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La época do cinema brasileiro..

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Expresionismo alemán: contribución EL CAFECITO

El cine coreano y su industria.

ACERCA DE...

y Lengua

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El Nacimiento del Séptimo Arte Toda idea comienza desde algo pequeño y se desarrolla hasta cambiar el mundo. Este fue el caso del cine que comenzó como un pasatiempo y que se convirtió en un invento que transformó la forma de divertirse, de transmitir ideas y sentimientos.

El denominado “Séptimo Arte” tiene más de 120 años de historia. La idea del cinematógrafo o cine nace en 1654 de un sacerdote alemán Anastasio Kircher que experimentaba con imágenes en movimiento, con ayuda de una linterna. Mas tarde en 1828 el belga Joseph-Antoine Plateau, mediante un artilugio de su invención, mostraba imágenes en movimiento; este físico belga se basó en el principio de la persistencia de las imágenes luminosas en la retina del ojo, y en el año 1832 inventó el fenaquistiscopio, que permitió contemplar por primera vez una imagen en movimiento.

En 1833 el matemático austriaco Simon von Stampfer creó un curioso artilugio que llamó estroboscopio. Este invento permitió ver un objeto girando sobre sí mismo como si estuviera quieto o dando giros muy despacio..

Con la invención de la fotografía el desarrollo del cine se aceleró, pues en 1874 el astrónomo francés Jules Janssen podía obtener imágenes con su “revólver fotográfico”. Los experimentos que llevaron a la invención del cine fueron muchos pero hubo uno que aportó más a este gran invento. Thomas Alva Edison, inventó el kinetógrafo, esta fue la primera cámara sonora .Con este invento Edison puso el eje del obturador de la cámara con un fonógrafo, permitiendo así grabar sonido e imagen a la vez, y aunque Edison veía este invento como un simple espectáculo, el fue quien le dio paso al cine sonoro.

En 1910 continuaron los inventos para hacer posible el cine sonoro, y hasta 1972 se proyectó el primer cortometraje sonoro, mediante la sincronización de un disco con el proyector, esta película fue llamada “El cantante del jazz”, producida por la Warner Brothers.

Como hemos visto muchos inventos fueron determinantes para el desarrollo del cine, como la fotografía, el kinetoscopio, el cronófono etc. Pero no fue hasta el 28 de diciembre de 1895 en el salón Indien del Grand Café del Boulevard de los Capuchinos de París, donde los hermanos Lumiere exhibieron al público una breve proyección de un tren llegando a una estación. Una gran multitud expectante, se agolpaba para contemplar la entrada de un tren en la estación, la partida de una barca de remos del puerto, o la salida de los obreros de la fábrica Lumière de Lyon.

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UATX UP Antes de ese día, el cine había sido simplemente un pasatiempo, algo a lo que nadie le veía futuro, pero aquella noche del 28 de diciembre de 1895 los hermanos Lumiere dieron origen al “cinématographe” en honor al nombre de un “tomavistas” inventado en 1892 por el francés Bouly.

A partir de aquel momento, la historia del cine sería una sucesión incesante de ideas y mejoras decisivas, como la invención del cine a color, que empezó coloreando cada escena a mano. De ahí el 15 de mayo de 1896 el cine llegó a España en el día de San Isidro. Para ello se empapelaron de negro las paredes de la sala. A los lados de una pantalla muy blanca se corrió un par de cortinones negros de crespón. Las películas, de diecisiete metros cada una, se proyectaban a la pantalla desde el fondo de un salón donde se había colocado una especie de cabina. Según un cronista de la época, la película de mayor éxito era la de los trenes llegando a la estación, y sobre todo el mar, el batir de las olas: era una forma de estar allí.

Actualmente el cine sigue siendo una de las artes que el ser humano disfruta, pero ahora no solo lo disfrutamos desde una sala de un teatro, ahora podemos disfrutarlo en nuestros hogares.

Recordemos que una idea pequeña pasó a ser uno los inventos más importantes de la historia, hasta el grado de ser considerado el 7mo arte.

