Evolucionarts junio 2016

Patrice Mesnier LO MEJOR DEL ARTE INTERNACIONAL, ESTE MES LA OBRA PLASTICA DE

Paco Melendez Torres Sayani Chocolate Niurka Guzmán Jorge Eduardo Gamarra Luis Orlando Garzón Piñeros Lupita Anaya

EVOLUCIONARTS JUNIO 16 32

ARTES VISUALES, ARQUITECTURA, DANZA, CINE, TEARO, LITERATURA, MUSICA

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Artemundial Worldart es un espacio virtual de arte que reúne artistas de todo el mundo, provenientes de países como Alemania, Argentina, Brasil, Bulgaria, Canadá, Chile, Colombia, Croacia, Cuba, EEUU, España, Francia, Holanda, India, Indonesia, Irán, Italia, Japón, Lituania, México, Perú, Polonia, Portugal, República Dominicana, Rusia, Serbia, Taiwan, Uruguay y Venezuela.

Caleidoscopio infinito en constante crecimiento....

Arte para todos.

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COMUNART -MX (COMUNIDAD ARTÌSTICA DE MÈXICO) ES UN DESPACHO MULTIDISCIPLINAR DE DE PROYECTOS Y EL MERCADO DEL ARTE,ARQUITECTURA Y DISEÑO EN TODAS SUS MANIFEST TENIENDO COMO SEDE LA CIUDAD DE MÈXICO CON UNA FILOSOFÌA DE ALTA CALIDAD Y COMPR TURACIÒN,PLANEACIÒN,REALIZACIÒN,PROMOCIÒN,EVALUACIÒN Y SEGUIMIENTO DE CUALQUI ASÌ MISMO TIENE UN FUERTE COMPROMISO DE APOYO CON Y HACIA LOS ARTISTAS. TANTO EM SERVICIOS QUE OFRECEN,COMO LA REALIZACIÒN DE EXPOSICIÒN DE EXPOSICIONES COLECT VA,PLANEACIÒN DE SERVICIOS DE PROMOCIÒNY DIFUSUIÒN EN MEDIOS IMPRESOS,DIGITALES PARTE IMPORTANTE ES LA CUESTIÒN DE DESARROLLO,ACTUALIZACIÒN,PROFESIONALIMO Y C DOD POR PROFESIONALES DE AMPLIA TRAYECTORIA EN DIVERSOS CAMPOS Y DIVERSOS ACAD COMUNART-MX HACE COMUNIDAD CON MULTIPLES SOCIOS Y COLABORADORES EN MÈXICO Y ÑO GENERANDO BENEFICIOS EQUITATIVOS CON LOS ARTISTAS. DE MÈXICO PARA EL MUNDO.

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PROFESIONALES LEGALMENTE CONSTITUIDOS ENFOCADOS EN EL ANÀLISIS ESTRATÈGICO TACIONES. ROMISO ÈTICO,CUENTA CON UN STAFF DE CONSULTORES ESPECIALIZADOS EN LA ESTRUCIER PROYECTO DE NEGOCIO DE LA INDUSTRIA CULTURAL NACIONAL E INTERNACIONAL. MERGENTES COMO ARTISTAS CONSOLIDADOS Y CON TRAYECTORIA A TRAVEZ DE DIVERSOS TIVAS E INDIVIDUALES,EVENTOS,PROYECTOS DE RESPONSABILIDAD SOCIAL CORPORATIS Y AUDIOVISUALES. COMPLEMENTACIÒN,POR ELLO DESARROLLA CURSOS,TALLERES Y SEMINARIOS RESPALDADÈMICOS DE INSTITUCIONES COMO LA UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÒNOMA DE MÈXICO. EN EL EXTRANJERO,SIEMPRE BUSCANDO ENALTECER EL ARTE,LA ARQUITECTURA Y EL DISE-

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CONTENIDO Junio 2016

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Museo van Gogh Paco Melendez Torres Tadao Andō

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Sayani Chocolate El sueño de una noche de verano Patrice Mesnier

Niurka Guzmán

Los fantasmas de Goya Jorge Eduardo Gamarra Tosca Luis Orlando Garzón Piñeros Lupita A naya Nebulosa de la Hormiga

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El Arte De La Guerra

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El supremo arte de la guerra es someter al enemigo sin luchar.

