Barcelona luxe 2017

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Tradición y Evolución

Tradizione e Evoluzione

Tradiction and Evolution

El restaurante ofrece la posibilidad única de saborear la cocina mediterránea tradicional con un toque de evolución hacia la cocina moderna. La fabulosa terraza proyectada sobre el mar de Formentera les ofrece a nuestros clientes una imagen sugestiva de la maravillosa puesta de sol de la isla.

Il ristorante offre la possibilità unica di assaporare la cucina mediterranea tradizionale con un tocco di evoluzione verso la cucina moderna. La favolosa terrazza proiettata sul mare di Formentera offre ai nostri clienti un’immagine suggestiva della meravigliosa posta del sol dell’isola.

The restaurant offers a unique opportunity to taste the traditional Mediterranean cuisine fused with an evolutional modern touch. Our clients will enjoy an enchanting view of the beautiful island sunset from the fabulous terrace facing the Formentera, “Posta del Sol”.




Silvia Cutuli C H E F R E DA C T O R & FA S H I O N E D I T O R

Cristina Mania MARKETING

Laura Jane Schmidt G R A P H I C L AY O U T


Simonetta Cossini, Marilina Curci, Matteo Corsi, Virginia Ludovisi, Valentina Ottaviani, Pierpaolo Pieri PHOTOGRAPHERS

Vincenzo Grillo, Enrico Labriola, Benoit Peverelli, Paolo Roversi,Giorgio Guglielmini EDITING E N G L I S H T R A N S L AT I O N

Mauro Caprioli S PA N I S H T R A N S L AT I O N

Juan Herrera PRINT

Jiménez Godoy, S.A. P E R I O D I C O F R E E P R E S S R E G I S T R AT O

Deposit Legal DLI 179-2016 ADVERTISING

Giorgio Guglielmini - Paseo Juan Carlos Primero, 39 - Ibiza - 07800 F R O N T PA G E

Stilist and Model: Elena Amen Photo & Editing: Giorgio Guglielmini


Nel segno di YVES


Dettails of Architecture


The next Element


Taste of Espagna


It’s time to relax


Dalì experience


Rei Kawakubo


Cristçbal Balanciaga


Vibes on art


Speciale Design



Gioielli “Design in gold”


Orologi “Into the sky”


Fashion Backstage


Gucci IT-BAG


Petit H a Roma


Defining Moments



Empezar esta aventura editorial en una ciudad monumental e histórica como es Barcelona, es algo romántico como lo son sus pintores, arquitectos y artistas que nos acompañan en cada momento de nuestras jornadas. Esta ciudad crece cada día más, se transforma, se moderniza, late de innovación y evoluciona. Aunque muy tradicional gracias a su cultura catalana, se está desarrollando en el sector turístico de una manera exponencial. La restauración ha encontrado en su forma más amplia, el lugar ideal para expresarse y cada vez que vuelvo a esta ciudad, encuentro nuevos restaurantes y espacios creativos que realmente me sorprenden. Un aperitivo o algunas tapas y te ves hablando en inglés, francés o italiano con un montón de personas nuevas que han decidido probar una nueva vida en la ciudad del mar, abriendo su alma a este maravilloso lugar de cultura moderna. Esto es lo que pienso de Barcelona y esta es la emoción que quiero compartir con todos vosotros: bienvenidos en Barcelona Luxe. Begin this editorial adventure in a monumental and historic city such as Barcelona, is something romantic as are its painters, architects and artists who accompany us in every moment of our days. This city is growing every day, transforming, modernises, pulsates with innovation and evolving. Although very traditional because of its Catalan culture, it is developing in the tourist industry exponentially. Catering has found its most varied form, the perfect place to express yourself and whenever I go back to town, I find new restaurants and creative spaces that really surprise me. An aperitif or some tapas and you find yourself speaking in English, French or Italian with a new world of people who have decided to try a new life in the city on the sea, opening their soul to this wonderful place of modern culture. This is what I think of Barcelona and this is the emotion that I want to share with you: Welcome to Barcelona Luxe.



Recuerdo mi primera vez en Barcelona, a raíz de un equipo de televisión italiana, huéspedes de una conocida marca de moda antigua made in Spain, protagonista de un gran desfile, nada más y nada menos que en el Macba, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Y debo precisamente a Pedro, mi resuelto cámara de entonces, la primera ojeada a una ciudad de las mil caras, sumergida en un fermento creativo y en constante movimiento día y noche. Incluso donde uno no se lo espera. Y si el palpitar frenéticamente de ciudadanos, turistas y artistas de la calle a lo largo de las Ramblas puede aturdir no poco –al igual que el incesante desfilar de escaparates de las marcas internacionales a lo largo del Passeig de Gràcia– son también para asombrarse los signos de la arquitectura «surrealista» de Gaudí que aquí como en ninguna otra parte del mundo te acogen como en un museo a cielo abierto. Junto con la vocación de la ciudad por experimentar los lenguajes más contemporáneos del arte en todas sus infinitas facetas, se entrecruzan tradición y el progreso que avanza bajo el impulso motriz de auténticos artistas internacionales que han contribuido, y no poco, a rediseñar el perfil de la ciudad dejando su impronta en edificios advenentistas. Junto a los signos de la «young urban creativity», una joven energía creativa que late en la intimidad tanto de los ateliers como de los estudios de artista, dispuesta a colorear las calles y los lugares de una Barcelona que nunca duerme. I remember my first time in Barcelona, I followed an Italian television crew, guests of a famous brand of fast fashion made in Spain the protagonist of a great parade nothing less than the MACBA, the Museum of Contemporary Art. And I have to thank Pedro, my nimble cameraman of then, the first glance on a city with a thousand souls, in creative ferment and in constant movement of day as in the evening. Even where you do not expect it. And if the fast-paced route of citizens, tourists and road artists along the Rambla can stun a little - just like the never-ending parade of showcases of international brands along the Paseo de Gracia - you are amazed at the signs of “surreal” Gaudi that here as ever in the rest of the world welcome you as in an open-air museum. Along with the city’s vocation to experience the most contemporary languages of art in all its infinite facets, interlacing tradition with the new, advancing, under the thrust of the international archives, which have contributed redesigning their profile by signing the new buildings. Alongside the signs of “young urban creativity,” a young creative energy that pulsates in the intimacy of ateliers as artist studios ready to colour the streets and places of a Barcelona that never sleeps.


Luxury lifestyle fitness? Where else but in Ibiza, and who other than Cotton! This summer, Cotton Fitness Club opens a new not-to-be-missed destination, right on Calo des Moro beach in San Antonio. This place is both a state-of-theart gym and a lifestyle venue with first row views and direct access to the sea, a panorama restaurant and bar with pools and VIP sunbed terraces. If it doesn’t sound like anything you’ve heard of before, it’s because you haven’t. Ask founder and visionary CEO Christian Marstrander, and he’ll tell you that Cotton Fitness Club isn’t easily defined because it’s a first. “Cotton Fitness Club is a new space, a third space, that appeals to a wide audience, who, in some cases, will come for a work-out or to follow a personalised fitness plan”, explains Christian Marstrander. “For some that includes a mindblowing nutrition-packed gourmet meal at the restaurant or a visit to the therapist or massage area. In other cases, you’ll see guests coming just to spend the day, lounging on our VIP sunbeds enjoying time off on the beach”. “What we do is place exercise, workout and beauty at the heart of a luxury lifestyle club. And true to the Cotton philosophy, this is a place where working hard isn’t at odds with indulgence, and where being active and disciplined doesn’t have to be a paradox but can be a logical extension of enjoying life.” Featuring a cutting edge raw food & juice bar and a semi-formal restaurant, approaching health and wellbeing with a goal of being truly high on life, at Cotton Fitness Club champagne or a glass of wine with dinner can consequently make as much good sense as a Broccoli Booster. “It all depends who you are, and who you want to be”. Cotton Fitness Club opens its doors 21 May 2017. Signing up now, Cotton Fitness Club has a special annual membership offer for Ibiza residents.

“Two outdoor swimming pools and 1000m2 indoor gym and Fitbox.”


“State of the art BarRestaurant, gim, fitbox, outdoors.”


“EN rastro de YVES” “Parigi y Marrakech, las ciudades más queridas, celebran con dos nuevos museos la historia de vida y moda de Monsieur Saint-Laurent” DE CINZIA MALVINI Y SILVIA CUTULI

Al abrir: Pierre Bergé and Yves Saint Laurent in Marrakech in the 1970s Courtesy of Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent Arriba: Villa Oasis Marrakech © Nicolas Mathéus En la página siguente: Yves Saint Laurent, Dar el Hanch © Pierre Bergé Courtesy of Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent

“Yves Saint Laurent and I discovered Marrakech in 1966, and we never left. This city deeply influenced Saint Laurent’s life and work, particularly his discovery of colour” Pierre Bergé


“The Musée Yves Saint Laurent Marrakech sucintamente mezcla dos universos que conocemos bien, y que nosotros ambos el asimiento en particular el querido: Morocco and fashion.” Studio KO, Architecture Firm

A rendering of the new Musée Yves Saint Laurent Marrakech, entrance courtyard (c) 2016 Studio KO. Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent

Tímido, reservado, frágil y esquivo, la figura aristocrática, la mirada miope y el cristalino protegido tras unas gafas de ver con una montura negra, espesa, que sin embargo no lograban ocultar su índole revolucionaria. E incluso inquieta. Porque Yves Saint Laurent, como a menudo adoraba repetir a sus amigos –aun después de haber dado el adiós definitivo a las pasarelas en 2002– prefería el rigor, la sencillez, la belleza de lo clásico, pero también la fantasía enardecida capaz de transformar los trajes y a las mujeres en algo profundamente distinto. Y único. Tal como hizo con el smoking femenino, quizás el vestido símbolo de la mejor complicidad entre las mujeres y el modisto francés. Es solo una de las muchas invenciones estilísticas de Saint Laurent que permanecerán inmortales junto con el nude look, las saharianas para la ciudad y los trajes exóticos. Nacido en Argelia en 1936 en el seno de una acomodada familia alsaziana, Saint Laurent, junto a Coco Chanel y Christian Dior, se impone en la cumbre de la moda francesa del siglo XX. Un recorrido iniciado a muy temprana edad, con tan solo 17 años, precisamente en la Maison Dior, donde se convierte en el brazo derecho del fundador y donde permanecerá hasta los primeros años 60. Dos años después Saint Laurent, junto a su socio y compañero de toda una vida, Pierre Bergé, abre su atelier: el éxito es inmediato gracias a colecciones que se inspiran en el arte y en artistas como Mondrian, Picasso y el Pop Art. Y es el primer estilista en entrar en museos, el primero en imponer la hegemonía de la elegancia europea, abierta sin embargo a las más lejanas sugerencias. Primero también en fragilidad e inquietudes que lo llevan cada vez con más frecuencia a refugiarse en Marrakech, en su amada casa y en los jardines de Majorelle, balsamo lenitivo para sus angustias, para los fármacos, para las depresiones y las desintoxicaciones. En 2002 Yves Saint Laurent, ya enfermo, firma su último desfile: una emocionante y monumental retrospectiva en el Centre Pompidou que durante una hora y media celebra sus cuarenta años de historia. Una historia que, gracias al excepcional archivo, custodiado por la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent –que presume de un patrimonio de cinco mil creaciones de alta moda y quince mil accesorios, así como de sketches, fotografías y objetos personales– volverá a renacer en los dos museos que abrirán sus puertas el próximo otoño en París y Marrakech, sus dos ciudades más amadas. En la histórica sede francesa de la Maison, en el número 5 de la Avenida Marceau - dónde Monsier Yves durante al menos treinta años escribió páginas legendarias de la moda –gracias al rediseño y al proyecto expositivo de Nathalie Crinière y del diseñador de interiores Jacques Grange– parecerá volver a los viejos tiempos de couture francesa, moviéndose entre salones de desfile y su estudio privado. Simultáneamente con las pasarelas de París, inaugurará el nuevo espacio de Marrakech «mYSLm» en la calle Yves Saint Laurent, justamente cerca a sus amados jardines de Majorelle. Más que un museo, un multiespacio de 4.000 metros cuadrados que cuenta con auditorio, librería, biblioteca y restaurante café con terraza; concebido por el estudio francés KO, en donde se mezclan referencias a Marruecos y a la couture tan apreciada por Monsieur Yves. Con forma cúbica de su exterior que recuerda en ciertos aspectos al rigor de la moda YSL, rigor que se ve atemperado sin embargo por el calor de la terracota y de las piedras locales que evocan las líneas sinuosas, aterciopeladas y delicadas

