Revista The Rocket Magazine #4

Tu popularidad se concibió en YouTube, convirtiéndote en una celebridad gracias a la interpretación con tu guitarra de versiones de clásicos del rock ¿En algún momento de ese tiempo pensaste en tener una carrera como artista con tus propios discos?

Cuando comencé a tocar la guitarra y subir videos a Youtube, no tenía idea de que esto se convertiría en una carrera profesional Pude ver que recibí una buena respuesta de la comunidad de Internet, pero todavía estaba lejos de imaginar que este podría ser mi trabajo algún día Estoy muy agradecida de que haya resultado de esta manera

Sigues grabando y subiendo versiones de otros artistas a tu canal y estos videos siguen teniendo una gran acogida. ¿Qué significa para ti hacer canciones de otros músicos?

Cuando comencé a tocar versiones, solía subirlas y no cambiar nada sobre los solos las notas el estilo de la canción Solo estaba copiando, pero esto fue un desafío para mí y me ayudó a aprender Ahora encuentro más divertido e interesante hacer mi propia interpretación de las canciones que estoy versionando y reorganizarlas a mi estilo Es más personal de esta manera, y creo que a la gente también le gusta este enfoque

Cuando empezaste a grabar tu propia música, ¿sentiste de alguna forma la sensación de que empezabas de cero al tener que poner en valor tu propia marca artística con tus propias composiciones?

Me tomó mucho tiempo antes de empezar a componer Al estar acostumbrada a recrear solos, escribir mis propias canciones fue como un salto a lo desconocido Creo que reuní muchas influencias de mis bandas favoritas en ese momento e intenté crear una mezcla Así empecé, pero ahora ya no me hago todas esas preguntas me gusta la libertad de no saber qué puede salir de un riff

Me imagino que tus padres te inculcaron el valor de la música rock cuando eras pequeña, aunque es una suposición, porque hay muchos adolescentes que también se interesan por la música que nunca han escuchado en casa ¿Cuál fue tu caso específico? ¿Qué personas han influido más en tus gustos y en tu vida artística?

Aunque no son músicos, mis padres tienen muy buen gusto musical, y esto jugó un papel importante en mi decisión a la hora de empezar a tocar la guitarra Luego conocí a algunos amigos en la escuela secundaria, lo que me motivó a escuchar rock n ' roll (cuando no era el género más popular), y luego a mis compañeros de banda que también me enseñaron mucho "Head Above Water" es un álbum fresco e inteligente con canciones brillantes ¿Cuánto crees que te han ayudado las versiones a conseguir tu propio sonido?

Las versiones son una buena manera de ponerme a prueba, probar cosas diferentes, ver qué funciona y qué no A veces uso el banjo o el lap steel en mis versiones, y decidí usarlos también en algunas de las nuevas canciones Agrega un ambiente diferente, y me gusta mezclar estos instrumentos con un fondo de rock más clásico

Lo que más me gusta de este nuevo disco es que veo que eres una artista que ha sabido encontrar su nicho, pero sobre todo su personalidad, que al final, es lo más importante. ¿Te costó mucho llegar a esto?

No fue una tarea fácil, pero estoy feliz de que finalmente me siento cómoda escribiendo y siendo más personal con cada álbum Sé que todavía queda un largo camino por recorrer, pero estoy orgullosa del disco y estoy muy emocionada por tocarlo en vivo también

El disco tiene una línea de progresión fantástica en la que mezclas temas más potentes como "Set Me Free", con otros más suaves, como "Old Soul". Después de componer las canciones, ¿te costó decidir el orden en el que aparecerían en el disco?

Creo que la parte más difícil es componer las canciones e intentar imaginarlas como un todo, ver si encajan Una vez resuelto esto, trabajar en el orden de la lista de canciones fue algo natural Al final el álbum debería transportarte a un viaje Si este es el caso, significa que tomamos las decisiones correctas

"Me gusta pensar que puedo ser un modelo a seguir para las niñas que piensan que la guitarra eléctrica es solo para niños"

En los últimos tiempos están apareciendo muchas mujeres vinculadas activamente al mundo del rock. ¿Qué crees que ha hecho que hayan tardado tanto en aparecer?

Creo que las mujeres están hablando cada vez más en todos los ámbitos La escena del rock es una de ellas, y es algo bueno Realmente no sé de dónde vino, ¡pero necesitamos más mujeres en el escenario! Me gusta pensar que puedo ser un modelo a seguir para las niñas que piensan que la guitarra eléctrica es solo para niños "Creo que las mujeres están hablando cada vez más en todos los ámbitos"

Hace años escuché a alguien decir que Gary Moore era un artista 10/10 como compositor, 10/10 como guitarrista y 5/10 como cantante ¡y estamos hablando de Gary Moore! La cuestión es que parece muy complicado ser un artista de 10 en todo... siguiendo esta medida, ¿cómo te calificarías como artista?

Todo el mundo siempre pensará que no eres suficiente, o que eres demasiado No puedes ser perfecto en todas las áreas, pero eso es lo que te hace especial Ser un artista no se trata de ser un 10 en todas sus facetas, sino que se trata de ser uno mismo, de disfrutar lo que haces, de crear tu propio mundo incluso si tiene fallos, pero esa es la belleza de todo, además ¡El rock and roll no trata sobre la perfección!

Finalmente, ¿con qué artistas de los que haces versiones te gustaría tocar algún día?

¡Sin dudarlo, Sheryl Crow! Tocar la guitarra para ella en el escenario sería un honor y un sueño hecho realidad

"Al estar acostumbrada a recrear solos, escribir mis propias canciones fue como un salto a lo desconocido"

Peter Tägtgren

Es un hecho que Peter Tägtgren vive su mejor momento El multiinstrumentista, compositor y productor, lejos de estancarse y acomodarse en sus ya múltiples hazañas musicales en Pain, Hypocrisy y otras aventuras como la que ya caducó tras dos grandes discos con Lindemann, ha decidido acompañar en su viaje a una de las estrellas vocales por excelencia de la historia del rock La unión de Joe Lynn Turner y el polifacético sueco, ha dado como resultado "Belly of the Beast", una vista hacia el lado más oscuro de un vocalista que hasta el día de hoy lo conocíamos por ser el autor de grandes melodías y letras en bandas como Rainbow, Yngwie Malmsteen, Sunstorm o su propia y prolífica carrera solista Ya hablamos con el propio Joe No podíamos dejar pasar la oportunidad de charlar con la otra cara de la moneda el yang el lado duro de nuestra música Y desde luego, Peter, tiene claro que trabajar con Turner en su nuevo álbum ha sido un placer, reconociendo su admiración hacia él: "Crecí con Rainbow. Tengo 52 años y Joe Lynn Turner siempre me inspiró un gran respeto. Así que fue genial cuando finalmente nos reunimos y pudimos trabajar juntos", asegura con firmeza, continuando; "Fue un proceso largo porque yo estaba muy ocupado, creo, ha durado como unos cinco años. Me fui de gira con Hypocrisy, Lindemann, estuve componiendo también el álbum de Hypocrisy , pero el álbum está aquí, así que es realmente genial". "Belly of the Beast" no ha llegado para entregar bonitos mensajes, pero sí para dejar patente que cuando se juntan dos leyendas de la música, el resultado es un álbum legendario

Conocedor de la obra de ambos, no puedo evitar pensar sobre la dificultad de aunar los sentimientos más melódicos del hard rock o el AOR, con la fiereza de las composiciones y producciones de Tägtgren; "No fue realmente un desafío, tan solo encontramos la manera correcta de hacerlo para que todo encajara con su voz. Joe se adaptó a mi música, así que fue algo recíproco. Vengo del death metal y él del Hard Rock, pero nos encontramos en un punto intermedio, así que juntos nos combinamos en algo diferente" Lo dice sosegado, con mucha convicción, y como si realizar esa proeza fuese una tarea al alcance de cualquiera El resultado ha sido realmente espectacular, pero vuelve a crecer el ansia del saber de conocer, cual es la parte más divertida de una profesión que abarca tantos campos como la de Peter Seguro que con unas disfruta más que con otras, pero como perro viejo, sabe responder a la pregunta ¿qué faceta tuya disfrutas más después de todos estos años?; "Realmente me gusta crear música cuando me siento solo en el estudio, sin reglas ni límites. El sonido puede ser cualquier cosa Eso es lo que realmente me gusta más en este momento, sentarme y crear algo. Es genial cuando tienes un cantante realmente bueno como Joe, simplemente se lo envías, él escribe letras y pone las melodías encima, lo recuperas y dices, ¡guau, esto es realmente bueno! Nunca pensé en este tipo de melodías para mi música, así que aprendí mucho de él. Es emocionante hacer canciones juntos", contesta, volviendo a recuperar la conversación más ligada a "Belly of the Beast"

Texto: Jose Ramón Rojo Fotos: Promo

Cualquiera que haya seguido su amplia trayectoria, sabrá de su afición por el espacio, los extraterrestres y el universo, con lo que le muestro cierta simpatía por una temática que en su álbum con Turner no está presente; "Negar que debería haber algo más en este enorme universo es estúpido. Es realmente genial fantasear, y crear tus propias historias sobre estas cosas Cómo pienso y cómo veo que se construye el mundo es muy interesate para mí, y por eso a veces escribo sobre ello y porque todavía me fascina pensar ¿cómo podría ser el mundo que no vemos?" La conversación es fluída, se alarga, y no deja de sorprender, tanto como cuando habla de su nuevo disco con Pain, que ya está componiendo y grabando, tras el lanzamiento del sensacional single (que no irá incluido en el álbum), "Party in My Head"; "Bueno, solo tengo tres canciones completadas Diría que es demasiado pronto para decir cómo será el nuevo álbum, pero creo que habrá muchas mezclas diferentes de elementos musicales Mi hijo también escribió una canción para el álbum, así que le puse voz y suena realmente genial. Es moderno y estoy tratando de hacer algo diferente", asegura Peter es una fuente de sabiduría, y durante la charla, no dijo ni una sola palabra que le defina como rockstar, sino más bien como un trabajador nato, amante de lo que mejor sabe hacer, que además, como los buenos sabios, sabe perfectamente lo que aconsejar;

"lo único que podría decirle a las bandas o músicos recién llegados, es que sigan componiendo música y que sigan tocando, porque solo así mejorarán. La primera canción que escribí realmente apestaba. La siguiente mejoró un poco, y la siguiente fue un poco mejor Así que creo que te vuelves cada vez mejor cuanto más compones, diría yo. Y también pasa lo mismo con la práctica del instrumento, ya sabes, cuanto más practiques, mejor será lo que consigas Así que creo que es justo Solo escribiendo y escribiendo y escribiendo y escribiendo" Ya lo habéis oído chicos y si lo dice Peter Tägtgren, no hay nada más que objetar Él vino al mundo para darle musicalidad, y una vez más, ha logrado dejar testimonio de ello.

