con il cinema dell’Europa centro orientale un progetto di Alpe Adria Cinema e di Annamaria Percavassi
29a edizione
Politeama Rossetti / Teatro Miela 19 - 28 gennaio 2018
con il patrocinio di Comune di Trieste
Direzione Generale per il Cinema – Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo
Università degli studi di Trieste
Ordine degli Avvocati di Trieste
con il contributo di
Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia
Direzione Generale per il Cinema - Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo
Comune di Trieste
CEI – Central European Initiative
con il sostegno di Fondazione Benefica Kathleen Foreman
Casali
Fondazione CRTrieste
Istituto Polacco di Roma
Studio Boscolo&Partners
Parlamento europeo / Lux Prize
con la collaborazione di Fondo Audiovisivo FVG
Sindacato Nazionale Critici Cinematografici
Italiani
La Cineteca del Friuli
La Cappella Underground
FVG Film Commission
Associazione Casa del Cinema di Trieste
Associazione Corso Salani
Milano Film Network
MIDPOINT International Script Development Program
SIEDAS - Società Italiana Esperti di Diritto
delle Arti e dello Spettacolo
media partner mymovies.it quinlan.it longtake.it
media coverage by Sky Arte HD
technical partners
B&B Hotel Trieste
Grand Hotel Duchi D’Aosta
Victoria Hotel Letterario
Urban Homy Trieste
Hotel Continentale
NH Hotel Trieste
Hotel Coppe
Savoia Excelsior Palace
Urban Hotel Design
Tipografia Menini
Cafè Rossetti
Antico Caffè San Marco Parovel
Ristorante Pepenero Pepebianco
RossoPomodoro Trieste
Ristorante Mimì e Cocotte
Immaginario Scientifico
Collettivo SuperAbile
Ideando Pubblicità
Spin.it
Eventival
direzione artistica
Fabrizio Grosoli
Nicoletta Romeo
consulenti per la selezione e corrispondenti
Thanos Anastopoulos, Alice Arecco, Bernd Buder, Tiziana Ciancetta, Giuseppe Gariazzo, Judit Pintér, Alessandro Raja, Massimo Tria
presidente, organizzazione generale
Cristina Sain
programmazione e movimento copie
Monica Goti
con la collaborazione di Niccolò Coscia
produzione e comunicazione
Max Mestroni
ufficio stampa stampa nazionale
Gabriele Barcaro
stampa locale e internazionale
Federica Marchesich
ufficio ospitalità
Vittoria Rusalen
ufficio accrediti
Eleonora Frasca Rizzi
catalogo a cura di Tiziana Ciancetta con la collaborazione di Ivan Velisavljević (Rebels 68. East), Mariuccia Ciotta, Roberto Silvestri (Rebels 68. West), Giuseppe Gariazzo (Made in Kurdistan)
e Tom Sainty (stagista), Saskia Wakely (stagista) traduzioni
dall’italiano all’inglese
Lucian Comoy, Andrea Zhok con la collaborazione di David Woodward
dall’inglese all’italiano
Tiziana Ciancetta, Andrea Zhok stampa Tipografia Menini
concept e layout catalogo
Francesco Paolo Cappellotto
concept e layout programma di sala
Gianluca Pisacane
Carolina Stera
comunicazione, immagine coordinata, social e sito internet
Claimax -immagina.organizza.comunicaImmagine 2018 a partire dalla fotografia di scena scattata nel 1962 dal fotografo Mario Magajna sul set del film Senilità
Del Biondo, Davide Di Lorenzo, Sandro Di Lorenzo, Gaia Di Luca, Annalisa Dilorenzo, Federico Ferrante, James Freeman, Nikolay Furlani, Erica Giraudo, Mattia Goi, Beatrice Grigoriev, Lea Gudelj, Nina Isakov, Petra Kocic, Carolina Kravina, Annachiara Mandelli, Laura Maran, Benedetta Marcolin, Emma Marcolin, Laura Marcon, Jasmine Mazzarello, Giorgia Michelon, Aurora Minetto, Katriina Miola, Giovanni Mistroni, Simone Modugno, Rossana Monaco, Arianna Moranduzzo, Alberto Mosetti-d’Henry, Myriam Murkovic, Lucia Narullo, Giulia Nota, Alice Pappas, Antonio Pasqua, Marco Pastore, Matteo Penazzo, Alice Pennone, Tea Pescatore, Naomi Piana, Elisabetta Pisani, Irene Polla, Karen Prester, Mara Pusceddu, Francesca Ravaldini, Fiammetta Rodella, Andrea Rosasco, Elisa Rossetto, Teresa Ruffato, Ana Laura Santos Ribeiro, Andrea Securo, Angelo Sgobbo, Farhan Shabbir, Danica Stankovic, Eloise Suppancich, Giulia Terzani, Aurora Toniol, Leoluca Toppazzini, Francesca Tosetto, Tina Ugarkovic, Beatrice Vecchio, Fulvia Vitale, Chiara Vitali, Anna Vlacci, Tetyana Vorobyova, Sabrina Ye, Georgia Zouba
e tutti ragazzi dell’Istituto I.S.I.S. CarducciDante Liceo del progetto alternanza ScuolaLavoro
le sezioni del festival
concorso lungometraggi eventi speciali
a cura della direzione artistica
concorso documentari
a cura di Fabrizio Grosoli con la collaborazione di Alice Arecco
concorso cortometraggi e programma di animazione a cura di Tiziana Ciancetta e Patrizia Pepi Gioffrè
art & sound a cura della direzione artistica
premio corso salani 2018 a cura di Fabrizio Grosoli con la collaborazione di Alice Arecco, Lorenzo Esposito, Alberto Lastrucci, Luca Mosso, Massimo Tria
born in trieste a cura di Fabrizio Grosoli
rebels 68. east ‘n’ west revolution a cura di Mariuccia Ciotta, Roberto Silvestri, Ivan Velisavljević
made in kurdistan a cura di Giuseppe Gariazzo e Fabrizio Grosoli
feature launch 2018 workshop 1 @ eastweek - tsff
a cura di Midpoint International Script Development Program in collaborazione con Trieste Film Festival, When East Meets West, Film Center Serbia e Karlovy Vary Film Festival coordinamento didattico di Danijel Hočevar coordinamento di Kristýna Plhoňová e Krisztina Darók comitato di selezione dei progetti: Thanos Anastopoulos, Alessandro Gropplero, Danijel Hočevar, Kristýna Plhoňová, Hugo Rosák
panel le giornate della distribuzione italiana indipendente in collaborazione con SNCCI modera Franco Montini
la nuova legge del cinema: tutele, innovazioni, prospettive in collaborazione con SIEDAS - Società Italiana Esperti di Diritto delle Arti e dello Spettacolo, Università degli Studi di Trieste, Ordine degli Avvocati di Trieste
Intervengono Steve Della Casa, Mario Luzzatto Fegiz
modera Alessandro Mezzena Lona
rebels 68 east Intervengono Nenad Puhovski, Želimir Žilnik
modera Ivan Velisavljević
uomini che dissero no Interviene Fredo Valla modera Pietro Spirito
made in kurdistan Intervengono Giuseppe Acconcia, Hevi Dilara, Gürcan Keltek, Reyan Tuvi modera Giuseppe Gariazzo
rebels 68 west Intervengono Valentina Agostinis, Mariuccia Ciotta, Roberto Silvestri
tsff goes virtual hackaton, il primo contest italiano per la produzione di video a 360°
giuria: Axel Trioli, Michel Reilhac, Christian Tosolin
vr day
panel virtual reality: state of the art
Interventi di Antonio Giacomin, Dennison Bertram, Axel Drioli
workshop: what is special about spatial audio?
Interviene: Axel Drioli
in collaborazione con il PAG – Progetto Area Giovani del Comune di Trieste a cura di Antonio Giacomin; coordinamento di Carolina Stera
masterclass conversazione con Michel Reilhac conduce l’incontro Savina Neirotti
progetto corpi / bodies varcare la frontiera #5 atlantidi di Cizerouno associazione culturale a cura di Massimiliano Schiozzi con la collaborazione di Mila Lazić e Massimo Premuda mostre sfingi arcane, collettiva a cura di Massimo Premuda con la collaborazione di Denis Volk @ Doubleroom babatwoosh @ Cavò la storia di d. di Diletta Allegra Mazza a cura di Massimiliano Schiozzi @ Cavò
passeggiate esterno/giorno percorsi alla scoperta delle location del cinema a Trieste a cura di Nicola Falcinella, Elisa Grando, Marzia Arzon organizza Associazione Casa del Cinema trieste multiculturale a cura di Marzia Arzon musica
shantel dj session: 30 years of club guerilla concerto božo vrećo cantante e performer bosniaco
when east meets west
pitching, incontri & workshop
21-23 gennaio 2018 organizzato da Fondo per l’Audiovisivo del Friuli Venezia
Giulia assieme a Trieste Film Festival/Alpe Adria Cinema in collaborazione con EAVE Maia workshops
Creative Europe Desk Italia Eurimages con il sostegno di Creative Europe - MEDIA Programme
MiBACT - Direzione Generale per il Cinema
CEI (Central European Initiative)
Confartigianato Udine
Regione Autonoma del Friuli Venezia Giulia con il supporto di Albanian National Center of Cinematography
Association of Filmmakers of BiH & Sarajevo Film Fund
Bulgarian National Film Center
Croatian Audiovisual Centre
Danish Film Institute
Film Centre of Montenegro Film Center Serbia
Finnish Film Foundation
Greek Film Centre
Icelandic Film Centre
Kosovo Cinematography Center
Macedonian Film Agency
Norwegian Film Institute
Slovenian Film Centre
Swedish Film Institute
Creative Europe Desk Bulgaria
Creative Europe Desk Denmark
Creative Europe Desk Finland
Creative Europe Desk Norway
Creative Europe Desk Serbia
Creative Europe Desk Sweden a cura di Alessandro Gropplero con la collaborazione di Elisa Bordon, Paolo Vidali coordinamento di Giulia Battaglini, Alessandra Pastore
last stop trieste organizzato da Trieste Film Festival e Fondo per l’Audiovisivo del Friuli Venezia Giulia con il sostegno di Creative Europe – Media Programme
CEI (Central European Initiative)
Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia a cura di Alessandro Gropplero, Fabrizio Grosoli, Rada Šešić coordinamento di Monica Goti con la collaborazione di Niccolò Coscia
first cut lab organizzato da Fondo per l’Audiovisivo del Friuli Venezia Giulia con il sostegno di Creative Europe – Media Programme
CEI (Central European Initiative)
Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia coordinamento
Maartje Alders, Matthieu Darras, Alessandro Gropplero, Benjamin Mirguet, Alex Traila
this is IT organizzato da Trieste Film Festival e Fondo per l’Audiovisivo del Friuli Venezia Giulia in collaborazione con Milano Film Network con il sostegno di Creative Europe – Media Programme
CEI (Central European Initiative)
Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia comitato di selezione dei progetti a cura di Thanos Anastopoulos, Alessandro Gropplero, Fabrizio Grosoli coordinamento di Monica Goti con la collaborazione di Niccolò Coscia
ringraziamenti / acknowledgments
Albania
Artalb Film
Austria
Autlook Filmsales (Youn Ji), Coop99, Paolo Caneppele (Österreichisches FilmmuseumThe Austrian Film Museum), Zwinger Film
Belgio
Associate Directors, Cineuropa (Valerio Caruso, Vladan Petković), Parlamento europeo/Lux Film Prize (Marisella Rossetti, Jindrich Pietras, Alessandro Cravotta)
Brasile
RT Features
Bulgaria
Chouchkov Brothers, Elena Mosholova
Canada
Syndicado Inc. (Aleksandar Govedarica, Jasmina Vignjević)
Cipro 1.61 Films
Croazia
3d2d Animatori (Lado Skorin), Blade production (Zoran Dževerdanović), Bonobostudio (Vanja Andrijević), Factum (Maja Culiak, Martina Kolarić, Nenad Puhovski), Finta Film, Hrvatski Audiovizualni Centar-Croatian Audiovisual Centre (Mario Kozina), Restart, Studio Pangolin, Tina Hajon, ZagrebDox, Zagreb Film (Sanja Borčić)
Emirati Arabi Uniti
Cercamon World Sales (Sébastien Chesneau), Edgar Roche
Estonia
Kultusfilm Oü Finlandia
Don Films, Mouka Filmi OY, Post Control
Francia
Viviana Andriani, Arizona Productions (Guillaume de Seille), Arte France
Cinéma, Arte Cofinova, CAT&Docs (Maëlle Guenegues), Catherine Anne Faux, La Cinémathèque de Toulouse (Vincent Spillmann), La Cinémathèque française (Arzura Flornoy, Matthieu Grimault, Cécile Touret), Haut et Court, Claudine Kaufmann, KinoElektron, KNM Films, Indie Sales
Company (Martin Gondre), Les Films des Tournelles, Les Films du Losange (Lise Zipci), Luxbox (Fiorella Moretti, Gala Hernández), Petit à Petit Production, Princes Production, Pyramide Production, Reborn Production, Quark Productions, Slot Machine, Survivance (Carine Chichkowsky), Wide Management / Eye on Films (Matthias Angoulvant, Marco Urizzi), Wide House (Morgane Delay), Wild Bunch (Esther Devos, Olpha Ben Salah)
Georgia
Lira Production Studio
Germania
aug&ohr medien (Jenny Eitner, Markus Kaatsch, David M. Lorenz, Jan Wagner), Beta Cinema (Cosima Finkbeiner), Color of May, Deckert Distribution GmbH (Ina Rossow), DOKLeipzig (Leena Pasanen), Filmakademie Baden-Württemberg (Oliver Krause, Eva Steegmayer), Films Boutique (Aleksandr Fomin, Valeska Neu), GP Cinema Company, Internationale Kurzfilmtage OberhausenFilmarchiv (Martin Gensheimer, Carsten Spicher), Kinomaton Berlin, Komplizen Film, Kundschafter Filmproduktion, KurzFilmAgentur Hamburg e.V., Looks Film & Tv Produktionen, The Match Factory (Adrian Baci, Sergi Steegman), Match factory Productions, Ugly Film, Zdf-Das Kleine Fernsehspiel, Zero One Film
Grecia
Blonde, Graal Films, Greek Film Centre (Liza Linardou), Heretic Outreach (Christina Liapi, Ioanna Stais), Marni Films, Squared Square (Antigoni Rota)
Iraq Mij Film (Dominika Żuk)
Irlanda Planet Korda
Italia
Academy Two (Alessandro Giacobbe, Letizia La Torraca, Paola Leonardi), Balkan Florence Express (Cecilia Ferrara), Giovanni Barbo, Maria Teresa Bassa Poropat, Marco Bellocchio, Alice Bensi, Betty Wrong, Biblioteca nazionale e degli studi – Narodna in študijska knjižnica, Pier Paolo Bisleri, Gian Paolo Bommarco, Giorgio Bommarco, Gabriela Caharija (Odsek za zgodovino in etnografijo - Narodna in študijska knjižnica, Trieste), Raffaella Canci, Simone Cangelosi, Capetown Film srl, CSC - Cineteca Nazionale
(Maria Coletti), La Cineteca del Friuli, Cineteca di Bologna (Carmen Accaputo, Paolo Pellicano, Andrea Peraro), Matteo Columbo (Salani e Ponte alle Grazie), Piero Colussi, Stefano Curti, Luciano De Giusti, Francesco Di Pace, Drop Out (Ivan Bormann, Fabio Toich), Barbara Fabro, Esther Felix Goti, Eugenia Fenzi, Beatrice Fiorentino, Fondazione Giangiacomo Feltrinelli, Milano (Francesca Audisio, Giovanni Sanicola, Martina Pozzo, Anna Wizemann), Francesca Ghersinich, Paolo Giovanazzi, GraffitiDoc srl (Enrica Capra), Elisa Grando, Gianluca Guzzo, Martina Humar (Odsek za zgodovino in etnografijo - Narodna in študijska knjižnica, Trieste), Immaginario Scientifico (Serena Mizzan, Micol Ascoli Marchetti), Istituto Luce - Cinecittà, Istituto Statale di Istruzione Superiore “Giosuè Carducci” e “Dante Alighieri” (Daniela Picamus, Oliva Quasimodo, Clara Sforzina), I Wonder Pictures/Biografilm festival (Dario Bonazelli, Andrea Romeo), Kiné— doc (Claudio Giapponesi), Koch Media (Gianluca De Falco, Paola Menzaghi), Lab 80 Film (Giulia Esposito), Paolo Luciani, Federica Naveri, Sergio Mattiassich Germani, Medusa Distribuzione (Giovanna Solinas), Minimumfax Media, Movies Inspired (Stefano Jacono), Nefertiti Film (Nadia Trevisan, Chiara Santo, Claudia Soranzo), Tiziana Oselladore, Osservatorio Balcani e Caucaso (Marzia Bona, Luisa Chiodi, Giuseppe Lauricella), Sergio Pacor, Parallelo 41 Produzioni (Grazia De Micco, Antonella Di Nocera), Franco Però, Paola Plancher, Rai Cinema, Silvano Ravalico, Donatella Rocco, Domenico e Luisa Romeo, Giorgio Rossi, Paolo Santangelo, Sky Arte HD (Guido Casali, Erika Minoia, Gaia Pasetto, Luca Pelusi, Fabiana Peruzzi, Roberto Pisoni, Dino Vannini), Slingshot Films (Manuela Buono, Michela Pascolo), Stayblack Productions, Stefilm (Edoardo Fracchia, Elena Filippin), Daniele Terzoli, Tfilm, Serena Tonel, Christian Tosolini, UCCA (Roberto Roversi), Loriana Ursich, Benedetta Usala, Chiara Valenti Omero, Alberto Valtellina, Valentino Vitrotti, Vivo Film
Lettonia Film Angels Productions, VFS Films
Lituania
Afterschool (Klementina Remeikaite), “Kino Pavasaris” VilniusFF, Studija Kinema, Studio Nominum, Studio Uljana Kim
Norvegia
Orto Polare AS (Gørild Mauseth)
Paesi Bassi 29P Films
Polonia Darek Dikti Biuro Pomysłów, Donten & Lacroix Films, EBH Polska, Film Art Production, Gdyńska Szkoła FilmowaGdynia Film School (Marta Drankiewicz), HBO Europe, Krakow FF (Krzysztof Gierat), Krakowska Fundacja Filmowa/Krakow Film Foundation-Polish Shorts and Polish Animations/Polish Docs (Katarzyna Wilk, Marta Świątek), Munk Studio (Ewa Jastrzebska, Michał Hudzikowski), Polski Instytut Sztuki Filmowej-Polish Film Institute (Marzena Cieślik), Studio Filmowe Kalejdoskop (Monika Blachnio), Telemark Sp. z.o.o., Telewizja Polska S.A., Wajda Studio, Warsaw FF (Stefan Laudyn), T-Mobile New Horizons IFF, Wrocław (Roman Gutek, Marcin Pieńkowski), Wytwórnia Filmów Dokumentalnych Fabularnych
Qatar
Doha Film Institute
Regno Unito BFI (Hannah Prouse, George Watson), Dearcan Media, Fabulous Films Limited, Pinewood Studios (Richard Walker), Park Circus Group (Jack Bell, Demi Rodriguez, Lindsey Smith), Taskovski Films Ltd. (Bojana Maric, Nevena Milašinović), University of Westminster - Londra, Warner Bros.
Repubblica Ceca Česká televize-Czech Television, Czech Film Center (Barbora Ligasová, Markéta Šantrochová), Facets (Milos Stehlik), FAMU, Endorfilm, Eventival (Lenka Zukalová), Jihlava International Documentary Film Festival (Marek Hovorka, Jarmila Outratová), Karlovy Vary FF (Karel Och), Iva Ruszeláková (JNF), Negativ Film Productions (Daniel Vadocký), Produkce Třeštíková s.r.o., Punckhart Films
Romania
Hai-Hui Entertainment, Hi Film Productions (Ilinca Belciu, Ada Solomon), Romanian CNC, Centrul National al CinematografieiRomanian Film Centre (Alina Salcudeanu), Libra Film (Alexandra Stirbu), Strada Film (Ruxandra Slotea), Transilvania Film, UNATCUniversitatea Națională de Artă Teatrală și Cinematografică „I. L. Caragiale”, We are Basca (Claudiu Mitcu, Andreea Tanase)
Russia
Ant!pode Film Sales (Aleksandra
Sarana), CTB Film Company, Mars Media Entertainment, Patriot Productions
Serbia
Beldocs (Mladen Vusurović), Dribbling Pictures Ltd., Film Center Serbia (Andjelija Andrić, Boban Jevtić), Film House Bas Celik (Jelena Mitrović), Srdan Golubović (Auteurs Film Festival, Belgrado), Bojana Makavejev, Playground produkcija (Sarita Matijević)
Slovacchia
National Cinematographic Centre - Slovak Film Institute, RTVS, Sentimental Film
Slovenia
Cvinger Film, Festival slovenskega filma, Portorož (Jelka Stergel), Nosorogi (Marina Gumzi), Nukleus Film d.o.o. Slovenia, Jožko Rutar, Slovenska kinoteka (Igor Prassel, Darko Strukelj), Slovenski filmski center
Javna Agencija RS - Slovenian Film Centre (Nerina Kocjančič), Studio Viba Film, Nina Ukmar (Kosovelov dom Sežana)
Spagna Suica Films
Stati Uniti d’America
BAM (Brooklyn Academy of Music), Sikelia Productions
Insight Media Ltd, Solar Media Entertainment, Tato Film
Ungheria
Fest-Film (László Kántor), Film Partners (Gábor Kovács), HBO Europe (Hanka Kastelicová), HNFF World Sales, Magyar Nemzeti Filmarchívum - Hungarian National Film Archive (Tamara Nagy), KMH Film, Magyar Filmunió - International Division of the Hungarian National Film Fund (Márta Bényei), Matrix Film, Mirage Film, Project Speakeasy, Proton Cinema
alpe adria cinema aderisce a AFIC - Associazione Italiana Festival Cinematografici
ci hanno aiutato a rendere questa edizione ancora più bella e ospitale
Giovanna Abbondanza (Mimì e Cocotte, Trieste), Massimo Antoci (Urban Homy, Trieste), Alex Benvenuti e Barbara Favretto (Hotel Duchi D’Aosta, Trieste), Emilio Cattolico (Rossopomodoro, Trieste), Paolo Chessa (Cooperativa Torrenuvola, Trieste), Monica Coppe (Hotel Coppe, Trieste), Sabrina e Manuel Costantini (Urban Hotel Design, Trieste), Renato Danelone (Grafic Style, Udine), Ambra Declich e Michele Grandi (Pepenero Pepebianco, Trieste), Alexandros Delithanassis, Loriana Urisch (Caffè San Marco, Trieste), Franco Delli (Starhotels Savoia Excelsior, Trieste), Niky Fabiani (Ideando pubblicità, Udine), Elena Giuffrida (Mug, Trieste), Walter Gustin (040 group, Trieste), Federica Iori (B&B hotel, Trieste), Alessandro Lucchetta (Hotel Continentale, Trieste), Elena Parovel (Parovel vini e vigneti), Manuel Tartaglia (Hotel Victoria, Trieste)
si ringraziano per essere intervenuti Giuseppe Acconcia (Italia), Valentina Agostinis (Italia), Laurynas Bareiša (Lituania), Luca Bellino (Italia), Dennison Bertram (Italia), Igor Bezinović (Croazia), Massimo Bianca (Italia), Rok Biček (Slovenia), Łukasz Borowski (Polonia), Simone Cangelosi (Italia), Guido Casali (Italia), Bogdan Craciun (Romania), Stefano Cravero (Italia), Martin Dangov (Bulgaria), Fabio Dell’Aversana (Italia), Steve Della Casa (Italia), Hevi Dilara (Italia), Piotr Domalewski (Polonia), Mario Di Martino (Italia), Axel Drioli (Italia), Péter Forgács (Ungheria), Matjaž Ivanišin (Slovenia), Livio Jacob (Italia), Pietro Jona (Italia), Gürcan Keltek (Turchia), Gentian Koçi (Albania), Arkadij Khaet (Moldavia), György Kristóf (Slovacchia), Eugenio Lio (Italia), Francesca Lixi (Italia), Silvia Luzi (Italia), Mario Luzzatto Fegiz (Italia), Porpora Marcasciano (Italia), Peter Marcias (Italia), Arūnas Matelis (Lituania), Gørild Mauseth (Norvegia), Diletta Allegra Mazza (Italia), Franco Montini (Italia), Tommaso Mottola (Italia), Dimitris Nakos (Grecia), Savina Neirotti (Italia), Daphné Patakia (Grecia), Piera Patat (Italia), Roberto Pisoni (Italia), Radu Potcoavă (Polonia), Marta Prus (Polonia), Nenad Puhovski (Croazia), Michel Reilhac (Paesi Bassi), Edyta Rembała (Polonia), Klementina Remeikaite (Lituania), Matteo Roiz (Italia), Balázs Simonyi (Ungheria), Rade Šerbedžija (Croazia), Elisabetta Sgarbi (Italia), Shantel (Germania), Miroslav Sikavica (Croazia), Hanna Slak (Slovenia), Maciej Sobieszczański (Polonia), Ada e Alexandru Solomon (Romania), Terje Toomistu (Estonia), Emilio Tucci (Italia), Mila Turajlić (Serbia), Reyan Tuvi (Turchia), Fredo Valla (Italia), Jelka Vince Pallua (Croazia), Božo Vrećo (Bosnia Erzegovina), Želimir Žilnik (Serbia)
i Premi del Trieste Film Festival
Premio Trieste assegnato dal pubblico al miglior lungometraggio in concorso (euro 5.000)
Premio Alpe Adria Cinema offerto dallo studio Boscolo&Partners assegnato dal pubblico al miglior documentario in concorso (euro 2.500)
Premio TSFF Corti assegnato dal pubblico al miglior cortometraggio in concorso (euro 2.000)
Premio Corso Salani assegnato dalla giuria (Maria Bonsanti, Francesco Giai Via, Cinzia Masotina) al miglior film della sezione Premio Corso Salani 2018 (euro 2.000)
Premio Eastern Star riconosce una personalità del mondo del cinema che con il suo lavoro ha contribuito, proprio come il Trieste Film Festival, a gettare un ponte tra l’Europa dell’est e dell’ovest
Premio Cinema Warrior riconosce l’ostinazione, il sacrificio e la follia di quei “guerrieri” siano essi singoli, associazioni o festival che lavorano - o meglio: combattono - dietro le quinte per il Cinema.
Premio CEI (Central European Initiative) al film che meglio interpreta la realtà contemporanea e il dialogo tra le culture (euro 3.000)
Premio SkyArte il canale SKY Arte HD premia uno dei film presentati nella sezione Art & Sound attraverso l’acquisizione e la diffusione di uno dei film della sezione
Last Stop Trieste
Premio HBO Europe di 1.000 euro assegnato da una giuria internazionale (Sabine BubeckPaaz, Ryan Harrington, Esther van Messel) al migliore dei documentari rough-cut di questa sezione
This is IT Nuova sezione e nuovo premio, dedicati ai lungometraggi di finzione in post produzione prodotti o co-prodotti in quota maggioritaria o minoritaria da società di produzione italiane. Il premio di 10.000 euro offerto da LASER FILM viene assegnato da una giuria internazionale (Rémi Bonhomme, Iole Maria Giannattasio, Gabor Greiner)
Premio SNCCI al Miglior Film della Critica 2017 Il SNCCI-Sindacato Nazionale Critici Cinematografici Italiani ha scelto il TSFF per annunciare il premio al miglior film della critica del 2017
Premio SNCCl al Miglior Film Italiano 2017
Il SNCCI-Sindacato Nazionale Critici Cinematografici Italiani ha scelto il TSFF per annunciare il premio al miglior film italiano della critica del 2017
Premio Cineuropa
una giuria di Cineuropa, il primo portale europeo di cinema e dell’audiovisivo in 4 lingue, assegna un premio al miglior lungometraggio in concorso
PREMIO GIURIA PAG - Progetto Area Giovani del Comune di Trieste
assegnato da una giuria di giovani tra i 18 e 35 anni, rappresentanti di associazioni giovanili, al miglior lungometraggio in concorso
Premio alla squadra vincitrice dell’Hackaton VR, il primo contest italiano per la produzione di video a 360°
SOSTENITORI 2017
Trieste Film Festival
Alessandra Arzon
Marzia Arzon
Tibisay Campanella
Mariagrazia Celli
Rita Cian
Graziella Ducoli
Emilio Fachin
Nicoletta Perco
Adelina Preziosi
Daniel Saiani
Giuseppe Stefanel
Sandra Tavagnacco
Alessandro Verità
Roberto Zampieri
Premio Osservatorio Balcani e Caucaso-Transeuropa al miglior documentario in concorso
In collaborazione con PAG - Progetto Area Giovani del Comune di Trieste Giuria: Axel Drioli, Michel Reilhac, Christian Tosolin
trieste film festival 29
www.tipografiamenini.it
sommario
Summary
Nelle sezioni del catalogo è stato rispettato l’ordine alfabetico per titolo. Fa eccezione “Rebels 68. East ‘n’ West Revolution” che rispetta un ordine cronologico.
Alphabetical order for the titles has been maintained in the various sections of the catalogue. The only exception is “Rebels 68. East ‘n’ West Revolution” which follows chronological order.
PRESENTAZIONE INTRODUCTION
CONCORSO LUNGOMETRAGGI
FEATURE FILM COMPETITION
I film
The Films
EVENTI SPECIALI SPECIAL EVENTS I film
The Films
CONCORSO DOCUMENTARI
DOCUMENTARY COMPETITION I film
The Films
CONCORSO CORTOMETRAGGI SHORT FILM COMPETITION I film
The Films
PROGRAMMA DI ANIMAZIONE ANIMATION PROGRAMME
I film
The films
Cinema per i piccoli
Cinema for Children
PREMIO CORSO SALANI 2018
CORSO SALANI AWARD 2018
I film
The Films
ART & SOUND
I film
The Films
Sky Arte HD presenta
Sky Arte HD presents
BORN IN TRIESTE
I film
The Films
REBELS 68. EAST ‘N’ WEST REVOLUTION
REBELS 68. EAST
Lo stile del 1968 (Ivan Velisavljević)
The Style of 1968 (Ivan Velisavljević)
I film
The Films
REBELS 68. WEST
Il cinema e il 68 (Mariuccia Ciotta, Roberto Silvestri)
Cinema and 1968 (Mariuccia Ciotta, Roberto Silvestri)
I film
The Films
MADE IN KURDISTAN
Made in Kurdistan (Giuseppe Gariazzo)
I film
The films
TRIESTE Film Festival EDUCATIONAL
Feature Launch 2018 Workshop 1 @ Eastweek
Progetti selezionati
Selected Projects
TSFF Goes Virtual
Masterclass – Michel Reilhac
Camera di Specchi SOUND
TRIESTE Film Festival INDUSTRY
When East Meets West Last Stop Trieste
This Is It
Trieste Film Festival PANEL 2018
L’IMMAGINE DEL FESTIVAL
THE FESTIVAL ARTWORK
EVENTI COLLATERALI
SIDEBAR EVENTS
Varcare la frontiera #5
Crossing the Frontier #5
REPERTORIO DEI PRODUTTORI E DISTRIBUTORI
ESISTENTI
INDEX OF PRESENT PRODUCERS AND DISTRIBUTORS
INDICE DEI FILM
INDEX OF
INDICE
INDEX
TriEsTE FiLm FEsTiVaL
TRIESTE FILM FESTIVAL YEAR 29
Quando si entra nel territorio del TSFF si entra in Europa: è da quasi 30 anni che ci occupiamo di una vastissima macro-regione, l’Europa centro orientale, che dal mar Baltico si estende a est, verso le repubbliche ex-sovietiche, fino alla Mitteleuropa, poi i Carpazi, Balcani, fino ai paesi che si affacciano sul Mediterraneo. Trieste è il cuore della Nuova Europa, ed è naturale che il progetto culturale del TSFF sia nato qui, e che del suo tessuto geopolitico e socio-culturale si sia sempre nutrito e ne sia diventato, nel tempo, un punto di riferimento fondamentale. Il TSFF ha un’identità solida, riconosciuta, formatasi in anni di lavoro, viaggi, incontri, attività intense di networking e scoperte. Ciò naturalmente non significa che ci si chiuda in formule collaudate e stantìe, anzi: la voglia di scoprire e promuovere nuovi autori, indagare cinematografie meno conosciute per valorizzarle e trovare punti di contatto inaspettati tra cineasti e linguaggi solo apparentemente diversi rimane per noi la motivazione principale, ciò che ci spinge a non rimanere fermi e a ringiovanire, paradossalmente, man mano che il tempo passa.
Nonostante il festival continui a cercare casa (non la Casa del Cinema: quella è una realtà ‘in progress’ conquistata a fatica, un’associazione di associazioni fortemente voluta anche da Alpe Adria Cinema che ne fa parte e in primis dalla sua fondatrice, Annamaria Percavassi, alla cui memoria è dedicata), e cioè un luogo che possa ospitare degnamente e definitivamente le proiezioni e tutte le attività parallele che arricchiscono la nostra manifestazione (mostre, laboratori, masterclass, incontri), si resiste, continuando a lavorare e a progettare, sperando che la città in cui il festival è nato ed è ancora radicato possa offrirci una soluzione permanente, sul modello di altre realtà culturali europee molto simili alla nostra.
Oggi il TSFF gode della partnership di numerose istituzioni culturali e cinematografiche ‘amiche’, che negli anni ci hanno sostenuto con convinzione, e il numero sempre crescente di collaborazioni (e collaboratori) nazionali e internazionali ci fa capire la posizione centrale sia del festival che del cinema di cui ci occupiamo, sempre meno marginale e periferico, e sempre più protagonista in Europa e nel mondo. Sono in atto, infatti, alcune
When you enter the territory of the TSFF you enter Europe: for almost 30 years, we have been exploring a very large macroregion comprising Central and Eastern Europe, which extends from the Baltic Sea eastwards towards the former Soviet republics, to Mitteleuropa and the Carpathians and Balkans and so round to the countries bordering the Mediterranean. Trieste is at the heart of New Europe, and it is natural that the cultural project of the TSFF should be born here, nourished by its geo-political and socio-cultural fabric and becoming, over time, a fundamental reference point.
The TSFF has a solid, recognised identity formed over years of work, travel, meetings, intense networking activities and discoveries. This of course does not mean that it confines itself to tried and tested formulas and outmoded frameworks, however: the desire to discover and promote new authors, investigate lesser-known cinemas to promote them and find unexpected points of contact between filmmakers and languages that are only seemingly different remains for us the main motivation, the aspect that drives us on ceaselessly and which, paradoxically, rejuvenates our festival with the passing of the years.
The festival is still looking for a home (not the Casa del Cinema, which is a situation ‘in progress’, one that has been hard-won.
This is an association of associations strongly desired by Alpe Adria Cinema, one of its members, and above all by its founder, Annamaria Percavassi, to whose memory it is dedicated), a place that can worthily and definitively host screenings and all the parallel activities that enrich our event (exhibitions, workshops, master classes, meetings). But despite this, we move forwards, continuing to work and to plan, in the hope that the city in which the festival was born and is still rooted be able to offer us a permanent solution on the model of other cultural events very similar to our own elsewhere in Europe.
Today the TSFF enjoys the partnership of numerous ‘friendly’ cultural and cinematographic institutions, which over the years have supported us with conviction, and the ever-increasing number of national and international collaborations (and collaborators) makes us aware of the fundamental position
trattative con altre rassegne, network di esercenti e organizzazioni indipendenti per una prossima circuitazione di una selezione delle opere che presentiamo per lo più in anteprima durante la 29ma edizione, e queste proposte non fanno altro che ribadire un interesse crescente verso le cinematografie di cui ci occupiamo, e che nonostante un ampio riconoscimento in altri paesi non sempre trovano una giusta collocazione nel mercato italiano. Mercato che, bisogna sottolineare, si è dimostrato più attento e curioso rispetto al passato: anche quest’anno è significativa la presenza di distributori italiani ad un panel, organizzato come nella scorsa edizione in collaborazione con il Sindacato Nazionale Critici Cinematografici Italiani, e ad altre iniziative industry a loro dedicate, per connettere ulteriormente il festival al settore market oltre a co-produrre assieme al Fondo FVG per l’Audiovisivo uno dei forum di co-produzioni internazionali migliori in Italia (e nell’area dell’Europa centro orientale), When East Meets West, sono parecchi gli eventi industry che abbiamo co-organizzato per continuare ad attirare in città sempre più professionisti dell’audiovisivo dall’Europa dell’Est e dell’Ovest e per catalizzare l’attenzione dei distributori italiani, che in pochi giorni hanno l’opportunità di accedere a varie iniziative, tra cui proiezioni di rough cut di lungometraggi documentari cui progetti siano stati presentati in precedenza a piattaforme simili a WEMW (Last Stop Trieste) e per la prima volta anche a sessioni di work in progress di fiction di progetti italiani, in collaborazione con il Milano Film Network (This is IT).
Una sezione ponte pensata per stabilire una diretta connessione con le giornate di WEMW è “Born in Trieste”, una vetrina dedicata al meglio dei work in progress presentati nelle ultime stagioni, a volte anteprime all’inizio di uno sfolgorante percorso festivaliero o anche già apprezzate nei principali appuntamenti dell’anno appena passato. Un’opera che senz’altro vogliamo ricordare è Wonderful Losers del lituano Arūnas Matelis, una co-produzione con l’Italia girata parzialmente nella nostra regione, che abbiamo voluto collocare anche in concorso, per valorizzare un documentario (e un autore) su cui senz’altro scommettiamo. Così come ha trovato una collocazione privilegiata l’anteprima dell’unico film
held by both the festival and the cinema we explore, which is increasingly less marginal and peripheral, and increasingly a protagonist in Europe and in the world. Negotiations are now under way with other festivals, networks of professionals and independent organisations for a forthcoming distribution of a selection of the works that we are presenting for the most part as premieres during the 29th edition; these proposals further stress an increasing interest in the national film industries we examine, and that despite the fact that wide recognition in other countries does not always lead to a fair position in the Italian market. And it should be stressed that the market has been more responsive and curious than in the past: this year the presence of Italian distributors in a panel is also significant—organised as per the last edition in collaboration with the Sindacato Nazionale Critici Cinematografici Italiani (Italian National Film Critics Union)— as are other industry initiatives dedicated to them, all of which further connect the festival to the market sector. In addition to co-producing When East Meets West, together with the Fondo FVG per l’Audiovisivo, one of the best international co-production forums in Italy (and in Central and Eastern Europe), there are several other industry events that we have co-organised to continue to attract more and more film professionals from Eastern and Western Europe to the city and to draw the attention of Italian distributors, who in a few days have the opportunity to access various initiatives, including screenings of rough cuts of documentary films, the projects for which were previously presented to platforms similar to WEMW (Last Stop Trieste) and for the first time also in feature film work in progress sessions of Italian projects, in collaboration with the Milano Film Network (This is IT).
A connecting section designed to establish a direct link with the WEMW days is “Born in Trieste”, a showcase dedicated to the best of the work in progress presented in recent seasons, and also to a number of premieres at the start of a brilliant festival tour, together with works already appreciated in the main events of the past year. A work that we certainly want to remember is Wonderful Losers by the Lithuanian Arūnas Matelis, a co-production with
Fabrizio Grosoli
Nicoletta Romeo
Direzione Artistica Trieste Film Festival
Artistic Direction
Trieste Film Festival
italiano selezionato nella scorsa edizione di “Last Stop Trieste”: Country for Old Men di Stefano Cravero e Pietro Jona. Fa parte infatti della cinquina di titoli partecipanti al Premio intitolato a Corso Salani, riservato come è ormai noto a film italiani ed inteso come incentivo alla distribuzione. Ci fa piacere del resto sottolineare come quest’anno (accanto a Karenina & I di Tommaso Mottola e Il cratere di Luca Bellino e Silvia Luzi, già apprezzati in festival internazionali) siano presentati in prima assoluta anche altri due titoli di grande libertà creativa come Uno sguardo alla terra di Peter Marcìas e L’uomo con la lanterna di Francesca Lixi. Ma veniamo al cuore del programma, quest’anno ospitato al consueto Teatro Miela e nella sala Generali del Politeama Rossetti, due luoghi in due aree contrastanti e complementari dell’anima ossimorica di questa città: da una parte il centro animato da altre sale cinematografiche, caffè, i luoghi di ritrovo giovanili e dall’altra il mare, il Porto vecchio, la calma apparente delle Rive. Nei tre concorsi internazionali dedicati ai lungometraggi, documentari e cortometraggi (arricchiti come sempre da eventi speciali e proiezioni fuori concorso), spiccano i lungometraggi di debutto di giovani artisti di cui siamo già impazienti di seguire le orme nel prossimo futuro (tra gli altri, Igor Bezinović, György Kristóf, Ivana Mladenović) e di giovani filmmaker con un’esperienza già consolidata alle spalle e reduci da recenti successi internazionali per quanto riguarda il documentario (Rok Biček, Marta Prus, Mila Turajlić), senza dimenticare nomi più affermati e “di casa” al TSFF (Sharunas Bartas, Sergej Loznica, Kornél Mundruczó, Helena Třeštíková, i rumeni Radu Jude e Alexandru Solomon). Mentre il Sindacato Critici (SNCCI) ha voluto riconoscere il talento di un giovane italo-americano, Jonas Carpignano con il suo A Ciambra premiato come miglior film italiano del 2017. E siamo lieti di ospitare a Trieste questa prestigiosa iniziativa per il secondo anno consecutivo.
In apertura il nuovo film dell’apolide Tony Gatlif, Djam, con la straordinaria giovane interprete Daphné Patakia, un road movie musicale e sensuale che vuole infrangere le frontiere geografiche e cinematografiche, un inno inebriante alla musica, alla giovinezza e agli esiliati alla ricerca di una patria. In chiusura un gradito ritorno, Elisabetta Sgarbi con il suo L’altrove più vicino, girato in Slovenia, un’autrice poliedrica che alle nostre terre ha dedicato spesso le sue opere con un linguaggio poetico e una sensibilità fuori dal comune.
Ma la vera novità di quest’anno è data da un anniversario molto speciale, quello dei cinquant’anni dal 1968, a cui il festival, per primo in Italia, dedica un omaggio che inizia già dall’artwork, che reinventa in chiave beat e psichedelica una fotografia di scena scattata nel 1962 dal fotografo Mario Magajna sul set di Senilità. “Rebels ’68. East ’n’ West Revolution”, questo il nome della re-
Italy partially shot in our region, which we also wanted to place in competition in order to promote a documentary (and a director) we believe worthy of attention. Just as a privileged position has been given to the premiere of the only Italian film selected in the last edition of “Last Stop Trieste”: Country for Old Men by Stefano Cravero and Pietro Jona. It is one of the five titles participating in the prize named after Corso Salani, which is reserved for Italian films and intended as an incentive for distribution. We are pleased to stress how this year (alongside Karenina & I by Tommaso Mottola and Il cratere by Luca Bellino and Silvia Luzi, already acclaimed in other international festivals) we are also offering the premieres of another two films marked by great creative freedom: Uno sguardo alla terra by Peter Marcias and L’uomo con la lanterna by Francesca Lixi.
Let us come now to the heart of the programme, this year hosted as usual at the Teatro Miela and in the Sala Generali of the Rossetti Theatre, two venues in two contrasting and complementary areas of this city’s oxymoronic soul: on one side, the centre enlivened by the presence of other cinemas, cafes and the meeting places of young people, and on the other the sea, the old port and the apparent calm of the Rive.
In the three international competitions dedicated to feature films, documentaries and short films (enriched as always by special events and out-of-competition screenings), films that stand out include the debut works of young directors whom we are already looking forward to following in the near future (among others, Igor Bezinović, György Kristóf and Ivana Mladenović) and of young filmmakers with an already established experience behind them and who have enjoyed recent international successes with their documentaries (Rok Biček, Marta Prus and Mila Turajlić), without forgetting the more established names who are “at home” at the TSFF (Sharunas Bartas, Sergej Loznica, Kornél Mundruczó, Helena Třeštíková, and the Romanian Radu Jude and Alexandru Solomon). The Sindacato Critici (SNCCI) has wished to recognise the talent of a young Italian-American, Jonas Carpignano with his A Ciambra awarded the prize of best Italian film of 2017. We are pleased to host this prestigious initiative for the second consecutive year in Trieste.
To open the event, there will be the new film by the stateless Tony Gatlif, Djam with the extraordinary young actress Daphné Patakia: a musical and sensual road movie that seeks to break through geographic and cinematographic borders with an inebriating paean to music, youth and exiles in search of a homeland. To close, there will be a welcome return in the shape of Elisabetta Sgarbi with her L’altrove più vicino filmed in Slovenia; she is a multifaceted director who often dedicates her work to our lands with a poetic language and sensibility that are out of the ordinary.
trospettiva curata da Mariuccia Ciotta, Roberto Silvestri e Ivan Velisavljević, la cui peculiarità sta nell’indagare quell’anno emblematico del secondo Novecento da una doppia prospettiva, quella dei cineasti dell’Europa occidentale (Antonioni, Bellocchio, Bertolucci, Garrel, Godard, Roeg) e dell’Europa orientale (Dezső, Makavejev, Němec, Pintilie, Žilnik), dove gli echi del Sessantotto hanno avuto altre ripercussioni e valenze differenti a livello politico e culturale. Si è cercato di rintracciare in autori e cinematografie distanti i punti di contatto, le assonanze tematiche e stilistiche, l’influenza dell’estetica e delle turbolenze sociali e culturali tipiche del Sessantotto, proprio per stabilire un dialogo tra le due Europe in un’epoca che sconvolse non solo la società ma anche il modo di fare e di pensare il cinema, che espresse una controcultura e una libertà, vagheggiata o celebrata, fino ad allora inimmaginabile. E oggi purtroppo rimessa in questione. Una selezione sicuramente parzialissima e soggettiva, affidata alla sensibilità e al pensiero critico dei curatori (messi peraltro a dura prova dall’esigenza di ridurre il numero dei titoli alle capacità del nostro palinsesto). Ma sarà curioso notare come il Maggio francese e la Swinging London ritrovino dei riflessi precisi nei movimenti studenteschi in Jugoslavia o nella Primavera di Praga, non tanto in termini direttamente storico-sociali quanto nella radicalità di un approccio linguistico, nell’invenzione condivisa di un “nuovo cinema” che si è dimostrata poi imprescindibile per tutti i più importanti cineasti a venire.
Non a caso abbiamo deciso di aprire simbolicamente il festival al Teatro Miela con una serata “alternativa” (si sarebbe detto in quegli anni) in cui ricordiamo e celebriamo uno dei tanti incontri possibili nel ’68 tra geniali artisti, ancora oggi incredibilmente in attività, Godard e i Rolling Stones (ma Mick Jagger lo ritroviamo anche nel cult Performance e un’icona come Nico è la musa di Philippe Garrel). Quindi il cinema “moderno” che incontra il Rock, due miti fondanti della nostra cultura incarnati dai loro padri nobili.
Ma saranno decisamente Rock in generale le proposte del primo weekend al Miela, anche grazie ai titoli della sezione “Art&Sound”, ancora una volta in collaborazione con SkyArteHD. Da non perdere l’anteprima integrale di Hansa Studios: da Bowie agli U2 –
La musica ai tempi del Muro l’ultima produzione internazionale del Canale e Soviet Hippies di Terje Toomistu che ci ricordano – anche attraverso straordinari materiali d’archivio – come “al di là del muro” proliferasse clandestinamente la cultura musicale giovanile e underground con le sue Woodstock improvvisate e ovviamente osteggiate dai regimi al potere.
Una giornata davvero speciale è quella di mercoledì 24 che abbiamo voluto intitolare “Made in Kurdistan”. La comunità curda, divisa e frammentata all’interno dei confini di più paesi: Turchia,
But the real novelty of this year arises from a very special anniversary, the fifty years since 1968, to which the festival–the first in Italy–is dedicating a tribute that starts with a display of the photographs taken in 1962 by photographer Mario Magajna on the set of Senilità, which reinvent the medium in a beat key and psychedelic stance. “Rebels ’68. East ‘n’ West Revolution” is the name of the retrospective curated by Mariuccia Ciotta, Roberto Silvestri and Ivan Velisavljević, which investigates that emblematic year in the late twentieth century from a double perspective, that of Western European filmmakers (Antonioni, Bellocchio, Bertolucci, Garrel, Godard, Roeg) and of Eastern European ones (Dezső, Makavejev, Němec, Pintilie, Žilnik), where the echoes of Sixty-eight had other repercussions and different values at a political and cultural level. We have sought to trace the points of contact, the thematic and stylistic assonances, the influence of aesthetics and the social and cultural turmoil typical of 1968 between very different directors and film industries in order to establish a dialogue between the two Europes in an era that overwhelmed not only society but also the way of making and thinking about cinema, which expressed a counterculture and a freedom, cherished or celebrated, that had been unimaginable until then. And which is today unfortunately once again in doubt. This is, of course, certainly a very partial and subjective selection, entrusted to the sensitivity and critical thinking of the curators (who, moreover, have been severely tested by the need to reduce the number of films to the capacity of our programme). But it will be curious to note how the French May and the Swinging London find a clear echo in the student movements in Yugoslavia or in the Prague Spring, not so much in directly historical and social terms as in the radical nature of their stylistic approach, in the shared invention of a “new cinema” that showed itself to be essential for all the most important filmmakers who were to emerge. It is no coincidence that we decided to open the festival symbolically at the Teatro Miela with an “alternative” evening (as we would have put it in those years) in which we remember and celebrate one of the many possible encounters in ’68 between brilliant artists who incredibly are still active today: Godard and the Rolling Stones (and we find Mick Jagger also in the cult film Performance and an icon like Nico is the muse of Philippe Garrel).
So “modern” cinema meets Rock, two founding myths of our culture embodied by their noble fathers.
But the offerings of the first weekend at the Miela will definitely be Rock in general, thanks to the films in the “Art&Sound” section, once again in collaboration with SkyArteHD. Do not miss the full premiere of Hansa Studios: by the Wall 1976-90 the latest international production by the broadcaster and Terje Toomistu’s Soviet Hippies, which reminds us—with the
Iran, Iraq, Siria, mentre da sempre rivendica la creazione di una nazione indipendente, si è trovata negli ultimi anni al centro dell’attenzione internazionale soprattutto per il ruolo di primo piano svolto dai propri combattenti (tra cui, come è noto, molti reparti femminili) nelle guerre contro l’ISIS in Iraq e in Siria e per la conseguente autoproclamazione nel 2017 di uno stato autonomo nel Kurdistan iracheno. Ma l’attenzione non è stata in questi anni soltanto politica e mediatica. La produzione di film e soprattutto documentari sul tema è vastissima, che provenga dagli autori di una diaspora storica (a cominciare idealmente dal grande Yılmaz Güney) o che sia l’espressione di una fascinazione da parte di intellettuali occidentali (vedi il caso di Bernard-Henri Lévy e del suo dittico sulla battaglia di Mosul). Noi abbiamo scelto – tra i tanti possibili – tre straordinari documentari che non sono solo sulla guerra, ma sulla possibile identità di un popolo negato e una curiosa docu-fiction militante di un grande cineasta come Ghobadi. Attraverso questi film – e un incontro con registi, artisti e giornalisti – andremo alla ricerca del cinema curdo di oggi. E di quello della nazione di domani. Un’altra novità è rappresentata dalla partnership con Midpoint - il programma per lo sviluppo e la scrittura di progetti cinematografici dedicato ai professionisti emergenti con sede presso la Famu di Praga - che di concerto con When East Meets West ha trasformato il progetto di sceneggiatura “Eastweek” nel primo appuntamento di “Midpoint Feature Workshop”, il principale progetto annuale dedicato ai nuovi talenti nel campo cinematografico dell’Europa centro orientale, in collaborazione con il festival internazionale Karlovy Vary e il Film Center Serbia. Quest’evoluzione è stata salutata da tutti i partner coinvolti come il coronamento e allo stesso tempo la felice continuità del quinquennale progetto di sceneggiatura già messo in atto dal Trieste Film Festival negli anni passati, e che ora vede un innalzamento della barra dal punto di vista professionale e qualitativo. Nella sua nuova veste, il primo step triestino del Feature Launch Workshop si rivolge a team creativi composti da sceneggiatori, registi e produttori durante la fase dello sviluppo del loro primo o secondo lungometraggio. I team potranno far parte di un workshop annuale che avrà inizio a Trieste e si concluderà nel 2019 nella sessione di follow up durante il mercato di co-produzione When East Meets West, durante il quale potranno confrontarsi e presentare loro progetti a una platea di potenziali produttori e partner artistici. Tra vari eventi collaterali di cui siamo orgogliosi sostenitori c’è il nuovo progetto dedicato alla realtà virtuale e al video immersivo a 360°, “TSFF goes Virtual”, in collaborazione con il PAG-Progetto Area Giovani del Comune di Trieste, già avviato lo scorso gennaio e ampliatosi nell’arco di questi ultimi mesi, con una serie di workshop tenuti dal nostro collaboratore ed esperto Antonio Giaco-
help of some extraordinary archive materials—that “beyond the Wall”, underground and a youth music culture proliferated clandestinely, with its own improvised Woodstock obviously opposed by the regimes.
A very special day will be Wednesday, 24 January, which we have dubbed “Made in Kurdistan”. The Kurdish community, divided and fragmented within the borders of several countries—Turkey, Iran, Iraq, Syria—has always sought the creation of an independent nation and has in recent years been at the centre of international attention, above all for the major role played by its fighters (including many female units) in the wars against ISIS in Iraq and Syria and for the subsequent self-proclamation in 2017 of an autonomous state in Iraqi Kurdistan. But the attention of these years has not only been political and media-based. The production of films and especially documentaries on the subject is vast, whether made by directors who are part of the historical diaspora (ideally starting with the great Yılmaz Güney) or as the expression of a fascination by Western intellectuals (see the case of Bernard-Henri Lévy and his diptych on the battle of Mosul). We have chosen— from the many possible candidates—three extraordinary documentaries that are not only about war, but also about the possible identity of a denied people, and a curious militant docu-fiction by a great filmmaker, Ghobadi. Through these films, and a meeting with directors, artists and journalists, we will go in search of today’s Kurdish cinema. And that of the nation of tomorrow.