del mejor traje de Alta Costura. Como sugiriendo que: «Sin la elegancia del corazón no hay elegancia» como gustaba repetir Saint Laurent. Shy, discreet, fragile and timid, the aristocratic figure, the short-sighted and clear look protected by the eyeglasses with a thick black frames that didn’t, however, conceal his true revolutionary nature. And restless. Because Yves Saint Laurent as often he liked to say to his friends - even after having said goodbye to the catwalks in 2002 - had always preferred the rigor, the simplicity, the beauty of the classic, but also a flaming fantasy able to transform clothes and women in something very different. And unique. As he did with the female tuxedo, perhaps the dress symbol of the complicity between women and the French couturier. Only one of the many stylistic inventions of Saint Laurent that will remain immortal along with the nude look, the safari jackets for the city and the exotic dresses. Born in Algeria in 1936 from a wealthy Alsatian family, Saint Laurent along with Coco Chanel and Christian Dior reached the top of French fashion of ‘900. A path started very young at only 17 years, just in the Maison of Dior, where he became the right arm of the founder, and where he will remain until the early 60s. Two years later, Saint Laurent, with his partner and companion of life Pierre Bergé opened his atelier: success arrives immediately thanks to collections inspired to art and artists like Mondrian, Picasso and the Pop Art. He is the first designer to enter in the Museums, the first to impose a European elegance open even to the farthest suggestions. First also for fragility and restlessness that led him to take often refuge in Marrakech, in the beloved home and in the Majorelle gardens, soothing balm to the anguishes, medicines, depression, detoxification. In 2002 Yves Saint Laurent already sick signs his last fashion show: an exciting and monumental retrospective at the Centre Pompidou that in an hour and a half celebrates his forty years of history. A history that thanks to the exceptional archive, kept by the Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent - that boasts a heritage of five thousand haute couture creations and fifteen thousand accessories, as well as sketches, photographs and personal items - will return to life in the two museums opening this fall in Paris and Marrakech, the most beloved cities. In the historic French branch of the Maison, at 5 avenue Marceau - where Monsieur Yves for at least thirty years wrote legendary fashion pages - thanks to the restyling and exhibition project by Nathalie Crinière and of the interior designer Jacques Grange, will get back to the good old days of couture moving between the catwalk salons and the private studio. Together with Paris, will inaugurate the new space in Marrakech “mYSLm” in rue Yves Saint Laurent, right next to the beloved Majorelle gardens. More than a museum, a multi space of 4,000 square meters complete with auditorium, book store, library and cafe restaurant with terrace, designed by the French studio KO mixing references to Morocco and the couture so dear to Monsieur Yves. With the cubic shape of the exterior recalling in some ways the rigor of YSL’s fashion, rigor but attenuated by the warmth of terracotta and the local stones that seem to caress the brightness of the interior, evocative in the sinuous lines, velvety and soft as the best dress of haute couture. As to suggest that: “There is no elegance without the elegance of the heart” as Saint Laurent used to say.


“DETAILS OF Architecture”

“Antoni Gaudì, Santiago Calatrava e Jean Nouvel dejan las huellas rediseñando la imagen de la ciudad”. DE SILVIA CUTULI

A la dercha: La Sagrada Familia’s passion facade.



Moderna y modernista, así aparece Barcelona si se la observa bajo el prisma de la arquitectura, gracias a intervenciones que a lo largo del tiempo han contribuido a rediseñar la imagen de la ciudad, firmadas por arquitectos visionarios –Antoni Gaudí sobre todos ellos– y otros arquitectos archiconocidos de nuestros tiempos, desde Santiago Calatrava a Jean Nouvel. Nacido en Reus en 1852, Gaudí estampó su firma indeleble en algunos de los edificios más característicos de la ciudad: la Sagrada Familia (todavía en construcción), el parque Güell y la Casa Batlló, uno de los dos grandes edificios señoriales construidos en Passeig de Gràcia junto con el de La Pedrera. Influenciado por las formas de la naturaleza, solía utilizar piedras de construcción onduladas, con el fin de plasmar formas orgánicas, encorvadas, a menudo decoradas con baldosines coloreados constituyendo mosaicos, que regalan a los ojos una primera impresión espectacular. Construcciones originales y visionarias que cautivan desde la primera mirada: la fachada de la Casa Batlló, por ejemplo, parece estar construida de calaveras y huesos. Las «calaveras» son en realidad balcones y los «huesos», pilares de soporte que merecen sin lugar a dudas una visita con más detenimiento. Está por otro lado el valenciano Santiago Calatrava, que estampa su firma en la Torre de Telecomunicaciones, terminada en 1992 en la colina del Montjuic, en el complejo olímpico. Visible desde toda Barcelona, con sus 136 metros de altura, recuerda con su imponente figura la silueta de un atleta alzando la llama olímpica, convirtiéndose así, según las intenciones de Calatrava, en el símbolo del siglo XXI. Apuntando hacia el cielo, abre las puertas a nuevos mundos. Inspirada en los relieves de Montserrat que rodea Barcelona y con la forma de un géiser de agua que se eleva hacia el cielo, según su creador, el francés Jean Nouvel, es la Torre Agbar: 144 metros, con 38 plantas de las cuales 4 son subterráneas, destinadas a albergar las nuevas oficinas de la Sociedad de Aguas de Barcelona Agbar. Es el tercer edificio más alto de la ciudad después del rascacielos del Hotel Arts y la Torre Mapfre, y ha redecorado el Skyline de la ciudad con sus 4.500 dispositivos luminosos que utilizan la tecnología LED y que permiten la creación de imágenes luminosas en toda la superficie, regalando así un espectáculo sugestivo al anochecer, con la puesta del sol.

DIDA LIBRO GAUDI 1) Copyright: Photo: F. Català-Roca, Barcelona Caption: Sagrada Família, 1883-1926, Barcelona, Spain 2) Copyright: Photo: Reto Guntli, Zurich Caption: Park Güell, 1900-1914, Barcelona, Spain 3) Copyright: Photo: Reto Guntli, Zurich Caption: Park Güell, 1900-1914, Barcelona, Spain DIDA PER Cover: Gaudí Maria Antonietta Crippa, Peter Gössel Hardcover, 21 x 26 cm, 96 pages


Modern and modernist, this is how Barcelona looks under the architectural lens, thanks to interventions that over time have helped to redesign the image of the city, signed by visionary architects - Antoni Gaudi above all - and starchitects of our days, from Santiago Calatrava to Jean Nouvel. Born in Reus in 1852, Gaudì embellished his indelible mark on some of the most characteristic buildings in the city: Sagrada Familia (still under construction), Güell Park and Casa Batlló, one of the two great buildings designed on Passeig de Gràcia together In La Pedrera. Influenced by the forms of nature, he used to use hollow stone construction to form organic shapes, curved, often decorated with mosaic coloured tiles, giving a breathtaking look. Original and visionary buildings that abduct at first glance: the facade of Casa Batlló, for example, seems to be made of skulls and bones. The “skulls” are actually the balconies and the “bones” the pillars of support that deserve a more thorough visit. Instead, Valenciano Santiago Calatrava signed the Torre de Telecomunicaciones, which ended in 1992 on the Montjuic hill in the Olympic complex. Visible from all over Barcelona with its 136 meters high, recalls with its imposing figure the silhouette of an athlete in the act of raising the Olympic flame, becoming in the Calatrava intentions the symbol of the twenty-first century. Pointing toward heaven opens the doors to new universes. Inspired by the geographical features of the Montserrat surrounding Barcelona and the form of geysers of water rising toward the sky, according to its creator, the Frenchman Jean Nouvel, is the Torre Agbar: 144 meters, with 38 floors of which 4 underground intended to accommodate the new offices of the company of the waters of Barcelona Agbar. It is the third highest building of the city after the skyscraper of the Hotel Arts and the Torre Mapfre and has redesigned the urban skyline with its 4,500 light devices that use the LED technology and which allow the creation of bright images on the entire surface, giving a suggestive show at sundown.

A la derecha: Barcelona Parc Guell de Antoni Gaudí


Arriba: La Torre de telecomunicaciones de Montjuïc, Santiago Calatrava

Al lado: el dragón a la entrada del parque Guell

“Dos pintores convertidos a la

arquitectura moderna”

DIDA COVER: Calatrava. Updated version Philip Jodidio Hardcover, 22.8 x 28.9 cm, 596 pages DIDA FOTO: Santiago Calatrava ph. Jeremiah Wilson

DIDA COVER LIBRO: Jean Nouvel. Complete Works 1970-2008 Philip Jodidio Hardcover, 2 vols. in acrylic slipcase, 29 x 36.8 cm, 898 pages DIDA FOTO: Copyright: Philippe Ruault Caption: Torre Agbar, Barcelona (Spain) 1999–2005


Al lado: Jean Nouvel, Torre Agbar Barcelona



En la página al lado a la izquierda: MWC17 Por arriba: El Salon A la derecha: Beep, beep at MWC17

Barcelona se viste de Hi-Tech con el Mobile World Congress, evento que reúne todas las curiosidades y novedades del mundo tecnológico, desde los últimos smartphones a los más cautivadores dispositivos electrónicos, ¿porque no?, también para llevar consigo. La capital catalana se va convirtiendo cada vez más en la casa del mundo de la innovación internacional, abriendo una ventana con vistas al futuro. En una sociedad en que la tecnología es parte integrante del propio tejido social, las novedades afectan no sólo a los smartphones y las tablets, sino también al Internet de las cosas (IoT, en sus siglas en inglés), es decir, las soluciones inteligentes que nos facilitan la cotidianeidad. He aquí entonces la bicicleta con un dispositivo que contiene una sim card

mediante la cual envía y registra todas las informaciones de un agradable paseo en bici: desde las calorías quemadas hasta los kilómetros recorridos, sin tener que hacer uso de un navegador GPS o de un smartphone. Y aún más; el automóvil que se conduce a distancia o guantes sensoriales que nos permiten acariciar la realidad virtual. En definitiva, gracias al MWC Barcelona logra canalizar cada vez más el interés de un público de todas las edades, deseoso de conocer y de teclear por vez primera las novedades Hi-Tech. Porque tocar con la mano, o mejor dicho con los dedos, satisface la fantasía de los «geeks 4.0» que no ven la hora de experimentar las nuevas aventuras del futuro.