Me temo que "Return Of The Dream Canteen", el decimotercer álbum de estudio de la banda de rock alternativo Red Hot Chili Peppers, es una mezcla decepcionante y sin inspiración de su conocido estilo de rock tradicional y funk, que al escucharlo, deja una sensación bastante contradictoria y agridulce

Este álbum se lanzó el pasado 14 de octubre y es el segundo trabajo que la banda publica este año "Unlimited Love" se lanzó en abril y alcanzó el número 1 en las listas de álbumes del Reino Unido gracias a canciones especialmente inspiradas como "Aquatic Mouth Dance", "Here Ever After", "Not The One" o el nuevo himno de la los de California, "Black Summer", cuyo vídeoclip está muy cerca de alcanzar las 40 millones de reproducciones en su canal de YouTube

"Return of the Dream Canteen" se abre con el sonido post punk de "Tippa My Tounge", que es una canción de apertura lúdica y pegadiza con una melodía que seguramente te atrapará Las interpretación de Anthony Kiedis muestran que en casi 40 años de carrera, su voz no ha cambiado ni un ápice, sonando especialmente juvenil en esta entretenida composición "Eddie", la cuarta pista del álbum y que se lanzó como sencillo antes de su lanzamiento, es una especie de tributo a Eddie Van Halen Fue compuesta cuando la banda se encontraba profundamente afectada por su muerte y Kedis afirmó que la canción le pide al oyente que "no recuerde a Eddie por morir, sino por vivir su sueño más salvaje"

"My Cigarette" en una de las canciones más débiles del álbum, sin embargo, tiene un sonido único con una batería computarizada y repetitiva mezclada con el groove de rock típico de la banda Si bien esta pista definitivamente tiene un gusto específico, muestra un sonido nuevo y refrescante, aunque poco convincente

A parte de estas canciones, no hay nada más especialmente emocionante en el resto del álbum, cuya escucha se puede llevar de manera más o menos aceptable, gracias posiblemente a las icónicas líneas de bajo marca de la casa interpretadas por Flea y a los riffs de guitarra compuestos por John Frusciante, quien regresa a la banda en 2019 para sustituir a Josh Klinghoffer, el que fuera el guitarrista oficial durante los 10 años anteriores y tras andar un tiempo por su cuenta en una especie de relación de idas y venidas que hasta ahora, siempre acaban en reconciliación No obstante, su reciente aportación hace que el álbum pueda resultar más familiar para sus fans porque desde ‘Mother's Milk’ quedó claro que era un artista idóneo para su puesto y aunque en este álbum no haya querido brillar especialmente, su presencia se percibe

La pista final, "In the Snow", hace un contraste sorprendente con las otras canciones que aparecen en el álbum con la banda recurriendo al sonido electrónico con el que experimentaron en "My Cigarette" Nuevamente, si bien es refrescante escuchar ideas novedosas en el cancionero de la banda la composición presenta un final decepcionante para un álbum flojo en su conjunto

De tener que destacar alguna canción, esta sería "The Drummer", la más inspirada del tracklist y la única que con el tiempo podria convertirse en un clásico de la banda

Debo reconocer que estaba extremadamente emocionado cuando supe que iba a ser honrado con la escucha de un segundo álbum de Red Hot Chili Peppers este mismo año, sin embargo, al hacerlo, no puedo ocultar una sensación de decepción Obviamente se agradece la generosidad de una banda que ha volcado y condensado todo su torrente creativo en un breve espacio de tiempo con el ánimo de satisfacer a sus fans pero personalmente pienso que más vale poco y bueno, que mucho menos bueno Al final lo que nos engancha cómo fans son las canciones

Hola Joe. Soy José Rojo de The Rocket Mazine y es un verdadero placer para mi realizar esta entrevista. ¡Espero que te encuentres muy bien! ¿Cómo estás? Tengo un show esta noche, con lo que me siento muy bien También es un placer hacer esta entrevista contigo

Soy un gran conocedor de toda tu carrera, y me has sorprendido con tu nuevo disco "Belly of the Beast". Felicidades... es uno de los mejores discos del año, y uno de los más sorprendentes de toda tu carrera. Gracias ¡Realmente aprecio esas amables palabras!

Tu unión con Peter Tagtgren es una de las mejores noticias musicales de este año, porque considero que Peter es el mejor productor de la actualidad Me encanta el sonido de Pain, Hypocrisy y Lindemann ¿Cómo ha comenzado esta colaboración? ¿Cuál es tu relación con Peter y cómo ha ido surgiendo todo? La relación con Peter comenzó hace bastantes años Su hermano Tommy es un gran admirador mío y en su 50 cumpleaños Peter quería sorprenderlo con una actuación mía, hacerle una gran celebración Allí nos encontramos y donde comenzamos a hablar Nos entendimos bien y hubo un cierto sentimiento del uno por el otro así que le dije " ¿por qué no hacemos algo juntos?", y él dijo, "¡sí!, me parece una gran idea, pero vamos a ver primero qué pasa " Al poco tiempo me dio el esqueleto de una canción, ya sabes, solo la música básica y la llevé a los Estados Unidos desde Suecia, escribí la letra y le encantó, con lo que comenzamos la relación desde ese punto de partida Entonces, al principio comenzamos a trabajar con Zoom y ese tipo de herramientas, pero luego fui a Suecia a sus estudios The Abyss, hicimos dos pistas allí de inmediato y la química fue simplemente increíble Así que sabíamos que teníamos algo bueno y decidimos continuar después de eso Luego llegó la pandemia y como sabéis nadie podía juntarse seguimos trabajando virtualmente enviando demos y pistas hasta que finalmente terminamos once canciones y pensamos que teníamos el álbum, así como la visión que queríamos crear con el mensaje correcto ¡Y aquí estamos con "Belly of the Beast"!

La portada del álbum es muy oscura la más oscura de toda tu historia. ¿Es una portada oscura para tiempos oscuros?

Tú lo has dicho Creo que el arte es el reflejo de la vida Es el espejo de la realidad Y estamos en esta realidad ahora mismo El mundo entero está en días oscuros y no es el momento de escribir canciones felices La gente decía, "bueno, ya sabes, tienes que ser positivo" Yo siempre he dicho que soy positivo, pero igualmente estoy seguro que hay que decirle a la gente que tenemos problemas para los que debemos tomar medidas y que tenemos que conservar nuestra libertad y nuestra humanidad Y si no hacemos esto, tenemos un gran problema

Así que de esto trata el álbum El título en sí mismo, "Belly of the Beast", trata sobre vivir en un sistema Es una frase muy vieja Anthrax tiene una canción sobre esto Ha habido películas, hay documentales con el mismo nombre Entonces no es un pensamiento o nombre original, pero está hablando del sistema en el que vivimos La bestia es el gobierno y la geopolítica social Es la situación que vivimos, y en este momento estamos muy metidos en ella. Debemos tener cuidado, y hay que luchar para salir de ella porque la tiranía se apoderará de nosotros Puedes verlo a tu alrededor en todos los países del mundo Este es un esfuerzo conjunto de estos líderes para reprimir a las personas y quitarles sus libertades y su humanidad

He investigado y esto es lo que sé, así que no es el momento de cantar canciones de amor Este es el momento de pasar a la acción y sobre todo al rock'n'roll El rock'n'roll siempre ha sido rebelde, siempre ha sido la única voz de la rebeldía Eso debería destacarse y tomar una posición, ¿sabes? Creo que últimamente ha llegado a un punto en el que todo el mundo está relajado Cuando hay relajación ya no hay mensajes, ya sabes, puedo recordar a Bowie, The Who estas bandas siempre nos dan el mensaje de que no se dejarán engañar de nuevo Ahora parece que todo el mundo piensa que el agua es muy segura para navegar, pero ese mar está realmente agitado ahora, así que estoy tratando de darle, no solo un valor de entretenimiento a la gran música que es el rock'n'roll, sino también un mensaje a través de la letra, y estoy tratando de sacudir a la gente

El artwork es de un amigo mío, el joven y talentoso artista de vanguardia Alexander, y en realidad es un autorretrato Cuando vi esto, pensé eso es todo, es la portada perfecta La vi hace dos años, pensé "este es el vientre de la bestia" Tiene que ser una portada oscura y tiene que ser real Quiero que este álbum sea artístico Quiero que sea algo más que lo que la gente hace todo el tiempo Así que quería que fuese afín con el arte e incluso los inserciones con la fotografía, porque el disco incluye fotografías artísticas duras con simbolismo y significado y algo por encima del resto Porque siento que es hora de dar una patada de rock'n'roll en el culo, ya sabes, hagámoslo

Háblame de la banda que ha grabado el disco por favor. Tiene un sonido increíble.

Es increíble y se lo debo a Peter al brillante compositor y músico que es Un artista por derecho propio, como ya sabes Además de la producción Peter hizo las guitarras básicas, el bajo y la programación Su hijo Sebastian también toca la batería se parece a su padre Peter, porque Peter originalmente era batería y la tocaba en todas las pistas

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Y en cuanto a la guitarra solista, los solos y las partes extra de guitarra, la mayoría de ellas fueron hechas por Love Magnusson de los suecos Dynazty Es un gran hombre y todos son grandes chicos De hecho, uso mucho a Dynasty como mi banda de respaldo en los conciertos Y las otras partes de guitarra como por ejemplo las de "Don't Fear of the Dark" las tocó Jonas. Él trabaja en el estudio de Peter, hay un estudio en la parte trasera del estudio principal y es donde Jonas hace todas sus producciones y le pedimos que hiciera una demostración rápida de "Don't Fear of the Dark" y tocó todo Y me gustó tanto que le dije a Peter "tenemos que quedarnos con esto" Dijo; "estoy de acuerdo", por lo que Jonas contribuye con las otras guitarras y la programación de "Don't Fear of the Dark" Y eso es todo, excepto por el coro Ahora los créditos del coro se enumeran individualmente, pero si los juntas colectivamente, son Sabaton Los chicos de Sabaton vinieron aquí todos con sus coros "ooooh, ooh oh!" y fueron muy amables al venir al estudio por un día y hacer todas estas pistas y es exactamente lo que necesitábamos

Este es tu álbum más heavy, sin duda. La unión perfecta entre el sonido clásico de Joe Lynn Turner, y el sonido moderno de las producciones de Peter. ¿Cómo defines el nuevo sonido de Joe Lynn Turner en "Belly and the Beast"? Sabes, de todos modos llevaba tiempo queriendo hacer algo así durante los últimos cinco años Algo diferente, algo artístico, algo especial Estaba cansado de hacer lo mismo de siempre Peter y yo tuvimos la visión, y siempre decía que teníamos que apegarnos a la visión La visión debe ser metal melódico moderno Está bien mi tono más melódico, porque puedes usarlos en los coros, y obtener las melodías Pero debes combinarlo con la cama de la música del metal y de este estilo Y en mi opinión, esto es como un matrimonio, una combinación, que no creo que yo realmente haya escuchado exactamente antes Hay otras bandas que son melódicas y de metal, pero este es un sonido especial y si lo comparas con otras cosas que hay hoy en día, no creo que puedas encontrar la comparación Tiene un toque original, ¿verdad? Un sabor

El álbum comienza con el single "Belly of the Beast". Cuando escuché el tema por primera vez, aluciné el riff, tu voz, el coro Es un futuro clásico ¿Consideras que esta canción es una mezcla de todas las sensaciones del disco?

Bueno, es el single, es el título del álbum y es el primer tema, con lo que también contiene el mensaje principal que quiero transmitir Así que creo que toda esta combinación requiere ese tono rock que ya conoces, y debe ser un golpe inicial Así que creo que todos esos factores hacen que este sea el single obvio para atrapar a la gente y decir ¡aquí estamos!, ¡aquí está!, ¡esto es todo!

De todas formas puedes escuchar el resto del álbum y seguirá siendo igual de bueno Pero al mismo tiempo, primero teníamos que darte el golpe de gracia, ya sabes, decir "mira esto, tenemos algo muy importante aquí, algo muy bueno que decir". Queremos que escuches el mensaje, queremos que te guste la música Entonces, comencemos con este La discográfica estuvo de acuerdo con la decisión Y creo que es una sabia elección porque todos sentimos lo mismo con "Belly of the Beast", porque creo que hay muchas canciones en este álbum que podrían haber sido singles Muchos momentos accesibles al público, con buena música y gran mensaje, pero "Belly of the Beast" te pega en la cabeza y esto es lo que necesitas primero

Cuando escuché los teclados iniciales y el riff de "Black Sun", enseguida pensé en Pain, la banda de Peter, pero tu voz, la letra y la evolución de la canción posee un sonido muy clásico. ¿Te ha costado encontrar ese equilibrio entre el sonido clásico y el moderno?