Another new feature is the partnership with Midpoint—the programme for the development and writing of film projects dedicated to emerging professionals and based at the Famu in Prague—which, together with When East Meets West, has transformed the “Eastweek” screenplay project in the first appointment of “Midpoint Feature Workshop”. This is now the main annual project dedicated to new talents in the film industry of Central and Eastern Europe, held in collaboration with the international Karlovy Vary festival and the Film Center Serbia. This development has been greeted by all the partners involved as the crowning achievement but also happy continuity of the fiveyear screenplay project already implemented by the Trieste Film Festival in past years, and which now sees a raising of the bar in terms of professional and qualitative features. In its new role, the first phase of the Feature Launch Workshop in Trieste is addressed to creative teams of screenwriters, directors and producers on the development phase of their first or second feature-length films. The teams can be part of an annual workshop that will start in Trieste and will end in 2019 at the follow-up session during the When East Meets West co-production market, during which they will be able to share and present their projects to an audience of potential producers and artistic partners.
min, il quale ha coordinato l’Hackaton contest, la prima maratona in Italia per la produzione video a 360°, e la ‘VR Day’ dedicata al video immersivo attraverso una serie di eventi il cui focus riguarda l’aspetto della discussione e ricerca di un comune linguaggio di espressione visiva. Professionisti del settore, creativi o semplici curiosi possono esplorare nuove strade creative ed espressive approfondendo e individuando gli strumenti di narrazione utilizzati in questo nuovo media mediante panel, workshop e una masterclass speciale tenuta dal ‘transmedia author’ Michel Reilhac. Continua la collaborazione con l’associazione culturale Cizerouno, ideatrice e curatrice dell’ampio progetto “Varcare la frontiera”, giunto alla sua quinta edizione, con cui il festival percorre un pezzetto di strada, ospitandone una parte del programma multidisciplinare dal titolo Corpi Ed è attorno al corpo che quest’anno s’impernia la ricerca di quest’edizione, corpo-simbolo di identità plurali e contraddittorie, che reclamano diritti e luoghi per esprimere la propria differenza e soprattutto la propria dignità, e corpo-mitologico, archetipo di antiche figure misteriose abitate da anime differenti e compresenti, cui echi giungono fino a noi. In breve, il Trieste Film Festival continua a coniugare la ricerca della memoria e del passato con le scoperte del presente e piccoli assaggi delle tecnologie del futuro, e lo fa in maniera partecipativa e anti-celebrativa, nella speranza di lasciare tracce feconde alle future generazioni di spettatori e operatori culturali. Ci auguriamo che il nostro festival porti fortuna a tutti coloro che qui hanno presentato un progetto o un film, e che regali amore per il cinema e il desiderio di rivedersi nel 2019 a tutti coloro che vi hanno partecipato, sia in qualità di ospiti che di spettatori. Buon Trieste Film Festival a tutti!
Among the various side events we proudly support, there is the new project dedicated to virtual reality and 360° immersive video called “TSFF goes Virtual”, organised in collaboration with the City of Trieste’s PAG-Progetto Area Giovani. This started last January and has expanded over the last few months, with a series of workshops held by our collaborator and expert Antonio Giacomin, who has coordinated the Hackaton contest, the first marathon in Italy for 360° video production, and the ‘VR Day’ dedicated to immersive video with a series of events focusing on the discussion and search for a common language of visual expression. Professionals in the sector, creative figures or simply curious individuals can explore new creative and expressive formats, investigating and identifying the narrative tools used in this new medium via a series of panels, workshops and a special masterclass held by the ‘transmedia author’ Michel Reilhac. The festival is also happy to continue its collaboration with the cultural association Cizerouno in the wide and articulated project “Crossing the Frontier”, now at its fifth edition, including its multidisciplinary programme Corpi (Bodies). This year’s core is focused on bodies: the body as a symbol of plural and contradictory identities, claiming for their rights and for places to express their differences and most of all their dignity. And also the body as a myth, an archetype of ancient and mysterious creatures inhabited by different and fellow souls, whose echoes reach us today.
In short, the Trieste Film Festival continues to combine the exploration of memory and the past with the discoveries of the present and small tastings of the technologies of the future, and it does so in a participatory and anti-celebratory manner, hoping to leave fruitful traces for future generations of viewers and cultural operators. We hope that our festival will bring good luck to all those who have presented a project or a film here, and that it stimulates a passion for the cinema and the desire to meet again in 2019 in all those who are taking part, both as guests and spectators. We wish an enjoyable Trieste Film Festival to everyone!
ariTmiJa
Aritmia / Arrhytmia
Boris ChLEBNiKoV
Russia - Finlandia - Germania / Russia - Finland - Germany 2017, HD, col., 116’ v.o. russa / Russian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Natalija Meščaninova, Boris Chlebnikov.
Fotografia / Photography: Ališer ChamidChodžaev.
Montaggio / Editing: Ivan Lebedev Julia Batalova. Suono / Sound: Janne Laine.
Scenografia / Art Director: Ol’ga Chlebnokova. Costumi / Costume Designer: Alana Snetkova.
Produzione / Produced by: Mars Media Entertainment, CTB Film Company. Coproduzione / Co-produced by: Don Films, Post Control, Color of May. Con il sostegno di / Supported by: Ministry of Culture of the Russian Federation, Finnish Film Foundation, Film und Medienstiftung NRW, YLE, Eurimages. Distribuzione internazionale / World Sales: Indie Sales Company.
Oleg è un giovane e bravo paramedico. Sua moglie Katja lavora come infermiera nel pronto soccorso dell’ospedale: pur amando Oleg è stufa del fatto che lui si occupi di più dei suoi pazienti che di lei e gli comunica che vuole il divorzio. Il nuovo responsabile del dipartimento in cui lavora Oleg è un freddo manager, la cui unica preoccupazione è quella di seguire le nuove e severe regole. Oleg se ne frega delle regole, lui deve salvare delle vite: questo atteggiamento gli fa avere dei guai con il nuovo capo. La crisi sul lavoro coincide con quella personale. Presi dai loro pazienti, da pause di lavoro ad alto tasso alcolico e da un sistema sanitario in continua evoluzione, Oleg e Katja devono trovare la forza di rimanere assieme.
Aritmija è stato presentato in concorso all’ultimo festival di Karlovy Vary, dove Aleksandr Jacenko ha vinto il premio come Miglior attore.
“Sono interessato alle persone che vogliono capire e fare qualcosa di importante non per il mondo, non per la televisione del loro paese ma per la loro professione, per la loro vita. E nonostante le difficoltà, e per quanto complicato e irrisolvibile sia il problema, alla fine ce la fanno a venirne a capo. Per me questa storia parla di una vita piena di problemi e di un tipo di lavoro molto duro. La storia di un essere umano che, contrariamente a quanto ci si potrebbe aspettare, non fallisce ma anzi continua a vivere la propria vita. E questo è il motivo principale per cui è stato importante per me realizzare questo film.” (B. Chlebnikov)
Oleg is a young gifted paramedic. His wife Katya works as a nurse at the hospital emergency department. She loves Oleg, but is fed up with him caring more about patients than her. She tells him she wants a divorce. The new head of Oleg’s department is a cold-hearted manager who’s got new strict rules to implement. Oleg couldn’t care less about the rules – he’s got lives to save; his attitude gets him in trouble with the new boss. The crisis at work coincides with the personal life crisis. Caught up between their patients, alcohol-fueled breaks, and an evolving health care system, Oleg and Katya have to find the binding force that will keep them together.
Arrythmia premiered in competition at the latest Karlovy Vary International Film Festival, where Alexander Yatsenko was awarded as Best Actor.
“I am interested in a person who is keen to understand and make something important not worldwide, not on country’s television screens – but in their own profession, in their own life. And whatever difficulties they could be having, and whatever horrible and unsolvable a problem would seem, eventually everything gets resolved ... For me this story is about a very difficult life and hard work.
The story of a human being not falling down as opposed to what one might expect but keeping on living their own life. And this is the main reason why it was important for me to make this film.” (B. Khlebnikov)
Boris Chlebnikov È nato nel 1972 a Mosca, dove ha studiato cinema allo VGIK.
Boris Khlebnikov was born in 1972 in Moscow, where he studied film at VGIK.
filmografia scelta / selected filmography
2003 Koktebel (diretto con / directed with Aleksej Popogrebskij) 2006 Svobodnoe plavanie (Free Floating)
Produzione / Produced by: Hai-Hui Entertainment. Coproduzione / Co-produced by: Libra Film Productions. Con il sostegno di / Supported by: Romanian CNC. Distribuzione internazionale / World Sales: Transilvania Film.
“Dopo un tragico incidente durante una diretta televisiva, in cui un cameraman perde la vita, il giornalista Alex Mazilu viene incaricato del difficile compito di mettere insieme un tributo video su Andrei Paraschiv, il collega morto. L’unica persona in grado di aiutarlo è la figlia quindicenne dell’uomo, un’adolescente inquieta che però ha dei problemi irrisolti con la figura del padre ... Nonostante il titolo, l’argomento principale del film non è la televisione. La televisione funziona da sfondo, il titolo si riferisce piuttosto a quello che un po’ alla volta veniamo a sapere del personaggio. Il film segue invece la relazione che si viene a creare tra il giornalista, che ha bisogno di informazioni, e la figlia che non vuole parlare. Tocca temi come l’essere genitori e la figura paterna, storie inventate e ciò che invece si nasconde dietro di esse. Il film inizia in una Bucarest impazzita per il Natale e si sposta rapidamente verso una zona costiera quasi disabitata, la città natale del cameraman. Le spiagge vuote, gli alberghi estivi deserti e le tenui tracce del Natale che ogni tanto vengono fuori danno il tono visivo del film. La macchina da presa è sempre a mano e sta sempre sui personaggi, come se cercasse di entrare nella loro mente ...
Il film non dà giudizi ma pone domande, le stesse che dovrebbero rimanere alla fine nella testa dello spettatore. Un estraneo cosa potrebbe capire di noi una volta che non ci siamo più ? Oppure, come dice una delle frasi del film, “Se morissi domani, cosa direbbero di me alla televisione?” (I. Rugină)
“After a tragic accident during a live broadcast, which leads to the death of his cameraman, reporter Alex Mazilu is given the difficult task of finding information for compiling a short tribute video about his dead 50-year-old colleague, Andrei Paraschiv. The only person who is able to help is Andrei’s 15-year-old daughter, a troubled teenager who has her own unsolved issues with her father ...
Despite the title, the film’s main focus is not on television. The television works as a background, the breaking news relates to the character’s revelation throughout the film. The main relationship the film follows is the one between the reporter who needs information and the daughter who won’t share it. It touches themes like parenthood and father figures, fabricated stories and the deep layers that hide below the surface. The film starts in a Christmas-crazed Bucharest and quickly shifts towards a deserted seacoast environment, the cameraman’s hometown. The empty beaches, the deserted summer resorts and the dim traces of Christmas that pop up from time to time give the visual tone of the film. The camera is always handheld and it always comes close to the characters, as if trying to get inside their minds ... The film does not give verdicts, it asks questions that should linger in the viewer’s mind at the end of it. What would a stranger make out of what’s left behind when we’re gone? Or, as one of the lines in the film states, “If I died tomorrow, what would they say on TV about me?” (I. Rugină)
in film
Iulia Rugină
Nata nel 1982 a Bucarest, è diplomata in regia all’UNATC della stessa città.
Iulia Rugină was born in 1982 in Bucharest, where she gained her degree
direction at UNATC.
Bună Cristina! Pa Cristina! cm / sf 2010 Captivi de Craciun cm / sf 2013 Love Building 2014 Alt Love Building
Produzione / Produced by: Artalb Film, Graal Films. Con il sostegno di / Supported by: Albanian National Center of Cinematography, Greek Film Center, Eurimages, Albanian Ministry of Culture, Albanian Public Television, Municipality of Tirana. Distribuzione internazionale / World Sales: Wide – Eye on Films.
Leta si trova in difficoltà economiche e da mesi non paga più l’affitto di casa. Quando la donna e il suo bambino di un anno vengono buttati fuori di casa, si trasferiscono nell’appartamento di Sophie, un’anziana signora ormai immobile a letto, a cui Leta deve fare da badante. Per difendere il lavoro e la nuova casa, Leta deve mantenere in vita a tutti i costi la vecchia signora. Daybreak è stato presentato in anteprima all’ultimo Sarajevo Film Festival, dove l’attrice protagonista, Ornella Kapetani, ha vinto il premio come Migliore attrice.
“Daybreak è un dramma che si svolge in un appartamento di Tirana, ma potrebbe accadere dovunque. Le relazioni umane e la loro complessità mi hanno sempre affascinato. La storia coinvolge due personaggi femminili e il fulcro è proprio la fragile relazione fra la donna giovane e quella anziana, che oscilla fra empatia e problemi pratici. Una delle sfide più importanti per me è quella di mantenere l’equilibrio fra questi due aspetti opposti della loro relazione … Il modo in cui i personaggi interagiscono con lo spazio circostante è uno degli aspetti visivi più importanti. Di solito vengono soprattutto ripresi in interni (stanze, bagni, appartamenti, banche affollate, dietro le pareti): questo permette alla macchina da presa di riprendere più da vicino i personaggi, di insinuarsi progressivamente nella loro condizione psicologica e nell’evoluzione del loro rapporto … per quanto riguarda il tono e lo stile, il mio obiettivo è stato quello di mantenere l’equilibrio fra il visto e il non-visto, mantenendo comunque un approccio realistico.” (G. Koçi)
Leta is in a difficult economic situation and has not been able to pay the rent for several months. When she and her one-year-old son are thrown out of their apartment, they move in with Sophie, an old, immobile woman whose daughter has just employed Leta as a caretaker. In order to keep her job and their new roof, Leta has to keep Sophie alive at any cost.
Daybreak premiered at the latest Sarajevo Film Festival, where the main protagonist, Ornella Kapetani, won the Best Actress award.
“Daybreak is an intimate drama that takes place in an apartment, in Tirana’s urban context, but it could take place everywhere. Human relations and their deep complexity have always fascinated me. The story relies on two female characters. Its pivot is the very fragile relationship between the young and the old woman swinging between empathy and pragmatic aims. One of the most important challenges for me is to keep a subtle balance between two opposite aspects of their relationship: humanity and pure pragmatic interests … The way in which characters deal with space is one of the most important visual components. They are set mostly in indoor locations (small rooms, bathrooms, apartments, crowded bank halls, behind walls) which allow the camera to get closer to the characters, to penetrate progressively into their psychological condition and the development of their relationship … In terms of tone and style, I aim at balancing what we see and what we don’t see, whilst adopting a realistic approach.” (G. Koçi)
Gentian Koçi
È nato nel 1979 a Tirana. Daybreak è il suo primo lungometraggio di fiction. Il suo corto Per ters aťcast (Jinx in a Jiffy, 2009) era nella selezione “Eastweek Showreel” della 21ma edizione del Trieste Film Festival. Gentian Koçi was born in 1979 in Tirana. Daybreak is his first feature. His short Per ters aťcast (Jinx in a Jiffy) was selected in 2009 in the “Eastweek Showreel” section of the Trieste Film Festival.
filmografia scelta / selected filmography
2008 Antenna cm / sf 2009 Per ters aťcast (Jinx in a Jiffy) cm / sf 2012 S’eshte lavazh (Not a Carwash) doc. 2014 Àjáso, une philo-performance doc. 2017 Dita zë fill (Daybreak); Premi / Awards: Sarajevo FF - Miglior attrice / Best Actress
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
FrosT
Gelo
Lituania – Francia – Polonia – Ucraina / Lithuania – France – Poland - Ukraine 2017, HD, col., 130’ v.o. lituana - inglese - russa – ucraina / Lithuanian - English - Russian - Ukrainian o.v.
Aline Huber, Sigitas Motoras, Nicolas D’Halluin, Benoit
Gargonne, Jean-Guy Veran. Scenografia / Art Director: Oleg Dorychenko.
Interpreti / Cast: Mantas Janciauskas, Lyja Maknaviciute, Andrzej Chyra, Vanessa Paradis, Boris Abramov.
Produzione / Produced by: Studija Kinema, KinoElektron, Insight Media/Tato Film, Donten & Lacroix Films, KNM.
Coproduzione / Co-produced by: Reborn Production, (in associazione con / in association with) Arte Cofinova. Con il sostegno di / Supported by: Lithuanian Film Center, The Ukrainian State Film Agency, Ministry of National Defense of the Republic of Lithuania, Lithuanian National Radio and Television Angoa, Polish Film Institute.
Distribuzione internazionale / World Sales: Luxbox.
sharUNas BarTas
Rokas e Inga, due giovani lituani, decidono di offrirsi volontari per portare un furgone di aiuti umanitari da Vilnius in Ucraina. Nel corso del viaggio però le cose cambiano e si ritrovano abbandonati a loro stessi: attraversano così le vaste terre innevate della regione del Donbass in cerca di un rifugio e di qualcuno che li aiuti, finendo per incontrare solo persone distrutte dalla guerra. Man mano che si avvicinano al fronte, incuranti del pericolo, si rendono conto di essere sempre più presi l’uno dall’altra. E iniziano a comprendere cosa significhi vivere in tempo di guerra. Frost è stato presentato in anteprima alla scorsa edizione della “Quinzaine des Réalisateurs” a Cannes.
“Un po’ di tempo fa ho capito che posso fare film solamente su ciò che conosco bene, su ciò che ho vissuto. Frost è un film sulla guerra, sulla lotta per l’indipendenza. Il film si svolge durante la guerra, anche se quasi non si vedono azioni militari … Durante tutta la mia infanzia ho sentito i racconti di mio nonno sulla lotta partigiana lituana: alla fine della Seconda guerra mondiale, buona parte dell’esercito lituano si ritirò nei boschi e iniziò la resistenza contro l’occupazione sovietica … Già da bambino sapevo che bisognava lottare per la libertà, che la libertà non è qualcosa di scontato. Sapevo che un giorno avrei voluto parlare di questo, avrei voluto farne un film. Solo che non sapevo come … dopo quattro anni che l’Ucraina stava combattendo per la propria sovranità e indipendenza, mi sono reso conto che sarei stato capace di raccontare una storia ricorrente attraverso le voci di quelle persone che stanno ancora combattendo per la loro libertà...” (S. Bartas)
Rokas and Inga, a couple of young Lithuanians, volunteer to drive a cargo van of humanitarian aid to Ukraine. When plans change and they find themselves left to their own devices, they cross the vast snowy lands of the Donbass region in search of allies and shelter, drifting into the lives of those affected by the war. They approach the frontline in spite of the danger, all the while growing closer to each other as they begin to understand life during wartime. Frost premiered at the latest Director’s Fortnight in Cannes.
“Long ago I realized that I can only make films about what I know intimately, that which I’ve lived through. Frost is a film about war – about a fight for independence. The film takes place in the war, yet military action is almost absent from it ... During my entire childhood I heard stories from my grandfather about the Lithuanian partisan struggle - at the end of the Second World War, a large part of the Lithuanian Army retreated into the woods and began a decade-long armed resistance to the Soviet occupation ... Already as a child, I realized that one needs to fight for freedom, that freedom is not given. I knew that one day I will want to talk about it, to make a film out of it. Only I didn’t know how ... after the fourth year that Ukrainians were fighting for their sovereignty and independence, realised that I will only be able to tell that recurring story through the voices of those people who are still struggling for their independence and freedom...” (S. Bartas)
Sharunas Bartas Nato nel 1964 a Siauliau, ora Lituania, è uno fra i più importanti registi lituani ed europei. Nel 1989 ha fondato Studija Kinema, la prima casa di produzione cinematografica indipendente lituana. A lui il Trieste FF ha dedicato un omaggio nel 1997.
Sharunas Bartas was born in 1964 in Siauliau, now Lithuania. In 1989, he founded Studija Kinema, the first independent studio in Lithuania. The Trieste FF dedicated to him a tribute in 1997.
filmografia scelta / selected filmography 1990 Praejusios dienos atminimui (In the Memory of a Day Gone by) doc. 1991 Trys dienos Premi / Awards: Berlinale – Fipresci Prize / Premio Fipresci 1995 Koridorius 1996 Few of Us (Lontano da Dio e dagli uomini) 1997 The House (id.) 2000 Freedom 2005 Seven Invisible Men 2010 Eastern Drift 2015 Peace To Us In Our Dreams 2017 Frost
Musica / Music: Hrvoje Nikšić. Suono / Sound: Martin Semenčić, Matija Santro.
Interpreti / Cast: Ante Zlatko Stolica, Mladen Vujčić, Željko Beljan, Iva Ivšic, Marko Aksentijević, Martina Burulic, Josip Visković.
Produzione / Produced by: Studio Pangolin. Con il sostegno di / Supported by: Croatian Audiovisual Centre. Distribuzione internazionale / World Sales: Bonobostudio.
Stola sta trascorrendo la solita estate passando da una festa all’altra a Motovun in Istria, intorpidito e annebbiato. Un giorno incontra Roko, un vecchio amico che persuade Stola e altri a unirsi a lui in un viaggio su un bus, all’alba, per andare in un monastero nella campagna. Secondo Roko, il monastero potrebbe avere antichi e magnifici affreschi alle pareti. Il bus ha un guasto, ma alcuni di loro decidono di continuare a piedi, anche senza sapere bene dove andare e del tutto impreparati a una lunga camminata nella calura estiva. La loro breve gita si trasformerà ben presto in un viaggio allegorico verso l’ignoto.
Opera prima, presentato in diversi festival internazionali tra cui Rotterdam, Kratki izlet ha vinto l’Arena d’oro come Miglior film all’ultimo festival del cinema croato di Pola.
Stola has been spending his summer in the sweltering haze of festival parties in Motuvun, Istria. But one day, he runs into Roko, an old acquaintance, who becomes part of the group, persuading Stola and some others to join him on an early morning bus journey to a monastery in the countryside that he believes has some spectacular old frescoes adorning its walls. The bus breaks down, but several of the group decide to continue on foot, despite not really knowing the way and being unprepared for a long hike in the baking heat. Their brief excursion turns into an allegorical journey into the unknown. Feature debut, Kratki izlet was selected in several international film festivals, among others Rotterdam. The film gained the Grand Golden Arena for Best Film at the latest Pula Film Festival.
Igor Bezinović
È nato nel 1983 a Fiume, ora Croazia. Si è diplomato in regia cinematografica e televisiva all’Accademia di Zagabria.
Igor Bezinović was born in 1983 in Rijeka, now Croatia. He graduated in Film and TV Directing from the Zagreb Academy of Dramatic Art.
Sceneggiatura / Screenplay: György Kristóf, Eszter Horváth, Gábor Papp.
Fotografia / Photography: Gergely Pohárnok.
Montaggio / Editing: Adam Brothánek.
Musica / Music: Miroslav Tóth.
Suono / Sound: Jan Richtr.
Scenografia / Art Director: Branislav Mihálik.
Interpreti / Cast:
Sándor Terhes, Éva Bandor, Judit Bárdos, Ieva Norvele Kristóf, Guna Zarina, Viktor Nemets, Ieva Aleksandrova-Eklone, Tibor Gáspár.
Produzione / Produced by: sentimentalfilm.
Coproduzione / Co-produced by: KMH Film, endorfilm, Mirage Film, Film Angels Productions, Punkchart Films, RTVS, FAMU. Con il sostegno di / Supported by: Slovak Audiovisual Fund, Hungarian National Film Fund, Cinematography Fund Czech Republic, Film Riga. Distribuzione internazionale / World Sales: Cercamon.
Ágoston, un padre di famiglia sulla cinquantina, inizia un viaggio attraverso l’Europa dell’Est con la speranza di trovare un lavoro e realizzare il suo sogno: prendere finalmente un pesce enorme. Spinto dal vento e dalla salsedine arriva nei Paesi Baltici. Durante il viaggio Ágoston avrà una serie di incontri
bizzarri e inattesi, conoscerà una donna solitaria e amichevole, un signore russo con intenzioni ostili e un triste coniglio impagliato senza orecchie. Opera prima, Out è stato presentato all’ultimo festival di Cannes, nella sezione “Un Certain Regard”.
“L’origine del personaggio, un signore ungherese che vive in Slovacchia, viene dalla mia storia personale. Inoltre, mentre stavo scrivendo il film, vivevo a Riga … Ágoston, il protagonista del film, a 50 anni perde il lavoro quindi diventa inutile, ‘non idoneo’ per la società... in poche parole, diventa un emarginato. Con il passare del tempo però vede la sua situazione come un’opportunità per fare nuove esperienze di vita ... Ho visto spesso accadere queste situazioni tragiche nella vita di molte persone, ma la maggior parte di esse non è stata pronta ad affrontarle in modo così radicale … La generazione dei miei genitori si è trovata in una situazione così difficile: erano ormai in età adulta quando il regime comunista è crollato e si sono ritrovati alle prese con un nuovo ‘sistema’ … Tuttavia l’aspetto sociale della storia non è prioritario nel mio film; lo sono invece gli incontri che il protagonista fa nel suo viaggio, costruiti partendo dalle mie opinioni sulla società ai giorni nostri, specialmente nei paesi ex-socialisti dell’Europa centro orientale.” (G. Kristóf)
Ágoston, a family man in his fifties, sets on to wander through Eastern Europe with the hope of finding a job and fulfilling his dream of catching a big fish. He ends up in the Baltics,with nothing but sea-salt and wind behind his collar. His journey pulls him deeper and deeper into a swell of bizarre events to finally meet a friendly woman, a Russian acquaintance with unfriendly intensions and a sad earless stufed rabbit. First feature film, Out was selected at the latest Cannes Film Festival, in the “Un Certain Regard” section.
“The origin of the character, a Hungarian man from Slovakia, is the same as mine. During writing process of the story I was living in Riga … Ágoston, the protagonist of Out, lost his job in his fifties, therefore becoming uncomfortably useless and inapt for society... a social outcast. But over time he sees his situation as an opportunity to get new experiences in his life. I have seen this tragedy in lives of many people, but most of them are not ready to take such radical step
... The generation of my parents are in a particular difficult situation: they were in adult age when the communist regime fell down, a new system established ... The social aspects of the story were not my main focus, rather than Ágoston’s encounters and his journey which are built deriving from my views on society nowadays, specially in the center and east European post-socialist countries.”
(G. Kristóf)
György Kristóf È nato nel 1982 a Košice, ora Slovacchia. Ha studiato cinema alla FAMU di Praga.
György Kristóf was born in Košice, now Slovakia, in 1982. He studied cinema at FAMU in Prague.
rUDar
Il minatore / The Miner
haNNa sLaK
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Slovenia - Germania / Slovenia - Germany 2017, HD, col., 103’ v.o. slovena - bosniaca / Slovenian - Bosnian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Hanna Slak, tratta dal romanzo Nihče di / based on novel Nihče by Mehmedalija Alić. Fotografia / Photography: Matthias Pilz.
Montaggio / Editing: Vlado Gojun. Musica / Music: Amelie Legrand. Suono / Sound: Gabor Ripli. Scenografia / Art Director: Marko Juratovec.
Costumi / Costume Designer: Tina Bonča.
Interpreti / Cast: Leon Lučev, Marina Redžepović, Zala Đurić Ribič, Tin Marn, Boris Cavazza, Nikolaj Burger, Jure Henigman, Boris Petkovič. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Nukleus film d.o.o. Slovenia. Con il sostegno di / Supported by: Slovenski Filmski Center, Javna Agencija RS.
Nel 2007, un minatore sloveno di origini bosniache viene mandato a riaprire una vecchia miniera abbandonata per controllare quello che c’è all’interno. Dopo due anni, lavorando in condizioni estremamente pericolose e rischiando la vita, l’uomo scopre una fossa comune in cui erano stati sepolti almeno 4000 corpi di profughi della Seconda guerra mondiale. La scoperta fu uno shock per la Slovenia. Mehmedalija Alić, il minatore, venne licenziato per aver insistito che i corpi fossero portati fuori dalla miniera, identificati e sepolti. Hanna Slak, la regista, ha aiutato Mehmedalija Alić a scrivere la sua storia. Nel 2013 viene pubblicata Nihče (Il signor nessuno) l’autobiografia di Alić, che diventa subito un caso letterario nel paese e da cui in seguito la Slak realizza il film Rudar. Il film è stato presentato in anteprima al festival del cinema sloveno di Portorose dove ha ricevuto i premi per la Miglior regia, Miglior attore e Miglior montaggio.
“Questo film è tratto dalla storia vera di un uomo, un semplice lavoratore, un minatore, il cui senso di decenza e umanità hanno fatto in modo di portare alla luce quello che era stato un segreto oscuro per molti decenni, contribuendo sia ad aprire uno spiraglio per il perdono e per il superamento delle divisioni all’interno della società slovena.” (H. Slak)
In 2007, a Slovenian miner of Bosnian origin was sent to break into a sealed mine and report on what is inside. After 2 years of risking his life working in extremely dangerous conditions, he discovered a hidden mass grave of 4000 war refugees killed at the end of WW2. The discovery was a shock to the Slovenian society. The miner, Mehmedalija Alić, was made redundant for insisting that the victims be brought out of the mine, identified, and buried.
The director Hanna Slak helped Alić write his story. In 2013, Alić’ autobiography Nihče (A Nobody) was published and soon sold out; Slak subsequently adapted it into the fiction film Rudar, which premiered at the latest Festival of Slovenian Film in Portorož, where received the Best Director, Best Actor and Best Editing awards.
“This is a film based on a true life story of a simple working-class guy, a miner, who because of his sense of decency and his simple humanism manages to bring out to the public what has been a dirty secret for decades, and thus opens a window of possibility for forgiveness and overcoming the split within the society.” (H. Slak)
Produttrice, regista, sceneggiatrice slovena, è nata nel 1975 a Varsavia.
Slovenian producer, director and scriptwriter, Hanna Slak was born in 1975 in Warsaw.
filmografia scelta / selected filmography
2002 Slepa pega
2007 Teah 2017 Rudar; Premi / Awards:
Portorose, Festival del cinema sloveno – Miglior regia. Miglior attore, Miglior montaggio / Portorož, Festival of Slovenian Film - Best Director, Best Actor, Best Editing
Hanna Slak
SOLDAȚII. POVESTE DIN FERENTARI
Soldati. Una storia da Ferentari / Soldiers. Story from Ferentari
Romania - Serbia - Belgio / Romania - Serbia - Belgium 2017, HD, col., 119’ v.o. rumena / Romanian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Adrian Schiop, Ivana Mladenović, tratta dal romanzo omonimo di / based on novel of the same title by Adrian Schiop.
Interpreti / Cast: Adrian Schiop, Vasile Pavel-Digudai, Ştefan Iancu, Nicolae Marin-Spaniolul, Kana Hashimoto, Dan Bursuc, Cezar Grumăzescu, Sorin Cociş, Constantin Nicolae-Titi.
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Produzione / Produced by: Hi Film Productions. Coproduzione / Co-produced by: Film House Bas Celik, Frakas Productions. Con il sostegno di / Supported by: Romanian Film Center, Film Center Serbia / Ministry of Culture and Information Republic of Serbia, Tax Shelter of Belgian Federal Government, Casa Kafka Pictures, Belfius, Eurimages. Distribuzione internazionale / World Sales: Beta Cinema.
Adi (40), un antropologo timido e introverso che è stato scaricato di recente dalla sua ragazza, si trasferisce a Ferentari, il quartiere più povero e degradato di Bucarest. Vuole studiare la ‘musica manele’, la musica pop della comunità Rom. Mentre fa ricerche, Adi incontra Alberto, un ex detenuto rom, che promette di aiutarlo. E così fra due inizia una goffa storia d’amore, in cui Adi escogita per Alberto inverosimili piani di fuga dalla povertà e Alberto ricambia elaborando magnifiche frasi d’amore. A poco a poco la loro relazione occasionale si trasforma in amore. Ma quando soldi finiscono, si ritrovano intrappolati nell’appartamento in cui vivono, dove si amano e si usano, in un gioco di desiderio e potere che non ha vincitori. Lungometraggio di debutto per Ivana Mladenović, è stato presentato in anteprima al Festival di Toronto.
“Per me, Soldații è prima di tutto una storia d’amore che, quando sta per fallire, si trasforma in una storia sul senso di colpa. Il film mostra cosa succede quando il mondo della borghesia intellettuale e il mondo povero degli emarginati di Ferentari si scontrano. Due mondi molto diversi, con personalità forti e irriducibili. In effetti, il rapporto tra Adi e Alberto è un incontro tra due persone disperate, una per colpa della solitudine, l’altra per la precarietà di una vita senza libertà. I sentimenti che si sviluppano tra di loro derivano da sensazioni emotive elementari e primarie: la paura dell’abbandono, la sfiducia, il bisogno di potere e la sicurezza emotiva.”
(I. Mladenović)
Adi (40), a shy and introverted anthropologist who got recently dumped by his girlfriend, moves to Ferentari, the most notorious outcast neighborhood in Bucharest. He wants to write a study on ‘manele music’, the pop music of the Roma community. While researching his subject, Adi meets Alberto, a Roma ex-convict, who promises Adi to help him. Soon, the unlikely pair begins a playful romance in which Adi feeds Alberto with improbable plans of escaping poverty and Alberto reciprocates with well-concocted phrases of love. Little by little their casual affair grows into love. When the money runs out, both find themselves trapped in an apartment where they love and use each other, in a game of need and power that has no winners.
Feature debut for Mladenović, the film premiered at the latest Toronto International Film Festival.
“To me, Soldații has to be first and foremost a story about love and then, as its failure becomes imminent, a fable about guilt; the conflict of the film shows what happens when the world of the intellectual bourgeoisie and the poor world of the outcasts in Ferentari collide. Two very different worlds, with strong and irreducible personalities. In fact, the relationship between Adi and Alberto is a meeting of two desperate people: one made so by loneliness, the other by the precariousness of a life without freedom. The feelings building up between them come from a very basic range of emotions: fear of abandonment, distrust, the need for power and emotional security.” (I. Mladenović)
Ivana Mladenović
È nata nel 1984 a Kladovo, ora Serbia. Nel 2010 si è diplomata in regia all’UNATC di Bucarest, dove attualmente vive e lavora.
Ivana Mladenović was born in 1984 in Kladovo, now Serbia. In 2010 she graduated in Film Directing at UNATC in Bucharest, where currently lives and works.
filmografia scelta / selected filmography
2009 Afterparty cm / sf 2011 Skin cm / sf 2012 Lumea in patratele (Turn Off the Lights) doc.; Premi / Awards: Sarajevo FF – Miglior documentario / Best Documentary
Interpreti / Cast: Jakub Gierszał, Julian Świeżewski, Zofia Wichłacz, Danuta Stenka, Andrzej Zieliński, Jacek Beler, Paweł Tomaszewski, Tomasz Sapryk.
Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Studio Filmowe Kalejdoskop. Coproduzione / Co-produced by: Wytwórnia Filmów Dokumentalnych Fabularnych, EBH Polska, Wajda Studio. Con il sostegno di / Supported by: Polish Film Institute.
Inizio del 1945, Alta Slesia, Polonia. Gli ultimi giorni della Seconda guerra mondiale. Nelle zone appena liberate dai Nazisti, il servizio di sicurezza del Partito comunista elimina i nemici con il pretesto di punire i ‘traditori della nazione’. Viene organizzato anche un campo di lavoro per tedeschi, slesiani e polacchi, nel sito di un ex campo di concentramento nazista, a cui viene dato il nome di Zgoda. Franek, innamorato din una prigioniera polacca di nome Anna, va a lavorare nel campo di prigionia sperando di salvarla. Non sa che fra detenuti c’è Erwin, un amico tedesco, anche lui innamorato di Anna da tempo. Franek s’illude che unendosi ai comunisti riuscirà a salvare Anna... Opera prima, Zgoda è stato presentato in anteprima al Montreal World Film Festival, dove Maciej Sobieszczański ha ricevuto il premio per la Miglior regia.
“Il dramma intimo raccontato in Zgoda cerca di concentrarsi soprattutto sulla psicologia in un triangolo amoroso. La sua forza ha origine nelle complesse, ambigue sollecitazioni dei personaggi principali e nelle difficili scelte etiche che devono affrontare in un mondo in cui saper distinguere il bene dal male rasenta quasi l’impossibile. Questa era la realtà dell’ex campo di concentramento ‘Zgoda’ a Świętochłowice, una città in Slesia, in Polonia, alla fine della Seconda guerra mondiale e nei primissimi giorni della formazione di un nuovo stato, di una Repubblica popolare guidata dai comunisti.” (M. Sobieszczański)
Beginning of 1945, Upper Silesia, Poland. The last days of WW2. At the just liberated areas, the Communist Security Service eliminates its enemies under the pretext of punishing “national traitors”. It organizes a labour camp for Germans, Silesians and Poles, at the site of a former Nazi concentration camp, which is named Zgoda. Franek, who is in love with a Polish prisoner Anna, joins the camp crew to rescue her. He doesn’t know that one of the inmates is Erwin, his German friend, who, like himself, has also loved Anna for a long time. Franek deludes himself that by joining the Communists he will be able to save Anna...
First feature, Zgoda premiered at Montreal World Film Festival where Maciej Sobieszczański was awarded Best Director.
“The intimate drama of Zgoda focuses on psychology in a love triangle. It derives its strength from complex, ambiguous urges of the main characters and tough ethical choices they face in a world, in which telling right from wrong verges on impossible. This was reality of the former concentration camp “Zgoda” in Świętochłowice, a town in Silesia, Poland, at the end of the WW2 and in the very first days of forming a new, Communists-led state of People’s Republic.” (M. Sobieszczański)
Maciej Sobieszczański È nato nel 1966 in Polonia. Scrittore e regista, insegna alla Scuola di cinema di Łódź e alla Scuola di regia Andrzej Wajda. Il suo corto Urodziny è stato presentato a Trieste nel 2012, nell’ambito dell’omaggio alla scuola di Wajda. Writer, director and lecturer at the Łódź Film School and the Wajda Film School, Maciej Sobieszczański was born in 1966 in Poland. The Trieste FF presented in 2012 his short Urodziny, within the tribute to the Wajda Film School.
filmografia scelta / selected filmography 2011 Urodziny cm / sf 2017 Zgoda; Premi / Awards: Montreal World FF – Miglior regia / Best Director
EvENTI SpECIALI
SPECIAL EVENTS
a CiamBra
SNCCI – Miglior film italiano 2017 / National Union of Italian Film Critics – Best Italian Film 2017 a CiamBra
Jonas Carpignano
film di chiusura / closing film L’ALTROVE PIÙ VIcINO
The Nearest Elsewhere
Elisabetta Sgarbi
Bora sU TriEsTE
Bora over Trieste
Gianni Alberto Vitrotti
DJam
Tony Gatlif
juPITER HOLDjA
Jupiter’s Moon
Kornél Mundruczó
KroTKaJa
A Gentle Creature
Sergej Loznica
NON NE PARLIAMO DI QuESTA
GUErra
Don’t Talk About This War
Fredo Valla
THE PRINcE AND THE DYBBuk
Elwira Niewiera, Piotr Rosołowski
in collaborazione con / in collaboration with LUX PRIZE
WEsTErN
Valeska Grisebach
Nella Ciambra, una piccola comunità Rom nei pressi di Gioia Tauro, Pio Amato cerca di crescere più in fretta possibile. A quattordici anni beve, fuma ed è uno dei pochi in grado di integrarsi tra le varie realtà del luogo: gli italiani, gli immigrati africani e i membri della comunità Rom. Pio segue ovunque suo fratello Cosimo, imparando il necessario per sopravvivere nelle strade della sua città. Quando Cosimo scompare le cose per Pio iniziano a mettersi male: dovrà provare di essere in grado di assumere il ruolo di suo fratello e decidere se è veramente pronto a diventare un uomo.
Presentato alla “Quinzaine des Réalisateurs” dell’ultimo festival di Cannes.
“La prima volta che ho incontrato la famiglia Amato era il 2011, dopo che la mia Fiat Panda, con tutte le mie apparecchiature cinematografiche, era stata rubata. Eravamo a Gioia Tauro per girare il corto A Chjana. A Gioia Tauro quando una macchina sparisce, la prima cosa da fare è “chiedere agli zingari”. Ed è stata la prima volta che ho visto la Ciambra. Mi sono innamorato immediatamente dell’energia di quel posto.” (J. Carpignano)
In “la Ciambra”, a small Romani community in Calabria, Pio Amato is desperate to grow up fast. At 14, he drinks, smokes and is one of the few to easily slide between the region’s factions – the local Italians, the African refugees and his fellow Romani. Pio follows his older brother Cosimo everywhere, learning the necessary skills for life on the streets of their hometown. When Cosimo disappears and things start to go wrong, Pio sets out to prove he’s ready to step into his big brother’s shoes but soon finds himself faced with an impossible decision that will show if he is truly ready to become a man.
A Ciambra premiered at the latest “Director’s Fortnight” in Cannes.
“The first time I met the Amato family was in 2011, after my Fiat Panda, with all my equipment, had been stolen. We were in Gioia Tauro to shoot the short A Chjana. In Gioia Tauro when a car disappears, the first thing to do is ‘ask the gypsies’. And it was the first time saw la Ciambra. I immediately fell in love with the energy of that place.”
(J. Carpignano)
- MIGLIOR
Italia - Brasile - Germania - Francia - Svezia - Stati Uniti / Italy - Brazil - Germany - France - Sweden - USA, 2017, 16mm, col., 120’, v.o. italiana - dialetto calabrese / Italian - dialet of Calabria o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Jonas Carpignano.
Fotografia / Photography: Tim Curtin.
Montaggio / Editing: Affonso Gonçalves.
Musica / Music: Dan Romer.
Suono / Sound: Giuseppe Tripodi.
Scenografia / Art Director: Marco Ascanio Viarigi.
Produzione / Produced by: Stayblack Productions, RT Features, Sikelia Productions, Rai Cinema.
Coproduzione / Co-produced by: DCM, Haut et Court, Film Väst, Filmgate Films.
Con il sostegno di / Supported by: MiBACT, Aide aux Cinémas du Monde, CNC, Ministère des Affaires Etrangères et du Développement International, Institut Français, LU.CA, Lucana Film Commission, Calabria Film Commission.
Distribuzione internazionale / World Sales: Luxbox.
Distribuzione per l’Italia / Distributed in Italy by: Academy Two.
Jonas Carpignano Regista di nazionalità italiana e americana, è nato nel 1984 a Roma. Nel 2016 il Trieste FF ha presentato il suo primo lungometraggio Mediterranea An Italian-American filmmaker, Jonas Carpignano was born in 1984 in Rome. In 2016 the Trieste FF presented his first feature Mediterranea filmografia scelta / selected filmography 2011 A Chjàna cm / sf 2014 A Ciambra cm / sf 2015 Mediterranea 2017 A Ciambra
jONAS cARPIgNANO
L’ALTROVE PIÙ VIcINO.
UN ViaGGio iN sLoVENia
The Nearest Elsewhere. A Journey to Slovenia
Italia / Italy 2017, HD, col., 50’ v.o. italiana - slovena / Italian - Slovenian o.v.
Interpreti / Cast: Claudio Magris, Paolo Rumiz, Alojz Rebula.
Produzione / Produced by: Betty Wrong.
Coproduzione / Co-produced by: Rai Cinema.
Un viaggio ai confini dell’altrove che ci è più prossimo, una terra, un popolo, una cultura, che è appena oltre una soglia mobile, fatta per essere attraversata e cancellata milioni di volte dalle trasmigrazioni di persone, lingue, abitudini. La Slovenia nelle parole e negli occhi di Paolo Rumiz, incontrato in luoghi di misticismo o tecnologia, per raccontarci quanto a fondo le nostre radici possano spingersi nel terreno dell’altro. La Slovenia nella prima intervista dopo moltissimi anni al grande poeta Alojz Rebula, ormai cieco, ma che continua a scrivere: la bellezza della lingua, la sua intrinseca docilità alla poesia, alle visioni della letteratura. La Slovenia nei ricordi di Claudio Magris, i suoi cammini sul Monte Nevoso, versi della scrittrice Marisa Madieri, sua moglie, esule istriana. La Slovenia della giovanissima e vivace orchestra diretta dal Maestro Igor Coretti-Kuret, nata per superare ogni frontiera e creare un continente culturale, emotivo. La Slovenia nei brani di Boris Pahor, interpretati da Toni Servillo.
“Un viaggio nei confini fra le parole, nello spazio di incontro e scontro fra una lingua e l’altra, fra una cultura e l’altra, nei mondi interiori e geografici che descrivono terre e popoli, e nella possibilità di ritrovare qualcosa di prossimo, di simile, anche altrove da sé.” (E. Sgarbi)
A journey to the limits of the elsewhere which is closest to us, a land, a people, a culture, which are just beyond a moveable threshold made to be crossed and cancelled millions of times by the transmigration of people, languages, habits. Slovenia depicted through the words and eyes of Paolo Rumiz, encountered in places of mysticism or technology, to tell us how deeply our roots can delve into the land of others. Slovenia in the first interview the great poet Alojz Rebula gives after many years; he has gone blind but he still writes. The beauty of the language, its intrinsic pliability for poetry, for the visions of literature. Slovenia in the reminiscences of Claudio Magris, his walks on Monte Nevoso; in the verses of the author Marisa Madieri, his wife and an Istrian exile. The Slovenia of the very young and enthusiastic orchestra directed by Maestro Igor Coretti-Kuret which was created to overcome every border and form a cultural and emotional continent. Slovenia in the passages written by Boris Pahor and recited by the Italian actor Toni Servillo.
“A journey into the boundaries between words, in the space of meeting and clash between one language and another, between one culture and another, in the inner and geographical worlds that describe lands and people, and in the possibility of finding something new, similar, even elsewhere by itself.”
(E. Sgarbi)
Elisabetta Sgarbi
Ha fondato e dirige La nave di Teseo Editore. Ha ideato, e da diciotto anni ne è direttore artistico, il festival internazionale La Milanesiana, dedicato a letteratura, musica, cinema, scienza, arte, filosofia e teatro. Ha esordito alla regia nel 1999. Il Trieste FF ha presentato nel 2013 il suo documentario Il Viaggio della Signorina Vila. Italian filmmaker Elisabetta Sgarbi is the creator and director of the publishing house “La nave di Teseo”. She created and for eighteen years has been the artistic director of the festival “La Milanesiana”, dedicated to literature, music, cinema, science, art, philosophy, and theatre. She made her directorial debut in 1999. The Trieste FF presented in 2013 her documentary Il Viaggio della Signorina Vila.
filmografia scelta / selected filmography 1999 Mariko mori cm / sf; Frammenti di una biografia per versi e voce cm / sf 2000 Projeto meninos de luz cm / sf
2001 La consolazione e la spina dolorosa cm / sf; Belle di notte mm / ml 2002 Rue de Varenne cm / sf 2004 Notte senza fine 2005 Due contro una doc. 2006 NevicheRò 2007 Il pianto della statua mm / ml 2009 Deserto Rosa – Luigi Ghirri doc. 2010 Raffaello – La stanza della Segnatura 2011 L’invenzione di Ariosto – Tullio Pericoli doc. 2012 Il viaggio della Signorina Vila 2015 Colpa di comunismo doc. 2017 L’altrove più vicino. Un viaggio in Slovenia doc.
FILM DI CHIUSURA / CLOSING FILM
Bora sU TriEsTE
Bora over Trieste
GiANNi AlBERTo ViTRoTTi
Italia / Italy 1953, 35mm, b-n / b-w, 11’ v.o. italiana / Italian o.v.
Fotografia / Photography: Franco Vitrotti, Gianni Alberto Vitrotti. Montaggio / Editing: Mario Sansoni. Musica / Music: Costantino Ferri.
Commento / Voice-Over: Giovanni Tessaro.
Produzione / Produced by: Gianni Alberto Vitrotti, Lux Film.
Nell’agosto del 1953 alla XIV Mostra di Venezia, nella sezione documentari e cortometraggi, venne invitato il cortometraggio Bora su Trieste. Per realizzarlo Gianni Alberto Vitrotti lavorò a questo progetto per due anni (con la collaborazione dell’Istituto Talassografico di Trieste), appostandosi nei punti più ventosi della città. Il documentario presenta i vari tipi di bora che da estnord-est arrivano sulla città di Trieste a velocità che talvolta superano i 150 km orari, studiandone e mostrandone - oltre agli aspetti di colore - la genealogia e le caratteristiche fisiche. Il film ottenne un clamoroso successo e conquistò il Leone d’Argento, quale primo premio di categoria. In seguito, il cortometraggio rappresentò l’Italia in altri festival internazionali, tra i quali Berlino ed Edimburgo.
Restauro digitale realizzato dal laboratorio della Cineteca del Friuli / Archivio Cinema FVG a partire dalla copia 35mm depositata da Valentino Vitrotti.
In August 1953 at the 14th Venice Film Festival, the short film Bora su Trieste was invited to the documentary and short films section. To make the film, Gianni Alberto Vitrotti worked on the project for two years, lurking in the windiest parts of the city. The documentary presents the various types of bora that blow down over the city of Trieste from the east-north-east at speeds that sometimes exceed 150 km per hour, studying and showing—in addition to aspects of colour—its genealogy and physical characteristics. The film achieved a resounding success and won the Silver Lion, as first prize in the category. Later, the short represented Italy in other international festivals, including Berlin and Edinburgh.
Bora su Trieste has been digitally restored by Cineteca del Friuli / Film Archive of FVG, starting from the 35mm copy entrusted by Valentino Vitrotti.
Alberto Vitrotti
Figlio di Giovanni Vitrotti, uno dei pionieri del cinema muto italiano, Gianni Alberto Vitrotti (Berlino 1922 - Trieste 2009) è stato un regista, fotoreporter e giornalista italiano. A partire dall’occupazione alleata di Trieste nel 1945, Vitrotti lavorò come reporter per conto di due agenzie alleate, l’Associated Press Photo e la Nbc, e come corrispondente e operatore per la Universal Newsreel di New York. Come cineoperatore ha documentato le foibe e l’esodo degli Italiani dall’Istria: alcune delle sue riprese furono poi inserite nel film La città dolente di Mario Bonnard del 1948. Nel 1949 fonda assieme al fratello Franco una propria agenzia, dando vita ai cinegiornali “Cosmos”, dedicati esclusivamente ad argomenti triestini, dalla cronaca bianca a quella nera e rosa, passando per politica sport e varietà. Oltre a Bora su Trieste, come regista ha firmato, tra gli altri, documentari Addio mia cara Pola (1947) e Giustizia per la Venezia Giulia (1947-1948).
Mentre come operatore ha partecipato alla realizzazione, fra gli altri, di Pazzo d’amore (regia di Giacomo Gentilomo, 1942) Gli ultimi filibustieri (regia di Marco Elter, 1943), La gondola del diavolo (regia di Carlo Campogalliani, 1946).
The son of Giovanni Vitrotti, one of the pioneers of Italian silent cinema, Gianni Alberto Vitrotti (Berlin 1922 - Trieste 2009) was an Italian director, photojournalist and journalist. During the Allied occupation of Trieste in 1945, Vitrotti worked as a reporter on behalf of two Allied agencies, the Associated Press Photo and the NBC, and as correspondent and operator for Universal Newsreel in New York. As a cameraman he documented the ‘foibe’ and the exodus of Italians from Istria: some of his filming was then included in Mario Bonnard’s 1948 film La città dolente In 1949 he founded his own agency together with his brother Franco, creating the “Cosmos” newsreels, dedicated exclusively to topics from Trieste and covering all topics from crime to gossip, together with sport, politics and variety. In addition to Bora su Trieste as director he has produced the documentaries Addio mia cara Pola (1947) and Giustizia per la Venezia Giulia (1947-1948), among others. While as a cameraman he participated in the making, among others, of Pazzo d’amore (directed by Giacomo Gentilomo, 1942), Gli ultimi filibustieri (directed by Marco Elter, 1943), and La gondola del diavolo (directed by Carlo Campogalliani, 1946).
Gianni
ToNy GATliF
Francia - Grecia - Turchia / France - Greece - Turkey 2017, HD, col. 97’ v.o. francese - greca - turca / French - Greek - Turkish o.v.
Sceneggiatura, supervisione alle musiche / Screenplay, Music Supervision: Tony Gatlif. Fotografia / Photography: Patrick Ghiringhelli. Montaggio / Editing: Monique Dartonne. Suono / Sound: Philippe Welsh, Adam Wolny. Scenografia / Art Director: Stavros Liokalos.
Produzione / Produced by: Princes Production. Coproduzione / Co-produced by: Pyramide Productions, Blonde, Güverte Films, Auvergne-Rhône-Alpes Cinéma, Princes Films. Con il sostegno di / Supported by: Canal+, Eurimages, Région Auvergne-Rhône-Alpes, CNC, Centre du Cinéma Grec-Aide à la Coproduction d’Œuvres Cinématographiques FrancoGrecques, ERT. Distribuzione internazionale / World Sales: Les Films du Losange.
Djam, una ragazza greca, viene mandata a Istanbul dallo zio Kakourgos, ex marinaio e appassionato di Rebetiko, a cercare un pezzo del motore della loro barca. A Istanbul incontra Avril, 18 anni, venuta dalla Francia per fare volontariato con i rifugiati: la ragazza ha finito i soldi e non conosce nessuno in Turchia. Generosa, vivace, imprevedibile e libera, Djam prende Avril sotto le sue ali sulla strada verso Lesbo, un viaggio fatto di musica, incontri, condivisione e speranza.
Presentato in anteprima all’ultima edizione del festival di Cannes.
“Ho visto così tante persone condannate all’esilio che con questo film volevo parlare di tutti i migranti, quelli di ieri e quelli di oggi. Il Rebetiko e il desiderio di fare un film su una giovane donna dallo spirito libero mi hanno dato l’energia di intraprendere questo progetto … Quello che mi piace del Rebetiko è la mescolanza fra Oriente e Occidente. È da lì che vengo. Est e Ovest sono dentro di me sin dall’infanzia … Djam parla anche di questa Europa in cui non mi sento più a casa. La sola vera Europa è quella della cultura e dello scambio.” (T. Gatlif)
Djam, a young Greek woman, is sent to Istanbul by her uncle Kakourgos, a former sailor and passionate fan of Rebetiko, on a mission to find a rare engine part for their boat. There she meets Avril, 18, who came from France to volunteer with refugees, ran out of money, and knows no one in Turkey. Generous, sassy, unpredictable and free, Djam takes Avril under her wing on the way to Mytilene - a journey made of music, encounters, sharing and hope. Djam premiered at the latest Cannes Film Festival.
