Revista The Rocket Magazine #3

David Aresté Lorenzo Sanz Imre

Billy Gibbons, Frank Beard y Dusty Hill estuvísteis juntos desde 1970 o 1971. Para cualquier otra banda, un cambio de formación podría ser fácil, pero ZZ Top está dentro del Guinness World Records por ser el grupo que más años lleva sin cambios de formación. Ahora que Dusty ha fallecido, ¿será el final de ZZ Top en un corto plazo?

ZZ Top sigue rockeando y nuestro plan es continuar así Dusty nos pidió que siguiéramos con Elwood Francis Que agarrara la guitarra y "tocara la parte inferior de la parte superior" Las instrucciones de The Dust eran claras: sacar a Elwood al escenario y continuar ZZ Top seguirán siendo tres tipos con tres acordes y Elwood Francis definitivamente estará ahí Él es sólido y estará con nosotros en el futuro

La primera canción de “Raw” es “Brown Sugar” editada en 1971, y tres meses después, The Rolling Stones lanzan su “Brown Sugar” ¿Crees que fue casualidad o copiaron el título de ZZ Top?

Es divertido que me lo preguntes, ya que por entonces tanto ZZ Top como los Rolling Stones estábamos en el mismo sello (London Records en los EE UU ) Simplemente creemos que fue una coincidencia cósmica y, en todo caso, algo que fortaleció nuestro vínculo con los Stones, quienes continúan siendo grandes amigos a lo largo de todos estos años.

Una de tus canciones más bonitas es “Blue Jean Blues” Para este nuevo álbum “Raw”, cambiáis un poco esta canción Por favor, dime ¿qué hiciste con ella?

El sonido de la señal de la guitarra Fender totalmente abierto, con un tanque de reverberación agrega un nuevo sabor "etéreo" al sonido de fondo Siempre nos ha gustado esa canción porque está basada en una historia real Pensamos que le habíamos prestado esos jeans a una novia de la banda hace mucho tiempo y por supuesto sospechábamos que esos jeans no regresarían ¡Seguro que echamos de menos el aceite y la gasolina! (lo dice recordando la letra N del Traductor)

Incluso cuando tu música es muy diferente a la de Jimi Hendrix, declaras que le rindes homenaje casi todas las noches ¿Cuánto de Jimi hay en tu propia música?

Jimi nos enseñó cosas sobre tocar la guitarra que de otro modo no habríamos sabido Fue una gran influencia desde el principio y, como mentor, nunca olvidaremos lo amable y enrollado que fue Jimi nos abrió los ojos al potencial que hay en la guitarra eléctrica Desbloqueó varios de sus secretos de muchas maneras

En los años setenta la banda consiguió el éxito con canciones inmortales como “La Grange”, “Tush”, "Jesus Just Left Chicago” y muchas otras En aquel momento, ¿Os sentíais bien con ese nivel de éxito o buscabais más?

Atesoramos las primeras creaciones de la banda ya que validaron nuestro enfoque para interpretar el blues. Nos sentimos muy bien por tener algunos éxitos en nuestro haber colectivo, pero siempre esperamos con ansias el próximo desafío Seguimos siendo muy parecidos ahora

En vuestra larga carrera, “Eliminator” fue un gran cambio incluso cuando la banda era ampliamente reconocida ¿Cómo encajásteis este enorme éxito?

Nos mantuvimos bastante tranquilos con los cambios en ese entonces porque no éramos propensos a los excesos en términos de estilo de vida ¡Fueron los autos los que se volvieron un poco más rápidos! Tardamos en pensar en dar un paso adelante hacia una vida "Tush", ya que realmente el éxito no nos marcó mucho, excepto a la hora de pedir comida en el restaurante Tal vez dos tacos en lugar de uno solo

La MTV comenzó a transmitir videos de ZZ Top ("Legs", "Gimme All Your Lovin'", "Sharp Dressed Man") ¿Crees que parte del éxito de "Eliminator" estuvo relacionado con estos videos? La banda rompió el molde en MTV, ¿Cómo recuerdas estos tiempos?

Los videos de MTV nos presentaron a una audiencia que de otra manera no nos habría conocido Lo disfrutaron visualmente y, lo que es más importante, decidieron que el sonido y el enfoque se volvieran bastante agradables Definitivamente fue intencional que no fuéramos las estrellas de nuestros propios videos Nuestro papel era ser una "banda" sin "protagonista" Podríamos ser nosotros mismos en cada uno de ellos, Eso es lo que realmente somos.

Y llegaron los años ochenta; “Afterburner” era muy similar a “Eliminator” en términos de música Incluso cuando fue número uno en Canadá, Finlandia y Nueva Zelanda, sin embargo no tuvo tanto éxito como su antecesor. ¿Qué crees que pasó?

¡Correcto! No hay duda de que el éxito de "Eliminator" fue un rayo extraordinario, no una maniobra planificada Por otra parte, continuamos escribiendo de la misma manera para "Afterburner" y los álbumes que vinieron después Cuando se trata de hacer discos todavía podemos hacer lo que queremos hacer y no puedes ponerle precio a eso

Billy, tienes tu propio proyecto personal, tocando una música muy diferente a ZZ Top como en “Perfectamundo”. Algunas personas en Cuba me han dicho que te ha visto allá en la isla, ¿es eso cierto? ¿Estás influenciado por la música cubana en tu carrera en solitario?

Sí, toqué en el Festival de Jazz de La Habana con nuestra otra banda, Billy Gibbons & the BFG's, y fue una experiencia increíble Estudiamos música cubana y aprendimos bastante sobre como poner los sonido de fondo (ritmo y percusión) al frente, mientras que en el rock es al revés Hacer ese álbum y presentarlo en Cuba fue una experiencia profunda que siempre llevaré conmigo

En vuestra larga historia como banda, ¿hubo algún momento en el que pensasteis en disolver ZZ Top? De ninguna manera, nunca hubo un momento así Próxima pregunta

La última pregunta ¿Alguna guitarra favorita en tu colección personal?, ¿Algún coche favorito? Esa guitarra favorita sería la famosa “Miss Pearly Gates”, una Gibson Les Paul Standard de 1959 que suena como ninguna otra Ha estado conmigo durante cinco décadas y suena tan bien hoy, como el día que la obtuve Tendría que decir que mi auto favorito es el famoso Ford cupé de tres ventanas de 1933 que se conoce como "The Eliminator" ¡Es el pequeño coche rojo que puedes ver en el disco!

"el éxito no nos marcó mucho excepto a la hora de pedir comida en el restaurante"

DAVID

Texto: Jordi Pinyol Fotos: promo

EL COMPOSITOR, CANTANTE Y TECLISTA DAVID PAICH,. CONOCIDO

POR SER MIEMBRO DEL GRUPO TOTO, APROVECHÓ LA PANDEMIA PARA LLAMAR A UN BUEN PUÑADO DE BUENOS AMIGOS Y GRABAR EL MÁGNÍFICO ALBUM "FORGOTEN TOYS"

Para empezar la entrevista, quiero felicitarte por tu nuevo álbum, creo que es buenísimo y me estaba preguntando, con toda tu extensa carrera con Toto, escribiendo para otra gente y con todos los proyectos en los que has estado involucrado, porque decidiste hacer un álbum en solitario justo ahora? Bueno, hubo un par de factores Uno es que durante la pandemia del Covid tuve mucho tiempo para trabajar y concentrarme en ello, y Toto no estaba de gira, y ya sabes, paré de salir a la carretera en ese tiempo así que había muchas piezas y material, por lo que estuve pensando en montar un par de canciones Y con las peticiones urgentes de mis colegas Joseph Williams y Steve Lukather que no paraban de empujarme y empujarme para hacer un álbum en solitario, porque cada uno de ellos ha hecho como 10 álbumes en solitario y yo no he hecho ninguno, pensé que seria un buen momento para hacerlo Así que estuve de acuerdo con ellos para mostrar a la gente otro lado de mí que no hayan visto todavía, o al menos uno que les sea familiar y con el que estén a gusto Así que es por eso por lo que me ha llevado tanto tiempo hacerlo

Creo que eso es genial Tuve el placer de entrevistar a Steve y a Joseph cuando sacaron sus álbumes, y después de escucharlos, creo que cuando escuchas una canción de Toto puedes relacionar cuando una parte suena mas a Lukather o a Williams o a Paich y creo que está muy bien Si de hecho hemos hablado sobre ello, si alguien pusiera los temas de los tres discos mezclados casi podríamos tener un álbum de Toto, no del todo, pero al menos te daría el sabor Algo así como cuando los Beatles hacen discos en solitario, puedes escuchar que harían los Beatles cuando escuchas a McCartney o si escuchas a George Harrison, o Lennon o Ringo Creo que cuando mantienen a sus camaradas juntos les ayuda a preservar ese sonido por el que ellos son tan famosos

Me he dado cuenta de una cosa, y es que no sabia que esperar cuando me puse a escuchar el disco por primera vez, pero normalmente cuando músicos que tocan en bandas famosas como Toto sacan sus álbumes en solitario, hay mucho de su instrumento en ese álbum, es decir, si es un guitarrista, suele haber muchos solos de guitarra y cosas así. Sin embargo tu disco es un puñado de grandes canciones sin ningún ego…

Esa era la idea, no tener fragmentos musicales largos indulgentes, aunque hay una gran interpretación de Steve Lukather al final del tema “Spirit of the Moonrise” en el que le dejamos a su libre albedrío y donde demuestra que es un increíble guitarrista Y Don Felder tocó en “Queen charade”, así que también hay un par de solos ahí Mike Lang hace el increíble solo de piano en “Lucy” Él es mi mentor, mi héroe Y de nuevo, está hecho para ser una colección de canciones de mí, donde se ve claramente quién soy, básicamente un compositor de canciones

Ahora que mencionas a estos músicos, tu has grabado con los mejores del mundo durante décadas Cuando llegó el momento de sacar tu propio álbum?, ¿cómo decidiste a qué músicos llamar para tu disco?

Conozco íntimamente a todos los que están en mi disco, los conozco desde hace años y he tocado con todos ellos antes, así que sé que es un terreno familiar para mi tener a estos chicos sobre todo cuando los meto uno por uno dentro para grabar en mi canción, y como he dicho, conocí a Nathan East hace 30 años y es mi bajista favorito, así que le llamé a él. Llamé a Gregg Bissonette, que tocó con Toto y estuvo de gira creo que en Suecia cuando Simon Phillips estaba enfermo, así que Gregg ha estado con nosotros un poco, y es un músico fabuloso Y también he tenido a Don Felder tocando en “Queen Charade” y Davey Johneston, que toca con Elton John, y que ha tocado en la canción “All the Tears that Shine” con Michael Shuman cantando Y he tenido a Michael McDonald cantando en “Spirit of the moonrise”, él es un buen amigo y también he grabado en su álbum, así que nos hemos devuelto el favor Y con todos estos chicos es como que nos devolvemos favores Como yo tengo un estudio, ellos me mandan pistas para grabar en ellas y yo les mando mis pistas para que me graben Es un proceso divertido, nos divertimos mucho pero todo está muy enfocado y es muy serio, especialmente cuando trabajamos para amigos, intentamos sacar nuestras mejores interpretaciones

"Mike Lang hace el increíble solo de piano en “Lucy”. Él es mi mentor, mi héroe"

Asumo que toda la producción y mezclas se han hecho en tu estudio?

