Mondo Sonoro diciembre 2025 by MONDO SONORO

Lo Mejor del Año

Turnstile Mejor disco Internacional

ejemplar gratuito

8 - 11 • JULY 2026

THURSDAY

GARUFA CLUB/

MONDO CLUB/ VIGO

PORTA CAELI/

RIQUELA CLUB/ SANTIAGO

7/Mondo freako

Militarie Gun Segundas oportunidades

“God Save The Gun” (Loma Vista/Music As Usual, 25), segundo largo de Militarie Gun, es un viaje de redención y recuperación, impulsado por unas durísimas letras confesionales y un sonido más expansivo. Conversamos con su alma mater, Ian Shelton, sobre la lucha interna que inspira esta magníﬁca segunda entrega.

TEXTO Luis Benavides

FOTOS Nolan Knight

“HEMOS IDO ALCANZANDO metas que nunca pensé que lograríamos. Pensaba que cada hito sería nuestro punto más alto o el ﬁnal, pero seguimos consiguiendo cosas”. El líder de Militarie Gun, Ian Shelton, responde a mis primeras preguntas en primera persona del plural. Aunque empezó siendo su proyecto en solitario en tiempos pandémicos, ahora son un verdadero equipo. “Encontrar músicos nunca fue un problema. Lo difícil fue encontrar a las personas adecuadas. Nuestra formación inicial estaba compuesta por gente que tocaba en otras bandas y para ellos esto era más bien algo secundario, lo cual no era sostenible”.

DESPUÉS DE SU ACLAMADO largo debut, “Life Under The Gun” (23), Shelton y compañía no se durmieron en los laureles y siguieron trabajando en el local, sacaron varios sencillos con colaboraciones variopintas y un puñado de remezclas. Las piezas del ahora quinteto ––que completan

William Acuña y Kevin Kiley (guitarras), Waylon Trim (bajo) y David Stalsworth (batería)— están más engrasadas que nunca. Se nota en su segundo largo, “God Save The Gun”, un disco muy variado con elementos cinematográﬁcos. “Vine a Los Angeles para dejar la música y dedicarme al cine. No esperaba tocar en bandas. Pienso mucho en conceptos como el viaje del disco y cómo la música puede acompañar un recorrido emocional”. De ahí que el álbum empiece con una confesión, “Pt. II”, un corte de apenas veinte segundos: “Cuando ella me preguntó cómo habían ido las cosas, no quise ser dramático, pero tampoco quise mentir, y tuve que decir que las cosas no habían ido… No habían ido muy bien”.

EL ÉXITO DE “LIFE UNDER THE GUN”, un disco que les permitió girar –pudimos verles en la última edición del barcelonés Primavera Sound– y compartir cartel con artistas de talla mundial como Post Malone y bandas como A Day To Remember, tuvo

MONDO FREAKO

3

un reverso negativo. “Cuando estás de gira te puedes llegar a aburrir mucho. Llegas a la sala o al festival a las tres de la tarde y tocas a las diez de la noche. ¿Qué otra cosa voy a hacer aparte de emborracharme? Echas de menos tu casa. Extrañas mucho a tu gente”. Shelton empezó a beber, sin moderación, todo lo que no había bebido en su vida. “Hago todo al cien por cien o nada. Pasé de no haber bebido nunca como adulto, solo un poco de adolescente, a beber todos los días, a todas horas. Pero cuando empezamos a preparar este disco sabía que estaba en un momento muy especial, rodeado de las personas adecuadas, y eso me ayudó a seguir adelante”.

ESCRIBIR LAS LETRAS para este nuevo disco fue un ejercicio terapéutico para el frontman de Militarie Gun, un paso más hacia la redención, tras una etapa autodestructiva (como relata en “Throw Me Away”) en la que llegó a tener pensamientos suicidas (tremenda “I Won’t Murder Your Friend”). “Escribir es la única manera que conozco de sentirme mejor: sacarlo de mi cabeza y externalizarlo. En mi mente todo está tan enredado y es tan incomprensible que siento que, si logro ponerlo en palabras lo bastante simples, me sentiré mejor”. Así, si “Life Under The Gun” trataba sobre estar atrapado, resume Shelton, su continua-

“

“Esta banda no existiría sin todas las cosas jodidas que he vivido”

ción, este “God Save The Gun”, nos habla sobre la necesidad desesperada de levantar las manos al cielo y que alguien te quite todo ese peso de encima. “La canción ‘God Owes My Money’ es mi favorita del disco porque explica cómo tu trauma puede ser también tu superpoder. Esta banda no existiría sin todas las cosas jodidas que he vivido y ahora tengo una deuda con Dios por todo esto. Signiﬁca muchísimo para mí”.

GRABADO CON EL INGENIERO de sonido y productor Riley MacIntyre (Adele, Arlo Parks), “God Save The Gun” es un disco musicalmente diverso, con texturas diferentes, muy dinámico, en el que conviven piezas de hardcore trepidantes, canciones de puro power pop y alguna balada acústica. “Se trataba de que la producción de

HARDCORE - ROCK / Mezclando hardcore y rock alternativo, Militarie Gun dieron la campanada con su largo debut “Life Under The Gun” en 2023. Aquel éxito inesperado de la banda, que comenzó siendo el proyecto en solitario de Ian Shelton, tuvo un reverso sombrío: su alma mater empezó a beber para matar el tiempo muerto entre concierto y concierto, también para olvidar que estaba muy lejos de casa. Él, que había sido ‘straight edge’ porque había visto el daño que puede hacer el alcohol en su propia familia, terminó cayendo en la trampa que tanto había temido.La lucha interna de Shelton, ya recuperado, palpita en el presente “God Save The Gun”, una secuela planteada como un viaje emocional que empieza con una confesión. Letras duras e introspectivas que contrastan con la desbordante energía instrumental del ahora quinteto. Cada balazo en este segundo disco no solo es un testimonio de resistencia, sino un ejercicio de puntería musical. L B

God Save The Gun Loma Vista/Concord

cada canción coincidiera con la emoción que transmite. Ese fue el punto de partida de cada decisión en el estudio de grabación: ¿Qué queremos comunicar?”. Sus modelos a seguir en este aspecto, como chavales que crecieron en la escena hardcore, son Angel Du$t, Give y Title Fight. “Rompieron muchas barreras para bandas como la nuestra. Demostraron que puedes hacer lo que quieras y todos nos hemos beneﬁciado de su experimentación”.

VIENDO LA PROGRESIÓN ascendente de la banda, ¿qué espera su cantante de este segundo disco? “No puedo controlar nada más allá de las canciones. No puedo controlar cómo reacciona el mundo. Intento centrarme en aquello que sí está bajo mi control. Aunque me gustaría que las personas que escuchen el disco comprendan que pueden escoger vivir una vida mejor sin esperar a tocar fondo”.

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EN CONCIERTO

LA MÍA

FOMO

TRAS EL ALUD de noticias, comentarios y opiniones que se han vertido a raíz del nuevo disco de Rosalía, que han provocado en mi persona un hartazgo tan grande que me ha impedido escuchar el disco más de una vez no sin cierta animadversión –prometo recuperarlo cuando todo esto haya pasado y con los oídos menos contaminados por el ruido– hay una noticia que me parece que no se ha ponderado como merece más allá de tierras catalanas. Y es que se me antoja todo un hito histórico, dentro de la música popular de nuestro país, que una banda cantando en catalán como Oques Grasses, haya logrado vender en un tiempo récord la totalidad de cuatro Estadis Lluis Companys de Barcelona, o lo que viene a ser la friolera de más de doscientas mil entradas para asistir a lo que se ha anunciado como su despedida deﬁnitiva de los escenarios. Uno de esos logros al alcance de muy pocos, donde han jugado varios factores para que suceda. En primer lugar, es obvio que la banda capitaneada por Josep Montero ha sabido conectar a lo largo de más de tres lustros con un público muy transversal, tanto en edad como en gustos musicales, gracias a ese lenguaje popular, próximo, certero, cachondo y muy desinhibido. Pero eso no sería suﬁciente para entender por qué tantísimas personas se han querido apuntar a su despedida, sin tener en cuenta también el evidente brote colectivo de necesidad basado en un no poder perderse tamaño acontecimiento. Una locura brutal desatada a la hora de hacerse con una localidad, tal y como pudo comprobar mi pareja en su propio centro de trabajo, cuando las funcionarias del despacho narraban a viva voz, no sin cierto histrionismo, la enorme cantidad de gente que tenían por delante suyo en la cola virtual, aumentando así su grado de desesperación por alcanzar tan preciado botín. Y eso que estamos hablando de personas que habitualmente no acuden a conciertos, pero sentían una necesidad imperiosa de asistir a lo que, de repente, se había convertido en el acontecimiento del año. Tendencia esta que parece extenderse y que poco a poco está cambiando la estrategia a la hora de programar, y que los responsables de márqueting están avivando para provocar ese impulso que tenemos las personas para no querer perdernos algo que nos están vendiendo como único a la par que histórico. Y a todo esto me ha dado por pensar en la mala fortuna que tuvieron Txarango cuando programaron su gira de despedida que se vio truncada por culpa de la pandemia. Más de uno debe estar tirándose de los pelos.

DON DISTURBIOS

ENTREVISTA

LA MAQUINARIA no se detiene nunca y, fieles a su cita, Sidonie nos regalan una nueva entrega dos años después de “Marc, Axel y Jes”. Un disco que sigue la estela musical de su antecesor en base a canciones cortas, directas y evidentemente pop. Una muesca más en su revólver que lleva el explícito título de “Catalan Graffiti”, algo que en sí mismo entraña toda una declaración de intenciones. Un doble homenaje a la tierra que les vio nacer, pero también a la que les formó musicalmente. El “petit país” de insignes genios como Gaudí, Dalí o Casals y el enorme país que, antes de la British Invasion de The Beatles y The Rolling Stones, alumbraba grandes hacedores de canciones como Everly Brothers, Carole King y Gerry Goffin o el mismísimo Buddy Holly. Un puente aéreo musical entre Cataluña y Estados Unidos con escala en el Manchester de Morrissey o el Londres de Elvis Costello y unos The Cure que dejan su huella de forma nada disimulada en un tema como “Et puc odiar molt més”. Aunque, tal y como me explica el propio Marc Ros, la verdadera sorpresa se produce cuando mucha gente no reconoce el guiño evidente a los de Robert Smith. “Nos ha pasado que tocando en directo hemos hecho un guiño al ‘Just Like Heaven’ de The Cure y muy poca gente la ha reconocido. Resulta curioso que, de entre quince mil personas, solo veas un par de cabezas que cantan y reconocen la canción… Y es sorprendente porque incluso Olivia Rodrigo la cantó con el mismísimo Robert Smith en directo, y todos sabemos que es una canción muy conocida cuando llegas a las Islas Británicas. Pero aquí no”. Una pequeña anécdota que nos ofrece una pista del tipo de público que acude a los festivales en España a los que les falta un evidente ‘background’ musical, algo en lo que Sidonie andan sobrados.

MARC, AXEL Y JES han llegado de lo más puntual a nuestra cita en la redacción de Mondo Sonoro en el Poble Nou de Barcelona. Se trata de un barrio que ha marcado a fuego la trayectoria de la banda y que conocen rematadamente bien. Nos sentamos frente a la grabadora y muy pronto lo que empieza como una entrevista derivará en una larga conversación en la que los límites

entre entrevistador y entrevistados se diluyen. Es entonces cuando nuestra común pasión por la música, nos llevará a tocar un sinfín de temas que nos alejarán de lo que en realidad ha motivado nuestro encuentro. Así que será mejor que me centre de nuevo en “Catalan Grafﬁti” y ese anunciado salto al catalán en la composición de todos los temas. Idea que se forjó durante la composición de esa obra catedralicia titulada “El regreso de Abba” (20). El propio Marc me lo explica: “Todo empezó con ‘Portlligat”, que es un tema en catalán en un disco compuesto en castellano, pero que nos gustó y acabó funcionando mucho. De hecho, es una de las canciones que seguimos tocando y nos encanta”. “La estuvimos tocando a lo largo de toda la gira de aquel disco y hasta día de hoy, porque es una canción que no ha salido nunca del repertorio. Y eso también es muy bonito que fuera celebrada, cantada y admirada”, apunta Axel, antes de que el cantante argumente “’Portlligat’ cumple la misma función que tuvo ‘Duerme’ [“Let It Shine EP”, 02], versión de El Niño Gusano que resulta ser la primera vez que cantamos en castellano y que fue decir ‘Vamos a ver si esto puede funcionar’ e intentarlo”. Aunque lo más curioso del caso es que el hecho de cantar en catalán ha provocado también que el tono del disco adquiera una suavidad en las formas que, por lo que me cuenta el propio Marc, viene dado por el hecho de que suele subir el tono de voz cuando habla en castellano. Algo que se suaviza cuando pasa a su idioma materno. “Es curioso porque cuando canto en castellano siempre pongo la cejilla en el segundo traste, y en cambio en este disco no he usado la cejilla. Me sale como más natural, cosa que ha marcado el color de las canciones… La voz en catalán me sale como más dulce, más melódica. Y es curioso porque otra de las cosas que han surgido a la hora de cantar en catalán son todas las melodías que ni siquiera escuchábamos en su día de lo que fue el ‘rock catalá’. Salen cosas de El Pets, Sangtraït, Sau, Sopa de Cabra… Y fíjate que nosotros, cuando fuimos al famoso concierto de todas estas bandas en el Palau Sant Jordi en el 91, yo me puse de espaldas al escenario. Solamente quería estar allí para ligar con chicas de mi edad. De hecho yo odiaba a todas aquellas bandas porque, en el fondo, era un niñato de mierda y presumía de escuchar únicamente

Sidonie

Sencillas canciones de amor

“Catalan Grafﬁti” (Sonido Muchacho, 25) no es únicamente el primer disco cantado íntegramente en catalán de Marc, Axel y Jes. Es también un homenaje a esa época en la que las canciones surgían del Brill Building, los batidos de fresa eran gigantes y experimentabas tu primer beso. Una época de canciones de menos de tres minutos y gloriosos estribillos.

TEXTO Don Disturbios

“

“

La voz en catalán me sale como más dulce, más melódica”

música en inglés. Pero de lo que no me daba cuenta es de que ya había sonidos y canciones que se me estaban quedando porque eran bonitas y eran muy buenas. Por eso hay canciones en este disco que suenan a Els Pets y Sopa de Cabra”.

PODEMOS DECIR que “Catalan Graffiti” es un disco repleto de guiños muy personales incluidos en unas canciones que parecen surgir de una caja de zapatos llena de viejas fotografías olvidadas en el fondo de un armario, y que nos trasladan a una época en la que The Beatles eran lo más, las agujas reproducían discos y todo el mundo soñaba con avistar un ovni. “Si a las canciones de este disco que son de tres acordes, cuatro a lo sumo, les pongo unas letras muy barrocas nada hubiera funcionado. Tienes que ponerte en la piel de cómo narraría el Marc de los años ochenta su experiencia de ver un ovni y lo haría así de forma sencilla y sin metáforas, porque un niño de diez años no hablaría así. Como tampoco lo haría el adolescente que escuchaba a Everly Brothers. Él tampoco cantaría así. Todas las canciones de ‘Catalan Graffiti’, al final, son casi todas de amor. No hay reivindicaciones. Son canciones sencillas de amor, sencillas como los acordes con las que están construidas”. D.D.

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EN CONCIERTO

DICIEMBRE

31 FAM BALA BAXTER DURY BIZNAGA BOYE

EL PETIT DE CAL ERIL J ABECIA SADIE JEAN

SANTA SALUT VANGOURA

NOVIEMBRE

DELAPORTE | DIAMANTE NEGRO + KU! + ERIN MEMENTO | ENTER SHIKARI

ETHEL CAIN | HALESTORM | JIMENA AMARILLO

KRAAK & SMAAK | LA BIEN QUERIDA

LA ÉLITE | LARKIN POE | MONOLINK

NATION OF LANGUAGE | NEW MODEL ARMY

REPION | ROYA | SALMO | SAM GARRET

SAMANTHA HUDSON | THE KLEEJOSS BAND

THE RAPTURE | YPNOSI | ZAZ

Pignoise Horas de vuelo

Se cumplen más de dos décadas desde el debut del trío radicado en Madrid, y nunca han dado un paso atrás. La mejor prueba de ello está en la solvencia de las canciones de su nuevo trabajo, “Las Ganas” (Acqustic, 25).

TEXTO JC Peña

NO ES QUE ÁLVARO Benito, Pablo Alonso y Héctor Polo hayan abandonado su fórmula de punk pop juvenil, sino que a estas alturas no pueden sino ampliar el foco. Insisten en que entregan su trabajo más consumado, y probablemente sea así. En febrero del 26 iniciarán dos años de gira, primero en ciudades poco habituales y después, festivales. La culminarán en 2027 en grandes recintos. Me he citado con ellos. Llegan con puntualidad británica a la oﬁcina de su promotora. Cordiales y con las cosas claras, insisten en que siempre han hecho lo que han querido, lo cual no les ha garantizado ser tomados en serio por cierta “policía musical”, como Álvaro deﬁnió el fenómeno. El caso es que en sus nuevas composiciones permea una madurez que les sienta bien. (Álvaro) “Más allá de la percepción que puede tener la gente de nuestras canciones más conocidas, han pasado veinte años de la mayoría de ellas. El grupo es mucho mejor. Somos mejores músicos, yo soy mejor compositor… Es inevitable simplemente por las horas de vuelo”. No obstante, “a nivel estilístico hemos intentado mantener la esencia, abrazar lo que es nuestro concepto y nuestra manera de expresarnos, lo que haciéndolo con las herramientas que tenemos ahora. Entiendo tu percepción, porque las canciones están mejor hechas.

Es difícil que una canción de las nuevas cale tanto, pero son mucho mejores”.

LA LONGEVIDAD, que un grupo mantenga y en el mejor de los casos renueve su público, no es fácil y menos en estos tiempos de extrema volatilidad y tanta competencia. Ellos lo han conseguido. (Héctor) “En los conciertos hay gente muy joven. Es lo bueno de cómo está la industria ahora, que todo el mundo tiene acceso. Es difícil, pero nosotros hemos dado como un salto generacional y estamos muy contentos”. El vocalista tiene claro por qué en las letras de su nuevo disco asoma una melancolía que a priori debería chocar con su estilo. “La vida es hacia delante hasta que llega un momento en el que, aunque tienes que seguir mirando hacia delante, miras mucho por el retrovisor. Esa etapa llegó a mi vida hace años. En diciembre hago cuarenta y nueve, con lo cual estoy claramente en la segunda mitad del libro. Empiezas a hacer un ejercicio de análisis, de reconstrucción. Yo pienso que estas inquietudes se acaban reﬂejando en las letras. Tienen mucho que ver con el momento vital, y una lógica”.

DESDE 2010, cuando grabaron en el salón de la casa del cantante y guitarrista, han apostado por la autoproducción en su propio estudio. (Héctor) “Lo hacemos así precisamente para tener tiempo. El proceso de este

“El éxito es poder vivir de lo que te gusta”

último disco ha durado casi dos años entre que Álvaro iba componiendo, nos pasaba las canciones, las grabábamos… Hemos maquetado sesenta canciones y grabado para el disco veinte”. En realidad, las maquetadas fueron noventa y cuatro, corrige el cantante. Redujeron ese número inabarcable hasta veinte, entre las doce que han quedado y las caras B de los singles. (Héctor) “Imagínate eso en un estudio cerrado y pagado, te cuesta tres millones de euros [risas]”. Las maquetas le llegan siempre “muy producidas” a Dani Alcover (Dover, Amparanoia, La La Love You), además el técnico que lleva tiempo ocupándose de las mezclas. “Yo pienso que no hay una situación ideal concreta. Cada uno elige su manera de funcionar. Pero teniendo en cuenta, sobre todo, que yo no puedo meterme dos meses seguidos en un estudio. Hemos aprendido a funcionar de esta manera”, reﬂexiona Álvaro.

PARA EL BATERÍA, el título del álbum “reﬂeja mucho el momento. Estamos muy ilusionados, sobre todo después de que la gente respondiera tan bien a nuestra vuelta. Después de una gira tan grande con “Diversión” y tras el veinte aniversario, que ha tenido un resultado fantástico, y la guinda del Movistar Arena, ahora estamos con las ganas al cien por cien. Yo personalmente pienso que este es el mejor disco que hemos hecho. Son las mejores canciones que ha hecho Álvaro”. El cantante no está seguro de que eso se deba a una obligada “madurez”, aunque algo de eso hay. “Yo pienso que, como con cualquier actividad en la vida, con las canciones vas mejorando cuantas más haces. Hay que dedicarles muchas horas. Yo lo hago, en primer lugar porque me gusta mucho”. En este disco sigue reﬁnando su habilidad instintiva para las melodías de voz, pieza clave en este género. “Cuando empezamos no teníamos ni idea de nada, pero siempre he tenido esa facilidad para las melodías, y soy muy exigente”.

