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swiss multikulti lifestyle magazine, www.inewsswiss.com - Nr. 62 April Mai - Chf. 4.-

BIENNALE ARTE 22

ANDREAS LUETHI TRIBUTE TO ROMAN OPALKA PALAZZO BEMBO

WIR GEZEIGT IN VENEDIG

ANDREAS LUETHI TRIBUTE TO ROMAN OPALKA

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Inhalt

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editorial 5 EDITORIALE GABRIELLA GROPPETTI 7 editoriale Pina Bevilacqua 9 Editorial by brian basnayake 11 editorial carla bordoli crivelli visconti ARTE 2 ANDREAS LUETHI 12 ANDREAS LUETHI 16 DIPINGERE L’INFINITO ANDREAS LUETHI 29 art basel 30 Andreas Luethi 32 Der Künstler Andreas Luethi PRÄSENTIERT an der Biennale in Venedig TRIBUTE TO ROMAN OPALKA im Palazzo bembo 34 Andreas Luethi’s “Tribute to Roman Opalka”: The Search for Infinity through Art 36 Galerie REITZ Zürich 40 ANTONIO CAMPANILE ART PUBLISHER AND ART MANAGER 42 La Biennale Arte di Venezia 44 Padiglione svizzero alla 59. Esposizione Interna zionale d’Arte La Biennale di Venezia 46 European Cultural Centre 48 The Milk of Dreams: From Children’s Books to Premier Art Exhibition 50 Masoud Akhavanjam “Conflictus” 52 FACE TO FACE. PICASSO AND THE OLD MASTERS 54 EIN KUBISTISCHES MEISTERWERK VON PICASSO, DER RUDERER VON 1910, WIRD ALS GASTKUNSTWERK IM MUSEO PICASSO MÁLAGA AUSGESTELLT 56 CARLO CIUSSI LA METAMORFOSI DEL COLORE 58 fuego y luz 60 From 2022, the art fair ART INTERNATIONAL ZURICH will once again be held at the Zurich Convention Center (Kongresshaus) 63 MUMMENSCHANZ mit «50 Years» auf Schweizer Jubiläumstournee 64 Roma Arte in Nuvola: presentato il programma della nuova fiera nella Capitale 66 KUNSTHAUS ZÜRICH PRÄSENTIERT JAHRESPROGRAMM 2022 70 Albert Pinya - Baag undi MUSICA 72 THE ROLLING STONES ARE BACK IN EUROPE THIS SUMMEr cinema 78 Una Femmina ENOGASTRONOMIA 79 peppe zullo COMMUNICATION 74 Il Mulinum di Caccavari 77 Coop sulla via del successo anche nel 2021

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Impressum Verlag

Antonio Campanile

Editorial Direktor Pina Bevilacqua

Testimonial VIP Direktor Marketing Salvo Buttita

Chefredaktor

Gabriella Groppetti (deutsche Redaktion) Heidi Giuliani (deutsche Redaktion) Bryan Basnayake (englische Redaktion) Luisa Pavesio (italienische Redaktion)

Director Ereignisse Piero Melissano

Redaktion

Sabrina Tortomano Luana Nocco Antonella Montesi Pietro De Seta Palma Bucarelli Beatrice Feo Filangeri Gianni Motori Mariella Nica Antonella Millarte Eugenio Forestrieri Pino Laudano Erika Ventura Laura Lamarra

Redaktion Chur Cosimo Vonghia

Inews Salento Thomas Lang Marco Montini Massimiliano Teramo Rocco Delli Colli Gianni Barone Dalia Sgarbis Vincenzo Muni Italo Caroli Salvatore Tramontana Rita Albrecht Bruno Sonetto Isabella Pileri

Social Media Manager Antonio Sellito

Redaktion Tessin - Via Peri Lugano

Rita Albrecht Antonio Varrica

Ludovico Gentile Nicola Cathieni

Redaktion Vienna Erich Bauer

Redaktion Basilea Vito Di Biccari Basilea Piero Esteriore Mimmo Esteriore Salvo Buttita

Paola Terranova Michele Ferrante Davorka Zguric

Redaktion mosca Antonella Rebuzzi

Redaktion Rom Alfonso Benevento Michele Viola

Brenda Liquadri Angela Verde

Redaktion Mailand

Eugenio Forestieri Marco Renzi Marketing &PR Italia Marlen Airoldi Milano

Redaktion Turin Francesco Mescia

Redaktion Sizilien Francesco Di Dario

Rita Pennisi

Redaktion Apulien Eustachio Cazzorla Domenico Potenza

Nicola Tramonte

Redaktion PARMA Giuseppe Laudano

Redaktion bologna Simona Artanidi

Redaktion ORSARA-FOGGIA-PUGLIA Eustachio Cazzorla Brenda Liquadri Nicoletta Altieri Redaktion BRASILE E SUD AMERICA Sheila Fisler Public Relations Daniella Cabral Sales Manager Marketing/ Werbung antonio@campanile.ch

Graphics: Morena Fiorucci Art Director: Paolo Ugolini Web Master: Claudio Giuliani PHOTOGRAPHER Claudio Giuliani Rocco Lamparelli Lino Sprizzi photos-people.ch Francis Bissat Patrick Frischknecht

Nuccio Mastrogiacomo Patrizio De Michele Nicola Tramonte www.fb-photografie.ch Daniele Maiolo

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VCT - Herostrasse 9 - 8048 Zürich

Verlag

MEDI@PRESSE SWISS Agency Marketing & Communication i NEWS swiss life style magazine Dübendorfstrasse 192 8051 Zürich Switzerland Swiss Tel. 0041 79 405 39 85 Italy Tel. 0039 334 839 3583 Inews: Zürich-Roma-Berlin-Mosca-Marbella-Como www.campanile.ch www.inewsswiss.com Abbonamento / soci CHF 100.Monatliche Ausgabe

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Liebe Leserinnen, Liebe Leser, Bewusst umgehe ich in hier die schwierigen Themen über belastende Ereignisse die uns seit über zwei Jahren begleiten. Man mag es einfach nicht mehr sehen, hören oder lesen - Die „Bad News“ über die Pandemie oder den Ukraine/Russland-Krieg mit Auswirkungen auf das ganze Weltgeschehen. Momentan bleiben in Zeitungen oder Magazinen nur noch wenige Seiten übrig will man sich bewusst von bedrückenden Ereignissen distanzieren. Es hat nichts mit Schadenfreude zu tun wenn man dann halt liest was den „Schönen und Reichen“ das Leben schwer macht und nimmt diese persönlichen Katastrophen mit Kopfschütteln zur Kenntnis. Beispiel Linda Evangelista, gefragtes Topmodel mit „vollkommener Schönheit“ wie in der Vogue zu lesen war. Ihr blendendes Aussehen war ihr Kapital das sie mit einer Beauty-OP perfektionieren wollte. Fazit war, dass diese Fettreduzierung richtig schief ging und der einst wunderschöne Körper so verunstaltet wurde dass sich Linda sieben Jahre lang völlig von der Öffentlichkeit zurückzog und jetzt den Beautykonzern auf 50 Millionen Dollar Schadenersatz verklagt. Oder das durch Krisen und Skandale erschütterte Königshaus der Windsors mit Palästen und enormem Reichtum. Der ehrenswerten Queen Elisabeth bleibt nämlich seit längerem nichts erspart: Prinz Harry und seine Meghan verunglimpfen aus den fernen USA die Monarchie, Lieblingssohn Andrew sass wegen Sexskandalen schon mit einem Bein im Knast und konnte der Haft nur mit einem teuren Vergleich (vermutlich aus der Privatschatulle der Königin) entgehen. Auch der Dauerlächlerin Heidi Klum ist es momentan nicht so ums Fröhlichsein denn zwischen ihr und Vater Günther herrscht Funkstille. Postete der Gute doch einen zehn Jahre alten Familienschnappschuss mit seinen vier Enkelkindern. Die oft halbnackt abgelichtete Heidi empfand dies als Affront denn sie wil entscheiden wann und wie ihr Nachwuchs der Öffentlichkeit gezeigt werden soll. Manchmal denke ich: Solche Sorgen möchte ich haben. Weit weg von Krankheit, Armut, Existenzverlust oder Heimatvertriebenheit pflegen diese von uns manchmal beneideten VIPs ihre Unpässlichkeiten in medienwirksamer Form und zählen gar noch auf unser Mitleid. Liebe Leserinnen und Leser: Bleiben Sie interessiert, hoffen Sie auf dass das Gute gewinnen möge und vielleicht wird der baldige Frühling mit Helligkeit und höheren Temperaturen etwas Wärme in unser Gemüt bringen. Ihre Gabriella Groppetti PS. Auch schöne Kunst ansehen sorgt für gute Vibes: Vom 23. April bis 27. November 2022 sind an der Biennale Venezia fünf grossformatige Exponate des Schweizer Künstlers Andreas Luethi ausgestellt.

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Impressum Editore

Antonio Campanile

Direttore Editoriale Pina Bevilacqua

Testimonial VIP Direzione Marketing &Pubblicità Salvo Buttita

Capo Redattore

Gabriella Groppetti (deutsche Redaktion) Heidi Giuliani (deutsche Redaktion) Bryan Basnayake (englische Redaktion) Luisa Pavesio (italienische Redaktion)

Direttore Eventi Piero Melissano Inews Salento

Redazione

Thomas Lang Marco Montini Massimiliano Teramo Rocco Delli Colli Gianni Barone Dalia Sgarbis Vincenzo Muni Italo Caroli Salvatore Tramontana Rita Albrecht Bruno Sonetto Isabella Pileri

Cosimo Vonghia

Antonio Sellito

Social Media Manager Redazione Coira (CH)

Redazione Ticino - Via Peri Lugano Rita Albrecht Antonio Varrica

Ludovico Gentile Nicola Cathieni

Redazione Vienna Erich Bauer

Redazione Basilea Vito Di Biccari Basilea Piero Esteriore Mimmo Esteriore Salvo Buttita

Paola Terranova Michele Ferrante Davorka Zguric

Redazione mosca Antonella Rebuzzi

Brenda Liquadri

Redazione Roma

Alfonso Benevento Michele Viola

Angela Verde

Redazione Milano

Eugenio Forestieri Marco Renzi Marketing &PR Italia Marlen Airoldi Milano

Redazione Torino Francesco Mescia

Redazione Sicilia Francesco Di Dario

Rita Pennisi

Redazione Puglia Eustachio Cazzorla Domenico Potenza

Nicola Tramonte

RedaZIONE PARMA Giuseppe Laudano

RedaZIONE bologna Simona Artanidi

RedaZIONE ORSARA-FOGGIA-PUGLIA Eustachio Cazzorla Nicoletta Altieri

Brenda Liquadri

RedaZIONE BRASILE E SUD AMERICA Sheila Fisler Public Relations Daniella Cabral Sales Manager

Marketing/ Pubblicità antonio@campanile.ch

Grafica: Art Director: Web Master: Fotografi Claudio Giuliani Rocco Lamparelli Lino Sprizzi photos-people.ch Francis Bissat Patrick Frischknecht

Morena Fiorucci Paolo Ugolini Claudio Giuliani Nuccio Mastrogiacomo Patrizio De Michele Nicola Tramonte www.fb-photografie.ch Daniele Maiolo

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Tipografia

VCT - Herostrasse 9 - 8048 Zürich

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È ‘tempo’ di fare Export da record nel 2021 per gli orologi svizzeri, che hanno raggiunto i 22,296 miliardi di franchi di fatturato (21,47 miliardi di euro), con un aumento del 31,2% rispetto al 2020 e del 2,7% rispetto al 2019, superando, quindi, i livelli pre-pandemici e battendo, sia pure di poco (+0,2%), il record precedente, realizzato nel 2014. Considerando l’andamento 2021 dei principali mercati dei segnatempo elvetici rispetto al 2019 (Stati Uniti +27,8% e Cina +48,8%, seguiti da Hong Kong -20,7%, Giappone -11,9%, Regno Unito -2,4%, Singapore +0,6%, Germania -5,9%, Emirati Arabi Uniti +6,4%, Francia -11,2%), pure l’Italia (-11,5%) è in positivo sul 2020 e riesce a mantenere il decimo posto, pur non ritrovando ancora i livelli pre-Covid. Insomma, buone notizie per la nostra industria orologiera, che origina l’1,5% del prodotto interno lordo nazionale; che rappresenta la terza industria d’esportazione del Paese, dopo i prodotti farmaceutici e le macchine utensili; che nei Cantoni di Neuchâtel, Berna, Ginevra, Soletta, Giura e Vaud (dove genera oltre il 90% del valore aggiunto del settore), attraverso 700 aziende, crea quasi 60.000 posti di lavoro e buona parte degli oltre 100.000 generati in tutta la Svizzera dall’indotto. Certo, siamo ancora lontani dai quasi 90.000 dipendenti delle 1.500 aziende attive alla fine degli anni ‘60, quando l’orologiera nostrana ha raggiunto il suo picco di produzione. Ma anche dai 30.000 dipendenti sopravvissuti alla crisi della metà degli anni ‘80, partita una quindicina di anni prima con l’avvento degli orologi al quarzo asiatici. A cui, però, l’orologeria svizzera ha saputo prontamente rispondere con la produzione di modelli di massa e, dagli anni 2000, cavalcando l’interesse esponenziale mostrato per i modelli di lusso, in particolare nei Paesi emergenti; arrivando, così, a superare nel 2019 i 21 miliardi di franchi di esportazioni. All’inizio della pandemia da noi si prevedeva un calo dell’export orologiero dal 25 al 30%, e invece poi non c’è stata una débâcle, ma il rimbalzo. Rimbalzo che, secondo i dati raccolti dalla nostra prestigiosa agenzia internazionale di media & business MEDI@PRESSE SWISS AG, avrà un’onda lunga. Sempre più lunga e più alta se ci sapremo fare. Cordiali saluti Pina Bevilacqua

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Impressum Editor

Antonio Campanile

MANAGING EDITOR Pina Bevilacqua

Testimonial VIP DireCTOR Marketing /ADVERTISING Salvo Buttita

CHIEF EDITOR

Gabriella Groppetti (deutsche Redaktion) Heidi Giuliani (deutsche Redaktion) Bryan Basnayake (englische Redaktion) Luisa Pavesio (italienische Redaktion)

DIRECTOR EVENTS Piero Melissano Inews Salento

EDITORIAL BOARD Sabrina Tortomano Luana Nocco Antonella Montesi Pietro De Seta Palma Bucarelli Beatrice Feo Filangeri Gianni Motori Mariella Nica Antonella Millarte Eugenio Forestrieri Pino Laudano Erika Ventura Laura Lamarra

Thomas Lang Marco Montini Massimiliano Teramo Rocco Delli Colli Gianni Barone Dalia Sgarbis Vincenzo Muni Italo Caroli Salvatore Tramontana Rita Albrecht Bruno Sonetto Isabella Pileri

Cosimo Vonghia

Antonio Sellito

Social Media Manager EDITORIAL BOARD IN CHUR (CH) EDITORIAL BOARD IN Ticino Via Peri Lugano Rita Albrecht Antonio Varrica

Ludovico Gentile Nicola Cathieni

EDITORIAL BOARD IN Vienna Erich Bauer

EDITORIAL BOARD IN Basilea Vito Di Biccari Basilea Piero Esteriore Mimmo Esteriore Salvo Buttita

Paola Terranova Michele Ferrante Davorka Zguric

EDITORIAL BOARD IN mosca Antonella Rebuzzi

Brenda Liquadri

EDITORIAL BOARD IN Roma

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EDITORIAL BOARD IN Milano Eugenio Forestieri Marco Renzi Marketing &PR Italia Marlen Airoldi Milano

EDITORIAL BOARD IN Torino Francesco Mescia

EDITORIAL BOARD IN SicilY Francesco Di Dario

Rita Pennisi

Redazione Puglia Eustachio Cazzorla Domenico Potenza

Nicola Tramonte

EDITORIAL BOARD IN PARMA Giuseppe Laudano

EDITORIAL BOARD IN bologna Simona Artanidi

EDITORIAL BOARD IN

ORSARA-FOGGIA-PUGLIA Eustachio Cazzorla Brenda Liquadri Nicoletta Altieri

EDITORIAL BOARD IN

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GraPHICS: WEB MASTER: Web Master: PHOTOGRAPHY Claudio Giuliani Rocco Lamparelli Lino Sprizzi photos-people.ch Francis Bissat Patrick Frischknecht

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PRINT: VCT - Herostrasse 9 - 8048 Zürich PUBLISCHER: MEDI@PRESSE SWISS

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Dear Readers, The mildest January in living memory is already behind us this year. February started in the same vein, treating us to gloriously sunny days with crisp air and above-average temperatures. Walking in the sunshine never felt cooler and wholesome to both body and soul. Yet, tucked away at the back of the mind is somehow the realization that not everything is perfect, even in such delightful weather. One cannot but wonder if this beautiful weather is, after all, a gentle reminder of the looming climate change crisis or, worse still, a harbinger of an approaching disaster. Whatever the weather or climate change worries people may have, many of us are still preoccupied with the pandemic and its devastating consequences. When it is not in the forefront of news and daily discussions, it is still hugely in the background, ready to create havoc and then steal the front pages and lead the news broadcasts over and over again. Thankfully, the latest variant of the Covid-19 virus, labelled Omicron, has proved to be less virulent while being far more infectious than its predecessors. The infection rates shot up alarmingly from the inception. Still, the fearfully anticipated wave of hospitalizations did not materialize, nor did, indeed, a sudden rise in the death count – much to everyone’s relief. The reduction in potency of the latest variant of the virus and the successful, widespread uptake of vaccines have strengthened the will of many European governments to drop the mandatory Covid-19 restrictions. In an apparent nod to the notion of herd immunity, no doubt! The high levels of fully vaccinated people in their respective populations have given those governments the confidence to rely on herd immunity as the way out of the onerous restrictions induced by the fight to contain the pandemic. The combination of the availability of vaccines and increasing pressure to open the economies has decisively encouraged the governments to do away with all the regulations related to Covid-19. Instead, they are now concentrating on repairing the damage to their economies. The high costs to the economies have made governments nervous of a future burdened with debt and few options to accelerate growth whilst adhering to emissions targets and pledges. The stark contrast between the “free-for-all” Western liberal societies and “the compliant” populace across the rest of the world could not have been more evident during this pandemic than at any other time. The compliant societies took to economic hardships and lockdowns, along with personal and social restrictions, with a certain stoicism. However, people in the West show increasingly aggressive reactions to the same restrictions designed to combat the virus and protect the vulnerable against certain death. Clearly, deeply divided societies in the West have made life in the time of the pandemic a battle between personal freedoms and community interests. Perhaps, it is an indication of the growing indifference in the West to the deepening poverty and human suffering amidst wars and violent conflicts in other parts of the world while sensational scientific and technological development continues in the West. However, the gradual return to normalcy is a welcome antidote to all the privations of the pandemic-induced restrictions. It is undoubtedly a sentiment shared by most people, whatever their views of the pandemic. The true losers of the lockdowns and other restrictions – various business owners and people engaged in entertainment and cultural activities and many others – and the general public will equally share the delight in participating in the much yearned for social life. We take this opportunity to wish you the very best as you step out to face this momentous return to normality and hope that you will enjoy reading the contents of this issue too. Yours sincerely, Brian Basnayake iNEWS