Si conoces al enemigo y a ti mismo, no debes temer el resultado a un ciento de batallas.

Cansa a los enemigos manteniéndolos ocupados y no dejándoles respirar.

El desorden llega del orden, la cobardía surge del valor, la debilidad brota de la fuerza.

Se extremadamente sutil, incluso hasta el punto de lo informe. Se extremadamente misterioso, incluso hasta el punto de la ausencia de sonido. De esta manera podrás ser el director del destino de tu oponente.

Las armas son instrumentos fatales que solamente deben ser utilizadas cuando no hay otra alternativa.

Los guerreros victoriosos primero ganan y después van a la guerra, mientras que los guerreros vencidos primero van a la guerra y después buscan ganar.

Si haces que los adversarios no sepan el lugar y la fecha de la batalla, siempre puedes vencer.

Si las instrucciones no son claras y las explicaciones y órdenes no son confiadas, la falta es del general.

Sólo cuando conoces cada detalle de la condición del terreno puedes maniobrar y luchar.

Aparenta inferioridad y estimula su arrogancia.

El general abarca las virtudes de sabiduría, sincedad, humanidad, coraje y el ser estricto.

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Nunca se debe atacar por cólera y con prisas. Es aconsejable tomarse tiempo en la planificación y coordinación del plan.

La defensa es para tiempos de escasez, el ataque para tiempos de abundancia.

La oportunidad de asegurarnos contra la derrota esta en nuestras propias manos, pero la oportunidad de derrotar al enemigo la provee el mismo.

Maniobrar con un ejército es ventajoso. Maniobrar con una multitud indisciplinada, es peligroso.

Que la velocidad sea la del viento, y el ser compacto como lo es un bosque.

Cuando se cumplen las instrucciones, las personas son sinceramente leales y comprometidas, los planes y preparativos para la defensa implantados con firmeza, siendo tan sutil y reservado que no se revelan las estrategias de ninguna forma, y los adversarios se sienten inseguros, y su inteligencia no les sirve para nada.

Sun Tzu

DIRECTORIO ALFREDO LEAL G. Direccion General.

ARTURO MEDINA. Direccion.

LILIANA ESPERANZA. Direccion internacional.

ALEJANDRO OROPEZA. DANIEL BARRERA. JACOBO SALAZAR. Direccion artistica.

DAVID BORJA. LIXZART. JAIME AYALA. Edicion LOURDEZ FERNANDEZ. ALFREDO LINCH. Diseño.

JOSUE HERNANDEZ. Mercadotecnia.

FRANCICO URICA. DAVID BORJA. Fotografia.

JESUS ROJAS. JOSE CRUZ. Juridico. .

ANGIE MARCAS. VERONICA NANNI. JOSE MARIA PORTILLO. SALVADOR SOTRESS LUIS MENDOZA. CARLOS PARDO. Colaboradores.

Museo van Gogh El Museo de Historia del Arte de Viena (en aleAl morir Vincent van Gogh, a la edad de 37 años, dejó el extenso legado de su obra, de aproximadamente 900 pinturas y unos 1.100 dibujos. De éstos había logrado vender pocos y regalado algunos a sus amistades. Sus bienes fueron heredados por su hermano menor, el comerciante de arte Theo van Gogh. Éste había coleccionado, además de las obras de su hermano Vincent, otras de los artistas Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Léon Lhermitte y Jean-François Millet. Lamentablemente Theo murió un año después de Vincent, por lo que la herencia fue administrada por su viuda Johanna van Gogh. Ella reemigró a los Países Bajos, donde organizó las primeras exhibiciones con las obras de Vincent van Gogh y contribuyó fundamentalmente a la difusión y el conocimiento público del artista. En 1905 tuvo lugar la primera gran exposición, en el Stedelijk Museum en Ámsterdam, mientras que el Rijksmuseum se negó a aceptar obras de Vincent en préstamo. Debido a que Vincent hizo varias versiones del mismo tema, Johanna van Gogh pudo vender algunas pinturas de la colección, sin dar la impresión general de reducirla. Johanna van Gogh promovió también tempranamente la publicación de las cartas de su marido en varios idiomas. Después de la muerte de Johanna van Gogh, el hijo, el ingeniero Vincent Willem van Gogh (1890-1978), heredó la colección. Él puso la colección a disposición de varios museos en calidad de préstamo, hasta que en 1960 creó la Fundación Vincent Van Gogh, a la que encomendó la colección. Las pinturas se exhibieron en exposición permanente en el Stedelijk Museum, hasta que en 1973 el Museo van Gogh abrió sus puertas.