LA CONVERSACIÓN desemboca en un tema espinoso: ¿Se sospecha en España de quienes tienen éxito y llegan al mainstream? (Héctor) “Para mí el éxito es poder vivir de lo que te gusta. Hacer lo que te gusta sin tener que atarte a nada, con la libertad con la que nosotros hacemos las cosas. Todo lo que no podemos controlar, nos da un poco igual”. En este sentido, Álvaro sostiene que un grupo es “una empresa”, con sus distintos departamentos, que ellos controlan al cien por cien. En relación al presente de la industria y cómo han cambiado las cosas desde aquellos primeros dos mil, el cantante destaca el efecto positivo de los festivales. No es lo más común, y se agradece otro punto de vista. “A pesar de la pequeña crítica que se pueda hacer y que yo no comparto, han traído mucho bien. Por lo menos han acostumbrado a la gente a pagar por ver música en directo”. J.C.P.

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EN CONCIERTO

l Madrid 20 diciembre. The Garage (Autocine Madrid)

l Alicante 03-04 abril. Festival Mar de Jávea

l Sevilla 15-16 mayo. Festival Interestelar

l Valencia 05-06 junio. Festival de Les Arts

l Granada 11-12 septiembre. Festival Granada Sound

10 ATRÁSAÑOS

Mondo Sonoro número 234 Diciembre de 2015

Fue portada:

Sufjan Stevens

Charlamos con:

Algiers, Majical Cloudz, John Grant, C. Tangana, Beach House, Iván Ferreiro, Gallows, The Chills, Dave Gahan & Soulsavers, Titus Andronicus, Kode9, Defeater, Claptone, Disclosure, Cracker, Automatics, Sonido Vegetal…

Fueron los Mejores Internacionales del

Año:

Mejor Disco

“Carrie & Lowell” de Sufjan Stevens

Mejor Disco Electrónica

“Platform” de Holly Herndon

Mejor Disco Metal

“New Bermuda” de Deafheaven

Mejor Disco Rap

“To Pimp A Butterﬂy” de Kendrick Lamar

Mejor Disco Hardcore Punk

“Abandoned” de Defeater

Mejor Disco Americana Folk

“Short Movies” de Laura Marling

Mejor Disco World Music

“Ba Power” de Bassekou Kouyate & Ngoni Ba,

Mejor Película Internacional

Max, furia en la carretera” de George Miller

Mejor Cómic Internacional

“El árabe del futuro” de Road Satouff “Mad”

Fue disco del mes:

“Long Live Death! Down With Intelligence!” de The Suicide Of Western Culture

También destacamos:

“Dodge And Burn” (The Dead Weather), “Divers” (Joanna Newsom), “Estudias, navajas” (Perro), “Art Angels” (Grimes), “La catastrofía” (Tigres Leones), “Hamen” (Belako), “Resolutions” (Alondra Bentley) y “II” (Fuzz).

Mujer fatal

Mon Laferte

La mujer perfecta no es dócil ni sumisa. Es subversiva. Canta a los hombres sus virtudes pero sobre todo sus violencias. Lleva la lencería más sexy no para ti, si no para ella. Es toda una “FEMME FATALE” (Sony Music, 25). Mon Laferte nos regala su trabajo más desgarrador y vulnerable hasta la fecha, volviendo al sonido que la encumbró.

TEXTO Martín Corral

FOTO Mayra Ortiz

LA ETIQUETA con la que ha desarrollado su nuevo imaginario no es casual, sino impuesta, aunque ahora ella ha decidido apropiarse de esta. “No es como que un día decidí disfrazarme de Femme Fatale. Es la identidad que se ha ido construyendo a tu alrededor. Ese nombre me lo ha puesto mucho la prensa, de pronto es como ‘la Femme Fatale de Chile’. Entonces yo me preguntaba por qué. ¿Qué signiﬁca ser ‘Femme Fatale’? Me puse a investigar el signiﬁcado y tiene varias lecturas. Por un lado, es una mujer que sufre y tiene esa carga de drama con ella, y sí, de eso sé algo. También es muy liberador de decir, ‘Así soy’. Pero además tiene que ver con esto de que la mujer es peligrosa, porque es libre y usa sus encantos para conseguir lo que tiene y está segura de sí misma. Y sí, voy por la vida con mi drama y sin pedir permiso”.

DE LAS DISTINTAS CARAS de la antiheroína, la liberación es la que ha supuesto un mayor trabajo para la artista, al tratar temas como los maltratos, los anhelos y la muerte. “En el momento de escribir hay una honestidad brutal que me genera incomodidad. Cuando escribí todas las canciones la verdad es que lloré mucho. Me pasé muchas noches solita en casa con mi botella de vino, mi cigarrito y un mar de lágrimas. Ahora he tenido un par de es-

cuchas del disco con gente de la industria y yo tenía que estar en la sala y no quería estar ahí. Me daba vergüenza porque hay muchas confesiones que son incómodas que vienen de ese lugar de libertad absoluta. Tengo pudor porque todo es real. El lanzarlo ya más masivamente es liberador porque somos millones que pasamos por lo mismo. Todas las personas vivimos las mismas cosas, las mismas experiencias. Nos sentimos igual, solas, solos, vulnerables. Entonces no se siente tan pesado como estar en un pequeño grupo”.

SI HAY UN GRAN TEMA EN EL DISCO, este vuelve a ser el amor con el que nos conquistó en temas como “Si Tú Me Quisieras” o “Amárrame”, tras un tiempo abandonado ahora revisitado. “Fue una decisión consciente porque en mis últimos álbumes me había alejado un poco de eso. Quería volver ya con perspectiva porque la mayoría son historias que viví hace diez o veinte años. Es muy gracioso porque ahora estoy tranquila, emparejada y con una relación sana y creo que es justo por eso, al estar todo estable, que puedo mirar hacia atrás y escribir sobre eso”.

EL MAYOR AMOR PRESENTE en el disco sin embargo no es el romántico, si no el maternal, capaz de hacerle replantearse su vida de mujer fatal. “’Vida Normal’ es la última canción que hice y cuando no estoy de gira o siendo artista mi vida es eso. Me

levanto temprano, llevo a mi hijo al colegio y hay un anhelo en mí de tener esa vida más tranquila, pero es por mi hijo. Quiero ser mi mejor versión para él y después de todo este álbum de mirar hacia atrás y ver todo esto como un caos y muy desgarrador lo único que deseo para mi presente es estar bien. Es complicado porque anhelo demasiado seguir siendo artista y amo hacer música, es lo que me mantiene viva, y eso da total contradicción con mi otro sueño que es ser una buena mamá. Es como un demonio que tengo en mi cabeza todo el tiempo y hago malabares para intentar hacer las dos. Compaginar dos mundos tan contradictorios entre sí”.

PARA ADEREZAR SU HISTORIA, tanto la pasada como la presente, ha decidido hacerlo con un género que, como ella, es reivindicativo por naturaleza. “Tenía ganas de hacer jazz. De niña me alejaba porque creía que era música para estudiosos, nerds y aburridos, pero lo que caracteriza el jazz es la improvisación y vivir improvisando es una locura. Algunas de mis artistas favoritos son Nina Simone y Billie Holiday que eran mujeres súper poderosas con un mensaje muy político también. Desde mi lugar como cantautora supongo que también es un acto político revolucionario hacer jazz en el 2025 con un disco super lento y oscuro”.

, Y SI ESTE DISCO pasa a la historia por otro motivo, será por sus colaboraciones. Nathy Peluso, Conociendo Rusia o TIAGO IORC son algunos de los nombres que acompañan a la chilena en su nuevo trabajo, quien además ha conseguido reunir a la santísima trinidad de la canción de autor femenina y latina contemporánea en el tema “My One And Only Love”. “Hablando de mujeres que son inspiradoras y hacen música por el placer de hacer música están Natalia Lafourcade y Silvana Estrada. Queríamos hacer algo las tres, pero nunca coincidíamos y la escribí sola. Era mi sueño. Es una armonía a tres que empiezo yo, sigue Natalia y luego Silvana. Pero todo el tiempo estamos cantando las tres armonizando. Son mis niñas”. J.C.P.

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““Voy por la vida con mi drama y sin pedir permiso”

Contra el presente feudal CRIM

Con una espada bien aﬁlada en una mano y una antorcha en la otra, Crim plantan cara y marcan el camino con un fantástico quinto largo envuelto en épica e imaginería feudal titulado “Futur Medieval” (HFMN/B-Core, 25), una mirada crítica e inteligente al reverso más oscuro de nuestros días.

TEXTO Luis Benavides

FOTO Eric Samper

LA CANCIÓN que da título al quinto trabajo de estudio de los catalanes Crim, “Futur Medieval”, hace referencia a la involución de nuestra sociedad, a la brutalidad y la pérdida de humanidad que se impone de manera inexorable sin apenas resistencia. El resto de las canciones siguen esa misma línea y juntas dibujan un retrato sociológico de nuestro entorno tan triste como demoledor. Porque abordan el problema del acceso a una vivienda digna, la imposibilidad de tirar adelante un proyecto vital con unos salarios tan bajos, la trampa de la cultura del esfuerzo y el peligro de las relaciones tóxicas, entre otros temas. “Nos hemos quedado cortos, porque esto solo es una parte de algo mucho más tocho”, puntualiza su cantante y guitarra, Adrià Bertrán.

PARA LOS CUATRO CRIM, este futuro medieval ya está aquí, en un presente distópico aterrador. A diferencia de la portada, con robots gigantes armados con guadañas dispuestos a rebanar cabezas de humanos, sus canciones encuentran la inspiración necesaria en situaciones bastante más cotidianas. Esto es terror costumbrista. “No nos gustan los eslóganes fáciles. Las doce nuevas canciones del disco se basan en experiencias personales, hablan de nosotros y de personas que conocemos”, subraya el batería de la banda, Marc Anguela, quien espera que estas letras puedan encender una pequeña chispa revolucionaria en sus oyentes. “Ojalá sirva para despertar cierto pensamiento crítico, las ganas de hacer las cosas de una

manera diferente —continúa el batería—, que es justo lo que nos pasó a nosotros de adolescentes escuchando a ciertas bandas”.

“SIEMPRE HEMOS CANTADO un poco eso de ‘Madre mía, lo que viene’ y ahora es un ‘Ya ha llegado’”, interviene el guitarrista de la banda, Quim Mas, sobre las letras, las más colaborativas de la carrera de Crim con diferencia. Y es que esta vez Adrià, el letrista principal de la banda tarraconense, autor de una buena pila de himnos de punk rock en catalán, enormes como “Benvingut enemic” y “Castells de sorra”, contó con la ayuda de sus compañeros de banda. Los cuatro Crim pasaron tardes enteras escribiendo. “Primero seleccionamos los temas de los que queríamos hablar y eso nos ayudó a enfocar”, destaca el cantante, quien no niega el carácter especialmente misantrópico de las letras de este nuevo largo.

POR ESTE QUINTO DISCO producido una vez más por el infalible Santi García (Ultramarinos Costa Brava) desﬁlan personajes como gurús de poca monta (“Ésser de Llum”), parásitos sentimentales (“Festa d’una persona”), criptobros violentos con ideologías de otra época (“L’aula dels Doﬁns”) y odiadores profesionales que se creen los guardianes de la pureza. Estos últimos son los protagonistas del primero de los adelantos del disco, “Carnets de punk”, acaso el corte más llamativo en la primera escucha. “Habla de una persona que todos conocemos, pero de nadie en concreto. No sé, la idea era generalizar un poco, sobre todo para no entrar en el morbo”, aclara el

cantante de una banda amada y envidiada a partes iguales. ¿Una banda de punk rock como Crim puede tener éxito y seguir siendo merecedores del distintivo punk rock? Evidentemente sí, pero no todos piensan igual. “Supongo que cuando a un grupo le va bien, pues pierde el romanticismo de cuando pensabas que solo era tu grupo favorito”, añade Quim, quitándole hierro al asunto. Musicalmente, “Carnets de punk” fue un primer adelanto tan extraño como aplastante, y era justamente eso lo que buscaban. “Fue uno de los primeros temas que cerramos, pero también era la más diferente del disco y pensemos que estaría bien salir con algo diferente”, razona el bajista, Javi Dorado. Cierran el disco con una versión de “Presó Mental” de Kitsch, una banda de afterpunk en catalán incomprendida en los ochenta con la que se sienten identiﬁcados. Los de Banyoles no tenían nada que ver con

las bandas que triunfaban durante el auge del llamado rock en catalán, pero hicieron su camino y se convirtieron en una banda de culto muy respetada. “Hace años, cuando nosotros empezamos a tocar —rememora Quim—, tampoco había muchos referentes de grupos en catalán con guitarras que nos motivaran. Kitsch sí, y es algo que hemos hablado varias veces”. En esas están los tarraconenses, haciendo su camino, escribiendo su propia historia.

LOS CUATRO TIENEN otros trabajos porque vivir del punk rock en catalán, ahora mismo, al menos cuando escribo este artículo, está muy complicado. ¿Será posible en un futuro medieval? “Un grupo como nosotros en Catalunya, cantando en catalán, será siempre así. De hecho, es increíble que hayamos llegado hasta aquí”, enfatiza Marc, miembro de una banda que valora al máximo su inde-

“

“No nos gustan los eslóganes fáciles”

pendencia y libertad, poder ser ellos mismos y seguir haciendo lo que quieren con la ayuda de la promotora HFMN y sellos como B-Core Disc y Pirates Press Records. L B

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l Valencia 12 diciembre. Sala Rock City

l Barcelona 13 diciembre. Paral.lel 62

l Donostia 09 enero. Sala Dabadaba

l Bilbo 10 enero. Zorrotzako Gaztetxe

l Madrid 17 enero. Sala Nazca

l Tarragona 31 enero. Sala Zero

l Vic 06 febrero. Sala La cabra

l Oviedo 20 febrero. Gong Galaxy Club

l A Coruña 21 febrero. Sala Mardi Gras

l Lleida 07 marzo. Cotton Club

l Zaragoza 13 marzo. La Casa del Loco

l Alicante 14 marzo. Sala Marearock

Los elegidos de #GPS16

La guía para descubrir el nuevo talento

Con nombres como Grande Amore, Paula Koops, Ona Mafalda o El Niño Lord.Cah, la iniciativa por excelencia del talento emergente español se prepara para arrancar en 2026. Los recién seleccionados artistas del circuito Girando Por Salas #16 (#GPS16) prometen ser una de las ediciones más eclécticas y diversas. Y con tanta propuesta sólida, nosotros ya estamos haciendo hueco en el calendario. Así que te ayudamos a que lo hagas tú también.

Desde su creación en 2010, GPS se ha convertido en un motor imprescindible para la nueva escena musical (¡La MODA, Viva Suecia y Alice Wonder entre muchos otros pasaron por aquí!). A esta decimosexta edición, promovida, como de costumbre, por el INAEM del Ministerio de Cultura, se inscribieron más de 740 proyectos. Tras votos de jurado y público, 34 bandas y solistas fueron seleccionados para dar conciertos con una norma: hacerlo fuera de sus regiones de residencia.

Joyas para refugiarse del ruido

Te recomendamos coger papel y boli, o móvil y playlist, para ir apuntando este caleidoscopio musical que se avecina por las salas españolas: pop, rock, urbano, jazz, folk, música de raíz, funk, soul, rock, R&B, canción de autor… Las propuestas más especiales de esa última categoría la abanderan la sensibilidad folk de Kike M, con sus cantares campesinos; y la de Antía Muíño, representante de la nova canción galega que ha fusionado jazz, pop y la tradición del norte hasta llevarlos por Centroeuropa y el norte de África. Una mirada delicada al mundo que comparten con el (aún) misterioso laboratorio creati-

vo de Txeih Jazz Factory y con Galerna, el proyecto de cinco chavales que se juntaron en una habitación de San Vicente de la Barquera a crear desde el corazón.

Si lo que quieres es menearte en la sala

Otros que juegan a la fusión explosiva son El Niño Lord.Cah, la autodenominada “coplera rapera” que en menos de dos años ya anda armando jaleo con sus experimentos costumbristas, y Awakate, la celebración de la “Murzia Tropikal” que no para quieta. Estos y Huracán Romántica añádelos a la lista de reproducción del sábado por la noche, haznos caso. Y a su lado, incluye la chispa electrónica de Musgö, la arpista que surfea el pop-folk; ; algún tema del pop surrealista setentero de Juventude; y algún otro del jovencísimo Jassy Ojeda, para quien este GPS es su pista de despegue que hará realidad su “Colección de Sueños”, título de su álbum debut playero a más no poder.

Tres solistas recién estrenados y listos para encabezar las listas de éxito son la gatidana Dulze, Lero y Wise: ritmos más callejeros que nadie para darle el toque urbano que siempre prende en Girando Por Salas. Los indomables Riada, BigBlack Rhino y

Rambalaya en directo también prometen ser un no parar con el R&B más clásico y toques reivindicativos. Aunque… si pre!eres bailar con indie-rock, espera: empezamos con el talentazo de esa escena.

Lo mejor del nuevo indie-rock

Los Speaker Cabinet te dejarán hacerlo desde sus guitarras limpias que se acaban de estrenar con letras en castellano y Javi Chapela, el nuevo fenómeno pop-rock, o Miniño harán que te enganches a su espíritu joven eterno, por mucho que ellos digan que “crecer duele”. Apúntate a sus conciertos si eres del club de Carolina Durante, Venturi o La Milagrosa. Si lo tuyo era Supersubmarina, siempre puedes optar por ir a ver Meli uo, formado por parte de los integrantes de la mítica banda de indietrónica; Delacueva y Pandorado y su meticulosa producción; o El Verbo Odiado y la química arrolladora de The Crab Apples (“Seguiré Bailando” es de esos temas que no puedes quitarte de la cabeza en todo el día, avisamos). Los chicos de Victorias y la one-man band Los Acebos son unos de los artistas con más proyección de esta edición. Y sí, también rondarán tu ciudad para gritarte “¡Todo irá bien!” y quitarte esos nervios “A or de piel”.

Otros que regalarán aires electrónicos en sus giras, aunque en un ambiente más oscuro y violento son Grande Amore, una de las formaciones más importantes (¡y ruidosas!) del nuevo rock que saldrá de su Galicia natal para romperlo por todo el país. A Hermana Furia les hará falta poco más que unos segundos de la voz de Nuria Furia para desatar todo lo que llevas dentro. Cañonazos en la línea de Baja California y La 126, otro de los tríos femeninos estrella que también tienen pinta de llenar todo local que se encuentren: pura emergencia pop-punk.

Para quien no le tiene miedo al pop

Los hits indiscutibles de Paula Koops serán de esos que agotarán las entradas en un abrir y cerrar de ojos: pegadizos, producción fresca y conexión generacional. Por ese camino también le acompañan Lluís Sánchez, ganador del concurso musical “Eufòria” y autor de la canción del verano por tierras del noreste peninsular y Flecha Valona. Si has llegado hasta aquí, mereces el gran premio: Ona Mafalda, la artista que, entre in uencias británicas y españolas (Mari Trini estaría encantada, solo os decimos eso) acaba de “resetearlo” todo y promete un 2026 sin fronteras. Al !n y al cabo, ese es el objetivo de Girando Por Salas. n

ELYELLA Nadie les para

Directora de Vanana Records de día, artista de noche. María Eguizabal, cincuenta por ciento de ELYELLA, se reúne con nosotros para hablar de “Lo Más Importante” (Vanana Records, 25). Una obra colectiva con nombres de la talla de Love Of Lesbian, Siloé o Iván Ferreiro que llena de luces el club para hacerte sudar todo lo malo.

EN UNA ESCENA musical de divide y vencerás, de puristas de géneros, ya sea este metal o reggaetón, ELYELLA se presentan como un proyecto inclasiﬁcable, uniendo indie y electrónica, yendo más allá de lo que se entiende como DJ’s y sin ser tampoco cantantes. “Nacimos como DJ’s y también es nuestra bandera. Empezamos pinchando canciones en 2010 y había muchas bandas que a nivel musical estaban publicando muchas canciones que eran nuestra esencia. Después no llegaban otros artistas que tuvieran ese ADN y nos veíamos un poco limitadas en las sesiones. Sentía falta de novedad, me estoy repitiendo… Ahí dimos el paso de hacer remixes de otros artistas, canciones que nos gustaban pero no encajaban porque no tenían la energía para la sesión”.

