Mondo Sonoro diciembre 2021

Nº 301 Diciembre 2021 www.mondosonoro.com

MON LAFERTE, LORI MEYERS, VETUSTA MORLA, IDLES, SOLEÁ MORENTE, MADEE, TORI AMOS, SHARIFF, THE ZEPHYR BONES

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Music Talent

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Escenarios

Moito!

03 de diciembre El Perro Madrid

Bogi Jui

La Paloma

03 de diciembre Intruso Bar

11 de diciembre Sala El Sol

Sindicato Vertical + Alcalá Norte

Aljibe

04 de diciembre Wurlitzer Ballroom

Fran Fernández

Los Gandules

07 de diciembre Libertad 8

17 de diciembre Sala Caracol

Erin Memento

Veintiuno

10 de diciembre Cocodrilo

#VuelvealasSalas Más información en mahou.es/vibra

18 de diciembre Copérnico

Fouler

Useless Dogs

10 de diciembre Wurlitzer Ballroom

18 de diciembre Barracudas

César Filiú Douglas Trío

Carlos Angola

10 de diciembre El Despertar

30 de diciembre Libertad 8 Mahou recomienda el consumo responsable 5,5º

BARCELONA I.O. 03.12.21 Espai Niu DOC & THE MADS 04.12.21 New Underground

#SanMiguelOnAir #VuelveALasSalas Cervezas San Miguel recomienda el consumo responsable 6,2º

BRO HYMNS + FASTLOUD + 4 INJURIES 10.12.21 La Bóveda

15 de diciembre Galileo Galilei

GUIU CORTÉS (EL NIÑO DE LA HIPOTECA) 16.12.21 New Fizz CHELOSAOKO Y LA CALOR 17.12.21 Marula Café LA GOZADERA BCN 25.12.21 Diobar

BILBAO

#SanMiguelOnAir #VuelveALasSalas Cervezas San Miguel recomienda el consumo responsable 6,2º

CORAZONES ELÉCTRICOS 04.12.21 La Nube

DEBARES 25.12.21 Nave 9

LOS PANIKS + JUANA CHICHARRO 11.12.21 Pub Mendigo

LOU MARINI & RED HOUSE REVIVAL 26.12.21 Kafe Antzokia

7/Mondo freako

salvar “No hago música para para a la humanidad, sino a mí” salvarme

Mon Laferte cierra el año como lo empezó: con el lanzamiento de un disco. Si “Seis” se consideraba “su álbum mexicano”, en “Carmen 1940” (Universal, 21) cambia la dirección hacia Los Angeles, tanto por unos sonidos californianos como por el hecho de que, por primera vez, componga y cante en inglés.

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Mon Laferte Hormonas

EMOS QUERIDO HABLAR con ella sobre lo que significa para ella este álbum, que además escribió mientras intentaba quedarse embarazada (y ya embarazada), sobre su gira por Estados Unidos y las nominaciones a los Grammy, y sobre la música no ya como ayuda, sino directamente como salvación.

—Antes que nada, enhorabuena: tienes si mal no recuerdo cuatro nominaciones a los Grammy Latino de este año. ¿Cómo te sientes, y además que las nominaciones sean por un disco tan especial como “Seis”?

Muy contenta. Sí que es un disco muy especial. Es la primera vez que hago un disco mexicano, entonces para mí es como un regalo a México, que me ha dado muchísimo en estos casi quince años. Así que ha sido mucha alegría tanto por mí como por toda la gente que participó en el álbum, entre ellas las dos bandas que colaboran (La Arrolladora Banda El Limón de René Camacho, de Sinaloa, y la Banda Mujeres del Viento Florido, de Oaxaca). Siento que esas nominaciones son ya un premio para ellas y para mí.

—Ha pasado muy poquito tiempo desde “Seis”, y ya tenemos “1940 Carmen”. ¿Tenías material guardado y le has dado forma, o has sido especialmente creativa en este año como para dos álbumes de estudio?

Es que aunque “Seis” salió este año lo grabé el anterior, entonces ya tenía tiempo para mí, pero sí, me puse creativa [ríe], porque realmente “1940 Carmen” lo hice todo en un par de meses, es como un álbum de sobrevivir en muchos sentidos.

También influye el tema de la pandemia, no estar en shows, tener más tiempo libre... Yo estoy muy inquieta, y siempre quiero estar haciendo cosas, entonces al no tener giras, pues ¿qué hago?, me voy a poner a hacer música.

—¿Cómo ha sido componer en inglés? Ha sido la primera vez, ¿no?

Sí, de hecho ni siquiera hablo inglés fluido, sé pedir en un restaurante y poco más, las cosas básicas [ríe], pero tenía muchas ganas de escribir en inglés, siento que suena todo distinto, hay otra manera también de abordar los temas. Y también como instrumento, usar la voz en inglés, tenía muchas ganas de ver cómo mi voz sonaba distinta en inglés, qué otros recursos podía usar. En español como cantante usamos más las vocales normalmente, y en inglés las consonantes, y me apetecía explorar eso. No manejo el inglés pero he escuchado música en inglés toda mi vida, casi que la mayoría de la música con la que me he formado estaba en inglés. Ha sido muy descarado por mi parte, eso de “voy a escribir en inglés, no me importa” [ríe],

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diciembre 2021 #5

MONDO FREAKO

LA MÍA Los Grammys de lo irrelevante

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pero también es eso lo que quería, si no pronunciaba bien, si no tenía las palabras... Pues mira, eso es especial también. Soy una latina escribiendo en inglés, eso es un universo nuevo, es lo que buscaba.

—“Algo es mejor” no podría estar mejor elegido, valga la redundancia, como primer single. Me parece una de tus canciones más inmediatas y más redondas. Y más luminosas, que creo que es algo que a todos nos hace mucha falta ahora.

Totalmente. A pesar de que el álbum no es súper luminoso, sino que tiene hormonas y está loca según el momento [ríe]. Pero yo siento que es necesaria esa energía hoy, en post-pandemia, todavía pandemia, no sé en qué etapa estamos... No sé, a mí misma me hace falta, ¿sabes? Yo no hago música para salvar a la humanidad, me parece súper ególatra eso, sino para salvarme a mí. Y a mí me hace falta tener una canción así. Me hacía mucha falta. Y creo que a otras personas les puede venir bien también.

—Cierras con “Zombie”, que es un poco el reverso tenebroso de “Algo es mejor”, ¿no?

No sé si habla sobre la adicción de una persona con el alcohol, o con otras sustancias, qué encuentra en ellas, etcétera.

Un poco de todo. Mira, yo la escribí estando en hormonas, reventada de hormonas, entonces imagínate... los estados de ánimo van de estar arriba a depresión profunda y mucha ansiedad. Y además, por el tema de embarazo, tuve que dejar de tomar antidepresivos, ansiolíticos, dejé también de fumar... así que se me juntó todo. Y sí, hay una parte que dice que necesito “el placer embotellado”, por eso imagino que dices lo del alcohol, y sí, es que tampoco podía tomar ni una copa de vino [ríe]. Me sentía súper atrapada, el dejar de tomar las “drogas permitidas” fue brutal...

Ahí te das cuenta de que eras súper drogadicta. Pero de lo permitido.

—Un apunte más personal, ya que me hablas del embarazo. ¿Cómo ha sido compartir la creación de este disco mientras #6 diciembre 2021

“Mi música es como un diario de vida” ese bebé iba creciendo en tu interior? ¿Has pensado decirle en el futuro “mira, este disco lo compuse mientras me estabas dando guerra”? (ríe) No sé si cuando esté más grande se lo diré. Pero desde luego me sirvió mucho este disco, fue súper terapéutico, y ocupó mi mente, porque estaba obsesionada con el tema del embarazo, llevaba un año de hormonas.

La música siempre me ha ayudado en mi vida cuando he estado mal, escuchar otras canciones y también crearlas. Siempre me ha salvado, y eso ha sido este disco para mí, a estar pendiente de eso y no de las hormonas.

Recuerdo todo eso casi como una pesadilla.

En cualquier caso, el disco lo empecé a escribir cuando aún no sabía si me iba a quedar embarazada. “Niña” la escribí cuando aún no lo estaba, entonces era muy arriesgado, porque si no lo conseguía, iba a quedar un recuerdo muy amargo de esa canción. Este fue mi segundo intento, aunque sé que hay personas que tienen muchos más.

—Me has mencionado que la música te ha ayudado mucho en momentos duros. ¿Se te ocurre algún artista en particular?

Sí... ¿sabes? Tuve una etapa a mis veintiún años en que me volví súper mega fan de The Beatles, ¡pero muchísimo! Me aferré porque casi que me hacía olvidar la realidad, me la pasaba escuchando a los Beatles, y en ese momento mis favoritas eran “In My Life” o “Blackbird”, que eran canciones muy de paz. También el escribir canciones, el hacer música me ha salvado; recuerdo en plena adolescencia, con quince años, descubrir que podía escribir todo en canciones, aunque no se lo dijera a nadie, como que me confesaba con las canciones. Y así ha sido a lo largo de mi vida. Mi música es como un diario de vida, miro hacia atrás y digo: “Ah mira, ésta era yo”. Hasta me voy conociendo a través de mis canciones. —PABLO TOCINO

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o tengo muy claro en qué momento de estos últimos años, un acontecimiento que antes pasaba desapercibido en nuestro maravilloso universo ‘indie’, empezó a resonar en los medios como si de repente se hubiera convertido en algo importante de veras. Me estoy refiriendo a la entrega de premios de los Grammy latinos. Una especie de hermanito pobre y racializado de los Grammy que, desde hace unos años, ha pasado de la irrelevancia más absoluta a ser pieza codiciada incluso por grupos de pelaje ‘alternativo’ que hace un lustro hubieran renegado de ello.

Y es que solo hay que ver con pasmo cómo Love Of Lesbian, emulando a Coldplay, se han avenido con gusto a participar de semejante esperpento. Y ¡ojo! que el término esperpento es válido para absolutamente todas las galas de premios del tipo que sea, en los que se hace una exaltación de esa caspa trasnochada que representa cualquier alfombra roja, photocall y desfile de esos imposibles vestidos de noche o trajes con sombrero. Una fórmula ya muy pasada, pero sin alternativa a la vista, que sirve para llegar a ese gran público que no disfruta de la música, el cine o el teatro como forma de representación artística, sino como mero entretenimiento vacío, tontorrón y vacuo. Para eso, y no para otra cosa, sirven esos escaparates que, parafraseando a Residente, solo exhiben ‘perritos calientes’ que en la mayoría de casos provocan ardor de estómago. Y así, con un kilo de bicarbonato, hay que tragarse el bodrio de ver a las estrellas codearse entre ellas con sus falsas sonrisas, sus joyas de prestadillo y sus goteantes narices a la espera de un reconocimiento que servirá sobre todo para llegar a más y más gente. Y llegados a este punto cabe preguntarse si es prudente seguirles el rollo. Si hay que blanquear este tipo de acontecimientos dándoles un prestigio del que carecen y valorando como algo realmente importante el haber obtenido el premio o incluso haber sido nominado para ellos. Yo opino que no. Me parece mucho más lógico regresar a aquellos años en los que no tenía ni pajolera idea de quién demonios había ganado un Grammy, fuera latino o WASP, de cualquiera de esas idiotas categorías que la industria se inventa para sobrevivir bajo los focos. Prefiero seguir consultando las diferentes listas que en breve vamos a realizar los medios especializados para buscar en ellas la verdadera excelencia, los que de verdad son mejores. Nombres que aparecen solo en contadas ocasiones en esas galas de lo absurdo. Por eso dejemos que cada oveja dance con su pareja y no mezclemos el agua del mainstream con el aceite de lo alternativo. Son mundos distintos que pueden cohabitar, y de hecho cohabitan, pero que siguen códigos diferentes que solo unos pocos elegidos como C. Tangana pueden llegar a manejar en su totalidad y salir airosos de ello. —DON DISTURBIOS

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Escuchando a Battosai podríamos pensar que el grupo nació en el Seattle de los noventa, pero lo cierto es que sale del panorama gallego actual. Tres millennials empapados de rock alternativo dispuestos a mantener vivo ese espíritu. Lo demuestran en “Battosai” (Spinda Records, 21), su primer larga duración.

Hablamos con su cantante y guitarrista, Héctor Ojea.

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sale natural. Pero miramos con mucho gusto el presente y la cantidad de grupazos que hay ahora, no queremos ser una copia de algo que ya fue, sino dar nuestra versión de todo aquello.

—Arrancáis vuestra trayectoria con dos singles, “Cuánto tiempo” (2019) y “12:21” (2020). ¿Qué tal funcionaron?

Pues muy bien, gracias a ellos hemos sacado este disco. Son dos temas que nos han dado muchas alegrías. Sirvieron de carta de presentación y nos ayudaron a que Spinda Records se fijara en nosotros.

—Después llega el Premio Xuventude Crea 2020 de la Xunta de Galicia, ¿qué supuso para vosotros?

Pues apoyo económico sobre todo, ya que empezar un proyecto nuevo siempre es complicado en ese sentido, y por otro lado el reconocimiento.

Más que nada sentir que estamos haciendo las cosas bien, que la banda encaja y que vamos por el camino correcto.

—Spinda Records os ha fichado para este primer álbum homónimo. ¿Qué tal el cambio de la autoedición a trabajar con una discográfica?

Estamos muy contentos. Aparte de la

visibilidad y el apoyo que se nos da, nos facilita mucho las cosas y aporta otro punto de vista que enriquece mucho al proyecto.

—Este álbum lo habéis grabado en los estudios Ultramarinos Costa Brava, con Santi García a los mandos. ¿Ha sabido sacar lo mejor de vosotros?

Ha sido un placer currar con Santi.

Supo entender el concepto de la banda y plasmarlo en la grabación. El disco suena a como suena la banda en un local de ensayo o en un concierto, directo y sin edulcorar.

—El primer single es “Idiota”, tema que abre también el disco. En el videoclip vemos a Gemma S. Lucio en las diversas facetas que ofrece un sofá, ¿de qué forma refleja el espíritu de la canción?

La canción habla de lo frustrante que es querer cambiar cuando no sabes cómo. Modificar unos viejos patrones por unos nuevos no es nada fácil, sientes que tu realidad está en jaque y durante el proceso pasas por muchas fases diferentes. Sobre esta idea se ha construido el videoclip.

—Ha seguido el videoclip de “6 AM”, donde os vemos ya tocando sobre el escenario de un teatro con imáge-

nes proyectadas de fondo. ¿Dónde se grabó?

Se grabó en el Auditorio Valle-Inclán de Vilanova de Arousa (Pontevedra).

La idea de las proyecciones fue de Xoan Touris, que es amigo nuestro y la verdad es que nos encantó.

—El tercero y de momento último es “Mentira”, rodado en vuestro local de ensayo y dirigido y editado por vosotros mismos. ¿Más cómodos?

Más curro (risas). Pero lo cierto es que nos gusta seguir jugando con el DIY de vez en cuando. “Mentira” es un tema corto y directo al igual que “12:21”, así que se nos ocurrió la idea de grabarlo con una GoPro y con gran angular, un poco para simular la estética “ojo de pez” muy recurrida en vídeos de los noventa.

—“Battosai” se ha publicado ya en físico y digital. ¿Qué vendrá ahora? ¿Habrá gira de presentación?

Todos los bolos que se puedan. Ya hemos empezado a cerrar las primeras fechas pero seguimos cerrando.

Queremos presentar el disco en todos los sitios que sean posibles y hacer crecer a la banda. —JESÚS CASAÑAS

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ATTOSAI ERA EL APODO que recibía el samurái Kenshin en su época como asesino. ¿Sale de este manga/ anime el nombre del grupo?

(Héctor Ojea) ¡Así es! Es una serie que veíamos de pequeños y nos flipaba, tanto la animación como la música.

Elegimos el nombre de Battosai porque simboliza la parte oscura que tenemos todos los seres humanos pero con la que tenemos que aprender a convivir, al igual que hace Kenshin en la serie. Además de eso, también es una serie que salió en los noventa y debido a la música que hacemos queríamos darle ese guiño.

—En un momento en el que todo el mundo parece mirar al futuro, vosotros decidís mirar a esa década para buscar vuestro sonido.

Nos gusta tener las raíces en los noventa, porque es la música que más nos apasiona y tenemos un vínculo nostálgico con ella, es algo que nos

Battosai Nostalgia noventera copia “No queremos ser una dar de algo que ya fue, sinotodo nuestra versión de aquello”

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diciembre 2021 #7

Amor Lori Meyers y honor Como muchos de nosotros Alfredo, Alejandro y Noni han tirado de amor propio para salvar la situación, para poder mirarse al espejo sin rencor y confiar ciegamente en las personas que han construido con ellos este séptimo álbum. Delegar es un acto de honor que hace de “Espacios infinitos” (Universal, 21) una obra insólita en la carrera de Lori Meyers.

Un disco de sonido catedralicio pero sentimientos clavados en el más escondido rincón de sus vidas.

L

—TEXTO Arturo García

O PRIMERO que me viene a la cabeza al escuchar “Espacios infinitos” y todo el proceso que ha conllevado es qué el tiempo ha jugado a vuestro favor. ¿Os ha beneficiado en este sentido el parón pandémico?

Sí y no. Sí porque la producción de este disco queríamos abrirla más gente, queríamos compartirlo. Después de “En la espiral”, que fue una carga entera para nosotros, ahora queríamos hacer algo que siempre nos ha costado y que era delegar. Esto ha conllevado un proceso más largo y, aunque este feo decirlo, la pandemia nos ha dado ese margen.

Y no, porque por mucho tiempo que tengas las canciones envejecen para los compositores a los tres segundos de haberlas creado y con esto también hay que tener cuidado.

—“Punk” ha sido el primer single y una crítica a esa deriva en la que los músicos han caído, obligados por la presión del directo, de sacar discos en muchos casos precipitados. ¿Os ha ocurrido a vosotros?

Nosotros desde “Cronolanea” siempre hemos dicho que en el momento que no tuviéramos nada que decir nos separábamos. Por esto nos hemos tomado siempre nuestro tiempo entre disco y disco.

Como dices, afortunadamente para nosotros había que cumplir con muchos compromisos relacionados con el directo como por ejemplo las giras por Latinoamérica, la celebración del veinte aniversari, etcétera.. y ya sabes, las canciones no se hacen como las magdalenas.

—Disfrutar con el presente. Imagino que este disco ha tenido mucho de eso. Una producción atrevida, un productor diferente y un proceso también distinto. ¿Ha sido un disfrute verdaderamente?

Hemos disfrutado sobre todo con el proceso. Mandar las canciones a James y que volvieran enriquecidas era liberador. Se abría para nosotros una nueva forma de trabajar.

A la hora de confiar en James Bagshaw (Temples) para que trasteara vuestras canciones habrá tenido mucho que ver la buena #8 diciembre 2021

experiencia del álbum de Anni B Sweet. ¿Qué buscábais con un productor tan sui generis?

Anni ha sido siempre para nosotros una referencia en este sentido porque tiene muy buen ojo a la hora de buscar gente con la que trabajar. Por otro lado lo que más nos llamaba la atención de James era su juventud, no era el productor batallitas, ¿me entiendes? Él dice que no es un productor, que es un músico más y eso lo libera a la hora de tomar riesgos, de experimentar. Justo lo que buscábamos.

—A esto se suma vuestra experiencia reciente en producciones ajenas a Lori Meyers, ¿no?

