Arts magazine evolucionarts dic 2015

LILIANA ESPERANZA

ESTE MES EN LO MEJOR DEL ARTE INTERNACIONAL LA OBRA PLASTICA DE

Fred Boven.

Marino Rossetti.

Orlando Boffill Hdz. Totok Sudarto.

Lidia Kalibatas pepe Valera.

EVOLUCIONARTS NOV 15 32

ARTES VISUALES, ARQUITECTURA, DANZA, CINE, TEARO, LITERATURA, MUSICA

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LILIANA ESPERANZA

Museo de Arte Contemporáneo de San Francisco

Fred Boven 16

Marino Rossetti 33

Orlando Boffill Hernandez 48

15

Frank Owen Gehry

31

Tango

47

Séraphine

59

La traviata.

Los pilares de la creacion

60

Totok Sudarto. 85

Lidia Kalibatas 97

83

109

Pepe Valera 113

Miss X

DIRECTORIO

Miss X, sí, la menuda Miss Equis, llegó, por fin, a mi esperanza: alrededor de sus ojos, breve, infinita, sin saber nada.

Es ágil y limpia como el viento tierno de la madrugada, alegre y suave y honda como la yerba bajo el agua.

Se pone triste a veces con esa tristeza mural que en su cara hace ídolos rápidos y dibuja preocupados fantasmas.

Yo creo que es como una niña preguntándole cosas a una anciana, como un burrito atolondrado entrando a una ciudad, lleno de paja.

Tiene también una mujer madura que le asusta de pronto la mirada y se le mueve dentro y le deshace a mordidas de llanto las entrañas.

Miss X, sí, la que me ríe y no quiere decir cómo se llama, me ha dicho ahora, de pie sobre su sombra, que me ama pero que no me ama.

Yo la dejo que mueva la cabeza diciendo no y no, que así se cansa, y mi beso en su mano le germina bajo la piel en paz semilla de alas.

ALFREDO LEAL G. Direccion General.

Ayer la luz estuvo todo el día mojada, y Miss X salió con una capa sobre sus hombros, leve, enamorada.

Nunca ha sido tan niña, nunca amante en el tiempo tan amada.

El pelo le cayó sobre la frente, sobre sus ojos, mi alma.

La tomé de la mano, y anduvimos toda la tarde agua. ¡Ah, Miss X, Miss X, escondida flor del alba!

Usted no la amará, señor, no sabe.

Yo la veré mañana.

JAIME SABINES Copyright © Todos los derechos reservados.

ARTURO MEDINA. Direccion.

LILIANA ESPERANZA. Direccion internacional.

ALEJANDRO OROPEZA. DANIEL BARRERA. JACOBO SALAZAR. Direccion artistica.

LIXZART. JAIME AYALA. Edicion LOURDEZ FERNANDEZ. ALFREDO LINCH. Diseño.

JOSUE HERNANDEZ. Mercadotecnia.

FRANCICO URICA. DAVID BORJA. Fotografia.

JESUS ROJAS. JOSE CRUZ. Juridico. .

LYA ALVES. ANGIE MARCAS. VERONICA NANNI. JOSE MARIA PORTILLO. SALVADOR SOTRESS LUIS MENDOZA. CARLOS PARDO. Colaboradores.

Museo d

de Arte Modernode San Francisco El Museo de Arte Moderno de San Francisco (en inglés San Francisco Museum of Modern Art, o SFMOMA) es un gran museo de arte moderno y un monumento de la ciudad de San Francisco.

El museo abrió en 1935 gracia a su fundadora Grace L. Mc Cann Morley (directora también entre 1935 y 1958) como Museo de Arte de San Francisco, siendo el primer museo en la costa Oeste dedicado exclusivamente al arte del siglo XX. En su 60.º aniversario, el museo ocupaba los pisos superiores del Edificio Memorial de los Veteranos de Guerra en el Centro Cívico. Bajo la dirección de Henry T. Hopkins (1974-1986) el museo adquirió reputación internacional.

En una gran transformación y expansión, en 1995 el museo se trasladó a su ubicación actual, 151 Third Street, junto a Yerba Buena Gardens en el distrito SOMA y de su icónica instalación arquitectónica diseñada por el arquitecto suizo Mario Botta. Imitando al preeminente Museo de Arte Moderno (MoMA) en Nueva York, el museo re-marcó su propia sigla como “SFMoMA”.

En 2008, el museo comenzó la construcción de una azotea jardín, añadiendo 1340 m²). El jardín al aire libre está diseñado para ser una galería sin techo y se espera que abra en la primavera de 2009. Anualmente, el museo alberga más de veinte exposiciones y más de trescientos programas educativos.

