Tíquet noviembre

Manifiesto de una mujer decobre en la ventana Compañía La Bóveda Celeste

Es como si Ventanas fuese una pequeña ventana por la cual miramos a nuestro país

“Manifiesto de una mujer de cobre en la ventana” es un monó logo que conjuga diferentes vo ces en torno a la problemática en la zona de sacrificio de VentanasQuintero, proponiendo preguntas atadas al concepto de energía y sus flujos descontrolados. De esta manera, el escenario es concebido como un alambrado de cobre, que genera movimientos simultáneos y reúne diferentes vo ces de mujeres que se van entrete jiendo, generando un símil entre la colonización de los cuerpos y los territorios, en la concatenación de un lenguaje escénico posdramáti co que hibridiza diferentes estilos y disciplinas. La puesta en escena toma como campo de estudio la filosofía en torno al ecofeminismo propuesta por Maria Mies y Vandana Shiva, y de la energía y los movimientos sociales de antropólogos y filóso fos tales como Manuel Delanda y

Richard Newbold Adams, bases teóricas que se entrelazan con la dramaturgia, la actuación, el dise ño y el campo sonoro de la obra.

¿Cómo se cruzan en esta obra los principios del feminismo y el conflicto medioambiental de Quinte ros –Ventanas?

En realidad la obra no trata los principios del feminismo como tal, puesto que no es un discurso que me corresponda como autor. Lo que hace la obra es materializar algunas ideas en torno al extractivismo y estas ideas se metamorfosean con abusos de poder que podemos reconocer en el comportamiento pa triarcal de nuestro entorno. Ese abuso me puede tocar a mi como homosexual, a un niño, a las mujeres, o a cualquier ser que esté bajo la escala jerárquica que se autoimpone el machismo en nuestra sociedad, de esta forma el mon

José Antonio Luer, dramaturgo y director de la compañía La Bóveda Celeste conversó con Sala UPLA de su último trabajo, “Manifiesto de una mujer de cobre en la ventana” protagonizado por Laura Toledo y que se presentará el 4 y 5 de noviembre a las 2O.OO horas.

taje propone un símil entre lo que es la colonización de la tierra y sus recursos, y la colonización de los cuerpos, sin embargo, el monólogo es encarnado por una mujer (Lau ra Toledo) y fue pensado para que ella lo represente, por lo tanto no se puede escapar de este antece dente que es tan evidente y reflecta hacia manifestaciones de una épo ca con sólidas bases históricas.

¿Qué puntos de la filosofía ecofeminista que mencionas en la reseña inspiran la escritura de esta obra? y si se materializan en ella ¿cómo se hacen presentes?

Me pareció interesante tomar ese material como fuente de investi gación para encontrar inspiración y canales que condujeran algunas ideas relacionadas al extractivismo y la forma en que nos relacio

namos con los poderes humanos y la naturaleza. Cuando llegué al ecofeminismo me abrió la mente a partir de las bases que sostiene en torno a la crítica de las jerarquías de género, el patriarcado, la necesidad de explotación capitalista, la instrumentalización del mundo “natural” y la separación entre na turaleza y cultura. Sentí que estas bases estaban ligadas de alguna manera a la visión que estaba criticando en este mundo masculino, en dónde parece ser que desde el renacimiento el hombre es el cen tro de todas las cosas y no hay ser que se le equipare. El hombre de género normativo siempre mira desde arriba, pero la crítica no es al hombre como género, sino al hom bre que se concede el poder de estar por sobre algo/alguien más. Esta materia se hace presente en la obra en una situación en la cual

una mujer es abusada por su padre y debe tomar una decisión al respecto; volver al pasado, enfrentar y comba tir, o quedarse en silencio. De alguna manera esta situación también se cruza con la metáfora de nuestra re lación de abuso con la tierra.

¿Cómoelaborasteeltexto,tomando en consideración que es una ficción que surge a partir de una situación real. Existen testimonios de mujeres; material de archivo?

