Page 1


Utdrag fra 贸yelos desgarrar la tela del presagio, Santiago D铆ez-Fischer, 2015


INNHOLD Velkommen! Ons. 09.03

s4 Åpningskonsert — Space is the Place (urpremierer) Stine J. Motland, Lasse Marhaug, Greg Pope — Incorporate

s8

(urpremiere)

Erlend O. Nødtvedt – Over Revnen

s 10

Tors. 10.03

Samtale — Listening Through the Body Øyvind Torvund — Incorporate Intervention #1 MULTI — Lydkino (urpremierer) BIT20 spiller Santiago Díez-Fischer og Sigurd Fischer Olsen — Under Ordene (urpremierer) Object Collection — It’s All True (urpremiere) Egyptian Females Experimental Music Session + DJ Mahmoud Refat

s 11

Fre. 11.03

Samtale — Opera’s Bold New Future Espen Sommer Eide — Incorporate Intervention #2 Griegakademiet X Borealis — Odd Objects Object Collection — It’s All True Foredrag — Dan Fox om James Richards Ensemble Pamplemousse — This is the Uplifting Part Mark Leckey — Dream English Kid 1964–1999 AD (film) Rodrigo Constanzo Beatrice Dillon & Kassem Mosse

s 17

Lør. 12.03

Borealis Filmklubb Konsertsirkus! (familiearrangement) Siv Øyunn Kjenstad — Incorporate Intervention #3 asamisimasa spiller Simon Løffler — (.._.._....) Dither Jlin + Yeah You

s 25

Jennifer Walshe – The New Discipline

s 31 & 34

Søn. 13.03

Samtale — Infrasonic: the politics, production and performance of electronic music s 35 O Yama O asamisimasa spiller nyMusikks Komponistgruppe — Fragmenter (urpremierer) Erin Sexton — Electromagnetic Dimension Object Collection — Under Siege

Utstillinger

Mat Jenner — aMAsS_a_mASs (utstillingsåpning, tirs. 08.03 — 19.00 ) Maja S. K. Ratkje — Vannstand (utstillingsåpning, ons. 09.03 — 15.00) Bryan Jacobs — Phatic Expression Rie Nakajima — Throw (utstillingsåpning, tors. 10.03 — 18.00)

s 40

Smått & Godt

s 45

Artister

s 46


Velkommen!

4

Peter Meanwell Kunstnerisk leder / Artistic Director Foto av Magnus Haaland Sunde


Do-It-Yourself (Gjør-Det-Selv) – et uttrykk som skremte vettet av meg som barn, etter å ha opplevd de katastrofale følgene av amatør-rørleggerarbeid. Rørlegging er ikke noe jeg har blitt bedre på siden den gang, men jeg begynner å se DIY estetikk overalt i samtidsmusikkens verden – dristig musikk, som fortsetter å grave videre for å oppdage nye måter å overraske ørene våre på. I teksten til den irske komponisten Jennifer Walshe, som vi har bestilt til årets programbok (side 34), snakker hun om en ny disiplin som oppstår ut av «faktumet at komponister er interesserte og villige til også å være utøvere, til å bli skitne på hendene, til å gjøre det selv, nå med en gang». Det er denne utviskingen av musikalske makthierarkier som forflytter kunsten over i et nytt territorium, et territorium der den fysiske handlingen av fremførelse blir vesentlig for komposisjonens kreative drivkraft. Under fjorårets festival sa komponisten Christian Wolff at for ham er eksperimentell musikk «å lage musikk som på en eller en annen måte antyder mulighet til forandring». For meg ligger kraften til den musikalske eksperimenteringen i å forestille seg nye måter å bebo verden på. En verden med stadig strengere politiske og sosiale strukturer. Eksperimenteringen gir næring til idéer om hvordan vi kan være og leve på – på en annen måte. DIY-estetikken åpner opp dører til nye musikalske uttrykk ved å unnvike gamle konvensjoner om fremførelse og komposisjon. Den bryter ned tradisjonelle hierarkier for å avdekke en ånd av kunstnerisk, sosial og politisk frihet. Årets Borealis er full av komponister og utøvere som omfavner risikoen for å mislykkes, som selv klatrer inn i ringen, eller bygger sine egne instrumenter – artister som kommer til å bli skitne på hendene, og viser oss at forandring er mulig. Men det er også et opprop til handling, det er musikk som styrker lytterne. Dette er ikke lenger en kunstform for en privilegert elite – det er for alle som vil prøve ut noe nytt, som vil strekke seg lengre enn det de kjenner til, for så å finne noe de ikke hadde forventet å møte på. Jeg vil at Borealis skal være et slikt sted, et sted der man kan prøve ut noe man ikke kan forestille seg, der eventyrlystne lyttere kan skape nye verdener. Prøv ut noe av DIY’en som festivalens kunstnere har å by på – la ørene dine utforske og oppdage nye horisonter. Velkommen!

Do-It-Yourself – a term that terrified me as a child after enduring the disastrous outcome of some amateur plumbing. Plumbing is not something I’ve gotten any better at since then, but as the world of adventurous music continues its forward march to discover new ways of surprising our ears, I’m starting to see this DIY aesthetic everywhere. In a text we have commissioned from Irish composer Jennifer Walshe (page 31), she talks about a New Discipline emerging from «the fact of composers being interested and willing to perform, to get their hands dirty, to do it themselves, do it immediately». It is this erasure of musical power hierarchies that is shifting the art in to a new territory, one where the physical act of performance becomes integral to the creative impetus of the composition. At last year’s festival, composer Christian Wolff told us that for him today, experimental music is «making music that somehow suggests change is possible». For me, the power of this musical experimentation, in a world of increasingly rigid political and social structures, is to imagine new ways to inhabit the world, and fuel our imagination to be and live differently. This DIY aesthetic not only opens new doors for musical expression, by sidestepping age-old conventions of performance and composition, but is overturning traditional hierarchies to reveal a spirit of artistic, social and political freedom. Embracing the risk of failure, stepping into the ring or building their own instruments, this year’s Borealis is full of those composers and performers who are getting their hands dirty and suggesting the possibility of change. But it’s also a call to action, music empowering its listeners. No longer is this art form the preserve of a privileged elite – it’s for all those who want to try something new, to go beyond what they might know, to find something that they might not have expected. I want Borealis to be that place, somewhere you can try something unimagined, where adventurous listeners can create new worlds. Try some DIY on your ears, and let them explore. Welcome!

5


Foto av Magnus Haaland Sunde

6

Object Collection – It’s All True


Onsdag 9. mars

7

Mat Jenner – aMAsS_a_mASs Med tillatelse fra Tom Carter og And/Or, London


Onsdag 9. mars

TID

19.00—20.30 STED

Bergen Arkitekthøgskole

Foto av Magnus Haaland Sunde

BILLETT

100,-/75,URPREMIERER Etter konserten: Åpningsmottakelse til 22.00

Åpningskonsert Space is the Place Bergen Arkitekthøgskoles transformasjon fra en gammel kornsilo til et virvar av studioer og undervisningsrom er magisk. Til årets åpningskonsert har vi fylt opp alle dets krinker og kroker med lekne musikalske vågestykker, som bidrar til å skape en ny ramme for konserteropplevelsen og hyller siloens forvandling fra kjeller til konsertsal.

8

Mens vi vandrer gjennom bygget, skal Sjøforsvarets Musikkorps blåse spindelvevene ut av krokene med Anthony Braxtons ukonvensjonelle tolkning av en militær fanfare, og fylle rommene med spiraler av droner, i en urpremiere av den danske improvisatøren Johannes Lund. Amerikanske Ensemble Pamplemousse skal tute i vei en motett på bilhorn utenfor bygget, og med blikket på havet skal Ensemble Avgarde presentere urpermieren av et nytt bestillingsverk av den norske bassisten, komponisten og støymusikeren Guro Skumsnes Moe. Til slutt, nede i siloens episke akustikk, skal den amerikanske komponisten Jessie Marino fremføre et rituale for skarptromme, lys og elektronikk, og den australske komponisten John Chantler skaper et nytt verk for en tom silo, ved bruk av elektronikk, orgler og rommets egne resonnerende frekvenser. Publikum skal bevege seg rundt i bygget under konserten, og vi anbefaler å ta på varme klær. Presentert i samarbeid med Bergen Arkitekthøgskole, Avgarde og SFMK. Støttet av US Embassy, Oslo; Mid Atlantic Arts Foundation gjennom USArtists International, i samarbeid med National Endowment for the Arts og Andrew W. Mellon Foundation; Kulturrådet; Statens Kunstfond.

Sjøforsvarets Musikkorps

Verk av

Ensemble Pamplemousse

Anthony Braxton

Ensemble Avgarde

Johannes Lund

Jessie Marino

David Broome

John Chantler

Guro Skumsnes Moe Jessie Marino John Chantler

The Bergen School of Architecture’s transformation from a former grain silo into a warren-like maze of studios and teaching spaces is magical, and for the opening of this year’s festival we have filled its nooks and crannies with playful musical adventures, reframing the concert experience and celebrating the transformation of its basement into a performance space. As you join us to wander through the building the Norwegian Navy Band will blow the cobwebs away with Anthony Braxton’s unconventional reading of a military fanfare, and navigate a spiral of drones in a world premiere of Danish improviser Johannes Lund. American Ensemble Pamplemousse will literally blow their own horns from outside the building, whilst overlooking the sea Ensemble Avgarde present the world premiere of a new commission from Norwegian bassist, composer and noise musician Guro Skumsnes Moe. Finally down in the epic acoustic of the basement, American composer Jessie Marino performs a ritual for snare drum, lights and electronics and Australian John Chantler creates a new work for empty silos using electronics, organs and the resonant frequencies of the space itself. This concert will involve some walking through the building, and we advise you to wear something warm.


Onsdag 9. mars

TID

23.00—24.00 STED

Rom8 BILLETT

100,-/75,URPREMIERE

Stine Janvin Motland Lasse Marhaug Greg Pope Incorporate Intallasjonen Incorporate er en reisverkskonstruksjon inspirert av antikke anatomitegninger. Den reflekterer menneskets anatomi og den potensielle skjønnheten som finnes i dens detaljrike arkitektur. Med Incorporate utforsker Marhaug og Motland lyden av stemmens indre omgivelser, kroppen, og forsøker å avdekke hva som skjer bak kulissene når en stemme produserer lyd, når luft presses ut av lungene og blod sildrer gjennom årene. En kompleks sammensetning av organsystemer utfører kontinuerlig livsnødvendige oppgaver for oss, men til tross for innsidens uunnværlighet er det allikevel utsiden som er alle tiders kilde til stolthet og skam. Råmaterialet er hovedsakelig hentet fra kunstnernes egne kropper. Publikum blir invitert inn i en romlig komposisjon av høyttalere og kabler som fremfører tolkninger av kroppens lydlige innside, og som samtidig er et multidimensjonalt lerret for Greg Popes videoprojeksjoner. I denne performancen skal installasjonen brukes som et instrument og en medspiller; Motland, Marhaug og Pope kommer til å manipulere og uttrykke seg gjennom den. Samtidig har installasjonen sine egne selvstendige uttrykk og mekanismer som artistene ikke har kontroll over – nokså likt kroppen. I ytterligere tre intervensjoner utover uken skal musikerene Øyvind Torvund, Espen Sommer Eide og Siv Øyunn Kjenstad spille i og med Incorporate. Støttet av Kulturrådet og Det norske komponistfond.

The performative installation Incorporate, inspired by antique anatomical drawings, is a framework reflecting on the human anatomy and the potential beauty found in its detailed architecture. Within Incorporate Marhaug and Motland explore the sounds of the internal surroundings of the voice, the body, and try to uncover what is happening behind the scenes when a voice is producing sound – when air is being pressed out of the lungs and blood is murmuring through the veins. A complex composition of organs continuously executes vital tasks for us, yet in spite of the indispensability of our insides it is still the outside that is the source of pride and shame. The raw material has mainly been collected from the artists’ own bodies. The audience is invited in to a spatial composition of loudspeakers and cables which also serves as a multidimensional canvas for Greg Pope’s video projections. In this performance the installation will be used as an instrument and as a fellow player, manipulated by the artists. However, the installation still has its own expression and mechanisms which the artists don’t have any control over – like the body. There will be three more interventions throughout the week where musicians Øyvind Torvund, Espen Sommer Eide and Siv Øyunn Kjenstad will play with and inside Incorporate.

9


Synapsebro 13. volum NERVEFORBINDELSER

HØYRE-VENSTRE HEMISFÆRE

Gelender

Over Revnen Hemisfærenes bro Affektiv feilslutning (følelse) Erlend O. Nødtvedt (lyttestrateg) Høyre hjernehalvdel (målsetning) Venstre hjernehalvdel (forhåpentligvis)

CRESCENDO

Overgripen

10

ascenderende ionestrømning nevrotransmittere tilføy bare en septim hør raslen et elektrisk skudd nervetrærs fangarmer en akutt overgripen en greins kast fra venstre til høyre en ny synapsebro to hjernehalvdeler afferente nerveterminaler afferente nervefibrer en hertz-liane festet til hjernebarken synapseovergangene hårceller et tarzanbrøl fra hjernens jungel bladenes rislen dette stykket tar sats og slenger seg i lydkronen rett i medulla i dorsale ventrale kokleære kjerner krystallisert flagrende form endre hastighet endre tonehøyde endre stillhet tremolo dette stykkets eneste mål er å utjevne hjernens wahwahpedal eller heller hjernens ubendige trang til å forutse neste tone medulla nuclei colliculi inferiores alt dette stykket gjør er for en akkords tid å prøve ta innersvingen på å så flink du var å lytte da du haha du var for god til å lytte corpus geniculatum mediale thalamus dette stykket var enklere enn deg selv et sprik mellom to stoler auditive sentre i temporallappene mellom to hemisfærer diskant en dyp revne i midten hypothalamus sekresjon av kortikotropinstimulans dyp nok for hånden bred nok for hånden høyre over denne bro skal den musikk som kun er komponert for høyre øre gå over til venstre hemisfære medullas dorsomediale ventrolaterale

bradykardi bompenger fortoll en septim før du når over fjorden til det lovede venstre hjernehalvdeleland der simultane mønstre som rom tonehøyde akkorder bor og regjerer i millisekundsriker hypotensjon nevroendokrin for alltid i fredssamtaler med høyre hemisfære der de dypt merkelige sekvensmønstre våkner regelmessig fra dvalen medieres via hormoner og adrenalin «vi vet ikke om musikk gir en primær fysiologisk effekt som sekundært trigger emosjonell respons eller en initial emosjonell respons som sekundært trigger fysiologiske forandringer»* få med deg at dette stykket skaper større aktivering av høyre hjernehalvdel hos musikalsk uskolerte personer men hvis du bare lytter hardt nok lenge nok desinteressert nok så bygger du hemisfærenes bro et underverk hos profesjonelle musikere dominerer venstre hjernehalvdel i persepsjon og utøvelse i dette stykket du må være foran deg utenfor deg skal denne hemisfærenes bro bygges må du stå midtveis du må veive en glødende septim på broen mellom sfærene der synapseknatringen endelig faller i geledd når tonene hopper over gelenderet en strålende septim lander i revnen mellom sfærene og oppløses der i ai for en estetisk sans A. Myskja, M. Lindbæk *Tidsskrift for Den norske legeforening

Erlend O. Nødtvedt (f. 1984) er en bergensk forfatter med stor musikalitet, som anlegger skakke, men sterke og nye poetiske dobbeltspor på litteraturhistoriske skinneganger.

Støttet av Fritt Ord


Torsdag 10. mars

11

Torsdag 10. mars Samtale Listening Through the Body For Bergen Assembly 2016 utvikler Tarek Atoui et prosjekt som skal formidle en utvidet forståelse og opplevelse av lyd og begrepet hørsel. Det handler om nye metoder for opptak og formidling av lyd for både døve og hørende. I denne samtalen skal Atoui presentere musikkinstrumentene som bygges for dette prosjektet. Han skal, sammen med elever og studenter fra Nordahl Grieg videregåene skole og Bergen Arkitekthøgskole, fortelle om hvordan samarbeidet har influert og forbedret noen av instrumentene. Presentert i samarbeid med Bergen Assembly. Støttet av Fritt Ord.

TID

13.00—14.00 STED

Bergen Kunsthall No. 5 GRATIS

For Bergen Assembly 2016, Tarek Atoui is developing a project that aims to learn from the deaf to re-visit established and conventional ways of experiencing sound. The project will materialise in several forms, one of which is imagining and constructing musical instruments that address both deaf and hearing persons. In this talk Atoui will be presenting those musical instruments and in collaboration with students from the Nordahl Grieg High School and the Bergen Architecture School show how their work together has influenced and improved some of the instruments.


Øyvind Torvund Incorporate Intervention #1

Torsdag 10. mars TID

16.00—16.45 STED

Rom8 BILLETT

100,-/75,-

ÅPNINGSTIDER INSTALLASJON — 12.00–18.00

12 Kunstnerne Stine Janvin Motland, Lasse Marhaug og Greg Pope har invitert tre forskjellige utøvere til å gripe inn i installasjonen deres, Incorporate, på tre forskjellige intervensjoner i løpet av festivalen. Hver kunstner får frie tøyler til å spille med eller mot installasjonens lyd- og lyselementer, til å tilføye eller ta vekk noen, til å flytte på dem eller bare ignorere dem, og til å utvikle sitt helt eget verk innenfor rammene til det allerede eksisterende kunstverket. Som komponist kombinerer Øyvind Torvund verdener fulle av daglidagse lyder og støy med utformede melodiske fragmenter. Som gitarist har han én fot i en glødende rockesensibilitet, og én i den europeiske improverdenen. Uansett hvilken av hans sider vi kommer til å høre mest av i denne intervensjonen, får vi utvilsomt en både performativ og komposisjonell opplevelse. Støttet av Kulturrådet og Det norske komponistfond.

Artists Stine Janvin Motland, Lasse Marhaug and Greg Pope have invited a different performer each day to stage an intervention within their installation, Incorporate. Working with or against, adding to or subtracting from, rearranging or just ignoring the sound and light elements they have created, each artist has been given free rein to organically evolve their work. As a composer Øyvind Torvund combines the worlds of everyday noises with crafted melodic fragments. As a guitarist he has one foot in a searing rock sensibility and one in the European improvising world. Whichever side of him comes to the fore, his intervention will no doubt be both a performative and a compositional act.


