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Ecuador 367 piso 13 oficina A - CP: 1214 Ciudad Autónoma de Buenos Aires Buenos Aires - Argentina +54 11 4778 1500

Editorial Director de Proyecto B A N Dirección Nicolás Barlaro, Pety Peltenburg Editor Hernán Pandelo hernanp@djmagla.com

Comercial Relaciones Institucionales Gustavo Rana gustavorana@djmagla.com

Relaciones Internacionales Cristian Caseb

SIGUE SUMANDO

cristian@djmagla.com

Publicidad y Comercial Belén Casas info@djmagla.com

Aunque el verano del hemisferio norte ponga toda la atención en la

Producción de Eventos Roberto Fernández rfernandez@djmagla.com

temporada de Ibiza y los satélites de la misma, que reciben artistas por la cercanía, desde Latinoamérica, tenemos con qué pasar el

Diseño

crudo invierno.

Dirección Alejandro Ramos aleramos@djmagla.com Diseño María Laura Sánchez info@micapsula.com

Las propuestas de calidad no son escasas y tenemos con qué alegrarnos los oídos durante los fines de semana. Los países con escenas afianzadas van por propuestas más sólidas y aquellos un poco más relegados empiezan a dar pasos importantes en la consolidación de la escena propiamente dicha.

Diagramación Sergio Aguirre info@estudiodylunio.com.ar

Agradecimientos Agustín Festa, Alive Entertainment, Ariana Ramos, Ariel Gambini, Bad Boy Orange, Belén Prado, Damian Pintos, Dennis De Bruin, Emma Buezas, Facundo Adrián Carrizo, Facundo Rodríguez, Gonzalo Cirulli, Griselda Calderón, Juani Vender, Kevin Muter, Leandro Cabo Guillot, Lemonade, Marcelo Fratini, Mariano Trocca, Mario Rodríguez, Maruja y Domingo, Martin Carvell, Mental Crew, Natalie Wills, Nicolás Festa...

La región está cada vez más establecida en el circuito internacional. La familia Ultra Worldwide desembarca por primera vez en varios

Pre prensa e impresión

países de Latinoamérica como Bolivia, Perú y Puerto Rico mientras

Latingráfica - latinos@latingrafica.com.ar

que el festival de creatividad y tecnología de avanzada Sónar hace

Rocamora 4161 - Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

pie en Bogotá y Santiago por primera vez y busca afianzarse en

Buenos Aires - Argentina

escenas latinas como las de San Pablo y Buenos Aires.

Mientras tanto, el Top 100 DJs tiene su votación abierta y, con el crecimiento que experimentamos, no podemos dejar de ilusionarnos con los representantes latinos que se harán presentes.

HERNÁN PANDELO Editor

DJ MAG LATINOAMÉRICA es una publicación de Paste S.A. Todas las notas firmadas son opinión de sus respectivos autores. Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista, sin previa autorización por escrito de Paste S.A. Los avisos comerciales de esta revista son responsabilidad exclusiva de los respectivos anunciantes. All the brands and/or product names and artwork are trademarks or registered trademarks of their owners. Todas las imágenes y marcas reproducidas en esta revista son Copyright de sus respectivos autores o compañías y aparecen aquí por motivos exclusivamente periodísticos. DJ MAG LATINOAMÉRICA número 007 - Impresa en Argentina, agosto de 2015.


índice Contenido

¿Que está pasando?

HEREDEROS DEL TRONO

18

Una profunda charla con Adam Beyer e Ida Engberg en nuestra nota de tapa...

NO TODO ES FURIA

24

Vida y obra de Angerfist, uno de los artistas más importantes del hardcore.

TODO TERRENO

28

Cedric Gervais sabe hacia dónde guiar sus pasos y nos cuenta todo.

MAESTRO DEL SONIDO

32

Jeff Mills lanza “Exhibitionist 2”. ¡Le preguntamos de todo!

A PURA GARRA

36

8

Top 100 DJs

7

El Sónar en Latinoamérica

10

DJ Rama viaja a Las Vegas

12

Aly & Fila y un sueño cumplido Stems: la revolución

13

Un clásico de verano

15

Vision e identidad de KhoMha

16

Melodía en el mundo mágico...

17

Ale Mora es un latino por el mundo...

Hablamos de todo con el reconocido DJ italiano Leon.

TRAMPAS DIGITALES

40

Aprendemos un poco más sobre la piratería de la música en internet.

DE PELÍCULA

44

De qué se nutre la carrera de un gran de como es el español Dosem.

48

TOMORROWLAND EN FOTOS

52

DJ MAG LATINOAMÉRICA MIX

En la pista 68

VUELVE LA ARTILLERÍA PESADA

55

Las bandas de los años noventa están de vuelta.

60

PERÚ... ¡BOOM!

62

EL ANFITRIÓN

La explosión del tropical bass de Lima.

Mark Sixma pasó por Panamá

72

Tócala de nuevo, Sam

74

Inmensa experiencia

ETIQUETA Y PROTOCOLO

Le hicimos una serie de preguntas a Nicky Romero sobre su sello discográfico Protocol Recordings.

LUCKY 7 - ALOK

98

Le preguntamos al brasileño por las canciones que lo representan.

76

EDM

77

Deep house

79

Trance

80

Tech house

81

Bass

82

Techno

84

Soporte Técnico

85

¡Todos juntos!

89

En busca del ritmo perfecto

91

Que no paren las rotativas

95

En el punto G

85

djmagla.com

55

Tech

18

6

28

Música

El host del Ultra Music Festival, Damian Pinto, nos cuenta todo...

66

Un Jet a Las Vegas

71

Un repaso visual por el festival belga. Uner y Festa Bros nos regalan un imperdible mix para descargar.

24

72

95


¿Qué está pasando? Todo lo que tenés que saber...

TOP 100 DJS ¡YA SE PUEDE VOTAR! ¿A quién vas a votar en la única encuesta de DJs que tiene importancia? ¡ESTÁ DE VUELTA! Es el regreso de la encuesta más popular de la escena electrónica internacional: el Top 100 DJs. Patrocinado por 7UP, se puede votar desde el lunes 6 de julio y se espera la mayor cantidad de votos de la historia en la encuesta. La lista anual, que se presenta como el medidor ideal de la popularidad de los DJs que reinan la escena, vuelve a abrirse y se abren todos los canales que año a año generan grandes debates y especulaciones acerca de quién se hará con la primera posición. ¿Podrá Hardwell volver a coronarse como el DJ N°1 del mundo? ¿Será el año en que Dimitri Vegas & Like Mike se suben a la cima de la lista? ¿O será la oportunidad para que Martin Garrix se convierta en el ganador más joven de la encuesta? Durante los últimos 23 años, el Top 100 DJs ha delineado el flujo de aparición y desaparición de géneros mientras sonidos nuevos van afianzándose y propagándose. El año pasado, la estrella del future house Oliver Heldens se coló en la mitad más alta de la lista sin tocar EDM ni trance. Desde ese entonces, muchos artistas de EDM han ralentizado su sonido, generando lo que puede ser una nueva era en el Top 100 DJs. Lo único que sabemos con certeza es que no hay ninguna certeza. Año a año, la encuesta nos regala sorpresas y desencantos, inspirando apasionados debates en las redes sociales, en las pistas de baile y más... 8

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Desde el lanzamiento en 1993, como un artículo editorial de la edición N°100, el Top 100 DJs ha crecido hasta convertirse en la encuesta de música más grande del mundo. El año pasado, más de 900 mil votos verificados fueron contados, antes de determinar que el N°1 siga siendo el holandés Hardwell. Este año, asociados con la gaseosa 7UP, presentarán el premio Next UP, a la máxima entrada de la lista. Este premio ha probado ser un hito importante en las carreras de aquellos que han ganado como Skrillex, Dyro, Nicky Romero y Deorro. Queremos saber quién se quedará con el próximo Next UP. Una vez que la votación esté completa, DJ Mag viajará a Ámsterdam, donde presentará al N°1 durante el Amsterdam Music Festival para que éste viaje hacia Londres y toque en el Brixton Academy de la ciudad inglesa. Pronto anunciarán todos los detalles de este evento. Es probable que este año sea la encuesta con mayor amplitud, pensando en los actuales DJs de la cima que se están cansando del sonido del EDM. ¿Habrá una nueva corriente de super DJs emergiendo? ¡Tenés tiempo hasta el 14 de septiembre para votar!

www.djmag.com/top100djs ANDREW RAFTER


¿Qué está pasando?

ABLETON EN LOOP La compañía organizará un encuentro de tres días en Berlín para creadores musicales. Durante tres días, la ciudad alemana será sede de un ambicioso encuentro curado por la marca que desde hace años lidera el mercado de los software y hardware para la creación musical.

¡A SONAR POR LATINOAMÉRICA! El reconocido festival internacional de música, creatividad y tecnología anunció su llegada a la región para fines de año. Creado en el año 1994, este festival con sede en Barcelona es un encuentro pionero y único, con un formato que presenta una de las ofertas más vanguardistas que jamás se hayan creado. Desde hace más de 20 años, es el punto de encuentro para todos los curiosos que buscan lo último en términos tecnológicos donde emergen lo musical y lo creativo. Desde el año 2002, el Sónar ha estado expandiendo sus horizontes hacia otros países, en busca de talentos locales que puedan amalgamarse a la textura tecnológica y vanguardista del festival. Así, desde ese entonces, se hizo presente en varias ciudades clave como Londres, Nueva York, Ciudad del Cabo, Lisboa, Seul, Hamburgo, Toronto, Chicago, Los Ángeles, Tokio, Osaka y hasta tuvo su paso por Latinoamérica con ediciones pasadas en Buenos Aires y San Pablo. Después de una política de expansión firme, que cementó ediciones en terrenos escandinavos en el último tiempo, llegó el turno de una de las regiones que mayor crecimiento viene demostrando en el último tiempo: nuestra querida Latinoamérica. De esta manera, el Sónar estará desembarcando simultáneamente en cuatro importantes ciudades de la región. La primera en disfrutar de semejante propuesta será San Pablo. La ciudad brasileña contará con el evento más largo de la región, que se llevará adelante desde el martes 24 al sábado 28 de noviembre en el predio Espaço Das Americas del municipio Barra Funda. Luego, será el turno

de Buenos Aires. La ciudad será testigo del Sónar el jueves 3 de diciembre en el espacio Complejo Al Rio ubicado en Vicente Lopez. Dos días más tarde, el sábado 5 del último mes del año, será el turno del SonarSound Santiago. Allí, en Hangares de Suricato, ex Aeropuerto Los Cerrillos, se dispondrá el predio en el que se llevará a cabo el encuentro de vanguardia. Finalmente, para el cierre del recorrido, la ciudad de Bogotá tendrá la última palabra. En el espacio Corferías de la capital colombiana, el Sónar se acomodará el lunes 7 de diciembre para culminar este recorrido latino. Junto con el anuncio de la llegada de los eventos en la región, hubo varios artistas que fueron confirmando sus apariciones y quedó conformada la primera ola de grandes nombres que se harán presentes en las cuatro ediciones. En todas las ediciones futuras de la región, estarán presentes The Chemical Brothers, Hot Chip, Brodinski, Evian Christ y Pional, determinando así una columna vertebral de actos que ya hace todo mucho más interesante. Por su parte, Buenos Aires, Santiago y Bogotá contarán con la presencia de Recondite. Además, San Pablo sumó las presentaciones exclusivas de la chilena Valesuchi y el local Zopelar; Buenos Aires contará con los locales Poncho y Leandro Fresco; y Colombia sumó al line up al dúo local Bomba Estéreo.

Desde el viernes 30 de octubre, en el Centro Cultural RadialSystem V de Berlín, se presentará una variada oferta en donde habrá diversos creadores musicales -desde artistas e ingenieros hasta especialistas en tecnologíaencabezando charlas, discusiones, conferencias, workshops y mucho más. El evento estará enfocado en las técnicas actuales para la producción musical y en las proyecciones que auguran para el futuro. El programa incluirá charlas sobre los procesos creativos y clasificación de géneros, entre muchas otras cosas. Por supuesto, habrá varias presentaciones de artistas interesantísimos durante los tres días. Si bien, desde Ableton anunciaron que aún queda mucho por confirmar, por el momento, hay algunas cosas que ya son seguras. Por ejemplo, discusiones que involucran a artistas como James Holden y Henrik Schwarz o charlas presentadas como “Fracaso = éxito” o “La creatividad en la silla del ingeniero en sonido”. Una apuesta por Ableton hacia el intercambio de información que reunirá a más de cuatrocientos creadores musicales para que colaboren entre sí, diseminen sus ideas, aporten al conocimiento de otros y hagan públicas algunas de sus herramientas de creación. u

Siguen las buenas noticias en la región. Hay algo nuevo que empieza a Sónar. u djmagla.com

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¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

DJ RAMA viajará a Las Vegas con MILLER GENUINE DRAFT Será el representante argentino en la segunda edición del Miller Soundclash de septiembre.

E

l pasado jueves 30 de julio, la discoteca porteña Jet fue testigo de una nueva edición de la final argentina del Miller Soundclash. Desde las 23.30, los DJs Rama y Lucas Blanco compitieron por un lugar en la final internacional, realizando una performance de 45 minutos cada uno. Primero, fue el turno de Rama, quién realizó un set dinámico y variado que incluyó algunas producciones modernas de future house y vocales de alma housera. A Lucas Blanco le llegó su turno unos 45 minutos más tarde y, desde el minuto cero, intentó sorprender al jurado con una batería de efectos y un sonido latente, algo más rígido y condimentado con bombas del house más clásicas. Finalmente, luego de la presentación de ambos, Diego Ripoll subió al escenario acompañado por SRZ –ambos como jurados locales del evento- para anunciar el ganador, quien iría a competir como representante argentino para fines de septiembre en la gran final internacional que tendrá lugar en la Ciudad del Pecado norteamericana: DJ Rama resultó ganador, y de la mano de Miller Genuine Draft llevará su música a los oídos del mundo entero. La final internacional del evento tendrá lugar a fines de septiembre de este año y los representantes de cada país se presentarán ante un gran jurado–encabezado por el DJ holandés Dannic- para ganar la competencia. Además de DJ Rama desde Argentina, habrá representantes de varios países de la región, como Perú, Paraguay, Colombia y Panamá, y de otras partes del mundo como Zambia y Corea del Sur, entre otros. Todos ellos competirán entre sí para ganar y poder tocar junto a grandes DJs internacionales en la reconocida discoteca Marquee de Las Vegas. Los ganadores del año pasado fueron los mexicanos Tom & Collins, quienes disfrutaron de grandes beneficios desde entonces. ¿Quién será el ganador este año? Veremos. u

STAY TUNED, IT´S MILLER TIME!

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rt o p p u s r u o y r o f s Thank


¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

ALY & FILA

y un sueño cumplido El dúo egipcio anunció que dará un show en la Gran Pirámide de Guiza.

“Desde que empezamos con nuestro proyecto Aly & Fila y la marca Future Sound of Egypt hemos tenido el sueño de poder ser anfitriones de un evento en este lugar tan especial”, comunicaron los egipcios. Ese sueño pasó a ser una realidad cuando concretaron la fecha en la más antigua maravilla del mundo situada a las afueras de El Cairo. El show, que tendrá lugar el próximo 11 de septiembre, forma parte de la celebración por los 400 episodios de su radioshow Future Sound of Egypt que ya ha ido realizando festejos en varios puntos del mundo, incluidas las presentaciones latinas recientes en Argentina, Guatemala y México. Será un hito en la carrera del dúo y de toda la escena electrónica en general, y ellos mismos lo definieron como “la mejor noticia de sus carreras”. Como siempre, la presentación contará con todos los condimentos de la cultura egipcia, creando una perfecta fusión entre la producción y el paisaje natural del

espacio. Desde el otro lado del mundo, estamos entusiasmados con el alcance que los sonidos electrónicos están teniendo en terrenos que, hasta hace poco, parecían imposibles. “Nos tomó muchos años y mucho esfuerzo llegar a conseguir esto pero, finalmente, podemos decir que los sueños se vuelven realidad. No se pierdan este evento porque será uno muy especial. Desde donde quiera que estén, vengan a celebrar junto a nosotros el verdadero futuro sonido de Egipto”, invitaron los artistas en un comunicado. Para mantener la temática, el dúo presentará un line up con raíces egipcias, haciendo verdadero énfasis en el nombre de la celebración, en el que se harán presentes Mohamed Ragab, Omar Sherif, Fady & Mina, A&Z, Amir Sharara y las apariciones de los cantantes Susana y Chris Jones, que acompañarán a Aly & Fila durante su performance. Un nuevo acontecimiento que demuestra la fuerza que tiene la música electrónica en la actualidad. u

STEMS: LA REVOLUCIÓN

Native Instruments creó un nuevo y revolucionario archivo de audio.

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a empresa alemana creadora, entre otros productos, del software Traktor, anunció y ya puso en marcha la creación y comercialización de un nuevo formato de audio que permitirá interactuar con los temas de una manera mucho más limpia y profunda. Stems, el formato en cuestión, es un archivo de audio multicanal abierto formado por cuatro elementos musicales que le da la chance a DJs y productores de poder independizar los diferentes sonidos de un track y combinarlos con total libertad –el productor puede elegir qué poner en cada uno de los elementos. Cada uno de estos cuatro elementos tiene total autonomía y se puede manejar desde el Traktor. Es decir, cada DJ, con el kit correcto, tendrá la posibilidad de aislar completamente las partes favoritas de un tema y crear nuevas mezclas, mash ups o acapellas como si estuviera en el estudio. El formato puede, además, adaptarse a los controladores que aún no poseen la función para leer el archivo –seguramente, otras empresas crearán controladores diseñados para este nuevo formato- y presenta un quinto registro que tiene el tema completo, para poder ser leído en cualquier reproductor de audio. El “Stem Creator Tool” que permite crear los tracks con este sistema

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multicanal ya está disponible para descargar de manera gratuita desde la página web de la empresa. Sumado al archivo en cuestión, Native Instruments ya está comercializando controladores aptos para este formato y ha creado el Traktor 2.9, diseñado para poder apreciar los cuatro Stems de cada track en el formato “Stem Deck”. Incluso, los grandes sitios de ventas digitales como Beatport, Traxsource o Juno ya están vendiendo este tipo de archivos multicanales, sumándose a esta causa que propone un cambio interesante en la forma de producir y de pasar música. Además, sellos como Toolroom, Hotflush Records, Get Physical y Dirtybird se han mostrado a favor de este nuevo formato. Ha pasado mucho tiempo desde que llegó a la escena electrónica algo con tanto potencial para cambiar las reglas del juego. Parece ser que Stems va a moldear el futuro del DJing y la producción. ¡A estar atentos! u


¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

UN CLÁSICO DE VERANO Argentina vuelve a disfrutar del Armada Beach en las costas de Mar del Plata con la presencia de Paul Van Dyk, Andrew Rayel, Heatbeat y más...

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l próximo 23 de enero, la ciudad de la Costa Atlántica recibirá una nueva edición del festival internacional. Con numerosos fanáticos argentinos, y algunos que llegaron de otros países, en la última edición, sólo era una cuestión de tiempo hasta que vuelva el festival a anunciarse una vez más en tierras bonaerenses. Ahora, si: una vez más, Mute Club de Mar albergará una fiesta del más alto calibre que suele presentar artistas del primer orden internacional. El 23 de enero marcará el regreso de una nueva edición de Armada Beach, curado, por supuesto, por el gigantesco sello Armada Music. ¡Será la quinta edición en Mute Club de Mar! En ediciones previas, ya han pasado grandes artistas como Aly & Fila, John O’Callaghan, Markuz Schulz, Dash Berlin, Christopher Lawrence, Heatbeat, Andrew Rayel, Cosmic Gate, Gabriel & Dresden y Orjan Nilsen, entre otros, marcando a este evento como uno de los más esperados por el público amante del trance. Esta ocasión no será la excepción y presentará a varios artistas que llevan por el mundo la bandera del sello con sede en Holanda. Andrew Rayel, el dúo argentino Heatbeat, MaRLo, Jochen Miller, David Gravell y el local Tomás Heredia se harán presentes bajo el cielo marplatense junto al invitado especial Paul Van Dyk en una noche que será memorable. u


¿Qué está pasando?

Visión e identidad

EN GRANDE

Con pasión y profesionalismo, el DJ y productor colombiano KhoMha representa a Latinoamérica en todo el mundo y cada vez se abre nuevos horizontes de la escena local.

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dentro de su agencia. “No pierda la identidad, sigue fiel a lo tuyo y no cambies tu sonido”, fueron las palabras que el artista recibió tras su confirmación en la firma.

“La pasión lleva la música al siguiente nivel”, cuenta el productor. Aunque nunca lo imaginó, David Lewis Productions, una de las compañías con el más grande roster de artistas, lo seleccionó como el principal personaje latino

Él se define como un artista en desarrollo. En tan solo tres años, ha recorrido el mundo y ha sido el primer DJ de su país que pasó por dos de los festivales más importantes del mundo: Tomorrowland y Ultra Music Festival. Además de los éxitos en sus performances, Robert ya cumplió uno de sus sueños en la carrera de productor. Recientemente, formó parte del soundtrack de una película. Sucedió en el filme “Wild Card” de este año y lo logró con su single “Hydra”. Para el futuro, también se ve haciendo producciones para otras películas y bandas sonoras y, por supuesto, se encuentra trabajando en nuevas producciones, las cuales estará lanzando por Armada Music. Con la idea de, en un futuro, crear su propio sello y apoyar a diferentes DJs del mundo se ve, además, desarrollando un nuevo alias para mostrar otra faceta de su carrera que, según sus propias palabras, se percibe en sus producciones y performances. Pasión, profesionalismo, identidad, sonido y humildad son algunos de los atributos que, él dice, debe tener un DJ para trascender con su música. Aunque no lo vea o no quiera creerlo, él ya lo logró… u

n los últimos años, Robert Alzate, bajo el alias KhoMha, ha sabido cómo posicionar a su país dentro del ámbito electrónico, ganándose un lugar de privilegio en la lista de los más grandes representantes que tiene Latinoamérica a nivel internacional. Artistas del primer orden como Markus Schulz y Armin van Buuren, junto a otros grandes, vieron cómo este DJ daba sus primeros pasos alrededor del mundo, presentándose en los mejores clubes y festivales de la escena, gracias a la identidad y honestidad que presenta su sonido. KhoMha ha establecido una marca en su música, la cual se debe, en mayor parte, a una selección de tracks de lo más cuidada. Una elección que tiene como agregado, la mayoría de las veces, una etapa en estudio en donde el artista realiza pequeños edits a los temas, añadiendo ese sonido tan particular que hoy se percibe fácilmente en sus presentaciones. Una clara marca personal que muchos suelen llamar “KhoMha Style” y que tiene influencias de varios géneros musicales, entre los que destacan el progressive, el house, el trance y el techno.

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¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

Melodía en el mágico mundo de TOMORROWLAND La onceava edición conceptualizó un festival entregado en su totalidad a la música. Texto y foto: JOSÉ MURGA

Volvieron a pasar 365 días de espera hasta que el gran festival de música electrónica internacional Tomorrowland dijera presente y volviera a desaparecer, tras 40 horas de música durante tres días y una fiesta previa que duró cerca de 12 horas, en el campamento adjunto al festival.

techno, progressive, trance y demás géneros convergen a pocos metros de distancia, en cada escenario, y son paradas obligatorias del festival. Conocer cada uno de los escenarios es, sin dudas, una de las mayores atracciones del encuentro.

Si bien, con tanta oferta, es bastante difícil armar una agenda u horario de artistas por ver, las expectativas siempre son altas con un gran ánimo y emoción por descubrir a las grandes sorpresas con las que la tierra del mañana cambiará los estándares de la música electrónica.

Como uno de los grandes aciertos de la región es la cultura musical, que se ha mantenido tanto en Bélgica como en los Países Bajos, el festival convoca tanto a chicos como grandes en beneficio de la buena música. No es de extrañarse bailar con alguien que te dobla o triplica la edad. Es parte de la vivencia que debes experimentar y disfrutar.

Los grandes nombres se hicieron cargo del mainstage y, sin embargo, fueron más de 350 DJs los que se presentaron en el festival y brindaron sus sets repletos de adrenalina, vibrantes beats y emociones al límite. Para este 2015, Tomorrowland presentó 17 escenarios para todos gustos, géneros y ambientes predilectos. Desde DJs acaparando un escenario, hasta importantes marcas haciendo dinámicas para atraer la mayor atención sin perder el fundamento del festival: la atmósfera y música por encima de todo.

La pirotecnia y los láseres que acompañaron a los diferentes escenarios alrededor del festival fueron planeados a la perfección y causaron estruendos nocturnos repleto de colores que explotaban al ritmo de la música. Sin dudas, los espectáculos de pirotecnia que eclipsan la noche son otro gran atractivo del festival.

Una presentación imperdible -y única- fue la de la Orquesta Sinfónica de Bélgica el último día de evento. Este hito marcó un antes y un después en Tomorrowland y encajó a la perfección con la temática musical que este año presentó el festival más poderoso de ID&T y SFX Entertainment.

La lluvia, como signo distintivo de Bélgica, no faltó durante los tres días del festival y Boom, la ciudad donde se realiza el festival, se pintó de azul con impermeables desechables que formaron un mar alrededor de Tomorrowland. Eso sí, a pesar de las incesables lluvias, el ambiente y ánimo de los asistentes no cambió por nada, ni un segundo.

Como cada año, las expectativas son inimaginables por la magnitud del escenario que, desde hace media década, se ha convertido en el atractivo principal de Tomorrowland y ha fijado el estándar del festival por encima de la gran mayoría de eventos alrededor mundo. El reino secreto de Melodía, como se tituló esta edición, edificó un inmenso castillo musical que mostró profundos detalles y transformó la tierra del mañana en el hogar de las mágicas criaturas musicales.

La opción es disfrutar al máximo cada momento. Distribuir de manera correcta las energías durante los tres días y nunca dejar de bailar, brincar y cantar a todo pulmón. No importa si no conoces al DJ, si no tienes idea del género o de la temática. Adéntrate y concéntrate en la música para aprender algo nuevo. Tomorrowland te brinda una de las experiencias más nutridas y diversas en el mundo de la música que, claramente, te dejará un aprendizaje. Recuerda: ¡Siempre hay una primera vez para todo!

El castillo contó con ventanas, cascadas, fuentes y monstruosas edificaciones que le brindaron identidad a la nueva edición y la diferenciaron de sus antepasados. El rey del reino secreto de Melodía se hizo presente con un altar y su trono en lo más alto del castillo donde también se ondearon banderas.

Durante las últimas horas de cada día, el gran escenario convoca a más de 50 mil personas en un luminoso ambiente que causa furor y se entona al ritmo de los DJs más populares de la industria. Sin dudas, Tomorrowland demuestra año con año que el festival continúa creciendo y desafiando los límites establecidos por ellos mismos, el año anterior. Con su expansión territorial, el mágico mundo del mañana revive grandes y épicas hazañas que han escrito la historia del festival. Siguiente parada: TomorrowWorld. u

Tomorrowland es una majestuosa experiencia que vale la pena vivir y que te hace disfrutar cada inversión realizada en él. Big room, deep house, hardstyle,

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¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

UN LATINO

POR EL MUNDO... “Poder representar a todo Latinoamérica en una industria que es liderada por artistas europeos es algo muy lindo.”

H

ablamos con el costarricense Ale Mora sobre su inmejorable presente, sus presentaciones a nivel internacional, lo que aporta a la escena local con su experiencia y su sueño de formar parte de la lista del Top 100 DJs que se dará a conocer en unos meses... ¡Hola, Ale! ¿Cómo estás? ¡Estás viviendo un presente inmejorable! Contanos, ¿qué has estado haciendo durante el verano europeo? “¡Hola! Estoy de lo mejor. Ahora, me encuentro de vuelta en Costa Rica, después de un verano increíble por Europa. Tuve varios shows por allá, como fueron Ultra Croacia, Life in Color Ibiza y Marenostrum Music Festival en Valencia, España.” Te has presentado en algunos de los shows más importantes del mundo... ¿Por qué creés que estás viviendo este presente tan lindo? “Sí, he tenido la dicha de poder presentarme alrededor de todo el mundo como lo soñé desde los inicios de mi carrera. Yo creo que parte de todo es por la determinación y esfuerzo que he tenido desde que me inicié en la música.” Has estado en varias ediciones de Ultra ¿Cómo describirías una presentación en Ultra? “Ultra, para mí, es un sueño hecho realidad. Desde pequeño me gustaba ver videos de mis DJs favoritos tocando en el mainstage y, ahora, poder compartir el mismo escenario con todos mi ídolos en este festival es algo que no puedo describir.” ¿Qué es lo mejor de sentir el apoyo de una marca global tan importante? “Ultra me ha abierto las puertas como ningún otro festival y me han hecho sentir como parte de la familia. Yo estoy muy agradecido con ellos, ya que son los que han llevado mi carrera a otro nivel.” ¿Cuáles fueron los mejores momentos de las presentaciones de este 2015? “Sin dudas, todos los Ultra que he hecho alrededor del mundo han sido experiencias inolvidables y, también, todos los shows que he podido hacer con Dimitri Vegas y Like Mike. Ellos han sido mis mentores estos últimos dos años.”

¿Cuánto más se disfruta el llegar desde Centroamérica y sentir que se representa a toda la región? “Yo disfruto mucho el poder viajar alrededor del mundo y poder compartir con tantas culturas diferentes. Pienso que la música es un lenguaje universal que nos une y nos trae experiencias inolvidables.” ¿Sientes esa responsabilidad? “Claro que siento la responsabilidad de siempre dar lo mejor que tengo ya que son oportunidades que no se presentan todos los días. Poder representar a todo Latinoamérica en una industria que es liderada por artistas europeos es algo muy lindo.” ¿Te presentas seguido en tu país? “En mi país, Costa Rica, me presento alrededor de dos veces al año, en las cuales trato de crear un show de mismo nivel, al igual que en cualquier otro pais del mundo, cargado de visuales y otros efectos.” ¿El reconocimiento llega más desde afuera que desde tu lugar de origen? “Como dice el dicho: ‘nadie es profeta en su propia tierra’. He tenido mucho reconocimiento afuera de mi país al igual que mucho apoyo de varios artistas como Dimitri Vegas & Like Mike. Y, ahora, estoy buscando talentos latinoamericanos, a los que yo pueda darle el reconocimiento que se merecen.” ¿Cómo está el presente de la escena electrónica allí en Costa Rica? ¿Seguís viviendo ahí? “Si. Actualmente, estoy viviendo en Costa Rica, donde la escena está creciendo muy rápido con la llegada de eventos como Life in Color y otros conciertos de artistas reconocidos como David Guetta.”

“He estado trabajando mucho en poder crear mi sonido y, como artista, me gusta que mi música siempre esté evolucionando. El año pasado, hice canciones con un estilo más electro que fueron firmadas con el sello de Dimitri Vegas & Like Mike. Eso me abrió muchas puertas. Las razones por las que hice estos remixes fue para probar un estilo más melódico y algo que fuera más fácil de escuchar para personas que no están muy involucradas en la escena. El remix de “See You Again” se convirtió en el remix que más sonó en radios de Estados Unidos. La aceptación ha sido muy buena y me ha ayudado a lograr un nuevo paso en mi carrera como músico.” Además, has coproducido “Nothing Better”. ¿Qué otras cosas podemos esperar de Ale Mora en el futuro cercano en el estudio? “Actualmente, estoy terminando una colaboración con una banda de Costa Rica llamada Entrelineas, con voces en español, que yo pienso que es algo nuevo para la escena. No hay muchos artistas produciendo EDM en español y esta nueva canción mantiene un estilo similar al de los remixes que he venido produciendo.” ¿Qué te gustaría lograr? ¿Has pensado en un álbum? ¿Alguna colaboración con alguien en especial? “Mi carrera como músico aún está empezando. Hay muchas cosas que me gustaría lograr y un álbum es, definitivamente, una de las cosas en las que he estado pensando. Con respecto a colaborar, yo no busco a los artistas por nombre sino por la calidad de cada uno. Mientras estén haciendo música nueva e innovadora, yo voy a estar interesado en colaborar con ellos.”

¿Y cómo ves a la escena internacional? “La escena ha crecido a un ritmo exponencial y artistas muy reconocidos, como es el ejemplo de Justin Bieber, se están involucrado en nuevos proyectos de música electrónica, algo que permite que nuevas audiencias puedan ser alcanzadas.”

Imaginamos que debés tener algún sueño por cumplir, ¿nos lo quieres contar? “Una de las cosas con las que siempre he soñado es con estar en el Top 100 DJs de DJ Mag y espero que algún día este sueño sea una realidad.”

Has hecho grandes remixes como “See You Again” y “Footprints”. ¿Cómo se dieron estos remixes? ¿Por qué los hiciste?

¿Algún mensaje para enviarles a los latinos que están leyendo esto? “Atrévanse a soñar que nada en esta vida es imposible…” u

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RUBIOS Y SIMPÁTICOS, ADAM BEYER E IDA ENGBERG SON LA PAREJA MÁS CONOCIDA DEL MUNDO DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA. PADRES DE TRES HERMOSAS HIJAS, SE ACOMODAN LOS TIEMPOS ENTRE CRIANZA Y SHOWS PARA SEGUIR EXPANDIENDO SU REINADO. Sesión de fotos y foto de tapa: FERNANDO VALENCIA


DE A DOS

“Tardamos un poco más porque lo chicos no se dormían”, se disculpa Adam cuando nos atiende una de las tantas llamadas que le dejamos en el Skype. La persona que maneja la prensa de los rubios ya nos había anticipado que los chicos habían dormido más de lo planeado y que era probable que no puedan dejarlos en la cama para las nueve, horario en que teníamos pactada la entrevista. “Estamos en casa. Si, en Suecia”, nos aclara cuando le preguntamos en dónde se encuentran. Es que hace algunos días han estado presentándose en formato back to back por Ibiza y no tenemos claro desde dónde nos atienden la llamada. “Hay muchas cosas sucediendo por allá”, hablamos de Ibiza. “Ahora, más que nunca. Sobre todo, en la escena del techno”, nos explica Adam. Entre otras, se han presentado en las fiestas de Carl Cox y Sven Vath. Nada mal, ¿no?