Albert Einstein dijo: “La lógica te llevará desde A hasta B. La imaginación te llevará a cualquier parte”

Bibliografia: • desconocido. (2018). Historia del cine Inventor y evolución . 14/ mayo/2021, de CurioSfera Sitio web: https://curiosferahistoria.com/historia-del-cine/ • desconocido. (2021). Historia del cine. 14/mayo/2021, de Wikipedia Sitio web: desconocido. (2018). Historia del cine Inventor y evolución . 14/mayo/2021, de CurioSfera Sitio web: https://curiosferahistoria.com/historia-del-cine/

Por;Enya Xitlanetzi González Luna

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LA ÉPOCA DO CINEMA BRASILEIRO La disposición del cine Brasileño ha pasado por una trayectoria diferente a la de otros países Iberoamericanos.

Este se ha esforzado en lograr una identidad propia que se centra en São Paulo y Río de Janeiro.

Su aparición fue a partir de la inmigración de los italianos que permanecían establecidos en el país a finales del siglo XIX, y los temas que filmaban eran sobre acontecimientos sociales, políticos de Río de Janeiro, sin embargo, su producción fue desarrollada más lenta, ya que en Río y São Paulo sufrieron un retraso en la electrificación.

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UATX UP A pesar de ello, en el año de 1907 surge un lapso de éxito y bienestar para el cine Brasileño, a la cual se le nombró A BELA ÉPOCA DO CINEMA BRASILEIRO. Como primeras producciones fueron las de género ficticio, comedia, adaptaciones literarias, melodramas, obras satíricas, dramas históricos y otros más.

A partir de esta época hasta los 90’s se quiso mantener la esencia del cine brasileño izquierdista, donde también se esforzaron por crear un cine de carácter independiente, donde representaban la multiculturalidad, en los cuales rechazaban los perfiles estilísticos o temáticos, de este modo surge un nuevo realismo para el cine en Brasil.

Desde sus inicios ha tenido grandes cambios, inconformidades que surgieron en los directores, al pasar durante los períodos de su cine. En el período sonoro que surgió en la década de los 40, se dieron las creaciones de películas musicales, las cuales se consideraban de mala calidad y de mal gusto, ya que se producían para el consumo de masas donde los protagonistas se centraban en figuras del momento, a estas producciones se les llamó “Chanchadas”.

Hasta la actualidad muchos directores brasileños, o producciones que se centran en Brasil, muestran con gran impacto el otro lado de su cultura, donde existe un desacuerdo político, y la vida que llevan las personas de un estatus social y económico bajo de las ciudades, al igual que el crimen desarrollado en ciertas partes de Brasil por sus jóvenes. Gracias a estas producciones existe un margen real frente a los televisores de aspectos reales que surgen no solo en Brasil, sino en distintos países de Latinoamérica, con esto ponen en contraparte al cine que solo muestra una parte falsa al igual que estética de los países y su cultura.

Para la época de los 50 se quiso dar una nueva mirada al cine brasileño, y para ello era fundamental erradicar las chanchadas, y la gran cantidad de populismo que creó. De esta forma y conforme a su desarrollo para nuevas producciones, surgieron los grandes cineastas con orientación de izquierda, donde tomaban el lado contrario al sistema de Hollywood.

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Por Diana Yolanda Roldán García

El cine Coreano y su industria Hola, mi nombre es Jesús Francisco Díaz Contreras. Soy Licenciado en Sociología, cuento con diplomados como camarógrafo documentalista y también soy ingeniero en producción de estudios, así fue como se presentó nuestro entrevistado de esta ocasión, quién nos habla sobre algunos aspectos del cine coreano.

1.- ¿Qué semejanzas encuentras entre el cine surcoreano y el nacional?

Creo que la semejanza más directa en nuestros cines es el sentimiento de querer decir lo que está mal en nuestras sociedades, nos sentimos cansados de las injusticias, de la violencia, del maltrato a los derechos humanos y eso se ve reflejado en las historias que se cuentan a través de la cámara, algo que me gustaría mencionar es que en su país han logrado resaltar su cinematografía sobre la internacional, entonces su gente está más acostumbrada a ver sus propias historias que las exportadas de otros países, cosa que en México no se ha logrado y nos falta mucho por recorrer para poder hacer que nuestro cine destaque sobre el importado que trae muchas luces bonitas e historias repetidas

2.- ¿Alguna película que recomiendes del cine surcoreano?