MULTI Julian Skar Kari Telstad Sundet Lydkino

Torsdag 10. mars TID

17.00—18.00 21.00—22.00 STED

Østre BILLETT

100,-/75,URPREMIERER

MULTI er en konsertserie som presenterer musikkog lydverk komponert for multikanals høyttaleroppsett. Den utforsker hvilke musikalske og kunstneriske uttrykk dette formatet åpner for. Lydens romlige kvaliteter er essensielle i disse verkene, hvor publikummet omsluttes av lyden på alle kanter. Årets konsert på Borealis byr på to urfremføringer. Bestillingsverket fra Julian Skar undersøker tvil og den ultimate frihet. Kari Telstad Sundets nye verk er filmmusikk til en film som ikke eksisterer – annet enn bak tilhørerens egne øyelokk. Selv om vi ikke kan høre eller se snø kan vi påminnes konseptet «snø» og derfor se flakene dale likevel. Telstad Sundet graver i egne og andres minner, referanser og assosiasjoner i søken etter musikkens visuelle natur. Stykket fremstiller den samme scenen som om den ble filmet tre ganger på tre forskjellige steder – tre «siste øyeblikk». MULTI er et samarbeid mellom Lydgalleriet, BEK, NOTAM, Borealis og Electric Audio Unit, og innebærer bestilling og utvikling av nye verk, programvareutvikling og kompetansebygging innenfor surroundlyd, samt presentasjon av sentrale verk fra inn- og utlandet. I tilknytning til Borealis 2016 gir BEK en introduksjon til arbeidet med dette formatet for en gruppe kvinnelige elektroniske musikere fra Kairo som besøker festivalen (Egyptian Females Experimental Music Session). I samarbeid med BEK og Lydgalleriet. Støttet av NOTAM, Kulturrådet og Bergen kommune.

MULTI is a concert series presenting music and sound pieces for multichannel surround sound, exploring the musical and artistic expressions this setup reveals. The sound’s spatial qualities are essential in these works as the audience is encircled by sound on all sides. This year’s concert at Borealis presents two world premiers. A commission by Julian Skar explores doubt and ultimate freedom. Kari Telstad Sundet’s new piece is film music for a film which doesn’t exist – apart from behind the listener’s own eyelids. Telstad Sundet digs in to her own and others’ memories, references and associations in order to look for music’s visual nature. The piece shows the same scene as if it was shot three times on three different locations – three «last moments». MULTI is a collaboration between Lydgalleriet, BEK, NOTAM, Borealis and Electric Audio Unit and entails commissions and development of new work, software development and competence building within surround sound, as well as presenting important Norwegian and international works. In connection to Borealis 2016, BEK will give an introduction to surround sound to a group of female electronic musicians from Cairo who are visiting the festival (Egyptian Females Experimental Music Session).

13


Torsdag 10. mars TID

19.00—20.00 STED

Bergen Kjøtt

BIT20 Ensemble spiller Santiago Díez-Fischer Sigurd Fischer Olsen Under Ordene

BILLETT

200,-/150,-

Sofia Jernberg — sopran Peter Szilvay — dirigent Santiago Díez-Fischer — óyelos desgarrar la tela del presagio Sigurd Fischer Olsen — Sserenades

URPREMIERER Samtale med komponistene på konserten.

14

Hva kan en ung komponist gjøre når hen blir tilbudt allsidigheten og virtuositeten til BIT20 Ensemble, Bergens spesialister på ny musikk? For Borealis 2016 blir dette spørsmålet besvart med to urfremføringer, en fra rett rundt hjørnet, og en fra andre siden av verden. Begge verkene undersøker hva det betyr å være et kammerorkester i vår tid.

What can a young composer do when handed the versatility and virtuosity of Bergen’s new music specialists, the BIT20 Ensemble? For Borealis 2016, this question will be answered by the World Premieres of two new works, one from just round the corner and the other from the other side of the world, exploring what it means to be a Sinfonietta today.

Den argentinske komponisten Santiago Díez-Fischer kommer til å bruke ensemblet som tolkningsverktøy, ved å bygge forbindelser mellom en haug av hjemmelaget elektronikk og et par perkusjonister. Dette skaper en helt ny verden av lyd som tilsynelatende eksisterer uavhengig av instrumentene. Díez-Fischer jobber med ukonvensjonelle spilleteknikker som er komplekst konstruerte, for å skape et helt nytt syn på det instrumentale ensemblet.

From Argentina, composer Santiago Díez-Fischer will take the ensemble as a translation device, building connections between a pile of homemade electronics and a pair of percussionists, creating sound worlds that exist seemingly independent of their instruments. Díez-Fischer works with intricately constructed extended playing-techniques to create a wholly different vision of the instrumental ensemble.

Den bergenske komponisten Sigurd Fischer Olsen skriver musikk kjennetegnet av stille intensitet. Med dette bestillingsverket skal han tilføre ensemblet den usedvanlig fleksible stemmen til den svensketiopiske sopranen Sofia Jernberg. Han skal bryte ned ensemblet i enkelte komponenter, og skape et mangfold av forskjellige stemmer og stiler.

Bergen based composer Sigurd Fischer Olsen composes music marked by a quiet intensity, and will be adding the uniquely flexible voice of Swedish Ethiopian soprano Sofia Jernberg to the group, breaking the ensemble down in to its component parts, and creating a multiplicity of different voices and styles.

Presentert i samarbeid med BIT20 Ensemble. Støttet av Kulturrådet og Artis.


URPREMIERE

Object Collection — It’s All True

TID

21.00—22.30 STED

Travis Just — komponist

Dither:

Kara Feely — libretto, regi

Gyan Riley — gitar

Peter Ksander — scenografi

James Moore — gitar

Liz Nielsen — inspisient

Taylor Lavine — gitar

Catrin Lloyd-Bollard — vokal, skuespiller

Joshua Lopes — gitar

Daniel Allen Nelson — vokal, skuespiller Avi Glickstein — vokal, skuespiller

Owen Weaver — perkusjon

Deborah Wallace — vokal, skuespiller

Shayna Dunkleman — perkusjon

4 elektriske gitarer, 2 trommesett og 1000 timer med arkivmateriale fra konserter av et ikonisk amerikansk post-hardcore band. Dette er kanskje ikke de mest vanlige ingrediensene i en opera, men Object Collection fra Brooklyn, New York, kan man heller ikke kalle et vanlig operakompani. Kompaniet spiller en sentral rolle i New Yorks eksperimentelle scenekunst- og musikkmiljø. Med Robert Ashley og Richard Foreman som spirituelle stamfedre presenterer de en helt radikal sammensmelting av komponert musikk og teater. Det nyeste verket til Object Collection, It’s All True, fanger energien til en musikalsk Gjør-Det-Selv undergrunn, og oversetter kaoset, potensialet, fremføringen og de politiske standpunktene i denne musikken til et nøye planlagt og presist gjennomført verk: et kjapt innpust før det revolusjonære bruddet, stivnet i rav. It’s All True svever i det ubeskrivelige spenningsøyeblikket rett før noe skjer – fanget i sin egen uavbrutte etterklang. Kommer revolusjonen til å skje? Eller har den allerede skjedd, og vi har gått glipp av den? Verket finner det eksakte tidspunktet for bruddet – det opphissete stadiumet som omringer kollisjonens øyeblikk. Vi forblir akkurat der, uten å nå eller bli sluppet fri fra katarsis. Et øyeblikk med grenseløst potensiale – der alt er mulig, men ikke har skjedd. Presentert i samarbeid med Bergen Nasjonale Opera. Bestillingsverk med støtte fra Ernst von Siemens Music Foundation. Støttet av US Embassy, Oslo; Mid Atlantic Arts Foundation gjennom USArtists International, i samarbeid med National Endowment for the Arts og Andrew W. Mellon Foundation.

Torsdag 10. mars Cornerteateret BILLETT

200,-/150,2. FORESTILLING

Fredag 11. mars TID

19.00—20.30

4 electric guitars, 2 drum kits, and 1000 hours of live archive from an iconic American post-hardcore band aren’t everyday ingredients for an opera. But then Object Collection from Brooklyn, New York, aren’t an everyday opera company. Rooted firmly in New York’s experimental theatre and music scene, with Robert Ashley and Richard Foreman as their spiritual forebears, they present an entirely radical fusion of composed music and theatre. Object Collection’s newest piece, It’s All True, captures the energy of the DIY underground, translating the chaos and potential of the music, the performance and the politics in a work that is precisely planned, rigorously executed: the quick inhale before the revolutionary break, frozen in amber. It’s All True will teeter at that moment of indescribable tension before an event occurs, while simultaneously caught in its perpetual reverberation. Is the revolution about to occur? Or did it already happen and we just missed it? The piece will locate the exact moment of dislocation, that agitated state that surrounds the moment of impact, and lingers there – never reaching catharsis and never released from it. It’s All True will ignite in this ecstatic peak of limitless potentiality, where anything is possible yet nothing has happened.

15


Egyptian Females Experimental Music Session Torsdag 10. mars TID

23.00—24.00 STED

Østre BILLETT

150,-/100,75.– etter 24.00 24.00 — DJ MAHMOUD REFAT

16

I mange år har Asmaa Azzouz, Shorouk El Zomor, Jacqueline George, Nina El Gebaly, Hagar Masoud og Ola Saad vært en del av miljøet for lydkunst, støy og eksperimentell musikk i Egypt. Alle de seks musikerne er direkte musikalske etterkommere etter den geniale lydkunstneren og kuratoren Ahmed Basiousny, som mistet livet sitt under protestene i Kairo i januar 2011. Basiouny er kjent som en av pionerene innen lydkunst. Egyptian Females Experimental Music Session er et ekte testament for frie og kreative uttrykk, hvor de benytter tonegeneratorer, dekonstruksjon av tonehøyde og klang, jazzstrukturer, feltopptak og lag på lag med lyd. Med en radikal Gjør-Det-Selv-holdning er det symbolsk for Kairos lydlandskap, samtidig som man finner spor av melodier og rytmer gjennom hele dette voldsomme og vakkert orkestrerte eksperimentet. Etter konserten Mahmoud Refat plays 100 Copies Music Produsent og musiker Mahmoud Refat og labelet 100 Copies har vært en viktig drivkraft i egyptisk undergrunnsmusikk i mange år. Han kommer med en bag full av Egypts nyeste utgivelser – rykende fersk festmusikk fra Kairos dansegulv. Støttet av Embassy of Egypt in Oslo, Norway og Music Norway.

For years now, Asmaa Azzouz, Shorouk El Zomor, Jacqueline George, Nina El Gebaly, Hagar Masoud and Ola Saad have been collectively and individually intertwined within the world of sound art, noise, and experimental music. All six musicians are each direct musical descendents from the brilliant sound artist and curator Ahmed Basiouny, who tragically lost his life while protesting in Cairo during the January 2011 revolution. Basiouny is known for being one of the pioneers of sound art through his deconstruction and reconstruction of the traditional sonic sphere. With the use of tone generators, pitch and timbral deconstructions, jazz structures, field recordings and layers upon layers, this project is a true testament to free and creative expression. It is emblematic of Cairo’s soundscape, at the same time traces of melodies and rhythms can be found through this beautifully orchestrated and outrageous experiment in a radical Do-It-Yourself fashion. After the concert Mahmoud Refat plays 100 Copies Music Producer and musician Mahmoud Refat and the record label 100 Copies have been at the heart of Egyptian underground music for years. He brings a record bag stuffed full of the latest Egyptian releases, party music hot from Cairo´s dancefloors.


Fredag 11. mars

Fredag 11. mars Samtale Opera’s Bold New Future

17

TID

13.00—14.00 STED

Bergen Kunsthall No. 5 GRATIS

Hvilken relevans har den mest storslåtte kunstformen fra det 19. århundret for en ung komponist nå til dags? Verden til Puccini og Verdi synes å være veldig langt unna den konseptuelle musikken som blir komponert i 2016. Allikevel er det en uendelig strøm av nye operaer som blir bestilt og komponert, både initiert av operahusene og uavhengig fra deres konvensjonelle produksjonsstrukturer.

What relevance does the grandest of 19th Century art forms have for a young composer today? Whilst the worlds of Verdi and Puccini seem a million miles away from the conceptual music being composed in 2016, there is a never ending stream of new opera being commissioned and composed, both from within the Opera Houses, and independent of their production structures.

I denne samtalen møter komponisten Travis Just og regissøren Kara Feely mezzosopranisten og regissøren Lore Lixenberg, kunstnerisk leder for Ultima Lars Petter Hagen, og komponisten Jennifer Walshe for å diskutere operaens fremtid.

Composer and director Travis Just and Kara Feely are joined by mezzo soprano and director Lore Lixenberg, artistic director of Ultima, Lars Petter Hagen, and composer Jennifer Walshe to ask what the future holds for Opera.

Presentert i samarbeid med Bergen Nasjonale Opera. Støttet av Fritt Ord.


Espen Sommer Eide Incorporate Intervention #2 Fredag 11. mars TID

16.00—16.45 STED

Rom8 BILLETT

100,-/75,-

ÅPNINGSTIDER INSTALLASJON — 12.00–18.00

18

Kunstnerne Stine Janvin Motland, Lasse Marhaug og Greg Pope har invitert tre forskjellige utøvere til å gripe inn i installasjonen deres, Incorporate, på tre forskjellige intervensjoner i løpet av festivalen. Hver kunstner får frie tøyler til å spille med eller mot installasjonens lyd- og lyselementer, til å tilføye eller ta vekk noen, til å flytte på dem eller bare ignorere dem, og til å utvikle sitt helt eget verk innenfor rammene til det allerede eksisterende kunstverket. Espen Sommer Eides instrumenter og maskiner kan ikke kjøpes i musikkbutikken. De ligger ikke gjemt i en stilig stålkoffert fra et japansk toppmerke. Han har laget dem selv i studioet sitt i Bergen, med skrutrekker og en loddebolt. Er du lytter på en av konsertene hans, er du også tilskuer og oppdagelsesreisende: Du er på en ferd inn i lyden, tar en spasertur rundt i komposisjonen, og oppdager stadig nye former for musikk. Støttet av Kulturrådet og Det norske komponistfond.

Artists Stine Janvin Motland, Lasse Marhaug and Greg Pope have invited a different performer each day to stage an intervention within their installation, Incorporate. Working with or against, adding to or subtracting from, rearranging or just ignoring the sound and light elements they have created, each artist has been given free rein to organically evolve their work. Espen Sommer Eide’s instruments and machines cannot be found in the music shop. They don’t hide in a steel casing labelled by a Japanese top brand. He made them in his studio in Bergen, with a screwdriver and a soldering iron. The listeners to his concerts are also viewers and explorers: they travel into the sound, they take a walk inside the composition and discover the new shapes of music to come.


Fredag 11. mars TID

17.00—18.00 STED

Korskirken

Griegakademiet X Borealis Odd Objects Simon Løffler — Graduale Ketil Hvoslef — Kammerspill Natacha Diels — The Colours Don’t Match Joseph Kudirka — Odd Objects

BILLETT

100,-/75,-

19 Griegakademiet er en svært viktig del av Bergens musikalske infrastruktur. Hvert år jobber Borealis tett sammen med dem, både for å inspirere komponistene og utøverne som studerer der, og for å benytte seg av deres musikalske ekspertise og erfaring. Årets konsertprogram, som blir fremført av studenter under ledelse av Ricardo Odriozola, består av et større kammermusikkverk av Bergenskomponisten Ketil Hvoslef, rammet inn av stykker fra komponister som gjester Borealis 2016. Hvoslefs Kammerspill, for blåserkvintett, strykekvintett, piano og to perkusjonister får selskap av et stykke for solo vokal av den danske komponisten Simon Løffler, der sangeren kjemper mot seg selv. The Colours Don’t Match for stemme, piccolo, klarinett, fiolin, perkusjon og elektronikk av den amerikanske komponisten Natacha Diels, er en konfrontasjon mellom etiketter og viljestyrke, som blir stadig mer kaotisk. Programmet blir bundet sammen av forskjellige gjennomføringer av Odd Objects, en samling av solo og gruppeaktiviteter av den amerikanske eksperimentalisten Joseph Kudirka. Presentert i samarbeid med Griegakademiet.

The Grieg Academy is a vital part of Bergen’s musical infrastructure and Borealis works closely with them each year to help inspire the composers and performers studying there, and to draw on their musical expertise and experience. This year we have programmed a concert, performed by the students of the Grieg Academy under Ricardo Odriozola, featuring work from across the spectrum of Borealis’ featured composers surrounding an expanded piece of chamber music from veteran Bergen composer Ketil Hvoslef. Hvoslef’s Kammerspill for Wind Quintet, String Quintet, Piano and Two Percussionists, will be joined by a piece for solo voice by Danish composer Simon Løffler in which the singer battles against herself, and an increasingly chaotic confrontation between labels and willpower called The Colours Don’t Match for voice, piccolo, clarinet, violin, percussion and electronics by American composer Natacha Diels. In between the pieces will be realisations of the American experimentalist Joseph Kudirka’s Odd Objects, a collection of solo and group activities that will appear as interventions within the concert framework.


Fredag 11. mars

Object Collection It’s All True

TID

19.00—20.30 2. forestilling STED

Cornerteateret BILLETT

200,-/150,SE SIDE 15

Etter forestillingen skal grunnleggerne av Object Collection, Travis Just og Kara Feely, sammen med medlemmer av kompaniet diskutere It’s All True og deres radikale visjon for operasjangeren.

Object Collection founders Travis Just and Kara Feely are joined by members of the company, following the performance to discuss It’s All True and their radical vision of opera.

Presentert i samarbeid med Bergen Nasjonale Opera. Bestillingsverk med støtte fra Ernst von Siemens Music Foundation. Støttet av US Embassy, Oslo; Mid Atlantic Arts Foundation gjennom USArtists International, i samarbeid med National Endowment for the Arts og Andrew W. Mellon Foundation.

20

Fredag 11. mars Foredrag Plattform presenterer: Dan Fox om James Richards

TID

19.00—20.00 STED

Bergen Kunsthall Upstairs

GRATIS

I forbindelse med James Richards utstilling Untitled (Crumb Mahogany), som vises i Bergen Kunsthall 26. februar til 3. april, inviterer Plattform og Borealis til et foredrag med Dan Fox. Dan Fox er en New York-basert forfatter, musiker og medredaktør i frieze magasin, Europas største magasin om kunst og kultur. I foredraget skal Dan Fox fokusere på musikken og lyden som James Richards bruker i arbeidet sitt.

In connection with James Richards’ exhibition Untitled (Crumb Mahogany), on display at Bergen Kunsthall from 26 February to 3 April, Plattform and Borealis present a talk with Dan Fox, a New York based writer, musician, and co-editor of frieze magazine, Europe’s foremost magazine for art and culture. In his talk Dan Fox will be focusing on the music and sound in James Richards’ work.

Untitled (Crumb Mahogany) presenterer et nytt verk som tar i bruk alle rommene i kunsthallen. Istedenfor å arbeide med avgrensede enkeltverk vist på én eller flere skjermer, skaper Richards for første gang en installasjon som er «smurt ut og spredd over mange rom».

