ltra Buenos Aires vuelve con más fuerza que nunca, y en DJ Mag Latinoamérica decidimos dedicar nuestra portada a uno de los eventos más esperados de la década. Esta edición especial repasa su regreso triunfal, pero también pone el foco en la evolución de la escena electrónica en toda la región.
Entrevistamos a figuras clave de la industria como Miss Monique, Innellea y Oliver Heldens, y viajamos a Las Vegas para presenciar el impactante show de Solomun en la Sphere. Además, exploramos el impacto de la inteligencia artificial en la producción musical, el auge del hard techno en Latinoamérica y la carrera de artistas como Adam Ten, que encarnan el nuevo sonido global. También repasamos los lanzamientos recientes, cómo la tecnología moldea el futuro de DJs y productores, y hasta cómo se viste hoy la música electrónica.
Todo eso y más, en una edición pensada para quienes no solo escuchan, sino que también viven la música electrónica.
LUCAS BLUMEN
Editor
Texto: LUCAS BLUMEN
ULTRA BUENOS AIRES 2025: UNA EXPERIENCIA INOLVIDABLE QUE CONFIRMÓ SU REGRESO EN 2026
CON 80.000 PERSONAS, UNA PRODUCCIÓN DE NIVEL MUNDIAL Y UN LINE-UP ESTELAR, LA QUINTA EDICIÓN DEL FESTIVAL MARCÓ UN ANTES Y UN DESPUÉS PARA LA ESCENA ELECTRÓNICA EN ARGENTINA.
ULTRA Buenos Aires volvió a brillar como nunca en su quinta edición, reuniendo a más de 80.000 personas durante dos días históricos en el Parque de la Ciudad. Con una producción de nivel internacional, cuatro escenarios oficiales y una propuesta expandida con otros cuatro espacios curados por marcas aliadas, el festival se consolidó como el evento más importante de música electrónica del país, ofreciendo una experiencia multisensorial que superó todas las expectativas. El Main Stage abrió la jornada del viernes con Mykris, seguido por la intensidad de NGHTMRE y la potencia de Black Tiger Sex Machine, que dieron paso a un cálido atardecer con Wade y su house enérgico. Luego, Afrojack encendió al público con una batería de clásicos, mientras Martin Garrix protagonizó uno de los momentos más emotivos con una selección de himnos
coreados por miles. El cierre estuvo a cargo de Boris Brejcha, que desplegó su minimal-techno con visuales hipnóticas, consolidando uno de los actos más impactantes de la noche. En RESISTANCE 1, el line-up arrancó con Emiliano De Marco B2B Eze Ramírez y fue escalando con sets de Bob Tosh, Moritz Hofbauer (Live) y Korolova. El B2B entre Colyn e Innellea fue uno de los más comentados del día por su intensidad melódica, seguido por el viaje audiovisual de MRAK y el esperado cierre con Miss Monique, quien reafirmó su conexión con el público argentino en uno de los highlights del festival. RESISTANCE 2 presentó una noche cargada de talento: desde el house de Lolu Menayed y el groove afro de MoBlack, hasta el sofisticado B2B con Francis Mercier. Más tarde, Hot Since 82 B2B Adam Ten ofrecieron una conexión única entre Londres y
Tel Aviv, Black Coffee hipnotizó con su sonido profundo, y Mariano Mellino cerró con maestría la jornada en casa.
En el UMF Radio Stage, la escena nacional tuvo su merecido protagonismo con grandes B2B como Nacho Bolognani y Jorge Savoretti, Jay De Lys y Muter, y presentaciones destacadas de Chapa & Castelo, Malone y un cierre contundente a cargo de Lexlay. A su vez, el festival contó con side stages impulsados por marcas locales, donde se presentaron artistas emergentes y propuestas alternativas, generando una experiencia integral que amplificó el espíritu de comunidad.
El sábado comenzó con talentos como Inda Jani y Franco Cinelli en el Main Stage. La energía fue en ascenso con los sets de Morten, Oliver Heldens y ISOxo, y alcanzó el éxtasis con Axwell.
ARTBAT preparó el terreno con su mística sonora para lo que sería el cierre más emocionante del festival: Anyma subió al escenario con una propuesta audiovisual de alto impacto que fusionó música, visuales 3D y emociones colectivas en un acto inolvidable e irrepetible.
En RESISTANCE, la jornada fue una maratón de techno y hard grooves: Matteo Turnes, Emi Galván y Nicolás Taboada marcaron el ritmo inicial, mientras que KAS:ST, Patrick Topping y HI-LO mantuvieron la pista al rojo vivo. Adam Beyer coronó la noche con su poderoso set, reafirmando su lugar como uno de los pilares del techno mundial.
El costado más oscuro y salvaje se vivió en RESISTANCE 2, donde
artistas como ØTTA, Nusha y Partiboi69 desataron la locura. I Hate Models y Nico Moreno cerraron con contundencia, elevando la intensidad a su punto máximo y demostrando la fuerza del hard techno en la región.
Por su parte, el UMF Radio Stage tuvo una curaduría especial con presentaciones en vivo. Erika Halliday, Red Life, Nilo.R, GULP, Malena Narvay, Juan Hansen y Klauss ofrecieron shows que exploraron la sensibilidad artística de la electrónica argentina. Paula OS cerró con un acto experimental y profundo.
ULTRA Buenos Aires no solo fue música: la experiencia se completó con una oferta gastronómica de primer nivel, activaciones inmersivas de marcas líderes y una puesta en escena que celebró el lifestyle de la escena electrónica. Cada stage, principal o alternativo, aportó a una narrativa que se vivió con intensidad de principio a fin.
Al final del evento, las pantallas del Main Stage anunciaron lo que nadie esperaba: ULTRA Buenos Aires volverá el 14 y 15 de febrero de 2026, coincidiendo con el fin de semana de carnaval. La emoción fue inmediata: miles de celulares grabando el anuncio, abrazos entre amigos y promesas de volver.
En su regreso triunfal, ULTRA demostró por qué es uno de los festivales más icónicos del mundo y dejó en claro que en Argentina hay público, pasión y nivel para seguir soñando en grande. Esto no fue un final: fue un nuevo nacer para la industria electrónica nacional.
ULTRA PERÚ 2025: DIEZ AÑOS DE SONIDO, CULTURA Y FUTURO ELECTRÓNICO
Dos días. Tres escenarios. Decenas de artistas internacionales y locales. Y una comunidad que, diez años después, sigue latiendo más fuerte que nunca. El 18 y 19 de abril, ULTRA Perú 2025 no solo fue una edición histórica, fue la confirmación de un fenómeno cultural: el festival se convirtió en una referencia indiscutida del circuito latinoamericano, y Lima en una de sus capitales electrónicas más sólidas. La celebración por el décimo aniversario reunió a miles de fanáticos en el Multiespacio Costa 21 durante Semana Santa, con un line-up que reflejó el pasado, presente y futuro del género. Martin Garrix, Axwell, Afrojack, Oliver Heldens, Black Tiger Sex Machine, ISOxo y MORTEN dejaron su marca en el Main Stage, con sets que mezclaron emociones intensas, visuales de primer nivel y una conexión única con el público peruano. Mientras tanto, RESISTANCE brilló con la contundencia de Adam Beyer, HI-LO, Miss Monique, Innellea, Moritz Hofbauer y Colyn, demostrando que el underground también tiene un lugar central en la experiencia Ultra. Pero más allá de los nombres, el alma del festival estuvo en la comunidad. En una escena históricamente dominada por otros géneros, ULTRA apostó desde 2015 por llevar la electrónica a lo más alto. “Hoy somos un referente en la región. Perú se consolidó como una parada clave para artistas, promotores y fans de todo el
continente”, explica José Javier Cateriano, CEO de Vastion Group que junto a BAN, empresa clave en la expansión internacional de Ultra en Sudamérica, lograron posicionar a Lima como un centro regional del dance.
La edición 2025 no solo marcó un hito artístico, sino también económico. Según Cateriano, ULTRA genera cada año un importante movimiento turístico y comercial, impulsando sectores como hotelería, gastronomía, transporte y empleos técnicos. “Hemos logrado que el festival sea una experiencia integral. El público ya no solo viene por la música, sino también para conocer Lima y vivir la ciudad desde otra perspectiva”. Tecnológicamente, ULTRA Perú también sigue rompiendo barreras. Esta edición contó con un diseño escénico desarrollado junto al equipo de Ultra Miami, incorporando pantallas 4K, sistemas de sonido de última generación y efectos inmersivos a nivel global. La producción, sin embargo, fue ejecutada íntegramente por proveedores locales, consolidando una industria que ya no depende exclusivamente del exterior para crear espectáculos de escala mundial. El talento peruano también brilló en los tres escenarios del festival. Artistas como Anhedonia, Sebastián Mateo, Aviux, Edd Blaze, Kayfex, Ammo Avenue y Flavia Paurinotto ofrecieron actuaciones que demostraron por qué la electrónica nacional está lista para exportarse. “El festival ha sido un
puente para el desarrollo de la escena local. Hoy los artistas emergentes pueden compartir escenario con los nombres más grandes del mundo”, afirma Cateriano.
