Revista The Rocket Magazine #7

THE

rocket MAGAZINE

PRECURSORES DE LA NWOBHM

AQUELARRE DE SOMBRAS

NÚMERO 7 / DISTRIBUCIÓN GRATUITA

Issue #07 - Distribución gratuíta

FOTÓGRAFOS

COLABORADORES

Emilio L Jaqueline Vanek

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El noveno álbum en solitario de Steve Lukather titulado "Bridges", no podría tener un título más acertado. El artista comenta: "Lo veo como un puente entre mi música en solitario y la música de Toto.

El hecho de que Joseph Williams, David Paich y yo compusiéramos la mayor parte del disco, y el hecho de que invité a coautores como Randy Goodrum y Stan Lynch, demuestra que la mayoría de mis viejos conocidos y yo, seguimos siendo grandes amigos. Quería hacer un disco 'al estilo', ya que ToTo nunca grabará otro álbum de estudio. Esto es lo más cerca que estaremos de hacerlo".

Los suecos Dodheimsgard estrenan "Abyss Perihelion Transit", el nuevo single de más de 10 minutos extraído de su próximo álbum de estudio "A Umbra Omega". La composición teje un sombrío tapiz que incorpora elementos de múltiples subgéneros del metal extremo y aborda temáticamente las ideas del dualismo epistemológico.

Sigh anuncia nuevo álbum en vivo "The Eastern For Of Evil", disponible el 16 de Junio a través del sello Peaceville Records. El líder de la banda, Mirai, comenta: "grabamos este álbum en agosto del 2022 al hacer un streaming durante la pandemia, pero todo resultó mejor de lo que esperábamos y decidimos publicarlo" _Rocket| 05

The Hollywood Vampires, el supergrupo legendario formado por Johnny Depp, Alice Cooper y Joe Perry, han lanzado recientemente un nuevo sencillo: "My Generation (Live In Rio 2015)". La grabación está tomada de su actuación innovadora en el Festival Rock in Rio en 2015 y parte de su primer álbum en vivo “Live in Rio”, que saldrá este mes de junio.

Las leyendas británicas URIAH HEEP, han lanzado el video oficial de la canción "Golden Light" . Está tomada del álbum de estudio número 25 de la banda, "Chaos & Colour" , que fue lanzado el 27 de enero a través de Silver Lining Music. "Golden Light" es una mezcla heterogénea de melodías altísimas, ritmo robusto, exquisitas líneas de guitarra y rebosante optimismo espiritual.

Los herederos suecos del Hard Rock de los 80´s, H.E.A.T, han lanzado su nuevo sencillo titulado “Freedom”. Una vez más, la banda muestra su habilidad para mezclar riffs poderosos y llenos de energía con letras sinceras que tocan asuntos relacionados con la esperanza, el coraje y la perseverancia. "Freedom" es solo una muestra de lo que está por venir, y los fanáticos pueden esperar noticias y lanzamientos más emocionantes de la banda en los próximos meses. _Rocket| 06

El sello earMUSIC reedita el mítico álbum de Gamma Ray "Blast From The Past" por primera vez en formato vinilo.

Con "Blast From The Past", los iconos del power metal alemán GAMMA RAY regresan a sus inicios y repasan sus primeros 10 años. El álbum con Kai Hansen en la voz es una muestra representativa de sus álbumes de estudio lanzados entre 1990 y 1999.

La veterana formación inglesaTygers Of Pan Tang, liderada por el incombustible Robb Weir, publicarán su nuevo álbum de estudio "Bloodlines" el próximo 5 de Mayo bajo el sello Mighty Music. Las labores de mezcla y mastering ha corrido a cargo del productor Tue Madsen y la banda estrena nuevo bajista (Huw Holding) y guitarrista (Francesco Marras)

Motley Crue están oficialmente en el estudio de grabación con el productor Bob Rock, así como con el guitarrista John 5, quien tomó el relevo del veterano guitarrista Mick Mars cuando este anunció a finales del año pasado que dejaba de girar con la banda por asuntos relativos a su estado de salud. _Rocket| 07

Los daneses D.A.D. publican en vinilo naranja su álbum clásico álbum "Riskin' It All" el próximo 22 de abril. Este vinilo de edición limitada seguro que será un artículo de colección, así que mantente atento y consíguelo en tu tienda de discos o en línea. La banda estará tocando en el Mabella Arena de La Costa del Sol el 20 de Mayo.

Los alemanes Sinner, comandados por incombustible bajista, cantante y productor Mat Sinner, publicarán una caja de cuatro discos de 47 pistas que incluirá cuatro álbumes completos de los prolíficos años de la banda en Noise Records: "Danger Zone", "Touch Of Sin", "Comin´ Out Fighting" y "Dangerous Charm", algunos de ellos con canciones inéditas o no publicadas previamente.

Jethro Tull han anunciado el lanzamiento de un nuevo trabajo de estudio llamado "RökFlöte", que saldrá a la venta el próximo 21 de Abril a través del sello InsideOut. Se trata de una obra compuesta por doce canciones basadas en personajes y roles de algunos de los principales dioses del antiguo paganismo nórdico. El primer avance de este trabajo puede disfrutarse en YouTube. Se trata del vídeo animación del tema "Ginnungagap". _Rocket| 08

Entrevista: Phil Aston Traducción: Costner Fotos: Promo

Robb Weir nunca has sido un hombre que haya dado por sentado lo que tiene. Habiendo liderado TYGERS OF PAN TANG desde su primer álbum a través de una serie de cambios en la formación, reconoce que los Tygers actuales son probablemente los más potentes desde que acaudillaron el movimiento NWOBHM

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"IRON MAIDEN FICHARON CON EMI, DEF LEPPARD CON PHONOGRAM, SAXON CON CARRERE RECORDS Y NOSOTROS CON MCA"

Rob, ¿fuiste capaz de imaginar en 1978 que en el 2023 todavía estarías haciendo música con Tygers Of Pan Tang?

No, para nada. Todo comenzó como un sueño en nuestra etapa de juventud. Coges una guitarra, tocas algunos acordes y aprendes algunas cosas y entonces te fijas en Top Of The Pops y piensas; “me encantaría hacer eso” y entonces si llamas a las puertas adecuadas algunas cosas se mueven hacia adelante. Tengo que decir que me siento muy afortunado de las puertas que se abrieron para mi. La primera banda que forme se llamó Trick. Esto fue a finales de 1976 y fue algo hilarante. Me gustaría ver algo de footage de aquella época.

En aquella época los sellos discográficos se fijaron en bandas como Iron Maiden, Saxon, Def Leppard y el sello MCA apareció y se fijó en vosotros ¿cómo resultó aquello?

Nosotros estábamos tocando en la universidad local y el propietario de Neat Records tenía un estudio llamado Impulse Recording Studios en un suburbio de Newcastle.

Sus dos hijos iban a esta universidad. En aquella época nosotros tocábamos un repertorio basado mitad en nuestro repertorio original y la otra en canciones del momento. En aquella época, si querías tocar en clubs, realmente tenías que hacer versiones. Pensábamos que tocar canciones nuestras era importante si realmente queríamos que la gente nos conociera y se interesara en nuestra música y después de un show, conocimos a este hombre que se llamaba Dave Woods, que nos dijo que tenía un estudio de grabación y qué nos parecía si íbamos por allí y grabábamos alguna de nuestras canciones. A nosotros nos pareció bien porque era la primera vez que íbamos a grabar en un estudio de verdad.

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Grabamos algunas cosas y hubo una canción que a todos nos pareció un single potencial. Publicamos esa canción.

Tommy Vance la puso en su programa e hicimos una tirada de 100 copias y se vendieron en tres días. Entonces volvimos a fabricar otra tirada, esta vez de 4.000 copias y también se vendieron. Entonces MCA nos contactó y llegamos a un acuerdo con ellos. Fabricaron 50.000 que también se vendieron, entonces empezamos a salir en grandes medios de comunicación, revistas, periódicos … así que puede decirse que estuvimos en el lugar y el momento correctos y que tuvimos mucha suerte. Los grandes cuatro, por decirlo de alguna manera, es decir Iron Maiden ficharon con Emi, Def Leppard con Phonogram, Saxon con Carrere Records y nosotros con MCA y fue Jeff Barton el primero que escribió sobre nosotros, dándonos prioridad sobre el resto.

Vuestro primero álbum “Wildcat” fue directamente al número 18 de las listas en su primera semana de lanzamiento. Realmente fuisteis uno de los primeros cuatro de un movimiento musical que abrió una nueva puerta. ¿Que recuerdas haber sentido al ver tu primer álbum en el Top 20?

Recuerdo que estaba en una cafetería en presente de King ´s Cross Station en Londres con nuestro productor discográfico y entonces escuchamos que el disco había entrado en el top 20. Entonces nos dijo “chicos, creo que tenemos un álbum exitoso en nuestras manos”. No se trataba de una lista de rock especializada, sino nacional y compartíamos espacio en la lista con David Bowie, Gloria Gaynor, Michael Jackson y otros grandes artistas multi platino y ahí estábamos nosotros en el puesto 18.

Entonces conseguimos fichar por ITB (International Talent Booking), que en aquella época llevaban a todos los artistas que eran alguien y cuando salimos de gira a presentar “Wildcat” teníamos sold out todas las noches y tocábamos en salas de unas 2.000 personas de capacidad. aquello funcionó muy bien gracias a nuestra increible presencia en medios de comunicación comandada por nuestro sello discográfico y no hubo duda de que todo aquello funcionó. no creo que hubiéramos alcanzado ese nivel de éxito sino hubiéramos tenido a nuestra compañía detrás apoyándonos. Fue increible tocar cada noche para 2.000 personas que realmente estaban allí porque les gustaban las canciones que habíamos compuesto.

Tenía algo de punk ese álbum.

Definitivamente. Cambiamos mucho porque cambiamos de cantante.

John Devry tenía un rango vocal increible. Su habilidad vocal y sus arreglos fueron dos de los factores fundamentales, pero entonces entró John Sykes y empecé a compartir con él las tareas de composición y decidimos movernos hacia adelante. John se había convertido en un guitarrista fantástico. Yo pensé “oh dios, ¡tengo que mejorar!. Seguimos siendo amigos a día de hoy. El vive en Estados Unidos y hablamos a menudo.

Hace poco intenté convencerle para que volviera a tocar, pero me confirmó que ya estaba retirado y ya no quiere dedicarse a esto, me resultó imposible convencerle.

Si, totalmente. Todavía tocamos algunas de esas canciones en nuestro repertorio de directo.

Recuerdo cuando se unió a la banda con esa larga melena dorada…

Si, lo sentimos. The Cage fue un álbum totalmente diferente. Nació de la compañía discográfica tratando de empujarnos hacia los Estados Unidos. Hubo muy pocas canciones que compusimos para ese álbum, ya que las hicieron compositores externos, y eso es algo que iba bastante contra mis principios.

si que lo tenía.

Si, Rock Star de calidad…

Vuestros dos álbumes siguientes, “Spellbound” y “Crazy Nights”, las cosas cambiaron…

Hizo cosas increíbles en aquel momento, sobre todo en los álbumes que grabó con vosotros, que contenían canciones que a día de hoy son clásicos…

Supongo que gracias a ese movimiento del NWOBHM los americanos despertaron entre 1982 y 1984 y empezaron a posicionarse en la escena con un estilo más AOR y melódico, cercano al pop-metal y entonces un montón de compañías discográficas empezaron a pensar que aquello parecía interesante…

Esto es algo que resolvisteis muy bien con el álbum “The Cage”, donde se podía ver una versión totalmente renovada de la banda, pero de alguna forma, ¿no sentisteis que os estábais alejando del espíritu del que veníais?

"ENTRÓ JOHN SYKES Y EMPECÉ A COMPARTIR CON ÉL LAS TAREAS DE COMPOSICIÓN Y DECIDIMOS MOVERNOS HACIA ADELANTE" _Rocket| 11

Obviamente yo era capaz de escribir buenas canciones que podían ir al número 18 de un chat nacional, entonces me hice la pregunta de por qué estaba aprendiéndome y tocando canciones compuestas por otras personas, porque eso es algo que definitivamente no había firmado.

Nosotros grabamos una maqueta en un cuatro pistas de lo que iba a ser nuestro quinto álbum y recuerdo que lo tocamos para la compañía y después de tocar nos dijeron que estaba muy bien, pero que tenían estas otras canciones que querían que grabáramos hechas por diferentes compositores… y yo dije; “¿sabes qué?, no lo voy a hacer, yo no he firmado esto y no voy a tocar canciones de otros. Estoy fuera de esto”. No se si fue una decisión brava o estúpida, no lo se, pero yo no quería tocar canciones de otros.

