Excellence Magazine - N.34

Tourbillon

Artist Julien Vermeulen

Interview with Idris Elba

RETURN

Spring fashion 2024 ART PROTAGONIST

The San Clemente Palace Kempinski Venice

Photographer Albert Watson

Iconic

Lamborghini Miura

Interview

GENERATED

Artist David Hummelen

A SUGGESTIVE LOCATION

Vitti bar and restaurant, Lugano

ABSOLUTE TRANQUILLITY

Golf Club Gstaad-Saanenland

DESIGN INSPIRATION

This season’s interiors

HOME DECOR

This season’s design elements

FAMILY AFFAIR IN MYKONOS

From one hotel to an island empire

FRESH AND SIMPLE

This season’s fashion items

A FLAGSHIP LUXURY EVENT

ILTM Cannes 2023

GIANTS OF THE SEA

The Venice Hospitality Challenge 2024

WHAT COULD HAVE BEEN

Flashback to an iconic prototype by Alfa Romeo

A NEW BEAUTY

This spring’s cosmetic trends

ANGEL FACE

Interview with Marion Cotillard

OLFACTORY NUANCES

Interview with perfume creator Pierre Guillaume

THE EDITORIAL TIMELAPSE

ATHE EDITORIAL VOICE

s we collect the last remnants of the previous season in a quest towards a new and dynamic adventure, one can only ponder as to the meaning of the feathers we lost along the way.

They are clues of a transformation process, vestiges of a migration towards greener pastures; a long, exciting and strenuous voyage before a rebuilding and restructuring phase commences.

Sometimes they are symbols of a timeless icon, a photo engraved in the collective memory fading out without ever really disappearing and building momentum towards the next leap.

They are bits and pieces assembling a marvelous mechanical composition; ticking while time slips away and if you do not seize the opportunity to be carried away you will be missing out on an incredible expedition.

A ride where constant reinvention becomes a catalyst, as you discover new hidden gems from the past while the motor still hums and waits for you to switch the ignition off as you have finally found your preferred destination, an oasis for new molten feathers.

Mentre raccogliamo quel che resta della stagione precedente alla ricerca di un’avventura nuova e dinamica, possiamo solo riflettere sul significato delle piume che abbiamo perso lungo la strada.

Sono indizi di un processo di trasformazione, tracce di una migrazione verso pascoli più verdi; un viaggio lungo, emozionante e faticoso, che anticipa una fase di ricostruzione e di ristrutturazione.

A volte sono simboli di un’icona senza tempo, una foto impressa nella memoria collettiva che sbiadisce senza mai però scomparire del tutto, costruendo lo slancio per il salto successivo.

Sono frammenti che assemblano una meravigliosa composizione meccanica; ticchettano mentre il tempo scorre e, se non cogli l’occasione di lasciarti trasportare, potresti perderti in un’incredibile spedizione.

Un viaggio in cui il costante reinventarsi diventa un catalizzatore, mentre si scoprono nuove e preziose gemme nascoste tra le pieghe del passato, mentre il motore continua a ronzare aspettando di essere spento, una volta trovata, finalmente, la destinazione preferita: un’oasi per rigenerare nuove piume.

Nicola Sangiorgio

EXCELLENCE MAGAZINE - SWITZERLAND www.excellencemagazine.luxury - info@excellencemagazine.luxury IG: @excellenceluxurymagazine

EDITORIAL DIRECTOR

NICOLA SANGIORGIO

MARKETING

ASIA LAURO

EVENTS

GABRIELLE DE VILLOUTREYS

BUSINESS DEVELOPMENT NORTH AMERICA

BEN NEJI

BUSINESS DEVELOPMENT ITALY

ANITA LO MASTRO

CONTRIBUTORS

BARBARA ZORZOLI

SHARLA AULT

CARLO DE BERNARDI

MASSIMILIANO SERRA

VALENTINO ODORICO

HOPE GAINER

VALERIA RASTRELLI

FRANCESCA MONTUSCHI

DOMENICO MORAMARCO

MARISA CARTOTTO

SANDRO BAGNO

EXCELLENCE AMBASSADORS

DANIEL SANGIORGIO

JOHN GANDOLFI

MAYUMI YAMAZAKI

NINA MAZOURIK

DANIEL PHILPS

LUIGI LAURO

IZABELA CORINA JUNCU

ART & CREATIVE DIRECTION NICOLA SANGIORGIO

TRANSLATIONS VALERIA RASTRELLI

WEB NAZCA

EDITORIAL OFFICE

editorial@excellencemagazine.luxury

ADVERTISING marketing@excellencemagazine.luxury

EVENTS

events@excellencemagazine.luxury

DISTRIBUTION: EXCELLENCE HOTEL SELECTION, EVENTS AND PREMIUM LOCATIONS

PUBLISHED BY beyond.luxury Sagl - Lugano, Switzerland

THE 2013 ANNIVERSARY EDITION OF THE FIRST POCKET WATCH WITH TOURBILLON

BY FRANÇOIS-PAUL JOURNE CELEBRATES 30 YEARS OF EXCEPTIONAL WATCH CREATIONS

Text by Francesca Montuschi

The Tourbillon pocket watch

“The excellence of F.P. Journe’s creations is a process of constant renewal, always in search of that happily elusive perfection...”

To commemorate the 30th anniversary of his first ‘baby’ (presented as a Première on October 18th in Tokyo, also celebrating the 10th anniversary of the first F.P. Journe Boutique) François-Paul Journe decided to create the limited edition of this Historical Anniversary Tourbillon, a series of 99 copies inspired by the 1983 Tourbillon. This wristwatch, re-interpretation of the original masterpiece presents the same materials used 30 years ago: a case in guilloche silver enhanced by 2 gold bezels in rose gold 4N. The transparent sapphire back reveals the tourbillon movement of classic construction made in grained and gilded brass, identical to the original of 1983. Two parallel barrels distribute energy to a wheels’ train, arranged in the axis of the watch, which runs the Tourbillon revolving in 1 minute. The lateral pallet escapement, which is more compatible with a wristwatch, replaces the detent escapement of the original, and the winding and time setting with a key have now been replaced by the 3 o’clock crown.

Made today in the workshops of the Manufacture, the movement features high quality components, with nowadays elaborate polishing, beveling and finishings that weren’t possible at the time. The movement is protected by a splendid case back cover in silver guilloche. The dial in grained silver is engraved with filled roman numerals and a steel hour circle, identical to the original tourbillon of 1983. The hours are indicated by blued steel AbrahamLouis Breguet hands, identical to those of the original pocket watch.

“L’eccellenza delle creazioni di F.P. Journe è un processo di costante rinnovamento, sempre alla ricerca di quella felicemente sfuggente perfezione...”

Per celebrare il 30° anniversario del suo primo ‘bambino’ (presentato in Première il 18 ottobre a Tokyo insieme al 10° anniversario della prima F.P. Journe Boutique) François-Paul Journe ha deciso di creare un’edizione limitata, l’Historical Anniversary Tourbillon, una serie di 99 esemplari ispirati al Tourbillon del 1983. Un orologio da polso reinterpretazione del capolavoro originale che presenta gli stessi materiali utilizzati 30 anni fa: una cassa in argento guilloché impreziosita da due lunette in oro rosa 4N. Il fondello trasparente in zaffiro rivela il movimento tourbillon di costruzione classica realizzato in ottone granulato e dorato, identico all’originale del 1983. Due bariletti paralleli distribuiscono energia a un treno di ruote, disposto nell’asse dell’orologio, che fa girare su sé stesso il Tourbillon per un minuto. Lo scappamento a pallet laterale, più compatibile con un orologio da polso, sostituisce lo scappamento ad arresto dell’originale, e la carica e la regolazione dell’ora con una chiave sono ora state sostituite dalla corona a ore 3.

Realizzato oggi nei laboratori della Manifattura, il movimento presenta componenti di alta qualità, con lucidature, smussature e finiture elaborate che non erano possibili all’epoca. Il movimento è protetto da uno splendido fondello in argento guilloché. Il quadrante in argento granulato è inciso con numeri romani pieni e un cerchio orario in acciaio, identico al tourbillon originale del 1983. Le ore sono indicate da lancette Abraham-Louis Breguet in acciaio azzurrato, identiche a quelle dell’orologio da tasca originale.

< The Tourbillon wrist watch >

A dive into the history of high watchmaking by François-

Paul Journe

In 1976 François-Paul Journe graduated from the Ecole d’horlogerie in Paris, started working in his uncle’s workshop and decided to construct his first chronometer with tourbillon. After 5 years he completed it, crafting each component by himself. In 1983 he created his first pocket watch with tourbillon entirely made by hand and in 1987 a unique piece, an astronomic planetary pocket watch. In the same year he received the Prize awarded by the Fondation de la Vocation Bleustein Blanchet. In 1988 he created a Pendule Sympathique for the House of John Asprey in London and in 1989 he’s awarded the Prix du Balancier d’Or by the Watchmakers Convention in Madrid. In the same year he established a movement Manufacture in Switzerland intended to conceive and produce various products for watch brands. In 1991 he created a Pendule Sympathique for the House of Breguet exhibited during the Breguet historical auction and also the first wristwatch with tourbillon including for the first time the remontoire (constant force device) he created in 1982. This watch was the prototype of the Tourbillon Souverain. In 1994 he received the Gaia Prize for Best Watchmaker of the Year and in 1996 he created TIM SA in Geneva, to develop exclusive calibres for prestigious watch brands. In 1999 he presented the first wristwatch of a collection signed F.P. Journe – Invenit et Fecit creation of Montres Journe SA.

Un tuffo nella storia dell’alta orologeria firmata FrançoisPaul Journe

Nel 1976 François-Paul Journe si diploma all’Ecole d’horlogerie di Parigi, inizia a lavorare nel laboratorio di suo zio e decide di costruire il suo primo cronometro con tourbillon, completato dopo cinque anni, realizzando da solo ogni componente. Nel 1983 crea il suo primo orologio da tasca con tourbillon interamente realizzato a mano e nel 1987 un pezzo unico, un orologio da tasca planetario astronomico. Nello stesso anno riceve il Premio assegnato dalla Fondation de la Vocation Bleustein Blanchet. Nel 1988 crea un Pendule Sympathique per la Maison John Asprey a Londra e nel 1989 gli viene assegnato il Prix du Balancier d’Or dalla Watchmakers Convention di Madrid. Nello stesso anno fonda in Svizzera una Manifattura indipendente destinata a produrre vari componenti per marchi di orologeria. Nel 1991 crea un Pendule Sympathique per la Maison Breguet esposto durante l’asta storica Breguet e anche il primo orologio da polso con tourbillon comprendente per la prima volta il remontoire (dispositivo a forza costante) da lui creato nel 1982. Questo orologio era il prototipo del Tourbillon Souverain. Nel 1994 riceve il Premio Gaia come Miglior Orologiaio dell’anno e nel 1996 crea TIM SA a Ginevra, per sviluppare calibri esclusivi per prestigiosi marchi di orologi. Nel 1999 presenta il primo orologio da polso di una collezione firmata F.P. Journe – Invenit et Fecit creazione di Montres Journe SA.

François-Paul Journe and his uncle Marcel

The Tourbillon pocket watch

Then he presented the Tourbillon Souverain wristwatch with remontoire and in 2000 he invented the first resonance wristwatch, the Chronomètre à Résonance. 2001 saw the introduction of the first F.P. Journe automatic movement (Octa), the first in the world to ensure precision timekeeping performances for 5 full days when not worn. Then he presented the new Tourbillon Souverain with remontoire (constant force) and dead beat second, the very first F.P. Journe movement in 18K rose Gold. In 2006 he created the Sonnerie Souveraine with minute repeater, the hardest challenge of his career: a low-tension movement with gentle mechanisms to ensure unfailing chimes 35,040 times a year. Then he was titled Chevalier des Arts et des Lettres by the French Minister of Culture. In 2007 he created the Centigraphe, exponential chronograph measuring the 100th of a second, in 2008 the ultra slim Répétition Souveraine, in 2011 the Octa UTC and the lineSport, first sports wristwatch collection entirely in high technology aluminium alloy. In 2012 is the turn of Chronomètre Optimum, the essence of precision for a wristwatch that encompasses the finest components in the history of watchmaking. In 2013 he created the Quantième Perpétuel with instantaneous jump, perfect readability through an uncluttered dial with large apertures, and a great easiness of use and finally the historic Anniversary Tourbillon to celebrate 30 years of exceptional watch creations.

Presenta poi l’orologio da polso Tourbillon Souverain con remontoire e nel 2000 inventa il primo orologio da polso a risonanza, il Chronomètre à Résonance. Il 2001 vede l’introduzione del primo movimento automatico F.P. Journe (Octa), il primo al mondo a garantire prestazioni di cronometraggio di precisione per cinque giorni interi quando non indossato. E ancora, il nuovo Tourbillon Souverain con remontoire (forza costante) e dead beat second, il primissimo movimento F.P. Journe in Oro rosa 18 carati. Nel 2006 crea la Sonnerie Souveraine con ripetizione minuti, la sfida più difficile della sua carriera: un movimento a bassa tensione con meccanismi delicati per garantire rintocchi infallibili 35.040 volte l’anno. Successivamente viene nominato Chevalier des Arts et des Lettres dal Ministro della Cultura francese. Nel 2007 crea il Centigraphe, cronografo esponenziale che misura i centesimi di secondo, nel 2008 l’ultra slim Répétition Souveraine, nel 2011 l’Octa UTC e la lineSport, prima collezione di orologi da polso sportivi interamente in lega di alluminio ad alta tecnologia. Nel 2012 è la volta di Chronomètre Optimum, l’essenza della precisione per un orologio da polso che racchiude i componenti più raffinati della storia dell’orologeria. Nel 2013 crea il Quantième Perpétuel con salto istantaneo, perfetta leggibilità attraverso un quadrante ordinato con grandi aperture e una grande facilità d’uso e infine lo storico Anniversary Tourbillon che ha celebrato 30 anni di eccezionali orologi.

“Pendule Sympathique” by Breguet

François-Paul Journe

A modern feather master

Julien Vermeulen has chosen feathers to express his art. Such a fragile and delicate material is shaped in his hands, creating artworks of strong visual impact, from giant walls to very fine details. The feathers’ shininess, movement, symbolism and freedom are captured becoming eternal, crystallized in unique works.

Julien Vermeulen ha scelto di esprimere la sua arte attraverso l’utilizzo delle piume. Un materiale fragile ed etereo che prende forma tra le sue mani, creando opere di forte impatto visivo, da gigantesche pareti a dettagli finissimi. La lucentezza, il movimento, il simbolismo e la libertà delle piume vengono catturati diventando eterni, cristallizzati in opere uniche.

Text

by Valeria Rastrelli

Photography by Antoine Lippens

Where do you source the feathers for creating your artwork?

“We work with European suppliers in the costume industry and since 2018 we’ve been working with the support of the Bettencourt Schueller Foundation to establish a collection and processing system for feathers of French origin. By mid-2024 we’ll be able to source feathers from farms in France. The feathers used are a by-product of the food industry”.

What kind of feathers do you use, and which are the best to work with?

“I work with a variety of feathers: peacock, ostrich, goose and pheasant. Each type brings unique qualities, contributing to the diverse textures and effects in my artworks. I meticulously select the feathers for their individual characteristics, identifying natural imperfections to create “a harmony of defects””.

Da dove provengono le piume per creare le opere d’arte?

“Collaboriamo con fornitori europei nel settore dei costumi e dal 2018 con la Fondazione Bettencourt Schueller per istituire un sistema di raccolta e lavorazione delle piume di origine francese. Entro la metà del 2024 saremo in grado di procurarci piume da allevamenti in Francia. Le piume utilizzate sono un sottoprodotto dell’industria alimentare”.

Quale tipologia di piume viene utilizzata e quali sono le migliori con cui lavorare?

“Lavoro con diverse tipologie di piume: pavone, struzzo, oca e fagiano. Ognuna di esse ha qualità uniche, contribuendo a donare diverse trame ed effetti alle mie opere. Seleziono meticolosamente le piume per le loro caratteristiche individuali, individuando le imperfezioni naturali per creare “un’armonia di difetti”.

Your source of inspiration seems to come from modern art. Are your works generally abstract or do you also focus on particular subjects? If so, do you have any favourite subject to represent?

“My inspiration is rooted in modern art, drawing from Kasimir Malevitch, Mark Rothko, Yves Klein, Lucio Fontana and Pierre Soulages. Where my creations lean towards abstraction and maintain a monochromatic palette, I prioritize texture over a defined subject. Experimenting with the interplay of light, shadow and density, I use feathers as a medium that captures movement and radiance, transcending the boundaries of traditional representation in each piece. On the other hand, I have a series of “Pixel Art” where the feather produces more defined subjects: I cut feathers into geometric square shapes and I meticulously assemble them into iconic and contemporary figures such as my work depicting the “Storm Trooper”.

La sua fonte di ispirazione sembra provenire dall’arte moderna. I suoi lavori sono generalmente astratti o si concentra anche su soggetti particolari? Se sì, ha qualche soggetto che preferisce rappresentare?

“La mia ispirazione è radicata nell’arte moderna, attingendo da Kasimir Malevitch, Mark Rothko, Yves Klein, Lucio Fontana e Pierre Soulages. Laddove le mie creazioni tendono all’astrazione e mantengono una tavolozza monocromatica, do la priorità alla trama rispetto a un soggetto definito. Sperimentando l’interazione tra luce, ombra e densità, utilizzo le piume come mezzo che cattura movimento e luminosità, trascendendo i confini della rappresentazione tradizionale in ogni pezzo. Per contro, ho realizzato anche una serie di “Pixel Art” in cui la piuma produce soggetti più definiti: taglio le piume in forme geometriche quadrate e le assemblo meticolosamente in figure iconiche e contemporanee, come il mio lavoro raffigurante lo “Storm Trooper”.

Which piece are you most connected to or proud of, and why?

“The “Black Gem” goose and pheasant feather wall panel, which became a distinguished addition to the Musée des Arts Décoratifs in Paris in 2021, and the Eden console, acquired by the Mobilier National Museum in 2022. The recognition of my works finding a place in public collections marks standout moments in my artistic journey and gives me a deep sense of accomplishment and pride”.

In your creative and productive process, you use ancient and manual tools. Is this a choice to preserve tradition, or have you tried modern tools and prefer the older ones?

“I tend towards ancient, manual tools such as scissors, trimming and curling knife, tweezers, and a steam machine dating from the Napoleonic era. In our craft, there are no modern tools as the primary instrument remains the skilled hand”.

A quale pezzo si sente più legato, quale la rende più orgoglioso e perché?

“Il pannello murale in piume d’oca e fagiano “Black Gem”, divenuto un pezzo importante del Musée des Arts Décoratifs di Parigi nel 2021, e la consolle Eden, acquisita dal Mobilier National Museum nel 2022. Il riconoscimento delle mie opere collocate nelle collezioni pubbliche segna momenti straordinari nel mio percorso artistico e mi dà un profondo senso di realizzazione e orgoglio”.

Nel suo processo creativo e produttivo utilizza strumenti antichi e manuali. È una scelta per preservare la tradizione, oppure ha provato strumenti moderni e preferisce quelli più antichi?

“Prediligo strumenti manuali antichi come forbici, coltello per rifinire e arricciare, pinzette e una macchina a vapore risalente all’epoca napoleonica. Nel nostro mestiere non esistono strumenti moderni, in quanto lo strumento primario resta la mano esperta”.

How long does it take to create one of your pieces?

“The time depends on several factors, such as the intricacy, scale, and shape of the work. Among my larger works there’s “Black Ocean”, which required 1,000 working hours, 15 days and a team of 12 individuals assisting me”.

What are your smallest and biggest artworks?

“Black Ocean” is one of my larger creations, a monumental 20 m2 wall consisting of 12’000 hand-cut turkey feathers which was designed for the Toguna space at the Palais de Tokyo in Paris in 2017. As for the smallest, I also venture into horology, working on watch dial backgrounds, which rarely exceed 3 cm in diameter”.

Do you work on multiple projects at the same time, or do you focus on just one?

“I often participate in collaborative ventures with prestigious fashion and jewelry houses, as well as esteemed institutions like the Lido and the Comédie Française. This dynamic approach requires me to work on a diverse array of projects concurrently”.

Quanto tempo ci vuole per creare uno dei suoi pezzi?

“Il tempo dipende da diversi fattori, come la complessità, la scala e la forma del lavoro. Tra i miei lavori più grandi c’è “Black Ocean”, che ha richiesto 1.000 ore di lavoro, 15 giorni e un team di 12 persone che mi hanno assistito”.

Qual è la tua opera d’arte più piccola e quella più grande?

“Black Ocean” è una delle mie creazioni più grandi, una parete monumentale di 20 mq composta da 12.000 piume di tacchino tagliate a mano, progettata per lo spazio Toguna al Palais de Tokyo a Parigi nel 2017. Per quanto riguarda la più piccola, mi avventuro anche nell’orologeria, lavorando su fondi di quadranti, che raramente superano i 3 cm di diametro”.

Lavora su più progetti contemporaneamente o si concentra su uno solo?

“Partecipo spesso a collaborazioni con prestigiose case di moda e gioielleria, nonché stimate istituzioni come il Lido e la Comédie Française. Questo approccio dinamico mi richiede di lavorare su una vasta gamma di progetti contemporaneamente”.

Your works are usually monochrome or a combination of black, red, and white. Is this a choice depending on the kind of feathers you use (for example, using natural feathers to avoid the dyeing process), or do you particularly like those colours?

“The predominant monochrome palette of black, red, and white tones is a deliberate choice, a conscious decision that aligns with my emphasis on capturing movement and radiance within my art. The commitment to a monochromatic aesthetic is crucial in enhancing these elements and has become a distinctive signature that significantly contributes to the visual impact of my creations”.

When did you decide to open your own studio?

“As soon as I obtained my feather artist diploma, I wanted to be free. So, it was only natural for me to take the leap and open my studio at 23”.

I suoi lavori sono solitamente monocromatici o una combinazione di nero, rosso e bianco. È una scelta che dipende dal tipo di piume che usa (ad esempio, usare piume naturali per evitare il processo di tintura), o le piacciono particolarmente quei colori?

“La tavolozza monocromatica predominante di neri, rossi e bianchi è una scelta deliberata, una decisione consapevole che si allinea con l’enfasi nel catturare movimento e splendore all’interno della mia arte. Un’estetica monocromatica è fondamentale per valorizzare questi elementi, è una firma distintiva che contribuisce in modo significativo all’impatto visivo delle mie creazioni”.

Quando ha deciso di aprire il suo studio?

“Appena ho conseguito il diploma di artista delle piume, ho voluto essere libero. Quindi è stato naturale per me fare il salto e aprire il mio studio a 23 anni”.

Do you teach the art of working with feathers?

“Occasionally, I give masterclasses in design schools, but I prefer to have time with my students. Extended learning or a long internship is more beneficial than a few scattered hours of classes. Teaching a skill is very challenging; learning is more about the body and reflexes rather than the mind and consciousness. One must repeat these actions until the hands can perform them without the need for conscious thought, almost with closed eyes”.

Are there any future projects you would like to share with us?

