Glocal Design Magazine No.55 Portada por/Cover by José A. Moyao by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

$100.00 MX

ESPACIOS VIVOS, ÓPTIMOS Y MULTIFUNCIONALES: JOSÉ A. MOYAO ZSONA MACO 2020 | DESIGN MIAMI/ ELEMENT: WATER | MAISON & OBJET | TENDENCIAS: CLASSIC BLUE

Aura Port Laurent Gray

Series

AURA, HIMALAYAS & RODENO La colección Essence of Life ofrece una fórmula estética que incorpora los cánones de tendencia en línea con el gusto moderno y actual. Tres series combinándose hábilmente en una mezcla bien equilibrada entre Mármol, Piedra y Madera.

Rodeno Teruel White

Aura Marquina Black

Aura Arabescato White

ESSENCE of life

Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Asistente de dirección

Consejeros honorarios

Caly Pérez

Miguel Ángel Aragonés

caly@glocal.mx

Jorge Arditti Ar turo Arditti

Editora

Juan Carlos Baumgar tner

Mar tha Lydia Anaya

Fernando Camacho Nieto

mar tha@glocal.mx

Carmen Cordera

Portada José A. Moyao Arte por Jorge Medina

Héctor Esrawe Editora de arte

Juan Manuel Lemus

Andrea Flores

Beata Nowicka

andrea.flores@glocal.mx

Carlos Pascal Gerard Pascal

Diseñador

Ariel Rojo

David Hernández

Sagrario Saraid

grafico@glocal.mx Contabilidad Redacción

Víctor Villareal

Adriana Onofre redacciongdm@glocal.mx

Gerente comercial Eduardo Rodríguez M.

Samuel Rodríguez / Lorena Zuckermann

eduardo.rodriguez@glocal.mx

redaccionprint@glocal.mx Colaboradores Sandra Montiel Edgardo Dander Lisa Heller Jorge Medina

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Teléfono 52(55) 5533 6818

Jaime Navarro Rober to Zamarripa Jazbeck Gámez

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S. A. de C.V. Revista Bimestral: febrero-marzo 2020. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, Ciudad de México. Distribución: ALFESA Comercialización y Logística S. A. de C.V., Calle Corona # 23 Int. 1, Col. Cervecera Modelo, C.P. 53330. Naucalpan, Estado de México. Tel. (01 55) 5319 3020. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, Del. Benito Juárez, C.P. 03910, Ciudad de México. Tel. 5611 9653.

Tendencias Classic Blue Arte por Jorge Medina

Moda: Abel López, Colección Kabuki, 2020 | T Tower por Matteo Thun y Antonio Rodriguez para ANTRAX IT | Silla Series 7 por Arne Jacobsen para FRITZ HANSEN | Tapete Ply por MUT Design para GAN.

Creciendo junto a los grandes Cada comienzo de año nos obliga a mirarnos y a ser sensibles con nuestro entorno inmediato: pensar en cómo seguir avanzando y aportando a la comunidad creativa local y global, y en cómo seguir desarrollando y generando ideas para madurar personal y profesionalmente. Hoy, en tiempos de incertidumbre, tenemos la certeza de que nuestra comunidad creativa tiene la obligación de seguir aportando propuestas que nos hagan replantear el cómo crecer para evolucionar como país. No tener la certeza de cómo será el día siguiente nos impera a tomar mayor responsabilidad ciudadana y a aportar lo indispensable para ayudarnos a avanzar sin importar creencias: somos seres humanos que necesitan estabilidad en un país. Sólo un frente común nos llevará a caminar sólidamente hacia un futuro próspero, no hay más. Con esto en mente, invitamos al arquitecto José de Arimatea 'Pepe' Moyao a ser parte de nuestra portada de inicios de año ¿Quién mejor que un hacedor de espacios públicos y artífice de la industria de los espectáculos en México, quien con su crecimiento cultural, conocimiento y experiencia comprende mejor que nadie el cómo hacer arquitectura para entornos tan particulares, pero al mismo tiempo locales. La arquitectura de Moyao nace

de necesidades sociales y culturales, y genera espacios para el ocio y divertimento de una sociedad tan rica como la mexicana. Sus muros, fachadas y techos evocan la grandeza, crean entornos perfectos en donde la fina acústica y diseño espacial, abrazan los sentidos y emociones de los visitantes; nada como estar en un espacio que crece y alimenta el espíritu, esa es su virtud: hacer para el otro, crear para despertar lo sublime. Gracias querido Pepe por darnos momentos de cultura a través de tus espacios. Este recorrido editorial por los grandes centros de entretenimiento creados por Pepe está acompañado por una amplia cobertura de Design Miami/ 2019 que puso en relavancia el tema del cuidado ambiental en el mundo. También hay un avance sobre Zsona Maco 2020, cuya sección de Diseño cumple 10 años y que trae novedades como la realización de sus diversas plataformas de manera simultánea, además de la intervención de sus áreas comunes. Y así, es como comenzamos los festejos de nuestro décimo aniversario: creciendo de la mano de los grandes. GRETA ARCILA Editora en jefe

glocaldesign

@glocal_design

Greta Arcila

@gretaarcila

@arcilagreta

Contenido 02 DIRECTORIO 03 EDITORIAL 07 AGENDA 10 MISCELÁNEA 12 TALENTO NACIONAL

Axoque Studio 14 TALENTO INTERNACIONAL

ACTUAL 16 Table | Ginger Rabbit 17 Showroom | Andreu World

18 AUTOS

Porsche Taycan 20 LUMINARIA

28 SU ESPACIO

Espasso

Olga Hanono

22 DISEÑO + CIUDAD

32 ENFOQUE

Club de Niños y Niñas | CCA Centro de Colaboración Arquitectónica

Pepe Moyao

24 DISEÑO + HISTORIA

Cuba. La singularidad del diseño

40 ZSONA MACO 2020 48 DESIGN MIAMI

Retrato Edgardo Dander

Floating Futures

ENTREVISTAS 60 Fernando Laposse 64 Andrea Mancuso | Perrier Jouet 66 Rudy Weissenberg | AGO Projects 68 Kueng Caputo + FENDI 70 Philippe Brocart 74 MAISON & OBJET 2020 80 TENDENCIAS GLOCAL RESIDENCIAL 82 Casa Amor por México |

LEGORRETA + Marcela Cortina

88 Casa Lyons | CoLateral Foto Jaime Navarro

92 Casa Loca | Ezequiel Farca + Cristina Grappin 98 Residencial RF | JSa

COLUMNAS 105 Cecilia León de la Barra 106 Juan Carlos Baumgartner 107 Homero Hernández 108 ENGLISH TEXT Foto cor tesía Design Miami/

112 OBJETO GLOCAL

Foto cor tesĂa Must Wanted Group

A GEN DA

Una experiencia sensorial para adentrarse al mundo que inspirĂł a Vincent Van Gogh.

AGENDA

VAN GOGH ALIVE – THE EXPERIENCE

Foto cor tesía Must Wanted Group

Hasta el 20 de mayo del 2020 Con ayuda de un sistema innovador que combina gráficos en movimiento multicanal, sonido envolvente de calidad cinematográfica y hasta cuarenta proyectores de alta definición podremos adentrarnos al mundo de uno de los pintores postimpresionistas más famosos,Vincent Van Gogh. Esta experiencia sensorial envuelve al visitante gracias a una banda sonora clásica, cuidadosamente seleccionada, y a distintos aromas –almendro, lavanda, lirio, salvia, limón– que remiten a los paisajes que inspiraron al artista, resultando en un evento único, dinámico y espectacular. MONUMENTO A LA MADRE Insurgentes y Reforma San Rafael, CDMX vangoghalivemx.com

NERI OXMAN: MATERIAL ECOLOGY Hasta el 25 de mayo del 2020 Foto cor tesía Museo Universitario de Ar te Contemporáneo

Esta exhibición, curada por Paola Antonelli, presenta ocho grandes proyectos de la arquitecta y diseñadora israelí-estadounidense, Neri Oxman, fundadora de The Mediated Matter Group. A través de su trabajo, creado a lo largo de sus 20 años de carrera, Oxman ha sido pionera en nuevas ideas para materiales, objetos, edificios y procesos de construcción. Material Ecology, término acuñado por la arquitecta, se refiere al proceso de reunir la ciencia de los materiales, las tecnologías de fabricación digital y el diseño orgánico para producir técnicas y objetos inspirados por la sabiduría estructural, sistémica y estética de la naturaleza. MUSEUM OF MODERN ART 11 West 53rd Street Nueva York, Estados Unidos moma.org Monterrey, 1978

MANUEL FELGUÉREZ. TRAYECTORIAS

Foto cor tesía Museum of Modern Ar t

Hasta el 10 de mayo del 2020

Lazarus, 2016. Neri Oxman and The Mediated Matter Group

Manuel Felguérez es uno de los artistas plásticos más importantes dentro del mundo del arte mexicano y, en esta ocasión, con motivo de los festejos por sus 90 años, se presenta una exhibición monográfica que comprende todo su quehacer artístico y experimental. A través de distintas piezas se observan las diferentes etapas y procesos del artista, entretejiendo lo pictórico y lo escultórico, desde el aprovechamiento de los materiales de deshecho y la chatarra hasta las obras de gran formato las cuales ayudaron a renovar el campo de la plástica mexicana. MUSEO UNIVERSITARIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, CDMX muac.unam.mx

AGENDA

IN PURSUIT OF FASHION: THE SANDY SCHREIER COLLECTION

Como parte de los eventos por el 150° aniversario del museo, esta exposición presenta más de 70 piezas de Sandy Schreier, una coleccionista pionera que, en el transcurso de más de medio siglo, reunió una de las mejores colecciones privadas de moda de los Estados Unidos. Además se resalta cómo Schreier amasó un tesoro de la alta costura y el prêt-à-porter francés y americano del siglo xx, con piezas de diseñadores tan importantes como Karl Lagerfeld,Yves Saint Laurent, Elsa Schiaparelli, Gabrielle Chanel, Jeanne Margaine-Lacroix, Christian Dior y Cristóbal Balenciaga, no como un guardarropa sino como una apreciación de la moda como forma de expresión creativa.

Foto cor tesía Museo de Ar te Moderno

Hasta el 17 de mayo del 2020

Constant, Twee vogels, Eigen collectie, 1949

Foto cor tesía The Metropolitan Museum of Ar t

CoBrA: SERPIENTE DE MIL CABEZAS Hasta el 12 de abril del 2020

Gallery View, L’Esprit Nouveau: The Interwar Era

THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART 1000 5th Avenue Nueva York, Estados Unidos themetmuseum.org

Son muchas las vanguardias artísticas que forjaron el amplio panorama del arte en el siglo xx, una de ellas surgió en 1948 con la misión de alejarse de las atrocidades ocurridas en la Segunda Guerra Mundial: CoBrA (acrónimo de Copenhague, Bruselas y Amsterdam). Por primera vez en México se presentarán piezas –pinturas, esculturas, fotografías, revistas y videos– de distintos artistas como Pierre Alechinsky, Theo Wolvecamp, Mogens Balle, Frits Lemaire, quienes privilegiaron la expresión del color, la impulsividad, lo gestual y lo irracional. MUSEO DE ARTE MODERNO Paseo de la Reforma y Gandhi Bosque de Chapultepec Sección i, CDMX mam.inba.gob.mx

HERBERT BAYER: BAUHAUS MASTER

Foto cor tesía Cooper Hewitt Museum

Hasta el 5 de abril del 2020 Mientras la fundación de la Bauhaus se celebra alrededor del mundo, esta exhibición se centra en una de sus figuras principales: Herbert Bayer, diseñador austriaco que ayudó a redefinir el diseño gráfico a través de un estilo y una estética únicos. Con más de 500 piezas, entre las que se encuentran gráficos informativos, libros, publicidad, carteles y diseños de revistas, esta muestra revela el interés de Bayer por la tipografía y la fotografía, la teoría del diseño, el diseño de la información, la moda y la belleza, y el diseño de carteles, así como su trabajo corporativo. COOPER HEWITT, SMITHSONIAN DESIGN MUSEUM 2 East 91st Street Nueva York, Estados Unidos cooperhewitt.org

Foto cor tesía Los Patrones

MISCELÁNEA

COLECCIÓN CAMINO Arudeko

FRAGMENTOS Popdots y Úrsula Hernández

Esta serie se compone de fragmentos de candelabros de barro retomados de la colección Días en vela, una exploración de la esencia natural de la arcilla, su estructura y su equilibrio. Llevados a gran formato, estos objetos han sido intervenidos por Úrsula Hernández, con una delicada cinta de cobre que los rodea o los recorre en longitud. Piezas únicas torneadas a mano y con la posibilidad de apilarse unas sobre otras. pop-dots.com

El proyecto mexicano Arudeko presenta Camino, una colección de textiles decorativos realizada en lana y algodón en colaboración con artesanos de Oaxaca; las piezas están inspiradas en algunas obras del modernismo del siglo xx y abstracciones de su arquitectura a través de la repetición de formas, sombras, luces y figuras. Cada textil ha sido teñido con colorantes naturales y nativos de la región como la grana cochinilla, el huizache y el añil. arudeko.com

Foto cor tesía Casa Gutiérrez Nájera

Foto cor tesía Arudeko

MISCELÁNEA

COLECCIÓN REYES Los Patrones

La Colección Reyes rinde tributo a la icónica silla Modelo #400 creada por la mueblería regiomontana “Sillería Malinche” que cerró sus puertas en 1973, y toma su nombre del apellido de uno de sus fundadores: Manuel Reyes. Esta línea presentada por primera vez en el Abierto Mexicano de Diseño 2019 con una edición limitada realizada con madera antigua de olmo americano, consta de 7 modelos con distintas variaciones en sus materiales: madera, metal y tela. lospatrones.mx

AURA Y VERA Estudio Claudina Flores

Con un interés particular por la relatividad del tiempo y los espacios de reflexión, surge la colección “Maridaje Sonoro”, de la que forma parte Aura y Vera, un armario/cava diseñado para resguardar discos de vinilo, objetos personales y botellas de vino. Inspirada en los momentos que transcurren bajo el binomio del vino tinto y la música, esta pieza está fabricada en madera de encino con aplicaciones de latón; disponible en tres tonos: índigo, natural y negro.

Foto cor tesía Joel Escalona

estudioclaudinaflores.com

Foto cor tesía Estudio Claudina Flores

COLECCIÓN CAPITAL Joel Escalona

Diseñada para la marca mexicana Pirwi, esta colección está integrada por el sillón Capital y una serie de mesas auxiliares de diferentes formas y tamaños, cada una de ellas presenta una acertada mezcla de sutiles contornos y bordes bien definidos. Las mesas, desarrolladas a través de procesos que disminuyen el impacto negativo al medio ambiente, han sido diseñadas en contrachapado de abedul, con cubiertas en madera, mármol Monterrey, Carrara o Santo Tomás. pirwi.com.mx joelescalona.mx

NUEVOS TALENTOS

De MICHOACÁN a Nueva York “Kuri se inspira en la fortaleza física y espiritual del juego de pelota Purépecha; es una representación lúdica de ello.” –BERNARDO MARTÍNEZ RAMÍREZ Texto

LORENA ZUCKERMANN

Esta colección representa el 'combate' con los quehaceres del día a día.

KURI, la primera colección de Axoque Studio, realizada por manos de artesanos michoacanos a base de elementos locales como parota sólida, cobre martillado y cantera, debutó con gran éxito en Wanted Design Nueva York 2019, una plataforma que se dedica a promover el diseño y a fomentar la convivencia de la comunidad creativa internacional a través de eventos, conferencias, talleres y colaboraciones. Axoque es un estudio de diseño enfocado al objeto, interiorismo y mobiliario; establecido en Morelia, Michoacán y fundado por Bernardo Martínez Ramírez, egresado de la Universidad Vasco de Quiroga. En palabras de Martínez Ramírez, Axoque Studio busca dar nuevas formas, usos y significados a los materiales y elementos locales; por eso, para el diseño y creación de Kuri –formada por un perchero, dos mesas y una lámpara que pueden configurarse para crear diferentes atmósferas, además de un vaciador de bolsillos y dos macetas como accesorios– se enfocó en realizar una familia de objetos utilitarios inspirados en el juego de pelota Purépecha de hace más de 3,500 años, que representa lúdicamente el combate de los individuos con los quehaceres del día a día y la fortaleza física y espiritual que esto requiere. El perchero Kua hace alusión a los bastones del juego de pelota, las dos mesas Raku de patas de parota sólida cubiertas con cantera negra y uniones en cobre se inspiran en los aros donde se anota en el juego y, finalmente Zapan, la lámpara de cobre martillado con parota es una reinterpretación de la bola Zapandukua con la que se practica el juego de pelota Purépecha y que está siempre prendida en llamas. Todos los elementos de esta propuesta con sello nacional es ideal tanto para interiores como para exteriores. axoquestudio.com

Fotos cor tesía Axoque Studio

NUEVOS TALENTOS

Por medio de la colaboración entre diseñadores y artesanos, Axoque Studio motiva la interacción entre objetos, usuarios y contextos.

Un perchero, mesas y lámparas hechas de parota sólida, cobre martillado y cantera que se pueden configurar de distintas formas para adaptarse tanto a interiores como a exteriores.

Flexibilidad y COLOR “Floating Futures es una exploración experimental inspirada en sentimientos abstractos de futurismo y materialidades.” ˇ –RENATO JAPI + TOMÁŠ KREJCÍ Texto

LORENA ZUCKERMANN Fotos

DAVID MACKOVIČ

Un proyecto colaborativo del que surge una colección de esculturas y jarrones que fusionan vidrio e inflables.

NUEVOS TALENTOS

Formas aireadas y materiales opacos que podrían usarse en el futuro.

Floating Futures estuvo entre las nueve mejores microinstalaciones de Milan Design Week 2019, seleccionadas por Fuorisalone.