El museo tiene en su colección importantes obras de Jackson Pollock, Richard Diebenkorn, Paul Klee, Marcel Duchamp y Ansel Adams, entre otros. La famosa serie de cine Arte en Cine se inició en SFMOMA en 1946 por el cineasta Frank Stauffacher.

Recientemente, el museo sufrió cambios en su presencia en la web, añadiendo un blog donde los visitantes y el personal puede discutir sobre el museo o el arte en general. También está disponible en línea una biblioteca digital a fin de que a la colección permanente se pueda acceder y ser vista desde cualquier parte del mundo.

El 14 de junio de 2008, el museo revisó su política pública de fotografías, para permitir que se fotografiasen las colecciones permanentes y exposiciones especiales.

El St Regis Museum Tower, W Hotel San Francisco y el edificio PacBell se encuentran justo al lado del museo.

15

F

B 1 - ¿Cuánto tiempo ha estado creando arte?

He estado creando arte desde mi graduación de de Rietveld Academie en 1979 2 - ¿Cuáles son sus metas y / u objetivos en este campo?

Mis objetivos son mostrar la realidad interna del ser humano y la naturaleza que lo rodea. Uno de los temas que regresan en esta es la “fragilidad”.

3 - ¿Tiene su entorno afecta su obra de arte?

Todo lo que tiene una influencia sobre los seres humanos y la naturaleza de una manera negativa afecta a mi trabajo.

4 - ¿Qué artistas han sido tus influencias?

Yo uso muchas técnicas de pintores de “De Gouden eeuw” y de pintores actuales como: Gerhard Richter, Daniel Richter, Egon Schiele, Anselm Kiefer etc. Y para el resto que suele hacer lo que le venga a la mente: ensamblajes, collages, décollages etc. .

5 - ¿Hay algo especial acerca de su arte que le gustaría compartir?

Comparto todos mis recientes obras de arte en mi página de facebook: https://www.facebook.com/pages/Fred-Boven-beeldend-kunstenaar/448644928634950 6 - ¿Son sus obras de arte especial para ti?

Mis últimas obras que son especiales para mí son: 1. Portret ZT, 2. Malle Babbe, 3. Rovings cerebro, 4. Moederaarde uit 2015 y mis ensamblajes.

7 - ¿Es usted un artista de tiempo completo?

Sí, soy un artista de tiempo completo. Junto a trabajar en mis pinturas también tutor de grupos individuales de 4 días a la semana.

8 - ¿Qué técnicas se utilizan?

Utilizo técnicas y materiales que puedo utilizar para expresarme a través de mi arte mixtos.

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Frank Owen Gehry Es un arquitecto canadiense asentado en Estados Unidos, ganador del Premio Pritzker, reconocido por las innovadores y peculiares formas de los edificios que diseña.

Nació con el nombre de Frank Owen Goldberg en Toronto, Canadá. En 1947 se trasladó con sus padres a la ciudad de Los Ángeles y en 1954 se graduó en arquitectura en la Universidad del Sur de California (USC), obteniendo más tarde la nacionalidad estadounidense.1 Su familia era de origen judío-polaca, con un padre que se dedicaba al comercio de materiales y una madre melómana. Se graduó en la Universidad del Sur de California en 1954 (año en que se cambió el nombre por presiones de su exmujer) de sus estudios de Arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y asociados en Los Ángeles. Tuvo que ausentarse durante un año para hacer el servicio militar y, a su regreso, fue admitido a la Escuela de Diseño en la Universidad Harvard para estudiar Urbanismo. A su regreso a Los Ángeles se incorporó nuevamente al despacho de Gruen.

En 1961, ya casado y con dos hijas, Gehry se trasladó con su familia a París, donde trabajó en el estudio de André Rémonder. La educación francófona que había recibido en Canadá le fue de gran ayuda para desenvolverse en París. Permaneció un año, durante el cual estudió las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos, así como las iglesias románicas existentes en Francia.

Gehry es uno de los arquitectos contempoCuando regresó a Los Ángeles, Gehry abrió su pro- ráneos que considera que la Arquitectura pio despacho de Arquitectura. En los años siguientes es un arte, en el sentido de que una vez fue desarrollando su estilo arquitectónico personal y terminado un edificio, éste debe ser una ganando reconocimiento nacional e internacional. Su obra de arte, como si fuese una escultura. arquitectura es impactante, realizada frecuentemen- Para acercarse cada vez más a este ideal, te con materiales inacabados. En un mismo edificio Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Sus diseños no otros aspectos primordiales de la arquitecson fáciles de valorar para el observador inexperto, tura, como la funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno. ya que una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente Habiendo crecido en Canadá, Gehry es un el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce gran aficionado al hockey, En el 2004 diseñó el trofeo de la Liga Mundial de Hockey. enteramente la armonía y el diseño estructural.

