GLOCAL DESIGN MAGAZINE No 25 Portada por / Cover by: JSa ARQUITECTURA

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PORTADA POR: JSa ARQUITECTURA ESPECIAL DE COLOR I MAISON & OBJET 2015 OKI SATO I TENDENCIA BALANCE #COMEXTRENDS

Directora General

FOTOGRAFÍA

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ventas y publicidad

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Glocal Design Magazine

Portada Jorge González Yáñez, JSa Arquitectura Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: febrero-marzo 2015.

Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Pernas y Cia. Editores y Distribuidores, Poniente 134 No. 650, Col. Ind. Vallejo, Delegación Azcapotzalco, 02300 México, D.F., Tel. 5587-4455. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910.

Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

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CARTA EDITORIAL A

ño con año, dedicamos una edición completa al uso del color y siempre es una de las mejor recibidas por ustedes, nuestros lectores. El tiempo invertido en la investigación es mucho con el fin de tener proyectos que realmente transmitan algo muy particular, ya que estamos seguros de que el uso adecuado del color puede detonar espacios únicos con mucha fuerza y carácter.

Mucho se ha escrito sobre cómo este elemento es un distintivo de la arquitectura mexicana. Eso sin duda, se lo debemos primero al muralismo mexicano y, ya en lo que nos atañe, a Barragán, Mathias Goeritz y Chucho Reyes; quienes en su tiempo supieron revalorar la estética de pueblos, artesanos, herencia colonial y antepasados de México, creando un nuevo discurso sobre el entendimiento del espacio y el uso del color en éste. La escuela evolucionó y llegó a manos de José de Yturbe, Ricardo Legorreta, Juan Sordo Madaleno y muchos otros arquitectos que maduraron y exploraron este nuevo diálogo de la arquitectura mexicana, ¿pero qué pasó con la llegada de nuevas generaciones de arquitectos, quienes impusieron las nuevas formas en el lenguaje arquitectónico, buscando una esencia que diera carácter a su obra? Ellos vieron al uso del color y a la arquitectura mexicana moderna con una nueva mirada y con una inminente obligación de replantearse y abrirse a nuevos discursos.

De aquí surgieron arquitectos como Isaac Broid, Enrique Norten, Alberto Kalach, López Baz y Calleja, Felix Sánchez y muchísimos más, quienes revaloran el estado puro de los materiales y abrieron un nueva conversación con la sociedad al pensar en una arquitectura más democrática en todo sentido, y nos han dado como herencia un paisaje urbano con menos color pero más preocupado por una naturaleza más respetada y con un gran sentido de pertenencia a la ciudad y a nuestra cultura.

De esta escuela nace Javier Sánchez, quien siendo la tercera generación de una familia de arquitectos, ennoblece la profesión al preocuparse por lo más básico: la vivienda multifamiliar. Gracias a su visión al revivir zonas urbanas pero olvidadas, como hace 20 años fue La Condesa, hoy se vive en proyectos que se extienden a la ciudad, que comunican a sus habitantes con ella y revalorizan el sentido de comunidad en el contexto del barrio, también tan necesario para no dejar extinguirse a los oficios y economías locales.

Hoy Javier Sánchez va más allá de ser arquitecto. JSa es un complejo empresarial ocupado en hacer proyectos de toda tipología pero con una conciencia clara de que la arquitectura para el ser humano, es el centro de su todo. ¿Por qué se invita a Javier Sánchez a hacer nuestra portada dedicada al color y con la que comenzamos una aventura con Comex al invitar a diseñar a nuestros invitados de portada, a través de las Tendencias Comex Trends? Porque consideramos que su trabajo es uno de los más importantes de las nuevas generaciones de arquitectos preocupados por dignificar nuestro país. Tan simple e importante como eso. Esperamos les guste esta fascinante edición.

Greta Arcila 3

CONTENIDO Editorial AGENDA TRAZOS

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CASA GLOCAL

I L UMIN A C I Ó N

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Claesson Koivisto Rune Suecia

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textil Bi Yuu México

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a u to m ot r i z Mini Cooper S México

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T e c h n o Withings, EUA

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No v e l Alejandra Rodríguez México Zoe Murphy Inglaterra

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D i s e ñ o + E m p r e sa Joel Escalona/Roche Bobois Francia

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h ost La Legendaria México

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S h o w r oo m +Tongtong / Annie Aime Canadá

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036

arquitectura y diseño de interiores textil y moda industrial, mobiliario y objeto multidisciplinario

Ma i so n & O b j e t 2 0 1 5 Entrevista Oki Sato/Nendo, Japón Accesorios Iluminación Talents à la Carte, México Mobiliario Textiles Glocal

039

f u ll colo r Hospital de Oncología Teletón Cite des affaires Wanamaker|The view at Montgomery Casa cultural de Cyklopen Redline Estación de trenes de Miaoli Dow Gallery Walk A pond full of ink Ch-air-s Suite Novotel Cours des senteurs Inspiración Etérea Tane Zona Maco 2015 Glocal

063

Zo n a Maco Artell CYTF, Marquetería Ángulo Cero Marco Betanzos Mob Colectivo de Diseño México

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Enfoque JSa México

R e s i d e n c i al

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design Parque Ecológico Nido de Quetzalcóatl México

Beijing Fantasy China Greene Street EUA

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Objeto Glocal

m oda

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Issey Miyake Japón

Traducciones

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FEBRERO MARZO

la guía glocal, qué visitar en méxico y en el mundo

AGENDA foto g ra fía

Camuflaje

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Galería Oscar Román Camuflaje [Fotografía] Julio Verne No. 14, Polanco 5280-0436

La galería de arte Oscar Román presenta la muestra Camuflaje, del artista Liu Bolin, escultor y fotógrafo nacido en 1973 en Shandong, China. Es conocido, sobre todo, por sus fotografías donde se mimetiza, en el marco de situaciones urbanas y con el entorno. De lunes a viernes de 10:00 a 19:00 hrs Sábado 11:00-14:00 hrs. Hasta el 5 de marzo.

FEBRERO

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jueves

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agenda

act ividades

a rt e

PRECIOUS da Picasso a Jeff Koons 4

AG E NDA

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Más de 100 artístas del arte moderno y contemporáneo como Pablo Picasso, Jeff Koons, Louise Bourgeois, Damien Hirst, Lucio Fontana, Anish Kapoor, entre otros, fueron reunidos en esta muestra para dar a conocer una nueva faceta más de su obra: el diseño de joyería. Todas son creaciones que están en la delgada línea entre el arte aplicado y el arte puro; muchas de éstas son desconocidas para el público en general. Del 7 de febrero al 12 de abril

Museo Soumaya, Plaza Carso A ojos cerrados [ Actividades ] Blvd. Miguel de Cervantes Saavedra No. 303, Col. Ampliación Granada Sáb y Dom 12 hrs.

1103-9800

a ojos cerrados

Escucha e interpreta algunas de las obras más representativas de la colección Soumaya y déjate llevar por la imaginación. Todo febrero

VITRARIA Glass + A Museum PRECIOUS da Picasso a Jeff Koons [ Joyería ] Palazzo Nani Mocenigo, Dorsoduro No. 960, Venezia

d o c u m e n ta l es

Five Master Houses of the World 5

Serie de documentales independientes, creados por Rax Rinnekangas, sobre cinco excepcionales casas privadas diseñadas por algunos de los arquitectos más importantes del siglo XX: Le Corbusier, Alvar Aalto, Konstantin Melnikov, Luis Barragán y Tadao Ando. Para Rinnekangas, cada una de estas casas es un manifiesto que resume el lenguaje plástico y la filosofía de sus realizadores, así como el papel del siglo XX en la historia general de la arquitectura. 29 de enero. 12, 19 y 26 de febrero y 5 marzo

colect ivo

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Consumption Prix Pictet

Museo Nacional de Arte Consumption Prix Pictet [ Colectivo ] Calle Tacuba No. 8, Cuauhtémoc, Centro Histórico 8647-5430

El Museo Nacional de Arte presenta esta muestra que reúne a los once finalistas del 5to ciclo del premio fundado en el 2008 por el Grupo Pictet, un banco suizo de inversiones y gestión de patrimonio privado establecido en 1805. Desde su creación, el Prix Pictet se ha centrado en la promoción de la fotografía que trata cuestiones de sostenibilidad. Del 2 de diciembre al 29 de marzo MARZO

MIÉRCOL E S

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JUEVES

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Museo Rufino Tamayo Five Master Houses of the World [ Pop Art ] Paseo de la Reforma No. 51 / esq. Gandhi, Bosque de Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo 4122-8200

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VI E R N E S

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galería l

Esta nueva galería es un escaparate que busca fomentar la adquisición de arte, diseño y cultura nacional, creando sinergia entre las mentes de los colaboradores y la sociedad. Para su primera muestra inaugural, presentan el trabajo de Christian Castañeda, Oso Parado, Colectivo Ojo x Ojo y Ricardo Casas. Hasta 31 marzo Galería L Muestra Inaugural Galería L [ Multidisciplinario ] Alfonso Reyes No. 216-L001, Condesa.

8488-2055 / 4836-9318 Mar - Dom 11:00 – 19:00

Pl ást ica

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Gabriel de la Mora

La Galería Hilario Galguera presenta Ag, la segunda exposición individual de Bosco Sodi.

Las piezas de aguda presencia física resultan de la traducción escultórica, la experimentación cromática y material que el artista explora en sus pinturas y que están relacionadas con ideas como lo desconocido, lo incalculable e incontrolable.

Hasta 27 de marzo 2015

OMR Gabriel de la Mora [ Colectivo ] Plaza Rio de Janeiro No. 52 - 54, Colonia Roma, Mexico D.F. Mar-Vie 10:00 a 15:00, 16:00 a 19:00, Sáb 10:00 a 15:00 5511-1179

Hilario Galguera “Ag” por Bosco Sodi [ Escultura ] Francisco Pimentel 3, Colonia San Rafael, México D.F. Lun- Vie 10:30 a 17:30, Sáb 11:00 a 14:00 5546-6703 / 5546-9001

es c u lt u ra

EL negro de Beatriz Zamora.

Una celebración de vida

art e

El esplendor geométrico, Carlos Amorales

El esplendor geométrico, Carlos Amorales [ Multidiscipinario ] Gobernador Rafael

La galería Kurimanzutto presentará la exposición El esplendor geométrico del artista mexicano Carlos Amorales.

El trabajo interdisciplinario de Amorales se caracteriza por la representación simbólica que permite múltiples interpretaciones y formas en que se generan significados a partir de imágenes y palabras. Hasta marzo 14

JUEVES

VI E R N E S

SÁBADO

D OMI N G O

La mexicana Beatriz Zamora se caracteriza por el uso exclusivo del color negro en su obra, caracterizándolo como el inicio y el fin de todo, le otorga un sentido ontológico más allá de sus asociaciones a lo obscuro y al mal, explorando las cualidades formales de distintos materiales en la ausencia rigurosa de uso de otros colores. Hasta 7 de marzo 2015

Kurimanzutto

7

MIÉRCOL E S

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Rebollar No 94, San Miguel Chapultepec Mar - Jue 11:00 a 18:00

Galería Enrique Guerrero El negro de Beatriz Zamora [ Plástica ] Horacio 1549 Polanco, México D.F. Lun- Vie 10:00 a 15:00, 16:00 a 52802941 / 52805183 19:00. Sáb 11:00 a 14:00

Vie - Sáb 11:00 a 16:00 5256-2408

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AG E NDA

OMR presenta obra reciente de Gabriel de la Mora, uno de los artistas mexicanos contemporáneos más importantes.

Con una formación de arquitecto y posteriormente un Master of Fine Arts en Pintura en el Pratt Institute de Nueva York, el trabajo de Gabriel de la Mora radica en cuestionar y experimentar los límites intersticiales entre la pintura, el dibujo y la escultura. Hasta 28 de marzo 2015

“Ag” por Bosco Sodi

trazos

HELSINKI CENTRAL LIBRARY COMPETITION STL Architects | Helsinki | 2015

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undado en 1996, el despacho estadounidense STL Architects promueve una filosofía basada en la convicción de que el diseño y la arquitectura pueden hacer la diferencia en la vida de las personas.

Dentro del trabajo más destacado de STL Architects se encuentra el proyecto para el Auditorio y Centro de las Artes de Torre de Cotillas en España, el Master Plan para la creación del Gage Park Neighborhood en Chicago, además del proyecto del Marine Culture and Pop Music Center de la ciudad de Kaohsiung en Taiwan.

Actualmente, el despacho presentó su propuesta para la construcción de la Helsinki Central Library, un diseño que refleja el compromiso de la ciudad por dar nuevas expresiones intelectuales a una sociedad siempre cambiante.

La estructura contará con espacios abiertos que fluyen para generar interacción social y cultural. Se trata de un complejo que proporcionará los servicios necesarios para dar cabida a la cultura a través de un foro para diferentes actividades, un teatro y 15 salas de lectura así como espacios para grupos de trabajo.

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El proyecto de la Biblioteca de Helsinki sigue la metodología de la realidad urbana de la ciudad al separar el programa en dos categorías: flexible y estructurado. Los espacios flexibles están dedicados a atender aquellas funciones que son más adaptables y manejables como cafeterías, zonas infantiles y entornos abiertos de lectura.

Estos espacios se presentan libres de columnas y se encuentran interconectados a través de escaleras y rampas creando una fluidez continua. La parte estructural alberga los elementos programáticos.

Todos estos espacios se encontrarán protegidos por una caja de cristal que parece flotar por encima de todas las áreas. Los visitantes de la biblioteca podrán disfrutar de una experiencia de iluminación nocturna especial, creando un interesante juego visual a manera de instalación artística.

La fachada presentará diferentes grados de transparencia en respuesta a las condiciones de luz de día, para transmitir una rica diversidad de lecturas visuales. www.stlchicago.com

VANKE PAVILION Expo Milán 2015 | Daniel Libeskind |2015

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econocido internacionalmente por su destacado trabajo en el desarrollo de espacios basados en una labor multidisciplinaria, el arquitecto Daniel Libeskind se ha convertido en un referente de la arquitectura contemporánea por su innovador planteamiento urbanístico.

Libeskind, de origen judío-polaco, pero radicado en Estados Unidos, fundó el despacho que lleva su nombre en 1990, en Berlín, al ser ganador del concurso convocado para diseñar el Museo Judío. Desde entonces ha realizado diferentes proyectos alrededor del mundo como museos, centros culturales y edificios comerciales.

Dentro de lo más destacado de su obra se encuentra el proyecto ganador para la construcción de la Torre de Libertad en 2003, que forma parte del plan de reconstrucción de la llamada “Zona Cero”, en Nueva York.

Recientemente, Libeskind presentó el plan para la construcción del Vanke Pavilion, el pabellón de China para la Expo Milán 2015, que se llevará a cabo del 1 de mayo al 31 de octubre. La estructura se tuerce y se sumerge dentro de un concepto inspirado en el distrito de Vank, el centro de bienes

raíces más importante de la República China. La edificación parece estar en movimiento creando una visión fluida a lo largo de su fachada.

El Vanke Pavilion intenta convertirse en una escultura impactante que dará refugio a las expresiones del arte chino de diferentes periodos.

El pabellón contará con una escalinata ubicada por fuera que conducirá al techo y permitirá a los visitantes apreciar la vista de la feria y de los demás pabellones de la expo. Además, ofrecerá una instalación diseñada por el artista Ralph Appelbaum quien ha diseñado un concepto que recuerda un bosque virtual. El interior de esta instalación será ocupado por 300 pantallas multimedia distribuidas en desorden, que proyectarán pequeños filmes de la historia de China y su cultura.

El concepto “feeding the planet, energy for life” (alimenta el planeta, energía para la vida) es el tema general de esta importante feria internacional.

www.libeskind.com 11

MAYO

20 y 21

CONFERENCIAS

22 y 23 WORKSHOPS

2015 Polyforum Siqueiros

Marva Griffin

Directora Salón Internacional del Mueble, Milán / Directora Salón Satélite/ Venezuela

Emiliano Godoy

Diseñador Industrial / México

Fabio Novembre

Arquitecto / Diseñador / Interiorista / Italia

Mario Bellini

Arquitecto / Diseñador / Italia

Noé Duchaufour-Lawrance Diseñador Industrial / Francia

Héctor Esrawe

Diseñador Industrial / México

Luis Mercado

Diseñador Industrial / México Informes: Glocal Design Magazine Manchester 13, Piso 1 Col. Juárez CP. 06600 Tels.: 5207.3967 / 5533.6818 congreso@glocal.mx

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[COCINAS] [BAÑOS] [NIÑOS] [CLOSET]

CASA GLOCAL

Plato Taika por Klaus Haapaniemi para Iittala

Contraste • Amplitud Fotografía cortesía de las marcas

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CONTRASTE En los últimos años, la cocina se ha convertido en una importante extensión de la casa donde el diseño toma un papel preponderante al igual que las estancias principales.

Actualmente, los creativos de todo el mundo muestran un particular interés por hacer de este espacio su máxima inspiración para crear interesantes conceptos llenos color, forma y funcionalidad. La tendencia actual se basa en el uso de tonalidades vivas que van desde el verde y el azul, hasta el rojo más intenso para llenar de originalidad y sentido lúdico cada rincón del espacio culinario.

En este tema, los acabados cerámicos se vuelven protagonistas y aparecen azulejos con gráficos, además de maderas entintadas, laqueadas y laminadas con plásticos con diferentes colores para gustos más alternativos.