Untitled (Crumb Mahogany) presents a newly commissioned work occupying all of the Kunsthall galleries. Rather than working in a single or multiscreen format, Richards creates, for the first time, an installation that is «smeared and spread across multiple rooms».

Presentert i samarbeid med Bergen Kunsthall.


Fredag 11. mars

Ensemble Pamplemousse This is the Uplifting Part

TID

21.00—22.00 STED

KODE 4 Tårnsalen BILLETT

200,-/150,Natacha Diels — fløyte Jessie Marino — cello David Broome — tangenter Andrew Greenwald — trommer Bryan Jacobs — lyd

Pamplemousse presenterer en potpourri av tøylesløse eksplosjoner, av fortreffelig sammenflettet innadvendthet og ekshibisjonisme. Programmet blir rammet inn av to fantastiske tolkninger av tapemusikk – Jessie Marinos Guillaume de St. Cloud Suffers a Violent Dazzling og Dave Broomes Ominousty. I programmets kjerne finner vi det femte verket i Andrew Greenwalds djevelsk algoritmiske serie (A Thing is a Hole in a Thing it is Not (v)), Natacha Diels’ ekstravagante drøm som hun ikke klarer å våkne fra (Child of Chimera), og Bryan Jacobs’ omtolkning av livet selv, sett gjennom øynene til to slide-fløyter (Organic Synthesis Vol. 1). Pamplemousse spiller egne verk som stiller spørsmål ved tradisjonelle konsepter for lyd og fremføring av musikk på en leken måte. De knytter sammen akustiske og elektroniske lydverdener ved å blande oppfinnsomme metoder for å produsere lyd med utvidete instrumentale spilleteknikker. Alle medlemmene i Pamplemousse er spesialiserte i et unikt aspekt innenfor komposisjon – fra Greenwalds mikrodetaljerte instrumentalkomponering til Marinos eksperimentelle teater med elektronikk, og Jacobs’ elektromekaniske, robotlignende verk. Komposisjonene i denne portrettkonserten spiller med konvensjonelle perspektiver på kvalitet og smak – med et kritisk øye og et lunefullt smil. Støttet av US Embassy, Oslo; Mid Atlantic Arts Foundation gjennom USArtists International, i samarbeid med National Endowment for the Arts og Andrew W. Mellon Foundation.

Pamplemousse presents a potpourri of proliferous explosions through exquisitely intertwined introversion and exhibitionism. Bookended by two fantastical takes on tape music – Jessie Marino’s Guillaume de St. Cloud Suffers a Violent Dazzling and Dave Broome’s Ominousty – the programme also features the fifth in Andrew Greenwald’s devilishly algorithmic series (A Thing is a Hole in a Thing it is Not (v)), Natacha Diels’ extravagant dreaming and miswakening (Child of Chimera), and Bryan Jacobs’ reinterpretation of Life Itself, as seen through the eyes of two slide whistles (Organic Synthesis Vol. 1). Performing their own works that playfully question traditional concepts of sound and music performance, Pamplemousse links acoustic and electronic sound worlds by blending innovative methods of sound production with extended instrumental techniques. Each of the Pamplemousse members specialises in a unique aspect of composition, from Greenwald’s micro-detailed instrumental writing and Marino’s experimental theatre with electronics to Jacobs’ electro-mechanical musical robotics. Their compositions on this programme play with conventional perspectives of quality and taste with a critical eye and a whimsical grin.

21


Fredag 11. mars

Mark Leckey Dream English Kid 1964—1999 AD

TID

STED

Landmark BILLETT

100,-/75,FILM

22

Dream English Kid 1964-1999 AD er en autobiografisk film av Turnerprisvinneren og kunstneren Mark Leckey. Den tegner et autobiografisk bilde på grunnlag av de siste 40 årene med britisk popkultur, og vises nå for første gang i Norge. Mark Leckeys brede multidisiplinære praksis som kunstner kombinerer skulpturer, film, lyd og performance. Hans vittige og sensuelle filmer bruker ofte underrepresenterte og oversette aspekter ved britisk popkultur som tema, for å utforske idéer om personlig historie, begjær og transformasjon. Det begynte med en funnet piratkopi av en Joy Division-konsert som Leckey selv var på i 1979, og innsikten om at mange av våre personlige minner og erfaringer nå kan finnes online. Med dette som utgangspunkt forsøker Dream English Kid 1964-1999 AD å opprette en journal av alle betydningsfulle hendelser i Leckeys liv gjennom den senere delen av det 20. århundret, ved hjelp av funnede filmsnutter, reklamer og populærmusikk. Presentert i samarbeid med Cabinet, London. En film av Mark Leckey i samarbeid med Film London Artists’ Moving Image Network og Arts Council England.

Med tillatelse fra kunstneren og Cabinet, London

22.30—23.00

The first Norwegian showing of Turner prize-winning artist Mark Leckey’s new autobiographical film, drawing on British popular culture from the past 40 years. Mark Leckey’s wide-ranging and multi-disciplinary practice combines sculpture, film, sound and performance. His witty and sensual films often take as their subject under-represented and overlooked aspects of British popular culture to explore ideas about personal history, desire and transformation. It started with a piece of found bootleg documentation of a Joy Division gig that Leckey attended in 1979 and the realisation that many of our personal memories and experiences can now be found online. From there, Dream English Kid 1964-1999 AD attempts to create a record of all the significant events in Leckey’s life during the late 20th Century through found traces of film, adverts and popular music.


Foto av Nick Rutter

Fredag 11. mars TID

23.00—23.45 STED

Bergen Kunsthall No. 5 BILLETT

150,-/100,-

Rodrigo Constanzo Rodrigo Constanzo skal spille noen stykker for dere. Han vil gjerne spille noen høylytte stykker med blinkende lys. Han vil også gjerne spille noen rolige stykker, som er ladet med en enkel stillferdighet. Constanzo har planer om å bruke følgende: en tromme (muligens til og med et helt trommesett), noen stemmegafler, en gammel harddisk, forskjellige metallobjekter og stikker, og noen digitalt styrte lys. På et visst tidspunkt midtveis kan det hende at han synger stille for seg selv. Han er alene på scenen, så ingen kommer til å høre ham. Det er usannsynlig at han kommer til å reise gjennom tiden, men du trenger ikke å bekymre deg. Opplevelsen er verdt det.

Rodrigo Constanzo is all about playing some pieces for you. He wants to play you some loud pieces, with flashing lights. As well as some quieter pieces, that are charged with a simple stillness. Constanzo plans on using the following: a drum (maybe even a drumset), some tuning forks, an old computer hard drive, a variety of metal objects and sticks and some digitally controlled lights. At some point in the middle you may find him singing quietly to himself. He is alone on stage, so no one will hear him. It is unlikely that he will travel through time tomorrow (/yesterday?), but do not worry. It is (/was) all worth it.

23


Fredag 11. mars TID

00.00—03.00 STED

Landmark BILLETT

150,-/100,-

Foto av Anne Tetzlaff

Beatrice Dillon & Kassem Mosse 24

Det nye samarbeidet mellom Beatrice Dillon og Kassem Mosse er et halvimprovisert livesett, bygget på elektronikk og feltopptak. De to produsentene for elektronisk undergrunnsmusikk spilte for første gang sammen i Tate Liverpool i Storbritannia i 2015. Samarbeidet forener lytting og dansing, og kombinerer Dillons og Mosses delte interesse for live prosessering, eksperimentell elektronikk og feltopptak fra natur og folklore. Både Beatrice Dillon og Kassem Mosse er to av de mest spennende produsentene for elektronisk musikk i Europa i dag. De skaper to forskjellige smaksvarianter av eksperimentell techno som konstant skifter form, med én fot i den perifere lydverdenen og én på dansegulvet. De skal ikke bare by på manipulasjoner av originale feltopptak, samples av rytmer og mange lag med lyd – som DJer tar de oss også med på en kaleidoskopisk reise gjennom jazz, verdensmusikk, dub, techno og house. Beatrice Dillon, født og bosatt i London, er produsent, komponist og DJ for radiostasjonen NTS i London. Miksene hennes er et esoterisk motmiddel mot ortodoksi, som benytter seg av uvante og mindre hørte lyder fra ulydig techno til vintage folk. Kassem Mosse produserer elektronisk musikk og tenker for mye. Han bor og arbeider i Leipzig, Tyskland. Presentert i samarbeid med Landmark.

Foto av Inga Kerber

Underground electronic producers Beatrice Dillon and Kassem Mosse collaborate on a semi-improvised live set, built of electronics and field recordings. First performed at Tate Liverpool in the UK in 2015, this new collaboration bridges the gap between listening and dancing, and combines their shared interests in live processing, experimental electronics and environmental and ethnographic field recordings. Two of the most exciting electronic producers working in Europe at the moment, Beatrice Dillon and Kassem Mosse create two different flavours of shape-shifting experimental techno, with feet firmly planted in both fringe soundworlds and on the dancefloor. Alongside their live manipulations of original field recordings, rhythm samples and layers of sound they´ll be DJing a kaleidoscopic journey through jazz, world, dub, techno and house. London born and based Beatrice Dillon is a producer, composer and a DJ at the radio station NTS in London. Her mixes are an esoteric antidote to orthodoxy, tracing the fringes and the vaults for sounds lesser heard, from wayward techno to vintage Folkways. Kassem Mosse produces electronic music and thinks too much. He lives and works in Leipzig, Germany.


Lørdag 12. mars

Lørdag 12. mars Borealis Filmklubb Borealis Filmklubb er tilbake med et nytt program med filmer som formidler musikk og lyd på forskjellige måter. Filmen put the goat in the goat boat (2014, 17min) av kunstneren Heather Phillipson er en forskjøvet, hjemmelaget kommentar på naturen. Den irske outsider-kunstneren Caoimhín Breathnach og komponisten Jennifer Walshes An Gléacht (2015, 30min) kombinerer skjulte budskap fra det underbevisste, fanget på film og kassett, med filmopptak av okkulte ritualer. Space is the Place (1974, 85min) er en psykedelisk blanding av kosmisk filosofi, afrofuturisk polemikk og voldsom modal jazz, med den selvoppnevnte saturisten og pioneren Sun Ra i hovedrollen. Se borealisfestival.no for mer detaljer. Støttet av Fritt Ord.

25

TID

11.30—14.00 STED

Bergen Kunsthall No. 5 GRATIS

Borealis Filmklubb returns with another programme of films negotiating music and sound in different ways. Artist Heather Phillipson’s put the goat in the goat boat (2014, 17min) proposes a dislocated, homespun nature commentary. Irish outsider artist Caoimhín Breathnach and composer Jennifer Walshe’s An Gléacht (2015, 30min) combines subliminal tapes and films with footage showing a sequence of occult rituals. Space is the Place (1974, 85min) stars self-styled Saturnian and Afrofuturist pioneer Sun Ra in a mind-bending mix of cosmic philosophy, afro-futurist polemic, and blistering modal jazz performance. Full details on the Borealis website.


Simon Løffler — C

Lørdag 12. mars

David Broome — Sirens, Glass, Balloons, and Guitfiddle Jessie Marino — Rotblau On Structure — On Silence Knut Vaage, Ole Andre Farstad,

TID

barn fra Vadmyra Skole

14.00—17.00

— Jeg fant, jeg fant…

STED

Bergen Internasjonale Kultursenter BILLETT

150,-/100,50,– (BARN) 300,– (FAMILIEBILLETT)

Konsertsirkus!

26

Konsertsirkus er tilbake! Bergen Internasjonale Kultursenter åpner dørene sine for eventyrlystne lyttere, gamle og unge. Borealis tar over hele huset og inviterer til en ettermidag full av eksperimentelle musikkoppdagelser. Det blir en fest med musikk, mat og drikke, og med nok plass til de som har mye energi til overs. Blant de mange korte konsertene for hele familien er oppfinnsom musikk av medlemmer fra Ensemble Pamplemousse, lekent og teatratralsk fremført på tekanner, bjeller, ballonger og sirener, og et stykke av den danske komponisten Simon Løffler som utfordrer oss til å lytte med tennene våre istedenfor med ørene. Ikke bare publikum er i ulike aldre, det blir også musikk av noen veldig unge komponister fra Vadmyra skole. Som en del av BIT20s skoleprosjekt Vi komponerer, skal de fremføre et nytt verk sammen med komponistene Knut Vaage og Ole André Farstad, og musikere fra BIT20 Ensemble. Konsertsirkuskaféen kommer til å være åpen gjennom hele ettermiddagen med mye god mat og drikke. Om du vil prøve eksperimentell iskrem laget av Hallaisen, eller bare lytte til nye, spennende lydverdener – ta med hele familien til Konsertsirkus! En detaljert oversikt over hele programmet kommer til å være tilgjengelig på konsertdagen. Presentert i samarbeid med BIT20 Ensemble. Støttet av Kulturrådet.

The Konsertsirkus returns to Borealis, throwing open the doors of the Bergen International Cultural Center to adventurous listeners, old and young, for an afternoon of experimental music adventures. Taking over the house, the Konsertsirkus will once again be a celebration with music, food and drink, and space in-between for the energetic ones to run around. Full of short concerts for whole families to take part in, there will be cutting edge new music with a playful theatricality performed on teapots and bells, balloons and sirens, by members of Ensemble Pamplemousse, and a piece from Danish composer Simon Løffler that challenges us to listen not with our ears but through our teeth. It’s not just the audience who are all ages either, as very young composers from the Vadmyra school will join composers Knut Vaage, Ole Andre Farstad and musicians from BIT20 Ensemble to perform new work from the BIT20 outreach program Vi komponerer. The Konsertsirkus Café will be open throughout the afternoon offering snacks and drinks, so whether you want to try the experimental ice-cream made by Hallaisen or just listen together to new, exciting sound-worlds, bring the whole family down to the Konsertsirkus! The full performance schedule will be available at the venue.


Siv Øyunn Kjenstad Incorporate Intervention #3

Lørdag 12. mars TID

16.00—16.45 STED

Rom8 BILLETT

100,-/75,-

ÅPNINGSTIDER INSTALLASJON — 12.00–18.00

Kunstnerne Stine Janvin Motland, Lasse Marhaug og Greg Pope har invitert tre forskjellige utøvere til å gripe inn i installasjonen deres, Incorporate, på tre forskjellige intervensjoner i løpet av festivalen. Hver kunstner får frie tøyler til å spille med eller mot installasjonens lyd- og lyselementer, til å tilføye eller ta vekk noen, til å flytte på dem eller bare ignorere dem, og til å utvikle sitt helt eget verk innenfor rammene til det allerede eksisterende kunstverket. Siv Øyunn Kjenstad spiller trommer på tvers av sjangrene: med Maja S. K. Ratkje og Øyvind Brandsegg, med Thomas Strønens Time is A Blind Guide, Trondheim Jazz Orkester & Christian Wallumrød, og Bugge Wesseltofts New Conception of Jazz. Hun er også bandleder i sitt eget prosjekt, Øyunn. På Borealis 2015 hadde Siv en gjesteopptreden på Lina Lapelytes Candy Shop – the Circus, der hun skiftet mellom støy og impro på trommesettet, og sang med i Lapelytes kor. Støttet av Kulturrådet og Det norske komponistfond.

Artists Stine Janvin Motland, Lasse Marhaug and Greg Pope have invited a different performer each day to stage an intervention within their installation, Incorporate. Working with or against, adding to or subtracting from, rearranging or just ignoring the sound and light elements they have created, each artist has been given free rein to organically evolve their work. Siv Øyunn Kjenstad drums prolifically across genres, with Maja S. K. Ratkje and Øyvind Brandsegg, with Thomas Strønen’s Time is A Blind Guide, Trondheim Jazz Orchestra & Christian Wallumrød and Bugge Wesseltoft’s New Conception of Jazz, as well as being bandleader for her own project Øyunn. In 2015 she made a guest appearance at Borealis in Lina Lapelyte’s Candy Shop – the Circus, veering between noise and improv, and adding singing to her repertoire.

27


Lørdag 12. mars TID

19.00—19.45 STED

Bergen Kjøtt BILLETT

200,-/150,-

Ellen Ugelvik — tangenter & elektronikk Kristine Tjøgersen — klarinetter & elektronikk Tanja Orning — cello & elektronikk Håkon Stene — perkusjon & elektronikk Anders Førisdal — gitarer & elektronikk

asamisimasa spiller Simon Løffler (.._.._....)

28

I denne portrettkonserten skal ensemblet asamisimasa, bestående av fem av Norges mest interessante utøvere innenfor samtidsmusikk, presentere fire verk av den danske komponisten Simon Løffler. Løfflers komposisjoner kjenntegnes av usedvanlig instrumentering og oppfinnsom bruk av elektronikk. Verket a er skrevet for leketøysinstrumenter. Både musikken og musikerne prøver å etablere en følelse av fullstendig tilbaketrukkenhet. I b spiller tre musikere med to parametre: effektpedaler som er koblet i en lukket krets og som modulerer hverandre, og den statiske elektrisiteten til lysrør som blir sendt videre fra en musikere til den neste ved berøring. Løffler skaper én instrumental kropp som musikerne korresponderer med ved hjelp av svært enkle kroppsbevegelser. Komposisjonen d forsøker å opprette en vegg mellom publikummet og musikken. Veggen blir behandlet både som et instrument, et skille mellom folk, og samtidig som en resonansbærer som videreformidler den ekstremt stille musikken. Stykket (.._.._....) prøver å begrense instrumentenes spilleteknikker til et minimum: Lyden er primitiv og røff. Det finnes kun veldig høyt eller ekstremt lavt, tutti eller solo, i tillegg til de små prosessene som forbinder disse kontrastene. Støttet av Dansk Komponist Forening.

In this portrait concert the ensemble asamisimasa, consisting of five of Norway’s most exciting performers within new music, will perform four pieces by Danish composer Simon Løffler. Løffler’s compositions are characterised by unusual instrumentation and creative use of electronics. The piece a is written for children instruments. Both the music and the musicians try to establish a sense of complete seclusion. In b, three musicians are playing with two parameters: guitar pedals that are daisy chained and modulate each other, and fluorescent lamps whose static electricity is being passed on from musician to musician by touching each other. Løffler tries to create one single instrumental body. The piece d tries to establish a wall in between the audience and the music. This wall is treated both as an instrument and as a concrete separator between people, as well as the resonating medium through which the extremely soft music is perceived. The piece (.._.._....) seeks to reduce the playing techniques of the instruments to a minimum: the sound is primitive and raw, there is only very loud or extremely soft, very high or very low, tutti or solo, and the small processes that connect these contrasts.


