Glocal Design Magazine No. 50 Portada por/Cover by Vieyra Arquitectos by GLOCAL DESIGN MAGAZINE

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$100.00 MX

VIEYRA ARQUITECTOS: APRENDIZAJE CONTINUO, CLAVE DE SU EXPERIENCIA | ESPECIAL DE COLOR | PREVIEW SALONE DEL MOBILE MILANO | MACROTENDENCIAS: REALIDAD Y PERSPECTIVA

ACTUAL | HOST

Del Delconcepto conceptosurge surgeelelsabor, sabor, de delalagastronomĂa gastronomĂaelelamor amor

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ACTUAL | HOST

Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Asistente de dirección

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Ar turo Aispuro Coronel

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Editora

Ar turo Arditti

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Juan Carlos Baumgar tner

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Fernando Camacho Nieto Carmen Cordera

Editora de arte

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Jorge Gamboa de Buen

sandra.montiel@glocal.mx

Juan Manuel Lemus

Portada de autor Homenaje a Vieyra Arquitectos Arte por Jorge Medina

Beata Nowicka Diseñadora

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Samuel Rodríguez redaccionprint@glocal.mx Coordinación de video Eduardo Ramírez eduardo.ramirez@glocal.mx

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Colaboradores Alum Gálvez Lisa Heller Jorge Medina Adlai Pulido Duilio Rodríguez Rober to Zamarripa

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: abril-mayo 2019. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Portada Macrotendencias Arte por Jorge Medina Foto: Adlai Pulido Material: Piedra magma ceniza, Grandes Colecciones de México, CDMX, FIRENZE Moda: José Sánchez

Color que emociona Año con año tenemos una revisión sobre qué presentar de un concepto tan contundente en todos los proyectos desarrollados dentro de las llamadas disciplinas creativas: EL COLOR. El uso correcto o no idóneo de una paleta de colores influye directamente en las emociones del usuario final y, cuando se hace un estudio preciso de las intenciones que se desean provocar, el “éxito” de los proyectos está garantizado. La línea curatorial para los proyectos que estamos presentando tiene ese delgado límite entre los colores que alteran las emociones con esa intención, mover al espectador, y también presentamos obra que a través de sus colores nos llevan a estados contemplativos. Sí, nos fuimos por lo sensorial más que por las tendencias que ha presentado el mercado; lo que está en boga ya lo sabemos todos: los colores pastel con dos sutiles tonos hacia arriba para dar la sensación de solidez. De los tonos tierra emergen con fuerza los metálicos, y para dar más dinamismo y exquisitez a la vez, este año la iridiscencia está en su máxima efervescencia y la vemos por doquier en todas las disciplinas del diseño (la presentamos hace dos años en nuestras páginas y era parte de nuestro discurso visual). Para hablar de la madurez del uso del color y de la materia, invitamos a la arquitecta Lorena Vieyra quien se ve a sí misma como una mujer sumamente exigente con el detalle y éste lo encontrará primero en voz de sus clientes, ya que si existe conexión con ellos y con sus

ideas, los trazos y conceptos crecerán de manera concisa. Eterna viajera y aprendiz del día a día,Vieyra ha logrado crear una relación muy cercana entre la arquitectura e interiorismo porque es una purista nata y la selección de cada detalle viene de un entendimento claro de, sí la arquiectura, pero también de las piezas de mobiliario, telas, detalles; sabe que todo va conectado y la recopilación de cada detalle es primordial, nada es al azar, todo está orquestado para lograr espacios maduros. En esta edición presentamos también el resultado de meses de trabajo: una nueva edición de Macrotendencias hecha totalmente en casa, lugar en donde nació. Trabajamos nuevamente con Jimena Fernández Navarra, directora de diseño en SpAce Arquitectura y quien, con una de la más recientes colecciones de Firenze, creó un juego visual y de volúmenes sumamente interesante en la que todos los elementos de diseño se reflejan en un piso de vidrio sugerente y muy sensual… sabemos que les gustará. Y cuando lean estas líneas, el equipo editorial estará en Milán (les mostramos un preview), no dejen de leer la siguiente edición con muchas exclusivas sobre el Salone del Mobile Milano. ¡Gracias por leernos! GRETA ARCILA Editora en jefe

glocaldesign

glocal_design

Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta

Contenido 02 DIRECTORIO 04 EDITORIAL 09 AGENDA 12 MISCELÁNEA

Zsona Maco 16 NUEVOS TALENTOS

ACTUAL 18 Host | Salt of Palmar

20 Showroom | Carla Fernández

Foto Duilio Rodríguez

Proyecto M.A

22 Galerías | Galería L 23 Window Shopping | Moncler

28 TEXTIL

40 DISEÑO + CIUDAD

Dimore Studio

Parque Los Héroes

32 TALLER

44 SU ESPACIO

Peca

Lucio Muniain

38 DISEÑO + HISTORIA

49 ENFOQUE

100 años Bauhaus

Lorena Vieyra Cor tesía Salvatori

24 Cultura | Munarq

ENTREVISTAS 64 Sebastian Herkner 68 Gary Hustwit 72 Anfora Studio 74 PERFILES

Alessandro Mendini FERIAS 76 Preview Salone Mobile Milano

90 ESPECIAL DE COLOR

Foto Adlai Pulido

86 Ambiente 2019

113

108 TENDENCIAS EN MOBILIARIO EXTERIOR 113 MACROTENDENCIAS SPACE + FIRENZE

RESIDENCIAL 122 Casa Mineral | Ateliers Ars 128 Sonata | Arkham Projects 132 Casa MA |

Cadaval & Solà-Morales

COLUMNAS 138 Homero Hernández 139 Juan Carlos Baumgartner 140 ENGLISH TEXT 144 OBJETO GLOCAL

Foto cor tesĂa SecretarĂa de Cultura CDMX

A GEN DA

Miradas a la ciudad invita a entender los retos y necesidades de nuestra gran urbe.

AGENDA

MIRADAS A LA CIUDAD: ESPACIOS DE REFLEXIÓN URBANA Hasta el 12 de junio Para entender las necesidades y retos que afectan a nuestra ciudad, el Museo de la Ciudad de México expone una serie de carteles, fotografías, instalaciones, mapas y videos que explican el fenómeno urbano actual. Coordinada por el poeta, ensayista y también director del museo, José María Espinasa y el antropólogo Alejandro Salafranca, la exhibición invita a pensar en el futuro de nuestra ciudad y el papel que tenemos como ciudadanos responsables, inteligentes y reflexivos. MUSEO DE LA CIUDAD DE MÉXICO José María Pino Suárez 30 Centro Histórico, CDMX www.cultura.cdmx.gob.mx

CARDIFF & MILLER Hasta el 19 de junio Los artistas canadienses George Bures Miller y Janet Cardiff son reconocidos por sus piezas sonoras emblemáticas y sensoriales. Por primera vez en México y con la curaduría de Gonzalo Ortega, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta una de las exposiciones más grandes de ambos artistas que, con sus instalaciones, crean experiencias sorprendentes y perturbadoras donde la naturaleza del espacio se difumina gracias a elementos lumínicos, sonoros y visuales. MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MONTERREY Juan Zuazua y Padre Raymundo Jardón Centro de Monterrey, N.L. www.marco.org.mx

Seven Sliding Doors

SUNDAY. CARSTEN HÖLLER Hasta el 30 de junio

The Marionete Maker

MUSEO TAMAYO Paseo de la Reforma 51 Bosque de Chapultepec, 1a Sección, CDMX www.museotamayo.org

Fotos cor tesía

Partiendo de la percepción y la experiencia del visitante, el artista belga Carsten Höller presenta una exposición donde se difumina el límite entre la obra y el espectador, analizando y cuestionando la noción del espacio. Sunday será una experiencia inmersiva dedicada completamente a satisfacer al visitante, resultado de un recorrido sin dirección donde el espectador podrá decidir su ruta, haciéndolo responsable de su propia experiencia artística, a través de obras o “alucinaciones” que desafían nuestra percepción y toma de decisiones.

AGENDA

APARIENCIA DESNUDA: EL DESEO Y EL OBJETO EN LA OBRA DE MARCEL DUCHAMP Y JEFF KOONS Del 19 de mayo al 29 de septiembre

Foto Bettina Matthiessen

Existen casi setenta años de diferencia entre Marcel Duchamp y Jeff Koons, dos de los artistas más influyentes del siglo xx pero también un sinfín de similitudes entre su filosofía creativa. Con la curaduría de Massimiliano Gioni, la exposición examina la influencia de Duchamp en la obra de Koons y viceversa, además se presentará como un ballet mécanique, centrándose en la experiencia del visitante con relaciones miniatura-monumental y original-copia.

ANTON LORENZ: FROM AVANT-GARDE TO INDUSTRY En el marco del 100° Aniversario de la fundación de la Bauhaus, Vitra Design Museum presenta una exposición retrospectiva del empresario y diseñador Anton Lorenz, figura clave en la producción y diseño de mobiliario de acero tubular. La muestra incluye piezas de legendarios diseñadores como Marcel Breuer, Hans Luckhardt y Alfred Zeffner, además de documentos y objetos personales. La estructura de acero tubular representa los ideales de vanguardia de la Bauhaus. VITRA DESIGN MUSEUM Charles-Eames-Str. 2 Weil am Rhein, Alemania www.design-museum.de

Foto Nathan Keay / Bruno Lopes

Hasta el 19 de mayo

Rabbit - Jeff Koons / Bottle Rack - Marcel Duchamp MUSEO JUMEX Miguel de Cervantes Saavedra 303 Col. Granada, CDMX www.fundacionjumex.org

ECOS: MAGDALENA FERNÁNDEZ Hasta el 23 de junio

Foto Fernando Klint

Con la curaduría de Anel Jiménez y Carlos E. Palacios, el Museo de Arte Carrillo Gil presenta la exhibición retrospectiva de la artista venezolana, cuyo arte se enfoca en piezas tridimensionales y videoinstalaciones de arte abstracto y cinético con un profundo matiz sensorial rindiendo homenaje a Kazimir Malévich y Hélio Oiticica. Magdalena Fernández es una de las artistas latinoamericanas que ha mantenido una sólida actividad artística en el plano internacional; diseñadora gráfica de formación, opta por el arte, forma de expresión en la que ha logrado concretar y conectar a las audiencias con sus experiencias sensoriales y pensamientos.

Homenaje a Hélio Oiticica

MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL Av. Revolución 1608 San Ángel, CDMX www.museodeartecarrillogil.com

MISCELÁNEA: ZsONA MACO DISEÑO

LAWS OF MOTION Breuer & Joel Escalona Se trata de la primera muestra de diseño coleccionable creada por el estudio del diseñador Joel Escalona para Breuer, una edición limitada conformada por espejos, cajoneras, mesas y asientos. Las series de nueve piezas más dos pruebas de autor combinan encino, mármol y metal cuidadosamente transformados en mobiliario que deja ver las percepciones espaciales que surgen del movimiento y de la relación entre el usuario y su entorno. La colección eleva las cualidades productivas de la empresa de mobiliario y el nivel conceptual del diseñador mexicano. www.breuerstudio.com www.joelescalona.com

Foto Mariana Achach, cor tesía Joel Escalona Studio

MOL Mutable La colección atiende a las inquietudes de Ernesto Azcárate y César Pindter por representar los enlaces infinitos que existen y vinculan lo químico con lo humano. Las diez piezas son diferentes entre sí y cada una fue modelada a mano directamente sobre cera para luego fundirlas en bronce.

Foto cor tesía

www.mutable.mx

ZENN Axioma Zenn es un objeto utilitario hecho con cerámica de alta temperatura, diseñado por Beatriz Ortiz e Irving Geminiano. Está integrado por dos piezas hechas a mano, que por las cualidades de su material se produce en tres acabados diferentes: engobe de barro, esmalte negro y esmalte blanco moteado. Las piezas son intercambiables y se pueden combinar para transformar el conjunto en una versión diferente. www.axmcollective.com

RAÍCES Ad Hoc & Ángulo 0 Raíces forma parte de la exposición colectiva presentada por Ángulo 0. En ella se tomó como hilo conductor la estética prehispánica desarrollada por las culturas mesoamericanas, quienes a través de objetos sagrados expresaban su visión del mundo. Ad Hoc retoma la vestimenta de los guerreros mesoamericanos como inspiración para Raíces, una colección de mesa, banco y consola que destacan por el uso de fibras naturales, endémicas de México, como: zacatón, lechuguilla e ixtle.

Foto Diego Velazquez Avila

www.adhoc.mx www.angulo0.com

MISCELÁNEA: ZsONA MACO DISEÑO

AURORA T+H & Nouvel Studio Inspirada en los colores del atardecer, Aurora es una colección de candelabros diseñados por T+H. En ella se integran cuatro tonalidades opacas que producen una luz sutil ambiental; las pantallas de cristal disponibles en tres tamaños distintos se pueden colocar sobre una base de vidrio o piedra volcánica. La mancuerna entre T+H y Nouvel Studio enaltece la maestría de los talleres de Nouvel y la creatividad refinada del estudio integrado por Francisco Torres y Rosa Hanhausen.

Foto cor tesía

www.nouvelstudio.com www.torreshanhausen.ch

NUEVOS TALENTOS

Entre saberes y HABILIDADES "Todo parte de un deseo de conjugar mi práctica artística con la destreza ancestral de los artesanos". –MELISSA ÁVILA Entrevista

MARTHA LYDIA ANAYA, enviada Frankfurt

Melissa Ávila relata que una sabia curandera mazateca ha sido su puente e inspiración para llegar con los artesanos zapotecas e iniciar el proceso creativo de sus objetos.

DESPUÉS de muchos meses de andar recorriendo diversas comunidades indígenas en México y de platicar con sus artesanos con la idea de descubrir ‘el alma’ de sus piezas, Melissa Ávila funda Proyecto M.A, un esfuerzo colectivo entre la artista multidisciplinaria tijuanense y los diferentes grupos indígenas (principalmente de Oaxaca) que conoció durante su ruta creativa. “Estaba en un momento en que se estaban despertando muchas cosas en mí, venía de un trabajo arduo y muy personal con una curandera mazateca y a la par, laboralmente eran tiempos en los que era importante y necesario hacer algo creativo que sintiera que aportara de manera real a cuestiones en torno a lo colectivo y lo comunitario”. Ávila platica que M.A surge como un proyecto personal en el que le interesa combinar su práctica artística con procesos artesanales; de ahí que el nombre sea un juego visual entre sus iniciales, las montañas, el sol y la tierra sabia que todo lo ve, es decir, de todos los elementos con los que trabaja. Mirando con un poco más de detenimiento el logotipo del proyecto: las montañas están representadas a través de las letras iniciales de su nombre y luego están el sol y la figura de un ojo abajo; se pronuncia eme-a y eso también juega con la idea de “heme aquí”, cuenta la artista quien orgullosamente fue la única mexicana que se integró a las jóvenes promesas invitadas a participar en la plataforma de diseño e interiorismo en el área de Living Talents de la Feria Ambiente 2019 llevada a cabo en febrero pasado dentro de Messe Frankfurt. “Esa experiencia me dejó muchas cosas; de entrada es una feria importante, puedes crear vínculos con otros proyectos interesantes y conocer gente de todo tipo en la disciplina del diseño. Me siento muy agradecida”, dice la creadora de piezas únicas, principalmente textiles y cerámica, que cuentan historias sobre la otredad (reconocimiento de los individuos) y que, a la vez, son la suma y el choque de vidas que crecieron al mismo tiempo en diferentes contextos y fueron unidas por amor al arte y a México. Aunque no es diseñadora de profesión, su formación y trayectoria en proyectos de inclusión y educación han forjado su visión del diseño como un todo. www.ma-work.mx

NUEVOS TALENTOS

Fotos cor tesía Proyecto M.A

Objetos que cuentan historias sobre la otredad y a la vez reflejan el amor por el arte y por México.

Textiles que parten del deseo de conjugar la práctica artística con procedimientos ancestrales. "Es algo muy nuestro en donde conjugamos saberes y habilidades": Melissa Ávila.

ACTUAL | HOST

Gráficos, colores y paisajes Salt of Palmar | Camille Walala | Isla de Mauricio

Con increíbles vistas hacia el océano Índico y situado en la paradisiaca isla de Mauricio se presenta el hotel boutique Salt of Palmar de la cadena The Lux Collective. Este es el primero de varios hoteles alrededor del mundo que son diseñados con procesos sustentables y de ciclo cerrado; su filosofía se avoca hacia la creación de espacios en total concordancia con el entorno natural y los habitantes. Salt of Palmar es la primera colaboración arquitectónica de la diseñadora textil Camille Walala, cuya propuesta se inspira en el Memphis Movement, en la tribu Ndebele y en el Op-Art para crear espacios lúdicos, atrevidos y vibrantes, con patrones geométricos, colores llamativos y tipografías optimistas que aluden al juego y a la alegría. Walala, quien ha realizado proyectos de arte, interiorismo y joyería para marcas internacionales, colabora en esta ocasión con el arquitecto John-François Adam, del despacho JFA Architects, para crear espacios luminosos, dinámicos y frescos, con patrones de líneas negras y blancas combinados con una paleta de color inspirada en la naturaleza y en las construcciones de la isla. Se acercaron a los artesanos locales para diseñar piezas exclusivas para el hotel como el mobiliario de rattan por Said Moosbally y la vajilla de

cerámica por Janine Espitalier-Noel, quienes imparten clases a los huéspedes como una forma de transmitir sus conocimientos mediante talleres vivenciales. El estilo audaz de la artista francesa, radicada en Londres, concuerda con el carácter apasionante y sensual que expresa la isla de Mauricio a través de los colores vibrantes escondidos entre los paisajes naturales, los cuales Walala se dio a la tarea de explorar con la idea de integrar la estética mauriciana a su propuesta. De igual forma, la influencia local se hace evidente en cada uno de los rincones del hotel a través de creaciones artesanales como muebles, los objetos y los detalles más finos de interiorismo, lo que hace que este lugar sea completamente único e inspirador. En cuanto a hospitalidad, Salt of Palmar se describe como un concepto novedoso por sus entornos sustentables donde todo lo que se consume en el restaurante es cultivado con permacultura e hidroponia, sin plásticos y sin objetos de un sólo uso. Los habitantes de la isla crean una comunidad con un fuerte sentido de identidad en la que el huésped se convierte en un miembro más de una gran familia. –SR

Fotos Tekla Evelina Severin

ACTUAL | HOST

Coastal Road Palmar 41604, Mauricio www.saltresorts.com

Un hotel boutique que se inspira en los vibrantes colores de la isla de Mauricio y en su gente. Muchas de sus piezas están elaboradas por artesanos locales.

Tonos tropicales materializados en una especie de 'jungla geométrica', salpicada de líneas negras y muchos colores.