Creo que Peter comentó en una entrevista la diferencia que había entre este álbum y otras cosas que había hecho dentro del hard o el AOR ¿Qué pasa con la voz de Joe? Todos piensan que soy un cantante pop de AOR no lo sé De todos modos dijo "Joe adapta su voz a las pistas de las canciones Ya sabes, es como un camaleón, escucha un sonido y puede envolver todo alrededor de la canción, desnudarla, hacerla ligera y hacer lo que que necesite hacer porque esta es la habilidad que tiene Joe Se adapta totalmente a la composición", y creo que eso es exactamente lo que hice Quería hacer algo más heavy, algo más arenoso, algo más enfadado Y esto es todo es exactamente eso lo que ocurre en este disco Es difícil enviar flores hoy Estamos en tiempos muy difíciles, cada vez más duros No va a ser fácil y se avecina un mal invierno para todos, por lo que necesitaba reflejar eso, ser parte de eso, liderar el camino y decir; "mira, hablemos de esto, abramos este tema" Sabes, mi capacidad no es solo para canciones de amor, baladas, AOR o Pop Puedo cantar rudo como los mejores

El coro de "Tortured Soul" resuena en mi cabeza todo el tiempo cada vez que lo escucho esta canción es épica, poderosa y tus líneas vocales son maravillosas. Es una de mis favoritas del álbum. Me encantaría que hablásemos sobre ella. Bueno, tú lo has mencionado Permíteme retroceder un poco. Mencionaste "Black Sun" que es un tema muy potente Incluso tiene tonalidades muy Deep Purple Sabes, Peter fue muy sabio al usar el Hammond y demás Y ese fue el lyric video que lanzamos el 29 de septiembre Pero "Tortured Soul" es la epopeya Es muy cinematográfico Ya sabes, es una gran canción, que además tendrá un videoclip que acompañará el lanzamiento del álbum el 28 de octubre Así que estamos en proceso la próxima semana de comenzar a filmar el video (*obviamente la entrevista se realizó antes de la edición del disco) Tomará 2 3 días, tal vez no más Ya tenemos un guión y un gran equipo de fotógrafos, directores de fotografía y cosas por el estilo porque no queremos hacer el tipico videoclip grabando frente a un micrófono cantando, en absoluto Queremos hacer una mini película Casi como bueno, no es una película de terror, sino algo que va a perturbar a la gente explicando cómo es un alma torturada Tú, admitirás que todo el mundo en su vida tiene problemas, que todo el mundo tiene algo que le molesta, tal vez de la infancia o algo aún más reciente, algo que te tortura y esta letra de "Tortured Soul" fue originalmente concebida, en mi opinión, sobre un hombre o una mujer, pero un hombre que ha pasado tal vez por la guerra, y que tal vez ha visto a alguien asesinado Tal vez de niño pasó por sufrimientos

Un "Sé que lo hice Es parte de mi historia" y, por lo tanto, puede ser también sobre una mujer violada o algo golpeó su vida Así que esto es realmente de lo que trata esta letra Sobre una persona que está pasando por un estrés postraumático de una situación que hace que realmente comience a volverse insensible a su humanidad y comienza a volverse un poco loca por eso Es una gran canción y es una gran pieza. Así que creo que realmente vas a disfrutar el video sobre "Tortured Soul"

Otras canciones como "Dark Night Of The Soul" son pura esencia Joe Lynn Turner con tu nuevo sonido Tu voz suena increíble en todo el álbum, pero canciones como "Living the Dream" o "Fallen World" definen nuevos horizontes en tu música En tu opinión ¿Qué canciones de este trabajo son adecuadas para combinar con tus clásicos en el próximo setlist?

Cuando haga el Belly of the Beast Tour, vamos a tocar el álbum al completo Te vas a saber todas las canciones del álbum y por supuesto ya hemos pensado como rellenar el show hasta los 60 o 70 minutos Tengo canciones de mis álbumes en solitario que haré un poco más pesados en la producción, como "Dark Days" o tal vez "Babylon" o "Blood Money" Hay tantas otras canciones que ya he escrito y que realmente encajan con la misma temática Un comentario que me hicieron referido al nuevo disco fue que "esto realmente no es tan nuevo para Joe Lynn Turner Esto es justo donde lo dejó" Pero muchas personas no se dieron cuenta de esas canciones porque las pasaron por alto y conducían exactamente a este punto Hablan de situaciones sociales, geopolíticas y personales

Es perfecto Quiero decir, en el disco Slam, por ejemplo, hay otro tema, "Dark Days", que es otra canción perfecta para mencionar en todo el conjunto que nombro No sé si tendré que volver a tocar estas canciones Así que estoy cerrando fechas ahora mismo para cuando vayamos a empezar el tour de Belly of the Beast Quiero tener un tour completamente nuevo para todos y realmente no sé si puedo volver a lo antiguo.

En mi opinión es una decisión perfecta tocar todo el álbum, independientemente de los temas que tengas que añadir Yo también lo creo El álbum en sí es muy completo en su esencia e irá salpicado, digamos, con algunas otras de estas canciones Sabes, también quiero combinar más temas con orquesta como he estado haciendo últimamente y quiero hacer algunas de estas canciones porque, como sabes, Peter ha grabado algunas orquestaciones No es demasiado, pero es suficiente, y puedes hacerlas incluso con una gran orquesta que es lo que estoy haciendo ahora De hecho, acabamos de hacerlo con Rock the Opera en Viena en parte del tour anterior, y quiero difundir esto, quiero hacer esto Algo muy grande en su totalidad

Belly of the Beast lleva implícito tu sorprendente nuevo look. En mi opinión se te ve genial sin pelo. Creo que es una decisión perfecta por tu parte, ¿Por qué la has tomado en este momento? Pensé que ya era la hora de hacer una revelación veraz El mundo necesita honestidad en este momento, y siempre quise hacerlo Durante los últimos años, con el apoyo, el amor y la dirección de mi socia, esposa y codirectora, Maya, me acabé convenciendo Me dijo; "Hazlo Hazlo ahora" Y cuando tienes ese tipo de amor y apoyo, tienes y sientes mucho poder Otras personas a mi alrededor dijeron lo mismo Dijeron "sí estamos de acuerdo hombre" Es la hora No creo que pudiera haber sucedido hace años porque el mundo era diferente, la gente era diferente Ahora bien, esto es moda ¿Sabes? Es genial que esto esté de moda y también creo que esto va con la música Es como un buen vino José, no puedes beberlo antes de que esté asentado en la botella durante un tiempo, sabes que tiene que fermentar, tiene que ser así, así que este es mi buen vino. Es hora de salir ahora Gracias por el apoyo, lo aprecio y debo añadir que los fans y amigos han sido increíbles Han dado todo el apoyo y amor con pasión, ya sabes, todavía tienes un par de tipos inteligentes alrededor, aunque también haya otras personas que que no lo sean tanto Son personas pequeñas Yo no No trato con esta gente, ¿sabes?

Como he comentado al principio de la entrevista, soy un gran seguidor de tu carrera Discos como "Difficult to cure", "Odyssey"... los discos con Glenn Hughes, todos son discos maravillosos. Pero en mi opinión, algunos de tus discos en solitario, como por ejemplo "The Usual Suspects", son algunos de los mejores álbumes de hard rock. Más de cuarenta discos en tu historia... ¿cuál es para ti tu mejor momento y tu mejor disco?

Ya sabes, siempre es difícil de decir Mis álbumes son como hijos, como mis canciones. Tú los creas, pero los amas de manera diferente No los amas más a unos o a otros Así que no sé cuál es el mejor, pero creo que ha habido álbumes que fueron especiales, por ejemplo, como "Holy Man", un álbum mucho más cohesionado en su totalidad y por eso siento mucho respeto hacia él Tal vez sea uno de mis favoritos Ese disco suena muy completo Otro de mis favoritos es "Slaves and Masters" porque creo que fue un gran álbum de Deep Purple Hicimos un trabajo realmente bueno

Al principio los fans estaban un poco; "ohh bueno, queremos a Gillan" y todo eso, pero ahora, 30 años después dicen que fue un gran álbum No se dieron cuenta en ese momento debido a sus emociones, pero si lo miras objetivamente, hay un álbum fuerte, canciones muy fuertes

¿Qué piensas cuando miras al pasado, todo esos maravillosos conciertos, todos los músicos en los que has influido y toda la gente con la que has trabajado... todo el éxito? Debe ser una sensación increíble recordar toda tu carrera y lanzar otro álbum exitoso tantos años después con "Belly of the Beast". Bueno, ¡gracias por eso! Precisamente, veo que es un álbum exitoso cuando miro hacia atrás y veo que hay una larga carrera Algunos momentos, en su mayoría buenos. No miro los malos momentos. Obviamente los malos momentos no fueron lo suficientemente fuertes como para detenerme de los buenos momentos Miro hacia atrás y digo " wow, ¿realmente hice todo eso?" Sabes, he grabado y tocando en tantos álbumes y he hecho tantos conciertos, que casi se siente como si hubiese sucedido ayer No me afecta de una manera del modo en que diga que esté cansado o que debo retirarme o algo así en absoluto Como puedes ver, me siento fresco Salgo con algo nuevo, nuevo look, nuevo estilo, nuevo sonido y me siento renacer Así que espero poder pasar otros 10 15 años así de verdad Mientras aguante ya sabes

¿Cómo te sientes tras hacer el disco?

Cansado, nervioso y estresado El disco se hizo en diciembre pero ha estado en la nevera todo este tiempo Le ha costado 10 meses ver la luz Quiero que los fans lo escuchen y vayan dejando sus opiniones Será muy interesante escucharlas Actualmente estoy trabajando en un nuevo proyecto, ya que aunque sea ahora cuando se publica el álbum yo no he parado de hacer cosas

¿Vivir la experiencia del sol de medianoche en Finlandia te ha cambiado en algo la vida?

Más que poder cambiar mi vida, fue como un recuerdo muy vívido Es más como un sentimiento, una desconexión

¿Ya habías sentido este sentimiento antes?

Si, desde que era niño Siempre he tenido esa intuición que ha sido todo un proceso Yo no vivo de manera consciente, nunca lo he hecho, soy muy impulsivo y me guío por mi instinto, la forma en la que me llama Es por eso que hacer discos a esta edad es vital y relevante; fuerte y visionario Más allá de hacer las voces o guitarras, es la energía de evolucionar y crecer Es un proceso natural no me estoy retirando habrá trabajo y nueva música más adelante, pero no solo con The Cult, sino mía propia

¿Hay alguna cosa que te haga sentir molesto como por ejemplo la desigualdad social o de riqueza y procesas ese sentimiento como energía para hacer algo bueno musicalmente?

Eso es algo muy interesante, cuando dices que me molesta, es lo mínimo; vengo de la clase trabajadora del centro de Europa así que puedo simpatizar con mucha gente que tiene esta desigualdad social y económica Lo viví de niño, soy hijo de la guerra, hijo de un refugiado de la Segunda Guerra Mundial, me identifico con esas frequencias y siempre camino a través de varios vecindarios; no voy a garitos nocturnos, antes sí, pero así era la música antes; así que camino por las calles y voy adquieriendo impresiones reales, ya sea en Tokio o en Ciudad de México, pruebo su comida, hablo con la gente No hay tanto una dualidad, es algo que siempre he vivido

En cuanto al disco tal vez encuentres dos lados de una misma noche, esto se puede enfocar en todo lo negativo o en buscar una solución A veces el veneno es la solución, un poco de él, tal vez en sustancias externas, y su toxicidad nos pueda hacer algo positivo Creo que trabajando en el mundo del rock, hay algo que ocurre en ese momento de energía con la guitarra, bajo y batería, que es destructivo también Las ondas de un bajo puede destrozar a alguien físicamente, puedes encontrar una bestia Tratamos de capturar esa esencia en la música, es cuando sacas lo mejor de ti cuando ya tienes una edad y entiendes estas frequencias y ves como quieres canalizarlas

En este disco no solo tenemos rock duro y directo, sino también partes orquestales junto a coros muy pegadizos, que no habíamos oído antes en vuetra música. ¿Qué significa este disco para ti, te recuerda viejos tiempos o es un viaje totalmente nuevo?

