Sindacato Nazionale Critici CinematograficiTriveneto
con il contributo di
Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia
Assessorato all’Istruzione e Cultura
Direzione Generale per il CinemaMinistero per i Beni e le Attività Culturali
MEDIA Plus Programme of the European Union
CEI – Central European Initiative
Comune di Trieste
Assessorato alla Cultura
Camera di Commercio, Industria, Artigianato e Agricoltura di Trieste
Provincia di Trieste
Assessorato alla Cultura
Fondazione CRTrieste
Fondazione Mediterraneo
con il sostegno di Air Dolomiti
Swiss Films
Istituto Svizzero di Roma
Trenitalia
TCD – TriesteCittàDigitale
con la collaborazione di Bonawentura
Rai – Sede Regionale per il Friuli Venezia Giulia
Rai Teche
Alpe Adria Cinema aderisce a Associazione Italiana festival Cinematografici (AFIC)
CentEast
Coordinamento Europeo dei Festival di Cinema
Alpe Adria Cinema ringrazia per i servizi offerti
Hotel Continentale (Trieste)
delfabro (Udine)
Bip Computer (Trieste)
Urban Hotel Design (Trieste)
Lucioli (Trieste)
rvnet.eu
barviadelletorri (Trieste)
Casali Aurelia
Birrificio Cittavecchia (Trieste)
Spin S.r.l. (Trieste)
Giemme allestimenti (Trieste)
VideoNew – Noleggi tecnici per grandi eventi (Trieste)
si ringrazia inoltre
Musicfeel
Cinematic
le sezioni del festival
Concorso lungometraggi
Eventi speciali a cura della direzione artistica con la collaborazione di Nicoletta Romeo
Concorso cortometraggi a cura di Tiziana Finzi
Concorso documentari
Evento speciale
Omaggio alla RTSI – Radiotelevisione
Svizzera di lingua italiana a cura di Fabrizio Grosoli
Immagini a cura di Tiziana Finzi in collaborazione con Bonawentura / Mielanext e AllEstdellEden
lo schermo triestino: franco giraldi a cura di Luciano De Giusti e Annamaria Percavassi in collaborazione con Centro Sperimentale di Cinematografia-Cineteca Nazionale, Roma
Lagunamovies / Associazione Cultura e Territorio
Cineteca Regionale Friuli Venezia Giulia
Rai – Sede Regionale per il Friuli Venezia Giulia Rai Teche
la luna, i falò. il cinema di fredi m. murer a cura di Paolo Vecchi
l’omaggio a Fredi M. Murer è stato realizzato con il prezioso sostegno di Swiss Films
Istituto Svizzero di Roma
Update Deutschland 2 a cura di Vincenzo Bugno
Scuole di cinema: Università Nazionale di Teatro e Cinema “I.L. Caragiale” di Bucarest (UNATC) a cura di Alpe Adria Cinema
CEI event a cura di Alpe Adria Cinema
Zone di cinema a cura di Alpe Adria Cinema
Veit Heinichen : la scrittura e le immagini a cura di Elisabetta D’Erme
Ma l’amore no… Looking for Alida Valli a cura di Anna Maria Mori
direttore artistico
Annamaria Percavassi
consulenti
Vincenzo Bugno (Germania)
Nerina Kocjančič (Slovenia)
Maciej Karpiński (Polonia)
Judit Pintér (Ungheria)
Eva Zaoralová (Repubblica Ceca)
organizzazione
Associazione Alpe Adria Cinema
presidente, coordinamento generale
Cristina Sain
segreteria generale, ufficio ospitalità e accrediti
Elena Giuffrida con la collaborazione di Idana Casarotto e Giovanni Portosi
programmazione, ricerca filmica e movimento copie
Nicoletta Romeo con la collaborazione di Monica Goti (pre-selezione e movimento copie)
comunicazione e logistica
Max Mestroni
catalogo generale a cura di Tiziana Ciancetta (coordinamento generale), Giovanna Tinunin (schede film, biofilmografie)
con la collaborazione di Clara Buonanno (per “Lo schermo triestino: Franco Giraldi”), Elisabetta D’Erme (per “Veit Heinichen: la scrittura e le immagini”), Paolo Vecchi (per “La luna, i falò. Il Cinema di Fredi M. Murer”)
un ringraziamento particolare a Sergio Crechici
traduzioni catalogo
italiano / inglese (saggi e introduzioni)
Julian Comoy, Lucian Comoy (schede e biografie autori)
Tiziana Oselladore e Marco Valentinuzzi per TCD – TriesteCittàDigitale s.r.l.
rubrica “Il taccuino del Festival” a cura di Roberto Ferrucci
ufficio stampa volpe&sain comunicazione con Moira Cussig
sala stampa
Erika Arecco, Daniela Sartogo
traduzione materiali stampa
Erika Arecco
sottotitoli elettronici
Underlight – Trieste con la collaborazione di Edward Catalini coordinamento
Claudia Pezzutti
traduzione e adattamento film
Edward Catalini, Jean-Claude Trovato, Martina Vesnaver, Christian Zullino
incontri con gli autori moderatore
Roberto Ferrucci
interprete
Ada Prelazzi
presentazione serate
Daniela Picoi
coordinamento giurie
Tiziana Ciancetta, Nicoletta Romeo con la collaborazione di Monica Goti
progetto grafico
Martina Facco
immagine coordinata e allestimenti
Alpe Adria Cinema
sigla del festival
Davide Del Degan, Matteo Cracco
trasporti
DHL, R&D Logistica
autisti festival
Nereo Bressan, Luca Di Piazza, Marco Urban
desk hotel
Onofrio Depalma, Irene Stumpo
Cinema Excelsior
allestimento esterno
Giemme allestimenti, Utilgraph, Ivan Olivo
proiezioni
Massimiliano Burello, Fulvio Sabia, Blendi Tagani, Paolo Venier
cassa
Veruska Driutti, Rossella Mestroni
personale di sala
Sofia Barbina, Ilinca Budeanu, Gabriele Degrassi, Giovanni De Sario, Patrizia Pepi Gioffrè, Soraya
Ismaili, Lisa Lombardini, Gianluca Pacchiani
Teatro Miela
direzione artistica
Rosella Pisciotta
grafica per Immagini Mielanext
Fabrizio Comel
responsabile servizi
Francesco De Luca
segreteria
Alice Bensi, Paola Sponda
tecnico video
Michele Sumberaz Sotte
proiezioni
Paolo Venier
Cinema Ariston
Isidoro Brizzi, Elena Pachys
ringraziamenti
Albania
OraFilm (Eol Çashku)
Armenia
Bars Media (Vardan Hovhannisyan, Jeffrey Paretchan)
Austria
Andreas Horvath, Fischer Film
Bosnia Erzegovina
Mediacentar Sarajevo (Maja Hadžiosmanović, Boro Kontić), Refresh Production (Ademir Kenović)
Bulgaria
Bulgarska Nacjonalna Televizija, Boyana Film Studios, Klas Film (Rosica Valkanova), NATFA “Krustyo Sarafov” (Ellie Genova), Odavision
Canada
Tricon Films Inc., Wonder Inc.
Croazia
Hrvatska Televizija, Hrvatski Filmski Savez (Vanja Andrijević, Vera Robić-Škarica), Propeler Film
Estonia
Aruba Film Production
Francia
Celluloid Dreams (Mathieu Boucher, Pascale Ramonda), Ciné Manufacture, Elzevir Films, La Fémis (Fanny Lesage, Thomas Rosso), Onoma, Princes Films, Pyramide Productions, Pyramide International (Paul Richer), Regards Productions (Chantal Delanoë), Tabo Tabo Films (Damien Couvreur, Alix de Mello), Vendetta Films, Wide Management (Camille Rousselet)
Germania
3 Kamele Film, Bavaria Film International (Agnese Brandi, Gisela Wiltschek), Colonia Media Filmprodutkions GmbH (Laura Lauzemis, Markéta Polednová, Gabriele Remke), Deckert Distribution (Ina Rossow), Deutsche Film und Fernsehakademie Berlin, Elsani Film, Filmakademie Baden – Wuerttemberg (Eva Steegmayer), Filmkombinat GmbH & Co. KG, Kunsthochschule für Medien Köln, Grundy UFA (Rita Salewski), Hochschule für Fernsehen und Film (Tina Janker, Natalie Lambsdorff), MDC Int. GmbH (Artur Brzozowski), Media Luna Entertainment GmbH & Co. KG (Viviana Horalek, Ida Martins, Nadine Rudisch), MMM Film Zimmermann & Co GmbH, nachtaktivfilm
(Brigitte Kramer), nonfictionplanet film & television GmbH (Jens Fintelmann, Thomas Seekamp), Ö Filmproduktions GmbH, Pandora Film, Peter Rommel Filmproduktion, PLAY_Gallery for still and motion pictures, Preussen Film – Medien GmbH, Razor Film Produktion GmbH (Verona Meier, Gerhard Meixner, Roman Paul, Marie Schlingmann), Tag/Traum Filmproduktion (Gerd Haag, Ulla Wätzig), Telepool, Trebitsch Entertainment GmbH (Martina Christian, Katharina M. Trebitsch), UFA Filmproduktions GmbH (Norbert Saver), Weltfilm GmbH (Kristina Konrad, Ursula Scribano), X Filme Creative Pool GmbH (Melanie Stolle), ZDF
Georgia
Salome Jashi
Italia
Giuliano Abate, Domenico Alecci, Luisa Altichieri, Altofragile, L’Argante – Interfase, Associazione Culturale “Prospettive storiche” (Marco Coslovich), Sergio Baraldi, Enrico Bertossi (Assessore regionale alle attività produttive), Bim Distribuzione (Rachel Greenwood), Pierpaolo Bisleri, Gian Paolo Bommarco, Olivo Barbieri, Brancolini Grimaldi Arte Contemporanea, Bree VDK, Brel, Ivan Caroli, Centro Sperimentale di Cinematografia – Scuola Nazionale di Cinema (Carla Manfredonia), Cinecittà Holding (Patrizia Crescenzi), Cineteca Nazionale (Laura Argento, Charmane Spencer, Sergio Toffetti, Mario Valentini), Piero Colussi, Vittorio Curzel, Gloria De Antoni, Docfilm, Dream Film Srl (Rean Mazzone), La Fabbrichetta (Gianluca Arcopinto), Fabiola Faidiga, Peter Ferluga, Fluido.Tv, Paolo Fonda, Nicola Gaiarin, Galleria Monitor (Paola Capata), Galleria Pack (Gianmaria Conti, Juliane Debeusscher), Genia di Daniele Bocus, Antonio Giacomin, Veit Heinichen, Kinoatelje (Aleš Doktorič, Martina Humar, Mateja Zorn), Laboratorio Immagine Donna (Paola Paoli), Lady Film (Simona Calcagni), Alessandro Malcangi, Marco Noire Contemporary Art, Mir Cinematografica (Gianfilippo Pedote), Anna Maria Mori, Museo di Arte Contemporanea di Roma, Nessuno tocchi Caino (Aurelio Tanzi), Pablo Film, Rai – Sede Regionale del Friuli Venezia Giulia (Roberto Collini, Daniela Picoi, Paola Spinelli), Rai Teche, Il Ramo d’Oro Editore, Mauro Regis, Annamaria Richter, Ripley’s Home Video (Cristina D’Osualdo), Tatjana Rojc, Mauro Santini, Paolo Secoli, Servizio di Cineteca Regionale – Regione Friuli Venezia Giulia, Giorgio Tinazzi, Transmedia s.p.a., Verona Film Festival (Maria Pia Mazzi), Videoest, Vivo Film Srl (Gregorio Paonessa), Marino Vocci, Federico Zecca
Lettonia
Hargla Company, National Film Centre of Latvia (Juris Freidenbergs, Ieva Pitruka)
Lituania
VG Studio (Jurga Jursyte,Valdas Navasaitis)
Macedonia Sektor Film
Olanda
Fortissimo Films (Marit Lighthart)
Polonia
Centrala Sp. Z.o.o. (Agnieszka Janowska, Jacek Nagłowski), Mistrzowska Szkoła Reżyserii Filmowej Andrzeja Wajdy (Magda Bociarska, Joanna Skalska), Opus Film (Piotr DziÍcio≥, £ucja KÍdzjor), Polski Instytut Sztuki Filmowej, PWSFTViT - Państwowa Wyższa Szkoła Filmowa, Telewizyjna i Teatralna im. Leona Schillera w Łodzi (Yolanta Axworthy)
Regno Unito
Film and Music Entertainment, Thomas Littlewood, Royal Holloway University of London, Hannah Skrinar, Taskovski Films Ltd.
Repubblica Ceca
Česká Televize - Telexport (Jitka Prochazková), Studio Mirage
Romania
Centrul Na˛ional al Cinematografiei (Alina Sπlcudeanu), Hi Film Productions (Ioana Draghici, Ada Solomon), Multimedia Est, Strada Film (Daniel Mitulescu), Universitatea Nationalπ de Artπ Teatralπ si Cinematograficπ "I.L. Caragiale" (Liliana Mateescu)
Russia
Atelier Film Aleksandr Gutman, St. Petersburg Documentary Film Studio (Viktorija Evdokimova), South Bridge, Spadar D (Oľga Dašuk), Studio FF, Studio Risk-Film (Ljudmila Karabanova, Natalija Želtuchina)
Serbia
Nova Film, Terra Film, TV B92 (Veran Matić, Neda Rulić), Yodi Movie Craftsman, Zepter International
Slovacchia
Artileria, Slovenský filmový ústav (Viera œuricová, Edita Uhriková)
Slovenia
AGRFT- Akademija za gledališče, radio, film in televizijo v Ljubljani (Jožica Blatnik), Casablanca Film Production, Emotionfilm (Danijel Hočevar), Filmski Sklad Republike Slovenije (Sanela Karabegović, Nerina Kocjančič), Luksuz Produkcija, Petra Pan Film Production, Studio Arkadena d.o.o., Damir Vajdič
Svezia
Hysteria Film AB (Antonio Russo Merenda), Svenska Filminstitutet (Andreas Fock)
Svizzera
Peter Aerschmann, Istituto Svizzero di Roma (Domenico Lucchini), Point de Vue Audiovisuelle Filmproduktion, Saga Production, Swiss Films (Peter Da Rin), Televisione Svizzera di lingua italiana – TSI (Federico Jolli, Helena Mendez, Regina Rodari), ventura film SA (Nicola Bernasconi, Elda Guidinetti, Andres Pfaeffli)
Filmservice, Hungarian Academy of Drama and Film, Katapult Films, Magyar Filmunió (Noémi Mikó)
Si ringraziano in modo particolare
Luca Bassetto (Hotel Continentale, Trieste), Alex Benvenuti (Hotel Duchi d’Aosta, Trieste), Sabrina e Manuel Costantin (Urban Hotel Design, Trieste), Armando Krota e Daniela Macchia (Bip Computer, Trieste), Sarah Del Fabro (delfabro, Udine), Alessandro Fantini e Alberto Durì (Trenitalia), Maurizio Cortonicchi (Lucioli, Trieste), Massimo e Anna Zulian (Barviadelletorri, Trieste), Federico Filippi (Casali Aurelia), Valentina Grego e Michele Barro (Birrificio Cittavecchia, Trieste) per averci aiutato a rendere la 18a edizione del festival ancora più ospitale
I premi del Trieste Film Festival
Premio Trieste al miglior lungometraggio in concorso (euro 5.000)
Premio Alpe Adria Cinema al miglior documentario in concorso (euro 2.500)
Premio Fondazione Mediterraneo al miglior cortometraggio in concorso (euro 2.000)
Premio CEI (Central European Initiative) al film che meglio interpreta la realtà contemporanea e il dialogo tra le culture (euro 2.500)
Premio Musicfeel al vincitore del concorso lungometraggi verrà offerta la realizzazione gratuita delle musiche originali per il prossimo lavoro dalla Musicfeel di Stefano Cretarola e Marco Fedele (www.musicfeel.com)
Premio del pubblico al miglior film di ciascuno dei 3 concorsi
alpe adria cinema via Donota, 1 I-34121 Trieste Italia
alpe adria cinema trieste film festival 18a edizione / 18th edition
comune di trieste
con il patrocinio di
con il contributo di
comune di trieste assessorato alla cultura
con il sostegno di
in collaborazione con
Sede Regionale per il Friuli Venezia Giulia
trieste film festival ringrazia per i servizi offerti
HOTEL CONTINENTALE via S. Nicolò 25 Trieste www.continentalehotel.com
sala stampa incontri stampa automobili
service e redazione web tv happy hour
servizi web allestimenti esterni e allestimenti tecnici si ringrazia inoltre Servizi tecnici per grandi eventi info@videonew.it
13 Presentazioni 34 Le giurie
41 Concorso Lungometraggi 43 I film 63 Eventi speciali
67 Concorso Cortometraggi 68 I film
79 Concorso Documentari 80 I film
103 Fuori concorso 104 Evento speciale 105 Omaggio alla RTSI
109 Immagini
110 Introduzione (Tiziana Finzi)
115 I film
137 Update Deutschland 2 139 Introduzione (Vincenzo Bugno) 146 I film
157 Lo schermo triestino: Franco Giraldi 159 Introduzione (Luciano De Giusti) 166 I film
183 La luna, i falò. Il cinema di Fredi M. Murer
185 Introduzione (Paolo Vecchi) 190 I film
201 Scuole di Cinema: Università Nazionale di Teatro e Cinema “I.L. Caragiale” di Bucarest (UNATC)
202 Introduzione 204 I film
211 Zone di Cinema
212 Introduzione (Alpe Adria Cinema)
215 I film
223 Evento speciale - Veit Heinichen: la scrittura e le immagini
223 Introduzione (Elisabetta D’Erme)
236 I film
239 Ma l’amore no… Looking for Alida Valli
241 Introduzione (Anna Maria Mori)
244 Il grido di Michelangelo Antonioni
247 Dizionario dei registi
276 Repertorio dei produttori e distributori esistenti
284 MusicFeel 285 Afic 286 Coordinamento Europeo dei Festival di Cinema 288 CentEast
292 Indice dei film
294 Indice dei registi
Nelle sezioni del catalogo è stato rispettato l’ordine alfabetico per titolo. Fanno eccezione le sezioni “Lo schermo triestino: Franco Giraldi”, “La luna, i falò. Il cinema di Fredi M. Murer”, le sottosezioni di “Immagini” e di “Update Deutschland 2” che rispettano l’ordine cronologico.
Ma l’amore no… Looking for Alida Valli
(Anna Maria Mori)
Il grido (The Cry) by Michelangelo Antonioni
Alphabetical order for the titles has been maintained in the various sections of the catalogue. The only exceptions are the “Cinema People of Trieste: Franco Giraldi” e “The Moon, Bonfires. The Cinema of Fredi M. Murer”, the “Images” and “Update Deutschland 2” subsections, which follow chronological order.
Roberto Antonaz
Assessore Regionale
all’Istruzione,
Cultura, Sport e alle Politiche della pace / Regional Councillor for Education, Culture, Sport and Peace Policies
Si rinnova come ogni anno nel mese di gennaio
l’importante appuntamento con la cultura - non solo cinematografica - della nuova Europa grazie al Trieste Film Festival, manifestazione nata prima della caduta del muro come momento stabile d’incontro con le cinematografie dell’Europa centro-orientale penalizzate dal circuito dei mercati occidentali.
Il Festival è cresciuto negli anni e ha ormai raggiunto la capacità di trasformare per una settimana la città di Trieste nella capitale cinematografica di un’area europea sempre più vasta, strettamente correlata alla Storia passata e presente del Friuli Venezia Giulia e verso cui si proietta la futura espansione economica di questa regione che ha raggiunto una nuova centralità nei mutati equilibri europei.
L’Associazione Alpe Adria Cinema, ideatrice e curatrice di questo evento giunto con successo alla diciottesima edizione e unico in Italia per la sua specificità, allarga sempre più il proprio campo d’indagine riuscendo a coinvolgere altre importanti istituzioni culturali non solo della regione (ad esempio il mondo accademico di Trieste, Udine e Gorizia) ma anche nazionali e internazionali (Istituti di Cultura, Festival, associazioni, ecc.) su progetti di ricerca e approfondimento del sapere legato al cinema coerenti con le finalità statutarie dell’Associazione che oggi si rivelano in perfetta sintonia con gli obiettivi della nuova legge regionale sul cinema varata da poco. Questa capacità di coproduzione culturale allargata è vista dalla Regione con particolare interesse come positiva disponibilità a “fare sistema” con altri organismi del settore per ottimizzare risorse e competenze. Esemplare in tal senso si dimostra l’importante accordo di collaborazione progettuale stipulato tra Alpe Adria Cinema e l’Università di Trieste su un piano di lavoro quinquennale che si concretizza già
Once more, the important January appointment with culture – and not just cinema – takes place thanks to the Trieste Film Festival, an event founded before the fall of the Berlin wall as a regular encounter with the films of Central and Eastern Europe, a category penalised by the Western film circuits.
The Festival has grown over the years and has now become able to transform the city of Trieste for a week into the cinema capital of an increasingly vast area of Europe. Trieste is a city that is closely linked to the past and present of Friuli Venezia Giulia and is a part of the future economic expansion of this region, which has now gained a newly central position in European affairs.
The Associazione Alpe Adria Cinema, founder and curator of this event, now successfully at its 18th edition and unique in Italy for its focus, is increasingly broadening its scope, managing to draw in major cultural institutions not only from the region (such as the academic world of Trieste, Udine and Gorizia), but also from elsewhere in the country and abroad (cultural institutes, festivals, associations, etc.), in research projects associated with the cinema and in line with the Associazione’s own statutes, which are themselves perfectly aligned with the objectives of the recently-passed regional law on the cinema. This capacity for a broadened cultural co-production is viewed with particular interest by the Region as a sign of positive willingness to “form a system” with other bodies from the sector to optimise resources and skills. In this regard, the important agreement for a project collaboration over a five-year period stipulated between Alpe Adria Cinema and the University of Trieste is exemplary. This year, there are already concrete results of this accord in the launch of the “Cinema People of Trieste” project (an annual
quest’anno nell’avvio del progetto “Lo schermo triestino” (una ricerca a tappe annuali sul rapporto da sempre fecondo tra Trieste e il cinema) con la presentazione di una ricca retrospettiva dedicata a Franco Giraldi all’interno del programma del festival e la pubblicazione di un volume originale che raccoglie i dati della ricerca curata dall’Università. Si tratta di un progetto di ricerca importante, sostenuto per quest’anno e visto con interesse da codesto Assessorato perché prevede la raccolta e l’archiviazione di preziosi documenti a salvaguardia di un patrimonio filmico di particolare rilievo non solo a livello regionale e colloca per la prima volta il cinema della nostra regione allo stesso grado di attenzione solitamente destinato ai settori internazionali di un festival (sezioni competitive, sezioni monografiche su maestri europei da riscoprire o su cinematografie di paesi lontani da promuovere).
Il Trieste Film Festival, fortemente radicato nella realtà del presente, e attento a pedinare con le scelte di programma i mutamenti della società europea, si sofferma anche, come sua consuetudine, sugli eventi forti della Storia e apre spazi sempre più ampi al cinema di documentazione, senza trascurare però la tradizionale attenzione al rapporto determinante del cinema con la letteratura, sottolineato quest’anno da una simpatica incursione anche nel mondo popolare della fiction televisiva tratta da testi letterari. L’autorevolezza delle scelte coraggiose per i tre concorsi internazionali sa offrire ogni anno al pubblico sempre più numeroso e appassionato una testimonianza senza veli, aggiornata e sincera, sulle difficoltà del nostro tempo e sull’assetto inquietante delle nuove società europee.
Confermo pertanto con piacere anche per il futuro la fiducia e il sostegno finora accordati al Trieste Film
research project exploring the rich relationship between Trieste and the cinema), with the presentation of a rich retrospective dedicated to Franco Giraldi within the festival programme, and the publication of an original volume presenting the data gathered by the University. This is an important research project, supported this year and viewed with interest by the undersigned Assessorato, as it foresees the collecting and archiving of precious documents to safeguard a film heritage of significance not only to the region. For this first time, it places the cinema of our region at the same level of attention as that usually accorded the international sections of a festival (competitive sections, monographs on European directors in the process of being rediscovered or on the cinema of distant countries worth promoting).
Strongly rooted in the reality of the present and attentive to changes in European society through its programme choices, the Trieste Film Festival also, as usual, explores the major events of history and gives increasing space to documentaries, without however, neglecting its traditional focus on the fundamental relationship between cinema and literature, underlined this year by an appealing incursion into the popular world of television fictions drawn from literary sources. The authoritative nature of the bold selections for the three international competitions each year offers the increasingly numerous and enthusiastic public an unfiltered, upto-date and sincere report of the difficulties of our times and of the disturbing nature of the new European societies.
With pleasure, I confirm for the future the faith and support so far accorded the Trieste Film Festival and hope this rich 18th edition gains the success it
Festival e auguro a questa ricca diciottesima edizione il successo che merita per la serietà del lavoro di studio e di organizzazione che sta alla base delle proposte di programma. È l’esempio di un lavoro di gruppo che arricchisce la capacità di programmazione culturale della nostra regione ormai pilota per l’Italia nel settore cinema e ambasciatrice nel mondo, anche attraverso eventi come il Trieste Film Festival, di una cultura aperta al dialogo e alla conoscenza dell’“altro” per una condivisione più armonica dello spazio vitale ancora destinato all’uomo dall’odierno convulso fluire della storia e delle genti.
deserves for the serious research and organisation underlying each programme. Here is an example of group work that enriches the cultural offering of our region, now a pilot region for Italy as regards cinema, and an ambassador to the world for such events as the Trieste Film Festival, conveying the notion of a culture open to dialogue and knowledge of “otherness”, in order to encourage a more harmonious sharing of the vital space still destined to man by the current flow of history and populations.
Il taglio che Alpe Adria Cinema ha dato, fin dalle prime edizioni, al suo festival riflette lo spirito che noi tutti vogliamo e dobbiamo riconoscere a Trieste: città multireligiosa, plurilingue, abituata al confronto eppure, per certe sue tragiche asprezze, anche vicina ai drammi etnici che hanno attraversato i vicini paesi balcanici.
Trieste è nel nostro immaginario collettivo luogo dove la mediterraneità si incontra con il nord e con l’est, dove le diversità si confrontano, dialogano ma difendono tenacemente le loro peculiarità per evitare ogni possibile rischio di omologazione.
Così la diciottesima edizione del Festival accoglie film dove o per la provenienza del regista o per i luoghi d’ambientazione, prendono vita tradizioni, linguaggi e storie legati a paesi come la Romania, i Balcani, la Turchia, la Svizzera e la Germania. Il genere, che certo colpisce tecnicamente i cinefili, ha una presa relativa su chi, come me, ama il cinema come rappresentazione assoluta e coinvolgente, sicché sono le storie che rapiscono e che, anche nella tragicità, fanno trasparire la ricchezza di queste aree d’Europa e del Mediterraneo che Trieste sente, per posizione e inclinazione storica, particolarmente vicine.
Un’altra caratteristica di rilievo del festival ritengo sia, accanto alla qualità dei cineasti invitati, l’attenzione, in parte delle pellicole proposte, per la realtà contemporanea descritta spesso crudemente, ma affatto priva di una sua specifica poesia. Infine l’omaggio a Trieste: in qualche modo interpreto così, forse un poco sentimentalmente, la retrospettiva dedicata a Franco Giraldi, nato a Comeno/Komen, cittadina ora nella vicina Repubblica di Slovenia, e la sezione di “Zone di cinema” riservata quest’anno a Veit Heinichen, scrit-
The note Alpe Adria Cinema has tried to strike right from its very first festival reflects the spirit we all want to and do recognize in Trieste: a city that is host to a multitude of religions and languages and is accustomed to dealing with outsiders and yet, owing to certain lingering tragic memories, a city which also feels it can relate to the ethnic tumult that has shaken the nearby Balkan countries.
In our collective imagination, Trieste is a place where the Mediterranean-ness meets the north and the east, where differences square up to one another, interacting but steadfastly defending their distinctiveness in order to avoid any possible risk of uniformity.
So it is that the eighteenth festival is screening films in which traditions, languages and stories linked to countries such as Romania, Turkey, Switzerland, Germany and the Balkan states are brought to life, either thanks to the directors’ place of origin or the locations where the films are shot. The attractions of genre film techniques are certainly evident to film buffs, but are rather less clear to someone like me, who loves the cinema as an all-encompassing and engrossing experience. The stories are what really enthral and even in tragedy convey the richness of these parts of Europe and Mediterranean lands, to which Trieste feels especially close, owing to its geographical position and historical inclination.
I believe a further important characteristic of the festival, in addition to the high standard of the filmmakers invited, is the attention paid to contemporary life in part of the films to be screened and the way it is described in a manner which is often rough but by no means lacking a poetry of its own. Finally, a tribute to Trieste: for this, perhaps with a touch of sentimentality, is somehow the way I see
Maria Teresa Bassa Poropat
Presidente
della Provincia di Trieste
President of the Province of Trieste
tore tedesco ormai trapiantato nella Venezia Giulia. Credo che la scelta di celebrare queste due figure in qualche modo simboleggi il legame tra il festival e Trieste: non è l’evento organizzato da Alpe Adria Cinema una rassegna avulsa dal contesto in cui è nata e si è evoluta, anzi. Trieste riceve molto, in termini di risonanza su stampa e media, dal festival e sembra contraccambiare questa fortuna offrendo agli organizzatori e al pubblico i suoi talenti migliori, autoctoni o acquisiti, perché per una città che è stata un tempo frontiera e che ora vuole essere cerniera tra i popoli non fa troppa differenza l’origine, ciò che conta è la volontà di ascoltare e la capacità di farsi sentire.
the retrospective devoted to Franco Giraldi, born in Comeno/Komen, a small town now in the nearby Republic of Slovenia, and the “Cinema Zones” section, which this year features the works of Veit Heinichen, a German writer who is now based in Venezia Giulia. I think the decision to celebrate these two figures in some way symbolizes the link between the festival and Trieste, because the event organized by Alpe Adria Cinema is in no sense divorced from the context in which it was born and has evolved, quite the contrary. Trieste gains a lot from the festival in terms of media visibility and seems to repay this good fortune by offering the organizers and audiences its greatest talents, whether locally-born or adopted, because place of origin is of little importance for a city which once marked a border and now wants to act as a bridge between peoples. What counts is the readiness to listen and the ability to make oneself heard.