ACTUAL | SHOWROOM

Fotos cor tesía

Moda y arte mexicano Carla Fernández | Ciudad de México

Con una instalación de piso a techo realizada por el escultor y artista Pedro Reyes se abre la tercera flagship store de Carla Fernández en la Ciudad de México. La tienda consta de tres niveles y 130 m2 para retail; está ubicada en la colonia Juárez y ofrece las colecciones de cada temporada de la firma junto a algunas piezas de las marcas: Alma, Ángela Damman y Yolotli. El espacio refleja la visión de su autor, pues Reyes se inspira en la arquitectura brutalista, dando como resultado una construcción hecha de concreto y pisos cubiertos de mosaicos con ideogramas inspirados en la iconografía azteca que se traducen en una atmósfera prehispánica. Su idea se integra con una propuesta de interiorismo que comunica los preceptos nacionalistas y artesanales que se reflejan en elementos que hablan de un futuro hecho a mano. Desde sus inicios, Fernández ha trabajado conforme un concepto que ella llama: La raíz cuadrada, bajo el cual trata de

retomar las raíces de México y tener como base el cuadrado. “Es una metáfora”, comenta la diseñadora quien para esta nueva tienda también se alimenta de los colores nacidos de la tierra y de un universo que ella misma ha creado con la intención de impulsar la convivencia del arte textil indígena mexicano con sus diseños de moda. “Para mí, la alta costura está en las montañas, en las creaciones hechas a mano con la dedicación y el cariño de artesanos que dedican su vida al oficio de crear con texturas. Son prendas que lo mismo se pueden vender en Japón que en Los Ángeles, Londres y otras partes de Europa. La tradición de lo hecho a mano ha entrado con mucha voluntad a la moda internacional”, dice Fernández que ha destinado el último nivel de la nueva tienda: una espectacular terraza, como espacio para impartir clases y talleres educativos. –MLA

Marsella 72 Col. Juárez, CDMX www.carlafernandez.com

GLOCA

ANTES DEL 30 JUNIO 2019

GLOCAL Abril Mayo.indd 1

3/13/19 2:53 PM

ACTUAL | GALERÍAS

Catarsis sensorial entre obras de arte Galería L | Leopoldo Vidal + Luis Fernando Herrera + Mario Paredes | México

Alfonso Reyes 216 Hipódromo Condesa, CDMX ig @galeria_l

En un pequeño edificio cuyas paredes exteriores de cristal contagian un sentimiento de libertad absoluta, además de favorecer una envidiable iluminación natural, se encuentra un espacio dedicado al arte emergente que genera un diálogo sensorial entre espectadores. Es Galería L, un lugar que nace de la inquietud de Leopoldo Vidal – socio fundador y director de Diseño y Construcción L México– y Luis Fernando Herrera, quienes tenían la inquietud de montar una galería, tanto en México como en Los Ángeles, para apoyar a los artistas mexicanos. “Es una propuesta interactiva que abre la conversación y lectura personal hacia el arte. Nuestro objetivo es que las personas puedan apreciar las exposiciones de una manera distinta, de una forma más relajada y divertida en comparación con la experiencia de un museo o una galería con salas más tradicionales”, platican Mario Paredes y el arquitecto Leopoldo Vidal, coordinador y director de Galería L, respectivamente. Ambos se encuentran trabajando en el montaje de sus próximas exhibiciones después de haber concluido Retratos de luz y sombra, hábito de la libertad que marcó una nueva línea expositiva en el programa de la galería, encaminada hacia un arte más propositivo y experimental. Fue un recorrido acompañado de la óptica interpretativa de Achim Sachs sobre diversos movimientos de la historia de México, y el retrato contemporáneo de Paz y Puente, que materializa la libertad pérdida que se refleja en cada elemento capturado. “Lo más enriquecedor de Galería L –inaugurada en el 2014– es el acercamiento que nos ha dado con los artistas y un mercado muy amplio de jóvenes interesados en el arte”, concluyen. –MLA

Fotos cor tesía

ACTUAL | WINDOW SHOPPING

Juegos de luz Moncler | Bardula | México y Suecia

Birger Jarlsgatan 13 Estocolmo, Suecia

Fotos Anne Charlotte Guinot

www.moncler.com

Fundada en 1952 por René Ramillon y Andrè Vincent, Moncler es una casa de moda que comenzó confeccionando ropa para trabajadores en los climas extremos de los Alpes Occidentales y, poco a poco, se fue introduciendo a la vida cotidiana de los habitantes de Grenoble, Francia. A partir del 2003, Remo Ruffini le dio un nuevo aire a la marca cuando presentó Moncler Genius, colecciones diseñadas por ocho renombrados diseñadores como Simone Rocha y Pierpaolo Piccioli, de Valentino, además de la colaboración de distintos artistas como Millie Bobby Brown, John Boyega y Eiza González. Como parte de esta renovación llamó a la artista belga radicada en París: Bardula, cuyo marco de referencia parte de la geometría y las matemáticas para trabajar con la relación entre la progresión cinética, el volumen y la luz de los objetos a través de tecnología LED,

3D y láser. Bardula fabricó dos piezas gemelas, una para la boutique en Estocolmo y otra para la tienda en la Ciudad de México que está en el centro comercial Artz Pedregal. Las piezas, de cuatro metros de altura, fueron realizadas para simbolizar el Renacimiento tanto en referencia a la época histórica como al de la marca; están fabricadas con láminas de aluminio doradas, cortadas a láser, suspendidas en un marco rectangular, creando un espacio oval en el medio y se complementa con LEDs de distintas temperaturas, lo que produce interesantes juegos de luz dependiendo del ángulo desde el que se mire. Los cambios de luz y las perspectivas juegan con la prenda que se encuentra dentro de este espacio, representación del instinto y habilidad de protegernos y adaptarnos a lo que nos rodea, nos recuerda al Hombre de Vitrubio, símbolo por excelencia del Renacimiento. –SR

ACTUAL | CULTURA

Desde 1984, el Museo Nacional de Arquitectura difunde el valor del patrimonio arquitectónico del país.

ACTUAL | CULTURA

A lo largo de su historia, El Munarq ha presentado 158 exposiciones. El arquitecto Gustavo López Padilla fue el primer curador del recinto.

ESPACIO de formas y temas de difusión

Fotos Eduardo Ramírez

35 Aniversario Museo Nacional de Arquitectura | México

Fundado el 26 de enero de 1984 con el propósito de difundir los valores de la arquitectura moderna y el urbanismo de México y el mundo, el Museo Nacional de Arquitectura (Munarq) cumple 35 años de vida. Bajo la guía del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), dicho recinto –adscrito a la Dirección de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Artístico Inmueble– ha realizado un arduo trabajo para destacar el patrimonio arquitectónico del país y sensibilizar a los mexicanos sobre la necesidad de preservarlo. La creación del Munarq fue idea del arquitecto Juan Urquiaga, quien convenció a las autoridades de crear un lugar dedicado a la arquitectura mexicana y del mundo. La primera exposición que se montó en el espacio que ahora ocupa el museo fue La arquitectura en México. Porfiriato y movimiento moderno de 1982,

dedicada a confrontar la visión de esa rama del arte entre las dos etapas históricas. La arquitecta Dolores Martínez Orralde, quien colaboró con la Dirección de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Artístico Inmueble del INBAL por más de 30 años, platica que, desde su fundación, el objetivo del Munarq es divulgar y reconocer el trabajo de creadores, ingenieros y constructores, quienes han participado en la producción arquitectónica del México moderno. “El museo es un complemento de la formación académica de los jóvenes estudiantes de arquitectura, urbanismo y nuevas disciplinas que han surgido al paso del tiempo, como el paisajismo”, dice la experta sin olvidar que una de las primeras muestras oficiales del Munarq fue la dedicada al arquitecto Francisco J. Serrano y Álvarez de la Rosa.

ACTUAL | CULTURA

El Munarq es un lugar de aprendizaje permanente. Siempre se descubren datos y formas compositivas que no se tienen muy presentes.

"Arquitectura, urbanismo y patrimonio han sido el hilo condutor del Munarq". –Dolores Martínez Orralde, subdirectora general del Patrimonio Artístico Inmueble.

Relata que, como investigadora, le tocaba organizar el material y revisar las fotografías, situación que ha cambiado mucho gracias al uso de la tecnología. “Antes se diseñaban las exposiciones de manera casera; las cédulas se hacían en máquina de escribir, con una esfera con tipografía especial para trabajarlas. Había que cuidar la ortografía, parece fácil, pero había que tener mucho cuidado en la revisión de cada texto e imagen para que el público se llevara la mejor información. Fue un gran aprendizaje al lado de Juan Urquiaga y Víctor Jiménez”. A 35 años de la primera exposición en el Munarq, la arquitecta resume que le han puesto mucha creatividad a cada reto. “Es parte de la arquitectura jugar con el espacio, las formas y dependiendo de la temática nos da la oportunidad de incorporar videos y fotografías en diferentes formatos para que la gente tenga un panorama completo. También me gusta invitar a que la gente recorra el Palacio de Bellas Artes para descubrir muchos más detalles del museo y el recinto que lo guarda. Creo que nuestra ciudad es parte de la exposición arquitectónica urbana y paisajista y debemos sentirnos orgullosos de ella”, concluye Martínez Orralde. –MLA+ER

Palacio de Bellas Artes Av. Juárez 1, Tercer Piso Centro Histórico, CDMX www.munarq.inba.gob.mx

ACTUAL | CULTURA

El arquitecto Juan Urquiaga promovió la creación de un espacio dedicado a la arquitectura mexicana.

El Munarq ocupa el último nivel del Palacio de Bellas Artes, en donde está una galería perimetral con vista al vestíbulo central.

ACTUAL | CULTURA

ADVERTORIAL

Multifunción creativa. De lo físico a lo digital

Los dispositivos Multifunción HP han sido creados para realizar los cambios creativos y ajustes de última hora con precisión y calidad.

Fotos cor tesía

EL MUTIFUNCIONAL HP DESIGNJET T830 ES LA ELECCIÓN INTELIGENTE PARA LAS OFICINAS EN EVOLUCIÓN.

Ante los cambios inevitables de la tecnología y la industria de la impresión surge la necesidad de la colaboración en tiempo y forma. Los dispositivos Multifunción HP han sido creados para implementar rápidamente los cambios creativos, los ajustes de última hora y las observaciones de los clientes; dando alas a la inspiración. De esta forma la industria de la arquitectura y la construcción se beneficia de mayor libertad y precisión en el diseño, al tiempo que transfiere el trabajo del ámbito físico al ámbito digital de forma casi inmediata. Se trata de tecnología con la calidad y fiabilidad reconocida de HP DesignJet, que brinda líneas precisas y tecnología de escaneado inteligente, que protegen a los originales de cualquier tipo de daño; las funciones de uso compartido, puede escanear, adjuntar por correo electrónico y enviar borradores a sus socios y colaboradores en segundos, todo ello directamente desde la impresora. Aunque no es sólo una impresora; es una máquina todo en uno que ayuda a implementar

revisiones rápidas y compartirlas con clientes que se encuentran a miles de kilómetros. Los Multifuncionales HP DesignJet se diseñan e innovan para satisfacer tanto a grandes corporativos como a la pequeña empresa que requieren dispositivos rápidos, ágiles e intuitivos; de fácil instalación con características de diseño exclusivas que los describen como dispositivos prácticos, preparados para usarse de inmediato en cualquier proyecto. www8.hp.com/mx/es/large-format-printers/ designjet-printers/multifunction-printers.html

TEXTIL

Mezclas ATREVIDAS Opulencia visual y referencias iconográficas marcan la nueva gama textil de Dimore Studio.

EL DÚO de diseño de interiores integrado por Emiliano Salci y Britt Moran renueva la colección de textiles para su línea Progetto Tessuti. No fue una elección casual, pues los creativos presentan una propuesta compuesta por una gama de telas que encarna perfectamente la dicotomía masculino-femenino con colores que van desde los azules marinos profundos hasta los tonos más suaves. Son notorios los patrones florales, además de que los tejidos se produjeron conforme a los principios artesanales de la alta costura. “Algunos de los textiles se fabricaron con hilos de reliquia de diferentes grosores, luego las piezas se enriquecieron con una variedad de técnicas que incluyeron el estampado en relieve, envejecimiento, pegado y laminado, los cuales permitieron obtener profundidad cuando se trataba de elementos en relieve ricos y complejos. También resaltan los efectos tridimensionales en telas interiores de satén, algodón y seda con una variedad de texturas, y contrastes entre los efectos iridiscentes y mate, además de matices sutiles de tonos de color. Las telas para exteriores se imprimen con temas inspirados en entornos urbanos donde los elementos arquitectónicos se transforman en originales detalles decorativos o en playas donde la presencia humana restaura la audacia de una creativi-

dad sofisticada y poco convencional”, explican los diseñadores que esta vez integran a su colección artículos jacquard e impresos: la mayoría de los diseños se caracterizan por elementos gráficos en negrita que apuntan a geometrías inspiradas en los componentes gráficos del art déco. El trabajo de Dimore Studio es reconocible por su paleta de colores saturada, estética sofisticada y estilo opulento, pero a la vez controlado e influenciado por la arquitectura racionalista milanesa. Con la inquietud que los caracteriza, este año Salci y Moran consolidan su práctica con el lanzamiento de una nueva marca presentada en París en enero pasado: Dimoremilano, que unifica todas las líneas creadas por el dúo, incluyendo Progetto Non Finito, Progetto Tessuti, Progetto Verande, Oggetti y Edición Limitada. Para esta etiqueta, los diseñadores desarrollaron varias instalaciones para casas de moda como Fendi, y trabajaron en el diseño de interiores de boutiques de marcas internacionales como Boglioli, Pomellato, Maison Kitsune, Sonia Rykiel y Hermès. Así, los textiles creados por los artistas estilizan los ambientes urbanos mediante formas diversas que van desde cortinas hasta tapicerías, prendas y un sinnúmero de accesorios. –MLA www.dimorestudio.eu

TEXTIL

Fotos cor tesía Dimore Studio

Antiguas técnicas de alta costura, patrones fuera de escala y referencias sutiles al art déco describen la colección Progetto Tessuti 2019.

Las técnicas de gofrado, envejecimiento, encolado y laminado sumados a los tratamientos de acabado y bordado son una parte esencial para obtener la profundidad de relieve.

ADVERTORIAL

Sentarse en movimiento Interstuhl redefine el concepto del asiento activo con PUREis3, una silla giratoria, dinámica y ágil que se adapta de forma intuitiva a cualquier persona que se siente en ella.

Sentarse de forma más saludable Aquellos que se mantienen en movimiento mientras están sentados están más sanos. Los efectos positivos de sentarse activamente en la

columna vertebral, los discos intervertebrales y el sistema cardiovascular, por ejemplo, han sido probados en muchos casos, entre otros gracias a la cooperación de Interstuhl con instituciones como el Instituto Fraunhofer IAO y la Universidad de Tubinga. PUREis3 es una solución altamente innovadora y al mismo tiempo económica para paliar las consecuencias negativas del estilo de vida sedentario de nuestra sociedad. En lugar de sentarse rígidamente, esta silla mantiene a la persona sentada de manera flexible en todo momento; permite una completa libertad de movimiento y favorece el cambio de postura y posición. Además, siempre apoya a la persona sentada en el grado correcto. Si desea aportar aún más movimiento a la vida diaria de la oficina, la silla PUREis3 se

puede utilizar junto con la aplicación S 4.0 y recibir así una completa Active Sitting Solution de Interstuhl. Esta aplicación –desarrollada por la empresa alemana junto con Garmin– analiza el comportamiento individual del usuario al sentarse y contribuye a mejorarlo. La solución se complementa con instrucciones para entrenamientos en la oficina fáciles de realizar y solicitudes de cambio de postura. El sensor asociado se puede conectar a PUREis3 y a muchas otras sillas de oficina con un pequeño soporte. En cualquier parte y para todos La silla PUREis3 es tan flexible como la jornada laboral. Todos los que toman asiento en ella se sientan notablemente bien desde el principio y sin realizar ningún tipo de ajuste.

Fotos cor tesía

“Sentarse en movimiento” es lo que mejor define a PUREis3. El informe biomecánico de la Escuela Politécnica Federal de Zúrich (ETH) confirma la total movilidad de la silla PUREis3 y se refiere en particular a su especial elasticidad en la parte superior de la espalda. Esto se debe al material altamente innovador desarrollado en los laboratorios de investigación de Interstuhl y utilizado en la “tecnología de resortes inteligentes” de PUREis3. La composición única de poliamida reforzada con fibra de vidrio hace que sea una silla adaptable, ágil, dinámica y ligera.

ADVERTORIAL

LA COMPOSICIÓN ESPECIAL DE POLIAMIDA Y FIBRA DE VIDRIO EN PUREIS3 HA SIDO DESARROLLADA Y APROBADA POR INTERSTUHL.

POR SU DISEÑO Y TECNOLOGÍA, LA SILLA PUREIS3 ENRIQUECE TODAS LAS SITUACIONES Y LUGARES DEL MUNDO.

Esto es posible gracias a los materiales altamente novedosos empleados en su manufactura: la tecnología de resorte inteligente se adapta a la persona de manera intuitiva.Y como el material permite prescindir de un elaborado mecanismo, es sorprendentemente ligera. Se puede trasladar sin problema alguno a donde se necesite, ya que es adecuada tanto para salas de conferencias y reuniones de equipo como para trabajar en escritorio. Su diseño ha sido creado por Interstuhl en colaboración con la oficina de diseño b4K (Andreas Krob y Joachim Brüske) bajo un concepto claro y funcional, caracterizado por el elemento central de la silla: el Smart Spring (resorte inteligente). www.interstuhl.com

TALLER

HEBRAS trenzadas Trazos es una colección de piezas únicas en las que cada dibujo guarda huellas de su ejecución a mano y cada cuero lleva inscrito arrugas irrepetibles. –PECA Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

"Intentamos usar técnicas modernas como el corte a láser, pero no funcionó. Fue como si la tradición se protegiera a sí misma". –Luis Rodrigo Medina, artista.

TALLER

Fotos cor tesía PECA

Los taburetes y bancos de la colección Trazos evocan la tradicional silla de equitación usada en la charrería.

UNA PECA es un acento peculiar en el cuerpo que solo o en conjunto crea formas sorprendentes e infinitas. En analogía a esto, el estudio independiente de diseño PECA busca que sus objetos y mobiliario sean detalles únicos que brinden emociones en un sinfín de espacios. “La identidad de PECA abraza también la filosofía del tercer ojo mediante un punto central en el logo: equilibrio y conexión entre cielo, tierra y divinidad que nos inspira para contar una historia diferente, crear atmósferas colmadas de belleza e invitar al usuario a la contemplación con cada pieza”, detalla Caterina Moretti, fundadora y directora del despacho con sede en Guadalajara. La manufactura, en sinergia con las características de los materiales, sugiere las técnicas, grado de facilidad o dificultad, escala y otros pormenores en el hilo conductor de la historia de un objeto. “Los detalles –dice Moretti– devienen del propio material y de las técnicas tradicionales aplicadas con un enfoque contemporáneo. Me gusta pensar en las manos de los artesanos como las narradoras de estas historias y en la belleza de los materiales como el mejor interprete. El espíritu de nuestros objetos se manifiesta en diferentes formas para contemplar, materiales para acariciar y en un cúmulo de emociones para los ambientes y sus habitantes”. Pero ¿cómo se da el proceso de explorar texturas y formas a través de los elementos que lo conforman? La diseñadora explica que cada material es seleccionado para brindar una impresión a los sentidos. “Lo anterior en armonía con mi intuición, mis viajes, mi gusto por la exploración de la forma, la función y la colaboración con respetables maestros artesanos, otorga ideas no

preconcebidas y actividades creativas con un diálogo enriquecedor y conclusiones sorprendentes. Investigamos a profundidad cada material para conocer sus cualidades, resaltarlas al máximo y obtener los resultados que deseamos para nuestros diseños. Hemos experimentado con maderas sólidas, mármol, roca volcánica, acero, piel, latón y cobre mexicanos. Sin embargo, la pasión de PECA radica en la exploración de lo desconocido y la sorpresa de sus resultados; este año probaremos con el vidrio soplado en Oaxaca y por ahora trabajo con barro en objetos que comúnmente no lo usarían.”

Después de seleccionar los dibujos, el maestro Oscar Pedroza los interpretó y el artista Luis Rodrigo Medina se acercó a esa apreciación con la técnica del piteado.

TALLER

Respecto del acercamiento del despacho con artistas locales, Moretti hace hincapié en que no buscan el contacto con alguien en particular; “en el día a día encuentro personas que me sorprenden con su creatividad. Por ejemplo, para el proyecto Trazos conocí a Luis Rodrigo Medina y al ver su obra de trazos honestos, percibí la conexión del corazón con las manos, me cautivó desde el primer momento. Yo trabajaba de nuevo la técnica del piteado para una colección y fue de manera intuitiva como surgió este enlace creativo. De inmediato quise crear una pieza en colaboración con él y con el maestro artesano en la técnica milenaria del piteado en Jalisco, Oscar Pedroza. Compartimos nuestro trabajo y experiencia para unir diseño, arte contemporáneo y tradición. Luis Rodrigo en el papel con grafito y Oscar en la vaqueta con una herramienta llamada “abridor” crearon su 'trazo', para luego pitearlo con hebra de fibra de maguey en el gran lienzo de las bancas que evoca a las pieles sobre la silla de montar clásica en la charrería. Fue un viaje inolvidable de ida y vuelta, artista y artesano resolviendo dificultades y enriqueciendo posibilidades, escuchándose uno al otro y considerando en todo momento el diseño de la pieza”. El principal proyecto siempre ha sido el crecimiento de nuestro catálogo con base en las necesidades de usuarios, arquitectos e interioristas; asimismo, de los espacios en donde habitarán piezas. Sin perder nuestro gozo apuntamos nuestra energía a la experimentación con objetos que honran la tradición y la innovación. www.peca.com.mx

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El patrón de bordado es un diseño del artista Luis Rodrigo Medina, elaborado con fibra de maguey sobre la técnica del piteado.