Es una gran pregunta Primero, la orquesta se grabó en Praga. Se hizo de forma remota pero no en vivo; es una pieza muy profunda Si puedieramos tener esa orquesta en vivo, sería impactante Bajo la medianoche encontramos muchas criaturas, amo esa imagen, porque puede ser cualquiera, tú mismo en el bosque conviviendo con animales u otras personas, plantas y todos bajo un mismo espacio en este momento cuando el mundo está ardiendo Tenemos esto momento de contemplación, de comunión y sin saber que pasará O si decidimos no movernos, porqué también se puede elegir eso Escucho “Under The Midnight Sun” y siento que la hizo otra persona porque se siente diferente a mi vida, a mí Creo se conectan todos los puntos con otros discos “Vendetta X”, que buen título Esa la escribí en 2004 pero no la grabamos porque no encajó antes hasta este disco Es de las que me emocionan

"NO ME ESTOY RETIRANDO, HABRÁ TRABAJO Y NUEVA MÚSICA MÁS ADELANTE, PERO NO SOLO CON THE CULT, SINO MÍA PROPIA"

Las letras van por aquella era setentera de Acuario, ¿cómo relacionas todo lo que ocurría entonces con lo metafísico y astrológico que pasa hoy, con tanta tencología que a veces abruma? Sí, es algo muy abrumador. Es lo que se llama conciencia colectiva, donde olvidemos el lenguaje y debemos comunicarnos con frequencias La psicodelia se hace más presente en las vidas modernas, el gobierno de Estados Undios está legalizando, saben que entraremos en una crisis existencial Olvida el poder del dinero, la comida el espítritu es lo que estará en crisis Esto es una conversación metafísica, sin palabras, todo sucede en un espacio ritual ocurre en comunión donde puedes comunicarte muy bien con tu perro Yo lo hago muy bien o con un pájaro, o con la lluvia Curiosamente mi animal metafísico es un tigre hembra Esto solo ocurre un ciclo de 1962 a 2022 12 animales 12 ciclos diferentes aspectos

Estos ciclos ocurren también en la música, por ejemplo con los formatos, estamos de vuelta al vinilo y el streaming no acaba de convencer...

Interesante, esto es como una constante, es como tener agua en una tapa A veces solo quieres apagarlo todo, tener el control en tus manos, compras tu CD (ojalá hubiera mejores materiales que ese plástico) pero la sensación de tener algo en tu mano, dejando de fuera el tiempo, es lo que se debe valorar Es vivir el momento y la experiencia, el presente El valor energético es eso, profundo e incendiario Si ves una foto de una comida que te gusta, no es lo mismo que tenerla y disfrutarlar, es una experiencia completamente diferente Es como leer un libro sobre natación de 300 páginas y cuando vas a la piscina te ahogas, porque la única forma de aprender es en el agua Así es la vida, estas en el océano, hagas lo que hagas Así es como vivo yo, el miedo está en la cabeza, hay que escapar de eso La verdadera acción está en el agua La experiencia de los vinilos permite conectar con músicos que jamás has conocido o conocerás ¿Recuerdas haber tenido estos sentimientos? Claro con David Bowie, Joy Division, Kendrick Lamar es profundo o War Stories de Unkle La pasión de Peter Gabriel, tengo un verdadero cariño a Can, la banda alemana, o también por Nina Simone

Pensé me dirías algo de The Doors Amo a The Doors pero prefiero a Bowie, el primer disco que tuve fue "Life On Mars" The Doors llegaron a mi muy de joven porque tenía un radio con la que podía escuchar estaciones piratas de Europa y ahí fue cuando escuché “Riders On The Storm”, tenía 10 u 11 años y me parecieron muy místicos pero no les supe apreciar bien hasta que vi la película Apocalypse Now en 1979 Recuerdo esa en la que sonaba “The End” y me dije ¡Oh, wow, qué es esto! y comencé a seguirlos Hice todo el viaje con ellos, no se si alguien más pueda decir que tuvo esta experiencia inmersiva con la banda Es profundo, a veces lo pienso y no creo haya pasado, fue un sueño dentro de otro sueño, pero me pasara Como fan, el verdadero regalo fue poder tomar algo de esencia y colocarla en The Cult, a mí y en el espacio de trabajo En lugar de preocuparme por Grammys o lo que sea, era un estudiante tratando de aprender y todavía lo hago, era más importante un momento de enseñanza que algún premio o reconocimiento Recuerdo que cuando iba a salir la pelìcula de The Doors (dirigida por Oliver Stone) estaban haciendo una fiesta en el Whiskey A Go Go y el manager de la banda me llamó y me dijo ‘Ian ¿quieres venir? Robby, Roy y John van a tocar, también Billy Idol’, fuí y me subí al escenario e hicimos “Break On Trough” y ahí fue la primera vez que toqué con ellos y nadie más vio el show Creo que hay algunas fotos, pero fue algo muy privado

Reconozco que tdavía soy un fan y me implico mucho en la escena de la música Voy a conciertos, compro discos, zapatillas Nike desde 1966, tengo colecciones, amo la ciencia ficción y estoy obsesionado con Blade Runner Blade Runner es sobre la mortalidad el ambiente y la adaptación humana, Ridely Scott estaba muy adelantado a su tiempo Amo Dune, hicieron un gran trabajo con esa película y el libro es impresionante, una experiencia diferente con los personajes Amo a Neil Gaiman y debo ver The Sandman pero con la gira no puedo, solo me da tiempo a leer algunas cosas de vez en cuando y trato de no ver nada

¿Qué le dirías a ese Ian de 10 años que escuchaba “Riders On The Storm”, que con el paso del tiempo acabaría cantando con ellos? No le diría nada Sería como golpeardo por un rayo dos veces

Hubo momentos en la que tu relación con Billy Duffy era bastante mala, ¿cómo habéis durado juntos tanto tiempo?

Respetando el espacio entre The Cult y nuestras vidas privadas The Cult es una asociación en la que los dos tenemos diferentes intereses No damos por sentado de donde venimos, porque podemos perderlo todo en un segundo Tenemos claro que debemos respetarnos Es posible que ya destrozáramos lo que tuvimos hace tiempo, pero seguimos tocando muy bien nuestras canciones antiguas y debemos ponernos de acuerdo para conseguir que siga habiendo una evolución en lo que hacemos

"me subí al escenario e hicimos

“Break On Trough” y ahí fue la primera vez que toqué con ellos y nadie más vio el show.

Creo que hay algunas fotos, pero fue algo muy privado"

Luisma Zorrilla Fotos: Promo

Los fans y los críticos decían que la música de Queensrÿche era heavy metal para pensadores incluso antes de sacar el 3 de mayo de 1988 el álbum conceptual "Operation: Mindcrime" El disco, un álbum conceptual sobre la corrupción gubernamental, la codicia corporativa y los revolucionarios de la contracultura arriesgada, no tiene precedentes y continúa siendo temáticamente relevante décadas después de su lanzamiento inicial

En la tercera canción, "Revolution Calling", la protagonista, Nikki, prepara el escenario para la historia y cita la necesidad de la acción política: " No tengo amor por los políticos ni por esa loca escena en DC es solo una ciudad loca por el poder / Pero el momento es propicio para los cambios, hay un sentimiento creciente de que es necesario arriesgarse con un nuevo tipo de visión / Solía confiar en que los medios me dijeran la verdad díganos la verdad / Pero ahora he visto los beneficios en todas partes Miro / ¿En quién confías cuando todos son ladrones? ”

Operation: Mindcrime fue un salto cuántico para Queensrÿche, un desarrollo musical y lírico de su excelente álbum de 1986 Rage for Order La banda mantuvo la intensidad cinematográfica del primero, mientras contaba una historia que involucraba a teóricos de la conspiración, asesinos, drogas, un sacerdote corrupto y varios giros de trama inteligentes

El álbum se apoyó en una presentación teatral y abrió las puertas para que otras bandas experimentaran con estructuras similares

Por supuesto, Queensrÿche no fue la primera banda de rock en contar una historia conceptual, pero fue la primera banda popular de metal de los 80 en hacerlo, y lo hizo con tacto y habilidad visionaria Operation: Mindcrime incluye muestras, segmentos actuados, aumentos operísticos y una combinación duradera de riffs descarados, ritmos de rock progresivo y arpegios acústicos que aumentan tanto los temas rockeros como las baladas Esencialmente, Queensrÿche convirtió las construcciones de ópera rock de The Who, Pink Floyd y Rush en un marco descarado y de confrontación que atrajo a los fans de Iron Maiden, Judas Priest y Dio

Musicalmente Queensrÿche estaban en plena forma, llegando a incluir un auténtico hit single llamado "I Don't Believe in Love", que hacía un constraste extraordinario junto a canciones como "Spreading the Disease" o "Needle Lies”, y el metal progresivo más experimental en “Suite Sister Mary”, "Speak” y “Electric Requiem”

En todo momento, las voces, la música y las florituras incidentales, se combinan en una sinfonía innovadora que habría dejado boquiabierto incluso sin una trama

En los años posteriores, se desarrollarían fricciones entre el excepcional cantante Geoff Tate, los talentosos guitarristas Chris DeGarmo y Michael Wilton y el batería Scott Rockenfield, pero afortunadamente, todavía en Operation: Mindcrime la química de la banda coincide perfectamente con sus habilidades musicales El proyecto fue ambicioso y dramático, pero la música no era demasiado indulgente y la interpretación se ajustó a las necesidades de las canciones no a los egos de los artistas, que a medida que iba creciendo el éxito de la banda, más iban proliferando

A pesar de lo innovador que sigue siendo Operation: Mindcrime a día de hoy, no obtuvo un éxito inmediato, y aunque debutó en el número 50 en la lista de álbumes de Billboard, tardó un año en convertirse en disco de oro en un momento en que muchas bandas comerciales de metal se estaban convirtiendo en multiplatino Finalmente se convirtió en platino en 1991 después de que interpretaran el disco en la gira de promoción de su álbum Empire de 1990 El contenido lírico del disco fue otras de las razones que cautivaron a los fans Sus canciones están llenas de letras brillantes, creativas e impulsadas por el intelecto Este álbum es capaz de poner literalmente en palabras lo que siente el personaje principal, mejor de lo que nadie podría explicar

Dieciocho años después, concretamente en el año 2006, se produjo el lanzamiento de la secuela Operation: Mindcrime II Un trabajo que metal archives com lo catálogo como "excepcionalmente aburrido"

En este caso, DeGarmo no participó en su composición y la música no logró cautivar ni cumplir con las expectativas de la mayoría de los fans incluso con Ronnie James Dio interpretando el papel del malvado Dr X en la gira en la que la banda interpretó Operation: Mindcrime y Mindcrime II uno tras otro Ambos incluyeron actores, pantallas de video y mucha potencia sónica, lo que mantuvo la atención de los fans durante todo el evento, aunque la mayoría viniera para ver el primer acto

Rush Monterrey Tribute es un proyecto que nació de vuestra pasión por el grupo de rock progresivo Rush Cuando formasteis la banda, ¿lo hicísteis con la idea de disfrutar tocando sus canciones, o porque visteis un posible mercado para monetizar el proyecto?