Si la mayor parte Las mezclas se hicieron en el estudio de Bob Clearmountain y no hay palabras para decirte lo mucho que le admiro, de como puede coger un disco y hacer que viva, es increíble, es un genio Todo el resto de la grabación se hizo prácticamente en mi estudio. Tuve que mandar un par de pistas a otros estudios, una a Steve Jordan, que toca en “Queen Charade” y ahora es el batería de los Rolling Stones Eso fue una semana antes que entrara en los Stones, le mandé la pista y lo grabó en New York Y Gregg Bissonette estaba en otro estudio grabando cosas suyas Así que aparte de un par de cosas, casi todo se hizo en mi estudio

Canciones como “Queen Charade” no suenan tanto a Toto, sino mas bien a rock clásico, con armónica… no hubieras preferido grabarla tocando en directo y que sonara más orgánica?

Me hubiera gustado si hubiera podido tocar más con este equipo de chicos, es como los Rolling Stones que tocan todos los días, y es así como consigues ese sonido de banda, pensé mucho sobre tocar con todos ellos en la misma habitación, pero eso conlleva mucho tiempo y puede que consigas una buena toma o puede que no Y es difícil conseguir juntar a todos esos chicos en una habitación, muchos están en la carretera, Nathan East está fuera tocando con Clapton, Steve Jordan con los Rolling Stones así que al final conseguí los músicos que quería para el disco y ojalá que suene como si hubieran estado tocando juntos en la misma habitación, porque son grandes músicos y saben muy bien cómo tocar en directo Por eso siento especial afinidad con este trabajo porque muestra una cara más temeraria de mí que en la mayoría de discos que se pueden asociar conmigo y eso me gusta mucho.

Creo que está muy bien y que la interacción entre los instrumentos se siente muy orgánica y muy viva, y me encanta la última canción “Lucy” que es muy jazzera y creo que es una gran canción, me gusta mucho…

Oh gracias, me alegro de que te guste Mi padre era un pianista de jazz así que crecí con un piano de jazz por todos lados, y él trabajó con un gran cantante llamado Mel Tormé, que fue muy famoso en los años 50 y 60 Trabajó mucho con él, así que me traje a su hijo James Tormé para cantar un poco de scat y hacer unas voces en este nuevo álbum De nuevo quería mostrar otra faceta de mí, así que metí a Gregg Bissonette y Lenny Castro Me encanta el hecho de que haya contrabajo, y me encanta el hecho de que suena suelto y cambia constantemente Realmente estoy muy orgulloso de este tema Si creo que es muy buena

Me gustaría preguntarte algo sobre composición, porque has compuesto tantas cosas ¿Cómo es de diferente y como enfocas la composición según lo hagas tu solo o con otros músicos como por ejemplo tus compañeros de Toto?

Todo funciona de un modo diferente A veces nos sentamos en una habitación tres personas, Joseph, Steve Lukather y yo, y uno de nosotros tiene una idea para un riff, y otro se pone a tocar junto a ese riff, y se da una transferencia de uno a otro, y empezamos a escribir pequeñas cosas O alguien viene como yo y hacemos lo mismo; traigo un groove de batería de mi estudio y pongo una parte de teclado encima del groove y llevo eso a la sesión de modo que tenemos un punto de partida, un groove y una sección de cuatro compases Y otras veces alguien trae una canción entera Steve Lukather hace eso muchas veces Trabaja con el escritor de letras y trae la canción Yo suelo hacer canciones muy rápidamente, se me da muy bien crear la melodía y la letra del estribillo, pero me lleva mucho tiempo hacer la letra de las estrofas de manera que me guste el resultado, porque es algo muy personal y es mi poesía tentada

Después de una gira, soléis seguir quedando todos los miembros del grupo para salir a cenar o tomar algo?, ¿o estáis ya muy cansados de veros? Si, si, lo hacemos Nos vemos mucho, aunque es como estar en un submarino como decía David Lee Roth Después de estar en la carretera durante dos meses todos metidos en un bus, a todo el mundo le gusta desperdigarse y no verse durante un tiempo, pero al final después de un par de semanas empezamos a vernos las caras y decirnos “hey te apetece vernos para comer?” Así que nos vemos y sí, seguimos siendo amigos hasta el día de hoy y ese es uno de los vínculos que tiene Toto, que seguimos siendo grandes amigos y todavía seguimos haciendo música juntos después de 40 años

De entre todas las bandas que venden millones de discos y llenan estadios, Toto probablemente sea “la” banda a la que más músicos profesionales aman. Como os hace sentir eso?

Oh sí, parece que atraemos a los músicos profesionales y está genial, nos encanta que los músicos quieran ver tocar a otros grandes músicos

Yo mismo querría ir a ver tocar a Toto y ver su profesionalidad, la claridad de su sonido y escuchar algunas de sus canciones sino estuviera en la banda

Empiezo a escuchar vuestro nuevo disco y la primera canción "Survive" ya me hace saltar de la silla y pienso; "wow, esto es realmente bueno!", me gusta la forma en la que adaptáis vuestra música al tiempo actual. ¿Qué esfuerzos adicionales hacéis para no quedaros estancados en un estilo que constantemente sufre altibajos de popularidad?

Lo único que hemos hecho, y esto está casi calculado, es seleccionar gente más joven que nosotros para estar en la banda cuando alguien se va Pero por supuesto, el metal sigue siendo un género bastante conservador El equilibrio entre

" nuevo " y "heredado" es algo de lo que hablamos mucho Para mí, la luz guía es de todos modos el objetivo que tenía Timo Tolkki cuando me uní a la banda: el lema de Stratovarius era " poner melodía en el metal"

"Survive" es definitivamente un álbum muy entretenido Creo que tiene todo lo que una banda necesita para permanecer relevante en la industria es decir, las canciones. ¿Estás de acuerdo? Sí También es algo de lo que hablamos mucho al hacer este álbum El proceso de composición de los últimos álbumes se volvió cada vez más "dropboxificado" a partir de "silos personales", que son mis palabras conceptuales para ello Cada persona escribiría cosas en casa, saliendo de su burbuja personal o silo musical vertical, sin retroalimentación horizontal entre el compositor y cualquier otra persona en la banda Luego poníamos maquetas en Dropbox, pero dado que la mayoría de nosotros no somos buenos cantantes, a menudo no había ideas sobre las letras y nos perdíamos el proceso normal de intercambiar ideas con Timo Conceptualmente, está muy lejos de probar y tocar canciones en la sala de ensayo de la forma habitual en la que lo harías normalmente en una banda de sótano cuando comienzas Creo que siguen siendo buenas canciones, pero mi sensación fue que podríamos y debíamos hacerlo aún mejor Eso se convirtió en una prioridad La relación más poderosa del oyente es con la melodía/fraseo/palabras vocales, y mi idea era que deberíamos pasar mucho tiempo discutiendo estas cosas con el pobre tipo real que tiene que entregar la mercancía: el cantante. Entonces, para este álbum, Timo, Matías y yo hicimos un esfuerzo muy deliberado para reunirnos y sentarnos en la misma habitación y lanzar ideas, discutir sobre cosas y luego probar para escuchar cómo sonaban de inmediato

Me sorprende mucho la contundencia de las guitarras Matías es un guitar hero en toda regla Tanto los riffs, como el tratamiento de efectos es sensacional. ¿Qué peso dirías que ha tenido en la composición de las canciones de este álbum?

Peso súper pesado Es responsable del 99% de las estructuras musicales que sustentan las canciones del álbum También asumió el papel de productor, tocando como un dios pero, por supuesto, siendo súper neurótico con el tono de la guitarra porque es un mega nerd de todo esto "cuando más dinero he tenido en mi cuenta habría como 80.000 euros"

En la canción "World Of Fire" os unís a una especie de movimiento que existe ahora en el que muchos artistas le cuentan al mundo a través de sus canciones, cómo estamos destruyendo el planeta en el que vivimos. Para Para mí, estos mensajes de concientización son fundamentales, porque de alguna manera cimentan una mentalidad y una conciencia. ¿Qué piensas sobre esto? Bueno, es una de las cosas que me gustaron del proceso de composición Tuvimos tiempo para reflexionar sobre qué tipo de material que debería ir en el álbum desde un punto de vista más filosófico Stratovarius siempre ha tenido algún tipo de conciencia ambiental y nunca nos hemos esforzado por ser "malvados" Por ejemplo, fue bastante divertido (en el buen sentido) vernos en las listas de bandas de metal sanas de los padres cristianos estadounidenses conservadores, bandas que estarían bien para que sus hijos las escucharan ¡Satanás no se encuentra por ninguna parte y éramos una especie de "Greta Metal" mucho antes de que Greta Tunberg fuera un brillo en los ojos de su madre!

En "Firefly" hacéis vuestra propia reflexión sobre la importancia del amor en tiempos donde el calentamiento global es cada vez más evidente, la pandemia ha hecho estragos y donde la recesión está dañando drásticamente nuestro estado de bienestar. ¿Cómo te ha afectado todo esto personalmente?

Incluso puede haber una conexión entre la pandemia de covid y el calentamiento global. Sin duda, todo esto también está interconectado con el crecimiento de la población y el crecimiento económico, la explotación de los hábitats de los animales que nos exponen a nuevos patógenos combinados con los viajes globales, y así sucesivamente Firefly es una de las canciones más pop del disco, tal vez se ajuste a una canción de amor más alegre Se me ocurrió el título y la idea de esta canción debido al extraño hábito de apareamiento de algunas especies de luciérnagas: las hembras en realidad usan señales de luz falsas para engañar y atrapar moscas macho de una especie completamente diferente y luego comérselas Es como la última configuración de dominatriz ¡En la guerra y en el amor todo se vale!

Muchos sellos discográficos han adoptado la estrategia de lanzar sencillos en lugar de álbumes completos. Parece que a la gente últimamente le da bastante pereza escuchar discos completos, salvo en el caso de los fans más acérrimos Cuando vais a componer, ¿cuánto condiciona esta tendencia vuestra forma de trabajar?

Hacer solo singles es una forma de enfocarlo, pero para mí es ser innecesariamente perezoso Lo veo de esta manera: lanzas música nueva en una simbiosis con tu sello, la situación del mercado y tu base de fans Tenemos muchos fanáticos que crecieron en la era del álbum y que se sienten cómodos escuchando un álbum como una unidad completa La situación del mercado hoy en día es tal que cuando lanzas una serie de "canciones individuales" en un período de tiempo relativamente corto antes del lanzamiento del álbum, que luego tiene canciones adicionales, todavía tienes el mayor impacto posible en el mercado del metal Es más fácil atravesar el muro de la atención con un período constante de medio año lanzando cosas cada mes más o menos Por último, la relación con el sello es importante: creo que puedes involucrar mejor a tus equipos de promoción, marketing y publicidad cuando tienes un gran proyecto, como el lanzamiento de un álbum, para unirte y planificar

Como en el resto de industrias, muchas bandas no han logrado sobrevivir a la pandemia y hemos visto cómo muchos músicos han tomado otros trabajos totalmente ajenos a su carrera profesional ¿Crees que este es un momento en el que los más fuertes sobrevivirán?