Massimo Greco
Assessore Politiche Culturali e Museali – Comunicazione, Comune di Trieste
Councillor for Culture and Museum Policies –Communication, Municipality of Trieste
La specificità geografica triestina si riflette sulle peculiari relazioni culturali che la nostra città intrattiene con l’Europa centro-orientale.
Relazioni che indubbiamente hanno nella cinematografia e nell’attività di Alpe Adria Cinema significativa conferma.
Al di là dell’aspetto squisitamente artistico, le ampie rassegne di questa edizione di “Trieste Film Festival” approfondiscono l’interessante e inquietante dimensione storica recente riguardante proprio l’area in questione, come dimostra l’attenzione riservata alla Romania dell’ultimo Ceausescu e all’ex Jugoslavia ferita dalle vicende belliche degli anni Novanta.
La retrospettiva dedicata a Franco Giraldi decreta, poi, un meritato omaggio a un importante e versatile esponente del cinema italiano contemporaneo, pensoso interprete della storia e della letteratura “di frontiera”.
L’assessorato comunale alla Cultura cerca di improntare la propria attività sull’ambizioso trinomio Trieste – Italia – Europa, per sottolineare l’originale contributo che la nostra città può conferire al dialogo tra i popoli del Vecchio Continente: Alpe Adria Cinema, sotto questo profilo, continua a svolgere un compito certo non trascurabile.
The geographic location of Trieste is reflected in the special cultural relationships our city holds with Central and Eastern Europe.
Relationships that are clearly confirmed in the films and activities of Alpe Adria Cinema.
Quite aside from the strictly artistic aspect, the broad-ranging series of films in this edition of the “Trieste Film Festival” explore the interesting and disturbing recent history of this area, as shown by the focus on the Romania of Ceausescu and on the former Yugoslavia, wounded by the wars of the 1990s.
Moreover, the retrospective dedicated to Franco Giraldi is a deserved homage to an important, versatile exponent of contemporary Italian cinema, a thoughtful interpreter of history and of “frontier” literature.
The Councillorship for Culture of Trieste seeks to direct its own activity on the ambitious trio of Trieste – Italy – Europe to stress the original contribution our city can make to the dialogue between the peoples of Europe: to this end, Alpe Adria Cinema continues to play an anything but negligible part.
comune di trieste assessorato alla cultura
PROGRAMMA MEDIA MEDIA PROGRAMME
Costas Daskalakis Head of Unit
MEDIA
Programme
Executive Agency Education
Audiovisual and Culture
I festival, luogo privilegiato di incontri, scambi e scoperte, rappresentano il contesto più vibrante e accessibile in cui presentare l’ampia varietà di talenti, storie ed emozioni che compongono la cinematografia europea.
Il Programma MEDIA dell’Unione Europea è nato con lo scopo di promuovere il patrimonio audiovisivo europeo e di incoraggiare la circolazione dei film fra un paese e l’altro, sostenendo inoltre la competitività dell’industria audiovisiva. Il Programma MEDIA riconosce, infatti, il ruolo culturale, educativo, sociale ed economico giocato dai festival contribuendo ogni anno a sostenerne economicamente almeno un centinaio in tutta l’Europa. Sono festival che si distinguono per la loro ricca e variegata programmazione europea, per le possibilità che offrono a professionisti e pubblico di incontrarsi ed entrare in relazione, per le attività che portano avanti a favore di giovani professionisti, per le iniziative formative che promuovono e l’importanza che attribuiscono al consolidamento del dialogo interculturale. Nel corso del 2005, i festival sostenuti dal Programma MEDIA hanno presentato complessivamente più di 15.000 opere provenienti da tutta l’Europa a un pubblico di appassionati di cinema composto da circa 2 milioni e mezzo di persone.
A privileged place for meetings, exchanges and discovery, festivals provide a vibrant and accessible environment for the widest variety of talents, stories and emotions that constitute Europe’s cinematography.
The MEDIA Programme of the European Union aims to promote European audiovisual heritage, to encourage the transnational circulation of films and to foster audiovisual industry competitiveness. The MEDIA Programme acknowledges the cultural, educational, social and economic role of festivals by cofinancing almost one hundred of them across Europe each year. These festivals stand out with their rich and diverse European programming, networking and meeting opportunities for professionals and the public alike, their activities in support of young professionals, their educational initiatives and the importance they give to strengthening inter-cultural dialogue. In 2005, the festivals supported by the MEDIA Programme have screened more than 15,000 European works to almost 2.5 million cinema-lovers.
Amb. Harald Kreid
Director General of the Central European Initiative
Executive Secretariat
L’Iniziativa Centro Europea (InCE) ha l’obiettivo di preparare il terreno per l’integrazione in Europa e dunque intende sostenere in particolare quei paesi non ancora membri effettivi nel loro processo di armonizzazione con i paesi dell’Unione Europea. Nel raggiungere questo obiettivo, l’InCE contribuisce al processo di transizione verso democrazie stabili ed economie di mercato. Tiene uniti paesi e istituzioni in uno spirito di cooperazione regionale flessibile e pragmatica. Ha contribuito alla creazione di un’atmosfera di reciproca comprensione, in cui è possibile discutere, pianificare, studiare, finanziare, implementare e valutare progetti transfrontalieri e multilaterali.
La cooperazione culturale, è superfluo dirlo, è uno dei modi migliori per rafforzare la comprensione reciproca e i contatti diretti tra le persone. Pertanto non c’è da stupirsi se una parte sostanziale del supporto finanziario dell’InCE è destinata a progetti e attività di carattere culturale e didattico.
Considerato il ruolo sempre maggiore che ALPE ADRIA CINEMA ha nella promozione del cinema dell’Europa Centro Orientale, la 18a edizione del TRIESTE FILM FESTIVAL merita tutto il nostro supporto e sostegno.
Inoltre anche l’edizione 2007 sarà arricchita dal Premio CEI, assegnato per la seconda volta in questo contesto.
Auguro ogni successo a questa edizione del TRIESTE FILM FESTIVAL.
The Central European Initiative (CEI) aims at preparing the ground for European integration and thus supports in particular its member countries which are not yet EU members, in their alignment with the EU. In these efforts, it contributes to the process of transition towards stable democracies and market economies. It brings countries and institutions together in a spirit of flexible and pragmatic regional cooperation. It has contributed to the fostering of an atmosphere of mutual understanding, in which cross-border and multilateral projects can be discussed, planned, studied, financed, implemented and evaluated.
Cultural cooperation is, needless to say, one of the best ways of enhancing mutual understanding and people-to-people contacts. It is, therefore, not surprising that a substantial portion of the financial support of the CEI goes to projects and activities of cultural and educational character.
Considering the increasing role played by ALPE ADRIA CINEMA in promoting the Central end Eastern Europe film makers, the TRIESTE FILM FESTIVAL - 18TH EDITION deserves our full support and sponsorship.
In addition, also the 2007 edition will be enriched with the CEI Award, granted in this context for the second time.
Let me wish this year’s TRIESTE FILM FESTIVAL every success.
Arch. Michele Capasso
Presidente della Fondazione Mediterraneo e Direttore generale della Maison de la Méditerranée
President of Fondazione Mediterraneo and General Director of the Maison de la Méditerranée
Questa edizione del Trieste Film Festival è la dodicesima alla quale collabora la Fondazione Mediterraneo con la Maison de la Méditerranéeassegnando il “Premio Laboratorio Mediterraneo” al miglior cortometraggio – e assume un particolare significato perché l’Europa sta nuovamente aprendo le sue porte a nuovi Paesi, quali Bulgaria e Romania.
L’anno che si è concluso, il 2006, è stato caratterizzato da nuove guerre – che, specialmente nel Mediterraneo, hanno riaperto vecchi conflitti e provocato una nuova deriva: il Libano – e dall’acuirsi dello scontro tra religioni diverse, con il suo culmine generato dal discorso del Papa Benedetto XVI a Ratisbona.
«Basta con questa corsa sfrenata verso l’abisso». Sono le parole che avrebbe di nuovo detto Pierre Vidal-Naquet, se la morte non gli avesse tolto la voce. Uomo di libertà e di giustizia, che ha vissuto di persona, con la disparizione dei genitori ad Auschwitz, la tragedia degli ebrei europei, impegnato per Israele ma sempre con lucidità e saggezza, come avrebbe reagito di fronte a questa deriva rappresentata dal conflitto in Libano e da nuove vittime innocenti?
This edition of the Trieste Film Festival is the 12th in which the Fondazione Mediterraneo and the Maison de la Méditerranée collaborate, by assigning the “Premio Laboratorio Mediterraneo” to the Best Short Film, and it takes on particular significance this year that the European Union is again opening its doors to new countries, namely Bulgaria and Romania.
The year that has ended, 2006, was marked by new wars which, especially in the Mediterranean, have restarted old conflicts and provoked new disasters in Lebanon, and by the sharpening of the clash between different religions, reaching a head with the reaction to Pope Benedict XVI’s speech in Ratisbon.
“No more of this race towards the abyss”. These are the words that Pierre Vidal-Naquet would have repeated were he not dead. A man for liberty and justice, who experienced the tragedy of the Jews in Europe in person, with the disappearance of his parents in Auschwitz, he worked hard in favour of Israel, although always with lucidity and wisdom; how would he have reacted before this turn of events in Lebanon and the counting of new innocent victims?
Spetta agli amici d’Israele, come ai sostenitori dei giusti diritti dei Palestinesi e dei Libanesi, di dichiarare che Israele non può continuare a contare solo sulla superiorità militare e a servire da forza armata degli USA nel Levante in vista d’un «Grande Medio Oriente» acquiescente che garantisca agli USA le risorse energetiche del Caspio e della Libia, ora che quasi tutte le altre fonti petrolifere hanno raggiunto il “peak”, cioè hanno già estratto metà della riserva. Questa politica, che è mascherata dal termine “esportazione della democrazia” con compiacenza ripetuto da tutto l’Occidente, è una
It is up to Israel’s friends, as well as the supporters of the fair rights of the Palestinians and Lebanese, to declare that Israel cannot go on counting solely on military superiority and serving as the USA’s army in the Levant with a view to an acquiescent “Great Middle East” guaranteeing the United States’ access to the energy resources of the Caspian and Libya, now that almost all other oilfields have reached a peak, at least half of the reserves having been extracted. This policy, masquerading as “exportation of democracy” with the repeated support of the West, is a catastrophic one. Anyone who
politica catastrofica. Chiunque abbia senso di libertà e di giustizia insorga e dica basta!
Per quanto concerne il tema del dialogo tra culture e religioni, il Trieste Film Festival è stato uno dei laboratori più qualificati e molti dibattiti hanno apportato un contributo costruttivo al dialogo in generale e a una interazione culturale e religiosa che trova nell’Europa Orientale uno degli ambiti più complessi e articolati.
Lo studio dei principi caratterizzanti le tre religioni monoteistiche del Mediterraneo, tanto nella loro originaria formulazione quanto nella valenza che essi assumono nel corso del tempo e dei vari ambiti, ha permesso di individuare nei dibattiti e negli incontri del Trieste Film Festival le essenziali chiavi di lettura delle principali identità religiose e culturali dei popoli dell’area mediterranea. Tali chiavi di accesso, studiate comparativamente, possono aiutare a comprendere ciò che accomuna e ciò che differenzia emisferi culturali e religiosi dell’area mediterranea. Attraverso questo esercizio è possibile identificare le parti comuni alle tre religioni costituendo in questo modo la base fondante della “grande coalizione”: a condizione, però, di riconoscere che per molte persone e tanti popoli la religione ha segnato la cultura e quindi fa parte integrante dell’identità, che va rispettata qualunque essa sia.
Il superamento di stereotipi e pregiudizi vale nei riguardi della religione ma anche rispetto alle barriere create da particolarismi, storie, origini e culture differenti. Il dialogo, sia esso interreligioso, interetnico o interculturale, deve permettere di andare al di là della semplice tolleranza: deve includere uno spirito di accoglienza, di ascolto e di apertura verso l’altro.
has any sense of liberty and justice must rise and say ‘enough’!
As for the theme of the dialogue between cultures and religions, the Trieste Film Festival has been one of the most effective workshops and many debates have brought a constructive contribution to the general dialogue and to a cultural and religious interaction that has one of its most complex manifestations in Eastern Europe.
The study of the characterising features of the three monotheistic religions of the Mediterranean, both in their original formulation and in the form they have adopted over time and in various settings, has made it possible to identify the essential keys in the debates and meetings within the Trieste Film Festival to understanding the principal religious and cultural identities of the peoples of the Mediterranean basin. These keys, studied comparitively, can help us understand what we share and what differentiates the various cultural and religious spheres of the Mediterranean area. Through this exercise, it is possible to identify the common areas in the three religions, in this way laying the foundations for a “great coalition”; on condition, however, of recognising that for many individuals and populations religion has marked their culture and is thus an integral part of their identity, which should in all cases be respected.
Going beyond stereotypes and prejudice is important in religion but so also with respect to barriers created by different local events, history, origins and cultures. Dialogue, be it inter-religious, inter-ethnic or inter-cultural, must enable us to go beyond simple tolerance: it must include a spirit of welcome, of listening and of opening to others.
The experience gained in recent years with the
L’esperienza svolta in questi ultimi anni con la Fondazione Mediterraneo ha dimostrato che il dialogo può portare a un cambiamento nella mentalità dell’individuo, ma non nel suo credo. Non è il contenuto della fede che deve cambiare, ma la mentalità delle persone verso altre religioni e idee. La gente è la stessa in tutte le religioni e lo scopo fondamentale, che perseguiamo con tenacia, è quello di unirla.
Nonostante quello che è accaduto – specialmente quale reazione al citato discorso del Papa a Ratisbona – la cooperazione tra i membri delle diverse religioni nella ricerca della pace nel mondo è ancora possibile. Secondo molti osservatori, il Papa ha commesso un errore di opportunità. Se avesse desiderato sottolineare rapporti più armoniosi tra Islam e Cristianesimo, avrebbe potuto trovare in Francesco d’Assisi, Raymond Lull o l’Imperatore Federico II un’ottima materia per riaffermare l’intesa tra le grandi religioni.
Il dialogo interreligioso, inteso non come fine ma come mezzo per trovare ulteriori motivazioni che portino alla convivenza e alla cooperazione, è oggi cruciale per l’area del Grande Mediterraneo. Se il nostro fine è un mondo in cui regni la convivenza pacifica, se pensiamo che nessuna guerra o azione possano essere caldeggiate in nome della religione, allora il dialogo interreligioso è indispensabile: un dialogo che significa comunicazione tra simili, che vuol dire non solo “parlare” ma, soprattutto, “ascoltare “ il prossimo con rispetto e con attenzione imparando a capirlo e cercando di farsi capire. Con parole semplici. Come quelle del Trieste Film Festival che, attraverso un arcobaleno di proposte dimostra l’importanza della creatività per il nostro futuro.
Fondazione Mediterraneo has shown that dialogue can lead to a change in the mentality of an individual, but not in his faith. It is not the contents of his faith that must change, but the mentality of people towards other religions and ideas. People are the same whatever their religion and the fundamental aim we tenaciously work towards is that of uniting them. Despite all that has happened – especially in terms of reaction to the above-mention speech by the Pope at Ratisbon – co-operation between the members of different religions in the striving for peach in the world is still possible. If the Pope had wished to stress the harmonious relations between Islam and Christianity, he would have found in Francis of Assisi, Raymond Lull or the Emperor Frederick II excellent material to re-affirm the common ground between the great religions. The inter-religious dialogue, seen not as an end in itself but as a means to finding further motivation leading to living side by side and to co-operation, is crucial today for the Mediterranean area. If our aim is a world in which peaceful cohabitation reigns, if we believe that no war or action must be allowed to be rooted in religion, then inter-religious dialogue is vital: a dialogue which means communication between equals, which means not just “talking” but, above all, “listening” to one’s neighbour with respect and attention, learning to understand him and seeking to make oneself understood. With simple words. Such as those of the Trieste Film Festival which, through a rainbow of proposals, reveals the importance of creativity for our future.
This edition, especially with the homage to the Bucharest cinema school, once more stresses the anticipatory role of the Trieste Film Festival in promoting and integrating the different experiences to
Questa edizione, specialmente con l’omaggio alla scuola di cinema di Bucarest, sottolinea ancora una volta la funzione anticipatrice del Trieste Film Festival nel promuovere e integrare le diverse esperienze per rafforzare il ruolo dell’Europa e del Mediterraneo nello scenario globale. E il nostro “Premio Laboratorio Mediterraneo” intende contribuire a sostenere questa azione che non solo è ammirevole ma assolutamente indispensabile.
strengthen the role of Europe and the Mediterranean in the global scenario. And our “Premio Laboratorio Mediterraneo” intends contributing to the support of this action that is not only admirable but also absolutely indispensable.
Annamaria Percavassi
Direttore artistico/ Artistic Director
Trieste Film Festival
18a edizione: è un traguardo di tutto rispetto per una manifestazione che ha scelto di fare sistematicamente il punto su un cinema ancora assai poco “popolare” nonostante i risultati sempre più lusinghieri – per consenso di critica e numero di premi –ottenuti nelle varie grandi competizioni internazionali in questi ultimi anni, una produzione però ancora penalizzata da quella specialissima forma di censura che è la diffidenza della distribuzione commerciale, sempre restia ad affidare al giudizio del botteghino prodotti di non sicuro richiamo mediatico.
Eppure si tratta di un cinema che continua a rivelarsi vivo, coraggioso, denso di fermenti e di talenti nuovi, molto spesso provocatorio, innovatore e turbolento come le vicende dell’area europea – la cosiddetta Mitteleuropa, l’ex mondo sovietico dal Baltico al Mediterraneo, fino all’Asia Centrale – di cui si fa sincero testimone.
In questi diciotto anni è cresciuto insieme al festival, ed è stato determinante per questa crescita, il sostegno convinto della Regione Friuli Venezia Giulia che ha accompagnato con fiducia il nostro cammino cinematografico dal “mondo ex” alla nuova Europa e a cui va, come ogni anno e in primo luogo, il nostro riconoscente ringraziamento.
E anche grazie a questo costante appoggio che garantisce stabilità operativa, l’Associazione Alpe Adria Cinema, ideatrice e organizzatrice del Trieste Film Festival, un anno fa è riuscita finalmente a cambiare sede trasferendosi in un ufficio più spazioso e accogliente che offre allo staff la possibilità di lavorare in una condizione più confortevole di quanto non fossero i due spazi più angusti, anche se suggestivi, della vecchia sede storica nel cuore della città vecchia. Quegli spazi quest’anno ospitano la sala stampa e saranno nel prossimo futuro
The 18th edition: not at all a bad achievement for an event that has chosen systematically to examine a form of cinema that is extremely “unpopular” despite the increasingly flattering results – in terms of criticism and number of prizes – obtained in the various major international competitions in recent years. But this is a form of production that is still penalised by a specialised form of censure that is the diffidence of commercial distribution, always reluctant to entrust to adjudication by box office any film that cannot depend on sure media coverage. And yet this is a form of cinema that continuously reveals itself to be lively, courageous, full of content and new talent, often provocative, innovative and as turbulent as the events in Europe – in the so-called Mitteleuropa, the former Soviet world from the Baltic to the Mediterranean and east to Central Asia – which it carefully reflects.
In these 18 years, it has grown in parallel with the festival, and the sure support of the Regione Friuli Venezia Giulia has been fundamental. It has faithfully accompanied us in our exploration from the “ex world” to the new Europe; as every year and first of all, our thanks go to them. It is also thanks to this constant support guaranteeing an operative stability that the Associazione Alpe Adria Cinema, planner and organiser of the Trieste Film Festival, was able at last to move to more spacious and welcoming offices a year ago, in which the staff can work in more comfortable conditions than in the two narrow – albeit appealing – rooms constituting the former offices in the heart of the old town. This year, these old offices will host the press room and will in the near future be transformed into a small but useful exhibition
trasformati in una piccola ma utilissima sala espositiva che ci consentirà di arricchire senza tanti problemi logistici le offerte non solo cinematografiche del festival.
Questa rassicurante attenzione da parte della Regione – che da poco ha varato una legge sul cinema fortemente innovativa e certamente pilota nel panorama legislativo italiano, destinata a ottimizzare per il futuro il quadro complesso del settore cinema nell’ambito della politica culturale regionale – viene gratificata anche dal fatto che il significato e l’importanza del nostro lavoro sono capiti e apprezzati a livello europeo.
Ci vengono infatti riconfermati gli appoggi europei sia dal programma Media sia da parte della CEI (Central European Initiative) che quest’anno ha erogato un contributo più sostanzioso: il che ci consente di rendere più visibile, anche nel contenuto del programma, questa prestigiosa partecipazione istituzionale. Sotto l’egida della CEI infatti, il festival rende quest’anno omaggio alla produzione cinematografica della Bulgaria, paese che detiene la Presidenza della CEI per l’anno in corso e che è appena entrato nell’Unione Europea. Questo evento speciale, che vuole sottolineare la rinascita del cinema bulgaro, si ricollega idealmente alla retrospettiva “Nuovi angeli, vecchi fantasmi - Il cinema bulgaro dopo il 1989” che il festival presentò nel 1994 (V edizione), primo focus in assoluto su questa cinematografia (maestri del passato, come Zahariev e promesse del presente come Djulgerov) che si stava faticosamente riassestando dopo il 1989. Oggi il cinema bulgaro ha raggiunto una nuova maturità e si presenta con sicurezza inedita alle ribalte internazionali mietendo premi e riconoscimenti. Un film in ciascuna delle sezioni competi-
space which will make it possible to broaden out to include non-film events without major logistical problems.
This reassuring attention on the part of the Regione – which has recently passed a strongly innovative law on the film sector that will certainly act as a pilot for Italian legislation generally and aims to optimise the overall sector with regard to the regional cultural policy – also manifests itself through the fact that the significance and importance of our work are understood and appreciated at a European level
Indeed, confirmation has arrived of European support to both the Media programme and from the CEI (Central European Initiative), which has this year provided an increased contribution. This enables us in turn to provide greater visibility –including within the programme – to this prestigious institutional participation. Under the aegis of the CEI, this year the festival pays homage to the film production of Bulgaria, the country holding the presidency of the CEI for the current year, and which has just entered the European Union. This special event, which aims to stress the rebirth of Bulgarian cinema, links up perfectly with the retrospective, “New angels, old ghostsBulgarian cinema after 1989”, presented by the festival in 1994 (5th edition), providing the first coverage of this school (including masters of the past, such as Zahariev, and young talent such as Djulgerov) which has been slowly coming to the fore again after 1989. Today, Bulgarian cinema has reached a new maturity and presents itself with confident innovativeness in international festivals, gathering awards and recognition. A film in each of the competitive sections, three directors, a
tive, tre autori, una giornalista e una intraprendente produttrice presenti al festival ci aiuteranno a conoscere questa rinascita e a capirne le ragioni. Il Premio CEI andrà a Kujtim Çashku, regista albanese già fatto conoscere a Trieste nella rassegna “Albania così vicina così lontana” (VI edizione, 1995), fondatore e direttore della scuola di cinema nonchè fra i promotori del nuovo Festival
Internazionale dei Diritti Umani di Tirana che ha avuto la sua prima edizione nel 2006 e personalità di spicco della cinematografia più giovane e più isolata d’Europa.
Altri eventi speciali e importanti arricchiscono il tradizionale impianto del festival strutturato su alcune sezioni portanti e ricorrenti (tre concorsi internazionali, la sezione “Immagini” dedicata alla contaminazione delle arti, “Zone di Cinema” dedicata alla produzione locale, le “Scuole di cinema” - capitolo dedicato alla conoscenza delle serissime Accademie di cinema di quest’area europea, focalizzato quest’anno sull’Università Nazionale di Teatro e di Cinema “I.L. Caragiale” di Bucarest), su alcune sezioni variabili di anno in anno (retrospettive, monografie) e su altre rassegne che costituiscono di volta in volta l’avvio o la conclusione di progetti speciali frutto di un’attività permanente di ricerca.
A questo proposito, mi fa piacere sottolineare che l’anno 2006 è stato caratterizzato da un intensificarsi di collaborazioni importanti su progetti di grande respiro: la collaborazione con l’Università di Trieste sulla ricerca quinquennale “Lo schermo triestino” che si concretizza nel festival con la retrospettiva dedicata a Franco Giraldi, per la cui realizzazione è stata determinante la collaborazione della RAI (Sede Regionale del Friuli Venezia Giulia e
journalist and an enterprising producer present in the festival will help us learn about this rebirth and understand how it has come about. The CEI Award will go to Kujtim Çashku, the Albanian director already presented in Trieste in the “Albania: so near yet so far” series (6th edition, 1995). He is the founder and director of the Tirana film school, a founder of the 1st Human Rights International Film Festival and an outstanding figure in the youngest and most isolated film sector in Europe.
Other major special events will appear alongside the traditional format of the festival, structured in a series of major, repeated sections (three international competitions, the “Images” section dedicated to the cross-fertilisation of the arts, “Cinema Zones” dedicated to local production, “Film schools”, a section dedicated to learning about these important centres and focusing this year on the National University of Drama and Film “I.L. Caragiale” of Bucharest), other sectors that can vary from year to year (retrospectives, monographs), and other series that from time to time constitute the launch or conclusion of special projects resulting from the permanent research activity.
In this regard, I am pleased to stress that 2006 has been marked by an intensification in major collaborations on broad-ranging projects: the collaboration with the University of Trieste on the five-year research project, “Cinema People of Trieste”, which is manifested in the festival with the retrospective dedicated to Franco GIraldi, has been made possible thanks to the collaboration of the RAI (RAI - Friuli Venezia Giulia and Teche RAI), and includes the publishing of a volume about
Teche RAI), e con la pubblicazione di un volume a lui dedicato, ricco di saggi e scritti inediti, curato da Luciano de Giusti; la nuova collaborazione con il Laboratorio Immagine Donna di Firenze per la realizzazione di un lungo omaggio ad Alida Valli, proposto da Anna Maria Mori e annunciato durante il festival dalla presentazione de Il grido di Antonioni in copia nuova appositamente ristampata; il rinnovo della collaborazione di ormai lunga data con l’Istituto Svizzero di Roma che insieme alla Swiss Films ha portato alla realizzazione della retrospettiva dedicata al regista Fredi M. Murer, poliedrico artista e cineasta svizzero da riscoprire. Venendo alle sezioni competitive si arricchisce ulteriormente, nuovo punto di forza del festival, il concorso dei documentari, che con l’autorevolezza delle testimonianze reali conferma e rafforza il ritratto non certo rassicurante né consolatorio della moderna società europea dipinto senza veli dalle fiction degli altri due concorsi o dalla rassegna “Update Deutschland 2”: mentre le storie, centrate su una forte caratterizzazione psicologica dei protagonisti, trasmettono ancora la speranza nella forza dell’individuo e nella sua capacità di farsi arbitro del proprio destino – se pur con gesti di ribelle autonomia di fronte a un qualsivoglia potere dittatoriale – i film che invece puntano l’attenzione sul racconto sociale e diretto dell’oggi, come prodotto di traumi storici recentissimi e del rimescolamento in atto di tutti gli assetti del vivere (politica, società, economia mondiale), offrono un quadro dolente, impietoso nella sua sincerità, che dovrebbe far riflettere, non solo e non tanto lo spettatore. Perché il quadro è simile, a tutte le latitudini. Abbiamo parlato di rinascita e di nuova consapevolezza del cinema bulgaro, ma il fenomeno è simile a
him, full of new texts edited by Luciano de Giusti; the new collaboration with the Laboratorio Immagine Donna in Florence includes the realisation of a long homage to Alida Valli, proposed by Anna Maria Mori and announced during the festival by the presentation of Antonioni’s The Cry in a new, specially reprinted version; another collaboration is the renewal of the long-standing one with the Swiss Institute in Rome which, together with Swiss Films, has led to the realisation of the retrospective dedicated to the director Fredi M. Murer, a talented Swiss artist and director worth rediscovering.
Turning to the competitive sections, which are further strengthened this year, we find a new major feature in the documents competition. With the authoritative nature of reporting of reality, this confirms and strengthens the disturbing portrait of modern European society, painted without the veils of fiction of the other two competitions or of the “Update Deutschland 2” series: while the strongly psychological stories of the protagonists still convey the hope in the strength of the individual and in his capacity to take charge of his own destiny – even if in the form of rebellious independence before any dictatorial power – the films that instead focus on today’s society as the product of recent historical traumas and remixing of every aspect of modern life (politics, society, world economy), offer a painful, pitiless yet sincere view which provides food for thought, and not just for the spectator. Because the picture is the same, in all latitudes.
We have spoken of the rebirth and new awareness of Bulgarian cinema, but the phenomenon is similar to what has been happening in Romania (a
quanto sta accadendo da qualche anno in Romania, altro paese appena entrato nell’Unione Europea: lo stesso risveglio degli autori, lo stesso bisogno di restare dentro le proprie storie, la stessa sicurezza del mestiere, raggiunta anche grazie all’ottima Scuola “I.L. Caragiale” di Bucarest (cui rendiamo omaggio), dove si sono formati tutti gli autori che negli anni più recenti hanno trionfato ai festival e di cui faremo conoscere i film di diploma. Sono autori ancora giovani, ma che sanno già fare lucidamente i conti con la Storia più recente. Ben due sono i lungometraggi di fiction in concorso che, seppure in modo diverso, ci riportano all’epoca di Ceausescu e alla sua fine e fanno parte di una trilogia su potere, rivolta civile e società che ha caratterizzato in modo significativo la produzione rumena dell’ultima annata.
Il richiamo della Storia, che in quest’area d’Europa ha camminato con passo sconvolgente, è sotteso in realtà a tutte le parti del programma, nei film delle sezioni in concorso, come nelle sezioni monografiche: gli effetti delle guerre, l’instabilità e la solitudine delle genti e dell’individuo (come, ad esempio, in Iklimler di Nuri Bilge Ceylan che chiude non solo il Festival ma anche il grande omaggio alla cultura turca fatto nel 2006 dalla nostra regione), le nuove convivenze, gli scontri culturali (per esempio in Transylvania di Tony Gatlif, che apre il festival), le integrazioni forzate, i confini vecchi e nuovi, le nuove estraneità, la cultura di frontiera in Giraldi, in Murer la “svizzeritudine” come emblematica contraddizione tra accoglienza e intolleranza.