Esto fue en el periodo comprendido entre mediados a finales de los ochenta donde básicamente abandonasteis MCA y entonces la banda se disolvió para dar lugar a dos versiones de Tygers Of Pan Tang…

No, en realidad se formó la banda Tiger Tiger, que era Jess, el cantante original y yo que compuse muchas canciones y fuimos a grabarlas para sacar un álbum. Preguntamos a los lectores de la revista Sounds Magazine cómo se debía llamar la nueva banda y alguien dijo Tiger Tiger, así que fuimos con eso. Hicimos un montón de conciertos y grabamos una canción, pero no llegó a nada y no vimos razón para hacer un álbum completo, así que archivamos todo aquello y formé una banda llamada Sergeant con Brian Dick, el batería original de Tygers y grabamos en los estudios de Brian Johnson.

Con ese material, conseguimos un contrato con CBS Records en el que se nos garantizó una buena suma de dinero y regresé al noreste con Colin Rowell, el chico que nos hacía de manager y estábamos en una reunión de la banda y todo el mundo dijo que no quería que yo siguiera en la banda.

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Colin y yo nos miramos y dijimos; “oh, vale”, entonces me reemplazaron por un teclista y un guitarrista nuevos con los que hicieron cuatro o cinco shows y la cosa fue a menos. Entonces Colin canceló el acuerdo discográfico que habíamos conseguido con CBS y yo comencé a desilusionarse con la industria músical y lo dejé todo.

Vendí mis instrumentos y me olvidé del tema.

Entonces esa versión de la banda liderada por John y Brian fue como una olla a presión porque estaba demasiado lejos de la original. Era un sonido totalmente diferente, pero para peor realmente…

Si, y aquello explotó para ellos porque habían perdido la esencia de la banda. De otra forma hubiera seguido siendo un éxito.

Después de haberlo vendido todo, regresas a la música en los 90s, una década en la que incluso para las bandas bien establecidas, fue bastante rara. Esto fue antes de que apareciera la revista Classic Rock en 1998.

El Grunge llegó súbitamente y las cazadoras de cuero y los pantalones ceñidos dejaron de estar en tendencia. ¿Cómo fue ese momento para ti?

Yo nunca dejé de coleccionar vinilos y vi nacer el cd, aunque no los compraba porque el sonido era demasiado claro, demasiado puro… pero tuve que adaptarme como el resto de la gente y nunca dejé de comprar nueva música y escucharla. También iba a conciertos. Recuerdo ir a ver a Thunder, en el primer concierto que dieron en Newcastle en el Riverside. Era una banda nueva que nadie había escuchado, pero eran brillantes. Sus teloneros fueron Jaded Edge. También fui a ver a Little Angels, también uno de sus primeros conciertos, y me parecieron geniales, así que todavía iba a conciertos… pero siempre había algo quemando por dentro, algo buyendo dentro de mi deseando volver a los escenarios en vez de quedarme mirando lo que hacían otros, pero no hacía nada al respecto. Supongo que seguía teniendo ese sentimiento triste en mi interior…

"COLIN CANCELÓ EL ACUERDO DISCOGRÁFICO QUE HABÍAMOS CONSEGUIDO CON CBS Y YO COMENCÉ A DESILUSIONARSE CON LA INDUSTRIA MÚSICAL Y LO DEJÉ TODO"

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Entonces… ¿qué pasó?

Todo

cambió

con

una

llamada

de

teléfono.

Wildcat

suena

absolútamente

fenómeno

en

concepto.

aquel

Es

Empezaba a hacer algo más en mi vida no

como si renaciera y puedes sentir su

relacionada completamente con la música, pero

energía y es interesante cómo te

Jess me dijo que iba a haber una reunión para

sentiste porque suena fantástico.

celebrar los 20 años de Tygers y creo que me llevó

Gracias a que grabamos aquello y salió

como

como disco en directo y funcionó muy

un

nanosegundo

decir

que

estaba

interesado. Entonces me di cuenta de que no tenía

bien.

guitarras ni amplis, así que me vi otra vez empezando desde el principio y aquí estamos

Vale, entonces te volvió a entrar el

hablando ahora, varios álbumes y giras después.

gusanillo

y

hay

algunos

posteriores

con

sonido

álbumes algo

más

¿Y cómo fue aquel momento después de tanto

místico desde “Noise From The Cat

tiempo sin subirte a un escenario?, ¿estabas

House” a “Animal Instinct” a través de

nervioso?

tres

Era la una de la mañana y había unas 22.000

deliberado o un intento de encontrar

personas que no habían abandonado el estadio

a alguien que estuviera interesado en

para vernos y yo estaba pensando en poner clips

publicar vuestro material?

sellos

diferentes,

¿fue

algo

de bicicleta en mis pantalones porque se estaban llenando rápidamente de material fecal que salía de mi cuerpo (risas). Tenía la garganta seca, pero después de los primeros diez segundos, todo empezó a fluir a pesar de que no había tocado en los últimos diez u once años… afortunadamente todo llegó de regreso de manera rápida y de alguna forma me encontré siendo el mismo de siempre. Lo que pasó en ese show fue que me enganché de nuevo al rock y entonces me dije a mi mismo que tenía que volver a esto de nuevo… básicamente, ¡porque me gusta!.

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"IBA A HABER UNA REUNIÓN PARA CELEBRAR LOS 20 AÑOS DE TYGERS Y CREO QUE ME LLEVÓ COMO UN NANOSEGUNDO DECIR QUE ESTABA INTERESADO"

En aquel momento el apoyo de los sellos a nivel financiero, era realmente pequeño.

La capacidad de sostenibilidad de estos sellos para mantener a los artistas era prácticamente cero. No sé, quizá eran sellos que no estaban del todo bien configurados, así que, sí, tuvimos algunos desastres, pero seguimos adelante. Es lo que le digo a cada joven músico que me hace la pregunta; “si quieres hacerlo, pero tienes muchas dificultades, busca la forma de hacerlo”, así que nosotros no abandonamos a pesar de que todo lo que pasaba a nuestro alrededor nos estaba alterando. Estábamos en un punto donde sabíamos lo que había y dijimos; “sabemos que no estamos llegando a ninguna parte y estamos ante una pared de ladrillo y no podemos seguir yendo más allá”, pero aún así, lo sigues intentando.

"ES LO QUE LE DIGO A CADA JOVEN MÚSICO QUE ME HACE LA PREGUNTA; “SI QUIERES HACERLO, PERO TIENES MUCHAS DIFICULTADES, BUSCA LA FORMA DE HACERLO”"

En esa época el negocio en sí mismo cambió bastante. Las ventas de Cd´s y vinilos tuvieron que luchar contra la piratería y el auge del streaming…

Si, desde luego que la cosa no estaba a nuestro favor, tú no te rindes si quieres algo… sencillamente no lo haces, y en nuestro caso no fue la excepción.

Después de “Noises From The Cat House”, que creo que fue un gran título para un álbum, Richie, el cantante, lo dejó y empezamos a audicionar gente a nivel internacional y Jack fue propuesto por una agencia de talento. Cantaba en un grupo italiano que se llamaba Mantis.

Nos mandaron el CD y para serte honesto, creo que estuvo bien pero yo no lo vi excepcional.

Su forma de cantar era muy buena y posiblemente era el material lo que no me parecía excepcional, pero había algo en la voz de Jack y en él mismo, así que le pagamos el vuelo para que viniera a audicionar con nosotros y yo paré la audición a los 45 segundos y se giró hacia nosotros con cara de horror y entonces miré las caras del resto de los chicos y le dije: “el trabajo es tuyo si lo quieres”. Ni siquiera acabamos la canción y nos fuimos al bar a beber.

Cuando una banda tiene un legado tan tremendo y la gente ve el primer pico a la baja entonces todo el mundo se olvida de que ha vuelto o que sigue en el negocio. En el 2012 sacasteis el álbum “Ambush”, y al menos en mi caso, dije; “wow, estos son los auténticos Tygers of Pan Tang” y sentí que habíais entrado en este nuevo período brillante en el que el álbum siguiente era mejor que el anterior… ¿Fue con este álbum con el que realmente te diste cuenta de que la banda estaba de vuelta?

Bueno, de hecho “Ambush” fue grabado y producido por Chris Tangerines, quién hizo los dos primeros álbumes.

Se hizo una primera mezcla y no estábamos muy felices con ella y el manager que teníamos en aquella época llegó a la misma conclusión así que le dijimos a Chris si se podía hacer cargo de la grabación y producción porque tenía un estudio llamado Kingsway Recorders y entonces fuimos allí y grabamos este álbum con él y fue una experiencia fantástica. El tenía muchas y buenas ideas y todo fue muy fluido. Pasábamos más tiempo riendo que grabando. Estábamos acomodados a cincuenta metros del estudio en un alojamiento que ellos mismos nos consiguieron, y la verdad es que fue un tiempo maravilloso. Craig se dio cuenta como un mes después, de que quería añadir algo de percusiones extra, así que regresamos y en un día lo dejamos todo cerrado. Chris lo mezcló y nosotros conseguimos a Rodney Matthews para hacer el artwork, que es el mismo artista que hizo la portada de “Crazy Nights”.

Para el master, teníamos a la misma persona en Londres que nos mezcló “Spellbound”. Quisimos tener una visión retro y contar con las mismas personas originales y eso funcionó muy bien.

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En el año 2016 sacasteis un disco homónimo, no sé si buscábais de nuevo un punto de partida. Hay muchas diferencias en el sonido, pero es un álbum realmente fantástico.

Si, cambiamos al guitarrista y aprovechamos para reinventarnos de alguna manera. Creo que contiene muy buenas canciones. Fue un disco interesante de hacer, porque tuvimos que reclamar nuestro sitio en el escalafón de nuevo, superar lo que Chris había hecho por nosotros. En ese momento teníamos a Sean Anderson con nosotros, era el chico nuevo en el equipo y hizo un gran trabajo produciéndolo.

Vale, “Ritual” es un álbum perfecto.

Literalmente canción por canción.

Todo lo que pasa en este álbum es fantástico. Es la perfecta adaptación a los tiempos con un sonido sólido y moderno …

Cambiamos al productor por recomendación de nuestra compañía discográfica y empezamos a trabajar con un chico que se llama Chu Madsen, quien estaba más asociado al metal extremo. Nos cogió el punto desde el primer día cuando nos mandó las primeras mezclas para nuestra aprobación. No hubo nada que pedirle que corrigiera, si acaso que bajara el volumen de algunos solos de guitarra, pero eso fue todo. Solía hablar con él dos o tres veces por semana, porque él vive en Dinamarca, donde tiene su estudio. No hablábamos mucho de las mezclas, sino de comida, vino… y cosas intrascendentes. La afinidad con él fue total. No sé de qué manera, pero nos puso en la dirección correcta. He visto la evolución de muchas bandas y el secreto de la longevidad es intentar alcanzar siempre el siguiente escalón con cada nuevo álbum. Si no lo haces así, le estás diciendo a la gente de alguna manera que te has quedado estancado. Es muy difícil volver a alcanzar tu tope de nuevo cuando ya lo has hecho previamente, pero debes ser ambicioso y tiene que seguir aspirando a subir escaleras, y creo que con el nuevo álbum, subimos no solo una escalera, sino dos.

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"LA CAPACIDAD DE SOSTENIBILIDAD DE ESTOS SELLOS PARA MANTENER A LOS ARTISTAS ERA PRÁCTICAMENTE CERO" El nuevo álbum suena fantástico. Hay algo en el sonido de cada instrumento… todo es alucinante. Creo que en este 2023, sonáis mejor que en toda vuestra carrera…

Cuando se me ocurrió la idea, el piano era recreado por mi guitarra. Jack conocía a una persona que podía grabar esa parte, no recuerdo el nombre, pero está en los créditos del disco. El hecho de que seamos una banda de Hard Rock no implica que en un momento dado no podamos incluir un piano. Tuvimos un comentario de un periodista de Sudamérica llamado Ricardo… no recuerdo su apellido, que escribe para Roadie Crew y me dijo; “no me gustan las baladas, pero la que tenéis en vuestro álbum… ¡ahora si que me gustan! ”.

Estoy de acuerdo.

Cuando escribíais las canciones de este “Bloodlines” ¿buscábais un acercamiento distinto o las ideas fueron llegando de manera natural?