AHORA CON SUS PROPIAS canciones, cantadas por algunas de las voces alternativas más destacadas de la escena, afrontan el reto de encontrar su sitio. Un sitio que existe en la escena anglosajona, pero que en España apenas encuentra referentes más allá de Delaporte. “Yo quiero bailar, pero quiero cantarme mis canciones también, quiero otro tipo de electrónica. Esto puede convivir perfectamente, debería convivir, aunque con todos los años que llevamos sabemos que no nos aceptarían en otra escena. Por eso estamos en una de bandas. Siempre decimos

que somos un poco rara avis, porque no somos banda, pero tampoco estamos en el espacio que ocupan los DJ’s”.

Si hay un ámbito en el que podemos encuadrar a la perfección al dúo es en el performático. Como podéis observar en la fotografía que acompaña la entrevista, nuestros 2manydjs patrios no son dos hombres en traje, si no un mono y una mujer de pelo rojo con la mirada pintada en negro. “Nuestra forma de transmitir, como no tenemos voz, es la performance. Esa parte es la que me toca a mí trabajar porque el mono es un mono. Muy críptico, menos accesible. Siempre me ha gustado mucho trabajar el baile, pero el baile sin coreografía, el baile libre. Salir de tu mesa, ponerte delante para poder mirar, para poder conectar con la mirada, con la gente que te está escuchando, cantarlo con ellos, bailarlo con ellos. Todos esos momentos trabajarlos con ellos y en algún momento lanzarme y poder hablar y contar lo que somos, aunque no cante. De momento no tenemos micro, entonces mi cuerpo es importante, lo que cuenta”.

FOTO: NADIA CRUSOE

Su nuevo trabajo abandona la oscuridad del pasado para centrarse en un mensaje que siempre ha estado ahí, y del que ahora junto a Lori Meyers aﬁrman: “Tenemos la respuesta”. “La canción de ‘Muchas vidas por vivir’ con Merino termina diciendo ‘Ahora soy feliz’ y es mi propósito de vida desde siempre. Soy feliz, pero no de una manera naíf. Si algo no me hace feliz hay que cambiarlo, que también se cuenta en ‘Cuándo cerrar’, con Iván Ferreiro. No te quedes enganchada a algo que te pesa, a algo que no te está sumando. Eso siempre me ha ayudado a cambiar cosas en mi vida y llegar hasta donde quisiera llegar”.

EL DISCO TOMA como punto de partida su colaboración de hace tres años junto a La La Love You “Que nada nos pare”, de la que extraen el verso que da nombre a la obra. “Fue la semilla de lo que queríamos contar y una canción que ha sido muy importante para nosotros. Ha sido una salida hacia fuera de ‘Esto es lo que somos ELYELLA, este es nuestro mensaje’. De hecho, al momento de pensar el título que es el ‘Lo más importante’ de ‘Que nada nos pare’, para mí era muy claro porque de lo que estábamos hablando era de cosas que nos parecían lo más importante, que es como hablar de uno. Cómo se

CINCO ESENCIALES

Russian Red

Lourdes Hernández ha pasado por distintas etapas con Russian Red, todas ellas complementarias y capaces de ofrecer alguna gema que sumar a su repertorio. Aprovechando su visita a Barcelona, le hemos preguntado por sus cinco canciones esenciales y ella ha elegido una de cada uno de sus álbumes.

“

“No nos aceptarían en otra escena. Por eso estamos en una de bandas”

enfrenta a todo lo que hace uno mismo para sí y luego para fuera”.

PARA LOS QUE LLEVAMOS tiempo siguiendo al dúo, sorprende encontrar en su larga duración canciones de corte tan orgánico como “Cuándo cerrar” junto a Iván Ferreiro. “La reconocemos mucho en lo que somos y lo que queremos hacer. Si al ﬁnal tiene unas melodías que conectan y una energía que te emociona está dentro de ELYELLA. Independientemente de cómo sea. Antes nos condicionaba mucho el pensar cómo iban a funcionar en directo y construir las

canciones pensando en cómo tenían que funcionar. Aquí hemos dejado que mandara más la canción y ya la trabajaremos para el directo”.

EL CARISMÁTICO dúo se ha convertido en un peso pesado en la industria, y han aprovechado su posición no solo para colaborar con grandes nombres, si no también para dar cabida a emergentes. “Entendemos la plataforma que podemos ser. Al ﬁnal si nosotros estamos poniendo mucho una canción eso tiene un efecto. Entonces, en el disco había también una clara intención de poder dar el espacio y con Elem fue así. Fue un ﬂechazo y tuvimos claro que tenía que estar”. MARTÍN P. CORRAL

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EN CONCIERTO

l Logroño 02 enero. Festival Actual

l Murcia 31 enero. Mamba!

l Zaragoza 07 febrero. Sala Oasis

l Alicante 07 marzo. Sala Baltimore Live l Valencia 05-06 junio. Festival de Les Arts l Albacete 19-21 junio. Antorchas

1 Cigarettes (“I Love Your Glasses”, 2008)

He elegido esta canción porque conectó con toda una generación, y me encanta saber que no le di demasiadas vueltas. La melodía acarrea algo abstracto que le habló a la gente y se quedó con ellos. Hoy día, cada vez que la canto, me emociono un poco. Porque esta canción es un poco un milagro.

2 Everyday Everynight (“Fuerteventura”, 2012)

Digamos que fue mi primera canción más rítmica, menos lenta. Es nostálgica, pero tiene algo de esperanza. En los conciertos siempre es un momento especial donde la gente se conto nea levemente y sonríe. Es como si conﬁrmara especialmente que las canciones no son mías ya. Que las únicas que todavía son mías son las que están por hacer.

3 John Michael (“Agent Cooper”, 2014)

Esta canción está incluida en el disco que le dediqué a chicos que hasta ese momento me

habían despertado un amor memorable, que bien merecía una canción. John Michael es la que le dediqué a mi amor platónico del cole y en cada gira la hemos tocado un poco de una manera diferente. De esta canción me gusta el concepto homenaje al momento adolescente.

4 I Want To Break Free (“Karaoke”, 2017)

Evidentemente es un clásico de Queen y, para mí, versionar esta canción es hacerla un poco mía. A veces pienso que me representa más que algunas de mis propias composiciones, por como creo que hay una apropiación honesta que funciona para la canción.

La última vez

(“Volverme a enamorar”, 2024) De mi último disco, que es mi preferido ahora mismo, elijo esta canción porque me gustan todos los “jardines” a nivel producción que existen en el tema. La letra es sencilla y fresca, tal vez más propia de una chica de veinte años que de casi cuarenta. Pero con este disco buscaba exactamente darle espacio a esa niña en mí. MS

EL NU METAL (“mallcore”, para los haters), con Korn o Limp Bizkit como pioneros, dominó durante años la MTV y los festivales a pesar del riesgo que suponía mezclar rap, hardcore, rock y metal sin caer en lo caricaturesco. Aun rechazado al principio, acabó convirtiéndose en una referencia cultural de los 2000 en adelante con Korn, Limp Bizkit, Linkin Park, Mudvayne, Deftones, System Of A Down o los propios Slipknot como capitanes. Muchas bandas veteranas viven hoy una segunda juventud, reuniéndose con más o menos frecuencia para rememorar los viejos tiempos. En este panorama de riffs metaleros, arreglos electrónicos, voces rapeadas, gritos y scratches, Slipknot llegaron de la mano de Ross Robinson para inyectar terror y autenticidad a una escena que parecía necesitarlo. Los nueve enmascarados con monos rojos de Iowa no querían unirse a nada, sino incendiarlo todo. Y Robinson vio en su ferocidad y autosabotaje la herramienta ideal para destruir la fórmula agotada del momento.

LA GRABACIÓN de “Slipknot” fue deliberadamente caótica. Robinson no buscaba pulir el sonido, sino capturar la violencia visceral de sus integrantes desesperados y sin dinero en su cuenta. Corey Taylor, roto por el abuso a las drogas e intentos de suicidio desde niño, llegó a confesar que vomitó en la cabina mientras grababa las voces. El resultado: un disco en el que la performance

Slipknot

Veinticinco años del debut de los nueve de Iowa

Los anónimos y enmascarados Slipknot que revolucionaron el panorama musical con “Slipknot” (Roadrunner, 99), su debut discográﬁco, regresan a él homenajeando el violento big bang cultural todavía latente que supuso aquel álbum. Más de veinticinco años después, la banda ha reeditado su primera y mítica referencia con nuevas demos y remixes. Y nosotros echamos la vista atrás.

TEXTO Jaime Tomé

FOTO Paul Harries

es manifestación tangible de rabia y sufrimiento. Su arquitectura partía del nu metal, pero se elevaba sobre otros estilos gracias a la base rítmica de los añorados Paul Gray y Joey al bajo y batería junto a esas percusiones industriales de Chris y Shawn, los samplers de Craig, los scratches de Sid Wilson y las guitarras de Mick, James Root y Josh Brainard (primer guitarrista y con el que se inició esta etapa). De “(sic)” y “Eyeless” a los himnos “Wait And Bleed”, “Spit It Out” o el descenso a la locura de “Scissors”, la obra arrambló con todo. Las máscaras y monos numerados reducían a cada miembro a un número, protegiendo su anonimato y creando casi indirectamente una campaña de marketing excelente.

LO QUE PARECÍA una casa del terror se enfrentó a las boy bands de tíos buenos con una premisa: la música iba primero. Sin rostros ni nombres conocidos, Slipknot se presentaron como entidad uniﬁcada y aterradora. Si el álbum era la amenaza, el directo era la ejecución: peleas en conciertos que acababan en fracturas, autolesiones, pirotecnia descontrolada y hedor insoportable de trajes y máscaras sudadas, ensangrentadas o llenas de vómito. Poco que ver con la imagen actual de sus integrantes. El impacto tras su presentación en el Ozzfest de 1999, capturado en la cinta “Welcome To Our Neighborhood”, fue su bautismo de fuego. Aun en un segundo escenario generaron más expectación que muchas bandas consagradas. Después, llegó el disco de pla-

tino (primero para Roadrunner), críticas de Rolling Stone (“primer gran álbum de la era nu metal”) o Kerrang! (“algo desagradable e inolvidable”) y un nuevo estándar de agresividad en el metal mainstream que funcionó como droga de entrada para millones de jóvenes. Su éxito aceleró el declive del nu metal festivo y abrió una era de artistas inﬂuenciados por su boom: Bring Me The Horizon, Code Orange, Trivium, Motionless In White, Knocked Loose, los patrios Vita Imana o Sonitum Shelter, o los “nepo babies” Vended y Tallah.

CASI TRES DÉCADAS después, Slipknot siguen resonando. Su furia y orígenes nunca se basaron en una moda pasajera. Su estreno fue y es un artefacto de emociones universales que cargan contra demonios

exteriores e interiores haciendo de catarsis para todo aquel ser marginado o apartado que pueda verse reflejado en su arte. Ahora, la banda se ha vuelto a enfundar en sus monos rojos repasando sus primeros hits y triunfando con Eloy Casagrande a la batería (heredando el legado de Jordison con los merecidos respetos a Jay Weinberg como figura fundamental en la historia reciente de Slipknot), Alessandro Venturella al bajo tras la triste baja de Paul Gray, Michael Pfaff a las percusiones en lugar de Chris Fehn, y Jeff Karnowski sustituyendo a Craig Jones. Y sí, puede surgir la pregunta: ¿son los Slipknot de ahora una versión mejorada y más equilibrada de lo que conocimos? Pues sí y no. Tras idas y venidas varias, han recuperado la fuerza en directo con casi todas sus caras visibles sobrepasando los cincuenta años. Aunque haya intereses de por medio, aunque Slipknot ya sea una marca en torno al ego de Shawn y Corey, todavía disfrutan creando y tocando con mucho por decir a las nuevas generaciones. Aquí un servidor, ya treintañero, que recuerda con mezcla entre miedo y fascinación aquel VHS de “Welcome To Our Neighborhood” que su primo y hermana consumían en bucle y que cumplió su sueño de verlos en directo en su décimo aniversario. Tanto tiempo, después sigue maravillando aquella época que coronó con creces el final de un milenio y principio de otro. J. T.

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MONDO FREAKO

COMO ELLOS no se cansan de explicar, pasaron de la UCI a ir a por su debut largo, una resurrección contra todo pronóstico que condensa el título del disco. Grabado por Juan Blas en los estudios Westline, en las canciones está la esencia de un directo tan vitalista como salvaje. Esta vez me encuentro con Héctor (batería), Bob (bajo) y Gonzalo (guitarra) en una de las plazas más agradables del centro de Madrid. “Hemos ido grabando el disco en fases. Ha sido un poco la misma historia de cómo ha ido evolucionando la banda. Grabamos un primer EP para uso y disfrute de amigos, se quedó parado un par de años, y un día un promotor amigo nos propuso que lo tocásemos en directo. Nos ﬂipamos con la respuesta de la gente, y a partir de ahí Gonzalo nos apuntó en el concurso Mad Cool Talent”, explica el bajista. Un entorno, el del concurso, en el que algunos de ellos pensaban que no pintaban nada. Pero la vida te da sorpresas, y al ser seleccionados “arranca la vorágine”.

EL QUINTETO se puso a componer y grabar material de cara a Mad Cool, y entonces deciden “hacer de esto algo más”. La grabación del álbum se prolongó en distintas sesiones durante un año largo. En este tiempo han ido publicando singles “con mucho mimo”, acompañados por sus correspondientes vídeos, “explorando diferentes disciplinas artísticas en cada uno”. Todo esto les ha servido para ir acrecentando su base de fans, para los que son uno de los nombres esenciales de la nueva escena del hardcore madrileño y nacional.

SEGÚN HÉCTOR, “Make It Happen” se ha ido “haciendo en un tiempo en el que hemos ido encontrando nuestro sonido. Es más, no creemos que aún hayamos explorado todo lo que podemos hacer. Nos gusta decir que hacemos hardcore, porque ese género engloba toda la libertad creativa que tenemos. Pero por supuesto que hemos explorado todos los palos, tanto a nivel estético como musical. Nos sentimos orgullosos de ello, lo hacemos con gusto y nos falta mucho por explorar”. Esta apertura de miras es uno de los puntos fuertes del grupo. (Bob) “El hardcore se tiene que tomar como un movimiento musical y no musical que nació como libertad pura y absoluta. Es lo que representan bandas como Refused, Fugazi y otras tantas. Al ﬁnal buscamos no estar acotados por unas coordenadas de sonido y composiciones. Ya ni siquiera metal, podemos meternos en rock progresivo o indie

FUET! Furia positiva

Los madrileños FUET! se han convertido en una de las revelaciones de la temporada. Y “Make It Happen” (Autoeditado, 25), le hace justicia a lo que esperábamos de ellos a base de energía hardcore primaria entrelazada con otros géneros.

TEXTO JC Peña

“

“FUET! es una experiencia para vivir en directo”

y ponerlo todo bajo la bandera del hardcore”. Y eso es lo que consiguen con un debut fresco y poderoso en el que no se reservan nada. (Gonzalo) “Cada vez que ensayamos o tocamos en directo vemos qué más cosas nos conectan entre nosotros y con el público. Siempre hemos dicho que FUET! es una experiencia para vivir en directo. Aunque no lo hemos grabado en directo, es decir, al unísono, hemos conseguido transmitir eso en la grabación. Creo que está a la altura de lo que la gente puede esperar cuando va a un concierto”.

(HÉCTOR) “El disco se ha ido creando mientras salíamos a tocar en directo. Era cuando nos podíamos juntar, entonces las canciones necesariamente van a tener esa esencia”. (Bob) “También inﬂuye la manera que tiene de producir Juan [Blas]. Hay mucho respeto hacia las tomas en las que surge algo distinto. Por ejemplo, mantener los ‘cerdeos’ con el bajo, o a la hora de microfonear las baterías. Todo hace que transmita esa sensación de directo. Y nosotros, cada uno por separado, estábamos muy a tope”.

PARA ELLOS el título proactivo, “Haz que pase”, es claro. (Héctor) “Habla del pasado, presente y futuro de la banda. Es una especie de leitmotiv, en cuanto a que para nosotros el proceso de ir haciendo el disco se ha dado a raíz de una serie de experiencias. Es mantener viva esa idea. La banda se ha hecho posible, y no lo iba a ser, también el disco, y vivencias con las que no contábamos, como tocar en Tsunami, Mad Cool o las salas en la que hemos tocado”. (Bob) “El tema es ser agresivamente positivos. Hay que tomar el álbum como el cierre de un ciclo y el inicio del siguiente”. Un disco, no lo olvidemos, completamente autoeditado y ﬁnanciado por ellos, aunque cuenta con Estudio Mazmorra como distribuidora digital.

EL ECLECTICISMO deliberado puede ser positivo de cara a acercarles a un nuevo público “sin nada que esperar y con todo que recibir”. (Héctor) “Agradecemos mucho la respuesta. Hay gente que se acerca y nos dice: ‘Oye, no escucho nunca esto, pero me ha encantado’”. De ahí que ellos también estén observando ese fenómeno curioso de reunir a diferentes generaciones en sus conciertos, como le sucede a otros grupos emergentes de guitarras. “Creo que el recorrido que está teniendo una banda como Turnstile hace que haya más interés, eso es innegable. Es un momento favorable para nuestra propuesta”, añade Héctor. “Es verdad que variantes del rock que no son tan duras como la nuestra también están viviendo un buen momento. Todo forma parte de un marco más grande que favorece a nuestra escena”, concluye Gonzalo. J.C. PEÑA

atlantic jazz lab orchestra with Natanael Ramos

GLENN MILLER

nov 28 | HOTEL BARCELÓ PLAYA BLANCA. lanzarote nov 29 | hotel bancal la gomera nov 30 | auditorio de antigua fuerteventura

DIC 5 | LA FÁBRICA DE PIENSO. Gran Canaria

DIC 6-7 | HOTEL BOTÁNICO TENERIFE

DIC 8 | FINCA LA PRINCIPAL. LA PALMA

Imaginemos un futuro sin Alzheimer

Patrick Wolf 02.12.25 Valencia●La Rambleta 03.12.25 Madrid●Copérnico

Charif Megarbane & Rogér Fakhr

12.12.25 Madrid●Clamores 13.12.25 Barcelona●Upload

Water From Your Eyes

05.12.25 Barcelona●Sala Upload 06.12.25 Madrid●Sala Clamores 07.12.25 Lisboa●Casa Capitão

LEISURE

13.12.25 Barcelona●La (2) de Apolo 14.12.25 Madrid●Sala Mon

Rojuu 08.12.25 Madrid●La Riviera 09.01.26 Bilbao●Santana 27 07.02.26 Sevilla●Pandora 13.03.26 Valencia●Moon 14.03.26 Barcelona●Razzmatazz

8Belial 17.01.26 Barcelona●Sala Apolo

Militarie Gun

21.01.26 Porto●Casa da Música 22.01.26 Lisboa●LAV

23.01.26 Madrid●Copérnico 24.01.26 Barcelona●La Nau

Patrick Watson 18.01.26 Madrid●Teatro Eslava 19.01.26 Barcelona●Sala Apolo

Saba 17.01.26 Madrid●Sala Mon 18.01.26 Barcelona●La Nau

Maria Iskariot 20.01.26 Madrid●El Sol 22.01.26 Valencia●16 Toneladas 23.01.26 Barcelona●Upload

Pop X

26.01.26 Madrid●Sala Villanos 27.01.26 Barcelona●La Nau La Plata 31.01.26 Barcelona●La Nau

PRESIDENT 01.02.26 Barcelona●La Nau 02.02.26 Madrid●Nazca

Cuco 02.02.26 Madrid●LA SALA del Movistar Arena

The Last Dinner Party 10.02.26 Madrid●La Riviera 11.02.26 Barcelona●Razzmatazz

Y muchos más. Info y entradas en www.primaverasound.com/tours

Rise Against

Estado de emergencia

Rise Against llevan más de veinte años alzando la voz contra las injusticias. Su todavía reciente décimo largo, “Ricochet” (Concord/Music As Usual, 25), pone el foco en los efectos de un mundo desbocado cada vez más interconectado. Su guitarrista, Zac Blair, responde nuestras preguntas desde Texas.

