Mondo Sonoro abril 2025

Lia Kali Vuela

WEEZER

9/Mondo freako

El tiempo pasa tan rápido que a veces se nos olvida pensar en nosotros mismos. Una sensación que resume muy bien Queralt Lahoz en “Me dolía igual”, el tema con el que cierra “9:30PM” (Costa Futuro/Say It Loud, 25). Con este nuevo disco la artista llega creando una especie de salvavidas muy personal, un proceso de cura, forma de aprendizaje y herramienta para pasar página.

POR FIN. QUERALT se sienta a escribir sobre sus experiencias, a hablar sobre ella, a exponer en una de sus obras su propia vida. Se enfrenta a repasar el dolor y agradece todo a ese amor que tantas veces la ha salvado. Ya tocaba, ya era hora de narrar su historia para que se quede con nosotros para siempre. “Cuando hice ‘Pureza’ sentí que el siguiente paso iba a ser hablar de mi vida. Había hablado de muchas cosas, pero sentía que no me atrevía a hacerlo sobre mí. De hecho, en este álbum me he atrevido, pero lo he hecho con prudencia y respetando a la gente que quiero. Porque cuando tú cuentas tu historia, cuentas una historia que pertenece también a tu familia, amigos, a la gente que tienes alrededor. Hay que tener cuidado con cómo explicas las cosas para no dañar. Sobre todo, a mi madre y a mi hermano”, nos cuenta Queralt desde casa, recién llegada de viaje, con horas de sueño, cansancio y lavadoras acumuladas.

“9:30PM” ES UNA CARTA a la Queralt del pasado y del presente para resetear y enfrentarse al futuro empezando desde cero. El disco inicia con el tema más personal de la artista hasta la fecha, una pieza dedicada a su padre en la que se apoya en un conjunto de cuerdas para sacar el lado más sensible y vulnerable de su historia. “Este álbum lo he hecho con las ganas de regalarme a mí lo que me habría gustado escuchar de pequeña y no sentirme tan sola. Me sentía sola. También para mí ha sido un gran reto porque yo nunca había hablado de mi padre, ni de su ausencia, ni de cómo llevé su muerte, ni había hablado de nada, ni de si mi padre estaba vivo o muerto. Y justo

Queralt Lahoz Amor y dolor

MONDO FREAKO

abro el álbum con una carta para él. Es fuertísimo para mí. Cada vez que lo pienso me pongo a llorar. Es como un inicio terapéutico”. Un inicio frágil que va expandiéndose para dar pie a “QL” y presentarnos así a Queralt a lo grande y a ritmo de cumbia. Una figura visceral, pasional, ensoñadora, que la vida ha endurecido y obligado a hacerse fuerte. “La carencia, cuando tienes muy poco, tienes que sobrevivir y hacerte fuerte. Y es verdad que mi realidad no es como mucha gente alrededor. De hecho, ahora habrá gente que me vea en el presente y diga ‘Esta piba no ha tenido ningún problema’. Pues quizás he tenido muchos más problemas de los que puede hablar el típico rapero de barrio. Y no es una competición de fatigas, porque a mí me habría gustado no haber pasado ninguna. Me gustaría haber vivido otras cosas, pero me ha tocado esta. Eso sí, quiero dejar claro, recalcar, que no hay que sentir vergüenza de venir de ningún sitio. Ni del más pobre, ni del más rico. Porque el más rico tiene la oportunidad de aprovechar los beneficios de su familia y eso le llevará a otros lugares. Y el más pobre pues sabrá encontrar la riqueza en otras cosas”.

QUERALT CRECIÓ mirándose en las mujeres de su alrededor, fijándose en la gente en el metro, quebrando prejuicios y buscando libertades. “Yo te juro que hice este disco porque a mí de pequeña me habría gustado recibir una obra que pudiese

abrazar. Porque yo me crie en un barrio muy pequeño en los noventa donde los divorcios se hablaban… La gente mantenía las relaciones para que la gente no hablase, ‘para que los niños no sufran’. Si tu padre era un padre ausente tenías que mentir. Si tu familia hacía no sé qué, tenías que mentir… Vivíamos en la gran mentira. El tema de las drogas estaba muy mal visto. Si tu padre estaba metido en las drogas estaba mal visto, si te había abandonado estaba mal visto. Pero de esto no se hablaba, era siempre un tema tabú. Y muchas veces te sentías muy sola, pensando qué estaba sucediendo en tu casa”, explica sincera la artista. Una soledad e incomprensión que a día de hoy muchas veces se convierte en una tristeza, que no nostalgia, que ahoga y cuesta superar. Una tristeza que, como dice Queralt, engancha y llega incluso a inspirar a la hora de componer. “La tristeza te quiere para ella, no te quiere dejar ir. En plan ‘Mira la luz, qué bonita es, pero tu aquí conmigo en la oscuridad, donde nadie nos vea’. Es muy puta la tristeza y cuando tú la vives de cerca y sabes lo que es. Es muy difícil salir de ahí, creo que es de las drogas más duras que hay porque al final te atrapa. Y a mí me ha pasado ya varias veces. Cuando estaba componiendo este álbum tuve un sentimiento de tristeza en el que casi paro de crear el disco. Dije ‘Paro todo, dejo de hacer música’. Porque era la primera vez que paraba de hacer música, conciertos y me di cuenta de que estaba

mal. Yo le decía a mi equipo que no sabía si quería hacer esto. Solamente sabía que yo estaba mal. Pero volví a reconectar con la tristeza, y me dije ‘Me cago en la puta que cada vez que hago una canción me viene a visitar’ [risas]”.

El mundo poético

ESO SÍ, SIEMPRE le quedará el amor que tantas veces le ha salvado. El amor a la vida, a la amistad que tiene con su madre, a las nuevas ilusiones… Explica que siempre fue una niña a la que le encantó dejar volar su mente y que por ello la poesía siempre ha sido como una especie de refugio en su día a día. “El mundo poético es un mundo en el que caben otros mundos que no existen. Y a mí, de pequeña, me parecía muy hermoso imaginarme otros mundos en los que no vivía. Mi madre ha fomentado mucho eso, que leyese, que jugase con la creatividad, y eso me ha dado muchas alas. Es por eso que el amor es un tema que está tan presente en el disco, porque, como decíamos, es lo que nos salva”. Esta nueva etapa supone una enorme apuesta para Queralt en la que vuelve a ser artista independiente. Un disco tan ecléctico y amplio como ella, cuyas bases nacieron para hablar de las emociones, de momentos muy concretos que marcaron su vida. “La idea inicial era que cada tema representara un momento y lo que sentí viviéndolo. Por eso, ‘Santa Rosa’ sería el primer amor de verano; ‘19/17’, la despedida

“

“La tristeza te quiere para ella, no te quiere dejar ir”

que nunca pude hacer; ‘Corazón’, la celebración a la relación tan especial que tengo con mi madre y ‘Favorosa’, palabra que no existe, un mensaje a toda esa gente de los barrios y a la mujer que puede con todo, que lucha por salir de la miseria, que tiene una luz especial”. Comienza un nuevo viaje lleno de retos, y esperemos buenos momentos, que por lo pronto va a llevarla este verano a presentar el disco en el Lollapalooza Argentina. “Siento que este álbum es muy especial y sé que me la juego, porque ya me he dado cuenta de cómo funciona la cosa. Me he dado cuenta de que no es tanto el talento que tengas, o la masa que le pongas a tu arte, sino también la lucha interna por las majors que andan ganando todo el rato. Y ya me he dado cuenta de quienes son los que ganan. Pero, solo espero que la gente pueda llegar hasta esta obra y la abrace”.

ÁLEX JEREZ

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EN CONCIERTO

l Madrid 05 abril. Chapinerìa, Sesión Vermú

l Barcelona 17 mayo. Festival Maleducats

l Málaga 23-24 mayo. Oh See!

l Lanzarote 07 junio. Sonidos Liquidos

l Gandía 14 junio. Marquesa Concerts

l Oviedo 20 junio. VESU l Madrid 05 julio. Río Babel

LA MÍA

La unión hace la fuerza

LO SÉ. POR LO GENERAl los asuntos del sector profesional suelen traer sin cuidado a nuestros lectores, pero ocurre que el sector profesional también está entre esos lectores, aunque la cifra solamente suponga un minúsculo tanto por ciento. Así que va por ellos y ellas. Vivimos en un mundo en el que desprestigiar está a la orden del día. Da la impresión de que prácticamente es deporte nacional el desmerecer obsesivamente el trabajo de los demás. Y claro, la crítica musical es para algunos un ente obviable, un ente sin peso, un ente al que nadie presta atención, mientras se empapan de todo lo que va apareciendo en medios para luego colgarlo a toda prisa en redes sociales. Ellos y ellas también son pocos, pero ahora mismo estamos en ese momento absurdo en el que ser un particular te da una credibilidad a prueba de bombas, mientras que las cabeceras representan una suerte de enemigo a batir. Lo dicho, una absurdidad. Se equivocan de enemigo, mientras trabajan gratis para los grandes propietarios de las redes sociales en favor de una “marca personal” que en la mayoría de los casos acaba difuminándose por agotamiento tras un tiempo de esfuerzo. Quienes así actúan deberían saber que quienes están tras los medios independientes se lo toman muy en serio a la hora de escribir, a la hora de darle peso a tal o cual artista, etcétera. Por eso, aunque solamente vaya a interesar a ese minúsculo tanto por ciento de profesionales de los que hablaba al principio, ha sido tan importante que se haya celebrado finalmente en Madrid el I Congreso de la Prensa Musical, de la mano de la PAM (Periodistas Asociados de Música), con el respaldo de la AIE (Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España) y la Fundación SGAE. Porque debemos compartir experiencias, dudas, problemáticas y retos, tomar consciencia del papel que jugamos y sobre todo unirnos aunque representemos cabeceras distintas, aunque las situaciones y realidades sean distintas. Solamente los sectores que se unen consiguen hacerse fuertes y evolucionar por un camino mejor. En este primer congreso se plantearon temas como qué es o no periodismo musical, la ética del sector, la competencia, la precariedad, la financiación, los nuevos formatos, etcétera... Y todo ello con periodistas venidos desde distintas partes de la geografía estatal, aunque el congreso se celebrase en Madrid. De hecho, incluso una de las charlas se centró en “¿Cómo hacer periodismo musical desde provincias?”. Todavía quedan muchos temas por tratar y muchas cosas que mejorar, pero ya se ha dado un primer paso que, esperemos, sea el primero para encarar un largo camino que nos lleve a un lugar mejor. JOAN S LUNA

ENTREVISTA

Grande Amore continúa azotando la escena desde Galicia con “III” (Ernie, 25), un disco que incide en ese electro-punk marca de la casa, ahora enriquecido a conciencia con distorsiones y fuzz. Nuno Pico, definitivamente amparado por mariagrep y Clara Redondo, cumple con él su plazo de nueva entrega cada dos años.

— TEXTO Raúl Julián

— FOTO Esther Estévez

“III” ES UN TRABAJO que mantiene la esencia cada vez más reconocible del trío, al tiempo de lucir con orgullo algunas novedades palpables en su sonido. “Este es nuestro disco más ruidoso en el sentido tradicional del término: noise rock de guitarras distorsionadas y con mucho fuzz”. También puede entenderse como el más oscuro hasta la fecha con la firma del combo. “Siempre ha habido un componente importante de oscuridad en las canciones de Grande Amore, incluso en las que a priori podrían parecer más ‘poperas’, pero creo que este es el trabajo en el que más se busca y manifiesta de forma explícita esa oscuridad”. Al mismo tiempo, “III” es un disco más variado y oxigenado estilísticamente, algo que, según reconoce Nuno, parece haber sido premeditado. “El primer disco de Grande Amore fue el punto de partida de una carrera, sin ninguna expectativa clara sobre qué podía esperarse y con las canciones apuntando el tiro en varias direcciones. En el segundo teníamos mucho más claro lo que queríamos hacer y cómo hacerlo. Con ‘III’ ha sido como volver a empezar, porque nunca nos habríamos enfrentado al proceso de hacer un disco de rock (que, para nosotros, es lo que es este disco), saliéndonos más que nunca de la electrónica”.

EL DISCO INCLUYE las colaboraciones de David Ruíz (La M.O.D.A.) en “Se te volvo a ver” y de Nacho Vegas en la magnífica “Ti máis eu”, una canción que apunta al universo de Spacemen 3. “Es tan loco que Nacho se haya sumado a colaborar en esta canción que creo que realmente aún no lo hemos asimilado. Parece que ni ha pasado. Yo tengo muchísimo miedo al rechazo y no quería pasar por una situación en la que Nacho me dijese que no y luego estar tres días físicamente mal. Pero Nacho aceptó y fue majísimo. Fue todo tan fácil y tan de cara que juro que me da la impresión de que no ha pasado. ¡Ojalá el tema se pareciese aún más a Spacemen 3 de lo que se pueda parecer ahora! Son uno de los mejores

grupos que ha habido en la historia”. NUNO Y GRANDE AMORE vuelven a apostar por el gallego como hilo conductor del álbum, un idioma que, en sus manos, resulta del todo universal. “En realidad todos los idiomas lo son, por lo menos en la música. ¿Cuánta gente ha escuchado a Sigur Rós y le flipa, aun usando la banda un idioma inventado? Y yo de chaval flipaba con Led Zeppelin, cuando no tenía ni idea de lo que decían en las letras. En la música entran en juego códigos y lenguajes que van mucho más allá de lo puramente verbal”. Grande Amore son un trío desde hace tiempo, con la inclusión ya asentadísima de las mencionadas mariagrep y Clara Redondo. “Creo que Clara y María son, en muchos aspectos, un contrapunto a mi forma de ser, lo que hace que nos compenetremos muy bien. Ellas aportan una visión mucho más fresca, naif y popera al proyecto. Yo estoy cada vez más cerca de convertirme en un señor quemado, pureta y absolutamente intransigente con todo lo que no sea rock en mayúsculas. Y siempre ayuda tener cerca a gente como Clara que se pone físicamente enferma cuando escucha Motörhead porque no soporta el ruido”.

Animal de escenario

NUNO ES UN TIPO afable, divertido, chispeante y que, cuando lo tienes delante, desprende bondad. Una personalidad que contrasta con ese tipo eléctrico y casi agresivo en el que se transforma en directo. “Eso es por el rol que me fue asignado en el grupo: Clara es el científico del grupo, la persona que aporta datos sobre cosas. El mago en los juegos de rol. María es el matón, el guerrero. Yo sería el que hace los chistes, como el loco del Equipo A, y el que primero acaba muriendo en la historia”. El caso es que, al contacto con las tablas, la chispa prende y el entrevistado se transforma en un animal escénico. “Curiosamente, a mí lo que me cuesta no es estar en el escenario sino la vida real. Me parece más

GRANDE AMORE

“

“Estoy cerca de convertirme en un pureta absolutamente intransigente con todo lo que no sea rock en mayúsculas”

complicada la performance de ir a comprar el pan o tener que llamar por teléfono a mi gestoría que subirme al escenario a cantar. Ahí me da la impresión de que todo contribuye al show, que todo suma pase lo que pase. Sin embargo y por ejemplo, en la gestoría... el asunto ya se pone más feo”. Lo que está claro es que los escenarios son el hábitat natural de Grande Amore, tal y como puede atestiguar todo aquel que haya quemado suela en alguno de los conciertos del grupo. “Ahora somos tres personas haciendo ruido con guitarras, pandereta y un órgano... Es mucho más rockero y menos freak. Es lo que a mí me parece y lo que intento conseguir. Creo que a la gente que nos viene a ver le pasa un poco como a nosotros, que agradecemos la presión sonora, el ruido y la distorsión porque toda esa masa de frecuencias y acoples hace que no escuchemos la voz de la ansiedad. Dicho así suena medio apocalíptico, pero yo lo creo de verdad. Por otro lado, tengo pánico real a acabar aburriendo a la gente, cosa que por otro lado es inevitable”. R J

R

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EN CONCIERTO

l Oviedo 05 abril. La Salvaje

l Toledo 11 abril. Sala Pícaro

l Málaga 12 abril. Sala Marte

l Valencia 25 abril. Loco Club

l Barcelona 26 abril. Club Sauvage

l A Coruña 01 y 02 mayo. Mardi Gras

l Burela 03 mayo. Mía Disko

l Vigo 09 mayo. Fábrica De Chocolate Club

l Granada 23 mayo. Planta Baja

l Sevilla 24 mayo. Sala Malandar

l Benidorm 25-27 julio. Low Festival

l Bueu 01 mayo. Sonrias Baixas

l Torremolinos 20-23 mayo. Canela Party

l Santiago 31 octubre. Sala Capitol

“Puedes amar u odiar mi carácter vocal, pero tiene algún tipo de personalidad”

Dean Wareham Marca de agua

Galaxie 500, Luna, Dean & Britta y una generosa carrera en solitario. La trayectoria de Dean Wareham es apabullante y suma ahora un nuevo disco bajo su propio nombre, “That's the Price of Loving Me” (Carpark, 25), en el que vuelve a mostrar sus (encantadoras) peculiaridades artísticas. Y lo mejor es que vuelve a España para presentarlo.

DEAN WAREHAM es uno de los grandes nombres del indie norteamericano, tras su paso por los seminales Galaxie 500 y posterior reinvención en Luna. También ha publicado discos junto a su mujer (y ex Luna) Britta Phillips como Dean & Britta y acumula una interesante carrera en solitario que ahora suma “That's the Price of Loving Me”. Un disco especialmente sedoso, casi susurrado, que transmite vibraciones positivas y, de algún modo, tranquilidad. “Mi voz es bastante íntima, canto muy cerca del micrófono. Supongo que es un disco calmado, aunque hay algunos momentos ruidosos y erupciones en la guitarra eléctrica”. Una de las ilusionantes peculiaridades de este nuevo trabajo recae en el

reencuentro de Wareham con el productor Kramer, tras los mandos en los discos de Galaxie 500 y elemento fundamental en aquel sonido clásico del combo. “Me di cuenta de que no íbamos a estar haciendo música para siempre, así que tenía que ser ahora. Fue extraño y maravilloso volver al estudio con él, ya que realmente mis primeras experiencias formativas en estudio fueron juntos. Grabamos el disco en seis días porque no perdemos el tiempo, mientras que hay gente que evita tocar mientras pasa horas decidiendo qué guitarra conectar a qué amplificador”.

ESTE ES YA EL CUARTO ÁLBUM en solitario del autor. “Estoy trabajando más duro en las letras y las estructuras de acordes también son más complejas que en mis primeras canciones con Galaxie 500 o Luna. Britta dice que este disco es el mejor, que ya es algo”. Lo cierto es que, en cuanto suenan los primeros acordes de la canción que abre, resulta obvio que se trata de una obra con la impronta de Wareham, en lo que viene siendo una auténtica marca de agua por parte del músico. “Mi forma de tocar la guitarra, que es limitada, pero de alguna manera reconocible y mi carácter vocal: puedes amarlo u odiarlo, pero tiene algún tipo de personalidad”. Hace pocos meses vio la luz “A Peace Of Us” (24), el disco de temática navideña de Dean & Britta con Sonic Boom. Al menos desde fuera,

podría parecer que Wareham es alguien que huye pavorosamente del aburrimiento. “A veces está bien aburrirse. Honestamente, no me considero tan productivo y veo a otras personas que escriben treinta canciones cada año. Pero sí que tengo la capacidad de empezar y terminar discos, mientras que hay gente que no puede hacerlo y solo habla de hacer música. Ahora estoy en ese punto en el que no sé cuántos discos más haré ni, siendo realista, cuántas giras internacionales más me quedan. Viajar por Europa en una camioneta, tocar ocho conciertos seguidos, etcétera, es un trabajo duro. Aunque en realidad llevo diciendo eso durante años, a los cuarenta, a los cincuenta, a los sesenta... y sigo haciéndolo. En esta gira seremos una banda de cuatro y tocaremos una mezcla de canciones que abarque toda mi carrera”.

RAÚL JULIÁN

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Bad Religion Leyendas del punk rock

Rozando la sesentena, los miembros de Bad Religion no se bajan del barco ni le ven el final a una travesía que comenzó hace más de cuatro décadas. Lejos de ello, la banda californiana hará gala de su infinito vigor por seis ciudades de nuestra geografía con motivo de su gira

lo que la banda tiene que ofrecernos próximamente. De hecho, según cuenta Baker, también andan inmersos en un nuevo disco. “Este año vamos a pasar más tiempo en casa creando que subidos a los escenarios, ya que tenemos la cabeza puesta en nuestro siguiente capítulo”, advierte el guitarrista, consciente de que

You Want”

“45 Years Doing What

TEXTO Fran González

“LA ACTITUD que afrontamos esta gira se resume en una única palabra y es gratitud”, afirma Brian Baker, guitarrista de la formación, que nos recibe desde el otro lado del charco para charlar y recapitular sobre lo que han supues to para ellos estos cuarenta y cinco años de puro punk. “Si esto ha sido posible es por la gente que nos ha apoyado y ha mantenido vivo el vínculo durante estos cuarenta y cinco años. Sin ellos, no habría absolutamente nada que celebrar”.