“My most recent project, “Black Argos”, was created especially for maison parisienne’s 15 th-anniversary exhibition, which will take place at the MAD Museum (Musée des Arts Décoratifs) in Paris in April 2024. This piece showcases spiral marquetry of peacock feathers set against a background of black turkey feathers. It aims to convey the concept of a new universe, reminiscent of a glimmer of life in an infinite world. At the heart a watchful blue eye gazes upon us as much as it protects and guides us. Surrounding it, concentric black rings symbolize connection and unity”.

Julien Vermeulen has been represented by the gallery ‘Maison Parisienne’ since 2020.

Insegna l’arte di lavorare con le piume?

“Occasionalmente tengo masterclass nelle scuole di design, ma preferisco trascorrere del tempo con i miei studenti. L’apprendimento prolungato o un lungo tirocinio sono meglio di poche ore sparse di lezione. Insegnare un’abilità è molto impegnativo; l’apprendimento riguarda più il corpo e i riflessi che non la mente e la coscienza. Bisogna ripetere queste azioni finché le mani le eseguono senza bisogno di pensiero cosciente, quasi ad occhi chiusi”.

Ci sono progetti futuri che vorrebbe condividere con noi?

“Il mio progetto più recente, “Black Argos”, è stato creato appositamente per la mostra del 15° anniversario di maison parisienne, al Museo MAD (Musée des Arts Décoratifs) di Parigi ad aprile 2024. Presenta intarsi a spirale di piume di pavone incastonate su uno sfondo di piume di tacchino nero e vuole trasmettere il concetto di un nuovo universo, che ricorda un barlume di vita in un mondo infinito. Nell’opera un vigile occhio azzurro ci osserva, ci protegge e ci guida. Intorno ad esso, anelli neri concentrici simboleggiano connessione e unità”.

Julien Vermeulen è rappresentato dalla galleria ‘Maison Parisienne’ dal 2020.

YOU SEXY THING

In 2018, the American magazine People elected him the “Sexiest Man Alive”. Actually, Idris Elba is much more than just a powerful body.

Nel 2018 la rivista americana People lo ha eletto “Uomo più sexy del mondo”. In realtà, nonostante la fisicità possente, Idris Elba è molto altro.

Text by Barbara Zorzoli

He’s one of the few British actors to have achieved global success. Hollywood noticed and caught him, making him one of its full-fledged leading stars, capable of interpreting with the same intensity a “legendary man” like Nelson Mandela (in Mandela - Long Walk to Freedom, 2013), a mythological Nordic god (Heimdall, in Thor, 2011), and the TV series Luther, for which he won a Golden Globe. Multifaceted like few others, Idris is also a director, a producer, a DJ, a rapper, an entrepreneur, a stylist, a philanthropist and a podcaster. Born in London, he soon pursued the dream of becoming an actor, landed in New York and it’s a done deal.

È uno dei pochi attori britannici ad aver riscosso un successo planetario. Hollywood lo ha visto e lo ha fatto suo, rendendolo a tutti gli effetti una delle sue star di punta, capace di interpretare con la stessa intensità tanto un “uomo mito” come Nelson Mandela (in Mandela - La lunga strada verso la libertà, 2013), quanto un dio nordico mitologico (Heimdall, in Thor, 2011), passando per la serie TV Luther, per cui ha vinto un Golden Globe. Poliedrico come pochi, Idris è anche regista, produttore, DJ, rapper, imprenditore, stilista, filantropo e podcaster. Nato a Londra, insegue ben presto il sogno di diventare attore, sbarca a New York e il gioco è fatto.

Let’s imagine getting into a time machine. How do you describe the beginning of your adventure in the United States?

“Okay. Wait while I close my eyes. Here we are. I’m in New York. I’m a boy. We are in the 80s. I hope to meet Robert De Niro. I spend hours and hours in front of the Lee Strasberg Theatre & Film Institute, dreaming of studying with film legends. I’m broke. I sleep in the car”.

Wow, that was hard...

“Very hard. I was an unemployed actor who had no intention to give up on his dream. Inside me I was convinced that I would make it, which is why I showed up for every possible audition. Then came the role of drug dealer Russell “Stringer” Bell in the TV series The Wire, and I finally made my debut on the international scene… exactly in the “land” of De Niro, my favorite actor!”.

Did you want to become like him?

“Yes. When I was I child I even skipped school to see Once Upon a Time in America! What an interpretation! As the film ended, I said to myself: when I grow up I want to be an actor. And so it was.”

I’ll bet your parents in London to be happy to have such a famous son!

“Absolutely not!”.

What do you mean?

“My father was a workman, for him acting meant starving, living on dreams. I was born in Hackney, a problematic area of London, there are no famous actors who grew up there. For him it was a dead-end career”.

And what about your mother?

“My mother told me that if that was really my dream, I had her approval”.

How did your parallel career as a DJ begin?

“It was born a bit out of necessity - I had to pay the bills and eat! - a little out of passion. I grew up listening to reggae and dancehall, but at home, with my parents, we listened to a lot of blues, jazz and even country, so I started creating special compilations... so music was a way to earn money and at the same time to express my creativity”.

Immaginiamo di salire su una macchina del tempo. Come mi descrivi l’inizio della tua avventura negli Stati Uniti?

“Ok. Aspetta che chiudo gli occhi. Ci siamo. Sono a New York. Sono un ragazzo. Siamo negli anni ‘80. Spero di incontrare Robert De Niro. Passo ore e ore davanti al Lee Strasberg Theatre & Film Institute, sognando di studiare con le leggende del cinema. Sono al verde. Dormo in macchina”.

Accipicchia, è stata dura…

“Durissima. Ero un attore disoccupato che non aveva nessuna intenzione di lasciare andare il suo sogno. Dentro di me ero convinto che ce l’avrei fatta, per questo mi presentavo a tutte le audizioni possibili. Poi è arrivato il ruolo dello spacciatore Russell “Stringer” Bell nella serie televisiva The wire, e finalmente ho fatto il mio esordio sulla scena internazionale… proprio nella ‘terra’ di De Niro, il mio attore preferito!”.

Volevi diventare come lui?

“Sì. Da ragazzino ho persino saltato la scuola per andare a vedere C’era una volta in America! Che interpretazione! Come il film è finito, mi sono detto: da grande farò l’attore. E così è stato”.

Immagino i tuoi genitori, a Londra, saranno stati felici di avere un figlio famoso!

“Assolutamente no!”.

Come sarebbe?

“Mio padre era operaio, per lui recitare significava fare la fame, vivere di sogni. Sono nato ad Hackney, una zona problematica di Londra, non ci sono attori famosi cresciuti lì. Per lui era una carriera senza prospettive”.

E tua madre?

“Mia madre mi ha detto che se quello era davvero il mio sogno, avevo il suo benestare”.

Com’è nata, invece, la tua carriera parallela di DJ?

“È nata un po’ per necessità - dovevo pagare le bollette e mangiare! - un po’ per passione. Sono cresciuto ascoltando reggae e dancehall, ma a casa, con i miei, ascoltavamo molto blues, jazz e anche country, così ho iniziato a creare delle compilation particolari … perciò la musica è stata un mezzo per guadagnare e allo stesso tempo esprimere la mia creatività”.

What secrets does “the sexiest man in the world” have to keep himself so fit?

“You should ask him! I was the sexiest one for just a year, in 2018!”.

I’m sure that for your fans this will last forever!

“(He bursts out laughting). My work encourages me to take care of my body and my health. I take vitamins, that’s why my skin looks good, my eyes are bright and my body is in good shape”.

Exercise?

“A lot. I usually get up at 5am in the morning. I like jumping rope, it regenerates me in a few minutes. If I can I run and then I add a hundred push-ups. I often swim. I love shadowboxing, it’s one of the best workouts you can do. No equipment is needed and it works all your mucles. That’s what Nelson Mandela did in his cell!”.

Do you follow a special diet?

“Not exactly. I learned what foods to eat and at what times, and to avoid cheese, lactose and similar products. I never skip breakfast, which is made of cereals and eggs”.

A food you can’t resist?

“I’m crazy for African food”.

A dessert, sometimes?

“My favorite midnight snack is a teaspoon of honey, or…”

Or…?

“A nougat bar with caramel! Only in exceptional cases, of course!”.

Che segreti ha “l’uomo più sexy del mondo” per mantenersi così in forma?

“Dovresti chiederlo a lui! Io lo sono stato solo per un anno, nel 2018!”.

Sono convinta che per i tuoi fan tu lo sia indefinitamente!

“(Scoppia in una risata). Il mio lavoro mi sprona a prendermi cura del mio fisico e della mia salute. Assumo delle vitamine, motivo per cui la mia pelle ha un bell’aspetto, i miei occhi sono luminosi e il mio corpo è in forma”.

Attività fisica?

“Tanta. Di solito mi alzo alle 5 del mattino. Mi piace saltare la corda, in pochi minuti mi rigenera. Se riesco corro e poi aggiungo un centinaio di flessioni. Spesso nuoto. Adoro la shadowboxing (ovvero il pugilato a vuoto), è uno dei migliori allenamenti che si possano fare. Non è necessaria alcuna attrezzatura e fa lavorare tutti i muscoli. È quello che Nelson Mandela faceva nella sua cella!”.

Segui una dieta speciale?

“Non proprio. Ho imparato quali cibi mangiare e a che ora, e ad evitare formaggi, lattosio e prodotti simili. Non salto mai la colazione, fatta di cereali e uova”.

Un piatto a cui non sai resistere?

“Vado pazzo per il cibo africano”.

Un dolcino, mai?

“Il mio spuntino di mezzanotte preferito è un cucchiaino di miele, o…”

O…?

“Una barretta di torrone con il caramello! Solo in casi eccezionali, s’intende!”.

Sabrina Dhowre, Idris and Isan Elba

Out of curiosity, what do you think of yourself aesthetically? Do you find yourself handsome?

“God forbid! When I was younger - now I’m 51 - I hated my smile. I thought it made me look stupid! Then, however, I realized that a smile is contagious and makes everyone beautiful”.

To close, I’m the Genie of the Lamp: what is your wish?

“It’s about Italy. I would like to visit the Elba Island... Think about it, an entire island with my surname. I’m very curious! As if it was a little bit mine!”.

Una curiosità, cosa pensi esteticamente di te? Ti trovi bello?

“Per carità! Quando ero più giovane, ora ho 51 anni, odiavo il mio sorriso. Pensavo mi facesse apparire stupido! Poi, invece, ho capito che il sorriso è contagioso e rende tutti belli”.

Per chiudere. Sono il Genio della Lampada: qual è il tuo desiderio?

“Riguarda l’Italia. Vorrei visitare l’Isola d’Elba…pensa te, un’intera isola con il mio cognome. Sono curiosissimo! È come se la sentissi un po’ mia!”.

Mercedes-AMG Classe C Station-wagon.

Mercedes-AMG C 63 S E PERFORMANCE

Station Wagon «Executive Edition», 476 + 204 CV (350 + 150 kW), 6,9 l/100 km, 156 g CO 2 /km, Categoria di efficienza energetica: G.

Mercedes-Benz Automobili SA vicino a lei:

Lugano Via Pian Scairolo 31 · T 091 986 45 45 · merbag.ch/lugano Mendrisio Via Borromini 5 · T 091 640 60 30 · merbag.ch/mendrisio

La nuovissima Mercedes-AMG C 63 S E PERFORMANCE inaugura una nuova era per i veicoli ad alte performance e di qualità eccellente di Mercedes-AMG.

55 anni dopo la fondazione di AMG, la Station-wagon della C 63 S E PERFORMANCE raggiungono l’incredibile potenza del sistema di 680 CV e 1020 Nm grazie al know-how della Formula 1.

Venite da noi!

THIS SPRING WE RETURN TO THE ORIGINS

Text by Valentino Odorico

Versace Spring Collection

Spring awakens the memory of distant lands, of the origins of each of us, of essentiality which, through clothes, narrates craftsmanship, passion, warm colors, graphics. A fashion that just this once embraces a thought that speaks at both men and women, capable of going beyond ostentation, focusing on details that tell of one’s personality and inner world.

For VERSACE, youth, personal confidence and the energy of city life are the starting point of a collection designed for a complete life; from particularly essential wardrobe pieces, to sensual and bold evening dresses, there is an immediacy based on the Atelier’s know-how.

In the words of Donatella Versace: “Fresh and graphic. The Versace summer is made of color and shininess, tailoring and soft draping. I love the contrast between boxy suits and the transparency of an evening dress. The Atelier’s craftsmanship lessons are applied to create something super refined. This collection is joyful and edgy. The Versace woman is free and vibrant. The Versace man is confident and bold”.

La stagione primaverile risveglia il ricordo di terre lontane, delle origini di ogni persona, di essenzialità che, attraverso gli abiti, narra artigianalità, passione, colori caldi, grafismi. Una moda che per una volta abbraccia un pensiero rivolto sia all’uomo, sia alla donna, capaci di andare oltre l’ostentazione, soffermandosi su dettagli che raccontano la propria personalità e il proprio mondo interiore.

Per VERSACE la giovinezza, la fiducia personale e l’energia della vita cittadina sono il punto di partenza di una collezione pensata per una vita completa; dai pezzi del guardaroba particolarmente essenziali, fino agli abiti da sera sensuali e grintosi, c’è un’immediatezza basata sul know-how dell’Atelier.

“Fresca e grafica. Questa è un’estate Versace fatta di colore e lucentezza, sartorialità e morbidi drappeggi. Adoro il contrasto tra i tailleur squadrati e la trasparenza di un abito da sera. Le lezioni di artigianalità dell’Atelier vengono applicate per realizzare qualcosa di super raffinato. Questa collezione è gioiosa e tagliente. La donna Versace è libera e vibrante. L’uomo Versace è sicuro di sé e audace”, queste le parole di Donatella Versace.

Versace Spring Collection 2024

Versace Spring Collection 2024

Versace Spring Collection 2024

Aigner Spring Collection 2024

The AIGNER collection is inspired by the artistic dimension of the Arts and Crafts movement of the late 19th century. The main themes of the movement are the return to craftsmanship and the use of high-quality materials of natural and sustainable origin, both key elements of the new collection. These are visually interpreted through colors derived from the floral and naturalistic universe, lush and refined patterns. Christian Alexander Beck, creative director of the brand, presents contemporary and exceptional looks that alternate surprising and sculptural designs, oversized looks and transparent suits with an artistic approach.

Catwalk debut for LOORA PWD by designer, entrepreneur, actress, model and queen of TikTok Loora Wang. Determined, feminist, emancipated and independent, the designer presents herself as “a woman for women”, with collections that go beyond catwalk or red carpet looks. Fine fabrics, silk and prints with an oriental flavor create a bridge between East and West, for a brand increasingly oriented towards more sustainable production: an agreement with one of the major Italian companies specializing in eco-sustainable materials is expected in September, which will allow the brand to give its garments an even greener and more inclusive direction.

La collezione AIGNER è ispirata alla dimensione artistica del movimento Arts and Crafts della fine del XIX secolo. I temi principali del movimento sono il ritorno all’artigianato e l’uso di materiali di alta qualità di origine naturale e sostenibile, entrambi elementi chiave della nuova collezione. Questi vengono interpretati visivamente attraverso colori derivati dall’universo floreale e naturalistico, fantasie lussureggianti e raffinate. Christian Alexander Beck, direttore creativo del brand, presenta look contemporanei ed eccezionali che alternano design sorprendenti e scultorei, look oversize e completi trasparenti con un approccio artistico.

Debutto in passerella per LOORA PWD della stilista, imprenditrice, attrice, modella e regina di TikTok Loora Wang. Determinata, femminista, emancipata e indipendente, la stilista si presenta come “una donna per le donne”, con collezioni che vanno oltre i look da passerella o da red carpet.

Tessuti pregiati, seta e stampe dal sapore orientale, che creano un ponte tra oriente e occidente, per un brand sempre più orientato a una produzione maggiormente sostenibile: in programma per settembre l’accordo con una delle maggiori aziende italiane specializzate in materiali ecosostenibili che permetterà al brand di dare ai suoi capi un indirizzo ancora più green e inclusivo.

Aigner Spring Collection 2024

Aigner Spring Collection 2024

Loora PWD Spring Collection 2024

Loora PWD Spring Collection 2024

PRADA by Miuccia Prada and Raf Simons presents, for the male world, absolute freedom of the body, expressed through the cornerstones of the clothes that envelop it. The shirt is the starting point, its structure and details become the basis for transforming an entire wardrobe of men’s clothing, from suits to raincoats, from technical clothing to reporter jackets. Starting from simplicity, the collection proposes the expansion and amplification of an idea, a paradox between silhouette and materiality in which each construction is rethought, reconstructed. The ultimate goal is constant awareness of the body moving freely. A fluidity that challenges the conventional language of sartorial rigidity. Lightness and softness become the main qualities of the clothes, creating a fluctuating relationship between the body and what covers it.

For FEDERICO CINA the inspiring word is “Terra”; in summer the soil becomes dark, the clods harden, the air is dry under the sun. The trees cast their pools of shade. The designer thus returns to his dearest theme, his homeland, this time addressing to the history of this land, how it was cultivated, nourished and worked. Here the color palette revolves around the beige of the wheat fields in the evening, the brown of the parched soil, the dirty white of the walls, the green of the vegetation and the black of the leafy shadows.

PRADA di Miuccia Prada e Raf Simons propone, per il mondo maschile, un’assoluta libertà del corpo, espressa attraverso i capisaldi degli abiti che lo avvolgono. La camicia è il punto di partenza, la sua struttura e i suoi dettagli diventano la base per trasformare un intero guardaroba di capi maschili, dagli abiti agli impermeabili, dagli indumenti tecnici alle reporter jacket. Partendo dalla semplicità, la collezione propone l’espansione e l’amplificazione di un’idea, un paradosso tra silhouette e materialità in cui ogni costruzione viene ripensata, ricostruita. L’obiettivo finale è la costante consapevolezza del corpo che si muove libero. Una fluidità che mette in discussione il linguaggio convenzionale della rigidità sartoriale. Leggerezza e morbidezza diventano le qualità principali degli abiti, creando un rapporto fluttuante tra il corpo e ciò che lo riveste.

Per FEDERICO CINA la parola ispiratrice è “Terra”; d’estate la terra si fa scura, le zolle si induriscono, l’aria è secca sotto il sole. Gli alberi proiettano le loro pozze d’ombra. Lo stilista ritorna così al suo tema più caro, che è la sua terra d’origine, ma questa volta lo fa rivolgendosi alla storia di questa terra, a come è stata coltivata, nutrita, lavorata. Ecco che la palette colore ruota attorno al beige dei campi di grano alla sera, al marrone della terra arsa, al bianco sporco dei muri, al verde della vegetazione e il nero delle ombre frondose.

Prada Spring Collection 2024

Prada Spring Collection 2024

Federico Cina Spring Collection 2024

Prada Spring Collection 2024

Hotel San Clemente Palace Kempinski Venice always alongside the Biennale

Unforgettable experiences await Venice guests during the 60 th International Art Exhibition at The Biennale. In one of the most exclusive and historic hotels in Europe, art becomes the protagonist between special exhibitions in the hotel and in its luxurious gardens and the retrieved and rediscovered artworks, part of San Clemente Church heritage.

Esperienze indimenticabili attendono gli ospiti di Venezia durante la 60 a Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale. In uno degli hotel più esclusivi e storici d’Europa, l’arte diventa protagonista tra mostre speciali in hotel e nei suoi rigogliosi giardini e opere recuperate e riscoperte, parte del patrimonio della Chiesa di San Clemente.

Text by Valentino Odorico

Imperial staircase, hotel lobby

The five-star Hotel San Clemente Palace Kempinski Venice, nestled on the island of San Clemente in the central lagoon, 10 minutes away from San Marco, the heart of Venice, and with complimentary scheduled shuttle boats every 40 minutes, is famous to boast the largest and most exclusive suite in Venice. The 196 accurately decorated rooms and suites offer a harmonious blend of contemporary and Renaissance style and, for those in search of relaxation, the holistic Spa center - The Merchant of Venice Spa - offers a sanctuary of serenity where one experiences treatments of Oriental charm.

The heated outdoor swimming pool surrounded by exotic palm trees and exclusive cabanas, the nearly 15 acres of ancient gardens, a golf course, the tennis and volleyball courts, the jogging path and a fully equipped fitness center, in addition to a kids’ club and culinary delights as the “Best Italian Restaurant in Europe” by Haute Grandeur Awards, Acquerello, complete the exceptional accommodation offer.

But San Clemente Palace Kempinski Venice is more than just a stately resort. It’s a hub for art and culture with its annual art installations that complement the Venice Biennale. This year The World’s Biggest Art Biennale, the International Art Exhibition Venice at its 60th edition, will start from 17th April until 24th November 2024 and during the period the Hotel will be displaying many artworks in the gardens together with complimentary shuttle boats that will bring the guests from the Hotel to the various art exhibition spaces from 17th to 19th April.

Il cinque stelle San Clemente Palace Kempinski Venice sull’isola di San Clemente nella laguna centrale, a 10 minuti da San Marco, il cuore di Venezia, e con navette gratuite di linea ogni 40 minuti, è famoso per la suite più grande ed esclusiva di Venezia. Le 196 camere e suite accuratamente arredate regalano un’armoniosa fusione di stile contemporaneo e rinascimentale e, per chi è alla ricerca di relax, il centro benessere olistico - The Merchant of Venice Spa - è un santuario di serenità dove provare trattamenti dal fascino orientale.

La piscina esterna riscaldata circondata da palme esotiche e cabane esclusive, i quasi 15 acri di giardini secolari, un campo da golf, campi da tennis e pallavolo, il percorso jogging e un centro fitness completamente attrezzato, oltre a un miniclub e delizie culinarie come il “Miglior ristorante italiano in Europa” secondo gli Haute Grandeur Awards, Acquerello, completano l’eccezionale offerta di soggiorno. Ma il San Clemente Palace Kempinski Venice è molto più di un resort maestoso. È un centro per l’arte e la cultura con installazioni artistiche annuali che arricchiscono la Biennale di Venezia. Quest’anno la Biennale d’Arte più grande del mondo, l’Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia giunta alla sua 60a edizione, inizierà dal 17 aprile al 24 novembre 2024 e durante questo periodo l’Hotel esporrà molte opere d’arte nei giardini e metterà a disposizione navette gratuite per portare gli ospiti dall’Hotel ai vari spazi espositivi tra il 17 e il 19 aprile.

Hotel bar at sunset

San Clemente Church

The island of San Clemente, settled in 1131 thanks to the patronage of the Venetian merchant Pietro Gattilesso, also hosts the 900-years old historical San Clemente Church, whose name pays homage to Pope Clement I, a martyr and patron saint of seamen. Gattilesso himself funded the construction of the church, along with a hospice for pilgrims and soldiers bound for the Holy Land during the Crusades. In 1643, the Venetians, as an act of gratitude for surviving the plague epidemic in 1630, funded the construction of a new church within San Clemente Church, modeled after the Holy House of Loreto. In more recent years the property changed ownerships until the present management, which transformed San Clemente Palace into the prestigious hotel and resort everybody knows.

La Chiesa di San Clemente

L’isola di San Clemente, fondata nel 1131 grazie al mecenatismo del mercante veneziano Pietro Gattilesso, ospita anche la storica chiesa di San Clemente, risalente a 900 anni fa, il cui nome rende omaggio a Papa Clemente I, martire e patrono dei marinai. Lo stesso Gattilesso finanziò la costruzione della chiesa, insieme a un ospizio per pellegrini e soldati diretti in Terra Santa durante le Crociate. Nel 1643 i veneziani, in segno di gratitudine per essere sopravvissuti all’epidemia di peste del 1630, finanziarono la costruzione di una nuova chiesa all’interno della chiesa di San Clemente, sul modello della Santa Casa di Loreto. Negli anni più recenti la struttura ha cambiato proprietà fino all’attuale gestione, trasformando il San Clemente Palace nel prestigioso hotel e resort che tutti conoscono.