Vinieron de manera natural. Mi composición nunca se ha visto condicionada por el hecho de querer ir a más. Nunca me he planteado la idea de ir a mi estudio para hacer una canción bajo unos parámetros concretos. Nunca he usado esa premisa. Sencillamente voy a mi estudio y algo surge de forma natural. Literalmente sucede sin saber como, y me siento muy agradecido por ello. Cuando tengo una idea, la grabo, me voy, regreso al día siguiente, la vuelvo a escuchar y si me gusta, la sigo desarrollando. Esta es la manera en la que a mi me funciona.

En este disco hay una canción que se llama “Taste Of Blood” que comienza con un piano. ¿Quién lo ha grabado?

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LAS 3 CLAVES QUE CONVIERTEN A ESTE ÁLBUM EN UNA JOYA Suspiria Voces de ultratumba, el sonido de un bouzouki y un teclado percutiente y penetrante, se muestran reiterativos hasta que la base rítmica rompe con ímpetu y se manifiesta tras el bucle inquietante de un sintetizador.

Evocando a la bruja con un "Witch" que ya forma parte inseparable de la canción, esta camina con brío hasta que vuelve a su inicio despojado de percusión. Sin duda, no es sólo la mejor canción de este álbum, sino también de la discografía de Goblin.

Sighs Sonidos demoniacos, respiraciones insanas y gruñidos inquietantes, dan pie a un preludio acústico rodeado de angustia que parece no acabar nunca. se trata de una composición claramente orientada a crear un ambiente sórdido, oscuro y teñido de rojo, pero a la vez cautivador, en el que todas las fuerzas del mal se confabulan para proyectarse de forma gutural, penosa, angustiosa y deprimente.

Black Forest Partiendo de un arpegio de guitarra a la que rápidamente se añade un bajo cargado de efectos y el sintetizador de Simonetti, nos encontramos ante una de las canciones más new age de este álbum.

Como tónica general de la obra, sirve para crear una ambientación, en este caso relajada y llena de belleza. El propio Simonetti comentó en alguna ocasión que era increible lo bien que funcionaban este tipo de composiciones en escenas descarnadas y violentas teñidas de sangre. Dario Argento fue un visionario en este sentido y supo crear un concepto idolatrado.

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CLAUDIO SIMONETTI´S GOBLIN SUSPIRIA PROG ROCK VERSION

Por L. Sanz

Coincidiendo con el 45º aniversario de Suspiria, los Goblin del excelente compositor e instrumentista Claudio Simonetti, celebra tan señalada fecha con una nueva versión Prog Rock de la famosa banda sonora de la popular película dirigida por Dario Argento en el año 1977 y que, como curiosidad, incluye en el reparto a un jovencísimo y estilizado Miguel Bosé que en aquella época estaba muy lejos de ser el popular artista en el que luego se convirtió. La experiencia aterradora y atmosférica de las películas de Dario Argento proviene de la fusión de los magníficos efectos visuales con una experiencia auditiva que estremece el alma... y pone los pelos de punta. Una vez escuchadas, las partituras de Goblin nunca se olvidan del todo. Suspiria no es una excepción, y se caracteriza por su sonido de sintetizador, carillones, gritos y suspiros. Suspiria es quizás la película más célebre de Argento junto a Profondo Rosso y un clásico del subgénero del terror por derecho propio. Una obra maestra surrealista con una banda sonora de los Prog Rockers de culto Goblin, Suspiria te dejará maltrecho y sin aliento. Imprescindible la aportación de artistas jóvenes como Cecilia Nappo al bajo, Federico Maragoni a las percusiones y Daniele Amador a las guitarras, que hacen de esta nueva versión de Goblin un proyecto con mucha vigencia en el tiempo actual y donde los viejos clásicos se han revitalizado con la coherencia y rigores que los nuevos tiempos demandan. Decir también que la banda estuvo recientemente en la clausura de la XII edición del festival de cine fantástico y terror "Sombra" de Murcia, donde la banda interpretó, a modo de live score, la banda sonora de esta película mientras que esta se proyectaba en la gran pantalla de la Filmoteca Regional, ubicada en el centro neurálgico y cultural de la ciudad. Toda una experiencia para los que, como yo, somos incondicionales de la música de Simonetti, al que agradecemos enormemente que siga haciendo giras y reinventándose en cada una de ellas.

APENAS UNA SEMANA ANTES DE LA CLAUSURA DEL FESTIVAL DE CINE FANTÁSTICO Y TERROR SOMBRA, DESCUBRÍ, A TRAVÉS DE LAS REDES SOCIALES QUE CLAUDIO SIMONETTI´S GOBLIN ESTARÍAN SONORIZANDO EL LIVE SCORE DE LA PELÍCULA SUSPIRIA, DEL EXCELSO DIRECTOR DARIO ARGENTO. SIN DUDARLO Y ACOMPAÑADO DE UN PEQUEÑO PETATE, COGÍ EL COCHE Y ME FUI A MURCIA PARA ESTAR CERCA DE ESTE SENSACIONAL ARTISTA Y SU EXCELENTE Y REJUVENECIDA BANDA

Entrevista: Cerebrín Fotos: Archivo

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El concierto de clausura de la próxima edición de Sombra se encuadra dentro de la gira conmemorativa que viene realizando por el 45 aniversario de Suspiria. ¿Por qué ha elegido esta efeméride y, precisamente, esta película, cuando ha compuesto otras bandas sonoras igual de icónicas, como puede ser la de Rojo oscuro (Profondo rosso, 1975)?

Suspiria es la película más famosa de Dario Argento, mucho más que Rojo oscuro. En Japón, por ejemplo, se estrenó primero Suspiria, y cuando le llegó el turno a Rojo oscuro, la bautizaron como “Suspiria, segunda parte”. En Estados Unidos también fue un gran éxito.

Hace tres años ya hicimos una gira con la banda sonora de Rojo oscuro, y ahora con lo del aniversario decidimos emprender la gira de Suspiria, también motivados por la edición de nuestro último álbum, «Suspiria Prog Rock Version», en el que hemos revisitado la banda sonora original pero utilizando otros instrumentos y con otro estilo distinto. ¿Cómo ha sido la tarea de enfrentarse al material original cuarenta y cinco años después de su composición?

Cuando tocamos en vivo durante la proyección de la película, lo hacemos siempre tal cual se compuso en su momento. Es probablemente el trabajo más importante que nosotros, como Goblin, hemos realizado hasta la fecha. Es el sonido que nos identifica como banda, así que tratamos siempre de respetar ese sonido original. Es increíble cómo la gente sigue adorando esta película después de tantísimos años; lo vemos con el público que ahora abarca varias generaciones desde los veinte hasta los sesenta o los setenta. Que quede claro que también me gusta Rojo oscuro, pero el éxito de Suspiria es incomparable.

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"LO MÁS GRACIOSO ES VER CÓMO EL PÚBLICO CANTA LOS TEMAS CON NOSOTROS MIENTRAS HACEMOS LOS CONCIERTOS"

¿Para esta gira ha modificado y/o reinterpretado algo de la versión original?

En los conciertos de la gira tocamos solamente la nueva versión, pero, como te decía antes, en las proyecciones hacemos la versión original. Esta gira de Suspiria es diferente de lo que hacemos habitualmente, que consiste en hacer una primera parte con la banda sonora del film en cuestión y una segunda parte en la que tocamos una selección de temas provenientes de distintas películas. ¿Qué puede contarnos de la banda que le acompaña?

Tengo un nuevo equipo de gente joven, de entre 35 y 40 años, formado por Cecilia Nappo al bajo, Federico Maragoni a la batería y Daniele Amador como guitarrista. Considero que es la mejor banda que he tenido en los últimos años. ¿Utilizarán los mismos instrumentos que en origen, como moogs o bouzoukis?

Evidentemente no, ya que técnicamente es muy difícil transportar varios de esos instrumentos. Conservo todavía el moog con el que tocamos en la grabación original, pero no me gusta llevarlo a los conciertos porque es un instrumento muy delicado y corremos el riesgo de estropearlo. Tengo otro moog nuevo, pero al final en los conciertos lo resolvemos todo con un teclado porque podemos samplear el sonido original sin ningún problema.

En general, ¿qué van a encontrar los espectadores que acudan al concierto que van a dar en Sombra?

Ante todo quiero decir que me siento muy agradecido de recibir el Bernard Hermann Award, el cual, junto al Meliès de Oro que me concedieron en Sitges el pasado noviembre como reconocimiento al conjunto de mi carrera, me llena de orgullo. Recibir otro premio mientras lo celebramos con un nuevo concierto de Suspiria va a suponer una experiencia inolvidable, tanto para el público como para nosotros, que estaremos tocando. Espero que la gente lo disfrute.

Adoro España y a los españoles; quizá tenga algo que ver el hecho de que tengo orígenes brasileños.

"CUANDO TOCAMOS EN VIVO DURANTE LA PROYECCIÓN DE LA PELÍCULA, LO HACEMOS SIEMPRE TAL CUAL SE COMPUSO EN SU MOMENTO"

Al hilo de esto, la música de Suspiria no es la típica banda sonora orquestal, sino que es rockera. La respuesta que está encontrando del público ¿es igual de interactiva y afectiva que si se tratase de un concierto de rock?

Lo más gracioso es ver cómo el público canta los temas con nosotros mientras hacemos los conciertos.

La famosa voz que suena en el tema principal es mi propia voz, y cada vez que le digo al público asistente que cante conmigo, lo hace sin ningún problema. ¡Les encanta!

Suspiria es una película muy visual, en la que importa más lo sensorial que lo que se narra o lo que dicen los diálogos. ¿Cómo fue su trabajo para hacer que la música formara parte de esa experiencia sensorial y no quedase opacada por la fotografía?

Luciano Tovoli, que es el operador responsable de la fotografía, hizo un trabajo espléndido. Yo estuve un par de veces en el set mientras Dario rodaba. Una de esas veces fue en la academia de baile en una escena con todas las brujas. Esas escenas se rodaron en Roma, donde hicieron una réplica de la academia, aunque también rodaron en Alemania, en la Selva Negra, que es donde se encuentra el auténtico edificio. Dario tenía unas ideas muy claras con respecto a la banda sonora que estaba buscando. Quería algo totalmente distinto a sus films precedentes, ya que en Suspiria era la primera vez en que se apartaba de los márgenes del thriller que había venido haciendo hasta entonces para adentrarse en el terreno de la magia y la brujería. Nos dijo que quería que con nuestra música se notase constantemente la presencia de las brujas, aunque éstas no apareciesen en pantalla, así que todo nuestro trabajo consistía en mantener esa atmósfera, esa presencia difusa y constante, creando una música muy ambiental.

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Trabajamos en el estudio durante un par de meses, experimentando muchísimo con todo tipo de instrumentos electrónicos. Fue un trabajo muy vanguardista que a día de hoy continúa siendo muy moderno.

Trabajamos en el estudio durante un par de meses, experimentando muchísimo con todo tipo de instrumentos electrónicos. Fue un trabajo muy vanguardista que a día de hoy continúa siendo muy moderno.

Cuando compuso la banda sonora de Suspiria, ¿el montaje estaba ya acabado o, por el contrario, se montó sobre la composición?

Intentamos grabar algo de material antes de empezar el rodaje, pero luego nos dimos cuenta de que los temas no funcionaban. En cuanto la película estuvo grabada y montada, nos percatamos de que el tono era muy diferente a lo que habíamos imaginado en un principio. Nos pasó un poco como cuando lees un libro y luego ves la película que se basa en él y no corresponde a lo que te esperabas, porque cada uno deja volar su imaginación al respecto. Por lo general, compongo la banda sonora de un film después de haber visto el material rodado. ¿Y hasta qué punto estuvo Dario Argento involucrado en la composición de Suspiria?

Dario puso su nombre en los créditos como co-autor de la banda sonora, pero tengo que decir que no me parece que fuese correcto por su parte. Tenía una idea muy clara de lo que quería y así nos lo hizo saber, pero no es en absoluto un músico, no tiene ni idea de composición y su labor consistía tan solo en decir «esto me gusta» o «esto no me gusta». Vamos, que era más bien un supervisor de nuestro trabajo. Por eso no considero que fuese muy apropiado ponerse esa acreditación de manera oficial, subestimando un poco nuestro trabajo como músicos profesionales.

El pasado 2018 Suspiria fue objeto de un remake dirigido por Luca Guadagnino. ¿Qué le pareció esta nueva versión?

Sí, la he visto. ¿Puedo ser sincero? (risas). No me gustó en absoluto. La encontré muy mala. No me gustan los remakes en general, y en este caso la película era excesivamente larga y muy diferente a la original.