Podrían aproximarse con una de las principales de la nueva ola como lo es Parásitos, es la que ganó el Oscar a mejor película en 2019, pero Old boy es un clásico imprescindible y si ya la vieron, The quiet family, es una buena comedia de terror o si quieren algo romántico: My sassy girl, es la indicada.

3.- ¿Cuáles son los requerimientos para la dirección del cine surcoreano?

Yo creo que más que requerimientos como si fuesen reglas a seguir, el éxito que envuelve a su cinematografía es por la apertura que tuvo la industria hacia los jóvenes directores, en lugar de siempre recurrir a los mismos directores para tratar de hacer que las cosas siempre funcionarán, dieron muchas oportunidades a mentes jóvenes, mentes creativas y frescas, que básicamente fueron las que consolidaron todo el esqueleto de lo que es hacer cine en sur Corea .

4.- ¿Cuál es el género más vendido/consumido?

Como en todos lados, lo que más vende es la comedia y el romance, pero hay que destacar que las películas de terror, de misterio y de acción están abriéndose camino poco a poco, aunque no creo que llegue a sobresalir más que la comedia, eso siempre vende mucho.

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EL CAFECITO 5.- ¿Cuántas y cuáles películas han tenido reconocimiento internacional?

Hasta el momento, digamos reconocimiento oficial o el más importante como lo es el Oscar, solo la película de Bong Joon-ho: “Parásitos”, con varios premios a lo largo de los festivales más importantes, pero de ahí en fuera varias han sido premiadas y aclamadas por la crítica desde 1998 para acá, más o menos desde esa época se abrieron mercado en otros países gracias a que su gobierno declaró, que como mínimo se debía tener el 40% de películas coreanas exhibidas en sus cines, por ejemplo en 6.- ¿Cuál consideras que ha sido el año más provechoso para el cine coreano?

Creo que política y socialmente el 2019-2020, año en el que se premió “Parásitos”, y básicamente la mirada del mundo se puso sobre ese cine, económicamente, probablemente a principios de los 2000, cuando gracias a sus nuevas leyes, su industria podría comenzar a generar cantidades como 30 millones de dólares, cosa que no es nada para Hollywood, pero es bastante para cualquier película fuera de California.

7.- Cuál es la característica que más destaca de este cine?

Yo creo que su cine puede destacarse mucho por la crítica hacia las décadas de violencia por los gobiernos pasados, la búsqueda de identidad que se estaba perdiendo por la apertura hacia los extranjeros y los saltos generacionales que se vivieron en los años noventa y principios de los 8.- ¿Qué influencias deja el cine coreano para el cine Internacional?

Desde mi perspectiva, la influencia más destacada o al menos la que a mí me gustaría destacar es que no se necesita una cantidad estrafalaria de dinero para hacer que una película sea exitosa, sino que lo que de verdad se necesita es tener algo que decir, o sea tener una historia sólida, que no esté llena de errores y sucesos que parecen sacados de la manga, que sea realista bajo el universo que esté creando y que no se meta el pie cada 15 minutos y sobre todo, que sea contada de la manera, que al visionario o director se le presente y no tener que cumplir con una agenda de lo que es corrector para que pueda ser agradable a más público. Esa es la influencia que me gustaría destacar, ellos lo están logrando, significa que con el apoyo correcto podría hacerse en cualquier lugar que se jacte de tener una industria cinematográfica 9.- ¿Cuál es tu Actor/Productor/director coreano favorito?

Pregunta difícil, pero creo que podría mencionar a dos que su visión me gusta mucho: Park Chan Wook y a Bong Joon-ho que son por los que me fue interesando el cine de ese país.

Por Carla Mariana Espinosa García 9

CLOSE UP “El cine no se ve, el cine se lee”

Entrevistado: Diego Arceo de Alba

Michoacano, orgulloso de sus tradiciones y apasionado por las cámaras Diego nos da a conocer parte de su vida profesional, “Estudié la carrera de Cine, aunado a ella la Licenciatura en Ciencias y Técnicas de la Comunicación y un posgrado en Sociología. En lo profesional, soy docente de licenciatura y de maestría en varias universidades de Michoacán, también proyectista de la Secretaría de Cultura de Michoacán con la que elaboró documentales, algunos libros y material audiovisual, sobre todo memorias; y recientemente se me encomendó hacer una recopilación fotográfica para un catálogo nacional de las representaciones culturales del estado para un libro, entre otros desenvolvimientos en lo referente a mi labor.” nos comenta Arceo con mucho orgullo.