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P

aco Melendez Torres

Artista plástico Español

1-

2- 3- 4- 5- 6- 7- 8-

Desde cuándo te dedicas al arte?

Desde siempre Cuáles son tus metas y objetivos en relación al mismo?

Hacer lo que me gusta y lo hago De qué manera afecta el entorno en tu obra?

En nada Qué artistas han sido tus referentes?

Van gogh y Picasso Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Mis ganas de vivir Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

Todas Eres artista de tiempo completo?

Es mi vida, por lo tanto tiempo completo Què tècnicas utilizas?

Todas, pero más el acrílico

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Tadao Ando

Es un arquitecto japonés. Nació en Osaka y adquirió conocimientos de arquitectura de forma autodidacta, leyendo y viajando por Europa, África y los Estados Unidos.

En 1970 se estableció en Osaka con “Tadao Ando Architect & Associates”, empresa con la que comenzó su producción, primero de casas y pequeñas construcciones, y luego con edificaciones más importantes. En 1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por su Casa Azuma, en Osaka. La opinión pública es atraída por Ando a partir de ese momento, lo que se consolida con la construcción de su diseño para el complejo de viviendas Rokko Housing I, en Kobe.

En 1980 construyó la Casa Koshino en la ciudad de Asiya. Entre sus obras más importantes se encuentran la Capilla sobre el Agua (1985) en Tomanu, Hokkaido, la Iglesia de la Luz, en Ibaraki, Osaka, el Museo de los Niños (1990) en Himeji.

Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo. Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz

En sus diseños Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas obras arquitectónicas. Ello no le impide usar en sus proyectos los materiales característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua. Para ello se basa generalmente en tramas geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios.

Por otra parte Ando estudia fórmulas para solucionar o mejorar el caos urbanístico existente en muchas poblaciones japonesas. Este aspecto lo aborda desde una doble vertiente, una de crítica y la otra de sensibilidad y comprensión.

Contrariamente al estilo arquitectónico tradicional japonés, Ando crea espacios interiores cerrados, y no abiertos: Creo espacios interiores cerrados, y no abiertos. Utilizo paredes para definir los límites de estos espacios, y lo hago basándome en criterios humanos, de forma que las personas perciban esos espacios como apropiados y cómodos. Con las paredes rompo también la monotonía habitual de, por ejemplo, los edificios comerciales.

Finalmente, las paredes separan el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que está diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás.

Ando ha recibido numerosos premios y distinciones, como la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura, el Praemium Imperiale en 1996,4 el Premio Kioto, el Premio Carlsberg y en 1995 el máximo galardón internacional de arquitectura, el premio Pritzker, comparable al premio Nobel.5 También ha sido invitado por dos prestigiosas universidades norteamericanas a impartir clases, en la Universidad de Columbia como profesor visitante, en la Universidad de Tokio y en la Universidad de Yale como catedrático.

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Sayani Chocolate 1.-Desde cuándo te dedicas al arte?

Siento desde que nací traía un pincel en la mano, inclusive cuando era pequeña en navidad, de regalo de niño DIOS, yo siempre esperaba colores o pinturas en lugar de muñecas...