Trazos es la resultante de la colaboración de cuatro creativos: las diseñadoras Caterina Moretti y Justine Trofléau; el artesano colotlense Oscar Pedroza y el artista Luis Rodrigo Medina.

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PHOTO CREDIT: IKON PRODUCTIONS

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ADVERTORIAL

Espacios y estilo

Fotos Duilio Roddríguez

Formica® Surfaces Studio es un lugar donde se muestran superficies que promueven las tendencias actuales de diseño para crear entornos funcionales y estéticos.

Diseños de las colecciones Lliving Impressions™ y DecoMetal® inspiran los ambientes de Formica Surfaces Studio en México.

ADVERTORIAL

Desde sus orígenes, la marca Formica® se ha caracterizado por ofrecer materiales innovadores y en tendencia. Con esto en mente, desde hace 4 años surge la propuesta para colaborar y apoyar el talento de arquitectos y diseñadores en plataformas como Design Week México y actualmente para la creación de Formica® Surfaces Studio, un espacio donde se muestran tendencias en ambientes versátiles que interactúan entre sí y comparten inspiración. Karla Borbolla, directora de mercadotecnia de Formica México, explica que cada superficie decorativa en el portafolio de la marca es la resultante de una combinación de investigaciones tanto cualitativas como cuantitativas realizadas con arquitectos, diseñadores y usuarios finales. "Formica Group nunca lanza nuevos productos sin primero hacer un extenso proceso de desarrollo e investigación –agrega Amy Gath,VP de marketing de Formica Norte América–. Nuestro equipo de diseño viaja por todo el mundo para estudiar las tendencias de otros países que se presentan en ferias importantes como Design Week México, 100% Design London y Salone del Mobile Milano. Siempre estamos atentos a lo que sigue". La colección Living Impressions™ 2019 fue influenciada por la investigación de diseño global y los resultados

Matte Graphite, Matte Bronze y Oxibronze se inspiran en los metales vivos de la naturaleza y dan un aspecto metálico mate a las superficies.

de la encuesta de América del Norte; es un portafolio que presenta los nuevos patrones de piedra y madera de la marca. En ese mismo contexto, los laminados DecoMetal® continúan siendo una línea de producto popular para la compañía. "El año pasado –platica Gath– se presentaron seis nuevos diseños en llamativos colores y patrones metálicos. Agregamos una nueva serie de acabados mate en tres colores: Matte Bronze, Matte Graphite y Matte Rose Gold; así como un patrón geométrico a gran escala llamado Labyrinth. El diseño geométrico y los colores metálicos mate se crearon en respuesta al fuerte deseo de los arquitectos y diseñadores por los formatos a gran escala y con patrones en metales de colores". Formica Group también está celebrando el décimo aniversario del laminado 180fx®, el primero en el mercado de la compañía que ofrece modelos de granitos exóticos, piedras y granos de madera en un formato a gran escala. "Con Formica Surfaces Studio queremos compartir tendencias y ofrecer experiencias entre sí. Es un espacio donde convergen nuestras colecciones a través de ambientes armóniocos y versátiles que inspiran a crear entornos con lujo y al alcance de todos", concluye Borbolla. www.formica.com/es/mx

La escuela de TODOS A pesar de sólo haber estado activa durante catorce años, la Bauhaus revolucionó el pensamiento creativo y artístico de principios del siglo pasado.

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

DISEÑO + HISTORIA

DE ORIGEN berlinés, el arquitecto Walter Gropius fundó la Staatliche Bauhaus Weimar, siendo una fusión de la antigua Gran Escuela Sajona de Artes y Oficios y la Gran Escuela de Artes y Oficios del Gran Ducado de Sajonia, fundada por el diseñador belga Henry van de Velde. Aunque originalmente tenía una orientación nacional, en 1923 la Bauhaus ya gozaba de renombre a nivel internacional, por su enfoque interdisciplinario y métodos de enseñanza novedosos y experimentales. Entre sus profesores se encontraban: Paul Klee, Wassily Kandinsky, Oskar Schlemmer, Marcel Breuer, Herbert Bayer y László Moholy-Nagy, entre otros. Su programa de estudios arrojó resultados de una diversidad artística cosmopolita que llevó a la Bauhaus a ser un punto de encuentro clave para la vanguardia europea. La Bauhaus combinó la enseñanza, la práctica y la investigación. La formación de los diseñadores integraba la experimentación y el diseño en sus propios talleres, cada disciplina tenía su propio taller: cerámica, tejido, carpintería, metal, gráfica impresa, escenario, vidrio y pintura mural. Cada taller tenía un maestro que se encargaba de las cuestiones artesanales y técnicas y un maestro de la forma, que se encargaba de los aspectos estéticos y creativos. Para estudiar en la Bauhaus no había requisitos académicos, prácticamente cualquier joven con talento podía ingresar independientemente de su formación, sexo o nacionalidad. Entre 150 y 200 estudiantes se matricularon en la Bauhaus de Weimar. Dependiendo del semestre, una proporción del 25% al 50% eran mujeres y del 17% al 33% fueron estudiantes extranjeros. Desde su fundación, la Bauhaus estuvo a la merced de las situaciones políticas. Entre 1919 y 1923, el gobierno del estado apoyó los planes de Gropius, pero en las elecciones de 1924, el partido de derecha obtuvo la mayoría en la asamblea legislativa estatal. El presupuesto de la Bauhaus se redujo a la mitad y los contratos de los profesores se cancelaron el 31 de marzo de 1925. En un acto de autoafirmación, Gropius y los maestros de la Bauhaus renunciaron a sus puestos en diciembre de ese año. Como consecuencia, la Bauhaus se trasladó a la ciudad industrial de Dessau, gobernada por el Partido Socialdemócrata de Alemania, cuya organización se ofreció para edificar la nueva sede de la Bauhaus –diseñada por la oficina privada de

El edificio de la Bauhaus en Dessau, construido entre 1925 y 1926, fue diseñado por la oficina privada de Walter Gropius.

Walter Gropius– y llevar a cabo una serie de colaboraciones productivas entre la escuela y la ciudad, por lo que los esfuerzos educativos dejaron de enfocarse en la obra individual para involucrarse en el desarrollo de objetos cotidianos bien diseñados, que debían responder a la industria local. Se amplió la base teórica de las clases, incluyendo asignaturas de ingeniería, psicología y estudios empresariales. A partir de ese momento, los graduados completaron su formación con un diploma oficial. Casi todos los maestros de la Bauhaus se trasladaron a Dessau y, con ellos se creó un complejo habitacional que se convirtió en una de las colonias de artistas más importantes de su época. Sin embargo, las hostilidades políticas eran cada vez más potentes. En 1928, Gropius, renunció a su puesto y eligió a Hannes Meyer como su sucesor, quien había sido el jefe durante un año del apenas inaugurado curso de arquitectura. Meyer impulsó una reorientación de la Bauhaus, cambiando el enfoque del trabajo escolar hacia los ideales sociales. En lugar

DISEÑO + HISTORIA

1919

1922

Oskar Schlemmer diseñó el emblema de la Bauhaus, sustituyendo el diseño original que diseñara Karl Peter Röhl en 1919.

1925

El 31 de marzo los contratos de los profesores se cancelaron, para diciembre los maestros de la Bauhaus renunciaron a sus puestos y trasladaron la escuela a la ciudad de Dessau.

1926

Quedó inaugurado el edificio de la Bauhaus en Dessau, proyectado por Walter Gropius. La decoración interior se hizo directamente en los talleres de la escuela.

1927

Se establece el departamento de arquitectura en la Bauhaus, dirigido por el arquitecto y urbanista suizo Hannes Meyer.

Retratos archivo de la Bauhaus de Berlín, VG Picture Ar t, Bonn

El 1o de abril, Walter Gropius fundó la Bauhaus en Weimar, Alemania.

Hannes Meyer (1889-1954), fue director de la Bauhaus entre 1928 y 1930.

Foto cor tesía Bauhaus-Archiv Berlin

Stiftung Bauhaus Dessau (Besitz Scan) (I 46052/1-2) / © (Consemüller, Erich) Consemüller, Stephan

Walter Gropius (1883-1969), fundador y director de la Bauhaus de 1919 a 1928.

Arriba: Marcel Breuer con Martha Erps, Katt Both y Ruth Hollos, 1926. Abajo: Miembros de la banda Bauhaus (T. Lux Feininger: clarinete, Waldemar Alder: trompeta, Ernst Egeler: batería, Clemens Röseler: trombón, Friedhelm Strenger: piano), 1930.

Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), dirigió la Bauhaus de 1930 a 1933.

de tratarse de un gran arte, se trataba ahora, ante todo, de la ciencia y de la cuestión de cómo se podían fabricar o construir productos y edificios asequibles y bien diseñados para todos. En 1930, nuevamente la política fue responsable de poner fin al curso que seguía la escuela, para entonces varios estudiantes eran radicales políticos y estaban comprometidos con ideales comunistas, el mismo Meyer se autoproclamaba marxista, finalmente fue retirado de su puesto como director. A sugerencia de Gropius, el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe se convirtió en el tercer director de la Bauhaus; quien causó furor internacional con su Pabellón de Barcelona en la Exposición Universal de 1929 y se interesó por una sola cosa: la arquitectura y su estética, sin hablar de teoría del arte ni de política social. Como consecuencia, la Bauhaus siguió cambiando: el trabajo en los talleres fue reducido en forma y significado y reorientado para jugar un papel de apoyo a la arquitectura contemporánea. A pesar de su despolitización, la Bauhaus Dessau fue obligada a cerrar el 30 de septiembre de 1932 por la mayoría nacionalsocialista del ayuntamiento de Dessau. Durante un semestre, Mies intentó mantener la Bauhaus como institución privada en una antigua fábrica de teléfonos en Berlín-Steglitz. A partir de abril de 1933 y presionados por la política nazi se detuvieron los pagos a los profesores y se anuló el contrato de arrendamiento, situaciones que provocaron el cese definitivo de la Bauhaus, cuya disolución se anunció el 10 de agosto de 1933.

DISEÑO + HISTORIA

1928

Por recomendación de Gropius, el puesto de director general fue entregado a Meyer.

1930

Ludwig Mies van der Rohe tomó la dirección de la Bauhaus en Dessau, que cerró en septiembre de 1932 para mudarse a Berlín.

1933

El 11 de abril, la fábrica berlinesa que alojaba las actividades de la Bauhaus fue clausurada por la fuerza policial y el SA. En agosto de ese año, la Bauhaus se declaró disuelta.

1937

Lászlo Moholy-Nagy fundó la Nueva Bauhaus en Chicago, EU.

1953-1968

Periodo en que funcionó la Academia de Diseño (HfG) de Ulm, en la República Federal de Alemania.

VG Picture Ar t, Bonn | Foto: Tillmann Franzen, 2017

Aunque la Bauhaus llegó a su fin sus ideas perduraron, estudiantes y profesores se exiliaron y expandieron sus contribuciones hacia países diferentes, incluso hubo instituciones sucesoras como la New Bauhaus de Chicago, y edificaciones construidas al estilo internacional. De Weimar a Rotterdam, y de Tel Aviv a Chicago: el modernismo impulsado por la Bauhaus ha sido un fenómeno global, en función a eso el programa que conmemora los 100 años de su fundación incluye exposiciones, eventos y proyectos de investigación que se celebran en todo el mundo y ponen de relieve la red mundial tejida por influencia de la escuela. Muestra de ello, es Wohnmaschine, un remolque que replica parte del edificio de la Bauhaus en Dessau. El vehículo partió de Dessau hacia Berlín y planea su visita a Kinshasa y Hong Kong. La réplica rodante es parte del proyecto Spinning Triangles de Savvy Contemporary, curado por Elsa Westreicher y diseñado por el arquitecto Van Bo Le-Mentzel. La naturaleza diversa y siempre en movimiento de la Bauhaus es lo que aún mantiene su vigencia, sirviendo como un conducto interdisciplinario de ideas, en el que convivieron diversas opiniones, ideas, teorías y estilos, siempre en búsqueda del Hombre Nuevo, la Nueva Arquitectura y la reinvención de un mundo bien diseñado. www.bauhaus100.com www.bauhaus.de www.bauhaus-dessau.de

Fundación Bauhaus Dessau | Foto: Doreen Ritzau, 2015

Fundación Bauhaus Dessau (I 7420 G) / Foto por Wilfried Hoesl

El Ballet Triádico de la Bahaus fue desarrollado por Oskar Schlemmer, quien desarrolló el vestuario hasta el formato de las presentaciones. Izq: Figura de media longitud dividida a la derecha, 1923. Der: Presentación del Ballet Juvenil Bayer dentro de las celebraciones centenarias de la Bauhaus.

Inspirado en el legado de Gropius y Moholy-Nagy, el despacho Bruno Fioretti Márquez Arquitectos proyectó Nuevas Casas Maestras Bauhaus en Dessau, terminado en 2014.

DISEÑO + CIUDAD

Rehabilitación e INCLUSIÓN "Apoyar a las comunidades locales con mejores espacios públicos para sus familias ayuda a la comunidad". –PARDO ARQUITECTOS Texto SAMUEL RODRÍGUEZ

Fotos JAIME NAVARRO

EL ESPACIO público es el lugar de convivencia y esparcimiento por excelencia, sin embargo, en las últimas décadas del siglo xx se ha visto relegado por la especulación inmobiliaria y pasó a segundo o tercer plano. Llegado el siglo xxi, poco a poco ha ido recobrando su lugar, dando paso a proyectos de remodelación o rehabilitación de plazas, parques, camellones e incluso a proyectos de peatonalización de calles y avenidas, además de una reapropiación de la ciudadanía a través de expresiones e instalaciones artísticas. En los últimos años se ha vuelto más común conocer despachos de arquitectura y urbanismo que diseñan y transforman espacios públicos para devolverlos a los habitantes; uno de ellos es Francisco Pardo quien aboga por la creación y el diseño de una arquitectura más social y local, concibiéndola como una herramienta para el óptimo desarrollo social del país. El proyecto parte de la solicitud del Centro de Innovación para el Desarrollo Sostenible (CIDS) del INFONAVIT, con el fin de analizar y modificar la forma en la que enfrentamos y habitamos las áreas marginales del país; Pardo hizo la rehabilitación del Parque Los Héroes en Toluca, siguiendo premisas sencillas pero contundentes: renovar el uso del espacio, definir nuevas actividades y mejorar la calidad de vida de los habitantes. Realizado en sólo seis

meses con un presupuesto limitado, con materiales accesibles y de fácil mantenimiento, como el block de concreto, acero y cemento, y con mano de obra local, lo que origina un fuerte sentido de pertenencia dentro de la comunidad. En palabras de Francisco Pardo: “Es importante cambiar no sólo la condición física sino también la percepción del espacio: como arquitecto, creo que apoyar a las comunidades locales para obtener mejores espacios públicos para sus familias ayuda a la comunidad en general”. Se utilizó un módulo de adoquín hexagonal que actúa como un píxel, ayudando a modificar y flexibilizar el espacio, creando distintos entornos, armónicos entre sí, con el resultado de un espacio público inclusivo. Las zonas infantiles siguen un esquema elemental: la multiplicidad de configuración de los espacios para que puedan ser utilizados de distintas maneras y por niños de diferentes edades; además de estos espacios, también existen canchas deportivas (fútbol y básquetbol) y una pista de patinaje, constituyendo un gran parque de más de 12,000 m2, ayudando a mitigar las condiciones de marginalidad e inseguridad en un lugar en constante uso y donde puedan realizarse actividades colectivas para mejorar la convivencia. www.franciscopardo.mx

DISEÑO + CIUDAD

El módulo hexagonal modifica la topografía y flexibiliza los espacios, creando entornos armónicos entre sí para realizar diversas actividades tanto deportivas como de convivencia.

Diferentes configuraciones permiten el uso del espacio de distintas maneras. Así, el parque es completamente inclusivo y mejora la calidad de vida de la comunidad.

SU ESPACIO

Pintura, música y arquitectura “En mi casa hago todo lo que me interesa, desde idear un proyecto hasta pintar y sentarme a escuchar música". –LUCIO MUNIAIN Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA Y EDUARDO RAMÍREZ

Fotos ALUM GÁLVEZ

FUE EN EL 2012 cuando Lucio Muniain se mudó a una casa, cuya construcción original data de los años 30, una época en que el cine Balmori –ubicado en la avenida Álvaro Obregón casi esquina con Orizaba en la colonia Roma– se integraba al paisaje urbano de una sociedad envuelta por las modas europeas traídas por el Porfiriato. “Cuando llegué a la privada donde se encuentra la casa – cuenta Muniain–, ya estaba restaurada tal y como se encuentra hoy en día. Los terremotos de 1957 y de 1985 hicieron que la colonia sufriera mucho y provocaron que el uso de los espacios se transformara de manera significativa; de las 14 casas que se contaban originalmente varias se cayeron por los temblores y ahora sólo existen 10 con un área de estacionamiento. Para mí, este ha sido el descubrimiento de un lugar increíble, no sólo porque es una casa bonita por su historia y por su arquitectura sino también porque, pese al caos de todos los días, es un espacio que se vive calmado y donde se disfruta mucha paz porque no se oye nada del exterior. Aquí, soy arquitecto, soy pintor, soy músico, soy Lucio… hago todo lo que me interesa, desde la parte conceptual de idear un proyecto hasta pintar mis colecciones de cuadros y dibujos, y sentarme en el cuarto de música a escuchar y analizar”. Además de la privilegiada ubicación de su casa que le permite a Lucio caminar a diario a su oficina; olvidarse del uso del automóvil; llegar a una junta sin tener que sobrellevar el tránsito habitual o poder ir a la panadería, la tintorería y la farmacia en una misma calle, lo que más le gusta es cómo le hizo el arquitecto para que en un espacio relativamente pequeño (de 6x12) hubiera mucha luz y una excelente ventilación. Es una planta de varios niveles, con un frente de 6 metros y con ventanas muy reducidas que responden a las características de proporción de la arquitectura clásica de la época en que fue construida la casa, lo cual se resuelve muy bien con un tragaluz en las escaleras que hace que el interior funcione ‘como un

El patio del edificio se reconoce desde el exterior de la calle por una fuente que lo adorna en el centro.

"En mi casa, soy pintor, soy músico, soy arquitecto, soy Lucio.Y con ese estilo me he ido adueñando del espacio con el paso de los años". –Lucio Muniain.

“El primer dibujo que hice con carbón a los 8 años de edad lo tengo colgado en mi recámara en un pequeño cuadro. Fue el primero que vendí en mi vida y nunca supe quién lo había comprado hasta el día que lo descubrí en la oficina de mi papá” –Lucio Munian.

SU ESPACIO

"Me perdí de muchos festejos familiares con tal de no faltar a las clases en el Conservatorio para aprender a tocar el contrabajo".

reloj’. “Además, el lujo de estas casas son sus techos altos; casi todas las habitaciones son de 4x4, pero me gustan mucho por la altura que tienen, la cual hace que las paredes se vuelvan como una especie de aparador para poner todo lo que quiera ver”. Las recámaras no tienen vistas a ninguna parte, como en los departamentos modernos en los que las paredes son a la vez grandes ventanales de vidrio que miran a algún parque, pero la iluminación y ventilación con la que cuentan los convierte en sitios envidiables y llenos de privacidad. Muniain ha realzado esos muros espigados con enormes libreros y un sinfín de pinturas y obras de arte. “He tratado de poner todo lo que tengo para verlo todo el tiempo; el grueso de mi colección de arte está puesta en esas paredes, pero aún hay varias piezas empaquetadas que me da mucho sentimiento que sigan en cajas. Los libreros, que los hay por todas partes, están llenos de tomos de diversos autores que me han ayudado a comprender la arquitectura a través de sus proyectos. Me agrada mucho cómo a través de un libro se pueden entender las obras arquitectónicas; confieso que no me enfoco mucho en las descripciones pero sí en la composición de las obras, las cuales trato de interpretar como si se tratara de partituras”. Para el arquitecto, sus rincones favoritos para consentirse son la sala, su estudio de pintura y el cuarto de música. “La sala está repleta de cosas y es donde suelo pasar largas horas, tocando el contrabajo o leyendo un libro rodeado de pinturas, cojines, objetos de arte, etc.; en el estudio de pintura recién terminé de ilustrar un libro para niños y en el cuarto de música disfruto mucho de escuchar y analizar”, concluye. www.lmetal.com.mx

SU ESPACIO

"Muchas de las ideas conceptuales de los proyectos las desarrollo en casa y luego me las llevo al despacho en donde el equipo las complementa", cuenta Muniain de su espacio.