Dario me comentó que ni siquiera le consultaron absolutamente nada sobre su película. Es decir, no estuvo al tanto de ningún aspecto. Creo que, de hecho, esa película ha sido un completo fiasco.

Para ir terminando, ¿cuál es su relación con Argento a día de hoy?

Somos muy buenos amigos. Ten en cuenta que hemos tenido una estrecha colaboración profesional durante casi cincuenta años. Pero para su última película su hija Asia escogió a otro músico para componer la banda sonora, ignoro el motivo.

"SÍ, LA HE VISTO. ¿PUEDO SER SINCERO? (RISAS). NO ME GUSTÓ EN ABSOLUTO. LA ENCONTRÉ MUY MALA"

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EL MÚSICO Y PRODUCTOR JOAQUÍN PADILLA, ESTÁ DE VUELTA CON UNA NUEVA ENTREGA DE LEGADO DE UNA TRAGEDIA A LA QUE HA LLAMADO “AQUELARRE DE SOMBRAS”, TRATÁNDOSE DE LA MÁS AMBICIOSA Y OSCURA HASTA EL MOMENTO, EN ELLA NOS NARRA EL MUNDO MÁS SOMBRÍO QUE SE ESCONDE DETRÁS DE LAS PINTURAS NEGRAS DE GOYA

Entrevista: José Ramón Rojo Fotos: Archivo

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Hace ya 15 años que el panorma rock nacional debería haberse sentado a reflexionar...¿por qué no han cambiado las cosas desde 2008?. Aquel año, hubo uno de los nuestros que decidió dar un golpe encima de la mesa y cambiar el futuro de algo que llevaba haciéndose de la misma manera desde los años 80, es decir, sin pensar a lo grande. Hablo del rock patrio, y que nadie malinterprete mis palabras, pues ya sabe todo aquel que me haya leído a lo largo de mi historia como comunicador de mi respeto hacia los músicos, pero aquel chico que venía del éxito de Iguana Tango y que había probado a componer otros sabores musicales como el de Whisky Viejo, fue, en aquel momento, un salvador, un pionero y un ejemplo a seguir. Principalmente, porque no solo iba a aglutinar a los mejores de la escena en un mismo proyecto, sino que iba a rescatar algunos nombres que muchos pensaban que nunca jamás disfrutarían en un contexto de música dura (dícese Tony de Sangre Azul, que tras muchos años sin asomarse a nuestro mundo, decidió dar un paso al frente para el proyecto), sino que además, nos iba a regalar un clásico atemporal influenciado por óperas rock internacionales (que por aquel entonces estaban en pleno auge) tales como Avantasia o Nostradamus (por el que Padilla ha mostrado debilidad en múltiples ocasiones), sin olvidar la teatralidad de Bat Out of Hell de Meat Loaf, o el mismísimo Jesucristo Superstar.

El madrileño no vió barreras ni inconvenientes posibles en reunir todos sus esfuerzos y conocimientos y volcarlos en Legado de una Tragedia. Pero hacía falta un concepto...una historia totalmente conexa y efervescente en la que vertir todas sus inquietudes, que como se ha demostrado con los años, eran infinitas. Así, Joaquín Padilla y Jacobo García se lanzaron en plancha hacia una aventura de la cual desertaría el segundo, y quedaría el primero como único artífice hasta el día de hoy. Todo ese talento desenfrenado merecía una buena historia que se dedicaría nada menos que a Edgar Allan Poe. ¿Hay algo más heavy que Poe?...yo creo que no.

Un gato del color de las noches más lúgubres, un enterrador, un secreto...y un elenco de infarto, impensable de reunir en 2008 para cualquier mortal. Todos los elementos de la receta del éxito en conjunción y armonía en un mismo proyecto. La obra de Poe en llamas, y Padilla también. No hay marcha atrás.

"AQUELARRE DE SOMBRAS ES UNA NUEVA EVOLUCIÓN DE UN MONSTRUO QUE NO PARA DE CRECER"

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El disco, muy venerado por la prensa especializada y considerado hoy una obra maestra del género, fue un éxito de críticas, pero su discográfica de entonces, DFX, hizo de las suyas y no solo dejó a Legado de una Tragedia sin copias fisicas del álbum y al proyecto con una mano delante y otra detrás, sino que desanimó al maestro creador hasta el punto de no querer dar continuidad al monstruoso proyecto. Pero siendo conocido el amor que Joaquín siente hacia el mundo musical, la composición y producción, sorprendió al universo nada menos que seis años después con Legado de una Tragedia II, también basado en la oba de Poe, tras la muerte de éste, y haciendo uso de una autoedición que perduró durante muchos años, solo pudiendo adquirir el trabajo a través de los medios oficiales de la ópera. _Rocket| 102

El viaje de Edgar a los nueve círculos del infierno generan una atmósfera mucho más metálica, pesada, profunda y oscura que las de su predecesor, y en esta ocasión comienza la incursión total de Legado de una Tragedia en el mundo del metal sinfónico, incluyendo elementos orquestales más prominentes y poderosos, así como más teatralidad si cabe que en la obra de 2008. Legado volvió más fuerte que nunca a la escena, algo que se podía intuir desde que nos perdíamos mirando la inmensa portada, en la que Felipe Machado (Blind Guardian, Rhapsody of Fire, entre otros) puso su talento, siendo también la primera vez que se relacionase con el nombre de la saga, generándose un matrimonio que perduró varios años a través de resultados a cual más espectacular. Los dos actos del álbum (Descenso a los Abismos y El Abrazo de las Sombras), no podía tener mejor representación en una ilustración, representante de un trabajo en el que se repetían algunos nombres como el de Leo Jiménez o Alfred Romero, añadiéndose un listado interminable de más de 50 músicos entre los que encontrábamos nombres como el de Zeta (Mägo de Oz) o un jovencísimo Ronnie Romero (Lords of Black, Rainbow, entre otros), que en esta obra vio una de sus apariciones más estelares antes de que su nombre se conociese en todo el mundo. Legado de una Tragedia contó con su talento antes que Blackmore... ¿quién lo iba a decir?. La segunda parte de la ya más famosa Ópera Metal cantada en castellano ya era, sin duda alguna, otro disco clásico, favorito de los muchos seguidores con los que contaba ya LDUT (siglas con las que se conoce el proyecto en redes).

Joaquín quería continuar con su sueño... seguir llenando de musicalidad su vida, la de su elenco y la nuestra. Y el motor no podía parar de emitir energía... girar, crear y deleitar al mundo con su potencia. No tardó, como es obvio, en llegar la tercera parte dedicada a Poe en 2016, tan solo dos años después de la anterior aventura. La portada, otra obra de arte creada por Machado, representa el viaje de Poe por el mundo de los sueños, y nos adentra en otra barbaridad sónica que supera a la anterior en prácticamente todo...desde la producción, a la composición, el tercer capítulo fue el primero en contar con una coral lírica completa (la Coral del Trágico Legado) y una orquesta sinfónica compuesta por músicos de carne, hueso y mucho talento (la Orquesta del Trágico Legado). De nuevo, otro universo de posibilidades, sonoridades, el mejor elenco con que ha contado un proyecto nacional y una edición de auténtico hijo, dieron lugar al mejor feedback recibido hasta ese momento por el monstruo musical. Un nuevo horizonte de posibilidades, toda la prensa a su favor y una legión de fans que apoyan a Joaquín fielmente, crearon, alimentarón, en opinión de quien escribe, el ansia compositiva, el talento y las ganas de continuar componiendo del madrileño. Todos pensábamos que aquí terminaba el camino, pero nada más lejos de la realidad...Poe solo fue el principio.

En 2019, tras una de las mejores portadas que se conocen de cuantas se hayan publicado en nuesto

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país, creada en esta ocasión por el gran Gustavo Sazes, se editaría El Secreto de los Templarios, el cuarto capítulo de Legado de una Tragedia, cuyo título ya indica, sin más preámbulos, la temática que Joaquín había elegido para continuar su viaje. Tal sería el hype que levantó el adelanto "El Cruzado" mostrando la mejor cara de José Andrea (ex-Mägo de Oz, Uróboros) y una estratosférica composición cargada de épica y monumentales arreglos, que la polvareda empezó a levantarse a una velocidad pasmosa.

"LEGADO HA VUELTO A ESCALAR LA MONTAÑA A COMPROBAR QUE SU BANDERA DEL TRIUNFO SEGUÍA ALLÍ"

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Máxime cuando comenzó a anunciarse el nuevo elenco, en el que además, se encontraban algunas estrellas internacionales cantando en castellano tales como Thomas Vikstrom (Therion, ex-Candlemass, entre otros), o Baol Bardot Bulsara, el que fuese vocalista de TNT. Los componentes sinfónicos cada vez suben a un nivel más elevado, y las composiciones rozan la perfección...canciones como el propio "El Cruzado", "Y Judas Traicionó al Señor" o "Almas Encadenadas" mostraban una atmósfera diferente pero idónea hacia la temática, mientras que esta sería la primera obra en contener voces guturales en algunos pasajes, conteniendo una de las canciones fetiche de todos los seguidores de Legado de una Tragedia, es decir, "Baphomet", tema en el que Diva Satánica introduciá al proyecto en otros terrenos musicales, por los que el maestro Padilla empezaba a sentir admiración. Aquellos cercanos al metal extremo, porque realmente, la temática oscura, ya iba implícita a la escudería Legado.

La respuesta del público ante el álbum fue arrolladora, y no mucho después de la edición del álbum, aproximadamente

un año después, llegó la maldita pandemia, esa que derrotó todos nuestros sueños e hizo que las ilusiones y fantasías mermasen...no tanto las de Joaquín, que encontró su espacio y la oportunidad de dar rienda suelta a sus instintos e influencia, y comenzó a comoner su próximo capítulo en forma de EP. Britania, la quinta entrega de la saga, nos cuenta la conquista de Britania por las legiones romanas comandadas por el emperador Claudio. La encarnada lucha contra Carataco y los druidas, se ve representada por una impresionante masterclass de sonidos plenamente sinfónicos (como hiciese Blind Guardian con su Twilight Orchestra meses atrás) a través de, por primera vez, textos en inglés interpretados nada menos que por titanes de la talla de Johnny Gioeli (Axel Rudi Pell, Hardline), David Readman (Pink Cream 69), de nuevo Baol Bardot Bulsara o el propio Thomas Vikstrom, acompañado de su esposa Rosalía Sairem (Therion). El bloque de composiciones se grabaron también en castellano, incluyendo nombres como el de Israel Ramos o Teté Novoa, consiguiendo un resultado único y sin precedentes que sirvió como interludio para todo lo que vendría después.

Una personalidad atormentada como la de Goya, largas estancias pandémicas de aislamiento social, nuevas influencias...e inspiración...mucha inspiración.

Joaquín Padilla ha relatado en varias ocasiones lo difíciles que han sido estos años para él, por circunstancias tanto personales, como las que nos rodearon a todos durante una buena temporada. Una etapa oscura de su vida que ha sido crucial para la manufactura y composición de Aquelarre de Sombras, la obra más pesada, tenebrosa, trabajada y espectacular de una saga que ya parecía insuperable. Un cúlmen en el que ya había una cima con una bandera...y un álbum sin precedentes a nivel nacional. Más de tres años de elaboración, innumerables emociones cambiantes, y un compositor en estado de gracia...¿no habéis escuchado nunca aquello de "las mejores canciones son fruto de los momentos más amargos?. Cuando realmente quedé convencido de la magnitud de esa afirmación fue cuando, al llegar una lluviosa noche a casa, pude toparme cara a cara con la obra maestra que resulta ser el álbum.

Un escalofrío con tan solo ver los seres que habitan la profunda y expresiva portada de Gustavo, es solo el comienzo...el empujón hacia un mundo lleno de olor a locura, vibraciones inesperadas e influencias que jamás habrías imaginado en un trabajo de Legado de una Tragedia.

Pero eso sí, logrando que a cada segundo, cada acorde, sepamos que estamos ante una obra de la casa.

Como cuando escuchas dos compases de Metallica y sabes que son ellos, Aquelarre de Sombras es una llamada al podio, con una producción colosal por parte de Raúl Abellán, que incluso hoy, mes y pico después del lanzamiento del disco, cuesta asimilar. Imágenes grotescas sobre las pinturas negras de Francisco se intuyen a cada paso que Joaquín da en el álbum a través de combinaciones de voces impensables, riffs frenéticos, ritmos de batería hermanos del black metal, e inspiradísimos diálogos que hacen que cada canción sea una experiencia.