“I have seen so many peoples condemned to exile that with this film I wanted to talk about all migrants, of yesterday and today. Rebetiko and the urge to film a free-spirited young woman gave me the energy to undertake this project ... What I like about Rebetiko is the blend between Orient and Occident. That’s where I come from. East and West have been in me since childhood … Djam also talks about this Europe in which I no longer feel at home. The only true Europe is the Europe of culture and exchange.” (T. Gatlif)
Tony Gatlif
Di origini gitane e nazionalità francese, è nato ad Algeri nel 1948. Nel 2004 con Exils vince il premio per la Miglior regia a Cannes. Di Tony Gatlif il Trieste FF ha presentato nel 2007 il suo Transylvania.
Tony Gatlif was born in 1948 in Algiers of Gypsy origin and French nationality. In 2004, Exils gained him the Best Director Award in Cannes. The Trieste FF presented in 2007 his feature Transylvania
filmografia scelta / selected filmography
1973 Max l’indien cm 1975 La tête en ruine 1982 Les princes (L’uomo perfetto) 1993 Latcho Drom doc. 1997 Gadjo Dilo (Gadjo Dilo, lo straniero pazzo) 2000 Vengo (Vengo - Demone flamenco) 2004 Exils; Premi / Awards: Cannes – Miglior regia / Best Director 2006 Transylvania 2010 Korkoro 2012 Indignados 2014 Geronimo 2017 Djam
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
juPITER HOLDjA
La luna di Giove / Jupiter’s Moon
Ungheria - Germania / Hungary - Germany 2017, 35mm, col., 123’ v.o. ungherese - inglese / Hungarian - English o.v.
Merab Ninidze, Zsombor Jéger, György Cserhalmi, Mónika Balsai.
KoRNél MuNDRuCZó
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Un giovane immigrato viene ferito da un’arma da fuoco mentre attraversa illegalmente il confine. Terrorizzato, ferito e in stato di shock, Aryan può ora misteriosamente levitare a suo piacimento. Portato in un campo profughi, viene fatto uscire clandestinamente dal cinico dottor Stern, che vuole sfruttarne lo straordinario potere. I due uomini fuggono alla ricerca di sicurezza e denaro, inseguiti da Laszló, furioso direttore del campo profughi. Affascinato dagli incredibili poteri del giovane, Stern decide di puntare tutto su Aryan, in un mondo in cui i miracoli si acquistano per pochi soldi...
In concorso all’ultimo festival di Cannes.
“Una delle lune del pianeta Giove, scoperta da Galileo, si chiama Europa. Per me è stato importante considerare questo film come una storia europea, ambientata in un’Europa in crisi, Ungheria compresa. Allo stesso tempo, ho cercato di dargli anche un tono da film di fantascienza ... Certo, è un film sui rifugiati, ma è anche un film che parla della ricerca di Dio, nel senso che bisogna riconoscere che ci sono momenti in cui ci troviamo di fronte a situazioni incomprensibili o misteriose ... Il film è un ‘melange’ di classico e moderno, girato su pellicola, in 35 mm. Utilizza gli effetti speciali solo dov’è stato necessario, senza mai allontanarsi troppo dalla realtà.” (K. Mundruczó)
Produzione / Produced by: Proton Cinema.
Coproduzione / Co-produced by: Match Factory Productions, KNM, ZDF/Arte, Chimney. Con il sostegno di / Supported by: Hungarian National Film Fund, Eurimages, Film und Medienstiftung NRW, Mitteldeutsche Medienförderung, Medienboard BerlinBrandenburg. Distribuzione internazionale / World Sales: The Match Factory. Distribuzione per l’Italia / Distributed in Italy by: Movies Inspired.
A young immigrant is shot down while illegally crossing the border. Terrified and in shock, wounded Aryan can now mysteriously levitate at will. Thrown into a refugee camp, he is smuggled out by cynical Dr. Stern, intent on exploiting his extraordinary secret. Pursued by enraged camp director Laszló, the fugitives remain on the move in search of safety and money. Inspired by Aryan‘s amazing powers, Stern takes a leap of faith in a world where miracles are trafficked for small change... In competition at the latest Cannes Film Festival.
“One of the planet Jupiter’s moons, discovered by Galileo, is called Europa. It was important for me to regard this film as a European story, one that is set in Europe undergoing crisis, including Hungary. At the same time, I was looking to convey a sense of contemporary science fiction ... Sure, it is a refugee film, but it is also searching for God in the sense that one has to know there are moments when we encounter things that are absolute, or mysterious … The movie is a meeting of classic and new, filmed on a 35mm-reel. It only uses vfx where necessary, all created in comparison to reality.” (K. Mundruczó)
Kornél Mundruczó
Sceneggiatore, regista di cinema e di teatro, è nato nel 1975 a Gödöllö, in Ungheria. Il Trieste FF ha presentato tutti i suoi film, compreso il pluripremiato White God – Sinfonia per Hagen.
Screenwriter, film and theater director, Kornél Mundruczó was born in 1975 in Gödöllö, Hungary. The Trieste FF has presented all of his prevoius films, including the award winning White God.
filmografia scelta / selected filmography 2000 Nincsen nekem vágyam semmi 2002 Szép napok; Premi / Awards: Locarno - Pardo d’Argento / Silver Leopard 2005 Johanna 2008 Delta; Premi / Awards: Cannes - Premio FIPRESCI / FIPRESCI Prize 2010 Szelíd teremtés - A Frankenstein-terv 2014 Fehér Isten (White God – Sinfonia per Hagen / White God); Premi / Awards: Cannes - “Un Certain Regard” Miglior film / Best Film 2017 Jupiter holdja (Jupiter’s Moon)
KroTKaJa
Una creatura gentile / A Gentle Creature
SERGEJ loZNiCA
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Francia - Germania - Lituania - Paesi Bassi / France - Germany - Lithuania - The Netherlands 2017, HD, col. 143’ v.o. russa / Russian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Sergej Loznica, tratta dal racconto omonimo di Fëdor
Dostoevskij / based on a short story of the same title by Fyodor Dostoyevsky. Fotografia / Photography: Oleg Mutu.
Montaggio / Editing: Danielius Kokanauskis. Suono / Sound: Vladimir Golovnitski.
Scenografia / Art Director: Kirill Šuvalov, Juris Žukovskis.
Costumi / Costume Designer: Dorota Roqueplo.
Interpreti / Cast: Vasilina Makovtseva, Marina Kleščeva, Lia Akhedžakova, Valeriu Andriuta, Boris Kamorzin, Sergej Kolesov.
Produzione / Produced by: Slot Machine.
Coproduzione / Co-produced by: Arte France Cinema, Looks Film & Tv Produktionen, Studio Uljana Kim, Wild at Art, Graniet Film, Solar Media Entertainment, GP Cinema Company.
Con il sostegno di / Supported by: Fonds Eurimages du Conseil de l’Europe, Aide à la Coproduction
Franco-Allemande, CNC, L’Aide aux Cinémas du Monde, Institut Français, MDM, Filmförderungsanstalt, Netherlands Fund for Film, Netherlands Film Production Incentive, National Film Centre of Latvia, Riga Film Fund, Lithuanian Film Centre, Lithuanian National Radio and Television, Creative Europe Programme of the EU. Distribuzione internazionale / World Sales: Wild Bunch.
Una donna vive da sola alla periferia di un villaggio in Russia. Un giorno riceve un pacco, che ha inviato al marito in carcere, con la scritta ‘rispedire al mittente’. Scioccata e confusa, la donna non ha altra scelta che recarsi sul posto, in una regione remota del paese, in cerca di una spiegazione. Inizia così una battaglia contro l’istituzione, la prigione, un’impenetrabile fortezza in cui sono racchiusi tutti mali della società. Sfidando violenze e umiliazioni, andando sola contro tutti, la nostra protagonista si lancia in una ricerca spasmodica di giustizia.
In concorso all’ultimo festival di Cannes.
“Per me, questo film è una metafora di un paese in cui le persone sono costantemente maltrattate. Il paese sta esplodendo in una spirale di violenza di tutti i tipi. Da un lato c’è una totale ipocrisia, bugie e standard diversi a seconda di chi sei, un’omertà completa ... dall’altro, ogni giorno continuano ad accadere cose orrende. Per me, tutto questo rimane un enigma dolorosamente irrisolvibile. Invece di affrontare la vita quotidiana in modo tranquillo e amichevole, siamo costretti a intraprendere ogni volta un percorso difficile, talvolta disonesto e terribile. Questo è un orribile paradosso, il peggiore, ed è qualcosa di cui sono a conoscenza fin da quando ero bambino ma che ancora oggi non riesco a capire.”
(S. Loznica)
A woman lives alone on the outskirts of a village in Russia. One day she receives a parcel she sent to her incarcerated husband, marked ‘return to sender’. Shocked and confused, the woman has no choice but to travel to the prison in a remote region of the country in search of an explanation. So begins the story of a battle against this impenetrable fortress, the prison where the forces of social evil are constantly at work. Braving violence and humiliation, in the face of all opposition, our protagonist embarks on a blind quest for justice. In competition at the latest Cannes Film Festival.
“For me, this film is a metaphor for a country where people are constantly violated by each other. The country is bursting with all forms of violence. On the one hand, you have total hypocrisy, gigantic lies and double standards, a perfect omerta... and on the other hand, you have horrendous things that continue to happen every single day. For me, this remains a painfully irresolvable enigma. Instead of living and going about things in a calm, friendly manner, at every stage of our lives we are forced to take a difficult, dishonest and sometimes terrible path. This is a horrible paradox, the worst of paradoxes, that I have been aware of since the age of five and that I still don’t understand today.” (S. Loznitsa)
Sergej Loznica Regista, documentarista fra più importanti a livello europeo e internazionale, è nato nel 1964 a Baranavičy, ora Bielorussia. A lui il Trieste FF ha dedicato un omaggio nel 2011, mentre nel 2013 il suo V tumane (Anime nella nebbia) ha vinto il premio come Miglior lungometraggio.
Internationally renowned film and documentary director, Sergei Loznitsa was born in 1964 in Baranavičy, now Belarus. In 2011 the Trieste FF dedicated a tribute to his cinema; in 2013 his V tumane (In the Fog) won the Best Film award of the festival.
filmografia scelta / selected filmography 2000 Polustanok doc. 2002 Portret doc. 2004 Fabrika doc. 2005 Blokada doc. 2008 Predstavlenie doc. 2010 Sčast’je moje (My Joy) 2012 V tumane (In the Fog / Anime nella nebbia); Premi / Awards: Cannes – Premio Fipresci / Fipresci Prize; Trieste FF – Miglior lungometraggio / Best Film 2014 Maidan doc. 2015 Sobytie doc. 2016 Austerlitz 2017 Krotkaja (A Gentle Creature)
NON NE PARLIAMO
DI QuESTA guERRA
Let's Not Talk About This War
FREDo VAllA
ANTEPRIMA ASSOLUTA / WORLD PREMIERE
Italia / Italy 2017, HD, col., 65’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Fredo Valla.
Fotografia / Photography: Luciano Federici. Montaggio / Editing: Beppe Leonetti. Musica / Music: Walter Porro. Suono / Sound: Luca Bertolin.
Interpreti / Cast: Antonio Bolognesi, Bruna Bianchi, Cesare Alberto Loverre, Carlo Tolazzi, Diego Todesco, Fabrizio Pagella, Franco Baudino, Gabriella Gabrielli, Giulia Sattolo, Luca Occelli, Marco Revelli, Mario Flora, Massimo Somaglino, Pietro Spirito, Riccardo Maranzana, Valerio Dell’Anna.
Produzione / Produced by: Nefertiti Film.
Coproduzione, distribuzione per l’Italia / Co-produced by, Distributed in Italy by: Istituto Luce - Cinecittà. Con il sostegno di / Supported by: Fondo per l’audiovisivo FVG, Film Commission Torino Piemonte, FVG Film Commission, Regione Friuli Venezia Giulia, Regione Piemonte, Comune di San Vito Al Tagliamento, Castello di Duino, Biblioteca Civica Vincenzo Joppi - Udine.
La giustizia di guerra nel primo conflitto mondiale è un tema sottovalutato nelle sue dimensioni e nella sua crudeltà. L’Italia, in particolare, detiene il triste primato per la ferocia con cui punì i propri soldati. Provati dalla vita di trincea, traumatizzati dalle bombe e dalla morte sempre in agguato, decimati in assalti suicidi, esasperati dagli errori di comando e da tante inutili battaglie per una causa che sentivano lontana, molti dissero NO e disertarono, si ribellarono, compirono atti di autolesionismo pur di non tornare a combattere. Le carte conservate negli archivi, e raramente pubblicate, dicono che non fu un fenomeno isolato: in Italia, dal 1915 al 1918, 1 soldato su 14 subì un processo penale, 1 su 24 venne processato per diserzione. È questo il tema che il documentario porta alla luce. Lo fa negli anni delle celebrazioni della Grande Guerra, con toni leggeri e con commozione, intrecciando alle canzoni di guerra e di rivolta, le testimonianze degli storici; alternando l’emotività di alcune pièces teatrali al linguaggio algido e burocratico dei documenti della giustizia militare che parlano di fucilazioni, di decimazione, di pene abnormi. “Il tema della disobbedienza è affascinante. Disobbedire in tempo di guerra, nel carnaio che fu la Grande Guerra, ha voluto dire coraggio. Un coraggio forse più grande, e più necessario, dell’uscire dalla trincea per andare all’assalto … Si ribellarono i fanti contadini, ma anche non pochi ufficiali che, condividendo la vita di trincea, avevano fraternizzato con loro soldati.” (F. Valla)
Military justice in the First World War is an underestimated subject in terms of its extent and cruelty. Italy, in particular, holds the sad record for the ferocity with which it punished its own soldiers. Tested by life in the trenches, traumatised by bombs and death that was always lurking, decimated in suicide assaults, exasperated by errors in orders from above and by many unnecessary battles for a cause they felt was not their own, many said NO and deserted, rebelled, performed acts of self-harm to try to evade having to fight. The papers kept in the archives, rarely published, show that this was not an isolated phenomenon: in Italy, between 1915 and 1918, 1 soldier in every 14 underwent a criminal trial, 1 in 24 was tried for desertion. This is the theme that this documentary brings to light. It does so in the years celebrating the centenary of the Great War, in a light and moving way, intertwining the songs of war and revolt with testimonies by historians; alternating the emotionality of some theatrical pieces with the cold and bureaucratic language from documents of military justice that speak of shootings, decimation, abnormal punishments.
“The theme of disobedience is fascinating. Disobeying in wartime, in the carnage that was the Great War, took courage. Perhaps greater courage, and more necessary, than climbing out of the trench to attack … The peasant infantry rebelled, but also quite a few officers who, sharing the life of the trenches, had fraternised with their soldiers.” (F. Valla)
Fredo Valla
Documentarista, sceneggiatore, è nato nel 1948 a Sampeyre, in Italia. Il Trieste FF ha presentato nel 2010 il suo Medusa storie di uomini sul fondo e, nel 2016, Più in alto delle nuvole.
Documentary film director, screenwiter, Fredo Valla was born in 1948 in Sampeyre, Italy. In 2010 the Trieste FF presented his Medusa storie di uomini sul fondo and, in 2016, his Più in alto delle nuvole.
filmografia scelta / selected filmography 1997 Valades ousitanes (diretto con / directed with Diego Anghilante) doc. 2006 La strada dei capelli doc. 2009 Medusa storie di uomini sul fondo doc. 2013 La Barma doc. 2015 Più in alto delle nuvole doc. 2017 Non ne parliamo di questa guerra doc.
THE PRINcE AND THE DYBBuk
Il Principe e il Dibbuk
Elwira Niewiera, Piotr Rosołowski
Polonia - Germania / Poland - Germany 2017, HD, col & b-n / b-w. 82’ v.o. italiana - spagnola - inglese - polacca - ucrainaebraica - yiddish - tedesca / Italian - Spanish - English - Polish - Ukrainian - Hebrew - Yiddish - German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Elwira Niewiera, Piotr Rosołowski. Fotografia / Photography: Piotr Rosołowski. Montaggio / Editing: Andrzej Dąbrowski. Musica / Music: Maciej Cieślak. Suono / Sound: Marcin Lenarczyk, Elwira Niewiera, Franciszek Kozłowski.
Produzione / Produced by: Film Art Production, Kundschafter Filmproduktion, zero one film.
Coproduzione / Co-produced by: Rundfunk BerlinBrandenburg, TVP Kultura, National Film Archive - Audiovisual Institute, Chimney Poland, Adam Mickiewicz Institute. Con il sostegno di / Supported by: Polish Film Institute, Eurimages, Medienboard Berlin-Brandenburg, Polish-German Film Fund. Distribuzione internazionale / World Sales: Wide House.
Chi era veramente Moshe Waks, figlio di un umile fabbro ebreo originario dell’Ucraina che mor in Italia come principe Michaeł Waszyński? Un ragazzo prodigio del cinema, uno scaltro impostore o un uomo che confondeva cinema e realtà? Come regista e produttore di Hollywood, Waszyński realizzò oltre 40 film e lavorò con alcune tra le principali star del cinema, tra cui Sophia Loren, Claudia Cardinale e Orson Welles. Ma la sua vera ossessione fu The Dybbuk, diretto dallo stesso Waszyński nel 1937 e tratto da un’antica leggenda ebraica, in cui una giovane donna è perseguitata dallo spirito (‘dybbuk’ in yiddish) del suo primo amore. Uno dei più importanti e mistici film yiddish mai realizzati, The Dybbuk rispecchia anche la vita personale di Waszyński, quella di un uomo irrequieto, con molti segreti e storie nascoste. Sulle orme di Waszyński dalla Polonia, dall’Ucraina e dagli Stati Uniti all’Italia, Israele e alla Spagna, i registi Elwira Niewiera e Piotr Rosołowski ci portano in un viaggio cinematografico alla scoperta della vita di un ‘camaleonte umano’, che cambiava continuamente nome, religione, titolo e paese per scrivere la storia della sua vita come se fosse quella di un film.
Presentato all’ultima Mostra del cinema di Venezia, ha vinto il Premio “Venezia Classici” per il Miglior documentario sul cinema.
Who was Moshe Waks, son of a poor Jewish blacksmith from Ukraine, who died in Italy as Prince Michaeł Waszyński? Was he a golden boy of cinema, a cunning fraud or a man who couldn’t distinguish between the illusion of film with reality? As a director and Hollywood producer, Waszyński made over 40 films and worked with major movie stars including Sophia Loren, Claudia Cardinale and Orson Welles. His true obsession, though, was The Dybbuk, directed by Waszyński in 1937 and based on an old Jewish legend in which a young woman is haunted by the spirit (‘dybbuk’ in Yiddish) of her first love. Not only is it one of the most important and mystical Yiddish films ever made, The Dybbuk also mirrors Waszyński’s personal life as a restless man with many secrets and untold stories. Tracing Waszyński’s footsteps from Poland, Ukraine and the USA into Italy, Israel and Spain, directors Elwira Niewiera and Piotr Rosołowski take us on a cinematic journey into the life of a human chameleon, constantly changing names, religion, titles and countries to write his own life story as if it were a film.
The Prince and the Dybbuk premiered at the latest Venice Film Festival, where gained the “Venice Classics” Award for Best Documentary on Cinema.
Documentarista, è nata nel 1976 a Racibórz, in Polonia. Vive e lavora a Berlino.
Documentary director, Elwira Niewiera was born in 1976 in Racibórz, Poland. She currently lives and works in Berlin. filmografia scelta / selected filmography 2014 Efekt domina doc. (The Domino Effect, diretto con / directed with Piotr Rosołowski) 2017 The Prince and the Dybbuk doc. (diretto con / directed with Piotr Rosołowski); Premi / Awards: Venezia, Mostra del cinema - Premio “Venezia Classici” per il Miglior documentario sul cinema / Venice FF - “Venice Classics” Award for Best Documentary on Cinema
Piotr Rosołowski
Direttore della fotografia e regista è nato nel 1977 a Olsztyn, in Polonia. Nel 2014 il Trieste FF ha presentato il suo Sztuka znikania (The Art of Disappearing) diretto con Bartek Konopka.
Cinematographer and director, Piotr Rosołowski was born in 1977 in Olsztyn, Poland. In 2014 the Trieste FF presented his Sztuka znikania (The Art of Disappearing) directed with Bartek Konopka.
filmografia scelta / selected filmography 2013 Sztuka znikania (The Art of Disappearing diretto con / directed with Bartek Konopka) doc. 2014 Efekt domina doc. (The Domino Effect, diretto con / directed with Elwira Niewiera) 2017 The Prince and the Dybbuk doc. (diretto con / directed with Elwira Niewiera); Premi / Awards: Venezia, Mostra del cinema - Premio “Venezia Classici” per il Miglior documentario sul cinema / Venice FF - “Venice Classics” Award for Best Documentary on Cinema
Elwira Niewiera
WEsTErN
in collaborazione con / in collaboration with LUX PRIZE
Germania - Bulgaria - Austria / Germany - BulgariaAustria, 2017, HD, col., 119’ v.o. tedesca - bulgara - inglese / German - BulgarianEnglish o.v.
Produzione / Produced by: Komplizen Film Production. Coproduzione / Co-produced by: Chouchkov Brothers, Coop99, KNM, Zdf-Das Kleine Fernsehspiel.
In collaborazione con / In collaboration with: Arte.
Con il sostegno di / Supported by: Medienboard BerlinBrandenburg, Minister of State for Culture and Media, Mdm Mitteldeutsche Medienförderung, German Federal Film Fund, Bulgarian National Film Center, Austrian Film Institute, Media and German Federal Film Board.
Distribuzione internazionale / World Sales: Films Boutique.
VAlESKA GRiSEBACh
Un gruppo di muratori tedeschi viene mandato a lavorare in un posto sperduto della campagna bulgara. La terra straniera risveglia il senso di avventura degli uomini, ma allo stesso tempo li costringe a confrontarsi con pregiudizi e diffidenze, dovuti alle barriere linguistiche e alle differenze culturali. Ben presto però si arriva alla resa dei conti, quando gli uomini iniziano a contendersi il riconoscimento e il favore degli abitanti del villaggio.
Prodotto dalla Komplizen Film di Maren Ade, Western è stato presentato in anteprima all’ultima edizione del festival di Cannes, nella sezione “Un Certain Regard”. “Diversi gli spunti che hanno contribuito alla realizzazione di questo film e che poi per associazione hanno formato la storia. Uno era il genere Western. Sono cresciuta con i film western negli anni ’70, li guardavo seduta davanti a un televisore nella Berlino Ovest ... [anche] il tema della xenofobia latente era qualcosa che desideravo da tempo esplorare in un film. Mi interessava questa idea di ‘German-ità’, che a volte si manifesta con un sentimento indistinto di forza e di superiorità. Quell’impulso a posizionarti a un livello più alto per differenziarti. Il momento in cui il disprezzo sostituisce l’empatia. L’idea di trasferire un gruppo di uomini tedeschi in un posto di lavoro in un paese straniero ... improvvisamente mi ha fornito lo spunto per affrontare questo argomento, così come mi ha fornito un punto di partenza appropriato per la storia ... Mi è piaciuta l’idea di uomini tedeschi che, con la loro pretesa superiorità tecnica, arrivano in Bulgaria e condividono l’esperienza del comunismo con gli abitanti del villaggio.” (V. Grisebach)
A group of German construction workers start a tough job at a remote site in the Bulgarian countryside. The foreign land awakens the men’s sense of adventure, but they are also confronted with their own prejudice and mistrust due to the language barrier and cultural differences. The stage is quickly set for a showdown when men begin to compete for recognition and favor from the local villagers. Produced by Maren Ade’s Komplizen Film, Western premiered at the latest Cannes Film Festival, in the “Un Certain Regard” section.
“Several different paths led to this film that, increasingly and by association, joined together to form a story. One was the Western genre. grew up with it during the 1970s, sitting in front of a TV set in West Berlin … [also] the subject of latent xenophobia – something I’ve long wanted to explore in a film. I was interested in this idea of ‘German-ness’, which sometimes manifests as an indistinct feeling of strength, of superiority. The impulse to place yourself in the highest status, to differentiate yourself. The moment in which contempt supersedes empathy. The idea of relocating a group of German men to a jobsite in a foreign country ... suddenly gave me a means to access this subject, as well as a fitting starting point for a story ... liked the idea of the German men, with their claim to technical superiority, arriving in Bulgaria and sharing the experience of communism with the people in the villages.” (V. Grisebach)
Film director and screewriter, Valeska Grisebach was born in 1968 in Bremen, Germany.
Valeska Grisebach
Regista, sceneggiatrice, è nata nel 1968 a Brema, in Germania.
filmografia scelta / selected filmography
2001 Mein Stern Premi / Awards: Torino FF – Miglior film / Best Film 2006 Sehnsucht (Longing / Desiderio) 2017 Western
CONCORSO dOCUMENTARI DOCUMENTARY COMPETITION
NuOSTABIEjI LŪzERIAI: kITA PLANETA
Wonderful Losers: A Different World
Arūnas Matelis
OuăLE LuI TARzAN
Tarzan’s Testicles
Alexandru Solomon
oVEr ThE LimiT
Marta Prus
PLAYINg MEN
Matjaž Ivanišin
sTrNaDoVi
A Marriage Story
Helena Třeštíková
ȚARA MOARTă
The Dead Nation
ULTra Balázs Simonyi
DrUGa sTraNa sVEGa
The other Side of Everything
Mila Turajlić
DRuŽINA
The Family
Rok Biček
Radu Jude
DrUGa sTraNa sVEGa
L’altro lato di ogni cosa / The Other Side of Everything
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Serbia - Francia - Qatar / Serbia - France - Qatar 2017, HD, col., 104’ v.o. serba / Serbian o.v.
Sceneggiatura, fotografia / Screenplay, Photography: Mila Turajlić. Montaggio / Editing: Sylvie Gadmer, Aleksandra Milovanović. Musica / Music: Jonathan Morali. Suono / Sound: Aleksandar Protić.
Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Dribbling Pictures.
Coproduzione / Co-produced by: Survivance, HBO Europe. In associazione con / In association with: Arte-WDR.
Con il sostegno di / Supported by: Serbian Film Center, Aide aux Cinémas du Monde, Eurimages, Doha Film Institute.
Mila Turajlić
È nata nel 1979 a Belgrado. Il Trieste FF ha presentato nel 2011 il suo Cinema Komunisto che ha vinto il premio come Miglior documentario della 22ma edizione. Mila Turajlić was born in 1979 in Belgrade. In 2011, the Trieste FF presented her Cinema Komunisto, which was awarded Best Documentary.
filmografia scelta / selected filmography 2010 Cinema Komunisto doc.; Premi / Awards: Trieste FF – Miglior Documentario / Best Documentary 2017 Druga strana svega (The Other Side of Everything) doc.; Premi / Awards: IDFA, Amsterdam – Miglior documentario / Best Feature-Length Documentary
Una porta chiusa per 70 anni in una casa tormentata dalla Storia. Miglior documentario all’IDFA di Amsterdam. “L’anima del film sono le conversazioni con mia madre ... È un dialogo tra madre e figlia, ma allo stesso tempo tra due persone adulte, ciascuna in una fase diversa della vita. Mia madre, una professoressa di elettrotecnica, divenne una figura pubblica durante le guerre civili degli anni ‘90, come voce critica contro il regime di Milošević. È stata un membro attivo del movimento della Resistenza e venne licenziata dall’Università di Belgrado per la sua franchezza ... Anche l’appartamento è in qualche modo un personaggio del film, in quanto la politica si è impadronita di questo spazio privato. Negli anni ‘20 mio bisnonno costruì l’edificio quando era Ministro della giustizia del Regno di Jugoslavia. Dopo la Seconda guerra mondiale, i comunisti nazionalizzarono la casa. Divisero il nostro appartamento in uno spazio abitabile da 4 famiglie e così chiusero alcune porte del soggiorno. 70 anni dopo, quelle porte sono ancora chiuse, cosicché la casa della mia infanzia è un vero e proprio ‘fronte’ politico, che testimonia letteralmente le divisioni della Serbia.” (M. Turajlić)
A door locked for 70 years in a house haunted by history. Best documentary at the latest IDFA in Amsterdam.
“The backbone of the film are my conversations with my mother ... It is a dialogue between a mother and daughter, but at the same time between two adults, each at a different stage in her life. My mother, a professor of electrical engineering, became a public figure as a critical voice against the regime of Milošević during the civil wars of the 1990s. She was an active member of the Resistance movement, and was fired from Belgrade University for her outspokeness … The apartment becomes a character in its own right, as the political invades this personal space. My great-grandfather built the building we live in in the 1920s, when he was the Minister of Justice of the Kingdom of Yugoslavia. In the aftermath of the Second World War the communists nationalised the house. They divided our apartment into living space for 4 families, and locked a set of doors in the living room. 70 years later, those doors remain locked, making my childhood home a veritable political front line, literally marking the divisions of Serbia.”
(M. Turajlić)
La Famiglia / The Family
Matej è nato in una famiglia di persone con problemi mentali, in un villaggio e in una terra dimenticata da Dio, ma il ragazzo è così unico nel suo genere - né diverso né normale - che non sembra essere toccato dalle pressioni dell’ambiente circostante. Tuttavia anche Matej è costretto a fare i conti con il destino, quando lui e la sua ragazza hanno una figlia e poco dopo si separano. La battaglia per la custodia della piccola diventa sempre più aspra...
Girato senza sceneggiatura, Družina è un esempio di cinéma vérité: il film segue per dieci anni il protagonista, i suoi sforzi e suoi tentativi per costruirsi una vita. Družina ha vinto il Premio della Semaine de la Critique del festival di Locarno, dove è stato presentato in anteprima.
Matej is born into a family of people with special needs in a God-forsaken village in a God-forsaken land, but is himself so one of a kind – neither different nor normal –that he seems to have completely escaped the pressures of his environment. Fate, nevertheless, catches up with him as he and his girlfriend have a daughter and their relationship collapses soon after. The custody battle ensues and is becoming ever nastier...
A film without a screenplay, Družina is a piece of cinéma vérité that covers a period of a whole decade of Matej’s attempts of living. Družina premiered at the Semaine de la Critique of Locarno Film Festival, where it won the main award.
Slovenia - Austria 2017, HD, col. 106’ v.o. slovena / Slovenian o.v.
Fotografia / Photography: Rok Biček.
Montaggio / Editing: Rok Biček, Yulia Roschina. Suono / Sound: Julij Zornik.
Interpreti / Cast: Matej Rajk, Nia Kastelec, Barbara Kastelec, Alenka Rajk, Boris Rajk, Mitja Rajk, Ivka Gruden, Emanoela Škulj, Robert Krese, Aleksej Kastelec, Estera Dvornik, Gabrijela Simetinger.
Produzione / Produced by: Cvinger film.
Coproduzione / Co-produced by: RTV Slovenija, Zwinger Film.
Con il sostegno di / Supported by: Slovenian Film Centre, Austrian Film Institut.
Distribuzione internazionale / World Sales: Syndicado.
Rok Biček È nato nel 1985 a Novo Mesto, ora Slovenia. Il Trieste FF ha presentato il suo primo lungometraggio Razredni sovražnik (Class Enemy).
Rok Biček was born in 1985 in Novo Mesto, now Slovenia. The Trieste FF presented his first feature Razredni sovražnik (Class Enemy).
filmografia scelta / selected filmography
2010 Lov na race cm / sf 2013 Razredni sovražnik (Class Enemy); Premi / Awards: Venezia, Settimana della Critica – Premio Fedeora / Venice, Critics’ Week – Fedeora Prize 2017 Družina (The Family); Premi / Awards: Locarno, Semaine de la Critique –Miglior film / Best Film
NuOSTABIEjI LŪzERIAI: kITA PLANETA
Wonderful Losers: A Different World
Sceneggiatura / Screenplay: Arūnas Matelis, Edita Pučinskaitė. Fotografia / Photography: Mark Olexa, Ivars Zviedris, Simone Rivoire, Giordano Bianchi, Valdis Celmins, Audrius Kemežys, Giacomo Becherini, Paolo Beniti, Vincent O’Callaghan, Arūnas Matelis.
Montaggio / Editing: Mirjam Jegorov con la collaborazione di / in collaboration with Gatis Belogrudovs. Musica / Music: Alberto R Lucendo.
Suono / Sound: Raf Enckels.
Interpreti / Cast: Daniele Colli, Svein Tuft, Paolo Tiralongo, Jos Van Emden, Elena Della Valle, Massimo Branca, Giovanni Tredici.
Produzione / Produced by: Studio Nominum.
Coproduzione / Co-produced by: Stefilm, DOK Mobile, Associate Directors, VFS Films, Dearcan Media, Planet Korda Pictures, SUICAFilms.
Con il sostegno di / Supported by: Trentino Film Commission, Piemonte Doc Film Fund - Fondo Regionale per il documentario, FVG Film Commission, Apulia Film Commission, Vicenza Film Commission, Lithuanian Film Centre, Creative Europe, Lietuvos Respublikos kultūros ministerija, Vlaams Audiovisueel Fonds, National Film Centre of Latvia.
Distribuzione internazionale / World Sales: Deckert Distribution.
Distribuzione per l’Italia / Distributed in Italy by: Stefilm.
Lituania - Italia - Svizzera - BelgioLettonia - Regno UnitoIrlanda - Spagna / Lithuania - ItalySwitzerland - Belgium - LatviaUK - Ireland - Spain 2017, HD, col., 71’ v.o. italiana - inglese - olandese / Italian - English - Dutch o.v.
Arūnas Matelis
Noto regista di documentari e produttore, è nato nel 1961 a Kaunas, in Lituania. Di lui il Trieste FF ha presentato nel 2004, in concorso cortometraggi, Sekmadienis. Evangelija pagal liftininką Albertą. Acclaimed documentary film director and producer, Arūnas Matelis was born in 1961 in Kaunas, Lithuania. The Trieste FF presented in 2004, in the short film competition, his Sekmadienis. Evangelija pagal liftininką Albertą.
filmografia scelta / selected filmography 1989 Pelesos milžinai doc. cm / sf 1993 Autoportretas doc. cm / sf 2003 Sekmadienis. Evangelija pagal liftininką Albertą doc. cm / sf 2005 Prieš parskrendant į žemę (Before Flying Back to Earth) doc.; Premi / Awards: IDFA, Amsterdam – Miglior documentario mediometraggio / Best Mid-Length Documentary 2017 Nuostabieji lūzeriai: Kita Planeta (Wonderful Losers: A Different World) doc.; Premi / Awards: Varsavia IFF –Miglior documentario / Warsaw IFF – Best Documentary
ARŪNAS MATELIS
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Per gli spettatori, i ciclisti che corrono in fondo alla gara sono semplicemente i perdenti. Sono chiamati portatori d’acqua, servitori, gregari, i ‘Sancho Panza’ del ciclismo professionale. Non hanno diritto a vittorie personali, ma sacrificano le loro carriere per aiutare i compagni di squadra. Arūnas Matelis li ha seguiti per 7 anni, durante il Giro d’Italia. Seguiamo la corsa assieme ai medici del Giro, da una piccola auto ambulanza circondata da ciclisti feriti. La vita dei medici in gara ricorda quella sul fronte di guerra. I ciclisti si schiantano, si alzano e poi corrono di nuovo. E durante questa lotta, questo combattimento, accadono molte cose magnifiche. Miglior documentario all’ultima edizione del festival di Varsavia.
For spectators, cyclists in the back of the race are simply the losers. They are called water carriers, domestics, gregarios, and Sancho Panzas of professional cycling. They have no right to personal victories - these sportsmen sacrifice their careers to help their teammates. Arūnas Matelis followed them for 7 years during the prestigious “Giro d’Italia”. We follow the race from the point of view of the doctors’ team situated in a claustrophobically small medical car surrounded with wounded cyclists. The life of the medical team in race reminds one on the frontline of war. Cyclists crash, rise and race again. And amongst this fight, many magnificent things happen. Best documentary at the latest Warsaw Film Festival.
OuăLE LuI TARzAN
I testicoli di Tarzan / Tarzan’s Testicles
Sukhumi è la capitale dell’Abcasia, una piccola repubblica non riconosciuta sulle rive del Mar Nero. Sulla sua collina più alta si trova un istituto medico di ricerca sulle scimmie, fondato dai sovietici negli anni Venti. La leggenda vuole che venne fondato per creare un ibrido tra uomo e scimmia. Questa creatura non è mai venuta alla luce, come neppure l’Uomo Nuovo comunista. Oggi l’uomo e le scimmie sono ‘ingabbiati’ in un territorio devastato dalla guerra e da decenni di crudeltà, entrambe vittime di una serie fallita di esperimenti. In concorso documentari all’ultima edizione del festival di Karlovy Vary.
“Questo film ci porta in un paese che non esiste nelle mappe internazionali. È nato dalle ceneri di un sistema che doveva portare all’umanità solo felicità: il comunismo sovietico. Nella capitale di questo paese ci sono resti di un’altra utopia, la Scienza, che avrebbe dovuto risolvere tutti nostri problemi. Ma niente di tutto ciò è mai accaduto ... Gli animali vivono in gabbia, senza ormai più nessuno scopo. E la gente vive in un limbo, tra i ricordi di una tragica guerra e un presente che non offre molto.” (A. Solomon)
Sukhumi is the capital of Abkhazia, a tiny, unrecognized republic on the shores of the Black Sea. On its highest hill lies a medical institute of research on monkeys, established by the Soviets in the 1920’s. The legend states it was meant to create a hybrid between man and ape. This creature never came to life, nor has the communist New Man. Today, man and monkeys are caged in territory ravaged by war and decades of cruelty, both victims of a failed series of experiments. In documentary competition at the latest Karlovy Vary International Film Festival.
“This film takes us to a country that doesn’t exist on international maps. It was born from the ashes of a system supposed to bring only happiness to humanity: Soviet communism. In the capital of this country lies a relic of another utopia: that of Science, which was meant to solve the rest of our problems. None of this happened ... Animals are brought to life in cages, with no other end in sight. And people live in a limbo, stuck between the memories of a savage war and a present that doesn’t offer much.”
(A. Solomon)
Romania - Francia / Romania - France 2017, HD, col. & b-n / b-w, 107’ v.o. russa - abcasa / Russian - Abkhazian o.v.
Con il sostegno di / Supported by: Romanian CNC, Aide au Cinemas du Monde – CNC (France), Eurometropole de Strasbourg, Eurimages, Media Program of the EU, Procirep-Angoa. Distribuzione internazionale / World Sales: Deckert Distribution.
Alexandru Solomon Uno dei più importanti registi rumeni di documentari, è nato nel 1966 a Bucharest. Di lui il Trieste FF ha presentato diversi lavori, fra cui nel 2011 Kapitalism – rețeta noastră secretă.
Acclaimed Romanian documentary filmmaker, Alexandru Solomon was born in 1966 in Bucharest. The Trieste FF during the years presented several of his works; among them Kapitalism – rețeta noastră secretă (Kapitalism - Our Improved Formula) in 2011
filmografia scelta / selected filmography 1994 Duo pentru Paoloncel și Petronom cm / sf 1997 Pàznic de cetàte doc. 1999 Viàță de caine doc. 2001 Omul cu o mie de fete doc. 2002 Franzèlă exilului doc. 2004 Marele jaf comunist (The Great Communist Bank Robbery) doc. 2007 Război pe calea undelor doc. 2008 Apocalipsa după șoferi doc. 2010 Kapitalism – Rețeta Noastră Secretă (Kapitalism - Our Improved Formula) doc. 2016 România: Patru Patrii doc. 2017 Ouăle lui Tarzan (Tarzan’s Testicles) doc.
BORN IN TRIESTE
oVEr ThE LimiT
Oltre il limite
PLAYINg MEN
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Uomini che giocano
Polonia - Germania - Finlandia / Poland - Germany - Finland 2017, HD, col., 74’ v.o. russa / Russian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Marta Prus.
Fotografia / Photography: Adam Sebastian Suzin. Montaggio / Editing: Maciej Pawliński. Suono / Sound: Maciej Pawłowski. Produzione / Produced by:
Con il sostegno di / Supported by: ARTE, YLE, TVP.
Distribuzione internazionale / World Sales: Autlook Filmsales.
Marta Prus
Diplomata in regia di documentari alla Wajda School, è nata nel 1987 a Varsavia.
Graduated from documentary course at Wajda School, Marta Prus was born in 1987 in Warsaw.
filmografia scelta / selected filmography 2010 Vakha Magomed cm / sf doc. 2013 Osiemnastka cm / sf doc. 2015 Mów do mnie cm / sf doc. 2017 Over the Limit doc.
Margarita Mamun, famosa ginnasta russa, si sta allenando per diventare una campionessa olimpionica. È l’anno più importante della sua carriera e l’ultima occasione per conquistare la medaglia d’oro alle Olimpiadi. Il film ci dà un ritratto affascinante di una giovane donna che sta disperatamente cercando di gestire le proprie ambizioni e le aspettative del sistema ufficiale russo di preparazione atletica. Offre uno sguardo esclusivo sul mondo nascosto delle super-ginnaste e sul triangolo formato dalla giovane ginnasta e suoi due allenatori. In concorso all’ultima edizione dell’IDFA di Amsterdam.
Margarita Mamun, an elite Russian rhythmic gymnast, is struggling to become an Olympic champion. It is the most important year of her career and her last chance to achieve the ultimate goal, the gold Olympic medal. The film creates a captivating portrait of a young woman who is desperately trying to handle her own ambitions and meet the expectations of the official Russian training system. It offers an exclusive access to the hidden world of the elite gymnastics and a unique insight into the triangle between the young sportswoman and her two trainers.
In competition at the latest edition of IDFA in Amsterdam.
Tutti sanno che il gioco è una cosa seria. Il regista Matjaž Ivanišin ne è convinto e ha scelto di portarci in un mondo rigorosamente maschile. Vediamo uomini colpire sacchi da boxe in un luna park, lottare gli uni avvinghiati agli altri fino a che le spalle degli avversari non toccano terra, fare a gara nel lanciare pesanti forme di formaggio in un villaggio del sud Italia, o giocare a morra in Slovenia e in Sardegna... Sia gli sport nobili che passatempi da bar, sia le attività del tempo libero che divertimenti più aggressivi e un po’ violenti, hanno tutti chiaramente un sapore arcaico. Questo significa che il film è solo un repertorio di giochi virili e delle loro origini antiche sparse in angoli remoti del Mediterraneo? Durante le riprese del documentario, il regista entra in crisi creativa e ne interrompe la produzione...
Presentato in diversi festival europei, fra cui quello di Sarajevo, Playing Men è stato premiato come Miglior documentario al Festival del cinema sloveno di Portorose.
Everybody knows that playing is a serious matter. Director Matjaž Ivanišin is confident about that, and he has chosen to take us to a strictly male world. We get to see men striking punching bags at a funfair, clinching at each other roughly until the shoulders of their opponents touch the ground, trying to excel at throwing heavy rounds of cheese in a southern Italian village, or in the game of “morra” which is played both in Slovenia and in Sardinia... Either sports deemed noble or tavern hobbies, peaceful leisure activities or amusements infused with barely contained violence, all these games clearly have a touch of archaism about them. Does this mean that the film is just an inventory of manly representations and their ancient roots in these remote corners of the Mediterranean? During the filming of a documentary, the director falls into a creative crisis. He stops the production...
Presented in several European festivals, including Sarajevo, Playing Men was awarded Best Documentary at the Festival of Slovenian Film in Portorož.
Slovenia - Croazia / Slovenia - Croatia 2017, 16mm & 8mm, col. & b-n / b-w, 60’ v.o. italiana - croata - slovena - tedesca / Italian - Croatian - Slovenian - German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Matjaž Ivanišin.
Fotografia / Photography:
Gregor Božič.
Montaggio / Editing: Matic Drakulić.
Suono / Sound: Ivan Antić, Borna Buljević. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Nosorogi.
Coproduzione / Co-produced by: Restart.
Con il sostegno di / Supported by: Slovenski Filmski Center, VIBA Film, Croatian Audiovisual Centre.
Matjaž Ivanišin È nato nel 1981 a Maribor, in Slovenia. Nel 2010 il Trieste FF ha presentato il suo documentario Šentilj - Spielfeld, mejni prehod, ki ga ni več.
Matjaž Ivanišin was born in 1981 in Maribor, Slovenia. In 2010 the Trieste FF presented his documentary Šentilj - Spielfeld, mejni prehod, ki ga ni več.
filmografia scelta / selected filmography 2002 Che Sara cm / sf doc. 2005 Quick View cm /sf 2009 Šentilj - Spielfeld, mejni prehod, ki ga ni več doc. 2013 Karpopotnik doc. / experimental 2014 Hiške doc. (diretto con / directed with Darko Sinko) 2017 Vsaka dobra zgodba je ljubezenska zgodba doc. (diretto con / directed with Rajko Grlić); Playing Men doc.
Fotografia / Photography: David Cysař, Vlatimil Hamerník, Jan Malíř, Miroslav Souček, Ervín Sanders, Jiří Chod, Robert Novák, Antonín Kutík. Montaggio / Editing: Jakub Hejna.
Suono / Sound: Richard Müller.
Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Negativ.
Coproduzione / Co-produced by: Czech Television.
Con il sostegno di / Supported by: State Cinematography Fund (CZ).
Helena Třeštíková
È nata a Praga nel 1949. Documentarista di fama internazionale, si distingue per il metodo del “film di osservazione a lungo termine” con cui ha realizzato gran parte dei suoi lavori. Alla Třeštíková, il Trieste Film Festival ha dedicato un omaggio nel 2010.
Helena Třeštíková born in 1949, in Prague, is an internationally renowned documentary filmmaker. Třeštíková stands out for her method of “long-term observation film” with whom she made all of her works. In 2010, the Trieste Film Festival has dedicated a tribute to her cinema.
filmografia scelta / selected filmography 1987 Manželské etudy serie doc. / doc. series 1992-1997 Řekni mi něco o sobě serie doc. / doc. series 1994-1997 Gen a Genus serie doc. / doc. series 1998 Sladké století doc. TV 2001-2002 Ženy na přelomu tisíciletí serie doc. / doc. series 2003 Když musíš tak musíš serie doc. / doc. series 2008 René doc.; Premi / Awards: European Film Academy - Miglior Documentario / Best Documentary 2012 Soukromý vesmír doc. 2013 Život s Kašparem doc. 2016 Zkáza krásou doc. (diretto con / directed with Jakub Hejna) 2017 Strnadovi (A Marriage Story) doc.
HELENA TřEšTíkOVá
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Nei 35 anni di vita di una coppia, accadono molte cose, dai momenti di armonia assoluta a quelli più dolorosi. Per la maggior parte del tempo, la coppia si occupa di faccende quotidiane, dei piaceri e dispiaceri nel crescere i figli, nel gestire la casa o l’impresa di famiglia. Questa è la vita di Ivana e Vaclav Strnad, proprietari di un negozio di mobili che la regista Helena Třestíková segue con la sua macchina da presa fin dal 1980, nell’ambito del progetto Manželské etudy Il Trieste FF ha presentato nel 2010 i primi due episodi del progetto, Manželské etudy. Ivana a Vaclav (Storie matrimoniali. Ivana e Vaclav 1987) e Manželské etud po dvaceti letech. Ivana a Vaclav (Storie matrimoniali vent’anni dopo. Ivana e Vaclav 2006).
“La scelta della famiglia Strnad per questo film è stata una scelta fatta assieme ai produttori: ci è sembrato che molti argomenti importanti si riflettessero nella storia di questa famiglia. Oltre al matrimonio, c’è il rapporto con figli, la fede nelle proprie capacità e la determinazione nel prendere la vita nelle proprie mani e nel gestire l’azienda di famiglia. Ciò che abbiamo trovato interessante è stata la loro capacità unica di rifletterci sopra, apertamente e onestamente.” (H. Třestíková)
In the 35 years of one couple’s shared life, a lot of things happen: from the moments of absolute harmony to the dramatic falls. For most of the time, the couple deals with the daily life issues and joys that come together with raising the children, running the household or running a business. This is the life of furniture shop owners Ivana and Vaclav Strnad, two characters that director Helena Třestíková follows with her camera from the year 1980, within Manželské etudy project. In 2010 the Trieste FF presented the first two episodes of the project: Manželské etudy. Ivana a Vaclav (Marriage Stories. Ivana and Vaclav 1987) and Manželské etud po dvaceti letech. Ivana a Vaclav (Marriage Stories, Twenty Years Later. Ivana and Vaclav 2006).
“Choosing Strnad’s family for this film was our joint choice together with the producers. It seemed that several important topics were reflected in the story of this family. Besides matrimonial relationships, there are relationships with children, belief in their own abilities and determination to take life into their own hands and to take over the business. What we found interesting as well, was their unique ability to reflect it openly and honestly.” (H. Třestíková)
ȚARA MOARTă
La nazione morta / The Dead Nation
Țara moartă è un documentario-saggio, che presenta una sbalorditiva collezione di fotografie di una cittadina rumena negli anni Trenta e Quaranta. Il sonoro, composto soprattutto da estratti dal diario di un medico ebreo vissuto nello stesso periodo, ci mostra invece quello che le fotografie non fanno: l’ascesa dell’antisemitismo e una sconvolgente descrizione dell’Olocausto in Romania, un argomento di cui non si parla molto nella società rumena.
“Questo è il mio film più apertamente politico e filosofico. Politico, perché tocca un tema che solitamente non è affrontato nella nostra società: l’antisemitismo e l’uccisione di massa degli ebrei durante la guerra, soprattutto sul fronte orientale … Ho sentito il desiderio di affrontare questo argomento, perché sono rumeno e sento che sia importante e urgente parlarne, dal momento che assistiamo al ritorno di movimenti estremisti in tutta l’Europa. È anche un film filosofico, un esempio particolare di film basato su materiali d’archivio, che cerca di mostrare i limiti e problemi della rappresentazione visiva della realtà, soprattutto della Storia.” (R. Jude)
Țara moartă is a documentary-essay, which shows a stunning collection of photographs from a Romanian small town in the 1930’s and 1940’s. The soundtrack, composed mostly from excerpts taken from the diary of a Jewish doctor from the same era, shows us what the photographs do not: the rising of the anti-Semitism and eventually a harrowing depiction of the Romanian Holocaust, a topic which is not very talked about in the contemporary Romanian society.
“This is my most overt political and philosophical film. It is political, because it touches a theme which is not usually addressed in our society: the anti-Semitism and the mass killing of the Jewish population during the war, especially on the Eastern front … felt the need to address this subject, because I am a Romanian and I feel it is an important and urgent theme, since we see the return of extremism in the whole Europe. It is also a philosophical film, a special kind of found-footage film, which tries to show the limits and the problems of the visual representation of reality, especially of History.” (R. Jude)
Romania 2017, HD, b-n / b-w, 83’ v.o. rumena / Romanian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Radu Jude.
Fotografie / Photos: Costică Acsinte.
Montaggio / Editing:
Cătălin Cristuțiu.
Consulente musicale / Musical Supervisor: Angela Niță.
Suono / Sound: Dana Bunescu.
Supervisione tecnica / Technical Supervisor: Marius Panduru.
Testi / Texts: Emil Dorian.
Produzione / Produced by: Hi Film Productions.
Coproduzione / Co-produced by: Fast Film.
Con il sostegno di / Supported by: Romanian Film Fund, Orange Romania.
Distribuzione internazionale / World Sales: Taskovski Films.
Radu Jude È nato nel 1977 a Bucarest. Il Trieste FF ha presentato molti dei suoi film precedenti, fra cui anche l’ultimo Inimi cicatrizate (Scarred Hearts).
Radu Jude was born in 1977 in Bucharest. The Trieste FF has presented a number of his previous films, among them his latest feature Inimi cicatrizate (Scarred Hearts). filmografia scelta / selected filmography 2006 Lampa cu căciulă cm / sf; Premi / Awards: Sundance FF – Premio per la regia di cortometraggi / Short Filmmaking Award; Trieste FF – Miglior cortometraggio / Best Short Film 2009 Cea mai fericită fată din lume 2012 Toată lumea din familia noastră 2013 O umbră de nor cm / sf 2014 Trece și prin perete cm / sf 2015 Aferim! Premi / Awards: Berlinale – Orso d’argento per la Miglior regia / Silver Bear as Best Director 2016 Inimi cicatrizate (Scarred Hearts) 2017 Țara moartă doc.
v.o. francese - ungherese - tedesca - ingese / French - Hungarian - German - English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Balázs Simonyi.
Fotografia / Photography: Csaba Hernáth.
Montaggio / Editing: Thomas Ernst.
Musica / Music:
Balázs Alpár.
Suono / Sound:
Peter Benjamin Lukacs.
Interpreti / Cast:
Balázs Simonyi, Béla Szabó, Judit Tancsics, Annett Bahlcke, Herbert Ziefle, Angel Pallaruelo, Gilles Pallaruelo.
Produzione / Produced by: SpeakEasy Project.
Coproduzione / Co-produced by: HBO Europe, Rea Apostolides, Anemon Productions.
Distribuzione internazionale / World Sales: CAT&Docs.
Balázs Simonyi
Regista e produttore, è nato nel 1980 a Budapest.
Film director and producer, Balázs Simonyi was born in 1980 in Budapest.
filmografia scelta / selected filmography
2003 (Terep)Szemle cm / sf 2006 Originál Láger cm /sf 2008 Mandarin cm / sf 2009 Out-and-outer doc. 2011 Finale cm / sf 2012 Abducted. Reminiscences of Five Former Child Soldiers doc. 2016 Indián cm / sf 2017 Ultra doc.
Ogni anno atleti provenienti da tutto il mondo prendono parte alla Spartathlon, una delle gare più prestigiose e impegnative. La ‘storica’ distanza di 246 km fra Atene e Sparta dev’essere percorsa entro 36 ore. Gli atleti e lo stesso regista, Balázs Simonyi, hanno ognuno dei motivi personali per partecipare all’ultra maratona. Nessuno di essi è in grado di sapere se riusciranno a finirla, però sanno che è fondamentale cercare di farcela e raggiungere forse l’impossibile. In concorso all’ultimo festival di Sarajevo.
“Questo è un film molto personale, forse il più personale di tutti. Essendo sia il regista che uno dei protagonisti, ho fatto uno sforzo enorme per realizzarlo: questo perché l’argomento principale, la corsa, e tutto ciò che l’accompagna sono fondamentali per me ... Ho finito la Spartathlon quattro volte, e ogni volta è stata un’esperienza indimenticabile. Ho pensato a come avrei potuto realizzare un documentario creativo su questa gara che rappresenta per me una profonda metafora della vita. Questa gara non è tanto una conquista sportiva ma un esercizio per controllare il mio dolore, miei problemi e allenare la mia mente e il mio spirito sulla lunga distanza.” (B. Simonyi)
Year by year runners from around the world participate in one of the most prestigious and challenging of races, the Spartathlon. A historic distance of 246 km from Athens to Sparta within 36 hours. The protagonists and the director, Balázs Simonyi all have their own personal reasons for joining the extreme run. None of them know if they will ever be able to fulfil but they do know that it is crucial for them to try and maybe reach the impossible. In competition at the latest edition of Sarajevo Film Festival.