Esa frase es un poco engañosa, en realidad son los más aptos los que sobreviven ¡Pero eso no sonaría bien como coro de una canción! Sí, muchos músicos probablemente tiraron la toalla estos años Y no solo los músicos, también el resto de la tripulación, los técnicos, los mozos de equipaje de las aerolíneas, el personal de los restaurantes, etc

Vuestra actuación en el festival Leyendas del Rock fue memorable. Es obvio que la gente os quiere mucho ¿Para cuándo una gira por salas de España? Creo que los promotores todavía están un poco cautelosos por si vuelven las restricciones y pendientes de si la gente empieza a comprar tickets para conciertos nuevamente De todos modos, nuestro plan es hacer una verdadera gira por Europa en algún momento de 2023 y, por supuesto, España es un territorio clave para nosotros ¡Sin mencionar que las audiencias salvajes hacen que siempre sea divertido tocar allí!

Déjame hacerte dos preguntas indiscretas; ¿que cantidad de dinero tenias en tu banco el día que más dinero has tenido en tu vida y cuando te preocupaste por ser una cifra demasiado baja? No estoy seguro, pero creo que cuando más dinero he tenido en mi cuenta habría como 80 000 euros Seguramente luego sería menos después de pagar impuestos Normalmente no suelo tener demasiado dinero en la cuenta bancaria Creo que en general el saldo bancario de los músicos siempre fluctúa de manera exajerada Nosotros tuvimos bastante suerte cuando llegó la pandemia a finales del 2019 porque acabábamos de hacer una gira bastante exitosa por América Latina, así que ninguno en la banda estábamos arruinados De todas formas, ya habíamos planeado previamente que el 2020 iba a ser un año bastante discreto de conciertos. La idea era relajarnos y tomarnos el tiempo que hiciera falta para la composición y la grabación del nuevo álbum y después volver a estar 100% operativos a partir del 2021 Obviamente el universo tuvo otros planes, pero al final todo salió bien para nosotros

Texto: Ismael M. Fotos: promo

Si la palabra 'excelente' se usa en exceso, que así sea Este álbum es una explosión atronadora de blues/rock con letras perspicaces, a veces mordaces, y una banda que simplemente no se rinde Ya solo por los invitados valen la pena e incluyen a Eric Gales, Charlie Starr, Joe Louis Walker, Ana Popovic, Kirk Fletcher, King Solomon Hicks, Josh Smith y Sonny Landreth Agrégale a eso, al as de la armónica Chris "Leroy" Hansen El grupo formado por Fabrizio Grossi (bajo, productor), Kenny Aronoff (batería) y Kris Barras (voz, guitarra) es sin duda un supergrupo y si a esto le sumas el elenco repleto de estrellas de músicos que aparecen en el álbum, tienes 12 pistas que seguramente sean dificiles de repetir

El casi abrumador nivel de maestría musical podría eclipsar la composición de canciones, que aborda el estado actual de nuestra sociedad, pero si prestas atención, no te dejará escapar sin al menos pensar en lo que está pasando en nuestro mundo En caso de que no estés al tanto de Supersonic Blues Machine hay que decir que "Voodoo Nation" es su tercer álbum de estudio La discografía de la banda se completa con los trabajos "West of Flushing, South of Frisco", "Californisoul" y "Road Chronicles Live!" Cabe destacar que el mismísimo Billy F Gibbons de ZZ Top y amigo de la banda, se convirtió en uno de los invitados rotativos que también incluyeron a Steve Lukather, Warren Haynes, Eric Gales, Robben Ford, Chris Duarte y varias celébrities más El rockero británico Kris Barras reemplazó a Lance Lopez como cantante y guitarrista en 2018

"Voodoo Nation" revela la verdadera brillantez de Fabrizio Grossi como productor en combinación con el talento de los miembros de la banda y los artistas invitados Es un álbum más oscuro que los anteriores y tanto las letras de las canciones como el tono musical son más pesados reflejando temas sociales complejos El álbum en su conjunto es una experiencia sonora alucinante La canción de apertura “Money” nos avisa de lo que está por venir Se trata de un blues rock sucio y directo con una guitarra sobrecargada, riffs punzantes, la batería que esperarías del implecable Kenny Aronoff, un bajo experto y un vocalista que maneja el estilo como si lo hubiera cantado toda su vida El poder de esta canción también viene dado por el aporte de las coristas, algo que se repite en varias canciones “You and Me”, con el rey Solomon Hicks, es un casi amenazante llamado a las armas “I am standing in the land of the free” canta Hicks y el coro puntuado por los riffs de guitarra viscerales de Hicks que brillan Sobre la facilidad de caer en la tentación cuando estás deprimido, "8 Ball Lucy" con el maestro de de Louisiana, Sonny Landreth, es mágico e intensamente inquietante Barras canta sobre el engaño y el diablo alegando que tu Dios está demasiado ocupado para ti “Devil at the Doorstep” presenta al increíble Eric Gales y durante ocho minutos su toque personal enrriquece la composición hasta límites insospechados Es un tema de rock pesado y más lento con Kris Barras en su mejor momento vocal, quejándose del diablo en la puerta, cantando "Necesito saber que se ha ido" El sonido de los helicópteros se suma al efecto escalofriante.

Si piensas que Voodoo Nation es un álbum sobre el lado oscuro de la humanidad y la sociedad, tienes razón en parte, pero también hay lugar para la esperanza El maravilloso Joe Louis Walker genera un estado de ánimo edificante y lo clava con su voz de falsete en el rockero soul "Is It All". "Do It Again", es un power blues con Ana Popovic y sus musculosos riffs de guitarra “I Will Let Go” con Kirk Fletcher es una resolución espiritual al conflicto, complementada por su inimitable y emocional estilo “Voodoo Nation” refleja el descontento de la sociedad al ritmo del funk y el rock “All Our Love” con Charlie Starr de Blackberry Smoke cierra el álbum de manera elegante, terminando con una nota más ligera con una sentimiento a lo Allman Brothers Voodoo Nation es una declaración audaz llevada a cabo junto a algunos de los mejores músicos del negocio Es un trabajo directo sin canciones de relleno y altamente recomendable

El 3 de noviembre de 1980, Whitesnake lanzó el que fuera su primer álbum en vivo: "Live ... in the Heart of the City" , producido por el veterano gurú de los estudios ingleses Martin Birchy y, en mi humilde opinión, perfilándose claramente como uno de los mejores álbumes en vivo de todos los tiempos, mereciendo un lugar de honor junto a otros como "Made In Japan" de Deep Purple, "Live And Dangerous" de Thin Lizzy, "Tokyo Tapes" de Scorpions "If You Want Blood You Got It" de AC/DC, "Unleashed In The East" de Judas Priest "Strangers in the Night" de UFO y posiblemente no muchos más a este nivel

La década de los 70 estuvo repleta de grandes discos en directo Muchas bandas se animaron extendiendo los límites de sus habilidades y actuando en el escenario en lo que llamamos una "prueba de coraje" Todos los artistas o bandas que se consideraban buenos intérpretes intentaron pasar la prueba, siendo conscientes de que estaban siendo juzgados por su capacidad para tocar su propio material en vivo tan bien como en los álbumes de estudio, incluso con un valor agregado Aunque este álbum fue lanzado en 1980, sin duda pertenece en su espíritu y esencia a esa loca década de los 70, más aún cuando la mitad fue grabada en 1978 ¿Por qué solo la mitad? Porque es un disco doble en directo formado por dos giras diferentes de la banda

David Coverdale formó una superbanda alrededor de su por entonces nuevo grupo Whitesnake. Contaba con Jon Lord a los teclados, Neil Murray al bajo, Ian Pace a la batería, y Bernie Marsden y Mickie Moody a las guitarras Con estos músicos publicó uno de sus mejores álbumes: "Ready and Willing" En la gira posterior grabó los conciertos del Hammersmith Odeon de 1980 Ese material, junto con otro concierto de 1978 en el mismo escenario, conformó este doble vinilo titulado" Live… in the heart of the city" El primer vinilo contiene los temas de 1980 y el segundo vinilo los de 1978

El primer disco de vinilo se grabó en el Hammersmith Odeon el 23 y 24 de junio de 1980, durante una gira que acompañó al excelente álbum "Ready An' Willing", que se lanzó solo tres semanas antes de las presentaciones El segundo vinilo también se grabó en la misma localización, pero durante una presentación realizada el 23 de noviembre de 1978 aproximadamente un mes después del lanzamiento del álbum "Trouble" La formación de la banda en ambos shows es la misma, excepto por el baterista Dave Dowle que tocó en el show del 1978 y posteriormente fue reemplazado por Ian Paice en 1980 Por alguna razón, Dowle no recibió crédito en la portada original del álbum, pero esto se corrigió posteriormente. El segundo vinilo grabado en 1978 fue lanzado ese año solo en Japón y se llamó "Live at Hammersmith" y lo cierto es que posteriormente se hizo justicia con los fans de la banda, ya que se este trabajo se acabó convirtiendo en una parte integral del álbum revisado internacionalmente

Antes de que David Coverdale conquistara América y el mundo entero con el disco "Whitesnake" de 1987 (Gaffen Records) encabezaba la formación clásica de la banda, que por entonces tocaba hard rock basado en el blues, y precisamente este disco fue sin duda uno de sus grandes momentos En su interior podemos escuchar una exhibición enérgica y arrolladora que incluye algunas de las mejores canciones de la banda extraidas de sus primeros tres álbumes, junto con otras de la era Coverdale en Deep Purple y una versión de la canción "Ain't No Love In The Heart Of The City" compuesta originalmente por Dan Walsh y Michael Price

El álbum se abre con "Come on" del mini álbum "Snakebite", una canción que comienza con un rugido de Coverdale que emociona con la audiencia de la banda y conecta directamente con ella "¿Estáis listos? Vamos" e incluso antes de que suene el primer riff de guitarra, la audiencia se pone de pie y aplaude El tempo se incrementa con "Sweet Talker" del recordado "Ready An' Willing", al compás de Ian Paice La banda suena en todo su esplendor, el riff de Bernie Marsden, la guitarra slide de Micky Moody que toman la delantera con un solo alucinante tras una intervención de John Lord Vamos más lentos para alinearnos con la obra maestra del blues “Walking in the Shadow of the Blues”, tomada de “Lovehunter", el álbum que exhibía una de las portadas más atrevidas de la historia del rock con una mujer cabalgando desnuda a lomos de una gran serpiente Bernie Marsden, quien co escribió la canción con Coverdale, toma la iniciativa en el solo de guitarra al ritmo del bajo de Neil Murray

Esta es una de las mejores canciones de la banda con una increíble interpretación vocal de Coverdale que explica muy bien por qué aparece en los setlists de la banda incluso cuatro décadas después De ahí pasamos a “Lovehunter”, que se extiende durante aproximadamente 11 minutos con un largo solo de Micky Moody coqueteando con la multitud entusiasta que no baja el nivel de energía