E la Storia corre molto spesso sul binario letterario. Giraldi e Murer ricorrono alle pagine alte della letteratura per riflettere sul mondo contemporaneo, gli scrittori tedeschi collaborano alle sceneggiature dei
new member of UE), for a few years: the same reawakening of creative spirits, the same need to focus on their own history, the same sure professional touch, achieved thanks also to the excellent Bucharest film school “I.L. Caragiale” (to which we render a homage) in which all the directors who have triumphed in the festival in recent years were trained. We shall be screening their diploma films. These are directors who are still young, but who are able to give lucid accounts of the recent past. There are two feature films in competition which, although very different, take us back to the times of Ceausescu and his death and belong to a sort of trilogy about power, civilian rebellion and society that deeply characterized Romanian film production in 2006.
The call of History, which in this area of Europe has charged ahead, is evident in every part of the programme, in the films in the competition sections and in the monographic sections: the effects of the wars, the instability and the solitude of populations and individuals (such as, for example, in Iklimler by Nuri Bilge Ceylan, which closes not only the Festival but also the great homage to Turkish culture organised in 2006 by the Regione), the new neighbours and cultural clashes (for example, in Tony Gatlif’s Transylvania, which opens the Festival), the enforced integration, old and new borders, the new alienation, the frontier culture in Giraldi and the “Swissitude” in Murer as the emblematic contradiction between welcome and intolerance. History appears very often in a literary setting. Giraldi and Murer make use of literature to reflect on the modern world, and the German writers collaborate in the screenplays of young directors
nuovi giovani autori come lenti d’ingrandimento per far cogliere al meglio il senso o il non senso di una società senza più valori. Allo stesso modo anche la musica, nella sezione “Immagini-Mielanext”, fa da amplificatore potente e divertente alle opere dei videoartisti e dei registi che denunciano le ossessioni della contemporaneità o alle provocazioni “scandalose” dei cineasti che irridono alla Storia con eccessi visivi graffianti e sarcastici o raccontano l’individuo e la metropoli con esasperati silenzi e fredda obiettività narrativa.
Sul filo del rapporto cinema-letteratura ogni anno presente al festival si innesta l’importante e accattivante evento speciale della sezione “Zone di Cinema”, “Veit Heinichen: la scrittura e le immagini”. I romanzi gialli dello scrittore tedesco triestino d’adozione, ambientati tutti nei ”misteri” di Trieste, bestseller in Germania e fonti letterarie di due fiction realizzate dalla televisione tedesca nella nostra città, aprono per la prima volta la porta del festival al mondo “popolare” della fiction televisiva e sono il punto di partenza per una riflessione sul tema “Trieste: ritratto di una città in giallo” consentendo anche un collegamento ideale ai romanzi sceneggiati d’autore prodotti in passato dalla Rai, e di cui l’opera di Giraldi (in gran parte inclusa nel programma di questa edizione) è stata un autorevole esempio.
Ancora una volta ci sembra che nel quadro d’insieme del programma i singoli tasselli abbiano trovato il loro posto senza dissonanze e ringraziamo tutti coloro che hanno contribuito all’impresa: gli enti sostenitori tutti, gli organismi e le istituzioni che hanno collaborato, il teatro Miela che ha coprodotto il programma della sezione “Immagini”, il cinema Excelsior e il cinema Ariston che hanno trovato
as as a sort of magnifying lens serving to focus on the sense and non-sense of a society without values. Just as the music in the Images-Mielanext section serves as a powerful and entertaining amplifier in the works of video-artists and directors examining the obsessions of contemporary society, or the “scandalous” provocations of filmmakers mocking history with excessive and sarcastic works, telling the stories of individuals and of the metropolis with long silences and cold narrative objectivity.
The relationship between cinema and literature explored annually in the Festival is further stressed in the appealing special event in the “Cinema Zones” section, entitled “Veit Heinichen: writings and films”. The thrillers by the Trieste-based German writer, all based in Trieste, are best sellers in Germany and have provided the basis for two films produced for German television in our city. For the first time, the Festival opens its doors to the “popular” world of TV fiction, using this as the starting point for a reflection on the theme of “Trieste: a city cloaked in thrillers”, and providing a link with the films of novels produced by the RAI in the past. In this regard, the work of Giraldi (largely included in the this edition’s programme) is exemplary.
Once again, it seems us that the individual parts of the entire programme have gelled together without anything appearing out of place, and we wish to thank all those who have played their part in this undertaking: all the supporting institutions, the organisations and institutions that have collaborated, the Miela theatre for co-producing the “Immagini” programme, the Excelsior and Ariston cinemas who have found the space for our
nella loro programmazione lo spazio da riservare al nostro festival, gli Hotel (Continentale, Duchi D’Aosta, Urban Design) che gradiscono accogliere i nostri ospiti e i nostri incontri, gli sponsor che ci aiutano a rendere più confortevole la vita del festival, il nostro pubblico e la stampa che per più di una settimana (data l’anteprima di “Immagini” il 13 e 14 gennaio) vorranno essere con noi e con gli ospiti che ci raggiungeranno da tante parti del mondo.
Affettuosamente a tutti buona visione!
Festival within their own programme, the hotels (Continentale, Duchi D’Aosta, Urban Design) which welcome our guests and host our meetings, the sponsors helping us to render the Festival’s life more comfortable, our public and the press who spend more than a week (since the preview of “Immagini” takes place on 13th and 14th January) with us and with our guests coming from so many countries around the world. We affectionately wish you all an enjoyable viewing!
la giuria del concorso lungometraggi the jury of the feature film competition
Roberto Campagnano
È nato a Roma il 19 ottobre 1942, giornalista professionista. Critico cinematografico ed ex segretario del SNCCI, Sindacato dei critici cinematografici italiani, dopo essere stato al «Giornale d'Italia» per sette anni e per un paio all'«Ora» di Palermo, dal 1977 lavora a «Repubblica» dove, oltre a lavorare agli Spettacoli nazionali, ha curato l'uscita di numerosi inserti e supplementi (dal «Cartellone» al «Trovaroma»), e numerose collane di musica leggera e di musica classica pubblicate dalle Edizioni di Repubblica. Dal 1990, nominato caporedattore del nuovo settimanale «Musica» e degli Spettacoli (edizione nazionale), guida un folto gruppo di giornalisti specializzati in ogni settore dello spettacolo.
Roberto Campagnano was born in Rome on 19 October 1942. A journalist, a film critic and former secretary of the SNCCI (Union of Italian film critics), he worked for seven years at «Giornale d'Italia» and two at «L’Ora» in Palermo before joining «Repubblica» in 1977. Here, he has worked not just on the Italian Entertainment pages but has also edited numerous supplements (from «Cartellone» to «Trovaroma»), and numerous series of light and classical music published by Edizioni di Repubblica. Since 1990, appointed chief editor of the new weekly «Music» and of the Entertainment pages (national edition), he has directed a large group of journalists specialising in every aspect of this sector.
Maciej KarpiÒski
Nato nel 1950, è considerato uno dei maggiori sceneggiatori polacchi. Autore di molti libri (fra cui uno proprio sulla sceneggiatura, An imperfect reflection), pièces tetrali e televisive, adattamenti e numerosi saggi, ha scritto la sceneggiatura di tredici film, prodotti in Polonia e all’estero. Fra gli altri, ha lavorato con registi del calibro di Agnieszka Holland, Andrzej Wajda e Márta Mészáros, ottenendo numerosi e prestigiosi premi, sia nel suo paese che all’estero. KarpiÒski insegna Sceneggiatura presso la Scuola di cinema di Łódź e tiene regolarmente lezioni negli Stati Uniti. Per molti anni Direttore artistico del Festival del cinema polacco di Gdynia, attualmente è Direttore aggiunto dell'Istituto polacco di cinema. È anche membro della European Film Academy.
Maciej KarpiÒski (born 1950) is considered one of the leading film writers in Poland. An author of several books, including a book on screenwriting An imperfect reflection, plays for theatre and television as well as stage adaptations, and numerous essays, he wrote screenplays for thirteen films, produced in Poland and abroad. As a screenwriter Mr. KarpiÒski worked with a number of internationally acclaimed directors, among them Agnieszka Holland, Andrzej Wajda and Márta Mészáros. His films won a number of prestigious national and international awards. Mr. KarpiÒski is a Professor of Screenwriting at the State Film Academy in Łódź, Poland and frequently lectures in the United States. For many years the Artistic Director of the Polish Film Festival in Gdynia, at present he serves as a Deputy Director of Polish Film Institute. He is a member of European Film Academy.
Denis Valič
(Capodistria, Slovenia, 1968) Nel 1988 si trasferisce a Lubiana, dove nel 1993 comincia a lavorare al Museo Nazionale di Teatro e Cinema. Ha fatto parte del gruppo fondatore della Cineteca Slovena per cui ha lavorato anche come curatore della programmazione tra il 1994 e 1998, anno in cui è diventato direttore del settore editoriale della cineteca stessa. Scrive, fra l’altro, per la rivista di cinema «Ekran» e per il quotidiano «Delo».
Denis Valič was born in Koper, Slovenia, in 1968. He moved to Ljubljiana in 1988 where in 1993 he started working in the National Theatre and Cinema Museum. Before the formal establishment of the Slovenian Cinemateque between 1994 and 1998, he was a programme curator. ln 1998, he took the place of the head publishing department of the newly established Slovenian Cinematheque. Valič writes for the Slovenian film magazine «Ekran» and for the daily newspaper «Delo» and for other medias.
la giuria del concorso documentari the jury of the documentary competition
Federico Jolli
Dal 1968 collabora ai programmi culturali e di approfondimento della Radio televisione svizzera di lingua italiana (RTSI). Critico cinematografico, ha ideato e curato programmi televisivi come “Carta bianca”, “Era.Ora”, “Eldorado”. Dal 1995 si occupa di produzione di documentari e dal 2003 è produttore di “Storie”, programma domenicale di prima serata. “Storie” diffonde documentari di produzione e coproduzione TSI (la televisione svizzera di lingua italiana). Dal 1979 è nel Consiglio di Amministrazione del Festival Internazionale del Film di Locarno.
Federico Jolli has worked, since 1968, on the cultural and investigative programmes of the Italian-language Swiss television network (RTSI). A film critic, he has planned and organised television programmes such as “Carta bianca”, “Era.Ora”, “Eldorado”. Since 1995, he has worked on the production of documentaries and is since 2003 producer of “Storie”, a Sunday early evening programme. “Storie” broadcasts documentaries produced or co-produced by TSI (the Italian-language Swiss television channel). Since 1979, he has been on the board of directors of the Locarno International Film Festival.
Costanza Quatriglio
È nata a Palermo nel 1973. Dopo essersi laureata in Giurisprudenza, ha frequentato il Centro Sperimentale per la Cinematografia. Vive a Roma. L’isola, il suo primo lungometraggio, coprodotto da Rai Cinema, presentato nella 56a edizione del Festival di Cannes alla Quinzaine des Réalisateurs, è stato distribuito in Francia e in altri paesi e ha ottenuto importanti riconoscimenti internazionali e il Nastro D’Argento per la colonna sonora originale di Paolo Fresu. Il suo ultimo lavoro è il lungometraggio documentario Il mondo addosso, realizzato con la collaborazione di Rai 3.
Costanza Quatriglio was born in Palermo in 1973. After graduating in Law, she attended the Centro Sperimentale di Cinematografia-CSC film school. She lives in Rome. Her first feature film, L'isola, co-produced by RAI Cinema, was presented in the Directors' Fortnight section at the Cannes Film Festival in 2003. It won great critical acclaim both in Italy (where gained a prize for the original soundtrack, realized by Paolo Fresu) and internationally and was distributed in various countries, first and foremost France. Her last film it’s a documentary film, Il mondo addosso, realized in collaboration with Rai 3 Italian TV channel.
Dinko Tucaković
Nasce nel 1960 a Zenica in Bosnia. Nel 1984 si laurea in Regia cinematografica e televisiva presso la facoltà di Arti Drammatiche dell’Università di Belgrado. Regista per il cinema e per la televisione, collabora come critico e teorico di cinema per le riviste «Vreme» (a Belgrado), «Positif» e «Sight and Sound». Cura la programmazione della Jugoslovenska Kinoteka, e presiede il comitato del FEST (il Festival Internazionale di Cinema di Belgrado). Autore di parecchi libri sul cinema, fra cui Tajni život filma (1993) e Stranci u raju (1998), è stato membro della giuria FIPRESCI in numerosi festival internazionali. Alcuni dei suoi film sono stati selezionati in festival internazionali, fra cui Pismo (a Berlino) e Belgrader Tagebuch (alla Mostra del Cinema di Venezia). Di Tucaković, il Trieste Film Festival ha presentato nel 2000 Belgrader Tagebuch e nel 2005 il documentario The Rubber Soul Project.
Dinko Tucaković was born in Zenica, Bosnia, in 1960. In 1984 he gained a degree in Film and Television Directing at the Faculty of Dramatic Arts of the University of Belgrade. He is a film and television director and writes as a film critic and theorist for the magazines «Vreme» (Belgrade), «Positif» and «Sight and Sound» as well. He is the programming director of Yugoslav Film Archives (Jugoslovenska Kinoteka), and chairman of the Board of the FEST (Belgrade International Film Festival). Author of several film books, among them Tajni život filma (1993) and Stranci u raju (1998), he has been nominated member of the FIPRESCI jury in many international film festivals. Some of his films have been selected in international film festivals, among the others Pismo (at Berlin International Film Festival) and Belgrader Tagebuch (at Venice Film Festival). In 2000, the Trieste Film Festival has presented his Belgrader Tagebuch and in 2005 the documentary The Rubber Soul Project
la giuria del concorso cortometraggi the jury of the short film competition
Maurizio Di Rienzo
Nato nel 1958 a Napoli, dal 1979 lavora come giornalista e critico cinematografico per stampa (collabora regolarmente per «Il Gazzettino», «Max», «Cinemagazine»), radio (Radio Rai) e televisioni satellitari (ha collaborato con Studio Universal e con Cinecinemas, conducendo il magazine settimanale “Bazar” fino al 2003). Dal 1988 è consulente e responsabile di sezioni ed eventi per Festival nazionali e internazionali (fra cui Locarno, Venice Days, Noir In Festival, fra gli altri). È nel direttivo del Sindacato nazionale giornalisti cinematografici italiani (SNGCI) nel cui ambito, dal 2001, cura la selezione dei cortometraggi italiani per i Nastri d’argento, ed è fra i selezionatori delle cinquine finaliste ai Nastri d’argento per i lungometraggi. Per le Giornate Professionali di cinema organizzate da Anec-Agis conduce dal 1999 lo spazio di interviste al cinema italiano “Pronti, quasi pronti...”. Collabora con la Casa del Cinema di Roma curando rassegne di documentari italiani.
Maurizio Di Rienzo was born in Naples in 1958. Since 1979, he has worked as journalist and film critic for the press (he regularly works with «Il Gazzettino», «Max», «Cinemagazine»), radio (Radio Rai) and satellite TV channels (he has worked with Studio Universal and with Cinecinemas, fronting the weekly “Bazar” programme until 2003). Since 1988, he has been consultant and director of sections and events for national and international festivals (including Locarno, Venice Days, Noir In Festival and others). He is on the governing board of the Union of Italian cinema journalists (SNGCI) for which, since 2001, he has handled the selection of Italian short films for “Nastri d’argento”. He is also one of the selectors of the five finalists for the feature-film section of “Nastri d’argento”. For the Professional Cinema Days organised by Anec-Agis, he has since 1999 been charing the interviews with Italian cinema professionals: “Pronti, quasi pronti...”. He also works with the Casa del Cinema di Roma, organising series of Italian documentaries.
Ivan Karl È nato a Belgrado, dove si è diplomato presso l'Accademia di arti drammatiche (dipartimento di produzione cinematografica e televisiva). Scrive recensioni di cinema e televisione su diverse riviste. Ha poi collaborato con diverse stazioni televisive serbe come autore, ospite di special televisivi e programmista. Selezionatore per il Festival della sceneggiatura di Vrnjacka Banja (sezione “East is Over There”) e per il Festival Eurimages films di Belgrado. È stato membro della giuria FIPRESCI per vari festival internazionali, a Wiesbaden, Ankara, Lubiana e Gijon. Dal 2005 fa parte del Film Center Serbia ed è caporedattore del canale via cavo, interamente dedicato al cinema, Film Plus.
Ivan Karl was born in Belgrade were he graduate from Faculty of drama arts (film and television production department). He wrote film and tv reviews for several magazines. As an author and host of special tv shows dedicated to films and editor of film program he worked on several serbian tv stations. He was selector for Festival of film screenplay in Vrnjacka Banja (section “East is Over There”) and Festival of Eurimages films in Belgrade. He was member of FIPRESCIjuries at international festivals in Wiesbaden, Ankara, Ljubljana and Gijon. He is associate of Film Center Serbia from 2005. He is editor in chief of cable television movie channel Film Plus.
Thomas Woschitz
Nato a Klagenfurt, in Austria, nel 1968, ha studiato al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma. Lavora in Italia e in Austria come regista e montatore. Ha diretto diversi cortometraggi (fra cui la trilogia Die Josef Trilogie, composta da Tascheninhalt und Nasenbluten, Blindgänger e Girls and Cars), presentati con successo in festival internazionali come Cannes, Venezia e Locarno. Nel 2005 ha realizzato, in collaborazione con i Naked Lunch, il progetto a cavallo fra cinema e musica Sperrstunde-Closing Time, presentato nella scorsa edizione al Trieste Film Festival. Attualmente, sta lavorando al progetto del suo primo lungometraggio, Fools
Thomas Woschitz was born in Klagenfurt (Austria) in 1968. He studied at the Centro Sperimentale di Cinematografia in Rome. He worked there, and in Austria, as a director and editor. He realized some short films (among them a trilogy of short films consisting of Tascheninhalt und Nasenbluten, Blindgänger and Girls and Cars), screened successfully in important film festival like Cannes, Venice and Locarno. In 2005, he realized in collaboration with Naked Lunch band, his musical/film project Sperrstunde-Closing Time, presented in Trieste Film Festival’s last edition. Currently, he is working on his first feature film, Fools.
concorso lungometraggi feature film competition
BIHISHT FAQAT BAROI MURDAGON di Djamshed Usmonov | CUM MI-AM PETRECUT
SFÂRäITULLUMII di C„t„lin Mitulescu | FEHÉR TENYÉR di Szabolcs Hajdu | DER FREIE
WILLE di Matthias Glasner | HÎRTIA VA FI ALBASTRƒ di Radu Muntean | KARAULA di Rajko
Grlić | MAGIC EYE di Kujtim Çashku | OBARNATA ELCHA di Ivan Čerkelov, Vasil Živkov |
OPTIMISTI di Goran Paskaljević | Z ODZYSKU di Sławomir Fabicki
eventi speciali / special events
IKLIMLER di Nuri Bilge Ceylan | TRANSYLVANIA di Tony Gatlif
Francia - Germania -
Svizzera - Russia / France - GermanySwitzerland - Russia
2006, 35mm, col., 95’
v.o. tagika - russa / Tajik - Russian o.v.
concorso lungometraggi / feature film competition
BIHISHT FAQAT BAROI MURDAGON
Per raggiungere il Paradiso, prima devi morire / To Get To Heaven First You Have To Die Djamshed Usmonov
Sceneggiatura / Screenplay: Djamshed Usmonov. Fotografia / Photography: Pascal Lagriffoul. Montaggio / Editing: Jacques Comets. Suono / Sound: Patrick Becker. Scenografia / Art Director: Mavlodod Farosatshoev. Costumi / Wardrobe: Aksinia Pastukh. Interpreti / Cast: Khurched Golibekov, Dinara Droukarova, Maruf Pulodzoda. Produzione / Produced by: Elzévir Films, Ciné Manufacture. Co-produzione / Coproduced by: Pandora Filmproduktion, South Bridge, Saga Production, Arte France Cinema, TSR. Con il sostegno di / Supported by: Global Film Initiative, Programme MEDIA de la Communauté Européenne, Pusan Promotion Plan, Göteborg Film Festival, La Procirep. Distribuzione internazionale / World Sales: Celluloid Dreams.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Il ventenne Kamal si è sposato da qualche mese, ma non riesce ad avere rapporti con la moglie che è ancora vergine. Dopo aver verificato di non avere alcun problema fisico, Kamal, anche su suggerimento del dottore, parte per la città alla ricerca di una donna con cui fare esperienza. In città le donne sono tante, ma lui non riesce a conoscerne nessuna. Finché un giorno, su un autobus, gli si presenta un’occasione, un incontro apparentemente fortuito che lo porterà molto oltre il punto cui sarebbe voluto arrivare… Presentato a Cannes, nella sezione “Un Certain Regard”.
“Buddha ha detto che la verità, se presentata in modo diretto, è difficile da ascoltare, spiacevole. Ecco perché preferiva inventare delle storie. Una storia è come una pillola addolcita: contiene la verità, ma la dolcezza in cui è avvolta la rende meno amara. Cosa ci lega a Kamal? Il fatto che a vent’anni eravamo come lui. Anche noi eravamo puri, ingenui, con il desiderio di fare nuove esperienze e vogliosi di nuove avventure. Ecco perché, probabilmente, ci sentiamo così vicini a lui: perché rappresenta il nostro passato.” (D. Usmonov)
20 year old Kamal has been married for a few months but his wife is still a virgin. Learning that there’s nothing physically wrong with him after visiting a doctor, Kamal sets off to town looking for a woman to have his first sexual experience. The city is full of them but Kamal is still unable to meet anyone until a chance encounter on a bus. But it looks as if this accidental meeting will take Kamal much further than he was counting on... Premiered in Cannes in the “Un Certain regard” section.
“Buddha said that if you tell the truth directly, it will be hard to hear, it will be unpleasant, and that’s why he’d rather make up stories. A story is like a sweetened pill – the truth is in it but the sweetness makes it less bitter. Why do we relate to Kamal? Because we used to be like him when we were 20. We used to be pure and naive, and we felt like experiencing things and being adventurous. That’s probably why we feel for him – he represents our past.” (D. Usmonov)
Romania - Francia / Romania - France
2006, 35mm, col., 106’
v.o. rumena / Romanian o.v.
concorso lungometraggi / feature film competition
CUM MI-AM PETRECUT SFÂRäITUL LUMII
Come ho trascorso la fine del mondo / The Way I Spent the End of the World
C„t„lin Mitulescu
Sceneggiatura / Screenplay: Andreea Valean, C„t„lin Mitulescu. Montaggio / Editing: Cristina Ionescu. Fotografia / Photography: Marius Panduru. Musica / Music: Alexander Balanescu. Suono / Sound: Yves-Marie Omnès, Stéphane Thiébaut. Scenografia / Art Director: Daniel Raduta. Interpreti / Cast: Dorotheea Petre, Timotei Duma, Marius Stan, Marian Stoica, Ionut Becheru, Cristian V„raru. Produzione / Produced by: Strada Film. Coproduzione / Co-produced by: Les Films Pelléas. Distribuzione / World Sales: Pyramide International.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Bucarest 1989, ultimo anno della dittatura di Ceausescu. Eva vive con i genitori e il fratellino di sette anni Lalalilu. Diciassettenne, molto carina e innamorata per la prima volta, Eva si trova nei guai quando, insieme al suo ragazzo, rompe accidentalmente un busto del dittatore esposto nella loro scuola. Proprio a lei tocca la punizione peggiore perché viene espulsa dal partito della Gioventù Comunista e mandata in riformatorio. Qui incontra Andrei, i cui genitori si dice siano coinvolti in un complotto contro Ceausescu. I due diventano subito amici, tanto che Eva progetta di lasciare il paese con lui, attraversando il Danubio a nuoto e comincia ad allenarsi per la fuga. Nel frattempo anche il piccolo Lalalilu ha in mente grandi progetti: con i compagni di scuola Tarzan e Silvica sta infatti architettando un piano segreto per uccidere Ceausescu, in modo che Eva non sia più costretta a lasciare la Romania per vivere in un paese libero…
“Il film riflette quel misto di tristezza e gioia, realtà e fantasia che io associo al periodo della dittatura. Esprime tutte le emozioni di quei giorni bui che la Romania ha vissuto e dà l’idea di quello che io e la mia generazione abbiamo conservato di quel periodo, anche adesso nel nuovo mondo in cui siamo entrati. Il film è anche un omaggio, non solo a tutti coloro che hanno avuto il coraggio di opporsi alla dittatura, ma anche a quelli che, come i nostri genitori, se ne sono stati zitti e hanno resistito, per paura di quello che sarebbe potuto accadere ai loro cari.” (C. Mitulescu)
Bucharest 1989, last year of Ceausescu's dictatorship. Eva lives with her parents and her 7-year-old brother Lalalilu. She’s very attractive and caught up in the turmoil of falling in love for the first time. She and her boyfriend Alexandru find themselves in deep trouble when they accidentally smash a bust of Romania’s dictator at school. Eva bears the brunt of the punishment: she is expelled from the Communist Youth Union and sent to a reformatory. There she meets Andrei, whose parents are rumoured to have been involved in a plot against Ceausescu. The two become fast friends; Eva plans to swim across the Danube with him to freedom, and starts training for the escape. Meanwhile, adorable Lalalilu he also has bigger plans. With Tarzan and Silvica, his best friends from school, he devises a secret plan to kill the dictator so that Eva can stay and live in a free country.
“The movie reflects this blend of sadness and joy, reality and fantasy which I associate with this period of dictatorship. It expresses all the emotions of those bleak days in Romania and gives an idea of what we retain in ourselves, my generation and myself, in this new world which we have entered. The film is also a homage, not only to all those who had the courage to rise up against the dictatorship, but also those who, like our parents, fell silent and endured, out of fear that something might befall their loved ones." (C. Mitulescu)
Ungheria / Hungary
2006, 35mm, col., 101’
v.o. ungherese - inglese / Hungarian - English o.v.
FEHÉR TENYÉR
Mani bianche / White Palms
Szabolcs Hajdu
Sceneggiatura / Screenplay: Szabolcs Hajdu. Fotografia / Photography: András Nagy. Montaggio / Editing: Péter Politzer. Musica / Music: Peace Orchestra, Galt MacDermot, Ferenc Darvas. Suono / Sound: Gábor Balázs. Scenografia / Art Director: Mónika Esztán. Costumi / Wardrobe: Krisztina Berzsenyi. Interpreti / Cast: Zoltán Miklós Hajdu, Kyle Shewfelt, Gheorghe Dinica, Andor Lukáts, Oana Pellea, József Vásári, Jerry Gibbons, Alexandru Repan, Tibor Mészáros, Orion Radies, Silas Radies. Produzione / Produced by: Katapult Films, Filmpartners. Distribuzione internazionale / World Sales: ONOMA.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Miklós Dongó, ginnasta di grande talento costretto a interrompere la carriera a causa di un infortunio, arriva in Canada, dove intende ricominciare da capo come allenatore. A causa, però, dello stile, dei condizionamenti che si porta dietro (e del ricordo di un’infanzia infelice, trascorsa interamente fra le mura di una palestra), gli è difficile integrarsi in questo nuovo mondo e affrontare le sfide che lo aspettano. Diventa l’allenatore di uno dei ginnasti canadesi di maggior talento, che lui vuol far diventare un campione. Ma Kyle è un osso duro, egocentrico e arrabbiato. All’inizio, Miklós trova quasi impossibile rapportarsi con lui, ma poi capisce che per arrivare a Kyle deve prima superare le sue stesse paure: decide così di entrare in competizione con Kyle, e di gareggiare anche lui nel campionato del mondo che sta per iniziare. Ancora una volta, gli si presenta l’eterno dilemma: cos’è più importante? Vincere a tutti i costi o imparare ad accettare la sconfitta? Il film mescola elementi autobiografici ed esperienze reali, vissute dal fratello del regista, Zoltán Miklós Hajdu, atleta affermato e protagonista del film.
Miglior regia per Szabolcs Hajdu alla Settimana del Cinema Ungherese di Budapest dello scorso anno.
Miklós Dongó, a gymnast with great potential forced to end his career following an injury, arrives to Canada to restart his life as a coach. However, because of the style and conditioning he brings with him (and an unhappy childhood spent closed up inside a gymnasium), it seems questionable whether he will be able to fit into this new world and deal with the challenges he faces. He becomes the coach of one of Canada’s most talented young gymnasts, whom he must make a champion. But Kyle is a tough nut to crack. He is conceited and angry; at first it seems impossible for Miklós to make contact with him. Miklós soon realizes that in order to get to Kyle he must first overcome his fears: he becomes Kyle’s rival in the upcoming world championship. At the finals, he is once again faced with the childhood dilemma: what is more important? Winning at all costs or accepting defeat? The film is a combination of autobiographical elements and the experiences of the director’s brother, Zoltán Miklós Hajdu, a leading gymnast who also played the main role. Szabolcs Hajdu was awarded as Best Director at the latest Hungarian Film Week in Budapest.
Germania / Germany
2006, 35mm, col., 163’
v.o. tedesca - francese / German - French o.v.
concorso lungometraggi / feature film competition
DER FREIE WILLE
Il libero arbitrio / The Free Will
Matthias Glasner
Sceneggiatura / Screenplay: Matthias Glasner, Judith Angerbauer, Jürgen Vogel. Fotografia / Photography: Matthias Glasner, Ingo Scheel. Montaggio / Editing: Mona Bräuer, Julia Wiedwald. Suono / Sound: Stefan Soltau. Scenografia / Art Director: Tom Hornig, Conni Kotte. Costumi / Wardrobe: Sabine Keller. Interpreti / Cast: Jürgen Vogel, Sabine Timoteo, Manfred Zapatka, André Hennicke, Judith Engel. Produzione / Produced by: Colonia Media Filmproduktions GmbH. Coproduzione / Co-produced by: Schwarzweiss-Filmproduktion GmbH, WDR, Arte. Distribuzione internazionale / World Sales: Bavaria Film International.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Theo, uno stupratore, è stato appena rilasciato dall’ospedale psichiatrico in cui era rinchiuso. La paura delle donne e la frustazione che ciò scatena in lui rendono la sua esistenza, all’interno della società cosiddetta “normale”, quasi insopportabile. Nettie, invece, è una ragazza di ventisette anni che finalmente è riuscita a rompere tutti i rapporti con un padre che l’ha sempre vessata sul piano psicologico. Theo e Nettie si incontrano e s’innamorano, iniziando insieme un viaggio ai limiti del libero arbitrio…
“Il film tratta argomenti che possono sembrare mostruosi o anormali. Abbiamo girato in ordine cronologico e quando ho visto, da dietro la mdp, quello che Theo faceva alla donna nella sequenza iniziale mi sono venuti seri dubbi sulla mia capacità di saper gestire tutto fino alla fine. Dal momento, però, che volevo girare un film delicato sulla paura della solitudine, ho deciso di mostrare con lo stesso distacco tutto quello che la mdp aveva registrato, indipendentemente da quanto fosse brutale o senza speranza. Non è un film che tratta di un argomento difficile, ma un viaggio che segue i due protagonisti fino alla fine, buona o brutta che sia.” (M. Glasner)
Theo, a rapist, has just been released from psychiatric detention. His fear of women and the profound, unfulfilled desire that goes with it turn his life within "normal" society into a nearly unbearable ordeal. Nettie, meanwhile, at the age of 27 finally succeeds in breaking away from her father, who psychologically abused her for as long as she can remember. Theo and Nettie meet and begin to fall in love. Together, they embark on a journey to the limits of free will...