Parte de mi investigación fue recorrer ventanas y entrevistar a algunas personas que participan en agrupaciones culturales. Recuerdo haber entrevistado a una mujer que muy generosamente me entre gó varios datos de su experiencia personal como artista, hija, mujer, y activista. Desde ese testimonio fui construyendo algunas ideas, mas que nada yo quería armar un mapa que proviniera de esa realidad, pero no tenía ninguna intención de proyectar esa realidad de manera

“verídica” o “legítima” en el escena rio, sino más bien invocar sensaciones y constelaciones. También trabajé con documentos de investigación ex ternos, uno en particular fue de gran ayuda realizado por la Unidad de Redes Transdisciplinarias de la Vicerrec toría de Investigación y desarrollo de la Universidad de Chile “Los territorios que habita(re)mos”. También leí testimonios de mujeres recopilados por otras fuentes, pues son las mujeres quienes se movilizan en Ventanas, ya que la cultura en Ventanas es bien machista y gran parte de los varones son formados para trabajar en las fábricas, lo cual parece ser un círculo de conflicto. Estas ideas están en la dramaturgia, comenzaron a impreg narse en un mundo poético en la cual aparecen personajes, poemas, secuencias, atmósferas y acciones que van construyendo una sensación que proviene de ventanas, pero que nos hace mirar a Chile. Es como si Venta nas fuese una pequeña ventana por la cual miramos a nuestro país

Vuelve Festival Humberto Duvauchelle a su formato presencial Ni

la pandemia pudo frenar el ímpetu de creación de los estudiantes de la Carrera de Teatro UPLA quienes, adapatandose a las condiciones que dejó el aislamiento y el distanciamiento por razones sanitarias, organizaron las dos versiones anteriores de este certámen, de manera virtual.

Este 11, 12 y 13 de noviembre será tan siginificativa esta nueva entrega, ya que artistas y publicos podrán reencontrarse y celebrar los 10 años del Festival Humberto Duvauchelle la cual se realizará de manera inédita en SALA UPLA.

La invitación será a ver las 9 obras seleccionadas los días viernes 11 y sábado 12 a las 18 horas y el domingo 13 a las 17 horas. La entrada será gratuita y por orden de llegada.

Programación Viernes 11

“Punto de Encuentro” de Manuel Valenzuela Silva / Compañía Teatro Fénix Punto de encuentro nos presenta a un hombre y una mujer que se encuentran atrapados en un lugar que nunca queda claro cuál es. Lo que sí queda bastante claro, es que no se llevan para nada bien entre sí y tendrán que convivir forzosamente hasta que los reasignen para un lugar definitivo.

Dirección y Dramaturgia: Manuel Valenzuela Silva. Elenco: Carla Saldivia y Samuel Vásquez. Sonido: Manuel Valenzuela Silva. Iluminación y diseño integral: Compañía Teatro Fénix.

“Al interior” de Dafna Delgado / Compañía teatral Cuerpo y Alma La obra trata de una mujer de 34 años llamada Laura, quien tras asesinar a su vecino Rafael luego de que éste haya abusado sexualmente de ella, es encerrada en un centro psiquiátrico donde deberá enfrentarse con el juicio machista y patriarcal del director del centro. En ella se desatarán múltiples conflictos morales, sexuales y afectivos que traerán los recuerdos del pasado a su presente. Finalmente deberá tomar la decisión entre seguir adelante o quedarse en el tormento del pasado.

Dirección y Dramaturgia: Dafna Delgado. Interprete: Valentina Barría Carvajal Diseño integral y escenografía: Compañía teatral Cuerpo y Alma Iluminación: María Ignacia Lazo Marín Sonido: Camila Zamorano Cortes.

“Siempre me voy a enamorar de quien de mí no se enamora” De Carolina Aranda, Claudia Sobrino, Emiliano Bravo y Michelle Poblete. Compañía: Tres tristes.

El montaje “Siempre me voy a enamorar de quien de mí no se enamora” busca cuestionar las dinámicas de amor romántico abordándolo desde la comedia absurda, el trabajo físico y de máscara. También se propone generar una dramaturgia desde la imagen que confluya con la actuación corporal-expresiva.

Dirección: Carolina Aranda y Claudia Sobrino. Elenco: Claudia Sobrino, Chantal Gas, María Jesús González Salvatierra, Annays González, Alondra Torres, Consuelo Riveros y Mitzi Vergara. Diseño Integral: Michelle Poblete y Antonin Barraza. Escenografía: Pablo Sánchez. Sonido, Música: Carolina Aranda. Técnicos: Michelle Poblete y Emiliano Bravo.

Sábado 12

“No, sin Kétchup” de Valentina Meza / Colectivo Volátiles.

“No, sin kétchup” nace a raíz de una recopilación de videos virales, siendo la mayor inspiración para la creación de este montaje. Planteamos una conspiración entorno al niño de “estuvowenoelcumpleaños” , esta consta de la idea en donde el niño durante su adolescencia conoce las drogas y sufre su primer fracaso amoroso. ¿Hasta dónde nos lleva un corazón roto?