“Cuando yo empecé, en los años noventa, había una gran escena techno pero no en Ibiza”, aclara Adam. La escena del techno, en ese entonces, era algo diferente. A grandes rasgos, se asociaba al género con un sonido más duro y estaba ligada a las ciudades más industriales de Europa. “Eran otras fiestas y otra actitud”, dice en su relato. “Luego, lentamente, todo se fue juntando. Hoy, el house, el techno y el tech house están muy cerca. Los bpm son similares. Y hay formas de techno que funcionan muy bien en Ibiza”, agrega. No todas ellas pero… ¿qué ocurre con estos dos suecos? El que contesta, nuevamente, es Adam. “En estos días, soy bastante diverso. Siempre me adapto a la situación que me presente el público”, dice. Adam empezó a ir a Ibiza por el año 2000. En ese entonces, para él, fue un momento esencial en donde se reencontró con sus primeras inspiraciones, aquellas que escuchaba a fines de los años ochenta, antes de convertirse al techno más duro. Para ese entonces, cuando le dábamos la bienvenida al nuevo milenio, Adam estaba un poco aburrido del sonido techno que estaba dando vueltas. “Todo sonaba muy parecido y poco original. En ese momento, descubrí el feeling que tenía con la música más de after hours y, un poco más adelante, con toda la explosión del minimal, allá por el año 2004 o 2005… ¡Era mucho más divertido y más sexy!”, asegura. Eso lo inspiró a volver a aquellos discos de house que escuchaba cuando era niño. “En realidad, no era el sonido de los noventa sino que tenía un sentimiento similar... Era más lento y un poco más divertido.” Así fue como empezó a participar un poco más en la escena. Lanzó unos discos para Plus 8 y Cocoon y empezó a conectarse con Sven Vath y Richie Hawtin. “En ese entonces, sólo Cocoon hacía algo así en la isla, en un club grande como Amnesia. Todo el resto era súper comercial. Pero Ibiza siempre ha sido acerca de música baleárica y house, y todo ese sonido tech house empezó a encajar muy bien con la isla y conecté con el house de los noventa y todo se fue dando muy bien. Y, ahora, sin dudas, es lo más grande de la isla”, nos pone al corriente. Sin dudas, ha sido un proceso y cualquiera que haya escuchado cosas suyas de finales de siglo y algo de material nuevo entiende que su sonido se ha “suavizado”. Ahora, nos lo deja en claro, disfruta de hacer cosas así. Sólo basta escuchar el más reciente “Time Flies EP” que lanzó en su sello Truesoul y ver su lado más funky. “Igualmente, todavía toco algunos sets de techno más duro. No tanto como solía pero sigo tocando en Berghain, y en esa escena y ese tipo de lugares. Y no es porque no me guste más esa música… Es que yo me siento un poco más cómodo en fiestas donde no se trata de un tipo tocando sonidos súper rígidos y agresivos y tiene más que ver con un lindo sentimiento de fiesta donde se mezclen en el público mujeres y hombres, gays y heterosexuales… Hoy, me gusta más ese tipo de fiestas y esos públicos que lo más rígido”, exterioriza y siente que debe aclarar algo. “No hay nada de malo en eso. Es, simplemente, que estoy siguiendo lo que yo siento. De eso se trata ser un DJ”, se justifica y nos surge una duda. ¿Será que se ha suavizado compartiendo cabina con Ida? “No creo que sea así”, se adelanta ella mientras Adam piensa una respuesta. “Pero no lo sé”, agrega y espera al padre de sus hijos. Adam se toma unos segundos y le contesta a Ida. “Es una buena pregunta. Me encanta contestar esto”, le dice, y vuelve hacia nosotros. “No creo que Ida me haya cambiado. Siento que tocar junto a ella me ha dado la oportunidad de tocar ese tipo de material un poco más, porque encaramos el back to back como un artista

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tocando algo distinto. Cuando tocamos juntos, no somos Adam Beyer o Ida Engberg. Somos un solo acto”, esclarece. Cuando toca solo, Adam suena algo más rígido y cercano al techno. “Especialmente, en los festivales, donde toco un sonido un poco más fuerte”, manifiesta. “Cuando estamos juntos, es otro concepto y otra manera de ver la música y de presentarla. Tomé una decisión consciente, ambos lo hicimos, de hacer este back to back y llevarlo más allá…” En un principio, lo hicieron sólo para divertirse. En algunos after hours o algunas fiestas en las que se sentían muy cómodos y decidían intentarlo. Con el tiempo, se dieron cuenta que funcionaba muy bien y que lo disfrutaban mucho. “El año pasado nos dijimos: ‘¿por qué no vamos un poco más allá y vemos qué podemos lograr y cómo nos vamos a sentir?’ Así que cerramos algunas fechas y lo hicimos. Y a la gente le gustó mucho porque, creo, es algo bastante único. No hay muchas parejas haciendo lo que nosotros hacemos”, se enorgullece. E Ida suma su granito de arena a la causa. “Yo creo que la música es un poco más accesible y llegamos a un público más grande.” “Exactamente”, continúa Adam. “Y, para ser justo, quizás no es un público más viejo sino un público algo más educado. Tocamos canciones un poco más musicales… Un poco más viajero que el sonido normal del techno four to the floor.” Así, Adam está, poco a poco, abriendo su espectro musical y acaparando la atención del público de otras corrientes. Algo que, analizan, ocurrió con todo el género. “Hace algunos años, era imposible pensar en eso. Ahora, todo el sonido cambió y la gente está más cercana a ese tipo de techno”, considera. Ida, por su parte, está convencida de que el género ha sido de los que más se ha desarrollado y que ha sido mucha la gente que se volcó a este género en los últimos diez años. “Creo que todos estos chicos que están escuchando EDM se van a volver un poco más grandes y buscarán algo más. De eso estoy hablando. Esto es lo que pasó en estos últimos años. Crecen y buscan algo distinto”, sentencia. Y le tira flores a su compañero. “Creo que Drumcode es un sello que atrae a gente joven que comienza a escuchar techno”, asegura sobre la plataforma discográfica que desde hace años dirige Adam. Y entre los dos se ponen a definir al sello. “Es como un techno accesible”, dispara él. “Claro, tiene vocales”, contesta ella y cierra la respuesta con una frase sensata: “Es un buen paso para ir en busca de otro sonido.”

DRUMCODE

El desarrollo del sello durante su carrera tiene varias etapas ya que está cerca de cumplir sus primeros veinte años de historia. “Es mucho tiempo”, dice Adam con honra y se dispone a exponer el punto de vista que tiene sobre su bebe musical y acerca de cómo lo vive él como artista. “Depende de qué década del sello estés comparando. Creo que, durante los últimos diez años, ha sido bastante similar. Hubo otros años en donde no hice mucho con el sello y, en esos años, el sonido del techno cambió dramáticamente y yo estaba cansado del sonido viejo de Drumcode. La gente lo copiaba y estaba un poco quemado ese sonido lleno de loops de los noventa. Casi que desapareció. Y me gustó eso. Como muchas cosas, tuvo su fin. Y nos inspiraron otras cosas y, ahora, completa el círculo. Ahora, el viejo sonido es popular de nuevo. Quizás, un poco más lento pero ha vuelto. Y con todos esos nuevos discos de sonido lo fi que están inspirados en los años noventa y los chicos adoran, yo siento que ya tengo unos trescientos

discos en mi colección que tienen ese sonido. Ya lo he hecho. Por eso, para mí, Drumcode se trata de ir a los límites y sonar frescos y nuevos. Y que no sea retro”, se expresa. “Creo que desde hace ocho años tiene la misma energía. Creo que los temas se ponen cada vez mejores, las herramientas de producción son cada vez mejores… Es un momento emocionante para el techno.” La charla acerca de Drumcode se extiende y no podemos dejar de pensar en las fiestas que organiza el sello y la relación que esto podría llegar a tener con los ciclos de fiestas que los grandes DJs tienen en Ibiza como Carl Cox, Richie Hawtin y Sven Vath. Él y su sello están considerados como uno de los grandes productos del techno y, sin embargo, nunca ha desarrollado una residencia de este estilo. “Es algo que me preguntan mucho”, se adelanta. “Tuvimos ofertas y lo hemos hablado pero, en este momento, la isla está llena de techno y, como te dije, no todas las fiestas tienen éxito. Hacer tu propio show en Ibiza es totalmente distinto a irte a Argentina y hacer un show”, compara. La cautela de Adam está acompañada por ese lugar de privilegio que se ha ganado con los años. Un lugar que lo ha llevado, en este 2015, a presentarse en las mejores fiestas que tiene el techno en la isla. “Me llaman de todos los lugares que quiero tocar como Cocoon, Enter, la fiesta de Carl Cox, Paradise de Jamie Jones... ¡Y esas son las mejores fiestas!”, dice y quiere que entendamos su postura. “Disfruto de las mejores fiestas y no tengo que lidiar con todo el stress de encargarme de una”, continúa pero deja la puerta abierta. “Quizás, en el futuro, si llega el momento correcto, lo haré. Ibiza es un mercado distinto y hay que tener cuidado. Drumcode no es el sonido de la isla. Es un poco distinto”, cierra. Quedó claro: aún no es el momento de tirar anclas en Ibiza. Sin embargo, en otras partes, el sello ya ha sido el protagonista de la noche. La marca techno Awakenings suele presentar una de sus noches con la estética del sello de Beyer y, en la última edición argentina de Ultra Buenos Aires, hubo un escenario que, también, estuvo a cargo del sello. “Hacemos muchas fiestas Drumcode por todo el mundo. Muchos lugares y muchos escenarios. Para mí, lo más importante, es la música y la forma en la que la presentamos. Por eso, los line ups tienen que tener la progresión perfecta. Desde el principio al final, quiero que sea una historia en donde se conecten cada uno de los DJs y se respeten. Que no compitan entre ellos. Que sea como una familia arriba del escenario y que el público sienta que no se trata sólo de Adam Beyer y que a nadie le importan los otros actos. Lo importante es que todos escuchen a todos los artistas para darle al público una experiencia distinta. Una experiencia Drumcode de principio a fin.”

DEL MATADERO AL ESTUDIO El primer estudio que Adam utilizó estaba en un área de Estocolmo donde había un matadero. Corría el año 1992 y al lado del oloroso lugar, había un edificio de oficinas y era allí, en el subsuelo, donde él comenzó a dar los primeros pasos en la producción. Por supuesto, no fue algo que hizo solo. Junto a Joel Mull y Peter Benisch, creó “Slaughterhouse” – la palabra en inglés para “matadero”-, el primer proyecto musical con el que lanzó su EP debut. “A Peter lo conocí en la escuela y a Joel lo conocí después, en una fiesta, por amigos en común. Él era amigo de amigos míos y nos veíamos en fiestas cuando teníamos unos quince años. Salíamos con la misma gente y terminamos siendo amigos. Y él conocía a Peter que iba a la misma escuela que yo y que tomaba clases

ADAM BEYER ELIGE 5 CIUDADES DE LATINOAMÉRICA 01. BUENOS AIRES

“Definitivamente, número uno. La energía de Buenos Aires es irreal, considerando las fiestas que hay allí. Parece que mucha gente está interesada. He tocado unas siete u ocho veces y siempre ha sido realmente genial.”

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02. CIUDAD DE MEXICO

“La gente disfruta mucho de las fiestas y siempre la paso muy bien allí.”

03. LIMA

“He tenido unas buenas experiencias ahí. Tiene que ver con un excelente público. Siempre recibo una vibra cálida y amistosa.”

04. SANTIAGO DE CHILE

“Este es un lugar especial. Toqué una o dos veces allí. Una vez, se suponía que íbamos a tocar en una gran fiesta con Richie pero se canceló y tocamos en un club pequeño. Terminé quedándome toda la semana.”

05. MEDELLÍN “Solía ser una de las ciudades más fuertes del techno en Sudamérica. Especialmente, en mis primeros años, solía ser el lugar a donde más iba. No he ido hace bastante tiempo pero espero volver en algún momento.”


de música. Nos volvimos amigos. Yo ya tocaba en ese entonces. Pete no tocaba pero estaba con la percusión y teníamos un sampler, algo que era bastante extraño en esa época. Y empezamos a jugar con ese sampler y a crear nuestros primeros tracks.” Los tres estuvieron produciendo música por un año y, cuando se decidieron, enviaron sus primeros demos a varios sellos. La respuesta no tardó en llegar. Vino de Nueva York, de parte de un sello llamado Direct Drive que era dirigido por Adam X y Jimmy Crash, dos conocidas figuras de Brooklyn que solían hacer grandes fiestas en la ciudad norteamericana durante los años noventa. “Era un sello increíble en ese entonces y estábamos muy contentos y creíamos que lo habíamos logrado. Ese fue nuestro primer disco y el único que hicimos bajo el alias Slaughterhouse”, recuerda del EP que tenía tres tracks que, curiosamente, iban a unos 170 bpms. “En ese entonces, no era tan raro. La música electrónica iba muy rápido. 170 bpm es ultra rápido. Casi como el gabber. Después, hicimos otros más con otros nombres. Debo haber usado unos ocho o diez aliases antes de usar mi propio nombre, en 1995”, recuerda. Allí, en ese año, lanzó el primer EP como Adam Beyer. Esa producción vio la luz en el sello Planet Rhythm y se llamó “Drumcode 1”. Sí, ya desde ese entonces, Adam Beyer parecía tener todo bien claro. “Allí supe cuál era mi sonido. Las baterías codificadas. Era más techno y más percusivo. Yo sabía que eso era lo que quería hacer. Lo había encontrado. Era algo que buscaba desde el principio”, relata. En ese entonces, según sus propias palabras, todo se trataba de la experimentación ya que había muchos espacios sin explorar entre bpms y estilos musicales. Incluso, iban apareciendo cosas

constantemente. “Todo el tiempo aparecían cosas diferentes. No había Beatport y uno debía salir a buscar lo nuevo. No había internet”, nos pone en época. Planet Rhythm, sello donde vio la luz “Drumcode 1”, era una tienda de discos de Estocolmo que estaba dirigida por un inglés llamado Glenn Wilson. Antes de todo eso, Wilson conoció a una chica sueca y se mudó al sur del país escandinavo y abrió una tienda de discos pequeña. Con el tiempo, se puso en contacto con Cari Lekebush –quien es uno de los padrinos de la música electrónica en Sueciay decidieron abrir una gran tienda de discos en la capital sueca, Estocolmo. “La tienda tenía un sistema de correos que llegaba a todo el país y era una excelente tienda. Yo empecé a trabajar ahí justo después de la escuela. En el año 1993. Trabajaba allí y ya lanzaba música con todos esos otros nombres que te dije antes. Y armamos una especie de colectivo en el que estaba yo, Jasper Dahlback, Joel Mull, Cari Lekebusch… toda la gente famosa del techno sueco”, sigue. Ellos siempre estaban allí vendiendo discos y, eventualmente, empezaron a tocar en varios puntos del país. De hecho, pasó poco tiempo hasta que comenzaron a tener fechas en toda Europa. Allí, el propio Wilson decidió abrir un sello discográfico para que estos jóvenes puedan lanzar toda la música que estaban produciendo y así fue como comenzó el sello Planet Rhythm. “Rápidamente, me di cuenta que tardaba mucho en sacar mis temas y yo estaba produciendo muchísimo, en ese entonces. Ahí fue cuando decidí lanzar Drumcode, uno o dos años después, en 1996.” djmagla.com

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IBIZA EN EL CENTRO Nacida a unos kilómetros de Estocolmo,

LOS MEJORES MOMENTOS DEL 2015 01. “Las vacaciones a Las Maldivas con la familia fueron lo mejor. Muy pocas veces tenemos tiempo para tomarnos vacacione reales. Siempre estamos involucrados en mucho trabajo y no es algo malo, tenemos una vida hermosa. A último momento, decidimos tomarnos estas vacaciones en enero y fuimos en familia y terminó siendo genial. Es un lugar hermoso. Quizás, uno de los más lindos de todo el mundo.”

02. “Space Miami para la Semana

de la Música. Hicimos una fiesta de Drumcode y fue genial. Duró muchas horas y había mucha gente. Una ocasión muy especial.”

03. “Es una dura lucha entre el back to back que hicimos para la apertura de la fiesta de Carl Cox en Space Ibiza o el back to back de cierre el domingo en Awakenings. Un 60% de los asistentes del festival se acercaron a nuestro escenario y fue increíble. Tocamos ‘Age Of Love’, un track que teníamos guardado para un momento especial. Es un track que ha tenido un gran impacto. Sobre todo, pensando que salió en el año 1992. En un lugar como Awakenings, por supuesto, mucha gente no lo conocía pero había algunos, un poco más viejos, que lo reconocieron.”

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la historia de Ida Engberg fue bien distinta y se fue moldeando de la mano de sus seres queridos. Su primer contacto con la música electrónica se dio desde bien pequeña, cuando tenía unos 13 o 14 años. “Mi novio de ese entonces tocaba en algunas fiestas del colegio. Así que, después de asistir a clases, íbamos a tocar a un sótano donde había vinilos de hip hop y todos iban a tocar. Y yo estaba ahí con mi novio y el me enseñó muchas cosas allí, mientras nos divertíamos”, recuerda. Con el paso del tiempo, su hermana fue la encargada de continuar con el amor por la electrónica, llevándola al epicentro de la misma. “Ella es 16 años más grande que yo así que cuando era niña ella me llevaba de acá para allá. Y con su novio de aquel entonces, siempre iban a Ibiza todos los veranos y disfrutaban mucho de la música electrónica. Creo que me llevó a Ibiza por primera vez cuando yo tenía 16 o 17 años. Yo ya había escuchado música electrónica antes pero no de esa escena, o de esa manera… Era muy joven cuando fui a mi primera fiesta de música electrónica”, rememora Ida. “Fue ella la que me inspiró y me abrió todo ese mundo. Ella me llevó a Space y me llevó a una fiesta grande en Ibiza que duraba unas 24 horas. Esa fue la primera fiesta a la que asistí cuando llegué a Ibiza. Fue un muy buen comienzo. Había muchos buenos DJs y fue una excelente introducción.” Luego de esa experiencia enriquecedora, Ida le dio un lugar más importante a todo este fenómeno musical. “Nunca quise ser DJ”, nos adelanta ella. Nosotros le creemos pero queremos saber cómo terminó optando por ese camino. “Mi primera presentación se dio en un bar de Estocolmo. Yo sólo lo hacía por diversión pero, un día, el DJ que tocaba como residente canceló y me dijeron si quería tocar y lo hice. Fue una especie de accidente y, después de eso, me contrataron en ese bar. Al DJ lo echaron por haber faltado y yo terminé convirtiéndome en la residente por un tiempo.” Pero no duró mucho. Al poco tiempo, gracias a un amigo, pasó a tocar en un club más grande. Se llamaba Spy Bar y era un reconocido lugar para los after hours. Ida estaba planeando sus estudios y trabajaba como asistente en una compañía de publicidad. “Me dije ‘voy a hacer esto un año y veo’. Empecé a tocar cada vez más, como unas cuatro veces por semana, y hasta conseguí algunos shows afuera del país. Me contrataron en París y en Marbella. Me mudé a Marbella y me quedé allí por un año y toqué como residente en un club. Y, en el 2005, ya fui toda la temporada de verano a Ibiza.”

AL FIN, JUNTOS

“Nos conocimos en Estocolmo, en Suecia. Yo era residente en un club llamado Cocktail Club y Adam tocaba ahí y teníamos amigos en común. El que nos presentó fue el promotor de Cocktail Club”, nos empieza a contar Ida. “¿Qué año era? ¿2004?”, pregunta a Adam. “Si, puede ser. Pero ahí fue cuando nos conocimos. Pasó mucho tiempo hasta que empezamos a salir”, nos aclara él. Ida ríe y asiente y el silencio nos obliga a preguntar cuándo empezaron a salir. “No recuerdo bien”, dice Ida. “Creo que fue en el 2010”, se impone Adam. “Él me invitó a tocar en un show de Drumcode en Alemania”, nos cuenta ella. “Creo que tocamos juntos por unos tres años antes de ser novios. Nunca en formato back to back pero sí en el mismo line up”, explica Adam. “Me encantaba como tocaba y por eso la empecé a contratar. Yo veía que tenía mucho potencial. En muchas de las fiestas de Drumcode hacemos que haya un segundo cuarto donde se toca música un poco más tranquila o incluso, para abrir la noche. Pero, después, empezó a tocar un poco más de techno y se sumó de lleno. Al principio, era muy bueno porque llenaba la pista y disponía el humor para la noche.” Con el tiempo, juntaron sus caminos y, hasta el día de hoy, siguen de la mano. De hecho, cada vez más. Con tres pequeñas niñas como descendencia, han encontrado el balance perfecto para no dejar de lado su carrera musical. “Por ahora, no podemos estar lejos de casa por mucho tiempo y menos los dos juntos. Nuestros hijos son pequeños”, se justifican. ¡Y tienen razón! Pero ya habrá tiempo, se ilusiona Ida: “Definitivamente, el tiempo llegará. Cuando todos vayan al jardín, todo será distinto. La más pequeña tiene sólo 9 meses. Cuando cumpla dos años, irá al jardín y vamos a tener mucho más tiempo”, presagia. Nos ilusionamos con un futuro promisorio pero, a nosotros, no nos hace falta esperar ese momento ya que, con el mote de padres y todo, sus presentaciones aportan lo necesario a una escena que requiere de historias como esta. u


O D O NO T

A I R FU

GERFIST N A E D A R A C S Á M A L ITA DETRÁS DE B A H E U DUROS. Q E S R O B M ID O N H O L E S E U Q MUCHO MÁS S E E U Q A R T S E NOS DEMU UNDO... M L E O D TO A R A P E R RDCO DESDE HOLANDA, HA


Aunque todos los sitios que consultamos en internet antes de encontrarnos con Danny Masseling nos decían que había nacido en Almere, no fue así. Él nació en Hengelo pero se crió en Denekamp, una pequeña villa de unos 15 mil habitantes del este de Holanda donde, según su testimonio, no hay nada más que vacas comiendo pasto mientras se escucha el campanario de la iglesia. “Más adelante viví en Almere, cuando hacía música para Masters Of Hardcore, pero, de alguna manera, sentí que no pertenecía a esa ciudad”, comenta y agrega que ha vuelto al este de su país. “Me gusta la mentalidad de la gente de aquí y la tranquilidad que hay.” Un curioso detalle, como ocurre en varios pueblos del país naranja es que, de aquella pequeña villa, han salido muchos DJs de renombre. “Nombres como Crypsis, Radical Redemption, Dyprax y Act of Rage, son todos denekampers. ¡Y somos muy buenos amigos!”

REVE L AC IÓN Él recuerda, cuando era joven, la salida de los primeros CDs de hardcore y la atracción inmediata que estos le generaron. “Era una música violenta y poderosa. A mis amigos también les gustaba y comenzamos a ir a eventos de este estilo. Mis padres tenían un gusto musical totalmente distinto. Ellos escuchaban música tradicional holandesa mientras los bajos poderosos salían de los parlantes de mi habitación”, rememora. Con el tiempo, el pequeño Danny, se topó con las primeras herramientas para meterse de lleno en ese mundo. “Una vez, entré a una tienda y vi un software de producción musical al lado del mostrador. Recién me había comprado una computadora y decidí probar con el software. Ni sabía que ese programa existía. Esa fue la primera vez que sentí la magia de crear música. Me enganché al instante y, aunque me sacó algo de vida social, no pude parar. Parecía que era para lo que estaba hecho. Sigue sintiéndose así al día de hoy.” Por esa época, tenía unos 16 años y usaba loops pre programados explorando un poco. El desarrollo de sus habilidades lo llevó a cambiar algunos plugins y samples y, con el tiempo, pudo empezar a hacer lo que él mismo llama música de verdad. Unos años más tarde, cuando ya tenía algunos tracks hechos que, en su opinión, eran lo suficientemente buenos, se los mandó al DJ de hardcore Buzz Fuzz. Luego de un tiempo, el reconocido artista del género le contestó un email diciéndole que le había gustado el material y que quería hacer un lanzamiento de su música mediante su sello discográfico BZRK. “¡Yo estaba muy emocionado! Eventualmente, terminó por contactarme con el sello Masters Of Hardcore, donde lancé mi primer EP bajo el alias Angerfist en el subsello Overload. Más tarde, comencé a lanzar la música en el sello principal de Masters Of Hardcore. Ahí empezó todo, unos quince años atrás”, compagina su historia. Entonces, concluimos, fue la producción la que llegó primero a su vida. Las presentaciones en vivo llegaron muchos años después, cuando el management de Masters Of Hardcore lo alentó a subirse al escenario. “A mí no me gustaba la idea, para nada. Yo era una rata de estudio y no quería salir a tocar delante de la gente. Pero decidí intentarlo y, obviamente, estoy feliz por haberlo hecho. Hoy en día, disfruto

de mis presentaciones tanto como de producir aunque, si me hacen elegir, la producción sería mi elección”, asegura. ¡Por supuesto! Con cuatro álbumes de artista e incontables EPs en su haber, no hay muchas dudas. “Nunca siquiera soñé con que mi carrera crezca así.”

E VOL UC IÓN Desde el inicio, el hardcore fue su género favorito pero, por supuesto, como todo gran artista, durante su desarrollo fue empapándose de varios géneros. Desde rock and roll hasta folk o metal. “He producido muchos estilos, también, pero el hardcore es mi favorito absoluto. Hay algo en él que me seduce. Es energía y agresión. Es música poderosa”, explica su punto de vista. No siempre ha sido el mismo género y no siempre ha sido bajo el mismo alias. De hecho, su primer lanzamiento, aquel que les contamos más arriba, fue lanzado bajo el alias Menace II Society –se llamó “Chronic Disorder”. Usó varios, recuerda. Algunos como Kid Morbid, Bloodcage y un solo lanzamiento bajo el alias Floorcrushers. Cuando firmó con Masters Of Hardcore por primera vez, tenía muchos tracks para lanzar y le sugirieron que use algunos de esos alias para separar un poco los tracks. “Después, decidí enfocarme en un nombre y elegí Angerfist como proyecto principal. Me gusta el nombre y, en un intento por añadirle otro elemento único, agregué el suéter con capucha con el logo y la máscara de hockey blanca. Creo que esta combinación fue la mejor decisión que tomé en mi vida.” En sus propias palabras, es un nombre que suena agresivo y peligroso. En español sería “puño de furia”. Definitivamente, es agresivo. “Encaja perfecto con la música que hago”, reafirma. De cualquier manera, creemos que Angerfist es mucho más que un nombre agresivo. Uno de sus toques distintivos es la máscara de hockey que utiliza en todos sus shows. “Como dije antes, yo, al principio, no quería salir a tocar. No era un animal de escenario sino, más bien, un studio freak. Pero entendí que quería llevar mi música a clubes y eventos, y elegí una manera de mantener el anonimato y, al mismo tiempo, tener una imagen agresiva y ruda. La máscara y la capucha resultaron perfectas para esto”, analiza. Y, además de darle una imagen súper provocadora, le resulta perfecta para poder vivir


en el anonimato. “Me encanta poder caminar por una fiesta y no ser reconocido. Permanecer anónimo es perfecto para mí”, nos cuenta y agrega. “Sin embargo, la máscara es tan sólo un elemento importante del suceso de Angerfist. A la gente le encanta y encaja bien con la música y las sensaciones que quiero crear pero, por supuesto, lo más importante es la música. Podés tener una gran imagen y un proyecto planeado hasta en el último detalle pero si tu música es una mierda, todo el proyecto será una mierda.” Es una de las grandes figuras que tiene el hardcore, hoy en día. De eso no hay dudas. Y algo le debe a la máscara que se ha convertido en su rostro. “Creo que a la gente, en general, le gustan las máscaras. Hay algo de misticismo detrás de ellas. Pero, como dije antes, sólo es una parte del proyecto que le agrega lo suyo al éxito. La música, el nombre y la máscara. Yo creo que, además, el momento en que empecé es importante”, va considerando. La escena del hardcore era pequeña y bien del underground cuando empezó, a principios de siglo. Había habido una popularidad durante los primeros años de los noventa pero se había reducido al final de la década. Después de eso, cuando él comenzó a incursionar en el género, nació un nuevo estilo de hardcore y toda la escena creció. Allí estaba él, iniciando su proyecto Angerfist, al inicio de esa remontada. “El hardcore cambia constantemente. Si escuchás tracks de hace cinco o diez años, la diferencia es enorme. Hoy, es mucho más violento que antes. Pero esa es la evolución de la música y es algo bueno. Incluso, los estilos dentro del hardcore cambian constantemente”, nos cuenta y empieza un largo recorrido por algunos de los subgéneros en los que ha incursionado. Nombra al crossbreed como una mezcla entre el hardcore y el drum and bass que tuvo popularidad hace algunos años y la perdió bastante rápido, o a algunos que crecen por Europa como el frenchcore y el uptempo. “Es bueno ver estos cambios constantes en la escena. Es tan diverso en subgéneros y estilos que nunca se va a terminar”, sostiene.

UNA NUEVA DIMENSIÓN Como nos lo ha dicho antes, es un productor de música electrónica que debió utilizar herramientas para poder presentarse frente al público y dar a conocer su música. Él lo deja bien en claro y sus producciones también. El pasado 14 de noviembre, publicó su cuarto álbum de estudio llamado “The Deadfaced Dimension”. “Es mi álbum favorito hasta el momento. Estoy muy orgulloso del resultado. Es muy diverso en

” F DOWN M S I H T “BURN ITUDE” “BAD ATT IN MASK” “STRANGE MAN SION” “THE DEADFACED DIMEN

“KNOCK KNOCK”

estilos, algo que lo hace más atractivo para la gente que ‘Retaliate’, por ejemplo, el álbum que lancé en 2011. Estoy contento con el progreso de los años”, se auto elogia. El álbum consta de tres CDs y presenta muchos colaboradores y remixers. Fueron muchos los que trabajaron con él en este lanzamiento. No sólo es un álbum de Angerfist sino que está influenciado por una gran parte de la escena actual del hardcore. “A veces, me cuesta hacer un lanzamiento de dos tracks y, a veces, mi inspiración fluye y no puedo dejar de hacer música. Ahí es cuando salen muchos tracks de mi estudio y puedo hacer un álbum triple como este.” La diversidad, para él, en este trabajo es clave. Incluso, nos asegura que le gusta más la calidad del sonido en este que en sus trabajos previos. Por supuesto, al igual que él, creemos que es algo de lo más normal y nos lo resume de manera impecable: “Si no estás progresando, estás haciendo algo mal”, dictamina. Y deja entever su variedad cuando nos cuenta que hace poco empezó un proyecto llamado Dead Rumble junto a Lowroller. “Hicimos algunos tracks de drum and bass y neurofunk con ese nombre. Quizás, en el futuro hagamos otro pero, por ahora, estamos ocupados con nuestros proyectos principales.” Su proyecto principal, ubicado dentro del

hardcore, es lo que lo mantiene ocupado y, la expansión del género, repercute en su propia llegada. “Está consiguiendo reconocimiento internacional, eso me pone contento. Aunque siga siendo un estilo de música del underground, lentamente, va apareciendo más seguido en eventos del mainstream”, va delineando el presente del género, haciendo referencia a su expansión y, por supuesto, nos ponemos a hablar de uno de los máximos ejemplos de este presente, la presencia del escenario Make The Beat en la última edición de Ultra Buenos Aires, que lo vio debutar en el país del sur del continente en un escenario orientado hacia los sonidos más duros de la música electrónica. “La atmósfera era genial y me sorprendió que haya tantos seguidores de nuestro sonido duro. Creo que es un gran paso para el hardcore en Sudamérica. Lo mismo ocurre con Chile y Colombia, donde, también, toqué recientemente. Creo que está creciendo el hardcore en el sur. Espero volver pronto”, se ilusiona. “En el pasado, solía ocurrir todo alrededor de Holanda e Italia. Con los años, el resto de Europa se unió y, ahora, se ha globalizado. Es genial ver que haya gente de culturas tan diversas que le guste el hardcore”, asegura. Y, alejado de la furia de su imagen, cierra: “Tengo mucha esperanza en el futuro.” u


COMENZÓ SU CARRERA EN MARSELLA, SE CONSOLIDÓ EN MIAMI, GANÓ UN GRAMMY POR SU REMIX DEL TEMA “SUMMERTIME SADNESS” DE LANA DEL REY, REALIZÓ UNA COLABORACIÓN CON EL COLOMBIANO JUANES Y NO PIENSA PARAR. CEDRIC GERVAIS TIENE TODO PARA SER UNA SUPERESTRELLA PERO NO SE DUERME EN SUS LAURELES Y CONTINÚA PISANDO EL ACELERADOR.


“Bueno, tengo algo muy bueno para decirte”, nos interrumpe Cedric cuando le empezamos a describir los países latinos a los que estaría llegando la revista. Antes de que podamos preguntarle de qué se trata eso que nos quiere decir, lo lanza. “Acabo de hacer un tema con Juanes”, dispara. Para nosotros es una gran sorpresa y se lo ve entusiasmado. “Deberíamos hablar de eso”, sugiere. Por supuesto, es algo distinto y puede sentar las bases para el futuro del EDM así que, ¿por qué no? “¿Ya estás grabando?”, pregunta curioso. Por supuesto que ya estábamos grabando así que decide contarnos. “Colombia fue el primer país de me dio amor en Sudamérica así que sigo yendo bastante seguido. Y, además, soy un gran fanático de Juanes y, ¿sabés qué? Nunca nadie ha hecho un verdadero tema de house con un cantante de habla hispana famoso y respetado. Y Juanes es uno de ellos. Así que nos fuimos al estudio juntos y escribimos la canción”, detalla Cedric en la amena charla que mantenemos detrás del hermoso Raleigh Hotel. “Aún no tiene fecha de salida. Estamos trabajando con Universal. Desafortunadamente, íbamos a debutar la canción en Ultra pero él tuvo unos inconvenientes familiares. Probablemente, hagamos el debut en Coachella”, va analizando. Más tarde, el debut sería, finalmente, en el Sunset Music Festival de la ciudad norteamericana de Tampa.