Legado ha vuelto a escalar la montaña a comprobar que su bandera del triunfo seguía allí... cuando llegó de nuevo a la cima, vio con asombro como había un tramo de montaña que no recorrió tiempo atrás, cubierto de una niebla que en la anterior ocasión estaba ahí y no dejaba ver el cielo. El maestro ha decidido ponerse el equipo de escalada para comprobar qué había más allá de ellas, y una vez superada esa distancia que pasó por alto antes, ahí estaba, el cielo. El cénit de la carrera de Padilla y su enorme ópera rock, que ha conseguido publicar su "black album". Y todo esto...¿por qué?. Porque en lo más profundo de esa oscuridad inmesa que envuelven los diez temas del álbum...detrás de todo ello, hay un ser de luz que incluso adentrado en un contexto tan impactante, sombrío e inexplorado por muchos, que ha sabido recoger la esencia de lo malévolo, cargándolo de emociones, sensaciones, texturas...transformando todo ello en una increíble aventura musical que resulta ser Aquelarre de Sombras.

Joaquín, orgulloso de la buena acogida del disco, comentaba hace pocos días para The Rocke Magazine, que Aquella de Sombras no solo ha sido el álbum que mejor acogida mediática ha tenido de las seis entregas editadas hasta la fecha, sino que además, ha sido catalogado por muchos fans y prensa especializada como "obra del año" a nueve meses de finalizar 2023. No falta razón a quienes hacen esa afirmación, porque es un "no te pido que lo superes...con que lo iguales, es suficiente.". El álbum está siendo un éxito de escuchas en plataformas, aunque también de ventas de su formato físico, ya que ha sido exportado a más de una treintena de países, muchos de ellos de habla hispana.

Países en los que Legado de una Tragedia cuenta con una legión de fans, y es respetado tanto como los proyectos musicales de Lucassen o Tobias Sammet. E intuyo algo...el éxito no ha hecho más que empezar. Joaquín Padilla no tiene límites, y Aquelarre de Sombras es una nueva evolución de un monstruo que no para de crecer.

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Texto: Jordi Pinyol Fotos: Kscope

O.R.K. ES UNA BANDA COMPUESTA POR EL CÉLEBRE VOCALISTA, PRODUCTOR Y COMPOSITOR DE BANDAS SONORAS ITALIANO, LORENZO ESPOSITO FORNASARI -ALIAS LEF- (VOZ PRINCIPAL), PAT MASTELOTTO DE KING CRIMSON (BATERÍA), COLIN EDWIN DE EXPORCUPINE TREE (BAJO) Y CARMELO PIPITONE DE MARTA SUI TUBI ( GUITARRAS). CHARLAMOS CON ELLOS A SU PASO POR MADRID

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¿Creéis que este es vuestro disco más maduro de

No fue algo planeado, pero sentimos que en ese

los cuatro?

momento necesitábamos algo positivo en lo que

LEF: Definitivamente. No sé si sabes que esta

pensar y esa es probablemente la energía central.

banda comenzó en 2015. Fue en ese año cuando

Y parte de Screamnasium es oscuro, puede ser

pensamos por primera vez en juntar todas nuestras

heavy, pero hay este núcleo de positivismo que

ideas, porque veníamos de diferentes campos

surgió de un momento muy oscuro para todos

musicales, diferentes carreras y proyectos, así que

nosotros.

estábamos bastante ocupados en ese momento. La

COLIN: Sí, para mí es como que tuvimos una

idea estaba bien, intentar hacer y tocar algo de

reacción en la que queríamos expresar algo

música juntos y ver si valía la pena. Y estuvo bien.

positivo a pesar de la las circunstancias en las que

Las

todos

primeras

canciones

que

hicimos

fueron

estaban

encerrados.

Para

nosotros

fue

Jellyfish y Empire e inmediatamente sentimos que

bastante deprimente. Como músico siempre he

había algo, algo que era diferente en comparación

tenido en mi vida algo que esperar, algo previsto

con lo que sea que estuviéramos haciendo en ese

como un concierto o una gira o un festival o un

momento, así que definitivamente valió la pena. Ah

viaje o algo así. Y de repente no hay nada. Pero

y ten en cuenta que tocando juntos, hicimos una

bueno, salió de forma bastante natural y a veces es

gira por Europa. Es la quinta vez, probablemente.

difícil expresar algunas de esas cosas.

COLIN: Si, es la quinta.

LEF: Muchas veces el elemento más importante en

LEF: Hicimos shows en Sudamérica y se suponía

O.R.k. no es el bajo o la voz o la guitarra, es el

que íbamos a tocar apoyando a System of a Down

quinto elemento, que en realidad es el quinto

en grandes Arenas, y luego otro Festival en

extremo de la banda. Es difícil de expresar en

Armenia y mas espectáculos. Pero la realidad es

palabras.

que la pandemia arruinó nuestros planes, y en

COLIN: Solíamos bromear sobre que había un

lugar de tratar de rehacer lo que éramos y replicar

quinto ente invisible, porque todo es diferente a lo

una fórmula, decidimos usar el tiempo en la

que hemos hecho antes y sí, probablemente

pandemia para hacer algo diferente.

podríamos llamarlo el espíritu del grupo, que hace que nos expresemos de un modo diferente.

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Esa iba a ser mi siguiente pregunta: ¿cómo os arreglasteis para trabajar durante la pandemia y el encierro?

COLIN: En la mayor parte fue de modo remoto. Yo tuve la suerte de llegar a Italia justo antes de que todo se derrumbara y esbozáramos algunas cosas, pero en su mayor parte solo trabajábamos de forma remota, lo cual no es inusual en estos días ya que todos lo hacemos todo el tiempo. Yo trabajo de forma remota todo el tiempo con diferentes personas. Hemos pasado bastante tiempo juntos tocando.

Entendemos cómo funcionamos uno y otro, sabemos que conocemos las fortalezas de los demás y todos jugamos con nuestras propias fortalezas.

Tenemos una forma de encajar, no lo discutimos, parece ser una química natural que fluye de modo natural.

Y acerca de la grabación, ¿acostumbráis a grabar en directo o editáis mucho? Porque el disco tiene una potencia y energía que parece un concierto.

COLIN: Me parece muy interesante que digas esto porque no hay forma de que podamos grabarlo en vivo, pero podrías escucharlo y suena como si fuera en vivo, así que estamos muy contentos. Es exactamente una cuestión de química, así que si crees que suena en vivo, para mí es un gran cumplido. Estoy muy feliz de que hayas dicho esto porque creo que la grabación de Screamnasium captura lo que tenemos en marcha más que en los otros discos, es lo mas cercano a como somos cuando tocamos juntos.

LEF: Y es por esto que la respuesta a tu primera pregunta es: sí, creemos que este es nuestro disco más maduro.

¿Y fuera de los tiempos de la pandemia cómo componéis normalmente?, ¿intentáis juntaros y escribir ideas juntos?

COLIN: ¿Sabes que tenemos un montón de material que no ha salido? Hay muchas cosas guardadas en el tintero, ya sea que salgan o no, puede que no se sienta bien, pero generalmente intercambiamos ideas, las cosas fluyen.

¿Y como de diferente es tocar toda esta música en los directos?

COLIN: Darle vida a esa música es otra historia, y a pesar de que estamos tocando las mismas canciones con arreglos similares, cada vez que tocamos en vivo siempre es algo espontáneo o algo diferente. No suelo analizarlo demasiado pero nunca siento que somos nosotros regurgitando un arreglo musical que ya conoces y

todo suena igual. Siempre surge algún tipo de energía entre nosotros.

Podemos tocar nuestras partes individuales con algunas variaciones, a veces trabajamos en los arreglos, por lo que son ligeramente diferentes en vivo, pero no importa.

Creo que la vibración de la banda en directo está realmente dónde está.

Espero que podamos hacer un álbum en vivo en algún momento muy pronto. Es un poco difícil de explicar, pero sí, para mí el directo es algo muy especial.

Dijiste en alguna entrevista que en este álbum “la música impulsa algo de energía hacia un mundo más alentador” y quería preguntarte si eso es algo así como un sentimiento que deseas o realmente crees que este mundo tan complicado va a mejorar?

COLIN: Ciertamente es algo que necesitábamos expresar y es más difícil transmitir esas ideas, por lo que una de mis canciones favoritas a nivel personal es "Hope For The Ordinary", de la cual surgió la idea.

"INMEDIATAMENTE SENTIMOS QUE HABÍA ALGO, ALGO QUE ERA DIFERENTE EN COMPARACIÓN CON LO QUE SEA QUE ESTUVIÉRAMOS HACIENDO EN ESE MOMENTO"

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En la pandemia, fue la gente común y corriente la que realmente hizo que el mundo siguiera funcionando, trabajadores de supermercados , conductores de autobús, etc. Y para mí fue muy importante tener este tipo de mensaje esperanzador para las personas. Cuando las cosas se sienten un poco desesperadas como en ese momento, ahora a veces olvidamos que hemos seguido adelante, pero hubo momentos de miedo real para muchas personas.

Muchas personas se estaban poniendo en peligro simplemente haciendo trabajos ordinarios y sencillos. Mi esposa es enfermera, por ejemplo, ella estaba arriesgando su salud todos los días durante meses. Por eso quería transmitir esa idea de esperanza y una especie de mensaje de apoyo en algún sentido.

LEF: Y luego decidimos cambiar esa canción para el concierto con un nuevo mensaje: Que te jodan! No, estoy bromeando jaja! ¿Y hablando de estas ideas, cómo son de importantes las letras en vuestra música, y cómo empezáis a componer, por la música o por la letra?

LEF: Escribir letras es la última etapa y no queremos contar historias, aunque a veces hay algunas imágenes que podemos tener en nuestras mentes mientras estamos componiendo la música. Pero no queremos contar historias, queremos que vivas nuestra música.

Muchas tienen diferentes interpretaciones.

COLIN: Y es bueno ser un poco gris a veces. Por mi experiencia el oyente encontrará su propio significado muy a menudo y a veces es el significado que no esperas, así que es muy interesante. Si alguien se conecta con eso, es genial.

LEF: A veces con los videos musicales revelamos nuestra perspectiva y damos a conocer nuestro ángulo, pero aún así es gracioso como a veces conocemos gente que nos dice: “hey, esa canción es tan positiva, me gusta!” y probablemente se trata de la pieza más dramática que hemos escrito desde nuestro punto de vista.

"SIEMPRE SURGE ALGÚN TIPO DE ENERGÍA ENTRE NOSOTROS" _Rocket| 32

Eso es lo que hace que la música sea probablemente muy poderosa, porque todos pueden sentirla de manera diferente, y lo que estamos tratando de hacer es no pensar demasiado en lo que hacemos en términos de música. No queremos planear nuestras partituras o nuestra música, solo queremos que dejes fluir las emociones libremente.

En este disco ha colaborado Elisa en el single “Consequence”, ¿cómo se gestó esta colaboración?

LEF: Bueno, yo he estado componiendo música para películas bastante tiempo, unos 10 años probablemente. Y trabajé con esta directora llamada Alessandra Pescetta, que solía hacer videos musicales para Elisa cuando comenzó toda su carrera, así que somos amigos, y ella pensó que deberíamos habernos conocido de alguna manera. Durante la pandemia tuvimos la oportunidad de hablar un poco y, aunque Elisa es bastante famosa como una estrella del pop en Italia, tiene bastante interés por la música rock de bandas como Tool o cosas por el estilo que también nos podrían gustar, así que había raíces comunes y decidimos hacer este camino juntos bastante bien, sin ningún problema. Ella es muy buena persona así que estuvo bien. ¿Hay alguna otra colaboración que desearíais tener en el futuro con otras bandas o cantantes?

COLIN: Es difícil de decir, creo que depende del contexto. Con Elisa, para ser honesto, yo no estaba familiarizado con ella porque es italiana, pero cuando escuché su contribución me pareció perfecta.

LEF: Lo mismo pasó con Serj...

COLIN: Así es, exactamente lo mismo pasó en el disco anterior donde tuvimos una colaboración con Serj Tankian (System of a Down) que realmente lo clavó en la canción e hizo que fuera algo diferente, algo especial. Así que no creo que siempre puedas planear eso.

En la última canción del álbum “Someone waits” hay una parte importante interpretada por un violoncello que me encanta y me preguntaba: ¿os habéis planteado en el futuro hacer algún disco con un concepto diferente, quizás un álbum sinfónico con una orquesta o algo parecido?

COLIN: Creo que hay un elemento interesante del que tal vez no eres tan consciente y es que Carmelo toca mucha guitarra acústica y en giras anteriores tuvimos un violonchelista que vino y se unió a nosotros, principalmente para algunos de los temas más tranquilos. Así que hay un elemento de eso en la música que nos ha estado acompañando un tiempo, así que podríamos revisar eso. Jo Quail, que tocó las partes de violoncello, es una música absolutamente maravillosa, es genial.