Dither

Foto av Brendan Adamson

Taylor Levine — elektrisk gitar Joshua Lopes — elektrisk gitar James Moore — elektrisk gitar Gyan Riley — elektrisk gitar

Den amerikanske gitarkvartetten Dither presenterer et barskt program av komposisjoner for elektrisk gitar. Det består av verk fra de fire medlemmene selv, og musikk av Dither plays Zorn, kvartettens nyeste album med John Zorns improvisatoriske game pieces, som ble gitt ut på Zorns eget label Tzadik. Mye av Dithers repertoar undersøker tøyelige former og elementer av improvisasjon innenfor notert komposisjon. Dither ble opprinnelig inspirert av Fred Friths kvartett fra 90-tallet som brukte improvisatoriske elementer i form av soloer, fleksible former og åpenhet i orkestreringen. Da Dither utvidet repertoaret sitt lette kvartetten etter stykker som utforsker disse mulighetene videre – spesielt verk som bruker utøverens avgjørelser som byggeklosser for selve komposisjonen. John Zorns game pieces tar denne idéen til det ekstreme: bortimot alt materialet er improvisert, men gjennom en tydelig form og et pedantisk regelverk beholder hvert stykke en umiskjennelig kompositorisk identitet. Støttet av US Embassy, Oslo.

Lørdag 12. mars TID

21.00—22.00 STED

Landmark BILLETT

200,-/150,-

29

Dither presents a raucous program of compositions for electric guitar quartet, featuring original pieces from the four members of the group and music from Dither plays Zorn, their recent album of John Zorn’s improvisatory game pieces on Zorn’s own label Tzadik. Much of Dither’s repertoire explores malleable forms and elements of improvisation within a written composition. Dither was originally inspired by Fred Frith’s quartet from the 1990s, which incorporated improvisatory elements in the way of solos, flexible forms, and openness of orchestration. As Dither expanded its repertoire, the group sought pieces that explore these possibilities further, especially those that use the decisions of the performers as building blocks of the composition itself. John Zorn’s game pieces in particular take this idea to an extreme: virtually all of the material is improvised, but through a distinct form and a meticulous set of rules, each piece preserves an unmistakable compositional identity.


Lørdag 12. mars TID

23.00—01.00 STED

Landmark BILLETT Foto av Matthew Avignone

150,-/100,DJ ETTER KONSERTEN

Jlin + Yeah You Borealis og Utmark presenterer to kontrasterende, fremovertenkende navn innen elektronisk undergrunnsmusikk: Jlin og Yeah You.

30

Produsenten Jlin fra Gary, Indiana, i utkanten av Chicago, har skapt en ny retning for sjangeren Footwork, ett av byens varemerker. Footwork er kompromissløs, energisk musikk, og begynte som lydspor til den improviserte Footwork-dansingen, som utbredte seg i voldsom fart på klubber rundt om i byen på 2000-tallet. Jlin har siden den tid absorbert energien i Footwork, og gått bort fra miljøets sample-baserte kultur for å skape et mørkere og mer originalt lydbilde. I 2015 ble albumet hennes Dark Energy hyllet av Quietus for å gi et «inspirerende og forlokkende glimt inn i den elektroniske musikkens fremtid.›› Yeah You er en stemme/elektronikk duo fra Newcastle upon Tyne. De blander metoder fra fri impro med en sensibilitet for pop, ved å spille, ta opp og filme overalt, så mye som mulig. Resultatet er noe de kaller for Wild Pop, hvor alt blir laget der og da: låter blir komponert idet de blir spilt, og alle vanskeligheter blir taklet i fremføringsøyeblikket. Begge bandmedlemmene, Elvin Brandhi og MYKL (Gwilly Edmondez), spiller og gir ut musikk også både solo og i samarbeid med andre. Presentert i samarbeid med Utmark.

Borealis and Utmark team up to present two contrasting, forward thinking visions of underground electronic music, Jlin and Yeah You. Hailing from Gary, Indiana, on the outskirts of Chicago, producer Jlin has envisioned a new path for the city’s trademark Footwork genre. A high energy, uncompromising sound, Footwork started out at the end of the 2000’s as the soundtrack to improvised Footwork dance battles that played out at breakneck speed in clubs across the city. Since then, Jlin has absorbed the energy of Footwork and moved away from the scene’s sample based culture, to create a darker more original sound. In 2015 her album Dark Energy was praised by the Quietus as mapping out an «inspiring and tantalising glimpse of electronic music’s future.» Yeah You are a voice/electronics duo from Newcastle upon Tyne who have been making Wild Pop since 2013. Wild Pop mixes methods of free improv with a pop sensibility, recording, filming and performing whenever and wherever possible. Everything is made up on the spot, songs are composed as they are performed, all struggles negotiated at the point of production. Both band members, Elvin Brandhi and MYKL (Gwilly Edmondez), also perform and release material solo and in other collaborations.


The New Discipline «I was born with an ectomorphic body ...… After being inspired by a passage from the diaries of the Pop artist Mr. Andy Warhol – a passage where he expresses his sorrow after learning in his middle-fifties that if he had exercised, he could have had a body – I was galvanized into action ….. Hence, I now have a body.» — Douglas Coupland, Generation X «The New Discipline» is a term I’ve adopted over the last year. The term functions as a way for me to connect compositions which have a wide range of disparate interests but all share the common concern of being rooted in the physical, theatrical and visual, as well as musical; pieces which often invoke the extra-musical, activate the non-cochlear. In performance, these are works in which the ear, the eye and the brain are expected to be active and engaged. Works in which we understand that there are people on the stage, and that these people are/have bodies. Examples of composers working in this way include: Object Collection, James Saunders, Matthew Shlomowitz, Neele Hülcker, François Sarhan, Jessie Marino, Steven Takasugi, Natacha Diels, myself. The New Discipline is a way of working, both in terms of composing and preparing pieces for performance. It isn’t a style, though pieces may share similar aesthetic concerns. Composers working in this way draw on dance, theatre, film, video, visual art, installation, literature, stand-up comedy. In the rehearsal room the composer functions as a director or choreographer, perhaps most completely as an auteur. The composer doesn’t aspire to start a theatre group – they simply need to bring the tools of the director or choreographer to bear on compositional problems, on problems of musical performance. This is the discipline – the rigour of finding, learning and developing new compositional and performative tools. How to locate a psychological/physiological node which produces a very specific sound; how to notate tiny head movements alongside complex bow manoeuvres; how to train your body so that you can run ten circuits of the performance space before the piece begins; how to dissolve the concept of a single author and work collectively; how to dissolve the normal concept of what a composition is. And always working against the clock, because the disciplines which are drawn from have the luxury of development and rehearsal periods far longer than

those commonly found in new music. Then again, the New Discipline relishes the absence of that luxury, of the opportunity to move fast, break things. In this way, it is a practice more than anything else. And the concomitant: the New Discipline is located in the fact of composers being interested and willing to perform, to get their hands dirty, to do it themselves, do it immediately. The New Discipline thrives on the inheritance of Dada, Fluxus, Situationism etc. but doesn’t allow itself to be written off merely as Dada, Fluxus, Situationism etc. It’s a music written when Dada, Fluxus, Situationism etc. have aged well and are universally respected. It takes these styles for granted, lovingly and cheekily, in the same way it takes harmony and the electric guitar for granted. As starting points. As places to begin working. New Discipline works can easily be designated, even well-meaningly ghettoised, as «music theatre». While Kagel and others are clear ancestors, too much has happened since the 1970s for that term to work here. MTV, the Internet, Beyonce ripping off Anne Teresa De Keersmaeker, Stewart Lee, Girls, style blogs/yoga classes at Darmstadt, Mykki Blanco, the availability of cheap cameras and projectors, the supremacy of YouTube documentations over performances. Maybe what is at stake for the New Discipline is the fact that these pieces, these modes of thinking about the world, these compositional techniques – they are not «music theatre», they are music. Or from a different perspective, maybe what is at stake is the idea that all music is music theatre. Perhaps we are finally willing to accept that the bodies playing the music are part of the music, that they’re present, they’re valid and they inform our listening whether subconsciously or consciously. That it’s not too late for us to have bodies. Jennifer Walshe, Roscommon, January 2016

Jennifer Walshe is an Irish composer and vocalist. Her body of work has a unusual breadth and dazzling diversity, ranging from solo pieces to larger-scale operas, often challenging preconceptions of identity and gender. Supported by Fritt Ord.

31


dag

tid

tittel

side sted

Tirs. 08.03

19.00

Mat Jenner — aMAsS_a_mASs (utstillingsåpning)

s 41

4

Ons. 09.03

15.00 19.00 23.00

Maja S. K. Ratkje — Vannstand (utstillingsåpning) Åpningskonsert — Space is the Place (urpremierer) Stine J. Motland, Lasse Marhaug, Greg Pope — Incorporate

s 42 s8 s9

12 1 11

Samtale — Listening Through the Body Øyvind Torvund — Incorporate Intervention #1 MULTI — Lydkino (urpremierer) Rie Nakajima — Throw (utstillingsåpning) BIT20 spiller Santiago Díez-Fischer og Sigurd Fischer Olsen — Under Ordene (urpremierer) Object Collection — It’s All True (urpremiere) MULTI — Lydkino Egyptian Females Experimental Music Session + DJ Mahmoud Refat

s 11 s 12 s 13 s 44 s 14

4 11 13 10 3

s 15 s 13 s 16

6 13 13

13.00 16.00 17.00 19.00

Samtale — Opera’s Bold New Future Espen Sommer Eide — Incorporate Intervention #2 Griegakademiet X Borealis — Odd Objects Object Collection — It’s All True

s 17 s 18 s 19 s 20

4 11 8 6

19.00 21.00 22.30 23.00 24.00

Foredrag — Dan Fox om James Richards Ensemble Pamplemousse — This is the Uplifting Part Mark Leckey — Dream English Kid 1964–1999 AD (film) Rodrigo Constanzo Beatrice Dillon & Kassem Mosse

s 20 s 21 s 22 s 23 s 24

4 7 9 4 9

Lør. 12.03

11.30 14.00 16.00 19.00 21.00 23.00

Borealis Filmklubb Konsertsirkus! (familiearrangement) Siv Øyunn Kjenstad — Incorporate Intervention #3 asamisimasa spiller Simon Løffler — (.._.._....) Dither Jlin + Yeah You

s 25 s 26 s 27 s 28 s 29 s 30

4 2 11 3 9 9

Søn. 13.03

13.00 15.00 17.00

Samtale — Infrasonic: the politics, production and performance of electronic music O Yama O asamisimasa spiller nyMusikks Komponistgruppe — Fragmenter

s 35 s 36 s 37

4 13 7

18.00 20.00

Erin Sexton — Electromagnetic Dimension Object Collection — Under Siege + avslutningsfest

s 38 s 39

4 9

Mat Jenner — aMAsS_a_mASs Maja S. K. Ratkje — Vannstand

s 41 s 42

4 12

Bryan Jacobs — Phatic Expression

s 43

5

Rie Nakajima — Throw Motland, Marhaug, Pope — Incorporate

s 44 s9

10 11

(urpremiere)

Tors. 10.03

13.00 16.00 17.00 18.00 19.00 21.00 21.00 23.00

Fre. 11.03

— samtale med kompaniet etter forestillingen

(urpremierer)

Hver dag

11.00–17.00 (tirs–søn) 11.00–20.00 (tors) 09.00–15.00 (ons–fre) 10.00–17.00 (lør & søn) 10.00–20.00 (ons–tors) 10.00–17.00 (fre) 10.00–16.00 (lør & søn) 12.00–17.00 (tors–søn) 12.00–18.00 (tors–søn)


1 V IK S V

Dagspass 325,–/250,–

EI EN

Festivalpass 800,–/650,–

S AN D

KRISTIANSHOLM

@borealisfest @borealisfestival

Arenaer 1

Bergen Arkitekthøgskole

2

Bergen Internasjonale Kultursenter

#Borealis2016

Sandviksbodene 59

SK

3

Kong Oscars gate 15

3

Bergen Kjøtt

4

Bergen Kunsthall

5

Bergen Offentlige Bibliotek

6

Cornerteateret

7

KODE4, Tårnsalen

8

Korskirken

9

Landmark

10

Lydgalleriet

11

Rom8

12

VilVite

13

Østre

Skutevikstorget 1

UT

EV

IK

SV

EIE

BA

N

KK

EG

AT

EN

BERGENHUS FESTNING

Rasmus Meyers allé 5 Strømgaten 6

ØV

Kong Christian Fredriks plass 4 BR

Rasmus Meyers allé 9

YG

GE

TE

N

L IL L

ET ATE

8

TORG

AND

K A IE

N

TEN

TEG

EGA

STR

OT

R E ØV

SK

2 10 13

N

EGA

ENN

IR K

TE

LLM

MK

GA

GA

DO

ES ATE

TOR

YRR

SG

VK

T IE CH

R IS

OLA

N TE GA ER AT TE

TEN

11

STE

GA

N

TE

VE

GA

EL

RS

ER

CA

SK

OS

VA

NG

Vaskerelven 8

KO

TEN

IN G

EN

Østre Skostredet 3

Thormøhlens gate 51

GA

N

Nedre Korskirkeallmenningen Rasmus Meyers allé 5

RE

Østre Skostredet 3

RAS

NY

RD

SG

ATE

MU

9 4

SM EY

ERS

ALL

7

É

N

NYGÅRDSHØYDEN

MØHLENPRIS

NYGÅRDSPARKEN

6 DAMSGÅRDSSUNDET

TH

OR

HL

EN

SG

12

AT

E

5


Den Nye Disiplinen «Jeg ble født med en skrøpelig kropp ..... Men etter å ha blitt inspirert av et avsnitt i popkunstneren Andy Warhols dagbøker – et avsnitt hvor han gir uttrykk for dyp sorg etter at han midt i femtiårene fikk rede på at om han hadde trent, ville han hatt kropp – ble jeg ildnet til dåd ..... Så nå har jeg kropp.» — Douglas Coupland, Generation X «The New Discipline» (Den Nye Disiplinen) er en betegnelse som jeg har tatt i bruk det siste året. Jeg bruker den for å knytte sammen komposisjoner som har vidt forskjellige interesseområder, men som alle deler det samme ønsket om å være rotfestet i det fysiske, teatralske og visuelle i tillegg til det musikalske – verk som tar i bruk andre sanser enn kun hørselen. Verk som forventer å aktivere og engasjere ørene, øynene og hjernen, og som får oss til å forstå at det er mennesker på scenen, og at disse menneskene er/har kropper.

34

Eksempler på komponister som jobber på denne måten er: Object Collection, James Saunders, Matthew Shlomowitz, Neele Hülcker, François Sarhan, Jessie Marino, Steven Takasugi, Natacha Diels og meg selv. Den Nye Disiplinen er en måte å arbeide på, både når det gjelder komponering og forberedelse av stykker til fremføring. Det er ikke en stil eller sjanger, selv om stykkene kan dele lignende estetiske interesser. Komponister som jobber på denne måten henter inspirasjon fra dans, teater, film, video, billedkunst, installasjon, litteratur eller stand-up. I øvingsstudioet fungerer komponisten som regissør eller koreograf, som manusforfatter eller alt dette samtidig. Komponisten strever ikke etter å starte et teaterkompani – hen behøver bare å ta i bruk redskapene regissøren eller koreografen benytter for å takle komposisjonelle problemstillinger og utfordringer med den musikalske fremføringen. Dette er disiplinen – grundigheten i å finne, lære og utvikle nye komposisjonelle og performative verktøy. Hvordan finne den psykologiske/fysiologiske koblingen som produserer en helt spesifikk lyd; hvordan notere bitte små bevegelser av hodet sammen med komplekse buemanøvre; hvordan trene kroppen slik at man kan løpe ti runder gjennom scenerommet før stykket begynner; hvordan oppløse konseptet av én enkelt opphavsperson og jobbe kollektivt; hvordan viske ut den vanlige oppfatningen av hva komposisjon er. Og alltid jobbe mot klokken, fordi disiplinene som inspirasjonen hentes fra har fordelen av mye lengre

utviklings- og øveperioder enn man vanligvis har tilgjengelig i ny musikk. Samtidig nyter Den Nye Disiplinen fraværet av denne luksusen gjennom muligheten til rask fremgang. På denne måten er den først og fremst en praksis. Den Nye Disiplinen er bygd på faktumet at komponister er interesserte og villige til også å være utøvere, til å bli skitne på hendene, til å gjøre det selv, nå med en gang. Den Nye Disiplinen vokser ut av arven fra Dada, Fluxus, Situasjonisme etc., men nekter seg selv å bli redusert til kun Dada, Fluxus, Situasjonisme etc. Det er musikk skrevet når Dada, Fluxus, Situasjonisme etc. har eldes med verdighet, og er universelt respekterte. Den tar disse stilene for gitt, kjærlig og frekt, på samme måte som den tar harmonier og elektriske gitarer for gitt – som utgangspunkter. Verk innen Den Nye Disiplinen blir fort satt i bås og utpekt som «musikkteater». Selv om Kagel og flere er ubestridte stamfedre, har det skjedd for mye siden 70-tallet for at dette begrepet kan fungere her. MTV, internett, Beyonce som kopierer Anne Teresa De Keersmaeker, Stewart Lee, Girls, style-blogger og yogaklasser i Darmstadt, Mykki Blanco, tilgang til billige kameraer og projektorer, YouTubes herredømme over dokumentasjoner og performancer. Det som står på spill for Den Nye Disiplinen er faktumet at disse verkene, disse måtene å tenke om verden på, disse komposisjonelle teknikkene ikke er «musikkteater», de er musikk. Eller fra et annet perspektiv: Det som står på spill er kanskje idéen om at all musikk er musikkteater. Kanskje er vi endelig villige til å innse at kroppene som spiller selve musikken er en del av musikken, at de er tilstede, at de har gyldighet, og at de har innflytelse på det vi hører, enten ubevisst eller bevisst. At det ikke er for sent for oss å ha kropper. Jennifer Walshe, Roscommon, januar 2016

Jennifer Walshe er en irsk komponist og vokalist. Arbeidet hennes er av usedvanlig bredde og imponerende mangfold, og består av alt fra solostykker til større operaer – verk som ofte utfordrer våre oppfatninger av identitet og kjønn. Støttet av Fritt Ord.


Søndag 13. mars Søndag 13. mars Samtale Infrasonic — the politics, production and performance of electronic music Siden 1970-tallet har en av drivkraftene for elektronisk musikk vært dens forsøk på å opprettholde en uavhengig kontroll over måten den ble laget, distribuert og presentert på. Nye teknologier og Gjør-Det-Selv etikken har vært viktig for hvordan dansemusikk og lydkunst har spredd seg over hele verden. Men er oppfatningen av uavhengighet og radikalisme i disse sjangrene fortsatt mulig, når kommersialiseringen av digitale medier, sosiale nettverk og elektronisk musikk begynner å nærme seg hverandre? Louis Moreno fra kuratorkollektivet freethought inviterer kuratoren Paul Purgas, musikeren Jlin og flere til å diskutere inspirasjonene, strategiene og infrastrukturene de bruker for å holde arbeidet sitt nyskapende. Presentert i samarbeid med Bergen Assembly. Støttet av Fritt Ord.