DE LA BÚSQUEDA de nuevos caminos y posibilidades de trabajar con el vidrio y los inflables, así como de la exploración de sentimientos abstractos y conexiones de futurismo y materialidad surgió Floating Futures, una instalación creada ˇ que por los artistas Renato Japi y Tomásˇ Krejcí traspasó los límites del arte y el diseño. Fruto del trabajo hecho a mano en tres diferentes locaciones de la República Checa, estas obras experimentales de esculturas y jarrones a gran escala lograron evocar un sentimiento futurista a partir de la estética abstracta que explora la coexistencia y dependencia entre dos elementos: vidrio y formas inflables, a partir de relaciones visuales y constructivas que hacen simbiosis. Ejemplo de esto es que los inflables, en repetidas ocasiones, funcionan como soporte para los floreros y jarrones de cristal. Floating Futures se materializó gracias a la colaboración entre la Universidad Tomas Bata en Zlín; Fatra Factory, que guió la realización de los inflables y el maestro en vidrio, Kavalier Glass, quien fue el encargado de realizar las piezas de borosilicato de vidrio manualmente en colaboración con los dos artistas. ˇ nacido en Ostrava, estudió Tomásˇ Krejcí, Bellas Artes y diseño de vidrio en la Universidad

Tomas Bata y arte en vidrio e iluminación de objetos en la High School de la ciudad de Valasské Mezirící, de donde se nota su instrucción e influencia para reflejar que ciertas piezas pueden funcionar no sólo como esculturas sino también como luminarias. Por su parte, el diseñador Renato Japi cuenta con una maestría en arte y ciencia del vidrio por la Universidad Nova de Lisboa y es reconocido en todo el mundo por su trabajo en vidrio. Ambos artistas mostraron Floating Futures como su primera colaboración durante Ventura Future en la edición de Milán Design Week 2019 para después presentarla en Kutná Hora y Praga, República Checa y también llevarla a Zermatt, Suiza; Venecia, Italia y Osaka, Japón. Una de sus piezas llamada Two Colors Signal fue adquirida por el Museo MUDAC en Laussanne, Suiza para su colección de arte contemporáneo en vidrio. La instalación resalta por las tonalidades de las piezas en rosa, rojo y amarillo, algunas de las cuales están sostenidas en pedestales traslúcidos y otras de ellas simplemente flotan por los aires con la idea de generar un espacio tridimensional penetrable. floatingfutures.com

ACTUAL | TABLE

Un concepto inspirado en las antiguas destilerías; espacios donde, a través de tuberías de cobre, el alcohol perfumaba el ambiente y viajaba hasta depositarse en los enormes alambiques. Una estructura metálica y muros acristalados encierran la versión contemporánea de estos históricos talleres; las tuberías de cobre, dispuestas para afrontar con elegancia el paso del tiempo toman el papel protagónico en el restaurante Ginger Rabbit, diseñado en su totalidad por el despacho Yiyicaru Arquitectos, en Villahermosa, Tabasco, una ciudad conocida por su clima de temperaturas altas que se logran contener a través del doble acristalamiento. El terrazo poblano en pisos y muros, el cobre pulido de las luminarias y el detalle de cuero en el mobiliario complementan el estilo artesanal de la cocina mexicana contemporánea que el restaurante ofrece. Los ingredientes en su menú, al igual que los materiales utilizados en su interiorismo son de origen mexicano, una línea que continúa en su mixología de autor, la cual ofrece cocteles preparados con pozol, una bebida originaria del Estado de Tabasco. El espacio es versátil y ofrece distintas atmósferas: una jaula de tubos de cobre contiene la escalera que da acceso a la terraza superior. Al interior, los tonos puros resaltan los detalles del espacio: mesas que simulan un mármol veteado, luminarias de cobre y cantera rosa, y la celosía de círculos suspendidos que funciona como cava. Al frente, una escultura abstracta de la cara de un conejo recibe a los comensales en la zona hotelera de la ciudad. –AO

DETALLES y texturas Av. Paseo Usumacinta 1504 Plaza Río Villahermosa, Tabasco yiyicaru.com gingerrabbit.com.mx

Fotos Zony Maya

Ginger Rabbit | Yiyicaru Arquitectos | Tabasco

ACTUAL | SHOWROOM

Sillas y mesas de DISEÑO Andreu World | Ciudad de México

Para Juan José Lara, manager de Andreu World en Latinoamérica, “la decisión de abrir el primer showroom de Latinoamérica en México obedece a su cultura y a una sensibilidad al diseño que hace posible elaborar un camino sostenible en el desarrollo de la marca”. Y es que esta sala de exhibición y representación también funcionará como un punto de encuentro para la comunidad creativa. Colecciones como Nuez, la segunda colaboración que ha hecho la compañía con la diseñadora Patricia Urquiola o Dual con sus características sillas de madera de haya no sólo representan los orígenes y esencia de la firma sino que también se integran a las locaciones envidiables de este showroom, en donde confluye todo lo necesario para convertirse en un referente del diseño en Latinoamérica. –MLA

Andreu World Showroom CAD México Juan Vázquez de Mella 481 Polanco Sección i, CDMX andreuworld.com

Fotos cor tesía Andreu World

Organizado en siete ambientes diferentes en los que se muestran las colecciones de sillas, sillones, sofás y mesas creadas por diseñadores internacionales como Patricia Urquiola, Alfredo Häberli, Jasper Morrison, Lievore Altherr Molina y Piergiorgio Cazzaniga se presenta el primer showroom de la firma española Andreu World en la Ciudad de México. Desde sus icónicas sillas hasta mesas para conferencias, la composición de este espacio –ubicado en el edificio del Centro de Arquitectura y Diseño (CAD) México– está pensada para presentar las diferentes tipologías de Andreu World tanto en hotelería como corporativo, área en la que se han generado nuevos conceptos laborales y en consecuencia, diseño de mobiliario particular y muy específico como soluciones para coworking, que es de especial importancia para la marca.

AUTOS

Electrizantemente DEPORTIVO La pasión del diseñador Mitja Borkert es: dibujar autos. De su entusiasmo y lápiz nace el Porsche Taycan, el primer auto eléctrico de la marca alemana. Texto LESLIE GONZÁLEZ KENNEDY

Fotos cor tesía de la marca

COMO UNA PREMIER MUNDIAL, el año pasado Porsche presentó de manera simultánea en tres continentes: América del Norte, Asia y Europa –sus tres mercados más importantes en cuanto a ventas– su nuevo deportivo eléctrico, el famoso Taycan, un auto que vincula la herencia de la marca alemana con el futuro y da continuidad a su historia de éxito que ha fascinado y emocionado al mundo entero por más de 70 años. Con este lanzamiento arranca una nueva era para la empresa en su objetivo de desarrollar vehículos sustentables, pero sin perder el espíritu deportivo.

El nuevo Taycan es un deportivo de cuatro puertas, un auto único, capaz de unir el rendimiento y la conectividad con la facilidad del uso diario. Se ensambla en la planta de Zuffenhausen, Stuttgart, Alemania con métodos de producción altamente avanzados, basta decir que se invirtieron 700 millones de euros para solventar más de 1,000 puestos de trabajo en esta factoría, además de sumar otros 300 millones de euros para destinarse al centro de desarrollo de Weissach, de donde saldrán nuevos diseños para que el grupo Volkswagen pueda lanzar autos de bajas emisiones.

AUTOS

El poderoso eléctrico de Porsche primero fue denominado con J1 y después se presentó como auto concepto llamado Mission E en el Salón del Automóvil de Frankfurt en septiembre del 2015, pero fue hasta septiembre del 2019 que se lanzó en tres continentes bajo el nombre Taycan. ¿Cómo nace el nombre Taycan? Éste proviene del turco y significa ‘joven caballo brioso’, por lo que hace referencia al caballo que aparece en el escudo de Stuttgart en el emblema de Porsche 67. Al hablar de su diseño, el nuevo Taycan mide 4,963 mm de largo; 1,966 mm de ancho y 1,378 mm de altura. Su chasis es de fibra de carbono y contiene aluminio en un 37% del vehículo junto con aleaciones de aceros ligeros. El diseño exterior es de Mitja Borkert, quien ha participado en la creación de vehículos como el Porsche Macan, el Cayenne o el 987 Boxster; por lo que, conserva el inconfundible ADN de la marca: líneas anchas y planas, con perfiles muy destacados que resaltan en el frente de los modelos. Claro que Taycan tiene un distintivo muy importante: el logotipo de Porsche con efecto vidrio, que se ha integrado en la banda de luces de la parte posterior. Tiene elementos que comparte con el auto conceptual Mission E, pero se hicieron cambios en las puertas para poder ser un auto de producción, tiene un spoiler trasero retráctil para hacerlo lucir más deportivo y tiene una función importante en su aerodinámica para lograr una mejor eficiencia. Resaltan las manijas de las puertas (también retráctiles) que ya se han visto en los modelos de autos eléctricos de otras marcas; incorpora luces diurnas con 4 luces LED y cuenta con suspensión neumática adaptativa. Si por fuera resalta su alto nivel tecnológico, por dentro se disfruta un ambiente distinto por su nueva arquitectura, ya que es el primer Porsche con toda la instrumentación digital. Algo que no se dejó de lado es el detalle clásico del reloj en la parte superior de la consola central. El cuadro de instrumentos es curvado justo en el eje central de la vista del conductor, incorpora una pantalla principal configurable para la información general del auto y cuenta con otra pantalla para entretenimiento.

La silueta de Porsche Taycan atrae por su línea deportiva del techo con caída hacia la parte trasera del auto.

El Taycan es el primer vehículo de producción con un sistema eléctrico de 800 voltios, lo que significa que el auto puede cargar –en poco más de cinco minutos– la energía para cubrir una distancia de hasta 100 kilómetros. Las primeras versiones de la nueva familia son los Taycan Turbo S y Turbo, representantes de Porsche E-Performance. Más adelante habrá otros motores disponibles y la primera variante, el Taycan Cross Turismo. En Latinoamérica se esperan los primeros modelos en este 2020, aunque aún no hay noticias oficiales de cuándo llegarán a México. porsche.com/latin-america-es

En interiores resaltan detalles de tapicería libre de cuero.

LUMINARIA

Ciencia y color Diseñada para Espasso, la colección Fine Tuning explora las posibilidades cromáticas de niobio, un metal con propiedades únicas. Texto y entrevista ADRIANA ONOFRE

Fotos cor tesía Espasso

LUMINARIA

La colección ganó el premio Best Curio Presentation en la edición 2019 de Design Miami/.

El diseño de la colección Fine Tuning explora el contraste entre las líneas rectas y las formas redondeadas.

POCAS VECES la conversación sobre el diseño remite a temas científicos. La química, en su caso, pareciera ser un tópico todavía más distante de esta práctica, pero es en casos donde el material, por su origen, reacciona inevitablemente a los elementos naturales que estas dos disciplinas se unen: Química aplicada al Diseño. Presentada en la edición 2019 de Design Miami/, la colección de lámparas Fine Tuning de la diseñadora Claudia Moreira Salles para la empresa brasileña Espasso representa la combinación perfecta entre el uso de materiales naturales como las maderas exóticas recuperadas, y la experimentación con nuevos materiales: el niobio, un metal raro utilizado comúnmente en la industria tecnológica que, a través de la técnica de anodización –un proceso electrolítico que genera una capa natural de óxido en la superficie de las piezas, lo que incrementa su espesor y durabilidad- genera una gama cromática única. “El trabajo de Claudia representa uno de los muchos aspectos que caracterizan a las colecciones de Espasso. Su trabajo es sofisticado, minimalista y puro, algo que resalta en el mundo del diseño

brasileño”, comenta Carlos Junqueria, fundador de la empresa. Una colaboración obvia, pues han trabajado juntos desde años atrás. La colección está conformada por ocho piezas: Flash Table Lamp, LP Table Lamp, LP Floor Lamp, AM Table Lamp, FM Table Lamp, AM Sideboard, FM Sideboard y Sustenido Pendant Lighting. El diseño del booth creado para su presentación durante Design Miami/ ganó el premio Best Curio Presentation; una instalación creada como un escenario teatral donde los cambios cromáticos que el niobio experimenta sirvieron de telón, proyectados en las paredes del espacio, lo que cambiaba de manera drástica la percepción de cada lámpara. espasso.com

Cada lámpara es de edición limitada y aprovecha los cambios cromáticos del niobio.

DISEÑO + CIUDAD

Espacios para el BIENESTAR El Club de Niños y Niñas responde a la falta de espacios recreativos seguros y a la necesidad de combatir la violencia y la inseguridad. Texto SAMUEL RODRÍGUEZ

Una gran escalinata funciona como espacio de recreación mientras articula y distribuye a los usuarios a través del centro.

Foto Jaime Navarro

A MENUDO, cuando se diseñan los espacios públicos, puede haber ciertos grupos sociales que no son tomados en cuenta o que sólo forman una pequeña parte del programa arquitectónico, como sucede con los niños. Por eso, este proyecto se desenvuelve programáticamente para ofrecer espacios que provean actividades infantiles y juveniles para después de clases, en una zona vulnerable dentro de un polígono de prevención delictiva. El manejo óptimo y correcto del tiempo después de clases es de suma importancia en lugares vulnerables, pues esto ayuda a los niños y jóvenes a organizar su tiempo y sus actividades diarias, pero también a relajarse y convivir con otros niños. Esta situación se vuelve imperante en zonas con mayor nivel de riesgo y en donde gran parte de los niños y jóvenes no cuentan con espacios adecuados y son expuestos a problemáticas de inseguridad y salud. Con esto en mente, los arquitectos Ignacio Urquiza y Bernardo Quinzaños, fundadores del despacho CCA Centro de Colaboración Arquitectónica, diseñaron un programa que brinda espacios para actividades extracurriculares artísticas, culturales, formativas y recreativas para niños y jóvenes de 6 a 18 años. Su propuesta está basada en el modelo de Boys and Girls Club of America –una organización de programas extracurriculares en Estados Unidos– con el fin de propiciar el desarrollo físico e intelectual, la creatividad, la interacción social y la innovación. El proyecto –ubicado en Ecatepec de Morelos, Estado de México– se desarrolla a partir de un gran pasillo central, que representa a la educación como la columna vertebral del desarrollo

Un espacio seguro que propicia la creatividad e innovación de niños y jóvenes.

Foto Onnis Luque

DISEÑO + CIUDAD

social integral y que consta de 24 arcos. Cuenta con tres edificios principales: el edificio educativo, con aulas, biblioteca y oficinas; el edificio de arte, con espacios para danza, música, artes marciales, artes escénicas y áreas de exhibición; y por último, el edificio deportivo y un gimnasio multifuncional techado. Además de estas áreas, se aprovecharon los espacios abiertos para actividades deportivas y recreativas. Para los arquitectos fue muy importante escuchar e involucrar a la comunidad en el proceso de diseño y construcción, ofreciendo distintas actividades para invitar a los habitantes a conocer la misión y el programa del centro, brindando un sentido de arraigo e identidad. El resultado es un proyecto realizado para el bienestar de los jóvenes y de la comunidad. cca.mx

El gran pasillo central une los tres edificios y vestibula los espacios abiertos.

DISEÑO + HISTORIA

Una exposición que resalta el papel protagónico del diseño en la construcción material e ideológica de Cuba.

DISEÑO + HISTORIA

CUBA. La singularidad del diseño Una exposición que invita a reflexionar sobre temas como educación, identidad nacional, tradición y vanguardia.

Fotos cor tesía Design Week México

Texto (segunda parte) POR MARCO COELLO socio-director de Design Week México

MUCHA GENTE me ha preguntado: ¿Por qué Cuba? La respuesta inmediata es: porque la primera exposición de diseño en México la organizó una arquitecta cubana, Clara Porset con El arte en la vida diaria en 1952 que se presentó en las salas de Bellas Artes y de la Estampa del Palacio de Bellas Artes en abril de 1952, y en octubre de ese mismo año en los pasillos y espacios del edificio de Humanidades de la recién inaugurada Ciudad Universitaria, con motivo del VII Congreso Panamericano de Arquitectos. Los lazos que nos unen con Cuba a través del trabajo de Clara Porset y su importancia en el contexto de la arquitectura y diseño en México con Luis Barragán son innegables. Su trabajo ha sido siempre muy reconocido a nivel mundial, pero en años recientes se ha despertado un gran interés por sus extraordinarios diseños y estudios de mobiliario que con gran calidad de manufactura se traducen en piezas que han trascendido en el tiempo y se han convertido en piezas icónicas y clásicas. Para mí era interesante imaginar cómo haría Clara Porset una exposición de arquitectura y diseño a 67 años de esa exposición que cambió a la escena del diseño en México. Las líneas entre las disciplinas se han ido borrando, hoy en día es difícil imaginar a la arquitectura y el diseño completamente independientes. El discurso se ha extendido; por eso, pensé que la exposición de Cuba debería de hablar de urbanismo, arquitectura, diseño industrial y gráfico como un todo. Los objetos no están aislados, hablan de un momento específico en el tiempo y marcan un contexto. La combinación de todos estos elementos desde 1959 hasta nuestros días presentaría una idea más clara de lo que es Cuba. La idea era no saturar la sala de demasiados elementos, escoger los esenciales para contar la historia de una manera contemporánea, respetuosa y limpia.

De Clara Porset, Luis Ramírez –coordinador y encargado de los contenidos de diseño industrial de la exposición– prestó de su colección privada una silla y una mecedora de la Ciudad Escolar Camilo Cien Fuegos; recreamos parte del mobiliario de una de las aulas con base en una perspectiva y planos que el maestro Jorge Vadillo, director del archivo de Clara Porset en el Centro de Investigaciones de Diseño Industrial CIDI en la UNAM, autorizó para la reproducción, incluyendo tres modelos de sillas de madera, palma y cuero, así como unas mesas con cubierta en laca azul (como se aprecia en la perspectiva de Clara Porset) para crear un espacio interactivo en donde los niños pueden diseñar su “escuela ideal”. El arquitecto Eduardo Luis Rodríguez ayudó a conseguir fotografías de la escuela rural que donó el maestro Pedro Ramírez Vázquez en Cuba, diseño que fue replicado en muchas partes de Latinoamérica y fue merecedor de la medalla de oro de la Trienal de Milán, entre otros reconocimientos. En México se conoce y reconoce mucho el trabajo y la producción de artistas plásticos cubanos, sin embargo se sabe poco de los arquitectos y diseñadores cubanos. Este es el caso del arquitecto Gonzalo Córdoba, contemporáneo de Clara Porset, quien diseñó muchos interiores de espacios como oficinas de gobierno para Fidel Castro, objetos, vajillas en madera y copas para mandatarios, tiendas de ropa y productos, además de la primer cafetería de autoservicio para la que diseñó desde el espacio hasta los acabados de pisos y muros, el mobiliario, las luminarias, el logotipo e incluso el menú. Diseñó el pabellón de Cuba en la Trienal de Milán en 1968 y ganó la medalla con su propuesta que consistía en un espacio con módulos, sisal y muros negros. Para la museografía de Cuba. La singularidad del diseño propuse liberar lo más posible la sala de muros de tablaroca y

DISEÑO + HISTORIA

Fotografías, mobiliario, planos y documentos muestran cómo el diseño ha acompañado la ideología revolucionaria.

Una muestra que explica cómo el proyecto cubano utilizó al diseño como una herramienta para el cambio social.

montar una plataforma perimetral con sisal y muros negros para rendir homenaje al diseño de Gonzalo Córdoba quien, por cierto tiene 94 años y sigue trabajando y viviendo en La Habana. El apoyo de Jimena Acosta, curadora del Museo de Arte Moderno (MAM) fue incondicional para lograr los resultados óptimos de esta exhibición. ¿CÓMO SE MONTÓ LA EXPOSICIÓN EN EL MAM? El 20 de agosto del 2019 regresamos por tercera vez a La Habana para ver el contenedor con todas las piezas, muebles, lámparas, objetos y maquetas para la exposición perfectamente embalados antes de salir al puerto de Veracruz. Nuevas medidas contra Cuba, impuestas por el gobierno de Estados Unidos, prohíben a todos los barcos del mundo que entren a la isla que vuelvan a entrar a los Estados Unidos, lo cual generó una crisis en el suministro de combustible en la isla y afectó la logística del traslado de las piezas. El 13 de septiembre del 2019, después de una gran gestión por parte de Aileen Crespo del Fondo Cubano de Bienes Patrimoniales para tener todos los papeles en regla de exportación, sumado a retrasos importantes, finalmente salió el buque con el contenedor. En medio de esta crítica situación, un barco estaba navegando con los diseños cubanos. “Nada es imposible si se cree en lo que se hace”, decía Luis Ramírez. El buque llegó al puerto de Veracruz el lunes 16 de septiembre.

Las importaciones de Cuba a México son complicadas, ahora teníamos que liberar las piezas con los diferentes requerimientos de la aduana en México, inspecciones de PROFEPA, certificados, liberación y toda la tramitología que esto implica. Fue un proceso largo y mucho más complejo de lo que pensábamos y con la fecha de inauguración muy cerca yo no dormía de la preocupación. Jamás, en once años, hemos tenido que posponer una inauguración en el MAM, es un compromiso y una responsabilidad enorme. El 28 de septiembre finalmente llegó el flete con el contenedor a la bodega del MAM. Inbal Miller y yo estuvimos ahí para recibir y abrir el contenedor. Ese día fue uno de los más felices de mi vida. Después de meses de planeación, gestión, selección, correos y una compleja comunicación, el sueño de tener una exposición de Cuba en el MAM estaba llegando ya casi a la recta final. La sala ya estaba lista y la museografía como la había imaginado, con los muros negros y los textos con una tipografía sencilla tipo plano de arquitecto en el azul cubano que se ve en muchas de las ventanas en La Habana, las plataformas perimetrales de sisal, sobrias, contemporáneas y limpias. Cuándo una sala se ve bien sin la obra, lo más seguro es que ya montada vaya a lucir aún mejor. ¿Qué opinaría Gonzalo Córdoba de esta museografía que es un homenaje a su diseño del pabellón de Cuba en la Trienal de Milán? ¿Y Clara Porset? ¿Estaría contenta con el resultado? Espero que en algún lugar lo esté y estoy seguro que desde ahí nos ayudó a lograr esta gran exposición. El sábado 5 de octubre del 2019 el embajador Pedro Núñez Mosquera inauguró: Cuba. La singularidad del diseño en el Museo de Arte Moderno. Se presentó un performance de 15 vestidos y accesorios, inspirados en los carteles cubanos diseñados por Isabel María Pérez y Carolina García Domínguez con la curaduría de Cynthia Gómez de la Escuela de Diseño de La Universidad Iberoamericana y C Cúbica Arquitectos. La exposición ha sido visitada por un gran número de personas, ha recibido buenas críticas de especialistas, sobre todo de los expertos cubanos que estuvieron muy contentos y orgullosos de lo que logramos en equipo y colaboración a

Fotos cor tesía Design Week México

DISEÑO + HISTORIA

lo largo de nueve meses y que el resultado estará en el MAM hasta principios de marzo del 2020. Ahí tenemos un pedacito de Cuba, de su arquitectura, patrimonio, diseño industrial y gráfico, pero sobre todo de lo más valioso: su gente creativa, comprometida, profesional, apasionada y resiliente. Espero que esta exposición contribuya a fortalecer los lazos entre México y Cuba, que haya una mayor colaboración e intercambio entre las industrias creativas y que arroje alguna luz a la reflexión de que a pesar de recortes y situaciones complejas, el espíritu humano y la resiliencia nos debe impulsar a seguir luchando por nuestro patrimonio. Tenemos grandes retos en materia de cultura, en el 2018 se destinaba el .5% del presupuesto federal; en el 2019 se destinó el .2%, muy por debajo del 1% que sugiere la UNESCO. El panorama se ve complejo, pero no imposible. Necesitamos encontrar las oportunidades de generar una mejor gestión cultural colaborando con el gobierno local, las instituciones, la iniciativa privada y la sociedad civil para lograr proyectos importantes, de calidad y con gran impacto. Esta exposición está dedicada a todos los arquitectos, diseñadores, artesanos, artistas, fotógrafos, medios y creativos en Cuba y México que promueven y protegen el patrimonio. A todos aquellos que se levantan todos los días para cambiar el mundo, para demoler muros y construir puentes. mam.inba.gob.mx designweekmexico.com @coellobuck

La exhibición destaca el diseño y arquitectura concebidos bajo la pauta ideológica de la Revolución Cubana de 1959.