Hizo un trabajo realmente excelente y pasó de ser una invitada a hacer suya la canción y convertirla en algo realmente especial. Creo que parte de la música ciertamente está abierta a múltiples interpretaciones de múltiples arreglos con diferente instrumentación, seguro, tal vez no estoy pensando en eso en este momento, pero exactamente podría suceder, sí. ¿Ahora mismo que estáis de gira, ya estáis trabajando en vuestro próximo álbum o preferís terminar la gira y luego poneros con ello?

COLIN: Parece que no funciona para nosotros trabajar mientras estamos de gira, así que es o lo uno, o lo otro, pero tenemos mucho material que podemos revisar. Siempre es bueno revisar cosas que has rechazado porque a veces las rechazas y piensas: “oh, espera un momento”. Así que estamos dejando un poco de espacio y ver que pasa.

Leí que la portada del álbum fue hecha por Adam Jones, guitarrista de Tool, junto a Denis Rodier, ilustrador de cómics de Marvel y DC Comics. ¿Como sucedió?

COLIN: Pat es muy buen amigo de Adam Jones, porque King Crimson estuvo de gira con Tool en el pasado, así que no sé muy bien cómo surgió, pero Adam también hizo la obra de arte para nuestro anterior disco Ramagehead y todos sentimos que era muy buena portada, así que le preguntamos si le gustaría hacerlo de nuevo. Y de nuevo hizo un trabajo fantástico. De hecho, las dos calaveras en los ojos y todo eso, están tomadas de una animación, y Dennis básicamente tomó aspectos de la animación para hacer la portada, por lo que es una especie de esfuerzo conjunto entre los dos.

Pero sí, Dennis también es genial. Él hizo un portada de David Bowie hace unos años.

¿Hay algún artista en este momento que os guste y escuchéis?

COLIN: Sí, últimamente he estado escuchando a Black Midi. Y recientemente he empezado a revisitar a Captain Beefheart, de los años 70, que no había escuchado durante años. Y hay algo de su espíritu en los Black Midi, así que es un poco loco, porque no son lo mismo pero hay algo en esa onda que realmente me gusta. Podría escucharlos todo el día en este momento.

LEF: Yo estoy leyendo las partituras recientes de Jonny Greenwood para las bandas sonoras de películas que me gustan y eso es lo que escucho.

"NO PUEDO DECIRLE A LA GENTE LO DIFÍCIL QUE HA SIDO TODO DESPUÉS DE LA PANDEMIA, HACER PLANES A TODOS LOS NIVELES HA SIDO MUY DESAFIANTE"

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¿Cómo os hace sentir volver a los escenarios y venir a tocar a España y juntaros con vuestros seguidores?

COLIN: Para ser honesto, estamos muy contentos de estar juntos de nuevo y poder tocar en vivo. No puedo decirle a la gente lo difícil que ha sido todo después de la pandemia, hacer planes a todos los niveles ha sido muy desafiante. Así que siento que las estrellas se alinean cuando podemos reunirnos, es genial venir a cualquier lugar que conozcamos cómo España o cualquier lugar de Europa. Hemos tenido una reacción muy positiva al nuevo material, también se siente un poco extraño cuando haces un disco, no lo tocas en vivo por un tiempo, así que la reacción siempre es un poco distante porque es posible que leas una crítica realmente buena o que alguien te lo diga, pero cuando conoces a un completo extraño que ha venido a tu concierto y te ha dicho: es genial, te he descubierto, me encantan los álbumes, es otro nivel, realmente es muy, muy satisfactorio.

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DISCOGRAFÍA ÉPICA DEL ROCK PATRIO Texto: Jose Ramón Rojo Fotos: Promo

NO QUEDAN HÉROES? El trabajo de Álex Escorza y Adrián Aguilera es descomunal durante todo el tema, el riff podría pertenecer a cualquiera de los anteriores álbumes, e incluso al último álbum de Muro, El Cuarto Jinete, con una letra que evoca nostalgia, envuelta por unas líneas impresionantes de Silver, cuya voz brilla espectacular.

La base rítmica suena a todo gas, ¿y qué decir de Filthó?, que es un valor seguro desde hace mucho tiempo. El mejor escudero de cuantos Silver podía elegir.

Silver Solorzano lleva sosteniendo a sus espaldas el peso de la indiferencia masiva, aunque cuente con el apoyo incondicional de los que realmente conocemos no solo su amor por lo que hace, sino su calidad como vocalista y músico, que le lleva a no tropezar en el camino, al menos en términos estrictamente discográficos. Si su anterior álbum Fé Ciega pasó desapercibido siendo un disco redondo, todos deberíamos ser conscientes del esfuerzo que conlleva editar otro álbum seis años después, aún sabiendo que la legión de fans no tiene oportunidad de crecer sustancialmente.

No Quedan Héroes?, es el cuarto disco de la banda madrileña, toda una lección de honestidad.

Toda esa lealtad al heavy metal se ve plasmada en un álbum elaborado, bien producido, y por qué no decirlo, a la altura de sus tres discos anteriores, y eso es mucho decir existiendo Lágrimas de Sangre considerado ya un clásico de clásicos.

El sonido y producción nos llega de la mano de Daniel Melián y José Garrido de los estudios Newlife, con masterización de Tony Lindgren, aunque los nombres sonados no sirven de nada si los temas no acompañan, pero es tal la labor que ha hecho toda la banda, que es empezar a sonar "No Quedan Héroes (El Legado)" y sientes que la magia sigue intacta.

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"Nunca Dejes de Creer" es puro heavy metal, con un riff muy bien construido, una atmósfera de teclado magistralmente adaptada al tema, y cambios de ritmo frenéticos que no dan respiro e incitan al headbanging hasta llegar a un duelo de cortantes solos de guitarra/teclado que culminan uno de los mejores momentos del álbum. Pura caña sin florituras innecesarias.

"Sangra la Tierra" no baja la media, basando todo su atractivo en giros musicales que dejan que saboreemos todas las texturas de las que es capaz de hacer uso la banda. En "Hijo Mío", cuya preciosa acústica protagonista brilla con luz propia, de manera cálida y muy bien registrada, se hace acompañar de cellos y un precioso teclado muy bien aprovechado, para dejarnos un emotivo momento en el que Silver utiliza tonalidades y tesituras delicadas, tonos bajos, y una emotiva letra, hecha para emocionar.

La base rítmica suena a todo gas, ¿y qué decir de Filthó?, que es un valor seguro desde hace mucho tiempo. El mejor escudero de cuantos Silver podía elegir.

"Nunca Dejes de Creer" es puro heavy metal, con un riff muy bien construido, una atmósfera de teclado magistralmente adaptada al tema, y cambios de ritmo frenéticos que no dan respiro e incitan al headbanging hasta llegar a un duelo de cortantes solos de guitarra/teclado que culminan uno de los mejores momentos del álbum. Pura caña sin florituras innecesarias.

"Sangra la Tierra" no baja la media, basando todo su atractivo en giros musicales que dejan que saboreemos todas las texturas de las que es capaz de hacer uso la banda. En "Hijo Mío", cuya preciosa acústica protagonista brilla con luz propia, de manera cálida y muy bien registrada, se hace acompañar de cellos y un precioso teclado muy bien aprovechado, para dejarnos un emotivo momento en el que Silver utiliza tonalidades y tesituras delicadas, tonos bajos, y una emotiva letra, hecha para emocionar.

La segunda parte del tema título "No Quedan Héroes (La Lucha)", es una especie de metal de corte moderno, especialmente por el teclado de Filthó y el tipo de riff elegido, aunque un cambio casi progresivo nos lleve a un tema 100% Silver Fist a través de inmensos pasajes, algunas guitarras dobladas, para entregar otro grandioso estribillo, otro duelo de solos y un final apoteósico.

"La Dama de Negro" sin embargo, por el motivo que sea, me recuerda a "Lágrimas de Sangre", por su carácter más internacional en cuanto a la estructura, de tesitura más melódica.

Y de nuevo, otro pegadizo estribillo marca de la casa, mientras que el inicio de "Siempre Fuiste Tú" me ha recordado muchísimo a In Flames, aunque evoluciona hacia una textura mucho más melódica, que acelera hasta llegar al estribillo.

Obviamente, tras dos temas más melódicos, "Puto Respeto" vuelve a recordarme mucho a la fórmula sueca, en un tema que es pura adrenalina, perfecta para que en directo se formen unos cuantos mosh pit, levantando el puño en el estribillo.

Llegando al final, Silver ha querido volver a mostrar admiración por la obra de Jon Oliva con una sentida y sensacional versión de "Believe", clásico de Savatage incluido originalmente en el abismal álbum Streets, sabiendo adaptar muy bien su voz a la gloriosa composición, y desenvolviéndose muy bien con el idioma, aunque como bien sabéis, no es la primera vez que Silver se lanza con el inglés.

Seguro que Oliva pondría el pulgar hacia arriba.

No Quedan Héroes? no es solo de obligada escucha para aquellos que siguieron a Silver Fist, Venganza o Muro, sino que se convertirá, sin duda alguna, en otro disco inmortal dentro de una discografía intachable, incuestionable y sólida como pocas.

Larga vida a Silver. Gracias por seguir siendo un héroe.

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Texto: Jordi Pinyol Fotos: Promo

NUNO BETTENCOURT HA ROTO TODOS LOS ESQUEMAS POSIBLES CON EL SOLO DE GUITARRA QUE MÁS DE MODA ESTÁ EN LAS REDES. "RISE" FUE EL PRIMER SINGLE DEL NUEVO ÁLBUM DE EXTREME, UN TRABAJO INNOVADOR, PODEROSO, CAUTIVADOR Y REPLETO DE HIMNOS _Rocket| 36

Felicidades por el nuevo álbum y los primeros singles publicados que han sido un exitazo. Os esperabais una acogida tan grande por parte del público?

Por supuesto que lo esperábamos! No, no, en absoluto jaja. Quiero decir que nunca sabes, para mí el éxito de cualquier álbum es cuando está terminado. No miro el éxito de un álbum por si la gente lo ama o lo odia, si vende o no vende. Tengo que estar completamente muy orgulloso de él y muy entusiasmado ante todo.

El resto es solo un bonus. Obviamente sabes que el resto es increíble, cuando los fans responden de esa manera, y que los guitarristas han respondido de la forma en que lo han hecho, es un poco abrumador e impactante.

Para ser honesto contigo, me siento muy honrado, quiero decir que cuando trabajas en un álbum, siempre tratas de dar lo mejor. Te pones, eres agresivo y te aseguras de que las canciones y la interpretación sean geniales.

Pero nunca se sabe cómo va a responder la gente, así que ha sido muy emocionante para mí, la verdad.

Me encanta la producción, el sonido es super poderoso. Creo que lo has producido tu, podrías contarme un poco acerca de la producción?

Lo hice yo mismo, sí. Quiero decir, ¿qué te gustaría saber exactamente?

Pues si lo grabasteis en tu estudio o cómo se desarrolló todo?

Sí, aquí en mi estudio en mi casa, está allá arriba, en el área de la piscina, junto al letrero de Hollywood.

Pero, sí, solo soy yo, ya sabes, un pequeño estudio, preparar la batería y algunos amplificadores… Los chicos viven en el lado opuesto del país, así que vinieron, luego se fueron y me dejaron con todo el desastre y luego yo le di sentido a todo. Yo soy el ingeniero y no tengo ayudante. Lo produzco y lo mezclo y me gusta trabajar solo, no tengo a nadie en la sala cuando trabajo. Ni siquiera tengo un asistente. No quiero que nadie me moleste para tomar un café o lo que sea. Eso está genial.

Tengo la sensación de que muchos fans en todo el mundo estaban esperando este álbum desde hace muchos años y me gustaría saber si tenéis planes de grabar más álbumes y con más frecuencia, porque ha pasado mucho tiempo desde el disco anterior…

Hombre, la reacción ha sido muy buena, pero acabamos de terminar esto, así creo que ¿porque querríamos poner en peligro algo tan bueno? Jaja.