31

Marino Rossetti 1- Desde cuándo te dedicas al arte?

No sabria decir exactamente...pero mi primo recuerdo es de cuando era niño.

2- Cuáles son tus metas y/u objetivos en relación al mismo?

No tengo metas. Lo que me interesa es trabajar ( pintar...)

3- Qué artistas han sido tus referentes?

4- Muchos.... respectivamente al periodo. Pero puedo nombrar Duchamp, Magritte, Ernst,Burri, Vedova, Pollock, Tapies, Novelli, Twombly, todos los grandes de DaDa, , Surrealismo, Informale...y los grandes poetas...Rimbaud, Mallarmé, Paul Valerie, Federico Garcia Lorca.ecc...el elencoes largo 5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Todo lo que concerne Arte...

6- Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

Todas.

7- Eres artista de tiempo completo? si 8- Què tècnicas utilizas?

Todas...menos la digitalart.

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TANGO El tango es un género musical y una danza, característica de la región del Río de la Plata y su zona de influencia, principalmente de las ciudades de Buenos Aires (en Argentina) y Montevideo (en Uruguay). Nacido a fines del siglo XIX de la fusión cultural de las comunidades afrorioplatenses, con la cultura gauchesca, indígena, hispana, africana, italiana y la enorme diversidad étnica de la gran ola inmigratoria llegada principalmente de Europa, se convirtió en un género de naturaleza global a partir de la segunda década del siglo XX.2 Desde entonces se ha mantenido como uno de los géneros musicales internacionales más potentes del mundo.

El tango revolucionó el baile popular introduciendo una danza sensual con pareja abrazada que propone una profunda relación emocional de cada persona con su propio cuerpo y de los cuerpos de los bailarines entre sí. Refiriéndose a esa relación, Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos poetas, definió al tango como «un pensamiento triste que se baila».3 Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). Su interpretación puede llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, con una preponderancia clásica de la orquesta y del sexteto de dos bandoneones, dos violines, piano y contrabajo. Sin ser excluyente, el bandoneón ocupa un lugar central.

Muchas de las letras de sus canciones están escritas en un argot local rioplatense llamado lunfardo y suelen expresar las emociones y tristezas que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, especialmente «en las cosas del amor»,4 En el 30 de septiembre de 2009, a petición de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad (PCI)

El tango es un arte de raíz suburbana, «arrabalero», derivado de su naturaleza popular. Cabe destacar el diferente origen de suburbio y arrabal, ahora considerados sinónimos.

Arrabal es una palabra de origen árabe, que significaba ‘fuera de los muros’ en el caso de la ciudad amurallada de Montevideo. Surge y se desarrolla en los barrios de trabajadores que rodean a las ciudades rioplatenses: el «arrabal».

Para el tango el arrabal es la musa inspiradora, el lugar de pertenencia que no se debe abandonar, ni traicionar, ni olvidar. Por sobre todas las cosas, el tanguero es un hombre (y una mujer) «de barrio». En el lenguaje del tango, el arrabal y el centro componen dos polos opuestos: el arrabal, muchas veces unido indisolublemente a los amigos y a «la vieja», expresa lo verdadero y lo auténtico, en tanto que el centro suele expresar lo pasajero, «las luces» que encandilan, el fracaso.

El sentimiento de pertenencia al arrabal ha llevado al tango a construir culturas de barrio, a darles personalidad. Sobre todo en Buenos Aires y Montevideo, el tango está indisolublemente ligado a la identidad de los barrios. La ciudad del tango es una ciudad vivida desde el arrabal.

Algunos tangos que toman como tema el arrabal son Mi Buenos Aires querido (Le Pera), Cafetín de Buenos Aires (Discépolo), Barrio de tango (Castillo), A media luz (Carlos César Lenzi), Yo soy la morocha (Villoldo), Balada para un loco (Ferrer), Sur (Homero Manzi).

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Orlando Boffill Hernandez

Orlando Boffill Hernandez https://www.facebook.com/media/set/?set=a.749003865194799.1073741865.266236613471529&type=3 1- Desde cuándo te dedicas al arte?