En un país donde géneros como el reguetón dominan la industria, el éxito de ULTRA demuestra que la electrónica puede no sólo coexistir, sino crecer de forma sostenida. “Lo que antes parecía un nicho, hoy es una comunidad masiva. Las nuevas generaciones están eligiendo la electrónica, y eso se nota cada año”, explica el organizador. Con entradas a precios competitivos y una propuesta artística de alto nivel, ULTRA se ha convertido en una alternativa cultural poderosa para el público peruano.
La historia de ULTRA Perú es también la de sus fans: aquellos que asistieron a la primera edición en 2015 y hoy, diez años después, siguen bailando con la misma pasión. La comunidad es fiel, activa, generacional. Y esa conexión emocional es, para Cateriano, el motor de todo: “Esto no es solo un festival. Es una experiencia que forma parte de la vida de miles de personas”.
Diez años después de aquel primer Road to ULTRA, la evolución es evidente. Hoy el festival no solo iguala los estándares de sus pares globales, sino que inspira a toda una región. El futuro ya comenzó, y la cuenta regresiva hacia ULTRA Perú 2026 está en marcha.
INNELLEA: SU AMOR POR ARGENTINA, EL PÚBLICO Y SU NATURALEZA
EL ALEMÁN FORMÓ PARTE DEL ICÓNICO STAGE DE RESISTANCE EN ULTRA BUENOS AIRES CON SU CELEBRADO B2B JUNTO A COLYN. QUÉ LO UNE A ESTAS TIERRAS Y CUÁNDO VUELVE.
Desde que Michael Miethig quedó a la cabeza del proyecto de Innellea en 2020 -iniciado como un dúo en 2016ha transitado un largo camino. Su álbum debut “The Belonging” llegó en 2024 sentando las bases artísticas de su nueva faceta y presentándola oficialmente ante el mundo.
Apenas un año después de haber iniciado su camino como solista, Innellea aterrizó por primera vez en Argentina con un show explosivo en Mandarine Park, que agotó entradas. Desde entonces, su potente y bailable propuesta de melodic techno lo llevó a recorrer otras ciudades del país como Córdoba, Mendoza y Mar del Plata.
Ya desde entonces empezaba a gestarse su amor por el país sudamericano al que regresaría tres veces siempre tocando en Buenos Aires, sumada a una cuarta visita en la que directamente sólo se presentó en el
interior, marcando así su fuerte compromiso con la escena de todo el territorio. “Amo a los argentinos, siento que tengo un vínculo especial con ellos”, nos comentó tras su presentación en Ultra Buenos Aires “También diría que tengo una conexión con la naturaleza argentina. Pasó mucho tiempo en Mendoza y me siento muy unido a todo el paisaje, las hierbas, las montañas, todo. Me siento muy afortunado de poder venir”.
A su debut en la versión argentina del Ultra Music Festival , Innellea no llegó solo: su aliado en esta aventura fue el holandés Colyn , cuyo B2B ya ha conquistado los escenarios de Loveland, Afterlife, Amsterdam Dance Event, Zamna Tulum, y ahora, Ultra Buenos Aires 2025: “Nuestra unión vino de manera totalmente natural. Juntos vibramos muy bien y, de alguna forma, nuestra música encaja y hace elevar al otro. Nos entendemos”.
En esto, su compañero Colyn coincidió y se animó a asegurar: “Creo que nuestro set en Ultra Buenos Aires fue uno de los mejores hasta ahora. Estábamos muy enfocados, teníamos una gran energía y ‘Michi’ pasó unos bangers”.
No sólo Innellea y Colyn comparten una pasión y un espectro musical en el cual desarrollarla, sino que también los une su amor por “La República Argentina” (sic), a quien el holandés considera “lo mejor del mundo” y su “segundo hogar”.
Tanto es así que prometen regresar pronto ¿con un all night long? “Todavía no tengo ninguna fecha planeada -nos explicó Innellea- pero seguro voy a regresar y tal vez hasta con Colyn. Quiero tocar más tiempo con él, en Ultra Buenos Aires sólo tuvimos una hora y media y estábamos justo en el punto donde todo empieza a crecer y fluir, y tuvimos que parar. Así que la próxima serán de 6 a 8 horas, un all night long”.
Texto: PATRICIA FESTA
EL FENÓMENO GLOBAL QUE CONQUISTÓ A TODA LATINOAMÉRICA
LA DJ Y PRODUCTORA UCRANIANA VIVE UN PRESENTE IMPARABLE EN LA INDUSTRIA ELECTRÓNICA. CON SHOWS EN LOS PRINCIPALES FESTIVALES DEL MUNDO Y UNA CONEXIÓN ÚNICA CON EL PÚBLICO LATINOAMERICANO, MISS MONIQUE REDEFINE EL IMPACTO DE LA MÚSICA EN TIEMPOS DE CAMBIO.
Texto: LUCAS BLUMEN
En un mundo donde la música electrónica encuentra cada vez más protagonistas globales, Miss Monique brilla con luz propia. Su historia es de crecimiento constante, resiliencia y pasión. Nacida en Ucrania bajo el nombre de Alesia Arkusha, su carrera explotó durante la pandemia gracias a sus livestreams, donde transmitía energía positiva desde su estudio en Kiev a millones de personas que necesitaban, más que nunca, una conexión emocional.
Miss Monique es mucho más que una DJ: es un símbolo de alegría, unidad y perseverancia. Su impacto en Latinoamérica crece a un ritmo imparable, acompañada por una comunidad de fans que la sigue con pasión desde México hasta Argentina, incluyendo Colombia, Chile, Brasil y Perú.
Su más reciente paso por la región reafirmó ese fenómeno: en abril de 2025, Miss Monique tocó en dos ediciones de Ultra Music Festival en días consecutivos —primero en Ultra Buenos Aires y luego en Ultra Perú—, presentándose en el icónico escenario Resistance. En ambos shows, la energía del público fue apabullante y confirmó que su propuesta melódica y emocional
conecta profundamente con la audiencia latina. Este fenómeno latinoamericano se da en paralelo a un momento estelar de su carrera global: Miss Monique se presenta en los escenarios más importantes como Tomorrowland, Creamfields, Mad Cool Festival, EDC Mainstage, Kappa FuturFestival y muchos más. Su set en Ultra Miami 2025, recientemente publicado, ya supera el medio millón de visualizaciones en YouTube.
Dueña de un sonido que fusiona techno, trance y house progresivo, Miss Monique también impulsa talentos emergentes a través de su sello Siona Records, que celebró cinco años de actividad en 2024. Además, sigue expandiendo su arte con nuevas colaboraciones, proyectos musicales y una posible incursión en el mundo de la moda.
Pero más allá de las cifras y los hitos, Miss Monique representa algo más profundo: un mensaje de unidad, esperanza y resiliencia, transmitido en cada show y en cada beat. Para el público latinoamericano, su música no es solo una pista de baile: es un punto de encuentro, de alegría y de resistencia colectiva
SOLOMUN EN LA SPHERE: UNA EXPERIENCIA AUDIOVISUAL SIN COMPARACIÓN
SOLOMUN LLEVÓ SU ARTE A OTRO NIVEL EN LA SPHERE DE LAS VEGAS, FUSIONANDO MÚSICA Y VISUALES EN UN ESPECTÁCULO INMERSIVO QUE DESAFIÓ LOS LÍMITES DE LA ELECTRÓNICA.
Viajar a Las Vegas para presenciar a Solomun en la Sphere no fue solo asistir a un show, fue sumergirse en un mundo donde la música y la imagen se entrelazan de manera indescriptible. Desde el momento en que ingresamos al venue, la sensación era diferente. La energía en el ambiente anticipaba algo fuera de lo común, y lo que vivimos superó cualquier expectativa.
La imponente pantalla de la Sphere dio inicio a la presentación con frases que parecían susurrar un mensaje ancestral: “The beginning was the word, and the word became sound, and the sound became music”. En un bosque oscuro, el sonido creció progresivamente, hasta que un beat sutil marcó el ingreso a un viaje que nadie en la sala olvidaría.
Solomun creó paisajes sonoros que se reflejaban en las visuales de manera impactante. No se trató solo de un despliegue tecnológico impresionante, sino de una ejecución artística concebida para sumergir al público en una atmósfera jamás explorada, un firmamento donde sonido e imagen danzan en armonía efímera.
Uno de los aspectos más fascinantes de la puesta en escena fue la colaboración con Blanca Li, coreógrafa de renombre internacional que ha trabajado con Daft Punk. Su participación fue clave para dar vida a la visión de Solomun, aportando una dimensión humana a la experiencia visual. Junto a su equipo
de bailarines, Blanca creó secuencias coreográficas que se integraron a la perfección en las visuales, logrando momentos donde el movimiento parecía emerger directamente del sonido. Esta fusión entre danza y tecnología elevó aún más el espectáculo, reforzando el mensaje central de la presentación: la música y la danza son el lenguaje más antiguo de la humanidad, capaces de sanar y despertar a las personas. En la visión de Solomun, este show no solo fue una exhibición visual y sonora, sino un recordatorio del poder divino de la música y su capacidad de conectar a la humanidad a través del movimiento.