"En mi espacio, cada objeto le da otra atmósfera a mis momentos de meditación." –Olga Hanono

SU ESPACIO

El estilo disruptivo de una interiorista “Mi casa cuenta historias a través de sus objetos, mobiliario y arquitectura: libros, arte y té.” –OLGA HANONO Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

“DESPUÉS DE DOS AÑOS de búsqueda, por fin me topé con la foto de una casa en algún buscador online; era color naranja-mandarina con pisos de barro, pero en mi mente ya había hecho una transformación y la vi remodelada y terminada”, cuenta la diseñadora de interiores Olga Hanono, quien ha creado un estilo propio y se ha enfocado en dejar su sello en cada proyecto que desarrolla, adoptando una manera peculiar de crear espacios con diseños disruptivos. Entre otros proyectos, Olga cerró el 2019 con la presentación de su libro The Art of Beautiful Living –editado por Assouline– y su intervención en Design House durante el mes del diseño. Este 2020 comienza con el lanzamiento de la colección Wanderlust, diseñada por ella misma e inspirada en las más maravillosas ciudades alrededor del mundo, la cual está presentando en Zsona Maco Diseño. Así, en medio de tantos planes y trabajo

Retrato y Fotos JAIME NAVARRO

en curso, la interiorista nos abre las puertas de su casa para compartir un poco de su espacio y de los rincones favoritos en donde van tomando forma algunas de sus ideas. “Me tardé en encontrar la casa que quería porque buscaba una arquitectura mexicana contemporánea que al mismo tiempo tuviera cierta versatilidad para intervenir sus espacios sin alterar el inmueble original. Fue todo un reto, pero cuando la encontré hice un proyecto de remodelación que no toca el 80% de la arquitectura original y en el que todo el concepto de diseño de interiores es contemporáneo y enfocado a mi estilo. Mi casa está pensada en función de cada centímetro cuadrado de los espacios. Sobrepasé algunas típicas reglas de etiqueta como la de tener una típica sala para visitas porque soy enemiga de los espacios que no se usan. Creo que no sirve de nada tener una casa de 'museo', sino al revés: es mejor contar

con áreas que provoquen la convivencia”. Olga es una persona con una sensibilidad que valora hasta los detalles más pequeños de la vida diaria; por eso, le gusta favorecer la rutina con diseño y con proyectos arquitectónicos que le permitan a las personas recibir el día a día y estar preparadas para las ocasiones especiales. De ahí, su firme convicción de adaptar una casa conforme las proporciones naturales para usarse y disfrutarse. “Una casa es para vivirse y todo el tiempo le digo eso a mi familia: ‘disfruten la casa’; los muebles, los libros, los accesorios no son un adorno, son una parte inherente de nosotros”. Hanono lleva viviendo en esta casa casi diez años y hasta ahora se ha mantenido intacta tras ser remodelada. “Mis diseños tienen toques disruptivos y muy modernos, sin embargo, la paleta de colores y de materiales que usé desde el principio es muy versátil y atemporal, para

SU ESPACIO

“Tengo un tapete de Carlos Mérida que me heredaron mis papás. Lo restauré y ahora lo disfruto muchísimo en un lugar especial.”

nada es: ‘pinta todo de blanco y nunca pasará de moda’ porque me gusta el color y no dejo de experimentar con acentos muy atrevidos y contemporáneos en ciertas cosas, incluyendo las obras de arte”. La interiorista comparte que es una fanática del arte contemporáneo y una gran coleccionista de libros de arte, fotografía y arquitectura. “Todos mis libros –los cuales se encuentran esparcidos en los diferentes espacios de su casa– los he comprado en visitas a los museos y galerías, algunos incluso son los catálogos de las exhibiciones que me han gustado más. Para mí, la casa es un ambiente físico de tus memorias y si no contamos estas historias a través de los objetos se pierde la esencia y el alma de la casa”. ¿Hay algunos objetos que sean tus favoritos? –le preguntamos–. “Estoy tratando de elegir –responde–, pero no es fácil porque todos los muebles y objetos de mi casa tienen una historia importante en mi vida. Casi podría platicar el momento personal que estaba pasando cuando llegaron a mis manos. Creo que las cosas llegan a ti por destino, simplemente es la energía que tienes en ese momento en tu vida y atraes lo que necesitas”. Para Olga, estas son vivencias y anécdotas para las que hay que tener la sensibilidad de reconocer cuando llegan y cuentan una historia. “Son pequeñas huellas de las experiencias que voy plasmando permanentemente en mi casa y que me gusta compartir”, dice la diseñadora e interiorista que además de libros también colecciona diferentes tés y cafés del mundo y por eso procura iniciar el día consintiéndose con una buena taza de su aromático preferido. olgahanono.com

SU ESPACIO

“El rincón favorito de mi casa es la biblioteca. En general, estos son mis espacios favoritos del mundo. Amo conocer la cultura y las colecciones de las personas. Dicen que si quieres conocer a alguien veas que libros está leyendo o cuáles tiene.”

Hay un muro que estuvo vacío muchísimos años y que hoy está ocupado con una instalación de luces neón con un fragmento de una canción de los Beach Boys.

ENFOQUE

"Mi trabajo no estaría completo sin sus principales asociados: estructuralistas, ingenieros de sonido e iluminación y constructores." –Pepe Moyao

ENFOQUE

Espacios vivos, óptimos y multifuncionales

“He rescatado inmuebles que nacieron con una vocación de origen y hoy son grandes recintos de entretenimiento.” Foto Daniel Fernández Pérez

–JOSÉ DE ARIMATEA 'PEPE' MOYAO Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Retrato EDGARDO DANDER

ENFOQUE

“NUNCA SE ME VA A OLVIDAR la expresión de Don Antonio Cosío cuando le enseñé los renders del proyecto de renovación del Frontón México con las fachadas en rojo. Creo que nunca se imaginó algo así”, platica el arquitecto José de Arimatea ‘Pepe’ Moyao que suma alrededor de unas 300,000 butacas instaladas en diversos proyectos (particularmente centros de entretenimiento) realizados en México, un dato interesante por el que se ha convertido en un artífice de la industria de espectáculos en nuestro país. Entre sus obras más recientes están el ShowCenter Complex en Nuevo León, el diseño de la fachada de Liverpool Esfera Monterrey, el Teatro Ingenio en Sinaloa, el nuevo Teatro Libanés en la Ciudad de México y, por supuesto, el Frontón México, proyecto con el que incluso se hizo merecedor a la Medalla de Plata en la III Bienal de Arquitectura de la Ciudad de México 2017. ‘Pepe’ –como afectuosamente le llaman sus colegas y amigos– recibe al equipo de Glocal Design Magazine en su despacho, una antigua casona en la legendaria colonia Roma, la cual remodeló y acondicionó con espacios separados para vivir y trabajar. “A esa casa ya le tenía ‘echado el ojo’ –platica animosamente–; desde joven solía caminar por las calles que han marcado la historia arquitectónica de esta emblemática colonia de la ciudad, son sorprendentes las edificaciones que aún están en pie y que hablan del urbanismo de una época y de un lugar que curiosamente retomó diversos estilos artístico-arquitectónicos como gótico, árabe, italiano, francés, art nouveau y art decó. En algún momento coincidió que el inmueble estaba disponible y desde entonces me lo apropié para convertirlo en mi hogar y oficina”. En el área que ocupa ‘Pepe’ para trabajar destacan algunas fotografías y maquetas de los proyectos que ha realizado, también hay piezas de arte salpicadas entre los rincones y un lugar especial para tener a la mano los planos de las obras que está desarrollando el equipo. Pepe es egresado de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y tuvo su primer trabajo cuando

aún era estudiante en el despacho del arquitecto Honorato Carrasco Navarrete. Él mismo cuenta que fue en 1984 cuando la UNESCO publicó una convocatoria para el Concurso Mundial de Jóvenes Arquitectos, realizado en París, en donde participó con su tema de tesis: El hábitat del mañana, con el que ganó el primer lugar. Años más adelante, específicamente en el 1988, decide independizarse y formar su estudio de arquitectura: Moyao Arquitectos, que arrancó con proyectos como el auditorio temporal para la curva peraltada del Autódromo Hermanos Rodríguez, usado para las primeras presentaciones en México de artistas como The Rolling Stones, Madonna, Paul McCartney y Pink Floyd. De este mismo nace el Foro Sol, cuyo concepto surgió de la idea de diseñar una estructura que transmitiera la sensación de abrazar al público mientras se protegía a las últimas filas del sol y la lluvia. La cubierta vuela 14 metros hacia la pista apoyándose en 3 puntos por medio de conexiones articuladas sobre la estructura de una grada existente. La velaria se diseñó para no tener apoyos intermedios en la zona del público que eventualmente pudiera ocasionar la cancelación de lugares en la

El ShowCenter Complex cuenta con una capacidad máxima de 6 mil personas dependiendo del evento.

ENFOQUE

“Me siento muy orgulloso de que todos los espacios que hemos diseñado están vivos y son lugares óptimos.”

Fotos Daniel Fernández Pérez

El bocetaje es parte esencial del proceso creativo del estudio de Moyao Arquitectos.

Fotos Jaime Navarro

Construido en 1929 por Joaquín Capilla y Teodoro Kunhardt, el Frontón México es un referente del art decó en la ciudad.

ENFOQUE

Dentro del programa de restauración y acondicionamiento del Frontón se diseñaron un casino y un escenario flexible para albergar distintos eventos.

grada. Además de la velaria también se colocaron refuerzos en la estructura que no interfieren con los espacios de suites y amenidades. Entre sus variadas anécdotas, Moyao platica que fue un par de años después de ser independiente que lo llamó Federico González Compeán, considerado como una de las grandes mentes maestras dentro del mundo de los grandes espectáculos en México. “Nos vimos en el Palacio de los Deportes. Como empresario y hombre de negocios, a González Compeán se le presentaba la oportunidad en esos momentos –junto con Alejandro Soberón– de hacer una alianza con Audio Entertainment para operar (bajo concesión) el ‘domo de cobre’ (como era llamado el recinto) para volver a traer conciertos de grandes figuras de la música a México”. Así fue como nació Ocesa (Operadora de Centros de Espectáculos) y al mismo tiempo una sinergia muy fructífera y satisfactoria con Pepe Moyao. “En ese entonces no había experiencia de espectáculos en México. Pensamos que hacer conciertos y poner música en un lugar tan grande y cerrado era sencillo, pero no lo es. De ahí el mote que por mucho tiempo se le dio a este centro de entretenimiento como ‘Palacio de los Rebotes’, espacio que años después me tocó renovar y darle solución, y hoy es uno de los recintos estrella de México”.

ENFOQUE

Con un interesante juego de sombras, la fachada de Liverpool Esfera Monterrey representa la famosa topografía regiomontana.

En los inicios de la industria de espectáculos en México había temas elementales que se desconocían como la importancia de que una puerta abriera para adentro o para afuera, pues particularmente cuando se manejan masas todo se vuelve un tema de seguridad. Y es que el público llega de forma paulatina, pero al finalizar un show o concierto todos quieren salir al mismo tiempo y no es lo mismo la movilidad en un teatro de 1,400 personas que en un Foro Sol en donde pueden estar conviviendo hasta 60,000 personas. Moyao es, sobre todo, un especialista de lo que sucede adentro de los recintos, sabe de su operación interna y externa, de dónde debe de ir una taquilla, de qué lugar deben ocupar los actores, por dónde es conveniente que entren o salgan los materiales y equipos; es un experto

desde el punto de vista de operación de los centros de entretenimiento y no sólo desde la belleza arquitectónica de una fachada. Esta cualidad, que Moyao y su equipo han aplicado en otros espacios, como el Pepsi Center, el Fórum Mundo Imperial de Acapulco y el Frontón México, aseguran la flexibilidad de los espacios. “Aunque la curva de aprendizaje ha sido larga y complicada, me siento muy orgulloso de que todos los espacios que hemos diseñado están vivos”, dice Pepe. El arquitecto reconoce que su trabajo no estaría completo sin sus asociados: estructuralistas especialistas en conciertos, ingenieros de sonido e iluminación y constructores. “Un pilar que tenemos en el estudio es que hacemos de todo: desde vivienda hasta oficinas, pero por azares de la vida me ha tocado hacer

muchos centros de espectáculos y uno de los temas con los que me he topado es que hay que tratar de hacer espacios polivalentes y multifuncionales. Hemos rescatado inmuebles que nacieron con una vocación de origen, el caso de los Teatros Metropólitan y Orfeón, por ejemplo, que eran cines y hoy día son centros de espectáculos de muy buen nivel. Incluso el mismo Frontón México que nació con la vocación de un lugar para la práctica del Jai Alai, que después estuvo cerrado por décadas y que la forma de reactivarlo era buscar esa multifuncionalidad”, concluye Pepe quien todo el tiempo está estudiando la idea de siempre hacer algo mejor de lo que ya hizo. TW @Moyao_arqs IG @moyaoarquitectos

ENFOQUE

Foto cor tesía de Opticretos / Fotos Jaime Navarro

Moyao y su equipo han aplicado su experiencia en recintos como el Pepsi Center WTC.

Una interesante fachada de lámina de acero perforada hace del Pepsi Center WTC uno de los edificios más emblemáticos de la Colonia Nápoles.

Zsona Maco 2020 Texto y entrevistas MARTHA LYDIA ANAYA Fotos CORTESÍA ZSONA MACO, GALERÍAS y ARTISTAS

'Ciudad Radiada' de Luisa Restrepo para Ángulo 0, galería mexicana que este 2020 está cumpliendo su quinto aniversario.

ESPECIAL GALERÍAS

Foto cor tesía Ángulo Cero

GOSSIP (1) de Yves Scherer para Cassina Projects

Foto cor tesía Cassina Projects

CADA FEBRERO, los amantes del arte, el diseño y el coleccionismo esperan con notoria curiosidad e interés la apertura de Zsona Maco, una feria que curiosamente se renueva en esta edición 2020 con el objetivo de mantenerse a la vanguardia como la plataforma más grande en México y Latinoamérica en materia de arte, diseño, fotografía y antigüedades. Con galerías y expositores provenientes de 26 países de América, Europa y Asia, esta plataforma reúne –por primera vez– sus cuatro ferias: arte moderno y contemporáneo, diseño, fotografía y antigüedades, bajo un mismo techo de manera simultánea en el Centro Citibanamex de la Ciudad de México. Además, también tienen lugar un par de nuevas secciones llamadas: Foro, que surge para impulsar a galerías de ‘media carrera’ en arte contemporáneo, y el proyecto colectivo ‘La Plaza de la Informalidad’ que toma la forma de un bazar informal en donde despachos, principalmente mexicanos, presentan una propuesta artística y museográfica con piezas únicas que el público puede adquirir. Así, la feria de arte y diseño más importante de Latinoamérica está celebrando su edición número diecisiete, y dentro de ésta: Zsona Maco Diseño está cumpliendo una década; Fotografía celebrará su edición número cinco y Salón la número seis. Este año, el equipo directivo y creativo de la feria también decidió seleccionar al reconocido despacho Tom Postma Design de Holanda para planificar los espacios en el recinto; así como al despacho Salinas Lasheras de México, que ha sido el encargado de diseñar los diferentes restaurantes y áreas de descanso de la sede con el objetivo de ofrecer una mejor experiencia de visita a expositores y visitantes.

Foto cor tesía Ángulo Cero

Por primera vez, arte, diseño, fotografía y antigüedades reunidos en un sólo espacio y de manera simultánea.

Cananea Chaise de Manuel Muñoz G.G. para Ángulo 0

Además del programa de conferencias impartidas por invitados de talla internacional que abordan temas de actualidad e interés en el mundo del arte, la edición 2020 nuevamente cuenta con un programa de actividades paralelas con exhibiciones en los museos y las galerías más relevantes del país y una sección con publicaciones y editoriales especializadas en arte y fotografía. zsonamaco.com.

'Foro' y 'La Plaza de la Informalidad' son dos nuevas secciones que se integran a los espacios de la feria a partir de esta edición 2020.

ESPECIAL GALERÍAS

Colores, gráficos y mobiliario Salinas Lasheras | Zsona Maco Tomando en cuenta que las cuatro ferias de Zsona Maco: México Arte Contemporáneo, Diseño, Fotografía y Salón están sucediendo de manera simultánea bajo un mismo techo, es que surgió la idea de mejorar la experiencia de asistencia tanto de expositores como de visitantes. ¿Cómo lograrlo? “Inyectándole una nueva configuración al recinto, creando algo innovador, llevando un hilo conductor que de manera sutil y sencilla fuera guiando a las personas a través de los diferentes pasillos, stands y plataformas que conforman la feria”, platica el arquitecto Edmundo Salinas quien junto con su socio Manuel Lasheras están al frente del despacho Salinas Lasheras, una firma multidisciplinaria enfocada al diseño gráfico, arquitectónico y de interiores. Salinas ha coleccionado arte desde hace mucho tiempo y subraya que, como interesado en el tema, ha visitado Zsona Maco desde la primera vez. “Nunca he fallado; he visto cómo se ha transformado la feria durante estas diecisiete ediciones que se ha realizado. Además, desde hace muchos años conozco y soy muy amigo de Zélika García, fundadora de Zsona Maco, y gracias a esa cercanía personal y profesional es que hemos podido intercambiar ideas de cómo renovar la exposi-

Con el objetivo de mejorar la experiencia de visita, el despacho Salinas Lasheras ha creado un lenguaje arquitectónico y de diseño como hilo conductor de la feria. Fotos cor tesía Salinas Lasheras

ESPECIAL GALERÍAS

ción”, cuenta el arquitecto cuyo despacho fue el encargado de diseñar los diferentes restaurantes y áreas de descanso para Zsona Maco 2020 en el recinto de Centro Citibanamex de la Ciudad de México. “Creo que es un gran acierto reunir en un mismo lugar a los expositores nacionales e internacionales para que puedan presentar arte, diseño, fotografía y antigüedades –dice–. El objetivo es simplificar la exposición en una sola plataforma integral. Sin embargo, al hacer más grande la feria también surgen los retos de cómo ordenar los espacios, de cómo darle su personalidad a cada una de las áreas y de cómo hacer sencillos los recorridos de los visitantes sin que se confundan entre tanta información a su alrededor. Por eso, la idea de intervenir los restaurantes y zonas de descanso mediante un lenguaje arquitectónico y de diseño que funcione como un ‘hilo conductor’ que vaya encaminando a los visitantes”. El arquitecto platica que, por su experiencia de visita en ferias internacionales, sabe que este tipo de exhibiciones son complicadas de recorrer y si la gente no se ubica dentro y fuera del recinto, es muy fácil que se pierda o que se la pase dando vueltas por los mismos lugares. “Por eso, hemos usado colores y gráficos para que las personas sepan en dónde están y cómo dar continuidad a sus recorridos. Los tonos de las alfombras, por ejemplo, le ayudan mucho a situarse. Además, aunque cada área tiene una personalidad, sí hemos hecho una curaduría en cuanto a mobiliario y accesorios. Analizamos la selección de muebles que se ha usado en ediciones anteriores y esta vez decidimos hacer colaboraciones con firmas –como Blue Dot y Tecnotabla– con la intención de darle una línea de diseño e interiorismo a la feria. La idea es que a partir de esta edición y, en conjunto con el equipo de Zsona Maco, la experiencia de visita a la feria sea cada vez mejor”, concluye el arquitecto. salinaslasheras.com zsonamaco.com

El interiorismo de cada área personaliza los espacios y al mismo tiempo los interconecta.