Impressum Editor

Antonio Campanile

Managing Editor Pina Bevilacqua

Testimonial VIP DIRECTOR DE MARKETING Y PUBLICIDAD

Salvo Buttita

JEFES DE REDACCIÓN

Gabriella Groppetti (Redacción alemana/deutsche Redaktion) Heidi Giuliani (Redacción alemana/deutsche Redaktion) Bryan Basnayake (Redacción inglesa/englische Redaktion) Mursia Petrachi (Redacción italiana/italienische Redaktion) Carla Bordoli Crivelli Visconti (Redacción española/spanische Redaktion) Luisa Pavesio (italienische Redaktion)

eventos Directora Piero Melissano

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REDACCIÓN

Daniela Corti Cristiana Corti Gabriele Beate Hefele Juan Miguel Fernández Pérez Luana Pavesi Sofia Beatrice Monti Luciano Pappalardo Pasquale Balestriere María José Camacho Pérez Corina Butas Vania Penha da Silva Rosario Martínez Rodríguez

INFORMACIÓN en alemán, COSTA DEL SOL Gabriele Beate Hefele (periodista)

REDACCIÓN BRASILE EN SUD AMERICA Sheila Fisler Daniella Cabral

Public Relations Sales Manager

MARKETING/PUBLICIDAD

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RELACIONES PÚBLICAS

Luana Pavesi (marketing/PR/comunicación)

Fotografía Antonia Guerra Eugenio D'Hamo

INFORMACIÓN MÚSICA Y EVENTOS Sofía Beatrice Monti (cantante y relaciones públicas)

MODA, IMAGEN, TENDENCIAS María José Camacho Pérez (hair stylist) Vania Penha da Silva (beauty consultant)

GASTRONOMÍA NACIONAL E INTERNACIONAL

Bruno Filippone Luciano Pappalardo (Chef) Pasquale Balestriere (Chef) Zulay Gómez Carrera (ayudante Chef y control aprovisionamiento)

INFORMACIÓN ECONOMÍA Y FINANZAS Juan Miguel Fernández Pérez (derecho y fiscalidad) Eduardo V. Luján

COLABORADORES WEB Y REDES SOCIALES Vincenzo Ottavio Pesce (web&community manager) Lidia Moreno Aguilar (community manager) Corina Butas (social networker)

INICIATIVAS SOCIO-CULTURALES Rotary Club Estepona Sotogrande International

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Queridos lectores: Seguimos siempre adelante, luchando con esa increíble capacidad de resiliencia que tenemos los seres humanos. El planeta está absolutamente revuelto, entre desastres naturales, protestas en las calles de casi todos los Países del Mundo, situaciones diferentes en cada punto geográfico, a nivel sanitario, opiniones diferentes, científicos debatiendo, políticos discutiendo, policía y militares en alerta. ¿No se sienten ustedes también como a la espera de algo? No sé…esperemos que sea algo bueno, aunque los indicadores dan a entender que llegará una grave crisis. Creo que los más afortunados serán quienes tengan su campo de cultivo en las afueras del caos de las ciudades… Pero la vida sigue, y nuestro día a día está precisamente en seguir adelante, en luchar siempre positivos, para buscar la luz al final del túnel de estos casi dos años de pandemia. En la Costa del Sol, el trabajo no falta, somos muy afortunados, no sólo porque el turismo se reactivó y aún sigue con la temporada del golf, sino además porque el sector de la construcción está muy activo. Seguimos teniendo un clima veraniego, rozando los 30 grados, por lo que el tema sanitario también sigue bajo control, ya que no parece otoño, temporada de gripe. Las exposiciones culturales en toda la provincia de Málaga y en toda Andalucía siguen su programa, además hemos tenido este año ferias de pueblos, aunque no tan llenas de gente por las precauciones debidas a la pandemia. Pero ha sido un año muy parecido a nuestra vida anterior al Covid 19, gracias a Dios. Sigo pensando que el sol, que nos ayuda a tener vitamina D, y un fuerte sistema inmunitario son nuestras primeras armas contra cualquier tipo de enfermedad, y aquí, desde luego, no falta el sol… precisamente el fin de semana pasado, ¡había mucha gente en la playa todavía! Increíble, pero cierto. El otro día estaba leyendo sobre las increíbles propiedades del agua de mar. Buscaré algo más de información y más adelante les escribiré sobre este tema más en detalle. ¡Nunca se deja de aprender! Les esperamos, lo saben, para disfrutar de nuestras playas, de nuestras ciudades, de nuestros museos, de nuestros campos de golf, de las iniciativas de ocio y cultura de nuestros ayuntamientos. La Costa del Sol siempre es un verdadero paraíso, una burbuja de bienestar en un mundo hoy muy complicado. Nuestros mejores deseos, a todos ustedes, de mucha salud, felicidad, y serenidad, con la esperanza de un último trimestre de este año hacia el fin de la pandemia y del temor a la enfermedad. Y no olviden que después de la oscuridad, siempre llega la luz. Un saludo cordial, Carla Bordoli Crivelli Visconti www.inewsswiss.com

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VITTORIO RASCHETTI

Andreas Luethi

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Andreas Luethi

na visione richiede meditazione: nessuna più raffinata di quella sui numeri, pitagorica e neo-platonica chiave di accesso a verità misteriose, dottrine antiche che non suggeriscono facili risposte, ma, come i miti, pongono domande, interrogano i problemi ogni volta moderni, suggerendo sempre la via più complicata e salda. Una mistica dei numeri capace di svelare il senso del mondo, di risvegliare il desiderio della verità tracciata dal lento ma sicuro disporsi delle cifre nello spazio seguendo un ordine dettato dalle qualità metafisiche inscritte nel mistero dei numeri. Rispecchiarsi, incontrarsi a distanza col grande maestro Opalka, è - per Andreas Luethi - una sfida che rispetta e omaggia il modello e si protende oltre il recinto concettuale, mantenendo il rigore del grande artista - per riuscire nell’impresa ambiziosa di attualizzarlo in un omaggio che non è solo citazione, prestito o pastiche, ma autentica osmosi dello stile per restituirne la forza, la potenza concettuale della poetica di Opalka, riscaldata dalla temperatura psicologica della vibrazione cromatica di Luethi: una cosmogonia di colori che si irradiano da una fitta distesa di numeri in un enigmatico intreccio di cifre significanti. Opalka si offriva in una dilatata agonia dell’infinito siderale dell’Io a confronto col grigio dell’essere e il tempo: nel bianco senza sbiadire, nel bianco senza sbagliare. In Luethi la visione an-iconica del maestro franco polacco si dischiude sul ritorno a una possibile raffigurazione del mondo mediata da una post-pittura di campi armonici che risuonano su superfici vibranti di velature trafitte da linee affilate attraversate da uno sciame di segni liberi e mobiliti che scalfiscono la superficie incidendo e mappando una cartografia ipersensibile del foglio mondo. Specchiarsi nel volto del maestro rivela i lati eccentrici di una singolarità ottica, un salto logico dell’immagine attraverso un passaggio segreto, una porta della percezione dove l’immagine si mostra ribaltata non in un mondo alla rovescia, ma nel rovescio di un mondo: un salto dimensionale in un multi-verso che tiene insieme due artisti diversi nella sensibilità e nelle biografie ma uniti nel corrispondersi, nel rinviarsi, nel consegnarsi il testimone di una sfida impossibile e parossistica. Opalka e Luethi sono come due atleti di uno sport estremo, entrambi percorrono in solitaria un cammino a piccoli passi sul filo del paradosso, rischiando i nervi in una sfida col fraintendimento e la perdita di concentrazione. Aria di famiglia, ma anche poetiche analoghe nell’origine e differenti nei corollari, Opalka e Luethi condividono quella hegeliana “fatica del concetto” rimodulata in “fatica del numero”, immersi nell’estrema concentrazione del controllo della progressione numerica che caratterizza in senso performativo entrambe queste ambiziose e preziose opere-mondo. “Nullum die sine linea”, ogni giorno un nuovo tratto simile, ma differente e ulteriore, ogni giorno un nuovo tratto che è il sismografo di una tensione, il cardiogramma della passione vitale dell’arte che non si arresta, che procede inesorabile nel conto alla rovescia fino alla fine. Il numero simbolico la cifra perfetta che rappresenta il compiersi della profezia del settanta volte sette. Anche la poetica di On Kawara con i suoi dipinti esistenziali che registrano fedelmente il tempo, la data, rappresenta un punto di riferimento per esplorare il tema metafisico dell’opera dalla sua unicità temporale e della sua iterativa modalità come strumento per esplorare idee con l’arte. Insieme globali, estenuanti e claustrali, opere meditative che distillano un senso di attesa, una apnea della mente sospesa nell’assenza, un esercizio di etica zen minimalista di tao dell’autocontrollo. Artisti come miniaturisti, come amanuensi che riscrivono libri sapienziali dettati da una saggezza superiore, una intelligenza aliena e divina. Tempi oscuri chiedono la luce della auto-evidenza cristallina del numero come guida alla verità. La lenta estenuante pratica del gesto di numerazione è una ripetizione differente di addizione di senso a una serie di numeri che indicano con la loro pura presenza posizionale un luogo del tempo, uno spazio di purezza deittica in grado di indicare una irriducibile identità dell’evento dell’inscrivere la cifra dell’essere sulla tavola della vita. Impietosamente attraversato da una corrente di ripetizione, il diventa un arabesco in movimento, innominabile, indicibile, tessuto afono, eccentrico, estatico dell’Io. Reiterato, differito e ferito in una progressione che non lascia scampo. Vacillanti vettori calligrafici scagliati oltre la coabitazione con la propria cifra auto-referenziale, alfabeti atavici,

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disseminazioni di sequenze inarrestabili di cifre che slittano su dune di mari di sabbia. Senza dire, senza tacere. Vegliati da nebulose di condensate in tracce rapprese, tra alfabeti disseminati con nervosa, insperata, pazienza. Tracciare è un gesto virale, un esercizio vitale di resistenza, una prova ontologica di esistenza. Il segno del numero costituisce, attraversa, eccede, sfidando qualsiasi appropriazione definitiva. Oltre l’assioma dell’identità autoreferenziale, occorre sporgersi nella distanza, sostando ai bordi del proprio sapere, oscillando sulla soglia che separa l’essere dal nulla, lasciando trascorrere tutto. Già differenti, dissimili, distanti avvolti da invasioni di velature di colore. Sotterranei, sottocutanei: reversibili antimondi numerici possibili gettati oltre il baricentro di una progressione infinita. Strati impazienti tra dissolvenze e sovra-impressioni. Sotto-testi e trasparenze di sottili filigrane. Vibrazioni ed effrazioni di numeri custoditi in profondità silenziose ed indicibili rinchiusi. Una corrente di colore che si nutre dei fantasmi dell’immaginazione per tempestare di cifre-segno lo strato epiteliale della superficie sensibile delle tele creando una texture di numeri che agiscono come vettori di senso. La tela è uno spazio potenziale, un centro di attenzione, un campo di ricezione dove incubare tutta la tensione della nostalgia della totalità profonda. Se il mondo è aperto, un corpo di connessioni infinite, l’opera è una macchina interiore introflessa dentro i propri misteri inenarrabili di implicazioni e risonanze implicite nel concatenamento di cifre ed immagini. La visione è innocenza e purezza di rapporti formali tra immagini allo stato nascente che si offrono in un gioco di composizioni sempre varianti. Composizioni secondo un ritmo di piani, di alternanze di grafie superficiali, di texture, di vibrazioni di linee a intensità differenti, di risonanza con campi cromatici isolati ed intensi che esalano emozioni. Reperti di ricordi, geometrie ritrovate nei vissuti interiori. Simmetrie nascoste e combinazioni di impulsi costruttivi non transitori. Spazi di prossimità. Incontri non casuali di linee protese oltre i vuoti e le forme latenti. Strategie di frammentazione e ricomposizione su campi di intensità differente. ria, asimmetria, ordine, disordine, equilibrio e squilibrio. Tratti ortogonali, incroci obliqui, vicini e stratificati, non un gruppo di parti isolate, ma una serie di rapporti, dove ogni trama è in relazione con un’altra adiacente dove le forme astratte si espandono e interagiscono tra loro. Onde di numeri che sono architetture della mente, icone polivalenti adatte per tutti i culti, prive di dogmi, ma ispirate dal culto della pura bellezza di idee platoniche. Una lentezza immersa nella precisione, pura felicità dell’astrazione di essenze incastonate nell’auto-evidenza tautologica ed identitaria di numeri uguale solo a se stesso. Riverberi di immagini e colori, apparizioni in sospensione, liberi dal dovere di convincere sulla propria realtà e di contaminarsi con l’apparenza del mondo. Non per inesattezze e illusioni, ma attraverso lucidi calcoli mentali si raggiunge la bellezza della precisione oltre l’impressione vacua della realtà. Uno spazio intensivo più che estensivo determinato da una tensione significate che mostra un modo di essere dello spazio fondato su stringhe di numeri concatenati in una giustapposizione per accumulazione e vicinanze, peer orientamento e raccordo. Una spazialità solo apparentemente immobile. Esigente, ma che sottintende una linee di fuga compresa tra spazi intermedi che si sottraggono alla configurazione di forze visive sigillate dentro l’ordine di generazione di serie secondo regole inflessibili. L’essenza insieme spaziale e temporale nella fenomenologia del numero rappresenta una chiave gnostica per avvicinarsi asintoticamente, per incamminarsi sul sentiero della verità. Andreas Luethi, con le sue opere, riesce a ricomporre la dicotomia “esprit de geometrie – esprit de finesse”, in una sintesi geometrica della sensibilità, dove la geometria ritorna ad appartenere al mondo della vita e delle sue pulsazioni vitali. Nell’interno più potente, fatto di forme simboliche perfette, ordinate e cristallizzate nella precisione congelata, sembra quasi sfuggire la vita, ma è solo una effimera impressione, perché proseguendo nell’attenzione veniamo raggiunti da richiami e sottintesi e anche da finestre sigillate può esalare la vita. Una vena di lucida follia che nella sua ossessiva ansia di perfezione, di offre perfettamente composta in una sintesi estetica proiettata nel tempo. Inscritto nella magia combinatoria dei numeri, l’infinito si può solo intuire nei misteri allusivi di linguaggio cifrato.

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Andreas Luethi

vision requires meditation: none more refined than that on numbers, Pythagorean and neo-Platonic key to access mysterious truths, ancient doctrines that do not suggest easy answers, but, like myths, ask questions, interrogate problems that are modern every time, always recommending the most complicated and solid way. A mysticism of numbers capable of revealing the meaning of the world, of awakening the desire for truth traced by the slow but sure arrangement of numbers in space following an order dictated by the metaphysical qualities inscribed in the mystery of numbers. To mirror oneself, to meet at a distance with the great master Opalka, is, for Andreas Luethi, a challenge that respects and pays homage to the model. And it extends beyond the conceptual fence, maintaining the rigour of the great artist - to succeed in the ambitious undertaking of updating it in a homage which is not just quotation, loan or pastiche. Still, the authentic osmosis of style to restore its strength, the conceptual power of Opalka’s poetics, heated by the psychological temperature of Luethi’s chromatic vibration: a cosmogony of colours that radiate from a dense expanse of numbers in an enigmatic intertwining of significant figures. Opalka offered itself in a dilated agony of the sidereal infinity of the ego in comparison with the grey of being and time: in white without fading, in white without making mistakes. In Luethi, the iconic vision of the Franco-Polish master opens up on the return to a possible representation of the world mediated by a postpainting of harmonic fields. Fields that resonate on vibrant surfaces of veils, pierced by sharp lines and crossed by a swarm of free and mobilized signs. Which scratch the surface by engraving and mapping the hypersensitive cartography of the world sheet. Looking at the master’s face reveals the eccentric sides of an optical singularity. It is a logical leap of the image through a secret passage, a door of perception where the image is shown overturned not in an upside-down world but in the reverse of a world. A dimensional leap in a multi-verse holds together two artists who are different in sensitivity and biographies but united in correspondence. They postpone each other and give themselves the witness of an impossible and paroxysmal challenge. Opalka and Luethi are like two athletes of an extreme sport, walking alone along a path with small steps on the edge of paradox, risking their nerves in a challenge through misunderstanding and loss of concentration. A familiar air, but also poetics similar in origin and different in corollaries, Opalka and Luethi share that Hegelian “fatigue of the concept”. It is remodelled into “fatigue of number”, immersed in the extreme concentration of the control of numerical progression that characterizes both of these ambitious and precious world-works in a performative sense. “Nullum die sine linea”, a new similar trait every day, but different and further. Every day a new trait that is the seismograph of tension, the cardiogram of the vital passion of art that does not stop, that proceeds inexorably in the count backwards to the end. The symbolic number is the perfect figure representing the fulfilment of the prophecy of seventy times seven. Also, the poetics of “On Kawara” with his existential paintings, faithfully recording the time and date, represents a point of reference for exploring the metaphysical theme of the work - from its temporal uniqueness and its iterative modality as a tool to explore ideas with the art. At the same time, global, exhausting and cloistered, meditative works that distil a sense of expectation, an apnea of the mind suspended in absence, an exercise in the minimalist Zen ethic of self-control. Artists as miniaturists, scribes who rewrite wisdom books dictated by superior wisdom, an alien and divine intelligence. Dark times ask for the light of the crystalline selfevidence of number as a guide to truth. The slow, gruelling practice of the act of numbering is a different repetition of the addition of meaning to a series of numbers. Numbers that indicate with their pure positional presence a place of time, a space of deictic purity capable of revealing an irreducible identity of the event of the ‘to inscribe the figure of being on the table of life. Mercilessly crossed by a current of repetition, it becomes an arabesque in movement. It is unmentionable, unspeakable, aphonous, eccentric, the ecstatic fabric of the ego. Reiterated, postponed and wounded in a progression that leaves no way out. Wavering calligraphic vectors, thrown

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beyond the cohabitation with their own self-referential cypher, atavistic alphabets, scattering of unstoppable sequences of digits that slide on seas of sand dunes. Without saying, without being silent. Watched over by nebulae of condensed in congealed traces, among alphabets scattered with nervous, unexpected, patience. Tracing is a viral gesture, a vital exercise in resistance, an ontological proof of existence. The sign of the number constitutes, crosses, exceeds, defying any definitive appropriation. Beyond the axiom of self-referential identity, one must lean into the distance, pausing at the edges of one’s knowledge, swinging on the threshold that separates being from nothing, letting everything pass. Already different, dissimilar, distant enveloped by invasions of coloured veils. Underground, subcutaneous: reversible numerical anti-worlds possible thrown beyond the centre of gravity of an infinite progression. Impatient layers between fades and overimpressions. Sub-texts and transparencies of thin watermarks. Vibrations and break-ins of numbers kept in silent and unspeakable depth locked away. A current of colour feeds on the ghosts of the imagination to fill the epithelial layer of the sensitive surface of the canvases with figures-signs, creating a texture of numbers that act as vectors of meaning. The canvas is a potential space, a centre of attention, a reception field to incubate all the tension of nostalgia for profound wholeness. Suppose the world is open, a body of infinite connections. In that case, the work is an interior machine turned inside out within its own unspeakable mysteries of implications and resonances implicit in the concatenation of figures and images. Vision is innocence and purity of formal relationships between images in the nascent state offered in a game of ever-varying compositions. Compositions according to a rhythm of planes, alternations of simple graphics, textures, vibrations of lines at different intensities, and resonance with isolated and intense chromatic fields that exhale emotions. Finds of memories, geometries found in inner experiences. Hidden symmetries and combinations of nontransient constructive impulses. Proximity spaces. Non-random encounters of lines reaching beyond voids and latent forms. Strategies of fragmentation and recomposition on fields of different intensity. Ria, asymmetry, order, disorder, balance and imbalance. Orthogonal sections, oblique, close and layered intersections are not a group of isolated parts but a series of relationships. Each plot is related to an adjacent one where abstract forms expand and interact with each other. Waves of numbers that are architectures of the mind, polyvalent icons suitable for all cults, devoid of dogma, but inspired by the cult of pure beauty of Platonic ideas. A slowness immersed in precision, pure happiness in the abstraction of essences set in tautological and self-evidence of the identity of numbers equal only to itself. Reverberations of images and colours and suspended apparitions free from the duty of convincing oneself about one’s own reality and contaminating oneself with the world’s appearance. Not for inaccuracies and illusions, but through rational mental calculations, the beauty of precision is achieved beyond the empty impression of reality. An intensive rather than extensive space determined by a tension mean shows a way of being of the space, based on strings of linked numbers juxtaposed by accumulation and proximity, peer orientation and connection. A spatiality that is only apparently immobile. Demanding implies lines of escape between intermediate spaces that escape the configuration of visual forces sealed within the order of generation of series according to inflexible rules. The spatial and temporal essence in the phenomenology of a number represents a gnostic key to approach asymptotically, to set out on the path of truth. Powerful, made of perfect symbolic forms, ordered and crystallized in frozen precision, it almost seems to escape life. Still, it is only an ephemeral impression because continuing in the attention we are reached by calls and implications and sealed windows can exhale life. Through a geometric synthesis of sensitivity, Andreas Luethi manages to recompose the dichotomy, “esprit de geometrie - esprit de finesse”. Where geometry returns to belonging to the world of life and its vital pulsations. In its obsessive desire for perfection, a vein of lucid madness offers itself perfectly composed in an aesthetic synthesis projected over time.