Tuvimos la oportunidad de conversar con Solomun antes del evento y nos habló sobre la preparación para esta presentación tan especial: “Este lugar es todo. Fue un desafío encontrar un equilibrio entre la espontaneidad de un set en vivo y la estructura visual que queríamos presentar. Cada track tenía su propia narrativa y visuales, pero aún así quise conservar la libertad de decidir qué tocar en el momento.” Nos reveló que el proceso de producción fue intenso y que trabajó junto a su equipo en la creación de 15 a 16 tracks con visuales específicas, asegurando que cada detalle estuviera perfectamente sincronizado.
La forma en que la música llenó el espacio fue impactante. Cada nota, cada sonido, se sentía diseñado específicamente para cada asiento dentro de la Sphere, generando una sensación de inmersión total. “No sé cómo reaccionará el
Texto: LUCAS BLUMEN
público. Nunca antes existió un espacio como la Sphere”, nos comentó Solomun. Luego agregó: “No solo era un espacio único, sino que tampoco había hecho algo así antes. Contar una historia de esta magnitud no solo con música, sino con música y grandes visuales, fue el verdadero desafío para mí en este evento único”. Concebir y ejecutar un concepto tan ambicioso en una sola presentación representó una prueba de creatividad y producción que lo llevó a explorar nuevas dimensiones artísticas. “Solo espero que se dejen llevar por la historia”, concluyó antes de su presentación. Y el público respondió entregándose por completo a la experiencia.
A lo largo del show, la audiencia fue transportada por diferentes escenarios: desde ciudades futuristas con estructuras colosales hasta paisajes desconocidos donde gigantescas máquinas parecían observarnos desde la distancia. En algunos momentos, la inmensidad de estos paisajes podía resultar sobrecogedora, casi amenazante, pero la música de Solomun actuaba como un faro de estabilidad. Cada nota parecía guiar a los asistentes, disipando cualquier atisbo de inquietud y recordando que, incluso en lo desconocido, la música es un refugio seguro.
El final fue un círculo perfecto: las frases iniciales volvieron a proyectarse en la pantalla, pero esta vez con la voz de una mujer y el sonido de un silbido. Este no fue un simple detalle sonoro, sino la culminación del mensaje central de la presentación: ¿Qué hace una persona cuando se encuentra sola en un bosque oscuro? Silba o canta, y de inmediato se siente menos sola, menos asustada. Mientras la última nota resonaba en el imponente recinto, la Sphere parecía recordarnos que mientras la música suene, no hay razón para temer.
En un escenario donde la innovación y la grandeza dictan las reglas, Solomun logró algo diferente: convirtió la Sphere en un santuario donde la música y el arte visual se entrelazaron de manera sublime. No fue solo un show, fue una experiencia imposible de replicar en otro lugar del mundo. Con esta actuación, Solomun no solo reafirmó su lugar entre los artistas más visionarios de la escena electrónica, sino que también dejó una huella imborrable en todos los que fueron parte de ese momento histórico. Porque si algo nos enseñó esa noche en Las Vegas, es que cuando el arte se vive con el alma, trasciende el tiempo, el espacio… y cualquier pantalla.
OLIVER HELDENS: UN REGRESO CON ALMA SUDAMERICANA
De promesas cumplidas a himnos nacionales en el Main Stage, el artista neerlandés revivió su historia con Sudamérica en una gira cargada de emoción, identidad y conexión.
Texto: LUCAS BLUMEN
Diez años después de su primera vez en Argentina, Oliver Heldens volvió a pisar suelo porteño con una misión clara: reconectar con un público que lo marcó desde el inicio. Su debut fue en ULTRA Buenos Aires 2015, uno de los primeros festivales internacionales en los que participó, en una etapa todavía incipiente de su carrera. “Fue uno de mis primeros Ultras. Aún no había explotado del todo, pero ya se sentía especial”, nos contaba semanas antes de su llegada a la región, durante una entrevista en Miami. En aquel entonces, Heldens era el joven del house en un Main Stage dominado por el big room. Hoy, es una figura consagrada, con millones de oyentes y una doble identidad artística —Oliver y HI-LO— que lo posiciona como uno de los productores más versátiles del circuito global.
Aunque en los últimos años se mantuvo presente en el continente —con presentaciones recientes en Perú y Brasil—, su regreso a Argentina era una cuenta pendiente.
La última vez que se presentó en el país fue en Lollapalooza 2017, y desde entonces, su vínculo con el público local había quedado en pausa. Hasta ahora.
Su tour por Sudamérica en abril fue tan ambicioso como emotivo: comenzó el 12 de abril en Brasil, donde se presentó como Oliver Heldens en Laroc Club y como HI-LO en AME Club; continuó el 18 de abril en Ultra Perú, con un doblete impactante, tocando en el Mainstage como Oliver y en RESISTANCE como HI-LO; al día siguiente, el 19 de abril, repitió la fórmula en Ultra Buenos Aires, alternando entre el Mainstage y RESISTANCE con sus dos alias; y cerró su viaje los días 21 y 22 de abril con la grabación de un live set especial en la Patagonia argentina.
Cada parada tuvo su sello personal. En Perú, Heldens abrió su set con una versión emotiva de “Contigo Perú” de Zambo Cavero y Óscar Avilés, seguida por “El Cóndor Pasa”, en la interpretación de Leo Rojas. Un homenaje conmovedor que sorprendió al público local y dejó en claro su admiración por la cultura andina.
En Buenos Aires, en cambio, la emoción tomó forma de bandera. Su set en el Main Stage comenzó con el Himno Nacional Argentino y culminó con “De Música Ligera” de Soda Stereo, cumpliendo una promesa que había hecho en la entrevista previa: “Tengo un mashup con Soda Stereo y quiero llevarlo. Sé que la gente lo va a amar”, nos anticipó. Y no se equivocó.
Más allá de los gestos simbólicos, Heldens mostró un estado de forma impecable. Sus sets —ya sea como Oliver o HI-LO— reflejaron una evolución artística que abraza lo emocional sin perder la energía de pista. “Hoy quiero que la música hable al alma, pero también que haga explotar el dancefloor”, explicó.
Y eso fue exactamente lo que entregó.
Con su vuelta, Heldens no solo reavivó el lazo con el público sudamericano: lo reforzó. Y lo hizo con respeto, identidad y emoción. “Perdón por haber tardado en volver. Pero cuando lo haga, será inolvidable”, nos comentó en Miami semanas antes de su llegada. Y así fue.
Hoy, con más de 4 mil millones de streams, múltiples hits globales y un lugar asegurado en los escenarios más importantes del mundo —de Coachella a Tomorrowland—, Oliver Heldens continúa consolidando su figura como uno de los nombres más influyentes de la música electrónica.
Su capacidad para navegar entre géneros, reinventarse y conectar con audiencias de distintas culturas lo confirma: es un artista de clase mundial que nunca olvida de dónde vienen sus mejores recuerdos.
IA EN LA MÚSICA ELECTRÓNICA
¿ ALIADA O ENEMIGA DE LA CREATIVIDAD?
Instalada como herramienta, todavía resta comprender su impacto y si realmente persigue el mismo objetivo que los artistas y sus oyentes.
La irrupción de la inteligencia artificial (IA) en la vida cotidiana ya es una realidad. Hoy, herramientas como ChatGPT no solo se han instalado como parte del uso habitual entre millones de personas, sino que también han trascendido su función inicial de resolver tareas: ahora se utilizan para crear.
Según el último Business Report de la International Music Summit (IMS), 60 millones de personas utilizaron algún software de IA para crear música durante 2024, y un 10 % de los encuestados admitió haberlo usado para componer letras o piezas musicales.
Una de esas 60 millones de personas bien podría haber sido el DJ y productor español Henry Saiz, que en mayo pasado nos comentaba:
“El 80% de la música que estoy haciendo tiene aportes de inteligencia artificial. De hecho, mi próximo disco en gran parte va a estar hecho con IA, pero para mí es realmente una herramienta más. Yo soy el que manda, no es música aleatoria”.
Para Saiz, más que un guía la IA “es un copiloto”: “Nunca le voy a pedir a una inteligencia artificial que me haga una melodía, porque eso es lo que más disfruto en el mundo. Pero sí le digo: sácame de mi zona de comfort y hazme unos acordes de un estilo que nunca haya hecho. Es una herramienta. Es como estar en el estudio trabajando codo a codo con un genio musical que conoce todos los parámetros musicales que ha creado el ser humano, y pedirle que te lleve un poco más allá”.
Textos: PATRICIA FESTA
Pero ese más allá tal vez no se vea como pensamos: en la presentación del mencionado reporte durante la jornada inaugural del IMS Ibiza 2025, el analista Mark Mulligan señaló que definitivamente la IA llegó para transformar la industria de la música y que su impacto a futuro podría incluir desde la automatización del A&R hasta la mejora de la distribución de regalías, entre otras cosas. Sin embargo, también advirtió por la inminente oleada de tracks guiados por lo que mejor se adapta al algoritmo: “La IA puede convertirse en una gran herramienta para ayudar a aquellos productores que no son los mejores mezclando o masterizando, o incluso para inspirar nuevos sonidos, pero también vamos a tener mucha música creada únicamente para encajar en playlists y algoritmos”.