TID

13.00—14.00 STED

Bergen Kunsthall No. 5 GRATIS

One of the motive forces driving electronic music since the 1970s has been efforts to maintain independent control over the way sonic culture is made, distributed and presented. New technologies and the DIY ethics of record labels, venues, record shops etc. have been central to the way dance music and sound art has proliferated across the world. But is the notion of independence and radicalism in these genres still possible with the convergent commercialisation of digital media, social networks and electronic music? Louis Moreno of the curator collective freethought invites curator Paul Purgas, musician Jlin and others to discuss the inspirations, strategies and infrastructures they use to maintain their work’s cutting critical edge.

35


Søndag 13. mars TID

15.00—15.45 STED

Østre BILLETT

75,–/50,–

Foto av Rie Nakajima

36

O Yama O Rie Nakajima og Keiko Yamamoto utgjør performanceduoen O Yama O. Duoen henter inspirasjon fra japansk folkekultur, myter, ritualer og uspektakulære hverdagslyder. «Yama» er japansk for fjell og er også en mytisk skikkelse knyttet til døden. Keiko Yamamoto synger og resiterer tekster akkompagnert av et omfattende mikroorkester som Rie Nakajima gradvis bygger av små og bevegelige funnede objekter: leker, risboller, små motorer, trommer, fløyter, nøtter, klokker, vindlyder. Begge kunstnerne er født i Japan og er nå basert i London. Nakajima har bakgrunn fra Slade School Of Fine Art mens Yamamoto har studert ved Central Saint Martins. Yamamoto er sammen med sin partner Hamish Dunbar også grunnlegger av spillestedet Cafe OTO i London. Performancen på Østre er en del av Rie Nakajimas festivalutstilling Throw på Lydgalleriet. Presentert i samarbeid med Lydgalleriet. Støttet av Kulturrådet.

Rie Nakajima and Keiko Yamamoto constitute the performance duo O Yama O. The two artists and performers are inspired by Japanese folk culture, myths and rituals, as well as everyday, non-spectacular sound worlds. «Yama» is Japanese for mountain and is also a mythological figure in East Asia representing death. Yamamoto sings and recites ancient texts accompanied by a comprehensive micro-orchestra gradually built up by Nakajima from small, moveable found objects: toys, rice bowls, an array of microscopic engines, drums, flutes, nuts, clocks, and wind noises. Both born in Japan, the two artists are now based in London, where Yamamoto also, together with her partner Hamish Dunbar, founded the legendary Cafe OTO for music and sound art. The performance at Østre is part of Rie Nakajima’s festival exhibition Throw at Lydgalleriet.


asamisimasa spiller nyMusikks Komponistgruppe Fragmenter Verk av Ansgar Beste David Stephen Grant Gregor Riddell Martin Rane Bauck Tine Surel

Søndag 13. mars

Foto av J. Norvik

Jonas Skaarud

TID

17.00—18.15 STED

KODE 4 Tårnsalen BILLETT

150,-/100,-

Seks unge komponister fra nyMusikks Komponistgruppe (NMK) har i løpet av 2015 skrevet nye verk for ensemblet asamisimasa. For NMK og asamisimasa var eneste forutsetning at prosjektet skal være nyskapende og kompromissløst, og komponistene har derfor fått helt frie tøyler. Likevel kan man driste seg til å skimte et fellestrekk blant deres prosjekter – alle komponistene jobber med hvordan et verk kan ha sitt utspring fra et enkelt punkt: Hvordan et fragment som påvirker både musikkens umiddelbare karakter og dens helhetlige form, hvordan opptak av lyder fra vår hverdag eller naturen kan fungere som grobunn for musikalsk materiale, eller hvordan klangverdenen til et verk springer ut fra et enkelt instruments særegne karakteristikker. NMK er en faggruppe for komponister og lydkunstnere i etableringsfasen. NMK arrangerer flere konserter, workshops og faglige fora hvert år, og samarbeider med profesjonelle musikere, ensembler og festivaler både nasjonalt og internasjonalt. Presentert i samarbeid med nyMusikks Komponistgruppe. Støttet av Kulturrådet.

37 Six young composers from nyMusikk’s Composers Group (nyMusikks Komponistgruppe, NMK) have in the course of 2015 and 2016 written new pieces for Norwegian ensemble asamisimasa. For NMK and asamisimasa the only requirement for the project was for it to be innovative and uncompromising, apart from that the composers were given carte blanche. However, it is possible to intuit a common feature amongst the different projects – all composers deal with how a piece can be grown from one single point of departure: How a fragment can influence both the music’s immediate character and its overall form, how recordings of sounds from our daily life or nature can provide a breeding ground for musical material, or how the soundscapes for a piece arise out of the peculiar characteristics of one single instrument. NMK is a group for young composers and sound artists establishing themselves in Norway. NMK arranges concerts, workshops, talks and forums and collaborates with professional musicians, ensembles and festivals both in Norway and internationally.


Søndag 13. mars TID

18.00—20.00 STED

Utenfor Bergen Kunsthall

GRATIS

38

Erin Sexton Electromagnetic Dimension Det elektromagnestiske feltets påvirkning sprer seg ut i alle mulige retninger. Det oppstår et kontinuum – fra radiobølger og kjemiske forbindelser, til svingninger av tanker – og med dette selve erfaringen vår. Det eksisterer overalt rundt oss, og bærer i seg spor av hver eneste kosmiske handling siden Big Bang. Det kan høres som statisk elektrisitet og sees som lys. Mennesket oppdaget radiobølger tilfeldig som en forstyrrelse i telefonkabler. Nå bruker vi dem for å bære våre egne signaler – vi sender våre stemmer og informasjon ut i den kosmiske støyen. Erin Sexton skal utforske denne fysikaliteten av radiofenomenet. Hun skal installere antenner utenfor Bergen Kunsthall, og fremføre en serie rom- og tidsbaserte eksperimenter. Tau, ballonger, presenninger og ståltråd skal forme en fleksibel konstruksjon, som tillater vinden og været å modulere stedet og lyden. En følsom radiosender-/mottaker, samt spesiallagete forsterkere, plukker opp et bredt spekter av frekvenser, som Sexton skal avstemme og improvisere med. Hun skal også prøve å kommunisere med andre radioamatører ved å utveksle signaler via ionosfæren med resonnerende kobbertråd.

The electromagnetic field extends its influence to all possible scales, creating a continuum from radio waves and chemical bonds to the oscillations of thought – experience itself. Existing all around us, it contains traces of every cosmic event since the big bang, heard as static and seen as light. Humans discovered radio by accident, as interference on telephone wires. Now we use radio waves to carry our own signals, embedding our voices and data in the noise. To explore the physicality of radio phenomena, Erin Sexton will install antennas and perform a series of spatiotemporal experiments outside the Bergen Kunsthall. Rope, balloons, tarps, and wires will form flexible structures, allowing wind and weather to modulate site and sound. Her sensitive amateur radio transceiver and custom amplifiers pick up a wide frequency spectrum, which Sexton will tune and improvise with. She will also try to communicate with other distant radio amateurs, bouncing signals off the ionosphere with resonant copper wire.


Object Collection Under Siege av Kara Feely & Travis Just Avi GlicksteinCatrin Lloyd-Bollard Liz Nielsen Daniel Allen Nelson Deborah Wallace Peter Ksander Travis Just Kara Feely & gjester

Søndag 13. mars TID

20.00—22.00 STED

Landmark BILLETT

39

100,–/75,– ETTER FILMEN — AVSLUTNINGSFEST!

I 1992 kom denne drittfilmen med Steven Seagal på kino. (Under Siege betyr egentlig Under Beleiring, men den norske tittelen var ikke helt så nøye og minst like dårlig som selve filmen: Kapring på åpent hav.) I 2016 dubber Object Collection filmen i sanntid. Velkommen tilbake til tidlig på 90-tallet. Når nyfascistisk søppel hersket over kinoene. Når verden og Steven Seagal var unge og rykende ferske. Når MTV lærte oss å like et akkurat litt annerledes type band med gutter og gitarer. Når historien nettopp hadde endt. Når vi alle var under beleiring. Støttet av US Embassy, Oslo; Mid Atlantic Arts Foundation gjennom USArtists International, i samarbeid med National Endowment for the Arts og Andrew W. Mellon Foundation.

In 1992 a piece-of-shit Steven Seagal film came out. In 2016, Object Collection live-dubs it. Come all the way back to the early 90’s. When neo-fascist trash ruled the cinema. When the world and Steven Seagal were young and fresh. When MTV taught us to like a slightly different style of bands with boys and guitars. When history had just ended. When we were all placed permanently Under Siege.


Utstillinger

40


Med tillatelse fra Tom Carter og And/Or, London

9. mars – 3. april TID

11.00—17.00 (tirs.–søn.) 11.00—20.00 (tors.) STED

Bergen Kunsthall BILLETT

50,-

Torsdag fra 17.00 & under Borealis arrangement — gratis UTSTILLINGSÅPNING — TIRSDAG 8. MARS, 19.00—20.00 GRATIS

Mat Jenner a_MAsS_a_mASs Borealis og Bergen Kunsthall presenterer Mat Jenners første separatutstilling i Norge. Jenner arbeider med tegning, maleri, skulptur, collage og lyd. Han er opptatt av hva det vil si å være tilvirker og tilskuer i dag, og erfaringen av det han kaller «now-ness» – det øyeblikket hvor det å se og høre blir en hendelse i seg selv. aMAsS_a_mASs er en ny installasjon, tenkt som et aktivisert utstillingsrom, som bærer med seg en akkumulerende mengde erfaringer av tid og produksjon. Jenner ser på utstillingsrommet som et atelier, der kunstverk kontinuerlig blir forandret og omskrevet. Under festivalen skal Borealis arrangere en rekke arrangementer i installasjonen. Dette vil ytterligere forsterke de performative og sosiale egenskapene til utstillingsrommet. Installasjonen er sentrert omkring prosjektet FOAM som består av en omvandrende og stadig voksende samling lydverk fra forskjellige kunstnere. Jenner startet prosjektet i 2013, og anser det som både arkiv, skulptur og performance, som fokuserer på det fysiske og det sosiale aspektet ved det å lytte, og den kunstneriske opplevelsen. FOAM inneholder over 125 verk, presentert som unike 12” LP-er, som besøkende inviteres til å spille i gallerirommet. I samarbeid med Jenner, har det blitt bestilt nye lydverk av kunstnere fra Hordaland og Storbritannia. Presentert i samarbeid med Bergen Kunsthall. Støttet av Hordaland fylkeskommune.

Borealis and Bergen Kunsthall present the first solo exhibition of Mat Jenner in Norway. Working across multiple media, Jenner’s work is concerned with what it means to be a producer and spectator today and the experience of «now–ness» – the moment of seeing and listening as an event in itself. aMAsS_a_mASs is a new installation, where the gallery is imagined as a live display space that bears witness to an accumulation of time and production, in which artworks are continuously rewritten. For the duration of Borealis, the festival will host a series of events within the installation, contributing to the performative and social nature of the space. Central to the installation is Jenner’s ongoing project FOAM, a peripatetic, growing collection of commissioned artist’s sound works. The project is an archive, a sculpture and a performance that focuses on the physical and social aspect of listening and artistic experience. With over 125 works accumulated so far, each artwork is presented as a unique, 12” record, which visitors are invited to select and play within the gallery space. In collaboration with Jenner, artists from Hordaland and the UK have been commissioned to make new sound works for FOAM.

41


Maja S. K. Ratkje Vannstand

9. – 13. mars Foto av Henrik Beck TID

09.00—15.00 (ons.–fre.) 10.00—17.00 (lør.–søn.) STED

VilVite

UTSTILLINGSÅPNING — ONSDAG 9. MARS, 15.00–16.00 GRATIS

BILLETT

Inngangsbillett til VilVite Festivalpass & medlemmer av nyMusikk — gratis

42

Vannstand er en hyllest til de langsomt pulserende tidevannsskiftningene langs Norskekysten, laget av komponist Maja S. K. Ratkje, med lokale barn som musikere. Verket er inspirert av tidevannets syklus – en levende kraft som er i konstant bevegelse gjennom vær- og klimapåvirkning og månefaser. Ratkje bruker lokale vannstandsmålinger til å lage grafiske partiturer, som tolkes musikalsk av barn i Bergen. For barna innbefatter prosjektet en læringsprosess i å spille partiturer som åpner for improvisasjon og egne valg av toner og klang, og om vannstand generelt. I dag kan vi måle og undersøke havet, og vi ser at menneskenes påvirkning er i ferd med å endre det tilsynelatende evige kretsløpet langs Norskekysten. I Vannstand får barna reflektere rundt og svare musikalsk på denne problematikken. Den første realiseringen av Vannstand var en lydinstallasjon som ble presentert på Den Norske Opera & Ballett på nyMusikks festival Only Connect 2015. I Bergen har vi gleden av å presentere Vannstand på VilVite, et populærvitenskapelig opplevelses- og læringssenter for teknologi, naturvitenskap og realfag. Presentert i samarbeid med nyMusikk Bergen og VilVite. Støttet av Kulturrådet.

Vannstand is a tribute to the slow, pulsating shifting of the tides along the Norwegian coast, created by composer Maja S.K. Ratkje and local children as musicians. The work is inspired by the never ending cycle of the rising and falling tide gauge – a living force kept in constant motion by changes in weather and climate, and the phases of the moon. Ratkje uses local tide measurements to create graphic scores which are interpreted musically by children from Bergen. For the children the project is a learning process on how to read scores that are open to improvisation and their own choices of notes and sounds, and about the tides in general. Today we can measure and research the ocean and we see that mankind’s influence is changing this perpetual cycle along the Norwegian coast. In Vannstand the children have the possibility to reflect on and react musically to this issue. The first realisation of Vannstand was a sound installation presented at the Norwegian Opera & Ballett during nyMusikk’s festival Only Connect in 2015. In Bergen the installation will be presented at VilVite, a popular scientific experience and learning centre for technology and the natural sciences, especially aimed at schoolchildren and youth.


Bryan Jacobs Phatic Expression – A Mechanical Sound Sculpture 9. – 13. mars TID

10.00—20.00 (ons. & tors.) 10.00—17.00 (fre.) 10.00—16.00 (lør. & søn.) STED

Bergen Offentlige Bibliotek

GRATIS

Phatic Expression er en lydskulptur bestående av fire maskinelt styrte slide-fløyter som blir spilt av en mekanisk lunge. De er ordnet i to par, hvor hvert sett jobber sammen og reagerer på det andre settet, og de koreograferte bevegelsene blir styrt av en liten innebygd mikroprosessor. Verkets lydlige og visuelle elementer antyder at vi ser på en pågående dialog eller samtale. Andre ganger virker det som om lydene er sterkt musikkorienterte. Installasjonen er til dels inspirert av språkvitenskap som indikerer at melodiske mønstre, som enkle sinuskurver, er nok til å overbringe lingvistiske budskap. For Jacobs fremhever denne forskningen en interessant forbindelse mellom tale og musikk. I Phatic Expression blir en rekke forskjellige lydteksturer algoritmisk generert i sanntid for å unngå eksakte repetisjoner av individuelle hendelser eller sekvenser. Skulpturens tilstand svinger mellom sparsomme og tette teksturer som utnytter dens mekaniske vesen, og skaper presise og plutselige skifter og en forbløffende synkronisering. Lydene fra motorene er også en del av det soniske vokabularet. Som mye av Jacobs nyere arbeid, utforsker Phatic Expression grensene mellom tidsbasert musikalsk komposisjon og ikke-tidsbasert lydinstallasjon. Presentert i samarbeid med Bergen Offentlige Bibliotek. Støttet av US Embassy, Oslo; Mid Atlantic Arts Foundation gjennom USArtists International, i samarbeid med National Endowment for the Arts og Andrew W. Mellon Foundation.

Phatic Expression is a new media sound sculpture consisting of four mechanically-controlled slide whistles that are played by a mechanical lung. They are arranged in two pairs, each set working together in reaction to the other. Their choreographed movements are controlled by a small microprocessor embedded in the sculpture. The sound and visual elements of the piece suggest that we might be watching a dialogue or conversation underway. At other times the sounds seem to be musically oriented. The installation is partly inspired by linguistic research suggesting that melodic patterns such as simple sine wave contours are enough to convey linguistic messages. To Jacobs, this research highlights interesting connections between speech and music. In Phatic Expression a variety of distinct sound textures are algorithmically generated in real-time as to not have exact repetition of individual events or sequence of events. The instrument/ sculpture’s state oscillates between sparse and dense textures that utilise its mechanical nature to create precise hockets and uncanny synchronisations. The sounds of the motors are also part of the sonic vocabulary. Phatic Expression, like much of Jacobs’ recent work, explores the boundary between timebased musical composition, and non-time-based sound installation.

43


10. – 20. mars TID

Rie Nakajima Throw

12.00—17.00 (tors.–søn.)

og under Borealis arrangement

STED

Lydgalleriet BILLETT

20,–

UTSTILLINGSÅPNING TORSDAG 10. MARS, 18.00–19.00 GRATIS

Festivalpass, studenter & barn — gratis

Presentert i samarbeid med Lydgalleriet. Støttet av Kulturrådet.

Radio Space

Rie Nakajima builds mobiles and ecosystems of sounding objects in which different mechanisms overlap and influence each other. Small engines may follow their own mechanical logic, be choreographed by the artist or interact without intervention. Nakajima’s objects might be experienced as addressing each other as well as the audience. The global rhythm of her work and its open methods have been compared to games of dice. During her residency at Lydgalleriet the week before Borealis, Nakajima will build a site-specific installation in which her own objects encounter objects and social situations in and around the gallery.

LYTT PÅ WWW.BOREALISFESTIVAL.NO

Radio Space, en plattform for radiokunst som ble startet under Borealis 2015, er tilbake! På www.borealisfestival.no kan du streame lyd døgnet rundt fra festivalen starter og ut mars, og bli en del av Boralis’ hjemmelyttingseksperiment. Med verk for kringkasting laget av kjente, internasjonale lydkunstnere, radiokunstnere og komponister, er dette en ypperlig mulighet til å lene seg tilbake i sjeselongen og få eksperimentelle lyder levert direkte inn i stuen. I år har vi også gleden av å presentere verk bestilt av Radiophrenia (UK) og The Lake (DK), to plattformer for radiokunst. Peil deg inn på Borealiskanalen og inviter vennene dine på lyttekveld! Presentert i samarbeid med BEK. Støttet av Fritt Ord.