Cedric empezó a involucrarse en la música electrónica cuando tenía unos trece años. Lo primero que despertó su pasión por los beats electrónicos fue, como era de esperarse para un jovencito francés, un acto en vivo de Daft Punk. “Vi a Daft Punk por primera vez en Marsella, en un club que se llamaba The Niagara. Sin máscaras. Estaban tocando un álbum en vivo. Yo no podía creer lo que estaban haciendo. Estaba loco y pensaba que eso era lo que quería hacer”, recuerda. En Marsella, por ese entonces, había una escena electrónica bastante consolidada, con regulares presentaciones de algunos pesos pesados como Carl Cox o Laurent Garnier, grandes inspiradores de la pasión de Cedric. “El techno era bastante grandes por ese entonces”, agrega. Al poco tiempo, seguro de lo que quería hacer, compró sus dos primeras bandejas Technics MK 1200. Con ellas, empezó a mezclar vinilos. “Iba a las tiendas y me quedaba horas seleccionando discos. Mi sueño era ser un DJ así que me quedaba unas seis horas mezclando en la casa de mi abuela. Después, me mudé al centro de París y empecé a conseguir algunos trabajos como DJ en algunos lugares”, relata. Fue allí cuando un amigo le comentó que debían irse de vacaciones a Miami. Al poco tiempo, concretaron el viaje y Cedric no hizo más que enamorarse de aquella ciudad.

“¿Sabés qué? Miami es una gran ciudad porque tiene diferentes sabores. Hay de todo. Argentinos, venezolanos, colombianos, europeos… Sentí que era lo que yo tenía que hacer. Venirme a vivir acá. Y creo que hice muy bien porque, cuando llegó la explosión de la música electrónica, yo era un tipo de Miami”, nos expresa su visión. Ahora, es uno de los artistas que representa a aquella ciudad y está convencido que, más allá de haberlo hecho porque le gustó la ciudad, terminó siendo una de las cosas más positivas que hizo por su carrera. “Sé que fue una gran idea venirme a vivir acá”, asegura, dejado en claro que, para él, Miami cumplió un papel fundamental en la explosión de la música electrónica en Norteamérica. “La gente venía de vacaciones de otras partes del país y veía lo que hacíamos nosotros y, cuando volvía a su ciudad, buscaba eso. Y así fue creciendo poco a poco. Yo soy de los que piensan que Miami fue un gran impulsor de todo esta gran explosión de la música electrónica”, defiende a su ciudad. De hecho, hoy, cumple un rol fundamental en el inicio de la temporada de verano en toda la industria con la Semana de la Música. Desde todos los sectores de la industria de la música electrónica llegan a la ciudad del sureste norteamericano en busca de las novedades para anticiparse a lo que ocurrirá en la temporada más fuerte que tiene el circuito electrónico.

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“La gente viene y busca el próximo gran track o al próximo gran DJ”, explica de manera sencilla acerca de los más de dos millones de fanáticos que aterrizan en Miami durante el mes de marzo año a año. “¡Unas 2 millones de personas vienen a destrozarme la ciudad!”, se exalta bromeando. “Es algo genial. Sólo nos traen amor. No hay incidentes por ningún lado, vienen a pasarla bien”, y se extiende sobre el pasado. “Yo crecí acá. La Semana de la Música en Miami, hace 20 años, era muy distinta. No había mucha gente. ¡Unas 2000 personas! Danny Tenaglia tocaba y Carl Cox lo veía desde la pista. Había un par de clubes, simplemente. Ahora, es como el Disney de la música electrónica. Es una locura.”

Cedric conoce aquella ciudad a la perfección y utiliza esa época del año para sentar las bases de lo que vendrá, con sus proyectos y demás cuestiones que lo tendrán viajando por unos largos meses. De hecho, tiene algunas ideas sin concretarse que está buscando y quiere contarlas. “Tengo ganas de empezar mi propio sello”, dispara. Nosotros nos interesamos y buscamos profundizar, y nos explica el por qué. “Voy a Colombia, voy a Argentina y conozco productores que no tienen las posibilidad que yo tengo de lanzar música”, explica. “No conocen a la gente de los sellos. Quiero que ellos vengan y me digan ‘este es mi track’, que me manden las promos… Hay muchos que tienen gran material pero no conocen las vías necesarias para lanzarlo. Quiero ayudarlos, eso es todo.” Nos parece genial y, por supuesto, lo motivamos a hacerlo. Nos confiesa que, de crearlo, le gustaría llamarlo “Filter”, haciendo referencia al término filter house con el que suelen llamar a esa corriente europea cercana al french house y al tekfunk. “Quiero traer de nuevo ese sonido medio house, medio disco así que supongo que así llamaría al sello”, analiza. Sin dudas, una personalidad como Cedric Gervais tiene todas las herramientas para dar ese paso.

01. LIV MIAMI

“El mejor club de Miami. El sistema de sonido, la gente que lo dirige, la vibra que hay ahí dentro, la energía… todo es perfecto.”

02. STORY MIAMI

“Lo mismo: el sonido, la gente que lo maneja… ¡Son unos genios!”

03. SPACE MIAMI

04. ELEVEN

“Es el mejor club “¡Mi casa! Ahí empezó para un afterhour en todo para mí. Y es Miami.” la gran mecca del underground en Miami. Todos los grandes del underground tocan ahí. Es mi amor, yo empecé ahí.”

05. WALL “Queda en el Hotel W de South Beach. Es un gran hotel y grandes artistas como Steve Angello tienen residencias allí. Es un pequeño e íntimo club.”


“¡Wow! Esto es increíble. Nunca creí que haciendo este remix iba a terminar parado aquí. Sólo

quería que mis amigos DJs toquen el tema y con eso ya me conformaba. Hay algunas personas a las que quiero agradecer: a mí manager, Luke, por el trabajo que hizo en esta canción; a Lana

del Rey por dejarme retocar una obra de arte tan linda; a Carlos Cid; a mí hermosa agente Emma Hoser; a Steve; a Red Light Management; Interscope Records; a Spinnin’ Records; a toda la

comunidad del EDM y a los fans. ¡Muchas gracias por todo! Sólo soy un chico de Marsella con un sueño. No se suponía que yo debía estar acá así que ¡muchas gracias!”

Fundamentalmente, pensando en el hecho de que este señor ganó un Grammy. ¿Quién no querría editar música en el sello de un artista que recibió un Grammy? Él lo sabe y por eso se dispone a ayudar. “Lo del Grammy fue algo irreal”, nos intercepta. Cedric se pone serio y nos hace entender que no tenía nada preparado para el momento en que se enteró que había ganado el Grammy a Mejor Canción Remixada por su remezcla de “Summertime Sadness” de Lana del Rey. “Si van a ver mi discurso en internet, van a ver que salió exactamente de mi corazón. Cuando dijeron mi nombre e iba a subir al escenario, me pregunté ‘¿qué quiero decir?’. Dejé de pensar. Estaba tan nervioso. Lo que dije fue muy honesto. Dije que era solo un niño de Marsella que tenía un sueño de pequeño y que no entendía que hacía en el escenario con un Grammy en la mano”, lo recuerda con intensidad. Sin embargo, nos aclara: “Ahora, eso quedó en el pasado. No quiero quedarme con que gané un Grammy y dormirme en ello. Hay que seguir mirando hacia adelante. Si te sentís cómodo y decís ‘gané un Grammy’ o ‘mi tema suena en la radio’ y te quedas con eso, no vas a hacer nada bueno.” En sus propias palabras, Cedric ganó el galardón porque su reinterpretación era orgánica. No estaba hecha para ser un éxito de la radio sino para ser una buena herramienta para un DJ a la hora de hacerle pasar un buen rato a la gente. Al poco tiempo, cada vez más DJs la compraban y así llegó al N°1 en Beatport, algo que le hizo ganar notoriedad en la industria musical. De allí, pasó a las radios y el resto es historia. Cuando vas a hacer un remix, es fácil agarrar un tema que es un éxito radial y remixarlo y lanzarlo. Todos lo conocen y lo bailan. Pero con ‘Summertime Sadness’ no fue así. Sólo los grandes fanáticos de Lana del Rey conocían el tema. Así que, agarrar un tema así y convertirlo en un súper hit, merece un Grammy”, redondea su idea con una clara visión respecto del futuro próximo. “Hay muchos actos que venden más entradas y tours que cualquier acto que pasen por televisión. Parece que se dieron cuenta que nuestra comunidad es inmensa y que está dispersándose por el mundo entero. Poco a poco, no se sorprendan si en los próximos Grammys televisan la entrega de los premios a Mejor Álbum de Música Electrónica o Mejor Canción Remixada. De hecho, ¡mira a Daft Punk! Ganaron el premio al Mejor Álbum del Año y son un grupo de música electrónica”, nos abre los ojos. El camino de Cedric está lejos de llegar a su fin. Muy por el contrario, el Grammy parece haber renovado sus fuerzas y se lo ve con intenciones de esparcir conocimientos y ayudar a otros que tienen el mismo sueño que él tuvo hace un tiempo. Por supuesto, disfrutando. “Siempre lo he disfrutado. Y, como digo siempre, yo nunca trabajé en mi vida. Nunca fui mesero, nunca me senté en la computadora de una oficina… Siempre quise hacer esto y nunca me detuve.” Esperemos que nunca se detenga. u

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Maestro del sonido JEFF MILLS, FUNDADOR DE AXIS RECORDS, HABLÓ EXTENDIDAMENTE CON DJ MAG LATINOAMÉRICA SOBRE EL ARTE, LA MÚSICA, Y REVELÓ DETALLES DE SU “EXHIBITIONIST 2” EN UNA CHARLA PROFUNDA.


Hola, Jeff. Se sabe que tú música va más allá de la pista de baile, como hacia John Cage. Tal vez, existe alguna influencia de este artista en su música, que está dirigida hacia el espacio, la ciencia y lo futurista. “Sí. He sido un gran admirador de John Cage, de su trabajo y sus perspectivas artísticas durante muchos años. Gran parte de mi inspiración viene, realmente, de intentos por describir las cosas que, de alguna manera, generen más preguntas que respuestas en los oyentes. Que los lleven a un cruce en donde ellos tienen que decidir qué camino tomar o, desde la subjetividad de la música, percibir o concluir. De esta manera, y como creador, nunca podría esperar respuestas concretas. Así que, de alguna manera, yo trabajo a ciegas en muchas direcciones externas. Utilizando la música electrónica en todas las cosas que pueda.” La música sigue cambiando y la gente trata de descubrir nuevas emociones a través de paisajes sonoros. ¿A qué futuro cree usted que la música se enfrentará en diez años? “Es difícil decir cuál será el futuro de la música porque esta tiende a reflejar la forma en que el mundo está girando, pero tengo que imaginar que la distancia entre el productor y el oyente seguirá disminuyendo. Donde el deseo por entender, o incluso participar, en el proceso de la música acercará más a las personas en un determinado tipo de industria artística, donde las líneas divisorias de la cultura popular, incluyendo la música, pueden ser difusas más allá de nuestra actualidad. Esto se puede hacer a través de productos que utilizan la realidad virtual u otros tipos de efectos de simulación. Una cosa segura parece desarrollarse en la mayoría de nuestras sociedades y es que el humano promedio encuentra otras personas, otros lugares y otras situaciones para ser más atractivo, interesante y emocionante. Si cada uno de nosotros puede experimentar eso -ya sea en la realidad o virtualmente-, entonces podría indicar un tipo de futuro que podríamos diseñar para nosotros y los demás.” En este caso, ¿cuáles son esos factores que te motivan a seguir haciendo música? “Me encanta pensar y trabajar en teorías -lo que las cosas podrían ser- pero esto puede tener un efecto paralizante si pienso demasiado en lo que la gente quiere o prefiere tener como producto. Así que tiendo a no concentrarme en las opiniones de los demás para guiarme. En lugar de ello, busco algún sentimiento interno que pueda llegar a ser el potencial tema o concepto que sea disfrutado por la mayoría y no por unos pocos.”

“Yo no creo que sea mi trabajo hacer que la gente se sienta bien o mal. Al contrario, yo los necesito para sentir algo.” ¿Por qué crees que hoy en día muchos DJs están volviendo a utilizar sintetizadores? ¿Se quiere volver al pasado para explorar y conocer cosas diferentes y alejarse de lo digital? “Creo que esto es, a menudo, una implicación divisiva y segmentativa de DJs y productores que eligen una forma o método que no es popular entre un cierto grupo de personas, donde lo que el DJ o productor realiza es incorrecto o no es lo suficientemente bueno. Esto es completamente el enfoque equivocado para preservar la eficacia de la música. Es un punto de vista corto que desvía la atención de lo que es más importante: el porqué de la música y no el cómo fue creada.” Cuando la gente asiste a tus presentaciones va con la expectativa de escuchar esa música que definió al techno pero no comprenden que todo debe trascender hasta donde se permita. ¿Qué puedes decir al respecto? “En general, los DJs y productores trabajan sobre la audiencia y la especulación del oyente, y no haciendo una proyección definitiva del resultado. Por ejemplo, yo nunca podría concluir y decir que he tenido un DJ set perfecto o que cree la pista perfecta porque, honestamente, no puedo saber si eso es cierto. Lo que mejor puedo hacer es disfrutar el presente, que es lo que tengo. Lo que la gente espera y anticipa es algo de lo que no tengo ningún control. Mi objetivo como DJ o productor es tratar de crear un ambiente con música que permita que la gente piense de una manera específica. Yo no creo que sea mi trabajo hacer que la gente se sienta bien o mal. Al contrario, yo los necesito para sentir algo.” Una interminable lista de DJs ha descrito a “The Bells” no sólo como su inspiración sino, también, como su primer contacto con la música electrónica. ¿Qué sensaciones te genera después de tanto tiempo? “Estoy muy honrado de escuchar esto. Sin duda, ‘The Bells’ es responsable de muchas de las cosas que sucedieron en mi carrera y en mi sello, Axis. Si no fuera por este álbum y la forma en que la gente lo recibió, muchos de mis últimos proyectos y lanzamientos no podrían haber sucedido.”

Y, ahora, sorprendes con “Code 4 / Running System / The Bells”. ¿Cómo se desarrolló todo? “Decidí retomar este proyecto porque sentía que aún habían muchas cosas que explorar en el arte de DJing y la producción de música que aún necesitábamos reconocer y entender. En la música electrónica, tal vez, pasamos demasiado tiempo centrados en los diferentes tipos de personalidades de la industria y no lo suficiente en lo que ellos realmente hacen. O mejor aún, lo que podrían estar haciendo. ‘Exhibitionist 2’ fue diseñado para observar el proceso creativo. Un dispositivo para ver y ser testigo de la forma en que uno piensa que lo hacen o crean.” Ya que hablamos del “Exhibitionist 2”, ¿por qué decidiste realizar un segundo volumen? “Tengo 52 años y he sido DJ por 35 años. En este tiempo, he visto muchos DJs increíbles que han logrado grandes cosas con la música. Lo suficiente como para saber qué cosas son importantes para ayudar al género y su forma de arte para que crezca en la mejor dirección. Una de las cosas que sigo creyendo como crucial son los aspectos de la espontaneidad y la improvisación -pensar y proponer algo diferente con la confianza de que el resultado podría ser mejor. Es así como la cultura de la música electrónica ha sobrevivido hasta ahora. No por los DJs que hacen y tocan lo mismo una y otra vez. Por el contrario, por DJs y productores que toman riesgos con la esperanza de descubrir algo nuevo.” Últimamente, en tus artes de tapa se reflejan diferentes influencias del collage y arte abstracto y surrealista pero, en este nuevo diseño, optaste por una mirada más estática. ¿Hay algún mensaje o ideología detrás de la imagen? “Mi intención es mostrar imágenes de una teoría sobre nuestra comprensión generalizada de la realidad y de lo que entendemos entre nosotros. Es un hecho: los seres humanos somos algo que está hilado a algo en espiral, todos viviendo y existiendo en una vida y experiencias giratorias.

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sido el hilo que ata todas las escenas. No importa en qué lugar del mundo nos encontremos, el sonido del tambor habla el mismo idioma.”

En cierto modo, yo veo esto como una religión que todos practicamos más que otras cosas. El hecho de que una persona puede leer esto ahora es la prueba de que la gente estaba planeando que esto sucediera. Alguien planeó y anticipó esto por los ciclos dentro de nuestra realidad.”

“No importa en qué lugar del mundo nos encontremos, el sonido del tambor habla el mismo idioma.” ¿Cómo funcionó el proceso de creación y composición dentro del estudio? “Casi toda la música que se escucha en el ‘Exhibitionist 2’ fue creada específicamente para este proyecto así que era consciente de lo que podría necesitar para crear un cierto estilo de mezcla de DJ o qué equipos necesitaba para crear pistas. Las locaciones y el diseño de los ajustes fueron bien discutidos porque ellos tenían que reforzar la música que se iba a tocar en esos escenarios. Visualmente, yo quería tener los extremos: prácticamente nada o demasiado. Musicalmente, las canciones fueron diseñadas sabiendo que iban a coincidir algunas capas juntas y se iban a mantener mezclas de longitudes más largas.” Hemos escuchado el “Exhibitionist 2” completo y, si miramos la música desde un punto más cinematográfico y pictórico, concluimos que cada sonido es una capa detrás de otra capa convertida en un camino que, al cruzar, explora formas diferentes. ¿Lo ves de esa manera? “Sí. Yo estuve muy consciente de la narrativa. La forma y composición de lo que cada cuadro -sonidoera. ¿Qué tan cerca?, el ancho, ¿en qué momento va el sonido?, etcétera… Las perspectivas y ángulos de cámara también fueron probados y discutidos a fondo. Lo que al espectador se le permitió ver con el trailer era el aspecto más importante del proceso de filmación. Nada en estas películas fue por casualidad.” La tecnología sigue avanzado y algunos aseguran que se pierde ese amor análogo de explorar cosas que ya se encuentran digitalmente. ¿Crees que esa pasión se ha perdido por los avances tecnológicos? “No, no estoy de acuerdo cuando se dice que la pasión se pierde debido a la tecnología. Declaraciones en blanco son imposibles de realizar. Yo creo que ese progreso no siempre tiene que ser una explosión ‘bomba atómica’ para hacer avances significativos. A veces, estos sucesos ocurren en silencio y no son notados por un público más amplio. No lo hace menos importante y crucial para el arte.” En otro ámbito, ¿Cuál crees que es el sonido que representa lo que está sucediendo históricamente en estos tiempos? “La percusión y batería. Estos sonidos siempre han

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TRES RAZONES QUE DEFINEN EL “EXHIBITIONIST 2” ARTISTA EN SOLITARIO

“Usando los ejemplos de un artista que trabaja solo, que proporciona al oyente la oportunidad de ver la música de manera espontánea.” SENCILLEZ

“Al no componer complejidades, la tecnología dependía de set ups para crear estas mezclas. Confiar en mi capacidad mental y física para crear algo de la nada muestra el importante valor de tomarse el tiempo para aprender y dominar algo, aunque esa tecnología no siempre tenga la mejor respuesta o resultado.” CONTINUACIÓN

“Sumándose a la discusión que generó el primer proyecto “Exhibitionist” sobre lo que un DJ puede hacer, esta versión refuerza esa idea y, aunque pueda parecer la idea general de que la música electrónica es sólo de apretar botones, esta versión muestra lo contrario.”

¿Cuáles son esos elementos que unen a la música clásica con la suya? “La emoción. Este es el elemento que yo puedo detectar desde lejos. Son esas composiciones que tienen una gran cantidad de emociones que he escrito y que se traducen en los más clásicos arreglos musicales. No mínimos, esos trabajos, expresan un cierto tipo de historia. Los viajes, eso es lo que nosotros diseñamos para llevar a los oyentes a algún lugar y traerlos de vuelta.”

“He llegado a saber que tener expectativas en la música sólo conduce a la decepción. Creo que es mejor escuchar y disfrutar de ella.” Con eso en mente, ¿cuál es su misión en la música? “Mi objetivo es llevar el aspecto de la reacción humana de nuevo a la ecuación de hacer y programar música electrónica.” En términos musicales, ¿qué has llegado a escuchar de Latinoamérica? “Aparte de la música tradicional y el jazz, no sé mucho sobre música bailable -que es un poco extraño por su patrimonio. Mucho tiene que ver con las formas en que nosotros recibimos la música. También, la distribución, promoción, comercialización y cosas más prácticas, como el lenguaje, pueden ser una forma que afecta el mercado y la industria. Durante mucho tiempo, antes del internet, la industria de la música apenas existía y funcionaba en una cierta comprensión. Las personas sabían muy poco acerca de música y de ritmos.” ¿Prefieres un público que conozca el contexto de música que está presenciando o uno con menos cultura musical que se entregue a la música y disfrute de ella? “Los dos públicos están bien. He llegado a saber que tener expectativas en la música sólo conduce a la decepción. Creo que es mejor escuchar y disfrutar de ella. Pienso sobre esto y trato de entenderlo más. Tengo esta comprensión abierta porque la música está hecha por personas, no máquinas. La música no se hace en las fábricas por una mano de obra orquestada, es algo de una persona o de un pequeño grupo de personas con ideas afines.” ¿Qué cosas nuevas podemos esperar en algunos meses? “Hay muchas cosas que estamos planeando para el año 2016. Como siempre, más música y más proyectos diferentes por experimentar.” u


A

PURA

GARRA

RESIDENTE DE MUSIC ON DESDE HACE CUATRO Aテ前S, LEON ES DE ESOS QUE CONSERVA TODAS LAS CUALIDADES DE UN VERDADERO DJ DE ANTAテ前. LA HISTORIA DE UN MUCHACHO DE UN PEQUEテ前 PUEBLO DE ITALIA QUE SOテ羨BA CON SER DJ E HIZO TODO PARA LOGRARLO...


DE FÁBRICA

DE FAMILIA “Tenía un tío que trabajaba en una radio y mi padre era baterista de una banda”, dice Leon, explicándonos de qué manera se le fueron dando los primeros encuentros con la música electrónica. “Empecé a involucrarme cuando tenía unos quince años.” Leon nació en el pueblo de Teramo, una pequeña ciudad ubicada a unos 150 kilómetros de Roma sin demasiada vida nocturna y desprovista de eventos de envergadura. “Siempre tenía que viajar para escuchar a mis artistas favoritos o para visitar los mejores clubes”, dice. Bautizado Ruggero –su nombre de pila-, nació en una familia muy cercana a la música, con un padre baterista y un hermano DJ. En su casa, siempre sonaba algo. “Escuchaba música de Depeche Mode, Duran Duran, Madonna, Michael Jackson, Wham!... ese tipo de cosas. Pero, en esos días en Italia, también escuchaba cosas un poco más complejas, o más ‘cósmicas’, como Daniele Baldelli, por ejemplo”, asegura, además, por supuesto, de sumar a eso los gustos de su padre, quien solía disfrutar de grupos como Led Zeppelin, los Rolling Stones, Pink Floyd y Genesis. Todas estas influencias musicales lo llevaron al mundo de las bandejas y comenzó a practicar con dos Technics 1200 y un mixer bastante pobre que, asegura, no recuerda el modelo. “Empecé a tocar en algunas fiestas privadas de cumpleaños de amigos. Tenía unos quince años, era muy joven. Mi padre estaba conmigo y me esperaba al otro lado del salón. Increíble”, recuerda.

La producción llegó mucho más tarde, por el año 2000, y no fue hasta el año 2009 que terminó consiguiendo el reconocimiento por una producción de su autoría. “‘In Da Factory’ fue mi primera bomba”, indica. El track, que formó parte del “Factory EP” junto a otras dos producciones originales, salió por la plataforma discográfica VIVa Warriors, de Steve Lawler, y fue una especie de boleto hacia las bateas musicales de los grandes artistas. “Recuerdo que fue de los mejores tracks del año y todos los DJs lo tocaban. Especialmente, tuvo un gran éxito ese año en la Semana de la Música en Miami”, se enorgullece. Para ese entonces, con su alias Leon, había hecho algunos remixes pero “nada especial”. Entonces, recibió un llamado de parte del jefe Steve, durante la semana más importante que tiene el calendario norteamericano. “Luciano había tocado el track varias veces y él le preguntó de qué se trataba. De pronto, me entró una llamada: ‘Hola, soy Steve Lawler y quisiera lanzar tu track en mi sello’.” Sin embargo, a pesar del éxito de esa producción y de algunas que le sucedieron, Leon se considera un DJ y no quiere ser catalogado de otra manera. “Hice algunas producciones, algunas bastante importantes en grandes sellos, pero soy un productor pequeño. Yo quiero ser un gran DJ. Esa es mi misión”, asegura. Una misión a la que quiere acercarse para disfrutar de la música como a él le gusta: “Como un largo viaje lleno de pasión, emoción y amor.”

El Hotel Chelsea es un famoso hotel por el cual han pasado numerosos artistas, músicos y escritores que hicieron del hotel un centro cultural y artístico del mundo bohemio de Nueva York. Ganó mucha fama con la película “The Chelsea Girls”, dirigida por Andy Warholl y, desde entonces, ha albergado a todos tipo de celebridades como Mark Twain, Jack Kerouac, Charles Bukowski, Uma Thurman, Jane Fonda, Bob Dylan, Sid Vicious, Bob Marley, Jon Bon Jovi y muchos otros más. De allí surgió la inspiración de Leon para crear su plataforma exclusiva para vinilos.

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DE FIESTA Todas esas características que lo convierten en un DJ de pura cepa fueron claves para terminar de convertirse en uno de los personajes importantes de la crew Music On que dirige el también italiano Marco Carola. “De hecho, fui el primer artista en sumarse al equipo de Music On y estoy muy orgulloso de eso”, infla el pecho y continúa: “Marco Carola es un artista muy especial. Me quiere y nos respetamos el uno al otro. ¿Por qué soy uno de los artistas principales de su colectivo? No lo sé. Amamos la música desde siempre y somos DJs desde hace 20 años o más. Él siempre está buscando artistas que sean grandes DJs y buena gente con gran corazón. Quizás, ese sea el secreto.” En sus propias palabras, para ser parte de la familia Music On, hay que tener mucha experiencia para saber llevar la pista, creando una atmósfera especial con música inteligente. Por supuesto, además de llevarse bien con Marco. “Hace cuatro años tenemos una increíble relación… Soy muy afortunado. Marco es una gran persona y, sin dudas, uno de los mejores DJs de todos los tiempos.” De hecho, la última vez que los vimos vinieron juntos al Ultra en Buenos Aires. Ambos se presentaron en el Resistance Stage, el primer día del evento. “Me acuerdo que había mucho público. Me encanta Argentina. Recuerdo una gran organización también”, asegura. Nosotros también tenemos memoria y recordamos aquella fiesta. Ese viernes 20 de febrero, Leon llegó al predio de Ciudad de Buenos Aires para presentarse junto a artistas del primer orden internacional como Elio Riso, Heidi, Reboot, Nic Fanciulli, Modeselektor y el propio Carola. De hecho, recordamos haber hablado con él acerca de un próximo álbum que tenía recién salido del horno y aún no pensaba lanzar. Como somos curiosos, le preguntamos y, con amabilidad, se dispone a contestarnos.

“DE HECHO, FUI EL PRIMER ARTISTA EN SUMARSE AL EQUIPO DE MUSIC ON Y ESTOY MUY ORGULLOSO DE ESO”

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DE ESTUDIO “El álbum está listo y va a ser lanzado mediante mi propio sello discográfico Chelsea Hotel Records”, asegura contento. Previo a la salida del álbum, habrá un primer single que será remixado por Radio Slave y Mr. Tophat & Art Alfie. “¡Estoy muy entusiasmado!”, nos confirma Leon, quien asegura haber buscado un álbum de estudio porque “puede hacer lo que se le da la gana”. El trabajo se llamará “Rave On” y el sonido que engloba, nos dice, es estrictamente underground. Además, saldrá desde su propia plataforma Chelsea Hotel Records, aquella que creó influenciado por el famoso hotel de la ciudad cosmopolita de Nueva York. “Esa es mi ciudad favorita en el mundo, sin dudas”, explica. “La idea del sello es sacar música de calidad, de parte de artistas ascendentes de todo el mundo”, asegura. Uno de ellos, argentino él, es Franco Cinelli. El artista oriundo de la ciudad de Rosario participó en un reciente EP del sello y, para Leon, fue “un gran trabajo de su parte”. “Soy un gran fanático de Franco y su música”, asegura. Con pasión por la música y el DJing, nos queda claro que lo de Leon es totalmente auténtico. Desde un lugar de privilegio, formando parte de una de las fiestas con mayor éxito del verano europeo y con un álbum en camino en su afamado y exclusivo sello discográfico, disfruta de su presente. Ya saben cómo dicen: “Es mejor vivir cincuenta años como león, que cien como ratón.” u


TRAMPAS DIGITALES

LA PIRATERÍA DE LA MÚSICA EN INTERNET NO ES UNA MANIOBRA QUE VELA POR LA IGUALDAD Y EN CONTRA DE LOS DERECHOS DE AUTOR. ES UNA PRÁCTICA DAÑINA Y CÍNICA PARA GANAR DINERO QUE IMPIDE QUE LAS DISCOGRÁFICAS Y LOS ARTISTAS PUEDAN VIVIR DE LA MÚSICA QUE HACEN. PERO AÚN HAY ESPERANZA. CADA VEZ HAY MÁS COMPAÑÍAS QUE OFRECEN SOLUCIONES PARA ALEJAR LA MÚSICA DIGITAL DE LOS INESCRUPULOSOS RUFIANES. NAVEGAMOS EN LAS PROFUNDIDADES DEL MUNDO DIGITAL PARA APRENDER MÁS AL RESPECTO... Texto: CARL LOBEN

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a piratería de la música solía limitarse a la grabación casera de las canciones de los 40 principales de una radio en un cassette, o a unos muchachos que vendían grabaciones ilegales de sets de fiestas electrónicas en vivo, de recitales de U2 o de lo que fuera pero, desde la llegada de internet, el juego ha cambiado. Ahora constituye una preocupación mundial. Internet permitió a los DJs y productores nuevos difundir sus sonidos internacionalmente con sólo tocar un botón. El dubstep creció tanto, en un tiempo relativamente corto, gracias a internet. Actualmente, toma solo uno o dos minutos conseguir música desde cualquier lugar del mundo. Por eso, a pesar de que esto represente una gran oportunidad para los artistas nuevos, también implica que los inescrupulosos puedan explotar su trabajo. Bienvenidos al mundo de la piratería de la música comercial. Mientras que, generalmente, las grabaciones caseras sólo significaban el hecho de hacer una copia de mala calidad para uno mismo, un amigo o una pareja, la piratería en internet es un negocio inmenso. Los artistas suelen tener la ilusión de que la piratería se trata de fanáticos compartiendo sus temas favoritos con amigos, lo que aumenta la cantidad de seguidores del músico. Este concepto erróneo común no puede estar más alejado de la realidad. La mecánica es simple: un pirata obtiene un archivo que los demás desean. En teoría, podría ser cualquier cosa pero, para ser un pirata exitoso, necesita obtener el material de moda más reciente -idealmente, antes de que salga a la venta. Para simplificar, imaginemos que se trata del último track de Hardwell. El pirata sube el tema del artista a un sitio de alojamiento de archivos en línea y este le proporciona un enlace que le permite a cualquiera, que haga clic en él, descargar el archivo. Con una mínima distribución del enlace en diferentes foros o redes sociales, el pirata puede conseguir rápidamente más de 1000 descargas del archivo -y que el servicio de alojamiento de archivos le pague un poco más de 50 dólares. Nada mal para lo que, probablemente, hayan sido menos de 30 minutos de trabajo. A cambio, el sitio de alojamiento gana dinero mostrando publicidades a los usuarios que descargan el archivo con el tema de Hardwell, o sugiriéndoles que se inscriban al paquete premium, que permite la descarga más rápida e ilimitada de los últimos lanzamientos pirateados. Como si esto fuera poco, el pirata se cansa enseguida de hacer esto manualmente y, luego de un curso intensivo de programación web, crea un sistema simple que automatiza la generación y distribución de los enlaces, algo que aumenta rápidamente su tasa de ingresos. Estos programas, generalmente, no discriminan y suelen tomar tanto los nuevos lanzamientos de artistas jóvenes que recién están surgiendo e intentan comenzar una carrera en la industria musical, como los lanzamientos de los grandes artistas y sellos discográficos. Artistas como Hardwell, por ejemplo, que comenzó desde abajo hace unos pocos años. A menudo, cuando se busca un nuevo lanzamiento en Google, en la primera página se muestra un enlace a Beatport y, a continuación, una enorme cantidad de sitios de descargas ilegales. Obviamente, Google podría hacer algo para que los sitios piratas populares, como ZippyShare y HulkShare, aparezcan más abajo entre los resultados de las búsquedas pero, como se jacta de ser una meritocracia, los resultados se