Dirección: Colectivo Volátiles. Elenco: Catalina Ignacia Torres Vera, Sofía Lillo Miranda, Consuelo Yáñez Delgado, Diego Cattani, Bárbara Abigail Maldonado Hernández y Catalina Chavol. Iluminación y sonido: Pola Uribe

“Retazos” presenta la historia de una hija cuya madre se intentó suicidar cuando esta era solo una niña de doce años. Se desarrolla su perspectiva a través del trauma que dejó en ella aquel evento y cómo éste ha determinado sus actuales veintitrés años de vida, sus pensamientos y su relación con su madre. Una madre controladora, sobreprotectora, hiriente a ratos compasiva y amorosa.

Dramaturgia: Zamara Martínez. Dirección: Natalia Maldonado.

Interprete: Paula Díaz Brante. Diseño integral: Stella Zúñiga Contreras. Sonido: Diego Zúñiga González. Iluminación: Stella Zúñiga Contreras.

“Contacto estrecho” de Guillermo Santander / Compañía Los choros del canasto

Contacto estrecho está Inspirado en el texto “La agonía del eros” del filósofo Sur-Coreano Byung Chul Han el cual plantea que vivimos en una sociedad narcisista, donde la libido se invierte en la propia subjetividad y el mundo se presenta sólo como una proyección de sí mismo. Esa “erosión del otro” es la que mata al Eros, porque el narcisista no puede encontrar nada fuera que sea distinto de sí, y por lo tanto no hay nada que pueda amar. La escena ocurre al inicio de la pandemia en el 2020 un tipo joven atrapado en la ciudad de Valparaíso, debido a todo el contexto sanitario, acude a un departamento de una escort, quizás la única que atiende presencial en medio del miedo y la incertidumbre de los primeros días de cuarentena, una vez allí ocupa lo que le queda de su “hora” para hablar, hablar con alguien pero en un tiempo en donde ni siquiera es conveniente contagiarse del otro ¿entonces de que se puede hablar? ¿Y qué deseo se puede saciar si el otro ahora constituye un peligro de muerte?.

Dramaturgia: Guillermo Santander.

Dirección: Sofía Morales Flores.

Asistencia de dirección: Sebastián López.

Elenco: Carlitos Bustos y M. Ignacia Núñez Wilson. Diseño Integral: Sofía Morales y Sebastián López.

Iluminación: Pablo Sánchez Aballay.

Universo Sonoro: Claudio Rodríguez.

“Retazos” de Zamara Martínez / Compañía Relieve.

Domingo 13

“Una niña con aspecto de mujer” de Jemima Keren-hapuc Peso Ponce / Colectiva Ojos abiertos

“La Niña con Aspecto de Mujer” está en el limbo. No sabemos si está consciente o vagamos en el basto universo de su subconsciente. La sal, si bien significa protección, también cumple el rol de conservar, de la preservación de las almas en pena que la circunda. La Niña con Aspecto de Mujer se mueve dentro de este pequeño espacio protegido del mundo exterior, sin saber que las decisiones que está tomando se conservaran de por vida. Ella nos invita a recorrer aquel lugar deshabitado dentro de sí misma.

Dirección y Dramaturgia: Jemima Keren-Hapuc Peso Ponce Interprete: Chris Javiera Bernal Pailaqueo Iluminación: Maite Cabrera Varas.

Diseño integral: Jemima Keren-hapuc Peso Ponce Sonido: Jemima Keren-hapuc Peso Ponce.

“Bote” de Yordano Pinilla / Compañía en Paños Menores

Los momentos más tensos en la vida de un individuo es sin duda el momento que sabe que va a morir, solo queda aceptarla como un regalo o buscar una manera de salir de ahí. En la búsqueda de dos personas por decidir qué hacer en el medio del mar se desenvuelve la trama de esta obra. Sin saber que uno de los personajes llamaría con sus alaridos a un ente del que nadie habla pero todos saben que se nos presentará como individuos carnales que somos.