A esto se refirió el italiano Marco Faraone en una publicación de Instagram semanas atrás: “Últimamente he estado pensando en cómo la música está cambiando ¿Qué parte de ella está actualmente moldeada por códigos, patrones, perfección? La IA está logrando cosas increíbles en la música. Es rápida, prolija, precisa ¿Pero saben qué le falta? Las notas equivocadas. Los loops accidentales. El momento en que tu sampler falla y decís ‘Espera, ¡esto está bueno!’”.
Coincidiendo con el panorama planteado por Mulligan, Faraone analizó: “Ahora tenemos algoritmos tratando de predecir lo que queremos escuchar, persiguiendo ‘lo perfecto’. Pero la magia en la música nunca fue la ‘perfección’. Siempre se trató de la huella humana, la tensión, las fallas, las rarezas, el riesgo. No se puede programar el alma”. La implementación de la IA en la industria de la música es un hecho, claro está, no así su futuro. Más utilizada que comprendida su influencia, la inteligencia artificial continúa generando cada día más y más contenido musical. Ante la pregunta de qué empujaba a Henry Saiz a elegir IA para trabajar, nos respondió: “En primer lugar, la rapidez para trabajar. Si estoy haciendo un track y quiero que tenga voces humanas, tengo que contactar, ensayar y después grabar. En cambio, hoy mismo puedes pedírselo a la IA y que de paso tenga una
chica hindú cantando en un idioma no hindú pero sí con ese tono. Puedes retorcer conceptos a un nivel increíble y eso no es posible en el mundo real. Te permite muchas más cosas”.
Por su parte, Faraone opina: “Sí, dejemos que las máquinas ayuden pero no se apoderen. Dejemos que el error viva, que la equivocación cante y sea parte del proceso creativo. Abandonemos el algoritmo cuando podamos”.
Para cerrar, Mulligan auspicia que dentro de este mundo asistido por la IA y guiado por música creada para entrar en playlists y algoritmos “tal vez las cosas se pongan interesantes y los consumidores empiecen a echarse para atrás”, de alguna manera rebelándose contra lo impuesto para gustar.
Si bien aún no es posible dimensionar el real impacto de la IA en la música electrónica, un paso más cerca a poder hacerlo es sin dudas recabar información y debatir sobre sus usos, sin dejar de tener presente que en esta actualidad ya existen vocales, letras y tracks enteros creados por inteligencia artificial.
BITS Y BEATS:
CÓMO LA IA ESTÁ REESCRIBIENDO LA MÚSICA ELECTRÓNICA
Separar stems en segundos, clonar voces o hacer remixes con un solo clic ya no es cosa del futuro. Charlamos con el productor y educador Santiago Domingo Devia sobre el impacto de la inteligencia artificial en la música electrónica, sus posibilidades creativas, los dilemas legales y el desafío de elegir en una era de exceso.
Texto: DJ MAG LATINOAMÉRICA
En los últimos años, la inteligencia artificial dejó de ser una curiosidad lejana y se convirtió en un recurso habitual dentro del estudio. Desde separar pistas de audio hasta generar voces sintéticas, las herramientas actuales no solo son accesibles, sino que ya están cambiando la manera de crear música. “Los cambios son bastante radicales. Antes había cosas que no se podían hacer, y hoy las hacés con un botón en una página web. Es un montón” , dice Santiago Domingo Devia, productor, DJ, baterista, Ableton Certified Trainer y profesor en la academia Arjaus, especializado en nuevas tecnologías aplicadas a la música electrónica. Una de las aplicaciones más populares es la separación de stems. Plataformas como Moises, Spleeter o Fadr permiten cargar un track finalizado y descomponerlo en sus elementos originales: vocales, batería, bajo, sintetizadores. “Es como volver a separar los huevos de una torta ya cocida” , explica Devia. “Antes, una vez que hacías el render del tema, ya estaba. Hoy podés cargar esa mezcla y obtener cada parte por separado, con calidad y en segundos.”
Este avance está revolucionando la forma de trabajar de DJs y productores, sobre todo a la hora de crear remixes o mashups. Lo que antes requería acceso a acapellas oficiales o sesiones multitrack, ahora se puede resolver en minutos desde una laptop. “Hoy hacés eso gratis y suena limpio” , agrega. “Para quienes hacíamos edits o versiones propias, es un cambio total. Incluso podés separar los coros de la voz principal.”
Pero la IA no solo permite separar sonidos: también los puede imitar. La clonación de voces se volvió otro gran tema dentro del mundo creativo y también del debate legal. Modelos entrenados con muestras de voz pueden replicar el tono, timbre e incluso el estilo interpretativo de artistas reales. “Antes necesitabas saber de servidores, programación y tener computadoras poderosas. Hoy, eso está al alcance de cualquiera” , señala Devia. “Podés grabarte diciendo algo, clonar tu voz y hacer que cante otra melodía, o incluso usar la voz de alguien más para un remix. Todo suena bastante creíble.”
Este tipo de herramientas abre posibilidades artísticas, pero también plantea preguntas sobre derechos y ética. ¿Qué pasa cuando se recrea la voz de un artista sin su consentimiento? ¿Qué lugar ocupa la autoría en este nuevo escenario? “La ley todavía no dice si podés o no podés usar una voz clonada. Estamos en tierra de nadie” , advierte Devia. Casos como el de Heart on My Sleeve, el track viral con voces de Drake y The Weeknd generadas por IA, marcan el inicio de una nueva discusión, donde la tecnología avanza más rápido que las regulaciones. Para Devia, este proceso tiene paralelos con otras revoluciones tecnológicas que marcaron la música electrónica, como el nacimiento del sampling o el paso del vinilo a los CDJs y controladoras. “Cada revolución tecnológica en la música tuvo detractores al inicio” , recuerda. “Pero al final, esas herramientas abrieron nuevas
formas de expresión.” Al igual que el sampler fue clave para el hip hop o el techno, la IA parece destinada a convertirse en un nuevo instrumento creativo.
Eso sí, aclara que la herramienta no reemplaza el criterio artístico. “La tecnología da acceso, pero la diferencia sigue estando en el gusto. No cualquiera que tenga una IA va a hacer algo bueno. Todavía hace falta tener algo para decir.”
Sobre el final, le pedimos un consejo para los nuevos DJs y productores que hoy se enfrentan a un ecosistema saturado de posibilidades. Su respuesta apunta al foco y la profundidad: “El problema ya no es la falta de herramientas. Es el exceso. Mi consejo es elegir pocas y explotarlas a fondo. Si no, te perdés.”
En tiempos de abundancia tecnológica, donde las máquinas pueden facilitar tareas antes impensadas, sigue siendo la visión humana la que da sentido. La IA puede potenciar la creatividad, pero nunca reemplazarla. En el futuro que ya llegó, lo más valioso sigue siendo saber qué hacer con todo ese poder.
LA EVOLUCIÓN DEL SONIDO ELECTRÓNICO EN LATINOAMÉRICA
DE LA ERA TRANCE AL TECHNO ACTUAL
De los días del progressive y el trance a la explosión del hard techno y el afro house: un viaje por los cambios, rupturas y nuevas tendencias que redefinen la escena en la región.
Textos: LUCAS BLUMEN
Si algo define a la música electrónica en Latinoamérica es su capacidad de cambio. De adaptación. De transformación.
Lo que ayer era ley, hoy apenas suena. Lo que parecía moda pasajera, se convirtió en corriente dominante. En dos décadas, la región atravesó una mutación sonora profunda, que reconfiguró estilos, públicos y circuitos de forma tan vertiginosa como natural. Hoy, ya no hay una sola tendencia que marque el ritmo: el techno melódico, el hard techno, el afro house, el organic y el tech house conviven en el mismo mapa, compartiendo fines de semana y fanáticos en una región cada vez más conectada con el pulso global.
A fines de los 2000, el progressive house era el sonido dominante en gran parte del continente. La figura de Hernán Cattáneo como
embajador global, las históricas Creamfields en Buenos Aires, los discos de Global Underground grabados en Punta del Este y la expansión de clubes como Bahrein o Warung en Brasil cimentaron un movimiento que unía sofisticación musical y profundidad emocional. A ese universo se sumaba el trance, con nombres como Armin van Buuren, Paul van Dyk y Tiësto atrayendo multitudes en Lima, Ciudad de México o São Paulo. Pero con el arranque de la década de 2010, todo cambió. La irrupción del EDM a nivel global, de la mano de artistas como David Guetta, Calvin Harris, Hardwell o Martin Garrix, transformó la escena en una industria de masas. La llegada de festivales como Ultra, EDC y Tomorrowland Brasil expandió los horizontes, pero también alteró las reglas: la música se volvió más explosiva, el sonido más predecible, y el consumo más rápido. El big room,
el electro house y el progressive pop dominaron durante años las cabinas de los escenarios principales, mientras millones de jóvenes descubrían la electrónica en su versión más mainstream. Brasil se posicionó como epicentro del nuevo sonido con artistas como Alok, Vintage Culture y el fenómeno del Brazilian Bass, mientras en México florecía el circuito de EDC, Pal Norte y Beyond Wonderland. El show visual y los drops radiales ganaban la batalla. Hasta que dejaron de hacerlo.