Esta claro, como decíamos antes, delegar era lo más difícil para nosotros y a raíz de trabajar en los discos de gente como Niños Mutantes o Maga nos hemos dado cuenta lo importante que es tener confianza en esa persona que has elegido para que produzca tus canciones. No es fácil, pero tras siete discos lo hemos conseguido [risas].

—Ha habido también cambios de formación. Sobre el papel la incorporación de Miguel cuadra muy bien con el sonido de “Espacios infinitos”. Los bajos son unos de los pilares sobre los que se construye el tejido sonoro del nuevo disco. ¿Es así?

Si, la decisión de contar con Miguel era porque era el bajista perfecto para “Espacios infinitos”. Es difícil encontrar bajistas con una personalidad característica, no hay tantos y él es uno de ellos. Tanto es así que cuando nos llegaron las mezclas fue al primero que llamamos porque sabíamos la importancia que había tenido en el sonido final.

—También ha entrado en la formación Toni. Perteneciente a esa nueva generación de músicos que está tomando relevo en Granada. ¿Una cantera también infinita? ¿Con que os quedáis de lo nuevo que anda sonando a nivel nacional?

Con Toni nos ha pasado como con James, su juventud. Y sobre todo la formación que tiene pese a su juventud. Pertenece a una generación en la que están también Colectivo Da Silva, que son el futuro de la escena granadina. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ENTREVISTA

“ —Volvemos al disco. “Seres de luz” es para mí el tema cabecera de

este disco. Empezáis los shows con ella y suena apabullante. ¿Perfecta pasarela estelar entre lo antiguo y lo nuevo?

Diríamos que “Seres de luz” es el retrato perfecto de la combinación entre Lori Meyers y James Bagshaw. Era una canción que nos costó mucho cerrar y fue cuando él la cogió y propuso la parte final, que es suya, cuando la vimos clara. Esto nos dio mucha confianza y nos puso las pilas en el resto del proceso. Fue algo muy especial.

—Mucha ficción en la música que recuerda a la serie “Fundación”, pero las letras son terrenales. La odisea de “Mis fantasmas” transcurre en una habitación. ¿Cómo ha influido la pandemia y sus efectos colaterales en el relato personal del álbum?

Esta canción también es especial. Era uno de esos momentos del confinamiento en los que yo [Noni] estaba solo con Douglas en casa y pensando en la gente de mi familia que ya no estaba conmigo pero que en ese momento sentía que me rodeaban y que, de alguna manera, siempre habían estado ahí apoyándome. Estaba escribiendo la canción y los tenía a todos delante, mis fantasmas. Además coincidió con lo de los terremotos en Granada y precisamente mi abuelo siempre llevó muletas y las vibraciones que producía al andar me venían también a la mente en esos momentos. Es una canción que, cuando la escucho, me hace sentir mejor.

—Canciones como “En el espejo” demuestran que no os habéis guardado nada, ¿no?

Sí, puede ser un poco confesional. Narra una situación vivida pero al final lo que quiere reflejar son tus inseguridades y tu forma de atajar los problemas que te vienen. Cuando tú te crees que eres fuerte y no te ves reflejado en esa creencia. También habla del rencor y de quitártelo para seguir adelante.

—Todo está en la maravillosa portada de Sergio García (Buenaventura Estudio). ¿Realidad o ficción en cada detalle de esa especie de Guernica lojeño? mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“Siempre hemos dicho que en el momento que no tuviéramos nada que decir nos separábamos”

Realidad, porque lo mejor que nos ha pasado con Sergio y que no nos había pasado antes con ningún diseñador, es el momento en el que un día me llama y me pregunta por lo que he querido contar en cada una de las canciones. Y el fue recogiendo y plasmando cada relato de las canciones que le hacíamos en el diseño de la portada. Ha sido muy bonito.

Además descubrimos a un genio internacional del diseño gráfico que lo teníamos viviendo en nuestra ciudad, y eso que fue profesor de Vanesa Zafra, la diseñadora de nuestras primeras portadas, todo se une.

—Y ya que estamos colocando las piezas del puzle. El artífice final de “Espacios infinitos” es Claudius Mittendorfer, quien mezcla el disco. ¿La pieza clave? ¿Cómo llegó el disco a sus manos?

Fue a través de James, y su trabajo nos ha dejado impactados. Todavía seguimos “acosándolo” por Internet mandándolo música para que nos de su opinión [risas]. En serio, era el complemento perfecto a la producción de James, había mucha química entre ellos dos. Digamos que Claudius ponía el orden y elevaba todo lo que James creaba.

Escuchad lo que ha mezclado Claudius para otros artistas y vais a flipar.

—La mezcla de Mittendorfer en directo tendrá su espejo en Fabián Romero. ¿Cómo suenan esos sonidos infinitos en directo? ¿Qué te vamos a contar de Fabián? Sustituyó a David Sutil, al que Lori Meyers le debe muchísimo, y fue otra recomendación de Anni. Sobre la forma en la que Fabián hace sonar el nuevo disco, decirte que cuando montamos el videoclip de “Hacerte volar” del directo en la Alhambra, en Universal nos preguntaron si era un playback. Es la fidelidad absoluta, en lo profesional y también en lo personal.

—Y por último “El último baile”. Si se da el caso, ¿que os traten con amor o con honor?

Con los dos. Cuando te quieres a ti mismo es porque tienes honor, y entonces le puedes dar a todo el mundo amor. Es lo que queríamos decir en la canción. A estas alturas son los dos sentimientos que más valoramos y con los que nos gustaría que nos tratasen. —A.G.

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diciembre 2021 #9

MONDO FREAKO

Jimena Amarillo es una de las nuevas promesas de la música pop española. Se trata de una artista singular que no tiene problema en sincerarse en cada una de sus canciones.

Tras tres años publicando singles, ahora tiene en la calle su primer álbum, “Cómo decirte, mi amor” (Mushroom Pillow, 21), cargado de temas que respiran honestidad.

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espués de tres años publicando tus propias canciones lanzas, por fin, tu primer álbum de estudio, “Cómo decirte, mi amor”. Un disco en el que nos encontramos diez canciones de lo que tú misma has denominado como “pop moñas sin complejos”. ¡Buah, es que yo soy un poco desastre!

A ver, “Cafeliko” fue la primera que hice del disco y con la que empecé un poco más la movida. Fue cuando me di cuenta de que iba ya en ese sentido.

Pero yo no tenia una idea de “voy a hacer un disco y va a ser así”. Quería hacer un álbum y que, cuando estuviera listo, pues ya saldría. Estaba metida en una relación e iba contando todo lo que pasaba dentro de esa relación.

Cuando pensaba que habíaalgo que encajaba para poder relatarlo en una canción, vaya. Entonces hay cosas cotidianas y cada tema es un episodio de la relación. Y yo iba escribiendo y escribiendo hasta que me di cuenta de que ya tenía una cosa hecha. Ha salido solo, como todo en esta vida.

—Si tuvieras que explicarle a alguien que no te conoce ni a ti ni a tu música qué es “Cómo decirte, mi amor”, ¿qué le dirías?

Es una cosa musical que surge de unos sentimientos de una persona que no tiene mucha idea de explicaciones en la vida y hace canciones contando cada cosa que le parece importante hasta que se unen todas y crea ese disco. Aunque cada tema es de su madre y de su padre, súper diferente entre sí todo, bastante raro, pero me encanta.

—Dentro del pop entre el que te mueves, te atreves a llevarlo hasta el límite como en “Cositas” o “Tu manera de mirar”, en las que exploras una sonoridad diferente. ¿Ya tenías pensado explorar sonidos más alejados del pop o simplemente querías experimentar?

Pues quería experimentar y moverme por varios sitios. Todo se me ocurrió #10 diciembre 2021

Jimena Amarillo Pop moñas sin complejos

“No quería meterme en el mismo agujero en el que está todo el mundo”

mientras iba de camino a clase. Se me ocurría una melodía, la grababa en el móvil y en casa la empezaba. Mi fuerte es la guitarra eléctrica, cuando la descubrí me creí super rockera, pero eso no puede salir en todas las canciones.

Aunque sí que es diferente de todo el hip hop que se lleva ahora, no quería meterme en el mismo agujero en el que está todo el mundo y dije: “Voy a probar sonidos que no se están usan-

do”.

—¿Hay alguna canción que se haya quedado a punto de quedar fuera del disco o que te haya costado más de sacar adelante? ¡Uy, seguro que sí, porque haciendo el disco me entraban unas taquicardias! [ríe]. La de “Tu cepillo de dientes”, que ahora creo que es mi favorita, no sé porque me dio un venazo de decir “Jimena, ¿qué haces?”, pero me pare-

ce super divertida con esos bongos en plan trapper. Creo que es de mis favoritas y que tiene las mejores barras, pero tuve dudas de meterla, aunque lo que digo en el tema es más importante que la música en sí. Ahora le he cogido cariño y la quiero de todas las maneras.

—Vemos que es un proyecto en el que has contado con distintos productores, entre ellos Pau Roca o Alex Ferrer (Shego, Sebastián Cortés), e incluso con Chris Carmichael (Taylor Swift, Josh Rouse) a los arreglos de las cuerdas. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos?

Pues yo no estaba acostumbrada a trabajar con nadie, porque yo soy muy mía y de “si no lo hago yo, no está bien” y no, ya está bien. Con Pau fue super bien, muy divertido, porque es un poco como yo, aunque no tengamos edades parecidas. Le gustaba todo lo que hacía, pero a veces le decía “dime que algo está mal, no pueden ser solo hits”, pero fue muy guay. Me animó un montón. Y lo de Chris fue que me llamaron y me preguntaron si quería ponerle cuerdas reales a una canción y ¿cómo no lo iba a hacer?

Quedó súper bonita y le dio un plus máximo. Me gusta mucho, dentro de lo poco cargadas que me gusta hacer las canciones.

—Sorprende que en tu primer disco queden fuera las trece canciones que habías publicado anteriormente.

Sobre todo “Ni se nota”, que es la que actualmente acumula más visitas. ¿Por qué has decidido crear material totalmente nuevo para este trabajo y dejar todas las demás fuera?

No me pegaban en el disco, no seguían la historia que quería contar y meterlas por meterlas tampoco me gustaba.

Además, la forma de producirlas es totalmente diferente a las nuevas, ya que las hice con el iPad, el móvil y el micrófono de los auriculares, y quería que todo sonará más profesional. Y “Ni se nota” tiene muchas reproducciones y tal, pero no es mi favorita para nada, mi favorita es de esas que apenas se conoce, pero eso siempre pasa. Además, “Ni se nota” casi la meto, pero no, no entraba del todo.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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07

EL

ENERO -

FESTIVAL

DE

06

FEBRERO,

INVIERNO

2022

DE

MADRID

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INVERFEST.COM

ENTREVISTA

“ “Queríamos que todo sonase muy pequeño y muy cercano”

#12 diciembre 2021

E

STAR EN PRIMERA PLANA es algo que a Tori Amos no parece preocuparle demasiado a estas alturas.

Quizás porque no le ha faltado de nada en su esplendorosa carrera, desde un debut deslumbrante hasta la música clásica, pasando por la provocación como forma de protesta e inconformismo, discos en los que viajaba por América con un mapa en las manos, otros en los que se transformaba en hombres con diferentes identidades. Ahora, tras el terremoto que ha supuesto la pandemia, vuelve con su colección más dinámica, natural y sin complejos de los últimos veinte años. A todo esto, y a la importancia que le da a la naturaleza y a la moderación en nuestro ritmo vital, responde una mujer sabia, dulce y consciente de la relevancia que tiene la pérdida y el dolor. Fundamentalmente, alrededor de eso gira este excelente álbum titulado “Ocean To Ocean”.

—Para empezar, quería sabe tus sensaciones antes de la publicación del disco. Durante esta pandemia los discos han vuelto a coger más relevancia, ya no son solo la excusa para salir de gira. ¿Qué opinas?

La cuestión es situar el momento de la acción; un escenario diferente, un sonido también diferente…

Eso es algo que aprecio y me siento agradecida, pues mucha gente ha tenido problemas con sus trabajos. Durante año y medio, y sobre todo tras la muerte de mi madre, he focalizado todos los esfuerzos en este disco, y mi marido en su trabajo.

La presión es otra. Estamos ocupados, tenemos a los niños y poco tiempo para dormir. Y después de este desastre con la pandemia y sus consecuencias, la gente necesita hacer cosas nuevas que sean mágicas, como por ejemplo involucrarse al cien por cien en la creación. Eso te permite desconectar de la realidad y sus dramas.

—Han cambiado nuestras prioridades. Siempre hablo de las diferentes velocidades vitales, y en mi caso, eso ha cambiado. Antes necesitaba ocupar el tiempo todo el rato, no dejar de hacer cosas, y ahora aprecio los momentos en los que no hago nada.

Es una de las lecciones que he aprendido.

Curiosamente es algo que le he escuchado a más gente. Y me parece una reflexión interesante e inteligente. Hay que reevaluar qué hacemos con nuestro tiempo y en qué lo empleamos. Cómo y de qué manera gastamos nuestras energías y lo más importante, con quién lo hacemos. Yo creo sobre todo en el poder de la balanza, del equilibrio, que lo marca todo. Cuidar de nuestro entorno, buscar lugares en los que puedas respirar, pensar... Si quiero salir al bosque con los árboles, lo hago y no pasa nada, nadie me va a juzgar.

La energía que me da el agua, tener al lado la costa.

Esa es mi esencia ahora, volver al origen de la naturaleza, de las cosas simples.

—Así es. También es importante cómo retomamos nuestras costumbres. Mi relación con la música había cambiado, no había placer por ningún lado, y ahora lo he reajustado. Me he vuelto a enamorar de los discos y de lo que significan. Todos podemos darle la vuelta a eso.

Eso es maravilloso, supone una gran transformación.

Te entiendo perfectamente porque así me he visto yo durante parte de estos últimos treinta años. En cierta manera te sientes encadenada. Ahora promoción, ahora nuevo disco, ahora preparar la gira, ahora girar, ahora otra vez al estudio... ¿Y dónde estoy yo?

Me movía muy rápido y no tenía otra opción, tenía que convivir con ello. A veces, cuando promocionaba un disco, estaba enganchada al teléfono desde la mañana hasta la última hora del día. Al caer la noche estaba exhausta. Si lo piensas, no tenía ningún sentido. Incluso distorsionaba la relación que tenía con las canciones de las que estaba hablando.

—En cuanto a “Ocean To Ocean”, me gusta el giro que le has dado de nuevo, esa vuelta a la raíz, a los

UN NUEVO DÍ Tori Amos

A Tori Amos hace ya tiempo que no le preocupa ocupar la primera plana de la actualidad. Su presente se dibuja a otra velocidad. Ahora publica el fantástico “Ocean To Ocean” (Universal, 21), sobre el que hablamos desde su estudio de grabación en su guarida en Cornwall.

—TEXTO Toni Castarnado —FOTO Desmond Murray

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N O ÍA

orígenes. Incluso a tu debut, “Little Earthquakes”, un disco que personalmente me cambió la vida, me descubrió un nuevo camino musical y otra clase de feminidad.

Este disco es así por las circunstancias. Yo en 1988 estaba instalada en el fracaso y eso me producía mucha tristeza, y un sentimiento de pérdida cercana a la muerte. Dado el momento que he vivido ahora, introducirme de nuevo en aquellos días de antes me ayudó a describir mi situación actual. Y no solo la mía, la que hay en general, con toda la locura que hay en América, las post-elecciones o cuestionarnos qué hacemos con la democracia. Y sin darme ni cuenta, estaba otra vez con ese sentimiento de pérdida. Era una pesadilla que se repetía y que me obligaba a escribir desde lugares muy oscuros. Eso es algo que he hecho dos veces durante mi carrera, con “Little Earthquakes” y en 1997 con “From The Choirgirl Hotel”. E insisto, siempre a partir de circunstancias muy particulares. mondosonoro.com — —@mondo_sonoro @mondo_sonoro—— facebook/mondosonoro facebook/mondosonoro

—Precisamente, en “From The Choirgirl Hotel”

rompías con todo, fue un disco revolucionario, por las letras, el sonido, las capas de electrónica… Otro muy rupturista y muy íntimo, diría que hasta confesional, fue “Scarlet’s Walk”, justo después del 11-S. ¿Encuentras también alguna similitud?

Ha habido más gente que me lo ha comentado. Lo que sucedió el 11-S fue un shock, pero distinto a los últimos dieciocho meses, que ha sido algo más global.

El problema ahora es que no teníamos un manual para manejar la situación, nadie había vivido algo así y eso es una auténtica locura. Para mí, el proceso de escapada siempre ha sido viajar, y de repente, ya no lo puedo hacer, no puedo coger un avión, un barco, ni siquiera montarme en mi coche. Entonces, te instalas en una nueva rutina y eso lo tienes que procesar.

Cuando viajas las cosas cambian, descubres un nuevo lugar, otras sensaciones, haces amigos y conoces gente de otras culturas. Por eso, con este disco, más que nunca antes, necesitaba airearme, renovar energías y

cambiar de frecuencia.

—Para acabar tengo una curiosidad. Un disco tuyo que me encanta es “Night Of Hunters”, ¿has pensado en retomar otra vez la senda de la música clásica o ya tuviste bastante con aquella experiencia?

[Risas] Oh, Toni. Buena pregunta. A ver la cosa es que quedé muy contenta con el trabajo realizado y el resultado. Pero para algo así tienes que estar al cien por cien. Debes tener un gran equipo respaldándote y la exigencia es muy dura. Créeme, muy dura. El proyecto en general fue súper estimulante, nunca pensé que haría un disco como ese. Sin embargo, no sé si compensa el estrés que genera. Pero bueno, no descarto nada.

—Rufus Wainwright que se metió a hacer ópera, tuvo que volver al pop. Le pasó lo mismo.

Le entiendo. Somos unos inconscientes [risas].

—T.C.

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diciembre 2021 #13

MONDO FREAKO

Bum Motion Club Oscuridad El pasado mes de junio consiguieron vender en doce horas las entradas para su concierto en Moby Dick y cerrar así una segunda fecha. Todo esto, con solo dos Eps en el mercado y mucho boca a boca positivo que no para de crecer desde que se subieron por primera vez al escenario. Con ellos hablamos a propósito de “Niebla” (Autoeditado, 21), su último movimiento hasta la fecha.

B

UM MOTION CLUB son Pablo Vera, Iris Banegas, Alejandro Leiva, Alberto Aguilera y Pablo Salmerón. Sin duda, una de las nuevas bandas madrileñas con mayor potencial de la actualidad. Han demostrado su increíble capacidad de transformación y crecimiento con cada lanzamiento. Con “Niebla” han logrado captar a la perfección las ansiedades y angustias de una generación a la que no dejan desarrollarse en libertad. Hablamos con la banda sobre las ganas que tienen de hacer ruido y lo importante que es para ellos sentirse bien con cada paso que dan en la industria.

—“Niebla” supone un salto importante de oscuridad con respecto al “Delta”. ¿Qué os ha pasado cómo grupo que os haya llevado a este giro?