Además de arquitecto y músico, Muniain es pintor instruido por Loló de la Barra, Robin Bond, Salomón Laiter e Yvonne Domenge. Fue representado por la galería Nina Menocal de 2001 a 2005 y ha expuesto su trabajo desde 1974 en galerías y museos.

Glocal ed50_AG50_Salesforce.pdf 1 12/03/2019 03:48:50 p.m.

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ENFOQUE

VIEYRA ARQUITECTOS Con una experiencia de más de 20 años se ha especializado en proyectos residenciales y corporativos. Retrato DUILIO RODRÍGUEZ

Foto Rafael Gamo

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA Y EDUARDO RAMÍREZ

Conjunto BRH Avándaro

ENFOQUE

Arquitecta, diseĂąadora e interiorista, una mujer incansable, tenaz y atenta a los detalles.

Retrato Duilio RodrĂguez

Lorena Vieyra, arquitecta fundadora de Vieyra Arquitectos.

ENFOQUE

“CUANDO ESTABA en la universidad hice algunos proyectos en colaboración con amigas y colegas arquitectas; recuerdo que hicimos los planos para unas casas y un restaurante para un familiar. Ese fue el preámbulo para mi primer proyecto en la vida laboral que se trató de la ampliación de una residencia y una biblioteca, las cuales trazamos y luego vimos ejecutar. Desde el primer momento, tuvimos esa conexión y relación directa con la clienta quien además era una señora mayor que tenía nietos y nosotras éramos un grupo de colegialas veinteañeras aprendiendo a hacer arquitectura”, platica Lorena Vieyra sobre los inicios de su carrera que en retrospectiva ella misma describe como un aprendizaje continuo en el que lleva más de 20 años trabajando arduamente sin dejar de descubrir cosas nuevas y distintas. “Entré a estudiar arquitectura guiada por la intuición, porque me surgió la inquietud; pero la realidad es que en aquel entonces era muy jovencita y no tenía muy claro a qué iba; fue una decisión que tomé por el gusto especial que tenía por las artes plásticas y el dibujo. No tuve ninguna influencia porque nadie en mi familia era arquitecto; ya cuando empecé la carrera y me fui involucrando en ella, explorando de lo que se trataba y dando pequeños pasos a la vez, se fue agrandando mi interés y me fue gustando cada vez más. Puedo decir que he trabajado mucho desde el principio porque la arquitectura es un quehacer de mucho empeño, esfuerzo y un sinnúmero de desvelos; un trabajo en el que a veces las entregas de los proyectos son estresantes y muy tortuosas, pero en el que el tema de las tareas en equipo y de cómo te van conociendo por tus propuestas y desempeño es bastante satisfactorio”, refiere Vieyra cuando habla de la profesión que la apasiona y la ha llevado por un camino que disfruta hacer y que nunca se arrepentiría de haber elegido.

Hoy, Vieyra Arquitectos –fundado por Lorena Vieyra en el 2007– ha realizado importantes diseños arquitectónicos en la Ciudad de México y ha participado en plataformas creativas como Design Week México al intervenir algunos de los espacios de Design House, además de colaborar en otros proyectos como arquitecta, interiorista y diseñadora. Junto con su equipo se ha especializado en el desarrollo de proyectos a la medida, sobre todo de tipo residencial, pero sin descartar la parte comercial con propuestas diversas tanto de arquitectura como de diseño de interiores. EN EL TIEMPO DE TRAINING Su personalidad afable y mirada serena describen sin palabras la esencia de Lorena; basta platicar unos momentos con ella para descubrir a una mujer incansable, tenaz y cuidadosa de los detalles. Como anécdota comparte que siempre que revisa los capítulos de su vida hacia atrás cae en la cuenta de que la escuela sólo fue una etapa de entrenamiento. “Por lo general –dice–, uno piensa que cuando terminas de estudiar la carrera un mundo de oportunidades se abrirá ante ti,

Casa Capulines conserva elementos originales de una construcción de los años setenta, fusionados con el rediseño de la escalera, la incorporación de pisos de mármol y plafones flotados.

ENFOQUE

Foto Luis Gallardo

Foto Jaime Navarro

"He trabajado mucho desde el principio. Hacer arquitectura es un trabajo de mucho empeño, esfuerzo y un sinnúmero de desvelos".

Momentum, un espacio dual y reflectivo, inspirado en la introspección y producción del proceso creativo. Fue diseñado para celebrar el décimo aniversario de Design House México.

Fotos Jaime Navarro

Ubicada a los pies del Cerro del Tepozteco, Casa Mozoquila es un proyecto de una casa unifamiliar de dos volĂşmenes conectados por un puente.

ENFOQUE

pero la verdad es que apenas estás empezando a enfrentarte con un mundo real en donde hay clientes y proyectos para los que casi no sabes nada. Ya no se trata de hacer propuestas ficticias como las tareas que entregabas a los profesores, sino de presentar soluciones realizables. Para mí, este tiempo de training fue fundamental para mi crecimiento y maduración como arquitecta; es un proceso que calificaría como divertido, pues creo que siempre que haces lo que te gusta es mucho más fácil prosperar en una vocación”. “Siento y estoy plenamente convencida de que cada día sigo aprendiendo algo diferente; cada proyecto es distinto, es un nuevo reto que combina muchos factores: lugar, tipología, materiales, presupuesto y necesidades del cliente, todo lo cual va generando más experiencia cada vez, desde los equipos de trabajo hasta la manera de ejecutar el proyecto en sí mismo. Sin duda, las condiciones pueden ser variables, desde el arran-

que de tener una hoja en blanco y generar una idea hasta su desarrollo y finalmente llevarla a la conclusión y ver realizado un objetivo después de todo un largo proceso de trabajo”. Vieyra hace hincapié en que desde su primer trabajo tuvo la suerte de enriquecer su experiencia a través de la conexión directa con los clientes, los proveedores y con la obra en sí misma. “Desde el principio entendí que hacer arquitectura no es nada más dibujar un proyecto sino que implica crearlo, presentarlo, cotizarlo y argumentar que sea viable y construible. Afortunadamente esa parte del entrenamiento la conocí desde muy joven y eso me permitió entender la importancia de los procesos. Me di cuenta de que ‘ser arquitecto’ también exige un poco de psicología, de tener temple para manejar el estrés, de saber trabajar bajo presión y de cumplir tiempos y metas en fechas de entrega para que las cosas sucedan como tienen que ser”.

En Casa Mozoquila, la vegetación endémica integra la construcción a su entorno. Para su ejecución usa materiales locales como la piedra volcánica en los muros.

ENFOQUE

Foto Jaime Navarro

ENFOQUE

En Casa TF7, la intervenciรณn complementa el proyecto arquitectรณnico por medio de la elecciรณn de materiales, colores, acabados y texturas.

ENFOQUE

“Sí creo que la experiencia te va dando credibilidad –enfatiza Vieyra–. Con el paso de los años vas aprendiendo lo que sí y no debes decir para vender un proyecto. Muy al principio tienes que ensayar esos argumentos, un poco porque eres novato y porque en el approach con un cliente te quieres mostrar con más experiencia de la que en realidad tienes. Es algo más estudiado que, con el paso del tiempo, se vuelve una experiencia neta y realmente ya hablas por lo que has vivido; ya sabes en qué parte del proceso te equivocaste y qué no vuelves a hacer, hay una curva de aprendizaje que expresas tal cual es”.

Foto Jaime Navarro

CLIENTE Y PROYECTOS ATÍPICOS Vieyra considera que cada proyecto tiene muchos factores que lo van definiendo como experiencia: tipología, la ubicación, el cliente etc., siendo este último uno de los eslabones más importantes de la cadena. “Por lo regular sí creo que debe de haber una química con el cliente con quien vas a trabajar, pues hablamos de procesos largos en los que las relaciones humanas se vuelven muy estrechas. Sí hay clientes más difíciles que otros y eso también define la experiencia del proyecto; en mi caso puedo decir que la mayoría de las veces acabo forjando una amistad; mis

clientes vienen al despacho y pasamos largas horas en juntas de trabajo, platicando y definiendo desde la selección y uso de materiales hasta temas de presupuesto, proveedores, accesorios, mobiliario etc., todo lo cual al final se convierte en una interacción muy interesante”. En cuanto al tipo de proyectos, Lorena explica que le gustan aquellos que le representan un reto y que la saquen de su zona de confort. “Hay proyectos que de pronto son distintos a lo que has hecho, que son temas que no conoces y que tienes que estudiar para entender. Por ejemplo, lo que hicimos en la planta de la zona industrial de Ocoyoacac en el Estado de México fue algo atípico, un tipo de proyecto que no había hecho antes y que requirió de que comprendiera cómo funciona un laboratorio para una fábrica. Este tipo de propuestas representan un reto y eso me gusta; también cuando están en lugares muy específicos y distintos como una playa, en donde los materiales incluso reaccionan distinto en comparación con un lugar con las condiciones con las que estás acostumbrado a trabajar”. Al respecto, la arquitecta agrega que ha tenido cierta incursión en el tema de la hotelería, pero que aún no ha logrado entrar a full en ese tipo de proyectos que le gustaría realizar y serían muy enriquecedores en su trayectoria.

Departamento VO es un proyecto de remodelación arquitectónica, interiorismo y diseño de mobiliario.

ENFOQUE

Foto Jaime Navarro

PJ Parque es la remodelaciĂłn de un PH con terraza-jardĂn en Cumbres de Santa Fe.

ENFOQUE

La planta de Doxsteelfasteners manufacturing en el estado de México integra espacios de oficinas y áreas necesarias para producción y almacenaje.

EL LEGADO DE LA EXPERIENCIA Cuando Lorena Vieyra fundó su propio despacho de arquitectura en el 2007, ya había trabajado para Grupo Diarq mientras estudiaba su carrera en la Universidad Iberoamericana; también ya había colaborado en Milán con Atelier Mendini. Esa etapa fue decisiva para forjar su identidad como arquitecta. “En mi familia no había arquitectos –insiste–, ahora ya tengo varios seguidores (sobrinos y sobrinas) que están estudiando arquitectura y espero dejar una huella en esas próximas generaciones. Mi mayor satisfacción es saber que lo que he hecho resulta inspirador para alguien y que eso se ha contagiado; creo que cuando ven lo que haces y la manera en que lo haces, transmites mucho de tu personalidad”. En su opinión, la arquitectura es una disciplina de mucho aprendizaje y de paciencia. “Las nue-

vas generaciones son muy impulsivas y se dejan llevar por una necesidad inmediata de querer demostrar lo que creen que ya saben, cuando la realidad es que se invierte un buen tiempo en absorber todo lo que puedas hasta el momento en que estás listo para demostrar lo que eres. De repente es válido ser arrogante, a mí también me pasó al inicio de la carrera cuando pretendía hacer proyectos sola y no quería colaborar con alguien. Fue la etapa en que trabajé fuera de México un par de años y que pude ver el proceso de los grandes despachos; regresé y me dije: no sé nada, necesito estructura, necesito aprender más. Si quería integrar un equipo y fundar mi propio despacho debía tener la humildad de tomarme un tiempo para absorber información”. Lorena sugiere que además de la experiencia laboral y académica, la arquitectura también se

complementa con experiencias de vida. “Apoyo mucho la inquietud de ir aquí y allá; es importante salir, conocer, interactuar; creo que gran parte del aprendizaje está en ver lo que está pasando afuera de nuestro círculo, de observar qué se hace y cómo se hace; es algo que agrega valor a las experiencias que vas recogiendo. A veces piensas que se te ocurrió algo, pero indirecta e inconscientemente lo guardas de donde vas y lo traduces en tu experiencia”, dice la arquitecta a quien le apasiona viajar por el mundo cada vez que tiene la oportunidad. Cuenta que como experiencia de vida recientemente hizo un viaje a la India: “Culturalmente cuando llegas a una ciudad europea como Milán en Italia, uno se topa con un bombardeo de arquitectura y de diseño; es tanto lo que miras alrededor que quizá llega un momento en el que te saturas y ya no quieres

ENFOQUE

Foto Jaime Navarro

Aprendizaje y paciencia han sido clave en la experiencia del despacho.

El edificio original constaba de una nave con techumbre de lĂĄmina a dos aguas. A este le acompaĂąaba un volumen sin carĂĄcter industrial de dos niveles que funcionaba como oficinas y laboratorio.

ENFOQUE

"Ser arquitecto exige un poco de psicología, temple para el estrés y mucha disciplina para cumplir los tiempos en los procesos".

En Conjunto BRH, la arquitectura de las casas se basa en la búsqueda de espacios fluidos, en donde la integración del espacio interior-exterior es fundamental.

Fotos Rafael Gamo

ENFOQUE

Una construcción donde el ahorro energético es el enfoque principal, usando materiales locales, paneles solares, sistema de recirculación de agua caliente, uso de fachadas ventiladas, entre otros sistemas de sustentabilidad.

ver nada más. En la India es algo completamente distinto, es como un reset de cómo volver a lo básico; aprendes lo necesario, a regresar a la esencia y a retomar el equilibrio, lo cual te enseña a partir de cero y a generar un punto de partida cuando estás abrumado”. CULTURA, HISTORIA Y MATERIALES En ese contexto y hablando de México como un lienzo para proyectar y diseñar, la joven arquitecta e interiorista considera que nuestro país es un lugar privilegiado, donde se puede crear y proponer mucho a diferencia de otros lugares. “Tenemos una mano de obra maravillosa, cultura, historia, materiales, un clima envidiable y muchas condiciones favorables que abren un campo para diseñar muy amplio. Incluso las dimensiones de los espacios tienen un plus; en Europa, por ejemplo, el común denominador es diseñar casas de 50 m2 y aquí tenemos una libertad espacial más

grande. Eso nos da una flexibilidad para proponer y hacer cosas que allá no serían viables”. En cuanto a límites o diferencias por temas de género, Lorena confiesa que nunca se ha sentido intimidada por ese tipo de cuestiones. “En mi experiencia personal, cuando empecé la carrera éramos mitad mujeres y mitad hombres, y creo que ahora la proporción femenina es mucho mayor. Por naturaleza, nosotras –como mujeres– somos más aguerridas, más sensibles y tenemos un poco más de paciencia para escuchar y comprender situaciones, como la manera en que se habita y se vive una casa. Somos capaces de ser madres y esa experiencia de vida nos permite entender mejor ciertas necesidades en un espacio. Claro que siempre debemos tener muy claras las prioridades y la distribución de nuestros tiempos para delegar actividades y no perder la individualidad que nos caracteriza”, concluye. www.vieyrarquitectos.com

presentado por

ENTREVISTA

Absoluto amor por los procesos

“No necesito mostrar mis bocetos, lo que quiero enseñar es la destreza manual de quienes producen mis diseños” —SEBASTIAN HERKNER. Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada París

Retrato Andres Valbuena / Foto coresía Pulpo

Lámpara Stellar Grape, diseñada por Herkner para la línea de iluminación de la marca Pulpo.

ENTREVISTA

Para la silla Mbrace de la marca Dedon, artesanos en Cebu, Filipinas, dedican cuatro días al tejido del asiento.

La mesa Bell, diseñada en el 2012 para Classicon, es manufacturada por el taller de vidrio bávaro Von Poschinger.

ORIGINARIO de Bad Mergentheim, Alemania, Sebastian Herkner fue nombrado diseñador del año por la organización de Maison & Objet durante la edición de enero pasado. Precisamente en la exposición dedicada a su trabajo, él nos recibió para conversar sobre sus pasiones, su filosofía del diseño y la importancia de celebrar a las manos detrás de la materialización de sus diseños. Herkner compartió: “Me siento honrado de este nombramiento, dentro de la exposición dedicada a mi estudio quise mostrar nuestra filosofía con nuestros diseños, desde los primeros hasta proyectos recién lanzados, en conjunto todos comparten procesos hechos a mano combinados con tecnología, color y buenos materiales, esto realmente es mi filosofía de trabajo. Cuando empiezo a trabajar en una idea, lo hago en talleres donde se realizan proyectos de muy buena calidad, para que con algo de suerte acompañen a su usuario final.” Después de estudiar Diseño de Producto en la Universidad de Arte y Diseño de Offenbach, Sebastian comenzó a trabajar por su cuenta, centrándose en el diseño de objetos y mobiliario, actualmente su estudio está conformado por cinco personas, siempre con la idea de crear sus propios proyectos. “El diseño es la única manera en la que puedo expresarme, para M&O quise mostrar lo que hay detrás de cada objeto porque generalmente lo que se ve es la marca o el nombre del diseñador, pero detrás de ello hay personas sumamente talentosas y ellos son los que hacen el trabajo real”, confiesa el diseñador. Como ejemplo, hablamos de la mesa Bell, diseñada en el año 2012 para Classicon, que es manufacturada por el taller de vidrio bávaro Von Poschinger. Herkner, con mucha pasión en su mirada contó: “hicimos un video en el que enfocamos el rostro de los artesanos, en él puedes ver la concentración, el conocimiento, el sudor, el poder en sus ojos, porque ellos son quienes toman mis bocetos e ideas para transformarlas en objetos.” Además, Herkner salta de un material a otro con facilidad, entre sus proyectos podemos ver vidrio, cerámica, ratán o metales, al respecto contó: “Los talleres con los que trabajo tienen expertos, al principio de cada proyecto los visito para entender cómo trabajan el material, le dan forma o lo colorean, eso me inspira, muchos de mis proyectos están impulsados desde sus técnicas. Se trata de observar los métodos de producción y comenzar un diálogo con quienes los llevan a cabo, siempre desde el respeto por su trabajo, aprecio mucho a la gente que trabaja conmigo.” Recientemente, Herkner llevó a cabo un proyecto para la marca Ames que requirió un viaje a Colombia, ya que está hecho con técnicas artesanales del país latinoamericano. De su

Foto M&O / Foto cor tesía Studio Sebastian Herkner

ENTREVISTA

Durante Maison & Objet, Herkner presentó los procesos que se llevan a cabo en sus diseños, para mostrar la pasión y destreza que cada uno requiere.

experiencia, él rescata: “Algunas veces absorbo cosas que no están completamente conectadas con el diseño, lo que observé allá es que nuestro mundo occidental ha perdido valores, de alguna manera hemos olvidado la satisfacción que nos dan las cosas simples, como compartir, el tiempo o el trabajo. Nosotros hemos descuidado eso por nuestras conexiones digitales, ahora compramos algo por internet y si de alguna manera no nos gusta, simplemente lo devolvemos”. Sebastian reconoce que al principio de su práctica como diseñador nadie lo conocía y que actualmente puede aprovechar su popularidad para generar un impacto positivo. “Ahora, de alguna manera puedo hablar de sustentabilidad y responsabilidad, porque como diseñador soy responsable de los objetos que diseño, de los materiales que propongo, de los lugares en los que se producen. Por ejemplo, la silla Mbrace es de una marca alemana, pero las hacen en Cebú, Filipinas. El tejido del asiento es un trabajo que toma cuatro días en completarse, algunos piensan que es impresión digital o que está tejida por una máquina, pero en realidad está hecha a mano, quienes las tejen tienen pasión por su trabajo, tienen destreza. Pienso que debemos entender eso y ser respetuosos de los procesos necesarios para producir un objeto, de sus conexiones culturales, es importante y socialmente sustentable reconocer su valor y preservarlo. Entonces, nuestra generación debería tener la curiosidad y la mente abierta a proyectos interculturales, desde un enfoque muy humano”. www.sebastianherkner.com

Fondo: Detalle de la mesa Pastille para Edition Van Treeck Silla Maraca, diseñada para la marca Ames.