ESPECIAL GALERÍAS

Colección 'Relae' por Nicholai Wiinhansen

Objetos inéditos en ediciones limitadas Casa Gutiérrez Nájera Para esta edición 2020, Casa Gutiérrez Nájera (CGN) presenta algunas de la piezas de edición limitada que son parte de la exposición Mexico is Mexico, realizada en colaboración con la galería neoyorquina Henrique Faria Fine Art y curada por Carlos Torre Hütt, director y curador en jefe de CGN. Dicha exhibición muestra el valor de las tradiciones, procesos artesanales y el trabajo hecho a mano en nuestro país; particularmente en Zsona Maco destaca la edición #2 de la pieza Fragmentos, contenedores de barro y cobre de diferentes dimensiones que pueden sobreponerse entre sí, los cuales son un diseño de Melisa Aldrete, Luis Cárdenas y Úrsula Hernández. También se muestran nuevas piezas de diseñadores internacionales: la serie Twist de cubiertos de plata de Nina González elaborados por manos artesanas de Taxco y en exclusiva para México la colección Relae, que son piezas de vidrio diseñadas por Nicholai Wiig Hansen y producidas en Portugal. Tampoco puede pasar desapercibida la primera pieza de cerámica del proyecto arquitecturas contemporáneas del siglo xxi “Lincoln Road Parking 1111” escala 1:500 realizada por Abel Ávalos y Carlos Torre Hütt y el trabajo de dos arquitectos mexicanos: Roberto Michelsen con algunas piezas de madera de su colección Polines y Cristina Pérez Reyes con una intervención de su trabajo de investigación y diseño textil en una de las sillas icónicas de Óscar Hagerman. casagutierreznajera.com

Su novena participación consecutiva en la feria reafirma a la galería entre las mejores de México.

Fotos cor tesía Casa Gutiérrez Nájera

1111 Lincoln Road Parking, 2019, Abel Ávalos y Carlos Torre Hütt

ESPECIAL GALERÍAS

Una puerta al diálogo artístico Proyectos Monclova

Fotos cor tesía Proyectos Monclova

Untitled #72 (Lightning Visible, No thunder Heard), 2019, Anna Virnich

Esta es la quinta edición en la que Proyectos Monclova participa en Zsona Maco y al ser la feria de arte contemporáneo y diseño más importante de América Latina resulta importante para la galería elegir un espacio amplio, en donde la mayoría de sus artistas tengan presencia; es por ello que no trabajan con un guión curatorial propiamente, pero sí establecen una narrativa en la que las obras expuestas corresponden al programa de actividades de la galería. Para esta edición están presentes tanto en la sección principal de Arte Contemporáneo como en Zsona Maco Sur, que pretende reflejar la narrativa histórica del arte que ha prosperado durante el último milenio. Los artistas que presentan en el booth principal son Eduardo Terrazas, Martín Soto Climent, Helen Escobedo, Julius Heinemann, Gabriel de la Mora, Edgar Orlaineta, Anna Virnich, Tercerunquinto, Yoshua Okón, Istvan Ist Huzjan, Néstor Jiménez, Darío Escobar y Théo Mercier. Mientras que en Zsona Maco Sur participan con el proyecto escultórico que Naomi Siegmann e Inmaculada Abarca realizaron entre los años de 1994 y 1995. Así, esta galería de arte contemporáneo con sede en la Ciudad de México –fundada en el 2005– consolida su propuesta en el escenario creativo; no son representantes de un sólo artista, pero sí una plataforma que facilita el alcance y el diálogo entre las distintas generaciones de talentos nacionales e internacionales. proyectosmonclova.com

La versatilidad de Proyectos Monclova se hace presente en varias secciones de la feria de arte contemporáneo y diseño más importante de América Latina.

23.4 (From the seriies Toscana), 2018, Eduardo Terrazas

ESPECIAL GALERÍAS

Crítica e investigación Kurimanzutto Más que ser un espacio de contemplación, Kurimanzutto se ha convertido en un lugar de encuentro abierto a la crítica y a la investigación, que se presta al desarrollo de proyectos arriesgados raramente vistos en galerías comerciales. Esto corrobora porqué su booth es uno de los imperdibles durante Zsona Maco, el cual para esta edición está presentando las obras de artistas como Damián Ortega, Gabriel Kuri, Iñaki Bonillas y Mariana Castillo Deball. Ortega es conocido por sus instalaciones como Cosmic Thing, así como por sus fotografías y obras cinematográficas; ha vivido desde 2006 entre Berlín y México y hoy en día presenta sus propuestas a nivel internacional. Rhino Tower y Working Skin son parte de lo que muestra en la feria de diseño, haciendo énfasis en su destreza con el cartón, espuma de poliestireno, papel kraft, madera de pino, madera de balsa y bolsas de cemento. Kuri, por su parte, examina los objetos y el espacio que median las relaciones humanas desde un ángulo poco convencional con el fin de explorar el potencial transformativo de situaciones cotidianas, ejemplo de ello es: A taxonomy of chance, obra para la usa una técnica mixta en vitrina magnética de acero inoxidable con luz. En cuanto a Bonillas su propuesta artística se enfoca en la fotografía y Castillo Deball devela un largo proceso de investigación que le permite analizar cómo pueden leerse ciertos objetos históricos a lo largo del tiempo y cómo éstos presentan una versión dialogante de la realidad que genera un panorama polifónico. kurimanzutto.com

Rhino Tower, 2019, Damián Or tega

Cartón, madera y bolsas de cemento revelan la destreza de los artistas. Working Skin, 2019, Damián Or tega

Fotos Gerardo Landa Rojano

Por su visión crítica y exposiciones individuales es uno de los imperdibles.

ESPECIAL GALERÍAS

Tapete Batalla, Javier Marín para Odabashian

Esculturas traducidas en tejidos

Fotos cor tesía Odabashian

Odabashian Diseñada por el artista Javier Marín, Odabashian sorprende con su nueva colección de tapetes y tapices tejidos con una técnica estilo gobelino. Las piezas –de edición limitada– se presentan por primera vez en Zsona Maco y ponen en evidencia el uso de dos antiguas técnicas: el nudo tibetano y el tejido de tapices tipo gobelino, que fueron llevadas al límite para crear piezas que van más allá de cualquier trabajo que la firma haya hecho antes en términos de detalle. La colección se compone por dos tapetes y cinco tapices tejidos, inspirados tanto en los procesos como en los resultados. “Los tapices exploran la deconstrucción y reconstrucción de los moldes usados para hacer mis esculturas, parte de la documentación de ese proceso derivó en estas piezas textiles. Por otro lado, los tapetes “batalla” fueron creados espontáneamente, construyendo una historia de la nada, según fueron cayendo las figuras en el lienzo”, describe Javier Marín sobre las piezas, hechas completamente a mano con cientos de hilos de lana neozelandesa, teñidos artesanalmente de forma que generan imágenes en alta resolución. Para Odabashian, el mayor reto fue reflejar con completa fidelidad las imágenes provistas por el artista, que son fotografías que muestran algunas rebanadas de los moldes que Marín y su equipo usan para sus esculturas monumentales. odabashian.com javiermarin.com.mx

Tapiz. Cor te 2, Javier Marín para Odabashian

Una colección de tapetes y tapices que se presenta por primera vez en México.

Design Miami Element: Water Texto y Entrevistas GRETA ARCILA, enviada Miami Fotos CORTESร A DESIGN MIAMI/

La ediciรณn 2019 de Design Miami/ se enfoca en el uso de recursos vitales para el ser humano, como el consumo de agua en el mundo.

FERIAS

Retrato cortesía Mark Cocksedge / Retrato cortesía Design Miami/

ANTES DE QUE ART BASEL llegara a Miami, ésta era una ciudad típica para tomar el sol e ir a los night clubs; ahora, se ha definido como un destino cultural y lo que es aún más interesante es que la suma de la plataforma de Design Miami/ también ha demostrado que en este lugar tan paradisiaco, colorido y lleno de vida se pueden inventar, presentar y discutir propuestas de arte y diseño con mucha fuerza. La edición Design Miami/ 2019 que ocurrió en el mes de diciembre pasado corroboró que más que un mercado para el diseño, el coleccionismo y en donde las mejores galerías del mundo se reúnen para presentar exhibiciones de muebles, iluminación y objetos de arte con calidad de museo; la feria no sólo ha logrado expandirse y enriquecer continuamente su programa, buscando satisfacer a audiencias exigentes y de alta gama, sino que también ha contribuido a ampliar la conciencia sobre el diseño moderno y contemporáneo; a impulsar el mercado para el diseño coleccionable y a proporcionar un ambiente como destino accesible para los entusiastas del tema. Así, Design Miami/ 2019 concluyó su edición del decimoquinto aniversario con un gran aumento en el número de visitantes y coleccionistas asistentes: más de 40,000 personas, quienes se dieron cita en un recinto renovado frente al Centro de Convenciones de Miami Beach, que es el hogar de Art Basel Miami Beach. Los directores curatoriales encargados de crear el programa y concepto de la feria fueron Craig Robins y Aric Chen, ambos emprendedores y visionarios, siempre en busca de ideas nuevas. “Para nosotros, en cualquier proyecto que hacemos le damos prioridad al arte, al diseño, la arquitectura y el diseño gráfico, por lo que siempre estamos en busca de gente que quiera colaborar y con el talento para sentirse inspirado por los proyectos”, platica Robins, quien además de empresario también es promotor inmobiliario, coleccionista de arte, filántropo, cofundador y copropietario de Design Miami/ y desarrollador del Miami Design District. Esta vez el programa se tituló: Elements pues tuvo como objetivo explorar el papel del diseño, los materiales y la fabricación en un futuro posterior a la naturaleza. Robins y Chen invitaron a expositores y artistas a elaborar proyectos que generaran preguntas sobre cómo la actividad humana y su impacto en el planeta está disolviendo las distinciones entre materias primas y desechos naturales y artificiales, entre

Esta plataforma no resuelve la crisis ambiental, pero sí invita a reflexionar sobre cómo tratar al mundo.

Aric Chen (arriba) y Craig Robins, cofundadores y copropietarios de Design Miami/.

consumo y producción; y cómo el diseño se está involucrando en este contexto con un sentido de criticidad, responsabilidad y posibilidades. “Si bien el tema se presta a desarrollar proyectos contemporáneos de naturaleza experimental, también se alientan los trabajos históricos que se pueden ver en el diálogo. Así fue como las propuestas tomaron la forma de estructuras, pabellones o cualquier otra instalación a gran escala, incluidas los performances y proyecciones de video”, explica Chen quien considera que los temas sobre el cuidado ambiental y calentamiento global deben estar presentes en nuestras mentes y en todos los contextos. “Particularmente, para Design Miami/ que es una plataforma de diseño muy grande sólo se trataba de poner en relieve estos temas en los que los diseñadores y las marcas ya están pensando. Analizamos el tipo de recursos en general y pensamos que para Basilea el tópico acertado era: Element:Earth (Elemento:Tierra), con una sensación más geológica y orientada hacia las montañas de Suiza; mientras que en Miami, el agua está en todas partes y su consumo es un problema urgente y de primera línea en torno al cambio climático, de ahí que lo tomáramos como el discurso de la feria: Element:Water (Elemento:Agua)”, concluye Chen. basel2020.designmiami.com

Following Matter es una serie de nuevas piezas, diseñadas por el diseñador sueco-mexicano Alexander Díaz Andersson en colaboración con su hermano y artista multimedia Andreas Díaz Andersson. Juntos son los co-fundadores del despacho experimental ATRA que recién se presentó en Design Miami/ con esta colección que forja un diálogo entre arte y diseño, pues se trata de muebles y objetos de diseño que parecen ser flotantes. Alexander explora la idea de crear mobiliario con calidad antropomórfica con una referencia directa de la naturaleza; mientras que el trabajo de Andreas combina materiales como lona, pinturas de plastisol, hilo y líquidos oxidados con la idea de crear volúmenes visuales.

atraform.com @atraformstudio

Foto cor tesía ATRA

M O B I L I A R I O A N T R O P O M Ó R F I CO FO L L OW I N G M AT T E R | AT R A

FERIAS

OBRAS DE ARTE FUNCIONALES O BLO NGO | H A R RY NUR IEV | B A LENCIAGA + CRO SBY ST UDIO S

El sofá Oblongo, inspirado en los típicos sillones reclinables y mullidos que son el centro de atención en las estancias de las casas, está tapizado con prendas dañadas y recortes de existencias obsoletas de ropa de Balenciaga que, a su vez, están revestidas con vinilo transparente desguazado. Los patrones, cortes y etiquetas dentro del relleno son reconociblemente Balenciaga con la idea de poner en evidencia una mezcla de temporadas e ideas pasadas. Este es el primer sofá creado para la casa de moda, que ha colaborado con el artista, arquitecto y diseñador de muebles Harry Nuriev de Crosby Studios para abogar por la responsabilidad ambiental mediante la creación de una obra de arte funcional con ropa de Balenciaga desechada. Así, la suma entre Balenciaga y Nuriev reinventa un sofá como un ejemplo de diseño respetuoso con el medio ambiente, el cual da vida a generaciones de prendas y otros materiales.

Foto cor tesía James Harris

balenciaga.com @harrrynuriev crosby-studios.com

JOYAS , MUEBLES Y OBJETOS

BE C O M I NG N AT U R E | H A N N A H E D M AN | OR N AM E N T U M

ornamentumgallery.com

Foto cor tesía Design Miami/

Buscando nuevas formas de presentar el talento de sus artistas, Ornamentum preparó una peculiar exhibición en la que intercaló desde piezas de joyería hasta muebles y objetos. Destaca la mini-instalación Becoming Nature de la artista y joyera sueca Hanna Hedman, cuyo trabajo ha encontrado relevancia a través de obras públicas hechas a gran escala en su país de origen, las cuales trajo por primera vez a Estados Unidos mediante la plataforma de Design Miami/. Otra de las artistas dentro de la exhibición es Jaydan Moore, quien creó su pieza más grande hecha hasta ahora para cubrir toda la pared posterior del stand de la galería. Al talento de Hedman y Moore se suma el orfebre alemán Gerd Rothmann que terminó una colección de joyas y recipientes de plata para la feria, además de otros jóvenes artistas internacionales como Veronika Fabian, Ralph Bakker, David Bielander, David Clarke, Rebekah Frank, Karl Fritsch, John Iversen, Ted Noten, Todd Pownell, Jacqueline Ryan y Philip Sajet, entre otros.

FERIAS

PIRÁMIDES Y CIERVOS SOPLADOS

A B OY F ROM T E X A S | ROB E RT W ILSO N | C R I S T I N A G R A J A L E S G A L L E RY + PAULA CO O P ER GA LLERY A boy from Texas es una exposición individual de escultura y diseño creada por Robert Wilson en colaboración con The Corning Museum of Glass para Cristina Grajales Gallery. Se trata de una instalación en vidrio soplado y fundido que refleja la naturaleza, fragilidad y renacimiento en memoria de la infancia de Wilson en Texas y sus primeras obras desarrolladas en las zonas rurales de América. Reconocido por su uso magistral de la luz en producciones en los teatros más importantes del mundo, Wilson ha citado a menudo los horizontes expansivos del paisaje de Texas como fuente de inspiración para sus entornos escénicos. Sus primeros trabajos de actuación fueron óperas silenciosas, sin palabras, con pocos sonidos y movimientos lentos al ritmo de la naturaleza. Con esta exposición, Cristina Grajales Gallery –en colaboración con Paula Cooper Gallery– se une a la celebración del xv Aniversario de la feria de Design Miami/.

Foto cor tesía Design Miami/

cristinagrajalesinc.com paulacoopergallery.com rober twilson.com

ESCULTURAS COLGANTES ILUMINADAS

R & Company dividió su stand en Design Miami/ en cinco espacios distintos con la intención de hacer nuevas e innovadoras presentaciones individuales de artistas contemporáneos, así como una selección curada de obras maestras históricas raras. Un foco central del área estuvo dedicada a la instalación inmersiva de nuevos objetos y esculturas colgantes iluminadas hechas por Jeff Zimmerman en colaboración con James Mongrain. Esta serie colaborativa de piezas de vidrio fue desarrollada por el Museo del Vidrio de Corning y combina el enfoque innovador de Zimmerman para la fabricación de vidrio y las habilidades creativas impecables de Mongrain. La colección incluye piezas especiales escultóricas únicas que combinan técnicas tradicionales con procesos experimentales que permiten a los artistas capturar la fluidez del vidrio fundido en los diseños finales. Inspirada en la naturaleza, la presentación demuestra el compromiso de Zimmerman por impulsar los límites del arte en vidrio.

r-and-company.com

Foto cor tesía Design Miami/

J E FF Z I M M E R M A N + J AM E S M ONGR A IN | R & C OM PAN Y

FERIAS

RELIQUIAS FOSILIZADAS

O BJECT S FO R LIV ING | DA NIEL A R SH A M + FR IEDMA N BENDA Daniel Arsham en colaboración con la galería Friedman Benda presentó una instalación inmersiva que rompe con las limitaciones tradicionales de una feria de arte, al transformar el espacio en una parte doméstica y en una parte kunstkammer (gabinete de curiosidades) cuyo resultado es reconocible en la narrativa de Arsham. Para ello, el artista desarrolló, realizó y exhibió un cuerpo de trabajo en un ambiente ficticio para el cual creó piezas que le gustaría usar y con las que querría vivir cada día, nombrándolas en función de lugares y personas que han sido importantes en su vida. Las obras expuestas son una continuación y una exploración más profunda de la icónica práctica de Arsham de crear reliquias fosilizadas del “futuro” que distorsionan la percepción del espacio y el tiempo del espectador, sin embargo, algunos ejemplos de mobiliario representan el desarrollo de nuevas formas a medida que investiga, desafía y recrea arquetipos clásicos en el diseño.

Fotos cor tesía Design Miami/

friedmanbenda.com danielarsham.com

FISURAS Y GRIETAS

Un viaje reciente a Islandia fue la inspiración para la última colección de la ceramista francesa Karen Swami, titulada When the Earth Fractures, la cual surgió de observar cómo las fisuras y las grietas marcan la separación gradual de las placas continentales, un ejemplo dramático de la evolución del paisaje y una poética ilustración de la constante renovación y transformación de la Tierra. Estas piezas, realizadas con técnicas artesanales y con formas clásicas y puras, se traducen en memorias personales y una meditación sobre la constante evolución de la Tierra. Son una forma de arte contemporáneo que refleja las permutaciones eternas y las reflexiones conscientes sobre la preservación de la Tierra y el poder de la renovación y la sanación.

swami.fr

Foto cor tesía Design Miami/

W H E N T H E E ART H F R AC T U R E S | K AR EN SWA MI

FERIAS

PÉTALOS , TALLOS Y BROTES

PE R MA WH I T E | M AR C I N RU S AK | SA R A H MY ER SCO UGH GA LLERY A través de la exploración de la imperfección, de lo efímero y de la estética, el diseñador polaco Marcin Rusak presentó, como parte de Sarah Myerscough Gallery, su más reciente colección, Perma White, la cual se compone de tres piezas de biorresina desarrolladas con un ensamblaje estructural de planos, transformándolas en una suerte de híbrido de los muebles domésticos. Las piezas exploran lo intrincado de la belleza de un mundo natural suspendido: los pétalos, los tallos y los brotes son colocados en una disposición aleatoria, mientras se fosilizan dentro de la biorresina blanca. Al igual que las venas en el mármol o las cavidades en las piedras, la belleza de Perma White se puede encontrar en las imperfecciones y los detalles meticulosos de las secciones florales. La materia prima proviene de los excesos acumulados por los floristas, por ello, las flores desechadas reciben un nuevo ciclo de vida al convertirse en la esencia misma del material.

