Revista Códices 3 N° 3 by culturacodices3

Valentín Estrada, Planes de Renderos. Códices 3 N° 3, Septiembre – Noviembre 2018

Roxana Castro (1968) Abogada, notaria, escultora .Fundadora y coordinadora de la Mesa Ciudadana de Turismo y Cultura de Santa Tecla, Coordinadora de Artes Plásticas del Palacio Tecleño , Directora del Museo de La Ciudad de Sacacoyo, Presidenta de la Asociación Museo de la Ciudad (2015 a la fecha).

Miguel Ángel Mira Nació en 1977 en el Cantón Vainillas, Municipio del Carrizal, Chalatenango, El Salvador Graduado de la licenciatura en Artes Plásticas de la UES. Coordinador y docente de la especialidad de escultura de la Escuela de Artes UES. Nominado a mejor escultor 2015, Gala de las Artes, Canal 10.

RECONOCIMIENTOS ● Mujer del Año, Rama de la Cultura S. Tecla 2010 ● Mención Honorifica Certamen de Escultura, Liceo Francés 2010, Tercer lugar en el mismo en 2009 y del Segundo lugar en 2011 ● Gala de las Artes TV Nacional, Escultura 2015.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES •Hombre árbol. Árbol mujer. Alianza francesa 2013 •Expresiones. Balance Restaurante, 2017

EXPOSICIONES INDIVIDUALES ● Puño de hierro 2015 ● Guante de seda Cancillería 2016 ● La Sociedad de los caminos de hierro, Museo Del Ferrocarril 2016 ● Palazo Visconti Milan 2016 ● Festival Internacional dei Depuratori Milan 2016 ● 4to lugar, Escultura en Bienal de Florencia 2017

EXPOSICIONES COLECTIVAS •Bienal de escultura y cerámica, Honduras 2017 • Hocus Pocus, Museo MARTE 2017. • Galería de Pascal Suchitoto 2014-2015. • Subasta MARTE 2015, (seleccionado) •Busto a Monseñor Romero, Chalatenango 2015 • Centro Cultural de México 2014 • San Benito Galería 2013 • Tercera Bienal de Arte Paiz El Salvador 2005.

CODICES 3 Armando Solís Miguel Mira Mario Castrillo Roxana Castro Portada: Valentín Estrada Ilustraciones de Valentín Estrada El Salvador, Centro América Diseño digital: María José Escobar, Flor Carrillo. Representantes: Norman Douglas, Panamá Martivón Galindo, San Francisco EE.UU Fernando Hierro, Argentina Brenda Santos, México E mail. culturacodices3@yahoo.com

Mario Castrillo El Salvador (1950) Escritor, crítico y comentarista de arte. Ha publicado prosa poética, poesía, cuento, testimonio y ensayo. Incluido en 20 antología poéticas editadas en El Salvador, México, Argentina e Italia. Ha pertenecido a grupos culturales: Gara y su Pipa de Agua (Guatemala); Oruga (Costa Rica); CODICES, y Centro Cultural Cuscatlán (Nicaragua);Tekij, CODICES y Concertación Cultural, Foro de intelectuales El Salvador.

Armando Solís Nació en San Salvador e 1940 , habiendo cursado estudios de Arte en el departamento de Artes Plásticas de Bellas Artes de El Salvador ( Dibujo y pintura) y en la escuela nacional de Artes Gráficas (mural y grabado) curso de litografía en la Universidad “Rodrigo Facio” en el departamento de Artes (CREAGRAF), San José , Costa Rica , beca otorgada por OEA, 1977. EXPOSICIONES INDIVIDUALES •Galería Centro El Salvador- EE.UU 1966. •“Casa del Arte”, Mayo 1968. •Galería 1-2-3, Febrero1975. •Galería “Cuzcatlán”, Mayo 1976. •“Sala Nacional de Exposiciones”, 1977. EXPOSICIONES COLECTIVAS EXTRANJERAS •Japón, Tokio 1966. •Embajada de El Salvador en Londres, Inglaterra. •“Pintura Salvadoreña”, Nueva Orleans, USA 1976. •5 Pintores en la Feria Artepox, New York, 1980. •“Arte Contemporáneo Salvadoreño”, Atlanta, Georgia, USA1978 BIENALES Y CERTAMENES •Primer Certamen Cigarrería Morazán 1969. •Segunda Bienal de Grabados en Argentina, Buenos Aires 1970. •Segundo Certamen Cigarrería Morazán1970 MENCIONES HONORIFICAS •Mención y Diploma, Departamento de Artes Plásticas de El Salvador 1963 •En 1970, dos menciones Honoríficas de la Universidad Nacional de El Salvador.

ÍNDICE Editorial

Cómplices en el Silencio

Escultor maldito

Grabado en la Escuela de Artes, UES

Mara Sofía López

Pierre Reverdy

Función Norma y Valor estético como hechos sociales

Antonio Cisneros

¿Por qué murieron millones de judíos?

Poesía Nahuat

Poesía Azteca

Viendo a través de la ventana una mujer de la generación comprometida

Editorial EL PATRIMONIO CULTURAL EL CASO DE TACUSCALCO La historia es la transmisión de un conocimiento al futuro. Esto se viene haciendo desde que el ser humano es ser humano. Desde que Darwin hablo de selección natural. Aunque en un principio se trata de Historia Oral, su función era la misma que ahora tiene para nosotros. Identificarnos con nuestros valores, nuestros seres queridos, la tribu, la sociedad. El Patrimonio Cultural nos evoca a ese pasado y nos demuestra nuestra historia, nos da importancia y nos hace sentir orgullosos de pertenecer a un pueblo. “El Patrimonio Cultural es el conjunto de bienes tangibles e intangibles, que constituyen la herencia de un grupo humano, que refuerzan emocionalmente su sentido de comunidad con una identidad propia y que son percibidos por otros como característicos. El Patrimonio Cultural como producto de la creatividad humana, se hereda, se transmite, se modifica y optimiza de individuo a individuo y de generación a generación”. http://ilam.org/index.php/es/programas/ilam-patrimonio/patrimonio-cultural Razón de peso para dar al pasado la importancia que tiene. A lo largo de la Historia, sin importar de qué parte del mundo sea, los conquistadores han intentado borrar de uno u otro modo el pasado de los pueblos conquistados. Sin pasado no hay presente. Y sin presente somos lo que quieran que seamos. Tacuscalco, sitio donde nuestras fuerzas indígenas enfrentaron al conquistador infundiéndole temor según lo narra Pedro de Alvarado en su II Carta de Relación, es indudablemente una invaluable fuente de información histórica que debe ser protegido, es un orgullo nacional que debería ser declarado Patrimonio de El Salvador. CODICES 3 rechaza la acción de la empresa constructora que arrasó -sin importarle un comino los debidos permisos de construcción- con el patrimonio cultural existente en Tacuscalco y condena la prepotencia que la empresa ha mostrado hasta el día de hoy. El Estado debería adquirir los terrenos y dedicarse a investigar y escavar para mostrar al pueblo salvadoreño y los pueblos del mundo tan importante lugar histórico. Agradecemos la información brindada por el Arqueólogo Hugo Díaz, de Museo Nacional de Antropología.