, , , , La musica pirata es una de las unicas formas de delito sobre la cual hablar en un bar sigue siendo socialmente aceptable. Para que ocurra el cambio, no se puede seguir con , esa actitud. Basicamente, una de las grandes causas de la , , pirateria no es mas que una cuestion de oferta y demanda. Si , la demanda de musica pirateada disminuyera, los piratas se , , , dedicarian a otro medio u otro delito. BEN RUSH, AUDIOLOCK

muestran en orden de relevancia de acuerdo a los términos utilizados en la búsqueda, independientemente del contenido de los sitios. Algunos organismos de comercialización de la música, como la Industria Fonográfica Británica, han cuestionado este asunto a Google en repetidas ocasiones. Este ente, también, ha realizado campañas para que el gobierno adopte una postura más estricta contra la piratería de la música. Sin embargo, hasta el momento, los gobiernos, como el del Reino Unido, se ha mostrado reticentes a presionar a los motores de búsqueda como Google para que modifiquen el modo en el que muestran los sitios piratas o que brindan acceso a ellos, posiblemente, por el poder económico de la compañía y lo influyente que es. Además, difícilmente advierten a aquellos que descargan archivos ilegales de manera recurrente. Existen muchos sitios de distribución de música pirateada conocidos que atraen a un enorme público y que están subiendo continuamente

material nuevo. Un buen ejemplo es el sitio “newablumreleases.net”. Si suponemos que sólo unas 100.000 personas ingresan a “newablumreleases.net” por día y que cada una descarga un tema, el monto que reciben los sitios de alojamiento de archivos podría ser, tranquilamente, de más de cinco mil dólares diarios. Estos son unos cinco mil dólares que se le arrebatan a la industria musical y se meten en el bolsillo de los inescrupulosos piratas -a quienes, posiblemente, la música les importe muy poco. Toda la industria musical se ha revolucionado en los últimos diez años, aproximadamente: dado que las ventas de música han caído en picada, la mayor parte de los ingresos de un DJ o de un productor proviene de las presentaciones en vivo. La piratería es un caso tan grave en este momento que muchas discográficas utilizan sus lanzamientos simplemente como oferta gancho para ayudar a promocionar los shows en vivo de sus artistas. Lo que es irónico es que muchos de los fanáticos que pagan felizmente una entrada para ver a estos artistas en vivo, no tengan ningún problema en

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LA OPINION DE JUDGE JULES SOBRE LA PIRATERIA DE LA MUSICA “Como muchos artistas, vi las descargas ilegales de mi música como una consecuencia de la popularidad, algo que hacían los fanáticos. Inocentemente, creía que la posibilidad de compartir archivos me ayudaría como artista y a difundir mi mensaje musical. Lo que no sospechaba era que el uso compartido de archivos y las descargas ilegales eran un crimen organizado a gran escala, perpetrado no por un fanático en su habitación, sino por sitios que plagian archivos automáticamente y roban a los artistas su música, sin importarles en lo más mínimo ni yo ni ningún otro músico”. JUDGE JULES descargar sus temas gratuitamente de los sitios piratas. De este modo, el sitio pirata obtiene todo el dinero, y el artista y la discográfica que trabajaron tan duro para hacer el tema se quedan con las manos vacías. Sin embargo, hay algo que las discográficas pueden hacer para combatir la piratería. Pueden contactar a una compañía antipiratería y, posiblemente, aumentar sus ventas un 25%. Para muchas discográficas y lanzamientos, este aumento en las ventas puede significar la diferencia entre ganar dinero y terminar en pérdida. El mismo Hardwell cree que unirse a una compañía antipiratería juega un papel importante en el hecho de que grandes éxitos de las listas de Beatport provengan de su discográfica, Revealed. Los productores pasan mucho tiempo aprendiendo su oficio y, luego, haciendo música para pasar en las discotecas. Si el productor no va a recibir un pago, la música, la escena musical en general y las discográficas pagarán las consecuencias. “La música que lanzamos en Metalheadz es el resultado del arduo trabajo de todas las personas involucradas, de su dedicación y de un inmenso esfuerzo creativo de cada uno de los artistas con los que firmamos”, dice el gerente de la discográfica Metalheadz, Ant TC1. “Es por eso que, por nuestro bien como sello discográfico independiente y en nombre de nuestros artistas, creemos que nos corresponde hacer todo lo posible para asegurar que todo esfuerzo sea recompensado y que el trabajo de los artistas esté protegido contra la piratería.” “Sería fantástico que toda esta música en el mundo fuera gratuita”, continúa Ant, “pero la realidad es que, hacer lo que hacemos, implica tiempo, esfuerzo y mucho trabajo. Eventualmente -y soy testigo de estolos artistas y las discográficas terminan preguntándose cómo pueden seguir dedicando tanto tiempo al trabajo en estudio, y a la música electrónica en general, cuando la remuneración es tan baja y tienen que luchar para poder pagar las cuentas.” Este sello, Metalheadz, es una de las miles de discográficas que se unieron a una compañía antipiratería. “Sinceramente, creemos que aquellos que aman, aprecian y apoyan lo que hacemos como sello discográfico no tienen problema en pagar la pequeña suma que pedimos a cambio de nuestra música en formato digital”, sostiene Ant. “Mientras nosotros seguimos adelante y nos concentramos en lanzar el mejor material, podemos estar tranquilos de que 42

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nuestra música está protegida de aquellos que consideran que es correcto robarla gratuitamente.” Entonces, ¿cómo consiguen los piratas los nuevos lanzamientos? La mayoría de las discográficas cuentan con listas de correos electrónicos a los cuales envían el material nuevo por adelantado para generar publicidad y expectativa, y sólo hace falta que un DJ o periodista filtre el tema para que esté disponible en el ciberespacio. En algunos casos, es, incluso, algún miembro del personal de la discográfica o del estudio de grabación el que filtra el material. Le pasan el tema a los grupos ilegales de distribución y ellos lo suben a internet a través de ciertas redes como el IRC, que se utilizaba originalmente para chatear en línea. Una vez que está en esa red, pasan sólo unos segundos antes de que se encuentre en varios sitios. Cada sitio puede alimentar a otros sitios, y así sucesivamente. Recientemente, Omid 16B sugirió que las discográficas dejaran de utilizar las listas de correos electrónicos para que, incluso, los grandes DJs tengan que comprar los temas que pasan en los shows por los que ganan fortunas. Los sitios de descargas ilegales pueden hacer mucho dinero y, a veces, parecen legítimos al punto de que algunas discográficas -incluso las más conocidaspromocionan accidentalmente sus lanzamientos diciendo que están disponibles en tiendas de descargas legítimas, pero, entre ellas, mencionan sitios piratas. Pero muchas personas descargan ilegalmente el material y después lo compran, ¿no es cierto? No. Los estudios demuestran que la mayoría no lo hace. Pueden comprometerse de otra manera -en las redes sociales o donde sea-, pero si a un fanático le gusta el trabajo de un artista y desea que siga produciendo, debería apoyarlo. Lamentablemente, descargar su material desde un sitio de alojamiento de archivos no es la manera de hacerlo. Entonces, ¿cuáles son esas empresas antipiratería y qué hacen? Web Sheriff, Rip Block, Link Busters, Topple Track y Muso son algunas de las tantas, pero quizás la compañía más importante de este tipo relacionada a la música electrónica sea AudioLock, fundada por el ex DJ Ben Rush. Anjunabeats, Armada, Axtone, CR2, Defected, Critical, Fabric, Hospital, Hyperdub, Ninja, New State, OWSLA, Ram, Skint, Southern Fried, Spinnin’, Sunday Best, Toolroom y Warp son sólo algunas de las discográficas independientes asociadas a AudioLock. “AudioLock es algo así como la seguridad que los ciudadanos y las compañías privadas utilizan para proteger su propiedad”, comenta Ben. “AudioLock no tiene nada que ver con la policía ni con el gobierno. Los artistas y los sellos discográficos contratan los servicios de AudioLock para proteger la música que tanto trabajo les cuesta hacer. Nuestro servicio antipiratería automático simplemente encuentra y borra los enlaces ilegales a la música de nuestros clientes de toda la internet, incluidos los servicios de alojamiento de archivos, los sitios directos, las páginas de descargas de Torrent, Usenet, SoundCloud, YouTube, Dailymotion, Grooveshark, los sitios de fraude por clic, los motores de búsqueda -entre ellos, Google y Bing-, los motores de búsqueda de archivos, VK, Facebook, Twitter y otras páginas de redes sociales.” ¡Uf! ¿Y cómo lo hacen? “Al eliminar estos links ilegales, los sitios de descargas legales de nuestros clientes ganan más exposición y tienen menos competencia pirata”, explica Ben. “El servicio fue creado desde cero por amantes de la música con la intención de que fuera lo más automático posible y escalable -y, por ende, accesible- para que todos los artistas y las discográficas, sin importar su tamaño, pudieran proteger la música que tanto trabajo les cuesta hacer.” Al parecer, según Google, AudioLock elimina el contenido musical ilegal de más dominios -sitios que ofrecen música pirateada o enlaces a la misma- que cualquier otro servicio antipiratería dedicado exclusivamente a la música. A algunos piratas les gustaría que pensáramos que ellos están luchando contra los derechos de autor y a favor de la libertad, que son audaces forajidos que desafían a

la autoridad para llevar música gratuita a la gente. Pero este no es el caso de un Robin Hood que roba a los ricos para alimentar a los pobres. Lo único que quiere la mayoría de los piratas es ganar dinero, como señala Judge Jules, el DJ de trance y, ahora, abogado de la industria musical que está especialmente interesado en la piratería de la música –lean el recuadro de la izquierda. En los noventa, y a principios de la primera década del 2000, los fanáticos de la música electrónica no robaban los vinilos de las disquerías en masa porque eran demasiado caros. Simplemente, compraban menos cantidad y apreciaban más los que tenían. En todo caso, el terreno digital permite una selección más específica, ya que los DJs pueden comprar digitalmente un solo tema de un EP nuevo, en lugar de adquirir el vinilo entero a unos 12 dólares, aproximadamente. Un tema nuevo en Beatport cuesta unos dos o tres dólares, como máximo. Cuando compras en un sitio de descargas legales, el productor recibe un gran porcentaje del dinero. Cuando realizas descargas ilegales, el productor sale perdiendo. Los piratas ganan dinero a costa del arduo trabajo de otros y en su propio beneficio, no por el bien de la industria musical o de los fanáticos. Puedes apostar que ningún pirata que se jacte de compartir música para beneficiar a la comunidad electrónica paga por esa música. Entonces, ¿vamos a poder vencer completamente a los piratas? ¿Podrá la industria eliminarlos? Sólo si hay un cambio de actitud por parte de los consumidores. “La música pirata es una de las únicas formas de delito sobre la cual hablar en un bar sigue siendo socialmente aceptable”, afirma Ben Rush. “Para que ocurra el cambio, no se puede seguir con esa actitud. Básicamente, una de las grandes causas de la piratería no es más que una cuestión de oferta y demanda. Si la demanda de música pirateada disminuyera, los piratas se dedicarían a otro medio u otro delito.” Probablemente, la mayoría de nosotros lo haya hecho en algún momento. Al no poder encontrar algún tema antiguo o poco común, hemos accedido fácilmente a algún sitio de descargas ilegales que nos permitiera obtenerlo. Sin embargo, hay personas que descargan de esta manera toda su colección musical. Es el momento de que esta práctica termine. Nunca antes se produjo tanta buena música como ahora, pero piensen cuánto más se podría hacer si hubiera más dinero para que las discográficas desarrollen su talento o para que los nuevos artistas renuncien a su trabajo en un supermercado para dedicarse 100% al trabajo en estudio. Entonces, la próxima vez que alguien le comente que descargó ilegalmente algo, cuestiónelo. Debemos apoyar a aquellos que hacen música, no a los piratas. u

QUE PUEDEN HACER LOS SELLOS CON RESPECTO A LA PIRATERIA?

Chequeen y re-chequeen su lista de promos. Es mucho mejor mandar las cosas a un número pequeño de personas bien elegidas y desarrollar una relación con ellos que mandárselo a cientos de personas. Cuando suban los previews a sitios de streaming como SoundCloud o Youtube, asegúrense que sean sólo adelantos breves y márquenlas así, dejándolo asentado en el título del adelanto. No lo subas mucho tiempo antes de que se habilite la compra del lanzamiento. Si hay un presupuesto, envíen las promos con marcas de agua y utilicen los servicios automatizados anti-piratería...


Puedes vencer mi puntuaci贸n m谩s alta? O vota para apoyar! PLAY.NICKYROMERO.COM


FANÁTICO DEL CINE Y LOS VIAJES, DOSEM ES UN GRAN EXPONENTE DEL SONIDO ELECTRÓNICO ESPAÑOL EN LA ACTUALIDAD. UNA CARRERA EXTENSA QUE SE VA NUTRIENDO DE SUS GUSTOS PERSONALES Y EVOLUCIONA CONSTANTEMENTE.

DE

PELÍCULA “Fue una gran experiencia, sin dudas”, nos responde Dosem. Luego de su paso por Chile y Argentina, lo vamos a buscar para saber un poco más de parte de una de las cartas fuertes que tiene la escena española en la actualidad. “Me sentí en casa en cada momento. Las tres fechas estuvieron muy bien”, asegura y continúa hablando de nuestras tierras, demostrándonos la pasión que siente al viajar. “Tengo recuerdos muy positivos. Sobre todo, porque el público de Latinoamérica vive la música con mucha pasión y lo demuestra en la pista de baile”, nos tira flores y empieza a elaborar una larga lista de ciudades a las que le ha tomado cariño. “Más que los clubes en sí, me quedo con la gente que he conocido y con la respuesta del público.” “Recuerdo con mucho cariño un show en Open Air en Mendoza en el que se puso a llover pero la gente siguió bailando y yo tocando debajo de un plástico con el que intentamos proteger, como pudimos, el equipo técnico. ¡Fue inolvidable! Hubo una gran conexión con el público. Vivimos momentos muy simpáticos con los promotores y, también, conocí a Mariano Trocca, un grande. También, lo pasé genial de vuelta desde Santa Fe a Buenos Aires con los Festa Bros en este último tour. Muchas risas y buenos recuerdos. Otro gran momento, para mí, fue mi última visita a Chile. Los promotores se portaron genial conmigo y el club Ex Oz me encantó. ¡Era precioso! Santiago es una ciudad fantástica”, se expresa sobre Latinoamérica.


CULTURAS A Dosem, cuyo nombre de pila es Marc, le encanta conocer gente y aprender de las culturas que visita. En sus propias palabras, le permite ampliar su perspectiva de lo que sucede en el mundo y, de paso, llevarse algunos buenos amigos. Pero, más allá de su propia curiosidad, sus viajes tienen como premisa principal la expansión de su sonido. De hecho, este último tour, se dio luego de la salida de su último álbum de estudio que llamó “City Cuts”. “Durante los meses posteriores a la presentación del álbum, marcamos unas fechas concretas”, explica. En esas presentaciones, Marc suele introducir muchas producciones propias. Sobre todo, aquellas que se hacen presentes en su último trabajo de larga duración. “Es un álbum que está pensado para la pista de baile”, nos intercepta. “Cuando visito otros lugares, intento aprovechar al máximo y mezclarme entre la multitud para captar la energía del lugar lo más que puedo. Durante mi tour por el álbum ‘Origin’ -editado en Tronic en 2013- visité grandes metropolis como Hong Kong, Tokyo, Osaka, Buenos Aires, Ámsterdam... Todas ellas, ciudades con muchos contrastes. Conocí a gente fantástica con la que compartí muy buenos recuerdos, momentos que quise contar a través de la música... con esas ciudades como escenario. El álbum está inspirado en esos momentos.” En este último álbum, Dosem ha mezclado varios estilos pero, sin dudas, es un álbum más orientado al house que trabajos anteriores. “Tenía ganas de probar algo nuevo y dejarme llevar. Es un álbum muy musical y sincero. La mayoría de ideas salieron en hoteles y viajes de avión”, asegura. En él, buscó, como siempre hace, expresarse artísticamente. En sus palabras, el álbum es como un lienzo que va pintando con lo que va sintiendo en cada momento. Un sentimiento que, por supuesto, puede ir cambiando con el paso de los años. Sobre todo, si tenemos en cuenta que es el tercer álbum de estudio que edita, cada uno en una plataforma discográfica distinta. “No ha cambiado mucho en cuestión de cómo hago la música en el estudio. Sólo ha evolucionado el apartado técnico ya que, a medida que van pasando los años, voy aprendiendo nuevas maneras de sacar el sonido que busco en cada momento. Pero nunca dejo de aprender e intentar mejorar, experimentar y probar cosas nuevas. Creo que ese es una de mis mayores motivaciones cuando tengo que crear un álbum: usarlo como un laboratorio de ideas y luego sintetizar todo bajo una historia.”

INTRODUCCIÓN El verdadero interés de Marc por la música electrónica empezó de joven y tuvo marcado protagonismo de parte de Vangelis y el soundtrack que hizo para la película Blade Runner. “Sin dudas, fue uno de los primeros encuentros con la electrónica que me marcó”, recuerda acerca de ese entonces, cuando compaginaba la escuela con sus aficiones. Él nació y creció en Girona, una pequeña y bonita ciudad española que supo acunar una escena de música electrónica muy intensa, gracias a clubes importantes como La Sala del Cel, Blau Club, Rachdingue y, por supuesto, su proximidad con Barcelona. “España siempre ha sido uno de los países con una de las escenas más importantes a nivel de clubes, festivales, etc... Y, por supuesto, la isla de Ibiza. En la última década, la escena de artistas y sellos también ha dado un gran salto en todos los sentidos. Cada vez hay más productores españoles editando en sellos internacionales de todos los estilos y tocando en festivales de gran repercusión”, defiende a su país. “Empecé a experimentar desde muy pequeño con la música electrónica”, comienza a contarnos. A principios de los años noventa, llegó a sus manos un programa que se llama Scream Tracker –un secuenciador multipista y sampler- para PC donde se podía secuenciar todo tipo de

Tenía ganas de probar Algo nuevo y dejarme llevar...

poco. Lo que al principio era un hobby, terminó por ocuparle todo el tiempo libre. “Me pasaba horas y horas delante del ordenador aprendiendo y experimentando”, asegura. “También, empecé a salir por clubes de música electrónica y a comprar discos. Me compré una mezcladora pequeña, un controlador MIDI, una tarjeta de sonido y empecé a jugar un poco.” Marc tenía un joven amigo llamado Rubén que también se encontraba en su misma situación, apasionado por la música electrónica y, junto a otros amigos de la ciudad, se convirtieron en compañeros de aventuras y terminaron por organizar algunas fiestas. Al principio, Marc tocaba en ellas y probaba las canciones que había estado creando. “Así fue como hice mis primeros CDs de demos con sesiones, canciones, edits y remixes. Allí monté mis propias fiestas para poder tocar en público”, asegura. “Primero usé el ordenador con las primeras versiones de Traktor y Ableton Live ya que era el único equipo del que disponía en aquel momento. Cuando conseguí mi primera residencia en un club pequeño, ya pude empezar a practicar mucho con los CDJ.” El objetivo era, simplemente, tocar y producir la música que a él le gustaría bailar en un club y, a la vez, contar historias usando la música como lenguaje universal. ¡El mismo que hoy! Con el tiempo, empezó a tocar más por su ciudad y terminó consiguiendo residencias en Blau Club y Rachdingue, mientras empezaban a llegar fechas en Barcelona, Madrid y Mallorca, entre otras importantes ciudades de España.

DESARROLLO

patrones musicales. “Mi intención final era crear esa música para usarla, posteriormente, en los videojuegos que programaba, algo que era otra de mis grandes aficiones. Al llegar a la universidad, ya me concentré más en el diseño de webs y demás y, ahí, volví a entrar en contacto con el soft de producción musical”, explica. Empezó con los típicos programas: Rebirth, Reason, Logic, Cubase… En ese momento, además, empezó a entrar en contacto con la escena electrónica nacional y pudo viajar un

En el Blau Club, él hacía muchos warm ups a artistas internacionales y fue allí donde conoció a Technasia. O, mejor dicho, Technasia lo conoció a él. “Le gustó mi música y empezamos a hablar. Me pidió una demo y, al enviársela, me ofreció un contrato para editar música en su sello y entrar en su agencia de artistas”, nos explica. Ese sello se llamaba –y se sigue llamando- SINO y cumplió un rol importantísimo en su carrera. En un pequeño período, el joven Marc pasó a trabajar de la música y a compartir sus sonidos

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LAS MEJORES

BANDAS SONORAS DE PELICULAS

en una plataforma en la que editaban artistas de la talla del propio Technasia, Joris Voorn y Renato Cohen, entre otros. “Fue una experiencia fantástica”, dice y suma reconocimientos: “Trabajar con ellos me puso un pie en la escena internacional.” Así fue como su carrera comenzó a expandirse, asegura y, aunque quiere dejar en claro que cada uno construye su camino sin esperar la ayuda de nadie sino “creando energías”, hay algunos con quien está agradecido. “Cuando empecé, era consciente que debía dar lo máximo, dejar que la música hablara por mí y generar mis propias oportunidades. Si quieres editar en un sello, debes conectar con lo que el sello busca y, si quieres tocar en un club, lo mismo... se trata de un intercambio”, va desarrollando y se acuerda de algunos: “En mi caso, siempre estaré agradecido a Charles Siegling y Christian Smith, dos artistas con los que pude compartir muchos proyectos e intercambiar muchas ideas. Apoyaron mi música en momentos clave y le dieron una salida internacional a través de sus sellos”, destaca, pero no se olvida de sus orígenes. “También, debo agradecer a muchas personas de mi escena local en Girona que, años atrás, apoyaron y dieron la primera oportunidad a muchos artistas que, como yo, empezábamos en aquel momento. Promotores y artistas como Pitter Vila, Ismael León, Alberto Miranda y Josep Bosch junto con todo el equipo de La Via y Blau Club, dónde tuve mis primeras residencias.”

DESENLACE Esos orígenes en España, al parecer, fueron una corriente común en el país europeo y, hoy, se pueden ver los frutos de aquellos días, con artistas españoles de todos los géneros llenando charts y escenarios en todo el mundo. “Es la consecuencia de una escena con muchos años de desarrollo e influencia, a todos los niveles. Tenemos grandes clubes, festivales e Ibiza que, en verano, se transforma en uno de los epicentros más importantes de la música electrónica a nivel global”, detalla. Y hablamos de Suara, lugar donde ha editado el último álbum “City Cuts”. El sello de origen catalán que está liderado por el DJ y productor Coyu es uno de los más grandes éxitos que ha acuñado la escena española en el último tiempo, consiguiendo consolidar una fiesta en Ibiza, frente a tantas propuestas millonarias. “Suara ha hecho un gran trabajo. Creo que es consecuencia de tener un gran equipo que ha sabido entender muy bien cuáles eran las herramientas que se ajustaban mejor para cumplir sus objetivos, no sólo como sello musical sino como marca.”

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POR DOSEM

01.

“Blade Runner” Vangelis

02.

“Interstellar” Hans Zimmer

03.

“The Horse Whisperer” Thomas Newman

04.

“Jurassic Park” John Williams

05.

“Akira” Geinoh Yamashirogumi

Dosem sabe que el mundo está cada vez más conectado y opina que el lugar donde uno vive ya no marca tanto la diferencia. Con internet, es sencillo estar encima de las últimas tendencias y las herramientas de producción son cada vez más accesibles, sin importar el lugar en el que te encuentres. “Con un poco de dedicación, uno puede iniciarse en la producción musical y, por ejemplo, crear su propio sello. En España, ha habido una gran emergencia de productores estos últimos años editando en grandes sellos pero opino que es, sin duda, una mezcla de muchos factores: el resultado del trabajo bien hecho y la evolución natural de la escena fuertemente influenciada por el circuito de clubes y festivales de mucho peso”, nos detalla su veredicto. Nosotros coincidimos.

REALIDAD NO TAN VIRTUAL Amante del baloncesto y el cine, Dosem continúa viviendo en Girona, la ciudad donde nació. “Es una ciudad preciosa. Tengo un estudio pequeño y simple con una mesa, un ordenador, algunos monitores y otras cosas más”, describe. Siempre empieza sus ideas en un ordenador portátil y las termina allí, en su estudio, nos cuenta. En su relato, nos dice que prueba sus temas en diferentes ambientes como el club o el coche y va sacando referencias acerca de lo que ha estado creando, y que intenta mantener su equipo de producción lo más simple posible para poder concentrarse en la creatividad y sacar el máximo provecho de lo que tiene. En resumen, lo hace simple. Incluso, con los objetivos que se pone. “Vivo el presente y me concentro en cada actuación, cada canción y cada momento. Me gusta tener siempre retos creativos, probar cosas nuevas y poder seguir expresándome libremente como artista. Poder viajar, conocer culturas nuevas y gente fantástica por todo el mundo, usando la música como nexo de unión.” “Soy un gran aficionado al cine de ciencia ficción, especialmente del género ‘Cyberpunk’, que muestra futuros distópicos”, declara. “Me encantaría participar en un proyecto de estas características, hacer la banda sonora o incluso probar de dirigir un corto. Es algo que siempre he tenido en mente. También, me interesa mucho todo lo relacionado con la realidad virtual. Estoy siguiendo muy de cerca todo lo que se está haciendo en este campo porque creo que puede ser un espacio de creatividad muy grande para los próximos años.” ¡Lo alentamos a intentarlo! u


Fotos: Marc Van Der Aa Cortesía de Backbone International

REPASAMOS EL IMPONENTE FESTIVAL BELGA CON LAS MEJORES FOTOS QUE CAPTURÓ EL RECONOCIDO FOTÓGRAFO HOLANDÉS MARC VAN DER AA QUE, DESDE HACE TIEMPO, SE ENCARGA DE INMORTALIZAR EN FOTOS LOS MÁS GRANDES EVENTOS DE MÚSICA ELECTRÓNICA.


S SUYAS EN LA DVBBS HACIENDO DE LA

TARDE DEL DOMINGO.

DESDE MÉXICO, TAMBIÉN DECÍAN PRESENTE.

RA. GIGANTESCA ESTRUCTU LA DE O ND MA CO AL EN ARMIN VAN BUUR

AXWELL & INGROSSO TOMANDO LAS RIENDA S

DEL MAINSTAGE. djmagla.com

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SO. N SEBASTIAN INGROS CO OS NT IE IM OV M S NDO SU S MANOS SINCRONIZA LA GENTE LEVANTA LA

LOS JAPONESES TAMPOCO SE QU ERÍAN PERDER LA FIESTA.

ER YOU & ME STAGE. DON DIABLO EN EL ABARROTADO SUP

EL MAINSTAGE EN TODO SU ESPLENDO R.

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GICA. NACIONAL DE BÉL TA ES U Q R O LA E TACIÓN D UTAN DE LA PRESEN FR IS D AS N SO R MILES DE PE

HARDWELL DISFRUTANDO DE LOS ÚLTIMOS MINUTOS DE FESTIVAL.

AS. W&W FRENTE A UN MAR DE BANDER

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Abanderado de la última ola de artistas españoles que se lanzaron por el mundo con un sonido consolidado, Manuel García Guerra, conocido bajo el alias Uner, ha estado dando vueltas en la escena internacional desde hace un buen tiempo. Después de debutar en el sello Diynamic de Solomun en el año 2009, ha cementado su carrera sobre bases sólidas. Con incansables presentaciones por el mundo entero, incluyendo apariciones en las fiestas más importantes de Ibiza, Uner es un nombre puesto cuando hablamos de vanguardia musical. Tenerlo a cargo de nuestro primer mix es, para nosotros, un verdadero privilegio.

DJ MAG LATINOAMÉRICA

EXCLUSIVE MIX - VOL 1 - PARTE 1 1. FORT ROMEAU “CLOCHE” -SPECTRAL SOUND 2. DINO LENNY “LIVING IN A SONG (SHALL OCIN REMIX)” – ELLUM AUDIO 3. RE.YOU “VERY VERY” - MOON HARBOUR RECORDINGS 4. DAMIAN LAZARUS & THE ANCIENT MOONS “VERMILION (&ME REMIX) - CROSSTOWN REBELS 5. FRANKEY & SANDRINO “ACAMAR” – INNERVISIONS 6. MARINO CANAL “MERCURIAL” – MOOD RECORDS 7. MATHIAS KADEN “RAWTONE” - FREUDE AM TANZEN RECORDINGS 8. RAW DISTRICT “HER MIND FT. AQUARIUS HEAVEN” - CROSSTOWN REBELS 9. MACEO PLEX “SOLAR DETROIT” - ELLUM AUDIO 10. TIGER STRIPES “DETROIT” - TRUESOUL 52

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Referentes de la escena local desde hace años, los Festa Bros se han ganado el mote de curadores musicales de la Argentina gracias a su constante contribución a la industria de la música electrónica desde su lugar en la radio. Agustín y Nicolás Festa han estado involucrados en la evolución de la escena local desde hace más de una década, gracias a su eclecticismo y versatilidad, pilares que los depositan en ese lugar de privilegio. Presentaciones en los más importantes festivales de toda Latinoamérica y en los mejores clubes de su país, giras por el mundo entero, producciones cada vez más consistentes y un sello discográfico serio son algunas de las características que los llevan a ser los primeros encargados en regalarnos este mix.

DJ MAG LATINOAMÉRICA

EXCLUSIVE MIX - VOL 1 - PARTE 2 1. FESTA BROS & JUAN ORTEGA “BATHROOM” - SURUBA RECORDS 2. DJ PP & FESTA BROS “SALMO 46 (METODI HRISTOV REMIX)” - DEPORTED MUSIC 3. DEMARZO “MIND GAME (LUIGI ROCCA REMIX)” – 303LOVERS 4. FESTA BROS & WHO ELSE “PHYSICAL” - CDR 5. FESTA BROS & WHO ELSE “CELEBRATION” - CDR 6. LOS SURUBA “3000 (METODI HRISTOV REMIX)” - SURUBA RECORDS 7. DJ KOOL DEK “MICROWORLDS (ROSS EVANS REMIX)” - SUARA MUSIC 8. FESTA BROS “300 (DAVID GLASS REMIX)” - DEPORTED MUSIC 9. SABB “ONE OF US FT. FORREST” - MOON HARBOUR RECORDINGS 10. CHUS & CEBALLOS “THEY SAY NOTHING (MENDO REMIX)” – STEREO PRODUCTIONS 11. ANGEL ANX “WANNA GO” - KNEE DEEP IN SOUND djmagla.com

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VUELVE LA ARTILLERIA PESADA Ha sido un excelente año para la música electrónica hasta el momento y, entre otras cosas, tuvo que ver con que muchos de los grandes actos electrónicos de los años noventa –Leftfield, Chemical Brothers, Prodigy, Faithless- están de vuelta con álbumes de estudio... Texto: CLAIRE HUGHES Fotos: DAN WILTON

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“A

doro el techno”, dice Neil Barnes, el hombre detrás de Letfield. “Mucha gente piensa que es aburrido pero me encanta. Y ese sonido influenció mucho el álbum.”

El álbum del que habla es “Alternative Light Source”, el tercer longplay de Leftfield en los últimos 20 años, que sucede a “Rhythm & Stealth”, lanzado en 1999. Después de un paréntesis de dieciséis años, el álbum llega el mismo año en que varios de los grandes animadores de la escena de los años noventa como The Prodigy, The Chemical Brothers y Faithless están pegando la vuelta. Orbital puede haberse separado –de nuevo- para siempre –de nuevo- y puede que Underworld nunca se haya ido realmente pero, también este año, Groove Armada volvió con el álbum “Little Black Book”, la seguidilla de su “White Light”, lanzado en 2010. Y, como dijimos antes, Leftfield están en ello. Entonces, ¿por qué ahora? “Sólo quería hacer un nuevo álbum”, encoge sus hombros Neil, un londinense de nacimiento que todavía vive en la capital inglesa. “No tenía idea que las otras bandas lo estaban haciendo también. Quería hacer un tema que me dieran ganas de escuchar a mí. No quería escuchar el viejo breakbeat. No quería escuchar temas ravers. Me encanta el techno, como dije, así que quería hacer algo así. Era tiempo de otro tema de Leftfield que suene un poco distinto a los otros.”

SABOR A TECHNO

Si escuchan el programa “6 Music”, seguramente hayan escuchado “Bilocation”, el single que presenta la voz de Channy Leaneagh de Polica.

Cuando Neil hace las veces de DJ, toca “Universal Everything”, el track que, probablemente, más se parezca al viejo sonido de Leftfield. “Tiene un sentimiento vintage, supongo”, acepta Neil. “Tiene ese tipo de construcción y sonido dub de los viejos Leftfield. Esta dividido en tres secciones. Así, uno es empujado hacia arriba una, dos y tres veces, como los viejos temas de Leftfield. ‘Bad Radio’ del álbum tiene ese sentimiento, también, con las cuerdas y todo, que generan momentos emocionales.” “Universal Everything”, con sus siete minutos de longitud, ofrece la versión más pistera dentro del álbum. “Cuando salgo a tocar, hay mucha música dura dando vueltas así que sentí que teníamos que tener algo en el tema con una onda más clubber que el resto del material”, dice Neil. “Ese, debatíamos, habría que acortarlo y hacerlo con la longitud normal de un álbum –porque es largo- pero, luego, pensé: ‘A la mierda, a muchos fanáticos de Leftfield les gustará la naturaleza de este tema.’ Podría haber orientado los demás tracks hacia eso, quizás, pero sabía que íbamos a tener que hacer otras mezclas de ellos más adelante así que pensé en dejarlas para ese momento.” Cuando Neil dice “nosotros”, se refiere a él mismo y a Adam Wren, con quien co-diseñó el álbum. Adam trabajó en el primer álbum de Leftfield también, el icónico “Leftism” de 1995. “Adam apareció para grabar y masterizar ‘Original’, allá por los primeros años de los noventa, dice Neil. “Así fue como lo conocimos Paul y yo. Era un simple operador de cintas. En el segundo álbum, terminó realizando toda la ingeniería del trabajo.” Ese Paul del que habla Neil es, por supuesto, Paul Daley, quien solía ser la otra mitad del dúo original de Leftfield. Después del éxito de “Leftism” y “Rhythm & Stealth”, unos años después, el par tomó diferentes caminos. Paul “quería hacer otras cosas” y Neil, quien había formado una familia, se quería enfocar en ser un padre, algo que no encajaba muy bien con todos los tours, promociones y cuestiones de prensa que siguieron luego de la salida de “Leftism”. “En este trabajo, si Paul hubiera estado involucrado, creo que todo hubiera sonado distinto”, dice Neil. “Pero no quería que suene como un tema de los noventa. No puedo decir mucho más del álbum que eso.” Neil Barnes y Paul Daley se conocieron en 1989. Ambos eran percusionistas de conga en Violets –una fiesta de acid house en un predio que solía ser usado como club de swingers dirigido por un grupo de amantes de la música, el arte y la poesía que se hacían llamar The Sandals. “En esos días, lo cool era tener un percusionista de conga mientras alguien tocaba y, en ese entonces, tocar era algo muy nuevo, también”, recuerda Neil, quien creó en los ochenta una banda de pop llamada Spandau Ballet. “Paul estaba muy metido en la escena electrónica en ese

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FAITHLESS “En cada tour que tocamos los grandes clásicos, todos quedan encantados con la forma en que los modificamos y los mantenemos frescos”, dice Sister Bliss. “Pero tocamos el material nuevo también.” El álbum de remixes “Faithless 2.0” que marcó los 20 años de historia del grupo, incluye el remix de Avicii de “Insomnia” y el de Tiesto de “God is A DJ”. “Cuando estábamos empezando, los promotores asumían un gran riesgo al ponernos en los mainstages de los festivales junto a REM, Lenny Kravitz o Mettalica”, dice Bliss, quien completa Faithless con sus compañeros Rollo, Maxi Jazz, el baterista Andy y el guitarrista Peredur –ex Pendulum. “Cuando se dieron cuenta que podíamos reventar un escenario igual que una banda de rock y que era igual de poderoso, emocionante y dramático, creo que abrió mucho las puertas.” Veinte años atrás, dice Bliss, era una pesadilla encontrar a alguien que pueda tocar junto a Faithless en uno de sus shows. “Pusimos a Calvin Harris en sus primeros dos shows como acto soporte en un estadio”, dice. “Y tuvimos a Example la última vez que lo hicimos. Todos se han convertido en grandes éxitos en áreas de la música electrónica.” Faithless se tomó un descanso en 2011 y, ahora, con la temporada de festivales a full y la música electrónica en directo en su pináculo, vuelven a hacer un tour con el nuevo álbum. “Creo que algunos actos como nosotros, The Chemical Brothers, Leftfield y The Prodigy tienen el reconocimiento de la marca, así que tenemos suerte en ese modo”, dice Bliss. “Pero, últimamente, hacemos nueva música porque queremos. Aún sentimos que tenemos algo para decir al mundo con nuestra música, eso es lo importante.”