La cara B del vinilo se abre con una tremenda interpretación de la canción "Aint 'No Love in the Heart of the City" sin duda uno de los puntos culminantes del álbum El bajo maravilloso de Neil Murray y la percusión poderosa y sensible de Paice mantienen el ritmo y permiten que surja el tremendo talento de Micky Moody aunque el verdadero poder de esta canción proviene del séptimo miembro de la banda: el público que no deja de corear las canciones, creando una esperiencia de escucha realmante satisfactoria Coverdale, extasiado por la respuesta de la audiencia, presenta "Fool For Your Loving" con la icónica frase: "Here's a Song for You" Escrita por Coverdale Originalmente para BB. King, se dió cuenta a tiempo de que no debía renunciar a ella, para acabar convirtiéndose el e primer gran éxito de la banda El show prosigue con "Ain't Gonna Cry No More" otra canción del álbum "Ready An' Willing" que en cierto modo es el álbum predominante en los setlists de esta gira Una canción dinámica que comienza suave y tranquila con la guitarra de 12 cuerdas de Bernie Marsden y explota con el doble golpe de caja de Paice. Murray hace aquí un gran trabajo manteniendo el ritmo, mientras que Jon Lord se adorna con un solo de teclado que espolea a Moody a interpretar el icónico solo de slide

De aquí pasamos a otra frase icónica y memorable que emociona a la audiencia con la pregunta retórica: Are You Ready an 'Willing? Y la audiencia se asegura de responder afirmativamente y mostrarle a Coverdale que está realmente interesada Este es el segundo éxito y sencillo del álbum "Ready an 'Willing", que presenta un pegadizo riff de blues y permite a Coverdale improvisar a su alrededor mientras involucra a la audiencia en una especie de pregunta respuesta vocal La canción que cierra el primer vinilo y el show que se grabó en 1980 "Take Me With You" está extraída del disco "Trouble" La banda coge impulso y acelera en el último sprint hacia la línea de meta, con cada uno de sus integrantes obteniendo una breve sección en solitario El segundo concierto, ubicado en las caras 3 y 4 del álbum de vinilo presenta 6 pistas de las cuales dos también se incluyeron en el primer show La misma canción de apertura "Come on" y la canción que inspiró el nombre del álbum "Aint 'No Love In The Heart Of The City"

Este concierto también incluye dos canciones de Deep Purple, la primera, "Might Just Take Your Life" en la que Bernie Marsden canta las partes vocales que Glenn Hughes interpretó originalmente y "Miscovered" que tiene una versión extendida de 11 minutos "Lie Down" suena aún más animada y rockera que la interpretación original, y "Trouble" recibe el tratamiento devoto de Jon Lord, que no formaba parte de la banda en el momento de su lanzamiento original grabado en estudio

"The Myth Of The Happily Ever After" fue vuestro noveno álbum, que llegó 20 años después de vuestro debut "Blackened Sky" ¿Qué tan fácil es para vosotros trazar el desarrollo de vuestro sonido y qué tan consciente ha sido ese desarrollo?

Creo que ha sido un desarrollo natural, pero a veces hemos tratado de esforzarnos un poco, empujando las cosas hacia adelante Supongo que estamos bastante preocupados por no hacer la misma música una y otra vez Siempre queremos sentir que estamos avanzando Creo que tal vez si hubiera siete u ocho chicos o chicas en la banda, es más fácil tomarlo todo un poco de forma más natural Creo que a veces con tres personas siempre tienes que esforzarte un poco más, pero creo que nos las hemos arreglado bien para hacer eso y aún así mantener una identidad como banda Lo peor es cuando simplemente rompes todo lo que has hecho antes y comienzas desde cero Creo que es importante tener algún tipo de continuidad y supongo que ahí es donde entra el lado natural; solo hay una combinación posible entre nosotros tres, y crea este maravilloso sonido

El álbum fue descrito como una respuesta al año previo a su lanzamiento Estoy seguro de que ya no te apetece quedarte en 2020, pero ¿escribir el álbum te ayudó durante ese tiempo?

Fue lo mejor que nos pudo haber pasado en ese momento No llegar a tocar y no poder hacer la gira de Celebration Of Endings fue horrible para nosotros Un disco realmente no vive hasta que no lo tocamos sobre un escenario, así que fue difícil Afortunadamente se nos permitió entrar a nuestro estudio y grabar el álbum, por lo que lo sentimos como una gran bendición Fue muy catártico y nos reímos mucho, lo pasamos muy bien en esa sala Transformamos lo que era esencialmente una sala de práctica en una granja, en un estudio de trabajo e hicimos un gran álbum, por lo que fueron tiempos felices

Grabasteis en Ayrshire , ¿verdad?

Sí, era todo lo que podíamos hacer en ese momento, nuestras manos estaban muy atadas, pero terminó siendo una bendición disfrazada, porque significó que pusimos mucho trabajo en la sala de ensayo y la convertimos en un estudio adecuado Es el primer álbum que hemos hecho en Escocia de principio a fin, lo cual también es algo divertido

El álbum está lleno de sorpresas. Estoy interesado, por ejemplo, en cómo surgió una canción como 'Haru Urara'

Tuvimos eso por un momento y seguía volviendo a nosotros Era una de esas canciones que no podíamos descifrar qué era Probamos muchas cosas diferentes para esa canción, pero seguía volviendo a ese ambiente suave Simplemente había algo al respecto Creo que ese es el lado de la banda que estábamos tratando de explorar con diferentes sonidos, de verdad Hay algo acerca de tocar esa canción que se sintió genial todo el tiempo

Y de algo controlado y relajado, pasáis al otro extremo de la escala, encabezando el conocido festival Download ¿Hubo un proceso de ajuste para la audiencia y el entorno, o simplemente continuásteis haciendo lo que hacéis normalmente?

Es una buena pregunta, porque éramos conscientes del hecho de que KISS estaban allí tocando, Iron Maiden también osea que quedaba claro que es un festival de metal. Pero nos contrataron para tocar canciones de Biffy Clyro y para ser Biffy Clyro, así que tratamos de tener la suficiente confianza en lo que haces como banda Al mismo tiempo, también quieres atender ligeramente a la audiencia para la que estás tocando, así que sí, es un acto de equilibrio

Pero sería realmente molesto si subieras allí e intentaras llevar tu set a una audiencia y no les gustara. Puede ser un verdadero desastre, así que creo que solo debes tener confianza en lo que haces y dar lo mejor de ti Nos fue muy bien Hemos tocado en ese festival cinco o seis veces, así que es un lugar en el que nos sentimos como en casa Desde donde estaba, parecía que al menos todos lo estaban pasando bien

¿Hay una sensación de 'qué sigue' después de tocar en estos festivales trascendentales? Creo que estamos eternamente agradecidos de tener estas oportunidades No creo que inmediatamente después del festival estés pensando en lo que sigue Definitivamente hay una sensación de alivio algo así como "gracias a Dios que no lo estropeamos"

Recuerdo haberos visto en el Camden Roundhouse, creo que alrededor del lanzamiento de Puzzle. Tuve la percepción de que había un cambio de orientación. Sentí como si fuera el comienzo de un nuevo capítulo para vosotros ¿Cómo os las arregláis para mantener la misma sensación de entusiasmo y emoción más de 20 años después?. Imagino que no siempre será fácil... En algunas ocasiones la emoción muere un poco, en otras, está totalmente en llamas, pero no sé si realmente uno tiene control sobre eso Es algo que viene Nos encanta hacer música juntos y, a veces, eso puede ser un poco difícil por diversas razones, pero si te digo la verdad, me siento realmente afortunado de que todavía sintamos esa emoción después de 20 años.

La experiencia es como la de una banda probándose a sí misma, ¿sabes? Ha habido demasiados puntos de referencia como para pensar en ellos, lo que nos hace entender que nos estamos volviendo un poco viejos Todo se remonta a tocar en nuestro primer show en King Tuts y después pasar a encabezar Barrowlands, T In The Park, tocar en el Maddison Square Garden de Nueva York, después encabezar Reading y Leeds... Creo que diste en el clavo cuando hablaste de Roundhouse Creo que en Puzzle estábamos pensando en expandir nuestro sonido; éramos un poco una banda de culto y luego comenzamos a llamar un poco más la atención con esos cambios Aquello nos llevó a toacar en Big Weekend de Radio 1, que no es un lugar donde normalmente encontrarías una banda de rock como nosotros, y creo que eso fue una señal de que salimos de nuestro propio mundo de indie rock y empezamos a apuntar en una dirección más abierta

Habéis ganado fans de todo tipo durante las últimas dos décadas, así que sin duda todavía hay gente desesperada por escuchar pistas de Vertigo Of Bliss o Lonely Revolutions, etc ¿Alguna vez ha sido un desafío intentarlo y apaciguar a todas las generaciones de fanáticos de la banda?

Sí, al cien por cien Debo decir que es un bendito problema Solo nos preocuparía si nadie quisiera escuchar ninguna de nuestras canciones [Risas] Pero a veces tengo que recordarme a mí mismo que cuando tocábamos Vertigo Of Bliss, lo hacíamos para 300 personas Es nuestra banda, amamos esos discos y por supuesto, no los estoy despreciando Es un poco como los Sex Pistols y ese famoso show en Manchester con miles de personas en una sala con capacidad para 500 personas Todos dijeron que estaban allí

No trato de examinar mucho eso, solo lo tomamos como viene y lo agradecemos

También regresásteis al Roundhouse para una sesión de MTV Unplugged. Este debió ser un espectáculo realmente especial para vosotros, pero ¿hay otros hitos en particular como este que tengan un lugar especial en vuestros corazones? Fue un momento muy divertido, aunque debo decir que tocar desenchufado es aterrador, y eso es lo principal que la gente debe saber al respecto, porque no puedes esconderte detrás de ningún efecto de guitarra, ni tras un set de luces llamativas Solo te sientas y la audiencia puede escuchar cada parte de la música, así que tienes que hacerlo bien Los acústicos son como exámenes, en ellos se ven todas las carencias y virtudes de cada músico

Sois hermanos, y Simon bien podría serlo. ¿Cómo habéis mantenido vuestras relaciones personales en sintonía con las laborales? Llegando allí todavía! No siempre es fácil Extrañas terriblemente tu hogar cuando estás fuera y no hay forma de evitarlo Y cuando se trata de relaciones entre bandas, hemos trabajado duro a lo largo de los años, hemos aprendido a darnos espacio y cuándo ha sido necesario, a darnos apoyo. En comparación con otras bandas, hemos estado bastante equilibrados, así que tenemos mucha suerte de que sigamos siendo amigos

Ya no hace falta que nadie lo recomiende, lo prescriba o lo aconseje, porque Eric Gales hace mucho tiempo que pasó de ser una promesa a uno de los mejores guitarritas del mundo dentro de su variado original y quizá excéntrico estilo Lo cierto es que posee muchos argumentos sobre un escenario para que, como fan, puedas quedarte prendado de él y de su música desde el primer acorde En los momentos previos al concierto parecía que todo se había puesto en su contra; tal y como él mismo comentó en una de las pausas del set, la compañía aérea en la que había viajado a España, había perdido todo su equipaje y todos sus instrumentos Eric bromeaba hablando con el público diciendo que el outflit que vestía, lo había conseguido a toda prisa en una tienda cercana a su hotel por algo más de veinte euros