Comencé mis primeros pasos en la pintura en Cuba, donde nací, por el ano 1980 en un Taller que estaba ubicado en la Casa Museo Ernest Hemingway. Por ese entonces cursaba el Pre Universitario y me inscribí en dicho taller donde comencé a recibir mis primeras lecciones de dibujo y pintura con el pintor e instructor de arte Orestes Vergel. Un ano después, un grupo de seis amigos que allí nos formamos, fundamos el grupo La Vigía en homenaje al nombre de la finca donde esta enclavado dicho museo. Luego esta experiencia la enriquecí con el estudio de Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de La Habana y mi trabajo como galerista durante unos seis anos. En esencia soy un pintor autodidacta.

2- Cuáles son tus metas y/u objetivos en relación al mismo?

El arte para mi desde siempre fue una experiencia vital, incluso desde la mas temprana niñez. Esencialmente un sentido de vida, una profesión que elegí por vocación. Quizás por ello mi única meta u objetivo ha sido y es tratar de hacerlo a toda costa, lo demás debe venir por añadidura, pero es secundario.

3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

El entorno afecta mi obra en gran medida y directamente por cuanto mi trabajo es un reflejo consciente de mi experiencia como ser social. Lo que pinto esta inspirado en mi circunstancia mas inmediata.

Considero que esta es la labor primordial del arte, tratar de dar respuestas a los conflictos existenciales del hombre. Un arte que tiene en cuenta la realidad y la refleja, es un arte mas sustancioso y tiene mejor utilidad social.

4- Qué artistas han sido tus referentes?

Muchos artistas han influido en mi trabajo y han ido variando con el tiempo, pero noto que se han mantenido unos pocos, es decir, aquellos que mas han contribuido a la búsqueda de eso que se llama la personalidad del artista. Estos, claro esta , ademas de influir me inspiran. Entre otros : Paul Klee, Pablo Picasso, Joan Miro, Henri Matisse, Marc Chagall, James Ensor y Edvard Munch. Ademas de la corriente expresionista que a mi entender el Ismo mas importante de la historia del arte contemporáneo.

5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Quisiera compartir que me identifico tanto con mi pintura que no puedo encontrar interés en ningún otro oficio por muy importante o remunerado que sea. El arte es el clásico refugio y es también el que me proporciona mas directamente las alegrías cotidianas. La pintura roba todo mi interés y gracias a ella he podido conocer algo del mundo. Como cualquier pintor que en realidad asuma seriamente su oficio aspiro a convertirme en la pintura misma.

6-Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

Todas y ninguna.Todas porque reconozco que el trabajo diario me ha ayudado a ir evolucionando como artista, y ninguna en particular porque soy exigente y muy autocritico. Lo digo sin pose, a veces demasiado autocritico. En este sentido ningún hijo predilecto.

7- Eres artista de tiempo completo?

Conservo la suerte de ser artista a tiempo completo desde 1997.Toco madera !!!

8- Què tècnicas utilizas? Últimamente sobre todo acrílico sobre tela o cartulina, aunque también he incursionado en gran medida en el Collage y las técnicas mixtas.

1- Desde cuándo te dedicas al arte?

Comencé mis primeros pasos en la pintura en Cuba, donde nací, por el ano 1980 en un Taller que estaba ubicado en la Casa Museo Ernest Hemingway.

Por ese entonces cursaba el Pre Universitario y me inscribí en dicho taller donde comencé a recibir mis primeras lecciones de dibujo y pintura con el pintor e instructor de arte Orestes Vergel. Un ano después, un grupo de seis amigos que allí nos formamos, fundamos el grupo La Vigía en homenaje al nombre de la finca donde esta enclavado dicho museo.

Luego esta experiencia la enriquecí con el estudio de Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de La Habana y mi trabajo como galerista durante unos seis anos. En esencia soy un pintor autodidacta.

2- Cuáles son tus metas y/u objetivos en relación al mismo?

El arte para mi desde siempre fue una experiencia vital, incluso desde la mas temprana niñez.

Esencialmente un sentido de vida, una profesión que elegí por vocación. Quizás por ello mi única meta u objetivo ha sido y es tratar de hacerlo a toda costa, lo demás debe venir por añadidura, pero es secundario.

3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

El entorno afecta mi obra en gran medida y directamente por cuanto mi trabajo es un reflejo consciente de mi experiencia como ser social. Lo que pinto esta inspirado en mi circunstancia mas inmediata.

Considero que esta es la labor primordial del arte, tratar de dar respuestas a los conflictos existenciales del hombre. Un arte que tiene en cuenta la realidad y la refleja, es un arte mas sustancioso y tiene mejor utilidad social.

4- Qué artistas han sido tus referentes?