En “Niebla” el principal cambio es que se habla de cosas más tangibles, de cosas que tienen más que ver con la realidad. Ya no somos tan ensoñadores, ahora nos inspiramos en cosas más palpables, emociones del día a día. También hemos dado el salto al castellano y en cuanto a la producción ya no tiene tanto peso Victor de Rufus como el que tuvo en “Delta”. Ahora hemos tomado nosotros mucho más el control. El disco lo grabamos en Aranjuez, Alejandro tiene mucho peso como productor y también tiramos mucho de Brian Hunt para grabar las baterías en El Invernadero. #14 diciembre 2021

as “Arrastramos las mismla de s taras desde ante pandemia” —¿Y qué tal todo este nuevo proceso

de grabación? El disco lo terminasteis de grabar antes de que os pillara toda la pandemia.

Estaba pensado para sacarse en 2020, así que terminamos de hacerlo como a finales de 2019. Pero claro, lo retrasamos hasta este año. En el momento de la pandemia estábamos masterizando.

Y bueno, hemos aprendido a convivir muy bien el paso del tiempo, seguimos identificándonos con este Ep y creemos que nos representa muy bien. Y sabes que pasa mucho eso de que cuando haces canciones y las escuchas con el tiempo se te quedan un poco atascadas, porque ya estás en otro sitio y empiezas a pensar en nuevos cambios. Pero con “Niebla” seguimos contentísimos y muy orgullosos con lo que nos ha salido.

—Y volviendo a lo del salto al castellano, ¿qué os hizo apostar por este cambio tan pronto?

Pues principalmente que la gente puede entender mejor las emociones que intentas transmitir y se puedan sentir más identificados con ellas. Al final siendo nuestro público es español y no sé yo, creemos que el feedback será así mayor.

—Pero, por otro lado, no sonáis como un grupo mainstream que pueda encajar fácil en la industria española.

Ya, somos una rareza y eso tiene algo de bonito también. Además, está guay que haciendo una música que no termina de encajar en nuestro país se cuele en ella una letra en castellano. También, evidentemente, forma parte de una tendencia muy marcada que están haciendo los grupos de dar este salto y ahora nos vemos mucho más arropados.

—Ansiedad, amor… Al final es un Ep tan universal como personal.

Las letras salen un poco de las experiencias que tenemos. A veces hay cosas positivas como en “El Drama” que tras esa primera parte más derrotista, llega

una segunda más esperanzadora. En general, es cierto que “Niebla” tiene letras más derrotistas que hemos hecho hasta ahora. Pero, creo que encaja muy guay con ciertas partes luminosas del lado instrumental. Toda la potencia que tiene la batería, los bajos, las guitarras, los sintes… Te hacen sentir que de repente puede haber esperanza.

—¿Pero tanta esperanza como para dar un salto a lo Lorde y veros de repente en mitad de la playa llenos de luz?

La verdad que no estamos cerrados a nada y además somos muy variopintos en cuanto a gustos musicales. Podríamos hacerlo perfectamente, pero sí que hay un punto en común en cuanto a gustos que tienen que ver más con la oscuridad. Yo creo que de alguna manera eso sí que es nuestro refugio. Nos gusta ser intensos.

—Bueno yo creo que al final también es algo generacional, con todo lo que estamos viviendo…

Yo creo que al final estamos contando las cosas que nos están pasando y eso es importante. Está guay tener esa idea de

esperanza, de que todo va a salir bien, pero como generación nos está pasando esto ahora mismo. Nos ponen trampas por todos lados, nos exigen muchísimo.

Así que, volviendo a lo de Lorde, lo mismo si las cosas mejoran en un futuro sí que hacemos lo siguiente en una playa y con todo luz.

—¿Cómo os veis dentro de la escena madrileña?

Nos vemos muy fuera de todo como individuos, vivimos cada uno en nuestra cueva de alguna manera y luego nos juntamos para ensayar [risas]. Estamos más en una parte de la escena oculta, o no tan popular, pero en la que hay bandas increíbles. Estamos ahí, hacemos nuestras cositas, estamos tranquilos saliendo un poco de todo el mamoneo este que hay no solo en esta escena, sino en nuestra industria en general. Y estamos un poco en contra de todo ese tipo de música, de que importen más cosas que no sea la música. Somos más románticos y más nostálgicos. —ÁLEX JEREZ

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© PEDRO BALLESTEROS

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EL DISCO. RECUPERADO. Buenas Noches Rose La Estación Seca Arte-Seca/Beatclap, 99

BUENAS NOCHES ROSE debutaron en 1995 con un arrollador disco homónimo. Mientras aquí pegaba fuerte el rock urbano, ellos se atrevían a mirar hacia Estados Unidos y soñar con ser también Aerosmith o The Black Crowes. Aquella propuesta no pasó desapercibida ni para el público de la escena (al general nunca llegaron) ni para las discográficas, y para su segundo trabajo (“La danza de araña”, 97) ya habían conseguido fichar por la multinacional BMG. Todo iba como tenía que ir para que se convirtiesen en el nuevo gran grupo.

Tenían el talento, tenían la juventud y tenían la puesta en escena. La gira de presentación les había permitido recorrerse todo el estado y telonear a Deep Purple o Bryan Adams. Pero todo se torció el 11 de junio de 1998, cuando Jordi Piñol “Skywalker” abandonó el grupo justo antes de un multitudinario concierto en el puerto de Tenerife junto a The Prodigy.

El cantante se fue a vivir a un pueblo de la alpujarra granadina “a buscar a Dios a las montañas”. BMG, que apenas se había molestado en promocionar el disco, no había recuperado su inversión y decidió rescindir el contrato. La banda estaba sin frontman y sin compañía de un día para otro. Tras pensarlo con la almohada, decidieron tirar para adelante cual pollo sin cabeza. Los genios en la sombra y principales compositores siempre habían sido los guitarristas Alfredo Fernández “Alfa” (que pasaría a asumir la voz principal) y Rubén Pozo, apoyados sobre las bases de Juan Pablo Otero (bajo) y Rober Aracil (batería). Grabaron las maquetas de lo que sería su tercer álbum, y tras ser ignorados por los sellos que recibie-

ron su propuesta decidieron invertir sus ahorros y embarcarse en la aventura de la autoedición.

“La Estación Seca” vio la luz en 1999 bajo el sello Arte-Bella, que simplemente se había encargado de la fabricación. Doce canciones de puro rocanrol que serían su canto de cisne. Para la posteridad quedaban trallazos como “Dame más”, “Miss Cafeína”, “La carretera” (un grasiento rock suicida) o “La Estación Seca”, un desgarrador medio tiempo que se convertiría en una de las mejores baladas del rock patrio por derecho propio. Reflejaba a la perfección la travesía por el desierto que atravesaba el ahora cuarteto. La deserción de “Skywalker” también empapaba las letras, especialmente la de la nostálgica “Maquillaje” (“un tipo al que llamé mi hermano cerró sus ojos a mis ojos, soltó sus manos de mis manos”) o “Deseando amor” (“los delirios de grandeza nunca pagaron las facturas”). Todo redondeado con numerosas colaboraciones: solos de guitarra de Rosendo y Ariel Rot, teclas de Ernesto Goñi (piano acústico) y Luis Lozano (Hammond), y hasta coros de Merche Corisco y un jovencísimo Leiva, cerrando de forma profética con “El último baile”.

Sumidos en la bancarrota tras pagar la grabación y las 2.500 copias, la banda se disolvió tras recuperar gastos con las ventas y los conciertos de presentación. Se fueron en su mejor momento, sembrando todos los ingredientes para terminar por convertirse en un grupo de culto a día de hoy. Alfa montaría Le Punk, y Rubén Pozo Pereza junto a Leiva. Pero esa, amigos, es otra historia.

LOS DISCOS DE MI VIDA Josele Santiago

Tras el descalazo que supuso la pandemia, Los Enemigos vuelven a la carretera de nuevo. Esta vez para recuperar las fechas de presentación de “Bestieza”, su disco de 2020. Podremos verles en breve en Madrid (26 noviembre, La Riviera) y Santiago de Compostela (18 diciembre, Sala Capitol).

Leño

Veneno

Doctor Feelgood

Gracias a “Rubber Soul” tuve claro desde pequeñito lo que quería hacer, pero cuando pude ver a los Leño en directo me sorprendió lo cerca que lo tenía.

En Carabanchel, concretamente. Sin ser guapo, sin saber inglés y con tres o cuatro acordes pelaos.

Podía, además, hablar sin complejos de cualquier cosa que a mí me llegara dentro y servirme de cualquier estilo musical que se me pusiera a tiro.

Con este disco comprendí que el rock and roll es lo contrario de la ortodoxia y que entre sus urgencias hay sitio de sobra para la poesía.

Creí detectar algo telúrico en esos rasgueos de guitarra, esos apuntes de armónica y esa curtida voz. Supe que no me equivocaba cuando investigué sobre los autores de algunos títulos del, para mí, mejor directo de la historia del rock.

Ry Cooder

The Stooges

Buzzcocks

No contábamos con mucho más que el boca a boca, así que mirábamos con lupa los créditos de los discos en busca de orientación.

Es difícil imaginar un norte más exquisito que el señalado por Ry Cooder en esta sublime lección de folk americano.

Otra puerta abierta de par en par. Lo obvio sería decir que hacia la fuerza bruta y el hedonismo más radical, pero esta salvajada va bastante más allá. Caos en estado puro, hastío existencial y furor barriobajero en una misma rodaja.

Punk y free-jazz. Nuevos horizontes. Toxicidad en estado puro.

Estas once imbatibles melodías, embutidas sin contemplaciones en breves píldoras punk por un personalísimo tándem de guitarras, se me incrustaron en el organismo siendo aún un mequetrefe y desde entonces no se han movido de ahí. —MS

“Leño” (1979)

“Veneno” (1977)

“Stupidity” (1976)

—JESÚS CASAÑAS

“Paradise And Lunch” (1974)

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“Fun House” (1970)

“Love Bites” (1978)

diciembre 2021 #17

Vetusta M Deseo de ENTREVISTA

trascendencia

Han sido tiempos extraños y difíciles, pero Vetusta Morla han sabido aprovechar al máximo su tiempo. Tanto que, además de la banda sonora de “La hija”, han podido dar forma “Cable a Tierra” (Pequeño Salto Mortal/Sony, 21), su nuevo larga duración.

“Queremos hacer canciones que canten varias generaciones y que queden ahí cuando desaparezcamos”

#18 diciembre 2021

S

E PODRÍA DECIR que en estos días raros que nos ha tocado vivir Vetusta Morla no han parado quietos.

Hace menos de dos meses presentaban la banda sonora de la película de Manuel Martín Cuenca, “La hija”, y ahora regresan con uno de los discos más esperados del año, la continuación de “Mismo sitio, distinto lugar”, el quinto disco de estudio de su carrera, “Cable a Tierra”, donde han decidido darle una vuelta al concepto de lo popular y el folklore, sin olvidarse de que sus raíces también son The Beatles o Radiohead.

Me reúno vía Zoom con Juan Pedro Martín Almarza, Pucho (cantante) y Guillermo Galván (guitarras, teclados y coros) para hablar de este nuevo trabajo en el que vuelven a buscar nuevas sonoridades, incluyendo nuevos instrumentos como el pandero cuadrado o el guitarro que les hizo un lutier de Cuenca.

Como ellos mismos dicen “el disco está hecho con otros ingredientes pero no por ello deja de sonar a Vetusta”.

Se podría decir que es el disco en el que el grupo de Tres Cantos intenta jugar con la idea de lo popular y lo folklórico. Guille recalca que “cuando decidimos las canciones que entraban y quedaban fuera, una de las de las líneas o de las decisiones que marcó las que se elegían y las que no fue que en ‘Cable a Tierra’ las canciones tenían que ser cantables, voz y palmas

—TEXTO Sergio Ariza —FOTOGRAFÍA Jerónimo Álvarez prácticamente de arriba abajo, como si fueran canciones populares que pudieras cantar en un concierto de Vetusta o en una sobremesa.

Llevar a todas las canciones a un lugar en el que puedan ser cantadas con una guitarrita, con una voz o con las palmas en un parque, en ese sentido había un punto donde la letra, melodía y ritmo eran lo que nos iba a ir dirigiendo el disco”.

Ambos son conscientes del poder de esas canciones de Vetusta perfectas para ser coreadas a pleno pulmón en los conciertos, saben que tienen un don para ello y no lo ocultan. “Queremos hacer canciones que canten varias generaciones y que queden ahí cuando desaparezcamos”. Pero cuando les pregunto si este acercamiento al folklore puede ser visto como oportunista en estos tiempos en los que se van multiplicando las propuestas que siguen ese camino dejan claro que “a veces se trabaja sobre ideas que están en la nube colectiva. ¿Qué es lo que tiene que ver con el folklore y lo popular, que está por ahí flotando?”. Y también subrayan que es normal que llegue un momento en el que la influencia anglosajona sónica y cultural que ha sido predominante durante mucho tiempo se deje algo aparcada y se mire hacia otros lados y latitudes. Como apunta Pucho “es curioso cómo el folklore tiene unos hilos que se extienden por todo el globo”. Además, esas influencias siempre han estado ahí.

“Cuando vas creciendo, evolucionando, madurando, a medida que vas hacia el futuro ese bagaje que está en tu mochila va saliendo, vas buceando en tu pasado, encuentras otras maneras de expresarte y aparece todo eso que forma parte de ti”. Pucho reconoce que él nunca ha renegado de esas influencias, a pesar de que no hubieran salido mucho hasta ahora, y que es capaz de cantarse alguna copla o bailarse una salsa “sin despeinarse”.

Aunque me dejan claro que en “Cable a Tierra” hay muchas cosas mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Morla

que tienen más que ver con la elección de los instrumentos, instrumentos que “sí que estaban durante nuestra carrera, hicimos ‘Salto’, hicimos ‘Maldita dulzura’... Hemos hecho unas cuantas canciones que sí que tenían ese espíritu, pero nunca habíamos decidido hacer un disco entero así y yo creo que tiene mucho que ver con decisiones de instrumentación”.

Aun así las influencias de siempre siguen ahí, los riffs, las melodías tarareables, eso sí, ahora se aproximan desde otro punto de vista, con otra perspectiva y esas nuevas influencias que les han ayudado “con el color del disco”. Por ejemplo, en “La Virgen de la Humanidad” arman una canción a través de varios de estos elementos, como un sample de una copla de Concha Piquer, comenzando la canción con una frase de Charly García: “Nos siguen pegando abajo”, poniendo “un ritmo que por momentos puede ser la síncopa negra del reggaeton, estribillos que son milongueros y una referencia en el estribillo a el concepto del viejo y el nuevo mundo de Gramsci”. En definitiva “un mega cajón de sastre de canción”.

En “La Diana”, una canción que recuerda al Beck de los noventa, un artista que como bien dice Pucho es “otro gran artista del ‘sampleo’, la mezcolanza y el folklore”. Hay afinaciones abiertas y riffs tocados con la mano, sin utilizar la púa. En cada canción del disco hay una aproximación distinta, como las palmas flamencas de “No seré yo”, una canción que, por otra parte, recuerda a sus queridos Radiohead.

Cierra el disco “Al final de la escapada” en la que terminan diciendo “que a tu banda favorita aún le queden muchos años” y “que su mejor canción aún esté por venir”. Cuando les pregunto si es importante seguir pensando esto último para seguir funcionando lo corroboran totalmente. “Creo que es fundamental.

Es como la zanahoria que les ponen a los galgos para que se sigan moviendo. Ya lo decían Standstill en ‘10 años y una zanahoria’ o algo así creo que era. Es ese espíritu de búsqueda, de ilusión, etcétera, lo que mantiene la llama viva y las ganas de hacer cosas muy interesantes”. No se quieren mojar, eso sí, sobre cuál es su mejor canción hasta la fecha, posiblemente porque, como bien apunta Pucho, si tuvieran que montar una gira de éxitos “nos iba a salir más larga que un concierto de The Cure”. Pero estas afirmaciones no suenan ególatras en su boca, se les nota con los pies bien plantados en la tierra, sobre todo si tenemos en cuenta el nivel de éxito que han conseguido, con próxima parada en el más que probable llenazo del Wanda Metropolitano el próximo 24 de julio de 2022.

Un hito más para una banda acostumbrado a ellos.

Pucho recuerda unos cuantos: la edición de su primer disco, después de diez años de carrera y varios rechazos de todo tipo de discográficas; la actuación en la Plaza del Trigo del Sonorama; su primer WiZink; el concierto en la explanada de la Caja Mágica; las tres candidaturas para los premios Grammy Latinos o estar a punto de tocar en el Royal Albert Hall, algo

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diciembre 2021 #19

ENTREVISTA

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que se quedó en nada por culpa de esa pandemia en la que todavía andamos medio enredados. Pero todos esos hitos no son nada para Guille comparado con tener cuarenta años y estar en una banda que presenta un nuevo disco después de veinte años haciendo música.

Eso, me reconoce, es lo que más hubiera dejado alucinado a su yo de quince años. Se nota que la banda consiguió el éxito tras más de diez años de carrera y que esos inicios les vinieron bien a la hora de manejar el enorme éxito que han tenido, llegando a ponerse un sueldo fijo a cada miembro de la banda y almacenando en un bote la mayor parte de lo que ganaban lo que les permitió seguir haciendo otros proyectos. Fue lo bueno de triunfar de una manera totalmente independiente, autoeditándose el primer disco. “Todo lo fabricábamos nosotros y lo repartíamos entre nosotros. Había que tener de dónde tirar y tener una cooperativa y un apoyo que nos permitiera seguir trabajando se hicieran muchos conciertos o pocos. Creo que ha sido una manera sana y sostenible de durar”.

A pesar de que este disco fue compuesto y grabado después de los peores días del confinamiento, la pandemia también sobrevuela sobre el mismo, con una banda que, en palabras de Guille, intenta “atar un poquito más el cable a tierra como decimos en el título del disco, y empezar por lo pequeño, levantando el pie del acelerador”.

Es también un disco más optimista, aunque ninguno de los dos cree que todo lo vivido haya servido a la gente para concienciarse sobre la precariedad del trabajo del músico, una vez que se le quita el directo. Pucho lo tiene claro: “La cultura del todo está ahí, a mi disposición, para cuando yo quiera y sin pagar absolutamente nada por ello, va a seguir presente”. Lo que sí tienen claro es que la presentación del disco va a ser especial, con la gente con muchas ganas de volver a disfrutar del directo sin restricciones, ni tener que estar sentados, algo que ya pudieron probar en su concierto en el Festival

#20 diciembre 2021

San San que “fue algo muy loco. Sentías esa necesidad de gritar, de lo colectivo, de lo popular, todo esto que encierra el disco”. Pucho añade que, en su caso particular, no tomó conciencia del momento hasta que se subió al escenario y sintió la energía a la hora de cantar las canciones. “Yo no había articulado ni una palabra y ya estaba toda la gente cantando los coros de ‘Los días raros’. Creo que fue esa con la que empezamos”.

Para esa presentación en directo los temas siguen encontrando nuevos arreglos y la banda no duda en seguir jugando con ellos.

Guille llega a afirmar que, a pesar de grabarse hace seis meses, hay canciones “que empiezo a entenderlas ahora en su contexto, en lo que aportan al conjunto de la obra”.