TACUSCALCO: “EL Lugar de la Casa de Dardos” 3000 años de Historia

Paleografía Descomposición Morfología Morfología Morfología

Náhuat

Náhuatl

Tacochcalco Tacoch-cal-co tacochti - flecha, dardo Cal - Casa Co - Lugar

Tlacochcalco tlacoch-cal-co tlacochtli - flecha, dardo Calli - Casa Co - Lugar

Sitio de contacto …Aquí [Acaxual] en este reencuentro me hirieron muchos Españoles, y á mí con ellos, que me dieron un flechazo que me pasaron la pierna, y entró la flecha por la silla, de la cual herida quede lisiado, que me quedó la una pierna más corta que la otra bien cuatro de dedos; y en este pueblo me fue forzado estar cinco días por curarnos, y al cabo de ellos me partí para otro pueblo, llamado Tacuzcalco… y llegamos y recogida toda la gente, cabalgue en un caballo, como pude, por mejor poder dar orden como se acometiesen; y vi que había un cuerpo de gente de guerra, toda hecha una batalla de enemigos y envié á Gómez de Alvarado, que acometiese por la mano izquierda con veinte de caballo, y Gonzalo de Alvarado por la mano derecha con treinta de caballo, y Jorge de Alvarado rompiese con todos los demás por la gente; que verla de lejos era para espantar, porque tenían todos los mas lanzas de treinta palmos, todas enarboladas, y yo me puse en un cerro por ver bien como se hacía, y vi que llegaron todos los Españoles hasta un juego de Herrón de los indios; y que ni los indios huían ni los españoles acometían, que yo estuve espantado de los indios que así osaron esperar… Pedro de Alvarado (1524) II Carta de Relación

Época Colonial Para el período de la colonia (1524 – 1821 d.C.) Tacuscalco formó parte de la Alcaldía Mayor de Sonsonate, la cual fue una de las más importantes áreas de producción de cacao, “en especial la región conocida como los Izalcos, cuyo núcleo principal estaba constituido por los siguientes pueblos de indios: Izalco (Tecpan Izalco), Caluco (Caluco Izalco) Naholingo y Tacuscalco.” (Tous, 2011, p. 516), tal como afirma el oidor Diego García de Palacio en su carta de relación del 8 de marzo de 1576 al describir la Provincia de los Izalcos (García, 2000). Tacuscalco en el Devenir Social Salvadoreño 3,000 años de ocupación humana (1,000 a.C – actualidad)

Estructura 5 del área monumental del sitio arqueológico Tacuscalco – Los Cerritos, en marcada por la cadena montañosa, la cual representaba en su plano terrestre. Su forma montículada, como parte del paisaje cultural actual, le otorgo el nombre de Los Cerritos al antiguo asentamiento.

Límites Culturales de la Zona Arqueológica Tacuscalco

Cómplices en el silencio Una serie de árboles pendiendo del techo, con sus ramas hacia abajo, sin hojas, ahorcados, secos, presenta Miguel Martino en el Museo de Arte de El Salvador. Afirmo que los árboles han sido ahorcados porque penden del nudo Dogal, empleado a través de los siglos para esos menesteres. La horca es el método de ejecución mediante estrangulamiento citado en la Biblia, figura en el Génesis 40:19 y en el libro de Ester. Se convirtió en un método legal de ejecución utilizado a lo largo de la historia de la humanidad, siendo empelada en el Imperio Persa, extendiéndose ampliamente durante la Edad Media, llegando a prohibirse en el siglo XIX en los países que la practicaban. En ocasiones empleada por las turbas alebrestadas sin que los sujetos hayan sido juzgados y condenados. Igual daba: los colgaban de un lazo entre la aglomeración y la gente exacerbada. La ahorca, del latín forca, fue deviniendo en un fenómeno social complejo: aplicación de justicia y espectáculo público cuyo fin es la eliminación de un ser viviente. La aniquilación de la vida. Miguel Martino presenta una instalación denominada “Cómplices en el silencio” buscando con ella llamar la atención y crear conciencia sobre la tala desmedida e irracional que ha llevado a una deforestación alarmante, tanto a nivel nacional como a nivel mundial. La complicidad, en términos jurídicos, implica asociarse o participar de un acto delictuoso sin ser el autor del mismo, pero sin cuyo recurso el delito no podría haberse cometido. Y hay delitos que se cometen en silencio y hay complicidad al mantenerse en silencio. Martino presenta una serie de árboles pendiendo de una soga del techo del MARTE. Una serie de árboles ahorcados pues en la cuerda puede verse claramente el nudo dogal. Su discurso se refiere a la deforestación, a la aniquilación de árboles, de bosques, de montañas, conllevando a la ausencia, a la inexistencia del agua por la tala excesiva y al calentamiento atmosférico. Y como las obras de arte hay que valorarlas en su tiempo y contexto, vamos a hacer un poco de historia. En El Salvador, la cobertura forestal apenas sobrepasa el 6 por ciento de la extensión del territorio nacional afectando a tres de los recursos más importantes del país: el suelo, la energía y el agua. Me permito citar a un medio digital: “ De acuerdo al Ministerio de Medio Ambiente y Recursos Naturales (MARN) en El Salvador existen 80 zonas identificadas como puntos críticos por la deforestación y son puntos claves para proteger los mantos acuíferos y combatir los efectos del cambio climático. Según la fundación ecológica SALVANATURA, el país tiene un 70% del territorio en graves condiciones de deforestación” https://www.elsalvadormipais.com/la-deforestacion-en-el-salvador

Foto: Revista Factum

No solamente se tala a ras del suelo sino que se irrespeta la flora marina. Radio La Primerísima denunció, el 20 de febrero del 2007, que el “ex-Ministro Hugo Barrera ataca irreversiblemente al medioambiente, esta vez autorizando la destrucción del sistema de millones de años del Arrecife de los Cobanos, el único arrecife del Océano Pacifico desde Panamá a México que tiene corales, autorizando a Jorge Zedan - representante legal del Club Veraneras, a dragar el Arrecife con la intención de hacer un muelle. http://www.radiolaprimerisima.com/noticias/10086/autorizan-destruir-el-arrecife-delos-cobanos-en-el-salvador/

A nivel mundial, el panorama no es alentador, cito un informe de la FAO: “desde 1990 se han perdido unas 129 millones de hectáreas de bosques –una superficie casi equivalente a la de Sudáfrica. El informe, que abarca 234 países y territorios, indica que África y América del Sur experimentaron la pérdida anual neta más elevada de

bosques en el período 2010-2015, con 2,8 y 2 millones de hectáreas, respectivamente. http://www.un.org/climatechange/es/blog/2015/09/disminuye-la-tasa-de-deforestacion-nivel-mundial/index.html