Muchos artistas han influido en mi trabajo y han ido variando con el tiempo, pero noto que se han mantenido unos pocos, es decir, aquellos que mas han contribuido a la búsqueda de eso que se llama la personalidad del artista. Estos, claro esta , ademas de influir me inspiran. Entre otros : Paul Klee, Pablo Picasso, Joan Miro, Henri Matisse, Marc Chagall, James Ensor y Edvard Munch. Ademas de la corriente expresionista que a mi entender el Ismo mas importante de la historia del arte contemporáneo.

5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Quisiera compartir que me identifico tanto con mi pintura que no puedo encontrar interés en ningún otro oficio por muy importante o remunerado que sea. El arte es el clásico refugio y es también el que me proporciona mas directamente las alegrías cotidianas. La pintura roba todo mi interés y gracias a ella he podido conocer algo del mundo. Como cualquier pintor que en realidad asuma seriamente su oficio aspiro a convertirme en la pintura misma.

6-Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

Todas y ninguna.Todas porque reconozco que el trabajo diario me ha ayudado a ir evolucionando como artista, y ninguna en particular porque soy exigente y muy autocritico. Lo digo sin pose, a veces demasiado autocritico. En este sentido ningún hijo predilecto.

7- Eres artista de tiempo completo?

Conservo la suerte de ser artista a tiempo completo desde 1997.Toco madera !!!

8-

Què tècnicas utilizas? Últimamente sobre todo acrílico sobre tela o cartulina, aunque también he incursionado en gran medida en el Collage y las técnicas mixtas.

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Séraphine

Séraphine es una película francesa de 2008 dirigida por Martin Provost y protagonizada por Yolande Moreau y Ulrich Tukur. Se trata de un drama biográfico que narra la vida de la pintora naif francesa Séraphine Louis, también conocida como Séraphine de Senlis, acercándonos a la experiencia de esta mujer con el arte, la religión y la enfermedad mental.

El largometraje es una coproducción entre Francia y Bélgica.

Se estrenó el 7 de septiembre de 2008 en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

A comienzos del siglo XX, Wilhelm Uhde, un marchante de arte alemán, alquila una casa en Senlis para poder escribir y descansar. Estando allí, descubre por casualidad que la mujer de la limpieza, Séraphine, de origen humilde y ya entrada en los cuarenta, pinta cuadros en su escaso tiempo libre.

Wilhelm queda fascinado por su obra y anima a Séraphine a que se dedique por completo al arte.

Séraphine fue la gran triunfadora de la 34ª edición de los Premios César, otorgados por la Academia del Cine Francés: era candidata a nueve galardones, de los cuáles consiguió siete, incluyendo los premios a la mejor película, al mejor director y a la mejor actriz Reparto Yolande Moreau: Séraphine Louis.

Ulrich Tukur: Wilhelm Uhde.

Anne Bennent: Anne-Marie Uhde.

Geneviève Mnich: Mme. Duphot.

Nico Rogner: Helmut Kolle.

Adélaïde Leroux: Minouche.

Serge Larivière: Duval.

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LILIANA ESPERANZA 1- Desde cuándo te dedicas al arte?

Empecé a conectarme con el arte en 1992.

2- Cuáles son tus metas y objetivos en relación al mismo?

Seguir adelante, no dejar de hacer arte, crecer.

3-

De qué manera afecta el entorno en tu obra?

Totalmente; todo lo que percibo influye en mí, mi subjetividad está intrínsecamente plasmada en mis obras.

4- Qué artistas han sido tus referentes?

El primero que me llegó con su fuerza fué Vincent Van Gogh, luego Gauguin, Picasso!, Kandinsky, y siguieron muchos, muchos más…hasta la contemporaneidad….de muchos me nutro, aprendo, me enriquezco, incluyendo colegas amigos artistas.

5-

Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Soy puramente intuitiva, fluctúo entre la abstracción y la figuración .

El arte es mi espacio de libertad.

Me interesa seguir aprendiendo, experimentando, explorando, encontrando nuevos caminos. Dejar que mi obra vuele, compartirla.

6-Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

Todas tienen algo especial, cada una significa una parte de mi vida .

De todas maneras nombraré a “Lips”que significó y sigue significando algo muy especial para mí.

7-Eres artista de tiempo completo?

Sí, hasta en sueños.

8- Què tècnicas utilizas?

Sobre la base de dibujo y pintura todas las que tenga a mi alcance.

Estoy también haciendo experiencias en arte digital y textil.

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LA TRAVIATA es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dama de las camelias (1852), aunque no directamente sino a través de una adaptación teatral. Titulada en principio Violetta —nombre del personaje principal—, al parecer está basada en la vida de una cortesana parisiense, Alphonsine Plessis.