Con el paso del tiempo, el EDM perdió fuerza. No de forma abrupta, pero sí visible. El público, más maduro, empezó a buscar otras experiencias. En paralelo, un nuevo underground tomaba forma con géneros más introspectivos y complejos: melodic techno, deep house, downtempo, minimal, y más tarde, hard techno. La pandemia aceleró el giro. El encierro llevó a muchos oyentes a reconectar con lo emocional, lo atmosférico, lo hipnótico. Y cuando la pista volvió, lo hizo con una necesidad de catarsis: o melodía y viaje, o ritmo e intensidad extrema.
Hoy, la región está atravesada por múltiples sonidos que coexisten sin jerarquías. El techno melódico domina lineups de clubes y festivales, con artistas como ARTBAT, Miss Monique, Mathame, Colyn o Massano siendo protagonistas tanto en Sudamérica como en Europa. A la vez, el hard techno y el industrial explotan entre la Generación Z en clubes como Under Club (Buenos Aires), Baum (Bogotá), y espacios autogestionados en Lima, Medellín y Santiago. Eventos que antes eran impensados ahora congregan a miles de personas vestidas de negro, bailando a 150 BPM o más, con DJs como I Hate Models, 999999999, SPFDJ o Trym como nuevos íconos.
Uno de los fenómenos más fascinantes de los últimos años es la consolidación del afro house y el organic house como géneros centrales del circuito alternativo. Ritmos de raíz africana, percusiones tribales, melodías etéreas y una estética más contemplativa definieron fiestas en Tulum, Punta del Este y Medellín, al tiempo que DJs como Black Coffee, Keinemusik o Pablo Fierro giraban por toda la región. Productores locales empezaron
a incorporar esa sensibilidad espiritual, dando lugar a un nuevo sonido latino que mezcla electrónica global y raíz cultural. La transformación no es solo estética. Está impulsada por un conjunto de factores que van desde lo tecnológico hasta lo generacional. Las plataformas de streaming, redes sociales y canales como YouTube, Spotify, TikTok o SoundCloud derribaron las fronteras. Un DJ en medio de un pueblo rural en Sudamérica puede descubrir un track editado en Johannesburgo. Una productora en Oaxaca puede subir su EP a Bandcamp y sonar en Ámsterdam. La hiperconectividad hizo del mundo un solo dancefloor.
También cambió el público. La nueva generación de ravers creció escuchando sets en línea, viendo clips en vertical y construyendo comunidad digital antes que física. Sus referentes no son solo los headliners de festivales, sino también los que editan vinilos desde Berlín, los que tocan en raves en el desierto, o los que musicalizan reels. La pista es múltiple, híbrida, líquida. Y el gusto musical, también.
Finalmente, la pandemia actuó como catalizador: cortó el circuito tradicional, forzó el replanteo, amplificó búsquedas. Cuando
volvió el club, volvió con más hambre de experiencias reales, con más apertura a géneros nuevos y con menos prejuicios estéticos.
Lo más fascinante del sonido latinoamericano actual es que no se puede encasillar. No hay un género que lo defina. Hay una energía común, una necesidad de sentir, de bailar, de reconectar. Y una industria –independiente, creativa, resiliente– que crece con identidad propia.
Del trance al techno. Del EDM al afro house. De los himnos radiales a los edits de Bandcamp. Latinoamérica ya no sigue tendencias: las reinterpreta, las mezcla, las hace suyas. Y en ese proceso, cambia de piel una y otra vez.
NATURAL MASSANO PRESENTA
SU ÁLBUM DEBUT Y UN NUEVO CAPÍTULO EN SU EVOLUCIÓN SONORA
El joven referente del techno melódico presenta su primer álbum: quince tracks, grandes colaboraciones y un proyecto audiovisual que invita a sentir la música más allá de la pista.
Con apenas 25 años, Massano ya se ganó un lugar en la vanguardia del techno melódico. Ahora, el DJ y productor británico da un paso firme en su evolución artística con Natural, su álbum debut lanzado a través de su sello, Simulate Recordings. Compuesto por quince tracks, este trabajo no solo recorre su crecimiento musical, sino también su propio viaje emocional a lo largo de los últimos cinco años. “Natural cuenta la historia de mi viaje como artista, y cada canción contiene una parte de ese recorrido. Desde los innumerables retoques hasta los temas que nunca pensé que publicaría, cada uno de ellos me ha dado forma y me ha traído hasta aquí”, comentó Massano en sus redes.
El lanzamiento llega tras un gran año para el artista: recientemente se convirtió en uno de los DJs más jóvenes en presentarse en la Sphere de Las Vegas junto a Anyma en Año Nuevo, además de recorrer el mundo con shows sold out en ciudades como Londres, Buenos Aires, Ámsterdam y Tulum, y haber sido parte de las últimas ediciones de Coachella y Ultra Miami, consolidando su presencia en la escena global. Durante más de 50 minutos de duración, Massano une fuerzas con artistas como Anyma, Camelphat, Stephan Bodzin y Soel, entre
muchos otros, construyendo una narrativa sonora que va desde himnos como “Oblivion” hasta momentos más introspectivos con “Healing”. Tracks ya conocidos, testeados en los escenarios más icónicos del mundo, se combinan con nuevas pistas que reafirman su identidad: una propuesta que respira intensidad y sensibilidad en cada beat.
El álbum es acompañado además por un ambicioso proyecto audiovisual de una hora de duración, disponible en su canal de YouTube. “Quería dar vida a las canciones y ofrecer una forma única de experimentar el álbum como nunca antes se había hecho”, expresó Massano. En esta película, cada track cobra vida a través de imágenes que logran conectar profundamente con las emociones del espectador, llevándolo a un viaje donde lo natural y la simulación conviven de forma única. Más que un simple acompañamiento, esta obra visual amplifica la experiencia sonora, invitando a sentir, ver y experimentar el universo de Natural en una nueva dimensión.
Con este lanzamiento, Massano confirma lo que ya se intuía: el futuro del techno melódico tiene un nuevo protagonista, y su nombre resuena cada vez más fuerte.
Texto: BELÉN MINGRONE
NUEVO ÁLBUM DE SKRILLEX
“FCK U SKRILLEX YOU THINK UR ANDY WARHOL BUT UR NOT!! <3” X SKRILLEX
SAMELIE LENS + CHARLOTTE DE WITTE EP
“ONE MIND” X AMELIE LENS Y CHARLOTTE DE WITTE
Texto: BELÉN MINGRONE
krillex sorprendió al mundo con el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio, Fck U Skrillex You Think Ur Andy Warhol But Ur Not!! <3. Este nuevo proyecto marca el cierre de su contrato de 15 años con Atlantic Records y representa una audaz declaración artística que fusiona su pasado con una visión futurista de la música electrónica. El anuncio llegó el 31 de marzo y desató una ola de especulaciones entre sus seguidores. Apenas 24 horas después, el productor cumplió con la expectativa y lanzó un álbum de 34 tracks, compartido primero a través de un enlace de Dropbox enviado exclusivamente a quienes habían dejado su correo en FUS, la página que el artista había difundido días antes en sus redes. Recién después, el material se habilitó en todas las plataformas.
Musicalmente, el álbum marca un regreso a las raíces del dubstep que definieron los inicios de Skrillex, pero con una mezcla ecléctica de géneros que incluye trap, drum and bass, hyperpop, UK garage, hasta hardgroove. A lo largo de 46 minutos, este LP se presenta más como un set continuo que como una simple sucesión de canciones. Colaboraciones con artistas como Boys Noize, Dylan Brady, Virtual Riot, Jónsi y Starrah aportan una diversidad sonora que sostiene la energía y la innovación de principio a fin. Además, la participación de DJ Smokey como primer invitado del mixtape suma una capa extra de personalidad al proyecto.
Dos de las figuras más influyentes del techno actual unen fuerzas en One Mind, el esperado debut colaborativo entre Amelie Lens y Charlotte de Witte. A lo largo de dos tracks —el homónimo “One Mind”, con bombos contundentes y sintetizadores electrizantes, y “Where Do We Go”, una fusión de trance y acid techno con una intensidad hipnótica— ambas artistas incorporan sus propias voces, generando una conexión más íntima con quien escucha. Este two-tracker no solo refuerza su estatus como referentes indiscutidas del techno contemporáneo, sino que también refleja su sinergia artística y su visión compartida sobre el futuro del género.
AMANCAY CUANDO LA MÚSICA FLORECE EN COLECTIVO
UN SONIDO QUE TRASCIENDE, UN MOVIMIENTO QUE SE CONSOLIDA.