2.- Cuáles son tus metas y objetivos?

Transmitir al espectador magia y fantasía empapada de colores, ilustrar libros infantiles, y seguir pintando porque eso me hace sentirme que trasciendo en la vida.

3.-De qué manera afecta el entorno en tu obra?

Yo creo que totalmente afecta, ya que todo lo que viví, todo lo que sentí y todo lo que siento , todo lo que amé y todo lo que amo, hacen de mí un fragmento para de alguna manera expresarlo, nunca he sido tan buena para expresarme verbalmente( me pone nerviosa) y hacerlo pintando me hace sentirme libre.

4.-Que artistas han sido tus referentes?

Tengo varios conocidos y no conocidos: Klimt, Botero, etc pero más ciertamente la cultura mexicana rica en colores y e imaginación (Me encantan los Alebríjes) 5.-Te interesaría compartir algo especial sobre tu arte?

Quiero compartir lo que desde niña me fascinaba, plasmar con un pincel mi corazón de una manera inusual (para un adulto), con un trazo infantil y colorido...con olor a fantasía y sabor a creatividad…

6.-Cuáles de tus obras son más especiales para ti?

Tengo muchas especiales …..Entre ellas las favoritas son: *Corazón valiente (gato con alas situado en un cielo mágico), obra especial por el tiempo charlado hasta el amanecer con uno de mis capullos favoritos. *Fe (obra la cual expreso un sentimiento de oración hacia Dios, esperando que ese alguien especial retome y vuelva a su camino) *La vuelta al mundo (elefante el cual es cargado por unas abejas y peces...el nombre se lo di a la obra ya que me la lleve a Canadá, y luego la lleve a Estados Unidos y no me animé a mostrarla) por eso le puse Vuelta al mundo. *Aire (sentir el aire en la piel es grandioso, esta obra la plasmo con una niña volándose su cabellera la cual es contorneada por palabras y paisajes fantasiosos. *Cuando menos esperas (es muy raro y común para mí, cuando buscas no lo encuentras, y cuando menos esperas ahí están las cosas por eso su nombre) 7.-Eres artista de tiempo completo?

No,..... Tengo dos capullos apunto de extender sus alas, que necesitan un poco de guiarles el aire que los dirige, cuando no sopla el viento tan fuerte pinto y comienzo a volar…

8.-Que técnicas utilizas?

Mixtas, entre ellas acrílico, grafito, tinta china, acuarela, pero la mayoría de las veces experimento y me dejo guiar por el viento.

ARTISTA MEXICANA

El sueño de una noc El sueño de una noche de verano (en alemán Ein Sommernachtstraum) es una obra musical escrita por el compositor Felix Mendelssohn, tomando como base la obra de teatro del mismo nombre escrita por el dramaturgo inglés William Shakespeare. Mendelssohn compuso esta obra en diferentes momentos de su vida. Entre el 8 de julio y el 6 de agosto de 1826, cuando su carrera estaba comenzando, compuso una obertura de concierto op. 21 y se estrenó en Szczecin el 20 de febrero de 1827. En 1842, unos pocos años antes de su muerte, escribió música incidental (op. 61) para una producción de la obra de teatro, en la que incorporó la obertura existente.

La música incidental incluye la famosa Marcha nupcial.

Después del primer tema que representa a las hadas danzantes, hay una transición (la música real de la corte de Atenas) que conduce al segundo tema, el de los amantes. La exposición finaliza con un grupo final de temas que sugieren las llamadas de los artesanos y los cazadores. Las hadas dominan la mayoría del desarrollo de la sección y en última instancia tienen la última palabra en la coda, tal como ocurre en la obra de Shakespeare.