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arte

PINA BEVILACQUA

DIPINGERE L’INFINITO L’Artista Svizzero Andreas Luethi ha raggiunto la cifra di 6 Milioni

’Arte come testimonianza e definizione stessa del Tempo. È stata lo scopo esistenziale di Roman Opalka, importante artista concettuale, noto soprattutto per le sue serie di dipinti numerici. Nato in Francia (Hocquincourt, 1931), da una famiglia polacca, tornata in patria (1935) in tempo per essere deportata in Germania dai nazisti (1940), salvata poi dall’esercito statunitense (1945), rientrata in Francia e subito dopo in Polonia (1946), dove Roman si laurea (1956) all’Accademia di Belle Arti varsaviana. Sin dall’inizio della sua carriera, il pittore, ispirato dai neocostruttivisti, produce cicli ritmati dalla visione dello spazio-

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tempo, come i “Cronomi” (1960-63) e i “Fonemi” (1964). L’anno della svolta è il 1965, quando decide di rappresentare in pittura l’inesorabile scorrere temporale, dedicandosi anima e corpo (1970) all’obiettivo di raggiungere l’infinito. Perciò sulla prima tela, a fondo nero, Opalka dipinge, con vernice bianca, in alto a sinistra, il numero 1, usando un pennello n° 0, saturando quindi la superficie del dipinto con i numeri successivi e continuando la sequenza sulle tele successive, di formato identico. Roman riesce a dipingere circa 400 numeri al giorno e, dopo qualche anno, inizia a fotografarsi davanti ai suoi quadri al termine di ogni giornata di lavoro, frontalmente e in primo piano, sempre nelle

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stesse condizioni di abbigliamento e illuminazione, per fornire un’ulteriore rappresentazione del trascorrere del tempo; nel 1972 inizia pure a registrare la sua voce che enuncia, in polacco, la successione dei numeri dipinti. In questo periodo cambia il colore di sfondo delle sue opere, che diventa sempre dell’1% più chiaro rispetto alla precedente, così che nel 2008 lo sfondo e i numeri sono praticamente della stessa tonalità di bianco, raggiungendo così il monocromo assoluto. Questo audace progetto creativo, che è una vera e propria sfida, diventa pressoché un’ossessione vitale per Opalka, il programma, quasi ascetico, di tutta una vita, che si fonde con la sua vita stessa. Infatti Roman (che nel 1977 si stabilisce nel sud della Francia), per continuare incessantemente a dipingere le ormai famose tele numeriche, viaggia di rado e quando è lontano dallo studio porta avanti comunque la sua progressione di numeri, a penna e inchiostro nero su fogli di carta, sempre nello stesso formato. Tutti particolari di un’opera totale, perseguita senza sosta fino alla morte, sopraggiunta a Chieti (2011), dov’è in villeggiatura e interrottasi al numero 5.607.249, quando l’obiettivo era arrivare a dipingere 7.777.777, ovvero 7 volte 7.

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Ora quest’impresa titanica, con altrettanta instancabile energia, prosegue con Andreas Luethi, classe 1961, cresciuto nel Canton Turgovia, una laurea in Medicina conseguita a Zurigo, che spera di raggiungerne almeno il traguardo (7.777.777) con i suoi quadri. Dove, però, i numeri non sono disegnati su uno sfondo ‘anonimo’, come in quelli di Opalka, ma su raffigurazioni della nostra realtà fisica, di genere figurativo o astratto, espressivo o realistico, a seconda dei casi. Anche il pensiero e l’opera di Luethi (che vede velocemente lievitare le sue quotazioni) sono focalizzati sul concetto di infinito, sulla temporalità continua e senza fine, ma con la sua arte l’artista (presente alla prossima Biennale Arte di Venezia) vuole addirittura costruire una “porta verso l’infinito”, che espande la coscienza e produce nuove intuizioni, un misterioso e magico passaggio che possa condurlo e condurci in un’altra realtà, aldilà dell’orizzonte tangibile, una speciale dimensione sognante, serena, illuminante, di cui l’Uomo, soprattutto in questo periodo complicato, ha estremo bisogno. Cercando di replicare un’esperienza che faceva da bambino, quando guardando il cielo stellato, gli si spalancava davanti, d’improvviso, come per magia, un mondo nuovo, in cui le preoccupazioni quotidiane svanivano e si evidenzia solo, chiaramente l’essenziale.

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INFINITY 255, Detail 5977433 - 5984303 - Acrylic on canvas, 170x100cm 18

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INFINITY 243, Detail 5947762 - 5954071 - Oil and acrylic varnish on canvas, 170x100cm www.inewsswiss.com

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INFINITY 245, Detail 5960867 - 5967288 - Oil and acrylic varnish on canvas, 170x100cm 20

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INFINITY 254, Detail 5970396 - 5977432 - Acrylic on canvas, 170x100cm www.inewsswiss.com

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INFINITY 240, Detail 5934775 - 5941936 - Acrylic varnish on canvas, 170x100cm 22

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INFINITY 233, Detail 5897993 - 5905743 - Oil and acrylic varnish on canvas, 170x100cm www.inewsswiss.com

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INFINITY 244, Detail 5954072 - 5960866 - Oil and acrylic varnish on canvas, 170x100cm 24

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INFINITY 238, Detail 5925094 - 5931645 - Acrylic varnish on canvas, 170x100cm www.inewsswiss.com

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INFINITY 257, Detail 5987211 5993026 Acrylic on canvas, 170x100cm 26

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INFINITY 216, Detail 5861275 - 5864386 - Oil and acrylic on canvas, 170x100cm 2021 www.inewsswiss.com

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INFINITY 261, 170x100cm 28

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2022. June 16 – 19 2023. June 15 – 18 2024. June 13 – 16

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arte

Andreas Luethi Andreas Luethi befasst sich mit philosophischen Fragestellungen zum Thema Unendlichkeit. Er führt die Zahlenreihe von Roman Opalka (1931-2011) fort. Die Poetik von Opalka, seine ethische Botschaft der Metaphysik der Existenz und der Konfrontation mit dem Unendlichen, soll wieder lebendig werden. Luethi aktualisiert den Weg von Opalka und entwickelt eine Richtung, die über das Grau hinausgeht und räumliche, chromatische und emotionale Aspekte einschliesst. Der Künstler zeigt seine Werke unter dem Titel “Tribute to Roman Opalka” im Rahmen der Biennale von Venedig vom 23.04. bis 27.11.2022 im Palazzo Bembo, anlässlich der Ausstellung “Personal Structures”. Atelieradresse / Hardackerweg 2 8524 Uesslingen / +41 79 906 94 15 Instagram@aluethi4 aluethi3@gmail.com 30

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arte

ANTONELLA MONTESI

Andreas Luethi 32

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Der Künstler Andreas Luethi PRÄSENTIERT an der Biennale in Venedig TRIBUTE TO ROMAN OPALKA im Palazzo bembo

Interview mit Andreas Luethi ir treffen den Kunstmaler Andreas Luethi in seinem Atelier in Uesslingen. Farbe, Leinwände und Bilder füllen das grosse und helle Atelier mit Sicht auf das Weinland.

Wie ist Ihre Entdeckung der Kunst, der Malerei passiert? Als kleines Kind durfte ich Bilder in Kunstbücher einkleben. Die alten Meister haben mich damals sehr beeindruckt. Ich fing selber an zu zeichnen und zu malen, immer nur für mich. Vor 6 Jahren beschloss ich, mir ein eigenes Atelier einzurichten, und ab dann bin ich einen richtigen Kunstrausch geraten. Über 1000 Bilder sind seitdem entstanden, die meisten mit Öl auf Leinwand. Sie haben eine Vergangenheit als «normaler Bürger», als einer von uns, sozusagen. Wie haben Sie damals die Kunst in Ihrem Alltag erlebt und integriert? In der Freizeit habe ich viel Kunst gesehen, Ausstellungen besucht, Kunstbücher und Künstlerbiografien gelesen, und auch selbst viel gemalt. Ich habe als Autodidakt einfach alles ausprobiert, bis ich, sozusagen, im Ausschlussverfahren gefunden habe, was mich am meisten interessiert. Sie beschäftigen sich mit Fragestellungen zum Thema der Unendlichkeit, mit Aspekten von Raum und Zeit und ihre künstlerische Umsetzung. Wollen Sie uns etwas darüber erzählen? Ich kann mich noch erinnern, als ich als Kind den Sternenhimmel bewusst beobachtet habe und zum erstenmal über die Unendlichkeit nachgedacht habe. Ein Thema, wofür unser Gehirn nur schlecht ausgerüstet ist. Mit Sprache allein kann ich nicht alle Aspekte zu diesem Thema mitteilen. Ich möchte vor allem das Gefühl wiedererleben, als ich als Kind den Sternenhimmel betrachtete. Mit einem bildnerischen Ansatz kann ich dies besser erreichen. Wie sind Sie in Kontakt mit der Kunst von Roman Opalka gekommen, dessen Arbeit Sie, auf Ihre Art, weiterentwickeln? Ich hatte für mich schon entschieden, dass ich mit der Zahlenreihe, mit 1 beginnend, am besten ein Gefühl für die Unendlichkeit erreichen konnte. Ich hatte schon begonnen, als ich im Internet recherchierte, ob das schon mal jemand gemacht hat, und bin dann auf Roman Opalka gestossen. Ich war wie elektrisiert und begriff nach dem Studium seiner Biografie und seines Werkes, dass es für mich keinen Sinn machte, mit der 1 anzufangen, sondern dass ich Opalkas Werk besser ehren konnte, wenn ich seine Zahlenreihe, die er mit seinem Tod beendet hat, weiterführen würde. Vielleicht kann ich sein angestrebtes Ziel noch erreichen, die Zahl 7‘777‘777, also 7 mal die 7. Im Unterschied zu Opalka will ich aber nicht nur die theoretischen Aspekte der Unendlichkeit zeigen, sondern mit Farben und Formen auch unsere physische Realität abbilden. Die Zahlen male ich konträr zu Opalka von unten links nach oben rechts, um die Richtung der menschlichen Entwicklung und Transzendenz aufzuzeigen. www.inewsswiss.com

Wo werden Sie demnächst «Tribute to Roman Opalka» zeigen? Im Rahmen der Biennale von Venedig habe ich die Möglichkeit, im Palazzo Bembo in einem eigenen Raum meine Bilder zu zeigen, anlässlich der Ausstellung „Personal Structures“ vom European Cultural Centre. Wieviele Kunstwerke haben Sie dafür vorbereitet? Ich habe viele Werke vorbereitet, zeigen werde ich dort 5 grossformatige Werke. In Ihrer Arbeit erleben Sie einen Zustand des Flow, eine Erfahrung, die Sie als Kind schon experimentiert haben. Wie versuchen Sie dieses Gefühl in Ihren Bildern an den Zuschauer weiterzugeben? Durch die kleinen Zahlen, die ununterbrochen von unten links nach oben rechts gemalt werden, was gar nicht so einfach ist, da die Hand nicht auf der Leinwand abgestützt werden kann, bekommt der Betrachter ein Gefühl dafür, dass es wohl in einem gewissen Bewusstseinszustand gemalt werden musste. Sonst würde das der Künstler wohl nicht lange aushalten. Tatsächlich ist es keine Qual, so zu malen, sondern die Ausrichtung auf ein einziges Ziel führt zur Aufrechterhaltung eines Konzentrationszustandes, der heutzutage in unserer Welt mit den vielen Ablenkungen nicht mehr einfach zu erreichen ist. Ihre Bilder bewegen sich zwischen Figuration und Abstraktion. Wie erleben Sie als Künstler dieser Erfahrung? Ich lasse mich nicht einschränken, was meine Kunst betrifft. Sie ist zwar leicht erkennbar durch die Zahlenreihe, aber für den Hintergrund lasse ich mir alle Optionen offen. Meist habe ich ein starkes Gefühl, mich expressiv abstrakt auszudrücken, aber manchmal möchte ich auch ein Thema, das mich interessiert, figurativ darstellen. Sie nehmen an wichtige internationale Kunstevents teil, die Biennale in Venedig zum Beispiel. Was denken Sie über die heutigen Kunstwelt? Es gibt viele Aspekte in der Kunstwelt. Sie ist einerseits verrückt in einigen Preisexzessen, andererseits zeigt das auch, wie sehr wir interessiert sind an einer künstlerischen Sicht auf unsere Realität. Ökonomie und Wissenschaft sind wichtig, aber die Kunst hat das Potential, uns emotional zu berühren, uns Sinn zu geben und uns persönlich weiterzubringen. Wo würden Sie Ihre Bilder sehen wollen? Bei privaten Kunstsammlern? in den Museen? Jede Aufmerksamkeit ist mir recht und gibt mir Motivation, mit meinem Projekt weiterzumachen. Am liebsten wäre mir die Anerkennung in einer öffentlichen Institution wie einem Museum, oder in einer anerkannten Galerie.

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arte

Don Francis

Andreas Luethi’s “Tribute to Roman Opalka”: The Search for Infinity through Art 34

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he Swiss artist, Andreas Luethi, grew up in the Canton of Thurgau and later went on to study medicine at the University of Zürich. Subsequently, he practised as a doctor for many years. Aside from the strong appeal medicine had for him, even as a child, he was drawn to art so much that he found the old masters an inspiration. However, he only ever painted for himself over the years – a great deal at that – and his interest in art remained in the background. In his free time, though, he would visit art exhibitions, read books on art and the biographies of artists. As a professional artist, he claims, he is an autodidact who, through “a process of elimination”, found his place in the world of art. In that sense, Andreas Luethi did not follow the well-beaten path most artists tread; instead, art won him over, gradually and over a lengthy period. It was only six years ago that Andreas Luethi finally decided to set up his own studio and seriously turn his attention to painting. Since then, he has gone into a painting frenzy and created over 1000 paintings, mainly oil on canvas. Over the years, the “process of elimination” took him finally to where he is now: grappling with the enduring question of infinity. The concept of infinity intrigued people for thousands of years – in different parts of the world, cultures and civilizations. And it is something that even today, mathematicians, philosophers, scientists and assorted thinkers are grappling with, particularly regarding our universe. Andreas Luethi’s interest in infinity did not stem from his medical perspective. According to him, he still remembers the occasion when as a child, he consciously observed the starry sky and thought about infinity for the first time. Obviously, from that first encounter, the question of infinity fascinated him so much that now his paintings are the result of that “intellectual dalliance”. Andreas Luethi‘s first foray into portraying his feelings for the concept of infinity was to start, beginning with 1, a series of numbers on a canvass. But then, researching the internet, he came across the artist Roman Opalka. The latter had made his life’s work to draw a series of numbers to depict infinity, which ended on his death. www.inewsswiss.com

Andreas Luethi was taken aback by the knowledge of Opalka and his work; it was something of an epiphany! He realized that it made no sense for him to start his series of numbers with 1. Instead, he decided to honour Opalka and continue from where Opalka left off and reach the latter’s intended ending of the series – the number 7’777’777. However, in contrast to Opalka, who depicted the theoretical aspects of infinity, Andreas Luethi wants to show not only the theoretical aspects but also our physical reality with colours and forms. Furthermore, contrary to Opalka, he paints the numbers from bottom left to top right to depict human evolution and transcendence. This series of paintings is called the “Tribute to Roman Opalka”. Andreas Luethi finds that language and intellectual limitations hamper the interpretation and the communication of the concept of infinity. In his particular case, he finds the medium of pictures or paintings more meaningful and certainly more effective to communicate the varied aspects of the concept of infinity. If infinity is the focus and recurring subject of his many works, his paintings are a kind of balancing act between abstraction and figuration to depict infinity in its variety of aspects. According to the artist, his inner feelings and thoughts determine the choice of figuration or abstraction. He does not want his art constrained through other considerations. The next big opportunity to view the “Tribute to Roman Opalka” is at the famous Venice International Art Exhibition”, the Venice Biennale 2022, in a separate room at Palazzo Bembo, as part of the exhibition “Personal Structures” by the European Cultural Centre. The show runs from 23rd April to 11th November 2022 (pre-opening on 20th, 21st, 22nd April). Learn more about the Venice Biennale from the website: www. labiennale.org/en/art/2022.

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NINA NOLTE

Wasser-Welten

Ausstellung in der Galerie REITZ Zürich Vernissage 24.03.2022 – Dauer der Ausstellung: bis 07.Mai 2022

REINHARD FLURI (CH) NINA NOLTE (E) ALIREZA VARZANDEH (E) LUZIUS ZIERMANN (D) Galerie Reitz St. Peterhofstatt 10 8001 Zürich Tel. 044 545 00 20 www.galerie-reitz.ch 36

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REINHARD FLURI, Steinbach, 120 x 190 cm, Öl und Acryl auf Leinwand.

ropfen, Wogen, Wellen, weite Horizonte, Badende: Die Darstellung des Elements „Wasser“ hat sich in Jahrhunderten von der mythischen Symbolisierung zu einer ästhetischen Darstellung des Elements gewandelt. Die Galerie REITZ hat vier international geschätzte Künstler aus ihrem Pool ausgewählt – und um zeitgemäße Interpretationen eines uralten Themas gebeten.

Bevorzugtes Sujet von ALIREZA VARZANDEH sind Snapshots – unter anderem der Badeurlaub am Meer, der Spaziergang am Wasser. Die Flüchtigkeit des Augenblicks wird in der Bewegung eingefroren, wobei Bewegung und Vitalität durch eine dynamische, farbintensive Malweise nach wie vor spürbar sind. ALIREZA VARZANDEH nimmt den Betrachter mit in seine alltägliche Welt – zeigt ein Spiegelbild des Lebens.