Private dinner in the church library

San Clemente Church housed many artistic treasures like ancient sculptures which were stolen years ago. One of the latest retrieved pieces, thanks to the work of the Italian Ministry of Culture and Italian Carabinieri, that every year retrieve thousands of these pieces of historical artwork returning them to their original locations, is that of a renowned Flemish sculptor, Giusto Le Court, born in 1627 in Belgium and died in 1679 in Venice.

Giusto Le Court was a successful sculptor working on marble and bronze artwork with hundreds of perfectly crafted sculptures that have left a unique inheritance to Venice. Among many of his artworks, two of the guarding angels stolen 20 years ago were recently recovered in an antique shop in Napoli and retrieved by Carabinieri, who returned them to their original location, that is to say in San Clemente Church. Now the two guarding angels will be preserved by San Clemente Palace, that has been recently awarded as the Best Hotel in Venice particularly known for its respect for art and history, together with numerous other accolades racked up over the years, as Best Hotel in Venice in 2018 according to Condé Nast Readers’ Choice. The Hotel is also the perfect location for weddings, being awarded as Best Wedding Resort in 2019 at the World Travel Awards, ideal venue for business meeting and #1 Hotel in Venice and Top 20 in the World.

La Chiesa di San Clemente ospitava molti tesori artistici come sculture antiche che furono rubate anni fa. Uno degli ultimi pezzi recuperati, grazie al lavoro del Ministero della Cultura italiano e dei Carabinieri, che ogni anno recuperano migliaia di queste opere d’arte storiche riportandole nei loro luoghi originali, è quello di un famoso scultore fiammingo, Giusto Le Court, nato nel 1627 in Belgio e morto nel 1679 a Venezia.

Giusto Le Court era uno scultore di successo che lavorava opere d’arte in marmo e bronzo con centinaia di sculture perfettamente realizzate che hanno lasciato un’eredità unica a Venezia. Tra le tante sue opere, due degli angeli custodi rubati 20 anni fa sono stati recentemente ritrovati in un negozio d’antiquariato a Napoli e recuperati dai Carabinieri, che li hanno riportati dove si trovavano originariamente, ovvero nella Chiesa di San Clemente. Ora i due angeli saranno custoditi dal San Clemente Palace, recentemente premiato anche come Miglior Hotel di Venezia e particolarmente noto per il suo rispetto per l’arte e la storia, insieme a numerosi altri riconoscimenti collezionati negli anni, come il Miglior Hotel di Venezia nel 2018 secondo Condé Nast Readers’ Choice. L’Hotel è anche la location perfetta per matrimoni, premiato come Miglior Wedding Resort nel 2019 ai World Travel Awards, sede ideale per business meeting e Hotel n. 1 a Venezia e Top 20 al mondo.

Church wedding

Marco Polo suite

Insieme courtyard

Acquerello restaurant

Every year, the San Clemente Palace also mounts exhibitions of artworks by international artists. In 2024 it will be the turn of the exhibition ORGANISM, that will be held concurrently with the 2024 Venice Biennale. The exposition will concentrate on massive, complex works that represent the ambiguities between materialism and the imagined, featuring works by the renowned Korean artist, Seung-Hwan Kim. Kim’s ORGANISM series skillfully captures intricate changes in natural forms, representing the order and eternal nature found in the world around us. The extraordinary sculptures of Seung-Hwan Kim, displayed in the elegant park of the Hotel, will push the boundaries of the medium, and explore the interplay between nature, light and color. The exhibition in general pays homage to Venice’s artistic heritage, showcasing the artist’s exceptional talent and his exploration of nature’s wonders. Seung-Hwan Kim invites everybody to contemplate the delicate balance between materiality and immateriality, and the interplay of light and atmosphere.

Ogni anno il San Clemente Palace allestisce anche mostre di opere d’arte di artisti internazionali. Nel 2024 sarà la volta della mostra ORGANISM, che si terrà in concomitanza con la Biennale di Venezia 2024. L’esposizione si concentrerà su lavori imponenti e complessi che rappresentano le ambiguità tra materialismo e immaginario, con opere del famoso artista coreano Seung-Hwan Kim. La serie ORGANISM di Kim cattura abilmente i cambiamenti intricati nelle forme naturali, rappresentando l’ordine e la natura eterna che si trovano nel mondo che ci circonda. Le straordinarie sculture di Seung-Hwan Kim, esposte nell’elegante parco dell’Hotel, spingeranno i confini dell’arte ed esploreranno l’interazione tra natura, luce e colore. La mostra in generale rende omaggio al patrimonio artistico di Venezia, mettendo in mostra l’eccezionale talento dell’artista e la sua analisi delle meraviglie della natura. Seung-Hwan Kim invita tutti a contemplare il delicato equilibrio tra materialità e immaterialità e l’interazione tra luce e atmosfera.

Spa suite

Artwork in the hotel’s park

Sunset on the lagoon

Albert Watson living legend of photography

Albert Watson has been one of the world’s most prolific and successful photographers since his career began in 1970. His work has produced some of the most iconic images ever seen, ranging from fine art to fashion to commercial photography. According to the photography industry bible, Photo District News, Watson is one of the 20 most influential photographers of all time, along with Irving Penn and Richard Avedon.

Albert Watson è uno dei fotografi più prolifici e di successo al mondo sin dall’inizio della sua carriera, iniziata nel 1970. La sua opera annovera alcune delle immagini più iconiche mai viste, e spazia dalle belle arti alla moda alla fotografia commerciale. Secondo la bibbia del settore fotografico, Photo District News, Watson è uno dei 20 fotografi più influenti di tutti i tempi, insieme a Irving Penn e Richard Avedon.

Text by Valeria Rastrelli

Ana Cunya - New York City

Albert Watson was born and raised in Edinburgh, Scotland. He studied graphic design at the Duncan of Jordanstone College of Art and Design in Dundee and film and television at the Royal College of Art in London. Although blind in one eye since birth, he studied photography and in 1970 moved to the United States with his wife who found work as an elementary school teacher in Los Angeles, where Albert began taking photos, primarily as a hobby. In the same year, Albert met an artistic director of Max Factor, who offered him his first test session, from which the company purchased two shots. Albert’s distinctive style caught the attention of American and European fashion magazines such as Mademoiselle, GQ and Harper’s Bazaar, which hired him for a shoot with Alfred Hitchcock, the first celebrity to be photographed by the artist. Shortly thereafter, Albert began moving between Los Angeles and New York, and in 1975 he won a Grammy for photography on the cover of Mason Proffit’s “Come and Gone” album. In 1976, Albert landed his first job at Vogue, and with his move to New York later that year, his career took off.

Albert Watson è nato e cresciuto a Edimburgo, in Scozia. Ha studiato graphic design al Duncan of Jordanstone College of Art and Design di Dundee e cinema e televisione al Royal College of Art di Londra. Sebbene cieco da un occhio dalla nascita, studiò fotografia e nel 1970 si trasferì negli Stati Uniti con la moglie, che trovò lavoro come insegnante di scuola elementare a Los Angeles, dove Albert iniziò a fotografare, principalmente per hobby. Nello stesso anno Albert incontra un direttore artistico della Max Factor, che gli propone la sua prima sessione di prova, dalla quale la compagnia acquista due scatti. Lo stile distintivo di Albert attirò l’attenzione delle riviste di moda americane ed europee come Mademoiselle, GQ e Harper’s Bazaar, che lo ingaggiarono per un servizio con Alfred Hitchcock, la prima celebrità ad essere fotografata dall’artista. Poco dopo, Albert iniziò a spostarsi tra Los Angeles e New York, e nel 1975 vinse un Grammy per la fotografia sulla copertina dell’album “Come and Gone” di Mason Proffit. Nel 1976, Albert ottenne il suo primo lavoro presso Vogue e, con il suo trasferimento a New York nello stesso anno, la sua carriera decollò.

Mick Jagger & the Leopard - Los Angeles

Over the past forty years Albert Watson’s multithematic oeuvre has produced an exceptionally diverse portfolio spanning fashion and portraits, nudes and dance, still lifes and landscapes, photo essays and advertising campaigns. Yet, however diverse, his portfolio maintains an exceptional coherence of graphic purity through which the artist strips his images to distill their essence. The result shots are clear and intense and enhance the subject. Albert’s photographs have appeared in more than 100 covers of Vogue worldwide and featured in countless other publications, from Rolling Stone to Time to Harper’s Bazaar. Albert has also created the photography for hundreds of ad campaigns for major companies, such as Prada, the Gap, Levi’s, Revlon and Chanel. He has shot dozens of Hollywood movie posters, such as “Kill Bill” and “Memoirs of a Geisha”, directed more than 100 television commercials and portrayed rock stars, rappers, actors and other celebrities such as Alfred Hitchcock and Steve Jobs.

Negli ultimi quarant’anni l’opera multitematica di Albert Watson ha prodotto un portfolio eccezionalmente diversificato che spazia da moda e ritratti, nudi e danza, nature morte e paesaggi, saggi fotografici e campagne pubblicitarie. Eppure, per quanto diversificato, il suo portfolio mantiene un’eccezionale coerenza di purezza grafica, attraverso la quale l’artista spoglia le sue immagini per distillarne l’essenza. Il risultato degli scatti è chiaro e intenso, capace di valorizzare i soggetti. Le fotografie di Albert sono apparse in più di 100 copertine di Vogue in tutto il mondo e in innumerevoli altre pubblicazioni, da Rolling Stone a Time ad Harper’s Bazaar. Albert ha realizzato scatti anche per centinaia di campagne pubblicitarie per grandi aziende, come Prada, The Gap, Levi’s, Revlon e Chanel, ha scattato decine di locandine di film di Hollywood, come “Kill Bill” e “Memorie di una Geisha”, ha diretto più di 100 spot televisivi e ha ritratto rock star, rapper, attori e molte altre celebrities come Alfred Hitchcock e Steve Jobs.

Jack Nicholson in Aspen - Rolling Stone magazine, 1981

Kate Moss

Alfred Hitchcock

Since 2004, Albert has had solo shows in several museums and galleries around the globe and group museum shows. His photographs are included in the permanent collections at the National Portrait Gallery, the Metropolitan Museum of Art, the Smithsonian, the Scottish Parliament, the Deichtorhallen, the Multimedia Art Museum, and the Museum Folkwang in Essen, Germany, among others. Albert has won numerous honors, including a Lucie Award, a Grammy Award, three Andys, a Der Steiger Award, a Hasselblad Masters Award; and the Centenary Medal, a lifetime achievement award from the Royal Photographic Society. Queen Elizabeth II awarded the Scotsman an Order of the British Empire (OBE) in June 2015 for his lifetime contribution to the art of photography.

Dal 2004 Albert ha tenuto sia mostre personali che collettive in diversi musei e gallerie in tutto il mondo. Le sue fotografie sono incluse nelle collezioni permanenti della National Portrait Gallery, del Metropolitan Museum of Art, dello Smithsonian, del Parlamento scozzese, del Deichtorhallen, del Multimedia Art Museum e del Museum Folkwang di Essen, in Germania, e in molte altre. Albert ha vinto numerosi riconoscimenti, tra cui un Lucie Award, un Grammy Award, tre Andys, un Der Steiger Award, un Hasselblad Masters Award e la Centenary Medal, un premio alla carriera della Royal Photographic Society. La Regina Elisabetta II ha conferito allo scozzese un Order of the British Empire (OBE) nel giugno 2015 per il suo contributo all’arte della fotografia.

Jack Nicholson

Christy Turlington King Casey

The visual language follows the artist’s distinctive rules and concepts of quality. Brilliant and grand, his photographs illuminate his subjects, particularly fetish objects and portraits, creating an almost meditative atmosphere. The variety of images connotes his natural predisposition for versatility, even if each shot is totally recognizable as his own thanks to pure power and technical virtuosity. And it’s precisely the search for perfection that has made Albert Watson one of the most sought-after photographers in the world.

The artist is represented by the Echo Fine Arts Gallery, a gallery based in the French Riviera. The gallery is also media partner of Excellence Magazine and of the digital platform beyond.luxury.

Il linguaggio visivo segue le regole e i concetti di qualità distintivi dell’artista. Brillanti e grandiose, le sue fotografie illuminano i soggetti, in particolare oggetti feticci e ritratti, creando un’atmosfera quasi meditativa. La varietà delle immagini connota la sua naturale predisposizione alla versatilità, anche se ogni scatto è totalmente riconoscibile come suo grazie alla pura potenza e al virtuosismo tecnico.

Ed è proprio la ricerca della perfezione ad aver reso Albert Watson uno dei fotografi più richiesti al mondo.

L’artista è rappresentato dalla Echo Fine Arts Gallery, una galleria con sede in Costa Azzurra. La galleria è anche media partner di Excellence Magazine e della piattaforma digitale beyond.luxury.

WHAT’S OLD is NEW AGAIN IN MIAMI

TWO ICONIC HISTORIC BUILDINGS ARE REJUVENATED AS HOTSPOTS

DUE ICONICI EDIFICI STORICI VENGONO RINNOVATI COME HOTSPOT

Text by Hope Gainer

In 2023, several nightlife impresarios waved their magic wands transforming two unique landmark buildings into incredible scenester hotspots. First up, first half of the year, was the transformation of the old Paris Theatre in South Beach into Queen Miami Beach. The second half of 2023 brought the revitalization of the Miami Women’s Club ground floor into Casadonna.

Nel 2023, alcuni imprenditori della vita notturna hanno alzato le loro bacchette magiche e trasformando due edifici storici unici in incredibili hotspot scenografici. Nella prima metà dell’anno, il vecchio Paris Theatre di South Beach è diventato il Queen Miami Beach, mentre la seconda metà del 2023 ha portato al rinnovamento del piano terra del Miami Women’s Club a Casadonna.

The Casadonna ©Ngoc Minh Ngo

So what makes these two very different, but equally unique places so special?

Both are architectural wonders with magnificent exterior & interior spaces that are now decked out with dynamic décor serving fabulous food to satisfy foodie aficionados’ appetites. And extraordinary entertainment is the icing on the cake.

Cosa rende così speciali questi due luoghi così diversi, ma ugualmente unici?

Entrambi sono meraviglie architettoniche con magnifici spazi esterni e interni, adornati da decorazioni dinamiche e che servono cibo favoloso per soddisfare gli appetiti degli appassionati della buona cucina. E l’intrattenimento straordinario è la ciliegina sulla torta.

QUEEN MIAMI BEACH

Queen is an uber-exclusive modern Japanese restaurant and lounge. It is a nostalgic world of elegance, glamour, power, and magnificence. It breathes new life into the iconic Paris Theater, built in 1945, restoring its original glory with over-the-top 21st century splendor. The nostalgic design emulates opulence and allure, honoring the glam of the past, while envisioning the mystique of the future. From the Rat Pack era of the 1950’s to the hedonistic nights of the 1990’s, the Paris Theater has evolved with the times and is reborn for a new generation via Queen Miami Beach. The goal is to elevate nightlife to a new era of posh, Miami has yet to see.

Acclaimed interior designer, Samy Chams, is the visionary behind the project, meticulously designing the space and taking guests on the extravagant journey as they move through the curved Art Deco passageway entrance corridor to the elegant Salon Lounge before reaching Queen’s transformative main dining room. There are also mezzanine levels and an elevated members-only VIP Lounge.

World-renowned Chef Julien Jouhannaud serves as Chief Culinary Officer overseeing local Executive Chef Mitchell Hesse. Together the pair has created a carefully curated menu that blissfully marries French techniques with Japanese ingredients. Dishes range from small plates to a curated raw and marinated section to sushi platters and seafood towers, which segue into heartier main courses followed by desserts that are both sculptural and elegant. There is an extensive cocktail program as well as worldclass wine and champagne lists.

The Salon Lounge area houses the main bar while a covert Omakase Counter lives on the second floor.

QUEEN MIAMI BEACH

Queen è un ristorante e lounge giapponese moderno ed esclusivo, un mondo nostalgico di eleganza, glamour, potere e magnificenza. L’iconico Paris Theater, costruito nel 1945, ritorna così in vita unendo la sua gloria originale con lo splendore esagerato del 21° secolo. Il design nostalgico emula opulenza e fascino, onorando il glamour del passato e immaginando il fascino del futuro. Dall’era Rat Pack degli anni ‘50 alle notti edonistiche degli anni ‘90, il Paris Theater si è evoluto con i tempi e rinasce per una nuova generazione attraverso il Queen Miami Beach. Con l’obiettivo di portare la vita notturna di Miami a una nuova e inedita espressione di lusso.

Il famoso interior designer Samy Chams, il visionario dietro il progetto, ha disegnato meticolosamente gli spazi accompagnando gli ospiti in un viaggio originale dal corridoio d’ingresso curvo in stile Art Déco fino all’elegante Salon Lounge, prima di raggiungere la rinnovata sala da pranzo principale del Queen. Presenti anche livelli mezzanino e una sala VIP sopraelevata riservata ai soli membri.

Lo chef di fama mondiale Julien Jouhannaud ricopre il ruolo di Chief Culinary Officer e supervisiona l’Executive Chef locale Mitchell Hesse. La coppia ha creato un menu attentamente curato che mixa eccellentemente le tecniche francesi con gli ingredienti giapponesi. La proposta spazia da piccoli piatti a una selezione accurata di crudi e marinati, fino a piatti di sushi e torri di frutti di mare, per poi passare a portate principali più sostanziose seguite da dessert scenografici ed eleganti allo stesso tempo. Ampia la lista di cocktail, vini e champagne di livello mondiale.

L’area Salon Lounge ospita il bar principale, mentre al secondo piano si trova un bancone Omakase nascosto.

The Queen Miami Beach

The Queen Miami Beach

While the décor and gourmet offerings may seem like the main course, it’s the upscale audience of beautiful people that adds to the overall ambiance. And the party really gets started at Queen when the live acrobatic show happens. A female performer dangling from ropes in front of the sensational gold iris does her magic, mesmerizing guests seated in their cushy banquettes. Dancing on the center stage is de rigueur for this avante-garde clientele who like to see and be seen. Matthieu Massa, entrepreneur, restaurateur, and sole owner of Queen Miami Beach said, “Our goal is to create the most beautiful, interesting, diverse and fun mix of people possible, on any given night.”

CASADONNA

Casadonna, a new Miami restaurant with Italian Riviera flair, is a first-of-its-kind partnership between two hospitality/ nightlife guru groups, Groot Hospitality and Tao Group Hospitality. It recently opened its doors in late October in Miami’s emerging Edgewater neighborhood alongside Biscayne Bay. It is in a waterfront 1926 landmark building that houses the Miami Women’s Club that was added to the National Register of Historic Places in 1974. The name plays homage to the Women’s Club with Casa meaning home and Donna meaning woman translated from Italian to English.

Anche se l’arredamento e le offerte gourmet possono sembrare il pezzo forte, è la clientela esclusiva a contribuire all’atmosfera generale. E la festa al Queen inizia davvero con lo spettacolo acrobatico dal vivo. Un’artista appesa alle corde, che si esibisce davanti al sensazionale iris dorato, compie la magia, ipnotizzando gli ospiti seduti sui comodi divanetti. Ballare sul palco centrale è d’obbligo per questa clientela d’avanguardia, che ama guardare ed essere guardata. Matthieu Massa, imprenditore, ristoratore e unico proprietario del Queen Miami Beach, ha dichiarato: “Il nostro obiettivo è creare il mix di clientela più bello, interessante, diversificato e divertente possibile, per ogni serata”.

CASADONNA

Casadonna, il nuovo ristorante di Miami dallo stile Riviera italiana, è una partnership unica nel suo genere, ideata da due gruppi di guru dell’ospitalità e della vita notturna: Groot Hospitality e Tao Group Hospitality. Il locale, aperto alla fine di ottobre, si trova nel quartiere emergente Edgewater, accanto a Biscayne Bay, in un edificio storico del 1926 sul lungomare che ospita il Miami Women’s Club, aggiunto al Registro Nazionale dei Luoghi Storici nel 1974. Il nome rende omaggio al Women’s Club utilizzando le parole italiane Casa e Donna per tradurre Home e Women.

The Queen Miami Beach

The Casadonna cuisine is Riviera-style Italian cooking with culinary techniques found in seaside towns like Naples, Taormina, and Positano. Signature dishes include Crispy Young Artichoke, Royal Dorade Aqua Pazza, Bistecca Fiorentina and a selection of pastas. A comprehensive crudo bar elevates the aperitivo in tandem with traditional antipasti starters.

The design spearheaded by Ken Fulk in collaboration with owners, David Grutman, Noah Tepperberg and Jason Strauss, agreed upon a grand palazzo aesthetic with a playful palette of pinks and blues. They wanted to have a sense of discovery as guests walk through the place like walking in a home from room to room. There is the Courtyard Bar, Garden Dining Room, Loggia Dining Room, and Ocean Bar and Lounge. A DJ booth is also here, but not the main event. It is meant for background music for the hybrid of fine dining and social dining. Designer Fulk mentioned that “The intoxicating part about Miami is the fact that you can live outside,” so he created an open-air living room on the terrace for alfresco dining and drinking.

Between the private VIP and celebrity lists of these collab partners, celebrity sightings are already a normality at Casadonna.

La cucina è italiana in stile Riviera e propone tutte le tecniche culinarie tipiche delle città di mare come Napoli, Taormina e Positano. I piatti d’autore includono carciofi croccanti, acqua pazza Royal Dorade, bistecca alla fiorentina e una selezione di pasta. Il bar eleva il livello dell’aperitivo proponendo crudi in tandem con antipasti tradizionali.

Il design guidato da Ken Fulk in collaborazione con i proprietari, David Grutman, Noah Tepperberg e Jason Strauss, propende per un’estetica da grande palazzo con una allegra palette di rosa e blu, a favorire il senso di scoperta degli ospiti nell’attraversare la location, come se camminassero in una casa da una stanza all’altra. Il locale ospita il Courtyard Bar, la sala da pranzo in giardino, la sala da pranzo nella loggia e l’Ocean Bar and Lounge, con cabina per DJ. Ma non è la sua funzione principale. È pensata per la musica a sottofondo di ibridi tra cucina raffinata e cene sociali. Secondo il designer Fulk, “La parte inebriante di Miami è poterla vivere all’aperto”, e ha quindi creato un soggiorno outdoor sulla terrazza per cenare e bere all’aperto.

Grazie alle liste private di VIP di questi partner, gli avvistamenti di celebrities sono già una consuetudine a Casadonna.

©Cristian Gonzalez_CG Media

©Cristian Gonzalez_CG Media

The Casadonna ©Ngoc Minh Ngo

The Casadonna ©Ngoc Minh Ngo

The Casadonna ©Ngoc Minh Ngo

OUT OF NOWHE RE

Text by Carlo De Bernardi

Photography by Rémi Dargegen

In the mid-Sixties the Italian automotive panorama was largely made up of small cars that had powered the country in the previous decade after the difficult years of the postwar period; they were mainly Fiat 600s and 500s, a few 1100s and rare Lancia Appias and Fulvias for the more conservative and Alfa Romeo Giulietta and Giulia for the more sporty ones. So imagine what emotions brought seeing the Lamborghini Miura! An object that seemed to arrive directly from the future, a spaceship that landed on Planet Earth for a few, or rather very few, lucky motorists (exactly 763 between 1966 and 1973). Not only the shape and performances made heads turn, but also the brazenly modern, even psychedelic colors in a sea of white, beige or sadly “Mouse grey” cars...