“The film concerns topics one might consider as monstrous or abnormal. We shot chronologically, and when I looked through the camera and saw what Theo was doing to the woman in the opening sequence, I had serious doubts as to whether I would be able to handle this all the way to the end. But since I wanted to make a tender film about the terror of loneliness, I showed everything that my camera recorded with the same sympathy – no matter what it was, whether brutal or hesitantly hopeful. It is not a film about a difficult topic, but a kind of ‘trip’ on which we accompany two people all the way to the inexorable end, whether good or bad.” (M. Glasner)
Romania
2006, 35mm, col., 95’
v.o. rumena / Romanian o.v.
concorso lungometraggi / feature film competition
HŒRTIA VA FI ALBASTRƒ
La carta blu / The Paper Will Be Blue
Radu Muntean
Sceneggiatura / Screenplay: Razvan Radulescu, Alexandru Baciu, Radu Muntean. Fotografia / Photography: Tudor Lucaciu. Montaggio / Editing: Alexandru Radu. Suono / Sound: Dragos Stanomir. Scenografia / Art Director: Sorin Dima, Camelia Tutulan. Costumi / Wardrobe: Silvana Bratu. Interpreti / Cast: Paul Ipate, Adi Carauleanu, Dragoö Bucur, Alexandru Potocean, Tudor Aron Istodor, Andi Vasluianu, Dana Dogaru, Ion Sapdaru, Ana Ularu. Produzione / Produced by: Multimedia Est, Antena1. Con il sostegno di / Supported by: Romanian Film Centre.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
21 dicembre 1989: in Romania scoppia la rivoluzione anti-Ceausescu. Il giorno dopo, in tutto il paese viene proclamato lo stato d’emergenza. Dopo violenti scontri, i manifestanti e l’esercito si alleano e il dittatore è costretto a lasciare il potere al Fronte di Salvezza Nazionale. All’alba del 23 dicembre, un veicolo militare si ferma a un posto di blocco e due uomini in uniforme scendono a fumare una sigaretta. Le guardie, sotto tensione, aprono il fuoco e uccidono tutti i passeggeri del mezzo blindato. A questo punto il racconto torna alla notte precedente la tragedia. Costi Andronescu ha lasciato l’esercito da appena tre mesi, ma è convinto che ogni buon rumeno, dopo tanti anni di dittatura, debba battersi contro i simpatizzanti di Ceausescu, con qualunque mezzo e a dispetto di quello che dicono gli alti ufficiali... La sua arroganza e la sua testardaggine lo portano a scontrarsi con il tenente Neagu e approfittando di una lite fra un suo compagno e un gruppo di dimostranti riesce a fuggire. Nonostante le minacce e le richieste di Neagu, Costi si dirige verso la sede della televisione per combattere per la rivoluzione...
“Questo non è un documentario storico. Tenta semplicemente di portare sullo schermo le emozioni vissute dalle persone comuni che hanno preso parte agli eventi narrati. Racconta la perdita d’innocenza di un’intera generazione e la ribellione popolare che ha tirato fuori il meglio e il peggio di tutti: la solidarietà, ma anche tutto l’egoismo e la meschinità accumulati in decenni di frustrazione.” (R. Muntean)
On December 21th 1989 the anti-Ceausescu brokes out in Romania. The following day, all over the country a state of emergency is declared. After violent confrontations, the demonstrators and the army begin fraternising and Ceausescu is forced to relinquished power to the National Salvation Front. On 23rd at dawn, an army vehicle stops at a roadblock and two soldiers in uniforms get out for a smoke. The guards, under pressure, open fire and kill everyone inside the armoured car. The film then returns to the night before this tragic incident. Costi Andronescu left the army just three months ago but he believes that the mission of any good Romanian, after so many years of dictatorship, is to fight the supporters of Ceausescu with all their might (no matter what the higher officers say)… His arrogance and stubborness brings him into conflict with Lieutenant Neagu and he takes advantage of an altercation between his comrade and a group of demonstrators to flee. Despite the Lieutenant's threats and pleas, Costi heads for the television station to fight for the revolution...
“This is not a History Channel-type documentary film, but tries to recreate the emotions of the days as experienced by common people who participated in the events. It is the story of the loss of innocence of a whole generation and the popular rebellion that brought out the best and the worst in all us. As well as solidarity there was also selfishness and meanness feed by decades of frustration.” (R. Muntean)
Croazia - Bosnia
Erzegovina - MacedoniaSlovenia - Serbia - Regno
Unito - Ungheria - AustriaFrancia / Croatia - Bosnia & Herzegovina - MacedoniaSlovenia - Serbia - UKHungary - Austria - France
2006, 35mm, col., 95’
v.o. serba / Serbian o.v.
concorso lungometraggi / feature film competition
KARAULA
Posto di frontiera / Border Post
Rajko Grlić
Sceneggiatura / Screenplay: Rajko Grlić, Ante Tomić. Basato sul romanzo di / Based upon the novel by Ante Tomić, Ništa nas ne smije iznenaditi. Montaggio / Editing: Andrija Zafranović. Fotografia / Photography: Slobodan Trninić. Musica / Music: Sanja Ilić. Suono / Sound: Srdjan Kurpjel, Nenad Vukadinović. Scenografia / Art Director: Goran Joksimović, Kemal Hrustanović, Kiril Spaseski. Costumi / Wardrobe: Sabina Buždon.
Produzione / Produced by: Refresh Production, Vertigo/Emotionfilm, Sektor Film, Propeler Film, Hrvatska Radiotelevizija, Yodi Movie Craftsman, Film & Music Entertainment. Coproduzione / Co-produced by: Pioneer Pictures, Cine-Sud Promotion, Novotny & Novotny Filmproduktion. Distribuzione internazionale / World Sales: Wide Management.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
1987, settimo anniversario della morte di Tito. Il paese è paralizzato dalle commemorazioni ufficiali. I soldati che compongono il distaccamento militare di stanza a un piccolo posto di confine fra Albania e Jugoslavia aspettano, annoiati come tutti i soldati, la fine del servizio. Contano i giorni che li separano dal ritorno alla loro vita normale, non sospettando nemmeno lontanamente che presto verranno richiamati sotto le armi per combattere una guerra civile. Il luogotenente Safet Pašić, frustrato e sempre ubriaco, scopre di aver contratto una malattia sessualmente trasmissibile. Per far sì che la moglie non lo venga a sapere, inventa una scusa per non tornare a casa: dichiara lo stato d’emergenza sostenendo che l’esercito albanese starebbe per invadere la Jugoslavia…
“Karaula è una commedia che parla di persone sull’orlo della tragedia. Il film si occupa di coloro che, a distanza di pochi mesi, sarebbero divenuti soldati, profughi, vittime e criminali. Come vivevano? Cosa volevano realmente? Qual era la vita quotidiana da cui la guerra nacque e chi erano quelli nella cui mente la guerra si è poi insinuata così in fretta e con tanta facilità?” (R. Grlić)
1987. It’s the seventh year anniversary of Tito’s death and official celebrations paralyse the country. At a small border-post on the Yugoslav-Albanian border, some soldiers are suffering the usual amount of boredom awaits the end of their service, counting days to the moment when they should take their uniforms off for good. The thought never even crosses their mind that they would, in fact, put them back on quite soon and go to civil war. Lieutenant Safet Pašić, frustrated and always drunk, finds out to have a sexually transmitted disease. Not wishing his wife to know about it and trying to find excuses not to go home, Pašić declares a state of emergency, claiming that the Albanian army is preparing an attack against Yugoslavia.
“Karaula is a comedy about people on the verge of tragedy. The film enquires about those people, who were to transform in a matter of months into soldiers, refugees, victims and criminals. How did they live? What did they really want? What was the everyday life that engendered war and who were the ones who had war implanted into their minds so quickly and so easily?” (R. Grlić)
Albania - Germania / Albania - Germany
2005, 35mm, col., 93’
v.o. albanese / Albanian o.v.
concorso lungometraggi / feature film competition
MAGIC EYE
L’occhio magico
Kujtim Çashku
Sceneggiatura / Screenplay: Kujtim Çashku, Vath Korreshi. Montaggio / Editing: Marco Heiter. Fotografia / Photography: Hajo Schomerus, Spartak Papadhimitri. Musica / Music: Dürbek & Dohmen. Suono / Sound: Berndt Hackman. Scenografia / Art Director: Sabri Basha. Costumi / Wardrobe: Almira Brojka. Interpreti / Cast: Bujar Lako, Arta Dobroshi, Alban Ukaj, Timo Flloko, Miriana Deti. Produzione / Produced by: Orafilm. Coproduzione / Co-produced by: Elsani Film, Paradigma-Entertainment. Con il sostegno di / Supported by: National Film Centre Tirana, ifa (Germany).
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Albania, 1997: con il crollo dell’economia, il paese è precipitato in un caos inimmaginabile. Bande armate controllano le strade, portando il terrore fra la popolazione locale e si sentono volare spari anche nella pittoresca cittadina di Gjirokastër. È per questo motivo che lì si trova anche Berti, reporter d’assalto che lavora per una delle numerose stazioni televisive locali. Una sera, viene trasmesso il suo reportage su un episodio drammatico avvenuto nel corso della giornata, ma il commento che accompagna le immagini attribuisce erroneamente alla vittima il ruolo dell’assassino. Berti è convinto di essere il solo a sapere come stanno veramente le cose, ma l’incidente che ha lasciato due morti sull’asfalto è stato ripreso anche da un’altra persona, il fotografo in pensione Petro con una Super 8…
Albania, 1997. Following the collapse of the economy the country is in the grip of unimaginable chaos. Armed gangs have appeared in the streets and are terrorising the local population. Gunfire can be heard even in the once picturesque little town of Gjirokastër. Which is why Berti, a sensation hunter who reports for one of the numerous local television stations, is there. His story on a tragic event that he filmed during the day is broadcast the same evening with a commentary which brands one victim as a murderer. Berti is convinced he is the only one who knows the whole truth, but the incident in the neighbourhood that has left two dead bodies in the street has also been recorded by the retired photographer Petro with a Super 8 camera…
Bulgaria - Germania / Bulgaria - Germany
2006, 35mm, col., 127’
v.o. bulgara / Bulgarian o.v.
OBARNATA ELCHA
Un albero di Natale a testa in giù / Christmas Tree Upside Down
Ivan Čerkelov, Vasil Živkov
Sceneggiatura / Screenplay: Ivan Čerkelov, Vasil Živkov. Fotografia / Photography: Rali Ralčev. Montaggio / Editing: Gergana Zlateva. Musica / Music: Alexander Bachvarov. Suono / Sound: Sebastian Schmidt (Metrix Halle), Holger Lehmann. Scenografia / Art Director: Vanina Geleva. Costumi / Wardrobe: Doriana Kebedjieva. Interpreti / Cast: Alexandra Vassileva, Slava Dojčeva, Georgij Čerkelov, Krasimir Dokov. Produzione / Produced by: Klas Film, Filmkombinat GmbH & Co KG. Con il sostegno di / Supported by: Mitteldeutschen Medienförderung, Bulgarian Filminstitut, Bulgarian National TV. Distribuzione internazionale / World Sales: MDC Int GmbH.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
In montagna viene abbattuto un enorme abete: diventerà un albero di Natale nel centro di Sofia. Il suo trasporto lungo tutto il paese diventa il trait d’union fra sei storie che raccontano il modo in cui altrettante persone, appartenenti a luoghi e classi sociali differenti, vivono il periodo delle feste natalizie. Uomini e donne cui tocca, loro malgrado, confrontarsi con il senso della propria esistenza. Chi lo fa con orgoglio, chi con umiltà. Tutti però cercano di scendere a patti con le delusioni subite e la solitudine di cui soffrono. Il destino ha assegnato a ognuno di loro fortuna o sfortuna in misura diversa, così come diversi gradi di consapevolezza o di ottusità, ma anche momenti in cui la voce della coscienza suggerisce loro di agire in modo drastico… Il film ci dà un ritratto del ‘clima’ che si respira nella Bulgaria di oggi, mettendo in risalto le mentalità di persone appartenenti sia a classi sociali diverse che a luoghi diversi del paese. Il film ha vinto il Premio speciale della Giuria al festival di Karlovy Vary.
A huge spruce is cut down in the mountains to be used as a Christmas tree in the centre of Sofia. As it is transported across the country it becomes the link between six stories that explore the way in which as many persons, from different social classes and different places, are experiencing the festive season. In these stories, men and women are unwittingly brought up against the question of the meaning of their lives. Some do with self-conscious pride, and others with humility. All of them are essentially trying to come to terms with their own disappointments and loneliness. Fate has awarded each a different degree of good or ill fortune, a different degree of insight or blindness. But also moments when the voice of conscience suggests the most drastic courses of action... The film juxtaposes the mentalities of people from different social classes and different places to offer a vivid picture of the social climate of post-socialist Bulgaria. Special Prize of the Jury at the latest Karlovy Vary International Film Festival.
/ feature film competition
Serbia
2006, 35mm, col., 95’ v.o. serba / Serbian o.v.
OPTIMISTI
Gli ottimisti / The Optimists
Goran Paskaljević
Sceneggiatura / Screenplay: Vladimir Paskaljević, Goran Paskaljević, Filip David. Fotografia / Photography: Milan Spasić. Montaggio / Editing: Petar Putniković. Musica / Music: Aleksandar Simić. Suono / Sound: Velibor Hajduković. Scenografia / Art Director: Tijana Marić. Costumi / Wardrobe: Lana Pavlović. Interpreti / Cast: Lazar Ristovski, Bojana Novaković, Petar Božović, Tihomir Arsić, Slavko Štimac, Mira Banjac, Nebojša Glogovac, Nebojša Milovanović, Dragan Jovanović, Danica Ristovski, Vlada Jevtović, Ivan Bekjarev, Aleksandra Pleskonic, Viktor Savić. Produzione / Produced by: Zepter International, Nova Film. Coproduzione / Co-produced by: Wanda Vision, Swiss Effects, Zillion Film. Distribuzione internazionale / World Sales: Nova Film.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Serbia. Cinque storie ambientate nell’era post-Milosević, ispirate al Candido di Voltaire, ciascuna interpretata da Lazar Ristovski. Intrise di black humour, queste storie riflettono un’epoca di speranza e disperazione, di falso e vero ottimismo, un tempo in cui realtà e finzione convivono fianco a fianco.
“Due secoli e mezzo fa in Europa non si faceva che parlare di Voltaire e del suo capolavoro, Candido. È bastata una sola frase del libro a ispirarmi a girare Optimisti: “L’ottimismo è ostinarsi a sostenere che tutto va bene quando invece tutto va male”. Dopo Bure Baruta (La polveriera), un film che denunciava l’onnipresenza della violenza all’interno della società serba sotto la dittatura di Milosević, e il mio ultimo film, San zimske noci, che parla dell’autismo in cui una parte della società serba è sprofondata dopo l’assassinio del primo ministro democratico Zoran Djindjić, nel mio nuovo film volevo affrontare il tema del falso ottimismo. In questo modo ho completato la mia trilogia sulla Serbia dell’ultimo decennio. Con queste cinque storie, collegate da un punto di vista ideologico piuttosto che formale, ho cercato di rappresentare lo stato d’animo della Serbia di oggi. Ma dopo la reazione del pubblico alle proiezioni del film ai festival di Toronto e Copenhagen, ho capito che il falso ottimismo non è un fenomeno limitato alla Serbia. Il nostro mondo è davvero pervaso da una sensazione di falso ottimismo simile a quella esistente nell’Europa di Voltaire? Siamo davvero pronti a cambiare le cose o resteremo degli “ottimisti” sprofondati nel fango? E chi ci ha ficcati in questo fango? Se dopo aver visto questo film vi porrete le stesse domande che mi pongo io, sarà valsa la pena di averlo girato.” (G. Paskaljević)
Serbia. Five tales set in the reality of the post-Milosević era, inspired by Voltaire’s Candide, all played by Lazar Ristovski. Painted with black humour, these stories reflect a time filled with hope and despair, real optimism and false; a time when fiction and reality co-exist side by side.
“Two and a half centuries ago, Voltaire was the talk of Europe with his masterpiece, Candide. It took just a single maxim from this work to inspire me to make Optimisti: “Optimism is the obstinacy of maintaining that everything is best when it is worst”. After Bure Baruta (Powder Keg), a film denouncing the omnipresence of violence within Serb society during Milosević’s dictatorship, and my later film, San zimske noci (Midwinter night’s dream), which describes the autism into which a whole section of Serb society has found itself plunged since the assassination of its democratic prime minister, Zoran Djindjić, I wanted to tackle the theme of false optimism in my new film. And so I have completed my trilogy on Serbia of these past ten years. Through these five stories, which are ideologically although not formally linked, I have tried to paint the mood of Serbia today. But following the reaction of the public during the screening of Optimisti at the festivals of Toronto and Copenhagen, I have understood that false optimism is not specific to the Serbs alone. Is this world really invaded by a sense of false optimism as it was at the time of Voltaire? Are we ready to change things or are we going to remain “optimists” mired in the mud? And who has pushed us into this mud? If, after this film, you ask yourselves the same questions as I have, then it will have been worthwhile filming Optimisti (The Optimists).” (G. Paskaljević)
Sceneggiatura / Screenplay: Sławomir Fabicki, Denijal Hasanović, Marek Pruchniewski. Fotografia / Photography: Bogumił Godfrejow. Montaggio / Editing: Jarosław Kamiński. Suono / Sound: Piotr Knop, Michał Żarnecki. Scenografia / Art Director: Wojciech Żogała. Costumi / Wardrobe: Aneta Flis. Interpreti / Cast: Antoni Pawlicki, Natalija Vdovina, Jacek Braciak, Dmytro Melnychuk, Michał Filipiak, Wojciech Ziełiński. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Opus Film. Coproduzione / Co-produced by: TVP SA, Canal+.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Cresciuto senza il padre, il diciannovenne Wojtek vive a Slask, un luogo di povertà e grigiore. È innamorato di una donna più grande di lui, Katja, un’immigrata ucraina con un bambino, ed è pronto a fare qualunque cosa pur di farle avere il permesso di soggiorno per rimanere legalmente in Polonia. Rimane però invischiato nel giro degli incontri clandestini di boxe, dei gangster di piccolo calibro e del recupero dei soldi delle scommesse. Più lotta per garantire alla sua ragazza e al bambino una vita migliore, più cade in basso. Quale sarà il prezzo da pagare per liberarsi da tutto questo? Riuscirà a salvare ciò che è più importante?
“Mi sono sempre interessato alle persone deboli, reiette e moralmente ambivalenti. Quelli che nel prendere le loro decisioni, fanno sempre degli errori, nuocendo a se stessi e agli altri. Ci viene automatico giudicarli, perché non ci chiediamo cosa li spinga a comportarsi in un certo modo. Ci dimentichiamo però che quando il mondo attorno a noi è grigio, anche il confine fra bene e male è più sfumato.” (S. Fabicki)
Brought up without a father, the 19 years-old Wojtek lives in Slask, a gray and poor place. He is in love with an older woman, Katja a Ukrainian emigrant with a child, and is ready to do anything to ensure her legal right to stay in Poland. However, the world of illegal boxing matches, small time gangsters, and debt retrieval has him cornered. The more he fights for a better life for his girlfriend and her child, the lower he himself falls. How much will he have to sacrifice to free himself from a world of evil? Can he salvage that which is most important?
“I have always been interested in people who are weak, rejected and morally ambivalent. In making their decisions in life they make mistakes; they hurt themselves and others. We have no difficulty in judging them, we don’t ask ourselves about the motives behind their behaviour. We forget that when the world around us is grey all clear boundaries between that which is good, and that which is bad, easily blur.” (S. Fabicki)
Isa e Bahar sono due personaggi solitari, in balia di stati d’animo mutevoli che agitano le loro coscienze, alla ricerca di una felicità che non gli appartiene più…
Tre anni dopo Uzak, troviamo Nuri Bilge Ceylan dietro e davanti la mdp, riservandosi il ruolo del protagonista Isa accanto a Ebru Ceylan (Bahar, e sua moglie nella vita reale) e a Nazan Kesal, entrambe già apparse nel film precedente. Iklimler indaga, analizza una coppia in crisi, dove i cambiamenti metereologici riflettono l’evoluzione del legame che unisce Isa a sua moglie Bahar.
“Il film rispecchia il mio punto di vista sulla relazione fra uomini e donne, che non riguarda solamente la società turca. Personalmente, tendo a concentrarmi sui particolari, perché spesso sono questi ad avere le conseguenze maggiori. Per esempio, quando una coppia litiga – talvolta anche violentemente, come avviene nel film – cerchiamo di capire cosa ci sia all’origine del litigio. Spesso, però, si tratta di qualcosa che non si immagina nemmeno, un dettaglio di nessuna importanza.” (N.B. Ceylan)
Isa and Bahar are two lonely figures dragged through the ever-changing climate of their inner selves in pursuit of a happiness that no longer belongs to them...
Three years after Uzak, we find the director, Nuri Bilge Ceylan, both in front of and behind the camera: he thus reserves for himself the leading part by the side of Ebru Ceylan (his wife in real life) and Nazan Kesal, two actresses who already appeared in the credits of his previous picture. Iklimler is indeed the X-ray of a couple in crisis, the meteorological changes echoing the evolution of the ties which unite Isa to his wife Bahar.
“The film reflects my point of view on the relationship between men and women; it doesn’t solely concern Turkish society. I’m inclined to focus on tiny details, for they often have great consequences. For example, when a couple quarrels, sometimes violently as in the film, we try to find out, perhaps out of pride, precisely what lay at the origin of the quarrel. But often, it is something that we can’t guess; it’s a detail of no importance whatsoever.” (N.B. Ceylan)
Francia / France
2006, 35mm, col., 105’
v.o. francese - rumenainglese - italiana - tedesca / French - Romanian - English - Italian - German o.v.
TRANSYLVANIA
Tony Gatlif
Sceneggiatura / Screenplay: Tony Gatlif. Fotografia / Photography: Céline Bozon. Montaggio / Editing: Monique Dartonne. Musica / Music: Tony Gatlif, Delphine Mantoulet. Suono / Sound: Philippe Welsh, Emmanuel Gallet. Scenografia / Art Director: Brigitte Brassart. Costumi / Wardrobe: Rose-Marie Melka. Interpreti / Cast: Asia Argento, Amira Casar, Birol Ünel, Alexandra Beaujard, Marco Castoldi. Produzione / Produced by: Princes Films. Coproduzione / Co-produced by: Pyramide Productions. Distribuzione / World Sales: Pyramide Internationale. Distribuzione italiana / Distributed in Italy by: Lady Film.
Nonostante le apparenze, Zingarina non è una gitana. È una giovane ribelle alla ricerca dell’uomo che ama. L’ha conosciuto in Francia, dove lui l’ha lasciata precipitosamente e senza una parola di spiegazione. Accompagnata dall’amica Marie, che veglia gelosamente su di lei, si getta anima e corpo nel suo “inseguimento” e finisce così in Transilvania. Ritrova il suo amore in una surrealista festa pagana, ma scopre anche che lui non la ama più. Nella follia, nel rumore, nella musica e nell’ebbrezza della festa, la ragazza capisce di essere sola al mondo, ancora una volta senza amore e senza alcun punto di riferimento. Decide allora di lasciare Marie, unico legame che le è rimasto con il passato, per ricominciare tutto da capo, quando incontra Tchangalo, un uomo misterioso, senza casa e senza limiti…
“Era un po’ che volevo fare un film su una donna. Una che perde tutto, si libera della sua identità e si reinventa. Non cercavo una donna che scendesse nelle profondità degli abissi, ma una protagonista combattiva. Una donna che potesse sorprenderci e guidarci verso la luce e la speranza. In questo senso, il mio incontro con Asia Argento è stato determinante: l’ho percepita immediatamente come una guerriera appassionata, in grado di dare al personaggio di Zingarina un miscuglio di sicurezza e fragilità. È quello che invito sempre i miei attori - conosciuti o meno - a fare: trasferire nei personaggi che interpretano tutte le loro esperienze e la loro personalità…” (T. Gatlif)
Despite appearances, Zingarina isn't a Gypsy. She's a young rebellious woman in search of the man she loves. She met him in France, but he left her in a rush, without a word of explanation. Accompanied by her friend Marie, who watches jealously over her, Zingarina launches herself body and soul into her romantic quest and arrives in Transylvania. During a surrealistic pagan festival, Zingarina finds her former lover, but she finds out he doesn't love her anymore. In the madness, the noise, the music, the drunkenness of the celebrations, she learns that she's alone in the world, once again without love, and now without any point of reference. She decides to evade her friend Marie, only connection to her past, to start things all over again when she encounters Tchangalo, a mysterious character who has no home and no boundaries… “It's been a while since I wanted to make a film about a woman. A woman who loses everything, gets rid of her identity and reinvents herself. I didn't want a woman who sinks to the depths of the abyss, but rather a combative protagonist. She must surprise us and leads us towards the light and hope. My meeting with Asia Argento was determining in this respect: I immediately perceived her as a passionate warrior, bringing a blend of assurance and fragility to Zingarina. I always call upon actors - known or not - who impregnate their characters with their experience, their personality..." (T. Gatlif)
concorso cortometraggi
short film competition
10 INSECTS TO FEED di MASBEDO | A DOPPIO FILO di Matteo Oleotto | A VÍRUS di Ágnes
Kocsis | BIR DAMLA SU di Deniz Gamze Ergüven | LA CENA DI EMMAUS di José Corvaglia |
JABA di Andreas Bolm | JOLIDO di Francesco Jost | LAMPA CU CƒCIULƒ di Radu Jude | NOUVELLE GÉNÉRATION di Artemio Benki | OHCET di Petar Pašić | OPEN di Charlotte
Siebenrock | POMIĘDZY di José E. Iglesias Vigil | POYRAZ di Belma Bas | RACHEL di Frédéric
Mermoud | TIR di Radoy Nikolov | ŪDENS di Laila Pakalniņa
10 INSECTS TO FEED
10 insetti da nutrire
MASBEDO (Nicolò Massazza, Jacopo Bedogni)
Italia / Italy 2006, 35mm, col., 5’ v.o. inglese / English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: MASBEDO. Fotografia / Photography: Gherardo Gossi. Montaggio / Editing: Cristina Sardo, MASBEDO. Musica / Music: Vittorio Cosma. Suono / Sound: Fabrizio Romagnoli, MASBEDO. Scenografia / Art Director: Renzo Camerotto. Interpreti / Cast: Ramon Tares, Caterina Silva, Emanuela Villagrossi, Damir Todorovic, Chiara de Luca, Fabrizio Parenti, Carla Chiarelli, Alessandra Chiti, Fiore Corcioni, Gaetano Mallia. Produzione / Produced by: Marco Noire Contemporary Art, Torino.
Una società capitalista dominata dalla paura, com’è quella occidentale, genera fenomeni come terrorismo, immigrazione illegale, meccanismi di seduzione, marketing e un senso spietato di solitudine e disistima. 10 Insects to Feed mostra un mondo dominato da una paura diffusa, in cui esseri umani che sembrano sempre di più degli insetti cercano di sfuggire a questo senso di solitudine e perdita: scappano, ma non hanno alcuna possibilità di farcela. I dieci insetti del titolo sono quelli che si cibano dei corpi in decomposizione e che noi tutti andremo a nutrire prima di trasformarci definitivamente in ricordi e ossa.
A capitalistic society psychologically dominated by fear – like western society is – does generate phenomenons like: terrorism, illegal immigrant, seductive mechanisms, marketing, a pitiless sense of loneliness and disesteem. 10 Insects to Feed shows a world dominated by a social panic. Insects-like beings trying to escape from an atrocious feeling of fear and loss: they escape without having the possibility to escape. 10 Insects to Feed gets its name from the 10 insects that feed themselves with corpses and that we all will nourish before being transformed only in memories and bones.
A DOPPIO FILO
Closely Knit
Matteo Oleotto
Italia / Italy
2006, Betacam SP, col., 24’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Daniela Gambaro, Matteo Oleotto. Fotografia / Photography: Alessandro Vezzani. Montaggio / Editing: Giuseppe Trepiccione. Musica / Music: Santiago Lozano. Suono / Sound: Francesco Tumminello. Scenografia / Art Director: Anton Spacapan. Costumi / Wardrobe: Viola Farassino. Interpreti / Cast: Gian Battista Storti, Guido Feruglio. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Centro Sperimentale di Cinematografia - Scuola Nazionale di Cinema.
concorso cortometraggi / short film competition
Perché il funambolo ha smesso di attraversare i cieli delle città? Perché non vuole più volare? Davide lo sta intervistando da mesi, il suo funambolo - l’oggetto della sua tesi di laurea - ma perché abbia abbandonato il filo non l’ha ancora capito. E così questo ragazzo, timido ed eternamente impaurito, fa quello che non ha mai osato fare: rompe il giuramento, e glielo chiede. Glielo chiede a brutto muso, in barba alla promessa, senza badare alle conseguenze. E il suo coraggio viene premiato con un atto di coraggio: dopo anni di inattività, il funambolo ritorna sul filo e gli dedica la sua traversata più importante.