TEXTO Luis Benavides

“CUANDO ME UNÍ, la banda estaba tan ocupada girando que no importaba en qué ciudad vivías en ese momento. Pensé en mudarme a Chicago con el resto, pero no fue necesario”. Las guitarras de Zac Blair aparecen por primera vez en un disco de Rise Against en 2008. Desde ese quinto largo, “Appeal To Reason”, la banda cofundada por Tim McIlrath y Joe Principe se mantiene unida y no ha dejado de girar y publicar discos notables. El cuarteto que completa el batería Brandon Barnes afronta con emoción el camino que va tomando entre sus seguidores “Ricochet”, un déci-

mo trabajo de estudio planteado desde el desafío creativo. El verdadero reto en la era de las pantallas y las plataformas digitales, subraya Zac, ya no es ofrecer algo nuevo sin perder la esencia, sino ser capaz de retener la atención de la gente con un álbum completo. “Sabemos que podemos sonar como Rise Against y sabemos que podemos lograr ciertas cosas, pero creo que esta vez solo queríamos esforzarnos al máximo”. Con esta premisa, el cuarteto se puso a las órdenes de una productora alejada de la escena hardcore punk como Catherine Marks (Boygenius, Manchester Orchestra, St. Vincent). “La verdad es que podríamos

haber optado por un productor de rock o punk, pero esta vez queríamos probar con alguien nuevo, alguien que nunca hubiera trabajado con nosotros y a quien le gustase lo que hacemos. Y funcionó, fue genial y ahora es una amiga de la familia”.

LA PRODUCTORA AUSTRALIANA tenía a su favor, ironiza Zac, que no escuchaba bandas como Black Flag o Bad Religion. “Ella no conocía muchas de nuestras referencias. Tiene otras inﬂuencias y eso le permitió contribuir a los que estábamos haciendo”. Ya en el estudio, el proceso de grabación de “Ricochet” fue diferente respecto a trabajos previos, en su gran mayoría grabados en The Blasting Room con Bill Stevenson (Descendents, Black Flag, All) a los mandos. “Sí, fue bastante diferente a las grabaciones modernas que hemos hecho hasta la fecha con Bill, en las que ensayas las canciones y empiezas a construirlas empezando por la batería. Con Catherine hicimos cosas a la antigua usanza como tocar en una habitación, en directo, algo que realmente no habíamos hecho mucho. Lo que se escucha en este disco somos nosotros cuando tocamos juntos y me encanta”.

EN “RICOCHET” ENCONTRAMOS una banda totalmente madura, con la misma intensidad de siempre, pero alejada de la velocidad de los célebres “Revolutions per Minute” (03) y “Siren Song For The Counter Culture” (04). “Si no puedes presentarte e intentar hacer algo diferente en tu décimo disco, ¿cuándo lo vas a a hacer? Queríamos hacer un disco con un sonido más vivo y crudo, que sonara como si estuviéramos tocando de verdad. Misión cumplida”.

ZAC SE MUESTRA mucho más prudente cuando pregunto por el mensaje general de “Ricochet”, pues recuerda que el responsable de las letras es exclusivamente Tim McIlrath, el vocalista y líder indiscutible de la banda. “Sin entrar en demasiados detalles sobre cuál pudo haber sido su motivación, sí te puedo decir que el título hace referencia al efecto rebote: las cosas que haces en España podrían afectarme en Texas. Eso el efecto Ricochet, una onda expansiva”. En este punto de la conversación parece obligatorio preguntar por los efectos devastadores que están teniendo algunas de las medidas tomadas por Donald Trump en los primeros meses de su segundo mandato. “Supongo que las letras, aunque sea indirectamente, tienen algo que ver con eso. Decir que nos disgustó el resultado de las últimas elecciones probablemente sea quedarse corto”.

¿PODRÍAN PASARLES factura declaraciones como estas en contra del actual presidente y su Administración? Pienso en los problemas que han tenido algunos artistas y bandas por sus ideas progresistas en territorio yanqui: de la cancelación de Dixie Chicks por criticar al presidente Bush en 2003 a la controversia generada por las consignas en apoyo a Palestina de los raperos Kneecap en el último festival Coachella pasando por las incontables amenazas de muerte recibidas por los canadienses Propagandhi por criticar el nacionalismo (e imperialismo) estadounidense. “Creo que la prensa ha exagerado todo esto solo para crear una historia, pero también es cierto que nosotros también hemos recibido amenazas de muerte. Fue en 2009 por la canción ‘Hero Of War’. Un tipo nos dijo que vendría a nuestro concierto y nos mataría. Creo que Rise Against es una banda hecha para estos tiempos y siento que no vamos a silenciarnos. No vamos a dejar de hablar de lo que hablamos. No vamos a dejar de intentar arrojar luz sobre la corrupción en nuestro país. Mientras tengamos un micrófono delante, hablaremos de ello”.

MÁS ALLÁ DE DESCRIBIR la situación social y política actual, “Ricochet” persigue despertar conciencias y cambiar las cosas con cortes como “Nod”, “I Want It All”, “State Of Emergency” y “Soldier”. Saben que

“Si no haces algo diferente en tu décimo disco, ¿cuándo lo vas a hacer?”

cada disco es una oportunidad de llegar a gente joven y transmitir unas ideas que no cuentan con el favor de un algoritmo diseñado para viralizar otro tipo de mensajes. “Sí, estoy totalmente de acuerdo y creo que ese es el motivo por el que seguimos hablando de esto, el motivo por el que no nos silenciamos. Hay gente joven escuchando que quizá todavía no tiene conciencia política”. En este punto Zac rememora su despertar político. “Recuerdo una época en la que no entendía lo que pasaba en el mundo adulto y tampoco prestaba mucha atención. El arte que consumía, la música que escuchaba, el punk y el metal, me ayudaron a conectar”. El guitarra de Rise Against creció en un pequeño pueblo de un estado tradicionalmente conservador, rodeado de gente blanca y racista, dice. Su padre, sin embargo, había sido el típico hippy con melena y pinchaba música rock en una emisora de radio. Con él descubrió las voces rebeldes de Black Sabbath, The Who, Neil Young, Bob Dylan… Más adelante

empezó a tocar la guitarra con sus amigos y entró de lleno en el punk y el hardcore de Dead Kennedys, Minor Threat y DRI.

DESPUÉS DE CASI DOS DÉCADAs en Rise Against —Zac había tocado previamente en Hagﬁsh, Only Crime y Gwar—, nuestro entrevistado no se imagina haciendo otra cosa. El punk rock es su vida y tocar en directo su actividad favorita. “Ninguno de nosotros se metió en esto para hacerlo solo por un tiempo y detenerse. Todos rondamos los cincuenta años, pero siento que todavía tenemos combustible en el depósito para otros veinte”. No puedo evitar aprovechar los últimos minutos de nuestra conversación por Zoom para hacerle saber mi devoción por Vanishing Life, una superbanda de la que forma parte y con la que publicó “Surveillance” en 2016. ¿Tienen previsto retomar el proyecto? “Te lo agradezco mucho. ¡Gracias por preguntar! Justo ayer estuve hablando de este disco con un amigo. Cuando montamos la banda, Walter [Schreifels] no estaba tocando con Quicksand, y Jamie [Miller] no estaba en Bad Religion. Todos teníamos más tiempo… Pero, sí, hemos hablado del tema y tenemos unas cuantas ideas”. L.B.

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.LOS DISCOS DE MI VIDA

Chiquita Movida

Nirvana In Utero (1993)

(Babe) Para mí este disco fue el que me inculcó las ganas de aprender a tocar, de vivir la música desde dentro. Desde aquí todo cambió para mí con respecto al amor por la música.

Arctic Monkeys Suck It and See (2011)

(Jona) Primavera de 2011. Descargué con ansia este álbum (siendo honesto, antes de la publicación del mismo) y lo transferí a un diminuto iPod Shufﬂe azul de mi hermano. Salí a caminar y recuerdo un paseo lleno de guitarras que se derretían, melodías que describían con mucha precisión una puesta de sol y canciones con un ﬁltro tono sepia que me cambiaron un poquito la vida para siempre.

Oasis (What’s The Story) Morning Glory? (1995)

Tras Chiquita Movida no solamente se esconde Rayden, sino también un nutrido número de músicos con trayectoria. Siendo seis, le hemos pedido a cada uno de ellos que nos descubra uno de los discos de su vida, aprovechando el lanzamiento de su EP de debut, “Gastos de gestión” (Calaverita Records, 25).

Limp Bizkit Chocolate Starﬁsh And The Hot Dog Flavored Water (2000)

(Skiz7) Este álbum es la banda sonora espiritual desde mi juventud, en una época de transgresión y adrenalina, que me sigue representando totalmente a día de hoy. Esa sensación de libertad imparable que sentía al patinar mientras lo escuchaba...

Michael Kiwanuka Love & Hate (2016)

(Medi) ¿Sabéis por qué me ﬂipa tanto este disco? Pues la verdad es que yo tampoco. Pero si escucho la primera, escucho todas del tirón. Y me las canto en un perfecto “wachimeri”. Disco redondo. En mi top cinco.

(Rayden) Siempre he seguido la labor de Danger Mouse como productor. Artista que producía, artista que se convertía en mi favorito, pero este disco cambió mi estilo de hacer música y de producirla. Un disco que no puedes hacer otra cosa de fondo mientras suena.

Pantera Far Beyond Driven (1994)

(Jhonny) Podría poner cualquier otro disco preferido más “políticamente correcto”, pero recuerdo la sensación del momento en que le di al “play” y me di cuenta de que la música podía ir más allá... Que ese sonido y esa actitud salvaje le servirían a aquel preadolescente a colocar sus emociones. Fue como una puerta de salida de mi yo interior al mundo.... MS

"Ningún dispositivo te va a quitar o te va a dar alma"

Peces Raros Rock & rave

Los argentinos Peces Raros se han convertido en un nombre muy presente en nuestro país gracias a su combinación de electrónica y rock. Ahora vuelven a visitarnos presentando su álbum “Artiﬁcial” (Gonna Go! Records, 24).

APECES RAROS les gusta jugar con los límites y dejar la última palabra en manos de su público. Cada concierto del dúo se ha convertido en una experiencia diferente que baila entre la electrónica y el rock. “Pasa algo loco. La gente va a vivir una experiencia tal vez más de electrónica, si quieres decirlo así, pero hay momentos en el show en que la gente canta los temas y de repente es un recital”, explica Lucio hablando de sus directos. Aunque, últimamente se han inclinado un poco más por montar verdaderas macro raves con cada cita. “Es trasnoche, es bien bailable. La gente va en plan rave. O sea, lo viven como una ﬁesta electrónica. O sea, en vivo transformamos la mayoría de las canciones muchísimo para que funcionen en ese lenguaje”. Quedamos con Lucio y Marco en una cafetería del centro de Madrid para hacer balance de lo que han supuesto

para ellos los últimos años a nivel creativo, rememorar anécdotas de esta etapa tan especial y pensar en el futuro. “Ahora cuando volvamos de España tenemos un par de shows más en Argentina y después habrá un pequeño bache temporal que vamos a aprovechar para irnos a un lugar con nuestros instrumentos, con un manojo de canciones, embriones de canciones o cosas un poquito más maqueteadas, a buscar eso”, comenta Marco. “No sabemos para dónde vamos a ir. Nos vamos a alejar bastante. Nos vamos de la ciudad a encerrarnos en la montaña para centrarnos en la música durante unos diez días y darle forma a un potencial próximo disco”, apunta Lucio.

Y ES QUE TRAS EL ÉXITO de “Artificial”, los artistas argentinos han visto su carrera expandirse a una velocidad de vértigo en poco tiempo y rodearse de colaboraciones de lujo como las Nick Warren o Henry Saiz. Ambas figuras forman parte de “Desconfiguración”, el ya clásico EP posterior a sus álbumes, en el que le dan la vuelta a algunos de sus temas creando piezas perfectas para reventar la pista. La de Warren una colaboración soñada que, como el propio Marco dice, si se lo contaran a los Peces Raros del comienzo jamás se lo creerían. “Cuando arrancamos éramos una banda de rock y

escuchábamos bandas tradicionales. Con tradicionales me reﬁero a Charly García, The Beatles, Radiohead, Dylan. Sabíamos tocar la guitarra, sabíamos cantar, y cuando descubrimos la música electrónica tuvimos que tener la activa determinación de ir a por aquello y asumir que no entendíamos cómo funcionaba”, explica Marco sobre los primeros momentos de Peces Raros lanzándose a la electrónica. “Muchas veces un lenguaje lo entiendes comprendiendo sus dispositivos y el ritual. O sea, no puedes entender un lenguaje sin entender el ritual, la arqueología de ese lenguaje. Si no vas a una ﬁesta electrónica a bailar, no vas a entender un montón de los porqués del acontecimiento tímbrico, el desarrollo discursivo. No hay que tener miedo, como dice Marco, ningún dispositivo te va a quitar o te va a dar alma. Todo depende de ti”. ÁLEX JEREZ

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EN CONCIERTO

MONDO FREAKO

“O te lo tomas a risa o no vas a tocar nunca”

Vecinos Contra la precariedad

El indie entiende, vive y grita su precariedad en el primer larga duración de Vecinos. Hablamos con ellos sobre “Centro de ayuda” (Mont Ventoux, 25).

EN LA HOSTILIDAD de la ciudad son difíciles los afectos, pero su forma de relacionarse ha sido lo que ha propiciado que el grupo siga sintiéndose de vecinos y amigos, aunque del primero de los términos el nombre sea lo único que se conserve. “No queríamos que la banda fuera de vamos a tocar, grabar directamente o ensayar, si no que iba cogiendo otra dirección. El roce hace el cariño y hemos cuidado mucho la parte humana”. Tan humanos que han llevado a la hipérbole su humanidad. En los singles publicados entre sus tres epés y su primer disco nos invitan a pasar un día con cada uno de ellos, en “Fisiocrem” con Iñaki pasamos de vender un felpudo a repartir pizzas mientras que con Miguel en “TATUAJES/ CICATRICES” pasamos la mañana en el sofá comiendo patatas y viendo el reality de Georgina. “No hemos pretendido ser graciosos, no digo que seamos graciosos. Hemos intentado hablar desde la naturalidad de todo lo que nos pasa desde un punto de risa. Porque o te tomas a risa llegar a una sala y que no funcione el sistema de sonido y tengas que girar los monitores para que el público lo escuche desde ahí, o no vas a tocar nunca”.

“CENTRO DE AYUDA” aúna su realidad en un proyecto más maduro y arriesgado, donde abandonan sus acordes más trillados para atreverse con nuevas estructuras. “Es un disco en el que hay acústicas por primera vez y nuestra primera balada, que también es el primer tres por cuatro. Te aburres por primera vez de cómo suenan los instrumentos de siempre y empiezas a probar texturas. Quizás para una intro puedes probar algún pedal que te lleve el bajo a un sonido más de sintetizador y te quede un rollo ambiental diferente. Aunque después de la intro volvamos a ir a zapatilla, por lo menos queremos crecer también en este aspecto. No es solo tocar, sino buscar sonidos que no hayas escuchado antes”.

POR OTRA PARTE, el tema es el mismo de siempre, la precariedad, y aunque tienen claro no querer romantizarla, les es ineludible tratarla. “Escribimos y bebemos de nuestro entorno. Si estamos en un entorno en el que toda la gente que nos rodea, por un motivo u otro es muy muy pobre, ya sea por temas de vivienda, laborales o sentimentales, pues obviamente vas a escribir sobre eso. La precariedad artística es esto, es tener que levantarte pronto para hacer una entrevista porque después te tienes que ir pitando a currar y sabes que es un poco el precio a pagar. Hay cosas que no hay que aceptar dentro del mundo de la música, pero así no tienes que quedarte en la excusa de que es

precario. Esfuérzate y cámbialo desde dentro”. Sin embargo, antes de escuchar el disco no tenía tan claro que la precariedad fuese a esconderse bajo sus camisas y malpensado de mí, después de declararle a nuestro jefe de redacción la noche del estreno del tema que cierra el disco, “Fin de Informativo”, que su mejor amigo no podía acudir por estar jugando al pádel. “Alguna gente nos ha dicho lo de pijos, pero a nosotros nos da bastante igual. De hecho, nos encantaría ser pijos e ir de precarios y no al revés. Lo que sí es verdad es que lo de las camisas es porque muchas veces vamos a tocar después del curro. Y hay curros que nos piden un dresscode”.

VECINOS HAN LANZADO un formato de late nights en el que han contado con periodistas y con músicos como Mujeres, Carlota Flâneur o Aiko el grupo. Y no sólo eso, sino que también han estrenado un documental en la reciente edición del festival In-Edit. “Empezamos cuando no teníamos bolos, montábamos escuchas del disco en casa y torneos de Scalextric. Nos mola conocer gente en nuestros bolos y saber de sus vidas. Nos gusta mucho hacer cosas y pensar ideas, pero no se nos dan muy bien las redes, así que pensamos en qué podíamos hacer ofﬂine y por eso montamos lo del late night y el docu”. MARTÍN P. CORRAL

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Buscando la luz Jacob Collier

Con su nuevo disco, “The Light For Days” (Interscope/Universal, 25), el multifacético Jacob Collier le contesta a la propia empresa que supusieron los cuatro volúmenes de “Djesse” su trabajo conceptual deﬁnidor de su personalidad musical. Todo ello comprimido en treinta y seis minutos de música.

LO BARROCAMENTE inabarcable de “Djesse”, esa genialidad dividida en cuartos hoy tiene como vecina en el estante discográﬁco del inglés a la belleza desnuda (que no simple) de este nuevo trabajo en el que Collier explora la guitarra acústica con total propiedad. De lo complejo y colaborativo a la máxima intimidad. “Exactamente, eso es. Ha sido un proceso. De trabajar solo a luego enamorarme profundamente de la colaboración, viajar por todo el mundo, conocer gente y vivir experiencias que te llenan, y luego traer todo eso de vuelta a la habitación y volver a anclarlo en ella. No creo que vaya a quedarme en la habitación de ahora en adelante, pero este álbum lo siento como un regreso a algo que fue importante para mí de niño. Y creo que todos los artistas necesitamos a veces volver a ese espacio solitario y descubrir quiénes somos, cómo sonamos y qué nos importa. Fue un poco como volver a esa zona de soledad deﬁnitiva”, comenta Collier, sonriente y enérgico como siempre.

VERLO EN DIRECTO a menudo representa una inyección de inspiración fuera de lo común. Hay en su forma de dirigir sus shows y en su manera de alternar instrumentos algún tipo de alquimia muy propia de su musicalidad. Cuando se le pregunta qué tan mágica puede ser una simple guitarra acústica o cualquier otro instrumento “normal” (tanto musical

como no), le brillan los ojos. “Esa es una pregunta hermosa. Como multiinstrumentista, no toco los instrumentos como se supone que deben tocarse. Me interesa más la música que un solo instrumento. Por ejemplo, toco el piano un poco como una guitarra, o como una batería, o como un bajo, o incluso a veces como un sintetizador, o como una orquesta. Creo que con la guitarra siento lo mismo, para mí es un lugar muy divertido para explorar la música. Y me encanta esa sensación de tomar un instrumento y pensar: ‘¿Cuántos colores puedo sacar de él?’. En este álbum a veces solo rasgueo, pero a menudo hago cosas bastante decorativas, o cosas que se parecen más a percusión o piano. Además, supongo que lo que pasa con esta guitarra es que es una tenor, una guitarra poco convencional ya que tiene cinco cuerdas. En realidad siempre soñé con tener una quinta cuerda en mi guitarra de cuatro cuerdas. Es otra razón por la que suena un poco diferente a una guitarra normal”.

YA SEA EN FORMATO más es más o apelando a su clásico “minimalismo conflictuado” la música de Collier es capaz, según la sensibilidad del oyente, de presentar interrogantes de lo más variados. En contraposición resulta interesante saber si a él su propia música le provee respuestas. Sus ojos vuelven a brillar, aún más intensamente. “¡Esa es una gran pregunta, tío! ¡Es una pregunta fantástica! Creo que las respuestas están sobrevaloradas, en general. Creo que las preguntas son definitivamente más geniales que las respuestas. Mis artistas favoritos tienden a hacer más preguntas de las que responden” Y sigue, reflexivo, “Definitivamente creo que hay momentos

“

“Pero para mí, no hay nada tan intenso como el heavy metal”

creativos en los que encuentro una respuesta. Y pienso: ‘Oh, qué sensación tan buena es saber que esto es posible’. Ojo, que no es una respuesta en plan: ‘Vale, ahora lo sé para siempre y estoy seguro de ello’. En todo caso, creo que las respuestas que encuentro en mi música son que está bien no estar seguro de algo, ¿sabes? Es como: creas algo, o resuelves un problema, o... Creas un mundo. Y piensas: ‘Bueno, la respuesta es que ahora puedo vivir en este mundo, pero no sé cómo voy a vivir en él’. Así que creo que si hay alguna respuesta que espero presentar con mis canciones o mi trabajo a la gente, es dar a saber que las cosas son posibles. ‘Esto es para ti, y es posible’. Todos necesitamos encontrar nuestra propia manera de vivir en esas respuestas, en las posibilidades, pero creo que sabré que he hecho un muy buen trabajo si también tengo preguntas al respecto”.