Barcelona is dressed in Hi-Tech with the Mobile World Congress, an event that focuses on all the curiosities and attentions of the technology world, from the latest smartphones to the most eye-catching devices, because they do not even wear it. The capital of Catalonia is increasingly becoming the home of the world of international innovation, opening a window with a view to the future. In a society where technology is now part of the same social material, new entries concern not only smartphones and tablets, but also the Internet of Things (IoT), that is, the intelligent solutions that make it easy for us everyday. Here is the bike with a device that contains a SIM card through which

De arriba a abajo: MWC17 Sony

it sends and records all the information of a pleasant pedalling: from calories burned to kilometres travelled, without having to use a GPS or smartphone. And again, the car driving distance or the sensory gloves that make us sit on the virtual reality. In short, thanks to the MWC, Barcelona is able to catalyze more and more the interest of an audience of all ages, anxious to know and type in first Hi-Tech news. Because touching with your hand, or rather with your finger, meets the fantasy of the “geeks� 4.0 who are looking forward to living the new adventures of the future.

De arriba a abajo: Artificial solucion: IBM Viettel


“E taste OF ESPAGNA” Creativa o tradicional, la cocina catalana tiene el sabor del Mediterráneo DE SILVIA CUTULI

PH. Courtesy El Nacional


“El Nacional,4 espacios,4 barras y mil formas de alimentar el alma.”

Que la cocina catalana ha ascendido a las honras de la crónica internacional es algo notorio gracias a nombres como el de Ferran Adrià, Carmen Ruscalleda o Sergi Arola, que se han hechos intérpretes de una nueva cocina en un binomio de tradición e innovación. ¿Como poder saborear el sabor auténtico en salsa española? En el corazón de Cataluña, para los más voraces, se puede degustar un verdadero «tapeo», realizando un tour por los mejores bares de tapas. Porque, ya sean platos simples u obras maestras en miniatura, las tapas, consideradas por igual como aperitivos o entrantes, son una forma de convivencia muy arraigada en la cultura española, para disfrutar de unos excelentes entremeses en buena compañía. No se deje desalentar por los numerosos clientes en las horas puntas, y concédase un aperitivo de patatas bravas, anchoas, croquetas o queso manchego, por citar solo las tapas más tradicionales, destinadas todas ellas a ensalzar el aroma y el sabor mediterráneo. Para un tentempié rápido, para consumir directamente «en la barra» o comérselo de un solo bocado (los pintxos). Piérdase por las callejuelas del Barrio Gótico o haga una parada en Quimet i Quimet para probar los montaditos de deliciosos sabores y texturas, e incluso en el Tickets, donde los Chef Ferran y Albert Adrià, maestros de la cocina molecular, preparan aceitunas rellenas y milhojas de queso. Cualesquiera que sean las tapas, en 40 variantes en La Taperia, uno de los cuatro restaurantes que junto a otros tantos bares conforman El Nacional, verdadero templo gastronómico de Barcelona en el Passeig de Gràcia. Nacido en los locales de un viejo garaje de los años cincuenta, es un excelente ejemplo de multi espacio culinario donde saborear lo mejor de la tradición española bajo el mismo techo. Un vaso de Tina de Toro para acompañar unas rodajas de butifarra, una selección de ostras, cerveza o cócteles; sin dejar de hacer una parada en La Braseria para degustar El Capricho, la famosa carne de buey votada como la mejor del mundo por la revista Time. Mientras tanto, los amantes del pescado pueden escoger directamente el pescado en La Llotja y también cocinarlo. Y para terminar con dulzura, una crema catalana como rige en la mejor de las tradiciones. That Catalan cuisine has climbed to the honours of the international chronicle is remarkable, thanks to names such as Ferràn Adrià, Carme Ruscalleda or Sergi Arola who have become interpreters of a new cuisine in a mix of tradition and innovation. How can you taste the authentic flavour in a Spanish sauce? In the heart of Catalonia, for the greener you can try a real “tapeo” or a tour of the best Tapas bar. Because they are simple dishes or masterpieces in miniature, Tapas regarded as aperitifs or appetizers are a convivial so deeply rooted in the Spanish culture, to enjoy good food in good company. Do not be discouraged by the many tourists at peak time, and indulge in a taste of patatas bravas, anchoas, croquetas or manchego cheese, just to mention the Tapas of the tradition, all intended to exalt Mediterranean flavour and taste. For a fast snack to be consumed directly “at the bar” or in one bite (pintxos). Go down the streets of the Barrio Gótico or stop by “Quimet i Quimet” to try the montadidos from the delicious stuffs, and again from “Tickets” where the chef Ferran and Albert Adrià, masters of molecular cuisine, prepare stuffed olives and cheese pastries. What Tapas is, in 40 variations at La Taperia, one of the four restaurants that together with many bars is El Nacional, the true gastronomic temple of Barcelona on Passeig de Gràcia. Born in the premises of an old garage of the 1950s, it is an excellent example of multi-culinary space where you can enjoy the best of Spanish tradition under the same roof. A glass of Tina de Toro to accompany the sack, a selection of oysters, beer or cocktails; not to miss a stop at La Braseria to taste El Capricho, the famous ox meat voted the best in the world by TIME magazine. While fish lovers at La Llotja can directly choose their fish and also how to cook it. Finally ending up in sweetness, a Catalan cream as in the best tradition.


Un multiespacio gastronรณmico, donde cada una de las zonas posee un atractivo singular que harรก que tengas la sensaciรณn de vivir experiencias distintas dentro del mismo restaurante.



Tomarse una pausa refrescante después de dar una vuelta por la ciudad o concederse un capricho en medio de una ardua jornada laboral, parece realmente ser la mejor manera para retomar la actividad, recargando cuerpo y mente. Sin alejarse demasiado del centro, Spaciomm (Hotel Omm, Rosselló 265) ofrece tratamientos relajantes pensados para agasajar a sus huéspedes, pero no únicamente a ellos, dado que el espacio está abierto también a la ciudad. Y si el objetivo es reducir las tensiones acumuladas, los rituales son de los más dispares: desde la aromaterapia, al shatsu y hasta el masaje Thai Nuad Bo Rarn. Sin contar con que gracias a la fórmula «rituales del mundo» se han pensado para cada uno de nosotros específicos tratamientos exfoliantes, aceites perfumados, hierbas aromáticas y plantas medicinales que evocan los ambientes paradisíacos del Mediterráneo, Turquía y Oriente. Un placer para los cinco sentidos, dejarse deleitar por tratamientos relajantes y de belleza, que incluyen también un recorrido especial a través del agua. Como en el centro de bienestar, más de 700 metros cuadrados, del Hotel SB Diagonal Zero (Plaça Llevant s/n) con un elegante Spa, 7 cabinas de tratamiento estético, un moderno gimnasio y también una piscina termal a 38 grados, con numerosas camillas para un masaje subacuático, y el tradicional jacuzzi. Gracias a la fuente de hielo y las duchas emocionales se podrá acceder a lo mejor de la tradicional sauna finlandesa y del baño turco. Para un capricho de bienestar y belleza.

Rincones ocultos y spa urbanos por una pausa relajante en el corazón de Barcelona. DE SILVIA CUTULI PH. COURTESY: HOTEL SB DIAGONAL ZERO

Encuentre el regalo perfecto en el campo de experiencias.

Taking a rest after a city tour or indulging yourself in a busy day’s job, it really seems to be the best way to start with sprint by reloading your body and mind. Without departing too much from the center, Spaciomm (Hotel Omm, Rosselló 265) offers relaxing treatments designed to pamper guests but not only because it is also open to the city. And if the goal is to loosen the accumulated tensions, the rituals are the most varied: from aromatherapy, to shatsu, to Thai massage Nuad Bo Rarn. Not to mention that thanks to the formula “rituals from the world” we are thinking of specific exfoliating treatments, scented oils, herbs and medicinal plants to evoke the paradisiacal atmospheres of Mediterranean, Turkey and the East. A pleasure for the five senses, pamper yourself with relaxing and beauty treatments, which also include a special water course. As in the SPA center, 700 square meters, Hotel SB diagonal zero (Plaça Llevant S/n) with an elegant spa, 7 aesthetic treatment cabins, a modern gym and a 38-degree spa pool with loungers for underwater massage and traditional Jacuzzi. Thanks to the ice fountain and the emotional showers you will have access to the best the traditional Finnish sauna and Turkish bath. For a cuddle of wellness and beauty.




según las últimas tendencias y siempre en armonía con el entorno.”




A Bologna una exhibición difusa e immersiva explora la mente del fantasmagórico artista catalán, en un recorrido interactivo y multimedial en la historia artística de Dalì. DE SILVIA CUTULI

“No tengas miedo de la pefección porque nunca la alcanzarás”

Al abrir: Montre Molle, 1988. cm 34x54x51 Pâte de Verre En la página a las izquierda: “Alice in Wonderland” - 1969. Gráficas sobre papel En esta página: “Moise et monothéisme” - 1975. Gráficas sobre papel

“El arte está hecho para molestar”

En la página al lado y para arriba: “Imaginations and Objects of the future” - 1975. Gráficas sobre papel A la derecha: “L’art d’amer” - 1979. Gráficas sobre papel

Un viaggio in un Paese delle meraviglie popolato dalle strane Un viaggio in un Paese delle meraviglie popolato dalle strane creature dell’arte, partorite dalla mente geniale dell’eclettico quanto visionario Salvador Dalì, pittore, scultore, scrittore, cineasta, designer e sceneggiatore spagnolo. Nato a Figueres nella Catalogna sotto il segno del toro, Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Domènech marchese di Pùbol, sin da adolescente nutre una forte passione per l’arte che lo porta a frequentare l’Accademia di Belle Arti di San Fernando a Madrid, dove stringe amicizia con il regista Luis Buñuel e il poeta Federico Garcìa Lorca. Successivamente si sposta tra Parigi e New York, in compagnia della moglie Gala, sua fedele compagna e musa, collezionando amicizie importanti con Pablo Picasso, il gruppo dei surrealisti (nel quale entrò nel 1929 per venirne poi espulso a causa delle sue simpatie politiche per il leader fascista Francisco Franco), oltre a registi come Alfred Hitchcock e Luchino Visconti con cui collaborò alle scenografie. Ironico, onirico e a tratti tenebroso, il suo tocco surrealista assunse un carattere tutto personale, a tratti provocatorio se non scandalistico come dimostra la sua variegata produzione, protagonista con oltre 200 opere provenienti dalla Collezione “The Dalí Universe”, dell’evento “Dalì Experience“ a Palazzo Belloni di Bologna (fino al prossimo 7 maggio). 22 sculture museali, 10 opere in vetro realizzate alla fine degli anni ‘60 in collaborazione con la famosa cristalleria Daum di Nancy, 12 Gold objects, più di 100 grafiche tratte da 10 libri illustrati e 4 sculture monumentali posizionate in angoli strategi della città, danno il senso del progetto espositivo organizzato da con-fine Art con un approccio multi-dimensionale e multi-sensoriale. In un viaggio immersivo dal quale alla fine si ha quasi il timore di destarsi, ma non non è un sogno, trattasi di arte per quanto surrealista. A journey to a wonderland populated by the strange creatures of art, created by the genius mind of the eclectic and visionary Salvador Dalì, Spanish painter, sculptor, writer, filmmaker, designer and screenwriter. Born in Figueres in Catalonia under the sign of the bull, Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí Domènech Marquis of Pùbol, since adolescent has a passion for art that led him to attend the Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid, where he became friends with the director Luis Bunuel and the poet Federico Garcia Lorca. Then he moves between Paris and New York, with his wife Gala, his faithful companion and muse, making important friendships with Pablo Picasso, the Surrealists group (in which he entered in 1929 and then went out because of his political sympathies for the fascist leader Francisco Franco), as well as directors such as Alfred Hitchcock and Luchino Visconti with whom he collaborated on set designs. Ironic, dreamlike and at times dark, his surrealist touch took on a very personal character, provocative if not scandalous as evidenced by his varied production, protagonist with over 200 works coming from the collection “The Dalí Universe”, of the event “Dalì Experience” at Palazzo Belloni in Bologna (until May 7). 22 sculptures, 10 works in glass realized in the late 60’s in collaboration with the famous glassware Daum of Nancy, 12 Gold objects, over 100 graphics taken from 10 illustrated books and 4 monumental sculptures positioned in strategic corners of the city, give the sense of the exhibition project organized by con-fine Art with a multi-dimensional and multi-sensory approach. In an immersive journey from which eventually you almost fear of awakening, but It’s not a dream, it’s art although surrealist. En la página al lado: “Alice in Wonderland” - 1969. Gráficas sobre papel Por arriba: “Twelve Tribes of Israel” - 1972. Gráficas sobre papel Por abajo: “Neuf Paysages” - 1980. Gráficas sobre papel




bonita” Rei Kawakubo

Al comienzo a la izquierda: Rei Kawakubo (Japanese, born 1942) for Comme des Garçons (Japanese, founded 1969), “Body Meets Dress - Dress Meets Body,” spring/summer 1997 Courtesy of The Metropolitan Museum of Art, © Paolo Roversi Alla dercha: Rei Kawakubo (Japanese, born 1942) for Comme des Garçons (Japanese, founded 1969), “Blue Witch,” spring/summer 2016 Courtesy of The Metropolitan Museum of Art, © Paolo Roversi

