Mondo Sonoro mayo 2025

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Sexy Zebras Bravura

7/Mondo freako

Rufus T. Firefly Por la buena gente

¿Qué hace un grupo cuando ya ha explotado al máximo lo que conoce? ¿Cuando ha agotado todo lo que le gusta, tiene siete discos con su nombre y no sabe qué dirección tomar? Pues decide mirar hacia dentro por primera vez, hablar desde la crudeza y crear su (primer) disco más humano. Así nació “Todas las cosas buenas” (Lago Naranja, 25) de Rufus T. Firefly.

TEXTO Mara Gómez

LOS DE ARANJUEZ llevan ausentes del panorama de lanzamientos desde “El Largo Mañana” (21). “Bueno, no hemos estado tan desaparecidos, ¿no? Lo que pasa es que con la cosa esta frenética de que si no sacas un disco cada año parece que no existes… Y nosotros somos gente muy lenta a la hora de hacer discos”. El que habla es Víctor (voz y guitarra), el motor creativo detrás de la mayoría de las composiciones de Rufus T. Firefly. Él y Julia (batería), la otra fundadora del grupo allá por 2006, me reciben en el centro de Madrid para charlar sobre este nuevo trabajo. “Reverso”, de 2024, inauguró el espíritu de “Todas las cosas buenas”. Estaban cansados de hacer siempre el mismo set y decidieron probar algo que nunca habían hecho: un retiro. “Nos fuimos a Cádiz, a casa de Manola, la teclista. Estuvimos casi dos semanas encontrándonos entre nosotros y hablando de qué era lo que queríamos. Para otros discos teníamos las cosas mucho más claras, pero en este era

como ‘¿Qué hacemos?’”. Así encontraron la chispa, no de lo que querían, sino de lo que necesitaban hacer. “Este disco tiene mucho más de dejarnos llevar y escribir sobre cosas que sentimos… Ha habido mucho de terapia personal”, de encontrar un refugio frente a todo lo que está pasando ahí fuera. “Toda la violencia, las cosas extremas que están ocurriendo a nivel mundial, que te impiden ilusionarte e incluso pensar en el futuro, y te quitan las ganas de todo”, sentencia Víctor. Realmente, “es un disco hecho para gente muy, muy cercana, pero con un mensaje universal”. Un disco, sobre todo, de amistad, “de amor cotidiano, de coger las cosas buenas que podamos encontrar y aferrarnos a ellas para poder seguir adelante”. Lo dicen serios, con la mirada de quien habla desde sus propias carnes. Porque así es. “Estamos hechos polvo a nivel emocional, las cosas no han salido como pensábamos. Nos vamos haciendo mayores, no tenemos casa, no tenemos nada”, precisan, “pero tenemos que seguir, porque la vida va de eso, de seguir adelante. Y para

sobrevivir a nivel emocional necesitamos esas cosas a las que agarrar”. Cosas como un disco. Su disco.

ALGO QUE SIEMPRE les ha preocupado ha sido la situación de la industria: no hay más que escuchar “Premios de la Música Independiente”. “Mi percepción es que no hay nadie al volante. Que se está quemando todo el cartucho y se está explotando todo a saco”, explica Víctor, que lo expresa con una imagen muy clara: “Yo veo un cartel de un concierto, diseñado por alguien que le ha dedicado horas, y de repente ese cartel se tapa con una franja gigante que pone ‘sold out’. Y ya no importa nada el cartel, no importa dónde sea el concierto, solo importa que se llene. ¡Joder, si es que eso es lo de menos!”. La escena musical se ha convertido en una guerra individual de cada uno, llena de gente desesperada. “En el mejor momento de Rufus, nos ofrecían tocar por quinientos euros y tocábamos, porque también estábamos así”, pero sin un colectivo ni una unión de todos, se lamentan, es inútil luchar contra todo esto. Cuando hablaban de este álbum como terapia, no iban de farol, y es que este “Todas las cosas buenas” les ha hecho avanzar mucho personalmente. Ya sea entendiendo las emociones del público, las propias o dándose voz. En el caso de Julia y Víctor,

literalmente. Manuel Cabezalí, su productor, siempre le proponía “Joder, Julia, ¿por qué no cantas? Pero yo no me veía preparada para ello”, justifica. Todo cambió en el proceso de este trabajo, cuando una crisis personal le impulsó a cantar: como todo en este disco, surgió como una necesidad. Y así la escuchamos en temas como “El Coro del Amanecer”o “Ceci N’est Pas Une Pipe”. Por su parte, Víctor siempre ha sido la voz de Rufus, pero bajo cierta inseguridad. “Siempre he querido cantar como la gente a la que admiro, como Jeff Buckley o Marvin Gaye, pero no puedo, no tengo esa voz”, confiesa. “Hace un par de discos ya asumí que yo no podía cantar como ellos, pero podía hacerlo de una manera bonita. Y creo que en este disco he conseguido encontrar esa manera. Ya no me da ni miedo ni vergüenza”. Y por eso en “Todas las cosas buenas” la voz está más alta que nunca y el mensaje de “tú a tú” se clava directo.

CONCLUYEN QUE “este disco es como quitarse una especie de capa de prejuicios todo el rato. Siempre hemos intentado ser muy cool en cuanto a la música que hacíamos, pero a lo mejor ese no era nuestro camino, ¿no? Y de repente teníamos que ser más normales, más humanos”. Antes intentaban hacer todo el rato poemas, admiten. Ahora solo quieren hablar. Y en

EL APUNTE

Otro directo es posible

Precisamente por algunas ciudades de esa zona han estado girando “Todas las cosas buenas” antes de su estreno oficial. Ya lo habían hecho con “El largo mañana” (21), pero, como ya habréis ido comprobando, Rufus no son de quedarse satisfechos con tan solo repetir. Así que idearon una experiencia en la que el público escuchara sus conciertos en directo a través de auriculares inalámbricos. “Queríamos que la gente pudiera tener esa horita consigo mismo”. Esta dinámica les está haciendo conectar más con la parte cultural de la música y cuentan que en su directo en el Jardín de Cactus de Lanzarote, “vino una mujer que había estado trabajando mucho tiempo con César Manrique, el fundador, y nos dijo: ‘Nunca se ha permitido hacer un concierto aquí, de hecho yo no quería, pero he visto el concierto, y me he puesto a llorar. Sé que a César Manrique esto le hubiera encantado. Lo habéis hecho con muchísimo respeto, y esto ha sido muy muy bonito”. Además, señalan, hay una declaración de intenciones con todo esto. “Rufus no es la banda que va a hacer las cosas de una manera estándar, sino que siempre queremos hacerlas un poco especiales. Buscar otros caminos y probar cosas, que igual la cagamos, pero igual no”. M G

“

“Siempre hemos intentado ser muy cool, pero a lo mejor ese no era nuestro camino”

eso consisten estas once canciones ideales “para escuchar en el coche”. Como en ese ‘Trueno Azul’, otro de los singles y también el apodo del vehículo que tiene Víctor desde los noventa, al que sus amigos llaman “el truño azul”. Un cacharro que debía haber desguazado hace mucho tiempo, pero al que han dotado de cierta magia. “Me gusta mucho el hecho de las cosas antiguas que siguen resistiendo, porque lo relaciono mucho con lo humano, con aguantar”. Y de chatarra, pasan a artilugios de tecnología punta con “Dron sobrevolando Castilla–La Mancha”. Aquí sí que no hay significados viscerales: a Javier Maratín, productor de algunos temas y amante de la electrónica, le enseñaron la demo y le recordó a los típicos vídeos de “un dron sobrevolando la Vuelta Ciclista a España”, y como les gusta mucho “hacer de su debilidad su virtud”, así se quedó. M.G. Más en www.mondosonoro.com

EN CONCIERTO

LA MÍA

El crítico

El crítico es un ser solitario. Se ha acostumbrado a ir solo a los conciertos y lo acepta con la bovina parsimonia de lo inevitable. Mientras todo el mundo salta y bebe a su alrededor, el crítico se muestra impasiblemente abstemio. El crítico no baila. Tampoco muestra si está disfrutando del espectáculo. Tan solo toma notas en una pequeña libreta de tapas duras y negras. El crítico lo mira todo con ojo ídem. Analiza lo que sucede a su alrededor con el mismo afán con el que analiza lo que sucede sobre el escenario. El crítico odia los festivales, pero dice amar las salas pequeñas. Aunque no demasiado. No vaya a ser que tenga que compartir un sudoroso espacio, con lo bien que se está acodado, sin beber, en la barra. El crítico mira con cierta condescendencia a los que le rodean. Lo que para ellos es una excepción, para él es una norma. Un día más en la oficina; otro concierto que anotar en su larga hoja de servicios. Al crítico le asalta siempre cierta actitud melancólica, pero eso es algo que no va a reconocer nunca. Ya hace tiempo que sobrepasó los cincuenta y le da cierto pavor mirar hacia dónde le lleva el destino. El crítico sabe que es una animal en vías de extinción y, aún así, no hace nada o más bien poco. Se conforma con la queja. Se conforma con recordar que hubo un tiempo en el que su voz era importante. Sus artículos de opinión se leían e incluso molestaban. Ahora ya nadie se molesta. Eso es lo peor que le puede pasar al crítico. El crítico lo mira todo con recelo, odia la vulgaridad y siempre busca lo excelso aunque a menudo se sumerge en las aguas de lo pretencioso. El crítico se lleva bien con el aburrimiento. Lo que la masa considera infumable, él lo encuentra atrevido. El crítico presume de formación y buena memoria, aunque con la edad se le ha empezado a desgastar la neurona y ya no confía en los datos que ofrece con la seguridad de antaño. Ahora todo lo contrasta porque es mucho más sencillo y ágil. El crítico no se puede permitir ningún fallo. El crítico sigue pensando que tiene un prestigio que defender, aunque a nadie le interese. El crítico es un ser presuntuoso que anda bien pagado de sí mismo. Un individualista que odia a los de su mismo gremio, sobre todo si han dado con algo interesante antes que él. El crítico vive en el afán de ser siempre el primero. Necesita marcarse el tanto y eso le hace odiar las plataformas de streaming como entes del maligno al alcance de todo el mundo. Al crítico se le ha multiplicado el trabajo de forma exponencial y se encuentra sobrepasado. No entiende lo que sucede a su alrededor y cómo el mal gusto se impone con tanta facilidad entre la chusma. El crítico nunca reconocerá su elitismo, pero inevitablemente se cree mucho más inteligente que la media. Al crítico no le gusta el presente, pero menos el futuro. DON DISTURBIOS

The Murder Capital

El artista adolescente

Los irlandeses tienen nuevo álbum bajo el rotundo título de “Blindness” (Human Seasons, 25), y qué mejor modo de acercarnos a él que conversando vía telemática con el frontman de la banda, James McGovern.

TEXTO JC Peña

TEXTO Hugo Comte

LA IDEA DE REPETIR con el productor indie de moda John Congleton tiene que “ “Shane MacGowan le tomó el pulso a la humanidad”

LOS DE DUBLÍN se dejaron algo por el camino en su atmosférico segundo trabajo, “Gigi’s Recovery” (23). Yo lo sospechaba, pero lo han confirmado ellos mismos. Ese algo etéreo –llámenle urgencia, mordiente, hambre– reaparece con todo su esplendor en un tercer trabajo maduro y de miras amplias en el que dejan atrás definitivamente la estrecha etiqueta “post-punk” con la que se les clasificó inicialmente. Han repetido con el productor de moda John Congleton (Mogwai, St Vincent), responsable de un sonido inmediato y vívido a la vez que repleto de matices. MacGovern, pelo corto que imita las manchas de un leopardo, es un tipo igual de serio y apasionado que sus canciones. Como buen irlandés, evoca a Shane MacGowan y el escritor James Joyce. “El artista está condenado a ser un eterno adolescente”, afirma en relación a la búsqueda constante en la que ellos también se encuentran. El vocalista admite que “Blindness” es un poco una reacción a su reflexivo predecesor, que cocinaron demasiado. “No es que el nuevo disco viniera totalmente de ahí, pero en parte era

algo que queríamos cambiar. Esta vez no hicimos ninguna maqueta. Se trataba más de la sustancia y la esencia de la canción. Además, el proceso de composición fue mucho más rápido. El segundo disco lo escribimos a lo largo de más de dos años, y pasamos de nueve a doce meses componiendo todos juntos. Éste lo hicimos en seis semanas”. Esto no quiere decir que aquí no lleven a otro nivel su lado introspectivo. En ese sentido, el álbum explora sus diferentes facetas con naturalidad. “Creo que eso está en nuestro ADN. Ya estaba ahí en nuestros dos primeros discos. Con este queríamos recuperar la urgencia y la intensidad, o al menos encontrar una nueva voz dentro de ellas. Pero luego, cuando te pones a hacerlo, te metes también en el jardín de la intuición, las circunstancias, de la fortuna y la mala suerte. Cuando se gestó, una canción como ‘Love Of Country’ empezó siendo una odisea rockera enorme y muy heavy. En el estudio decidimos darle un aire más ‘Harvest Moon’ de Neil Young. Esa canción somos los cinco tocando sin ninguna edición. Mola tener algo así en un disco”.

ver con su método de trabajo, su personalidad…y el sonidazo que saca, obviamente. “Tiene un enfoque muy de trabajador a la hora de hacer discos. Es muy de rutinas, y eso te libera. Lleva un horario fijo de diez a siete. Rara vez empezábamos antes y rara vez después. Además, es una persona muy filosófica. Le ha afectado mucho la meditación. Y tiene esa colisión interesante de rutina y librepensamiento, que mete en el trabajo. Pone mucha intriga. No sé, es una persona muy interesante”.

ESTA VEZ TRABAJARON canción a canción, probando algunas en directo y tocándolas en el estudio “con veneno e intensidad”. La tensión que recuperan tiene que ver con una aparatosa bronca que estuvo a punto de malograr la grabación justo antes de entrar en el estudio de Los Ángeles. “Fue una discusión tan seria como las que tienes en Navidades con tu familia, de esas que a veces se salen de madre. En un grupo, como en cualquier colaboración humana, los egos entran en juego, y a veces te pierdes el respeto. Fue una bronca muy gorda. Hubo amenazas de coger vuelos de vuelta a casa sin grabar, ese tipo de cosas. Tuvimos que pasar por ello”. Porque “esto no es un

grupo de puertas giratorias en el que la gente entra y sale. Esto es The Murder capital, y no existe sin los demás. Creo que, en cierto modo, nos vino bien. No cabe duda de que generó cierta fricción a la hora de grabar. La fricción a veces crea movimiento en términos de creatividad”.

Ser irlandés

OTRA GRAN NOVEDAD es que no hay un tema concreto que unifique las canciones, aunque bastantes hablan de amor desde la óptica de músicos que giran y dejan a sus parejas en casa. MacGovern también reflexiona sobre lo que es ser irlandés. “Death Of A Giant” rinde tributo a Shane MacGowan, de cuya multitudinaria despedida fue testigo. “Estoy viendo los árboles más allá de mi ventana y cada vez que paso siguen ahí. Es un poco lo que significa Shane MacGowan para la cultura y el arte en Irlanda. Su omnipresencia en la cultura irlandesa ha ido creciendo para mí. A pesar de su lucha con el alcohol, le tomó el pulso a la humanidad de un modo mucho más preciso que aquello a lo que la mayoría de artistas podrían aspirar remotamente”. McGovern flipó en colores cuando se en-

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contró un correo electrónico de The Bad Seeds en el que les proponían acompañarles en parte de su gira europea. Una experiencia “profunda y jodidamente buena para el grupo”. No tiene ni idea de por qué bandas como la suya o sus compatriotas Fontaines D.C. se han ganado un público internacional, y da gracias por poder vivir de momento su sueño, aunque sea “trabajo duro” y el dinero no sobre precisamente. “Si las plataformas de streaming pagaran más y los contratos con los sellos fueran más en favor del artista, esas cosas ayudarían a todo el mundo a continuar. Pero sí, en los primeros peldaños de la escalera, si lo quieres ver así, es muy difícil”. J.C.P.

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Ghost Contra el n del mundo

Tobias Forge y sus Ghost tienen nuevo álbum, “Skeletá” (Concord/Music As Usual, 25), un trabajo que suena grande y épico, con los suecos desplegando todo su potencial de hard rock melódico y entrelazándolo con su ceremonia oscura.

TEXTO Adriano Mazzeo

FOTO Mikael Eriksson

ES EVIDENTE QUE GHOST ya está entrando en la categoría de banda en la que sus fans miran de reojo el hecho de que cada vez se vuelvan más grandes. Pero su nuevo disco, “Skeletá”, hace un flaco favor a esas miradas recelosas, ya que como en una suerte de destino inevitable, la banda sueca suena cada vez más épica. A cara lavada, de pelo largo y barba tupida, el eternamente presentable capo de Ghost, Tobias Forge, nos cuenta, con esa voz que reúne una envidiable mixtura de seguridad y educación que “Me siento con mucho entusiasmo aún aunque el disco no haya salido todavía, entonces no puedo saber qué piensa la gente de él, pero lo que yo pienso y lo que la banda piensa es que sumamos más canciones que encajan muy bien en lo que hacemos. Sobre todo por el tamaño del show que damos ahora”. Afortunadamente para los fans estatales, la gira de “Skeletá” pasó por Madrid el 30 de abril. “Realmente no recuerdo cuantas veces hemos tocado en España. Creo que hemos ido con cada uno de nuestros discos. A través de los años he tenido esa sensación de pena por haber tocado mucho en festivales o de teloneros de bandas como Iron Maiden o Metallica... A ver, no hay nada malo con eso, pero como artista con una agenda definida, siempre deseamos volver y tocar de la manera más auténtica”.