„Another Piece of Ocean“ – die 160 Kilo schweren Objekte Der Schweizer Künstler REINHARD FLURI ist fasziniert von von LUZIUS ZIERMANN halten einen realen Moment einer spiegelnden Oberflächen, die er als erweiterte Wahrnehmungsebene Wasserbewegung fest. Sie wird digital aufgezeichnet, diese Daten in einsetzt. In seinen Bildern kreiert er eine ideale Realität – und das einen Plexiglasblock gefräst. “Ein winziger lebendiger, als es in einem Foto möglich wäre. Moment aus der Geschichte der Erde, eingefangen in Plexiglas. Millionen, REINHARD FLURI (CH) Milliarden, Billionen von unendlichen . „Wir haben Künstler NINA NOLTE (E) Möglichkeiten – ähnlich, aber immer ausgewählt, die sich dem ALIREZA VARZANDEH (E) einzigartig.“ Faszination, die der Künstler Element „Wasser“ sehr in seinen ungewöhnlichen Skulpturen LUZIUS ZIERMANN (D) einfängt. Anreisen wird der Künstler unterschiedlich genähert haben. in seinem aufsehenerregenden, bunt Entstanden ist eine Ausstellung, bemalten Jaguar E-Type, Baujahr 1972.

die dynamische und spannungsgeladene Werke präsentiert,“ so Galeristin Angela Reitz.

NINA NOLTE nutzt „Wasser“ eher als Umgebung, in der ihre unabhängigen Frauenfiguren in lebhafte Gespräche eingebunden sind – oder sich absoluter Ruhe hingeben: Plätschern, leises Lachen, Sonne, große Hüte und Brillen, dazu Wasser, Wellen und nasse Haare. Die Arbeiten zeigen dem Betrachter eine schöne Welt, erlauben dabei jedoch keine endgültige Nähe. Sie bestechen durch ihre Detailverliebtheit – sind oft von einem Foto nicht zu unterscheiden.

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Vernissage – Donnerstag, 24.03. 2022 – 17.00 bis 20.00 Uhr 18.00 Uhr - Einführung in die Ausstellung, Dr. Barbara von OrelliMesserli (Kunsthistorikerin) Musik – romantische Klänge auf Querflöte und Harfe Alle Künstler können Sie bei uns in der Galerie persönlich kennenlernen!

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REINHARD FLURI, Claire, 160 x 120 cm, Acryl und Öl auf Holz

LUZIUS ZIERMANN, ET's Mind, 170 x 90 x 25 cm, Plexiglas, Acryllack

NINA NOLTE, Cousin Mary, 100 x 160 cm, Mischtechnik auf Leinwand 38

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personality

ANTONIO CAMPANILE ART PUBLISHER AND ART MANAGER

a Campanile è anche, e forse soprattutto, artista poliedrico ed impegnativo, o meglio Campà, questo il suo pseudonimo, quando sveste gli abiti di direttore, editore, fotografo, editore e veste l’abito (come a sdoppiarsi, peraltro mirabilmente e con il tempismo di un prestigiatore “navigato”) del pittore-bambino. Colui che vede il mondo con una innocenza “provata”, tastata, sperimentata sul campo del vivere e non smette però di credere ad una perfezione anelata e cercata quasi da subito. Sulla tela come artista Campà, questo il suo pseudonimo, già da bambino è sensibile alla bellezza in generale e in particolare alla bellezza della natura che lo rapisce letteralmente per poi riportare su qualsiasi superficie, tutte quelle impressioni ed emozioni trasformatisi in colore vivo. La città di Firenze ha senz’ altro influenzato l’artista con le sue molteplici attrazioni culturali ed artistiche, qui ha affinato le sue tecniche, trasferitosi in Svizzera (dove vivrà le umiliazioni e le ingiustizie degli anni Sessanta, fu addirittura espulso per la mancanza del permesso di residenza) porterà nel cuore e sulla tela i ricordi della sua permanenza in Toscana. Nel 1969 ritorna in Svizzera affittando una mansarda e inizia a dipingere dal vivo giovani fanciulle. Ama tutte le forme artistiche, dal disegno alla pittura, alla fotografia. 40

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In lui vi è una esplosione di colori, forme dai tratti rapidi e decisi, soggetti sempre riconoscibili è una forza singolare, essenziale che colpisce subito l’occhio, l’immagine si imprime da subito alla memoria di chi guarda, vi si annida e vi resta. Un messaggio che vuole colpire e colpisce, un’ esplosione che è avvertita dallo stesso artista che butta fuori la sua percezione del mondo che lo circonda. L’ artista usa il disegno perché gli permette di circoscrivere quel suo mondo interiorizzato fatto di incontri e stravaganze conoscitive; usa e si fa usare dalla pittura perché è un naturale sfogo alla bramosia, ingordo di nutrirsi di piccoli/grandi attentati alla dignità di uomo, libero da condizionamenti, ma condizionato dalla propria libertà, a volte in conflitto con sé e con gli altri diversi da sé, uniti nella dolorosa gioia di vivere. Per aggridire così quanto subito razionalmente voluto, gli attentati di un mondo amato e odiato (quello intimo già circoscritto e addensato, quello esteriore allargato e in-finito). Scoperto dal critico d’arte Vincenzo Guarracino decide di riprendere ad esporre a Zurigo nel settembre del 2015. La fotografia in Campà è una tecnica poetica che gli permette di guardare l’ esterno da sé, trasmutante, e fissarlo proprio in quell’ istante in cui il “fatto” si fa, la “visione” si forma a rendere il tutto www.inewsswiss.com

eterno, senza tempo, una translucenza atemporale, per fuggire chissà dove, pur sapendone il motivo. … e tutto si forma e trasforma, anche l’ affannoso respiro del vivere… E ogni cosa resta lì, immobile, seppure a portata di mano, in attesa di qualcuno che voglia e sappia rimescolare le carte e tirare fuori quanto di buono ci sia. Come le sue tele “strafottenti”, sfacciate a volte, nate per caso in un impeto di ira e/o di collera rimescolando quei colori accesi, violenti, decisi, il rosso, il verde e l’ azzurro, in uno stato di quiete, quasi di oblio a placare, (qualora fosse possibile) quella sana e infinita fame di vivere. Vivere adesso e qui. Antonio Campanile in arte Campà ha curato mostre alla Keller Gallerie di Zurigo e nominato giurato della Biennale Arte Contemporanea di Salerno nel 2014 inserendo il premio Victorinox premiando il Presidente Vincenzo De Luca ex ministro della Cultura. Ha seguito con interesse la Fiera d’arte Kunst di Zurigo. Ha ideato la testata INEWS Kunst e mediapartner del Premio Arte Laguna di Venezia. Dal 2014, promuove l’artista Franco Abbina e Rafael Alvarado artista conosciuto al Museo CAC di Malaga. Settembre 2015 sposa il progetto dell’artista Claude Dauphin per curare e promuovere la sua arte Esplosiva con la Galleria tedesca Obrist nella Kunst 2015 di Zurigo mostra internazionale seconda sola a ArtBasel. Con l’artista Claude Dauphin punta alla scena artistica internazionale dal 2015 al 2017 con esposizioni: Kunst 2015 Zürich, ArtBasel 2016, Marbellarte 2016, Premio Museo di Malaga CAC. Ideatore del Premio Arte Rotary Club Estepona Sotogrande a Art Marbella 2018 premiando l’artista Iraniano Masoud Akhavanjam. Nell’ambito della Biennale di Venezia 2015 collabora al progetto “Global Village” nel padiglione Guatemala alle officine delle Zattere, come organizzatore e artista con il suo nome d’Arte Campà. Dicembre 2014 curatore alla Toro Arte Contemporanea di Sessa Aurunca Italia. www.inewsswiss.com

Media partner al Premio Arte Laguna di Venezia 2104 con Inews Kunst. Nel 2019 in occasione della Biennale promuove l’artista Masoud Alkahjan a Venezia. Ha consciuto e intervistato la famosa curatrice della Biennale di Venezia 2012 Bice Curiger e Curatrice della fondazione Vincent Van Gog in Francia, la quale ha apprezzato l’arte di Campà Tricolore scambiandolo con Mario Schifano. Con Inews Kunst ha iniziato una Mediapartnerschip con il media Exibart, Artribune e la TV d’Arte di Alessandro Orlando. Ideatore del Premio Arte Rotary Club a Art Marbella 2019. Premio Oscar Farinetti alla Biennale Belvedere Città di Caserta. Collabora con le più famose Gallerie internazionali promuovendole nella rivista Inews Kunst e Partner della Galleria Toro Arte dal 2012. Nel 2020 Inizia la collaborazione con l’artista Andreas Luethi portando alla Galleria Keller di Zurigo con una esposizione di successo di 28 opere il progetto dal nome “ Andreas Luethi Tribute to Roman Opalka. Il 25 Giugno 2021 organizza la mostra “ ANDREAS LUETHI TRIBUTE TO ROMAN OPALKA” al Museo Gipsoteca Gianluigi Giudici di Lugano, mostra curata da Vittorio Raschetti. Antonio Campanile con la Mediapresse Swiss Ag ha iniziato una collaborazione di promozione con la Fondazione Renato e Gianluigi Giudici di Lugano per promuovere giovani artisti internazionali. L’artista svizzero Andreas Luethi sarà a Venezia dal 23 Aprile al 27 Novembre a Centro Culturale Europeo manifestazione in parallelo alla Biennale di Venezia 2022. Presenta alla Gallerista Angela Reitz l’artista Andreas Luethi con il progetto “ Tribute To Roman Opalka” che sarà presentato a Zurigo e Colonia. Molti sono i progetti d’Arte per il futuro. Il motto di Antonio Campanile è “ L’arte fa muovere le anime”. Art Management antonio@campanile.ch

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Pina Bevilacqua

La Biennale Arte di Venezia

a 59a Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia, in programma dal 23 aprile (invece che a maggio, come da tradizione) al 27 novembre, sarà la più lunga di sempre. E anche una delle più ricche in assoluto, con un numero altissimo di partecipanti (ben 213, provenienti da 58 nazioni), di opere e oggetti in mostra (ben 1433, di cui 80 nuove produzioni e pochissimi video). Forse perché la curatrice Cecilia Alemani è stata incaricata poche settimane prima dell’inizio della pandemia, che poi ha portato allo slittamento di questa edizione dal 2021 al 2022. La Biennale di Venezia 2022 prende il titolo da un libro di fiabe (Il latte dei sogni) di Leonora Carrington, popolato dalle creature fantastiche che l’artista surrealista aveva disegnato per i suoi figli sulle pareti della loro cameretta. «Un libro che racconta di esseri

ibridi e mutanti, che cambiano dall’umano al naturale, al meccanico, immaginando un mondo in cui tutti possono trasformarsi, cambiare e divenire altro», ha spiegato la Alemani illustrando il suo progetto curatoriale. Nato quasi tutto online a causa del lockdown. «Ho voluto pertanto scegliere le figure della trasformazione della Carrington e la Carrington stessa come compagni di un viaggio che attraversa le metamorfosi dei corpi e le definizioni di umano», ha sottolineato la curatrice, che ha, perciò, 42

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provato a riassumere nella mostra grandi questioni, anche esistenziali (quali «Come sta cambiando la definizione di umano?», «Quali sono le differenze che separano il vegetale, l’animale, l’umano e il non umano?», «Quali sono le nostre responsabilità nei confronti dei nostri simili, delle altre forme di vita e del pianeta che abitiamo?», «Come sarebbe la vita senza di noi?»), in tre tematiche («che non sono in alcun modo sezioni o parti della mostra»): la rappresentazione dei corpi e le loro metamorfosi; la relazione tra gli individui e le tecnologie; i legami che si intrecciano tra i corpi e la Terra. Sul primo punto l’esposizione presenterà le opere di artisti «che stanno immaginando una condizione postumana, mettendo in discussione la figura universale e prettamente occidentale dell’essere umano, in particolare del soggetto bianco occidentale, come misura di tutte le cose e misura del mondo. A questo modello rinascimentale e illuminista contrappongono, invece, alleanze diverse, corpi fantastici ed esseri permeabili». Il secondo tema indagherà su luci e ombre della tecnologia, vissuta prima della pandemia come un mezzo per perfezionare il nostro corpo, dal quale si poteva, però, venire sopraffatti e, durante il Covid,

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come uno strumento che ci ha resi più vicini, ma che, in un certo senso, ci ha anche separati. Circa la terza tematica la Alemani spiega che «sempre continuando sull’idea del postumano, tantissimi artisti stanno immaginando anche un futuro e un mondo in cui dichiarano la fine dell’antropocentrismo, celebrando una nuova comunione tra gli esseri, il pianeta e altre forme di vita, in un rapporto che non sia gerarchico o estrattivo, ma un rapporto di armonia e di simbiosi con altre specie e altre forme di vita» e che, dunque, essa è sostanzialmente dedicata alla «fine della centralità dell’uomo». In questa Biennale l’Arte spicca un altissimo tasso di ‘new entry’ (180 dei 213 artisti presenti saranno al loro debutto a Venezia). E di partecipazione femminile (Christina Quarles, Carol Rama, Barbara Kruger, Ibrahim El-Salahi, Ali Cherri, Prabhakar Pachpute, Lynn Hershman Leeson, Marguerite Humeau, Rosana Paulino…), tangibile dalla sala dedicata alla pittrice e artista visiva portoghese naturalizzata britannica Paula Rego alla rievocazione della leggendaria “Materializzazione del linguaggio”, la mostra tutta ‘al femminile’ curata da Mirella Bentivoglio per la Biennale del ’78. Da sottolineare anche la massiccia, inusuale presenza degli italiani (ben 26), tra cui molti giovani (come Giulia Cenci, Diego Marcon, Sara Enrico, Chiara Enzo). Un’altra particolarità di questa Biennale è che, tra il Padiglione Centrale dei Giardini e gli spazi dell’Arsenale (le due principali sedi espositive), si inseriranno le «capsule del tempo», cinque piccole mostre tematiche a carattere storico, una sorta di interpretazione antecedente ai temi della mostra, che si confronterà con quella degli artisti contemporanei esposti, ma anche una forma di «risarcimento critico» per le artiste spesso dimenticate di vari movimenti. Nella capsula intitolata “La seduzione di un cyborg”, ad esempio, «riferita a un futuro post-umano con opere futuriste e dada», figureranno, tra le altre, Anna Coleman Ladd, Marianne Brandt, Alexandra Exter. Mentre in quella dal titolo “Tecnologie dell’incanto” figureranno artiste (Grazia Varisco, Laura Grisi, Nanda Vigo, ma anche Marina Apollonio, Lucia Di Luciano e Dadamaino) che «attraverso il linguaggio astratto e cibernetico hanno riflettuto sulle relazioni tra l’astrazione e il corpo, usando tecnologie innovative e anticipando molte delle preoccupazioni dell’era digitale». Inoltre la mostra, costata circa 18 milioni di euro (anche a causa del Covid), si preannuncia, come ha sottolineato il presidente Roberto Cicutto, particolarmente ‘green’, nel senso che, pur non potendo, al momento, raggiungere la certificazione della “neutralità carbonica”, ottenuta dalla Mostra del Cinema nel 2021, punterà, comunque, a ridurre al massimo le emissioni prodotte dagli eventi organizzati. La 59a Biennale Arte di Venezia sarà affiancata da 80 Partecipazioni Nazionali (ospitate pure nello splendido centro storico veneziano); 5 i debutti (Repubblica del Camerun, Namibia, Nepal, Sultanato dell’Oman e Uganda), mentre 3 repubbliche asiatiche (Kazakhstan, Kirghizistan e Uzbekistan) parteciperanno con un proprio padiglione per la prima volta. In particolare, il Padiglione Italia (all’Arsenale)

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ospiterà “Storia della notte e destino delle comete”, una monumentale installazione ambientale di Gian Maria Tosatti, che rappresenterà una visione suggestiva, ottimista e propositiva sul futuro dell’umanità. Quello svizzero (ai Giardini) ospiterà “The Concert”, una mostra dell’artista visuale Latifa Echakhch (Prix Marcel Duchamp 2013, già ospite della Biennale 2011), che coinvolgerà ritmo e suono. Il progetto francese (ai Giardini), intitolato “Les rêves n’ont pas de titre / Dreams have no titles” e firmato dalla videoartista Zineb Sedira, si baserà su un’analogia tra la filmografia italiana e quella francese per indagare il potere politico della settima arte. Quello britannico (ai Giardini), dal titolo “Sonia Boyce: Feeling Her Way”, sarà una grande installazione multimediale dell’artista afro-caraibica naturalizzata britannica, incentrata sulla vitalità delle pratiche collaborative e forse scaturita dal ‘Brexit affair’. Per la prima volta a Venezia anche l’artista Svizzero Andreas Luethi che presenta al Centro Culturale Europeo di Palazzo Bembo un “TRIBUTE TO ROMAN OPALKA”.

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«The Concert»

Padiglione svizzero alla 59. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia

ALL’INIZIO C’È LA FINE: IL CICLO VITALE SECONDO LATIFA ECHAKHCH

Latifa Echakhch intesse ono scene di Malinconici scampoli d’arte riempiono il primo spazio, un dialogo con l’edificio impermanenza, di dove i visitatori e le visitatrici iniziano un viaggio a ritroso progettato da Bruno catarsi, con cui l’artista nel tempo. In ogni sala l’atmosfera cambia – il tempo Giacometti nel 1951. L’artista Latifa Echakhch corre alla rovescia, dalla viva luce del giorno alla sera rivisita il suo programma incanta i visitatori precedente. Sempre più manifestamente ispirate a opere e architettonico e si appropria e le visitatrici del Padiglione degli spazi nella loro svizzero alla Biennale di tradizioni folcloristiche, le sculture di ampie dimensioni interezza, della loro relazione Venezia, scene che mettono appaiono vieppiù velate da un’oscurità incombente. con la luce e dei diversi suoni in luce il ciclo vitale in una che emergono da essi. maniera composita e ricca di L’esposizione gioca con le armonie e le dissonanze, con il sovrapporsi sfaccettature. La maggior parte dei materiali utilizzati per la mostra, di sentimenti di aspettativa, appagamento e svanimento. Le sculture riciclati da precedenti Biennali, sono essi stessi risultato di una sono parte di un’esperienza orchestrata e avvolgente, di una proposta trasformazione. ritmica e spaziale che offre ai visitatori una percezione più profonda Tra rituale e ritmo del tempo e del loro corpo. L’artista Latifa Echakhch, residente in Svizzera, evoca i fuochi rituali presenti in molte culture. A tale proposito si possono citare il rogo «Vogliamo che il pubblico lasci l’esposizione con la stessa sensazione di quando si esce da un concerto. Che senta l’eco di questo ritmo, di di pupazzi di paglia nella notte di San Giovanni, che dovrebbe proteggere contro i demoni e le malattie nel periodo del solstizio quei frammenti di memoria», afferma Latifa Echakhch. «Ogni volta, la Biennale offre un profluvio di eccellenza artistica. Un’onda che alla fine di giugno, o, in Svizzera, il «Böögg», dato alle fiamme sul culmina in una magnificenza catartica per poi rifluire, lasciando un Sechseläutenplatz per scacciare l’inverno. In questi contesti il fuoco simboleggia sempre sia una fine che un nuovo inizio e la ciclicità del paesaggio deserto di edifici abbandonati». Latifa Echakhch solleva la questione se l’arte, similmente alla musica, inizia a esistere soltanto tempo. quando il silenzio e un senso di vuoto prendono il sopravvento.