“This is a very personal movie, maybe as personal as it can be. By being the director and also one of the protagonists, I put an enormous effort to make this film, because the topic and its side-topics are essential for me ... I finished the Spartathlon 4 times, and each time it was a lifetime experience. I started thinking how could I make a creative documentary about this race which is a deep metaphor of life to me. This race is not a sport achievement but an exercise to release my pain, problems and train my faith on the long road.” (B. Simonyi)
CONCORSO CORTOMETRAGGI
ShORT FILM COMPETITION
60 KiLo NiCZEGo
60 Kilos of Nothing Piotr Domalewski
aNTiGoNE
Martin Dangov aria
Myrsini Aristidou
BOgDAN I RÓŻA
Bogdan and Rose
Milena Dutkowska
BY THE POOL Laurynas Bareiša
cOPA-LOcA
Christos Massalas
EiGhTh CoNTiNENT
Yorgos Zois
FrEiBaDsiNFoNiE
Blue Summer Symphony
Sinje Köhler
gRANIŢE
Borders
Andra Chiriac
kATÀPSYXI
Freezer
Dimitris Nakos
miss sUEÑo
Radu Potcoavă
POLA
Edyta Rembała sChEiDEWEG
Teenage Threesome Arkadij Khaet u PLAVETNILO into the Blue
Sceneggiatura / Screenplay: Piotr Domalewski. Fotografia / Photography: Bartosz Świniarski. Montaggio / Editing: Piotr Kmiecik. Suono / Sound: Anna Rok, Sebastian Włodarczyk. Scenografia / Art Director: Radosław Zielonka. Costumi / Costume Designer: Sandra Kowalska. Interpreti / Cast: Grzegorz Damięcki, Artem Manuilov, Andrzej Grabowski, Artur Krajewski, Jakub Wieczorek, Tomasz Schuchardt. Produzione / Produced by: Munk Studio Polish Filmmakers Association. Coproduzione / Co-produced by: Silver Frame. Con il sostegno di / Supported by: Polish Film Institute.
Sceneggiatura / Screenplay: Martin Dangov. Fotografia / Photography: Preslav Belev. Montaggio / Editing: Stoyan Velinov, Ivaylo Penchev. Musica / Music: Joana Petrova. Suono / Sound: Martin Nazlamov. Scenografia, costumi / Art Director, Costume Designer: Nevena Georgieva. Interpreti / Cast: Miroslava Gogovska, Ivan Terziev. Produzione / Produced by: Concept Studio. Coproduzione / Co-produced by: Screening Emotions. Bulgaria, 2017, HD, col. 14’, v.o. bulgara / Bulgarian o.v.
Cipro - Francia / Cyprus - France, 2017, HD, col. 14’ v.o. greca - cinese / Greek - Chinese o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Myrsini Aristidou. Fotografia / Photography: Federico Martin Cesca. Montaggio / Editing: Myrsini Aristidou, Alexandre Donot. Musica / Music: Leonardo Heblum. Suono / Sound: Vangelis Zelkas, Xavier Thieulin. Scenografia / Art Director: Michalis Samiotis. Costumi / Costume Designer: Elena Vaphea. Interpreti / Cast: Chrysa Platsatoura, Yiannis Stankoglou, Audrey Giacomini, Takis Spyridakis. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: 1.61 Films. Coproduzione / Co-produced by: Topshot Films. Con il sostegno di / Supported by: The Spike Lee Film Production Fund, Canal+, CNC, Region Île de France, Ministry of Education and Culture of Cyprus.
BOgDAN I RÓŻA
Bogdan e Rosa / Bogdan and Rose
miLENa DUTKoWsKa
Polonia / Poland, 2017, HD, col. 15’, senza dialoghi / no dialogue
Sceneggiatura, scenografia, produzione / Screenplay, Art Director, Produced by: Milena Dutkowska. Fotografia / Photography: Igor Połaniewicz. Montaggio / Editing: Patrik Eriksson. Musica, suono / Music, Sound: Adam Sypka. Costumi / Costume Designer: Weronika Krupa. Interpreti / Cast: Maria Ciunelis, Jerzy Rogalski. Distribuzione internazionale / World Sales: KFF Sales & Promotion.
Una fredda mattina in una cava, Krzysztof inizia il suo primo giorno da dirigente. Per sopravvivere con gli operai, sentendosi in mezzo a loro come un pesce fuor d’acqua, ha intenzione di mantenere la disciplina con mano ferrea. Ma un incidente inaspettato a uno dei lavoratori mette alla prova suoi principi morali. Si renderà conto che è facile essere fermi quando le circostanze lo permettono, ma è difficile combattere le cose quando non vanno, soprattutto se le conseguenze possono essere drammatiche per noi.
A cold morning in a mine. Krzysztof is starting his first day as a manager. To survive in this community of blue collar workers, where he clearly does not fit in, he plans to maintain discipline with an iron hand. But an unexpected accident with one of the workers puts his moral principles at trial. He will realise that it’s easy to be firm in good circumstances, but it’s hard to oppose wrongdoing when the consequences can be dramatic to us.
Quando il padre muore Stanka, che si guadagna da vivere facendo la sarta, si rende conto di non avere abbastanza denaro per il funerale. Si rivolge allora alle istituzioni per cercare aiuto, ma tutti si rifiutano di darle una mano. Con le spalle al muro, la giovane donna s’inventa una soluzione ‘alternativa’ per seppellire il genitore.
When Stanka’s father passes away, the poor seamstress doesn’t have the money for the funeral. She turns for help to the institutions, but they refuse to cooperate. With her back against the wall, Stanka makes a surprising decision to deal with the situation.
Atene, oggi. La diciassettenne Aria, che lavora da Jimmy un locale dove si mangia kebab, sta aspettando il padre per una lezione di guida. Quando finalmente l’uomo arriva, non è per un giro in macchina: al contrario, le affida una giovane immigrata cinese che non parla una parola di greco o d’inglese.
In concorso all’ultima Mostra del cinema di Venezia. Athens, today. Seventeen-year-old Aria, who is working at Jimmy’s local kebab place is waiting for a driving lesson with her father. When he finally arrives, it is not to go for a drive; on the contrary, he confides in her the care of a young Chinese immigrant who speaks neither Greek nor English.
In competition at the latest Venice Film Festival.
Bogdan e Rosa sono una vecchia coppia sposata da molto tempo. Vivono insieme in un’unica stanza, lavorano nella stessa mensa scolastica ma non si rivolgono più la parola. La loro vita è fatta di silenzi e dispetti quotidiani.
Bogdan and Rose are an old married couple. They have been living together in one room, working at the same school’s canteen, but they don’t speak to each other. Their life is filled with silence and daily reciprocal malice.
Piotr Domalewski
Attore e regista, è nato nel 1983 a Łomża, in Polonia. Actor and director, Piotr Domalewski was born in 1983 in Łomża, Poland. filmografia scelta / selected filmography 2013 Obcy cm / sf 2015 Chwila cm / sf 2017 60 kilo niczego cm / sf; Cicha Noc
Martin Dangov
È nato nel 1993 a Sofia, in Bulgaria. Martin Dangov was born in 1993 in Sofia, Bulgaria. filmografia scelta / selected filmography
2014 Nature/non/morte cm / sf doc. 2015 Day For a Visit cm / sf 2017
Antigone cm / sf
Myrsini Aristidou
È nata a Limassol, in Cipro. Nel 2017 si è diplomata in regia cinematografica alla NYU Tisch School of the Arts.
Myrsini Aristidou was born in Limassol, Cyprus. She graduated in Film Directing from NYU Tisch School of the Arts in 2017.
filmografia scelta / selected filmography
2014 Ma’ cm / sf doc. 2015 Semele cm / sf 2017 Aria cm / sf
Milena Dutkowska
È nata nel 1986 e frequenta il terzo anno della Scuola di cinema di Katowice, in Polonia.
Milena Dutkowska was born in 1986. Currently she is in her third year of directing at the Katowice Film School in Poland.
2014 Dzień dobry cm / sf 2016 Zagraj ze mną cm / sf 2017 Bogdan Róża cm / sf
Sceneggiatura, montaggio / Screenplay, Editing: Laurynas Bareiša. Fotografia / Photography: Narvydas Naujalis. Suono / Sound: Julius Grigelionis. Scenografia / Art Director: Sigita Šimkunaitė. Costumi / Costume Designer: Fausta Naujalė. Interpreti / Cast: Karolina Kildaitė, Kamilė Maksvytytė, Danas Kavaliauskas, Jolanta Dapkunaitė, Paulius Markevičius, Mantas Šalkauskas. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Afterschool.
Sceneggiatura, montaggio, scenografia, produzione / Screenplay, Editing, Art Director, Produced by: Christos Massalas. Fotografia / Photography: Konstantinos Koukoulios. Musica / Music: Σtella. Suono / Sound: Dimitris Kanellopoulos, George Ramantanis. Costumi / Costume Designer: Marli Aliferi. Interpreti / Cast: Elsa Lekakou, Jenny Hiloudaki, Pavlos Iordanopoulos, Talat Iqbal, Stathis Stamoulakatos, Michalis Pitidis, Fotis Stratigos, Nadia Katsoura, Panos Iosifidis, George Ramantanis, Jon Simvonis. Coproduzione / Co-produced by: Heretic. Con il sostegno di / Supported by: Greek Film Centre. Distribuzione internazionale / World Sales: Heretic Outreach.
EiGhTh CoNTiNENT
Un gruppo di adolescenti affitta una casa con sauna per fare una festa. Tutti si divertono, ballano, cantano, bevono e chiacchierano. La festa finisce e tutti se ne vanno. Al mattino il personale addetto alle pulizie trova nello spogliatoio una ragazza in cerca del bottone dei suoi pantaloni strappati.
In concorso alla Mostra del cinema di Venezia.
“... Un evento tragico presentato dal punto di vista di un gruppo piuttosto che da quello di un singolo personaggio...” (L. Bareiša)
A group of teenagers rent a house with a sauna for a party. Everybody is having a good time: dancing, singing, drinking, talking. The party ends and everybody leaves, but in the morning the house keepers come to clean the place and in the dressing room they find a girl who is trying to find a button of her ripped up trousers. In competition at the latest Venice Film Festival.
“... A tragic event is depicted from the perspective of a group rather than concentrating on a single character personal point-of-view...”
(L. Bareiša)
Laurynas Bareiša
È nato nel 1988 a Kaunas in Lituania. Il suo corto Kupranugaris è stato presentato in concorso all’ultima edizione del Trieste FF / Laurynas Bareiša was born in 1988 in Kaunas, Lithuania. His short Kupranugaris was in competition at the latest Trieste FF. 2014 Dembava cm / sf 2016 Kupranugaris cm / sf 2017 By the Pool cm / sf
Questa è la storia di Copa-Loca, un villaggio vacanze estivo greco abbandonato. Paulina è la ragazza al centro di Copa-Loca. Ognuno si preoccupa di lei e Paulina si prende cura di tutti, in ogni modo possibile. Presentato alla Quinzaine des Réalisateurs dell’ultimo festival di Cannes.
“Copa-Loca è un resort estivo abbandonato, un ‘paese delle meraviglie’ caduto poi a pezzi. Risale ai miei primi ricordi estivi, gli anni ’90 in Grecia … Sembrava la ‘terra promessa’ dell’età adulta: un’estate senza fine che galleggiava nelle granatine, che bruciava sotto un sole che rendeva tutti più belli.”
(C. Massalas)
This is the story of Copa-Loca, an abandoned Greek summer resort. Paulina is the girl at the heart of Copa-Loca. Everyone cares for her and she cares about everyone – in every possible way. Presented at the latest Director’s Fortnight in Cannes.
“Copa-Loca is an abandoned summer resort; a ‘wonderland’, that has fallen apart. It evolved from my early memories of summer, growing up in the 90s in Greece ... This seemed like the “promised land” of adulthood: a never-ending summer, floating in grenadine, burning under a hedonistic sun.”
(C. Massalas)
Christos Massalas
Regista greco, è nato nel 1986 / Greek film director, Christos Massalas was born in 1986.
filmografia scelta / selected filmography
2011 Make Up cm / sf 2013 Bon-Bon cm / sf 2016 Flowers and Bottoms cm / sf 2017 Copa-Loca cm / sf
yorGos Zois
/ no dialogue
Sceneggiatura / Screenplay: Yorgos Zois. Fotografia / Photography: Stelios Pissas. Montaggio / Editing: Yannis Chalkiadakis. Musica / Music: Thaleia Ioannidou. Suono / Sound: Alexandros Sidiropoulos, Aris Louziotis. Interpreti / Cast: Pavlos Iordanopoulos. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Squared Square. Coproduzione / Co-produced by: Mild, Foss Productions, Faliro House, Authorwave, Milk Audio, Cosmote TV. Con il sostegno di / Supported by: Greek Film Centre.
Nell’isola di Lesbo, su una montagna con due grandi crateri c’è una discarica abbandonata. crateri traboccano di migliaia di giubbotti di salvataggio usati dai rifugiati. Il posto sembra essere un pianeta alieno o un nuovo continente e l’unico suo abitante è un uomo che ci lavora. Presentato fuori concorso all’ultima Mostra del Cinema di Venezia. “Il cimitero dei giubbotti di salvataggio è un moderno monumento del nostro mondo assurdo. Non rappresenta solo la conseguenza dell’imponente spostamento di popoli del XXI secolo, ma ci perseguita con immagini che scavano dentro la nostra esistenza portando con sé un senso universale della vita che va oltre le notizie del giorno.” (Y. Zois)
In Lesvos island lies an abandoned dump on a mountain with two big craters. The craters are overflown by thousands of life jackets from the refugee waves. A worker is the only inhabitant of this place that resembles an alien planet or a new continent. Eighth Continent premiered, Out of Competition, at the latest Venice Film Festival.
“This graveyard of life jackets consists a modern monument of our absurd world. It does not only represent the aftermath of this massive population movement in the 21st century. It also haunts us with images that dig deeply into our own existence and carry a universal life meaning that goes beyond the daily news.” (Y. Zois)
Yorgos Zois
Regista e produttore, è nato nel 1982 ad Atene. Nel 2011 il Trieste FF ha presentato il suo Casus Belli. / Director and producer, Yorgos Zois was born in 1982 in Athens. In 2011 the Trieste FF presented his short Casus Belli. 2010 Casus Belli cm / sf 2012 Titloi telous (Out of Frame); Premi / Awards: EFA – Miglior cortometraggio europeo / Best European Short Film 2015 Interruption 2017 Eighth Continent cm / sf
di
/
Germania / Germany, 2017, HD, b-n / b-w, 29’ v.o. tedesca / German o.v.
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Sceneggiatura / Screenplay: Raphaela Te Pass, Sinje Köhler. Fotografia / Photography: Fabian Gamper. Montaggio / Editing: David Kuruc. Musica / Music: Max Clouth, Alexander Wolf David. Suono / Sound: Lena Beck, Marcus Fass, Thomas De Filippi, Marco Schnebel. Scenografia / Art Director: Nora Simon. Interpreti / Cast: Anne Rohde, Daniel Toos, Gabrielle Scharnitzky, Carolin Spiess, Holger Kraft, Hannah Kraft, Leander Menzel, Katrin Flüs, Hans-Maria Darnov. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Filmakademie Baden-Württemberg.
Una piscina pubblica, uno spazio sociale collettivo. Un luogo dove si sogna a occhi aperti e ci si appisola dolcemente. È un posto dove tutto va bene, o almeno così sembra. L’odore dell’estate è nell’aria: il latte solare, il prato e i fiori che si cuociono al sole, la palla, il melone e la limonata al cloro. In spazi ristretti persone seminude passano il pomeriggio, chiacchierando l’una con l’altra mentre il tempo vola via. È proprio lì che trovi la banalità poetica della vita di tutti giorni.
A public pool, a sociotope. A scene of daydreaming and gentle snoozing. It is a place where everything is fine, or at least it feels like it. The smells of summer are in the air: sun milk lawn and flower fries, beach ball melon and chlorine lemonade. In the tightest of spaces half-naked people share an afternoon, some hours with each other while time flies by so quickly. That is where you find the poetic banality of everyday life.
Sinje Köhler
È nata nel 1988 a Darmstadt, in Germania / Sinje Köhler was born in 1988 in Darmstadt, Germany. filmografia scelta / selected filmography 2012 Nadja & Lara cm / sf 2014 ICH cm / sf 2016 Klassenkampf cm / sf 2017 Freibadsinfonie cm / sf
Grecia / Greece, 2017, HD, col., 11’, senza dialoghi
Sinfonia
un’estate blu
Blue Summer Symphony
siNJE KöhLEr
miss sUEÑo
- Romania / France - Romania, 2017, HD, col. 28’ v.o. rumena - francese / Romanian - French o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Andra Chiriac. Fotografia / Photography: Barbu Bălășoiu. Montaggio / Editing: Dan Ştefan Pârlog. Musica / Music: Byeongwoo Lee. Suono / Sound: Olivier Pelletier, Damien Guillaume, Matthieu Tibi. Scenografia / Art Director: Émilie Boutillier. Costumi / Costume Designer: Bérénice Lagrange. Interpreti / Cast: András Hatházi, Carmen Ungureanu. Produzione / Produced by: Localfilms. Coproduzione / Co-produced by: Strada Film. Con il sostegno di / Supported by: Romanian Film Centre, CNC, Mairie de Paris, Canal+.
Congelatore / Freezer
DimiTris NaKos
Romania, 2017, HD, col. 20’, v.o. rumena / Romanian o.v.
POLA
Angela lavora all’estero e non torna a casa, in Romania, da più di un anno. Un giorno suo marito Tavi, preoccupato e arrabbiato, si fa vivo con un breve preavviso. Angela non se la sente di dirgli la verità fino a che un gesto disperato di Tavi la costringe a farlo. “Con Graniţe ho voluto parlare di quei muri invisibili che crescono fra due persone, muri interiori, emotivi e affettivi. Sono quelli che ci dividono prima di tutti gli altri.” (A. Chiriac)
Angela works abroad and hasn’t returned back home to Romania in more than a year. One day, worried and upset, Tavi, her husband shows up on short notice. Angela has a hard time telling him the truth he needs to hear until Tavi ‘s desperate gesture forces her to do so. “With Graniţe I wanted to follow those unseen walls that grow between two people, interior fences – emotional and affective ones. For they are the ones that separate us before any other.” (A. Chiriac)
Sceneggiatura / Screenplay: Dimitris Nakos. Fotografia / Photography: Yannis Fotou. Montaggio / Editing: Panos Voutsaras. Suono / Sound: Vangelis Zelkas, George Ramantanis, Yiannis Skandamis. Scenografia / Art Director: Kyriaki Tsitsa. Costumi / Costume Designer: Sofia Kotsikou, Katerina Chalioti, Tassos Dimas. Interpreti / Cast: Akillas Karazisis, Maria Skoula, Maria Kallimani, Prometheus Aleifer, Xenia Kalogeropoulou. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Marni Films. Coproduzione / Co-produced by: Ert Sa, Authorwave, Dimitris Nakos, Cekta, Foss Productions.
Tassos, un uomo di poco più di 50 anni, con una carriera nel marketing e nella direzione commerciale di grandi aziende, è disoccupato da tre anni. Troppo vecchio per un nuovo inizio, ma anche troppo giovane per andare in pensione. suoi rapporti con le persone a lui più vicine sono messi a dura prova, psicologicamente si sente un emarginato. Il suo obiettivo è solo uno: uscire dal ‘congelatore’ in cui sembra essere rinchiuso.
Tassos, a man just over 50 years old, with a career in the marketing and commercial direction of large corporations, has been unemployed for three years now. Too old for a new beginning, but also too young to retire. His relationships with his close people are being tested, and his psychological state is marginal. His goal is one: to get out of the ‘freezer’.
Andra Chiriac
È nata nel 1980 a Iasi, in Romania. Nel 2007 si è diplomata alla scuola di cinema ESRA di Parigi / Andra Chiriac was born in 1980 in Iasi, Romania. In 2007 she graduated in film studies at ESRA in Paris. 2010 Reflex cm / sf 2014 Distanţe cm / sf 2017 Graniţe cm / sf
Dimitris Nakos
Regista e sceneggiatore, è nato nel 1982 a Atene / Director and scriptwriter, Dimitris Nakos was born in 1982 in Athens. filmografia scelta / selected filmography
2014 Eviva cm / sf 2015 4 Martiou cm / sf 2016 Alice in the Café cm / sf 2017
Katàpsyxi cm / sf
Sceneggiatura / Screenplay: Radu Potcoavă. Fotografia / Photography: Andrei Butică. Montaggio / Editing: Cătălin Cristuţiu. Suono / Sound: Alexandru Dragomir. Scenografia, costumi / Art Director, Costume Designer: Mălina Ionescu. Interpreti / Cast: Bogdan Dumitrache, Olimpia Melinte, Aurora Păunescu, Marin Grigore. Produzione / Produced by: We Are Basca. Con il sostegno di / Supported by: Romanian Film Centre.
Roxana sta per lasciare la Romania e andare a vivere a Madrid. Aiutata dall’affascinante Dan e da sua moglie Alina, la ragazza avrà anche un lavoro e potrà così iniziare una nuova vita...
Roxana is about to leave Romania and settle down in Madrid, Spain. Helped by charming Dan and his wife, Alina, she will soon find a job there and start a new life...
Sceneggiatura / Screenplay: Edyta Rembała, Magdalena Wrocławska. Fotografia / Photography: Weronika Bilska. Montaggio / Editing: Bartosz Strusewicz. Musica / Music: Piotr Komorowski. Suono / Sound: Alicja Nowak, Andrzej Chuszno. Scenografia / Art Director: Małgorzata Gliwińska, Juriana Jur. Costumi / Costume Designer: Magdalena Gołębiowska, Magdalena Wrocławska, Karolina Pawlak. Interpreti / Cast: Marta Kosińska, Hania Kowalkowska, Magdalena Smalara, Michał Kowalski. Produzione / Produced by: Gdynia Film School. Con il sostegno di / Supported by: Polish Film Institute.
Una casa in un piccolo villaggio isolato. La madre di due ragazzine decide di compiere un passo coraggioso: lascerà il paese in cerca di un futuro migliore per la sua famiglia. Il marito e padre delle due bambine, nonostante i molti tentativi, non è all’altezza della moglie, donna decisa e intraprendente. La figlia più grande non accetta però la scelta della madre: decide allora di scappare di casa senza però pensare alle conseguenze.
A house in a small village off the beaten track. The mother of two little girls decides to take a courageous step: she is going to leave the country in search of a better future for her family. The girls’ father, despite many attempts, is not a match for their entrepreneurial mother. The older daughter is unable to accept her mother’s decision; she decides then to run away from home regardless of the consequences.
Radu Potcoavă
Regista e sceneggiatore, è nato nel 1978 a Bucarest / Director, screenwriter, Radu Potcoavă was born in 1978 in Bucharest. filmografia scelta / selected filmography 2001 Aceeasi gara pentru doi cm / sf 2012 Tatăl meu e cel mai tare cm / sf; Premi / Awards: Sarajevo IFF – Menzione speciale della giuria / Special Jury Mention 2014 Cuscrii film TV / TV movie 2016 Mă cheamă Costin cm / sf;
Premi / Awards: Transilvania IFF – Premio speciale della giuria / Special Jury
È nata nel 1982 a Biskupiec, in Polonia. Pola è il suo film di diploma. Edyta Rembała was born in 1982 in Biskupiec, Poland. Pola is her graduation film.
Sceneggiatura, produzione / Screenplay, Produced by: Arkadij Khaet. Fotografia / Photography: Leonard Ostermeier. Montaggio / Editing: Arkadij Khaet. Musica / Music: Balkan Beat Box feat. Victoria Hanna. Suono / Sound: Andreas Hermann, Michael Lotz. Interpreti / Cast: Leon Seidel, David Hürten, Maxine Paatzsch. Distribuzione internazionale / World Sales: aug&ohr medien.
u PLAVETNILO
Un ragazzo, una ragazza e il fratellastro di lei. Un appuntamento va storto.
Il cortometraggio è stato realizzato per l’esame di ammissione alla Film Academy Baden-Württemberg.
One boy, one girl and her stepbrother. A date goes wrong. This short was made for the entrance examination at the Film Academy Baden-Württemberg.
Sceneggiatura / Screenplay: Christina Lazaridi, Antoneta Alamat Kusijanović. Fotografia / Photography: Marko Brdar. Montaggio / Editing: Minji Kang. Musica / Music: Ivan Marinović, Evgueni Galperine. Suono / Sound: Julij Zornik. Scenografia / Art Director: Marijo Šimić. Costumi / Costume Designer: Zjena Glamočanin. Interpreti / Cast: Gracija Filipović, Vanesa Vidaković Natrlin, Dominik Duždević, Andro Režić, Nataša Dangubić, Marija Kohn. Produzione / Produced by: Blade Production, Motion. Coproduzione / Co-produced by: Honeypot Film Productions, MB Grip, Poster. Con il sostegno di / Supported by: Croatian Audiovisual Centre, Slovenian Film Centre, Viba Film, City of Dubrovnik. Distribuzione internazionale / World Sales: SND Films.
A causa di una storia di violenza domestica, la tredicenne Julija e sua madre scappano da casa e trovano rifugio sulla splendida isola croata dove la ragazzina è cresciuta. Emotivamente provata, Julija cerca disperatamente di riavvicinarsi alla sua migliore amica, Ana. Ma Ana è innamorata di un ragazzo e dunque Julija non è più al centro delle sue attenzioni. Sentendosi respinta, Julija lotta per riconquistare l’attenzione e l’affetto dell’amica.
U plavetnilo è stato presentato in diversi festival internazionali fra cui Berlino e Sarajevo, dove ha vinto il Premio come Miglior cortometraggio.
Thirteen year old Julija and her mother flee their abusive household to find refuge on an idyllic Croatian island where Julija grew up. Emotionally scarred, Julija is desperate to reconnect with her best friend, Ana. But Ana is in love with a boy and Julija is no longer a priority. Feeling that she is increasingly being pushed away, Julija desperately struggles to gain recognition and attention.
U plavetnilo was presented in several international film festivals, among them Berlin and Sarajevo IFF where was awarded Best Short Film.
Sceneggiatura / Screenplay: Balázs Dudás. Fotografia / Photography: Csaba Bántó. Montaggio / Editing: Szabolcs Kővári. Musica / Music: Benedek Sulyok. Suono / Sound: David W Bodnar. Scenografia / Art Director: Anna Nyitrai. Interpreti / Cast: Benett Vilmányi, Éva Kerekes, Csaba Horváth, Tamás Kovács, Veronika Balogh, Zsolt Zayzon, Géza Fazakas, Zoltán Géczi, László Keszég, Béla Ficzere, Dávid Vizi. Produzione / Produced by: FilmPartners. Con il sostegno di / Supported by: Hungarian National Film Fund. Distribuzione internazionale / World Sales: Filmfabriq.
Arkadij Khaet
Nato nel 1991 in Moldavia, è cresciuto in Germania dove tuttora vive e lavora. Born in 1991 in Moldova, Arkadij Khaet grew up in Germany where currently lives and works.
filmografia scelta / selected filmography
2016 Durch den Vorhang cm / sf 2017 Hikikomori cm / sf; Scheideweg cm / sf
Antoneta Alamat Kusijanović
È nata nel 1985 a Dubrovnik, in Croazia / Antoneta Alamat Kusijanović was born in 1985 in Dubrovnik, Croatia. filmografia scelta / selected filmography 2014 Nonina cm / sf 2015 Oko za Oko cm / sf 2017 U Plavetnilo cm / sf; Premi / Awards: Berlinale – Menzione speciale / Special Mention; Sarajevo IFF –Miglior cortometraggio / Best Short Film
Dopo otto anni di vita nel nord della Serbia, David, 18 anni, e sua madre tornano in Ungheria, a casa del padre di David. Tra l’uomo, che vuole finalmente fare il padre, e il figlio, che invece rifiuta la sua autorità, inizia ben presto una guerra psicologica. David ha un segreto: il ragazzo porta profughi, illegalmente e per soldi, attraverso il confine fra Serbia e Ungheria. Sua madre è la prima a scoprirlo, ma non è in grado di fermare il figlio. Dopo una notte passata pericolosamente, in cui David salva una ragazza, anche il padre deve affrontare il segreto del figlio.
After eight years of living in North Serbia, David (18) and his mother move back to Hungary, to David’s father. A psychological battle soon begins between a man who wants to be a father and a son, who refuses his authority. In the meantime we witness David as he secretly smuggles refugees across the border. His mother is the first to know about it, but she is unable to stop his son. After a dangerous action, where David rescues a refuge girl, his father also has to face his son’s secret.
Balázs Dudás È nato nel 1989 a Miskolc, in Ungheria / Balázs Dudás was born in 1989 in Miskolc, Hungary.
2015 Te következel cm / sf 2016 Vidéki randevú cm / sf 2017 Semmi komoly cm / sf; Welcome cm / sf
arKaDiJ KhaET
Germania
Nel profondo blu / Into the Blue
ANTONETA ALAMAT kuSIjANOVIć
pROGRAMMA
dI ANIMAZIONE
ANIMATION PROGRAMME
L’aria DEL mosCEriNo
Lukas von Berg
aU rEVoir BaLThaZar
Goodbye Balthazar
Rafael Sommerhalder
cRVENkAPIcA REDuX
Red Riding hood Redux
Danijel Žeželj
haNGoVEr, CarDBoarD aND
ChaCha
Silvain Monney, Samuel Patthey
haroN
Charon
Alen Vuković
horiZoN
Dato Kiknavelidze
maLamÈNTi
MeanMinds
Francesco Di Leva
miCroDisTriCT
Ivelina Ivanova
NOčNA PTIcA
Nighthawk
Špela Čadež
soG
Jonatan Schwenk
UGLy
Nikita Diakur
L’aria DEL mosCEriNo
aU rEVoir BaLThaZar
Arrivederci Balthazar / Goodbye Balthazar
LUKas VoN BErG
Germania / Germany, 2017, HD, col., 5’, v.o. italiana / Italian o.v.
raFaEL sommErhaLDEr
cinema per i piccOLi
cinema for cH LDren
aUTiCKoVa romaNCE
Car Romance
Ludvik Kadleček
BiG Booom
Marat Narimanov
BErNarD
Anna Oparkowska
CTyriCET DEDECKU
Forty old Men
Václav Bedřich
MEDO TRAPAVkO
Easygoing Teddy
Tomislav Gregl
mysi KoCiCiNy
Caterwauling
Ludvik Kadleček
NEZBEDNiCi
little Rascals
Ludvik Kadleček
PLODY MRAkŮ
Fruits of Clouds
Kateřina Karhánková
PROBLEM
The Problem
Jan Dudesek
PROc PLAcE zIRAFA?
Why Does The Giraffe Cry?
Ludvik Kadleček
Tri mUZi mUZiKaNTi
Three Men Being Musicians
Vladimir Lehký
Animazione / Animation: Lukas von Berg. Compositing: Elias Kremer. Colore, sfondi / Color Concept, Background Paintings: Matthias Ries. Musica / Music: Leonard Küssner. Suono / Sound: Laura Schnaufer. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Filmakademie Baden-Württemberg.
Sceneggiatura / Screenplay: Rafael Sommerhalder. Fotografia, scenografia, pupazzi / Photography, Art Director, Puppets: Zita Bernet, Rafael Sommerhalder. Montaggio / Editing: Rosa Albrecht, Marina Rosset, Rafael Sommerhalder. Musica / Music: Hansueli Tischhauser, Tobias Preisig. Suono / Sound: Zhe Wu. Produzione / Produced by: freihändler Filmproduktion GmbH. Distribuzione internazionale / World Sales: aug&ohr medien.
Un moscerino della frutta viene schiacciato. Contro ogni previsione, sfida la morte a modo suo.
“Con un’aria composta appositamente per il film, questa animazione ironica drammatizza la morte apparentemente insignificante del moscerino e la trasforma in una bellissima opera italiana ... il nostro film mostra che anche la più piccola creatura ha una voce che deve essere ascoltata, una voce da tenore.” (L. von Berg)
A tiny fruit fly gets swatted. Against all odds, it defies death in its very own way.
“With an aria exclusively composed for the film, this satirical animation short magnifies and dramatizes a seemingly insignificant fly’s death and turns it into a beautiful Italian opera ... our film shows that also the tiniest creature has a voice which needs to be heard – a tenor voice.”
(L. von Berg)
Lukas von Berg
È nato nel 1990 a Bonn. Dal 2015 studia animazione alla Filmakademie BadenWürttemberg / Lukas von Berg was born in 1990 in Bonn. Since 2015 he studies animation at the Filmakademie Baden-Württemberg. filmografia scelta / selected filmography 2016 Daily Snout cm animazione / sf animation 2017 L’aria del moscerino cm animazione / sf animation
Uno spaventapasseri, una tempesta, una gamba rotta. L’eco del mare in una conchiglia. Partire per sempre.
Au Revoir Balthazar è stato presentato con successo in numerosi festival in tutto il mondo, fra cui Mar del Plata in Argentina e Animateka a Lubiana.
A scarecrow, a storm, a broken leg. The resonant sound of a sea shell. Leaving forever.
Au Revoir Balthazar was successfully presented in many festivals all over the world, including Mar del Plata (Argentina) and Animateka in Ljubljana.
Rafael Sommerhalder Nato nel 1974 in Svizzera, vive e lavora come animatore e filmmaker a Zurigo. Born in 1974 in Switzerland, Rafael Sommerhalder lives and works as animator and filmmaker in Zurich. filmografia scelta / selected filmography 2004 Mr Wurfel cm animazione / sf animation 2013 Ping Pong cm animazione / sf animation 2016 Au Revoir Balthazar cm animazione / sf animation
Svizzera / Switzerland, 2016, HD, col. 10’, senza dialoghi / no dialogue
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
cRVENkAPIcA REDuX
haNGoVEr, CarDBoarD aND ChaCha
sbornia, cartone e chacha
Svizzera / Switzerland, 2016, HD, col. 3’, senza dialoghi / no dialogue
/ Charon
Sceneggiatura, disegni, animazione / Screenplay, paintings, animation: Danijel Žeželj. Fotografia / Photography: Domagoj Lozina. Montaggio / Editing: Dubravka Turić. Musica, suono / Music, Sound: Hrvoje Štefotić. Scenografia / Art Director: Iris Kranjčec. Costumi / Costume Designer: Morana Starčević. Voci / Voices: Damir Klemenić, Laura Beljan, Dubravka Turić. Produzione / Produced by: Zagreb Film. Con il sostegno di / Supported by: Croatian Audiovisual Centre.
Il sole di mezzogiorno è alto e cocente su un paesaggio postindustriale. Cappuccetto Rosso sta andando a casa della nonna. Cambia strada ed entra in una fabbrica abbandonata. In un labirinto di cemento vuoto, scopre un muro nero coperto da graffiti appena dipinti. Esce dalla fabbrica ed entra nella foresta oscura. Un lupo la ferma. Lui la conduce su un prato fiorito e poi se ne va. Cappuccetto Rosso arriva finalmente a casa della nonna portando un mazzo di fiori che ha appena raccolto...
Midday sun is frying the post-industrial landscape. Little Red Riding Hood is on her way to her grandmother’s cottage. She diverts the road and enters an abandoned factory building. In an empty concrete labyrinth, she discovers a black wall covered with a freshly painted graffiti. She exits the factory, proceeds on her way entering the dark forest. A Wolf halts her. He leads her to a flower meadow and then leaves. Red Riding Hood arrives eventually at her grandmother’s cottage carrying a bunch of flowers she has just picked...
Danijel Žeželj
Autore di graphic novel, animatore, pittore e illustratore, è nato nel 1967 a Zagabria. Vive e lavora fra Brooklyn e Zagabria. / Graphic novelist, animator, painter and illustrator, Danijel Žeželj was born in 1967 in Zagreb. He currently lives and works in Brooklyn and Zagreb. filmografia scelta / selected filmography
2010 A different Bunny cm animazione / sf animation 2012 Fibonaccijev kruh cm animazione / sf animation 2014 Tisuću cm animazione / sf animation 2017 Crvenkapica Redux cm animazione / sf animation
Croazia / Croatia, 2017, HD, col. 8’, senza dialoghi / no dialogue
Georgia, 2017, HD, col., 5’, senza dialoghi / no dialogue
Sceneggiatura, scenografia / Screenplay, Art Director: Alen Vuković. Montaggio / Editing: Višnja Skorin. Musica, suono / Music, Sound: Hrvoje Štefotić. Animazione / Animation: Alen Vuković, Nedim Ćubro. 3D modelli / 3D Modeller: Brajan Martinović. Voci / Voices: Dalibor Talajić. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: 3D2D Animatori. Con il sostegno di / Supported by: Croatian Audiovisual Centre. Sceneggiatura, fotografia, montaggio, scenografia, animazione / Screenplay, Photography, Editing, Art Director, animation: Dato Kiknavelidze. Musica / Music: Zviad Mgebrishvili. Suono / Sound: Beso Kacharava. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Lira Production Studios.
Un viaggio sperimentale attraverso paesaggi immaginari dell’Unione Sovietica, ispirati dalle foto di Boris Mikhaïlov.
“Abbiamo trovato alcuni splendidi libri di fotografie di Boris Mikhaïlov. Affascinati da queste immagini, le abbiamo prese come ispirazione per il nostro film. Dopo un paio di settimane avevamo moltissimo materiale che ha richiesto un paio di giorni per montarlo e farlo diventare un film.”
(S. Monney, S. Patthey)
An experimental journey through imaginary landscapes from USSR inspired from Boris Mikhaïlov photographs.
“So we found books on the amazing photograph Boris Mikhaïlov. Totally fascinated by these pictures, we took them as main inspiration for our movie. At the end of the two or three weeks, we had a big amount of material that we spent several days to put together and edit as a film.”
(S. Monney, S. Patthey)
Silvain Monney
È nato nel 1993 a Vevey, in Svizzera. / Silvain Monney was born in 1993 in Vevey, Switzerland. filmografia scelta / selected filmography
2014 Der Weihnachtskurs cm animazione / sf animation 2016 Jake’s Secret cm animazione / sf animation; Hangover, Cardboard and Chacha (diretto con /directed with Samuel Patthey) cm animazione / sf animation
Samuel Patthey
È nato nel 1993 a Berlino. / Samuel Patthey was born in 1993 in Berlin. filmografia scelta / selected filmography
2016 Hangover, Cardboard and Chacha (diretto con /directed with Silvain Monney) cm animazione / sf animation 2017 Travelogue Tel Aviv cm animazione / sf animation
Branko muore improvvisamente in un supermercato. Il vecchio ha un’ultima spiacevole sorpresa: scopre che il suo ultimo viaggio non è per nulla gratuito.
Un cortometraggio grottesco che si ispira al mito greco di Caronte, il traghettatore di anime morte nell’Ade.
After suddenly passing away in a supermarket, Branko is in for an unpleasant surprise. The old man finds out that his final trip is not free of charge.
A short grotesque inspired by the Greek myth of Charon, the ferryman of dead souls in Hades.
“Horizon è un film d’animazione che racconta il percorso verso la libertà di ogni essere umano. Libertà dalla violenza, dalla guerra e dalla distruzione del mondo che ci circonda.” (D. Kiknavelidze)
“Horizon is an animation film which tells about the person’s way to freedom. About liberation from violence, war and destruction of the surrounding world.” (D. Kiknavelidze)
Alen Vuković
È nato nel 1987 a Zagabria. Dal 2013 lavora come animatore freelance.
Alen Vuković was born in 1987 in Zagreb. Since 2013 he is a freelance animator working on various project.
2017 Haron cm animazione / sf animation
Dato Kiknavelidze Nato nel 1989 a Tbilisi, è regista d’animazione, produttore e art director. È uno dei fondatori dei Lira Production Studios di Tbilisi. Art director, producer and animation director, Dato Kiknavelidze was born in 1989 in Tbilisi. He is co-founder of Lira Production Studios. filmografia scelta / selected filmography 2016 Vacuum cm animazione / sf animation 2017 Geno cm animazione / sf animation; Horizon cm animazione / sf animation
Cappuccetto Rosso Redux / Red Riding Hood Redux
DANIjEL ŽEŽELj
Croazia / Croatia, 2017, HD, col., 12’, senza dialoghi / no dialogue
SILVAIN MONNEY, SAMuEL PATTHEY
ALEN VukOVIć
Orizzonte
DaTo KiKNaVELiDZE
Caronte
maLamÈNTi
MeanMinds
miCroDisTriCT
/ Italy, 2017, HD, col. 13’, v.o. italiana / Italian o.v.
Bulgaria - Regno Unito / Bulgaria - UK, 2017, HD, col., 4’ senza dialoghi / no dialogue
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Sceneggiatura / Screenplay: Francesco Di Leva, Ciro Petrone. Fotografia / Photography: Francesco Di Leva. Montaggio / Editing: Gianluca Paoletti. Musica / Music: Francesco Forni. Suono / Sound: Stefano Grosso. Scenografia / Art Director: Carmine Guarino. Costumi / Costume Designer: Giovanna Napolitano. Interpreti / Cast: Francesco Di Leva, Ciro Petrone, Sergio Rubini, Nicole Di Pinto. Produzione / Produced by: Terranera, Parallelo 41 produzioni. Con il sostegno di / Supported by: MiBACT –Direzione Generale Cinema. Fotografia, animazione / Photography, Animation: Ivelina Ivanova. Musica, suono / Music, Sound: Yoana Robova, Peter Parmakov. Con l’aiuto di / With the help of: Eddy Schwartz, Maria Piva, Nanda Mentesheva, Natasza Cetner, Simran Phull, Hotessa Laurence, Ron Macrae, Stephen Ryley, Sylvie Bringas. Produzione / Produced by: University of Westminster.
Cos’è la sete di potere? Un cruccio o un istinto della natura umana? Cosa possono arrivare a fare due criminali ossessionati dalla smania di prevaricazione e dalla paura di non essere più forti, nel momento in cui hanno sconfitto tutti gli altri esseri del mondo? Presentato all’ultima edizione della Settimana della Critica a Venezia. “Il cortometraggio è stato girato con un cellulare e alle immagini è stato applicato un filtro “fumetto” per esasperarne il concetto di onnipotenza e assurdità e per generare curiosità ed empatia nello spettatore. Spesso il realismo delle immagini video così nitide e di qualità ci disarma: non succede così col cartone animato che, anche su basi reali, istintivamente genera desiderio di conoscere.” (F. Di Leva)
What is the thirst for power? A crucifix or instinct of human nature?
What can two criminals get obsessed with the pervert of scorn and the fear of not being the strongest when they defeated all the other beings in the world?
MalaMènti premiered at the latest Critics’ Week in Venice.
“This short was shot on mobile phone and a “comic strip” filter was applied to the images to accentuate the theme of omnipotence and to stimulate curiosity and empathy in the viewer. Often the realism of video images, so sharp and crystalline, takes us aback; this doesn’t happen so much with cartoon animation, which provokes an instinctive desire to know, even when based on reality.” (F. Di Leva)
Francesco Di Leva Attore, è nato nel 1978 a Napoli. MalaMènti è il suo debutto alla regia. Italian actor Francesco Di Leva was born in 1978 in Naples. MalaMènti is his first film as a director.
2017 MalaMènti cm animazione / sf animation
Immagini di interazioni umane, nella vita di tutti i giorni, riunite in un montaggio ritmico che esplora il rapporto tra gli uomini, l’architettura e la natura nel contesto di un quartiere residenziale nella Bulgaria post-socialista.
“L’architettura ci racconta le due facce che definiscono la natura peculiare di un quartiere residenziale bulgaro. Tracce visive di un dualismo complesso che racchiude agitazione verso ribellione, ordine verso chaos, Est verso Ovest e Oriente verso Europa.” (I. Ivanova)
Snaps of everyday human interactions assembled in a rhythmic montage that explores the relationship between men, architecture and nature in the context of Bulgarian post-socialist residential neighbourhoods.
“Architecture speaks of the dualities that define the peculiar nature of a Bulgarian residential neighbourhood. Traces of visual evidences of this complex dualism include conflicts such as agitation vs rebellion, order vs chaos, East vs West and Orient vs Europe.” (I. Ivanova)
Ivelina Ivanova
È nata a Plovdiv, in Bulgaria. Si è trasferita a Londra nel 2014 per studiare animazione. Dopo essersi diplomata all’Università di Westminster è tornata a Sofia.
Ivelina Ivanova was born in Plovdiv, Bulgaria. She moved to London in 2014 to study animation. After graduating from the University of Westminster, she moved back to Sofia.
filmografia scelta / selected filmography
2015 Study of Softness, Sharpness and Sound cm animazione / sf animation
2016 Panelka cm animazione / sf animation 2017 Microdistrict cm animazione / sf animation
Sceneggiatura / Screenplay: Gregor Zorc, Špela Čadež. Montaggio / Editing: Iva Kraljević. Musica / Music: Tomaž Grom. Suono / Sound: Johanna Wienert, Bojan Kondres. Animazione / Animation: Zarja Menart, Špela Čadež, Matej Lavrenčič. Voci / Voices: Andrej Nahtigal, Karin Komljanec, Gregor Zorc. Produzione / Produced by: Finta Film. Coproduzione / Co-produced by: Radiotelevizija Slovenija, Bonobostudio. Con il sostegno di / Supported by: Slovenian Film Centre, Croatian Audiovisual Centre. Distribuzione internazionale / World Sales: Bonobostudio.
Un tasso giace immobile su una strada locale. Una pattuglia di polizia si avvicina al corpo nell’oscurità. Presto si rendono conto che l’animale non è morto, ma è ubriaco fradicio. Quando la polizia tenta di trascinarlo via dalla strada, l’animale si sveglia e le cose prendono una strana piega.
Nočna ptica è stato presentato con successo in numerosi festival in tutto il mondo, fra cui Clermont Ferrand e il Sundance.
“All’origine di questo progetto c’è un articolo apparso in un giornale tedesco su un tasso ubriaco. Mi ha attratto perché nasconde in modo evidente il nostro rapporto con la dipendenza.” (Š. Čadež)
A badger lies motionless on a local road. A police patrol approaches the body in the dark. They soon realise that the animal is not dead; the badger is dead drunk. When the police attempt to drag the creature off the road, he wakes up and things take a strange turn.
Nočna ptica was successfully presented in many festivals all over the world, including Clermont Ferrand and Sundance.
“The igniting spark for the project was a news article about a drunken badger in a German newspaper. It attracted me because it is so obviously hiding our relationship to addiction.” (Š. Čadež)
Špela Čadež
È nata nel 1977 a Lubiana. La sua animazione Boles ha vinto nel 2014 il Concorso cortometraggi del Trieste FF.
Špela Čadež was born in 1977 in Ljubljana. In 2014 her animation Boles was awarded Best Short Film of the Trieste FF. filmografia scelta / selected filmography 2004 Zasukanec cm animazione / sf animation 2007 Liebeskrank cm animazione
/ sf animation 2013 Boles cm animazione / sf animation; Premi / Awards: Trieste FF – Miglior cortometraggio / Best Short Film 2016 Nočna ptica cm animazione / sf animation; Premi / Awards: Portorose, Festival del cinema sloveno – Migliore animazione / Portorož, Festival of Slovenian Film – Best Animation
Sceneggiatura / Screenplay: Jonatan Schwenk, Merlin Flügel. Fotografia / Photography: Iván Robles Mendoza. Montaggio, suono, produzione / Editing, Sound, Produced by: Jonatan Schwenk. Scenografia / Art Director: Jonatan Schwenk, Teresa Rinn, Lynn Weyrich, Aleksandar Radan, Marcus Morgenstern. Animazione / Animation: Jonatan Schwenk, Florian Maubach, Marc Rühl. Distribuzione internazionale / World Sales: Kurzfilmagentur Hamburg.
In un futuro distopico delle creature simili a esseri umani attaccano violentemente un branco di pesci, involontariamente entrato nella loro terra desolata.
Sog è stato presentato con successo in numerosi festival in tutto il mondo, fra cui l’Animafest di Zagabria e quello di Annecy in Francia.
A dystopian drama about the cruel efforts of a people of humanlike creatures to lash out viciously against a shoal of fish that had unintentionally entered their desolated land.
Sog was successfully presented in many festivals all over the world, including Animafest in Zagreb and Annecy in France.
Jonatan Schwenk
Filmmaker indipendente e regista di animazione, è nato nel 1987 a Göttingen, in Germania. / Indipendent filmmaker and animator, Jonatan Schwenk was born in 1987 in Göttingen, Germany. 2009 Sisyphos Blues cm animazione / sf animation
FraNCEsCo Di LEVa
Italia
Rione
iVELiNa iVaNoVa
JoNaTaN sChWENK
Germania / Germany, 2017, HD, col., 11’, senza dialoghi / no dialogue
Il Nottambulo / Nighthawk
UGLy
CINEMA pER I pICCOLI CINEMA FOR ChILDREN
aUTiCKoVa romaNCE*
Una storia d’amore fra automobili / Car Romance
LuDVIk kADLEčEk
Cecoslovacchia / Czechoslovakia, 1990, col., 11’
Tre automobili s’incontrano in un parcheggio.
A puppet film about three cars who meet in a parking lot.
CTyriCET DEDECKU*
Quaranta vecchi signori / Forty Old Men VácLAV BEDřIcH
Cecoslovacchia / Czechoslovakia 1962, col., 9’ Una storia divertente su una pentola magica in grado di moltiplicare all’infinito tutto quello che ci finisce dentro. Il problema è quando il nonno ci casca dentro.
A cartoon humorous tale about a magic pot that was able to multiply without limits anything that was put into it. The trouble resulted from grandfather’s fall into the pot
NEZBEDNiCi*
Piccole pesti / Little Rascals
LuDVIk kADLEčEk
Cecoslovacchia / Czechoslovakia 1985, col., 12’ Una divertente favola su pennelli e colori un po’ vivaci.
A playful fairytale about living paintbrushes and colours.
PROc PLAcE zIRAFA?*
Perché la giraffa piange?
/ Why Does The Giraffe Cry?
LuDVIk kADLEčEk
Cecoslovacchia / Czechoslovakia 1960, col., 9’
Un mago riesce a rallegrare una giraffa triste in uno zoo.
A film about a magician who managed to cheer up a sad giraffe in a zoo.
Sceneggiatura, fotografia, montaggio, scenografia, costumi / Screenplay, Photography, Editing, Art Director, Costume Designer: Nikita Diakur. Musica / Music: Enrica Sciandrone, Cédric Dekowski, Felix Reifenberg. Suono / Sound: Nicolas Martigne, David Kamp. Interpreti / Cast: Redbear Easterman. Animazione (collaborazione), effetti speciali / Animation (Assistance), FX: Gerhard Funk, Phil Maron, Nicolas Trotignon, Ozan Korkut, Chris Lühning, Julia Merkschien, Hannes Raff. Produzione / Produced by: Ugly Film. Distribuzione internazionale / World Sales: KurzFilm Agentur Hamburg.
Ispirato alla web storia Ugly the Cat un misto di aforismi e storie tristi, Ugly è un cortometraggio su un saggio capo indiano e un brutto gatto che cercano di trovare la pace in un quartiere degradato. Ugly è stato presentato con successo in numerosi festival in tutto il mondo, fra cui l’Animafest di Zagabria e il Prix Ars Electronica di Linz in Austria. “È una combinazione di animazione tradizionale di pupazzi e simulazioni dinamiche al computer, iper-realistico e al tempo stesso imperfetto. Stile che abbiamo pensato andasse bene per l’argomento trattato nel film.” (N. Diakur)
Inspired by the story Ugly the Cat found on a website featuring wisdom quotes and sad stories, Ugly is a short film about a mystical Native American chief and an ugly cat trying to find peace in an evil neighborhood. Ugly was successfully presented in many festivals all over the world, including Animafest in Zagreb and Prix Ars Electronica in Linz.
“It is a combination of puppeteering and dynamic simulations and is both hyper-realistic and imperfect which we thought goes well with the main theme in Ugly.” (N. Diakur)
Nikita Diakur
Filmmaker indipendente, è nato a Mosca. Si è diplomato in animazione al Royal College of Art di Londra. Vive e lavora a Mainz in Germania. Nikita Diakur is a Moscow-born independent film maker. He graduated in Animation from the Royal College of Art in London. He currently lives and works in Mainz, Germany.
BiG Booom
maraT NarimaNoV
Russia 2016, col., 5’
La storia dell’umanità e del nostro pianeta in soli 4 minuti.
The history of humanity and of our planet in four minutes.
BErNarD
ANNA OPARkOwSkA
Polonia / Poland 2017, col., 6’
Bernard rappresenta lo stereotipo dell’animale predatore, uno che non vorresti mai incontrare. Rassegnato cerca di far conoscere la verità sul suo isolamento e di controllare il richiamo della natura.
Bernard faces the stereotype of an animal predator, one you wouldn’t cross paths with. Feeling resigned, he tries to express the truth about his isolation, and suppress the call of nature in him.
MEDO TRAPAVkO
Teddy il rilassato / Easygoing Teddy TomisLaV GrEGL
Croazia / Croatia 2017, col., 8’ Una storia di amicizia e gentilezza. Teddy è un piccolo orso giocherellone che se ne infischia delle regole della foresta. Un giorno salva un’ape: guadagnerà un’amicizia che gli cambierà la vita.
A story of friendship and kindness. Teddy is a playful little bear who doesn’t really care about forest rules. One day, after he saves the bee from a trouble, he earns a friendship that will change his life.
mysi KoCiCiNy*
Miagolando / Caterwauling LuDVIk kADLEčEk
Cecoslovacchia / Czechoslovakia 1987, col., 9’ Una lite scherzosa fra un gatto e un topo, entrambi realizzati con la plastilina.
A playful fight between a cat and a mouse whose life came from modelling clay.
PLODY MRAkŮ
I frutti delle nuvole / Fruits of Clouds kATEřINA kARHáNkOVá
Rep. Ceca / Czech Republic 2017, col., 11’
La storia del piccolo Furry che farà una grande scoperta superando la paura dell’ignoto.
The story of a little Furry, who will make a great discovery by overcoming the fear of the unknown.
PROBLEM*
Il problema / The Problem
JaN DUDEsEK
Cecoslovacchia / Czechoslovakia 1963, col., 13’
Il presidente di un ufficio solleva il problema di come dipingere un barattolo, ma i funzionari non riescono a pensare a nulla... L’imbianchino, mentre tutti discutono, finisce per dipingerlo a suo piacimento.