Romper las convenciones, desafiar el ideal del vestir occidental uniendo la moda al arte de manera siempre sorprendente. De este modo imprime la ecléctica Rei Kawakubo desde 1973 su original visión creativa en la marca japonesa Comme des Garçons. Licenciada en Bellas Artes y Filosofía en Tokio, abandona pronto su trabajo en el ámbito de las relaciones públicas para debutar como estilista, inicialmente como freelance, con su primera colección presentada en París en 1981. Jerseys llenos de agujeros y vestidos rasgados, confeccionados con maquinaria intencionadamente manipulada para producir ejemplares defectuosos, dejaron no poco turbados a los profesionales del sector y a la prensa. Pero en realidad sus trajes con jirones, inmediatamente rebautizados como «Hiroshima chic», pobres, sí, en tejido, se revelaron altamente conceptuales, por cuanto ideados y exhibidos contra el consumismo desmedido de las pasarelas de los años ochenta. Porque las cosas viejas y raídas valen más que las bellas y perfectas, según la estética del wabi sabi, término japonés que alude al valor superior de la imperfección. «Para que una cosa sea bellísima no ha de ser bella» declara, de hecho, la diseñadora, considerada entre las personalidades más influyentes y a la vanguardia en el mundo de la moda internacional. Un enfoque muy punk el suyo, que ha revolucionado a su manera los cánones clásicos del estilo europeo, como subraya la «Muestra de la Moda» de referencia del año patrocinada por el MET - Metropolitan Museum of Art de Nueva York, desde el próximo 4 de mayo y hasta el 4 de septiembre. La exposición, que como de costumbre inicia el camino con el MET Gala, da ya a entender en el propio título: «Rei Kawakubo And The Art of the in-between» el intento de explorar el lenguaje estético de la estilista japonesa recorriendo las dos vías opuestas de la esfera interior-exterior, moda-antimoda. Mundos paralelos destinados a dar forma y sustancia al universo estilístico de la diseñadora, también perfectamente narrado en el volumen «Rei Kawakubo» creado por Terry Jones y editado por Taschen. Más de cien páginas de datos históricos, información biográfica y fotografías tomadas por maestros como Pablo Roversi, David Bailey y Emma Summerton, junto a entrevistas con Jamie Huckbody, Josh Sims, y el mismísimo Terry Jones, que revelan el lado menos conocido del pensar de Kawakubo. «Deberían de comprarse los vestidos por cómo te hacen sentir, y no por cómo te hacen parecer» puntualizaba a modo de ejemplo la diseñadora, respondiendo a quienes consideraba sus ejemplares imposibles de vestir. Y a los rumores de su inminente salida de escena, más recientemente replicaba: «No hay ninguna finalidad ni ningún objetivo. Hasta que no intento hacer algo que nunca antes haya existido, una finalidad está fuera de toda cuestión.»

Break conventions, challenge the Western ideal of dressing combining fashion and art in a surprising way. In this way the eclectic Rei Kawakubo from 1973 impresses her original creative vision to the Japanese label Comme des Garçons. Graduated in Fine Arts and Philosophy in Tokyo, soon abandoned her work in the field of public relations to debut as a fashion designer, freelance initially, with the first collection presented in Paris in 1981. Sweaters full of holes and ragged clothes packed with deliberately tampered machines to produce flawed garments, left more than a little dismayed professionals and press. But in reality her tattered clothes, soon renamed “Hiroshima Chic”, proved to be highly conceptual, as conceived and performed against the rampant consumerism of the catwalks of the Eighties.Because old and worn things worth more than the beautiful and perfect ones, according to the aesthetics of the wabi sabi, Japanese term that refers to the upper value of imperfection. “One thing to be beautiful doesn’t have to be beautiful” indeed says the designer, counted among the most influential and cutting edge personalities in the international fashion system. A very “punk” approach, which in its own way has revolutionized the classical canons of European styling, as emphasized by the “fashion show” of the year hosted by the MET - Metropolitan Museum of Art in New York from next May 4th and until September 4th. The exhibition that as usual kicks off with the Met Gala, suggests in its title: “Rei Kawakubo and the art of the in-between” the aim of exploring the aesthetic language of the Japanese designer running on the opposite rails of inner/outer, fashion/anti fashion. Parallel universes that give form and substance to the stylistic universe of the designers also well told in the book “Rei Kawakubo” edited by Terry Jones and published by Taschen. More than one hundred pages of historical data, biographical information and photographs made by masters such as Paolo Roversi, David Bailey and Emma Summerton, alongside with interviews with Jamie Huckbody, Josh Sims, and the same Terry Jones that reveal the lesser known side of the Kawakubo’s thought. “We should buy clothes for the way they make us feel, not for the way they make us look” underlined the designer, responding to those who considered her clothes unwearable. And to the rumors of her imminent disappearance, more recently replied: “There is no end and no goal. Until I try to do something that has never existed before, a end is out of question”.

En la página a la izquierda: Rei Kawakubo (Japanese, born 1942) for Comme des Garçons (Japanese, founded 1969), “Not Making Clothing,” spring/summer 2014 Courtesy of The Metropolitan Museum of Art, © Paolo Roversi A la derecha:Rei Kawakubo Ph. ©Eiichiro Sakata, dal volume“Rei Kawakubo” by Terry Jones. Ed. Taschen


La exhibición “moda” del año del MET de Nueva York xplora el lenguaje estético del japonés Rei Kawakubo, designer de Comme des Garçons. Señora que raramente concede entrevistas y se hace fotografiar, dando la escena a los vestidos con que del acabar años Setenta ha revolucionado los canones clásicos del estilo europeo.

Rei Kawakubo Photo: Eiichiro Sakata


“La elegancia ES ELIMINACIÓN” Cristóbal Balenciaga

“La revolución (pacífica) del sastre vasco a golpes de tijeras, aguja e hilo, en escena a la Victoria & Albert Museum de Londres en el año del centenario de su primer Maison. DE SILVIA CUTULI

Ph. from V&A’s exhibition Balenciaga: Shaping Fashion

Al abrir: Richard Avedon (1923 – 2004) Dovima with Sacha, cloche and suit by Balenciaga, Café des Deux Magots, Paris, 1955 © The Richard Avedon Foundation A las izquierda: Hiro (b. 1930) Alberta Tiburzi in ‘envelope’ dress by Cristóbal Balenciaga, Harper’s Bazaar, June 1967 © Hiro 1967 A la derecha: Mark Shaw (1921 – 1969) Model wearing Balenciaga orange coat as I. Magnin buyers inspect a dinner outfit in the background, Paris, 1954 © Mark Shaw /


París, de día en el exterior, Café des deux Magots. Corría el año 1955 cuando el objetivo de Richard Avedon capturaba a Dovima, en una pose de extremada naturalidad junto al lebrel Sacha, impecable con su conjunto y su capucha firmados por Cristóbal Balenciaga. Una imagen fija, una de tantas, que jalonan la extraordinaria historia de moda del modisto español que entre los años cincuenta y sesenta ha dado vida a uno de los períodos más fértiles en cuanto a la creatividad de la moda internacional. «El Máster de la alta costura» lo etiquetaba Monsieur Dior, porque: «Si la alta costura es como una orquesta, Cristóbal es el director y el resto de nosotros los músicos que siguen la dirección indicada por él». Y el modisto vasco, maestro del corte y la precisión, no escatimó en solos memorables, experimentando como nunca antes con cortes inéditos entre vestidos de túnica, de saco, baby doll y combinaciones, de estética minimalista, junto a volúmenes tomados prestados de la arquitectura, para creaciones que liberaban la silueta femenina regalando a las mujeres un carácter especial. Como especiales fueron sus musas y amigas: desde la actriz de Hollywood Ava Gardner a Mona von Bismark, acostumbrada a encargarle todo su guardarropa, desde los trajes de baile hasta los shorts de jardinería. Un precioso legado de estilo, el del diseñador de Guetaria, hacia el que se dirigen todos los focos de la muestra de Balenciaga: Shaping Fashion en el Victoria & Albert Museum de Londres (del 27 de mayo de 2017 al 18 de febrero de 2018), en la primera exposición en suelo inglés dedicada al estilista ibérico, con ocasión de un importante aniversario por partida doble, como son los 100 años de su primera casa de moda en San Sebastián y los 80 de la apertura de la más famosa maison parisina. Más de cien trajes y veinte tocados, junto a bocetos, dibujos, fotografías y muestras de tejido, marcan el recorrido organizado en las tres secciones Front of House, Workrooms y Balenciaga’s Legacy, destacando la herencia cedida al mundo de la moda de Cristóbal Balenciaga. Una visión moderna la suya, recogida por quién ha continuado la obra trasportándola a la contemporaneidad, como Molly Goddard y Demna Gvasalia para la exploración de los volúmenes y Nicolas Ghesquière para el uso creativo de los nuevos materiales. Más adelante pensará el artista Nick Veasey, con la tecnología de los rayos X, en ofrecer una mirada privilegiada hasta dentro del alma de tela de los trajes, como un ojo indiscreto que se revuelve entre cortes y costuras para escudriñar el sentido de una revolución pacífica, combatida a golpe de tijeras, aguja e hilo.