Fotos cor tesía Design Miami/

sarahmyerscough.com marcinrusak.com

COLGANTES COLORIDOS Y LÚDICOS SO UT H ER N GUILD

southernguild.co.za dokterandmisses.com animal-farm.co.za

Foto Joe Kramm

Southern Guild encarga, produce y exhibe diseño coleccionable contemporáneo de los mejores talentos de Sudáfrica, su riguroso programa de curaduría ha dado forma a las percepciones del mundo sobre el diseño africano y ha forjado una imagen vernácula única en el ámbito internacional. En esta ocasión presentó el trabajo de distinguidos artistas dentro de lo que se encuentran Dokter and Misses con la colección Practically Everywhere, la cual experimenta con formas dentadas, proporciones impares y formas apiladas superpuestas con tratamientos de superficies texturizadas; y Porky Hefer, con la colección Molecules, la cual se compone de tres grandes orbes, colgantes y habitables, envueltos en coloridos y lúdicos cueros (fabricados por los artesanos del cuero de Wolf & Maiden en Ciudad del Cabo) y cuyos nombres indican los compuestos químicos que representan: Monóxido de Dihidrógeno, Monóxido de Fluorohidrógeno y Difluoruro de Hidrógeno.

FERIAS

POESÍA, ARTE Y DISEÑO

P LEA SE BE SEAT ED | DO MEAU & P ÉR È S | LES AT ELIER CO UR BET Gracias a los cuestionamientos y a la perspectiva satírica del modernismo y el diseño moderno del actor y director francés Jacques Tati, la galería de diseño Les Atelier Courbet presenta Please Be Seated una instalación que ofrece un vistazo a los diseños icónicos del cineasta francés en su película de 1958 'Mon Oncle' (Mi tío), en una réplica de la Villa Arpel construida por el estudio Thirlwall Building Design. Les Ateliers Courbet introduce la única edición de diseños Tati jamás realizada, producida por el estudio de diseño Domeau & Pérès en colaboración con el acervo de Jacques Tati "Les Films de Mon Oncle". Se trata de tres asientos –dos bancas y una mecedora– visualmente atractivos, pero completamente imprácticos, que remiten a la inventiva, la calidez y al enfoque “poético” de la sátira del cineasta francés.

Foto cor tesía Design Miami/

ateliercourbet.com domeauperes.com

ENTREVISTA

El proceso de elaboración se llevó a cabo tiñendo las fibras de henequén con la tintura de grana cochinilla para obtener la tonalidad perfecta.

Foto Fernando Laposse

ENTREVISTA

‘Oro verde’ y bestias rosas

“Creo que las percepciones de jerarquía en las que el diseñador está por arriba del artesano para crear un buen proyecto deben desaparecer; el diseñador tiene que ser un artesano también.” –FERNANDO LAPOSSE Entrevista GRETA ARCILA, enviada Miami y LORENA ZUCKERMANN

Fotos PEPE MOLINA

ENTREVISTA

Este proyecto reconoce el trabajo de las comunidades indígenas, ya que a pesar de que éstas son las que menos contribuyen al cambio climático, son las que más sufren las consecuencias, por lo que considera vital incluirlos y demostrar todo lo que se puede lograr trabajando en conjunto.

ENTREVISTA

MIAMI SE LLENÓ de adorables perezosos rosas con el trabajo de Fernando Laposse, el destacado diseñador mexicano que fue nombrado Neighborhood Comission Artist 2019, que forma parte del Miami Design District. Defensor de las tradiciones artesanales sostenibles, fue elegido por el jurado para llevar a cabo esta renombrada labor por la forma en la que expresa la belleza, la historia y porque su trabajo se centra en la transformación de materiales naturales sencillos en refinadas piezas de diseño. En agradable charla con Laposse, él comentó que cada año los miembros del jurado del evento proponen a un diseñador y en su caso fue Alexandra Cunningham Cameron, una de las fundadoras del Cooper Hewitt, quien lo nominó; por lo que lo contactaron y le pidieron una respuesta en relación al tema del año: Color, una temática muy abierta, pero que le quedó como anillo al dedo ya que estaba buscando la excusa perfecta para trabajar con grana cochinilla, material con que el que había estado experimentando en los últimos años. “La primera propuesta era completamente diferente, nunca había venido a Miami y mucho menos al Design District; tenía como referencia el trabajo de Phillipe Malouin, pero en la época en la que él participó había muchísimo espacio, entonces lo primero que propuse tenía una distribución distinta; estaba planeada para el piso, se llamaba Color bugs y estaba enfocada a la historia de la cochinilla”. El comité del evento le comentó al diseñador que a pesar de ser una gran idea, su propuesta no era factible, por lo que lo invitaron a conocer el espacio en Miami y le propusieron un reto: hacer uso activo de los árboles, lo que es bastante complicado, ya que no se tienen medidas exactas y los costos se disparan para garantizar la seguridad de la instalación. Así fue como comenzó el proceso de diseño y la aplicación de pruebas de material de acuerdo con las nuevas limitaciones que implicaban que todo estuviera colgando, por lo que surgieron las hamacas y los perezosos. Esta propuesta le gustó tanto a Craig Robinson –curador de Design Miami/– que le subieron el presupuesto, lo que dio grandes resultados, pues Pink Beasts fue de lo más aclamado e instagrameado durante la feria de diseño. Casi tres meses fueron necesarios para traer a la luz las hamacas y los 30 perezosos hechos a base de fibras de hene-

“Aún hay formas orgánicas de lograr colores vibrantes.”

–FERNANDO LAPOSSE

Con ayuda de Ángela Damman, Laposse instaló Pink Beasts en el Design District de Miami.

quén y pigmento de grana cochinilla, sin contar los 7 años de inversión que requieren los agricultores para poder obtener el plantío, además del apoyo de un aproximado de 70 personas, entre las que se encontraron 10 herreros y 55 mujeres artesanas, quienes se unieron para realizar labores sencillas y, por supuesto, el mismo Laposse en colaboración con Angela Damman, quien aportó su experiencia en innovación de productos sostenibles. La relación de Fernando con Angela y con las mujeres artesanas surgió gracias al henequén, también llamado ‘oro verde’, ya que el diseñador requería fibras de buena calidad y libres de impurezas para continuar con su labor creativa con este material, con el que había iniciado su experimentación a raíz del London Design Festival. Encontrar quién hiciera este trabajo no fue sencillo, ya que en México no existe una base de datos que permita el contacto con artesanos, pero gracias a un grupo de Facebook, Laposse pudo contactar a ‘Nancy’, jefa de un grupo de mujeres que hacen artesanía en sus tiempos libres. Con Damman el contacto se dio a través de Instagram, cuando posteó fotos de su trabajo y muchas personas empezaron a etiquetarla hablando de la similitud entre sus proyectos; el mundo es tan pequeño que dio la casualidad de que Angela ya había trabajado con las mujeres de Sahcaba en Yucatán. “Colaborar con Angela fue increíble, ella tiene mucha más experiencia trabajando con henequén, lo manipulamos diferente, ella más tradicional y yo dejando la fibra más cruda, pero ella nunca había trabajado con cochinilla, ni había hecho algo rosa, así que este fue mi punto de contacto, decirle que teníamos la misma visión, que me gustaría promover sus hamacas para la instalación, pero hacerlas en edición limitada”. Se eligieron los perezosos por la filosofía de bajarle el ritmo al consumo y estar en armonía con la naturaleza. fernandolaposse.com angeladamman.com miami2019.designmiami.com

ENTREVISTA

Catas artísticas Una instalación que expresa la delicadeza de la champaña. Entrevista GRETA ARCILA, enviada Miami

LA CONEXIÓN entre Andrea Mancuso –quien junto con la arquitecta Emilia Serra están al frente del estudio de diseño Analogía Project– y Maison Perrier-Jouët se dio después de que el diseñador presentara su colección de recipientes rituales: The Surreal Table en el Salone del Mobile Milano del 2018. Para esa ocasión, Mancuso trabajó con vidrio y presentó cristalería con formas de criaturas mitológicas, inspirada en el antiguo mundo de los rituales del buen comer y beber. “Después de eso –cuenta Mancuso– tuve una reunión muy interesante con Hervé Deschamps,

Piezas de cerámica representan las botellas de vino envejecidas en las bodegas de Maison Perrier-Jouët.

que es el maestro de bodega de Perrier-Jouët y disfrutamos de una degustación que realmente se convirtió en una narración muy amena sobre la historia y savoir-faire con más de 200 años de historia de la casa. Me platicó de todas las notas y cada uno de los elementos que caracterizan cada cuvée (tanque de vino), así como del tiempo que les lleva envejecer y cómo se seleccionan las uvas y de dónde provienen. También de las atmósferas que rodean los increíbles escenarios de esta casa y los campos en donde están los viñedos. Fue tal el entusiasmo que me contagió que quería traducir

Fotos cor tesía Maison Perrier-Jouët

ENTREVISTA

todo lo que me contaba en formas. Fue entonces que me surgió la idea de diseñar Metamorphosis, una colección de seis copas de vino y una copa de champaña, que reflejan la historia y personalidad de cada cuvée y que además hacen referencia a la naturaleza en empatía con el art nouveau. Quería crear un ritual de cata con piezas de arte de las que se pudiera beber y, a través de éstas, crear una conexión desde su forma, tacto, colores y las notas de la bebida. La historia de la champaña Perrier-Jouët es un catalizador de emociones”. Durante su proceso creativo, Mancuso experimentó con diferentes fabricantes de vidrio hasta que finalmente decidió trabajar con Fondazione Berengo, un productor con sede en Murano que suele ocuparse de proyectos experimentales. Además, para poder lograr tantos detalles en formas tan pequeñas, usó un proceso de fundición en el que primero se hace un molde en goma y luego de ese molde se puede crear la misma forma, pero en cera. Esa cera está cubierta de yeso que, al entrar al horno, se evapora; entonces, se obtiene un bloque de yeso con la forma vacía del vidrio adentro, la cual se va cocinando durante varios días hasta que el vidrio se derrite en el yeso. Esto hace que se necesite un molde para cada copa, por lo que, cada pieza es única y requiere de mucho tiempo para su fabricación. “Lo veo como una tradición importante reinterpretada a través de una investigación y experimentación sin precedentes, que combina conocimientos antiguos como el vidrio soplado a mano con impresoras 3D. Hay una cierta belleza en reconocer el legado utilizando sistemas modernos: es un nuevo enfoque para compartir y reinterpretar historias antiguas”, dice el diseñador. Metamorphosis captura las cuvées Perrier-Jouët con el crecimiento desenfrenado de la naturaleza floreciente, con raíces y hojas trepando por el

Metamorphosis es un espacio inmersivo inspirado en las cuvées de los viñedos de Maison Perrier-Jouëts.

"La atmósfera etérea y el silencio sombrío de las bodegas me inspiró a crear esta instalación." –Andrea Mancuso

tallo para abrazar la copa. Mientras que la naturaleza se interpreta con líneas elegantes y estructuradas. La copa de champaña recuerda la icónica flor de anémona diseñada para la casa en 1902 por Émile Gallé, un artista francés del art nouveau. Esta colaboración se presentó en Design Miami/ 2019 como parte de un entorno espectacular que conectó los viñedos de la casa con sus bodegas. Se creó una escenografía inmersiva inspirada en la visita de Mancuso a la comuna francesa de Épernay, en donde se sintió conmovido por la atmósfera etérea del silencio sombrío que descubrió en las bodegas, y los colores y la luz de los viñedos. Su interpretación de esa experiencia estimula la curiosidad de los espectadores. La instalación –realizada en conjunto con los ceramistas italianos Alessio Sarri y Nuevoforme– estuvo conformada por unas 11,000 piezas cerámicas, cuya forma y montaje rememoraba las botellas que maduran en las bodegas del viñedo. Cada copa se exhibió en nichos presentados teatralmente en soportes hechos con cera perdida. analogiaproject.com perrier-jouet.com basel2019.designmiami.com

ENTREVISTA

Lo hecho en México

Rudy Weissenberg y Rodman Primack, fundadores de AGO Projects.

“Creemos en el poder del buen diseño como agente de transformación positiva.” –AGO PROJECTS Entrevista GRETA ARCILA, enviada Miami

Fotos AGO PROJECTS

ENTREVISTA

CON UNA PROPUESTA de diseño enfocada en la Ciudad de México, AGO Projects –fundado por Rudy Weissenberg y Rodman Primack– se presentó por primera vez en Design Miami/. “Por mucho tiempo trabajé en la industria de los medios de comunicación (televisión, radio, internet, música, etc.) y en ese ajetreo empecé a hacer proyectos y curadurías de diseño con Rick Owens, un diseñador de moda americano que se mudó a París y empezó a crear mobiliario; así fue como empezamos a trabajar juntos y poco a poco me fui adentrando más y más en el mundo creativo”, platica Weissenberg que en el camino se encontró con Rodman Primack con quien también comenzó a trabajar en arte y diseño. “Él tenía la experiencia de estar involucrado en algunos eventos y ferias de diseño –cuenta Rudy– y de repente pensamos que era el momento de colaborar juntos. Cursé un segundo posgrado enfocado en la historia del diseño y la arquitectura, y decidimos que era tiempo de probar y hacer

un proyecto juntos”. Así surgió AGO Projects, un centro de representación de artistas, con sede en la Ciudad de México y Nueva York cuyo objetivo es abrir converesación con las audiencias. “Somos muy intensos en lo que hacemos –dice el joven emprendedor–. ¿Por qué México? Hay varias razones: soy guatemalteco y allá el mundo cultural es casi inexistente; lo que queríamos era estar en una metrópolis con relevancia global. Rodman y yo amamos México, es un lugar que nos inspira y los dos hemos trabajado en diferentes roles. Él era parte de la casa de subastas Christie’s para Latinoamérica y yo traía la experiencia de estar en televisión y música. Después pensamos en Nueva York por la idea de apoyar a arquitectos y diseñadores emergentes en Latinoamérica y México”. Weissenberg resalta el talento con el que se ha topado. “Conocemos casos de despachos de arquitectura, integrados por gente muy joven, alegre y emprendedora, que quizá no tengan

mucho dinero y en lugar de decidir probar suerte en otros lugares, han logrado levantar proyectos espectaculares en menos de dos años”. Para su presentación en Design Miami/ 2019 tuvieron el apoyo de dos personas instrumentales: los curadores de diseño Ana Elena Mallet y Mario Ballesteros, quienes se sumaron a la galería ‘con los ojos cerrados’ y sin dudarlo. “Para lanzar la galería en un escenario tan importante, la idea era trabajar con gente que supiera ejecutar, producir y entregar en tiempo y forma, personas con el profesionalismo necesario para promover nuestra labor”, enfatiza Rudy quien a la pregunta expresa de cómo se sintió como expositor responde: “Lo más interesante siempre es observar la reacción de la gente. A mi me gusta platicar con las personas porque creo que mucha gente asiste con ganas de aprender y permear un conocimiento sólido.” ago-projects.com basel2019.designmiami.com

En su presentación en Design Miami/, la galería inspiró a las audiencias con propuestas de diseñadores latinoamericanos.

Esculturas de piedra volcánica de Pedro Reyes y mobiliario de Fernando Laposse integraron el booth de la galería en la feria.

ENTREVISTA

Ladrillos, colores y cuero Volúmenes llamativos y tonos cálidos hacen referencia a la arquitectura de la sede de Fendi. Entrevista GRETA ARCILA, enviada Miami

El estudio suizo Kueng Caputo crea la colección Roman Moulds (taburetes, escritorios y bancos) para la casa de Fendi.

Fotos PAOLA CAPUTO

DISEÑADO A FINALES de la década de 1930 por petición expresa de Benito Mussolini, el Palazzo della Civiltà Italiana es visto por muchos como el monumento más reconocible del siglo xx en Roma. Fue inaugurado en noviembre de 1940 y en la actualidad es museo y un espacio dedicado a exposiciones; curiosamente desde el 2015, después de varios años de permanecer cerrado por labores de restauración, este icónico edificio ha sido el hogar de la casa de moda Fendi. Para la edición Design Miami/ 2019, el grupo creativo de Fendi no quiso dejar pasar la oportunidad de representar en la feria el alma del made in Italy, que une artesanía, tecnología e innovación. Por lo que, impulsados por ese espíritu y como parte de un programa para promover el talento de diseño emergente, invitaron al estudio suizo Kueng Caputo a crear una familia de objetos que hiciera referencia a la arquitectura del icónico edificio que habita en Italia. Fue así como Sarah Kueng y Lovis Caputo, fundadoras del despacho, desarrollaron la colección Roman Moulds, un lenguaje visual de planos y arcos para evocar las loggias (galería exterior) superpuestas del 'coliseo cuadrado' revestido de travertino de Fendi. El dúo de diseñadoras, radicadas en Zúrich, es conocido por su proceso experimental y el uso lúdico de los materiales, dedicación que terminó por convencer a la directora creativa de Fendi, Silvia Venturini, para invitarlas a ser parte de esta sinergia. Para esta colección, Kueng Caputo se inspiró en un viaje de investigación que las diseñadoras realizaron a los archivos de Fendi.

Roman Moulds se inspira en la imponente fachada arqueada del Palazzo della Civiltà Italiana.

"El reto era 'ir más allá' con materiales (cuero y ladrillo) que todos conocen." –Sarah Kueng y Lovis Caputo.

“Nos encanta el compromiso de la casa de moda por preservar el patrimonio y el futuro de la artesanía, particularmente con cuero y pieles”, platica Sarah quien junto con Lovis eligieron ladrillos de terracota vidriada y el cuero flexible Selleria de Fendi para fabricar los muebles. La superficie natural y pedregosa del cuero tiene una profundidad de color y tacto únicos, lo que las inspiró a explorar muchas posibilidades. “Trabajamos para transformar el cuero suave y homónimo de la casa en un material estructural, dándole solidez y resistencia. Nuestro objetivo era hacer que el material se viera y se sintiera diferente a las expectativas habituales, moldeándolo y transformándolo en algo que aparentemente carga peso. El cuero se combina con ladrillos artesanales que han sido tallados de una manera más parecida a cortar un patrón de prensa que las técnicas tradicionales de construcción de ladrillos”, detalla Kueng. Los ladrillos se cortan para representar los arcos icónicos del Palazzo della Civiltá Italiana; técnicamente resaltan aún más por la aplicación de esmaltes de cerámica que vibran intensamente junto con las pieles de Selleria matizadas, creando

bloques de color. La combinación inesperada de dos materiales antiguos habla de una larga tradición de experimentación. “Fendi tiene un ADN de contraste y diálogo, que queríamos celebrar eligiendo una contraparte fuerte y pesada para su cuero suave y flexible”, dice la diseñadora. El cuero se moldea en arcos, círculos y superficies onduladas que se combinan con los ladrillos artesanales para crear formas arquitectónicas que incluyen taburetes, bancos, mesas, separadores de ambientes y también una palmera estilizada. “Cada ladrillo está esmaltado. Fue un proceso de producción complejo que desarrollamos para este proyecto. Es como cerámica acristalada en la que cada pieza es un poco diferente”, describe Kueng sobre la manipulación de dos materiales arcaicos: el cuero usado por los pueblos antiguos y el ladrillo que representa el uso de la tierra." fendi.com kueng-caputo.ch basel2019.designmiami.com

ENTREVISTA

El diseño del futuro

“No hay mejor manera de recrear el futuro que a través de la ciencia ficción. Ya que no lo conocemos, podemos sólo imaginarlo.” –PHILIPPE BROCART Entrevista GRETA ARCILA enviada París

Fotos CORTESÍA

ENTREVISTA

La sostenibilidad es un tema importante que preocupa a los consumidores y a las generaciones actuales.

SOÑAR CON EL FUTURO es una práctica común en cada generación. La imaginación es quizás el único medio que nos acerca a esos lejanos escenarios donde la tecnología, el consumo y en general el modus vivendi son radicalmente distintos a lo que conocemos ahora. Maison &Objet celebra su 25º aniversario a través del tema (RE)GENERATION. En la primera de las dos ediciones que se llevan a cabo cada año, la feria exploró las nuevas tendencias en el comportamiento de los consumidores actuales; un sector que está conformado por las generaciones “Y” y “Z”, quienes han crecido en un mundo en crisis con la economía, el medio ambiente, las identidades y la migración. “Somos muy conscientes de la situación económica actual y de lo que a diario podemos escuchar en las noticias; sin embargo, las personas nos siguen visitando y disfrutando de la feria encuentran en ella una energía que les permite olvidar por un momento la realidad”, comentó Philippe Brocart, director general de Maison &Objet, quien explica con respecto a la afluencia de visitantes en la feria de este año: “Honestamente estábamos un poco ansiosos al inicio, pero hubo una respuesta muy positiva de parte del mercado; esta industria tiene mucha gente creativa que quiere mostrar lo que está creando”. Uno de los valores más importantes de la feria es, quizás, su compromiso con aquello que están creando las nuevas generaciones. Dentro de la feria, What’s New? reúne las propuestas más destacadas entre los expositores y las distribuye en una serie de presentaciones temáticas que ofrecen una perspecWhat's New? reúne cerca de 1,500 productos que se exhiben a lo largo de la feria

ENTREVISTA

Cinco personas compartĂan el "espacio vital" del futuro expuestos a diferentes situaciones, objetos y servicios.