Diego Arceo es un amante de las cámaras, del cine y un apasionado a su trabajo el cual se ve reflejado en todo lo que hace, “Trabajé mucho tiempo en festivales de cine, una experiencia enriquecedora, en especial uno, el de Guanajuato es más que un festival… ¡UNA FAMILIA!, pero mi creación no va encaminada a salas de cadenas de cine, o festivales de cine, va a plataformas democráticas como TV abierta: Canal 22, Once TV, plataformas digitales, archivos, donde cualquiera pueda acceder a ellos cuando lo necesite”, también agregó como nació esta pasión por lo que hace “sinceramente todo surgió con el deseo de pertenecer al gremio de la Industria Cinematográfica en la que estuve trabajando un tiempo, a “contar historias”, pero se me dió la oportunidad de hacer mis prácticas profesionales de la licenciatura en LCTC en la Secretaría de Cultura donde quedé totalmente apasionado de la cultura, sobre todo la P’urhépecha

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así que con la carrera previa de Cine y la que estaba estudiando, vi la posibilidad de preservar en lo audiovisual manifestaciones culturales que se están extinguiendo, así que de buscar el “reconocimiento” de la industria, salté a ese anonimato de un documentalista que captura como justamente documentos, el quehacer, los usos y costumbres.” menciona Arceo con gran entusiasmo.

A todos como espectadores nos toca ver una película finalizada, una película que trae consigo una producción de meses o incluso años de arduo trabajo, un detrás de cámaras que no solo nos da una producción final, también es un aprendizaje constante para las personas detrás de esté. Arceo destaca “¡APRENDER!, descubrir nuevas realidades, plasmarme de tanta cultura, convivir con quien estoy capturando, el pensar cómo encuadrar para que dentro de la limitación de tiempo y lo sesgado de la realidad que puede mostrar una cámara mostrar lo más posible sin falsearla, es el mayor reto quizá.”

Todos tenemos una película que se ha vuelto nuestra favorita, ya sea por hacernos reír mucho, o llorar sin poder parar o incluso una historia que nos atrapó de tal manera, que la podemos ver una y otra vez pero para Arceo es casi imposible tener una sola película favorita, nos comenta, “si vamos a lo técnico hay una lista interminable de producciones, que el guión es una joya, pero técnicamente no son sobresalientes, y en lo favorito y personalmente que pienso como la “mejor”

EL CAFECITO

pero en lo referente a realización técnica si tengo que decir una sería “1917” de Sam Mendes, perfecta, simplemente perfecta, quirúrgicamente perfecta, pero si vamos a lo académicamente sobresaliente existe una lista interminable de grandes películas “El Inquilino” de Roman Polanski es… ¡Véanla y sabrán!, “Birdman” de Iñarritu, “Stay” de Marc Foster, “Usual Suspects” de Bryan Singer, pienso que te haces a la idea, me gustan… ¡LOS FINALES! En la actualidad en México hay más producciones cinematográficas Diego menciona, “Existen tres clases de cine mexicano, el comercial: actores de comedia con la misma situación, ya sabes... ¡Martha Higareda!; el cine de Festivales de Cine, aquel que lamentablemente o afortunadamente solo puedes ver en los festivales, están pensados para esto un círculo gremial, que puede ser plataforma pero también un vicio; y el Cine Nacional, que es el justo equilibrio entre ambos, es democrático como el comercial pero cuidadoso de contenidos, ese es el más difícil de hacer, ahí tenemos a los directores sobresalientes que han llegado a ese justo equilibrio.