ENTREVISTA

Obsesión es investigar a fondo “Muchos de mis proyectos existen porque nadie antes los había hecho y realmente quería que existieran, así que tuve que hacerlos yo mismo”. —GARY HUSTWIT Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN

Gary Hustwit utiliza la cámara para explorar sus obsesiones; así puede investigar, profundizar y hablar con personajes que admira, sobre su filosofía o sus estrategias y aprender de ello.

CELEBRANDO la proyección de Rams, documental dedicado al diseñador alemán Dieter Rams, tuvimos una entrevista con el cineasta neoyorquino y fotógrafo independiente Gary Hustwit, en las oficinas de 23 Design. Antes de presentar su filme en una sesión íntima, le preguntamos a Hustwit cómo es que había iniciado su camino como cineasta del diseño: “Creo que antes era un simple espectador del diseño, nunca tuve un entrenamiento formal como diseñador, de alguna forma entiendo de diseño gráfico porque fui autodidacta, siempre me interesó el diseño gráfico y los libros de publicidad; aunque me interesaba nunca fui un profesional del diseño. Sin embargo, desde ese interés quería ver filmes de diseño, tampoco estudié formalmente para ser cineasta, pero tenía una buena cantidad de proyectos independientes en música o en medios, así que no me importaba si no sabía cómo hacer algo, si lo quería hacer, aprendía a hacerlo y lo hacía. Es un poco lo que ya he hecho con mis otros proyectos, esta especie de estética DIY que aprendí de las disqueras punk. Lo que realmente quería era ver películas sobre diseño cuando todavía no existían”. Después de debutar como director en 2007, con Helvetica, el primer largometraje documental en el mundo sobre diseño tipográfico, Gary comenzó una trilogía de documentales sobre diseño, incluyendo Objectified (2009) y Urbanized (2011) para después continuar con otros filmes, el más reciente es Rams, en el que se incluye música original de Brian Eno. La selección sobre estos temas no es deliberada, ya que dependen de la visión de Gary: “creo que estoy obsesionado con las cosas que nos rodean, la manera en la que las ciudades o los objetos están

Fotos cor tesĂa 23 Design

ENTREVISTA

Durante la grabaciĂłn de Rams, Gary Hustwit quizo retratar la personalidad de Dieter Rams, contar algo que no puede encontrarse en los libros que ya existen.

ENTREVISTA

Dieter Rams visitó el Museo Vitra durante la producción de Rams, ahí se dedicó a analizar el mobiliario que forma parte de la exposición permanente del recinto.

diseñados y me cuestiono ¿por qué los hicieron así?, ¿podría ser diferente?, ¿podría ser de otro material? Hacer películas sobre esto me hace investigar y explorar mis obsesiones profundamente, así puedo hablar con los diseñadores, sobre su filosofía o sus estrategias y aprender de ello. Me fascinan las cámaras, la fotografía, los cineastas, así que utilizo mis obsesiones para elegir los temas que quiero explorar en mis documentales y así me ocurrió con Rams, ¿por qué a pesar de ser un diseñador tan influyente nadie había hecho una película sobre él o sobre su trabajo? Además de ser un diseñador de nuestro tiempo, tiene ideas sobre sustentabilidad, consumo y buen diseño que son vigentes. En realidad, él no quería hacer el filme, cuida su privacidad y para mí esto fue un reto, como muchos de mis proyectos, en el caso de Dieter quise mostrar información que no puedes encontrar en otros lados, hablar más de su personalidad.” La naturaleza del cine documental es dejar ir mucho del contenido que no saldrá en pantalla, al respecto Gary comenta: “Tienes que estar cómodo con la idea de que el 99% de contenido no estará en el corte final, entonces te puedes enfocar en lo que sí puedes mostrar en el filme o en otros medios, como un libro. Por alguna razón algunos creen que los documentales están para dar una lección, pero eso no importa, lo que importa es experimentar el filme y los temas que toca, analizar lo que te hace pensar, poner a funcionar tu cerebro para sacar tus propias conclusiones y entonces aportar tus propias ideas y obsesionarte con ellas.” www.hustwit.com

"Estoy obsesionado con las cosas que nos rodean, la manera en la que están diseñadas".

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Creatividad sobre la mesa Pasión y sinergia entre diseñadores, artistas y artesanos es fundamental para el trabajo de Anfora Studio.

Foto cor tesía Anfora Studio / Retrato Gerardo Sandoval

Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN

La última colección de vajillas intervenidas fue presentada en la pasada edición de Zsona Maco, entre los creativos que las intervinieron se encuentran ilustradores, diseñadores de moda y artistas plásticos.

ENTREVISTA

PREVIO al lanzamiento de la nueva colección de vajillas intervenidas de Anfora Studio y adelantándose a la inauguración de su nuevo espacio en la Ciudad de México, conversamos con Rodrigo Noriega y Hans Kritzler sobre la colección 2019, intervenida por Alexis Mata "Ciler", Kris Goyri, Teddy Kelly, Rocca Luis César, Fabiola Tanus, Anuar Layón y Vero Villareal, quienes son artistas plásticos, diseñadores de moda o ilustradores, que comparten una conexión con México, ya sea porque son originarios de nuestro país o han vivido en él. Todos ellos fueron invitados a intervenir la esperada vajilla que fue lanzada durante la edición pasada de Zsona Maco. Al respecto, Hans comparte: “para seleccionar a los creativos tenemos lineamientos muy básicos: se trata de gente joven, con mucho talento, una carrera reconocida y sobre todo que puedan aportar algo diferente en la intervención de la cerámica”. Rodrigo, además de ocupar estos criterios, añade: “nos gusta invitar a aquellos que no tienen una experiencia previa con el trabajo en cerámica porque ¿cuándo ibas a imaginar que, por ejemplo, Kris Goyri, diseñador de alta costura, iba a hacer una vajilla? Es una oportunidad increíble para ellos y para nosotros”. Si bien una vajilla es una pieza cotidiana en cualquier mesa, el esfuerzo de Anfora radica en embellecer y realzar la presentación de la comida y para este tipo de series limitadas, Anfora Studio ayuda a que los artistas encuentren un nuevo medio y puedan experimentar y romper con la idea de que un plato tiene que ser blanco. Además de realizar las colaboraciones en vajillas, Anfora Studio experimenta con diseños especiales y materiales, “vemos un poco de pastas, esmaltes, trabajamos experimentaciones con las vajillas o hacemos esculturas. Estos tres años que he trabajado en Anfora Studio me he divertido muchísimo y he aprendido junto con la gente que trabaja en la fábrica a desarrollar proyectos”, comenta Noriega. La planta de Anfora está integrada por 800 trabajadores entre los que destaca un grupo de más de 30 trabajadores con capacidades diferentes, quienes forman parte de un programa de inserción laboral, algunos son invidentes y ellos son los encargados del control de calidad, supervisando las piezas cerámicas

Vajilla intervenida por el artista mexicano Alexis Mata "Ciler".

a través del tacto. Dicho cuerpo laboral inspiró a Rodrigo para hacer el proyecto Gratitud, presentado en Design Week México en octubre pasado. Al respecto comentó: “somos una empresa incluyente y con tantas visitas en la planta me di cuenta de que estaban estas personas que inspiran, lo que hicimos fue escanear sus manos diciendo diferentes palabras y esos movimientos los tradujimos en jarrones que hicimos con una pasta reciclada, el resultado es una especie de terrazo cerámico. Este proyecto es una manera de expresar el trabajo en equipo que está detrás de cada pieza cerámica”. “Tratamos que la gente que trabaja la cerámica tenga orgullo de formar parte de la planta, adhiriéndolo al orgullo de lo hecho en México, porque las manos mexicanas pueden hacer algo muy interesante si juntamos el talento del maestro ceramista, el talento del diseñador o del artista con la destreza de quien opera los tornos y quien se ensucia las manos con los materiales cerámicos”, dice Hans. Aprovechando la ocasión, Rodrigo también platicó de las intenciones que tiene Anfora Studio con su nueva ubicación en la colonia Doctores de la CDMX: “En este espacio vamos a experimentar con esmaltes, a hacer series más pequeñas, tener residencias y alojar el trabajo de nuevos artistas, chefs y hoteles”. www.anforastudio.com

"Nos gusta invitar a aquellos que no tienen una experiencia previa en el trabajo con cerámica": Rodrigo Noriega

Alessandro Mendini viviĂł la arquitectura y el diseĂąo con el sello de su estilo personal. Sus postulados agregaron un valor fundamental al movimiento posmoderno surgido en los aĂąos 70 a travĂŠs de una mezcla de formas, materiales y colores.

PERFILES

Figura icónica del diseño Con creaciones disruptivas y una filosofía radical, ALESSANDRO MENDINI deja una huella indeleble para las siguientes generaciones. Texto SAMUEL RODRÍGUEZ

Ilustración ENTRE LÍNEAS

PEQUEÑO Y DELGADO, Alessandro Mendini no se caracterizó por la arrogancia de los hombres exitosos o, al menos, lo supo disimular muy bien, según cuentan quienes lo conocieron y trabajaron con él en su taller hasta el último día de su vida. De su legado cabe destacar la dimensión humanista, que lo llevó no sólo a proyectar productos y edificios icónicos en el mundo sino también a contribuir en el terreno de lo teórico desde las distintas revistas especializadas en las que colaboró, como Casabella, Modo y Domus. Integrante del movimiento italiano Radical Design, sus diseños son una síntesis de distintas expresiones culturales. En 1979, se incorporó al Studio Alchimia –fundado por el arquitecto Alessandro Guerriero–, en donde se dio a la tarea de abordar los proyectos como piezas escultóricas no orientadas al consumidor o a su uso, sino a una vocación estética. Y seguramente éste será el principal factor disruptivo de la obra de Mendini: tanto abordando piezas gráficas como de mobiliario, arquitectura o interiores, sus obras son el resultado de una exaltación estética que tiene al objeto funcional sólo como soporte estructural. En alguna ocasión no dudó en mostrar su pesimismo sobre el futuro del diseño industrial aunque en lo personal siempre fue muy crítico con su obra: "Todos cometemos errores" – decía–, remarcando su ferviente creencia de que las sociedades caminaban cada vez más hacia los objetos artesanos y antropológicos. Cuando le preguntaban si en su casa vivía rodeado de objetos de diseño, su respuesta era divertida y simple: "Es

como un gran almacén lleno de cosas, generalmente prototipos sobre los que estoy trabajando. Mi padre era coleccionista de muebles antiguos y siguiendo su ejemplo es que mi casa se ha transformado en una especie de desván al que los niños tienen prohibido entrar". Con esa sencillez irónicamente crítica, vivía el diseño, una disciplina que consideraba sería menos violenta en este milenio. "Espero que haya menos guerras, menos diferencias sociales, y, por tanto, los objetos sean menos agresivos y más tranquilos. Ahora mismo hay un gran interés por el mundo étnico y el resultado de esto es que las culturas pequeñas son cada vez más grandes. Esto es positivo, aunque rebaja la importancia del diseño industrial en favor del artesanal", remarcaba el ferviente admirador de la Bauhaus y de William Morris, de todos aquellos que cuestionaban su entorno y transformaban la técnica. "Mis maestros están más en el campo de la filosofía o de la pintura. Para mí un objeto es como una novela visual". Tristemente, Milán vistió de luto y dio su último adiós al padre del diseño italiano y precursor del design art. Alessandro Mendini falleció el 18 de febrero pasado en su ciudad natal a la edad de 87 años de edad; el mundo despertó con noticias trágicas y seguramente tardará en reponerse a esta pérdida, pues no será fácil compensar la presencia de su genio y figura en el mundo de la arquitectura y el diseño.

Lejos de ser Milan Design apropia de inundando el mundo Textos ITAYEDZIN ARAGÓN Curaduría ITAYEDZIN ARAGÓN Y SANDRA MONTIEL

sólo una feria, Week se la ciudad, creativamente entero.

Foto ©EOOS

FLUJOS CIRCULARES: LA REVOLUCIÓN DE LOS INODOROS | EOOS + LAUFEN La contaminación del agua por nitrógeno es uno de los problemas ambientales más apremiantes y desconocidos de nuestro tiempo, por ello el estudio austriaco EOOS ha desarrollado un prototipo de inodoro para la separación de orina que ofrece una solución para combatir el problema del nitrógeno. La contribución, encargada por el MAK (Museo de Artes Aplicadas de Viena) y financiada por la Cancillería Federal de Austria, se muestra dentro de la XXII Triennale di Milano desde el 1º de marzo y hasta el 31 de agosto de este año, integrándose a una instalación multimedia que ilustra la interacción ecológica de las aguas costeras, los sistemas de alcantarillado y la agricultura. www.eoos.com www.laufen.com

Pezo von Ellrichshausen, Echo Perspective 03

PABELLÓN ECO | PEZO VON E LLRICHSHAUSEN En el Opus 5 de Litta Variations se reunirán proyectos y colecciones provenientes de once países bajo la curaduría de Mosca Partners, quienes comisionaron al estudio de arquitectura chileno Pezo von Ellrichshausen para desarrollar la instalación en el patio central del Palacio Litta, donde se fusiona el interior con el exterior a través de una misteriosa estructura cubierta de espejo que reflejará las columnas barrocas del palacio, en contraste, el interior revelará el cielo. El resultado de esta exploración es la definición de la arquitectura percibida como una experiencia compartida y reflexiva, al mismo tiempo que se impone y se sumerge en el entorno, cruzando los límites espaciales del Palazzo y los límites temporales de la Milan Design Week. www.moscapartners.it www.pezo.cl

CAFÉ POPULAR | LAMBERT & FILS + DWA DESIGN STUDIO Durante seis días, un café conceptual servirá en una gran mesa a diseñadores, artistas y curiosos. El concepto del Caffè Populaire es convertir los valores de la marca de luminarias y el estudio de diseño en una colaboración para crear encuentros humanos generosos durante la experiencia cotidiana que es comer. Una reunión armoniosa de materiales, personas y espacio. Un lugar en el que los visitantes sean dóciles por el grandioso lugar y por los materiales crudos pero refinados que estén presentes. Después de todo, la comida es la forma más antigua de socializar, el café lejos de ser una pared para fotografiar selfies es, en cierto modo, una actividad antidigital. www.caffepopulaire.com www.lambertetfils.com www.dw-a.it

PREVIEW SALONE

Fotos cor tesía Lambert & Fils + DWA / cor tesía Preciosa

CARRUSEL DE LUZ | PRECIOSA Para Euroluce 2019, la marca checa mostrará sus diseños de luminarias en una instalación interactiva. Para expresar su visión de conectar a las personas a través de la luz, los visitantes tendrán acceso a un conjunto de cuatro instalaciones de las que destacamos Carousel of Light, donde se enfatiza la idea de la alegría luminosa. El recorrido iniciará con una cortina de perlas, cuyas luces de colores servirán como guía hasta llegar al carrusel, cuya plataforma girará para que los espectadores disfruten una instalación de ocho mil esferas en tonos opalescentes, ambarinos, transparentes y rosados que estarán dispuestos en un área de ocho metros de diámetro. www.preciosalighting.com

ROMPECORAZONES | JOHANNES TORPE + MOROSO Dentro del Salone del Mobile 2019, Moroso tendrá un espacio nuevamente creado por Patricia Urquiola, donde se exhibirán lanzamientos como el del sofá Heartbreaker, diseñado por el danés Johannes Torpe, quien combina formas claras con soluciones de diseño lúdicas y ligeramente provocativas, nunca predecibles. El sello estilístico del sofá reside en el diseño de los apoyabrazos, que representan las mitades de un corazón, o un corazón roto, y que se combinan caprichosamente para formar un corazón lleno cuando los sofás se colocan uno al lado del otro.

Foto cor tesía Moroso

www.johannestorpe.com www.moroso.it

PREVIEW SALONE

PLANETARIO | CRISTINA CELESTINO + BESANA CARPET LAB La diseñadora italiana presentará un proyecto de interiorismo, bajo un concepto retrofuturista, que incluye una nueva colección de alfombras inspiradas en temas espaciales y en su antítesis: el mundo submarino; diseñadas por Cristina y elaboradas por Besana Carpet Lab, fabricante innovador en el sector de tapetes. La iluminación será de Esperia, una marca histórica que forma parte de la excelencia italiana y que se mueve entre el diseño y la artesanía. Entre las esculturas luminosas de la marca, destacarán dos nuevas piezas de Cristina Celestino para la ocasión. La presentación se llevará a cabo en Brera, el famoso distrito de diseño en Milán.

Cortesía Besana Carpet Lab

www.besanamoquette.com www.cristinacelestino.com

TIERRA | MASQUESPACIO & POGGI UGO Bajo la curaduría de Valentina Gudi Ottobri, la agencia de diseño española Masquespacio trabajó de la mano con Poggi Ugo, una marca que produce piezas de terracota proveniente de la región de Impruneta. Juntos, presentarán Land, una instalación que celebra los 100 años de Poggi Ugo, en ella se explorarán nuevas visiones estéticas relacionadas con la terracota. El propósito es estimular la reflexión en torno a los espacios y sus múltiples posibilidades de habitabilidad e interpretación con una colección de 19 nuevas creaciones en las que se estudian los cambios geográficos físicos y culturales haciendo referencia a los tropicales años 50 de Brasil, La Habana y California y al posmodernismo italiano de los 70. www.masquespacio.com www.poggiugo.it

La conocida empresa estadounidense de desarrollo de materiales 3M presentará una instalación basada en cómo la curiosidad y la capacidad de asombro sirven como motor para la innovación, en ella se celebrará la naturaleza para inspirar soluciones significativas y sostenibles; desarrollada en colaboración entre el equipo global de diseño de 3M y el renombrado estudio de arquitectura Matteo Thun & Partners, con sede en Milán. Los visitantes serán invitados a entrar en una experiencia caleidoscópica y colorida inspirada en la mariposa azul, que representará el poder de la innovación, ubicada en Superstudio Piú. www.3m.com www.matteothun.com

Foto cor tesía Poggi Ugo / cortesía 3M

PINÁCULO DE REFLEXIONES | MATTEO THUN & PARTNERS + 3M

PREVIEW SALONE

DERRETIR | NENDO + WONDERGLASS La colección de mobiliario Melt, nació de la inspiración de Oki Sato, director del estudio Nendo, gracias al trabajo de los artesanos expertos en el vidrio fundido de Wonderglass. El proceso de las piezas es único y complejo, con la intención de que fuese el material lo que dirigiera el proceso de diseño, Oki Sato propuso un método en el que se colocaron láminas de vidrio caliente sobre tubos de acero; gracias al mismo peso del material, las cortinas naturales de vidrio iban tomando forma, un concepto que fue un desafío para los artesanos quienes debieron medir el tiempo y temperatura exactos para obtener el resultado que el diseñador planeó.

Foto Akihiro Yoshida, cor tesía Nendo

www.nendo.jp www.wonderglass.com

PREVIEW SALONE

MAREA | NOROO, KWANGHO LEE Y WANG & SÖDERSTRÖM El futuro del diseño se acerca a la naturaleza. Las formas, los materiales y sobre todo el color se funde con ella y marca una tendencia; algo que la compañía coreana Noroo sabe muy bien. Para su presentación en Ventura Centrale, Noroo creará una exposición interactiva en colaboración con los artistas Kwangho Lee y Wang & Söderström. Tides Maree, una exhibición que interpretará artísticamente el color del futuro; un tono fluido que cambia según los caprichos de la naturaleza, el movimiento del sol, la luna y la tierra. La tendencia en color se representará a través de la serie de taburetes The Moment of Eclipse creado por Kwangho y un paisaje onírico que transportará al interior de un eclipse solar realizado por Wang & Söderström. www.norooholdings.com www.kwangholee.com www.wangsoderstrom.com

Foto Selfridges por Wang & Söderström

HABITACIONES OCULTAS | JOHN PAWSON, PIERO LISSONI & ELISA OSSINO + SALVATORI Una instalación inmersiva de objetos y accesorios para el hogar será presentada en el showroom de Salvatori en Brera. Los ambientes diseñados por Elisa Ossina serán presentados en una serie de salas para descubrir en una secuencia sorprendente, alternando varios tipos, texturas y diseños de la piedra natural de Salvatori. A medida que el visitante recorra las serpenteantes galerías descubrirá ambientes ocultos: una pequeña cámara de ilusiones ópticas multiplicadas en reflejos espejados, un gran mural en bajorrelieve de figuras geométricas tratadas con diferentes variedades y pesos de mármol, además de objetos diseñados por John Pawson y Piero Lissoni.