ENTREVISTA

Se crearon distintas escenografías para recrear el mundo del mañana.

tiva general de las novedades que se encuentran a lo largo de los pasillos. “Esta sección ofrece una visión más realista de lo que se está generando actualmente, haciéndolo palpable. Hace dos años que montamos esta exposición que se divide en tres áreas Care, Share y Living, curadas por François Bernard, Elizabeth Leriche y François Delclaux, respectivamente”, explica Philippe. El espacio diseñado por Elizabeth Leriche llama la atención en especial y se sitúa nuevamente en el panorama de las nuevas conductas de la sociedad: “La idea era tener un concepto más realista, una escenografía de materiales crudos en la que pudieran organizarse todos los productos y acercar al visitante a la manera en la que estos se verían exhibidos en una tienda o en un aparador”. Leriche se ha inspirado en la creciente conciencia ambiental y el estilo de vida que pretende existir en armonía con la naturaleza; así las tres secciones que componen Share ilustran nuevos rituales de intercambio y gastronomía inspirados en las fuerzas poéticas de la naturaleza y la energía vital. Emocionado, Brocart platica sobre Design, And… Action! un experimento social único en su tipo desarrollado –y filmado– durante la feria. El proyecto fue creado por Ramy Fischer y dirigido por Laurent La Rosa y Tristan Aurouet en colaboración con RF Studio y Goodgoodfilm. “El concepto es una locura. Desarrollamos el tema (RE)GENERATION por nuestro aniversario y buscábamos algo que pusiese explicar esa idea; platicamos con Ramy Fischer

–quien fue Diseñador del Año hace dos años– y decidió trabajar con una idea que le interesa mucho: la forma en la que las personas jóvenes utilizan las cosas y cómo parece no importar el compartirlo todo, ni el cómo, cuándo, ni dónde se usan. Así que buscó todo un equipo de producción para grabar una serie durante la feria. Diseñó una cocina real, una sala de convivencia, una sala de juegos y diversos espacios donde actores reales debían coexistir a la vista de todos para demostrar la manera en que se va a convivir en los próximos años”, comenta Philippe. La serie se desarrolla en narraciones que estimulan a la reflexión en torno a este experimento que debate entre los conceptos creativos del mañana y las nuevas formas de consumo. maison-objet.com

El proyecto es una especie de exhibición viviente que examina lo que puede deparar el futuro.

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Crystal Palace por Paolo Badesco + Constantino Affuso para WALL&DECÒ.

Foto cor tesía Wall&Decó

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Lúdico y sostenible Premisas de MAISON&OBJET 2020 primera edición. Texto GRETA ARCILA, enviada París

Fotos cor tesía de las marcas par ticipantes y de M&O París

Bernardo Panda por Elena Salmistraro para BOSA.

VIAJAR EN ENERO A PARÍS para explorar, conocer, ver y escuchar a los participantes de una de las ferias de diseño más importantes es, simplemente, la mejor manera de sacudir los sentidos y experimentar cómo serán para muchos los próximos escenarios del mundo de los objetos. En su 25 aniversario, Maison & Objet se abrió más que nunca al diálogo y alzó la voz para que los actores de la industria se replanteen ideas y se cuestionen procesos de fabricación hasta llegar a la responsabilidad del desecho de los diseños y piezas presentadas. Uno de los principales ejes rectores de comunicación por parte de los organizadores fue la nueva sustentabilidad: esa que va más allá de las palabras y que toma forma gracias a los nuevos empresarios. Hoy los jóvenes ven más allá de la forma: toman responsabilidades y acciones muy concretas para que un objeto tome sustento y apoye, social y culturalmente, a localidades específicas. Hoy las nuevas generaciones toman acción y se ocupan

por crear con materiales naturales o con tecnologías inteligentes en donde la naturaleza se vea lo menos afectada posible y, de ser posible, éstos ayuden a regenerar entornos. Tal es el caso de Sandriver, una empresa familiar productora de casimir mongol que cuida y procura a sus propias ovejas para que la calidad de su pelaje sea la mejor. Por otro lado, a través de este proyecto dan trabajo a una gran comunidad en donde también han construido un taller de actualización de técnicas ancestrales para que la juvetud local no pierda una tradición familiar heredada y conserven su cultura, conocimiento y experiencia al tiempo de actualizarla. Su manera de reinventarse es trabajando con artistas como Junko Koshino y la francesa Francesca Brenda Mitterrand. Otro gran caso de éxito es el llamado Kilubukila, fundada por el africano Jess Kilubukila quien promueve el diseño actual africano representando y trabajando con empresas que usan materiales orgánicos. Al cuestionarle sobre la “limitada” paleta

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cromática, destacó que al ser todos los colores hechos con elementos de origen vegetal y mineral, no podían permitirse romper la cadena de cuidado de la tierra de donde extraían los materiales. Por su parte, Philippe Brocart, director general de Maison & Objet, comentó que hubo una búsqueda e investigación intensa por parte de la organización para alojar en sus pasillos a empresas con la bandera ambiental, y ratificaron su compromiso dando más apoyo enseñándoles cómo comunicar y presentar sus productos. Brocart, como líder de este gigante del diseño, sabe que es necesario pensar en la evolución de los productos y está consciente de que las nuevas generaciones se mueven por la experiencia; por lo que este año crecieron las áreas destinadas para la observación y la interacción con los objetos: la idea es sacar del stand algunas de las piezas para que tomen carácter y puedan ser pensadas en momentos, no necesariamente en espacios cien por ciento terminados. Plisago Side Table y Wall Board por Studio Besau-Marguerre para FÜRSTENBERG.

Evolution para ILLULIAN. Flying Gru por Setsu & Shinobu Ito para ILLULIAN.

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El carácter de objetos y piezas se piensa para rememorar 'momentos' y no necesariamente para adornar espacios terminados.

Magic Circus Balloon por Marie-Lise Féry para MAGIC CIRCUS ÉDITIONS + VENINI.

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Piggy bank por LAURELINE GALLIOT.

Joséphine por MAISONDADA. Nude Rock&Pop Collection por Umut Karaman para NUDE.

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DIVERTIMENTO EN TIEMPOS DE DEPRESIÓN Una de las responsabilidades del diseño es mejorar los entornos, y hoy, con el cambio de condiciones y demandas en términos de experiencia, algunos de los diseñadores apostaron por evocar y traer al entorno el sentimiento más buscado: la felicidad. Por lo tanto, vimos muchísimos diseños de animales tratando de tomar vida con formas expresivas o colores sólidos y fuertes. ¿Qué mejor que la inocencia de un ser frágil para querer protegerlo? De tal forma, la empresa familiar italiana, Bosa invitó a Elena Salmistrano y de esa unión nace Bernado Panda, fantástico ejemplar lleno de vida y optimismo. En esta selección no podían faltar los extraodinarios dibujos de Jaime Hayón quien de la mano de Nanimarquina nos da un tapete bordado a mano en el que las líneas rememoran las libretas de dibujo del diseñador español. Así, seleccionamos algunos de los diseños que regalan sonrisas y divertimento, piezas cuya belleza radica en la nobleza de la transparencia y no en su protagonismo. maison-objet.com

Chameleon Lamp por Marcantonio para SELETTI.

Dab Penguin por Vittorio Gennari para BOSA.

Melting Pot por Francesca Zoboli para WALL&DECÒ.

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Los diseñadores apuestan por traer el sentimiento más buscado a los entornos: la felicidad.

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Plissé por Cristina Celestino para CC-TAPIS.

Silhouette por Jaime Hayon para NANIMARQUINA.

TENDENCIAS GLOCAL

Azul perenne Estabilidad, paciencia, luminosidad. Palabras que convertidas en piezas fácilmente las pensamos en un color sólido y pasivo. Azul: el color que dominará este 2020. Arte JORGE MEDINA Curaduría GRETA ARCILA y SANDRA MONTIEL

Fondo Intervención por Sabine Marcelis No Fear of Glass en el Pabellón de Barcelona de Mies Van der Rohe para SIDE GALLERY | Moda Francesco Risso para MARNI SS 20 | Silla Jazz por Pedrali R&D para PEDRALI | Tazón y Jarrón Press por TOM DIXON. Página derecha: Fondo Exposición Color of the Year: Classic Blue 2020 en Artechouse NY | Buffet por Muller Van Severen para SIDE GALLERY | Null Dining Table por Studio Buzao para GALLERY ALL | Five Pouf por Anderssen & Voll para MUUTO | Jarrón Wildbird Blu por LA DOUBLE J. HOMEWARE.

CLASSIC BLUE En el contexto de Design Miami/, Pantone anunció el color del año: Classic Blue. No sorprendió la decisión ya que fue un color que estuvo presente en las colecciones de la industria de la moda en 2018 y 2019. También fue el color que dominó en Design Miami/, ya que el tema principal de la más reciente edición fue el agua como recurso natural y como color predominante en un momento favorable en la historia de vida del planeta tierra. En lo que respecta al mundo del diseño, Classic Blue es uno de los colores más utilizados para provocar ambientes de armonía y paz, y en lo referente al ámbito del fashion es un infaltable para las colecciones que buscan siempre estar vigentes. El azul brinda acentos, da solidez y estabilidad para cualquier disciplina del diseño.

RESIDENCIAL

La vegetación endémica complementa las vistas hacia el oceáno y brinda una conexión franca con el entorno.

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Nostalgia y armonía cromática CASA AMOR POR MÉXICO | LEGORRETA + MARCELA CORTINA | BAJA CALIFORNIA SUR Fotos FRANCISCO ESTRADA y LOURDES LEGORRETA

El color se convierte en un habitante más de este proyecto residencial con extraordinarias vistas al Océano Pacífico.

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El acceso principal recibe a los moradores con una increíble vista hacia el Mar de Cortés, rodeado de una fuente y espejos de agua.

SIN DUDA, cuando pensamos en México se nos viene a la mente la diversidad de colores de nuestros paisajes y tradiciones, desde el anaranjado de la flor de Cempasúchil pasando por el turquesa del Caribe y el rojo intenso de la flor de Nochebuena, hasta llegar al famoso Rosa Mexicano, color característico de la arquitectura mexicana contemporánea; incluso, para el reconocido arquitecto brasileño, Marcio Kogan, México representa “una multitud de colores y sabores; una cultura rica que mezcla lo antiguo con lo nuevo.” Con esta idea en mente, el despacho mexicano LEGORRETA, liderado por Víctor Legorreta, de la mano de la arquitecta Marcela Cortina, diseñaron un proyecto atemporal que rescata valores históricos de la arquitectura nacional con la misión de llevar el nombre de México, y de su distintiva paleta cromática, a través del mundo. Con la figura del muro como elemento base, se despliegan una serie de planos verticales paralelos que conforman cuatro cuerpos contiguos que logran aprovechar al máximo la topografía y las vistas al Océano Pacífico. La separación de estos cuerpos se logra por medio de corredores semiabiertos los cuales convierten la relación entre el

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La paleta cromática se complementa entre sí creando espacios óptimos para la introspección y la relajación.

interior y el exterior en uno de los temas centrales de la casa, además de conectar física y visualmente dos paisajes: mar y desierto. Cada volumen posee una función específica, por lo que es necesario recorrer la casa para disfrutar y vivir los distintos espacios. El acceso principal tiene como remate visual una de las terrazas techadas y la alberca infinita, enmarcando una asombrosa vista hacia el mar. En la planta baja se encuentran las áreas públicas y sociales: la sala, el comedor, la cocina y un family room, además de un gimnasio y 4 habitaciones de huéspedes. Un punto importante del proyecto es que todos los espacios, independientemente del nivel en que se encuentren, tienen acceso a una terraza con vista al mar, pero mantienen la privacidad de los usuarios. La planta alta se destinó para las áreas privadas: 4 habitaciones, la habitación principal, una sala de TV y una sala de estar, ambas con terraza y chimenea exterior. La arquitecta Michelle Garmendia, directora del departamento de Diseño de Interiores, comenta que “cuando iniciamos este proyecto e hicimos la investigación sobre los orígenes, características y envolvente de la zona, reconfirma-

mos todos los tesoros que hay en México y que muchas veces no son tan valorados”, dicha situación se convirtió en una de las premisas principales del proyecto y consistió en homenajear a México a través de los acabados y el mobiliario, así como incorporar artesanías en todos los espacios. Todas las puertas, inspiradas en una hoja de palma, fueron fabricadas con madera tropical, los muebles –closets, libreros, mesas, camas, bancas– corrieron a cargo de un ebanista y los mosaicos, lámparas, cojines y tapetes fueron realizados por artesanos oaxaqueños. “El trabajar de la mano con artesanos y artistas también te hace valorar más este tipo de trabajo”, enfatiza la arquitecta. De esta forma, cada uno de los espacios tiene una atmosfera única apoyada por un acento de color, por una mezcla exclusiva de mobiliario y por las inmejorables vistas al océano, brindándole carácter propio y una concordancia estilística formando un gran conjunto armónico. legorretalegorreta.com

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Todo el mobiliario resalta la misión de homenajear a México. Los accesorios y tapetes fueron realizados por artesanos oaxaqueños y los muebles por un maestro ebanista.

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La volumetría remite a la arquitectura prehispánica; sin embargo, el color la vuelve contemporánea y atemporal.

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Delicada armonía CASA LYONS | COLATERAL | GUERRERO Fotos CLAUDIO NAPOLITANO

El vínculo entre arquitectura y naturaleza da como resultado un proyecto sensible y orgánico con un profundo sentido de arraigo e identidad.

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Una serie de "islas habitables" conforman un proyecto residencial en contacto constante con la naturaleza.

"La manera en que integramos nuestra arquitectura con el entorno natural siempre ha sido un aspecto fundamental." –CoLateral

EXISTEN CONCEPTOS y directrices arquitectónicas que se deben tomar en cuenta cuando se diseña un proyecto residencial en un ambiente cálido y cercano al mar. Un ejemplo sería el utilizar métodos pasivos para la ventilación de los espacios o la inclusión de vegetación para mitigar las altas temperaturas. Este proyecto parece haber brotado directamente del océano dejando a su paso una serie de 'islas habitables', perfectamente ordenadas y funcionales. Concebido a partir de un pasillo central pergolado, los distintos espacios se desenvuelven de forma independiente brindando privacidad y recogimiento, permitiendo el paso del viento y la luz natural. El programa arquitectónico, sencillo pero contundente, consta de “cuatro habitaciones: tres recámaras, una de ellas principal y un estudio. Además de un mirador que propicia la aparición de nuevas perspectivas y una alberca que goza de una panorámica privilegiada del océano. Los baños, con jardín interior, son abiertos y acentúan la sensación de libertad y apertura que brinda la residencia”, explican los arquitectos Camilo Moreno Oliveros, Héctor Campagna Oliveros y Daniel Moreno Ahuja, fundadores del despacho mexicano CoLateral. La primer “isla” se compone del garage y los servicios; más adelante, distribuidas por el gran pasillo, dos habitaciones, con baño y terraza propios, y un estudio o cuarto de TV. Al final de este corredor, rodeado de tres esculturas del artista inglés David Harber: Dark Planet, Hydra y Torus, así como de jardines

y plazas, se encuentra la sala, el comedor, la cocina y la terraza en contacto con la alberca, la cual parece entretejerse con el mar. A un costado de los espacios públicos está la habitación principal, con una terraza con vistas al Océano Pacífico. Con relación a los materiales y a la arquitectura regional, de inmediato resalta la tonalidad rojiza del proyecto, que se logró gracias a que los muros de concreto fueron mezclados con tepetate rojo, lo que evoca las tonalidades típicas de la región que se funden con los gloriosos atardeceres. Así, los espacios interiores y exteriores se integran de forma orgánica estableciendo una delicada armonía. “La manera en que integramos nuestra arquitectura con el entorno natural siempre ha sido un aspecto fundamental en el desarrollo de nuestros proyectos. Al iniciar el concepto de la casa, fuimos muy claros que de esta forma podríamos alcanzar el espíritu y las necesidades de la familia”, comentan los arquitectos. Dentro de la selección de mobiliario se encuentran piezas de Pirwi, DeTaller, Roku Black, Maria Beckmann y piedrafuego, entre otros. A pesar de la solidez y la conformación espacial y conceptual de la arquitectura, el punto focal del proyecto es el contexto inmediato, de forma que la arquitectura y el habitante pasan a ser espectadores de los cambios naturales y del paso del tiempo, creando una imprescindible conexión con el océano y la naturaleza. co-lateral.mx

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Todos los espacios tienen contacto con la naturaleza la cual se complementaron con una selecciรณn exclusiva de mobiliario.

Como en las antiguas haciendas todos los espacios se desarrollan alrededor de un patio central.

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Tradición contemporánea CASA LOCA | EZEQUIEL FARCA + CRISTINA GRAPPIN | BAJA CALIFORNIA SUR Fotos JAIME NAVARRO

La combinación de materiales naturales, técnicas artesanales y diseño contemporáneo hacen de este proyecto la unión perfecta de modernidad y tradición.

El patio central funciona para brindar frescura a todos los espacios gracias a un espejo de agua y a vegetaciĂłn endĂŠmica.

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El mobiliario, realizado ex profeso para el proyecto, resalta por el uso de la madera, por su paleta cromĂĄtica neutra y por pequeĂąos acentos de color en los accesorios.

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La apertura del proyecto hace que sea un espacio confortable y lleno de vitalidad, sin importar la época del año.

EXISTEN CIERTAS CUESTIONES que son primordiales y que deben considerarse cuando se diseña un proyecto en un clima cálido y a orillas del mar. La primera, establecer una serie de espacios abiertos que permitan una ventilación natural óptima; la segunda, contar con una paleta de colores mayoritariamente neutra, de forma que sea confortable para el usuario, ya sea visual y/o psicológicamente, y por último, integrar elementos de agua –fuentes, espejos de agua, estanques– y vegetación que permitan refrescar los distintos ambientes, tanto interiores como exteriores. Este proyecto, ubicado en Cabo San Lucas, Baja California Sur, realizado por el despacho de arquitectura y diseño, Ezequiel Farca + Cristina Grappin, surge con la misión de mezclar el desierto con el océano a través de un proyecto residencial sofisticado y contemporáneo pero con una conexión franca a su contexto natural y cultural. La casa recibe a los habitantes por medio de un amplio patio central, con un gran espejo de agua y flora endémica, brindando sombra, frescura y recogimiento. De planta cuadrada, el proyecto distribuye simétricamente, y alrededor del patio central, las áreas públicas y privadas. De un lado, dos habitaciones, una sala de estar y la habitación principal; por el otro, una sala de cine y la cocina; y, contrario al acceso, las amplias áreas comunes –estancia, comedor y terraza– orientadas hacia el Mar de Cortés, generando una relación visual armónica entre los distintos ambientes. La terraza y la gran piscina ofrecen un lugar ideal para el descanso y la convivencia, brindando también una vista panorámica del entorno natural que rodea la casa, vinculándose directamente con el océano. El mobiliario exterior se eligió de

El mobiliario se eligió en tonos monocromos para resaltar la cromática del contexto natural.

acuerdo a una paleta monocroma de tonos apagados de blanco, marrón y ocre. Para los interiores, los acabados y muebles de madera y los detalles en cobre se combinan con las fibras naturales y los textiles tradicionales mexicanos dando como resultado espacios dinámicos y sensoriales. Cada uno de los espacios, al mismo tiempo elegantes y eclécticos, cuentan con mobiliario diseñado a la medida, con piezas artesanales mexicanas únicas y con una clara conexión con la naturaleza, característica que, además de crear vistas y brindar privacidad, se pensó con el fin de permitir la iluminación y la ventilación natural. En la azotea, aparte de otros espacios, se encuentran el gimnasio y una espectacular terraza, con fogata al centro, que se convierte en el lugar idóneo para una reunión con familiares y amigos, y cuya principal cualidad es que parece fundirse con el mar. Casa Loca mezcla tradición y modernidad sin perder el vínculo con el contexto -resaltando el contraste entre el mar y el desierto-, atendiendo las necesidades específicas de los usuarios, mientras brinda experiencias y vistas inolvidables. ezequielfarca.com

Un amplio pasillo articula cada uno de los volĂşmenes de concreto aparente.