The chairman of the office raises the issue of painting the can, but the officials can think of nothing... Meanwhile, the guy who’s to paint it ends up painting the can at his own discretion.
Tri mUZi mUZiKaNTi*
Tre musicisti dilettanti / Three Men Being Musicians VLaDimir LEhKý
Cecoslovacchia / Czechoslovakia 1963, col., 6’
Tre uomini fanno a gara nel suonare ‘strumenti musicali’ come un imbuto, una bottiglia e una lattina d’acqua. Solamente dopo aver ascoltato un bel brano musicale capiscono come collaborare e interagire. Three men compete in playing “musical instruments,” such as a funnel, a bottle and a water can. Only after finally hearing a piece of good music are they led to discipline, cooperation and interplay.
Brutto
NiKiTa DiaKUr
Germania / Germany, 2017, HD, col. 12’, senza dialoghi / no dialogue
CORSO SALANI 2018
CORSO SALANI AWARD 2018
CoUNTry For oLD mEN
un paese per vecchi
Pietro Jona, Stefano Cravero
iL CraTErE
Crater
Luca Bellino, Silvia Luzi
KarENiNa & i
Tommaso Mottola
UNo sGUarDo aLLa TErra
Peter Marcias
L’Uomo CoN La LaNTErNa
The Man with the lantern
Francesca Lixi
CoUNTry For oLD mEN
Un paese per vecchi
Negli ultimi dieci anni, circa quindicimila americani sono emigrati in Ecuador. Uomini e donne in età avanzata che hanno lavorato un’intera vita e che ora, per via della crisi economica, non riescono a mantenersi negli Stati Uniti con il solo assegno della social security. Si sentono traditi e ingannati da una promessa non mantenuta, l’American Dream. In Ecuador, a Cotacachi, un villaggio tra due vulcani, il costo della vita e delle cure mediche è notevolmente più basso che negli Stati Uniti. Il clima è mite, la moneta ufficiale è il dollaro. Purtroppo il paradiso che hanno da poco scoperto è minacciato dai nuovi arrivi di altri compatrioti, che giungono portando con sé gli stessi tic e nevrosi della madrepatria… Country for Old Men è stato l’unico progetto italiano selezionato da Last Stop Trieste nel 2017.
“Per noi che siamo cresciuti nutrendoci dei simboli e dei miti della cultura che lo aveva generato, raccontare le conseguenze della crisi del sogno americano attraverso una storia prettamente americana ci è parso il modo migliore per avvicinarci a un fenomeno divenuto ormai familiare anche nelle nostre vite di cittadini europei.”
(P. Jona, S. Cravero)
Some fifteen thousand American citizens moved to Ecuador in the last ten years. Elderly men and women who have worked their whole lives and now can no longer afford to sustain themselves, or to maintain the same standard of living, in the US with their social security check alone. They feel deceived and cheated by a broken promise, the ‘American Dream’. In Cotacachi, a town lying between two volcanoes in Ecuador, the cost of living and medical treatments is far lower than in the US. The climate is mild; the official currency is the American dollar. And what’s more, their newly found ‘paradise’ is threatened by new waves of fellow compatriots, who arrive bringing with them the same tics and neuroses of their homeland… Country for Old Men was the only Italian project selected by Last Stop Trieste in 2017.
“We grew up nourished by the symbols and myths of the culture that had generated it, so describing the consequences of the crisis of the American dream through a strictly American story appeared to us the best way to explore a phenomenon that has become familiar also in our lives as European citizens.” (P. Jona, S. Cravero)
Italia / Italy 2017, HD , col. 79’ v.o. inglese - spagnola / English – Spanish o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Pietro Jona, Stefano Cravero.
Fotografia / Photography: Pietro Jona.
Montaggio / Editing:
Luca Mandrile, Stefano Cravero. Musica / Music: Teho Teardo.
Suono / Sound:
Marco Furlani, Stefano Cravero. Produzione / Produced by: GraffitiDoc.
Con il sostegno di / Supported by:
Film Commission Torino Piemonte, Regione Piemonte, MiBACT, Rai Cinema, Programma Media dell’Unione Europea.
Pietro Jona, Stefano Cravero Operatore e fonico di presa diretta per il cinema e la televisione, Pietro Jona è nato nel 1969. Stefano Cravero è nato nel 1977 e lavora come montatore per il cinema. Country for old men è il loro primo lavoro come registi.
Italian cinematographer and sound engineer, Pietro Jona was born in 1969. Italian film editor, Stefano Cravero was born in 1977. Country for old men is their first work as directors.
2017 Country for old men doc.
BORN IN TRIESTE
iL CraTErE
Crater
Italia / Italy 2017, HD, col., 93’ v.o. italiana - dialetto napoletano / Italian - Neapolitan dialect o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Luca Bellino, Silvia Luzi con la collaborazione di / with the collaboration of Rosario Caroccia.
Con il sostegno di / Supported by: MiBACT, Britdoc, Pulse Films, Filtex. Distribuzione internazionale / World Sales: Alpha Violet.
LUCa BELLiNo, siLVia LUZi
Luca Bellino, Silvia Luzi Registi e produttori, Luca Bellino (1978) e Silvia Luzi 1976) hanno fondato la casa di produzione Tfilm. Il Cratere è il loro primo lungometraggio di fiction. Italian directors and producers, Luca Bellino (born in 1978) and Silvia Luzi (born in 1976) have founded together Tfilm Production Company. Crater is their first feature fiction film.
2008 La minaccia doc. 2012 Dell’arte della guerra doc. 2017 Il cratere (Crater); Premi / Awards: Tokyo IFF – Premio speciale della giuria / Special Jury Prize
Rosario lavora come venditore ambulante nella zona fieristica della periferia di Napoli. Il suo sogno di sfuggire alla povertà è tutto riposto nel talento musicale di sua figlia Sharon. Affascinato dalle immagini video di sua figlia adolescente, si trasforma in impresario per farne una stella della musica popolare italiana. Fra documentario e favola realistica, Il Cratere ritrae le ambizioni di un padre contro la libertà di sua figlia.
Presentato in anteprima all’ultima edizione della Settimana della Critica di Venezia.
“Il cuore della lavorazione del film risiede nella scelta di coinvolgere direttamente nella fase di scrittura protagonisti del film, rendendoli al tempo stesso autori dell’intreccio, forze motrici e carne della messa in scena.”
(L. Bellino, S. Luzi)
Rosario works as a street seller on the fairgrounds of the suburbs of Naples. His dream to escape poverty latches onto the musical talent of his daughter Sharon. Fascinated by the video images of his teenage daughter, he turns into an impresario to make her a star of the Italian folk music. Between documentary and realistic tale, Crater portrays the ambitions of a father against the freedom of his daughter.
Crater premiered at the latest Critics’ Week in Venice.
“The cornerstone of the film’s working method lies in the choice of directly involving the protagonist already from the writing phase, letting him become at the same time author of the story, driving force and flesh of the staging.”
(L. Bellino, S. Luzi)
L’attrice norvegese Gørild Mauseth accetta la sfida, quasi impossibile, di interpretare Anna Karenina in una lingua che non ha mai parlato e nel paese d’origine dell’autore. Inizia così un viaggio per imparare il russo e scoprire i veri motivi per cui Tolstoj (interpretato dall’attore Liam Neeson) ha scritto il romanzo. Questa ricerca porta l’attrice a percorrere gli 11.000 km della Transiberiana per arrivare fino al Gorky Drama Theater di Vladivostok. Lungo la strada visita teatri, studi cinematografici, teatri d’opera, incontra colleghi artisti, parenti di Tolstoj e semplici cittadini russi.
“Testimoniare il profondo lavoro che Mauseth ha fatto su un personaggio come Anna Karenina, ha significato per me esplorare i sentimenti primari di cui è fatto un essere umano. Abbiamo capito che Tolstoj scriveva di sé nella storia e che in essa vi sono celati molti dei suoi pensieri più reconditi. Uno dopo l’altro, Gørild li ha trovati: un destino segnato dall’orfanotrofio, il bisogno d’amore, la necessità della fuga alla ricerca di un’identità, il treno come soluzione finale a tutti dolori. Tutti questi temi sono stati inseriti ed evidenziati nel film.” (T. Mottola)
The Norwegian actress Gørild Mauseth is challenged by the almost impossible task of playing Anna Karenina in a language she never spoke and in the author’s home country. She embarks on a journey to learn Russian and discover the real reasons why Tolstoy (Liam Neeson) wrote the novel. Gørild’s quest takes her 11 000 kilometers on the TransSiberian Railway to the Gorky Drama Theatre in Vladivostok. Along the way she visits theatres, film studios, opera houses, meets fellow artists, Tolstoy relatives and ordinary Russians.
“Witnessing the deep work Mauseth has done on a character like Anna Karenina, has meant to me to explore the main feelings a human being is made of. Tolstoy, we have understood, had wrote himself in the story, and hided a lot of his unpronounceable thoughts. One by one, Gørild has found them all: a destiny coloured by the orphanage, the hunger for love, the need to run away in search for an identity, the train as a final solution to all pains. All these theme are now stressed and put in place in the film.”
(T. Mottola)
Norvegia - Italia / Norway - Italy 2017, HD, col., 89’ v.o. inglese - norvegese - russa - italiana / English - Norwegian - Russian - Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay:
Tommaso Mottola, Gørild Mauseth, tratta dal romanzo Anna Karenina di Lev Tolstoj e dall’adattamento teatrale di / based on the novel Anna Karenina by Leo Tolstoy and its theatrical adaptation by Armin Petras.
Fotografia / Photography: Andreas Ausland, Gleb Teleshev, Tommaso Mottola.
Montaggio / Editing: Michal Leszczylowski.
Musica / Music: Michael Nyman, Philip Glass, Lars Årdal. Suono / Sound: Daniela Bassani.
Interpreti / Cast: Gørild Mauseth, Liam Neeson, Valentin Zaporozhets, Evgenj Veigel, Sonia Bergamasco, Fekla Tolstoj, Julia Aug. Produzione / Produced by: Orto Polare AS.
Con il sostegno di / Supported by: Crowdfunding, North Norwegian Film Center, Film Fund Nord, Norwegian Film Institute, SNN1, Grieg Foundation, Regione Lazio.
Distribuzione internazionale / World Sales: Antipode Sales & Distribution.
Tommaso Mottola Regista, produttore e sceneggiatore, è nato a Napoli. Dal 1999 è il direttore del Capalbio International Film Festival. Italian director, producer and screenwriter Tommaso Mottola was born in Naples. Since 1999 he is the festival director of Capalbio International Film Festival. filmografia scelta / selected filmography 1992 L’isola alla deriva (The Floating Island) 2017 Karenina & doc.
UNo sGUarDo aLLa TErra
A Look at the Earth
PETER MARcIAS
L’Uomo CoN La LaNTErNa
The Man with the Lantern
Italia / Italy 2018, HD, col., 100’ v.o. italiana - tagalog - spagnola - francese - cinese - farsi - ebraica / Italian - Tagalog - Spanish - French - Chinese - Farsi - Hebrew o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Peter Marcias.
Fotografia / Photography: Alberto López Palacios, Simone Ruggiu. Montaggio / Editing: Andrea Lotta.
Musica / Music: Enzo Favata. Suono / Sound: Davide Sardo.
Interpreti / Cast: Vincenzo Marra, Jose Luis Guerin, Claire Simon, Tomer Heymann, Sahraa Karimi, Mehrdad Oskouei, Brillante Mendoza, Wang Bing, Costanza Quatriglio.
Produzione / Produced by: Capetown Film srl.
In collaborazione con / In collaboration with: Società Umanitaria Cineteca Sarda.
Con il sostegno di / Supported by: Fondazione Sardegna Film Commission, Sardegna Solidale.
Peter Marcias
Regista, sceneggiatore, è nato nel 1977 a Oristano, in Italia.
Director and screenwiter, Peter Marcias was born in 1977 in Oristano, Italy. filmografia scelta / selected filmography 2007 Ma la Spagna non era cattolica? docu-fiction 2008 Un attimo sospesi 2010 Liliana Cavani, una donna nel cinema doc. 2011 bambini della sua vita 2012 Dimmi che destino avrò 2014 Tutte le storie di Piera doc. 2015 La nostra quarantena 2017 Silenzi e parole doc. 2018 Uno sguardo alla Terra doc.
Un’opera, un work in progress polifonico, che parte dalla visione del film documentario di Fiorenzo Serra L’ultimo pugno di terra censurato nel 1965, per arrivare a discutere sul cinema documentario odierno. Noti registi e documentaristi internazionali tra cui Vincenzo Marra, Claire Simon, Wang Bing, Brillante Mendoza, Costanza Quatriglio raccontano ‘lo stato di salute’ della Terra attraverso la loro arte cinematografica.
“Discutere con i registi su come si lavora nel cinema documentario è stata un’occasione rara e un grande privilegio. Poter mostrare loro la mia terra, la Sardegna, anche grazie a Fiorenzo Serra, mi ha permesso di capire di più il ‘mondo’ dove vivo. Un film ‘Torre di Babele’, un’opera faticosa e senza confini. Un progetto lungo senza una fine, un unico discorso lungo una vita. L’amore per il cinema e per lo sguardo verso la Terra e i popoli.” (P. Marcias)
A work, a polyphonic work in progress, that comes from the viewing of Fiorenzo Serra’s documentary L’ultimo pugno di terra banned in 1965, to get to discuss on the contemporary Cinema of the Real. Renowned international documentary directors including Vincenzo Marra, Claire Simon, Wang Bing, Brillante Mendoza, Costanza Quatriglio tell the health of the Earth through their cinematic art.
“Discussing with filmmakers about features of Cinema of the real has been a rare opportunity and a great privilege. Showing them my land, Sardinia, thanks to Fiorenzo Serra, has enabled me to understand more the “world” where I live in. A film ‘Tower of Babel’, a laborious and boundless work. A long project without an end, a unique long-life talk. The love for cinema and for Earth and communities.” (P. Marcias)
“Metà degli anni ’20. Un bancario sardo, Mario Garau, viene distaccato in Cina dal Credito Italiano per lavorare come funzionario della Italian Bank for China, negli uffici di Tientsin e di Shanghai. Era l’epoca delle Concessioni Internazionali e dei Trattati Ineguali. Quel bancario era mio zio. Nella mia casa, quando ero bambina, giunsero alcuni bauli che gli appartenevano, pieni di cimeli, filmati 8mm e foto. Questi oggetti esotici, e le poche notizie che avevo su questo parente, hanno ingombrato per decenni la mia fantasia e mi hanno spinto a fare numerose ricerche intorno a questa figura misteriosa. Attraverso foto, documenti e filmati inediti, questo film narra la storia di Mario Garau, testimone di un mondo rimosso e sconosciuto, ma racconta anche di come la sua vita, per oltre 30 anni, si sia intrecciata con la mia, e con le mie scelte.” (F. Lixi)
Alla sceneggiatura ha collaborato Giovanni Cattabriga alias Wu Ming 2, membro del nucleo storico del collettivo di scrittori Wu Ming.
“Mario Garau was Sardinian and worked in the Credito Italiano Bank. In the mid-1920s he was posted to China to work in the Italian Bank of China, in Tientsin and Shanghai. This was still the period of the International Concessions.
The banker was my uncle, and since I was a little girl I can remember his trunks – containing objects, 8mm films and photos – arriving to our home. For decades, these exotic objects, and the very restricted information on this close but absent relation, filled my imagination and led me to try to find out much more about this mysterious figure.
The film uses photos, documents and previously unseen film footage to tell the story of my uncle and to explore the rarely mentioned or remembered world of the International Concessions in the Far East less than a century ago. I tried to travel mentally with him, and to tell the story of how his life became interwoven with mine, and with my own choices.” (F. Lixi)
Giovanni Cattabriga aka Wu Ming 2, one of the members of the Italian community of writers Wu Ming, collaborated to the screenplay.
Italia / Italy
2017, 8mm & HD, col. & b-n / b-w, 70’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Francesca Lixi, Wu Ming 2. Fotografia / Photography: Marco Ceraglia.
Montaggio / Editing: Ambrogio Nieddu.
Musica / Music: Rossella Faa.
Suono / Sound:
Simonluca Laitempergher.
Scenografia / Art Director: Pietro Rais.
Voci / Voices:
Francesca Lixi, Giuseppe Cederna, Lea Gramsdorff, Giuseppe Boy, Adriana Boy Corda, Cristina Maccioni, Margherita Persod.
Produzione / Produced by: Kiné-doc.
In collaborazione con / In Collaboration With:
Home Movies.
Con il sostegno di / Supported by: Regione Autonoma della Sardegna, Fondazione Sardegna Film Commission, Comune di Cagliari.
Francesca Lixi
Regista, attrice, e operatrice culturale, ha frequentato la Scuola di Teatro di Sassari e si è specializzata in montaggio alla Scuola civica del cinema di Milano. Italian director and actress, Francesca Lixi attended the Theatre School in Sassari. She later specialized in editing at the Civic School of Cinema in Milan. filmografia scelta / selected filmography
2008 Maria Dolores cm / sf 2017 L’uomo con la lanterna doc.
ART & SOUNd
BEkSIńScY. ALBuM wIDEOFONIczNY
The Beksińskis - A Sound and Picture Album Marcin Borchardt
gLASNIjE OD ORuŽjA louder Than Guns Miroslav Sikavica
Ja GaGariN i Am Gagarin
Olga Darfy
PIcTuRESQuE EPOcHS
– The Life of Mária gánóczy Painter and Filmmaker
Péter Forgács
SOVIET HIPPIES
Terje Toomistu
SKy ARTE hD presenta / presents HANSA STuDIOS: DA BOwIE AgLI u2
– La musica ai tempi del Muro
HANSA STUDIOS: by the Wall 1976-90
Mike Christie
marCiN BorCharDT
aLBUm WiDEoFoNiCZNy
I Beksiński - Un album di suoni e immagini / The Beksińskis - A Sound and Picture Album
Sceneggiatura / Screenplay: Marcin Borchardt, tratta dalla biografia / based on the biography Beksińscy. Portret podwójny di / by Magdalena Grzebałkowska. Fotografia / Photography: Zdzisław Beksiński. Montaggio / Editing: Dominik Jagodziński. Musica / Music: Marcin Dymiter. Suono / Sound: Radosław Ochnio.
Interpreti / Cast: Zdzisław Beksiński, Zofia Beksińska, Tomasz Beksiński.
Produzione / Produced by:
Darek Dikti Biuro Pomysłów.
Coproduzione / Co-produced by: Telewizja Polska S.A.
Con il sostegno di / Supported by: Polish Film Institute, The City of Gdynia, Gdynia Culture Centre.
Marcin Borchardt Nato nel 1967, è un regista polacco, sceneggiatore, regista ed esperto di cinema.
Born in 1967, Marcin Borchardt is a Polish director, screenwriter and film expert.
filmografia scelta / selected filmography
2008 Andrzej Wajda ogląda “Popiół i diament” 2010 Jerzy Skolimowski ogląda “Rysopis” 2014 Wybrzmienia; Historie ponad granicami 2016 Wybrzmienia II 2017 Beksińscy. Album wideofoniczny
“La storia dello straordinario pittore polacco, Zdzisław Beksiński, e della sua complicata relazione con il figlio, Tomek, famoso giornalista musicale che soffriva di depressione e tentò più volte di suicidarsi. È un documentario sulla storia di una famiglia, accuratamente ricostruito usando registrazioni audio, film e fotografie dall’archivio privato dei Beksiński, materiale che non è mai stato reso pubblico prima d’ora … Per quasi cinquant’anni Zdzisław documentò la vita quotidiana dei suoi familiari … Beksiński finirono sulle prime pagine dei giornali nel 1999, quando Tomek si suicidò il giorno della vigilia di Natale. Alcuni anni dopo, Zdzisław fu brutalmente assassinato nella sua stessa casa … La tragedia dei Beksiński è, soprattutto, una storia universale e senza tempo sulla complessa relazione tra padre e figlio.” (M. Borchardt)
La famiglia Beksiński è diventata ‘popolare’ lo scorso anno grazie anche al film di Jan P. Matuszyński Ostatnia rodzina (The Last Family), presentato al Trieste Film Festival.
“The story of an outstanding Polish painter, Zdzisław Beksiński, and his complicated relationship with his son, Tomek, an extremely popular music journalist who suffered from depression and made numerous attempts to commit suicide. The film is a family drama documentary which has been painstakingly reconstructed using audio recordings, film and photographs from the Beksińskis’ private archive, material that has never been made public in this form before … For almost fifty years, Zdzisław documented the altogether prosaic daily life of his immediate family … The Beksińskis hit the headlines in 1999, when Tomek committed suicide on Christmas Eve. A few years later, Zdzislaw was brutally murdered in his own home ... The Beksińskis’ tragedy is, above all, a terribly universal and timeless story about the complex relationship between father and son.” (M. Borchardt)
Beksiński family became popular last year due to the feature Ostatnia rodzina (The Last Family), by Jan P. Matuszyński. The film was also presented at the Trieste Film Festival.
gLASNIjE OD ORuŽjA
Più forte delle armi / Louder Than Guns
Tra la fine degli anni ’80 e primi anni ’90, la musica patriottica ebbe un ruolo importante nei cambiamenti politici di tutti i paesi della ex-Jugoslavia. Soprattutto in Croazia. Nella prima elezione democratica dopo la Seconda guerra mondiale, l’Unione democratica croata (HDZ) ebbe la meglio sul partito comunista riformato grazie anche all’aiuto che venne dalla musica, che nel 1990 ebbe un ruolo attivo nel sostenere il sentimento nazionale. L’intervento militare del 1991 scatenò una risposta spontanea da parte dei musicisti come mai era accaduto prima: dai violinisti e percussionisti ai cantanti pop, dai ballerini ai cantanti rock e punk. L’emittente nazionale, la radio televisione croata HRT, divenne il loro sponsor più importante: commissionò nuove canzoni patriottiche, mandò in onda quelle già esistenti, organizzò e finanziò festival di musica patriottica e concerti di beneficenza. Nei primi e più intensi mesi della guerra, vennero registrate centinaia di nuove canzoni. Molte di esse però non furono più ascoltate alla fine della guerra e la loro storia non è ancora mai stata raccontata.
In the late 1980s and early 1990s, patriotic music played an extremely important role in the political changes occurring in all the former Yugoslavian countries, especially in Croatia. In the first multi-party election after the Second World War, the Croatian Democratic Union (HDZ) beat the reformed communists with a great help from music, which in 1990 took an active part in boosting the national spirit. Open aggression in Croatia in the autumn of 1991 sparked an impulse response from musicians like never before – from fiddlers and drummers, to pop singers, to dance musicians, to rockers and punkers. The national broadcaster, Croatian Radio Television (HRT), became their most powerful sponsor – it commissioned new patriotic songs, broadcasted the existing ones, organised and funded countless patriotic music festivals and charity concerts. Only in the first few, the most intense months of war, several hundred new songs were recorded. However, many of them have not survived the war, and the story of them is still unfinished and untold.
Musica (coordinamento diritti) / Music (rights coordinator): Frane Tomašić.
Suono / Sound:
Martin Semenčić, Ivan Zelić.
Interpreti / Cast:
Zrinko Tutić, Vera Svoboda, Josip Ivanković, Mladen Kvesić, Davor Gobac, Boytronic, Sandra Kulier, Mario Pešo, Borut Šeparović, Miroslav Lilić, Ante Perković and many others / e molti altri. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Factum.
Con il sostegno di / Supported by: Croatian Audiovisual Centre.
Miroslav Sikavica È nato nel 1975 a Zagabria, ora Croazia. Il suo corto Zvir era in concorso all’ultima edizione del Trieste FF.
Miroslav Sikavica was born in 1975 in Zagreb, now Croatia. His short Zvir was in competition at the latest Trieste FF.
filmografia scelta / selected filmography
2011 Oblak doc. 2016 Zvir cm / sf; Premi / Awards: Quinzaine des Réalisateurs / Director’s Fortnight - Premio IllyMenzione speciale / Illy Prize - Special Mention Sarajevo FF - Premio speciale della giuria / Special Jury Prize 2017 Glasnije od oružja doc.
Ja GaGariN
Io sono Gagarin / I Am Gagarin
Francia - Russia / France - Russia 2017, HD, col., 60’ v.o. russa / Russian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Olga Darfy.
Fotografia / Photography: Artyom Dzharayan. Montaggio / Editing: César Diaz, Konstantin Larionov, Paul Ragozinsky.
Musica / Music: Andrei Antonets.
Suono / Sound:
Amélie Canini.
Interpreti / Cast: Sergej Bugaev Afrika, Olga Darfy, Kirill Frolov, Oleg Kulik, Ivan Salmaksov Said (As Vanya), Igor Šulinsky, Mikhaïl Vorontsov.
Produzione / Produced by: Petit à Petit Production.
Con il sostegno di / Supported by: CNC, Procirep-Angoa.
Distribuzione internazionale / World Sales: Slingshot Films.
Olga Darfy
Documentarista e regista teatrale, è nata nel 1969 a Mosca.
Olga Darfy was born in 1969 in Moscow, where she works as filmmaker and director for theatre.
filmografia scelta / selected filmography
2005 Vladimir Vyssotski 205 days doc.
2008 Kaleidoscope 2017 Ja Gagarin doc.
oLGa DarFy
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
PIcTuRESQuE EPOcHS
— ThE LiFE OF MáRIA gáNÓczY PAINTER AND FILMMAkER
(Festői korszakok – Gánóczy Mária festő és filmes élete) Epoche pittoriche – La vita di Mária Gánóczy pittrice e filmmaker
Nel 1991 l’Unione Sovietica non esisteva più, ci fu il crollo del paese, alcuni DJ si buttarono sulla musica techno e iniziarono a usare LSD, e il ritmo di Mosca iniziò a cambiare. La regista Olga Darfy ricorda la sua città, Mosca, la sua gioventù e la sua vita a vent’anni. Il suo amico Vanja Salmaksov, uno degli ideatori delle feste chiamate “Gagarin Parties”, scomparve nel 1998. Il film racconta quel periodo così confuso partendo da frammenti di esperienze, interviste, archivi e ricordi, in cui la regista chiede a se stessa e alle persone incontrate in questo viaggio: dov’è Vanja? Dove sono finite tutte quelle emozioni così intense, l’eccitazione, il romanticismo? Dov’è andato a finire quel tempo?
“Questo film racconta la mia storia personale nei primi anni ‘90. Il movimento e rave party non si trasformarono poi in una rivoluzione. Sono stati e sono rimasti solo una grande festa, ma mi hanno dato energia per tutta la vita. Attraverso questa esperienza, ho assaporato la sensazione di una libertà interiore che mi guida ancora oggi. Questo è ciò che voglio condividere nel mio film.” (O. Darfy)
1991 the Soviet Union disappeared with the collapse of the country, some DJs turn towards the techno music and LSD, the capital starts to beat with a very different rthym. The director Olga Darfy remembers her city Moscow, her youth and everyhting she lived during her 20s. Her friend Vanya Salmaksov, one of the creator of the parties called “Gagarin Parties”, disappeared in 1998. The director decides then to tell about this dizzy time from fragments of experiences, interviews, archives and memories asking herself and the people she meets in this journey: where is Vanya? Where are all this intense emotions, the excitation, the romanticism? Where has this time gone?
‘’This movie is my personal story of this period of the early 90’s. This movement and these rave parties didn’t turn into a revolution. They just remained a big party, but it gave me energy for my whole life. Through this experience, tasted the feeling of an inner freedom that still guides me today. This is what I want to share in my film.” (O. Darfy)
La protagonista di Picturesque Epochs è Mária Gánóczy (nata nel 1927), pittrice e appassionata di cinema che proviene da una famiglia di artiste donne. Ha cresciuto nove figli con il marito Jósef Breznay (1916-2012), anche lui pittore. I film e la pittura di Mária Gánóczy hanno immortalato la storia a luci e ombre dell’Europa centrale. “Un viaggio nel tempo attraverso 200 anni di arte e storia ungherese, attraverso gli occhi e il punto di vista dei pittori. Picturesque Epochs è un film su quattro generazioni di una famiglia di pittrici, una storia di famiglia che inizia a partire dai primi anni del XIX secolo. L’ultima e più interessante esponente di questa famiglia è la nostra protagonista, Mária Gánóczy, pittrice e filmmaker. Oggi è una splendida donna di 90 anni e soprattutto ha cresciuto 9 figli. Viaggiamo con lei, e con le sue storie di vita personali, attraverso le drammatiche vicende politiche e artistiche del XX secolo. Questo mosaico di arte e cinema scorre come le correnti del fiume del tempo, con le sue onde e increspature.” (P. Forgács)
The protagonist of Picturesque Epochs is Mária Gánóczy (1927) a painter and a film aficionado who comes from a family of female artists as far as her great-grandparents. She brought up nine children with her husband Jósef Breznay (1916-2012), a fellow painter. Gánóczy’s films and painting immortalised the checkered history of Central Europe.
“A time travel through 200 years of Hungarian art and history through the eye and lenses of painters. Picturesque Epochs is a film about a four generation Hungarian female painter dynasty, a family story dated from the early 19th century. The last and most interesting member of this family saga is our heroine, Mária Gánóczy, painter-filmmaker. She is a bright, 90 years old lady today, and beyond all raised nine children. We travel trough her epic and personal times within the arts and political layers of the 20th century’s dramatic personal sagas. This weaved art-and-film grand patchwork streams like the currents of the river of times, ripples and floats.” (P. Forgács)
ANTEPRIMA ITALIANA / ITALIAN PREMIERE
Ungheria / Hungary
2016, HD, col. & b-n / b-w 133’ v.o. ungherese - inglese / Hungarian - English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Péter Forgács.
Fotografia / Photography:
Mária Gánóczy, Péter Sass, Péter Forgács. Montaggio / Editing: Péter Sass.
Musica / Music: János Másik.
Suono / Sound: Tamás Zányi.
Consultant / Consulente: András Forgách.
Interpreti / Cast: Mária Gánóczy.
Produzione / Produced by: Fest-Film, Matrix Film.
Con il sostegno di / Supported by: Hungarian National Film Fund.
Distribuzione internazionale / World Sales: HNFF World Sales.
Péter Forgács È nato a Budapest nel 1950. È un artista multimediale e un filmmaker indipendente. Dal 1978 in poi ha realizzato più di 40 film e installazioni multimediali. Forgács è noto per la pluripremiata serie Privát Magyarország (Ungheria privata) che usa filmini di famiglia provenienti da ogni parte di Europa, fra gli anni Venti e gli anni Ottanta. Oltre ad aver presentato molti dei suoi lavori, il Trieste FF ha dedicato un omaggio a Forgács nel 2002 nell’ambito dell’evento “Graffiti Ungheresi”. Media artist and independent filmmaker, Péter Forgács was born in 1950 in Budapest. Since 1978 he has made more than 40 films and media installations. Forgács is best known for the Privát Magyarország (Private Hungary) serie based on European home movies from the 1920s and 1980s. Beside presenting several of his films, the Trieste FF has dedicated a tribute to Forgács in 2002, within the “Graffiti Ungheresi” event. filmografia scelta / selected filmography 1988 A Bartos család - Privát Magyarország 1.; Dusi és Jenő - Privát
Magyarország 2. 1989 Vagy-vagy - Privát Magyarország 3. 1990 N. úr naplója - Privát Magyarország 4. 1991 D-film - Privát
Magyarország 5. 1992 Fényképezte Dudás László - Privát Magyarország 6. Polgár Szótár - Privát Magyarország 7. 1994 Egy
úrinő notesza - Privát Magyarország 8. 1996
A semmi országa - Privát Magyarország 9.; Az Örvény - Privát Magyarország 10. 1997 osztálySORSjegy - Privát Magyarország 11.; Csermanek Csókja - Privát Magyarország 12. 1998 Dunai Exodus doc. 1999 Angelos Film 2001 Bibó Breviárium - Privát
Magyarország 13. 2002 A Püspök Kertje - Privát Magyarország 14. 2005 El Perro Negro doc. 2006 Miss Universe 1929 doc. 2007 Saját halál 2008 Von Höfler vagyok - Werther variáció I.-II. doc. 2011 Német
Egység @ Balatonnál doc. 2016 Picturesque Epoch doc.
SOVIET HIPPIES
(Nõukogude Hipid) Hippie sovietici
TErJE ToomisTU
HANSA STuDIOS: DA BOwIE AgLI u2
– La musica ai tempi
del Muro
Hansa Studios: by the Wall 1976-90
Estonia - Germania - Finlandia / Estonia – Germany - Finland 2017, HD, col. & b-n / b-w 85’ v.o. estone - russa - ucraina - inglese / Estonian - Russian – Ukrainian - English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Terje Toomistu.
Fotografia / Photography: Taavi Arus.
Montaggio / Editing: Martin Männik. Suono / Sound: Seppo Vanhatalo. Animazioni / Animation: Priit Tender.
Produzione / Produced by: Kultusfilm OU.
Coproduzione / Co-produced by: Kinomaton Berlin, Mouka Filmi OY, ARTE, MDR, YLE.
Con il sostegno di / Supported by: Estonian Film Institute, Estonian Film Endowment, Estonian Gambling Tax Council, AVEK, crowdfunding platform “Hooandja”.
Distribuzione internazionale / World Sales: Wide House.
Born
is an Estonian documentary filmmaker.
filmografia scelta / selected filmography
2011 Wariazone doc. 2017 Soviet Hippies doc.
Il movimento hippie, che ha affascinato centinaia di migliaia di giovani in Occidente, ha avuto un profondo impatto anche sull’altro lato della cortina di ferro. All’interno del sistema sovietico, una folla variopinta di artisti, musicisti, fricchettoni, vagabondi e di altri emarginati con capelli lunghi creò il proprio ‘sistema’, che teneva insieme tutti coloro che credevano nella pace, nell’amore e nella libertà per il corpo e per l’anima. Più di 40 anni dopo, un gruppo di eccentrici hippie estoni va a Mosca dove ogni anno, il 1° giugno, c’è un raduno per celebrare un tragico evento del 1971, quando migliaia di hippie sovietici furono arrestati dal KGB. Un viaggio nel tempo e nello spazio, che cerca di penetrare nel mondo underground e psichedelico di queste persone e nella loro lotta per la libertà.
The hippie movement that captivated hundreds of thousands of young people in the West had a profound impact on the other side of the Iron Curtain. Within the Soviet system, a colorful crowd of artists, musicians, freaks, vagabonds and other long-haired drop-outs created their own ‘system’, which connected those who believed in peace, love, and freedom for their bodies and souls. More than 40 years later, a group of eccentric hippies from Estonia take a road trip to Moscow where the hippies still gather annually on the 1st of June for celebration that is related to the tragic event in 1971, when thousands of Soviet hippies were arrested by the KGB. The journey through time and dimensions goes deep into the psychedelic underground world in which these people strived for freedom.
Gli Hansa Studios sono stati per anni gli studi al confine più estremo del mondo occidentale. La loro leggenda inizia con l’arrivo in Germania di David Bowie, primo artista di fama mondiale che ha preferito gli studi berlinesi a quelli americani, in cerca di una propria riabilitazione individuale e artistica. Qui, David Bowie ha parlato del muro nel testo della famosissima Heroes - nel verso “I can remember standing by the wall” - mentre il suo coinquilino e amico Iggy Pop ha concepito l’inno rock Lust for Life, e ha scritto The Passenger ispirato dai suoi viaggi a bordo delle carrozze della U-Bahn e S-Bahn. Oltre a loro, altri illustri musicisti internazionali, inclusi Depeche Mode, Nick Cave e Marillion, hanno inciso qui. A scrivere l’ultimo capitolo degli Hansa Studios nel ventesimo secolo saranno gli U2, con il disco Achtung Baby. Con un evocativo archivio di immagini e l’esclusivo accesso agli studi, il film racconta attraverso interviste inedite a solisti, band, ingegneri e produttori che sono stati pionieri di un nuovo sound, la vita degli Hansa Studios, da fabbrica di hit del pop tedesco a simbolo di una generazione di artisti in cerca di sperimentazioni sonore.
For years, the Hansa Studios were the furthest east of any studios in the Western world. Their legend began with the arrival in Germany of David Bowie, the first world-famous artist to prefer Berlin to the American studies while striving for his individual and artistic revival. Here, David Bowie spoke of the wall in the text of his famous song Heroes – in the line “I can remember standing by the wall” – while his roommate and friend Iggy Pop wrote the rock anthem Lust for Life and The Passenger, inspired by his travels aboard the U-Bahn and S-Bahn carriages. In addition to these two, there were other distinguished international musicians, including Depeche Mode, Nick Cave and the Marillion, who all recorded here. The last chapter in the history of Hansa Studios in the twentieth century was written by U2, with their Achtung Baby album.
With an evocative archive of images and exclusive access to the studios, through unpublished interviews with soloists, bands, engineers and producers who were pioneers of a new sound, the film describes the life of rhe Hansa Studios, from the maker of German pop hits to a symbol for a generation of artists in search of sound experiments.
Italia / Italy
2017, HD, col., 90’ v.o. inglese / English o.v.
Fotografia / Photography: Craig Hastings. Montaggio / Editing: Paul Bernays, Dan Setford. Musica / Music: Ian Masterson. Suono / Sound: Manuel Wilhelm, Doug Dreger, Mike Williams.
Interpreti / Cast: Alexander Hacke, Peter Burgon, Michael Zimmerling, David Bowie, Iggy Pop, Tony Visconti, Eduard Meyer, Romy Haag, Dave Rimmer, Christoph Dreher, Klaus Kruger, Gudrun Gut, Johannes Schmoelling, Gareth Jones, Daniel Miller, Nick Cash, Martin L. Gore, Barry Adamson, Thomas Wydler, Fish, Steve Rothery, Chris Kimsey, Colin Newman, Graham Lewis, Bono, Michael Stipe, Alex Wende, Michael Ilbert, Danny Goffey, Gaz Coombes, Rainer Maillard, Flood, Mick Harvey, Thilo Schmied. Produzione, distribuzione per l’Italia / Produced by, Distributed in Italy by: Sky Italia.
Distribuzione internazionale / World Sales: Sky Vision.
Mike Christie È un pluripremiato regista televisivo e cinematografico britannico che ha realizzato circa ottanta documentari nella sua carriera per canali televisivi quali BBC, Channel 4, Sky e Discovery. È specializzato in documentari d’arte e sport.
Mike Christie is an award-winning British TV and film director with a diverse and extensive body of work of some eighty broadcast documentaries for networks BBC, Channel 4, Sky and Discovery, many of which have been feature length. He specialises in arts and sports films. filmografia scelta / selected filmography
2004 Body Talk serie TV / TV series 2006
Yesterday We Were In America doc. 2011 Concrete Circus doc. 2012 Daredevils: Life on the Edge doc. TV 2015 Darcey’s Ballet Heroes doc. TV 2017 Hansa Studios: by the Wall 1976-90 (Hansa Studios: da Bowie agli U2 – La Musica ai tempi del Muro) doc. TV
Terje Toomistu
Nata nel 1985, è una regista di documentari estone.
in 1985, Terje Toomistu
miKE ChrisTiE
BORN IN TRIESTE
UN OMAGGIO AI FILM NATI NELL’AMbITO DI
/ A TRIbUTE TO ThE FILM PROjECTS PITChED AT “WhEN
EAST MEETS WEST”
BiEGaCZE
I corridori / Runners
BiEGaCZE
Runners
Łukasz Borowski
CoUNTry For oLD mEN
Pietro Jona, Stefano Cravero (vedi pagina / see page 89)
NuOSTABIEjI LŪzERIAI
Wonderful Losers: A Different World
Arūnas Matelis (vedi pagina / see page 62 )
Tre protagonisti. 240 chilometri. 52 ore continue di lotta contro le difficoltà di una pista in montagna e le limitazioni del corpo umano. Senza mai dormire. È l’unico obiettivo per tre partecipanti a un’ultramaratona in Polonia. Biegacze ritrae un banchiere di successo, una madre di tre bambini, che corre poco dopo aver partorito il figlio più piccolo, e un uomo per cui correre è l’unica cosa che gli è rimasta nella vita. Un ritratto che cerca di indagare un fenomeno globale come quello della corsa, portata all’estremo. Un tentativo di rispondere alla domanda “quale distanza si è disposti a percorrere” per alleviare il dolore, provare un sollievo momentaneo ed essere sicuri di lasciare un segno in questo mondo.
“Non sono mai stato un corridore. Ho iniziato a correre solo per poter essere in grado di riprendere l’ultramaratona.
Ciò che mi ha affascinato fin dall’inizio di questo strano ed esclusivo mondo sono le motivazioni alla base della decisione di prendere parte a una fatica così estrema, estenuante e potenzialmente pericolosa. Si può ancora chiamarlo sport?” (Ł. Borowski)
Three characters. 240 kilometres. 52 hours of continuous struggle against the mountain trail and human limitations. Without a moment of sleep. It’s the only goal for three participants of ultramarathon in Poland. Biegacze portray a successful banker, a mother of three, who runs the ultramarathon shortly after delivering her youngest child, and a man for who running is the last thing left in life. An insightful portrait of the global phenomenon of running, brought to the extreme. It is an attempt to answer the question of to what lengths one is willing to go in order to assuage pain, feel momentary relief and make sure to leave a mark in this world.
“I’ve never been a runner myself. I only took up running to be able to shoot the ultramarathon. What has fascinated me in this strange, exclusive world since the very beginning are the motivations behind the decision to take part in such an extreme, exhausting and possibly dangerous endeavour. Is this still a sport?” (Ł. Borowski)
Polonia / Poland
2017, HD, col., 75’ v.o. polacca / Polish o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Łukasz Borowski.
Fotografia / Photography: Michał Stajniak.
Montaggio / Editing: Marcin Latanik.
Musica / Music: Maciej Cieślak. Suono / Sound: Marcin Popławski, Maciej Krupa, Anna Rok.
Interpreti / Cast: Agata Matejczuk, Michał Kiełbasiński, Wiesław Macherzyński.
Produzione / Produced by: Wajda Studio.
Coproduzione / Co-produced by: TVP Polish Television, EC1 Łódź Miasto Kultury, KADR Film Studio.
Con il sostegno di / Supported by: Polish Film Institute.
Łukasz Borowski
Regista, sceneggiatore, è nato a Łódź in Polonia. Si è diplomato alla Scuola di cinema di Łódź e ha studiato regia alla Wajda School.
Director and screenwriter, Łukasz Borowski was born in Łódź, Poland. He graduated from the Film School in Łódź and studied directing at the Wajda School.
2011 3 dni wolności cm / sf doc.
2016 Przed świtem cm / sf doc.
2017 Biegacze doc
łukASz BOROwSkI
REBELS 68. EAST ‘N’ WEST REvOLUTION
REBELS 68. EAST
ORATORIuM PRO PRAHu
oratorio for Prague (1968)
Jan Němec
rECoNsTiTUirEa
Reconstruction (1968)
Lucian Pintilie
AgITáTOROk
Agitators (1969)
Dezső Magyar
LIPANjSkA gIBANjA
June Turmoil (1969)
Želimir Žilnik
raNi raDoVi
Early Works (1969)
Želimir Žilnik
sWEET moViE (1974)
Dušan Makavejev
GENEraCiJa ’68
Generation ’68 (2016)
Nenad Puhovski
REBELS 68. WEST
I PugNI IN TAScA
Fists in the Pocket (1965)
Marco Bellocchio
BLOw-uP (1966)
Michelangelo Antonioni
BAISERS VOLéS
Stolen Kisses (1968)
François Truffaut
SYMPATHY FOR THE DEVIL (1968)
Jean-Luc Godard
PERFORMANcE (1970)
Donald Cammell, Nicolas Roeg
LA cIcATRIcE INTéRIEuRE
The inner Scar (1972)
Philippe Garrel
ThE DrEamErs (2003)
Bernardo Bertolucci
LEs DEUx amis
Two Friends (2015)
Louis Garrel
BLOw uP DI “BLOw-uP”
Blow up of “Blow up” (2016)
Valentina Agostinis
Lo sTiLE DEL 1968
THE STYLE OF 1968
Nel loro fondamentale lavoro The Most Important Art: Soviet and Eastern European Film After 1945, Mira Liehm e Antonin J. Liehm affermano che gli esperimenti stilistici e le esplorazioni della forma cinematografica siano stati un argomento decisamente politico in tutto il cinema socialista dell’Est Europa: “Nessuna analisi delle strutture formali del cinema dell’Europa dell’Est e del suo sviluppo, nessuna analisi dei migliori film dell’Europa dell’Est è completa, se non si prende in considerazione lo stretto legame tra l’arte cinematografica e lo sviluppo della società e della politica, caratteristico di un’industria cinematografica nazionalizzata.” (Liehm 1977, pag. 2).
Benché quest’affermazione sia da prendere ‘cum grano salis’, visto che la politicizzazione della forma cinematografica si riscontra anche nel cinema di paesi non socialisti, l’affermazione dei Liehm rappresenta un ottimo punto di partenza per una discussione sullo stile dei film presenti in questa selezione per il Trieste Film Festival, essendo tutti influenzati dagli eventi o dallo spirito delle agitazioni politiche del 1968. L’emergenza della cosiddetta ‘nuova sinistra’ e le rivolte studentesche, gli scioperi operai e le varie manifestazioni di rivolta negli Stati Uniti e in Europa Occidentale (particolarmente rilevante, in questo contesto, il maggio 1968 in Francia) erano guidati da sentimenti anti-capitalisti, antimilitaristi e dal movimento per i diritti civili. Nello stesso periodo, simili richieste di democratizzazione e libertà sorgevano a Est, in Jugoslavia, Polonia e Cecoslovacchia. Tutti questi fenomeni influenzarono certamente lo stile dei film prodotti in quel periodo, talvolta in modo chiaro e diretto. Non abbiamo qui spazio per analizzare tutto ciò, naturalmente, ma ci concentreremo sui film che abbiamo selezionato, cercando di sottolinearne alcune linee di sviluppo.
La forma e lo stile di tutti e tre documentari che abbiamo scelto – Oratorium pro Prahu (Oratorio per Praga, 1968) di Jan Němec, Lipanjska gibanja (Agitazioni di giugno, 1969) di Želimir Žilnik e Generacija ‘68 (Generazione ‘68, 2016) di Nenad Puhovski – si sono evoluti sotto l’influenza ovvia della storia politica, non solo dal punto di vista narrativo e registico, ma anche per quanto riguarda la produzione. Tutti e tre i documentari sono basati su
In their seminal work The Most Important Art: Soviet and Eastern European Film After 1945, Mira Liehm and Antonin J. Liehm claim that stylistic experiments and explorations of film form were a highly political matter in all Eastern European cinemas during socialism: “No analysis of the formal structures of Eastern European film and their development, no analysis of the best works of Eastern European films, is complete unless one takes into consideration the close connection between film art and the development of society and politics, that is characteristic of a nationalized film industry.” (Liehm 1977, page 2).
While it should be taken with a grain of salt, since the politicization of film form can be tested in non-socialist cinemas as well, the Liehms’ claim is a good starting point in thinking about the style of films in this selection for the Trieste Film Festival, all of which are influenced by the events or the spirit of 1968 political turmoil. The emergence of the New Left and student riots, workers strikes and various rebellions in the US and Western Europe (with France in May 1968 especially important) were driven by anticapitalism, anti-militarism and civil rights movement, and similar demands for democratization and freedom on the Eastern side, in Yugoslavia, Poland and Czechoslovakia, did influence the style of the films made in the period, sometimes in a clear and direct way. We have no space to analyze all of it here, of course, but we can focus on the handful of films in our selection and try to highlight some lines of development.
The form and style of all three documentaries that we selected – Oratorio for Prague (Oratorium pro Prahu, 1968) by Jan Němec, June Turmoil (Lipanjska gibanja, 1969) by Želimir Žilnik and Generation ’68 (Generacija ’68, 2016) by Nenad Puhovski –evolved under the obvious influence of political history, not only in narration and directing, but in production too. All three documentaries are based on voice-over commentaries and the clash of documentary footage from 1968 events (in Yugoslavia and Czechoslovakia) and later reflection on that footage, but vary in the ways they treat their a posteriori analysis. The most reflexive film, deeply personal, but no less historical and political, is Puhovski’s Generation ’68 The director’s voice-
commenti fuori campo e sul contrasto tra i materiali d’archivio degli eventi del 1968 (in Jugoslavia e Cecoslovacchia) e le riflessioni fatte successivamente su questi materiali. Ciò che invece li differenzia è il modo in cui trattano le loro analisi a posteriori. Il film più riflessivo, profondamente personale ma non meno storico e politico, è Generazione ‘68 di Puhovski. La voce fuori campo del regista, le sue riflessioni autobiografiche, e le voci della sua generazione – interviste con i suoi amici e compagni, ma anche con figure prominenti del movimento sessantottesco jugoslavo – formano un misto di nostalgia, autoanalisi e commento storico, emotivo e riflessivo allo stesso tempo. Naturalmente, sono passati quasi cinquant’anni da allora, il che ha influenzato lo stile, il tono e le riflessioni del film. Eppure, la reazione più immediata ai tumulti del 1968 la possiamo vedere in Oratorio per Praga di Němec, la cui produzione e i cui obiettivi originari furono modificati in corso d’opera dall’invasione sovietica della Cecoslovacchia nell’agosto 1968. Il film si basa su ciò che Bordwell e Thompson (2010) chiamano ‘forma retorica’. La voce narrante è la voce dell’autore del film, che prova a convincere gli spettatori che quello che cominciò come un film pieno di entusiasmo sulla Primavera di Praga, un film che documentava il processo di democratizzazione e liberalizzazione del paese sotto la nuova leadership del Partito Comunista, diventò invece un oratorio per la città dopo l’arrivo dei carri armati sovietici. Il termine ‘oratorio’ del titolo è da intendersi sia come preghiera per la città invasa, sia come riferimento a un genere musicale da cui il film prende ispirazione in senso lato, se non addirittura strutturale. Quindi la storia politica ha cambiato la forma stessa del film da categorica a retorica, e lo stile ha dovuto modificarsi di conseguenza: da documentario ottimista e positivo rivolto al futuro, si è trasformato in un amaro commento sul passato recente e in una preghiera per la libertà e per il popolo. In Agitazioni di giugno Želimir Žilnik intercala e mette a confronto gli spezzoni d’archivio delle manifestazioni studentesche a Belgrado con i commenti degli studenti che ne sono seguiti. Poiché gli eventi del 1968 in Jugoslavia rappresentarono l’apice del processo di democratizzazione del paese, e non essendo il paese sotto il controllo sovietico, Žilnik
over, his autobiographical insights, and the voices of his generation – interviews with his friends and comrades, but also with prominent figures of 1968 movement in Yugoslavia – form a mixture of nostalgia, self-analysis and historical commentary, emotional and reflexive at the same time. Of course, almost 50 years have elapsed, so the style, the tone and the insights are affected by that fact. Yet, the most immediate response to 1968 turbulence can be seen in Němec’s Oratorio for Prague, whose production and original aims were changes and altered by the Soviet invasion of Czechoslovakia in August 1968. The film is based on what Bordwell and Thompson (2010) call rhetorical form. The narrator’s voice is the voice of the author of the film, and he tries to persuade the viewers that what started as an enthusiastic film about the “Prague Spring”, a film that recorded the process of democratization and liberalization of the country under the new communist party leadership, became an oratorio for the city after the Soviet tanks entered. The word ‘oratorio’ from the title is meant at the same time as a prayer for the city and a musical piece from which the film takes its general attitude, if not even its structure. So the political history changed the very form of the film from categorical to rhetorical, and the style had to be changed accordingly, from an optimist and supportive documentary that looks to the future, to a bitter commentary of the recent past and a prayer for freedom and the people. In June Turmoil Želimir Žilnik juxtaposes and contrasts the actual footage from student demonstrations in Belgrade with the students commenting on the demonstrations afterwards. Since the events of 1968 in Yugoslavia were a peak of the democratization of the country, and the country was not under the Soviet rule, Žilnik could make his style more dynamic and the tone more combatant. With its story about the eruption of police violence and the point of rebellion against the party elites who turned “the republic into speculation and the revolution into trade,” as an actor playing Robespierre says in the end, Žilnik positions his film as part of an ongoing protest.
At this point the comparison with previous historical events and artistic practices enters into the stylistic setting of the films in
Ivan Velisavljević
potè rendere il suo stile più dinamico e il tono più battagliero. Raccontando la storia dell’esplosione della violenza della polizia e la ribellione contro le élite del partito che avevano trasformato “la repubblica in speculazione e la rivoluzione in un business” – come dice un attore nei panni di Robespierre alla fine, Žilnik colloca il suo film nel contesto di una protesta ancora in corso. A questo punto il confronto con eventi storici e pratiche artistiche precedenti entra nelle scelte stilistiche dei film della nostra selezione. Sia Rani radovi (Prime opere, 1969) di Žilnik, sia Agitátorok (Agitatori, 1969) di Dezső Magyar, fanno riferimento alla storia delle rivoluzioni comuniste e agli artisti delle prime avanguardie che ne furono seguaci. Magyar ambienta la sua storia nella effimera Repubblica Sovietica Ungherese del 1919 e usa materiali d’archivio del periodo, cercando di ricreare poster, slogan e costumi e quell’atmosfera di discussioni, dibattiti e tensioni in cui i giovani agitatori vivono e in cui devono prendere le loro decisioni. Tuttavia, Magyar costruisce e modella suoi personaggi in modo che esercitino anche un’attrattiva contemporanea, mentre il suo misto di montaggio frenetico e lunghe scene di dibattiti politici, con terrore rivoluzionario, tribunali, violenza urbana e scene di guerra interpolate, che influenzano i destini dei personaggi (un militante, un ideologo, uno spirito libero, un oltranzista, ecc.), lo avvicinano più a Godard che ai film dell’avanguardia sovietica o del cinema modernista degli albori. Anche Žilnik usa uno stile teatrale, alla Godard (simile a La cinese 1967) nella recitazione e nella composizione, con didascalie avanguardiste, canzoni rivoluzionarie e articoli di Marx/Engels letti a voce alta e parole rivolte direttamente alla macchina da presa. Ma entrambi registi rendono i loro stili duri e scabri, più radicali e molto più politici, commentando l’incapacità dei nuovi rivoluzionari di finire le rivoluzioni che hanno cominciato – Magyar con allusioni sottili al 1956 in Ungheria e Žilnik con allusioni molto più esplicite alla Jugoslavia del 1968. Ma potremmo dire che entrambi i registi includono anche componenti allegoriche: la protagonista principale di Žilnik, Yugoslava, porta persino il nome del paese di cui è simbolo, e il film si conclude con le parole di Saint-Just, uno dei leader della Rivoluzione francese: “Chi fa la rivoluzione a metà, si scava da solo la propria fossa”.