THE PRODIGY “Somos de la verdadera escena rave y pensamos que necesita un poco de aire”, dijo Liam Howlett a The Guardian antes de la salida de “The Day Is My Enemy”. Eso puede ser lo que haya inspirado a Liam y compañía a realizar un álbum nuevo pero, además, puede haber resumido el mensaje que han estado intentado darnos desde el principio. Los breakbeats frenéticos del álbum “Experience” de 1992 de The Prodigy llegaron con elementos agregados del hip hop, el hardcore y el punk. Luego, el lanzado en 1994 “Music For The Jilted Generation” le siguió para hacerles ganar una nominación al Premio Mercury. Y no resulta sencillo encontrar algo mejor que grandes himnos del big beat como “Firestarter”, “Smack My Bitch Up” y “Breathe”, esos singles de los noventa que se hicieron grandes en MTV y llevaron a la banda a otro nivel. Este álbum –la continuación del “Invaders Must Die” de 2009- trae nuevas colaboraciones, incluyendo a Sleaford Mods, que también aparece en el álbum de Leftfield. “Sólo queremos escribir álbumes cuando hay que reaccionar ante algo”, le contó Liam a la revista Spin, cuando salió el álbum. “Nos propusimos escribir cosas que pudiéramos tocar juntos en vivo.”

momento. Se había mudado a Londres porque había más clubes tocando la música house que él buscaba.” Neil había estado tocando por varios años cuando conoció a Paul. Tocaba en un club de Londres llamado The Wag para su propia fiesta The Gym. “Hicimos esa noche a mediados de los ochenta, antes que explote toda la movida del acid house”, dice Neil. “Tocabamos la música house de los Estados Unidos y Afrika Bambaataa. Recuerdo que me encantaba una banda que se llamaba Aura y mezclábamos eso con hip hop, un poco de disco y las primeras canciones de música electrónica, pero no eran muchos los que entendían. No era lo suficientemente a la moda. No tocábamos suficientes temas de James Brown, básicamente.” Neil había estado en bandas antes y coleccionaba canciones de disco, soul y punk pero “el material emocionante” empezó a llegar cuando su hermano le prestó el teclado Juno 106 y se ahorró dinero para comprar un sampler. En algunas semanas, creó un tema llamado “Not Forgotten”. “Se lo mostré a Paul y se ofreció a remixarlo”, cuenta. “Y ahí empezó toda la historia de Leftfield.” El par mandó “Not Forgotten” al sello afiliado de Warp, Outer Rhythm Records, y fue firmado, lanzado en vinilo y vendió unas 30 mil copias en pocas semanas. Luego de una serie de exitosos remixes para Outer Rhythm, Paul y Neil empezaron su propio sello Hard Hands y, por ese entonces, escribieron “The Pressure” y “Song

“La música electrónica es la forma musical dominante del presente”, dice Neil. “Cuando empezamos, lo que hacíamos era visto como una excepción. Ahora es lo que encabeza los festivales.” LEFTFIELD Of Life”, los cuales terminaron siendo dos de los hits más grandes del álbum “Leftism” que fue nominado a un Premio Mercury. “Leftism” tenía, además, “Open Up”, con la letra de John Lydon, que rápidamente resumió el espíritu anti establishment de mediados de los noventa de la generación post acid house. Fue en ese momento que Neil y Paul se dieron cuenta que tenían que salir a tocar con Leftfield. “No queríamos salir a tocar”, dice Neil. “Para ser honesto, estábamos haciendo Leftfield para dejar de tocar en vivo. Veíamos a la música electrónica como música para DJs. Quiero decir, podíamos hacerlo, habíamos estado en bandas por mucho tiempo.” Al par le tomó un año trabajar en la creación del show. “Recuerdo que Underworld y The Chemical Brothers salieron a tocar antes que nosotros. Y nosotros éramos más del rock and roll. Creo, realmente, que todo lo que creamos en ese momento bandas como Underworld, The Chemical Brothers y nosotros era más que nada algo potencial. Después, desde el frente

del DJ, fue Fatboy Slim el que llevó adelante toda la música electrónica en vivo, con todo lo del big beat a un público enorme y creó lo que hoy conocemos como DJs superestrellas. Para nosotros, eso significó que, como un acto electrónico, no tenés porque salir a tocar en vivo. Ahora, podés salir como DJ y tocar para muchísima gente. Es un entorno totalmente distinto a lo que era en los noventa.” Cuando Leftfield empezaba a tocar en vivo, se los solía ver atrapados en medio de carpas de música electrónica en festivales. Uno de los cambios más grandes para las bandas electrónicas en los últimos 20 años es que, ahora, son los que encabezan los carteles de los festivales. Incluso, igualando a algunas de las bandas de rock más grandes del mundo. “La música electronica es la forma musical dominante del presente”, dice Neil. “Cuando empezamos, lo que hacíamos era visto como una excepción. Ahora es lo que encabeza los festivales. Estados Unidos está abriéndose a la electrónica, también. Creo que es, en djmagla.com

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THE CHEMICAL BROTHERS “Teníamos un Juno 106, un par de samplers, un teclado y algunas unidades de efectos para nuestro primer show en vivo en el club Sabresonic de Andy Weatherall en 1992, dice Ed Simons, una mitad del dúo electrónico The Chemical Brothers que ayudó, junto a The Prodigy y Fatboy Slim, a llevar al big beat a la cima de la cultura pop. “Nos llevamos todo en el Ford Granada Estate de Tom. Recuerdo que todos estaban viendo al DJ y él terminó de tocar. Ahí apareció nuestra música desde el otro lado del club. Nuestro sonido era algo distinto a lo que estaba sonando en ese entonces. Era mucho más lento.” Siete años después de ese show, en el 2000, The Chemical Brothers encabezó Glastonbury en el escenario de la pirámide, la noche del viernes. Puede que haya sido un largo viaje hasta allí pero, sin dudas, fue uno bien movido. Ahora, el dúo colaboró con Beck, Q-Tip, Cate Le Bon y St. Vincent para su octavo álbum de estudio que le siguió a “Further”, lanzado en 2009. Estos días, el par tiene un set up con tecnología de punta a la hora de tocar sobre el escenario. Mucho antes de los días de los Dust Brothers, se inspiraron en el show en vivo de Primal Scream en el Screamadelica tour que hicieron en 1991. Después, cuando Ed trabajó como asistente del manager de Orbital en 1992, solía ir a ver shows en vivo que eran de gran inspiración. Fue “la pureza de la

parte, porque muchas bandas de rock no están haciendo nada nuevo. Hay bandas como Alt J que son increíbles y combinan varios géneros. Pero la mayoría de las bandas de rock no están innovando. Es en la escena de la música electrónica donde está viéndose el material interesante.” Después del éxito de “Leftism”, la banda salió tres años después con “Rhythm & Stealth”. Después, por un período de quince años, no hubo más que silencio de parte de Leftfield. Entonces, ¿qué pasó? “Suelen preguntarme esto”, dice Neil Desde el 2000 en adelante, yo trataba de hacer música que no era para bailar. Hice muchísimos demos. Expermientaba mucho. Después, en 2010, Paul y yo nos acercamos para hacer otro álbum de Leftfield pero Paul dijo que no. Él quería hacer algo distinto. Quería que se terminara y yo quería continuar. Tan simple como eso.”

UN SONIDO DIFERENTE Este último álbum de Leftfield tardó tres años. La mayoría fue grabada en Londres pero muchas de las ideas para los temas vinieron mientras Neil estaba tocando por toda Europa y el mundo. “Empecé a tocar en 2013 después de separarnos”, dice Neil. “Habíamos hecho muchos demos y pensé que eran muy buenos musicalmente. Había grandes buenas ideas ahí pero no había una dirección de los tracks. No sentía que fueran para la pista lo suficiente. Y escuchaba muchos temas salir 58

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electrónica” en un show de Kraftwerk a principios de los noventa lo que les agregó combustible a su deseo de tocar en vivo como acto electrónico.

de parte de grandes artistas como Hudson Mohawke y The XX.” La mayor preocupación de Neil era que él no quería que sus temas suenen como “otro álbum de Leftfield”. “Es difícil, después de tanto tiempo, no repetirse a uno mismo”, dice. “Quería dejar todo el reggae atrás y todo el mundo de la música, también. Trabajé en una casa de discos africana durante el tiempo que grabé el álbum y puede que se note.” La canción más dub del álbum nuevo es ‘Bilocation’. “A Channy le gusta el reggae así que tiene ese elemento en la voz”, dice Neil. “Lo que salió en el demo era bien dub y lento, y lo convertimos en algo más electrónico. Eso lo más housero que hay, creo.” Ahora, al igual que el resto de la artillería pesada de los actos electrónicos, Leftfield vuelve a salir con un show en vivo. “Pasamos de terminar el álbum a hacer el show en vivo”, dice Neil. “Hay tres personas en el escenario: yo, Adam y Nick, con las percusiones. Inicialmente, iba a ser dos vocalistas haciendo tres canciones y el resto sería todo instrumental. Algo entre ‘Rhythm & Stealth’ y el nuevo álbum.” Los viejos fanáticos de Leftfield han experimentado sets al estilo DJ sin fisuras. “Algunos de los tracks fluyen pero este nuevo show live es algo más lento así que no es como un DJ set, de ninguna manera”, dice Neil. “Es tranquilo, después se acelera. Después vuelve a bajar. En el medio, nos ponemos un poco old school y tocamos cosas como ‘Swords’ y ‘Chant

“Nunca sentimos que tener a alguien en una batería era más interesante que ver a alguien con su máquina”, dice Ed. “Y seguimos pensando igual.”

Of A Poor Man’. Después, lo levantamos de nuevo al final y ponemos los tracks de Leftfield más enérgicos.” Toda la percusión, más allá del bombo, que está en la pista que acompaña, es tocada en vivo durante un show de Leftfield. Tienen una serie de shows dispersos por Europa durante el verano. Lo mismo pasa con Faithless, The Prodigy y The Chemical Brothers, quienes llegarán a Sudamérica para encabezar las fechas locales del Sónar. Estos días, la mayoría de los actos ensayan un show para tocar en un festival y el Ableton puede transformar un DJ set en una experiencia en vivo. Pero, cuando se trata de la artillería pesada, es una experiencia en vivo de lo más completa. “Me encanta tocar los teclados, disparar samples y hacer las percusiones sumando un poco de vocoder. Y le agregamos elementos constantemente”, dice Neil sobre Leftfield. “Sigue siendo algo emocionante.” u


El sonido underground de Lima es el tropical bass. Fuimos a Perú para averiguar un poco más...

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pareciendo desde los distritos industriales desolados de Lima, bombeándose como sangre a través de sus áreas residenciales y sus barrios barrocos entrecruzados por callejones oscuros y haciéndose eco a través de los amplios bulevares llenos de brillantes rascacielos, se hace presente esta nueva forma de sonidos electrónicos del underground de Lima que llaman tropical bass. “La escena musical aquí es tan variada como la cultura y la ciudad misma”, dice DJ Chakruna, quien nació en la capital peruana en los años ochenta y, desde entonces, ha vivido en la vibrante ciudad. “La cumbia tradicional peruana -que suelen llamar chicha- sigue siendo importante en la ciudad y la gente, además, suele escuchar rock, reggae, hip hop, house, techno y EDM. Pero, en este momento, las mejores fiestas son las que pasan tropical bass.” Este sonido es una especie de término global para un estilo que abarca sonidos electrónicos influenciados por el dubstep, el house, el electro, el techno, el ambient y el tradicional folklore peruano. Y es, además, el sonido que engloba el compilado “Peru Boom” que salió a la venta por el sello británico Tiger’s Milk Records y presenta tracks de artistas oriundos de Lima que ahondan este sonido. “Cumbia Achorada” de Chakruna presenta un bajo neumático y humeante con la presencia de sintes algo futurísticos y burbujeantes y una percusión diseminada. “Outropical (Version B)” de Relovo es un house con estilo latino que podría, fácilmente, llenar el sonido de alguna terraza de Ibiza al atardecer. Y “Naranja Limones” de Piraña Sound System es más atmosférico y ambiental, y sería genial para musicalizar un atardecer en Lima, con el sol anaranjado poniéndose. Uno de los mejores lugares de la ciudad para experimentar el tropical bass es una fiesta llamada “Toma!”, un encuentro bimestral organizado por un

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par de DJs y productores locales que hacen música con el nombre Dengue Dengue Dengue -el término que se usa para describir que uno tiene ganas de salir de fiesta en Perú- y tienen un track llamado “Coma Baia Cumbia” en el álbum “Peru Boom”. “A veces, hacemos las fiestas en un club; a veces, en edificios abandonados”, dice Felipe Salmon, integrante de Dengue de 31 años. “La última la armamos en tres pisos. El primero tenía música en vivo y el segundo era de techno y música bass, y trajimos a Ikonika de Londres a tocar. En el tercer piso, sólo había actos locales.” Esa noche, tocaron los productores de house Elegante & La Imperial y Animal Chuki, ambos artistas que han ubicado alguna producción suya en “Peru Boom”. “Cuando empezamos estas fiestas hace cuatro años, era el único lugar donde se podía escuchar tropical bass”, dice la otra mitad de Dengue, Rafael Pereira, de 40 años. “Había gente que venía de todas partes de Lima. Eso era genial pero ahora hay muchas fiestas con esta música así que cada uno va a un lugar cercano en su vecindario. Está más segmentado.”

LA TRADICIÓN SE ENCUENTRA CON LA TECNOLOGÍA El álbum debut de Dengue Dengue Dengue, “La Alianza Profana”, salió en 2012. Su relación en la producción empezó en 2010, cuando estaban empezando a hacer fiestas en la ciudad. “Al principio, tocábamos muchas cosas de Argentina, de ZZK Records, y algunas cumbias peruanas a las que íbamos modificando en vivo”, dice Rafael. “Nuestros mash ups de cumbias en vivo fueron nuestro inicio en la producción. Después, empezamos a hacer música propia.” La cumbia como la conocemos en Latinoamérica surgió en la región costera de Colombia durante el siglo diecinueve, como resultado de la fusión

de ritmos que tenían los nativos colombianos, los esclavos que llegaban desde África y los colonizadores españoles que había en aquel entonces. El sonido se expandió y varía en cada país pero presenta un persistente tambor en los tiempos débiles de un compás 2/4, más percusión agregada y otros elementos regionales como maracas y flautas, entre otros. Desde los años sesenta, con Colombia como abanderada, una versión contemporánea fue sumando adeptos en todo nuestro territorio. “La principal diferencia entre la cumbia colombiana y la peruana es que, en vez de usar el acordeón, nosotros usamos la guitarra eléctrica”, dice Rafael. “Pero los ritmos son los mismos.” Cuando tocan en vivo, Los Wemblers tienen a alguien tocando la conga, un baterista, un bajista y dos guitarristas. Otras bandas de cumbia de los setenta que aparecen en las fiestas “Toma!” son Los Mirlos. “Para nuestros mash ups, tocamos temas clásicos de Los Mirlos, por ejemplo, y le agregamos unos kicks, unos snares y otros elementos usando controladores en vivo y el Maschine de Native Instruments”, dice Rafael. “Fue ese tipo de mash up el que influenció nuestro álbum debut.” Otra inspiración fue la inyección cultural que Rafael recibió durante su residencia en Londres del 2002 al 2004. “Empecé a introducirme en la escena del drum and bass y tocaba ese tipo de música. Iba a Movement y a Fabric y, cuando volví a Lima, empecé a hacer una fiesta semanal en un lugar llamado Eka bar, tocando drum and bass.”

MEZCLA CULTURAL Chakruna, cuyo nombre real es Jorge Espinoza, empezó a hacer música al mismo tiempo que Dengue Dengue Dengue. “El primer track que hice como Chakruna fue en 2010 y era un mash up de la canción ‘Sonido Amazónico’ de Los Mirlos con un ritmo de


TROPICAL BASS… PARA CONOCER MÁS DJ Chukruna elige 10 de los mejores temas...

01. Chakruna ‘Vacilando con Chakruna (Bacondo Remix)’ (El Flying Monkey Records)

Dengue Dengue Dengue

“Toco la guitarra en este y me encanta la versión remixada.” 02. Chakruna ‘Sonido Chichero (feat Chapillita)’ (Tiger’s Milk Records)

“Fue el primer track que grabé con una guitarra real, intentando emular el sonido de la chicha pero influenciado por el moombahton.” 03. Los Chapillacs ‘La Marcha Del Chullachaqui (Deltatron Remix)’ (Tiger’s Milk Records)

“Tiene el mismo sonido de guitarra de chicha con un ritmo de dembow que a la gente de Lima le gusta mucho.” 04. Bacondo ‘El Kharnaval’ “Esta es una versión de moombahton de una canción popular y tradicional de una zona de Los Ándes donde se juntan Perú y Chile.” 05. Melcochita ‘Rumba Que Tumba’ (200db)

Piraña Sound System reggaetón”, dice el productor de 32 años. “Lo subí a mi Soundcloud junto a otro mash up porque quería empezar este proyecto mezclando música popular del Perú con música urbana del mundo.” La primera experiencia en la electrónica de Chakruna llegó en los noventa, al escuchar grandes actos como Daft Punk, The Chemical Brothers, Underworld y The Prodigy que se las ingeniaban para burlar las restricciones que existían en los medios y pasaban por las pantallas de televisión de los habitantes de Lima. “Yo nací en los ochenta y, en ese entonces, Perú estaba en medio de una guerra civil y había muchas batallas entre los grupos terroristas y el ejército nacional”, dice Chakruna. “Mucha gente abandonó la ciudad. Las cosas estaban difíciles y, culturalmente, y en términos musicales, no teníamos mucho contacto con lo que pasaba en el mundo. Después, durante los noventa, las cosas mejoraron y la gente fue libre para explorar otras culturas.” La calma post guerra, la expansión de la televisión por cable y el internet, sumados al retorno de muchos peruanos que habían abandonado el país durante la guerra, fueron cementando una escena musical mucho más diversa que florecía en la ciudad. “Quiero crear música que tenga el poder de integrar a la gente”, cuenta Chakruna. “En las

“Esta es una loca versión de salsa en un explosivo estilo moombahton, coproducido por uno de los productores más jóvenes de tropical bass de Lima.”

fiestas donde toco, puedes ver gente de diferentes orígenes tanto raciales como de clases sociales y todos bailan de igual manera.” Esa influencia de cutluras emerge en el álbum “Peru Boom”. La mayoría de los artistas que figuran nunca han salido de Lima. Y de los pocos que lo han hecho, no muchos han salido del continente ni han tocado fuera de Sudamérica. Sin embargo, escuchando los temas, se pueden escuchar influencias que han sido incorporadas desde lugares bien lejanos a los nuestros. “No muchos DJs de Europa han escuchado nuestra música, más allá del hecho de que fue lanzado por Chusma Records de Berlín en 2013”, dice Rafael de Dengue. “Nuestra música es oscura y psicodélica pero tiene un espíritu fiestero. Por eso la gente termina saltando del escenario en nuestras fiestas. Pero no creo que en el Viejo Continente estén interesados en lo que hacemos, todavía.” El próximo álbum Dengue Dengue Dengue será lanzado mediante el sello Enchufada Records de Lisboa, dirigido por Buraka Som Sistema, una banda portuguesa que combina elementos del techno con el kuduro portugués. Buraka ha colaborado previamente con artistas como M.I.A y ya ha hecho el tipo de música que se escucha en lanzamientos como, justamente, “Peru Boom”. “Al principio, nos

(Tropic-All)

“Una loca mezcla entre la cumbia y el bass, hat rolls, poderosos snares y bombo, y un ritmo bien funky.” 07. El Gran Combo de Puerto Rico ‘Achilipú (Winston Siveroni Remix)’ (Cassette Blog)

“En este, un ritmo dancehall funky con sonidos 808 se mezclan con salsa.” 08. Sandunqueo ‘Munchi’ (Sin sello)

(DF Records & Latino Resiste)

(Sin sello)

06. Chimpan C ‘La Culisuelta (El Barba Dub Remix)’

“Este contiene un sample vocal de un clásico del reggaeton. Todos lo reconocen cuando lo toco.” 09. Buraka Som Sistema ‘Hangover (Chong-X Remix)’ (Sin sello)

“Un remix que hice de una de mis bandas favoritas.” 10. Sandro Silva feat ISA GT ‘Told Ya (Melo Moombahton Edit)’ (Sin sello)

“El estribillo es en español y todos lo cantan cuando lo toco en las fiestas.”

enfocábamos en la cumbia peruana pero, ahora, estamos agregando un poco de sub bass de la escena portuguesa y elementos del afro house a nuestro sonido”, explica Rafael. “Cuando tocamos en vivo, tratamos de mostrar cómo es una fiesta en Perú, con máscaras, trajes y música.” Es música electrónica desde Latinoamérica para el mundo. Es distinta a lo que conocemos. ¡Boom! u

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DAMIAN PINTO ES EL HOST DEL FESTIVAL DE MÚSICA ELECTRÓNICA MÁS COSMOPOLITA DEL MUNDO. PRESENTANDO LOS SHOWS QUE ULTRA SE LLEVA POR TODO EL PLANETA TIERRA, ES UNA DE LAS PIEZAS QUE ENSAMBLA LA MARCA GLOBAL PARA EL DESARROLLO DE SUS EVENTOS. DESDE MIAMI HACÍA MÁS DE 15 CIUDADES ALREDEDOR DEL MUNDO ENTERO, EL FUTURO ES ULTRA BRILLANTE. Hola, Damian. ¿Cómo estás? “Estoy muy bien. ¡Descansado y listo para romperla!”

Contanos, ¿dónde estás descansando? “Estoy en mi casa, en la soleado y hermoso sur de Florida. Acabo de volver de Ibiza ayer, al final de los shows que hicimos en Croacia. Un viaje musical de siete días que empezó en Croacia con la tercera edición anual de Ultra Europa y, después, unos días a Ibiza para tener algunos encuentros con gente de Ultra Worldwide y divertirme un poco.”

¿Cómo estuvo esa experiencia en Ultra Europa?

este de cualquier otro evento a nivel global. Este año, Ultra Europa fue increíble. Lo que realmente se destacó, más allá del increíble line up y el mainstage, fue el agregado del Resistance Stage y la expansión del Carl Cox & Friends Arena. Esos dos espacios sumaron muchísimo en todos los aspectos que determinaron que sea un evento para los amantes de la música electrónica de todo tipo. Con Carl Cox, Marco Carola, Solomun, Maceo Plex, Nic Fanciulli y algunos más a cargo de los carpas underground, fue algo que no se había visto en los dos años previos en Croacia. El número de asistentes en el público también fue increíble. ¡Pura energía!”

“Estuvo a otro nivel y, realmente, presentó uno de los line ups más increíbles que jamás se hayan visto. Francamente, fue uno de los mejores line ups que Ultra ha creado fuera de Miami. Desde mi punto de vista, cuando conectas a tantos artistas y fanáticos de tantos países juntos en nombre de la música, la paz, al amor y la unidad, algo realmente mágico ocurre. ¡Hay reportes que indican que se nos sumaron fanáticos de más de cien países distintos! Realmente, es algo que no se puede describir y uno tiene que estar allí para ser testigo y entender esa increíble energía. Simplemente, Ultra Europa es un increíble evento global.”

¿Cómo describirías un show de Ultra para alguien que nunca asistió a uno?

¿Qué es lo que más se destaca de este evento?

¿Qué es lo mejor de Ultra?

“Como con cualquier evento de Ultra, la magnitud de la producción y la forma en que se utiliza la tecnología es lo que realmente diferencia a

“Esta es fácil: ¡los fans! ¡La Nación Ultra! ¡Los Ultranautas! Nuestra familia de Ultra Worldwide y el amor incondicional que recibimos es lo

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“Incluso con nuestros increíbles equipos de video, que incluyen UMF TV y UMF Films, es imposible demostrar la atmósfera y la experiencia que uno vive en un show de Ultra. Realmente, uno debe estar allí para entender esa ‘electricidad en el aire’ que se crea cuando todas las fuerzas de la electrónica se juntan en un lugar con lo mejor en sonido, luces, LEDs, láseres, bailarinas y demás… Es una experiencia mágica que no sólo se ve sino que se siente.”


que define al Ultra. El amor, respeto y apoyo que demuestran en cada show es la energía que necesitamos para seguir yendo hacia adelante, armando el camino para las próximas generaciones. Sin ellos, no seriamos nada.”

Contanos, ¿tenés otro trabajo? “Mientras, de vez en cuando, exploro otras aventuras de entretenimientos de manera independiente, Ultra es, verdaderamente, un trabajo a tiempo completo. Estamos buscando mejoras para la ‘U’ 24 horas al día, todos los días. Como diría Carl Cox: ‘comemos techno en el desayuno’. Nuestro trabajo es nuestra diversión y nuestra diversión es nuestro trabajo. ¡Nos divertimos mucho pero trabajamos aún más! Aunque consuma demasiado tiempo en mi vida, no lo cambiaría por nada. Mi trabajo es ser el portavoz de una gran familia para las masas del mundo entero.”

¿Qué hacías antes de llegar a este lugar? “Estuve en el negocio de la vida nocturna por muchos años. Supe dirigir clubes por el sur de Florida y organizaba conciertos. Uno de los mejores recuerdos fue haber tenido un concierto de los Chemical Brothers en vivo en mi club nocturno en 1996. Desde esa noche, he ido enamorándome cada vez más de la música electrónica y he dedicado mi vida al avance de este fenómeno en todo el mundo. Durante mis años en clubes fui, además, presentador de boxeo. Empecé en el año 1993, cuando conocí a Carl King, el hijo del legendario promotor de boxeo Don King. Él me enseñó a ser un sobreviviente y nunca me voy a olvidar el valor de sus palabras y la amistad que forjé hasta el día de hoy.”

¿Qué lugares conociste gracias a Ultra? “Casí todos los sellos de mi pasaporte son, o han sido, gracias a Ultra. Un 85% de ellos, seguro. Ha sido un largo camino y recién estamos empezando. Nuevos países, ciudades y continentes se van sumando a la familia a cada rato. ¡El futuro se presenta Ultra brillante!”

Con tu experiencia sobre el escenario, ¿qué artistas son los que mayor crecimiento están experimentando? “Cuando un nuevo DJ o un maestro de la electrónica se sube al escenario, la gente no sólo aprende de música sino, además, aprecia un poco de lo que se trata esta música. La reacción del público crece con cada artista y es magia pura. Con el crecimiento de la música electrónica a nivel comercial y global, es difícil seleccionar a un solo artista que tenga el mayor crecimiento. Todos los públicos siguen creciendo. En Ultra, es un trabajo en equipo y, cuando están las herramientas correctas –escenario, sonido, luces, bailarinas, etc-, sabemos que será algo magnífico para cada artista. Con eso dicho, todos han crecido sobremanera. Por un lado, Tenés a Carl Cox con sus amigos Marco Carola, Maceo y Nic rompiéndola de un lado del parque y a Tiesto, Martin Garrix, Hardwell y otros en otro espacio e, incluso, en otro lugar, Armin y su familia ASOT. Es muy difícil elegir a un artista.”

¿Y vos tenés favoritos? “Bueno, me gustan todos, ¿sabes? Si sos parte de la familia Ultra, sos parte de un equipo muy especial, en mi opinión. Pero, si tuviera que elegir sólo a uno, sería Carl Cox. Carl es, por lejos, mi DJ favorito. Carl

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es música. ¡Él es el origen del beat! Desde mi visión, su alma y corazón están hechos de música. Creo que su contribución y su dedicación a la música son inigualables. Su agenda y su pasión no tienen comparación. Si tuviera que elegir a un DJ para escuchar por el resto de mi vida, sería él. Es el DJ más diverso e influyente de toda la escena. Y es su amor y conocimiento por toda la música lo que lo separa del resto. Es respetado a nivel global, en todos los niveles. Puede estar tocando para la reina de Inglaterra y, al minuto, irse a reventar una pista en el medio del desierto. Es una inspiración para las masas. Como decimos: ‘todos los caminos conducen al dancefloor’. Con suerte, cuando sigan ese camino, el DJ será Carl Cox.”

¿Y qué música escuchás en tu tiempo libre? “Me gusta todo tipo de música mientas sea buena y esté bien producida. Creo que depende del humor en el que me encuentre y puedo estar escuchando a Armin Van Buuren, Tiesto o los Rolling Stones. A veces, Slayer, un poco de country y la música clásica es inmejorable, a veces. El buen rock and roll fue lo que me formó. En mi opinión, la música es buena si se hizo bien. No tengo un género favorito, realmente, pero, si tuviera que elegir algo, eso que estaría escuchando si me paras por la calle, sería downbeat underground. El simple minimal también tiene un lugar en mi corazón.”

¿Qué cosas aprendiste acompañando a los artistas en el escenario de tantos shows? “Aprendí que los buenos son de corazones simples. Hay que mantenerlo real y consistente. La buena gente y la buena música van de la mano. Aunque en este negocio, como en cualquier otro, puede haber algunos no deseados, suele unir a grandes corazones bajo un mismo propósito. Aprendí a no tomar nada como algo garantizado porque podés estar en la cima en un momento y que nadie quiera mirarte un minuto después. Mi consejo es mantener los pies sobre la tierra y apreciar lo que uno tiene. No hay que olvidarse que son todos humanos al igual que el público y los técnicos. ¡Da las gracias por tu éxito y nunca te olvides de tus fans! Ellos te hicieron quien sos. Para muchos, la vida en la cima no dura mucho. Entonces, mantenerse simple, humilde y trabajar duro es lo ideal.”

¿Qué nos podés decir de nuestras tierras? “Latinoamérica tiene uno de los públicos más enérgicos de todo el mundo, por lejos. Brasil, Chile, Colombia y Argentina, sólo por nombrar algunos, son de los públicos más locos del planeta. Estamos agradecidos de tener grandes socios locales que defienden la marca de Ultra a gran escala, llevando la ‘U’ a las masas latinas. El clima, la energía, la increíble gente y la vibra sexy hacen que los shows allí sean uno de los favoritos de todo el año. Hablo por todos cuando digo que amamos Latinoamérica. ¡Son genuinos y tienen mucha energía! Seré honesto, responderte esto me está emocionando por volver a ir para allá. Chile, Perú, Bolivia, Colombia y Paraguay: ¡Allá vamos! Estamos yendo y estamos yendo fuertes. ¡Prepárense para bailar!”

¿Qué se destaca en nuestros eventos? “Lo digo de nuevo: ¡la gente! La energía de la gente de allá no se consigue en ningún otro lado. Ellos sí que van a disfrutar a los shows. Es increíble salir de un escenario y escuchar el rugido de la ‘Ultra Nación Latina’. Los Ultranautas latinos lo hacen con todo y por largo rato. Estamos emocionados al ver que la marca tiene tanto empuje por allá, gracias al trabajo duro y a los socios que tenemos en la zona. Esperamos llevar la magia de Ultra a Latinoamérica por muchos años más. Gracias DJ Mag Latinoamérica. ¡Ustedes sí que ayudan a difundir la palabra! La música se mueve allí gracias al resultado de sus esfuerzos.” u

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ETIQUETA Y

PROTOCOLO Hola, Nicky. ¡Queremos hablar un poco acerca de tu sello discográfico Protocol Recordings! Contanos, ¿qué ocurría cuando decidiste empezar el sello? “Empecé Protocol Recordings una vez que sentí que mi nombre ya estaba establecido en la escena como artista. Quería crear mi propio sello para poder lanzar mi música por mi propia cuenta y para ayudar a otros artistas a dar un paso más en la escena.”

¿Cómo era la escena electrónica en ese momento? “¡Era genial! Creo que estos últimos años han sido verdaderamente emocionantes para la música electrónica debido al gran aumento en cuanto a su popularidad. Han pasado muchas cosas.”

¿Cuándo decidiste comenzar con el sello? “Siempre fue un proyecto que tenía en mi mente y que, realmente, quería hacer. Diría que lo decidí allá por 2011, cuando empecé a disfrutar un poco de mi éxito.”

constantemente, surgen maneras de ir mejorando al sello y de ir más allá de nuestros límites.”