A metà degli Anni Sessanta il panorama automobilistico italiano era in grandissima parte composto da utilitarie che avevano motorizzato il Paese nel decennio precedente, dopo gli anni difficili dell’immediato dopo guerra: erano soprattutto Fiat 600 e 500, qualche 1100 e rare Lancia Appia e Fulvia per i più conservatori e Alfa Romeo Giulietta e Giulia per i più sportivi. Immaginatevi quindi quali emozioni doveva suscitare la vista di una Lamborghini Miura! Un oggetto arrivato direttamente dal futuro, un’astronave atterrata sul Pianeta Terra per pochi, anzi pochissimi fortunati automobilisti (esattamente 763 tra il 1966 e il 1973). Ma non erano solo le forme e le prestazioni a far girare la testa, ma anche i colori sfacciatamente moderni, addirittura psichedelici, in un mare di auto bianche, beige o tristemente “Grigio topo”…

The Lamborghini Miura’s origins date back to the year preceeding its real sale: in 1965, in fact, the company had already exhibited at the Turin show a chassis called TP400 which featured the same engine and suspensions mounted on the 400 GT twelve months earlier. Some innovations, however, had already given a glimpse of the brand’s turn towards sports models: Gian Paolo Dallara and Paolo Stanzani had introduced the central engine layout inspired by Ford and Ferrari, however mounting the engine in a transversal position between the passenger compartment and the rear axle. An innovation that did not go unnoticed, so much that Nuccio Bertone, owner of the body shop of the same name, set out to develop a body that would further embellish the heart of the car. After just four months of work, therefore, the Miura was born, so named because Ferruccio Lamborghini, a Taurus, wanted to pay homage to the breeder Don Eduardo Miura Fernandez.

Le origini della Lamborghini Miura risalgono all’anno precedente la sua effettiva commercializzazione: nel 1965, infatti, l’azienda aveva già esposto al salone di Torino un autotelaio denominato TP400 che prevedeva lo stesso motore e le stesse sospensioni montate sulla 400 GT dodici mesi prima. Alcune novità, però, avevano già lasciato intravedere la svolta del marchio verso i modelli sportivi: Gian Paolo Dallara e Paolo Stanzani avevano introdotto lo schema a motori centrale ispirato dalla Ford e dalla Ferrari, montando però il propulsore in posizione trasversale tra l’abitacolo e l’assale posteriore. Un’innovazione che non passò inosservata, tanto che Nuccio Bertone, proprietario dell’omonima carrozzeria, si propose di sviluppare una scocca che avrebbe ulteriormente impreziosito il cuore della vettura. Dopo solo quattro mesi di lavoro, dunque, nacque la Miura, così battezzata poiché Ferruccio Lamborghini, del segno del toro, volle omaggiare l’allevatore Don Eduardo Miura Fernandez.

The car was officially presented at the Geneva Motor Show in 1966 and the response was sensational: many others were born from the first version, thus making it the most successful model ever produced by the Emilian car manufacturer. The first Lamborghini Miura P400 sent into production was developed by fixing some small problems highlighted by a prototype built in too short a timeframe: for example, magnesium alloy wheels were installed, a single disc clutch replaced the triple disc originally planned and a motor cover made of plastic to make heat dispersion more effective; the steel and aluminum bodywork, however, remained unchanged; the engine fitted was a 3.9 liters V12. All this allowed us to go from a sales forecast of only twenty units to the construction of more than one hundred machines in the first year. In 1968 the S version was released with a power of 370 HP and proved to be the best-selling of all the variants offered. Three years later the P400SV was presented: the SuperVeloce which, in addition to further increasing power to 385 HP, was equipped with separate lubrication systems for the engine and gearbox and wider bodywork and tyres. The last one was produced in 1973 for Luigi Innocenti (heir of the Lambretta inventor) before finally going out of production.

In the meantime, the Lamborghini Miura also began to be directed towards competitions: in 1970, in fact, Bob Wallace was the test driver of the Bolognese brand and he was entrusted with the task of creating a racing model taking as a basis the S version released two years earlier. The frame was replaced with a more rigid sheet metal structure and tubular elements; Koni suspensions and self-ventilating disc brakes were then also added. The engine was brought to a maximum power of 440 HP thanks to the inclusion of four Weber 46 IDL carburettors and a renewed compression ratio. Finally, some technical measures allowed the overall weight to be brought to 890 kilograms, 150 less than the traditional car. The result was named Jota, but Ferruccio’s aversion led the company to use the new car exclusively as a laboratory on which to carry out experiments to improve road cars: some innovations, indeed, were implemented on the P400SV and, in fact, a single example was produced, then sold and destroyed during a road accident.

After eight years and almost 800 examples produced, the Miura went out of production. Another creation by Ferruccio Lamborghini, which will go down (in more recent times) in history, replaced the dreams of every motorist in love with the brand: the Lamborghini Countach. But the Miura will always remain in heart of everyone like the great Hollywood divas of those unique and unrepeatable years.

L’auto venne ufficialmente presentata al Salone dell’automobile di Ginevra nel 1966 e il riscontro fu sensazionale: dalla prima versione ne nacquero molte altre, risultando così il modello più di successo mai prodotto dalla casa automobilistica emiliana. La prima Lamborghini Miura P400 mandata in produzione venne sviluppata sistemando alcuni piccoli problemi evidenziati da un prototipo realizzato in tempi troppo ristretti: vennero ad esempio installate ruote in lega di magnesio, una frizione monodisco in sostituzione a quella a triplo disco originariamente prevista e una copertura del motore in plastica per rendere più efficace la dispersione del calore; la carrozzeria in acciaio e alluminio, invece, rimase invariata; il motore montato fu un V12 da 3,9 litri. Tutto ciò permise di passare da una previsione di vendita di soli venti esemplari alla costruzione di più di cento macchine nel primo anno. Nel 1968 uscì la versione S con una potenza di 370 CV e risultò essere la più venduta tra tutte le varianti proposte. Tre anni più tardi venne presentata la P400SV: la SuperVeloce che, oltre ad aumentare ulteriormente la potenza a 385 CV, venne equipaggiata con sistemi di lubrificazione separati per motore e cambio e una carrozzeria e degli pneumatici più larghi. L’ultima venne prodotta nel 1973 per Luigi Innocenti (erede dell’inventore della Lambretta) prima di uscire definitivamente dalla produzione.

Nel frattempo, la Lamborghini Miura iniziò ad indirizzarsi anche verso le competizioni: nel 1970, infatti, Bob Wallace era il collaudatore del marchio di Bologna e a lui venne affidato il compito di dar vita a un modello da gara prendendo come base la versione S uscita due anni prima. A questa venne sostituito il telaio con una struttura più rigida in lamiera ed elementi tubolari; furono poi inseriti anche delle sospensioni Koni e dei freni a disco auto ventilanti. Il motore venne portato a una potenza massima di 440 CV grazie all’inserimento di quattro carburatori Weber 46 IDL e a un rinnovato rapporto di compressione. Alcuni accorgimenti tecnici, infine, permisero di portare il peso complessivo a 890 chilogrammi, ben 150 in meno rispetto all’auto tradizionale. Il risultato venne battezzato Jota, ma l’avversione di Ferruccio portò l’azienda a utilizzare la nuova vettura esclusivamente come laboratorio su cui eseguire degli esperimenti per migliorare le auto da strada: alcune innovazioni, infatti, furono implementate sulla P400SV e, di fatto, ne venne prodotto un unico esemplare poi venduto e andato distrutto durante un incidente stradale.

Dopo otto anni e quasi 800 esemplari prodotti la Miura uscì di produzione lasciando il posto nei sogni di ogni automobilista innamorato a un’altra creatura di Ferruccio Lamborghini che passerà (in tempi più recenti) alla storia: la Lamborghini Countach. Ma la Miura resterà sempre nel cuore di tutti come le grandi dive di Hollywood di quegli anni unici e irripetibili.

Izabela Corina Juncu

A perfume consultant in niche perfumery, collaborating with fragrance houses worldwide. Her knowledge and curatorial experience of perfumes create beautiful events and olfactory dinners combining different arts.

È una consulente di profumeria di nicchia che collabora con case di fragranze in tutto il mondo. Con la sua conoscenza ed esperienza curatoriale nel campo dei profumi crea bellissimi eventi e cene olfattive che abbinano arti diverse.

Text by Francesca Montuschi

She is the Founder and President of Romanian Fragrance Foundation, a non-governmental organization with the aim of supporting young and talented Romanians by establishing a national perfumery school.

She is the founder of Notorious Stories, a Perfume Club which brings people together amongst perfume afficionados, networking lovers and food gourmands. In her pursuit of excellence, she has organized events on the diplomatic scene, as well as private events and olfactory ateliers.

Izabela Corina Juncu has a long standing experience in translating scent into words, grace to the articles she writes on her blog, where she brings a new and exquisite perspective on the perfumery field, as well as special interviews with high value professionals in the luxury and art world.

È fondatrice e presidente della Romanian Fragrance Foundation, organizzazione non governativa che sostiene giovani e talentuosi rumeni attraverso una scuola nazionale di profumeria.

È la fondatrice di Notorious Stories, un Perfume Club che riunisce appassionati di profumi, amanti del networking e del buon cibo. Sempre alla ricerca dell’eccellenza, ha organizzato eventi nel mondo diplomatico, ma anche eventi privati e atelier olfattivi.

Izabela Corina Juncu ha una lunga esperienza nel tradurre il profumo in parole, anche grazie al suo blog, attraverso il quale racconta prospettive nuove e ricercate nel campo della profumeria, oltre a realizzare interviste speciali con professionisti di alto livello nel settore del lusso e del mondo dell’arte.

Who is Izabela-Corina Juncu?

“I am a woman like any other, with normal feelings and burning passions. I like to discover new things and I am endlessly fascinated especially by the people I meet in my professional field, each of these people leave their mark on my personality”.

What is niche perfumery consulting?

“Niche perfumery consultancy is a part of my business. I create a particular scent for brands, in order to identify themselves with their logo, values and elements of their company.

The olfactive logo is the new marketing trigger point which allows the luxury industry to prevail and to immerse immediately in a top level status”.

Chi è Izabela-Corina Juncu?

“Sono una donna come tante, con sentimenti normali e forti passioni. Mi piace scoprire cose nuove e sono infinitamente affascinata soprattutto dalle persone che incontro all’interno del mio ambito professionale, ognuna delle quali lascia un segno nella mia personalità”.

Cosa significa fare consulenza per la profumeria di nicchia?

‘La consulenza sui profumi di nicchia fa parte della mia attività. Creo un profumo particolare per i brand, in modo che si identifichino con il logo, i valori e gli elementi della propria azienda. Il logo olfattivo è il nuovo elemento di attivazione nel marketing che consente all’industria del lusso di distinguersi e di elevarsi immediatamente in uno status di primo livello”.

How was your professional journey: from studying Law to being the President of the Association of Perfumes and Aromatherapies of Romania?

“Studying Law has been an intellectual adventure, but I returned to my first love: perfumes. They have been part of my life since I was 8 years old”.

After finishing my studies, I had a career in the financial and legal fields. Without the experiences I had as an employee, I would not be the entrepreneur I am today.

“When I realized that I wanted to follow this passion, it was not easy at all. After a more difficult period I realized how important it is to channel your energy towards what makes you truly fulfilled and happy. Perfumes are the essence of my life.

The launching event was in the most prestigious building in Bucharest - The Royal Palace of Bucharest.

The Association of Perfumes and Aromatherapies in Romania represents my soul project, initiated from the desire to support young people in Romania who want to become perfumers and work in this industry.

The attachment to my country of birth, Romania, motivated me from an early age to give something back to the community I belong to”.

What is Notorious Stories?

“Notorious Stories is a Perfume Club where culture and fragrance meet. We have organized events at the Romanian National Opera, cultural institutions, embassies and amongst our clients are Trussardi, Bulgari, Kinetic Parfums. Organising and crafting a beautiful experience are the expertise of our company.

Notorious Stories aims to expand internationally in 2024. We have organised our first international event, in Italy, on the diplomatic scene and we have established a second headquarter in Milan. We are very happy to organise events such as olfactory dinners, perfume bars and scented spa experiences all over the world, starting with Milan and Paris”.

Raccontaci il tuo percorso professionale: dagli studi di Giurisprudenza all’essere Presidente dell’Association of Perfumes and Aromatherapies in Romania.

“Studiare Giurisprudenza è stata un’avventura intellettuale, ma sono tornata al mio primo amore: i profumi. Fanno parte della mia vita da quando avevo 8 anni”.

Dopo aver terminato gli studi, ho intrapreso la carriera nel campo finanziario e legale. Senza le esperienze vissute come dipendente non sarei l’imprenditore che sono oggi.

“Quando ho capito che volevo seguire questa passione, non è stato per niente facile. Dopo un periodo più difficile ho capito quanto sia importante incanalare la tua energia verso ciò che ti rende veramente realizzato e felice. I profumi sono l’essenza della mia vita. L’evento di lancio si è svolto nell’edificio più prestigioso di Bucarest: il Palazzo Reale di Bucarest.

L’Association of Perfumes and Aromatherapies in Romania è un progetto che nasce dall’anima, dal mio desiderio di sostenere i giovani rumeni nel diventare profumieri e lavorare in questo settore. L’attaccamento al mio paese natale, la Romania, mi ha motivato fin da piccola a restituire qualcosa alla comunità a cui appartengo”.

Che cos’è Notorious Stories?

“Notorious Stories è un Perfume Club dove cultura e fragranza si incontrano. Abbiamo organizzato eventi alla Romanian National Opera, presso le istituzioni culturali, nelle ambasciate. Tra i nostri clienti ci sono Trussardi, Bulgari, Kinetic Parfums. Organizzare e creare una bella esperienza sono parte dell’expertise della nostra azienda. Notorious Stories mira ad espandersi a livello internazionale nel 2024. Abbiamo organizzato il nostro primo evento internazionale, in Italia, nel settore diplomatico, e abbiamo fondato una seconda sede a Milano. Organizziamo eventi come cene olfattive, bar-profumerie ed esperienze spa con protagonisti i profumi in tutto il mondo, iniziando da Milano e Parigi”.

Tell us more about the concept of olfactory dinner.

“It is a multisensory dining experience that combines scent and food. It elevates the art of dining by infusing the place to enhance the overall ambiance.

We collaborate with renowned chefs and carefully design each course, pairing the food elements with perfume. The aromas are enhanced with herbs, spices and essential oils for creating a sensory journey with every dish. We also include interactive components, such as fragrance sampling, encouraging our guests to feel the connection between fragrance and the culinary experience”.

What is the first thing you do in the morning and the last thing when you go to bed?

“Praying. It’s also the last thing I do in the evening. My life is a story wrapped with two beautiful and warm covers: the hands of God”.

Thank you, Izabela, for sharing with us your odyssey of the world of perfumery!

Raccontaci di più sulle cene olfattive.

“Sono esperienze culinarie multisensoriali che uniscono profumo e cibo. Elevano l’arte della tavola profumando il luogo e migliorando l’atmosfera generale. Collaboriamo con chef rinomati e progettiamo con cura ogni portata, abbinando gli elementi del cibo al profumo. Gli aromi vengono esaltati con erbe, spezie e oli essenziali per creare con ogni piatto un viaggio sensoriale. Includiamo anche componenti interattivi, come il campionamento delle fragranze, incoraggiando i nostri ospiti a percepire la connessione tra la fragranza e l’esperienza culinaria”.

Qual è la prima cosa che fai al mattino e l’ultima prima di dormire?

“Pregare. È anche l’ultima cosa che faccio la sera. La mia vita è una storia avvolta da due coperte bellissime e calde: le mani di Dio”.

Grazie, Izabela, per aver condiviso con noi il tuo viaggio nel mondo della profumeria!

BY THE FINEST SEA WITH A WORLD OF WONDERFUL NEWS

There’s a world of news at Chia Laguna Resort this summer.

Conrad Chia Laguna is now ready to thrill couples and families who simply want the best. We’ve designed new experiences in contact with nature for curious grown-ups guests at Baia di Chia Resort Sardinia, Curio Collection by Hilton.

A host of new activities will make holidays even more exciting at Hotel Village, for families, youngest guests and even 4-legged friends.

It’s all ready now: we look forward to welcoming you by the finest sea.

Marrakech Magic: An exploration through its lush lodgings

Text by Sharla Ault - Creator of Sharlafied.com

Marrakech is the perfect first step on your exploration of the African continent. A heady mix of Arabic, French and African influences, this city is a sensory delight. As intricate as the colorful rugs found in the souk, its rich history and culture are woven into a modern tapestry.

AnaYela Riad: based on a magical love story

My journey into the heart of Marrakech begins with the exquisite AnaYela Riad. Hidden in the warrens of the historic medina, this retreat captures the essence of Moroccan hospitality. AnaYela, meaning “I am Yela” in Arabic, recounts the legend of a young girl whose love letter was found behind a wall in the riad.

The architecture reflects the city’s rich history, featuring intricate tilework, hand-carved wooden doors, and a central courtyard highlighted by a captivating reflecting pool. The five uniquely designed rooms are a tribute to Moroccan craftsmanship, showcasing local artistry. The owner, Andrea Bury, has created the Abury foundation, committed to supporting education and social development by selling ethically produced, hand-crafted accessories. Here you can escape the hubbub of the market for an intimate and serene ambiance, feeling cared for a like a member of the family.

Marrakech è perfetta come primo passo per iniziare l’esplorazione del continente africano. Inebriante mix di influenze arabe, francesi e africane e intricata come i tappeti colorati dei souk, questa città, dove la ricca storia e la cultura sono intrecciate in un arazzo moderno, è una soddisfazione per tutti i sensi.

AnaYela Riad: costruito sulla leggenda di una magica storia d’amore

Il mio viaggio nel cuore di Marrakech inizia con il Riad AnaYela. Nascosto nei labirinti della storica medina, questo rifugio ricercato cattura l’essenza dell’ospitalità marocchina. AnaYela - in arabo “Io sono Yela” - racconta la leggenda di una giovane ragazza la cui lettera d’amore fu trovata dietro un muro del riad.

L’architettura riflette la ricca storia della città: intricate piastrelle, porte in legno intagliate a mano e un cortile centrale arricchito da un’ammaliante piscina luminosa.

Le cinque camere dal design unico sono un omaggio all’artigianato marocchino e una celebrazione dell’arte locale. Il proprietario, Andrea Bury, ha creato la fondazione Abury che sostiene l’istruzione e lo sviluppo sociale attraverso la vendita di accessori realizzati a mano e prodotti eticamente. Qui potrete fuggire dalla confusione del mercato e rifugiarvi in un ambiente intimo e sereno, sentendovi accuditi proprio come membri della famiglia.

The AnaYela Riad © Elan Fleisher

Nobu Hotel Marrakech: a fusion of culinary excellence and luxury living

A change of pace, the one-year-old Nobu Hotel Marrakech is dressed to impress. Situated in the trendy Hivernage district, the hotel embodies a seamless fusion of Japanese minimalism and Moroccan elegance. With moody low lighting in the public areas, the rooms are exquisitely decorated and flooded with natural light. Of course, a Nobu experience must include indulging in a meal at the signature restaurant. The tasting omakase dinner was a true delight, with surprise after surprise prepared at the counter before your eyes.

The spa experience includes a traditional hammam scrub leaving your skin like velvet and a luxurious Argan oil massage to relax body and soul. The rooftop buzzes all day with a ring shaped pool, bamboo hanging swing chairs and plush sofas to enjoy the view while dining. At night, the beats are turned up and a party vibe prevails. A lovely touch at breakfast is the Moroccan musician strumming traditional tunes.

Nobu Hotel Marrakech: una fusione di eccellenza culinaria e atmosfera lussuosa

Cambio di ritmo con il Nobu Hotel Marrakech, inaugurato un anno fa. Pensato per stupire, si trova nel quartiere alla moda di Hivernage e incarna un mix perfetto tra minimalismo giapponese ed eleganza marocchina, con luci soffuse nelle aree pubbliche e camere squisitamente decorate e inondate di luce naturale. Naturalmente, nessuna esperienza Nobu è completa senza una visita al ristorante! La cena degustazione omakase è una vera delizia, con una sorpresa dopo l’altra preparata al bancone davanti ai vostri occhi.

L’esperienza alla spa include un tradizionale scrub hammam, che lascia la pelle morbida come velluto, e un intenso massaggio all’olio di Argan, per rilassare corpo e anima. Il rooftop, dalla piscina a forma di anello, dondoli sospesi in bambù e morbidi divani per godersi la vista mentre si cena, è vivacemente animato tutto il giorno, mentre di notte i ritmi si alzano e prevale un’atmosfera di festa. Un gradevole dettaglio è il musicista marocchino che accompagna la colazione con brani tradizionali.

The Nobu Hotel Marrakesh

La Villa des Orangers: a tranquil haven in the heart of the medina

A walk through the doors of La Villa des Orangers transports you into a world of privacy, yet still within the bustling medina. The villa is a testament to Marrakech’s allure, with its verdant gardens, fragrant orange trees, and rooftop terrace overlooking the city’s historic landmarks. The romantic restaurant is a place to linger over local specialities prepared to perfection. Individually decorated rooms and suites exude a sense of timeless luxury, with traditional Moroccan textiles and contemporary comforts. A whimsical touch is the fez that you hang on a hook outside your door as a “do not disturb” notice. Their hammam is a bubbly joy and the relaxing massage sent me straight off to dreamland.

There are dozens of private corners to retreat to, whether the little gated areas on the rooftop, to the outdoor dining areas, to the many lounges and sitting rooms where you can get lost in conversation or a good book. La Villa des Orangers is the ideal place for private contemplation.

La Villa des Orangers: un rifugio tranquillo nel cuore della Medina

Una passeggiata attraverso le porte di La Villa des Orangers conduce a un ambiente di privacy, pur rimanendo all’interno della vivace medina. La villa conferma tutto il fascino di Marrakech, con i suoi rigogliosi giardini, i profumati aranci e la terrazza panoramica con vista sui monumenti storici della città. Il romantico ristorante è il luogo ideale per soffermarsi a gustare specialità locali preparate alla perfezione. Le camere e le suite decorate una per una emanano tutto il senso di un lusso senza tempo, fatto di tessuti tradizionali marocchini e comfort dal sapore contemporaneo. E il “do not disturb” non è un semplice cartello, ma un fez da appendere a un gancio fuori dalla porta della stanza.

L’esperienza all’hammam è pura e spumeggiante gioia, mentre il massaggio rilassante ti spedisce direttamente nel mondo dei sogni.

Ci sono dozzine di angoli di privacy da scoprire, dalle piccole aree recintate sulla terrazza, alle zone pranzo all’aperto, ai tanti lounge e salotti dove perdersi in una conversazione o in un buon libro. La Villa des Orangers è il luogo ideale per concedersi un momento privato di meditazione.