No lo arruinemos, no sé, creo que definitivamente sí lo intentaremos. Tienes que entender que aunque para la gente hayan pasado 15 años, este álbum no tardó el mismo tiempo que se tardó en grabar 12 canciones. Sabes que no lanzamos nada en 12 o 13 años, bueno, tres años fueron debidos a la pandemia, así que llamémoslo 10 años. Sacamos un álbum en 2012, tuvimos otro en 2014 y otro en el 2016. Tenemos suficientes canciones pero no me gusta lanzar cosas que no me entusiasman mucho, y si algo me apasiona realmente o es conmovedor para mí, esa es la razón por la que esperamos. Así que no creo que esperemos tanto de nuevo, porque toda esta emoción nos ha puesto de nuevo en marcha y, bueno, puedo contarte que ya tenemos un título para el próximo álbum, así que esto son buenas noticias.

Sobre ti mismo como guitarrista, tuviste un gran impacto en el mundo de la guitarra cuando despuntaste con los primeros discos de Extreme a finales de los 80 y principios de los 90, pero ahora estamos todos alucinando con el tema Rise y tu solo de guitarra, parece que todos los guitarristas del mundo están hablando de este solo, hasta Rick Beato hizo un video hablando de él y ya lleva mas de millón y medio de visitas, ¿cómo te sientes con esto en este punto de tu carrera?

Banshee tiene dos millones y medio de visitas ahora mismo, es una locura y continúa así.

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"LA REACCIÓN HA SIDO MUY BUENA, PERO ACABAMOS DE TERMINAR ESTO, ASÍ CREO QUE ¿PORQUE QUERRÍAMOS PONER EN PELIGRO ALGO TAN BUENO? Banshee tiene dos millones y medio de visitas ahora mismo, es una locura y continúa así. Ha sido muy impactante porque me refiero a que ¿es un buen solo?, sí, es un buen solo, es un solo decente, pero siento que he estado tocando solos así durante 35 o 40 años y no creo que sea algo súper innovador. Aunque lo que tal vez llama la atención es qué ha pasado un tiempo. ¿Sabes?

Me han estado escribiendo mensajes compañeros y héroes míos y diciéndome que no han escuchado un solo como este en 15 o 20 años, y me he quedado como ¿en serio? Y estaba tratando de pensar en ¿cuándo fue la última vez que escuchaste una guitarra así? Vi a estos grandes guitarristas por ahí, obviamente, a muchos de los mejores en este momento. Pero sabes que ha pasado dentro de una banda, dentro de una canción con armonías y arreglos y cosas como esas, en donde este es definitivamente un enfoque de la vieja escuela, y más para mi generación de rock and roll.

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Y sí, probablemente no ha habido muchos álbumes como este o muchas canciones como esta, con un guitarrista que está adentro. Porque mira como descubrimos las guitarras en este momento, ¿cómo descubrimos los nuevos guitarristas de las nuevas generaciones? Siempre es online. Y cuando están en línea o en nuestras redes sociales, ¿dónde están? Están en una silla como yo estoy ahora mismo, o en una silla como en la que tú estás ahora mismo, y nos están volviendo locos con una gran forma de tocar la guitarra. Todos ellos, me refiero a que hay muchos asombrosos, algunos están haciendo cosas técnicamente increíbles. Mejor o diferente de lo que jamás podría imaginar, tocando bien, pero ¿qué falta? ¿Qué tenemos ahí?, estamos viendo una versión técnica de tocar la guitarra.

Viendo a alguien hacer algo y pensamos, oh Dios mío! Nos gusta, hacemos un comentario, lo compartimos y seguimos adelante. Es para guitarristas. Pero de repente, me alegro de que haya sido Extreme. Pero imagina que no fuera Extreme, y hubiera visto ese video de Rise desde fuera, pensaría ¿qué cojones? Porque ahí está la emoción que nos hemos estado perdiendo, la fisicalidad de eso, cuando tocas, la actuación, el cuerpo.

Cuando solía ver en televisión a Stevie Ray Vaughan, él tocaba una nota y tu cuerpo entero se estremecía, todo su cuerpo se movía. Él no estaba sentado en una silla y tocándote el solo.

Era física y emocionalmente, espiritual. Creo que cuando la gente vio nuestro video, les sorprendió un poco porque si yo hubiera tocado ese mismo solo igual que todos los demás hicieron, en plan “hola chicos, soy Nuno y estoy aquí en el estudio” antes de que saliera el álbum, haciendo un poco de trémolo y algunos bendings, y toco algo rítmico etc, al final dirían, está muy bien, y puede que lo compartieran o es muy posible que no, pero la diferencia es cuando lo escuchas, el poder de ese solo.

La gente no se da cuenta de que los guitarristas necesitan saber esto ahora mismo si aún no lo han descubierto. _Rocket| _Rocket| 38 102

Los solos de Eddie Van Halen, de Jimmy Page, de Brian May, los más grandes del mundo, si te alejas de esa sección rítmica, de ese sentimiento y esa melodía… esa canción es un regalo al solo, la canción te guía para el solo, te dice que o simplemente vas a presumir a todo el mundo o que vas a cerrar los ojos y vas a dejar que la sección rítmica, el “pocket” y el “feel” y la letra y el tono te lleven y hacen el solo de aquí para allá.

La parte técnica ya está dentro de ti, es como una caja de herramientas que tenemos: sabemos cuándo silenciar, sabemos cuándo un bending, sabemos que es instintivo en este punto, pero si lo calculas, solo será técnico, no tendrás esa emoción, así que de repente la gente está viendo a una banda tocar una canción con un verso y un estribillo, y letras y armonías y hay anticipación, hay un puente, viene el solo y entonces… Bum! Por eso el solo es emocionante, porque sabes que viene, me importa una mierda si se trata de una canción de Zeppelin o de Queen o una jodida canción de Extreme. Hay anticipación, emoción, hay otras partes de guitarra que te emocionan poco a poco en los versos, transiciones haciéndote saber que algo se avecina. Y creo que ha sido un poco de arte perdido. ¿sabes a lo que me refiero? Y no digo que sea el único que lo hace, porque hay guitarristas increíbles que están en bandas, pero son un género diferente al nuestro, ¿verdad? Entonces, cuando doy un paso atrás, ¿por qué todos están emocionados con este solo de guitarra? Está bien, es un buen solo de guitarra, no creo que toque solos de guitarra de mierda, ni creo que nadie espere una guitarra de mierda, así que... Pero al mismo tiempo pienso en la mitología del rock and roll, de mí tocando ese solo en la mitología del rock and roll, es lo que lo hace mucho más especial de lo que es, más que otra canción de guitarra. Es la canción, es la armonía, es la emoción y para mí, poderosos solos de guitarra.

Cuando conoces los buenos solos de guitarra en una canción, ya sea yo o cualquier otra persona, significa que casi dejan su ego a un lado y solo prestan servicio a la canción, porque ahora en lugar de ser un pequeño elemento, es un gran elemento de ella e incluso cuando Banshee o #Rebel, las otras dos canciones que vieron la luz, que por cierto Banshee ya ha superado las visualizaciones de Rise. Pero aún así, cuando los guitarristas vieron Rise, luego cuando vieron Banshee fue como: “está guay pero no es tan asombroso como Rise”. Y cuando les escucho decir eso de otra canción, es el mayor cumplido que me pueden dar. Porque lo que dicen es que Rise tuvo mucha más energía, la canción y el solo, pero Banshee es perfecta para Banshee, es más blues, es más juguetona, es más tranquila, tiene un groove más rítmico, ¿por qué? Porque la puta canción está haciendo lo mismo y es por eso que a algunas personas les gusta mas el solo de Banshee que el otro, tal vez porque te guste la canción de Banshee más que Rise. Y porque te gusten más ese tipo de solos, así que mi esperanza es que cuando revises un álbum, cualquier álbum, si cada solo encaja emocionalmente con la canción, para ahí reside el éxito de un guitarrista, punto.

"YO SOY GUITARRISTA DE BANDA, NO SOY JOE SATRIANI NI STEVE VAI, NO HAGO ÁLBUMES INSTRUMENTALES" Sí, estoy completamente de acuerdo contigo y de hecho me encantan todos los solos del álbum. En la canción Here's to the losers empiezas el solo tocando algunas líneas de blues que me encantan, y para mí es uno de los mejores momentos del álbum, así que supongo que todo es cuestión de gustos no?

Sí, es cuestión de gustos pero piensa una cosa, yo odiaría escuchar solo de Rise en Here's to the losers, ¿sabes qué? Quiero decir que tocando todas esas notas mi sensación sería que hay algo que no cuadra. Se trata de una canción sabrosa con acústica y estoy tocando de un lado a otro.

En la parte “bluesera” de la que hablas estoy respondiendo a las frases y jugando con la voz, estoy sintiendo que es lo que está pasando, así que tienes razón, es lo que quieres hacer como guitarrista de una banda.

que para tocar dentro de una canción todo lo que quiero es que la gente emprenda ese viaje y que se pierdan en la canción emocionalmente, y ¿como se van a perder en la canción si yo los despierto con un solo idiota y exagerado que no tiene sentido en esa canción?. Ese es mi miedo, esa es mi pesadilla, ¿hice lo correcto? Es como en la canción Hurricane, es una canción acústica en la que no pasa mucho, pero la escribí para un buen amigo mío que murió en un accidente de moto, es una canción muy emotiva para mí.

Esta canción me recordó un poco a los Beatles…

Por supuesto es muy “Beatles” y tiene esa guitarra rasgueando en el estilo de Blackbird, pero mi punto es que cuando toqué el solo con la guitarra acústica pensé que sabía lo que iba a hacer en ese solo, pero cuando empecé a tocar, toqué una nota y de repente me detuve porque en realidad estaba llorando cuando comencé a tocar ese solo. Luego toqué un poco mas, y después volví a él y me dije “venga, voy a tocarlo”, porque estaba muy emocional. Pero luego, cuando volví y lo escuché, esos espacios fueron la parte más importante del solo para mí, y sentí algo allí. Tal vez una versión más joven de mí mismo habría regrabado todo el solo. Pero creo que fue muy importante dejar que la canción dictara lo que podía y no podía hacer emocionalmente.

En las canciones Thicker than blood y X out, hay algunos grooves interesantes con sintetizadores y ritmos electrónicos. ¿Cómo vais a manejar estas canciones en directo, si llevaréis secuencias y cosas grabadas?

Yo creo que cuando sea que vayamos a tocar en vivo, será como el dilema que tuvimos cuando grabamos con una sección de vientos en el álbum Pornograffiti. Ahí es cuando te preguntas qué haces, tiene vientos en tres o cuatro canciones. Y luego hicimos III Sides y trajimos vientos con nosotros en la gira, pero incluso ahora estamos tocando algunas de esas canciones y haces una elección, por supuesto que las canciones rockean sin los vientos, ¿importa, no importa? Ultimamente hemos dicho, a tomar por culo, y estamos tocando con un click y usando esos vientos emocionantes.

Yo soy guitarrista de banda, no soy Joe Satriani ni Steve Vai, no hago álbumes instrumentales, así

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JOE SATRIANI 4 preguntas pre-tour Texto: Costner Fotos: Promo

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Esto ya se ha convertido en una especie de moda entre artistas tan relevantes como tú y consiste en ofrecer una entrada especial, algo así como un Club Joe Vip con contenidos y experiencias exclusivas para quienes lo paguen. ¿En qué consiste esto?

¿Cuales son los nuevos miedos a los que te estás enfrentando tras volver a subirte a los escenarios después del parón por la pandemia?

Para responder a esta pregunta creo que lo primero que tenemos que plantearnos es si podemos comenzar a hacer un tour y conseguir que todos los shows se puedan hacer satisfactoriamente y conseguir que todo el mundo vuelva a casa sano y salvo. Todavía hay un peligro real ahí fuera para la salud de la gente y esto es una cosa que atenta directamente sobre la economía del tour, ya que si hay alguna o varias cancelaciones, todo atenta directamente al presupuesto y eso podría dar con todo al traste. Creo que este es el miedo principal que tengo en estos momentos. El resto es sencillo; salir ahí fuera y dar lo mejor de mi para tratar de hacer unos conciertos realmente memorables, ver a los fans, celebrar la música. Pero incluso hasta eso es complicado porque siempre tienes la sensación de que la amenaza sigue estando ahí de forma permanente para todo el mundo. Es un tipo de miedo diferente, pero ahí está.

En realidad trata de ser una experiencia más profunda para mis seguidores. En el pasado solíamos ver a los fans durante 30 segundos, chocábamos las manos, nos hacíamos alguna foto y con suerte, firmaba un par de discos, pero realmente no teníamos tiempo para hablar, porque al final se trata de mucha gente y apenas puedes dedicarles atención. Con el reto de mantener a todo el mundo a salvo, decidimos que durante 45 o 60 minutos podríamos convocar a un número no muy grande de fans para hacer una sesión de preguntas y respuestas. De esta forma pueden pasar más tiempo conmigo, compartir más cosas. También nos hacemos fotos o firmo discos, pero con más tiempo de calidad. Esto es más natural, como juntarse con amigos para hablar de música, guitarras y preguntarme cualquier cosa que les venga a la cabeza.