A. Ambiente: Cocina Sterdec de Scavolini 1. Banco / Emeco 2. Accesorios para vino Basic / Norman Copenhagen 3. Taza Origo / Alfredo Haberli para Iittala 4. Cafetera Nespresso Citiz Chrome / Grand Crus Descafeinattos de Nesperesso 5. Consola Le Buffet / Nada Debs para Mondo Collection

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AMPLITUD Los colores cálidos siempre han sido los mejores aliados de las cocinas de estilo rústico, pero actualmente los diseños contemporáneos dejan atrás la sobriedad para dar paso a nuevas paletas de colores que, en ocasiones, en lugar de parecer estridentes, resultan innovadores y propositivos.

Tonos como el negro rompen con la arraigada costumbre de las cocinas en blanco, y al contrario de lo que se piensa sobre que los colores oscuros nos quitan luminosidad y sensación de amplitud, al combinarlos con acentos más claros aplicados en la pared podremos lograr interesantes efectos en la percepción de nuestro espacio.

El concreto aparente como una opción, en vez de aplicar el clásico azulejo en paredes, es hoy una original propuesta que combina eficazmente en cocinas con acabados como el amarillo y el azul.

B. Ambiente: Cocina Milano / Del Tongo 1. Reloj Watch Me / Norman Copenhagen Marcadores Rondello de Alfredo Haberli para Iittala 5. Cubos Cubes / Rococo

2. Consola Corner / H

3. Charola / Donna Wilson

4. Copas Essence y

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CASA GLOCAL

[COCINAS]

[BAÑOS] [SALA] [CLÓSET] Tina de baño Morphing Vasca de Zucchetti.Kos

Lúdico • Funcional Superficie Panel decorativo de vidrio de Emma Britton Fotografía cortesía de las marcas

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LÚDICO El baño es un espacio donde se prefiere una imagen pulcra. El uso del blanco tanto en el ambiente como en mobiliario y accesorios es extensivo, sin embargo, hay propuestas donde se resalta el uso de colores vivos para dar toques distintivos y protagonismo al espacio.

Sobre todo en la nueva arquitectura, donde la pasión por el diseño es llevada a sus últimas consecuencias, el baño no puede ser descuidado o dejado de lado dentro del esquema general de la casa. Pequeños detalles como el uso de mosaicos y baldosas resaltan todo el espacio y le otorgan un carácter particular.

En este ambiente se decidió usar mosaicos hexagonales donde se intercalan piezas de brillantes colores primarios dentro del patrón geométrico, aportando una sensación lúdica idónea para un baño infantil.

A. Ambiente: Baño Beijing Fantasy / Dariel Studio 1. Silla Satsuma / Läufer + Keichel 2. Accesorios Bring / Mr.Less & Mrs.More Youtool Scotch Club / Marset 4. Cepillo para baño Ballo / Norman Copenhagen 5. Radiador Scaletta / Elisa Giovannonni para Tubes

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3. Luminaria colgante

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FUNCIONAL Cuando se aplica color al cuarto de baño, una manera de mantener la sobriedad y la sensación de amplitud y limpieza es manejar una paleta reducida u optar por la monocromía.

Un espacio de color en un solo tono o con ligeras variaciones en la gama, ayuda a mantener el sentido de unidad a pesar de usar el color de manera dramática, sobre todo en un ambiente como el baño, que con las tendencias actuales se ha liberado de ornamentos.

Los colores brillantes pueden crear una atmósfera diferente para el baño, otorgándole personalidad cuando se busca resaltar este espacio. Si, por el contrario, se desea conservar una sensación de relajación (que se hace necesaria), una estrategia es manejar tonos suaves.

B. Ambiente: Colección ON / Zucchetti 1. Silla CFBM / Jakob Gómez Studio Conpenhagen 4. Contenedor / Objekten 5. Gabinete / LucyTurner

2. Caja Brilliant Box / Norman Copenhagen

3. Candelero Nocto / Norman

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CASA GLOCAL

[COCINA] [BAÑOS]

[NIÑOS] [CLOSET] Tienda de juego por Sebra

Divertido • Chic Tapete Etoile Multicolore de Art for Kids Fotografía cortesía de las marcas

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[DIVERTIDO] El mundo infantil requiere de elementos que inspiren la imaginación de los niños. Su estética debe tener un balance adecuado entre una forma figurativa, pero a la vez lo suficientemente abstracta para su fácil asimilación por el pequeño usuario.

Los muebles y accesorios para niños son uno de los nichos de diseño menos explorados pero donde también encontramos algunas marcas independientes muy especializadas, que realizan trabajos de alta calidad siempre pensando en ambientar de una manera entretenida los espacios infantiles.

A. Ambiente: Recámara/ Sebra 1. Escritorio / Lil Gaea 5. Tapete Triangle Bleu / Art for Kids.

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2. Cámara tejida / Anne-Calire Petit

3. Asiento Macaron / Lil Gaea

4. Perchero / Moulin Roty

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[CHIC] El cuidado en el detalle denota el esmero de crear el mejor ambiente para los niños, pensando en su ergonomía, en la función inteligente de los productos y en una apariencia suave y depurada. La sofisticación no puede ser dejada de lado por el hecho de hacer propuestas pensadas para los pequeños.

Este es un campo de oportunidad que queda por explorarse con mayor atención en el diseño nacional. Una de las formas más inmediatas de crear cultura respecto del diseño es acercar a los niños a productos y objetos bien resueltos desde las primeras etapas de su desarrollo, sin pretensiones pero con finura en su realización.

B. Ambiente: Cuarto de juegos / Sebra 1. Cajonera en pirámide / Lil Gaea 4. Estufa juguete / D'Jeco

2. Móbil textil / Moulin Roty

3. Juego de té tejido / Anne-Claire Petit

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CASA GLOCAL

[COCINA] [BAÑO] [SALA]

[CLOSET] Clutch de cuero Bayben

SUTIL • EXPRESIVO Tela colección Belles Rives / Christian Lacroix para Designers Guild Fotografía cortesía de las marcas

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casa glocal

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A Vestido Kris Goyri / Spring Summer 2015 1. Florero de cerámica / Keith Varney 2. Brazalete / Carmen Sandoval para Auter 3. Anillo Amorcito Corazón de Dalia Pascal Accesorios 4. Bocina Copenhagen de Vifa 5. Papel Tapiz / Kate Hawkins

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[SUTIL] E l encuentro de texturas y formas con las propuestas de color más diversas harán del guardarropa y de los accesorios de casa toda una interesante y divertida opción para la primavera 2015. La paleta está definida por los amarillos, naranjas, azules y ocres aplicados en diseños de inspiración orgánica con siluetas holgadas y de formas curvas que ofrecen completa comodidad. Aparecen los metales en toda su expresión sobre todo en accesorios básicos de joyería y en algunos acabados de diseño de mobiliario .

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B Vestido Carmen Rion / Spring Summer 2015 1. Luminaria Ludovica por Zannochi & Starke 2. Swing Vases por Norman Copenhagen 3. Circus Pouf por Norman Copenhagen 4. Anillo de Edgar López para Auter 5. Broche / Katerina Handlova 6. Textil Through the Window / Cindy Grisdela

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B

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[EXPRESIVO] Tanto en las principales pasarelas internacionales como en las vitrinas de las firmas de diseño de mobiliario más importantes, la tendencia se inclina hacia los contrastes, la innovación de materiales y los ya recurrentes patrones de líneas puras.

La geometría toma importancia para definir siluetas de prendas que hacen juego con estampados de bloques de color. Las texturas metalizadas aparecen sobre todo en accesorios plateados y dorados que se convierten en los favoritos del guardarropa al combinados con otras prendas casuales, para no producir un exceso de brillo y lograr la armonía perfecta.

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automotriz

New Mini Cooper S Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía Mini Cooper México

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unque a simple vista no lo parezca y en comparación con los modelos anteriores, el nuevo Mini S fue diseñado a mayor tamaño para ofrecer al usuario más espacio y comodidad en su interior, lo cual no significa que haya perdido su característica esencial: ser compacto, pues gracias a ello y a sus líneas cortas y salientes, es que adquiere agilidad y elegancia.

El interior de este automóvil esconde algunas sorpresas, entre ellas, nuevos sistemas que permiten al conductor elegir el tipo de luz ambiental dependiendo de su estado de ánimo.

Los cómodos asientos de tapicería oscura; las salpicaderas completamente renovadas; el odómetro que fue reemplazado por un panel de instrumentos que muestra contenido informativo y de entretenimiento;

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y el tacómetro que se encuentra tras el volante, hacen de Mini Cooper S un vehículo capaz de atraer la mirada de muchos.

Asimismo, su exterior, disponible en 13 colores de los cuales cuatro son tonos nuevos (Volcanic Orange, Moonwalk Grey, Blazing Red y Electric Blue metalizado), incorpora un diseño diferente, por ejemplo, la rejilla frontal cuenta con grandes tomas de aire y una estructura con patrones de panal de abejas en color negro. En cuanto a su parte posterior, el nuevo Mini tiene una salida de aire que funciona para dispersar la niebla, junto con dos luces que ayudan y permiten una mejor vista trasera. Un elemento clave es el logo S, el cual es una afirmación del carácter deportivo y distinguido del auto. www.mini.com.mx

techno

Withings

Au r a Smart

La tecnología se pone al servicio del descanso de las personas con innovadoras propuestas y productos pensados en ofrecer mayor calidad de sueño para mejorar su ritmo de vida y su productividad.

Texto redacción Fotografía cortesía Withings

C

on el objetivo de ofrecerle al usuario un aprovechamiento total de su descanso, la marca de tecnología Withings, que crea productos y aplicaciones para el cuidado de la salud y bienestar del ser humano, ha desarrollado Withings Aura, un dispositivo que tiene la capacidad de captar los factores que convergen en la etapa del sueño, reunirlos y controlarlos para hacer valer al máximo sus noches.

Para su funcionamiento, este producto necesita de tres elementos: el primero, un dispositivo que registre los agentes del entorno como la contaminación acústica, la temperatura y el nivel de luz, pues brinda programas de luz y sonido validados científicamente; el segundo, un sensor discreto que se coloca debajo del colchón que registra los movimientos del cuerpo, los ciclos de respiración y el ritmo cardiaco, y por último, una aplicación para iPhone que recauda todos los datos de los dos anteriores y los interpreta de manera científica.

Withings Aura permite al usuario visualizar sus ciclos de sueño, tener un registro de ellos y hacer uso de las diferentes opciones que brinda para mejorar sus hábitos de descanso a través de múltiples colores LED de oscurecimiento en iluminación, que influyen en la relación entre las longitudes de onda de luz y la secreción de melatonina, la cual está relacionada con el sueño y sus posibles trastornos. www.withings.com

novel nacional

Alejandra C o l o r Rodríguez y t r a d i c i ó n

Alejandra es una joven diseñadora que a pesar de su corta carrera ha conseguido importantes logros en el medio del diseño nacional. La inspiración vernácula de su trabajo es evidente y le da un carácter único a sus diseños, los que nos sorprenden por el uso ingenioso de la forma y original propuesta.

Texto Juan Barriopedro Fotografía Fernando Etulain, cortesía de Alejandra Rodríguez

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ntre algunos de los reconocimientos de esta egresada de Centro, se encuentran el Premio Vitra por su pieza Cesta en la Bienal de Kortrijk en Bruselas y la exposición de la pieza Ambulante en el Salone Internazionale del Mobile, ambos en 2010. En 2012 colaboró con Moda in Casa para la producción de la silla Número Cuatro y expuso la pieza Naua en Design Week México. En 2013 volvió a exhibir Cesta junto a Ediciones Jalapa dentro de Zona Maco y en 2014 en la exposición “De ida y vuelta. Diseño contemporáneo en México”.

De su trabajo resaltamos dos de sus proyectos más destacados, que transmiten su interés por difundir las raíces mexicanas y su pasión por el color y las formas, además del rescate de diferentes técnicas y materiales. La colección de bancos María Bonita es un proyecto detonado por la aplicación

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de criterios de sustentabilidad, donde se hizo mancuerna con artesanos mexicanos con el objetivo de conectar tipologías contemporáneas con técnicas artesanales y así, reflejar la herencia de la tradición nacional del mobiliario tejido en fibras naturales como bejuco y mimbre.

Cesta es un juego de banco y mesa fabricado en estructura metálica y tejido de palma. El proyecto también busca la actualización de la técnica artesanal del cosido en espiral en la producción de objetos con formas contemporáneas. Actualmente, Alejandra es socia fundadora de despacho A Mayúscula, que tuvo una de las participaciones más destacadas en la segunda edición del Abierto Mexicano de Diseño en 2014.

www.holamayuscula.com

novel internacional

Zoe B r i l l i a n t Murphy P r i n t

La diseñadora británica Zoe Murphy recupera la esencia y originalidad de los muebles viejos para darles una nueva cara e imprimirles un particular estilo a partir del uso del color y de acabados artesanales.

Texto Gerardo León Fotografía cortesía Zoe Murphy

Z

oe se graduó de la Universidad de Loughborough en 2008 de donde obtuvo el título en la especialización de impresión textil. Su fascinación por la reutilización y renovación de los objetos no deseados o abandonados, le ha permitido alentar a otros a ser parte de la cultura del reciclaje y el consumo responsable.

En su labor, destaca su pasión por las piezas de mitad del siglo XX, mismas que consigue en sus constantes recorridos por los mercados de pulgas y bazares de antigüedades de su ciudad natal Margate, en el condado de Kent y sus continuos viajes a otras regiones cercanas.

Actualmente, la creativa ha desarrollado una colección de mobiliario sobre el que imprime diferentes tipos de coloridas texturas y gráficos utilizando imágenes inspiradas en la zona costera de su ciudad. La línea se compone de credenzas, mesas,

repisas, bancos y otros elementos que la diseñadora ha rescatado del olvido, para después —empleando diferentes técnicas de ebanistería— recobrar su estructura original.

Con el uso de la marquetería como una eficaz herramienta, despliega de manera artesanal coloridas formas geométricas pintadas a mano sobre la superficie de la pieza. Con estos detalles cada mueble toma un aspecto más llamativo y original.

Al poco tiempo de que Zoe se graduó, se estableció como una diseñadora joven y entusiasta. Actualmente participa en importantes exposiciones y eventos en toda Inglaterra, y trabaja en nuevos proyectos con su estudio en Margate.

Sus piezas se encuentran a la venta en importantes galerías de diseño como Liberty y Osborn & Little, en Londres. www.zoemurphy.com 31

iluminación

W151

Claesson Koivisto Rune

El estudio de diseño Claesson Kovisto Rune, con base en Estocolmo, llevó a cabo W151, una serie de luminarias para la firma Wästberg caracterizada por su gran tamaño, realizadas con el propósito de acabar con la tendencia de las lámparas colgantes comunes y jugar con las dimensiones del espacio.

Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía Claesson Koivisto Rune

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esde su fundación en 1995, Claesson Koivisto ha colaborado con diversas marcas del ámbito creativo, lo que le ha permitido darse cuenta de que una instalación lumínica tiene un papel adicional a la función de proporcionar luz: dar forma a una habitación, por lo que la colección ofrece tres tamaños diferentes: el primero en una versión plana y horizontal de 1.3 metros de ancho, el segundo de 1.2 metros de alto en versión plana y vertical, y el último con proporciones intermedias.

Cada una de las piezas colgantes está hecha de aluminio y se diseñó para colocarse de forma individual o en conjunto a diferentes niveles y constituir una estructura capaz de brindarle una nueva cara a los ambientes. Además, W151 está disponible en una paleta de colores brillantes con recubrimiento en polvo, entre los que destacan el rojo y el naranja, y actualmente forma parte del catálogo de la firma de iluminación Wästberg.

Claesson Koivisto Rune ha realizado importantes proyectos de arquitectura y de diseño entre los que destaca la Galleri Örsta de Suecia, el Sfera Building de Kyoto y el interiorismo de tiendas de moda como la del diseñador Alberto Biani en Roma, Italia. www.claessonkoivistorune.se www.wastberg.com

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Bi Yuu

marisol centeno y el arte del textil sfjhjdsfdfTis et inctur minum faccabo rehendaectum es untis dit ex excea poresequo vel in conet, sequas assum qui ullandiae doluptas pero officid quis sunt inis quam ipsam

Texto redacción Fotografía cortesía Bi Yuu

L

a firma mexicana textil Bi Yuu, fundada en el 2012 por la diseñadora Marisol Centeno, cuya filosofía se basa en promover y colaborar social y ambientalmente con su entorno, se caracteriza por trabajar directamente con artesanos de Teotitlán del Valle, Oaxaca, con el objetivo de reflejar la cultura e identidad del país a través de tapetes hechos a mano.

En Zapoteco del Itsmo, Bi significa ‘aire’, ‘viento’, ‘aliento’, y en Chatino de Panixtlahuaca Yuu es tierra, términos que se reflejan en cada pieza realizada artesanalmente por el equipo de la firma, los tapetes cuentan historias que tienen origen en la tradición y son representados en diferentes colores, texturas y formas.

Las diversas gamas de color son logradas gracias a los tintes naturales utilizados, los cuales se sacan de plantas como pericón, muitle, añil y nogal; además de frutos como la granada e insectos como la grana cochinilla.

Algunas de las colecciones que Marisol Centeno ha desarrollado en conjunto con los artesanos de Teotitlán del Valle, Oaxaca, son: Recuerdos, inspirada en la arquitectura del país, y Bacaanda, la cual hace alusión a la relación entre la mujer y el huipil.

Asimismo, la firma colabora con arquitectos e interioristas para crear tapetes en función de proyectos, siempre bajo una investigación previa, un tema de inspiración y la obtención de tendencias propias. www.biyuu.mx

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diseño + empresa

Booleanos Joel Escalona & Roche Bobois La firma Roche Bobois, convocó al diseñador mexicano Joel Escalona a crear una pieza especial que será parte de la más reciente colección de mobiliario de esta prestigiada marca francesa.

Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía Roche Bobois

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sta es la primera vez que la marca integra a sus proyectos a un diseñador latinoamericano y como resultado de ello, surge el gabinete Booleanos, conformado por geometrías arquitectónicas sobrepuestas.

Este proyecto se integra a la filosofía que la marca ha mantenido por décadas, la cual se basa en la permanente exploración y búsqueda de conceptos de diseño de interiores adaptables a diferentes espacios que forman parte de los estilos de vida más exclusivos.

En entrevista, el diseñador mexicano nos compartió que “la idea conceptual del diseño es muy sencilla, se pensó en qué pasaría si las distintas partes de un objeto empezaran a interactuar entre sí para formar una sola”. En sí, la pieza surgió de un proyecto anterior con Glocal Design Magazine para la sección Objeto Glocal, y Joel Escalona siguió la evolución de su diseño.

Para su elaboración, se empleó madera de haya entintada para crear los segmentos que la conforman. El tamaño del gabinete es de 1.50 metros y se compone de un cajón, una puerta abatible y tres puertas con espacios de almacenamiento adaptados por anaqueles de cristal.

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“Esta pieza es más de orden estético, sin embargo, la finalidad planteada desde un inicio fue conseguir una forma atractiva y funcional, por ello se crearon los distintos compartimentos”, afirmó Escalona.

Booleanos está limitado a 500 piezas y ahora forma parte de la colección Gallery de Roche Bobois. www.joelescalona.mx www.roche-bobois.com

host

GASTRO CANTINA

LEGENDARIA Miguel de la Torre Arquitecto | México

Como parte de la nueva imagen del Centro Histórico de la Ciudad de México, surge esta propuesta gastronómica donde el diseño converge con los sabores más exqusitos de la cocina mexicana.

Texto redacción Fotografía cortesía Miguel de la Torre Arquitecto

G

astro Cantina Legendaria, ubicada en la calle de Uruguay, entendió a la perfección este concepto y se presenta con una imagen que invita a descubrirla. Se adaptó el andén de carga de uno de los magníficos edificios, que alguna vez fue parte del distrito financiero de la ciudad, para presentar una atmósfera contemporánea muy atractiva que satisfaga el gusto de los capitalinos.

El proyecto fue creado por el equipo de Miguel de la Torre Arquitecto, quienes tomaron como eje principal un elemento de la cocina tradicional mexicana que le diera personalidad: la pala de madera, el enser seleccionado para darle forma al diseño interior.

El color que predomina es el negro y en el muro de lado derecho se hizo una textura colocando 10 mil palitas de madera de piso a techo que además de dar movimiento, le suman la calidez de este material natural imprescindible en la cocina mexicana. El local cuenta con 350 m2 de los cuales 200 se destinaron para la atención a los clientes y el resto para cocina y servicios.

El restaurante está totalmente abierto hacia la concurrida calle para aprovechar su ubicación, invitando a los paseantes a conocer de cerca sus instalaciones y su interesante carta.

El lugar está dividido en tres grandes áreas: un salón al frente encerrado en una caja de vidrio que crea el área para fumadores, otro salón en la parte posterior y finalmente una barra de 30 metros de largo que une ambos espacios.

El aprovechamiento de las dimensiones del local permiten que el comensal tenga la percepción de que está en un espacio muy amplio y particularmente largo, objetivo que se logra por el acceso principal que se encuentra en un pasillo del lado derecho que corre a lo largo de todo el local. La cocina está al fondo y parcialmente abierta hacia el salón para percibir la operación. Este sitio se convierte en una buena opción para los amantes de la comida mexicana y del diseño. www.migueldelatorre.com 35

showroom

+tong tong Annie Aime Moda, arte y diseño se fusionan en un solo espacio donde el color y la geometría definen la atmósfera de cada uno de sus rincones. Los creadores de este concepto fueron los creativos del despacho canadiense +Tongtong Texto Karla Rodríguez Fotografía Ben Rahn | A-Frame

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on la intención de modificar la estructura de la tienda de diseño de moda Annie Aime, en Toronto, Canadá, el estudio multidisciplinario de diseño +tongtong, impulsado por su lema “todo es posible”, en colaboración con el artista Pascal Paquette, creó un espacio en el que pareciera que los muros en blanco fueron chorreados por pintura de diferentes colores, como rojo, amarillo, azul y verde.

Para exhibir de una manera diferente las prendas, John Tong, fundador del estudio creativo, empleó bastidores de metal barnizados en negro cuya estructura geométrica es irregular y tienen la posibilidad de adaptarse a cualquier espacio para reconfigurar el interior dependiendo las necesidades visuales y funcionales de la firma.

Las colecciones de diferentes diseñadores que promueve Annie Aime, es el resultado de la unión entre elegancia y urbanismo, factores que van de la mano con el concepto de la tienda.

Ambas visiones creativas, la de la marca de moda basada en la

autenticidad de cada mujer y, el dinamismo, funcionalidad y riqueza cultural de +tongtong, convergen para dar origen a un proyecto alternativo y único.

La parisina Annie Mesenge, fundadora de Annie Aime, se ha enfocado en trasladar modas francesas a diferentes puntos del mundo, tal es el caso de Canadá, donde vive desde hace 25 años, a través de ropa adaptada a los diferentes estilos de vida de cada mujer. Para ello, desarrolla colecciones conformadas por piezas únicas de una lista exclusiva de diferentes diseñadores europeos que conoce durante sus viajes y pasarelas.

Por su parte, +tongtong cumple con los parámetros de exhibición precisos para mostrar dichas prendas, pues a lo largo de su trayectoria ha trabajado para diferentes firmas de moda. www.tongtong.co 37

design

MAISON & OBJET 1 ª E DI C I Ó N 2 0 1 5

El lujo del buen vivir Enviada especial Greta Arcila

Retratos Greta Arcila

Imágenes cortesía

F

uimos invitados por los directivos de Maison & Objet a recorrer el recinto ferial de Paris Nord Villepinte con el fin de conocer más a fondo su propuesta para su primera edición de este 2015… y el resultado fue espectacular. Durante 5 días vimos lo más selecto para la ambientación de las casas de hoy.

Pero ¿qué hace tan diferente a Maison & Objet del resto de las otras ferias? Su propuesta tan amplia en textiles, vajillas, pinturas, iluminación, mobiliario para niños, es decir, todo para quienes quieren vivir en un hogar con un gran toque de diseño.

El recorrido comenzó un día antes de inaugurada la tienda. La mayoría de los showrooms de las firmas más prestigiosas ofrecieron cócteles y presentaciones exclusivas para prensa. Así, al día de inaugurada la feria ya habíamos visto y constatado la calidad de mucho del mobiliario presentado.

En plática con su director Philliphe Brocart, nos comenta que en este 20 aniversario lo que Maison & Objet quiso comunicar es que Francia sigue siendo el lugar por excelencia de las Artes Aplicadas y que el diseño contemporáneo ha sido un potenciador para que el alto arte del bien vivir sea disfrutado en casas exquisitamente bien diseñadas al tiempo de que con la producción industrial, los costos de muchas antes imposibles de adquirir, ahora son más asequibles.

Para él que el Talents à la Carte haya sido dedicado para creativos mexicanos ayudó mucho que la relación entre ambos países se hiciera más cercana. Brocart dice estar muy sorprendido con lo presentado por nuestros connacionales pues prensa de todo el mundo lo entrevistó por este motivo. Lo primero que le preguntamos fue qué le gustó del trabajo de cada uno de ellos, a lo que contestó categórico: el trabajo con artesanos y el fino detalle de cada pieza, y continuó: “Yo conozco poco toda la cultura de México, pero sé que en muy rica en materiales. Me impresionó muchísimo el barro negro, me pareció muy cálido y expresivo pues con diseños muy simples en forma, los diseñadores crearon piezas únicas. Estamos muy contentos con el resultado”.

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design

OKI SATO EL DISEÑADOR DEL AÑO Para esta edición, Oki Sato, quien dirige su taller de diseño Nendo, fue el seleccionado como Diseñador del año por el comité de Maison & Objet ¿El motivo? Por ser uno de los creativos que están marcando pauta por mirar al diseño con reserva y regresar a sus raíces pero con un claro acercamiento a la contemporaneidad y a la tecnología de hoy.

Texto y Fotografía Greta Arcila

Chocolatexture Lounge

S

in duda sus influencias y cercanía a sus raíces orientales le dieron un conocimiento muy especial de los materiales nobles, así como su vida en Canadá –nació en ese país-, lugar conocido por sus estrictas leyes medioambientales y en pro de la fauna.

En entrevista para Glocal Design Magazine, y con su característica sencillez, nos dice que ser nombrado el Diseñador del Año es un gran honor, pero en eso no cambia nada para él, sin embargo, sí lo considera un reto seguir haciendo las cosas bien. Oki Sato viaja más de 4 veces al mes a distintas partes del mundo para ver a sus clientes pues está seguro de que con ello aprende más cada día: “Yo aprendo más de mis clientes que ellos de mí. Tengo la fortuna de

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trabajar con empresas muy comprometidas con los procesos de trabajo, yo tengo que creer en ellos para que la relación creativa sea impecable”.

Sin duda alguna, visitar tantas ciudades enriquece nuestro lenguaje visual, al cuestionarle qué es lo que le llama la atención de otros lugares y si algo de lo visto le brinda nuevos conceptos nos dice que no: “Yo soy un hombre sumamente sencillo y rutinario. Cuando viajo trato de no ver demasiado.

Me saturo. Hay demasiadas cosas sucediendo como para prestar atención a una. Voy a museos, a galerías, a conocer muy pocas cosas. Yo leo el mismo periódico todos los días, voy al mismo café, salgo a caminar con mi perro a los mismos jardines. Soy muy aburrido, pero esta vida rutinaria me

"Quería llevar al diseño un paso más adelante: involucrar los sentidos del olfato y gusto para que a través de las formas y el olor del chocolate, el usuario pudiera vivir el diseño de otra manera" Oki Sato

Oki Sato

ayuda a encontrar soluciones inteligentes a aspectos que, por cotidianos, nadie ve”.

Para mí, como editora de una publicación de diseño, siempre que atiendo una feria, la gente me pregunta qué es nuevo, cuál es la tendencia; yo soy una fiel creyente que en diseño industrial no hay modas, sólo hay nuevas soluciones a problemas ya conocidos utilizando las nuevas tecnologías o experimentando materiales; la moda es para la ropa –y ni aún así lo creo: cuando algo nos sienta bien, lo queremos portar siempre, eso es lo que nos hace únicos como seres pensantes; quizá sí, un acento de algo nuevo que guste, pero no podemos cambiar de personalidad cada seis meses o cada año-; al exponer esto a Oki Sato y al hablar de cómo el público espera sólo tendencias enfatiza: “Claro, yo creo que las tendencias, la información, e inclusive la experiencia es muy peligrosa para un diseñador industrial pues cuando uno diseña debe de ser como un niño: tener la mente fresca y abierta para las cosas nuevas. Por ejemplo, cuando diseño una silla, debo de empezar

Chocolatexture

por algo totalmente diferente, quizá un plátano, no sé, algo que no esté relacionado con lo que ya existe. Creo que cuando estás seguro de conocer algo es muy peligroso pues en ese momento puedes comenzar a repetirte y a dejar de dar algo valioso”.

Todos los diseños trabajados con un cliente nacen de un brief, uno bien realizado sin duda ayuda a que el resultado sea inigualable, al hablar de cuál brief ha sido del que más a aprendido nos comenta: “Por el momento estoy trabajando para el pabellón japonés de EXPO MILÁN 2015 con un grupo de artesanos maravillosos de los que he aprendido muchísimo. Creo que por el momento es lo que más he aprendido. Regresar a trabajar con las técnicas de cerámica más antiguas ha sido muy agradable para mí, ver cómo los artesanos encuentran la comunión con materiales tan sencillos es extraordinario”. www.nendo.jp/en 41

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ACCESORIOS Bloom por Cristina Pettenuzzo para Incipit

Domsai por Matteo Cibic para Italo Bosa

Sagunto por Jaime Hayon para Paola C.

Sister love red & white por Pepa Reverter para Italo Bosa

Para que sea completa la experiencia de ambientación y dé uso cotidiano a un espacio, se necesitan piezas que no sólo den lo básico de su función, sino que gracias a su sencillez e ingenio hagan de este uso algo memorable. Este año la oferta de la primera edición de Maison & Objet fue espléndida, pues vimos los elementos completos para vestir la mesa de una forma única y por demás elegante.

Materiales como la porcelana, cerámica, cristal, barro, aluminio y madera se conjugaron espléndidamente para lograr vajillas, vasos, jarrones, macetones, cubertería y un fin sin de objetos para los amantes del buen vivir, que por su sola presencia en una reunión, hacen de las veladas algo irrepetible.

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Multifacet Single-flower vase de Matali Crasset para Concrete hub

Augustus por Jaime Hayon para Paola C.

Deep Sea por Nendo para Glass Italia

Mobiliario En esta ocasión nos sorprendimos con la pureza de las formas que destacaron entre las propuestas de mobiliario en la Maison & Objet.

Pudimos identificar un dejo de las siluetas retro del mobiliario de los 70’s, con su suave geometrización y sobre todo un manejo vibrante del color, que hace de estas piezas elementos protagónicos del espacio.

Usado de manera contundente o discreta, como un acento o en la totalidad de los objetos, el color destacó a los productos más propositivos; la pureza de los materiales evidentes y los tonos sobrios pasa a segundo plano para rescatar un sentido más decorativo, donde el impacto visual marca la tendencia.

Elysia por Luca Nichetto & De La Espada para Nichetto

Keaton Fit por Andrea Parisio para Meridiani

Unam por Sebastian Herkner para Very Wood

Tribu por De Castelli para Baldessari e Baldessari

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ILUMINACIÓN Hoy en día el diseño industrial y la tecnología de vanguardia como son los OLEDs, han ayudado a que las luminarias sean cada vez más espectaculares y en muchos de los casos sean elementos importantes cuando se realiza el interiorismo de una casa. Para la primera edición de Maison & Objet 2015 vimos ejemplos magníficos de este matrimonio perfecto, y nos sorprendió nuevamente con diseños que nos recuerdan a la naturaleza pues son muy libres en forma y discurso.

El regreso al trabajo con los profesionales sopladores del vidrio y el juego con las formas salidas del horno y su transformación en procesos de trabajo lúdicos, fue otra de las constantes en las piezas mostradas.

Tie Lamp por Laura Marin Zaragoza para Incipit

Flauti por Giopato & Coombes

Peacock por Noé Duchaufour Lawrance para Kundalini

Balloons por Brokis

Light Forest por Ontwerpduo y &tradition

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Bellmondo por Thierry Gaugain para BlackBody

Textiles

Agency por Maharam para Kvadrat

Ecailles Degrade por cc-tapis

Los textiles que encontramos en esta edición de la Maison siguen fieles a la esencia tradicional. En algunos productos de diseño, como los textiles, es donde más puede apreciarse el valor de la mano de obra manual, que le da una calidez y exquisitez únicas a este tipo de trabajos.

Los tapetes y tapices son las formas más usuales aplicadas a interiorismo, de los que se destaca no sólo la calidad de los materiales y

Shadows de la colección Illusion por Deirdre Dyson

de urdimbre sino el trabajo gráfico. Los modelos geométricos siguen siendo contemporáneos y no se agotan en la abstracción pura, usando diferentes patrones superpuestos o efectos de gradaciones, así como colores y texturas contrastantes, siendo una magnífica opción para ambientes de prácticamente todos los estilos, desde modernos hasta conservadores.

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TALENTS À LA CARTE Perla Valtierra

“Cuando me llamaron estaba en Japón trabajando en un proyecto y pensé en presentar lo que estaba haciendo en ese momento. Llegando a México, pensé en hacer una nueva colección de Oaxaca, y ya tenía un proyecto llamado Barro Zacatecas, así que estoy mostrando las tres colecciones.

Lo que me gusta del trabajo con la cerámica es que también me involucro con la producción y en el desarrollo. Lo más bello de estos proyectos colaborativos es compartir pues no es sólo mío el resultado, es de una comunidad que ama su trabajo”.

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isitar el recinto en donde estaban exhibidos los diseñadores mexicanos, en lo personal, me causó muchísima emoción. Muchas ferias visito año con año y la presencia creativa de nuestro país es –era- casi nula, por eso llegar y ver la aceptación de su obra, fue muy emotivo. La propuesta de cada uno es muy propia pero todos tienen un punto en común: el uso de materiales en su estado más noble y el trabajo con artesanos. Finalmente la generación que está dignificando tradiciones ancestrales y el uso y factura de técnicas que quizá podrían haber quedado en el olvido, está siendo vista por el mundo ¿qué les espera? Estamos seguro que una inmejorable recepción... pero eso sólo el tiempo lo dirá, por lo pronto algo de lo que conversamos con cada uno de ellos.

David Pompa

“Cuando vino la invitación, no lo creíamos pues parecía todo muy sencillo.

Para nosotros trabajar con artesanos salió de un viaje a Oaxaca hace seis años. Vi muchas cosas y cuando me percaté de que el barro negro era un material tan noble, decidí que por ahí era el camino para encontrar un discurso nuevo para mí y para el material. En cuanto a la talavera la trabajamos con URIARTE y desde un inicio se dio la colaboración muy fácil, y la colección ha sido muy bien acogida en México. Creemos que estamos ayudando a que los artesanos creen una industria justa y honorable”.

Christian Vivanco

“El mimbre siempre ha sido un material que me ha llamado la atención, trabajar con niños también era un tema pendiente para mí. Las tres piezas que presento son para niños, pero tienen un brief que requería que fueran para familias con niños. Los materiales naturales son adecuados para la exportación, y obviamente nuestro mercado es el extranjero. Es una colección con claras referencias artesanales y con un gran pasado”.