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European Cultural Centre

’European Cultural Centre (ECC) lieto di annunciare che la sesta edizione di Personal Structures, la mostra biennale d’arte contemporanea che invita artisti e creativi da tutto il mondo ad esibire a Venezia, aprir dal 23 Aprile al 27 Novembre 2022, con anteprime per la stampa ed eventi di apertura il 21 e 22 Aprile in tutte le sedi ECC. La mostra presenter un’ampia selezione di opere di artisti, fotografi e scultori emergenti e di fama internazionale, oltre a progetti di istituzioni accademiche, i quali saranno esposti nelle sedi storiche di Palazzo Bembo, Palazzo Mora e Giardini della Marinaressa, situate nel cuore della citt veneziana.

mostra attraverso diversi media, dando voce ai propri pensieri, preoccupazioni, idee, speranze e sogni. Le riflessioni presentate saranno quelle della consapevolezza di ci che verr , cos come lo specchio della societ attuale che ci circonda. Le opere in mostra riflettono i punti di vista di artisti provenienti da diverse parti del mondo con background culturali differenti, tra i quali hanno confermato la loro partecipazione Martin Parr, Donald Martiny, il Museum of the Mind, Calvin Chih-Hao Teng, Galerie Myrtis, Albert Scopin, Ben Bergman Gallery, Daniel Pesta, Sandra Cattaneo Adorno, Karen Sewell, Valerie Goodman Gallery.

Quest’anno, la mostra ruoterà intorno La mostra render anche Le reflections in Personal al lavoro dell’artista Structures incarnano il duplice all’idea di reflections, ‘riflessioni’, intese sia omaggio concettuale Lawrence Weiner, significato, da un lato, di come immagini create da una superficie le cui passate collaborazioni episodi visibili percepiti dagli occhi; e, dall’altro, di un atto l’European Cultural Centre specchiante, sia come pensieri e opinioni con verranno ricordate con una mentale derivante dall’azione derivanti dalla meditazione. del ponderare con la mente. speciale installazione a Palazzo Bembo. Secondo il progetto curatoriale, l’atto della riflessione porta con s il potenziale di prevedere le Personal Structures a Venezia: Al crocevia della cultura possibilit prossime e la responsabilit di immaginare un futuro La mostra ha luogo in una delle cità storicamente più artistiche migliore. Una selezione di quasi 200 partecipanti si riunirà a Venezia del mondo che, come tale, coesiste contemporaneamente ad altre attrazioni culturali che si svolgono nello stesso periodo a Venezia. per presentare il proprio punto di vista sul tema principale della 46

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Cogliendo questa opportunit, l’European Cultural Centre sottolinea l’importanza di offrire uno spazio espositivo ad artisti affermati ed emergenti, e ricorda che l’arte, essendo una parte essenziale della cultura e una chiave per sviluppare nuove idee ed esperienze, dovrebbe essere aperta a tutti. Pertanto, tutte le sedi dell’ECC, come negli anni passati, continueranno ad essere accessibili gratuitamente, dando al pubblico la possibilità di visitare una mostra d’arte all’interno di storici palazzi veneziani. Personal Structures: Il Programma Durante i sette mesi di apertura, la mostra sarà integrata da una serie di conversazioni, performance, workshop, che mirano a generare un dialogo tra gli attuali sviluppi, idee e pensieri nel campo dell’arte contemporanea nel contesto attuale di Tempo, Spazio ed Esistenza. Il programma completo sar presentato nelle prossime settimane sulle piattaforme dell’European Cultural Centre. Personal Structures digitale L’European Cultural Centre continuer ad offrire eventi sia in presenza che online, in streaming sul canale YouTube e sul profilo Instagram @ecc_italy della fondazione. L’ECC ha inoltre lanciato un sito web dedicato a Personal Structures (www.personalstructures.com) dove si possono trovare tutte le opere esposte in mostra, la lista completa dei partecipanti, tour virtuali immersivi e una versione scaricabile del catalogo dell’esposizione. Questa piattaforma esclusiva mira a migliorare l’esperienza virtuale della mostra, permettendo agli amanti dell’arte da tutto il mondo di connettersi e seguire Personal Structures online.

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Don Francis

The Milk of Dreams: From Children’s Books to Premier Art Exhibition 48

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ince the renaissance, the world has looked upon Italy as a leading source of inspiration for life’s cultural and creative sides. Italian life was surrounded by creativity and innovation from deep antiquity that made no secret of its deference to beauty and sensuality. Hence, it is no wonder that the Italian culture and her way of life still inspire other cultures and people worldwide. In their eyes, Italy projects imagination at its best to make life as exciting and fulfilling as it ever could be. Art in all its forms played a fundamental role in this Italian culture already from antiquity. Hence, the 59th edition of the “Biennale Arte 2022”, the international art exhibition in Venice, is precisely one of those events to provide inspiration to the world through its quiet leadership and visionary character.

“The Milk of Dreams”: Is the theme of this Biennale to provide a stimulus to the imagination of our universe that we share with the known entities and those beyond our understanding? It is indeed a title and theme that conjures visions of our planetary or solar system, the milky way and the endless expanse stretching beyond outer space. It is in many ways a challenging title, one that is certainly appropriate to the world’s leading Art exhibition. It is, however, a homage to the surrealist artist Leonora Carrington (1917 – 2011), who wrote a book with the very title. She led a troubled life, unable to conform to the strictures of a rigid world and its social order, which was increasingly coming under the yoke of technological development.

Perhaps, the exhibition is influenced partly by the all-pervasive fear of climate change and environmental crisis facing the globe and all living beings. Perhaps, it also reflects the massive international efforts to understand and explore the universe. Some people are desperately and urgently searching for solutions to the existential crisis posed by climate change and environmental degradation. Others are busy looking for places elsewhere in the universe for humans to inhabit. As Roberto Cicutto says, “Cecilia Alemani focuses her “imaginary journey through metamorphoses of the body and definitions of humanity” on a series of questions about the “doubts that pervade the sciences, arts, and myths of our time”. The exhibition will showcase 213 artists from 58 countries from across the globe, with the various national participations housed at the historic pavilions at the Giardini, the Arsenale, and Venice’s city centre. Five countries are participating in the Biennale Arte for the first time: Republic of Cameroon, Namibia, Nepal, Sultanate of Oman and Uganda. This exhibition is undoubtedly for our times and is most certainly worth a visit, especially if one is looking for an escape from the fears of the pandemic. Learn more about the Biennale from the website: www.labiennale. org/en/art/2022

Italy’s premier international art exhibition runs from 23rd April to 11th November 2022 (pre-opening on 20th, 21st, 22nd April) in Venice at the Giardini (Central Pavilion) and the Arsenale, curated by Cecilia Alemani, the first Italian woman ever to curate the Venice Biennale. In her words, “The Milk of Dreams aspires to be an optimistic exhibition, which celebrates art and its capacity to create alternative cosmologies and new conditions of existence.” Her thoughts are elaborated by the President of the exhibition, Roberto Cicutto, “Today the starting point for the next Biennale Arte seems to be the reinvention of new and more sustainable relations between individuals and the world we live in.”

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Masoud Akhavanjam “Conflictus”

Masoud Akhavanjam is a sculptor working in mirror polished stainless steel and bronze. His artworks are conceived as a commentary on society, and deal with themes such as the power of the mind over brute force and the constant struggle for a harmonic coexistence. Using his knowledge of the scientific properties of metal, he creates artworks ranging from intimate domestic pieces to monumental works, balancing the inherent strength of the material with the delicacy of the cast form.

esponding to the theme of the exhibition, “Personal Structures”, the Iranian born sculptor Masoud Akhavanjam has chosen to show his artwork “Conflictus” in two different editions and locations – the monumental version is placed in the Giardini Marinaressa, whilst the smaller piece is in Palazzo Mora. In these cast, polished stainless steel sculptures, the artist directs our attention to the enormous challenges that humans are facing as a result of climate change and the ensuing environmental catastrophes. Only now are nations taking note of these catastrophes and through these sculptures, Akhavanjan shines a light on the very real conflict with regard to the commitments needed by governments and businesses to control these changes. On the one hand man-made numbers, GDP, profits and economic growth, etc. appear to be the primary concern for man’s emotional, mental and social stability; yet on the other hand, our greed for bigger and bigger numbers is jeopardising this personal well-being and even eventually our very existence. This mind-boggling conflict of interest is creating a difficult dilemma for decision makers, and placing them in a very challenging situation. Should they consider the well-being of unborn generations or the satisfaction of the present generation? Are they even actually making these decisions or just leaving the numbers to continue to control our destiny? What is our response on a personal level and what structures are we putting in place? 50

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The fact is that until we focus solely on managing these numbers, how can we ever expect to have any meaningful change in our policies and strategies regarding the maintenance of a stable, habitable planet earth? In the artist’s opinion, it is the very foundations of consumerism, wealth creation and never-ending competition between companies and nations in terms of economic growth that need to be reconsidered, not only by future generations but also and more importantly by the decision makers of today. In Akhavanjam’s “Conflictus” sculptures, we see this omnipresent struggle played out in the tortious, writhing bodies of the entwined animals. Locked in a menacing struggle and impossible to tell apart, we are confused as where to look and how to interpret them. At each angle, they appear differently to us. There is no cohesive, comprehensive view. How can the protagonists be unravelled and what would they look like, if they were to be separated? Would this create the solution to our problems or just another paradox?

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FACE TO FACE. PICASSO AND THE OLD MASTERS From 22nd February until 26th June 2022, visitors to the Museo Picasso Málaga will have a unique opportunity to discover the links between Pablo Picasso and leading artists of the past. The MPM will be hosting Face to Face. Picasso and the Old Masters, an exhibition, jointly organized with Museo de Bellas Artes de Sevilla, in which paintings by El Greco, Francisco Pacheco, Giovanni Battista Caracciolo, Francisco de Zurbarán, Cornelius Norbertus Gijsbretchs, Bernardo Lorente Germán and Diego Bejarano will be hung alongside major works by Pablo Picasso. Face to Face. Picasso and the Old Masters presents paintings from the Museo de Bellas Artes de Sevilla’s remarkable collection of Spanish and other European Masters opposite nine important works by Picasso belonging to the Fundación Almine y Bernard Picasso para el Arte (FABA). The exhibition at the MPM is distinguished from its previous appearance at the Museo de Bellas Artes de Sevilla by the inclusion of an exceptional additional painting by Picasso in the collection of the Museo de Málaga. The exhibition is curated by Michael FitzGerald. 52

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y juxtaposing works by Picasso with those of the Old Masters, the exhibition offers visitors a unique opportunity to discover the links between Picasso’s work and those by El Greco, Francisco Pacheco, Giovanni Battista Caracciolo, Francisco de Zurbarán, Cornelius Norbertus Gijsbretchs, Bernardo Lorente Germán and Diego Bejarano. These pairings not only enable viewers to make specific comparisons between the work of Picasso and the Masters in order to understand how deeply Picasso’s art was rooted in Spanish traditions. The juxtapositions also allow us to discern how he transformed these traditions into the revolutionary art of the 20th century. Born in Málaga in 1881 and trained by his painter and art teacher father, José Ruiz Blasco, Picasso absorbed the Spanish painting tradition from childhood. Furthermore, his attachment to the art and culture of Spain was to last and become stronger over his long career. Pablo Picasso transformed 20th-century art, yet he was a keen student with a profound interested in the art of the past. His work was deeply rooted in Spanish culture, particularly in the baroque period. The achievements of these Spanish Masters provided Picasso with models and techniques that drove him both to emulate and transform tradition. In this complex response, Picasso explored how the Masters themselves had responded to the classical tradition by embracing styles that the purists had excluded from the classical canon of Italy and France. This eclecticism was central to the Masters of the Spanish Baroque and inspired Picasso’s own willingness to disrupt artistic traditions. The themes covered in this exhibition revolve around the social and psychological meaning of the portrait, the role of illusionistic realism in paintings, and meditations on mortality. A wide range of Picasso’s periods and styles have been selected to represent the diverse nature of his art throughout his career. All these aspects can be seen in seven groups of works, in which the viewer is able to examine how Picasso emulated his predecessors, occasionally with a rather personal sense of humour. A look at the exhibition For Picasso, El Greco represented the highest achievements of the Spanish Masters, and a freedom to oppose tradition that inspired him to create Cubism. Thus, by examining El Greco’s Portrait of Jorge Manuel Theotocópuli (c. 1600-1605) next to Picasso’s Bust of a Man(1970) and Head of a Musketeer (1968), we see how the Málagaborn artist exaggerated El Greco’s technique of showing his subject in both a frontal and profile view as an inspiration for radically reconstructing the human face. When Picasso’s Olga Khokhlova with a Mantilla (1917) and Head of a Man (1971) are hung with Francisco Pacheco’s Portrait of a Lady and a Gentleman in Prayer (1623), Picasso’s profound respect for the tradition of realism in Spanish portraiture is evident. Moreover, we also see his willingness to transform that tradition for his own sometimes playful and sometimes serious interpretations. Picasso often used the violent scenes in religious art to depict the tragic events of his own time, meditating on them with dark humour, as the visitor can see in his Composition (1933) and Still Life with Rooster and a Knife (1947), which are shown alongside Giovanni Battista Caricciolo’s Salomé with the Head of John the Baptist (c.1630). In the duo of Picasso’s Restaurant (1914) and the Vanitas (1960) by Cornelius Norbertus Gijsbretchs, Picasso overcomes the solemn, moralizing tradition of still-life painting and turns it into a celebration of gustatory pleasures. Picasso’s Naked Man Watching his Sleeping Companion (1922) and Francisco de Zurbarán’s The Young Christ with the Thorn (c. 1645) are united by superb command of line and colour, yet Picasso diverges from the medieval roots of Zurbarán’s image to engage the alternative tradition of Greek and Roman art.

by Bernardo Lorente Germán. Picasso broke down the formulas of grand portraiture and rebuilt them in radically new ways that emphasize remarkably free brushwork instead of detailed rendering of the Infante’s appearance and the status conveyed by his dress. Yet Picasso also explored Spanish artists’ skill at deceiving the viewer by making them believe the reality of the painted image. The visit to the exhibition ends with a comparison of Picasso’s Fish (1914) with Diego Bejarano’s Trompe l’oeil (second half of the 18th Century). Face to Face. Picasso and the Old Masters is jointly organized by Museo Picasso Málagaand Museo de Bellas Artes de Sevilla, sponsored by Fundación Almine y Bernard Ruiz Picasso para el Arte (FABA) and Eeckman Art & Insurance and with the collaboration of Museo de Málaga. The exhibition is curated by Michael FitzGerald, professor of modern and contemporary art at Trinity College, Hartford, Connecticut, and director of the research program on Pablo Picasso established by FABA. Educational Space, Seminar, Baroque Concerts and Other Activities With You. Face to Face is an educational space specially designed for this occasion, where visitors can actively take part in constructing a collective chart that will grow in size over the next few months. In it, opposing concepts such as truth-lie, profound-superficial, serious-amusing, or complacent-rebellious, are presented as visual diagrams, with the aim of showing everything that art can be for us, and for others. In this space, visitors will also be able to use as a reference a visual story about two art techniques that are present in the exhibition: trompe l’oeil and collage. With two historic periods as the starting point, and running up to the present day, it covers artistic disciplines as diverse as painting and gastronomy, all accompanied and illustrated by quotes from Pablo Picasso and one of the great Old Masters, theorist and painter Francisco Pacheco, whose work can also be seen in this exhibition. In the context of the exhibition, the Face-to Face Seminar has been organised in both online and in-person formats. It will examine the relationship between Picasso’s work and the Old Masters. This event begins with the first session (online), on 23rd March, in which, after an analysis of the exhibition from its curator, Michael FitzGerald, the recent publication of the fourth volume of John Richardson’s Pablo Picasso biography. The second session (in-person) on 6th April, will be devoted to reviewing the Spanish art tradition and its links to the work of Pablo Picasso. On Sunday afternoons in April, visitors to MPM will be able to enjoy a Baroque Recital, with works by Johann Sebastian Bach in the exhibition rooms, at 5.00 p.m. and 5.45 p.m. Violoncellist Laura Ramírez will be playing a select repertoire of pieces, on Sundays 3rd and 7th April, while Marta Chica Martín will do the same on the violin, on Sunday 10th and 24th April. As usual, Museo Picasso Málaga has put together an extensive programme of activitiesbased on the exhibition, with holiday workshops during the “Semana Blanca” and Easter Week breaks; Museum in Movement with activities for families, and workshops on drawing, perspective and volume, for adults. For the MPM accessibility programme than MPM runs in collaboration with Fundación “la Caixa” there will be From the Museum to the Table art workshops, for persons with functional diversity and the socially vulnerable. During opening hours, the museum will be offering Facing History guided tours. These can be booked in Spanish, English, and French, at reservas@mpicassom.org. Audio guides for the exhibition in Spanish and English can also be booked. Schools can request information at educacion@mpicassom.org regarding our participatory tours, where they can discover more about the key features that made Picasso one of the essential figures in Art History.

Another Bust of a Man (1970) by Pablo Picasso, creates a counterpoint to Portrait of the Infante don Felipe (1729-1735)

You can register for all these activities now, on our webpage www. museopicassomalaga.organd at the museum ticket offices.

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Pablo Picasso (1881–1973) Der Ruderer, Cadaqués, Sommer 1910. Öl auf Leinwand. 72,1 x 59,7 cm. The Museum of Fine Arts, Houston. Ankauf durch das Museum, finanziert von Oveta Culp Hobby, Isaac und Agnes Cullen Arnold, Charles E. Marsh, Mrs. William Stamps Farish und der Robert Lee Blaffer Memorial Collection, Schenkung von Sarah Campbell Blaffer, alle durch Tausch, sowie vom Brown Foundation Accessions Endowment Fund © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2022 Zum Herunterladen klicken Sie darauf

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EIN KUBISTISCHES MEISTERWERK VON PICASSO, DER RUDERER VON 1910, WIRD ALS GASTKUNSTWERK IM MUSEO PICASSO MÁLAGA AUSGESTELLT - Das kubistische Gemälde Der Ruderer ist ein Ölbild aus der Sammlung des The Museum of Fine Arts, Houston, das von Pablo Picasso 1910 in Cadaqués gemalt wurde. Das Bild, das als Gastkunstwerk in die Ausstellung Dialoge mit Picasso. Sammlung 2020–2023 im Museo Picasso Málaga aufgenommen wird, ist bis Mai dieses Jahres im Saal II zu sehen. - In Europa war Der Ruderer zuletzt 1989, also vor über dreiSSig Jahren, im Rahmen einer Ausstellung in der Öffentlichen Kunstsammlung in Basel zu sehen gewesen.

as Museo Picasso Málaga freut sich, mitteilen zu können, dass die Ausstellung Dialoge mit Picasso. Sammlung 2020–2023 um ein bedeutendes kubistisches Gemälde von Picasso, nämlich das im Sommer 1910 in Cadaqués entstandene Ölbild Der Ruderer aus der Sammlung des The Museum of Fine Arts in Houston, USA, als Gastkunstwerk ergänzt wird. Das Gemälde gehört zu einer Gruppe kubistischer Meisterwerke wie Frau mit Mandoline(Museum Ludwig, Köln) und Stehender weiblicher Akt (National Gallery of Art, Washington D.C.), die die Darstellung der menschlichen Figur radikal veränderten. Ausgestellt im Saal II, in der Nähe des Wandteppichs Les Demoiselles d’Avignon von Jacqueline de la Baume Dürrbach, der das gleichnamige Gemälde von Picasso reproduziert, zeugt es vom Wandel der Darstellung der menschlichen Figur in Picassos Werk. So setzte der Künstler in Les Demoiselles d’Avignon (1907) weibliche Figuren aus flachen, gekrümmten Segmenten zusammen, versah sie aber mit Masken, die er vehement in die dritte Dimension expandieren ließ. In Der Ruderer (1910) hingegen rekonstruierte er die Figur auf der Basis eines neuartigen kubistischen Gerüstes aus gekrümmten und facettierten Figuren und deutete die einzelnen Elemente des Körpers durch gekrümmte und gewinkelte Flächen an, die sich im Raum ausdehnen oder in ihm nach vorne oder nach hinten kippen. Dabei umriss Picasso die Figur zunächst mit schwarzen Linien, um sie dann horizontal mit rechteckigen weißen, teilweise ocker, grau und schwarz schattierten Pinselstrichen zu strukturieren. In Europa war Der Ruderer zuletzt 1989, also vor über dreißig Jahren, im Rahmen einer Ausstellung in der Öffentlichen Kunstsammlung in Basel zu sehen gewesen.