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Minimalismo y naturaleza RESIDENCIA RF | JSA | ESTADO DE MÉXICO Fotos RAFAEL GAMO

Tres volúmenes se insertan en un entorno natural prístino para revalorizar la experiencia habitacional y crear atmósferas únicas.

Cada volumen tiene una función diferente que complementa un programa arquitectónico habitacional fuera de lo común.

Los acabados se entretejen para crear espacios atemporales y cálidos.

EL CONCEPTO primordial del minimalismo es reducir todo a su calidad esencial y lograr la simplicidad. No entendamos esto como la exención de ornamentación, sino que todas las piezas y detalles son reducidas a una etapa en la que ya no se puede eliminar nada más. Uno de los mayores exponentes de este movimiento fue el artista estadounidense Donald Judd, cuya obra está basada en la búsqueda de la autonomía y la claridad de los objetos, además de que siempre se mantuvo en contra de la falsedad con obras fuertes, honestas y bien definidas. Para los arquitectos Javier Sánchez y Carlos Mar del despacho JSa, la obra y la teoría estética del artista minimalista, además de la exploración del potencial de ocupación y experimentación, fueron el punto de partida para la Residencia RF, la cual armoniza un programa de vivienda unifamiliar en tres volúmenes que insertan y revalorizan el espacio doméstico en un entorno natural. La característica principal del conjunto es que mantiene distintos grados de independencia y ocupación para adaptarse a las necesidades de la familia. El primer volumen, de planta cuadrada, comprende el comedor, la cocina, un family room, la sala a doble altura desde la cual se observa, ubicada en un tapanco, la biblioteca. El siguiente volumen, rectangular, comprende las 4 habitaciones; a una de ellas se accede por medio de una escalera exterior, brindando una mayor libertad y privacidad. En el último vo-

lumen se encuentra una sala de juegos/estancia con cocineta, dos sanitarios y un pequeño jardín. Cabe destacar que cada uno de los espacios goza de increíbles vistas hacia la generosa vegetación boscosa y de conexión directa con los jardines que rodean al proyecto. Entre los primeros dos volúmenes, en el sótano, se encuentra una pequeña cava y una sala de degustación. Para la construcción se favoreció la utilización de materiales en bruto y sin ningún tipo de acabado posterior, como la madera tratada y el concreto aparente, para presentar una serie de monolitos permeables y flotados sobre el terreno, como si se tratasen de objetos preexistentes en el contexto original. La materialización y la separación de los volúmenes nos habla de una reinterpretación de la distribución clásica del programa habitacional. Gracias a la interconexión entre ellos, por medio de corredores abiertos, se generan recorridos llenos de vegetación, luz, sombras y sensaciones, creando experiencias y atmósferas distintas en donde se estableció un diálogo con el entorno circundante para decidir los materiales más esenciales para el proyecto y de esta forma crear relaciones entre los volúmenes y el sitio. No sólo se consideraron las cualidades físicas del edificio, también las espirituales, escuchando a lo invisible y prestando atención a los detalles, al espacio, a la naturaleza y a los materiales. jsa.com.mx

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El contexto natural boscoso ofrece hermosas vistas desde cualquier espacio, enmarcadas por una sรณlida arquitectura.

El comedor es el espacio con mayor conexiรณn con el entorno gracias a la gran mesa de madera natural.

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La primera década de Zsona Maco Diseño Por CECILIA LEÓN DE LA BARRA Ilustración ZAMARRIPA

TODO PARTE de una pregunta: ¿Quién quiere exponer en Zsona Maco? Tal vez decenas, pero ocurre que quién realmente puede debe estar dispuesto a invertir tiempo, dinero y esfuerzo. Después de publicarse la invitación abierta, recibimos más de un centenar de postulaciones, de las que finalmente se hace una selección y estricta curaduría para terminar siendo un puñado de participantes. Fue Ana Elena Mallet quien inició la tarea de curaduría de la sección de Diseño; su ardua labor la han convertido en un motor del diseño mexicano y estoy segura que su opinión y visión seguirán siendo de gran interés para todos. En lo personal, me había desempeñado como curadora de diseño de diversas exposiciones, pero fue a partir del 2014 que tomé la estafeta para hacer la curaduría de la sección de diseño de la feria de arte contemporáneo Zsona Maco. Hoy, Zona Maco Diseño se ha consolidado como un foro para la colección, exhibición y discusión del diseño en todas sus facetas. A lo largo de diez años, la feria ha logrado cimentarse como un espacio con objetivos muy claros teniendo como principal intención fomentar el coleccionismo y la adquisición de objetos de arte/diseño. Así, Zona Maco Diseño logra ser –a partir de la generación de un discurso– un lugar donde convergen diseñadores, galerías, espacios e instituciones para presentar sus últimas propuestas en torno al diseño. A lo largo de sus ediciones, han participado diseñadores icónicos de la Ciudad de México como Héctor Esrawe y Ezequiel Farca, industrias como Ánfora Studio y Nouvel Studio, institu-

@zamarripa.mx

Más allá de lo mercantil, la feria ofrece un intercambio cultural. ciones culturares como Casa Gutiérrez Nájera (CGN) y el Centro de Diseño de Oaxaca (CDO), instituciones educativas como Centro de Diseño Cine y Televisión y la Universidad Anáhuac, Carla Fernández presentando moda, Iker Ortiz con joyería, así como galerías de diseño internacionales como Downtown Laffanour de Paris, R&Company y Carpenters Workshop de Nueva York. Más allá de buscar un simple resultado mercantil, la feria ofrece un intercambio cultural, comercial y colaborativo entre instituciones, diseñadores y curadores. A partir de un cuidado curatorial, especialistas en diversas disciplinas han sido convocados con el fin de crear conteni-

dos, algunos conferencistas o panelistas sobresalen en áreas como en arquitectura, curaduría, crítica de diseño y arte. En 2015, por ejemplo, fueron invitadas a un panel sobre arte, diseño y coleccionismo: Alice Rawsthorn, Liliana Ovalle y Regina Pozo. También, en 2016 Rodman Primack y Agustín García Mosqueda ofrecieron una plática sobre el mercado del diseño coleccionable las ferias de diseño y las galerías. El año siguiente, Nikki Haas habló de su trayectoria y Fabien Capello conversó con Montserrat Castañón sobre objetos de colección. En las ediciones de 2018 y 2019 respectivamente, Jennifer Dunlop Fletcher expuso sobre el departamento de diseño del Museo de Arte Contemporáneo de San Francisco (SFMoMA) y Rob Giampietro habló con Mario Ballesteros acerca de la colección y exposición de objetos del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Buscando siempre evolucionar y crecer, Zona Maco Diseño está continuamente enriqueciendo su programa para ofrecer un destino a coleccionistas y entusiastas del diseño.

@cecilialbv

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COLUMNA

Teoría de nichos Por JUAN CARLOS BAUMGARTNER Ilustración ZAMARRIPA

“¿POR QUÉ LA ARQUITECTURA y los arquitectos, a diferencia de los cineastas, están tan poco interesados en la gente durante el proceso de diseño? ¿Por qué son tan teóricos, tan distantes de la vida en general? –Jan Vrijman, cineasta”. Juhani Pallasmaa, arquitecto, filosofo teórico de la arquitectura y escritor, es posiblemente una de las voces más críticas a lo que por décadas ha ido sucediendo en el mundo de la teoría arquitectónica contemporánea, la cual ha sido tachada por Pallasmaa y algunos otros autores contemporáneos como distante del mundo real; distante de la vida como diría el cineasta Vrijman. De acuerdo con Pallasmaa, los arquitectos han adoptado actitudes formalistas en lugar de alinear la obra arquitectónica con las necesidades más complejas del ser humano y la sociedad. El problema no ha sido únicamente que miles de diseñadores alrededor del mundo se han obsesionado más por la forma que por el contenido de sus proyectos, por lograr que éstos sean fotogénicos y aparezcan en la portada de la siguiente revista o portal en internet. Posiblemente el problema más grave es que, en la mayoría de los casos, las tendencias que han secuestrado a la arquitectura poco tienen que ver con el bienestar de quienes la habitan. Semir Zeki, neuroscientífico especializado en neurobiología, quien seguramente en algunos años será considerado como una de las figuras más importantes en la teoría del diseño, ha dedicado más de una década de estudios a lo que en sus propias palabras ha llamado: Neuroestética. Según Zeki, la estética tiene fundamentos biológicos; en otras palabras, tenemos el concepto de estética cableado en el cerebro y no de manera superficial sino que la articulación ha sido desarrollada como mecanismo de sobrevivencia. El arquitecto empático, no ajeno a la vida, entrega su obra como regalo al usuario; la obra como resultado del proceso de diseño ha sido

@zamarripa.mx

Es tiempo de cuestionar si lo que hemos asumido por décadas es buena arquitectura. construida varias veces, las primeras veces en la mente de quien la diseña y la última vez en el mundo en el que tendría que aportar valor de manera trascendente. El espacio construido, como ya ha sido demostrado en innumerables estudios, no es un elemento ajeno al usuario, ese regalo que entrega el diseñador se convertirá en la extensión de nuestro cuerpo y procesos cognitivos. Este regalo que los diseñadores le damos a los usuarios de nuestros espacios, entonces es mucho más que espacio construido y posiblemente sería un error pensar que sólo habitamos espacio, cuando en realidad nos fusionaremos con el espacio y seremos espacio en cuerpo y mente. Una rama de la biología llamada en inglés: niche construction, postula la idea de que cada vez que modificamos nuestro entorno tanto físico como cultural, estos ambientes modificados cambian

nuestra estructura genética y nuestros comportamientos. Según esta teoría, genética y entornos construidos y sociales no son independientes y tienen que analizarse y diseñarse como un todo. Las connotaciones filosóficas y prácticas de esto son enormes y tendríamos que comenzar a cuestionarnos la profesión de la arquitectura como un ecosistema de mente, cuerpo y entorno. Es sumamente interesante como hoy la ciencia nos genera información y conocimientos de ciertos temas que algunos teóricos y filósofos ya habían comenzado a discernir muchísimo antes de que existieran estas maneras contemporáneas de entendernos a nosotros mismos. Aldo Van Eyck, el reconocido arquitecto e hijo del poeta Pieter van Eyck, insistió hace casi 80 años –en innumerables ocasiones– que la arquitectura tenía que ser pensada no en términos abstractos de espacio y tiempo, sino más en términos sociales como “sitio” y “ocasión”; su visión antropológica era resultado de este trinomio: cuerpo mente y entorno. Algo que tanto Juhani Pallasmaa como Peter Zumthor llaman en sus escritos: “atmósfera”; crear “atmósferas” es entonces entender los layers de complejidad de las necesidades del ser humano y no caer en la tentación de la creación de espacios fotogénicos. @baumgarj

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Honor a quien honor merece Por HOMERO HERNÁNDEZ Ilustración ZAMARRIPA

@zamarripa.mx

BIEN DECÍA Anatxu Zabalbeascoa en el prólogo de su famoso libro: Vidas Construidas, que detrás de toda obra maestra de arquitectura hay un gran arquitecto, pero sobre todo, siempre hay un gran cliente. Y esto no podría ser mas cierto cuando analizamos la historia y revisamos lo que sucedió detrás de cada uno de los grandes proyectos de arquitectura. Así, el caso del famoso edificio 375 Park Ave en Nueva York, mejor conocido como el edificio Seagram dado que alberga a The Seagram Company LTD, consorcio canadiense dedicado a la manufactura de diversos destilados y recientemente a energéticos y bienes raíces. Esta compañía establecida en la ciudad de Waterloo, Ontario en el año de 1857 por Joseph E. Seagram, tuvo auge en las primeras décadas del siglo xx durante la prohibición de alcohol de Estados Unidos. El señor Seagram, fundador de la destilería fallece en 1919 dejando un emporio que sería adquirido por el empresario Samuel Bronfman y que en la actualidad maneja marcas famosas como Absolut y Chivas Regal. Como parte del proceso de expansión de la compañía a mitades del siglo xx, Seagram requería nuevos espacios corporativos que por su importancia estuvieran ubicados en la gran manzana. Es así que a principios de 1954, Samuel Bronfman, presidente del consejo propone buscar un solar ubicado en Park Ave en una zona que se estaba revalorando por medio de edificios

corporativos, entre los cuales destacaba un nuevo edificio de Skidmore, Owings and Merrill conocido como Lever House, donde se usó por primera vez la fachada de cristal corrida. De esta manera Bronfman le pide asesoría a su hija Phyllis, con tan sólo 27 años, para buscar a un arquitecto que diseñara una obra maestra de arquitectura moderna. Para este entonces Phyllis Lambert estaba terminando un matrimonio de 4 años, ya había cursado la licenciatura en artes en el Vassar College y posteriormente realizaría los estudios en arquitectura graduándose en 1963 del Instituto de Tecnología de Illinois, donde Mies Van Der Rohe fuera decano. Durante su vida de estudiante conoció a grandes personalidades del medio y le pide apoyo al destacado arquitecto Philip Johnson para armar una terna de arquitectos encargados de diseñar el inmueble. De la terna propuesta decidieron contratar a Ludwig Mies Van Der Rohe que a sus 68 años ya había construido los departamentos de Lake Shore Dr. en Chicago con la misma línea que manejaría en este edificio. Johnson se encargó de los interiores del vestíbulo razón por la que ambos arquitectos comparten los créditos. La etapa de diseño conceptual inicia en 1954 y desde ese momento Mies propone ceder espacio a la ciudad con de una plaza frontal que liberara al edificio del paramento, permitiéndole recibir a los visitantes y resaltar la perspectiva del moderno rascacielos.

Detrás de las obras maestras siempre hay genialidad, tenacidad y audacia. La lógica inmobiliaria de buscar la mayor rentabilidad no cuadraba con la creación de una plaza de granito cedida a la ciudad. Fue la audacia de Phyllis para defender el proyecto ante su padre y de Bronfman para convencer al consejo de la empresa, el cual estaba en desacuerdo con esta descabellada propuesta. De esta manera, el edificio se proyectó con una estructura metálica color bronce de una armonía, proporción y sencillez notables y que por medio de una marquesina resaltaba el acceso a un vestíbulo de triple altura en el cual se presentaban los núcleos de elevadores forrados de mármol travertino. Honor a quien honor merece: Esta indiscutible obra maestra no hubiera sido posible sin la genialidad de Mies Van Dher Rohe, pero tampoco sin la tenacidad ni la audacia de Phillys ni la de su padre, quienes confiaron en un arquitecto visionario, para realizar un edificio que cambió la historia de la arquitectura internacional. @HomeroHdez

@Jomerman

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COVER STORY PÁG. 32 LIVING, PROFITABLE AND MULTIFUNCTIONAL SPACES: JOSÉ DE ARIMATEA 'PEPE' MOYAO Interview Martha Lydia Anaya Portrait Edgardo Dander “I always study the idea of how to do better things than I have already done.” –José de Arimatea 'Pepe' Moyao “I will never forget the expression of Don Antonio Cosío when I showed him the renders of the Frontón México renovation project with the facades in red. I think he never imagined something like that,”says architect José de Arimatea 'Pepe' Moyao, who has about 300,000 seats installed in various projects (particularly entertainment centers) in Mexico, a fact that has become an architect of the entertainment industry in our country. Among his most recent works are the Show Center Entrance in Nuevo León, the design of the Liverpool Esfera Monterrey façade, the Teatro Ingenio in Sinaloa, the new Teatro Libanés in Mexico City and, of course, the Frontón México, project with the one that even won the Silver Medal at the III Architecture Biennial of Mexico City 2017. ‘Pepe’ –as his colleagues and friends affectionately call him– receives the Glocal Design Magazine team in his office, an old house in the legendary Roma neighborhood, which he remodeled and equipped with separate spaces to live and work. “I already had that eye on that house,” he said cheerfully; from a young age I used to walk the streets that have marked the architectural history of this emblematic colony of the city, the buildings that are still standing and that speak of the urbanism of an era and a place that curiously resumed various styles as Gothic, Arabic, Italian, French, art nouveau and art-deco. At some point it coincided that the property was available and since then I approved it to make it my home and office .” “I don't know who this house was made for, but it is a wonderful 600 m2 construction that perhaps if I hadn't adapted it, it would be a hotel. When I remodeled it I had to consider certain conditions for its transformation, such as load-bearing walls and the fact that it is a listed property; However, today it is a flexible, comfortable space that works very well to generate ideas.” In the area occupied by 'Pepe' to work, some photographs and models of the projects he has made stand out, there are also pieces of art dotted between the corners and a special place to have at hand the plans of the works in which he is developing the team. Pepe is a graduate of the architecture faculty of the National Autonomous University of Mexico (UNAM) and had his first job while still a student in the office of architect Honorato Carrasco Navarrete. He tells us that it was in 1984 when UNESCO published a call for the World Young Architects Contest, held in Paris, where he participated with his thesis topic: The habitat of tomorrow, winning first place. Years later, specifically in 1988, he decided to become independent and form his architecture studio: Moyao

Arquitectos, which started with projects such as the temporary auditorium for the peraltada curve of the Hermanos Rodríguez Autodrome, used for the first presentations in Mexico of singers such as the Rolling Stones, Madonna, Paul McCartney and Pink Floyd. This is where the Foro Sol was born, whose concept arose from the idea of designing a structure that conveyed the feeling of hugging the public while protecting the last rows of the sun and rain. The deck flies 14 meters towards the track, leaning on 3 points by means of articulated connections on the existing harrow structure. The velaria was designed to have no intermediate supports in the public area that could eventually cause cancellation of places in the stands. In addition to the velaria reinforcements were placed in the existing structure that do not interfere with the spaces of suites and amenities. Among his varied anecdotes, Moyao talks that it was a couple of years after becoming independent that he called him Federico González Compeán, considered one of the great master minds in the world of great shows in Mexico. “We met at the Palacio de los Deportes. As an entrepreneur and businessman, González Compeán was presented with the opportunity at that time –along with Alejandro Soberón–to make an alliance with Audio Entertainment to operate (under concession) the 'copper dome' (as the venue was called) to bring back concerts of great music figures to Mexico. ” This is how Ocesa (Operator of Entertainment Centers) was born and at the same time a very fruitful and satisfactory synergy with Pepe Moyao. “At that time there was no experience of shows in Mexico. We thought that doing concerts and putting music in such a big and closed place was simple, but it is not. Hence the nickname that for a long time was given to this entertainment center as ‘Palacio de los Rebotes’, a space that years later I had to renovate and give it a solution, and today it is one of the star venues in Mexico ”. In the beginnings of the entertainment industry in Mexico there were elementary issues that were unknown as the importance of a door opening inside or outside, particularly when masses are handled and everything becomes a security issue. And it is that the public arrives gradually, but at the end of a show or concert everyone wants to go out, and mobility in a theater of 1,400 people is not the same as a Sun Forum where up to 60,000 people can be living together, for example. Moyao is, above all, a specialist of what happens inside the enclosures, of its internal and external operation, of where a box office should go, of where the actors should occupy, where it is convenient for materials to enter or leave and equipment; he is an expert from the point of view of operation of entertainment centers and not only from the architectural beauty of a facade. Just like that it happened with the Teatro Telcel, built on the initiative of the General Society of Authors and Publishers of Spain, with a design by the Spanish architect Antón García-Abril. In the process, with the work already advanced, they had problems. Grupo Carso resumed it and gave it in concession to Ocesa, which found a theater that lacked the height and specifications to present the great musicals that were intended. They requested the intervention of Pepe Moyao and the most important

change was to raise the scenic box six meters. This accumulation of experiences led him to win the contest to design the Auditorio Telemx in Guadalajara. Opened in 2007 with a capacity for 11,500 people and with a series of mobile walls, which allow it to have 16 variable room and platform formats. This quality, which Moyao and his team have applied in other spaces, such as the Teatro Telcel itself, the Pepsi Center, the Foro Imperial of Acapulco and the Frontón México, ensure the flexibility of the spaces. “Although the learning curve has been long and sometimes complicated, I feel very proud that all the spaces we have designed in the office are alive and profitable,” says Pepe, recalling the completion of another of his projects: the Teatro Metropólitan, that was about to open and had no seats. Therefore, the architect acknowledges that his work would not be complete without his main associates in this entire learning process: structural specialists in concerts, sound and lighting engineers and builders. Thanks to this network, today you feel confident and dedicated to take on future challenges. “One of the things we have in the studio is that we do everything: from housing to offices, but because of the hazards of life I have had to do many entertainment centers and one of the issues I have encountered is that we have to Try to make multipurpose and multifunctional spaces. We have rescued buildings that were born with a vocation of origin, the case of the Metropólitan and Orfeón Theaters, for example, which were cinemas and are now very good entertainment centers. Even the Frontón Mexico itself that was born with the vocation of a place for the practice of Jai Alai, which was later closed for decades and that the way to reactivate it was to look for that multifunctionality ”, concludes Pepe who all time is studying with the idea of always doing something better than what he already did.