A DIFERENCIA DE SU ANTECESOR, “Impera” (22), para “Skeletá”, Forge ha elegido inspirarse en sus propias constelaciones y desde allí encontrar la fuerza interior para convencerse de que, si bien el mundo está atravesando lo que él define como una “era oscura”, el futuro puede ser mucho más brillante que el presente. “En noviembre tuve que ‘apagar’ la información porque todo se estaba volviendo demasiado estúpido. Así que volví al método vieja escuela de escoger un medio respetable una vez al día y ver qué era lo que pasaba ese día en concreto, cuáles eran los titulares en lugar de seguir todo en tiempo real, lo cual es confuso, alarmante y deprimente y hace pensar a la gente que el mundo va a termi-

EL APUNTE

Pensar a lo grande

CON ENFOQUES más o menos intimistas, la sucesión de lanzamientos de Ghost mantiene una coherencia y un claro norte que es la idea de convertir a la banda en un ente cada vez más grande, con lo cual se presenta la pregunta de si no es contradictorio escribir un disco desde las entrañas para intentar que se refleje en lo masivo. Con gesto pensativo, Forge responde: “¡Buena pregunta! No sé exactamente cómo responderla. Como músico con una carrera y un impulso profesional hay una lucha con mi ser pragmático, que quiere llegar a una posición en la que las cosas crezcan continuamente. Y luego hay un lado artístico en el que quiero desafiar esas cosas. Sentí que al hacer este disco, en lugar de hacer un ‘Impera II’ quise que fuera más ‘soul’ de algún modo y si eso se convertía en algo que no gustara a la gente, quizá mi yo profesional diría que ‘No tocarás esa música. Si se siente incómodo, pues no lo harás’. Hicimos esto antes, ‘Prequelle’ es un disco bastante íntimo. Hay momentos allí que no estoy muy interesado en volver a tocar, pero mi ser práctico, que es receptivo a lo que el resto desea, me hace pensar que quizá si los demás quieren oír esas canciones, pues entonces debería incluirlas en nuestros shows. Supongamos que eres un chef que hace tortillas pero a nadie le gustan, entonces ¿continuarías haciéndolas?”. A M

nar, cosa que simplemente no es verdad. Lo que quiero resaltar sobre el disco y su mensaje es que se trata de introspección y cura cómo aprender a disfrutar de la vida más allá de lo que sucede hoy. Llegará un día en el que todos nosotros experimentemos que lo que ahora estamos viendo como ‘el fin del mundo’ será un dato histórico. Seremos capaces de mirar atrás en el tiempo y decir ‘¿Recuerdas cuando eso pasaba en 2025? ¡Mierda, era horrible!’, del mismo modo que pasamos por el 9-11 y el COVID”, comenta convencido y agrega con visión premonitoria: “Serán hechos: un día habrá paz en Ucrania, un día no tendremos dos moribundos dictadores de setenta años maldiciendo entre ellos sobre que el mundo va a terminar, porque no es así. Ellos hacen esto porque SU mundo está terminando. Pero tienen tal nivel de psicopatía que hacen que la gente se sienta como ellos. Se aseguran que todo el mundo esté con esa mentalidad ‘¡El mundo se

“

“Tuve que ‘apagar’ la información porque todo se estaba volviendo demasiado estúpido”

acaba! ¡El mundo se acaba! Tu mundo se está terminando, tú eres el que va a morir, y está bien. No digo que todo esto no sea alarmante, pero sí que algún día va a terminar. Es importante destacar que hay mucha oscuridad ahora, pero vamos a estar bien”. En “Skeletá” hay una temática que aparece en al menos dos canciones (“Cenotaph” y “Excelsis”) y es el concepto de vida eterna, cuestión que Forge relaciona con el ímpetu optimista de la obra. “Aunque el álbum parezca que se trata de muerte, si escuchas bien, te dirá que claramente estás vivo y que deberías aprender a disfrutar de la vida y todas esas cosas simples que hacen que importe, y que importe mucho más que seguir comentarios políticos a pronósticos apocalípticos”. A.M.

R

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MONDOFREAKO

La Milagrosa (No) hay dolor

Que surja otra joven banda dentro del circuito de formaciones que se apoyan en guitarras y sonidos añejos es, siempre, una excelente noticia. La Milagrosa se presentan en esa escena a lo grande: con un disco como “Ya no me duele mal” (Autoeditado, 25) que incluye un buen puñado de dianas.

LA MILAGROSA ES LA BANDA formada por el vocalista German GES (encargado de responder a nuestras preguntas), Marina Moon (batería), Gonzalo Sánchez (bajo) y Jesús Martínez (guitarra). La formación madrileña debuta con “Ya no me duele mal”, un trabajo en formato largo que llega tras varios singles previos con los que ya fueron llamando la atención. “La idea del álbum estaba desde el lanzamiento del primer single y teníamos muchas de las canciones bastante avanzadas cuando entramos en esa rueda, pero hemos ido entendiendo de lo que hablaba el álbum

en conjunto conforme íbamos acabando las canciones. Creo que es algo que se nos da bien hacer: ir encontrando el hueco a las canciones y viendo cuál aporta algo nuevo y cuál repite un mensaje que ya hemos dado. Los singles sirven para que la gente que nos escucha no se olvide de que estamos ahí, trabajando en nueva música”. Canciones que (salvo un par de excepciones) tienen una duración por debajo de los tres minutos y parecen buscar una inmediatez, tanto en sonoridades como en mensaje. “No es algo que hagamos a propósito, pero buscamos elaborar música que atrape desde el primer momento hasta el último acorde. Y resulta que coincidimos con ese estándar que generalmente no supera los tres minutos. También vivimos en este mundo de ‘attention span’ reducido y no somos ajenos a su efecto en nosotros mismos”. Ese aparente pesimismo queda relativizado con retazos de ironía o incluso humor negro, dejando a su paso un disco de contrastes. “Somos una generación muy ansiosa e inquieta. Aunque sigamos buscando nuestro lugar en el mundo y hablando de días malos y sombras, también hay momentos de luz y se tiene que hacer alusión a ellos

porque también forman parte de nuestras vidas. Hablamos de temas cotidianos que nosotros mismos vivimos o sufrimos, e intentamos hacerlo de forma diferente y sobre una base musical sólida y reconocible. Queremos que nuestras canciones tengan un mensaje sencillo pero potente, que se entienda en la superficie pero que deje espacio para ahondar si quieres buscarle un sentido más profundo. Como diría Jesús, nuestro guitarrista: ‘Canciones para bailar y rayarte a partes iguales’. Hemos hecho un esfuerzo consciente por tener una variedad temática y cromática en las canciones”.

Esta es mi generación

COMO EN CUALQUIER BANDA incipiente, el cuarteto también tiene referentes e influencias ineludibles que tienden a estar presentes en el seno de la banda. “Escuchamos muchos grupos de ahora, tanto españoles como internacionales, por lo que va cambiando. Pero las más fuertes y constantes diría que son Beach Fossils, Her’s y Fontaines D.C.”. Podríamos citar muchos nombres de una nueva genera-

“No hay concierto sin pogos... garantía de La Milagrosa”

ción de bandas que conforman una escena que reivindica las especificidades de un sonido, con La Milagrosa pasando a formar parte instantánea del sarao en base a este debut. “Todas ellas son súper referentes. Cuando empezó La Milagrosa, Depresión Sonora era una de las referencias más claras. Nos vemos muy afines a toda esta escena y nos sentimos afortunados de pertenecer a ella. Diría que, para este disco, La Paloma fue una referencia bastante clave. Pero Cala Vento, Cora Yako, La Plata... escuchamos a todos estos grupos en nuestro día a día”. Una oleada de bandas generacionales que parece surgir de la necesidad pura y dura de lanzar un mensaje alto y claro acerca de sus percepciones vitales. “Nuestras canciones nacen de mostrar al mundo nuestra realidad, que al final es la de toda una generación. Hablamos de un día a día lleno de preguntas sin respuesta, de inconformismo y, muchas veces, de esa sensación de sueños rotos o barreras difíciles de superar. No solo las

CINCO ESENCIALES

Kaos Urbano

Kaos Urbano, una de las formaciones más icónicas del punk estatal, cumple treinta años de carrera. Y la mejor celebración posible será la que harán el 14 de febrero de 2026 en Las Ventas. Por eso les hemos preguntado a los de Alcobendas por sus canciones esenciales.

dificultades a las que nos enfrentamos los músicos, sino también los obstáculos que afectan a toda una generación joven. Nos encontramos con expectativas, cánones y obligaciones que, a menudo, chocan con el deseo de crear, de contar nuestra historia y de encontrar nuestro propio camino”. En el caso concreto de La Milagrosa, esas guitarras comparten protagonismo con unos sintetizadores que aportan un aspecto ochentero y oscurecido (con The Cure apareciendo con frecuencia en el horizonte), conviviendo de este modo ambos mundos: el de las guitarras y el de los sintetizadores. “Los sintetizadores son una parte más integrada dentro del proceso de composición, aunque de cara al directo, al contrario que el resto de instrumentos, estamos optando por lanzarlos con bases. Es una mezcla entre lo procesado y perfecto de los sintetizadores programados y lo crudo de las guitarras tocadas. Creo que macera bien y le da una dimensión extra que nos gusta mucho”.

1

Perdóname, madre

(“Punk Saves Madriz”, 2024)

Esta canción se la debíamos a nuestras madres hacía mucho tiempo. Un intento de reparar los daños causados por una vida llena de experimentaciones y fases que un joven (y no tan joven) con inquietudes tiene que sobrellevar. Conscientes de nuestros vaivenes y entrados en años, observamos que ellas siempre estuvieron allí.

2

El Último Amigo

(“Punk Saves Madriz”, 24)

Esta es una de las más recientes, canción emotiva y narrada desde el corazón a todos los amigos y amigas que nos han abandonado últimamente. Mezclamos una especie de folk con punk; compuesta y grabada en los días de luto por la pérdida de un colega muy cercano de nuestra pandilla de toda la vida. En este caso se hizo cierto el refrán que solo se van los mejores.

3

Nuestros Mejores Momentos

(“La Hora del Baile”, 2016)

Un himno a nuestra vida, a lo que nos hace felices. En los sitios, formas y con la gente adecuada para vivir momentos inolvidables, en este caso también es un homenaje

CON EL ÁLBUM ya en la calle, queda echar a rodar las canciones en los escenarios. “Queremos girar mucho con el directo que hemos elaborado para el disco y lo llevamos súper trabajado. Somos mucho más enérgicos en concierto. Es una experiencia para gritar y saltar. No hay concierto sin pogos... Garantía de La Milagrosa”. RAÚL JULIÁN

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EN CONCIERTO

l Madrid 29-31 mayo. Tomavistas l Palencia 06-07 junio. Palencia Sonora l Calvià 12-14 junio. Mallorca Live Festival

a nosotros mismos por las tantas horas de carretera para luego cuando estemos encima de un escenario todo recobre sentido; también es un grito de agradecimiento a toda la gente que va a vernos.

4

Cuando ya nadie nos recuerde (“Punk Saves Madriz”, 2024)

Un tema muy bonito a un ritmo lento de semi-blues callejero; el sentimiento propio e intransferible por cada individuo cuando se para por un momento a ver todo lo que ha hecho o dejado de hacer, y te das cuenta de lo rápido que va el tiempo, y que todo se acabará algún día tristemente. El fin es irremediable y tanta belleza o fealdad se acaba desvaneciendo...

5

Como Cantona (“Suburbiales”, 2019)

Una canción de directo, rápida, viva, bailable, un fijo en nuestro repertorio, un grito al futbol antiguo que molaba mucho más, y sobre todo a futbolistas que estaban involucrados en los problemas de la sociedad como Eric. Hoy en día es imposible que cualquier mindundi haga o diga algo parecido. Saltar a pegar a un neonazi en la grada, no es moco de pavo. Lo importante es el mensaje que dejó claro. MS

MONDO FREAKO

SOBRE CÓMO FLUYE “Glory” también deja claro que “el disco va revelándose poco a poco en el momento, mientras trabajo en él. A veces voy y quiero hacer un disco de baile oscuro y me termina saliendo una cosa folkie”. Admitiendo que “nunca voy al estudio de grabación con una idea preconcebida”. Cuando le digo que siempre consigue sorprender y no quedarse estancado me contesta que es algo que busca a propósito, pero que con cada disco se hace más difícil. “Creo que puedo ver cuando algo es demasiado evidente y cuando realmente funciona. Cuando me resulta demasiado fácil, en el peor sentido, suele significar que ya lo he hecho antes. Cuando escribo puedo hacer cosas que sean bonitas o dulces u oscuras, pero si me resultan demasiado familiares suelo desconfiar. Así que cada vez se vuelve más difícil encontrar ese nuevo espacio, este ya es mi séptimo disco”. Rematando con una frase que puede definir a la perfección su carrera: “No me gusta cuando algo suena confortable, normalmente es de esas canciones de las que desconfío”. Como respuesta, le comento lo mucho que me ha gustado su colaboración con Aldous Harding en “No Front Teeth”, diciéndole que la voz de la neozelandesa le va como anillo al dedo, algo con lo que parece estar totalmente de acuerdo. “Desde el momento en que la terminé supe que tenía que ser ella quien la cantara conmigo, lo pude escuchar inmediatamente. Además somos amigos desde hace tiempo y supe enseguida que iba a entender de qué iba la canción, encajaba perfectamente, así que estoy realmente contento de que aceptara y pudiera hacerlo, porque sé perfectamente que la canción no sería lo mismo sin ella”.

Lynch y compañía

CUANDO LE DIGO que le puedo visualizar perfectamente tocando “Left For Tomorrow” en el Roadhouse o Bang Bang Bar de “Twin Peaks” es cuando me reconoce que está obsesionado con la serie de David Lynch. “Su banda sonora es una de las mayores influencias de mi carrera”. Parece normal cuando Hadreas vio la serie a los nueve años de edad porque a sus padres les hacía gracia que la niñera del joven Mike, Phoebe Augustine, saliera en la misma. Lo que no tuvieron mucho en cuenta es que Augustine interpretaba a Ronette Pulasky, la joven que presencia la horrible muerte de Laura Palmer.

“No me gusta cuando algo suena confortable, normalmente es de esas canciones de las que desconfío”

Perfume Genius

Descon ando de lo familiar y confortable

Mike Hadreas, Perfume Genius, es uno de los artistas más originales y emocionalmente poderosos de su generación. Puede hacer una balada al piano capaz de romperte el corazón con los ojos cerrados, pero, como bien ha demostrado a lo largo de su carrera, le gusta tomar riesgos y hacer que cada disco, cada canción, vaya por los sitios que menos te esperas. Y “Glory” (Matador/Popstock!, 25) es un ejemplo más.

Hadreas habla del horror y, a la vez, la fascinación que sintió viendo la famosa serie. “La cosa es que el hecho de conocer a Phoebe debería haber hecho que supiera que todo aquello no era real, porque mi niñera estaba allí, pero no lo hizo. Para mí fue escalofriante, pero también precioso y sexy. Era escuchar la intro y ya estaba aterrorizado pero, a la vez, obsesionado”. La música de Angelo Badalamenti y la voz de Julee Cruise se convertirían en “una influencia constante a lo largo de toda mi vida, tanto como cualquier otra música que haya escuchado”.

ES MÁS CUANDO DISCUTIMOS otras posibles influencias para el disco como Enya o Roy Orbison, Hadreas también las relaciona con la huella de Badalamenti y Lynch. Sobre la cantante irlandesa dice que le “encantaba como combinaba lo sintético con lo orgánico. Enya suena orgánica pero siempre hay algo no electrónico pero cinemático detrás. Tiene también cierta relación con Badalamenti y esas cuerdas falsas como sintéticas que las hacen más emocionales, más poderosas”. Por otro lado, su amor por Orbison, el primer Elvis y esas baladas melodramáticas de los cincuenta admite que “son muy lynchianos”. Y es que Hadreas, como toda una generación, (re)descubrió a Orbison gracias a las películas de Lynch como “Terciopelo Azul” o “Corazón Salvaje”. “Yo descubrí esa música a través de ese contexto. Me encanta lo elegantes que son sus canciones, son simples pero llenas de sentimiento y las estructuras de acordes son muy parecidas. Siempre tienen una estructura muy similar, pero me fascinan, sencillamente me llegan y me golpean”.

HASTA CUANDO LE PREGUNTO por sus discos favoritos de lo que llevamos de siglo XXI, aprovechando que hemos cumplido el primer cuarto del mismo, me habla de cantantes con ese tipo de voz y de sentimiento. “Me gustan mucho los discos de Angel Olsen, además me recuerdan a los discos antiguos que escucho. Tiene esa voz de la que hablábamos de los cantantes de baladas de los cincuenta, con un poco de Roy Orbison. Tiene una canción que incluso me recuerda a ‘Crying’. También Weyes Blood, con la que he colaborado, es una gran influencia. Me veo totalmente escuchando a los catorce años sus discos obsesivamente, así que me alegro que los chavales de catorce años años tengan a Weyes Blood, Angel Olsen o a Joanna Newsom”. Y tampoco está nada mal que tengan a alguien como Perfume Genius. SERGIO ARIZA

10 ATRÁSAÑOS

Mondo Sonoro número 228 mayo de 2015

Fue portada:

El cuarteto británico Blur con su álbum

“The Magic Whip”, un disco en el que se entremezclaban como en una gran ensalada en la que aparecían las grandes metrópolis y China. Se trataba de su primer disco en doce años después de “Think Tank” (03).

