carlos Hernández. Muchas guitarras, baterías muy potentes y una mezcla final que calló en manos de Duncan Mills (Miles Kane, The Vaccines). Con “Urbanitas” logran crear una pieza divertida, un himno al cemento coreable, que conserva como ninguna otra ese espíritu ochentero de banda madrileña que levantan como bandera. Algo que también aparece en la potente “Famoso en tres calles”, una canción modelo del grupo de esas que en un futuro pondremos de ejemplo para hablar sobre algo que “suena a Carolina”. Por otro lado, aunque han intentado huir de construir un disco pandémico, han presentado una vez más un compilado que resume muy bien lo quemada que ha acabado la peña de todo esto y lo poco que le han dejado vivir. “Moreno de contrabando” es un ejemplo de ello al recordarnos ese verano de 2020 en el que el hastío vital fue el protagonista. Pero, también evidencia que siguen siendo capaces de crear verdaderas bandas sonoras que perduran en el tiempo. —ÁLEX JEREZ

METAL / El tercer largo de

Manuel Gagneux continúa utilizando la alquimia sonora, alternando y fusionando lo extremo y sofisticado con lo experimental haciendo que músicas tan distantes como gospel, jazz o blues del Delta tengan un punto de encuentro con el metal y con elementos electrónicos sutiles y bien traídos que suman muchos puntos. La variedad que presenta “Zeal & Ardor” desde su inicio es palpable desde el pregón distorsionado de su intro hasta el último minuto. Hay cabida para gritos y momentos black metaleros clásicos, pero también para los más propios del death melódico, además de cantos espirituales, interludios próximos al industrial o incluso riffs que encajan en los sonidos metálicos más modernos. Locuras como los pasajes gospel acompañados de blast beats, palmas y guitarras distorsionadas, jazz metal o electrónica son muestra del eclecticismo que empapa este magnífico disco. —JAIME TOMÉ

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Maruja Limón

Green Valley La Llave Maestra Satélite K

REGGAE / Green Valley es

MESTIZAJE / El esperado ter-

seguramente la banda más importante que haya tenido el reggae español. Y lo es por derecho propio, ya que con siete discos han llegado a lugares y escenarios donde nunca antes había llegado una formación reggae. Ander y los suyos regresan y lo hacen continuando el camino que hace tiempo ha tomado su música: su reggae cada vez es más profundo y melódico, más melancólico también, dejando menos espacio para el baile y la fiesta. Serán cosas de la edad y la madurez, pero Green Valley cada vez suena más místico y menos jaranero. Eso transmite este disco, donde además encontramos feats de primerísimo nivel tanto internacionales (Alborosie y Duc Inc entre otros) como nacionales (con Rapsusklei y Pure Negga & Rastachai firmando dos de las mejores canciones del álbum). Un total de quince canciones en las que el new roots se impone sobre el dancehall, el ska o el hip hop.

cer álbum de Maruja Limón tampoco nos iba a dejar indiferentes. Regresan con “Vidas”, un disco en el que siguen explorando (y acertando) con sonidos que van desde el flamenco a lo urbano, pasando por lo latino. Se nota una mayor potencia sonora gracias a que el álbum ha sido grabado en directo, tal y como se podrá oír en sus conciertos. Además, tal y como ellas cuentan, han querido aprovechar el altavoz que les ha supuesto la música para lanzar mensajes reivindicativos. De ahí que la segunda mitad del disco, a partir de “Preludi 28 de maig”, sea una oda al empoderamiento femenino, y que en la primera mitad encontremos piezas como “Cárcel” que defienden los derechos del colectivo LGTBIQ+ o “Barna” en la que reivindican la esencia de su ciudad. Dejan de ser una promesa para convertirse en una de las más interesantes propuestas del panorama nacional.

—ALFONSO GIL

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

POP ELECTRÓNICO / “Veil

Of White” abre el nuevo disco de Trentemøller de manera enigmática, con un punto cercano a Beach House, la voz de Lisbet Fritze sonando casi fantasmal, con muchas capas de voces susurradas que marcan el tono de un disco lleno de texturas atmosféricas. El antiguo DJ danés vuelve con un sexto disco que mezcla bajos propios de Peter Hook, con guitarras a la Slowdive, además de unas melodías hipnóticas cercanas al dúo de Baltimore, y en el que sigue habiendo ligeras pinceladas electrónicas pero que, como ha ido sucediendo en su carrera, gira más hacia lo orgánico. Trentemøller sigue su camino, cada vez más alejado de la electrónica con la que se dio a conocer y más cercano a los ambientes narcóticos y letárgicos del dream pop o el shoegaze, pero sabiendo combinar a la perfección esos elementos con sus inquietantes instrumentales electrónicos, logrando un notable disco híbrido. —SERGIO ARIZA

POP / El cuarto disco de Miles Kane (The Rascals, The Last Shadow Puppets junto a Alex Turner de Arctic Monkeys) relega aquellas guitarras otrora tan evidentes a un plano algo secundario, con el músico dejándose caer hacia sonidos setenteros como el soul, el glam e incluso el funk, en base a la inclusión de vientos y teclados vintage y al tiempo de apurar su trazo pop. Un movimiento que el británico gestiona con habilidad, en torno a un álbum animoso que destila funcionalidad a lo largo de once piezas que no cambiarán la vida de nadie, pero que la harán más colorida durante casi cuarenta minutos. “Change The Show” deja entrever cierta madurez del artista, o quizá sea solo consecuencia directa de su incursión en terrenos inéditos. En cualquier caso, la esencia habitual de Kane aún late en esta referencia, a pesar de ese cambio palpable sugerido desde su mismo título.