Why has the tightrope walker stopped crossing the skies of the city? Because he doesn’t want to fly any more? Davide has been interviewing his tightrope walker for months – the object of his thesis – but he still hasn’t understood why his subject has abandoned the high wire. And so this young man, timid and eternally fearful, does what he has never dared do before: he breaks his word and asks him. He does it in a surly fashion, in the teeth of his promise, without bearing in mind the consequences. And his courage is rewarded with an act of courage: after years of inactivity, the tightrope walker returns to his wire and dedicates his most important crossing to him.
Sceneggiatura / Screenplay: Andrea Roberti, Ágnes Kocsis. Fotografia / Photography: Máté Herbai. Montaggio / Editing: Noémi Mehrli. Suono / Sound: Tibor Sallai. Scenografia / Art Director: János Szabolcs. Costumi / Wardrobe: János Breckl. Interpreti / Cast: Andrea Roberti, Gergely Bánki, Gábor Harsay, Iván Kapitány, Annamária Láng, Juli Nyakó, Béla Stubnya, Szabolcs Thuróczy, József Tóth, Anikó Varga. Produzione / Produced by: Filmservice, Színház-és filmművészeti egyetem (Hungarian Academy of Drama and Film).
Un nuovo virus compare nella vita di un giovane virologo. Di un genere che non si sarebbe mai aspettato…
A new kind of virus appears in the life of a young virologist. The kind he wasn’t expecting…
cortometraggi / short film competition
BIR DAMLA SU
Una goccia d’acqua / A Drop of Water
Deniz Gamze Ergüven
Francia / France
2006, 35mm, col., 19’ v.o. turca - francese / Turkish - French o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Deniz Gamze Ergüven, N. Trébal, Léa Fehner. Fotografia / Photography: MatthieuDavid Cournot. Montaggio / Editing: Ludivine Van Gaver. Musica / Music:Kadir Ürün, Deli Dumbaba, Burhan Öçal. Suono / Sound: Nicolas Mas. Scenografia / Art Director: Pauline Bourdon. Interpreti / Cast: Birol Kutagdu, Deniz Gamze Ergüven, Igor Skreblin, Aynur Akan, Hasan Özanne. Voice-over: Rémy Ourdan. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: La Fémis.
Quella che doveva essere una serata divertente si è trasformata nella notte in cui Lale è scomparsa. Un uomo racconta la storia di una giovane turca di cui era innamorato. Lale era cresciuta in Francia, ci viveva, e aveva un modo tutto suo di affrontare le contraddizioni fra le due culture. L’uomo pensava di sapere tutto di lei. Ma quella notte scoprì qualcosa che non aveva mai visto: Lale era divenuta una straniera per tutti.
It should have been a joyful evening. It became the night Lale disappeared. A man tells the story of this young Turkish woman he loved. She had grown up and was living in France and had a surprising way of dealing with the contradictions of her two cultures. He thought he knew everything about her. That very night, he discovered something he newer saw; Lale had become a stranger everywhere and to all.
LA CENA DI EMMAUS
Supper at Emmaus
José Corvaglia
Italia / Italy
2005, 35mm, b-n / b-w & col., 11’ v.o. italiana - inglese / Italian - English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: José Corvaglia, Jacopo Riccardi. Fotografia, musica, suono / Photography, Music, Sound: José Corvaglia. Montaggio / Editing: Andrea Facchini. Scenografia, costumi / Art Director, Wardrobe: Pamela Riccardi. Interpreti / Cast: Massimiliano Taurino, Riccardo Guida. Voce narrante / Narrator: José Corvaglia. Produzione / Produced by: La Fabbrichetta srl. Coproduzione / Co-produced by: Mir Cinematografica. Distribuzione italiana / Distributed in Italy by: Pablo Film. Giocare a nascondino e ritrovarsi in un incubo, trasportato in una terra dove nascondersi diventa una necessità vitale: è questo il destino di Mattia. Nascosto tra gli scaffali di un centro commerciale, Mattia, 10 anni, sta semplicemente giocando a nascondino con i suoi amici, quando viene sorpreso da un
concorso cortometraggi / short film competition
commesso che lo trascina nel magazzino. Un’altra terra, un’altra città, altro che magazzino! Quale segreto si nasconde in quel luogo? Chi è veramente il commesso?
A game of hide and seek turns into a nightmare for Mattia when he finds himself transported to another country where hiding can mean the difference between life and death. Ten year-old Mattia is simply playing hide n’seek with a group of friends in a supermarket when a shop assistant finds him and drags him into the store room at the back of the shop. However, this is no ordinary store room; it is another city in another country. What secrets does this place conceal? Who is the shop assistant?
Sceneggiatura, montaggio / Screenplay, Editing: Andreas Bolm. Fotografia / Photography: Gerd Breiter. Musica / Music: DiBasa. Suono / Sound: Karoly Stocker. Interpreti / Cast: Zoltan Nagy, Lajos Nagy, Margit Nagy, Tamás Nagy. Produzione / Produced by: Weltfilm GmbH. Coproduzione / Co-produced by: Pickpocket Production, Hochschule für Fernsehen und Film (HFF) München. Con il sostegno di / Supported by: FFF FilmFernsehFonds Bayern, Bayerisches Staatsministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst. Distribuzione internazionale / World Sales: Internationale Kurzfilmtage Oberhausen.
Zoli si guadagna da vivere all’estero, in un laboratorio di pellicce in Danimarca. Il film inizia raccontando il ritorno di Zoli al suo paese d’origine, un villaggio ungherese di nome Jaba. La sua famiglia, un gruppo di Rom che si è stabilito in periferia, si arrangia per vivere, lavorando a giornata. Jaba non offre nulla a Zoli, né lavoro né prospettive. L’unica cosa da fare è trovare un modo per passare il tempo. Jaba racconta come si sopravvive in una delle zone più povere dell’Europa e i protagonisti del film ‘mettono in scena’ le loro vite reali.
Zoli earns his livehood abroad in a Danish furfactory. The film begins with Zoli’s return to the outskirts of his town, a small Hungarian village named Jaba. Zoli’s family, a Rom clan who have settled down, struggle to earn their living by working as day-laborers. Jaba offers neither work and nor prospects for Zoli; the only challenge for him is how to kill time. Jaba tells the story of survival in one of Europe’s poorest regions. The protagonists portray their own lives.
concorso cortometraggi / short film competition
JOLIDO
Francesco Jost
Svizzera / Switzerland
2006, Digi Beta, col., 25’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Francesco Jost, Flavio Stroppini. Fotografia / Photography: Pietro Zürcher. Montaggio / Editing: Sabrina Foti. Musica / Music: Laura Inserra. Suono / Sound: Marco Saitta. Scenografia / Art Director: Paola Genni. Costumi / Wardrobe: Laura Corti. Interpreti / Cast: Joe Lars Prinz, Emanuele De Matteis, Antonella Cerminara, Daniele Favilli, Greta Zamparini, Roberto Magnani. Produzione / Produced by: Ventura Film SA. Coproduzione / Co-produced by: RTSI Televisione Svizzera. Con il sostegno di / Supported by: Ufficio Federale della cultura del Canton Ticino, Filmplus della Svizzera Italiana.
Un venerdì sera, incoraggiati da un dj radiofonico a sfuggire alla monotonia quotidiana, un gruppo di persone si mette in viaggio verso una destinazione ignota... Un road movie che racconta di gente comune.
One Friday night, incited by a radio dj to abandon the monotony of their everyday lives, a group of people take to the road, en route to an unknown destination… Jolido is a road movie about ordinary people.
LAMPA CU CƒCIULƒ
Il tappo della valvola / The Tube With a Hat
Radu Jude Romania 2006, 35mm, col., 23’ v.o. rumena / Romanian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Florin L„z„rescu. Fotografia / Photography: Marius Panduru. Montaggio / Editing: C„t„lin Cristutiu. Suono / Sound: Andrei Toncu. Costumi / Wardrobe: Augustina Stanciu. Interpreti / Cast: Marian Bratu, Gabriel Spahiu, Natalia C„lin, Alexandru Georgescu, Adrian V„ncic„. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Hi Film Productions
Con un borsone pesante e ingombrante, padre e figlio partono dal loro villaggio per la città. Nel borsone c’è un televisore rotto e lo scopo del viaggio è quello di cercare qualcuno che lo ripari...
Carrying a bulky shopping bag, a father and his son travel from their village into town. The bag contains a broken television and the trip has the purpose of finding somebody to fix it...
concorso cortometraggi / short film competition
NOUVELLE GÉNÉRATION
Nuova generazione / New Generation
Artemio Benki
Francia / France
2006, 35mm, col., 14’ v.o. francese / French o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Artemio Benki. Fotografia / Photography: Igor Luther. Montaggio / Editing: Michal Lansky. Suono / Sound: Gilles Bénardeau, Olivier Dô Hûu. Scenografia / Art Director: David Bersanetti. Costumi / Wardrobe: Adélaïde Potherat. Effetti speciali / Special Effects: Upp. Interpreti / Cast: Caroline Ducey, Anne See, Sabrina Seyvecou, Jean-Damien Barbin. Produzione, distribuzione Internazionale / Produced by, World Sales: Vendetta Films.
Un mondo futuro dominato dal totalitarismo. Emma è in cerca della sorella scomparsa…
A future world infected with totalitarianism. Emma is looking for her disappeared sister...
OHCET
Il matrimonio / The Wedding
Petar Pašić
Slovenia
2005, 35mm, col., 15’ v.o. serba - slovena / Serbian - Slovenian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Petar Pašić. Fotografia / Photography: Mirko Pičevič. Montaggio / Editing: Olga Toni. Musica / Music: Nikola Pejaković. Suono / Sound: Studio Ritem. Scenografia / Art Director: Urša Loboda. Costumi / Wardrobe: Sanja Grcić. Interpreti / Cast: Marija Karan, Bojan Dimitrjević, Milena Zupančič, Janez Škof, Neboljša Glogovac, Nikola Pejaković, Ivana Škorić, Matija Vastl, Magdalena Kropiuning. Produzione / Produced by: Studio Arkadena. Coproduzione / Co-produced by: RTV Slovenia-Cultural and Arts Programme. Con il sostegno di, distribuito da / Supported by, Distributed by: Filmski Sklad RS (Slovenian Film Fund).
Pranzo di nozze in un capanno di caccia. Animali impagliati alle pareti, tavoli carichi di cibo, tutto sembra allegro e gioioso, proprio come dovrebbe essere una festa. Ma sono davvero tutti così felici e animati da buone intenzioni? Le persone sono degli strani animali dalle mille pulsioni: invidia, odio, lussuria… Non ci vuole molto perché gli istinti più nascosti vengano alla superficie: ma quando questo accade è come una valanga difficile da fermare. Tutte le maschere cadono, ed è allora che diventa chiaro chi è l’animale e chi la bestia.
concorso cortometraggi / short film competition
The wedding party at a hunting lodge. Stuffed animals on the walls, meat on the tables, everything seems cheerful and joyous, just as a party should be. But is everyone really happy and with good intentions? People are strange animals with so many different impulses: envy, hatred, lust… It doesn’t take much for all those hidden instincts to come to surface and when the avalanche starts it is hard to be stopped. All the masks will fall down and it will become clear who is an animal and who is a beast.
OPEN
Aperto
Charlotte Siebenrock
Germania / Germany
2005, 35mm, col., 7’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura / Screenplay: Charlotte Siebenrock. Fotografia, montaggio / Photography, Editing: Peter Nix. Musica / Music: Rainer Oleak. Suono / Sound: Daniel Pichotka. Interpreti / Cast: Judith Sehrbrock, Karin Ugowski, Katharina Zapatka. Produzione / Produced by: Preußen Film Medien GmbH. Con il sostegno di /
Supported by: Der Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM).
È un cortometraggio su una lunga storia: sulle possibilità dell’amore, su tre donne, sulle possibilità e sull’onnipotenza della paura e della minaccia.
It is a short film about a long story: about the possibilities of love, three women, chances and the omnipotence of fear and threat.
POMIĘDZY
Nel mezzo / In Between
José E. Iglesias Vigil
Polonia / Poland
2006, 35mm, col., 17’ v.o. polacca / Polish o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: José E. Iglesias Vigil. Fotografia / Photography: Michał Popiel-Machnicki. Montaggio / Editing: Barbara Snarska. Suono / Sound: Henryk Zastróżny. Interpreti / Cast: Przemysław Wasilkowski, Izabella Kuna, Adam Nawojczyk, Tomasz Sobczak. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: PWSFTviT (Pánstwowa Wyższa Szkoła Filmowa Telewizyina i Teatralna). Con il sostegno di / Supported by: Polski Instytut Sztuki Filmowej.
concorso cortometraggi / short film competition
Fra la solitudine e l’amore c’è posto per la sincerità? Alicia è incinta e vuole avere il bambino. Il suo compagno Mateusz, spinto da misteriosi motivi, non è d’accordo con questa decisione che cambierà loro la vita. Per paura di rimanere solo, Mateusz deve allora confrontarsi con i suoi tormenti esistenziali.
In between solitude and love, is there a place for sincerity? Alicia is pregnant and wants to have the child. Her partner Mateusz, moved by a hidden reason, doesn’t agree with her life-changing decision. Fearing loneliness Mateusz will have to confront his own existential struggles.
Sceneggiatura / Screenplay: Belma Bas. Fotografia / Photography: Mehmet Y. Zengin. Montaggio / Editing: Berke Bas. Musica / Music: Erdem Helvacioglu. Suono / Sound: Ismail Karadas. Scenografia / Art Director: Budak Akalin, Yasemin Özcan Kaya, Serpil Ülker. Costumi / Wardrobe: Sevinç Bas, Ulfet Keser. Interpreti / Cast: Seyma Uzunlar, Sevinç Bas, Oktay Kaptan, Müjgan Öztürk, O. Rüstü Bas, Çitir. Produzione / Produced by: Filmik Productions. Coproduzione, distribuzione internazionale / Co-produced by, World Sales: inHouse projects.
Un bambino, che vive con i nonni in una vecchia casa tra le montagne, osserva la routine della vita quotidiana e scopre i misteri della vita e della morte.
Living with his grandparents in an old house in the heart of the mountains, a child observes the everyday routine and discovers the mysteries of life and death.
RACHEL
Frédéric Mermoud
Francia / France 2006, 35mm, col., 15’ v.o. francese / French o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Frédéric Mermoud. Fotografia / Photography: Thomas Hardmeier. Montaggio / Editing: Sarah Anderson. Musica / Music: Sinner, Mig, Stéphane Scott. Suono / Sound: Julien Gonzales, Bruno Reiland, Florent Lavalée. Scenografia / Art Director: Fabienne Benisti. Costumi / Wardrobe: Hannah Sjodin. Interpreti / Cast: Nina Meurisse, Eric Ruf, Tina Becker, Damien Taranto, Mathieu Dessertine. Produzione / Produced by: Tabo Tabo Films. Coproduzione / Co-produced by: FCA Films.
concorso cortometraggi / short film competition
Rachel, una studentessa diciannovenne, arrotonda facendo da baby-sitter al piccolo Hugo, che ha tre anni e vive solo col padre. Approfittando del fatto che l’uomo raramente rientra a casa prima dell’alba, Rachel invita la sua migliore amica e due ragazzi a trascorrere la serata con lei… Frédéric Mermoud torna, a tre anni di distanza dal precedente film L'escalier, sulle tracce della medesima protagonista. Soffermandosi sulle incertezze di Rachel di fronte al sesso, il regista ne sottolinea le paure e i dubbi rispetto alla scoperta della sensualità.
Rachel a 19 year-old student, pays her way by looking after Hugo, who is three and whose father is raising him alone. Because the father does not get home frequently until the early morning, the young woman takes advantage of the situation and invites her best friend and two boys over... Frédéric Mermoud, three years after his previous film L'escalier, features the same film protagonist as she charts the first stirrings of desire. Focussing on Rachel's prevarications around sexuality, the director offers a depiction of her fears and doubts as she discovers sensuality.
Sceneggiatura / Screenplay: Radoy Nikolov. Fotografia / Photography: Nenad Boroevic. Montaggio / Editing: Radoy Nikolov, Nina Altuparmakova, Zina Nacheva. Musica, suono / Music, Sound: Blagomir Aleksiev. Scenografia, costumi / Art Director, Wardrobe: Teodora Parvanova. Interpreti / Cast: Rusi Chanev, Simeon Kamberov, Tzenko Minkin, Stanislav Stanev, Nikolai Chilov, Dimo Dimov, Valentin Gohev, Petar Gaytangiev, Petar Meltav, Krum Berkov, Said Askari, Dgavad Nuri. Produzione, Distribuzione Internazionale / Produced by, World Sales: NATFA “Krustyo Sarafov”. Coproduzione / Co-Produced by: Boyana Film Studios.
Nella speranza di trovare un posto in cui vivere dignitosamente, un gruppo di rifugiati affronta un viaggio a bordo di un camion. Le condizioni all’interno del container di metallo sono terribili. Esausti e sfiduciati, gli occupanti si mettono a dormire...
Hoping to find a place to live in dignity, a group of refugees are travelling in a truck. The conditions in the metal interior of the lorry are horrible. Exhausted and faithless, the inhabitants of the cargo van “go to sleep”...
concorso cortometraggi / short film competition
ŪDENS
Acqua / Water
Laila Pakalniņa
Lettonia / Latvia
2006, 35mm, col., 12’ v.o. lettone / Latvian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Laila Pakalniņa. Fotografia / Photography: Gints Bērziņš, Kaspars Brak , is (riprese subacquee / underwater shooting). Montaggio / Editing: Kaspar Kallas. Suono / Sound: Anrijs Krenbergs. Scenografia / Art Director: Jurģis Krāsons. Costumi / Wardrobe: Līga Krāsone. Interpreti / Cast: Guna Zariņa, Gundars Āboliņš, Irina Jegorova, Emīls Elnionis. Produzione / Produced by: Hargla Company. Distribuzione internazionale / World Sales: National Film Centre of Latvia.
Maria decide di andare a nuotare in piscina, anche se non c’è nessuno e viene avvertita che l’acqua è molto fredda. Quando inizia a nuotare deve confrontarsi non solo con la temperatura dell’acqua ma anche con altri pensieri e sensazioni. Come la paura.
Maria decides to go for a swim in the pool even though it looks deserted and she’s warned that the water is cold. When she gets into the pool she is faced with not only the frigid water, but with her other feelings as well. Like fear.
concorso documentari documentary competition
BABICE REVOLUCIJE di Petra Seliskar | BLOKADA di Sergej Loznica | BORTGLÖMDA di Agnieszka Lukasiak | EDIN KINOMAN V NAČALOTO NA VEKA di Petar Odažiev | DIE GUTE
LAGE di Nancy Brandt | HERR PILIPENKO UND SEIN U-BOOT di Jan Hinrik Drevs, René
Harder | HOMELAND di Hannah Skrinar | INÉ SVETY di Marko Škop | KANIKULY di Marina
Razbežkina | KARNEVAL di Alen Drljević | KLINIKA di Tomasz Wolski | MAGNUM MISTERIA di
Viktor Dašuk | MOJA SUSJEDA TANJA di Petar Krelja | NA DZIAŁCE di Thierry Paladino | NACH
DRESDEN di Vittorio Curzel | POD OTKRITIM NEBOM di Arman Yeritsian | SEJDEME SE V
EUROCAMPU di Erika Hniková | A STORY OF PEOPLE IN WAR AND PEACE di Vardan
Hovhannisyan | THEIR HELICOPTER di Salome Jashi | V POISKACH SČASŤJA di Aleksandr
Gutman | VIEWS OF A RETIRED NIGHT PORTER di Andreas Horvath | VUKOVAR -
POSLEDNJI REZ di Janko Baljak | VULKANOVKA. PO DIDŽIOJO KINO di Giedrė Beinoriūtė
fuori concorso / out of competition
EVROPA PREKO PLOTA di Želimir Žilnik
evento speciale / special event
IL MONDO ADDOSSO di Costanza Quatriglio
omaggio alla radio televisione svizzera di lingua italiana (RTSI) / homage to italian-language swiss television network (RTSI)
CENERENTOLA NON ABITA PIÙ QUI di Matteo Bellinelli | PÉDRA. UN REPORTER SENZA
FRONTIERE di Villi Hermann | STRADA ÜLLÖI 22. BUDAPEST 1956 di Misha Györik
BABICE REVOLUCIJE
Le nonne della Rivoluzione / The Grandmothers of the Revolution
Petra Seliskar
Slovenia - Cuba - Macedonia - Paesi Bassi / Slovenia - Cuba - Macedonia - The Netherlands 2006, Betacam SP, col., 96’ v.o. slovena - macedone - cubana - inglese / Slovenian - Macedonian - Cuban - English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Brand Ferro, Petra Seliskar. Fotografia / Photography: Brand Ferro. Montaggio / Editing: Filip Grcevski. Musica / Music: Nikola Kodabasija. Suono / Sound: Vladimir Rakic. Voci fuori campo / Voice over by: Rogier Dijkman, Petra Seliskar, Noam Chomsky, Jello Biafra. Produzione / Produced by: Petra Pan Film Production. Coproduzione / Co-produced by: RTV Slovenija, Dream Factory, Kaos Studio, Movimiento Nacional de Video. Con il sostegno di / Supported by: Ministero della Cultura della Repubblica slovena (Ministry of Culture of Slovenia). Distribuzione internazionale / World Sales: Journeyman Pictures.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Petra Seliskar indaga sul ruolo che ha avuto l’ideologia nella sua storia familiare intervistando il nonno paterno, la nonna materna del suo compagno Brand (macedone) e quella paterna (cubana). Con l’ausilio di vecchie foto e filmati amatoriali, Petra racconta la storia della sua famiglia, quella della Jugoslavia sotto Tito, la guerra recente. Dopo la Seconda guerra mondiale, suo nonno è stato imprigionato per dodici anni nel campo di prigionia sloveno di Kocevje, a causa della sua opposizione ai partigiani. Ilinka, la mamma di Brand, racconta di suo zio (Brand anche lui) ucciso dalla polizia durante una dimostrazione contro il regime. Al funerale, la nonna di Brand tenne un discorso di tono nazionalista e da allora il giorno della morte di zio Brand è divenuta festa nazionale in Macedonia. La donna continua a sostenere anche adesso la necessità della dittatura, e della paura, per ricostruire un paese. Le sue opinioni sono parallele a quelle dell’altra nonna di Brand, che vive a Cuba e difende il sistema del partito unico cubano.
Seliskar investigates the role of ideology in her personal family history by means of interviews with her paternal grandfather, her Macedonian boyfriend Brand's maternal grandmother and his Cuban grandmother on his father's side. Illustrated by archive footage and home movies, her voice-over describes her family's personal story, Yugoslavia under Tito, and the recent war. After WWII, her grandfather was imprisoned for 12 years in the Slovenian prison camp Kocevje for his nationalist fight against the partisans. Brand's mother Ilinka tells about his uncle, also called Brand, who was shot by the police during a demonstration against the regime. At his funeral, his mother (Brand's grandmother) held a nationalist speech; since then, the day of his death has been a national holiday in Macedonia. Nowadays, this grandmother still supports the necessity of dictatorship and fear in order to rebuild a country. Her views parallel those of Brand's other grandmother, who lives in Cuba and defends the one-party system there.
BLOKADA
Assedio / Blockade
Sergej Loznica
Russia
2005, 35mm, b-n / b-w, 52’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, montaggio / Screenplay, Editing: Sergej Loznica. Suono / Sound: Vladimir Golovnickij. Produzione / Produced by: St. Petersburg Documentary Film Studio. Distribuzione / World Sales: Deckert Distribution.
ANTEPRIMAITALIANA
/ ITALIANPREMIERE
Il documentario è costruito unicamente su immagini d’archivio che il regista ha ritrovato negli archivi di Mosca, relative all’assedio di Leningrado (1941-44), l’attuale San Pietroburgo. Grazie all’utilizzo di immagini originali mute e di una sonorizzazione ricostruita meticolosamente in studio, le scene di vita quotidiana durante l’assedio sembrano essere girate ai giorni nostri. Senza intervenire in fase di montaggio ma lasciando che siano le immagini a raccontare, le scene che vediamo sullo schermo vanno al di là della contingenza storica degli eventi: non sono una mera evocazione del passato quindi, ma diventano una realtà ‘rianimata’ che lascia senza fiato.
A documentary only composed by material Sergei Loznitsa found in the archives in Moscow about the siege of Leningrad during the World War II (1941-44), now St. Petersburg. By providing the originally silent images with a meticulously reconstructed soundtrack, the scenes from everyday life under siege seem to be set in the present. By not intervening in the montage but giving the scenes room to tell a story, the scenes transcend the specific historic events. They do not evoke memories of the past, but become a breathtaking reanimation of reality.
Sceneggiatura / Screenplay: Agnieszka Lukasiak. Fotografia / Photography: Kacper Lisowski. Montaggio / Editing: Agnieszka Lukasiak, Jaroslaw Barzan. Musica / Music: Antoni Lazarkiewicz. Suono / Sound: Olli Huhtanen. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Hysteria Film AB. In associazione con / In association with: Kinotar Oy. Coproduzione / Co-produced by: Sveriges Television Dokumentär, YLE Co-productions. Con il sostegno di / Supported by: Finnish Film Foundation, Nordic Film & TV Fund, Swedish Film Institute.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Bortglömda è un film su due giovani donne e la loro lotta per avere una vita normale. Ania e Gosia vivono nell’area delle ex aziende agricole collettivizzate (PGR), i grandi campi di lavoro per contadini istituiti in Polonia durante l’epoca d’oro del comunismo. Con il cambio di sistema politico, i campi sono stati lasciati nel più totale abbandono. Un mondo dimenticato sia dai cambiamenti rivoluzionari che hanno investito la società che dal capitalismo selvaggio. Un mondo dimenticato al centro dell’Europa. Le due donne sono costrette a partire per Varsavia in cerca di una vita migliore. Qui si trovano di fronte a situazioni che mettono a dura prova ogni loro convinzione, valore e credo religioso.
Bortglömda is a film about two young women and their struggle for the right to a normal life. Ania and Gosia live in the former PGRs areas - the gigantic labour camps that were set up for farmers during the communist heyday in Poland. After the change of the political system the camps have been left in poverty and penury. A forgotten world in the midst of revolutionary societal changes and brutal capitalism. A forgotten world in the middle of Europe. The women are forced to travel to Warsaw in search for a better life. Here they are confronted with situations that put their convictions, values and religious beliefs to the test.
EDIN KINOMAN V NAČALOTO NA VEKA
Un fanatico di cinema all’alba del nuovo secolo / A Movie Buff at the Turn of the Century
Petar Odažiev
Bulgaria
2005, Betacam SP, col., 30’ v.o. bulgara / Bulgarian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Boryana Mateeva. Fotografia / Photography: Emil Penev. Montaggio / Editing: Vesela Videlova, Olia Koicheva. Musica / Music: Valentin Stamov. Suono / Sound: Vladimir Kaloianov, Alexander Simeonov. Produzione / Produced by: BNT (Bulgarian National Television).
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Georgi Angelov è il più grande fanatico di cinema che la Bulgaria abbia mai avuto. La sua vita infatti è come una strana storia d’amore. Un amore che per lui significa molto, ma che esige anche molto. Eppure, Georgi non si stanca mai di quegli appuntamenti nelle sale buie di un cinematografo…
Georgi Angelov is the greatest ever movie buff of Bulgaria. His life is in fact an unusual love story. This is a love that means a lot to him, but it also takes a lot. Yet, Georgi never tires of his dates in the dark movie theatre…
DIE GUTE LAGE
In una buona posizione / In a Good Position
Nancy Brandt
Germania / Germany
2006, 16mm, b-n / b-w, 14’ v.o. tedesca / German o.v.
Thomas Doberitzsch. Suono / Sound: Martin Nudow. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Hochschule für Fernsehen und Film (Munich).
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Il documentario affronta il tema delle cosiddette “città satellite” che si trovano nelle periferie di tutte le grandi città tedesche. Si tratta in genere di zone che godono di una reputazione pessima: si dice che vi vengono commessi molti crimini, che gira molta droga e, ovviamente, che ci sono troppi immigrati...
“Ho voluto fare questo film sulla casa dove abito a Monaco, perché mi hanno proprio fatta arrabbiare tutti i pregiudizi che gli abitanti di Monaco hanno nei confronti di quest’area. La casa si trova proprio in una di quelle “città satellite” che godono di pessima reputazione... Così ho voluto verificare cosa significa ciò per coloro che abitano in questa zona. Ed è stato piuttosto interessante ascoltare le storie delle famiglie, conoscere quali sono stati i motivi che le hanno portate a vivere nel palazzo e in quella zona. E l’altra domanda ricorrente è stata: che significato ha per loro la parola ‘casa’?” (N. Brandt)
The film deals the theme of so called “satellite towns” of all big cities of Germany. These areas have a really bad reputation, because people say there are a lot of crimes, drugs and – of course – too much immigrants...
“I’ve made a film about the house where I live in Munich, because I got really angry about the prejudices which are linked by the population of Munich to this area. The house is situated in a so called “satellite town” which has a really bad reputation... So I wanted to find out what does it mean to the people living in this house situated in such an area. And it was quite interesting to listen to the stories of the families and which circumstances have connected them to this building and its environment. And there was always the question: What does it mean to them: ‘home’?” (N. Brandt)
HERR PILIPENKO UND SEIN U-BOOT
Il signor Pilipenko e il suo sottomarino / Mr. Pilipenko and His Submarine
Sceneggiatura / Screenplay: Jan Hinrik Drevs, René Harder. Fotografia / Photography: Florian Melzer. Montaggio / Editing: Renate Ober. Musica / Music: Hinrich Dageför, Frank Wulff, Stefan Wulff, Henning Stoll. Suono / Sound: Torsten Silbermann. Interpreti / Cast: Vladimir Andreevič Pilipenko, Anja Michalovna Pilipenko, Sergej Semijonovi č Chon č arov. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: nonfictionplanet film & television GmbH. Coproduzione / Co-produced by: NDR, ARTE.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Cosa fareste con un mucchio di ferraglia, dei pezzi di ricambio e 30 anni da passare nella steppa ucraina? Vladimir Pilipenko ha costruito un sottomarino. A grandezza naturale. E nel lago del villaggio il suo sommergibile ha funzionato! Ma Vladimir ha in mente qualcosa di più grande del piccolo lago. Vuole provare al mondo che il suo sottomarino può realmente andare in immersione, nel mar Nero a 400 chilometri dal suo villaggio. E così parte. Ma non prima di aver fatto prove su prove, test rigorosi, sotto gli occhi attenti e affascinati degli abitanti del piccolo villaggio. E dopo aver finito tutti i preparativi, un vecchio e traballante camion, usato per il trasporto del grano, porta il sottomarino e il suo costruttore attraverso la steppa e le montagne, verso la costa della Crimea, dove il mar Nero raggiunge rapidamente la profondità di 1000 metri. Qui Vladimir e il suo sottomarino devono affrontare la prova più dura. Prima di andare in pensione, Vladimir Pilipenko lavorava come gruista in un’azienda agricola collettiva. All’età di 62 anni è un tranquillo padre di famiglia ‘con i piedi per terra’, molto più di altri nel piccolo villaggio di Yevgenivka. Con l’eccezione che Vladimir ha voluto realizzare un sogno. Sullo sfondo della vita semplice di un piccolo villaggio ucraino, ecco il ritratto di Vladimir il sognatore, ma anche uomo pieno di risorse e di ingegno.