La Villa des Orangers

La Mamounia: a timeless icon of grandeur and glamour

No exploration of Marrakech’s luxurious accommodations is complete without a visit to the legendary La Mamounia. This iconic hotel, nestled within the city’s ancient walls, is a destination in itself. Surrounded by eight hectares of lush gardens, La Mamounia is a beacon for Moroccan artistry and a step into history.

To commemorate their centenary, Mamounia’s public spaces were revamped by Patrik Jouin and Sanjit Manku. The highlight is the dramatic low hanging pearl chandelier adorned with 650 silver charms, corresponding with and protecting the same number of employees here. Four restaurants highlight Moroccan, Italian, Asian and Mediterranean specialties. There are four bars: don’t miss the intimate Churchill bar and the hidden cinema behind the door. A full spa, indoor and outdoor pools, two tea rooms, boutiques, hair salon and barber, sports room, games room, underground wine cellar... and the famed gardens. The rooms are an absolute work of art, with hand-carved archways, sweeping views, and signature scent based on cedar and dates created by Olivia Giacobetti.

La Mamounia: un’icona senza tempo di splendore e glamour

Nessun viaggio di scoperta della lussuosa accoglienza di Marrakech è completo senza una visita al leggendario hotel La Mamounia, nascosto all’interno delle antiche mura della città, è una destinazione a sé. Circondata da otto ettari di rigogliosi giardini, La Mamounia è un’icona dell’arte marocchina e un tuffo nella storia. Per celebrare il centenario, gli spazi di Mamounia sono stati rinnovati da Patrik Jouin e Sanjit Manku. Il pezzo forte è lo scenografico lampadario di perle a sospensione bassa, ornato con 650 ciondoli in argento, tanti quanti i dipendenti. I quattro ristoranti esaltano specialità marocchine, italiane, asiatiche e mediterranee e tra i quattro bar da non perdere c’è l’intimo Churchill bar. E poi ancora un cinema nascosto dietro una porta, la spa, piscine interne ed esterne, due sale da tè, boutique, parrucchiere e barbiere, sala sportiva, sala giochi, cantina... e i famosi giardini. Le camere sono un’opera d’arte assoluta, con archi intagliati a mano, ampie viste e profumate da un’essenza a base di cedro e datteri creata da Olivia Giacobetti.

La Mamounia

The people

Meryanne Loum-Martin knows everyone who matters in Marrakech. Originally from the Ivory Coast, she moved from Paris over 30 years ago and abandoned her law career to build the Jnane Tamsna as a hotel. Her knack for creating connections for her guests have brought people from all walks of life to create a stimulating cultural exchange. Through her, I met Paolo Gallone, who, with his wife Marlene, have gathered 3000 pieces from a collection of 7000 ornaments, jewels, garments and textiles for the MAP - Monde des Arts de la Parure museum in the heart of the city. Pierre Collet, the director, says their aim is not to possess but to pass on, sharing a piece of universal heritage with as many people as possible. Another meaningful contact was Nawal El Hriti, owner of a caftan shop called Aya’s in the Jewish quarter of the medina. Here you can take part in a course to sew buttons made of thread or have a caftan made to order, like the late singer Prince or Queen Camilla did. Nawal has a big heart: she promotes fair trade through the IBU movement supporting women artisans around the world.

The magic is…

So, for me, the magic of Morocco is in the astounding sense of hospitality that is in their DNA, and the people, whether born here or not, who have become an integral part of the city’s fabric.

La gente

Meryanne Loum-Martin conosce chi conta veramente a Marrakech. Originaria della Costa d’Avorio, si è trasferita da Parigi più di 30 anni fa abbandonando la carriera legale per costruire il Jnane Tamsna come hotel. La sua abilità nel creare connessioni per i suoi ospiti ha portato persone di ogni ceto sociale a uno stimolante scambio culturale. Attraverso lei ho conosciuto Paolo Gallone che, insieme alla moglie Marlene, ha raccolto 3000 pezzi da una collezione di 7000 tra ornamenti, gioielli, indumenti e tessili per il museo MAP - Monde des Arts de la Parure nel cuore della città. Pierre Collet, il regista, afferma che il loro obiettivo non è possedere, ma trasmettere, condividendo parti di patrimonio universale con quante più persone possibile. Un altro contatto significativo è Nawal El Hriti, proprietaria di un negozio di caftani chiamato Aya’s nel quartiere ebraico della medina. Qui è possibile partecipare a un corso per cucire bottoni fatti di fili o farvi realizzare un caftano su misura, come faceva Prince o la Regina Camilla. Nawal ha un cuore grande: promuove il commercio equo e solidale attraverso il movimento IBU sostenendo così le donne artigiane di tutto il mondo.

La magia è…

Per me la magia del Marocco risiede nello straordinario senso di ospitalità proprio del DNA del luogo e insito nelle persone, nate qui o altrove, diventate parte integrante del tessuto della città.

The MAP museum

David Hummelen Experimenting leads to unimaginable results

Research on color and its luminous effect making it visible in different ways. By juxtaposing transparent colored shapes with respect to each other, reflections, fusions, gradations and color saturation are obtained and the effect of light generates color nuances that create depth and spaces. The results are carefully pondered compositions in which the transition between colors and imagination takes the floor.

Una ricerca sul colore e sul suo effetto luminoso, che diventa visibile in molteplici modi. Accostando tra loro forme colorate trasparenti si ottengono riflessi, fusioni, gradazioni e saturazione del colore, mentre l’effetto della luce genera sfumature cromatiche che creano profondità e spazi. Il risultato sono composizioni attentamente studiate in cui la transizione tra i colori e la fantasia prende la parola.

Text by Valeria Rastrelli

David Hummelen (1986, Maastricht) graduated in 2008 from the Graphic Lyceum Utrecht and in 2015 from the Design Academy Eindhoven.

In his works the artist researches the visual properties and intrinsic qualities of materials, in particular transparent and translucent ones such as wax, plastic, water, gelatin and glass, to model them and enhance their qualities. The elaboration and modeling into shapes and the combination of them create compositions that build fascinating interactions between light, matter, shape and color. Different gradations, reflections, and saturations lead to a captivating final image.

Can you explain us how you create your artworks? How is the productive process?

“It’s hard to say exactly where the conception of a work starts. I do a lot of experimenting, trying to find visually interesting materials and ways to sculpt them. These experiments are deliberate, I often know what I’m looking for and I’m trying to figuring out how to accomplish the results I want. The inspiration for these experiments comes from the things I see around me, a small detail, like the bright shimmers from the sun in water. It takes some effort to find out how to recreate something like this and it doesn’t always work out how I imagined it. What can be the start of further investigation in these experiments, in the end becomes something I couldn’t imagine in advance. Equally often it starts with a material I find, this could be packaging or things I find in a shop or in the trash, anywhere really. With these materials I try to figure out what it needs to transform in to something I could use in my compositions. This could be something simple like sanding it or dipping it in ink. And sometimes an idea for an artwork or the approach to it just pops in my head, like it comes out of nowhere. I guess these ideas are silently forming in the back of my mind and when they are ready, I’ll notice them. When it comes to photographing these objects, I try to look for a logical but surprising way to depict the materials. I find it interesting when the context is unclear, when you can’t tell how big something is, when or where it has been photographed. In this way the composition of materials become more a thing on its own, a separate thing removed from the often practical use of these materials. Light is an important part in this aspect. When it interacts with an object it can change its appearance, the way it looks. Experimenting and trying different ways of lighting plays a big part in the end result. I love when the result has a clear tactile quality but doesn’t feel tangible”.

David Hummelen (1986, Maastricht) si è laureato nel 2008 al Graphic Lyceum Utrecht e nel 2015 alla Design Academy Eindhoven.

Nelle sue opere l’artista ricerca le proprietà visive e le qualità intrinseche dei materiali, in particolare quelli trasparenti e traslucidi come cera, plastica, acqua, gelatina e vetro, per modellarli ed esaltarne le qualità. L’elaborazione e la modellazione in forme e la loro combinazione creano composizioni che costruiscono affascinanti interazioni tra luce, materia, forma e colore. Diverse gradazioni, riflessi e saturazioni portano a un’affascinante immagine finale.

Come crei le tue opere? Come funziona il processo produttivo?

“È difficile stabilire esattamente da dove parte la concezione di un’opera. Sperimento molto, cercando di trovare materiali visivamente interessanti e modi per scolpirli. Questi esperimenti sono intenzionali, spesso so cosa sto cercando e provo a capire come ottenere i risultati che desidero. L’ispirazione per la sperimentazione proviene dalle cose che vedo intorno a me, un piccolo dettaglio, come i riflessi luminosi del sole nell’acqua. Ci vuole un po’ di impegno per scoprire come ricreare qualcosa del genere e non sempre funziona come l’avevo immaginato. Ciò che può essere l’inizio di ulteriori approfondimenti della mia sperimentazione diventa alla fine qualcosa che non potevo immaginare in anticipo. Altrettanto spesso inizia tutto con un materiale che trovo, un imballaggio o qualcosa che trovo in un negozio o nel cestino, ovunque in realtà. Cerco di capire cosa serve a questi materiali per trasformarsi in qualcosa che potrei usare nelle mie composizioni. Potrebbe trattarsi di qualcosa di semplice come una levigatura o un’immersione nell’inchiostro. E a volte un’idea per un’opera d’arte o l’approccio a essa mi viene in mente, come dal nulla. Immagino che queste idee si formino silenziosamente nel profondo della mia mente e una volta plasmate potrò notarle. Quando si tratta di fotografare questi oggetti, provo a cercare un modo logico, ma sorprendente, per rappresentare i materiali. Trovo interessante quando il contesto non è chiaro, quando non si riesce a capire quanto sia grande qualcosa, quando o dove sia stato fotografato. In questo modo la composizione dei materiali diventa sempre più una cosa a sé stante, separata dall’uso spesso pratico di questi stessi materiali. La luce è una parte fondamentale in questo contesto. Quando interagisce con un oggetto può cambiarne l’aspetto, il modo in cui appare. Sperimentare e provare diversi modi di illuminare gioca un ruolo importante nel risultato finale. E mi piace quando il risultato ha una chiara qualità tattile, ma non sembra tangibile”.

When did you start to get fascinated by that kind of materials?

“I think almost all children are fascinated by the physical world around them, being amazed how clouds look, stuff like that, at least that is how I remember it, along the way it seems like most of us loose interest and so did I. When I started getting more involved in image making, I regained the fascination of the visual tactile-ness of the world around me. It took a while to find a format or approach to translate it into something physical. I think the more I focus on the way things look, the more I notice how things visually communicate”.

Why do you prefer to creating functionless objects instead of putting your creative inclination to functional ones?

“Every making process has its limitations, boundaries in what is possible. With products these boundaries are mostly demanded by the function they need to accomplish. For example, if you build a chair, it is expected that one can sit on it. I felt these limitations stood in the way of the kind of things I desired to create. Although along the way I think I created my own set of rules and expectations in my work, the possibility to diverge from them is always there. I do think my mind often likes to solve problems, but the kind of problems I confront myself with are really different than those in a design process”.

Quando hai iniziato ad appassionarti a quel tipo di materiali?

“Penso che quasi tutti i bambini siano affascinati dal mondo fisico che li circonda; rimangono stupiti di come appaiono le nuvole e cose del genere. Almeno, è così che me lo ricordo. A lungo andare la maggior parte di noi sembra perdere questo tipo di interesse e così è stato anche per me. Ho iniziato a dedicarmi maggiormente alla creazione di immagini, ho riacquistato il fascino della tattilità visiva del mondo che mi circondava. Ci è voluto un po’ per trovare un format o un approccio per tradurre il tutto in qualcosa di fisico. Più mi concentro sull’aspetto delle cose, più noto come esse comunicano visivamente”.

Perché preferisci creare oggetti senza una specifica funzione invece di dedicare la tua creatività a oggetti funzionali?

“Ogni processo produttivo ha i suoi limiti, i suoi confini in ciò che è possibile. Con i prodotti questi confini sono per lo più richiesti dalla funzione che devono svolgere. Ad esempio, se costruisci una sedia, ci si aspetta che ci si possa sedere sopra. Sentivo che queste limitazioni ostacolavano il tipo di oggetti che desideravo creare. Anche se lungo il percorso penso di aver creato una serie di regole e aspettative nel mio lavoro, la possibilità di divergere da esse è sempre presente. Penso che spesso alla mia mente piaccia risolvere i problemi, ma il tipo di problemi con cui mi confronto sono molto diversi da quelli che si incontrano in un processo di progettazione”.

Can you describe briefly your exhibitions from the beginning of your career until MIA Art Fair in 2022?

“I think I was pretty lucky in the beginning when I started making the works I’m making now. I got selected for a few photography publications and exhibitions. The biggest one for me is Haute Photographie talent and I think I wouldn’t be with my current gallery (Project 2.0) if it wasn’t for this event. Project 2.0 have put quite a lot of effort towards placing my work in great art fairs and one of them was MIA Art Fair”.

Puoi descrivere in breve le tue mostre dall’inizio della tua carriera fino a MIA Art Fair nel 2022?

“Penso di essere stato abbastanza fortunato all’inizio, quando ho cominciato a realizzare i progetti che sto realizzando anche ora. Sono stato selezionato per alcune pubblicazioni e mostre fotografiche. Una delle più importanti per me è stata la partecipazione a Haute Photographie e penso che oggi non sarei con la mia attuale galleria (Project 2.0) se non fosse stato per questo evento. Project 2.0 ha fatto molti sforzi per inserire il mio lavoro in grandi fiere d’arte e una di queste era MIA Art Fair”.

Which is your favorite creation and why?

My preferred artwork always changes, most of the time it’s the artwork I haven’t made yet, the one I’m currently figuring out how to create and exploring what it could be. I guess the possibility of discovering something new and hopefully interesting is most exciting for me. When I look at my past works, the feelings towards them have changed over time, it feels like they are connected to different moments of my life. What the works themselves mean to me is colored by the memories that are linked to them and also the mood I was in at that moment.

Qual è la tua opera preferita e perché?

Cambia sempre. La maggior parte delle volte è quella che non ho ancora realizzato, quella che attualmente sto cercando di creare, esplorando cosa potrebbe essere. Immagino che la possibilità di scoprire qualcosa di nuovo e, spero, interessante, sia la cosa più entusiasmante per me. Quando guardo ai miei lavori passati, noto che i sentimenti nei loro confronti sono cambiati nel tempo, poiché collegati a diversi momenti della mia vita. Ciò che significano per me è colorato dai ricordi legati ai lavori stessi e anche dallo stato d’animo che provavo in quel momento.

VITTI Lugano, a modern story that draws inspiration from the past

IN LUGANO, ONE OF THE MOST EXCLUSIVE AND SUGGESTIVE LOCATIONS IN THE CITY, WELCOMES GUESTS FROM BREAKFAST TO AFTER DINNER

A LUGANO, UNA TRA LE LOCATION PIÙ ESCLUSIVE E SUGGESTIVE DELLA CITTÀ, ACCOGLIE GLI OSPITI DALLA PRIMA COLAZIONE AL DOPO CENA

Text by Marisa Cartotto

VITTI Lugano, an elegant restaurant and cocktail bar in the heart of the city, fascinates with an exclusive atmosphere and attention to details, distinguishing itself for a warm welcome made up of kind gestures and attention to the little details that satisfy the guest with that quid that goes beyond the excellence of its services.

VITTI Lugano, elegante ristorante e cocktail bar nel cuore della città, affascina con un’atmosfera esclusiva e cura dei dettagli, distinguendosi per un’accoglienza calda fatta di gesti gentili e attenzione per le piccole cose che soddisfa l’ospite con quel quid in più che va oltre l’eccellenza dei suoi servizi.

Veronica and Angelo Vitti have an innate aptitude for hospitality: the two Roman guys, although very young, have continued the family tradition since 1898, when the historic pastry/ice-cream parlor was inaugurated in Rome. Over time, the family decided to embark on the restaurant business, achieving growing success up to the iconic restaurant in San Lorenzo in Lucina, very close to the central Via del Corso. Today the name Vitti immediately refers to the Roman gastronomic culture and to the flavors of the simplest and most genuine tradition.

Veronica and Angelo showed curiosity and passion for that world from an early age and, when the opportunity arose, they took up the challenge and gave shape to the project that gave life to VITTI Lugano 9 years ago.

The smile, calm and kindness distinguish all the staff of VITTI Lugano, a truly special and unique location thanks to the relaxing imprint that enhances and distinguishes a space with a modern and refined design, played on dark tones as opposed to lighting with a strong character, but with a soft impact.

In the kitchen, chef Mauro Ranieri, thanks to a full immersion in the restaurant in Rome, learns the techniques and secrets of the cuisine of the best Roman tradition without giving up a touch of respectful innovation.

Veronica e Angelo Vitti posseggono una naturale attitudine all’accoglienza: i due ragazzi romani, seppur giovanissimi, continuano la tradizione di famiglia dal lontano 1898, quando a Roma venne inaugurata la storica pasticceriagelateria. Nel tempo la famiglia ha deciso di intraprendere la strada della ristorazione ottenendo un crescente successo fino ad arrivare all’iconico ristorante in San Lorenzo in Lucina, a due passi dalla centralissima Via del Corso. Oggi il nome Vitti rimanda immediatamente alla cultura gastronomica romana e ai sapori della tradizione più semplice e genuina.

Veronica e Angelo hanno manifestato fin da piccoli curiosità e passione per quel mondo e, quando si è presentata l’opportunità, hanno raccolto la sfida e hanno dato forma al progetto che ha creato 9 anni fa VITTI Lugano

Il sorriso, la pacatezza e la gentilezza contraddistinguono tutto lo staff di VITTI Lugano, location davvero speciale e unica grazie all’impronta relaxing che valorizza e contraddistingue un ambiente dal design moderno e ricercato, giocato su toni scuri contrapposto a un’illuminazione dal carattere forte, ma dall’impatto soft.

In cucina lo chef Mauro Ranieri che, grazie a una full immersion nel locale di Roma, apprende le tecniche e i segreti della cucina della miglior tradizione romana senza rinunciare a un tocco di rispettosa innovazione.

Do not miss the Tonnarelli Cacio e Pepe creamed with PDO Roman pecorino and coarsely ground pepper and the Spaghetti alla Carbonara: the chef prepares them according to ancient recipes that have been handed down for generations, using pecorino and cheek lard that arrive fresh, weekly, from Rome. Also the “from outside the region” proposals meet the expectations, such as Tagliolini with cuttlefish ink and Tuna Tataki with Gazpacho. To enhance the dishes there’s a cellar with a vast selection of the best Italian, French and Swiss labels.

VITTI Lugano also makes the moment of the aperitif and after dinner unique with a drink list with almost 70 proposals signed by the mixologist Emanuele Callegher, who combines and mixes the most modern methods of processing products (smoking, flavouring, airs and velvets) with perfumes, oils, spices, essences and flowers. So we have the Gin Tonic with the addition of basil, sage and pepper, the revisited Rum-based Negroni with a sprinkling of dark chocolate and cocoa liqueur or the original Pornstar Martini, served with shots of Franciacorta and garnished with cotton candy. And then tastings, themed dinners, live music, DJ sets. A location to definitely keep in mind for intimate and romantic evenings, dinners with friends, exclusive events, anniversaries or simply to sip a relaxing drink.

Imperdibili i Tonnarelli Cacio e Pepe mantecati con pecorino romano DOP e pepe macinato grosso e gli Spaghetti alla Carbonara: lo chef li prepara secondo antiche ricette che si tramandano da generazioni, utilizzando il pecorino e il guanciale che arrivano freschi, settimanalmente, da Roma. All’altezza delle aspettative anche proposte “extra regione”, quali Tagliolini al nero di seppia e Tataki di Tonno con Gazpacho. A esaltare i piatti, la cantina con una vasta selezione delle migliori etichette italiane, francesi e svizzere.

VITTI Lugano rende unico anche il momento dell’aperitivo e del dopo cena con una drink list con quasi 70 proposte firmate dal mixologist Emanuele Callegher, che abbina e mixa i più moderni metodi di lavorazione dei prodotti (affumicatura, aromatizzazione, arie e velluti) con profumi, oli, spezie, essenze e fiori. Ecco allora il Gin Tonic con aggiunta di basilico, salvia e pepe, il Negroni rivisitato a base Rum con spolverata di fondente e liquore al cacao o l’originale Pornstar Martini, servito con shot di Franciacorta e guarnito da zucchero filato. E ancora degustazioni, cene a tema, musica dal vivo, DJ set. Una location da tenere sicuramente presente per serate intime e romantiche, cene con amici, eventi esclusivi, ricorrenze o semplicemente per sorseggiare un drink in relax.

The Gstaad-Saanenland Golf Club offers the luxury of a round in absolute tranquillity

Text by Valentino Odorico

Madonna, Sofia Loren and Robbie Williams can’t be wrong! Like many other celebrities from the worlds of culture, sport, business and royalty, they have spent several holidays in Gstaad. Various other well-known personalities have acquired properties in the chalet village, which combines tradition with luxury and elegance with discretion. The Saanenland, with Gstaad as its social centre, shines with its scenic beauty, the pretty, predominantly wooden houses, the high density of gourmet restaurants and the numerous top-class hotels.

This is common knowledge, but a well-kept secret is that the region is also home to an exceptional golf course. It is located a 15-minute drive from Gstaad, above Saanenmöser on a high plateau. Once you have dealt with the winding road, part of which is covered by a ski slope in winter, you will have a view of the spectacular driving range and the clubhouse. In keeping with the region, it is built in chalet style.

Madonna, Sofia Loren e Robbie Williams sono tra le tante celebrità del mondo della cultura, dello sport e degli affari (compresi i reali) che hanno trascorso diverse vacanze a Gstaad, e loro non possono certo sbagliarsi! Alcuni personaggi famosi hanno anche acquistato proprietà nel villaggio chalet, che unisce con discrezione tradizione, lusso ed eleganza. Il Saanenland, con Gstaad al centro, brilla per i suoi incantevoli paesaggi, le graziose casette in legno, l’ampia proposta di ristoranti gourmet e i numerosi hotel di gran classe.

La regione ospita anche un eccezionale campo da golf, a 15 minuti di auto da Gstaad, sopra Saanenmöser, su un altopiano. Un segreto ben custodito, ma altrettanto ben conosciuto, che si raggiunge dopo aver percorso una strada tortuosa, in inverno quasi del tutto coperta da una pista da sci. All’arrivo si apre la vista sullo spettacolare campo pratica e sulla club house, tutti in stile chalet in linea con la tradizione regionale.

Golf with a view

The course offers 18 varied holes; one of the two striking mountain ranges can be seen on almost all of them. A round at the Gstaad-Saanenland Golf Club is a special nature experience. Apart from the tinkling of cowbells and the occasional whisper of the wind, there is at 1400 metres above sea level hardly any sound, let alone noise. Golfers enjoy the luxury of indulging in their hobby in absolute peace and quiet. Alpine golf at its very best!

Part of the golf course is located in a protected marsh, which is why visitors are surrounded by a sea of flowers in various places in early summer. Although this looks beautiful, it harbours the risk of balls disappearing into it, never to be seen again. And when it comes to punishing mistakes, nature makes no difference whether they are made by a local, an immigrant billionaire or a celebrity.