Charlamos con:

Passion Pit, Martin Gore (Depeche Mode), McEnroe, La Pegatina, Francisco Nixon, Unknown Magic Orchestra, Óscar Mulero, Skip & Die, Cycle, East India Youth, Pablo Und Destruktion

Lo que nos contaban:

“Lo más aterrador de tener trastorno bipolar es que mires atrás y no reconozcas a una persona que aparentemente eres ‘tú’” (Michael Angelakos, de Passion Pit)

“Mis relaciones personales son una suerte de deporte extremo que puede aterrar visto desde fuera“ (Pablo Und Destruktion)

“Uno jamás identifica qué es la mierda que hace de su trabajo algo exitoso o no” (Damon Albarn, de Blur)

Fue disco del mes:

“To Pimp A Butterbly” de Kendrick Lamar, que valoramos con un rotundo diez.

También destacamos:

“Somos los putos Sexy Zebras” de Sexy Zebras, “The Waterfall” de My Morning Jacket, “Nuevos Misterior” de Joe Crepúsculo, “Hairless Toys” de Róisín Murphy, “La primavera del invierno” de La M.O.D.A. y “Asfixia” de Disco Las Palmeras!

Nos descubrió los seis discos de su vida: Stefan Olsdal (Placebo), que seleccionó trabajos de Depeche Mode, Abba, J. S. Bach, Sonic Youth, The Beatles y Brian Eno.

Observatorio Mondo Sonoro

Una mirada crítica a la educación musical

Jesús Jara López fue la primera persona que entrevistamos en el Observatorio de Mondo Sonoro hace ya casi un año y, desde entonces, se ha convertido en una fuente de inspiración inagotable y en un colaborador indispensable.

JESÚS ES MUSICÓLOGO e informático y se especializó en música contemporánea, tecnología y pedagogía sonora en la escuela alemana Hochschüle für Musik Karlsruhe. Él no se considera músico en el sentido clásico. “Me interesa más la investigación, el trabajo colectivo y el live coding como práctica efímera, más que el ‘yo’ artista que crea una pieza”. Su experiencia en colectivos internacionales de música algorítmica y tecnología, le ha llevado a cuestionar qué significa hoy ser creador y desde dónde se construye el saber musical. Desde su visión, en la educación musical, el cuerpo, la atención, el error y el juego, deberían tener siempre tanto peso como la teoría y la técnica. Las sesiones de escucha forman parte de sus clases y con ellas busca alejar a sus alumnos del cortoplacismo musical dominante, afinarles el oído y alejarlos del consumo rápido de la música, convirtiendo el ejercicio de la escucha en una experiencia afectiva, casi meditativa. También busca incorporar la tecnología no como un simple anexo, sino como un lenguaje. Él no considera el ordenador como un enemigo de la sensibilidad musical, sino una extensión del instrumento. Entiende que las tecnologías, las de antes y las nuevas, son herramientas para el autoconocimiento: se trata de reconocer que existen otras formas de tocar, de componer, de escuchar. “La IA no sirve para predecir el futuro, sino para mirar el pasado con otros ojos”.

EL PASADO MES DE OCTUBRE lo invitamos a participar en la exposición colectiva que creamos desde el Observatorio de Mondo Sonoro para BIME Bilbao 2024. Su pieza fue un vídeo ensayo especulativo titulado “Arqueología de las Vibraciones Perceptibles”: una recopilación de vestigios arqueológicos encontrados en la (denominada entonces) “red de Internet” que nos demuestra la increíble cacofonía de mensajes en torno a esta práctica (denominada entonces) “enseñanza musical”. Mediante este distanciamiento en el tiempo, Jesús introduce una perspectiva crítica que cuenta cómo, a pesar de que todas las culturas han producido sonidos, solo una parte de ellos ha sido transmitida formalmente como “educación musical”, generando así una desconexión entre lo enseñado y lo vivido cotidianamente. La pieza nos habla de cómo la incorporación de tecnologías como el micrófono o el sintetizador transformó nuestra relación con el sonido, pero también de que estas herramientas no llegaron a las aulas, que por aquel entonces, permanecían ancladas a una forma concreta y específica de “enseñar música” y en las que, aunque existían métodos alternativos y eficaces —como la improvisación o el juego—,

estos nunca fueron introducidos de forma oficial en la enseñanza musical. Un contexto en el que los distintos actores implicados en la educación —familias, alumnado, profesorado, instituciones, sociedad— tenían expectativas muy diferentes entre sí: prestigio social, disfrute, descubrimiento del prodigio, beneficio económico, entretenimiento social… Una dispersión de intereses que dificultaba una visión compartida.

CONVIENE SUBRAYAR que la pieza no se limitaba a describir un problema de nuestro presente; con ella, Jesús también pretendía desplegar preguntas sobre qué tipo de legado queremos dejar a las futuras generaciones de un bien tan preciado como es nuestra propia cultura musical. Su obra también era una invitación a imaginar otros modelos educativos posibles para nuestro presente, en los que la experimentación y la escucha activa sean parte fundamental. Porque para Jesús “escuchar es una acción política”. Y con esta afirmación se refiere tanto a la escucha del entorno como a la de uno mismo, a la escucha de los otros y de los sonidos que la tecnología nos permite alterar, ampliar o preservar. En un tiempo acelerado como el que vivimos, escuchar es un acto de resistencia. Una forma de cuidar lo común, lo cotidiano, de crear sentido y dejar un legado que no solo se oiga, sino que también se sienta. Atrevernos a repensar la “educación musical” desde sus cimientos como una construcción de sensibilidad, escucha y comunidad que no solo ocupe terrenos estrictamente musicales, sino que beba de una manera radical de entendernos. CÉLULA LAB

El Observatorio MS cuenta con el apoyo de Johnnie Walker (Diageo), BIME, RootedCon, AiE y Espacio SOLO/LeCluf Music.

Entre la luz y la oscuridad

Por segundo año consecutivo y de la mano de Navarra Music Commission, la histórica sala El Sol albergó un evento parcialmente abierto al público en el que se iba a presentar una selección de talento emergente de la Comunidad Foral de Navarra.

Iba a actuar la banda de Iruña Apotheke y la solista CastaZabal, seleccionadas ambas por un jurado en el que participó Mondo Sonoro. Cerraría el evento Chica Sobresalto como artista invitada. El ambiente fue festivo, y los conciertos se bene ciaron del buen sonido de la sala.

Los profesionales congregados pudieron disfrutar de un showcooking y cata maridada de pinchos, oportunidad ideal para disfrutar de las virtudes de la gastronomía navarra y sus vinos. Los cocineros prepararon in situ tres bocados muy especiales inspirados por la naturaleza y los o cios ancestrales del Pirineo navarro. No decepcionó el festival de sabores de su propuesta.

En lo estrictamente musical, el quinteto de Pamplona Apotheke se iba a encargar de abrir la noche. Con mucha solidez y combinando castellano y euskera, la banda presentó en Madrid una propuesta que conjuga electricidad y bases electrónicas. La oscuridad post-punk sustenta las melodías de sus canciones, pero tiran del pop luminoso vía New Order con idéntica soltura.

Le llegaría después el turno a CastaZabal, el proyecto de Claudia Castaño. La joven navarra y su cómplice musical juegan con la copla, el amenco, la canción vasca, el rap de la vieja escuela -scratching incluido- y la electrónica urbana con resultados convincentes, que evocan a estrellas del momento. La artista se atrevió incluso con una canción a capella que emocionó al personal.

Chica Sobresalto tiraría de sensibilidad a or de piel y su poderío vocal para culminar la noche ante un público entregado: piano, guitarra y dos voces en total simbiosis. Maialen Gurbindo aprovechó la ocasión para poner en valor una escena navarra que permite a los locales acercarse a la música en directo, y tocarla, desde la infancia. De esa cantera inagotable salen artistas como los que pasaron por la sala madrileña.n

.EL RETROVISOR

Teenage Fanclub

La rareza

Nadie ha somatizado mejor las propiedades de Big Star –sobre todo– y de The Byrds o The Beatles hasta dar con una infalible fórmula propia, que se nutrió del ruidismo en su juventud y de una diáfana serenidad en una madurez que no avista fin. Treinta y seis años contemplan al combo escocés. Ahora vuelven a visitarnos formando parte del cartel del Deleste Festival (16-17 mayo, Valencia) y Noches del Botánico (16 julio, Madrid).

El imprescindible

“ESTOS TÍOS son maestros en fundir ruido con melodía”. Se lo solté así, con la soberbia propia de la juventud recién estrenada, a un buen amigo mientras les divisábamos desde la grada de la Plaza de Toros de Valencia, un 2 de julio de 1992. Eran teloneros de Nirvana. Minutos antes había visto a Norman Blake deambulando por la calle, en busca de una cerveza.

Pasaba completamente desapercibido. Lógico. En realidad, quienes eran los putos amos de aquella ecuación habían sido Hüsker Dü, pero el factor diferencial de Teenage Fanclub era combinar estruendo y delicadeza, lirismo y feedback, como nadie antes lo había hecho entre los émulos de Big Star. Los escoceses debutaron en largo en el año de gracia del sello Creation: “Screamadelica” (Primal Scream) y “Loveless” (My Bloody Valentine) partían la pana. No era fácil despuntar. Y lo hicieron gracias a un puñado de canciones preñadas de palpitante ternura, chorreantes de emoción juvenil. “The Concept”, “What You Do To Me”, “Star Sign”, “Metal Baby” o “Alcoholiday” se ganaron un cielo del que nunca han bajado. Su obra maestra.

LOS ESCOCESES también se han aventurado en excursiones: con Jad Fair como aliado (“Words Of Wisdom And Hope”, 2002) o con John McEntire como productor en este disco, en el que el músico de Portland se confirmó como el mejor hombre de refresco del rock norteamericano de principios de los 2000, habida cuenta también de lo que hizo con Wilco y con Sonic Youth. Mejoraba todo lo que tocaba. Esto es lo más parecido que han hecho nunca Teenage Fanclub a una refundación, aunque el término en su boca suene exagerado. Un sonido conciso, corpóreo, dinámico y muy orgánico, que resultó relativamente sorprendente en su momento, y al que no hubiera estado mal que dieran cierta continuidad en años posteriores, teniendo en cuenta que discurrieron en modo piloto automático con frecuencia, aunque fuera al servicio de canciones irreprochables.

La decepción

TEENAGE FANCLUB se fueron convirtiendo durante el siglo XXI en taimados delimitadores de una fórmula sin apenas variaciones. Se nos hicieron mayores. Se nos volvieron funcionariales. Ley de vida, seguramente: no todo el mundo tiene la capacidad para reinventarse durante tres décadas. Ese camino le emprendieron con este disco: el primero que me dejó completamente frío. Por mucho que citaran a los Hollies, a la americana o al power pop como fuentes de inspiración. Con el tiempo he aprendido a apreciar las propiedades curativas de “I Need Direction”, “Dumb dumb dumb” o “My Upstart Life”, pero en su momento me pareció más de lo mismo. Y en peor. Creo que quienes atribuyen injustamente a “Thirteen” (93) un rol bajonero se quedarían ya sin argumentos ante este.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Bandwagonesque (1991)

Howdy (2000)

Man-Made (2005)

EN PORTADA

TRAS UN VIAJE por una carretera algo desgastada, llegas a la frontera. Tres individuos te esperan: Gabi, con ese bigote y sonrisa perpetuos, extiende los brazos para abrazarte. Los hermanos José y Jesús, chocolate caliente en mano, te saludan como si te conocieran de toda la vida. Estás en Bravo, el pueblo ubicado pasada la Calle Liberación donde hay poca vergüenza, flores, siestas al sol y algo de jaleo. Así es como Sexy Zebras conciben su nuevo disco, “BRAVO”, que llega en su mejor momento, confirman sin pestañear. Se han reconciliado consigo mismos, se han mirado al espejo sin vergüenza y han vuelto a poner el foco en las canciones. Porque ha habido momentos muy duros en los últimos años, rozando la extinción del grupo. Reconocen que “Si hubiéramos seguido con esa falta de comunicación entre nosotros y el público, la frustración habría sido mayor y hubiéramos pensado: ‘No me compensa’”. Pero los del barrio de Hortaleza supieron reencontrarse con la inocencia de su niño interior en el estudio y quitarse la idea de que “no le gustaban a la gente”. En lugar “de combatir contra nosotros mismos, buscando culpables fuera” han aprendido a aceptarse, con sus virtudes y sus mierdas.

PASEAMOS POR LA LOCALIDAD sin prisa. En Bravo hay casas deterioradas pero con vida, y entre sábanas tendidas buscando el calorcito del inicio de primavera, José (guitarra), trata de dar una explicación más personal a este renacer de la banda. Llevan ya seis discos tocando juntos (aunque ellos niegan la existencia de aquel de 2011 con el que debutaron) y, a medida que tienen más experiencia, han entendido que “la creatividad es una mezcla entre tensión y fluidez. Y ha habido algo muy bonito: la disposición de los tres de ponernos al servicio de esto por encima de todo. Cuando el grupo casi se deshace, tienes dudas: ¿Hago esto para estar bien con esta gente, para expresarme, para sentirme bien?”. Gabi, vocalista, bajista y su mejor amigo de toda la vida, zanja la reflexión: “Somos como un matrimonio, y ahora hemos vuelto a follar un montón”.

TAMBIÉN HA SIDO IMPORTANTE entender que la existencia de Sexy Zebras va más allá de ellos dos y de Jesús (batería y hermano de José). Ninguno de ellos es esencial. “Es más importante lo que ocurre, el sabor que generamos”, expresan. José retoma su meditación existencial: “Es como si estás haciendo un Big Mac y dices… ‘Quiero darle este toque de autor’. No, joder, somos un puto Big Mac. Somos un huevo frito con patatas”. Y así lo demostraron en la portada del single “Días de Mierda”, mismamente: que son un huevo frito. Cotidianos, directos y siempre dignos de rebañar. “Con un pimiento”, añade Jesús. Ese es el plato estrella en Bravo.

Sexy Zebras

Gente como tú

El trío Sexy Zebras tiene claro que “BRAVO” (Warner, 25) llega en su mejor momento como banda. Un disco en el que no pretenden ser otra cosa que ellos mismos. Locura, estribillos y muy poca vergüenza. Como debe ser.

TEXTO

Mara Gómez

Llegamos a la plaza del pueblo, con un “olivo gigante en el medio y varios bares”; uno de ellos, del propio Gabi. Nos sentamos a pedir una caña y a la mitad del vaso, llegan las confesiones. “Es el primer disco de todos –de los seis, aunque solo tenemos cinco…– que hemos grabado los tres juntos en la misma habitación. De hecho, es la primera vez que sabemos tocar un disco antes de sacarlo”, revelan. A medida que la conversación avanza, los tres miembros parecen convertirse en uno solo, terminándose las frases unos a otros y coordinándose silenciosamente para explicar todo el universo de Bravo. Eligieron esa palabra, en parte, por la sonoridad. “Zebra también tiene ese ‘bra’, y ‘bra’ en sueco significa ‘bien’”, cuenta José, con ascendencia del país escandinavo. Por otra, el título “expresa la braveza de la cotidianidad y el heroísmo de cada persona que se levanta, se hace el desayuno o se toma una cerveza”. La clave es “¡encontrar en esa normalidad un espíritu heroico!” sueltan a la vez, como si lo tuvieran ensayado.

¿Y ESE TORO DE LA PORTADA a qué viene? “La bravura se podía asociar al toro, aunque no tiene nada que ver con la polémica…”, precisan. “Nos molaba ese juego de una fuerza genuina, natural, animal, que

todos guardamos para hacer micro cosas y tener micro éxitos con nosotros mismos”. De hecho, la portada original no era esa… “Queríamos pintar el toro de Osborne con rayas blancas. A los de Warner les pusimos la cabeza como un bombo”, pero estas figuras son patrimonio cultural en nuestro país, y podría haberles traído problemas legales, por lo que decidieron apañárselas ellos mismos. Así que se pusieron rumbo a una granja en Utrera, a buscar al toro “perfecto”. Hicieron muchas fotos a Jaranito, un ejemplar con pedigrí, pero algo no les convencía. “De pronto, ya yéndonos de la finca, el tío de la granja nos dijo: ‘Ahí están los descarriados’. Había un fotógrafo con nosotros que, por impulso vital, tuvo la gran idea de hacer una foto a los de ese grupo”. Entre ellos, estaba Florito. Un buey castrado, veterano, con uno de sus cuernos desviados. ‘¡Esto es lo que estamos buscando!’. Un toro que ha vivido, que ha sufrido, que ha salido adelante con el cuerno torcido, no el estereotipo”, pensaron.

ABANDONAMOS LA TERRAZA para dirigimos al ayuntamiento de Bravo. En esta localidad se mantienen las buenas costumbres a nivel social, y aunque “tienes tus roces con el típico loco del pueblo, la gente está acorde de que todo simplemen-

te esté tranquilo y vaya bien”. Hay alguna norma, claro. Incluso una constitución: la regida por la propia canción “Bravo”, que da nombre al álbum y lo inaugura al grito de “Voy a formar un partido comunista fascista”. “Últimamente hemos estado en un tono no tan político y nos hemos ido un poco más al viaje personal”, confiesan. Sin embargo, esta canción llegó y funcionó tan rápido al grabarla en los estudios de La Mina con Raúl Pérez que tenían que incluirla. “A partir de ella, ya nos relajamos y de pronto todo empezó a fluir”, sostienen. Aun así, no la conciben como un tema de corte ideológico. Jesús aclara que “esa canción es el juego que hay de bandos de ‘Si no soy de este, tengo que ser de ese’, pero la canción de política para mí no tiene nada, solo es un gancho, una manera de hacer muy obvio este asunto. ¡Es una canción para niños!”. Cuentan que les ha llovido alguna crítica e incluso pensaron en hacer un breve comunicado, a lo que Gabi saltó: “¿¡Para qué quieres explicar más?! ¡Si estás haciendo pa pa pa pa pa pa pa pa pa pa pa pa!”. Así que tema zanjado y constitución firmada con una observación: “Si la ofensa que hemos tenido en este pueblo ha sido gigante, el perdón tiene que ser un poco más gigante”. Esa es la esencia de la canción.