El rigor de los calores y la afluencia de festivales en el primer año post pandémico, hizo que la sala no estuviera llena, pero si que tuviera una agradable entrada Allí nos encontramos todos los que de una forma un otra amamos el mundo de las seis cuerdas y por ende, a sus protagonistas principales Malo para el que se lo perdió porque lo que allí vimos fue una auténtica lección de blues, rock, funk y soul con un Eric tan inspirado como los miembros de su banda; Byron Carter a los teclados, Nick Hayes a la batería, el excéntrico bajista SmokeFaceBass que tocó durante todo el concierto con una máscara desde la que se supone que en algún momento del set saldría humo (el líquido se perdió junto al equipaje e instrumentos de la banda) y, como no, su inseparable esposa LaDonna Gales a las percusiones y apoyos vocales, que por cierto, sonaron descomunales en canciones como Stand Up o My Own Best Friend

Eric es un artista expresivo, comunicador y que sabe embaucar a su públíco desde la primera nota Ajeno a pérdidas, retrasos horarios y el calor imperante, se subió al escenario para dar uno de los mejores conciertos que recuerdo haber visto este año Carisma, personalidad, talento, estilo y mucho flow, fueron la tónica general de la noche Nos faltó algún bis más y que Eric no hubiera querido bajarse nunca del escenario, pero se lo perdonamos, por aquello de que la profesión va por dentro y a pesar de su profesionalidad, no estaba siendo un buen día para él A pesar de todo fue una noche mágica otra más No se que hace falta para que este hombre coma del mismo plato que coetáneos suyos como sus hermanos de sello Joe Bonamassa, Walter Trout o Robin Trower Eric Gales es una auténtica bestia.

Setlist:

Lightning (Howlin´Wolf cover)

Storm

Put

You Don´t

Back

Stand

I Am / Funky Instrumental / My Own Best Friend

/Voodoo Child (Slight Return)

Für Elise

El programa de televisión de Suecia "The Idol" te puso en los ojos del mundo en 2009 cantando 18 & Life de Skid Row ¿Alguna vez llegaste a pensar en la posibilidad real de terminar siendo el cantante de esta banda?

No en el momento en que hice la audición Quiero decir que es un escenario para un guión de película y la probabilidad de que eso suceda es cercana a cero, ¿verdad? ��

¿Cómo entraste en contacto con la banda? ¿Hiciste algún tipo de audición o reunión con ellos para pasar un casting?

Realmente no Rachel se acercó a mí en Instagram y me hizo una llamada por Zoom Me preguntó si podía reemplazar en un par de shows a su ex cantante ZP Le dije que tenía que preguntarle a mis médicos y obtener permiso de ellos Un par de días después me preguntó si podía cantar en una nueva canción llamada The Gang's All Here Les mandé la grabación en 24 horas y un par de días después Snake y Rachel me preguntaron si quería convertirme en el nuevo cantante de la banda Mi grupo anterior, H E A T,, abrió para Skid Row en el Reino Unido hace un par de años, así que se ve que me escucharon cantar en ese entonces Y luego creo que mi "audición" fue la canción "18 & Life" (revisada) que hice el año pasado en mi canal de Youtube Sé que enviaron eso al equipo La primera vez que conocí a los chicos fue la misma semana que actuamos juntos por primera vez en Las Vegas No nos conocimos hasta entonces Grabamos todo el álbum de forma remota (yo grabé las voces en mi casa en Suecia y les envié los archivos)

Después de los dos primeros discos, la banda perdió la esencia del éxito y el reconocimiento del público con varios discos que pasaron bastante desapercibidos, ¿te habrías unido a la banda si hubieran seguido la misma línea musical que en aquellos discos menos comerciales y exitosos?

Supongo que esa es una perspectiva Personalmente, creo que algunas de las canciones que hicieron en el álbum "Thickskin" son algunas de las mejores de todo su catálogo No tengo nada más que admiración por la banda por mantenerse siempre fieles a ellos mismos y seguir sus corazones Solo puedo imaginar cuánto dinero ganarían si hicieran una reunión, pero eso no les importa. Quieren hacer lo que sea mejor para ellos y simplemente pasar un buen rato

¿Cómo ha sido tu adaptación a la banda? ¿Sientes que te han dado galones y seguridad para que puedas desenvolverte con autoridad dentro y fuera del escenario? Absolutamente Hicimos clic de inmediato Se siente como si hubiera estado en la banda durante dos años Me recibieron como 1/5 parte de Skid Row desde el primer día

En mi opinión, The Gang's All Here debería haber sido el tercer álbum de la banda, ya que contiene canciones que recuperan el exitoso sonido original y contiene varios éxitos que podrían ser futuros clásicos, ¿estás de acuerdo? Gracias, Lo considero un gran cumplido Es difícil para mí responder la pregunta de manera objetiva ya que estoy cantando en este álbum, pero creo seguro que captura el sonido de la vieja escuela de Skid Row Otra perspectiva es que el pasado es el pasado, El orden en que se lanzaron los álbumes y todo lo que los rodea ahora es parte de la historia de Skid Row y todo ha servido para hacer de la banda lo que es hoy Sin arrepentimientos

Escuché que Rachel tiene una muy mala opinión de Subhuman Race, un álbum que cambió mucho la dinámica de sonido de la banda y donde perdió mucha personalidad, ¿qué piensas de este álbum? Creo que hay algunas buenas canciones en ese álbum, no es mi álbum favorito de la banda pero definitivamente tiene algunas cosas geniales.

Thickskin es un disco interesante. Me gustan canciones como Ghost, Born a Beggar o See You Around, que creo que le irían muy bien a tu voz ¿Tocáis alguna de estas en vivo?

Tu pregunta es muy curiosa precisamente hemos hablado de tocar esas tres canciones de Thickskin en vivo, pero aún no lo hemos hecho Tienes buen oído "See you around" es una de mis canciones favoritas del catálogo de Skid Row

"algunas de las canciones que hicieron en el álbum "Thickskin" son algunas de las mejores de todo su catálogo"

Revolutions Per Minute tiene algunas canciones de estilo country rock, posiblemente debido a las influencias que Solinger aportó a la banda y que se mezclaron con los gustos más punk de Rachel. ¿Has tenido la oportunidad de aportar algo en el proceso de composición de este nuevo disco?

Todas las canciones estaban ya escritas para este álbum cuando me uní a la banda, pero hemos comenzado a escribir juntos para otro álbum

Sorprende que Skid Row es una banda que lleva casi 35 años de carrera con sólo seis discos, dos desde que se fue Sebastian Bach ¿Crees que esta tendencia cambiará contigo a partir de ahora?

Sé que la banda ha tenido sus altibajos, lo cual es inevitable cuando tienes una larga carrera ¿Cuántas bandas pueden decir que todavía están de gira y lanzando música después de 35 años en el negocio?. Me gusta ser productivo y mantener el impulso, así que ya veremos

Sebastian Bach, Johnny Solinger, Tony Hartnell, Zp Threart... son nombres que impresionan. ¿Qué canciones son las más difíciles para ti de cantar? Lo que hicieron en su día fue increíble Creo que la canción más desafiante para mi es "Livin' On A Chain Gang"

Eres de origen sueco y conoces bien el estándar de vida europeo Ahora que vas y vienes a Estados Unidos con frecuencia, ¿cómo ves el panorama allá? Dicen que cada día hay más pobreza y gente viviendo en la calle Tengo mucho cuidado con hablar de política abiertamente, pero diré que tanto Europa como Estados Unidos son geniales en muchos sentidos, No creo en los extremos Hay cosas que podemos aprender de EE UU y hay cosas que EE UU puede aprender de Europa Nunca es blanco o negro, no hay respuestas y soluciones fáciles con tantos aspectos a considerar

Texto: Jose R Rojo/Ken Sharp Fotos: promo

entrevista con Scott Gorham

Thin Lizzy se formaron en Dublín en 1969 cuando los amigos de la escuela Phil Lynott (bajo, voz) y Brian Downey (batería) se unieron al guitarrista nacido en Belfast, Eric Bell Pronto se mudaron a Londres y firmaron con Decca Records lanzando tres álbumes "Thin Lizzy" en 1971, "Shades of a Blue Orphanage" en 1972 y al año siguiente vieron el lanzamiento de "Vagabonds of the Western World" Ninguno de esos álbumes llegaron a las listas. Aunque una nueva versión de la canción tradicional "Whisky in the Jar" proporcionó a la banda un sencillo exitoso, hizo poco para elevar su perfil en aquel momento Bell renunció a finales de 1973 debido a la naturaleza de la dirección en la que se dirigía la banda y fue reemplazado rápidamente por el ex guitarrista de Skid Row, Gary Moore Moore iba a ser solo un arreglo temporal y, a mediados de 1974, el escocés Brian Robertson y el estadounidense Scott Gorham proporcionarían un nuevo ataque de guitarra doble para Thin Lizzy cuando firmaron con Vertigo Records

"Night Life" (1974) fue un esfuerzo dócil y sin rumbo en comparación con lo que Lynott pretendía, pero "Fighting" del año siguiente estuvo a un paso de la dirección correcta y entonces fue cuando "Jailbreak" llegó a las tiendas de discos en el verano de 1976 Thin Lizzy era una buena máquina engrasada con los

singles "Jailbreak/Running Back" y "The Boys are Back in Town/Emerald", colocando a la banda en lo alto de las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico "Johnny the Fox" (1976) y "Bad Reputation" (1977) continuaron elevando el perfil de la banda lo que culminó con el lanzamiento del imponente doble directo "Live and Dangerous" en 1978 En esta etapa, Brian Robertson cayó en desgracia y acabó siendo reemplazado por Gary Moore en su segunda etapa en la banda El álbum resultante fue "Black Rose", con el que consiguieron seguir siendo relevantes, aunque pronto se levantaría una guerra de egos entre Moore y Lynott

El conflicto interno entre ambos alcanzó su punto máximo durante una gira por Estados Unidos Moore fue reemplazado por Midge Ure, pero se buscó un reemplazo de tiempo completo y entonces apareció Snowy White para grabar dos de los mejores álbumes de la banda; "Chinatown" y "Renegade", lanzados en 1980 y 1981 respectivamente

Pero la estrella de Thin Lizzy comenzaba a oscurecerse por culpa de la composición inconsistente de canciones y las dependencias a las drogas del líder de la banda Philip Lynott y del guitarrista Scott Gorham White fue reemplazado por el

guitarrista de Tygers of Pan Tang, John Sykes, para retornar en el año 1983 con el álbum "Thunder and Lightning", que con un rumbo claramente heavy, se desmarcaba del resto de álbumes grabados hasta la fecha Después de aquella gira Thin Lizzy se separaron