Iniciamos este proyecto hace 25 años al tener un gusto peculiar y predilecto por la música de Rush. En nuestros inicios como músicos aficionados, cada uno de nosotros veíamos como artistas icónicos a cada uno de los miembros de la banda original y esto se siguió alimentando a través de los años yéndoles a ver en vivo a más de 40 conciertos En la gira del álbum "Test for Echo" se nos ocurre empezar a tocar algunas canciones suyas y eso llama mucho la atención en el ámbito musical de Monterrey para después ir calando en todo México A partir de ahí comenzamos a desarrollar un proyecto en el que sólo se tocaran canciones de Rush para lograr ese reconocimiento de virtuosismo o calidad musical Posteriormente y a través de los años le hemos ido agregando ingredientes que han transformado los inicios hasta presentar un show con toda una experiencia visual que automáticamente te transporta a un show de Rush Lo hacemos todo muy conceptual y respetamos mucho la religiosidad del culto a través de la carrera de la banda durante toda su existencia, incluso llegando a usar su misma configuración de equipo. Esto hace que el show sea muy atractivo y un tributo en toda la extensión de la palabra

Hay bandas tributo que tocan las canciones exactamente igual a las originales y otras que tratan de darlas un toque diferente, más personal Vuestro caso es el primero, pero ¿no os habéis sentido nunca tentados a hacer alguna variación que revele vuestra propia personalidad como músicos?

Si, aunque respetamos mucho las versiones originales porque es lo que la gente por incredulidad, morbosidad o admiración, quiere y esto es por lo que nos viene a ver, pero en ocasiones utilizamos cambios y modificaciones que los mismos Rush pudieron haber utilizado en alguna gira También metemos un ensamble de cuerdas y violines para adornar las canciones en una gran parte del show con la idea de darle más emotividad a las canciones Esto lo hicieron los propios Rush en su última gira Clockwork Angels, aunque nosotros posteriormente lo adaptamos a más canciones También metemos aportaciones personales cortas en composiciones como, por ejemplo, "Jacob´s Leather", donde hay una atmósfera progresiva de un verso de la canción y nosotros metemos un breve arreglo musical propio De todas formas esto lo hacemos de manera muy puntual

"lo hacemos todo muy conceptual y respetamos mucho la religiosidad del culto"

A nivel de utilización de canciones compuestas por otros músicos, todo es muy confuso cuando hablamos de bandas tributo. ¿Qué trámites habéis llevado a cabo para poder usar estas canciones, así como gran parte de la imagen de marca original de Rush, sin tener problemas legales?

Sabemos que existen limitaciones legales para utilizar elementos ajenos ya registrados En este caso, nosotros nunca hemos intentado en ningún caso tratar de hacer nuestra la obra de Rush Este proyecto nace de la admiración que tenemos como músicos y fans de Rush con la intención de que la banda volteara a México y Latinoamérica para que se dieran cuenta de que aquí hay muchos fans que querían ver a Rush en directo Cuando a mediados de los 90 s se formaliza la idea en nuestras cabezas, todas sus giras se centralizaban en Norteamérica y Europa, pero nunca venían a Centro América o Sudamérica En cuanto a los derechos de autor, nosotros no nos estamos lucrando en ningún momento con la música de Rush En la obra que interpretamos, se respetan estos derechos La autoría es suya Nosotros estamos interpretando sus canciones para hacerles un homenaje y agradecerles lo que han hecho manteniendo vivo su legado Solo pretendemos honrar su herencia musical En términos legales, todo se revisó antes de dar el paso

No estamos anunciándonos como Rush, ni vendiendo un show de Rush Estamos vendiendo una puesta teatral, por decirlo de alguna manera Si tu vas a Broadway o Las Vegas, te venden una puesta en escena teatral haciendo un homenaje tributo a ciertos artistas como Elvis, Michael Jackson, etc Todo esto se lleva a cabo con una banda en vivo que interpreta esa música En nuestro caso hacemos lo mismo, pero nunca anunciándonos como un concierto de Rush. No somos una banda que vaya a sacar un álbum con ese nombre, ni tampoco estamos incurriendo en ningún delito de autoría Cada vez que tocamos, cumplimos con los sindicatos de músicos y las secretarías de espectáculos pagando los impuestos derivados

"ESTE PROYECTO NACE DE LA ADMIRACIÓN QUE TENEMOS COMO MÚSICOS Y FANS DE RUSH"

¿Qué fuentes de financiación tenéis para sostener el proyecto? He visto que la gira es bastante grande y la producción muy potente. ¿De donde sale el dinero para hacer un show tan impresionante?

En los inicios, el proyecto se financió íntegramente por nuestra parte es decir con el dinero de nuestros bolsillos, aunque nuestra idea siempre fue la de crear una estructura sólida y permanente que nos permitiera sostener nuestros conciertos teniendo en cuenta que no había intención de ganar dinero con ello. Entonces entró en escena un grupo de inversores que nos apoyaron para poder irnos financiando Desde el primer momento fuimos conscientes de que esa estructura económica debía crecer para que el proyecto pudiera prosperar, pero al inicio fue complicado La idea es que los inversionistas pudieran recuperar su dinero con el tiempo a medida de que el proyecto fuera teniendo mayor proyección Hay que decir que la nuestra es una producción cara y necesitamos llevar un equipo de personas que haga posible que todo salga bien, con lo que los costes son altos La idea es sembrar, dar a conocer la marca y obviamente para eso han hecho falta patrocinadores que afortunadamente tenemos y que poco a poco se han ido integrando al proyecto y que confían en nosotros y en lo que hacemos Rush dejó un legado de canciones compuestas durante un periodo de 50 años hasta que cesaron su actividad en el año 2018. ¿Hasta que punto os ha resultado dificil elegir el repertorio para un set de duración estándar, teniendo en cuenta la gran cantidad de hits que la banda dejó durante sus años en activo?

Nosotros hacemos dos set list diferentes, y esto depende mucho de la ciudad en la que vayamos a

tocar Cada set list tiene, como mínimo, una canción de cada álbum de la discografía de la banda Esto lo hicimos con la intención de que todo el mundo saliera contento por el hecho de que al menos una canción del álbum de su preferencia estuvo en el show Hay álbumes de los cuales solemos tocar varias canciones, como por ejemplo "Moving Pictures", que posiblemente sea uno de sus álbumes más famosos o al menos exitosos Canciones como "Tom Sawyer" o "Limelight", son composiciones que la gente siempre va a querer escuchar y que es obligatorio incluir en el set, así como otras de álbumes como "Permanent Waves" "Cool Under Fire" o "Grace Under Pressure", incluso de los últimos álbumes que publicó la banda como "Snakes & Arrows", "Clockwork Angels",

de todos hay una canción para el show Ha sido dificil elegirlas obviamente, porque a nosotros como fans y sobre todo como músicos, nos hubiera gustado incluir algunas de las más desconocidas, y a este respecto, hay veces que si las añadimos y otras veces en las que no podemos porque tenemos un tiempo limitado para tocar, aunque el show dura entre dos horas y media y tres horas con un intermedio de 15 minutos Necesitamos esa pausa que incluso los mismos rush lo hacían, para poder tomar algo de aire porque el desgaste es bastante grande y así vemos que todo funciona mejor En la segunda parte del set, tenemos el ensamble de cuerdas que ya te he mencionado y que se compone de unas 6 7 canciones y la idea es

ir montado más canciones para las próximas giras, aunque siempre vamos tirar a las más conocidas, sobre todo a las que incluyeron en la gira de "Clockwork Angels", que era cuando ellos utilizaron ese ensamble y de las cuales haremos todas o al menos la gran mayoría Ha sido muy complicado hacer el set list, pero como ya te he comentado, todo va a depender de la ciudad a la que vayamos a tocar La idea es que la gente salga lo más satisfecha posible.

¿Cual es la canción de vuestro show que más os cuesta interpretar?

"Xanadu", primero porque es una canción muy complicada y después porque Fernando, nuestro guitarrista, utiliza en esa canción la guitarra de dos mástiles Es una guitarra pesadísima Con dos minutos que la tengas colgada, notas como la espalda se empieza a cargar y eso implica un desgaste completo La canción exige movimiento sobre el escenario Al estar acostumbrado a un mástil, todo es mucho más complejo y delicado y hay variables que se complican Para Alex todas tienen su grado de exigencia, desde las más tranquilas, por su grado de exactitud, como por ejemplo "The Pass" que se convierte en una pieza dificil porque es una balada suave, pero con una exigencia enorme en cuanto a precisión y virtuosidad

Y de este lado, otra canción compleja es "Time Stands Still" que requiere unos cambios gimnásticos y progresivos con diferentes instrumentos percusivos En términos de virtuosismo o de progresivo con influencia jazzística podría decirte "Villa Strangiato" que además es muy divertida de tocar, aunque una vez más, influye el desgaste No es lo mismo tocar una canción al principio del show, que cuando es la número veintidos, cuando te estás aproximando al final del show Definitivamente, es todo un reto físico mantenerse tocando durante tres horas a este alto nivel de exigencia Nos ayuda haber hecho mucho ejercicio físico de jovenes para seguir manteniendo las condiciones óptimas de un show de esta exigencia Teo siempre dice que todas las canciones tienen su grado de dificultad De todas formas, no podemos poner las canciones más complicadas al principio del show porque de alguna manera la gente todavía no está preparada para escuchar canciones tan complejas como por ejemplo "YYZ", "Natural Science", "Xanadu" o "La Villa Strangiato", además al ser canciones tan complejas si te desconcentras en la parte donde te toca solear o hacer un fill en el que tu le das la pauta a los demás, vas a desmoronar el trabajo de todos

Geddy Lee además de un magnífico cantante, es un excelente bajista y un gran teclista en directo, y hay que reconocer que el mérito de la banda original, conformada por tan sólo tres componentes, es algo dificilmente repetible. ¿Alguna vez pensásteis en reducir el número de miembros en la banda para pareceros más a la banda original?

Nos lo suelen preguntar con mucha frecuencia En particular porque precisamente la audiencia que viene a nuestros conciertos espera que el tributo de un power trío, se resuelva con otro power trío, es decir, con una configuración que se asemeje a la original Pero tengo que decir que para poder emular a ese gran monstruo multi instrumentista que es Geddy Lee, en nuestro caso es necesario poder contar con más músicos porque no tenemos las mismas capacidades musicales de los miembros originales Teo, nuestro bajista, no tiene la capacidad de cantar como lo hace Oscar, nuestro cantante, que tiene una capacidad vocal magnífica para ello, al igual que Claudio, nuestro teclista, que posee la capacidad de recrear los sonidos de los sintetizadores de la banda original En este sentido pensamos que lo más importante es conseguir recrear de la manera más fidedigna posible las bondades creativas y musicales de Rush, por eso, actualmente tenemos la formación ideal que nos permite abarcar todos esos aspectos de una forma cómoda y eficiente, y al mismo tiempo nos ayuda a centrarnos y disfrutar de nuestros instrumentos de forma individual sin tener que preocuparnos por no ser capaces de dar el nivel que deseamos

En el año 2020 y coincidiendo con la pandemia, decidís mostrar vuestro tributo en un show on line que fue visualizado por cerca de 64 000 personas en la plataforma Facebook. ¿En algún momento considerásteis seriamente seguir con esta dinámica de haberse prolongado la alerta sanitaria y las limitaciones que sufrió la música en directo?

Comenzamos a trabajar en esta idea cuando vimos que la música en directo estaba quedando completamente paralizada y entonces nos dimos cuenta de que iba a seguir así al menos durante un tiempo Nosotros no quisimos parar y se nos ocurrió compensar la falta de conciertos con la retransmisión de uno de nuestros shows a través de esta plataforma La experiencia fue buenísima, con mucha gente viéndolo e interactuando Debo reconocerte que nos llevamos una sorpresa grande e inesperada Afortunadamente la pandemia ya es cosa del pasado y podemos volver a subirnos a los escenarios, que siempre es más cercano y experiencialmente interesante que los eventos online

¿Ahora que Rush no existen, no os gustaría prolongar su legado con la grabación de un disco que incluya canciones inspiradas en su obra?, creo que sería un reto increíble...