EN ESTE NUEVO DISCO no faltan cánticos festivaleros, pero también hay hueco para temas más personales, como “333”, que cuenta con la voz de José como única guía. “En cada disco, dentro del mundo común, encuentro un lugar más introvertido, un aspecto de la personalidad que no se muestra tanto. Me lo tomo muy personal”, admite el menor de los hermanos. Como “un chicle de clorofila”, un respiro dentro del alboroto de “BRAVO”, “333” muestra ese lado del grupo que a veces no se ve. “Para llegar a hacer ‘Jaleo’, ‘Días de mierda’ y temas más frontales, hemos tenido que tragar muchas lágrimas, emociones fuertes y procesos de transformación importantes”. Es con pistas como esta, “C’est la vie” o “El silencio” que, señala Jesús, el universo de “BRAVO” se vuelve más etéreo y sensible.

ESO NO QUIERE DECIR que con otras dignas de entrar en el “Libro de los Récords del Pogo” no se pueda conectar emocionalmente. Precisamente en los últimos directos, los del grupo de la juerga por excelencia están notando más emotividad que nunca. “Estoy viendo mucho más nivel de besos y de abrazos que en mi vida. Le estás cantando una canción a la gente y ves que está viviendo su propio videoclip con su pareja, su colega o incluso su madre”. Eso solo

“

“Nuestro público es un puto manicomio”

alimenta más mi curiosidad de la pregunta que más se me viene a la cabeza cuando veo a Sexy Zebras en vivo. ¿No les da rabia no poder vivir sus propios conciertos? Es algo que piensan mucho, pero “a veces veo a la gente y se me olvida lo que estoy haciendo, porque estoy viendo disfrutar, moverse, y cada vez más…”, comenta Jesús, que, al principio, desde su puesto en la batería “Tenía que agachar la cabeza para meterme en mí, porque me sacaban del bolo. Ahora me meto tanto en lo que veo… Es que veo caras, situaciones que me mueven el alma, que me hacen decir: ‘Me gustaría estar ahí abajo’”. Para Gabi, el escenario ya es el sitio idóneo para vivirlo todo. “Estoy disfrutando un montón últimamente. Cada vez me da la sensación de que trabajo menos: el público me está dando más de lo que antes dábamos. La reciprocidad que hay es maravillosa”. Su mantra “Deja que el bolo llegue a ti, no vayas tú al bolo” parece que funciona.

Mil noches de pogo

ME LLEVAN HACIA LA ZONA más verde y tranquila de Bravo para ir terminando este tour. Al igual que el suyo por las salas de España este invierno, no ha habido ni un rato para aburrirse. La gira “Una noche de pogo con Sexy Zebras” ha consistido en meses de no parar con tres “sold out” en La Riviera de Madrid como broche final. Sacan una conclusión clara de todo esto: “Nuestro público es un puto manicomio”. Lo dicen con una sonrisa bien grande, sabiendo que son parte del desquicie. “La peña se está permitiendo estar loca. En La Riviera, veía una cebra borracha, otro que dice que es el policía de los pogos con un chaleco, uno dando volteretas, a Marisol, un pavo que trajo una alfombra de paso de cebra para que en medio de “Charly García” la peña hiciera sus cosas, pogos de piragüismo con gente en pelotas encima de la piscina humana…”, y así podrían seguir eternamente. “Veía a cada gente viviendo su experiencia, su trip. Todos entendién-

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EN PORTADA

dose, pero siendo súper salvajes al mismo tiempo”, indica el vocalista. José lo considera algo terapéutico y argumenta que “En la sociedad no nos permitimos vivir ciertas experiencias, y creo que se ha conseguido encontrar ese contexto tribal, físico, pero saludable y liberador”.

QUIEN HAYA ESTADO en un concierto de Sexy Zebras sabrá que se canta hasta la afonía, se suda mucho y se salta más, pero siempre en un extraño entorno de protección y respeto. “El otro día, no sé si viernes o sábado, vino uno con un diente, buscando a su propietario. O en el Cruilla, una chica en silla de ruedas que se bajaba para meterse en el pogo…”, siempre ayudada por la marea. El reto llegará el año que viene, en el concierto del Movistar Arena que acaban de anunciar. Al mencionar ese 24 de enero de 2026, a los tres se les nota la ilusión, y aunque entienden que inevitablemente será algo más distante, hay que “experienciar esos recintos, probar. Lo peor que puede pasar es que volvamos a hacer tres Rivieras, pero nunca haremos algo que no sea nosotros”. José comparte el sentimiento y añade siempre van a tratar de “hacer las cosas mejor, porque nos gusta y nos ganamos la vida con eso”. Gabi lleva un rato en silencio, pensativo, hasta que por fin vuelve: “Ahora que lo pienso, no tengo ningún miedo. Va a pasar exactamente lo mismo que en las Rivieras”.

HASTA ENTONCES, siempre podremos regresar a Bravo para coger fuerzas. Es posible que no lo encuentres en Google Maps y que esta entrevista realmente haya tenido lugar en las oficinas de cierta discográfica. Qué más da. Bravo será ese lugar en el que tu huevo frito con patatas se vuelva digno de portada y hasta hacerse un café sea algo heroico. Y en el que lo único importante es que sigamos vivitos y coleando. M.G.

EN CONCIERTO R

Más en www.mondosonoro.com

l Toledo 09-10 mayo. Toledo Beat Festival

l Amurrio 30-31 mayo. Aiara Fest

l Valencia 06-07 junio. Festival de les Arts

l Lleida 13-15 junio. Magnífic Festival

l Albacete 19-21 junio. Antorchas

l Santander 01-02 agosto. Santander Music

l Tenerife 25 octubre. Peñón Rock

l Madrid 24 enero. Movistar Arena (Inverfest)

MONDO FREAKO

“Todo lo que no soy capaz de decir a mi entorno puedo cantarlo”

EL DISCO. RECUPERADO.

Dover I Ka Kené (2010)

CUESTA ENCONTRAR CONSENSO entre los oyentes para dar con el momento exacto en el que a Dover se les torció la rueda. Hay quienes piensan en su “radical” paso por la publicidad poniendo música a cierto refresco noventero como el primer indicio de su decadencia y otros se esperaron a estrenar el milenio y ver a las Llanos pasarse al pop con “Follow The City Lights” (06) para dar rienda suelta a su inquina. Fuere como fuere, a la banda madrileña no le dejaron de caer palos durante las más de dos décadas de trayectoria que aguantaron en pie. Y todavía les quedaba enfrentarse al aluvión de hiel y bilis que años más tarde encajarían con la publicación de su atrevido y vapuleado séptimo disco de estudio: “I Ka Kené”.

La Maria Raíces y novedades

ES IMPOSIBLE no adivinar en su mirada el brillo que solo deja la pasión por la tradición y la historia propias. Ella misma lo reconoce: “He vivido en Valencia, he vivido en Galicia y ahora mismo no quiero salir de mi pueblo”. Al entrar en el museo, Maria se pierde entre aquellos artilugios, viendo cómo la historia agrícola de su pueblo se organiza entre paredes, habitáculos y pozos. Esta fuerte conexión con la tradición valenciana resulta evidente con un simple repaso a través de su discografía. Sin embargo, en “Robina”, el folclore se encuentra con la música electrónica para incluir temas “de muchos palos distintos”. En este sentido, asegura que busca música de todos los estilos para inspirarse. “Tienes que intentar escuchar y mirar referencias que se escapen de tu propio género, porque si no difícilmente podrás hacer cosas nuevas”, sentencia. El álbum de La Maria está cargado de una sinceridad que desborda. “No sé hacerlo de otra forma. Eso hace que tu trabajo no puedas separarlo a nivel emocional, y hay comentarios que pueden hacerte mucho daño”. Porque la verdad expuesta de forma tan pública puede llegar a ser aterradora, sobre todo al lanzar versos tan crudos como el de “Tinc els genitals extirpats per tal de no sentir”. “Yo de estas letras no he hablado con mis padres”, ríe la cantante, amagando un tanto de timidez, y coincide en que, en estos casos, hay “una especie de pacto silencioso” entre quienes la conocen y ella en el que está prohibido preguntar. Sin embargo, acaba asumiendo que “también es muy bueno cuando empiezas a hablar de algo que te ha hecho mucho daño”, y por eso la gente de su alrededor también lo respeta. “La música influye en el proceso curativo. [...] Todo lo que no soy capaz de decir a mi entorno puedo cantarlo”, concluye. JOAN SÁNCHEZ

Cuando uno escucha “Robina” (Propaganda Pel Fet!, 25), proyecta en La Maria, artista folclórica valenciana, una fuerza que contrasta con su personalidad tranquila, sencilla y agradable. Maria Bertomeu –así se apellida una de las revelaciones más transgresoras de la música valenciana– me recibe en el Museu Etnològic de Oliva, su ciudad natal y su actual hogar. R

Más en www.mondosonoro.com

Con un pie en la reinvención y otro en la apropiación cultural, Dover daban completamente por perdido a su fandom guitarrero tras su reciente madonnización y se lanzaban en brazos del experimentalismo tribal y la psicodelia africana, con ideas mejorables en la práctica pero con exquisito potencial si uno se desarma de prejuicios. En un momento en el que la fusión con el folclore todavía no era norma en nuestra escena, Cristina y Amparo miraban a Mali para formular su aproximación a la world music y plantarnos con ambición y arrojo diez rarezas con las que hacer bandera de su siempre desacomplejado estilo.

No todo en esta propuesta es razonable ni reivindicable, ojo –el tiempo tampoco hace milagros y canciones como, precisamente, la homónima “I Ka Kené” siguen siendo objetivamente malas–. Pero con sus punteos a la Khruangbin (“Junette”), su candidatura personal a canción de anuncio veraniego de cerveza (“Any Love”), sus excelentes coqueteos con el francés más descocado (“La Response Divine”) y el bambara más sosegado (“Yafama”) o esos destellos de indie-pop tan metidos con calzador como pegadizos (“A Bullet To The Heart”), el veredicto alcanzado es que el elepé se salva de la quema mucho más de lo que la crítica especializada se empeñó en hacernos creer diez años atrás.

La producción, vilipendiada con sobredosis de mala uva en su día, lleva la firma de Jesús Antúnez, batería de la formación que en esta ocasión adquiere el mencionado rol a los mandos. Pero no solo será la percusión la que se adueñe de la partitura, pues aunque sus ritmos atávicos marquen el tempo con determinación, en temas como “Dannaya” (que perfectamente podría pertenecer al repertorio de Crystal Fighters) o “Under Your Spell” la banda se atreve con cosas tan locas como meter gaitas electrónicas o sintes con olor a eurodance, respectivamente. Reconozcamos que a otros les hemos hecho la ola por mucho menos. “I Ka Kené” fue el último escalón para una banda que siempre fue a la suya. FRAN GONZÁLEZ

FOTO: JOAN

SÁNCHEZ

Tonino Carotone & Giulio Wilson

El espíritu del vino

Un juego de palabras que remite al hedonismo mediterráneo –“Mondo DiVino” (Manninalto, 25)– y le lleva la contraria a aquel “Mondo difficile”, devuelve a la primera plana en España al personaje que se cagó en el amor con éxito global. Le acompaña en esta aventura el productor y compositor italiano Giulio Wilson.

AMBOS LLEVAN dos días en Madrid hablando de esta colaboración insólita cuyo resultado es un álbum de doce cortes originales de canalleo meridional, y un vino tinto reserva elaborado en las bodegas de Wilson en la Toscana. Éste vuela ya a Italia, así que me encuentro en las oficinas de Emerge en la Gran Vía con el hombre que sigue enamorado de la canción italiana en su

vertiente más arrabalera, vía Renato Carosone, Adriano Celentano y otros gigantes del género. El cantante de Burgos criado en Pamplona vive entre Italia y Segovia y salta de un tema a otro –de su fobia a las palomas al peculiar sentido de la puntualidad de Gandalf el Gris, de como “Frankie” (Sinatra) se presentó en Pamplona a buscar a Ava Gardner a su restaurante favorito en Bérgamo– con la misma soltura socarrona y anárquica con la que reinterpreta el legado de la canción italiana. El músico admite que “la pandemia fue un antes y después, estamos en otro mundo. Yo lo pasé muy mal. Cuando lo cerraron todo, ya venía infectado de Grecia. Era cuando todos nos reíamos. Me pegué un mes en la cama y pensé que me moría, llamando por teléfono todos los días. Cuando dejé de llamar y vi que no merecía la pena, me dije: ‘Me muero en casa’. Pero no fue el caso. Después, en 2021 saqué “Whisky Facile”, un homenaje al cantante italiano Fred Bus-

“La clave de esta alquimia es que somos dos personas totalmente diferentes”

RR Coinciden en día de lanzamiento, el viernes 9 de mayo, “Tall Tales”, el disco colaborativo de Thom Yorke (Radiohead, The Smile) y el músico electrónico Mark Pritchard, y “Pink Elephant”, el nuevo trabajo de los canadienses Arcade Fire

RR También coincidirán en día de lanzamiento, el viernes 6 de junio, dos discos importantes de generaciones distintas. Por un lado, los británicos Pulp publicarán “More”, su primer

el nido Vuela alto

Los burgaleses el nido presentan el que es su segundo disco, “La constancia” (Altafonte, 25), una obra en la que vuelven a caminar, con soltura y distinción, entre tradición y actualidad.

“LA CONSTANCIA” es un trabajo sensiblemente más ambicioso, rico en matices y, sobre todo, estilos que aquel debut del combo que fue “Refugios a cielo abierto” (Altafonte, 22). “Es un álbum pensado para tener todo lo

disco en ¡veinticuatro años! Por el otro, la banda de hardcore y rock alternativo Turnstile lanzará “Never Enough”, su esperado retorno y ya con la guitarrista Meg Mills como miembro oficial.

RR Abril ha sido un mal mes por lo que se refiere a fallecimientos de artistas relevantes. Nos han dejado el maliniense Amadou Bagayoko (cincuenta por ciento de Amadou & Mariam), el británico Clem Burke

que somos en este momento como grupo: dar rienda suelta a la experimentación y querer siempre ir un paso más allá en lo musical. Hemos aprendido: la gira, tocar juntos, encontrarnos con otros proyectos admirados, crecer como grupo... Han sido dos años hiperintensos, con ciento cincuenta conciertos... y todo eso ha ayudado a enfocar estas canciones de otra manera”. Una de las cualidades claras del disco es el buen gusto. O, dicho de otro modo, una elegancia innata que aparece en todas las piezas de “La constancia” “La mayoría de los temas de la preselección tenían mucha energía y eso nos

molaba. Nos apetecía hacer un disco con más caña, para gozarlo bien en el directo sin dejar de lado lo emotivo y que, desde luego, tuviera una sensación sonora de tradición. Al final no hemos hecho para nada un ejercicio de estilo y esa creemos que es la virtud del disco. Hay cosas que suenan a tradición, ritmos, sonoridades más experimentales, estribillos más pop, melodías más locas... y eso nos flipa”. Las colaboraciones son otro elemento clave en “La constancia”, con la presencia de Rodrigo Cuevas, Neomak y Rozalén. “A Rodrigo Cuevas le propusimos componer algo juntos. Le pareció bien y a partir de ahí todo fue magia. Pasamos unos días en Asturias, haciendo la canción y paseando por el monte. Neomak conocen el folklore euskera como nadie. Le dan un punta-

(batería de Blondie y que también había tocado con The Romantics, Iggy Pop o Ramones) y el británico Dave Allen (bajista en dos etapas distintas de Gang Of Four y posteriormente de Shriekback o Low Pop Suicide).

RR Magüi (Ginebras) es la invitada especial en el grito punk pop “Me cago en el amor” de la banda Anabel Lee. El videoclip que acompaña a la canción está dirigido por Víctor Mejías, también vocalista del grupo.

“Todo lo que ha hecho Rodrigo Cuevas por la música de tradición es impagable”

caglione, con su punto etílico y teatral. En 2023 salió “Etíliko Romántiko”, aunque se había grabado justo antes de la pandemia. Se presentaba el mismo día en que se cerró todo en Milán. Eso de discos, pero también he sacado singles. No he parado, salvo durante los tres años de la pandemia”.

ERA LÓGICO que con estos antecedentes Carotone le dedique un disco al vino y su “espíritu alegre” junto a otro artista italiano. Antonio –su nombre real– conoció a Giulio Wilson por casualidad en su restaurante favorito de Bérgamo, en el norte de Italia. A ambos les une la pasión por la música en su sentido más amplio. Y por el vino y la comida, por supuesto. “Es un proyecto súper interesante para mí. Hay muchas canciones relacionadas con el vino. Él me conocía de antes, es más joven, y tenía la voluntad de hacer un disco conmigo. Yo no le conocía ni como músico, soy muy garrulo musicalmente. Es un gran creador, y cantautor. Lo mejor de todo, la clave de esta alquimia, es que somos dos personas totalmente diferentes. Con caracteres marcados y personalidades complementarias”.