Les comento lo que dice Kanye West, desde los tiempos de “The Life Of Pablo”, que los discos actualmente, en la era digital, son organismos vivos y puedes ir modificándolos a tu gusto, metiendo o quitando canciones, alargando unas o acortando otras y les pregunto si eso no va un poco en contra del disco como obra de arte terminada. Ambos parecen interesarse por el concepto, aunque lo ven algo peligroso, pero vemos que es algo que está ahora mismo en boga, con Taylor Swift regrabando sus discos, St. Vincent con “MassEducation” y ellos mismos con “MSDL” volviendo a discos totalmente recientes para reinterpretar las canciones de un modo totalmente distinto. Les pregunto si cambiarían algo de sus discos favoritos. Pucho no duda en responder que, por ejemplo, él no cambiaría ni una coma al “Pink Moon” de Nick Drake, un disco que “puedes poner en bucle y ni te enteras de dónde está el principio y dónde está el final. Podría estar sonando eternamente”. Guille añade “Nebraska” de Bruce Springsteen, un disco del que precisamente se grabó otra versión totalmente distinta, y que todavía no ha visto la luz, con la E Street Band al completo. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“Una gira de éxitos nos iba a salir más larga que un concierto de The Cure” Así que me llevo todo esto a su presente y les cuestiono sobre si habría algo que cambiarían de “Cable a Tierra” una vez completado, alguna canción que prefieran en su arreglo actual o, si por el contrario, el disco es inmejorable. Cuando Pucho comienza con un modesto “a ver, el disco está muy bien”, Guille aprovecha para soltar que “es un disco insuperable en cuanto arreglo y composición”. Tras las risas del cantante, añade “ahí tienes el titular de la entrevista”.

Cuando bromeo diciéndoles que perfecto, que ya hemos terminado ahora que ya tengo titular, los dos insisten, echando el cable a tierra, que ponga lo de las risas. Eso sí, más allá de las risas, a ambos se les nota encantados con el trabajo. Poco antes de terminar nuestra charla definitivamente, Guille me habla de que sienten “esa necesidad de trascendencia, no como algo altivo, sino como hacer algo que quede, de poder hacer canciones que se canten por una generación, por otra y que queden ahí cuando nosotros desaparezcamos, que queden nuestras canciones y seamos recordados por eso. Yo creo que es algo muy mágico, el hecho de crear música, crear cosas que trascienden a tu propio presente y yo creo que eso está en ‘Puñalada Trapera’, está en ‘Al final de la escapada’ como te decía, está sobrevolando el disco en un montón de lugares y que tiene mucho que ver con todo lo que ha pasado durante este tiempo”. —S.A.

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CRITICANDO Cable A Tierra

Pequeño Salto Mortal / Sony Pop 7 / 10

QUEDABA CLARO después de escuchar los tres adelantos de “Cable a Tierra”; “Finisterre”, “Puñalada Trapera” y “La Virgen de la Humanidad”; además de la banda sonora de la película “La Hija”, que el quinto disco de estudio de los madrileños iba a estar basado en su propia visión de lo que es el folclore y la música popular, una definición en la que, en su caso, caben The Beatles y Radiohead, pero también Quintero, Quiroga y León y Charly García. Así ha sido y “Cable a Tierra” ve a Vetusta Morla buceando en las raíces de lo popular pero sonando, a la vez, a ellos mismos. El disco se abre con “Puñalada Trapera”, un tema con una producción que ya adelanta las bases del disco, un inicio ligeramente electrónico para una melodía popular, con un punto de ranchera y de José Alfredo Jiménez. Es un gran comienzo al que le sigue “ La Virgen de la Humanidad”, una canción que se abre con un sample de una copla de Quintero, Quiroga y León para Concha Piquer,

“No me quieras tanto”, a la que aceleran el tempo y una letra que comienza con un guiño a una de las grandes canciones de Charly García, “Nos siguen pegando abajo”.

Es una canción compuesta de muchas otras cosas, con un estribillo que suena a milonga y se queda grabado.

Aunque no todo es folk, “No seré yo” es, posiblemente, la mejor canción de las que no habían adelantado y también la que más recuerda a sus queridos Radiohead, con guitarras distorsionadas y la voz en falsete de Pucho, eso sí hasta en este tema meten unas palmas y una percusión vocal que tiene más en común con Morente que con Thom Yorke. Otra de las canciones destacadas es “Corazón de lava”, una canción con un inicio con un piano clásico que suena a Manuel de Falla y tiene ese toque de música tradicional en la melodía, sonando también épica como es costumbre en la casa. En “La diana” meten un riff de blues acústico que suena al Beck de mediados de los noventa y tiene otro de los mejores estribillos del disco. Eso sí otras canciones no funcionan tan bien, como “Palabra es lo único que tengo”, “Si te quiebras” o el optimista final con “Al final de la escapada”, que se quedan a medias y difícilmente conseguirán que las coreé tu abuela, una de las ambiciones que se han marcado con este trabajo. Conceptual y musicalmente es el trabajo más logrado de la banda hasta la fecha, aunque no sea el que mejores canciones tiene. —S.A.

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diciembre 2021 #21

Dejadme solo Alizzz

#22 septiembre diciembre 2021

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EN PORTADA

T

El año de Alizzz ha sido increíble, se acabó hablar de él como el productor en la sombra tras grandes artistas de la música nacional. Ahora él es la estrella en la que fijar nuestra atención.

"Tiene que haber algo más” (Whoa/ Warner, 21) es un álbum enfocado a la música que verdaderamente le apasiona, con la que creció, celebró, lloró y construyó su vida.

—TEXTO Álex Jerez

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IENE QUE HABER ALGO MÁS” (Whoa/ Warner, 21) es una joya tremendamente personal y un viaje emocional por el mundo de Cristian sin focalizar todo en la música urbana. Hablamos con él recién llegado de Las Vegas y esa increíble noche en los Latin Grammy para que nos cuente lo que supone este enorme

salto en su carrera.

— Primero de todo felicidades por esos premios Grammy y por este año tan increíble. ¿Cómo ha sido la experiencia de brillar en una gala de ese nivel?

Rocambolesca, divertida, emocionante, increíble y como difícil de digerir. La hostia, una de las experiencias más importantes de mi vida.

—Brillasteis además sobre el escenario con una actuación espectacular y una mesa de lujo. Un poco como un grito de respeto, de igual a igual, donde lo único que importaba era el arte.

Sí, para mí el premio del Grammy es como que, además del reconocimiento que hayamos podido tener si hablamos de éxito comercial, también hemos logrado el reconocimiento por parte de la cultura, de los músicos. Que los artistas te digan que lo que haces tiene un valor y que va a dejar huella dentro de la cultura popular. Para mí, eso es lo que significan estos premios. Además, como que ha tenido una recepción súper buena porque estaba mirando ayer los números de YouTube y la nuestra ha sido la actuación que más ha tenido. La que más gente ha visto con bastante diferencia a las siguientes.

—“Tiene que haber algo más” es un disco lleno de decepciones amorosas, de dolor, de estirar relaciones, de mantener algo que sabes que no va a funcionar… Son conceptos tan personales, como universales. Cuéntame un poco más sobre el origen de todas estas letras llenas de verdad.

Bueno yo soy un poco así, vivo entre la melancolía, la nostalgia y la euforia; que es para mí como la sensación de felicidad. Sé que la euforia no es felicidad, pero no sé, yo lo siento así un poco.

Me recreo bastante dentro de la tristeza, esa atmósfera es la que me mueve y la que me lleva a escribir cosas. Con mi proyecto de Alizzz llevo más de diez años, empecé como productor de electrónica y pinchando. Mi vida siempre ha estado relacionada con la noche, con salir de fiesta. Con el hedonismo, con la felicidad más instantánea. Aunque luego también haya tenido relaciones amorosas largas y haya podido vivir también el amor más pleno.

Pero, como te decía, a la hora de escribir me llama más la atención hacerlo sobre ese momento cuando las cosas están un poco más rotas y cuando estoy más vulnerable, más frágil. Estoy más cómodo, siento que transmito más, me emociona.

—Bueno, algunos de los mejores discos de la historia de la música han salido de la mayor oscuridad que nos podamos imaginar y de mucha tristeza.

Las mejores canciones son siempre tristes, bueno no es que sean tristes pero tienen un punto así como más rasgado. O bueno, a mí son las que más me llegan siempre. Es como en las películas, siempre tiene que haber drama de por medio sino no hay película.

—Además, esa desgana, tristeza y desilusión también define mucho a las nuevas generaciones. ¿No crees?

Bueno no sé, creo que también es bastante universal, todos somos muy dramáticos al final.

—Explicabas en Instagram que te parecía increíble la evolución del proyecto desde que creaste la primera demo hace un par de años. ¿Eres ya un pelín más consciente de lo que viene?

Tengo la sensación de que el proyecto ha crecido más de lo que me esperaba. He tardado muchísimo más de lo que quería en sacarlo, pero creo que el ciclo de este disco ya ha acabado. Necesitaba enseñárselo a la gente, necesito cerrar ciclos. El ciclo de “El Madrileño” también se está cerrando poco a poco, aunque aún estamos de resaca. Aún estamos con los premios y seguirán

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diciembre 2021 #23

EN PORTADA

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saliendo cosas. Y sé que “Tiene que haber algo más” aún va para largo porque toca la gira y quiero que sea guay, darle su tiempo. Pero necesito empezar a pensar en lo siguiente, no me puedo quedar quieto, tengo ganas de seguir componiendo y de ver hacia dónde me lleva este proyecto y cómo será lo siguiente.

—Tu evolución como artista es impresionante, en especial, tu capacidad de adaptación, ruptura de prejuicios, versatilidad… Mark Ronson comentaba en una entrevista que hicimos para Mondo la importancia de dejar el ego aparte como productor y darle a cada canción siempre todo lo que se merece; que casi sea la propia canción la que decida. ¿Qué es lo que más te obsesiona a ti cuando produces un tema?

Creo que es un proceso tan visceral, tan como sin pensar, que como que no suelo llevar las cosas predefinidas en plan “voy a utilizar esto o estoy obsesionado con este sonido”. Más bien todo va fluyendo, encuentro la motivación y me flipo en el proceso. Evidentemente ya tengo una manera de trabajar con librerías muy interiorizadas, o autores que me gustan, y siempre acabo tirando las cosas un poco por ahí. Pero esto es como cuando vas conduciendo y no piensas que estás cambiando de marcha, sino que lo haces de forma automática.

Yo tengo un poco ese piloto automático puesto y me salen las cosas desde el subconsciente. De no tener nada, han pasado siete horas y todo lo que ha pasado en medio de una canción es un poco difícil de explicar. Tiene un poco de magia, un poco ahí espiritual.

—¿Y tenías clara tu propia dirección artística y desarrollo personal en este disco?

Al principio no tenía ni puta idea, no sabía ni que iba a hacer este proyecto. La primera demo que hice me salió porque me pillé la guitarra y encontré ahí como algo interesante en mi voz. Llegó un punto en el que tenía como cinco canciones, había tirado un poco del hilo y dije hostia esto empieza a tener un poco de sentido. Vi claro hacia dónde tendía yo a componer, qué tipo de música, qué tipo de sonidos me vibraban a mí. Yo me veía bien defendiendo estas canciones dentro de un género que no tenía nada que ver con lo que yo venía haciendo como productor, sino que se acercaba más a la música que yo venía escuchando en paralelo a todo ese pop más urbano con el

#24 diciembre 2021

que trabajaba. Grupos como Radiohead, Oasis, Los Planetas, Beach House… Ese mundo más de guitarras, pop-rock más independiente, música que ha sido el hilo conductor de mi vida y con la que me siento identificado como artista.

—Pero al final es un poco también huir de lo que ahora mismo colapsa las listas de ventas y que como productor sabes que es lo que mejor funciona si hablamos de industria.

Yo creo que todo lo que es la música más mainstream que llena los Top 50 mundiales, por lo menos de habla hispana, ha tenido una explosión gigante en los últimos cinco años y, a su vez, la noto un poco bloqueada, un poco en un valle donde las propuestas ya no son tan frescas. Sí que creo que son interesantes los híbridos, experimentar, las fusiones de otros géneros con la música urbana, que lo inunda todo ahora mismo. Propuestas un poco más arriesgadas que la gente está recibiendo súper bien y que creo que es para dónde va a ir la música de los próximos años.

—Hablabas un poco de tus inicios pinchando y de fiesta en fiesta por las noches de Barcelona. En el tema junto a Rigoberta Bandini eso queda bastante bien plasmado. ¿Cómo surge la colaboración? ¿Dirías que Rigoberta es el ejemplo perfecto de estrella pop nacional al completo?

A Rigoberta no la conocía personalmente, pero hablando con ella me di cuenta de que tenemos referentes similares y ahora somos amigos.

Hemos ido al FIB muchas veces, al Primavera, al Sónar… Tenemos esos referentes de fiesta parecidos, somos fiesteros tanto ella como yo, aunque con el tiempo hayamos bajado un poco la intensidad.

“Amanecer” habla sobre el mañaneo digamos. Es un retrato costumbrista de lo que pasa cuando se hace de día después de una fiesta.

Nos hemos inventado una historia acabando por la mañana tras una fiesta muy larga y haciendo ese retrato de una manera como un poco más preciosista, como poniéndolo bonito. Y sí, creo que ella es una estrella pop hecha y derecha y lo está reventando bastante. Dentro del pop mainstream es la figura que hace años costaba encontrar y ahora este tipo de estrellas están recuperando su sitio. Hablo por ejemplo de C. Tangana, sin ir más lejos, Nathy Peluso, Rigoberta…

Artistas plenos a todos los niveles. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

—Hablando de pop, hay una clara referencia en el inicio de “Siem-

pre igual” a “La chica de ayer” de Nacha Pop. Sí, Antonio Vega es uno de mis artistas favoritos y tuve la suerte de verlo en vida. Fue uno de los conciertos más emocionantes que he visto nunca. Tanto Antonio Vega como Enrique Urquijo, son dos de mis referentes a seguir como compositores y artistas pop. Es una pena que no haya podido coincidir con ellos durante mi carrera musical, porque me hubiese encantado enseñarles mi música e incluso hacer algo juntos. Es un tema además muy visceral y cuando lo tocamos en directo parece que suena un poco a AC/DC. —La colaboración que sí se ha hecho realidad ha sido la de Jota de Los Planetas. Que, además, dices que es tu grupo favorito.

Para mí cerrar el disco con Jota es como mi peak como artista. Es lo más, lo más grande que he hecho nunca. Además, pude pasar un par de días con él en su casa en Granada, conocer su pequeño universo, ir al estudio donde Los Planetas han grabado dos discos, conocer a algún miembro, también a sus amigos… Y no sé, bajé en moto con él a Granada, porque vive en una zona un poco alejada, y me veía metido en todas las historias de Los Planetas, en todas las canciones. Todo esto no se lo dije porque me parecía demasiado fan, pero sí que para mí fue súper emocionante y joder, que cantasen mi canción… No sé, muy bestia la verdad, muy bestia. Espero que la gente lo perciba tal cual, porque al final la gente cuando colaboras con Los Planetas les parece algo guay, pero para mí significa mucho más emocionalmente.

—Tienes una visión muy clara en la que confías como artista e incluso huyes de las imposiciones de mercado. De ese concepto, en ocasiones, de “usar y tirar” que reflejas muy bien en “Ya no vales” hablando del paso del tiempo y de cómo un artista puede llegar a agonizar por el éxito.

Sí, seguro que lo voy a tener que vivir. No siempre estás en la ola, no siempre estás viviendo un momento en el que has ganado tres Grammy y vas a sacar discos. Yo escribí esto en un momento en el que estaba bastante bien valorado, pero ahora es que realmente estoy en el pico de mi carrera absoluto. Yo sé que esto es momentáneo y en mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“Tanto Antonio Vega como Enrique Urquijo, son dos de mis referentes a seguir como compositores y artistas pop”

algún momento va a venir un bajón, un valle donde llega la incertidumbre porque no estás inspirado. Puede llegar el día en el que las cosas no funcionen, no te salgan. La industria musical funciona muy así en plan “no sirves, pues ya está”. Es una movida muy traumática, pero tienes que estar preparado de alguna manera, envejecer y encontrar también tu sitio con el paso del tiempo. No puedes ser siempre el mismo artista. Estoy aquí imaginándome algún artista que ya entrado en años intenta ser el mismo artista que era hace treinta y creo que ese es el camino a la frustración.

—Al margen de tu álbum también estás como productor en el disco de Amaia Romero. ¿Algún proyecto más que nos puedas contar?

El disco de Amaia Romero no tardará tampoco muchísimo en salir porque lo tenemos bastante perfilado. Con Pucho tenemos unas cuantas canciones más por ahí en el tintero que creo que también tienen que salir pronto. Y, al margen de mi disco, tengo alguna canción más pero no tengo ni idea de qué voy a hacer con ellas. He trabajado también en la producción de algún que otro single, pero aún no se ha dicho nada.

—¿Y qué idea tienes para llevar este álbum al directo? ¿Vas a potenciarte a ti en solitario, vas a tocar con banda?

Pues lo tengo bastante perfilado, será con banda. Somos cinco en un concierto de rock festivalero y tocarlo entero es un subidón que te cagas. Todos hemos cambiado las estructuras de las canciones para para hacerlas más épicas, para hacer momentos más largos, para llevarlas más arriba. Creo que es un concierto que en el festival debería funcionar de puta madre.—A.J

R Más en www.mondosonoro.com

diciembre 2021 #25

27/Mondo VINILOS

Frank Carter & The Rattlesnakes

Silk Sonic

An Evening With Silk Sonic Aftermath/ Atlantic

Sticky International Death Cult/ Popstock!

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PUNK / La pandemia cortó

en seco el ritmo de giras de todo el mundo. ¿Qué hacer en estas circunstancias? Para innumerables artistas la respuesta ha sido grabar nueva música.

Es el caso de los británicos. En su cuarto trabajo, que llega apenas dos años después del ecléctico “End Of Suffering”, Frank Carter y Dean Richardson apuestan por su modo más directo, reacción a la oscuridad en que hemos estado sumergidos.

La producción del guitarrista es tan limpia como moderna, y subraya sin complejos la voz de Carter y los estribillos marca de la casa. En la primera parte del álbum las canciones van justas, con la excepción del arranque, “Sticky”, pero a partir de la vigorosa “My Town”, que se ventilan junto a Joe Talbot de Idles, se entonan.

—JC PEÑA

Idles van aún más lejos Idles

Crawler Partisan/[PIAS]

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POST PUNK / Asegura Joe Talbot en la nota de prensa que acompaña al nuevo disco del quinteto de Bristol que estas recién publicadas canciones hablan más de arreglar su propio mundo que el de los demás. Esta especie de honradez introspectiva asoma desde el primer segundo de un álbum que parte de algunos de los hallazgos de su anterior, el complaciente y muy exitoso “Ultra Mono” (“una especie de caricatura de nosotros que nos ayudó a ver nuestros defectos”, según el guitarrista y coproductor Mark Bowen).

Al carajo expectativas. Podrían haberse acomodado en su lado extrovertido y seguir el camino fácil. En lugar de eso, entregan su disco más extremo y experimental con singles como “Car Crash”: ritmo pesado roto, bajo sintético, voz procesada, final explosivo; delicias insospechadas como la balada catártica “The Beachland Ballroom”, en la que Talbot lo da todo vocalmente, o la atmosférica y experimental “Progress”. A esto

en la era de “In Utero” se le llamaba suicidio comercial. Pero es precisa y paradójicamente lo que sigue haciendo crecer a un grupo.

Cuando suben de revoluciones, también tiran de visceralidad (“Crawl!”, “Meds”, los treinta segundos feroces de “Wizz”).