Foto av Rie Nakajima

44

Rie Nakajima bygger bevegelige økosystemer av lyd og objekter der mange ulike mekanismer overlapper og griper inn i hverandre. Små motorer følger sin egen mekaniske logikk, koreograferes eller påvirker hverandre uten kunsterens inngripen. Som tilhører kan man oppleve at Nakajimas objekter henvender seg både til hverandre og til publikum. Rytmen i arbeidet og de åpne metodene er blitt sammenlignet med terningspill. Som gjestekunstner på Lydgalleriet i uken før Borealis skal Nakajima bygge en stedsspesifikk installasjon der hennes egne objekter møter ting og sosiale situasjoner hun finner i og rundt galleriet.

Radio Space is back! A radio art platform for Bergen, initiated by Borealis in 2015, streaming online 24 hours a day during the festival and throughout March. Tune in at www.borealisfestival.no to become part of the festival’s home listening experiment. With work for broadcast by renowned international sound artists, radio artists and composers, this year Radio Space will also collaborate to feature work commissioned by radio art platforms Radiophrenia (UK) and The Lake (DK). This is your chance to sit back, relax and listen to experimental sounds delivered directly into your living room – tune in to Radio Space and invite your friends!


Smått & Godt Tefotos av Thor Brødreskift

Under årets festival vil vi tilby muligheten for noen enkle, men egenartede matopplevelser, hvor nasjonal og internasjonal mattradisjon og eksperimentering kan pirre smaksløkene. Se opp for uannonsert isog teservering på Borealis’ spillesteder.

During this year’s festival we are proud to offer some simple but special food and drink from local food adventurers. Look out for stalls selling Chinese tea at Borealis venues, or let some experimental ice cream tickle your taste buds.

Hallaisen

Hallaisen

Tedragen

Tedragen

En Bergensinspirert iskrem basert på lokale kvalitetsråvarer. Her kan du få iskremsmaker fra Skillingbolle og Blåbœr til Tropisk Mango og Sicilianske pistasjnøtter. Få deg en ekte Boreal-is!

Her serveres te i god gammeldags kinesisk tradisjon, hvor teen fremfor alt dyrkes for smaken av selve tebladene. Glem overparfymert te, sukker og melk, og nyt heller smaken av ren natur!

Ice cream inspired by Bergen and based on local quality ingredients. Hallaisen mix up exciting tastes such as cinnamon bun & blueberry or tropical mango & Sicilian pistachio. Try some!

Tedragen offers tea in a good old-fashioned Chinese tradition, tea that is grown for the exquisite taste of the tea leaves themselves. Forget about overscented tea with sugar and milk and enjoy the taste of pure nature!

45


Artister

46

Andrew Greenwald — s 8/21/26

Verkene til den amerikanske komponisten Andrew Greenwald (født i Queens, New York) tar for seg forpikslet lydmateriale sett på i økende oppløsning. Greenwald organiserer materialet i standardiserte beholdere, og kartlegger dem didaktisk for å skape en oppfattet helhet/tomhet. Flere ensembler, deriblant Ensemble Pamplemouse, samt festivaler og arrangører i USA, Kanada og Europa, har bestilt eller programmert verkene hans. Greenwald har vært et aktivt medlem av Ensemble Pamplemousse siden 2002 og er for tiden kunstnerisk nestleder for ensemblet. Andrew Greenwald (born Queens, NY) is an American composer whose current work engages with issues of pixelated sound material viewed at increasing resolutions, rational formal containers for that material, and didactic indexing of those containers to form a perceived whole/hole. His work has been commissioned or independently programmed by Ensemble Pamplemousse and many others as well as at festivals and venues throughout the United States, Canada and Europe. He has been an active member of Ensemble Pamplemousse since 2002 and is the current acting artistic co-director.


Ansgar Beste — s 37

Komponisten Ansgar Beste (f. 1981 i Malmø, Sverige) fokuserer sitt musikalske materiale på komplekse klanger og støyelementer. Disse produseres på konvensjonelle musikkinstrumenter på en ukonvensjonell, rent akustisk (ikke-elektronisk) måte: Ved å fremmedgjøre instrumentenes velkjente lydverden med et bredt spektrum av nye spille-/vokalteknikker og nyoppdagede prepareringer, ønsker han å leke med lytterens forventning, oppfatning, erfaring og forståelse. The musical material of composer Ansgar Beste (b. 1981 in Malmö, Sweden) focuses on complex sounds and noise elements produced on conventional musical instruments in an unconventional, purely acoustic (non-electronic) way: By de-familiarising the instruments’ familiar sound world with a wide array of extended playing/vocal techniques and newly discovered preparations, he plays with the listener’s expectation, perception, experience and comprehension.

asamisimasa — s 28/37

Ensemblet asamisimasa ble grunnlagt i 2002 av fem musikere med en felles lidenskap for avant-garde musikk og dens historie: Ellen Ugelvik, Kristine Tjøgersen, Tanja Orning, Håkon Stene and Anders Førisdal. Som de fleste andre ensembler for ny musikk presenterer de for det meste urfremføringer og velger nøye hvilke komponister de jobber med. Samtidig garanterer asamisimasa bred stilistisk variasjon – om de spiller dadaistiske stykker i Berliner Filharmonien, gatemusikk eller bruker et okkupert hus i Oslo som et trommesett i 10 timer. asamisimasa prøver alltid å skape en forbindelse mellom forskjellige musikalske uttrykk, istedenfor å lage et program som forplikter seg til kun en type fremføringspraksis, teknologi eller lyd. The ensemble asamisimasa was founded in 2002 by musicians sharing a passion and interest in avant-garde music and its history: Ellen Ugelvik, Kristine Tjøgersen, Tanja Orning, Håkon Stene and Anders Førisdal. Like most other ensembles for new music it mainly presents world premieres, carefully choosing which composers to work with while at the same time keeping a very broad stylistic variety – be it dadaistic pieces at the Berlin Philharmonic hall, street music or using an occupied house in Oslo as a drum kit for ten hours. asamisimasa always tries to establish connections in between different

Andrew Greenwald

Asmaa Azouz

kinds of musical expressions instead of creating a program committing to only one type of performance practice, one view on technology or only one type of sound.

Asmaa Azouz — s 16

Asmaa Azouz (f. 1988 i Kairo) er visuell kunstner og lydkunstner. Hun har en bachelor i kunstpedagogikk fra universitetet Helwan i Kairo, og holder for tiden på med mastergraden sin. Asmaa har tatt del i mange tekniske og konseptuelle workshops for lydkunst, og har vært med som utøver i tallrike konserter og utstillinger for live elektronikk og ekseperimentell lyd. Asmaa Azouz (b. 1988 in Cairo) is a visual and a sound artist. She has a Bachelor of Art Education from Helwan University in Cairo and is currently studying for her Master’s degree. Asmaa has participated in many sound art workshops, both technical and conceptual, and performed in numerous concerts and exhibitions with live electronics and experimental sound.

BIT20 Ensemble — s 14/26

BIT20 Ensemble fremfører et bredt spekter av samtidsmusikk på mange arenaer. De er tradisjonsbærere innen kunstmusikken fra de siste årtier, i tillegg til å skape helt ny musikk og nye prosjekter. Ensemblet har som mål å åpne opp konsertformen, slik at publikummet lettere kan finne veier inn i et komplekst og utfordrende kunstnerisk uttrykk. BIT20 har en fleksibel besetning med sinfoniettaen som kjerne. Majoriteten av ensemblets medlemmer er gruppeledere eller alternerende gruppeledere i Bergen Filharmoniske Orkester.

47


The Bergen based BIT20 Ensemble performs a broad repertoire of contemporary music in a great variety of arenas; the ensemble is a conveyor of the musical traditions of recent decades and an instigator of new works and new projects. Its goal is to make the concert experience open and accessible so that the general public can find its way into the complex and challenging world of modern music. BIT20 has a flexible number of members with the sinfonietta at the core. The majority of the members hold principal or assistant principal positions in the Bergen Philharmonic Orchestra.

Bryan Jacobs — s 8/21/26/43

48

Musikken til den San Diego-baserte komponisten, utøveren og lydkunstneren Bryan Jacobs, legger vekt på interaksjon mellom levende utøvere, mekaniske instrumenter og datamaskiner. Stykkene hans er ofte teatralske, og setter skrytende, innbilte skravlebøtter opp mot sjenerte, motvillige karakterer. Lydene er organisert på en leken måte, og etterligner ofte mønstre som finnes i menneskelig dialog. Håndlagete elektromekaniske instrumenter, styrt av mikrokontrollere, forener akustiske og elektroakustiske lydverdener. Disse instrumentene lever et dobbelt liv som tidsbaserte konsertverk og som ikke-tidsbaserte utstillingsverk. Bryan har vært så heldig å få presentert musikken sin på flere festivaler over store deler av verden. San Diego based composer, performer and sound artist Bryan Jacobs’ work focuses on interactions between live performers, mechanical instruments and computers. His pieces are often theatrical in nature, pitting blabber-mouthed fanciful showoffs against timid reluctants. The sounds are playfully organised and many times mimic patterns found in human dialogue. Hand-built electromechanical instruments managed by micro-controllers bridge acoustic and electro-acoustic sound worlds. These instruments live dual lives as time-based concert works and non-time-based gallery works. He has been lucky enough to have his music presented at a number of festivals around the world.

David Broome — s 8/21/26

Den mangesidige og oppfinnsomme pianisten og komponisten David Broome har en leken smak for alle typer musikksjangre. Han skaper verk og musikalske verdener som undersøker lyd og fremføringsformer med humor og storøyd nysgjerrighet. Broome er en etterspurt interpret av ny musikk og er opptatt av å

presentere musikk som er eksentrisk og original. Han liker å finne noe gjenkjennelig i det ukjente. På samme måte som man kan se ansikter i skyer, skaper han forbindelser med det abstrakte som er både utilsiktede og overbevisende. A versatile and imaginative pianist and composer, David Broome has a playful taste for all genres of music. As a creator of original works, David produces musical worlds that investigate sound and the act of performing with humour and wide-eyed curiosity. As a widely sought after interpreter of new music, he is dedicated to presenting music that is quirky and original. He takes pleasure in finding familiar moments within the unfamiliar. Like seeing faces in clouds, he accords relationships to the abstract that are unintended and cogent.

David Stephen Grant — s 37

Etter en barndom med å spille klassisk fiolin, oppdaget David Stephen Grant elektrisk heavy metal gitar. Først da skjønte han at han ble mer tiltrukket av arrangering, komponering og laging av musikk enn øving og fremføring. Å komponere stykket Granular (e)motion for asamisimasa ble en gjenoppdagelse av disse musikalske røttene, og en utfordring om å sette dette materialet i kontekst med hans nylige arbeider. Discovering the heavy metal electric guitar after a childhood of playing classical violin, David Stephen Grant realised that arranging, composing and producing was more appealing to him than rehearsing and performing. Composing the piece Granular (e)motion for asamisimasa became for him a rediscovery of these musical roots, and a challenge to bring this material into the context of his recent output.

Dither — s 15/29

Dither, en elektrisk gitarkvartett basert i New York, har viet seg til et eksperimentelt repertoar som strekker seg fra komponert musikk til improvisasjon og elektronisk manipulasjon. Kvartetten ble grunnlagt i 2007 og har siden presentert bestillingsverk, multimediaverk og store stykker for gitarensemble gjennom hele USA og i flere andre land. Kvartettens medlemmer er Taylor Levine, Joshua Lopes, James Moore og Gyan Riley. Dither, a New York based electric guitar quartet, is dedicated to experimental repertoire which spans composed music, improvisation, and electronic


manipulation. Formed in 2007, the quartet has performed across the United States and internationally, presenting new commissions, original compositions, multimedia works, and large guitar ensemble pieces. The quartet’s members are Taylor Levine, Joshua Lopes, James Moore and Gyan Riley.

Ensemble Avgarde — s 8

Ensemble Avgarde har sitt utspring i konsertserien Avgarde, som er en arena for nyskrevet musikk i Bergen. Avgarde har som formål å fremføre musikk av byens komponister og freelancemusikere. Musikerne i ensemblet er også ofte komponister, og hver enkelt musikers kreative uttrykk er essensielt. Både konsertserien og ensemblet – med skiftende besetning – blir kuratert av dirigenten Halldis Rønning. Ensemble Avgarde has its origins in the concert series Avgarde, an arena for new music in Bergen that aims to present music by the city’s freelance musicians and composers. The ensemble’s musicians are also often composers themselves, the creative expression of every one of them is essential. Both concert series and ensemble have a changing cast, curated by conductor Halldis Rønning.

Ensemble Pamplemousse — s 8/21/26

Kollektivet Ensemble Pamplemousse ble grunnlagt i 2003, med tanke på å samle likesinnede kunstnere fra forskjellige musikkmiljøer. Alle fem medlemmene – musikerne/komponistene Natacha Diels, Jessie Marino, David Broome, Andrew Greenwald og Bryan Jacobs – deler den samme søken etter soniske oppdagelser. Ensemblet er kjent for å være konstant på utkikk etter nye perspektiver innenfor lyd, «musikerne er våkne lyttere, tenker raskt, og bruker hele registeret til instrumentene sine på en kreativ måte» (George Grella, New Music Daily). Ensemble Pamplemousse vever sammen forskjellige fasonger av resonans, klynger av oppkuttede lyder, hyperaktivitet, og store mengder absurditet til vakre og helhetlige strukturer. Composer/performer collective Ensemble Pamplemousse – consisting of Natacha Diels, Jessie Marino, David Broome, Andrew Greenwald and Bryan Jacobs – was founded in 2003 to provide a focal point for like-minded creators with a thirst for sonic exploration. The ensemble is a close-knit group of divergent artistic personalities from disparate musical fields. It is known for persistently

Bryan Jacobs

David Broome

Erin Sexton

discovering new vistas of sound, «the players are sharp listeners, quick thinkers and make creative use of the full gamut of sounds from their instruments» (George Grella, New Music Daily). The ensemble weaves together shapes of resonance, clusters of glitch, skitters of hyper action, and masses of absurdity into structures of unified beauty.

Erin Sexton — s 38

Erin Sexton (f. 1982) er en kanadisk kunstner som dyrker krystaller, bygger antenner og observerer hendelser. Hennes installasjoner og performancer er minimalistiske på en leken måte, og undersøker hvordan vi opplever materie og romtid. Hennes forskning fordyper seg i universets opprinnelse, energipolitikk, neomaterialisme, infrastruktur, kvanteparadoks og vitenskapens historie. Hun prøver også å kommunisere med ikke-mennesklige vesener og forstå deres opplevelse. Sexton er lisensiert radioamatør (VE2SXN), og studerer for tiden på Kunst- og designhøgskolen i Bergen, mens hun også sender og stiller ut arbeidet sitt internasjonalt. Erin Sexton (b. 1982) is a Canadian artist who grows crystals, builds antennas, and observes events. Her installations and performances are playfully minimal, exploring how we experience matter and space-time. Her research delves into the origin of the universe, energy politics, neomaterialism, infrastructure, quantum paradox, and the history of science. She also tries to communicate with non-humans and understand their experience. Erin is a licensed amateur radio operator (VE2SXN)

49


Jacqueline George

Greg Pope

currently studying at the Bergen Academy of Art and Design while transmitting and exhibiting her work internationally.

Guro Skumsnes Moe Foto av Ketil Hardy

Espen Sommer Eide — s 18

Espen Sommer Eide er en musiker og kunstner fra Tromsø. Hans prosjekter Alog (med Dag-Are Haugan) og Phonophani har siden slutten av 90-tallet blitt regnet som Norges mest fremstående representanter for eksperimentell elektronisk musikk, med en serie av utgivelser på Rune Grammofon. Live bruker Espen detaljert utarbeidede oppsett med skreddersydde instrumenter, hybrider som kombinerer elektroniske og akustiske elementer. I tillegg til mye turnering med musikkprosjektene sine, har Espen laget en serie med stedsspesifikke lyd- og kunstverk.

50

Espen Sommer Eide is a musician and artist from Tromsø, Norway. Since the end of the 1990s his projects Alog (with Dag-Are Haugan) and Phonophani have been among the most prominent representatives of experimental electronic music from Norway, with a series of releases on the label Rune Grammofon. Live, Espen uses elaborate setups of custom-made instruments, hybrids combining electronic and acoustic elements. In addition to touring extensively with his musical projects, Espen has also produced a series of site-specific pieces and artworks.

Greg Pope — s 9

Etter å ha syslet med punkrock og absurdistisk performance, grunnla Greg Pope filmkollektivene Situation Cinema (Brighton 1986) og Loophole Cinema (London, 1989). Siden 1996 har han – både i samarbeid med andre og individuelt – laget videoinstallasjoner, live kunst og andre arbeider for filmlerretet. Blant disse arbeidene er verk som sanntids kino-performancene Light Trap og Cipher Screen, og 35mm filmproduksjoner. Pope er interessert i pre-filmatiske strategier, laterna magica-teknologier, skapelse gjennom ødeleggelse og sammensmeltingen av hi-tech, lo-tech og no-tech.

Johannes Lund

Jessie Marino

After dabbling in punk rock bands and absurdist performance, Greg Pope founded film collective Situation Cinema (Brighton, 1986) and Loophole Cinema (London, 1989). Working collaboratively and individually, Pope has made video installations, live art and single screen film works since 1996. These works include live cinema performance pieces Light Trap and Cipher Screen as well as 35mm film productions and slide projection performances. Greg’s interest is in pre-cinematic strategies, magic lantern technologies, creation through destruction and the fusion of hi-tech, lo-tech and no-tech as a path to future work.

Gregor Riddell — s 37

Gregor Riddell er aktiv i et vell av forskjellige prosjekter som cellist og komponist. Han har spilt mye over hele Europa og har skrevet bestillingsverk blant annet for London Contemporary Orchestra. Gregor er residerende artist ved Union Chapel (London), og har siden tilflytningen til Oslo i 2014 vært medlem av nyMusikks Komponistgruppe. Gregor Riddell is a cellist and composer active in a diverse range of musical projects. He has performed extensively across Europe and recent commissions


include the London Contemporary Orchestra. Gregor is a resident artist at the Union Chapel (London) and since moving to Oslo in winter 2014 he has become a member of the composer collective nyMusikks Komponistgruppe.

Guro Skumsnes Moe — s 8

Både som utøver og komponist oppsøker Guro Skumsnes Moe ytterkantene av lyd og prøver å utvide en allerede eksisterende virkelighet – noe hun anser som samfunnsnyttig og som kunstnerens plikt. Guro er grunnlegger av rockebandet MoE som hun turnerer med verden rundt, og jobber ellers med støytrioen Sult, som soloutøver, i kammerorkesteret The Touchables og som komponist for figurteaterkompaniet Plexus Polaires. As a performer and composer Guro Skumsnes Moe tries to reach the outer edges of what we perceive as sound in order to widen our already existing reality – something she thinks is important for society and an artist’s duty. Guro is the founder of the rock band MoE with which she regularly tours around the world. Apart from that she works with the noise trio Sult, as a solo performer, with the chamber orchestra The Touchables, and as composer for the puppet theatre company Plexus Polaires.