AMBOS SE MONTARON un pequeño estudio en la misma bodega de Giulio, acompañados por un grupo de músicos bajo la producción de Thomas Tirtha Rundquist (Undrop, Macaco). “Con la dificultad que tienen las diferencias artísticas, hemos hecho trece canciones en un tiempo récord, doce días”. Una colección de composiciones originales “con puntos de vista muy atractivos: es un disco bilingüe, que me parece muy interesante porque siempre he jugado con eso. Yo hablo un itañolo perfecto: se me entiende y nos comunicamos, que es lo más importante. El álbum está hecho con ese respeto personal, esa armonía”. JC PEÑA

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l Barcelona 02 mayo. Razzmatazz 2

l Madrid 03 mayo. Sala Villanos

l Valencia 04 mayo. Sala Jerusalem

zo poderoso al tema cuando rompen y entran con las panderetas y las voces. A Rozalén la conocíamos de coincidir en conciertos y es una absoluta referente. No podíamos quitarnos de la cabeza la opción de su voz para ‘De corazón’. Se apuntó y la transformó por completo”.

VINIENDO DE BURGOS y siendo que no se sitúan en unas coordenadas musicales demasiado alejadas de las de La Maravillosa Orquesta del Alcohol, para quienes han abierto conciertos tan importantes como los ofrecidos al amparo del WiZink Center, parece evidente que estos puedan ser un espejo en el que mirarse. “¡Desde luego! Son el mejor de los ejemplos a seguir por miles de cosas. Trabajar desde la autogestión, hacerlo desde el cariño y el corazón,

RR Amparo Sánchez es la artista seleccionada por AIE que viaje al Liverpool Institute For Performing Arts (LIPA), la escuela fundada por Sir Paul McCartney para preparar una gira por Inglaterra y España. Entre los días 1 y 7 de junio impartirá clases magistrales a un grupo de alumnos con los que ensayará un repertorio para una gira especial. Después de un concierto en la propia LIPA en Liverpool el 1 junio, podremos verles en Madrid (11 junio), Valencia (12 junio), Zaragoza (13 junio) y Barcelona (14 junio). MS

el talentazo, cuidar su entorno, apoyar la escena local, apoyar los pueblos. Son los mejores, no podríamos tener mejor ejemplo en Burgos”. RAÚL JULIÁN

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l Granada 03 mayo. Taberna J&J (GPS)

l Palencia 09 mayo. Universonoro

l Huesca 10 mayo, Sala Genius (GPS)

l Cáceres 17 mayo. El Corral de las Cigüeñas

l Donostia 23 mayo, Dabadaba

l Oviedo 24 mayo, Tribeca Live

l Zaragoza 30 mayo, La Lata de Bombillas (GPS)

l Aranda de Duero 06-10 agosto. Sonorama Ribera

MONDO FREAKO

No ha faltado música del madrileño en los últimos años: “Cuando te muerdes el labio” (21), el proyecto paralelo con The Guapos… Pero nada es comparable a “Gigante” (Sony, 25), disco en el que el cantautor se explica tal y como es, y como nunca hasta la fecha: ansioso, entusiasta e idealista. Madurar complejo y con galones. A lo grande.

“ EN EL FONDO, mi vida es exactamente igual a la tuya”, recalca, mientras toma un poleo menta en la planta última de un altísimo y lujoso hotel de Barcelona. No parece el tipo de lugar en el que él quedaría. Cosa de multinacionales; allí le han ubicado para la promo. Es verdad que su sombrero de ala verde color pistacho, cincelado con una cerilla que en la punta conserva el fósforo, el traje de postín y los tatuajes –ya verdosos, hace años que no se completa la colección–, pueden llegar a confundir: demasiado manual del rock. Pero la realidad es que Leiva, cuando abre la boca, es muy normal. “Insisto, mi día a día desde hace unos años no es nada raro. Igual en otras épocas era un poco más killer…”, ríe, mientras se frota un párpado. Tiene los ojos cansados de todo un día de conversaciones con periodistas.

PARLOTEABA EL OTRO DÍA conmigo mismo y el teclado alrededor de “Gigante”: el tipo, durante sus más de dos décadas en el circuito, ha compuesto muchos himnos. Ex líder de Pereza, nada menos. Piezas sueltas, resultonas, populares. Muy populares. De amoríos, de juergas. Ahora está en una etapa mayor; sus últimos discos comparten más con una novela que con un listado de canciones pop. Ya desde “Costa de Oaxaca” o “Cuarenta en cuarentena”. El niño del barrio de Alameda ha logrado desengancharse de las tonadas previsibles y de dirigirse a una segunda persona exculpatoria. El nuevo largo es una caja de canciones en la que brilla la ambivalencia: la angustia y las dificultades, la ridiculez, pero también la belleza. “Mi chance con el público es que vea que sentimos las mismas cosas. Este disco tiene la peculiaridad de que no se anda con paños calientes. Tampoco tenía ningún plan a la hora de hacerlo. Ha llegado un momento en la vida en el que he asumido lo que soy. Esto es lo que hay. Aquí hay un punto confesional extra, XL”. Las canciones para él son el lugar desde el que contar abismos, porque se siente “cobarde”. A los cuarenta y cuatro años no es poca confesión, al no poder contarle lo que

"Mi chance con el público es que vea que sentimos las mismas cosas"

Leiva La nueva normalidad

le perturba a la gente mirándola a los ojos. Tiene que hacerlo desde las composiciones. “Mira, a estas alturas, si encima hay gente que dice ‘Este tío está hablando de mí’... Ya está. Mi lugar es el de explicar las cosas de esta manera, y contárselo a alguien, mucho más importante que cómo canto o con qué música”. Después de “Cuando te muerdes el labio” (21) y de “Hey!” (23), Leiva se ha desfogado en lo musical. Tal vez por ello este es un disco de guitarras solemnes. Y cada vez más, el de un señor que, primero escribe, y luego canta. “Ha pasado el tiempo y eso me ha hecho asumir mis limitaciones vocales. Tengo más compromiso con los textos. Milito más en los textos. Me identifico poco con la poca pirotecnia. Estoy muy reconciliado con esta forma tran-

quila de componer, una relación tranquila con la parte musical”.

LEIVA YA NO ESCRIBE desde el pozo, pero tampoco desde la solución, desde el consejo de un colega. Eso sería un peñazo. No es un manual de autoayuda. Es el teléfono de la esperanza de los que siguen creyendo en la música como una forma amigdalar de conectar. El músico madrileño tiene una vida normal, pero hasta el más normal tiene problemas. Él califica los suyos de “infantiles”. El pánico a la proyección, la muy sabida hipocondría, que ahora adopta tintes de realidad: ha tenido últimamente la voz tocada. “Con el privilegio de vivir de lo que yo vivo, que es muy grande, es difícil ver que esa situación entrañe complejos y

problemas. A mi me da miedo subir a un escenario, claro. Pero me da más miedo que las decisiones afecten a familias, familias de colegas de toda la vida… O a que alguien coja el dinero de su trabajo y lo ponga en una entrada. Yo, la verdad, tocaría menos. Pero tiene que haber un equilibrio. Años atrás me descuidaba totalmente y siempre estaba de gira. Ahora me cuido más en lo personal. ¿Mi patología en la cuerda vocal? Cada vez lo gestiono… peor”, comenta, mientras hace una mueca, ladeando la cabeza y dándose una palmada sobre las rodillas.

DEJA PRÁCTICAMENTE el poleo menta sin tocar. Le hago la pregunta clave. Clave para mí, al menos. ¿Cómo has hecho para dejar la medicación? “Hace unos años se me fue de las manos la parte emocional. Necesité una mano… química, en este caso. Y empecé a ordenarme un poco. Traté de convivir mejor con los ataques de pánico. La medicación fue un paracaídas. No descarto volver a necesitarla”. Poco antes de que Sony nos dé el toque –tiene que coger un avión en unas horas–, le miro las muñecas, por ahí asoma una camisa con borlas, parece suave, y también manos finas con tatuajes percheros ya vetustos. El citado traje rock. ¿Es posible que haga años que no te tatúas? “No, me he hecho cosas pequeñas. Pero hace tiempo que dejé esa costumbre [risas]. Algunos me hacen ruido, no te creas. Pero bueno… Lo de fuera… Elegir la chaqueta no es difícil. Siempre me gustó la estética del patriarca. No me pongo tanto las americanas por Nick Cave sino por Camarón. ¿Los sombreros? La primera vez que me puse uno me sentí ridículo. Pero no es importante. No lo es”. YERAY S. IBORRA

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l Toledo 30 y 31 mayo. Plaza de Toros

l Sevilla 07 junio. Icónica Sevilla Fest

l Burgos 13 junio. Exterior de Coliseum

l Bilbao 14 junio. Bizkaia Arena

l Madrid 21 y 23 junio. Movistar Arena

l Badajoz 28 junio. Auditorio Recinto Ferial

l Valladolid 05 julio. Antigua Hípica

l A Coruña 12 julio. Explanada Muelle del Puerto

l Valencia 19 julio. Estadi Ciutat de Valencia

l Gijón 26 julio. Parque Hermanos Castro

l Sanxenxo 02 agosto. Costa Feira

l Santander 07 agosto. Campa de la Magadalena

l Palma de Mallorca 09 agosto. Son Fusteret

l El Puerto de Santa María 16 agosto. Plaza de Toros

l Fuengirola 23 agosto. Marenostrum

l Almería 30 agosto. Recinto Ferial

l Albacete 05 septiembre. Estadio José Copete

l Ponferrada 07 septiembre. Auditorio Municipal

l Alicante 13 septiembre. Area 12

l Guadalajara 20 septiembre. Estadio Fuente de la Niña

l Córdoba 27 septiembre. Plaza de Toros de Los Califas

l Granada 02 octubre. Plaza de Toros

l Murcia 04 octubre. Espacio Norte

l Pamplona 10 octubre. Navarra Arena

l Zaragoza 12 octubre. Pabellón Príncipe Felipe

l Las Palmas de Gran Canaria 31 octubre. Plaza de la Música

l Santa Cruz de Tenerife 01 noviembre. Parking del Palmetum

l Barcelona 08 noviembre. Palau Sant Jordi

WALA. WALA.

“Un gran error que cometimos al principio fue no anotar cuánto dinero ganábamos, cuántas camisetas habíamos fabricado, cómo se llamaba el técnico de la sala...”

Tom May de The Menzingers en Rockzone

“Cuando un artista con proyección sigue creciendo, de repente sale gente que quiere algo de ti. Hay que tener cuidado con eso”

Alice Wonder en Jenesaispop

“Siempre he trabajado con distintos guitarristas porque la cuestión es que yo toco el teclado, no la guitarra. Así que escojo a diferentes personas para diferentes cosas”

Bryan Ferry en Ruta 66

“Es complicado estar cerca de una banda tan buena –y puedo decirlo porque no tengo nada que ver con las canciones que ellos han escrito; soy una fan que toca con ellos– y que no te inspiren”

Polly Money, guitarrista en gira de The 1975’s en NME

“CON UN PORTÁTIL, PUEDO IR A LA NATURALEZA Y MI ESTUDIO ESTARÁ EN LA NATURALEZA, NO EN UN SÓTANO RELLENO DE ESPUMA Y SIN VENTANAS EN MEDIO DE UNA CIUDAD”

Björk en Apple Music

The Murder Capital

Elias Rønnenfelt (Iceage)

Scowl

King Gizzard & the Lizard Wizard 23, 24 y 25.05.25 Barcelona ●Poble Espanyol Two Shell

The Hard Quartet

Gouge

“Somos muy valencianos y la música que hacemos lo demuestra en cada nota”

La Plata En constante evolución

En poco más de un lustro, hemos visto a La Plata destilar rock rápido, apostar por el post-punk más crudo y reinventarse a golpe de sintetizador, demostrándonos que, ante todo, sus respectivos miembros son organismos vivos, ávidos de transformación e inconformismo constante. E “Interzona” (Sonido Muchacho, 25) es un ejemplo más.

PARA UNA BANDA en perpetua evolución como la valenciana, es difícil determinar si la presente etapa se corresponde a su versión definitiva, pero lo que está claro es que “Interzona” ilustra con fidelidad el momento circunstancial y emocional en el que sus cinco involucrados se encuentran actualmente. Diego Escriche reconoce que el discurso de su tercer largo mira de frente a la Interzona de William Burroughs, a la de Joy Division y Klaxons, o incluso a un efímero garito valenciano que también respondía a ese nombre. Sin embargo, lo que el quinteto logra aquí se aproxima más a una oda a la aparente plenitud en el estado vital de sus miembros y de la que hacen gala en sus doce nuevas canciones. “Parti-

cularmente, nos sentimos muy felices estando en el lugar que estamos y este álbum es la representación sonora de ello”.

PARA LA PLATA, el punto de partida de este disco nació en su EP “Sueños”, donde no solo se probaron a sí mismos en un terreno sonoro diferente, sino que también supuso la primera ocasión en la que lograban hacerse cargo de la producción, grabación y posproducción de su material. “Todos los miembros de La Plata estamos involucrados de alguna forma u otra en la producción de otros proyectos”, apunta Diego. “Carmona y Salva tienen varias bandas de hardcore; Patricia tiene un sello que se llama Dominio y está haciendo bandas sonoras para cine; María tiene un proyecto de art-punk y le encanta la música experimental, y yo hago cositas dentro del witch-house, así que ha sido de lo más natural y orgánico que nuestros vértices se encontrasen y acabáramos tomando la iniciativa en lo que al control de nuestra música se refiere”. “Al contrario de lo que pueda parecer”, continúa, “trabajar de esta manera ha supuesto menos quebraderos de cabeza para todos. No nos ha hecho falta contar con ningún intermediario al que tuviéramos que venderle nuestras ideas, sino que simplemente hemos pasado de tenerlas a materializarlas”. Y es tal el protagonismo que sus miembros han ganado en la realización de este disco, que el propio

Diego nos cuenta que podemos escuchar cantando a la banda al completo y no solo a él. “Incluso he puesto a Carmona a gritar”, nos confiesa entre risas. “Hay canciones, como ‘mirar atrás’, donde Patricia lleva la voz cantante. Y otras, como ‘agua clara’, donde lo hace María. La elección dependía del registro y del tono que más se adecuase a cada una. Ellas han estado cantando en La Plata desde prácticamente el segundo EP que lanzamos, pero no ha sido hasta ahora que se han animado a tener más presencia a nivel vocal, reafirmando así el hecho de que esta es una banda en la que todo es responsabilidad de todos y todas”.

RECUPERANDO EL HILO sobre el giro estilístico que han experimentado desde los guitarreros días de “Desorden”, no podemos evitar preguntarle por el peso que la tradición electrónica de su tierra natal ha jugado en su correspondiente deriva sonora. “Somos muy valencianos y la música que hacemos lo demuestra en cada nota”, confiesa. “No puedes ser de Valencia y que no te guste la electrónica. Está en todas partes y forma parte del ADN de la ciudad”.

FRAN GONZÁLEZ

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Super H Homenaje a “Super 8”

Se ha publicado, de la mano de Casa Maracas como celebración de sus cinco años como sello, “Super H”, disco homenaje al primer largo del grupo granadino. En él, una serie de grupos versionan todas y cada una de las canciones del disco más “Manchas Solares”.

“SUPER 8”, el debut discográfico de Los Planetas, cumplió su treinta aniversario el pasado año y sigue eternamente joven. Noise-pop cargado de melodías, distorsiones y efectos, con la dolorosa fragilidad de las relaciones sentimentales en el centro del huracán, más un extra de química en sangre y liberadora experimentación. La frescura efervescente de “hacer tú mismo” lo que quieras.

TRAS AQUEL PRIMER EP de 1993, “Medusa”, dejando atrás el nombre de Los Subterráneos y previo subidón en el circuito underground, primero con el afilado sencillo “Mi hermana pequeña”, elegida canción del año en 1992 por los oyentes de Disco Grande y Rockdelux; y después ganando el premio de maqueta del año, otorgado también por Disco Grande de Radio 3 (segundos en el concurso de Rockdelux), la banda más influyente del pop nacional, Los Planetas, despega definitivamente a la galaxia sonora con su LP debut, “Super 8” (94). Treinta años ya de aquel disco en el que dejaron asentados los cimientos del indie patrio y lo que vendría detrás, siendo desde entonces espejo roto-sentimental y lisérgico de toda una generación que comenzó a orbitar, canción a canción, junto a ellos.

TRAS UNA GIRA el pasado año en la que la banda interpretó el álbum al completo, ahora llega la edición de un disco tributo en el que luminarias de la escena revisitan esas canciones. A algunos de ellos les hemos preguntado sobre el momento en el que descubrieron a Los Planetas y sobre la canción versionada.. DAVID PÉREZ

Cala Vento

“Si Está Bien”

Descubrimos a Los Planetas cuando empezamos con Cala Vento y los medios empezaron a compararnos. Fue a partir de ahí que empezamos a escucharlos más a saco y su disco ‘Una semana en el motor de un autobús’ nos influenció bastante sobre todo para nuestro segundo y tercer disco, ‘Fruto Panorama’ y ‘Balanceo’. Como este año hemos sacado un disco de versiones y ya estábamos bastante en el ajo en esto de hacer covers, fue muy fácil traer el tema a nuestro terreno”.

Alcalá Norte

“10.000”

Para nosotros Los Planetas suponen una reconfortante palmadita en la espalda. Apenas mes y medio después de publicar nuestro álbum se molestaron en buscarnos para transmitirnos en persona sus mejores deseos e infundirnos ánimo. Son los antiguos Alcalá Norte. Pensábamos que nuestro manager, el Jose, solo tenía amigos raperos, pero resulta que también conocía al Florent. En cuanto a nuestra versión, el Carlos pilló el riff de guitarra que protagoniza la canción y lo reinterpretó desde el teclado. En su momento nos convenció y comenzamos a trabajar a partir de ahí. Fue un trabajo hecho con prisas, la única canción que hemos compuesto contra el reloj. En cuanto a la letra, preservamos la estructura del estribillo original, pero cambiamos la temática, pues hemos consa-

justo una de nuestras favoritas del disco. Queríamos llevarla a nuestro terreno pero era muy parecida a la original, así que decidimos hacer algo distinto e inesperado: una balada. Le quedaba genial al tema porque encima es muy emotiva.