COMO ANTICIPO de lo que veremos en esta gira de celebración, el guitarrista nos adelanta algunos planes de la banda. “Queremos que esta gira sea una máquina del tiempo para el público. Una excusa para ofrecer una visión más o menos objetiva de cómo ha evolucionado la banda, con canciones de ayer y de hoy”, dice. “Ju garemos con nuestra dis cografía y nos lo pasaremos muy bien. Tenemos la intención de tocar un setlist único e irrepetible para cada ciudad, haciendo así la experiencia más personal para los asistentes”. Aunque la gira no es todo

Religion

para seguir en activo. “El punk, ante todo, tiene que ser divertido y no debe quemarte. No nos hicimos punks para acabar trabajando a destajo [risas]”. Sin embargo, Baker no parará quieto este año y también nos habla de sus intenciones de lanzarse pronto a la edición bibliográfica con un libro de fotografías propio.

cámara he estado tomando fotografías de prácticamente todo lo que rodea mi día a día. Nada glamuroso, ni especialmente interesante, simplemente pequeños retazos de mi vida personal y profesional. Y finalmente me he decidido a recopilarlas en un libro fotográfico titulado “The Road” que se publicará este año a través

, este año también nos traerá uno de los capítulos más oscuros de la historia sociopolítica de su país, que ya ha comenzado a escribirse con la pluma del retroceso ideológico en ristre. “Me siento horrorizado y avergonzado”, nos responde cuando le preguntamos sobre la victoria de Trump y su toma de posesión. “Nos hemos dado cuenta de la peor forma de que en nuestro país hay ciudadanos mucho más crueles y desinformados de lo que creíamos. Pero lo realmente desalentador de todo esto es que Estados Unidos no es único en su especie y el ‘trumpismo’ no solo está ocurriendo aquí. Está pasando en España, en Italia, en Hungría, en Alemania... Ante el auge de la ultraderecha lo único que podemos hacer como ciudadanos es resistir. No es tiempo para el desánimo sino para la acción”.

“Siempre he creído y creeré que el punk significa lucha”, apunta Baker, quien trata ante todo de sacar una lectura positiva de las circunstancias. “Quizás suene un poco masoquista, pero de las situaciones menos favorecedoras salen las mejores canciones, y estoy convencido de que

“

“Si eres auténtico, el punk envejece contigo y nunca desaparece”

quien verdaderamente se identifique con los valores del punk, sabrá sacar música brillante de estos tiempos tan oscuros”. Las palabras que Brian Baker nos regala son tan lúcidas y apasionadas que instantáneamente sentimos la necesidad de desear cumplir años de la misma forma en que la banda lo hace. ¿Es posible envejecer con dignidad dentro del punk y conservar nuestros ideales o estamos condenados a terminar mostrando nuestra cara más conservadora? “No nos equivoquemos y llamemos ‘conservador’ a lo que simplemente es ser una mala persona”, apunta el guitarrista. “Mucha gente, cuando envejece, comienza a temer por su seguridad y su respuesta ante los hechos es protegerse con odio y rabia, y eso no tiene justificación ideológica posible. En lo que a mí respecta, cada año que pasa soy más punk y mi forma de ver el mundo apenas ha cambiado desde que era joven. El punk no es solo un género musical, es también una forma de pensar y de actuar. Un modo de vida desinteresado de aproximarse al resto y de construir una comunidad con valores. Si eres auténtico, el punk envejece contigo y nunca desaparece”. R J

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l Barakaldo 09 mayo. BEC Bizkaia Arena

The Horrors Nuevo comienzo MONDO

Siete años son una eternidad en este presente atropellado. Es lo que han tardado The Horrors en dar con su sexto álbum, aunque nos brindasen algún epé de por medio. Pero finalmente aquí lo tenemos, “Night Life” (Fiction/ Virgin, 25). Además lo vienen a presentar a nuestro país, lo cual siempre es una grata sorpresa.

LA DICHOSA PANDEMIA (qué ganas de dejar de teclear esa palabra) y algunos cambios en su formación han tenido parte de culpa de esta larga espera, aunque es cierto que en 2021 los británicos publicaron un par de EP’s, “Lout” y “Against The Blade”, prorrogado luego con el reciente “Ariel” (25). Entró la teclista Amelia “Millie” Kidd reemplazando a Tom Furse, y el batería Jordan Cook en el lugar que ocupaba Joe Spurgeon. Siguen, cómo no, Faris Badwan a la voz, Rhys Webb (Spider Webb) al bajo y teclados y Joshua Hayward (o Joshua Von Grimm o Joshua Third) a la guitarra. “Night Life” (Fiction/Virgin, 2025) ha contado con la producción de Yves Rothman (Yves Tumor, girl in red, Kali Uchis, Amaarae) en Los Ángeles, y es seguramente el más equilibrado entre las dos pulsiones que han definido su carrera hasta ahora: la orgánica y la electrónica. Hablo de todo esto con Faris Badwan a través de la pantalla del PC. Para empezar, se ha gestado en su seno un cambio de dinámica, en el que también tuvo que ver la incorporación de Amelia Kidd a los teclados (“aporta unas habilidades diferentes”, afirma), y que es lo que también ha generado que un disco que en principio iba a ser “mayoritariamente electrónico”, girase ligeramente su rumbo al final porque “le faltaba algo de conexión humana, la soltura que emana de más instrumentos reales”.

PESE A SU CARÁCTER marcadamente británico (el punk en su vena gótica y el synth pop de Psychedelic Furs o los primeros Sim-

ple Minds fueron siempre sus nutrientes más evidentes), The Horrors han grabado en Los Ángeles, inagotable fuente de inspiración merced a sus acusados contrastes. ¿Algo de su carácter se filtró? Faris Badwan no lo evidencia en su respuesta, pero sí asume que el entorno importa. “Me gustan los discos en los que puedes sentir elementos del carácter de la ciudad en la que se grabaron: había muchas gaviotas en un nido del tejado del estudio de Geoff Barrow donde grabamos ‘Primary Colours’ (09), y me gustan esos pequeños detalles, que son los que hacen que tu obsesión sea única, irrepetible”, explica.

“NIGHT LIFE” coincide con el veinte aniversario de The Horrors, por increíble que parezca ya. Si a nosotros se nos ha pasado rápido, imaginaos a ellos. “Es curioso, porque siento como si lleváramos toda la vida, pero al mismo tiempo como si no lleváramos nada: éramos muy jóvenes cuando empezamos. Yo solo tenía dieciocho en nuestro primer concierto y me parece muy loco que hayan pasado veinte

años”, dice. Una efeméride que va a coincidir con sus conciertos españoles. Un país en el que suelen disfrutar tocando, desde aquel accidentado debut en la Moby Dick madrileña en 2007, que Faris aún recuerda con cierta sorna, como su particular versión del “si ya saben cómo me pongo, pa qué me invitan”. “Bueno, a veces lees historias sobre algunos conciertos que son exageraciones, pero aquel bolo en Moby Dick fue realmente loco: éramos muy agresivos, pero en realidad estábamos alimentándonos de la energía del público y no fue nuestra culpa que siete personas acabaran en el hospital”, dice sonriendo como si no hubiera roto en su vida un plato, antes de reconocer que tiene muchas ganas de volver a España. —

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“Éramos

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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El líder de Porcupine Tree tiene nuevo disco en solitario. “The Overview” (Virgin Music, 25), octavo en su cuenta particular, puede verse como un compendio de su apertura de miras. Esta vez, desde la inmensidad del espacio y poniendo a la especie humana en perspectiva.

EL HIPERACTIVO MÚSICO británico es un hombre tan sensato como apasionado, de modo que los veinte minutos que pasamos con él por Zoom se pasan volando. Empieza reflexionando sobre el punto de partida del álbum, la fuerte impresión que deja en los astronautas contemplar nuestro planeta desde el espacio, el “efecto de visión general”. “Cuesta mirar el mundo en su estado actual y no ver que, hasta cierto punto, la especie humana ha perdido el rumbo. En términos relativos a la existencia de la Tierra, llevamos aquí unos segundos de un día de veinticuatro horas. Y aún así, tratamos al planeta como si fuera nuestro, como si fuéramos sus custodios. Con la tecnología moderna nos hemos vuelto muy narcisistas. Estamos obsesionados con nosotros mismos”, reflexiona. Esto implica que “nos pasamos la mayor parte del tiempo viéndonos re-

Steven Wilson El astronauta que mira la Tierra

“Con la tecnología moderna nos hemos vuelto muy narcisistas”

flejados en el espejo de las redes sociales e Internet. Y hemos dejado de mirar arriba, a las estrellas. Pasamos demasiado tiempo mirando hacia dentro. Ocupamos una parte infinitesimal, diminuta. Cuando empiezas a hacer números y a tener una idea de lo minúscula que es la especie humana, y que llevamos aquí unos momentos en términos cósmicos, creo que cambia cómo ves esa cosa tan maravillosa que es el regalo de la vida. La vida es maravillosa, pero muy corta y bastante insignificante. Sin embargo, todas estas cosas pueden ser positivas si las reconoces. La idea es fascinante y se resume en una sola palabra: perspectiva: ten cierta perspectiva sobre tu vida y la de la raza humana, y el lugar que ocupamos en el espacio y el tiempo. Entonces verás que un montón de cosas por las que nos enfadamos muchísimo y empezamos guerras, en realidad, no importan”.

“THE OVERVIEW” funciona como viaje futurista estructurado en dos grandes segmentos musicales, en los que distintos pasajes van fluyendo entre el rock progresivo, los toques de metal, las texturas electrónicas y el post-rock cinemático. En las letras del primer bloque ha colaborado Andy Partridge (XTC). Wilson admite que en este nuevo disco confluye todo lo que ha venido haciendo en tres décadas de trabajo intensivo. Aunque asegura no pensar en ello de modo consciente. “Llevo haciendo

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discos más de treinta años, y tengo establecido un sonido bastante ecléctico. Puede variar de electrónica a riffs de metal, música más de autor… Todo eso acaba entrando. Pero hay un sonido reconocible que creo que es mío”. Por otro lado, el británico es uno de los paladines de la superación del estéreo como estándar sonoro desde hace décadas. De hecho, “The Overview” tiene versión Blu-ray y podrá ser disfrutado en una premiere en un cine IMAX. “Creo que la música tiene que ir hacia delante, evolucionar. El estéreo ha sido el estándar de facto durante mucho tiempo. ¿No es hora de pasar página? Llevo quince años muy interesado por el audio espacial y el surround. He pasado tiempo trabajando con el Surround Sound 5.1 y el Dolby Atmos. Te puedo asegurar que cuando la gente escucha música en un audio espacial, le cambia la cara”. JC PEÑA

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l Barcelona 12 junio. Paral·lel 62 l Madrid 13 junio. La Riviera

Observatorio Mondo Sonoro

La música como forma de resistencia

La música popular está repleta de historias y creencias que aceptamos sin cuestionarlas un ápice. Edificamos mitos que, a la vez, construyen lo que somos y dan sentido al mundo que nos rodea. Sin embargo, pocas veces, o casi nunca, nos detenemos a pensar sobre su origen y tampoco a por qué los abrazamos tan fácilmente.

EN LA MÚSICA, los mitos/relatos cumplen diversas funciones: nos ayudan a navegar el caos sonoro, nos proporcionan identidad y establecen jerarquías que determinan qué música es “mejor” o más “auténtica”. Son

arquitecturas de poder que naturalizan ciertas narrativas mientras silencian otras: Los medios de comunicación, ávidos de narrativas simplificadas. Un sistema educativo que busca perpetuar cánones obsoletos. Académicos y etnomusicólogos que perpetúan la visión sobre la autenticidad de ciertas formas musicales. Documentalistas y biógrafos construyen narrativas que califican a los músicos como “genios”. La sociedad que eleva a las figuras musicales por encima del resto. Incluso los músicos, que cuando se distancian de la vida cotidiana de sus oyentes, contribuyen a la creación de una imagen mítica de ellos mismos. Todos somos cómplices de construir el Olimpo que nos guía. También la revolución digital, que ha creado nuevos guardianes y dioses, eso sí, algorítmicos y que premian la uniformidad.

EN ESTE CONTEXTO, la “autenticidad” se ha convertido en un valor fetichizado, a menudo utilizado como coartada para un clasismo cultural soterrado. En España,

este mecanismo ha transformado el flamenco en fetiche turístico y el indie en marca de distinción social. Pero… ¿y si la genialidad, la verdadera pureza o la autenticidad estuviesen en realidad en otro lugar? Quizás, si prestamos atención, podremos escuchar los primeros acordes de una revolución mitológica en las micro-resistencias de artistas que se atreven a desafiar lo convencional, que priorizan quienes son realmente sobre la imagen prefabricada de ellos mismos que otros quieren construir y que utilizan sus plataformas para cuestionar las estructuras de poder que sujetan hoy la industria musical.

EL DÚO CA7RIEL Y PACO AMOROSO cuestionan la obsesión por la viralidad y la pérdida de autenticidad en pos de la fama a través de su proyecto “Papota”. Desde él exponen las contradicciones de un sistema que exige “autenticidad” mientras impone estándares imposibles de belleza y éxito. Rojuu o Rakky Ripper ignoran los formatos virales, a pesar de que su visibilidad dependa de cuánto se plieguen a las reglas del juego. Amaia, tal y como se señala en un artículo publicado en El País hace unas semanas, “ha redefinido lo que significa ser una estrella pop en nuestro país, manteniendo una imagen más natural y cercana, experimentando con diversos géneros musicales y dosificando sus apariciones públicas”.

ESTOS SON SÓLO ALGUNOS EJEMPLOS de hacia dónde debemos caminar. Quizás sea el momento de abandonar la búsqueda de “genios” para centrar nuestra atención en nuevas prácticas y en las expresiones que nacen desde los márgenes. La música tiene el poder de ser mucho más que un escaparate de mitos; puede convertirse en un espacio para la resistencia, la transformación y la creación de nuevas narrativas. Como dice Marina Garcés, no necesitamos nuevos héroes, sino nuevas formas de heroísmo colectivo. En esta revolución mitológica que apenas comienza, cada uno de nosotros tiene un papel que jugar: como oyentes críticos, como creadores conscientes y como participantes activos en la construcción de un panorama musical que desarme las jerarquías. Al fin y al cabo, el verdadero poder de la música radica en su capacidad para conectar, cuestionar y transformar.

UXUE PEÑAGARICANO (CÉLULA LAB)

El Observatorio MS cuenta con el apoyo de Johnnie Walker (Diageo), BIME, RootedCon, AiE y Espacio SOLO/LeCluf Music.

MONDO FREAKO

trashi Hipermnesia

A finales de enero, trashi lanzaron su esperado álbum debut, “Me acuerdo de todo” (Vanana Records, 25). Para charlar sobre el disco nos citamos en las oficinas del sello que les publica con Luz (guitarra) y Sergio (voz y guitarra).

“

ME ACUERDO DE TODO” está compuesto de canciones que trashi han escrito durante los dos últimos años, además de temas que han recuperado de cuándo se formó el grupo. “Parece que llevamos haciendo el disco desde que empezó el grupo. Nunca hemos dejado de componer, por eso hay canciones de 2020”, continúa Luz. Por su parte, Sergio se sincera sobre la industria. “Hay un poquito de presión por sacar música continuamente. Estar un tiempo sin tener presencia musical en la escena da un poco de miedo. Pero al mismo tiempo sentimos que nuestro último EP, lo sacamos un poco apresurado”. “Me acuerdo de todo” es lo más “trashi que podíamos hacer”, comenta Sergio. Gracias a recuperar temas antiguos, han vuelto a cómo hacían las cosas al principio

sonoridades. “Es un disco que se nutre mucho del recorrido que ya hemos tenido como banda. A la vez nos vale para empezar algo totalmente nuevo”, señala Luz. Con el disco recién publicado, y por haber trabajado de este modo, ya están pensando en su siguiente material. Sergio confiesa que ya están pensando en cómo hacerlo. “Nos molaría empezar a trabajar con gente de fuera, productores que trabajan el sonido que nos mola a nosotros”.

Y ES QUE ESTAS CANCIONES son las primeras en las que han contado con más personas en la composición, ya que siempre habían preferido estar los cuatro solos “por la vergüenza de tener a más gente en el estudio”. En cuanto a esas personas con las que han contado, está gente como Innercut –productor con el que llevan trabajando desde el principio–, Daniel Sabater –como compositor y productor–, Pau Paredes –en composición– y Zahara y Chelsea King participando en “Uno más” y “Dime Baby” respectivamente. “Con Dani ya habíamos trabajado en varias ocasiones y tenemos intención de sacar una colaboración, pero todavía no ha llegado la canción indicada”. Aunque pueda dar la impresión de que “Dime Baby” es su primera canción

To The Moon –como fun fact participaron en la Demoscópica de Mondo Sonoro en 2018–. “Siempre tuvimos esa espinita de querer colaborar con alguien de fuera. Nos habría dado un coma con catorce años al tener una colaboración con Chelsea”, dice Luz emocionada. “Es un sueño cumplido para nosotros”, comenta Sergio. Ambos solamente tienen cumplidos y buenas palabras para la estadounidense, a quien esperan conocer en persona. Lo mismo que con Zahara. “Nos ha gustado siempre y es la reina de España para mí”, apunta Sergio. Aunque todos compartan una visión común del sonido del grupo, cuentan con gustos musicales muy amplios. “Hemos hecho colaboraciones más urbanas como la de Pedro LaDroga, otras con sonidos más britpop como Chelsea y hemos tocado el indie con la reina del indie, Zahara”, explica Luz. —ISABEL SANTOS

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EN CONCIERTO

“Hay un poquito de presión por sacar música continuamente”

MUERDO

SINVERGÜENZA

10/10/24 Guadalajara (MX)

11/10/24 Ciudad de México (MX)

12/10/24 Puebla (MX)

13/10/24 Monterrey (MX)

16/10/24 Bogotá (CO)

17/10/24 Pereira (CO)

18/10/24 Medellín (CO)

22/10/24 San José (CR)

25/10/24 Quito (EC)

27/10/24 La Paz (BO)

30/10/24 Lima (PE)

08/11/24 Quilpué (CL)

09/11/24 Santiado de Chile (CL)

14/11/24 Montevideo (UY)

15/11/24 Buenos Aires (AR)

16/11/24 Córdoba (AR)

17/11/24 Rosario (AR)

22/11/24 Asuncion (PY)

11/01/25 Murcia (ES)

31/01/25 Madrid (ES)

25/01/25 Sevilla (ES)

07/02/25 Ermua (ES)

14/02/25 Valencia (ES)

21/02/25 Barcelona (ES)

11/03/25 Montpellier (FR)

12/03/25 Paris (FR)

14/03/25 Rotterdam (NL)

15/03/25 Brussel (BE)

16/03/25 Amsterdam (NL)

18/03/25 Cologne (DE)

19/03/25 Berlin (DE)

12/04/25 Albacete (ES)

02/05/25 London (UK)

17/05/25 Alicante (ES)

05/06/25 León (ES)

12/06/25 Granada (ES)

14/06/25 Almería (ES)

21/06/25 Zaragoza (ES)

27/06/25 Madrid (ES)

Perder el miedo L.A.

Luis Albert Segura vuelve con L.A. y vuelve con “A Modern Odyssey” (L.A./Virgin, 25), un trabajo que no le tiene el miedo a sonar accesible y a reactualizar su propuesta.

TEXTO Sergio Ariza

FOTO Alicia Blanch

LUIS ALBERT SEGURA las ha visto de todos los colores en los últimos seis o siete años. Primero puso en parón su proyecto principal, L.A., y sacó un disco en solitario, luego le pilló la pandemia y decidió reactivar poco después L.A. con “Evergreen Oak” (21), un disco en el que sacaba a relucir su vena de pop más clásico, de influencia de The Beatles y del folk rock, luego llegó a hacer gira aniversario del disco que le cambió la vida, “Heavenly Hell” (09), y ahí Segura se ha reencontrado con su vena más comercial y menos intimista y ha tratado de meterse de lleno en ella con este ambicioso “A Modern Odyssey” que no es un “Heavenly Hell II” sino más bien su reactualización para 2025, cogiendo influencias de los últimos cinco o diez años como Billie Eilish, The 1975, Post Malone, Childish Gambino o Mac Miller e intentar hacerlas suyas, saliéndose de su zona de confort para entregar un disco del que se siente profundamente orgulloso.

SEGURA SABE que este camino tendrá sus “haters”, porque “el querer aspirar a algo más, el querer llegar a más gente o ver a más gente sonreír, más que solo un nicho, no está bien visto del todo”, pero confía plenamente en algunas de las melodías más pegadizas de su carrera. Los sintetizadores han sustituido a las guitarras y Segura comenta que “A Modern Odyssey” es “un trabajo de laboratorio exhaustivo”. Dice que tanto él como el productor Toni Noguera llevan dos años “poniendo mucho interés y escuchando

cada disco que iba saliendo y ver cómo suenan, quién es el productor, qué sintes han utilizado, para usarlos nosotros”. Reconoce que ha sido un modelo parecido al de “Heavenly Hell”, aunque con nuevas influencias. “Hice algo parecido, después de tres discos intimistas, buscar algo nuevo, y vuelvo a repetir con el mismo productor, en el mismo estudio pero con quince años de diferencia”.