La obertura fue estrenada en Szczecin (en la actual Polonia) el 20 de febrero de 1827,3 en un concierto dirigido por Carl Loewe. Mendelssohn había cumplido los 18 años apenas dos semanas antes. Había viajado 80 millas a través de una furiosa tormenta de nieve para asistir al concierto,4 que era su primera aparición en público. Loewe y Mendelssohn también aparecieron como solistas en el Concierto en la♭ mayor para 2 pianos y orquesta de Mendelssohn y éste apareció solo en el Konzertstück de Carl Maria von Weber. Después del intermedio, se unió a los primeros violines para representar la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven.

che de verano La primera representación de la obertura en Gran Bretaña fue dirigida por el propio Mendelssohn el 24 de junio de 1829 en el Argyll Rooms de Londres, en un concierto benéfico para las víctimas de la las inundaciones en Silesia. Fue interpretada por una orquesta que había sido reunida por George Smart, amigo de Mendelssohn.

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Patrice Mesnier

FRANCIA

1 - Desde cuando usted está dedicado al arte?

Empecé a pintar a la edad de 15, y pronto me di la vuelta a la escultura (tal vez porque me quedé Nicky St Phalle y Tinguely).

2 - ¿Cuáles son sus metas y objetivos en relación con el arte?

Expresando el movimiento, si es posible vivir y captura la esencia del ser. Las mascotas ofrecen una amplia variedad de formas, personajes, uno siempre encuentra los muchos rostros humanos en el mundo animal.

3- ¿Cuáles son los artistas que han tenido la mayor influencia en su vida?

Creo que era alimentado por un conjunto de influencias, como todos los artistas entre los que, probablemente, Giacometti, Louise Bourgeois, Daumier, pero probablemente inconsciente.

4- ¿Cuál de su trabajo es más especial para usted ?

No tengo ninguna obra favorita, incluso si vivía con algunas ocasiones especiales, como mi allosaurus, una pieza monumental. Los caballos han acompañado mi vida es una verdadera pasión, que están muy presentes en mi trabajo.

5 - Usted está dedicado exclusivamente al arte como una profesión?

No tengo otro negocio, el arte es mi vida.

6 - ¿Qué técnicas se utilizan?

Yo uso de metal que la soda, la escultura puede evolucionar de acuerdo a mi inspiración, que es una técnica muy interesante, ya que permite expresar de manera muy espontánea. Buscan mantener los matices de metal cuya metamorfosis expresar tanto tiempo que pasa. Cada pieza es unqiue en contraste con el bronce.

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N

iurka Guzm

mรกn

Artista plรกstica Dominicana

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Niurka Guzmán artista plástica dominicana 1- Desde cuándo te dedicas al arte?

Profesionalmente desde hace alrededor de 15 años. Sin embargo desde la niñez cultive el gusto por la pintura y el color.

2- Cuáles son tus metas y/u objetivos en relación al mismo? a) Realizar piezas artísticas con un alto contenido simbólico-conceptual, que tambalee el orden existente en nuestra sociedad. Para así lograr un choque o impacto en el espectador que produzca una reflexión o conflicto interno en el mismo. b) Tambalear las creencias y estructuras sociales a las cuales el espectador está acostumbrado. c) Producir obras que destaquen por su excelente factura técnica y coherencia conceptual.

3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

Mi obra está inspirada completamente en mi entorno social y cultural. Me nutro de él y a través de mi obra me cuestiono y reflexiono sobre la percepción que se tiene del concepto de mujer. Con mis imágenes pretendo impactar de tal manera en el espectador, que este se cuestione lo que “es”, cuáles características lo definen como sujeto y como se relaciona con la sociedad y la colectividad. Se trata de lograr que las mujeres recuerden quienes son y qué es lo que se proponen y encuentren en su interior la fuerza que las sostiene y las hace diferente de la colectividad.

Este proceso hace que mi obra a la vez sea una especie de auto conocimiento y reconocimiento de la percepción de mi entorno y como este ha impactado en mi formación como mujer.

4- Qué artistas han sido tus referentes?

Paula Rego, David Hockney, Edward Hopper, Belkis Ramirez, Elsa Nuñez, Soucy Pellerano, Ramon Oviedo y Fernando Ureña Rib. 5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Les comparto un fragmento de mi declaración de artista en la cual hablo sobre el elemento humorístico en mi obra el cual es de suma importancia.