Ilustración por Federico Babina, cortesía Salvatori

www.elisaossino.it www.johnpawson.com www.lissoniassociati.com www.salvatori.it

Menaje e interiorismo

En propuestas de mobiliario, los diseños de Umage se inspiran en el paisaje urbano y la naturaleza como la lámpara de la colección Acorn.

Foto cor tesía de las marcaas y Ambiente 2019

Texto MARTHA LYDIA ANAYA, enviada Frankfur t

FERIAS

Ambiente 2019 es un punto de encuentro comercial para la industria de bienes de consumo. Esta edición invita a conocer la filosofía de la India, que nos enseña a revalorar la belleza de lo hecho a mano.

MESSE FRANKFURT, uno de los recintos más grandes e imponentes de Alemania, enmarca la edición más internacional de todos los tiempos de Ambiente 2019, una de las ferias más destacadas y antiguas en la industria de bienes de consumo que, a la vez, actúa como un barómetro de tendencias y una plataforma creativa de diseño. Se organiza en distintas áreas, las cuales recorrimos entusiasmados en busca de las piezas perfectas: Dining se centra en el mundo de la mesa, la cocina y los complementos del hogar; Giving ofrece innumerables posibilidades de artículos para regalar, desde lo más tradicional hasta lo más innovador, y Living se enfoca en el mundo del hogar con propuestas de decoración e interiorismo de todo tipo. Curiosamente, aquí descubrimos objetos fantásticos, tanto de interior como de exterior, para cada estación del año y con opciones diversas para adaptarlas a un estilo de vida contemporáneo. La sección Talents nos llamó mucho la atención, pues ahí exponen el trabajo de jóvenes diseñadores que proponen interesantes piezas de diseño, como la mexicana Melissa Ávila con Proyecto M.A y su propuesta de objetos hechos por artesanos de Oaxaca; ella fue la única mexicana que presentó su trabajo junto a diseñadores de República Checa, Alemania, Suiza, Italia, Japón, Rusia, India y Polonia, entre otros países. Creo que se necesitarían más de los cinco días que, por lo general, dura la feria –puesta en el calendario anual durante las primeras semanas de cada mes de febrero– para recorrer a detalle cada uno de sus pabellones. Tan sólo en esta ocasión, se sumaron 4,451 expositores de 92 países, los cuales ocuparon un área de de 308,000 m2 de exposición para mostrar sus nuevos desarrollos. Muchos de los stands contaron con productos eco-friendly y se diferenciaban por

Con la serie White Walkers, Maria Punkkinen propone en Ambiente 2019 una cerámica en sintonía con la sostenibilidad y ecología.

su sello distintivo, lo cual pone en evidencia la preferencia del mercado por los productos sostenibles y cómo el sector se adapta a esta nueva demanda. El país invitado: República de la India se lució en su presentación con una amplia gama de productos por parte de sus artesanos; además de un pabellón curado y diseñado por Ayush Kasliwal, ex alumno del Instituto Nacional de Diseño de la Universidad de Ahmedabad y uno de los pensadores, practicantes y más fervientes defensores del diseño de la India. Junto con su esposa arquitecta Geetanjali es director creativo y cofundador de AKFD & Anan Taya, una empresa con sede en Jaipur que trabaja desde la fabricación de pequeñas ediciones hasta pedidos a gran escala para interiores e instalaciones. Para él: “los objetos son mensajes que se materializan bajo formas físicas y maravillosas”. Otro de los diseñadores de la India que tuvimos la oportunidad de conocer fue Sandeep Sangaru; educador, empresario y un nómada por naturaleza, fue el encargado de diseñar El Café, un lugar donde los

FERIAS

visitantes encontramos momentos de paz y tranquilidad en medio del ajetreo y el bullicio de la feria. Para su presentación organizó un picnic bajo un dosel de estrellas, donde nos platicó sobre la importancia de la artesanía tradicional para la India haciendo especial énfasis en la comprensión de la mitología, arquitectura y cultura a través de la estética contemporánea. “Muchos de los ecosistemas artesanales de la India todavía existen y no han sido completamente abrumados por la masa industrial. India hace una gran variedad de productos hechos a mano y esto abre enormes oportunidades para el país”, explicó el diseñador, quien está convencido de que el futuro del diseño en el mundo está en la revalorización de la artesanía y los productos hechos a mano. El mundo se ha dejado impresionar por la producción en serie y se ha olvidado de apreciar lo artesanal, cuando este tipo de productos encierra historias maravillosas por su origen, valor cultural, patrimonial y ancestral. “Erróneamente estamos ignorando las historias detrás de cada pieza, el significado de sus grafismos, materias primas y destrezas de las técnicas. Creo que un artista y un artesano deberían ser reconocidos por igual. Los artesanos son artistas naturales y las artesanías son las primeras obras de arte del diseño. Resuelven las necesidades del vestido, el cobijo y piezas utilitarias que cuentan historias familiares y expresan cultura, identidad, riqueza y diversidad”, argumenta Sangaru. En los últimos años, Ambiente ha presentado a ocho países invitados; India es la segunda nación asiática convocada a participar, después de Japón. Con sus más de 1,300 millones de habitantes es un país que ofrece una diversidad incomparable, así como una cultura y tradición artesanal de gran riqueza para el mundo. No dudo que el tema que se prepara para la edición del 2020: “El mundo entero está presente en Ambiente” seguirá suscitando gran interés en la comunidad creativa y de negocios. El programa anticipa que se presentará una feria renovada. De lo que pudimos saber por anticipado: el área de Dining se ampliará por primera vez con un nivel propio para expositores del sector de hoteles, restaurantes y catering (HoReCa). Con este nuevo foro, la feria internacional para bienes de consumo reafirmará su posición como punto comercial para el sector. www.messefrankfur t.com www.ambiente.messefrankfur t.com

Foto cor tesía de las marcas y Ambiente 2019

Con Proyecto M.A, Melissa Ávila fue la única

mexicana que se presentó en Ambiente 2019.

FERIAS

De los nuevos talentos, la artista rusa Irina Razumovskaya sorprendió con su colección de recipientes Methamorphoses.

Fusion de Noé Duchaufour Lawrence hace que la sencillez de una lámpara de mesa se convierta en objeto de diseño.

Durante la feria, Casa Bugatti presentó Jacqueline, una jarra eléctrica inspirada en el estilo de Jackie Kennedy. Piezas de diseñador, como Ecrin de Sebastian Herkner, se exhibieron en el booth de Nude Glass.

ESPECIAL COLOR

El color como creador de experiencias sensoriales. Tonos vibrantes y relajantes para aquellos que habitan y hacen propios los espacios. Textos MARTHA LYDIA ANAYA Y SAMUEL RODRĂ?GUEZ

Foto Casa Blanca Fotografía

Refuse! Indoor Cycling, está inspirado en el Tour de France, la carrera ciclista más importante del mundo.

RUTINAS ENTRE COLOR REFUSE! INDOOR CYCLING | ESTUDIOFERNANDAOROZCO | JALISCO

ESPECIAL COLOR

Foto Casa Blanca Fotografía

EL SPINNING o indoor cycling es un sistema de ejercicios en bicicleta fija creado en 1987 por el ciclista sudafricano Jonathan Goldberg con el fin de evitar accidentes en entrenamientos de campo. En la década de los 90, éste se convirtió en uno de los deportes favoritos de la gente, gracias a sus múltiples beneficios físicos y a la facilidad de realizarlo. Con esta idea en mente, EstudioFernandaOrozco diseñó Refuse! Indoor Cycling, un estudio de spinning de 120 m2 –cercano al centro de Zapopan–, el cual está inspirado en el Tour de France, la carrera ciclista más importante del mundo. El proyecto se desarrolla en etapas, como la famosa carrera, a través de espacios amables y lúdicos que crean experiencias únicas con cada transición. La primer etapa: la recepción se viste en colores tenues y tonos pastel; es un entorno amigable que inspira confianza, invitando al usuario a participar en el ejercicio. Para la siguiente área que es la de preparación se eligieron colores más llama-

tivos en tonos más fuertes y carteles dinámicos y expresivos; esto con la intención de alistar al usuario física y mentalmente para un reto energético y motivacional de cardio, fuerza y resistencia. La etapa consecutiva es: challenge inside que es el estudio de spinning con un color azul marino en muros y pisos que ayudan a la concentración del deportista y a la regulación de la temperatura; lo interesante de este espacio es el manejo y juego de iluminación, la cual cambia de color, intensidad y dirección dependiendo de la rutina y música que la acompaña. El objetivo de este proyecto es traspasar los límites para no sólo motivar el movimiento físico del cuerpo a través del diseño de un espacio, sino también para despertar el entusiasmo intrínseco de hacer ejercicio y la satisfacción que esto le da a las personas de alcanzar metas y mejorar cada día. www.fernandaorozco.mx

NARRATIVA AUDAZ EN ROSA

Fotos Saurabh Suryan / Lokesh Dang

THE PINK ZEBRA | RENESA ARCHITECTURE DESIGN INTERIORS STUDIO | INDIA

A VECES, la arquitectura busca encontrar una armonía entre la desconexión del diseño y la gastronomía a través de una relación fenomenológica de marca. Este proyecto rompe la monotonía del estilo normal de la cultura gastronómica en Kanpur y crea una combinación de elementos arquitectónicos en el modo culinario. Esto se une a un pasado histórico relevante, pues pese a la extravagancia de la grandeza europea, no muchos saben lo importante que fue la ciudad de Cawnpore (ahora Kanpur) para la Corporación Británica de la India. La historia del diseño enfatiza un cambio importante a través de este espacio amalgamado entre lo antiguo con la peculiaridad del estilo art nouveau glitz (que se puede ver en toda la ciudad). Considerando estos elementos, su propósito es hablar de una arquitectura compleja y contradictoria basada en la riqueza y la ambigüedad de la experiencia antigua y moderna, incluida esa experiencia que es inherente al arte. La idea central

es crear un híbrido y dejar al visitante en medio de un mar artístico. Así, vemos reflejada la ideología de Wes Anderson y su amor por la extravagancia temerosa junto con los marcos construidos a lo largo de este espacio. La simetría extrema y las paletas de colores restringidas a menudo pueden dar la expresión de un mundo surrealista y autónomo, pero agrega un elemento extraño para romper esa monotonía de la ideología espacial de Anderson a través de las líneas de cebra en blanco y negro que se sumergen en un monótono tono rosado. En resumen: se trata de crear un estilo arquitectónico estético distinto que se conecte con la gente de la ciudad y se defienda mediante el uso de una paleta de colores llamativos. Con su diseño único de fachada crea un efecto eterno en los transeúntes y los invita a un mundo mágico, diseñado para impactar desde el primer momento. www.studiorenesa.com

ESPECIAL COLOR

NOSTALGIA EN VERDE PASTEL PV COOKROOM | UTKAN GUNERKAN | JALISCO

los domos y los patios. En este proyecto, la cocina y la sala conectan con todos los demás rincones de la casa; predomina un color verde pastel en muros y en mobiliario, dejando parte de las paredes y el techo en color blanco, además, el piso de madera brinda calidez y amplitud a un espacio pensado para la interacción y entretenimiento de sus habitantes. En el baño se repite el verde pastel acompañado de mosaicos color rosa-pastel intenso, creando una atmosféra fresca y ligera en un clima donde la temperatura mínima alcanza los 21 grados todo el año. El cobre toma un papel importante: los marcos de puertas y ventanas están revestidos con una placa delgada; en la cocina, la campana se suspende de una estructura de cobre que también funciona como repisa; en el baño, los lavabos, la regadera y otros detalles unifican cromáticamente todos los espacios. www.utkangunerkan.com

Fotos Utkan Gunerkan

CUANDO PENSAMOS en la cocina tradicional mexicana, viene a la mente un espacio amplio con una isla al centro rodeada de objetos de cobre, barro y madera. Esta fue la razón principal por la que el arquitecto turco, radicado en Italia, Utkan Gunerkan, decidió dar protagonismo a la cocina y a la sala, al remodelar una casa en Puerto Vallarta. El uso del concreto en la arquitectura moderna ha dejado edificios monumentales e imponentes; sin embargo, estas construcciones están desprovistas de cualquier atisbo de emoción debido a la monocromía de sus espacios, es por esto que Gunerkan utiliza colores en tonos pastel, generando sentimientos y emociones de nostalgia y seguridad. Su estilo podría ser definido como neo-deco, una reinterpretación de los elementos principales del art-déco: arcos, círculos y curvas asociados a tonos intensos de colores pastel. Su inspiración surgió del sincretismo entre distintos elementos de la arquitectura mexicana y española como los arcos,

ESPECIAL COLOR

MODA ENTRE TENUES MUROS PRADA ARTZ PEDREGAL | CDMX

LA NUEVA TIENDA de Prada en el centro comercial Artz Pedregal al sur de la Ciudad de México ocupa una superficie total de 415 m2 en una sola planta y alberga las colecciones femeninas y masculinas de ready-to-wear , marroquinería, calzado y accesorios de la marca. Un amplio portal de mármol compone la fachada interior y enmarca la entrada y las ventanas que ofrecen una visión completa de la atmósfera de los espacios interiores. Dentro, el área común se distingue por sus paredes en paneles de tonos verdes, adornados con estantes y cajoneras del característico mármol de la marca. Los pisos, inspirados en la histórica boutique de Prada en la Galería Vittoro Emanuele II de Milán, han sido elaborados con mármol blanco y negro; vitrinas metálicas y mesas de acrílico plexiglass completan el diseño interior. El mobiliario, parte fundamental de las tiendas de la firma italiana en el mundo, rinde homenaje a los maestros del diseño milanés de los años cincuenta; por eso, incluyen las sillas de Osvaldo Borsani, así como las mesas y sillones diseñados por Giò Ponti, que le proporcionan un ambiente elegante y refinado. Se trata de la primera tienda monomarca de la firma italiana en la Ciudad de México. Hasta ahora la marca sólo contaba con un establecimiento en el centro comercial La Isla Cancún en Quintana Roo, además de otros puntos de venta en El Palacio de Hierro. En este nuevo espacio, Prada también instalará su servicio made to order, donde los compradores podrán diseñar su propio calzado. www.prada.mx

Foto Rafael Gamo

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The Dream Carousel refleja el encuentro de las alegrías infantiles a través de colores y objetos.

UN CARRUSEL CÁLIDO Y BRILLANTE 'THE DREAM CAROUSEL' HERMÈS | LUCA NICHETTO | CHINA

Fotos Virgile Simon Ber trand / Hermès

COMO UNA FORMA de cuestionar la percepción e imaginación de los transeúntes, los seis aparadores de la tienda de Hermès en Hong Kong combinan objetos y mobiliario con la originalidad de los juegos y diversiones infantiles. El resultado: un universo peculiar, imaginado por el diseñador italiano Luca Nichetto. Este proyecto trata de un mundo suspendido desde cero, en el que 'paletas de caramelo' funcionan como escaparates que exhiben rasgos humanos en una danza salvaje y un pescador que da la bienvenida a su captura rodeado de flotadores de gran tamaño y ovnis. Los caramelos estallan imitando el colorido alboroto de los fuegos artificiales, los cuales interrumpen la quietud de un escenario marino en donde hay peces que nadan a través de medusas y globos de aire caliente. A su alrededor giran palos alargados que le dan forma a una bandada de burbujas de agua.

Todos estos alegres elementos se reúnen para componer un carrusel de sueño totémico en el aparador principal de una de las tiendas más grandes que tiene la marca de lujo en el centro de Hong Kong. La idea es provocar que los paseantes se detengan a admirar un nuevo look de los escaparates, el cual está inspirado en un concepto de tonos brillantes y cálidos, con escenas de ensueño y lúdicas que los hacen lucir aún más llamativos que antes. Nichetto no desaprovecha la oportunidad de dar rienda suelta a su talento y usa los seis escenarios de la tienda como un compendio de la variedad y la riqueza de materiales involucrados: vidrio soplado de Murano, metal y madera, con los cuales crea reflejos y texturas que agregan diferentes capas de interpretación y cuestionan la manera de percibir e imaginar los juegos y diversiones infantiles. www.nichettostudio.com

GEOMETRÍA Y GRAFITO OSCURO BLACK STAR CARWASH | GRETA PROJECT | RUSIA

ESPECIAL COLOR

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Fotos Mikhail Loskutor

LOS ARQUITECTOS Margarita Denisova y Maxim Kashin desarrollan una tarea desafiante e interesante en este proyecto: crear un espacio único de lavado de autos en Moscú, que se asemejara a un objeto de arte con un factor sorpresa. “Lo difícil fue la ubicación de las instalaciones: es una parte subterránea de un edificio en el centro de la ciudad, lo que significa que enfrentamos el problema de los techos bajos, muchas comunicaciones y la ausencia de luz natural. Queríamos ampliar visualmente el espacio y cambiar su geometría”, cuentan Denisova y Kashin. El concepto del interior es una transformación y refracción de la geometría simple del espacio. La idea se realiza mediante la combinación del color de grafito oscuro, la composición de caligrafía brillante y diversas instalaciones de iluminación. “Teniendo en cuenta la función del espacio e inspirados por los murales coloridos de Wynwood en Miami, creamos un patrón de caligrafía especial que consiste en el nombre del lugar que se repite regularmente: Black Star. El patrón gráfico y al mismo tiempo geométrico crea una configuración memorable y expande el espacio cerrado visualmente. El símbolo de la marca es un sol negro, el cual usamos para crear la estructura de iluminación en forma de anillo en las cajas de lavado. En cuanto al área de entrada al autolavado, instalamos una estructura de iluminación en forma de X para formar un contraste de los símbolos”, explican los arquitectos. Para hacer que el interior fuera más energético, las lámparas lineales están ubicadas en un ángulo de 45 grados a ambos lados de la entrada y la salida; esto crea un movimiento visual de la vista del visitante y lo lleva a guiar su mirada hacia la parte principal de las instalaciones. Un letrero con la palabra: detailing se encuentra cerca de la entrada del lavado de autos, por lo que se convierte en un sello distintivo del lugar. El concepto de los interiores de la cafetería le dan continuidad al efecto de refracción del espacio y su geometría. www.gretaproject.com

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EMOCIONES Y ENERGÍA CON UNA PALETA de colores atrevida e interesante, Bikla surge como un estudio de indoor cycling inspirado en el recorrido de la bicicleta en ruta y en la capacidad física de quien lo realiza. La propuesta de la arquitecta Elizabeth Gómez Coello trata de un diseño atemporal con una propuesta que comprenda las características y personalidad de la marca: energía, entusiasmo, positivismo, pasión y salud. Para la selección de los colores se utilizaron teorías de cromoterapia y psicología del color aplicada al deporte para brindar una óptima experiencia deportiva. Un muro de gavión funciona como elemento vestibulador de todos los demás espacios, a los que se unen una sala de espera y un área de descanso para los entrenadores. Los espacios interiores se van delimitando gracias al uso del color: baños y vestidores destacan por sus tonalidades de verde y blanco, aportando amplitud, frescura e higiene.