SEGURA ES CONSCIENTE de que es un disco y una propuesta ambiciosa, hecho para ser tocado en vivo en los grandes festivales y no en pequeñas salas con guitarra acústica. “Yo empecé de la forma más intimista posible, con una guitarra acústica en un bareto de noche los lunes, haciéndome dos horas de concierto. Ya lo he hecho, además sé que siempre puedo volver a eso. Pero realmente energía e ilusión para ponerme a hacer lo que voy a hacer con este disco, que es ponerme a saltar y a bailar por el escenario como un mono sin parar, no sé si voy a tener dentro de cuatro o cinco años, pero ahora todavía sí. Esta propuesta está destinada a eso, a un escenario grande en un festival, unas luces potentes y yo saltando de un lado para otro”.

CUANDO LE COMENTO que una canción como “The Fire Glowing” me recuerda un poco a Coldplay y le pregunto qué le parecen los de Chris Martin no se muerde la lengua, se queda solo con el primer disco pero “A mí si me regalan un diez por ciento de su fama me parece fantástico. A ver, siempre vamos a odiar lo que triunfa. Es muy humano y muy indie eso,

pero yo, sin seguirlos, aunque los he oído, creo que crecieron tanto a nivel directo y la grandilocuencia de llenar estadios enormes y luces de sonido sincronizada que eso les llevó a crear música de otra forma. Ya no había un ‘Yellow’ o las cosas de ese primer disco que hicieron que era sensacional”.

ME RECONOCE que lleva tiempo mirando cómo puede hacer para promocionar mejor su música pero ha comprobado que la calidad de la misma ya no es lo principal, ahora mandan las redes sociales. Pero tiene claro que encontrar la fórmula del éxito sigue siendo una quimera. “Es algo que tú desconoces, yo desconozco y nadie tiene ni idea, porque si lo conociéramos todos seríamos millonarios”. También le comento como en este disco

se ha metido por caminos que pueden llegar a recordar al rap y al hip hop como en “Healer” y me ha reconocido que a la hora de componerlo fue un disco “muy rap, porque lo primero eran las bases, Toni [Noguera, el productor] me presentaba unas bases con unas proyecciones de acordes con las que yo nunca había trabajado y en armonías que nunca había trabajado, creando un universo totalmente nuevo”. Le pregunto por las influencias en ese género y me comenta que esa raíz le viene de los discos que escuchaba su hermana a finales de los ochenta y comienzos de los noventa –Public Enemy, A Tribe Called Quest, Run DMC, Arrested Development– y que es algo que se quedó con él. “Hay un nexo porque yo flipaba con aquello. Mi hermana venía con cadenas y pantalones anchos y ahora lo he

“

“He perdido el miedo a querer hacer cosas que gusten a la masa”

redescubierto y lo entiendo, no es un idioma totalmente ajeno para mí. Así que a la hora de crear este disco he llevado cosas de Kendrick Lamar o de Childish Gambino y hemos explorado por ahí con bases y yo cantando encima”. Aunque también hay canción como “Game Over” que es puro Tin Pan Alley, una canción con unos acordes casi jazz que “no se parece a nada de mi discografía. Esos acordes, esa melodía... son cosas que no había hecho nunca, es terreno virgen para mí. Me he salido de mi zona de confort”. S.A.

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Malmö 040 Nostalgia juvenil

“Joder, éramos felices y no lo sabíamos”: a los chicos de Malmö 040 les lleva rondando esa idea desde hace tiempo. En “Cuando éramos felices sin saberlo” (Acqustic, 25) estos amigos de Barcelona destilan la nostalgia mientras arrasan con tres Rivieras agotadas, una colaboración con sus ídolos de la infancia y algún Calippo de por medio.

PEGUERO, JOAN Y VÍCTOR me hacen un hueco entre sus trabajos de oficina para hablar del “mejor segundo disco que podrían haber hecho”. Porque Malmö 040, formado también por Carlos y Gonzalo, son cinco músicos con talento, pero también ingenieros, economistas, abogados, productores… Empezaron en 2018 como participantes de un concierto benéfico de su colegio. Muchas guitarras después de clase y varios bolos más tarde, la banda fue tomando forma. Y ahora no hay más que ver su gira, prácticamente agotada, para comprender el fenómeno que han construido en estos siete años. “Ahora mismo estamos muy contentos, pero con mucha presión… Hemos vendido casi toda la gira sin que la gente haya escuchado el disco”, explica Víctor. Tampo-

co es fácil montar un álbum siendo cinco. “Cinco, a cada cual más cabezota”, comentan entre risas. Quitando alguna fricción que otra, este elepé les ha hecho conocerse mejor y tomarse más en serio el proceso de componer. “Antes era más freestyle”, pero esta vez incluso fueron a un campamento de composición con otros artistas. Eso, sumado a colaboraciones como “Voy a estar”, con la bilbaína Maren, les ha ayudado “a forjar un disco más amplio, con muchos prismas. Quizá no es el paso natural que se esperaba del grupo, pero suena a Malmö”.

UNA COSA VA A QUEDAR CLARo en estas líneas: Malmö 040 son banda. Y son banda para todo. Forman un equipo que se apoya más allá de la música, con un espíritu casi contagioso. Y si “Cuando éramos felices sin saberlo” cobró vida fue precisamente por eso. “Somos un poco nostálgicos, y el concepto del disco viene de valorar los momentos felices que hemos pasado juntos. Al final, ahí está nuestra autenticidad”. Cuentan que el título llegó a ellos al ver a los niños jugar en la playa, comiéndose un Calippo, tan contentos. “Es una sensación tan de todos… De cuando eres pequeño, tan inocente que no sabes que eres muy feliz, y luego creces y te das cuenta de lo feliz que eras. Todas las canciones se retroalimentan de esa idea”. ¿Una generación condenada a vivir en la nostalgia? “Completamente, por la dopamina constante del swipe de TikTok, la rapidez con la que pasan las cosas…”. Su granito

de arena para ralentizar este frenesí son sus canciones, pero admiten que no huyen de las redes. De hecho, dejaron en manos de una encuesta en Instagram qué último sencillo sacar antes del disco. “La comunidad que tenemos en redes es brutal, es algo que siempre vamos a agradecer y que nos ha ayudado mucho”, comenta Víctor, quien maneja el perfil con un objetivo claro: “que no haya prácticamente ninguna diferencia entre artista y público”. En Navidad, mandaron una postal escrita a mano a todos los fans que los tuvieran como Top 1 del Spotify Wrapped. Detalles que hacen que “luego lo que pasa en las salas sea mucho más único”. Y que animan a escucharlos en bucle todo el año, no vaya a ser que en la próxima regalen una cesta con jamones.

CON TANTA CONEXIÓN con el público, no puedo evitar preguntarles si alguna vez han tenido alguna experiencia curiosa. Después de un buen rato riéndose y peleándose por ver quién lo cuenta, Peguero se recompone y me explica qué pasó en un restaurante por Valencia. “De repente, aparecieron treinta chicas de una despedida de soltera gritando “¡Malmö, Malmö!” con un megáfono. Todo el bar flipó. Subimos una historia a Instagram con Carlos cantando con ellas, y a las tres de la tarde empezó a llegar más gente al restaurante por esa historia”. Y después, vuelta a la furgoneta a conducir (ellos mismos, por aquel entonces) hasta el siguiente bolo

“La comunidad que tenemos en redes es brutal, es algo que siempre vamos a agradecer y que nos ha ayudado mucho”

en Almería. “Fue un momento de ‘Ostras, algo está pasando’”, concluyen. Una sensación que se mantuvo en aquel Cooltural de Almería 2024, donde surgió la chispa de su colaboración con Pignoise, “Cuando éramos felices sin saberlo”. Fans de los de “Estoy enfermo” desde siempre, pensaron “¿Qué mejor que hacer un tema que habla de nuestras raíces con ellos?”. Charlaron (aún vergonzosos) con Pignoise en el camerino y meses más tarde, les propusieron la colaboración. “Nos dijeron que sí antes de escuchar el tema, y luego les encantó”. Siguen alucinados al pensar que en su chat, el primer mensaje es de hace mil años, de ellos pidiéndoles versionar “Te entiendo” y el siguiente, de Álvaro Benito felicitándoles por el lanzamiento conjunto.

AHORA, DESPUÉS DE TODOS estos meses de trabajo, “lo último que nos queda antes de disfrutar todo lo sembrado en la gira es profesionalizar mucho el directo. Crear un show más ambicioso porque es el que la gente se merece”. ¿Algún spoiler? “Mucho confeti, sorpresas… y un tigre”. Por más que

CINCO ESENCIALES

les intento sonsacar de qué va eso último, no lo consigo. Habrá que ir a comprobarlo. Al fin y al cabo, “la vida está hecha de pequeños grandes momentos” como los que regalan Malmö 040. MARA GÓMEZ

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EN CONCIERTO

l Valencia 03 y 04 abril. Palau Alameda

l Madrid 10, 11 y 12 abril. La Riviera

l Córdoba 10 mayo. Impala

l Sevilla 16 mayo. Interestelar

l Barcelona 24 mayo. Razzmatazz (Sold Out)

l Pamplona 30 mayo. Zentral

l Bilbao 31 mayo. Kafe Antzokia

l Valencia 07 junio. Festival De Les Arts

l Lleida 14 junio. Magnific Fest

l Baeza 28 junio. Sentir Baeza

l Gran Canaria 03 octubre. Sum Festival

l Murcia 11-12 julio. La Laguna Sound

l Gandía 14-16 agosto. Mediterránea

l Pontevedra 22-23 agosto. Río Verbena Fest

l Burriana 31-03 agosto. Arenal Sound

Enric Montefusco (Standstill)

La gira de retorno de Standstill ha llenado salas de todo el país, además de añadir lustre a diversos festivales. Le preguntamos a su vocalista, Enric Montefusco, por las cinco canciones que definen su trayectoria.

1

Words

(“The Ionic Spell”, 2001)

La rabia y frustración de aquella época se hacen explícitas también en la letra. Trabajábamos en ese momento en una oficina (y otras trituradoras) y sentíamos cómo la vida se nos escapaba de las manos si no hacíamos algo urgente, con nuestros gritos y nuestras palabras.

2

La vieja Gibellina (“Standstill”, 2004)

Esta canción surgió a raíz de una es tancia creativa en Gibellina (Sici lia) con la compañía de teatro La Carnicería. Ese pueblo había sido destruido completamente por un terremoto en los años sesenta y había sido reconstruido con un corte extrañamente utópico, pensado por artistas. La Nueva Gibellina resultó ser otro fiasco en términos sociales pero absolutamente fascinante por su aire fantasmal y poético. Nos pareció una buena metáfora de los vaivenes humanos.

3

Yo soy el presidente de la escalera (“Vivalaguerra”, 2006)

Difícil escaparse de las seducciones del poder (también en la música) incluso cuando el pequeño poder te toca de forma azarosa y ridícula.

4

Hombre araña

(“Adelante Bonaparte”, 2010)

A partir de unas grabaciones reales en cassette de conversaciones con mi padre cuando tenía seis años, retomo una conversación, esta vez musical, veinticinco años después y muchísimos años después de su fallecimiento. El amor nunca muere.

¿Puedo pedir?

“Dentro de la luz”, 2013) Canción central del disco, es el eje conceptual en el que se trata el cambio de signo en la vida de una persona al comprender finalmente que el amor, la plenitud y la riqueza van de la mano de dar y no de recibir. ¿Tenemos derecho a volver a empezar?

EN PORTADA

Lia Kali

Alza el vuelo

Tinc el cor de Barcelona

HACE POCO MÁS de dos años, en marzo de 2023, Lia Kali nos confesaba en una entrevista que lo suyo “empezó como una necesidad que ahora me encanta y ojalá pueda vivir de ello”. Poco imaginaba nadie en ese momento que su primer álbum, titulado de forma premonitoria “Contra Todo pronóstico”, iba a alcanzar la repercusión que luego tuvo, y que la llevaría a ser una de las voces mas buscadas del panorama urbano. De repente, los astros se alineaban y todo el mundo quería tenerla a su lado: Fernadocosta, Rels B, Dellafuente, Cano, Duki, Nampa Básico… Todos buscaban ese contrapunto femenino de su voz, que aunaba a la vez un carácter tan rotundo como delicado. Ese timbre doliente que parte de las entrañas del blues para mostrar un sentimiento atávico que se tiene o no se tiene. Una forma de cantar aprendida también a base de escuchar los viejos discos de jazz y soul de su padre. De Etta James a Billie Holiday, pasando por Aretha Franklin o Sarah Vaughan. Mujeres negras que vivieron, sufrieron y cantaron en una América tan machista como racista. “Todas las que nombras son mujeres que, para mí, han sido referentes que cantaban con una verdad y un desgarro que, cuando las escucho, se me pone la piel de gallina”. No es casualidad, por tanto, que sus primeros pasos fueran en un grupo de versiones de Amy Winehouse. Y tampoco debería extrañarnos que el rap se convirtiera en la otra gran pasión de la catalana. Un proceso de iniciación y descubrimiento que reivindica y nos explica en uno de los temas más personales –todos lo son– de “Kaelis”. Me refiero a esa maravilla titulada, como no podía ser de otra forma, “Júlia”, en la que se lanza a cantar en catalán para fundir su música con –agárrense fuerte– “La santa espina”. Sardana escrita por el gran poeta y dramaturgo Ángel Guimerá, con música de Enric Morera, que viene a ser todo un símbolo de la catalanidad y que fue prohibida

durante las dictaduras de Primo de Rivera y Franco. Una canción en la que Júlia Isern se acuerda con cierta añoranza de sus inicios “les jams amb els de sempre, carrers quan eren nostres, quan va néixer SIBIL. LA, tinc el cor de Barcelona” (Las jams con los de siempre, cuando las calles eran nuestras, cuando nació SIBIL.LA, tengo el corazón de Barcelona). “Tenía ganas de hacer un tema así porque es algo que siento muy fuerte dentro de mí”. Un sentimiento que se ha ido agrandando a medida que su casa se ha convertido en hotel. “Piensa que más de la mitad del año me lo paso fuera, en hoteles y con la maleta a cuestas, pero en realidad yo soy muy de Barcelona. Y mira que me han dicho veces eso de ‘¿Por qué no te vienes a vivir a Madrid que te será todo mucho más fácil?’. Y no sé, me tira demasiado mi tierra, mi gente, mi familia”. Había, por tanto, que dejar constancia de ello. Y es que “Kaelis” es todo un viaje a lo más profundo de Lia Kali o ¿debería decir de Júlia Isern?

Abróchense los cinturones

KAELIS” EMPIEZA con nuestra protagonista enviando una nota de voz a su familia, poco antes de embarcar en una travesía de la que vamos a ser partícipes. Un disco conceptual que viene a narrar lo que ha significado y sucedido en la vida de Lia Kali, desde que, a finales de 2023, viajara a Noruega para grabar el clip de “Sabe a pureza”. Canción que, en cierta medida, sentaba las bases de lo que estaba por venir y que manifestaba de nuevo la sensibilidad de Júlia para escribir unos versos tan bellos que se graban a fuego en la mente del oyente: “El tiempo trajo desde el duelo, extraños dicen te quiero, más que saciarme me vician, sabe a pureza pero huele a desdicha”. Poesía que puede pasar con gran facilidad de lo enigmático y críptico a lo más explícito (“Tengo que dar más, eso esperan de mí, cuando no aguante más, me van a ver partir”) y que ponía sobre la mesa la presión de en-

frentarse en primera persona al siempre difícil segundo álbum. “Me gusta utilizar temáticas que me hayan marcado de forma autobiográfica y que me ayuden más a conectar. Y lo que sucede es que, desde que salió ‘Contra todo pronóstico’, mi vida ha cambiado totalmente. Ahora estoy metida en esto veinticuatro/siete. Viajando, trabajando, viviendo la presión de estar en perpetuo contacto con el público, con tu entorno, con todo. Y este disco recoge estas nuevas emociones que estoy viviendo con todo esto”. Unas emociones que, a lo largo del nuevo disco, ha enmarcado en tres bloques diferenciados con una nota de voz enviada a su familia, y en los que no ha tenido reparo en mostrase tan vulnerable como próxima. “Sí, hubo la tentación de no incluirlas en el disco, pero luego pensé que las notas respaldaban más la idea del concepto que quería transmitir y en cierta medida lo hacían todo más redondo”. Y ¿qué es en definitiva lo que Lia Kali quería contar? “El disco tiene una historia y posee un concepto cerrado. Es un viaje en avión que parte de mi pánico a volar, y por eso empieza con todo ese vértigo que se me ha generado a raíz del éxito. Es una primera parte mucho más oscura, en la cual muestro que no estoy a gusto y en la que hablo de mis miedos. Hablo de la traición que he sufrido durante este tiempo por según qué personas y, en definitiva, hablo de temas bastante densos. Pero de ahí ya me voy a otra parte que viene a narrar qué es lo que sucede cuando te enamoras de alguien, de cómo lo idealizas y de todas las ilusiones que se te generan. Y el viaje finaliza con una reafirmación de mí misma, en la que me doy cuenta de que, en realidad, he venido a jugar y a disfrutar del proceso sin tener miedo a la caída”. Un viaje hacia el cielo del éxito que ha inspirado el título del disco. “Caeli” en latín significa “celestial”, pero lo que no sabía Júlia es que “Kaelis” en japonés significa “cambio a mejor”. “¡Guau! Pues la verdad es que no tenía ni idea. Lo elegí por lo que significa en latín, pero me gusta lo que dices y, vaya, parece que todo se ha alineado sin yo saberlo”.

Júlia Isern es Lia Kali y viceversa. Ambas caras –la personal y la artística– se nos muestran de forma rotunda y sin ambages en “Kaelis” (PPF!/Sony Music, 25). Un segundo álbum en el que la barcelonesa nos narra en primera persona el viaje vital asociado al ajetreo de su éxito.

TEXTO Don Disturbios

FOTOS Quietocarlos

EN PORTADA

De Granada a California

PUEDE QUE LAS CASUALIDADES no existan y que todo esté escrito de antemano, o puede que en realidad todo esté sujeto a los caprichos del destino. Ese azar tan caprichoso que nos lleva encontrar por el camino, la pieza perfecta que necesitaba nuestro engranaje vital para lucir como es debido. Algo así debió pasar por la mente de Lia Kali cuando conoció al productor granadino Toni Anzis, que ya se hizo cargo de gran parte de su primer disco, pero que en este “Kaelis” ha afianzado un tándem que ahora resulta inamovible. “Toni es un amor y además el tío es un máquina. Para mí, ahora mismo, es el mejor productor de España, porque tiene una magia, una frescura y un arte sobrenatural. Por eso no me importaría tirarme toda la vida con él, porque trabajar juntos me resulta muy inspirador”. Y es que no hay más que escuchar temas tan dispares como “Turbulencias”, “Cantaré”, “La noche” o “Heavy Heavy” para darse cuenta de la versatilidad del productor y de su capacidad para hacer que la voz resalte por encima de los diferentes elementos rítmicos, otorgándole mucho espacio, y apuntalándola con detalles que nunca suenan sobrecargados. Juega siempre a favor. “Toni tiene la virtud de hacer fácil lo que resulta complejo y sobre todo sabe poner lo que tiene que poner cuando lo tiene que poner para que todo se realce. Me ha pasado con Toni el estar grabando y querer descartar yo una parte que no me gustaba y él decirme: ‘No, no, prueba con esto’. Darle la vuelta y de golpe lo que yo iba a rechazar se había transformado del todo, porque él sabía muy bien lo que le hacía falta”. Pero Toni Anzis no ha sido el único involucrado en el proceso creativo del disco. La sorpresa le llegó a Júlia cuando en octubre del año pasado Eladio Carrión la invitaba a participar en su Tiny Desk para interpretar “Me muero”, acompañados por una banda de lujo comandada por Larrance “Rance 1500” Dopson. Fue allí cuando conoció a este productor estadounidenses que atesora algún que otro Grammy y ha trabajado con grandes como Kendrick Lamar. Justin Timberlake o Sam Smith y surgía la posibilidad de hacer algo juntos en su estudio de Los Angeles. Todo un regalo para Júlia, pero también para el propio Toni Anzis que pudo compartir unos días de trabajo con semejante luminaria. Fue ahí también cuando se labró otra de las colaboraciones del disco, en la contundente “Goddamn!”, con el rapero

“

“simplemente por el hecho de ser mujer y hablar de las cosas que hablo, ya estoy haciendo política”

californiano Symba. “Esta colaboración en concreto fue complicada porque yo hablo inglés fatal y, bueno, hubo que traducirle la canción para que supiera de qué iba la historia, pero lo fuerte es que luego se marcó una letra increíble. Si tenéis la oportunidad, traducidla porque merece la pena”. Sin embargo, y pese a ser una artista muy dada a las colaboraciones, el disco únicamente cuenta con esta a la que hacía referencia con Symba y otra con, precisamente, Eladio Carrión, titulada “Chulx”. “En verdad en el disco había más colaboraciones que se han caído por el camino. Pero no quería que me pasara lo mismo que cuenta Bad Gyal en su documental ‘La Joia’, que su disco se le había retrasado dos años por culpa de esperar a completar todas las colaboraciones. Así que llegué a un punto en el que preferí no tener que esperar más y, las que se han quedado fuera, a lo mejor salen más adelante”. Entre las caídas en combate una con Ozuna que ya se había hecho pública desde el Instagram de la cantante. “Esa en concreto es de las que está en el aire y ahora mismo no te puedo asegurar que saldrá, porque a mí no me gusta nunca dar nada por seguro. Así que puedes ser que salga en algún momento o también puede ser que no salga nunca”. Es lo que tiene mirar de cuadrar agendas para encerrarse con una mega estrella de ese calibre en el estudio y partir de cero para crear algo a medias, porque… ¿se parte siempre de cero? “La única colaboración de las que he hecho que no ha sido así fue la de Dellafuente, pero el resto siempre ha sido desde cero. A mí me gusta mucho trabajar así, porque creo que es cuando se nota que la conexión es real y que, al ver hacia dónde vas, la pieza puede acabar resultando única”.