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Aufgrund seines Titels wurde davon ausgegangen, dass das Gemälde einen rudernden Mann zeigt, begleitet von seinem Spiegelbild im Wasser und Wellen, die die Bewegung eines Ruders andeuten. Überzeugender scheint jedoch die alternative Interpretation der Figur als sitzende Frau. Die Leihgabe des The Museum of Fine Arts, Houston, wird in Málaga bis Mai dieses Jahres zu sehen sein. Im Gegenzug wurde Pablo Picassos Stierkopf von 1942 in die USA ausgeliehen und war dort zwischen dem 27. Februar 2021 und dem 30. Januar 2022 im Rahmen der Wanderausstellung Calder-Picasso im de Young Fine Arts Museum of San Francisco, im High Museum in Atlanta und im The Museum of Fine Arts in Houston zu sehen.

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CARLO CIUSSI

LA METAMORFOSI DEL COLORE Inaugurazione sabato 19 marzo 2022 ore 17.30

20 marzo - 21 agosto 2022 in collaborazione con Archivio Carlo Ciussi Udine - Milano

GHISA ART COLLECTION Via Antonio Ciseri, 3 / 6600 Locarno Swiztzerland info@ghisa-art.ch / www.ghisa-art.ch

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a Fondazione Ghisla Art Collection in collaborazione con l’Archivio Carlo Ciussi organizza, nel decimo anniversario della scomparsa dell’artista, la mostra Carlo Ciussi. La metamorfosi del colore, prima retrospettiva internazionale a lui dedicata dopo la morte. L’esposizione inaugurerà sabato 19 marzo 2022 alle ore 17.30 e sarà visitabile dal 20 marzo al 21 agosto 2022 negli spazi espositivi della Fondazione.

Carlo Ciussi (Udine, 1930 - 2012) è fra i protagonisti dell’arte italiana del XX secolo: il suo lavoro, che attraversa tutta la seconda metà del secolo scorso e giunge all’inizio del nuovo millennio, ha mantenuto una coerenza di fondo pur nella grande diversità degli esiti raggiunti nei vari periodi della sua attività artistica, rimanendo tanto vicino alle correnti a lui contemporanee quanto autonomo nella sua ricerca incessante. La mostra offre l’occasione per una lettura complessiva dell’opera dell’artista permettendo di tracciarne la storia. Il percorso espositivo è articolato in senso cronologico, in modo da offrire una visione complessiva dei diversi periodi del suo fare arte dal 1965, dopo la sua prima partecipazione alla Biennale di Venezia nel 1964, al 2012. Le ventisette opere esposte sono rappresentative degli snodi cruciali nella storia di Ciussi, dai primi lavori in cui l’attenzione si rivolge all’impaginazione geometrica del quadro in toni grigio-neri, fra i quali III.65 (1965), appartenente alla collezione della Fondazione Ghisla, poi riempita di colori, e, in uno sviluppo pluridecennale, sino agli esiti degli ultimi lavori. Alcuni dei dipinti erano stati esposti nelle prime mostre milanesi della Galleria Stendhal negli anni Sessanta; altri, come XLI (1967), nell’importante mostra dedicata a Ciussi dalla Galerie Paul Facchetti nella sede di Parigi nel 1967 (e, poi, nella sede della galleria a Zurigo nel 1971) o, ancora nel 1967, alla IX Biennale di San Paolo del Brasile (XXIII, 1967), per essere di nuovo presentate insieme nel 1974 in occasione della prima retrospettiva dedicata all’artista a Palazzo Torriani di Gradisca d’Isonzo.

Senza titolo (Carlo Ciussi, 2005) www.inewsswiss.com

Dopo un ventennio in cui l’attenzione di Ciussi sembra prevalentemente rivolta alla geometria, negli anni ‘70 è il colore ad assumere un ruolo centrale nel suo lavoro, con una semplificazione della geometria a figure rettangolari fluttuanti, come nelle opere XXIV (1976) e XXX (1979); ma questo passaggio permette di prendere coscienza di quanto il colore, per l’artista, fosse già decisivo nelle ricerche precedenti. Negli anni Ottanta e Novanta emerge l’energia dinamica di un segno pittorico serpentinato, come si osserva nei dipinti in mostra del 1990, o angolare, a partire dal 1995, che arriva a invadere l’ambiente in lavori come Struttura (1995), opera tridimensionale autoportante. Dopo aver partecipato alla Biennale di Venezia del 1986 con due sculture, un importante momento di sintesi è costituito dalla mostra antologica al Museo Revoltella di Trieste nel 1997 e, nel 1998, dalla personale alla Esslinger Kunstverein Villa Merkel di Esslingen in Germania. Nel nuovo millennio il lavoro di Ciussi riprende – anche se in modo radicalmente nuovo, carico di tutti gli anni dedicati allo studio del colore e all’analisi dei mezzi pittorici – i quadrati disassati che apparivano nei quadri del 1965, come in Senza titolo del 2005, anch’essa appartenente alla collezione della Fondazione Ghisla. All’inizio degli anni Duemila si sono moltiplicate grandi mostre antologiche e retrospettive, tanto in Italia quanto all’estero. Importanti mostre si sono tenute nel 2005 a Palazzo Isimbardi a Milano, nello storico Palazzo dei Sette di Orvieto nel 2007 e, nel 2009, in Germania, al Neuer Kunstverein di Aschaffenburg e in Austria, alle Stadtgalerien di Klagenfurt. Nello stesso anno è stato invitato con sue opere alla mostra Temi & Variazioni presso la Peggy Guggenheim Collection di Venezia, mentre già nel 2005, a Milano, aveva esposto una scultura di grandi dimensioni in Piazza della Scala. La sua ricerca si è infine estesa ad approfondimenti sulla possibilità di riempire i quadrati stessi, nei “Senza titolo” del 2009, o di graffiare la superficie del quadro, negli ultimissimi lavori del 2011 e 2012, presentati per la prima volta nella mostra antologica al Museo d’Arte Moderna e Contemporanea nella sede di Casa Cavazzini, a Udine. In occasione della mostra verrà pubblicato un volume contenente la riproduzione delle opere in mostra, un saggio di Davide Mogetta e un aggiornato apparato bio-bibliografico. INGRESSO CONTINGENTATO NEL RISPETTO DEI PROTOCOLLI DI SICUREZZA PER IL CONTRASTO E CONTENIMENTO DEL VIRUS COVID-19

III.65 (Carlo Ciussi, 1965) iNEWS

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i inaugura a Malaga la doppia personale di Bernard Aubertin e Bruno Bani, curata dalla galleria italiana Toro Arte Contemporanea di Claudia e Francesco Toro. Proprio a lato del Teatro Cervantes ed in contemporanea con il 25 anniversario del festival del Cinema la Galería Javier Román apre le porte ad un’esposizione internazionale! Ospite il presidente dell’archivio delle opere di Bernard Aubertin, il dott. Giancarlo Rovetta, che in un’intervista per 7Tv Andalucía , ha raccontato il lavoro che da oltre 50anni svolge per promuovere e tutelare la sua opera. Presente anche l’artista Bruno BANI, che ha ricreato un’atmosfera magica con le sue istallazioni lunari luminose. Dunque “Fuoco e Luce” sono stati indiscussi protagonisti di un vernissage all’altezza del calibro della location e degli artisti. Bernard Aubertin noto per le sue opere monocrome. Per l’artista, il rosso nelle sue opere rappresenta il fuoco e il sangue. Quattro anni dopo la fondazione di ZERO da parte di Heinz Mack e Otto Piene a Düsseldorf, è diventato membro di questo gruppo sperimentale. In tal modo, Aubertin ha reagito contro l’arte informale e il neoespressionismo. Era molto interessato a creare una nuova arte con radici e collaborazioni internazionali che avrebbero dato vita a nuovi concetti e idee. Bruno BANI Collabora, in qualità di fotografo, con musei, gallerie d’arte e archivi d’artista, organizzazioni culturali, riviste e case editrici. Dal 2006 affianca all’interesse per la fotografia quello per la pittura a cui, presto, aggiunge la sperimentazione con la luce. Vive e lavora a Milano

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ART INTERNATIONAL ZURICH 2022 24th Fair of Modern and Contemporary Art 13 - 16 October 2022 Zurich Convention Center (Kongresshaus), Switzerland www.art-zurich.com

From 2022, the art fair ART INTERNATIONAL ZURICH will once again be held at the Zurich Convention Center (Kongresshaus) 60

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he fair has developed into an important Swiss marketplace for new and contemporary art. International galleries and artists present current positions of art in all formats. In addition to modern masters, ART INTERNATIONAL ZURICH offers a broad overview of current contemporary art and is at the same time a platform for making it accessible to a broad public. The fair was founded in 1999. It has already hosted the most diverse currents of modern art and created an audience-rich forum for countless artists, galleries, and art mediators from over 80 countries. As an art market where the focus is on personal encounters, the annual exhibition serves as a forum for lively exchange. Thus, the discussions with artists at the exhibition stands are a constant and popular part of the fair. During the extensive renovation of the Convention Center (an important building in the history of Swiss architecture), the exhibition moved to Zurich West and took place there as planned and successfully as a public exhibition even during the coronavirus pandemic. Art-loving visitors can now once again expect a wide range of works of art in autumn 2022. In addition to paintings and sculptures, they can also discover graphic works as well as photography and video art. As a discovery fair, ART INTERNATIONAL ZURICH offers genuine experiences “in the real world”. The immediate experience, the personal relationship with the work of art and the resulting sensual pleasure are in the foreground. And of course, the works can also be purchased directly. Modern and young art is presented in a refreshingly relaxed atmosphere, new discoveries included. Anyone looking for something unique will find it at ART INTERNATIONAL ZURICH. Extensive information on the exhibitors will follow in summer 2022. Opening hours Thursday, 13 October, 18:00 - 21:00 (Vernissage) Friday, 14 October: 11:00 - 20:00 Saturday, 15 October: 11:00 - 20:00 Sunday, 16 October: 11:00 - 18:00 Venue Zurich Convention Center (Kongresshaus Zürich) Claridenstrasse 1, CH-8002 Zurich, Switzerland Tickets Day ticket: CHF 20.- Students: CHF 10.- Vernissage: CHF 30.Children up to 16 free (accompanied by an adult) Free admission for VIP card holders Advance sale Presales from 2022 at Ticketcorner on 0900 800 800 (CHF 1.19/ min.), or at www.ticketcorner.ch or from Schweizerische Post, Manor and Coop City, and all other Ticketcorner ticket outlets. Buy tickets online: www.ticketcorner.ch/artist/art-internationalzurich

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MUMMENSCHANZ mit «50 Years» auf Schweizer Jubiläumstournee 22. – 24.4.2022 | Grenchen, Parktheater

18. – 22.5.2022 | Mézières, Théâtre du Jorat

29./30.4.2022 | Schaffhausen, Stadttheater

10./11.6.2022 | Altdorf, Theater

5.5.2022 | Visp, La Poste

17./18.6.2022 | Villars-sur-Glâne, Nuithonie

7./8.5.2022 | Zug, Theater Casino

23. – 25.6.2022 | Zürich, Theater 11 Zusatzvorstellungen

10. – 15.5.2022 | Basel, Musical Theater

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Camilla Ancilotto, Ab ovo

Roma Arte in Nuvola: presentato il programma della nuova fiera nella Capitale 64

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Janet-Echelman_Noli-Timere

OPO UNA LACUNA, UN VUOTO DI RAPPRESENTANZA DI 11 ANNI, TORNA A ROMA UNA FIERA DEDICATA ALL’ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA: È ARTE IN NUVOLA E AVRÀ SEDE NELLA STRUTTURA DISEGNATA DA MASSIMILIANO FUKSAS. ECCO IL PROGRAMMA È stato presentato il programma di Arte in Nuvola, la nuova fiera artistica romana che arriva dopo 11 anni di assenza, come ha tenuto a ribadire il direttore generale della manifestazione, Alessandro Nicosia (Catania, 1953, ha gestito per oltre 20 anni le esposizioni del Vittoriano). Nicosia parla di un vuoto che doveva essere colmato senza tuttavia entrare in competizione con le fiere nordiche, bensì proponendo un modello “integrato” che si avvalesse dell’identità romana e dell’immagine iconica della Nuvola dell’architetto Fuksas. Dal 18 al 21 novembre 2021 parteciperanno alla manifestazione 100 gallerie, anche “giovani e poco conosciute“, che Nicosia ha voluto proporre fuori da schemi e logiche navigate, oltrepassando l’ideologia delle fiere già affermate in Italia, non essendo sua intenzione creare un omologo, “una quinta grande fiera“. A differenziare il progetto, rendendolo ibrido, contribuirà lo sviluppo di oltre 30 progetti speciali, con l’obbiettivo di richiamare “un pubblico diverso, non solo commerciale”, prosegue il direttore. “Abbiamo coinvolto artisti inglesi, tedeschi, francesi, greci, l’artista di TeheranNeda Shafiee Moghaddam“. ARTE IN NUVOLA: COME SI ARTICOLERÀ LA FIERA La proposta si dividerà in due filoni: moderno (al General Floor) e contemporaneo (al primo piano del Forum). Tre saranno le sezioni, divise tra Main section, New entries e Solo Show. Di 100 gallerie che hanno aderito, ben 32 sono romane con “caposquadra” La Nuova Pesa di Simona Marchini, che curerà il focus La storia delle gallerie romane. Tra i progetti speciali distribuiti nei7000 metri quadri dell’hub di Roma Eur, ci sarà l’esposizione di due arazzi di Sironi e dell’opera Senza Titolo (Labirinto) Nabuccodi Kounellis. Sulla vetrata esterna campeggerà, invece, l’intervento dell’artista tedesco di base a Londra Lothar Götz, mentre l’artista americana Janet Echelman realizzerà una delle sue sculture plastiche in fibra, “una medusa lavorata con materiali policromi e d’impatto”. Nonostante le ottime intenzioni, di primo acchito verrebbe da commentare “si poteva osare di più”, magari puntando meno sul figurativo di opere come The Goddess of All Things diCyril de Commarque o Luci di Nara Pietrificata di Igor Mitoraj per coinvolgere artisti più sperimentali, sul versante del digitale e del multimediale. Tra i partecipanti si leggono i nomi di Patrick Tuttofuoco, Pamela Diamante, Daniel Gonzàles e Iakovos Volkov.

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Lothar-Goetz_senza-titolo

ARTE IN NUVOLA: ISRAEL LANDSCAPE Tra i progetti di Arte in Nuvola, sarà accolto anche Israel Landscape, curato da Vera Pilpoul e da Ermanno Tedeschi. Israele, scelto come paese ospite della prima edizione della fiera, con una collettiva di 17 artisti cercherà di riflettere le plurime sfaccettature di una realtà statale di migranti, gli Olim “quelli che accorsero da tutto il mondo verso la Terra Santa“, spiegano i curatori. Gli artisti differiscono per background, cultura, etnia: parteciperà la drusa Fatma Shanan, l’israeliana di origine etiope Michal Mamit Worke ed esponenti della comunità ortodossa come Chana Goldberg; le opere spazieranno dal ricamo alla fotografia, dalle tecniche tradizionali ad installazioni multi-materiche. Verranno anche organizzati degli incontri con storici, critici e collezionisti con lo scopo di aprire una finestra sulla cultura israeliana. ARTE IN NUVOLA: L’INTERVENTO DI ADRIANA POLVERONI, DIRETTRICE ARTISTICA DELL’INIZIATIVA “Volevamo fare qualcosa di diverso che avesse una doppia anima. Percepisco Roma in maniera ottimista grazie ad una rinascita dal basso”, commenta Adriana Polveroni, direttrice artistica di Arte in Nuvola che si è avvalsa del supporto di Valentina Ciarallo. “È il momento di aggiungere un nuovo tassello, una proposta di mercato… Ci saranno anche momenti di incontro con spazi no profit e con altre realtà che stanno segnando tale rigenerazione. La fiera è un progetto largo che non vuole accogliere solo gallerie importanti, ma dare voce a realtà emergenti e promettenti”. Adriana Polveroni enfatizza infine una delle risorse-cardine di Roma, insita nelle numerose fondazioni e nella rete di accademie straniere sparse sul territorio: “cercheremo di farle dialogare in questo contesto, per ripensare Roma e il suo ruolo. Dovrà essere un momento di riflessione sulla città, nel solco della sua crescita affinché la fiera possa essere un collante importante”.