El desastre pandémico parece haber acentuado el carácter catártico y sin filtros de un trabajo que busca sentido en el caos personal: las adicciones de Talbot. Fue un incidente en la autopista con una moto que estuvo a punto de estamparse contra su coche la epifanía que necesitaba el vocalista para las nuevas canciones: la conciencia de nuestra fragilidad. Construidas desde la contención y la tensión del viejo post-punk más espartano –guitarras angulosas, bajos que trepanan, ritmos insaciables–, Bowen y Kenny Beats (Vince Staples) realzan el lado más salvaje del grupo y su capacidad expresiva. La banda no sólo rehúye la oscuridad, sino que la confronta en una primera parte asfixiante que luego sube de tempo, pero sin apenas concesiones; aunque la luz asome en “King Snake” y “The End”, que no todo en la vida es miseria. De esta manera, la verdad del grupo brilla más que nunca en uno de esos discos valientes hechos inconfundiblemente desde las tripas, y cuyo sentido se encuentra en su agreste totalidad. —JC PEÑA

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son .Paak ponen sus miras en el soul más tórrido de mediados de los setenta, con principal atención en el "Quiet Storm" de Smokey Robinson, el sonido Philadelphia de Teddy Pendergrass, cuyo “Close The Door” puede ser la principal influencia para ese notable “Leave The Door Open” que podría llevar a una gira de esas en las que solo entraban mujeres como en la época dorada de Pendergrass. Habrá quien no se lo crea, ni les quiera comprar la idea, pero es imposible no maravillarse ante el resultado obtenido en este ejercicio de estilo. Una obra que puedes escuchar a la vez que las mencionadas, “Wake Up Everybody” de Harold Melvin & The Blue Notes o el debut de los Spinners, sin que desentone en absoluto. El único problema es que estamos en 2021 y no en 1975... —SERGIO ARIZA

The Darkness

Nicki Nicole

Motorheart Cooking Vinyl/Popstock!

Parte de mí Sony Music

eléctricas, cuero, motos…

La esencia del rock sigue viva gracias a The Darkness. “Motorheart” nos transporta a los setenta y los ochenta, cuando el hard rock dominaba la tierra con sus refinados riffs, sus voces agudas y su estética glam. Ya lo habíamos ido viendo a través de sus adelantos, lanzados a lo largo del año con sus respectivos videoclips: “It’s Love, Jim”, “Jussy’s Girl”, “Nobody Can See Me Cry”, una de las más pegadizas, y “Motorheart”, una aventura romántica con una mujer robot que les ha valido para titular su nuevo trabajo. Ahora ya tenemos el álbum completo (su séptimo de estudio) que reúne nueve canciones nuevas que se amplían hasta la docena en su versión deluxe.

POP / La rosarina publica su segundo disco en un gran momento, tanto por el auge de la música argentina como por su propio éxito. La artista ha concebido este trabajo como una historia de desamor que pasa de la desolación en “Parte de mí”, hasta el empoderamiento en “LL (interludio)”. El disco es una clara representación de Nicki, una artista que no tiene miedo a adentrarse en cualquier género. De ahí que pueda acercarse al reggae en “Verte” o se sumerja en un tango en “Perdido”. Aunque el estilo en el que mejor se mueve es ese que se encuentra entre el pop y el trap como “Darling” o “Colocao”. E incluye ocho feats que reflejan el espíritu de la argentina. De Rauw Alejandro o Delaossa a Bizarrap pasando por Snow Tha Product o Mon Laferte.

—JESÚS CASAÑAS

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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ROCK / Greñas, guitarras

SOUL / Bruno Mars y Ander-

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diciembre 2021 #27

MONDOVINILOS

The Zephyr Bones Neon Body La Castanya

La obra maestra de Fred Again..

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Fred Again..

Actual Life (February 22 October 15 2021) Warner Music

10 ELECTRÓNICA / El tiempo se ha acelerado. O enlentecido. ¿Las dos? Puede que para algunos el tiempo nunca fuese inconveniente.

Siempre relativo, percepciones a parte. Los hay que viven en otro ‘tiempo’: no es normal haber sacado treinta y dos canciones extraordinarias en un año. No es normal que esas canciones formen parte de la –de momento– duología de un debut. Un estreno relativo, cierto es: antes se había desempeñado como productor para Ed Sheeran o FKA Twigs. ¿Pero como primer material, algo tan magno? No es ni mucho menos normal la sensibilidad al collage, los valiosísimos recursos narrativos (esos mensajes de voz cotidianos ‘lo-fi’, redundantes) que ayudan a empatizar hasta el extremo con la obra.

Una primera parte, “Actual Life (April 14 December 17 2020)” donde la añoranza, la extrañeza y el deseo de normalidad adoptan formas de un equilibradísimo garage house.

JPEGMAFIA

Karavana

LP! EQT/Republic Records

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RAP / “And when this al-

bum over, work for nobody for free”. La crisis motivacional de Peggy le llevó a sentirse utilizado y agredido por la industria musical. Evidentemente, era difícil que alguien tan libre a nivel creativo, y con una voz de crítica política tan grande, acabara adaptándose al mercado y complaciendo a una multinacional con facilidad. “LP!” se podría definir como un autentico trance, un largo viaje excéntrico que recorrer para entender al Peggy del presente y las razones que le llevan a comenzar una nueva etapa. Además, sintentiza estupendamente lo que puede llegar a hacer sin salirse de su esencia.

La brillantez de JPEGMAFIA para escarbar en los géneros que le interesan e incorporarlo a su ADN es espectacular. En esta ocasión, hay menos 808’s, aunque sí busca el minimalismo; se vuelca en experimentar algo más con la electrónica, olvida la apuesta melódica por el r’n’b, está contenido e intenta generar sonidos más contemporáneos.— ÁLEX JEREZ #28 diciembre 2021

Y ahora una segunda hornada donde se supera la fórmula. Hay movimiento, ecos de recuperación, aunque no puedan evitarse las miradas atrás. La vida de ahora no es horrible, pero tampoco es la de antes. De esa paradoja vive “Actual Life (February 22 - October 15 2021)”.

De arranque trip hop, desde “Catrin (The City)” oímos teclados –tímbricamente, xilófonos– de activación. El disco se enfoca a la pista, reforzando el corpus orgánico con vientos (y más). Hasta “Gigi (What You Went Through)”, el conjunto no hace más que crecer. A la vez, hay

POP ROCK / Karavana editan

su primer álbum, “Muertos en la disco”, en el que saltan a la comba con el rock y el pop, logrando un sonido a medio caballo entre lo antiguo y lo actual. A partir de esa esencia han trazado nueve canciones con las que esperan “liar el taco” en sus próximos conciertos. Entre esas composiciones encontramos temas que se acercan más al rock como “Resaca Pop”, otras que se encuentran en una onda más popera como “Fiesta With U” y una en la que aúnan ambas cosas como “Madrid”. Aunque dejan la puerta abierta a una evolución del sonido en la última pieza, “Qué putada”. Y, aunque en todas las pistas encontramos algunas “guitarras sucias y letras cursis” tal y como ellos definen su música, el concepto del álbum acaba convirtiéndose en una crítica social a la superioridad moral de la gente. Una demostración de que solo acaban de aterrizar y que les queda mucho por demostrar, tanto en lo auditivo como en lo conceptual.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

HARDCORE / “Cuando todo

esté perdido” supone el regreso de Proud’z tras casi una década de inactividad (motivada por la marcha de Rana al extranjero) y su nuevo trabajo discográfico desde “Dulce miseria” (09). Con el regreso del cantante a los Madriles, fue cuestión de tiempo que el cuarteto se reuniera de nuevo. Fruto de ello son estos diez trallazos de hardcore marca de la casa. Contundencia desde su apertura hasta el cierre.

Las letras están llenas de reflexiones autobiográficas sobre sus vivencias personales y sus demonios interiores (soledad, rabia, pesimismo…), así como sobre el propio devenir de la banda, desde el periodo del vocalista fuera del país (“En el destierro”) hasta su regreso tras toda una vida al pie del cañón (“Elegidos para la gloria”). En esta última escucharemos la voz de Rubén López (La Inquisición), colaboración destacada a la que hay que sumar los coros de múltiples personalidades del hardcore nacional. —JESÚS CASAÑAS

We Are Mono

Rosa permanent Halley Records

Cuando todo esté perdido HFMN Crew

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la pena: el cuarteto afincado en Barcelona, que saltó a la palestra seis años atrás como banda Demoscópica, regresa con un segundo disco elegante y cuajado de melodías y canciones inspiradas. El fondo psicodélico y las progresiones casi jazzísticas se funden a la perfección con un pop depurado de guitarras limpias y bajos musculosos. Esta rara combinación funciona en un trabajo especial y personal en el que se puede adivinar que hay mucho trabajo apasionado. El luminoso sonido por el que apuestan en labores de producción el chileno Brian Silva (voz, guitarra y sintetizadores) y el curtido Santi García, resalta la limpieza y la nitidez de los instrumentos. Las letras, según afirman ellos, tratan de temas atemporales como la pérdida, el amor y la esperanza. Al final, “Neon Body” consigue que el tono optimista no degenere en lo blando ni lo azucarado. El resultado es un disco refinado y delicioso, en el que cada parte encaja con total naturalidad. —JC PEÑA

Roba Estesa

Proud’z

Muertos en la disco Vanana Records

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algo más de piano, como el que hemos visto en su Instagram. Espejismos. No tarda en volver a una producción del gusto de Jamie XX. Y en el ecuador... ¡Escuchamos a Carlos! Más saturado, parco. Un recuerdo en forma de interludio. La nostalgia combinada al segundo con vanguardia. Un punto más para asegurar la longevidad: mostrarse versátil. “Faisal (Envelops me)” es otra maldita cosa. No es normal. No es normal que Fred Again.. esté marcando ya época: acierto absoluto en fondo y forma en sus dos largos. —YERAY S. IBORRA

POP / La espera ha merecido

A punto de estallar Autoeditado

POP / Dicen que si algo ya funciona, no lo cambies, pero también que quien no arriesga, no gana. ¿Entonces, qué? En medio de ese dilema se encuentra “Rosa permanent”, el último disco de las catalanas Roba Estesa. Un álbum de diez canciones que rompe con lo que ya conocíamos de la banda, que ahora autodefine su proyecto como “#novaRobaEstesa”, es decir, una nueva versión de ellas mismas. Aunque afirman que “la nueva sonoridad responde a una clara intención de hacer dialogar la electrónica con los instrumentos y estilos propios de la banda”, lo cierto es que más bien parece que la primera se ha comido, o almenos ha dado unos buenos mordiscos, a los segundos. Si bien el álbum supone un antes y un después a nivel sonoro para el grupo, lo cierto es que sigue manteniendo la línea combativa y feminista que han seguido desde que empezaron.

“Rosa permanent” es, pues, una apuesta arriesgada.

san con “A punto de estallar” su cuarto disco de estudio.

La banda va a por todo en este álbum y nos ha presentado piezas de todos los colores. “A punto de estallar” y “Te sientes bien” son las que casan más con la esencia rockera de la banda, pero también se han atrevido a pasar por la electrónica en “Montecasino”, pasearse en ritmos funk en “El lago” y rozar la psicodelia en “Rojo” y “Cómics de ciencia ficción”.

Aunque se atreven a tocar ritmos más lentos en “La misma gente” y “Estado espacial”, dos pseudobaladas que consiguen llevar el disco a otro nivel. Pero la joya es “El genio interplanetario”, una pieza que suena a pop-rock y que narra una historia galáctica en la que consiguen meternos con facilidad. Cierran el álbum con su tema más oscuro y reivindicativo, “Echoboy”. Con este trabajo We Are Mono no solamente nos muestran cuál ha sido su evolución, sino que son capaces también de mantener su propia esencia.

—CLÀUDIA PÉREZ GARRIGA

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

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ROCK / We Are Mono regre-

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Prok

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RAP / Hoy en día Prok es

uno de los máximos referentes del rap más hardcore y crudo que se hace en España. Su sonido nos transporta a tiempos de Onyx, La Coka Nostra o Necro, y lo hace al mismo tiempo que nos provoca viajar a los paisajes de la película “La Haine” (“El odio”). Y es que la influencia del rap francés siempre se ha podido ver en el rap de los gemelos de Albayzín.

Obviando la evidencia del título, Prok es capaz de transmitir esa decadencia y oscuridad del rap galo, pero también su espíritu de lucha e inconformismo. La política, representada aquí en la defensa de las clases más desfavorecidas, siempre está y estará presente en la música de Prok, y en esta ocasión el cantante nos hace llegar su mensaje acompañado de ritmos que recogen influencias jazzísticas, latinas, de drill y del rap más ortodoxo de bombo y caja. El granaíno no sólo ha creado más leña para avivar sus incendiarios conciertos, sino que ha subido el nivel y ha ganado en variedad. —ALFONSO GIL ROYO

MONDOVINILOS

Julio de la Rosa

Le crie de la rue Autoeditado

El apego Ernie Records

POP / Ha tenido que ser la celebrada paternidad de Julio de la Rosa, la que instigue el séptimo elepé en solitario del autor, primero en cuatro años y al margen de bandas sonoras.

Un trabajo henchido de carga emocional y que apunta hacia un halo intrínseco diferente, con una visión positivista con respecto a ocasiones anteriores amparada por el amor de su pareja y ese desenlace en forma de niña de nombre Inés. En cualquier caso, el autor se aleja de sensiblería vacua y no renuncia al realismo existencial en forma de preceptos para la destinataria que concreta en las mismas canciones.

“El apego” se presenta como una única pista de cincuenta minutos, en un continuo que apuesta por el calado de una de esas obras que, efectivamente, conviene entender en su globalidad. El precioso regalo de un padre a una hija, protagonizado por una serie ininterrumpida de piezas tan hermosas como empáticas y que desprenden una luminosidad cálida y casi otoñal. —RAÚL JULIÁN

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The Parrots

Madee

Dos Heavenly/ [PIAS]

In The Cold Season B-Core

Damon Albarn se sincera Damon Albarn

ROCK / Madee ponían fin a catorce años de silencio el pasado enero con “Eternity Mingled With The Sea”, álbum que recuperaba virtudes del grupo con solvencia y solidez. Nueve meses después, los catalanes firman una continuación de tendencia continuista y que vuelve a surgir de la colaboración con el poeta norteamericano Mark Swanson. Es él quien aporta unos textos que Ramón Rodríguez interpreta (y ensalza) con pasión y portentosa capacidad vocal, en una fórmula ganadora que el resto de la banda completa aportando instrumentación capaz de amparar sin fisuras las emociones latentes en las composiciones. Una asociación traducida en canciones con el punto justo de épica y nostalgia, dibujadas entre cierta oscuridad y que incluyen influencias clásicas de Hüsker Dü, XTC, Echo & The Bunnymen o Lloyd Cole. Y todo, a pesar de que la euforia se vea rebajada con respecto a su predecesor, tras percibir la presente entrega como un apéndice de su hermano mayor.

7

—RAÚL JULIÁN

POP / Entre unas cosas y otras han pasado cinco largos años desde el celebrado debut de los madrileños y este “Dos”. Una eternidad para los tiempos del pop. Pero Diego y Álex, ya como dúo, han aprovechado el tiempo para sofisticar su propuesta, añadiendo matices a su pop de raíz garajera. Creciendo y mostrándose cómodos en una deslumbrante variedad de registros a los que ha sacado brillo Tom Furse (The Horrors). Un tono festivo y vitalista domina el disco, aunque en las letras haya ese poso melancólico que dejan el tiempo y las relaciones rotas.

El ritmo motorik y las atmósferas de “You Work All Day And Then You Die” dan pie a un álbum lleno de (buenas) ideas y canciones sólidas: del pop descacharrado y pegadizo de “Just Hold On” a las melodías vocales del hit “Maldito” (con C. Tangana). El tono garajero, refinado y tierno, asoma en cortes como “Don’t Cry” y se acelera en la pasional “Fuego”.

“Romance” (con Los Nastys) es un broche ideal. —JC PEÑA

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The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows Transgressive Records

9 POP / Se puede hacer vanguardia sin arrojar novedad. El ansia por saber para qué sirve todo esto es bien antigua. Pero las emociones que se transmiten intentando alcanzar respuestas, siempre son nuevas.

Así lo demuestra Damon Albarn en su segunda entrega en solitario “The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows”, un disco menos unitario que su predecesor, pero más sincero y doliente. “Everyday Robots” (14) fue una grata sorpresa. No tanto porque el británico se probase lejos de Blur y el britpop, ya antes había coqueteado con óperas y bandas paralelas. El disco era mágico porque ponía al frente la voz de Albarn pero con un cáliz sintético que resultaba futurista y nostálgico a partes iguales. El británico deja ahora de lado lo conceptual para ahondar en un largo de cantautor. A su manera. Sinfónico o jazzero.

Fragilidad humana, pérdida y renacimiento.

Del ambient al neo funk. Un disco más raro, menos redondo que “Everyday Robots”, aunque más maduro. Y eso es mucho decir para alguien con veinte años de carrera.

En el nuevo álbum uno vive los giros del

autor. Las variadas fases, muchas de ellas oscuras, por las que ha pasado y que le han conferido altísima sensibilidad poética y melódica. Pese a que todo nació de un experimento fallido, las once canciones fueron pensadas como piezas orquestales inspiradas en los paisajes de Islandia, hay un sutil empaque en el largo... ¿La libertad que se vive en la nada? Inteligentemente, el inicio del disco, sobre todo la pulsión del segundo tema, “The Cormorant”, remiten a algo de “Everyday Robots”. Hay también arrebatos de pesadilla: “Combustion”. De ahí a un interludio que todo lo quema y que aporta sentido narrativo. En “The Tower Of Montevideo” el conjunto rompe hacia una coralidad que tan buenas noticias le ha traído a Fred Again..: spoken word vívido. Más rico en sonidos, más chiflado, más extraño. Pero siempre pop. Se hermanó para ello con su habitual Stephen Sedgwick. El largo toca techo en “Graffite trumpet sea”. Una banda sonora desquiciada. Como cierre, “Particles”, una medio balada que podría haber firmado para Blur, y la enorme sensación de que Damon Albarn ha logrado una técnica prodigiosa para absorber y soltar. Absorber, soltar. Mejorando lo recibido: acercarse a la fuente y beber de la parte más alta. La más pura. Hacer de tu vida esa fantástica frase mancillada del poema “Love And Memory” de John Clare y que da título al disco.

—YERAY S. IBORRA

diciembre 2021 #29

UN LAZO IRROMPIBLE

ENTREVISTA

“ “El amor verdadero es para siempre, pase lo que pase, eso queda ahí”

ESCUCHA AQUÍ EL PODCAST

#30 diciembre 2021

C

ÓMO NACE este proyecto y por qué decides que es el mejor momento para homenajear a tus padres?

El disco surge en el confinamiento. Tenía ahí la guitarra y bueno, ocurrió algo importante: por primera vez recibo un encargo para componer para otra persona, de Arcángel, el cantaor flamenco. Arcángel me pide una canción y nace “Ayer”. Entonces escribo esta canción, la compongo para este encargo, pero me doy cuenta de que está muy ligada a mí, tan ligada que de ahí empiezan a nacer las otras canciones. Arcángel la ha cantado, la hace a su manera y ahora son como dos canciones diferentes… Y bueno, misteriosamente suceden estas cosas. Nace “Ayer” y de ahí me doy cuenta de que estoy escribiendo la historia de amor de mis padres, sobre todo poniéndome en la perspectiva de mi madre, de cuando uno se va y la otra se queda en la Tierra… Canto a muchas cosas, a la historia de amor de mis padres, canto al respeto, canto a la pasión, y canto también, dentro de la melancolía, a la alegría.