EN PORTADA

Independencia siempre

JÚLIA RESPONDE a mis preguntas desde su casa en Barcelona, en la que vive con su actual pareja y un gato que de vez en cuando aparece y desaparece desde el fondo de la pantalla. En principio la entrevista debía realizarse en la redacción de la revista, pero la cantante tiene que salir una vez más de viaje, y me ha pedido un cambio de planes para poder disfrutar unas horas más de la calidez de su hogar. Además, muy pronto tendrá por delante las semanas intensas de una gira que iniciará el 4 de abril en Sevilla, para pasar luego por el Movistar Arena de Madrid y marchar a Londres, Berlín. Hamburgo... Así hasta llegar al mes de septiembre con su presencia ya confirmada en unos cuantos festivales. Planes todos ellos que vienen auspiciados desde el sello independiente Propaganda Pel Fet!. discográfica que se ha caracterizado siempre por tener una nómina de artistas muy comprometidos desde el punto de vista social y político, encarnando una forma diferente de hacer las cosas. “Para mí es importante estar en un sello así y voy a muerte con ellos por los ideales que tienen, que creo que no los tiene nadie en esta industria. Son una gente muy comprometida a nivel social y por tanto también con el artista que llevan. Pero si me preguntas si he tenido la tentación de hacer letras de carácter más social o político, te diré que ahora mismo no tengo para nada la idea de tirar por ahí, aunque nunca se sabe. De todas formas siento que simplemente por el hecho de ser mujer y hablar de las cosas que hablo, ya estoy haciendo política”. JC PEÑA

EN CONCIERTO R

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l Sevilla 04 abril. Cartuja Center

l Madrid 12 abril. Movistar Arena

l Barcelona 22 y 23 mayo. Razzmatazz 1

l Zaragoza 30 mayo. Centro

l Fuengirola 31 mayo. Fulanita Fest

l Santiago De Compostela 12-14 junio. O Son do Camiño

l Cadiz 27 junio. Muelle Reina Victoria

l Murcia 05 julio. Las Noches del Malecoón

l Barcelona 09 julio. Cruïlla

l Gandía 10 julio. Pirata Beach Fest

l Torre Del Mar 11 julio. Weekend Beach Festival

l Corvera de Asturias 17-19 julio. Bombastic

l Cunit 10 agosto. Cunit Music Festival

l Maó 29 agosto. Es Claustre

l Bilbao 19 septiembre. Sala Santana 27

l Villava 20 septiembre. Sala TOTEM

.EL RETROVISOR

Morrissey

La rareza

Southpaw Grammar (1995)

UN AÑO DESPUÉS de haber alcanzado el summum de la delicadeza en el exquisito “Vauxhall & I”, el artista sorprendía a todo el mundo con su reverso absoluto, un disco agresivo, de producción sucia, en el cual el batería Spencer James Cobrin marca los tempos a través de su salvaje estilo a las baquetas. “Southpaw Grammar” se convierte en el disco más oscuro de toda su trayectoria, con un arranque de nada menos que once minutos a partir de la quinta sinfonía de Shostakovich en “The Teachers Are Afraid Of The Pupils”.

“The Operation” y el cierre, con los diez minutos de “Southpaw”, son los otros dos cortes que configuran el cuerpo de un álbum, por otro lado, realmente sublime cuando tira de la lírica más típicamente Mozz en joyas a redescubrir como “Reader Meet Author” o “Best Friend On The Payroll”, aunque cuando suben las revoluciones eléctricas, su peculiar toque también reluce en singles como “The Boy Racer” y “Dagenham Dave”, seguramente los más crispados de su carrera.

La decepción I Am Not a Dog on a Chain (2020)

Morrissey volverá a Madrid diez años después de su anterior visita. Lo hará dentro del ciclo Noches del Botánico el próximo 12 de junio, en un concierto exclusivo en la península.

Aprovechando la ocasión, resumimos su carrera en solitario en (¡glups!) solamente tres discos.

El imprescindible

Bona Drag (1990)

SI BIEN ES CIERTO que aquí podrían cuadrar “Vauxhall & I” (94) o “You Are The Quarry” (04), la quintaesencia del Morrissey más inspirado se encuentra en su extensión más cercana a The Smiths, cuando entre 1988 y 1990 publicó una serie de singles fastuosos como táctica para posicionarse con éxito en los charts antes de la publicación de

su segundo álbum. Lo aquí recopilado es oro puro. En este sentido, no se me ocurren ejemplos tan aplastantes como “Haidresser On Fire”, “Dissapointed” o “Yes, I Am Blind”, todas ellas caras B de singles, al mismo tiempo que se encuentran entre las canciones más brillantes de su carrera sin Johnny Marr. La detallista producción de Stephen Street da unidad al conjunto, timoneado por himnos de su repertorio como “Picadilly Palare”, “Suedehead” o la eterna “Everyday Is Like Sunday”. Anzuelos más que suficientes que atestiguan el estado de gracia que vivió Mozz en aquellos tiempos, previamente inaugurados por el sobresaliente “Viva Hate” (88).

AÚN A LA ESPERA de poder ver publicado el más que esperanzador “Bonfire Of Teenagers”, el último trabajo hasta la fecha de Morrissey es esta obra irregular, de la cual podemos salvar de la quema un clásico ejercicio de contención pop como “What Kind of People Live In These Houses” y “Knockabout World”, en la que la pátina synth se amolda al tormentoso carrusel de subidas y bajadas vocales de Mozz. Por desgracia, no sucede lo mismo en otros cortes como “Once I Saw the River Clean”, en los que la linealidad sintetizada colisiona con la dicción libre de un tipo que apuesta al todo o nada con sus picos de inspiración, pero que en esta ocasión dejó demasiado margen a la relevancia de una producción ostentosa, absurdamente anclada en tonos sophisti-pop de principios de los ochenta, en uno de sus discos más olvidables. MARCOS GENDRE

Veintiuno Encontrar el equilibrio

En Madrid llueve a cántaros a principios de marzo, pero de una de las ventanas de The Music Station emana la luz extraña que solo existe en lo que se gesta con ilusión. Hemos quedado con Rafa, Yago, Pepe y Diego para hablar sobre “La balada de delirio y equilibrio” (Warner, 25), su nuevo trabajo.

LA CASUALIDAD de la situación establece una especie de paralelismo con la creación de “La balada de delirio y equilibrio”, el último álbum de Veintiuno, “escrito y grabado en nueve meses”. Un esfuerzo —semejante a un pedaleo cuesta arriba con una bicicleta eléctrica que no funciona— “para llegar a hacer el disco en tiempo y forma” mien tras, además, giraban. Antes de empezar a grabar nuestra charla, Rafa me cuenta que le ilusiona tocar en Valencia, mi tierra, pero que le preocupa que el escenario que tienen preparado no les vaya a caber en el Palau Alameda. Los chicos describen un tour hecho “desde el gozo”. “He mos incluido cosas en el show que nos resultaban estimulantes por que, ahora que vamos a tener una gira guay y que no hay que hacer un disco, nos estamos divirtiendo mucho”. Y es que la falta de tiem po no ha privado a los de Toledo —y al sevillano— de tomar las riendas de este nuevo viaje. “Nues tra filosofía es trabajar hasta donde sabemos y, a partir de ahí, contar con ayuda”, explica Diego, aún recobrando el aliento. De hecho, han aprovechado lo aprendido durante todos estos años para crear su propio diseño de luces. “Nos empezamos a engorilar, llegamos a una solución, la llevamos a fábrica, he mos comprado los materiales…”. A Die go se le infla el pecho cuando lo cuenta, y no es para menos. “Veintiuno ha sido una banda pequeña mucho más tiempo que una banda asentada y hemos tenido que aprender a hacer muchas cosas que queríamos hacer”, sentencia.

TAL ES LA DEDICACIÓN de la banda con su nueva entrega, que el vocalis ta ha diseñado, por primera vez, la cubierta y todos los elementos del álbum. “Yo nunca he dejado que la idea artística de un disco la

tuviera otra persona, porque es para lo que me metí a hacer esto. Creo que nadie te va a dar el storytelling de tu disco y, si te lo da, vale mucho dinero y te hipoteca a que toda la vida tengas que externalizar lo que es más natural de la profesión, que es la creatividad”, concluye. Además, Rafa asegura que “en el formato físico hay mucha pista” y “mucho lore” sobre la historia que cuentan los catorce temas del largo.

EL RESULTADO DE ESTE TRABAJO viste a “La balada de delirio y equilibrio” de rojo y negro, tonos que representan su contenido “extremadamente emocional” y la contraposición entre los protagonistas de la historia. Dos personajes que Diego se niega a describir porque “están en el dis-

co”. El cantante asegura que el largo nació para “ofrecer un punto de vista un poco más honesto, más justo y más amplio de un tema complejo del que hablaba ‘Delirio y Equilibrio’”. Pero el de Toledo insiste en que: “Me ha gustado mucho el proceso de llegar a disfrutar cosas que no entendía y sacar mis propias conclusiones. Ojalá llegue alguien, uno de cada cien, y le apetezca hacer esa exégesis”. El último lanzamiento de la banda se distancia de “El Arte de perder”, su anterior álbum, en tanto que aquel fue “un disco muy sintético” y “cerebral” y este “ha sido un disco muy desde las tripas”. Sin embargo, Diego explica que, “cuando a un proyecto le va bien, hay una tendencia de la gente con la que trabajas de desarrollar algo continuista”. “A mí eso me provoca alergia”, lamenta, pero confiesa que aceptó a cambio de jugar al máximo con los soni-

“Veintiuno ha sido una banda pequeña mucho más tiempo que una banda asentada”

dos del álbum para “sentirse estimulado”. Y, dentro de este juego, la banda está cada vez “más cómoda en la imperfección” de un disco en el que “hay errores, voces y golpes” que acaban generando “un caos organizado que da forma a las canciones”. En un álbum tan personal, que nace de una historia entre dos personas con nombres y apellidos, cabe preguntarse cómo trabajan los tres toledanos y el sevillano cada canción. Porque la esencia de Veintiuno no son la voz de Diego, la guitarra de Rafa, la batería de Pepe o el bajo de Yago. Su esencia, lo más elemental, es que son una banda. Y, como tal, adoptan las historias que el vocalista esconde en sus canciones como propias. “Yo pienso que Diego nos cuenta a cada uno una historia, nos la creemos y vamos con ella”, ríe Yago, a lo que Rafa añade: “Como ya nos conocemos tanto, cuando Diego trae la maqueta, sabemos hacia dónde quiere ir él y tenemos un lenguaje común todos”.

CUANDO REPASAMOS las colaboraciones del álbum, Diego asegura que “el camino que tú tejes como artista genera un ecosistema de amistades, de relaciones…”. Rafa mira a su alrededor y recuerda que, en aquella sala en la que ahora charlamos, la argentina Malena Villa grabó las voces de “Complicidad”, uno de los temas más sorprendentes de “La balada de delirio y equilibrio”. “A mí me encanta colaborar con colegas con los que tenemos amistad y coincidimos de gira, pero de pronto, cuando coincides con alguien como Malena, que la has conocido solo en canción, y te pones a escribir y sale algo… Es fascinante”, confiesa Diego. En Madrid sigue lloviendo, pero nuestra charla acaba con una ilusión contagiosa que hace que la espera para el estreno del álbum sea, si cabe, aún más larga. Y es que lo de ser una banda y trabajar con la verdad hace de las canciones de Veintiuno una apuesta infalible. JOAN SÁNCHEZ

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EN CONCIERTO

l Murcia 05 abril. Sala Rem

l Vigo 11 abril. Rouge

l A Coruña 12 abril. Inn Club

l Valencia 25 abril. Palau Alameda

l Bilbao 03 mayo. Kafe Antzokia

l Daimiel 09-10 mayo. El Vid Festival

l Barcelona 16 mayo. Sala Apolo

l Zaragoza 17 mayo. Oasis Club Teatro

l Madrid 29 y 30 mayo. La Riviera

l Valencia 07 junio. Festival De Les Arts

l La Roda 13-15 junio. Festival De Los Sentidos

l Lorca 20-22 junio. Fortaleza Sound

l Baeza 27-28 junio. Sentir Baeza

l Caldas De Reis 03-05 julio. Portamerica

l San Javier 11-12 julio. La Laguna Sound

l A Coruña 25-26 julio. Morriña Festival

l Santander 01-02 agosto. Santander Music Festival

l Almería 21-24 agosto. Cooltural Fest

l Ezcaray 22 agosto. Ezcaray Fest

l Miranda De Ebro 06 septiembre. Miranda De Ebro

l Granada 12 septiembre. Granada Sound Festival

l Alcalá De Henares 12-13 septiembre. Muralla Indie

l Cascante 26-27 septiembre. Estaciones Sonoras

WALA. WALA.

“Cuando tú tienes un origen tan marcado como el mío, puedes irte y volver cuando quieras, porque te esperan”

María José Llergo en Muzikalia

“Antes no existían las redes sociales, ni Youtube. Fueron los fans, a través del boca-oreja, quienes nos convirtieron en lo que somos. ¡Y eso nunca lo olvidaremos!”

Joey DeMaio de Manowar en Rockzone

“Me encantan los chicos del country. Me encantan. Me encanta un hombre que pueda palear estiércol de caballo. Pero también, me encontrarás burlándome de todos ellos”

Chappell Roan en Apple Music Country

"Le dije a Julien [Baker] ‘Tenemos un espacio vacío en una canción que podrías rellenar’. Su respuesta fue ‘Esta semana estaré ahí’”

Jeremy Bolm de Touché Amoré en Brooklyn Vegan

“NOS SENTIMOS ASÍ DE AFORTUNADAS, NOS HAN DADO UN CARAMELO Y HAY QUE APROVECHARLO AL MÁXIMO”

Juls Acosta de Ginebras en Indie Rocks!

MONDO FREAKO

Elena Nieto regresa con “Superbucle” (Montgrí, 25), un tercer disco en el que mantiene intactas sus honestas credenciales y que, al mismo tiempo, desprende matices inéditos que confirman el firme paso al frente de Yawners.

“SUPERBUCLE” es el tercer disco de la salmantina, afincada en Madrid, Elena Nieto bajo el nombre de Yawners. Una obra que puede entenderse como un viaje entre el optimismo y la decepción. No en vano, el álbum se abre con un tema titulado “Un día genial” y se cierra con “Un día horrible”, dos canciones con tonos narrativos ciertamente contradictorios que dejan en el aire el concepto argumental en torno al que gira la obra. “Es un loop vital repetitivo que, efectivamente, va del optimismo a la decepción. Y vuelta a empezar. Y así hasta el infinito. Habla del comportamiento humano. De vivencias personales, pero a la vez universales. En estas once canciones se relatan decisiones, ideas, pensamientos y sentimientos con mucha literalidad, de mi puño y letra, pero sin firma al final. Me han ocurrido a mí, pero ya habían ocurrido en el pasado, y ocurrirán en el futuro. Nadie es tan especial como podemos llegar a creer y viceversa. La vida moderna es muy propensa al ‘superbucle’: a la que te despistas, ya estás dentro”. Quizá sería mejor, entonces, hablar de realismo, referido a esos diferentes estados de ánimo que parecen tener cabida en “Superbucle”. En “Dolor en el pecho”, por ejemplo, la artista proclama desesperadamente “Te odio/Te quiero”. “Soy una persona con los pies en la tierra y en mis letras hablo de cosas del día a día. Ordinarias, pero no por ello menos importantes. No hay que ser filósofa para ser trascendental. La mayoría de las veces lo importante está en lo básico”. Incidiendo en el tema, cabría preguntarle a Elena, de manera más concreta, cuál ha sido el enfoque para estas nuevas canciones. “He aprendido mucho a lo largo de estos años. Antes era bastante naif y más insegura. Ahora me dan exactamente igual muchas cosas que antes me preocupaban. Esta es la perspectiva que enseño en el disco.

Yawners Una y otra vez

“Decir las cosas en alto es muy buena terapia”

PARA MÍ TIENE IGUAL peso la capa musical que la lírica, a la que probablemente haya dedicado más tiempo y que creo que también lleva mensaje”. El resultado es un álbum especialmente sincero y directo en esa lírica, recipiente de una importante resaca emocional. “Realmente no lo concibo de otra manera. Me gusta mucho la literalidad en las letras, que se entienda lo que estoy contando y que a la vez cualquiera pueda verse reflejado. Que sirva de alivio para otros al escuchar algo que también les pasa a ellos y poder crear conexiones. Hay mucho reflejo emocional proveniente de retrospectiva y de aprendizaje. Decir las cosas en alto es muy buena terapia”.

DESDE FUERA SE PERCIBE también como el disco más elaborado hasta la fecha de Yawners, en un pespunte diferenciador con respecto a los dos trabajos previos de Yawners. “He tardado dos años en componerlo y producirlo. Lo que más disfruto es el proceso de creación, y me he asegurado de que las canciones quedaban tal como las imaginaba. Es un disco con mucha más profundidad. He trabajado con diferentes productores y en diferentes estudios”. “Self-diagnose” es la única canción de “Superbucle” que apuesta por el inglés, con la autora pasándose definitivamente al castellano, en un proceso que ha sido progresivo. “La compuse mientras dormía. Me desperté

y tenía toda música, letra, y arreglos en la cabeza. Me pareció feo traducirla al castellano y cambiar algo que vino del mundo de los sueños. El resto son en castellano porque me han salido así. Supongo que tiene que ver con mi nueva postura vital: prefiero ser lo más directa posible con mi público más inmediato”. Las influencias tan noventeras, marca de la casa en Yawners, siguen ahí. Latiendo e inspirando. “La música que más disfruto es la simple y efectiva, y con gusto, claro. Y de eso hay mucho en el rock indie americano de los noventa. No empecé a escuchar estos grupos hasta casi los veinte años, así que tal vez es una buena jugada del subconsciente. Todo el emo indie-rock de hace veinte años para acá es lo que más me gusta y escucho. Si algo me influencia, es esto”.

LO CIERTO ES QUE YAWNERS apareció en escena cuando no había tantos grupos noveles haciendo música de guitarras, algo que ha cambiado sustancialmente en los últimos años hasta dar lugar a una escena propia. “Los ha habido siempre, pero creo que lo que está ocurriendo ahora es un relevo generacional muy grande. Esto es pendular, y ahora estamos entrando a un momento en el que el público general vuelve a identificar a los grupos de guitarras como ‘lo que mola’, cuando hace poco solo lo pensaban los más melómanos”.

SOBRE EL ESCENARIO, Yawners se caracteriza por firmar conciertos en los que naturalidad y espontaneidad siguen presentes como una de las marcas de la casa. “Llevo más de ciento ochenta conciertos, y creo que, una vez que empiezo cada gira, acaba saliendo todo automático y natural. Al final, e igual que escribiendo canciones, creo que lo que más transmite es lo genuino. He tenido la suerte de tocar con músicos de muy buen rollo que hacen que los conciertos sean divertidos y alivian todo el trabajo que hay detrás”.

RAÚL JULIÁN

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TOP VÍDEOS.

Q

Ca7Riel & Paco Amoroso PAPOTA

1 No hay suficientes adjetivos en el diccionario para alabar como se merece este corto de casi diecisiete minutos en el que el dúo argentino realiza una sátira brutal sobre la industria musical.

2

Q

l Pizarra 05 abril. Festival Al Andalus

l Madrid 10 abril. Sala El Sol

l San Lorenzo Del Escorial 04 mayo. Sesiones Vermut

l Barcelona 05 junio. Primavera Sound

l Barcelona 21 noviembre. Sala Upload

Little Simz Flood

Dirigido por Salomon Lighhelm, “Flood” se basa en una sucesión de potentes imágenes que se inspiran en el mundo de la tauromaquia, y que se ajustan como un guante al ritmo tribal de un tema embriagador.

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Q

Wu-Tang Clan Mandingo

3 Wu-Tang Clan nos sorprenden con este espectacular clip, que tendrá continuación en lo que promete ser una especie de cortometraje, donde queda patente la pasión que han tenido siempre por las películas de artes marciales y Blaxploitation Black Country, New Road Happy Birthday

4 Los vídeos de animación siempre han resultado un fantástico recurso a la hora de ilustrar canciones y máxime cuando se trata de un grupo con la sensibilidad ‘camp’ de Black Country. New Road.