Day exterior Paris, Café des Deux Magots. It was 1955, when the lens of Richard Avedon captured Dovima, in a pose of extreme naturalness beside the greyhound Sacha, impeccable in her suit and cloche designed by Cristóbal Balenciaga. A still image, one of many, that mark the extraordinary fashion history of the Spanish couturier who between the fifties and sixties has inspired one of the most fertile periods in terms of creativity of international fashion. Monsieur Dior called him “The Master of haute couture”, because: “If haute couture is like an orchestra, Cristóbal is its director and the rest of us the musicians who follow the path that he has given”. And the Basque tailor, mastaer of cutting and precision, not spared memorable solos, experimenting both new cuts among tunic dresses, sack, baby doll and minimalist petticoats and volumes borrowed from architecture, for creations that enhanced the feminine silhouette giving women a special character. Special were also his muses and friends: from the Hollywood actress Ava Gardner to Mona von Bismarck, who used commission him her whole wardrobe, from ball gowns to shorts for gardening. A legacy of precious style that Guetaria, on which turn the spotlight of the exhibition Balenciaga: Shaping Fashion at the Victoria & Albert Museum in London (from May 27, 2017 to February 18, 2018), in the first exhibition in England dedicated to the Iberian fashion designer, on the occasion of a double important anniversary, such as the 100th anniversary of his first couture maison in San Sebastian and the 80th of the opening of the most famous Parisian fashion house. More than one hundred and twenty dresses and headdress along with sketches, drawings, photographs and tissue samples, mark the path organized in the three sections Front of House, Workrooms and Balenciaga’s Legacy, emphasizing the legacy left to the fashion world by Cristóbal Balenciaga. A modern vision, collected from those who have continued his work brining it the contemporary society, as Molly Goddard and Demna Gvasalia for the exploration of volumes and Nicolas Ghesquière for the creative use of new materials. Then the artist Nick Veasey, thanks to the x-ray technology offer an insight deep into the soul of the clothing fabric, as an indiscreet eye wandering between cuts and seams to grasp the sense of a peaceful revolution, fought with strokes of scissors, needle and thread.

A mano izquierda para arriba: Henri Cartier-Bresson (1908 – 2004) Cristóbal Balenciaga at work, Paris, 1968 © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos A mano izquierda en bajo: Irving Penn (1917 – 2009) Lisa Fonssagrives-Penn wearing coat by Cristóbal Balenciaga, Paris, 1950 © Condé Nast / Irving Penn Foundation

Para arriba: Richard Avedon (1923 – 2004) Elise Daniels with street performers, suit by Balenciaga, Le Marais, Paris, 1948 © The Richard Avedon Foundation A mano izquierda: X-ray photograph of evening dress, silk taffeta, Cristóbal Balenciaga, Paris, 1955 X-ray by Nick Veasey, 2016 © Nick Veasey


“VIBES ON ART VISIÓN de artista del MUNDO”

Está’ en su capacidad de expresarlos al mismo tiempo lo efímero y eterno en su futuro, que el arte cuenta en todas sus formas las más diferentes emociones, de descubrir por cinco exhibiciones esparcidas por el mundo. DE VALENTINA OTTAVIANI

Materiales cibernéticos, filamentos delirantes, torsiones plásticas envuelven las siluetas de cuerpos filiformes. Este es el modo de concebir la moda de Iris van Herpen, la modista holandesa, una de las alumnas más extravagantes de Alexander McQueen, con sus 45 creaciones del appeal futurista, presentadas en el recorrido expositivo Trasforming Fashion en el Dallas Museum of Art hasta el 20 de agosto de 2017. Cambio de atmósfera, por el contrario, al llegar a Chatsworth, una de las mansiones más hermosas del Devonshire y de Inglaterra, que hasta el próximo 22 de octubre de 2017 alberga House Style: 500 años de moda en Chatsworth, la ambiciosa exposición dedicada a la exploración de la historia de la moda y la decoración. Un imponente proyecto que presume de tener como patrocinador principal a Gucci, la casa florentina que tras el desfile de la colección Cruise 2017 en la Abadía de Westminster anuncia el acuerdo trienal con la finca inglesa. Colaboración que refuerza la actitud británica de Alessandro Michele, director creativo de la marca: de hecho, son made in UK muchas de sus fuentes de inspiración, como atestigua la campaña publicitaria para la Cruise 2017 con Vanessa Redgrave enteramente desatada en Chatsworth. La exposición regala una visión inédita y fascinante de la Devonshire Collection, narrando entre majestuosos salones la historia de quienes los han habitado, desde la Emperatriz de la Moda del siglo XVIII, Georgiana Cavendish, hasta Stella Tennant. En el centro de la exposición, las creaciones de costura de Jean Phillipe Worth y Christian Dior junto a prendas contemporáneas bajo la firma de Gucci. Por el contrario, es un viaje imaginario a la Rusia del siglo XX la muestra «Kandinkij, caballero errante». Un viaje hacia la abstracción», que celebra el gran artista fundador del arte abstracto. El Mudec de Milán le rinde homenaje, que hasta el próximo día 9 de julio monta una exposición site-specific fundada sobre la metáfora del viaje como aventura cognitiva y laboratorio mental del artista. Son atmósferas de sabor cotidiano, las protagonistas de la retrospectiva fotográfica de Los Alamos firmada por William Eggleston, uno de los más conocidos fotógrafos de vanguardia americanos instalada en el Foam Museum de Amsterdam, donde permanecerá hasta el 7 de junio de 2017. Celebra no obstante la aportación revolucionaria al desarrollo de las artes escénicas contemporáneas del famoso coreógrafo y bailarín, la exposición Merce Cunningham: Common Time expuesta simultáneamente en el Walker Art Center de Minneapolis y el Museum of Contemporary Art de Chicago. Al abrir: Merce Cunningham rehearsing How to Pass, Kick, Fall and Run at the Brooklyn Academy of Music 1970. Ph. by James Kosty. Dalla mostra: “Merce Cunningham: Common Time” copresentata da Walker Art Center di Minneapolis e Museum of Contemporary Art (MCA) di Chicago. En la página anterior: Coronation Gown. Mistress of the Robes Coronation Gown, worn by Duchess Evelyn at 1937 coronation and Duchess Mary at 1953 coronation, Painted Hall, Chatsworth, 2016. Photo by Thomas Loof, © Chatsworth. Dalla mostra “House Style: 500 anni di moda a Chatsworth” dal 25 marzo al 22 ottobre 2017 alla Chatsworth House, Derbyshire inglese. En esta página: Vasilij Kandinskij Improvvisazione 34 (Oriente II), 1913 Olio su tela, cm 120 x 140 Kazan’, Museo di Belle Arti © State Museum of Fine Arts of the Republic of Tatarstan, Kazan, Russia. Vasilij Kandinskij Destino (Cupole), 1909 Olio su tela, cm 83 x 116 © Astrakhan State Picture Gallery after P. M. Dogadin, Astrakhan, Russia“Kandinskij. Dalla mostra: “Kandinskij. Il cavaliere errante. In viaggio verso l’astrazione”, dal 15 marzo 2017 al 9 luglio 2017 al MUDEC di Milano.

Desde arriba: Iris van Herpen Refinery Smoke, Dress, July 2008 Untreated woven metal gauze, cow leather, cotton Groninger Museum, 2012.0196 Photo by Bart Oomes, No 6 Studios Iris van Herpen In collaboration with Noritaka Tatehana and 3D Systems Hacking Infinity, Shoes, 2015 Laser-cut cow leather, 3-D printed photopolymer, stereolithography resin. Collection of the designer Photograph © NORITAKA TATEHANA De la exposición: “Iris van Herpen: Transforming Fashion” dal 21 maggio al 20 agosto 2017 al Dallas Museum of Art.


Cybernetic materials, crazed filaments, plastic twists wrap the thread-like bodies silhouettes. This is the fashion vision of Iris van Herpen, a Dutch designer, one of the most imaginative students of Alexander McQueen with her 45 futuristic creations, presented in the exhibition Transforming Fashion at the Dallas Museum of Art until August 20, 2017. Change of atmosphere instead in Chatsworth, one of the most beautiful residences of the Devonshire and England, that until next October 22, 2017 houses House Style: 500 years of fashion in Chatsworth, the ambitious exhibition dedicated to the exploration of the history of fashion and decoration. A great project that has as main sponsor Gucci, the Florentine maison that after the fashion show of the Cruise collection 2017 at Westminster Abbey announces the three-year deal with the English estate. Collaboration that strengthens the British attitude of Alessandro Michele, creative director of the brand: in fact many of his sources of inspiration are made in UK, as evidenced by the advertising campaign for the Cruise 2017, with Vanessa Redgrave entirely shot in Chatsworth. The exhibition offers a new and fascinating vision of the Devonshire Collection telling among majestic halls the history of those who inhabited them, from the Empress of the eighteenth century fashion Georgiana to Stella Tennant. At the center of the exposition the couture creations by Jean Phillipe Worth and Christian Dior mixed with contemporary dresses of Gucci. It is instead an imaginary journey in the Russia of ‘900, the exhibition “Kandinkij, cavaliere errante. In viaggio verso l’astrazione”, that celebrates the great artist and founder of abstract art. To pay homage to him is the Mudec of Milan, which until next July 9 sets up a site-specific exposure based on the metaphor of journey as a cognitive adventure and artist’s mental laboratory. The daily atmospheres are instead the protagonists of the photographic retrospective Los Alamos signed by William Eggleston, one of the most famous photographers of the American avant-garde housed by the Foam Museum in Amsterdam where it will remain until June 7, 2017. It celebrates instead the revolutionary contribution to the development of contemporary performing arts of the famous choreographer and dancer, the exhibition Merce Cunningham: Common Time exposed simultaneously at the Walker Art Center in Minneapolis and the Museum of contemporary Art in Chicago.

William Eggleston, Memphis, 1965-1968, from the series Los Alamos 1965-1974 © Eggleston Artistic Trust 2004 / Courtesy David Zwirner, New York/ London. De la exposición: “William Eggleston Los Alamos dal 17 marzo al 7 giugno 2017 al Foam di Amsterdam.

“el Design es un ESTADO por si. Milano es su CAPITAL” DE CRISTINA MANIA

Al abrir: Ph. Courtesy of Salone del Mobile. Milano. En la página cerca: Agave by Ethimo De lo alto, en sentido horario: Lámparas a sospesnsione Alysoid by Axo Light Rachele Armchair della Glamour collection by Formitalia Mesa Arrow by Henge Sofá Melpot con chaise longue by Natuzzi

“Milano es cada vez más a la altura de esta cita internacional”


Giuseppe Sala, Alcalde de Milano


“ El Salón del Mueble viaja con optimismo, sea de parte de las empresas participantes que de nosotros organizadores.

Positividad dictada

por el bueno performance del sector tenido el pasado año. La decoración italiana está en continuo crecimiento sobre casi todos los mercados internacionales” Roberto Snaidero, Presidente del Salone del Mobile di Milano

Fuente luminosa Flower Power by VG


De lo alto, en sentido horario: Lámparas a sospesnsione by Nimbus Sentado de tapicería by Plus Collection Sofá mullido Mars collection by Tonino Lamborghini Casa


Arriba: Nuance Collection by Angelo Cappellini Abajo: Pared equipada by ronda Design

“Milano junto al Salón es capaz de destacar todo el sector, a los grandes nombres internacionales. das jóvenes


Giuseppe Sala, Alcalde de Milano

Arriba: A las izquierdas, Camp Cot by Jamie Durie per Uno Più A la derecha, Mandalay Collection by Uno Più En la página cerca: Ginger and Baku by Uno Più


Cincuenta y seis

ediciones, cincuenta y seis años de duro trabajo para llevar a Milán a ser considerada hoy en día capital indiscutible del diseño. Una cita que se renueva con ansiada espera y con un interés internacional que va en aumento. Los números hablan claro: más de 300.000 visitantes de más de 165 países, 5.000 periodistas de todo el mundo, cerca de 2.000 expositores que ocuparán un área –la del recinto ferial Rho– superior a los 200.000 metros cuadrados. Así el Salone del Mobile.Milano vuelve, del 4 al 9 de abril de 2017, con sus cinco macro categorías: Salone Internazionale del Mobile (Salón Internacional del Mueble), Salone Internazionale del Complemento d’Arredo (Salón Internacional del Complemento de Decoración), Euroluce (Salón Internacional de la Iluminación), Workplace3.0 (exposición de espacios de trabajo) y SaloneSatellite (evento que da cabida a los nuevos talentos del diseño), que este año apagará sus 20 velas. Todo acompañado por DeLightFuL, un recorrido visual y sensorial en el vivir cotidiano y en el espacio contemporáneo, que reflexiona sobre las nuevas generaciones y explora su nuevo modo de vivir y concebir el espacio doméstico. Y lo hace a través de la cámara del renombrado realizador Matteo Garrone, que ha dado vida a un cortometraje que aspira a la superación de las tradicionales subdivisiones en áreas funcionales. Diseño, Luz, Futuro, Estilo de vida: estos son los cuatro conceptos clave, resumidos en DeLightFuL, que guían y expresan todas las tendencias y los contenidos de la muestra-evento. Una gran variedad de objetos de decoración –seleccionados para dar un repaso del diseño contemporáneo y transformados en piezas únicas gracias a combinaciones inéditas de materiales, tejidos, tratamientos y colores– son los protagonistas de instalaciones de gran impacto. Pero volvamos a los verdaderos protagonistas de esta feria: los muebles. Desde los asientos, reyes de la zona de estar, a las mesas que redescubren la naturalidad de la madera tosca, asociada a menudo con la recuperación de materias como el cobre o el bronce. Amplio espacio, además, para la innovación, tanto en la utilización de materiales de vanguardia como en el estudio de soluciones que hacen un giño a una cultura ecofriendly de los espacios habitables. Vista la temporada de verano inminente, pues, corresponde hacer una mención especial a los exteriores, con soluciones –como las propuestas por la marca Uno Più– capaces de decorar los espacios externos, tanto en la ciudad como en el campo. Todo está listo, por tanto. No queda más que alcanzar la capital milanesa y dejarse envolver por la creatividad: Design is all around!