Intuyo que cada cosa tiene su momento para un artista como tú, pero, ya que tienes la oportunidad de estar con tus músicos, algo que tras la gira no sucede, ¿es este un buen momento para componer algo nuevo?

Componer en una gira siempre es un reto, pero cada día que toco, mi principal preocupación es mejorar la manera en la que interpretamos el setlist.

Tengo que tocar un montón de cosas, melodías y solos... es mucho trabajo. Cada noche que toco aprendo un poco más sobre mis canciones y sobre mis habilidades musicales y trato de mejorar incluso si son en pequeños detalles que sirvan para impactar más en mi audiencia y ahí se va la mayoría de mi torrente creativo. A veces, cuando estoy calentando, aparece alguna idea y comienzo a grabarla. Cuando acabo un tour, tengo como 12 o 13 ideas nuevas.

Creo que "Elephants Of Mars" es un álbum grandioso que merece ser presentado convenientemente. ¿Estás de acuerdo?

Si, Elephaps Of Mars es un álbum muy loco que contiene diversos estilos con muchas texturas y un montón de tecnicas de guitarra. Creo que todas las canciones encajan perfectamente sobre un escenario. En ocasiones, cuando haces un gran tour y vas a sitios muy grandes tratas de mantener todo bajo control, pero si vas a clubs, teatros o a sitios más pequeños, puedes probar cosas más complicadas porque la gente está más cerca y puede escuchar cada nota. La canción que da título sonará en directo y otras como "Faceless", que en directo suena muy bien. Aporta mucha emoción y drama al show. De todas formas, hay cosas que se van definiendo en el mismo tour y si me preguntas dentro de una semana, probablemente te daré una respuesta distinta.

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Jose Ramón Rojo

Digamos, que para algunos, resulta algo un tanto improbable...tanto, como si cinco chicos de Cuenca quieren hacer rock andaluz, con la diferencia de que Sigh, cuyo debut data de 1993, con fecha de su formación como banda en 1989, llevan a otro nivel un concepto y aura musical de un género cuya era dorada es posterior al nacimiento de los nombrados. Sigh poseen nada menos que doce trabajos de estudio, varios ep's, y un vaivén de músicos de impresión a lo largo de su historia, siendo Mirai Kawashima el músico que ha permanecido en sus filas como cabeza visible desde el inicio, no solo poniendo la voz al inquietante sonido que llevan practicanndo durante más de tres décadas, sino adquiriendo conocimiento como multinstrumentista a lo largo de los años que han servido a Sigh para seguir adelante y llegar a editar, en 2022, un disco tan interesante como Shiki. No obstante, ese vaivén de músicos, aunque continuado, no ha frenado el recorrido de la formación, siendo Satoshi Fujinami el único que ha compartido banda con Marai en varias ocasiones, aunque para el lanzamiento que nos ocupa, fuese Takeo Shimoda quien se encargaría de la batería. Contextualizando su existencia, no queda otra sino quitarnos el sombrero ante Live: Eastern Forces Of Evil 16, el nuevo directo de Sigh grabado durante la pandemia, sin público, en el que no solo se hace un repaso 6de su discografía, sino que nos ofrece una experiencia audiovisual pocas veces vista en el metal extremo.

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"¿OS IMAGINÁIS A UNA BANDA JAPONESA CON INFLUENCIAS DIRECTAS DE BLACK METAL NORUEGO Y SU ESCENA?" SIGH LIVE EASTERN FORCES 2022

Por un lado, encontramos una filmación sin demasiados alardes técnicos, pero realizada con la suficiente pericia como para que la sensación de inquietud, asfixia y de estar visualizando algo único, sea constante. Un escenario de atrezo muy acorde a su cultura, de ilustraciones, pinturas y simbología que evoca todo tipo de emociones...todas ellas cercanas al mal, de manera que cuando aparece en escena el gran Mirai, no puedes quitar ojo de la pantalla, ni perder detalle de cada segundo musical. Es comenzar "Touji No Asa" y los escalofríos que recorren los sentidos conforme avanza la grabación, son de todo tipo. En ocasiones, se te dibuja esa sonrisa cuando captas algún retazo de Celtic Frost, pero el sentimiento de estar viendo algo aúténtico, casi estar haciendo algo mal asistiendo a una misa oscura, también es constante. Más estremecedoras son las apariciones de Dr. A. S. Mikannibal, con la cara cubierta de sangre, emitiendo tonos desesperados que dan una profundidad y musicalidad a la propuesta un tanto peculiar...ni qué decir cuando se cuelga el saxo, y de repente, rompemos todas las barreras que separan al metal oscuro del resto de géneros, y se crea una fusión exótica, mística y única. Si al sentimiento constante indescriptible de estar escuchando un cántico a fuerzas malignas en temas como "Purgatorium" o "Mayonaka no Kaii", le sumamos que, a nivel estético, la banda está a otro nivel, se puede casi afirmar que Sigh es una banda para paladares exquisitos, que requiere de mucha atención, e igualmente, no es digerible para cualquier perfil de oyente.

Texturas, sintentizadores y un sinfín de recursos, hacen que algunos tramos del concierto te generen experiencias auditivas familiares, y otras, como la de "Mayonaka No Kaii", generen en tí algún gesto incluso de repulsión, ya que los tonos vocales de Kawashima no es lo que alguien espera de un músico cuerdo.

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El momento en que se fusiona toda la teatralidad con elementos sinfónicos, progresivos e incluso folkies, es el momento en que debes recapacitar y preguntarte si Sigh son de este planeta, e incluso de esta galaxia. Si ya os paráis a analizar el excepcional solo de guitarra, la progresión de la composición, y como va "in crescendo" captando nuestra atención, no te queda ninguna duda.

Katanas, black metal, guiños progresivos, todo tipo de sonoridades, instrumentos y virajes inesperados...

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Demasiados conceptos que nadie en la Tierra podría mezclar con tanta maestría, magia (seguramente negra) y desparpajo como lo hacen los veteranos Sigh. Si ya los conocías, alucinarás con Live: Eastern Forces Of Evil 16. Si tu primera toma de contacto con los japoneses es con el nuevo lanzamiento auspiciado por Peaceville Records, cuidado...no es apto para todos los públicos, pero lo que verás, oirás y sentirás, ninguna banda te lo proporcionará. Avisado quedas.

e l b i d n i c s e r imp LAS 3 CLAVES QUE CONVIERTEN A ESTE ÁLBUM EN UNA JOYA Good Morning A esta canción le tengo un cariño especial, ya que recuerdo haberla escuchado en la radio con apenas 12 años. En aquel momento me pareció tan contundente como me lo sigue resultando a día de hoy.

Con ese toque sureño y un enfoque absolutamente hard rockero, proyecta una energía positiva inimaginable y provoca un interés que como concepto, define exactamente la función de un single, que no es otra que la de atraer al oyente hacia el álbum completo.

Fly Of The Dragon Siguiendo en la línea más hard rockera de la banda, esta composición combina con habilidad las partes más emocionales y lentas, con otras llenas de contundencia. Podría decirse que, junto a "Good Morning", ambas composiciones nos dan una visión muy clara de lo que esta banda hacía por aquella época y que iba muy en boga de lo que se estaba haciendo a nivel global en términos de rock. Blackfoot supo posicionarse no sólo por el sonido característico de sus guitarras, sino de las melodías vocales tan marca de la casa en alquel tiempo.

Rattlesnake Rockń Roller 'Rattlesnake Rock 'n Roller' comienza con una divertida introducción de banjo y un comentario en dialecto sureño del abuelo de Rickey Medlocke, el señor Shorty Medlocke. Cuando la canción comienza a crecer, se erige un muro de sonido de Rock 'n roll, glorificando la vida en el campo (que por lo que parece, tiene muchas más ventajas que la de la gran ciudad) e introduciendo el piano y el saxofón en el solo. Una canción decididamente creada para ponerte a bailar.

BLACKFOOT - MARAUDER Por Costner

Es un sabio consejo 'Nunca juzgar un álbum por la portada', pero debo confesar que en mi adolescencia compré varios álbumes solo porque tenían un arte genial. En 1983 me topé con un disco de una banda llamada Blackfoot y aunque no había escuchado mucho de ellos, la cabeza de ese altivo ave de ojos claros me acabó cautivando. Habiendo escuchado algunas canciones en la época en la que había programas de radio rockeros, decidí comprar este 'Marauder', sin saber qué esperar exactamente. No me decepcionó y pronto se convirtió en uno de los favoritos en mi creciente colección de vinilos. Aunque el sonido de este disco tiene un fabuloso tinte hard rockero, la clasificación de 'heavy metal' no cubre el carácter del mismo.

Blackfoot toca rock sureño ecléctico con influencias del rock 'n roll y el blues, la música folclórica mexicana y el hard rock. En Marauder cumplen muy bien su cometido.

Blackfoot se fundó alrededor de 1970. El nombre de la banda se refiere a la herencia indígena americana de la mayoría de los miembros. Después de un período de cambios en la formación y la disolución temporal del grupo, el vocalista y guitarrista Rickey Medlocke estableció una formación sólida que generó cierta atención y aprobación del público, sobre la base de un programa de giras severo y el lanzamiento de algunos álbumes de rock sureño bien recibidos. ('Huelgas' en 1979 y 'Tomcattin' en 1980). Marauder siguió el año siguiente, cambiando la dirección hacia un enfoque más orientado al rock duro, pero aún firmemente arraigado en el rock y el blues del sur.

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Medlocke era el corazón y el alma de la banda, no solo como cantante y guitarrista, sino también como compositor principal. A principios de los setenta se convirtió en miembro provisional del legendario Lynyrd Skynyrd, reincorporándose en 1996.

Marauder es un buen álbum de hard rock con un sentimiento sureño, que recuerda a Lynyrd Skynyrd y ZZ Top, pero que es, definitivamente, más pesado. El álbum contiene algunas canciones sobresalientes (mencionadas anteriormente) junto con algunas otras que podrían parecer de relleno, pero sólo porque las más destacadas son de calidad estratosféricas y ensombrecen cualquier composición que tengan a su paso. También canciones que aparentemente se basan en la intención de darles un enfoque comercial.

En mi opinión, el aspecto más encantador de Marauder es la variedad en la composición de canciones y la sorprendente orquestación (uso de saxofón, banjo, trompas mexicanas, piano y ritmos latinos). Las habilidades de Medlocke como vocalista y guitarrista se muestran de manera impresionante en este álbum. Aunque Medlocke intentó reanimar a Blackfoot una y otra vez a lo largo de los años, nunca establecieron un estatus permanente.

La mayor parte de la década de los 80 no fue agradable para el género del rock sureño. Los tiempos habían cambiado en casi todos los aspectos. Otro grupo (generación) de jóvenes había tomado el relevo (Generación X). Blackfoot fue una de las pocas bandas que sobrevivió intacta a los 70 y aún pudo lanzar grandes álbumes a principios de los 80.

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Después de ser seducidos por el Hard Rock, la banda hizo la transición a los años 80 como lo hicieron la mayoría de las bandas de Hard Rock y cambiaron al Metal. Fue entonces cuando estas bandas generalmente comenzaron su caída, pero Blackfoot en realidad creció con eso. Aunque disfruto de su álbum más exitoso, Strikes , creo que es demasiado soso y una degradación en comparación con el comienzo más centrado en el rock sureño. Se apoya demasiado en el Hard Rock pero no está lo suficientemente inspirado para hacerlo. En Tomcattin' , la banda comenzó a ser más cohesiva, sus riffs eran más creativos, y la voz del miembro de Lynyrd Skynyrd , Rickey Medlocke , encajaba mejor con el enfoque del metal.

Y tras las mejoras y la vuelta a la forma, la banda sacó su mejor disco: Marauder . Es pesado, con muchas distorsiones, pero todavía tiene algunos elementos de rock sureño que faltaban en el álbum anterior. Good Morning comienza rompiendo todo, Fly Away es una gran balada y el álbum en su conjunto es bastante sólido. Medlocke está en su apogeo, al igual que Charlie Hargrett y su riffage. El álbum no es una obra maestra y no hace nada alucinante, pero aún así es un álbum fuerte que a menudo se olvida. Creo que Blackfoot como banda está subestimado porque la gente comienza con Strikes cuando todos sus otros álbumes hasta este son mejores en mi opinión. De todos modos, pruébalo si aún no lo has hecho.