Due dei film che abbiamo selezionato mirano a creare metafore e allegorie con un sottofondo politico e satirico più forte, e accentuano il ruolo della violenza, del sesso e del cinema stesso. Sweet Movie (1974) di Dušan Makavejev è autoreferenziale già nel titolo, ha un tono quasi parodistico, proprio come Reconstituirea (Ricostruzione, 1968) di Lucian Pintilie. Il film di Makavejev è un esempio sovversivo, anarchico e altamente ambivalente della politica radicale e delle pratiche cinematografiche del modernismo fine
our selection. Both Early Works (Rani radovi, 1969) by Žilnik, and Agitators (Agitátorok, 1969) by Dezső Magyar, make references to the history of the communist revolution(s) and its early avantgarde art followers. Magyar sets his story in the 1919 short-lived Hungarian Soviet Republic and uses archive footage from the period, trying to reconstruct posters, slogans and costumes and to create an atmosphere of discussions, debates and tensions that young agitators live and in which they have to make their decisions. Yet, Magyar constructs and models his characters so that they have a contemporary appeal as well, while his combination of fast-paced montage and long scenes of political debates, with revolutionary terror, courts, street violence and war scenes in between, that influence the destinies of characters (a militant, an ideologue, a free-spirit, a hard-liner etc.), makes him closer to Godard than to the Soviet avant-garde and early modernist films. Žilnik also uses the theatrical, Godard-like style (similar to La Chinoise 1967) in acting and composition, with avant-garde inter-titles, revolutionary songs and Marx/Engels articles read aloud and words spoken directly to camera. But both directors make their styles rough and harsh, more radical and much more political, commenting on the inability of the new revolutionaries to finish the revolutions they started – Magyar by subtle allusions to 1956 in Hungary and Žilnik to much less subtle allusions to 1968 Yugoslavia. But we could say both directors include an allegorical level as well – Žilnik’s main character Yugoslava is even named after the country she symbolizes, and the film ends with the words of Saint-Just, one of the leaders of the 18th century French Revolution: “Those Who Make Revolution Halfway Only Dig Their Own Graves.”
Two of the films we selected aim to create metaphors and allegories with a stronger political and satirical undercurrent, and they accentuate the role of violence, sex and film itself. Dušan Makavejev’s Sweet Movie (1974) has a self-reflexive reference in the title, set in an almost parodic tone, just the same as Lucian Pintilie’s Reconstruction (Reconstituirea, 1968). Makavejev film is a subversive, anarchic and highly ambivalent attempt of the radical politics and film devices of the late 1960s modernism, commenting both on capitalist exploitation and brutality, with the resistance created in the subcultural practices, and the seductive illusions of communism. Makavejev provoked censorship scissors both in the Western and the Eastern bloc – scenes with nudity, sex acts, coprophilia, vomiting, sexual harassment, are set against the provocative archive footage, such as the one of the Polish Katyn Massacre, and the theatrical scenes with exaggerations in acting and set-design, filled with communist symbols. On the other hand, Pintilie’s masterpiece verges much more on
Oratorium Pro Prahu 1968
anni ‘60 e offre un commento sia sullo sfruttamento e sulla brutalità del capitalismo (a cui oppongono resistenza le pratiche delle sottoculture), sia sulle seducenti illusioni offerte dal comunismo. Makavejev finirà sotto le forbici della censura al di qua e al di là della cortina di ferro: scene di nudità, di sesso, coprofilia, vomito, abusi sessuali, sono contrapposte a provocatori materiali d’archivio, come le scene del massacro di Katyn in Polonia, e a scene teatrali con una recitazione e scenografia esagerate, riempite di simboli comunisti. Dall’altro lato, il capolavoro di Pintilie è molto più spinto sul versante satirico, ma è realizzato con un tocco da moralista. Benché classico per quanto concerne i movimenti di macchina, le inquadrature e la recitazione, e per lo più nello stile della commedia d’impronta gogoliana, Ricostruzione si spinge verso quello che diverrà una messa in discussione postmoderna, quella della relazione tra realtà, rappresentazione che ne fanno i media e ideologia; in Ricostruzione il film stesso diventa parte del malinteso, confusione e alla fine tragedia. Il montaggio sperimentale, i jump-cut, l’accostamento di materiali d’archivio e scene di finzione, i contrasti estremi di materiale audio e video, l’uso di didascalie, di voci fuori campo, di parole rivolte direttamente alla macchina da presa, di una recitazione teatrale, spesso in chiave ironica (o che rasenta la parodia), la violenza eccessiva e la nudità... Ovviamente, nella maggior parte di questi film ritroviamo le tecniche di quell’avanguardia radicale che va dai primi anni ’20 agli anni ’30, fatte proprie dal cinema (tardo) modernista degli anni ’60 e ’70, in linea con il cinema d’autore, con lo scopo di liberare la forma filmica e usarla come strumento di liberazione della società. Pertanto, guardare questi film oggi, nel cinquantesimo anniversario delle ribellioni del 1968, significa anche riconsiderare il loro stile e la loro politica nel contesto di società contemporanee, molto più globali e quasi esclusivamente capitaliste, dell’Ovest e dell’Est, e di un cinema che non è mai stato così transnazionale – e del bisogno esistente, si spera, di cambiarli entrambi per il meglio.
the satirical side, but made by the hand of a moralist. Although classical in terms of camera movement, framing and acting, and mostly in the field of a Gogol-like comedy, Reconstruction takes a step towards what will become a post-modernist questioning of the relationship between reality, media representation and ideology: in Reconstruction the film itself becomes a part of the misunderstanding, confusion and tragedy in the end. Montage, jump-cuts, juxtaposing archive footage and fictional scenes, extreme contrasts of audio and visual material, usage of inter-titles, voice-over, words spoken directly to camera, theatrical acting, often in the ironic mode (or even close to parody), excessive violence and nudity… Obviously, in most of these films we’re dealing with the radical avant-garde devices from the early 1920s and 1930s, appropriated in the modernist cinema of the 1960s and 1970s (whether you call it ‘late’ or ‘high’), along the lines of auteur cinema, with an aim to liberate the film form and use it as a tool to liberate the society. Therefore, to watch these films today, on the 50th anniversary of the 1968 rebellions, would also mean to reconsider their style and their politics in the context of contemporary, much more global and almost exclusively capitalist societies of the West and the East, and film that is more transnational than ever – and the hopefully existent need to change them both for better.
ORATORIuM PRO PRAHu
Oratorio per Praga / Oratorio for Prague
Jan Němec cominciò a girare un documentario con l’intenzione di testimoniare la liberalizzazione politica della Cecoslovacchia e il “socialismo dal volto umano” di Alexander Dubček. Energia giovanile, musica, una città vivacizzata dallo spirito della democratizzazione… Tuttavia, dopo che i sovietici annientarono la “Primavera di Praga” invadendo il paese, Němec continuò a girare, trasformando il suo film in un vivido documento dei tempi della repressione e delle speranze deluse, grazie alle potenti immagini dell’invasione, mostrate poi svariate volte in televisione.
Jan Němec started to shoot a documentary with the intention to show the political liberalization of Czechoslovakia and “socialism with a human face” under the rule of Alexander Dubček. Youth energy, music, a vibrant city infused by the spirit of democratization… However, after the Soviets crushed the “Prague Spring” and invaded the country, Němec continued filming and, with powerful footage of the invasion, used numerous times afterwards on television, he turned his film into a vivid document of the times of repression and broken hopes.
I. Velisavljević
Jan Němec (Praga / Prague 1936-2016) Regista e sceneggiatore, nel 1964 realizzò il suo primo lungometraggio Démanty Noci: presentato a Cannes, il film lo impone all’attenzione della critica come uno degli autori di punta della ‘Nová vlna’. A causa delle immagini dell’invasione sovietica di Praga inserite in Oratorium pro Prahu gli viene impedito di lavorare e, nel 1974, lascia definitivamente il paese. Dopo aver trascorso un periodo nella Germania Ovest, nel 1977 si trasferisce in California dove insegna regia cinematografica in varie università, incluse Yale e Berkeley. Nel 1989, rientra in patria dove fonda la sua casa di produzione, la Jan Němec Film. Nel 2004 il Trieste FF ha dedicato un omaggio al suo cinema.
Director and writer, in 1964 he produced his first feature-length film, Démanty Noci. The film was presented at the Cannes Film Festival, where he stood out among the critics as one of the most interesting Nová Vlna’s directors. Because of the images of Prague’s Soviet invasion in his Oratorium pro Prahu, he was prevented from working and, in 1974, he left the country. After passing some time in West Germany, in 1977 he moved to California where he taught filmmaking in several Universities, including Yale and Berkeley. In 1989 he returned to his home country, where he founded his own production company, the Jan Němec
In 2004 the
a
to his cinema.
Film.
Trieste FF dedicated
tribute
Cecoslovacchia / Czechoslovakia, 1968, 35mm, b-n / b-w, 26’, v.o. inglese / English o.v.
Fotografia / Photography: Stanislav Szomolányi. Musica / Music: Ladislav Štaidl. Narratore / Narrator: Gene Moskowitz. Produzione / Produced by: Claude Berri, Jean-Pierre Rassam.
rECoNsTiTUirEa
La ricostruzione / Reconstruction
Romania, 1968, 35mm, b-n / b-w, 100’, v.o. rumena / Romanian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Horia Pătraşcu, Lucian Pintilie, tratta dal romanzo omonimo di / based on novel of the same title by Horia Pătraşcu. Fotografia / Photography: Sergiu Huzum. Montaggio / Editing: Eugenia Naghi. Suono / Sound: Andrei Papp. Scenografia / Art Director: Aureliu Ionescu. Costumi / Costume Designer: Florina Romescu. Interpreti / Cast: George Constantin, Gheorghe Mihăiţă, Vladimir Găitan, Ernest Maftei, Ileana Popovici, Emil Botta, Ştefan Moisescu, Niky Wolcz, Ion Rădulescu. Produzione / Produced by: Studioul Cinematografic Bucureşti.
Lucian Pintilie
Regista di cinema e teatro, sceneggiatore rumeno, è nato nel 1933 a Tarutino, ora Ucraina. È considerato il precursore e l’ispiratore dell’odierna nouvelle vague rumena. Nel 1956 si diploma alla Scuola di cinema e teatro IATC di Bucarest. Il suo primo film, Duminică la ora şase (1965), lo porta alla ribalta internazionale, mentre Reconstituirea (1968), che viene considerato da molti uno dei film più importanti del cinema rumeno, viene ritirato dalle sale per motivi di censura solo qualche mese dopo la sua uscita. Dopo una breve parentesi a Belgrado, nel 1974 si trasferisce a Parigi dove rimane fino al 1990. Nel 1998 con Terminus Paradis vince il Premio speciale della giuria alla Mostra del cinema di Venezia.
Romanian director and screenwriter, Lucian Pintilie was born in 1933 in Tarutino, now Ukraine. He is considered the forerunner and the main inspiration behind the today’s Romanian New Wave. In 1956 he graduated from the Film and Theatre School IATC in Bucharest. His first feature film Duminică la ora şase (1965), brought him to international reputation. Reconstituirea (1968), considered by film historians to be one the most important film of Romanian cinema, was banned from cinemas only few months after its premiere. After a short period in Belgrade, in 1974 he moved to Paris where he remained until 1990. In 1998 he won the Special Jury Prize at the Venice Film Festival with his film Terminus Paradis.
filmografia scelta / selected filmography 1965 Duminică la ora 6 1968 Reconstituirea 1973 Paviljon 6 film TV 1981 De ce trag clopotele, Mitică? 1991 Balanța 1993 Un été inoubliable (Un’estate indimenticabile / An Unforgettable Summer) 1996 Prea târziu 1998 Terminus Paradis Premi / Awards: Venezia, Mostra del cinema – Premio speciale della giuria / Venice FF - Special Jury Prize 2001 L’après-midi d’un tortionnaire (The Afternoon of a Torturer) 2003 Niki et Flo 2006 Tertium non datur mm / ml
LucIAN PINTILIE
AgITáTOROk
Agitatori / Agitators
In seguito a una rissa in un bar del posto, due giovani delinquenti devono ricostruire i fatti davanti all’investigatore e alla troupe del film. maltrattamenti inflitti dall’investigatore sui due giovani iniziano come una farsa ma si trasformano presto in abusi e umiliazioni, per finire lentamente in vera tragedia.
After a fight at the local bar, two young delinquents must reconstruct the event in front of the investigator and the film crew. The investigator’s mistreatment of the two youngsters starts as a farce, but it soon turns into oppression, degradation and slowly moves towards the real tragedy.
I. Velisavljević
Ambientato nel 1918 e nel 1919, durante l’ascesa e il declino dell’effimera Repubblica Sovietica Ungherese, Agitátorok è un film su un gruppo di giovani comunisti che cercano di influenzare operai e contadini a unirsi all’Armata Rossa e ai Bolscevichi, per combattere le forze controrivoluzionarie e stabilire una dittatura del proletariato. Ma le cose non vanno come previsto: accese discussioni e dibattiti nel quartier generale all’ “Hotel Hungaria” portano a conflitti tra i partiti, dispute sull’etica dei metodi politici e a spaccature. Quando la Repubblica Sovietica Ungherese fallisce, alcuni agitatori scappano e altri vengono uccisi, e il gruppo si dissolve. Benché sia ambientato durante la rivoluzione fallita del 1919, il film di Magyar echeggia quelle del 1956 e del 1968 in Ungheria.
Set in 1918 and 1919, during the rise and fall of the short-lived Hungarian Soviet Republic, Agitátorok is a film about a group of young communists who try to persuade workers and peasants to unite with the Red Army and the Bolsheviks, to fight the counter-revolutionary forces and establish the dictatorship of the proletariat. But things don’t go as planned – fierce discussions and debates in the headquarters “Hotel Hungaria” lead to inter-party conflicts, quarrels over the ethics of political methods, and disunity.
After the Hungarian Soviet Republic fails, some agitators escape and some are murdered, and the group dissolves. While set in the failed revolution of 1919, Magyar’s film echoes the failed revolutions of 1956 and 1968 in Hungary.
Sceneggiatura / Screenplay: Gábor Bódy, Dezső Magyar. Consulenza / Consultant: Péter Bacsó, Károli Makk. Fotografia / Photography: Lajos Koltai. Montaggio / Editing: Vera Selmeci. Suono / Sound: László Hegedüs. Scenografia / Art Director: József Budai. Costumi / Costume Designer: Fanny Kemenes, Zsuzsa Balai. Interpreti / Cast: András Kozák, Gábor Bódy, Sándor Siménfalvi, György Kézdy, Márkus László, Sándor Oszter, György Cserhalmi, László Bertalan, Tamás Szentjóby, László Földes. Produzione / Produced by: Béla Balázs Stúdió.
Dezső Magyar Regista, è nato nel 1939 a Szolnok, in Ungheria. Dopo essersi diplomato all’Accademia di arti dello spettacolo, nel 1969 divenne una delle figure chiave dello Studio Béla Balázs. Il suo Agitátorok fu vietato dalla censura e dalla metà degli anni Settanta si trasferì negli Stati Uniti. Dal 1983 insegna regia e sceneggiatura all’American Film Institute di Los Angeles.
Film director, Dezső Magyar was born in 1939 in Szolnok, Hungary. After graduating from the Academy of Performing Arts, in 1969 became one of the key figures of the Béla Balázs Studio. His Agitátorok was banned and from the midseventies he moved to USA. Since 1983 he has been teaching directing and script-writing at the American Film Institute in Los Angeles.
Sceneggiatura / Screenplay: Želimir Žilnik. Fotografia / Photography: Dušan Ninkov. Montaggio / Editing: Miodrag Petrović. Suono / Sound: Bogdan Tirnanić, Branko Vučičević Interpreti / Cast: Dragoljub Vojnov, Dragoljub Mićunović, Stevo Žigon. Produzione / Produced by: Neoplanta Film.
In collaborazione con / In collaboration with: International Short Film Festival Oberhausen Archiv Film.
Želimir Žilnik
Regista e sceneggiatore, è nato nel 1942 a Niš, ora Serbia. Le dimostrazioni studentesche del ‘68 sono al centro del suo primo lungometraggio Rani radovi (1969) che vince l’Orso d’Oro al festival di Berlino. Considerato uno dei pionieri dell’Onda nera jugoslava, ha dei problemi con la censura e a metà degli anni ‘70 si trasferisce in Germania. Ritorna negli anni ‘80 in Jugoslavia e nel 1984 realizza il film autobiografico Druga generaciija Il crollo del sistema dei valori nei paesi in transizione dell’Europa centro orientale assieme ai problemi dovuti all’arrivo di profughi e immigrati nella nuova Europa allargata sono diventati il focus dei più recenti lavori del regista. Žilnik è stato uno dei protagonisti dell’omaggio dedicato dal Trieste FF nel 1998 all’Onda nera jugoslava.
Filmmaker and screenwriter, Želimir Žilnik was born in 1942 in Niš, now Serbia. The student demonstrations of 1968 are at the centre of Žilnik’s first feature film Rani radovi (1969) which was awarded the Golden Bear at the Berlin Film Festival. One of the pioneering member of the Yugoslav “Black Wawe”, after facing problems with censorship in Yugoslavia, Žilnik spent the mid-seventies in Germany. Following his return to Yugoslavia, in 1984 made the autobiographical film Druga generacija. The breakdown of the system of values in post-transitional Central and Eastern European countries and the problems facing refugees and immigrants within the new circumstances of an extended Europe became the focus of Žilnik’s most recent films. Žilnik was one of the protagonists of the homage dedicated by Trieste FF in 1998 to the Yugoslav Black Wave.
filmografia scelta / selected filmography 1967 Žurnal o omladini na selu, zimi cm / sf doc. 1969 Lipanjska gibanja cm / sf doc.; Rani radovi Premi / Awards: Berlinale – Orso d’oro / Golden Bear 1971 Crni film cm / sf doc. 1973 Ustanak u Jasku cm / sf doc. 1976 Paradies 1980 Istarski Italijani film TV 1984 Druga generacija 1985 Marble Ass Premi / Awards: Berlinale – Teddy Award 1986 Lijepe žene prolaze kroz grad 1994 Tito po drugi put medju Srbima doc. 2001 Fortress Europe doc. 2003 Kenedi se vraća kući 2007 Kenedi se ženi 2009 Stara škola kapitalizma 2015 Logbook_Serbistan doc.
Prime opere / Early Works
Un breve documentario in bianco e nero sulle manifestazioni studentesche a Belgrado nel giugno del ‘68, basato sulle testimonianze degli studenti che vi parteciparono. Gli studenti descrivono gli abusi e la violenza della polizia, e i loro monologhi sono inframezzati da filmati d’archivio delle proteste stesse, discorsi e slogan contro la “borghesia rossa”, e altri che invocano più socialismo. Nella scena finale, il famoso attore Stevo Žigon, nelle vesti di Robespierre, recita parte della Morte di Danton di George Büchner davanti agli studenti.
A short, black and white documentary about the June 1968 student protests in Belgrade, based on the testimonies of students who took part in the protest. Students describe police oppression and violence, and their monologues are intercut with documentary footage of the protest itself, speeches and slogans against “the red bourgeoisie”, and other asking for more socialism. In the final scene famous actor Stevo Žigon, as Robespierre, performs part of George Büchner’s Danton’s Death in front of the students.
Dopo le ribellioni del 1968, quattro studenti jugoslavi, ispirati dalle prime opere di Karl Marx, intraprendono un viaggio per visitare villaggi rurali e parlare con i contadini di socialismo ed emancipazione. Guidati da una militante chiamata Yugoslava, il gruppo non riesce a relazionarsi con i contadini, subisce violenze, e comincia a disintegrarsi. Gelosi, amareggiati e arrabbiati per il fallimento dei loro progetti rivoluzionari, i tre uomini uccidono Yugoslava, ne ricoprono il corpo con la bandiera del Partito Comunista e la bruciano. Nel suo lungometraggio d’esordio, Žilnik usa uno stile teatrale, alla Godard (simile a La cinese 1967) nella recitazione e nella composizione, con didascalie avanguardiste, canzoni rivoluzionarie e articoli di Marx/Engels letti a voce alta, rendendo il film più duro e scabro, più radicale e persino più politico, esprimendo un giudizio sull’incapacità della ‘nuova sinistra’ di finire la rivoluzione che ha iniziato. Il film si conclude con le parole di Saint-Just: “Chi fa la rivoluzione a metà, si scava solo la propria fossa”.
After the 1968 rebellion, four students, inspired by the early works of Karl Marx, go on a road trip to visit villages in Yugoslavia and talk to peasants about socialism and emancipation. Led by a militant girl called Yugoslava, the group can’t connect to peasants, faces their violence, and starts to disintegrate. Jealous, bitter and angry because their revolutionary plans have failed, the three men kill Yugoslava, cover her with a flag of the Communist Party and burn her. In his debut feature, Žilnik used a theatrical, Godard-like style (similar to La Chinoise, 1967) in acting and composition, with early avant-garde intertitles, revolutionary songs and Marx/Engels articles read aloud. The result is a rough, more radical and even more political commentary on the inability of the New Left to finish the revolution it started. The film ends with the words of Saint-Just: “Those Who Make Revolution Halfway Only Dig Their Own Graves.”
Sceneggiatura / Screenplay: Želimir Žilnik, Branko Vučićević. Fotografia, montaggio / Photography, Editing: Karpo Aćimović Godina. Interpreti / Cast: Milja Vujanović, Bogdan Tirnanić, Čedomir Radović, Marko Nikolić, Slobodan Aligrudić. Produzione / Produced by: Avala Film, Neoplanta Film.
Agitazioni di giugno / June Turmoil
I. Velisavljević
sWEET moViE
Francia - Canada - Germania Ovest / France - Canada - West Germany 1974, 35mm, col. & b-n / b-w, 98’, v.o. inglese - francese - polacca / English - French - Polish o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Dušan Makavejev. Fotografia / Photography: Pierre Lhomme. Montaggio / Editing: Yann Dedet. Musica / Music: Manos Hadjidakis. Suono / Sound: Guy Rophé, Bernard Ortion, Jean-Claude Laureux. Scenografia / Art Director: Jocelyn Joly. Costumi / Costume Designer: Corinne Jorry. Interpreti / Cast: Carole Laure, Pierre Clémenti, Anna Prucnal, Sami Frey, Jane Mallet, Roy Callender, John Vernon, Otto Muehl, Marpessa Dawn, Roland Topor, George Melly. Produzione / Produced by: V. M. Productions, Mojack Films, Maran Films.
Dušan Makavejev
Regista, sceneggiatore, è nato nel 1932 a Belgrado. Negli anni ‘60 suoi film, irriverenti dal punto di vista stilistico e politico ebbero un ruolo fondamentale nel movimento jugoslavo dell’Onda nera. Nel 1971 il suo film W.R. Misterje organizma fu vietato in Jugoslavia per suoi contenuti sessuali e politici. Nel 1974 fu costretto a uscire dal paese e a lavorare in Europa e Nord America. Sweet Movie fu il primo film che il regista realizzò interamente fuori dalla Jugoslavia. I suoi film successivi furono realizzati in Svezia, Australia, Londra e Berlino. Il lungo esilio terminò poi negli anni ‘90. Makavejev è stato uno dei protagonisti dell’omaggio dedicato dal Trieste FF nel 1998 all’Onda nera jugoslava.
Film director and screenwriter, Dušan Makavejev was born in 1932 in Belgrade. In the ‘60s his films, stylistically and politically irriverent, played a key role in the Yugoslav “Black Wawe”. In 1971 his movie W.R. Misterje organizma was banned in Yugoslavia due to its sexual and political content. In 1974 Makavejev was forced to live and work abroad in Europe and North America. Sweet Movie was the first feature that the director produced entirely outside Yugoslavia. His next films were produced in Sweden, Austalia, London and Berlin. Makavejev’s long exile from his homeland ended in the ‘90s. Makavejev was one of the protagonists of the homage dedicated by the Trieste FF in 1998 to the Yugoslav “Black Wave”.
tica 1967 Ljuvavni slučaiili tragedija službenice 1968 Nevinost bez zaštite 1971 W.R. - Misterije organizma (W.R. - misteri dell’organismo / W.R.: Misteries of the Organism) 1974 Sweet Movie (Sweet Movie - Dolce film) 1981 Montenegro (Montenegro tango) 1985 The Coca-Cola Kid (Coca Cola Kid) 1988 Manifesto 1993 Gorila se kupa u podne (Gorilla Baths at Noon)
1994 A Hole in the Soul
DušAN
Uno dei film più controversi del suo tempo, censurato e tagliato per la presenza di oscenità, pornografia e violenza, Sweet Movie racconta due storie parallele. La prima riguarda una donna chiamata Miss Monde: dopo aver vinto il concorso di Miss Mondo Vergine viene venduta a un pervertito di nome Mr Dollars, che la umilia in vari modi. Quando fugge da lui, si unisce a una comune di sovversivi. La seconda storia tratta di Anna Planeta che comanda una nave con un’enorme testa di Karl Marx sulla prua. La nave è piena zeppa di dolciumi che Anna usa per sedurre i suoi passeggeri: dei bambini. Quando arriva un marinaio che diventa l’amante di Anna, le cose si complicano. Anarchico e audace, Sweet Movie solleva domande sulla liberazione sessuale e sulla politica, tipiche della sinistra post-sessantottina, ma il film si dimostra pertinente e sovversivo ancora oggi.
One of the most controversial films of its time, censored and cut on grounds of obscenity, pornography and violence, Sweet Movie tells two parallel stories. The first is about a woman called Miss Monde, who wins the Miss World Virginity contest and gets sold to a pervert called Mr. Dollars, who humiliates her in various ways. When she escapes him, she joins a subversive commune. The second story is about Anna Planeta who commands a ship with a giant Karl Marx head on the bow. The ship is filled with candy that Anna uses to seduce the passengers of the ship – children. When a sailor comes to the ship and becomes Anna’s lover, things get complicated. Anarchic and provocative, Sweet Movie raises questions about sexual liberation and politics, which were typical for the post-1968 Left, but remain still relevant and subversive today.
I. Velisavljević
GENEraCiJa ’68
Ambientandolo in una cornice autobiografica, Puhovski fa il suo omaggio alla generazione del 1968 attraverso numerose interviste a persone che parteciparono alle rivolte studentesche. Allo stesso tempo analizza la sua generazione e si chiede se abbia tradito quegli ideali di giovinezza, mettendoli al contempo in discussione.
Within an autobiographical frame, Puhovski creates his homage to the generation of 1968 by using numerous interviews with people who participated in the student rebellion. At the same time, he analyses his own generation and asks whether they had betrayed the ideals of their youth, while questioning them as well.
Sceneggiatura / Screenplay: Nenad Puhovski, Vesna Biljan Pušić. Fotografia / Photography: Nenad Puhovski. Montaggio / Editing: Vesna Biljan Pušić. Musica / Music: Rundek Cargo Trio - Isabel, Dušan Vranić Duco i Darko Rundek. Suono / Sound: Ivan Zelić. Ricerche d’archivio / Archive Research: Lada Bonacci. Interpreti / Cast: Dalibor Martinis, Slavoj Žižek, Želimir Žilnik, Karl-Heniz Dellwo, Neboiša Popov, Marjan Alčevski, Slobodan Drakulić, Slavenka Drakulić, Jagoda Kaloper, Jasna A. Petrović, Šime Vranić, Ognjen Čaldarević, Inoslav Bešker, Ivan Kuvačić, Rajko Grlić, Sena Puhovski, Tamara Puhovski. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Factum. Con il sostegno di / Supported by: Croatian Audiovisual Centre.
Nenad Puhovski
Produttore, regista di cinema, televisione e teatro, è nato a Zagabria nel 1949. Nel 1997 ha fondato la Factum, la più importante casa di produzione indipendente di cinema documentario della Croazia. Nel 2005 ha fondato, e ne è il direttore, ZagrebDox, il più celebre festival del cinema documentario in Croazia. Insegna regia di cinema documentario presso l’Accademia di Arti Drammatiche (ADU) di Zagabria.
Producer, film, TV and theatre director, Nenad Puhovski was born in 1949 in Zagreb. In 1997 he founded Factum, the most important Croatian independent documentary production. In 2005, he founded ZagrebDox, the biggest international documentary film festival in the region. He has been its director ever since. He teaches Documentary Directing at ADU (Academy of Dramatic Arts) in Zagreb.
filmografia scelta / selected filmography 1972 Činča doc. 1976 Mrtva luka doc. 1978 Podstanarska bajka 1991 Dubrovačka ratna trilogij doc.; Vukovar, nepokoreni grad doc. 1994 Sarajevski svjedok doc. 1998 Graham ja doc. 2002 Paviljon 22 doc. 2005 Lora – svjedočanstva doc. 2009 Zajedno doc. 2016 Generacija ’68 doc
Sweet Movie - Dolce film
Generazione '68 / Generation '68
iL CiNEma E iL ’68
CINEMA AND 1968
Cinquanta anni fa il cinema ‘fuori norma’ era la norma. Il critico francese Serge Daney spiega bene perché. “I primi giorni di maggio del ’68 rimangono per me un incantesimo, come un invalido che scopre improvvisamente di poter far naturalmente parte del quadro, delle strade che si percorrono nel mezzo, delle discussioni improvvisate, del tennis ludico tra azione e reazione, di Parigi più bella che mai e io senza nulla tra le mani e nelle tasche. E poi la mia ingenuità politica, la mia immediata arroganza, la facilità con la quale mi identificavo – rivolta anti autoritaria – con una causa, la causa studentesca che fino a quel momento mi aveva lasciato del tutto indifferente, la possibilità di riempirmi la bocca di parole, della parola rivoluzionaria per esempio. La mancanza di qualsiasi cultura politica era per me abissale. Per questo ho passato una parte della mia vita a confondere morale ed estetica e un’altra a confondere morale e politica. È certo che mi aspettavo da questa rivoluzione la nobilitazione del mio gusto per il non possesso, della mia totale inattitudine alla pianificazione, ai fini da raggiungere, al sole dell’avvenire, all’accumulo e al calcolo in generale. La rivoluzione era qui e ora, era più vicina alla vita di più persone, improvvisamente disposte a dialogare, una cosa del genere. Era il contrario di una previsione e più assomigliava alle promesse di un paradiso anche in terra, più risvegliava in me la miscredenza del bambino, scioccato da una religione costretta a ricorrere a tali espedienti… Vivendo come mi è capitato nel cinelimbo di questo mondo considero questo il solo mondo esistente… La cinefilia è questa strana malattia, un sintomo della quale è ritenere che questo mondo sia già un altro mondo”. Infatti.
Io la conoscevo bene… La cinese… Pugni in tasca... Prima della rivoluzione... L’asso di picche… Notte e nebbia del Giappone… Chi lavora è perduto… Gli amori di una bionda… Gertrud… Le margheritine… Si dirà che molti film che ‘sanno di sessantotto’ e profumano già di rivolta globale, linguistica e sostanziale, sono stati realizzati molto prima del maggio parigino.
Ma il sessantotto, ovvero i dieci anni fino al 1977 che hanno sconvolto il mondo (non si è ancora riequilibrato da allora) scavalcando perfino il riflusso degli ‘80, è nato molto prima di quella
Fifty years ago, ‘non-compliant’ cinema was the norm. The French critic Serge Daney explains why. “The first days of May 1968 remain an enchantment for me, like an invalid who suddenly discovers that he can naturally be part of the picture, of streets in which he can walk down the middle, of impromptu discussions, of playful tennis between action and reaction, of a Paris more beautiful than ever and I with no cash in my hands or pockets. And then my political ingenuousness, my immediate arrogance, the ease with which identified myself – as part of an anti-authoritarian revolt – with a cause, the students’ cause which until then had left me wholly indifferent, the possibility of filling my mouth with words, with revolutionary words, for example. The lack of any political culture was profound in my case. This is why I spent a part of my life confusing morality and aesthetics and another confusing morality and politics. Certainly I expected this revolution to ennoble my taste for nonpossession, my total innumeracy when it comes to planning, to the ends to be achieved, to looking to the future, to accumulation and calculation in general. The revolution was here and now; it was closer to the life of many people, suddenly willing to talk, something like that. It was the opposite of a prediction and the more it resembled the promises of a paradise on earth, the more it awakened in me the disbelief of a child, shocked by a religion forced to resort to such expedients... Living as I have in the cine-limbo of this world I consider this the only existing world... Cinephilia is this strange disease, a symptom of which is believing that this world is already another world”. Yes, well.
I Knew Her Well... La Chinoise... Fists in the Pocket… Before the Revolution... Black Peter... Night and Fog in Japan... Who Work Is Lost... Loves of a Blonde... Gertrud... Daisies... It will be said that many films that ‘have the feel of sixty-eight’ and already give a hint of global, linguistic and substantial revolt, were made long before the Parisian May. But 1968, or the ten years up to 1977 that shook the world (and it has not yet regained its balance) and even survived the ebb of the 1980s, was born long before that fateful date. It is as old
data fatidica. Ha l’età delle nouvelle vague. I giovani arrabbiati (Look Back in Anger), per esempio, manifesto anti sistemico del britannico Tony Richardson è del 1958. In Italia tutto è cominciato con la miseria, per molti, del sedicente boom economico. Ad Architettura di Roma, nel 1962, gli studenti e gli assistenti (tra di loro Renato Nicolini futuro assessore alla cultura ‘dinamitardo’ dell’immaginario) occupano perché sono stanchi dei teppisti del Fuan spalleggiati dalla polizia e perché l’insegnante reazionario di Storia dell’Arte e Storia e Stili dell’Architettura è fissato solo con i tempietti religiosi ottocenteschi da camposanto cattolico (imporranno la sua cacciata e l’arrivo di Bruno Zevi). Altro che La fonte meravigliosa. Vincono e su quell’esempio poi si solleveranno le altre facoltà di architettura e urbanistica, Milano, Venezia… e poi gli altri atenei e i licei. Si vive molto male e le città, e soprattutto i loro bordi, stanno diventando lugubri cimiteri per vivi. L’Occidente, coinvolto nel processo di decolonizzazione in Africa e Asia, e sconvolto dall’assassinio di Patrice Lumumba, primo di una lunga serie di epurazioni e stragi ‘democratiche’ che, senza badare a bombe, arriverà fino ad Allende, Palme e Moro, si interroga violentemente, soprattutto in Germania Occidentale, Francia e Italia, sulla imbarazzante presenza, nei posti istituzionali ed economici di comando, della stesso ceto politico nazifascista sopravvissuto alle blande epurazioni del dopoguerra e reimposto a forza dalla guerra fredda e dal maccartismo. Le fabbriche sono l’oggetto d’affezione preferito di chi le concepisce e sfrutta come fossero lager. Nocività. Turni spaccaossa. Cottimo. Salario differenziato per tutti. Per le donne non ne parliamo. Sindacati al muro. Agli emigranti senza diritti le mansioni più faticose (come adesso, non solo in Amazon e nonostante la robotica).
In Giappone contro la ratifica del trattato nippo-americano, e contro gli esperimenti neocapitalistici disumani che distruggono l’ambiente, il cibo e le metropoli, gli artisti, gli studenti e gli operai polemizzano con il riformismo blando e distratto, se non complice, dei sindacati e dei partiti di sinistra e mettono in discussione l’ortodossia filo-sovietica già nel 1958. Per contrapporsi alla dogmatica stalinista e alla sottomissione imposta alla ‘linea giusta’ si conia l’espressione ‘soggettività desiderante’ come idea-forza
as the nouvelle vague. Look Back in Anger, for example, an antisystemic manifesto by the British Tony Richardson dates from 1958. In Italy, everything began with the misery for many of the so-called economic boom. At the Faculty of Architecture in Rome in 1962, students and assistants (among them Renato Nicolini, future councillor for the culture, known also as ‘dynamite’ of the imaginary), occupied the site because they were tired of Fuan (aka ‘Fronte Universitario di Azione Nazionale’ an Italian rightwing student organization) thugs backed by the police and because the reactionary teacher of History of Art and History and Styles of Architecture was fixated only with nineteenth-century religious temples typical of a Catholic cemetery (they caused his expulsion and the arrival of Bruno Zevi). So much for The Fountainhead. They won and following their example the other faculties of architecture and urban planning rose up in Milan, Venice... and then the other universities and high schools. Life was not easy and the cities, and especially their margins, were becoming lugubrious cemeteries for the living.
Involved in the process of decolonisation in Africa and Asia and shocked by the assassination of Patrice Lumumba, the first in a long series of “democratic” purges and massacres that, heedless of bombs, would continue to Allende, Palme and Moro, the West questioned itself violently, especially in West Germany, France and Italy, on the embarrassing presence in institutional and economic posts of command of the Nazi and Fascist political class that had survived the bland post-WWII purges and was forcibly re-imposed by the Cold War and McCarthyism. Factories were the favorite objects of those who conceived and exploited them as if they were lagers. Health hazard. Backbreaking shifts. Piece rates. A differentiated salary for everyone. And let’s not talk about women’s wages. Unions with their backs to the wall. Migrants without rights with the hardest jobs (like now, not only in Amazon and despite robotics).
In Japan, artists, students and workers argue with the bland and spineless, if not complicit, urging for reform of the unions and left-wing parties against the ratification of the JapaneseAmerican treaty, and against inhuman neocapitalist experiments
Mariuccia Ciotta, Roberto Silvestri
liberatoria, anche cinematografica, dell’individuo ribelle fiero di entrare nell’illegalità: “Solo violenza aiuta dove violenza regna”, come aveva scritto Brecht.
L’est Europa, a cui è affidato l’incarico di perfezionare gli strumenti di controllo disciplinare ferreo di una società, dalla famiglia al lavoro, perché il capitalismo di stato non è competitivo in nessun altro ambito, istiga a prendere le armi contro chi pretende di rappresentare gli interessi degli operai e gli spara addosso (Berlino 1953, Budapest, 1956). Lo studente Zeman, futuro grande allenatore del calcio italiano, rifiuta di mettersi al collo il fazzoletto rosso del Partito e così faranno, nei loro saggi di diploma, cineasti della nová vlna Menzel, Chitylová e Passer, inventando l’ermetismo satirico a prova di burocrate o film come macchine ammazzacattivi. Lettera al Cremlino di John Huston (1970) scandalosamente ci avvertirà che l’apocalittica minaccia atomica e la guerra fredda sono armi di distruzioni di massa puntate contro popoli di tutto il mondo insorgenti e non contro il Cremlino o la Casa Bianca.
A Berkeley nel 1964 si occupano tutte le facoltà contro l’aggressione in Vietnam e l’uso bellico che il Pentagono vuole fare delle università pubbliche. Stessa reazione alla Columbia University di Manhattan. La repressione, durissima e scientificamente organizzata, istiga le anime più fragili e spoliticizzate alla lotta armata, e non solo di sopravvivenza.
Ma il movimento contro l’aggressione nel sud est asiatico che sarà capillare e terrorizzerà tutte le ambasciate, consolati, i centri militari e le sedi delle multinazionali Usa nel mondo, alla fine sarà vincente, uno dei pochi successi visibili del ’68 (e il ritorno alla democrazia in Grecia, Portogallo e Spagna…).
Senza chiedere permesso, il cinema e l’appena nato videotape saranno le armi di informazione e controinformazione più forti di tutte. Le due avanguardie, quella che bada alla sostanza della forma e quella che simpatizza per la sostanza del contenuto si affiancano, si intrecciano e spesso si fondono. Per esempio in Italia con Alberto Grifi. In Gran Bretagna una grande stagione di cinema ‘altro’ parte dall’università Hornsey College of Art che mette in discussione in The Hornsey Film (1969) le forme estetiche nella società capitalistica decadente. Angry Arts Film Society, Cinéma Action, Free Pop, il collettivo Newsreel, Other Cinema combatteranno con le immagini le politiche sociali (e di discriminazione razziale e sessuale) dei governi conservatori e laburisti del decennio successivo, e l’escalation militare in Irlanda mentre il
that destroy the environment, food and the metropolis, while also questioning pro-Soviet orthodoxy as early as 1958. To counteract the Stalinist dogma and the subjugation imposed on the ‘right line’, the expression ‘desiring subjectivity’ was coined as a liberating idea and force, in terms of cinema too, of the rebel individual proud to enter a world of illegality: “Only violence helps where violence reigns”, as Brecht had written.
Eastern Europe, which was entrusted with the task of perfecting the tools for the rigid disciplinary control of a society, from the family to work, because state capitalism was not competitive in any other sphere, instigated the taking up of arms against those who claimed to represent the workers’ interests and shoot them (Berlin 1953, Budapest, 1956). A student, Zeman, a future great coach of Italian football, refused to wear the red party handkerchief around his neck, as did the filmmakers of the nová vlna, Menzel, Chitylová and Passer in their diploma essays, inventing the satirical hermeticism that was bureaucracy-proof and films as bad guy killers. The Kremlin Letter by John Huston (1970) scandalously warned us that the apocalyptic atomic threat and the Cold War were weapons of mass destruction aimed at the rising populations of the whole world and not against the Kremlin or the White House.
In Berkeley in 1964 all the faculties railed against the war in Vietnam and the military use that the Pentagon wanted to make of public universities. The same reaction took place at Columbia University in Manhattan. The harsh, scientifically organised repression led the mildest and most de-politicised souls to armed struggle, and not only survival.
But the movement against aggression in Southeast Asia that turned out to be widespread and would terrorise all the US embassies, consulates, military centres and multinational headquarters around the world, was eventually the winner, one of the few visible successes of ’68 (together with the return to democracy in Greece, Portugal and Spain...).
Without asking permission, the cinema and the newborn videotape were the strongest information and counterinformation weapons of all. The two avant-gardes, the one that takes care of the substance of form and the one that sympathises with the substance of the content work together, intertwine and often blend. For example in Italy with Alberto Grifi. In Great Britain, a great season of ‘other’ cinema started from the Hornsey
cinema underground (Gidal, Le Grice, Dwoskin, Mulvey...) si organizzerà in cooperative ispirate da Jonas Mekas che a poco a poco innerveranno irreversibilmente le istituzioni culturali pubbliche e il British Film Institute (non senza contraddizioni, basti pensare all’ostruzionismo perenne contro Derek Jarman). Prima di sparire misteriosamente il documentarista di profondità Peter Whithead sarà l’anello di congiunzione tra sperimentalismo ‘rosso’ e ‘bianco’.
In Germania federale tutto comincerà nel 1962 a Oberhausen, e a quello che diventerà il ‘nuovo cinema tedesco’ collaboreranno gli azionisti austriaci, la nascita della cineteca di Berlino e della rivista «Filmkritik», il festival sperimentale di Knokke, in Belgio e miriadi di cooperative indipendenti. Si produce e distribuisce cinema antagonista in Danimarca attraverso il gruppo King Kong, in Olanda grazie all’Atelier del cinema e all’Amsterdams Stadsjournal; in Italia per iniziativa della Cooperativa cinema indipendente e dei vari Collettivi di cinema militante. In Francia nascono l’Acide e il Mai, il primo per la tutela del cinema di ricerca e sperimentale e il secondo per organizzare la diffusione militante. Non solo. Il cinema industriale stesso, fin dentro Hollywood, viene attraversato da una improvvisa febbre mutante. L’obbligo di trasformarsi, se non si vuole sparire, perché ormai la televisione domina, i set mentali del pubblico sono cambiati e il cinema europeo interroga con più coraggio e charme la vita vera, modifica i soggetti, il sistema dei generi, il comando degli Studios, modi di produzione. Le tecnologie leggere rendono sempre più agile ed economica la produzione di immagini sonore e visive. Easy Rider e Il mucchio selvaggio sono le prime, riuscite risposte ai critofilm di Godard (il cinema non è solo raccontar fiabe ma macchina critica della società), a Ingmar Bergman di Persona e a Sergio Leone della trilogia ‘western’. La realtà e l’utopia, lo scontro e la sconfitta del ’68 lo possiamo infatti riassumere nella scena clou del duello finale del western di Sam Peckinpah, il duello asimmetrico tra ribelli e governativi, che non è solo la nostalgia per la generazione di anime belle e repubblicane che fu schiacciata eroicamente in Spagna nel 1936, ma contiene anche, nel frenetico montaggio che già anticipa Michael Bay, l’immaginazione lisergica di corpi, spazi e tempi a venire. Tra The Fall, il documentario di Peter Whithead che soffre per la sconfitta delle lotte alla Columbia University di Harlem e Pshych-out di Richard Rush, sulla diffusione benefica, a San Francisco, dell’acido lisergico, droga
College of Art, questioning the aesthetic forms in decadent capitalist society in The Hornsey Film (1969). Angry Arts Film Society, Cinéma Action, Free Pop, the collective Newsreel, Other Cinema would fight the social policies (and racial and sexual discrimination) of Conservative and Labour governments of the following decade, and military escalation in Ireland with images, while underground cinema (Gidal, Le Grice, Dwoskin, Mulvey...) would be organised in cooperatives inspired by Jonas Mekas, gradually and irreversibly innervating public cultural institutions and the British Film Institute (not without contradictions if we consider the perennial obstructionism against Derek Jarman). Before mysteriously disappearing, the documentary filmmaker Peter Whitehead would be the link between ‘red’ and ‘white’ experimentalism.
In West Germany, everything began in Oberhausen in 1962, and what would become the ‘new German cinema’ saw the collaboration of Austrian shareholders, the birth of the Berlin Film Library and the «Filmkritik» magazine, the experimental festival in Knokke, Belgium and myriad independent cooperatives. Antagonistic films were produced and distributed in Denmark through the King Kong group, in the Netherlands thanks to the cinema Atelier and the Amsterdams Stadsjournal; in Italy on the initiative of the Independent Cinema Cooperative and the various militant cinema groups. In France, Acide and Mai are born, the first for the protection of research and experimental cinema and the second to organise militant diffusion.
Not only. Industrial cinema itself, deep in Hollywood, was swept by a sudden mutant fever. The obligation to transform oneself, in order to avoid disappearing – because by now television was dominant – the mental sets of the public had changed and European cinema questioned real life with more courage and charm led to a change in subject, the system of genres, the command of the Studios, and the modes of production. The light technologies make the production of sound and visual images more and more agile and cheap. Easy Rider and The Wild Bunch are the first, successful responses to Godard’s ‘critofilms’ (cinema is not just about telling fairy tales but also a critical machine of society), to Ingmar Bergman’s Persona and Sergio Leone’s ‘western’ trilogy. Reality and utopia, the clash and the defeat of ’68 can be summarised in the final scene of the duel of Sam Peckinpah’s western, the asymmetric duel between rebels
Image courtesy of Park Circus/Warner Bros Performance, 1970
che apre irreversibilmente la coscienza (visto che poi la città di Harvey Milk e Clint Eastwood è stata una sorta di parentesi, di banda a parte, rispetto alle decisioni imperialiste e autolesioniste prese dal Congresso, da allora a oggi, senza il suo consenso). Nelle università del nord Africa la contestazione (che è ancora laica e rivoluzionaria) al socialismo arabo autoritario è piuttosto preoccupante per i partiti unici al potere, tanto che il professore Michel Foucault, allora insegnante a Tunisi, troverà coraggiosissima, più ancora dei loro compagni parigini, la generazione di uomini e donne che pagano per le loro opinioni con lunghissime pene carcerarie e la tortura, i cui segni, l’occhio perduto, il cineasta Nouri Bouzid porta ancora in giro per i festival. Dalla Cina della Grande Rivoluzione Proletaria Culturale arriva lo slogan, “fuoco sul quartier generale”, che non sarà solo utilizzato dalle guardie rosse per rovesciare le gerarchie di potere all’interno al Partito Comunista Cinese, socializzando e rendendo più trasparente la dialettica politica – fino a quel momento rinchiusa nel Cremlino o nel Palazzo Imperiale – tra sinceri rivoluzionari e capitalisti travestiti, tra marxisti e revisionisti, tra servitori del popolo e traditori, ma diventerà l’idea forza di tutti quelli, non solo maoisti, che vogliono cambiare il mondo. Nelle case. Nei quartieri. Nelle scuole. In fabbrica. Negli ospedali. Nelle caserme. Nei manicomi. Nei giornali. Nei Media. Nei rapporti tra i sessi. Nei rapporti tra le etnie. Nei rapporti con il cibo e le sostanze psicotrope.
and government, which is not just nostalgia for the generation of beautiful and republican souls that was heroically crushed in Spain 1936, but also contains, in the frantic editing that already anticipates Michael Bay, the lysergic imagination of bodies, spaces and times to come. Between The Fall the documentary by Peter Whitehead who suffered because of the defeat of the Columbia University struggles in Harlem, and Psych-out by Richard Rush, on the beneficial spread in San Francisco of lysergic acid, a drug that irreversibly opens one’s consciousness (given that the city of Harvey Milk and Clint Eastwood was a sort of parenthesis, a band apart from the imperialist and self-injurious decisions taken by the Congress, from then until now, without its consent). In the universities of North Africa, protest (which was still secular and revolutionary) to authoritarian Arab socialism was rather worrying for the single parties in power, to the extent that Professor Michel Foucault, then teaching in Tunis, found the generation of men and women who paid for their opinions with long prison sentences and torture, and whose signs, the lost eye, was still being taken around film festivals by filmmaker Nouri Bouzid, to be even more courageous than their Parisian comrades. From the China of the Great Cultural Proletarian Revolution came the slogan, “fire on the headquarters”, which would not only be used by the red guards to overthrow the hierarchy of power within the Chinese Communist Party, socialising and making political dialectics more transparent – until that moment locked up in the Kremlin or in the Imperial Palace – by sincere revolutionaries and disguised capitalists, by Marxists and revisionists, by servants of the people and traitors, but would also become the guiding idea of all those, not just Maoists, who wanted to change the world. In homes. In neighbourhoods. In schools. In factories. In hospitals. In barracks. In asylums. In newspapers. In the media. In relations between the sexes. In relations between ethnic groups. In relations with food and psychotropic substances.
I PugNI IN TAScA
Fists in the Pocket
La casa-labirinto di Marco Bellocchio, opprimente simbolo di ogni istituzione repressiva, rispecchia con sconvolgente precisione gli anni di piombo pre-sessantottini. I giorni che verranno saranno il frutto di quella follia liberatoria e l’inizio di una nouvelle vague nella vita e al cinema. Ombre e luci coniugano cinema calligrafico e neorealismo e ne fanno materia politica e poetica. Lo sguardo epilettico di Lou Castel oscilla tra la voglia di normalità e quella dell’esodo, dell’ ”essere fuori” che prevarrà nella sua forma più estrema. Lo seguiremo.
Marco Bellocchio’s labyrinth-house, an oppressive symbol for every repressive institution, reflects the pre-1968 years with astonishing precision. The future days will be the fruit of that liberating madness and the beginning of a new wave in life and in cinema. Shadows and lights combine a calligraphic cinema and neorealism and make it a political and poetic subject. The epileptic gaze of Lou Castel oscillates between the desire for normality and that of exodus, of the “being out” that will prevail in its most extreme form. We will follow him.
M. Ciotta, R. Silvestri
Italia / Italy, 1965, 35mm, b-n / b-w, 105’. v.o. italiana / Italian o.v.
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Marco Bellocchio Fra più importanti registi e sceneggiatori del cinema italiano ed europeo, è nato nel 1939 a Piacenza. Frequenta il Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma dove si diploma nel 1962. pugni in tasca il suo lungometraggio d’esordio (1965), viene finanziato dalla famiglia e girato nella casa della madre. I suoi film sono stati presentati ai più importanti festival internazionali, fra cui Cannes, Venezia e Berlino. Nel 2011 ha ricevuto a Venezia il Leone d’Oro alla Carriera. Nel 2014 il Moma di New York gli ha dedicato una retrospettiva per 50 anni della sua carriera.
Marco Bellocchio born in 1939 in Piacenza, is an acclaimed Italian and European film director and screenwriter. He attended the Centro Sperimentale di Cinematografia (National Film School) in Rome where he gained his diploma in film directing in 1962. In 1965 he made his first feature pugni in tasca (Fists in the Pocket) funded by family members and shot on family property. His films have been presented at the most important international festivals, including Cannes, Venice and Berlin. In 2011 he received in Venice the Golden Lion for Lifetime Achievement. In 2014 the Moma in New York dedicated to him a restrospective for the 50 years of his career.
filmografia scelta / selected filmography 1965 pugni in tasca (Fists in the Pocket); Premi / Awards: Locarno – Vela d’argento / Silver Sail 1967 La Cina è vicina 1972 Sbatti il mostro in prima pagina 1984 Enrico IV 1986 Diavolo in corpo (Devil in the Flesh)
Sceneggiatura
Screenplay: Marco Bellocchio. Fotografia / Photography: Alberto Marrama. Montaggio / Editing: Aurelio Mangiarotti (Silvano Agosti). Musica / Music: Ennio Morricone. Suono / Sound: Vittorio De Sisti. Scenografia / Art Director: Rosa Sala. Costumi / Costume Designer: Gisella Longo. Interpreti / Cast: Lou Castel, Paola Pitagora, Marino Masè, Liliana Gerace, Pier Luigi Troglio, Jennie Mac Neil. Produzione / Produced by: Doria Cinematografica.
Bretagna - Italia - Stati Uniti / UK - Italy - USA, 1966, 35mm, col., 111’, v.o. inglese / English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Michelangelo Antonioni, Edward Bond, Tonino Guerra, tratta dal racconto Le bave del diavolo di / based on the short story The Droolings of the Devil by Julio Cortázar. Fotografia / Photography: Carlo Di Palma. Montaggio / Editing: Frank Clarke. Musica / Music: Herbie Hancock. Suono / Sound: Robin Gregory, Mike Le Mare. Scenografia / Art Director: Assheton Gorton. Costumi / Costume Designer: Jocelyn Rickards. Interpreti / Cast: David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, Verushka, Peter Bowles, Jill Kennington, Jane Birkin, Gillian Hills, Peggy Moffit, Rosaleen Murray, Ann Norman, Melanine Hampshire. Produzione / Produced by: Carlo Ponti, Metro Goldwin Mayer.