Esta acción irracional y desmedida que puede llevarnos, y que nos está conduciendo vertiginosamente, a un panorama dantesco, es sobre lo que versa la instalación de Miguel Martino en el Museo de Arte de El Salvador. Martino ha “simulado” el troco de los árboles; solamente las ramas terminales son verídicas. Martino trabaja con maderas abandonadas, con desechos de árboles que yacen tirados en el suelo en la campiña salvadoreña. En esta ocasión ha simulado el tronco de los árboles trabajando con mallas metálicas, resinas, aserrín, viruta, fibras de algodón y fibra de vidrio policromándolas para brindar la impresión de árboles. Y los ha ahorcado. El nudo dogal en la parte posterior de su cuello. Penden de una cuerda los árboles. Se balancean como un ahorcado. Miguel Martino es un artista multifacético: trabaja el dibujo, el grabado, la pintura y la escultura, esta última disciplina en madera reconstruida o en talla directa en madera. La obra de Miguel Martino posee la peculiaridad de no dejar indiferente al espectador. Nos obliga a indagar, a examinar, a analiza, a pensar, a cuestionarnos. Y a respondernos. Sobre todo a respondernos, a romper el silencio, a no ser cómplice de la devastación de la tierra. De eso nos habla en esta ocasión. De esto trata la exposición “Cómplices en el silencio”. Otra de sus cualidades es la de poseer un lenguaje propio y singular. Lo que Ortega y Gasset denomina el estilo: “Sufro al tener, por ejemplo, ahora, que renunciar a explicarles cómo puede darse en la mente de un artista la presencia de su propio estilo antes de que imagine ningún proyecto cuestionable; no puede ocurrírsele a un pintor un cuadro si antes no está enamorado de ciertas cualidades abstractas, puramente formales, es decir, no precisadas en ninguna figura concreta- cualidades que serán los verdaderos valores estéticos de sus obras”. Ortega y Gasset, José. Velázquez. Sección: Ensayo. Aguilar. Madrid, España. 1987. Esto encontramos en Miguel Martino. Miguel ha expuesto en España, Alemania, Italia, Perú, Argentina, México, Guatemala, El Salvador, Miami y Nueva York. Mario Castrillo Ciudad Universitaria, 11 de julio 2018.

Valentín Estrada ¿Escultor maldito? Cuando se habla de “poetas malditos” se piensa en Verlaine, en Baudelaire, en Rimbaudy por extensión en otros escritores no necesariamente poetas, como Genet, Voukoeki, Miller; porque han hecho de su labor creativa un acto de desacralización al mismo oficio o a la misma persona que lo ejerce; maldito como un modo de revelarse y una manera de autodestrucción. El arte es concebido como destrucción que construye. En El Salvador, hemos tenido esos artistas non santos, solo que les fue negado su tiempo, o el tiempo de vivir de ellos no les dio el espacio para desarrollar la brujería de sus intuiciones; por lo general se trata de personalidades de procedencia popular, caso de Antonio Gamero, el “poeta salvaje” y Orlando Fresedo, este último un genio precoz de la poesía que opto por la autoinmolación. Como si vinieran de otros planetas. Quizás en la misma dirección, aunque en niveles menos marcados por el pesimismo estarían Vicente Rosales y Oswaldo Escobar Velado. Y en otro nivel al fin el infierno esta prefigurado por círculos mayores a menor benignidad estarían Salarrué y Claudia Lars. Todos, escritores y poetas admirados por una generación de jóvenes en un pasado heroico y quizás idealista de los años cincuenta y seis que algún ideólogo presentista podrían apreciarlo como mancha ominosa, quizás porque se analiza con los oj0os revanchistas del ideólogo. Estas consideraciones se hacen luego de leer las memorias de Valentín Estrada, de quien se no0s debe permitir preguntarnos si existe un “escultor maldito”. Así como hay el “pintor maldito” en Van Gogh, en Gaugin. Y un “músico maldito” Mozart, con todo lo que tenía de ángel. Me llama la atención que habiendo vivido en nuestro tiempo no hubiésemos conocidos a esa persona que venía de la academia San Fernando, en España, y de aventurar por una Europa de museos que siempre es un enriquecimiento. Es evidente que en aquel 1918, Estrada quiso aprovechar mejor su beca si abandonaba la academia. Para un niño trabajador, con solo 16 años, aventurar por ciudades europeas era un deslumbramiento. Como decía David Luna de Sola, un “maldito” de la academia universitaria, refiriéndose a su beca que disfrutaba en Francia sin inscribirse en ninguna universidad: “solo el hecho de vivir y caminar por las calles de Paris es más educador que estar en un aula”. Esto es verdad y es mentira, pero en todo caso valido. Depende que la persona viva su tiempo y su mundo, como lo vivió otro maldito y a la vez príncipe llamado Rubén Darío.

Pienso que Valentín Estrada no fue hombre de su tiempo, aunque si de su mundo. Pero fue un privilegiado al disfrutar una beca en la Europa para estudiar pintura, siendo escultor, en una de las mejores academias del mundo. Equivocado de academia tal como lo expresa en sus memorias, la beca se aprovecha para buscar admiraciones y alucinaciones. Es lo que producen en Madrid, Roma y Paris, ciudades esplendentes y extrañas, mucho más parra un niño que comenzó a trabajar con su padre desde los diez años y que desde temprana edad se considera un vagabundo. Hasta ahí iba todo bien para Valentín Estrada. La maldición comienza cuando desde Europa regresa a su pueblo. Es una historia triste. Había regresado con una de sus pocas obras conocidas, su Atlacatl, esa escultura que siempre se vio como una mala replica de los indios pieles rojas de los Estados Unidos; mientras que él nos habla de su inspiración en el David de Miguel Ángel, los torsos, la tensión de los músculos fueron captados de ese maestro universal. Para los jóvenes de mil novecientos cincuenta y seis en adelante, casi todos del clan maldito, Atlacatl era una figura de bronce en la Avenida de las prostitutas, la Avenida Independencia. Y ahora es una de esas esculturas que no encuentran lugar donde reposar; aunque quizás algún alcalde benigno pro equivocado ordena a veces que se le dé brillo con pasta metálica. Y es que muchas veces lo maldito es también inocente. ¿Acaso no fue inocente Darío y Oswaldo Escobar Velado y Chente Rosales y Rosales?

Retrato de Valentín Estrada por Armando Solís.

Llama la atención en las memorias de Valentín Estrada, tomadas y estructuras por Armando Solís, haciendo recursos técnicos de una buena prosa novelada cuando relata sobre los chuscos de su barrio, por lo general los “vivos” o sea los políticos del pueblo, que lo hacen desfilar en una carroza disfrazado de Atlacatl; años antes, en España el mismo se había mirado al espejo para hacer el modelo de la escultura y para construirla a su imagen. O sea que Atlacatl es Valentín Estrada y él lo asume ante sus vecinos. Es el sino del artista maldito ser la obra misma. Pero Estrada llevo as lejos su maldición; de regreso en El Salvador termino haciendo muñequitos de estiércol y barro para vender a los niños; y culmina su carrera como fabricante de piscuchas para los niños pobres del barrio. Para rematar se le planteo juicio de desahucio de su casucha de láminas en una barranca de Soyapango. Esto debe hacernos recordar los días últimos de Claudia Lars, cuando se catea su casa y se destruyen sus muebles, buscando no sé qué cosas infernales y subversivas. Foto de Valentín Estrada en su taller Las memorias de Valentín Estrada tienen esa capacidad de hacernos reflexionar, son impresionantes por su inocencia y por la dosis de ingratitud. Valentín Estrada sigue siendo un desconocido en su país, un hombre de otro tiempo pero de este mundo que quiso ser escultor como una manera de vida y que termino en el más injusto ostracismo dentro de su patria. ¿Es que tuvo patria verdadera Valentín Estrada? Inclusive, para escarnio de su labor, fue sometido a las peores incomprensiones que puede sufrir un artista al negarle el derecho a hacer su obra. Se le negó espacio y el miso lo asumía con humildad más que como una maldición.