—RAÚL JULIÁN

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INTERNACIONAL

1 Smoking Souls La cura

1 Big Thief Dragon New Warm Mountain I Believe In You

2 León Benavente ERA 3 Carolina Durante Cuatro Chavales 4 Ginestà Suposo que l’amor és això 5 Habla de Mí en Presente Vivir más

2 Yard Act The Overload 3 alt-J The Dream 4 Black Country, New Road Ants From Up There 5 Eddie Vedder Earthling

6 Biela Un día más

6 Agoria .dev

7 Elane Metamorfosis

7 Zeal & Ardor Zeal & Ardor

8 El Último Vecino Juro y prometo

8 Orlando Weeks Hop Up

9 Maruja Limón Vidas

9 Korn Requiem

10 Dotore Las horas claras

10 Anxious Little Green House

Bastille

De cada idea, un huracán Rock Estatal Records

Change The Show BMG

Memoria In My Room

NACIONAL

No Konforme

Miles Kane

Trentemøller

top 10 .

Vidas Satélite K

PUNK / No Konforme siguen

pico y pala con su trayectoria musical. Para este quinto trabajo se han puesto en las manos de Tony López, todo un referente a la hora de producir rock urbano en Madrid (Ska-P, The Locos, Mamá Ladilla, Desastre...). El resultado son esta docena de cortes punk rock marca de la casa, donde no han escatimado en coros y arreglos de todo tipo. Los vientos toman protagonismo en temas como la bailable “La cuenta atrás” o el devaneo reggae de “Luna de Lavapiés”. No obstante, su apuesta principal sigue siendo el guitarreo distorsionado, como plasmaron en su primer adelanto: “Botellas rotas” (para cuyo videoclip se inspiraron en la serie “Peaky Blinders”). Las colaboraciones vienen de la mano de El Drogas (voz en “Semillas de revolución”), Xabi Arakama (acordeón en “RRV”, su particular homenaje al Rock Radical Vasco) y Kosta Vázquez ‘Boikot’ (voz en “Viento de La Habana”). —JESÚS CASAÑAS

Give Me The Future EMI/Virgin

POP / A estas alturas de la película suena poco alentador reencontrarte con ciertos nombres de la cara más pop y edulcorada del indie internacional de la década pasada. Por prejuicio, desidia o a costa de esa infundada convicción de creer que son bandas caducas que más allá de su extinto momento de gloria, poco más pueden aportar. Sin embargo, el proyecto compuesto por Dan Smith y compañía consigue con poco más de media hora que zanjemos de pleno esas ideas preconcebidas y le demos como mínimo una oportunidad. En “Give Me The Future”, los británicos se arman de un relato distópico, que entre cegadores destellos de synth-pop y funk electrónico (y, por qué no decirlo, miradas más que evidentes al sonido de The Weeknd o Daft Punk), terminan por desenmarañar los efectos de una vida entregada a la tecnología. El futuro a golpe de baile y buen rollo. —FRAN GONZÁLEZ APARICIO

marzo 2022 #41

METRONOMY SMALL WORLD N U E VO A L B U M YA D I S P O N I B L E

Christian Coordinador Recursos Humanos

Simon Logista

Annalisa Enfermera Gisele Médica

Si trabajaras en Médicos Sin Fronteras, ¿qué profesión tendrías? ¡ESCANEA ESTE CÓDIGO Y HAZ EL TEST AHORA PARA DESCUBRIRLO!

#42 marzo 2022

MONDOVINILOS

Un gran paso adelante para Smoking Souls Smoking Souls

La Cura Propaganda Pel Fet!

8 ROCK / Cuando se trata de buscar una vía al-

ternativa para curar esas heridas abiertas y supurantes, la liberación de la rabia y la ferocidad a partir de la música se convierte en una solución de lo más factible y eficiente. Además de contar con esa energía tan característica que tiñe su proyección, los miembros de Smoking Souls han buscado en sus propias raíces las piezas clave para terminar de darle forma a su quinto trabajo de estudio (de varios estudios en realidad), que recibe el nombre de “La Cura” haciendo alusión a ese anhelo latente y compartido de dejar atrás todos los daños que esta época tan convulsa ha traído de la mano. No hay más que desenredar de esa maraña de riffs agitados las desgarradoras palabras de Carles Caselles para darnos cuenta de

ROCK / Planteado al princi-

pio como un disco acústico, el trabajo acabó tomando su forma alrededor de la Les Paul de David Bazan, mutándose hacia lo eléctrico. “Don’t Wanna Move” lo deja claro. No en vano todo se inicia con esos acordes apenas lanzados al aire. De hecho, solo unos pocos segundos nos sirven para identificar los elementos claves del disco: guitarra, voz y la omnipresente batería de Sean T. Lane, a la que se une un extraño instrumento semi percusivo al que llaman la bicicleta, construido a partir de unos pedales. Los hits del disco están sin duda en la convencional y algo new wave “Too Much” y la emocionante “Making The Most Of It”, aunque el cancionero es compacto y no tiene bajones destacables. “Own Valentine”, “Stranger” o “Good Feeling” podrían pasar a formar parte sin demasiados problemas de lo mejor de su repertorio, y con eso queda todo dicho. —EDUARDO IZQUIERDO

POP / “Laurel Hell” es la con-

tinuación del aclamado “Be The Cowboy” y se diferencia de él en dos cosas, si en su anterior disco se metía en la piel de distintas personas, sonando como una colección de relatos cortos, “Laurel Hell” pone el foco más en sí misma. Los temas siguen siendo los mismos, desamor, infidelidad, insomnio pero también su creciente popularidad que casi la llevó a retirarse. Ha optado por un sonido más comercial, con muchos sintes ochenteros que hacen que sus maravillosas melodías suenen más corrientes y menos extraordinarias de lo que realmente son. El disco es, en definitiva, puro Mitski, bañado, eso sí, de un resplandeciente sonido ochentero, algo que le da más brillo pero le resta dramatismo y lo hace más impersonal. El disco termina con Mitski diciéndole a su pareja “Cause you just don’t like me/Not like you used to”. Y tengo que reconocer que algo de eso me pasa también. —SERGIO ARIZA

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—FRAN GONZÁLEZ APARICIO

Bonobo

Usos Múltiples El Genio Equivocado

Laurel Hell Dead Oceans/ Popstock!