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Omar Ramos, FOAM

“Queríamos mostrar piezas muy representativas en nuestra carrera y además las piezas nuevas. La esencia del despacho es el uso de la geometría y la búsqueda de conceptos que hablen de México pero con un lenguaje más contemporáneo.

Estamos muy contentos por el resultado, no sólo de nosotros, sino de todos los Talents a la Carté pues todos tenemos propuestas muy diferentes, pero en conjunto, nos presentamos muy bien. En muy satisfactorio que la gente de otros países se sorprenda de que esto está diseñado y hecho en México”.

Liliana Ovalle

“Mi obra ha abarcado mucho el trabajo con galerías el llamado design art, por lo que para esta ocasión quise mostrar un aspecto más industrial, pensando en piezas que sí puedan tener una producción en masa. Algo de lo que presento son los Totems que hice con Anfora Studio el año pasado y han tenido una recepción espectacular.

En sí son contenedores bastante genéricos con composiciones gráficas que se yuxtaponen para que en el momento de cada pieza se monte sobre la otra, tenga una composición geométrica interesante”.

Jorge Diego Etienne, PANORÁMICA

“PANORÁMICA siempre ha tenido la visión de ser internacional y haber sido invitados para esta feria ratifica nuestra intención. Mono, la colección que mostramos, busca utilizar materiales que generalmente no ves en un mismo objetivo; intentamos hacer un camuflaje monocromático y ver qué sucedida con piezas muy básicas de diseño como una banca, un reloj o un espejo. Somos muy experimentales, buscamos un diálogo diferente a lo que nosotros en lo individual hacemos”.

Pablo Igartúa, PAUL ROCO

“Quisimos mostrar nuestras piezas más características con el objetivo de que vieran a un taller más solido y con una propuesta clara. Maison & Objet es la segunda feria internacional en la que participamos pero la primera a la que somos invitados por los organizadores y estamos muy contentos. Por el momento ya han venido varios posibles clientes y lo primero que hacen es dudar de que lo que hacemos esté diseñado en México, pero se van gratamente sorprendidos.

Nos gusta utilizar los materiales en su más pura esencia con la intención de que se muestren claros y que envejezcan de la manera más honesta".

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design

DISEÑO

ZONA MACO Texto Redacción Fotografía Carlos Madrid

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or cuarto año consecutivo Zona Maco Diseño reunió lo más destacado del diseño industrial nacional e internacional, con el objetivo de acrecentar los lazos de colaboración entre estudios, diseñadores, galerías y artistas, quienes exhibieron ediciones limitadas de objetos utilitarios.

La encargada de la selección de cada uno de los despachos participantes fue la diseñadora Cecilia León de la Barra, quien logró reunir a 31 galerías de cuatro países: Estados Unidos, Francia Gran Bretaña y México.

Artell

La marca de telas invitó al despacho Amoato Studio, Aisha Neshama, Cecilia León de la Barra e Ibó Angulo a crear un producto para casa que utilizara las telas de la firma y las transformara de dos dimensiones a tres dimensiones. Biombo: Amoato, Aisha Neshama: Lámparas, Cecilia León de la Barra: Tepee e Ibó Angulo: Camas para perro.

CYTF, Marquetería

Mesas, credenzas y espejos creados artesanalmente con la técnica de marquetería, fueron el resultado del trabajo en conjunto de los diseñadores Emiliano Godoy, Daniel Romero, Emmanuel Aguilar, Carlos Oyosa, Cecilia León de la Barra y Rodrigo Alonso.

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Ángulo cero

Ángulo Cero cultiva talentos emergentes comisionando piezas únicas y de edición limitada que promueven la intersección entre arte y diseño. Este enero llevaron a cabo el lanzamiento de su primera colección exclusiva, comisionada a Cooperativa Panorámica, Karla Sotres, Poleta Rodete, Studio Cardinal y Rodrigo Red Sandoval.

marcos betanzos

Bordos 100, trabajo de investigación del arquitecto Marcos Betanzos quien pertenece a los creadores FONCA y que parte del análisis de 100 autoconstrucciones que existen dentro del Bordo de Xochiaca, presentó un análisis fotográfico complementado con dibujo arquitectónico, en donde analiza los ciclos de vida que tuvieron los objetos que fueron tirados y ahora forman parte de esas autoconstrucciones.

Mob

Colectivo de diseño

Mob presentó varias piezas de la más reciente colección línea 5: Credenza Lara, Mesas Cortés, Silla Ortega y una edición especial del Espejo Aparicio. De igual manera se exhibió el MM01, el sistema de sonido de alto desempeño resultado de la colaboración con Margules, empresa especializada en audio.

Desde vasijas de barro hasta piezas de cerámica y mobiliario en piel y madera, fue lo que exhibieron los despachos Goyo Estudio, Toloache, Foam, Eduardo Prieto y Paca.

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enfoque

Museo Juan Soriano 50

REALIDAD AUMENTADA Te invitamos a descargar nuestra app para que explores más obras en 3D de JSa Arquitectura. app: glocal design magazine

De la cátedra a la

práctica jSa arquitectura

El arquitecto mexicano Javier Sánchez, quien recientemente llevó a cabo la prestigiada Cátedra Extraordinaria Federico Mariscal, nos habla de su nuevo reto: el Museo Juan Soriano en Cuernavaca, y de su permanente intención de regenerar la ciudad y ofrecerle una nueva forma de vida adaptable al crecimiento desmedido.

Texto Gerardo León Retratos Carlos Madrid Fotografía cortesía JSa Arquitectura Portada / Fotoilustración Jorge González para JSa Arquitectura

H

Javier Sánchez

acer de la Ciudad de México un sitio funcional, con la suficiente movilidad dentro de un contexto arquitectónico consciente del desarrollo desmedido, es para el arquitecto mexicano Javier Sánchez una de las prioridades que define su perspectiva actual.

Cofundador del despacho Higuera y Sánchez en 1996, y actualmente director de JSa Arquitectura, Javier ha sido uno de los representantes más destacados de la arquitectura de la ciudad, rehabilitando y replanteando parte del tejido urbano de importantes zonas como las colonias Condesa, Roma, Polanco y otras áreas en las que erige edificaciones de vivienda cuya premisa radica en el aspecto humano y en la reintegración social.

Recientemente fue reconocido por la Universidad Autónoma de México con la Cátedra Extraordinaria Federico Mariscal que sólo arquitectos como Abraham Zabludozky, 51

enfoque

Sala de exposición Museo Juan Soriano

Biblioteca Museo Juan Soriano

Teodoro González de León, Ricardo Legorreta y Pedro Ramírez Vázquez —además de su padre el prestigiado arquitecto Félix Sánchez—, entre otros, han sido acreedores a esta distinción.

Como parte de esta cátedra, Sánchez llevó a cabo la exposición “Costruyendo un práctica” en la Galería José Luis Benlliure de Ciudad Universitaria que compiló el trabajo realizado desde 1996 hasta la actualidad.

“El hilo conductor de la cátedra tenía que ver necesariamente con la formación profesional y cómo vas a haciendo tu práctica y conformando tu oficina. También se basó en el análisis de esas contradicciones entre la práctica de la arquitectura y el tema inmobiliario, y hasta dónde el arquitecto puede ser o no un desarrollador, y dónde termina su papel como arquitecto.

“Se realizó una reflexión actual de cómo la arquitectura se convierte en una actividad multidisciplinaria a través de trabajos de equipo en donde los alumnos pudieron encontrar varias alternativas para involucrarse, y dejar de pensar que el único camino del arquitecto es estar sentado en su escritorio diseñando un proyecto. Eso nos llevó a comprender que el camino de esta profesión es muy incierto. En ocasiones llegas a ganar un concurso y al final no se lleva a cabo la obra, a veces empiezas a construir algo y a medio camino la constructora lo echa a perder, en fin… son muchas las vicisitudes que involucran la vida de un arquitecto, y ese fue uno de los temas principales de la cátedra”, explica Javier Sánchez.

Morelos y es la más reciente obra de JSa en la que se encuentra trabajando y en la que el despacho se involucra y rinde un homenaje al desparecido artista mexicano.

“Una particularidad de este museo es que incluirá un terreno con árboles gigantes y viejos. Había una casa que demolimos preservando la naturaleza y concentrando 80% del programa en un jardín de esculturas de gran formato de Juan Soriano que son parte del acervo cultural del país. El exterior se convirtió en un espacio de exposiciones con mucha flexibilidad, cediéndole una parte importante a la ciudad al generar un acceso a manera de paso peatonal que conduce a un barrio con una iglesia y un mercado. Esto es parte de un valioso aprovechamiento de las áreas verdes y los espléndidos jardines que existen en Cuernavaca”, explica el arquitecto.

Un homenaje a Soriano El proyecto protagonista de la muestra “Costruyendo un práctica” fue el Museo Juan Soriano, se ubicará en Cuernavaca, 52

Corte transversal del Museo Juan Soriano

“Algunos edificios se han convertido en ‘islas’ abandonadas que no aportan nada a la ciudad, y que es necesario rehabilitar” Javier Sánchez Al nivel de galerías se accederá por el vestíbulo del edificio. Esta planta de exposiciones se envuelve por un juego de volúmenes sólidos que alternan distintas aberturas hacia el jardín y la ciudad.

Desde el momento de entrar al vestíbulo, el espacio de exposición vive del flujo de aire natural con el que el museo dialoga permanentemente. Este contenedor de concreto blanco marca un umbral en la relación entre el interior y el exterior mediante un juego de aberturas y cierres.

La configuración de la sala permite de manera libre ofrecer un refugio para las piezas de Juan Soriano y para aquellas obras invitadas en exposiciones temporales que habrán de enriquecer la lectura de la obra y pensamiento de Soriano. La diversidad de alturas y posibilidades museográficas permiten activar un ilimitado uso del espacio y construcción de narrativas.

Los involucrados en este proyecto son el Gobierno del Estado de Morelos, el Consejo Nacional Para la Cultura y las Artes, la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C, Grupo Financiero Banorte y Fideicomiso del Museo Juan Soriano.

“El proyecto involucra un aspecto importante en el tema de la ecología logrando implementar un humedal donde reciclaremos el agua de desechos de baños que servirá como uso de riego para el jardín, entre otros sistemas relacionados con la sustentabilidad”, describe Aisha Ballesteros, directora de proyectos de JSa.

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enfoque

Ámsterdam 169

Rescate urbano

Tonalá 113 54

Para Javier Sánchez es necesario lograr que la misma arquitectura sea generadora de un orden urbano; su ideal es que la gente viva, estudie y trabaje cerca de su casa evitando traslados innecesarios contribuyendo con esto a que exista mucho más movilidad y funcionalidad.

“A diferencia de lo que muchos arquitectos piensan, en la Ciudad de México hay mucho donde construir y mucho que reciclar, con excepción de los inmuebles protegidos como patrimonio. La ciudad se puede rehacer y las generaciones que siguen lo seguirán haciendo conforme los edificios tengan más tiempo. No podemos permitir que la ciudad se siga expandiendo y es más lógico reciclar inmuebles con poca densidad y agregar una densidad mayor pero con mucho más conciencia sobre cómo tocas la parte baja del edificio para generar la convivencia y de cómo lograr usos mixtos y espacios compartidos, para que después digamos que se rehizo la ciudad, porque tenemos un mejor patrimonio y mejores edificios”, afirma el creativo.

“Construir nuevos centros de estudio en la Condesa, podría lograr que disminuya el tránsito, mejoraría la vialidad

Torre ﾃ［sterdam

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Biblioteca Carlos Monsivaís

“No podemos permitir que la ciudad se siga expandiendo y es más lógico reciclar inmuebles con poca densidad y agregar una densidad mayor pero con mucho más conciencia” Javier Sánchez y se evitaría el traslado de las personas hacia otras zonas”, propone.

Las áreas libres para construir cada vez son menores y el desperdicio máximo de predios se convierte en una constante, día con día, sobre todo en las zonas de mayor plusvalía.

“Cuando empecé a construir en la Condesa hace más de 20 años, hice un mapa de los terrenos baldíos que me parecían interesantes para poder desarrollar alguna obra; si volviéramos hacer ese estudio probablemente no quedarían más que tres o cuatro de éstos, no son tantos, y es cuando volteamos a ver y nos damos cuenta de que es más la cantidad de los edificios que se han convertido en ‘islas’ abandonadas que no aportan nada a la ciudad, y que es necesario rehabilitar”, sugiere.

Al respecto, Ballesteros comenta que “la colonia Doctores actualmente es un ejemplo de las zonas con un potencial importante, donde ha habido una regeneración constante, esa regeneración al momento de activarse es un ola que empieza a impactar a la demás gente y habrá más conciencia para renovar y conservar los espacios”.

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Uno de los ejemplos más claros de esta intención de JSa es el rescate del edificio ubicado entre las calles Tonalá y Guanajuato de la colonia Roma donde anteriormente se encontraba una funeraria.

“Agregamos nueve viviendas más y se mantuvo la identidad original del edificio. Pienso que la densidad ha bajado en algunas colonias como la Roma, y nos adaptamos a esto, trabajando sobre materiales que coincidan con una parte más artesanal que te habla de la conexión —en este caso de la colonia Roma—, como los mosaicos, la herrería y otros detalles”, describe el entrevistado.

El rescate de los patios mexicanos en edificaciones contemporáneas permanece como un elemento tangible en la obra de JSa, como parte de la importancia de generar la convivencia y crear una interacción básica entre interior y exterior.

“La gente tiene que sentirse incluida dentro de la construcción.

Estamos estirando no solamente el reglamento de construcción sino logrando espacios cómodos que se transforman en patios.

Hotel Condesa DF

Montaje de la Exposici贸n "Construyendo una Pr谩ctica"

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enfoque

13 de Septiembre

“¿Hasta dónde el arquitecto puede ser o no un desarrollador y dónde termina su papel como arquitecto?” Javier Sánchez

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Equipo de arquitectura de JSa

El edificio de la calle de Veracruz va cediendo su estructura a un patio, el de Parque México en lugar de ser un edificio cerrado se vuele una herradura y deja abierto un patio abierto hacia la calle”, describe.

Por su parte, Ballesteros habla del importante crecimiento de JSa, “La evolución ha sido importante, sobre todo la oficina que con su experiencia ha permitido abarcar mayor número de proyectos y cuidarlos a través de gente más especializada que pone atención a los pequeños detalles involucrándose con los diferentes tópicos del despacho”.

Además de vivienda urbana, el despacho realiza diversos proyectos de distinta escala como hoteles, oficinas y edificios de uso mixtos con los que ha diversificado el trabajo, abasteciéndose de nuevas ideas e interesantes programas de creación de espacios. www.jsa.com.mx

Chihuahua 78

EN PORTADA El jardín escultórico es una de las principales aportaciones del Museo Juan Soriano a la ciudad de Cuernavaca, ya que se proyectó como un espacio peatonal que servirá de paso entre el barrio de Amatitlán y el centro histórico de la capital morelense.

Para resaltar la importancia del jardín dentro del proyecto arquitectónico, se eligió la paleta Balance de Comex. La mezcla de tonos de grises se utilizó para dar forma a la propuesta arquitectónica, creando así un fondo neutro que cede el protagonismo a la vegetación del jardín, la cual se matizó en contraste.

Portada por: Jorge González Yáñez, JSa Arquitectura

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1. IC Balance 278 2. IC Liberty 285 3. IC Balance 276 4. IC Balance 277 5. IC Balance 272 6. IC Universe 289 7. IC Universe 296

www.comex.com.mx 59

design

Arquitectura y naturaleza

Plantas, árboles, mariposas y trecandís colocados sobre ferrocemento, entre otros elementos, están presentes en el nuevo Parque ecológico Nido de Quetzalcóatl, la más reciente obra del arquitecto Javier Senosian.

Texto Yolanda Bravo Saldaña Fotografía Francisco Lubbert, cortesía Javier Senosiain

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os jardines siempre se han revelado como un lugar para el esparcimiento y el placer, son un pequeño espacio de naturaleza domesticada que no habla del dominio sobre los elementos sino de la integración del hombre con su entorno.

En este sentido, la obra del arquitecto Javier Senosiain se distingue por poseer ese espíritu organicista realmente único, donde la imaginación se desborda a través de formas y materiales que hacen surgir espacios altamente plásticos, de gran lenguaje visual, en íntimo contacto con la naturaleza.

Sin embargo, como expresa Javier Senosiain: “Pareciera que hay en la actualidad mínimos esfuerzos por reintegrar al hombre a la naturaleza, y por restablecer el equilibrio, perdido a causa del rápido desarrollo de la técnica”.

Una de las preocupaciones latentes de Senosiain es la visión ideal de ciencia, tecnología y humanismo como vías de integración de los seres vivos al medio ambiente.

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Y fue a causa de esta preocupación por dotar de espacios verdes a una zona, que por momentos vive un tremendo caos urbano, que este arquitecto decidió crear un oasis de verdor y de arquitectura sugerente.

Un parque para Naucalpan El Parque Ecológico Nido de Quetzalcóatl (aún en desarrollo), es un espacio que continúa visualmente un conjunto de viviendas en un lote vecino, construidas también por Javier Senosiain y su equipo de trabajo. La obra, localizada en el municipio de Naucalpan, en el Estado de México, cuenta con tres zonas dedicadas a los tres grandes reinos de la naturaleza (animal, vegetal y mineral), así como un Centro para visitantes —inspirado en la Cinta de Moebius—, entre otros elementos.