Que nada nos extrañe: ya en los últimos días de Rubén Darío en su León natal el eminente médico que le hace la autopsia, se escabulle por la ventana para preservar de otras manos el cerebro privilegiado que ha extraído de su cuenca. Es perseguido por la viuda, el medico tropieza y el frasco de vidrio donde se pensaba recibía la brujería genial, termina salpicando el empedrado. En verdad son pocos los artistas santos, objeto de hosannas, bendiciones o preseas. Alabadas sean esas excepciones, ojalá que así fuera para la mayoría. Pero muchos, como Valentín Estrada, siguen por el camino empedrado que lleva al infierno a sabiendas que así se forja la conciencia del país, la memoria de una nación. Yo, Atlacatl, el relato autobiográfico del escultor desde sus doce años, permite vislumbrar que casi nada ha cambiado para merecernos la vía hacia la modernidad, y que salvo un cambio de las conciencias, incluyendo la mala, se estará hablando de otras vidas semejantes a la de Valentín Estrada a comienzos del año 2000. Todo depende de los artistas que no hagamos nada para salir del atolladero maldito. San Salvador, marzo de 1996.

Friso 1, Mirador los Planes de Renderos

Obelisco Planes de Renderos por Estrada

Esculturas de Estrada dentro del parque Balboa, los Planes de Renderos. 15

El Grabado en la escuela de Artes de la Universidad de El Salvador (UES) El grabado en El Salvador no ha sido una disciplina muy popular dentro de los artistas plásticos, sin embargo los más importantes dentro de la historia lo han trabajado. Al hablar de grabado nos podemos remontar a la época del posclásico temprano con los petrograbados del lago de Guija, ubicado en la frontera noroeste de El Salvador, específicamente en la ciudad de Metapán en el departamento de Santa Ana. Roberto Cea menciona que en el lugar se encuentran piedras con dibujos a través de incisiones tallados con un trazo muy preciso con una series de figuras humanas y de animales así como flores, plantas etc. Más adelante podemos mencionar a grandes artistas grabadores como el maestro José Mejía Vides, el cual aprende la técnica de xilografía en México así como otras técnicas de la plástica, dándole protagonismo a las costumbres, al paisaje rural y a la población indígena. Otro gran artista del grabado que nos dejó su legado es el maestro Camilo Minero, trabajando diferentes técnicas con un fuerte contenido social aportando sus conocimientos en esta área en la Escuela de Artes en los 90s, en el 96 tuve la oportunidad de conocer su taller y apreciar parte de su obra así como su proceso técnico. También el maestro Armando Solís es otro de los artistas grabadores importantes de nuestro país que ha trabajado una variedad de técnicas así como una diversidad de temáticas, también tuve el privilegio de conocer su taller y ver una cantidad de matrices de grabado en diferentes técnicas que ha trabajado así como su impresiones que se han expuesto dentro y fuera de nuestro país, de igual manera a trasmitido sus conocimientos a los estudiantes en la Escuela de Artes sobre el grabado. Dentro de los grabadores actuales que ha contribuido al desarrollo de las nuevas generaciones está Giovanni Gil, gran maestro del CENAR especializado en esta área, creador también de la iniciativa social. Soñar al revés para crear y enseñar a la gente el grabado, también es fundador de otro proyecto importante llamado Bajo Presión junto con Volarte el cual es miembro también con la finalidad de unir al gremio de artistas en El Salvador a través del grabado. En la Escuela de Artes de la Universidad de El Salvador desde su fundación en 1987 se imparte a sus estudiantes cada ciclo la materia de grabado en el tercer año de la licenciatura en artes Plásticas. Independientemente de la especialización que lleve ahí se trabajan diferentes técnicas como: El Colagraph ó Colagrafía: Es una técnica que consiste en añadir o pegar distintos elementos para generar una matriz, estos pueden ser hilos, papel, tirro o cualquier elemento que genera una textura. Estas formas pueden ser figurativas o abstractas, luego se entinta la matriz y se hace la impresión sobre papel ya sea manualmente a presión o con un tórculo o prensa.

El Gofrado: Es un proceso que consiste en producir un relieve en el papel por parte el efecto de la presión para ello se trabaja una matriz a base de calado, con diferentes planos, luego a base de presión sobre el papel se imprime, pero no se entinta la matriz dejando que la obra se aprecie dependiendo la incidencia de la luz. El Monotipo: Es una estampa a la que se transfiere por contacto la imagen pintada en un soporte rígido cuando su pigmento está fresco haciendo presión al papel generando una explosión al contacto y provocando diferentes efectos con el color o en todo caso registrando la forma realizada en la matriz. El Linóleo: Es una técnica de estampación en relieve donde se trabaja la matriz haciendo incisiones con gubias ya sea respetando la línea del dibujo o quitando la línea, hay que destacar que el área impresa es la que no se intervino con la gubia, lo demás saldrá en blanco después de su impresión sobre el papel. La punta seca: Es una técnica de incisión directa sobre una matriz de acrílico o plástico en el cual se trabajan las líneas con un punzón y se pueden hacer luces y sombras a base de thiner, luego se entinta y se limpia toda la superficie dejando con tinta el calado del dibujo para luego hacer la impresión sobre papel. Los metales: Se trabajan por medio de electrolisis como una variante del agua fuerte solo que en lugar de ácido nítrico, se utiliza un proceso químico a través de la corriente eléctrica y agua con sal. Al cual produce una reacción de oxidación sobre la matriz, esta tiene que estar ya preparada con barniz y el dibujo realizado con un punzón, luego todo el proceso de entintado y de impresión como las anteriores técnicas. La serigrafía: es un método de impresión que posibilita reproducir una imagen sobre diferentes soportes a través de una malla tensada a un marco en el cual se bloquea el paso de tinta en algunas áreas de acuerdo al diseño, esto mediante un proceso de revelado en un cuarto oscuro, el estampado puede ser sobre papel, tela, madera, etc. Algo importante, dentro de estas técnicas se recicla material para usar en las matrices como: cd’s, radiografías de rayos X, acetatos, laminas etc. Para los metales en lugar de ácido nítrico se utiliza el método de electrólisis para calar la lámina con la idea de ser amigables con el medio ambiente al crear trabajos con calidad, esto se puede ver en las exposiciones que se realizan cada fin de ciclo con los estudiantes en los diferentes espacios culturales. Cada año también se organiza una exposición de grabado con diferentes artistas y algunos estudiantes dentro de la Universidad con el fin que los estudiantes conozcan el grabado y a los artistas que lo Trabajan, así como las diferentes técnicas que presentan, en la mayoría de los casos son las mismas que se trabajan dentro de la materia de grabado en la Escuela de Artes UES. Lic. Miguel Mira. Coordinador del área de escultura y docente de grabado de la Escuela de Artes.

Foto: Durante las clases en el Taller de grabado de la Escuela de Artes, UES

Mara Sofía López

Mara Sofía López (Buenos Aires, 1993). Historiadora y crítica de arte por la Universidad de Buenos Aires. Fue redactora colaboradora en Revista Mutt y trabajó como asistente de redacción de textos para varios artistas. Actualmente es asistente de un marchand de arte.