Havasu Polyvinyl/ Big Scary Monsters

la que buscan enteramente reencontrarse con aquellas personas que el tiempo y las circunstancias se han llevado por delante. No es de extrañar que ante un proyecto de un calado tan honesto hayan querido sumarse al álbum voces amigas de tanta nombradía como el dúo gallego Bala, David Ruiz de La M.O.D.A. o Juan Blas de Nothink.

Birkins

Mitski

Pedro The Lion

la pesada carga emocional que este disco contiene, siendo esos deseos de cura un grito abierto y literal dedicado a aquellos que están ahí, haciéndonos el camino más llano y la pendiente menos curva. Ese sentimiento de colectividad, hermanamiento y apoyo mutuo recae sobre esos preciosos versos de tan manifiestas piezas como “Vosaltres”, una sincera entrega que no da lugar a la confusión y con

POP / Empecemos por definir las expectativas ¿Qué podemos encontrar en un disco de Birkins? Básicamente pop, influido por el indie rock pero también por estilos aparentemente más lejanos como la chanson francesa. Lo digo para empezar a evitar comentarios del tipo faltan guitarras más potentes, la voz es demasiado dulce y un largo etcétera. Así que si lo que apuntamos no es lo tuyo, difícilmente disfrutarás con este sexto álbum ya de los canarios. Durante este tiempo la banda se ha reducido, y la presencia y el liderazgo de Cristina Santana se ha incrementado. Su evolución se complementa con la introducción de sintetizadores en su música algo que, en mi opinión, le resta calidez por mucho que sigan apostando por el francés como segunda lengua de su propuesta. Como es habitual, el aire sixties revolotea por todo el disco, y hasta se atreven a ponerse bailongos en “Los amantes”.

—EDUARDO IZQUIERDO

Fragments Ninja Tune

ELECTRÓNICA / Comenzar 2022 con nuevo disco de Simon Green es un puntazo. Sus estructuras ya no son tan huidizas y guarrillas como al principio, pero su expresividad en cuanto a atmósferas orgánicas, beats microscópicos y melodías paisajistas ha crecido un montón. “Rosewood” o “Closer” nos sirven para sentir lo que es darle un buen bocado a un melocotón. Se bailan mientras uno lagrimea con los ojos cerrados. Dentro de la evolución del de Brighton encontramos un creciente acercamiento a terrenos más houseros. Excursionista siempre, para qué perderse. Lo palpamos claramente en “Age Of Phase” en la que charcutea finamente voces y percusiones de tinte exótico. De similar paleta, pero más desplomado, y con permiso de esos pellizcos ‘acid’, “Counterpart”. En cambio, Simon regresa por los fueros del UK garage, del 2-step quebradizo pero inocentón, en “Otomo”, sin duda alguna uno de los pilares del nuevo disco. —BRUNO GARCA

marzo 2022 #43

#44 marzo 2022

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MONDOVINILOS

Rojuu

Kor Kor Lake Sonido Muchacho

POP / Rojuu corona una de las cumbres del nuevo pop en español con este nuevo álbum en el que abraza el sonido indie para trascenderlo desde la estética asiática y la fluidez en los géneros y en los estilos. Rojuu es un artista nacido en el siglo XXI y así lo demuestra: los limites no existen mientras que nuestra (mi) generación disfrutaba creándolos, y la tristeza y la melancolía irradian todo el álbum con sencillez y profundidad al mismo tiempo. La tristeza es el lago sobre el que se asienta flotando el álbum, que representa al corazón de Rojuu, traspasado sin llegar a quebrarse. Todo es natural en un “Kor Kor Lake” que, además, supone una mejora de la calidad en el sonido de Rojuu tan diferencial. El inicio del álbum se pega al indie y al nuevo pop, pero el final, con “100Xre a tu lado estaré’ y “Post Velada”, marca su factor diferencial. Rojuu confirma así su estatus de artista. —LUIS M. MAÍNEZ

Ginestà

Suposo que l’amor és això Kasba Music

POP / “Suposo que l’amor és això” es sobre todo un disco bonito. Todo en él rezuma una ternura y una emoción que te enamora. Las melodías resultan amables y logran envolverte en una suave manta de sintetizadores y baterías electrónicas que elevan su pop dulzón a esa categoría que se sitúa en un producto con la nada disimulada intención popular de agradar, pero con un evidente y personal sello de autor que lo diferencia. Ginestà tomaron con su anterior disco de 2019 la decisión de profesionalizarse y lanzarse sin flotador a las peligrosas aguas del negocio musical. Y si aquel disco era una evidente transición hacia la búsqueda de un lenguaje propio, podemos decir que lo han encontrado de lleno en este tercer trabajo. Un disco que, sin ser conceptual, sí gira alrededor de una idea y se escucha como un todo. Una auténtica delicia.