¿Cómo tomás las críticas negativas? ¿Te interesa leerlas? “Se puede aprender mucho leyendo las críticas pero siempre hay que tomarla con pinzas. Creo que todos tienen derecho a tener su propia opinión y, cuando se trata de música, la gente puede ser muy obstinada con sus opiniones. Sin embargo, no me obsesiono leyendo reviews. Simplemente, hago lo que hago porque seguimos recibiendo todo el amor y el apoyo de parte de la gente.”

¿Qué es lo mejor acerca de Protocol? “Lo mejor es que cualquiera puede ser miembro de Protocol, de alguna manera u otra. Estamos dándole la bienvenida a nuevos artistas y fanáticos y, mientras más grande se vuelve la familia, ¡mejor!”

¿Qué cosas diferencian al sello del resto?

¿Y por qué lo hiciste? ¿Qué querías lograr con un sello discográfico?

“Yo diría que Protocol es único porque hemos creado una marca que se dedica a lanzar material de primer nivel, eventos y, ahora, ¡ropa! Gracias a dios, de todas partes del mundo nos reconocen por lo que hacemos.”

“Como te dije, siempre quise hacerlo. Me gustaba la idea de tener libertad musical y de poder, además, ayudar a otras personas a lanzar su material al mundo.”

¿Qué necesita un track para ser lanzado mediante Protocol?

¿Había alguien que te ayudaba en el principio? “Sí, siempre recibí un importante apoyo y estoy muy agradecido de ello. He tenido excelentes mentores que me han aconsejado y me mostraron el camino. Y, por supuesto, un management de primer nivel que me ha llevado siempre en la dirección correcta.”

¿Cómo se fue desarrollando ese equipo con los años? “El equipo se ha vuelto más como una familia que otra cosa. Todos están súper dedicados y ocupados. Trabajamos muy bien juntos. Es una excelente conjunción.”

¿Y cómo se ha desarrollado el sello? ¿Cómo describirías la evolución de Protocol? “Creo que es un sello realmente consistente que se ha mantenido fiel a sus cimientos.”

¿Sentís que hay alguna diferencia entre el presente del sello y sus inicios? “¡Por supuesto! Ha crecido mucho y se ha convertido en un sello extremadamente ocupado. Siempre estamos con múltiples proyectos y,

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“No hay muchas disposiciones ni regulaciones… Simplemente, se tiene que sentir bien. Algunas veces, el track será uno groovero; a veces, melódico; a veces, será electro puro… Tiene que despertar algo adentro nuestro.”

¿Cuántos tracks reciben semanalmente y cuántos de ellos terminan firmando? “Recibimos, aproximadamente, unos quinientos o seiscientos tracks por semana de los cuales unos cincuenta nos llegan de parte de artistas reconocidos. Sólo hacemos uno o, a veces, dos lanzamientos por mes así que somos muy selectivos con lo que lanzamos.”

¿Cuál es el proceso para lanzar un track en Protocol? “Escuchamos los tracks que recibimos y, si creemos que es un track que tenemos que tener, le respondemos al artista para empezar los trámites para firmarlo. Es un proceso bastante simple.

¿Cuáles son los artistas más representativos del sello? “Cada artista que firmamos representa muy bien a Protocol, ¡por eso siguen estando junto a nosotros! Volt & State, Stadiumx, Florian Picasso, Arno Cost, y Deniz Koyu, entre otros, son grandes ejemplos.” u


Nicky Romero es, sin dudas, uno de los grandes animadores que tiene la escena electrónica internacional en el presente. Desde su irrupción en la industria, que tuvo como protagonista un bootleg que realizó del tema “When Love Takes Over” de David Guetta, Nicky se ha ganado el cariño de los asiduos fanáticos electrónicos, produciendo música que se vende como pan caliente y encabezando festivales en el mundo entero. Sin intenciones de hablar de su carrera, nos cruzamos con el joven holandés para que nos cuente acerca de su sello discográfico Protocol Recordings, otro de los motores de su éxito.

PROTOCOL RECORDINGS Fecha de origen: ABRIL DE 2012 Primer lanzamiento: NICKY ROMERO FT. ZROQ - “WTF!?” Cantidad de lanzamientos: “UNOS 50 ORIGINALES, POR EL MOMENTO” Último lanzamiento: VOLT & STATE - “SANDCASTLES” Demos: DEMO@PROTOCOLRECORDINGS.COM

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En la pista

BUENOS AIRES, ARGENTINA

Un Jet a LAS VEGAS La final argentina del Miller Soundclash se llevó a cabo en la discoteca porteña Jet. Fuimos a presenciar el gran combate que determinó a Rama como el representante argentino para la final en la Ciudad del Pecado norteamericana.

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espués de varias etapas que comenzaron con una selección de sets subidos a Mixcloud, e, incluso, contaron con una semifinal en otra de las más importantes discotecas porteñas, con seis elegidos que habían sorteado los primeros obstáculos, Argentina tuvo el último combate para determinar quién sería el afortunado DJ que nos representaría en Las Vegas. Irrumpiendo en el ciclo de los jueves de Jet, la cerveza dorada le robaba las primeras horas para hacer de la cabina un ring. Los contrincantes: DJ Rama y Lucas Blanco. Ambos finalistas del concurso que llevaría al ganador a competir en Las Vegas por un espacio en la reconocida discoteca Marquee. Un sueño para todos. La cita era a las 23.30 y se iba a extender por algunas horas. Cada DJ tendría unos 45 minutos a disposición para convencer a los jueces locales. Para nuestra suerte, ese horario pactado se corre unos minutos. Así, al ingresar en la discoteca, faltando menos de un cuarto de hora para la medianoche y esperando que sea Rama el que está realizando su performance, nos sorprende Pico Bussoli al mando de las bandejas. Además de ser residente de la discoteca, Pico fue finalista argentino del Miller Soundclash 2014, perdiendo la final con honores, frente al dúo Come & C que terminó representándonos en Las Vegas. Así, Pico va preparando el ambiente para lo que viene. El fino house que selecciona nos motiva para lo que estamos por disfrutar, mientras nos tomamos una Miller Genuine Draft bien fría. La pista, aún, tiene sus claros, no todos bailan. Es más, somos unos pocos los valientes que nos atrevemos a mover el esqueleto en la previa de la esperada final.

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Cuando el reloj marca las doce de la noche, comienza lo que vinimos a ver. El primer finalista en musicalizar es Rama. Durante 45 minutos, el DJ se juega su futuro y lo sabe. Comienza bien interesante con el sensual “You Are” de NVOY y esas vocales siniestras van atrapando a los despistados que no prestaban atención. Es future house, el género que ha estado acaparando la atención del mainstream en la escena electrónica en el último tiempo con el DJ y productor Oliver Heldens a la cabeza. Parece que Rama sabe a dónde está intentando viajar. Se lo ve concentrado en las bandejas pero sin perder el foco en la pista. Levanta su cabeza en reiteradas ocasiones, en busca de las reacciones de un público que, poco a poco, va aportando a la calidez del evento. Al lado nuestro, bailando con su campera de cuero que en la parte trasera la identifica con sus iniciales –SRZ-, Soledad Rodriguez Zubieta analiza la presentación de Rama como una clubber más, dejándose llevar por los beats del DJ que continúa su performance con el remix de Wax Motif del track “Name & Number” de Shift K3Y. ¡Future house por doquier! Con su look simple, remera violeta y una mano derecha que, de drop en drop, se eleva con cada bombo. Sigue congruente y a minutos del final llegan los vocales intervenidos de “Skank”, un híbrido entre el dub y el house que nos obliga a prestar atención. Su tiempo se agota a los pocos minutos y se lo ve satisfecho con lo realizado. Ahora, es turno de su rival. Lucas Blanco, con remera blanca y una cadena que brilla cada vez la luz lo ilumina, comienza su presentación de 45 minutos cuando faltan unos quince para la una de la madrugada. El edit de Bicep del track “Gotta Let


En la pista

Tom & Collins, ganadores del Miller Soundclash 2014

You Go” marca el inicio con unas vocales houseras y nos dispone para lo que viene. Concentrado en sus bandejas, se lo ve enérgico y decidido a mostrar sus cualidades de DJ. “Follow My Bassline”, de Robbie Rivera continúa en su selección musical y lo confirmamos: Lucas optó por un house más clásico. Nos gusta. La rigidez de su sonido y los riesgos que toma con los efectos parecen ser las bases de su presentación. A diferencia de Rama, quien planteó un set que tendría en vilo a los adeptos al sonido de Las Vegas, opta por mezclar música que podría estar más relacionada con el underground. Quizás, motivado por el ambiente del club y de la gente que se agrupa frente a la cabina. Pasan los minutos y el sonido que gira en torno a su presentación sigue siendo el mismo. A veinte minutos de su presentación, el remix de Jamie Jones de “Hungry For The Power” lo confirma y nosotros lo bailamos pero, aunque nos encante como suena nos preguntamos: ¿funcionaría esto en

Lucas Blanco

Las Vegas? La presentación de Lucas está llegando a su fin y “Voicemail” del legendario Green Velvet y Patrick Topping va decretando el final. Se escuchan los últimos beats y Diego Ripoll sube a la cabina, micrófono en mano, secundado por Soledad Rodriguez Zubieta -ambos jurados del evento junto al DJ Zuker- para dar la noticia final. Los contendientes están junto a ellos, esperando la decisión que no tarda en llegar. Ripoll agradece a ambos y lo anuncia: Rama será el representante argentino en Las Vegas. Un lugar donde su future house de seguro, podrá lucirse. Felicitaciones a ambos. ¡Nos vemos en Las Vegas, Rama! u

IT’S VEGAS TIME! IT’S MILLER TIME! djmagla.com

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En la pista

CIUDAD DE PANAMÁ, PANAMÁ

MARC SIXMA

Argentina vuelve a disfrutar del Armada Beach en las cosas de Mar del Plata con la presencia de Paul Van Dyk, Andrew Rayel, Heatbeat y más...

pasó por Panamá El artista de Armada realizó una performance en el Sortis Hotel, Spa & Casino que marcó un precedente para lo que se viene en el país de Centroamérica.

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or la falta de propuestas, algunos comenzaban a preocuparse y a preguntarse acerca de la movida trance en Panamá. Fue allí cuando el colectivo y agencia de DJs Dance Nation Podcast apostó al trance e invitó a unos de los exponentes más prestigiosos del género a nivel mundial, Mark Sixma. Luego de haberse presentado en algunos de los eventos más importantes del mundo como Ultra Music Festival en Miami o el ASOT 700 de Holanda, llegaba para realizar una presentación exclusiva en Centroamérica y compartir su música con un público que lo iba a disfrutar hasta el último track. Para el momento en que llegamos al Sortis Hotel Spa & Casino, la energía ya está activada con un buen montaje y un sonido ideal para la magnitud del show. Marcando el inicio, es el turno del productor y DJ Ian Sucre que, acompañado por la bella y talentosa cantante panameña Yamileth Lange, presenta el flamante videoclip de la colaboración que realizaron y titularon “Lo Que Siento” y empieza a diagramar el ambiente para lo que se vendrá.

Seguido de Sucre, llega el momento de la acción y el stage cambia de protagonistas. Isaias Cobos y D3MO se presentan en formato back to back con buena música y buena vibra para seguir dándole forma al ambiente, ese que se va poniendo a tono para el plato fuerte. El que le sigue al dúo es Rialdo Shepherd. El panameño nos ofrece un beat contagioso muy bien presentado, con una excelente puesta en escena que reúne todas las características necesarias para hacer de este un gran show. Y el tiempo sigue pasando y, luego de Shepherd, es el turno de Sergio Mix. El último artista local en subir al escenario se encuentra con un predio encendido y no hace más que ponernos a vibrar, sumando su música a los excelentes visuales que se hacen un lugar en las pantallas. Ya está todo listo. Con el público enérgico y la tensión a flor de piel, empieza la introducción del invitado de honor que tiene esta fiesta. Bajado desde el avión hace unos minutos, el holandés Mark Sixma ya está frente a los panameños con su camisa oscura arremangada, mientras las luces del escenario llevan todo a un tono azul. Con su logo dando vueltas por la pantalla que tiene detrás suyo, pide aplausos a los asistentes, quienes tienen dibujadas expresiones de agrado al tener la posibilidad de escuchar a uno de los nombres resonantes que tiene el gigantesco sello Armada Music.

Buuren “Panta Rhei” o el remix de “Another You” que le propinó a su compatriota. Buena música para un público expresivo que interactúa con un DJ predispuesto que agradece los saltos y los gritos y pone la vara en un nivel interesante para lo que se viene en Panamá. Mark Sixma se ha ido pero los recuerdos se van a quedar un largo rato. u Texto y fotos: MARTIN MENESES

Demostrando sus dotes como artista, la presentación se va sucediendo con tracks como su propio “Vendetta”, el remix que los holandeses de W&W hicieron del track “Kernkraft 400” de Zombie Nation convertido en clásico, su colaboración con Armin Van djmagla.com

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En la pista

MAR DEL PLATA Y ROSARIO, ARGENTINA

Tócala de nuevo, SAM El italiano Sam Paganini se hizo presente en dos fechas del DJ Mag Latinoamérica On Tour que tuvo lugar en Argentina. Decidimos seguirlo en sus presentaciones por Mar del Plata y Rosario...

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a primera parada del artista relacionado con Drumcode, sello donde lanzó su último álbum de estudio “Satellite”, tiene lugar en el espacio marplatense GAP el sábado 15 de agosto. Por fuera del circuito de bares y discotecas de la ciudad costera de Buenos Aires, el predio es una sala de conciertos que suele albergar algunos recitales de tinte más rockero. Nada que este artista con tanto recorrido internacional no pueda manejar. Cuando ingresamos al predio, siguiendo de manera incansable los pasos del artista que encabeza el evento, la fiesta ya está a tono. Son casi las dos de la mañana y el ambiente no podría ser más cálido. Con las entradas agotadas, se preveía una verdadera fiesta en la ciudad marplatense y, para el momento en que hacemos pie en el evento, no nos sorprende darnos cuenta que la pista de baile está a tope. La persona encargada de musicalizar las primeras horas de show es la argentina Victoria Engel. La bella integrante del colectivo Unique Community está viviendo un presente inmejorable, concretando fechas en eventos importantes de su país y subiéndose a cada vez más aviones para llevar su sonido al extranjero. Victoria le ofrece al público un tech house enérgico que tiene como objetivo hacernos mover el esqueleto. Por supuesto, lo consigue. El predio, con ese formato de micro estadio y la pista rectangular

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rodeada por filas de asientos que se multiplican hacia arriba, tiene un techo bien alto y un escenario de grandes proporciones. La disposición genera un clima íntimo, a pesar de estar albergando a más de mil personas. Como suele suceder en el espacio de la Avenida Constitución, la puesta en escena cuenta con una propuesta diferente: esta vez, la iluminación está centrada en la pista con un concepto futurista que presenta varios cabezales móviles dispuestos en una estructura de aluminio. Junto a la pantalla de LED que se ubica por delante de la cabina del DJ, la iluminación del espacio llama la atención y, cuando el color rojo gana terreno y aparecen los logos de DJ Mag Latinoamérica en las pantallas, nos llenamos de orgullo. Mientras tanto, la señorita Engel continúa haciendo de las suyas, sacándonos sonrisas a puro beat, de tanto en tanto. Pasada media hora desde que ingresamos, los aplausos nos avisan que Victoria se está despidiendo y que es el momento de Paganini. El italiano comienza su viaje con el sonido que lo caracteriza. Techno hecho y derecho. Con una marcada intensidad pero sin perder una gota de groove, los sonidos potentes se entremezclan con cierto tinte de seducción en la música. Cautiva con su energía y el público reconoce sus intenciones en cada mezcla. Durante tres horas,


En la pista

Fotos: Romina Schüt

el artista deleita a las 1200 personas que han llegado al recinto para bailar y que no parecen querer abandonar la pista hasta que el italiano diga basta. El remix de Maceo Plex de “Sordid Affair” de Royksopp empieza a marcar el final de una noche inmejorable y, pasada media hora de las cinco de la mañana, Sam termina su presentación frente a un público agradecido. La segunda y última parte de su presentación en el DJ Mag Latinoamérica On Tour se materializa al día siguiente, seiscientos kilómetros hacia el centro de la Argentina. El italiano se presenta el domingo en el Metropolitano de la ciudad santafesina de Rosario y seguimos sus pasos para vivir la fiesta. El predio, que solía ser la estación de trenes de la ciudad, sorprende desde donde se lo mire. Por fuera, un imponente pabellón con ladrillos a la vista y ventanales inmensos. Por dentro, un espacio ideal para eventos masivos que, en esta ocasión, presenta tres pantallas de LED verticales que se erigen cercanas al escenario. Al igual que la noche anterior, llegamos al predio cerca de las dos de la mañana y la pista ya está encendida. Una vez más con entradas agotadas, el tour que, para ese entonces, aún tiene fechas por delante, ya es todo un éxito. Al momento de nuestra llegada, el experimentado Ariel Rodz ya sucedió en las

bandejas a los locales Ice Machine –dúo compuesto por MRDIE y Le Nardo- y sostiene a la multitud con un warm up inundado de tech house. Son unas 5 mil personas que esperan por el italiano en el gran predio rosarino y, cuando dan las 2.30 de la madrugada, Sam les da el gusto y toma el mando en la noche. Esta vez, con una selección de tracks distinta, sin perder el estilo arrollador desde el minuto cero, se dispone a regalarle al público una sesión que, como vivimos el día anterior, tiene de todo. Sin perder la esencia techno, regala momentos que sorprenden a todos, agregando elementos del pop, del funk y del house a una presentación sin fisuras que tiene la respuesta constante de un público que parece haberse decidido a hacer sentir bien al DJ. Los vocales de “What The Fuck”, algunos de los originales de su último álbum de estudio y la cereza del postre con el nuevo súper éxito “Suga”, de los legendarios Green Velvet y Technasia, hacen de su presentación una que quedará en nuestra memoria por mucho tiempo. Orgullosos de tener este tipo de artistas en nuestro tour, vemos a Sam conmovido, yendo hacia delante de la cabina para saludar a sus fanáticos. A minutos de las seis de la mañana, la presentación se terminó y las almas que llegaron al predio rosarino empiezan a vaciar la pista. Algunos volverán a sus casas, otros seguirán disfrutando de la mañana del lunes. Nosotros partimos, con el objetivo cumplido. u

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En la pista

FRANKFURT, ALEMANIA

INMENSA EXPERIENCIA

Quedamos boquiabiertos en el Commerzbank Arena, un estadio de fútbol de Frankfurt donde se realizó el World Club Dome, y nos preguntamos: ¿ha BigCityBeats creado el club más grande del mundo?

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esde sus humildes inicios como estación radial, la marca BigCityBeats ha crecido hasta convertirse en un imperio musical en Alemania. En diez años, la compañía ha sumado varias ramas que incluyen un show televisivo, una revista, fiestas nocturnas e, incluso, un exitoso sello discográfico. Y, además, por supuesto, está World Club Dome, también nombrado como el club más grande del mundo. Perdón, debería ser: EL CLUB MÁS GRANDE DEL MUNDO. Mucho mejor. Tomando el Commerzbank Arena con capacidad para 51.500 personas de Frankfurt, el WCD tiene, sin duda alguna, un toque imperial. Ocupando todo el piso y los tres primeros niveles de asientos, el mainstage hace de anfitrión para las hordas de asistentes que llegan para disfrutar de algunos de los actos más populares del mundo.

Con un espectáculo tan impresionante en frente de sus ojos, DJ Mag no pudo resistirse y tuvo que entrar en acción. Y ya que, además, es anfitrión de uno de los stages del Club Music Circle –una serie de cabinas debajo de las gradas— sentimos la inclinación de pasar y asegurarnos que todo ande bien. Así, nos encontramos con DJ Mag a bordo del Clubjet, un Boeing 757 que acoge a un DJ en vivo a unos diez mil metros de altura. A cargo del concierto aéreo no hay otro más que EDX, una de las estrellas del stage de DJ Mag. El artista basado en Suiza bombardea un rápido set de cuatro tracks con su estampa, llena de ese house amigable, antes de frenar en Hamburgo para levantar a algunos alemanes ganadores de un concurso que tendrán la misma suerte que nosotros. EDX se nos suma a una charla durante el descanso y no sólo descubrimos que es encantador sino que, además, es bien saludable. “No tomen ningún jugo de frutas que no haya sido recién

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exprimido”, nos advierte. Una vez que volvemos a volar, se prende de nuevo al show. Complaciente con el público, EDX ha pedido que se mueva la cabina para poder enfrentar a los pasajeros que se acumulan en el pasillo, con las cámaras de sus celulares listas. En esta ocasión, toca por mucho más tiempo y lanza una performance brillante y llena de energía. Siguiendo a nuestra batalla contra el sueño por el sorpresivo clima húmedo, aterrizamos en el calor abrasador del sábado y nos las ingeniamos para llegar al festival. Atraídos por los rugidos que emanan de la arena, hacemos nuestro camino hacia adentro para echar un vistazo. Aunque en secreto estamos algo desilusionados por no encontrar un torneo de gladiadores al estilo Mad Max, vemos un obvio potencial en el predio y se nos complica sacar los ojos de la inmensa pila de parlantes y pantallas que suelen hacerse llamar mainstage. En ese momento, el holandés R3hab está musicalizando con su sonido estándar lleno de EDM así que hacemos una pequeña retirada y vamos en busca de Henry Pfr. La perfecta mezcla de house veraniego del belga encaja perfecto con el clima, mientras los anfitriones de la carpa

Neonsplash le suman a las vibras de verano, lanzando pintura luminosa al público desde unas botellas parecidas a las de kétchup. Un grupo de chicas malhumoradas se escurren un líquido amarillo del pelo mientras nos mantenemos a una distancia segura. Nos volvemos a encontrar con EDX, una vez más, en el escenario de DJ Mag. Está brindando un gran espectáculo, con favoritos del house en su carpeta como “I Found You” de Axwell, el exitoso “Rather Be” de Clean Bandit y su remix de “Show Me Love”. El entusiasmo del DJ es contagioso y es muy lindo ver a un artista que está contento con sacarse cada una de las selfies que le piden y repartir bebidas a sus fans –bueno, sabemos que los tragos pueden ser caros. Nuestro mejor momento del día, de hecho, llega en una forma mucho más tranquila, de parte del alemán Ray Okpara, quien ofrece una colección de ritmos intrigantes y melódicos a un público que no supera las diez personas. Una lástima, realmente, pero nos hace verlo como algo especial. Finalizando el día, están los genios de la electrónica que pegaron la vuelta, Faithless. Se pasean por varios de sus éxitos como “Mass Destruction” e “Insomnia”, encabezados por Maxi Jazz, que tiene


En la pista

Hardwell

Krewella

una campera con LED en sus solapas. Cuando llega el momento de “We Come 1”, Maxi alienta al público a cantar junto a él, algo que estamos seguros que habrían hecho si no hubiéramos visto a la mayoría irse. Los jóvenes de estos días…

Steve Aoki

David Guetta

Dándole la bienvenida al domingo con un intenso despliegue de house groovero y techno turbio de parte de Marc Tiez y Sidney Spaeth, DJ Mag tiene esperanzas en este último día. Aunque nos movemos al escenario de Space Ibiza por lo que esperamos del futuro próximo, la promesa de la llegada de Äme y Art Department compensa la falta de música underground. A pesar de ser un set cautivador de abstracción nerviosa de parte de Äme, nos vamos sintiendo lo mismo que el día anterior. Todo el escenario parece estar fuera de lugar entre el EDM y, si no fuera por nombres como Anja Schneider, Jamie Jones y Deep Dish que aparecen en el line up, uno estaría perdonado al pensar que fue una idea de último momento. A medida que los terrenos de alrededor del estadio vuelven a convertirse en un pueblo fantasma, dejamos el pequeño lugar donde se hallan los incondicionales que le festejan todo a Art Department para volver al Commerzbank. Viendo como lo han votado por dos años consecutivos como el DJ N°1 del mundo, creemos que hacemos justicia al presenciar el electro house de Hardwell. Caminando hacia la terraza, nos sorprende la gran cantidad de público que se hace presente frente a nosotros –sin mencionar el clamor general que recibe el hijo favorito de Breda cuando lanza alguno de sus brutales drops. “Don’t Stop The Madness” –su colaboración con W&W y Fatman Scoop- le hace honor a su nombre, mientras el “Ping Pong” de Armin Van Buuren recrea un mar de brazos sincronizados por todo el predio. Y aquí es donde nos hundimos en la inmensidad de World Club Dome. Es, realmente, el club más grande del mundo y, por eso, festejamos. u BEN HINDLE

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EDM REVIEWS KEVIN MUTER kevinmuter@hotmail.com

9.5 W&W

The One

Mainstage Music

El joven y exitoso dúo holandés formado por Wardt Van Der Hardst y Willem Van Hanegem no para de entregarnos material de primer nivel. En este caso, nos muestran un track no tan típico de ellos, mas melódico y radial que lo que estamos acostumbrados a escuchar. “The One” tiene un vocal muy fresco, una bajada muy emotiva y un drop muy arriba que no deja de convertirlo en un must en todos los DJ sets de EDM. El tema salió a la venta por su propio sello que, mes a mes, sorprende con la calidad musical de sus releases.

8.0 HI-LO

Renegade Mastah Heldeep Records

Oliver Heldens se reveló como el productor detras del alias HI-LO, que tuvo su primer release en el sello Mad Decent hace unos meses. Además, el artista holandés anunció su nuevo label Heldeep Records, teniendo como primer release “Renegade Mastah”. Usando el sample histórico del track “Renegade Master” de Wildchild, el track va desarrollándose y subiendo detrás de una atmósfera con un sub bajo muy agresivo y unas breaks de batería a lo Aphex Twin. Todo desemboca en un drop súper percusivo e industrial con muchísimo shuffle y elementos del tech house.

9.0 Calvin Harris & Disciples

How Deep Is Your Love

Columbia Records (Sony Music) El nuevo single del productor de música electrónica más exitoso del mundo presenta un giro radical en cuanto a su sonido. El 76

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británico decidió dejar de lado los sonidos carcterísticos del EDM para pasar a un sonido más housero y clásico de los noventa, como bien indica la tendencia actual. Líneas de bajo bien marcadas y pianos bien old school acompañados de un vocal muy suave y popero demuestran porque Calvin Harris es un gran productor, capaz de hacer cualquier género a la perfección. El tema es una colaboración con el ascendente trio londinense Disciples del cual no conocemos mucho todavía.

8.5 Martin Garrix & Matisse & Sadko Dragon

Spinnin’ Records

Desde que lanzo “Animals”, en el verano del 2013, Martin Garrix viene en una racha de hit tras hit y ha sumado grandes colaboraciones con Tiesto, Afrojack y Dimitri Vegas & Like Mike, entre otros. En este caso, le tocó al dúo ruso Matisse & Sadko. Garrix estreno este track por primera vez en Ultra Miami 2015 y, desde ahí, no paro de ponerlo en todo festival en el que tocó. El track es la colaboración perfecta entre los artistas. Se pueden ver claramente los elementos de uno y de otro: el riff bien típico del holandés y toda la atmósfera de fondo que le conocemos a los rusos. Si buscas un tema que sea eufórico, este es el indicado.

8.5 Come & C Limitless Sony Music

El afamado dúo argentino vuelve a repetir la formula ganadora del single “You Are”. Esta vez, junto a la talentosísima cantante Mey, crearon “Limitless”, un hit dentro del progressive house. El track está compuesto por distintos elementos y melodías, que junto a distintos tapestops y efectos de stutter quedan muy bien y le dan mucho aire. La melodía vocal, junto a la letra, es muy emotiva y agradable al oído. A cualquier fanático del progressive house emotivo este track le va a fascinar. Distribuido por Sony Music, seguramente lo escuchemos en las radios de toda la región.

8.0

RAPIDITOS

Firebeatz

Sky High (Tiesto Edit)

8.0

Musical Freedom

Firebeatz está de vuelta con su nuevo track “Sky High”. ¿De qué forma? Nada menos que con un edit de su amigo, la leyenda, Tiesto. Un track bien big room, con elementos melódicos y un drop muy arriba. Lo que lo hace distinto del resto de los tracks del género es su breakdown que, en vez del típico climax, tiene un buildup muy largo que desemboca en un drop similar al primero. Se puede ver la mano de Tiesto en los drops, con sus bajos y melodías bien marcadas, con un estilo similar a su reciente hit “Secrets”.

Wax Motif

7.5 Jauz & Ephwurd

Krush Groove Mad Decent

Este productor de Los Ángeles lanzó su hibrido de future house y fidget en la histórica discográfica Mad Decent de Diplo. Para los amantes de un sonido más atípico, este tema es imperdible.

Rock The Party Spinnin’ Records

Jaz, el nuevo niño mimado por Diplo y Skrillex, se une al dúo Ephwurd para hacer un track fusión de EDM, fidget y trap que sorprende a todos por lo raro y dinámico que es.

8.5 8.0 Henry Fong & Futuristic Polar Bears Velocity

Revealed Recordings

Desde que salió el nuevo compilado de Revealed Recordings, hubo un track que se destacó y captó la atención de toda la escena de EDM. “Velocity”, compuesto por el americano Henry Fong y el trio británico Futuristic Polar Bears, es uno de los temas que más está tocando Hardwell y el resto de los artistas de big room en el mundo. El drop tiene dos secciones muy distintas que se van alternando. La primer parte esta compuesta por sonidos bien progresivos y melodías bien suaves típicas de Futuristic Polar Bears. En la segunda parte, un par de compases más adelante, aparece el sonido bien roto, fiestero y agresivo de Fong. La combinación es fantástica y asesina, cubriendo todo lo necesario en un track del género.

8.0

Matisse & Sadko

Ftampa & The Fish House

Spinnin’ Deep

Doorn Records

Memories

031

Increíble. “Memories” es un track de deep house súper melódico, cargado de emoción, con un vocal que mezcla fraseos con chops y una fusión de pianos y strings inédita.

El productor sudamericano, que viene destruyendo los charts en los últimos meses, nos entrega esta nueva bomba que puede funcionar perfectamente en cualquier dancefloor del mundo.

DAVE TILL

01. Dave Till & Regi

“HIYA ft Rudy Zensky” – Smash The House

02. Dimitri Vegas & Like Mike

“Higher Place ft. Ne Yo (Bassjackers Remix)” – Smash The House

03. Dave Till & Tyler Ace

“Glorious” – Bonerizing Records

04. Gregor Salto

“Afrobot (Wiwek Remix)” – DOORN Records

7.5 Rooverb

The Killer Bass Make The Beat

Mes a mes, el flamante sello Make The Beat va consolidándose como una de las discográficas más grandes que tiene el EDM de Sudamérica. En este caso, presenta “The Killer Bass”, un track agresivo y fiestero, creado por el productor argentino Rooverb que nos sorprende con sus cualidades y técnica.

05. Dave Till & Henry Johnson

“Ready for the World ft. Delaney Jane” – Tiger Records

06. Alvita

“Warrior” – Wall Recordings

07. Blasterjaxx & MOTi

“Ghost In The Machine ft. Jonathan Mendelsohn” – Spinnin’ Records

08. Bl3r

“Heat” – OXYGEN

09. Alvaro “ID”

10. Quintino & Sandro Silva “Aftermath” – Spinnin’ Records


Deep House REVIEWS LEMONADE lemonade@deportedmusic.com

RAPIDITOS 8.0 7.5

8.0

Sebo K

System2

Tsuba

VIVa Music

Aquamarine

Rollercoaster Monaberry

Home Time

Para los amantes de los 12’, aquí les dejamos este magnÍfico lanzamiento. Los hipnóticos “Reach Out” y “Aquamarine” en el lado A y, en el B side, la reinterpretación del track que da nombre al disco, de parte uno de los pioneros del house, el enorme Larry Heard con su alias Mr. Fingers. ¡Only vinyl!

Andhim

Dentro del monstruoso EP “Everybody’s Freakin” que lanzó el dúo inglés en el sello de Steve Lawler, nos encontramos con esta joyita que no queríamos dejar pasar. “Home time” es un track demoledor con un groove bien cargado e inquieto, marca registrada de System2.

¡Este dúo de alemanes barbudos no para de editar trackasos! En este caso, les presentamos el tema que da nombre al “Rollercoaster EP”, un deep groovero con toques tech, ideal para un warm up o para pinchar en algún atardecer en las islas ibéricas. Además, dentro de este disco, se hace presente una colaboración con otro dúo teutón, Super Flu, quienes son dueños del innovador sello Monaberry, por el cual ha salido a la venta este exquisito EP.

Jero Nougues No Going Back

DeepWit Recordings

Otro productor argentino que, cada vez, domina más este género musical. Un agradable y fino track en 118 bpm con todos los sonidos colocados en su lugar. El disco cuenta con las remezclas de Audio Units, Ivan Garci y Venntaur.

Cyanide

El joven sello español pone a la venta este disco de deep house en estado puro. Con ritmos grooveros, líneas de bajos gordos y sonidos oscuros, se logra un EP de altísima calidad. Viene con dos remixes de Capryo y Leao. Directo a las bateas de los amantes del deep.

METODI HRISTOV

Clarian

Anjunadeep

7.0

Cool People Disoriented

8.0 Kill For Love EP

7.0 7.0

Si de talento argentino hablamos, no podemos pasar por alto a Juan Goya y su reconocido alias Sound Process. A través de este sello alemán con raíces en la ciudad de Stuttgart, nos llega su último y fabuloso trabajo, llamado “Rise The System EP”. Con un pack de tres tracks originales y un sonido deep tech muy bien logrado, nos muestra su madurez en estos días a la hora de producir. Dentro de este lanzamiento, destacamos el track “Stalk This Vibe”. ¡Una verdadera bomba!

Hanne & Lore Karma Supra

KittBall Records

En su primer lanzamiento para el sello alemán, este dúo, nos acerca un track fiel a su estilo. El contrapunto entre ese poderoso bajo y la atmósfera alegre y de bienestar funciona a la perfección, mientras que el delicado vocal femenino lo termina de convertir en un disco ideal para cualquier atardecer. La cosa se pone seria con el remix de los jefes del sello Tube & Berger, con una versión orientada a la pista. Si es Kittball, ¡es bueno!