De momento no hay nada planificado en este sentido, aunque nuestro guitarrista Fer trabaja en temas propios junto a una banda progresiva de la ciudad, pero como proyecto a parte Ahora mismo, lo más importante para nosotros es afianzar el tributo y quizá con el tiempo iremos viendo si realmente nos apetece plantearnos otro tipo de retos Creemos que es importante tener claro que es lo que queremos hacer con Rush Monterrey Tribute para no acabar desvirtuando nuestra idea original. Este es un proyecto en el que estamos poniendo mucho de nuestra parte a nivel individual y colectivo y pensamos que mantener el foco en esa idea, es la mejor manera de poder hacer que el tributo alcance sus cotas más altas ¿Habéis contactado alguna vez con los miembros originales de la banda?, ¿Saben de vuestra existencia?. De ser así ¿nunca ha surgido la posibilidad de proponer algún tipo de sinergia a modo de colaboración?

Si que lo hicimos a través de su crew Intercambiamos con ellos material de merchandising , e incluso les hicimos entrega de varios productos locales típicos de nuestra región Sería fantástico hacer una colaboración con ellos algún día. Para nosotros es como un sueño hecho realidad Nunca se sabe lo que deparará el futuro, pero nos encantaría que sucediese algún día

"lo más importante es conseguir recrear de la manera más fidedigna posible las bondades creativas y musicales de Rush"

En Europa tenemos varios festivales de progresivo referencia en todo el mundo ¿os veis alguna vez dando el salto y probar suerte en estos festivales tan multitudinarios?

Aunque nuestra idea inicial fue atraer la mirada de la banda Rush hacia México, no descartamos la idea de poder visitar más países con este proyecto Actualmente estamos trabajando con nuestra oficina de management para crear un portfolio que nos abra otras puertas

Cada vez es más frecuente encontrar bandas tributo que son capaces de emular de forma muy fidedigna el sonido y la imagen de bandas que ya no existen, sin embargo, hay mucha polémica sobre la cuestión; “bandas tributo si, o bandas tributo no”. ¿Qué creeis que aportan las bandas tributo a la escena actual?

Nosotros somos conscientes de esta situación y entendemos la polémica, pero en nuestro caso pensamos que con Rush Monterrey Tribute estamos dando a los fans la oportunidad de ver el espectáculo de una banda icónica que desgraciadamente ha dejado de exitir y además, compartir la experiencia de la manera más parecida posible a lo que sería un concierto de esta banda, ya que compartimos muchos elementos visuales que ellos ponían en escena Personalmente, y como fan, me encantaría que muchas de las bandas que hoy ya no existen, siguieran dando conciertos para poder continuar disfrutando de ellas

Todos nosotros fuimos a muchos shows de Rush y nos hubiera encantado poder seguir haciéndolo Todas esas bandas que ya no están, pero que nos inspiraron y nos dieron una entidad como músicos, merecen ser recordadas y honradas en la forma en la que artistas como nosotros intentamos hacer cada noche que nos subimos a un escenario

Para finalizar, me gustaría comentaros que tanto en España como en el resto de Europa, han proliferado muchas agencias de booking que únicamente llevan bandas tributo, con lo que la competitividad es cada día mayor en este ámbito Para vosotros ¿qué rasgos debe tener una banda tributo para que realmente se valore por lo que trata de hacer, y qué otros rasgos debería evitar para no acabar siendo una copia barata y facilmente criticable?

Una banda tributo exitosa debe estar compuesta por músicos fanáticos que han crecido y disfrutado con la banda que van a tributar Es importante hacer las cosas desde el corazón y siempre con el perfil del fan objetivo en mente, es decir, pensando siempre en lo que este espera recibir Si como músico eres también fan de la banda, eso no te será dificil averiguarlo También es importante tomar una serie de decisiones que harán que esos fans queden satisfechos cuando vayan a ver el show Lo ideal es crear una experiencia inmersiva lo más parecida posible a la esencia misma del proyecto original. Esa experiencia será la responsable de dejar una impresión positiva Es imposible hacer creíble una banda tributo si la única motivación es el dinero Debe haber algo más Para nosotros, primero vino el proyecto y la monetización quedó en un segundo plano Sólo necesitamos mantener las infraestructuras que nos permitan llegar a la gente, creando una experiencia inmersiva y plena que haga que cada peso invertido en un boleto quede realmente amortizado por el fan que viene a vernos

Rush se juntaron en Willowdale, Toronto, Canadá, en la primavera de 1968 Esta fue la época de bandas como The Yardbirds, Cream, Led Zeppelin, Jimi Hendrix y The Who, a las que trataban de emular Sus primero integrantes fueron Alex Zivojinovich y John Rutsey, quienes en ese momento tenían 15 años Alex cambió su nombre al de Alex Lifeson porque su verdadero apellido era demasiado difícil de deletrear y pronunciar, así que "Lifeson" es la traducción al inglés de "Zivojinovich" En agosto del 68, la formación formal de Rush tenía a Jeff Jones en el bajo y la voz principal, John Rutsey en la batería y coros y Alex Lifeson a la guitarra

Consiguieron un trabajo para tocar en una cafetería llamada "Coff In", pero cuando llegó el momento de hacerlo, se dieron cuenta de que no tenían nombre Pensando ideas en el sótano de John Rutsey, no se les ocurrió nada hasta que el hermano mayor de John gritó: "¿Por qué no llamas a la banda Rush?" y a todos les pareció buena idea En septiembre del 68, Jeff Jones (bajista/vocalista) fue reemplazado por Gary Lee Weinrib La abuela de Gary tenía acento yiddish, y cuando lo llamaba Gary sonaba como si lo estuviera llamando Geddy, así que Gary Lee Weinrib, se convirtió en Geddy Lee Lindy Young se unió a la banda en enero del 69 tocando teclados y guitarras Poco después, la formación cambió su nombre a Hadrian En mayo del 69, Geddy Lee renunció a Hadrian para formar su propia banda Ogilvie entonces fue reemplazado en Hadrian por Joe Perna.

En junio del 69, Geddy Lee cambió el nombre de su banda de Ogilvie a Judd Ese mismo año, Lindy Young dejó a Hadrian para unirse a Judd A partir de ese momento, Hadrian dejó de existir Inmediatamente después Geddy Lee, Alex Lifeson y John Rutsey se volvieron a juntar como Rush En febrero del '71, se agregó a Mitch Bossi como segundo guitarrista, pero renunció en mayo del '71, por lo que la banda quedó como trío.

En 1973, Rush decidieron lanzar su primer sencillo antes de lanzar un álbum La cara A era una versión de una canción de Buddy Holly llamada "Not Fade Away" En la B, había una canción de Lee/Rutsey llamada "You Can't Fight It" Este sencillo solo fue lanzado a nivel local Ninguna compañía discográfica en Canadá produciría la música de Rush Entonces ellos crearon su propia compañía discográfica llamada Moon Records El sencillo solo se lanzó en Toronto y otras partes de Canadá por $ 0,69 A menudo se regalaba de forma gratuita Curiosamente este single vale una fortuna a día de hoy, aunque en su momento no tuvo el éxito que se esperaba

En 1974 cuando sus miembros tenían 20 años comenzaron a trabajar en su primer álbum, el cual acabó llamándose "Rush" Con él, decidieron irse de gira por Canadá El álbum no viajó mucho fuera de Toronto y la banda aún era muy desconocida, pero una copia del álbum llegó a WMMS en Cleveland Allí lo escuchó una DJ llamada Donna Halper

La canción "Working Man" la impactó notablemente y no dejó de ponerla en su programa Inmediatamente, la emisora recibió llamadas de personas preguntando cuándo saldría el nuevo disco de Led Zeppelin La gente pensó que esta banda sonaba de forma muy similar Incluso pensaron que Geddy Lee era un clon de Robert Plant El álbum ganó mucha popularidad en Cleveland debido a su rotación radiofónica Donna Halper pidió más copias del álbum para dárselas a las tiendas de discos Todas se vendieron rápidamente

Pronto, alguien de Mercury Records escuchó el álbum en WMMS y le gustó Mercury lo relanzó posteriormente para todo el mundo y la popularidad de la banda aumentó significativamente en Canadá y Estados Unidos Desafortunadamente, John Rutsey tenía ideas diferentes a Alex y Geddy sobre el futuro de la banda Su diabetes era un fuerte argumento en contra de las giras prolongadas y perdió la motivación por seguir tocando Dejó el proyecto al final de la gira canadiense, antes de que comenzara la gira americana Los miembros restantes comenzaron a buscar activamente un nuevo batería Durante un mes, estuvieron haciendo audiciones y fue cuando apareció Neil Peart, que a sus 22 años, ya era todo un virtuoso Neil era de St. Catharines una ciudad al sur de Toronto y al otro lado del lago Ontario Llevaba tocando la batería desde los 13 años

Neil comenzó tocando con algunas bandas de la secundaria antes de mudarse a Londres a principios de los 70 Allí, trabajó en una tienda llamada "The Great Fog", pero pronto se desilusionó con la escena musical británica y regresó a Canadá A Geddy y Alex les gustó su forma de tocar porque tenía un estilo de percusión muy británico, similar al de Keith Moon Neil se unió oficialmente a la banda el 29 de julio de 1974 y debutó como batería de Rush durante la gira por Estados Unidos apoyando el lanzamiento del primer álbum Geddy y Alex se enteraron de que Neil había escrito letras muy buenas que tenían que ver con temas de ciencia ficción

Después de aquella gira, llegaron a la conclusión de que la forma en la que Neil tocaba, era mucho mejor que la de John Rutsey, así que esta nueva formación se convertiría en inamovible a lo largo de los años.

Rush lanzó su segundo álbum "Fly By Night", en 1975 En este trabajo comenzaron a alejarse de las influencias de Led Zeppelin y comenzaron a fijar un estilo propio También fue en este álbum cuando Neil se convirtió en un miembro integral de la banda en términos oficiales El nuevo álbum fue un éxito aún mayor que el primero Probablemente su mejor canción fue "By Tor & the Snow Dog" que era un imaginativo cuento de ciencia y fantasía con música Geddy interpretó el papel de By-Tor y Alex interpretó el papel de Snow Dog Más tarde ese mismo año, lanzaron su tercer álbum titulado "Caress of Steel".

En 1976, el trío lanzó "2112", a menudo considerado el álbum "revolucionario" de Rush El mundo comenzó a fijarse mucho en ellos, ya que este trabajo cosechó un gran éxito Contenía la que para muchos es la mejor canción de Rush desde sus inicios; "2112" Esta composición es una epopeya sobre la galaxia ambientada en el año 2112 d C Un grupo de sacerdotes que residen dentro de los "Templos de Syringe" tienen la firme creencia de que todos son iguales y no creen en el individualismo Todos los residentes de los Templos están agrupados bajo la Estrella Roja de la Federación Solar Uno de los hombres que viven en los templos encuentra una guitarra Las guitarras habían sido desterradas durante décadas y nunca antes había visto una, pero aprende a tocarla y se la muestra a los sacerdotes. El sumo sacerdote sabe lo que es, aunque tiene la creencia de que es algo malo que destruyó la raza más antigua del hombre

Durante este tiempo, Rush desarrolló lo que sería el logo de su banda, que apareció por primera vez en este álbum El logotipo es un pentagrama rojo con un hombre desnudo frente a él Este icono simbolizaba la malvada Estrella Roja de la Federación en la canción "2112", mientras que el hombre desnudo, es el héroe de la historia Neil afirmó que representa al hombre abstracto contra la masa La estrella roja simboliza cualquier mentalidad colectivista Más tarde, en 1976, la banda lanzó "All The World's A Stage" Grabado en vivo en Toronto, el álbum incluía las mejores canciones de los primeros cuatro álbumes Geddy, Alex y Neil sintieron que habían terminado el primer capítulo A partir de entonces, cada 4 álbumes de estudio, fueron seguidos por un álbum en vivo

En 1977, Rush lanzó "A Farewell To Kings", su sexto álbum Alcanzó el Top 40 en Estados Unidos y Gran Bretaña Una de las canciones, "Closer To The Heart", tocó una fibra sensible en los corazones de sus fans y como testimonio de esto, Rush la incluyó en su segundo y tercer álbum en vivo Algunos devotos de la banda sienten que "Closer To The Heart" podría ser la mejor canción de Rush, ya que es la composición que mejor describe a la banda Podría decirse que esta composición es para Rush, lo que "Stairway To Heaven" para Led Zeppelin.