Lynott fundó el grupo Grand Slam en 1984, pero el hecho de no conseguir un contrato discográfico puso fin al proyecto poco después En 1985, Lynott actuó como invitado con Gary Moore en "Out In The Fields / Military Man", un sencillo que ayudó a elevar su perfil y Polydor le ofreció un contrato para grabar un álbum en solitario si podía superar sus problemas con las drogas Lynott murió el 4 de enero de 1986 cuando su cuerpo se apagó debido a su abuso excesivo y prolongado de sustancias químicas

Hubo una serie de reuniones únicas con ex miembros de Thin Lizzy entre 1986 y 1996 Por lo general, presentaban a Brian Downey, Scott Gorham, Darren Wharton y a veces los guitarristas Brian Robertson, Gary Moore y John Sykes Se utilizaron varios bajistas y se anunciaron bajo los nombres de Thin Lizzy o The Thin Lizzy Band En 2005, Gary Moore organizó un homenaje a Phil Lynott El evento contó con una banda central compuesta por Moore, Brian Downey y el bajista de Jethro Tull, Jonathan Noyce Se llamó "Una noche en Dublín: un tributo a Phil Lynott" y contó con Eric Bell, Scott Gorham y Brian Robertson como invitados especiales

En 1996 la banda volvió a reencarnarse con Downey, Gorham, Sykes y Wharton A ellos se les unió el bajista Marco Mendoza y John Sykes que asumió también la labor de cantante solista Downey dejó esta formación en 1998 y ellos continuaron hasta 2009 como Thin Lizzy bajo el liderazgo de Sykes y Gorham junto a diversos bajistas y bateristas (incluido Tommy Aldridge) Sin embargo, no había miembros del trío original en esta banda

Sykes dejó la banda en 2009 y en 2010 Scott Gorham anunció una nueva formación de Thin Lizzy que incluía a los miembros Brian Downey y Darren Wharton Junto a estos tres estaban Marco Mendoza en el bajo, el guitarrista de Def Leppard / Dio, Vivian Campbell y el cantante principal Ricky Warwick de The Almighty A finales del 2012, Gorham anunció que su próximo álbum se lanzaría bajo el nombre de Black Star Riders , con la partida de Downey & Wharton y con el ex baterista de Megadeth / White Lion Jimmy, DeGrasso tomando el lugar de Downey

Como guitarrista de Thin Lizzy entre 1974 y 1983, Scott Gorham fue la mano derecha del carismático y talentoso líder de la banda, el cantante y bajista Phil Lynott

Un nuevo e impresionante documental, "Songs For While I'm Away", traza la profunda historia de Lynott, desde sus raíces infantiles, sus comienzos musicales formativos, el ascenso de Thin Lizzy al estrellato del rock hasta su trágico fallecimiento prematuro en enero de 1986

Enmarcado por imágenes reveladoras, se incluyen clips de entrevistas de audio Lynott, entrevistas con compañeros de banda, familia y amigos, además de, Adam Clayton de U2 y James Hetfield de Metallica, el documental es una introducción extraordinaria al arte y la psique de un gigante caido del rock and roll

Bueno, creo que el eje principal de la historia fue cómo creció un tipo como Phil Lynott Lo que convirtió a Phil Lynott en Phil Lynott Y algo de eso es crecer en un país donde literalmente eres la única cara de color Incluso me di cuenta de que yo mismo en estas primeras giras que hicimos con Thin Lizzy, miraba alrededor recién llegado de Inglaterra y Estados Unidos y todo eso, donde las caras de color están en todas partes En Irlanda no había ninguno y me quedé pensando, ¿cómo se hace eso? ¿Cómo creces en un lugar donde eres el único y eso tiene que afectar tu personalidad de alguna manera o forma? Creo que con alguna persona podría haberlos afectado con un impacto negativo, pero creo que Phil creció con un impacto positivo

Tuvo tantos amigos que crecieron en Irlanda que todo el tema del color no fue un factor, a pesar de que no vio a nadie como él durante años y años Si tienes suficientes amigos a su alrededor, solo di: "Bueno, eso no hace ninguna diferencia hombre porque eres un tipo genial, así que olvídalo" recibieron una lección de irlandés hasta el punto en que finalmente tuve que decir: "Vamos, hombre, estamos aquí tratando de vender álbumes. Se supone que esto no es una lección de historia" " Él dijo: "Lo sé, pero esta gente tiene que entender Esta gente ni siquiera sabe dónde está Irlanda y tengo que hacérselo saber" Era ese tipo de persona apasionada orgulloso de sus orígenes

Está claro que conocías muy bien a Phil. Mientras veías el documental, ¿hubo algo que no sabías sobre él y que de pronto descubriste, o simplemente solidificaste tus impresiones y el sentido de tu relación con él y con su personaje? Sí, es más de lo segundo Él y yo salíamos todo el tiempo juntos Éramos como esos grandes amigos que son como hermanos a la vez Estábamos mucho tiempo de gira y después en estudios de grabación donde prácticamente vivíamos del dinero de los demás Pero una de las mejores cosas a tener en cuenta en el documental son su esposa Caroline y sus dos hijas, Sarah y Cathleen, quienes por alguna razón inexplicable decidieron que este era el momento para hablar sobre su padre Nunca lo habían hecho en el pasado. Sintieron que era la en la que definitivamente debían hablar sobre él, algo que yo personalmente había querido que hicieran mucho antes Y salieron y lo hicieron realmente genial Estuve en Irlanda recientemente y pasé mucho tiempo con ellas hablando sobre su padre Querían saber historias, y querían saber como fue la verdad de todo No querían que les adornase nada Querían escuchar la verdad y todo lo que su padre era Hablamos sobre muchas de esas cosas con calma de hecho ellas están muy orgullosas de su padre, lo cual es genial En cuanto a las revelaciones, no, como digo, él y yo durante once años viajamos por todo el mundo, hablamos de todo, arreglamos todo y en ese tiempo prácticamente era imposible guardar un secreto estando tan cerca

Phil estaba extremadamente orgulloso de su herencia irlandesa, y es una parte tan importante no solo de su carácter sino también de su arte. Bueno, era extremadamente patriótico Para darte un ejemplo, hacíamos entrevistas por todo Estados Unidos y siempre parecía que éramos él y yo Si los periodistas simplemente cometían un pequeño error sobre el tamaño de Irlanda o dónde se ubica Irlanda en el mundo o pronunciaban mal una capital irlandesa, Phil se molestaba mucho y durante los siguientes 30 minutos de entrevista estas personas recibían una lección de irlandés hasta el punto que finalmente tuve que decir:

Para las personas que no conocieron a Phil Lynott tan profundamente como tú, ¿qué historia cuenta el documental?

"Vamos hombre, estamos aquí tratando de vender álbumes Se supone que esto no es una lección de historia" y entonces él decía: "Lo sé, pero esta gente tiene que saber de donde venimos" Era ese tipo de persona apasionada Estábamos de gira en Irlanda y caminábamos por cualquier ciudad y él explicaba cada lugar y cada anécdota que conocía o que le había pasado ciertamente era una persona no solo apasionada, sino ampliamente conocedora del lugar que le vio nacer y alrededor de ello, también contaba un montón de anécdotas que se asociaban a su infancia y adolescencia, algo que por lo general, solía acabar en carcajadas por la manera en la que las relataba, con esa pasión que solo se les ve a unos pocos

Me sorprendió ver que Phil parecía estar un poco avergonzado por "Whiskey in a Jar" que al final se convirtió en uno de vuestros grandes éxitos. La composición original es una famosa canción tradicional irlandesa ¿Qué visteis de conflictivo en esa primera canción que realmente fue la que llevó a la banda a la cima? Sí, bueno, creo que algo de eso fue culpa mía, especialmente cuando empezamos a escuchar el tipo de canciones que se nos ocurrían al componer, grabar y tocar. Llegábamos a "Whisky in the Jar" y parecía ser una canción rara Simplemente parecía estar fuera de lo que tratábamos de hacer Un día le dije a Phil: "Oye, ¿Y por qué no sacamos 'Whiskey in the Jar'? No es una de nuestras canciones originales Creo que deberíamos valernos por nosotros mismos de las cosas que hemos escrito, y no de las canciones que otras personas escribieron en el pasado " Y me sorprendió Estuvo de acuerdo casi de inmediato:

"No hay problema Creo que tienes razón Dejémoslo" Y eso fue lo que hicimos Ahora si tuviera a alguien nuevo en la banda y me dijera: "Oye, Scott, tal vez deberíamos lanzar 'The Boys Are Back in Town', aunque es un poco viejo Habría dicho: "Está bien, estás despedido". (risas)

En el documental, Huey Lewis describió las canciones de Phil como "cinematográficas", y creo que es una observación muy realista Era un compositor excepcional y tenía una habilidad fantástica para expresar las historias vividas, estas mini películas mentales suyas ¿Podrías hablarnos un poco sobre esa cualidad tan especial? Bueno, tienes toda la razón Phil era un magnífico letrista y siempre sabía enfrentarse a un lienzo en blanco He notado esto en muchos escritores irlandeses Son muy vívidos en sus explicaciones dentro de las canciones sin ponerse cursis al respecto Hay muchas canciones de country y western que crean historias, pero se vuelven un poco remilgadas en determinados momentos Siempre pensé que Phil era genial especialmente en el rock No parece haber muchos letristas que puedan hacer eso y proponer ideas que realmente tengan sentido y que sean significativas y geniales al mismo tiempo Así que fue un placer cuando me entregó su cuaderno de letras y me dijo: "Oye, Lee esto ¿Qué piensas?” Cuando le eché un vistazo, le dije; “Dios mío, esa es una gran idea Es hermoso cómo lo hiciste" Está claro que sabía lo que estaba haciendo cuando se puso a escribir en ese cuaderno

Estás considerado uno de los grandes representantes del blues actual, algo un poco extraño viniendo de Dinamarca y siendo este un estilo surgido en EEUU entre la población negra ¿Qué te llevó a interesarte por este género musical? En la casa donde crecí, mis padres escuchaban sobre todo música clásica Pero en casa de mis vecinos escuchaban blues y desde temprano esta música me llamó la atención. Pero para mí no hay nada extraño en que alguien de Dinamarca toque blues El blues es básicamente una mezcla de música europea y africana Los esclavos africanos aprendieron sobre la música europea en la iglesia donde cantaron los himnos clásicos ingleses y escucharon la música folclórica de los hombres irlandeses y skottish que habían emigrado a América y mezclaron estos diferentes tipos de música europea con los ritmos y la entonación de la música africana e hicieron su propio tipo de música Una música que resultó ser muy fuerte, tan fuerte que pudo tocar a un niño de 10 años lejos de los campos de algodón cien años después en Dinamarca Esto demuestra que cuando mezclas las diferentes culturas del mundo, lo más probable es que surja algo hermoso

Obviamente después surgieron grandes músicos del género como Eric Clapton, Jimmy Page, John Mayall, Johnny Winter y hasta el mismo Elvis Presley en algunas de sus canciones En términos de influencia, ¿qué tipo de artistas resuenan más en tu cabeza? Mis dos artistas favoritos son Ray Charles y BB King Me considero más un cantante que un guitarrista y para mí estos dos tipos son simplemente los mejores cantantes que jamás hayan pisado la tierra Grandes voces, gran fraseo y un canto muy conmovedor