En este caso, presentamos el área dedicada al reino vegetal que incluye: una zona para hortalizas, un jardín desértico, un invernadero, composteros, un área con plantas medicinales y otra denominada “Jardín de mariposas” donde gracias al tipo de plantas colocadas, durante el día, el lugar es habitado por estos bellos insectos. Cabe decir que el parque tendrá un vaso regulador de agua; estanques; un circuito para bicicletas; un túnel de jazmines; un vivero; un jardín de bambús y otro jardín de flores.

Esta zona del conjunto está dividido en: jardines culinarios y jardín escolar; milpas, cultivos de árboles frutales, jardín medicinal, jardín acuático, jardín de mariposas, jardines colgantes y el jardín xerófito o desértico; además de flores silvestres y pastizales. En el caso del jardín culinario, la idea es, como expresan en el despacho del arquitecto: “que se puedan despertar los instintos y que brinde satisfacción al visitante al encontrar y recolectar alimentos”. Parte de las cosechas serán para los visitantes y los excedentes podrán ser utilizados en la cocina del restaurante.

En el caso del Jardín desértico de rocas y cactáceas, se cultivaron suculentas nativas adaptadas entre las rocas de las paredes y en las áreas cementadas verticales, donde además existe una resbaladilla y otras áreas de pronunciadas pendientes.

Entre las especies que están presentes en este parque hay nopales, agave, sábila, oreja de burro y cola de borrego. Por su parte, en el caso del Jardín medicinal, existen espirales de hierbas para especies tradicionales de México y algunas procedentes de otros lugares.

Todas las plantas, en conjunto con esa arquitectura serpenteante revestida de trecandís, generan un lugar no sólo de gran beneficio médico, o cultural, desde una perspectiva naturista, sino también pleno de color; se trata, en suma, de un espacio altamente sensual y sensorial que esperamos, pronto esté abierto a todo público. www.arquitecturaorganica.com 61

especial de color

Arquine Publica./ arquine.com Nuevo diesño de nuestra web (a partir de marzo, 2015)

arquine.com Arquine en la web es más que solo información.

Presentando contenido cada día, ofrece crítica, opinión, temas especiales, nuestra tienda en línea, la agenda de eventos destacados, proyectos de arquitectura y columnas semanales de más de 30 colaboradores sobre lo más destacado de la cultura arquitectónica.

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especial de color

FULL COLOR Textos redacción Fotografía Cortesía de los despachos y Carlos Madrid

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ás allá de la definición técnica del color: "impresión que producen en la retina los rayos de luz reflejados y absorbidos por un objeto", la intención actual de los diseñadores y arquitectos internacionales es hacer de éste una eficaz herramienta para crear conceptos que rompan con cualquier tipo de formalidad, exhortando al usuario a involucrarse con diferentes sensaciones que podrían convertirse en una arriesgada pero divertida forma de vivir sus espacios.

En esta edición especial, hemos realizado una compilación global de las obras de reconocidos creativos que han logrado desarrollar proyectos de diferente escala, donde aparecen intensas tonalidades en intervenciones arquitectónicas de mitad del siglo XX, hasta remodelaciones de aparatamentos basados en el más puro y colorido estilo Memphis de los años 80.

Desde reconocidas firmas de belleza como Guerlain, hasta prestigiados despachos de arquitectura como el del japonés Yoichi Yamamoto, y la obra del reconocido arquitecto mexicano Javier Sordo Madaleno, protagonizan esta lista como parte de una original propuesta que además de brindarle un sentido lúdico a cada uno de sus trazos, asemeja la obra de un artista plástico empleando los muros de cada recinto como si fuera un lienzo en blanco destinado a absorber la inspiración de su autor.

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especial de color

Hospital de OnCología Teletón Sordo Madaleno Arquitectos QUERÉTARO

Texto redacción Fotografía cortesía Sordo Madaleno Arquitectos

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l concepto arquitectónico del Hospital de Oncología Teletón (HITO) de la ciudad de Querétaro, creado por el despacho Sordo Madaleno Arquitectos, se basa en una cadena de estructuras con diferentes movimientos que representan el principio de regeneración celular. Cada una de dichas “células” está representada por un volumen arquitectónico, dentro de los cuales se desarrolla todo el proyecto que, en conjunto, tiene una forma curva.

En la fachada, cada volumen pintado de colores primarios, juega con una inclinación diferente y cuenta con una serie de soportes verticales que funcionan como columnas estructurales, que además, tienen la función de proteger del sol y dan la sensación de estar en movimiento.

El HITO cuenta con la más alta calidad de servicios especializados en oncología infantil distribuidos en cada espacio del edificio formado por nueve áreas, algunos de estos espacios son: imagenología, terapia intensiva, quimioterapia, y capilla.

La superficie total del terreno es de 45,130 m2 dentro de los cuales una gran parte está destinada a reserva ecológica y otra para un futuro crecimiento. www.sordomadaleno.com

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PALETA DE COLOR

El uso lĂşdico del color tambiĂŠn desarrolla la sensibilidad de los pacientes de este hospital.

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especial de color

Cite des Affaires Manuelle Gautrand Saint-Étienne

Texto redacción Fotografía cortesía Vincent Fillon

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bicado en un punto clave de la ciudad de Saint-Étienne, Francia, este edificio de oficinas se plantea como un hito que marca la entrada hacia el vecindario de Châteaucreux. Además, fue pensado por su creador, el arquitecto Manuelle Gautrand, como un elemento que articulara diversos edificios gubernamentales que componen esta importante zona de la ciudad.

Una de las ideas principales que destacar de este proyecto fue la percepción de continuidad y la interacción del edificio con las calles adyacentes y el patio central que posee tres flancos distintos por los que la gente transita.

La edificación responde a la flexibilidad y el flujo urbano. En palabras del arquitecto, el edificio “es como una gran serpiente”. Su cuerpo tiene tres caras exteriores idénticas y una piel interior de color amarillo brillante, que demarca el patio interior a manera de una garganta. www.manuelle-gautrand.com

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PALETA DE COLOR

Una de las ideas principales que destacar para este proyecto fue la percepci贸n de continuidad.

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especial de color

Wanamaker The view at Montgomery WRT Architects Philadelphia

Texto redacción Fotografía cortesía cortesía WRT Architects

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unto al campus de la Universidad de Temple en Philadelphia, el despacho estadounidense WRT Architects, decidió erigir un complejo de usos mixtos con el cometido principal de albergar a 2,500 estudiantes.

El resultado es un centro comercial de 14 pisos con apartamentos para 800 estudiantes, inaugurado en agosto 2014.

El edificio tiene el objetivo de incorporarse a la ciudad tanto en la escala urbana como en la del transeúnte, y lo hace a través del uso de colores brillantes.

Los flancos más angostos de las fachadas este y oeste están cubiertos con paneles de radiantes tonalidades, mientras que las fachadas norte y sur usan el color en los bordes para definir el campo blanco y gris de la estructura. La elección

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del uso de color es estratégica, pues se desea que sea el medio de ubicación e identificación del edificio. En la fachada norte, una sección multicolor se repliega creando un embudo que dirige la atención hacia el vestíbulo de entrada. El color rojo hace eco del logotipo de la Universidad de Temple y adquiere un carácter único mediante los tonos naranja y magenta.

En el contexto urbano, la torre Wanamaker, impacta con su color y proyecta una sensación de energía y deleite, transformando todo el vecindario. www.wrtdesign.com

PALETA DE COLOR

El edificio tiene el objetivo de incorporarse a la ciudad tanto en la escala urbana como en la del transeĂşnte, y lo hace a travĂŠs del uso de colores brillantes.

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especial de color

Casa Cultural de Cyklopen Victor Marx Estocolmo

Texto redacción Fotografía cortesía Robin Hayes y Johan Åström

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ste centro cultural ubicado en la ciudad de Estocolmo tiene la particularidad de haber sido construido enteramente por voluntarios, debido a las limitaciones de presupuesto. Así, el proyecto planeado por el arquitecto Victor Marx se organizó y realizó a través de talleres con la asesoría de profesionales de la construcción.

Debido a que el trabajo se llevó a cabo sólo en los tiempos libres que los voluntarios podían ofrecer, la construcción tomó 3 años y los recursos fueron aún más limitados. Para solucionar este problema y ahorrar costos en materiales, la estructura del edificio se resolvió de tal manera que funcionara como una especie de andamio y soporte para el montaje de la piel exterior formada a partir de láminas de acrílico de colores.

El motivo cromático del lugar fue diseñado para crear un ambiente cálido y de bienvenida. La meta es atraer a personas de la localidad, ya que al ser un centro social, la relación con los usuarios es uno de los factores más importantes del proyecto.

En el lugar se realizan exposiciones, diversos talleres para niños, y otras actividades culturales relacionadas con el cuidado del medio ambiente y la conciencia social. www.vima-archi.se

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PALETA DE COLOR

El motivo cromático del lugar fue diseñado para crear un ambiente cálido y de bienvenida. La meta es atraer a personas de la localidad, al ser un centro cultural.

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especial de color

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Redline Pietri Architectes TOULON

Texto redacción Fotografía cortesía Pietri Architectes

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nspirado en la obsesión del ser humano por el mar y la forma en que éste influye en sus sentidos, surge Redline, un conjunto residencial ubicado en la Bahía de Toulon, Francia donde el color es su principal característica.

Redline se compone de 59 apartamentos, orientados hacia la Bahía de Viñetas, una de las más grandes de Europa, y está asentado detrás del Autumn Garden, sitio de los antiguos astilleros.

El conjunto es el resultado de una restauración realizada por el despacho Pietri Arquitectos que ha hecho del color fucsia el protagonista, aplicándolo en escaleras y pasillos ubicados al centro de la edificación. Ahí mismo, el despacho agregó un laborioso trabajo de arquitectura de paisaje para deleite de los residentes.

En las paredes que enmarcan el jardín se empleó una tonalidad de rosa más claro, que hace juego con la fachada de color crema.

Una pequeña caja volada de concreto en tono fucsia, que ofrece una privilegiada vista al mar, se ha instalado junto a las escaleras como un especio alterno destinado a la relajación. www.pietriarchitectes.com

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Para esta restauraci贸n, adem谩s del uso del color, se utiliz贸 un dise帽o de arquitectura del paisaje libre y divertido.

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Estación de trenes de Miaoli Bio Architecture Formosana MIAOLI

Texto redacción Fotografía cortesía Bio Architecture Formosana

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n Miaoli, al noroeste de Taiwán, surge este proyecto creado por el despacho Bio Architecture Formosana como una forma de conectar a la ciudad dividida por el paso original de las vías de tren. Así, la estación se configura como un puente que une las zonas urbanas este y oeste.

Para los cielos rasos se eligió un patrón floral de peonias y flores de Tung, que recrea el arte folklórico local, asimismo refleja la calidez de trato y la cultura agraria de los pobladores. La estación se revela como un conjunto de tecnología, naturaleza y sustentabilidad, que celebra la arquitectura en su búsqueda de identidad cultural.

A través del color, la materia y la textura, se busca generar impresiones que resuenen en la memoria del viajero. Los elementos locales también hacen presencia en la textura de los muros, revestidos con bloques de abeto chino que honran la tradición de la talla de madera de los artesanos de la región.

La plataforma escalonada es un espacio flexible, pensado para ofrecer asiento y descanso a los viajeros y, a su vez, funciona como un punto de observación para disfrutar de las vistas de los alrededores y el espectáculo de los músicos callejeros. www.bioarch.com.tw

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Para los cielos rasos se eligi贸 un patr贸n floral de peonias y flores de Tung, que recrea el arte folkl贸rico local.

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Dow Gallery Walk Pentágono Estudio Michigan

Texto redacción Fotografía cortesía Pentágono Estudio

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esaltar la importancia del diseño en la vida diaria de las personas a través de una instalación artística, fue el encargo que solicitó la empresa multinacional Dow Chemical, con sede en Michigan, al despacho de diseño mexicano Pentágono Estudio, quienes se enfrentaron a todo un reto para lograr un original concepto lúdico, lleno de color y forma.

El objetivo de la empresa consistía en difundir, de una manera explícita, el concepto cross-marketing —una estrategia de mercado para promover sus productos y lograr la aceptación de sus principales clientes a los que ofrecería los beneficios de su marca durante todo el año—, por medio de una presentación diferente y conceptual, a manera de galería. Así surgió Dow Gallery Walk.

El proyecto integral crea toda una experiencia visual a través de los colores primarios aplicados en artículos y materiales que están presentes en nuestra vida cotidiana, divididos en cinco plataformas comerciales: Infraestructura, 76

Consumismo, Automotriz, Energía y El valor de la cadena alimentaria. Todo esto a partir de una instalación temporal dentro de las oficinas de la empresa con bocetos de muebles pintados en las paredes que simulan ser parte de ambientes cotidianos del hogar.

Cada plataforma está representada por un color diferente y está acompañada de una señalización que indica de forma gráfica y literal, los beneficios que ofrece la empresa para alguna de sus plataformas, por ejemplo: Automotriz (representada por diversas piezas: puertas, defensas, entre otras) con la señalización: “Nuestras soluciones incluyen: poliuretano para asientos, adhesivos estructurales, modificadores de impacto”, entre otros ejemplos.

www.pentagonoestudio.mx

La planimetrĂ­a ayuda a que el color utilizado exalte su valor iconogrĂĄfico.

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AIra Pond Full of Ink Koers & Roelof Mulder la haya

Texto redacción Fotografía cortesía Ira Koers & Roelof Mulder

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ra Koers y Roelof Mulder, diseñadores originarios de Ámsterdam, compilaron y presentaron recientemente la obra del artista holandés, ilustrador y escritor, Sieb Posthuma, que lleva por nombre A pound full of ink (Un estanque lleno de tinta), la cual reúne 240 de sus pequeños dibujos a gran escala.

Con lugar en Letterkundig Museum, La Haya, Países Bajos, esta exposición estuvo compuesta por gabinetes que fueron cubiertos por grabados, ilustraciones, personajes y ejemplos de técnicas utilizadas por Posthuma; también deliveradamente se colocaron objetos para niños diseñados por los creativos, como figuras de animales y otras inspiradas en la naturaleza con el objetivo de que éstos interactuaran con la obra del artista, cuya obra se basa en patrones y colores intensos que remiten a un mundo de fantasía.

A través de las nueve salas que constituyen a “A pound full of Ink”, los asistentes y, principalmente los pequeños, pudieron dar un paseo por los libros del artista y participar de manera interactiva en cada una de las instalaciones.

www.irakoers.nl 78

PALETA DE COLOR

Divertidos diseños hechos por creativos invitados hacen que esta exposición pensada para niños sea única en su tipo.

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CH-AIR-S para Issey Miyake Yoichi Yamamoto tokio

Texto redacción Fotografía cortesía Yoichi Yamamoto Architects

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íneas y vértices flotan en el aire y se convierten en las figuras protagónicas de los escaparates de la boutique Issey Miyake en Tokio. A primera vista, la disposición de estos elementos es aleatoria, pero cuando se aprecian desde un punto fuera del escaparate parecen sillas de colores. El objetivo de esta instalación creada por el arquitecto Yoichi Yamamoto es dar al observador un sentimiento de hallazgo y sorpresa.

En este proyecto, Yamamoto -al igual que en sus anteriores creaciones para la misma marca- juega con la perspectiva y la ilusión óptica de cada uno de los detalles a través del color y las formas. La idea detrás de estos desarrollos es la premisa de la casa Miyake: “de tela bidimensional a vestimenta tridimensional”. Cada pieza del escaparate fue creada en madera de ciprés japonés, que por su dureza permite cortes exactos, además de ser ligera en su estructura.

Los elementos fueron pintados en colores brillantes que van desde el rojo hasta el azul marino, y coordinan con las mismas tonalidades de las prendas de la boutique. Cada objeto del aparador está colgado con cable de pesca y alambre de acero inoxidable. El objetivo del arquitecto fue que los diseños se apreciaran como elementos llenos de una belleza abstracta inherente. www.green.dti.ne.jp

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En este proyecto, Yamamoto juega con la perspectiva y la ilusi贸n 贸ptica; los elementos del escaparate hacen eco de la paleta de color de los productos, logrando una perfecta integraci贸n.

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Suite Novotel Constance Guisset la haya

Texto redacción Fotografía cortesía Guisset

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a firma de diseño Constance Guisset, con sede en París —que recientemente fue acreedora al premio Janus de L’industrie—, llevó a cabo los interiores de la Suite Novotel, en los Países Bajos, con la idea de hacer de éstos un espacio en el que los usuarios, a pesar de encontrarse en un hotel, se sintieran como en casa gracias al mobiliario, la iluminación y diversos objetos llenos de color.

Además de que la simplicidad fue el elemento clave de este proyecto, los detalles y los complementos que lo componen están creados a partir de formas curvas y sinuosas evitando los bordes puntiagudos con la intención de darle un toque orgánico, dinámico y de fluidez al ambiente. El entorno está acompañado de colores primarios como amarillo, rojo, azul pastel y degradados en el mobiliario y muros.

De esta forma Constance Guisset convirtió la Suite Novotel en un lugar que produce diferentes emociones a quien se encuentra en él a partir de la expresión del color y las formas. www.constanceguisset.com

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La simplicidad fue el elemento clave de este proyecto, colores primarios y mobiliario de distintos estilos dan su carรกcter particular al espacio.

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especial de color

Cours des Senteurs

Formas abstractas con siluetas de ojos y bocas de papel se convierten en una instalación artística que deleita a los visitantes.

Maud Vantours París

Texto redacción Fotografía cortesía Maud Vantours

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Para la apertura de su boutique de Versalles, Guerlain lanzó una fragancia especial: Cours des senteurs. La botella de este perfume posee un lazo de textil rojo, por lo que el despacho de la diseñadora Maud Vantours diseñó para los escaparates de la tienda un moño de papel gigante recubierto por flores de jazmín en color rojo.