“Mi objetivo principal es realizar una obra que cuestione, critique y provoque una reflexión sobre el papel que juega la mujer en nuestra sociedad, para así en mayor o menor grado desestabilizar el orden simbólico atribuído a ciertos comportamientos que definen lo que es una mujer. Para la representación visual de este concepto utilizo imágenes y símbolos que desafían las convenciones sociales con humor e ironía. La ironía como recurso de enfrentamiento al absurdo de lo real, como enfrentamiento crítico. Así se trata de hacer ver, girar y cuestionar para ampliar el significado de la mujer y lo femenino.”

6- Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

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Ni te rías, ni te muevas, quédate como tu quieras, ni pa lante ni pa atrás, quédate como tu estás.

El éxtasis del zapato libertino y el reloj dando las horas que no habrán mas de volver.

El enigma del deseo.

Adaptaciones en las profundidades del mar.

Construcción de la capa externa de la piel.

7- Eres artista de tiempo completo?

Si, pienso que de tiempo completo, aunque una parte de mi tiempo me dedico a la educación y enseñanza, esta actividad nutre mi obra y mi cabeza se mantiene todo el tiempo creando aunque no siempre tenga un pincel, colores o un lápiz a la mano, pero estoy hablando de arte e intercambiando ideas y opiniones respecto al mismo.

8- Que técnicas utilizas? Óleo, acrílico, dibujo al carboncillo, lápiz, acuarela, pastel, grabado en metal, colografia, xilografía. En mi obra utilizo todas estas técnicas y las que más predominan son la pintura al óleo y técnica mixta en la que combino los recursos plásticos del grabado con pin

Los fantasmas de Goya

La película combina aspectos históricos con hechos evidentemente ficticios, de conformidad a otros trabajos de Miloš Forman (como en su célebre Amadeus de 1984).

Dentro de los aspectos históricos, se encuentra la existencia misma del pintor Francisco de Goya, su obra y los hechos político-religiosos que convulsionaron a la España del siglo XVIII y XIX, que no hacen más que dar una mera ambientación y soporte al argumento, muy ajeno a su realidad conocida. Goya actúa como un simple nexo de unión entre personajes que deben conocerse para dar pie al drama ideado por Forman y Jean-Claude Carrière.

El libreto, por otro lado, ofrece elementos ficticios que resultan inverosímiles y bastante improbables que se dieran en la realidad o en la evolución de los protagonistas. En ese sentido, el guion se pierde ocasionalmente en una trama muy densa de acciones y caracterizaciones, uno de los puntos más criticados y flojos de la cinta. Es por ello que quizá sea importante, para el espectador, conocer la obra de Goya para apreciar esta película con más profundidad; ya que Forman le da a la cinta una estética “Goyesca” al mejor estilo Fellini o Kurosawa, sin duda este es el detalle que eleva la película a una categoría distinta y pueda ser incomprensible o aburrida para quien no conoce la obra del gran artista Aragonés.

A pesar de ello, es destacable que cuenta con una magnífica ambientación escénica y una apropiada fotografía, así como un trato muy cuidadoso y detallado de los personajes sin descuidar el drama, el debate trascendental ni la crítica político-social.

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Jorge Eduardo Gamarra artista plástico Argentino 1- Desde cuándo te dedicas al arte?

De chico me dedico a hacer diferentes tipos de actividades en relación con el arte, a los 10 años gané mi primer concurso.

2- Cuáles son tus metas y/u objetivos en relación al mismo?

Pues el objetivo sería llegar a todo tipo de personas que puedan apreciar el arte en sus diferentes técnicas y diferentes gamas.

3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

En el ambiente que me críe el arte estaba relacionado con un nivel sociocultural y sólo se manejaba el arte tradicional ( paisajes y figurativo), lo afecta de una manera sorprendente hoy por hoy ya que lo mío es abstracto y cuesta mucho que lo acepten como tal.

4- Qué artistas han sido tus referentes?

Admiraba mucho a van Gogh...todo su expresionismo.