En términos de composición, también estoy muy inspirado por ZZ Top Me gusta mucho la forma en que torcen el blues Nunca tocan una canción de blues de 12 compases Siempre encuentran una forma inteligente de torcerlo y por supuesto Billy Gibbons es un maestro del riff, así como un cantante sucio y de bajo perfil

Para los que pensamos que Dinamarca no es un país de rock o blues, ¿qué me podrías decir al respecto? Dinamarca es ciertamente un país de rock y también hay mucho blues Solo por mencionar algunos, tenemos a Volbeat, DAD, Dizzy Miss Lizzy y son un acto de rock/blues de primer nivel con una gran audiencia mundial Como en muchos otros países, estos géneros ya no reciben mucha atención de las grandes estaciones de radio nacionales o comerciales y de los principales medios de comunicación, lo cual es triste y se puede ver en la cantidad de personas que se presentan en los lugares Por otro lado, hay nuevas posibilidades de encontrar una audiencia mundial mucho más grande y dedicada a través de plataformas de transmisión como Spotify y Apple, etc , por lo que las cosas simplemente están cambiando y, según mi opinión, tal vez incluso mejor

En ciertos momentos, tu voz suena como la de artistas rimbombantes como Eric Clapton, Joe Cocker o Bob Seger, ¿a cuál escuchas más? Eric Clapton es sin duda uno de mis artistas favoritos. Especialmente su composición es realmente algo a lo que admirar Nunca me canso de escuchar a Eric Clapton De hecho, no sé nada sobre Bob Seger, pero me han comparado con él muchas veces, así que ahora lo he puesto en mi lista de cosas por hacer, escuchar a Bob Seger y ver si estoy de acuerdo con la comparación

Tu música ha llegado a gran parte de Europa, pero también a Asia, ya que tocaste en el festival Mahindra Blues de Mumbai (India) ¿Cómo fue la experiencia y de todo lo que viste allí, qué es lo que más te sorprendió?

Tocar en Mumbai fue en muchos sentidos una experiencia espectacular Lo que más me sorprendió fue probablemente el hecho de que en realidad no era muy diferente a tocar en un festival europeo Y la audiencia tampoco era muy diferente de una audiencia europea Esperaba algo muy diferente, pero al final supongo que la gente es más o menos igual vayas donde vayas Por supuesto, también hay muchas diferencias ¡Lo que más me impactó fue probablemente el tráfico! El tráfico en Mumbai es una locura Todo el mundo toca casi constantemente la bocina Supongo que saben lo que hacen pero para un extranjero parece un poco loco Otra cosa memorable de tocar en Mahindra fue tocar con el legendario Buddy Guy Estaba tocando la misma noche que nosotros y me invitaron a subir al escenario con él Estaba bastante nervioso, pero por supuesto salió bien

Thorbjørn Risager and the Black Tornado es una formación con la que ya habéis lanzado varios discos. ¿Qué requisitos necesitas para poder tocar en tu banda y qué esperas de tus músicos en general?

Formé la banda en 2002, así que podemos celebrar nuestro 20 aniversario este año Somos siete miembros y cinco de nosotros somos los mismos que cuando empezamos, así que creo que es un gran logro Esta banda es una mezcla bien engrasada y también es una banda en la que todo el mundo participa en el trabajo que hay que hacer fuera del escenario Todo el mundo entiende que sumamos más como equipo. Todos entienden el valor de poder hacer compromisos Así siempre podemos resolver nuestros desacuerdos de forma pacífica

Su nuevo disco "Navigation Blues" saldrá a la venta con el sello de blues Mascot Provogue, uno de los mejores sellos que existen en la actualidad. ¿Qué metas o logros espera alcanzar en los próximos meses trabajando con ellos?

Es realmente un sueño hecho realidad que finalmente podamos lanzar un álbum con ellos Estuvimos en contacto desde antes y de hecho mostraron interés en lanzar nuestro álbum del 2014 'Too Many Road', pero no funcionó En cuanto a la esperanza y los objetivos, realmente esperamos que puedan ayudarnos a llegar a la gira por España, Italia y Portugal, ya que nunca hemos tocado allí Provogue tiene una red muy amplia de promotores que trabajan duro y gritan nuestro nombre a gritos, Creemos firmemente que el disco 'Navigation Blues' es uno de los mejores que hemos hecho hasta ahora y que nos puede llevar por todo el mundo Con suerte, algunos en España

Jordi Pinyol

Primero de todo me gustaría felicitarte por este nuevo disco con Bill Evans y preguntarte ¿cómo surgió la idea de hacer una disco juntos? Bueno, conocí a Bill desde hace mucho tiempo, realmente no trabajamos juntos hasta el creo que fue alrededor del dos mil y no puedo recordar exactamente, 2007? No estoy seguro Pero él me llamó, nos habíamos conocido en el pasado sin haber tocado juntos Me llamó y me preguntó si me gustaría ir de gira con él. Giramos por Europa creo que durante tres semanas ese año Luego hice otros tres conciertos con él un poco más tarde y luego hicimos una semana juntos en el Blue Note en Nueva York Así que ya sabes, siempre tuvimos un buen intercambio musical Él ahora vive en Nashville, que es donde yo estaba viviendo antes de mudarme a París recientemente Mi compañía de discos Earmusic estaba abriendo un sello de jazz, tuve una reunión con el jefe de la compañía y le conté que tenia este proyecto con Bill Evans, que iba a producir yo mismo, y me dijo: vamos a hacerlo con la compañía de discos y lo sacaremos como el primer lanzamiento en el sello de jazz, en la reapertura de este sello de jazz que existió en el pasado Así que grabamos el disco en Nashville y fue lanzado como “The Sun Room”, ese es el nombre de nuestro primer trabajo Luego ellos estaban interesados en que hiciéramos más, así que hicimos otro disco. Nos ha llevado un poco de tiempo sacar este último, lo grabamos en 2020, pero sigue siendo muy buena música y Bill y yo hemos estado en la carretera tocándolo, aunque no ha habido lanzamiento, así que es maravilloso que podamos sacar este disco ahora, “Common Ground”

Sí, esa es mi canción Hay dos canciones en este disco que estuvieron muy inspiradas en el disco de Miles Davis a Jack Johnson Hay una canción llamada The Little Boxer, y esa la escribí como tributo a Miles Davis y fue inspirada por la canción Yesternow, que está en el disco a Jack Johnson Es un disco muy antiguo pero sigue siendo un disco muy contemporáneo y que suena muy cool, muy diferente, y de hecho me ha influenciado en la manera en cómo quería mezclar el disco. Yo produje ambos discos. La otra es Passaic. Hay un cosa que hace Herbie Hancock al final de la canción que abre ese disco, y este ritmo es una versión del ritmo que hizo él Es algo que siempre ando buscando, pequeñas cosas en música que realmente me gustan y me inspiran a escribir, me llevan en una dirección diferente Yo no copio sabes, me inspiro por algo que escucho y muy deliberadamente lo llevo en otra dirección, entiendes? Esas dos fueron mis composicione y The Little Boxer es probablemente mi favorita Y es la última canción del disco, es muy bonita

Si lo grabasteis en 2020 imagino que os pilló en medio de la pandemia no? Como lo hicisteis? Porque Imagino que grabasteis este disco tocando juntos en directo... Esto fue justo antes que estallara la pandemia, lo grabamos en Enero de 2020 y la pandemia no empezó a ser un problema hasta Marzo Así que estuvimos todos en el estudio y lo grabamos en directo sí es un disco muy directo Sí así es como suena

En cuanto a las canciones, compusiste tu algunas y otras Bill, habéis compuesto juntos? Él compuso y yo también, pero por separado No escribimos nada juntos Es un reparto justo

Creo que el disco está muy bien, y aunque hay mucho jazz fusión, tienes un poco de blues, otras cosas más soul y bastante variedad. De hecho la canción Passaic es como un blues pero empieza en un 7/4, lo hiciste tú o fue cosa de Bill?

Me gusta mucho también la primera canción del disco, es muy cañera y mezcla jazz con powerchords de guitarra, creo que es muy buena mezcla. Si esa es una composición de Bill

Antes mencionaste a Miles Davis, y tanto Bill como tu tocasteis con él, sin embargo creo que no coincidisteis. Creo que cuando estuviste tu estaba Bob Berg tocando el saxo? Si era Bob Berg, correcto

"Los músicos de este calibre, saben como trabajar"

Estuve hace tiempo en un clinic de Bill Evans y contó una anécdota con Miles, por lo visto se compró un Ferrari y luego se quedaron tirados sin gasolina en medio de Harlem Me gustaría preguntarte como fue tu experiencia con Miles y si tienes alguna anécdota especial que puedas compartir.

Bueno, ciertamente fue una experiencia increíble tocar con él, él es mi definitivamente mi héroe musical. Probablemente he escuchado más discos de Miles Davis que de ningún otro artista Y nunca hubiera esperado tocar con él, por lo que obviamente fui muy feliz de tener esa oportunidad Lo escuché tanto hasta que toqué con él que sentí que la mayoría de lecciones ya las tenia aprendidas para cuando llegué ahí, pero aprendí un mecanismo musical que incorporé bastante en mi manera de tocar durante un tiempo, que para mi fue la guinda del pastel de tocar con él Aprendí este mecanismo musical del teclista Miles se lo había enseñado, le dijo “esto es lo que quiero que toques detrás de mí” Honestamente yo no sé si hubiera conseguido averiguarlo por mi mismo me lo enseñaron directamente Eso fue realmente una lección directa de un mecanismo armónico sin precio del que fui muy feliz de recibir El hecho de cómo él me trató, sabes, él quería que fuéramos amigos. Era una persona muy intimidante Cuando digo que quería que fuéramos amigos, quiero decir que creo que era una persona amigable, aunque creo nadie piensa así de él, de este modo Pero le gustaba la gente que podía pasar el rato con él, así que tenias que averiguar cómo poder pasar el rato con él Y eso era un desafío, y era también como una lección de vida Él te decía cosas que te desequilibraban, y tú se la devolvías y se reía, y creo que la mayoría de gente tenia miedo de hacer eso Y eso es lo que marcó la diferencia, creo que es lo que rompió el hielo para mí en mi relación con él, cuando me di cuenta que solo me estaba vacilando Romper el hielo de esa manera creo que hizo que conectáramos, creo que yo le gustaba y que en cierto modo le asombré A mí también me gustaba él Era una persona muy genuina desafiante pero lo que ves es lo que hay Volvamos al disco y discúlpame, ahora que hablas de músicos, Darryl Jones y Keith Carlock suenan increíbles en el álbum, hay un par de solos de batería muy buenos y unas líneas de bajo alucinantes. Como se siente tocar con ellos, y por otro lado, cuánto tiempo os lleva ensayar lo temas y grabarlos?