Michelangelo Antonioni (1912–2007)
Considerato uno fra più importanti registi della storia del cinema, nacque a Ferrara nel 1912. Nel 1950 realizza il suo primo lungometraggio Cronaca di un amore con Lucia Bosé e Massimo Girotti. Con L’avventura (1960) inizia quella che è stata definita la “trilogia dell’incomunicabilità” che comprende anche La notte (1961) e L’eclisse (1962), film che lo impongono definitivamente a livello internazionale. A metà degli anni ‘60 si sposta in Inghilterra, dove gira Blow-up (1966), e poi si trasferisce negli Stati Uniti sulle tracce della contestazione giovanile americana (Zabriskie Point 1970). Nel 1983 la Mostra del Cinema di Venezia gli assegna il Leone d’Oro alla Carriera, mentre nel 1995 riceve a Hollywood l’Oscar alla carriera.
One of the most important directors in the history of cinema, the Italian Michelangelo Antonioni was born in Ferrara in 1912. In 1950 he directed his first featurelength film, Cronaca di un amore with Lucia Bosé and Massimo Girotti. L’avventura (The Adventure, 1960) marked the first of what has been defined the “trilogy of incommunicability”, which also includes La notte (The Night, 1961) and L’eclisse (Eclipse, 1962); these were films that definitively established him at an international level. Midway through the 1960s, he moved to England, where he filmed Blow-up (1966), and then on to the United States, following the traces of young American protest Zabriskie Point 1970). In 1983, the Venice Film Festival assigned him a Golden Lion for Lifetime Achievement. In 1995 received an Oscar for Lifetime Achievement in Hollywood.
filmografia scelta / selected filmography 1950 Cronaca di un amore 1957 Il grido (The Cry); Premi / Awards: Locarno - Pardo d’Oro / Golden Leopard 1960 L’avventura (The Adventure); Premi / Awards: Cannes - Premio Speciale della Giuria / Jury Special Prize 1961 La notte (The Night); Premi / Awards: Berlinale - Orso d’Oro / Golden Bear 1962 L’eclisse (The Eclipse); Premi / Awards: Cannes - Premio Speciale della Giuria / Jury Special Prize 1964 Deserto rosso (Red Desert); Premi / Awards: Mostra del Cinema di Venezia - Leone d’Oro / Venice Film FestivalGolden Lion 1966 Blow-up Premi / Awards: Cannes - Palma d’Oro / Golden Palm 1970 Zabriskie Point 1974 Professione: reporter (The Passenger) 1982
Identificazione di una donna (Identification of a Woman) 1995 Al di là delle nuvole (Beyond the Clouds; diretto con / directed with Wim Wenders) 2004 Il filo pericoloso delle cose (episodio di / episode of Eros diretto con / directed with Steven Soderbergh, Wong Kar Wai)
BAISERS VOLéS
Baci
Un fotografo di moda nella swinging London scopre, nascosto ai bordi di una sua istantanea, la mano che impugna un revolver, e poi ritrova nello stesso parco il cadavere di un uomo. Lo inseguono per togliergli il rullino. E quel corpo scompare nel nulla… Un Antonioni concettuale e poetico, “neorealista pop del paesaggio metropolitano”, che non risolve un intreccio thriller ma svela il procedimento dello sguardo critico-scientifico. Per non mistificare la realtà, come fa il ‘cinema verità’ e il film di genere, bisogna prima demistificare se stessi e la tecnologia di ripresa impiegata. A costo di andare contro la società dello spettacolo. Per l’immaginazione (fertile) al potere.
Hidden in the margins of a snapshot, a fashion photographer in swinging London discovers a hand holding a revolver, and then finds the corpse of a man in the same park. They chase him to get the film off him. And that body disappears into nothingness... A conceptual and poetic Antonioni, “pop neorealist of the metropolitan landscape”, does not solve a thrilling plot but reveals the process of the critical and scientific analysis. In order not to mystify reality, as does ‘cinéma vérité’ and the genre film, we must first demystify ourselves and the shooting technology used. At the cost of going against the society of the spectacle. For the (fertile) imagination in power.
M. Ciotta, R. Silvestri
Partitura libera su voce di Charles Trenet in Que reste-t-il del nos amours?, nel film soffia lo spirito dandy del ‘68, quello che sbriciola le convenzioni di genere. Truffaut lo gira, dice lui, distratto dall’affaire Langlois e invece la traiettoria stravagante, anarchica, surreale a colpi di Balzac e di note autobiografiche porta dritto al Maggio e al suo specchio, la Cinémàtheque. Se Antoine Doinel è “un giovanotto del XIX secolo”, secondo il regista, lo sono anche ragazzi dietro le barricate, pieni di ideali illusi e innamorati, i tanti Jean-Pierre Léaud alla ricerca dell’assoluto.
A free interpretation in the manner of Charles Trenet’s Que reste-t-il de nos amours?, the film is impressed with the dandy spirit of 1968, one that crumbles gender conventions. Truffaut makes the film, he says, distracted by the Langlois affair and instead the extravagant, anarchic, surreal trajectory with touches of Balzac and autobiographical notes leads straight to May and its reflection, the Cinémàtheque. While Antoine Doinel is “a young man of the nineteenth century”, according to the director, so are the youths behind the barricades, full of deluded ideals and in love, the many Jean-Pierre Léauds looking for the absolute.
M. Ciotta, R. Silvestri
Francia / France, 1968, 35mm, col., 90’, v.o. francese / French o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: François Truffaut, Claude de Givray, Bernard Revon. Fotografia / Photography: Denys Clerval. Montaggio / Editing: Agnès Guillemot. Musica / Music: Antoine Duhamel, Que reste-t-il de nos amours? di / by Charles Trenet. Suono / Sound: René Levert. Scenografia / Art Director: Claude Pignot. Interpreti / Cast: Jean-Pierre Léaud, Delphine Seyrig, Claude Jade, Michel Lonsdale, Harry Max, André
Distributed
François Truffaut (1932–1984)
Regista, sceneggiatore, produttore, attore e critico cinematografico, nacque a Parigi nel 1932. È stato uno dei padri della Nouvelle Vague, con una carriera lunga 25 anni che lo ha reso una delle icone del cinema francese e mondiale. Il suo I quattrocento colpi è uno dei film fondamentali e caratterizzanti della Nouvelle Vague: unico esempio nella storia del cinema, è il primo di una serie con protagonista
Jean-Pierre Léaud nei panni di Antoine Doinel (alterego del regista), seguito poi dalla trilogia formata dai classici Baci rubati, Non drammatizziamo... è solo questione di corna e L’amour en fuite usciti fra il 1959 e il 1979. Nel 1974 il suo Effetto notte vince l’Oscar come Miglior film straniero.
Born in Paris in 1932, François Truffaut was a film director, screenwriter, producer, actor, and film critic, as well as one of the founders of the French New Wave. In a film career lasting over a quarter of a century, he remains an icon of the French film industry and world cinema. Truffaut’s film The 400 Blows came to be a defining film of the French New Wave movement. Unique in world cinema, the movie is followed over 20 years with classics Stolen Kisses, Bed and Board and Love on the Run between 1959 and 1979, and starring JeanPierre Léaud as Antoine Doinel (Truffaut’s alter ego). In 1974 his Day for Night won the Oscar as Best Foreign Language Film.
filmografia scelta / selected filmography
1959 Les Quatre Cents Coups (I quattrocento colpi / The 400 Blows); Premi / Awards: Cannes – Miglior regia / Best Director 1962 Jules et Jim (Jules e Jim / Jules and Jim) 1964 La Peau douce (La calda amante / The Soft Skin) 1966 Fahrenheit 451 1968 Baisers volés (Baci rubati / Stolen Kisses) 1970 Domicile conjugal (Non drammatizziamo... è solo questione di corna / Bed and Board)
1973 La Nuit américaine (Effetto notte / Day for Night); Premi / Awards: Academy Awards – Oscar come Miglior film straniero / Best Foreign Language Film 1975
L’Histoire d’Adéle H. (Adele H., una storia d’amore / The Story of Adele H.) 1976
L’Argent de poche (Gli anni in tasca / Small Change) 1979 L’Amour en fuite (Love on the Run) 1980 Le Dernier Métro (L’ultimo metrò / The Last Metro) 1981 La Femme d’à côté (La signora della porta accanto / The Woman Next Door) 1983 Vivement dimanche! (Finalmente domenica! / Confidentially Yours)
Gran
rubati / Stolen Kisses
FraNçois TrUFFaUT
Falcon, Daniel Ceccaldi, Claire Duhamel, Catherine Lutz, Martin Ferriere, Jacques Rispal, Serge Rousseau, Paul Pavel, François Darbon, Simono, Jacques Delord. Produzione / Produced by: Les Films du Carrosse, Les Productions Artistes Associés. Distribuzione italiana /
in Italy by: Lab 80 film
SYMPATHY FOR THE DEVIL
PERFORMANcE
Gran Bretagna / UK, 1968, 35mm, col., 100’, v.o. inglese / English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Jean-Luc Godard. Fotografia / Photography: Anthony B. Richmond. Montaggio / Editing: Ken Rowes. Musica / Music: The Rolling Stones. Suono / Sound: Derek Ball, Arthur Bradburn. Interpreti / Cast: The Rolling Stones (Mick Jagger, Keith Richard, Brian Jones, Charlie Watts, Bill Wyman), Anne Wiazemsky, Iain Quarrier, Frankie Dymon, Bernard Boston, Danny Daniels, Ilario Pedro, Roy Stewart, Jean-Luc Godard, Sean Lynch (speaker). Produzione / Produced by: Cupid Productions.
Jean-Luc Godard
È nato nel 1930 a Parigi. Uno dei più grandi registi viventi, tra fondatori della Nouvelle Vague francese. È spesso considerato il regista francese più radicale degli anni ‘60 e ‘70, il suo approccio alle convenzioni cinematografiche, alla politica e alla filosofia lo ha reso probabilmente il regista più influente della Nouvelle Vague: il suo film d’esordio Fino all’ultimo respiro (1959), con JeanPaul Belmondo e Jean Seberg ne è stato uno dei primi e più influenti esempi. All’epoca il film attirò l’attenzione anche per il suo audace stile visivo e per l’uso non convenzionale dei jump-cut. Nel 2010 gli è stato assegnato l’Oscar onorario alla carriera che però Godard non è andato a ritirare.
Jean-Luc Godard was born in 1930 in Paris. One of the greatest filmmakers alive, he is one of the founder of the French New Wave. He is often considered the most radical French filmmaker of the 1960s and 1970s; his approach in film conventions, politics and philosophies made him arguably the most influential director of the New Wave. His first feature Breathless (1959) starring Jean-Paul Belmondo and Jean Seberg was one of the earliest, most influential examples of this new cinema; at the time, the film attracted much attention for its bold visual style, which included unconventional use of jump cuts. In 2010, Godard was awarded an Academy Honorary Award, but did not attend the award ceremony.
filmografia scelta / selected filmography 1959 À bout de souffle (Breathless / Fino all’ultimo respiro); Premi / Awards: Berlinale – Orso d’argento / Silver Bear 1961 Une femme est une femme (La donna è donna / A Woman is a Woman); Premi / Awards: Berlinale – Orso d’argento / Silver Bear 1962 Vivre sa vie (Questa è la mia vita / My Life to Live); Premi / Awards: Venezia, Mostra del cinema – Premio speciale della giuria / Special Jury Prize 1963 Le Mépris (Il disprezzo / Contempt) 1964 Bande à part (Band of Outsiders) 1965 Pierrot le fou (Il bandito dell undici); Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution (Agente Lemmy Caution, missione Alphaville / Alphaville); Premi / Awards: Berlinale – Orso d’oro / Golden Bear 1966 Masculin féminin (Il maschio e la femmina) 1967 Deux ou trois choses que je sais d’elle (Due o tre cose che so di lei / Two or Three Things Know About Her); La Chinoise (La cinese) 1968 Le Gai Savoir; One plus One (Sympathy for the Devil) 1970 Lotte in Italia (diretto con / directed with Jean-Pierre Gorin aka Groupe Dziga Vertov) 1972 Tout va bien (Crepa padrone, tutto va bene) 1982 Passion 1983 Prénom Carmen (First Name: Carmen); Premi / Awards: Venezia, Mostra del cinema – Leone d’oro / Venice FF – Golden Lion 1985 Je vous salue, Marie (Hail Mary); Détective 1988-1988 Histoire(s) du cinéma 1990 Nouvelle Vague 2010 Film socialisme 2014 Adieu au langage (Addio al linguaggio / Goodbye to Language); Premi / Awards: Cannes – Premio della giuria / Prize of the Jury
Ricominciare da zero. Bombardare la narrativa tradizionale attraverso 10 piani sequenza: metà sui Rolling Stones che registrano Sympathy for the Devil, per il settimo album Beggars Banquet metà sulla rivoluzione che non decolla, tra Pantere nere letteraliste, scritte sui muri, un libraio nazi (il produttore Iain Quarrier) che fa malmenare due ‘rossi’ e Eve Democracy (Anne Wiazemsky) intervistata sul ruolo degli intellettuali e poi braccata. Un dolly degno di Preminger, metafora della “macchina cinema” controrivoluzionaria è utilizzata da Godard per denunciare, nel finale, i mezzi illimitati messigli a disposizione da Quarrier, che in Sympathy for the Devil rimonta poi tutto in modo orribilmente ortodosso. Ma sotto il selciato c’è la spiaggia…
Starting again from scratch. Bombarding the traditional narrative through 10 singles takes: half on the Rolling Stones recording Sympathy for the Devil for the seventh album, Beggars Banquet, half on the revolution that does not take off, between literalist black panthers, written on the walls, a nazi bookseller (the producer Iain Quarrier) who has two ‘reds’ beaten up and Eve Democracy (Anne Wiazemsky) interviewed on the role of intellectuals and then hunted down. A dolly worthy of Preminger, a metaphor of the counterrevolutionary “cinema machine” is used by Godard to denounce – in the finale – the unlimited means made available to him by Quarrier, who in Sympathy for the Devil then edits everything in a horribly orthodox way. But under the stones the beach...
M. Ciotta, R. Silvestri
Tra i picchi erotici del cinema: Anita Pallenberg, nuda sotto la pelliccia, comincia ad accarezzarla, a letto con Chas, killer in fuga a Notting Hill dove seduce con la sua demoniaca e sadica violenza Turner, rock star in ritiro (Mick Jagger) e le sue amanti (l’altra è Michèle Breton). Roeg, al virtuosistico debutto, adorna di sesso, allucinogeni, omaggi a Kenneth Anger e impertinenze verbali un (futuro) cult movie iperviolento, in odorama virtuale, indocile al racconto lineare e in fuga dall’equilibrio spazio/temporale di un iniziale thriller. Un attentato alla sacralità dei sacri valori (e versione gay di Il servo).
One of the erotic peaks of cinema: Anita Pallenberg, naked under a fur, begins to caress it, in bed with Chas, a killer fleeing to Notting Hill where he seduces Turner, a rock star in retirement (Mick Jagger) and his lovers (the other is Michèle Breton) with his demonic and sadistic violence. Roeg, at his virtuoso debut, adorns a hypothetical (future) cult movie with sex, hallucinogens, tributes to Kenneth Anger and verbal impertinences, in a virtual odorama (smello-vision), rejecting a linear story and avoiding the space/time balance of what starts as a thriller. This film marks an attack on the sacredness of sacred values (and the gay version of The servant).
M. Ciotta, R. Silvestri
Gran Bretagna / UK, 1970, 35mm, col. & b-n / b-w, 106’, v.o. inglese / English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Donald Cammell.
Donald Cammell (1934-1996)
Nacque a Edimburgo nel 1934. Pittore di talento, iniziò a lavorare nel cinema come sceneggiatore e, nel 1968, scrisse e co-diresse (con Nicolas Roeg) Performance Il film uscì nelle sale solo nel 1970 per contenuti, all’epoca ritenuti violenti e offensivi. Si trasferì poi in California, dove ebbe una breve collaborazione con Kenneth Anger, scrisse diverse sceneggiature, e riuscì a realizzare quattro film come regista.
Donald Cammell was born in Edinburgh in 1934.
A gifted painter, he made his debut into the film industry as screenwriter and, in 1968, he wrote and co-directed (with Nicolas Roeg) Performance The film had his theatrical release only in 1970, due to his graphic violence and sympathetic view of drug culture. He then moved to California where he had a short collaboration with Kenneth Anger, wrote a number of scripts and completed four films as a director.
filmografia scelta / selected filmography
1970 Performance (Sadismo) diretto con / directed with Nicolas Roeg 1977 Demon Seed (Generazione Proteus)
1995 Wild Side (Il tocco del diavolo)
Nicolas Roeg Regista, direttore della fotografia, è nato nel 1928 a Londra. Dopo aver lavorato come direttore della fotografia per Roger Corman, Richard Lester e François Truffaut tra gli altri, nel 1970 passa alla regia con Performance (Sadismo). Nel 1973 è la volta di A Venezia... un dicembre rosso shocking e nel 1976 L’uomo che cadde sulla terra con David Bowie nel ruolo di un alieno infelice. Negli ultimi anni ha lavorato per la televisione inglese. Film director, cinematographer, Nicolas Roeg was born in 1928 in London. After working as cinematographer with Roger Corman, Richard Lester and François Truffaut among the others, he made his directorial debut in 1970 with Performance Throughout the next decade he produced Don’t Look Now (1973) and in 1976 The Man Who Fell to Earth starring David Bowie as a benign but unhappy alien. His latest works are mostly for television.
filmografia scelta / selected filmography 1970 Performance (Sadismo) diretto con / directed with Donald Cammell 1971 Walkabout 1973 Don’t Look Now (A Venezia... un dicembre rosso shocking)
Sadismo
Fotografia / Photography: Nicholas Roeg. Montaggio / Editing: Antony Gibbs, Brian Smedley-Aston. Musica / Music: Jack Nitzsche Suono / Sound: Ron Barron, Alan Pattillo. Scenografia / Art Director: John Clark. Costumi / Costume Designer: Deborah Dixon, Billy Jay, Emma Porteous. Interpreti / Cast: James Fox, Mick Jagger, Anita Pallenberg, Michèle Breton, John Bindon, Stanley Meadows, Anthony Morton, Johnny Shannon, Anthony Valentine. Produzione / Produced by: Goodtime Enterprises.
Image courtesy of Park Circus/Warner Bros
LA cIcATRIcE INTéRIEuRE
La cicatrice interiore / The Inner Scar
Francia / France, 1972, 35mm, col., 60’, v.o. francese - inglese - tedesca / French - EnglishGerman o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Philippe Garrel, Nico. Fotografia / Photography: Michel Fournier. Montaggio / Editing: Philippe Garrel. Musica / Music: Nico. Suono / Sound: Antoine Bonfanti, René Levert. Interpreti / Cast: Nico, Philippe Garrel, Pierre Clémenti, Christian Aaron Boulogne, Daniel Pommereulle, JeanPierre Kalfon, Balthazar Clémenti. Produzione / Produced by: Zanzibar Films, Open Films, Capital Cinéma.
Philippe Garrel Spesso associato con la Nouvelle Vague, regista, direttore della fotografia, sceneggiatore e produttore è nato nel 1948 a Parigi. Nel 1967 esce il suo film d’esordio Marie pour mémoire mentre nel 1969 c’è l’incontro fondamentale con la cantante e attrice Nico, con cui inizierà un sodalizio sentimentale e artistico che durerà quasi un decennio. Nel 1991 il suo J’entends plus la guitare vince il Leone d’Argento a Venezia, un premio che riceverà poi nuovamente per Les amants réguliers (2005), sensibile evocazione del Maggio ’68 in cui recita suo figlio Louis.
Often associated with New Wave movement, director, cinematographer, screenwriter, producer, Philippe Garrel was born in 1948 in Paris. His debut film Marie pour mémoire was released in 1967, while in 1969 he met the singer and actress Nico, with whom he will start an artistic and sentimental liaison which will last almost a decade. In 1991 his J’entends plus la guitare won the Silver Lion in Venice, an award he received a second time for Les amants réguliers (2005), a sensitive evocation of May 68 starring his son Louis.
filmografia scelta / selected filmography
1967 Marie pour mémoire 1968 Le révélateur 1972 La cicatrice intérieure 1974 Les Hautes solitudes 1975 Le berceau de cristal 1979-82 L’enfant secret 1989 Les baisers de secours 1991 J’entends plus la guitare Premi / Awards: Venezia, Mostra del cinema – Leone d’Argento / Venice FF – Silver Lion 1993 La naissance de l’amour (The Birth of Love) 1999 Le vent de la nuit (Night Wind) 2005 Les amants réguliers (Regular Lovers); Premi / Awards: Venezia, Mostra del cinema – Leone d’Argento / Venice FF – Silver Lion 2010 Un été brulant (A Burning Hot Summer) 2013 La jalousie (Jealousy) 2015 L’ombre des femmes 2017 L’amant d’un jour (Lover for a Day)
ThE DrEamErs
The Dreamers – I sognatori
A 21 anni Garrel gira a colori un film in ‘prima persona singolare maschile’ con Pierre Clémenti, il padre, Nico, la madre, e Balthazar Clémenti, il figlio. Un viaggio verso il paradiso artificiale? Un pianeta lontano? Un passato misterioso? O è un ‘love movie’ per Nico? “Non fatevi domande – spiega Garrel - guardatelo solo per piacere, come può essere piacevole avventurarsi nel deserto, ascoltare Nico (in Desertshore), ammirare una carrellata circolare, gli strani paesaggi, il silenzio angosciante, le grida addolorate, la ricerca di un assoluto improbabile e incerto”. E anche: “Quando devo parlare del ’68 preferisco raccontare i sogni che ne derivano, non gli scontri”.
At 21, Garrel shot a colour film in ‘first person singular masculine’ with Pierre Clémenti, the father, Nico, the mother, and Balthazar Clémenti, the son. A journey towards an artificial paradise? A distant planet? A mysterious past? Or is it a love movie for Nico? “Do not ask questions”, explains Garrel, “look at it for pleasure, how pleasant it can be to venture into the desert, to listen to Nico (in Desertshore), to admire a circular tracking shot, the strange landscapes, the distressing silence, the pained cries, the search for an unlikely and uncertain absolute”. And also: “When I have to talk about ’68, I prefer to talk about the dreams that emerge from it, not the clashes”.
M. Ciotta, R. Silvestri
La macchina desiderante è all’opera con il duo perverso Louis Garrel/Eva Green, che fa scandalo perché sessualmente è la stessa persona, alle prese con l’ospitespettatore. Sequenza stupefacente in volo verso la Cinémàtheque, unico approdo e scatola delle meraviglie da dove escono i fantasmi della Bande à part di Godard. Il ‘68, “opera aperta” a confronto con la sinistra disciplinare dei padri, sfonda il vetro della finestra con un sampietrino, e apre alla battaglia del Maggio. Nel mirino di Bernardo Bertolucci, big della nuova onda, quelli che ancora sognano.
The wishing machine is at work with the perverse duo Louis Garrel/Eva Green, which causes a scandal because sexually it is the same person, grappling with the guest-spectator. An amazing sequence in flight to the Cinémàtheque, the only landing and box of wonders whence emerge the ghosts of Godard’s Bande à part. 1968, an “open-ended work” measuring up with the disciplinary left of its fathers, breaks through the glass of the window with a cobble, and initiates the battles of May. In the viewfinder of Bernardo Bertolucci, a major figure in the new wave, we see those who still dream.
M. Ciotta, R. Silvestri
Gran Bretagna - Francia - Italia / UK - France - Italy, 2003, 16mm & 35mm, col. & b-n / b-w 115’ v.o. inglese - francese / English - French o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Gilbert Adair tratta dal suo racconto / based on his short story The Holy Innocents. Fotografia / Photography: Fabio Cianchetti. Montaggio / Editing: Jacopo Quadri. Musica / Music: Julien Civange, Janice Ginsberg, Nick Laird-Clowes, Charles Henri de Pierrefeu. Suono / Sound: Stuart Wilson. Scenografia / Art Director: Jean Rabasse, Pierre Duboisberranger. Costumi
Designer:
Company,
Bernardo Bertolucci
Figlio del poeta Attilio Bertolucci, è nato a Parma nel 1941. Tra registi italiani più rappresentativi e conosciuti a livello internazionale, inizia a lavorare nel cinema nal 1961 come assistente di Pier Paolo Pasolini. Debutta alla regia con La commare secca (1962). Nel 1964 realizza Prima della rivoluzione, un film semi-autobiografico considerato anticipatore della contestazione del ‘68. Fra i suoi film di successo Il conformista Ultimo tango a Parigi Novecento Il tè nel deserto e L’ultimo imperatore che gli valse 9 Oscar, fra cui quelli per il Miglior film e la Miglior regia. Nel 2003 realizza The Dreamers emozionante ritorno al ‘68 parigino. Tra numerosi riconoscimenti, nel 2007 il Leone d’oro alla carriera a Venezia, nel 2011 a Cannes la Palma d’Oro onoraria e nel 2012 il Premio EFA alla carriera.
Son of the poet Attilio Bertolucci, Bernardo Bertolucci was born in 1941 in Parma, Italy. One of the most important and internationally know Italian directors, he began working in film industry in 1961 as assistant director of Pier Paolo Pasolini. He made his debut as director with La commare secca (1962). In 1964 he made Before the Revolution a semiautobiographical work considered a precursor of the protests of ‘68. Among his hit film The Conformist, Last Tango in Paris 1900 The Sheltering Sky and The Last Emperor which earned him 9 Academy Awards, including those for Best Film and Best Director. In 2003 he made The Dreamers a moving drama set against the backdrop of the 1968 Paris student riots. Among numerous awards, the Golden Lion for Lifetime Achievement at the Venice Film Festival in 2007, the Honorary Golden Palm at Cannes in 2011 and the EFA Lifetime Achievement Award in 2012. filmografia scelta / selected filmography
1962 La commare secca 1964 Prima della rivoluzione (Before the Revolution) 1970 Il conformista (The Conformist); Strategia del ragno (The Spider’s Stratagem) 1972 Ultimo tango a Parigi (Last Tango in Paris) 1976 Novecento (1900) 1981 La tragedia di un uomo ridicolo (Tragedy of a Ridiculous Man) 1987 The Last Emperor (L’ultimo imperatore); Premi / Awards: Oscar – Miglior film, Miglior regia, Miglior sceneggiatura non originale, Miglior fotografia, Miglior montaggio, Migliori costumi, Miglior Scenografia, Miglior colonna sonora originale, Miglior sonoro / Best Film, Best Director, Best Adapted Screenplay, Best Cinematography, Best Film Editing, Best Costume Design, Best Production Design, Best Original Score, Best Sound 1990 The Sheltering Sky (Il tè nel deserto) 1993 Little Buddha (Il piccolo Buddha) 1996 Io ballo da sola (Stealing Beauty) 1998 L’assedio (Besieged) 2003 The Dreamers 2012 Io e te (Me and You)
/ Costume
Louise Stjernsward. Interpreti / Cast: Michael Pitt, Eva Green, Louis Garrel, Anna Chancellor, Robin Renucci, Florian Cadiou, Jean-Pierre Léaud. Produzione / Produced by: Recorded Picture
Francia / France, 2015, HD, col., 100’, v.o. francese / French o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Louis Garrel, Christophe Honoré, tratta dalla pièce teatrale / based on the play Les Caprices de Marianne di / by Aldred de Musset. Fotografia / Photography: Claire Mathon. Montaggio / Editing: Joëlle Hache. Musica / Music: Philippe Sarde. Suono / Sound: Laurent Benïm, Léo Banderet, Benjamin Jaussaud, Mélissa Petit Jean. Scenografia / Art Director: Jean Rabasse. Costumi / Costume Designer: Justine Pearce. Interpreti / Cast: Golshifteh Farahani, Vincent Macaigne, Louis Garrel, Mahaut Adam, Pierre Maillet, Christelle Deloze, Laurent Laffargue, Rachid Hami, Pierre Devérines, Aymeline Valade, Luc Poignant, Eric Bartonio, Michele Goddet. Produzione / Produced by: Les Films des Tournelles. Coproduzione / Co-produced by: Arte France cinéma. In associazione con / In association with: Cofinova 11, Indefilms 3, Soficinema 11. Con la collaborazione di / With the collaboration of: Canal +, Arte France, CNC. Con il sostegno di / Supported by: Fondation Gan pour le Cinéma. Distribuzione internazionale / World Sales: Indie Sales Company. Distribuzione per l’Italia / Distributed in Italy by: Movies Inspired.
Louis Garrel
Attore e regista, figlio del regista Philippe Garrel e dell’attrice francese Brigitte Sy, è nato nel 1983 a Parigi. Si è diplomato nel 2004 al Conservatoire National Supérieur d’Art dramatique di Parigi. Da allora ha lavorato come attore per il teatro e per il cinema. Nel cinema è stato diretto, fra gli altri, da Bernardo Bertolucci, François Ozon, Jacques Doillon, Philippe Garrel, Bertrand Bonello e Maïwenn. Les deux amis il suo primo lungometraggio da regista, è stato presentato nel 2015 alla Semaine de la Critique di Cannes.
Actor and director, son of director Philippe Garrel and French actress Brigitte Sy, Louis Garrel was born in 1983 in Paris, where he graduated from the Conservatoire National Supérieur d’Art dramatique in 2004. Since then he has worked as an actor for theatre and cinema. In cinema he worked under the direction of Bernardo Bertolucci, François Ozon, Jacques Doillon, Philippe Garrel, Bertrand Bonello and Maïwenn among the others. Les deux amis, his first feature film as director, premiered in 2015 at the Critic’s Week in Cannes.
Corpo catalizzatore di nouvelle vague e discepoli, Louis Garrel fa da trait-d’union a nevrosi e capricci, indisciplina e rivoluzione, erotismo espanso e bellezza del cinema pre e post sessantottino. È lui l’Antoine Doinel rinato che attraversa il set ricostruito della primavera parigina tra fiamme e fumogeni sulle trincee dei manifestanti con fazzoletti e le bandiere rosse. Un altro trio di innamorati in omaggio a Renoir, Philippe, Bernardo al grido di “Ce n’est qu’un debut continuons le combat”. Dietro e davanti la macchina da presa, Louis accarezza quei giorni e un fantomatico se stesso.
A catalyst for the nouvelle vague and its disciples, Louis Garrel acts as a link to neuroses and whims, indiscipline and revolution, expanded eroticism and the beauty of pre and post-1968 cinema. He is the reborn Antoine Doinel who crosses the reconstructed set of the Parisian spring amid flames and smoke bombs in the trenches of the demonstrators with their handkerchiefs and red flags. Another trio of lovers in tribute to Renoir, Philippe, Bernardo with the cry of “Ce n’est qu’un début: continuons le combat”. Behind and in front of the camera, Louis caresses those days and an elusive himself.
M. Ciotta, R. Silvestri
Un critofilm sull’opera che ha catturato lo spirito di una rivolta tellurica epocale, nel centro artistico e esistenziale del mondo, a 50 anni dalla Palma d’oro di Cannes. Interviste, foto, riprese del set, oggi gentrificato (tra Kings Road e Prince Place, Edith Grove Road e il Marion Park) e un affondo sul “sentimento del reale” di Antonioni che inventa un cinema saggistico/narrativo capace di raccontare il suo stesso prodursi. E sulla moda, la pubblicità, la musica, i club, le gallerie d’arte, le librerie, la cultura west indies e le energie alternative che hanno capovolto la storia. O iniziato a farlo. Un film che nell’Italia controllata dal Vaticano di allora non si sarebbe mai potuto girare.
A ‘critofilm’ (film on film) on the work that has captured the spirit of an epochal world-shaking revolt, in the artistic and existential centre of the world, 50 years after the Cannes Golden Palm. Interviews, photos, shots of the location sets, now gentrified (between Kings Road and Prince Place, Edith Grove Road and Marion Park) and a dig at the “feeling of reality” of Antonioni who invents an essay/narrative cinema able to narrate its own production. And on fashion, advertising, music, clubs, art galleries, bookshops, West Indies culture and alternative energies that have turned history upside down. Or started to do so. A film that could never have been filmed in an Italy controlled by the Vatican at that time.
M. Ciotta, R. Silvestri
Valentina Agostinis
Giornalista italiana, vive a Milano, dopo aver passato molti anni a Londra. Ha collaborato con la Rai realizzando diversi reportage televisivi. Nel 2012 ha scritto Swinging city. Londra centro del mondo edito in Italia da Feltrinelli, che ha ispirato il documentario Blow Up di “Blow-Up”
filmografia / filmography 2016 Blow Up di “Blow-Up” doc.
Italian journalist Valentina Agostinis lives in Milan, after having spent many years in London. A collaborator of Rai (Italian National Television and Radio), in 2012 wrote the essay Swinging city. Londra centro del mondo (published in Italy by Feltrinelli), which inspired the documentary Blow Up di “Blow-Up”.
Gran Bretagna - Italia / UK - Italy, 2016, HD, col., 52’, v.o. inglese / English o.v.
Fotografia / Photography: Michel Franco, Eleonora Tozzi. Musica / Music: Void Generator. Suono / Sound: Giovanni Buccomino. Scenografia / Art Direction: Leonardo Mannella. Interpreti / Cast: Piers Haggard, David Montgomery, Jill Kennington, Barry Miles, Clare Peploe, Simon Napier-Bell. Produzione / Produced by: Minimum Fax Media. In collaborazione con / In collaboration with: Fondo Michelangelo Antonioni-Comune di Ferrara, Sky Arte Hd. Con il sostegno di / Supported by: MiBACT.
MAdE IN KURdISTAN
FiLLEs DU FEU Fire’s Daughters Stéphane Breton
Ghobadi
Nel 1982 Yılmaz Güney vinse la Palma d’oro al festival di Cannes con Yol. Un film che fu costretto a ‘girare da lontano’, rinchiuso in una prigione turca, da dove fece pervenire a Serif Gören (coaccreditato alla regia) le indicazioni dettagliate da seguire sul set. Figlio di contadini curdi, Güney con Yol ricordò al mondo la tragedia e l’erranza del suo popolo, senza patria, in cammino lento e faticoso per le montagne del Kurdistan turco. Protagonisti sono cinque detenuti in permesso; uno è curdo e simboleggia tanto la persecuzione subita dalla sua gente quanto la resistenza, la determinazione, la lotta contro chi vorrebbe azzerarne identità, cultura, lingua.
Segni di militanza nel corso del tempo di una cinematografia che si sta costruendo solida e plurale nel descrivere istanti di quotidianità, dove cronaca e storia si sovrappongono. Immagini dai fronti di guerra, ma non solo. Opere che privilegiano lo sguardo documentario, con tutte le sfumature che questo ‘genere’ contiene, o che si affidano alla finzione o che, ancora, accolgono contaminazioni narrative e formali. Tutte attraversate dall’urgenza della testimonianza, dall’imprescindibilità di lanciare ‘urla visive’, siano esse ‘prese in diretta’, ruvide o poetiche, sperimentali o inscritte in toni più convenzionali. Si tratta, sempre, di costruire immagini made in Kurdistan Di ‘nominare’ quella parola. Con Güney, un altro punto di riferimento, per la profondità e coerenza nell’affrontare la questione, è il cineasta curdo-iraniano Bahman Ghobadi: Il tempo dei cavalli ubriachi (2000), Marooned in Iraq (2002), Turtles Can Fly (2004), A Flag Without a Country (2015). Il titolo di quest’ultimo film è perfetto nell’esprimere la condizione di un popolo sparso in quattro paesi (Turchia, Siria, Iraq, Iran), con una bandiera ma non uno stato. Kurdistan è un termine concreto. Nel film, il pilota Nariman Anwar scrive “Made in Kurdistan” sul piccolo aereo che ha edificato con l’aiuto di ragazze e ragazzi.
In 1982, Yılmaz Güney won the Palme d’Or at Cannes with Yol, a film he was obliged to ‘film from afar’, locked in a Turkish prison, whence he sent Serif Gören (accredited as fellow director) detailed instructions to follow on set. The son of Kurdish peasants, with Yol Güney reminded the world of the tragedy and wanderings of his people, without a homeland, on a slow and tiring journey through the mountains of Turkish Kurdistan. The main characters were five prisoners on parole; one is a Kurd and symbolises both the persecution suffered by his people and its resistance, its determination and struggle against those who seek to cancel out its identity, culture and language. These are signs of militancy in the history of a cinema sector that is showing itself to be solid and encompassing a plurality of voices in describing details of everyday life, in which news events and history overlap. Images from war fronts, but not only. There are also works that adopt a documentary approach, with all the nuances this ‘genre’ offers, or which make use of fiction or, again, which contain both narrative and formal combinations. All are marked by the urgency of bearing witness, by the inevitability of letting out ‘visual screams’, whether ‘filmed live’, rough or poetic, experimental or recorded in more conventional tones. It is, always, a matter of building images made in Kurdistan Of ‘naming’ that word. Along with Güney, another point of reference in terms of the depth and coherence in dealing with the issue, is the Kurdish-Iranian filmmaker Bahman Ghobadi: A time for drunken horses (2000), Marooned in Iraq (2002), Turtles Can Fly (2004 ), A Flag Without a Country (2015). The title of this last film is perfect for expressing the condition of a people scattered in four countries (Turkey, Syria, Iraq, Iran), who have a flag but no state. Kurdistan is a concrete term. In the film, the pilot Nariman Anwar writes “Made in Kurdistan” on the small plane he has built with
Anche per indicare, metaforicamente, che, prima di tutti, deve essere il popolo curdo a credere nella propria unità.
Ma nel cinema made in Kurdistan si possono incontrare tanti sguardi (di autori sia curdi sia occidentali) per comporre una stratificata galassia d’immagini. Sguardi che tornano spesso a date simbolo della recente storia del Kurdistan: il 1988 con il massacro di Halabja, Iraq meridionale, nella campagna nota come Anfal condotta da Saddam Hussein (House Without Roof, 2016, della regista curdo-irachena Soleen Yusef); il 1993 con la strage di Cizre, sud-est della Turchia, compiuta dai militari turchi durante il capodanno curdo (ripercorsa dalla cineasta curdo-tedesca Asli Özarslan in Dil Leyla, 2016); il 2015 con quella di Shingal, città dell’Iraq del Nord abitata dagli yazidi e rasa al suolo da Daesh (The Dark Wind di Hussein Hassan Ali, 2016; Shingal, Where Are You? di Angelos Rallis e Hans Ulrich Gössl, 2016).
Ci sono film che innestano in una base documentaria tradizionale il respiro della militanza radicale (The 100-Day Promise 2015-2017, ‘mappatura’ delle tragedie curde firmata dal curdo-americano Jano Rosebiani, figura rilevante del nuovo cinema curdo). Ci sono opere che s’immergono ‘in soggettiva’ accanto a civili, soldati e soldatesse in quel pezzo di terra resistente rappresentato da Kobane e dal Rojava: No Place for Tears (2017), ritratto di esuli da lì, rifugiati in un villaggio turco al confine con la Siria, e del loro rientro a casa, in una città distrutta “ma che rivivrà”, realizzato con equilibrio formale e narrativo dalla regista turca Reyan Tuvi; Filles du feu (2017) del francese Stéphane Breton che, come una Kathryn Bigelow in forma documentaria, compone ampie scene non ‘spiegando’ i fatti, bensì ‘stando’ con un gruppo di soldatesse, seguendole nella loro vita quotidiana; Radio Kobani (2016) del curdo-olandese Reber Doski, ovvero l’impegno civile di una gio-
the help of girls and boys. In part to indicate, metaphorically, the Kurdish people must be the first to believe in their unity. But in films made in Kurdistan you can meet many interpretations (by both Kurdish and Western directors), forming a stratified galaxy of images. Interpretations that often return to symbolic dates in the recent history of Kurdistan: 1988 and the massacre of Halabja, in southern Iraq, in the campaign known as Anfal led by Saddam Hussein (House Without Roof, 2016, by the KurdishIraqi director Soleen Yusef); 1993 with the massacre of Cizre in south-eastern Turkey by the Turkish military during the Kurdish New Year (investigated by the Kurdish-German filmmaker Asli Özarslan in Dil Leyla 2016); 2015 and that of Shingal, a city in northern Iraq inhabited by the Yazid and razed to the ground by Daesh (The Dark Wind by Hussein Hassan Ali, 2016; Shingal, Where Are You? by Angelos Rallis and Hans Ulrich Gössl, 2016).
There are films that graft the aspect of radical militancy into a traditional documentary base (The 100-Day Promise, 2015-2017, a ‘mapping’ of the Kurdish tragedies by the Kurdish-American Jano Rosebiani, a significant figure in the new Kurdish cinema). There are works that immerse themselves in a ‘subjective camera’ alongside civilians, male and female soldiers in that piece of resistant land represented by Kobane and Rojava: No Place for Tears (2017), a portrait of exiles from these places, refugees in a Turkish village on the border with Syria, and their return home to a city destroyed but “which will live again”, realised with formal and narrative equilibrium by the Turkish director Reyan Tuvi; Filles du feu (2017) by the French Stéphane Breton who, like a Kathryn Bigelow in documentary form, composes large scenes without ‘explaining’ the facts, but ‘working’ with a group of female soldiers, following them in their daily lives; Radio Kobani (2016) by the
Giuseppe Gariazzo
vane reporter che, tra le rovine della città liberata da Daesh, avvia una stazione radiofonica. Ci sono il dittico on the road del filosofo francese Bernard-Henri Lévy Peshmerga (2016) e La bataille de Mossoul (2017) e il lavoro collettivo Life on the Border (2015, prodotto da Ghobadi), mini-film girati da bambine e bambini di Kobane e Shingal installati in un campo profughi tra Siria e Iraq che hanno imparato a usare la videocamera per filmarsi e raccontarsi tra documentario e finzione.
E c’è un ‘oggetto alieno’ come Meteorlar (2017), opera prima in bianconero del regista turco Gürcan Keltek che, intrecciando stili, pone lo sguardo su fatti accaduti nel settembre del 2015, fra cui le operazioni delle forze di sicurezza turche per cacciare i militanti del partito curdo PKK da due centri urbani. L’originalità del film sta in una costruzione al tempo stesso simbolica e politica, e in un lavoro sulla memoria mettendo in relazione scene girate in prima persona con materiali trovati su internet.
Un ‘filo rosso’ unisce i film di Güney, Ghobadi e degli altri numerosi cineasti made in Kurdistan: l’utilizzo del cinema come strumento potente di r/esistenza, per comporre immagini profondamente radicate e profondamente sospese, come è il territorio curdo, che ci interrogano e ci appartengono.
Kurdish-Dutch Reber Doski, examines the civil commitment of a young reporter who starts a radio station in the ruins of the city freed from Daesh. Other works include the on the road diptych by the French philosopher Bernard-Henri Lévy: Peshmerga (2016) and La bataille de Mossoul (2017) and the collective work Life on the Border (2015, produced by Ghobadi), mini-films shot by boys and girls of Kobane and Shingal in a refugee camp between Syria and Iraq who have learned to use the camera to film and tell about themselves that are midway between documentary and fiction.
And there is an ‘alien object’ in the form of Meteorlar (2017), the first black-and-white feature by Turkish director Gürcan Keltek who, intertwining styles, focuses on events that took place in September 2015, including operations by Turkish security forces to hunt down militants of the Kurdish PKK party in two urban centres. The originality of the film lies in a construction that is both symbolic and political, and in a work on memory by combining scenes shot in person with materials found on the internet. A ‘common thread’ links the films of Güney, Ghobadi and the other numerous filmmakers of the made in Kurdistan cinema: the use of film as a powerful tool of resistance/existence to compose deeply rooted and deeply suspended images, as is the Kurdish territory, that question us and are part of us.
Meteorlar 2017
FiLLEs DU FEU
Figlie del fuoco / Fire’s Daughters
STéPHANE BRETON
a FLaG WiThoUT a CoUNTry
Una bandiera senza paese
Francia / France 2017, HD, col., 80’ v.o. curda - turca - araba / Kurdish - Turkish - Arabic o.v.
Produzione / Produced by: Quark Productions. Coproduzione / Co-produced by: ARTE France Cinéma. Con il sostegno di / Supported by: CNC, Alain Rauscher.
Stéphane Breton Filmmaker documentarista ed etnologo, è nato nel 1959 e vive a Parigi. Born in 1959, living in Paris, Stéphane Breton is a nonfiction filmmaker and an ethnologist.
filmografia scelta / selected filmography 2001 Eux et moi (Them and Me) doc. 2003 Le Ciel dans un jardin (Heaven in a Garden) doc. 2007 Le Mond extérieur (The Outside World) doc. 2009 La Montée au ciel (Ascent to the Sky) doc. 2014 Les Forêts sombres (Dark Forests) doc. 2015 Chère humaine doc. 2017 Filles du feu (Fire’s Daughters) doc.
Perseguitati da nemici implacabili i curdi della Siria si sono ribellati. Anche le donne hanno preso le armi, proprio come gli uomini. Il regista le ha seguite, riuscendo a realizzare un film di guerra senza scene di guerra. Presentato all’ultima edizione del festival di Locarno. “Una questione che il film affronta è come mostrare la guerra: è solo combattimento? È anche attesa? Siamo talmente sommersi da immagini di violenza che potrebbe non essere una cattiva idea parlare e mostrare la guerra senza immagini di combattimento. Questo è il metodo seguito dal film.” (S. Breton)
Hunted down by fierce enemies, Syrian Kurds rose up. Women took up arms just like the men. The filmmaker followed them and made out of it a war movie with no war.
Filles du feu was presented at the latest Locarno Film Festival.
“A question that the film deals with is how to show war - is it only combat? Is it also waiting? We are submerged by pictures of violence so it might not be a bad idea to show war by not showing combat. That’s the method the film follows.” (S. Breton)
A Flag Without a Country, tra finzione e documentario, segue le storie dei curdi Helly Luv e Nariman Anwar. Sia Helly Luv che Nariman cercano di essere un esempio per il loro popolo, un popolo che da sempre affronta condizioni durissime di vita, la guerra e gli attacchi dell’ISIS. Helly Luv è una cantante pop curda iraniana. Vuole promuovere il Kurdistan e attirare su di esso l’attenzione internazionale e, allo stesso tempo, diventare un’icona e dare un senso di comunità al popolo curdo. Nariman è un pilota che si è rotto una gamba in un incidente e quindi non può più volare. Gestisce una scuola di volo per bambini del Kurdistan, anche se alcuni genitori sono riluttanti a mandare i figli dopo aver sentito dell’incidente. Nariman non demorde e insieme ai bambini costruisce un aereo civile per il Kurdistan. Mentre le due storie si intrecciano, man mano si svelano le difficili condizioni del Kurdistan che fanno da sfondo all’impegno di Nariman e Helly Luv a sostenere il loro popolo.
A Flag Without a Country is a Kurdish documentary-fiction dually following the stories of Helly Luv and Nariman Anwar from Kurdistan. Both Helly Luv and Nariman pursue to be a source of strength to their society; a society that perpetually deals with the harsh conditions of life, war and ISIS attacks. Helly Luv is a Kurdish Iranian pop-singer. She wants to promote Kurdistan and bring in international attention while at the same time wanting to give Kurdish people an icon and a sense of community. Nariman is a pilot who in an accident broke his leg and consequently can no longer fly. He runs a pilot school for the children of Kurdistan, but the parents of some of the children are hesitant to send their kids after hearing of the accident. Nariman is insistent and together with the children they build a civil plane for Kurdistan. As the two stories intertwine, the difficult conditions of Kurdistan unravel and provide a background to both Nariman and Helly Luv’s pursuit to support their society.
Musica / Music: Bahman Ghobadi, Ashkan Kooshanejad, Vedat Yildirim, Bajarand and Kardes Turkler, Huseyin Karabey, Lawje.
Suono / Sound:
Mohammad Towrivarian, Kak Bahman.
Scenografia / Art Director: Batin Ghobadi.
Interpreti / Cast:
Nariman Anwar, Helly Luv.
Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Mij Film.
Bahman Ghobadi È nato nel 1969 a Baneh, una città nella zona curda al confine fra Iran e Iraq. Nel 2000 il suo lungometraggio di debutto Il tempo dei cavalli ubriachi è il primo film curdo a vincere la Caméra d’Or a Cannes. Bahman Ghobadi was born in 1969 in Baneh, a city near the Iran-Iraq border in the province of Kurdistan. In 2000 he made his directorial debut with A Time for Drunken Horses, the first feature-length Kurdish film to win the Caméra d’Or in Cannes.
filmografia scelta / selected filmography 2000 Zamāni barāye masti-ye asbhā (Il tempo dei cavalli ubriachi / A Time for Drunken Horses) 2002 Gomgashtei dar Aragh (Marooned in Iraq: the Songs of My Motherland) 2004 Lakposhthâ ham parvaz mikonand (Turtles Can Fly) 2009 Kasi az gorbehaye irani khabar nadareh (I gatti persiani / No One Knows About Persian Cats) 2012 Fasle kargadan (Rhino Season) 2015 A Flag Without a Country
Montaggio / Editing: Thomas Balkenhol. Musica / Music:
Arto Tunçboyacıyan, Uğur Işık. Suono / Sound:
Bülent Yurttaş. Scenografia / Art Director: Ümit Kıvanç.
Produzione / Produced by: Reyan Tuvi.
Distribuzione internazionale / World Sales: Cat&Docs.
Reyan Tuvi Regista, è nata nel 1967 in Turchia. Si è laureata in produzione di documentari alla Northern Media School di Sheffield, nel Regno Unito.
Director Reyan Tuvi was born in 1967, in Turkey. She received her M.A. from Documentary Production program of Northern Media School in Sheffield, UK. filmografia scelta / selected filmography 2010 Offside doc. 2013 Yeryüzü aşkin yüzü oluncaya dek doc. 2017 Gözyaşina yer yok (No Place for Tears) doc.
Punto zero del confine turco-siriano, durante la guerra in Siria. Un chilometro l’uno di fronte all’altro, due insediamenti vicini: il villaggio turco-curdo di Maheser e la città siriano-kurda di Kobane, che hanno sviluppato legami familiari e amichevoli nel corso dei secoli, sono inevitabilmente colpiti dalla guerra. Mentre le milizie dell’ISIS arrivano a Kobane, la gente fugge dalla parte turca, attraversando il confine. Si rifugiano a Maheser o nei campi profughi. Questo viaggio, che si svolge su ciascun lato del confine, è anche un’esperienza a contatto con la gente che vive all’ombra della guerra. In concorso al festival “Visions du Réel” di Nyon e a quello di Sarajevo.
Zero point of the Turkish-Syrian border, during the Syrian war. 1 km opposite each other, the two neighbouring settlements; a Turkish- Kurdish village (Maheser) and a Syrian- Kurdish city (Kobane) which have developed family ties over the centuries, are inevitably affected by this war. As the ISIS gangs arrive to Kobane, the people escape, crossing the border to the Turkish side. They take shelter at the village or at the refugee camps. This journey taking place on each side of the border, is also the experience of the people, in the shadow of war. In competition at “Visions du Réel” in Nyon and Sarajevo International Film Festival.
14 settembre 2015. Le forze di sicurezza turche iniziano un’operazione per dare la caccia ai militanti del PKK in due centri urbani della travagliata regione sudorientale del paese. 62 militanti e oltre 200 civili i morti. Il 16 settembre, strane anomalie si verificano sul Monte Nemrut, Adıyaman, nel distretto curdo nel nord della Turchia. La gente del posto inizia a sentire dei rumori inquietanti provenire dal sottosuolo. Lo stesso giorno c’è un’eclissi. Il 17 novembre, una pioggia di meteoriti viene osservata in molte città nelle regioni dell’Anatolia orientale e sud-orientale in Turchia.
“In Meteorlar la natura è protagonista ... Durante gli scontri, strade, viali e città vennero distrutte. Le città erano piene di rovine ... Poi iniziarono a verificarsi strane anomalie. Quando parli con gli anziani, ti dicono che gli dei erano così arrabbiati con gli uomini che hanno iniziato a lanciare pietre contro di loro. Essendo agnostico, una parte di me non ci credeva, ma allo stesso tempo mi piaceva l’idea che le forze naturali/ soprannaturali intervenissero ... Ecco perché non so ancora se questo film sia un documentario o una fiction.” (G. Keltek)
14th of September 2015. Turkish security forces started a relentless operation to root out Kurdistan Workers’ party PKK militants from two urban centres in the country’s troubled south-east region, which has left at least 62 militants, more than 200 civilians dead. On 16th of September, strange anomalies occurred at Mount Nemrut, Adıyaman, Northern Kurdish district of Turkey. Locals started to hear crumbling sound coming from the earth. On the same day, an eclipse appeared. On 17th of November, a meteor shower was observed in many cities in the Eastern and Southeastern Anatolian regions in Turkey.
“In Meteorlar, nature is a protagonist ... During the clashes, streets, boulevards and towns were destroyed. Cities were full of disintegrated landscapes … Then strange anomalies started to occur. When you speak with the elders, they were saying that gods were so angry at people that they start throwing stones at them. Being an agnostic, part of me refused this, but at the same time liked the idea of natural/supernatural forces intervene ... That’s why I still don’t know if this film is a documentary or fiction.” (G. Keltek)
Fotografia / Photography: Mustafa Şen, Fırat Gürgen.
Montaggio / Editing: Fazilet Onat.
Suono / Sound: Paul Olivier, Sebastien Teller.
Narratore / Narrator: Ebru Ojen.
Produzione / Produced by: 29P Films.
Distribuzione internazionale / World Sales: Heretic Outreach.
Gürcan Keltek È nato nel 1973 a Smirne in Turchia. Ha studiato cinema all’Università Dokuz Eylül della stessa città. Born in Izmir, Turkey, in 1973, Gürcan Keltek studied film at Dokuz Eylul University filmografia scelta / selected filmography 2012 Fazlamesaì cm / sf doc. 2015 Kolonì mm / ml doc. 2017 Meteorlar
cAMERA DI SPEccHI SOuND
FEaTUrE LaUNCh 2018 wORkSHOP 1 @ EASTwEEk
Quest’anno il Trieste Film Festival, in collaborazione con When East Meets West ha ufficializzato la collaborazione con Midpoint − il programma con sede a Praga per lo sviluppo di progetti cinematografici dedicato ai professionisti emergenti − per trasformare il progetto di sviluppo della sceneggiatura Eastweek nel primo appuntamento di Midpoint Feature Workshop il principale progetto annuale dedicato ai nuovi talenti nel campo cinematografico dell’Europa centro orientale, in collaborazione con il festival internazionale di Karlovy Vary e il Centro Cinematografico Serbo. Quest’evoluzione rappresenta il coronamento e allo stesso tempo la felice continuità del quinquennale progetto di sviluppo della sceneggiatura promosso dal Trieste Film Festival. Il progetto annuale prevede due workshop incentrati sullo sviluppo di un progetto, la ricerca di finanziamenti e le opportunità di co-produzione; e ancora, una nuova piattaforma di presentazione e una sessione di follow-up. Il progetto si rivolge a gruppi creativi composti da sceneggiatori, registi e produttori nella fase di sviluppo del loro primo o secondo lungometraggio. I gruppi potranno far parte di un workshop annuale che avrà inizio proprio a Trieste e si concluderà nel 2019 durante il mercato di co-produzione When East Meets West, durante il quale potranno confrontarsi e presentare loro progetti ad una platea di potenziali produttori e partner artistici. Per la prima edizione di Feature Launch 2018 Workshop 1Eastweek, il comitato di selezione composto da rappresentanti di Midpoint, TriesteFF e WEMW, ha selezionato 9 progetti provenienti da Azerbaijan, Grecia, Montenegro, Polonia, Repubblica Ceca, Romania, Serbia, Ucraina e Ungheria. Auguriamo Buon Vento a tutti partecipanti!