Tal vez, uno de los mejores compositores y vocalistas del momento. Con un sonido que fusiona deep house y progressive a la perfección, el nuevo trabajo de este talentoso artista nos introduce en un paisaje misterioso y profundo. Con susurrantes vocales y una gran variedad de arpegios y melodías, los tres originales son de una calidad indiscutible. ¡A la venta en formato digital y vinilo!

7.5 EGiom

The Message EP Supremus Records

01. Danny Tenaglia

“Dibiza (Metodi Hristov Remix)” - Stereo productions

02. Gallya & Jay Cee

“Try To Keep” - 303Lovers

03. Metodi Hristov

“Dark Matter” - Deeperfect Records

04. Shosho & Blagov

“Wrong Heading” - NOPRESET Records

05. DJ Lion & Gallya & Metodi Hristov “Cool Tool” – Patent Skillz Records

06. Josh Buttler

“Essence Of House (Metodi Hristov Remix)” - Noir Music

07. Gallya

“Vidima” - Be One Records

08. Julian Jeweil

7.0 Jelly For The Babies Her Side Of The Bed The Purr

Desde Serbia, Marijan Raskovic -el hombre detrás de Jelly For The Babies- nos acerca su último release, a la venta a través de su propio sello The Purr. Pianos, vocales y todos los condimentos para crear una atmósfera increíble. El EP lo completan las remezclas de Deephope, Lazy Bug & Gabriel Grant, Mockbeat, Pano Manara y Powel. ¡Un productor para tener muy en cuenta!

“And We” – Minus

09. Metodi Hristov

“Step Outside (Metodi Hristov Remix 2015)” – Glasgow Underground

10. Metodi Hristov

“Satisfy My Hunger” - Be One Records

8.0 Sound Process Stalk This Vibe Body Music

Supremus Records es la nueva plataforma del inglés Giom. Sus producciones, generalmente, llevan esa frescura que se genera al mezclar sonidos deep y disco. El EP debut, a cargo del propio artista, contiene dos tracks con un perfil bien de pista. “The Message” trae un synth riff bien familiar, un poderoso sample vocal masculino en la bajada y un groove perfecto para un warm up. “Night Strong” es un verdadero destructor para sorprender en medio de un set.

9.0 Jazzuelle & Lazarusman Forget Me EP

Get Physical Music

Siempre nutriendo de buena música nuestras bateas, la gran plataforma germana nos acerca

9.0 POPOF

Love Somebody Hot Creations

El gran sello comandado por Jamie Jones y Lee foss entrega su primer álbum del año. El encargado es el francés Alexandre Paounov, conocido como Popof, que vuelve a demostrar toda su categoría a la hora de combinar sonidos y no encasillarse en un solo género. El disco contiene diez tracks donde se destacan la variedad de ritmos, la sutileza de las melodías y las agradables vocales de Arno Joey, además de otras colaboraciones como Miss Kittin y Animal and Me. Recomendamos escuchar el trabajo completo. ¡No tiene desperdicio!

una de las voces del momento, el sudafricano Lazarusman, en colaboración con Jazzuelle. Un moderno deep house construido con pocos sonidos que logra una gran atmósfera. Destacamos los dos remixes a cargo de uno de los artistas más creativos que tiene este género a la hora de construir ritmos, el señor Fred Everything. Nuestro elegido: “Colors Of Winter Mix”. ¡Imperdible!

8.0 Krankbrother

When You Are Watching Me Krankbrother

Estos dos hermanos londinenses nos muestran su versatilidad a la hora de crear música. Su último lanzamiento cuenta con el tema que le da nombre a este EP, en el que encontramos un delicado bajo, suaves y melódicos arpegios y un vocal femenino envolvente que se funde dentro de esta canción, logrando una pieza melancólica y sutil. El lanzamiento se completa con “Washed Up”, un track mucho mas enérgico y de pista. djmagla.com

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Trance REVIEWS MARCELO FRATINI djmarcelofratini@hotmail.com

RAPIDITOS 9.0

9.0

Markus Schulz Indecent Daybreak Noise

Future Sound of Egypt

Hydra

Markus lanzó su más reciente trabajo bajo Coldharbour, su propio gran sello. Como siempre, manteniendo el espíritu característico del sello, el cual lo identifica.

Si buscamos un adjetivo que le siente bien a este track, seria: demoledor. Una vez más, Alek hace de las suyas. Esta vez, trayéndonos a “Hydra”, el último de sus lanzamiento bajo el sello que él comanda.

Mental Asylum Records

9.0 Beamrider

Uno de los sellos emblemáticos que tiene en la actualidad el trance es el FSOE. Y, si del género trance se trata, ¿quién mejor que este dúo para demostrarlo? SkyPatrol -conformado por ReOrder y Standerwick- nos da a conocer “Shut Up!”, su último trabajo bajo este exitoso alias. Es un track con muchísima fuerza que, pronto, se estará posicionando entre los mejores lanzamientos del mes y sonando en alguna que otra pista de baile.

8.0

Closer (Hassan Jewel Remix)

Second Sun

Producción exclusiva de artistas argentinos a través de Pharmacy Plus. Diego Montiel, bajo el alias Beamrider, nos presenta “Closer”, remixado por otro argentino: Nawuel Protte con su pseudónimo Hassan Jewel.

Vandit Records

Pharmacy Plus

ReOrder & Standerwick pres. SkyPatrol Shut Up!

[Boom]

Coldharbour Recordings

10

Empire (Alan Banks Remix) El dúo Second Sun tuvo su track “Empire” remixado por Alan Banks y, nada más ni nada menos, salió por los 15 años de Vandit Records, el sello del señor Paul Van Dyk.

ESTIGMA

9.0 Aimoon

The Dark Side

Otro sello que no para de lanzar excelentes trabajos es, sin dudas, este que pertenece al gran Mark Sherry. Hablamos de Outburst Records, la plataforma que nos da a conocer a este interesante artista procedente de Moscow, llamado Aimoon, que nos presenta su nuevo single “The Dark Side”. Habrá que estar atentos a sus próximos trabajos ya que es una de las promesas del género en pleno ascenso.

“Wake Up Call” – Subculture “Love Of My Control ft. Christina Novelli” – Future Sound of Egypt

03. Maratone & Dreamy

“You ft. Danny Claire” – Tytanium Recordings (Black Hole)

04. Ferry Corsten pres. Gouryella “Anahera” – Flashover Recordings

05. Angry Man

“Muse” - Mental Asylum Records

06. Lee Osborne

“Safe In The Sky ft. Roxanne Emery (Cold Rush Remix)” - Monster Pure

07. Daniel Kandi & Max Braiman

9.0 Sam Jones Let Loose

Kearnage Recordings

Gran entrega del sello Kearnage de la mano del DJ y productor galés Sam Jones. Dueño de un sonido particular, en esta ocasión, combinó el sonido tech con una hermosa melodía, una que parecer dar un pequeño respiro para lo que se trae el tema después… ¡Otro de los favoritos de muchos DJs a la hora de reventar una pista!

“Sky0cean!” - Always Alive Recordings

08. Bryan Kearney & Will Rees

“Prime Example” – Kearnage Recordings

10

09. ReOrder & Standerwick pres. Skypatrol “Shut Up!” – Future Sound of Egypt

10. RAM

“Elijah” - Black Hole Recordings

10 BRYAN KEARNEY Wake Up Call Subculture

9.0 Menno De Jong Abhyasa (Alex Di Stefano Remix) In Trance We Trust

¿Confiamos en el trance? ¡Por supuesto! ¿Cómo no vamos a confiar? Más aún si nos regalan este excelente trabajo. “Abhyasa”, creado por el holandés Menno De Jong y remixado por uno de los productores del momento, uno de los más buscados por muchos productores si de remixar se trata, dueño de un estilo particular y único, como lo es el italiano Alex Di Stefano.

En esta ocasión, el destacado del mes es para el irlandés Bryan Kearney, quien nos presenta su trabajo más reciente denominado “Wake Up Call”. Lanzado mediante el sello Subculture, el cual nos tiene acostumbrados a grandes lanzamientos como este, hemos comprobado que a la hora de tirarlo en el dancefloor, no hay una sola persona que no lo baile con el alma. Desde la primera vez que lo escuchamos, quedó como claro candidato para ser el número uno del ranking, sin lugar a dudas.

Outburst Records

01. Bryan Kearney 02. Sneijder

Otro excelente lanzamiento de Subculture. Esta vez, es el turno del dúo procedente de Dublín, Flynn & Denton. Puro sonido trance, sin lugar a dudas. Los amantes del género están más que agradecidos con esta entrega que será, sin dudas, otra de las favoritas en más de una lista de reproducción.

Flynn & Denton Second Chapter Subculture

9.0 Lange

Formula None (Alex Di Stefano Remix) Lange Recordings

Stuart Langelaan, más conocido como Lange, nos presenta su nuevo track. Lanzado desde su propio sello Lange Recordings, aparece remixado por, nada más ni nada menos, como mencionamos anteriormente, el productor del momento: Alex Di Stefano. Una excelente combinación entre ambos sonidos que terminan dando como resultado esta hermosa producción llamada “Formula None”. ¡Para prestarle atención!

8.0 ReOrder Saivan

Tytanium Recordings (Black Hole)

Nuevamente, ReOrder se hace presente en nuestro chart pero, esta vez, lo hace en solitario y nos da a conocer su último material, de la mano de la etiqueta Tytanium Recordings, perteneciente a reconocido sello discográfico Black Hole Recordings. Este productor eslovaco, un verdadero grande del género en la actualidad, nos trae el sonido uplifting en su máxima expresión con “Saivan”.

9.0 Starfighter

8.0

Apache (John O’Callaghan Remix)

Sean Tyas

¡The Big Boss! John O’Callaghan nos trae este poderoso remix de un verdadero clásico del género como lo es “Apache”. Con su sonido característico, le dio ese toque “Joint” para relanzarlo nuevamente bajo su sello discográfico. Cosas como esta son las que, a veces, marcan la diferencia de los grandes.

¡Lo extrañábamos mucho y regresó con todo! Por supuesto, hablamos del carismático Sean Tyas. El productor americano se unió con la sub etiqueta de Armada Who’s Afraid Of 138?! para brindarnos este terrible track. Nosotros, los fanáticos, estamos más contentos por su gran retorno. ¡Hay Sean para rato!

Subculture

Reach Out

Who’s Afraid Of 138?!

djmagla.com

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TECH HOUSE REVIEWS FESTA BROS info@festabros.com

RAPIDITOS 10

9.0 9.5

Kid Creme

German Brigante

Suara

Get Physical Music

Austin’s Groove (Volkoder Remix)

STEVE LAWLER Libertine

Knee Deep In Sound

Nuevo lanzamiento del emblemático Steve Lawler en Knee Deep In Sound. “Libertine” suena vanguardista pero con algunos de los viejos sonidos del acid house que están volviendo en estos tiempos. Ubicado dentro del “Ibiza 2015 Sampler”, es una clara muestra de que el sello discográfico de Hot Since 82 ya está marcando tendencia.

Con su plataforma discográfica en auge, Coyu se dio el lujo de reavivar a un gran artista del house como es Kid Creme. Desde Suara, salió un EP con varias remezclas del clásico del house “Austin’s Groove”. Entre todas, seleccionamos la remezcla que llegó de parte del ascendente artista brasilero Volkoder. Sonidos típicos del house al estilo “At Night”.

I Warned You ft. Thomas Gandey

Luigi Rocca & Hugo

¡Una bomba! El track había salido hace un tiempo y ahora volvió a ser editado por la casa del sello alemán, que lanzó un compilado en sociedad con Traktor. Melodías perfecta para un track de esos al que no le falta nada. Le decimos: ¡Gracias, German Brigante!

303lovers

9.0

Sabb

One Of Us ft. Forrest (Dennis Ferrer Remix) Moon Harbour Recordings

Weiss

Man Gone Toolroom

Weiss, el hombre deep de Toolroom, entrega “Man Gone”, una producción original que presenta unos vocales al estilo Moby. El track tiene ese groove al que nos tiene acostubrados, acompañado de unos teclados consistentes y un estilo muy de la vieja escuela. El EP salió junto con la reinterpretación de Tube & Berger, entregando una remezcla más profunda.

¡De lo mejor! Con vocales muy pegadizas y un remix de lujo, a cargo del grandioso Dennis Ferrer. El track volvió a ser editado por Defected en el compilado “Most Rated Ibiza 2015”, una reunión de grandes tracks de house y tech house que incluyó producciones de artistas como Basement Jaxx, Hector Couto, Claude VonStroke, Noir, Riva Starr y Oliver Dollar, entre otros.

Sable Sheep

Butterflies Drowning EP Moon Harbour

Editado por el sello discográfico de Matthias Tanzmann, llega este trabajo de parte del alemán Sable Sheep. El “Butterflies Drowning EP” contiene tres producciones inéditas que presentan diferentes ritmos. Con mucho groove, acid y deep, ¡hay para todos los gustos! Destacamos “Grim”, un track que suena muy entretenido y que podría funcionar tanto en un warm up como en medio de un set. ¡Para probar! 80

djmagla.com

El nuevo EP de 303Lovers, creado por Luigi Rocca y Hugo, sirve todo. Dos tracks muy útiles…

Sinisa Tamamovic

After All Bad Things (Andhim Remix)

Yoshitoshi Recordings ¡El dúo del momento! Nuestros amigos de Andhim siguen sumergiéndonos de a poco en el sonido del house alemán.

Technasia & Green Velvet Suga

Toolroom

¡Lo mejor que hemos escuchado en mucho tiempo! Es la conjunción de dos pesos pesados en un track que, para este entonces, ya cuenta con gran éxito. Con las vocales que aportó Green Velvet y las guitarras súper funky que grabó Technasia, quedó claro desde el momento en que salió por Toolroom que no era sólo un track más. ¡Imposible no moverte con esta nueva producción!

Do Santos & Who Else Acid Club Toolroom

El argentino Who Else creó “Acid Club” junto al brasileño Do Santos. Un track que presenta un sonido muy moderno y recomendable. Gran dupla latina en el reconocido sello.

9.0 Detlef

Standing By (Phillipp Bader Remix) Tronic Soundz

Acá se juntaron dos nuevas potencias. Philipp Bader remezcló a Detlef y es algo que no se pueden perder.

DOSEM

01. Dale Howard

“Vacant” - Objektivity

02. Tiger Stripes

“Detroit” - Truesoul

03. Cristoph

“Slowly Burning ft. Jem Cooke” - Defected

8.5 7.0

Beach of Bones

8.5

9.5 10

9.5

7.5

Metodi Hristov Dark Matter Deeperfect

Desde Bulgaria al mundo, Metodi Hristov sacó el “Automatism EP” con dos producciones originales en el sello de Stefano Noferini. Entre ellos, se destaca “Dark Matter”, una producción que mantiene una esencia deep tech con toques de progressive, bajos muy marcados y una atmósfera muy profunda. De la mano de Metodi, Deeperfect se renueva con este sonido.

7.0 Solomun Nada

Diynamic

No es la faceta que más nos gusta de Solomun pero no podíamos dejarlo afuera. Si hay algo que podemos decir de este señor es que siempre está marcando tendencia y sabe posicionarse en la vanguardia de más de un género. El EP, que vio la luz por su propio sello, presenta tres tracks originales entre los que destacamos “Nada” –significa “esperanza” en Serbio-, la producción más movida del lanzamiento.

04. Hot Since 82

“Play The Room” - Saved Records

05. Doorly & Dajae

“t’s About The Music Man” - Cajual Records

06. Mark Fanciulli

“8 Track (Terrace Mix)” - Saved Records

07. Jel Ford

“Ode To Basement” - Drumcode

08. The Chemical Brothers

“Go (Special Request Warehouse Mix)Virgin Emi

09. Dusky

“Jilted” - 17 Steps

10. NY’s Finest

“Do You Feel Me (Dosem Remix)” - Toolroom


Bass REVIEWS BAD BOY ORANGE badboy@djorange.com

RAPIDITOS 7.0

7.0

KilldaBrain

C.A.B.L.E

LuvDisaster Records

Dutty Audio

Voices EP

Talento argentino en las bateas del drum & bass mundial, lanzado por el sello brasileño LuvDisaster. “KilldaBrain” es minimalista, neurofunk e intenso pero bajo control. Se destacan “Voices” y “Discerning”.

Soundsystem EP En el camino junglista de Digital & Spirit llega el track “Soundsystem” pero recargado con los poderes nueva escuela de C.A.B.L.E. Completa con remixes de “Individual” de Maztek y Chap, Andrezz & L-Side.

7.0

7.0

Playful

Varios

Liquid Brilliants Rec

Abyss

Retrospective EP Esta joven promesa del drum & bass rosarino comienza a dar frutos. En esta ocasión, bajo el sello ruso Liquid Brilliants y con una colección de soulful y liquid de alta calidad. Sorprenden “1961” y “Glory Feelings”.

Foodworks Vol.1 Extenso compilado internacional de footwork a cargo de la argentina Aylu, con participación de los locales Chamal, Loder y Daleduro, junto a artistas de Japón, Estados Unidos, Reino Unido, México, Alemania, Bélgica y más.

DRUMSOUND & BASSLINE SMITH 01. Drumsound & Bassline Smith

“Fearless ft. Stealth” - Technique Recordings

02. Tantrum Desire & Drumsound & Bassline Smith

“I Need You Here” - Technique Recordings

03. Loadstar

8.0 DJ Marky

My Heroes LP

El ícono sudamericano del drum & bass sale a la cancha con su esperado álbum debut. DJ Marky gambetea con destreza en el terreno del soul, funk, disco y R&B, condensado en progresivas bases aceleradas y calor brasileño. Con participación de un seleccionado junglista que incluye a Makoto, A Sides, Singing Fats y Random Movement, mete un golazo con la pegadiza “Silly”, se luce en la groovera “Crystal Illusions” y, también, tira unos centros para los que les gusta el house con “Around You” y “Freedom”. ¡Bombardero!

9.0 Loadstar

“I Need Somebody” - Technique Recordings

05. Document One

06. Tantrum Desire

“Pump” - Technique Recordings

07. TC

“Show Some Love ft. Little Grace” - 3 Beat

08. Document One

“Follow Me” - Technique Recordings

09. L Plus

“Raindrops” - Technique Recordings

10. Tantrum Desire

“Oblivion ft. Solah” - Technique Recordings

8.0 Cyantific

Colour In The Shadows Viper Recordings

Cyantific está que arde. Luego de llegar al primer puesto de Beatport con “High Water Mark”, remixar “Outlines” de Mike Mago & Dragonette y “Can’t Stop Playing (Makes Me High)” de Dr Kucho! & Gregor Salt, nos trae el himno “Colour In The Shadows” con la voz de Benji. Guitarras electroacústicas, pizzicatos, empalagosos coros y un solo de sinte bien ochentoso... ¡No le falta nada! Del otro lado, con “No More Heroes” se corrompe para darnos un maldito y sucio bajo que nos lleva por delante y nos deja sin documentos.

Diversified LP

Technique Recordings

Los últimos 10 años, Jay y Devin de Londres se dedicaron a derramar munición pesada para las grandes pistas de bajos pesados. De “Diversified” no podemos esperar nada menos. ¡Esto es gigantesco! A través de 16 tracks definen el drum & bass para estadios sin aflojar un segundo. De brillante producción, texturas del trance y el EDM van a más de 160 beats por minuto y se destacan “Pump”, “Genesis”, “The Sacrifice” y “I Need You Here”. Cuenta con colaboraciones de Matrix & Futurebound y Drumsound & Bassline Smith.

Native / Once Again RAM Records

Desde Bristol, llega este balanceado simple del dúo integrado por Xample & Lomax. Por un lado, tenemos a Native, un roller muy radial con suaves vocales y arpegios de piano que cabalgan sobre aceleradas baterías y una línea de bajo que se va pudriendo con sutileza. En cambio, con “Once Again”, te traen el caos y se pone intenso, ágil y sin complejos, destinado a encender cualquier pista y ganarse hasta un rewind. Loadstar está de vuelta y con estos dos tracks reafirma su versatilidad y talento.

0.0

“I Got A Fever” - Technique Recordings

9.0 TANTRUM DESIRE

Innerground Records

“Native” - RAM Records

04. Drumsound & Bassline Smith

con tiros láser y raggamuffin. Redondea con la suave “All For Nothing” en versión drum & bass, junto a la inmejorable voz de Diane Charlemagne.

8.0 Taxman

Creepshow EP

8.0 Levela

Darkness

MultiFunction

¿Quién lo frena a Levela? Con tan sólo 26 años, este londinense lleva adelante el sello Multifunction con más de cincuenta ediciones en cinco años y, ahora, nos entrega este extenso EP de nueve tracks exclusivo para las pistas de la ciudad. Minimalista, elemental, gutural y absurdo el jump up de Levela es una ofrenda al baile más deforme y disparatado. Con picos como “Style Driver” con samples de los Beastie Boys, el technoso “Impulse”, groovero “Mafia” y los ladridos de “Darkness”. Incluye remix de “Give Me More” por Upgrade.

Playaz Recordings

DJ Hype y Pascal presentan el nuevo EP de Taxman. Abriendo con “Creepshow”, track que le da título al EP, sampleando la película de terror de los ochenta del mismo nombre; seguido por “Reprezent”, donde baja un par de cambios y la groovea; y, luego, “Billy Big Bollocks” se pone intenso nuevamente. Taxman hace puré la pista otra vez con “Falling Down” y con “Night Shade” patea traseros

8.0 Varios

Point Of Origin Vol. 1 Shogun Audio

Siempre con un ojo en el futuro, el sello de Friction, Shogun Audio, nos entrega esta selección de alta calidad que reúne estrellas emergentes del drum & bass. Trece pistas que

ilustran el amplio espectro de los ritmos quebrados acelerados, destacando el espeluznante “Sheildbreaker” de Posij que te da látigo -¡literal!, ¡escuchalo!-, el retro “Raverworx” de Coleco a 160 bpm, “Saturation” de Karma en movido plan neurofunk y el soul minimalista “Nevertheless” de Need For Mirrors con la voz de Steo.

8.0 Firefox

So Solid / Keep It Raw Philly Blunt Records

Detrás del pseudónimo Firefox se encuentra una de las leyendas de la escena del jungle y el drum & bass que vuelve con este alias luego de cinco años. El paso del tiempo no le quita las mañas y el sonido clásico de Bristol se mantiene intacto pero vigente en “So Solid” y “Keep It Raw”. Cuentan que es un adelanto del álbum debut para Philly Blunt, que llegará a fin de año. Si escuchaste “Warning”, “Bonanza Kid”, “Buck Rogers” y “Who Is It”, sabés de quién hablamos y, si no, ¡es momento de ponerse a investigar! djmagla.com

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Techno REVIEWS MEKAS micromekas@gmail.com EMMA BUEZAS emma@unique.comunity.com

8.0 BERGHAIN 7 PART II

OSTGUT TON

El EP “Berghain 7” de Ostgut Ton es un compilado de 4 tracks seleccionados por Function para su reciente set “Berghain 7” editado en formato CD. El disco cuenta con la participacion del ingles Steve Bicknell, Post Scriptum, L.B. Dub Corp (aka Luke Slater) y Blue Hour. Una exelente seleccion de techno con un sabor old school y refrescante al mismo tiempo. Sobresaliente trabajo de Post Scriptum y L.B. Dub Corp con un groove cercano al house.

9.0 Stephan Bodzin

Singularity (Original Mix) Life And Death

Este nuevo lanzamiento del alemán Stephan Bodzin para Life & Death es un EP cargado de emociones que, progresivamente, se van desencadenando y generan varios pasajes. Conserva el sonido moderno y de culto que propone el sello pero, a su vez, se deja ver la mano de Bodzin. Sobre todo, por esos bajos electro inconfundibles del oriundo de Bremen. El edit de Monoloc no pierde la escencia del track original y tiene una adaptacion mas para el mainfloor, donde Sascha Borchardt agrega una base technosa y un sonido mas aspero que convierten el track en una joyita para las 5 am.

8.0 Alan Fitzpatrick U Said U Drumcode

Alan Fitzpatrick hace un regreso triunfal a la escuderia de Adam Beyer -Drumcode- y, como nos tiene acostumbrados, este disco ofrece 82

djmagla.com

tres bombas increíbles que cualquier DJde techno de estos dias no puede dejar de tener en su batea. “Love Siren” es un track repleto de poder, preparado para derribar multitudes y festivales. “U Said U” es una pista muy promocionada por el radioshow de Drumcode ya que es el nombre que lleva puesto el EP. Plena oscuridad y groove, una vocal perdida de fondo y bajadas que fusionan melodias armoniosas con ese toque de techno festivo marca registrada de Drumcode. “Rumours”, con un sonido mas discreto y súper mental, es el track que más hace viajar a quien escuche el disco.

7.5

8.0

RAPIDITOS

Lewis Fautzi

Galactic Signal

8.0

Figure

El joven integrante de Pole Group edita su “Galactic Signal EP” en Figure, sello de Len Faki. El productor portugués, que tuvo un año muy acertado en cuanto a releases en lo que va del 2015, presenta tracks con un estilo acid muy claro, sin dejar de lado su caracter serio y contundente. El EP contiene un tema introductorio downtempo, muy influenciado por Plastikman. Por otro lado, los otros cortes tienen toda la fuerza enfocada en el dancefloor.

Oliver Huntemann

Bird EP

7.0

Minus

Un EP de Minus muy potable para el mercado que consume la escuela de sonido que instaló Richie Hawtin. Sin caer en el minimal techno clásico que supo tener la etiqueta como bandera desde su creación, Julian Jeweill ofrece tracks muy potentes y un sonido techno mecánico y melódico a la vez que genera momentos de oscuridad, acompañados de fuertes beats. “Bird”, “And We” y “Concept” son las tres piezas que conforman este disco no apto para quienes buscan relajarse en la pista de baile.

7.0

Rødhåd

Kinder der Ringwelt Dystopian

El alemán edita el primer EP de lo que va del 2015 en su propio sello Dystopian: “Kinder der Ringwelt”. Sin dudas, Rødhåd se convirtió en un ícono actual del techno mundial, con numerosas presentaciones en festivales y clubes del mundo entero. El disco es muy musical, con paisajes sonoros experimentales. El segundo corte del EP, “Kinder der Ringwelt”, está incluido en el DJ set de Function “Berghain 7”, editado por Ostgut Ton en CD recientemente, colocando al EP en un lugar de total prestigio.

James Ruskin & Marc Broom Edits EP Blueprint Series Ltd

James Ruskin y Mark Broom se unen una vez más para lograr “Edits”. A través de la serie de lanzamientos Blueprint Ltd, es el sexto de una serie limitada del sello. “Council House” posee una bateria muy potente que ubica al track en una atmósfera incansable de techno pesado, con algún que otro sonido acid dando vueltas y explosiones muy propias de este estilo. Mientras, “Hostage Edit” es un rework del EP que hicieron juntos en el 2010 bajo el nombre “No Time Soon”. Es una versión mucho mas agresiva que la original y crea un ambiente bastante hipnótico pero, a la vez, súper áspero y retorcido.

Zedje

Schwarzlicht & Filmriss Senso Sounds

Los opuestos chocan a la perfección en este nuevo lanzamiento de la leyenda de Hamburgo, Oliver Huntemann, quien vuelve a editar en su sello Senso Sounds con dos tracks efectivos, perfectos para la pista.

Julian Jeweil

7.0

8.5 Danny Daze

Cold and Distant Faut Section

El productor argentino Zedje lanza su nuevo EP en formato digital en el sello de Lewis Fautzi: Faut Section. Un disco que navega entre el acid house y el deep techno, siendo “Imposition” la pista con mas peso.

8.0 Alexey Volkov Issue 07

Dual Ep

Jealous God

Ultramajic

Danny Daze es elogiado por su diversidad y su visión es romper fronteras sonoras. Luego de editar en Kompakt y Ellum, regresa a Ultramajic con un suave EP de techno. “Ready2go” va por el lado mas deep del disco mientras que “Rhythm Box” es mucho más contundente e hipnótico.

El nuevo EPde Jealous God, sello de Silent Servant, es de Alexey Volkov. Tres excelentes tracks que combinan techno, noise y EBM. Sonidos oscuros y modulares, sumamente recomendable para los amantes del estilo.

BODELER

01. Villalobos

9.0 Antigone

“Buffalo Demon” - Raumm

02. Federico Molinari “Easy Faces” - Epilog

Cantor Dust

03. Federico Molinari

El francés residente de Concrete Antigone edita su primer álbum en el sello belga Token. Un álbum definitivamente imperdible con una sonoridad conjunta que logra abordar varios estilos, paisajes experimentales, con mucho deep techno y break beats. “Astral” y “Enter” muestran una fuerza muy caracteristica, aunque las ocho pistas que conforman el doble vinilo son excelentes. Uno de los mejores y más destacados discos del año, con un productor en constante evolución que presenta uno de sus mejores trabajos.

04. Bodeler & Juan zolbaran

Token

“Elequix” - Pressure Traxx “Unique” - MOFF

05. Black Dynamite

“Busted Loop” - Fear Of Flying

06. Crihan

“Uelden” - Ultrastrerch

07. Verrina & Ventura “La Citta I” - Fasten

08. East End Dubs

“A1 Unknow” - East End Dubs

09. Ion Ludwig

“The Realm (2012 Mix)” - Eklo

10. Patrick Klein & Dario Reimann “Encounter” - Subtil


TECHNEWS

VEREDICTO

Soporte para laptop Hercules

9.0 Calidad Facilidades de uso 8.0 9.0 Precio-Calidad

Textos: MICK WILSON

VENTAJAS

Simple de usar, robusto, con estilo y un gran diseño.

¡TODOS JUNTOS!

DESVENTAJAS

El nombre es muy malo.

Para hacer las cosas más sencillas, Pioneer creó un reproductor “todo en uno”.

Este soporte es una pieza de calidad para el equipamiento de un DJ o productor, un gran compañero de trabajo para aquel que necesite un buen producto para bancar su laptop.

p.85

CONTACTO

herculesstands.co.uk

EN BUSCA DEL RITMO PERFECTO Reloop presentó el nuevo controlador Beatmix 4...

p.89

QUE NO PAREN LAS ROTATIVAS El nuevo rotary mixer de Rane tiene características increíbles.

p.91

EN EL PUNTO G

Los pioneros del G house Amine Edge & DANCE nos abrieron las puertas de su estudio...

p.95

84

djmagla.com

8.7

SOPORTE TÉCNICO

Mencionar el nombre Hércules nos trae imágenes del personaje mítico con fuerza extrema. ¿Puede este nuevo soporte proclamarse como una leyenda del siglo 21?

S

iempre será difícil conversar acerca de los acompañamientos que encuentran su lugar en el kit de algún DJ. ¿Cuántas cosas podemos decir acerca de soportes y chiches diseñados para hacer más fácil la vida de los DJs y productores que dificilmente generen una revolución como pueden hacer nuevos controladores, bandejas, mixers o sintetizadores? Si, es difícil. Pero sigue valiendo la pena mencionar estas cosas y, con esa introducción, vamos a chequear este soporte ingenioso de aspecto creado por una compañía que se llama Hercules Stands.

A decir verdad, por la emoción, al equipo de DJ Mag le llevó unos segundos más de lo común cuando lo intentó armar, arrancando el envoltorio cono lunáticos -debieron haber leído las instrucciones que son sumamente simples. Es genial que no sea algo complicado. Para asegurarnos que el soporte funciona, hay dos puntos con tornillo -uno en la base y el otro en el borde de la laptop- que pueden ajustarse y mantienen todo en su lugar. El ángulo del soporte se puede ajustar usando los tornillos de abajo o de arriba, dependiendo de qué quiera el usuario y de la situación en que se encuentre.

Hercules ha estado haciendo soportes decentes para músicos desde hace tiempo. Cubren todo, desde tecladistas hasta entusiastas de la música, y tienen una buena reputación con piezas robustas y bien construidas que, además, presentan una imagen cool gracias a la combinación de los colores negro y amarillo. Como lo anuncia su nombre, son muy fuertes y se van a aguantar todos los abusos que acompañan a la vida de viaje. Son soportes para profesionales, no hay duda de eso.

La calidad del soporte es muy buena. Las secciones están hechas de un metal plano, un diseño tubular que juega un papel fundamental en el set up y en la función para plegar y guardar, que lo deja de una manera bien compacta.

Hercules entrega el soporte para laptop DDG400BB en un estuche acolchado para transportar que entra perfecto en alguno de los productos que usan los DJs para transportar sus equipos. El tamaño del estuche y del soporte es sorpresivamente compacto, gracias a su ingenioso diseño plegable. Eso significa que el soporte se pliega de forma plana y parece más pequeño de lo que es. Este es, sin dudas, una diferencia con respecto a los soportes que más vemos dando vueltas. El torpemente nombrado DDG400BB es simple de desplegar. Utiliza una acción de apertura giratoria que forma dos apéndices en forma de “V” cuando se separan: una parte sostiene la laptop y la otra forma la base del soporte. Estos dos brazos se conectan con una pieza vertical que se parece a una escalera y permite un ajuste de altura bien sencillo. ¡Se arma en cuestión de segundos!

Es un producto robusto y, en verdad, tratamos de hacerlo fallar. No hubo chances con el soporte armado y ajustado. Su forma le da verdadera solidez al diseño. Lo maltratamos mucho, con y sin la laptop en él. El diseño de los tornillos, así de básico como parece, funciona. ¡Todo el soporte funciona! Hemos usado otros soportes y, en este punto de análisis, ya se habían caído, resbalado, quebrado, girado o cualquier otro accidente posible. Nada de lo que un usuario querría que ocurra. Mientras está etiquetado como un soporte para laptop, sería bueno que pudiera ser usado para controladores o pequeños teclados. Incluso, sería bueno si Hercules hiciese una versión algo más grande -como para un Maschine o algún otro aparatejo de esos que tanto nos gustan. Todo, excepto el nombre DDG400BB, es bueno. Quizás, haberlo llamado “Soporte para laptops Hercules”, hubiera sido mejor. Este soporte es distinto. Hace el trabajo de manera genial, se ve bien, se guarda de manera cómoda y no es muy pesado pero aguanta el peso como si lo fuera. Es una muy buena adición para el kit de cualquier DJ o productor de la comunidad electrónica. u


TECH Pioneer XDJ-RX

CONTACTO

Textos: LUKE PEPPER

pioneerdj.com

¡TODOS JUNTOS!