Marcelo Criminal

“Rey Sombra”

Para mí Los Planetas son una forma de entender la fricción y el desafío dentro de los límites del pop y sobre todo la retranca en las letras. Me pareció divertido, por tanto, tratar de darle un giro a “Rey Sombra” y convertir la obsesión morbosa de la original en una especie de manifestación de la ansiedad por no poder repetir un fenómeno como el propio “Super 8”

Los Punsetes

“Desorden”

La primera conversación que tuvimos cuando nos conocimos en la facultad fue sobre Los Planetas. Es un grupo que ha estado siempre en nuestra vida, antes de que existieran Los Punsetes y antes de que se nos pasara por la cabeza montar un grupo. Hemos intentado que nuestra versión no se pareciese a la original y, a la vez, hemos querido aprovechar para probar alguna cosa distinta de lo que solemos hacer normalmente, como el ritmo, que no es muy de grupo de guitarras o la utilización de los teclados casi como instrumento principal. La colaboración de Isi de Antifan nos ayudó mucho en ese sentido.

Triángulo de Amor Bizarro

“La caja del diablo” Los Planetas fueron siempre un referente muy importante para nosotros, pero también para una generación de grupos en España. Tanto musicalmente como a la hora de ver su trayectoria, la forma en que han ido evolucionando a lo largo de los años. Son un grupo que se sabe mantener vigente y relevante durante un período de tiempo muy largo, sobre todo para lo que suele ser la vida de las bandas de rock. También hay que considerar que es uno de los grupos en español que mejor supo crear un idioma propio con unas influencias con las que creo que tenemos muchos puntos en común. Son un ejemplo de seguir haciendo música como tú quieres arriesgando sin miedo y pensando en lo artístico antes que en lo comercial.

En cuanto a “La caja del diablo”, era una canción que conocíamos muy bien, somos muy fans del disco y esta era de nuestras favoritas de Los Planetas en directo, así que fue un regalo poder hacer una versión propia. Nuestra intención fue llevarla a esa sensación de toma en directo de Los

"Son un ejemplo de seguir haciendo música como tú quieres arriesgando sin miedo"

LA LISTA COMPLETA

Carolina Durante (“De viaje”), Depresión Sonora (“Que puedo hacer”), Cala Vento (“Si está bien”), Alcalá Norte (“10k”), Melenas (“Jesus”), Él Mató a un Policía Motorizado (“Estos últimos días”), Las Dianas (“Brigitte”), Marcelo Criminal (“Rey Sombra”), Los Punsetes (“Desorden”), Triángulo de Amor Bizarro (“La caja del diablo”) y Edu Requejo (“Manchas Solares”).

Planetas más psicodélicos, sobre todo en el desarrollo que tiene la segunda parte de la canción. Todo esto desde la forma que tendríamos nosotros de afrontar esa intensidad hasta el final, como subiendo eternamente. También hacer un juego con las voces de Isa y Rodrigo que juega un poco con la idea de la letra. En el fondo intentar ser fieles a la idea de la propia canción, pero desarrollarla como si fuese nuestra.

Edu Requejo

“Manchas solares”

Para mí Los Planetas han sido y siguen siendo el grupo español más fiel a la ambigüedad de lo que son. Un misterio que no necesita encubrirse ni fortificarse. Son un misterio sin máscara, como lo fueron Lou Reed, Tom Waits y Bob Dylan. En ese sentido, no hay otros. Los Planetas no se proclaman, y por eso no pierden su fuerza. Al contrario, la ganan. En mi aportación, he querido aportar mi sensibilidad como productor, sobre todo en el uso del ritmo y la textura de la canción. He querido hacerla lo más esquelética y cruda posible. Y que la melodía y letra de J. produzca lo que a mí me produce la original. Su aroma. MS

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39/Mondo VINILOS

Vera Fauna encuentran su sitio

POP / Vera Fauna firman uno de esos discos que no quieres que terminen bajo ningún concepto, “Dime dónde estamos”, más intimistas y expansivos que nunca, con ese irresistible azahar y luminoso amargor sonoro que los define y que se te queda pegado como salitre a la piel desde la primera escucha. Un ramillete de composiciones que te hablan a la cara de esos vínculos que vienen y van, que nos definen, que se mantienen contra viento y marea, que se pierden, pero nunca desaparecen del todo, con sus huellas, heridas y cicatrices en continuo movimiento. Así, de la pérdida de autenticidad de los núcleos vitales, expulsando, incomunicando y separando a su gente, brota un nihilismo activo que nos empuja a retomar lo más importante: el calor humano para volver a conectarnos. De

la inicial “Tu voz”, con esas atmósferas envolventes y bailables (regusto a Parcels y Jungle) que nos invitan a echar de menos en voz alta; al funk resplandeciente de “Sale el sol”, con ese guiño a The Roots inicial que hacen suyo en una suerte de collage creativo que no conoce ni rejas ni paredes, y todo acompasado bajo el latido poético de lo cotidiano, atravesándonos con el reflejo de esa afilada hoja de la experiencia y lugares comunes, ya sea con pulso hip-hop en “Un atraco”, flotando bajo el vaivén onírico y lisérgico de “Mi cabeza” o en ese crujir emocional colectivo de “Los grillos”. Cuidadísima producción de Raúl Pérez y Alex Fernández, más dos momentos cumbres con invitados de excepción: Noni Meyers en uno de los hits incontestables del álbum, “No me digas la verdad”, rumba pop espacial en la que no tocaras el suelo, y un “Me destruye” en el que es imposible no caer en bucle continuo. Pieza de amor indestructible con una omnipresente Ángeles Toledano que sigue malacostumbrándonos, duende en llamas una vez más. Desde ya, en el top de canciones más bonitas del año. david pérez marín

My Morning Jacket Is ATO records

ROCK / “Is” tiene canciones con la suficiente carga de ADN de la banda para quedar disimuladas en su setlist y eso no es discutible. Como tampoco lo es que el disco no aporta nada. Las escuchas son resultonas, incluso placenteras, pero la sensación que prevalece es la de un álbum de descartes y no el de una obra con enjundia. Y es una pena. Puede que parte de culpa la tenga el haberse abandonado en los brazos de Brendan O’Brien (Pearl Jam, Aeorsmith), productor que siempre se ha interesado más por niquelar el sonido que en provocar al artista a salir de esa zona de confort en la que muchos creadores se instalan con la inercia de los años. Por eso, y por la necesidad humana de nutrir la cuenta corriente, parece que a Jim James ya le ha venido bien esta colaboración. Porque de lo contrario hubieran buscado alguien con el perfil de John Leckie (Radiohead, The Fall) para volver a llevar a la banda a ese cénit que añoramos. don disturbios 5

Yawners

Superbucle

Montgrí

INDIE POP / Con la excepción de “Self-diagnose”, Elena Nieto aprovecha su tercer álbum al frente de Yawners para volcarse definitivamente en el castellano como modo comunicador. La autora reaparece, también, más asentada, sin apurar la vistosidad de aquellos movimientos juveniles antaño más evidentes. “Superbucle” da pistas desde el mismo título y, en efecto, cabe entenderse como un loop a través del transcurrir vital. Un realista viaje entre el optimismo y la decepción, con paradas en emociones intermedias que enriquecen el conjunto. Piezas pegadizas en un viaje en el que las influencias de Weezer, Built To Spill o The Rentals siguen resultando de lo más favorecedoras a la hora de dar con dianas evidentes. Un disco especialmente sincero (casi literal) y directo en su lírica, que podría ser el trabajo más elaborado hasta la fecha por Yawners, sin traicionar esa filosofía DIY que siempre ha caracterizado su obra. raúl julián

MONDOVINILOS

Queralt

Queralt Lahoz 9: 30 PM

Costa Futuro/Say It Loud

URBANO / Echar la vista atrás, mirar hacia dentro. Estas dos acciones resumen a la perfección lo que Queralt Lahoz hace en “9: 30 PM”: escucharse y pedirse perdón. Por haber sido tan dura con ella misma. Por haber enfrentado una vida llena de retos, carencias y dolor, viéndose forzada a madurar antes de tiempo. Al parir “9: 30 PM” se da una tregua; pone el foco en la vereda de la puerta trasera, rompe el hermetismo cautelar y permite el acceso de cualquier intruso a su intimidad. Solo siendo frágil, mostrándose vulnerable a la par que desafiante, es capaz de liberarse del peso pesado que supone cargar con una infancia rota por una senda empedrada. El disco nos invita a asistir a un recital multigénero orquestado a través de dos batutas fácilmente reconocibles

entre envolventes y contrastes: las palmas y una guitarra española evocadora como ella sola. Al abrazar la humildad hace patente la urgencia de forjar vínculos honestos, reales, ensalzando el que para ella siempre ha sido el más importante: su madre. Así pues, la catalana de raíces guadijeñas interpreta un desgarro emocional cercano a Estrella Morente, Nathy Peluso y –por qué no decirlo– Gata Cattana que se diferencia notablemente de “Pureza” (21), su anterior álbum. En este sentido, rememora ausencias sin olvidar que la moraleja está en valorar lo que sí se tiene. Me atrevería a decir que “QL”, “LA FE”, “Sntk”, “CORAZÓN <3” y “Me Dolía IGUAL” son los pilares maestros de “9: 30 PM”, porque demuestran que todo converge en un único concepto: la identidad. Al fin y al cabo, además de obsequiarnos con un disco sumamente personal, Queralt Lahoz nos recuerda que la clave para evitar el desarraigo y avanzar en la vida consiste en mantenerse fiel a uno mismo. Tal y como lo canta en “FAVOROSA”: “solo los leales perduran en el camino”.

METAL / El mundo del metal moderno puede volver a dormir tranquilo. Llegó el día en que Spiritbox lanzaron su esperadísimo “Tsunami Sea”, cuya amalgama entre la salvaje y melódica voz de Courtney LaPlante con un audio mås bien barroco hace que sus canciones estén pobladas de incentivos impactantes y vestidas de espíritu (dark) pop. Si dejásemos a un lado las técnicas y recursos de producción, muchos de los temas se podrían cantar con una guitarra acústica (“Crystal Roses”, de base drum’n’bass, la épica “Dream End” o la sentida “Tsunami Sea”). Obviamente también tenemos violentas descargas como “No Loss, No Love”, un trallazo asesino carente de melodía que alterna riffs grooveros con spoken word sobre base discotequera, o el brutal bulldozer del disco, “Fata Morgana”. Para resumir, los aciertos son contantes y sonantes y Spiritbox demuestra estar en su mejor momento. En manos de esta gente, el futuro suena prometedor. adriano mazzeo 8

Brian D’Addario Till The Morning Autoeditado

PSICODELIA POP / Solo los hermanos D’Addario conocen en su fuero interno las razones por las que este trabajo no forma parte de la discografía oficial de The Lemon Twigs y en cambio sí supone el debut en solitario de Brian, el mayor de la dupla. Instrumentalmente, sus radiantes teclados, sus punteos reverberados y sus síncopas repercutidas llevan implícita la firma de su marca personal (de una juguetona “Flash In The Pan” a esa oda a la juventud y el hedonismo playero que es “This Summer”, pasando por la parafernalia melodramática de “Useless Tears”), pero más allá de parecer un recopilatorio de descartes de la banda, “Till The Morning” también revela los exquisitos dones de un cantautor con muchas tablas, tan capaz de desnudar su alma como de ofrecernos actos de fulminante efecto. Una descorazonadora disonancia entre acorde y palabra, con estética barroca y anacrónica, que enamora de verdad. fran gonzález 7

POP ROCK / Solo con escuchar los sintetizadores que abren “A Modern Odyssey”, los de su canción inicial “Some Other Space”, uno ya sabe que este disco no va a ser más de lo mismo, que Luis Albert Segura ha vuelto a pegar un volantazo y está buscando algo nuevo. En este caso estamos ante una especie de reactualización de su disco más exitoso hasta la fecha, “Heavenly Hell”. Una obra en la que Segura se quita los complejos indie y busca componer para la masa, pero lo hace con un sonido que busca en influencias más contemporáneas, entre las que encontramos a Billie Eilish, Harry Styles, The 1975, Post Malone, Childish Gambino o Mac Miller. Creo que el disco hubiera ganado si se hubiera centrado exclusivamente en la pista de baile, pero es innegable ver el talento en “A Modern Odyssey” de un tipo que conoce sobradamente su oficio y lo sigue llevando a cabo a la perfección.

sergio ariza

Coheed And Cambria Vaxis. Act III (The Father Of Make Believe)

ROCK / El undécimo disco de los neoyorquinos responde, lógicamente, a la saga interminable en la que se enmarcan el resto de sus álbumes. La propia naturaleza del grupo destaca por haber desarrollado una personal manera de tocar extremos sonoros y, aquí, en esta nueva entrega, todas sus variopintas (y usualmente barrocas) caras están haciendo sus muecas. El minutaje se lleva con facilidad, entre esos temas que hacen aflorar la faceta más emocional y solemne del grupo (“Yesterday’s Lost”), los estribillos pop de confeti y globos de colores (“Goodbye, Sunshine”) y los momentos heavies (“The Father Of Make Believe”) En definitiva Coheed And Cambria sigue siendo esa banda multifacética, sobrada de talento y estrambótica que si te pilla con energía para dedicarles puede que te proponga un viaje vertiginoso y hasta fascinante, aunque si no estás en su mood, mejor evitar el surmenage de incentivos. adriano mazzeo

METAL / “Lonely People With Power” marca el regreso de Deafheaven a su faceta más agresiva tras el giro totalmente shoegaze de “Infinite Granite” (21). En este sexto álbum, la banda equilibra la crudeza del black metal con su sensibilidad post-rockera clásica logrando una obra cohesionada (quizá la que más hasta la fecha) y catártica. Temas como “Magnolia”, “Amethyst”, “Revelator” o ese cierre fantástico con “The Marvelous Orange Tree” (capaz de resumir todos estos años de andadura) son pura genialidad, furia y emotividad, mientras que esos interludios “Incidental” dan un acertado respiro sin restar. Con una producción y sonido impecables, este álbum se siente como la guinda del pastel definitiva a la triada de “Sunbather”, “New Bermuda” y “Ordinary Corrupt Human Love” ofreciendo un viaje intenso y maduro por la nostalgia, rabia y belleza humana que consigue reflejar el sentir de una generación en continuo conflicto consigo misma. jaime tomé

el nido

La Constancia Altafonte

FOLK / En un panorama musical en el que prima la inmediatez, la llegada del nuevo disco de el nido destaca por suponer un soplo de aire fresco. Se trata de una propuesta que reafirma al grupo como uno de los más interesantes y genuinos del folk español actual, fusionando el folclore castellano con una sensibilidad contemporánea. La presencia de las colaboraciones de Neomak, Rozalén y Rodrigo Cuevas son todo un acierto, ayudando a que el disco se sienta como una fiesta de pueblo. Además, el trabajo de Diego Galaz y Hevi en la producción aporta unos enfoques naturales y urbanos que casan muy bien. Las letras reflejan sensibilidad hacia la historia, la tierra y las emociones humanas, dando como resultando el que “La Constancia” confirme que la música tradicional puede ser un arte vivo, capaz de evolucionar y de conectar a las generaciones actuales. daniel pose 7

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Vera Fauna Dime dónde estamos

2 Queralt Lahoz 9: 30 PM

3 Verde Prato Bizitza Eztia

4 Veintiuno Balada de Delirio y Equilibrio

5 VV. AA. Super H

6 Leiva Gigante

7 Yawners Superbucle

8 La Maria Robina

9 el nido La constancia

10 Clara Peya Solilòquia

1 Black Country, New Road Forever Howlong

2 Perfume Genius Glory

3 Deafheaven Lonely People With Power

4 Courting Lust for Life, Or...

5 Bdrmm Microtonic

6 Imperial Triumphant Goldstar

7 The Mars Volta Lucro Sucio: Los Ojos del Vacío

8 Spiritbox Tsunami Sea

9 Men I Trust Equus Asinus

7

A Day To Remember Big Ole Album Vol. 1 Fueled By Ramen

ROCK / En “Big Ole Album Vol. 1”, A Day To Remember siguen apostando por la fórmula que les convirtió en una de las bandas insignias del easycore. Su identidad siempre ha hecho funambulismo entre la agresividad del metalcore y la accesibilidad del pop punk, con un pie en cada lado de la balanza según la etapa. En este nuevo álbum, la banda parece mirar atrás sin abandonar del todo algunos de los matices más pop de “You’re Welcome” (21), aunque tampoco supone un regreso al sonido de “Homesick” (09) o “Common Courtesy” (13). El disco se mueve entre lo familiar y lo inesperado, aunque sin grandes sobresaltos. “Big Ole Album Vol. 1” suena exactamente como se espera de A Day To Remember en 2025: competente, bien producido y con algunos destellos brillantes inspirados, aunque insuficientes para colocarlo entre lo mejor de su discografía. montse galeano