La acción directa de La Plata

La Plata

Acción Directa Sonido Muchacho

POST PUNK / La Plata fueron una de las bandas encargadas de encabezar aquella nueva hornada de grupos surgida (con evidente ímpetu juvenil) hace unos años dentro de la escena independiente patria, presentando candidatura junto a nombres como los de Cala Vento, Camellos, Apartamentos Acapulco, Cariño o Carolina Durante. Los valencianos lucían, en base a su incisivo y creíble debut “Desorden” (18), como una de las formaciones con más opciones a la hora de optar a un triunfo que los destacaría definitivamente entre colegas y competidores. Es ahora, cinco años después de aquella esperanzadora incursión en escena, cuando el combo se ve ante la posibilidad de rematar las expectativas generadas a través de su estreno. El cuarteto ha empleado su tiempo en elaborar a conciencia “Acción Directa”, periodo que

ha servido para consensuar un sonido que muestra, con orgullo, algunas novedades. Si bien la esencia primigenia de La Plata sigue latiendo a lo largo y ancho de los diez temas que componen la presente referencia, resulta evidente que el quinteto ha dado un paso al frente o, en todo caso, hacia alguna dirección inédita. Una apuesta concretada, sobre todo, en esa amplia presencia de sintetizadores que copa todo el minutaje y dota al conjunto de un aspecto más plástico que su antecesor. La propuesta se vuelca más que nunca del lado de la new wave y el post-punk, entremezclándose con ese indie-pop de pretendido aspecto realista marca de la casa. Sucede en temas tan directos como “Victoria”, el sencillo “Hoy el sol”, “Arderemos”, la explícita “Aire nuevo”, “Movimiento infinito” o la final “Entre esta luz”. El resultado es un disco más trabajado y ambicioso, pero también más accesible y capaz de abrir puertas sin traicionar a los seguidores originales. Una obra coherente que sigue un argumento lógico a través de toda su estructura, invitando a la escucha completa más allá de singles aislados. “Acción Directa” es, en definitiva, una buena jugada de La Plata. —RAÚL JULIÁN

—DON DISTURBIOS mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

marzo 2022 #45

MONDOVINILOS

Black Country, New Road y la heterodoxia Black Country, New Road

Ants From Up There Ninja Tune

9 INDIE POP / ¿Puede un grupo mostrar madu-

rez artística en el que solo es su segundo larga duración? Puede, si se trata de una formación atípica a todos los niveles y que parece crecer a pasos agigantados, como sin duda es el caso del combo londinense. Black Country, New Road colocaron todos los focos sobre ellos gracias a su debut “For The First Time”, disco imaginativo y brillante en el que hacían gala de extrañas estructuras y una absoluta falta de prejuicios para mezclar géneros en beneficio propio. Un año después reaparecen con una versión asentada de sí mismos, algo más accesible pero sin perder un ápice de esa personalidad arrolladora con la que consiguieron distanciarse en un solo movimiento. La troupe se aleja del revival post-punk y

new-wave acontecido en Reino Unido para caer hacia mecanismos jazzísticos y de indie-pop, mientras la interpretación del vocalista Isaac Wood ejerce como firme guía dentro de ese maravilloso cajón de sastre que supone “Ants From Up There”. La obra respeta aquel caos creativo concretado en canciones que es santo y seña del grupo, pero lo presenta más acotado y mejor perfilado, lo que resulta determinante para el aspecto de la referencia. Aparecen así

Anxious

Bentornät

Little Green House Run For Cover

ROCK / El quinteto de Con-

necticut Anxious, ligado inicialmente al sello Triple B, comenzó a ensayar en el sótano de la casa de la madre del cantante sin mucha más ambición que hacer bolos. Ahora, unos seis años después, publican “Little Green House”, uno de los mejores debuts que recuerdo en mucho tiempo. Salen disparados con “Your One Way Street”, un tema urgente con la fuerza de Dogleg y las melodías de Oso Oso, y mantienen el nivel de intensidad y calidad hasta el final. Grabado y producido por Chris Tetis (The World Is A Beautiful Place & I Am No Longer Afraid), “Little Green House” confirma una evolución melódica muy interesante. La banda liderada por el cantante Grady Allen ha ido puliendo su propuesta referencia a referencia con otras influencias más pop. Sin duda, un disco vigoroso de factura impecable que seguro muchos recordaremos como uno de los mejores de la cosecha del 2022 que ahora empieza. —LUIS BENAVIDES #46 marzo 2022

Brent Cobb

Canapost, el vent i l’home invisible Blind Records

POP / El catalán Andreu

Cunill (ex Freewheelin’ Tornados y Santos), reaparece bajo el nombre de Bentornät con su primer trabajo con este nuevo alias, “Canapost, el vent i l’home invisible”. En este álbum se aleja del rock para dar algún paso hacia la experimentación, pasando del folk a la electrónica desde la intimidad de su ukelele o la grandilocuencia de los violines y la percusión. Bentornät escribió estas once canciones durante el tiempo que vivió en un pequeño pueblo del Empordà llamado Canapost junto a su mujer Isabel y su recién nacida hija Jazz, lo que explica la atmósfera entre religiosa e infantil que abraza el disco y la importancia que se da en sus letras a la familia y el paso del tiempo. Aunque la duración de algunos de los temas hace que en alguna ocasión se haga un poco difícil mantener la atención, canciones como “Cançó d’amor per la Pous” o “Bestial” merecen la pena.