Hagar Masoud — s 16

Hagar Masoud er en multidisiplinær kunstner og fotograf, basert i Kairo, Egypt. Hun studerte grafisk design og kunst i Kairo, og utforming av stedsspesifikk dans og performance ved California Institute of the Arts. Hagar har vist live lydperformancer og stedsspesifikke performancer i Nordafrika og Europa, og har tatt del i flere gruppeutstillinger. Hagar Masoud is a multidisciplinary artist and a photographer based in Cairo, Egypt. She studied graphic design and fine arts in Cairo, and sitespecific dance and performance at the California Institute of the Arts. Hagar has presented live sound performances and site-specific performance works in North Africa and Europe. She also has taken part in numerous group exhibitions.

Jacqueline George — s 16

Jacqueline George er visuell kunstner og lydkunstner. For henne er den mest inspirerende kilden til sitt eget arbeid lagingen av tankekart og idémyldring. Hun bruker disse for å reflektere over gjeldende

konsepter som tid, jorden, død, og frihet i menneskelige forhold, og formaterer disse på nytt ved hjelp av forskjellige perspektiver og medier. Jacqueline George is a sound/visual artist. The most inspiring sources for her work are brainstorming and mind maps. She uses these in order to reflect on prevailing concepts such as time, the earth, death and freedom within human relationships, reformatting them through different perspectives and different media.

Jessie Marino — s 8/21/26

Jessie Marino er en komponist, performer og mediakunstner fra New York. I hennes aktuelle arbeid utforsker hun virtuositeten som finnes i dagligdagse aktiviteter, ritualistiske absurditeter, og arkeologien til nostalgiske teknologier. I verkene sine skriver hun nøyaktig ned lyd, video, fysiske bevegelser, lys og iscenesettelse, som deretter blir satt inn i organiserte tidsstrukturer og musikalske rammeverk. Jessie er en evig tilhenger av karaoke og stekt kylling. Jessie Marino is a composer/performer/media artist from New York. Her current work explores the virtuosity inside common activities, ritualistic absurdities, and the archeology of nostalgic technologies. Her pieces rigorously score out sound, video, physical movements, lighting and staging which are then placed within organised temporal structures and musical frameworks. Jessie believes in the power of karaoke and fried chicken at all costs.

Johannes Lund — s 8

Johannes Lund er en dansk kunstner med lyd og performance som hovedfokus. I 2001 etablerte han musikkollektivet yoyooyoy, som har blitt til midtpunktet i hans karriere i årene etterpå. Hans karakteristiske lyd er preget av intensitet, iherdighet og utholdenhet. I tillegg til å være medlem i flere band, har han alltid vært involvert i å arrangere konserter i Københavns undergrunn og er en av grunnleggerne til scenen Mayhem, som har blitt en viktig del av hans måte å jobbe med kunst og musikk – et sted som ikke bare huser musikk, men også skaper den, hvor kompromissløs programmering treffer en eksperimentell struktur. Johannes Lund is a Danish artist with a main focus on sound and performance. In 2001 he started the music collective yoyooyoy, which turned out to be the centre of his career the following years.

51


He developed a characteristic sound, using intensity, persistence and endurance as main effects. Johannes has always been involved in arranging events in the Copenhagen underground scene and is one of the founders of the venue Mayhem which has become an integrated part of his way of working with art and music – a place that not only houses music but also creates it, where uncompromising programming meets an experimental structure.

John Chantler — s 8

John Chantler er komponist, musiker og arrangør bosatt i Stockholm. Han jobber med lydsyntese, orgler og romakustikk. Hans seneste utgivelse, Still Light, Outside, er karakterisert av krass minimalisme, med opphopede, vrengte akkorder fra et orgel og tilsynelatende uforutsigbar elektronikk – den er høylytt og fysisk. For Borealis 2016 har han laget et nytt stedsspesifikt verk, Three Columns for Bergen, for de tre store kornsiloene på Bergen Arkitekthøgskole. John har vært produsent for Cafe OTO i London, og er nå leder for Edition Festivalen i Stockholm – første «Edition» kommer i 2016.

52

John Chantler is a composer, musician and organiser living in Stockholm. He works with sound synthesis, organs and room acoustics. His most recent recording, Still Light, Outside, is characterised by stark minimalism, with massed, distorted chords from an organ and seemingly unpredictable electronics – it is loud and physically powerful. For Borealis 2016 he created the new site-specific piece Three Columns for Bergen for the three grain silos at the Bergen Architecture School. John was formerly the producer at London’s Cafe OTO and is now directing the Edition Festival in Stockholm – the «First Edition» takes place in 2016.

Jonas Skaarud — s 37

Jonas Skaarud (f. 1990) har sin utdanning fra Norges Musikkhøgskole og Lisztakademiet i Ungarn. Hans musikk er lite retorisk, fragmentert, skjør og stille(-stående), men ofte med (ut)brudd og store kontraster mellom det tydelige og det enda mer tydelige. Han skriver hovedsakelig akustisk kammermusikk, som er uforutsigbar og ukomplett i sin fremtreden, full av fravær og selvmotsigelser. Jonas Skaarud (b. 1990) has an education from the Norwegian Academy of Music and the Liszt Academy in Hungary. His music is fragmented, quiet and stagnant, but often with outbursts and big contrasts in between the obvious and the even more obvious.

He writes mainly acoustic chamber music that is unpredictable and incomplete in its manner, saturated with absence and self-contradiction.

Joseph Kudirka — s 19

Joseph Kudirka (f. 1978 i Michigan, USA) er en eksperimentell komponist og utøver. Hans musikalske karriere begynte i tenårene, som kontrabassist i lokale ungdomsorkestre og el-bassist i band. Første smaken på mer eksperimentell musikk fikk han fra å høre på «rar og nerdete» (sitat komponist) musikk som jazz fusion og progressiv rock, og fra å spille Arvo Pärt med strykekvintetten sin. Nå skriver Joseph ofte veldig åpne verk og notasjoner i tekstform. Hans musikk har blitt spilt og bestilt av mange kjente musikere og ensembler i hele verden. Joseph Kudirka (b. 1978 in Michigan, USA) is a composer and performer of experimental music. His musical career started as a teenager, playing double bass in local youth orchestras and electric bass in bands. He had some inkling of experimental music first through «weird, nerdy» (quote composer) music such as jazz fusion, progressive rock as well as Arvo Pärt. Now Joseph often composes very open works and text scores, his pieces have been commissioned and/or premiered by many well-known musicians and ensembles around the world.

Julian Skar — s 13

Julian Skar er grunnlegger og huskomponist for det spellemannsvinnende samtidsensemblet neoN. Hans kunstneriske hovedfokus er elektronisk musikk og musikkteater. Han har i flere år samarbeidet med koreografen Ingeleiv Berstad i Skar/Berstad duo som systematisk forsker på å bryte ned og bygge opp nye relasjoner mellom dans, teater og musikk. Skar har siden komponiststudiene alltid insistert på å beholde et ben i pop’en og et i samtidsmusikken. Det har resultert i stor spennvidde, og samarbeid med blant annet Nils Bech, Susanna Wallumrød og Oslo Sinfonietta. Julian Skar is the founder and a regular composer for the contemporary music ensemble neoN. His main artistic focus is in electronic music and music theatre, and for several years he has collaborated with choreographer Ingeleiv Berstad in the Skar/ Berstad duo, systematically exploring how to break down and rebuild new relations between dance, theatre and music. Already since his time as a composition student, Skar has insisted on keeping one leg in the pop world and one leg in the contem-


porary music world which has resulted in a broad range of collaborations with other artists such as Nils Bech, Susanna Wallumrød and Oslo Sinfonietta.

Kari Telstad Sundet — s 13

For komponisten Kari Telstad Sundet har det dramatiske og cinematiske alltid vært et viktig element i hennes musikk. De siste to årene har hun fokusert på å undersøke hvordan bruk av elektronikk kan berike eller endre dannelsen av landskaper eller bilder i lyd. Som inspirasjonskilde bruker hun alt fra den melankolske folkemusikken fra Nordmøre til Pink Floyd, men musikken som først inspirerte henne var dystre verk av russiske komponister: Under selv den mest glitrende overflate er det alltid mørkt. Ihvertfall litt. Kari avslutter i vår sin mastergrad i komposisjon ved Griegakademiet i Bergen. For composer Kari Telstad Sundet the dramatic and cinematic has always been an important element in her music. During the last two years she has focused on how the use of electronics can enrich the creation of sound landscapes or sound pictures. Kari is inspired by everything from the melancholy folk music of Nordmøre to Pink Floyd, but the music which first turned her to composition was the gloomy works of Russian composers: even underneath the most glittering surface there is always darkness. At least some. In the spring Kari will finish her Master’s degree in composition at the Grieg Academy in Bergen.

Ketil Hvoslef (b. 1939 in Bergen) is a productive, versatile and undogmatic composer. From 1963 to 1979 he was teaching at the Bergen Music Conservatoire where he himself was a student in the beginning of the 1960s. Since 1979 he has worked full time as a composer. Ketil has composed 140-150 larger and smaller works for a number of different constellations and contexts. Most of his works are instrumental music, especially solo concerts for different instrumentation.

Lasse Marhaug — s 9

Lasse Marhaug: «Når jeg var fem år fikk jeg mine foreldres gamle stereoanlegg på barnerommet. Det var en gammel Tandberg kombinert radio og kassettspiller. Som barn flest behandlet jeg den som et leketøy og begynte å skru på alle knappene for å se hva som skjedde. Først oppdaget jeg volum – den kunne spille mye høyere enn det foreldrene mine brukte å gjøre. Så fant jeg ut at lyden mellom radiokanalene, både FM og AM, låt mye bedre enn det som var på selve kanalene, spesielt når jeg skrudde volumet på fullt. Jeg trodde det var vesener fra en annen dimensjon som prøvde å få kontakt med meg. 40 år etter tror jeg det samme.» Lasse Marhaug: «When I was five years old my parents gave me their old stereo to put in my room. It was an old Tandberg combined radio and cassette player. Like most children I treated it as a toy and started fiddling with the knobs to see what would

Ketil Hvoslef — s 19

Ketil Hvoslef (f. 1939 i Bergen) er en produktiv, allsidig og udogmatisk anlagt komponist. Han underviste ved Bergen Musikkonservatorium fra 1963 til 1979, der han selv studerte i begynnelsen av 1960-årene. Siden 1979 har han vært komponist på full tid. Han har komponert 140-150 større og mindre verk for ulike sammensetninger og for mange sammenhenger. De fleste av verkene hans er instrumentalmusikk, særlig solokonserter for ulik besetning.

Julian Skar Foto av Marius Rua

Kari Telstad Sundet

John Chantler Foto av Dawid Laskowski

53


teater og film i 15 år og har vært en viktig drivkraft for synliggjøringen av Electro Shaabi Music i Egypt og resten av verden.

Lasse Marhaug

Natacha Diels

happen. At first I discovered volume – that I could turn it much louder than my parents used to do in our living room. Then I found that the sounds between the radio channels, both FM and AM, sounded much better than the actual radio channels, especially when I turned the volume to the maximum. I believed it was creatures from another dimension trying to contact me. 40 years later I still believe the same.»

Louis Moreno — s 35 54

Louis Moreno er medlem av kurator- og forskningskollektivet freethought, som er en av de tre kunstneriske lederne for Bergen Assembly 2016. freethought undersøker måten infrastrukturen former de estetiske og politiske dimensjonene av samtidskunst og -kultur. Utenom hans engasjement i freethought er Louis foreleser på Goldsmiths, Universitetet i London, og produserer og DJ-er også elektronisk musikk. Louis Moreno is a member of the curating and research collective freethought, one of the three artistic directors of the 2016 Bergen Assembly. freethought are exploring the way infrastructure conditions the aesthetic and political dimensions of contemporary art and culture. In addition to that he is a lecturer at Goldsmiths, University of London, and produces and DJs electronic music.

Mahmoud Refat — s 16

Mahmoud Refat er musiker, lydkunstner og produsent. Han er et rastløst og überkreativt multitalent: Hans arbeid har blitt fremført live, gitt ut på CD, og har blitt installert i forskjellige rom. Mahmoud er også grunnleggeren av labelet 100COPIES Music og den tilhørende spilleplassen med innspillingsstudio. I 2007 started han Kairos 100LIVE Electronic Music Festival som inviterer både lokale og internasjonale kunstnere hvert år. Han har komponert musikk for

Mahmoud Refat is a musician, sound artist and producer.
Mahmoud is multitalented, restless and uber-creative: his works have been released on CD, performed live and installed in different spaces. He is also the founder of the record label 100COPIES Music and the associated live music venue with a recording studio. In 2007 he started to organise Cairo’s 100LIVE Electronic Music Festival, which features local and international acts year after year. Mahmoud has been composing for theater and cinema for the past 15 years and has been a major driving power in bringing the Electro Shaabi Music to the surface both in Egypt and worldwide.

Maja S. K. Ratkje — s 42

Maja S. K. Ratkje er en internasjonalt anerkjent komponist og utøver. Hun jobber med alt fra orkestermusikk til performance, installasjoner og friimprovisasjon, blant annet med gruppen SPUNK. Hennes musikk er fremført av bl.a. Klangforum Wien, Ensemble Intercontemporain og alle de norske symfoniorkestrene. Hun har også komponert opera for babyer og store elektroniske verk. Maja S. K. Ratkje is an internationally acknowledged composer and performer. She has worked with everything from orchestra music to performance, from installations to free improvisation, amongst other with the group SPUNK. Her music has been performed by Klangforum Wien, Ensemble Intercontemporain and many others. She has also composed operas for babies and large electronic works.

Mark Leckey — s 22

Mark Leckey (f. 1964 i Birkenhead, Wirral) er en britisk kunstner som jobber med collage, musikk og video. Hans verk, laget av funnet og resirkulert materiale, består av mange videoer, blant disse er Fiorucci Made Me Hardcore (1999) og Industrial Light and Magic (2008). For sistnevnte vant han Turnerprisen i 2008. Arbeidene hans har blitt stilt ut i stor utstrekning internasjonalt, og han har vist performancer i blant annet Museum of Modern Art og Solomon R. Guggenheim Museum i New York, og i Institute of Contemporary Arts i London. Mark Leckey (b. 1964 in Birkenhead, Wirral) is a British artist, working with collage art, music and


video. His found art and found footage pieces span several videos, most notably Fiorucci Made Me Hardcore (1999) and Industrial Light and Magic (2008), for which he won the Turner Prize in 2008. His work has been widely exhibited internationally, his performances have been presented in New York at the Museum of Modern Art and at the Solomon R. Guggenheim Museum, and at the Institute of Contemporary Arts in London amongst others.

Martin Rane Bauck — s 37

Martin Rane Bauck (f. 1988) er en norsk komponist. Han skriver for det meste akustisk kammermusikk med få noter. Martin sier selv: «Lenge visste jeg hva musikk var, men en natt drømte jeg, og nå løper jeg rundt, i tidens totale fravær, på leting etter ikke-euklidske erfaringer langs strekningen Nono.» Martin Rane Bauck (b. 1988) is a Norwegian composer writing mainly acoustic chamber music with few notes. Martin himself says: «For a long time I knew what music was, but one night I was dreaming, and now I run around, in the complete absence of time, searching for non-Euclidean experiences along the territory Nono.»

Mat Jenner — s 41

Mat Jenner (f. 1976 i Storbritannia) lever og arbeider i London. Nylige utstillinger og prosjekter er Days i Northern Gallery for Contemporary Art, Sunderland; Dreams Time Free i Grand Union, Birmingham; Wish you were here i ATTIC, Nottingham; og FOAM i Wysing Arts Centre, Cambridge. Mat Jenner (b. 1976 in the UK) lives and works in London. Recent exhibitions and projects include Days at Northern Gallery for Contemporary Art, Sunderland; Dreams Time Free at Grand Union, Birmingham; Wish you were here at the ATTIC, Nottingham; and FOAM at Wysing Arts Centre, Cambridge.

Natacha Diels — s 8/19/21/26

Med fokus på koreografert bevegelse, et bredt arsenal av hjemmelaget elektronikk, en kombinasjon av improvisasjon, tradisjonell instrumentalteknikk og kynisk spill, skaper Natacha Diels en verden full av nysgjerrighet og ubehag. I 2003 grunnla hun det eksperimentelle musikkollektivet Ensemble Pamplemousse og er fortsatt ensemblets administrative leder og fløytist. Natacha er en hengiven lærer for

folk i alle aldre og har utformet og gitt kurs i elektronisk musikk og datamusikk, blant annet ved Columbia University i New York. For øyeblikket underviser hun i komposisjon og datamusikk ved University of California i San Diego. Natacha Diels’ work combines ritual, improvisation, traditional instrumental technique and cynical play to create worlds of curiosity and unease, with a focus on choreographed movement and a wide array of DIY electronics. Natacha founded the experimental music collective Ensemble Pamplemousse in 2003, and continues to be its executive director and flautist. A devoted teacher of all ages, Natacha has designed and taught courses in electronic and computer music at Columbia University among others and currently teaches composition and computer music at the University of California in San Diego.

Nina El Gebaly — s 16

Nina El Gebaly (f. 1987) er den første profesjonelle kvinnelige trommeslageren i Egypt. Hun har studert kunsthåndverk, og jobber nå med eksperimentell lyd, video og animasjon, etter å ha tatt del i flere workshoper innenfor disse feltene. Nina El Gebaly (b. 1987) is Egypt’s first professional female drummer. She graduated in Applied Arts and is working within experimental sound, video and animation as a result of her participation in a number of specialised workshops.