Hay historias que comienzan sin un gran plan, sin una hoja de ruta clara, pero que con el tiempo encuentran su propósito. La de Amancay es una de ellas. No nació como un sello convencional ni como un simple grupo de artistas lanzando música: es una comunidad, un espacio de exploración sonora y humana, un refugio creativo donde las ideas germinan y se expanden. En 2021, cuando el mundo parecía estar detenido, un grupo de amigos melómanos, obsesionados con los matices más finos de la música electrónica, se encontró compartiendo tracks, obsesiones y noches de charlas interminables. Como recuerda Marvio, todo comenzó casi sin querer: “Hace seis años formamos un grupo de WhatsApp donde hablábamos todos los días de producción, plugins y música. Un día surgió la idea de formar un sello para poder lanzar nuestra música, y así empezó todo”. Lo que comenzó como un simple intercambio de ideas terminó mutando en algo más grande: una plataforma donde su identidad musical podía tomar forma y resonar en el mundo. Ahora, cuatro años después, Amancay no solo es un colectivo que marca presencia en la música electrónica argentina, sino que también ha logrado posicionarse a nivel internacional. Su sonido, que navega entre lo etéreo y lo contundente, ya ha captado la atención de artistas como Solomun, Tale Of Us, Keinemusik y Dixon. No es casualidad: detrás de cada track hay una búsqueda genuina, un deseo de plasmar algo auténtico, sin ataduras a las tendencias del momento. Ficciones IV, la más reciente entrega de su serie de compilados, es prueba de ello. Con catorce piezas que encapsulan la esencia del colectivo, este nuevo capítulo no solo refleja
su evolución musical, sino también reafirma la comunidad que han construido. Cada artista aporta su visión y su historia, sumando matices a una obra que se siente unificada y poderosa. “Para nosotros, Amancay es como un cuadro en blanco en el que todos los miembros pueden pincelar a su gusto. Al final, se crea una obra única y multifacética”, describen This & That, dúo integrante del colectivo. Francisco García, por su parte, recuerda cómo se sumó al colectivo: “Recuerdo cuando Sebas (Last Men On Earth) me invitó a ser parte de un proyecto: un label con artistas que compartían nuestros mismos gustos dentro de la música electrónica. En ese entonces, mi único vínculo con los chicos era intercambiar música, algo que siempre disfruté. Así que acepté sin dudar. Hoy, después de cuatro años, el sello ya está bien consolidado en la escena, recibiendo apoyo tanto local como internacionalmente, y es algo que verdaderamente nos enorgullece”.
Esa energía de crecimiento en conjunto es lo que más resalta para muchos de sus miembros.
CCINNI lo define como “un clima terapéutico donde compartimos y crecemos juntos. Encuentro en Amancay un espacio de apoyo mutuo, tanto en lo musical como en lo personal”
Para Radon, todo se sintió como una casualidad destinada: “Antes de que Amancay existiera, conocí a Djolee y, a través de él, al resto del grupo. En 2021 fui de los últimos en sumarse, sin saber que ya estaba casi toda la familia que hoy forma el colectivo. Fue increíble caer ahí por accidente y descubrir que todos compartíamos la misma pasión”
Pero la esencia de Amancay no solo está en la música, sino en la filosofía de trabajo colaborativo. Djolee lo explica claramente: “Comenzamos como un grupo de amigos
melómanos con ideologías en común que, con el tiempo, se convirtió en un gran equipo de trabajo con objetivos compartidos. Amancay es un proyecto en el que cada uno de sus integrantes puede expresarse artística y filosóficamente sin barreras, donde toda decisión se toma de forma consensuada y donde el respeto y la equidad entre las partes desempeñan un rol primordial. Somos conscientes de que contamos con todas las herramientas necesarias para moldear nuestro propio camino y trabajamos día a día para cumplir nuestros sueños, ayudándonos y potenciándonos mutuamente”
Para LKNV, la mayor satisfacción es ver cómo su sonido ha evolucionado hasta el punto de que otros lo identifican: “Para mí, uno de los mayores regalos que puedo recibir es cuando alguien escucha una pieza y dice: ‘esto es sonido Amancay’. Ese tipo de comentario representa un verdadero reconocimiento a nuestra identidad musical”
En palabras de Tiello, la esencia de Amancay se basa en la búsqueda de algo distinto: “Siempre nos gustó lo desconocido, lo que no venía al país, lo diferente. Amancay es nuestra manera de hacer las cosas como nos gusta, y cada vez estamos pudiendo crecer más”.
Para Golden Hour, el colectivo representa “un canal de expresión, donde la creatividad no tiene barreras” , mientras que Agustín Giri enfatiza que la clave está en la amistad: “Lo más lindo de ser parte de Amancay es que somos todos amigos, y eso hace que todo se disfrute aún más. No tenemos ataduras a nada, lo que nos da la libertad de hacer y mostrar lo que queremos”
Finalmente, Emiliano Demarco, resume la filosofía de Amancay: “Nació de un grupo de amigos para plasmar una visión artística y filosófica colectiva. Empezamos hace más de cuatro años craneando lo que sería aquel primer Ficciones I. Hoy, después de aciertos y errores, tenemos bastante claro hacia dónde queremos ir y estamos convencidos de hacerlo”
Hoy, Amancay es más que un sello: es una comunidad que respira música. Un espacio donde cada integrante encuentra su voz y la suma a un relato sonoro que sigue escribiéndose.
Con Ficciones IV ya disponible, el colectivo reafirma su identidad y su convicción de que, cuando la música florece en colectivo, no hay límites para lo que puede alcanzar.
Texto: LUCAS BLUMEN
MARIANO MELLINO
EL DJ QUE TRANSFORMÓ LA PISTA EN COMUNIDAD Y LA COMUNIDAD EN FAMILIA
Sin perder el eje en sus raíces ni en su comunidad, la incondicional Marea Marciana, el DJ y productor argentino reflexiona sobre los hitos recientes de su carrera, el crecimiento de su proyecto y su visión de la música como un puente de felicidad.
Texto: BELEN MINGRONE
Hace tiempo que Mariano Mellino dejó de ser una promesa del progressive house nacional. Su nombre hoy aparece en lineups de festivales globales, en escenarios donde la electrónica se vive como un idioma universal. Pero más allá de esa expansión internacional, hay algo que no cambia: su raíz, su conexión con el público argentino y con esa comunidad que lo acompaña como si cada fecha fuera una celebración compartida.
El pasado marzo, Mellino vivió uno de los momentos más significativos de su carrera: cerrar el segundo escenario de Resistance en el regreso del Ultra Music Festival a Argentina, con nada menos que Black Coffee entregándole la cabina en su propia casa, Buenos Aires.
“Fue uno de los momentos más importantes de mi carrera”, cuenta, todavía con emoción. “Cerrar Resistance 2, con la Marea Marciana presente y toda la magia que ya de por sí genera un festival como Ultra es algo con lo que soñé toda mi vida”. Mellino lo vivió como una recompensa. A los años de trabajo, al esfuerzo silencioso y a esa búsqueda constante de crecer sin perder el eje. “Me sentí muy bien, muy cómodo. Estar acompañado de mi equipo en momentos así lo hace aún más especial”
La referencia a la “Marea Marciana” no es casual: es la hinchada que lo sigue a todos lados, que lo acompaña y que se construyó con paciencia, desde la pista. “Fue creciendo de manera orgánica, muy fresca. Hay gente que está desde el principio y otra que se suma y se vuelve loca. Hablando con los productores más grandes del mundo, nos dicen que no pueden creer lo que se genera con la Marea
Marciana. Es una comunidad real, donde nos cuidamos y compartimos el amor por la música”, dice con una mezcla de orgullo y gratitud. “Siempre los tengo presentes, incluso cuando preparo un set. Imagino qué sentirían si pongo tal canción, o qué track elegir para cerrar”
Esa misma lógica comunitaria es la que impulsó a Audioholics, su proyecto, y que se convirtió en mucho más que un evento. En 12 ediciones, pasó de ser una propuesta local a una marca con presencia en el ADE (Amsterdam Dance Event), con próximas ediciones en Australia y otros puntos del mapa. Y lo mejor: todo esto sin abandonar su vínculo con el circuito nacional. “A mí me encanta tocar en Argentina. Para mí, tenemos la mejor escena del mundo”, afirma sin dudar. “Con todos los amigos DJs del mundo, cuando hablamos del público argentino se les ilumina la cara. Tocar acá es una bendición, en cada rincón se vive con una energía única”
Ese equilibrio entre la expansión internacional y el compromiso con su país es una decisión consciente. En los últimos meses, Mellino no solo tocó en clubes y festivales en ciudades como Madrid, Tokio o Croacia, sino también en provincias argentinas donde la electrónica crece a paso firme. “Por más que recorra el mundo cada año, siempre espero ansioso mis fechas por el país. Sin dudas, son las más lindas del calendario”
Viajar por el mundo y llevar su música a nuevas culturas
también es parte de un sueño que, paso a paso, se fue volviendo realidad. “Me encanta. Me preparé para esto. Es mi vida, mi pasión”, dice. Y aunque reconoce que la logística puede ser intensa -“estar lejos de casa, las conexiones, los viajes”-, lo vive con gratitud. “Cada show, cada lugar, te forma como artista y como persona. Y hoy siento que estoy preparado para eso”. Ese crecimiento no borró sus orígenes. Al contrario. Mellino nunca olvida que alguna vez estuvo “en la fila, con las mariposas en la panza, esperando para ver a sus artistas favoritos”. Y eso, dice, lo ayuda a mantener los pies en la tierra: “Todavía hoy, cuando llego a un club y veo al público, se me pone la piel de gallina. Me considero uno más de ellos. Solo que me toca estar del otro lado, poniendo música y tratando de hacerlos felices”. Esa sensibilidad, es lo que hizo de Mariano Mellino mucho más que un DJ. Lo convirtió en el capitán de una comunidad que lo sigue y lo impulsa a soñar cada vez más lejos. Como él mismo dice: “No hace falta ser un mega DJ superstar para sentirte el artista más grande del planeta. Ese amor que me dan es alucinante. Así que todo esto es por ellos y para ellos… y vamos por muchas aventuras más, con esta Marea Marciana como testigo”.