UNA DE LAS GRANDES PREGUNTAS que trajo “Djesse Vol. 4” (24), sobre todo después de escuchar guiños musicales como el breakdown metalcore de “100.000 Voices” fue qué relación tiene Collier con el metal o el rock agresivo. “Me encanta. Siempre me ha interesado mucho la intensidad. ¿Cómo se puede crear algo intenso? Puedes hacerlo siendo súper silencioso, realmente directo, emotivo. O puedes serlo con una letra, o con... solo capas. Pero para mí, no hay nada tan intenso como el heavy metal. Siempre me ha atraído mucho, me ha dado curiosidad y cuando impacta, es impresionante. Sabes, recuerdo la primera vez que escuché “Bleed’ de Meshuggah… ¡Me cambió la vida por completo! Entonces quise ver la forma de llevar algo de eso a una de mis canciones. También aunque sin ser tan heavies siempre adoré la forma en que Queen cruzaban las guitarras distorsionadas con esas armonías o los ritmos de Frank Zappa ¡Todos esos compases salvajes y extraños que parecen venir de sistemas matemáticos locos!”.

ADRIANO MAZZEO

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WALA. WALA.

“Compusimos y grabamos el disco en dos meses porque estamos intentando vivir de la música”

Harry Wilkinson de Maruja en Binaural

“Siempre que alguien intenta venderme la historia detrás de un disco, no puedo evitar irritarme”

Barry Johnson de Joyce Manor en Rockzone

“Hicimos una netrevista a Prince y nos dijeron ‘No podéis hablarle, no podéis llamarle Prince, no podéis hablar de esto ni de lo otro’. Fue muy extraño, la verdad”

Stephen Dewaele de Soulwax en Brooklyn Vegan

“Resueno en el budismo, en el islam, en el cristianismo, en el hinduismo. Creo que todas tienen cosas en las que yo me siento”

Rosalía en El País

“ES UN CHOQUE CULTURA PARA MUCHA GENTE, PERO CRECÍ RECIBIENDO AZOTES EN EL CULO, Y NO SOLAMENTE POR MIS PADRES. LA GENTE DEL PUEBLO TENÍA PERMISO”

S.G. Goodman en Variety

EN PORTADA

Lo mejor de 2025

Internacional

Nunca es suficiente

NUNCA ES SUFICIENTE la cantidad de discos que listamos en este especial de Mejores Discos Internacionales del Año. Nunca es suficiente el tiempo que le dedicamos a buscar y escuchar trabajos que nos parecen interesantes y atractivos. Nunca es suficiente la cantidad de firmas que votan para acabar dando forma a estos diversos tops que pretenden resumir lo mejor que nos ha dado el año que dejamos atrás. Nunca es suficiente la diversidad de estilos y géneros musicales que aparecen en nuestras páginas. Y nunca es suficiente el tiempo que le podamos dedicar a la música en nuestras vidas. Porque nos hace felices, porque nos hace olvidar la peor cara del mundo en el que vivimos y sobre todo porque nos ayuda a conectar con otras personas de distintas edades, distintas partes del mundo, distintas personalidades… Ya saben, aquello de que la música es un idioma universal. Un idioma con mil dialectos y variantes locales. Un idioma que, si estás leyendo estas páginas, entiendes a la perfección. Con todo ello quiero decir que nuestras listas no pretenden sentar cátedra, ni siquiera pretenden que se vislumbren como verdad absoluta. Únicamente queremos compartirlas con toda

Nuestras listas son una visión más en un mundo en el que caben millones de mundos.

aquella persona que le dedique atención y parte de su preciado tiempo. Queremos que supongan una visión más en un mundo en el que caben millones de mundos.

DICHO ESTO, debo apuntar un nuevo “nunca es suficiente”. Y este nunca es suficiente sí que tiene algo de declaración de principios. Nunca es suficiente de guitarras. Y no, no voy a volver con aquello de si el rock ha muerto o no ha muerto, sencillamente porque nos trae sin cuidado. Nos trae sin cuidado porque en la música todo es cíclico. En este caso es la energía –que no la materia– la que no se destruye, sino que se transforma. Porque música y energía, sea esta feroz o controlada, siempre ha sido y siempre será un elemento importante de esa lengua común que compartimos.

Y ES QUE, definitivamente, este año que estamos a punto de despedir ha supuesto un retorno de las guitarras a primera línea. No importa que sean más rudas o que sean lánguidas y sinuosas. Lo importante es que siguen ahí y funcionando a la perfección para cimentar propuestas atractivas.No hay más que mirar nuestra lista para entender de qué demonios estamos hablando. Turnstile, con su desenfadada ampliación de los límites del hardcore y el rock alternativo; Geese, con su descomposición de la tradición; Wet Leg, con su actualización de lo que nos ofrecieron los noventa; Deftones, con una actualización de lo que ellos mismos nos llevan ofreciendo desde los noventa; Car Seat Heatrest, apostando por un doble trabajo conceptual –¿pero no había pasado eso a la historia?– y bordándolo; Maruja, con su fusión de géneros ariscos y mensaje… Y podríamos seguir. Porque nunca hay espacio suficiente. Nunca es suficiente la música con la que disfrutamos y nunca, como bien dicen Turnstile, es suficiente amor. joan s. luna

PLAYLIST

Escucha aquí el TOP 100 de canciones internacionales >>

Turnstile

Never Enough

Roadrunner

HARDCORE / Este nuevo disco de Turnstile, continuista de algún modo, y en menor medida, innovador de otro, ofrece vitalidad a dos manos, porque la banda se muestra rebosante de una energía de la cual es difícil escapar. Si hay algo que “Never Enough” hace a la perfección es redefinir el concepto de ansiedad, o mejor dicho, volver a darle un sentido positivo, emocionalmente hablando. Como cuando eres niño y esperas (con ansias) algo bueno que está por pasar. Aquí y con toda su maquinaria sentimental a cuestas, la banda controla sus instintos derivados de su origen hardcore y los direcciona hacia un tipo de creatividad que los consagra. Los de Baltimore comienzan a pisar firme en un camino que pocos pueden ostentar:

Geese

Getting Killed

Partisan/[PIAS]

POST-PUNK / El caos controlado. La supresión de cualquier línea recta. El adiós a cualquier atisbo de ortodoxia post-punk. La elección de su propia aventura. Sepultados definitivamente el cartabón y la escuadra, quedan los renglones curvados. ¿Quieres saber cómo suena un cruce inverosímil entre Talking Heads, Vampire Weekend y Radiohead? Pues ahí tienes el tema titular. Ya lo avisaba Cameron Winter con su álbum en solitario. Su dicción, entre somnolienta y beoda, se alinea de forma inequívoca con cualquier música popular torcida que puedas imaginar: el free jazz, el progresivo desquiciado, la americana obtusa, el colectivo Elephant 6. Un sensacional cruce de mangas a cualquier normatividad previsible. Es el gran salto adelante que esperaban sus devotos. Y cuando acaba, te deja con el culo torcido y con ganas de más. De volver a darle al play, claro. Y desentrañar si son unos estafadores o unos genios. Si de verdad te matan o los matas. Queda en tus manos. carlos pérez de ziriza

3

Wet Leg Moisturizer

Domino/Music As Usual

ROCK / Las británicas Rhian Teasdale y Hester Chambers vivieron ese éxito instantáneo reservado a pocas bandas. Su celebrado primer álbum las llevó a vivir dentro de una gira interminable que, por fortuna, no ha acabado con ellas, pero las ha cambiado. Más grupo que nunca junto a sus compañeros, las amigas procedentes la diminuta isla de Wight han endurecido sonido y estética. Sin embargo, no nos engañemos por el aspecto amenazador de Rhian y los singles iniciales: “Moisturizer” profundiza en la dulzura melódica marca de la casa en buena parte de los cortes. No es ningún secreto que las británicas beben sobre todo de las fuentes de los noventa: de Pixies y The Breeders a Nirvana, Pavement o incluso The Lemonheads. Aquí amplían la paleta con la complicidad del productor Dan Carey. En las letras, sarcasmo anti-brasas, lujuria sin cortapisas, ternura…Lo más meritorio de Wet Leg es que han sido capaces de construir su propio mundo en tiempo récord, un mundo del que apetece formar parte. jc peña 1

el de la creatividad sin límites y con criterios aplicados con excelencia, lo que los va acercando a la liga de grupos como Radiohead y Queens Of The Stone Age, que aunque suenen muy propios logran asiduamente transportar al oyente hacia terrenos reveladores. En 2025 con Turnstile ya no se trata tanto de festejar sus aciertos en modo de riffs o sólidos arreglos de batería, sino de observar en el disfrute de una manera de entender su propio arte, mérito magnificado por el hecho de venir de una escena usualmente férrea en sus conceptos como la del hardcore. Todo esta palabrería se explica en la escucha total del disco y en particular en algunos momentos en concreto. Vamos a ver: hay un uso de la dualidad expresiva en estas canciones que parece heredada del famoso formato de “tension-release” tan utilizado en los noventa, pero en lugar de funcionar en plan zapping sonoro –frenéticamente, diríamos–, aquí aparece con los intervalos de tiempo necesarios para que podamos entrar de lleno en cada uno de sus profundos climas, como si aplicaran ese ejercicio retro pero viendo la foto grande. Turnstile se mueven sin pausa hacia un techo difícil de descifrar más allá de que se le adivina altísimo. adriano mazzeo

Fueron los mejores...

1994

1. “Crooked Rain, Crooked Rain” Pavement

2. “Sleep With Angels” Neil Young

3. “Experimental Jet Set, Trash and No Star” Sonic Youth

1995

1. “To Bring You My Love” P.j. Harvey

2. “Post” Björk

3. “Maxinquaye” Tricky

1996

1. “Roots” Sepultura

2. “Pre- Millenium Tension” Tricky

3. “No Code” Pearl Jam

1997

1. “Ok Computer” Radiohead

2. “The Fat Of The Land” Prodigy

3. “Portishead” Portishead

1998

1. “Mezzanine” Massive Attack

2. “Acme” Jon Spencer Blues Explosion

3. “Rafi’s Revenge” Asian Dub Found.

1999

1. “Mule Variations” Tom Waits

2. “The Fragile” Nine Inch Nails

3. “Midnite Vultures” Beck

2000

1. “Relationship…” At The Drive-In / “The Rising Tide” Sunny Day Real Estate

2. “Ágaetis Byrjun” Sigu Rós

3. “Xtrmntr” Primal Scream

2001

1. “Bleed American” Jimmy Eat World

2. “Rock Action” Mogwai

3. “Amnesiac” Radiohead

2002

1. “Yankee Hotel Foxtrot” Wilco

2. “Yoshimi Battles the Pink Robots” Flaming Lips

Ethel Cain

Willoughby Tucker, I’ll

Always Love You Daughters Of Cain Records

Deftones private music

Reprise/Warner

Gigi Perez At The Beach, In Everly Life Outtahere/Universal

3. “Finally We Are No One” Múm

2003

1. “Transatlanticism” Death Cab For Cutie

2. “De-Loused In The Comatorium” The Mars Volta

3. “Elephant” The White Stripes

2004

1. “Franz Ferdinand” Franz Ferdinand

2. “A Ghost Is Born” Wilco

3. “Louden Up Now” !!! (Chk, Chk, Chk)

2005

1. “Funeral” Arcade Fire

2. “You Could Have It So Much Better” Franz Ferdinand

3. “LCD Soundsystem” LCD Soundsystem

2006

1. “Return To...” TV On The Radio

2. “Post-War” M. Ward

3. “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not” Arctic Monkeys

2007

1. “Neon Bible” Arcade Fire

2. “Kala” M.I.A.

3. “Myths Of The Near. Future” Klaxons

2008

1. “Med Sud I Eyrum...” Sigur Rós

2. “Third” Portishead

3. “Dear Siencie” TV On The Radio

INDIE FOLK / Hayden Anhedönia (Ethel Cain) lo sabe: por dentro, siempre —siempre— vuelves al primer amor. Todos los que vinieron después han sido distintos, pero nunca como ese. Esto es “Willoughby Tucker, I’ll Always Love You”: un “siempre te querré” al primer amor. Un amor perdido, un chico que es más símbolo que carne. La nostalgia del amor convertida en música, en diez canciones de un disco con más luz y menos sangre. Menos vísceras, más caricias, aunque bajo ellas siga latiendo un corazón marcado por esa desgracia del pasado tan pesada que siempre se sentirá. “Willoughby Tucker” necesitaba de otro sonido que su primer paso “Preacher’s Daughter” (22): ahora hay folk de ventanas abiertas y polvoriento, slowcore fangoso, góspel de motel vacío, música country deshidratada por el calor, pero también ese eco gótico sureño de casas abandonadas, de plantas silvestres y de iglesias rurales que nunca abandona sus canciones y su tono de sinceridad radical. àlex martínez fernández

METAL / Ni la más azucarada y complaciente descripción de la banda de Chino Moreno evitaría la sorpresa ante cómo Deftones hace uso de su salud y experiencia para lanzar una pieza de alta costura como “private music” Hace rato que su propuesta musical pareciera ser el resultado de una puja de raíz emocional entre las musicalidades del vocalista y el guitarra Stephen Carpenter, dos artistas adultos, con lo que esto conlleva. “private music” muestra el mejor resultado posible de este choque de fuerzas. Más cercanos a los conceptos de bandas como Mogwai o My Bloody Valentine que al nu metal, Deftones parecieran estar aquí inaugurando un género: el dream-metal. Hay una decidida intención de crear los climas más profundos posibles, cualidad en la que subyace el brío de una banda que no descansa en sus laureles ni sus canas. Un viaje íntimo a máximo volumen, el soundtrack de una sesión de reiki extrema, el testigo perfecto de un camino recorrido con visión, perseverancia y decisiones bien tomadas. adriano mazzeo

INDIE FOLK / Si uno se deja embriagar por las canciones de “At The Beach, In Everly Life” puede que recuerde el impacto que obtuvo la primera vez que escuchó el “Grace” (94) de Jeff Buckley o el “For Emma, Forever Ago” (08) de Bon Iver. Discos con los que guarda la similitud de poner la voz en primer plano, moldeándola a placer y envolviendo al oyente en diferentes texturas que pueden ir de la suavidad de una gasa a la aspereza del papel de lija. Y todo sin esfuerzo aparente. Mágico y placentero en su doloroso lamento. Un trabajo que nace de un trauma difícil de superar. De hecho es un disco de sanación que recoge el proceso de duelo en el que Gigi Perez ha tenido que lidiar con la muerte de su hermana. Pero el dolor puede ser un motor creativo muy poderoso. Y no solo eso, puede empujarte a reafirmar tu condición sexual y replantearte de paso toda la educación cristiana en la que creciste. Una crisis existencial que te convierte en un importante icono juvenil desde su postura abietamente queer. don disturbios

Lotus AWAL/Popstock!

RAP / Un disco de proclamación de la libertad y el amor propio. Es un disco crudo, directo, íntimo y tremendamente emocional. Pero, también hay mucho en él de pasárselo bien creando, disfrutar de ser libre, experimentar, jugar con los límites. Hay mucha belleza acumulada en un proyecto trabajado desde el dolor y la fragilidad. álex jerez

12 13 11

Militarie Gun

God Save The Gun

Loma Vista/Concord

HARDCORE-ROCK / El éxito de su debut tuvo un reverso sombrío: Ian Shelton cayó en la trampa del alcohol. Pero aquí emerge con una mirada nueva, la de una persona que tocó fondo y regresó justo a tiempo. Cada balazo en este segundo disco no solo es un testimonio de resistencia, sino un ejercicio de puntería musical. luis benavides

Pulp More

Rough Trade/Popstock!

POP / “More” nos devuelve a unos Pulp triunfantes y en plena forma, a un grupo que sigue sonando a sí mismo y a nadie más y que deja bien claro que más que un ejercicio de nostalgia este nuevo disco es un nuevo paso adelante para la icónica banda. Han vuelto y lo han hecho con un gran disco. sergio ariza

Little Simz

Car Seat Headrest

The Scholars Matador

INDIE ROCK / Will Toledo redobla la apuesta en un disco abrumador en sentido literal, a contrapelo de esta era en la que una canción de cuatro minutos excede la capacidad de concentración y el tiempo disponible de mucha gente. Y hay que confiar mucho en lo que haces (y en tus fans) para lanzar en estos tiempos de dispersión y picoteo digital una especie de ópera (indie) rock de casi setenta minutos inspirada a su manera en gente como Mozart o The Who, sin apenas singles y con la idea romántica de que se escuche de arriba a abajo. Car Seat Headrest se muestran más cohesionados que nunca, se han zambullido en el local co todos los recursos instrumentales a su disposición –acústicas, bongos, orquestación, armonías vocales complejas…–, y olvidándose de géneros, no digamos de la precariedad lo-fi. El resultado deslumbra tanto como desconcierta. Es el precio que hay que pagar cuando uno apuesta sin complejos, y sin pedir perdón, por el exceso. jc peña

Blood Orange

Essex Honey

Domino

POP / Los primeros minutos de “Essex Honey” ya nos avisan de que este no va a ser un trabajo continuista: un amalgama de jazz, neo-clásica o pulsantes sintetizadores son un recordatorio de la inquietud creativa del productor británico. La delicadeza e introspección que caracteriza a Dev Hynes no ha ido a ninguna parte; al contrario, se magnifica con una cándida tristeza, en la que nos abre pequeñas ventanas a su Essex natal, su juventud y el duelo ante la pérdida de su madre. No lo hace solo, se deja arropar por colaboradores recurrentes como Caroline Polachek o Brendan Yates de Turnstile y nuevos colegas como Mustafa o Mabe Fratti. No faltan los cuidados e inesperados samples como el de Durutti Column en “The Field” o las interpolaciones de The Replacements y Elliott Smith. Un minucioso trabajo de cariño y autorreflexión, resultado de una larga y vasta experiencia profesional, los recuerdos y penurias que nos deja la vida, todo ello sumado a una confianza que sólo concede el tiempo. jacobo álvarez

Bad Bunny

DeBÍ TIRAR MáS FOToS

Rimas Entertainment

URBAN / El sexto álbum de estudio del puertorriqueño está mucho más preocupado por ser puertorriqueño que por ser un sexto álbum de estudio. Este es un disco hecho de espaldas a la industria y de cara a un compromiso visceral con esas imágenes que podrían quedar encerradas en el pasado, con esos sonidos tradicionales que se proyectan al futuro y con diecisiete desestresadas canciones que retratan a un Benito que nunca había estado tan presente. “DeBÍ TIRAR MáS FOToS” no está de cara a Puerto Rico, sino que es Puerto Rico. La esencia emotiva de esta fiesta caribeña recae sin duda en el mágico equilibrio que Bad Bunny encuentra entre su comprometida faceta ideológica y la naturaleza hedonista de sus ritmos patrios, entre la introspección nostálgica acompañada de una reconfortante infusión casera y la explosiva euforia que uno sólo puede encontrar bajo la oscuridad intermitente de un club desconocido a las tres de la mañana.

daniel grandes

Maruja Pain To Power Music For Nations/Sony

POST-PUNK / Maruja es la nueva piedra en el zapato de la industria y no solo comparten algunas coordenadas musicales con Rage Against The Machine, sino que también de coyuntura: “Pain To Power” es un disco visceralmente combativo y lanzado por Sony. El audio es profundo, logra su cometido en todo momento, ayuda a unos métodos de composición no del todo originales, pero sin dudas efectivos en el plano de las emociones que pretenden transmitir. La música de este álbum es opresiva y densa, aunque vital y psicodélica y se desarrolla en una interfaz que combina elementos del postpunk, el post-hardcore, el rap, el free jazz, todo teñido de una producción de a ratos lúgubre, de a ratos luminosa pero siempre cinematográfica. Presentando esta obra de energías intensas –quizá muy solemnes– es como Maruja pasó por España y no defraudó, porque estos temas, con todo su sentimiento a flor de piel, nacieron para ser compartidos en directo. adriano mazzeo

S.G. Goodman

Planting By The Sings Slough Water Records

AMERICANA / Con su tercer disco, y gracias a una excelsa colección de canciones pausadas, saboreadas y con un regusto emocional de muchos quilates, la de Kentucky se ha marcado un álbum de esos que dejan huella, repleto de melodías que se recuerdan a fuego como las de “Fire Sing”, “Michael Told Me” o la dylaniana “Heaven Song”. don disturbios

16 17 14 15

POP ROCK / Los ingleses se reinventan totalmente dejando atrás muchas de sus señas de identidad, poniendo en primer plano el piano y, sobre todo, la voz de Ellie Rowsell, en un disco con el que miran atrás sin ira al soft rock de los setenta. Una banda repleta de confianza que no esconde su ambición. sergio ariza

POP / A partir de un trance cercano a la muerte, la artista analiza las circunstancias y las consecuencias de lo ocurrido. Este disco es una revelación y una oportunidad para gritar alto y fuerte. Unas canciones que hablan sobre místicas medievales, cultura pop o curanderos. Estamos ante un disco más sentido y visceral. toni castarnado

Bon Iver SABLE, fABLE Jagjaguwar

INDIE FOLK / El de Wisconsin mueve ficha, aspira aire y nos entrega el más radiante ramillete de canciones de su carrera. Aquí hay luz y buen rollo para parar un carro. Un amor recobrado que le ha devuelto la sonrisa y las ganas de beberse la vida a sorbos, sin importarle un comino lo que pensemos. carlos pérez de ziriza

Wolf Alice The Clearing RCA

Florence + The Machine Everybody Scream Universal Music

2009

1. “Merriweather Post Pavilion”

Animal Collective

2. “Wolfgang Amadeus ” Phoenix

3. “The Pains Of Being Pure At Heart”

The Pains Of Being Pure At Heart

2010

1. “Teen Dream” Beach House

2. “The Drums” The Drums

3. “This Is Happening” LCD Soundsystem

2011

1. “Let England Shake” PJ Harvey

2. “Bon Iver” Bon Iver

3. “Father, Son, Holy Ghost” Girls

2012

1. “An Awesome Wave” Alt-J

2. “The Seer” Swans

3. “Kill For Love” Chromatics

2013

1. “Overgrown” James Blake

2. “A.M.” Arctic Monkeys

3. “Yeezus” Kanye West

2014

1. “Lost in the Dream” The War On Drugs

2. “Singles” Future Islands

3. “Everyday Robots” Damon Albarn

2015

1. “Carrie & Lowell” Sufjan Stevens

2. “To Pimp A Butterfly” Kendrick Lamar

3. “Every Open Eye” Chvrches

2016

1. “Skeleton Tree” Nick Cave & The Bad Seeds

2. “★“ David Bowie

3. “Let Them Eat Chaos” Kate Tempest

2017

1. “DAMN.” Kendrick Lamar

2. “Sleep Well Beast” The National 3. “Arca” Arca

2018

1. “Joy As An Act Of Resistance” Idles

2. “All Melody” Nils Frahm

3. “Vibras” J Balvin

2019

1. “Magdalene” FKA Twigs

2. “Ghosteen” Nick Cave & The Bad Seeds

3. “Igor” Tyler The Creator

2020

1. “Set My Heart On Fire” Perfume Genius

2. “Future Nostalgia” Dua Lipa

3. “Fetch The Bolt Cutters” Fiona Apple

2021

1. “Sometimes I Might...” Little Simz

2. “Bright Green Field” Squid

3. “Actual Life” Fred Again..