—CLÁUDIA PÉREZ

cambios de ritmo y también estilísticos, alternando acelerones con ralentizaciones manifiestas que pueden dejar a su paso piezas consistentes o de manifiesta belleza. El cantante Isaac Wood anunció que abandonaba el grupo por motivos personales días antes de que el álbum saliese al mercado, lo que ha implicado la cancelación de sus conciertos programados en los próximos meses. —RAÚL JULIÁN

Cate Le Bon

And Now, Let’s Turn To Page Ol’ Buddy Records

COUNTRY / Si eres seguidor del sonido americana a buen seguro que el apellido Cobb te resulta familiar. Por un lado tenemos al afamado productor Dave Cobb, responsable del sonido de discos de éxito de artistas como Chris Stapleton, Jason Isbell o Brandi Carlile, y por otro lado está su primo Brent Cobb, que protagonizó en 2020 un disco titulado “Keep ‘Em On They Toes” que se coló en casi todas las listas especializadas de aquel año. Pues bien este disco va precisamente de eso: de familia. Y es que Brent Cobb ha rescatado los viejos himnos de gospel sureño que sonaban en la iglesia cuando era pequeño, y les ha dado una generosa capa de barniz sonoro del bueno, contando con la buena ayuda de su primo el productor, pero también de su propio padre y hermana en los coros de algunas canciones. Y lo cierto es que les ha quedado un álbum formidable de esos que se paladean con gusto aunque seas más ateo y rojo que Satán. —DON DISTURBIOS

Pompeii Mexican Summer

POP / Hace diez años, cuando apareció “Cyrk”, recuerdo definir a Cate Le Bon como la hija galesa que nunca tuvieron Syd Barrett y Nico, pues bien si tuviera que hacerlo con este “Pompeii”, el sexto disco de su carrera, lo haría diciendo que es la suma del Bowie berlinés con la primera Kate Bush. Y eso ocurre porque estamos ante su disco más experimental y surrealista, las letras son poéticas, musicalmente todo suena intrigante pero las melodías siguen fascinando como siempre, quizás sean las mejores que ha firmado desde aquel “Cyrk”, eso sí, la instrumentación es mucho más suntuosa, un bajo en primer plano, un saxofón que colorea aquí y allá y unas guitarras que parecen atacar la melodía en vez de acompañarla. El resultado es puro arte pop, pero, aunque en puede parecer frío y distante, tiene dentro el fuego de una artista que sigue explorando con éxito sus propios límites. —SERGIO ARIZA

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@andele_oficial marzo 2022 #47

NUEVO ÁLBUM

Disponible en CD, vinilo y digital

#48 marzo 2022

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49/Mondo Media Fernando Navarro El precio de un hombre El granadino Fernando Navarro, al que conocíamos en su faceta de guionista se lanza con este “Malaventura” (Impedimenta, 22), su primera novela, ¿o es una compilación de historias cortas? El hombre tras “Toro”, “Verónica” o “Bajocero” nos da su punto de vista.

“

MALAVENTURA” es un excelente libro. Lo que podemos discutir es si se trata de una novela o de un compendio de cuentos o historias cortas. Navarro desarrolla su idea al respecto. “Supongo que lo que es o no es una novela es algo que da casi para una entrevista. O para varios libros. Para mí, y sé que es una lectura muy personal, ‘Nueve Cuentos’ de Salinger, a pesar del título, es una novela. Como lo son ‘El Aleph’, ‘Narraciones extraordinarias’ o ‘Los Mitos de Cthulu’, además de, por supuesto, ‘Winesburg, Ohio’. Como en este último caso, en la escritura de ‘Malaventura’ más que contar una historia yo pretendía reflejar un estado de ánimo y, sobre todo, un lugar. Un espacio explicado a través de los muchos personajes que lo habitan”. En todo

es un “El spaghetti western luz” género más bien anda

caso, el género parece claro desde su propia nota de prensa. Estamos ante un acid western, que “es, usando el símil flamenco, el western de ida y vuelta. El que recibe y absorbe toda la psicodelia, la deformación, la ambigüedad moral del western europeo y crea algo nuevo. A veces más intenso, más matizado o más exagerado. Esto crea un territorio estético único, muy expresivo, a veces brutal, a veces lleno de humor. Al respecto recomiendo leer cualquiera de los libros de Rudy Wurlitzer, un autor al que admiro –como guionista y como novelista– y con el que tuve la suerte de establecer una breve correspondencia por mail durante la escritura del guion de ‘Toro’”. Y es que, como él mismo apunta, Andalucía es un elemento clave en un texto que no solo recurre a los paisajes como un elemento básico, sino también a la definición de unos personajes con magnetismo propio. “En realidad yo considero que el spaghetti western es un género más bien andaluz. Cuando yo era pequeño y veía esas películas rodadas al lado de mi ciudad, en Granada, siempre pensaba que eran historias que transcurrían en Andalucía y no en Arizona o en la frontera con México. Luego descubrí el Cortijo del Fraile, lugar donde ocurrió el crimen real que inspiró ‘Bodas de sangre’ de Lorca y en el que se rodó una de las mejores secuencias

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de ‘El bueno, el feo y el malo’. Y todo hizo, clac. Encajó. Es una broma, claro, pero podríamos decir que el flamenco y el spaghetti western son quizá las dos formas más sofisticadas de la cultura autóctona andaluza”. Y es que no se puede entender esta novela de debut sin esa situación espacial que “no es un lugar real aunque lleve el nombre de varios lugares reales, sino un territorio literario, imaginado, mitificado, exagerado, llevado al extremo y con algo de un lugar de cuento de terror, casi como el Providence de Lovecraft en versión andaluza”. Definido como algo a medio camino entre Lorca y Cormac McCarthy, servidor encuentra también mucho de Montero Glez en su propuesta, además de alguna pincelada de novela gótica sureña norteamericana. Cuestionado sobre ello nos asegura que “por supuesto. Muchos de esos novelistas, no sé, Carson McCullers, Flannery O’Connor, Harry Crews o incluso la primera Anne Rice se encuentran entre mis autores favoritos. Además, yo me considero ante todo un escritor de terror. He escrito varias películas de este género y mis próximos proyectos como guionista de cine son de terror”. —EDUARDO IZQUIERDO