—Adentrémonos en el disco. Lo inicias a corazón abierto, con la minimalista y emocionante “Aurora”, con una cadencia de nana que fundes con “Ayer”, más atmosférica y resplandeciente, en la que reluce fuerte el nuevo sonido que has conquistado en este trabajo y en el que nos sumergimos poco a poco… Háblame de ese inicio en el que tu madre Aurora toma las riendas de esta historia de amor verdadero, con ese lazo irrompible que, pase lo que pase, jamás nos separará de nuestros seres queridos.

Pues mira, como te he comentado, la primera canción que nace es “Ayer” y la última, “Aurora”. El inicio del disco y la última composición que me salió. Y fíjate, otra cosa misteriosa… Me faltaba una pieza para redondear, para cerrar el disco, y lo que me faltaba era el comienzo. No tenía el comienzo, no tenía la primera frase de la novela, como dicen los escritores… Y bueno, de repente nace “Aurora”. Son tres acordes y esa letra, otra vez en el papel, en el personaje de mi madre… “Las estrellas y los luceros solo se rinden al día, yo me rindo ante ti, Enrique del alma mía”. Como un canto de amor, de lo más importante que eres tú para mí.

—Cómo un lazo irrompible…

Exactamente, es como un vínculo tan potente, una fuerza tan profunda contra la que no se puede luchar… Entonces lo mejor es echarla fuera y cantarla y reivindicarla… “Echar las penas al aire”, que lo digo también en “Ayer”. Y bueno, ya hicimos “Aurora” y, curiosamente, estaba en el mismo tono que “Ayer” y encajaba todo. Entonces decidimos que “Aurora” fuese como el preludio y luego “Ayer”, y de ahí ir dando ese paseo emocional.

—¿Y cómo ha surgido el sonido de este nuevo álbum? ¿Lo has buscado un poco o ha sido natural?

No, ha ido naciendo de manera natural. Tenía “Ayer” y después “Iba a decírtelo”, canciones que había escrito, como te contaba antes, en soledad, en momentos muy delicados que estábamos viviendo todos, y sí que fui imaginando una atmósfera especial… Las mismas canciones me fueron pidiendo el tratamiento de la producción. Era algo muy íntimo y emocional al mismo tiempo. Recuerdo que estaba escuchando mucho el disco que Sufjan Stevens le dedicó a su padre… También escuchaba mucho a The Cure, a Beach House… Son varias circunstancias que coincidieron y me llevaron luego a decidirme por Manuel Cabezalí a la producción.

—La cara A se cierra con uno de los temas más ambiciosos del disco, los siete minutos y medio de “Fe ciega”. Con una letra muy evocadora y espiritual, donde ese amor del ser querido nunca se va del todo y sigue presente en nuestro día a día, hasta en el aire que respiramos. Además, en lo musical, es un tema también bellísimo…

En este tema, después de las dos estrofas y el estribillo, nació una parte instrumental que ocupa un gran espacio en la canción, que nos pareció que era necesario. Le damos mucha importancia a la parte instrumental, ahí Manuel crea una atmósfera de guitarras muy bonita...

—Sí, me encanta, repleto de delay de guitarras que parecen

Soleá Morente

Si ya terminó de reconquistar su libertad artística a base de rumba incendiaria y fresco electro-pop en el sobresaliente “Lo que te falta” (Elefant, 20), Soleá Morente vuelve a ganar la partida dando rienda suelta a su ADN camaleónico en “Aurora y Enrique” (Elefant, 21), cuarto álbum en el que nos envuelve en una mágica atmósfera onírica en la que resuenan referentes como Beach House o The War On Drugs, tejiendo con recuerdos un emocionante homenaje a la historia de amor eterno de sus padres.

—TEXTO David Pérez —FOTO Alfredo Arias

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tejer paisajes luminosos que atardecen una y otra vez, con cierto regusto a The War On Drugs y a Lou Reed.

Sí, me gustó muchísimo cuando lo escuché. Teníamos dos opciones: O hacer una canción con una estructura más convencional y una duración más estándar, o dejar esta creación, ese momento de volar que Manuel creó y me parece de una belleza increíble… Explica muy bien la emoción del disco y de esa canción en concreto, esa “Fe ciega” que uno puede llegar a tener.

—Es muy emocionante, se siente como ese ser querido nunca se va del todo, nos acompaña y permanece entre nosotros.

Nunca se va del todo, exactamente. Esa voz… Yo, por ejemplo, hablo muchas veces con mi padre, le tengo muy presente. Entonces, por una parte está eso, y cuándo crees que todo va mal y suceden milagros, sucede la magia, sucede el misterio… Es un canto a creer un poco en el más allá, en la inspiración, en la intuición.

—“El amor que me dabas, que como era de ‘Polvo y arena’, el aire se lo llevaba”. Recuperas ese estribillo popular que tanto le gustaba cantar a tu padre y compones una hermosa despedida, pero aunque el “Polvo y la arena” se las lleve el aire, los recuerdos y el amor verdadero siempre perduran, ¿no? Quizás ese sea el eje central del disco y de la vida en general...

Pues sí, el amor verdadero es para siempre, pase lo que pase, eso queda ahí. Bueno, ya sea porque rompes con alguien o porque pasan cosas en la vida, como cuando una persona marcha... Pero, cuando el amor es de verdad, pues siempre quedará ahí y de vez en cuando te visita y te viene a la mente. Eso es algo que nos ha pasado a todos. Y esta canción pues sí, a pesar de haberlo pasado mal en algún momento, bueno, puede seguir ahí el recuerdo. Y la última parte de la canción que dice: “Y sigo sin poder dormir”, es como enlazar ahí con “No puedo dormir”, que es una de las canciones de “Lo que te falta” y fue también una de las primeras canciones que compuse del disco anterior... Esa canción me enternece muchísimo. Y luego tiene ese estribillo con la letra que es muy emocional, que me parecía apropiado añadirlo, refleja mucho el momento ese, el “y si ya no te veo, y si ya no...”, esos momentos en los que estábamos, cuando no sabíamos que iba a ocurrir y, bueno, a uno se le pasan muchas cosas por la cabeza.

—“Yo me creía que había sido un sueño y tú no te habías marchado”. Empezamos con “Aurora” y finalizamos con “Enrique”, cierre jondo y sentido, que termina con un delicado piano y siguiéndolo, a modo de nana, un tarareo muy evocador…

Esa canción sí que tiene ya un momento de final, de aceptación de la ausencia, siguiendo otra vez el discurso de la relación de mis padres y tal. El aceptar que las cosas pasan y la gente que quieres se marcha de tu vida. Es súper importante la aceptación para hacernos fuertes y para seguir en el camino y en la Tierra.

Entonces, es como un momento de cerrar un ciclo con la aceptación y, claro que siempre voy a querer a mi padre, hasta que me muera, es la persona que más quiero en mi vida, pero hay que aceptar la marcha, los palos que te da la vida, para poder ser valiente y seguir adelante. Después de contar todo ese proceso y toda esa historia de amor, con eso es con lo que nos tenemos que quedar: con la parte positiva, con el amor, con lo bonito, con la magia, con el misterio, con lo que nos motiva, con lo que nos inspira. —D.P.

R Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

diciembre 2021 #31

D

ESPUÉS DE DOS AÑOS regresas con “De inmensidades”, tu nuevo álbum de estudio tras “Pyramo”. Pero han tenido que pasar cuatro años para que vuelvas a publicar un disco en solitario. ¿Cómo ha ido creciendo este disco durante este tiempo? ¿Tenías algunos temas ya creados o todo fue post-Pyramo?

Pues todo ha sido post-“Pyramo”, a excepción de “Lluevo”, el primer single que saqué. No me gusta decirlo porque la gente ve lo huraño que soy con las letras, pero de este tema tenía la letra escrita antes de “Pyramo” y todo lo demás ha venido después.

—Lo que sí que hemos podido ver en tus redes sociales es que llevas promocionando tu álbum varios meses y no tenías claro cuantos temas podían caber en él. ¿En qué momento lo das por acabado?

En el momento en el que me pongo una fecha para sacarlo, ahí decido los temas que va a tener porque ya veo que no tiene sentido meter más. A mí me ha pasado con todos los discos, lo termino porque me pongo una fecha para acabarlo, sino daría muchas vueltas al disco, cambiaría cosas, corregiría varias palabras o silabas… Entonces, las fechas limites son muy importantes para mí porque me sirven para concretar, si no nunca pararía de darle forma a las canciones. En este disco me propuse un modelo de negocio que no había hecho hasta ahora, el de ir sacando singles. #32 diciembre 2021

“

Es una manera muy cómoda de hacer música, pero muy peligrosa para hacer un disco, porque solo te preocupas del single siguiente y no del conjunto de canciones en total. Hubo un momento en que dijimos que había que ponerle una fecha al disco ya que no paraba de crecer y había que definirlo. Si hubiera tardado más en sacarlo, hubiera incluido dos o tres canciones más todavía.

—“De inmensidades” es un álbum en el que como tú mismo has dicho le has puesto mucho amor y mimo.

Está descrito como “un camino que va directo al infinito universo que tenemos dentro”, pero ¿qué es “De inmensidades”?

Es un catálogo de emociones, de pensamientos, de reflexiones, de experiencias, empaquetadas con las mejores ropas que he sabido fabricar. Con mis manos, con las del Gordo del Funk y la ayuda de mi hombre, Jorge. Este disco se puede explicar como una continuación lógica de todos mis discos, en cuanto a lirica, y en lo musical me he intentado incluir todo lo que aprendí en el camino de “Pyramo”. No es un disco tan arriesgado, se parece más a mis anteriores trabajos, pero he intentado arriesgarme un poco más en el tema musical.

“Es peligroso que los jóvenes se acerquen al rap desde el prisma del éxito”

Ho po

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ENTREVISTA

Sharif es uno de los grandes referentes del rap nacional de la última década y media.

Después de lanzar “Pyramo”, su disco colaborativo junto a MXRGXN, publica “De inmensidades” (Guspira Records, 21), su quinto álbum en solitario. Charlamos con él sobre este nuevo trabajo, la pandemia y, cómo no, de rap.

—TEXTO Alejandro Caballero Serrano

onestidad or bndera Shariff

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—Siempre has estado muy vinculado a Latinoamérica,

pero en este disco parece que todavía más. Colaboras con artistas latinos como Karen Méndez o Neto Peña e incluyes esos cuatro skits de distintos países. ¿Qué es aquello que ha aportado Latinoamérica a tu música?

En todos los discos me gusta cuidar los intermedios y este es un pequeño guiño que hago a Latinoamérica. No le veía mucho sentido hacer un interludio sobre España, porque me parecía muy obvio siendo mi país y el lugar en el que he crecido y vivo. Lo que me ocurre con Latinoamérica es que cuando fui la primera vez a México a cantar me pareció una locura sentir que mi música era capaz de alcanzar a personas tan lejanas y es como un sueño hecho realidad. Y a partir de ahí se extrapola a Colombia, Chile, Argentina, Perú… y te vuela la cabeza sentir que algo que he hecho en mi casa, en mi barrio obrero de Zaragoza, lo escuchan a miles de kilómetros y pagan por venir a verme. Han pasado más de diez años desde entonces, pero hoy en día noto que la música urbana latinoamericana ha crecido de una manera rápida y con mucha calidad, hasta el punto de que puede mirar a los ojos a la música urbana española, si no nos superan.

Entonces hago esto como muestra de respeto y admiración por lo que están haciendo ahora y como una fraternidad porque nos amamos mutuamente y es una manera de fortalecer esa relación.

—“De inmensidades” es un disco de rap muy variado donde colaboras con muchos y distintos artistas desde Juanito Makandé a La Sra Tomasa, Charles Ans o Her Ex. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos? ¿Cuál de ellos te sorprendió más a la hora de trabajar?

Un poquito todos, sobre todo por lo fácil que ha sido trabajar con ellos. Cuando busco colaborar con alguien es porque algo sé de ellos o los conozco o de una manera u otra admiro. Me ha encantado trabajar con Charles Ans, también con Karen Méndez… De hecho, este tema casi se cae porque ella tenía mucho curro, pero los dos teníamos ganas de sacarla y un día en el estudio se me ocurrió un estribillo y se la envíe y le moló. Estábamos a punto de desecharla, pero decidimos esperarla y al final mandó su parte y quedó increíble. Con Neto Peña también ha sido muy guay. También Nano, un cantante de mi barrio

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diciembre 2021 #33

ENTREVISTA

“ “El rap tiene una serie de cánones, pero a la vez, una de las cosas que mola es llevarlos al límite y fusionarlos y mezclarlos”

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al que no hemos incluido en los créditos pero que me ha ayudado mucho y que ha sido gloria meterlo en el estudio. Me siento muy privilegiado de que la gente a la que llamo me responde.

—¿Y cuál ha sido la canción que más se te ha resistido al hacer el disco? Quizás la colaboración con Karen por todo lo que me has contado…

No, no, la de Karen solo me costó porque ella tenía mucho trabajo, yo se la pasé ya terminada por mi parte. Me costó escribir “En carne viva”, porque tenía pensada hacerla sobre otro ritmo y de repente Gordo del Funk consiguió hacerme ese ritmo, que me encantó, y tuve que adaptarla. Hubo que trabajarla un poco más, pero tampoco me costó mucho la verdad.

—En un mundo donde cada vez es más habitual lanzar álbumes cortos, sigues con la tónica de alargarte hasta las quince canciones. ¿Qué es lo que te lleva a seguir haciéndolo así a pesar de la tendencia actual?

Ya he cambiado el modelo de negocio con los singles porque quería tantear cómo se siente publicar un álbum así, pero también quería sacarlo como lo sacaba antes. Creo que se está perdiendo algo del formato disco, porque todas las plataformas premian los singles, la inmediatez, pero es que un disco es un concepto, te permite desarrollarlo y profundizarlo más. El modelo de singles ya me permitía experimentar lo nuevo y a la vez quería seguir poder publicando quince canciones. Aunque, siendo honesto, si saco nueve singles, no me puedo permitir que el disco tenga diez canciones.

—Hace ya unos años que diste también el salto literario. Lanzaste “Lo vívido vivido” (Arscesis, 16) y “Canciones de amor y de amor” (Arscesis, 18). ¿Cómo fue la experiencia de pasarte al papel?

Fue muy natural, cómoda e intuitiva. Mi editor es Rafael Lechowski, uno de los mejores raperos, si no el mejor, y encima muy buen amigo mío. Es un rapero al que admiro, un amigo al que quiero y

#34 diciembre 2021

un editor aventurero. Fue una aventura muy honesta y equitativa.

Para mí fue muy fácil, porque conozco los entresijos de la escritura y encima ahí no existe la dictadura del ritmo, es más fácil escribir. Yo me puedo ir un fin de semana con mi novia y volver con diez poemas escritos sin problema. Es fácil para mí.

—¿Tienes más proyectos literarios en mente?

Sí, después de leer “Búnker” (Blackie Books, 20), el libro de Toteking, me han surgido todavía más inquietudes. Yo me gradué en Ingeniería Técnica e Informática, pero tenía muchas inquietudes literarias y también me gradué en Filología Hispánica. Y me gustaría escribir un libro de relatos. Me da pavor, lo veo difícil, pero a la vez pienso que algún día lo hare. Aunque no prometo que la calidad sea increíble [ríe]. Pero me encantaría poder hacerlo, ya que para mí me supone todo un reto narrar.

—Sin duda, eres uno de los grandes referentes del rap en español. Tus más de quince años de carrera y tus siete discos te abalan. Desde tu posición, ¿cómo ves la actualidad del rap en España?

Intento ser justo e imparcial en mi juicio. Me parece cojonudo todo el crecimiento que ha tenido y la relevancia y el primer plano que tiene hoy en la juventud. Hay algo que me gusta y que me asusta. Me gusta que cada vez seamos más, que se ha normalizado, ha pasado a ser algo frecuente escuchar rap, cuando antes eso era de bicho raro. Pero me asusta que los jóvenes que hoy en día se acercan al rap o a la música urbana tienen como referentes a artistas que tienen éxito. Hablo de C. Tangana (al que respeto y admiro muchísimo), de Rels B, de Kase. O, de Natos y Waor, de mí mismo…

Son artistas que tienen éxito (y más que yo), pero es peligroso que los chavales jóvenes se acerquen al rap desde el prisma del éxito.

En mi generación nos acercábamos por amor, por buscar una identidad, por lograr nuestro sitio en el mundo, algo más puro.

Solo nos acercábamos al rap porque era la puta polla y nos hacía mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Ronda Rápida Un artista nacional Robe Iniesta Un artista internacional Jordan Rakei Un disco para escuchar en el coche “19 días y 500 noches” de Joaquín Sabina Un disco que todo el mundo debería escuchar “Mayéutica” de Robe Iniesta Una canción para llorar “Moraito como un lirio” de Camarón de la Isla Una canción para bailar Cualquiera del primer disco de Bad Bunny Colaboración soñada Héctor Lavoe Tu canción favorita “Dorian Gray” o “La aduana de crecer” Un lugar para escuchar tu música Viajando solo en el coche, vayas donde vayas Descríbete en una palabra Tenaz

sentir bien, nunca nos imaginábamos que de esto se pudiera sacar dinero porque nadie lo hacía. Pero ahora los chavales ven que, por ejemplo, C. Tangana gana mucho dinero y no piensan que lo que él hace es arte, ven sobre todo el dinero. Ya que la sociedad y la industria se ocupa de que solo se vea eso, los coches, las joyas, el dinero y el blin blin. Y eso es lo que me asusta, que los jóvenes pierdan la perspectiva, pero a la vez es el riesgo del capitalismo. El rap no tiene la culpa.

—¿Qué opinas de ese eterno debate de que si no tienes solo una base y sueltas unas barras no eres rapero, del “tú antes hacías rap, pero ahora ya no”?

Yo ya estoy por encima del bien y del mal, con lo que me sudan la polla muchas cosas. Pero he vivido a la sombra de ese discurso mucho tiempo, incluso hoy en día tengo viejos colegas que escuchan lo que hago hoy y noto el reproche en su mirada. Lo que creo es que las canciones tienen que emocionar y transmitir algo y si consigues hacer eso la manera en la que lo haces a mí no me importa. Creo que el rap tiene una serie de cánones, pero a la vez, una de las cosas que mola es llevarlos al límite y fusionarlos y mezclarlos. Hoy en día, ¿qué es el rap? Pues no sé decírtelo.

Hay tantos estilos y tantas cosas, que, si consigues emocionarme, como sea, me va a parecer legítimo.

—Por desgracia, hemos visto como la gira de “Pyramo” se tenía que cancelar por culpa de la situación sanitaria, pero, aparte del tema de los conciertos, ¿cómo ha afectado la pandemia a Sharif?

Pues ha habido dos partes. Una de ellas es que a los artistas nos encanta subirnos al escenario y no

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hemos podido hacerlo. Pero una de las cosas preciosas que tiene el rap es que yo hago canciones en mi casa. Me voy al estudio para acabarlas, pero me envían un ritmo en el ordenador y me voy a mi cuarto a sentarme a escribir una canción y de ahí salen. Es maravilloso poder crear de esta manera, así que imagínate estar un año entero encerrado en casa. Lo utilicé en mi favor para crear la mayoría de las canciones de este nuevo disco.