Q

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Sabrina Carpenter Please Please Please ft. Dolly Parton

Sabrina Carpenter revisita su tema “Please Please Please” de la mano de la icónica Dolly Parton, y lo acompaña con un vídeo con más retranca de lo que a priori pueda parecer. Un mensaje nada velado a su ruptura con el actor Barry Keoghan. MS

febrero

“CUANDO HICE ‘Heartbreaker’, acababa de cumplir la edad legal para beber, lo que, si le preguntas a cualquiera que me conozca o me conociera en ese momento, no me impidió salir de fiesta antes de eso, siendo un adolescente salvaje que tocaba metal y tocaba la batería en bandas de punk rock y me divertía tocando mucha música que sonaba a Sonic Youth”. Así recordaba Ryan Adams en 2016, en unas declaraciones para la revista Relix, sus sensaciones sobre la grabación de su primer disco en solitario, “Heartbreaker”. Un álbum que habrá presentado en tres fechas –con todas las entradas agotadas– en nuestro país en el momento en el que leas estas líneas.

LA HISTORIA DE DOS CIUDADES. Esa sería una opción para definir “Heartbreaker”. Ryan Adams había abandonado Nueva York, tras vivir un año allí, para mudarse a Nashville, y dos semanas después entregaba la grabación a su discográfica. En este caso Bloodshot Records, algo que su manager no acababa de ver bien, pero en lo que Adams se empeñó. Le quedaba un disco para acabar su contrato y quería hacerlo bien. El músico había llegado a la ciudad de la música para una rehabilitación completa: en lo profesional, en lo amoroso y en la salud, especialmente en su adicción al alcohol. Con “Heartbreaker” lo consiguió solo a medias porque, al menos, este último tema lo dejó algo cojo. Eso sí, alejarse de una urbe como Nueva York le hizo sentir bien. Pleno. Y eso llevó a la relajación que acabará transmitiendo todo el disco. En East Nashville descubrirá un nuevo hogar y descubrirá a nuevos amigos, algunos de ellos esenciales para entender el resultado del disco y entre los cuales ya imaginarán que encontramos a Ethan Johns, Dave Rawlings, Gillian Welch y Emmylou Harris.

ETHAN JOHNS YA HABÍA SIDO el productor de “Pneumonia” –un disco empezado a grabar antes que “Heartbreaker”, pero editado curiosamente después–, el tercer y último trabajo de Whiskeytown, el que significaría el fin de la banda y el que dejaría agotado a Ryan. Su lanzamiento se retrasó debido a problemas con el sello de la banda, Outpost Records, absorbido por la restructuración de Universal. Aquello tensionó aun más las

“Heartbreaker” (00) fue para Ryan Adams mucho más que un primer disco en solitario. Fue, literalmente, el conjunto de canciones que salvó una carrera que amenazaba con una peligrosa deriva, dados sus conocidos problemas con el alcohol en aquel momento. Aclamado todavía hoy por la crítica y por el público como uno de sus mejores discos, el de Carolina del Norte está celebrando sus veinticinco años de existencia con una nueva gira mundial. Y nosotros recordamos por qué fue, y es, tan grande.

TEXTO Eduardo Izquierdo

TEXTO Andrew Blackstein

Ryan Adams

"Heartbreaker" La redención de un corazón hecho pedazos

relaciones de un grupo que ya no actuaba como tal, y que estaban al límite. Por eso, cuando se edita en 2001, la banda ya no existe, y “Heartbreaker”, en cambio, es toda una realidad.

PARA SUPERAR AQUELLAS TENSIONES, Ryan empezó a escribir canciones que él mismo definirá como “autosuficientes con la guitarra acústica, tratando de entender la música folk y el góspel”. Algo que continuaría haciendo en sus ratos en casa de Gillian Welch y David Rawlings. De hecho, cuando el músico se plantó en la casa del matrimonio, apenas tenía un par de canciones acabadas, “Oh My Sweet Carolina”, compuesta todavía en Nueva York, y “My Winding Wheel”, compuesta en la cabina del camión que llevaba sus pertenencias hasta Nashville. El orden y la jerarquía de Johns hicieron el resto. El productor prohibió a Ryan beber durante las sesiones en el estudio, cosa que este cumplió a rajatabla. Otra cosa es lo

mondosonoro.com

“

“Lo escribí tratando de entender la música folk y el góspel”

que sucediera fuera de estas, pero dado que el disco se grabó en apenas catorce días, mucho tiempo para el bebercio no le sobraría. Además, cambió su habitual preferencia por el whisky o el ron negro por el vodka, siguiendo un consejo de Keith Richards según el cual era difícil emborracharse con alcohol blanco. Ejem. Adams, mientras tanto, aseguraría a Rolling Stone que su relación con la ciudad consistiría en “tratar de entender algunos de los procesos a los que me estaba acostumbrando gracias a toda la gente que me rodeaba, como una especie de exilio creativo”. Y la cosa salió bien.

METIDO DE LLENO, casi hasta la obsesión, en la música de gente como Sleepy John Estes, Big Bill Bronzy y Bob Dylan, Ryan se esforzó en solucionar una sensación que le atormentaba desde sus días en Whiskeytown: que sus ideas nunca acababan de completarse. Por eso se empeñó en que “Heartbreaker” fuera un disco muy suyo, asegurando a su amigo Ethan Johns que, si no acababa contento con el resultado, aquellas canciones nunca verían la luz.

PERO EL RESULTADO, como podemos suponer, le gustó. Todo respiraba honradez y sobriedad. Hablando de temas como el dolor (“Amy”) o la nostalgia (la citada “Oh My Sweet Carolina”), pero también disfrazándose de su admirado Bob Dylan en la desenfrenada “To Be Young (Is To Be Sad, Is To Be High)”, escrita a medias con Rawlings. No hay más que oír esos treinta y siete segundos iniciales titulados “(Argument With David Rawlings Concerning Morrissey)” para darse cuenta que la honestidad va a protagonizar las catorce canciones que encontraremos después.

BIEN RECIBIDO POR LA CRÍTICA, “Heartbreaker” tuvo unas ventas modestas, pero sus presentaciones en festivales como South By Southwest y una gira europea, acabaron de cimentar la reputación de Ryan Adams como solista, convirtiéndolo en punta de lanza del nuevo sonido americana. E.I.

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Razzmatazz 25 años Diez

Han sido centenares, miles incluso, los conciertos celebrados entre las paredes de la referencial sala Razzmatazz de Barcelona, uno de los templos de la música en directo de nuestro país. Cada persona tendrá los suyos, pero para celebrar sus veinticinco años hemos querido saber cuáles lo han sido para su equipo.

Pulp (14/12/2001, Razzmatazz 1)

Daniel Faidella (Director)

Fantástico y emotivo concierto, en el primer aniversario de Razzmatazz, de uno de los grupos que más me ha tocado y por el que adoro la música. La banda de Jarvis Cocker dio nombre a la sala, con su canción “Razzmatazz”, y también a una de las fiestas más importantes que tenemos, Common People, con la residencia de Amable, que inauguró Razzmatazz y sigue siendo un referente de la escena indie nacional.

Arctic Monkeys (03/12/2005. RazzClub) Amable (Dj Residente)

Alex Turner y los suyos se presentaron por primera vez en España, y en Razzmatazz, antes de editar su primer álbum “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not”, precedidos por un éxito masivo en plataformas punteras de aquella época como MySpace. Fue en sesión de clubs y a partir de las doce y media de la noche: ¡una explosión de energía adolescente, descarada y poderosa sin parangón! Un homenaje al rock de vanguardia.

James Blake, Jamie XX y Jamie Woon (8/12/2011, Razzmatazz 1, 11º Aniversario ) Lluís Torrents (Gerente)

Una de las grandes celebraciones de nuestro decimoprimer aniversario. Fue un cartel impresionante, en el que trajimos por primera vez a Barcelona a James Blake presentando su primer elepé, "James Blake", 2011. Duplicamos los subgraves del equipo de sonido y lo que en principio nos parecía una locura acabó siendo un terremoto sónico que nos hizo vibrar, literalmente, a todos. Es una de las experiencias colectivas más inéditas que he vivido en la sala.

Tool (06/06/2002, Razzmatazz 1) Pere Martí (Booking)

Buff, hay muchos, pero yo me quedo con Tool en el 2002 presentando el disco “Lateralus”. Cómo sonó aquello y esas visuales bañando a Maynard mientras bailaba rapado, casi desnudo y con el cuerpo pintado de azul al final del escenario… Buff, le petó la cabeza al chaval de veinte años que era yo en ese momento.

STONE ROSES FOTO: ALEX AMORÓS

THE NATIONAL FOTO: SHARON LÓPEZ

momentos históricos

Blackberry Smoke (10/12/2009, Razzmatazz 3)

Esther Buxcadé (Contratación)

Los vi en 2009, en la sala 3, cuando pocos los conocían y, catorce años después, hicieron sold out en la sala 1. Aquel primer concierto lo organizó Javi Ezquerro (Silvertrack, luego On the Road Music), un promotor apasionado que nos dejó en 2016. Siempre le dije que algún día los veríamos en la sala grande de Razzmatazz y me hubiera encantado que estuviera allí. Más que un concierto fue un homenaje silencioso al poder de la música.

MF Doom (19/11/2011, Razzmatazz 1)

Will (Booking)

Un concierto inolvidable por muchas razones: porque ya nunca podremos volver a verlo en directo. Porque su legado va mucho más allá del rap, convirtiéndose en un ícono de la cultura popular y porque su música ha marcado mi vida y la de mis artistas favoritos. Pero, sobre todo, por la nostalgia que me invade al recordar aquella tarde irrepetible.

Whitesnake (25/07/2008, Razzmatazz 1) Eva Campillo (Ticketing)

Hay tantos… Pero creo que me quedo con Whitesnake en julio de 2008, que fue una de las primeras bandas de rock que escuché de adolescente. Nunca los había visto en directo y poder disfrutarlos en primera fila fue súper emocionante. David Coverdale aún estaba en plena forma y se vació en el escenario de sala 1. Acabó sin camiseta y tirándose al público, momento en que lo pude tocar.

Aphex Twin (11/12/2010, Razzmatazz 1, 10º Aniversario) Luis Costa (Prensa)

Cuando Razzmatazz cumplió su décimo aniversario, tuvimos como regalo la noche Aphex Twin & Friends, en la que Richard protagonizó un directo de escándalo. Tras una larga intro en clave ambient, flipante, fue soltando su electrónica bizarra y su techno marciano; cuando sonó “Windowlicker” aquello se vino abajo. Una de las mejores experiencias que he tenido en la sala y han sido muchas.

Moonspell (13/05/2013, Razzmatazz 2)

Marta Fernández (Recepción)

Se hace difícil elegir un solo concierto porque todos han sido especiales de un modo u otro. Pero el de Moonspell, de mayo de 2013, fue una auténtica locura. Casi dos horas de pura intensidad con una conexión increíble entre la banda y el público. Lo dimos todo, unos y otros. La sala entera estalló. Fue una de esas noches que se quedan grabadas para siempre en la memoria.

The National (29/05/2024, Razzmatazz 1, Primavera a la Ciutat)

Itxaso Arretxe (Producción)

Soy muy fan de la banda, pero no me gustan los conciertos multitudinarios, así que los he visto muy rara vez y siempre mal. Disfrutarlos en una sala como Razzmatazz fue muy emocionante. Para rematarlo, supieron adaptar su producción a la sala de una forma sencilla, razonable y sin estridencias; así que el día de trabajo con ellos y su equipo fue inmejorable. MS

ARCTIC MONKEYS FOTO: ALFREDO MONGE

PULP FOTO: TATIANA DONOSO

Steve Ignorant

El punk como filosofía

Steve Ignorant y Penny Rimbaud fundaron en la segunda mitad de los setenta Crass una banda que sigue siendo referencia inexcusable del punk rock más político. Ahora Ignorant nos visitará para recuperar el legado del grupo en un concierto único en L’Hospitalet de Llobregat (3 mayo, Sala Salamandra).

PODRÍA EMPEZAR DICIENDO que si no conoces discos como “The Feeding Of The 5000” (78) o "Penis Envy" (81), esta entrevista no es para ti. Pero, en lugar de eso, lo que diré es que, si no los conoces, ya tardas en escucharlos y sumergirte en el universo de una banda que actuó en huelgas mineras, manifestaciones antinucleares, etcétera, y que siempre fue fiel a sus principios. Como

lo sigue siendo Steve Ignorant, su vocalista, a día de hoy. “Sin rendirme, dándome la cabeza contra la pared y creyendo que algún día las cosas cambiarán para mejor. Puede que sean pequeños cambios. No espero que el mundo cambie de la noche a la mañana, pero debes tener eso que llaman principios y convicciones”. También lo fue, una vez finiquitados Crass en 1984, al frente de bandas como Conflict, Schwartzeneggar o Slice Of Life. Pero volvamos a los inicios. Cuando Ignorant y Rimbaud iniciaron Crass solamente le preguntaban a la gente “si tenían un instrumento. La gente se acercaba y nos preguntaba qué estábamos haciendo y nosotros contestábamos que estábamos empezando una banda de punk rock. La respuesta era ‘Yo tengo una guitarra, yo tengo un bajo’ y empezamos a decirles que por qué no se unían al proyecto. Fue literalmente así. Fue algo realmente orgánico”. El grupo no tardó en convertirse en una suerte de portavoces de una gene-

“No nos cohibimos a la hora de hacer cosas”

TAN.LEJOS TAN.CERCA

RR A su paso por Melbourne (Australia), Dua Lipa sorprendió al público rindiendo homenaje a AC/DC versionando nada menos que su clásico “Highway To Hell”.

RR Según informan medios británicos, los cinco miembros de Radiohead habrían formado una nueva empresa hace unas semanas. ¿Y qué supone eso? Pues que habrá nuevos movimientos por parte del grupo, sean novedades o reediciones. Tendremos que esperar a ver de qué se trata.

King Sapo Rock a la yugular

King Sapo tienen mucho callo y muchos kilómetros de carretera, los suficientes para saber que nunca serán el grupo de moda, pero también para saber que su rock sin filtros es de muchos quilates. Presentan “El Dios de América” (Autoeditado, 25).

PARA CHARLAR sobre “El Dios de América” están presentes dos de sus cuartas partes, el cantante Jesús Trujillo y el bajista José Al-

berto Solís, a los que se nota contentos y satisfechos con un trabajo que no ganará un concurso de originalidad, pero que vuelve a derrochar energía y honestidad. Es el primer disco para el batería Ramiro Uncenta en la banda y los dos creen que ahí puede estar una de las claves del sonido del nuevo disco. “Teníamos un poso grande psicodelia pero ahora nos hemos vuelto algo más directos. A pesar de que en los otros discos también había temas redondos, aquí hay más”, asegura Trujillo, mientras que Solís cree que la nueva incorporación “se ha notado en la selección de canciones, que hemos ido un poco más a degüello, a la yu-

RR Alan Sparkawk (Low) anuncia un nuevo disco para el 30 de mayo. Lo publicará Sub Pop y llevará por título “With Trampled By Turtles”, precisamente por estar grabado junto a la banda Trampled By Turtles.

RR Entre las joyas que nos brindará el Record Store Day estará el vinilo exclusivo de doce pulgadas que incluirá el remix especial que Four Tet firma de ese gran tema que es “Alone” de The Cure, incluida en su último traba-

gular”. En otra cosa que ambos coinciden es que es el disco de King Sapo que suena menos anclado en el pasado, el cantante afirma que “a mí me parece que en este trabajo el sonido tiene una importancia clave. Nuestros otros trabajos también suenan bien pero este disco, aunque no me gusta utilizar mucho esa palabra, es más actual, menos años setenta y un poquito más hacia el tiempo en el que vivimos”. A continuación añade que “El Dios de América” está “más enfocado en las canciones, es muy ameno, no es especialmente largo, es uno de esos discos que te apetece ponerlo de nuevo según lo terminas”. Algo parecido a lo que opina el bajista: “Creo que en esa dualidad entre los años setenta y los años noventa en la que nos movemos, en este disco nos hemos inclinado más por los

ración de artistas que hicieron de sus ideales su razón para existir. Ahí estuvieron Rudimentary Peni, Flux Of Pink Indians o Chumbawamba. “Teniamos muchas cosas en común entre nosotros. No creo que Crass haya allanado el camino, sino que más bien abrió una puerta. Era mucho más accesible porque nosotros éramos accesibles. Lo que eso creó fue una verdadera amistad, que es mucho más importante que un instrumento musical”. Y así empezó una aventura que bien podría ser un cruce entre la filosofía de Chumbawamba y la de Fugazi. “Tenemos más en común con Chumbawamba, porque son ingleses. Pero me encanta Fugazi e Ian McKaye es un gran amigo mío [...] Y hay muchísima otra gente que son un ejemplo a seguir. Andy T, Colin Latter de Flux Of Pink Indians, Jason de Sleaford Mods, Rowetta de Happy Mondays... muchos”.

A SUS SESENTA Y OCHO AÑOS de edad, Steve Ignorant continúa difundiendo la palabra, su palabra, la del punk y la anarquía sin poses estúpidas. “Despierta y sal a la calle. Mira a tu alrededor y entenderás porque el punk sigue siendo tan relevante

MONDO FREAKO

y conmovedor”.¿Y quién es Steve Ignorant en 2025? “Pues alguien con mala actitud y un peinado horrible. Un tipo que quiere a mucha gente y que puede ser tu mejor amigo o tu peor enemigo”. Imagino, entonces, que Carol Hodge (voz, teclado y samples), Pete Wilson (guitarra y coros), Pete Rawlinson (bajo y coros) y Jay Bagnall (batería), los músicos que forman la Steve Ignorant Band –y los tres primeros también en Slice Of Life–, estarán entre los primeros. “Son un grupo de gente maravillosa, y es un honor y un privilegio trabajar con ellos”. Trabajar con ellos significa dar conciertos interpretando repertorio de Crass –1977/1984–, aunque sin pretender ser quienes no son. “Es que no creo que mantengamos viva la esencia de aquellos días, pero eso lo decidirá el público. Lo único que hacemos es interpretar esas canciones lo mejor que podemos, con la mayor fidelidad posible, sin parecer una banda tributo. La gente quiere escuchar esas canciones en directo y. mientras pueda cantarlas, lo haré”.

JOAN S. LUNA

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jo “Songs Of A Lost World”. Los beneficios de la venta se destinarán a la organización Médicos Sin Fronteras.

RR Damiano David –también vocalista de Måneskin– anuncia detalles de su esperado álbum debut en solitario que verá la luz finalmente en el mes de mayo. Llevará por título “Funny Little Fears” e incluirá catorce canciones, entre ellas “Voices”, “Next Summer”, “The Bruise”, “Sick Of Myself” o “Angel”.

RR Se anuncia documental sobre los cincuenta años de trayectoria de las

“Todo capitalismo per se es salvaje”

noventa, que es una década más directa”. Pero ese espíritu más actual también se traslada a las letras que son las encargadas de vertebrar un disco que “habla de cosas de ahora. Es un disco muy actual, que habla de los conflictos armados, la codicia, las enfermedades mentales, la pérdida de la espiritualidad en pos de un materialismo loco, en definitiva, de la desconexión con lo primordial, con la parte más humana”. Cuando les pregunto si “El Dios de América” es Trump, el dinero, el capitalismo salvaje o una combinación de los tres, tienen claro que “no existe el capitalismo salvaje, todo capitalismo per se es salvaje. Dentro del capitalismo hay salvajismo. Quiero decir que te puedes encontrar con un jabalí que sea dócil, pero sabes que dentro de ese jabalí hay ganas de matar”. En el nuevo

leyendas del heavy metal británico Iron Maiden para el próximo otoño. Todavía sin título, sí se confirma que aparecerán grandes fans del grupo como el actor español Javier Bardem, Lars Ulrich (Metallica) o Gene Simmons (Kiss).

RR Tras filmar documentales sobre Blur o LCD Soundsystem, Dylan Southern y Will Lovelace unen fuerzas con el productor Steven Knight (creador de “Peaky Blinders”) para la película sobre la gira de reunión de Oasis, “Oasis Live ‘25” MS

disco también destaca la participación de dos invitados estrella: Carlos Tarque y Gabriel de la Rosa (Shinova). “A Tarque le mandamos tres canciones y le gustaron mucho, pero cuando escuchó ‘Hasta nunca’ dijo ‘¡Esta es muy cañera y es la que quiero hacer! [...] En cuanto a Gabriel, sería espectacular poder abrir el disco a otro tipo de público, que puede funcionar muy bien [...]. Además tiene un vozarrón. Le conocemos y viene del metal”. Por si fuera poco, les encantó el cumplido que les dijo de la canción en la que participa, “Tren en una postal”, asegurando que “le había recordado a uno de los referentes de King Sapo, Temple Of The Dog”. SERGIO ARIZA

R

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MONDO FREAKO

Cupido El presente

No es fácil hacerse amigo del tiempo y mucho menos esquivar los golpes que nos va dando de vez en cuando. “Te hago un resumen” (Sony Music, 2025), el nuevo EP de Cupido, acoge y enfrenta este concepto ante la frustración por la fugacidad de las cosas.