What would you do with a pile of scrap metal, some old spare parts and 30 years to kill in the Ukrainian steppe? Vladimir Pilipenko built a submersible. Life size. And in the village lake, his submersible worked! But Vladimir has set his sights on something bigger than the local pond. He wants to prove to the world that his sub can really dive – in the Black Sea, 400 kilometres away. So off he goes. But not before the submersible has undergone rigorous trials, under the fevered gaze of a fascinated village. With trials complete and preparations made, a rickety old grain transporter drags the sub and its creator over steppe and mountains to the Crimean coast, where the Black Sea floor drops steeply away for 1,000 metres. Here Vladimir and his submersible face their most daunting challenge yet. Back in real life before his retirement, Vladimir Pilipenko was a crane operator on a collective farm. Aged 62, he’s a quiet family man with his feet firmly on the ground, much like everyone else in the tiny village of Yevgenivka. Except Vladimir has stayed true to a dream. With the sober backdrop of life in a Ukrainian village, we get to know Vladimir the dreamer, but also the resourceful and ingenious technician.
HOMELAND
Patria
Hannah Skrinar
Regno Unito - Slovacchia - Ucraina / United Kingdom - Slovakia - Ukraine 2005, Betacam SP, col., 56’ v.o. slovacca - ungherese - ucraina - inglese / Slovak - Hungarian - Ukrainian - English o.v.
Fotografia / Photography: Robert Nevitt. Montaggio, suono / Editing, Sound: Neil Fergusson, Hannah Skrinar. Musica / Music: Tamas Kalman. Interpreti / Cast: Peter Lizak, Janos Gilanyi, Zuzana Hudakova, Barbora Nagy. Produzione / Produced by: Thomas Littlewood, Hannah Skrinar. Con il sostegno di / Supported by: One World Broadcasting Trust, Northern Media School Production, Norton College Skills For Business. Distribuzione internazionale / World Sales: Journeyman Pictures.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
“Non mi sono mai mosso da qui, ma questo è il quarto paese in cui vivo da quando sono nato. Eppure, la casa è sempre quella e il posto pure”, dice un abitante di Palagykomoroc. Per secoli, questo tranquillo villaggio è stato ungherese. Poi, con l’arrivo dei sovietici, venne eretto un confine che attraversava letteralmente il paese. Le famiglie vennero divise, così come il villaggio. Metà entrò a far parte dell’Ucraina, mentre l’altra metà venne annessa alla Cecoslovacchia, divenuta poi Slovacchia. L’Unione Sovietica non esiste più, ma la divisione è rimasta, segnando il paesaggio e la mentalità delle persone. Per gli abitanti della parte ucraina, la vita è peggiorata in fretta, per quelli della parte slovacca l’ingresso nell’Unione Europea ha aperto nuovi spiragli di speranza. Per molti anni, sono stati proibiti persino i contatti verbali fra una parte e l’altra della comunità. La maggior parte di quelli che c’erano quando venne fatta la partizione sono ormai morti e i loro discendenti non conoscono nemmeno più i loro parenti dell’altra parte. Con la fine del comunismo, l’economia del villaggio è crollata miseramente. I giovani emigrano in Repubblica Ceca, ma le persone più anziane non hanno alcun posto dove andare…
“I haven’t gone anywhere and I’m living in my fourth country. But it’s still the same house in the same place”, says a Palagykomoroc’s inhabitant. For centuries, this sleepy village was Hungarian. Then the Soviets arrived and erected a border through the heart of the village. Families were divided; the village was torn in two. Today, the partition still remains. Half the village, in fact, became part of Ukraine and the other half was given to Czechoslovakia, later becoming Slovakia. Today, the Soviet Union doesn’t exist anymore, but the partition still remains in landscape and people’s mentalities. For the villagers living in Ukraine, life quickly deteriorated, while the Slovaks are now one of the newest members of the European Union. For many years, even verbal contact between the two parts of the community was prohibited. Most of those who lived through the early days of partition are now dead; their descendants estranged from their neighbouring relatives. Since the end of Communism, the village’s economy has collapsed. While the young migrate to the Czech Republic, for the elderly, there is nowhere else to go...
Sceneggiatura / Screenplay: Marko Škop. Fotografia / Photography: Ján Meliš. Montaggio / Editing: František Krähenbiel. Suono / Sound: Igor Vrabec. Interpreti / Cast: Ján Lazorík, Fedor Vico, Katarína Hrehorčáková, Ignác Červeňák, Stano Čorej, Tóno Triščík. Produzione / Produced by: Artileria. Coproduzione / Co-produced by: Studio Mirage. Distribuzione internazionale / World Sales: Taskovski Films.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
La regione slovacca orientale di Šariš si trova sul confine fra Europa occidentale ed Europa orientale. Il territorio che si stende ai piedi dei Carpazi orientali è nato da un miscuglio colorato di nazionalità e religioni, dando vita col tempo a una “piccola Babele” del nostro mondo. Il documentario analizza il cosiddetto processo di globalizzazione negli effetti che produce sulle storie individuali e sulle vite degli abitanti di Šariš, ritraendo sei diversi personaggi che rappresentano le comunità presenti nella zona: gli abitanti di Šariš, i ruteni, i rom e gli ebrei. Il regista analizza i molti modi in cui l’unicità e la tradizionale diversità di queste comunità sta progressivamente scomparendo e va alla ricerca della bellezza dell’individuo considerato nella sua dimensione originaria, autentica e affascinante. Premio del pubblico e Menzione speciale della giuria all’ultimo festival di Karlovy Vary.
“La regione ha un fascino tutto particolare anche perché, in virtù della sua posizione a cavallo fra Europa orientale e occidentale, rappresenta un’originale linea di demarcazione fra l’individualismo razionale occidentale e la dirompente espressività dei popoli orientali. Potrebbe essere questa una delle ragioni per cui gli abitanti orientali della Slovacchia sono considerati diversi rispetto a quelli del resto del paese; spiegherebbe anche perché spesso vengono chiamati ‘pazzi orientali’.” (M. Škop)
The East Slovak region of Šariš lies on the border between Western and Eastern Europe. The territory below the East Carpathian mountains developed from a colourful national and religious blend which ultimately gave rise to one of the “little Babels” of this world. Marko Škop’s documentary film follows the so-called globalising process and its effect on the individual stories and lives of the inhabitants of Šariš. The film portrays six differing individuals who represent their own communities - the Šariš inhabitants, the Ruthenians, Gypsies and Jews. The director examines the various ways in which uniqueness is gradually disappearing from different communities in all their traditional diversity, and he also seeks the beauty of the original, authentic and fascinating individual.
Prize of the Audience and Special Mention of the Jury at the latest Karlovy Vary International Film Festival.
“The region has a special charm also because of its position on the border dividing Eastern and Western Europe, it creates an original borderline between western rational individualism and the expressive emotionality of Eastern nations. That could be one of the reasons why the easterners in Slovakia are considered slightly different when compared to the rest of the country and could explain why they are often called ‘the crazy easterners’.” (M. Škop)
Sceneggiatura / Screenplay: Marina Razbežkina. Fotografia / Photography: Irina Urulskaja. Montaggio / Editing: Yuri Geddert. Musica / Music: Anton Sylaev. Suono / Sound: Viktor Brus. Produzione / Produced by: Studio Risk Film.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
I bambini dell’etnia Mansi che frequentano il collegio nella cittadina di Ivdeľ, la città più a nord della regione di Sverdlovsk in Siberia, aspettano con impazienza le vacanze invernali. Non vedono l’ora di tornare al loro villaggio natale, Treskoľe, dove non ci sono né televisione, né videogames. Per raggiungerlo, bisogna passare un’intera giornata su un autocarro malmesso, attraverso foreste e distese coperte di neve. Eppure, nulla è meglio di casa, dove puoi andare sullo slittino o giocare a carte tutta la notte con la nonna, alla luce fioca della lampada a petrolio. La routine è interrotta solo da qualche incidente che segna lo scorrere del tempo: un bambino si brucia, un’auto scivola sul ghiaccio, qualcuno si perde nei boschi... Un modo di vivere visto attraverso gli occhi dei bambini, per cui le vacanze invernali rappresentano una breve pausa dalla vita che conducono in città, dove non ci sono né tradizioni né amore.
The Mansi children at the boarding school in the small town of Ivdeľ, the northernmost town in Sverdlovsk region (Siberia), are waiting impatiently for the winter break. They are eager to return to their native village, Treskoľe, where there are no televisions or computer games. It takes a whole day to cover a hundred and fifty kilometers in a weather-beaten lorry, through forests and snow-covered plains. Yet nothing is better than home, where you can go sledging or play cards with grandmother in the bleak light of the kerosene lamp all evening long. The laconic routine is interrupted by accidents which punctuate the predictable passage of time: a child burns himself, a car falls through the ice, somebody gets lost in the woods... A way of life seen through the children’s eyes, for whom holidays are a short break from life in town, where there are no traditions, and where there is no love.
KARNEVAL
Carnevale / Carnival
Alen Drljević
Bosnia Erzegovina / Bosnia & Herzegovina 2006, Betacam SP, col., 71’ v.o. bosniaca / Bosnian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Alen Drljević, Šeki Radončić. Basata sulle ricerche di Šeki Radončić per il suo libro Kobna Sloboda / Based on research by Šeki Radončić for his book Kobna Sloboda. Fotografia / Photography: Mustafa Mustafić. Montaggio / Editing: Almir Kenović. Musica / Music: Adnan Zilić. Suono / Sound: Predrag Doder. Voce narrante / Narrator: Šeki Radončić. Produzione / Produced by: Mediacentar Sarajevo. Con il sostegno di / Supported by: European Commission CARDS Program, Open Society Fund B&H, Swedish Helsinki Committee.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Nella primavera del 1992, per fuggire dagli orrori della guerra, molti profughi bosniaci cercarono rifugio nel vicino Montenegro. Ma non trovarono la salvezza che stavano cercando... I familiari di molti di loro non hanno più avuto alcuna notizia. Solo uno o due sono sopravvissuti e ora possono raccontare l’accaduto: fra di essi, un poliziotto cui venne ordinato di arrestare tutti i maschi bosniaci fra i 18 e i 70 anni. Le immagini del carnevale, nella ridente cittadina balneare in cui tutto questo avvenne, creano un contrasto stridente con il grave atto di tradimento che nessuno in Montenegro vuole ricordare. Šeki Radončić, giornalista montenegrino, ha deciso di approfondire questa storia e di cercare i testimoni di quegli eventi: il documentario segue il giornalista nella sua ricerca della verità, mostrando tutte le difficoltà da lui incontrate, incluso un attentato alla vita sua e della sua famiglia.
“Il film parla di persone in fuga da un inferno e che si sono ritrovate in un altro, ugualmente pericoloso. Non è però un film sui morti, ma su chi è rimasto, sui familiari che cercano in tutti i modi di conoscere la verità, per continuare a vivere.” (A. Drljević)
During the spring of 1992, fleeing from the horrors of the war, large numbers of refugee from Bosnia & Herzegovina sought refuge in neighbouring Montenegro. But, they didn’t find the rescue they have been searching for… Most relatives have heard nothing from their loved ones since those fatal days. Only one or two people lived to tell the tale. Among them is a policeman who was ordered to arrest all Bosnian men between 18 and 70 years old. Images of the annual carnival in the sunny seaside town where it all took place form a wry contrast to the large-scale acts of betrayal that nobody in Montenegro wants to be reminded of. Šeki Radončić, a Montenegrin journalist, decided to investigate the matter further and tracking down witnesses to the events. We follow Radončić during his search for the truth, and witness the difficulties he encounters, including a bomb attack on himself and his family.
“This film is about people who were trying to escape from one hell, and have caught themselves in another, equally dangerous. Still, this is not film about the dead people, than about people that are left behind, and who are now searching with staggering efforts for the truth, just in order to keep on living.” (A. Drljević)
Fotografia / Photography: Tomasz Wolski. Montaggio / Editing: Tymek Wiskirski. Suono / Sound: Robert Buczkowski. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: CENTRALA Sp. Z.o.o. Coproduzione / Co-produced by: Polish Film Institute.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
È possibile superare il fatto che il tempo passa? In che modo una conversazione casuale con un medico può diventare una riflessione sulla propria vita? Klinika è un ritratto di gruppo dei pazienti di un normale ospedale polacco. Da queste persone si impara come conservare dignità e allegria anche nei momenti in cui si sa che la fine è vicina. I medici, mentre svolgono il loro lavoro, parlano con i pazienti della loro vita, dei momenti buoni e di quelli brutti. I personaggi del film non si lamentano, non sono patetici o sdolcinati, ma ridono, scherzano e piangono. Le conversazioni con i medici danno ai pazienti l’opportunità di fare il punto sulla loro vita.
Is it possible to get over with the fact that the time is passing? Can an accidental conversation with a doctor become a reflection over your own life? Klinika is a group portray of the patients who stay in an ordinary Polish hospital. From those people one can learn how to preserve dignity and cheerfulness in a situation when the end of life is near. Doctors, while performing their regular activities, talk to patients about their lives, good and bad moments. The characters of the film don’t complain, they aren’t sentimental, they smile, joke and cry. The conversations with the doctors create the opportunity to summarise their lives.
MAGNUM MISTERIA
Il grande mistero / Great Mystery
Viktor Dašuk
Bielorussia / Belarus
2005, DV, col., 52’ v.o. russa / Russian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Viktor Dašuk. Fotografia / Photography: Anatol Kazazaev. Montaggio / Editing: Vjačeslav Asliuk. Suono / Sound: Vladimir Mirašničenka. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Spadar D Studio.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
“Un tentativo di gettare lo sguardo nel buco nero rappresentato dalla catastrofe di Chernobyl, un tentativo di descrivere quello che si sottrae a qualunque descrizione, un tentativo di comprendere attraverso la morte cosa può essere la vita dopo Chernobyl.” (V. Dašuk)
“An attempt to look into a black hole of Chernobyl catastrophe, an attempt to describe what resists any description, an attempt to comprehend through death a man’s life after Chernobyl.” (V. Dašuk)
Sceneggiatura / Screenplay: Petar Krelja. Fotografia / Photography: Karmelo Kursar. Montaggio / Editing: Tomislaw Topić. Musica / Music: Davor Rocco. Suono / Sound: Miroslav Jankovečki. Produzione / Produced by: Hrvatski Filmski Savez (Croatian Film Clubs’ Association). Coproduzione / Co-produced by: Hrvatska Radiotelevizija.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
La sfortuna con cui la cinquantasettenne Tanja Kursar (figlia illegittima) è venuta al mondo ha segnato per sempre la sua vita: suo nonno non è riuscito ad accettarne l’esistenza per molto tempo; il padre se ne è completamente disinteressato e Tanja lo ha visto solo due volte e per caso; è stata molestata dal patrigno e il marito l’ha tradita… Tanja è sopravvissuta a tutto questo. Ha cresciuto due figli da sola, ha trovato un lavoro e la forza di terminare gli studi, ha persino “recitato” una parte in un film... e oggi, più forte che mai, continua a vivere coraggiosamente la sua vita.
The initial bad luck of 57-year old Tanja Kursar (born as an illegitimate child) left a permanent mark on her life: her grandfather could not accept her existence for a long time, the careless father she had met only twice in her lifetime, and only by accident, the stepfather molested her, her husband cheated on her… She lived through it all. She raised two children all by herself, found a job, found strength to finish school, even “played” a role in a movie… and today, stronger than ever, she is courageously living her life.
NA DZIAŁCE
Nella dacia / At the Dacha
Thierry Paladino
Polonia / Poland
2006, Betacam SP, col., 30’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, fotografia / Screenplay, Photography: Thierry Paladino. Montaggio / Editing: Rafał Samborski. Suono / Sound: Michał Dominowski, Tomasz Wieczorek. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Mistrzowska Szkoła Reżyserii
Filmowej Andrzeja Wajdy (Andrzej Wajda Master School of Film Directing).
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Mentre la moglie svolge il suo lavoro di precisione in camice bianco, controllando il funzionamento di una macchina, il marito sordomuto spinge un carrello. Quando arriva il giorno di festa, però, le cose cambiano totalmente perché alla Dacia è lui a comandare. La Dacia è tenuta insieme da pezzi di cartone e latta fissati alla bell’e meglio e l’unico motivo per cui rimane in piedi è che l’uomo e suo figlio la riparano in continuazione. C’è anche da far ripartire l’auto, compito che richiede tutta l’esperienza dell’uomo. Tocca poi alla televisione, alla radio, al frigorifero… Un giorno di festa alla Dacia rappresenta l’ultima grande sfida della nostra civiltà…
While the wife carries out precision work in white gown operating a machine at work, the deaf husband pushes a sack barrow. But when holiday arrives, things change at all because at the Datcha he is the one in command. The Datcha is held together by more or less firmly fixed cardboard and tin pieces, only prevented from collapsing due to persistent efforts and costs of the man and his son. The car also needs to be moved too – a task that requires the cumulated knowledge of the man. Later follow television, radio, fridge… A holiday at the Datcha is the last big challenge for our civilisation…
NACH DRESDEN
Vittorio Curzel
Italia / Italy
2006, Betacam SP, b-n / b-w & col., 64’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura, fotografia, montaggio, produzione / Screenplay, Photography, Editing, Produced by: Vittorio Curzel. Musica / Music: Dante Borsetto. Suono / Sound: Christian Marchi. Interpreti / Cast: Hermann Rudolph, Charlotte Lossnitzer, “Pankraz” band. Voci narranti / Narrators: Lars Jung, Julia Henke.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Hermann, professore universitario newyorkese, ebreo tedesco nato a Dresda nel 1930, nella Shoah ha perso il padre e gran parte dei parenti e dei compagni d’infanzia. Fuggito per le persecuzioni razziali con la madre e la sorella negli Stati Uniti, compie un viaggio di ritorno in Germania, cinquanta anni dopo il bombardamento che ha distrutto il centro storico della sua città. Durante il viaggio, nel treno che lo porta da Berlino a Dresda, nel taxi che lo accompagna da un luogo all'altro della città, nei percorsi a piedi e in tram fra vie e piazze che non riconosce, attraverso i suoi pensieri, le sue emozioni, i suoi ricordi, rivive la storia della capitale sassone e della Germania dal 1930 a oggi, insieme alla storia degli ebrei tedeschi e del loro tragico destino, dall'assimilazione al genocidio. Camminando fra le vie di Dresda alla ricerca della casa della sua famiglia e dei luoghi della sua infanzia è confuso e turbato. Il quartiere dove viveva la sua famiglia, non esiste più, cancellato dal bombardamento che nel febbraio 1945 ha bruciato la città. Al suo posto una lunga fila di palazzi tutti uguali… Il parlato del film è costituito dal testo di due lettere: quella che l’uomo scrive al nipote durante il viaggio a Dresda e quella che un’amica d’infanzia tedesca scrive a Hermann dopo il suo ritorno a New York (con il ricordo personale della notte dei bombardamenti). I testi delle due lettere sono stati elaborati sulla base di testimonianze, diari, autobiografie e documenti del tempo. Le riprese del film sono state realizzate fra il 1995 e il 2004. Nel montaggio compaiono anche materiali visivi e audio d’archivio.
Hermann, a New York-based university professor and German Jew born in Dresden in 1930, lost his father and most of his relatives and childhood friends in the Shoah. Fleeing the racial persecution with his mother and sister, he moved to the United States and returned to Germany 50 years after the bombing that destroyed the historic heart of the city. During the journey, in the train taking him from Berlin to Dresden, in the taxi driving him around the city, in the trips on foot and in trams in roads and squares he cannot recognise, he brings to life the history of the Saxon capital and of Germany since 1930 through his thoughts, emotions and memories, together with the history of the German Jews and their tragic destiny, from assimilation to genocide. Walking through the streets of Dresden in the search for the family home and the places of his childhood, he is confused and disturbed. The district in which his family used to live no longer exists, wiped out by the bombing that burned the city in February 1945. In its place is a long row of identical blocks of flats...The narrative of the film comes from the text of two letters: one the man writes to his grandson during the voyage to Dresden, and the other a German childhood friend writes to Hermann following his return to New York (with the personal memory of the night of the bombing). The texts of the two letters have been drafted on the basis of witness accounts, diaries, autobiographies and documents of the period. The filming was done between 1995 and 2004. Archive images and sounds were also used in editing the film.
Sceneggiatura / Screenplay: Arman Yeritsian. Fotografia / Photography: Sargis Harasyan. Montaggio / Editing: Tanya Kharasyan. Musica / Music: Gora Malakyan. Suono / Sound: Lilit Gulyan. Interpreti / Cast: N. Latiševa, A. Kurilenko. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Studio Fishka-Film.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
A oggi, non esiste un conteggio ufficiale esatto delle migliaia di persone senzatetto che vivono a Yerevan, capitale dell’Armenia, in condizioni di estrema povertà. Per non parlare del fatto che non vengono aiutate in alcun modo nella loro lotta quotidiana per la sopravvivenza. Ogni anno, sono moltissimi gli armeni che lasciano il loro paese nella speranza di un futuro migliore. Arman Yeritsian gira per la città in compagnia di una coppia di cittadini russi senzatetto, ed entra con loro in un mondo in cui un bidone dell’immondizia può essere contemporaneamente un supermercato e un ristorante.
The thousands of homeless people living in poor conditions on the streets of the Armenian capital Yerevan have not even been officially recognised before, not to mention helped in their daily struggle for survival. A large number of Armenians leave the country every year in the hope of a brighter future. Director Arman Yeritsyan roams the streets of Yerevan with two of these people, a married couple of Russian citizens, and he dives into a world where a trash can is at once a supermarket and a restaurant.
SEJDEME SE V EUROCAMPU
Ci vediamo all’Eurocamp / I Guess We’ll Meet at the Eurocamp
Erika Hniková
Repubblica Ceca / Czech Republic
2006, Digi Beta, col., 58’ v.o. ceca / Czech o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Erika Hniková. Fotografia / Photography: Martin Schinabek. Montaggio / Editing: Jakub Hejna. Suono / Sound: Petr Šoltys. Produzione / Produced by: Czech Television. Distribuzione internazionale / World Sales: Czech Television - Telexport.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Una tragicommedia ambientata a Běšiny, un paesino ceco come tanti altri, che non ha un locale pubblico. Alla sua periferia, però, è stato costruito un centro ricreativo, l’Eurocamp. Vi si ritrovano i pompieri del paese, i membri della squadra sportiva e il circolo della caccia, ma questi gruppi non si amano molto fra di loro. Inoltre, l’Eurocamp non assomiglia affatto al classico locale pubblico ceco e i rapporti con la comunità vengono involontariamente peggiorati dall’atteggiamento del sindaco, che sembra avere problemi e priorità molto diverse da quelle degli abitanti del paese. Gli abitanti di Běšiny vivono insieme o si limitano a stare uno accanto all’altro? Cosa li unisce davvero? I tre protagonisti - František il pompiere, Mates il cacciatore e Pavel lo sportivo - sono le guide che ci accompagnano alla scoperta di Běšiny.
A tragicomedy taking place in Běšiny, a seemingly ordinary Czech village, does not have a pub. However, a recreation center called Eurocamp has been built on the outskirts of this village. Local firemen club together, as do the Sokol members and the hunters, but these groups are not very fond of each other. Moreover, the Eurocamp does not fit into the parameters of a Czech village pub and the lack of a closer link between the Eurocamp and the local inhabitants is unwittingly emphasized by the mayor, who seems to have different problems and priorities than the village inhabitants. Do the Běšiny villagers live together or beside each other? What links the Běšiny inhabitants in present times? The three main heroes – František the voluntary fireman, Mates the hunter and Pavel the Sokol are our guides in this present-day village.
A STORY OF PEOPLE IN WAR AND PEACE
Storia di gente in guerra e in pace
Vardan Hovhannisyan
Armenia / Republic of Armenia 2006, Betacam, col., 69’ v.o. armena - inglese / Armenian - English o.v.
Nel 1988, fra gli stati confinanti di Armenia e Azerbaigian (parte dell’Unione Sovietica fino al 1991) scoppiò un aspro conflitto per il controllo del Nagorno-Karabakh, enclave armena in Azerbaigian. Nel 1994, la regione venne assegnata con un armistizio all’Armenia. Durante la guerra, il regista Vardan Hovhannisyan era stato al fronte come reporter indipendente. Aveva preso parte, filmandola con la sua camera a mano, a una battaglia durata cinque giorni, che aveva sterminato gli uomini in trincea con lui ferendone la metà e uccidendone un terzo. Per dieci anni dalla fine della guerra, Hovhannisyan non ha più guardato il materiale girato allora. Poi, un giorno, ha deciso di andare in cerca delle persone con cui aveva diviso la trincea, per parlare ancora una volta con loro e capire come vivono in tempo di pace.
“Questo non è solo un film, ma uno dei progetti più importanti della mia vita. Non si tratta di giornalismo investigativo quanto di un film sulla fede, la gentilezza e il senso d’umanità che emergono nei momenti più duri della guerra. Le voci dei soldati che hanno combattuto questa guerra e dei civili sono rimaste inascoltate, coperte dalle chiacchiere di politici e uomini di propaganda. Spero che questo lavoro dia loro voce e trasmetta agli spettatori di tutto il mondo quello che questi uomini hanno provato e vissuto.” (V. Hovhannisyan)
In 1988, a fierce battle raged between the two neighbouring states of Armenia and Azerbaijan (until 1991 part of the Soviet Union) over Nagorno-Karabakh, an Armenian enclave in Azerbaijan. In 1994, an armistice gave control of Karabakh and the Azeri territory in-between to Armenia. During that war period, director Vardan Hovhannisyan was an independent war reporter on the front. He took part with his shaky camera to a five-days battle where more than half the soldiers in the trench were wounded and a third of them were killed. For ten years after the war ended, Vardan didn’t look at the footage. Then, he decided to find the people he shared a trench with twelve years ago to speak with them again and find out how they are surviving in peace.
“This project is not only a film, but one of the most important projects in my life. It is not investigative journalism but a film about faith, kindness, and the human spirit in the heaviest moments of war. Voices of ordinary soldiers and civilians caught up in this war were unheard due to the constant noise of politicians and propagandists. I hope this film gives them a voice and transfers the immediate feelings and impressions of their experiences to general audiences all over the world.” (V. Hovhannisyan)
THEIR HELICOPTER
Il loro elicottero
Salome Jashi
Georgia - Regno Unito / Georgia - United Kingdom 2006, Betacam SP, col., 22’ v.o. georgiana / Georgian o.v.
Fotografia / Photography: Tato Kotetishvili. Montaggio / Editing: Salome Jashi. Suono / Sound: Irakli Metreveli, Salome Jashi. Interpreti / Cast: Niko Ardoteli, Marina Daiauri, Giorgi Ardoteli, Taia Ardoteli, Levan Ardoteli. Produzione / Produced by: Salome Jashi, Royal Holloway (University of London). Con il sostegno di / Supported by: One World Broadcasting Trust.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
La famiglia Ardoti ha scoperto un piccolo pezzo di modernità. Dieci anni fa, un elicottero militare ceceno è precipitato nella parte settentrionale di Khevsureti, in Georgia. Una volta rivelatosi inutile come biblioteca, le mucche vi hanno trovato riparo e i bambini ne hanno fatto un campo da giochi personale. In una zona dove non esistono né cavi dell’elettricità né palazzi moderni, i resti dell’elicottero sono diventati una cosa unica e preziosa. Questa è la storia della famiglia Ardoteli, raccontata attraverso gli “occhi” disfatti dell’elicottero. “Come i bambini fanno collezione di cose inutili ma per loro preziose, così la gente di un villaggio isolato ha ‘fatto collezione’ di un elicottero semidistrutto, che non può più alzarsi in volo, ma che è stato comunque utilizzato in un nuovo modo. Ho visto in montagna questa immagine affascinante e ho pensato che significava che la gente vuole comunque essere vicina alla civiltà moderna anche se non ci ha mai vissuto.” (S. Jashi)
Ardoti family uncovered one piece of civilization only. Chechen military helicopter crashed in Upper Khevsureti, Georgia, ten years ago. As it turned out to be useless for a library, cows found a shelter and children set up their private playground. In a land without electric cables and modern buildings the ruined helicopter turned out to be unique and precious. This is the Ardoteli family’s story told through the wrecked “eyes” of the helicopter.
“As children collect items that are useless to them but precious, the people living in an isolated villages collected a wrecked helicopter which they cannot fly on but give it a different purpose. I saw this facinated image in the mountains and I thought it carried a general meaning of people wanting to stick to civilization even if they have never lived in it.” (S. Jashi)
Sceneggiatura, montaggio / Screenplay, Editing: Aleksandr Gutman. Fotografia / Photography: Aleksandr Gutman, Nikolaj Volkov. Musica / Music: Pavel Smelkov. Suono / Sound: Leonid Lerner. Produzione / Produced by: Atelie-Film-Alexander. Coproduzione / Co-produced by: St. Petersburg Documentary Film Studio.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Boris Rak è stato l’ultimo presidente dell’ultimo kolchoz ebraico della Siberia. È nato lo stesso anno in cui, su idea di Stalin, venne fondata in Siberia la Repubblica Autonoma Ebraica. I suoi genitori, arrivati fra i primi a Birobiždan, la capitale, avevano scambiato carro e cavallo con un trattore. Un tempo, si credeva che questa terra sarebbe potuta diventare un vero e proprio paradiso per gli ebrei, ma la realtà è stata ben diversa. Le speranze dei suoi abitanti si infransero quasi subito e Birobiždan divenne per loro l’unico, e purtroppo ultimo, sogno di felicità.