Golf con vista

Il campo offre 18 buche diverse e da quasi tutte è possibile ammirare una delle due suggestive catene montuose. Una partita al Golf Club Gstaad-Saanenland è un’esperienza speciale nella natura: il tintinnio dei campanacci, il sussurrare del vento… a 1400 metri sul livello del mare non si percepisce quasi alcun suono, nessun rumore. I golfisti proveranno il lusso di dedicarsi al proprio hobby in assoluta pace e tranquillità godendosi il meglio del golf alpino!

Una parte del campo da golf si trova in un’area palustre protetta, circondata in estate da un mare di fiori. Un panorama bellissimo, che rischia però di far scomparire al suo interno molte palline! E quando si tratta di punire gli errori, la natura non fa alcuna differenza che si tratti di normali sportivi, milionari o celebrities.

Sand like on the beach

The par-70 course is full of challenges, although it is not too long. However, the player is confronted with many trees, several water hazards and repeated slopes. There are also ten strategically placed bunkers. The fine sand is reminiscent of a beach in Mauritius. Nevertheless, only those who are able to hit the ball accurately will achieve a good score on this spectacular golf course, which has been lovingly maintained with great attention to detail.

The marvellous panorama should make up for the odd failed shot for those who don’t meet their handicap. And otherwise, you can forget about them on the beautiful terrace with a glass of fine wine and a tasty meal.

Gstaad is more than just celebrities, gourmet temples and luxury hotels. Bring your golf clubs with you on your next visit to the Saanenland!

Gstaad-Saanenland Golf Club

Golfstrasse 4, 3777 Saanenmöser

www.golfclubgstaad.ch

Season mid-May to end of October

18-hole golf course

(par 70, 5329 metres, green fee CHF 120)

Driving range

Short game facility

Hire of clubs (CHF 40.-) and carts (CHF 70.-)

Golf shop

Restaurant

Sabbia come in spiaggia

Il percorso par 70 non è molto lungo, ma è pieno di sfide. Il giocatore si confronta con molti alberi, diversi ostacoli d’acqua, ripetute pendenze e dieci bunker posizionati strategicamente. La sabbia fine, poi, ricorda le spiagge delle Mauritius. Tuttavia, solo chi sarà grado di colpire la pallina con precisione otterrà un buon punteggio su questo spettacolare campo da golf, curato con amore e grande attenzione ai dettagli.

Il meraviglioso panorama compensa i tiri che non vanno a buon fine e consola chi non soddisfa il proprio handicap. Ma potrete dimenticarvene con un bicchiere di buon vino e un pasto gustoso sulla splendida terrazza del ristorante.

Gstaad è molto più di celebrities, esperienza gourmet e hotel di lusso. Porta con te le mazze da golf durante la tua prossima visita nel Saanenland!

Golf Club Gstaad-Saanenland

Golfstrasse 4, 3777 Saanenmöser

www.golfclubgstaad.ch

Stagione da metà maggio a fine ottobre

Campo da golf 18 buche

(par 70, 5329 metri, green fee CHF 120)

Autonomia

Impianto per giochi brevi

Noleggio mazze (CHF 40.-) e cart (CHF 70.-)

Golf shop

Ristorante

D ESIGN I NSPIRATIONS

Text by Valeria Rastrelli

Casilda, Talenti Outdoor Living

The first extra-soft sofa by Talenti Outdoor Living in teal color with lava stone finishes. The light structure highlights the padded elements, for a subtle industrial character. The rigid geometry of the powder-coated steel frame and fabric straps contrasts with the large cushions that ensure a comfortable seat.

Il primo divano extra-soft di Talenti Outdoor Living in color ottanio con finiture in pietra lavica. La struttura leggera mette in risalto gli elementi imbottiti, per un sottile carattere industriale. La rigida geometria del telaio in acciaio verniciato a polvere e delle cinghie in tessuto contrasta con i grandi cuscini che assicurano una seduta confortevole.

Roshi, design by

Gino Carollo, Ronda

Dining table with configurable metal base. The numerous combinations of legs support a metal top for a refined continuum with the base, in wood for a natural effect, in the elegant ceramic or white or black glass version. The top is rectangular or rounded on two sides.

Tavolo da pranzo con base in metallo configurabile. Le numerose combinazioni delle gambe sostengono un piano in metallo per un raffinato continuum con la base, in legno per un effetto naturale, nell’elegante versione in ceramica o vetro bianco o nero. Il top è rettangolare o stondato su due lati.

Canal Grande, Ceramiche Refin

Collection inspired by the most glamorous soul and nautical culture of Venice, with the mahogany the material traditionally used for the construction of boats, as protagonist. It’s the result of a research into the artisanal excellence of the nautical sector carried out by Refin’s Tile Designers.

Ispirata all’anima più glamour di Venezia e alla sua cultura nautica, la collezione ha come protagonista il mogano, il materiale tradizionalmente usato per la costruzione di barche, ed è frutto di una ricerca delle eccellenze artigianali del settore nautico svolta dai Tile Designer di Refin.

Wine Living Mod 10, Massimo Della Marta

Design air-conditioned cellar, it’s a modular system for displaying, storing and serving wine, available in various finishes and colours. The globally patented central refrigeration structure allows all bottles to be distributed at the same distance from the cold source.

Cantina climatizzata di design, è un sistema modulare per l’esposizione, la conservazione e il servizio del vino, disponibile in svariate finiture e colori. La struttura di refrigerazione centrale brevettata a livello mondiale permette di distribuire tutte le bottiglie alla stessa distanza dalla fonte del freddo.

D ESIGN I NSPIRATIONS

Text by Valeria Rastrelli

Frame Kitchen by Salvatore Indriolo, Fantin

The famous Frame Kitchen is enriched with a new matching etched glass top and extractor shelf by Falmec. An elegant and refined finish that gives a satin surface that is soft to the touch, easy to clean and resistant. Customizable in 35 finishes.

La celebre Frame Kitchen si arricchisce con un nuovo top in vetro acidato in tinta e mensola aspirante di Falmec. Una finitura elegante e raffinata che restituisce una superficie satinata e morbida al tatto, facile da pulire e resistente. Personalizzabile in 35 finiture.

SuperOven Model 1, Unox Casa

With SuperOven every type of cooking is possible: grilling, frying, steaming, sous vide, smoking, roasting and dehydrating. Thanks to sensors that continuously monitor the percentage of humidity inside the cooking chamber, it’s possible to cook food perfectly and uniformly three times faster than a normal oven. A simple touch of the screen and the SuperOven cleans itself with a solution of water and detergent.

Con SuperOven ogni tipo di cottura è possibile: grigliatura, frittura, a vapore, sottovuoto, affumicatura, arrosto e disidratazione. Grazie a sensori che monitorano continuamente la percentuale di umidità all’interno della camera di cottura è possibile cuocere il cibo in modo perfetto e uniforme tre volte più velocemente di un normale forno. Un semplice tocco dello schermo e il SuperOven si pulisce da solo con una soluzione di acqua e detergente.

Wallpapers Granum Blue, Terratinta Group

Part of the Wallpapers collection by Sartoria, a Terratinta Group brand, recalls a rocky wall of colored granite. The collection is developed on vinyl-coated TNT papers, with an eco-friendly PVC free soul and FIBERGLASS that can be used in humid areas.

Parte della collezione Wallpapers di Sartoria, brand di Terratinta Group, richiama una parete rocciosa di granito colorato. La collezione si sviluppa su carte TNT a rivestimento vinilico, dall’animo eco PVC free e FIBERGLASS utilizzabile in zone umide.

Ralik, design by Ichiro Iwasaki, Arper

The seats, benches and poufs of the modular line can be used alone or combined with a quick assembly system that does not require the use of equipment. The collection includes poufs, seats with backrests, benches, complementary tables with fixed or adjustable height, soft cushions. A distinctive feature of the collection are the L-shaped legs in recycled polypropylene easy to clean and that give the modules a sculptural effect.

Le sedute, le panche e i pouf della linea modulare possono essere usati da soli o combinati fra loro con un sistema di assemblaggio rapido che non richiede l’utilizzo di attrezzatura. La collezione comprende pouf, sedute con schienali, panche, tavolini complementari ad altezza fissa o regolabile, morbidi cuscini. Tratto distintivo della collezione le gambe a L in polipropilene riciclato facili da pulire e che conferiscono ai moduli un effetto scultoreo.

H OME D ECOR

Text by Valeria Rastrelli 118 FV Olive by Sebastian Herkner, Thonet

Made of beechwood, it’s designed for dining rooms thanks to the spacious and comfortable woven rattan seat and slightly rounded curved wooden armrests.

Realizzata in faggio, è concepita per le sale da pranzo grazie alla seduta in canna d’India intrecciata spaziosa e confortevole e braccioli in legno curvato leggermente bombati.

Big top, Tableware Collection by Alessandro La Spada for Antolini®

Cake stand whose shapes evoke the brand’s monogram, bringing to the table the magnificence of Irish Green, symbol of the Exclusive Collection, combined with metal in the Rose Gold colour.

Alzatina che rievoca nelle sue forme il monogramma del marchio, portando in tavola la magnificenza di Irish Green, simbolo della Exclusive Collection, abbinata al metallo nella cromia Rose Gold.

Modular sofa with planar and asymmetrical seat surrounded by a sculptural backrest. Thinner in the central part, it increases in thickness at its ends, generating soft lines and clear volumes.

Divano componibile con seduta planare e asimmetrica avvolta da uno schienale scultoreo. Più sottile nella parte centrale, aumenta in spessore alle sue estremità, generando linee morbide e volumi netti.

Taki

rug, Wabi Sabi

Wabi Sabi launches two new rugs that explore the combination of art, comfort and durability. Taki is high and low pile with Tibetan knots and hand-mixed colors.

Wabi Sabi lancia due nuovi tappeti che esplorano il connubio tra arte, comfort e durata nel tempo. Taki è a pelo alto e basso con nodi tibetani e colori mescolati a mano.

Dorothea, design by Andrea Steidl, laCividina

Inspired by divers’ helmets, it has an organic and sculptural shape. The graphics create suggestive decorative effects in white and shiny gold.

Ispirate ai caschi dei sommozzatori, hanno una forma organica e scultorea. Le grafiche creano suggestivi effetti decorativi in bianco e oro lucido.

Issima vase design by Sam Baron, Bosa

Archaic and contemporary shapes for a collection of accessories with different functions: candelabra, tables, vases, fruit bowls inspired by Venetian Palladian villas, Lisbon buildings, Parisian metro stops. Forme arcaiche e contemporanee per una collezione di complementi con diverse funzioni: candelabri, tavolini, vasi, portafrutta ispirati a ville palladiane venete, palazzi di Lisbona, fermate della metro parigina.

Intrigo by Ludovica Mascheroni

Padded and covered in silk velvet pouf, with wooden structure, bronzed brass base and weaving handmade by the company’s artisans. Colors: purple, light gray and beige

Pouf imbottito e rivestito in velluto di seta, struttura in legno, basamento in ottone bronzato e intreccio realizzato a mano dagli artigiani dell’azienda. Colori: porpora, grigio chiaro e beige.

Scuba lamp, Bosa

H OME D ECOR

Text by Valeria Rastrelli

E008 Embrace Outdoor Dining Chair by EOOS for Carl Hansen & Søn

Stackable chair with a smooth wooden structure, assembled by hand and made according to precise artisan standards. The matching cushion ensures maximum comfort.

Sedia impilabile dalla struttura in legno levigata, assemblata a mano e realizzata secondo precisi standard artigianali. Il cuscino abbinato garantisce il massimo comfort.

Cascade rug, Wabi Sabi

With a Tibetan knot design, 100% solution-dyed acrylic yarn fabric, resistant to fading, mildew and UV rays, is certified according to industry standards.

Dal disegno a nodi tibetani, tessuto in filato acrilico 100% tinto in massa, resistente a sbiadimento, muffa e raggi UV, è certificato secondo gli standard del settore.

Roshi table design by Gino Carollo, Ronda

Design

Versatile and sculptural dining table, with a choice of wood, ceramic, glass or metal top and configurable metal base.

Tavolo da pranzo versatile e scultoreo, con piano a scelta tra legno, ceramica, vetro o metallo e base in metallo configurabile.

I Cinesi by Carlo Moretti

Two-tone mouth-blown and hand-finished vases, designed in the early 1970s, in 6 colours: Levante Red, Lobster, Albore, Blue Lagoon, Dandy Grey, Niveo.

Vasi bicolore soffiati a bocca e rifiniti a mano, disegnati nei primi anni ‘70, in 6 colori: rosso levante, aragosta, albore, laguna blu, grigio dandy, niveo.

Céramique, design by Ronan Bouroullec, Flos

Three table models in ceramic and lead-free crystalline lacquered finish. A single piece of ceramic forms the base, stem and cap for three different directions of the fixed diffuser.

Tre modelli da tavolo in ceramica e finitura laccata cristallina senza piombo. Un unico pezzo di ceramica forma base, stelo e cappello per tre diverse direzioni del diffusore fisso.

Luoghi by Deanna Comellini, G.T.DESIGN

New Zealand virgin wool rugs hand painted on both sides. Here black, red and magenta come together to create exclusive floral motifs.

Tappeti in lana vergine della Nuova Zelanda dipinti a mano su entrambi i lati. Qui nero, rosso e magenta si uniscono a creare esclusivi motivi floreali.

Him & Her by Fabio Novembre for Casamania by Horm

A declaration of love towards the beauty of the human form, symbols of a bold and sensual aesthetic, these chairs are also perfect for the outdoor thanks to advanced painting systems.

Dichiarazione d’amore verso la bellezza delle forme umane, simboli di un’estetica audace e sensuale, queste sedie sono perfette anche per l’outdoor grazie a sistemi avanzati di verniciatura.

MYCONIAN COLLECTION A FAMILY AFFAIR IN MYKONOS:

from one hotel to an island empire

Mykonos is the magical Greek island where so many jetsetters have “been there, done that.” But how many have enjoyed the extraordinary hospitality offerings of one Greek family that has built their very own Greek luxury empire? It’s a great story of how hard work pays off one hotel at a time. And how giving back brings good karma.

Mykonos è una magica isola greca che ha ospitato tanti personaggi del jet set. Ma quanti hanno apprezzato le straordinarie offerte di ospitalità di una famiglia greca che ha costruito il proprio impero del lusso? Questa è una bella storia su come il duro lavoro ripaga, un hotel alla volta. E come il donare porti a un buon karma.

Text by Hope Gainer

Today Mykonos has evolved into one of the most glamorous 21st century destinations attracting jet-set travelers from all over the world. Founded in 1979 by George Daktylides and his Delos born wife, Elefteria, and run today by their four sons, Pano, Markos, Vangelis, and Marios, The Myconian Collection is a group of 12 contemporary luxury boutique hotels in Mykonos. Starting as the first and only public bus transportation company on the island, it later became the third hotelier in Mykonos. Visionary George started accumulating land as he saw the future growth potential in the hospitality industry and wanted to have a hotel for each of his sons to inherit. George could not just stop at four hotels, and now they are collectively planning for the third generation. Son Vangelis says, “There’s a real sense that we are all connected. There is a mutual dependence with the people and the land of Mykonos, and with the rest of the world through our guests.”

The Myconian Collection has created hotels for all segments, each with unique personality and style, magnificent views, cool pool decks, fabulous spas, stateof-the-art gyms, restaurants to satisfy any foodie, wonderful wedding venues and conference facilities. Impressive Greek buffet breakfasts are a signature at all the hotels. Myconian Collection probably has accumulated the most awarded hotels and highest designations including Leading Hotels of the World, Small Luxury Hotels of the World, Design Hotels, Relais&Chateaux Hotels, and Preferred Hotels&Resorts LVX Collection and Legend Collection.

Oggi Mykonos è una delle destinazioni più glamour del 21° secolo, capace di attirare viaggiatori del jet set da tutto il mondo. Fondata nel 1979 da George Daktylides e sua moglie Elefteria, nata a Delos, e gestita oggi dai loro quattro figli, Pano, Markos, Vangelis e Marios, The Myconian Collection è un gruppo di 12 boutique hotel di lusso contemporanei a Mykonos. Inizialmente prima e unica compagnia di trasporto pubblico via autobus dell’isola, in seguito è diventata il terzo polo ricettivo di Mykonos. Il visionario George iniziò ad accumulare terreni poiché vide il potenziale di crescita futuro nel settore dell’ospitalità e desiderava possedere un hotel da lasciare in eredità a ognuno dei suoi figli. Ma George non poteva limitarsi a soli quattro hotel. Ora stanno lavorando insieme alla terza generazione. Come afferma il figlio Vangelis: “C’è la reale sensazione di essere tutti connessi. C’è una dipendenza reciproca con la gente, Mykonos e con il resto del mondo attraverso i nostri ospiti.”

The Myconian Collection è stata capace di creare hotel per tutti i segmenti, con caratteristiche e stile unici, viste magnifiche, fantastiche piscine, spa favolose, palestre all’avanguardia, ristoranti per soddisfare ogni palato, meravigliose location per matrimoni e tecnologiche strutture per conferenze. Le impressionanti colazioni greche a buffet, poi, sono un tratto distintivo di tutti gli hotel. The Myconian Collection ha probabilmente accumulato i premi più importanti del settore, come Leading Hotels of the World, Small Luxury Hotels of the World, Design Hotels, Relais&Chateaux Hotels, Preferred Hotels&Resorts LVX Collection e Legend Collection.

Panoptis Escape

Naia Ambassador

Starting out as a transportation company has not been lost: they provide an assortment of VIP transportation options from their fleet of limousines, Porsche Cayenne, Mercedes mini limo-buses and 40-seat coaches, helicopters, private jet charters and yacht cruises. The Myconian Collection is the top of the food chain in terms of Mykonos hospitality, renowned culinary culture, and homegrown friendly service. Today they control 40% of the entire luxury resort market in Mykonos. A cool thing is that guests can enjoy any of the amenities including pools and restaurants within the Myconian Collection, regardless of where they hang their hats at night.

By Elia Beach is Panoptis Escape, carved out of the rocks. Here bohemian luxury sets in with an African organic motif, straw décor, stone floors and shadows creating artforms in earthtones with electric blue accents. Pools are sliced into the cliff and a private helipad can whisk guests in and out. Utopia, the crown jewel of the Myconian Collection, is designed with a ‘green conscience’ using environmentally friendly techniques; Avaton is a design hotel with 85 rooms and suites built into bare rock. Kokkino Bar serves sips and bites while Panorama’s high table presents Italian and Mediterranean cuisine.

Le origini di compagnia di trasporti non sono andate perdute: tante le opzioni di trasporto VIP, dalla flotta di limousine, Porsche Cayenne, mini limousine Mercedes e pullman da 40 posti, elicotteri, charter di jet privati, crociere in yacht. A Mykonos The Myconian Collection è tra le prime in classifica in termini di ospitalità, rinomata cultura culinaria e servizio cordiale. Oggi controllano il 40% dell’intero mercato dei resort di lusso a Mykonos. Interessante nell’offerta la possibilità per gli ospiti di usufruire di tutti i servizi, tra cui piscine e ristoranti, all’interno di The Myconian Collection, indipendentemente da dove soggiornano.

Ad Elia Beach si trova Panoptis Escape, scavato nella roccia. Qui il lusso bohémien si fonde con motivi africani, decorazioni in paglia, pavimenti in pietra e ombre che creano arte nei colori della terra, con accenti blu elettrico. Le piscine sono ricavate nella scogliera e un eliporto privato trasporta gli ospiti dentro e fuori il complesso. Poi Utopia, fiore all’occhiello di The Myconian Collection, progettato con una ‘coscienza verde’ utilizzando tecniche che rispettano l’ambiente; Avaton è un hotel di design con 85 camere e suite costruite nella nuda roccia. Il Kokkino Bar serve bevande e spuntini, mentre il Panorama propone piatti della cucina italiana e mediterranea.

Utopia

Utopia

Avaton

Avaton

Like all Myconian Collection spas, the branded products here are Elemis and Ligne St. Barth plus, Augustinus Bader; Royal has a rustic façade of Cycladic stone contrasting with contemporary interiors designed by a Greek set designer. The panoramic pool deck has a swim up bar, Camares pool restaurant and for fine dining the Ambrosia; Imperial has a magnificent mega-sized pool, direct beach access with reserved day lounger and parasol, a variety of water sports, Celebrities Seafood Restaurant and Sishu Sushi Bar.

Villa Collection has 96 rooms, suites or villas with personalized 5-star service 24/7. Tucked into the hill above Platis Gialos beach is Ambassador, with one of the island’s best restaurants, L’Efisia. There’s also George’s Bar, named after George Daktylides. Myconian Collection’s first beachside hotel is O on Ornos Beach. The 65 guest rooms and suites are impressive, especially the ones with their own pool. Everything is named “O”: the O Restaurant, O Wellness Spa, and O Concept Store. Unique here are full moon yoga sessions on the beach.

Come tutte le spa di The Myconian Collection, i prodotti utilizzati sono Elemis e Ligne St. Barth plus, Augustinus Bader; il Royal possiede una facciata rustica in pietra delle Cicladi che contrasta con interni contemporanei progettati da un designer greco. La terrazza panoramica della piscina ha un bar sull’acqua, il ristorante bordo piscina Camares e, per una cucina raffinata, l’Ambrosia; l’Imperial dispone di una grande e magnifica piscina, accesso diretto alla spiaggia con lettino e ombrellone riservati, una varietà di sport acquatici, il Celebrities Seafood Restaurant e il Sishu Sushi Bar.

Villa Collection dispone di 96 camere, suite o ville con servizio personalizzato a 5 stelle 24 ore su 24, 7 giorni su 7. Nascosto nella collina sopra la spiaggia Platis Gialos c’è l’Ambassador, con uno dei migliori ristoranti dell’isola, L’Efisia. Qui anche il George’s Bar, in onore di George Daktylides. Il primo hotel sulla spiaggia di The Myconian Collection è l’O, sulla spiaggia di Ornos. Le 65 camere e suite sono impressionanti, soprattutto quelle con piscina privata. Qui tutto inizia con la “O”: O Restaurant, O Wellness Spa e O Concept Store. Uniche anche le sessioni di yoga sulla spiaggia, al chiarore della luna.

Imperial

Imperial Royal Royal

On a little hill just above Mykonos, there are Korali, Kyma & Naia. At Korali rooms and suites are designed all with sea view, private jacuzzies or pools. Baos is Korali’s haute cuisine dining with a panoramic sea view and Kitrino Bar serves signature drinks. At Kyma laid-back luxury meets style and comfort, with two-story whitewashed bungalows with scenic sea-view balconies and private pools. Noa is the ever-popular Greek restaurant while George’s Bar pours cool cocktails. Naia has 18 luxury suites, a mixture of shapes, colors, and rare artworks. Bacos Bar serves specialty cocktails and Naros is an Asian-fusion sushi spot. Deos will debute in summer 2024.

Now with 12 hotels and counting, son Panos sums it all up, “As you can see, we’ve got our retirement cut out for us already. It’s a good thing that we are four brothers, because we have big shoes to fill.”

The Myconian Collection secret: True luxury cannot be conveyed by exclusivity, precision, and aesthetics alone. You need to encounter family, connectedness, and a shared ethos.