En 1978, Rush lanzó una "secuela" de "A Farewell To Kings", llamada "Hemispheres", ya que las canciones de este álbum eran una continuación de las canciones épicas de "A Farewell to Kings" Rush logró una popularidad aún mayor con "Permanent Waves" de 1980 Neil Peart ya no escribía canciones épicas, sino composiciones más cortas y menos extensas El sencillo "The Spirit of Radio" se convirtió en un gran éxito. En 1981, se lanzó el álbum "Moving Pictures", convirtiéndose en su álbum más vendido hasta la fecha por este trío También es considerado por muchos como su mejor álbum de estudio Rush obtuvo otro tipo de éxito con "Tom Sawyer", una canción que se convirtió en su nuevo y particular "Stairway to Heaven" A medida que avanzaba la década de 1980, Rush era una banda cuya popularidad estaba completamente disparada

A finales de los 80, comenzaron a reducir las fechas de las giras e incorporaron más sintetizadores a sus álbumes, bajando el nivel de octanaje de su estilo Esto es algo evidente en "Hold Your Fire" de 1987 y también en los álbumes de 1989 "A Show Of Hands" y "Presto" A principios de la década de 1990, Rush volvió al estilo de rock más pesado de sus primeros álbumes con el lanzamiento de "Roll the Bones" de 1991 y "Counterparts" de 1993 Ambos álbumes alcanzaron el Top 3 en las listas de álbumes de Estados Unidos

A lo largo de los años, los miembros de la banda encontraron tiempo para tener familia Geddy Lee se casó y tuvo un hijo y una hija y anteriormente había expresado interés en dirigir a un equipo de béisbol de ligas menores cuando no estaba de gira Neil Peart también se casó y tuvo una hija Alex Lifeson se casó y tuvo dos hijos También se sacó la licencia de piloto de vuelo En 1996, Alex Lifeson se reunió con varios miembros de I Mother Earth y Primus para lanzar un álbum en solitario en el que además, tocaba su hijo Adrian Posteriormente y después de un descanso de 18 meses, Rush lanzaron su álbum número 19 titulado "Test For Echo", el cual fue otro gran éxito

única hija

Neil Peart murió

y la banda decidieron tomarse un descanso para llorar su pérdida Posteriormente lanzaron su vigésimo álbum, "Different Stages", que también fue su cuarto álbum en vivo Durante la mezcla, Neil volvió a vivir una tragedia cuando su esposa murió de cáncer Este fue un evento terrible para la banda y los fans El álbum fue lanzado el 10 de noviembre de 1998 como un conjunto de tres discos, correspondiendo dos de ellos a sus últimas giras y el tercero a las grabaciones del tour "A Farewell To Kings" en 1978 A los fanáticos les encantó el álbum pero querían saber si iba a haber un Different Stages Tour o posiblemente un nuevo álbum de estudio en un futuro cercano La banda dijo en algunas entrevistas que aún no había nada planeado, principalmente porque Neil todavía estaba de duelo por la pérdida de su esposa e hija También se dijo que Rush no corría peligro de separarse y que debería estar haciendo álbumes durante muchos años más Para el deleite de los fanáticos, Rush lanzó otro álbum en julio de 2002 llamado "Vapor Trails" Se trató del álbum número 21 de la banda y su álbum de estudio número 17 El primer sencillo, "One Little Victory" recibió una difusión constante y una respuesta muy positiva Su gira por los Estados Unidos fue extensa y finalizó a finales de Septiembre del 2002

"Vapor Trails" fue el primer álbum de estudio que no incluía ni un solo sintetizador, órgano o teclado desde principios de los años 1970 El álbum contiene mucha guitarra, aunque carece de solos convencionales Según la banda, el proceso de creación de este disco fue muy exigente y llevó casi catorce meses hasta que se compuso Recibió buenas críticas y dio lugar a la primera gira de la banda en seis años, incluyendo sus primeros conciertos en el Foro Sol de la Ciudad de México ante más de 60 000 personas, y en Brasil, donde una vez más, tocaron ante audiencias masivas

En octubre de 2003 se lanzó un triple CD o DVD llamado "Rush In Rio" que incluye el último concierto íntegro de la gira Vapor Trails Tour, grabado en el Estadio Maracaná de Río de Janeiro el 23 de noviembre de 2002 Para la celebración de su treinta aniversario, lanzaron en junio de 2004 un EP llamado "Feedback", grabado en los suburbios de Toronto y que contiene ocho versiones de artistas como Cream, The Who y The Yardbirds, bandas que los miembros de Rush siempre han reconocido como inspiraciones En el verano de 2004, comenzaron la gira 30th Anniversary Tour, tocando en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Suecia, República Checa y los Países Bajos El 24 de septiembre de 2004 grabaron un concierto en el Festhalle de Fráncfort del Meno, Alemania, para un DVD llamado R30: Live in Frankfurt, lanzado el 22 de noviembre de 2005

Durante las entrevistas promocionales del DVD "R30 Live In Frankfurt", se reveló la intención de componer material nuevo a comienzos del 2006 En enero de ese año comenzó el proceso de composición Mientras tanto Peart comenzó a escribir las letras en su residencia del sur de California Para septiembre, Rush contrató al productor estadounidense Nick Raskulinecz para co producir el álbum. La banda entró en los estudios Allaire, en Shokan, Nueva York en noviembre de ese mismo año para grabarlo, El 14 de febrero de 2007 se anunció en su página web su título; "Snakes & Arrows" El primer sencillo, llamado "Far Cry", fue lanzado en las emisoras de radio de Estados Unidos el 12 de marzo de 2007 y llegó al puesto número dos de la lista Mediabase Mainstream y de la Radio and Records Charts

Tras anunciar una gira para el verano de 2007, "Snakes & Arrows" se lanzó el 1 de mayo de 2007 en Estados Unidos, debutando en el puesto número 3 de la lista Billboard 200 con unas 93 000 copias vendidas en su primera semana Cuando se acercaba el final de la gira, se anunció la primera aparición televisiva de la banda en Estados Unidos desde hacía treinta años. Stephen Colbert les entrevistó y tocaron "Tom Sawyer" en el programa The Colbert Report el 16 de julio de 2008 También hicieron una aparición en la película de comedia I Love You, Man

En abril de 2010, Rush entró en los Blackbird Studios de Nashville junto a Raskulinecz para grabar "Caravan" y "BU2B", dos nuevas canciones para el disco "Clockwork Angels" La mezcla corrió a cargo del ingeniero Richard Chycki en Sound Kitchen en Franklin, Tennessee El 8 de abril, tanto el sitio web de la banda como PR Newswire anunciaron que la banda iba a comenzar la gira Time Machine Tour Durante la gira tocaron el álbum "Moving Pictures" al completo, además de "Caravan" y "BU2B". Se pensó que Rush volverían al estudio después de completar el Time Machine Tour para publicar "Clockwork Angels" en el 2011 Sin embargo, Rush anunció el 19 de noviembre que iban a prolongar el Time Machine Tour El 8 de noviembre de 2011, publicaron "Time Machine 2011: Live in Cleveland", un concierto que se editó en DVD, Blu ray y doble CD del concierto del 15 de abril de 2011 en el Quicken Loans Arena de Cleveland, Ohio Rush entró en los estudios Revolution Recording de Toronto, Ontario, poco después de terminar la gira, para finalizar la grabación de "Clockwork Angels" El segundo sencillo, "Headlong Flight", se lanzó el 19 de abril de 2012

"Clockwork Angels" se publicó en Estados Unidos y Canadá el 12 de junio de 2012 y la banda inició una gira de promoción poco después El 31 de agosto de 2011 Rush cambiaron su distribuidora estadounidense Atlantic Records y se pasaron a la subsidiaria de Warner Brothers, Roadrunner Records Durante la gira europea de Clockwork Angels Tour, hicieron su primera actuación en un festival en treinta años, encabezando el Sweden Rock Festival Se grabaron las actuaciones del 25 de noviembre en Phoenix y del 28 de noviembre en Dallas, que dieron como resultado un CD/DVD/Blu ray en directo, publicado el 19 de noviembre de 2013 El 18 de noviembre de 2013, Alex Lifeson comentó que la banda iba a tomarse un año de descanso En septiembre de 2014 se anunció la publicación de la caja recopilatoria "R40" que conmemora el cuarenta aniversario del lanzamiento de su disco homónimo La caja incluye cinco álbumes en directo inéditos, además de metraje también inédito que abarca buena parte de la carrera de la banda

El 29 de abril de 2015, Alex Lifeson declaró en una entrevista que "R40" podría ser la última gira de Rush a gran escala debido a su artritis psoriásica y la tendinitis crónica de Peart. Señaló que no necesariamente significaba el final de la banda, lo que sugería la posibilidad de giras más pequeñas y actuaciones limitadas También dijo que le gustaría trabajar en bandas sonoras con Geddy Lee El 7 de diciembre de 2015, Peart declaró en una entrevista que se jubilaría Al día siguiente, Lee insistió en que las observaciones de Peart habían sido sacadas de contexto, y sugirió que estaba "simplemente tomando un descanso" Lifeson confirmó en 2016 que la gira R40 fue la última gira a gran escala de la banda El último documental de la banda, "Time Stand Still", se anunció en noviembre de 2016

El 19 de enero de 2018, Lifeson dijo: No tenemos planes de hacer una gira o grabar más Después de 41 años, sentimos que ha sido suficiente"

Neil Peart falleció el 7 de enero de 2020, a consecuencia de un glioblastoma (tipo de tumor cerebral) a los 67 años La noticia se hizo pública tres días más tarde Un año después, Lee le confirmó a la revista Rolling Stone que Rush habían "terminado" y expresó la imposibilidad de que la banda continuara sin Peart

En septiembre de 2022 Lee y Lifeson se presentaron en el concierto tributo a Taylor Hawkins en el Estadio de Wembley

En 1975, año de creación de la banda que va a ocupar el siguiente artículo, el heavy metal ya estaba dejando asomar las uñas que después se convertirían en afiladas garras pero hasta entonces la psicodelia los ritmos progresivos y el hard rock de bandas como Deep Purple y Led Zeppelin, ya azotaban al mundo Aunque, para ser honestos, otros estandartes menos mediáticos como Uriah Heep o Cirith Ungol eran parte del boca a boca colectivo, mientras que poco faltaba para que otros grandes surgiesen, ya fuesen Praying Mantis o Triumph Formaciones que fueron pieza clave para que los engranajes que componen la enorme máquina que hace funcionar a las palabras Hard Rock o Heavy Metal, perfeccionasen lo que ya era una realidad, y es la de ser partícipes del género musical menos caduco de la historia desde los últimos coletazos de los grandes compositores clásicos sin olvidarnos del jazz, el blues o el country, por supuesto