“Boris Rak è un uomo che ha perso nazionalità, cultura e lingua. L’unica cosa che gli è rimasta sono i muri pericolanti del kolkhoz costruito dai suoi genitori, da lui stesso e dai suoi figli, andati poi in Israele. Mentre lui, Boris, è ancora lì, in quel luogo, con le sue grandi mani. Una mano è aggrappata alle tombe dei suoi antenati, mentre l’altra è rivolta verso i figli emigrati in Israele. Questo è un film su un Gesù Cristo ebreo crocifisso, che non ha mai capito quale sia lo scopo della sua vita su questa terra.” (A. Gutman)
Boris Rak was the last head of the last Jewish kolkhoz in Siberia. He was born on the same year the Jewish Autonomous Republic was founded by Stalin, in Siberia. His parents, arrived in the capital Birobizhdan, among the first Jewish settlers, exchanged a horse and a cart for a tractor. This land was supposed to become a paradise on earth for an enormous number of Jews. But the reality proved harsh. Their hopes were not destined to come true. Birobizhdan became for them the only and, alas, the last dream.
“Boris Rak is a man who lost his nationality, culture and language. The only thing he has left is the ruined walls of the kolkhoz building that had been being built by his parents, himself and his children who then left for Israel. While he, Boris, is still standing on that place his hands spread wide. One hand holds on to his ancestors’ graves, another reaches for his children emigrated to Israel. This is a film about a Jewish Jesus Christ crucified who never realized what is the purpose of his living on this earth.” (A. Gutman)
VIEWS OF A RETIRED NIGHT PORTER
Punti di vista di un portiere di notte in pensione
Sceneggiatura, fotografia, montaggio, suono / Screenplay, Photography, Editing, Sound: Andreas Horvath. Musica / Music: Marek Grechuta. Produzione, Distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Andreas Horvath.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Nel documentario di Krzysztof Kieslowski del 1977, Z punktu widzenia nocnego portiera (Il punto di vista di un portiere di notte), il protagonista, un comunista tipo, svelava le sue abitudini a tratti divertenti, a tratti scioccanti. Guidato dalla paranoia, dalla misantropia e da una profonda sfiducia nell’essere umano, il passatempo preferito del portiere era quello di spiare le altre persone, anche al di fuori del suo orario di lavoro… Nel 2005, Andreas Horvath lo ha ritrovato, ormai in pensione, in un quartiere periferico di Varsavia. L’uomo vive di una pensione sociale, in uno squallido monolocale. Negli ultimi trent’anni, le sue idee non sono cambiate poi molto, ma la Polonia sì e così, senza più un regime corrotto alle spalle, le “tirate” dell’ex portiere di notte suonano singolarmente fuori luogo... “Miglior documentario corto” all’ultima edizione del Festival Internazionale di Karlovy Vary.
In Krzysztof Kieslowski's 1977 documentary short, Z punktu widzenia nocnego portiera (Night Porter's Point of View), the protagonist, a typical exponent of the communist system, revealed his sometimes hilarious, sometimes shocking attitudes. Driven by paranoia, misanthropy and a profound distrust in the human race, the Night Porter's favourite pastime was to control others, even when off-duty... In 2005 Austrian filmmaker Andreas Horvath found the now retired night porter in a Warsaw suburb. He lives on a minimum pension in a characterless one-room apartment. His views have not changed much in 30 years – but Poland has, and so, without the support of a corrupt regime, the former night porter's tirades seem strangely out of place... Best Documentary Short at the latest International Karlovy Vary Film Festival.
VUKOVAR - POSLEDNJI REZ
Vukovar - Atto finale / Vukovar - Final Cut
Janko Baljak
Serbia
2006, Betacam SP, col., 103’ v.o. serba / Serbian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Dragutin Hedl. Fotografia / Photography: Jovan Milinov. Montaggio / Editing: Aleksandra Milovanović. Musica / Music: Janja Laurenčić. Suono / Sound: Igor Perović. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: TV B92.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Un tentativo di ricostruzione della vera storia che portò agli avvenimenti accaduti a Vukovar, in Croazia, fra la primavera, l’estate e l’autunno del 1991, ma anche di quello che è successo dopo, delle conseguenze storiche, sociali ed emotive e di tutti gli anni di dolore, sofferenza e delusione che sono seguiti. Questa è la prima collaborazione fra Serbi e Croati che cerca di far luce su una vicenda le cui ferite non si sono ancora rimarginate, nonostante siano passati già quindici anni. Reporter e ricercatori che vivono sulle due sponde del Danubio hanno tentato di risolvere il mistero delle vere ragioni che hanno portato alla più grande tragedia dei Balcani. Nel documentario sono confluiti i racconti dei testimoni oculari, dei soldati e dei leader sopravvissuti alla guerra e che hanno rotto il silenzio. Accanto alle interviste, sono stati utilizzati i materiali conservati negli archivi dei più importanti mezzi di informazione serbi e croati – televisione e carta stampata – dell’epoca, oltre a materiale fotografico d’archivio proveniente da molte fonti diverse.
“Questo non è un semplice reportage su Vukovar, è un film in cui coloro che hanno commesso quei crimini sono tornati sui luoghi dove la tragedia è avvenuta, a volte nella stessa inquadratura. La videocamera è stata necessaria per mettere allo scoperto ciò che è avvenuto, in modo spesso curioso, indagatorio, brusco, che non dà respiro, ha fatto il suo ‘sporco lavoro’ come sporca è stata la guerra di Vukovar. Il materiale d’archivio è servito come punto di partenza per cercare i protagonisti e i testimoni o per mettere alla luce il ruolo dei media nel presentare la tragedia personale di qualcuno. Il montaggio di tutte le parti che compongono il documentario è stato affascinante e determinante per raggiungere il massimo livello emozionale. Lo stile è diretto e crudo, un atto finale, come il titolo del nostro film.” (J. Baljak)
This film represents an effort to create a truthful story about everything that happened in Vukovar (Croatia) during the spring, summer and fall of 1991, and what the historical, societal and emotional consequences are, after years of pain, suffering and disappointment. This is the first SerbianCroatian co-production about this painful topic, whose wounds are yet to heal, even fifteen years later. Reporters and investigators from both sides of the Danube River tried to solve the riddle of the true reasons that lead up to the great Balkan tragedy. In this film, eyewitnesses, soldiers, and leaders who survived the war break their silence. Besides these interviews, the furthest investigations included checking through archives of the most important Croatian and Serbian media – TV, newspapers, etc. – of that period and archival footage from a number of sources.
“This is not a simple television report on Vukovar, it is a film where perpetrators of the crimes brought back to the place where the tragedy occurred, sometimes in the same frame. The camera is an accessory in uncovering this crime, often curious, inquisitive, rude, restless, always in the service of reconstructing the crime, performing its duties as dirtily as the Vukovar war was itself. Archival material serves as a starting point and to looking for protagonists and witnesses from the archival footage or uncovers the role of the media in the presentation of someone's personal tragedy. The editorial cut is a fascinating and unflinching means for achieving maximum emotional effect. The style is a direct and merciless cut, The Final Cut, the title of our film.” (J. Baljak)
VULKANOVKA. PO DIDŽIOJO KINO
Vulkanovka. Dopo il grande cinema / Vulkanovka. After the Grand Cinéma
Sceneggiatura, montaggio / Screenplay, Editing: Giedrė Beinoriūtė. Fotografia / Photography: Audrius Kemežys. Musica / Music: Indre Stakvile. Suono / Sound: Algimantas A. Apanavičius. Produzione / Produced by: VG Studio.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Vulkanovka è un povero villaggio fra le steppe della Crimea e, come dicono i suoi stessi abitanti, dimenticato da Dio e dagli uomini. L’unico contatto con il resto del mondo è rappresentato da una corriera che passa una volta alla settimana. Il paese però si è animato fra il 2002 e il 2003, quando la troupe del famoso regista lituano Šarunas Bartaš vi si è insediata per girare il film Septyni nematomi žmonės. Molti degli abitanti hanno collaborato con lo staff della produzione. Ma poi, com’era arrivato, il “grande cinema” se n’è andato, e probabilmente non farà più ritorno. La vita di Vulkanovka è tornata così alla sua solita routine. Nove mesi dopo, la regista Giedrė Beinoriūtė (già a Vulkanovka in qualità di aiuto regista del film) è tornata al villaggio per chiedere alle persone di raccontare la loro esperienza “cinematografica”.
Vulkanovka is a poor village in Crimea steppe, as local people say, forgotten by God and by people. The only connection with the rest of the world for these people is the bus which runs once a week. Nonetheless that place came very much alive from 2002 to 2003, when famous Lithuanian film director Sharunas Bartas’s crew stayed there for almost two years filming Septyni nematomi žmonės (Seven Invisible Men, 2005). Most of local people helped filmmakers a good deal. But the Grand Cinéma left and probably won’t come back. So, the life of Vulkanovka returned to its daily routine. Giedrė Beinoriūtė (Bartas assistant for the film) came back to Vulkanovka nine months later to ask people how their “cinematographic” experience was.
Sceneggiatura / Screenplay: Želimir Žilnik. Fotografia / Photography: Miša Milošević, Jovan Milinov. Montaggio / Editing: Marin Malešević. Musica / Music: Robert Tili. Suono / Sound: Marko Cvejić. Interpreti / Cast: Roko Babičković, Suzana Vuković, Ana Vilov, Slavica Vračarić, Istv·n Levai, Tereza Cetina. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Terra Film.
Un’indagine sugli effetti prodotti dal Trattato di Schengen al confine fra Ungheria e Serbia, nel periodo che va dall’estate 2004 alla primavera 2005. Strutturato come un docu-drama, mostra come vivono e lavorano ora i commercianti e gli agricoltori di quella zona, facendoli parlare delle loro esperienze.
Želimir Žilnik's film follows the effects of the Schengen Agreement on the Hungarian-Serbian border over a period from summer 2004 to spring 2005. In the form of a docu-drama he gives local merchants and farmers an opportunity to talk about their experiences and to show how they live and work.
IL MONDO ADDOSSO
The Weight of the World
Costanza Quatriglio
Italia / Italy
2006, DV, col., 90’ v.o. italiana - persiana - rumena - moldava / Italian - Persian - Romanian - Moldovan o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Costanza Quatriglio. Fotografia / Photography: Vladan Radovic. Montaggio / Editing: Giovanni Ballantini. Musica / Music: Vladimir Denissenkov. Suono / Sound: François Waledisch. Interpreti / Cast: Mohammad Jan Azad, Cosmin Luca Aron, Inga Bojinov, Josif. Produzione, Distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Dream Film srl. Con il sostegno di / Supported by: Unicef.
Cosmin, Inga, Mohammad Jan e Josif arrivano da lontano, non hanno ancora diciotto anni e sono soli. Non sanno dove andare. La loro casa era in Afghanistan, Romania, Moldavia. Per alcuni i legami con le famiglie sono stati spezzati dalla guerra, da altri le famiglie attendono un aiuto finanziario. Tutti loro hanno fatto già tanta strada, tanta ancora li attende, portano il peso del mondo addosso.
“Volevo fare un film sui giovanissimi migranti arrivati soli a Roma dall’Afghanistan e dai paesi dell’est Europa e mi sono ritrovata a raccontare l’invisibilità. La prima cosa che ho dovuto capire è come rappresentare ciò che non potevo mostrare: quel carico di dolore, di paura, di smarrimento e di necessità di riscatto prima ancora che di affetto, che molti dei giovanissimi incontrati portavano con sé... Frequentando per mesi le strade, le stazioni e le strutture di accoglienza, ho seguito le storie di Mohammad Jan, Josif, Cosmin e Inga, e ancora dei giovani testimoni della guerra, partiti dai loro paesi ancora bambini o appena adolescenti. Ognuno di loro compie insieme alla macchina da presa un viaggio dentro percorsi concreti di riscatto, ma anche di solitudine e scelte, fino a quando la maggiore età non incombe e ancora una volta la legge della selezione è più forte e la macchina da presa non può che restare, laddove ancora un abbandono e un altro viaggio ricomincia, per un altro paese, un altro tentativo di essere a questo mondo.” (C. Quatriglio)
Cosmin, Inga, Mohammad Jan e Josif come from far away, they are on their own and they are not yet even 18-years-old. They have no place to stay, their homes were in Afghanistan, Romania and Moldavia. For some, their family ties were broken by war, for others, their families are waiting for financial help. They have already travelled long distances and have many more stretching ahead, because they take on their shoulders the weight of the world.
“I wanted to make a film about the very young immigrants arriving alone in Rome from Afghanistan and Eastern Europe, and I found myself describing invisibility. The first thing I had to understand was how to depict something I couldn’t show: that baggage of suffering, fear, loss and need for redemption, even more than affection, that many of these child immigrants bring with them… Spending months in the streets, stations and hospices, I followed the stories of Mohammad Jan, Josif, Cosmin and Inga, and of the young witnesses of war, who left their countries as children or young adolescents. Each of them undertakes with the camera a journey within possibilities of redemption but also of solitude and choices, until their increasing age takes over and the law of selection grows stronger. The camera can then only remain, there where another abandonment and another journey begin, for another country, another attempt to belong to this world.” (C. Quatriglio)
omaggio alla radio televisione svizzera di lingua italiana (RTSI)
homage to italian-language swiss television network (RTSI)
CENERENTOLA NON ABITA PIÙ QUI
Cinderella Doesn’t Live Here Anymore
Matteo Bellinelli
Svizzera / Switzerland
2006, Betacam SP, col., 55’ v.o. italiana - ucraina / Italian - Ukrainian o.v.
Fotografia / Photography: Mauro Boscarato. Montaggio / Editing: Franco Guerini. Suono / Sound: Enos Barloggio, Alberto Buletti. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: TSI - Televisione Svizzera di lingua italiana.
Sono infermiere e professoresse, dottoresse e ingegneri, dentiste e psicologhe. Erano la spina dorsale dell'Ucraina, che hanno dovuto lasciare perché il crollo del sistema sovietico e poi l'assenza di una reale alternativa economica e sociale, le hanno ridotte in miseria. Sono madri di famiglia, molte addirittura sono nonne: hanno lasciato tutto (il lavoro, pagato poche decine di euro al mese, il loro ruolo sociale, la propria identità, gli affetti) per cercare, tra mille vicissitudini e molti pericoli, lavoro in Italia in qualità di "badanti", coloro che sorvegliano, si prendono cura, si occupano di anziani che altrimenti sarebbero soli o costretti a vivere in ospizi e ospedali. Svolgono un lavoro socialmente ed emotivamente insostituibile, eppure spesso sono costrette a vivere nella clandestinità o a subire continue e pesanti umiliazioni. Sono donne forti e coraggiose: molte non tornano a casa per anni, tutte vivono di rinunce e sacrifici per riuscire a mandare alle proprie famiglie tutto quello che guadagnano, o quasi. A unirle a figli e nipoti sono i pacchi che spediscono e ricevono da casa, settimana dopo settimana, e che attraversano mezza Europa. I pacchi che il documentario di Matteo Bellinelli ha seguito da Ferrara (dove le badanti, clandestine o meno, sono cinquemila) a Leopoli, capoluogo della regione occidentale dell'Ucraina e che raccontano le fatiche e l'amore che uniscono queste donne coraggiose alle loro sfortunate, eppure ormai privilegiate, famiglie.
Nurses and professors, doctors and engineers, dentists and psychologists: women all. They were the backbone of Ukraine and they had to leave because the collapse of the Soviet system, and the absence of any real economic and social alternative had reduced them to poverty. They are mothers, many of them, indeed, grandmothers. They have left everything (their jobs, paying just a few dozen euros a month, their social role, their very identity, their affections) to seek out work in Italy as “carers”, amid a thousand problems and dangers. Their job has become to look after old people who would otherwise be alone or obliged to live in homes or hospitals. They fulfil a socially and emotionally fundamental role and yet they are often obliged to live as illegal immigrants or suffer continuous, severe humiliation. They are strong, courageous women; many do not return home for years, and all have to live with sacrifices in order to be able to send all they earn, or almost, home to their families. What binds them to their children and grandchildren are the packages they send and receive from home, week after week, across half Europe. Packages which Matteo Bellinelli’s documentary has followed from Ferrara (where there are 5,000 carers, some clandestine, some not) to Leopoli, capital of the western region of Ukraine, and which tell the story of the hard work and love uniting these courageous women and their unfortunate and yet privileged families.
PÉDRA. UN REPORTER SENZA FRONTIERE
L’avventura di Jean-Pierre Pedrazzini grande reporter di «Paris Match» Pédra, A Reporter Without Borders
The Adventure of Jean-Pierre Pedrazzini, a Giant of «Paris Match» reporting
Villi Hermann
Svizzera / Switzerland 2006, HD, b-n / b-w col., 61’ v.o. italiana - francese - inglese - tedesca - ungherese - georgiana / Italian - French - EnglishGerman - Hungarian - Georgian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Villi Hermann. Fotografia / Photography: Alberto Meroni, Felix von Muralt, Pietro Zürcher, Micha Hädener, Nugzar Nozadze. Montaggio / Editing: Alberto Meroni, Villi Hermann. Musica / Music: Christian Gilardi, Zeno Gabaglio. Suono / Sound: Villi Hermann. Interpreti / Cast: Alvaro Canovas, Mario De Biasi, Làszlò Eörsi, Benno Graziani, Aliette Lapierre, Dominique Lapierre, Erich Lessing, Russ Melcher, Guiorgui Mossechvili, Vilmos Olàh, Willy Rizzo, Marie-Charlotte Vidal-Quadras. Produzione / Produced by: Imagofilm, TSI, TSR. Distribuzione internazionale / World Sales: Imagofilm.
Jean-Pierre Pedrazzini, originario di Locarno, nasce a Parigi nel 1927. Nel 1943 si trasferisce con la famiglia in Svizzera dove inizia la carriera di fotografo. Alla fine della guerra torna a Parigi e lavora per «Paris Match». Muore nel 1956 dopo essere stato ferito gravemente durante l’insurrezione di Budapest. Nel film sono presenti interviste a persone che hanno condiviso con lui lavori, viaggi, avventure: i fotografi Russ Melcher, Willy Rizzo, Franz Goess, Erich Lessing, Benno Graziani e Mario De Biasi, quest’ultimo presente in piazza della Repubblica a Budapest quando Pedrazzini fu ferito a morte. Il regista ha incontrato anche Dominique Lapierre, con cui Pedrazzini pubblicò un libro sul viaggio che li vide attraversare 15.000 km di URSS in auto insieme alle proprie mogli. A Tbilisi (Georgia) Hermann incontra il dottor Mossechvili che ospitò le due coppie francesi durante il loro viaggio.
Pédra è il terzo film sul mondo della fotografia di Villi Hermann, dopo En voyage avecJean Mohr del 1992 e Mussolini, Churchill e cartoline del 2003, sulla vita del fotografo Christian Schiefer.
The photographer Jean-Pierre Pedrazzini was born in Paris in 1927, his parents coming from Locarno. Emigrated with them to Switzerland in 1943, he starts taking photographs. By the end of the war, he is taking up a job offer with «Paris Match», and beginning his short career as a photojournalist. Little more than a decade later, while capturing enduring images of the Budapest uprising of 1956, he is fatally injured. In the film there are interviews with people who shared his reportage, trips and adventures: photographers Russ Melcher, Willy Rizzo, Franz Goess, Benno Graziani, Erich Lessing and his colleague Mario De Biasi, present in 1956 on Republic Square in Budapest when JeanPierre Pedrazzini falls under a hail of bullets on the Battle of the AVO headquarters. Hermann visited also Dominique Lapierre, with whom Jean-Pierre Pedrazzini published a book about the trip that they did through the USSR in early 1956, accompanied by their wives. In Tbilisi (Georgia) Hermann meet the surgeon Mossechvili who hosted the two French couples during their trip.
Pédra is the third documentary Hermann devotes to photography, after En voyage avec Jean Mohr (1992) and Mussolini, Churchill e cartoline (2003), on the photographer Christian Schiefer’s life.
omaggio alla radio televisione svizzera di lingua italiana (RTSI) / homage to italian-language swiss television network (RTSI)
STRADA ÜLLÖI 22. BUDAPEST 1956
22, Üllöi Street. Budapest in 1956
Misha Györik
Svizzera / Switzerland
2006, Betacam SP, b-n / b-w, col., 51’ v.o. italiana - ungherese / Italian - Hungarian o.v.
Fotografia / Photography: Misko Cupic. Montaggio / Editing: Gàbor Takàcs, Sandro Esposito. Suono / Sound: Mattia Villa. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: TSI - Televisione Svizzera di lingua italiana.
Con questo documentario il giovane regista Misha Györik rende un personalissimo omaggio alla Rivoluzione ungherese del 1956 e lo fa attraverso un protagonista che gli è molto vicino: suo padre. Con lui decide di tornare in Ungheria, per capire, per conoscere, per vedere di persona i luoghi frequentati in gioventù dall’allora studente in medicina all’Università di Budapest. La finestra della camera occupata dal signor Györik si affacciava proprio sulla strada Üllöi. Da quella finestra vide sfilare i carri armati russi, vide morire centinaia di soldati e di persone innocenti, vide infrangersi il sogno di un’Ungheria indipendente. Oggi, a cinquant’anni di distanza, il padre dell’autore ritorna su quella strada, rievoca i momenti più drammatici e, soprattutto, rivede i propri compagni di studi. Con essi cerca di capire il senso di una decisione lacerante, che ha toccato ognuno di loro in quel lontano ‘56: lasciare il proprio paese e ricominciare da capo oppure rimanere con i propri cari sotto un regime opprimente. Una scelta sofferta, una decisione presa nella fretta, nella disperazione, ma che avrebbe condizionato il resto della loro vita.
With this documentary, the young director, Misha Györik, renders a highly personal homage to the Hungarian revolution of 1956, and he does so through a protagonist who is very close to him: his father. With him, he decides to return to Hungary, in order to understand, to learn, to see in person the places frequented as a youth by his father, then a medical student at the University of Budapest. The window of the room occupied by Mr Györik overlooked Üllöi street. From that window, he saw the Russian tanks rolling by, saw hundreds of soldiers and innocent people die, saw the dream of an independent Hungary evaporate. Today, 50 years later, the director’s father returned to the same street, talking of the most dramatic moments and, above all, meeting his former fellow-students once more. With them, he tries to to understand the meaning of a devastating decision that affected all of them in that distant 1956: leave their country and starting from scratch or remain with their family beneath an oppressive regime. A difficult choice, but a decision that had to be taken hurriedly, in desperation, but which would condition the rest of their lives.
immagini images
LA CAMERA di Rä di Martino | LA CITTÀ DI ODRADEK di Fabiola Faidiga | FRANKO B di Victor
Ibañez | IL ÉTAIT UNE FOIS… LES DÉLICESDU PETIT MONDE di Joseph Péaquin | INLAND
ARCHIV di Erich Busslinger | ĶĪLNIEKS di Laila Pakalniņa | NEITHER di Ivan Talijančić |
ROOFTOP di Peter Aerschmann | IL SEGRETO DEL FIUME di Domenico Alecci, Luis Rosati |
SITE SPECIFIC di Olivo Barbieri | TAXIDERMIA di György Pálfi | WHO’S WHO? di Pierre
Coulibeuf iain dilthey
SOMMER AUF HORLACHEN (1999) | ICH WERDE DICH AUF HÄNDEN TRAGEN (2000) | DAS VERLANGEN (2002) | GEFANGENE (2006)
robert gligorov
LA LEGGENDA DI BOBE - ANIMANIMALE N. 1 (1998) | BORDERLINE. THE ORIGIN OF THE ACORN (2001)
masbedo
IL MONDO NON È UN PANORAMA (2005) |10 INSECTS TO FEED (2006)
mauro santini
DESALENTO (2006) | UN JOUR À MARSEILLE (2006)
oliviero toscani
L’ORFANO (2002) | BIANCA, 16 ANNI (2006)
Immagini 2007
Images 2007
Tiziana Finzi
Il programma di IMMAGINI ideato per la 18ma edizione di Trieste Film Festival è dedicato alla tematica UOMO/SOCIETÀ/CITTÀ/METROPOLI/MONDO
considerato sotto i diversi aspetti della creatività artistica che mettono in luce attraverso opere di diversa narrazione stilistica, le necessità, la vitalità, le esigenze, gli ideali e anche i disagi, le difficoltà, le differenti dissoluzioni della popolazione umana nel mondo contemporaneo: sia come individuo-unico nella nostra quotidianità, che a livello globale umano/metropolitano.
Questa necessità di narrare attraverso la produzione multimediale uno degli aspetti più evidenti della vita contemporanea dell’uomo, è dettata da una semplice presa di coscienza avvenuta attraverso un periodo di esplorazione e ricerca culturale che si sviluppa e coinvolge vari campi del nostro vivere e del nostro essere che naturalmente si riflettono e si materializzano anche nella creazione artistica nei suoi diversi livelli.
Mai come quest’anno, per diverse motivazioni dovute al momento storico, alla precarietà del futuro e a un’universalità e globalizzazione ormai evidente e diffusa a tutto il pianeta, la produzione cinematografica mondiale, non solo quella più indipendente e autoriale, ma anche il cinema prodotto dalle majors ha affrontato i temi cari all’uomo, all’individuo forse sempre più “smarrito” in un mondo sempre meno “suo”, sempre meno “proprio”.
Questa tematica è ormai ricorrente in tutta l’espressione artistica che ci circonda: cinema, musica, videoclip, comunicazione visiva, arte contemporanea... anche all’interno dello stesso programma del Trieste Film Festival, percorrendo le diverse sezioni (i film del concorso ufficiale, i documentari, i cortometraggi e l’approfondimento dedicato alla produzione cinematografica nella Germania di oggi), la realtà piu evidente è appunto questo argomento, non visto sempre necessariamente in modo “negativo” come
The IMMAGINI (’Images’) programme planned for the 18th edition of the Trieste Film Festival is dedicated to the theme of MAN/SOCIETY/CITY/METROPOLIS/WORLD considered from the various aspects of artistic creativity using various stylistic forms to highlight the needs, vitality, demands, ideals and also problems, difficulties and different break-ups of the human population in today’s world: both as unique individual in our daily lives and at a global human/metropolitan level.
This need to narrate one of the most evident aspects of the contemporary life of man through multimedia production is dictated by a simple awareness arising from a period of cultural exploration and research, which develops through and involves various sectors of our way of living and being, which themselves are by nature reflected and materialised also in artistic creation at different levels.
Never so much as this year, for different reasons resulting from the historic moment, the precariousness of the future and a now obvious universality and globalisation throughout the planet, has cinema around the world – and not just independent or art films, but also mainstream production houses – tackled themes dear to man, to the individual who is perhaps increasingly “lost” in a world less and less “his own”.
This theme is now recurrent in all the artistic expression surrounding us: cinema, music, video-clips, visual communication, contemporary art… even within the programme of the Trieste Film Festival itself. If we browse through the various sections (the films in the official competition, the documentaries, the shorts and the survey of German film making today) the most evident reality is the stressing of this subject, not necessarily seen in “negative” manner as a social disturbance or a personal and human loss, but also, I believe, narrated as a simple chronicle of our times and daily lives, truly in a universal
disagio sociale, o smarrimento personale e umano, ma anche, credo, narrato come semplice cronaca dei nostri tempi e del nostro vivere quotidiano, davvero in modo universale.
A questa riflessione mi ha portata senza dubbio la mia visione personale e la mia interpretazione delle discipline artistiche che più mi appartengono, ma anche il molto viaggiare, nel senso tradizionale del termine attraverso paesi, culture, tradizioni, mutamenti e cambiamenti nella loro quotidianità, nella loro vita descritta e filtrata dalla creatività e dalla produzione artistica dell’artista/individuo/uomo.
Nasce così un programma vario che si porta dietro “il nostro mondo”, lavorando attorno all’individuo messo a confronto con IL RESTO: sono diverse le opere di creativi, fotografi, cineasti frutto di collaborazioni artistiche differenti o dettate da eventi e necessità assolutamente reali.
Il mondo visto dal fotografo/cineasta Oliviero Barbieri che sorvola metropoli filmando il nostro quotidiano come se si trattasse di un “modellino LEGO”, di perfezione assoluta e inquietante, ma sta in quella calma apparente e giocosa che l’opera suscita in noi la provocazione, l’emozione e tocca la nostra anima; anima che ritroviamo stravolta/contorta/maltrattata nelle opere forti dei MASBEDO, il cui “uomo/donna” è sempre il tema centrale da cui partire spesso con la complicità cinica, spiazzante, arrogante di Michel Houellebecq; o ancora il disagio sociale narrato per immagini-fotografiche (con l’uso del video) in BIANCA, 16 ANNI o L’ORFANO di Oliviero Toscani, due storie italiane, reali, di pura angoscia, perché normali, perché i due protagonisti, giovani, confusi, con poche certezze e tanta paura di crescere, potrebbero abitare le nostre case, fare parte delle nostre famiglie.
L’ispirazione del quotidiano e delle sue paure è anche il perno su cui ruota il lavoro di altri due grandi artisti: Robert Gligorov e Franko B che in maniera sempre originale, giocosa come provocatoria, appassionante come insopportabile esprimono la loro visione del mondo attraverso la performance dei loro corpi, dolore e devastazione... spesso…
manner. This reflection was undoubtedly reached thanks to my own personal vision and interpretation of the artistic disciplines closest to me, but also thanks to much travelling, in the traditional sense of the term, through countries, cultures, traditions, changes and shifts as they occurred, in their descriptions, filtered by the creativity and artistic production of the artist/individual/man.
Thus arose a varied programme that bears with it “our world”, working around the individual facing THE REST: there is a variety of works by photographers, film makers and artists generally, the results of different artistic collaborations or dictated by absolutely real events and needs.