56 editions, 56 years of hard work that has brought Milan to be considered today’s undisputed capital of design. A date that is renewed with anxious wait and with a growing international interest. The numbers speak for themselves: more than 300,000 visitors from over 165 countries, 5,000 journalists from all over the world, about 2,000 exhibitors will occupy an area - that of the Rho exhibition center - thai is more than 200,000 square meters. So the Salone del Mobile.Milano come back, from April 4 to April 9, 2017, with its five main categories: Salone Internazionale del Mobile, the International Exhibition of Furnishing Accessories, Euroluce, Workplace3.0 and SaloneSatellite, that celebrates 20 years. All of it accompanied by DeLightFuL, a visual and sensory experience in everyday life and in contemporary space, reflecting on the new generations and exploring their new way of living and conceiving the domestic space. And it does so through the lens of renowned director Matteo Garrone, who has created a short film which aims is to overcome the traditional divisions into functional areas. Design, Light, Future, Living: these are the four key concepts, summarized in DeLightFuL, that guide and express all the forms and the contents of the exhibition. So many different items of furniture - selected to tell the contemporary design and transformed into unique pieces thanks to unusual combinations of materials, fabrics, treatments and colors - are the protagonists of high-impact installations. But back to the real protagonists of this event: the furniture. From seats, queens of the living area, to the tables that rediscover the natural raw wood, joining more and more often to the recovery of materials such as copper or bronze. Much space, then, for innovation, both in the use of avant-garde materials than in the study of solutions that nod to a ecofriendly culture of home living. Also, given the looming holiday season, a special mention deserves the outdoor, with solutions - such as those proposed by the brand Uno Più - able to furnish outdoor spaces, both in town and in the countryside. Everything is ready, then. You just have to go to Milan and let creativity wrap you: design is all around!

Imágenes llevadas de un cortometraje DeLightFul, dirigido de Matteo Garrone. Courtesy Salone del Mobile. Milano


“Belgium is DESIGN”

Era 1998 cuando el SaloneSatellite se asomaba al panorama del diseño en apoyo de los jóvenes talentos, por debajo de los 35. Desde entonces se han apagado 20 velas y hoy la feria se confirma como la fragua donde se forja la creatividad internacional más joven. Como la típica Belgium is Design, la cita que enfoca su objetivo en los diseñadores belgas. El tema de este año gira en torno al concepto «Less Tells More», es decir, producir menos para contar más. En nombre de una cultura del proyecto realmente sostenible, cada uno de los seis diseñadores de la Región Valona y de Bruselas presentan un solo proyecto, proponiendo soluciones inéditas en el sector de la iluminación (dada la afinidad con el Salón Euroluce 2017), del diseño textil y del mueble. Nace así O-line, un sistema de iluminación adaptable y lúdico ideado por Laurent Verly. Juega con los tejidos Coralie Miessen, cuya colección Smock saca su inspiración de una antigua técnica de bordado, donde un sistema de pliegues y de hilos tensados transforma una superficie plana y le confiere volumen y elasticidad, utilizable tanto para revestimientos de decoración como para colecciones textiles (mantas, cubrecamas). El dúo Pauline Capdo y Luis Bellenger presenta Venise, una lámpara de mural que adquiere forma a través del plegado y la torsión para crear un motivo horadado, mientras que Pierre-Emmanuel Vandeputte firma Paradosso, una estructura autoportante que permite al usuario apoyarse en ella y descansar. Roxane es por el contrario el prototipo de una lámpara de mural constituida por un riel de LED e ideada por la diseñadora Romy di Donato. Nicolas Brevers propone a su vez Vector Equilibrium, una lámpara suspendida que, gracias a una forma dinámica, basa su razón de existir en la interacción con el usuario

Al SaloneSatellite va in scena la più giovane creatività belga

En la página al lado: 0-Line lámpara flexible ideada de Laurent Verly (para arriba en la foto)

Al lado: la Colección Smock ideada por la diseñadora textl Coralie Miessen ( para arriba en la foto).


Cerca: Vector Equilibrium es la lámpara a suspensión planeada de Nicolas Brevers

Abajo: Venise, lampara mural planeada de Pauline Capdo e Luis Bellenger

It was 1998 when the SaloneSatellite became an important talent scouting date to support under 35 designers. Since then 20 candles went out and today the festival is confirmed the hotbed of the youngest international creativity. Just like Belgium is Design, the event that turns to turn on spotlights on Belgian designers. The theme this year revolves around the concept “Less Tells More”, that is, produce less to tell more. In the name of a truly sustainable design culture, each of the six designers of the Walloon Region and Brussels have only one project, proposing new solutions in the lighting sector (given the concurrence of the Salone Euroluce 2017), textile design and furniture. So it was born O-line, an adaptive and playful lighting system devised by Laurent Verly. Play with the tissues Coralie Miessen, whose Smock collection takes inspiration from an old embroidery technique, where a system of folds and pulled wires transforms a flat surface and gives volume and elasticity, to be used both for decorative coatings as for textile collections (blankets, throws). The duo Pauline Capdo and Luis Bellenger presents Venise, a wall lamp that takes shape through bending and twisting to create a pattern perforated, while Pierre-Emmanuel Vandeputte creates Paradsso, a self-supporting structure that allows the user to lean on and rest. Roxane is instead the prototype of a wall lamp made of a LED rail and designed by designer Romy Di Donato. Nicolas Brevers proposes instead Vector Equilibrium, a pendant lamp that, thanks to a dynamic form, bases its raison d’être on the interaction with the user.

Al lado: Lampara Roxane planeada de Romy Di Donato (para arriba en la foto)

“Seis diseñadores belgas por seis soluciones inéditas, en nombre verdaderamente sostenible” de una cultura del


Al lado: se llama Paradosso la estructura de acero y cuero que permite de apoyarse y descansar pensado de Pierre-Emmanuel Vandeputte



Al lado de abajo: DD Epoque, Samoa black&white wallpaper

En la página al lado: Devon&Devon, BATHTUB HOLLYWOOD Botanica Grey wallpaper

Florales, geométricas, en papel o tejido-no-tejido. Estamos hablando de los papeles de decoración, en auge en los últimos tiempos, que se imponen como el nuevo must have del hábitat moderno. Fruto de su versatilidad, de las fantasías cada vez más cautivadoras, pero sobre todo de la capacidad de cambiar el rostro de una estancia, simplemente revistiendo una pared. Por eso no podían faltar a la cita más esperada del diseño, la del Salone del Mobile.Milano donde, justo es decirlo, se han ganado su sitio de honor. Baste con pensar en Devon&Devon, la compañía florentina centrada desde siempre en las salas de baño, que este año presentará en su flagship store de Via San Marco 38, su primerísima Wallpapers Collection. Realizada en colaboración con las diseñadoras Francesca Griego, Nina Farré y el diseñador Vito Nesta, la colección nace de la voluntad de decorar los ambientes del baño y de la sala de estar de la casa con una propuesta elegante, rica y contemporánea, en perfecta sintonía con la concepción de la marca. Son 32 los temas elegidos, que abarcan desde motivos geométricos, efectos tridimensionales y ópticos, motivos de inspiración Art Déco, patrones orientales y arabescos, hasta objetos florales y animalistas, hipercoloreados y surrealistas. Quién sin embargo ha hecho de los papeles de decoración su marca de fábrica es Jannelli&Volpi que, con ocasión de la feria milanesa dedicada al diseño, exhibe en su tienda, en el número 7 de Via Melzo, sus nuevas colecciones: desde Shibori (de clara inspiración, japonesa) a Interior (realizada con una técnica de impresión compleja y avanzada), pasando por Altagamma Loft (de sabor antiguo y enérgico), Altagamma Evolution 2 (que mezcla con equilibrio objetos animales, como el tigre, con gráficas naturales) y Gran Corniche (donde la naturaleza se convierte en protagonista absoluta).


Al lado Wallpaper Altagamma Evolution 2 di Jannelli&Volpi En esta página: Dos imágenes de la colección Grande Corniche by Jannelli&Volpi

Floral, geometric, paper or non-woven fabric. We are talking about wallpapers, back in vogue in recent times such imposing as new must-have in home living. It is thanks to their versatility, the more appealing patterns but above all the ability to change the aspect of a room, even just covering one wall. For this reason they could not miss the most awaited event of the design, the Salone del Mobile.Milano, where - it is appropriate to say - they cat out their space of honor. Just considering Devon & Devon, the Florentine company has always focused on the bathrooms, which this year is presenting, at its flagship store in Via San Marco 38, its very first Wallpaper Collection. Produced in cooperation with designers Francesca Greco, Nina Farré and Vito Nesta, the collection comes from the desire to furnish the bathroom and living areas of the house with an elegant, rich and contemporary proposal, in perfect harmony with the brand’s concept. 32 chosen themes, ranging from geometric patterns, three-dimensional optical effects, Art Deco-inspired motifs, eastern and arabesque patterns, up to floral and animal subjects, hyper-colorful and surreal. Who did the wallpaper his trademark is Jannelli & Volpi that, on the occasion of the Milanese event dedicated to design, showcases in his store - at number 7 of Via Melzo - its new collections: from Shibori (Japanese-inspired) in Interior (made from a complex and advanced printing technique), through Altagamma Loft (from ancient and energetic flavor), Altagamma Evolution 2 (which mixes subjects of animals - like the tiger - with natural graphic) and the Grande Corniche (where nature becomes absolute protagonist).



“Arte e design se encuentran en por el FueraSalon con una agenda mui apretada”

Entre los eventos del FueraSalon Zucchetti con la exhibición In Factory. Material Landscape, ideado por Diego Grandi y curada Porzia Bergamasco.