Object Collection — s 15/39

Object Collection ble grunnlagt i 2004 av forfatter/ regissør Kara Feely og komponist/musiker Travis Just. Kompaniet er basert i Brooklyn, New York, og jobber i skjæringspunktet mellom performance, eksperimentell musikk og teater. De er opptatt av samtidighet, kompleksitet og radikalitet, og kombinerer ugjennomtrengelige lag av tekst, notasjon, objekter og prosesser. Object Collection jobber med å gi publikummet ukonvensjonelle opplevelser gjennom sammensmeltingen av teatralske og dagligdagse aktiviteter. Arbeidene deres forstyrrer vanemessige oppfatninger av tid, hastighet, utvikling og virtuositet. Kompaniet setter opphopning fremfor sammenheng. Object Collection was founded in 2004 by writer/ director Kara Feely and composer/musician Travis Just. Based in Brooklyn, the group operates within the intersecting practices of performance, experi-

55


mental music and theater. They are concerned with simultaneity, complexity and radicality, combining dense layers of text, notation, objects and processes. Object Collection work to give audiences unconventional viewing experiences through the merging of theatricality and pedestrian activity. Their works upset habitual notions of time, pace, progression and virtuosity. They value accumulation above cohesion.

som antenne til skjønnheten, elektrisiteten og alle de utallige overraskelsene som følger med det å leve et litt sprøtt liv. Han komponerer, og prøver å skape nye lyder og nye former for samspill som han mener er interessante og utfordrende. Rodrigo tror på magi, å dele ting, å lære bort kunnskap og åpenhet. Han elsker syltetøy, og prøver dessuten å alltid bruke et ukomplisert språk, og leve livet så bevisst og ærlig som mulig.

Ola Saad — s 16

Rodrigo Constanzo makes art. He thinks this is an important thing to do. The art he makes is generally smeared in time, in the form of music. Rodrigo improvises and acts as an antenna to the beauty, electricity, and endless surprise that is living a crazy life. He composes and tries to create new sounds, interactions and behaviours that he finds interesting and challenging. He believes in magic, in sharing things, in teaching, in openness. Apart from that Rodrigo loves sweet jams, avoids speaking with a complicated vocabulary as much as possible, and tries to live as presently and honestly as possible.

Ola Saad
er visuell kunstner og lydkunstner. Hun har stilt ut og spilt på blant annet 100 Live Electronic Music Festival i Kairo, og Musique Action Festival i Frankrike. Ola Saad
is a sound and visual artist. She has performed and exhibited at the 100 Live Electronic Music Festival in Cairo, and the Musique Action Festival in France amongst others.

Rie Nakajima — s 36/44 56

Rie Nakajima er en japansk kunstner som jobber med lydinstallasjoner og lydperformance. I arbeidene sine – som er oftest komponert for unike arkitektoniske rom – benytter hun seg av en kombinasjon av kinetiske apparater og funnede objekter. Rie har stilt ut og opptrådt i Storbritannia og andre land, og har siden 2013 skapt og kuratert eventprosjektet Sculpture sammen med musikeren og forfatteren David Toop. Sammen med Keiko Yamamoto jobber hun i musikkprosjektet O YAMA O, som utforsker musikk uten sjanger. Rie er fra Yokohama og basert i London. Rie Nakajima is a Japanese artist working with installations and performances that produce sound. Her works are mostly composed in direct response to unique architectural spaces using a combination of kinetic devices and found objects. She has exhibited and performed widely both in the UK and overseas and has devised and curated the event project Sculpture with musician and the writer David Toop since 2013. With Keiko Yamamoto she has the music project O YAMA O which explores music with no genre. Rie is from Yokohama and based in London.

Rodrigo Constanzo Foto av Asiya Bulatova

Santiago Díez-Fischer Foto av Francisco Díez-Fischer

Rodrigo Constanzo — s 23

Rodrigo Constanzo lager kunst. Han synes det er viktig. Kunsten hans er vanligvis smurt utover tid, i form av musikk. Rodrigo improviserer og fungerer

Rie Nakajima Foto av Fabio Lugaro

Ola Saad


Santiago Díez-Fischer — s 14

Santiago Díez-Fischer kommer fra en familie av filosofer spesialisert på middelalderen. Det er antageligvis derfor han begynte å spille elektrisk gitar da han var 14. Fire år senere begynte han å studere musikk (cello) uten den fjerneste anelse om hvordan man leser eller skriver noter. Han likte lyden – handlingen av å skifte frem og tilbake mellom akkorder, vreng og støy fra kabler. Santiagos musikk er resultatet av handlinger: å sette handlinger i en rekkefølge på en organisk og sanselig måte, og skape røffe, grove og aggressive lyder. Musikken hans prøver å være et paradoks der det ukomfortable går gjennom ørene våre på en naturlig måte. Santiago Díez-Fischer comes from a family of philosophic medievalists. Probably that is why he started playing electric guitar at the age of 14. Four years later he began to study music (cello) without the slightest idea of how to write or read scores. He liked the sound – the action of going back and forth between chord and coupling, distortion and noise of cables. Santiago’s music is the result of actions – putting actions in an order, in an organic and sensual way, generating rough, rustic and aggressive sounds. His music tries to be a paradox where the uncomfortable passes through our ears naturally.

Sjøforsvarets musikkorps — s 8

Sjøforsvarets musikkorps (SFMK), tidligere et hærkorps under navnet Forsvarets musikkorps Vestlandet, har røtter tilbake til 1792, og er ett av Norges fem helprofesjonelle militærkorps. SFMK består av 28 topputdannete musikere på høyeste profesjonelle nivå, som sammen utgjør et dynamisk og svært allsidig ensemble. De opptrer på mange arenaer både i Forsvaret og det sivile samfunn, og behersker de fleste musikalske genre. Korpset har særlig innen samtidsmusikken markert seg som et av Norges fremste ensembler – med tallrike urfremføringer, festivalopptredener, CD-utgivelser og ikke minst med utøverprisen fra Norsk Komponistforening i 2008. The Royal Norwegian Naval Forces Band (SFMK) is one of Norway’s five full-time professional military bands comprising 28 musicians of the highest professional standard, who together form a dynamic and hugely versatile ensemble. The band performs in a variety of settings, military and civilian, and covers most genres. It made a name for itself particularly in the field of contemporary music, with numerous world

premieres, festival appearances, CD-recordings, and by receiving the Performer Award of the Norwegian Society of Composers in 2008.

Shorouk El Zomor — s 16

Shrouk Elzomor har studert kunst i Kairo. Siden 2009 har hun tatt del i flere utstillinger i Kairo, og siden 2012 spilt live lydperformancer. Shrouk jobber for tiden som kunstpedagog i Giza, Egypt. Shrouk Elzomor has studied Arts in Cairo. She has exhibited her work in Cairo since 2009 and taken part in several live sound performances since 2012. Shrouk is currently working as an art teacher in Giza, Egypt.

Sigurd Fischer Olsen — s 14

Som barn lytter vi ofte mer til måten ting blir sagt på enn hvilke ord som blir brukt. Da komponisten Sigurd Fischer Olsen så på fjernsyn som liten merket han seg alltid hvordan programannonsørene snakket, og lærte å imitere stemmene deres. Også når han lyttet til musikk lyttet han til lyden i teksten mer enn betydningen av ordene. Sigurd er fremdeles mer opptatt av lydene i språket enn av tekstens innhold, eller kanskje riktigere: opptatt av hvordan de fungerer sammen. Denne tematikken jobber han med i bestillingsverket sitt for BIT20 Ensemble: Teksten er små biter hentet fra forskjellige steder og skal åpne opp for mange ulike historier eller tolkninger. As children we often listen more closely to how things are being said than to the actual words. When composer Sigurd Fischer Olsen was watching television as a kid he always remembered how the announcers spoke and learned to imitate their voices. Also when listening to music he listened rather to the sound of the text than its meaning. Sigurd is still more absorbed by the sound of language than its contents – or more correctly: how both components work together. He uses this theme in his commission for the BIT20 Ensemble: The texts are various small bits and pieces which attempt to open up many different stories or interpretations.

Simon Løffler — s 19/26/28

Den danske komponisten Simon Løffler ble født i København, og studerte musikkteori og komposisjon i København, Berlin, Aarhus og Brussel. For øyeblikket utforsker Simon hvordan vi relaterer oss til hverandre når vi spiller musikk i lag, og hvordan man

57


kan bruke dette samspillet som en konkret ramme. Dette medfører ofte interaksjon i høyeste grad mellom utøverne. Simon er også en av grunnleggerne av komponistkollektivet DYGONG. Deres hovedmål er å behandle forløpet av en hel konsert som én enkelt komposisjon. Danish composer Simon Løffler was born in Copenhagen and studied music theory and composition in Copenhagen, Berlin, Aarhus and Brussels. At the moment Simon’s main interest lies in exploring how we relate to each other when we play music together, and how to work with this «togetherness» as a tangible parameter. This often implies a high degree of interaction between the performers. Simon is also a co-founder of the composers collective DYGONG. Their main objective is to treat the span of a whole concert as one single composition.

Siv Øyunn Kjenstad — s 27

58

Siv Øyunn Kjenstad er en norsk trommeslager, komponist og sanger utdannet ved jazzlinja på NTNU i Trondheim. Hun begynte sin profesjonelle karriere i ensemblet Batagraf under ledelse av Jon Balke som 19-åring. Siden har hun samarbeidet med en rekke anerkjente musikere på norske og internasjonale scener. Nå er hun for første gang aktuell som bandleder med bandet Øyunn, som ble kåret til «Årets band» i Dagsavisens oppsummering av jazzåret 2015. Siv Øyunn Kjenstad is a Norwegian drummer, composer and singer. She studied jazz at the university in Trondheim and started her professional career at the age of 19 in the ensemble Batagraf under Norwegian jazz pianist and composer Jon Balke. Since then she has collaborated with numerous acclaimed musicians in Norway and internationally. Currently, she is for the first time working as a band leader in her own ensemble, Øyunn,which was named «jazz band of the year 2015» by the newspaper Dagsavisen.

Sofia Jernberg — s 14

Vokalisten og komponisten Sofia Jernberg (f.1983 i Etiopia) har vokst opp i Sverige, Etiopia og Vietnam, og er for tiden basert i Oslo. Som vokalist er hun spesielt opptatt av å utvikle stemmens «instrumentale» muligheter. Sangvokabularet hennes inkluderer lyder og teknikker som ofte står i motsetning til en naturlig sangstil, som såkalte «split tones», tonløs sang og forvrengt vokal. Hun har vært utøver i flere

kammeroperaer, blant annet Salvatore Sciarrinos Lohengrin, der hun møtte komponisten Sigurd Fischer Olsen, som presenterer et nytt verk for henne og BIT20 under Borealis 2016. Singer and composer Sofia Jernberg (b.1983 in Ethiopia) grew up in Sweden, Ethiopia and Vietnam, and is currently based in Oslo. One of her primary interests as a singer is to develop the «instrumental» possibilities of the voice. Her vocabulary includes sounds and techniques that often contradict a conventional singing style such as split tone singing, pitch-less singing and distorted singing. She has performed in several chamber operas, amongst others Salvatore Sciarrinos’ Lohengrin where she met composer Sigurd Fischer Olsen who is presenting a new piece for her and BIT20 at Borealis 2016.

Stine Janvin Motland — s 9

Stine Janvin Motland (f.1985) er utøver og komponist basert i Stavanger, Oslo og Berlin. Med en instrumentalistisk og fysisk tilnærming utforsker hun stemmens akustiske potensiale og grensene for hva en sanger kan, eller ikke kan være. Hennes arbeid inneholder elementer av konseptuell og spontan komposisjon, improvisasjon, performance og lydpoesi. Pågående prosjekter er blant annet The Subjective Frequency Transducer, og Stine II. Ved siden av hennes egne initiativ, synger hun nyskrevet samtidsmusikk, og medvirker som komponist, sanger, danser og skuespiller i flere tverrkunstneriske prosjekter. I 2014 ga Stine ut to soloalbum: Ok, wow (+3 dB) og In Labour (Pica Disk). Stine Janvin Motland (b.1985) is a performer and composer based in Stavanger, Oslo and Berlin. With an instrument like, physical approach she explores the acoustic potential of the voice and the limits of what a singer can or cannot be. Her work includes elements of conceptual and spontaneous composition, improvisation, performance and sound poetry. Current projects include The Subjective Frequency Transducer and Stine II. Apart from her own initiatives she performs newly composed music and takes part in several multidisciplinary projects as a composer, singer, dancer and performer. In 2014 Stine released two solo albums: Ok, wow (+3 dB) and In Labour (Pica Disk).

Tarek Atoui — s 11

Tarek Atoui (f. 1980 i Beirut, bosatt i Paris) er en av de mest anerkjente lydkunstnerne i vår tid.


Sigurd Fischer Olsen Foto av Kristoffer Øen

Sofia Jernberg Stine Janvin Motland Foto av Eva-Fiore Kovacovsky

Han benytter ofte hjemmelagede elektroniske og akustiske instrumenter i kombinasjon med avansert teknologi. Tarek vil utfordre, utvide og revidere etablerte og konvensjonelle måter å oppleve og kommunisere lyd, holde konserter og komponere på. Han initierer store prosessbaserte samarbeidsprosjekter, og presenterer i høst 2016 et prosjekt for Bergen Assembly, der døve er en viktig ressursgruppe for nye lydopplevelser. Tarek Atoui (b. 1980 in Beirut, based in Paris) is one of the most recognised sound artists of our time. He often uses self-made electronic and acoustic instruments in combination with advanced technology. Tarek wants to challenge, expand and revisit established and conventional ways of experiencing sound, playing concerts and composing. He initiates large process-based, collaborative projects, and will present a project for the triennial Bergen Assembly in autumn 2016, where the hearing impaired are an important resource group for new ways of experiencing sound.

Øyvind Torvund Foto av Vegard Valde

59 Siv Øyunn Kjenstad Foto av Andreas Ulvo

Øyvind Torvund — s 12

Tine Surel — s 37

Komponisten Øyvind Torvund (f. 1976) har studert i Oslo og Berlin og har spilt gitar i rockeband og improvisasjonsgrupper. Musikken hans er satt sammen av ulikt materiale og inkonsekvent tilnærming: lyder fra rock og dagliglivet (eller naturen) satt inn i kammermusikken, enkelhet i en kompleks kontekst, improvisasjon i sameksistens med nøyaktig notasjon, musikk kombinert med film eller projeksjoner, alvorlighet satt opp mot humor.

Tine Surel (b. 1989, Bø in Vesterålen, Northern Norway) is a composer, artist, musician and idealist, now living in Oslo after spending 17 years in Denmark. She works with electro-acoustic and instrumental music, often combined with visual elements.

Norwegian composer Øyvind Torvund (b. 1976) played guitar in rock and improvising groups alongside regular musical studies in Oslo and Berlin. His music assembles disparate materials and inconsistent attitude: sounds from rock or from everyday life (or nature) occurring in chamber music, simplicity in a complex context, improvisation coexisting with exact notation, music combined with film or projections, seriousness in counterpoint with humour.

Tine Surel (f. 1989, Bø i Vesterålen, Nord-Norge) er komponist, artist, musiker og idealist nå bosatt i Oslo etter 17 år i Danmark. Hun jobber med elektroakustisk og instrumental musikk, ofte i kombinasjon med visuelle elementer.


karlsens.no

JA, TAKK – BEGGE DELER Her legges det til ree for komfort og den gode opplevelsen; Grand Terminus er det klassiske alternativet, mens Augustin er nær havnen, kjent som intimt og kulturelt. Her finner du også Altona, Bergens eneste sertifiserte spisested med Wine Spectator award.

TO HOTELLER MED SÆRPREG – I HJERTET AV BERGEN

AUGUSTIN T: 55 30 40 00 BOOKING@AUGUSTIN.NO GRAND TERMINUS T: 55 21 25 00 BOOKING@GRANDTERMINUS.NO

www.augustin.no

STOLT SAMARBEIDSPARTNER MED BOREALIS

www.grandterminus.no

61


REDAKSJON / EDITORIAL STAFF Redaktør & oversettelser / Editor & translations Eva Pfitzenmaier Redaksjonell assistanse / Editorial assistance Stephan Meidell Peter Meanwell Claudia Cox Tine Rude ART DIRECTION & DESIGN Haltenbanken TRYKK / PRINT Bodoni AS

62

FESTIVAL TEAM Kunstnerisk leder / Artistic Director Peter Meanwell Daglig leder / Managing Director Tine Rude Produsent / Project Manager Admir Korjenic Festivalassistent / Festival Assistant Gabriela Passos Claudia Cox Presse & delegater / Press & Delegates Irem Müftüoglu Logistikk & transport / Logistics & Transport Monica Santos Herberg Frivilligkoordinator / Volunteer Co-ordinator Lillian Santos Herberg Dokumentasjon / Documentation Karoline Finnema Festivalfotograf / Festival Photographer Magnus Sunde Haaland Henrik Beck Festivalkjøkken / Festival Kitchen TASC Ablett & Brafield Praktikant / Intern Ania Popowska Essia Hidoussi Frida Andreassen Lereng Lisa Colette Bysheim Valtteri Repo Webdesigner / Web Design Thomas Bush STYRE / BOARD Styreleder / Leader Hild Borchgrevink Nestleder / Deputy Leader Hans Knut Sveen Styremedlemmer / Board Members Julie Lillelien Porter Sigurd Sandmo Tone Tjemsland Varamedlemmer / Deputy Members Ørjan Matre Åse Løvgren

MEDLEMMER AV BOREALIS / BOREALIS MEMBER ORGANISATIONS Avgarde; BEK; Bergen Barokk; Bergen Filharmoniske Orkester; Bergens Kammermusikkforening; Bergen Kunsthall; Bergen Nasjonale Opera; BIT20 Ensemble; Collegiûm Mûsicûm Kor og Orkester; Den Nationale Scene; Edvard Grieg Kor; Griegakademiet; Lydgalleriet; nyMusikk Bergen; Sjøforsvarets Musikkorps; USF Verftet BOREALIS ER STØTTET AV / BOREALIS IS FUNDED BY Bergen kommune; Det norske komponistfond; Embassy of Egypt in Oslo, Norway; Ernst von Siemens Music Foundation; Fritt Ord; Hordaland Fylkeskommune; Komponistenes Vederlagsfond; Kulturrådet; Mid Atlantic Arts Foundation through USArtists International in partnership with the National Endowment for the Arts and the Andrew W. Mellon Foundation; Music Norway; Norges ambassade i London, Berlin, Stockholm og København; Norges konsulat i New York; US Embassy, Oslo SAMMARBEIDSPARTNERE / COLLABORATING ORGANISATIONS Augustin Hotel; Avgarde; BEK; Bergen Arkitekthøgskole; Bergen Assembly; Bergen Internasjonale Kultursenter; Bergen Kjøtt; Bergen Kunsthall; Bergen Nasjonale Opera; Bergen Offentlige Bibliotek; BIT20 Ensemble; Bodoni AS; Cornerteateret; Griegakademiet; Hordaland Kunstsenter; KODE; Kunsthøgskolen i Bergen; Landmark; Lydgalleriet; nyMusikk Bergen; nyMusikks Komponistgruppe; Sjøforsvarets Musikkkorps; Utmark; VilVite; Østre TAKK TIL


Utdrag fra Guillaume De Saint-Cloud Suffers a Violent Dazzling, Jessie Marino, 2015

63


Borealis 2016 Programme Book  
Borealis 2016 Programme Book  
Advertisement