R Más en www.mondosonoro.com

marzo 2022 #49

FOTO: ALFREDO ARIAS

LIBROS

#50 marzo 2022

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CINE Y SERIES Feria. La luz más oscura

Licorice Pizza Paul Thomas Anderson

Jorge Dorado y Carlos Torrens

8 SI EN “BOOGIE NIGHTS” Paul Thomas Anderson se interesaba por los márgenes de la industria del séptimo arte y dirigía su mirada al cine pornográfico, en “Licorice Pizza” se fija en quienes se hallan en las lindes de una comunidad dedicada al espectáculo. Anderson, que aborda por primera vez en su filmografía una historia de amor adolescente, sitúa como protagonistas a un actor juvenil reconvertido en precoz empresario y una veinteañera errática en busca de un futuro que se le escapa. El film es el retrato de una época y un lugar en el que el arte de la interpretación está al orden del día tanto en el seno de la industria como fuera. La dificultad de ser uno mismo y encontrar el camino adecuado se revelan como los temas de esta producción en la que emerge como personaje estrella la figura femenina, encarnada

con buena nota por Alana Haim, que transmite la vulnerabilidad de alguien con aparente fachada de cemento. Haim debuta en cine y aporta una matizada gravedad en contraste con el espíritu juvenil e inconsciente del partenaire masculino, otro feliz debut, el de Cooper Hoffman (hijo de Phlip Seymour). “Licorice Pizza” tiene una estructura episódica que va añadiendo capas de grosor y amplifica el alcance del retrato de la sociedad californiana de los años setenta, punteada por la participación de actores invitados. Se parte del cine (con Sean Penn), se sigue con el sexo y el famoseo (con Bradley Cooper) y se acaba con la política (con Benny Safdie). Anderson retrata la California de su infancia con un humor irónico, elegantes movimientos de cámara y una fotografía bellísima y nostálgica. —J. PICATOSTE VERDEJO

5 DE LOS CREADORES DE “ÉLITE” (Carlos Montero) y “La caza” (Agustín Martínez), llega a Netflix la nueva apuesta de terror fantástico patrio de la temporada. Apenas semanas después del largometraje “El páramo” de David Casademunt, podemos ver esta serie dirigida por Jorge Dorado (“Mindscape”) y Carlos Torrens (“Emergo”). De entre los actores, destaca el trabajo de las jóvenes Ana Tomeno y Carla Campra, a quien deberíamos sumar el de Isak Férriz, quien encarna al inspector de policía encargado del caso. La trama gira en torno a la historia de dos hermanas que, tras un día de fiesta, se despiertan descubriendo que sus padres son los monstruosos líderes de una secta y que esa misma noche provocaron un suicidio masivo en una mina del pueblo. Lo cierto es que la serie comienza de un

El callejón de las almas perdidas

modo prometedor, incluso su primera mitad es francamente disfrutable y técnicamente se mantiene más que bien (sobre todo el piloto y un cuarto capítulo en blanco y negro), pero decae a toda velocidad durante su segunda mitad, salvándose únicamente por su excepcional factura visual. La prometedora trama acaba siendo víctima de un guion con multitud de fallos, lo que acaba mermando muchísimo el valor de una serie que podría haber alcanzado mejores cimas. Si bien el argumento y el reparto resultan suculentos, “Feria. La luz más oscura” evidencia haberse estirado más de lo necesario, dando la impresión de que la productora se preocupa más por futuras temporadas que por desarrollar esta primera con la mejor calidad. —ALEJANDRO TEIGA ROBLES

BigBug Jean-Pierre Jeunet

Guillermo del Toro

6 LA NUEVA PRODUCCIÓN de Guillermo del Toro plantea una paradoja frustrante: cómo una mayor disponibilidad de medios no contribuye a superar una primera versión de la obra datada casi ochenta años atrás [“El callejón de las almas perdidas” (1947), de Edmund Goulding]. Sin embargo, posiblemente la película de Del Toro, relato cruel e implacable sobre la imposibilidad de burlar el destino, no sea tanto un remake del film de Goulding como una excesivamente fiel adaptación de la novela original que dio pie a aquella. No he leído la obra de William Lindsay Greham, pero solo así se pueden entender ciertas soluciones narrativas que alargan la historia de manera desmedida, plagan el metraje de pistas y explicaciones de lo que va a suceder y, por lo tanto, sustraen toda posible sorpresa al conjunto. Por contra, el

film, bien interpretado –destacan los secundarios Toni Collette, David Strathairn y Willem Dafoe–, juega a fondo la carta del color y de la ambientación, algo que se le da bien al cineasta mexicano, como ya demostró en la delicia visual “La cumbre escarlata”. El diseño de producción es exquisito, especialmente la feria en la que sucede la primera parte. Del Toro incluye, además, unos fetos defectuosos en conserva que nos remiten a “El espinazo del diablo” y que se adecúan a su particular revisión de “Freaks”, realizada a través de las criaturas que pueblan la feria. En consonancia, Del Toro tampoco escatima, aunque fugaces, instantes gore. No obstante, esos golpes de maquillaje sangriento no suplen la eficacia sorpresiva de una elipsis, de lo que tanto va falta la cinta. —J. PICATOSTE VERDEJO