ROMA ARTE IN NUVOLA 7 - 20 novembre 2022

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KUNSTHAUS ZÜRICH PRÄSENTIERT JAHRESPROGRAMM 2022 66 66

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it Niki de Saint Phalle holt das Kunsthaus Zürich 2022 eine der weltweit bekanntesten Künstlerinnen in sein Programm. Yoko Ono und Alexandra Bachzetsis sorgen mit historischen Positionen und zeitgenössischen Performances für Bewegung. Und in einer interdisziplinären Ausstellung, die die Kunstproduktion mehrerer Jahrhunderte überblickt, zeigt das grösste Kunstmuseum der Schweiz, wie verwoben Kunst und Medizin miteinander sind. Hauptattraktion im ersten Jahr nach Eröffnung der Kunsthaus-Erweiterung von David Chipperfield ist die neuartige Präsentation erstklassiger Sammlungen. In den nächsten 12 Monaten organisieren Christoph Becker und sein Team zehn wechselnde Ausstellungen: Den Auftakt machen zwei Projekte, die bis Februar 2022 laufen, «Walter De Maria. The 2000 Sculpture» und «Earth Beats. Naturbild im Wandel» (bis 6.2.2022). Gleich darauf folgen königliche Leihgaben. Das Programm im Einzelnen: 10.12.21–6.3.22 BAROCKES FEUER. DIE GRAFIK DES GIOVANNI BENEDETTO CASTIGLIONE Giovanni Benedetto Castiglione verdient einen Ehrenplatz im Olymp der italienischen Zeichner. Wie kaum ein anderer Künstler aus der Barockzeit wirft er seine Kompositionen mit einer atemberaubenden Lässigkeit auf das Papier. Zugleich ist er ein wegweisender Experimentator im Bereich der Druckgrafik. Das von ihm entwickelte Verfahren der Monotypie wurde selbst noch im 19. Jahrhundert von Künstlern wie Edgar Degas oder Paul Gauguin aufgegriffen. Das Kunsthaus Zürich widmet diesem Virtuosen auf Papier nun eine Einzelschau und zeigt ihn unter anderem in Auseinandersetzung mit seinem grossen Vorbild Rembrandt. Herzstück der Ausstellung sind kostbare Blätter aus dem Besitz von Queen Elizabeth II. aus Windsor Castle. 4.3.–29.5.22 YOKO ONO: THIS ROOM MOVES AT THE SAME SPEED AS THE CLOUDS Yoko Ono (*1933) gehört zu den einflussreichsten Künstlerinnen unserer Zeit. Ihre Performances und Aktionen der 1960er- und 70er-Jahre haben inzwischen Kultstatus erreicht und laden sich gerade aus heutiger Perspektive mit neuer Aktualität auf. Yoko Ono engagiert sich für Frieden auf der Welt und setzt sich für feministische Anliegen ein. Ideen spielen dabei immer die zentrale Rolle. Mal formuliert sie diese auf spielerisch-humorvolle Weise, mal ganz radikal, dann wiederum sehr poetisch – und einige verwandelt sie in Objekte, andere lässt sie immateriell. Dementsprechend vielfältig ist das künstlerische Werk von Yoko Ono und umfasst Skulpturen, Arbeiten auf Papier, Installationen, Performances, Film und Musik. Die Ausstellung zeigt eine Auswahl von zentralen Werken aus allen Schaffensperioden, mit einem Schwerpunkt auf dem Frühwerk. Yoko Ono ist an der Konzeption der Ausstellung persönlich beteiligt. Ein Rahmenprogramm, bei dem wichtige Performances reinszeniert werden, begleitet die Ausstellung. Unterstützt von Swiss Re – Partner für zeitgenössische Kunst.

im Kunsthaus Premiere feiert. Die Künstlerin erforscht darin performativ die Abhängigkeiten zwischen der «Szene» (dem Spielen und dem Inszenieren) und dem «Obszönen». «2021:Obscene» ist sowohl Ausstellung als punktuell auch Live-Performance. 8.4.–17.7.22 TAKE CARE: KUNST UND MEDIZIN Das Thema Gesundheit nimmt einen zentralen Platz in der öffentlichen Debatte ein. Die Beschäftigung mit dem physischen Befinden ist in der Kunst jedoch so alt wie die Kunst selbst. In ihrer sinnlich-intuitiven Interpretationsfähigkeit kann die Kunst wesentlich dazu beitragen, ineinander verschränkte Systeme wie Körper, Krankheit und Genesung, Medizin und Umweltfaktoren erfahrbar zu machen. Die Ausstellung zeichnet ausgewählte Schlüsselmomente der Medizingeschichte vom 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart nach, mit Leihgaben medizin-historischer Sammlungen sowie rund 80 künstlerischen Positionen wie u.a. Sabian Baumann, Rachal Bradley, Georges Chicotot, Honoré Daumier, Adolf Fleischmann, Damien Hirst, Ferdinand Hodler, Martin Kippenberger, Paul Klee, Herlinde Koelbl, Manon, Wangechi Mutu, Maria Pomiansky, Marc Quinn, RELAX (chiarenza & hauser & co), Ana Roldán, Talaya Schmid, Kiki Smith, Veronika Spierenburg, Jules Spinatsch, Annie Sprinkle, Luc Tuymans oder Varlin.

25.3.–1.5.22 ALEXANDRA BACHZETSIS. 2021:OBSCENE Alexandra Bachzetsis (*1974) ist Choreografin und bildende Künstlerin an der Schnittstelle von Tanz, Performance, bildender Kunst und Theater. Viele ihrer Arbeiten beschäftigen sich mit der Frage, auf welche Weise wir uns Gesten, Ausdrucksweisen, Identifikationsmuster und Fantasien aus der Popkultur aneignen, wenn wir unsere Körper immerzu neu entwerfen und definieren. «2021:Obscene» ist ein neues Werk, das in seiner Museumsversion www.inewsswiss.com

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20.5.–14.8.22 RUDOLF KOLLER. DIE SKIZZENBÜCHER Skizzenbücher sind den Künstlern verlässliche Begleiter. Ihnen vertrauen sie jeden noch so beiläufigen künstlerischen Einfall an. Jetzt zeigt das Kunsthaus einen kostbaren Schatz: 67 Skizzenbücher von Rudolf Koller und damit weit über 4000 Zeichnungen des Schweizer Künstlers. Dieser schier unermessliche Fundus spiegelt nicht nur die Lebensleistung eines begnadeten Zeichners. Er ist auch ein einzigartiges Zeugnis, um die Werk-Genese seiner berühmtesten Gemälde nachvollziehen zu können. Nach einer zweijährigen Phase der Restaurierung und Digitalisierung der Skizzenbücher kann das Publikum in den ursprünglich nur zu persönlichen Zwecken entstandenen Kosmos von Kollers Bildwelt eintauchen. 24.6.–4.9.22 FEDERICO FELLINI. VON DER ZEICHNUNG ZUM FILM Das Kunsthaus Zürich setzt seine lange Tradition kulturhistorischer Ausstellungen fort, welche die Grenzen des klassischen Kunstverständnisses überwinden. So hat das Publikum immer wieder die Möglichkeit, geniale Persönlichkeiten und deren aussergewöhnliches, für die Kunstgeschichte bedeutsames Erbe im neuen Licht zu entdecken. Nun von Federico Fellini (1920– 1993). Obschon der Film zu seiner wichtigsten künstlerischen Ausdrucksform avancierte, blieb Zeichnen das zentrale Instrument seiner kreativen Vorarbeit zu den Filmen, oder wie Fellini selbst beschrieb: «Oft kommt es vor, dass ich während der Vorbereitungszeit Skizzen, Entwürfe und Figuren zeichne […] Diese beiläufigen Ideen sind dann die Wegweiser, nach denen sich meine Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter richten: die Bühnenbildner, Kostümbildner, Maskenbildner.» Das produktive Verhältnis von Zeichnung und Film ist Gegenstand dieser Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit dem Museum Folkwang, Essen, entsteht.

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2.9.22–8.1.23 NIKI DE SAINT PHALLE. DIE RETROSPEKTIVE In einer umfangreichen Retrospektive mit rund 150 Exponaten wird die aussergewöhnliche Künstlerpersönlichkeit Niki de Saint Phalle (1930–2002) beleuchtet. Das überaus breite Spektrum ihrer Tätigkeit zeigt sich in Malerei und Zeichnung, in den Assemblagen, Aktionen und grossformatigen Skulpturen, aber auch im Theater, Film und in der Architektur. Ihre Werke schuf die Künstlerin aus der persönlichen Gefühlsverarbeitung wie auch aus einer kritischen Haltung heraus. Damit nahm sie sich sozialer und politischer Themen an, sie hinterfragte Institutionen und Rollenbilder – Auseinandersetzungen, die bis heute ihre Relevanz behalten. Während ihre legendären «Schiessbilder» in provokativen Performances entstanden, zeugen ihre späteren Werke von der Freude am Leben und am Menschen, veranschaulicht in den sinnlichen Nanas wie auch in der transformativen Wirkungskraft ihrer grossen Installationen im öffentlichen Raum. Niki de Saint Phalle war eine populäre Aussenseiterin, deren Formensprache sich ins kollektive Gedächtnis eingebrannt hat. Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit der Schirn Kunsthalle Frankfurt. Unterstützt von Credit Suisse – Partner Kunsthaus Zürich. 7.10.22–22.1.23 ARISTIDE MAILLOL. DIE SUCHE NACH HARMONIE Aristide Maillol (1861–1944) – der «Cézanne der Skulptur» – ist nach Auguste Rodin der bedeutendste französische Bildhauer der frühen Moderne. Ein Erneuerer, aber gleichzeitig zeitlos, verkörpert Maillols sinnliche Kunst die Werte der Klarheit und des Gleichgewichts der Formen, was ihn zum Vollender der klassischen Tradition macht. Die Ausstellung ist als Überblicksschau konzipiert, konzentriert sich aber auf die reiche Schaffenszeit vor dem Ersten Weltkrieg, als der Künstler seine wahre Berufung entdeckte und als Bildhauer hervortrat. 150 Werke beleuchten das Schaffen Maillols in all seinen Facetten: Skulptur, Malerei, Tapisserien, Fayencen, Druckgrafiken, Bücher und zahlreiche zauberhafte Zeichnungen. Einige Werke seiner Zeitgenossen Auguste Rodin, Paul Gauguin, Maurice Denis oder Édouard Vuillard ergänzen die Ausstellung und erlauben es, sein Schaffen innerhalb der Geschichte der Skulptur zu verorten. Die Ausstellung wird organisiert vom Kunsthaus Zürich, den Musées d’Orsay et de l’Orangerie, Paris und La Piscine, Roubaix, in Kooperation mit der Stiftung Dina Vierny-Musée Maillol.

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NEUPRÄSENTATION DER SAMMLUNGEN IM ERWEITERTEN KUNSTHAUS Mit der Eröffnung des Chipperfield-Baus am 9. Oktober 2021 zeigt sich ein neues Sammlungskonzept. Im gesamten erweiterten Kunsthaus brechen thematische Cluster und Interventionsflächen die kanonische Grundpräsentation auf. Sie setzen Akzente zwischen Epochen und Gattungen – bieten Raum für die Werke von Künstlerinnen und Künstlern unserer Zeit, die auf tradierte kunstgeschichtliche Themen Bezug nehmen oder diese herausfordern. Wie beispielsweise die Künstler Kader Attia und Anna Boghiguian mit Beiträgen zum postkolonialen Diskurs in unmittelbarer Nachbarschaft von niederländischen «orientalischen» Werken. Aussereuropäische Kunst ist nun mit Werken der Künstlerinnen Teresa Margolles, Tracey Rose und Lungiswa Gqunta aus Südamerika und Afrika vertreten. Neben den privaten Sammlungen Emil Bührle, Merzbacher, Looser und Knecht die auf lange Zeit öffentlich werden, zeigt das Kunsthaus die grösste Präsentation bedeutender Werke von Alberto Giacometti – und dies im Kontext von Zeitgenossen wie den Surrealisten und Plastikerinnen der Gegenwart wie Rebecca Warren. Die nirgends besser dokumentierte Dada-Bewegung repräsentiert mit Werken von Hannah Höch, Hans Arp und anderen Zürichs Beitrag an die Avantgarde zwischen den Weltkriegen. Neue Werke, ein Audioguide mit 400 Positionen – davon 100 für Kinder – neue Räume und Vermittlungsangebote machen den Besuch des erweiterten Kunsthauses deshalb zu einem erlebnisreichen Tagesprogramm

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Albert Pinya Baagundi!!

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aagundi! es el título de la primera exposición individual del artista mallorquín Albert Pinya (Palma, 1985) en la galería Baró. Sin ninguna duda, una de las exposiciones más relevantes, en la trayectoria del artista, porque marca la culminación de un momento muy determinado, de su pintura más representativa, a la vez que anticipa y anuncia el nuevo rumbo que está tomando. Una selección de obras, realizadas entre 2022 y 2018, sobre tela, papel y cerámicas producidas en colaboración con el ceramista Català Roig. Donde aparecen trabajos muy representativos, de este último período, articulados desde un lenguaje y una narración visual más establecida y consolidada. En contraposición a una serie de trabajos inéditos y recientes que simbolizan una búsqueda y dinamismo constante, tan presente en la identidad evolutiva de la obra de Pinya. Algunas de estas piezas hacen referencia a su infancia y al lenguaje urbano que nutre su universo a partir de la influencia de la música, las series de animación, el cómic, el manga y, como no, la poesía. A partir de temas muy variados que van desde lo sagrado a lo profano,

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lo bello y lo siniestro, lo decadente y lo sublime, lo esperpéntico, lo delirante. En definitiva, nada que no esté presente en la vida misma. Como describe, recientemente, el comisario Enrique Juncosa en uno de los últimos textos elaborados sobre el artista: La obra de Pinya, aunque no es ajena a reflexiones sociopolíticas y ecológicas, parece reírse, efectivamente, de la gravedad dogmática que para algunos es el paradigma de nuestro tiempo. Pinya ironiza también sobre la ya remota idea de la abstracción pura, tal y como fue descrita por los exegetas del formalismo, habiendo titulado una de sus mejores series, Porno geométrico (2018). En las obras de esta serie se muestran formas lineales lúbricas, entrando y saliendo de distintos orificios, conformando circuitos complejos y espacios pulsantes y profundos. Todo el montaje, de la exposición, se plantea como una gran instalación. Integrando el lenguaje visual a la arquitectura del espacio para generar una experiencia, insólita, en el espectador. El impacto, de esta muestra, radica en la vitalidad, el frenesí, el entusiasmo y el vigor. Un canto a la vida donde la subversión y la transgresión se manifiestan desde el amor.

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LADIES & GENTLEMEN

THE ROLLING STONES ARE BACK IN EUROPE THIS SUMMEr BRAND NEW SIXTY TONGUE UNVEILED

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Madrid (Spanien), München (Deutschland), Liverpool (UK), Amsterdam (Niederlande), Bern (Schweiz), Mailand (Italien), London (UK), Brüssel (Belgien), Wien (Österreich), Lyon (Frankreich), Paris (Frankreich), Gelsenkirchen (Deutschland), Stockholm (Schweden)

he Rolling Stones kündigen für diesen Sommer vierzehn Konzerte in zehn europäischen Ländern an und geben den Titel ihrer neuen Tour bekannt – mit «SIXTY» feiern sie ihr 60-jähriges Bestehen. Die Stones rollen weiter und sind wieder da, wo sie hingehören: auf die Strassen Europas, in ausverkaufte Stadien, mit einer neuen Show und der brandneuen «SIXTY»-Produktion, die am 1. Juni in Madrid zum ersten Mal gezeigt wird. Auch die Schweiz kann sich freuen am Freitag, 17. Juni 2022 spielen die Stones auf ihrer Tour live im Stadion Wankdorf in Bern. Mit «SIXTY» kehren Mick Jagger, Keith Richards und Ronnie Wood auch zurück in ihre Heimat Grossbritannien. Den Auftakt macht ein besonderes Konzert im Anfield Stadion des FC Liverpool, das erste Stadionkonzert der Stones in dieser Stadt und ihr erstes in Liverpool seit über fünfzig Jahren. Darauf folgen zwei Shows im Londoner Hyde Park. Nach 49 Jahren kehren die Stones zurück nach Bern, wo sie 1973 in der alten Festhalle Bern spielten. Damals veranstaltete André Béchir, zusammen mit Claude Nobs, die beiden Shows. Nun ist es dem heutigen Senior Advisor von Gadget abc ein weiteres Mal gelungen, die Rolling Stones anlässlich ihres 60-jährigen Bühnenjubiläums für ein Konzert zu verpflichten. Es ist seine 13. Show mit der Band. Zum ersten Mal werden die Stones dabei von der führenden Schweizer Musikagentur Gadget abc Entertainment Group veranstaltet. Wie es zum 60. Geburtstag der Band nicht anders zu erwarten ist, verwöhnen die Stones, erneut mit Steve Jordan am Schlagzeug, ihre Fans mit einer Setlist, die vollgepackt ist mit Klassikern wie «Gimme Shelter», «Paint It Black», «Jumpin’ Jack Flash», «Tumbling Dice», «(I Can’t Get No) Satisfaction», «Start Me Up» und vielen mehr. Es wäre aber kein Rolling Stones-Konzert ohne ein paar Überraschungen und einer Auswahl unerwarteter Titel aus ihrem beeindruckenden Arsenal an Songs. Wie immer erwartet uns eine

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spektakuläre Produktion, einschliesslich einer riesigen Bühne, einer modernen Lichtshow und grandiose Video-Designs. Die mit Spannung erwartete Tour, präsentiert von Concerts West/ AEG Presents, startet am 1. Juni im Wanda-Stadion in Madrid (Spanien) und führt die Stones anschliessend nach München (Deutschland), Liverpool (UK), Amsterdam (Niederlande), Bern (Schweiz), Mailand (Italien), London (Grossbritannien), London (UK), Brüssel (Belgien), Wien (Österreich), Lyon (Frankreich), Paris (Frankreich), Gelsenkirchen (Deutschland) und Stockholm (Schweden). «SIXTY» knüpft an den grossen Erfolg der gefeierten «No Filter»Tour in den USA an, bei der die Band im Herbst 2021 in ausverkauften Stadien spielte und über eine halbe Million Tickets verkaufte. Heute wurde zudem eine brandneue Stones-Zunge für die Tournee vorgestellt, welche vom preisgekrönten britischen Designer Mark Norton designt wurde.