Dirección y Dramaturgia: Yordano Pinilla Elenco: Chantal Gas Abarca, Consuelo Riveros y Alondra Torres Diseño Integral: Victoria Muñoz Huentelaf Iluminación: Victoria Muñoz Huentelaf Sonido: Yordano Pinilla Vargas Escenografía: Samuel Vásquez Uribe

Cuando los animales salvajes se reúnan en tropas es una obra que aborda inquietudes sobre la muerte como fenómeno universal que traspasa las fronteras del lenguaje y la cultura. La obra transcurre en un espacio liminal, en un juicio hacia personas difuntas que esperan saber la respuesta sobre el destino de sus almas. En este espacio aparecen preguntas en las que los muertos rememoran sus vidas, deseos, anhelos, remordimientos y secretos más íntimos y oscuros. El trabajo experimenta con las posibilidades que entregan las voces, los cuerpos, la música y la luz en un espacio mayormente vacío para hacer aparecer una atmósfera sobrenatural, misteriosa y frágil, en la que los intérpretes son percibidos como seres de otro mundo.

Dirección y dramaturgia: Paolo Vallan y Krishna Escovedo Elenco: Cristián Alarcón Figueroa, Leonardo DeArechaga ,Krishna Escovedo, Bas-tian Guerrero Olguín, Xarli Ibáñez Jerez, Ángeles Micelli Iglesias y Paolo Vallan. Diseño integral: Krishna Escovedo Técnica proyecciones y sonido: Aranzazú De la Iglesia Compositor / Música: Paulo León Técnica iluminación: Tina Donoso

“Cuando los animales salvajes estén reunidos en tropas” de Paolo Vallan y Krishna Escovedo / Colectivo Cuerpo Celeste

Fisura Compañía Fisura

Fisura, una grieta que no rompe ni desarma pero que genera una nuevas posibilidades

Las movilizaciones de octubre de 2O19 es el detonante con que las creadoras e intérpretes Andrea Gómez, Camila Cavieres y Diana Carvajal generaron esta puesta en escena.

La obra de danza contemporánea, construida a partir de los consensos, del ritmo, la música y el cuerpo, está atravesada por la crisis del modelo actual y el feminismo y convoca al público a un encuentro íntimo.

El torbellino de acontecimientos que ha vivido Chile tras el estallido social, la pandemia y la crisis económica y social, ha sido para las creadoras de Fisura un pie forzado para la reflexión y el cruce del arte con la realidad que les toca vivir. “Una creación sensible no se puede separar de su contexto, por eso nuestro proceso ha estado marcado por estos momentos históricos” , dice Camila. Fisura es un mensaje de resistencia: se pueden construir otras formas de coexistir. La obra se presenta como

una oportunidad, una grieta que genera una apertura y permite ver otros puntos de vista. “Queremosque emerjan reflexiones sobre lo colectivo y el potencial de estar juntas, que el público se sensibilice y observe las sutilezas y los conceptos detonantes con los que trabajamos, para que cada une encuentre su punto de fuga” , afirma Andrea Gómez. Toda la obra es musicalizada por Antonia Valladares y Gonzalo Valencia a través de una Escultura Sonora, particular instrumento creado especialmente para Fisura. La iluminación, a cargo de la diseñadora lumínica Fernanda González Errada, también busca dialogar con los movimientos de la puesta en escena, aportando a este activo diálogo entre todas las capas. Trabajar con una perspectiva femi-

nista ha sido crucial para estas creadoras, sin jerarquías impuestas, sin cuerpos más importantes que otros y validando el no saber. “Hayprácticas establecidasqueanosotrasnosfuncionabanparacreardanzayeseera el camino fácil. Durante la creación hemosreconocidonuestrospatrones de creación y en el proceso hemos buscado formas de fisurarlos. Hemosoptadoporgenerarununiverso más complejo donde hay muchos caminosdeinterpretación” , dice Diana Carvajal. “Desde el inicio este ha sido un proyecto vivo que se reconfigura y que

insiste en su ejecución, a pesar de todas las dificultades que ha ido encontrando,ycreemosdefinitivamente merece ser compartido” , afirma Diana Carvajal. El principal desafío para las creadoras ha sido lograr que todas las capas y sensibilidades que componen Fisura logren configurarse de tal manera de hacer resonar al público. “Nos interesa generar un encuentro íntimo con el público que traspase el límite de la piel y que inviteaanudarseparaterminarsiendo unas/os con la propuesta.” , afirma Camila Cavieres

C olectivo Tinta Negra invita a ERRORES, Taller de performance

El taller se realizará desde el 21 al 3O de novimebre en Sala Upla y tiene como propósito habilitar un espacio de proceso y creación a las personas que se sientan convocadas e identificadas con la comunidad LGBTIQ+ en el territorio de Valparaíso.