—Después del lanzamiento del disco, gira… ¿Cuál es el futuro de Sharif? ¿Tiene fecha de caducidad el Sharif artista?

Tengo pendientes bastantes proyectos. Me gustaría hacer un EP de cuatro o cinco temas con Rafael Lechowski. También me gustaría hacer algo parecido con mi hermano Rapsusklei, porque llevamos caminos diferentes… en lo musical, en lo personal somos familia. Ahora me voy a México un mes y me quiero venir con canciones, colaboraciones, videoclips… y una vez vuelva con eso a ver qué hago, si hago otro EP o las publico como singles… Y eso es lo que tengo a más corto plazo. Y, de forma paralela, quiero seguir sacando singles. Tengo cuarenta palos y no sé cuánto me va a durar el negocio de la música y la fidelidad de los fans y quiero aprovecharlo al máximo. Así que voy a trabajar bastante. —A.C.S

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diciembre 2021 #35

Madee publican “In The Cold Season” (B-Core, 21), su segundo disco del año y con el que certifican su regreso definitivo tras catorce años de silencio. Los catalanes firman una continuación de tendencia continuista y que vuelve a surgir de la colaboración con el poeta norteamericano Mark Swanson. Contactamos con Marc Prats (teclados) y Pep Masiques (bajo) vía telemática para comentar este importante año para la banda.

El invierno Madee

—TEXTO Raúl Julián —FOTO Noemí Elías

E

N EL MES DE ENERO publicasteis “Eternity Mingled With The Sea”, nada menos que catorce años después de vuestro anterior disco “L’Antartica” (07) ¿Por qué pasó tanto tiempo entre esos dos discos y, sobre todo, por qué este año era el momento idóneo para retomar la

actividad?

(Marc) Hacía años que teníamos intención de volver, de quedar para ensayar, teníamos algunas ideas… pero hubo complicaciones que alargaron la historia. Entonces llegó la pandemia y con ella indagamos en otra forma de trabajar que nos fue funcionando muy bien. A partir de ideas fuimos creando canciones nuevas con las letras de Mark Swanson, nuestro letrista norteamericano. Y la verdad es que nos fue muy bien, entramos a grabar el disco y con esa misma mecánica ahora ha salido otro disco.

—¿Cómo creéis que ha cambiado el grupo en esos catorce años? ¿Qué tipo de grupo era Madee cuando vio la luz ‘L’Antartica’ y qué tipo de grupo es ahora?

(Pep) A nivel compositivo ha cambiado porque el sistema ha cambiado. No hemos podido ensayar con la pandemia, y de ahí la necesidad de hacer canciones desde otra perspectiva y de una manera diferente. El sonido Madee creo que está presente, no es nada forzado y nos ha salido lo que sabemos y lo que nos gusta hacer, pero la manera de crear las canciones ha sido un poco diferente y esa podría ser la principal diferencia.

—En cualquier caso, creo “Eternity Mingled With The Sea” reafirmaba las principales cualidades de Madee como grupo, algo que también sucede con vuestro nuevo disco, “In The Cold Season” (BCore, 21). ¿Cuáles son desde dentro las peculiaridades incuestionables de Madee como banda cuando se trata de hacer música? #36 diciembre 2021

(Marc) El sentimiento [risas]. Al ser ya más mayores que hace quince años hemos ido adquiriendo una experiencia y un bagaje, tocando en distintas bandas, haciendo mogollón de directos, escuchando más música, descubriendo nuevos o antiguos grupos. Y eso va calando y vas mejorando como el vino. Te pones a tocar y sale la música que escuchamos, la que nos gusta y nuestros referentes. Y a partir de ahí le damos nuestro toque, que yo creo que es el mismo ahora que hace quince años.

—El caso es que solo nueve meses después de vuestra anterior entrega ve la luz el presente “In The Cold Season”. ¿Estas canciones proceden de las mismas sesiones que “Eternity Mingled With The Sea”?

(Marc) Empezamos a componer al principio de la pandemia, al tener que quedarnos en casa confinados. Y ya no paramos. Ha sido meterse en esto y llevamos como treinta y cinco canciones. Algunas han sido rescatadas de otras épocas y adaptadas ahora y otras son nuevas. Después sí que le das un poco de unidad a cada álbum que sacas. Pero ha sido todo muy fluido y estamos súper contentos de nuestra eficacia [risas].

—¿Nunca pensasteis en sacar un disco doble? mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ha llegado “

ENTREVISTA

“Estamos como una pareja en sus mejores momentos”

—Escuchando estos estos dos discos, me han venido a la cabeza

(Pep) Surgió la idea, pero nos parecía un poco heavy. Y decidimos ir sacando progresivamente.

Y ahí estamos. De hecho, mañana ya empezamos a grabar otro disco. Subimos a Ultramarinos otra vez a grabar con Santi García.

—En mi opinión, este segundo es un disco continuista con respecto al anterior. Uno es la continuación lógica del otro.

(Pep) El último muestra un poco más la manera que tenemos de funcionar ahora, que está más instaurada. El disco es más redondo. En el anterior había alguna canción de hacía más tiempo.

Este es la culminación de ese proceso en el que estamos ahora inmersos. Y en el tercero yo creo que aún se va a ver más. Un poco como una trilogía conceptual.

—En ambos los textos son del poeta y fotógrafo norteamericano Mark Swanson, con quien ya lleváis un tiempo colaborando. ¿Cuál es la manera de trabajar con Swanson?

(Marc) Él va mandando a Ramón una serie de poemas, y Ramón es el que hace el tetris del montaje, encajando las poesías en las canciones. Es un trabajo que implica tiempo y esfuerzo. Pero Ramón le ha pillado la onda y él está súper contento por tener sus poemas musicados. Y nosotros súper contentos de tener un letrista que dice cosas con las que nos sentimos identificados. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

los nombres de Hüsker Dü, XTC, Echo & The Bunnymen, Sugar, Lloyd Cole, The Cure, Buffalo Tom, Slint…

(Pep) Sí, sí, está clarísimo. Sobre todo The Cure y Echo & The Bunnymen son muy importantes. También está claro que somos muy fans de siempre de Sunny Day Real Estate. Del sonido británico de los ochenta y más americano de los noventa. También hay algo de Wilco por ahí, que ya va más con nuestra edad.

(Marc) The Smiths también… y los primeros U2 también nos encantan a todos.

—Ambos discos son trabajos equilibrados y coherentes, que respetan el concepto clásico de álbum como obra dotada de sentido global. ¿Están estos dos discos pensados para ser escuchados de forma ininterrumpida desde el principio hasta el final? Me refiero a abogando por ese concepto clásico (y ahora en desuso) de un disco completo como obra.

(Marc) El nuestro es un grupo en el que lo importante también son los matices y la música bien escuchada. Perseguimos que se dedique un tiempo a escuchar el álbum. Está bien que la gente escuche un tema suelto en el coche o así, pero lo que mola de la experiencia Madee es entrar en su historia y luego, si se puede, ir a ver uno de nuestros directos, que también está en nuestro ADN. —Seis discos ya de Madee y todos publicados al amparo del sello B-Core, algo poco habitual en los tiempos que corren. ¿Cuáles son los motivos de esta fidelidad?

(Pep) Es una cosa muy natural también. Y ahora sabemos el lugar en el que estamos y tampoco tenemos pretensiones de cambiar de compañía. Nos sentimos a gusto con B-Core y con Jordi tenemos muchas amistad. Y nosotros solo pretendemos sacar discos y no mucho más. Mira que nos han llamado cientos de discográficas ofreciendo pasta, pero no… [risas]. Es como una cosa muy natural.

Es como cuando nos preguntan si vamos a cambiar de idioma.

Pues no, Madee somos así y no vamos a engañar a nadie. Somos lo que somos.

—¿Cómo está el tema de conciertos en esta segunda vida de Madee?

(Marc) Conciertos no hemos hecho ninguno todavía, ni vamos a hacer de momento. La idea es sacar el tercer disco y a partir de ahí ya sí: hacer una gira por todo el estado y hacer un bolo guapo tirando de los tres discos y del resto de la discografía de Madee.

Pero para eso todavía faltan meses. Cuando acabemos esta etapa, ya nos lanzaremos a la carretera.

(Pep) Y así poder hacer los conciertos como antes, si puede ser sin mascarillas y sin estar sentados.

(Marc) ¡Lo del rock! Pero vamos, que volveremos a los escenarios.

Fijo. —R.J.

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diciembre 2021 #37

ENTREVISTA

El pop brillante The Zephyr Bones

El cuarteto afincado en Barcelona, grupo Demoscópico en 2017, ha tenido que esperar más de lo previsto para ver en la calle su segundo trabajo, el luminoso e intrépido “Neon Body” (La Castanya, 21). Pero aquí les tenemos de nuevo con las pilas cargadas.

—TEXTO JC Peña —FOTO Marc Cusco

#38 diciembre 2021

L

AS CIRCUNSTANCIAS han obligado a la banda a armarse de paciencia. En su nuevo trabajo, grabado a finales de 2019, refinan un pop psicodélico sofisticado y por momentos bailable, que nunca le pierde de vista al buen gusto ni teme internarse por nuevos territorios. Producido por Brian Silva (voz, guitarra y sintetizadores) y Santi García (Standstill, Viva Belgrado) será la excusa perfecta para volver a la carretera, tiempo después de haberse curtido por los escenarios europeos, británicos y norteamericanos. Responden a nuestras preguntas por correo electrónico.

—Ha pasado tiempo desde vuestro debut.

Supongo que este año y medio largo de pandemia ha tenido mucho que ver. ¿Cómo ha sido el proceso hasta llegar aquí y cómo lo habéis llevado?

El disco se grabó en otoño del 2019 en Ultramarinos Costa Brava, y se mezcló en la primavera de 2020 por Brian en medio del confinamiento, lo cual dio bastante libertad a la hora de crear el sonido que buscábamos en la post-producción.

Por motivo de la pandemia, tuvimos que pospo-

ner la publicación de 2020 a 2021. Con mucha paciencia de por medio, logramos rodar un par de videoclips con Escafior Films, y avanzar con lo que teníamos entre manos.

—Puede que sea un tópico, pero se habla mucho de la dificultad del segundo disco, en contraste con el primero. ¿Ha sido complicado en vuestro caso?

Lo complicado fue la espera post-pandemia a la publicación, pero con “Neon Body” desde el inicio tuvimos un objetivo bastante claro, y estamos bastante contentos con el resultado.

—Es un disco de indie pop (no sólo psicodélico) en sentido amplio, hecho con mucho gusto e influencias exquisitas, si me permitís el adjetivo. Supongo que sois muy melómanos. ¿Cómo fue el proceso de composición de las canciones?

El proceso de creación de las canciones se gestó en medio de la gira de “Secret Place”. Al terminar el tour en 2019, entramos en el estudio para hacer el nuevo. Este segundo álbum ha estado encaminado hacia un paisaje sonoro que siempre habíamos querido experimentar. Además de, esta vez, haberlo hecho entre los cuatro en un estudio como Ultramarinos.

Nos dio mucha libertad para experimentar

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“

“Tener tanto tiempo el disco guardado nos ha hecho comernos las uñas”

con componentes que no habíamos probado nunca antes.

—¿De dónde viene el título?

El titulo es una representación de cómo las maquinas y la tecnología están tan unidas en la actualidad a las personas; aún así, seguimos componiendo canciones de amor, pérdida y esperanza.

—¿Cómo fue la experiencia de grabar con Santi García en su estudio y qué creéis que ha aportado a las canciones y al espíritu del grupo?

Siempre nos hemos auto producido y hemos estado a gusto con nuestro sonido. Sin embargo, en este trabajo queríamos salir de nuestra zona confort: entrar los cuatro en un estudio y grabar el disco con la misma energía que tiene el grupo en directo. Santi y su sonido inigualable de Ultramarinos han aportado muchísimo en lo que es el cuerpo del disco. También debo mencionar a Borja Pérez, que estuvo en medio de la producción y grabación buscando todo tipo de sonidos para lograr los matices que buscábamos. Sin duda, volveríamos a grabar algún día allí. ¡Además en la Costa Brava se come increíble!

—Veo que ha sido coproducido por Brian y Santi. ¿Cómo fue y por qué lo decidisteis así? ¿Buscabais un sonido a la vez clásico atemporal y

un toque moderno? No recuerdo haber oído un disco tan pop grabado por Santi.

Fuimos a Ultramarinos por toda su historia, y por las ganas de tener una base potente para producir el disco. Allí creamos la materia prima, donde sí que buscábamos este sonido especifico, para luego mezclarlo y post-producirlo en nuestro clásico Eclectic Echo Lab. —¿Qué retos os presentó técnicamente en cuanto a lo que buscabais? Me ha llamado la atención la claridad y limpieza de todo.

Fue un proceso diferente al de anteriores canciones y proyectos. Lo empezamos a componer en 2019, juntamos material por parte de Brian, por un lado, y de Jossip (Tkalcic) por otra, los principales compositores. Marc (López) y Carlos (Ramos) ayudaron a arreglar los matices que surgían a medida que íbamos componiendo en los ensayos. Por parte de Brian las canciones estaban un poco más cerradas, las ideas estaban un poco más evolucionadas. Por la de Jossip, fue algo más fluido a medida que tocábamos. Es interesante poner en común las dos maneras de componer.

Por eso, igual tiene un estilo único y dinámico canción tras canción.

—Es un álbum luminoso (“Verneda Lights” o “Plastic Freedom” son perfectos ejemplos)

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pero no blando. “Verneda Lights” es una canción que empieza en un mundo y acaba en otro, con total naturalidad, cosa qué hacéis en otros temas. Esto, ¿cómo se hace o lo planteáis?

Sí, es verdad que el disco parece una montaña rusa de emociones, con distintos paisajes. Esto fue saliendo a medida que íbamos cuadrando las canciones. Nos dimos cuenta a medida que avanzaba la grabación de que realmente habíamos realizado catorce o quince ideas en diez canciones. Conseguimos engrasarlo y pulirlo lo suficientemente bien para que todo fluya en un común concreto.

—Otra de las canciones más destacadas es la última, “Celeste V”. ¿Qué me podéis contar de ella?

“Celeste V” es una idea que trajo Brian bastante bien desarrollada en una maqueta. Al escucharla todos, pensamos que tendríamos que arreglarle cuatro cosas contadas, porque estaba bastante bien definida y las partes cuadraban a la perfección. El “V” viene de que salieron varias versiones del tema, en concreto cinco. Se decidió que tenía gracia que fuese un símil a la astrología, como si de un satélite se tratase, o un planeta, ya que tiene un aura mágica y astral. Parece un meteorito que va por el espacio tranquilamente y de repente entra en campo gravitatorio y se vuelve inestable, es un poco la percepción que tenemos de la canción.

—Pasan los años y siguen saliendo grupos que se zambullen de maneras distintas en la psicodelia y las progresiones en toda su dimensión (aunque vosotros no sólo hacéis psicodelia). ¿Creéis que es así por la amplitud del género o las posibilidades que ofrece?

Al final, los géneros son una manera de categorizar el sonido que consigues realizar. La reverberación y la expansión dependen del sonido que quieras transmitir. El género (psicodélico) de por sí es una tendencia que hace unos años estaba en auge.

Nosotros preferimos ir más allá de algo que está dictado por unas marcas, explorar nuestros gustos en conjunto, y ver qué ocurre. Como si de algo aleatorio se tratase.

—¿Qué planes tenéis para llevarlo al directo?

Pues es en lo que estamos trabajando actualmente [risas].

Agregamos a Albert a los sintetizadores para que nos echase un cable para producir una sensación más dinámica en el directo, que fuese más natural. Pero es posible que para que las canciones suenen más completas hagamos uso de samples y sonidos de ultratumba categóricos y espaciales que den una experiencia similar a la del álbum.

—Termino. ¿Qué expectativas tenéis con este disco?

A ver qué opina el público. Hoy en día hay bastante calidad con muy poco, y esto también te hace reafirmarte y buscar nuevas maneras de entretener y satisfacerte personalmente. Para nosotros, sacar el disco es ya una satisfacción. Ha pasado tiempo desde que lo grabamos hasta que se publicó el veintidós de octubre. Tenerlo tanto tiempo guardado nos ha hecho comernos las uñas, y nos ha dado dolores de cabeza por no haberlo podido lanzar en su momento a causa de una pandemia mundial que todavía persiste. Estamos bastante contentos del resultado, y esperemos que el público lo disfrute tanto como a nosotros nos gustó hacerlo. —J.C.P.

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diciembre 2021 #39

41/Mondo Media

LIBROS

Bruno Galindo Afición/ obsesión

Desde que en los ochenta hiciese forma de vida de su afición/obsesión, Bruno Galindo ha ejercido como periodista, poeta, músico, escritor o empleado en discográficas. El autor recopila vivencias en el interesantísimo “Toma de tierra” (Libros del K.O., 21), mostrando un conocimiento del asunto tan exhaustivo como oficial y oficioso.

D

ESPUÉS DE TANTOS años, ¿por qué decidiste, justo en este momento, sacar este libro de recuerdos, anécdotas

y memorias?

El tiempo de la pandemia fue bastante bueno para sacar cosas en las que estaba metido y no tenía tiempo para terminarlas. Fue un poco el momento oportuno. Si te fijas, el libro empieza con el 11-S y acaba en 2020: es decir, que empieza con un desastre y acaba con otro. Se alinearon los planetas.

—Supongo que tenías notas al respecto tomadas a lo largo de todos estos años ¿Es así o hiciste un trabajo puro de memoria?

Mitad y mitad. Creo que hasta el día de hoy tengo una memoria bastante buena, pero por otro lado también soy muy bueno con los archivos. Tengo guardadas todas mis entrevistas. No he borrado los casetes y tengo un buen archivo de registros, entradas de con-

ciertos, artículos de prensa, cosas mías y de otros. Eso me ha permitido ser bastante riguroso en la elaboración de este libro, en el que la cronología es tan importante. He tardado casi tanto tiempo en poner en orden los datos como en escribir la historia.

—¿Dirías que “Toma de tierra” está más cerca de ser un ensayo, una biografía o un peculiar y a posteriori diario de abordo?

Honestamente, creo que ante todo es una autobiografía, pero siempre tuve claro que quería que tuviera una parte muy sólida de ensayo. Quería que fuera un libro que diera una foto de época, un marco de referencia amplio sobre lo que ha pasado en el mundo de la música, en el devenir de la industria musical en las últimas décadas, con independencia de mis rollos.

—El libro está argumentado en forma de capítulos no demasiado lagos, que a su vez se dividen en tres historias independientes, obviando (a priori) la correlación cronológica. Esta decisión

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funciona y el libro deja una lectura ágil, entretenida y adictiva. ¿Por qué te decidiste por esta estructura?

No creo que nadie recuerde su vida cronológicamente. Cuando pensé en cómo contar esta historia, quería evitar el empezar por el principio y acabar en la actualidad. Nuestros recuerdos están desordenados, y trabajar en tres relatos simultáneos o tres líneas temporales simultáneas te permiten lo mejor del orden y también lo mejor del desorden.

Te permite una lectura más rápida: cuando algo ya te lo sabes o no te interesa tanto, puedes pasarlo más rápido.

No es una lectura lineal, sino que es una lectura cruzada.

—Entiendo que hay muchas cosas que no cuentas en el libro. ¿Cómo o dónde decidiste poner el límite?

Muchas cosas se han quedado fuera.

Del libro he eliminado como una cuarta parte. No quería hacer un libro de chismes tendenciosos ni de putear a nadie, ni de cuchilladas ni de maledicencias.