Del mismo modo, para la apertura en la boutique de Champs Elysées, la marca le comisionó a Vantours los decorados de la sección de maquillaje, y para ello realizó una serie de litografías en relieve, en diferentes materiales.

En este caso, las piezas fueron creadas en metal, piel, papel y plástico, destacando las texturas laminadas donde el color toma un importante sentido, sobre todo al encontrarse en el área de cosmética.

Formas abstractas con siluetas de ojos y bocas nos remiten al uso de los productos de la marca en promoción, y se convierten en una instalación artística que deleita a los visitantes.

El color, el diseño y el material tienen un lugar prominente en el trabajo de Vantours, quien a partir de un patrón simple en 2D, desarrolla diferentes volúmenes creando un arte lúdico y gráfico de esencia multicolor.

www.maudvantours.com 84

PALETA DE COLOR

La artista explora la forma en tres dimensiones, realizando instalaciones compuestas por miles de pequeñas piezas individuales.

inspiración etérea yuko takada copenhague

Texto redacción Fotografía cortesía Yuko Takada

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a artista japonesa Yuko Takada, originaria de Kyoto, Japón, ha elegido el papel como materia prima para realizar su trabajo, empleando un tipo especial que se conoce como papel para calcar o bocetar, debido a su transparencia, que en palabras de la propia Takada le confiere a sus piezas una sensación etérea.

Después de un tiempo de experimentar con obras bidimensionales, la artista comenzó a explorar con la forma en tres dimensiones, realizando instalaciones compuestas por miles de pequeñas piezas individuales. El papel es coloreado con pinturas acrílicas y, a su vez, es trabajado para crear efectos monocromáticos o de gradientes, dependiendo de la intención de la obra.

Su inspiración viene de sueños, viajes y experiencias personales, siempre traducidas de forma abstracta a través de un lenguaje basado en la filosofía oriental, especialmente del budismo.

Desde 1996, los módulos usados para sus obras son triangulares. Takada los concibe como “moléculas”: pequeñas partes que conforman un todo. La forma compuesta de múltiples partículas juega así con la percepción total y fragmentada de las piezas, llenando los espacios de un interesante juego visual. www.yukotakada.com 85

especial de color

Tane Zona Maco 2015 Amoato

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CIUDAD DE México Texto redacción Fotografía cortesía

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on un sentido lúdico como el que caracteriza a la firma de diseño mexicana Amoato, surge el pabellón de la marca de joyería Tane para la exhibición de su más reciente colección dentro del área de diseño en Zona Maco 2015, la más reciente edición de esta importante feria de arte internacional celebrada en el Centro Banamex de la Ciudad de México.

Es la segunda vez que la empresa Tane invita a Amoato a diseñar su espacio, que en esta ocasión estuvo inspirado en la icónica arquitectura de su tienda ubicada en la avenida Presidente Masaryk y en el color rojo distintivo de la marca. Trabajando en conjunto con Nino Bauti, el director creativo de la firma, el despacho logró desarrollar un espacio envolvente con cubos de diferentes tamaños en donde resaltan las piezas de joyería.

Más de 86 cubos de MDF laqueado, instalados y ensamblados por medio de ménsulas, definieron el diseño del stand que ofrece un interesante juego de formas y prismas en las que el público puede conocer de cerca desde brazaletes, bolsos, plumas, accesorios para casa y otras piezas de una colección especial diseñada por el afamado artista holandés Jean Hendrix como parte del 70 aniversario de Tane.

Dentro de lo más destacado en el trabajo de la firma Amoato destaca el montaje de la exposición que la coleccionista mexicana Barbara Berger presentó para mostrar una extensa colección de joyería y moda en el Museo Franz Mayer en la Ciudad de México, la cual fue una exhibición que reflejó un mundo de fantasía con 25 cabezas de animales en papel creadas en colaboración con el diseñador de moda Kris Goyri, las cuales dieron un toque de surrealismo y diversión a la colección. www.amoatostudio.com 86

Especialistas en jugar con los efectos ópticos y las dimensiones, Amoato lleva a la realidad formas que transmiten libertad y fantasía.

especial de color

VITRA

Con un proyecto colectivo, cuando aún era estudiante. Cofundó Goyo estudio de diseño de mobiliario, hoy dirige su propio startup.

Cecilia Ezquerro es egresada de CENTRO, la universidad especializada en la profesionalización de la creatividad. #EncuentraTuCENTRO centro.edu.mx | promocion@centro.edu.mx *En la Bienal de Kortrijk, Bélgica con el proyecto “Cesta”.

Arquitectura | Cine | Comunicación Visual Diseño de Interiores | Diseño Industrial Estudios de Diseño | Medios Digitales Mercadotecnia y Publicidad | Textil y Moda 87

residencial

Beijing Fantasy Dariel Studio Texto Karla Rodríguez Fotografía cortesía Dariel Studio

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bicado en la zona de Sanlitun en Beijing, China, este apartamento ofrece una sensación de inmensidad y profundidad debido a las texturas y patrones empleados por la firma Dariel Studio, la cual ha desarrollado más de 60 proyectos en áreas del diseño como la hospitalidad, el ámbito comercial y el residencial.

Este proyecto, nombrado Beijing Fantasy, rinde homenaje a la extravagancia a través de colores brillantes, simetría y juego visual. Thomas Dariel, fundador del estudio, asegura que para llevar a cabo este diseño se retomaron influencias del movimiento de arquitectura y diseño industrial Memphis de los años 80, el cual es reconocido por sus ascendientes eclécticas, formas atrevidas y el uso de colores primarios.

Al entrar a este apartamento, un camino de madera oscura guía al usuario hacia una escalera de espiral a rayas en blanco y negro, localizada en el centro del ático, la cual es el paso obligado hacia todas las habitaciones.

Diversas texturas, materiales, colores y formas fueron usados para crear ambientes en los que se establecen interesantes efectos visuales, como es el caso de un espejo transversal que altera la percepción espacial.

El diseño y uso del color en este apartamento involucra emociones y sentimientos en cada uno de los cuartos que lo conforman, cuyos techos, muros, almacenes y mobiliario fueron pensados a partir de diferentes referencias y estilos de Dariel Studio para lograr una atmósfera visualmente atractiva bajo el propósito inicial: reflejar la personalidad excéntrica del cliente. www.darielstudio.com

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residencial

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residencial

Greene Street Rami Riad & Moroso Texto redacción Fotografía cortesía Evan Joseph

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a firma de origen italiano Moroso, la cual ha trabajado con diseñadores influyentes del ámbito creativo desde 1952, llevó a cabo el diseño interior y de la terraza de un apartamento ubicado en el centro de Nueva York, en colaboración con Rami Riad.

Este proyecto recibe el nombre de Greene Street y consistió en la remodelación del espacio enfatizando el uso de accesorios y mobiliario.

Taburetes, jarrones y obra plástica en colores brillantes que van del verde al rojo más intenso, contrastan con los muros blancos de gran altura del departamento y a su vez, le brindan la sensación de mayor amplitud.

En la terraza, sillas y mesas de centro fueron usados para crear un espacio de reposo al aire libre; los muebles resaltan con la luz natural y, de la mano de la vista de árboles y plantas que la rodean, el lugar toma una nueva vida, donde cada elemento tiene su lugar, desde el piso en tono gris hasta la selección de muebles de diseño contemporáneo.

El concepto de este apartamento refleja fielmente el estilo de Moroso, caracterizado por ser aventurado al combinar color y artesanía con técnicas industriales en la producción de sus propuestas, y como en este caso, en espacios únicos. El trabajo llevado a cabo entre la firma y el diseñador estadounidense Rami Riad tuvo como objetivo mostrar el mayor potencial creativo en cada ambiente, de acuerdo a los deseos de sus propietarios, que apostaron por composiciones de rico colorido, sin dejar de ser sutil. www.moroso.it

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Spring Summer 2015

Windscape Iss e y M i y a k e Cuadrículas y bloques de color conforman la más reciente colección de este creativo japonés quien se ha inspirado en la geometría para dar origen a una nueva propuesta llena de color y dinamismo.

Texto Luna Flores Fotografía Marcus Tondo / Indigitalimages.com

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ara la colección Spring Summer 2015, la firma de moda Issey Miyake retomó patrones de cuadricula en blanco y negro en contraste con bloques de colores vivos como amarillo, naranja, azul y morado, así como tonos sobrios que iban del gris más sutil, hasta el marrón, hueso y caqui. Éstos fueron aplicados en blusas, camisas y sacos de diferentes largos, además de vestidos, shorts y pantalones holgados que definen la silueta femenina y brindan movimiento al caminar.

La primera colección de Issey Miyake, fue presentada en 1971, y desde entonces se ha caracterizado por un diseño basado en formas geométricas y estructuras que se mantienen en constante transformación. Su línea Spring Summer 2015, ya presente en las boutiques de la marca, permite la libre expresión corporal de la mujer y ofrece un toque atrevido a su personalidad a través de elementos llamativos y cortes cómodos con cierta amplitud.

Esta colección incluye accesorios que complementan las prendas como calzado abierto en color blanco y negro haciendo juego con medias, sombreros y bolsos con líneas divisorias que se integran a los bloques de color de las prendas. www.isseymiyake.com

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P. 10 Helsinki Central Library Competition STL Architects | Finland | 2015 Founded in 1996, the North-American studio STL Architects promotes a philosophy based on the conviction that design and architecture can make a difference in people’s lives. Their projects are of various scales that go from residential homes to corporate buildings, including a particular interest in the development of educational and cultural spaces.

Among the most renowned works under STL Architects’ portfolio, we find the project for the Auditorium and Arts Center of Torre de Cotillas, Spain, the Master Plan for the development of the Gage Park Neighborhood in Chicago, and the project for building the Marine Culture and Pop Music Center in the city of Kaohsiung, Taiwan.

Currently the firm presented their proposal for the construction of the Helsinki Central Library; a design that evidences the city’s commitment to the enrichment of new intellectual expressions in an ever-changing society.

The new library will be conceived as a mean to promote knowledge, which must be available to the new generations.

The structure will count with flowing open spaces in order to generate social and cultural interactions. This is a complex that will provide the necessary services to harbor most facets of cultural endeavors via a forum, a theater, 15 reading rooms and a few more for study and reading groups.

The Helsinki Library project follows the methodology of urban realism by separating the program in two categories: flexible and structured. The flexible spaces are dedicated to those functions that are more adaptable and malleable, such as cafeterias, children zones and open reading environments. These spaces are presented free of colonnades and are interconnected through stairs and ramps creating a continuous flow. The structural portion of the library is based on spaces designed to welcome the programmed elements. These areas are devised to respond in an efficient manner to the specific requirements of the alternative activities such as exhibitions or book presentations.

The spaces will be protected by a glass box seemingly floating over all of the areas. Come night, the visitors will be able to enjoy a special lighting experience—controlled through a series of intelligent systems— that will converge with the glass’ transparency creating an interesting visual display in the manner of an artistic intervention.

The façade will feature different levels of transparency responding to the lighting conditions during the day, thus allowing the building’s skin to express a very rich diversity in its possible visual interpretations. www.stlchicago.com Vanke Pavilion Expo Milano 2015 | Daniel Libeskind |2015 Internationally renowned for his outstanding work in the development of spaces all based on a multidisciplinary perspective and execution, architect Daniel Libeskind has become a veritable source in contemporary architecture thanks to his innovative urban planning.

Of a Polac-Jewish origin but a resident of the United States of America, Libeskind founded the studio that carries his name in 1990, albeit in the city of Berlin, after being declared the winner called upon to design the Jewish Memorial Museum. Since then he has developed many projects around the world such as museums, cultural centers and commercial buildings.

Among the most outstanding works in his portfolio, we can find the project that was declared winner of the contest to design and build the Liberty Tower in 2003, a part of the rebuilding project of the “Ground Zero” zone in New York.

Recently, Libeskind presented the plan to build the Vanke Pavilion, the Chinese pavilion for the Expo Milano 2015, an event that will be held from May the 1st to October the 31st. His will be a building that through its colorful design and organic form will project the vast cultural diversity present in the Far-Eastern country.

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The structure twists and dives into a concept inspired in the Vanke district, located in the most important realestate in the Republic of China. The building seems to be in perpetual movement, creating a fluid view all along its façade.

The Vanke Pavilion attempts to become an aweinspiring sculpture that will house China’s art expressions from many several periods, ranging from the Renaissance to Taoism to Confucianism, all through to the most contemporary examples.

The pavilion will have a stairway located on the outside, aimed to reach the rooftop and allowing visitors to have a panoramic view of the fair and the rest of the pavilions present in Expo Milano. It will also have an installation designed by artist Ralph Appelbaum who has come up with a concept that resembles an artificial forest. The installation’s interior will be occupied by 300 multimedia screens, all in an apparent disorderly distribution, that will project short films about China and its cultures.

The concept “feeding the planet, energy for life” is the theme for this international fair, thus this pavilion fundaments’ express the need to create more integrated communities and better quality of life, always taking art as the main instrument for human improvement. www.libeskind.com P.28 New Mini Cooper S Text by Karla Rodriguez Photography courtesy of Mini Cooper Mexico To the naked eye although it doesn't seem like it, and when compared to the previous models, the new Mini S was designed bigger to allow for more user space and more interior comfort, a thing that doesn’t mean that it has lost its essential characteristic: being compact. Thanks to this fact and to its reduced and protruding lines, it is that the unit acquires both its agility and elegance.

This automobile’s interior has some surprises prepared for us, among them is a new system that allow drivers to choose the type of ambience lighting depending on the mood they are in.

Comfortable seats in black upholstery, a completely redesigned splashguard, the odometer that was replaced with a navigation panel displaying systems information and entertainment content, and the tachometer positioned right behind the wheel, make Mini Cooper S a vehicle more than capable of catching attention.

On the outside, the car is available in 13 colors with 4 of these being completely new hues (Volcanic Orange, Moonwalk Grey, Blazing Red and metallic Electric Blue).

It also incorporates different design details, for example its front grill has wide air intakes and a honeycombed structure in black. The new Mini has an air exhaust that helps in dispersing fog and two lamps that enhance the rearview. A distinguishing feature is the S logo, which stands as an affirmation of the car’s sport and distinguished personality. www.mini.com.mx P.29 Aura Smart | Withings Text by Karla Rodriguez Photography courtesy of Withings With the goal of giving the users a complete control over their resting periods, the technology brand Withings that creates healthcare and well-being products and apps, has developed Withings Aura, a device with the ability to gather data on the converging factors during sleep, compute them and control them to give the interested people their money’s worth on nightly rest.

For it to work the device requires three elements: first it needs a recording system to keep track of the environmental factors like acoustic pollution, temperature and light levels; the second is a discreet sensor placed under the mattress that registers the body’s movements, the breathing cycles and heart-rate, and lastly, an iPhone app

that stores all the data generated by the previous elements and interprets them.

Withings Aura allows the users to see their sleep cycles, have them on record and make use of the different options it provides so they can improve their resting habits through multiple LED colors used for darkening light, a thing that influences the correlation between wavelengths in light an the melatonin secretion which is related to sleep and its possible disorders. www.withings.com P. 30 Color and Tradition | Alejandra Rodriguez Text by Juan Barriopedro Photography by Fernando Etulain, courtesy of Alejandra Rodríguez Alejandra Rodriguez is a young designer that has scored various important achievements in the national design scene. The vernacular inspiration is evident in her work and it grants her designs with a unique personality, all of which surprises us thanks to the ingenious shapes and the ability to transform common elements in quite original statements.

Among many of her accolades we can mention the Vitra Award for her work Cesta in the Kortrijk Biennial in Brussels and the exhibition of the Ambulante piece in the Salone Internazionale del Mobile, both during the year 2010. In 2012, she collaborated with Moda in Casa for the production of the Numero Cuatro chair and exhibited her piece Naua during the Design Week Mexico. In 2013, she displayed Cesta once again along with Ediciones Jalapa in the Zona Maco fair, and again in 2014 for the “De ida y vuelta.

Diseño contemporaneo en Mexico” (To and from, Mexican contemporary design) exhibition.

We point out two of her most recent and noteworthy projects, as they communicate her interest in making her roots known and her passion for colors and shapes. The bench and stool Maria Bonita family, is a project that came into being due to the application of sustainability criteria and where she allied with Mexican artisans with the goal of connecting contemporary typologies with artisan techniques and thus reflect the heritage of national tradition present in furniture woven with natural fibers such as reed and wicker.

Cesta is a set of stool and low table manufactured with a metallic structure and woven palm leaves. The project also aims for the recognition of the artisan techniques involved in customizing objects with contemporary shapes. Alejandra is currently a founding partner in the A Mayuscula design studio, a firm that had one of the most notable participations during the 2nd. Edition of the Abierto Mexicano de Diseño (Mexican Design Open) during 2014. www.holamayuscula.com P. 31 Brillan Print | Zoe Murphy Text by Gerardo Leon Photography courtesy of Zoe Murphy The English designer Zoe Murphy recovers the essence and originality of old furniture to give them a new face and grant them a particular style by the use of color and craftsmanship finishing touches.

Zoe graduated in 2008 from the University of Loughborough, where she obtained her grade with a specialization in textile printing. Her fascination with reutilization and renovation of unwanted or abandoned objects has allowed her to encourage others to become a part of the recycling and responsible consumer culture.

On her work we can note her passion for pieces dating to the 1950s, which she obtains on her frequent strolls down the various flea markets and antique bazaars of her city and her continuous trips to other nearby regions.

Currently, the creative designer has developed a furniture collection where she prints different types of colorful textures and graphics using images inspired by her native coastal city of Margate, in the county of Kent.

The line is made of sideboards, tables, shelves, stools

and other elements saved from oblivion, recovering the original structure, once they have been subjected to several woodworking techniques.