La compañía conformada desde 2014 por Luis Guillermo Pinto Herrera, Miguel Angel Soto y Jose Farías Rebolledo, se destaca por su estética oscura donde el cuerpo es la primera matertialidad escénica para desarrollar propuestas performativas que crítican los con flictos de poder y ponen en tensión los esquemas y sistemas sociales establecidos.

La compañía es reconocida en Valparaíso, especialmente por las generaciones más jóvenes, por el tratamiento del género y la diver sificación de propuestas escénicas utilizando espacios no convencio nales con el fin de potenciar una nueva experiencia estética, tanto para espectadores como interpré tes.

Hasta la fecha Tinta Negra a creado cuatro piezas escénicas: “Cuer pos en Oxímoron”, teatro en espa cio doméstico; “La Construcción de una Mujer sin Órganos”, instalación gabinete teatral; “EDPO”, insta lación escénica en un estaciona miento y “Heliogábalo”, teatro en espacio no convencional; además de intervenciones performáticas presentadas en “Chaisen Room”, entre otras fiestas y en espacios públicos de la Quinta Región; y en la actualidad están en pleno roda je del largometraje “ESPURIA, historia de lxs bastardxs”

El taller habilitará un espacio de exploración y creación a las personas que se sientan convocadas e identificadas con la comunidad LGBTIQ+ en el territorio de Valpa-

raíso. El eje principal del taller será reconocer lineamientos discursivos a través de un diálogo sensible y activo entre talleristas y participantes, a partir de problemáticas que cruzan actualmente al colecti vo LGBTIQ+ del territorio, con el fin de elaborar un manifiesto crítico.

La metodología que se compartirá, provendrá de la experiencia que la compañía Tinta Negra ha teni do en sus creaciones los últimos 7 años, en las cuales la producción escénica se articula desde la dramaturgia, diseño escénico, danza y Performance

TALLER ERRORES

Acercamiento a la creación escénica a partir de la metodología de la Cía. Tinta Negra Esta actividad se desarrollará lunes y miércoles a las 17:30 horas desde el 21 al 30 de noviembre.

Los interesados puedes inscribirse en www.salateatroupla.cl

“El concepto central del budismo zen, a saber, súnyatá (vacuidad), representa en muchos aspectos el concepto opuesto a la substancia. La substancia está, en cierto sentido, “llena”. Está llena de sí misma, de lo propio. En cambio súnyatá representa un movimiento de expropiación. Vacía al ente que persevera en sí mismo, que se aferra a sí mismo, o se encierra en sí”.

(Byung-Chul Han)

IMPARTEN:

Braulio Verdejo: Actor-Performer licenciado en artes escénicas de la Univer sidad de Playa Ancha.

Nacho Romero: Actor-Performer licenciado en artes escénicas de la Universidad de Playa Ancha.

Colaborador artístico: Luciano Laterra: Pianista, compositor y productor mu sical.

Reseña seminario: Compartir la técnica/ética del arte de la actriz/actor mediante teoría y una experiencia para-teatral que va hacia la ecología de lo interhumana del vacío que busca a través de sonidos, resonancia y ac ciones, experimentar una dimensión ritual del teatro: el sentido de estar en comunidad.

VACÍO I (1O:OO a 13:OO), realizaremos diversas prácticas ecológicas (resonan tes) que se dirigen hacia un vaciado del propio instrumento (cuerpx) de cada actriz/actor, permitiéndoles a través de sonidos, resonancia y accio nes experimentar una dimensión ritual del teatro.

CONFERENCIA TEÓRICA SÚNYATÁ (14:15 a 15:OO), se compartirán materiales teóricos, videos y experiencias sobre la “investigación práctica” hacia una práctica ecológica (resonante) performativa y su proceso de maduración hasta la actualidad.

VACÍO II (15:OO a 17:OO), exploración de los sonidos, resonancia y acciones, que trabajamos por la mañana, en relación al piano-proceso de loopeo que ejecutará nuestro compositor musical Luciano Laterra.

*IMPORTANTE: ESTE SEMINARIO SE FACILITARÁ DE FORMA PRACTICA Y TEÓRICA A ABIERTO A TODA LA COMUNIDAD DE VALPARAÍSO QUE ESTÉ INTERESADA EN PRESENCIAR Y SER TESTIGO DE ESTA EXPERIENCIA PARTICULAR.