2022

1. “Skinty Fia” Fontaines D.C.

2. “Dragon New Warm Mountain I Believe In You” Big Thief

3. “Mr. Morale & The Big Steppers” Kendrick Lamar

2023

1. “The Record” Boygenius

2. “Javelin” Surfjan Stevens

3. “Chaos For The Fly” Grian Chatten

2024

1. “Romance” Fontaines D.C.

2. “BRAT” Charli XCX

3. “Songs Of A Lost World” The Cure

Suede Antidepressants

POP ROCK / “Antidepressants” coge el testigo de “Autofiction” (22) y, si aquel cabía asumirse como el disco punk de Suede, la presente entrega bien podría catalogarse como el álbum postpunk del grupo. Una especie de continuación lógica que apuesta por un sonido realista y directo. raúl julián

Squid Cowards Warp

ROCK / Suenan más pulidos, pero sin perder inventiva. Más cromados, pero igual de puntiagudos. Un pelín más asequibles, pero con la misma cota de desafío. Podrían llegar a ser tan clásicos como Mogwai. El tiempo lo dirá: esto es solo un tercer gran álbum.

carlos pérez de ziriza

Parcels Loved Because/Virgin

19 20

FKA twigs EUSEXUA

Young/Atlantic

POP / El disco es un retrato abstracto del sistema límbico humano ante el momento histórico contemporáneo; un ejercicio de vulnerabilidad cuya escucha supone un acto de resistencia contra la inmediatez. Se trata más bien de una forma de vida pensada para experimentar en directo. abel olivares

Lorde Virgin Universal Music

POP / Este quizás sea el disco en el que Lorde se expone más. Ya sea por las apariciones de temas íntimos, la presencia de traumas familiares, el carácter más explícito de algunas letras o el reconocimiento de asuntos que hasta ahora se escondían en la imagen casi mística que se ha ido creando. pablo tocino

26 27 25

Dijon Baby Warner

R’N’B / De vez en cuando surge un álbum que lo cambia todo, reinicia las reglas, desmonta lo establecido y marca un nuevo comienzo. El regreso de Dijon supone un viajazo de tan alto nivel que la escena R’n’B se ha encontrado de frente con una joya que marcará y definirá los próximos años del género. álex jerez

Jesse Welles Middle Autoeditado

Divorce Drive To Goldenhammer

Gravity / Capitol

INDIE ROCK / Country rock, indie pop, folk... Este viaje a Goldenhammer suena a la vez cuidadosamente planeado y maravillosamente espontáneo; un viaje a paisajes que ya te sonarán de otras veces pero que se las arregla para sorprender en cada curva y hacer que disfrutes de cada parte del camino. sergio ariza

AMERICANA / Con la alargada sombra de Dylan proyectándose sobre su música y esa voz de grajo apaleado que tan bien le sienta a sus tonadas, Jesse Welles entrega su colección de canciones más sólida y en el que se nota la mano del productor Eddie Spear (Sierra Ferrell, Zach Bryan) a la hora de darle lustre. don disturbios 33 34 32

POP / La esencia de “Loved” es una vuelta a ese debut que en 2018 se sumaba a la resaca sónica iniciada por Daft Punk. Doce canciones que recuperan melodías discretamente infecciosas, con una energía de directo vitalista, dejando atrás las complejidades de su anterior disco, “Day/Night” (21). marta terrasa

METAL /Impresiona que una banda integrada únicamente por tres miembros sea capaz de crear algo tan técnico, abrasador, original y, a la vez, tan caótico. Una rara avis dentro del death metal, una banda que disfruta sumergiéndose en el lodo para hacer de su música un monstruoso híbrido vanguardista. jaime tomé

21 22

Wednesday Bleeds

Dead Oceans / Popstock!

INDIE ROCK / “Bleeds” suena a catarsis, a una banda alcanzando su pleno potencial a la vez que enfrenta su posible disolución, sonando maduro y honesto a la vez que da zarpazos de electricidad y distorsión. Y Hartzman sigue siendo una de las mejores letristas de su generación. sergio ariza

Oklou choke enough

True Panther/Because

POP ELECTRÓNICO / Solo hay una cosa más difícil que traducir en forma de música un universo propio, y es hacer que la realidad parezca uno completamente nuevo. Hace suyas la electrónica, las melodías oníricas, evocaciones cloud rap, beats club, guitarras folk y el ambient en un auténtico triunfo pop. eva sebastián

Perfume Genius

Glory Matador

INDIE POP / Con este disco vuelve a dejar clara su conexión con David Lycnch: una obra llena de belleza pero siempre rodeada de un algo macabro. Unas canciones que se retuercen sobre sí mismas creando un inquietante mundo, esta vez con el apoyo total de una banda entregada a su personal universo. sergio ariza

Fancy That Warner

23 24

Big Thief Double Infinity 4AD

ROCK / Este disco era una verdadera prueba de fuego para Big Thief y los tres miembros han respondido sonando más a banda que nunca, con el disco más grupal, atmosférico y cálido posible. Una colección de canciones que se ayudan unas a otras, donde es más importante el desarrollo que la estructura. sergio ariza

Model/Actriz

Pirouette

True Panther/Dirty Hit

POST-PUNK / Siempre son necesarios grupos como Model/ Actriz. Ariscos ahora y bailables al minuto siguiente; melódicos y disonantes sin despeinarse; básicos y complejos en un mismo tema; sucios, pero siempre con precisión industrial; actuales y en realidad fuera del tiempo y del espacio. joan s. luna

30 31 28 29

POP / La coronación final de PinkPantheress como referente de su generación. Una obra redonda que toma como inspiración el “Remedy” de Basement Jaxx –e incluso samplea a Underworld–para alcanzar su lado más clubber hasta la fecha. Un juego sexy que moldea el pop del presente a su gusto. álex jerez

The Last Dinner Party From The Pyre Universal

POP ROCK / Una contundente respuesta a todos los que las pusieron en duda. Dejan claro que siguen llenas de ideas, armonías, melodías y canciones que tienen puentes que suenan como los estribillos de otros. Todo ello mientras levantan el dedo corazón de su mano. sergio ariza

Neko Case Neon Grey Midnight Green Anti

ART POP / No es un disco fácil de domar. Sus recovecos, giros y planteamientos melódicos, que van más allá del típico y facilón crescendo, hacen que debas sumergirte a fondo. No valen las escuchas ligeras ni su uso como música de fondo. Sería un insulto al esfuerzo que le ha dedicado Neko Case. don disturbios

Hayley Williams Ego Death at a Bachelorette Party Post Atlantic

POP / Una verdadera sesión de terapia. Una pieza de autoanálisis, pérdida, búsqueda y comprensión. La artista abre su corazón, para firmar posiblemente su mejor álbum en solitario, de una forma tan personal que a veces da incluso miedo. álex jerez

Joey Valence & Brae HYPERYOUTH

RCA

RAP / Los muchachos siguen en sus trece, tirando de colaboraciones elegidas con lupa, pero sobre todo de su frescura y aura underground. Siguen siendo estúpidamente divertidos, ridículamente entusiastas y ahora también pueden emocionar. Nerds al poder por siempre. adriano mazzeo

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

37 38 35 36

La Dispute No One Was Driving The Car Epitaph/[PIAS]

POST-HARDCORE / Un trabajo de valor para los aficionados al género, pero lo es aún más para quienes conozcan la personalidad e idiosincrasia de Jordan Dreyer. El concepto de este disco tiene que ver con el uso actual de la tecnología y cómo el ser humano la endiosa con nulo cuestionamiento. adriano mazzeo

Africa Express Africa Express Presents... Bahidorá BMG

WORLD MUSIC / Una veintena de canciones nuevas gestadas en el festival mexicano del mismo nombre como resultado de una residencia creativa compuesta por más de treinta artistas diferentes. Toda una lección de entendimiento mutuo en medio de un mundo fragmentado. fran gonzález

PinkPantheress

Olivia Dean

The Art of Loving

Capitol/Universal

POP / “The Art of Loving” es una exploración honesta y frágil, pero a su vez consciente, del amor en todas sus formas. Un conjunto de temas pop sin clichés y con aspiración a convertirse en clásicos, que dejan brillar a la voz de Olivia Dean por encima de una producción delicada y sutil. júlia negrillo

Water From Your Eyes It’s A Beautiful Place Matador

Black Country, New Road Forever Howlong Ninja Tune/[PIAS]

INDIE POP / Tras la salida de su cantante y letrista principal, Isaac Wood, la reinvención ha llegado con las tres mujeres (Georgia Ellery, May Kershaw y Tyler Hyde) dando un paso al frente y tomando las riendas vocal y compositivamente. El resultado es una auténtica maravilla. sergio ariza

Yukimi For You Ninja Tune

For Those I Love Carving The Stone September Recordings

Ela Minus DÍA Domino

ELECTRÓNICA / Ela Minus sienta las bases de un ejercicio de introspección que se entrelaza con burbujeantes loops. Viene a desmontarse y a encontrarse en el proceso. Las pulsiones electrónicas resultan más orgánicas que nunca, como si viéramos crecer un nuevo tipo de vida. eva sebastián 41 42

ELECTRÓNICA / Tras años de meditación, el músico ha tenido que hacer un viaje interior que le ha llevado de nuevo a la muerte. Una muerte “hacia afuera”. Aquí no se lamenta por una pérdida personal, sino colectiva. Se escucha a un Balfe más combativo, menos confesional y más reflexivo. yeray s. iborra

Baxter Dury Allbarone Heavenly/[PIAS]

Self Esteem A Complicated Woman Polydor / Universal

POP / Más allá de la magnificencia orquestal y coral que engalanan el disco, son sus letras las que nos confirman estar ante la que tal vez sea su propuesta más ambiciosa, haciendo de su métrica el caldo de cultivo idóneo para un exquisito manifiesto sobre la feminidad contemporánea más combativa. fran gonzález 45 46 43 44

ROCK EXPERIMENTAL / Un paso de gigante con respecto a sus trabajos anteriores, establecen su voz y nos ofrecen un divertido cóctel de géneros en menos de treinta minutos. Consiguen recoger referencias tan variopintas como Sleater-Kinney, Peaches, Shellac, Stereolab o sus coetáneos Squid. jacobo álvarez

POP / Se respira el llanto en la intimidad de quien ahora vuela sola. La también vocalista de Little Dragon tira de resiliencia y amor infinito en un precioso disco en el que conviven electrónica, pop de capa caída y soul jazz melancólico. La sentimos libre y espiritual explorando, buscando la sanación. bruno garca

POP ELECTRÓNICO /Está claro que el impacto que tuvo su colaboración con Fred again.. allá por 2021 ha traído cola, solo así se explica que el británico haya decidido para su noveno disco de estudio ofrecernos esta gama tan variada de fórmulas capaces de incitar al baile sin oposición posible. fran gonzález

Caroline caroline 2

Rough Trade/Popstock!

POST ROCK / Un disco que es una apuesta más experimental y, a la vez, accesible que su primera obra. Un disco de contrastes, de ideas que chocan unas con otras hasta terminar en una total explosión creativa que va más allá de la etiqueta de post rock y que parece ir cambiando con cada escucha. sergio ariza

mondosonoro.com

Kae Tempest Self Titled

Island/Universal

RAP / Un viaje de coraje, fuerza y autodescubrimiento. Una búsqueda de identidad en un mundo repleto de ojos críticos contaminados que no paran de juzgar. Desde la calma de su presente, Kae analiza su proceso de aceptación y el recorrido de un complejo trayecto.

álex jerez

@mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

49 50 47 48

Swans Birthing

Young God/[PIAS]

ROCK / Pues sí, el señor Michael Gira lo ha vuelto a hacer. “Birthing” es un epílogo mayúsculo a lo que ha sido la experiencia más profunda y sustanciosa dentro de los cánones del cosmic-rock en este siglo. Etiqueta que en el caso de los cisnes se queda pequeña. marcos gendre

Tyler Childers

Snipe Hunter

Hickman Holler Records

COUNTRY / Bajo la convicción de transgredir cualquier limitación estilística, el nuevo disco del estadounidense construye un particular espacio tradicional que linda con la mística hindú, el espíritu ruidista o la psicodelia. Fragmentos de un majestuoso recorrido sonoro nómada y atemporal. kepa arbizu

Lo mejor por estilos internacional

WORLD MUSIC

Iluminando el mundo

TODAS SON VÁLIDAS y atractivas, así que déjense llevar por cualquiera de estas propuestas. La música es arte y provoca sentimientos. Todos estos discos lo consiguen. Primer ejemplo, el proyecto multicultural Africa Express firma “Bahidorá”, una muestra de eclecticismo total en el que cada canción contiene su propio universo seductor. Un creativo encuentro entre una treintena de músicos de México, África y Europa. Si prefieren serenidad e introspección, tienen a la japonesa Ichiko Aoba, espiritual e imaginativa. Otro camino es el que ha abierto Mádé Kuti en el afrobeat. Nieto de Fela Kuti, igual de vitalista, pero más optimista. O prueben con el fado, Carminho, una de sus voces más importantes (ha trabajado con Steve Albini, Laurie Anderson o Rosalía), revela la fascinante saudade. Contraste con Adrian Raso y la Fanfare Ciocărlia, unión de sugerentes riffs de guitarra con arrebatadores vientos gitanos. Y si la revolución no se hará sin bailar, Seu Jorge une de forma natural la música carioca y la bahiana en un verdadero culto al ritmo. Poco que decir de Youssou N’Dour y su afropop. En esta ocasión habla de las mujeres africanas, de la amistad, de los guías espirituales y de ¡fútbol!. En otra onda, el diálogo intercultural entre el cantautor Piers Faccini y el maestro de la kora Ballaké Sissoko resulta de una belleza conmovedora. Otros interesantes trabajos son los del impulsor del bolero estadounidense Adrian Quesada o el de Songhoy Blues, que relajan su enérgico blues del desierto y muestran la rica variedad de los ritmos malienses. Prueben también con la mexicana Natalia Lafourcade, el libanés Charif Megarbane, el bahreiní Yazz Ahmed, la italiana La Niña o el etíope Mulatu Astatke. miguel amorós

Top 10

1 Africa Express Presents… Bahidorá World Circuit/BMG

2 Ichiko Aoba Luminescent Creatures Hermine

3 Mádé Kuti Chapter 1: Where Does Happiness Come From? Autoeditado

4 Carminho Eu Vou Morrer de Amor ou Resistir Maria Music/Sony

5 Adrian Raso & Fanfare Ciocărlia The Devil Rides Again Asphalt Tango Records

El primero

Escucha aquí la PLAYLIST >>

6 Seu Jorge Baile à la Baiana Cafuné/Black Service/Altafonte

7 Youssou N’Dour Eclairer le monde YN/TBI

8 Piers Faccini & Ballaké Sissoko Our Calling Nø Førmat

9 Adrian Quesada Boleros Psicodélicos II Electric Deluxe/ATO

10 Songhoy Blues Heritage Studio Mali/Transgressive Rec.

Africa Express Africa Express Presents... Bahidorá BMG

Tras dos décadas uniendo culturas, el colectivo Africa Express regresa con una veintena de canciones gestadas en el festival mexicano del mismo nombre como resultado de una residencia creativa compuesta por más de treinta artistas diferentes. Toda una lección de entendimiento mutuo en medio de un mundo fragmentado, con la música como única y verdadera protagonista. fran gonzález

Resumen por estilos

ELECTRÓNICA

El lugar al que pertenecemos

ANTES DE ENTRAR en cualquier tipo de comentario al respecto de nuestra lista hay que apuntar que son muchos los discos de pop y otros géneros afines que forman parte de la lista general de discos de esta publicación. Ahí tienen mayor sentido puesto que sí, acuden a la electrónica para levantar su propuesta, pero se mueven en otros universos. Hablamos de artistas como Fka twigs, Oklou o Baxter Dury por citar solamente algunos. Quizás haya quien considere que “Carving The Stone”, el fantástico segundo largo del irlandés David Balfe, también toma otros derroteros, pero son tan preciosas y tan emocionantes las bases electrónicas que abrazan su spoken word que no hemos podido resistirnos. Aunque bien visto, resulta complicadísimo no encontrar géneros entrelazados en la mayor parte de álbumes que componen esta lista. Así que lo realmente importante es descubrir que la electrónica se mantiene en una forma excelente, aunque sea hibridándose una y mil veces. Buena parte de los diez discos de esta lista sirven para subrayarlo. Escuchad –si no lo habéis hecho ya–los trabajos de la británico-canadiense Rochelle Jordan, de Sudan Archives, Darkside –recordemos, con Nicolas Jaar en su formación–, Anton Szmierek, Mark Pritchard & Thom Yorke o la australiana Ninajirachi.