Los directores son una de las piezas fundamentales para la creación del séptimo arte y cada uno es bueno en su género; Arceo enfatiza “Tarantino es un Dios en la técnica y en las referencias pero no pretende hacer cine de arte, o cine pretencioso, es alguien que hace cine clase B, que en realidad es A, pero se carcajea haciéndolo; o tienes a un Nolan que sabes qué te ofrece, un Iñarritu, un del Toro, un Cuarón, basta de ser pretenciosos,

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el “Buen Cine” es el que te da lo que te ofrece. Si quieres un rato de diversión, debes consumir Tarantino; quieres volarte la mente tienes a Nolan; quieres sentir la humanidad cruda, Iñarritu; quieres fantástico, del Toro. Es como un buen vino, es el que te gusta, en lo personal tengo mis ratos para doblarme de risa con Will Ferrell, o necesito llorar, pues pongo “Los Miserables” de Tom Hopper.”

Existe una gran variedad de producciones cinematográficas alrededor del mundo, y las que podemos ver y entenderlas, o verlas pero no comprender la trama o el porqué de la historia Diego argumenta “El cine no se ve, el cine se lee, por eso si vemos una película Japonesa decimos “no le entendí”, porque es otro sistema de escritura audiovisual, otra gramática, otra semiótica, no hay mejor o peor, simplemente son diferentes, construidos para su realidad y leerlos desde la visión occidental, de la estética de ‘Hollywood’ es un error, el buen cine no tiene nacionalidad.”

El cine es una gran industria, que como todo, está en constante evolución pero del que seguimos disfrutando, no solo en salas de cine sino también a través de diferentes streamings y con mayor facilidad para acceder a ellos.

Por: Sandra López

LA PANTALLA GRANDE “El cine trata de lo que está dentro del cuadro y de lo que está fuera” (Martin Scorsese)

El cine se desarrolló hacia 1890 por la unión de la fotografía, y junto a ella se dieron los primeros pasos hacia la generación de la impresión del movimiento.

Los inicios del cine fueron el 13 de febrero de 1894, donde los hermanos Lumière inventaron el cinematógrafo, después de haber producido más de 500 películas de no más de un minuto de duración, decidieron proyectar la primera película de la historia el 28 de diciembre de 1895 en París. Esta película consistía en sencillas imágenes en movimiento los cuales representaban momentos cotidianos de la época, como la llegada de un tren, el derrumbe de un muro o la salida de obreros de fábrica.

Una de las figuras pioneras del cine mundial fue el cómico y cineasta británico, Charles Chaplin, quien supo sacar partido de sus extraordinarias dotes como mimo para convertirse en uno de los personajes más populares de cine mudo, el cual consiste únicamente en imágenes y a veces acompañadas por música en directo, en principio mediante una pianola. Sin embargo, el cine mudo tuvo una duración de 30 años, pues en 1902, Edison dio los primeros pasos hacia el registro de audio e imagen, pero, con muy poca calidad.

La llegada del sonido.

La era del cine hablado empezó a finales de 1927. La primera película totalmente sonora, Luces de New York (= Lights of New York), siguió en 1928. Pero las más efectivas primeras películas sonoras fueron las que jugaron más aventuradamente con la unión de imagen y banda sonora.

Charles Pathé, fue uno de los emprendedores de cine, fruto de las exhibiciones de los hermanos Lumière. Él fabricó sus propias cámaras con las que dio inicio a sus producciones, sin embargo, también intentó combinar el fonógrafo con el cinematógrafo para captar audio y video al mismo tiempo, aunque no tuvo mucho éxito.

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CHERCHER, ESCREVER UND LEER

El cine a color La invención del cine a color fue una preocupación de los pioneros del cine, que como Méliès procedían a colorear uno por uno los fotogramas de sus filmes. Era una técnica muy poco eficaz y costosa. Recién en 1929 se proyectó el primer largometraje a colores: On with the Show! En 1932 se incorporó un tercer color a la paleta y se logró un sistema en base a los tres primarios, que daba grandes resultados. Fue empleado por Walt Disney en sus animaciones. Finalmente este sistema fue reemplazado en 1950 por el propuesto por la empresa Eastman Kodak, mucho más sencillo y eficaz.

Referencias bibliográficas : http://labutacadecine.blogspot.com/2012/04/ los-generos-cinematograficos_07.html https://www.ipp.edu.pe/blog/historia-delcine/ https://www.uv.mx/blogs/uvi/files/2010/01/ andresdavidnavarro_cine.pdf

El cine digital El cine tuvo un cambio enorme luego de la aparición de las computadoras. El mundo digital, permitió la filmación directamente en formatos digitales.