Estoy intentando recordar, creo que no llegamos a ensayar Con el primer álbum “The Sun Room” tuvimos un día y ensayamos la música antes de entrar al estudio Pero con este disco creo que Darryl apareció el primer día de grabación no pudo venir antes para ensayar

El resto de nosotros vivíamos en Nashville en ese momento Bill y Keith todavía viven ahí y yo vivía ahí en esa época así que era fácil para nosotros darnos una vuelta por el estudio Era un gran estudio y ahora está cerrado, nos entristece mucho Todo el mundo fue tan rápido aprendiendo la música y tocándola No sé, los músicos de este calibre saben cómo trabajar Es sorprendente para mí, coges una canción nueva que nadie ha tocado nunca, la tocas un par de veces, paras y hablas acerca de esto y lo otro y luego le das y bam! Tienes una toma Así que grabamos el disco en dos días creo, puede que fueran tres

"Probablemente he escuchado más discos de Miles Davis, que de ningún otro artista"

Yo pienso que los guitarristas como tú sois tan grandes porque siempre pensáis en que es lo mejor para la canción. En “Crabshaws Don’t Care”, cuando Bill está haciendo su solo, me encanta como le acompañas No crees que con la cantidad de guitarristas de hoy en día tocando tan rápido y tan técnicos, se está perdiendo el concepto de ponerse al servicio de la canción? Bueno, no sé Viniendo del blues y del rhythm & blues hay una atención real para hacer lo que es correcto en ese momento, pero hay diferentes modos de verlo La guitarra rítmica en general, si pienso en una banda como Snarky Puppy o Fearless Flyers es diferente Es como que todo está tocado del mismo modo, es decir, estableces un ritmo y tiras para adelante, e incluso eso para mí está sirviendo a la canción, pero es como que reduces la canción a ocho compases. Y para mí, a la hora de tocar rítmica, mi estilo viene mas del piano y del órgano Es como en el jazz No se trata de tocar una misma cosa una y otra vez, entiendes? Todo es evolutivo A mí me gusta no saber qué es lo siguiente que va a pasar y que haya espacio para hacer cambios, y yo toco algo que me haga sentir bien en ese momento y luego lo abriré, lo cambiaré y me moveré a otro modo Este tipo de flexibilidad no la escucho mucho ahí afuera Y tú?

Yo creo que hoy en día hay demasiada obsesión con el postureo musical, y no solo en cuanto a la guitarra, sino en la música en general y en el mainstream. Todo es visual y un espectáculo, lo más importante es el show y lo que menos importa es la música Esto es lo que siento

Bueno, ha sido así durante bastante tiempo ya Página

Es muy raro ver a una banda que saca un disco con 16 temas, esto refleja la gran capacidad creativa que conserváis. Ahora que la industria parece funcionar mejor a base de singles, ¿no os sentís un poco fuera de lugar?

Es mucho más interesante como músico de rock cuando ocurren irregularidades A mí mismo me atraen más los trabajos impredecibles y las bandas que simplemente no siguen las reglas ni la organización

Sunburst es un álbum que tiene riffs característicos como Yamato Damashii, Crazy World y algunos más. ¿Componeis a partir de tus ideas musicales?

Sí Primero creo los riffs de guitarra y después el ritmo junto con el estilo, luego la melodía y luego viene la letra Ese es el flujo básico de la composición, pero a veces empiezo con la letra o la batería Recientemente, no uso instrumentos y, en cambio, a menudo tarareo nuevas ideas, y salen muy bien

En este disco hay muchas canciones cantadas en japonés, lo que refleja que es un trabajo enfocado principalmente a este mercado ¿Crees que serán canciones bien recibidas incluso cuando el fan europeo no pueda entender lo que decís? Bueno, después de todo, somos japoneses, por lo que es natural para nosotros escribir las letras en japonés Incluiremos las traducciones al inglés y estamos seguros de que los fans europeos lo entenderán ¡También puede ser una buena oportunidad para que el público europeo aprenda japonés! Hay mucha cultura desconocida en Japón que merece ser descubierta

Quisiera que me aclararan una duda; ¿El mercado japonés para artistas de fuera del país está tan cerrado como parece? Quiero decir, ¿hay un mercado en Japón para las bandas europeas?

Definitivamente hay mercado para las bandas europeas De hecho, hay muchas personas que solo escuchan bandas europeas por prejuicios contra las bandas japonesas, por lo tanto, independientemente del país de origen hay muchas opciones y los oyentes apoyarán a los artistas y bandas que consideren buenos

Dicen que en Japón estás en otro nivel cuando se trata de música en vivo. ¿Qué diferencias encuentras cuando tocas allí y cuando lo haces en un país como España por ejemplo?

En Japón, usamos todos nuestros propios instrumentos, pero en otros países, especialmente en festivales, usamos diferentes amplificadores y cabezales cada vez, por lo que a veces es complicado conseguir el sonido que vas buscando Esperamos resolver este problema el próximo año y ofrecer el sonido que nos representa En esta gira no hemos podido traer nuestro escenario completo de Japón, por lo que es natural que sea diferente de lo que se puede ver allí

Parece que habéis aplazado varios shows en importantes festivales como Wacken Open Air o Sabaton Open Air, quizás algunas de las fechas más importantes del año ¿Cuáles fueron los motivos?

Se que lo pone en nuestra web oficial, pero al final pudimos participar en Wacken Open Air y Sabaton Open Air Recibimos una gran respuesta, escuché que vendimos mucho merchandising allí Ha sido la primera gira por Europa en 4 años, pero creo que hemos podido mostrarle al mundo que Loudness está en movimiento nuevamente Comenzaremos otra gira por Japón en Septiembre y continuaremos haciendo todo lo posible para seguir siendo la banda de Heavy Metal más reconocida fuera de Japón

Texto: Dani Sanchez

Fotos: promo

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Las canciones de este álbum son bastante largas ¿Cuándo decidís cómo empieza cualquiera de vuestras composiciones y cómo y cuándo debe terminar?

Todavía escribimos la mayoría de nuestras canciones o al menos obtenemos las primeras ideas mientras tocamos juntos y simplemente hacemos lo que se siente bien La mayoría de ellas son bastante largas porque nos gusta aumentar la tensión, pero hay algunas canciones más cortas en el álbum Por ejemplo la canción "giants going" es una de las más cortas que hemos escrito Se me ocurrió el lick de introducción y el resto de la canción se escribió de manera bastante espontánea donde se sintió bien mantenerlo simple y breve Es una canción divertida de tocar y un buen descanso entre dos canciones bastante largas La mayoría de las veces no hay un plan maestro sobre cuánto debe durar una canción o cómo resultará al final. La mayoría de nuestras canciones cambian mucho desde el primer cero hasta la versión final

Este disco es muy bonito, pero también conceptual y habla del caos que la humanidad está creando en la tierra. ¿Hacia dónde crees que vamos como especie?

Temo que la humanidad y la vida que conocemos esté a punto de decaer tarde o temprano Esta espiral descendente tiene que ser detenida Necesitamos cambiar nuestra forma de vivir y nuestra forma de manejar todo lo que nos rodea Cuanto antes mejor Somos muy inteligentes pero muy egocéntricos

¿De dónde viene tu vocación de conciencia con este disco?

Llegó naturalmente, especialmente en los últimos dos años con personas de todo el mundo que se volvieron completamente locas Simplemente sentimos la necesidad de tratar un tema serio como este porque las cosas deben cambiar y esta es nuestra forma de ser parte de ello

La humanidad no ha aprendido de sus errores. Ayer vi la película The Road de Viggo Mortensen y me puse a pensar si alguna vez viviremos algo tan terrible, ¿cuál es tu opinión personal al respecto?

Honestamente, creo que estamos a solo un par de desastres naturales, enfermedades y guerras de distancia de una realidad como esta Los humanos han sido egoístas desde el principio, por lo que una historia como esta no está tan lejos de la realidad Incluso series como "The Walking Dead" tienen algunos elementos reales aterradores. Por supuesto que no habrá zombis, pero como en la serie, los zombis no son el problema real: el problema real son otros humanos que intentan sobrevivir siendo idiotas egoístas

"las cosas deben cambiar y esta es nuestra forma de ser parte del cambio"

Aun siendo un álbum conceptual, ¿hay alguna canción que tenga más significado para ti que el resto o que tenga un significado por sí misma aisladamente?

Me gusta mucho la pista del título " eraser " y creo que transmite un mensaje fuerte Es un poco más profundo que el resto porque la humanidad es responsable de sus acciones y podemos aprender de los errores y vivir mejor para muchos de los demás Pero obviamente no hacemos eso, simplemente seguimos adelante Es como si nos dirigiéramos al desastre con los ojos abiertos y una sonrisa en nuestros rostros diciendo " a la mierda con todo eso, hago lo que quiero". Tenemos la capacidad y el cerebro para cambiar la forma en que vivimos y nos tratamos a nosotros mismos y eso es lo que lo hace aún más deprimente Esta canción también podría haber sido una canción en uno de nuestros álbumes anteriores y funciona sin todo el concepto

¿Cuál crees que sería una buena manera de empezar a crear conciencia social y que esto ayude a vivir en un lugar mejor? ¿Qué valores pondrías por encima del resto?

Hay algunas cosas pequeñas que todos pueden cambiar Por ejemplo los animales necesitan ser tratados mejor No hay necesidad de comer carne barata de mierda todos los días La carne debe ser algo especial y por supuesto mucho más cara Es necesario que haya un cambio general en la mente de las personas para aprender a apreciar que estamos viviendo en un mundo civilizado con tantas oportunidades, pero todo debe manejarse con cuidado Algunas cosas no se pueden arreglar cuando están rotas

Este álbum envía un mensaje muy claro, pero en su esencia es bastante oscuro ¿Cuáles son tus recursos técnicos a la hora de componer para crear tensión, ansiedad, incertidumbre y miedo?

Se trata de crear emociones No importa si se crean con guitarras muestras de voz o sintetizadores El uso de sintetizadores es una forma genial de añadir un poco de atmósfera extra a nuestras canciones porque normalmente no nos gusta tener más de dos guitarras reales en nuestras grabaciones Nos gusta poder reproducir las canciones en vivo sin tener que agregar demasiadas pistas de muestra o incluso otros músicos Es por eso que nos gusta mantenerlo lo más simple posible con solo algunos pequeños complementos.

¿Es "Eraser" un disco que invita a la reflexión o simplemente muestra una opinión sobre una situación que parece no tener vuelta atrás?

La reflexión es muy importante y por supuesto hay algunos hechos como la extinción de ciertas especies, pero no le estamos diciendo a la gente qué hacer o cómo manejar las situaciones Simplemente intentamos concienciar y que la gente se enfrente a la realidad. Por supuesto, todos están invitados a pensar por sí mismos sobre cómo cambiar las cosas para mejor

Creo que vuestra música es muy emotiva ¿Es por ello que excluís la voz de vuestras canciones? Es decir, ¿es más fácil transmitir emociones cuando solo hay música?

Cuando empezamos como banda, tratamos de encontrar un cantante, pero resultó que no fue tan fácil Mientras tanto, comenzamos a escribir instrumentales y pronto nos dimos cuenta de que deberíamos mantenerlo así Como dijiste hay algo especial en la música instrumental porque cada oyente puede experimentar diferentes emociones mientras escucha cuando no tienes palabras que ya proporcionen un cierto sentimiento

"No hay necesidad de comer carne barata de mierda todos los días"