“ EN VARIAS CANCIONES me he metido un poco con el tiempo porque a mí es una de las cosas que más rabia me da. El tiempo te quita cosas, te quita y en muchas cosas tampoco te da. A veces por ir muy rápido, otras por ir demasiado despacio… Pienso mucho en el tiempo, en que la vida pasa. No hay marcha atrás”, comenta Pimp Flaco describiendo a la vez que la inspiración central para las letras de este proyecto le vino de ese orgullo, de esa rabia, de cuando le dices a alguien eso de si te vas y no vuelves yo tampoco pienso ir a por ti. Quedamos con la banda al completo en el 5020 Studio de Madrid para hacer un poco de balance, conocer

mejor el origen y motivación para este nuevo movimiento; y, por supuesto, despejar dudas de un futuro para el grupo que promete. “La verdad es que acabamos de empezar y luego pueden cambiar muchas cosas. Pero sí, Latinoamérica, festivales de verano en España y después nos molaría hacer una gira en España con música nueva. Estamos elaborando algo en lo que se estaba trabajando antes del EP y eso es lo que queremos terminar y disparar”.

“TE HAGO UN RESUMEN” se inicia con ese “Espaguetis con tomate” para hacer un pequeño repaso a lo que la banda ha sido hasta ahora y prometiendo a su ambicioso público que “nunca les van a fallar”. Además, la llegada de este proyecto, cumpliendo con la tradición de lanzamiento anual para el mes de febrero, ha servido para recordar que siguen estando en la batalla con el ADN Cupido más potente que nunca. “Como no depende de ti que la gente esté ahí, depende de muchas cosas, uno solo se puede fijar en hacer lo que siente lo mejor posible. No puedes asegurar que algo va a funcionar. A ver, realmente sí que hay fórmulas, pero nosotros

“No puedes asegurar que algo va a funcionar”

Los argentinos Cruzando el Charco vuelven en mayo a nuestro país con “Esencia” (Pirca Records, 25), un nuevo disco de estudio que aportará a su repertorio una faceta más íntima. Y ese es un terreno en el que sus integrantes se saben mover como pez... ¿puedo decir en el charco?

TRAS SU EXITOSA GIRA de hace justo un año, resulta evidente que los argentinos Cruzando el Charco le han cogido el gusto a eso de tocar en Europa. Ahora regresan en mayo con cinco fechas en nuestro país con la novedad de que atesoran un nuevo disco de estudio, el sexto de su carrera, titulado “Esencia”, que sin duda aportará novedades a su repertorio. “Estamos muy ilusionados por ver cómo recibe la gente nuestras nuevas canciones. Es un show renovado, que obviamente también incluye esas que sabemos que no pueden faltar y quizás alguna otra magia que tengamos bajo la manga”. Quien me responde desde el otro lado del charco, nunca mejor dicho, es Nahuel Piscitelli, guitarrista y productor de la banda platense, que se

Cruzando el Charco Sumando puntos

muestra entusiasmado por repetir escenarios en busca “del calor de la sala, más que de vender más tickets” aunque apostille que lo de ir a escenarios más grandes o incluso festivales “va a llegar, paciencia. Hay que seguir caminando”. Un crecimiento que en su país se antoja imparable y que manifiestan con la reciente edición, este pasado febrero, de un nuevo disco en directo, “Esencia en vivo”, en el que repiten las buenas ‘vibras’ ya recogidas en su histórico “Hasta la luna.

En Vivo Luna Park” (23). “Para nosotros ambos conciertos, el del Movistar Arena de Buenos Aires y el del Luna Park fueron dos shows clave en nuestra carrera. Tuvimos la suerte de poder grabarlos y haber tocado lo suficientemente bien como para poder editarlos. Así que ahí está, para el disfrute de todos y para nosotros poder revivir esas dos noches hermosas”. Una jugada no muy habitual que demuestra la confianza de la banda en las nuevas canciones recogidas en “Esencia”. “El nuevo

esa pestaña ya la hemos cerrado y vamos a ir un poco a lo que nos guste. Y evidentemente existe siempre ese factor riesgo de que no vaya a gustar lo que sacamos. Pero claro, este EP por ejemplo lo tiene todo para gustar porque al final es un poco los ingredientes de Cupido, pero con una especia nueva que lo haga diferente”, explica Flaco.

EL PÚBLICO DE CUPIDO siente una conexión muy fuerte con las canciones de la banda, se identifican, las viven como páginas de un diario personal. Y eso sucede por esa forma tan sincera y clara que tiene la banda de conectar con las emociones a la hora de componer y exponer realidades aunque duelan. “Es que al final el amor no es solo el de la pareja. Lo diario y lo cotidiano no es solo pensar en tu pareja. A lo mejor te levantas estresado porque llegas tarde a algo… Hay muchas cosas que te pasan cada día, no es solo estar enamorado, que te hayan engañado o que tú no la quieras”, explica Flaco. Asumir que, por ejemplo, no todo se supera o se cura. “Realmente es verdad que no es el tiempo lo que te cura, lo que te cura es lo que tú has conseguido hacer en ese tiempo. Porque hay gente que con el tiempo no se cura, a lo mejor hay gente que se suicida o no lo supera”. Aunque, la verdad es que también hay otros miembros de la banda como Luichi a los que les gusta pensar en la posibilidad de que alcanzar el equilibrio es posible. “Había una entrevista a Tom Hanks en la que decía sobre el tiempo que si un día estás bien, y te sientes el dueño del mundo, tranquilo, date tiempo. Y si algún día estás fatal déjaselo al tiempo también. Es como decir que el tiempo al final lo pone todo en su sitio”. ÁLEX JEREZ

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disco es un paso más. Hemos logrado un álbum con un audio tremendo y, en una época donde la tecnología es tan exuberante que sonar bien puede parecer fácil, en realidad es muy complejo. Por eso parece mentira, pero a medida que pasan los discos, las canciones se vuelven más intimas, en muchos casos más autorreferenciales. En “Esencia” todo lo que es tener las emociones a flor de piel sucede. Y algo ineludible es la cantidad de amigos que participan del disco. Con ellos, no solo compartimos el tiempo de estudio y grabación, sino que en varios casos como el de Chano o el Pelado Cordera, escribimos juntos las canciones. Eso tiene otro sabor y es un punto altísimo del disco”. Emociones que en esta ocasión llevaran por primera vez a tres ciudades Europeas que no estaban incluidas en la gira anterior. Además de repetir en París, Londres y Amsterdam, actuarán por primera vez en Copenhague, Berlín y. Dublín. “Para nosotros es una locura total tocar en países que no son de habla hispana. No entendemos bien cómo funciona la cosa, pero si vamos es porque alguien nos quiere ver. Creo que la mayor sorpresa del año pasado fue Ámsterdam, porque nos encontramos con una cantidad de gente que realmente no esperábamos y que, a su vez, estaba totalmente enardecida. Y ni hablar que sumar puntitos en el mapa es algo increíble. Creo que Copenhague es quizás lo más distante a nivel cultural que tenemos y la que más curiosidad nos da visitar”.

EN CONCIERTO

l Madrid 16 mayo. Copernico

l Valencia 17 mayo. Peter Rock

l Barcelona 19 mayo. Sala Bikini

l Málaga 20 mayo. Cochera Cabaret

l Palma de Mallorca 22 mayo. La Movida

DON DISTURBIOS

EL DISCO. RECUPERADO.

Eterna Inocencia

Las palabras y los ríos (20th aniversario) (2004/2024)

HARDCORE / EN LAS TRAYECTORIAS de los grupos longevos usualmente hay puntos de quiebre que redefinen sus amores y por ende la morfología de su actitud. En 2024 se cumplieron veinte años de la publicación de “Las palabras y los ríos”, el disco que cambió todo en la carrera de Eterna Inocencia y mucho en la escena hardcore punk argentina. El cuarto disco de la banda de la ciudad de Quilmes representó un pico creativo y performático de alta nota porque el cantante y letrista Guillermo Mármol y el guitarra Roy Ota (acompañados por Pablo Wilk en batería y Tatán en bajo), a partir de aplicar la sensibilidad más sincera a su música, dotaron a la escena de un trabajo no falto de controversia, pero imprescindible para una generación de seguidores que hoy, peinando canas, siguen llenando sus conciertos incluso acompañados de sus hijos. Estamos aquí rescatando una joya del combativo y emocional underground sudamericano, venerada en Argentina y Chile y extrañamente poco conocida en el resto del mundo. La genialidad se expande por las trece canciones del álbum, el cual tiene su reedición vigésimo aniversario que incluye las demos, nostálgicamente editadas con estética de CD-R junto a una cuidada publicación en vinilo. La lista de temas es un recorrido en el que gana la frescura y la energía, tanto en los momentos de sonoridades sentimentales como en los espacios de reflexión. Resulta que Mármol es un profesor de historia que se crió en contacto con el entorno rural de la Provincia de Buenos Aires, a su vez Ota aprendió a tocar música country con su padre, lo que que lo llevó a interpretar con facilidad las armonías de influencias de Eterna Inocencia como Bad Religion o Social Distorsion.

Este particular y fundacional combo de circunstancias sumado al frenesí existencial de un cuarteto de post adolescentes inspirados parieron maravillas de altísima pluma y certera musicalidad como “Saludo a los Maquis” (“Hay caminos que no se olvidan jamás/ Malezas que no pueden avanzar/Y cantos de sirenas que escuchar”), “Trizas de vos” (“Tocaste el agua así/ Tan suavemente/Que tu imagen estalló en mil pedazos”), “A Elsa y Juan” (“Hay un trazo de verdad/Algún lápiz o tal vez un sentimiento”), “Encuentro mi descanso aquí” (“Falta el calor/Aquí faltan tus versos hoy/Y resultan tristes los ecos que dejó tu viento ayer”) o los inoxidables hits a corazón abierto –que funcionaron de válvula de descompresión primero para sus propios sentires y luego para los de sus seguidores– “Sin quererlo” y “Nuestras fronteras”; todos temas con los que Eterna Inocencia define su enorme personalidad, quedando mano a mano con la gloria punk a todo nivel. Imperdible. ADRIANO MAZZEO

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51/Mondo VINILOS

Los dolores de La Milagrosa

URBAN / La Milagrosa pasa a engrosar, con su debut en formato largo y tras varios singles previos con los que ya fueron capaces de llamar la atención, las filas de esa nueva generación de grupos de guitarras que, de una manera u otra, proclaman orgullosos la vigencia del género. Concretamente, el cuarteto se apuntaría a competir en esa liga en la que juega desde hace tiempo Carolina Durante, y que completan La Paloma, Alcalá Norte, Camellos, Tiburona, Shego o Cora Yako. Una sección reconocible por ese toque de favorecedora chulería castiza rematando la jugada, que también aparece como un chispazo entre la colección de canciones que conforman esta ópera prima del combo madrileño. El grupo presenta, en cualquier caso, marcadas especificades propias, acercándose con frecuencia a un post-punk melódico que

tiene en The Cure y la década de los ochenta un referente ineludible, mientras marcadas líneas de bajo y sintetizadores señalan el camino. Apenas media hora y una decena de canciones sirven al combo para postularse al título de grupo revelación de la temporada, tras evidenciar su olfato para construir canciones de tonos oscurecidos pero guiadas por mayoría de estribillos pegadizos y una lírica igualmente atractiva, en lo que en la práctica es un contraste alentador. Efectivamente, el presente álbum tiene peso propio e incluye algunos éxitos instantáneos como “Ponzano”, “Me paso por tu zona” y “Anestesiado”. Dianas evidentes junto a las notables “Anestesiado”, “La vida es una mierda pero a veces mola un poco” (con ese comienzo tan The Smiths) o “Tripitir”. Canciones que nos hablan sobre la desazón juvenil, relativizada con ironía y humor negro, inmediatas y directas tanto en sonoridades como en mensaje. Resumiendo, “Ya no me duele mal” es uno de esos testimonios generacionales que, en el caso de La Milagrosa, se definen por una solidez y claridad de ideas loables para un grupo novel. raúl julián

FKA twigs EUSEXUA Young/Atlantic

POP / FKA twigs anunció “EUSEXUA” dejando claro que no iba a ser un mero álbum. Bajo la premisa de “la sensación de trascendencia momentánea evocada por el arte, la música, el sexo y la unidad”, evidenció el impacto de la última tendencia creativa: la conversión de proyectos musicales en movimientos culturales hechos y derechos. Por sí mismo, el disco es un retrato abstracto del sistema límbico humano ante el momento histórico contemporáneo; un ejercicio de vulnerabilidad cuya escucha supone un acto de resistencia contra la inmediatez. Tratándose más bien de una forma de vida pensada para experimentar en directo, su análisis puede dividirse en dos ámbitos: uno global, compartido, y otro más personal y subjetivo. En este sentido, creo que aspiraba a ser más de lo que ha terminado siendo. Es fresco, sí, honesto, también, pero está lejos de ser innovador. Y, desde luego, tampoco se posiciona como el mejor trabajo de FKA twigs. abel olivares

7 7

Los Ganglios Peruguay Autoeditado

ELECTRO-POP / Vuelve la guasa y vuelve el PORC con un nuevo despiporre sonoro de Tétano y Filete. Seis años después de su último collage de desvergüenzas posmodernas, la dupla pacense regresa abriendo las líneas de su habitual costumbrismo mutante a la nostalgia chunga (“Estaba Guay”) y a la esclavitud farmacéutica (“Rivotril”), y demostrándonos que, en efecto, nos tienen tan calados que terminaremos riendo por no llorar. Historias que rozan el sci-fi más dantesco (“Plus Ultra Cuerpo”), el romanticismo bakala (“Rubia de Bote”), las referencias tecnológicas (“PS6”), el arraigo cañí (“El Alegrímetro”) o la tralla post-punk (“Adolescente imprudente”) son todo lo que queríamos de ellos. Como si de un particular brindis al sentido del humor y al verbeneo crápula se tratara, el regreso de Los Ganglios es un regalo para aquellos a los que el primer trimestre del año se les está haciendo bola. fran gonzález

Old Enough To Save Myself Tour

POP ELECTRÓNICO / Solo hay una cosa más difícil que traducir en forma de música un mundo mágico, propio, y eso es hacer que la realidad parezca un universo completamente nuevo y mágico. Después de “Galore” (20) la francesa Oklou lanza su esperado álbum debut, para remoldear la realidad contando su llegada a la treintena. “choke sólo puede clasificarse de dos maneras. Con la etiqueta paraguas POP, o con una retahíla de géneros que se entrelazan entre sí. Con colaboradores como Bladee, Underscore o A. G. Cook, hace suyas la electrónica, las melodías oníricas, evocaciones cloud rap, beats club, guitarras folk y el ambient. Dispositivos electrónicos a la disposición del aura de trovador, convirtiéndolo en algo así como realismo mágico sonoro. Pero, ante todo, es un álbum para bailar suave en el que nada, y todo, es lo que parece. Un auténtico triunfo pop. sebastián

Moonchild

Sanelly

Full Moon

Transgressive

Records

Bear Sinister Grift Domino/ Music As Usual 7

POP / Noah Lennox fija el objetivo (quizá con más descaro que nunca) hacia un pop colorido y de aspecto retro que tiene a volverse hipnótico. El nuevo álbum de Panda Bear podría entenderse (por momentos) como continuación lógica de aquel jugoso “Reset” (22) surgido de la unión de Panda Bear y Sonic Boom. El Animal Collective aporta diez piezas inyectadas con su habitual falta de complacencia, siempre inquieto y atento cuando de abrir nuevas vías de experimentación se trata. Todo a pesar de que trabaje maneras más clásicas e instantáneas, en las que el pop se entremezcla con pinceladas de psicodelia, ecos sixties o electrónica, manteniendo siempre la melodía en innegociable primer plano. “Sinister Grift” bien podría ser la colección de canciones más inmediatas firmadas por Panda Bear, con una línea más accesible que supone una invitación para quien quiera descubrir el puzzle. raúl julián

Biela Nuevas Emociones Limbo Starr

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Lia Kali Kaelis

2 Valeria Castro El cuerpo despues de todo

3 Anna Andreu Vigília

4 La Plata Interzona

5 Periferia Rincones de nadie

6 Ilegales Joven y arrogante

7 L.A.

A Modern Odyssey

8 Pumuky No sueltes lo efímero

9 Grande Amore III

10 Biela Nuevas Emociones

/ Haciendo honor al título, Sanelisiwe Twisha presenta con su tercer álbum una exhibición completa de lo que puede conseguir como artista. Un universo de pop libre que se balancea entre sonidos urbanos y futuristas bajo la producción de Johan Hugo (Self Esteem). Una deslenguada apertura emocional, tan sexy como reivindicativa. “You’re in pain, bitch ‘cause I’m paid, bitch”, suelta en la enérgica “Gwara Gwara”, nombre de baile africano, dejando bien claro que a veces en esta industria para crecer hay que hacerse fuerte, empujar y hacer lo que te dé la gana. Entre lo mejor de “Full Moon” encontramos esa especie de soft pop hit que es “To Kill a Single Girl (Tequila)”. Gran tema de ruptura, de chupito tras chupito en la barra, que con una buena colaboración podría colarse bien alto en algunas listas o ese mensaje de exploración sexual que exprime bien en “Sweet & Savage”. álex jerez

7

ROCK / El joven trío madrileño se ha tomado su tiempo a la hora de prologar su debut de hace más de tres años. Es una eternidad en estos tiempos, pero ellos prefieren ir a su propio ritmo, y eso les honra. En el título de su segundo álbum evocan involuntariamente a Los Planetas de los noventa, aunque estilísticamente estén lejos de los granadinos. Los madrileños están más emparentados con Viva Belgrado, Cala Vento y demás renovadores jóvenes del rock en su vertiente hardcore o emo, de la música de guitarras fuertes y mucha melodía, pero con un toque contemporáneo que aquí acentúan. Las canciones hablan de incertidumbre y cambio, del paso de la juventud a la vida a la vida adulta con sus retos y servidumbres. También hay naufragios y dudas sentimentales, claro. Temas universales tratados con un lenguaje generacional directo y sincero. Un trío que se encuentra cómodo explorando su química.

jc peña

1 Divorce Drive To Goldenhammer

2 Jason Isbell Foxes In The Snow

3 The Murder Capital Blindness

4 Anxious Bambi

5 Spiritbox Tsunami Sea

6 Ichiko Aoba Luminescent Creatures

7 Lady Gaga Mayhem

8 Horsegirl Phonetics On And On

9 FKA Twigs Eusexua

10 Panda Bear Sinister Grift

Pumuky

No sueltes lo efímero Keroxen

8

INDIE ROCK / Lo formación canaria ha prendido siempre de una necesidad vital de expresión sincera que, en “No sueltes lo efímero”, vuelve a desmontar al oyente con canciones de gran intensidad emocional y sonora. Un camino conjunto de sentido propio, que se abre con la excepcional “El salitre de tus labios” y cierra su propio círculo con la no menos impactante “No sueltes lo efímero” que da título al lanzamiento. La mezcla de slowcore, shoegaze e indie-rock del combo (con Low, Matt Elliott o Slowdive como referentes) deriva en una sonoridad específica que guía todo el álbum, junto a la siempre vívida y punzante lírica propuesta por Jaír Ramírez, quizá más expuesto que nunca en su papel tras el micrófono. Unas texturas que marcan a fuego las canciones con un tipo de poso marca de la casa, creíble y permeable al transcurrir vital. raúl julián

ROCK / Tras superar un bache interno provocado por su cantante, que necesitaba una pausa, Anxious dan un paso más allá en busca de nuevas formas de expresarse y ahora entregan un sensacional segundo disco de emo pop catárquico, profundo, expansivo y, al mismo tiempo, terriblemente accesible. El salto cualitativo del quinteto de Connecticut puede recordar al de Jimmy Eat World con “Clarity” o, salvando las distancias, al de Death Cab For Cutie con “Transatlanticism”. Las melodías pegadizas mandan en un disco rico en arreglos y texturas, que arranca con la potencia melódica de “Never Said” y “Bambi’s Theme” e integra un puñado de momentos preciosistas como “Some Girls” y, sobre todo, “Audrey Go Again”. Menos inmediato que su aclamado debut, “Bambi” seguramente adolece de hits capaces de unir grandes audiencias, pero merece mucho la pena por su consistencia. luis benavides

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Anxious Bambi Run For Cover/ Popstock!