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¿Por dónde se puede empezar con el desastre de Netflix que es “BigBug”? Jean-Pierre Jeunet, conocido por las seductoras “Amelie” y “Delicatessen”, decide despeñarse en la extravagancia visual y narrativa de esta historia de ciencia ficción que puede convertir el deleite de ver una película en puro tedio. Un grupo irritante de humanos se queda encerrado en su casa, junto a sus sirvientes robots, debido a que los de mayor gama han tomado el control del mundo. Un argumento no excesivamente original, pero que podría explotar desde muchas perspectivas. El problema es que Jeunet decide hacerlo, pero sin rascar apenas la superficie de ninguna. Con una intención de comedia, pretende hablar de lo que fue la cuarentena a la vez que tratar lo que significa ser humano y la necesidad de mantenerse uni-

dos. Desgraciadamente las piezas no encaja y el resultado es que “BigBug” ni divierte, ni emociona. Jeunet echa mano de su estética habitual, pero esta vez se le ven las costuras. Los escenarios son más plásticos que reales, los colores excesivamente chillones y los efectos digitales incluso restan. Se mantiene también el escenario durante todo el metraje, y quizás ahí sea donde mejor funciona la cinta, al hacernos sentir igual de encerrados que los personajes entre una amalgama de máquinas y robots. Lástima que esos personajes se reduzcan a arquetipos exagerados de lo que pretenden simbolizar: gritan, sobreactuan y sus conclusiones narrativas no tienen nada que ver con sus arcos argumentales. Sin lugar a dudas el tropiezo más importante de la carrera del director francés. —LUIS DE LA IGLESIA marzo 2022 #51

Caso 63 VV.AA.

“Caso 63” es un podcast chileno creado por Spotify Studios que se ha convertido en el podcast de ficción más escuchado en América Latina. Su historia te lleva directamente a la consulta de la Dra. Elisa Aldunate mientras atiende a su nuevo paciente: Pedro Roiter, el caso número 63. En el podcast se descubre que Pedro viene del futuro con una importante misión: salvar el mundo. A ese argumento que podría parecer totalmente disparatado y provocar un total rechazo en los primeros minutos de escucha en el oyente, consiguen aplicarle un tono de gran seriedad y una cierta lógica (hablando en términos científicos) que hacen que le vuelvas a dar al play para saber más, y te entren dudas y miedos sobre si lo que cuenta realmente puede ocurrir.

PODCASTS MS

PODCASTS

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Kiko Amat, Benja Villegas

“Moby, métete una rayica ya”. Esta frase, que me hace mucha gracia, la escuché en un corte que servía para promocionar la nueva aventura radiofónica de Benja Villegas y Kiko Amat, fichados a principios de temporada para reforzar la escuadra de la Radio Primavera Sound. Esta frase, estas cinco palabras, sintetizan muy bien el contenido de este “Pop y muerte”. A saber: rockstars y artistas en general, sustancias, leyendas urbanas, habladurías y mucha irreverencia. ¡Ah! Y esto lo añado yo: una erudición más o menos rigurosa cultivada durante años y años, porque se nota que llevan más de media vida empapándose de biografías y devorando música y revistas especializadas. Un gran podcast de puro entretenimiento con una sintonía casera increíble y una postproducción impecable. —LUIS BENAVIDES #52 marzo 2022

Especial Carolina Durante

Hablamos con alt-J en exclusiva en España para que nos cuenten track by track este sueño lúcido que es “The Dream”, su último trabajo. El trío originario de Leeds sigue plasmando un éxito que tiene algo de inverosímil, casi de milagroso. Demasiado indie para el mainstream y demasiado mainstream para el indie.

Carolina Durante al completo charlan con nuestro colaborador Álex Jerez sobre su nuevo álbum, el tiempo pandémico que hemos vivido, el proceso creativo de la banda en el estudio y mucho más. “Cuatro Chavales”, es uno de los grandes lanzamientos de este inicio de año y un importante paso para una banda que solo conoce el éxito.

Metronomy

Cremita

Este “Small World” surge después del parón provocado por la pandemia de la covid-19. Como tantos otros grupos y músicos, la banda ha sabido aprovechar estos largos meses para concebir un trabajo a medida de la época. Escuchamos el trabajo canción a canción de la mano de su creador Jospeh Mount.

Un programa de conversación y divulgación cultural siempre de la mano del humor, la cercanía y la confianza que da que los miembros del equipo sean amigos desde hace años. Se tratan aspectos tan dispares como un libro de Chaves Nogales, la fiebre del bitcoin o las teorías de la conspiración siempre con la música como hilo conductor.

Camin

Belén Aguilera

Camin es el nuevo protagonista de nuestro videopodcast Flashes. Con él charlamos sobre su trayectoria en el que es el capítulo trece de esta nueva temporada. Camin es uno de los artistas jóvenes que irrumpen con fuerza cada poco tiempo en la escena urbana nacional. Sin embargo, hay cuestiones que lo diferencian de ser un one hit wonder.

Después de recorrer las redes y toda Cataluña con su piano y su voz, Belén Aguilera dio el paso y empezó a lanzar sus propios temas. “Como ves, no siempre he sido mía…” fue su primer álbum; vio la luz en 2020 y consiguió un gran éxito para una artista emergente en una escena tan particular como la del pop.

FLASHES

Pop y muerte

Especial alt-J

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marzo 2022 #53

LIBROS

CÓMICS Edita Sister Sonic, S.L.

Cómics de los noventa Manu González Look/ Redbook

8 El crítico Manu González es una enciclopedia con patas. En el buen sentido. De hecho, en el mejor de los sentidos. Alguien podría decir que para qué complicarse la vida teniendo Wikipedia siempre a mano, pero es que no se trata solamente de eso. Manu González conoce las relaciones entre guionistas y dibujantes, sus puntos flacos y sus fortalezas„ extrae la sustancia de cada título que lee y, tras un análisis que en sus manos parece tarea sencillísima, aplica sus conocimientos para desvelarnos por qué debemos acudir a ciertos títulos irremediablemente. Y no se preocupen por la selección –por si falta uno, por si sobra otro– porque González les explicará con maestría los motivos por los que todos ellos están en esta guía imprescindible.