VIBRAMUJER, cuando de liberarnos se trata Hace poco más de un año en Buenos Aires (Argentina), en medio de una ola feminista que iba en ascenso, surgió un proyecto performático de la mano de Johanna González Novarín, llamado VIBRAMUJER. Con el tiempo fue moldeándose, incorporando más mujeres y más ideas, pero siempre con el fin de buscar, cuestionar y repensar el modo en el que los mecanismos de poder y represión coartan la libertad (sexual) de las mujeres. Hoy en día son tres Vibras (como se llaman entre ellas), Johanna, Ayelén Fridman y Lucila Arias, pero cuentan con la participación satelital de otras tantas que suman su aporte poniendo el cuerpo y/o sus conocimientos en materia de arte, diseño y tecnología. Tal como su nombre lo indica, VIBRAMUJER busca generar en la mujer contemporánea aquel movimiento propio de su interior, tantas veces apagado y cercenado por “ser inapropiado”. La libertad, la disidencia y el deseo son elementos claves en el trabajo de estas tres mujeres cuya exploración intenta redescubrir, deconstruir y enaltecer su DESEO en todas sus formas. En este sentido, visualizar lo tabú se vuelve fundamental: la masturbación, el vello, la menstruación y las marcas corporales (estrías, celulitis, etc.). Pero también se hacen visibles las diversas formas de violencia que acompañan a la mujer a lo largo de su vida.

Sin ningún tipo de resignación, resisten a la censura y las críticas (no constructivas) que reciben tanto de desconocidos como de gente cercana. También deben sobreponerse y reinventarse ante la censura de las mismas redes sociales donde exponen sus trabajos, como Instagram o Facebook, que constantemente borran no solo su contenido sino también las repercusiones (likes y comentarios), por encontrarlo “inapropiado” y que “atenta contra los derechos comunitarios”1. De esta manera, cuentan ya con diversos formatos de acción además de la performance: la fotografía, el video y la ilustración. Esta última surgida ante la reprimenda de Instagram de un video en el que se veía una persona tocando su ropa interior manchada con sangre menstrual (tema por demás censurado a lo largo de la historia y aun hoy en las redes sociales, que por lo visto olvidan “lo natural” y cotidiano que es para aquellas personas con cuerpos gestantes). Ahora bien, ¿quiénes son estas mujeres? Johanna González Novarin es actriz y profesora de teatro, Lucila Arias también es actriz y Ayelen Fridman es artista plástica y profesora. Además de estar unidas por las artes performáticas (tanto el teatro como las artes plásticas comparten la performance como espacio común), estas tres artistas también comparten la maternidad, dato no menor. Sus hijas pequeñas (tienen entre dos y cinco años) son fundamentales dentro del proyecto. La libertad con la que se expresan, con la que manejan su cuerpo y con la que hablan de él, es aquello que las Vibra buscan devolverle a la mujer adulta. También podemos preguntarnos cómo llevan a cabo esta búsqueda en el campo artístico. Con tan solo un año de existencia ya cuentan con varias series fotográficas, una de ellas “Deseo” donde se deja ver en plano picado diversos vientres desnudos cargando cadenas, un bloque de hielo o incluso cajas de pastillas anticonceptivas. También han realizado numerosas intervenciones en espacios privados y públicos en Buenos Aires; y una en Montevideo, en cuya playa se dispusieron boca abajo sobre la arena cual cuerpos sin vida a plena luz del día, visibilizando algo que pareciera sólo estar en las noticias. También cuentan con videos. Este formato fue el primero con el que comenzó VIBRAMUJER: Johanna aparecía bailando sensual, disfrutando de su cuerpo, ajena a todo lo que la rodeaba, en diversos espacios públicos como un garaje mecánico, una lavandería o el estacionamiento de un hospital. Asimismo, las ideas y los productos no son solo de las tres Vibras, sino que el espacio creativo está siempre abierto a recibir y difundir aquello que llega de otras mujeres que, contagiadas de esta libertad van dejando salir su vibra. Muchas veces se les preguntó por el resultado: “¿a dónde quieren llegar con todo esto?”, y ciertamente no hay una única respuesta. Ni debería haberla. Su trabajo aboga por la constante búsqueda y, más aún, por la libertad: “queremos expresarnos –dicen una y otra vez- ¿qué hay de malo en eso?”. ¿Por qué debería haber un único punto de llegada, fijo y visible desde un comienzo, que no se vaya actualizando con nuevos hallazgos, proyectos y vivencias? Este siglo se muestra en constante transformación, no solo por la globalización y la inmediatez de la información, sino por el devenir de muchísimos cambios entre los que se encuentra la nueva ola feminista (ya sea 1

Frase utilizada por Instagram como justificación a la hora de bajar contenido de la cuenta de Vibramujer.

que la llamemos “tercera” o “cuarta” es innegable el contexto en el que estamos viviendo a nivel mundial en lo que compete a la mujer y a la visibilización de sus reclamos). En este sentido, al preguntarles por el feminismo, ellas no lo ven como algo estático ni estereotipado. Justamente porque “el patriarcado entra todo el tiempo” (tal como señala Johanna), porque se reinventa y aparece hasta en los contextos menos hostiles y más familiares, es necesario estar en una búsqueda constante que se reinvente una y otra vez. Tal como Lucila Arias señaló “VIBRAMUJER es un estilo de vida”, que da libertad, sororidad y tranquilidad a quienes somos parte de este movimiento feminista del siglo XXI. VIBRAMUJER es sin duda un proyecto que toda persona en deconstrucción debería conocer y tener en su lista de favoritos FB: https://www.facebook.com/vibramujer/

INSTAGRAM: https://www.instagram.com/vibramujer/

Foto: Imagen tomada de la performance “Paredón” llevada a cabo en Plaza Mitre, Buenos Aires el día 22/4/18).

Pierre Reverdy

“…Sobre la tierra inclinada Tiembla un árbol Y solo Canta un pájaro…”

Pierre Reverdy (13 de septiembre de 1889 - 17 de junio de 1960) fue un poeta francés asociado al surrealismo, al cubismo y al creacionismo. Nació en Narbona, en la casa de su padre, en el seno de una familia de escultores y talladores de piedra para iglesia. Es aquí donde aprende a leer y a escribir, para después continuar sus estudios en Toulouse y en Narbona. En octubre de 1910 llega a París y comienza a frecuentar las tertulias literarias de Montmartre en donde encuentra a sus primeros amigos: Guillaume Apollinaire, Max Jacob, Louis Aragon, André Breton, Philippe Soupaulty Tristan Tzara. Durante dieciséis años solo vive para sus libros, algunos de ellos ilustrados por famosos pintores y dibujantes entre los que destacan: Pablo Picasso, Georges Braque, Henri Matisse y otros. En estos años empieza su andadura en el surrealismo. En 1917 funda la revista Nord-Sud junto con el poeta vanguardista chileno Vicente Huidobro, fundador del Creacionismo. En la revista Nord-Sud colaborarán los poetas del dadaísmo y del surrealismo. La aventura solo durará un año. Más tarde, en 1926, a la edad de 37 años, se traslada a vivir a la abadía de Solesmes, donde permanecerá hasta su muerte en 1960 a la edad de 61 años. Es aquí donde nacen sus obras, entre ellas: Sources du vent, Ferraille, Le chant des morts..... Su vida está marcada por un profundo sentimiento religioso que se refleja en toda su obra. Reverdy es un místico de la poesía

“Sol” Alguien acaba de irse En el cuarto Queda un suspiro Vida que deserta La calle Y la ventana abierta Un rayo de sol sobre el césped.