10 Japanese Breakfast For Melancholy Brunettes (& Sad Women)

8

PUNK ROCK / Ya se habían hecho notar con su disco debut, “Fortuna o discordia” (23). Ahora, con “Rincones de nadie”, vienen a confirmar lo que ya sospechábamos: que estamos ante una de las grandes nuevas bandas de nuestro rock. El cuarteto consigue huir de la monotonía en la que había caído el género y sonar frescos, pegadizos, modernos y originales. La voz de Berta transmite la dulzura y la rebeldía propias de su juventud. Las letras no tienen problema en mostrarse personales: “No puedo escapar de mí misma”, afirman en “Mi rincón”, un tema de apenas minuto y medio en el que la cantante solo es acompañada por los rasgueos de una guitarra limpia. Y es que a la fórmula punk rock le añaden cucharadas de grunge, indie, rock urbano o pop punk sin complejos. Todo bajo la producción de Pep Miralles, el propio guitarrista de la banda. En algún punto intermedio entre Dover, Berri Txarrak, Marea y Zea Mays. jesús casañas

Periferia Rincones de nadie Kasba Music

INDIE POP / Bajo la promesa de ser el primero de dos discos que llegarán en 2025, Men I Trust nos entregan un trabajo que nos hace sentir exactamente como su voyerística portada pretende: en el interior de una evanescente viñeta, tan trivial como preciada. Su convenida bajada de frecuencias se desentiende del prometedor groove de éxitos recientes en favor de darnos una fórmula rica en atmósferas sencillas y voces abatidas. Cotidianeidad decadente y romanticismo de estar por casa (“I Come With Mud”), con el vicio de mirar hacia atrás (“All My Candles”) y una renovada inclinación acústica con destino a las catacumbas de nuestra memoria. Enemigo de la prisa, “Equus Asinus” es una mesmerizante invitación a desnudar con paciencia las distintas acepciones del vocablo “melancolía” y un primer peldaño hacia la madurez del trío canadiense que, sin exigirnos atención inmediata, no nos quedará más remedio que dársela. fran gonzález Men I Trust

8

Crossed

Realismo Ausente Zegema Beach

METAL-HARDCORE / La banda madrileña continúa puliendo su endurecida propuesta con un tercer disco donde el screamo, hardcore y black metal se unen una vez más a la ansiedad, ferocidad y oscuridad. “Realismo Ausente” es un grito de dolor y desesperanza que transita la alienación y angustia sin paliativos con riffs cortantes y voces desgarradas. Desde los primeros acordes de “Ojos Cerrados”, con sus acoples y gritos, pasando por la crusty “Vaciar Un Corazón” hasta ese respiro inicialmente melódico que evoluciona en ruidismo y caos en “Monotonía De La Lluvia En La Ventana”, la banda demuestra que puede ser única y fresca cogiendo lo mejor de Loma Prieta, Jeromes Dream, Converge, Full Of Hell o Deafheaven y moldeándolo con su estilo y sonido. Un trabajo de once temas geniales que se sienten como una herida cerrada y cubierta por una gran cicatriz que todavía sigue doliendo y carcomiendo por dentro. jaime tomé

LA PLAYLIST

Indies y urbanos

Una playlist con versiones de temas urbanos en manos de artistas de guitarras. No más discusiones sobre si guitarras o autotune. joan s luna

1 Trashi “Fiebre” (original de Bad Gyal)

2 Biela “El encuentro” (original de Alizzz & Amaia)

3 Santa Paciencia “Despertar” (original de Alizzz & Maria Arnal)

4 Ginebras “Con altura” (original de Rosalía, J. Balvin & El Guincho)

5 Bolu2Death “Pienso en tu mirá” (original de Rosalía)

6 Cofrady “Saoko” (original de Rosalía)

7 Lady Banana “Delito” (original de Nathy Peluso)

8 Ruto Neón “Sana Sana” (original de Nathy Peluso)

9 Venturi “Tranquilísimo” (original de C. Tangana, Lowlight & Israel B)

10 Cariño “Llorando en la limo” (original de C. Tangana)

POP / Verde Prato está de vuelta. Y lo hace tan inspirada o más que siempre a través de un nuevo ramillete de canciones mayestático en un alarde genio, en esta ocasión, arropada por la producción del siempre detallista Donato Dozzy. Los siete cortes que conforman este “Bizitza Eztia” suponen la consumación (una más) de un talento que comienza a ser inabarcable. En su caso, tejido en torno una idea de saudade pop que conecta directamente con los belgas Antena, de principios de los ochenta, y Weekend, la reinvención de Young Marble Giants en su momento, aunque también con el minimalismo tecno de la griega Lena Platonos. Desde los brotes tropicalistas de “Solita” a la solemnidad cegadora que exhala cada poro de “Zerua”, no hay respiro en estos veinticinco minutos de slow pop de alta costura. En definitiva, siete caricias de emoción arrebatadora, tejidas desde una magnética semántica del intimismo. marcos gendre 8

Verde Prato Bizitza Eztia Plan B Music

Sleigh Bells Bunky Becky Birthday Boy Mom + Pop Records

POP ROCK / El dúo dinámico conformado por la vocalista Alexis Krauss y el productor y guitarrista Derek E. Miller está, quince años después de su comentado debut, viviendo una especie de segunda adolescencia. Recuperando el brío de canciones como “Riot Rhythm” o “Crush” de sus primeros discos, Sleigh Bells despachan un álbum sin grandes sorpresas pero con innegable actitud y precisa inspiración. Si no lo crees, prueba con los estribillos de “Bunky Bop”; con “Blasted Shadow”, en el que sobrevuela el espíritu de Gwen Stefani; con “Wanna Start A Band?”, que suena a Joan Jett o con “Roxette Ric”, pop con nervio coreano y épica escandinava. “Bunky Becky Birthday Boy” tiene el minutaje, el ritmo y el nivel de variedad perfecto para que la sonrisa se mantenga durante sus once canciones que parecen de juguete, pero, al afinar el oído, nos desvelan que son cosa seria.

adriano mazzeo

8

ROCK PROGRESIVO / Da vértigo asomarse a la carrera del británico. Pocos artistas cuentan con una colección musical tan abrumadora. Y cierto, semejante incontinencia creativa puede ser arma de doble filo. Dice la nota de prensa de este nuevo álbum que “The Overview” es su regreso explícito al rock progresivo con el que se le suele etiquetar un poco a su pesar. Y bueno, la huella de los Pink Floyd de los setenta sigue siendo inseparable del estilo del compositor, como lo son los dejes que evocan al David Bowie clásico. Pero aquí hay de todo: electrónica, cuasi post-rock cinemático, toques de metal, pop inteligente, vanguardia inclasificable… “The Overview” funciona como ambicioso viaje sensorial. Por encima de limitaciones genéricas y asumiendo ciertos postulados que son anatema en determinados ambientes, Wilson es capaz de evocar todo tipo de emociones sin perder el foco. jc peña

Lia Kali sigue creciendo

Lia Kali

Kaelis

Propaganda Pel Fet!/Sony

URBANO / Lia Kali vomita en “Kaelis” todo lo aprendido y trabajado en el imperfecto viaje que es la vida. Un disco de entregas pasionales, definición creativa, expectativas, juegos, ilusiones y decepciones. Un recorrido fuerte e íntimo, junto al granadino Toni Anzis, que aparece en el presente de Júlia para conquistar espacios que le pertenecen y entregar nuevo material que verifique todo ese hype que la ha ido levantando año tras año hasta tocar las estrellas. Lo orgánico y lo sintetizado se entienden, la tradición y el futuro se respetan. Este segundo disco elimina demonios, avanza con orgullo y en él todo vale. Desde una base más drill o recurrir al drum’n’bass A soltar una parte de una sardana, reflejar su influencia jazz o pasar por la bossa nova. Y eso

sí, lo que está claro es que cada elemento extra hace que el proyecto siempre brille y crezca estupendamente bajo la privilegiada protección de la enorme personalidad de Júlia como artista. Juntos trabajan las guitarras y la inclinación más flamenca para que el alma de Júlia asome la cabeza. Juegan con los géneros y reafirman que la voz de Lia Kali es una de las más poderosas de nuestro presente a la hora de enfrentarse y colarse entre ritmos latinos. A veces vemos a Júlia indefensa y crédula (“Niño”), recurriendo incluso al catalán para abrir el complejo cajón de la historia de su vida y sin capas (“Mai vull oblidar el que em va fer gran. La família sempre va, sempre va al davant). Otras mucho más poderosa, fuerte y realista contra los golpes que puede colarnos el mundo de un momento a otro (“No creo en los sueños que no se tuercen”). Y es que estamos ante una nueva cara del universo de Júlia donde se pinta a sí misma quebrando miedos enquistados, intimando con el arte y acumulando despedidas para por fin alzar el vuelo. álex jerez

Steven Wilson The Overview Virgin Music

Black Country, New Road se reinventan

Black Country, New Road Forever Howlong Ninja Tune/[PIAS]

INDIE POP / “Forever Howlong” es el tercer disco de estudio de Black Country, New Road pero, en cierta medida, es como si fuera el primero, y es que tras la salida de su cantante y letrista principal, Isaac Wood, el hombre que les convirtió en la banda más amada en Internet, todo el mundo estaba atento a su reinvención. Esta ha llegado con las tres mujeres (Georgia Ellery, May Kershaw y Tyler Hyde) dando un paso al frente y tomando las riendas vocal y compositivamente. Cada una tiene su propia voz, pero la fuerza del grupo es que sus interpretaciones y sus arreglos son los que unifican este trabajo, si “For The First Time” (21) fue mucho más que la obra de la segunda mejor banda de tributo de Slint y “Ants From Up There” fue muchísimo más que un pastiche de Arcade Fire, este disco va mucho más allá de sus influencias, sean estas ahora Joanna Newson o The Roches, y es que, a pesar de que Lewis Evans ya no canta,

8

Courting Lust for Life, Or: ‘How to Thread the Needle... Lower Third

INDIE ROCK / A Courting no les habíamos prestado atención por estas latitudes. La avalancha de grupos británicos que se mueven en la coordenadas que van del post-punk al artrock los había mantenido tras la sombra de bandas con más cartel como Yard Act o Squid. Sin embargo, todo puede cambiar gracias a este tercer largo. Un desquiciado violín nos da la bienvenida para conectar con “Stealth Rollback”, pieza de ambientación kraut que sirve como antesala de una “Pause At You” que recupera el espíritu dance-punk de The Rapture o Radio 4, para luego remitir directamente al sonido de Nueva York de hace dos décadas con “Namcy” y una “Eleven Sent (This Time)” que encajaría como un guante en el setlist de The Strokes. Como broche final, una demostración de nu-rave desquiciado basado en el mismo staccato de violín que nos dio la bienvenida y con el que cierran un círculo de prodigioso desenfreno. don disturbios

su saxofón sigue siendo una voz más del disco y del grupo, igual que los intrincados ritmos de Charlie Wayne o los arpegios a la guitarra de Luke Mark. En cada escucha caigo prendado de su musicalidad, de lo bien que se compenetran estos seis individuos a la hora de crear música, puede que ya no tengan esa vena catártica de cuando estaba Wood, pero juntos crean verda-

7

Eazyboi

Ascari

Taste The Floor Records

RAP / Eazyboi inicia con “Ascari” (título del circuito más largo de España), su segundo álbum, una nueva etapa identitaria y musical. El malagueño (antes conocido como Easy-S) ahonda en la temática del motor que inició en 2020 con “Countach 93”. Con la colaboración de La Zowi, La Pantera, LaBlackie, Natos y Waor y Fernandocosta, el álbum hace un paralelismo entre el circuito y la vida misma: con sus curvas difíciles, traición, competitividad, la estrategia y la reflexión. Todo ello alimentado con una gasolina maximalista, contundente y 808 a cargo del productor Bigla. El álbum suena a la interfaz de la nave espacial con la tecnología más puntera del momento, con un Eazyboi bravo, enérgico e impetuoso, donde destaca el uso del autotune abrasivo junto con otros efectos vocales que da lugar a buenos matices sonoros, una voz que parece que se desdobla otorgándole nuevos registros. daniel caballero

6

dera magia, y lo hacen tanto en los momentos más cálidos y calmados como en los que las canciones se lanzan por complicados arreglos en los que Charlie Wayne les pone las pilas desde la batería, en unas canciones que parecen montañas rusas de emociones y cambios. Una obra que va creciendo con cada escucha. sergio ariza

Lucy Dacus Forever Is a Feeling Geffen Records

Spinda Records

INDIE POP / Puede que el principal problema de “Forever Is A Feeling” es que es un álbum concebido para impresionar. Para dejar huella como autora seria, adquiriendo una carga de pesada trascendencia que juega en contra de ese tono algo cándido que era una de sus principales señas de identidad. Esa pizpireta espontaneidad que le daba un toque de frescura la mar de tierna y que ahora parece haber desaparecido del todo. “Forever Is A Feeling” es un disco que se te acaba haciendo bola. Y eso a pesar de tener temas como “Ankles” que te sacuden algo la modorra general que provoca. Y es que Lucy Dacus le ha querido dar a estas canciones de amor un barniz de seriedad casi barroca en temas como “Limerence”, “For Keeps” o “Bullseye”. Una solemnidad solo rota por destellos algo más cañeros como los demostrados en “Talk” y que podrían haber dotado al disco de una mayor tensión.

don disturbios

7 Buenos Vampiros Entre sombras

ROCK / Los argentinos Buenos Vampiros son una banda nueva, pero el aplomo que muestran en estas canciones hace pensar en otro tipo de veteranía. Temas redondos e interpretados con una capacidad impactante; su sonido posee color aunque a priori sería pensable en blanco y negro. Esta es música guiada cien por cien por la emocionalidad, más allá de responder a factores estéticos dentro del darkwave, post-punk y orbitales. La lista de canciones no tiene piezas de relleno; ya con ánimo de apuntar recomendaciones en concreto diremos que “Caminamos” es una declaración fraternal profunda, enmarcada en un post punk musculoso, que “La calma del cementerio” advierte a base de tirantez y unos vuelos vocales memorables y que “Jugando en la oscuridad” recuerda a los grandes momentos del “nuevo rock argentino” de los noventa. Los etcétera son tantos como canciones tiene este disco. adriano mazzeo

46/Mondo Media

Miqui Puig

Encontrar el equilibrio

Los Sencillos nacieron como extensión de proyectos previos a finales de los ochenta y dejaron de existir oficialmente en 2002. Tras ello, Miqui Puig, su vocalista e ideólogo, no solamente ha mantenido su carrera en solitario si no que se ha convertido en una estrella mediática, DJ, protagonista radiofónico, etcétera. Ahora publica el libro “Yo no quería ser Miqui Puig”.

MIQUI PUIG, la persona y el personaje que no quería ser, han tenido subidas y bajadas. Pero ya se sabe que todo lo que sube, baja, y lo que baja, vuelve a subir. Y en estas, publica “Yo no quería ser Miqui Puig” (Magazzini Salani, 25), un libro con sus cimientos sobre viejos diarios guardados en un cajón para enfrentarse a ellos desde esa serena perspectiva que da la madurez.

Debo decirte para empezar que el libro me ha gustado mucho y creo que has elegido muy bien el subtítulo (“Cronología sentimental de un cantante de amor”). ¿Es lo primero que se te ocurrió?

Si no fue lo primero del proyecto, se le acerca. Tenía claro que lo quería reflejar era este no querer estar/ser de muchas escenas de la carrera de uno. En algunas de mis últimas canciones existían ya pistas que en el libro he podido desarrollar.

Ahora bien, creo que el título es más tramposo (en el buen sentido). Porque quizás tu imagen como artista no coincide con la imagen que otros tienen de ti, pero es indudable que los músicos –y más todavía los cantantes– deben tener el carácter suficiente –llámalo ego o como quieras– para no tirar la toalla cuando vienen mal dadas.

Buff… El ego, otro sustantivo que confunde mucho, que despista y que no me sirve. Tirar la toalla en el caso de dedicarse a cosas artísticas no procede. Aquí hablamos de personas y sus lindas cabecitas. El lugar

mas traicionero para almacenar recuerdos, emociones y vida. De eso va el libro, y así lo he sufrido.

Has escrito un libro a partir de diarios, abriéndote muchísimo a la gente. ¿Qué te ha costado más: mostrar esas partes de diario o releerlas tantos años después y enfrentarte a quién eras?

Todo llega en el momento adecuado, creo. Dos años atrás todo me hubiera dolido más, las dos partes por igual. Ahora ha sido intenso y sobre todo sanador. Más mayor en todo, la perspectiva es más amplia y ayuda.

En buena parte del libro dejas claro que eres una persona que necesita estar rodeado de amigos y de gente con la que colaborar. ¿En tu carrera en solitario siempre te has sentido bien respaldado?

En el entorno inmediato sí: amigos, músicos, productores... Por eso seguimos armando discos, conciertos, laboratorios... El resto de industria no tiene mucha cintura, ni contexto histórico para dejar que los artistas lejanos al mainstream desarrollen la segunda vida, la parte “senior” de su carrera musical. Pero seguimos.

Visto desde fuera, creo que el peor error de Miqui Puig –y de la mayor parte de la gente– es no haber sabido apreciar lo que tenías cuando lo tenías. ¿Lo ves de forma parecida?

Para nada. Yo he aceptado todo, el éxito y el fracaso. Solo que mi naturaleza mental es compleja. He evitado todo victimismo al es-

“

“Todos los errores son míos. Tengo el resguardo”

cribir. Era la premisa “única” de este manuscrito. Hasta un capítulo quedó fuera, “Grandes fracasos”, dado que siempre el tono ante un fracaso puede hacer dudar al lector. Todos los errores son míos. Tengo el resguardo.

En ciertos pasajes del libro, echas en cara a alguna gente que te despreciara con sus palabras o actos. Podría citar a Nando Cruz, Sidonie y la discográfica que te despidió. ¿Alguna vez se lo has dicho personalmente?