With the use of marquetry as an efficient tool, she displays colorful geometric shapes. She also uses handpainted designs on the piece’s surfaces in a very artisan-like manner. These details grant the furniture a more attractive and original aspect, doing away with their formality and integrating them to an interesting context where both past and present converge.

A short time after Zoe graduated, she established herself as a young and enthusiastic entrepreneur. She is currently part of important exhibitions and events throughout England, and works in new projects along her studio in Margate.

Her works can be found for sale on important design galleries such as Liberty and Osborn & Little, in London. www.zoemurphy.com P. 32 W151 | Claesson Koivisto Rune Text by Karla Rodriguez Photography courtesy of Claesson Koivisto Rune The Claesson Kovisto Rune design studio, based in Stockholm, created W151: a series of lamps for the firm Wästberg that stands out because of their big sizes, designed with the specific purpose of replacing the common hanging lamps and make use of the spatial dimensions.

Since its foundation in 1995, Claesson Koivisto has collaborated with different brands on the design scene, a thing that has allowed them to realize that a lighting installation has a role other than just provide the users with light: give shape to a room. Thus, the collection offers three different models: the first one comes in a flat, horizontal form measuring 1.3 meters wide; the second has a narrow and vertical shape and measures 1.2 meters high, and the third is halfway between the other two in proportions.

Each one of the hanging pieces is made of aluminum and was designed to be attached individually or in group, thus allowing to create an arrangement capable of giving a new personality to their assigned environments; besides the fact that W151 lamps are available in a palette of bright colors where red and orange stand out. These products are currently part of the Wästberg Lighting firm’s catalogue.

Claesson Koivisto Rune has delivered important architectural and design projects among which Galleri Örsta of Sweden, Sfera Building in Kyoto, Japan and the décor and ambience design of several haute coture boutiques such as the one for designer Alberto Biani in Rome, Italy, have made a strong statement. www.claessonkoivistorune.se www.wastberg.com P. 34 Booleanos | Joel Escalona & Roche Bobois Text by Karla Rodriguez Photography courtesy of Roche Bobois The Roche Bobois brand called upon Mexican designer Joel Escalona to create a special piece that will be part of the most recent furniture collection from this reputed French firm.

This is the first time the firm recruits a Latin-American designer and the Booleanos cabinet is a direct result of this fact; made up of superimposed architectonic geometries.

This is coherent to the philosophy the brand has maintained for decades; one that is based on the continuous exploration and search for adaptable interior design concepts for different spaces that form a part of the most exclusive lifestyles.

During an interview with Escalona, he shared with us that “the design’s conceptual idea is very simple; it was planned on the guess of what would happen if different parts of an object interacted among themselves in order to become a single one”, as well, he commented this piece was born out of a previous project made along with Glocal Design Magazine for its Glocal Object section.

Beech wood was employed in its development, tinted to create the segments that form it. The cabinet’s size is 1.50 meters and it s made up of one drawer, a collapsible door and three harboring glass shelves adapted to function as holding spaces.

“This is a piece of a more æsthetic order; nevertheless the end championed from the very beginning was that an attractive and functional shape was to be obtained, thus the different compartment were created,” Escalona assured us.

Booleanos is limited to 500 pieces and it is a part of Roche Bobois’s Gallery Collection. www.joelescalona.mx www.roche-bobois.com P. 35 Gastro Cantina Legendaria Miguel de la Torre | Mexico Text: Editorial Team Photography courtesy of Miguel de la Torre In the last few years, Mexico City’s downtown image has changed, empowering the pedestrian and creating a new environment. Commercial activity has been benefitted by this transformation and to keep in touch with it, the new gastronomic places’ offerings have to be created with a perfect balance of food, design and service.

Gastro Cantina Legendaria, located in Republica de Uruguay Street, seems to have taken this concept to heart and it presents an image inviting onlookers to discover its many charms. This restaurant was adapted into one of the old loading bays in one of the magnificent antique buildings located on this street (which was the financial center of the city a long time ago), in order to present a very attractive contemporary atmosphere that can please the urbanite taste.

The project was conceived by the Miguel de la Torre team, making the wooden spoon -a perennial element of traditional Mexican cuisine- the axis that was to give the space its personality; as this was the element selected as motif for the interior design project.

Black is the predominant color and on the right-side wall we can appreciate a texture created by 10,000 small, wooden spoons, that cover it from the floor and up to the ceiling. Besides creating a dynamic sensation, they add the inherent warmth of this unavoidable utensil in every Mexican kitchen.

The locale has a total area of 350 m2; of these, 200 m2 are destined to attend the clientele; while kitchen and service areas use up the rest. The restaurant is completely open to the overflowing street so as to make the most of its privileged location and inviting the onlookers to experience the facilities and get acquainted with its interesting menu.

The place is divided in three big sections, the first being an area at the front that is completely encased by glass, thus creating the smoking section; another is a room at the back and finally a 30-meter long bar that joins both sections. The way the space dimensions were used allow for the visitors to feel they are in a very ample and particularly deep space, a goal achieved through the main access which is located on a hallway on the right and that runs for the full length of the locale. The kitchen is on the back and offers a partially open view towards the salon, thus allowing for accurate assessment of the salon’s operations. This new place can become a great alternative for lovers of both Mexican cuisine and design. www.migueldelatorre.com P. 39 Maison & Objet 1ª edition 2015 The Luxury of Living Large Correspondent: Greta Arcila Photography: Greta Arcila Images courtesy of the artists The board in charge of Maison & Objet invited us to tour the whole fair grounds located in Paris Nord Villepinte so we could get to know their proposal for this first edition in 2015… and the results were spectacular. During five

days we were able to witness the most exclusive trends for creating complete ambiences for today’s homes.

Yet, what is it that makes Maison & Objet so different to all of the other fairs? Might as well be that fact that their proposal is so broad, dealing in textiles, earthenware, paint, lighting, and children furniture; that is, everything for those who want to live in a home with a touch of great design.

The tour began a day before the grand opening. The majority of the most prestigious exhibitors’ showrooms offered cocktails to the visitors and exhibitions exclusively planned for the press. Thus, the fair was inaugurated the next day.

Chatting with Director Philliphe Brocart, he commented that Maison & Objet wanted to communicate that France is still the best place to find Applied Arts for this 20th anniversary, and also that contemporary design has only been a catalyzer for the art of living largely to be enjoyed in exquisitely designed homes in every way, while at the same time they are far more accessible thanks to industrial production lines, which have lowered the costs of many previously almost unobtainable pieces.

For him the fact that the Talént a la Carte had been dedicated to Mexican creators helped in making the relationship between the two countries grow stronger.

Brocart told us he was very surprised by what was presented by our compatriots given that all the attending press interviewed him for this very reason. The first thing we asked him was what it was that he liked about the works by each one of them, and he categorically answered: “the work along artisans and the fine detailing in each of the pieces. I know very little of Mexico culture, but I do know about the wealth of materials it has. I was very much impressed with barro negro (black clay), I found it very warm and expressive because with very simple shape patterns, the designers were able to create unique pieces.

We are very pleased with the results.”

Oki Sato, Designer of the Year For this edition, the Maison & Objet committee named Oki Sato—who runs and owns Nendo design workshop— Designer of the Year. The reason? Him being one of the most creative trendsetters for his way to look at design with a certain degree of caution and returning it to its roots yet with a clear rapprochement with contemporaneity and our current technology. Without a doubt the influences and closeness to his Far-Eastern roots, along with the fact that his life in Canada—he was born there—, a country known for its strict environmental laws and safeguarding the local fauna, gave him a very special kind of knowledge about working with noble materials.

In a special interview with Glocal Design Magazine and with his customary humility, he told us that being named Designer of the Year is indeed a great honor, but that it doesn’t change anything for him. Nevertheless he does consider it a challenge to continue to do things to a high standard of excellence. Oki Sato travels more than four times a month to several parts of the world to meet his clients because he is sure that he learns more every day from these travels: “I learn more from my clients than they do from me. I am fortunate enough to work with companies very committed to the work processes, I have to believe in them so the process is truly impeccable.”

Without a doubt visiting so many cities does enrich our visual language, when we asked him what was it that appeals to him about other places and if anything of what he has seen gives him ideas for new concepts, he told us no: “I am a very simple and routine-oriented man. When I travel I try no to see too much. I get oversaturated. There are too many things happening to just pay attention to a single one. I go to museums, galleries; I visit few places, really. I read the newspaper everyday, I go to the same coffee shop, I walk the dog around the same gardens. I am very boring, but this routine allows me to find intelligent solutions to certain aspects of life that because of their daily nature, no one notices.”

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To me, as editor of a design magazine, every time I attend a fair people ask me what is new, what the trend is. I strongly believe that regarding industrial design there are no trend or fashions, just new solutions to issues we already knew about, but using new technologies or experimenting with materials.

Fashion is for clothing, and even then I am not fully convinced about that: when something fits us just right, we want to wear it at all times… that is what makes unique as thinking individuals; yes, perhaps we can add an accent brought by something new that pleases us, but we cannot change our personalities every six months or even a year. As I told Oki Sato about this and talking about how the public is just avidly waiting to know what the trend will be, he affirmed: “Of course, I believe that trends, information, and even experience are all very dangerous for an industrial designer, for when one is designing one must become a child: have a clear mind that is open to all new things. By way of example, when I design a chair, I must start with something totally different, maybe a banana, I don’t know. Something that is in no way related to what already exists out there. I believe it to be very dangerous when one thinks one is already sure about knowing something, for it is in that precise moment that one can start repeating oneself and stop contributing something of value.”

All the designs developed along with a client start with a brief; one that is really well-made undoubtedly helps in obtaining and incomparable result. When asked about which was the brief he most learned from, he responded: “At the time being, I am working in the Japanese pavilion for EXPO MILÁN 2015 alongside a group of marvelous artisans from whom I have learned quite a lot. I believe that this is the most I have learned from at the moment. Going back to work with the most ancient ceramic techniques has been a nice and pleasant thing for me, to see how the artisans find a communion between so basic materials, has been fantastic.”

Mexico in Maison & Objet Visitin the fair ground’s where the Mexican designers exhibit was located, deeply moved me and thrilled me. Every year I tend to visit a lot of fairs and the creative representatives of our country is—or better said was— almost non-existent.

Thus, arriving to this place and witnessing the public reception of all of these proposals was very emotional for me. Each creator’s statement is unique, yet all of them have something in common: the use of materials at their most noble state and the collaboration with master artisans. Finally, the generation that is dignifying ancestral traditions as well as the use and recrafting of techniques that could have been easily forgotten, is now there for the world to see. What is in store for them? We are sure that they will be received with high accolades… but only time will tell. For the time being, let us share some of the things they commented while we interviewed them.

Christian Vivanco “Wicker has always been a material that has always called my attention. Working with designs aimed for children was also pending task for me. The three pieces I presented are for children, but had a brief requiring them to be for families with children. All made with natural materials fit for export, for our market is offshore, obviously. It is a collection with clear artisan references and a great history to it.”

Omar Ramos, FOAM “We wanted to showcase pieces that were representative in our career besides the newest ones. The firm’s signature is the use geometric shapes and the quest for concepts that speak of Mexico, but with a more contemporary language.

We are vey happy with the result, not only ours but those of all in the Talents a la Carté exhibition, for we all have very different proposals yet as a group, we make for a nicely integrated exhibit. It is very rewarding that people from other countries comes out surprised that all of this is designed and made in Mexico.”

Jorge Diego Etienne, PANORAMICA “PANORAMICA has always had the vision of being an international firm and having been invited for this fair ratifies us in our intention. Mono, the collection we are showcasing,

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is aimed at using materials people do not generally see used with the same objective; we tried to achieve a monochrome camouflage and see what happened when applied to very basic pieces like a bench, a watch or a mirror. We are quite prone to experimentation, we look to establish a dialogue that is different to what we doo individually.”

Liliana Ovalle “My work has dealt with a lot of galleries in projects best termed as design art, so for this occasion in particular I wanted to showcase a far more industrialized aspect of my repertoire, thinking in pieces that can be crafted for mass consumption on a production line. Some of things I present are the Totems I made in collaboration with Anfora Studio this past year, and they have had a spectacular reception. To be precise, these are quite generic containers with juxtaposed graphic compositions, so that at the moment they are piled one over the other, the observer can discover an interesting geometric arrangement.”

David Pompa “We could not believe it when the invitation arrived for it was all too simple-looking.

In our case, working with master artisans is the product of a trip to Oaxaca we made six years ago. I saw a lot of things and when I discovered barro negro was such a noble material, I decided this was the way for me to find a new dialectic for both me and the material. In regards to talavera we worked along with URIARTE and from the very beginning our collaboration came by quite easily. Thus, the collection has been quite well received in Mexico. We believe we are helping the artisans in the creation of a fair and honorable industry.”

Perla Valtierra “When they called me, I was in Japan working on a project and I thought about presenting what I was doing at the moment. Upon my return to Mexico, I thought to create a new collection with Oaxaca as theme, but I also managed to showcase a project called Barro Zacatecas.

What I like about my work with ceramics is that I am also work with the production line; I am very involved in the development process. Sharing is the most rewarding thing about this collaborative projects because the result is not only mine, it also belongs to a community that love their work.”

Pablo Igartua, PAUL ROCO “We wanted to showcase our most representative pieces with the goal in mind of people seeing a more solid workshop and one with a very clear proposal. Maison & Objet is the second international fair where we take part, but the first where we have been invited by the organizers and we are very happy about that. Up to this day, several potential clients have visited us, and the first thing they do is doubt that what we do is designed in Mexico; they all leave quite pleasantly surprised.

We like to use materials in their most pure form and essence with the intention of showing them clear and allowing them the most honest way to age; that is to say, just as the client thought it would.”

P. 50 From professorship to practice Text by Gerardo León Portraits by Carlos Madrid, photography courtesy of JSa Arquitectura Cover Photo-illustration by Jorge Gonzalez for JSa Arquitectura Mexican architect Javier Sanchez, whom recently held the prestigious Federico Mariscal Master class, tells us about his newest challenge: the Juan Soriano Museum in Cuernavaca, and of his permanent intention to regenerate the city and offering it a new way of life that is highly adaptable to anarchic growth.

Turning Mexico City into a functional site with enough mobility in an architectural context of uncontrolled expansion, has been one of the priorities that define the current point of view of the Mexican architect Javier Sanchez.

Cofounder of the Higuera y Sanchez studio in 1996, and currently director of JSa Arquitectura, Javier has been one of the most outstanding representatives of the city’s present-day architecture, rehabilitating and reshaping a part of the urban weave in important zones such as Condesa, Roma, Polanco and other neighborhoods where he erects residential buildings with the premise of focusing on the human aspect and the reintegration of their respective societies.

He was recently honored by the Universidad Nacional Autónoma de Mexico with the Federico Mariscal Master class, a honor so high that only architects such as Abraham Zabludozky, Teodoro Gonzalez de Leon, Ricardo Legorreta and Pedro Ramirez Vazquez—besides his father, renowned architect Felix Sanchez—, have been considered for selection.

As part of the activities of this Master class, Sanchez presented the exhibition “Costruyendo una practica” (Building a Practice) in the Jose Luis Benlliure Gallery inside Ciudad Universitaria where he compiled his work dating from 1996 up to present day.

“The driving theme of the master class had to do, necessarily, with the further education of professionals and how is it that you can begin to build your practice and forming your office. It was also based on the analysis of the contradictions between Architectural practice and the real estate debate, and about the extent of when an architect can also be a developer or not, and at which point the role of being an architect ends.”

“We reflected on contemporary architecture and how it has become a multidisciplinary activity through teamwork where the students were able to find various alternatives in order to become involved, and stop thinking that the only way for an architect is to be seated in front of a desk designing a project. This led us to understand that this profession’s future is one full of uncertainties. On occasion you win a tender and the work is never built; sometimes you begin to build something and halfway through it the developer comes in and ruins it, well… there are many vicissitudes involved in an architect’s life, and that was one of the main subjects in the master class,” Javier tells us.

Homage to Soriano The main project of the “Costruyendo una práctica” exhibition was the Juan Soriano Museum, in Cuernavaca, Morelos.

This is the most recent project under the JSa banner that is currently being developed and where the studio pays tribute to the departed Mexican plastic artist.

“A peculiarity of this museum is that it will include a courtyard with huge, ancient trees. There was a house that we demolished while preserving the natural surroundings and focusing 80% of the program in a sculpture garden for all grand-format pieces made by Juan Soriano, which are part of Mexico’s National Art Heritage. The exterior was turned into a very adaptable space for exhibitions, giving big portion back to the city by generating an access point in the form of a pedestrian crossing that leads to a traditional barrio with a church and a market. This becomes a valuable use of the park areas, in the context of the luscious gardens that exist in Cuernavaca,” the architect explains.

The access to the gallery level will be through the building’s lobby. This exhibition floor is encased in a set of solid volumes that alternate different openings to both the garden and the city.

From the moment the visitor enters the lobby, the exhibition space comes alive thanks to the natural airflow that forms a permanent dialogue with the museum.

The white concrete container marks a threshold in the relationship between interior and exterior areas through a set of openings and enclosures.

The room’s configuration allows to freely harbor Juan Soriano’s works and those invited to be part of temporary exhibitions that will help to enrich the public’s interpretation of the work and ideas by Soriano. The various heights and museography possibilities allow for the activation of limitless use of the space and the building up of narrative themes.

Among those institutions involved in this project we find the Morelos State Government, the National Council for Culture and Arts, the Juan Soriano Foundation and Marek

Keller A.C, Banorte Financial Group, and the Juan Soriano Museum’s Trust fund.