Piave y Verdi querían seguir a Dumas dándole a la ópera una ambientación contemporánea, pero las autoridades de La Fenice insistieron en que se ambientara en el pasado, «hacia 1700». No fue hasta la década de 1880 que se respetaron los deseos originales del compositor y del libretista y se representaron producciones «realistas».

Fue estrenada, sin éxito, en el teatro La Fenice de Venecia el 6 de marzo de 1853. El público se burló de la representación varias veces, dirigiendo sus burlas sobre la soprano Fanny Salvini-Donatelli que interpretaba a Violetta. Salvini-Donatelli, aunque una cantante aclamada, fue considerada demasiado vieja (a los 38), no sólo eso, tenía sobrepeso de manera que no encajaba con el papel dramático de Violetta Valery quien muere de consunción. Verdi había intentado previamente convencer al gerente de La Fenice para dar el papel a una mujer joven, pero sin éxito. A pesar de todo, el primer acto encontró el aplauso al final; pero en el segundo acto, el público empezó a volverse en contra de la representación, especialmente después de cantar el barítono (Felice Varesi) y el tenor (Lodovico Graziani). Al final de la ópera, el público rió a carcajadas en vez de apreciar el final trágico. El día después, Verdi escribió a su amigo Muzio en lo que ahora se ha convertido quizás en su carta más famosa: «La traviata anoche un fracaso. ¿Fallo mío o de los cantantes? El tiempo lo dirá» Después de algunas revisiones entre 1853 y mayo de 1854, que afectaron principalmente a los actos II y III, la ópera se representó de nuevo en Venecia, esta vez en el Teatro San Benedetto.

Esta representación fue un éxito de crítica, en gran medida debido al retrato de Violetta hecho por Maria Spezia-Aldighieri. Más tarde, se estrenó en Madrid, en el Teatro Real el 1 de febrero de 1855 (con Spezia en el papel titular), y en Barcelona el 25 de octubre del mismo año, en el Gran Teatro del Liceo. El 24 de mayo de 1856 la versión revisada fue presentada en Her Majesty›s Theatre en Londres y le siguió el 3 de diciembre de aquel año su estreno en Nueva York.

Desde entonces su popularidad ha sido constante y se ha mantenido en el repertorio hasta la actualidad. La traviata sigue siendo muy importante; dentro del repertorio operístico estándar y aparece como la número uno en la lista de Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo en las temporadas 2007/2008 y 2011/2012,4 la primera de Italia y de Verdi.

Con La traviata, Verdi alcanzó un estilo maduro, con mayor hondura en la descripción de los personajes, mayor solidez en las construcciones dramáticas, y una orquesta más importante y rica.

Es una obra atípica dentro de la producción de Verdi por su carácter realista. No refiere grandes hechos históricos, como Nabucco, ni está basada en tragedias como Macbeth, sino que es un drama psicológico de carácter intimista. Fue la primera ópera en la que los actores usaron trajes contemporáneos de la época (esmoquin y vestidos largos de dama a la usanza francesa o inglesa) ya que hasta ese momento, las óperas siempre usaban trajes históricos, correspondiente a siglos pasados u otras civilizaciones (tal como pasó en Aida, en la que usaban ropas del antiguo Egipto, Nabucco, del antiguo Israel, o Rigoletto, que evocaba la Italia del norte del siglo XVI).

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Totok Sudarto.

1 - ¿Cuánto tiempo ha estado creando arte?

Desde 1987 hasta ahora.

2 - ¿Cuáles son sus metas y / u objetivos en este campo ?

Sólo tienes que seguir mi corazón.

3 - ¿Tiene su entorno afecta su obra de arte ?

Si por supuesto .

4 - ¿Qué artistas han sido tus influencias?

Affandy , Amry Yahya .

5 - ¿Hay algo especial acerca de su arte que le gustaría compartir?

Sí , quiero mostrar lo que pasó en mi corazón por mi obra .

6 - ¿Son sus obras de arte especial para ti ?

Sí, lo son, 1. volando con amor 2. Madre 3. Amor 4. Mi Sun 5. precioso Matahari 7 - ¿Es usted un artista de tiempo completo ?

Sí.

8 - ¿Qué técnicas se utilizan?

Yo uso muchas técnicas

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Lidia Kalibatas

1Desde cuándo te dedicas al arte?

Hice mis estudios en los comienzos de los ’70 pero mi total dedicación fue a partir del ’90, por lo que llevo ya 23 años sin interrupciones.