Los lockers se pintaron siguiendo la paleta de color de la marca; mientras que el espacio principal es un estudio cerrado con juegos de color en luminarias, tres distintas plataformas y un muro de espejo o BKLWALL con una pantalla gigante oculta que funciona como elemento sorpresa durante las clases. También existe un área de Total Resistance Exercises (TRX), o ejercicios en suspensión, que complementan la formación atlética de los usuarios. Uno de los retos más importantes fue el diseño de la distribución de los espacios y las circulaciones en un espacio sin muros divisorios en el tercer piso de un centro comercial y planeado para una capacidad máxima de más de 100 personas. Al ser una marca enfocada al mejoramiento físico y mental de las personas, se utilizan sistemas biométricos personalizados y equipos de purificación de agua y aire en todo el estudio. www.onarquitectura.com

Fotos Jaime Navarro

BIKLA | ON ARQUITECTURA + DISEÑO | CDMX

ESPECIAL COLOR

ECOSISTEMAS ACÚSTICOS THE GREAT ANIMAL ORCHESTRA | BERNIE KRAUSE + UNITED VISUAL ARTISTS | TRIENNALE DI MILANO

Foto Gianluca Di Ioia

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ESPECIAL COLOR

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CREADA por Bernie Krause y United Visual Artists con la iniciativa de la Fundación Cartier pour l’art contemporain, The Great Animal Orchestra trata de una experiencia audiovisual mediante un viaje de inmersión dirigido a través de siete territorios elegidos por su diversidad ecológica y la riqueza de su biofonía, desde Canadá hasta la República Centroafricana, desde Estados Unidos hasta Zimbabwe, desde Brasil hasta los océanos. La audiencia es sumergida en una secuencia de películas realizada por Raymond Depardon y Claudine Nougaret, las cuales son proyectadas entre los coloridos paisajes sonoros, elegidos por Krause para explicar cómo la biodiversidad se ha deteriorado dramáticamente en las últimas décadas. Fue a principios de la década de los ochenta, después de varios años de trabajar en los estudios de grabación de Los Ángeles como músico e ingeniero de sonido, que Krause desarrolló una pasión por los sonidos “salvajes” de la naturaleza. Fascinado por el maravilloso choque o la extrañeza de las polifonías animales, y guiado por su conocimiento de la música y una curiosidad científica innata, se embarcó en la aventura de viajar por el mundo en busca de orígenes no humanos de la música, grabó y estudió la organización secreta y compleja de las vocalizaciones de los animales. Así, a lo largo de casi cincuenta años, Krause ha recopilado más de cinco mil horas de grabaciones de hábitats naturales, incluidas al menos quince mil especies terrestres y marinas de todo el mundo. Su enfoque es único: contemplar el mundo natural como poeta, escuchar vocalizaciones de animales como músico y estudiarlo todo científicamente. El análisis de la representación gráfica de estos paisajes sonoros a través de espectrogramas revela que los sonidos del mundo animal, a menudo percibidos como sin sentido, en realidad están tan cuidadosamente orquestados como las partituras musicales más complejas. www.triennale.org | @BernieKrause | www.uva.co.uk www.fondationcar tier.com

Curada por Paola Antonelli, la instalación celebra la capacidad del diseño para ofrecer una visión de los problemas de nuestra era.

¡El color al exterior! Consistentemente los muebles para exterior dejan que la naturaleza resalte y quedan relegados a tonos neutros, pero eso está cambiando, las piezas para exterior se vuelven protagonistas y se elevan en una explosión de color. Arte JORGE MEDINA Curaduría SANDRA MONTIEL E ITAYEDZIN ARAGÓN

Arriba: camastro 356 por José Gandía-Blasco y Pablo Gironés para Diabla | Sofá Vimini por Patricia Urquiola para Kettal | Lámpra Fila por Michel Charlot para Kettal. Página derecha: silla Maraca por Sebastian Herkner para Ames | silla 1966 por Richard Schultz para Knoll, de venta en Esencial | camastro DNA por José Gandía-Blasco para GandiaBlasco.

TENDENCIAS GLOCAL

COLORES SUAVES Los materiales habituales para exteriores se visten con colores en tendencia, tubulares metálicos se coordinan con ratán sintético tejido para revivir la nostalgia tropical, textiles y plásticos combinan con los tonos del atardecer de manera delicada y no por ello menos agradable. Las clásicas maderas en acabado natural armonizan con metales y textiles tratados para exterior, diluyendo suavemente la sobriedad con color.

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TENDENCIAS GLOCAL

COLORES INTENSOS

De manera determinada y audaz, los colores vivos e intensos visten piezas completas o en combinaciones contrastantes para estimular los sentidos y reanimar los espacios exteriores. Los diseños habituales se renuevan a través de colores y las nuevas ideas sacan provecho del color para llamar la atención, intensidad en color perfecta para complementarse con los verdes que sólo la naturaleza nos puede dar.

Página izquierda: silla Cielo por Sebastian Herkner para Ames | nueva silla Corona por Matteo Guarnaccia, José de la O y Los Patrones | escultura de la colección Moonwalk de Marni | banco Donut por Mikiya Kobayashi para Diabla. Página derecha: tumbona Valentina por Alejandra Gandía-Blasco para Diabla | Silla plegable Clack! por José A. Gandía-Blasco para Diabla | banco de la colección Moonwalk de Marni.

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MA C RO TEN DEN CIAS Look José Sánchez | zapatos Ferragamo

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MACROTENDENCIAS

Look Louis Vuitton

“Cuando vi las colecciones de Firenze, encontré lo que quería lograr: una pieza pétrea, más sólida y que me da una sensación de fortaleza y eternidad.”

JIMENA FERNÁNDEZ, Directora de Diseño en SpAce Fotos ADLAI PULIDO

Piedra Magma Ceniza 59.3 x 119 cm | Piedra Magma Natural 59.3 x 119 cm Porcelánicos Cuerpo Coloreado Grandes Colecciones de México: CDMX

Material: Piedra Magma Natural 59.3 x 119 cm Moda: Look total Louis Vuitton

MACROTENDENCIAS

SpAce + Firenze Realidad y perspectiva Una estructura que juega con la percepción de quien la mira, se convierte en múltiples realidades alteradas por los "elementos" llenos y vacíos que se aprovechan de un piso reflejante para exaltar aún más su capacidad de transformación. Así fue como Jimena Fernández, directora de diseño y asociada en el taller de arquitectura SpAce, diseñó una estructura que maximiza las cualidades de los porcelánicos de cuerpo coloreado de la marca Firenze. Al respecto, Jimena comenta: “Desde donde te pares, la pieza cambia. Está inspirada en la obra artística de Escher, quien jugaba con la perspectiva y en distintos planos mentales, hacía que el espectador dudara de la realidad creada por la mirada. El concepto de la pieza es de solidez y eternidad, quisimos crear una piedra que emergiera del espejo; de una realidad subalterna, pero de naturaleza sólida, a pesar de los muchos vacíos de la pieza creados intencionalmente con el fin de emular la realidad humana:

realidad trastocada dependiendo del momento y del "ángulo" con el que se mire y se viva”. La instalación consiste en una pieza que en planta tiene forma de L, se va repitiendo y agrandando en simetría, hasta formar una gran T, en conjunto las piezas aprovechan el formato de los porcelánicos que apenas supera el centímetro de grosor sumadas a una estructura metálica. “Es un diseño con una creatividad enorme, sumamente agradable a la vista y que resalta muy bien las cualidades de nuestro material”, explicó Karla Ibarra, gerente de marca Firenze. Por su parte, Jennifer Villalobos, encargada de vinculación con profesionales, concluye: “El resultado es un trabajo en conjunto, donde los materiales se integran con la moda y hablan más allá de Grandes Colecciones de México: CDMX, una de las colecciones de más reciente creación en Firenze”. www.spacemex.com www.firenzeworld.com

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Título de la pieza Jimena Fernández / SPACE cIque quam lignaturiost lam reris entios apit, sint, imus nobis aliquam harchit maio. Giam explitatur, quis eos si toriate mporepu dandam volorerum que cum et et faccab id molupta sum qui conet que volut as ma corporem nimolup tatur? Onseditatis esci tet est venit alis imustem harciis aut rehenihicias et aut est, tem hicienest hiciis moluptassum quamus volorepudae sitatur? Musam, officias as nonsequ ibuscim oluptam enisqui ipsapic tiorem eseque noneseque nonse am que prese sime volut ate voluptate num rerioria quame nihilitate sitiur minis et ilibus sinte aut molectur sam, ipsandebis et vollupt atiate perore restrum incienimus et eaque cusdam, sequi dolorumquis soluptatias exped quodita vel evenimi, ea doluptur aut doles et molectatque sed quasperibea porernat quat et quia sunt. Is doles amusam apit omnia dolor rectorrum cor sin repudam enistisque quas nis et acernatur? Sequo voloribusae. Nam, quat optati id ut et que il magnia conseque sint veniminverum aces estion ellabo. Itate voluptur rae ommodignit, siniam repelesequis et voles ut rest, quid eriti ipidi reperum idellorro millibea prerit, od molorest, il in conectia conectotaqui desti doluptur, que eum quiame por alis volor aliquae iuribus Look José Sánchez | Zapatos Ferragamo

MACROTENDENCIAS

Agradecemos a Manada por facilitarnos sus instalaciones para la sesión fotográfica. www.manada.com.mx

Look José Sánchez | Zapatos Ferragamo

Modelo: Nyobi Pearson @NewIcon Styling: Hernán Esquinca Rovelo, & Martín Niklas Wieser Maquillaje y pelo: Stephanie Sznicer Iluminación: Pinhole Asistente técnico: Yara Báez Producción: Manada

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RESIDENCIAL

Entre piedra y ladrillo CASA MINERAL | ATELIER ARS | JALISCO Fotos CÉSAR BÉJAR

Recordando a las haciendas tapatías, esta casa recupera los materiales tradicionales que se encuentran en las canteras para expresar un enfoque estilístico y los estratos minerales de Tlajomulco de Zuñiga en Jalisco.

Dos volĂşmenes muestran los materiales locales, dando un sentido de pertenencia a la casa. La piedra se usa en las ĂĄreas pĂşblicas y el ladrillo resalta en las privadas.

RESIDENCIAL

El programa se compone de un espacio abierto que comprende la sala, el comedor y la cocina, permitiendo una comunicaciรณn franca y una ventilaciรณn natural รณptima.

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El uso de la madera en pisos y mobiliario aporta una sensaciĂłn de calidez a las habitaciones y, al mismo tiempo, favorece un Ăłptimo aislamiento tĂŠrmico.

RESIDENCIAL

El barandal se convierte en un elemento artístico, demostrando la manufactura artesanal de la madera.

UBICADA en la llamada 'tierra en el rincón' de Tlajomulco de Zúñiga, al sur de la ciudad de Guadalajara, Casa Mineral parte de la premisa de crear un espacio íntimo y protegido y de dar respuesta al concepto de habitar un espacio, a partir de la materialidad de la piedra y el ladrillo, sin perder luminosidad y espacio interior. La planta baja está rodeada, por tres lados, por un muro de piedra lo cual aporta un jardín que se conecta con el interior por medio de una jardinera que remata en la escalera. El programa se compone de un espacio abierto que comprende la sala, el comedor, la cocina y la terraza, permitiendo una comunicación franca y una ventilación natural óptima; la chimenea, ubicada en el jardín, es una evocación de la casa como refugio, donde toda la familia se reúne a departir en torno al fuego, además, la madera de muros, pisos y el barandal brinda la sensación de calidez. En la planta alta existen tres recámaras, todas con vistas hacia el exterior y ventilación natural; este volumen está recubierto con ladrillo, lo que aporta un aislamiento térmico óptimo para habitar las recámaras. La cantidad de luz y sombra que existe dentro del espacio arquitectónico define la forma en que se vive y a su vez crea sensaciones íntimas de cada habitante; para este proyecto se buscó que existieran espacios semioscuros, esto se logra gracias a la luz que se filtra a través del sistema de vigas de acero que soporta una cimbra muerta de lámina metálica, generando un juego de luz bastante particular en la planta baja. www.atelierars.com

El espacio abierto de la estancia y el comedor permite la ventilación natural y una relación directa con el jardín.

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La funciĂłn y la estĂŠtica se mezclan en un proyecto habitacional basado en el confort de quien lo habita.

RESIDENCIAL

Complejidad y simpleza combinadas SONATA | ARKHAM PROJECTS | YUCATÁN

Fotos TAMARA URIBE

Un proyecto habitacional que se basa en el contraste, pero sin perder la intimidad y armonía de los espacios.

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RESIDENCIAL

La intersección de las escaleras expresa un minimalismo lúdico en una fachada sencilla, pero contundente.

SONATA, como en la música, es un procedimiento compositivo que utiliza dos temas contrastantes: complejidad en su unidad y simpleza en su repetición. Con esta premisa en mente, los arquitectos Benjamín Peniche y Jorge Duarte diseñaron un proyecto habitacional con la intención de proporcionar intimidad y armonía en cada espacio. Así, Sonata surge con el objetivo de responder a la búsqueda constante de proyectos únicos en un mercado inmobiliario saturado de opciones constructivas similares. Situada a casi 5 km al este del Centro Histórico de Mérida, una de las necesidades primordiales del diseño era la protección contra el aislamiento térmico y el sol, para lograr esto se decidió sacar las circulaciones verticales, creando una intersección de una escalera abierta y otra cerrada, además de una cromática predominantemente blanca y el uso de vegetación, lo que

crea un juego de sombras en las fachadas principales. El programa es sencillo: áreas públicas en planta baja y en azotea, abrazando de manera vertical dos habitaciones que se encuentran en el primer nivel. Cada unidad también cuenta con un patio trasero y estacionamiento para ser ocupado por dos automóviles. En un principio, el proyecto giró en torno a un presupuesto determinado por el cliente, pero terminó por definirse respecto de la privacidad y la curiosidad tanto de los moradores como de los visitantes, convirtiéndose en un proyecto sincero, donde la función y la estética son un sólo concepto, donde la complejidad y simpleza se mezclan al unísono. www.arkhamprojects.com

RESIDENCIAL

La cromática blanca y el uso de vegetación 'pintan' la fachada con un juego de sombras que se va disfrutando a lo largo de las horas del día.

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Brutalismo y naturaleza CASA MA | CADAVAL & SOLÃ&#x20AC;-MORALES | MORELOS Fotos SANDRA PEREZNIETO

La planta en 'V' permite que el centro de la casa funcione como patio y acceso principal.

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RESIDENCIAL

Rodeada de las imponentes cordilleras de Tepoztlán, esta casa se diseñó como respuesta a un desafío estético, estructural y tipológico. Su materialidad honesta evoca el estilo arquitectónico de obras colosales.

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RESIDENCIAL

La distribución abierta del área pública de la casa regala increíbles panorámicas hacia las montañas del pueblo de Tepoztlán.

SITUADA EN LAS AFUERAS del mítico pueblo de Tepoztlán y con espectaculares vistas hacia las montañas, Casa MA aprovecha la piedra como elemento constructivo primordial gracias a su uso común en la región, su fácil mantenimiento y bajo costo de construcción. Al momento de proyectar la casa, los arquitectos Eduardo Cadaval y Clara Solà-Morales realizaron un ejercicio volumétrico básico: los espacios debían abrirse a las imponentes panorámicas y cerrarse hacia las colindancias, derivando en una distribución en “V”, con un patio central que funge como acceso principal. El programa se divide en tres grandes espacios: las habitaciones, divididas en una recámara principal con una pequeña terraza y otro lugar destinado para las visitas en un mezzanine con sala de juegos, servicios y

un estudio; en el centro, la sala, comedor y cocina se distinguen por su distribución abierta y acceso directo hacia el jardín trasero; finalmente, hay un cuarto de lectura estratégicamente situado en un entrepiso encima de la cocina. Entre estos espacios se despliegan dos patios techados que funcionan como áreas de conexión y circulación entre los moradores, pero que a la vez funcionan como límites entre los rincones de la casa. El proyecto se distingue por tres aspectos principales: una materialidad honesta e imponente que recuerda a las obras brutalistas; la naturaleza como telón de fondo y la relación que se genera entre espacios, sus secuencias de uso y las cambiantes formas que hay de vivirlos y recorrerlos. www.ca-so.com

RESIDENCIAL

Los patios techados favorecen la comunicación entre espacios públicos y privados.

Por su uso local, bajo costo y fácil mantenimiento, la piedra es el material predominante en Casa MA.

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COLUMNA

La Ciudad y el Bien Común Por HOMERO HERNÁNDEZ Ilustración ZAMARRIPA

HACE ALGUNOS AÑOS, tuve la oportunidad ser invitado a impartir una conferencia en la Universidad de Tokio. Debo confesar que, a pesar de tener un gusto especial por viajar, ir a Japón nunca había sido una de mis prioridades. Sin embargo, esa oportunidad llegó a mí desbaratando paradigmas en torno a mi concepción de la ciudad, de sus problemas y del sentido de pertenencia que tienen sus ciudadanos. Lo primero que salta a la vista cuando uno visita Japón es el hecho de que no hay basura en ningún espacio público. Ni envolturas de comida, ni colillas de cigarro, ni chicles pegados en el pavimento. De inicio, esto contrapuso la creencia que yo tenía de que la basura era un gran problema para las ciudades. Decidido estaba entonces a averiguar por qué, en esa gran ciudad, no había basura en las calles, al tiempo que tampoco había policías multando ciudadanos, ni basureros rebosantes, ni letreros de “prohibido tirar basura”, ni cámaras de seguridad monitoreando japoneses cochinos. Entonces decidí seguir a uno de los cientos de japoneses que por la mañana se dirigen al trabajo y hacen cola en las esquinas para comprar alimentos en las máquinas expendedoras de comida. Con gran asombro descubrí que la envoltura de la basura era almacenada en su saco, para luego llegar a casa y depositarla en el basurero. He ahí la gran solución a la basura que estuve buscando durante muchos años. Entonces, platicando con amigos japoneses, me explicaban la concepción que tienen del espacio público y por qué no tiran basura, ni se roban objetos olvidados, ni hablan por teléfono en espacios congestionados. En efecto, su sentido de pertenencia de los espacios públicos, no les permite ensuciar un lugar del cual no son los dueños y que podría perjudicar a los demás.

@zamarripa.mx

Las sociedades más conscientes de lograr el bien común están creando ciudades más habitables. ¿Qué diferencia hay con la percepción del espacio público que tenemos en el tercer mundo, en donde la calle “no es de nadie”; por lo tanto, si tiro basura, solucioné mi problema y nadie la recogerá porque tampoco es de ellos? Aquí compramos piratería porque “no pasa nada”, no pagamos impuestos porque si los pago, se los van a robar “los del gobierno”, y si tenemos la oportunidad de recoger un objeto perdido, seríamos tontos si no lo tomamos, porque no es de “nadie”. Esta diferencia de percepciones entre lo público y lo privado cambia la forma en que se desenvuelve toda una ciudad haciéndola avanzar a pasos agigantados o por el contrario deteniendo su desarrollo por décadas. Próximamente las alcaldías de la CDMX incorporarán un nuevo requisito para obtener la manifestación de obra. Este trámite de participa-

ción vecinal dará la posibilidad de que, a petición de algún vecino, se suspenda la obtención de dicha licencia. Bajo la lupa del bien común, considero que sería un gran avance, pero si por el contrario los vecinos o las alcaldías lo aprovechan para lucrar será un gran retroceso. Alguna vez escuché que, en los países nórdicos, los constructores piden al vecino escoger el color de la casa, argumentando que los vecinos verán más tiempo dicho color. Esto me hace sentido en una sociedad educada y respetuosa de los demás, pero en un país donde casi siempre se impone el beneficio personal, ¿funcionará? Ahora entiendo que mi viaje a Japón fue indispensable para aquilatar la importancia del espacio público y del concepto del bien común que permite que mientras todos trabajemos para que los demás estén mejor, nosotros también lo estaremos. De cualquier otra manera, seguiremos condenados a pertenecer a una sociedad atrapada en ciudades inhóspitas, no importando el sistema político o partido que nos gobierne.

@HomeroHdez

COLUMNA

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Diseñar con música Por JUAN CARLOS BAUMGARTNER Ilustración ZAMARRIPA

LA MÚSICA ha sido un elemento presente en la vida de los seres humanos desde siempre; es una parte intrínseca de nuestras vidas, incluso habemos algunos que estamos convencidos de que nuestras vidas tienen un soundtrack. Nuestros rituales espirituales han estado enmarcados por música; gran parte de los momentos trascendentes de nuestras vidas están ligados a música; de niños aprendemos las tablas de multiplicar cantando. Pero qué tanto este elemento continuamente presente en nuestras vidas nos impacta a niveles cognitivo-emocionales y qué tanto influye en nuestro comportamiento. Estudios en neurociencia y comportamiento humano sugieren que la música puede influir y tener impacto en temas como enfermedades, depresión, consumo, productividad e incluso sobre la percepción del mundo. Es en este contexto como se comienza a encontrar cada vez más literatura relacionada con comportamiento y música, posiblemente uno de los casos mas interesantes es el de Lily E. Hirsch y su libro Music in American Crime Prevention and Punishment, en el que explora la relación entre música y crímenes violentos y concluye que durante la historia de la humanidad, la música ha sido utilizada con fines positivos y otros no tanto. Por otro lado para Laurel Trainor, fundadora y directora de McMaster Institute for Music and the Mind, no existe ninguna otra especie que haya evolucionado asignando un significado a la música y generando respuestas emocionales.