Pioneer juntó dos compacteras y un mixer para crear el último reproductor “todo en uno”...

A

quellos DJs que están buscando comprar un controlador, ciertamente, no van a enfrentarse a una escasez de productos, con casi todos los gustos y preferencias atendidas por todos los modelos que se fabrican. Sin embargo, a pesar del amplio rango de elección, uno de los grandes problemas que deben enfrentar los DJs que tocan con controladores es que deben agregar más equipos a su set up y, no sólo se dificulta su traslado sino, además, puede resultar difícil de acomodar en una cabina abarrotada. Ahora, con el lanzamiento de su nuevo controlador XDJ-RX, Pioneer está buscando formas para eliminar este tipo de problemas, lanzando una estación de trabajo para DJs con un sistema que se puede usar en el hogar para poner a punto las habilidades de mezcla con la familiar disposición que se encontrará en cualquier cabina, sin necesidad de llevar ese controlador. Una movida sólida que afirma la posición de Pioneer de estandarizar las cabinas con sus softwares y sus productos en conjunto. Los DJs sólo deberán llevar su USB y unos auriculares a sus shows, y se podrán olvidar de sus laptops. SOLUCIÓN PARA EL HOGAR El XDJ-RX tiene total sentido. Es una perfecta solución para los DJs que mezclan usando CDJ pero no tienen el dinero necesario para comprarse dos CDJ 2000 Nexus y un mixer 900 Nexus. Para DJs en sus primeros pasos, el XDJ-RX representa una excelente opción por su precio y tiene la misma disposición y muchas de las características de las CDJ 2000 Nexus, algo que hará más fácil la transición de un XDJ-RX a la cabina de un club. Y, para ser honestos, es ideal para clubes o espacios pequeños que no necesiten un set up con Nexus a todo trapo. Otra razón por la que el CDJ-RX merece especial atención es que es un controlador que no necesita tener una laptop conectada y los puertos USB pueden leer pen drives o discos duros y pasar los archivos musicales directo desde ahí, aunque los temas deberán ser analizados usando la Rekordbox

de Pioneer para hacer el uso completo de las opciones que ofrece. Las laptops pueden ser conectadas vía USB o wifi y los tracks pueden ser reproducidos desde algún smartphone de forma inalámbrica o con cables, usando el software del Rekordbox o la aplicación móvil. El XDJ-RX tiene casi todas las funciones de un CDJ 2000 Nexus. Una notable excepción es que no posee ranura para tarjetas SD y que no tiene la tira de búsqueda, pero el flujo de trabajo es idéntico y los DJs se sentirán familiarizados casi instantáneamente con los controles. Una gran diferencia entre los reproductores CDJ 2000 Nexus, el XDJ-1000 y el XDJ-RX es que, mientras las primeras dos tienen una pantalla por deck, el último tiene sólo una pantalla, la cual es compartida por ambos decks y tiene un flujo de trabajo visual más relacionado a softwares como Serato DJ. El XDJ-RX viene con un nuevo grupo de pads debajo de cada deck, bajo el plato, que pueden ser usados de varias maneras, asociados con los otros botones que se ubican justo encima. La función para cortar loops es, probablemente, la forma más divertida de meterse con los tracks, usando los pads para cortar secciones con varias longitudes y gatillarlas –en perfecto tiempo- para crear efectos de mezcla súper cools. Los pads, además, pueden usarse para disparar y borrar cues así como, también, para usar las funciones normales de loop. Durante el uso, los modos loop y slice son muy divertidos y se usan de manera intuitiva. Mientras los DJs de la vieja escuela usarán los pads para las funciones de cue, los pellizcadores y botoneros pasarán horas desarmando o multiplicando drops, bajadas y efectos al igual que lo hizo el equipo de DJ Mag cuando Pioneer le acercó el equipo para ponerle las manos encima. BIEN EQUIPADO La mayoría de los otros controles son exactamente como uno esperaría -como el fader del pitch, los controles de loop, el sincronizador de beats, los platos y los botones de play- pero los botones de búsqueda han emigrado a lo más alto de la

VEREDICTO Calidad Facilidades de uso Funciones Precio-Calidad Calidad de sonido

8.0 9.0 9.0 9.0 9.0

VENTAJAS

Efectos “Sound Color”, características al estilo CDJ Nexus 2000 junto al flujo de trabajo Rekordbox y cuatro pads. DESVENTAJAS

El motor interno de audio no es tan bueno como el de un CDJ 2000. Pioneer creó una gran estación de trabajo para el hogar o el estudio, para DJs con el mismo sistema de trabajo y las mismas características que un CDJ 2000 Nexus, por una fracción de su precio.

8.9 superficie de control con respecto a los CDJ 2000 Nexus o al XDJ-1000. No es algo demasiado importante. Cada una de las secciones del deck tiene un gran plato: no tan grande como una compactera CDJ 2000 pero lo suficientemente grande como para que haga su trabajo. El XDJ-RX viene completo con una pantalla central de LCD y un saludable puñado de puertos USB, de los cuales uno puede utilizarse directamente para grabar el set: ¡gran adición! Ah, y, por supuesto, tiene conectividad inalámbrica. La mayor diferencia con respecto a la manera usual de Pioneer para hacer las cosas es la pantalla LCD que se ubica por encima de la superficie de control del centro. Aquellos DJs que estén acostumbrados a la forma de trabajar de las CDJ 2000 deberán djmagla.com

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TECH tomarse un tiempo para acomodarse a la pantalla compartida pero, cualquiera que venga de un background con computadoras –Serato, por ejemplo-, lo entenderá enseguida. Sobre todo, creyendo que tiene sentido ya que las ondas aparecen una encima de la otra, facilitando la vista para ver si los temas están sincronizándose de manera correcta. La sección del mixer del XDJ-RX es de dos canales y está muy bien equipada, con funciones como el input separado para el micrófono que provee perillas de control propias para cada uno de los canales, junto con dos bandas ecualizadoras. Hay muchos efectos de primer nivel para jugar, con los efectos “Sound Color” -que presenta el mixer DJM 900 Nexus- con una perilla de control en cada canal y una cuantificada sección de efectos que incluyen echo, delay, spiral, reverb y flanger, sólo por nombrar algunos. Cada canal tiene un ecualizador de tres bandas, perillas para el control de ganancia e inputs para compacteras o reproductores de CD externos. Un

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djmagla.com

crossfader con funciones asignables más la increíble habilidad para usar el XDJ-RX como un simple mixer rodeado de una increíble cantidad de características. Después de gastar un buen rato en el estudio junto al XDJ-RX, se volvió aparente que es un controlador increíble y es una de las mejores opciones para tener, después de un par de CDJ 2000 Nexus y un mixer DJM 900 Nexus. Sí, hay algunas cosas que no aparecen en el XDJ-RX comparado con los set ups de los que mencionamos recién pero, si estuviéramos gastando nuestro propio dinero para comprar una consola para el estudio, la compra del XDJ-RX sería obvia. Este controlador se las arregla para tener todo de manera correcta y los DJs podrán moverse sin problemas entre su estación hogareña y la cabina de algún club, manteniendo una relación confortable con los controles. Para DJs profesionales y aquellos que aspiran a tocar en el circuito de clubes, el XDJ-RX es, posiblemente, uno de los mejores controladores del mercado. u


TECH Reloop Beatmix 4 Texto: LUKE PEPPER

EN BUSCA DEL RITMO PERFECTO A mezclar con el nuevo controlador Beatmix 4 de Reloop...

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uando se reúne un grupo de DJs, inevitablemente, todas las discusiones giran en torno a la música y a los últimos equipos que salieron a la venta, y cada DJ alaba la tecnología de su preferencia y expresa su desprecio hacia los que no están de acuerdo. Claro que los DJs profesionales ya están bien familiarizados con los mezcladores más lujosos y costosos, ya que suelen usar en sus casas los mismos equipos con los que cuentan los mejores clubes nocturnos. Y, aquellos que no corren con la suerte de poseer estas máquinas sofisticadas, anhelan estas maravillas tecnológicas, mientras ahorran el dinero que tanto les cuesta ganar para poder tener el derecho de presumir, un derecho ligado a la compra de este tipo de equipos. Sin embargo, es sencillo olvidar que hasta los DJs más grandes, que hoy cobran cifras astronómicas por tocar, comenzaron desde abajo. Hasta Carl Cox y Sasha se encontraron, en algún momento, confundidos frente a una consola, preguntándose para qué servirían todos esos botones y deslizadores. Por supuesto que, en el pasado, la cabina estándar de un DJ consistía en un par de bandejas y un mezclador, y eran mucho más fáciles de usar que la combinación de computadoras e interfaces hardware con la que tienen que aprender a mezclar los DJs que surgen hoy en día. Afortunadamente, en la actualidad, comenzar a desempeñarse como DJ no tiene que ser un asunto particularmente costoso o técnicamente desafiante, ya que existen cantidades de

controladores económicos para DJs que brindan a los novatos electrónicos una gratificación instantánea al eliminar el complejo desafío técnico con el que se enfrentaban los primeros DJs digitales. Esto permite que los principiantes se puedan enfocar en aprender el arte de mezclar en lugar de tener que lidiar con la pesadilla de los equipos. Con esto en mente, el Beatmix 4 de Reloop es exactamente el tipo de controlador que los DJs nacientes amarán, porque viene con el Serato Intro, es fácil de armar y constituye un sistema completo para DJs listo para agitar una habitación o una discoteca llena. Y, todo eso, a un precio menor que el de un solo plato. Lleva años perfeccionar el arte de ser DJ pero, hoy en día, resulta sencillo aprender las nociones básicas, lo que significa que las potenciales superestrellas que no están familiarizadas con los asuntos técnicos, o que cuentan con un presupuesto limitado, tienen las mismas posibilidades de hacerse famosas que los demás, siempre que dediquen el tiempo y el esfuerzo necesarios para convertirse en maestros del arte. EL PODER DE CUATRO Por su modesto precio, su tamaño compacto y su estructura plástica, está claro que el Beatmix 4 es un controlador enfocado hacia el mercado de las habitaciones de los DJs. Pero eso no significa que tenga pocas funciones o baja calidad. De hecho, este controlador se ve y se siente como si costara mucho más de lo que realmente cuesta, gracias a

su encantador diseño industrial y a sus funciones, como las fabulosos jogs –platos-, que tienen un gran tamaño y da gusto usarlas. El Beatmix 4 viene equipado con una interfaz de audio incorporada de 16-bit y 48 kHz y con una versión del Serato DJ Intro de cuatro canales, lo que significa que sus nuevos dueños tendrán todo lo que necesitan para realizar sus mezclas, siempre que cuenten con sus propios auriculares y con un sistema de sonido. Si bien este controlador está apuntado al mercado de los DJs amateurs, está más que capacitado para defenderse solo en el entorno de un club nocturno, lo que significa que a los nuevos DJs les llevará un buen tiempo dejar atrás al Beatmix 4. Aquellos DJs más experimentados en busca de un controlador digital económico también amarán este mezclador. Como su nombre lo indica, el Beatmix 4 es un controlador de cuatro canales que cuenta con una sección de mezcla de cuatro canales con un crossfader. Cada uno de estos canales tiene un control de ganancia, un ecualizador de tres bandas, un botón cue y un botón para cargar las pistas con función fader start -accesible a través del botón shift-, lo que resulta bastante impresionante para un controlador económico. La sección del master hace lo suyo de una manera simple pero efectiva: tiene una perilla maestra de volumen, un control de nivel para los auriculares y una perilla de control del cue mix. Este es un buen detalle, especialmente, para tocar en vivo, ya que el monitoreo de las cabinas de los DJs suele dejar djmagla.com

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TECH VEREDICTO Calidad Facilidades de uso Funciones Precio-Calidad Calidad de sonido

8.0 8.0 8.0 9.0 7.0

VENTAJAS

Fácil de usar y de armar, con un excelente crossfader y unas ruedas de desplazamiento que da gusto usar. DESVENTAJAS

El mezclador no cuenta con vúmetros ni con controles manuales de loop.

bastante que desear. La búsqueda y la carga de las pistas se efectúan a través de una gran perilla ubicada en el centro del mezclador y de un botón que permite volver atrás. Además, cuenta con un fader de volumen exclusivo para el sampler y con un simpático crossfader cuyo funcionamiento encantará a DJs novatos y expertos. Indudablemente, este controlador está muy bien equipado. Sin embargo, no tiene vúmetros, lo que resulta bastante decepcionante. Pero, para ser justos, estos niveles se muestran en el Serato, por lo que esto resulta un engorro menor, más que un inconveniente mayor. Tanto en el formato de cuatro pulgadas como en el de ocho, el panel frontal del Beatmix 4 cuenta con una entrada para micrófono con una perilla de control de ganancia y con salidas para auriculares, y la parte de atrás tiene salidas phono y un puerto USB. IMPRESIONANTE Las secciones de la consola también están muy bien equipadas: tienen tres perillas para el control de los efectos y una perilla de ajuste de ritmos, que se encuentra en la parte superior, sobre uno de los jogs brillantes y de buen tamaño. El funcionamiento de los platos motorizados o jogs es sublime y extremadamente preciso. Esto, sumado a los indicadores LED de posición, ubicados en el extremo superior de las bandejas, completa un conjunto de funciones

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djmagla.com

impresionante, por demás superior al modesto precio del Beatmix 4. Debajo de cada sección de la consola se encuentran ocho botones grandes y los botones de Pad Mode, que permiten la división entre el cue y el sampler. Cuenta con todos los controles comunes de transporte, sync, cup, cue y play, y con un fader de control del pitch, que si bien es funcional, resulta un poco pequeño para ser totalmente satisfactorio. Casi todos los controles de las secciones de la consola tienen doble función y sus funciones secundarias se activan a través de los botones shift. Esta característica optimiza el uso del espacio limitado de la superficie de control, pero agrega una capa de complejidad al aprendizaje que, al principio, podría frustrar a algunos usuarios. El equipo de Reloop ha hecho un trabajo fantástico con el Beatmix 4, tanto en términos de diseño como de ejecución. El resultado es un estupendo controlador de cuatro canales que cumple con todos los requisitos en cuanto a las funciones, la portabilidad y, sobre todo, la relación entre precio y calidad. El cuerpo de la consola es excelente y tiene algunas características asombrosas, como las ruedas de desplazamiento, el crossfader y una variedad de controles en el mezclador que, realmente, hacen que este controlador se destaque entre la multitud.

El Beatmix 4 es un fantástico controlador de nivel inicial que deslumbrará a los DJs nuevos por la facilidad con la que se arma y por la cantidad impresionante de funciones que incluye.

8.0 CONTACTO

reloop.com

Por ser un controlador económico, le faltan algunas funciones disponibles en los controladores más costosos. Además, este controlador está orientado hacia el Serato Intro, por lo que podría no ser la mejor alternativa para los DJs que planean actualizar el software al Serato DJ. Vale la pena mencionar que existe una versión de este controlador de dos canales llamada Beatmix 2, que es aún más económica y será la indicada para los DJs que deseen realizar sus mezclas en dos canales (como suelen hacer la mayoría de los DJs nuevos mientras aprenden a mezclar). En general, el Beatmix 4 es un controlador fascinante para su precio y se convertirá en una posesión preciada para muchos DJs y mezcladores ocasionales. u


TECH Rane Mp2015 Rotary Mixer

Textos: MICK WILSON/LUKE PEPPER

VEREDICTO Calidad Facilidades de uso Funciones Precio-Calidad Calidad de sonido

9.0 9.0 9.0 9.0 9.0

VENTAJAS

Es muy lindo. Tiene isolator, canal de sub-mix, dos interfaces de audio digitales con USB, filtros digitales y todos los controles giratorios. DESVENTAJAS

CONTACTO

Es muy caro.

dj.rane.com

Un mixer que combina lo mejor de lo viejo y lo nuevo sin esfuerzos, creando el rotary mixer más profesional jamás creado.

QUE NO PAREN

LAS ROTATIVAS

El nuevo rotary mixer MP2015 de Rane es una obra de arte...

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i hay algo negativo en ser escritor de la sección de tecnología de DJ Mag, definitivamente, no es el hecho de ver todos los equipamientos nuevos de parte de varias empresas meses antes que cualquier otra persona. Pero hay un precio que pagar por esta glotonería digital y es el hecho de que no son muchos los equipos que nos hacen abrir los ojos con asombro. A menos que sea algo increíblemente genial lo que aparece en esas cajas recién abiertas, la emoción de los equipos brillantes y el olor a nuevo dejó de darnos esa satisfacción que solíamos sentir. Eso no quiere decir que no haya momentos de asombro donde suenan exclamaciones de admiración cuando se abre algo que realmente sorprende o se ve genial. Hubo una pieza que nos emocionó mucho: el rotary mixer Rane MP2015. Siendo el primero de su especie en mucho tiempo, el MP2015 es un rotary mixer que ha sido construido con los estándares más altos y es el tipo de mixer que cualquier DJ querría tener.

Mientras el MP2015 tiene un look retro de los años setenta, gracias a los paneles de madera y a las perillas negras y plateadas, ha traído a los rotary mixers al siglo 21 gracias a las interfaces digitales de audio y a algunos otros trucos que aparecen bajo la superficie de control. HERMOSO Basándonos por la apariencia, Rane hizo un trabajo excelente. El MP2015 es, simplemente, hermoso a la vista. Va a tener a los DJs jóvenes y viejos con la boca abierta. Una inspección más cercana revela más razones para emocionarse ya que Rane ha tenido un acercamiento sin compromisos para el diseño y los componentes que utilizó para constuir este mixer. Mientras los rotary mixers clásicos como el Urei y el Bozak –construidos en los años setenta- siguen teniendo una gran demanda, moviendo importantes sumas de dinero cuando se venden, son parte de la historia y no tienen varias conveniencias modernas que

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se ven en los mixers más actuales. Por eso ha aparecido el MP2015, porque suma todas esas cuestiones, como la calidad de sonido y los controles rotadores, pero, además, tiene varias características de más para ofrecer, comparado con los equipos más viejos. Por supuesto, este mixer es un producto de nicho: no sólo es un rotary mixer, además, no tiene crossfader y, mientras ofrece un buen valor, se ubica en la cima en cuanto a precios en el mercado. Sólo será el acertado para un puñado de DJs y clubes pero apostamos a que este mixer hará felices a sus selectos usuarios. El MP2015 es un mixer de cuatro canales que, cada uno de ellos, cuenta con ganancia, ecualizador de tres bandas, filtro y control de niveles. Todos son perillas giratorias. Las cubiertas de las perillas usadas para los faders de los canales son hermosas y su acción, que no es tan rígida para operar como esperábamos, no presenta fallas. Los filtros de cada canal djmagla.com

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TECH se pueden elegir entre high-pass, low-pass y un filtro high/low con un interruptor ubicado en cada canal que avisa mediante un botón iluminado y hace un gran trabajo al indicar qué canal tiene sus filtros enganchados. Un medidor ubicado a las perillas ecualizadoras en cada uno de los canales, ofreciendo indicaciones precisas para asegurar altos niveles de equilibrio entre canales. Cada uno de los canales del mixer puede ser asignado a cualquier de las dos tarjetas de sonido incorporadas y tiene un switch que direcciona ese canal al canal de sub-mix. Este es, esencialmente, un quinto canal, casi idéntico a los cuatro canales principales en términos de controles, con la excepción de que este presenta un agregado de control de resonancia para el filtro. Pero, en vez de ser usado para entradas externas de audio, los cuatro canales del mixer pueden ser direccionados individualmente al canal de submix, algo que le brinda una una dimensión extra de control y flexibilidad. El MP2015 está equipado con un canal para micrófonos algo escaso pero funcional que tiene un control de ganancia junto a un control de tono, un switch on/off de la vieja escuela y un botón retroiluminado. Las demás entradas y salidas se ofrecen en la forma de Session In y Session Out, y un loop de efectos, que tiene cada una sus propias perillas en la superficie de control. DE PRIMERA CATEGORÍA Quizás, una de las características que mejor funciona como ejemplo del no compromiso de Rane con la construcción del MP2015 es el isolator/crossover que está ubicado por encima de la superficie de control. Tres grandes perillas le dan un control preciso sobre las bajas, medias y altas frecuencias y los puntos donde cruzan estos controles se pueden manejar con dos perillas más pequeñas, ubicadas entre las más grandes. El isolator es el tipo de ecualizador de alta gama que usan los ingenieros en sonido y, cuando llega a las buenas manos, puede lograr que los tracks suenen excelente. Un simple botón retro iluminado activa el isolator, el cual no solamente da una gran respuesta visual cuando está activado sino, además, agrega flexibilidad a las formas en que puede ser usado. Una de las principales características que separa al MP2015 de sus primos de los años setenta son sus tarjetas de sonido, las cuales son de alta calidad de 24-bits, capaces de samplear

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muestras de hasta 96 kHz. Estas interfaces de audio suenan excelente y se hallan en el lugar correcto, dentro de este gran mixer. Tener dos interfaces de audio con puertos USB separados hace que los cambios en la cabina sean como una brisa. Otras características, como los preamplificadores con calidad de estudio y las entradas digitales para las CDJ, aseguran que la calidad del sonido es de primera categoría. Rane ha evolucionado con este MP2015 que no sólo es un mixer único en el mercado sino uno de los más equipados, que mejor suenan

y más increíbles que se hayan lanzado jamás. Mientras no es el mejor para los que gustan de usar el scratch, para aquellos que les gustan las largas y precisas mezclas, el MP2015 es un pedazo de cielo. La calidad de construcción está fuera de este mundo. La manera en que se ve el MP2015 es increíble y el espacio que tiene la superficie de control lo hace aún más interesante. Para aquellos que buscan lo mejor de lo mejor, no hay dudas de que el Rane MP2015 debería estar en el tope de la lista cuando busquen por el mixer ideal. u


TECH En el estudio con Amine Edge & DANCE Texto: MICK WILSON Fotos: CHARLES ROUSSEL

EN EL PUNTO G

Echamos un vistazo al set up de los innovadores del G house Amine Edge & DANCE...

E

l dúo de productores francés Amine Edge & DANCE acuñó el término “G house” para describir su acercamiento relajado, firme y desinteresado con la música electrónica. Inicialmente absorbiendo inspiración del rap gangster de actos clásicos del hip hop como Notorious Big y Dr Dre en temas para el sello 2DiY4 -”Going to Heaven with the GoodieGoodies”-, fusionando samples con beats de música house –este es el famoso G house-, ampliaron el espectro de influencias para los lanzamientos en su propio sello CUFF. Nos ponemos al día con los muchachos, quienes se encuentran súper cómodos en las instalaciones de Sound Off Studios, en Nueva York. En este lugar, Sly & Robbie, Wu-Tang, Akon, Busta Rhymes y muchos otros han creado beats bien serios, y ellos son los que continúan esa senda. DJ Mag se tomó un tiempo para ver qué hay en el estudio de los líderes del movimiento G house.

artistas. Trabajé con algunos raperos famosos de Francia en el pasado pero, después, decidí producir house con Amine porque era muy divertido. ¡No teníamos idea de las cosas grandes que nos iban a llegar!” ¿Cuál es su set up actual en el estudio? Amine Edge: “Es bien básico. De hecho, el estudio no te convierte en un buen productor. Tu cerebro es el mejor equipo que pueda existir. Tengo una PC que construí yo mismo. ¡Es más poderosa que una computadora de la NASA! Tengo una tarjeta de sonido MOTU 828 MKII que, puede no ser la mejor pero, es suficiente para mí. Un controlador

MIDI MOTU Express 128 para controlar mi hardware MIDI, un Moog Voyager, un Nord Lead 3, un mixer Tascam US2400, muchos bancos de sonido e ideas. Tengo dos monitores Yamaha HS80M, baratos y de buena calidad. Si sabés como suenan tus monitores y tu música, no necesitas los mejores monitores del mundo. Es bueno, como práctica, escuchar tus tracks en diferentes sistemas -monitores, auriculares, auto, club- para comparar con otros tracks que te gustan y tocás seguido.” DANCE: “Nada muy emocionante, a decir verdad. Sólo Ableton Live, dos o tres plugs y un millón de samples y drum kits. Cuando viajo uso mi laptop y, cuando llego a casa, termino las producciones en la

¿Cómo se metieron en la producción y en la música electrónica? Amine Edge: “Yo llegué de la manera clásica, sin nada especial. Empecé como DJ y tocaba en los clubes de mi pueblo. Luego, hice algunas producciones, me firmó un sello, empecé a figurar en internet y me contrataron para tocar fuera de mi pueblo.” DANCE: “La música ha sido mi pasión desde que soy niño. Amine sabía que me apasionaba así que, hace unos 10 años, me aconsejó comprarme una computadora e intentar crear mis propios beats. Yo escuchaba hip hop y R&B todo el día así que, obviamente, ese tipo de música fue lo que empecé a producir. Y era algo increíble. Cuando mis beats de hip hop empezaron a mejorar, me llamaron de un sello discográfico francés y trabajé con grandes djmagla.com

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TECH

PC. Puedo producir con cualquier cosa. Incluso, con unos jodidos auriculares de 10 dólares. Nada me detiene. No necesito muchas cosas. ¡Sólo buenas ideas! Después, para la mezcla y la masterización, uso mis monitores Yamaha HS80. Sé que no son los mejores pero los conozco perfectamente y, además, uso mis auriculares Sony MDR 7580s.” ¿Cómo es un típico día en el estudio para ustedes? Amine Edge: “Primero que todo, tiene que ser de noche, cuando todos duermen, no suenan los teléfonos, no hay ruido, ni hay sol... Eso me pone de ánimo para producir. Me gusta ese momento en el que me siento solo en el mundo y puedo hacer música solo. Ahí puedo hacer cosas interesantes. No puedo hacer música cuando es de día. ¡Es una locura! Debería ver a un psiquiatra... Puede depender de muchas cosas. Puedo inspirarme con un sample que quiero usar o puedo entrar al estudio sin ideas, empezar a jugar con algunas melodías y encontrar algún sonido interesante que vaya con el flow.” DANCE: “Me levanto, tomo un café, me fumo un cigarrillo y abro el Ableton Live. Es como un reflejo. Soy una especie de robot. No veo TV, no cocino, no hago nada. Estoy produciendo todo el día y me encanta. A la tarde, cuando el track empieza a estar bueno, abro una botella de vino, o me tomo mi alcohol favorito de Marsella, el Pastis. Luego, me voy a ver a mis amigos. Al día siguiente, pasa exactamente lo mismo. Ha sido así desde el 2004, si hablamos de mi trabajo en el estudio.” 96

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¿Cómo empiezan un track? Amine Edge: “Siempre he empezado con un sample de hip hop. Después, las melodías y lo demás va llegando naturalmente a mi cabeza, y funciona bien con las baterías. A veces, tengo un hueco en el cerebro así que freno, miro TV o me relajo, y vuelvo más tarde cuando tengo nuevas ideas.” DANCE: “Siempre empiezo con la percusión. Intento hacer un buen y ‘no aburrido’ loop. Una vez que está hecho, busco algún sonido especial que nadie haya usado antes. Siempre hago algo diferente. Nunca vuelvo a usar los mismos kits. Normalmente, tengo una idea nueva por la mañana porque me fui a dormir pensando en eso. No les miento, ¡pienso en esto todo el día!” ¿Usan muchos samples en sus producciones? Amine Edge: “Solía amar algunos paquetes de samples de Sample Magic o Loopmasters pero estamos de nuevo en la senda del 909 y 808. El 707 puede ser bueno, a veces, pero samplear algunos loops de disco y funk está bueno. A veces, encontrás un buen snare en un tema de hip hop y, ¿por qué no se puede usar? Así pasa con muchas canciones.” DANCE: “Me encanta el drum kit de Lex Luger. Él ha producido para Rick Ross, Kanye West... Es acerca del 808 y el 909 pero mejor. Todos los elementos son geniales. Siempre hago música house con samples de hip hop.” ¿Qué software usan para la producción? Amine Edge: “Ableton Live. Empecé con Acid

cuando era más joven. Después, seguí con Reason y, ahora, uso Ableton hace años. Ableton es increíble. El mejor, pienso yo. Muchos dicen que es Logic. Es como la estúpida batalla entre los pro Blackberry y los pro iPhone de hace algunos años. El equipo de Ableton crea nueva tecnología y lo hace más sencillo, y tiene la mejor función de time warping de todas. Además, Ableton permite hacer cosas en un minuto que no podrían hacerse tan rápido en otros softwares. El tiempo es un bien preciado. Cuando sos el productor y y tenés muchas ideas al mismo tiempo, no podés esperar tanto.” DANCE: “Yo estoy enamorado del Ableton Live.” ¿Cuándo podemos esperar un álbum de estudio? Amine Edge: “Hemos estado pensándolo bastante en los últimos dos años. Hasta pensamos dedicarnos sólo a eso...” DANCE: “Toma su tiempo hacer un álbum que vale la pena y, con todos los shows, es difícil. Cuando nos tomemos un descanso, creo, vamos a dejar de pensar y vamos a hacerlo.” ¿De dónde salió el término G house? Amine Edge: “G house era una broma entre nosotros que se refería a ‘este track es gangsta’ –está bueno, es genial. La palabra gangsta no significa gangsta como se usaría normalmente.” DANCE: “Cualquier tema house puede ser G house para nosotros. Incluso, si no tiene un vocal del hip hop. Mucha gente se confunde. Si querés saber qué es el G house, deberías venir a vernos tocar.” u


“Es muy gratificante y, a la vez, es un gran desafío”, dice Alok con modestia. El brasileño de la ciudad de Goiana fue el único artista de su país que se hizo presente en la reciente edición del festival Tomorrowland en Bélgica. “Ha sido un año muy ocupado con una agenda enorme. Cuando no estoy viajando, algo que hago cada vez más seguido, estoy en el estudio produciendo nuevos tracks para próximos lanzamientos y para el álbum en el que estoy trabajando”, nos revela.

ALOK ¿Cuál es el track que te recuerda a tu juventud? “Es ‘Cool Down’ de Red Seal. Me acuerdo cuando era un niño y me dejaba llevar por ese viaje musical en el que nos sumergía este tema a mí y a mi hermano gemelo. Quizás, por pura coincidencia, en estos días, mi hermano y yo estamos trabajando en un bootleg de ese tema. Supongo que un bootleg de un track tan significativo siempre es algo muy inspirador.” ¿Cuál fue el primer disco que compraste? “Fue ‘The Fat Of The Land” de The Prodigy, uno de los grupos legendarios y pioneros con respecto a los principios y los orígenes de la música electrónica. Ese disco fue como un punto de partida que me llevó hasta donde estoy hoy y hacia mi amor por la música electrónica. Por supuesto, The Prodigy era una de las bandas más enérgicas que solía escuchar en mis inicios.” ¿Cuál es la canción más pizzera de tu colección? “Realmente, depende de qué sería lo ‘pizzero’. Los gustos musicales son complejos en la mente de los humanos. Hay gente que no puede con algunos géneros y estilos. El término ‘pizzero’ puede ser aplicado a muchos géneros y subgéneros porque, imagino, cada estilo tiene un track o un artista pizzero. Desde mi punto de vista, la gente tiene diferentes maneras de poner sus sentimientos en música y, así como algunos son más sensibles o sentimentales, otros piensan que suena muy melódico, nostálgico o ruidoso, dependiendo de lo que está pasando en su mente y del parámetro de sus gustos.” ¿Cuál es la canción que te hace llorar? “Hay tracks que tienen un efecto muy podersos en nosotros. ‘Wilkie’ de Roman Flugel, por alguna razón, tiene la particularidad de hacerme llorar. Es increíble como la música nos lleva a otros lugares y trae recuerdos a nuestra 98

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Hijo de padres DJs, Alok Petrillo no escapó al destino de las bandejas y desde muy temprana edad fue incursionando en la música electrónica. “Las cosas fueron poniéndose cada vez más serias con respecto a mi carrera y terminé dejando la universidad para poder embarcarme en este viaje musical a tiempo completo”, asegura. Con un gran presente y, aún, un mejor futuro, nos reveló sus 7 de la suerte. Texto: HERNÁN PANDELO

mente. Nunca podríamos estar sin música, desde mi punto de vista.” Y, últimamente, ¿qué álbum estás escuchando? “Estoy escuchando ‘II’ de Moderat. Esta banda está sonando mucho en mi iPod en este momento. Todo el álbum es una increíble producción y composición. Los vocales y los elementos que aparecen están mezclados de una manera tan distinta. Tiene algunos arreglos electrónicos que siempre llaman mi atención. Es una explosión mental y creo que todos deberían escucharlo alguna vez.” ¿Cuál es la canción en tu colección que más adoras? “Esa sería ‘Enjoy The Silence’, que hicimos como Alok & Gabe. Es un track con una gran historia. Era uno de los bootlegs más aclamados de Gabe en los días en que yo era un niño con once años… Yo ya era un DJ en ese entonces y el track era especial para mí y para toda nuestra generación. Estar en el estudio con Gabe haciendo una versión más moderna fue una experiencia remarcable para mí. El track tiene mucho impacto en las pistas de baile y lo considero una verdadera bomba.” ¿Cuál es tu track favorito de todos los tiempos? “Es ‘Isis Castle’ de Dazzo, un track de un productor amigo. Es tan poderoso y tiene tanto para decir que fue tocado por una orquesta con varios músicos. Dazzo hizo este track para su novia en un momento muy romántico

y significativo para ellos. Esta canción es siempre un highlight en las presentaciones de muchos DJs y estoy seguro que su historia no está terminada.” u


DJ MAG LA 007  

Agosto 2015

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