Arriba: L’installazione Scrigno dal Cielo Capoferri En bajo: El Showroom milanese de Jannelli&Volpi, puesta en scena de Wallpaper Rhapsody


En la página cerca, de arriba: Stamberga alberga 5 marcas de diseño internacional. Daaa Gallery alberga los proyectos de eventos A/Tipici Craftmen Experiences

En esta página: Porta Venezia en Design alberga también una etapa Food&Wine al que se han adherido algunos La Toscana di Tony (arriba) y Pasta Fresca Brambilla (a la derecha)

“TOM DIXON ayer, hoy, MAÑANA ” Ph. courtesy of Tom Dixon Studio

Cut long chrome & smoke cluster on portrait

“El designer inglés reabre el Cinema Manzoni con su format expositivo “Multiplex by , featuring Yesterday, Today, Tomorrow”. En preestreno el suyo cama-sofà “hackerabile” por Ikea”.

Tom Dixon

En el sentido del reloj: Pylon Chair Textile lifestyle, line and soft with Wingback Micro S Chairs with Beat Waist & Stout Cut surface Chrome and Smoke On

En esos días del diseño se reanima el cine Manzoni –cerrado desde 2006 y para el que está previsto un plan de recalificación que verá la luz en los próximos años– y la Galleria adyacente, en el epicentro cultural y del shopping de lujo milanés. Símbolo del glamour italiano de los años cincuenta, así como salón bono de la ciudad, en la Galleria donde un tiempo atrás había salones de exposición, librerías e incluso un night club, el diseñador inglés Tom Dixon pone en escena su formato expositivo «Multiplex by Tom Dixon featuring Yesterday, Today, Tomorrow». Respetando el origen de los lugares, entregados tanto al entretenimiento como al comercio, Dixon monta algunos temporary shops, o escaparates ideados para presentar sus diferentes líneas de producto, entre ellos el recién nacido sofá-cama DELAKTIG, su primera pieza diseñada para IKEA, cuyo lanzamiento está previsto para 2018. «Habrá cinco tiendas con mi colección a la venta, cada una con su personalidad distinta: las reediciones formarán parte de la tienda de “antigüedades”, las nuevas lámparas serán expuestas en la tienda de iluminación, luego habrá una perfumería con mi línea beauty y una mercería para la nueva colección de textiles de decoración, cojines y mantas» relata Dixon, subrayando que Multiplex es una plataforma de ideas frescas, diseño clásico e innovación, mediante una serie de colaboraciones excelentes a las que se añaden cortos y documentales sobre la historia y el futuro del diseño, proyectados en la antigua sala cinematográfica con una programación de películas confiada a Ikea para un festival de cine verdadero y propio. Y a propósito de su colaboración con el coloso sueco de la decoración, Dixon hace saber que el proyecto DELAKTIG explora y redefine el concepto de flexibilidad y multifunción, dando vida específicamente a un sofá-cama modular que puede evolucionar en base a las personas que comparten un determinado entorno y al espacio disponible. «Es una cama que se puede “hackear”», confirma el diseñador que ha implicado en el proyecto a los estudiantes del Royal College of Art de Londres y de la Parsons School of Design de Nueva York. «La han transformado en una balsa, en una cama de dos alturas y en un sistema de asientos para los aeropuertos. Es básicamente una cama, pero puede convertirse en cualquier cosa.» It revives in the days of design, the Cinema Manzoni - closed since 2006 and for which is expected a redevelopment plan to be unveiled in the next few years - and the adjacent Galleria, cultural and shopping epicenter of the Milanese luxury. Symbol of the Italian glamor of the Fifties and good parlor of the city, in the Galleria where once there were showrooms, libraries and even a nightclub, the British designer Tom Dixon is staging his exhibition format “Multiplex by Tom Dixon featuring Yesterday, Today, Tomorrow”. Respecting the origin of places, made for both entertainment and trade, Dixon sets up some temporary shops designed to present his different product lines, including the new sofa-bed DELAKTIG, his first piece designed for IKEA, that will be launched in 2018. “There will be five shops with my collection for sale, each with its own distinct personality: the reissues will be part of the “antique” shop, the new lamps will be on display in the lighting store, then there will be a perfumery with my beauty line and a haberdashery for the new collection of textile furniture, pillows and blankets” says Dixon, stressing that Multiplex is a platform of fresh ideas, classic design and innovation, through a series of excellent collaborations which are flanked by short films and documentaries on the history and the future of design, projected in the former movie theater with a film program made by IKEA for a true film festival. And speaking of his collaboration with the Swedish furnishing giant, Dixon said that the DELAKTIG project explores and redefines the concept of flexibility and multi functionality, creating specifically a modular sofa which can change according to the people who share an environment and to the available space. “It’s a ‘hackable’ bed”, confirms the designer who has involved in the project the students of the Royal College of Art in London and of the Parsons School of Design in New York. “They turned into a raft, in a double deck bed and a seating system for airports. It is basically a bed, but can get into anything”.

Desde arriba: Melt Surface Gold x 3 DELAKTIG Sofa-Bed TOM DIXON X IKEA


“DESIGN en Gold ” Volutas, espirales, siluetas dinámicas plasmáis del oro, ponen en valor el diseño audaz de la joyería. DE SILVIA CUTULI

BULGARI B.zero1 Design Legend El icónico anillo se inspirado en las geometrías sobrepuestas del Colosseo, adquiere un nuevo dinámico movimiento como imprimido de flotantes ola de oro, en la reinterpretación firmada por el arquitecto Zaha Hadid.

VAN CLEEF & ARPELS Pendeinte Frivole – pétalos del corazón gráfico de oro amarillo, florecen alrededor de un diamante en una oda a la primavera.

DE GRISOGONO Pendientes Vortice Espirales flotantes de oro rosa exaltan con dinamismo el brillo de 78 diamantes blancos.

“INTO the SKY”

Cuando las grandes complicaciones de la alta relojería recuerdan como la medición del tiempo deriva de la astronomía y de los ciclos naturales. DE SIMONETTA COSSINI

Astrario del Dondi Dettalle Ph.©Andrea Bossola

Este reloj planetario, una de las obras maestras de la época medieval, ha sido reconstruido en el 1963 a partir del texto original dejado por Giovanni Dondi. Es conservado en la sección de Relojería del Museo Nazionale Scienza y Tecnologia Leonardo da Vinci de Milano y exposición con ocasión de la exhibición “JANELLO TORRIANI Genio del Rinascimento” al Museo del Violino de Cremona.

ROLEX Rolex Oyster Perpetual Sky-Dweller en oro blanco 18 ct. Horas, minutos y segundos al centro. Visualización 24 horas sobre disco descentrado. Según fundido horario. Calendario anual instantáneo a horas 3 con corrección rápida de la fecha. Indicación del mes por 12 ventanas a lo largo del bordo del cuadrante. ROTORE PERPETUAL ©Rolex Christophe Lauffenburger

BULGARI LVCEA Fases de Luna de oro blanco con 45 diamantes corto brillante engastados en la luneta. Movimiento bidireccional a cargo automรกtico, Calibre BVL 210 con visualizaciรณn de las fases lunares, indicaciรณn de horas, minutos y segundos. Para iluminar el tiempo femenino.

AUDEMARS PIGUET Royal Oak Calendario Perpetuo en cerámica negra refinada a mano. Calendario perpetuo con indicación de semana, día, fecha, luna astronómica, mes, años bisiestos, horas y minutos.

FASHION in WONDERLAND GUCCI Prêt-à-Porter mujer PE 2017


Historias entrelazadas, impreganadas de maravilla de Alessandro Michele sobre la pasarela Gucci, historias que como linternas mágicas son capaces de alterar la realidad, la tradición, lo conocido. Porque es con la fantasia como se crean nuevos significados, jugando con referencias y conexiones imprevisibles. Se cultiva lo inesperado que luego se convierte en real a través del traje. Alessandro Michele weaves stories full of wonder on the Gucci’s catwalk, stories that can alter reality and tradition as magic lanterns. Because trough fantasy we can create new meanings, playing of references and unpredictable connections. He cultivates the unexpected which becomes real through the dress.



CLASSIQUE... en LIBERTÉ Hermès Prêt-à-Porter Mujer PE 2017


Los códigos clásicos de la Maison mutan, revolucionados con un toque amable por colores, cortes y siluetas, del director creativo Nadege Vanhee-Cibulski. Pocas, pero acertadas, las reglas de un vestir clásico más desinhibido y libre que aparta la delicadeza de la fluidez: el traje se convierte en un amigo querido, celebrando con extrema desenvoltura la nobleza de la artesanía Hermès. The classics codes of the Maison change, revolutionized with gentle touch in colors, cuts and silhouettes, by the creative director Nadege Vanhee-Cibulski. Few but appropriated, the rules of a classic dressing more uninhibited and free that follows the delicacy of fluidity: the dress becomes a close friend, celebrating with great ease the noble craft of Hermès.

TECHNO-TWEED CHANEL Prêt-à-Porter mujer PE 2017



“Guste o no, la tecnología campa por doquier, ha cambiado el mundo y ha hecho la vida más fácil. Pero no es una tecnología sin alma, comparte nuestra intimidad, como una coraza para el mundo exterior.» Y no sorprende si en un mundo automatizado, Karl Lagerfeld viste con las icónicas chaquetas de tweed de la Maison, a robots venidos de un futuro desconocido, porque Chanel es inmortal, así como la femineidad. Más de cada conquista tecnológica. “Like it or not technology is everywhere, it has changed the world and made life easier. But it is not a soulless technology, it shares our intimacy, like an armor for the outside world.” And there’s no wonder if in an automated world, Karl Lagerfeld put the iconic tweed jackets of the Maison, on robots coming from an unknown future, because Chanel is immortal as well as femininity. More than any technological breakthrough.

IT-BAG Inéditos y nuevos clásicos por los bolsos de la primavera/verano 2017 de firma GUCCI

A las izquierda: Bolso Broche en piel rojo y reptil natural con detallo

Bolso Dionysus en tejido GG supremos con cierre

cabeza de zorro de latón con ojos de cristales Swarovski, decoración de

y motivo dobla cabeza de tigre, patch florales bordados

tachas de latón, empuñadura en bambú y bandolera en cadena.

y escrita Elton en paillettes

Arriba: Bolso GG Marmont en tejido jacquard floral acolchado con motivo chevron, cierre con doble G en metal dorado con perfeccionamientos anticate bandolera en piel y en cadena.

Celebra la pasión por el mundo animal del director creativo Alessandro Michele, la Broche, modelo puntero de temporada que se caracteriza por una cabeza de zorro en latón pulido con los ojos de cristales Swarovski o perlas. Propuesta en versión de mano en piel de becerro liso lucida con tachuelas de latón que recorren toda la silueta y el mango de bambú como tradición de la casa florentina. Flamante es el concepto de la mochila que exhibe a modo de ejemplo distintos brocados y el lema «Modern Future». Son tres, en cambio, los nuevos clásicos de la casa florentina: la Dionysus bag, con correa de mano de cadena que exhibe detalles en piel de serpiente y aplicaciones florales bordadas; la bolsa de mano Sylvie, que se viste de un brocado jaquard floral en verde; y el modelo GG Marmont, que se enriquece de las variantes de maletín y correa de mano, entre brocados jaquard y piel bordados con el elemento decorativo de estampados trampantojo. The creative director Alessandro Michele celebrates his passion for animal world with Broche, core model of the season featuring a fox head in polished brass with eyes in Swarovski crystal or pearl. Proposed in hand version in polished calf leather with brass studs on the whole silhouette and the bamboo handle as tradition of the Florentine maison. Brand new is the concept of the backpack made with different brocades and the slogan “Modern Future”. Three instead the new classics of the Florentine brand: the Dionysus bag with chain strap and details in snake leather and embroidered floral applications; the handbag Sylvie wears a floral green jacquard brocade; the GG Marmont model is enhanced by the variants of the case and strap, including quilted jacquard brocades and leather with the decorative element of the trompe l’oeil print.