MÁS ESTRICTAMENTE electrónicos son la banda sonora que firman los también irlandeses Bicep, o los álbumes del escocés Josh Spence –más conocido como Barry Can’t Swim o el dúo neerlandés Weval. Fuera se nos quedan muchos otros discos firmados por nombres tan diversos como los de los renacidos Sandwell District, Djrum, L own y muchos otros. esteban obrador

Top 10

1 For Those I Love Carving The Stone September Recordings

2 Rochelle Jordan Through The Wall RJ/Empire

3 Bicep TAKKUUK (Original Soundtrack) Earth Sonic/Ninja Tune

4 Sudan Archives The BPM Stones Throw Records

5 Barry Can’t Swim Loner Ninja Tune

6 Ninajirachi I Love My Computer NLV Records

7 Darkside Nothing Matador/Popstock!

8 Antony Szmierek Service Station At The End Of The Universe Mushroom Music/Virgin

9 Weval CHOROPHOBIA Technicolour

10 Mark Pritchard & Thom Yorke Tall Tales Warp Records Escucha aquí la PLAYLIST >>

El primero

For Those I Love Carving The Stone September Recordings

El extraordinario debut de David Balfe estaba íntimamente ligado a la muerte. “For Those I Love” (21) narraba el deceso de uno de sus mejores amigos. Una honra durísima, pero enfocada al baile. Como vía de escape. Tras años de meditación, el músico ha tenido que hacer un viaje interior que le ha llevado al mismo punto de partida: de nuevo la muerte. Una muerte “hacia afuera”. Aquí no se lamenta por una pérdida personal, si no colectiva. El Balfe más combativo, menos confesional y más reflexivo. Esto va sobre lo que estamos dejando atrás todos como sociedad. yeray s iborra

Resumen por estilos internacional

HARDCORE-PUNK

El futuro está aquí

EL FUTURO ESTÁ AQUÍ y no todo debe ser destruido como dicen

The Armed. Porque el futuro más cercano nos indica que, en el mundo del hardcore y el punk, han entrado muchos otros géneros en los últimos años. De ahí que buena parte de los discos que incluimos en esta lista combinen base y rasgos muy definitorios del hardcore con otros géneros, desde el pop a la electrónica, pasando por el progresivo, el spoken word y otros. No hay más que escucharlos para constatarlo. En cuanto a los seleccionados, habrá quien diga que “Glow On” abrió el camino y que, en “Never Enough”, han mantenido la fórmula que les ha hecho grandes. Es cierto, la mantienen y la perfeccionan y crean otro disco imprescindible para el género y una de esas obras que seguirá abriendo mentes entre público y músicos. Lo mismo que Ian Shelton con sus Militarie Gun,

a quienes ha acercado incluso al pop de décadas atrás. Al margen de eso, en el resto de nuestros diez seleccionados nos encontraremos con el retorno de Algernon Cadwallader –por la parte emo– y de Deadguy –por la metalcore– para cosechar lo plantado hace muchos años, el excelente nuevo trabajo de La Dispute, los accesibles PUP y Scowl, los siempre personales Propagandhi, esa sorpresa sueca llamada Honningbarna y unos The Armed que siempre nos convencen. Y porque el espacio manda, porque si no también habrían aparecido The Callous Daoboys, Lambrini Girls, Stay From The Path, Stick To Your Guns, Greyhaven, Thrice, L.S. Dunes, Walk Away, Anxious, Viagra Boys… y podríamos continuar. Somos conscientes, además, de que resulta francamente complicado estar al tanto de todo lo que se publica en este ámbito, puesto que son infinidad las bandas que hacen la guerra por su lado, pero no importa. Los que hemos listado valen la pena y siempre estamos abiertos a descubrir a nuevos grupos que nos hagan forzar las cervicales hasta límites peligrosos. joan s. luna

El primero

SI HAY ALGO que “Never Enough” hace a la perfección es redefinir el concepto de ansiedad, o mejor dicho, volver a darle un sentido positivo, emocionalmente hablando. Como cuando eres niño y esperas (con ansias) algo bueno que está por pasar. Aquí y con toda su maquinaria sentimental a cuestas, la banda controla sus instintos derivados de su origen hardcore y los direcciona hacia un tipo de creatividad que los consagra. Comienzan a pisar firme en un camino que pocos pueden ostentar: el de la creatividad sin límites y con criterios aplicados con excelencia, lo que los averca a la liga de grupos como Radiohead o QOTSA. adriano mazzeo

Escucha aquí la PLAYLIST >>

Resumen por estilos internacional

FOLK - AMERICANA

Completos desconocidos

PODEMOS DECIR, sin ánimo de meter la pata, que este año ha venido marcado por el estreno de dos biopics musicales que recogen sendos momentos que han dejado una profunda huella en el legado de los sonidos de raíz estadounidense. La mitificada electrificación de Bob Dylan a mediados de los sesenta narrada en la excelente “Un completo desconocido”, y el proceso de elaboración del “Nebraska” de Bruce Springsteen recogido en la no menos brillante “Springsteen: Deliver Me From Nowhere”. Si a ello le sumamos el homenaje al blues de una cautivadora película de vampiros como “Sinners”, vemos que persiste en la actualidad una más que evidente vigencia de la música basada en la tradición, que se apuntala con los grandes discos que se recogen en esta lista. Y máxime cuando en lo más alto tenemos a sendas figuras que, sin perder de vista en su peculiar retrovisor la esencia de la raíz, han entregado dos trabajos que revitalizan el género. Tanto S.G. Goodman como ese trovador de las causas perdidas que es Jesse Welles le deben mucho a los pioneros del folk-rock estadounidense. De eso no cabe duda. Pero ambos han sabido dotar de una excelsa personalidad a sus tonadas, y por eso se han encaramado hasta lo más alto. Algo que también podría aplicarse al delicado indie-folk de la inglesa Billie Marten o a otros sospechosos habituales del género como Cass McCombs, Marcus King, Ryan Davis. Laura Stevenson o un Tyler Childers que ha demostrado estar en un excelente estado de forma. Pero tampoco queremos olvidarnos aquí y ahora de otros nombres que estuvieron en nuestro radar como son los de MF Tomlinson, Snocaps, Julien Baker, James McMurtry, Lilly Hiatt, Rodney Crowell, William Tyler, Patterson Hood… don disturbios

Top 10

El primero

S.G. Goodman Planting By The Sings Slough Water Records

HAY DISCOS que simplemente te ganan por la capacidad de lograr melodías de las que perduran y te conmueven. Pues bien, es abrir su álbum con “Satellite” y “Fire Sign” y te das cuenta al momento que este tercer largo de S.G. Goodman es un disco realmente especial. Una sensación que se agranda con maravillas como “I Can She The Devil “, “Solitaire”, “I’m In Love” o una “Michael Told Me” que se me antoja la piedra angular del álbum. Canciones que nos muestran a una cantautora que, a sus treinta y seis años de edad, se encuentra en su mejor momento creativo. don disturbios

Palabras de salvación

LEVITAR TRAS LA CAÍDA al infierno, proclamar la libertad creativa y personal como resultado de un duro trabajo de autoconocimiento. Este año ha sido clave para grandes figuras que han encontrado en él la salvación y la estabilidad. La cima la lidera “Lotus” de Little Simz, un disco de reseteo tras la crisis con la crudeza de siempre. Una resurrección honesta que se apoya en una necesaria verdad tal y como también lo hace Central Cee en ese sólido “Can’t Rush Greatness”. Y es que si te pierdes puedes entrar en una dura deriva existencial como la que Dave pinta con belleza en “The Boy Who Played The Harp” No es fácil desprenderse de todo lo que te marca y te genera heridas. Sentirte bien contigo mismo y ser capaz de lograr la madurez emocional que expone Aesop Rock en su “Black Hole Superette” con el que, cerca de los cincuenta, revaloriza la exploración personal y las lecciones de vida más allá de los traumas. Ha sido un año de dualidades y contradicciones. De una fuerza oscura líder herencia de un presente sociopolítico que nos ahoga y asoma los colmillos en esa joya horrorcore de billy woods que es “Golliwog”. Del regreso de Clipse tras dieciséis años para enfrentarse a las injusticias de la industria y de ver el mundo con otros ojos como hace McKinley Dixon en “Magic, Alive!”, soñando con la vida detrás de la muerte. Un año también para jugar de una forma más despreocupada y luminosa. Buscar el lado bueno de las cosas como lo hacen Joey Valence & Brae en “HYPERYOUTH” o Tyler The Creator en su “Don’t Tap The Glass”. Y, en el medio de todo, tratar de encontrar el equilibrio a través de la felicidad que nace del dolor escuchando “Balloonerism” como siempre nos regaló Mac Miller. álex jerez

Top 10

1 Little Simz Lotus AWAL/Popstock!

2 Joey Valence & Brae HYPERYOUTH RCA

3 Clipse Let God Sort Em Out Roc Nation

4 Aesop Rock Black Hole Superette Rhymesayers Entertainment

5 McKinley Dixon Magic, Alive! City Slang

Resumen por estilos

6 Billy Woods Golliwog Backwoodz Studioz

7 Mac Miller Balloonerism Warner

8 Dave The Boy Who Played the Harp Neighbourhood Recordings

9 Central Cee Can’t Rush Greatness Columbia/Sony

10 Tyler, The Creator Don’t Tap The Glass Columbia/Sony Escucha aquí la PLAYLIST >>

El primero

“Lotus” es un disco de proclamación de la libertad y el amor propio. Un trabajo crudo, directo, íntimo y tremendamente emocional en el que también hay mucho de pasárselo bien creando, de disfrutar de ser libre, experimentar, de jugar con los límites como en “Young”, donde describe los enormes saltos generacionales y sociales en Reino Unido, ridiculizando la situación político-social actual de su país. Mucha belleza acumulada en un proyecto que ha supuesto verdaderamente todo para una estrella que ha tenido que trabajarlo desde el dolor y la fragilidad. álex jerez Little Simz Lotus AWAL/Popstock!

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Resumen por estilos internacional

METAL Gente con poder

EL MUNDO AVANZA a pasos agigantados hacia el abismo y aquella letanía de que el metal refleja mejor que otros géneros el latido de nuestra sociedad enferma cobra más sentido que nunca. Este año abundan de forma especial las propuestas oscuras y viscerales, y el epicentro parece emanar de unos Estados Unidos alienados y convulsos. Es el caso de Imperial Triumphant, quienes entregan un sexto álbum que sublima su aleación de metal extremo y vanguardia con apuntes de jazz y la decadencia urbana de Nueva York y el futurismo como principales fuentes de inspiración. Desde Norteamérica nos llega también lo nuevo de Deafheaven, que han logrado integrar aún mejor los distintos elementos de su desgarrado blackgaze; el death metal cavernoso de Ossuary, liderados por una imponente Izzi Plunkett; el funeral doom grave y opresivo de Evoken; o el post-black metal de Agriculture, que ahonda en las trincheras cavadas por Chat Pile y Thou incorporando nuevas sensibilidades.

EL SELLO EUROPEO lo aportan los thrashers suizos Coroner, con su primer disco en más de tres décadas, y los alemanes Sodom, aguerridos como los primeros Slayer y Kreator. El doom domina el resto de la lista, ya sea de la mano de Paradise Lost, con otra notable obra forjada de sombras y majestuosidad; o de dos bandas con mujeres al frente: Sara Bianchin como cantante de los italianos Messa, los más melódicos de esta selección; o Riley Pinkerton a la cabeza de Castle Rat, hype metal del año de cuidada estética medieval que suena como un cañón. Muy cerca de este top quedan otros lanzamientos notables de bandas como Eternal Darkness, Desaster, Revenge, Deathhammer, Cancer, Wyatt E., Harakiri For The Sky, Tower o Jinjer, por citar unos pocos.

david sabaté & eduard tuset

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1 Imperial Triumphant Goldstar Century Media Records

El primero

Imperial Triumphant Goldstar Century Media

EL TRÍO AMERICANO continúa reconfigurando el death metal desde el vanguardismo y experimentación con un sexto disco en el que hay cabida para casi todo lo que va de Mr. Bungle a Gorguts pasando por Frank Zappa. Con una estética maximalista y art deco de una Nueva York distópica de los años cincuenta, respaldados por percusiones extremas y unas líneas de bajo que recuerdan a Jaco Pastorius o Steve DiGiorgio, y haciendo una crítica al capitalismo, la decadencia y la avaricia humana, vuelven a desafiar el metal extremo con un joven y prodigio Zachary Ezrin al frente proyectando sus riffs y guturales más brutos. jaime tomé

Las mejores películas

internacionales

El año de Paul Thomas Anderson

ESTE PUEDE SER EL AÑO en que Paul Thomas Anderson, uno de los mejores directores de nuestro tiempo, se haga por fin con el Oscar. No se lo dieron por la excelente “Magnolia” (99) ni con la sucesión de obras brillantes que han venido después, pero parece que la suerte cambiará con “Una batalla tras otra”, encargada de coronar nuestro top. De cerca le sigue “Sinners”, y es que el cine de terror ha tenido una buena cosecha este año, con cintas tan notables como “Weapons”, “Devuélvemela” o “28 años después”, y directores curtidos en este género que han demostrado su solvencia en otro, como Ari Aster (“Eddington”) y Mike Flanagan (“La vida de Chuck”). Este 2025 hemos tenido regresos de grandes autores como Trier (“Valor sentimental”), Guadagnino (por partida doble: “Queer” y “Caza de brujas”), Lanthimos (“Bugonia”), Panahi (“Un simple accidente”) o Salles (“Aún estoy aquí”), y otro ‘regreso’: el abrazo a la animación tradicional de la preciosa “Flow”. En los biopics han coincidido dos leyendas vivas de la música como son Bob Dylan (“Un completo desconocido”) y Bruce Springsteen (“Deliver Me From Nowhere”), y hay que celebrar la buena acogida de “Misión Imposible: Sentencia Final” y “Superman” frente a otros blockbusters donde no encontramos esa pasión por el entretenimiento. Hemos tenido de todo; por tener, quién nos iba a decir que aquel chico protagonista de “Mysterious Skin” se convertiría en director y llevaría al público a ver una película de casi cuatro horas, con interludio y todo. Pero así ha ocurrido con Brady Corbet y “The Brutalist”, demostrando que las salas de cine siguen vivas. Y lo que nos queda: en este final de año llegarán las nuevas de Ducournau (“Alpha”), Linklater (“Blue Moon”), Cameron (“Avatar 3”) u Ozon (“El extranjero”). pablo tocino

1

Una batalla tras otra Paul Thomas Anderson

CON “UNA BATALLA TRAS OTRA”, su película más política y comprometida con los tiempos que le ha tocado vivir, Paul Thomas Anderson da un golpe en la mesa como observador del presente. Cineasta dado a la mirada del ayer, el director de “Magnolia” se inspira en una novela de Thomas Pynchon –“Vineland”, publicada en 1990 y ambientada en los sesenta- y la actualiza para adentrarnos en una América distópica a la vuelta de la esquina. El film está dividido por una elipsis de quince años de inactividad de un antiguo revolucionario, encarnado por un Leonardo Di Caprio que sabe encontrar el punto exacto, sin caer en la caricatura, de un personaje que, suspendido en el tiempo y entregado a las drogas recreativas, representa unos Estados Unidos adormecidos ante la impunidad de unas élites blancas supremacistas. Frente a él, un Sean Penn que camina en el alambre del histrionismo para ridiculizar la fuerza armada sin cerebro que se mueve a impulsos de entrepierna. Junto a ellos, una explosiva Teyana Taylor en un breve, pero poderoso, papel y un brillante Benicio del Toro que nos sabe a poco: su personaje merece toda una película. Anderson reviste esta llamada de atención a sus compatriotas con una mezcla de géneros inteligente en la que incluso hay espacio para el cine familiar. Una carga de profundidad contra una América autocomplaciente, aunque todavía a tiempo para la esperanza. j picatoste verdejo

Sinners (Los pecadores)

Ryan Coogler

Es difícil, dentro de un mundo lleno de clichés encontrarte con películas que, tras más de dos horas de visionado, te dejan exhausto en la butaca, con una sensación de felicidad inabarcable que te recuerda por qué motivos amas el cine en sala. Ryan Coogler -“Creed” (15), “Black Panther” (18)- vuelve a lucir su vena más autoral, firmando una obra excelente en la que, a través de la comedia negra, el terror y la sátira social, rinde homenaje a su cultura de origen. alejandro teiga robles

Lo mejor de 2025 internacional

Flow: Un mundo que salvar Gints Zilbalodis

Valor sentimental Joachim Trier

Coproducida entre Letonia, Francia y Bélgica, esta cinta premiada en Cannes y en los Oscar, el director Gints Zilbalodis consigue dar vida a toda esta odisea usando software de código abierto, y aunque el resultado choca comparado con las películas de animación de los grandes estudios, no le quita nada de belleza al resultado. Tampoco es un punto negativo que la película, al querer “humanizar” lo mínimo a sus personajes, no contenga diálogos. pablo tocino

Un simple accidente Jafar Panahi

La gran vencedora del último Festival de Cannes, tiene una premisa que recuerda al clásico contemporáneo “La muerte y la doncella” de Roman Polanski. Pero la película del iraní Jafar Panahi posee una enorme personalidad propia. Un cruel torturador del régimen de los ayatolás es reconocido y secuestrado por un puñado de perdedores que fueron sus víctimas. Estos emprenden con él un viaje a ninguna parte, cuajado de un humor negrísimo, dudas y humanismo. josé martínez ros

Weapons Zach Cregger

El noruego Joachim Trier examina la complejidad de las relaciones familiares como ya hiciera en “El amor es más fuerte que las bombas”: en “Valor sentimental” (15), los conflictos también se dirimen entre un padre dominante y sus dos vástagos –aquí, hijas; allí, hijos–. Arropado por tres grandes interpretaciones de Stellan Skarsgård, Renate Reinsve e Inga Ibsdotter-Lilleas, el cineasta consigue grandes momentos de emoción no subrayada. j. picatoste verdejo

Tras haber dirigido solo dos películas, Zach Cregger ya ha demostrado ciertas señas de identidad como autor: una capacidad de sorprender al espectador y hacer girar la historia de una manera que no se siente esencialmente tramposa; una cierta querencia por escenas más largas de las habituales en el mainstream norteamericano, que sabe cargar de tensión; la capacidad de jugar con las perspectivas de distintos personajes; y uso inteligente del humor. josé martínez ros

Bugonia Yorgos Lanthimos

El griego es una de las voces más sombrías y estimulantes del cine actual. En “Bugonia”, adaptación de film coreano “Salvar el planeta Tierra” (03), ofrece una mirada aviesa a la idea de la aniquilación del hombre a partir de la disparatada y turbia peripecia de dos desechos de la sociedad que creen ver en un alta ejecutiva a una extraterrestre que amenaza la existencia de la especie humana. j. picatoste verdejo

Devuélvemela

Danny y Michael Philippou

Después de ver sus dos primeras películas, ya se pueden establecer ciertas señas de identidad en el cine de los Philippou: la predilección por unos protagonistas adolescentes o jóvenes, en una situación de vulnerabilidad; unas premisas argumentales que intentan ser originales o, al menos, no abusan de los monstruos y amenazas más manidos del género; y un desarrollo que combina elementos melodramáticos con imágenes muy sangrientas y viscerales. josé martínez ros

Un completo desconocido James Mangold

A partir de la biografía “Dylan Going Electric!” de Elijah Wald, Mangold acude al famoso episodio de Newport 1965. La película, festival para los oídos, abarca los inicios del desconocido Dylan, su contacto con Woody Guthrie y Pete Seeger (delicioso Edward Norton), su relación con la ya estrella Joan Baez y la grabación de discos de clásicos folk y concluye con la recreación de aquel histórico y polémico cuarto de hora en el escenario de Rhode Island. j. picatoste verdejo

The Brutalist Brady Corbet

Que los doscientos quince minutos de metraje no asusten a nadie. “The Brutalist” es la película que ha decidido devolver la esperanza al cine americano mientras critica a América. Sus aires de megaproducción, dignos de las antiguas películas de Coppola o Cimino, nos abren las puertas a una experiencia. Algo que intuimos desde el momento en que comienza la película, con esos juegos de cámara, que metafóricamente invierten la Estatua de la Libertad. luis de la iglesia 10

Los mejores cómics

internacionales

El desencanto

EXCELENTE COSECHA la del cómic internacional llegado a nuestras estanterías durante este ejercicio. Obras de géneros diversos, autores noveles echándole un pulso a nombres consagrados, escenarios de lo más variado… lo habitual en estos últimos años. Ahora bien, será que nos puede la cara oscura de la vida, pero en nuestra selección de este 2025 son mayoría los títulos que nos enfrentan a las contradicciones, las miserias y la desesperanza del ser humano. Leídos del tirón cómics como “Comfortless”, “Todo abruma” “Meteoros”, “Okinawa” y buena parte del resto, pueden llevarnos a sufrir una crisis emocional aguda. Pero lo que no nos mata, nos hace más fuertes. Y puedo asegurar que, al acabar estas lecturas, uno sale reforzado. Reforzado, aunque consciente de que tenemos la virtud o el defecto de poder ser lo peor y lo mejor a un mismo tiempo. Todo ello gracias a un puñado de personas que se han encerrado durante meses en sus diminutos estudios para crear estas auténticas obras de arte.