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Gary Louris Dark Country Sham / Thirty Tigers

AMERICANA / Dice Gary Louris que este es el disco más romántico que ha hecho. También asegura que es el más íntimo. Lo considera casi una carta de amor a su esposa. También podemos afirmar que es el más flojo que ha hecho –tanto en solitario como con The Jayhawks–. Aunque se trata de un disco pequeño, con poca instrumentación, no es eso lo que hace que le veamos evidentes carencias, son las canciones las que fallan. Está bien lo de llevarse a colegas como Stephen McCarthy (The Long Ryders) para tocar la pedal steel o a Eleanor Whitmore de The Mastersons, pero si las composiciones flaquean todo cae como un castillo de naipes. “By Your Side” y “Getting Older” convencen, pero temas como “Day Without You” o “Living In My Phone” se me antojan demasiado insustanciales como para estar firmados por uno de los grandes compositores de la música norteamericana de este siglo y finales del anterior. eduardo izquierdo 5

7

Puño Dragón Juegos violentos Altafonte

ROCK / Conscientes, y orgullosos, tanto de representar un nuevo eslabón dentro del legado clásico como de ser actores del presente, el segundo disco de la banda asturiana escenifica esa doble vertiente de manera ejemplar. Continuación de un reseñable debut donde se traslucían con mayor claridad sus referentes, el actual repertorio encuentra su voz propia –pese a la diversidad de cantantes existentes en la formación–sin renunciar ni a la elegancia “stoniana” ni por supuesto a una desgarrada actitud que se enuncia bajo afilado y coloquial lenguaje. Canciones de visceral tratamiento que en su aperturismo estilístico son capaces de pernoctar en suelo árido y desnudo, en el funk cosmopolita a lo Calamaro o amanecer entre purpurina glam. Un ágil y emocionante esqueleto rítmico que acoge deseos y fracasos; lágrimas y celebraciones. La pasión, y sus inevitables peligros, como único refugio válido para el alma humana. kepa arbizu

Zahara

Zahara

Lento Ternura

G.O.Z.Z. Records

POP ELECTRÓNICO / El universo de “Lento Ternura” presenta una extraña convivencia de la calma con la desolación, no asoman tanto la rabia ni la épica, y sí vuelve el humor tan característico de la artista. Acompañar este disco con el poemario tiene todo el sentido del mundo, puesto que las canciones por lo general se alejan de las melodías que podíamos encontrar en su discografía anterior, acercándose más a poemas musicados. Pero, lejos de conformarse con un ‘hilillo musical’, la producción de “Lento Ternura” es una de las mejores en un álbum de Zahara, lo cual tiene aún más valor sabiendo que el álbum está compuesto y producido enteramente por ella. Puede que en este disco cueste algo más encontrar temazos, pero sí es el disco de los pasajes: absolutamente

revoluciones

ninguna canción se puede tachar de medianía, teniendo todas su punto de genialidad. Y aún así hay temazos, como “Soy de un pueblo pequeño”, “¿Era esto la vida?”, “La violencia” o “CTRL+Z”. “Lento Ternura” es, en sí mismo, una prueba de por qué Zahara sigue siendo una de las artistas más interesantes de nuestro país, cuyos pasos siempre es estimulante seguir. Negarse a hacer lo que se esperaba de ella tras “PUTA” habrá sido liberador, pero artísticamente significa mucho también. Porque se niega a ser la imagen unidimensional a la que industria y medios puedan querer reducirla, ya sea la chica naif graciosa que no dirá nada inconveniente, o la SeriaTM con la que colgarse medallitas. Porque, lejos de quedarse en una pose cuando se trata de explorar terrenos, la pasión que siente por ellos es palpable. Y porque, si juntas eso con un talento desbordante para la composición, la interpretación y (ya nadie puede dudarlo) la producción, el resultado es no solo recibir este disco con los brazos abiertos, sino querer otro. Ojalá “demasiadas canciones” como estas. pablo tocino

baja de

La Plata siguen en evolución constante

La Plata Interzona

Sonido Muchacho

POST-PUNK / Tenemos la tremenda suerte de haber coincidido en tiempo y espacio con un generoso número de bandas nacionales que han resucitado a golpe de guitarra y urgencia joven los tropos del descontento y el inconformismo post-punk. Sin embargo, algunos de estos proyectos no se bastan únicamente con recorrer el camino de terceros, sino que también elaboran el suyo propio. “Interzona” nos llega siete años después de que La Plata se presentaran con nombre propio de la mano de “Desorden” (18), su debut y uno de los incunables imprescindibles para entender la nueva ola del indie patrio. Sin embargo, poco tiempo les bastó a los valencianos para rehacer su hoja de ruta y reinventarse, constatando con “Acción directa” (22) que donde dije digo, digo Diego. Abierta la veda y demostrados los dones excepcionales de su ejercicio, la banda nos entrega con su tercer disco una prueba más de su

L.S. Dunes

inherente querencia a expandir horizontes, apostando en esta ocasión por una producción casi manierista en la que el cuidado por el detalle prima por encima de la premura. Pero lo verdaderamente meritorio del nuevo trabajo de Escriche y compañía no es tanto el hecho de que este desarrolle la valiente transición estilística que ya comenzamos a intuir en su anterior largo, como sí hacerlo de una manera orgánica e instintiva que no pone en riesgo la

HARDCORE / L.S. Dunes confirman que su proyecto es más que un supergrupo con “Violet”, que da continuidad a “Past Lives” (22) con una mayor cohesión y mejor estructuración. Su mezcla de post-hardcore, emo y rock alternativo brilla desde el inicio con “Black Magick”, donde Anthony Green se presenta con su voz desnuda, hasta la potente y cruda “Fatal Deluxe”, uno de los mejores cortes del álbum. Aunque el tono de Green quizá pueda resultar edulcorado de más por momentos (algunas partes de “I Can See It Now...” o “Paper Tigers”), el resto de la banda hace que no caiga en la pomposidad. A diferencia de “Past Lives”, “Violet” –que no pierde la rabia cuando es necesario acudir a ella–, deja más hueco a la evolución culminando con la catártica “Forgiveness”. Sin romper reglas, la banda disfruta su propio sonido ratificando que parecen tener todavía un futuro por delante bastante interesante. jaime tomé

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Montflorit

Encara hi ha tant per fer Estudio Mazmorra

INDIE / Montflorit nos presenta un álbum de debut de doce canciones que apenas superan la media hora, pero que es totalmente efectivo. Desde la inicial “Si no ha de ser amb tu”, logran que entres en su universo que, aunque apunte a ritmos cercanos al rock, en cuanto más te adentras, más variedad hay en ellos. Pasada la mitad del LP, entras en un oasis en el que el guitarreo se detiene y nos encontramos con los temas más delicados del disco, “Com ha anat el dia” y “Anouk” –apoyados por Iris di Cassi al piano–, para luego devolvernos al frenesí con “L’esfera”. Y aunque, musicalmente, nos hacen pasar por esta especie de montaña rusa, lo cierto es que en sus letras lo que más nos encontramos son historias tristes y melancólicas, algunas de ellas con un toque friki. Un disco en el que han tenido la libertad de ser ellos mismos, porque tienen la suerte, o la desgracia, de poder permitírselo. alejandro caballero serrano 7

7

identidad de la formación. La libertad y el gusto por el experimento que su producción revela (“brillando siempre”), así como sus confiadas apuestas de triunfante tino (como el maridaje entre voces de Diego y Patricia en “cerca de ti” o “mirar atrás”) son garantía de poder disfrutar de algunos de los mejores golpes entonados por el conjunto che, tan dispuesto a jugar como a pisar sobre seguro. fran gonzález

The Dearest The Dearest Autoeditado

ROCK / Curtidos en mil escenarios, estos veteranos del rock barcelonés han decidido unir fuerzas para perpetrar un álbum de debut que se abre con un gancho en toda la mandíbula. Balbuceas y te quedas sin aire cuando “Gettin’ Old” se abre paso entre capas de guitarras, que flotan a medio camino entre Stone Temple Pilots y The Cult, una sección de ritmo avasalladora y una garganta que no olvida la melodía pese a la contundencia de la propuesta. The Dearest desplegan todo su bagaje musical en poco más de media hora. Y es que, a buen entendedor, pocas palabras bastan. Entre el rock clásico de toda la vida, ese que vivió sus momentos de máxima gloria en los setenta, gotas de psicodelia (“Stop G”) y los sonidos alternativos de los noventa, además de un excelente trabajo en las partes vocales, descerrajan nueve temas compuestos con la tranquilidad de no tener nada que demostrar, ni perder. manel celeiro

/ Victoria Canal ha conseguido preparar en tiempo record todos los aperos necesarios para que su debut formal se convierta en la comidilla del mainstream internacional. Sin embargo, y para desventura de sus acólitos, no sentimos que este refleje a lo largo de sus once pistas ningún tipo de evolución fuera de lo ordinario. Con un gran número de involucrados en su forma (Eg White, Ross McDonald, Jonny Lattimer, Låpsley o S.Carey), el fondo termina por evocarnos más la huella personal de otras artistas que el estilo propio y definido de quien se presupone responsable principal del producto. En su ejecución hay dones incipientes que no admiten tacha, pues pese a su bisoñez (veintiséis años) salta a la vista que la artista de origen español es una intérprete con tablas. Aun así, el brillo de su exterior no le exime de entregar una propuesta básica y vacua con letras mediocres y mucha más voluntad que acierto. maite aparicio

POP

4

Victoria Canal Slowly, It Dawns Parlophone

María Terremoto Manifiesto

FLAMENCO / María Terremoto se abre paso en la oscuridad y encuentra su luz y centro artístico en “Manifiesto”. De la valentía de surcar el dolor que provoca la pérdida en “A la muerte”, romance inicial a corazón abierto; al bellísimo embrujo de la petenera “Alma no salgas del cuerpo”, rebosante de sonidos árabes y ecos antiguos, con María meciendo en cada verso de la primera a la última estrella. Hasta llegar al mágico despegar a fuego lento de las seis cuerdas maestras de Yerai Cortés (toque y producción), en unos verdiales (“Te llevaste mis tormentos”) que te remueven por dentro, con explosión de palmas, jaleos del alba y un sol liberador que sale de la boca de María para ya jamás apagarse, acelerando el pulso y conciliando alma y cuerpo bajo la adictiva felicidad del amor verdadero. Recta final por palos luminosos, resilientes y liberadores, por alegrías, rumbas y coronación de la jerezana por bulerías. david pérez marín

INDIE FOLK / La dupla estadounidense se mueve con soltura por un terreno tan conocido como tristemente cercado, en el que para colmo se nos priva de la épica coral y efectivista de sus lejanos momentos de brillantez. A cambio, veremos que el verdadero pecado del quinto disco de Wesley Schultz y Jeremiah Fraites es su deliberada espesura, primando una melancolía sobrevenida que ni convence ni conmueve y resta ritmo al total de la obra. Sus amagos por salvar la evidente falta de recursos y riesgos terminan quedándose cortos, con temas prácticamente indistinguibles (“Ativan”, “Keys On The Table”) e intentos de hit (“You’re All I Got”, “Asshole”) más preocupados por salir bien en la foto que por generar un arrebato verdadero en el oyente. Definitivamente, el regreso de The Lumineers a una compañía discográfica independiente, tras su extenso periodo en Universal, podría haber dado mucho más de sí. fran gonzález 5

ROCK / El segundo capítulo de la “resurrección” entonada por la banda escandinava se escribe sobre una equilibrada negociación entre su espíritu abrasivo y una políglota condición sonora. Herederas de la elegancia del “Rock & Roll Is Dead” o incluso vástagos de Imperial State Electric, proyecto concebido por Nicke Andersson, estas composiciones escogen ser conscientes de su vinculación con el momento actual de la formación –todavía con la baja de Dregen a cuestas– y eluden reverdecer aquella primigenia y descarnada exposición. Sin renunciar al legado de MC5, filtrado en la impetuosa “Token Apologies”, el repertorio se define por una versatilidad que incluso juega con la psicodelia o se acerca, aludiendo a Cheap Trick o Big Star, al power pop. Reacios a considerarse solo un recuerdo, como dicta uno de sus temas, alargan de forma notable su particular nueva vida brindando por la incertidumbre humana. kepa arbizu The Hellacopters

AMERICANA / La brillante extensión creativa del vínculo sanguíneo que une a las hermanas Rebecca y Megan Lovell alcanza su octavo episodio. Un repertorio fecundado por un inédito hasta la fecha proceso compositivo realizado en común y al que se incorpora como tercera extremidad Tyler Bryant. Sinergias compartidas que alumbran, suspendidas sobre ese ya característico vetusto imaginario campestre conquistado por la ferocidad eléctrica, un trabajo de reflexiva lírica existencial. Un paisaje de claroscuros emocionales propicio para florecer con igual consistencia entorno al frenético rock and roll con actitud punk de “Nowhere Fast” como invocando la delicadeza de Emmylou Harris en “Bloom Again”. Entre pasajes de blues o descarnados retratos en clave de soul, estas canciones encuentran una lúcida e imponente formulación para ese curvo recorrido que siempre asume todo proceso de aprendizaje personal. kepa arbizu

Juancho Marqués Canciones sin videoclip Vol. 1

Taste The Floor Records

RAP / El sexto álbum del madrileño nacido en Sevilla es, tal como él había avisado, su obra más bonita y a la vez la más introspectiva. Con una fusión del rap que le vio nacer con soul, R&B e incluso el flamenco (“Y aun así nos queremos igual”), el disco está marcado por las pérdidas y el recuerdo en canciones como “Si no hubiera” , con dedicatoria a la añorada visionaria Gata Cattana, “Si no sabes caer” y “Mamá-Luz del Norte”, en honor a su madre, además de también referencias a su hermana Marta o a su abuelo, logrando normalizar el duelo y la fragilidad humana con elegancia con testimonios que, aunque melancólicos y bañados en el duelo y la depresión, resultan reconfortantes gracias a su naturalidad y llegan a servir como ayuda para encontrar paz. A la espera de su segunda parte, este trabajo confirma la sensibilidad de un artista que busca una catarsis dentro del trayecto con baches que es la vida. jaime tomé

8

Vicente Calderón Vicente Calderón Subterfuge

INDIE ROCK / No hay tema que se les resista ni que sea susceptible de ser tratado bajo su sardónica mirada y su pulso acelerado. Desde la confusa realidad sexual que vivimos en plena edad dorada del contenido para adultos en Internet (“Porno”) hasta la especulación inmobiliaria vigente que ha transformado las convenciones legítimas en lujos inalcanzables (“Costa Marrón”), pasando por el romanticismo (“Himno de las flores”), el ego (“Número 1”) y el cataclismo punk (“Dientes Rotos”). Vicente Calderón debutan haciendo bandera de esa cuestionada etiqueta que enmarca la “música de guitarras” y hacen de su debut una de las pocas consecuencias positivas que tiene el haber dado por supuesta la austeridad juvenil como un axioma más de nuestra realidad. Es un aviso a la población: si en un tiempo terminamos viéndoles llenando recintos como el que les da nombre, que a nadie le pille mirando para otro lado. fran gonzález

La trova barroca de Ichiko Aoba

Ichiko Aoba

Luminescent Creatures Hermine

8

POP / Como si de una versión nipona de Julia Holter se tratara, en estos niveles estamos hablando cuando nos referimos a la compositora e intérprete Ichiko Aoba. Algo así como una trovadora pop barroca en la duermevela. Reina de los susurros que, incluso, se agarra a la melancolía achampañada francesa en cortes como “COLORATURA”, primer escalón de un trabajo que prosigue la racha triunfal de bandas sonoras y álbumes previos como el brillante “Windswept Adan” (20), con el cual subrayó la rica fauna de sonoridades oníricas que pueblan su cosmos particular. En este sentido, “Luminescent Creatures” es la confirmación de un modus operandi capaz de bucear en el minimalismo más puro, tal que en “mazamun”, como de arrojarnos a

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océanos de cinemascope orquestal como el tejido en la enorme “Lucifèrine”. Eso sí, el ambiente general que timonea el obnubilante crisol de sensaciones aquí invocado es el de cortes como “prisomnia”, donde la hipnosis proviene de las leyes sagradas del menos es más, de cantos de sirena y sonidos de corte oceánico que también la emparentan con la versión pop menos experimental de la gran Kaitlyn Aurelia Smith. En su caso, por medio de un gran caudal de sonoridades que apelan al clasicismo incorpóreo del pop. Uno ideado desde la aplicación total y absoluta de la ensoñación como forma de cocinar sus canciones a través de una base minimal acústica mediante la que Aoba moldea su narrativa pop de forma sinuosa, magnética. En definitiva, un trabajo de corte crepuscular, otoñal en el sentido más amplio del término, ideal para adentrarnos en la discografía de una artista que viene a recordarnos por qué en el país del sol naciente se les da tan bien embrujar el pop desde las formas más surrealistas del sueño. marcos gendre

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.LOS DISCOS DE MI VIDA.

Uno que no debería gustarte, pero te encanta...

Thomas Newman Finding Nemo (2003)

Cuando escucho “Nemo Egg (Main Title)”, la canción que suena al principio de la película cuando Nemo no se ha perdido todavía, para mí es “gallina de piel”. Creo que hay que reivindicar que no hay ningún guilty pleasure

Uno que te hizo llorar…

Caetano Veloso Fina Estampa (1994)

Me emociona mucho Caetano Veloso y su álbum “Fina Estampa”. Es una recuperación de versiones que escucho bastante. Aunque dentro del repertorio de Veloso me hace llorar “Cucurrucucu Paloma”. Para mí es como si la música estuviese jugando contigo poniéndote al límite para estallar en cualquier momento, y por eso consigue emocionarme.

Uno que odiases al principio...

Lucio Battisti Il mio canto libero (1972)

Guitarricadelafuente

Álvaro Lafuente, más conocido como Guitarricadelafuente, ha iniciado una nueva etapa. Una etapa que ha inaugurado con su reciente single “Full time papi”, anticipo de lo que vendrá en próximos meses. Aprovechando la ocasión le preguntamos por los discos de su vida.

El primero que recuerdas…

Bebo Valdés & Diego El Cigala Lágrimas Negras (2003)

Es complicado recordar un álbum en físico como tal, porque solía escuchar canciones sueltas durante los viajes en el coche. Me vienen a la mente artistas como Bee Gees, Violeta Parra y sobre todo Labordeta, porque mi abuela cantaba jotas. Pero diría que “Lágrimas Negras”, porque cuando ya me hice más mayor pensé: “Vale, resulta que todas estas canciones forman un disco”.

El primero que compraste…

Rosalía Los Ángeles (2017)

Pues uno que es bastante reciente, el de “Los Ángeles” de Rosalía. Recuerdo que me lo compré para tenerlo en medio de mi habitación, que estaba prácticamente vacía. Escuchar “Los Ángeles” fue como una revelación, una experiencia religiosa. Ya hemos visto que Rosalía ha abierto el camino para todos los artistas de aquí. Pero más allá de eso, creo que lo especial es que nos abrió la puerta a su forma de cantar tan distintiva.

Me ha pasado con más de uno. Por ejemplo Lucio Battisti no me gustaba cuando mi tío lo escuchaba. Con los años, redescubrí a Battisti mientras trabajaba con Raül Refree. Al escucharlo de nuevo, lo vi con otros ojos, es como si su sonido se hubiese quedado en mi mente pero necesitaba reposarlo.

El disco del que más cosas has robado…

Adrianne Lenker Bright Future (2024)

En “La Cantera”, mi disco anterior, tuve muchas referencias de Bon Iver y de Sufjan Stevens. Pero para este nuevo proyecto me ha influenciado principalmente Adrianne Lenker y su disco “Bright Future”. Lenker me ha inspirado porque tiene una voz completamente country, que parece que viene de un mundo antiguo, pero todas sus letras tocan temas muy actuales que forman parte de su ADN y de las vivencias de la gente en general. MS

63/Mondo Media

CÓMIC

Magius

El lado oscuro

Diego Corbalán, más conocido como Magius, es uno de esos autores de cómic de desbordante personalidad que no duda en mutar obra a obra. Después de títulos como “Murcia”, “El Método Gemini” o “Primavera para Madrid” –Premio Nacional de Cómic– nos sorprende sumergiéndose en el lado oscuro con “Black Metal” (Autsaider Cómics, 25).

MAGIUS ES UN ARTISTA distinto en cada una de sus obras, pero siempre mantiene un espíritu que le permite crear cómics que no se parecen a ningún otro. Y “Black Metal” no iba a ser una excepción. “Llevo muchos años dibujando, y no sé si dibujo bien o mal, pero siempre me ha gustado cambiar de estilo ya que encerrarme en uno solo me parece frustrante. Con cada cómic experimento algo nuevo, a veces sale mejor y otras peor. Por ejemplo, el estilo de ‘Murcia’ no me gusta nada, hoy en día lo hubiese dibujado diferente. También pasa un poco lo mismo con ‘El Método Gemini’... Con ‘Black Metal’ es algo diferente, he ido desarrollando ese estilo durante muchos años, sacando varios fanzines, solo que ahora quería mejorarlo un poco y contar una historia larga”. En todo caso, la suya es una carrera personal y particular como podría ser la de... “Ni idea. A mí me gustaría que fuera Burzum, porque me gusta Burzum, simplemente, y casi todos los discos están bien, incluidos los que sacó tras salir de la cárcel (salvo los más recientes y ambientales); aunque el Tío Varg está algo zumbado [risas]”.

NO PODEMOS PASAR POR ALTO que, pese a su humor negro, “Black Metal” no cae ni en el amarillismo, ni en la parodia, ambas visiones desgraciadamente muy habituales a la

hora de hablar del género. “No lo considero una parodia del black metal como música y escena en particular, porque a mí me gusta el black metal y estoy de acuerdo con muchos puntos ideológicos del movimiento. Si hago parodia es de la historia en sí, de los acontecimientos y de los personajes, porque todos son humanos con sus aciertos y equivocaciones, además, eran muy jóvenes y decían muchas bobadas, como hacen los jóvenes, pero también ahí está la gracia”. Unas bobadas que generaron que, hubiera quienes no entendiesen el importante cambio que esa música endiablada, veloz y arisca supuso para la música rock en general y para el metal en particular. “Trabajando en el cómic, escuché un podcast en el que hablaban de la escena black metal no desde el punto de vista amarillista de los crímenes, sino desde el punto de vista artístico. Precisamente decían que era el último mo-

vimiento importante del siglo XX, incluso lo ponían como vanguardia comparable al dadaísmo o el futurismo. Yo estoy de acuerdo. El black metal fue muy innovador musicalmente y ha ido más allá de la música”.