Bolso Sylvie en tejido jacquard verde con motivo floral con detalle Web

Mochila con coulisse en tejido brocato multicolor con efecto iridescente

de nailon azul-rojo-azul y decorado con hebilla y cadena color oro.

y con aplicaciones “modern” y “future” bordadas.

PETIT H en ROMA Por la primera vez en Italia los objetos únicos nacidos por ella (ri)creación de las alhajas materiales Hermès

Del botón de nácar a la madera, pieles curadas y porcelana: retazos de los super preciosos materiales de la Maison que adquieren una segunda vida propuestos para una serie de artistas que junto a los artesanos Hermès, crean objetos únicos reunidos en la colección Petit h. Ideada en 2010 por Pascale Mussard, como laboratorio de creación y reflexión sobre los materiales, la Colección Petit h –que tiene su punto de venta permanente en la tienda Hermès, en el 17 de rue de Sèvres en París– y por una parte itinerante, estará por primera vez en Italia a la venta en Roma, del 30 de marzo al 30 de junio de 2017. Para esta ocasión especial, la antigua tienda Hermès de Via Condotti 67 luce un visionario restyling gráfico y estético firmado por el estudio Caruso-Torricella Arcuitetti, albergando la pop-up store Petit h. Y mientras en el espacio expositivo se pueden descubrir los objetos creados a propósito para Roma –como los taburetes forrados en piel, o las perchas con forma de cabezas de animales, el juego del dominó con fichas gigantes o los pendientes en piel que hacen un guiño a los símbolos de Italia: el Coliseo, la tacita de café, la Lambretta, el cono helado– en el área de laboratorio, de la mano de un artesano, el público podrá (re)crear, en el curso de verdaderos talleres temáticos (abiertos al público desde las 11 horas a las 19 horas, en los días siguientes: 30 y 31 de marzo, 1 de abril, 5 y 6 de mayo, 12 y 13 de mayo), la propia pieza única utilizando retales de cuero, seda, porcelana y otros materiales, en una libertad creativa sin límites.

From mother of pearl button, to wood, leather and porcelain: clippings of the precious materials of the Maison get a second life thanks to a number of artists who together with Hermès craftsmen, create unique objects gathered in the collection Petit h. Created in 2010 by Pascale Mussard, as laboratory of creation and reflection on the materials, the collection Petit h - that has its permanent sale in the Hermès store at 17 rue de Sèvres in Paris - and for part itinerant, will be for the first in Italy for sale in Rome from March 30 to June 30, 2017. For the special occasion the former Hermès store in via Condotti 67 boasts a visionary graphic and aesthetic restyling signed by the Caruso-Torricella Architects studio, hosting the pop-up store Petit h. And while in the exhibition space you can discover the objects created for Rome - like the tabouret trimmed in leather, or the animal heads shaped hanging locker, the game of dominoes with giant cards or the leather pendants that wink to the symbols of Italy: the Colosseum, the coffee cup, the Lambretta, the ice cream cone - in the laboratory area under the guidance of a craftsman, the public will (re) create during real thematic workshops (open to the public from 11 am to 19 pm, on the following days: March 31 and 30, April 1, May 5, 6 12 and 13) its own unique object using scraps of leather, silk, porcelain and other materials in an extreme creative freedom.

Patères: Perchero con forma di cervatillo, potro, jirafa, burro, dromedario Design: Marjolijn Mandersloot. Materiali : piel Taurillon Clémence

Al abrir: Charms Colgantes en forma de cucurucho de helado, góndola, máscara, Roma, Italia, Colosseo, Lambretta, tacita del café, automóvil. Design : Petit h. Material: ternero Epsom e ternero Togo o ternero Grain d’H e ternero Togo. arriba: Tabourets Sgabelli Design: Christian Astuguevieille. Material: piel Taurillon Clémence, estructura de roble. Jeu de dominos: Juego del dominó (compuesto por 28 trozos). Design: Stefano Poletti. Materiales: piel Taurillon Clémence, caimán Porosus


DEFINING MOMENTS Ermenegildo Zegna

La campaña publicitaria ss17 inaugura la nueva serie de conversaciones posibles alrededor del espíritu del brand

Compartir aquello que define el estilo Zegna a través de las historias personalizadas de hombres de éxito, apasionados, elegantes y auténticos, capaces de dar un valor añadido al ADN de la empresa, síntesis perfecta de una intensa artesanía y de la industria moderna. Va en esta dirección el nuevo curso de Ermenegildo Zegna, que llevará a su bautismo para la campaña SS17 el nuevo manifiesto de la marca titulado «Defining Moments». Protagonistas Robert De Niro y McCaul Lombardi, intérpretes de dos generaciones distintas del mundo del cine, unidos por el hilo de un estilo elegante y por el carácter audaz, capturados por el objetivo del director Francesco Carrozzini –junto a Alessandro Sartori, director artístico de Ermenegildo Zegna– mientras interactúan entre sí con las prendas de confección de Zegna que han elegido llevar, ya sea para viajar, en el plató o en los momentos de descanso entre una y otra toma. Nacen una serie de cortometrajes que se traducen en auténticas conversaciones, experiencias personalizadas de la marca para ser compartidas con los fans de la casa, buscando descubrir la afinidad de estilos, como momentos únicos que narrar para inspirar a los demás. Share what defines the style of Zegna through personalized stories of successful, passionate, elegant and authentic men able to put in value the company’s DNA, a perfect combination of intense craftsmanship and modern industry. It goes in this direction the new course of Ermenegildo Zegna, which shows for the first time, for the new SS17 campaign,the new manifest of the brand entitled “Defining Moments”. Starring Robert De Niro and McCaul Lombardi interpreters of two different generations of film industry, linked by the thread of an elegant but yet bold style, filmed by the lens of the director Francesco Carrozzini - with Alessandro Sartori, artistic director of Ermenegildo Zegna - as they interact with each other with the clothes of Zegna that they choose to wear, whether on the road, on the set or in moments of rest between on shot and the other. This gives rise to a series of short films that translate into real conversations, personalized brand experiences to share with the fans of the maison, to discover style affinities as unique moments to be told to inspire others.

Ermenegildo Zegna Defining Moments Campaign SS17 Control creativo: Alessandro Sartori Director y Fotógrafo: Francesco Carrozzini Talents: Robert De Niro, McCaul Lombardi




THE WORLD OF ANNA SUI Ph credits: Isetan Mitsukoshi Ad for SS 2012©Anna Sui El Fashion and Textile Museum de Londres devuelve homenaje a Anna Sui, icónico diseñador americano que con su personal y pintado lenguaje estético - a base de Rock’n’roll, pop culturas y decorativismo - ha hecho la historia de la moda. The Fashion and Textile Museum in London pays tribute to Anna Sui, iconic American designer who, with her colorful aesthetic language - inspired to rock’n’roll, pop culture and decorative style - has made the history of fashion. The World of Anna Sui - De 26 Maio a 1 Ottobre 2017 The Fashion and Textile Museum, 83 Bermondsey Street, London SE1 3XF.

NOT CONVENTIONAL SHOPPING Definir boutique este espacio independiente - fundado en el 2006 como colectivo de artistas de Rheanna Lingham, Polly Giorgio y Kaoru Parry - sería restrictivo: además de las líneas de vestuario para mujer y niño, es posible encontrar cosméticos, complementos de decoración, joyas y accesorios, junto a las creaciones exclusivas dibujadas por el team creativo. Define this boutique an independent space - founded in 2006 as a collective of artists by Rheanna Lingham, Polly George and Kaoru Parry would be an understatement: in addition to the clothing lines for women and children, you can also find cosmetics, home accessories, jewelry and accessories, along with the exclusive creations designed by the creative team. DAY TRIP Ph. Credits: Petersham Nurseries Una dirección absolutamente imperdible por quien quiere concederse un día de relajamiento, lejos del caos de la ciudad. Petersham Nurseries es un bistrot situado dentro de un espléndido invernadero en el barrio Richmond dónde gustar rigurosamente planas preparaciones con ingredientes de estación o paladear un té acompañado por dulces hechos en casa. An essential address for those who want to enjoy a relaxing day, away from the chaos of the city. Petersham Nurseries is a bistro located inside a beautiful conservatory in the Richmond district where you can enjoy dishes prepared with strictly seasonal ingredients or have a tea with homemade desserts. Petersham Nurseries - Church Lane (signed posted ‘St Peter’s Church’) Off Petersham Road - Richmond, Surrey

PHOTO LONDON Credits: ©Cortis and Sonderegger Making of 208 – N - 43888 by Charles Levy, 2013 Qué Londres sea un importante polo cultural por la fotografía es cosa conocida. A remacharlo Photo London nos piensa, que cada año reúne más que 80 entre las mayores galerías del mundo entre fotografías, instalaciones y debates a tema. Entre las obras expuestas, los chasquidos de Patrick Demarchelier y Martha Cooper. It is very well known that London is a very important cultural center for photography. Photo London proves that, bringing together every year more than 80 of the world’s major galleries including photographs, installations and thematic debates. Among the works on display, the photographs of Patrick Demarchelier and Martha Cooper. Candlestar - Somerset House - Stran

Luna & Curious, 24 - 26 Calvert Avenue









CHICAGO ENVADE NEW YORK Chicago, años’ 20. La estrella del vaudeville Velma Kelly mata a la hermana Verónica y el marido después de tenerlos junto encontrados a cama. Parte así el musical más aclamado que de 20 años enciende e infuoca Broadway con su explosivo cargo hipnótico.


Set in the legendary city during the roaring “jazz hot” 20s, Chicago tells the story of two rival vaudevillian murderesses locked up in Cook County Jail. So, it starts the musical that has conquered Broadway whit its hypnotical joy of performing. Ambassador Theatre 219 West 49th Street Until July 16, 2017

CENTENNIAL: HOMENAJE A IRVING PENN Más que 150 fotos cuentan el genio del fotógrafo estadounidense en la retrospectiva “Irving Penn: Centennial” que, del 24 de abril al 30 de julio, recoge 70 años de ilustre carrera foto das de desnudo a los célebres retratos a un siglo de su nacimiento. More than 150 photographs tell the genius of the American photographer in the retrospective “Irving Penn: Centennial,” which, from April 24 to July 30, collects 70 years of his illustrious career - from nude photos to famous portraits - a century after his born. The Metropolitan Museum of Art, New York Photo: Mouth (for L’Oréal), New York, 1986 © The Irving Penn Foundation

PRÊT-À-LECTURE Un Nueva York todo de deshojar en el volumen publicado de Taschen. Más de 600 páginas cargadas de emocionantes fotografías, que van hoy en día del 19esimo siglo. El todo acompañado por citas llevadas por libros, película y canciones que reviven la magia de la Gran Manzana. The epic story of New York on nearly 600 pages of emotional, atmospheric photographs, from the mid-19th century to the present day. Supplementing this treasure trove of images are over a hundred quotations and references from relevant books, movies, shows, and songs. En la foto: cover del volumen “New York. Portrait of a City” Reuel Golden, edited by Taschen

JAPANISE FLAVOR Situado sobre dos niveles en el central Madison Avenue, Zuma puerta a Nueva York los sabores más auténticos del Japón. Aclamados a nivel internacional, sus platos combinan sabores llenos y densos con una presentación simple, ala a exaltar la alta calidad de los ingredientes. Zuma, situated over 2 levels in Medison Ave, brings its internationally acclaimed style of modern japanese cuisine to New York. The three kitchens present authentic yet alluring options, with bold flavors and simple presentation, highlighting quality ingredients. 261 Madison Ave, New York,


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