“The project involves an important aspect regarding ecology as a theme, as we have had success in implementing a fenland where waste water from the bathrooms will be recycled and used to sprinkle the garden, among other systems closely related with sustainability,” we were told by Aisha Ballesteros, project director in JSa. Urban Rescuing For Javier Sanchez, it is necessary to achieve the goal of architecture being the generator of urban order; his ideal is for people to live, study and work close to their homes avoiding unnecessary commuting, thus contributing to have an increased mobility and functionality.

“Contrary to what many architects believe, there is a lot of space to build within Mexico City and a lot to recycle, with only exception of the buildings declared part of our Historic Heritage. The city can be remade and future generations will continue to do so as the buildings keep aging. We cannot allow the city to keep expanding and it is far more logical to recycle real estate with low population density, and add a higher density but doing it while being far more conscious about how you address the lower parts of the building that will generate interaction and how you can achieve the creation of mixed areas and shared spaces, so we later can say that the city was remade, having and improved patrimony and better buildings,” the creative tells us.

For Javier, the need to build schools in the Condesa neighborhood, for instance, can be a beneficial factor to the community and an example of the mobility needed these days.

“Building new schools at Condesa might allow for a reduction in car traffic, and improvement in mobility and would stop people from going to other zones,” he advocates.

The vacant lots are fewer each day and the plot-land maximum wastage becomes a constant factor every day, especially in the zones with higher resale value.

“When I started building in Condesa more than 20 years ago, I made a map of the vacant lots that I thought were interesting to develop any given project; if we were to do the same study again probably we would find that only three or four of these still remain vacant. These are not that many and this is when we turn around and realize that more than half of the buildings have become abandoned islands that do not contribute in any aspect to the city and that it is necessary to rehabilitate them,” he suggests.

In this respect, Ballesteros comments “Doctores neighborhood is currently one example of the zones with a high level of potential and one where there has been a constant regeneration; this regeneration, once set in motion, becomes a wave that affects other people and thus we will see an increase in consciousness regarding the need to renovate and preserve the spaces.”

One of the best examples of this intention by JSa is the rescuing of a building located in the Tonala and Guanajuato streets, in the heart of the Roma neighborhood and that used to be a funeral parlor.

“We added nine residential units and the building’s original identity was preserved. I believe that density has been reduced in many neighborhoods like Roma, and we adapt to these, working with materials that match more artisan-like aspects, that resonate of the connection between mosaics, ironwork, and other details—as is the case here with Roma neighborhood,” describes our interviewee.

The rescue of the Mexican patio in contemporary buildings remains a strong element in the works by JSa, as part of the importance to generate coexistence and basic interaction between interior and exterior spaces.

“People have to feel they are part of the building. We are not only pushing construction regulations, but also actually creating comfortable spaces that transform into patios. The building in Veracruz street relinquishes part of its structure in order to have a patio, the one in Mexico Park instead of being and enclosed building, adopts the shape of a horseshoe and leaves a patio open towards the street,” he describes.

On her part, Ballesteros talks about the important growth experienced by JSa, “our development has been important,

especially in respect to the firm. With its shared experiencepool it has allowed us to take more projects and having them tended by more specialized collaborators who pay attention to the minute details and get involved with the various issues the studio addresses,” Beside urban residential projects the studio is currently involved in projects of different scales like hotels, office buildings and mixed-use edifices that have allowed to diversify their work, recollecting new ideas and interesting space-design programs. www.jsa.com.mx QUOTES “Some buildings have become abandoned islands that do not contribute in any aspect to the city and it is necessary to rehabilitate them” “We cannot allow the city to keep expanding and it is far more logical to recycle real estate with low population density, and add a higher density but doing it while being far more conscious about how we plan to do it” “Up to what point an architect can be also be a developer or not, and at which point the role of being an architect ends?”

P. 61 Teleton Oncology Hospital (HITO) | Sordo Madaleno Arquitectos | Querétaro Text: Editorial Team Photography courtesy of Sordo Madaleno Arquitectos The architectural concept of the Teleton Oncology Hospital (HITO) in the city of Querétaro, created by the Sordo Madaleno Arquitectos bureau, is based in a chain of structures with different rhythms, representing the cellular regeneration process. Each of these “cells” is represented by an architectonic volume; these acquire a curved overall shape when grouped, hosting all the hospital activities.

In the façade, volumes are painted in bright hues, playfully displaying a different incline and having a series of supporting beams doubling as colonnades, that offer shade against the sun and seem to be in continuous movement.

The HITO is equipped with facilities that offer the highest quality services specializing in children oncology, all distributed in each of the spaces within the building formed by nine areas; some of this spaces are: imaging, intensive therapy, chemotherapy and chapel.

The total area of the plot is of 45,130 m2 and the majority of it is used as an ecological preserve. A smaller fraction of it will be destined for future expansion. www.sordomadaleno.com Cite des Affaires | Manuelle Gautrand Architecture Text: Editorial Team Photography by Vincent Fillon, courtesy of Manuelle Gautrand Architecture Located in a key region of the city of Saint-Étienne, this office building is presented as a landmark that signals the entrance to the Châteaucreux neighborhood. It was also thought by its creator, architect Manuelle Gautrand, to be an articulating element for various governmental buildings that make up this area of the city.

One of the main ideas of note for this project was how the onlooker would perceive continuity and interaction between the building, both adjacent streets and the central courtyard that features three different lateral openings through which people navigate.

The building responds to the urban flexibility and flow.

In the architect’s words, the edifice “is like a huge serpent.”

Its body has three identical façades and an interior skin of a bright yellow color that marks the interior courtyard as if it was a ravine. www.manuelle-gautrand.com Wanamaker – The view at Montgomery Philadelphia | WRT Architects Text: Editorial Team Photography courtesy of WRT Architects Right next to the Temple University in Philadelphia, the North-American studio WRT Architects decided to build

a multiple-uses complex with the principal purpose of providing accommodation for 2,500 students. The result is a 14-story building with a mall area and apartments for 800 students, inaugurated in August 2014.

The building is meant to easily incorporate to the cityscape both from the urban and pedestrian perspectives, and it achieves this by using bright colors. The façade’s narrower sides on the east and west are covered with panels of luminous tones, all the while the northern and southern façades use color in their borders to help define the structure’s gray-white field. The choice of using color is strategic, as it was meant to be the way by which the edifice can be both identified and located. A multicolored section in northern façade retreats from the street line, creating a funnel-like entrance that draws circulation to the main lobby. The red tones echo Temple’s logotype and develop a unique effect due to the clever mixing of orange and magenta hues.

In respect to the urban environment, the Wanamaker tower’s color is bold and awe-inspiring, and it projects an energetic aura of dynamism and delight that transforms the surrounding neighborhood. www.wrtdesign.com Cyklopen House for Culture| Victor Marx | Stockholm Text: Editorial Team Photography courtesy of Victor Marx This cultural center located in the city of Stockholm has the particular characteristic of having being built entirely by volunteers due to budget limitations. Therefore, the project planned by architect Victor Marx was organized through workshops with the guidance of construction professionals.

Given that the work was carried out only on the volunteers’ free time, construction took 3 years, demanding the use of resources to be even more rational. To solve this problem and save on materials, the edifice’s structure was designed in a way that it could work as scaffolding for subsequent construction phases, and support for mounting the final external skin, composed of colored panels.

The chromatic motif of the building’s design was intended to create a welcoming sense of warmth. The goal is to attract local people as this is a project for a social center, and its relationship with the users is one of the most relevant factors.

The precinct holds exhibitions, different workshops for children and other artistic activities dealing with environmental caretaking and social consciousness. www.vima-archi.se Redline | Pietri Architectes | France Text: Editorial Team Photography courtesy of Pietri Architectes Redline appearance was inspired by humanity’s obsession with the sea and the ways it influences our senses; it is a residential complex located in Toulon Bay, France, where color is one of its main features.

Redline is made up of 59 apartments, all facing Bahía de Viñeta and it is one of the biggest developments in this zone; it sits behind the “Autumn Garden”, where the shipyard used to be.

The complex is the result of a generalized restoration carried out by Pietri Architectes, which uses fuchsia as the main protagonist color, using it both in the stairs and the hallways located at the very center of the edifices. The firm also developed a thorough landscaping project in this very place for the residents to enjoy.

A lighter tone of pink was used in the walls containing the garden, having them match the cream-colored façade.

A small projected concrete box in fuchsia, offering a privileged looking point for observing the seafront has been installed near the stairs as an alternative space for relaxation. www.pietriarchitects.com Miaoli Trains Station | Bio Architecture Formosana | Taiwan Text: Editorial Team Photography courtesy of Bio Architecture Formosana

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This project emerges in Miaoli, northwest of Taiwan, created by the Bio Architecture Formosana studio as a form to connect the city, divided by the original railway as it was laid on. Thus, the station is configured as a bridge that unites the eastern and western urban zones.

A peony and Tung flowers floral pattern was selected for the ceilings, recreating motifs from Taiwanese folk art and communicating the local people’s warmth and agrarian culture. The station reveals itself as a combination of technology, nature and sustainability that celebrates architecture in its search for cultural identity.

The aim is to generate impressions that resonate within the traveler’s memories, through the use of color and materials. Local elements also become present in the texture of the walls, which are covered with Chinese fir wooden blocks that honor the wood-carving tradition of the region’s artisans.

The tiered platform is a flexible space thought to offer room for sitting, letting the travelers repose and at the same time working as a viewpoint so everyone can enjoy the surrounding sights and folklore. www.bioarch.com.tw Dow Gallery Walk | Michigan Pentagono Estudio Text: Editorial Team Photography courtesy of Pentagono Estudio The multinational firm Dow Chemical, based in Michigan, appointed the Mexican design bureau Pentagono Estudio to come up with an artistic installation that showed the importance design has on people’s daily life. The team was confronted with quite a challenge to come up with an original ludic concept, full of shapes and color.

The corporation’s objective was to communicate in an explicit manner the cross-marketing concept—a marketing strategy used to promote its products and achieve acceptance on the part of their main clients, to whom it would offer its brand’s benefits throughout the whole year. This was to be achieved through a different, highly conceptual style of presentation, in the vein of a gallery.

Thus, the concept of Dow Gallery Walk was born.

The whole project creates a complete visual experience using primary colors applied to items and materials present in our daily lives, categorized into five commercial platforms: Infrastructure, Consumer products, Automotive, Energy, and the Value of the Food Chain. All this by use of a temporary intervention of the company’s offices where furniture sketches were painted on the walls, which in turn simulated to be everyday household environments.

Each platform was represented by a different color and it is accompanied by signs showing the benefits offered to one of the household’s areas by the corporation, both graphically and literally; by way of example we cite: Automotive (represented by several pieces: doors and fenders, among others) with the sign: “Our solutions include: polyurethane for seats, structural adhesives, crash modifiers”, among other examples. www.pentagonoestudio.mx A Pond Full of Ink | Ira Koers & Roelof Mulder Text by Karla Rodriguez Photography courtesy of Ira Koers & Roelof Mulder Ira Koers and Roelof Mulder, designers hailing from Amsterdam, recently compiled and presented the works of Dutch illustrator and writer Sieb Posthuma, which goes by the name A pound full of ink, and that gathered 240 of his small drawings presented in grand scale view.

Hosted by the Letterkundig Museum, in the Lower Countries, this exhibition was made up of rooms that had their floors and walls covered with engravings, illustrations, characters and examples of the techniques used by Posthuma; children objects designed by the creative duo were also deliberately placed throughout the exhibition; these were animal figures and others with shapes inspired by nature, all with the goal in mind to create an interaction

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with the artist’s pieces, whose work is based on patterns and intense colors that transport the observer to a fantasy world.

Through the nine wings that make up “A pound full of Ink”, the visitors—especially the younger ones—could have a stroll through the artist’s books and quite actively take part in each of the installations. www.irakoers.nl CH-AIR-S for Issey Miyake| Yoichi Yamamoto Text: Editorial Team Photography courtesy of Yoichi Yamamoto Architects Lines and flat surfaces float in the air and are transformed into the main protagonists in the display window at Issey Miyake’s flagship boutique in Tokyo. On first sight, the elements’ placement seems random, but when they are observed from a precise point outside the window they “assemble”, giving the appearance of an actual chairs composition. This installation’s goal is to create a sense of discovery and surprise in the observer.

In this project, Yamamoto—in similar approach to a previous creation for the same brand—plays with both perspective and optical illusion with all the featured elements, all through the use of color, shapes and sharp yet simple math calculations. The inspiration behind these constructs was one of Miyake house’s premises: “from two-dimensional fabric to three-dimensional garments.”

Each piece in the display window was made from Japanese cypress wood, which thanks to its innate hardness and lightness, allows for very precise cuts while not being heavy.

Elements were painted in bright colors that go from crimson red to royal blue and are coordinated with same toned clothing pieces inside the boutique. Objects in display hang from fishing and stainless steel wires. The architect’s objective was for the installation to be observed as a group of abstract elements with inherent beauty. www.green.dti.ne.jp Suite Novotel | Constance Guisset Text by Karla Rodriguez Photography by Constance Guisset The design firm Constance Guisset, based in Paris— recently granted the Janus de L’industrie award— developed the interior decorations of Suite Novotel, in the Netherlands, with the idea of making these into spaces where the users, despite the fact they were in a hotel, could feel like home thanks to the furniture, lighting and several colorful objects.

Besides the simplicity as key element for the overall project, the details and the complements that make it whole are created with curves and sinuous lines that avoid sharp edges with the intention of giving it an organic, dynamic touch and grant fluidity to the general environment. The ambience is adorned with primary colors such as yellow, red and blue, as well as gradients applied to furniture and walls.

This way, with the expressive nature of color and shapes, Constance Guisset transformed Suite Novotel in a place that creates different emotions to the person visiting it. www.constanceguisset.com Cours des Senteurs | Maud Vantours | Paris Text: Editorial Team Photography courtesy of Maud Vantours Guerlain launched a special fragrance for the opening of their Versailles’ boutique: Cours des senteurs. This perfume’s bottle integrates a distinctive red fabric ribbon, a thing that got the Vantours studio to come up with a giant red-colored paper bow covered with jasmine flowers.

At the same time, for the opening of the Champs Elysées boutique, the beauty firm commissioned the designer with the decor for the make-up section of the store, and for this she designed a series of relief pieces made with different

materials. In this case, the pieces were created with metal, leather, paper and plastic, with the laminated textures standing out and making golden tones acquire important meaning, especially when found in the cosmetics’ area.

Abstract forms with the silhouettes of eyes and mouth clearly point us to the uses for the advertised brand’s products, and they become an artistic installation that delights all visitors.

Color, design and materials all have a prominent place in Vantours’ work who, parting from simple 2D patterns, can develop volumes to create ludic volumetric pieces of a delicate colorful nature. www.maudvantours.com Ethereal inspiration Yuko Takada Text: Editorial Team Photography courtesy of Yuko Takada Japanese artist Yuko Takada has chosen paper as the primary material for her works, using a special kind known as sketching paper owing to its transparency, which in Takada’s own words grants the pieces with an ethereal quality.

After a time of experimentation with two-dimensional pieces, the artist began exploring three-dimensional shapes by developing installations made up of thousands of small, individual pieces. The paper is colored with acrylic paints and manipulated to create monochrome or gradient effects, depending on the work’s objective.

Her inspiration comes from dreams, travels and personal experiences, always translated in the most abstract manner possible via a language rooted in eastern philosophy, especially Buddhism.

Ever since 1996, the modules used for her works are triangular. Takada sees them as “molecules”: small parts making up a bigger whole. Thus the shape formed of multiple particles plays with our complete and fragmented perception of the pieces, filling up the spaces with an interesting visual effect. www.yukotakada.com Amoato | México Text: Editorial Team Photography by Carlos Madrid With the ludic sense that characterizes the Mexican design firm Amoato, the pavilion for the jewelry house Tane was created, thought as the ideal way to present their most recent collection in the Design wing within Zona Maco 2015, the most recent edition of the renowned international art fair held in Centro Banamex, located in Mexico City.

This is the second time Tane invites Amoato to design their assigned space and this time it was inspired on the iconic architecture of the boutique located in Presidente Masaryk Avenue and the firm’s branding distinctive red color. Working along with Nino Bauti, Tane’s creative director, the design studio succeeded in developing an enclosing space with cubes of different sizes where the jewelry pieces are displayed to give maximum effect.

More than 86 cubes made of lacquered MDF, all installed and assembled using corbels, were the defining factor for the stand, wich offers an interesting combination of prismatic shapes that allow the public to closely appreciate bracelets, purses, fountain pens, home accessories and various other pieces of a special collection design by the acclaimed Dutch artist Jean Hendrix; all part of Tane’s 70th anniversary celebration.

Among Amoato’s most important works, the installation for the display of the vast Barbara Berger’s jewelry collection in the Franz Mayer decorative arts Museum stands out. This was an exhibit with fantasy as the main theme, for which 25 animal head masks were created in collaboration with Mexican fashion designer Kris Goyri, giving the display a flair of fun and surrealism. www.amoatostudio.com

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objeto glocal

The Abyss

Tabl e

Duffy London

Texto redacción Fotografía Duffy London

T

he Abyss Table, es una pieza diseñada por el despacho creativo Duffy London, con sede en Londres, que exhorta al usuario a sumergirse en las profundidades del océano a través de su forma y colorido que brindan una interesante perspectiva en la que convergen naturaleza y funcionalidad.

El despacho llevó a cabo un proceso de experimentación a lo largo de un año para producir esta mesa, hasta que finalmente se obtuvo madera de alto grado, que dividida en múltiples láminas, fue dando forma a la estructura, la cual, se combina con otras capas de vidrio de color azul que al juntarse forman el efecto óptico del fondo del mar, objetivo principal de sus creadores. La mesa es fabricada artesanalmente, por lo que se limita a 25 piezas. www.duffylondon.com

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