En Nueva York nacieron Riot de la mano de un jovencísimo Mark Reale uno de los virtuosos más extraordinarios pero incomprendidos de la historia de nuestra música, que uniendo su talento al increíble vocalista Guy Speranza crearon algo muy grande que en 1977 se materializó en un estupendo disco debut bajo el nombre de "Rock City" El hard n ' heavy que practicaba la banda, convencía a propios y extraños esas guitarras dobladas, una producción correcta y mucho talento dieron a luz un trabajo plagado de buenos momentos, pero que no sirvió a la banda para mucho más que darse a conocer entre los medios, y dejar inmortalizado uno de los grandes himnos que a día de hoy todavía resuenan en sus conciertos, como lo es el estruendoso y glorioso "Warrior" Y muchos se preguntan, ¿cual fue el elemento menos atrayente de Riot? Siempre he pensado, y siempre diré, aunque seguramente no sea una verdad absoluta pero si una opinión válida que uno de los errores de la banda fue usar algunas de las portadas más desconcertantes de la época innovadoras, claro que sí, pero una foca guerrera, con manos humanas, hachas o alas, no era un Eddie, o un Vic Rattlehead. Convencido de que si hubiesen dado con el marketing gráfico adecuado, ciñéndonos a lo musical, hoy hablaríamos de una banda de primerísima línea, y no de una con el status de "segundones" eternamente, lo cual da más rabia si cabe, conociendo perfectamente su historia y lo glorioso de su discografía completa L.A. Kouvaris abandona el barco para dar paso a otra enorme referencia dentro de la historia de Riot, es decir, Rick Ventura Con esa formación grabarían el que para muchos es el trabajo cumbre de la primera época de la banda "Narita", de 1979, que será la consolidación absoluta del estilo Riot a base de hits como "Wating for the Taking" responsables de su fama a nivel mundial, y de que los conciertos empiecen a aparecer de la nada con semejante trabajo editado

¿Sabéis que Capitol Reords se encargó de la edición del disco en Europa y Estados Unidos, y que Japón fue el primer pais en dar recibimiento a "Narita" de la mano de Victor? Todo parecía ir de cara para que Reale cumpliese su sueño, y cartas para jugarlas ya tenían Tan buenas además, que les sirvió para ser parte del enorme Monsters of Rock de 1981 junto a bandas como Scorpions, Judas Priest o Rainbow, entre otros Ya con Elektra, llegaría otro clásico en 1981; "Fire Down Under", que a pesar de su portada anticomercial, logra que la crítica comience a alabar cada paso que ofrecen Riot, y el tercer larga duración, publicado en febrero de 1981, se convierte por derecho propio en el favorito de los ya numerosos seguidores de su propuesta "Swords and Tequila" es un clásico instantáneo, aunque todo el trabajo muestra la originalidad, talento y fino gusto de Mark para la composición Cortes como "Outlaw", estaban totalmente adelantados a su época por sonido producción y destreza musical Una maravilla sonora la que salió de los Greene St. Recording, siendo el primer álbum en entrar en el puesto número 99 de la lista Billboard, algo nada desdeñable para una banda como Riot Lamentablemente, el fantástico frontman Guy Speranza, abandonó el line up, sin hacer de la noticia algo mediático, no explicando a sus fans los motivos

Rhett Forrester, mucho menos humilde visualmente hablando, pero muy solvente con el micro, con el que grabaron, acto seguido, "Restless Breed", editado en 1982 con un sonido mucho más duro, afilado y acorde a lo que se podía escuchar en bandas como Iron Maiden o los propios Judas Priest, pero con un sonido mucho más americano ¿power metal lo llamaban? Las etiquetas nunca les vinieron bien, precisamente por el enorme abanico que abarcaban todas sus obras "Hard Lovin' Man" arrancaba con mucha garra, pero esos Riot más cercanos a sus inicios también están presentes en otras composiciones como "Loved By You" (y su interminable jam de guitarra/armónica emulando un show en directo), en la que Rhett despliega una personalidad arrolladora

Con la formación ya asentada, Rick Ventura complementando a Reale en la composición y un vocalista en plenas facultades, sale a la venta el 14 de octubre del 83 a través de ZYX otro proyectil de puro hard/heavy como es "Born in America", que a pesar de su sonido depurado, americanizado al 200% y con auténticos trallazos como "You Burn in Me" o "Vigilante Killer", no alcanza el nivel y estatus deseado por Mark y hace que el talentoso músico decida poner punto y final a su carrera en unos Riot que sin saberlo habían iniciado un legado tan ancho, grande y fructífero como incomprendido y subestimado

La propia "Thundersteel", "Fight or Fall" o la más pesada "Sign of the Crimson Storm", son inamovibles de sus set en directo, y el álbum sería nombrado como uno de los mejores del género editados ese año, con un sonido completamente diferente al que no les llegó a encumbrar en los 12 o 13 años anteriores Además, entró en las listas Billboard, pero en esta ocasión, en el puesto 150, logrando menos éxito que su predecesor de 1983, "Restless Breed".

Casi sin que nadie lo esperase, Riot anuncian su regreso junto al bajista Don Van Stavern, Bobby Jarzombek a la batería y un tal Tony Moore como vocalista (sin ir mencionando cada cambio de los line up a partir de este punto del texto, ya que serían innumerables y abarcarían cien páginas) En 1988 sale a la venta a través de nada más y nada menos que CBS, una de las obras cumbre, no solo de su carrera, sino del heavy/power/speed, de todos los tiempos Primera maniobra queriendo alejarse de todo su pasado, en la que abandonan a su foca guerrera, para ofrecer una de las portadas más emblemáticas de la época "Thundersteel" es un álbum pionero en el uso del doble bombo, las guitarras más speedicas que se habían escuchado hasta la fecha de mano de Reale, y un vocalista de tonalidad aguda que llegaba a tonos increíbles pero cargados de feeling

Todavía con la exitosa gira en el paladar de "Thundersteel", la banda se lanzaría de nuevo al estudio para grabar el experimental, complejo y brillante "The Privilege of Power", siendo el disco que más tardaría en componerse, grabarse y editarse hasta la fecha (finalmente vio la luz en 1990), demostrando así no querer encorsetar a la banda en un género tan limitado como el heavy, el power o el speed, mejorando muchísimo la producción de la mano del propio Mark incluyendo sección de viento y dividiendo a los fans todavía más si cabe y es que, ese, precisamente, ha sido uno de los factores que probablemente han hecho que la historia de los americanos haya sido tan convulsa a nivel de ventas y aceptación Por un lado estaban los fans que amaban la etapa con Speranza, pero aceptaron la de Moore, mientras que los que habían empezado a escuchar a Riot con el mítico "Thundersteel", no terminaban de asimilar la casi progresiva y compleja propuesta de "The Privilege of Power" Como curiosidad, decir que el mismísimo Joe Lynn Turner colaboró en el tema "Killer" A partir de este momento, la inestabilidad de Reale en cuanto a sus deseos para la banda, y el inicio de una época complicada para su estilo musical, hacen que se produzca otro nuevo paréntesis en su historia

MADUREZ Y CONVULSIÓN

En 1993, Riot reaparecen reformados de nuevo con la incorporación del gran guitarrista Mike Flyntz, que venía de acompañar a la banda en la exitosa gira de Thundersteel, así como un nuevo vocalista que después daría mucho que hablar en el entorno hard rock en años venideros; Mike Dimeo, que aportaba un sabor más hard rock (al que le vino como anillo al dedo realizar la versión de "Burn" de Purple) y sofisticado al sonido de Riot, y así lanzaron su mítico "Nightbreaker", en plena eclosión del grunge Curiosamente, el álbum se lanzó antes en Japón que en el resto de países, siendo el lp editado con más portadas diferentes de la historia de la agrupación Al menos 3 oficiales y otras tantas de reediciones y versiones bootleg del álbum, se llegaron a poner a la venta

El siguiente "The Brethren of the Long House", lanzado dos años más tarde, siguió captando la atención de Japón principalmente ya sin Bobby Jarzombek a la batería, siendo sustituído por el enorme John Macaluso, y siendo, a nivel de ventas, su disco más exitoso en el país del sol naciente justo por detrás de "Nightbreaker" Su temática principalmente basada en los indios americanos, pareció gustar a los nipones, que mantienen el nombre del disco en una alta estima Para su siguiente y excepcional "Irishmore" (1997/1998, según el país), la banda gozaba de una dulce etapa, prolífica, cargada de momentos increíbles de hard rock, grandes discos y mejores críticas, y por ello, fue el momento en el que la banda contaría con un mayor número de colaboraciones de primerísima línea como la de Tony Harnell (TNT) o Danny Vaughn (Tyketto)

Decir que esos coqueteos con la cultura y la música celta, abría más el abanico de influencias sonoras de Riot, que una vez más, dejaban otro disco inmenso para el recuerdo, aunque por qué no decirlo en el artículo, el siguiente de 1999 repitiendo experiencia de estudio con respecto al anterior bajo el nombre de "Sons of Society", realmente aúna todo el potencial que Riot habían demostrado desde "Thundersteel" en un álbum que mezcla la fiereza del heavy metal en el propio tema título o la clásica "On the Wings of Life", la grandeza del hard rock más sofisticado en una intro como "Snake Charmer" (impresionante incursión de sitar del tema), o la mejor cara baladística de toda su carrera en "Cover Me" Un disco memorable, el favorito de quien escribe, que cerraría una etapa junto al siguiente "Throug the Storm", album en el que se contaría con Bobby Rondinelli en la batería y de nuevo la colaboración de Tony Harnell en el álbum (con el que además formaría un proyecto musical llamado Westworld) El nuevo álbum de la banda, por tanto, resultó más melódico, radiable y probablemente, desfasado para la prensa especializada de la época, lo que no le resta ni un poco de calidad vigente a día de hoy, dejándolo en un muy buen lugar en su discografía

Con muchas dudas sobre la continuidad de Riot, y aún con Dimeo en las voces la banda tardó nada menos que cuatro años en editar su siguiente "Army Of One" (2006), que recuperaba un ánimo más veloz y heavy para algunas composiciones como la que da título al álbum, mezclado con el espíritu más hard rockero de la banda en temas como "Blinded", resumiendo de un modo u otro, todo el amalgama de sonidos de la historia de Riot, e incluso rescatando a su foca "de la suerte" para la portada, aunque de un modo más discreto en esta ocasión, apareciendo solo como decoración de la Les Paul de la tapa delantera De nuevo, otro parón indefinido aoztaría la incertidumbre

HOLA DE NUEVO, Y AMARGO ADIÓS

Increíble En pleno auge de las reuniones, Riot deciden en 2011 regresar discográficamente con un álbum llamado "Immortal Soul", editado por SPV, en el que se reunía nada más y nada menos que la eterna formación de "Thundersteel", con nuevos temas bajo el brazo, un futuro ilusionante tras semejante discazo, y una vuelta al verdadero sonido de su trabajo insignia Lo que mucha gente no sabía ni intuía, es que el bueno de Mike Flyntz tuvo que ejecutar gran parte de las ideas de Reale en el estudio durante la grabación del lp debido a que este presentaba desde hacía tiempo la enfermedad de Crohn, encontrándose tan avanzada, que resultó letal para él, falleciendo tan solo dos meses después de la edición de este álbum, concretamente el 25 de enero de 2012, dejando así un enorme legado musical y una de las mayores lecciones de técnica, perseverancia y profesionalidad, a través de innumerables composiciones inolvidables y una discografía que podría ser la envidia de cualquier músico profesional que se precie Mark se fue de nuestro planeta por todo lo alto, dejando impregnada su alma inmortal en un disco ya considerado clásico por los fans, y que es el mayor regalo musical que pudo dejar por el camino

RIOT V – EL MEJOR DEUDOR DEL LEGADO Con ninguna intención de manchar el legado de Mark Reale y con un sentimiento de sumor respeto hacia su amigo y compañero, Mike Flyntz y Don Van Stavern reactivan Riot bajo el nombre de Riot V, como el mayor tributo en la tierra a un músico tan único e irrepetible como Mark. Acompañados por el sobresaliente frontman y vocalista Tod Michael Hall, han editado dos discos de estudio ("Unleash the Fire" y "Armor of Light"), así como un increíble álbum en directo en el que se repasan gran cantidad de clásicos de todas las etapas de Riot

Allá donde esté Mark, podrá observar como su legado, tan intenso como tremendamente ninguneado por la multitud desconocedora de su magia musical, sigue vigente, y sus inmortales temas todavía resuenan en el corazón y los oídos de unos cuantos afortunados que nos hemos topado con sus maravillosas composiciones a lo largo de esta increíble aventura llena de emociones llamada vida

Larga vida a Reale