—JOAN S. LUNA

Trilogía ¡Illuminatus! Robert Shea y Robert Anton Wilson Orciny Press

9 Muchos creíamos que nunca veríamos la “Trilogía ¡Illuminatus!” de Robert Shea y Robert Anton Wilson traducida al español. Orciny Press se ha atrevido con esta obra que parecía maldita. La trama suena a bestseller tipo Dan Brown, pero Shea y Wilson no sólo crearon un enciclopédico compendio de teorías conspirativas; además, pasaron el resultado por un filtro de humor escatológico, surrealismo, muchas drogas, bastante sexo y una dosis brutal de imaginación. No hace falta entender todo lo que ocurre: sólo avanzar hacia adelante, para encontrarnos con delfines poetas, ejércitos de zombis nazis, simios parlantes, entes lovecraftianos, gigantescos submarinos dorados y, desde luego, con cosas más extrañas. ¿No les apetece visitar un mundo así?

—JOSÉ MARTÍNEZ ROS #54 marzo 2022

Balas perdidas. Sunshine & Roses

Clapas

Isao Moutte Ponent Mon

C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com

David Lapham Ediciones La Cúpula

8 Insistiré una vez más –y van...– en que “Balas perdidas” es uno de los mejores cómics noir a los que uno puede acudir para pasarlo en grande. Lapham es un auténtico maestro a la hora de reflejar el mundo de los delincuentes de baja estofa. El suyo es un realismo sucio con tintes de culebrón en el que las relaciones de poder, de amor y de odio, dirigen las acciones de unos personajes perfectamente caracterizados y desarrollados. Aquí se inicia un arco argumental con torpes mafiosos desalmados, auténticos psicóticos, criminales de doble cara, una heroína nacida para meterse en problemas y el torpe e inocentón chaval que acaba enfangándose hasta lo inimaginable. Las cosas pintan fatal para todos, excepto para nosotros, que no dejaremos de disfrutar página tras página. —JOAN S. LUNA

Lo que Isao Moutte nos cuenta en “Clapas” lo hemos visto en infinidad de largometrajes, pero todavía sorprende leer una historia así de violenta en novela gráfica. Porque “Clapas” es un thriller que navega en las aguas de los survivals rurales, especialmente de esos en los que un simple accidente acaba generando una espiral de violencia de la que resulta complicadísimo escapar. Una avería y una tormenta obligan a un grupo de urbanitas a caminar hacia un pueblo de la campiña francesa. A partir de ahí los acontecimientos toman el peor camino posible hasta derivar en una orgía de disparos a bocajarro, manteniendo siempre el suspense. Moutte no descubre nada que no hayamos visto antes, pero consigue atraparnos durante ciento cincuenta páginas, que ya es mucho. —ESTHER RIUS

Rainbow Parakeet

En la cabeza de Sherlock Holmes: El caso de la entrada misteriosa

Osamu Tezuka Planeta Cómic

Cyril Lieron y Benoit Dahan Norma

7 Nanairo Inko/Rainbow Parakeet podría verse como un cruce entre “Black Jack” e “I.L.”, otros dos títulos sobradamente conocidos de Osamu Tezuka. Su protagonista es un camaleónico actor/imitador cuya habilidad es suplantar a terceras personas y aprovechar la ocasión para llevar a cabo millonarios robos. Y una vez más –algo habitual en el Dios del Manga– vemos como, por un lado, es el mejor en lo suyo y actúa con buenas intenciones con quienes lo merecen y, por otro, no respeta a las víctimas de sus robos. Mientras, claro está, sigue huyendo de un detective y su hija que quieren darle caza. El resultado es un cómic divertido, inocente y ligero que se desarrolla en historias autoconclusivas aptas para casi todas las edades. —JOAN S. LUNA

C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055

9 Es complicado hacer un cómic excelente, pero más difícil es hacer dos cómics excelentes en un mismo tebeo. La explicación es sencilla. “En la cabeza de Sherlock Holmes: El caso de la entrada misteriosa” de los autores franceses Cyril Lieron y Benoit Dahan ha conseguido superarse en dos formatos diferentes. Primero: hacer una historia de Sherlock Holmes con todo el regusto clásico y asombroso de los cuentos y libros originales de Sir Arthur Conan Doyle, su creador en 1887. Segundo: construir un cómic tan ameno en lo argumental como experimental en su corpus secuencial, algo insolito en un formato, el experimental, que intenta muchas veces, sin conseguirlo ser elevado y gráfico sin hacer obviando una narración para todos los públicos.

Coordinador general Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com PUBLICIDAD Director comercial Dani López T. 687 914 719 dani@mondosonoro.com Coordinador publicidad David Morell T. 607 366 693 david@mondosonoro.com Ed. Madrid Publicidad: María Alfonso maria@mondosonoro.com T. 915 400 055 Ed. Cataluña Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com T. 607 366 693 Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró T 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Iker Bárbara T. 665 050 639 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González T. 699 339 245 Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Álvaro Tejada, Anaïs López, Andreu Cunill Clares, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Esther Rios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jose Carlos Peña, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Marcos Gendre, Mariona Longarón Ropero, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Víctor Naharro, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com

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—MANU GONZÁLEZ mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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marzo 2022 #55

Fontaines D.C. 20 marzo – Madrid (La Riviera) 21 marzo – Barcelona (Razzmatazz)

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