La ventana se abre sin ruido Pasillo Somos dos En la misma línea donde todo se alinea En los meandros de la noche Hay una palabra en medio Dos bocas que no se ven Un ruido de pasos Un cuerpo ligero se desliza hacia el otro La puerta tiembla Pasa una mano Uno quisiera abrir El rayo claro erguido Allí frente a mí Y lo que nos separa es el fuego En la sombra donde tu perfil se pierde Un minuto sin respirar Al pasar tu aliento me ha quemado

Secreto Campana vacía Pájaros muertos En la casa donde todo se adormece Las nueve La tierra se queda inmóvil Se diría que alguien suspira Los árboles parecen sonreír El agua tiembla en la punta de cada hoja Una nube atraviesa la noche Frente a la puerta canta un hombre

Función, norma y valor estético como hechos sociales, (fragmento) ¿Qué es el mal gusto? No es en absoluto todo lo que no concuerda con la norma estética del momento dado de la evolución. Más amplio que el concepto de “mal gusto” es el de “fealdad”; es feo para nosotros aquello que nos parece estar en desacuerdo con la norma estética. Del mal gusto hablamos sólo cuando valoramos un objeto producido por las manos del hombre y en el que observamos al mismo tiempo tanto la tendencia a cumplir una norma estética determinada, como la falta de capacidad de realizarla; los fenómenos de la naturaleza pueden ser feos, pero no de mal gusto, aparte de los casos excepcionales en los que un fenómeno natural nos recuerda un producto humano. El desagrado que nos produce un objeto de mal gusto no se basa, pues, únicamente en la sensación del desacuerdo con la norma estética, sino que está reforzado por nuestra aversión hacia la incapacidad del autor. El mal gusto es, pues, la antítesis más aguda del arte, que ya por su denominación indica la capacidad de logar plenamente el objetivo propuesto. Y a pesar de esto, el arte utiliza algunas veces el mal gusto para lograr sus fines. Un ejemplo instructivo lo ofrece el arte plástico surrealista, que utiliza-como objetos que representa y como piezas para los montajes tanto pictóricos como plásticos- productos del periodo de la mayor degradación del gusto (finales del siglo XIX), imitaciones industriales del arte y de la artesanía artística, láminas de las revistas ilustradas, etc. De esta manera, la norma del arte “superior” está violada de la manera más radical, y el desagrado estético provocado forma parte del efecto artístico. El caso del surrealismo ha sido escogido por lo llamativo de la forma en que se efectúa la violación de la norma estética. Aunque en otras épocas y corrientes el desagrado estético no suele estar acentuado de manera tan ostentosa, constituye un componente casi permanente del arte vivo. Si nos preguntásemos ahora cómo es posible que el arte, fenómeno estético privilegiado, pueda provocar desagrado, habría que responder que el placer estético, precisamente cuando debe alcanzar la máxima intensidad, como la que se logra en el arte, necesitas el desagrado estético como contraste dialéctico. Aun violando la norma lo máximo posible, el placer es la sensación dominante producida por el arte, y el desagrado es el recurso de su intensificación; no es casual que precisamente la estética del surrealismo sea manifiestamente hedonista. El valor artístico es indivisible; también los componentes que producen el desagrado se convierte, dentro del conjunto de la obra, en elementos positivos, pero solamente dentro de la obra: fuera de ella y su estructura, volverán a tener un valor negativo. La obra estética viola, pues, hasta cierto punto y a veces considerablemente, la norma estética válida para el momento dado del proceso. No obstante, aún en los casos extremos tiene que mantenerla simultáneamente: incluso hay periodos en la evolución del arte, en los que el cumplimiento de la noma prevalece visiblemente sobre su violación. Pero siempre hay en una obra artística algo que la une al pasado, y algo que tiende al futuro. Por lo general, las tareas están compartidas por diferentes grupos de componentes, de los cuales algunos mantienen la norma, otros la descomponen. Mukarovsky, Jean. En Escritos de estética y semiótica del arte. Colección comunicación visual, Editorial Gustavo Gill, S.A. Barcelona, España, 1977.

Antonio Cisneros

Fotografía: http://www.vallejoandcompany.com/

Antonio Cisneros (1942-2012) Poeta, traductor peruano, periodista. Catedrático de las Universidades de Southampton, Niza y Eotvos Lorand de Budapest. Premio Nacional de Poesía 1965 por el poemario "Comentarios Reales", el premio Casa de las Américas 1968 por "Canto ceremonial contra un oso hormiguero", y una mención en el Premio de Poesía Rubén Darío 1980 por su libro "La crónica del Niño Jesús de Chilca". Otras publicaciones: "Desierto" 1961, "David" 1962, "Comentarios reales" 1964, "Canto ceremonial contra un oso hormiguero" 1968, "Agua que no has de beber" 1971, "Como higuera en un campo de golf "en 1972, "El libro de Dios y de los húngaros" en 1978, "Crónicas del Niño Jesús de Chilca" 1981, "Monólogo de la casta Susana" en 1986, "Por la noche los gatos" 1988, "Poesía, una historia de locos"1989, "Material de lectura" 1989, "Propios como ajenos" en 1989, "El arte de envolver pescado" 1990, "Drácula de Bram Stoker y otros poemas" 1991, "Las inmensas preguntas celestes" en 1992, y "El libro del buen salvaje" en 1995.

“In memoriam” Yo vi a los manes de mi generación, a los lares cantar en ceremonias, alegrarse cuando Cuba y Fidel aquel año 60 eran apenas un animal interior, invertebrado. Y yo los vi después cuando Cuba y Fidel y todas esas cosas fueron peso y color y la fuerza y la belleza necesarias a un mamífero joven. Yo corría con ellos, y yo los vi correr, y el animal fue cercado con aceite, con estacas de pino, para que ninguno conociera su brillante pelaje, su tambor. Yo tuve con mi alegre ignorancia, mi rabia, mis plumas de colores en las antiguas fiestas de la hoguera, Cuba sí, yankis no y fue entonces que tuvimos nuestro muerto. (los marinos volvieron con su cuerpo en una bolsa, con las carnes estropeadas y la noticia de reinos convenientes, así les ofrecimos sopa de acelgas, panes con asado, baterragas, y en la noche quemamos su navío) “Quien no tuvo un par de manes, tres lares, y algún brujo como toda heredad -sabios y amables son, engordan cada día.

Hombres del país donde la única torre es el comercio de harina de pescado, gastados como un odre de vino entre borrachos. Qué aire ya nos queda, y recibimos un laurel viejo de las manos del propio Virgilio y de manos de Erasmo una medalla rota. Holgados y seguros en el vericueto de la Academia y las publicaciones. Teniendo algún ataque del rey de los Enanos, tensos al vuelo de una mosca: Odiseos maltrechos que se hicieron al agua aun cuando los temporales destruían el sol y las manadas de cangrejos, y he aquí que embarraron con buen sebo la proa hasta llegar a las tierras del Hombre de Provecho. (Amontonad los muertos en el baño, ocultadlos, y pronto el coliseo os será limpio y propicio como una cama blanda blanda.) Hay un animal noble y hermoso cercado entre ballestas. En la frontera Sur la guerra ha comenzado, la peste, el hambre, en la frontera Norte. Karl Marx muere en 1883 a los 65 años de edad.