25 AÑOS HACIENDO HISTORIA ULTRA MIAMI 2025
UN FIN DE SEMANA DE HITOS GLOBALES, DEBUTS LEGENDARIOS Y UNA CELEBRACIÓN SIN PRECEDENTES EN BAYFRONT PARK.
ULTRA MUSIC FESTIVAL celebró su 25° aniversario con un evento completamente sold out que reafirmó su estatus como el festival de música electrónica más importante del planeta. Del 28 al 30 de marzo, más de 165.000 personas de más de 100 países se reunieron en Bayfront Park para vivir una experiencia que combinó historia, innovación y momentos
únicos en vivo. Además, #ULTRALIVE alcanzó más de 30 millones de impresiones en todo el mundo. Desde la histórica presentación en vivo de “Titanium” con Afrojack, David Guetta y Sia —por primera vez juntos sobre un escenario— hasta el cierre de Martin Garrix, ULTRA 2025 fue una celebración del presente y futuro de la electrónica.
VIERNES
El viernes abrió con emociones fuertes. Afrojack sorprendió al público al invitar a Guetta y Sia para interpretar “Titanium”, marcando también el debut en festivales electrónicos de la artista australiana. Esa misma noche, John Summit y Dom Dolla, como Everything Always, hicieron su debut en el Main Stage, mientras que Alesso
trajo nostalgia y emoción al invitar a Nadia Ali y estrenar un nuevo track junto a Becky Hill. En el RESISTANCE Megastructure, Charlotte de Witte cerró con techno de alto voltaje, seguida de sets memorables de Boris Brejcha, ARTBAT y Miss Monique.
Texto: LUCAS BLUMEN
SÁBADO
El sábado fue el turno de los debuts inesperados: Skrillex regresó en formato solo tras una década, acompañado por Flowdan, Damian Marley, Young Miko y más. Pero el momento más comentado fue el b2b inédito entre Anyma y Solomun, uniendo dos generaciones del sonido melódico
y vanguardista en un set sin precedentes. Ese día, Carl Cox también presentó su nuevo show ‘Evolution’ en el marco de su takeover exclusivo para RESISTANCE, junto a Richie Hawtin y Adam Beyer
La jornada final, el domingo, fue cerrada por Martin Garrix en el Main Stage, quien no solo estrenó colaboración con Armin van Buuren, sino que también hizo historia al convertirse en el primer artista en cerrar ULTRA con su propia voz en vivo. Solomun también fue protagonista del domingo al curar el primer stage takeover de Diynamic, que incluyó a Mau P, Four Tet y Chloé Caillet, con un cierre b4b entre todos. Por su parte, deadmau5 realizó un set retrospectivo en el Worldwide Stage junto a Steve Duda y también se unió a Pendulum para un b2b debut el sábado. La sustentabilidad también tuvo un rol protagónico, con más
de 60 iniciativas bajo el programa Mission:Home, incluyendo reciclaje de vidrio para restauración costera y el uso de energía limpia en varios escenarios. Además, ULTRA reforzó su compromiso con la comunidad y el medioambiente, posicionándose como un referente global no solo en música, sino también en responsabilidad ecológica.
Mientras la energía de esta edición todavía resuena en redes y playlists, ULTRA ya mira hacia el futuro: la edición 2026 ya tiene fecha confirmada —del 27 al 29 de marzo en Bayfront Park— y las entradas ya están a la venta.
DOMINGO
En los últimos años, el hard techno mutó de un nicho underground a un fenómeno global. Lo que en algún momento fue considerado un subgénero reservado para las horas más oscuras del club, hoy se alza como uno de los sonidos más populares y convocantes de la escena electrónica.
En Latinoamérica, el hard techno se convirtió en el lenguaje de una nueva generación de ravers. Y si bien su ritmo acelerado parece estar en el centro del hype, lo cierto es que detrás de la euforia hay una escena que se viene construyendo con años de trabajo y pasión. Hoy, los referentes latinoamericanos del género ya no miran hacia Europa en busca de validación: son ellos quienes marcan el ritmo.
Y si hay un país que lidera la escena en la región, ese es Colombia.
Según Sanchez Jr, DJ, productor y cofundador de Doom Bogotá, la escena colombiana no solo está consolidada, sino que se convirtió en una referencia para el continente. “Colombia es ese lugar al que todo artista quiere venir a tocar. Si un artista tocó acá, es porque es bueno. El público es muy pasional y está informado, lo que genera una cultura fuerte”, señala.
Doom Bogotá y Doom Festival son hoy referentes indiscutibles de este movimiento. Desde la logística hasta la curaduría artística, su propuesta fue clave para posicionar a Colombia como epicentro del hard techno latinoamericano.
“Después del COVID, la escena explotó. Empezaron a surgir nuevas marcas, clubes y artistas con un sonido más veloz e intenso. Cuando antes la puerta de entrada podía ser el techno puro o “drumcode”, hoy el hard techno lo es para mucha gente joven”, explica Sanchez Jr.
Y es una realidad. Durante la pandemia, el hard techno encontró en el aislamiento un terreno fértil, y las raves clandestinas, los livestreams y la hiperconexión digital
EL LA EVOLUCIÓN CONSOLIDACIÓN
DE BOGOTÁ A BUENOS AIRES, EL UN FENÓMENO EUROPEO PARA UNA GENERACIÓN LATINA. CON UNA ARTISTAS, COLECTIVOS Y SELLOS LOCALES MARCAN EL RITMO DE UN
ayudaron a consolidar un nuevo público que conectó de lleno con este sonido. Desde entonces, surgieron ciclos en toda la región que replicaron la fórmula con identidad local, expandiendo la escena por todo el continente y llevando a sus artistas a recorrer el mundo con su música.
“Me tocó vivir mi carrera en el momento indicado. Como artista noté un crecimiento rápido y fuerte de mi carrera con muchas llamadas al exterior como sucedió en Monasterio (2022) y Blackworks (2022), dejando en claro que el sonido predominante era el Hard Techno.” agrega.
Al mismo tiempo, comenzaron a llegar artistas y marcas europeas, como Teletech —el ciclo con base en Manchester más influyente de Europa— o Verknipt —responsable de la rave más grande del mundo en Países Bajos en 2023, con 40.000 personas—, confirmando esta expansión no solo en Colombia, sino también en países como Chile, Brasil y Argentina.
En Paralelo, emergieron propuestas locales cada vez más grandes, que impulsan la escena y traen a los artistas que el público quiere ver, como Fiesta Dame o Respira Festival en Chile, y Heiss o Vértigo en Argentina.
“La escena en Argentina está muy avanzada. Los trends
Texto: BELEN
TECHNO EN LATINOAMÉRICA: EL BOOM, EVOLUCIÓN Y LA CONSOLIDACIÓN
de afuera se acoplan al toque acá. Hay un montón de promotores nuevos impulsando artistas nacionales y un montón de escuelas y alumnos que quieren aprender a hacer hard techno”, cuenta Dist , cofundador de Vertigo y jefe del sello Gomboc Records
En Argentina, la escena se extendió por todo el país y cada vez son más los ciclos que surgen, llevando este sonido a nuevos rincones. “Hay quienes opinan que el hard techno es una moda y eventualmente va a desaparecer. Personalmente, no estoy de acuerdo. El género tiene mucha historia y, si bien hay tendencias que generan popularidad, estas cambian constantemente”, reflexiona AlexUnder(AR), productor del ciclo Contact
Dist agrega: “La clave está en que el hard techno hoy es más que un sonido: es un ecosistema. Hay sellos, estética, comunidad. Y lo mejor es que todavía no llegó a su techo” Con el género en plena expansión, Latinoamérica ocupa un lugar clave en esta transformación.
“Se englobó un montón de música como hard techno. Para mí, el verdadero es el schranz o el hardcore de Rotterdam. Hoy
siento que muchos productores están tratando de innovar y aplicar influencias de otros géneros, creando así variantes como el hard bounce o dando lugar en sus sets al hard groove o hard trance. Incluso, todo lo que es latin groove -y lo latino en general- se está poniendo de moda también en Europa.” comenta Dist.
En este nuevo panorama, el sonido latino se filtró dentro del hard techno, dando lugar a fusiones inesperadas y originales. Subgéneros como el techno merengue o el latincore combinan la esencia de cada país con la potencia del género, y cada vez son más comunes las colaboraciones entre artistas europeos y latinoamericanos.
“La electrónica y el pop/trap siempre se están combinando. Podemos mencionar la colaboración de Sixsex con DBBD o el remix de Casi un G de Techno, suenan mucho en Argentina y eso tiene que ver con las influencias locales”.
Como todo boom, también genera preguntas: ¿hasta cuándo durará? ¿cómo evitar su desgaste?
Sanchez Jr lo compara con la burbuja inmobiliaria: “En algún momento va a tocar techo. Pero si logramos construir identidad, diferenciar sonidos y mantener la calidad, va a estabilizarse como lo hicieron el EDM o el hardstyle”.