Y COMO MAGIUS COMENTABA un poco más arriba, antes de este cómic, casi veinte años atrás, dibujó y publicó varios fanzines dedicados al género. “El estilo es el mismo, lo he ido ‘perfeccionando’ en todo caso. Y la historia, los personajes, son lo mismo, solo que en el fanzine no solo dibujaba a los noruegos, sino a gente de otras escenas, como la polaca, alemana, francesa, sudamericana... También hice un fanzine sobre la escena barcelonesa de black metal de mediados de los noventa, con bandas como Gothician, Ork o Wolfstonecraft; a esa escena se le llamaba Blackcelona, y uno de los fanzines lo titulé así”. joan s. luna

CINE Y SERIES

SI EL AÑO PASADO el Oscar a Mejor Película de Animación se lo llevaba “El chico y la garza” de Hayao Miyazaki, este año ha vuelto a ir a parar a una cinta más “modesta” en comparación con Disney o DreamWorks. Coproducida entre Letonia, Francia y Bélgica, “Flow” se estrenó en el Festival de Cannes, y durante estos meses ha ido acumulando premios, siendo el Globo de Oro el que ya nos avisó de que podía haber sorpresa en la gala de los Oscar. En ella, nos situamos en un mundo en el que los humanos parecen haber desaparecido recientemente, y nuestro protagonista es un gato que busca refugio cuando sobreviene una especie de cataclismo, cubriéndose todo de agua. En su aventura, acabará compartiendo barco con otras especies animales: un perro labrador, un capibara, un lémur y un secreta-

Flow: Un mundo que salvar Gints Zilbalodis 8

rio. El director Gints Zilbalodis consigue dar vida a toda esta odisea usando Blender, software de código abierto, y aunque evidentemente el resultado choca comparado con las películas de animación de los grandes estudios, no le quita nada de belleza al resultado. Tampoco es un punto negativo que la película, al querer “humanizar” lo mínimo a sus personajes, no contenga diálogos; el guion (coescrito junto a Matiss Kaza) se las apaña para que seamos uno más en las aventuras del gato y sus compañeros. Y, de paso, para que también aprendamos el valor de superar los miedos, de ayudarnos los unos a los otros e, incluso, para que veamos ese reflejo del final no solo como un cierre de círculo, sino también como un aviso en el que vernos en un espejo respecto a nuestro planeta. pablo tocino

“THE MONKEY”, cuento de Stephen King en el que se basa esta película, se publicó por primera vez en España en una recopilación que incluía la (estupenda) “La niebla”. Era una variación del tropo clásico del “juguete maldito” extremadamente oscura y sombría. El mono se convertía en una especie de metáfora del abismo entre padre e hijos al llegar a la adolescencia, y del miedo a perder a tus seres queridos. Cuando el mono toca, alguien muere cerca, víctima de un ¿ accidente?. ¿Por qué? Eso no es relevante; lo importante es el reguero de muerte y destrucción que siembra a su paso. El director, Osgood Perkins, se ha hecho un nombre en el terror gracias a películas pausadas y atmosféricas como “La enviada del mal” (15), “Soy la bonita criatura que vive en esta casa” (16) y, sobre todo, “Longlegs” (24), uno

de los grandes éxitos en taquilla y crítica del cine indie del pasado año. Fueron obras que no buscaban los golpes de efecto fáciles, en las que brillaba el talento de su autor para crear situaciones inquietantes y personajes perturbadores. “The Monkey” es algo completamente distinto. No hay que escarbar mucho para comprender que nos hallamos ante una cinta de encargo. Una comedia de terror, a medio camino entre las adaptaciones de King de los ochenta como “Creepshow” (82) o “Christine” (83), la saga “Destino Final” y ese pequeño clásico de que fue “El diablo metió la mano” (99). No es una película con demasiadas pretensiones artísticas, pero sí un entretenimiento ágil y eficaz (si no tienes problemas con ver muchísimas explosiones de hemoglobina, vísceras y mutilaciones). josé martínez ros

LAS PREMISAS no podían pintar mejor de cara a esta nueva propuesta: una serie inspirada en hechos históricos y surgida de la mente de Steven Knight –creador de ese clásico moderno que es “Peaky Blinders”–, ambientada en el Londres de la época victoriana y con la excusa del inminente negocio/deporte del boxeo como telón de fondo. Sin embargo, y en la práctica, el cúmulo de elementos no termina de cristalizar en torno a una estructura determinada (ni determinante), con el argumento bifurcado en dos historias paralelas que, en su afán por entremezclarse, generan un desequilibrio consecuencia directa del interés que una y la otra pueden despertar en el espectador. Por un lado, el foco cae sobre el personaje imprescindible de Sugar Goodson, interpretado magistralmente por ese todoterreno (ahora mus-

culado) que es Stephen Graham. Un boxeador de suburbio plagado de contradicciones y abonado a la violencia que encontrará su némesis en el recién llegado desde Jamaica Hezekiah Moscow (Malachi Kirby). Por otro lado, aparece la historia de la banda delictiva femenina Los 40 Elefantes, quienes, entre hurtos y chanchullos de todo tipo, planean el que será su golpe maestro. El resultado es una serie bien ambientada y con actores inspirados que trata de frente temas como la amistad, el racismo, la lucha de clases o el papel mismo de la mujer, pero que, en ese empeño por entreverar materias, parece quedarse un poco a medio camino de ninguna parte. Dejando, de paso, un puñado de tópicos y moralejas, así como cierto romanticismo disfrazado de una crudeza no siempre creíble. raúl julián

PHILIP BARANTINI (“Boiling Point”) aborda los grandes males de la juventud del presente en su regreso a la pequeña pantalla contando de nuevo con un brillante Stephen Graham –también coautor del guion– y entregándonos cuatro horas de metraje que radiografían las consecuencias de la falta de ética en la edad temprana. Su protagonista, un joven de trece años interpretado por un sorprendente Owen Cooper, podría ser cualquiera de nuestros hijos, sobrinos, primos o ahijados: un muchacho solitario, negado para las convenciones testosterónicas, cuya incapacidad para gestionar el rechazo y la participación activa de una serie de sumandos (ausentismo paterno, los tropos del movimiento incel, el estigma de la masculinidad frágil, la pornografía vengativa

o los gurús online de poca monta), le llevan a desarrollar una misoginia genuina y canónica. Con un juego de cámaras superlativo y una técnica de montaje deliciosa que convierte cada episodio en un macro-plano secuencia inédito, Barantini logra regalarnos la privilegiada oportunidad de contemplar sin elipsis los sentimientos de los protagonistas, atestiguando en primera línea los desgarradores pormenores de un debate vigente que nos mira de frente a todos nosotros: a los hombres que nos fallaron y a los hombres que seguimos fallando. “Adolescencia” no es solo la serie de Netflix de la que todo el mundo debería estar hablando, sino también un producto audiovisual de obligatorio visionado en los institutos. fran gonzález

Mil golpes

Steven Knight

The Monkey Osgood Perkins

Philip Barantini

06/03 - GRAN CAFÉ - LEÓN

14/03 - ALIATAR - GRANADA

22/03 - SALA STEREO - ALICANTE

28/03 - LA CHICA DE AYER - SALAMANCA

05/04 - SALA REPVBLIccA - VALENCIA

09/04 - SOCIEDAD URBANA - MONTEVIDEO (UY)

11/04 - NARAKAN - PUNTA DEL ESTE (UY)

13/04 - QUILMES ROCK - BUENOS AIRES (AR)

16/04 - LA TANGENTE - BUENOS AIRES (AR)

18/04 - ROCK EN BARADERO - BARADERO (AR)

04/07 - FESTIVAL RÍO BABEL - MADRID

10/07 - FESTIVAL CRUIllA - BARCELONA

11/07 - PIRATA BEACH FESTIVAL - GANDÍA

03/10 - PORTA CAELI - VAllADOLID

06/09 - BLUE BAR - SAN FErrAN DE SES ROQUES

10/10 - LA TRINCHERA - MÁLAGA

11/10 - MALANDAR - SEVIllA

17/10 - SALA HANGAR - CÓRDOBA

18/10 - BERLIN SOCIAL CLUB - ALMERÍA

24/10 - LE COUP - VITORIA

25/10 - LA FUNDICIÓN - LOGROÑO

01/11 - SALA APOLO, EMPREMTES - BARCELONA

07/11 - LA FÁBRICA DE CHOCOLATE - VIGO

08/11 - LUGO - SALA JAggER

21/11 - KAFÉ ANTZOKIA - BILBAO

MÁS FECHAS POR CONFIRMAR...

Crisálida Fernando Navarro Impedimenta 9

Dice Laura Barranchina a propósito de esta novela que de la pluma de Fernando Navarro no sale tinta, sino sangre arena. Dicho esto, no se me ocurre mejor descripción para poder explicar la esencia narrativa que transpira esta primera novela del también guionista granadino, autor de guiones tan brillantes como los de “Verónica” y “Segundo premio” Así, tras haber sentado cátedra con un libro de cuentos como “Malaventura”, en “Crisálida” teje una atmósfera que bebe del cine español más onírico de los años setenta, como si se tratara de una versión folk-horror de “El espíritu de la colmena”, aunque desde una poética que se embarca con arrojo en un ejercicio puramente literario. marcos gendre

CÓMICS

Somna Becky Cloonan y Tula Lotay Norma Editorial

8

Ganadora del Eisner en el apartado a Mejor Serie Nueva, “Somna” es un regalo para los ojos creado por Becky Cloonan al guion y Tula Lotay al dibujo. Concebida como un viaje oscuro y sexy al cubo, ambas llevan años perfeccionando esta historia de caza de brujas, con el poder de la tentación y los sueños como contexto ideal para un conjunto de viñetas que ha sido comparado con películas como “La bruja” y “Midsommar”. Aunque quizá por temática esta comparación tiene cierto sentido, por donde se cuece todo el impacto de “Somna” es a través de un proceso creativo con dos perfiles gráficos altamente contrastados en las partes del relato correspondiente a los sueños y a la realidad. Toda una joya. marcos gendre

Este grupo se llama R.E.M.

Peter

Ames

Carlin Contra

9

No me imagino un relato más completo e íntimo. Los cuatro perfiles biográficos son modélicos. Y el balance con el desglose de su obra es equilibradísimo, dejando por el camino un periodismo –o incluso literatura– musical de quilates. No deja de ser una parábola sobre las contradicciones de la fama cuando se afronta sin dañar la integridad. R.E.M. fueron la mejor banda de rock del planeta entre 1986 y 1992 (con permiso de Pixies), y sobrevuela a lo largo de estas casi quinientas páginas la sombra de su primer bolo en aquella iglesia de Oconee Street en la primavera de 1980 y lo mucho (o poco) que se distanciaron de aquella versión virginal así como su compromiso ético. carlos pérez de ziriza

Gótico. Una historia Lol Tolhurst Neo-Person Sounds 7

Batería, teclista, líder de su propia banda y por encima de todo uno de los The Cure originales, algo que siempre estará a la cabeza de su currículum. Ese es Laurence “Lol” Tolhurst, pero también es un músico capaz de firmar libros que se leen con suma facilidad y con agrado. En este nuevo libro no se centra en la banda que fundó con Robert Smith, sino en el gótico como movimiento musical y cultural. Tolhurst nos resume su acercamiento a la literatura gótica, establece los primeros referentes musicales, repasa someramente las trayectorias de algunos nombres imprescindibles –desde Joy Division a Sisters Of Mercy– y espiga la actualidad para destacar algunos nombres. joan s. luna

No es el fin del mundo

Sophie Bédard La Cúpula

Una termina “No es el fin del mundo”, primera novela gráfica de Sophie Bédard editada en castellano, como quien acaba de ponerse al día con un grupo de amigas al que hacía tiempo que no veía. Pocas veces me he sentido más interesada y comprometida con las encrucijadas vitales de unos personajes que con los problemas, preocupaciones y crisis existenciales de Lucie, Jeanne y Nana. Quizás porque esas encrucijadas se parecen sospechosamente a algunas a las que casi todo el mundo tuvo que hacer frente en esa complicada y decisiva etapa de la vida que son los veintitantos. Un cómic refrescante, con espíritu de sitcom, que sienta tan bien como una birra con las amigas después del curro. laura madrona

La muerte en Trieste

Jason

Astiberri 7

En su nueva obra, Jason demuestra de nuevo que no ha agotado su arsenal de argumentos inesperados. Contiene tres historias protagonizadas por Los Vengadores (los de la serie clásica británica, no los de Marvel), un grupo de New Romantics liderados por Bowie y convertidos en superhéroes que intentan evitar un cataclismo cósmico que puede acabar con nuestro planeta (y que tal vez remite a “Melancolía” de Lars von Trier) o por, entre otros, Rasputín o Nosferatu. La primera historia adolece de que el final no está a la altura; la última de que el desarrollo no llega al nivel de su premisa; “La muerte en Trieste” es, sin embargo, una locura genial y una muestra de por qué siempre vale la pena hacerse con un cómic de Jason. josé martínez ros

PODCASTS

Místicas

Manuel Bartual y Carmen Pacheco

Poco importa si no eres demasiado ducho en el campo de los videojuegos o si la última vez que jugaste a uno tuviste que soplarle al cartucho para que funcionara. La nueva ficción sonora de Bartual y Pacheco es un accesible relato para todo tipo de público, cuyo reclamo principal reside en el inquietante misterio que gira alrededor de esta suerte de aventura gráfica de título homónimo. La brillante habilidad de sus responsables para jugar con la imaginación del oyente y dosificar la información capítulo a capítulo logrará anclarnos al auricular durante los veinte minutos de duración de cada entrega, consiguiendo que nos sensibilicemos con conflictos emparentados traídos a colación y queramos sumarnos al entrañable vínculo de sus voces principales (Lola y Sara). fran gonzález

Volver a vivir

Indexada dentro de la programación del “A vivir que son dos días”, la SER refuerza su apuesta por la ficción sonora con “Volver a vivir”, una radionovela fragmentada en ocho píldoras de poco más de siete minutos en las que el costumbrismo y el absurdo se dan la mano. Pese a lo demodé que resulta la propuesta, su visión no podría ser más presentista, abordando de la mano de sus protagonistas (Irene Piqueres y María Jáimez) aspectos que riman en todas sus sílabas con el convulso devenir de nuestro tiempo. Juan Cavestany, multifacético hombre de letras y responsable en el guion, se vale del misterio y el surrealismo para conseguir que redescubramos el poder de la imaginación y reflexionemos sobre la extrañeza inherente a la vida moderna. fran gonzález

Juan Cavestany

ENTREVISTAS

Mala Rodríguez

Han pasado ya dos décadas y media desde que la andaluza

Mala Rodríguez se convirtiera en uno de los grandes nombres de la historia del rap en español con “Lujo Ibérico”. Desde entonces, su nombre nunca ha dejado de sonar en la escena rap y urbana española.

Zeal&Ardor

Manuel Gagneux es el líder de la banda Zeal & Ardor y artista detrás del proyecto de pop experimental Birdmask. Nacido en Suiza, el músico de treinta y cinco años creó su ya reconocido proyecto de metal extremo fusionado con soul, gospel o blues casi de casualidad mientras interactuaba con la complicada comunidad de 4chan.

CONCIERTOS

Toteking Cartuja Center Cite, Sevilla

“La seriedad es un continente misterioso del cuerpo que oculta los defectos de la mente”, esta frase recitada por Enrique Vila-Matas, escritor fetiche de Toteking, fue lo primero que se escuchó con las luces apagadas antes de inaugurar la tormenta rítmica en su último concierto de su gira de despedida tras casi 30 años de carrera.

Panda Bear

El norteamericano afincado en Portugal Noah Lennox -aka Panda Bear- está en Madrid para hablarnos de su nuevo disco en solitario “Sinister Grift” (Domino/Music As Usual, 25). Un álbum tan crudo emocionalmente como inspirado. Y que deja una puerta abierta a la esperanza.

Arab Strap

Arab Strap, es decir, Aidan Moffat y Malcolm Middleton, se mantienen firmes en una propuesta que hibernó durante tres lustros y ahora depara algunos de sus mejores trabajos. En algún rincón indefinible entre el post rock, el slowcore o el pop electrónico, pero siempre jugando a ser tan solo ellos mismos.

Amaia Sant Jordi Club, Barcelona

Si Amaia ya era la reina de España hace ocho años, tras los shows en el Sant Jordi Club y el Movistar Arena, no quedan títulos nobiliarios a la altura de su inmensidad. Y lo más mágico es, que a pesar de ello, aún no somos conscientes de hasta dónde puede llegar. Ella no necesita nada más que su voz para conectar con el público.

Más entrevistas

Pinpilinpussies

El dúo formado por Ane y Raquel en Pinpilinpussies lanzó a finales de la pasada temporada “Ni un paso atrás” (Aloud, 24), nuevo EP de título explícito y sonido no menos expeditivo con el que han superado el hándicap que supone vivir en ciudades diferentes.

Anna Andreu

Anna Andreu va ya por su tercer disco. Se titula “Vigilia” (Hidden Track, 25) y presumimos que, como con los anteriores, este también le va a dar más de una alegría. A ella y, por supuesto, a toda aquella persona que lo escuche.

The Pains Of Being Pure At Heart

El inicio de una generosa gira de The Pains Of Being Pure At Heart por nuestra geografía reconfirmó que la formación liderada por Kip Berman sigue siendo tremendamente querida en nuestro país.

Everyone Says Hi

Nick Hodgson abandonó Kaiser Chiefs (donde ejercía como batería y co-compositor) en 2012. El británico vuelca ahora, en el debut homónimo de Everyone Says Hi, su probada capacidad para las canciones bonitas y pegadizas.

Ysy A

A sus 26 años, Alejo Acosta, más conocido como YSY A, es uno de los máximos referentes de la escena urbana argentina y un pilar fundamental en su creación y auge. Él mismo nos cuenta cómo ha sido su último disco “Trampa al tiempo” y repasa su trayectoria.

Más conciertos

Sex Museum

Sala Mardi Gras, A Coruña

No todas las salas de conciertos tienen la desfachatez de resistir a 25 años. La Sala Mardi Gras lo ha conseguido y ha cerrado su aniversario con una banda que encarna a la perfección su espíritu: Sex Museum.

Trueno

Movistar Arena, Madrid

Con “El último baile” (2024) Trueno buscó, el pasado año, celebrar la música con su gente. Y se subió a la rueda de una gira que eclosionó el pasado mes de diciembre cuando se enfrentó a 30.000 personas llenando un estadio entero en su país de origen.

Étienne de Crécy

Jeremy Bradley Earl (Woods)

Kings of Convenience

Soccer Mommy 27.04.25

Divorce

28.04.25

Elias Rønnenfelt (Iceage)

Stereophonics

ESPECIALES

Blur

“The Great Escape” fue el cuarto álbum de Blur; el que motivó las escenas más cruentas de aquella ‘Batalla del Britpop’ librada con Oasis; el que los reconfirmó definitivamente como estrellas en Inglaterra. Un álbum que, con motivo de su 30 aniversario, repasamos canción a canción.

The Limiñanas

Los franceses The Limiñanas acaban de publicar su nuevo trabajo, “Faded”, un álbum que presentarán en nuestro país y en el que cuentan con colaboradores de lujo como Bobby Gillespie (Primal Scream), Jon Spencer o Pascal Comelade. Aprovechando la ocasión les preguntamos por los seis discos de su vida.

L.A.

Luis Albert Segura, es decir L.A., publicó recientemente su nuevo disco titulado “A Modern Odyssey”. Con motivo del lanzamiento viajó unos días a Madrid para presentar este trabajo y, por supuesto, no podía faltar una visita a nuestro estudio, donde nos regaló esta versión acústica de la balada “Miss You Again”.

Bad Religion

Bad Religion son, a día de hoy, una de las más grandes bandas de la historia del punk rock estadounidense y un grupo que todavía ofrece unos directos a la altura de su leyenda. Ahora se disponen a celebrar sus cuarenta y cinco años de carrera. Repasamos su trayectoria en cuatro etapas.

Pepe Rodríguez

Pepe Rodríguez es un chef con una Estrella Michelín y una de las figuras públicas televisivas más populares de nuestro país. Rodríguez siempre ha contado con la música en su vida privada. Por ello, aunque pueda sorprender a nuestros lectores, nos hemos puesto en contacto con él para que nos cuente cuáles han sido los discos de su vida.

Alavedra

Come lo que te haga feliz, pero no comas a la fuerza. Alavedra visitan Martes Check para hablar de esa cocina, en este caso, para personas deconstruidas. Paco Loco, su particular Chicote, se suma a una charla en donde se cocieron muchas cosas fuera de carta. Han publicado recientemente “Feliz a la fuerza”

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