Su una piccola collina appena sopra Mykonos, svettano Korali, Kyma e Naia. Al Korali le camere e le suite sono tutte progettate con vista mare, jacuzzi o piscina private. Baos è il ristorante di alta cucina con vista panoramica sul mare, mentre il Kitrino Bar serve drink esclusivi. A Kyma il lusso rilassato incontra stile e comfort, con bungalow a due piani con balconi panoramici vista sul mare e piscine private. Noa è il popolare ristorante greco mentre il George’s Bar serve cocktail fantastici. Naia dispone di 18 suite di lusso, un mix di forme, colori e opere d’arte rare. Il Bacos Bar serve cocktail speciali e il Naros è un locale di sushi fusion asiatico. Deos debutterà nell’estate 2024.

Ad oggi con oltre 12 hotel, il figlio Panos riassume così il tutto: “Come potete vedere sarà difficile andare in pensione. È un bene essere quattro fratelli, perché abbiamo la grande responsabilità di seguire il successo di nostro padre”.

Il segreto di The Myconian Collection: il vero lusso non può essere trasmesso solo dall’esclusività, dalla precisione e dall’estetica. È necessario far coesistere famiglia, connessione ed etica condivisa.

Panoptis Escape

The O

Korali

Kyma

WOMEN’S FASHION : Simplification

This spring the fashion designers talk about a woman who wants simplicity, with accessories that can be easily combined, flat or micro heels shoes and, as underlined by Armani, a woman that must no longer be a “slave of heights”. Even the bags must be practical, elegant, clean, for a fresh look that perfectly matches the new season.

1. Saturnino sunglasses

Martino Midali jacket

Il Bisonte purse

AGL heels

Fendi wristwatch

Bata heels

Kiton outfit

Surkana bag

Dotz loafers Text by Valentino Odorico

Questa primavera gli stilisti raccontano una donna che vuole la semplicità, con accessori facilmente abbinabili, scarpe basse o con micro tacchi e, come sottolineato da Armani, una donna che non deve essere più “schiava delle altezze”. Anche le borse devono essere pratiche, eleganti, pulite, per una freschezza del look che sposa perfettamente la nuova stagione.

1. Les Pièces Uniques sunglasses

2. Cosy Sunday blouse

3. Fendi belt

4. Emporio Armani purse

5. Giorgio Armani purse

6. Ambleme sandals

7. Valentina Della Rosa dress

8. Eleventy outfit

9. Charles Philip heels

10. Suèi sneakers

MEN’S FASHION : Cleaning

The trend for the male fashion universe keeps on prefer a relaxed and fresh elegance even for spring, where the looks are enhanced and enriched by fine details, clean-cut leather bags, small bracelets. The colors are also designed to be perfect on every occasion and ideal for mixing different styles.

1. Fendi sunglasses

2. 959NINEFIVENIVE tote bag 3. Fendi belt

Fendi bag

D.A.T.E sneakers

Docksteps loafers

Kiton outfit

Emporio Armani pouch

Lardini outfit

Anche per la primavera continua, per l’universo maschile, la tendenza a preferire un’eleganza rilassata e fresca, dove il look viene accentuato e arricchito da dettagli pregiati, borse di pelle dal taglio pulito, piccoli bracciali. Anche i colori sono pensati per essere perfetti in ogni occasione e ideali per mixare diversi stili.

1. Saturnino sunglasses

2. Giorgio Armani tote bag

3. Drip socks

4. Tombolini jacket

5. Tombolini loafers

6. Emporio Armani sneakers

7. Fendi bracelet

8. Canali outfits

9. Fendi backpack

Da oltre 40 anni il "Centro Dino Ferrari" si occupa di ricerca, diagnosi e terapia di malattie neuromuscolari, neurodegenerative e cerebrovascolari: patologie che colpiscono dall'età pediatrica a quella adulta.

L'obiettivo?

Trasformare la ricerca in cura, partendo dai bisogni delle persone.

La maggior parte di queste patologie, infatti, ha un gravissimo impatto sociale e riduce notevolmente la qualità della vita di coloro che ne sono affetti e delle loro famiglie.

Sviluppiamo i nostri progetti grazie alla continua implementazione di tecnologie all'avanguardia e a un team di professionisti che lavora con passione e impegno ma, soprattutto, grazie al vostro prezioso supporto che negli anni ci ha permesso di raggiungere traguardi sempre più grandi.

Aiutaci a proseguire il nostro lavoro, scegli di donare il tuo 5x1000 ai nostri ricercatori.

C.F. 07276710154 - nella dichiarazione dei redditi 1° riquadro “sostegno degli enti del terzo settore”

Tel. +39 0255189006 - info@centrodinoferrari.com - www.associazionecentrodinoferrari.com

ILTM Cannes is the flagship luxury travel trade show that leads the way in growth of the luxury travel industry

ILTM Cannes is an essential sales and marketing opportunity for travel industry professionals. The right place to meet new customers, generate new contacts and create lasting relationships. ILTM Cannes è un’opportunità di vendita e marketing essenziale per i professionisti del settore dei viaggi. Il posto giusto per incontrare nuovi clienti, generare nuovi contatti e creare relazioni durature.

Text by Francesca Montuschi

ILTM is a global collection of invitation-only events that brings together leading international buyers to meet and discover the most luxurious travel experiences. Each event introduces an unrivalled selection of luxury travel brands to ILTM’s extensive network of hand-picked luxury travel advisors, through bespoke appointment programs and networking sessions.

ILTM è un evento globale che riunisce i principali acquirenti internazionali per incontrare e scoprire le esperienze di viaggio più lussuose. Un’accurata selezione di marchi del settore viaggi di lusso viene presentata alla vasta rete di ILTM fatta di consulenti di viaggi di lusso scelti con cura, attraverso appuntamenti su misura e sessioni di networking.

ILTM Cannes, at its 22nd edition, took place on 4-7 December 2023 at Palais des Festivals et des Congrès in Cannes, marking the largest edition of the event to date. During the four days luxury travel brands, experts in experiences, destinations, and suppliers met to build and strengthen connections with international travel planners, curators and agencies. Over 2,100 buyers from 83 countries met with 2,100 exhibitors representing 330 brands in over 82,000 one-to-one meetings, alongside an extensive program of networking events, highlighting how the luxury travel industry is truly thriving.

ILTM Cannes kicked off with an opening forum featuring three inspirational presentations for the global luxury travel community. Global Strategist Tina Fordham spoke on the topic of The New Geopolitical Risk Supercycle: 2024 Outlook, addressing key global risk drivers and disruptions relevant to the international luxury travel landscape. Gusto Collective Founder and CEO, Aaron Lau presented on Glocalization and Virtualization: a blueprint to building engagement with NexGen customers and World Experience Organization Founder and CEO, Jason Wallman spoke to the rise of experientialism as pertaining to luxury travel in his presentation titled Moonshot: How luxury travel will transform the world.

ILTM Cannes, alla sua 22a edizione, si è svolto dal 4 al 7 dicembre 2023 al Palais des Festivals et des Congrès di Cannes, segnando la più grande edizione dell’evento fino ad oggi. Durante i quattro giorni di fiera, brand, specialisti in esperienze, rappresentanti di destinazioni e provider di viaggi di lusso si sono incontrati per costruire e rafforzare i collegamenti con travel planner, curatori e agenzie di viaggio internazionali. Oltre 2.100 buyer provenienti da 83 paesi hanno incontrato 2.100 espositori in rappresentanza di 330 marchi in oltre 82.000 incontri one-to-one, insieme a un vasto programma di eventi di networking, evidenziando come l’industria dei viaggi di lusso sia davvero fiorente.

ILTM Cannes è iniziata con un forum di apertura e tre presentazioni ispirazionali dedicate alla comunità globale dei viaggi di lusso. Tina Fordham, stratega a livello globale, ha parlato dei principali fattori di rischio e delle interruzioni di flusso rilevanti per il panorama internazionale dei viaggi di lusso nella talk The New Geopolitical Risk Supercycle: 2024 Outlook. Il fondatore e CEO di Gusto Collective, Aaron Lau, ha presentato Glocalization and Virtualization: a blueprint to building engagement with NexGen customers, mentre il fondatore e CEO della World Experience Organization, Jason Wallman, ha parlato dell’ascesa dell’esperienzialismo in relazione ai viaggi di lusso nella sua presentazione intitolata Moonshot: How luxury travel will transform the world.

During the week exhibitors had the opportunity to meet more than 90 of the world’s most influential travel editors from publications and platforms, voice of luxury travel to their high-net-worth readers and communities around the world, through speed networking, press conferences and one-to-one meetings.

Luxury travel advisors and exhibitors were both enthusiastic for the way ILTM Cannes is an extraordinary platform to support their business goals; a way to meet people, learn about new special experiences that you didn’t know about, discover little known destinations, reconnect with existing key partners and making new ones. It’s the best global show for deepening existing luxury travel contacts and meeting new ones, developing new business sharing outof-the-box experiences, all bringing together key figures from the luxury travel industry to connect, exchange ideas and have unparalleled access to the luxury travel industry’s most influential writers, editors, and trade partners.

ILTM 2024 events will spread over the year in Latin America (7-10 May 2024), Asia Pacific (1-4 July 2024), North America (23-26 September 2024) and then again in Cannes on 2-5 December 2024.

Durante la settimana gli espositori hanno avuto l’opportunità di incontrare alcuni dei 90 giornalisti del settore travel più influenti al mondo provenienti da redazioni e piattaforme - voce dei viaggi di lusso per i loro lettori e la loro community proveniente da tutto il mondo - attraverso speed networking, conferenze stampa e meeting individuali.

Entusiasti sia i consulenti di viaggi di lusso che gli espositori, che confermano ILTM Cannes come una piattaforma straordinaria a supporto dei loro obiettivi di business: un’occasione per incontrare persone, venire a conoscenza di nuove esperienze speciali, scoprire destinazioni poco conosciute, riconnettersi con partner chiave e crearne di nuovi. ILTM Cannes è la migliore fiera globale per approfondire i contatti esistenti nel settore dei viaggi di lusso e crearne di nuovi, sviluppare nuovi business condividendo esperienze fuori dagli schemi, riunire figure chiave del settore dei viaggi di lusso per connettersi, scambiarsi idee e incontrare gli scrittori, gli editori e i partner commerciali più influenti.

Gli eventi ILTM 2024 si svolgeranno nel corso dell’anno in America Latina (7-10 maggio 2024), Asia Pacifico (1-4 luglio 2024), Nord America (23-26 settembre 2024) e poi di nuovo a Cannes dal 2 al 5 dicembre 2024.

Exclusive 5.5-room penthouse, roof garden, lake view

LUGANO - ALDESAGO

LUGANO - CASTAGNOLA

Renovated 3.5-room apt., lake-view terrace

LUGANO - ON THE HILLSIDE

LUGANO - CASTAGNOLA

4.5-room apt., lake view, terrace, pool, SPA

LUGANO

Elegant VILLA of 990 sqm, lake view, 10 rooms

Venice Hospitality Challenge Giants of

the sea in the heart of Venice

Text by Sandro Bagno

The 10th edition of the Venice Hospitality Challenge, which set a new record with eighteen maxi yachts on the starting line, ended on October 14th with the Overall victory of Arca SGR – Ca’ Sagredo helmed by Furio Benussi. As per tradition, the regatta took place entirely on the city route that goes from the Rive di San Marco to the Giudecca Canal, a unique regatta field in the world that allows enthusiasts to witness a real F1 race of the sea up close. To award the winners of the coveted Doge’s Hat, Mirko Sguario, organizer of the regatta and founder of the Venice Yacht Club, was joined on stage by the Venice Tourism Councilor Simone Venturini and by Francesco Ettorre and Benoît de Froidmont, respectively presidents of the Italian Sailing Federation and International Maxi Yacht Association. The boat driven by Benussi also won the prize offered by Generali Italia on the occasion of the tenth anniversary. The anniversary was also celebrated with the exhibition “Venice Hospitality Challenge il Decennale” which was held at Palazzo delle Zattere: an anthology and a tribute to the world of sailing expressed through the arts that have represented it over the years: photography, hospitality, glass art. The exhibition, curated by Patrizia Zambelli, was the magnificent showcase of those emotions that only the large sails in the fantastic setting of the Serenissima can make unforgettable.

La decima edizione della Venice Hospitality Challenge, che ha stabilito un nuovo record con diciotto maxi yacht sulla linea di partenza, si è conclusa il 14 ottobre scorso con la vittoria Overall di Arca SGR – Ca’ Sagredo timonata da Furio Benussi. Come da tradizione la regata si è svolta interamente sul percorso cittadino che va dalle Rive di San Marco al Canale della Giudecca, un campo di regata unico al mondo che consente agli appassionati di assistere da vicino a una vera e propria corsa di F1 del mare. Per la consegna ai vincitori dell’ambito Cappello del Doge Mirko Sguario, organizzatore della regata e fondatore dello Yacht Club Venezia, è stato affiancato sul palco dall’assessore al Turismo di Venezia Simone Venturini e da Francesco Ettorre e Benoît de Froidmont, rispettivamente presidenti Federazione Italiana Vela e International Maxi Yacht Association. L’imbarcazione condotta da Benussi si è aggiudicata anche il premio messo in palio da Generali Italia in occasione della ricorrenza del decennale. L’anniversario è stato anche celebrato con la mostra “Venice Hospitality Challenge il Decennale” che si è tenuta a Palazzo delle Zattere: un’antologia e un omaggio al mondo della vela declinata attraverso le arti che l’hanno rappresentata negli anni: la fotografia, l’ospitalità, l’arte vetraria. La mostra, curata da Patrizia Zambelli, è stata la magnifica vetrina di quelle emozioni che solo le grandi vele nella fantastica cornice della Serenissima possono rendere indimenticabili.

The 10th edition allowed for the first time to admire the boats moored in the Giudecca Canal thanks to a floating pier over 75 meters long. Named in memory of the builder Renzo Rossi, one of the leading experts in the field of maintenance and protection of the lagoon, the pier will be positioned again for mooring the fleet also for the 11th edition of the regatta.

Environmental protection is certainly an indispensable choice for a city that has lived on water for over 1400 years and the Venice Hospitality Challenge, like all the activities promoted by the Venice Yacht Club, has supported this sensitivity for years by using clothing for the crews and staff made by EnergiaPura thanks to the use of waste obtained from the recycling of plastic bottles.

The regatta is not just a competition. Paying attention to the social aspect, the Venice Hospitality Challenge is alongside the Italian League for the fight against tumors and in fact also in the next edition one of the participating maxi yachts will compete for LILT while the Vaporetto Rosa, a hybrid boat with low environmental impact, will accompany the regatta to spread the importance of breast cancer prevention. The Yacht Club Venice’s 2024 program also includes the second edition of the LILT Trophy, a charity regatta organized in collaboration with other lagoon sailing clubs, for Sunday May 12th

Official event of the Venetian Autumn with the patronage of the Municipality of Venice, the Veneto Region, Vela Spa and the Port Authority, Venice Hospitality Challenge is an unparalleled event made possible thanks to the support of the most famous 5-star Venetian hotels and important sponsors who believe in this challenging project of the Venice Yacht Club.

The appointment for the 11th edition will be Saturday October 19th when the Serenissima will become an audience and a competition ground to once again demonstrate its indissoluble links with the maritime spirit and hospitality. Is everyone ready to hoist the sails?

La 10° edizione ha permesso per la prima volta di ammirare le imbarcazioni ormeggiate nel Canale della Giudecca grazie a un pontile galleggiante lungo oltre 75 metri. Intitolato alla memoria del costruttore Renzo Rossi, considerato tra i massimi esperti nel campo dei lavori di manutenzione e salvaguardia della laguna, il pontile verrà posizionato nuovamente per l’ormeggio della flotta anche per l’11° edizione della regata. La tutela dell’ambiente è certamente una scelta indispensabile per una città che vive sull’acqua da oltre 1400 anni e Venice Hospitality Challenge, come tutte le attività promosse dallo Yacht Club Venezia, sostiene da anni questa sensibilità utilizzando per gli equipaggi e lo staff abbigliamento realizzato da EnergiaPura grazie all’impiego di scarti ottenuti dal riciclo delle bottiglie di plastica.

La regata non è solo competizione, attenta all’aspetto sociale Venice Hospitality Challenge è al fianco della Lega Italiana per la lotta contro i tumori e infatti anche nella prossima edizione uno dei maxi yacht partecipanti gareggerà per LILT mentre il Vaporetto Rosa, un natante ibrido a basso impatto ambientale, accompagnerà la regata per divulgare l’importanza della prevenzione per i tumori al seno. Nel programma per il 2024 dello Yacht Club Venezia è anche in calendario – per domenica 12 maggio - la seconda edizione del Trofeo LILT, regata a scopo benefico organizzata in collaborazione con altri circoli velici lagunari.

Evento ufficiale dell’Autunno Veneziano col patrocinio del Comune di Venezia, della Regione Veneto, di Vela Spa e dell’Autorità Portuale, Venice Hospitality Challenge è una manifestazione senza eguali resa possibile grazie al supporto dei più celebri Hotel 5 stelle veneziani e di sponsor importanti che credono in questo impegnativo progetto dello Yacht Club Venezia. L’appuntamento per l’11° edizione è per sabato 19 Ottobre quando la Serenissima diverrà platea e campo di gara per testimoniare ancora una volta i suoi indissolubili legami con lo spirito marinaresco e l’ospitalità. Tutti pronti a issare le vele?

Organizer and Venice Yacht Club

Founder Mirko Sguario

Alfa Romeo 33/2 the unrealized dream of vintage car collectors

Text by Massimiliano Serra

Photography by Rémi Dargegen

The Alfa Romeo 33 Pininfarina Coupé Prototipo Speciale, also known as the Alfa Romeo 33/2, is a concept car designed and built by Pininfarina and presented at the 1969 Paris Motor Show. In good company with 5 other dream cars built by Pininfarina on the model of the Alfa Romeo 33 Stradale between the 60s and 70s, this yellow jewel was an attempt to resume the project by the historic designer Leonardo Fioravanti, the father of the Ferrari 250 Berlinetta Speciale P5, presented at the Geneva Motor Show the previous year.

Unfortunately for today’s vintage cars collectors and enthusiasts, this exceptional prototype, so different from others based on the 33 Stradale (Bertone’s Carabo, Giugiaro’s Iguana…) was never put into production, remaining a dream car, literally. Perhaps because it did not follow the design trends of the late ‘60s-early ‘70s period, i.e. shapes with more squared geometries, because of the low level of satisfaction met in Maranello or for the new technical regulations for the World Sports Prototype Championship.

L’Alfa Romeo 33 Pininfarina Coupé Prototipo Speciale, conosciuta anche come Alfa Romeo 33/2, è una concept car progettata e costruita da Pininfarina e presentata al Salone di Parigi del 1969. In buona compagnia con altre 5 auto da sogno realizzate da Pininfarina sul modello dell’Alfa Romeo 33 Stradale tra gli anni ‘60 e ‘70, questo gioiello dal colore giallo riprende il progetto dello storico designer Leonardo Fioravanti, padre della Ferrari 250 Berlinetta Speciale P5, presentata l’anno prima al Salone di Ginevra.

Purtroppo per i collezionisti e gli appassionati di auto d’epoca, questo eccezionale prototipo, così diverso dagli altri basati sulla 33 Stradale (la Carabo di Bertone, l’Iguana di Giugiaro…) non venne mai messo in produzione, rimanendo un’auto da sogno, letteralmente. Forse perché non seguiva le tendenze di design del periodo fine anni ‘60-inizi anni 70’ - ovvero forme con geometrie più squadrate - forse perché non riscosse particolare soddisfazione a Maranello oppure per il nuovo regolamento tecnico del Campionato del Mondo Sport Prototipi.

But let’s see what characteristics the Alfa Romeo 33/2 had in common with the Ferrari P5:

same body line but adapted to the chassis of the 33 Stradale: different tail molding and side air intakes, different front and color, details designed for a small series car production; the roof, almost completely transparent; the glass rear bonnet leaves the engine exposed, except for the two roll-bars joined by a longitudinal transverse element as a support structure for the gull-wing doors hydraulically operated with windows that curve up to the car roof; the car has a low and concave front, with a narrow slot for the ventilation of the radiator with the Alfa Romeo trilobo between the two ovoid-shaped fenders, in which position lights and retractable headlights are integrated, and with two radiator air vents on the hood. The rear part abandoned the original horizontal grilles for a more classic solution, with horizontally developed rear lights and matte black split bumpers separated by an engine ventilation grille that houses the license plate.

Brown leather and beige carpet for the interior, seats in leather and original tartan fabric; same leather-covered steering wheel of the Tipo 33 racing, with the speedometer and rev counter behind and the 5 secondary instruments positioned in the dashboard centre.

Ma vediamo quali caratteristiche aveva in comune l’Alfa Romeo 33/2 con la Ferrari P5:

stessa linea della carrozzeria ma adattata al telaio della 33 Stradale: diversa modanatura della coda e delle prese d’aria laterali, diverso frontale e colore, dettagli pensati per una produzione della vettura in piccola serie; il tetto, quasi completamente trasparente; il cofano posteriore in vetro lascia scoperto il motore, fatta eccezione per i due roll-bar uniti da un elemento trasversale longitudinale come struttura di sostegno delle porte ad ala di gabbiano ad azionamento idraulico con finestrini che curvano fino al tetto della vettura; la vettura ha un frontale basso e concavo, con una stretta fessura per l’areazione del radiatore con il trilobo dell’Alfa Romeo tra i due parafanghi di forma ovoidale, in cui sono integrate luci di posizione e fari a scomparsa, e con due sfoghi dell’aria calda dal radiatore sul cofano. La parte posteriore abbandona le originali griglie orizzontali per una soluzione più classica, con fanali posteriori a sviluppo orizzontale e paraurti sdoppiati in nero opaco separati da una griglia di ventilazione del motore che ospita la targa. Pelle marrone e moquette beige per gli interni, sedili in pelle e un originale tessuto tartan; stesso volante rivestito in pelle della Tipo 33 racing, con tachimetro e contagiri posti dietro di esso e i 5 strumenti secondari posizionati al centro della plancia.

Stradale, able to deliver 230 hp at 8,800 rpm, centrally positioned and coupled to a 6-speed manual gearbox.

The Alfa Romeo 33 Pininfarina Coupé Prototipo Speciale now rests at the Alfa Romeo Historical Museum in Arese, as an immortal piece of exceptional historical value and inspiration, turning point of the automotive design history of that decade.

However, we keep one thing in memory of this extraordinary prototype: the color of its paint took the name of “Giallo Prototipo”, which colored the Alfa Romeo Spider between 1970 and 1977.

della 33 Stradale, in grado di erogare 230 CV a 8.800 giri/ min, posizionato centralmente e accoppiato a un cambio manuale a 6 marce.

L’Alfa Romeo 33 Pininfarina Coupé Prototipo Speciale riposa ora al Museo Storico Alfa Romeo di Arese, come un pezzo immortale di eccezionale valore storico e di ispirazione, punto di svolta nella storia del design automobilistico di quel decennio.

Una cosa però è rimasta in memoria di questo straordinario prototipo: il colore della sua vernice, che prese il nome di “Giallo Prototipo”, colorò l’Alfa Romeo Spider tra il 1970 e il 1977.

Spring: A new beauty

Text by Valentino Odorico

The change of season is the opportunity to renew the Beauty Routine: purify the skin from smog, prepare it for the sun and the summer, nourishing and hydrating it; there are numerous high-end products perfect for use and specific for many needs.

RICA:

The brand has chosen the goal of environmental and social sustainability as the guiding principle of all production. The raw materials are of natural origin and linked to the territory, as the volcanic water of Etna rich in minerals such as copper, selenium and zinc and trace elements extracted from Mediterranean plants.