Los géneros cinematográficos, como los géneros de otros campos artísticos, tienen su primer origen en la cultura clásica. Los dos géneros mayores griegos: comedia y tragedia; uno de estilo ligero, tema aparentemente superficial y final feliz, y el otro afectado, profundo y de triste desenlace.

Hoy en día, la pantalla grande nos permite ver increíbles historias que pueden estar desarrolladas en lugares fuera y dentro de este planeta. Lugares como Wakanda, los patronus de Harry Potter, la Comarca de los hobbits, guerras entre galaxias, e incluso juguetes que pueden verse casi reales cobrando vida, son creados gracias a la nueva generación del cine, que sin duda, de la mano de la tecnología continuará sorprendiéndonos como lo hizo en aquella primer película.

Por: Itzel Guadalupe Arrieta González 13

Expresionismo alemán: contribución al séptimo arte “El cine no es un arte que filma la vida; el cine está entre el arte y la vida” (Jean-Luc Godard)

A lo largo del tiempo, la industria ha ido creciendo y cobrando mayor importancia. Sobre todo ha sido influenciado por distintas corrientes que, aunque son bien aceptadas por el público, no se sabe de qué tratan o una descripción de la misma específicamente. Por ello, hay que dar un vistazo al expresionismo alemán, que ha contribuido en gran medida al cine, el séptimo arte.

Primeramente, el expresionismo, hablando en términos de cine, es definido por la Real Academia Española como un "movimiento [que] propugna la expresión de las emociones frente a la plasmación de la realidad o de la impresión que esta provoca." Además cabe destacar que esta corriente artística surgió en Alemania a principios del siglo XX. El cine expresionista alemán marcó un punto importante en la historia del cine pues "buscaba expresar la naturaleza del ser humano de manera subjetiva poniendo énfasis en los sentimientos."

En las películas de cine expresionista "se altera el punto de vista, dando lugar a deformaciones de la realidad con un uso especial de la luz, los decorados y la escenografía." ( cfr. Historia del cine.

Recuperado de: https://historiadelcine.es/por-etapas/expresionismo-alemán-cinecaracterísticas/) 14 14

CHERCHER, ESCREVER UND LEER Aportaciones de la UFA La UFA por sus siglas en alemán "Universum Film AG" fue el estudio cinematográfico más importante de Alemania creado por el gobierno. Su objetivo era crear películas germanas.

Fue gracias a la UFA que muchos autores pudieron crear sus películas para plasmar su interior en las obras de cine. Al igual, los estudios de la UFA fueron explotados al máximo nivel para crear filmes expresionistas, pues los primeros de ellos no contaban con tanto presupuesto. Y a pesar de ello, con la ayuda del estudio fue posible incorporar escenografías con angulaciones geométricas e incorporar efectos de luz y sombra.

Películas representativas del expresionismo Alemán Se considera que la primera película del cine expresionista alemán fue "El gabinete del Dr. Caligari" que trata de un hombre que usa a un sonámbulo para cometer asesinatos. En la película se puede observar un estilo visual oscuro y retorcido, con formas puntiagudas, líneas oblicuas y curvas, estructuras y ambientes que se inclinan y giran en ángulos inusuales, y sombras y rayas de luz pintadas directamente en los sets. Es por eso que esta película fue la estrella del expresionismo.

Por otro lado está "El Golem", la primera película de monstruos que trata sobre un rabino que crea una estatua de arcilla a la cual le da vida para proteger a los judíos de Praga. "Nosferatu" por su parte es una adaptación de la novela Drácula, de Bram Stoker y que en algunos lugares fue censurada por su alto contenido de terror. "El doctor Mabuse" trata de un psiquiatra que usa el hipnotismo con fines de lucro.

Son algunos de los filmes que se basaron en esta corriente y que fueron precursores del expresionismo. Además que tuvieron una gran aceptación por el público. Aunque claro, existen otros más.

Esta corriente tuvo una gran aportación en cuanto a efectos, formas de transmitir las imágenes, actuación a veces exagerada y fuertes movimientos. Su relevancia se debe en gran medida a que ayudó a los autores a exteriorizar lo que estaban viviendo pues eran tiempos difíciles y el expresionismo fue una manera de expresarlo de manera subjetiva. Finalmente, el expresionismo alemán marcó un antes y un después para la historia del cine y que tiene eco hoy en día.