5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

El arte tiene que ver con toda la vida del artista, su historia sus sensaciones, como va evolucionando en paralelo como artista y como ser humano.

6- Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

(Gamarra aporta la imagen de la obra que está más abajo) Es una síntesis del trabajo que intento hacer de que la persona común consuma arte, y a través del arte mejore su calidad de vida, cuando uno aprecia la belleza, comienza un proceso evolutivo de mejoramiento de vida.

7- Eres artista de tiempo completo?

Pues aun no llegué a ser artista de tiempo completo, si gran parte de mi tiempo.

8- Què tècnicas utilizas?

Todo el tiempo estoy experimentando con técnicas nuevas, sí me siento cómodo trabajando con la mancha ....en distintos materiales para mí.

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TOSCA

Tosca ( pronunciación italiana: [toska; tɔska] ) es una ópera en tres actos de Giacomo Puccini a un italiano libreto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa . Se estrenó en el Teatro Costanzi de Roma el 14 de enero de 1900. El trabajo, basado en Victorien Sardou ‘1887 en francés de juego dramático s, La Tosca , es una melodramática piezas en Roma en junio de 1800, con el Reino de Nápoles ‘ s control de Roma amenazada por Napoleón ‘s invasión de Italia . Contiene representaciones de la tortura, el asesinato y el suicidio, así como algunas de las arias lírica más conocida de Puccini.

Puccini vio la obra de Sardou cuando estaba de gira por Italia en 1889 y, después de algunas vacilaciones, obtuvo los derechos para convertir el trabajo en una ópera en 1895. Al girar la obra francesa prolijo en una ópera italiana sucinta tomó cuatro años, durante los cuales el compositor sostenido en repetidas ocasiones con sus libretistas y editor. Tosca se estrenó en una época de disturbios en Roma, y su primera actuación se retrasó por un día por temor a disturbios. A pesar de críticas indiferentes de los críticos, la ópera fue un éxito inmediato con el público.

Musicalmente, Tosca está estructurada como una -a través compuesta trabajo, con arias , recitativos , coros y otros elementos musicalmente tejidas en un todo sin fisuras. Puccini utiliza wagneriana leitmotivs (declaraciones musicales cortas) para identificar personajes, objetos e ideas. Mientras que los críticos con frecuencia han descartado la ópera como un melodrama fácil con confusiones de la parcela-musicólogo Joseph Kerman calificó como un “pequeño escándalo en mal estado” [1] [2] -el poder de su puntuación y la inventiva de su orquestación han sido ampliamente reconocidos. La fuerza dramática de Tosca y sus personajes sigue fascinando tanto a los artistas y el público, y el trabajo sigue siendo una de las óperas realizadas con frecuencia. Muchas grabaciones de la obra se han publicado, tanto de estudio y actuaciones en vivo.

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artista plรกstico colombiano

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uis Orlando Garzón Piñeros

COLOMBIA

1- Desde cuándo te dedicas al arte?

Desde niño me gustó el dibujo, más tarde cuando supe de la pintura, me aficioné,y toda mi vida en mis ratos libres los dedique a pintar, como autodidacta, y luego de pensionado ingresé a la Universidad Santo Tomás de Tunja , y allí hice un diplomado de Artes, y desde el año 2002, estoy dedicado a esta magnífica labor.

2- Cuáles son tus metas y objetivos en relación al mismo?

Mis metas, llegar hasta donde Dios me permita , quiero trascender fronteras, y dedicarme el resto de mi vida a pintar; la creación es mi gran estímulo de vida. Estoy exponiendo mi obra desde 1972, llevo más de 45 exposiciones colectivas y 16 individuales dentro de Colombia y en Bs. As. 3- De qué manera afecta el entorno en tu obra?

El arte como medio de expresión , no es ajeno a la influencia del acontecer de la sociedad, por eso mi obra da cuenta de mis preocupaciones ecológicas y humanas, lo hago a mi manera.

4- Qué artistas han sido tus referentes?