2 - Cuáles son tus metas yobjetivos en relación al mismo?

Cuando comencé mis estudios ya tenía claro que me interesaba la investigación más que la enseñanza. Me gusta innovar, probar tanto distintos soportes como técnicas. Me apasiona “encontrar” en lo hecho . Mis búsquedas son programadas y entre lo que me propongo dejo una parte a lo aleatorio. Partir desde un boceto concreto y dejar que el instinto lo vaya llevando, a veces manchando, salpicando, o haciendo aguadas …llevar la imagen desde unas líneas e ir armando las formas desde lo que ellas mismas se dejen .

Llevar las tres dimensiones (a veces intentar cuatro) a las dos dimensiones del soporte plano …se trata siempre de engañar al ojo, provocar un efecto, conseguir un clima y…hacerlo creíble.

3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

El entorno siempre afecta y eso se traduce en los temas y en cómo resolverlos. A veces me incliné por hacer temáticas sociales pero sea cual sea el tema éste pasará por el propio cedazo . Últimamente prefiero indagar sobre mi propio inconsciente, y traducir estados de ánimo, filosofías de vida, vivencias… Cuando los personajes son hombres me refiero al ser humano genérico, por eso les hago de traje y corbata y pelados o directamente apelo a los desnudos. Cuando se trata de mujeres siempre será autorreferencial .

4- Qué artistas han sido tus referentes?

Muchos…el primero y preferido : el gran Leonardo. Mi consigna es: mirar mucho, elegir, sacar de contexto, mezclar.

5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte Está el tiempo de hacer y el tiempo de mostrar lo hecho.

Durante muchos años no mostré nada. Llega el momento en que necesitamos que la obra se complete, y para eso necesitamos al espectador. Él la termina.

6- Cuáles de tus obras son más especiales para ti?

(La llorona – Gritos y susurros – Libre! – La llamada del destino – Encontrar-se 7- Eres artista de tiempo completo?

Dibujo todos los días, unas dos horas. No es mucho, pero el dibujar implica no sólo hacerlo, sino también pensarlo, la obra se hace en la mente . Eso hace que uno sea “ a tiempo completo”. Suelo dedicarme a una sóla obra por vez , a veces tarda una semana, a veces hasta un mes dependiendo del tamaño.

8- Què tècnicas utilizas?

He probado muchas técnicas, carbonilla, grafito, lápices color, tintas, acuarela, acrílico, óleo. Estuve con los bolígrafos por diez años seguidos, en los que investigué distintas clases de ellos, sus tintas y la manera de utilizarla para aguadas; distintos soportes: papeles, MDF y Blackout. Actualmente me he inclinado por los estilógrafos y las tintas .

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Pilares de la Creación Es una fotografía tomada por el Telescopio espacial Hubble de trompas de elefante de gas interestelar y polvo en la Nebulosa del Águila, a unos 7.000 años luz de la Tierra.1 Son llamados así porque el gas y el polvo se encuentran en el proceso de creación de nuevas estrellas, mientras que también está siendo erosionado por la luz de las estrellas cercanas que se han formado recientemente.2 Tomada el 1 de abril de 1995, fue nombrado una de los diez mejores fotografías del Hubble por Space.com.3 Los astrónomos responsables de la foto fueron Jeff Hester y Paul Scowen, ambos de la Universidad Estatal de Arizona. En 2011, la región fue revisada por el Observatorio Espacial Herschel de la ESA. Los pilares están compuestos de hidrógeno molecular frío y polvo que están siendo erosionado por fotoevaporación de la luz ultravioleta de las estrellas relativamente cercanas y calientes. El pilar de la izquierda es de unos cuatro años luz de longitud.4 Las salientes en forma de dedos en la parte superior de las nubes son más grandes que nuestro sistema solar, y se hacen visibles por las sombras de la evaporación glóbulos gaseosos (EGGs), que protege el gas detrás de ellos de intenso flujo UV.5 Los EGGs son así mismos incubadoras de nuevas estrellas