Por Edith Morales Peña 15

CINE ITALIANO

El cine italiano es referente de arte, sensualidad, creatividad y talento. Sin embargo, estas representaciones parten de un pasado ya muy lejano en el que figuras como Federico Fellini se atrevían a desafiar el orden establecido para crear historias que le robaban el aliento al espectador. Mas, antes de Fellini, existió todo un desarrollo industrial que permitió que el cine italiano, como lo conceptualizamos hoy en día existiera.

Con la llegada del cinematógrafo Lumiére en 1898 y las exhibiciones en el parque Valentino Turín comenzó una era en el cine italiano. Tal como en otros países, los italianos se limitaban a mostrar en sus exhibiciones la cartelera de los Lumiére. Pero en el año de 1905, las cosas comenzaron a cambiar debido a las exigencias del público. Ese año el director Filoteo Alverini decidió grabar “La toma de Roma”, película de 230 metros basada en un hecho histórico, gracias a la cual surgiría el género de reconstrucción histórica.

La contribución de Italia al cine va más allá de los nombres, de la aportación de actores y directores, y de corrientes. El celuloide sin Italia no puede entenderse.

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En el contexto de una Italia donde el fascismo había calado en la sociedad y el sentimiento patriótico, nacionalista e imperial, volvía a calar al inaugurar el nuevo establecimiento de Cinecittà, en la romana calle Tuscolana.

Estamos en 1937 y el Hollywood del Tiber pone en marcha un ambicioso proyecto de producción del cine sin precedentes en Europa. Cinecittà se inauguró a bombo y platillo, con 75.000 metros cuadrados de platós, escenarios, y todo tipo de equipamiento para dar a la luz una nueva hornada de películas.

El nacimiento de Cinecittà vino acompañado de una ley de corte autárquico, la Ley Alfieri del 18 de enero de 1939 que suponía una fuente de financiación a las producciones nacionales, con el objetivo de combatir la hegemonía del cine estadounidense.

CURIOSEANDO La caída del fascismo movió el eje del protagonismo de las películas. El escenario se movía, y las cámaras apuntaban a la calle, a los personajes cotidianos, a los problemas reales del italiano de a pie. Las limitaciones de los presupuestos favorecieron la presencia de guiones más imaginativos, de actores improvisados, y de platós tan reales como las calles, los mercados, los puertos de las ciudades italianas, con sus miserias y sus alegrías .

Neorrealismo Este movimiento es un “realismo” de estilo italiano, que tiene sus orígenes en el documental y que da testimonio de una conciencia social. Es un realismo humano o, más bien, un realismo más humano, vinculado a los valores humanos. ¿No sería mejor definirlo como «un cine de la humanidad»? Por algo llegó a arrastrar en su camino a todos los mejores directores de documentales: a De Sica, a Rossellini, Antonioni, Emmer, Maselli, Zurlini, Risi, Pontecorvo y Lizzani, que se unieron a Zavattini, el teórico del movimiento. Fue él quien promovió la teoría de la «filatura», de acuerdo con la cual la cámara debe seguir a un personaje, acompañarlo en todos sus movimientos y estar presente en sus encuentros casuales, hasta el momento en el que caiga su personalidad y dé origen a una historia. A Zavattini se deben películas como Amore in Citta e I misteri di Roma.

Referencias bibliográficas: https://blog-italia.com/cultura-de-italia/cinede-italia https://www.viceversa-mag.com/brevehistoria-del-cine-italiano-i/ Por Román Utrera López 17

3 de lenguas

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CURIOSEANDO 1 ¿Por qué “Buenos días” y no “buen día”?

Esto se debe a que en el español existe un tipo de plural llamado <Plural expresivo>. Este es un plural que no denota canti-

dad, sino intensidad.

2 iMigrante, Inmigrante y Emigrante.

Migrante: Que cambia de lugar, sin especificar si se va o viene.

Inmigrante: Que viene a vivir desde otro lugar.

Emigrante: Que se va a vivir a otro lugar.