Todavía estoy a tiempo de recordar la casa de mi tía abuela y ese par de grabados: Primer grabado: Un caballero en la casa del sastre, Gran desfile militar en Viena, 1902. Días en que ya nada malo podía ocurrir. Todos llevaban su pata de conejo atada a la cintura. También mi tía abuela —veinte años y el sombrero de paja bajo el sol, preocupándose apenas por mantener la boca, las piernas bien cerradas. Eran los hombres de buena voluntad y las orejas limpias. Sólo en el music-hall los anarquistas, locos barbados y envueltos en bufandas. Qué otoños, qué veranos. Eiffel hizo una torre que decía "hasta aquí llegó el hombre". Otro grabado: Virtud y amor y cela protegiendo a las buenas familias. Y eso que el viejo Marx aún no cumplía los veinte años de edad bajo esta yerba - gorda y erizada, conveniente a los campos de golf. Las coronas de flores y el cajón tuvieron tres descansos al pie de la colina y después fue enterrado junto a la tumba de Molly Redgrove "bombardeada por el enemigo en 1940 y vuelta a construir". Ah el viejo Karl moliendo y derritiendo en la marmita los diversos metales mientras sus hijos saltaban de las torres de Spiegel a las islas de Times y su mujer hervía las cebollas y la cosa no iba y después sí y entonces vino lo de Plaza Vendome y eso de Lenin y el montón de revueltas y entonces las damas temieron algo más que una mano en las naIgas y los caballeros pudieron sospechar que la locomotora a vapor ya no era más el rostro de la felicidad universal. "Así fue, y estoy en deuda contigo, viejo aguafiestas.”

¿Por qué murieron millones de judíos? En 1890, la policía secreta llamada Okhrana de Rusia en tiempos de los Zares, realizaron el folleto de los famosos protocolos de los Sabios de Sion, al darse cuenta de los judíos poderosos en economía y sabiduría se reunían para conspirar contra el Zar de Rusia y tomar el poder en el mundo entero. Así, la Okhrana con ese pretexto mata y captura a los judíos por su invención del comunismo y supuestamente de una conspiración de que unos países se enriquecieran y otros empobrecieran. La policía secreta era infundir temor en la población de que el progreso, incluyendo la democracia y el capitalismo moderno, amenazaba a los Zares y a sus aliados, era una conspiración para destruir y explotar a la población rusa. El folleto de los Protocolos de los Sabios de Sion, como dije, realizados por la policía secreta de la Okhrana de Rusia o de los Zares, se filtra en la primera década del Siglo XX en Alemania, donde fue adoptado por los nazis, naciendo el odio de los Arios contra los judíos, naciendo por orden de Hitler los campos de concentración de judíos y la muerte en masas hacia ellos ya sea a niños y adultos, todo porque temían al poder económico e intelectual judío que, exterminándolos, Alemania sin ellos seria poderosa, no solo en Alemania, sino en el mundo entero y casi lo logra. Pero a pesar que murieron millones de judíos, todavía existen con su poder que la Iglesia Católica pone en su postulado que, los judíos mataron a Jesucristo, implantando más el odio a igual de la Alemania del Siglo XX, siglo de la industrialización.

Armando Solís, Julio 2018

Poesía Nahuat OS BUSCO, AMIGOS MIOS Os busco, amigos míos: recorro, uno tras otro, los campos cultivados y estáis aquí. Tened grande alegría, confabulad unos con otros: ¡he llegado yo, vuestro amigo, oh amigos míos! ¿Y acaso entre las flores vengo a meterme yo? ¿Yo, que soy flor de abrojo, que soy flor de cadillo? ¿Yo, que ando dando lamentos y vivo agobiado por el ardor solar? Pero he llegado volando, vengo haciendo reposos. Yo soy una mariposa que canta cantos floridos: ¡Recréese mi corazón y saboréelos mi alma! Yo vengo a los demás: he bajado yo, –ave de rojo cuello, de tiempo primaveral, llego a bailar a la tierra, ensancho mis alas junto a los tambores: Se eleva mi canto, sale de la tierra. Una vez más estoy aquí, oh amigo, una vez más ofrezco mis flores, mi canto: junto a ellos salgo y me apresuro; ato con cuerdas de oro y cofrecillo; yo, vuestro mísero amigo. Hierbas yo recojo, vuestro pobre amigo, con rojos brotes de flores cubro también la floreciente cabaña en que me regocijo: en las cementeras del dios. Dad aún alegría, oh Cocozcapantzin Tecayehuatzin, Príncipe, ¿acaso otra vez volveremos a vivir? ¿Tu corazón lo sabe: sólo una vez venimos a la vida!

SOLO VINIIMOS A DORMITAR

SOY CUAL UN EBRIO

Sólo vinimos a dormitar, sólo vinimos a soñar: no es verdad, no es verdad que vinimos a vivir en la tierra. En hierba de primavera vinimos a convertirnos: llegan a reverdecer, llegan a abrir sus botones nuestros corazones, es una flor nuestro cuerpo: algunas flores da y se seca.

Soy cual un ebrio, lloro, sufro, se sé, digo y tengo presente: ¡Ojalá nunca muera, ojalá nunca perezca yo! Allá donde no hay muerte, allá donde se triunfa, allá vaya yo: ¡Ojalá nunca muera, ojalá nunca perezca yo!

AUN EL JADE SE ROMPE

EN VANO HE NACIDO

Aun el jade se rompe, aun el oro se quiebra, aun el plumaje de quetzal se rasga… ¡No se vive para siempre en la tierra! ¡Sólo un breve instante perduramos!

En vano he nacido, en vano he llegado aquí, a la tierra. Sufro, pero al menos he venido, he nacido en la tierra. Garibay, Ángel María: Historia de la literatura Nahuatl. Vol. 1,2 ,3. México.

EL RIO PASA, PASA

XAYACAMACHAN ¡Alégrate en extremo, oh joyel floreciente, oh rey Tecayehuatzin! ¿Acaso una vez más vendremos a vivir? Tu corazón lo sabe: una vez solamente venimos a la vida.

El río pasa, pasa y nunca cesa. El viento pasa, pasa y nunca cesa. La vida pasa: Nunca regresa.

Mitos y literatura azteca / Humanidades. El libro de bolsillo. Alianza Editorial. Madrid, España. 1994.

Singular poesía la de los ancestros. (Poesía Azteca) Alegres de estar vivos teniendo conciencia de la inmisericorde muerte. Han de morir un día, como vos, como yo, como cada uno de nosotros sin remedio. En su poesía hay un planteamiento filosófico muy propio, digno ardiente de cavilar pausadamente. “La vida pasa: nunca regresa” dicen. Dicen por ahí los ancestros “¡No se vive para siempre en la tierra!\¡Solo un breve instante perduramos!”. Dicen así: “¿Acaso otra vez volveremos a vivir? \ ¡Tu corazón lo sabe: Sólo una vez venimos a la vida!”. La fugacidad de la vida. Siglos después, en Europa, Jorge Manrique lo dijo así: “Recuerde el alma dormida, \ avive el seso y despierte\ contemplando \ cómo se pasa la vida, \ cómo se viene la muerte \ tan callando”. Nuestros ancestros son parcos, concisos, directos en su hermosa sencillez. La conciencia de la fugacidad y de la brevedad de la vida siempre presente a través de los tiempos. Por ello se le vive intenso, como debe vivirse. Teniendo conciencia de su brevedad en esta vida y de lo duro que es vivirla exclaman: “Sufro\ pero al menos he venido, \ he nacido en la tierra”. Se extasían con el aroma de los animales salvajes, con el viento fresco de la montaña, con el canto de los pájaros, con el aroma de la tierra después de la tormenta, con las flores y los frutos, con el sol y con la luna. Con todo lo que existe en el universo. Exclaman los ancestros: “¡Ojalá nunca muera, ojalá nunca perezca yo! \ Allá donde no hay muerte, allá donde se triunfa, allá vaya yo: \¡Ojalá nunca muera, ojalá nunca perezca yo!”. No han perecido. Están aquí, con nosotros.