Dist, por su parte, apuesta a la profesionalización:
“Si la escena se cuida, si se promueve el talento nacional y si se genera una base sólida, puede durar mucho más. Pero hay que pensar a largo plazo”
Lo cierto es que Latinoamérica vive su mejor momento en términos de visibilidad, creación e impacto. El hard techno es hoy un espejo de su energía, su potencia y su deseo de ser protagonista en la historia global de la música electrónica. Y si algo queda claro, es que el ritmo no va a bajar.
ADAM TEN: DEL UNDERGROUND DE TEL AVIV AL ESTRELLATO GLOBAL
La vibrante escena electrónica de Tel Aviv fue el caldo de cultivo donde Adam Ten forjó su estilo propio. Hoy, este DJ y productor israelí mezcla géneros con fluidez —del afro y disco al house psicodélico—, un sonido distintivo que lo llevó de clubes legendarios como The Block a los escenarios de Coachella, Burning Man y otros eventos globales.
Texto: LUCAS BLUMEN
Adam Ten se ha consolidado como uno de los artistas emergentes más llamativos de la electrónica actual, con más de un millón de oyentes mensuales en Spotify.
Formado en la fértil escena musical de Tel Aviv, Adam pasó años puliendo su oficio en clubes de la ciudad. Fue DJ residente del legendario club The Block, donde se hizo conocido por sus sesiones maratónicas y versátiles. Desde sus inicios exploró una amplia paleta musical: es capaz de mezclar con soltura ritmos afro, disco, house, techno, indie dance e incluso soul en una misma noche. Esa fluidez para fusionar géneros se convirtió en su sello personal, una suerte de “house psicodélico con sabor israelí”
El salto global no ocurrió de la noche a la mañana. Un momento decisivo llegó en Burning Man, donde tocó en el mítico Mayan Warrior con un DJ set compuesto casi enteramente por producciones propias. Esa presentación — hoy disponible en YouTube— marcó un antes y un después en su proyección internacional, abriéndole las puertas a una nueva etapa global. Desde entonces, Adam Ten ha girado por algunos de los festivales y clubes más influyentes del mundo, incluyendo Coachella, Burning Man, Day Zero, Time Warp, Ultra, Fabric Londres, Circoloco en DC-10, Space Miami y Warung. En 2024 también fue invitado a grabar su primer Essential Mix para BBC Radio 1, de la mano de Pete Tong, un reconocimiento reservado para los artistas más destacados del circuito global. Como productor, ha publicado en sellos como Diynamic, Crosstown Rebels, Higher Ground y su propio Maccabi House (cofundado
con Mita Gami). Uno de sus tracks más celebrados, “Spring Girl”, alcanzó el #1 global en Beatport y fue apoyado por artistas como Solomun, Adriatique y Vintage Culture, fusionando grooves modernos con guiños a la escena psy israelí.
De cara a 2025, Adam lanza nuevos cortes y presenta el showcase de Maccabi House en ciudades clave como Los Ángeles, San Francisco e Ibiza. También debutará en EDC Las Vegas y festivales como Distortion y Osheaga, llevando su visión sonora aún más lejos.
A pesar del ritmo agitado, Adam mantiene un equilibrio personal: “Los días libres son clave para cuidar el cuerpo, hacer algo de deporte, descansar, comer bien. Esta vida nocturna es intensa, y si querés hacerla a largo plazo, tenés que encontrar la forma de balancearla”.
“Me siento muy agradecido por lo lejos que he llegado y por todo lo que he logrado. Pero al final del día, todo se trata de la música”concluye Adam.
Una frase que condensa la esencia de su recorrido: autenticidad, pasión y un sonido que no deja de evolucionar.
MODA ELECTRÓNICA SUDAMERICANA
IDENTIDAD, RITMO Y ESTILO DESDE LA PISTA
De las raves fluorescentes de los ‘90 a las colaboraciones con marcas de lujo, la moda en la escena electrónica sudamericana siempre fue un reflejo de su espíritu: libre, mutante, expresivo. DJs, productores y público construyen una estética donde lo global se mezcla con lo local, y donde la ropa se convierte en parte del ritual.
En los inicios de la escena electrónica sudamericana — desde Buenos Aires hasta São Paulo, pasando por Bogotá, Lima o Montevideo—, la moda fue tan protagonista como la música. En los raves de los ‘90, lo que se vestía era una forma de decir “estoy afuera del sistema”. Neón, vinilo, remeras oversized, pantalones UFO, pelucas, glitter, anteojos de sol en la noche. “La moda era parte de la experiencia sensorial”, cuentan quienes vivieron aquellos años donde la pista era una cápsula paralela al mundo de afuera.
Con el paso a los 2000 y la consolidación de los festivales masivos, la estética fue cambiando. Creamfields Buenos Aires, Skol Beats en Brasil, y más tarde eventos como Time Warp o ULTRA trajeron consigo una nueva ola de estilos. Aparecieron influencias más sobrias, minimalistas y globales, pero también el cruce con lo urbano, el streetwear y el estilo funcional para bailar sin parar.
Hoy, la escena está atravesada por una estética tan variada como los subgéneros que la integran. En el techno, predomina el negro: camisetas lisas, pantalones cómodos, zapatillas, cadenas minimalistas. El look sobrio habla de una actitud introspectiva. “Lo importante es no distraer del sonido”, suele decirse en estas escenas. En contrapartida, el house y el EDM permiten una explosión de color, texturas y referencias.
Muchos artistas, como Vintage Culture, combinan chaquetas de diseño, gafas llamativas y calzado urbano de alta gama. Otros, como Alok, llevan la estética al siguiente nivel: su colaboración con la marca Colcci en Brasil marcó un hito al lanzar una colección inspirada en Studio 54 con brillos, jeans de corte ancho y chaquetas glam. “Colcci y yo siempre tuvimos una gran sintonía, que naturalmente se convirtió en una asociación que despierta aún más esa conexión que tengo con la moda”, expresó Alok en el marco de la campaña.
Textos: LUCAS BLUMEN
OUTFIT
En paralelo, las artistas mujeres también marcan tendencia: desde las prendas retro-futuristas de Miss Monique hasta los bodys ajustados y estilizados de ANNA, cada una impone su sello visual en cabina. Para muchas, la ropa no solo acompaña: es una parte más de la performance. En los festivales, la pista se convierte en una pasarela colectiva. La moda del público en Sudamérica refleja energía, diversidad y pertenencia. Tops metálicos, pantalones cargo, brillos, maquillaje con glitter, vinchas de LED, gafas psicodélicas, banderas nacionales al hombro y hasta looks intervenidos con arte digital. En climas cálidos como Brasil o Colombia se ven bodies, shorts y pintura corporal; en ciudades como Santiago o Buenos Aires, outfits más urbanos, con camperas y detalles vintage. En fiestas club, prima lo cómodo pero con estilo: zapatillas deportivas, pantalones anchos, gorras, riñoneras cruzadas, camisas, chalecos o prendas recicladas. Hay libertad para experimentar, y eso se nota. La comodidad no implica descuido: para muchos, vestirse para la pista es parte del ritual, una forma de prepararse para vivir la experiencia con actitud y autenticidad.
También crece el uso de prendas con impronta local: textiles andinos, estampados folclóricos, accesorios hechos a mano. En la escena electroandina, por ejemplo, algunos artistas mezclan sintetizadores con estética tradicional: ponchos, bordados y visuales inspirados en mitologías latinoamericanas. Es una manera de decir: lo electrónico también tiene raíces.
La relación entre moda y electrónica ya no es solo cultural: también es comercial. Además del caso Alok x Colcci, en los últimos años vimos marcas como Off-White —de Virgil Abloh, DJ y diseñador— colarse en la
escena con fuerza. Muchos artistas latinos empezaron a adoptar sus diseños: sudaderas con tipografías bold, pantalones con cintas industriales, zapatillas exclusivas. La estética del lujo urbano penetró fuerte en los festivales. Pero también hay escena independiente. En países como Argentina, Perú, Colombia o Uruguay, aparecen marcas que crean ropa específicamente para raves: desde bodies de tela holográfica hasta tops con luces LED, pasando por gorras pintadas a mano o remeras con frases rave. Se venden por Instagram, en ferias o directamente en los eventos. Incluso algunos DJs diseñan su propio merch para que sus seguidores lo usen como uniforme de comunidad. Lo fascinante de la moda electrónica sudamericana es su capacidad de mezclar lo global con lo local. Hay guiños a Berlín, Londres o Ibiza, pero también a la cultura callejera de Medellín, el carnaval de Bahía, el grafiti de Valparaíso o el diseño artesanal de Cusco. En una misma pista podés ver a alguien con un outfit digno de Burning Man y a otro con ropa heredada de una fiesta folclórica. La ropa, como la música, funciona como un idioma común. Expresa género, identidad, pertenencia, libertad. Comunica con el cuerpo. Y aunque las tendencias cambien, hay algo que se mantiene: la búsqueda de un estilo que acompañe la experiencia sonora. En palabras de un clubber chileno entrevistado en un festival: “Vestirme para salir es parte del ritual. No me importa si me voy a ensuciar bailando: quiero sentir que me estoy mostrando como soy.”
OUTFIT CÓMODO PERO CON ESTILO
La moda en la música electrónica sudamericana no es solo tendencia. Es narrativa visual, es performance, es comunidad. A través de lo que se viste, se construye una identidad compartida que late, como siempre, al ritmo del bombo.