Muchos artistas , lo han sido, en Colombia Alejandro Obregón, de él he recibido la influencia del colorido tropical, de Estados Unidos Jackson Pollock, de España Pablo Picasso y Salvador Dalí, de Rumania Dan Bunea, y de Buenos aires mis maestros a distancia en el Esencialismo, movimiento que sigo desde el año 2006, Heriberto Zorrilla y Helena Distefano, admiro la obra de muchos artistas esencialistas argentinos como Mónica Medina, Gabriela Winicki, Susana Graselli, Liliana Gavotti, Alicia Valdivia, Mónica Fernández, y de Chile Mónica Renedo, entre otros muchos, que harían interminable la lista.

5- Te interesaría compartir algo en especial sobre tu arte?

Si, lo que sé, mi técnica cretiva ,a partir del caos, de una textura una mancha,sin proyecto previo, aventurarse a crear, con los postulados del esencialismo y ahora también, con el automatismo.

6- Cuál/es de tus obras son más especiales para ti?

La obra de arte es como un hijo, y los hijos todos merecen mi cariño, lo mismo mis cuadros, pero para mencionar algunos, Rinconcito Tumaqueño, El escombrero, Brindis de Baco, Carnaval, Ilusiones en azul y rosa, Icononzo, y el último, En las manos de Dios.

7- Eres artista de tiempo completo?

Mi profesión que ejercí 35 años , abogado, pero no obstante que como lo dije antes, toda la vida he pintado, desde el año 2002, estoy dedicado por completo a la pintura luego de pensionado como Fiscal .

Esta es mi segunda oportunidad de vida, que amo y me la disfruto plenamente.

8- Què tècnicas utilizas?

Utilizo una técnica mixta, inicio la obra con acrílico con el cual hago la texura junto con otros elementos mezclados, y sobre esa base trabajo la definición del cuadro , con óleo hasta su terminación.

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upita Anaya MEXICO

Naci en la ciudad de Leòn, Gto. MÊxico un dia 10 de mayo...en el Barrio de Santiago, soy historiadora del arte y artista multidisciplinaria,he incursionado en la creacion literaria, teatro, instalacion, intervenciones y performances , fotografia, arte objeto...he expuesto varias individuales y colectivas, todo dentro del arte conceptual ...soy maestra a nivel diplomados, licenciatura , tengo la especialidad en gestion cultural.

CUENTO CON UN ESPACIO ALTERNATIVO DE EXPRESION ARTISTICA Y CULTURAL LLAMADO: GenerArte Spacio. Actualmente estudio la maestria en Arte y Cultura en la Uni. de Gto. Campus Leon.

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Nebulosa de la Hormiga

Una de las nebulosas bipolares más sorprendentes, la Nebulosa de la Hormiga está formada por un núcleo brillante y, al menos, cuatro flujos de materia distintos. Han sido identificados como: un par de brillantes lóbulos bipolares, dos flujos opuestos muy colimados en forma de columna, una sistema cónico de estructura radial y un tenue flujo radial con forma de anillo.

Algunos investigadores creen que la Nebulosa de la Hormiga alberga una estrella simbiótica en su centro.2 Una segunda posibilidad es que el giro de la estrella moribunda haya provocado que su intenso campo magnético se haya enrollado de forma compleja; vientos con carga y con velocidades de 1000 km/s -similares al viento solar pero mucho más densos- pueden haber seguido líneas de campo torcidas en su camino hacia el exterior. Estos densos vientos pueden tornarse visibles por la luz ultravioleta proveniente de la estrella central o por colisiones supersónicas con el gas ambiental que excita el material con fluorescencia. Si bien no hay ninguna nebulosa realmente similar a ella, la Nebulosa M2-9 tiene cierto parecido, aunque la velocidad del flujo en la Nebulosa de la Hormiga es hasta 10 veces mayor que en M2-9

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LFREDO INCH

ARTES VISUALES

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iliana

Esperanza

INFORMES Y VENTAS: lilianaesperanza13@gmail.com FACEBOOK: https://www.facebook.com/artemundialartworld

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