Mario Castrillo

Viendo a través de la ventana de una mujer de la generación comprometida Pregunte ¿por qué solo hombres se mencionan al hablar de la generación comprometida? Acaso no habían también mujeres comprometidas en esa generación? Por lo que decidí investigar un poco sobre algunas mujeres que se consideran parte o muy cercanas a este grupo de intelectuales que así se denominan. Para entender a estos personajes, a mí se me hace indispensable no perder de vista los hechos de su tiempo. Empezare por Emma Posada porque la conocí de vistas. Que señora más fantástica!, era mi pensamiento cuando la veía pasar, ya de avanzada edad, al volante de su Volkswagen hacia su casa, pues no era común manejar en una mujer de su generación. Emma Posada no era nada común. Su nieta Nadia nos permite ver a través de una ventana la vida y obra de Emma Posada. Nace el 13 de mayo de 1912, mismo año en que nació nuestra bandera como la conocemos ahora. Hija de Ricardo Posada y Amelia Urrutia de Posada, la décima de quince hermanos, de los cuales cinco fallecieron por distintas causas, ella fue la segunda bebe que llamaron Emma. Siendo director de telégrafos su padre tuvo los medios para brindarles a todos una excelente formación académica. Se graduó de tenedora de libros, lo que equivale a un contador de hoy en día. En 1929 publica su primer poemario a los 17 años; Poemas en prosa, que mereciera palabras de elogio en una presentación escrita por Miguel Ángel Espino, de las cuales comparto un extracto y unos poemas. Quedaría incompleta esta semblanza si no recurriéramos a la mujer para perfeccionar la aquilatación de la escritora. Emma Posada tiene la naturaleza de uno de sus poemas. Tranquila, armoniosa, ponderada, comunica la idea de paz. En los ojos, embrujados de Asia, espía el equilibrio. Es mesurada como un verso, morena hasta el beso, delicada, dueña de una imperiosidad femenina que la coloca entre lo frágil y lo desdeñoso. Se explica que su literatura sea así, siendo ella así. La ensoñación, la mirada al horizonte, parecen consecuencias de su propia escultura. Uno de sus poemas, CARACOL, la sugiere plásticamente, oyendo la música de su sangre en el caracol doloroso del corazón. Casi parece una condición de la excelencia la producción cuidadosa, oportuna, en oposición a la prodigalidad verbosa. Sin embargo, en el caso de Emma Posada, para bien del acervo nacional, exigiríamos 31

Más afán, más obra. Estamos seguros de que ella es capaz de compensar el tedioso silencio que pesa sobre las letras en un país en donde las mujeres no entienden más que la mitad del milagro, excepción hecha de unas cuantas almas divinamente despiertan que se han puesto al servicio de la belleza, prometiendo sacudir una indolencia que de prolongarse nos condenaría a un plano inferior. Para cerrar este comentario inseguro, nada nos parece mejor que esa esperanza de huevas cosechas aleteando en las manos de una mujer extraordinaria, que superando su adolescencia, nos ha enseñado el poder de la gracia, cuando ella emerge del remanso espiritual. Miguel Ángel Espino

Noche Mendiga En los telares eternos las brujas tejen fantasmas para estas noches de invierno, La Geometría gris de la tristeza descuelga un arco trágico sobre el lomo del tiempo. Madre Miseria ríe, piruetea y danza en el circo de las desgracias;* en las callejuelas mendigas los perros hambrientos aúllan, aúllan…. Hasta hacer rodar sobre las sombras los aros fríos del SILENCIO. Luna medio apagada, lluvia fina y nerviosa, la ciudad mendiga duerme cubierta con sus harapos Madre Miseria ronda.... y un perro triste lame la luna enferma.

Caracol Caracol. Cartucho donde el mar ha guardado sus cantos. Receptor de armonías. Pergamino a medio enrollar, donde están escritos los arabescos de las olas. De trampolín en trampolín de espumas ha llegado a mis pies. MI corazón, caracol que se quedó dormido en las playas de mi cuerpo, hoy ha soltado sus enigmas; ha cantado como el mar…. El caracol que estaba a mis pies se fue en un tumulto de olas…. Corazón: qué olas te llevarán? Mientras, transcurren los años del Martinato y los hechos que llevaron a su fin. No le fue fácil encontrar una pareja a quien poder admirar, a los 34 años se casa con un intelectual que le llevaba algunos años, Francisco Moran; Quien fuera junto con Rubén Dimas y Saúl Flores, co fundador del prestigioso colegio García Flamenco. Ambos esposos pertenecían a un hermético círculo de intelectuales de oposición. 32

Según su nieta Nadia “El reflejo de su personalidad meticulosa y detallada se constata al ver el registro histórico que hoy es parte de la herencia de sus nietas y que incluye recortes, cartas, fotografías, telegramas, apuntes, y notas a mano de su recorrido como escritora, sus aportes como colaboradora editorial y los elogios compartidos entre su círculo de amigos que incluían Claudia Lars, Salarrué, Hugo Lindo, Salvador Cañas, entre otros, con el mismo cuidado tenemos ahora álbumes de la trayectoria de su esposo e hija quien inmersa en este círculo pudo ser parte de la primera edición impresa de Escuela de Pájaros. Su única hija Ana Isabel instruída por madre y padre comprometidos con el patriotismo, una sociedad justa y que permitiese oportunidades para los más pobres, luego de graduarse de bachillerato elige la carrera de Medicina aún en contra de la voluntad de ellos, por ser una difícil profesión para una mujer, sin embargo, su sensibilidad hacia los más necesitados prevaleció y marcó su vida tanto que en su proceso de formación se identificó con las organizaciones de oposiciones que se conformaban a finales de los 70's luchando junto a su esposo firmemente por las convicciones bajo las que fue formada pero inmersa en un difícil contexto de persecución que les llevaron a ambos a ser privados de su libertad. La Doctora María Isabel Moran y el esposo de esta Fedor Stanley Menjivar Osegueda fueron secuestrados de su casa la noche del 14 de agosto de 1981, y declarados desaparecidos dentro del informe de la Comisión de la Verdad, la primera, en 1981; y el segundo, en 1982. Sus nombres figuran en el monumento a los desaparecidos erigido en el Parque Cuscatlán de la ciudad de San Salvador, quedando sus dos pequeñas hijas Ana Bella de 7 años y Nadia de 4 años, a su cuido a las que se dedicó hasta que falleciera el 22 de diciembre de 1997. Por lo que ambas tuvieron que continuar por sus propios medios su formación profesional. Anabella es Abogado y Notario, Nadia Doctora en Cirugía Dental. Roxana Castro.

S.O.S. DE UNA MUJER ANONIMA por EMMA POSADA. Publicado por La Prensa Grรกfica.

ATLACATL, ESCULTURA DE VALENTIN ESTRADA EN EL ANTIGUO PASEO INDEPENDENCIA

Friso 1 en El Mirador de los Planes de Renderos, ValentĂn Estrada.