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communication PINA BEVILACQUA

Il Mulinum di Caccavari

agricolo’, ci ho iniziato a coltivare ortaggi biologici, da far raccogliere Ho sempre avuto la passione per l’Informatica e da studente di Economia Aziendale sognavo di avviare magari una alle famiglie che avrebbero affittato i relativi lotti. Un esperimento, startup in America. Sono cresciuto in una famiglia di che è riuscito, perché in un anno siamo arrivati a 150 partecipanti, soprattutto professioni provenienti da Catanzaro (che conta circa contadini, ma non mi sono mai interessato di agricoltura, finché, qualche anno fa, nel mio piccolo paese (di circa 600 100 mila abitanti e che dista da San Floro appena 15 km). Una bella comunità, che condivide gli stessi ideali: cibo buono e difesa del abitanti), non è sorto il problema della costruzione di una discarica, territorio. Così, nel 2014, è nata una delle discariche più grandi d’Europa, che poi un Stefano Caccavari, 33 anni, di San Floro la mia prima azienda, “Orti di famiglia”». comitato spontaneo di circa (Catanzaro). Il 29 novembre il presidente 5.000 cittadini, anche dei paesi vicini, è riuscito a bloccare. Sergio Mattarella lo ha nominato Cavaliere Praticamente una domanda ti “Ma tu, cosa fai per difendere ha cambiato la vita… dell’Ordine al Merito della Repubblica «E poi ne è arrivata un’altra il tuo territorio?“, mi chiese provocatoriamente un mio caro Italiana: “Per il suo innovativo contributo fondamentale. “Da dove arriva amico, mentre era ancora in la tua farina?”. Era il titolo di rivolto alla valorizzazione del patrimonio un ampio dossier realizzato da corso la lotta contro la discarica. Così maturai il concetto che territoriale in Calabria”. Lo abbiamo una rivista di ecologia. Lì leggo che in Italia il 65% del grano la terra si protegge da usi incontrato, per farci spiegare tutto. impropri solo coltivandola e arriva dall’estero, che le farine vengono raffinate, modificate, l’idea di trasformare il terreno che i grani moderni hanno un glutine altamente tossico.. . io non di famiglia in un orto condiviso. In pratica, ho frazionato questo pezzo di terra in blocchi e con l’aiuto di mio zio Franco (io ho 6 ne sapevo nulla! Mi sono appassionato talmente tanto all’argomento che mi sono detto: “Se a San Floro facciamo gli ortaggi, possiamo zii che lavorano in Agricoltura!), che è diventato il mio ‘braccio

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fare anche il grano!”. Vado da mia nonna Concetta e scopro che lei mulini ‘gemelli’ di fine ‘800 nelle campagne del mio paese, con una ai suoi tempi coltivava il grano Senatore Cappelli, un’ottima varietà, centenaria macina in quarzo, che ricava solo 150 chili di farina all’ora nata nel 1915, ma ormai quasi estinta perché rende poco. Riesco a (gli standard industriali sono almeno 10 volte tanto!) e fondiamo trovarne i semi da un contadino della zona, pianto il primo ettaro l’azienda agricola “Mulinum”(considerata il più grande caso di di grano e decido di macinarlo a pietra (una macinazione lenta e a crowdfunding del settore agricolo italiano), spingendo i contadini freddo), come si faceva una volta, per produrre una farina integrale del posto a coltivare grani antichi locali (varietà: Senatore Cappelli, al 100% (e non solo al 20%, percentuale necessaria per poterla Verna, Farro, Iermano, Maiorca, Rubeum), in regime biologico. definire tale a norma di legge), una cosa che piace tantissimo, Tutto questo in un territorio che non ‘aveva le carte’, perché San specialmente ai nutrizionisti, perché tante fibre ci proteggono da una Floro non è terra di grano!». marea di disturbi. In seguito faccio un altro esperimento: parto con una panificazione domestica, da far assaggiare ai tanti frequentatori Al Mulinum avete pure due forni a legna, fate pane, pizza, prodotti dell’”Orto di Famiglia”, e fioccano gli ordini per questo pane! A da forno, dolci e salati. Ci racconti... San Floro negli Anni Sessanta avevamo 7 mulini a pietra, ma sono «Il pane da noi nasce la mattina (non lavoriamo di notte, e pure andati in disuso e per macinare questa è una bella cosa!), il mio grano dovevo andare da perché, utilizzando il lievito E Mulinum è diventato una realtà importante…. un mugnaio di Belvedere di non deve arrivare caldo «Sì. Attualmente il Mulinum di San Floro dà lavoro a madre, Spinello (Crotone), che a un sullo scaffale o il bancone, 15 giovani che prima facevano altro o niente. Abbiamo ma deve raffreddarsi un certo punto decide di vendere, a un collezionista toscano. costituito una rete di contadini, che condividono i po’. Abbiamo sperimentato Per salvare il mio sogno avrei nostri stessi valori e obiettivi, che producono il grano al tantissimo per trovare la dovuto almeno comprare la formula giusta, poiché di grani triplo, quadruplo del prezzo che pagano le industrie sul antichi (abbandonati in tutta macina a pietra, ma non avevo mercato, ma che sono contenti così, perché poi le farine Italia dalla metà degli anni abbastanza soldi. Perciò la mattina del 14 febbraio 2016 (il che producono hanno il giusto contenuto di glutine e ’70, in favore di coltivazioni Giorno di San Valentino), dopo più redditizie ed estensive) un basso indice glicemico». circa 3 mesi dall’esperimento in purezza e integrali nessun del pane (quindi senza avere alcuna garanzia di successo!), mentre manuale parla più. Il nostro pane richiede lunghi tempi di lievitazione ero in campagna, con un post su Facebook lancio un crowdfunding e preparazione. E credo che sia l’unico fatto in Italia con grani locali, per “salvare l’ultimo mulino a pietra della Calabria” e in 3 mesi macinati a pietra, con lievito madre e forno a legna. Per il momento raccolgo, da tutto il mondo, 100 soci, tutti privati (studenti, ci siamo prefissati di produrre 100 chili di pane al giorno. Sforniamo pensionati, professionisti, che hanno detto: io partecipo al sogno secondo antiche ricette, un pane saporito e profumato, che dura fino di Stefano! Vediamo dove ci porta! Che per questo sono andati dal a due settimane, in diversi formati, pure ‘speciali’: di segale, di farro, notaio, dal commercialista e che hanno fatto un bonifico dal proprio di semi, con pomodori secchi, olive… E poi ci sono le nostre famose conto a quello della società!) e mezzo milione di euro (interamente pizze, condite con prodotti agricoli nostri o comunque acquistati da versati). Con quei soldi, in soli 4 mesi, ripristiniamo due antichi aziende locali».

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Per finire ci spieghi il tuo innovativo contributo alla valorizzazione del patrimonio territoriale calabrese? «L’innovazione commerciale di Mulinum è stata quella di creare una filiera completa del grano, che coltiva, in maniera biologica, varietà di semi esclusivamente locali, per arrivare alla produzione di farine interamente integrali, macinate a pietra, per poi fare pizza, pane e prodotti da forno come si faceva cent’anni fa. Un modello imprenditoriale che è cresciuto con l’e-commerce durante la pandemia, quando tutti erano a caccia di farina e io ho avuto l’idea di regalare il lievito madre a tutti i nostri clienti. Un format di successo, che oggi conta oltre 300 soci sottoscrittori (i quali sostengono l’azienda con diversi livelli di coinvolgimento). Che probabilmente è la più grande delle 4/5 aziende italiane specializzate nella produzione di farine da grani antichi coltivati in regime biologico, e l’azienda agricola più seguita d’Italia, vantando ben 160 mila followers (appassionati di agricoltura, biologico, grani antichi), reali, su Facebook. Un modello che, grazie a una raccolta fondi permanente, è in continua espansione, che senza finanziamenti pubblici si sta replicando a Buonconvento (Siena), in Toscana, nel cuore della Val d’Orcia (dove ci sono voluti 3 anni di burocrazia per iniziare a costruire, contro i

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tempi incredibilmente rapidi in Calabria!) e a Mesagne (Brindisi), in Puglia, nel Salento. Frattanto abbiamo recuperato diverse macine di antichi mulini a pietra, rimesse a nuovo nella nostra officina e pronte a entrare in funzione nei prossimi Mulinum che costruiremo in altre regioni d’Italia. Ovviamente adattandoci alle specialità e ricette del posto». Poi, gustando una buona pizza, scopro altro. Mulinum, infatti, non è solo un’azienda agricola che crea sviluppo economico e sociale (spingendo la gente del posto a non emigrare); che preserva le tradizioni e il territorio; che promuove un’alimentazione sana; che contribuisce al rinascimento della coltura italiana del grano, partendo dalla ricca biodiversità di semi locali. Mulinum è anche un polo di attrazione (ad oggi, oltre 60.000 i visitatori, tra amici, soci e clienti, pure dall’estero!), che promuove la solidarietà (ad esempio con la raccolta fondi in favore delle famiglie bisognose della sua Festa dei Girasoli), che produce cultura. Come la grande Scultura Sonora Partecipativa installata nel Mulinum di San Floro, in pratica un campo di sonagli e campane, provenienti da ogni parte del Mediterraneo, suonata dalla Natura e dell’Uomo, cioè dal vento e dal tatto.

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communication

Coop sulla via del successo anche nel 2021

oop ha realizzato nel 2021 un fatturato di 31,9 miliardi di franchi, pari a una crescita del 5,6%, e un utile di 559 milioni di franchi. Il fatturato complessivo del commercio al dettaglio è aumentato di 506 milioni di franchi a 19,6 miliardi di franchi. Malgrado gli effetti legati alla pandemia, il settore Commercio all’ingrosso / Produzione si è ripreso e ha registrato un fatturato di 13,7 miliardi di franchi. Il commercio online del Gruppo Coop ha realizzato un fatturato di circa 3 miliardi di franchi con una crescita pari a 353 milioni di franchi. Il fatturato dei prodotti bio ha superato i 2,1 miliardi di franchi. Il fatturato dei prodotti sostenibili è cresciuto di 409 milioni di franchi a 5,9 miliardi di franchi. Coop si conferma quindi chiaramente leader del mercato. Ai fini del proprio impegno cooperativo, Coop ha condiviso questo risultato con la propria clientela, che nel 2021 ha ricevuto da Coop, sotto forma di prezzi di vendita più bassi, circa 130 milioni di franchi grazie alla riduzione del prezzo di oltre 1 500 prodotti. Anche il personale beneficia del successo di Coop nell’anno di esercizio e riceve una carta regalo in segno di ringraziamento per la straordinaria performance fornita. Coop ha realizzato nel 2021 un fatturato complessivo pari a 31,9 miliardi di franchi. L’utile ammonta a 559 milioni di franchi, il che corrisponde a un aumento di 21 milioni di franchi. Coop dichiara pertanto nuovamente un utile solido. Il patrimonio netto ammonta al 51,3% della somma di bilancio. Coop continua quindi a fare affidamento su una base finanziaria molto solida. Il numero di collaboratori e collaboratrici è cresciuto di 4 601 unità. Alla fine del 2021 Coop impiegava complessivamente 95 420 persone. Commercio al dettaglio Il ricavo netto complessivo del commercio al dettaglio è cresciuto di 506 milioni di franchi a 19,6 miliardi di franchi. Il ricavo netto dei supermercati Coop, Coop.ch compreso, ammonta a 12,1 miliardi di franchi ed è pertanto leggermente inferiore al record realizzato l’anno precedente. Considerato il tasso di rincaro negativo, il fatturato dei supermercati si attesta al livello dell’anno precedente. Coop ha ridotto i prezzi di oltre 1 500 prodotti trasferendo così circa 130 milioni di franchi alla propria clientela. I formati specializzati sono riusciti a compensare le perdite di fatturato temporanee causate dal secondo lockdown e hanno realizzato un ricavo netto di 7,5 miliardi di franchi, il che corrisponde a una crescita dell’8,6% rispetto all’anno precedente. Considerevole è stato anche l’aumento del fatturato di Coop City, Livique / Lumimart, Christ Orologi & Gioielli e Coop Vitality. Commercio all’ingrosso / Produzione Il ricavo netto del settore aziendale Commercio all’ingrosso / Produzione è aumentato dell’8,5% a 13,7 miliardi di franchi, il che

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rappresenta una crescita di 1,1 miliardi di franchi. Transgourmet ha realizzato un ricavo netto di 9,1 miliardi di franchi, pari a un aumento del 12,2%. Nonostante le nuove chiusure nel settore della ristorazione europea dovute alla pandemia, l’azienda del commercio all’ingrosso è riuscita a riprendersi. Il ricavo netto delle aziende di produzione è cresciuto di 99 milioni di franchi portandosi a circa 5 miliardi di franchi. Commercio online Il commercio online di Coop ha registrato un fatturato di circa 3 miliardi di franchi, pari a una crescita di 353 milioni di franchi. In questo contesto, il supermercato online Coop.ch con i suoi oltre 18 000 prodotti è cresciuto del 14,6%. Sostenibilità Nel 2021, il fatturato con prodotti sostenibili è cresciuto complessivamente di circa 409 milioni di franchi a 5,9 miliardi di franchi. La crescita ammonta al 7,5%. Coop rimane quindi leader incontrastata nel settore della sostenibilità in Svizzera. Il fatturato dei prodotti bio ha nuovamente registrato una forte crescita pari a 110 milioni di franchi portandosi a 2,1 miliardi di franchi. Coop con una nuova strategia di sostenibilità Da pioniere nel campo della sostenibilità, Coop continua ad ampliare ulteriormente la propria leadership. Coop presenta una nuova strategia di sostenibilità globale al fine di assumersi sistematicamente e a livello di gruppo le proprie responsabilità nell’ambito dei tre pilastri «Assortimenti sostenibili», «Tutela dell’ambiente e del clima» e «Collaboratori e impegno sociale ». Sulla base di questi tre pilastri, Coop ha definito per la prima volta sei campi d’intervento per il proprio impegno a favore della sostenibilità adottando nuovi obiettivi pluriennali fino al 2026 per l’intero Gruppo Coop. Coop dispone già del più ampio assortimento di prodotti sostenibili, 3 700 dei quali sono certificati con la Gemma Bio Suisse. Coop amplia sistematicamente l’assortimento di prodotti sostenibili in linea con la nuova strategia. Nell’ambito del proprio impegno a favore della tutela dell’ambiente e del clima, Coop mira a raggiungere l’obiettivo zero emissioni nette entro il 2050. A tal fine Coop ridurrà per esempio di oltre il 20% le emissioni dirette di CO2 e entro il 2026. Nel 2008, Coop si è posta l’obiettivo di raggiungere la neutralità CO2 nei settori aziendali pertinenti entro il 2023. Coop punta tra l’altro sempre più sul trasferimento del trasporto merci dalla gomma alla rotaia con la propria impresa ferroviaria railCare. In questo modo, Coop risparmia ogni anno più di 10 milioni di chilometri nel trasporto su camion. Coop continua a impegnarsi fortemente anche nel sociale ampliando le attività della «Giornata della buona azione» e offrendo ogni anno 3 400 posti di apprendistato in 33 professioni diverse. iNEWS

cinema Pina Bevilacqua

Una Femmina

imosso il divieto ai minori di 14 anni che era stato imposto dal Ministero della Cultura italiano al film “Una femmina” di Francesco Costabile. Liberamente tratto dal libro inchiesta “Fimmine ribelli. Come le donne salveranno il paese dalla ‘ndrangheta” del giornalista e scrittore Lirio Abbate (vicedirettore de “L’Espresso”), sulle donne vittime di violenza nelle famiglie ‘ndranghetiste calabresi. Uno spaccato di apparente normalità, dietro cui si celano patrimoni smisurati, convulse attività criminali, un’antiquata, ferrea, radicata, spietata cultura patriarcale. Il coraggio di donne che, per cercare di scampare a un destino ineluttabile, osano spezzare il loro legame di sangue, ribellandosi ai codici della ‘ndrangheta (l’organizzazione criminale basata proprio sulla forza del nucleo familiare), affidandosi al ‘nemico’, allo Stato. Un gesto dirompente, che demolisce i valori mafiosi, che rivela la vulnerabilità dei clan e l’incapacità dei boss di tenere a bada le loro ‘fimmine’. Che accende nelle altre donne la consapevolezza della propria condizione e il desiderio di ribellarsi. Il coraggioso film di Costabile, presentato con successo al 72º Festival Internazionale del Cinema di Berlino nella sezione Panorama, è ispirato a fatti realmente accaduti in Calabria e, in particolare, alla storia delle cugine pentite di mafia Maria Concetta Cacciola e Giusy Pesce, giovani madri morte ‘suicide’, come altre, solo per essersi ribellate alle logiche distorte e stringenti di una famiglia mafiosa. “Una femmina” racconta, infatti, di Rosa, ragazza inquieta e ribelle, che vive in un paesino tra monti e fiumare, con la nonna e uno zio, perché da bambina ha perso la mamma, sulla cui morte vige la più completa omertà della sua stessa famiglia. Una famiglia particolare, di mafia. Ma quando Rosa si ritrova vittima di un destino violento già segnato, la giovane decide di tradirla, anche se questo può

rivelarsi fatale, e di scoprire la verità. Con l’aiuto del caro Gianni, il guardiano del cimitero, che la porta finalmente a vedere il luogo dove è sepolta sua madre, un anfratto di mattoni incementati, senza nemmeno una lapide. «Tu sei l’unica che può cambiare tutto», le dice Gianni. E lei: «Quanta strada c’è ancora da fare per essere libera?». Con tutta la forza della magistrale interpretazione di Lina Siciliano, al suo debutto cinematografico. «Abbiamo anche aspettato che ritardasse le riprese quando è rimasta incinta, fino a quando non ha dato alla luce Luca, suo figlio. Doveva essere Rosa e per essere Rosa “Luca doveva nascere”, come sussurrava Lina sul set. Un regalo prezioso per un film che gira intorno al tema della maternità e dove una nuova nascita rappresenta l’unica speranza di cambiamento», sottolinea Costabile. E un film che gira intorno al tema della maternità, che denuncia la mafia e la violenza sulle donne, «che si pone come un’importante testimonianza di etica e coraggio», come si legge in una nota congiunta dei produttori (Tramp Limited e O’Groove) e della distruzione (Medusa Film), è per tutti. Deve essere per tutti.

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enogastronomia

Antonella montesi

Storia di Puglie: la bellezza della lentezza

Peppe Zullo e la 26esima edizione di Appuntamento con la Daunia 80

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n’ inarrestabile Peppe Zullo ci accoglie alla 26esima edizione di Appuntamento con la Daunia, nella cornice di Villa Jamele, ad Orsara di Puglia. Quest’anno si racconta la Puglia, o per meglio dire le Puglie, eh sì, perché questo territorio ampio e variegato presenta mille sfaccettature. Tra i tanti volti di questa terra ce n’è uno, quello che meno ti aspetti, che non è quello del mare e del vento, ma è quello del sole, del verde e della bellezza della lentezza, sui Monti Dauni, patria dello chef Zullo. La bellezza che si nutre di lentezza è il risultato di una storia collettiva che si è sempre alimentata di storie singole e private, di storie uniche. Sono intervenuti relatori di spessore come ormai questo appuntamento ci ha abituati: Antonio Derossi, docente di Scienze e Tecnologie Alimentari – Unifg; Pasquale De Vita, presidente GAL Meridaunia; Gisella Naturale, Senatrice della Repubblica; Aldo Patruno, direttore Turismo e Cultura Regione Puglia; Francesco Quitadamo, giornalista. Grande sinergia negli interventi dei vari relatori. Tutti hanno posto l’accento sull’importanza dell’unione degli intenti e degli sforzi: per promuovere un territorio si deve agire in modo congiunto, le politiche settoriali e compartimentali sono ormai superate, turismo, agricoltura, lavoro, ambiente, cultura sono aspetti di un’unica realtà che vanno sviluppati e promossi insieme. Parlando dell’economia pugliese, che vale 76 miliardi di euro di PIL e circa 1,4 milioni di occupati, ed è seconda nel Mezzogiorno solo a quella campana, il direttore Aldo Patruno ha ricordato i 5 asset della Puglia: 1. L’industria aerospaziale; 2. I prodotti agricoli d’eccellenza; 3. L’energia pulita per il territorio; 4. Il turismo costiero e di qualità; 5. L’industria culturale e creativa. Su questi cardini è possibile costruire una politica di sviluppo territoriale che vada a favorire tutte le aree della regione. Parlando del turismo esperenziale, già in atto in tanti territori, il dott. Patruno ha ricordato come, l’esperienza, per essere tale, debba essere unica, straordinaria ed autentica. Anche la senatrice Gisella Naturale ha messo in evidenza la necessità, da parte della politica e di tutti gli attori della programmazione per lo sviluppo, di utilizzare l’opportunità del PNRR per costruire le condizioni che permettano di trasformare le potenzialità in crescita economica, sociale e culturale. Il PNRR, - il Piano Nazionale di Ripresa e Resilienza - è il piano preparato dall’Italia per rilanciarne l’economia dopo la pandemia di COVID-19, al fine di permettere lo sviluppo verde e digitale del Paese. Peppe Zullo come sempre ha offerto una piattaforma di scambio per idee da attuare su un territorio nel quale crede ed opera da 40 anni e per il quale si impegna in prima persona. Il messaggio che passa da questo convegno è che, la politica e l’economia debbano attuare progetti di sviluppo, per i quali esistono finanziamenti a livello europeo, andando ad aiutare gli attori locali e le imprese preposte, come le agenzie di comunicazione, che hanno la possibilità di veicolare messaggi di marketing e di far conoscere oltre i confini regionali e nazionali il territorio.

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Andreas Luethi

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