No quería convertir este libro en un es-

ndo.

“La magia se va perdie Pero la magia también se va recuperando”

3 diciembre 2021 #41

MONDO MEDIA

ón y tirar “Puedes perder la pasiad te hace id sin ella. Pero la curios quier cosa” falta para hacer cual pacio de ajustes de cuentas ni de amarillismo.

Siempre he intentado hablar bien y de lo que me gustaba, no hablar de lo que no me gustaba.

Y cuando, a veces, hablo de lo que no me gusta, utilizo el humor.

—Una vez que has hecho de la música (tu pasión) tu forma de ganarte la vida (tu profesión) y después de tantos años. ¿Dirías que la magia y la ilusión se van perdiendo con el paso del tiempo o sigues disfrutando con cada nuevo concierto, reportaje o entrevista?

Por supuesto que la magia se va perdiendo. Pero la magia también se va recuperando. Desconfío un poco de las carreras constantes, tanto de los informadores como de los artistas. Por supuesto que se te va. La buena noticia es que te vuelve.

—¿Ante qué entrevista has estado más nervioso?

David Bowie, por ejemplo. Y esta es otra cosa que he visto también tras revisar el archivo muchos años después, encontrando cosas que yo creía que eran buenas y ahora pensar que vaya mierda de entrevista. Estás intentando caerle bien al entrevistado y el entrevistado está haciendo contigo lo que quiere. Estás haciendo la entrevista que quiere él. Pero sí, ahí tendrías una respuesta. Lo entrevisté un par de veces, en 1998 y en el 2000 creo, con “Outside” (BMG, 95) y “Earthling” (Arista, 97).

—¿Qué artista ha resultado más intimidante en persona? ¡Sinéad O’Connor! Sí, sí, sí. Podría decirte los Pistols, pero estaban haciendo un teatrillo adorable. Sinéad O’Connor por ser un personaje tan doloroso, tan perturbador. Hice unos días de gira con ella, que lo cuento en el libro, y es un personaje muy triste, muy doloroso. Le costaba pronunciar cada palabra que te decía, muy desconfiada, con una inestabilidad emocional feroz.

—¿Y el más encantador?

Leonard Cohen, a quien no he entrevistado pero sí conocido. Y además tuvo la tremenda deferen#42 diciembre 2021

cia de aportar un texto suyo a un libro mío, en el epílogo del libro de “Omega” (Lengua de Trapo, 11). Se lo debo a ese ser maravilloso y gentil.

—Dices en el libro que generalmente los artistas noveles que alcanzan el éxito son mucho más egocéntricos, por ese subidón inicial y por la falta de perspectiva que les da su juventud. Y la verdad es que, en muchos casos, al final caen en el olvido en pocos años ¿Es cierto eso de que lo difícil no es llegar sino mantenerse?

Por supuesto. No conozco ninguna carrera longeva en la que no haya hiatos de años. Podemos hablar de Dylan, de Bowie, de McCartney, de Patti Smith, de Kate Bush… Toda esta gente desapareció durante años porque estaba criando hijos, deprimida, arruinada, sin fe o sin inspiración. Entonces, lógicamente, cuando tienes una carrera exitosa desde hace dos años aún no te ha dado tiempo a bajarte de la ola, y te crees que todo esto es natural, o que se te debía y que eres buenísimo. Mientras que en carreras exitosas, respetables, de tres o cuatro décadas, ahí siempre ha habido crisis. Y se dan cuenta de que todo está cogido con hilos y valoran el seguir ahí, vivo, con inspiración y con un público que también has renovado.

—Llevas en el negocio de la música desde los ochenta. Me gustaría que me dijeses cómo era o ha sido (en tu opinión) la industria musical en cada una de las décadas acontecidas desde entonces.

En los ochenta empieza a haber dinero. Sobre todo a finales de la década, en la que conviven tres formatos y se venden los tres: casete, vinilo y CD. Y se consolida la idea de que hay un tipo de trabajo que se puede convertir en un modo de vida. Tanto desde el lado artístico como desde el lado de la industria. Los noventa son una época de codicia, de desmesura y de pensar que eso va a durar siempre. Los “dosmiles” son una década de profundo desconcierto por factores

muy concretos como la piratería e Internet. Los “dosmildiez” son los años en los que la industria sale del desconcierto y recupera su autoestima tras establecer nuevas estrategias de supervivencia que suponen la irremediable perdida de su carisma y su personalidad. Pero no hay otra manera de hacerlo. Es la época en la que, después del CD, se vuelven a encontrar la industria de la tecnología y la industria de los vendedores de música.

—¿Hacia dónde crees que va la industria musical? ¿Cuál es el futuro de la música?

Ayer entré LinkedIn y vi un anuncio de una de las multinacionales diciendo que estaban formando un equipo de marketing para el sector de los influencers. Ahí tenemos una pista.

—¿Vamos entonces hacia la música más preconcebida como producto de la historia?

Es difícil que sea más de lo que estamos viviendo ahora, pero parece que sí. En realidad esto es una buena noticia si te gusta la otra. Porque ante lo más previsible y prefabricado, mayor es también la contestación y la alternativa. Y la tensión entre el mainstream y el underground es algo en lo que llevamos viendo desde los ochenta. Por lo tanto, la partida sigue.

—¿Dirías que el mp3 y las descargas ha sido el acontecimiento más determinante de la historia a la hora de la cambiar la industria musical para siempre?

Uno de ellos desde luego sí. Efectivamente, el mp3 tiene para la música la importancia de cuando el hombre pisa la luna en el 69.

—Eres periodista y escritor, pero también artista. ¿En qué punto confluyen o se tocan todos esos trabajos?

En la curiosidad. Puedes perder la pasión y tirar sin ella. Pero la curiosidad te hace falta para hacer cualquier cosa. —RAÚL JULIÁN

Toma de tierra Bruno Galindo Libros del K.O.

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CINE Y SERIES El poder del perro

American Rapstar

Jane Campion

Justin Staple

9

7

MUCHOS PENSÁBAMOS que, siendo “American Rapstar” de Justin Staple la película inaugural, esta nueva edición del In-Edit de Barcelona iba a dar su pistoletazo de salida al más puro estilo “Project X” (12). Al fin y al cabo dudo que nadie esperara algo desvinculado de un hedonismo salvaje, algo más allá de una actualización del mítico “sexo, drogas y rock n’ roll” de la mano de la generación Tik Tok. Pero me alegra haberme topado con algo más que eso. Por supuesto, todo lo comentado está en la ópera prima de Staple, una obra que sabe cómo rendir tributo a la extravaganza de esta nueva generación de músicos que saben que su estética va a hablar mucho más que su sonido en una contexto donde social media killed the video and the radio star.

Es absurdamente sencillo establecer juicios morales sobre estos soundcloud rappers. Lo que es más complejo, y de lo que es totalmente consciente este documental, es establecer un juicio moral tras estar seguro de que se entiende el porqué de esta nueva ola. Staple no nos

dice que no juzguemos un libro por su portada, al fin y al cabo no tiene miedo en confirmar que muchos de nuestros prejuicios se cumplen cuando conocemos a algunas de las figuras más relevantes de este movimiento como Lil Pump, Danielle Bregoli o Lil Xan. Pero sí que nos anima a leerlo sin condescendencia, sin deslegitimarlo como aquellos que en algún momento se negaron a comprender el valor sociocultural del movimiento punk. Porque no culparé a aquellos lectores que hayan alzado levemente las cejas al leer esta última comparación. Al igual que tampoco me atreveré nunca a culpar a un documental que no tiene miedo a establecer sinergias entre la figura de XXXTentacion y la de Kurt Cobain.

Staple no tiene miedo a señalar a las deficiencias del sistema estadounidense como las responsables de una generación depresiva, adicta y paranoide, al igual que no se lo piensa dos veces antes de poner sobre la mesa el eterno (pero necesario) debate sobre separar al autor de su obra. —DANIEL GRANDES

PODRÍA DECIRSE que los últimos tiempos no han sido demasiado buenos para el wéstern. La industria le ha dado la espalda a uno de los géneros que la hizo crecer, pero incluso así quedan directores y directoras valientes como Jane Campion, quien se ha atrevido a llevar a la pantalla esta “El poder del perro”.

Presentado en el pasado Festival de Venecia, liga en la que la directora logró el León de Plata a la Mejor Dirección, “El poder del perro” es un western que toca la fibra más sensible al espectador, al tiempo que nos incomoda. Buena parte de ello recae en la actuación de Benedict Cumberbatch, merecedora del Óscar gracias al que es uno de los mejores papeles de su impresionante carrera.

Ambientada a finales del siglo pasado, la historia del film se centra en la vida de dos hermanos Phil (Benedict Cumberbatch) y George (Jesse Plemons), dueños ambos de un gigante rancho en Montana y con personalidades muy diferentes. Phil es cruel, posesivo e

The Sparks Brothers

Libertad

Edgar Wright

Clara Roquet

9

8

“LIBERTAD”, el debut en la dirección de largometrajes de Clara Roquet, coguionista de “10.000 km” de Carlos Marquès-Marcet y Petra, de Jaime Rosales, entre otras, es una película de afectos desviados. El film, que entronca temáticamente con la brasileña “Una segunda madre” (15) de Ana Muylaert, aborda las diferencias de clase a través de la mirada femenina. Tres madres y tres hijas, siendo dos de ellas la misma. La maternidad como oficio de riesgo. No es casualidad que sea una mujer quien dirige (al igual que la cinta brasileña). En el marco de unas vacaciones en la Costa Brava de una familia de Barcelona, Nora, la hija de catorce años –adecuada María Morera, que se va consolidando poco a poco como actriz después de “La vida sin Sara Amat”– mira a su alrededor con la extrañeza e incomodidad propia de la adolescencia. La llegada de Libertad, la hija de Rosana, la cuidadora colombiana de su abuela aquejada de Alzheimer –espléndida Vicky Peña, ¿próximo Goya a actriz de reparto?–, representa aire fresco y vientos de novedad para la

chica. Por contra, Libertad no se siente a gusto fuera de su país y guarda rencor a su madre por abandonarla cuando se marchó a España años atrás. Además, Nora siente hostilidad hacia su madre (Nora Navas) y esta, por su parte, teme ser olvidada por la suya enferma, quien, en cambio, siente estima intransferible por su cuidadora.

Este entramado de afectos no correspondidos o desviados hacia otras personas (incluso de clase distinta) que, resumido así, en pocas líneas, puede transmitir la equívoca idea de encontramos ante un culebrón sentimental fatigoso está expuesto, sin embargo, con un equilibrio medido que aleja al film de planteamientos televisivos. La construcción del mecanismo narrativo a partir de la mirada de Nora como eje central permite la dosificación de las diversas situaciones y la evolución del personaje hasta extremos arriesgados y sugerentes que desenmascaran las adolescencia como terreno pantanoso.

—J. PICATOSTE VERDEJO

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inteligente, mientras que George es austero y amable. En el momento en el que George se casa con una viuda del pueblo, Rose (Kirsten Dunst), Phil no solamente enfurece, sino que inicia una guerra buscando destruir la relación utilizando al afeminado hijo de Rose, Peter (Kodi Smit-McPhee), como centro de sus disparos e iras. En la cinta, Jane aborda una deconstrucción sobre el significado de la masculinidad, la empatía y la soledad, donde la tensa relación entre Phil y Peter ejerce de núcleo para el propósito. A todo ello se une una exquisita banda sonora, compuesta por el multiinstrumentista y componente de Radiohead, Jonny Greenwood.

No apta para todo tipo de públicos, Jane Campion ha creado un wéstern atemporal, inmersivo, crudo, perturbador, minimalista y tenso, en el que cada pequeño detalle te hace reflexionar.

No es sólo uno de los mejores western de los últimos años, es probablemente junto con “El piano”, la mejor obra de la directora. —ALEJANDRO TEIGA ROBLES

“THE SPARKS BROTHERS” es una película dirigida claramente por un fan. En las casi dos horas y media de metraje restituye la gloria escatimada y explicita la importancia e influencia de la peculiar formación de los hermanos Mael. Wright cuenta con decenas de importantes testimonios (Flea, Beck, Giorgio Moroder, Neil Gaiman...), además de los mismos hermanos, quienes hablan abiertamente de su carrera. De hecho, el libro abierto en el que se convierte el documental conduce a una sensación ambivalente, feliz y trágica al mismo tiempo. Así, para que el film cumpla su cometido, la ponderación de Sparks, estos pagan un peaje: dejan de ser una incógnita. Los conocemos más, y por lo tanto se resiente la impenetrabilidad que emanaba de esta pareja septuagenaria. El misterio desaparece... y los culpables somos nosotros, el público, que en sus ansias de conocer lo que admira, lo que le seduce, lo que le intriga, provoca su erosión. Repito: Wright es fan de Sparks. Los queremos humanos y en cambio lo que nos atraía era que no lo

eran. A su vez, los hermanos Mael, que admiten al final del documental haber dicho más de lo que hubieran querido, dejan entrever con su participación en la cinta unas ansías de reconocimiento (lógicas) que chocan con la imagen reservada que proyectan. Así, lector, ya sabes a lo que te expones: el elogio de su faceta artística y la caída de su categoría mítica. Si lo asumes, disfrutarás de “The Sparks Brothers”, a la vez, una pequeña enciclopedia sobre la discografía del grupo. A diferencia de otros documentales biográficos, que seleccionan las obras de los homenajeados y prescinden de algunas menos reseñables, la película de Wright sigue un estricto, exhaustivo y democrático orden cronológico. Cada uno de los álbumes tienen su espacio. De este modo, el film, emotivo incluso, evidencia que Sparks es un dúo admirable por su tenacidad, por su búsqueda incansable de nuevas formas y por su insobornabilidad artística. —J. PICATOSTE VERDEJO

diciembre 2021 #43

CÓMICS

LIBROS Edita Sister Sonic, S.L.

El fuego nunca se apaga Noelle Stevenson Astiberri

6 Sin duda, el cómic es un hervidero de ideas en ebullición, un caleidoscopio de pensamientos que la autora intenta captar y plasmar con tal de dar forma a sus emociones y a sus procesos de maduración. Partiendo de ahí, la ilustradora usa la novela gráfica como vehículo para hablar de tres grandes temas como son los cánones de belleza y la adjudicación de la moda a una orientación o identidad de género, el descubrimiento sexual y, principalmente, la salud mental. Todas estas son cuestiones muy importantes que, sin embargo, no acaban de profundizarse. La estructura de la historia es tan esquemática que sólo vemos retazos sueltos de la vida de la autora, a veces inconexos cronológica o temáticamente. Son momentos que ella nos enseña a conciencia, pero que rozan la superficie de todo lo que le ocurre realmente. —JUDIT MONFERRER El tiempo de los tres Fidel de Tovar/Dani Bermúdez Norma

7 Paso a paso, el tándem que conforman Fidel de Tovar y Dani Bermúdez está alcanzando una solidez fuera de toda duda, si es que no la tenía ya desde el momento en que debutaron con el precioso “Arashiyama”. Siempre de la mano de Norma Editorial, han ido consolidándose como unos creadores mucho más todoterreno de lo que presagiamos en sus inicios. Con los dos volúmenes de “Liquid Memories” nos pillaron desprevenidos. Por si no hubiera suficiente, ahora vuelven a darle un giro al volante. “El tiempo de los tres” se inicia como una simpática historia entre universitarios, para convertirse en un título emotivo y dramático sobre un momento concreto, sobre el paso del tiempo y sobre los errores que cometemos con la gente a la que amamos. Por el camino se permiten destruir la Sagrada Familia, pero no se lo tengamos en cuenta. —JOAN S. LUNA #44 diciembre 2021

Paraíso Podrido

Jenny Hval Amor de Madre

7

Rock Radikal Vasco: El invento de la Euskadi alegre y revoltosa

Juan Pardo Laguna LaBellavistaPapel

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Es indudable la gran capacidad literaria de la escritora, la cual se crece al describir o al crear imágenes poéticas bellas. El nivel de Hval es excelente, y más siendo este su primer trabajo, porque sabe recrear con delicadeza la esencia de las cosas.

Y esta aptitud se extiende a su habilidad para intrigar, gracias a la cual hace más interesante una trama sencilla de chica-conocechica, un coming of age en el que la protagonista se adapta a una nueva sociedad en la que no encaja. Sin embargo, Jenny Hval, extremadamente sensorial a la hora de describir, nos muestra una historia en la que no cabe lo tabú, en la que lo desagradable también forma parte de la verdad. Y es una decisión valiente que, sin embargo, se le escapa de las manos y que provoca que se pierda, ella y los lectores, en su infinito y extraño imaginario. —JUDIT MONFERRER Cuentos de tatuajes: Una antología de tinta (18821952) VV. AA. Alba Editorial

7 Dice John Miller, el editor de esta antología, que la irrupción en 2011 de la Barbie Tatuajes fue el signo definitivo de que “tatuarse había dejado de ser un claro distintivo antisocial”. Quedaba, todo lo más, la “nostalgia por los viejos tiempos en que marcarse la piel tenía la fuerza inequívoca de la rareza”.

Por su marco histórico, esta retrospectiva guarda más relación con lo segundo. Porque nos encontramos con un total de quince relatos escritos entre finales del siglo XIX y principios del XX, que reflejan el trasfondo social y humano de aquel momento a través de historias de amor, de crímenes, etcétera.

Días en los que el tatuaje no disponía ni de lejos de la complicidad actual. Y por si fuera poco se trata de cuentos con la rúbrica de autores tan apreciables como Jun’ichirō Tanizaki, Roald Dahl, Hjalmar Söderberg, Egon Erwin Kisch o Saki. —DAVID LLEROM

El 2 de mayo de 1981 The Clash agitaron Anoeta. Dos años después, en un bar de Jarauta, Marino y Patxi Goñi (Soñua) tienen la visión de lo que será la escena.

Cinco años después, en 1988, Kortatu se despiden en el pabellón de Anaitasuna. En medio de todo esto va un lustro de loca agitación que recordamos como RRV. Este histórico lapso es lo que se relata en “Rock Radikal Vasco. El invento de la Euskadi alegre y revoltosa”, manuscrito de ciento cuarenta páginas obra del escritor gallego Juan Pardo Laguna. El contexto y lo doméstico de cada banda antes, durante y después de cada álbum, de cada concierto, se rescatan convertidos en pequeñas joyas a revisitar. Algo tendrá el movimiento que en cuanto nos despistamos un poco queremos volver a recordarlo colectivamente. —UNAI ALONSO Tres piezas para el asesino

Pacus González Centeno Hermenaute

8 Puede que la resaca de la última –y exitosa– edición del festival de Sitges se haga más llevadera gracias a “Tres piezas para el asesino”. A pesar de que la obra pueda sugerir una temática muy específica (“Jazz, rock y electrónica en el cine de terror y criminal”, advierte el subtítulo), Pacus González ha conseguido dotar a su primer libro de una perspectiva mucho más amplia. La sólida estructura cronológica del libro y su rigor escrupuloso a la hora de tratar la materia permite explorar temáticas tan interesantes como el papel del jazz en el cine negro, la psicodelia en los films de inspiración satánica, las ambientaciones ‘latin lounge’ en el giallo o la curiosa relación del heavy metal con el subgénero del slasher. Sus conocimientos enciclopédicos, sumados a un lenguaje atractivo, terminan por ofrecer una panorámica fascinante. —TOMEU CANYELLES

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