This year the Trieste Film Festival, along with When East Meets West has officially teamed up with Midpoint − the script and project development programme for emerging film professionals based in Prague − to transform the script development project Eastweek into the first step of Midpoint Feature Workshop, the leading year-long development programme for Central and Eastern Europe’s new film talents, in collaboration with Karlovy Vary International Film Festival and Film Center Serbia. This transformation is welcomed as the successful completion as well as the continuity of a five-year development programme focused on script writing. The one-year programme features two workshops focusing on project development, financing, and co-production opportunities; plus a brand new presentation platform, and a follow-up session. It is addressed to teams of writers, film directors, and producers developing their first or second feature film: for the very first time they will experience a year-long workshop platform, which takes off in January in Trieste and runs till January 2019, when they will be invited once again to Trieste during our co-production market When East Meets West to have a follow up with their potential artistic and financing partners.
For the first edition of Feature Launch 2018 Workshop 1Eastweek, a selection committee made up of representatives from Midpoint, TriesteFF and WEMW have selected 9 projects, from the countries of Azerbaijan, Czech Republic, Greece, Hungary, Montenegro, Poland, Romania, Serbia and Ukraine. We wish all the creative teams fair winds and following seas!
Octav Chelaru sceneggiatura, regia / writer, director - Romania
Livia Radulescu produttore / producerRomania
La Sig.ra Ivanovici è un’attraente trentacinquenne, ha tre figli, e vive in una piccola città. È sposata con un prete più vecchio di lei e fa l’insegnante di religione. Un giorno, a scuola, la Sig.ra Ivanovici riprende uno studente e lo insulta. Quando il ragazzo esige che lei si scusi, lei lo fa e gli offre un passaggio per farsi perdonare. Il passaggio diventa l’inizio di una relazione tra l’insegnante e il sedicenne.
Mrs. Ivanovici is an attractive 35-year-old woman, mother of three, living in a small town. She’s married to an older priest and she teaches Religion classes. One day at school, Mrs. Ivanovici challenges a student and insults him. When the boy asks for an apology, she apologizes and offers a ride home as compensation. The ride proves to be the beginning of an affair between the teacher and the 16-year-old boy.
BRAZIL (Brasile)
Thelyia Petraki sceneggiatura, regia - Grecia / writer, director - Greece
Kostas Tagalakis produttore - Grecia / producer - Greece
A Christos (65 anni) – un razionalista tenace e ostinato – viene diagnosticata la SLA. La malattia è sempre mortale. Testardo e disperato, Christos decide di recarsi in Brasile a cercare il guaritore João de Deus, benché non creda ai miracoli... La malattia gli ha già paralizzato le gambe e Christos ha bisogno di un assistente: trova Alexis, che conduce una vita allo sbando e con zero responsabilità.
Christos (65) – a tough, headstrong rationalist – is diagnosed with ALS. The disease is always fatal. Christos’ stubbornness is mixed with desperation and so he decides to travel to Brazil to look for the renowned healer João de Deus, even though he does not believe in miracles... The disease has already paralyzed his legs and Christos needs an assistant - he finds Alexis, who leads an aimless life with zero responsibilities.
CLOUDS ON LEASHES
(Nuvole al guinzaglio)
Gunel Eva sceneggiatura, regia - Azerbaigian / writer, director - Azerbaijan Maria Ibrahimova produttore - Azerbaigian / producer - Azerbaijan
In Azerbaigian oggi: la morte di un padre fa piombare una figlia e sua madre in un mondo nascosto di dolore e prigionia, alle prese con il costo sociale che devono pagare le donne musulmane che rimangono senza un padre e un marito. La storia si svolge nell’arco di quaranta giorni – il periodo del lutto per le vedove musulmane – durante i quali Grace, una bambina di nove anni, e sua madre rimangono richiuse nella loro casetta. Per sfuggire dalla realtà della perdita del padre, Grace si rifugia in un mondo di fantasia.
In modern day Azerbaijan, a father’s death plunges a daughter and her mother into a shadow world of grief and captivity as they grapple with the social cost of living as Muslim women in the absence of a father and husband. The story takes place over forty days – the mourning period for Muslim widows – as 9-year-old Grace and her mother are confined to their small house. In order to avoid confronting the loss of her father, Grace escapes into a world of fantasy.
HOMEWARD (Verso casa)
Nariman Aliev sceneggiatura, regia Ucraina / writer, director - Ukraine
Vladimir Yatsenko produttore - Ucraina / producer - Ukraine
Mustafa (51 anni), un tartaro della Crimea, arriva a Kiev con il figlio più piccolo, Alim (17 anni), e con la salma del figlio più grande, Nazim (27 anni) per seppellirlo nella sua patria, in Crimea. Durante tutto il viaggio di ritorno, padre e figlio cercano di trovare una lingua comune e risolvere innumerevoli problemi, che incontrano in questo difficile viaggio. Il ragazzo diventa un uomo, trova la sua interiorità e capisce chi è. E il padre impara ad ammettere suoi sbagli.
Crimean Tartar Mustafa (51) comes to Kiev with his youngest son Alim (17) to take the body of his deceased elder son Nazim (27) to bury him in his homeland – Crimea. Throughout the trip back, they try to find a common language and to solve the innumerable problems, which they encounter on this difficult journey. The youngster becomes a man, finds an inner core and understands who he is. And the father learns to admit his mistakes.
THE LAST BALKAN FILM ABOUT THE WAR
(L’ultimo film balcanico sulla guerra)
Lee Filipovski sceneggiatura, regia / writer, director - Serbia
Adi Dizdarević produttore / producer - Serbia
È il primo giorno dei bombardamenti della Serbia nel 1999 e Vasiliye Radich riceve due inviti: uno a emigrare in Canada con la sua famiglia, l’altro ad arruolarsi nell’esercito. La famiglia Radich si rifugia in un remoto villaggio per sfuggire ai bombardamenti, mentre Vasiliye deve decidere se si sente pronto o meno per andare a fare la guerra e dare la sua vita, potenzialmente, per un paese che non considera più suo.
On the first day of the 1999 bombing of Serbia, Vasiliye Radich receives two invitations – one is to emigrate to Canada with his family, the other is his call for mobilization in the army. The Radich family hides out in a remote village in order to escape the bombing, while Vasiliye must make a decision as to whether or not he is ready to go off to a war and potentially give his life to a country that he no longer considers his own.
LEAVE NO TRACES
(Senza lasciare tracce)
Jan P. Matuszyński regia - Polonia / director - Poland
Tratta dal libro di Cezary Łazarewicz, questa storia descrive eventi realmente accaduti nel contesto delle indagini condotte negli anni ’80 sulla controversa e tragica morte di uno studente di scuola superiore. L’omicidio divenne un caso di insabbiamento politico che provocò dimostrazioni di massa, ma fu anche un dramma personale per parenti e gli amici del ragazzo, perseguitati dalle autorità comuniste.
Based on the book by Cezary Łazarewicz, this story describes the real events around the investigation conducted in the ‘80s into the controversial and tragic death of a high school student. This murder became a political cover-up that led to mass demonstrations, but it was also the personal drama of a young boy’s relatives and friends harassed by the representatives of the Communist system.
SEX, WIRE, ROCK’N’ROLL
(Sesso, fil di ferro, rock’n’roll)
Gábor Fabricius sceneggiatura, regia Ungheria / writer, director - Hungary Viki Réka Kiss produttore - Ungheria / producer - Hungary
Budapest - 1979. Frank, il cantante di un gruppo punk, esce di prigione. Durante un concerto, si rende conto che la sua performance provoca una voglia di libertà nel pubblico. Le sue canzoni sono potenti, come delle armi, contro il regime. Frank risveglia la sua generazione, tenendo vive, in un paese depresso, la resistenza e la speranza. Il dott. Péter Erdős, l’insinuante intellettuale di partito, responsabile della cultura e della musica, prende delle misure violente per fermare Frank.
Budapest - 1979. Frank, singer of a punk band is released from prison. He realizes, on a gig, that his performance creates an experience of freedom. His songs are as effective against the regime as weapons. Frank shakes up his generation, keeping resistance and hope alive in a depressed country. Dr. Péter Erdős, the party’s disarmingly intellectual prince of culture and music, takes violent measures to stop Frank.
Quando Nathalie, un’avvocatessa parigina, arriva in Montenegro per investigare un potenziale caso di appropriazione indebita di un lascito, la storia che ha raccontato a se stessa e agli altri incomincia a crollare. Per quasi metà della sua vita ha vissuto mentendo a se stessa: una sconosciuta in una terra non sua.
Non appena il caso legale si risolve, il fratello del defunto si prende la rivalsa su di lei. Lei si ‘autoprocessa’ emotivamente ed eticamente e ritorna sulla ‘scena del delitto’.
When Nathalie, a Parisian lawyer, arrives in Montenegro to investigate a potential misappropriation of funds from a bequest, the story she’s been telling herself and others begins to unravel. For nearly half her life she’s been living in denial – a stranger in a strange land. Just as the legal case begins to resolve itself, the deceased’s brother turns the tables on her. She puts herself ‘on trial’ emotionally and ethically, and returns to the ‘scene of the crime’.
L’amore non è la soluzione a tutti i mali. Una storia contemporanea su una ragazza cinese, Yiou, e una ragazza slovacca, Greta, entrambe quasi trentenni, e alle prese con le proprie identità, relazioni e carriere mentre cercano di ambientarsi a Praga, una città che non riescono ancora a sentire propria.
Love is not the answer to everything. A contemporary drama about a Chinese girl, Yiou, and a Slovak girl, Greta, in their late 20s, struggling with their identities, relationships and careers while trying to settle down in Prague, which they can still hardly call home.
TsFF GoEs VirTUaL
Antonio Giacomin
Se definiamo il 2016 “L’anno della VR”, quando molti produttori hardware e software si sono affacciati al mondo del video immersivo e della realtà virtuale, possiamo altresì definire il 2017 l’anno della creatività VR. Seguendo questo filo conduttore il Trieste Film Festival per l’edizione 2018 ha voluto creare una serie di eventi della durata di tre giorni non solo incentrati sulla discussione ma anche dedicati alla formazione e condivisione di metodi ed esperienze. TSFF goes Virtual è iniziato ben prima del festival con una serie di workshop introduttivi che hanno visto un interesse sempre crescente per questa nuova modalità di espressione visiva. Il VR Hackathon contest primo appuntamento dedicato alla realtà virtuale in cui in sole 32 ore si deve realizzare un video immersivo, è la naturale evoluzione di un processo creativo che mette in primo piano la ricerca di un linguaggio visivo comune. Successivamente, attraverso un panel aperto al pubblico, si analizzerà lo stato dell’arte del video immersivo, un nuovo media che implica il cinema, i videogiochi, internet e il sound design; un workshop dedicato all’audio spaziale-immersivo esplorerà invece l’aspetto tecnico del sonoro nella produzione di contenuti immersivi. Le giornate dedicate alla realtà virtuale si concluderanno con la masterclass dell’autore transmediale Michel Reilhac.
If we define 2016 as being “The year of VR”, when many hardware and software producers engaged with the world of immersive video and virtual reality, we may also define 2017 as being the year of VR creativity. Following this guiding thread, for the 2018 edition the Trieste Film Festival wished to create a series of three-day events focusing not only on the discussion but also dedicated to training and the sharing of methods and experiences. TSFF goes Virtual began well before the festival with a series of introductory workshops that saw an ever-increasing interest in this new mode of visual expression. The VR Hackathon contest the first event dedicated to virtual reality in which an immersive video has to be created in just 32 hours, is the natural evolution of a creative process that highlights the striving for a common visual language. Subsequently, through a panel open to the public, we will analyse the state of the art of immersive video, a new medium that involves cinema, videogames, internet and sound design; a workshop dedicated to spatial-immersive audio will instead explore the technical aspect of sound in the production of immersive content. The days dedicated to virtual reality will end with the masterclass held by the transmedia author Michel Reilhac.
L’Associazione Alpe Adria Cinema organizza, in collaborazione con il PAG – Progetto Area Giovani del Comune di Trieste, il primo contest in Italia in forma hackathon per la produzione di video a 360° per giovani dai 18 ai 35 anni. I partecipanti, suddivisi in squadre e coadiuvati da tutor esperti del settore VR, avranno a disposizione 32 ore per produrre un video a 360°: una giuria composta da esperti del settore dell’audiovisivo e un rappresentante del Comune di Trieste premieranno il miglior video prodotto.
Alpe Adria Cinema is organizing, in collaboration with PAG (‘Youth Area Project’ of Trieste’s Municipality), the first Italian hackathon contest for the production of a 360˚ video open to young people aged 18 to 35 years. The participants, divided into teams and assigned to a tutor who is an expert in Virtual Reality, will have 32 hours to produce a 360˚ video: a jury made up of experts in the audiovisual sector and a representative from the Municipality of Trieste will reward the best work produced.
PANEL “VIRTUAL REALITY: STATE OF THE ART”
Se definiamo il 2016 “l’anno della VR”, quando molti produttori hardware e software si sono affacciati al mondo del video immersivo e della realtà virtuale, possiamo altresì definire il 2017 l’anno della creatività VR. Un panel sullo stato dell’arte del video immersivo, con l’analisi di una transmedialità che implica il cinema, i videogiochi, internet e il sound design.
If we define the year 2016 “the VR year”, when many hardware and software producers have just entered the world of immersive video and virtual reality, we can therefore define year 2017 the year of VR creativity. A panel on the state of the art of immersive video, analysing this new media that involves cinema, videogames, internet and sound design.
Intervengono / Speakers: Antonio Giacomin - VR expert Dennison Bertram – visual artist
WORKSHOP “WHAT IS SPECIAL ABOUT SPATIAL AUDIO?”
Un workshop sullo spatial audio le sue caratteristiche, potenzialità e debolezze da un punto di vista creativo. Il workshop è dedicato soprattutto a registi e creativi anche senza competenze specifiche sull’utilizzo dello spatial audio come strumento per lo storytelling.
An overview of Spatial Audio’s characteristics, strengths, and weaknesses from a creative point of view. This presentation is tailored for an audience of film makers and content creators, who may not know enough (or not at all) the Spatial Audio capabilities for storytelling, using demos and examples to explain and clarify concepts.
Interviene / Speaker: Axel Drioli
VR HACKATHON CONTEST
Michel Reilhac è a capo del Submarine Channel che ha sede ad Amsterdam. È un regista indipendente di film di realtà virtuale e un architetto di storie interattive. Uno dei pionieri nelle riprese di realtà virtuale: il suo primo film VR Viens! è stato presentato in anteprima al Sundance Film Festival 2016. È un esperto di forme ibride di narrazione e di esperienze immersive, partecipative e interattive. È l’ideatore e co-programmatore di “Venice VR”, la prima competizione ufficiale di contenuti artistici VR alla Mostra del Cinema di Venezia. È anche head of studies per Biennale College di Venezia, ed è stato a capo del Cross Media College presso la Scuola Holden di Torino tra il 2013 e il 2016. È curatore della sezione di contenuti ibridi e cinema VR di varie manifestazioni internazionali come il Mercato della Berlinale, il World VR Forum di Crans Montana (Svizzera), il Mercato del festival di Cannes, il NEXT Pavilion e il Paris Virtual Film Festival, fra gli altri. Dal 2002 al 2012 è stato a capo delle acquisizioni cinema per Arte France e direttore esecutivo di Arte France Cinema. Nel 2012 come riconoscimento del lavoro fatto per Arte, è stato nominato ‘Uomo dell’anno’ per il cinema dalla rivista francese «Le Film Français». Vive e lavora fra Amsterdam e l’isola di Lamu, in Kenya, dove ha istituito un programma di residenza con un centro VR per gli scrittori di lingua e cultura swahili.
Michel Reilhac is Head of Submarine Channel based in Amsterdam. He is also an independent VR film maker and interactive story architect. He is a pioneer in Virtual Reality filming. His first VR film Viens! premiered at Sundance 2016. He is a thought-leader for hybrid forms of storytelling, and immersive, participatory, and interactive experiences. He is the conceiver and co-programmer of “Venice VR”, the first ever official competition of artistic VR content at the Venice Biennale International Film Festival. He is also Head of Studies for the Venice Biennale College, and was Head of the Cross Media College at Scuola Holden, Torino, Italy between 2013 and 2016. He is also an international curator for Hybrid content and VR films at Berlinale Film Market; World VR Forum in Crans Montana, Switzerland; Cannes International Film Market, NEXT Pavilion and Paris Virtual Film Festival, among the others. From 2002-2012, Michel was Head of Film Acquisitions at Arte France and executive director of Arte France Cinema. In 2012, in recognition for his work at Arte, Michel was named Man of the Year in film by the French trade magazine «Le Film Français». He lives and works between Amsterdam, and the island of Lamu, Kenya where he is establishing an international writers residency with a VR hub for swahili culture.
cAMERA DI SPEccHI soUND
CAMERA DI SPECCHI è un progetto finanziato dalla Regione Friuli Venezia Giulia, gestito dalla Associazione Drop Out, in partnership con Alpe Adria Cinema, e Casa della Musica. Attivo ormai da 5 anni, è un progetto contenitore dedicato allo sviluppo di professionalità in ambito cinematografico, e a percorsi di integrazione e inclusione e promozione sociale. Il focus di questa edizione, Camera di Specchi SOUND, era rivolto a giovani musicisti, producers musicali e compositori del Friuli Venezia Giulia e paesi limitrofi.
Si è trattato di un percorso formativo, sotto la guida di Teho Teardo (compositore delle musiche dei film di Garrone, Sorrentino, tra gli altri) che ha avuto come obiettivo e risultato la creazione di una colonna sonora per un film. Il film, o meglio il cortometraggio documentario, è stato realizzato per l’occasione da Giovanni Ortolani, partecipante alla scorsa edizione di Camera di Specchi. Si tratta di Ferro una produzione realizzata per Drop Out e specificatamente per essere sonorizzata dai partecipanti di questa edizione.
Il progetto futuro è di fare un salto di qualità, di passare cioè da un progetto con un focus, un tema, un genere, un target specifico, a diventare finalmente un laboratorio permanente dove sperimentare, fare comunità, creare assieme.
CAMERA DI SPECCHI is a project funded by the Friuli Venezia Giulia Region, and managed by the Associazione Drop Out in partnership with Alpe Adria Cinema and Casa della Musica. Now active for five years, it is a container project dedicated to the development of professionalism in the film sector, and to integration and inclusion and social promotion. The focus of this edition, Camera di Specchi SOUND, was aimed at young musicians, music producers and composers from Friuli Venezia Giulia and neighbouring countries. It offered a training course under the guidance of Teho Teardo (composer of music in the films of Garrone and Sorrentino, among others) that had as its objective and result the creation of a soundtrack for a film. The film, or rather the short documentary, was created for the occasion by Giovanni Ortolani, participant in the last edition of Camera di Specchi. The film is called Ferro and is a production made for Drop Out specifically to be given a sound track by the participants in this edition. The future project is to make a leap in quality, to move from a project that advances in a series of stop-starts, each time with a different focus, theme, genre or specific target, to become finally a permanent laboratory where participants can experiment, form a community and create together.
ivan Bormann Associazione Drop Out
TRIESTE FILM FESTIVAL PANEL 2018
Le giornate della distribuzione italiana indipendente / The Days of Italian Independent Distribution
La nuova legge del cinema: tutele, innovazioni, prospettive / The New Law for Italian Cinema: Protection, Innovation, Prospects
WhEN EasT mEETs WEsT
21- 23 gennaio 2018 / 21-23 January 2018
Quando, otto anni fa, cominciammo a pensare a come chiamare il mercato di coproduzione, ci trovammo subito d’accordo che il nome dovesse spiegare la ragione che ci aveva spinti a organizzarlo. E la ragione era appunto quella di creare un momento d’incontro fra Est e Ovest, tra i professionisti e le imprese dell’audiovisivo dell’Europa occidentale e orientale. Siamo all’ottava edizione e, nonostante i rimproveri che ci sono stati fatti per aver scelto un titolo che è uno scioglilingua, siamo orgogliosi che When East Meets West sia effettivamente diventato uno dei luoghi preferiti da registi e produttori di ogni parte d’Europa per presentare loro nuovi progetti. Ecco, forse oggi il titolo sta un po’ stretto a un evento che ormai mette in relazione anche il Nord e il Sud, non solo l’Est e l’Ovest: ma potete stare tranquilli, non lo cambieremo in When East Meets West and South Meets North and... Questa edizione ripeterà la formula inaugurata lo scorso anno, e avrà quindi un doppio focus Paesi Nordici (Danimarca, Finlandia, Islanda, Norvegia Svezia) e Sud Est Europa. Nord e Sud, appunto, ma manterrà tutti gli ingredienti di successo delle precedenti edizioni, rinforzando Last Stop Trieste e First Cut Lab le due sezioni parallele dedicate a progetti in fase di montaggio, e volte a facilitare il loro ingresso nel mercato internazionale. Aggiungendo un’ulteriore sezione: This is IT, dedicata esclusivamente a progetti di lungometraggio in fase di post-produzione, e prodotti o coprodotti da imprese italiane.
Eight years ago, when we began to think of a name for an event dedicated to promoting co-production opportunities, we all agreed that it should explain the reason why we had decided to set it up in the first place. And that reason was precisely to create a platform where East and West could meet, to facilitate cooperation between film industry and professionals from Eastern and Western Europe. Having reached our eighth edition - and despite some criticism for the tongue-twisting nature of the name we chose - we are proud that When East Meets West has become an event of choice for directors and producers from all over Europe looking to present and pitch new projects.
In fact, it is a name that nowadays has perhaps become a little too narrow, considering that for some years WEMW has been connecting North and South, as well as East and West. But no need to worry: we shall not change it to “When East Meets West and South Meets North”...
This edition will repeat last year’s formula, and will therefore contain a double focus: on Northern countries (Denmark, Finland, Iceland, Norway and Sweden), on the one hand, and on South Eastern Europe, on the other. The usual ingredients which have been successful in past editions are being maintained and strengthened, such as with Last Stop Trieste and First Cut Lab - the two parallel sections dedicated to projects in their editing phase and intended to facilitate their launch on the international market. We are also adding a new section - This is IT - dedicated exclusively to feature film projects in post-production and produced or co-produced by Italian companies.
Ho scritto più volte della crescita del numero dei progetti presentati e dei partecipanti, e dell’interesse che aumentava intorno a WEMW; non lo farò quindi di nuovo (anche se è vero), e mi limiterò a ringraziare tutti i partecipanti, vecchi e nuovi, e augurare loro una buona permanenza a Trieste. Mi permetto solo di ripetere ancora una volta un concetto che esprime davvero l’idea base sulla quale WEMW è nato, ma che purtroppo è messo continuamente in discussione: “la Cultura è un fattore economico di primaria importanza, soprattutto è il legante che evita le fughe centripete, è l’elemento catalizzatore che riuscirà ad abbattere le ultime barriere. Noi europei dobbiamo credere che la diversità culturale che caratterizza il Continente sia una ricchezza da sfruttare, non un limite, che sia un giacimento al quale attingere, per favorire la crescita di tutti”.
I have written several times about the huge number of applications and participants, and the ever-growing interest in WEMW. Therefore, I shall not repeat myself (even though it is true), and I shall just wish all participants, new and old, a pleasant stay in Trieste. would, however, like to reiterate a concept which truly embodies WEMW’s founding idea, and one that unfortunately is being continually questioned: “Culture is an economic factor of prime importance; it is above all what links people together; it is a catalyst which will manage to destroy the last few existing barriers. As Europeans we must believe that the cultural diversity of the Continent is a source of richness to exploit − not a limitation but a resource to be harnessed, to encourage growth for all”.
Paolo Vidali
Fondo per l’Audiovisivo del FVG
Friuli Venezia Giulia Audiovisual Fund
LAST STOP TRIESTE
Il Trieste Film Festival e When East Meets West presentano la quarta edizione di LAST STOP TRIESTE, una sezione work in progress dedicata ai documentari rough cut precedentemente sviluppati/presentati in una delle piattaforme partner del progetto: Ex-Oriente Film Workshop, BDC Discoveries del Balkan Documentary Center, Docu Rough Cut Boutique di Sarajevo, Baltic Sea Docs, ZagrebDox PRO e When East Meets West. I documentari scelti verranno visionati da un esclusivo e ristretto pubblico di circa 40 sales agents, programmatori di festival e commissioning editors televisivi con l’obiettivo di essere selezionati dai festival internazionali più importanti e aumentare le loro probabilità di venire distribuiti. Una giuria internazionale assegnerà al miglior progetto il premio HBO EUROPE.
“Last Stop Trieste” è organizzato dal Trieste Film Festival e dal Fondo Regionale per l’Audiovisivo del Friuli Venezia Giulia, col supporto di Europa Creativa - MEDIA Programme, CEI – Central European Initiative, MiBACT – Direzione Cinema e la Regione Autonoma del Friuli Venezia Giulia. L’iniziativa è coordinata da Rada Šešić, programmatrice del Sarajevo Film Festival.
Trieste Film Festival and WEMW present the fourth edition of LAST STOP TRIESTE, a work in progress section for documentary projects in the final editing stage (fine cut) previously developed/ presented in one of our partners platform: Ex-Oriente Film Workshop, BDC Discoveries by Balkan Documentary Center, Docu Rough Cut Boutique of Sarajevo, Baltic Sea Docs, ZagrebDox PRO and When East Meets West. Selected documentary fine cuts will be screened to an exclusive panel of approximately 40 international sales agents, festival programmers and TV commissioning editors with the aim of enhancing their potential of being selected at top festivals and their chances of distribution, as well as getting valuable feedback. An international jury will deliver the special HBO EUROPE award to the best project.
“Last Stop Trieste” is organized by the Trieste Film Festival and the Friuli Venezia Giulia Audiovisual Fund, with the support of Creative Europe MEDIA Programme, CEI – Central European Initiative, MiBACT – Direzione Cinema and the Autonomous Region of Friuli Venezia Giulia.
The project coordinator is Rada Šešić, Programmer of the Sarajevo Film Festival.
Dopo il grande successo ottenuto nelle scorse edizioni da “Last Stop Trieste”, sezione work in progress dedicata ai documentari creativi, Trieste Film Festival e When East Meets West ampliano il proprio programma lanciando “This is IT”, una nuova sezione dedicata esclusivamente a lungometraggi di finzione in postproduzione prodotti o co-prodotti sia in quota maggioritaria che minoritaria da società di produzione italiane. L’idea è quella di creare una vetrina unica dedicata al cinema indipendente di qualità dove team selezionati avranno la possibilità di presentare il proprio progetto e mostrare dieci minuti del loro film ad un esclusivo panel di più di 40 sales agents, programmatori di festival e buyers internazionali. Quest’anno “This is IT” ha selezionato 6 lungometraggi di finzione e una giuria internazionale assegnerà il LASER FILM Award, premio speciale di 10.000€, al progetto migliore.
Grazie alla partnership con Milano Film Network (MFN), tutti progetti che hanno fatto domanda a “L’Atelier MFN 2017” e a “This is IT” sono stati condivisi e presi in considerazione da entrambi i comitati di selezione. L’obiettivo è quello di offrire una duplice opportunità ai produttori italiani, aumentando le possibilità di individuare partner distributivi sia a livello nazionale che internazionale.
After the great success of the past editions of “Last Stop Trieste”, work in progress section dedicated to creative documentaries, When East Meets West and Trieste Film Festival expand their initiatives targeting projects in post-production phase and launch “This is IT”, a new section exclusively dedicated to long feature fiction films produced or co-produced by Italian producers. The main purpose is to create a unique showcase of high quality Italian independent cinema where selected teams will have the chance to present their works and screen 10’ of their films to an exclusive panel of more than 40 international sales agents, festival programmers and buyers. This year “This is IT” selected 6 long feature fiction films and an international jury will deliver the LASER FILM Award to the best project, special prize consisting in 10.000€
Thanks to the partnership with Milano Film Network (MFN) all films submitted to “L’Atelier MFN 2017” and to “This is IT” will be shared and considered by both selection committees. The main goal is to offer a dual opportunity to all Italian producers, fostering their chances to attract distribution partners on a domestic and international level.
I progetti selezionati / The selected projects:
CITTàGIARDINO
regista / director: Marco Piccarreda
produttore / producer: Marco Piccarreda, Gaia Formenti paese / country: Italia / Italy
DUE PICCOLI ITALIANI
regista / director: Paolo Sassanelli
produttore / producer: Tommaso Arrighi
paese / country: Italia / Italy, Islanda / Iceland
paese / country: Italia / Italy, Francia / France, Svizzera / Switzerland
TriEsTE FiLm FEsTiVaL
PANEL 2018
LE GIORNATE DELLA DISTRIBUZIONE
ITALIANA INDIPENDENTE
/ THE DAYS OF ITALIAN INDEPENDENT DISTRIBUTION
Il focus dell’incontro di quest’anno, realizzato in collaborazione con il SNCCI - Sindacato Nazionale Critici Cinematografici Italiani, è incentrato sulle crescenti interazioni tra le distribuzioni italiane e il sistema dei festival cinematografici, nella diffusione e sulla promozione congiunta del cinema di qualità. Inoltre verranno discussi, alla presenza di registi, produttori, distributori e direttori di festival, gli effetti della nuova legge del cinema sulla distribuzione, la distribuzione nei territori privi di sale d’essai e i nuovi modelli di educazione all’audiovisivo.
This year’s panel, organised in collaboration with SNCCISindacato Nazionale Critici Cinematografici Italiani (Italian National Film Critics Union), will focus on the increasing interactions between the Italian distributions and the film festivals system, and their joined action in promoting quality cinema. Furthermore, in the presence of directors, producers, distributors and festival directors, the effects of the new law on cinema in terms of distribution, the distribution in territories without arthouse theatres and the new models of audiovisual education will be discussed.
LA NUOVA LEGGE DEL CINEMA: TUTELE, INNOVAZIONI, PROSPETTIVE /THE NEW LAW FOR ITALIAN CINEMA: PROTECTION, INNOVATION, PROSPECTS
Il mondo della cinematografia e dell’audiovisivo è stato recentemente interessato dalla L. 220/2016, che ha apportato rilevanti modifiche a questo settore. La conferenza affronterà quindi gli aspetti maggiormente rilevanti della normativa nazionale sul diritto d’autore, con particolare focus sulle disposizioni relative alle opere cinematografiche, per poi concentrarsi sulle novità apportate dalla L.220/2016, delineandone le criticità e il possibile impatto sul mondo del cinema e dell’audiovisivo italiano. L’incontro sarà introdotto dal Prof. Avv. Massimo Bianca, docente di Diritto Commerciale presso l’Università degli Studi di Trieste e successivamente prenderanno la parola il Prof. Avv. Fabio Dell’Aversana, Presidente di SIEDAS, il Prof. Avv. Emilio Tucci, Responsabile dell’Ufficio di Consulenza Legale di SIEDAS, e il Dott. Matteo Roiz, Socio ordinario di SIEDAS. L’incontro è coordinato da SIEDAS - Società Italiana Esperti di Diritto delle Arti e dello Spettacolo, in collaborazione con l’Università di Trieste nella persona del Prof. Massimo Bianca e con il Patrocinio dell’Ordine degli Avvocati di Trieste.
The world of Italian cinema and audiovisual media has recently been affected by Law 220/2016, which has made significant changes to this sector. The conference will then address the most relevant aspects of national legislation on copyright, with a particular focus on the provisions relating to cinema films, and then focus on the changes brought about by Law 220/2016, outlining the critical issues and the possible impact on the Italian world of cinema and audiovisual sector. The meeting will be introduced by Prof. Avv. Massimo Bianca, professor of Commercial Law at the University of Trieste and then the floor will be taken by Prof. Avv. Fabio Dell’Aversana, President of SIEDAS, Prof. Avv. Emilio Tucci, Head of the Legal Consulting Office of SIEDAS, and Dott. Matteo Roiz, Ordinary Member of SIEDAS. The meeting is coordinated by SIEDAS -Società Italiana Esperti di Diritto delle Arti e dello Spettacolo (Italian Society of Law and Arts Experts), in collaboration with the University of Trieste in the person of Prof. Massimo Bianca and with the sponsorship of the Ordine degli Avvocati di Trieste (Trieste Bar Association).
Partecipanti al panel “Distribuzione italiana 2.0” Trieste FF 2017 / Panel “Italian Distribution 2.0” Trieste FF 2017
L’immaGiNE DEL FEsTiVaL
THE FESTIVAL ARTWORK
L’immagine del Trieste Film Festival 29 tiene conto di un significativo anniversario: 50 anni dal 1968, anno di cambiamenti, di lotte ma anche di colore, arte psichedelica e caleidoscopica. Siamo rimasti folgorati lo scorso anno quando abbiamo visto esposte le fotografie di Mario Magajna che restituivano una Trieste resa magica e trasformata in un set cinematografico; tra tutte ci ha colpito il gruppo di attori in piazza Unità d’Italia: correva l’anno 1962 e il film era Senilità di Mauro Bolognini. La scommessa di Claimax era quella di partire dalla foto in bianco e nero del maestro triestino e trasformare la città in un set magico e sospeso, quasi un paese delle meraviglie lisergico che restituisse lo spirito del 1968 e della sua intensa energia. Piazza e personaggi si fondono in un insieme colorato, un gioco di figure e sfondo che si sovrappongono per restituirci un’atmosfera davvero unica.
Storico fotoreporter del «Primorski Dnevnik», Mario Magajna (1916 - 2007) nacque il 12 ottobre 1916 a Santa Croce e nel 1927 si trasferì a Trieste. Tra il 1930 e il 1939 lavora nel laboratorio fotografico triestino Fotoradiottica. Durante la Seconda guerra mondiale in qualità di fotografo collabora con il Fronte di Liberazione. Nel 1944 documenta il bombardamento di Trieste da parte degli alleati e nel maggio 1945 l’arrivo delle truppe partigiane jugoslave. Nel 1946 viene assunto come fotoreporter dal quotidiano triestino sloveno «Primorski Dnevnik», dove lavora fino al pensionamento nel 1977, ma con cui continuerà a collaborare fino al 1993. Lo scorso anno in occasione del centenario della sua nascita gli è stata dedicata la grande mostra di Palazzo Gopcevich “Mario Magajna fotografo”, nata da una collaborazione fra Unione Culturale Economica Slovena-SKGZ, Slovenski klub, Biblioteca Nazionale Slovena e degli Studi-NŠK (depositaria dell’archivio fotografico Magajna), Associazione culturale “Bubnič - Magajna” e Comune di Trieste nell’ambito del ‘Progetto Magajna 100’. Anche il Trieste Film Festival, durante la scorsa edizione, gli ha dedicato un omaggio dal titolo “Sirene immaginarie: dive e cinema nelle foto di Mario Magajna”. La foto è stata utilizzata per gentile concessione della Sezione di storia ed etnografia presso la Biblioteca nazionale slovena e degli studi (Odsek za zghodovino in etnografijo Narodne in študijske knjižnice), Fondo Primorski dnevnik, autore Mario Magajna (inv. 3900/04)
The image of the Trieste Film Festival 29 conveys a significant anniversary: 50 years since 1968, a year of changes, conflict but also colour, psychedelic and kaleidoscopic art. Last year we were dumbstruck when we saw the exhibition of Mario Magajna’s photos, portraying Trieste as a magical city turned into a film set; the picture which we found the most striking was that of a group of actors in Piazza Unità d’Italia: the year was 1962 and the film was Senilità by Mauro Bolognini. Claimax’s challenge was to start from the original black and white photograph by the Triestine master and transform the city into a magical and suspended set, almost an hallucinogenic wonderland so as to evoke the spirit of 1968 and its intense energy. Piazza and people merge into one colourful and playful composition, where the human figures and the background are juxtaposed to create a truly unique atmosphere.
Known as the historic photographic journalist of the «Primorski Dnevnik» (Trieste’s Slovene language daily paper), Mario Magajna (1916 - 2007) was born on 12 October 1916 in Santa Croce and moved to Trieste in 1927. Between 1930 and 1939 he worked at the Triestine photographic workshop Fotoradiottica. During the Second World War, he collaborated with the Liberation Front as a photographer. In 1944 he documented the bombing of Trieste by the Allies, and in May 1945 the arrival of the Yugoslavian partisan troops. In 1946, he was hired as a photographic reporter by the «Primorski Dnevnik», where he worked until his retirement in 1977, though he continued to collaborate with the newspaper until 1993. Last year, to mark the centenary of his birth, a major exhibition of his work - “Mario Magajna fotografo” - was organised in his honour at Palazzo Gopcevich. The exhibition was the result of a collaboration between a range of local institutions, namely: the Slovene Cultural and Economic UnionSKGZ, the Slovenski Klub, the Slovene National and Study LibraryNŠK (holder of the Magajna photographic archive), the Associazione culturale “Bubnič - Magajna” and Trieste’s Municipality. This was part of the wider ‘Progetto Magajna 100’. The Trieste Film Festival also paid tribute to him during last year’s edition, with the exhibition “Imaginary mermaids: divas and cinema in Mario Magajna’s photographs”.
The photograph has been used with kind permission of the History and Ethnography Section of the Slovene National and Study Library (Odsek za zghodovino in etnografijo Narodne in študijske knjižnice) in Trieste, Primorski Dnevnik Fund, author Mario Magajna (inv. 3900/04).
EvENTI COLLATERALI SIDEbAR EVENTS
VARcARE LA FRONTIERA #5: Atlantidi. Identità sommerse
CRoSSiNG ThE FRoNTiER #5: Atlantidi. Submerged identities
VARcARE LA FRONTIERA #5: ATLANTIDI. IDENTITÀ SOMMERSE
cROSSINg THE FRONTIER #5: ATLANTIDI. SuBMERgED IDENTITIES
Corpi / Bodies
Quinta edizione di “Varcare la frontiera” il festival multidisciplinare promosso da Cizerouno. Il programma proposto tra il 2017 e il 2018, con il titolo Atlantidi, identità sommerse ha anche quest’anno una sezione importante all’interno del Trieste Film Festival. I Corpi sono i protagonisti degli eventi pensati per il TSFF. Corpi fisici e corpi virtuali, che tra immagini, performance, video e arti visive rimettono in discussione temi cari a Varcare come quello delle identità, più o meno sommerse ma sempre diversamente plurali. Come sempre Varcare vuole creare connessioni e contaminazioni tra persone, tipi di pubblico e generi espressivi per far dialogare realtà differenti tra loro promuovendo la collaborazione, lo scambio e il confronto coinvolgendo anche diversi spazi della città.
Si parte dalla mostra collettiva Sfingi arcane al DoubleRoom e dalla nuova edizione de La storia di D. al Cavò dove si aggiorna il racconto per immagini che Diletta Allegra Mazza fa della transizione FtM di D.
Il festival continua l’esplorazione della produzione artistica di Pier Paolo Pasolini, di cui ci parlerà Angela Felice del Centro Studi di Casarsa della Delizia, con attenzione al tema del corpo e del maschile e del femminile.
Si rinsalda la collaborazione con il MIT – Movimento Transessuali Italiano - con il quale è stato costruito il programma Corpi di genere dove scopriremo anche la vita di Marcella Di Folco che fece del suo corpo strumento di lotta e rivendicazione politica e civile, diventando la prima persona transessuale a ricoprire una carica pubblica al mondo.
Tra i monti dell’Albania e del Montenegro scopriremo identità sommerse, negate, quelle dei corpi delle “vergini giurate” che rinunciano alla loro femminilità per godere della libertà e dell’indipendenza.
Attorno ad altri corpi graviteranno nuovi spazi di ricerca e di indagine, con percorsi di sinergia e collaborazione per nuove produzione artistiche e culturali come l’incontro con il corpo reale/virtuale di Babatwoosh, la veggente digitale islandese, e quello con il corpo “sonoro” di Božo Vrećo, cantante e perfomer bosniaco.
Varcare la frontiera #5. Atlantidi, identità sommerse è un progetto ideato da Massimiliano Schiozzi con la collaborazione di Mila Lazić e Massimo Premuda, realizzato con il sostegno della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia.
The fifth edition of “Varcare la frontiera” (Crossing the Frontier) - the multidisciplinary festival organised by Cizerouno. The programme for the period spanning between 2017 and 2018, entitled Atlantidi, identità sommerse (Atlantidi, submerged identities) includes an important section for the Trieste Film Festival. Bodies will be the protagonists of the events planned for the TSFF. Bodies that are both physical and virtual. Images, performances, videos and the visual arts will explore topics that are central to “Varcare”, such as the question of the plurality of identities, presenting identities that are more or less submerged, but always different and plural. As always,
“Varcare” aims to encourage connections and cross fertilisation between people, audience types, and genres, to create a dialogue between different situations, by promoting collaboration, exchanges and debates, with the inclusion of different spaces in the city.
The collective exhibition Sfingi arcane (Arcane Sphynxes) at the DoubleRoom opens the programme of events, together with a new set-up of the La storia di D. (The Story of D.), at the Cavò, with the visual tale of D.’s female-to-male transition as portrayed in Diletta Allegra Mazza’s photos.
The festival continues its exploration of Pier Paolo Pasolini’s works. A talk by Angela Felice from the Centro Studi in Casarsa della Delizia will explore the issue of the body, the male and the female in Pasolini’s oeuvre.
The collaboration with the MIT – Movimento Transessuali Italiano (Italian Transexuals Movement) also continues through their contribution to the Corpi di genere (Gendered Bodies) programme, where we shall discover the life of Marcella Di Folco, who turned her body into an instrument of political and civil struggle, and became the first transexual person in the world to hold public office. Among the mountains of Albania and Montenegro we shall learn about identities that are submerged and denied, those belonging to the bodies of the “sworn virgins” – women who renounce their femininity to enjoy freedom and independence.
New opportunities for research and discovery will gravitate around other bodies, where synergies and collaborations will facilitate new artistic and cultural productions. These will include the presence of the real/virtual body of the Babatwoosh, the Icelandic digital clairvoyant, and the “sonic” body of Božo Vrećo, Bosnian singer and performer.
Varcare la frontiera #5. Atlantidi, identità sommerse is a project by Massimiliano Schiozzi with the collaboration of Mila Lazić and Massimo Premuda, realised with the support of the Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia.
Diletta Allegra Mazza, La storia di D.
SFINGI ARCANE E VEGGENTI DIGITALI
Al DoubleRoom arti visive Sfingi arcane la collettiva a cura di Massimo Premuda con la collaborazione di Denis Volk presenta le ricerche visive di cinque artisti focalizzati sull’interesse per le sfingi viste come sibilline figure mitologiche capaci di incarnare il mistero e l’enigma per eccellenza, esperte nel mettere in crisi l’essere umano con sciarade e rompicapi impossibili da sciogliere, o mute custodi delle città dei morti con i loro sguardi impenetrabili. In mostra diverse possibili declinazioni di queste arcane creature chimeriche che vanno dalle opere su carta degli anni ‘70 di Leonor Fini fino alla pittura metafisica di Elettra Metallinò, dagli affascinanti scatti di Nika Furlani fino ai graffianti acquerelli di Ugo Pierri e agli onirici lavori di Damir Stojnić.
“Upgrade your soul” è la citazione di Babatwoosh, che campeggia sulla parete del Cavò di via San Rocco 1, lo spazio che ospita la veggente digitale di origine islandese, per la prima volta a Trieste grazie alla collaborazione con DMAV, collettivo di social art che crea installazioni ed eventi di agitazione empatica entrando in relazione con la comunità e generando percorsi di consapevolezza sociale, e “Varcare la frontiera”.
Babatwoosh, veggente digitale, offre la sua presenza carismatica e il suo tocco fisico/digitale in una sorta di nuova esplorazione del Darshan, in sanscrito ‘l’incontro con il maestro’. Le persone potranno accedere allo spazio in piccoli gruppi e dopo aver acquisito le basi della tecnologia spirituale di Babatwoosh e la struttura del Tecno-Mantra potranno letteralmente varcare la soglia ed entrare nello spazio sacro della sala più interna dove avranno l’esperienza intima e potente per cui Babatwoosh è diventata famosa in tutto il mondo. L’apparizione della veggente vuole generare una meditazione sul tema del rapporto tra sovraccarico informativo e relazioni umane, usando il tema della “mistica digitale” come stimolo e provocazione. Babatwoosh come paradossale punto di contatto tra gli antichi rituali pubblici e la ricerca rischiosa di un sacro contemporaneo.
ARCANE SPHYNXES AND DIGITAL CLAIRVOYANTS
At the art gallery “DoubleRoom arti visive” Sfingi arcane (Arcane Sphynxes), the collective exhibition curated by Massimo Premuda with the collaboration of Denis Volk, presents the visual research of five artists and their focus on sphinxes, seen as enigmatic and mythological figures par excellence, capable of embodying mystery and enigma, skilled at undermining humans with their unsolvable conundrums and riddles, and silent custodians of the cities of the dead with their impenetrable gaze. The exhibition comprises a variety of interpretations of these arcane and imaginary figures, ranging from Leonor Fini’s works on paper from the ‘70s, to the metaphysical paintings of Elettra Metallinò; from the fascinating shots of Nika Furlani, to Ugo Pierri’s incisive watercolours and Damir Stojnić’s dreamy works.
“Upgrade your soul” is the quote from the Babatwoosh which looms large on the wall of the Cavò in via San Rocco 1, the space which hosts the digital clairvoyant of Icelandic origin, appearing in Trieste for the first time, thanks to Varcare la Frontiera’s collaboration with the social art collective DMAV, which creates installations and empathetic unrest events, connecting with communities and promoting journeys of social awareness. Babatwoosh, digital clairvoyant, offers her charismatic presence and her physical/digital touch to those present, in a sort of new exploration of the Darshan (Sanskrit for “meeting with the master”). Audience members will be allowed access in small groups, and after acquiring the basics of Babatwoosh’s spiritual technology and the Techno-Mantra structure, they will literally be able to cross the threshold and enter the sacred space of the inner room, where they will enjoy the intimate and powerful experience for which Babatwoosh has become famous all over the world. The apparition of the clairvoyant intends to generate a reflection on the theme of information overload and human relations, using the subject of “digital mysticism” as stimulus and provocation. Babatwoosh - a paradoxical point of contact between the ancient public rituals and the risky pursuit of a contemporary sacred sphere.
CORPI DI GENERE & VERGINI GIURATE
Un incontro per riflettere sulle persone che sono costrette a lasciare il proprio paese per motivi legati all’orientamento sessuale, identità di genere o professione. Massimo Premuda dialoga con Porpora Marcasciano, presidente onoraria del MIT-Movimento Identità Trans (Bologna), Pia Covre, segretaria generale del Comitato per Diritti Civili delle Prostitute “Progetto Stella Polare” (Pordenone), Mario Di Martino, Festival Internazionale di Cinema Trans “Divergenti” del MIT (Bologna), Letonde Hermine Gbedo, “Progetto Stella Polare” (Trieste) e Franko Dota, autore della tesi di dottorato dal titolo La storia pubblica e politica dell’omosessualità maschile nella Croazia socialista (1945-1989)
A seguire il regista Simone Cangelosi presenta due documentari sulla figura di Marcella Di Folco, attrice di Fellini, Rossellini e Sordi, fondatrice del MIT-Movimento Identità Trans di Bologna e prima persona transessuale a ricoprire una carica pubblica al mondo. FELLINIANA di Luki Massa e Simone Cangelosi (documentario, 25 min., Italia, 2010, in collaborazione con la Cineteca di Bologna) e UNA NOBILE RIVOLUZIONE di Simone Cangelosi (documentario, 83 min., Italia, 2014).
GENDERED BODIES & SWORN VIRGINS
A talk dedicated to those who are forced to leave their countries because of their sexual orientation, gender identity or profession. Massimo Premuda in conversation with Porpora Marcasciano, honorary president of MIT-Movimento Identità Trans (Transgender Identity Movement, Bologna); Pia Covre, general secretary of the Comitato per i Diritti Civili delle Prostitute “Progetto Stella Polare” (Prostitutes Civil Rights Committee, Pordenone); Mario Di Martino, International Film Festival of Cinema Trans “Divergenti” (MIT, Bologna); Letonde Hermine Gbedo, “Progetto Stella Polare” (Trieste); and Franko Dota, who wrote his doctoral thesis on The public and political history of male homosexuality in Socialist Croatia (1945-1989).
This will be followed by director Simone Cangelosi presenting two documentaries about the figure of Marcella Di Folco, who worked as an actor with Fellini, Rossellini and Alberto Sordi, was the founder of Bologna’s MIT-Movimento Identità Trans (Transgender Identity Movement) and the first ever trans-sexual in the world to hold public office. FELLINIANA by Luki Massa and Simone Cangelosi (documentary, 25 mins., Italy, 2010, in collaboration with the Cineteca di Bologna) and UNA NOBILE RIVOLUZIONE (A Noble Revolution) by Simone Cangelosi (documentary, 83 mins., Italy, 2014).
Favoino, Burneshe
Nika Furlani, Sfingi, 2016
Ritratto di / Portrait of Marcella Di Folco
Paola
“Il racconto di una vita e di un amore familiare, che vuole dare la misura della verità, del sacrificio, della sofferenza e della gioia. L’idea è di dare la libertà a chiunque di essere ciò che si vuole essere, educando le persone all’amore e alla tolleranza”: così Diletta Allegra Mazza descrive questo suo lavoro fotografico con D., presentato la prima volta l’anno scorso a Trieste. La storia di D. ritorna in un particolare allestimento al Cavò di via San Rocco, e porta con se, in un gioco di immagini e specchi alcune domande che Diletta vuole porre a chi guarderà questo lavoro: “Guardati, credi che ciò che vedi riflesso allo specchio sia davvero ciò che gli altri percepiscono di te?”, “Guardati ancora, con più attenzione. Cosa vedi? Credi davvero che il tuo aspetto esteriore si identifichi con la tua identità?”. La mostra, a cura di Massimiliano Schiozzi, presenta nuove immagini e momenti di questo racconto di un corpo che si modifica, di una transizione per diventare quello che si è, di una ricerca che Diletta Allegra Mazza proseguirà nei prossimi anni con nuove “Storie di...”
Si vestono, si muovono, si atteggiano e parlano come fossero uomini, riferendosi a loro stesse con pronomi maschili: sono le burrnesha, o vergini giurate, donne che fanno voto di castità e rinunciano alla loro femminilità per godere della libertà e dell’indipendenza, come stabilito dal Kanun, il codice delle più antiche consuetudini e tradizioni albanesi. La tradizione delle burrnesha (virdžina, muškobanja), come una scelta sociale, era diffusa anche nelle comunità montane di Montenegro e Kosovo. Mila Lazić dialoga con Jelka Vince Pallua, sociologa croata e autrice del libro Zagonetka virdžine (The Enigma of Sworn Virgins - An Ethnological and Cultural Anthropological Study), e Oneda Kabali, autrice della tesi di laurea Il Kanun, etica e tradizione. Le Vergini giurate, la Vendetta di sangue La conversazione sarà accompagnata da filmati di varia provenienza che testimoniano la presenza ancora attuale del fenomeno delle vergini giurati.
“The tale of a life and of a family love, that aims to portray truth, sacrifice, suffering and joy. The idea is to give anyone the freedom to be what they want to be, by educating people to be loving and tolerant”: This is how Diletta Allegra Mazza describes her photographic project, which was presented for the first time in Trieste last year. La storia di D. (The Story of D.) returns in a distinctive set-up at the Cavò in via San Rocco, bringing with it, in a game of images and mirrors, some questions which Diletta wants to ask those who will see this work: “Look at yourself, do you think that what you see reflected in the mirror is really what others see when they look at you?”; “Look at yourself again, more carefully. What can you see? Do you really believe that your outward appearance reflects your identity?”. The exhibition, curated by Massimiliano Schiozzi, presents new images and moments in the journey of a body going through change, a transition towards one’s real identity, a project that Diletta Allegra Mazza will continue in the next few years with new “Stories of...”
They get dressed, they move, they behave and speak as though they were men, using masculine pronouns to refer to themselves. They are the burrnesha or “sworn virgins” - women who take a vow of chastity and renounce their femininity to enjoy freedom and independence, according to the rules of the Kanun, the code of the oldest Albanian traditions and customs. The tradition of the burrnesha (virdžina, muškobanja), as social choice, was also widespread in the mountain communities of Montenegro and Kosovo. Mila Lazić in conversation with Jelka Vince Pallua, Croatian sociologist and author of the book Zagonetka virdžine (The Enigma of Sworn Virgins - An Ethnological and Cultural Anthropological Study), and Oneda Kabali, author of The Kanun, ethics and tradition. The Sworn Virgins, the Blood Revenge (university thesis). The talk will be accompanied by films from various sources, proving that the presence of the phenomenon of the sworn virgins is still current.
Božo Vrećo
“Un viaggio negli angoli più reconditi dell’animo umano” sarà anche il concerto di Božo Vrećo. L’artista, cantante e performer bosniaco, nato a Foča nel 1983, ripercorre e attualizza con raffinata sensibilità uno dei monumenti della cultura immateriale bosniaca e dei Balcani: le sevdah / sevdalinke canzoni tradizionali bosniache dal ritmo lento e moderato e dalla melodia intensa e struggente tramandate di generazione in generazione. Božo Vrećo nel suo concerto-evento esegue con grande maestria sia canzoni tradizionali che brani da lui composti, facendo emergere da un antico passato una nuova identità per il futuro.
Božo Vrećo
Božo Vrećo’s concert will also be “a journey into the most intimate corners of the human soul”. The Bosnian artist, singer and performer, born in Foča in 1983, celebrates the sevdah/ sevdalinke, one of the monuments of Bosnian and Balkan oral culture, making these traditional Bosnian songs relevant for our times. With their slow and moderate rhythm and intense and emotional melody, they are handed down from one generation to the next. In his concert-event, Božo Vrećo masterfully performs both old songs and new ones composed by him, drawing from the past a new identity for the future.
Božo Vrećo
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