Il cambio di stagione è l’occasione per rinnovare la Beauty Routine: purificare la pelle dallo smog, prepararla per il sole e la bella stagione, nutrirla, idratarla; sono numerosi i prodotti d’alta gamma perfetti per essere utilizzati e specifici per molte esigenze.

RICA:

Il marchio ha scelto l’obiettivo della sostenibilità ambientale e sociale come principio guida di tutta la produzione. Le materie prime sono di origine naturale e legate al territorio, come l’acqua vulcanica dell’Etna ricca di minerali come rame, selenio e zinco e oligoelementi estratti da piante mediterranee.

Oil hair treatment by Rica

Moisturizing shampoo by Rica

PLUMES ATELIER DELLO SGUARDO:

The first Italian atelier specializing in the care of eyelashes and eyebrows launches a new Eye Serum with vibration applicator, created to meet the needs of every woman. This new product is specifically developed to offer an eye contour compatible with eyelash extensions, eyelash and eyebrow tint, henna or lamination and capable of prolonging their duration.

90% of the formulation is based on snail slime, a substance rich in glycolic acid, which stimulates the production of collagen and elastin in the dermis and promotes the renewal of the epidermis, thus giving the skin a brighter, more uniform, smoother, and hydrated look.

ONYX BY ESTRID:

Award-winning vegan epilation and body care brand Estrid presents its latest limited edition razor: Onyx. With an iconic matte black color, the razor becomes an art object with a minimalist design to collect and desire.

Not only is this the brand’s most requested color ever, but the Estrid community also helped name the product, an inspiring example of true co-creation.

PLUMES ATELIER DELLO SGUARDO:

il primo atelier italiano specialista nella cura di ciglia e sopracciglia lancia un nuovo Eye Serum con applicatore a vibrazione, nato per soddisfare le esigenze di ogni donna. Questo nuovo prodotto è stato specificatamente sviluppato per offrire un contorno occhi che fosse compatibile e che prolungasse la durata di extension ciglia, tinta ciglia e sopracciglia, henné o laminazione.

Il 90% della formulazione è a base di bava di lumaca, sostanza ricca di acido glicolico, che stimola la produzione di collagene ed elastina nel derma e promuove il rinnovamento dell’epidermide, regalando alla pelle un aspetto più luminoso, uniforme, levigato e idratato.

ONYX BY ESTRID:

La premiata marca vegana di depilazione e cura del corpo Estrid presenta il suo ultimo rasoio in edizione limitata: Onyx. Con una iconica colorazione nero opaco, il rasoio si trasforma in un oggetto d’arte dal design minimalista da collezionare e desiderare.

Non solo questa è la colorazione della marca più richiesta di sempre, ma anche la comunità di Estrid ha contribuito a scegliere il nome del prodotto, un ispirante esempio di vera co-creazione.

Eye serum by Plumes Atelier Dello Sguardo

Onyx razor by Estrid

NOBLE PANACEA:

The ExceptionalNP Overnight Chronobiology Peel, a treatment to be left on overnight, meticulously planned and synchronized with the skin’s nocturnal biorhythm. Cell turnover is optimized during the night and, as a final phase, the product releases a soothing blend of ingredients just when the skin’s absorption is at its highest, to soften and calm it. The skin appears renewed, luminous and healthy.

SKIN4PASSION: GOLDEN DRY BODY OIL:

An incredible dry oil, with a Silicon-like effect, but with a Green formulation, suitable for both the body and hair. It’s a mixture of dry oils, highly spreadable emollients that give a silky effect and a pleasant sensation of nourished and dry skin. The formulation is perfect for a relaxing massage thanks to the presence of mint and, in spring, it’s ideal for nourishing and making the skin velvety.

NOBLE PANACEA:

The ExceptionalNP Overnight Chronobiology Peel è un trattamento da lasciare in posa durante la notte, e meticolosamente programmato e sincronizzato con il bioritmo notturno della pelle. Il ricambio cellulare è ottimizzato durante la notte e, come fase finale, il prodotto rilascia una miscela lenitiva di ingredienti proprio quando l’assorbimento della pelle è al massimo, per ammorbidirla e calmarla. La pelle appare rinnovata, luminosa e sana.

SKIN4PASSION: GOLDEN DRY BODY OIL:

Un incredibile olio secco, a effetto Silicon-like, ma con una formulazione Green, adatto sia per il corpo, sia per i capelli. È una miscela di oli secchi, emollienti ad altissima spalmabilità che dona un effetto silky e una piacevole sensazione di pelle nutrita e asciutta. La formulazione è ideale per un massaggio rilassante grazie alla presenza della menta e, in primavera, è ideale per nutrire e rendere vellutata la pelle.

The Exceptional overnight Peel by Noble Panacea

Golden dry body oil by SKIN4PASSION

ANGEL FACE

She’s the most famous actress in France, who, with an Oscar and many other awards won, has seduced and conquered Hollywood. The directors, ça va sans dire, go crazy for her angelic face which, in reality, hides a rebellious soul.

È l’attrice più famosa di Francia, che, con un Oscar e molti altri premi vinti, ha sedotto e conquistato Hollywood. I registi, ça va sans dire, impazziscono per il suo viso da angelo che, in realtà, nasconde un’animo ribelle.

Text by Barbara Zorzoli

She is lying with regal elegance on a sofa; legs crossed and covered with tweed hot pants. Honest face. Melancholic look. She says she’s constantly attracted to complex roles, such as the one that made her won the Oscar for best female actress, namely Edith Piaf in La vie en rose (by Olivier Dahan, 2007). Marion Cotillard (born 1975) is also a style icon who, with her French charm, led Christian Dior to want her as a testimonial. She prefers retro looks, hair tide up, clothes with a vintage flavor, often intense red lips. Alongside this Marion, however, lives an eternal girl with a soapy face and a simple style with neutral and powdery tones. I go towards her with my hand outstretched. Her smile is sweet and dazzling, while her large cerulean eyes and warm, sensual voice are exactly those we know and appreciate on the big screen, those of an intense actress.

How did your acting career begin?

“I was fascinated by my parents’ life, both actors, and by the people around them. I grew up surrounded by actors, people who, when they weren’t acting, loved telling stories. Our house was animated by a magical energy. It was a wonderful world... you were never bored. My mom often took me to the theater with her, and there, on stage, I saw her transform into a fantastic creature. She made me dream...”.

Do you remember your first time on stage?

“Of course, I remember it very well”.

È adagiata con un’eleganza regale su un divano; gambe incrociate e (ri)vestite da hot pants in tweed. Volto sincero. Sguardo malinconico. Dice di essere costantemente attratta da ruoli complessi, come quello che le fece vincere l’Oscar come miglior attrice femminile, ossia l’Edith Piaf de La vie en rose (di Olivier Dahan, 2007). Marion Cotillard (classe 1975) è anche un’icona di stile che, col suo charme francese, ha portato Christian Dior a volerla come testimonial. Predilige i look rétro, chiome raccolte, abiti dal sapore vintage, labbra spesso tinte di rosso intenso. Accanto a questa Marion, però, convive un’eterna ragazza dal viso acqua e sapone, lo stile semplice dai toni neutri e cipriati. Le vado incontro tendendole la mano. Il suo sorriso è dolce e abbagliante, mentre i grandi occhi cerulei e la voce calda e sensuale sono esattamente quelli che conosciamo e apprezziamo sul grande schermo, ossia quelli di un’attrice intensa.

Come ha avuto inizio la tua carriera di attrice?

“Ero affascinata dalla vita dei miei genitori, entrambi attori, dalle persone intorno a loro. Sono cresciuta circondata da attori, persone che, quando non recitavano, amavano raccontare delle storie. Casa nostra era animata da una magica energia. Era un mondo meraviglioso… non ci si annoiava mai. Spesso mia mamma mi portava a teatro con lei, e lì, sul palco, la vedevo trasformarsi in una creatura fantastica. Mi faceva sognare…”.

Ti ricordi la tua prima volta sul palcoscenico?

“Certamente, la ricordo benissimo”.

How old were you?

“I was only four years old. We were at the theater and the director asked me to approach a woman lying on the floor. In fiction she was dying and I had to cry because she was my mother. But I was very confused... because actually my mother was fine! I remember the director telling me not to worry, we were just playing, I just had to pretend to be sad. For the first time I understood what acting meant; make others believe something that isn’t true, feel free, put on a show”.

The adventure began…

“Exactly. I started early. I felt that I was made for this job”.

What specifically attracted you?

“I would say that I was immediately attracted to the fact that acting allows you to investigate the nature of the human being”.

And it’s easy, can you do this?

“To tell the truth, I don’t think a lifetime is enough to fully understand the complexity of people. Let’s say I feel like an anthropologist! I try to understand how souls, hearts, brains work.

Being an actor very often means dealing with yourself, with your emotions, which change depending on the roles played”.

Quanti anni avevi?

“Avevo solo quattro anni. Eravamo a teatro e il regista mi chiese di avvicinarmi a una donna sdraiata per terra. Nella finzione stava morendo e io dovevo piangere perché lei era mia madre. Ma io ero molto confusa… perché in realtà la mia, di mamma, stava benissimo! Ricordo che il regista mi disse di non preoccuparmi, stavamo solo giocando, dovevo solo far finta di essere triste. Per la prima volta ho capito cosa volesse dire recitare; far credere agli altri qualcosa che non è vero, sentirsi liberi, fare spettacolo”.

E da quel momento ha avuto inizio l’avventura…

“Esattamente. Ho iniziato presto. Sentivo che ero fatta per questo lavoro”.

Cosa ti attraeva nello specifico?

“Direi che sono subito stata attratta dal fatto che recitare ti permette di indagare sulla natura dell’essere umano”.

Ed è facile, ci riesci?

“A dire il vero, non credo basti una vita per comprendere appieno la complessità delle persone. Diciamo che mi sento un’antropologa! Provo a capire come funzionano le anime, i cuori, i cervelli.

Essere attore è molto spesso confrontarsi con se stessi, con le proprie emozioni, che cambiano a seconda dei ruoli interpretati”.

Are you the same Marion as you were at the beginning, or has this job changed you in some way?

“I’m always the same, with firm principles, with my feet firmly planted on the ground, but I’m much more relaxed and calmer than I used to be”.

I’m curious. How were you before?

“I was emotional to say the least! I’ve always had great sensitivity, or rather a hypersensitivity that I have lived with for years. I was a restless teenager. Maybe this is why I love being an actress, to always take on different identities. Living in different times and places. Acting is like taking a journey into the unexpected”.

How did you manage to find serenity?

“I found it thanks to meditation! It’s a splendid practice that eases the mind by taking you far, and then making you return totally regenerated”.

Can you find the time to do it?

“Yes. Sometimes five or ten minutes are enough... a simple conscious breath, and voilà, you’re done!”.

To close, what advice would you give to our readers?

“Remember to dream, always. And big. Because are dreams, like thoughts, to create our reality”.

Sei la stessa Marion degli esordi, o questo lavoro ti ha in qualche modo cambiata?

“Sono sempre la stessa, con saldi principi, con i piedi ben piantati a terra, ma sono molto più rilassata e tranquilla di un tempo”.

Sono curiosa. Prima com’eri?

“Ero a dir poco emotiva! Ho sempre avuto una grande sensibilità, anzi un’ipersensibilità con cui ho convissuto per anni. Ero un’adolescente inquieta. Forse è per questo che amo fare l’attrice, per assumere identità sempre diverse. Vivere in epoche e luoghi differenti. Recitare è come fare un viaggio nell’inaspettato”.

Come sei riuscita a trovare la serenità?

“L’ho trovata grazie alla meditazione! È una pratica splendida che alleggerisce la mente portandoti lontano, per poi farti ritornare totalmente rigenerato”.

Riesci a trovare il tempo per farlo?

“Sì. A volte bastano cinque o dieci minuti… un semplice respiro consapevole, et voilà, il gioco è fatto!”.

Per chiudere, che consiglio daresti ai nostri lettori?

“Ricordatevi di sognare sempre. E in grande. Perché sono i sogni, come i pensieri, a creare la nostra realtà”.

Interview with Pierre Guillaume, the great nose of contemporary French perfumery

Pierre Guillaume, renowned perfumer, grew up in a family of chemists, surrounded by the fascinating world of perfumes since his early childhood, spent collecting essential oils and perfumed materials, foreshadowing his future career as a perfumer. This unique education allowed Pierre to develop an innate understanding of olfactory nuances and laid the foundation for his later work in perfumery.

Pierre Guillaume, rinomato profumiere, è cresciuto in una famiglia di chimici, circondato dal mondo affascinante dei profumi fin dalla prima infanzia, trascorsa a collezionare olii essenziali e materiali profumati, prefigurando la sua futura carriera di profumiere. Questa educazione unica ha permesso a Pierre di sviluppare una comprensione innata delle sfumature olfattive e ha gettato le basi per il suo lavoro successivo in profumeria.

Text by Domenico Moramarco

When he was only 25, Pierre Guillaume began his journey in perfumery trying to recreate the smell of his father’s cigar cellar. This experiment resulted in “02 Cozé”, a spicy-tobacco accord built on the Epicène-Gamma base. The fragrance quickly attracted the attention of critics and professional buyers, making it earn recognition in the perfume blogosphere and around the world.

In 2010, Pierre founded his own company, Pierre Guillaume Diffusion. He equipped it with an internal production studio, a cellar of raw materials and a packaging line exclusively dedicated to the creation of his perfumes. In 2015, with the growth of the company, a second workshop was inaugurated. Today, Pierre Guillaume Paris is an independent, family-run formulation house.

A soli 25 anni, Pierre Guillaume ha iniziato il suo percorso nella profumeria cercando di ricreare l’odore della cantina di sigari di suo padre. Questo esperimento ha creato “02 Cozé”, un accordo speziato-tabacco costruito sulla base Epicène-Gamma. La fragranza ha rapidamente attirato l’attenzione di critici e acquirenti professionisti, guadagnandogli riconoscimento nella blogosfera dei profumi e in tutto il mondo.

Nel 2010, Pierre ha fondato la propria azienda, Pierre Guillaume Diffusion. L’ha dotata di uno studio di produzione interno, una cantina di materie prime e una linea di imballaggio dedicata esclusivamente alla creazione dei suoi profumi. Con l’espansione dell’azienda, nel 2015 è stata inaugurata una seconda officina. Oggi, Pierre Guillaume Paris è una casa di composizione indipendente e a conduzione familiare.

Pierre Guillaume’s approach to perfume creation is rooted in his training as a chemist and in his passion for olfactory exploration. He translates his passion for his perfumery in a contemporary, inventive and poetic key, always looking for wearable, high-quality products at realistic prices. Pierre’s work is characterized by his commitment to complete creative and financial independence, allowing him to focus on his artistic vision without external constraints.

We interviewed Pierre and his answers reveal his commitment to quality and creative freedom which has allowed him to build a strong and lasting brand appreciated by perfume enthusiasts around the world.

Tell us how your passion for the world of perfumes was born.

“Being an only child, with a solitary character, I spent a lot of time with my father. By sharing his passions I developed a natural curiosity that I had to nurture and which complemented my personality. As for my memories, I think I’ve always been fascinated by people and jobs that connect art and technology. First of all I devoured books on the human stories of car makers like Ettore Bugatti or Émile Delahaye. Then I discovered the world of couturiers and fashion houses which fascinated me and which I wanted to know everything about. I liked these profiles of artist-builders: creation anchored to a reality of production, laboratories, know-how. When I discovered that perfumery was also an artistic industry I got equally interested in an obsessive way. That was certainly the start of my theoretical training”.

L’approccio di Pierre Guillaume alla creazione di profumi è radicato nella sua formazione di chimico e nella sua passione per l’esplorazione olfattiva. Traduce la sua passione per la sua profumeria in chiave contemporanea, inventiva e poetica, sempre alla ricerca di prodotti indossabili e di alta qualità a prezzi realistici. Il lavoro di Pierre è caratterizzato dal suo impegno per la completa indipendenza creativa e finanziaria, che gli consente di concentrarsi sulla sua visione artistica senza vincoli esterni.

Abbiamo intervistato Pierre e dalle risposte traspare il suo impegno per la qualità e la libertà creativa che gli ha permesso di costruire un marchio forte e duraturo apprezzato dagli appassionati di profumi in tutto il mondo.

Raccontaci come è nata la tua passione per il mondo dei profumi.

“Essendo figlio unico, dal carattere solitario, ho trascorso molto tempo con mio padre. Condividendo le sue passioni ho sviluppato una naturale curiosità che dovevo nutrire e che ha completato la mia personalità. Per quanto riguarda i miei ricordi, credo di essere sempre stato affascinato dalle persone e dalle professioni che collegano arte e tecnologia. Per prima cosa ho divorato libri sulle storie umane di produttori di automobili come Ettore Bugatti o Émile Delahaye. Poi ho scoperto il mondo dei couturier e delle case di moda che mi affascinava e di cui volevo sapere tutto. Mi piacevano questi profili di artisti-costruttori: creazione ancorata a una realtà di produzione, laboratori, know-how. Quando ho scoperto che la profumeria era anche un’industria artistica mi sono interessato in modo altrettanto ossessivo. Sicuramente è da lì che è iniziata la mia formazione teorica”.

Tell us briefly about your education and background before becoming a perfume entrepreneur.

“I arrived at the formulation as a self-taught person trying to reproduce the smell of my father’s cigar collection. Year after year I had put together a small collection of raw materials. By adding patchouli essence to the “EpicèneGamma” base, I discovered that the scent of the Cohiba leaf was already created. The “raw” Cozé was born like this: a base and 10 ingredients”.

Is there a perfume that you particularly like and that reminds you of a moment from the past?

“Cozé, for the key role it played in my destiny. It was through it and the moment it saw the light that everything began: the conjunction of the olfactory object “Cozé” at that time was a starting point”.

What is the source of inspiration for creating your perfumes?

“My eyes... I tell visual stories through smell: a movie, a photo, a painting, a scene. Artistically or conceptually, the style, the atmosphere, the color of the perfume, its title, everything happens simultaneously in my mind”.

What do you think is the best olfactory creation of your brand or the one you are most attached to?

“I always give all my love to what is to come, what I’m working on. I don’t focus too much on what I created in the past, but according to our customers’ opinion (and that of my sales director) it’s probably Le Musc & La Peau”.

Raccontaci brevemente la tua formazione e il tuo background prima di diventare imprenditore dei profumi.

“Sono arrivato alla formulazione da autodidatta cercando di riprodurre l’odore della collezione di sigari di mio padre. Anno dopo anno avevo messo insieme una piccola raccolta di materie prime. Aggiungendo l’essenza di patchouli alla base “Epicène-Gamma” ho scoperto che il profumo della foglia di Cohiba era già realizzato. Il Cozé “grezzo” è nato così: una base e 10 ingredienti”.

C’è un profumo che ti piace particolarmente e che ti ricorda un momento del passato?

“Cozé, per il ruolo chiave che ha avuto nel mio destino. È stato attraverso lui e il momento in cui ha visto la luce che tutto ha avuto inizio: la congiunzione dell’oggetto olfattivo “Cozé” a quell’epoca è stato un punto di partenza”.

Qual è la fonte di ispirazione per la creazione dei tuoi profumi?

“I miei occhi... racconto storie visive attraverso l’olfatto: un film, una foto, un dipinto, una scena. Artisticamente o concettualmente, lo stile, l’atmosfera, il colore del profumo, il suo titolo, tutto accade simultaneamente nella mia mente”.

Quale pensi sia la migliore creazione olfattiva del tuo brand o quella a cui sei più legato?

“Do sempre tutto il mio amore a quello che verrà, quello su cui sto lavorando. Mi soffermo poco a quello creato nel passato, ma secondo i nostri clienti (e il mio direttore commerciale) sarebbe Le Musc & La Peau”.

What are the most important values that you infuse your brand with?

“Offering contemporary, creative, poetic and portable perfumery. Always prefer internal design and production to guarantee high quality products at realistic prices. To be a force of always new olfactory combinations for our loyal customers, to constantly renew ourselves so as to never get tired, to innovate and produce in a reasoned, clean and sustainable way. Grow through the satisfaction of the women and men who wear our fragrances and who talk about them. Develop customer after customer, without abusing it and stay true to our values, because reputation goes up stairs with difficulty, but goes down in an instant with the elevator”!

5 essential qualities (or characteristics) a perfume must have.

“I don’t know 5 qualities... but I can summarize them in 5 words: “to be able to amaze”.

You recently opened a new store. How many Pierre Guillaume Paris single-brand stores are there? How many stores are your perfumes distributed in?

“Today there are 4 Pierre Guillaume stores and we’ll open a fifth in a few days in Belgrade. We have 415 resellers in 37 countries. France is our first market”.

Future projects: will you present new perfumes at Esxence, the international niche perfume fair in Milan?

“Many new products (new range, new format) will arrive in 2024, some will be revealed at Esxence but, as for new fragrances, we’ll reveal our first perfume extract of the Musk & Skin fragrance”.

Quali sono, per te, i valori più importanti che traduci nel tuo brand?

“Offrire una profumeria contemporanea, creativa, poetica e portatile. Prediligere sempre la progettazione e la produzione interna per garantire prodotti di alta qualità a prezzi realistici. Essere una forza di sempre nuove combinazioni olfattive per i nostri affezionati clienti, rinnovarci costantemente per non stancarci mai, innovare e produrre in modo ragionato, pulito e sostenibile. Crescere attraverso la soddisfazione delle donne e degli uomini che indossano le nostre fragranze e che le raccontano. Sviluppare cliente dopo cliente, senza abusarne e rimanendo fedeli ai nostri valori, perché la reputazione sale a fatica su per le scale, ma scende in un attimo con l’ascensore”!

5 qualità (o caratteristiche) essenziali che un profumo deve avere.

“5 qualità non ne conosco... ma posso riassumerle in 5 parole: “essere in grado di stupire”.

Hai recentemente aperto un nuovo negozio. Quanti sono i monomarca Pierre Guillaume Paris? In quanti negozi sono distribuiti i tuoi profumi?

“Oggi i negozi Pierre Guillaume sono 4 e ne apriremo un quinto tra pochi giorni a Belgrado. Abbiamo 415 rivenditori in 37 paesi. La Francia è il nostro primo mercato”.

Progetti futuri: presenterai nuovi profumi a Esxence, la fiera internazionale del profumo di nicchia che si tiene a Milano?

“Molti nuovi prodotti (nuova gamma, nuovo formato) arriveranno nel 2024, alcuni saranno svelati ad Esxence ma, per quanto riguarda nuove fragranze, sveleremo il nostro primo estratto di profumo della fragranza Musk & Skin”.

The social extension of Excellence magazine

A series of events merging business, lifestyle and celebration

Be part of our world, our network, our lifestyle, our community

Connect, extend and expand your social and professional circles

Become a member and attend a series of curated event formats

Be inspired by new experiences and generate new emotions

Create your own tailormade event with our assistance

For further inquiries:

A new market place for corporate & individual needs & passions

A dynamic and reliable platform for people & enterprises alike

An innovative B2B & B2C hub offering exclusive goods & services

A precisely integrated online & offilne communication platform

A dynamic network offering frequent updates & engagement

A growing network of wealthy families & high net worth individuals

A commited tool adapted to entrepreneurs & business entities

A tool for the enhancement & maximization of relational capital

A system rewarding the participation of every member & player