Y SI HEMOS DECIDIDO colocar “Comfortless” en primera posición es porque iba ya siendo hora de subrayar el gran talento del italiano Miguel Vila, cuyo trabajo no es la primera vez que se cuela en nuestras listas. Fuera nos quedan títulos no menos indispensables como “Dibujo del natural” del referencial Jaime Hernandez, “Cruzando el bosque” de E.M. Carroll, “Bajo los árboles, donde nadie te ve” de Patrick Horvath, “Café Romántica” de Simon Hansselman, “Serial” de Terry Moore, “Mi amigo Kim Jong-un” de Keum Suk Genddry-Kim, “Chumbo” de Matthias Lehmann, “Absolute Wonder Woman” de K. Thompson y H. Sherman o “Ruri, la tatuadora y otras historias de chicas malas” de Bonten Taro, por citar unos pocos. Y todo ello sin contar con las excelentes reediciones (Burns, Miyazaki, Hernandez…) con las que nos han obsequiado las editoriales a lo largo del año. joan s. luna

1Comfortless

Miguel Vila

Ediciones La Cúpula

EL ITALIANO MIGUEL VILA sigue siendo un maestro a la hora de poner sobre el papel las miserias del ser humano. Para Vila, el hombre no es un lobo para el hombre, pero quizás sí seamos una suerte de carroñeros físicos y emocionales. O eso es lo que dejan entrever estas historias –independientes algunas, entrelazadas otras–enmarcadas en los años del Covid. Y una vez más sus protagonistas son víctimas reales y víctimas fingidas, seres mezquinos y seres a los que les tocó una mala mano en la partida de la vida. Muchos lo tenemos claro, pero ni durante la pandemia fuimos mejores, ni mucho menos salimos mejores. Solo fuimos –y seguimos siendo–pequeños animalillos temerosos que luchan por salir adelante. Ah, y por supuesto artísticamente tan personal y fantástico como siempre. joan s luna

Precious Metal

Darcy Van Poelgeest, Ian Bertram y Matt Hollingsworth Nuevo Nueve

En 2021, “Little Bird”, fue elegido por esta revista como uno de los mejores títulos de aquel año. “Precious Metal”, que se presenta como su precuela, situada treinta y cinco años antes del comienzo de la acción de “Little Bird”, se puede leer de manera independiente, pero el hecho es que se trata de dos obras de una calidad tan excelsa que no me puedo imaginar que un lector que haya disfrutado de una no corra, a renglón seguido, a hacerse con la otra. josé martínez ros

Alimentar a los fantasmas

Tessa Hulls Reservoir Books

“Alimentar a los fantasmas” se ha hecho carne tras diez años en los que la escritora y artista plástica Tessa Hulls ha realizado un profundo trabajo de introspección Todo se sustenta a través de puentes entre la ucronía visual de los recuerdos soñados y la demoledora realidad que activa la acción y la reflexión que da cuerda a un título, en verdad, relevante en su manera de adecuar épica realmente turbadora con intimismo de trazo fino. marcos gendre

Todo abruma

Dash Shaw

Apa Apa/ Blackie Books

El caso

David Zimmerman

Arthur Harari y Lucas Harari Astiberri

Como un storyboard definido magníficamente y pulido hasta el mínimo detalle. Así de cinematográfica es la propuesta de los hermanos Harari (Arthur es guionista de filmes como “Anatomía de una caída”). “El caso David Zimmerman” pone sobre la mesa un interesante debate sobre la identidad, tanto sexual como religiosa. Se trata de un apasionante thriller de ritmo trepidante en algunos pasajes, que se escuda en una temática propia de la ciencia ficción. jordian fo

El disturbio eterno

Joe Sacco Reservoir Books

A Dash Shaw le echábamos en falta, tras una excelente entrada en nuestro país con “Ombligo sin fondo”. Por eso es un placer reencontrarlo con una obra tan inspirada y tan particular como este “Todo abruma”. Casi quinientas páginas a lo largo de las que un Shaw casi Carveriano nos hace navegar en las dudas de diez personajes. Todo ello a partir de una imaginativa estructura que nos lleva de un personaje a otro sin necesidad de darnos todas las respuestas. joan s. luna

Zatanna. Abajo la sala Mariko Tamaki y Javier Rodríguez Panini

Tamaki relata la incapacidad de la maga Zatanna para ejercer la magia debido a cuentas pendientes con su padre; el gran mago Zatara. Como al guion le falta densidad y drama, diremos que Tamaki saca pocos conejos de su chistera. En cambio, Rodríguez en la parte gráfica está tan estratosférico que se alzó con un prestigioso Premio Eisner. Podemos hablar maravillas de sus composiciones de página o de la imaginería mágica que diseña. Todo un recital. quim pérez

Ahí dónde haya conflicto estará Joe Sacco para narrarlo con viñetas y ese estilo tan personal al que ya nos hemos acostumbrado. No importa que todas sus obras se parezcan formalmente, porque lo importante es su labor como cronista de un mundo sumido en una locura violenta, política, religiosa y étnica –esta vez nos lleva a las luchas entre hindúes y musulmanes en la India–, que sigue en llamas aunque no fijemos en él nuestras acomodadas miradas. adrián santos

Meteoros. Historias de gente que pasa Deveney y Redolfi Salamandra Graphic

Los franceses Deveney y Redolfi saben que, si un meteoro fuese a acabar irremediablemente con nuestro planeta, querríamos aprovechar el tiempo para amar, buscar el calor de nuestras personas cercanas, o sencillamente vivir. El fin del mundo sería más “Melancolía” (11) que una película de Roland Emmerich y nosotros no podríamos hacer otra cosa que seguir siendo “esa gente que pasa”. Una novela gráfica emotiva que de la sencillez crea arte. adrián santos

Okinawa

Susumu Higa

Norma Editorial

El premiado mangaka Susumu Higa firma una obra en la que el equilibrio entre crueldad y humanismo nos hace entender las guerras tal y como son, con toda su absurdidad y también con su capacidad de sacar tanto lo peor como lo mejor de las personas. Para ello se centra en el archipiélago de las islas Ryūkyū, Okinawa, en los estertores de la II Guerra Mundial y la llegada de los soldados estadounidenses a aquellas playas. joan s. luna

Helen de Wyndhorn

Tom King y Bilquis

Evely

Norma Editorial

La realidad y la fantasía se mezclan, mientras que el presente y el pasado se cruzan en estas viñetas que narran la historia de Helen de la casa Wyndhorn. Con el reputado Tom King al guion y la fantástica Bilquis Evely a los pinceles –equipo nominado a los Eisner–, la obra se mueve entre lo gótico y lo fantástico con originalidad hablándonos sobre la superación del duelo por la pérdida del padre, la búsqueda de sentido a la vida y el empoderamiento femenino. jordian fo 10

Los mejores internacionales

libros musicales

Libros musicales que nos salvaron el año

QUE LA LITERATURA MUSICAL ha alcanzado, en los últimos años, el nivel que los aficionados requeríamos para no sentirnos abandonados es algo que no admite duda. Mientras años atrás apenas teníamos donde escarbar, ahora los títulos se nos acumulan y superan cualquier expectativa que nos podamos haber hecho al iniciarse una nueva temporada. Sobre si hay mercado o no para tanto título ya hablaremos en otra ocasión. De momento sintámonos afortunados por poder disfrutarlos. Este año no faltan en nuestra lista los libros dedicados a algunos de nuestros artistas favoritos. Eso, por si mismo, no es ninguna garantía de éxito, pero si se profundiza tanto como han hecho Peter Ames Carlin, Bob Stanley –recordemos, miembro de Saint Etienne–, Martin Aston, Ken Caillat y Steven Stiefel, o Warren Zanes –también músico en The Del Fuegos– el resultado solamente pueden ser grandes obras. Desgraciadamente, el espacio manda y se nos han quedado muchos títulos fuera que podrían haber entrado perfectamente en la lista, de haber contado esta con más posiciones. Hablo de “El ritmo no perdona” (Camila Caamaño y Amadeo Gandolfo, sobre la música urbana argentina), “La música nunca deja de sonar” (Peter Shapiro), “My Rock And Roll Friend” (Tracey Thorn), “Máquinas de sueños” (Matthew Colin, sobre la evolución de la electrónica británica), “The Come Up” (Jonathan Abrams, una historia oral del hip hop), “Cantan los ángeles, rugen los monstruos” (Hartmut Rosa, centrándose en el heavy metal), “Gótico, una historia” y “Freaks Out!”, firmados por los músicos Lol Tolhurst (The Cure) y Luke Haines (The Auteurs), o autobiografías como “Diario de una estrella” (Ian Hunter), “Cuando veas a mi madre, sácala a bailar” (Joan Baez) o “En pausa en la reflexión cósmica” (The Chemical Brothers), entre muchos otros. Y si sois más de libros-objeto cargados de fotografías, para vosotros también hay los libros de Martin Popoff sobre Kiss o Guns N’ Roses. joan s. luna

1

Este grupo se llama R.E.M. Peter Ames Carlin Contra

NO ME IMAGINO un relato más completo e íntimo. Los cuatro perfiles biográficos son modélicos, por ejemplo. Y el balance con el desglose de su obra es equilibradísimo, dejando por el camino un periodismo –o incluso literatura– musical de quilates. No deja de ser una parábola sobre las contradicciones de la fama cuando se afronta sin dañar la integridad. R.E.M. fueron la mejor banda de rock del planeta entre 1986 y 1992 (con permiso de Pixies), y sobrevuela a lo largo de estas casi quinientas páginas la sombra de su primer bolo en aquella iglesia de Oconee Street en la primavera de 1980 y lo mucho (o poco) que se distanciaron de aquella versión virginal. Y un compromiso ético que tuvo como efecto más radical el cortar por lo sano con Jefferson Holt, su manager de siempre. Y no cuento más por no spoilear. carlos pérez de ziriza

Let’s Do It. El nacimiento de la música pop Bob Stanley Liburuak

Parecía imposible que Bob Stanley (Saint Etienne) pudiera siquiera acercarse a la excelencia del descomunal “Yeah! Yeah! Yeah!: La historia del pop moderno”, uno de los mejores libros sobre música que hayamos podido leer. Pues bien, lo ha logrado. Abarca el periodo inmediatamente anterior: es decir, lo que ocurrió en la música popular británica y norteamericana entre 1900 y los años sesenta, con el advenimiento del rock and roll y la beatlemanía. carlos pérez de ziriza

A contracorriente. La historia de 4AD

Martin Aston Contra

El veterano periodista británico Martin Aston es quien más cerca ha estado nunca, a nivel personal, de Ivo Watts-Russell, capo del legendario sello 4AD. Ese grado de intimidad lo destapó a lo largo de este descomunal libro que fue publicado en 2013. Es un escándalo. No deja fuente sin consultar. Ni madeja sin hilo. Ni músicos, ni empleados, ni ninguna de las figuras clave de toda la fauna que rodeó al sello queda sin exprimir en conversaciones a calzón quitado. carlos pérez de ziriza

Sonic Life Thurston Moore Contra

Las expectativas puestas en la autobiografía de Thurston Moore de Sonic Youth quedan desbordadas por un libro que supura auténtica pasión por la música. Entrelazando vivencias personales, escenas musicales y sentencias, Moore recorre un camino que abarca desde los setenta a los dosmiles. Tras la lectura no cabe lugar a la duda: Moore estaba convencido de que, si se lanzaba a escribir unas memorias, la empresa debía desarrollarse a fondo. Impagable. raúl julián

Deliver Me From Nowhere

Warren Zanes Neo-Sounds

A través de su lectura se nota que Warren Zanes –también miembro de The Del Fuegos–está escribiendo sobre algo que le toca, en su caso “Nebraska” de Bruce Springsteen, la más singular y extraña de las obras maestras que sacó en su periodo dorado. Un libro brillante, elocuente y muy bien estructurado, en el que el autor cuenta con línea directa con el artista, y pone el foco en el periodo más oscuro y depresivo, aunque también uno de los más creativos, de su historia. sergio ariza

Making Rumours

Ken Caillat y Steven Stiefel Ondas del Espacio

Que “Rumours” de Fleetwood Mac es uno de los discos que conforman la aristocracia del pop eterno es algo que no se puede disociar de su tormentosa grabación, de la cual formó parte Ken Caillat como coproductor, quien con la ayuda del periodista Steven Stiefel, desempolva el baúl de los recuerdos para documentar el que, para algunos, es el mejor libro sobre grabaciones musicales nunca escrito. Desde luego, no anda muy lejos de la realidad tamaña aseveración. marcos gendre

Iron Man. Mi viaje a través del cielo y el infierno

Tony Iommi Libros del Kultrum

Aunque el desenfreno siempre se asoció a Ozzy Osbourne, el legendario guitarrista Tony Iommi también tiene mucho qué contar. Y no hablamos solamente de sus crudos inicios en la clase obrera y su lucha por salir adelante, sino de los excesos de los tiempos de máxima popularidad. Algunas anécdotas valen su peso en oro, pero lo que más contagia este libro es la capacidad de Iommi para tomarse con distancia irónica algunos momentos. adrián santos

The Smiths 1982-87

Simon Goddard Ondas del Espacio

Resulta complicado pensar en una lectura acerca de The Smiths más completa, certera y pasional que la plasmada por Simon Goddard en este tomo. El autor utiliza como sólido hilo argumental la grabación cronológica de las canciones por parte del grupo, apostillando en torno a ese catálogo un sinfín de entresijos que no solo sirven para contar la propia historia de la banda, sino también para profundizar (y de qué manera) en ella. raúl julián

Violence Girl. Historia de una punk chicana Alice Bag Liburuak

Vibrante autobiografía de una figura clave del punk chicano en Los Ángeles. A través de relatos íntimos y sin adornos, Bag rememora una infancia marcada por la violencia familiar y los conflictos culturales, y narra cómo su rabia se transformó en una voz poderosa sobre el escenario. Sus vivencias la llevaron a cofundar The Bags, romper moldes de género y convertirse en activista feminista. Un testimonio feroz, auténtico y liberador de una referencia para el punk. eduardo izquierdo

Daft Punk. We Were The Robots VV. AA. Disco Pogo/ Contra

Estamos ante un libro para fans facturado por (periodistas) fans, aquellos quienes dirigían Jockey Slut y recibieron la primera demo de los franceses, Ahora se camuflan bajo el sobrenombre de Disco Pogo y dan forma a interesantes volúmenes monográficos (Aphex Twin, LCD Soundsystem y, claro, Daft Punk). Entrevistas rescatadas, fotografías de diversas etapas, ensayos diversos y un evidentísimo amor por la música del dúo. joan s. luna

68/Mondo Media

“163 centímetros” (Arrebato, 25) es un ágil y lúcido ensayo en el que el vocalista de León Benavente reflexiona en torno a esas consecuencias derivadas de ser una persona de baja estatura. Quedamos con Abraham Boba en una terraza del barrio madrileño de Malasaña para conocer más acerca del libro en cuestión.

“

163 CENTÍMETROS” es un ensayo con estructura correlativa, en la que un elemento tiende a enganchar con el siguiente dando lugar al propio hilo argumental al tiempo que consigue que los diferentes eslabones encajen. Un recurso que dota de gran agilidad a la propia lectura y propicia un ritmo de lo más atractivo. “Quería que, de alguna manera, apareciesen muchos elementos. Obviamente, hay muchos autobiográficos, pero también sabía que quería contar con datos objetivos sobre el tema. La mejor forma de hacerlo era que el conjunto fuese como una especie de río. La idea la saqué de ‘El libro de las lágrimas’ de la poeta neoyorquina Heather Kristel, uno de mis libros favoritos”. En efecto, “163 centímetros” está compuesto por párrafos de reflexiones y de recuerdos junto a apuntes externos, y ese proceso concreto de aunar y ordenar unos y otros en la misma referencia se antoja complicado. “Ordenarlo y conseguir el tono general que buscaba para el libro fue lo que más trabajo me llevó. No quería que fuesen datos inconexos, e ir estructurando en capítulos me ayudó. Cuando escribo empiezo por el primer verso y normalmente llego al final. Pero, en este caso y al ir estructurado en párrafos pequeños, a veces tiraba de un hilo y me salía otro tema que guardaba para otro capítulo. Buscaba que fuese un poco más accesible y divertido para quien lo leyese, porque ya bastante sesudo es todo lo que hago”.

EL LIBRO INCLUYE también algunas partes amparadas por estudios científicos, investigados por el autor de cara a dotar a “163 centímetros” de una óptica más amplia. “He estado casi tres años trabajando en él y cada vez tenía más libretas con datos, así que justo al final del proceso metí bastante tijera, aunque tuve la impresión de que podría haber seguido escribiendo de esto continuamente”. En el resultado final se mencionan

Pequeño gran hombre Abraham Boba

varios artistas o incluso personajes históricos, y es fácil que surja la curiosidad acerca de si el entrevistado se ve reflejado especialmente en alguno de ellos. “Me encantaría sentirme identificado con Prince, ya lo sabes. Y Paul Simon es un grandísimo escritor de canciones, solo que Prince era mucho más cool, claro. En realidad, más que identificado con ellos sería con trazos de sus personalidades. Y ahí están esas anécdotas que giran a su alrededor, todas ellas con el mismo fondo, que no es otro que esa característica física suya que era de lo que más se ha comentado al referirse a ellos”. En cualquier caso, el libro huye pavorosamente de cualquier tipo de victimismo y, a cambio, apuesta por una aparente objetividad. “Simplemente creo que esto es lo más honesto, porque yo realmente nunca he sentido que esa cualidad me haya afectado de ninguna manera”. En fondo, este libro es también una pequeña autobiografía o, cuando menos, una radiografía práctica de Abraham Boba que incluye un cierto

repaso por su vida e incluso desvela algunas intimidades. Una exposición que, en algún momento, ha preocupado al escritor. “Me sigue pasando cuando lo pienso en frío. Al estar tan metido en el proyecto durante todo ese tiempo, ni te das cuenta de dónde te estás metiendo. Y estos días pienso que me he metido en un buen lío. Pero es parte de mi vida y de lo que ha hecho que sea como soy. Supongo que tiene que ver con la edad, pero en algún momento está bien echar la vista atrás. En el fondo es una excusa para crear un artefacto artístico. Está claro que el libro es autobiográfico y que la materia prima es mi vida, mi pasado y mi presente, pero en el fondo yo lo que quería era escribir un libro que fuese original y tampoco hay demasiada bibliografía sobre este tema. Eso me interesa más que hacer un trabajo de expiación o terapia. Todo es parte de lo mismo: el libro, subirse al escenario, tocar con mi banda O hacer sesiones de electrónica... Entra todo en el mismo cajón”. raúl julián

ESPECIALES WEB

Bruce Springsteen

Bruce Springsteen sigue escarbando en su monumental archivo sonoro y ahora le toca el turno a “Nebraska” (82), tras las antológicas reediciones de “Born To Run” (75), “Darkness On The Edge Of Town” (78) y “The River” (80), llega el momento de poner en el foco el disco más especial y extraño de su carrera.

ENTREVISTAS

MONDO PODCASTS

Éxito. Tech. Creación

De la mano de AIE, unimos a Frankie Pizá, Albany y Erik Urano para hablar de las nuevas narrativas que están surgiendo alrededor del éxito y la creación atravesados por la tecnología. En un presente en el que vivimos bajo la tiranía del rendimiento, este podcast busca ir más allá de ser un simple contenido.

Jaz Coleman

Jaz Coleman es mucho más que la persona al frente de Killing Joke. En su vida hay muchas más facetas. Muchísimas. De ahí que esta entrevista en profundidad con él aporte muchísima luz a la trayectoria de uno de los músicos y vocalistas más particulares que surgieron con el post-punk británico de los ochenta.

CONCIERTOS

Enter Shikari

(Razzmatazz, Barcelona, 07-11-25) Hay bandas que parecen existir fuera del tiempo. Enter Shikari llevan años habitando su propio universo retrofuturista, uno en el que las raves conviven con breakdowns y luces centelleantes. Y aun así, ese universo se parece sospechosamente al nuestro.

Más entrevistas

Rubén Pozo: “‘50town’ es mi manera de abrazar los 50 con humor, ternura y rock” Acaba de cumplir cincuenta años y Rubén Pozo celebra la ocasión lanzando “50town”, un disco que convierte eso de ser “cincuentón” en un lugar inexistente donde la madurez se transforma en creatividad pura.

Brighton 64: “Militar en un determinado movimiento te obliga siempre a un examen de aquello que estás haciendo” Cuarenta años después de irrumpir en la escena barcelonesa con descaro adolescente y espíritu mod, Brighton 64 bajan la persiana. Lo hacen con un disco de despedida, “Se Traspasa”, y una gira que se alargará hasta finales de 2026.

Más conciertos

Ethel Cain (Razzmatazz, Barcelona, 07-11-25)

Ethel Cain es una rara avis. Una especie en vías de extinción a la que hay que cuidar porque va a darnos muchas alegrías. Y es que con ella, y con su música, uno tiene la certeza de que no es solo lo que ha ofrecido y crecido hasta la fecha, sino lo que va ser capaz de engendrar en el futuro.

Zahara (Kafe Antzokia, Bilbao, 15-11-25)

Tras el sold-out del día anterior, la pista del Kafe Antzokia estaba más holgada en esta segunda fecha. Arrancó el espectáculo con la cantante de Úbeda abriéndose paso entre el público para dirigirse al escenario mientras su imagen en directo era proyectada en blanco y negro en una gran pantalla.

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Textos: Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Fernando Fuentes, Eva Sebastián, J. Batahola, J.C. Peña, Jordi Forés, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Manu González, Mara Gómez, Marcos Gendre, Marta Terrasa, Martín Corral, Miguel Amorós, Raúl Julián, Sergio Ariza, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Daniel Roldán, Eduard Tuset, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, María Alfonso, Montse Galeano, Virginia Barbero

Depósito legal B. 11 809-2013

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