Sólo la especie humana le ha asignado un significado a las respuestas emocionales de la música. Música y percepción Es evidente y no suena tan extraño que la música despierte sentimientos en las personas, pero el trasfondo de esto va más allá de lo que nos imaginamos. Recientemente en Estados Unidos se llevó a cabo un experimento para identificar si la música puede cambiar en lo que una persona pone atención. La práctica consistía en poner música ‘triste’ y ‘feliz’ de fondo y pedirle a las personas que identificaran las caras tristes y felices; los resultados fueron asombrosos pues al escuchar música triste, las personas logran identificar más caras tristes y viceversa. En esta línea de investigación hay mucho trabajo sobre patrones de consumo dependiendo de la música, así como de su influencia para incrementar la productividad en entornos de trabajo.

@zamarripa.mx

¿Cómo suena tu marca? Un estudio realizado por la escuela de Economía de la Universidad de Estocolmo demostró que cuando en un punto de venta la música coincide con los valores de la marca, las ventas se ven incrementadas hasta en un 30% . Jasmine Moradi es una de las expertas a nivel mundial en la investigación y desarrollo de metodologías para definir a qué suena una marca y cómo convertirlo en una parte integral del diseño, literalmente usando música para diseñar ambientes y espacios. No nos sorprenda que en un futuro cercano los despachos de arquitectura amplíen sus consultores a expertos en música que sepan cómo identificar el perfil emocional de una compañía, institución o marca y puedan redondear el diseño arquitectónico con música, logrando mejorar de manera significativa la experiencia de habitar espacios.

@baumgarj

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COVER STORY P. 49 VIEYRA ARQUITECTOS With an experience of more than 20 years, the office has specialized in residential and corporate projects. Interview Martha Lydia Anaya and Eduardo Ramírez Portrait Duilio Rodríguez “When I was in college I did some projects in collaboration with friends and colleagues architects; I remember that we made the plans for some houses and a restaurant for a family member. That was the preamble for my first project in the working life that was about the extension of a residence and a library, which we drew and then we saw run. From the first moment, we had that connection and direct relationship with the client who was also an older lady who had grandchildren and we were a group of twenty-year-old schoolgirls learning to make architecture”, says Lorena Vieyra about the beginnings of her career that in retrospect she She describes herself as a continuous learning in which she has been working hard for more than 20 years, always discovering new and different things. “I started to study architecture guided by intuition, because anxiety arose; but the reality is that at that time I was very young and I was not sure what I was going for; It was a decision I made for the special taste I had for the plastic arts and drawing. I did not have any influence because nobody in my family was an architect; already when I started the race and I got involved in it, exploring what it was and taking small steps at once, it was enlarging my interest and I was enjoying it more and more. I can say that I have worked a lot since the beginning because architecture is a task of great effort, effort and countless sleepless nights; a job in which sometimes the deliveries of the projects are stressful and very tortuous, but in which the theme of teamwork and how they get to know you by your proposals and performance is quite satisfactory”, Vieyra says when she talks about the profession that fascinates her and has taken her on a path that she enjoys doing and that she would never regret having chosen. Today, Vieyra Arquitectos –founded by Lorena Vieyra in 2007– has made important architectural designs in Mexico City and has participated in creative platforms

such as Design Week Mexico to intervene some of the spaces of Design House, in addition to collaborating in other projects such as architect, interior designer and designer. Together with his team, he has specialized in the development of customized projects, especially of a residential type, but without ruling out the commercial part with different proposals for both architecture and interior design. In the Training time Her affable personality and serene look describe without words the essence of Lorena; It is enough to talk a few moments with her to discover a tireless woman, tenacious and careful of the details. As an anecdote, he shares that whenever he reviews the chapters of his life back, he realizes that the school was only a training stage. “Usually, we think that when you finish studying the race a world of opportunities will open up before you, but the truth is that you are just beginning to face a real world where there are clients and projects for which almost you know nothing. It is no longer about making fictitious proposals such as the tasks you gave to the professors, but about presenting workable solutions. For me, this training time was fundamental for my growth and maturation as an architect; It is a process that I would describe as fun, because I think that whenever you do what you like it is much easier to thrive in a vocation.” “I feel and I am fully convinced that every day I continue to learn something different; each project is different, it is a new challenge that combines many factors: place, typology, materials, budget and customer needs, all of which generates more experience every time, from the work teams to the way of executing the project itself same. Undoubtedly, the conditions can be variable, from the start of having a blank page and generate an idea until its development and finally take it to the conclusion and see realized an objective after all a long process of work”. Vieyra emphasizes that since his first job he was lucky enough to enrich his experience through direct connection with customers, suppliers and the work itself. “From the beginning I understood that doing architecture is not just drawing a project, but it means creating it, presenting it, quoting it and arguing that it is viable and constructible. Fortunately that part of the training I met from a young age and that allowed me to understand the importance of the processes. I realized that ‘being an architect’ also requires a bit of psychology, of being able to

handle stress, of knowing how to work under pressure and of meeting times and goals on delivery dates so that things happen as they have to be. I do believe that the experience is giving you credibility”, emphasizes Vieyra. Over the years you are learning what you do and you should not say to sell a project. Very early on you have to rehearse those arguments, a bit because you are a novice and because in the aproach with a client you want to show more experience than you actually have. It is something more studied that, with the passage of time, becomes a net experience and you really talk about what you have lived; You already know in which part of the process you were wrong and that you do not do it again, there is a learning curve that you express as it is. “ Client and atypical projects Vieyra believes that each project has many factors that define it as experience: typology, location, customer, etc., the latter being one of the most important links in the chain. “Usually, I think there must be a chemistry with the client with whom you are going to work, because we are

Photo Rafael Gamo

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talking about long processes in which human relationships become very close. Yes, there are more difficult clients than others and that also defines the experience of the project; in my case I can say that most of the time I just forge a friendship; my clients come to the office and we spend long hours in work meetings, talking and defining from the selection and use of materials to budget issues, suppliers, accessories, furniture etc., all of which in the end becomes a very interesting interaction”. Regarding the type of projects, Lorena explains that she likes those that represent a challenge and that they take her out of her comfort zone. “There are projects that are suddenly different from what you have done, which are topics that you do not know and that you have to study to understand. For example, what we did at the plant in the Ocoyoacac industrial zone in the State of Mexico was somewhat atypical, a type of project that had not been done before and that required me to understand how a laboratory works for a factory. This type of proposal represents a challenge and I like that; also when they are in very specific and different places like a beach, where the materials even react differently compared to a place with

the conditions with which you are used to working”. In this regard, the architect adds that she has had some incursion in the theme of the hotel industry, but that she has not yet managed to enter fully into the type of projects she would like to carry out and they would be very enriching in her career. The legacy of experience When Lorena Vieyra founded her own architecture firm in 2007, she had already worked for Grupo Diarq while studying her career at the Universidad Iberoamericana; He had already collaborated in Milan with Atelier Mendini. That stage was decisive to forge her identity as an architect. “In my family there were no architects,” he insists, “now I have several followers (nephews and nieces) who are studying architecture and I hope to make a mark in those next generations. My greatest satisfaction is knowing that what I have done is inspiring for someone and that this has been infected; I think that when they see what you do and the way you do it, you convey a lot of your personality”. In her opinion, architecture is a discipline of much learning

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and patience. “The new generations are very impulsive and are driven by an immediate need to want to demonstrate what they think they already know, when the reality is that a good amount of time is spent absorbing everything you can until you are ready to demonstrate what you are. Suddenly it is valid to be arrogant, I also happened at the beginning of the race when I pretended to do projects alone and did not want to collaborate with someone. It was the stage in which I worked outside of Mexico for a couple of years and I was able to see the process of the great offices; I came back and I said to myself: I do not know anything, I need structure, I need to learn more. If I wanted to integrate a team and found my own office, I should have the humility to take some time to absorb information”. Lorena suggests that in addition to work and academic experience, architecture is also complemented by life experiences. “I strongly support the concern to go here and there; It is important to go out, to know, to interact; I think a lot of learning is to see what is happening outside our circle, to observe what is done and how it is done; It is something that adds value to the experiences you are collecting. Sometimes you think you came up with something, but indirectly and unconsciously you keep it where you are going and translate it into your experience” says the architect who is passionate about traveling the world whenever she has the opportunity. She says that as a living experience he recently made a trip to India: “Culturally when you arrive in a European city like Milan in Italy, you run into a bombardment of architecture and design; It is so much what you look around that perhaps there comes a time when you get saturated and you do not want to see anything else. In India it’s something completely different, it’s like a reset of how to get back to the basics; you learn the necessary thing, to return to the essence and to regain balance, which teaches you from scratch and to generate a starting point when you are overwhelmed. Culture, history and materials In this context and speaking of Mexico as a canvas to project and design, the young architect and interior designer considers our country a privileged place, where you can create and propose a lot unlike other places. “We have a wonderful workforce, culture, history, materials, an enviable climate and many favorable conditions that

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open a very broad design field. Even the dimensions of the spaces have a plus; In Europe, for example, the common denominator is to design houses of 50 m2 and here we have a larger spatial freedom. That gives us a flexibility to propose and do things that would not be viable there.” Regarding limits or differences by gender issues, Lorena confesses that she has never been intimidated by these types of issues. “In my personal experience, when I started the race we were half women and half men, and I think that now the female proportion is much higher. By nature, we-as women-are harder, more sensitive and have a little more patience to listen and understand situations, such as the way in which a house is lived and lived. We are capable of being mothers and that life experience allows us to better understand certain needs in a space. Of course we must always be clear about the priorities and the distribution of our times to delegate activities and not lose the individuality that characterizes us”.

Sheer Love of Processes “I don’t need to show my sketches and prototypes. What I really want to highlight is the manual dexterity of the people who produce my designs.” –Sebastian Herkner Interview Itayedzin Aragón, París correspondent Originally from Bad Mergentheim, Germany, Sebastian Herkner was named designer of the year by the organization Maison & Objet in its edition this past January. Precisely at the exhibition of his work, he met with us to talk about his passions, his design philosophy and the importance of celebrating the hands behind the materialization of his designs. Herkner shared: “I am honored by this award. In the exhibition dedicated to my studio, I wanted to display our philosophy with our designs, from the very first ones to recently launched projects. As a whole, they all share handmade processes combined with technology, color and good materials. That really is my work philosophy. When I start on an idea, I do it in workshops that do very good quality projects, so that with a little luck, some of that will reach the final user.” After studying product design at the Offenbach University of Art and Design, Sebastian started working on his own, focusing on the design of objects and furniture. His studio is currently made up of five people,

and the idea is for them to create their own projects. “Design is the only way I can express myself. For M&O, I wanted to show what is behind each object, because generally what is seen is the brand or designer’s name, but behind that are extremely talented individuals, and they’re the ones who do the real work,” the designer confessed. As a case in point, we talked about the Bell table, designed in 2012 for Classicon and manufactured by the Bavarian glass workshop Von Poschinger. With a great deal of passion in his gaze, Herkner recounted: “We made a video in which we focused on the face of the artisans; in it you can see the concentration, the know-how, the sweat, the power in their eyes, because they are the ones who take my sketches and my ideas and turn them into objects.” Furthermore, Herkner jumps easily from one material to another. Among his projects are glass, ceramic, rattan and metals. With respect to that, he told us: “The workshops I work with have specialists. At the beginning of each project, I visit them to understand how they work the material, shape it and give it color. That inspires me; many of my projects are driven by their techniques. It’s a matter of observing production methods and initiating a dialog with the individuals who carry them out, always with respect for their work. I think very highly of the people that work with me.” Recently, Herkner did a project for the Ames brand that involved going to Colombia, as it was done with handcrafted techniques from that Latin American country.

Regarding his experience: “Sometimes I absorb things that are not completely connected with design. What I observed there is that our western world has lost values; we have somehow forgotten the satisfaction we get from simple things, like sharing time and work. We have neglected that because of our digital connections. These days, we buy something on Internet, and if we don’t like it, we simply return it.” Sebastian is aware that at first nobody had heard of him as a designer, and now he can produce a positive impact on the back of his popularity. “Somehow I can now talk about sustainability and responsibility, because as a designer I am responsible for the objects I design, the materials I recommend, the places where they are produced. For example, the Mbrace chair belongs to a German brand, but they are made in Cebu, Philippines. The weave of the seat takes four days to do. Some people think that it is digitally printed or machine woven, but it is actually made by hand. The weavers are passionate about their work; they are skilled. I think we need to understand that and be respectful of the processes required to produce an object, of their cultural connections. It is important and socially sustainable to acknowledge and preserve their value. So, our generation should be curious and open to intercultural projects, from a very human standpoint.”

Photo by Pulpo

P. 64 SEBASTIAN HERKNER

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P. 68 GARY HUSTWIT Obsession Is Researching in Depth Many of my projects exist because no one had done them before and I really wanted them to exist, so I had to do them myself.” –Gary Hustwit Interview Itayedzin Aragón Celebrating the screening of Rams, a documentary dedicated to German designer Dieter Rams, we interviewed New York filmmaker and independent photographer Gary Hustwit, in the offices of 23 Design. Before the intimate film presentation session, we asked Hustwit how he had gotten started as a design filmmaker: “I think before I was simply a viewer of design. I never had formal training as a designer. In a way, I understand graphic design because I am self-taught, was always interested in graphic design and publicity books. So, although I was interested, I was never a design professional. However, that interest made me want to see films on design. I never formally studied to be a filmmaker, but I had done a good number of independent projects on music and media. So it didn’t matter if I didn’t know how to do something; if I wanted to do it, I learned how and did it. It’s a little like what I’ve already done with my other projects, a sort of DIY esthetic that I learned from punk record companies. What I really wanted was to see movies about design when there weren’t any yet.” After debuting as a director in 2007, with Helvetica, the first full-length documentary about typographic design in the world, Gary set out to do a documentary trilogy on design, including Objectified (2009) and Urbanized (2011), later continuing with other films, the most recent being Rams, which includes original music by Brian Eno. The selection on these topics is not deliberate, as they depend on Gary’s outlook: “I think I am obsessed with the things around us, the way cities and objects are designed, and I wonder why were they made that way? Could they be different? Could they be done in another material? Making movies about this makes me research and explore my obsessions in depth. So I get to talk to designers about their philosophy and strategies, and I learn from it. I find cameras, photography, filmmakers fascinating. I use my obsessions to choose the subjects I want to explore in my documentaries, and that happened with Rams. Why, despite being such an influential designer, hadn’t anybody made a movie about him or about his work? Besides being a designer of our times, he has ideas about sustainability,

consumption and good design that are up to date. He actually didn’t want to make the film. He is values his privacy, and for me this was a challenge. Like many of my projects, in the case of Dieter I wanted to provide information that you can’t find elsewhere, talk more about his personality.” The nature of documentary cinema involves letting a lot of the content go as it will not come out on screen. Regarding that, Gary says: “You have to be comfortable with the idea that 99% of the content will not be in the final cut, then you can focus on what you can show in the film or in other media, like a book. For some reason, some people think that documentaries are meant to teach a lesson, but that doesn’t matter. What does is experiencing the film and the topics in it, analyzing what makes you think, putting your brain to work to arrive at your own conclusions and then contribute your own ideas and obsess on them.”

P. 72 ANFORA STUDIO Creativity on the Table Teamwork, passion and synergy among designers, artists and artisans are fundamental for the work done by Rodrigo Noriega at Anfora Studio. Interview Itayedzin Aragón Prior to the launching of the new Anfora Studio collection of intervened dishes, as well as the opening of its new space in Mexico City, we chatted with Rodrigo Noriega and Hans Kritzler about the 2019 collection, intervened by Alexis Mata Ciler, Kris Goyri, Teddy Kelly, Rocca Luis César, Fabiola Tanus, Anuar Layón and Vero Villareal, a lineup of artists, fashion designers and illustrators who share a connection to Mexico, either because they are from or have lived in the country. They were all asked to intervene the dishware that was launched in the latest edition of Zsona Maco. Referring to the project, Hans told us: “We followed very basic guidelines for selecting the creatives: young people, Mexicans, with talent, a successful career and above all, that they can contribute something different to the ceramic intervention.” Besides these criteria, Rodrigo added: “We like inviting people who have no previous experience working with ceramic, because, for instance, when would you have imagined that haute couture designer Kris Goyri would make a set of dishes? It’s an incredible opportunity for them and for us.” While dishes are an everyday item on any table, Anfora’s

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achievement lies in beautifying and enhancing food presentation, and for this type of limited series, Anfora Studio helps artists find a new medium so they can experiment and break with the idea that a plate has to be white. In addition to the dishware collaborations, Anfora Studio experiments with special designs and materials. “We look a little at ceramic materials, a little at glazes; we do experimentations with dishware and sculptures. These three years that I’ve been at Anfora Studio I’ve had a lot of fun, and I’ve learned to work together with the Anfora plant to develop projects that end as saleable products,” Rodrigo commented. Noteworthy among the 800 workers at the Anfora plant is a group of over 30 workers with disabilities who are part of a job insertion program. Some who are blind are responsible for quality control, supervising the ceramic pieces through touch. That work group inspired Rodrigo to pursue the project “Gratitud”, presented at Design Week Mexico last October. Regarding the Gratitude project, he told us: “We are an inclusive company, and with so many visits in the plant I took note of the people with handicaps. What we did was to scan their hands signing different words and translate those movements into urns that we made with a recycled ceramic material that was a mixture of several different ones, the result being a kind of terrazzo ceramic. This project is a way of addressing the teamwork that is behind each ceramic piece; the work of many people stands behind it.” “Our goal is for the people that work with the ceramics to feel proud of being part of the plant, relating it to the pride in what is made in Mexico, because Mexican hands can do very interesting things if we put the talent of the designer or artist together with the skill of the individuals who operate the wheels and get their hands dirty with ceramic materials,” Hans added. Making the most of the occasion, Rodrigo shared the intentions Anfora Studio has for its new location in the Doctores district of CDMX, “This space is going to give us the chance to experiment and play with glazes. We’re going to be able to make smaller series, have residencies and host the work of new artists, chefs and hotels. I’m sure it’s going to be wild.”

OBJETO GLOCAL

Colores en acrílico Crystal Series | Saerom Yoon | Corea

“Los hermosos y ricos colores del cielo, específicamente los del atardecer y el amanecer, despertaron en mí la idea de crear una serie de piezas inspiradas en la naturaleza. Así surgió Crystal Series. El cielo es no material en su existencia; por eso, traté de expresar esa experiencia como un concepto de espacio y tiempo que nos cubre, no como uno de ‘capas’ ópticamente planas que simplemente están compuestas de nubes, la luna, el sol y más allá”, describe el artista coreano Saerom Yoon, cuyo trabajo se distingue por la creación de muebles escultóricos con un aspecto y una sensación similares a los de una pintura en acuarela. Además, en su obra desvela texturas naturales como la interacción de nubes, aguas tranquilas, olas, hielo y la corteza de los árboles. “En Crystal Series intenté expresar el espacio general del cielo mediante el uso de acrílico, que es más transparente que el vidrio. Utilicé la técnica de tinte para expresar el color del acrílico. A través de esta técnica expresé los colores del cielo combinados de forma natural. Cada capa se unió como una pieza grande después de teñirse. Este proceso crea una ilusión óptica dentro del acrílico. La forma general aparece distorsionada desde varios ángulos de visión debido a los reflejos y refracciones dentro de las superficies transparentes y los colores teñidos también se mezclan en una variedad de formas únicas según el ángulo desde el que se ven”, dice Yoon. –MLA www.saeromyoon.com

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