Era otra de las cosas que sabía costaría entender, y también he editado muchas anécdotas sobre la industria. Solo las que me afectaron emocionalmente están reflejadas. De estos ejemplos, dos sí saben, y al tercero le he enviado un libro dedicado para que entienda que solo es mi sinceridad puesta en papel. He leído mentiras acerca de mí en libros corales, en los que nadie contrasta, pero no pasa nada.

Diría que, incluso en nuestra revista y aunque hablásemos bien de tus discos y canciones, se hizo alguna broma sobre tu etapa como jurado televisivo. ¿No te sabe mal que, con todo lo que has hecho, aquellos días marcasen tanto la imagen que alguna gente tenía de ti?

Para nada. Repito, reitero, todo lo que he hecho es parte de mi vida, de mi currículum. El tiempo nos da y quita razones, y de algunos ya no se acuerda nadie.

Si quieres quejarte del trato que te pudimos dispensar en algún momento, puedes aprovechar y decírmelo ahora. No debo quejarme. Mondo Sonoro como todos los medios musicales, se debe a las modas, los anuncios y las relaciones comerciales. Repasar portadas es un interesante ejercicio de industria también. Públicamente reconozco que en nuestra diatriba Radio Four vs. LCD Soundsystem ganaste tú, y mira, ahora es una de mis bandas favoritas.

El prólogo de Kiko Amat habla de aspectos muy personales tuyos que luego aparecen en el libro. Conociendo la amistad que tienes con él, ¿qué consejos te dio cuando sabía que ibas a publicar este libro? Tener un amigo sabio como él desde hace tantos años me ha hecho descubrir muchísimo. Kiko fue crucial en la edición del libro. También Blanca Lacasa y Carlos Zanón como amigos escritores me ayudaron en muchas partes, en las que el principiante que soy necesitaba asesoramiento. Les debo muchísimo. joan s. luna

Más en www.mondosonoro.com r

CINE Y SERIES

LA PELÍCULA BELGA “La nuit se traîne”, que ahora se presenta bajo el adecuado título de “La noche eterna”, tuvo una excelente recepción en el último Festival de Sitges. Ahora se ha estrenado directamente en la plataforma Filmin; es una lástima que no haya existido la posibilidad de que más espectadores españoles, fuera del círculo de festivales, disfrutaran de ella en la gran pantalla, porque la opera prima de Michiel Blanchart es un entretenidísimo thriller que te agarra y no te suelta en sus noventa y tantos minutos de metraje. La película es una combinación sencilla, pero brutalmente eficiente de dos de las premisas más clásicas de la historia del cine, las cuales podrían resumirse en “esta es la peor noche de mi vida” y “una persona normal en una situación imposible”. Blanchart ha reconocido abiertamente

La noche eterna

que tomó por referencias, para escribir el guion, “After Hours” de Martin Scorsese y “Collateral” de Michael Mann, y se nota. Nuestro protagonista, Maddy (Jonathan Feltre), trabaja de cerrajero en Bruselas. Una noche como cualquier otra atiende la llamada de una joven llamada Claire (Natacha Krief), que afirma que se ha quedado fuera de su apartamento, sin las llaves, por accidente. Pero ese piso oculta mucho más de lo que creía. La mayor parte de “La noche eterna” es una desesperada persecución por las calles, discotecas, estaciones y prostíbulos de Bruselas, en la que Mady intenta volver a localizar a Claire para salvar su vida. El cómo y el porqué se nos va desvelando sobre la marcha, sin disminuir nunca el ritmo acelerado, adrenalítico, en el que discurre esa noche sin fin.

josé martínez ros

BONG JOON-HO no será recordado como uno de los grandes cineastas de nuestro tiempo por “Mickey 17”. Pero eso no implica que deba despreciarse esta obra en la que el autor surcoreano combina dos de sus géneros favoritos, la ciencia-ficción y la comedia negra. A pesar de su aparatosidad, en su corazón, es un artefacto subversivo, un cruce entre una película de la Troma y el Terry Gilliam más carnavalesco con los medios de la primera división hollywoodiense. El gran villano de la función, el senador Kenneth Marshall (interpretado por un Mark Ruffalo desatadísimo), es un enajenado aspirante a dictador facistoide que nos recuerda a muchos líderes políticos actuales, tiene el plan de colonizar un remoto planeta con sus seguidores estilo MAGA. Nuestro desventurado protagonista, Mikey (Robert Pat-

tison), es un individuo sin suerte, un perdedor nato acosado por las deudas, lo que le ha llevado a alistarse en la lunática empresa espacial de Marshall. Desgraciadamente, no ha advertido que su contrato indica que asumirá, durante el viaje, las misiones más peligrosas… Cada vez que muera (por todo tipo de causas) será clonado, reimpreso con todos sus recuerdos, una y otra vez. Los problemas empiezan cuando, debido a un accidente, coincidan dos Mickeys a la vez. Es posible que la desmadrada épica espacial de Bong Joon-ho tenga un final muy excesivo y pasado de rosca. Pero basta con echar un vistazo a las noticias de las últimas semanas para comprobar que el ilustre director no ha exagerado en absoluto. La realidad es ahora mucho más bizarra y gore que cualquier ficción. josé martínez ros

MIENTRAS AL MUNDO ENTERO no parecía cuadrarle que un ídolo rock de la talla y el prestigio de Bertrand Cantat pudiera verse envuelto en una sórdida colección de “disputas pasionales” que oscurecerían su labor profesional para siempre, una única voz dentro del periodismo musical se alzaría con el designio de poner luz a los infinitos cabos sueltos de la cuestión. Los ojos y las palabras de Anne-Sophie Jahn se convirtieron así en el único haz de luz al final de un túnel de silencio, omisión y vergüenza nacional que marcaría un antes y un después en la cultura gala. Ahora, y de la mano de su estreno en Netflix, “De estrella del rock a asesino” acerca al público de nueva generación los casos de Marie Trintignant y Krisztina Rády, las dos mujeres que vieron su vida truncada por

la violencia misógina de Cantat. A partir de un excelente montaje de imágenes de archivo y entrevistas a las diversas partes involucradas, la docuserie cumple con acierto su principal cometido: señalar culpas y preservar la memoria de quienes ya no están, sin olvidar precisamente los motivos por los que ya no están. Eso sí, superada la emoción de su sobrecogedor corolario (“El silencio sigue matando”), conviene recordar que la verdadera lucha está en nuestro día a día y no solo en las plataformas. Bienvenida sea su valiente ejecución y ponderado reconocimiento, pero mientras que la pasividad legal y política consienta la violencia letal contra las mujeres, gritos de auxilio y denuncia como este seguirán siendo mero contenido.

fran gonzález

SI HAY UN GÉNERO que Steven Soderbegh ha ido declinando a lo largo de su filmografía es el criminal en todas sus variantes (también formales, habida cuenta de la facilidad anfibia del cineasta en alternar el cine independiente con el de Hollywood): ya sean espectaculares películas procedimentales de robos (ahí están los “Ocean’s”), otras de tintes románticos (“Un romance muy peligroso”), alguna con la venganza como motor (“El halcón inglés”), o de fondo histórico (“El buen alemán”), o de acción pura y dura (“Indomable”), además de un retrato coral del mundo de la droga (“Traffic”), una inmersión en la América profunda a través de un asesinato (“Bubble”), o incluso una sátira empresarial (“¡El soplón!”), entre otras. En “Black Bag (Confidencial)” añade una muesca más en esta adoración por el género al decantarse por la intriga de es-

Confidencial (Black Bag) Steven Soderbergh

pionaje, sección marital: Michael Fassbender (tan hierático como en “The Killer”, pero más relajado) y una adecuadamente ambigua Cate Blanchett encarnan a un matrimonio de espías en la busca de un traidor, sin saber ella que es uno de los sospechosos que su marido tiene en la lista. Soderbergh y el guionista David Koepp –habitual en los últimos trabajos del cineasta, además de colaborador de Brian De Palma, Ron Howard o Steven Spielberg– convierten una trama que perfectamente podría pertenecer a una novela de John le Carré en una disquisición irónica sobre la fidelidad, cuestión que no solo atañe a los protagonistas, sino también a los otros agentes en entredicho –como una convincente Marisa Abela tras su irrupción como la Amy Winehouse cinematográfica–.

j. picatoste verdejo

Michiel Blanchart

Mickey 17

Bong Joon-ho

Making Rumours

Ken Caillat y Steven Stiefel Ondas del Espacio

9

Que “Rumours” de Fleetwood Mac es uno de los discos que conforman la aristocracia del pop eterno es algo que no se puede disociar de su tormentosa grabación, de la cual formó parte Ken Caillat como coproductor, quien con la ayuda del periodista Steven Stiefel, desempolva el baúl de los recuerdos para documentar el que, para algunos, es el mejor libro sobre grabaciones musicales nunca escrito. Desde luego, no anda muy lejos de la realidad con tamaña aseveración, más cuando se trata de la que, sin duda, es una de las temporadas más agitadas que se recuerdan de un grupo musical. “Making Rumours” atrapa incondicionalmente, seas fan o no. marcos gendre

CÓMICS

Alimentar a los fantasmas Tessa Hulls Reservoir Books

9

Ya enmarcada dentro de prodigios del cómic en estos últimos años, “Alimentar a los fantasmas” se ha hecho carne tras diez años en los que la escritora y artista plástica Tessa Hulls de profundo trabajo de introspección, en un fabuloso paralelismo con los que debió sentir Alison Bechdel a la hora de crear “Fun Home: una familia tragicómica” Todo en “Alimentar los fantasmas” se sustenta a través de una mega construcción de puentes entre la ucronía visual de los recuerdos soñados y la demoledora realidad que activa la acción y la reflexión que da cuerda a un título, en verdad, relevante en su manera de adecuar épica realmente turbadora con intimismo de trazo fino. marcos gendre

El

mundo

horizontal

Bruno Remaury Ed. Periférica

Este ensayo se digiere con pasmosa rapidez. Un hecho que podría resultar positivo, pero que acaba jugando en su contra, porque el lector se queda con ganas de más y sin haber entendido del todo la tesis sobre la que se sustenta. Dice el autor que el mundo horizontal es “un mundo en el que la visión mitológica del espacio ha reemplazado a la visión mística del tiempo”, y para sustentarlo establece relaciones entre diversos personajes y acontecimientos que van del descubrimiento de las pinturas rupestres, pasando por la colonización de América. Todo un proceso de expansión horizontal y de ocupación del espacio, no solo físico también mental. don disturbios

Bajo los árboles, donde nadie te ve

Patrick Horvath Astiberri 8

No he visto ninguno de los largometrajes de Patrick Horvath, por lo menos siendo consciente, así que no juzgaré su faceta cinematográfica. Lo que sí puedo decir es que su primera serie como autor completo de cómic vale mucho la pena. Nominada al Eisner como Mejor Serie Nueva del 2024, “Bajo los árboles, donde nadie te ve” es un lobo con piel de cordero. O mejor dicho, una loba muy peligrosa bajo la apariencia de una osa amable y cercana. La historia –que atrapa– tiene puntos en común con la recién llegada en castellano “Serial” de Terry Moore y con un precioso dibujo –y color– en el que colisionan Beatrix Potter con Raymond Briggs. Un thriller cargado de sangre y vísceras, pero también de un misterio que atrapa. joan s. luna

Caballos Salvajes. Gram Parsons (1968-1973) Jordi Pujol i Nadal 66rpm Edicions

Historia oral sobre los últimos cinco años de vida de este personaje fundacional del country rock. Alimentando que cada implicado o implicada se deje llevar en su charla y así dar forma al caleidoscopio de declaraciones con el que se encuentra el autor, Pujol opta por centrarse en una etapa muy limitada de la vida de Parsons. ¿Demasiado conciso? Sí y no. No omite detalles, pero, si me permiten la reiteración polisémica, tiene el detalle de iniciar cada capítulo con una breve introducción que sitúa perfectamente la acción. Prólogos capitulares que son oro puro y que prácticamente podrían formar parte de una guía rápida sobre Gram Parsons. eduardo izquierdo

PODCASTS

Jazz y Chistes

Kike García

De entre todas las tradiciones de Nochevieja, hay una que debe convertirse en canon y es la de escuchar “Jazz y Chistes”. Por supuesto, debemos hacerlo de noche, de lo contrario podríamos caer al suelo confundidos o ser asesinados por su voz conductora. Hablamos de café para muy cafeteros, sí, y de la representación, en su disposición más ingobernable, de las disparatadas reflexiones de uno de los cómicos más ocurrentes de nuestro país. Detrás de cada nota, cada chiste y cada confesión se esconde un homenaje genial a la noche y a sus matices. Un soliloquio que transforma lo cotidiano en poesía, celebra lo absurdo y desafía los límites de la paciencia lógica. Si tienes ya tu copa de Cointreau a mano, entonces pueden dar comienzo el jazz y los chistes, en ese orden. fran gonzález

Adiós, Birkenau Kolinka/ VV.AA. Norma Editorial

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Ginette Kolinka tenía diecinueve años cuando en 1944 fue deportada al campo de exterminio Auschwitz II–Birkenau. En 2020, Victor Matet y Jean-David Morvan la acompañaron allí de nuevo, y por última vez. De esa visita surge este desgarrador y necesario cómic, prueba irrefutable e incontestable de las trágicas consecuencias del odio y la deshumanización. “Adiós, Birkenau” es un viaje en el espacio, hasta las instalaciones del mayor cementerio del mundo, y en el tiempo, hasta 1944. A través de un relato construido en dos líneas temporales, nos unimos a ella y somos testigos de los horrores que tuvieron lugar allí, plasmados por Efa y Cesc con la sobriedad y el respeto que merece esta historia de supervivencia. laura madrona

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Sus responsables argumentan que “El Dragón de Pávlov” es una “excusa para debatir y reflexionar sobre juegos de mesa, ocio y cultura recreativa”. Y no diremos que eso sea falso, pero esconden que el principal motivo para sacar adelante este pódcast es partirse de la risa entre amigos, y por el camino hablar sobre juegos. Cada uno de ellos asume un papel a partir de charlas guionizadas en las que se puede pasar del caos más absoluto y surrealista a interesantes análisis sobre algunos títulos. Es decir, que “El Dragón de Pávlov” se mueve entre el humor y la afición a través de secciones como “La Panza de la Bestia”, “En Contra de la Hidra” o “La Metralleta”, o con los especiales “Codex Draconis” que lanzan con una periodicidad más anárquica todavía que el propio programa. javier noguero

El Dragón de Pávlov Dragón de Pávlov

ESPECIALES WEB

Elastica

30 años del debut de Elastica, el latigazo femenino del Britpop. Marzo de 1995, el Britpop es una tendencia indisimuladamente masculina y luce en su máximo esplendor en Reino Unido. Hay alguna honrosa excepción, aunque relegada a un segundo plano de popularidad. De repente, Elastica tiran la puerta abajo con su debut homónimo.

ENTREVISTAS

Ilegales

Ilegales se niegan a vivir de las rentas. Tras celebrar su cuarenta aniversario, presentan “Joven y arrogante” (La Casa del Misterio/Warner, 25), su disco de estudio número trece. Diez nuevas canciones que revalidan su propuesta fresca y contundente como el primer día. Su incombustible líder, Jorge Martínez, nos habla de su nuevo trabajo.

CONCIERTOS

La Demoscópica

Como un sueño. Te pasas varios meses ideando el que viene a ser el gran evento organizado por Mondo Sonoro para que luego los acontecimientos se sucedan a una velocidad vertiginosa, y te quedes con la extraña sensación de que todo ha sido un sueño. Uno muy dulce, todo hay que decirlo. Tan dulce que colmó todas las expectativas.

Puedes

Más especiales

30 años de “Exit Planet Dust” de The Chemical Brothers Rave‘n’roll para las masas. Junto a “Maxiquaye” de Tricky y “Post” de Björk, subraya la relevancia de 1995 a la hora definir un status renovado de sensibilidad electrónica en materia pop.

Especial 25 años del “Unidad de desplazamiento” de Los Planetas

Un cuarto de siglo después de su publicación, el cuarto LP de Los Planetas sigue creciendo en el tiempo como la maniobra de escapismo más brillantemente posible tras haber alcanzado su techo creativo.

Los seis discos imprescindibles del black metal según Magius

No se puede dibujar y guionizar un cómic como “Black Metal” (Autsaider Cómics, 25) sin completarlo con su correspondiente banda sonora.

Más entrevistas

La Bien Querida

La Bien Querida nunca se había querido mejor. Tras siete discos y experimentar con lo latino en “Paprika” (22). Anita vuelve con el sonido puramente indie propio de su carrera en “LBQ”, un trabajo que nos ayuda a entenderla mejor que nunca.

Destroyer

El primer titular para esta entrevista era “pensé que nunca más podría hacer un disco de “Destroyer”. Porque Dan Bejar (Vancouver, 1972) cuenta que se le secaron las ideas.

Rogoberta Bandini

Han pasado más de dos años desde que debutó como “La Emperatriz” (22). Ahora, tras un parón en los escenarios, Rigoberta Bandini ha resurgido de sus cenizas con “Jesucrista Superstar” (Sony Music, 25).

Más conciertos

Ryan Adams

Con el inicio de siglo, y tras su andadura con Whiskeytown, Ryan Adams se imponía como el nuevo niño bonito dentro de esa parcela destinada a acoger alt-country, americana y rock clásico.

Chill Mafia

Ya desde entrada la tarde se intuía cierto nerviosismo en las calles de Bilbao. El metro que cogimos para ir hasta el BEC estaba reventado y una vez en Barakaldo, tocó hacer cola bajo la lluvia.

Panda Bear

La Sala Paral·lel 62 se convirtió en un túnel del tiempo. Aquellos que estrenaron festivales como el Primavera Sound a inicios de los dosmiles, volvían a encontrarse para llenar la sala.

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