Foto de los pilares del Hubble se compone de 32 imágenes diferentes9 de 4 cámaras separadas10 de la Cámara Planetaria y de Gran Angular 2 del Hubble.11 La fotografía se hizo con luz emitida por los diferentes elementos en la nube y aparece como un color diferente en la imagen compuesta: verde para el hidrógeno, rojo para el azufre ionizado y azul para los átomos de oxígeno doble ionizados.2 La parte que falta “en forma de escalera” 10 de la imagen en la esquina superior derecha se origina en el hecho de que la cámara durante el cuadrante superior derecho tiene una vista ampliada; cuando sus imágenes se escalan hacia abajo para que coincida con las otras tres cámaras, no es necesariamente un hueco en el resto de ese cuadrante.10 Este efecto también está presente en otras cuatro cámaras del Hubble imágenes, y se puede visualizar en cualquier esquina en función de cómo se ha reorientado la imagen para su publicación.12 Foto del Herschel[editar] En 2011 el Observatorio Espacial Herschel capturado una nueva imagen de los Pilares de la Creación en longitudes de onda de infrarrojo lejano, lo que permite a los astrónomos observar el interior de los pilares y estructuras en la región, y llegar a una comprensión mucho más completa de las fuerzas creativas y destructivas dentro de la Nebulosa del Águila.13 Revisión del Hubble[editar] En la celebración de los 25 años desde el lanzamiento del telescopio espacial Hubble, los astrónomos reunieron una fotografía más grande y de mayor resolución de los Pilares de la Creación, que se dio a conocer en enero de 2015 a la reunión de la Sociedad Astronómica Americana en Seattle. La imagen fue fotografiada por la Cámara de Gran Angular 3 del Hubble, instalada en 2009, y producido utilizando exposición a la luz del infrarrojo cercano y visible.14

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daniel barrera PINTURA

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1- Desde cuándo te dedicas al arte?

Recuerdo a mis profesores reunidos con mis padres.

Yo debería de tener unos seis años. “Este niño está siempre dibujando, en su clase todos los compañeros forman corrillos, lo rodean, y se quedan largos ratos viendo lo que Pepe dibuja… …y de verdad, que todo esto nos encanta, pero también nos preocupa , porque en otras asignaturas está muy despistado. Les sugerimos que potencien esa habilidad y ese don para el dibujo, pero sin dejar de lado el resto de cosas que debe aprender…”

Cosas así me cuentan mis padres que sucedían, y es cierto que recuerdo muy vagamente escenas de este tipo. De esos tiempos a estos han transcurrido más de 40 años…así que podría decir que llevo con esto toda la vida.

2- Cuáles son tus metas y objetivos en relación al mismo?

Haciendo uso del refranero popular, No pienso en el destino, sino en el camino…

Es decir, la meta para mí ya está conseguida, que es la de disfrutar cada día frente a mis papeles y mis tintas en mi estudio, exprimiéndome la cabeza y soñando con mundos que solo ahí existen.

Es cierto que conseguir cierta actividad comercial con mi obra, a través de la edición en libros ilustrados, sería lo ideal, un verdadero sueño, porque con ello conseguiría disponer de todo el tiempo dedicado al arte…pero entre tanto, doy gracias con lo que tengo.

3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

Afecta directamente, porque en realidad es la propia vida, y todos los estímulos que de ella recibo, la que paso por mis propios filtros y sirve como base o inspiración para cada una de las obras.

Desde un punto de vista más realista , mis referencias parten de las vivencias, del entorno, de mis estados de ánimo…

4- Qué artistas han sido tus referentes?

Sin duda, Salvador Dalí ocupa el primer puesto. Adoración siento por el grabador Doré, también genios como Magritte, Escher, o más contemporáneos como H.R. Giger, por ejemplo, han influenciado en la estética incluso en la técnica, en el modo de abordar mis trabajos.

5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Bueno, quizá la propia naturaleza introspectiva y autobiográfica de mis trabajos genera una confusión por las múltiples interpretaciones que cada uno puede hacer de ellas.

Considero mis obras radiografías, me desnudo y me muestro sin ningún tipo de censura en ellas, así que más que compartir, cedo al espectador el total del material, con la consiguiente crítica y/o emisión de juicios. Pura subjetividad, por otra parte.

6- Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

Establezco seis grandes familias o series en mi obra.

01 Caracoles en el Tintero.

02 Dibrujos.

03 Semillas.

04 Latidos.

05 Tertulianos.

06 El Encuentro Imaginado.

En cada una de esas series hay obras que me resultan especiales, por el momento en que se hicieron, por el mensaje que encierran. Sería muy complicado hacer una selección…

7- Eres artista de tiempo completo?

Lo quisiera.

Pero obtengo mis recursos económicos de empleos comunes, alejados del ámbito artístico.

No obstante, dedico cada día unas horas, con disciplina férrea, al taller, donde trabajo habitualmente con varias obras a la vez.

8- Què tècnicas utilizas?

Suelo utilizar tinta china principalmente, aplicada con plumillas y estilógrafos, y para el color acuarela, acrílicos, tintas de colores, bolígrafos.

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ENERO 2016

ALFREDO LINCH ARTES VISUALES

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