3 Palabra del mes: “Conspicuo”: Se dice de la persona que

es ilustre o sobresaliente por alguna cualidad, por ejemplo: Pablo Picasso fue un conspicuo pintor.

Por Román Utrera López 19 19

EL CINE FR

Francia es cuna y baluarte del cine. El cine francés confía desde hace muchas décadas en sus propias estrellas de la gran pantalla. En Francia, el espectador va al cine porque desea ver a su actriz o actor favorito, casi más importante que la propia película.

Francia dispone de una variedad casi infinita de atractivas localizaciones y eso es algo que saben aprovechar los directores de cine. Normandía, Bretaña, la costa Atlántica, la Costa Azul, etc.… Pero eso no es todo: los cineastas franceses pueden rodar en las cumbres alpinas, en montañas de mediana altura y en la conocida Provenza francesa.

También resultan únicos escenarios como la ciudad de París o la Île-de-France. Puede que la especial relación de los franceses con el amor sea tan solo un cliché. Pero hay una cosa cierta: en ningún otro país han surgido películas tan desgarradoras sobre el "amour fou" (=el amor loco). Los franceses también tienen sentido del humor. Muchas comedias galas rompen récords de taquilla.

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¡EXPRÉSATE!

RANCÉS Y SUS PREMIOS CÉSAR. Y también tienen éxito los filmes de acción y de intriga Muchas estrellas de cine francesas trabajan a menudo con directores de fuera de Europa. Después prefieren volver a rodar en su Francia natal, aunque eso no tiene que ver con la falta de éxito en la meca del cine.

También las películas francesas pueden verse en el extranjero dobladas. Hollywood suele rodar versiones anglosajonas de éxitos del cine francés. Un ejemplo reciente es el film "Amigos intocables” Francia no sería Francia si no estuviera orgullosa de sus propias raíces. El país galo está considerado como el lugar de nacimiento del cine. Los hermanos Auguste y Louis Lumière, así como Georges Méliès crearon el séptimo arte el pasado siglo.

Francia está orgullosa de esta herencia y eso se percibe hasta el día de hoy. Al contrario de lo que sucede en Alemania, el arte cinematográfico no está visto por la sociedad por debajo de otras disciplinas, sino como el "séptimo arte”. Además, a los franceses les encantan las películas francesas. La proporción de producción propia en las salas de cine galas oscila entre el 35 y el 45 por ciento. Eso es algo único en Europa.

La historia de los Premios César se remonta al año 1975.

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El fundador de la Academia de Artes y Técnicas de Cine, Georges Cravenne (1914-2009), quería para Francia lo mismo que tenía el glamuroso Hollywood. Encontró el homólogo francés perfecto de los Óscars en la escultura de su amigo César Baldaccini, cuyo nombre recibe el trofeo que se entrega a los triunfadores de la industria cinematográfica francesa cada año en una ceremonia de gala.

Por supuesto, anualmente se entrega el prestigioso César de Honor en reconocimiento a la carrera de alguna figura emblemática del cine, aunque no sea necesariamente francesa. Se adjudicó por primera vez en 1977 a Jacques Tati. Desde entonces, se le ha dedicado a personalidades tan diversas y prestigiosas como Marcel Carné (1979), Michèle Morgan (1992), Jeanne Moreau (1995), Jean Rochefort y Johnny Depp (1999), Meryl Streep (2003) Will Smith y Jacques Dutronc (2005), Pierre Richard y Hugh Grant (2006), Jude Law y Marlène Jobert (2007).

Referencias bibliográficas:

Kurten Jochen (22 de febrero de 2019) Diez razones que explican el éxito del cine francés. https://www.dw.com/ es/10-razones-queexplican-el-%C3%A9xitodel-cine-franc%C3%A9s/a47623278 Verdaguer Jacinto (11 de diciembre de 2018) Los premios César del cine.

Por Sandra Vazquez Garcia

¡EXPRESATE!

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UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE TLAXCALA UNIDAD ACADEMICA MULTIDISCIPLINARIA CAMPUS CALPULALPAN LICENCIATURA EN ENSEÑANZA DE LENGUAS TLAXCALA, MEXICO. MAYO 2021 VOLUMEN 1 NUMERO 7

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