Por trait Edgardo Dander

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INTERVIEWS PAG. 60 GREEN GOLD AND PINK BEASTS Interview Greta Arcila, Miami correspondent and Lorena Zuckermann Miami was suddenly inundated with adorable pink sloths, the work of renowned Mexican designer Fernando Laposse, named the Miami Design District’s 2019 Neighborhood Commission Artist. Defender of sustainable handicraft traditions, he was selected by the jury to carry out this celebrated work due to the way he expresses beauty and history and because his work focuses on the transformation of humble natural materials into refined design pieces. During a lovely chat with Laposse, he mentioned that every year the members of the event jury propose a designer, and in his case, it was Alexandra Cunningham Cameron, one of the founders of Cooper Hewitt, who nominated him. They then contacted him and asked for a response related to the year’s theme: Color, a very broad topic that actually fit him to a t, since he had been looking for the perfect excuse to work with cochineal, a material that he had been experimenting with for the last few years. “The first proposal was completely different. I had never been to Miami, never mind the Design District. My reference was Phillipe Malouin’s work, but back when he participated there was a great deal of space, so the first thing I proposed had a different kind of distribution. It was planned for the floor, was called Color Bugs and focused on the history of cochineal.” The event committee told the designer that although it was a great idea, his proposal was not feasible, so they invited him to check out the space in Miami and posed a challenge: to make active use of the trees. That was rather complicated, since there are no exact measurements and costs go sky high to guarantee installation safety.

That’s how the design process and material testing began, mindful of the new limitations that involved having everything hanging. Hence, the hammocks and sloths. Craig Robinson liked the proposal so much that the budget was raised, which led to great results. Pink Beasts was among the most acclaimed and instagrammed exhibit during the design fair. It took nearly three months for the hammocks and the 30 sloths to be made with henequen fibers and cochineal pigment, and that’s without counting the 7 years invested and needed by the growers to be able to produce the plants, or the support of approximately 70 people, among them 10 metal workers and 55 craftswomen, who joined forces to do simple jobs and, of course, Laposse himself, in collaboration with Angela Damman, who contributed her passion for design and experience in innovation with sustainable products. Fernando’s relationship with Angela and with the female artisans emerged through henequen, also called ‘green gold’, since the designer needed good quality fibers, free of impurities, to continue his creative work with the material that he had started experimenting with as of the London Design Festival. Finding someone to do the work wasn’t easy, since there’s no database in Mexico of artisans to contact, but thanks to a Facebook group, Laposse got in touch with ‘Nancy’, the leader of a group of women who do handicrafts in their free time. Contacting Damman was done through Instagram, when he posted shots of his work with henequen and lots of people started commenting on the similarities among his projects. The world is so small that it turned out that Angela had already worked with women from Sahcaba, in Yucatán. “Working with Angela was incredible; she has much more experience working with henequen than I. We handle it differently. She’s more traditional, and I leave the fiber in more of a raw state, but she had never worked with cochineal nor done anything pink, so that was my contact

Photo Pepe Molina

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point, telling her that we shared the same outlook and that I would like to promote her hammocks for the installation, but make them in a limited pink edition,” Laposse relates. The reason sloths were chosen is because the whole exhibition is about slowing down the pace of consumption and our rushed lifestyle, with the philosophy of taking time to do things well and in harmony with nature. Plus, sloths are Latin America’s pandas, every environmentalist’s pet.

PAG. 64 ARTISTIC TASTINGS Interview Greta Arcila, Miami correspondent *Original audio transcript GA: Andrea, again, congratulations for the installation and the project. Can you tell me first how you got connected with Perrier-Jouët? AM: Of course. They contacted me last year, and the connection came after I presented a collection of ritual vessels at the Salone last year for the exhibition “The Surreal Table”. So, for that occasion I worked with glass, and I presented six glass goblets inspired by the ancient world of drinking rituals. They were animal-shaped glasses. GA: How nice! Where was it, in the Salone? AM: It was during the Salone, yeah, of 2018. So, they commissioned me to design the installation and six glasses. So mainly they wanted me to work on the glasses and the installation design. I went to Maison Belle Époque, it was an incredible source of inspiration, because… have you been there? GA: No, it must be. AM: So, they’ve got this incredible house with the most important part of the collection of Art Nouveau, there’s like caves underneath with champagne, with all the bottles aging, and they kind of conserve and preserve the time, because there are bottles from 200 years ago. It’s kind of preservation of nature. And after that I had a very interesting meeting with Hervé Deschamps, which is the cellar master of Perrier-Jouët, and we went through a tasting, but more than a tasting it was really a storytelling. So, he was telling me all about the notes and the elements that characterize each cuvée, the time it takes to age and how the grapes are selected and where they come from. I wanted to translate this into shapes. So, of course, I designed six glasses, one for each cuvée, and they reflect the unique characteristics, refer to nature, and refer to, of course, Art Nouveau. I wanted to create a ritual. So, for me, the glasses are finished; the art pieces are finished, and you drink from them, because you have the connection from the shape to the tactility, to colors and to the notes. The connection of all these elements are what I did want to translate. GA: All of these glasses are handmade, right? AM: Yes, they are handmade. I experimented with different glassmakers, and then I worked with Fondazione Berengo, which is a Murano-based producer. They have a smelter, and they do glass stress exhibition every year. And they work with artists, mainly, and so like compared with other Murano realities, they don’t have their own history,

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their own way of working or their like aesthetic, but they work on very experimental projects. And to be able to achieve such detail come out, such little shapes, I worked with lost wax casting, and it’s a process that comes from … the first piece I gave them, so it was a 3D print –first casted and then 3D print-, and they make a mold in rubber, and then from that mold they can create the same shape in wax. And then the wax is covered in plaster. The plaster goes into the kiln and it evaporates. At that time, we have like a block of plaster with the empty shape of the glass inside, and they put the crystal on top, and it cooks for five days ‘til the glass melts into the plaster. And of course, they need like one mold for each glass, so the mold, the plaster piece, after that got broken, and you have to start the process again. So, it’s a very time-consuming process. GA: Definitely. Each piece is unique in all terms. AM: Exactly. There is a mold, but you have to break the cast all the time. You have to start again, and it takes like almost a week for each glass. First, they can do like more people working on that, but it is a very, very long process. And many of them get broken, because they try to achieve like the thinnest possible result and details. GA: How was the process? Did you also design and produce these pieces with the same house that made the glasses? AM: No, these are ceramic pieces, and I collaborated with Alessio Sarri, and Nuevoforme also helped in the production of these. And I’ve been working with Alessio Sarri for many years, and he’s an incredible ceramist that is used to experimental art and has been working on that with us extensively. He like did many projects with him. And he’s very like sensitive on colors and so… It was not easy to create 15 shades of very similar colors, because they’re very close one to the other, if you see like... These shades are just a little bit different. GA: But each one, did you design the color the in the way they are supposed to be? AM: Yes. There is a scheme. These are all like numbered for shapes. This is, for example, C1. And we have 15 colors and four different shades, so there are 60 variants of elements. Of course, they’re all numbered, so starting from this block and this block, and I have all the order of each ceramic. GA: And talk about the reaction of the people, because here when people come to Design Miami, they’re expecting something like innovative and fresh. How has it been? People want to touch. Can you tell me some different stories from the people? AM: No, I think people are like surprised and amazed, because of course they don’t expect this. And this installation can be read in different layers, so of course there’s like a high art design of pieces; there’s a lot of craft in it, and you can feel the time that it takes to realize all these pieces. You can see there is like time involved in this place. I think time is very important also in the production of Champagne, because it takes a long time. And also, then you can discover more. You can imagine like why… I can’t explain like why this is connected, and probably it can be clear for some people and less for others, but I think people are amazed just to be in a space that is like covered, surrounds them completely with colors and with crafted elements…

GA: It’s so precious, and for example the production took time, the production of champagne, the production of… So, everything has a connection with the human… AM: Absolutely. There are very crafted pieces, the glasses and the ceramic … The glasses are very complex pieces to produce and involves many hours and many people to realize them. GA: Now when you see all the process finished, what did this project leave to you, to your team? AM: Every project for me is more knowledge that I acquire, and knowledge is very important. The more like I discover, the richer I feel. So, it has been a very interesting project, especially because … they gave me carte blanche, and it was really like transforming or making a personal interpretation of the feeling I had, and there’s the references, where on a high level, they’re like very interesting elements I could work on, like discovering the champagne and the art nouveau and nature, so of course it’s been … I loved to work on this project GA: That’s lovely. The history that you must tell, because it’s art nouveau, champagne, art design, so many things that you wanted to tell, and definitely it’s really well done. You feel embraced here… AM: Yes, and also the fact that I could make these elements magnetic also and discover the covering of the walls this way is something that can be transformed and translated into different forms and elements. It’s a transformable space and can take different shapes. GA: Yeah, and do you know what they are going to with the pieces in the near future? AM: It will travel, the installation. All the elements that compose the installation are very fragile and somehow reflect like the fragility of nature. So, you can feel like there’s this fragility. GA: But really congratulations, because -there’s too much noise. I love the design there’s too much color and its brightness… but here you are like so protected. I don’t know how to explain it. That’s right. Amazing.

PAG. 66 MADE IN MEXICO Interview Greta Arcila, Miami correspondent With a design proposal focused particularly on Mexico City, AGO Projects –founded by Rudy Weissenberg and Rodman Primack– exhibited for the first time at Design Miami/. “I worked for a long time in the communication media industry (television, radio, internet, music, etc.), and in that busy world, I began doing design projects and curating with Rick Owens, an American fashion designer who moved to Paris and started to create furniture. That’s how we started working together, and I gradually got more and more into the creative world.” Weissenberg goes on to say that along the way he ran into Rodman Primack and started working with him on art and design. “He had the experience of being involved in some events and design fairs, –Rudy shares– and we suddenly got the idea that it was a good time to collaborate together. I did a second postgraduate degree, focused on Design and Architecture History, and we decided that it was time to try and do a

project together.” That’s how AGO Projects came to be. The aim of the artists and designer’s management center, headquartered in Mexico City and New York, is to open a new communication and conversation channel between them, the market and the audiences. “We are very intense about what we do,” –the young entrepreneur says enthusiastically. “My mother says that I don’t breathe, and the truth is that I don’t like to put projects on hold. Why Mexico? For several reasons: I am Guatemalan, and there, the cultural world is nearly nonexistent. What we wanted was to be in a major city where there was a market and that also had global relevance. Plus, we love Mexico. Rodman and I are crazy about the country. It’s a place that inspires us, and we’ve both worked there in different roles. He was with the auction house Christie’s for Latin America and worked a lot with Mexican collectors, and I had the experience of being in television and music in Mexico. Later, we thought about New York for the idea of backing up-and-coming designers, which includes all the Mexican architects who for the last 20 or 30 years have done not only spectacular but also marvelous work that has influenced the rest of design in Latin America and Mexico.” Weissenberg points out the talent he has run into in Mexico. “It’s an incredible country where lots of things can be done. We know cases of architecture firms made up of very young, lively, hard-working people, who may not have much money and instead of deciding to try their luck elsewhere, have decided to stay in their own country. They’ve actually done some spectacular projects in less than two years of working, which doesn’t happen in many markets.” Two people were instrumental for AGO Projects in their presentation at Design Miami/ 2019: design curators Ana Elena Mallet and Mario Ballesteros, who practically supported the gallery ‘blindfolded’ and without hesitation. “To launch the gallery on a platform and stage so important and relevant in the world of design, the idea was to work with people who knew how to execute, produce and deliver on time, people with the necessary professionalism to promote the work of a creative team,” emphasizes Rudy, who to the question as to how he felt as an exhibitor, responds: “The most interesting part is always watching people’s reactions. I love to communicate and chat with people, because I think that is the impact of culture and design. I am sure that we can move and change the way we live and make our spaces more pleasant. A lot of people attend this type of design fairs not precisely intending to purchase, but rather to learn, and that is really good, because it gradually makes its way into education and solid know-how.” For the co-president of the Guggenheim Museum’s Latin American Circle of Friends and member of the Dean Leadership Council of the Harvard University Graduate School of Design (GSD): “As you develop an eye, you don’t have to buy expensive design, but it is a fact that you’re not going to be able to live with a poor design. It’s part of that education and that conversation between the art community and design.”

PAG. 68 LEATHER, BRICKS AND COLORS

GA: I understand that you were commissioned by Fendi to work in the main office in Italy, right? SK: Yes, but this was just a project. And it will be realized, we don’t know yet. Fendi can give you dates, maybe. First, we may concentrate on this one. GA: One of the things that really interest me about your projects is that you exhibit the materials as they are, in their raw state. So how did you manage to get in touch with this luxurious brand and convinced them to present raw materials? SK: Rudy (Weissenberg) and Rodman (Primack) proposed Fendi to work with us for this project. They were actually the middlemen who told them, “Hey, we know two designers that could make a good job, because they love the material as well; they love the details, the artisans and to innovate.” Rudy and Rodman had several things in common with Fendi, so they made a good combination. Actually, Fendi told us to work with the selleria, because this is the bovine leather they always work with. That’s their leather, their color. We were looking for other material that could have an interesting dialogue with leather. We have worked with leather before, so we knew already a lot about it, and we knew the artisans that we could work with, and then we were looking for something that could break the softness of the leather, so we made these bricks. It’s just a standard brick. We took it and tried to process this to show the elaboration and how you can make a luxury item. Same with the corrugated metal inside, something everyone knows, right? So, we take something very common and change it or ask the craftsmen to modify it into something new or innovative. I think Fendi understood this very well, because they take normal leather or fur and transform it into something very beautiful from the hands of very skilled people. Because they know this process, they could understand our proposal very well. SK: Each brick is glazed. It was a whole production process we developed for this project. Because of this, every stone is a little bit different. GA: Yeah, that’s right. SK: That's what we really liked about this. We had two archaic materials with a long human tradition, leather and brick. With today's possibilities, we tried to do something new and innovative. That was really our challenge. GA: To develop authentic things but with basic elements. SK: Yes. With very archaic elements and materials that everybody knows but going a step further. SK: This is metal on the inside and we covered it with leather. What we like to do is play with the leather that they sent us, so sometimes we use the frontside and sometimes we use the backside. I mean it is the same leather, the backside is a different color than the frontside. This, by dyeing the leather and, depending on the surface, it takes a different color. GA: What about the complete installation, what was the purpose of giving a speech to the public? SK: I think that the written topic was not really to give joy

Photo Paola Caputo

Interview Greta Arcila, Miami correspondent *Original audio transcript

to the audience, but that's what we always try to do, right? As we are part of society, we have to give something back to everybody in our daily life. That’s what we’re trying to do. We love colors. We're from Zurich, a very gray place, so it's good to bring colors into life. The whole team that was working with these colors was very happy, because we had so many colors around us and that helped to improve the mood. I think that the situation with society is another issue, because what we try to do is really work with the artisans, continue the relationship with them and explain the value of their work and their knowledge, because if we forget what they know we lose all our history. GA: Speaking of your relationship with Fendi. Fendi is known for luxury, but a new kind of luxury, the kind that you can give to others to have, in a good way, a good life. SK: You end up using something, say, handmade and you know someone had to spend time creating it. Actually, I'm using someone's time, aren't I? This person's knowledge was focused on the leather treatment he learned over generations, and this continues. At Fendi they cultivate heritage very well, but they're not conservative. They liked this collaboration so much. I was quite impressed seeing that they are really prepared, based on their knowledge, to take the next step and completely open to take the risk of trying something new. We always think these big companies can't move so fast, because they're big, right? But that's not true. They really want to be open to challenge new things and new techniques. Product design is not their field, but they could easily understand what we want to do and support us. GA: Talking about your work, because I've seen a lot of your work, and I like that you're always experimenting with different materials and different ways of exhibiting: a chair is not a classic chair, it has different shapes, it's like a game. How do you manage to get that kind of design language? Was it an exploration? SK: Yeah, I think Lovis and I grew up together in a visual language. We always worked one-on-one. We always built models out of cardboard. Our studio is a disaster. It's really a studio, a workshop. So, we build a lot; we have assistants, but we build a lot ourselves. Because we have to see it in reality. We're really proportion nerds. We say, "Oh no, this should be a little smaller and we cut it out. No, no, it has to be taller." We have a lot of dialogue when we start working on getting the shape. Before the shape we always talk a lot

about the idea. Very good goal, too. Because there are two of us, we have a lot of discussion and we have a common brain full of ideas. For example, working with bricks was in our heads for a long time and there was never the right combination to come out. And then, all of a sudden, we said, "You know what, I think that's it, we should work with the brick." Things come together and we try to... first there's the concept and then there's the form. GA: How did you manage to find new materials? SK: Well, just work through life with your eyes open. I mean, it's nice to be able to travel, so in each country you find different material solutions, how they are used, how the details and connections are made. It is not yet globalized, which I am very happy about, the fact that things still have their own country. Their own way of building street corners or street signs so you feel like you have something you can study, you know? Europe is becoming a little bit the same. You close your eyes, because you know it. It's good that even if you go to Eastern Europe and the whole south, things are a little different. GA: It’s completely different, yeah. SK: You can study, or you can see different ways of using things, right? GA: Well, to finish the interview, what were your expectations of the installation? SK: In the end we hope that everything arrives, that everything fits, because you never see all this in your studio. Things fit... we don't have a studio where we can build things like this all the time. And also talk about important topics like crafts and heritage and talk a lot about meeting interesting people with whom we can talk about the human-based future. We have the decision in our hands; we are not dominated by any software that tells us what to do. We have free minds. I think that every day we can start with this dialogue about our future, because we have to face it and we have to decide.

OBJETO GLOCAL

La belleza del desperdicio Savage | Jay Sae Jung Oh + Gaetano Pesce | Salon 94 Design

Tumbonas, taburetes, sillas e incluso macetas integran la serie de objetos Savage, creada por la diseñadora coreana Jay Sae Jung Oh con una licenciatura en escultura por la Universidad de Kookmin en Corea del Sur y un MFA en diseño 3D de la Academia Cranbrook de Arte, quien se presentó como parte de la galería Salon 94 Design en Design Miami/ junto con una selección de raros dibujos de Gaetano Pesce y pieles de resina que datan de la década de 1960 hasta la actualidad. Savage es una colección de muebles escultóricos que mezclan materiales complicados –yute natural, resinas y cuero– y que hace referencia a técnicas de tejido centenarias y diseño en 3D. Algunas de estas piezas están hechas de plásticos desechados, tejidos y envueltos alrededor de sillas de patio rotas y mesas auxiliares. La colección surge de la idea de comunicar un mensaje en lugar de un experimento de materiales. “Como mi experiencia es la escultura, tengo

mucho conocimiento sobre la manipulación de diversos materiales, lo que me ayuda a traducir y visualizar un concepto en un diseño físico”, comparte la artista para quien la mayoría de sus inspiraciones de diseño se derivan de la conciencia de los problemas sociales como la sostenibilidad y el desperdicio. “Nuestra cultura desechable hace que me interesen los objetos que las personas desperdician y tratan como invaluables. Con esta serie quiero enviar un mensaje que cambie la perspectiva de las personas en cuanto a que los objetos descartados pueden renacer como piezas funcionales y artesanales. Puede que no sea una solución para nuestra cultura desechable, pero quiero sugerir otra forma de resolver este problema encontrando belleza en las cosas que tendemos a ignorar”, concluye la artista coreana Sae Jung Oh. –MLA salon94design.com saejungoh.com

Foto cor tesía Jay Sae Jung Oh

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