The world seen by the photographer/film maker Oliviero Barbieri, who overflies cities filming our daily lives as though these were “Lego models” of an absolute and disturbing perfection, but of such a apparent, playful calm that the work stimulates us and touches our soul; a soul we find overwhelmed/twisted/maltreated in the powerful works of MASBEDO, in which “man/woman” is always the central theme from which to start with a cynical, upsetting, arrogant complicity of Michel Houellebecq; or the social difficulties narrated through photographic images (with the use of video) in BIANCA, 16 ANNI or L’ORFANO by Oliviero Toscani, two Italian, real stories of pure anguish because run-of-the-mill, because the two protagonists – young, confused, unsure of themselves and fearful of growing up – could well live in our homes and be part of our families.
The inspiration of everyday life and its fears is also the focus around which turns the work of two other great artists: Robert Gligorov and Franko B, who in an always original and playful though provocative manner, as enthralling as it is unbearable, express their vision of the world through the performance of their bodies, pain and devastation… often...
Another photographer and film maker who always works on the expression of the body and of art, photographing first and then filming, is Frenchman Pierre Coulibeuf. Starting from his films/documents
Un altro fotografo/cineasta che lavora sempre sull’espressione del corpo e dell’arte fotografando prima e filmando poi è il francese Pierre Coulibeuf che partendo da suoi film/documento dedicati e realizzati insieme ad artisti che del contemporaneo hanno fatto sempre “campo di lavoro e battaglia”, qui li rimonta e dà loro nuova vita sottoforma di installazione loop dedicata ad alcuni momenti significativi e inediti dei ritratti Who’s Who? di Marina Abramovic, Meg Stuart e Michelangelo Pistoletto.
La parte cinematografica di IMMAGINI è dedicata a giovani autori tra i più radicali ed emergenti degli ultimi anni che in modo assolutamente diverso ma profondo e innovativo, attraverso soluzioni stilistiche diverse narrano chi la realtà, chi la pura fantasia: raccontano STORIE che hanno diretta connessione con la nostra analisi.
“SENSUCHT Trilogie” accorpa 1 cortometraggio e 2 film di Ian Dilthey, a cui si aggiunge il lungo Gefangene. Nato nel 1971 in Scozia, ha studiato prima medicina e poi cinema in Germania, si afferma a livello internazionale quando ancora “sta studiando” e realizza la “Trilogia del desiderio” con Sommer auf Horlachen, Ich werde dich auf Händen tragen, Das Verlangen (il suo film di diploma), mentre Gefangene è il suo primo lungometraggio realizzato al di fuori del contesto accademico. I personaggi di Ian Dilthey sono come spogliati, ridotti ai minimi termini; non contano nulla, non danno nell’occhio ed è proprio questo a rivelarne l’essenza profonda. Non sono deboli, ma forti e custodiscono tutti un segreto: la ricerca della libertà, libertà alla quale giungono nei modi più disparati o tragici, quando avviene lo scontro tra norme sociali e desideri individuali.
The Hostage è il nuovo film di Laila Pakalniņa, regista, sceneggiatrice, produttrice e giornalista. La cineasta, di origine lettone, è riconosciuta internazionalmente da Cannes, Venezia e Locarno ed è divenuta una presenza costante negli ultimi anni di IMMAGINI, sia come documentarista, che autrice di
dedicated and made together with artists who have always made the contemporary world their “work and battlefield”, he re-edits them and gives them new life in the form of an installation loop dedicated to some significant and new moments in the Who’s… portraits: by Marina Abramovic, Meg Stuart and Michelangelo Pistoletto.
The film part of IMMAGINI is dedicated to young film makers, some of them the most radical of recent years. In very different but profound and innovative ways, and through varying stylistic solutions, they narrate reality or pure fantasy: they tell STORIES that have a direct link with our analysis.
“SENSUCHT Trilogie” groups together 1 short and 2 films by Ian Dilthey, joined by the longer Gefangene. Born in Scotland in 1971, he studied medicine first and then cinema in Germany. He gained an international name for himself while “still studying” and made “Trilogy of desire” with Sommer auf Horlachen, Ich werde dich auf Händen tragen, Das Verlangen (The Longing, his diploma film), while Gefangene is his first feature film made outside the academic context. Ian Dilthey’s characters are bare, reduced to a minimum; they count for nothing, do not stand out, and it is exactly this that reveals their profound essence. They are not weak but strong, and all hold a secret: the striving for freedom, a freedom they reach in the most disparate or tragic of ways, when a clash occurs between social norms and individual desires.
The Hostage is the latest film of Laila Pakalni ņ a, director, script-writer, producer and journalist. The film maker, of Latvian origins, is internationally recognised from Cannes, Venice and Locarno, and has become a constant presence in the recent years of IMMAGINI, both as documentary maker, director of short films and as visual artist. Her work is varied yet constant, far from a noisy cinema marked with frantic action; the cinema of Laila Pakalniņa stands out for her aesthetic and narrative choices aimed at slowing down the passage of time. She too is attracted
corti, che artista visiva. Il suo lavoro è vario ma costante, lontano dal cinema chiassoso e scandito da un’azione frenetica, il cinema di Laila Pakalniņa si distingue per le sue scelte estetiche e narrative volte a rallentare il corso del tempo. Anche lei è attratta dalle persone, dai dettagli della vita quotidiana, dai volti segnati della sua gente. La regista definisce The Hostage come un gioco, bambini e giocattoli in qualche strano modo lo compongono, e dice “la verità non è importante, quel che conta è l’illusione”.
Più provocatorio e irriverente è invece il cinema del giovane regista ungherese György Pálfi, il suo film Taxidermia oggetto di scandalo all’ultimo Festival di Cannes (nella sezione “Certain Regard”), è un film grottesco, ironico, divertente: 3 diverse generazioni di uomini prede di magnifiche/orrende ossessioni, ma specchio storico/contemporaneo di miserie e virtù con sguardo attento ai 1000 riferimenti della storia dell’arte.
La videoinstallzione INLAND ARCHIV di Erich
Busslinger, affermato videartista svizzero, rappresenta invece il ritratto di un paese, la Svizzera, e dei suoi abitanti; un paese complicato, a volte chiuso e claustrofobico, altre volte liberale e anarchico, ma “carino” e “pulito”: insomma contraddittorio e vario ma dall'immaginario “dorato”, soprattutto quello sognato dagli emigranti, la dream land analizzata, rivista, indagata attraverso più di 400' di video per un lavoro iniziato nel 2004 e terminato nel 2006, probabilmente ancora in progress
Tradizione, rivisitazione, rielaborazione, innovazione e nuova energia sono anche argomenti di creazione/composizione musicale e visiva di alcuni degli eventi del programma che hanno a che fare con la parte dedicata all’esplorazione musicale di IMMAGINI.
Uno degli eventi più forti del Festival è sicuramente la presenza di dj Shantel, alias Stefan Hantel, poliedrico musicista e produttore, riconosciuto come “king of the balkan dancefloor” che avvalendosi della balcanica Bucovina Orkestar ha creato quell’irresistibile miscuglio di balkan-beats, gypsy-groove,
by persons, by details of daily life, by the marked faces of her people. The director defines The Hostage as a game; in some strange way, children and toys form it. She says that “the truth is not important; what counts is the illusion”.
The work of the young Hungarian director, György Pálfi, is more provocative and irreverent. His Taxidermia was the cause of an uproar at the latest Cannes Festival (in the “Un Certain Regard” section): it is a grotesque, ironic, entertaining film: three different generations of men are prey to magnificent/horrendous obsessions, and the historic/contemporary mirror of miseries and virtues with a careful eye to the thousand references to the history of art.
The INLAND ARCHIV video-installation by Erich Busslinger, an established Swiss video-artist, represents instead the portrait of a country – Switzerland – and of its inhabitants; a complication, sometimes closed and claustrophobic nation, at others liberal and anarchic, but also “nice” and “clean”. In other words, contradictory and varied but bearing a “golden” image, especially in the minds of emigrants. Here is the dream land analysed, reviewed, investigated through more than 400’ of video, in a project that started in 2004 and ended in 2006, but is probably still in progress.
Tradition, review, re-elaboration, innovation and new energy are also the themes underlying the visual and musical creation/composition of some of the events planned in IMMAGINI from the part dedicated to musical exploration.
One of the major highlights of the Festival is certainly the presence of dj Shantel, alias Stefan Hantel, a versatile musician and producer recognised as the “king of the Balkan dance floor”. Making use of the Balkan Bucovina Orkestar, he has created that irresistible blend of Balkan-beats, gypsy-groove, electronic freestyle and Russian-disco we so much enjoy dancing to and which, thanks to some films –including the newly-released BORAT – is one of the musical phenomena of the moment.
Other evenings will instead be dedicated to the now
freestyle electronica e russian-disco che tanto ci piace ballare e che grazie anche ad alcuni film come il nuovissimo BORAT, sono uno dei fenomeni musicali del momento.
Altre saranno le serate dedicate alla ormai immancabile contaminazione tra immagini e musica elettronica… inevitabilmente anche perché ormai gli input quotidiani sono musicali/visivi… rumorosi/visionari…
E come al solito, buona visione (e immersione)
PS: mi piace pensare che “la filosofia di Immagini 2007” è totalmente ritrovabile nei testi, nei gesti, nelle urla di una delle performance più incredibili degli ultimi anni: DEPECHE MODE - Touring the Angel - e come canta il loro leader Dave Gahan “the world is… a pain I’m used to...” …
customary contamination of images and electronic music… inevitably also because our daily input is now musical/visual… sound/sight based ...
And, as usual, Happy viewing (and immersion)
PS: I like to think that “the philosophy of Immagini 2007” is totally traceable in the texts, gestures and yells of one of the most incredible performances of recent years: DEPECHE MODE - Touring the Angel - and as their leader, Dave Gahan, sings “the world is… a pain I’m used to...” …
LA CAMERA
The Room Rä di Martino
Italia / Italy 2006, 16mm, b-n / b-w, 10’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura, montaggio / Screenplay, Editing: Rä di Martino. Fotografia / Photography: Maura Morales Bergman. Suono / Sound: Alberto Fasulo. Interpreti / Cast: Anastasia Astolfi, Filippo Timi. Produzione / Produced by: MACRO - Museo di arte contemporanea di Roma, Galleria Monitor. In collaborazione con / In collaboration with: Istituto LUCE. Distribuzione internazionale / World Sales: Galleria Monitor.
“Si tratta di un progetto commissionato dal famoso archivio LUCE di Roma. L’archivio, com’è noto, conserva quasi integralmente i cinegiornali italiani prodotti fra il 1920 e il 1970. Ho preso il sonoro di alcuni, in particolare di quelli che parlano dell’arrivo della televisione nelle case degli italiani, più o meno attorno agli anni ’50. Ho poi intervistato diverse persone nate fra la metà degli anni ’60 e la metà degli anni ’70, le prime generazioni cresciute con la televisione. I loro ricordi sono spesso simili e spesso riguardano proprio gli stessi programmi o film, ed è curioso il fatto che tutti condividiamo ricordi ed esperienze comuni su quello che abbiamo visto. Nel video, due attori ‘rifanno’ in sincrono le voci delle persone intervistate e quelle contenute nei documenti d’archivio, mentre le sentono dal vivo in cuffia. I due attori sono vestiti secondo la moda degli anni ’60 e ed è tutto girato in bianco e nero. Questo è il primo di una serie di video che intendo realizzare in paesi diversi, dove probabilmente i ricordi delle persone sono diversi ma anche, allo stesso tempo, simili.” (R. di Martino)
“This is a project commissioned by the famous LUCE Archive in Rome. This huge archive holds most of the Italian cine-news reels from 1920 to the 1970. I used just the audio of some of these, in particular the ones who chronicle the advent of television as a normal domestic accessory starting around the 50’s. At the same time I interviewed people born between mid-60’s to mid-70’s, the first generations that have been growing up with televisions at home as the norm. Their memories are often similar and some times from the same programs or films, giving a strange feeling of how we all share common memories and experiences through what we have watched. In the video, two actors re-enact in synch all the voices of the people and of the archive which they were hearing ‘live’ with headphones attached on a stereo. They are dressed in 60’s clothes and shot in B&W film. This is the first of a series of videos which I would like to shoot with a similar concept in different countries where people’s memories are different and probably similar at the same time.” (R. di Martino)
LA CITTÀ DI ODRADEK
The City of Odradek
Fabiola Faidiga
Italia / Italy 2006, mini DV, col., 9’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, fotografia / Screenplay, Photography: Fabiola Faidiga. Liberamente ispirato al racconto La preoccupazione del padre di famiglia di / Freely based on the short story The Cares of a Family Man by Franz Kafka. Montaggio / Editing: Marco Devescovi. Suono / Sound: campane tubolari / tubular bells. Interpreti / Cast: Anna Miot. Produzione / Produced by: Fabiola Faidiga.
La città di Odradek è Trieste, luogo sospeso fra terre di confine ed estensioni marine. Odradek è una ragazza con la camicetta rossa, uno spirito solitario che visita e contempla vari luoghi della città – le rive, il molo, la piazza, il lungomare, il mercato con la giostra, il porto vecchio – ma senza mai interagire con l’esterno. Nessuno sembra vederlo, perché a Odradek non spetterebbe di esistere, dovrebbe rimanere nell’immaginario e non essere mai rappresentato. Un essere impalpabile, impossibile da vedere in volto, creatura ignota ma universale dove riporre senza risposta il rebus dell’esistere, sino alla fine, dietro il cigolìo di una porta.
The city of Odradek is Trieste, a place suspended between borderlands and the sea. Odradek is a girl with a red blouse, a solitary spirit who visits and contemplates various locations in the city – the sea-front, the quay, the square, the market with the merry-go-round, the old harbour – without ever interacting with the exterior world. No-one seems to see it, because Odradek should not really exist: it should remain within the imagination and never be depicted. An impalpable being, impossible to see face to face, an unknown but universal creature in which to set the puzzle of existence, until the end, behind the creaking of a door.
FRANKO B
Victor Ibañez
Italia / Italy
2006, DVD, col., 15’
v.o. inglese - italiana / English - Italian o.v.
Fotografia, montaggio / Photography, Editing: Victor Ibañez. Direttore artistico / Artistic Director: Matteo Basile. Interpreti / Cast: Franko B. Produzione / Produced by: Galleria Pack.
Il documentario è stato realizzato in occasione della performance di Franko B Don’t Leave Me This Way alla Certosa di Padula, Salerno, nel giugno 2006. L’artista ritorna sul suo percorso artistico, analizzando i punti salienti e le ricerche ricorrenti che hanno segnato la sua attività di performer e di artista più tradizionale. Momenti di conversazione con l’artista si alternano con immagini della performance Don’t Leave Me This
Way e di altri eventi della manifestazione curata da Achille Bonito Oliva.
Franko B è internazionalmente conosciuto per il suo percorso artistico segnato da azioni spettacolari, legate alla sua presenza fisica: ricordiamo in particolare la magistrale azione I miss you alla Tate Modern nel 2003, una lunga sfilata silenziosa nella quale l’artista si lasciava lentamente svuotare le vene del proprio sangue. ‘Blood and Pain’, sangue e dolore, possono essere considerati due leitmotiv della sua opera. L’artista londinese è capofila di una corrente molto seguita da numerosi giovani artisti e vera e propria star della scena underground della capitale britannica.
This documentary was made during Franko B’s performance entitled Don’t Leave Me This Way at Padula Certosa in Salerno, in June 2006. The artist goes over his artistic development analyzing the chief concerns and recurring themes that have marked his performances, as well as his more traditional work as an artist. Snatches of conversation with the artist alternate with pictures from the performance Don’t Leave Me This Way and other works in the event organized by Achille Bonito Oliva.
Franko B is internationally renowned for the course his artistic development has taken, including his spectacular actions connected with his physical presence. In this respect a key work was the masterly I Miss You at the Tate Modern in 2003, in which a long sequence showed his blood slowly dripping out of his veins. Indeed, ‘Blood and Pain’ can be taken as his work’s two leitmotivs. This London artist is the leading figure in a trend which has captured the imaginations of several young artists and is a real star in the capital’s underground scene.
IL ÉTAIT UNE FOIS… LES DÉLICES DU PETIT MONDE
C’era una volta… le delizie del piccolo mondo / Once Upon A Time… Gourmet Fare For A Small World
Joseph Péaquin
Italia / Italy 2006, DV, col., 63’ v.o. francoprovençal (dialetto della Valle d’Aosta) / Francoprovençal (patois of Aosta Valley) o.v.
Fotografia, montaggio, suono / Photography, Editing, Sound: Joseph Péaquin. Musica / Music: Christian Thoma. Interpreti / Cast: Erminio Janin, Attilia Valleise, Paul Janin, Sofia Janin, Furbino. Produzione / Produced by: Brel. Coproduzione / Co-produced by: Docfilm. Distribuzione internazionale / World Sales: Atrix Films.
C’era una volta... una coppia di pensionati, Erminio e Attilia. Vivevano ad Arnad, un paesino della Valle d’Aosta, nel cuore delle Alpi. Parlavano patois ed erano accomunati dalla stessa passione: la cucina di montagna. Condividevano questa passione con Paul e Sofia, i loro nipotini, e il gatto Furbino. Tutto questo piccolo mondo viveva al ritmo delle stagioni, alla ricerca di semplici delizie, ricche di sapore e umanità...
“Mai come oggi l’alimentazione ha segnato i nostri stili di vita e di pensiero. Fast food o slow food? Formattazione o diversità? Omogeneità o identità? Il mio film documentario cerca in tutta semplicità di rispondere a queste domande, tratteggiando il ritratto di una coppia di pensionati appassionati di cucina di montagna. Passo dopo passo, con lo scorrere delle stagioni, prendiamo coscienza che la loro passione per la cucina non è che l’espressione del loro rapporto con il territorio, l’Uomo e l’identità. Come in una fiaba, questa coppia ci fa riflettere sul nostro rapporto con la vita e con lo spazio.” (J. Péaquin)
Once upon a time there was a retired couple, Erminio and Attilia. They lived at Arnad, a small village in Aosta Valley, in the heart of the Alps. They spoke patois and lived together united by the same passion: mountain cooking. They shared this love with Paul and Sofia, their grandchildren, and their cat Furbino. This small world followed the rhythm of the seasons, forever seeking simple delicacies, with a wealth of flavours and Humanity…
“Never as today, has food so marked our way of life and thinking. Fast food or slow food? Format or diversity? Uniformity or identities? My documentary film simply seeks to respond to these questions when painting the portrait of a retired couple with their love for mountain cooking. Step after step, season after season we become aware that their love for cooking is none other than the expression of their relationship with the territory, with Humanity and with identity. Like a tale this couple makes us reflect on our own relationships with life and space.” (J. Péaquin)
INLAND ARCHIV
Erich Busslinger
Svizzera / Switzerland
2004 - 2006, Installazione video / Video Installation
Produzione / Produced by: Point de vue audiovisuelle produktionen. Coproduzione / Co-produced by: Schweizer Fernsehen DRS.
Il video è nato nel momento in cui Busslinger, nel 1999, di ritorno da un lungo soggiorno in Russia, comincia a vedere il proprio paese con occhi nuovi e quasi estraniati. Inizia così a filmare – cosa che continuerà a fare per anni – la Svizzera nei suoi vari aspetti, osservando con riprese lunghe e meditative i rituali di ogni giorno ma anche i cambiamenti sociali, realizzando un ritratto non convenzionale di questo paese, una sorta di “fenomenologia” della vita quotidiana elvetica in video. “Il viaggio nel mio paese è diventato un viaggio verso la mia origine” dice Busslinger, spiegando che la sua intenzione non era quella di trovare le immagini tipiche del paese ma, semmai, quelle irritanti e stridenti. Quello che emerge è il contrasto fra spazio urbano e dimensione rurale, fra centro e periferie, la dimensione del folklore, il confronto fra zone industriali e parchi naturali, le banche e i fenomeni di solitudine e indifferenza; e una sorta di “aura esotica” della Svizzera nei rituali quotidiani osservati da Busslinger con attenzione da etnologo. Concepito come un’installazione, ha una durata effettiva di 210’ (ma in realtà potenzialmente illimitata): la macchina “lancia i dadi” ed è così che compaiono, secondo una pura casualità, le clip da Inland Archiv, in tutto 258.
This video was created the moment in 1999 when Busslinger, after a long period in Russia, began to see his own country with fresh and almost estranged eyes. So he began to film the various aspects of Switzerland – something he continued to do for years – observing the everyday rituals in long, meditative shots, as well as the changes in society, thus making an unconventional portrait of this country, a sort of video “phenomenology” of daily life in Switzerland. “The journey through my country became a journey towards my origins”, says Busslinger, stressing that it was not his intention to find typical images of the country, but if anything irritating and jarring ones. The result is the contrast between the urban and rural environments, centre and outskirts, the comparison between industrial zones and nature parks, banks,
folklore and loneliness and indifference, producing a sort of “esoteric aura” of Switzerland in its daily rituals, observed by Busslinger with the care of the ethnologist. Conceived as an installation, the film lasts 210’ overall (but in fact it is potentially unlimited): the machine “throws dice” and that’s how the Inland Archiv clips appear, 258 in all, just by pure chance.
ĶĪLNIEKS
L’ostaggio / The Hostage
Laila Pakalniņa
Lettonia - Estonia - Slovenia / Latvia - Estonia - Slovenia
2006, 35mm, col., 74’
v.o. lettone - inglese / Latvian - English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Laila Pakalniņa. Fotografia / Photography: Arko Okk. Montaggio / Editing: Sandra Alksne. Suono / Sound: Anrijs Krenbergs. Scenografia / Art Director: Jurgis Krasons. Costumi / Wardrobe: Liga Krasone. Interpreti / Cast: Branko Zavrsan, Kristaps Mednis, Jekabs Nakums, Pauls Butkevics, Irina Jegorova, Ivars Brakovskis, Anita Kvala, Ieva Puke, Roberts Belins. Produzione / Produced by: Hargla Company. Coproduzione / Co-produced by: Acuba Film Production, Casablanca Film Production.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Un aereo dirottato atterra all’aeroporto di Riga. Il dirottatore spiega la scelta di quella città: “In teoria avrebbe potuto essere anche Tallinn o Vilnius, ma mi piacciono i nomi che iniziano con la lettera R.” Tom, un bambino di sette anni, che viaggia su quell’aereo, diventa volontariamente ostaggio del dirottatore. Così, oltre alle solite richieste (contanti e un volo per un’altra destinazione), il dirottatore ne aggiunge altre su suggerimento del piccolo ostaggio: una selezione di cioccolata di quel paese, un corso in cassetta per imparare la lingua lettone, un mix di canzoni e di musica locale e un’esibizione speciale dei migliori atleti lettoni. Intanto, nella campagna di Riga, si susseguono una serie di eventi: una donna dà fuoco a un campo mentre una pallottola distrugge una delle arnie di Anton, che ha perduto la sua vacca. Proprio l’animale rappresenta il filo rosso di questa storia in cui si intrecciano esperienze varie e strampalate... Il film vuole essere anche un omaggio al popolo lettone, a volte eccentrico ma sempre molto cordiale.
A hijacked plane touches down on the Riga Airport. The hijacker reasons his choice of the location: “In theory, it could also have been either Tallinn or Vilnius but I like names that contain the letter ‘R’. A sevenyears-old Tom, who is travelling on his own, voluntarily becomes a hostage. In addition to the usual demands (hard cash and an arranged flight to another destination), the hijacker adds a few originating from the little hostage: from a selection of the local chocolate and a self-instruction tape for learning local language to organising a mixture of a Folk Song Festival and a special performance by Latvian top biathletes. At the same time, in the Riga countryside, a series of events unfolds: a woman sets fire to a field, whilst a bullet smashes into a beehive belonging to Anton, who has lost his only cow. The animal is the connecting thread that runs through the story, in which a series of diverse and far-fetched experiences that collide... The film is also a kind of homage to the Latvian people, sometimes eccentric but always cordial in nature.
NEITHER
Ivan Talijančić
Italia - Slovenia - Stati Uniti / Italy - Slovenia - Usa 2005, Mini DV, col., 7’ senza dialoghi / no dialogues
“neither fa parte di una video installazione presentata nel 2005 a Lubiana, nell’ambito dell’Alphabet City Topography Project. Il video è un viaggio virtuale, un montaggio di storie inventate e legate agli spazi di Metelkova (l’ex caserma di Lubiana, divenuta dopo il 1991 uno dei più importanti centri di cultura alternativa e underground dei Balcani), solitamente non accessibili o visitabili, soprattutto da parte del grande pubblico. Il viaggio non è raccontato in modo tradizionale e lineare, ma dal punto di vista di un unico personaggio che si trova all’interno di uno di questi spazi. Si alternano fra loro ricordi di quello spazio e fantasmi della Storia. L’azione che si svolge in un luogo può essere spostata in un altro, forse in un luogo improbabile per creare una giustapposizione surreale in una realtà immaginaria...” (I. Talijančić)
“neither was part of a video installation presented in Ljubljana, during the Alphabet City Topography Project. The video is a virtual tour / montage of imaginary stories related to the areas of Metelkova (before 1991 military barracks and now one of the most important underground culture points in the Balkans), that are generally not accessible or otherwise visited by the public at large. It is not literally a tour as it is not told in real time and objectively but rather from a subjective point of view, a solitary character in the attic. Notions of memory of the space and ghosts of history are explored. Actions that take place in certain locations might be transposed to a different, perhaps unlikely location therefore creating surreal juxtapositions in a dream reality...” (I. Talijančić)
ROOFTOP
Peter Aerschmann
Svizzera / Switzerland
2005, Video installazione / Video installation DVD, col., 17’ (loop) senza dialoghi / no dialogues
Montaggio, produzione, distribuzione internazionale / Editing, Produced by, World Sales: Peter Aerschmann.
“Rooftop ci fa vedere un tetto di Alessandria in Egitto che, data la sua estensione, potrebbe essere un luogo qualsiasi. Se non ci fossero le antenne paraboliche a rimandare all’altezza del luogo, i passanti - che sono arabi dai vestiti che portano - farebbero sembrare il tetto un luogo qualsiasi della città... Lo spettatore
è completamente assorbito nel guardare e nel seguire le panoramiche della videocamera. Si riscoprono di continuo le stesse figure, una volta davanti, poi dietro, ora da sole, ora in gruppo. Le proporzioni delle figure cambiano di continuo a dimostrare, nella loro mutevolezza, di essere una pura costruzione dell’immaginazione dell’osservatore. In Rooftop non accade nulla eppure l’aspettativa dello spettatore resta sempre elevata. Contro un’estetica che ci fa stare sempre in attesa di qualcosa di spettacolare... Il grande merito di Peter Aerschmann in Rooftop è quello di sorprenderci in un’osservazione piena di aperture: quel tetto di Alessandria rifulge di una bella normalità.” (Fanni Fetzer, Kunsthaus Langenthal, 2006)
“In Rooftop we see a roof in Alexandria, which, given its size, could be almost anywhere. If it weren’t for the satellite dishes giving away how high the place is, the passers-by – Arabs, judging by the clothes they wear – would suggest the roof was anywhere in the city at all. The viewer is completely spellbound watching and following the videocamera’s panning shots. We keep seeing the same figures again and again, once in front, another time behind, alone or in a group. The size of these figures changes constantly, revealing, in their changeability, that they are merely a figment of the viewer’s imagination. Nothing happens in Rooftop and yet the viewer’s expectancy remains high – the target an aesthetics which keeps us waiting for something spectacular. It is Peter Aerschmann’s great merit in Rooftop to surprise us with his questing eye, always finding some new angle on things: the roof in Alexandria glows with a beautiful normality.” (Fanni Fetzer, Kunsthaus Langenthal, 2006)
IL SEGRETO DEL FIUME
The Secret of the River
Domenico Alecci, Luis Rosati
Italia / Italy 2006, DVD, col., 13’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura, montaggio, suono, scenografia, costumi / Screenplay, Editing, Sound, Art Director, Wardrobe: Domenico Alecci, Luis Rosati. Interpreti / Cast: Laura Feresin, Alessio Giordano. Produzione / Produced by: Domenico Alecci.
“Una ragazza, su un ponte, guarda il fiume sotto di lei. Alla gente chiede sassolini e quando li trova sulla sua strada se li infila nelle tasche del cappotto. Un uomo la osserva da un bar e, incuriosito, decide di conoscerla. Lei lo invita in una soffitta, dove gli confida di sentirsi minacciata da qualcuno che in passato è stato violento con lei. Il giorno dopo si prepara a separarsi dalla sua paura e tenendo in mano un sacchetto si dirige verso l’argine del fiume...” (D. Alecci, L. Rosati)
“A girl on a bridge watches the river beneath. She asks for little stones from passers by and when she finds some on the road, she slips them into her coat pocket. A man observes her from a bar and, curious, decides to get to know her. She invites him into an attic and confides in him, saying that she feels threatened by someone who in the past had been violent with her. The following day, she prepares to thrust her fear away from herself and, holding a small bag in hand, heads for the river bank…” (D. Alecci, L. Rosati)
SITE SPECIFIC
Olivo Barbieri
Olivo Barbieri ha iniziato la serie “Site Specific” nella primavera del 2004. Il progetto consiste in una serie di fotografie di grande formato scattate da una prospettiva aerea, da un elicottero in volo a circa 2000 metri d'altezza sopra la città. Le immagini sono accompagnate da filmati video in 35mm, girati in alcune delle più grandi metropoli internazionali. Le immagini, realizzate con la tecnica della messa a fuoco selettiva tipica di Barbieri, restituiscono un’immagine totalmente inedita dei luoghi abituali, a prima vista percepiti come dei modellini in scala. “Site Specific” è un work in progress, che toccherà diverse aree del pianeta. Finora ha interessato le città di Roma, Montreal, Amman, Shangai, Las Vegas, Los Angeles e Torino.
“Ho fatto la mia prima foto aerea da ragazzo, era la prima volta che salivo su un aereo... Ho realizzato quella prima fotografia con una macchina reflex a pozzetto con doppio obiettivo che dovevo capovolgere per raggiungere il finestrino. Scattai diverse foto in bianco e nero e ancora oggi ricordo lo stupore del fotografo che le sviluppò, nel vedere quanto fosse cambiata nel tempo l'immagine della piazza principale del paese. In quei giorni era facile volare a bassa quota sopra i centri storici delle città, anche se credo che scattare fotografie fosse proibito. Non c'è mai stato un così grande interesse verso il tema della città così come negli ultimi vent'anni. Siamo stati ossessivamente sommersi da un flusso di idee e commenti dall'Europa, dal Nord America, dal Giappone e ora dall'Asia. A partire dall'11 settembre 2001, tuttavia, ogni riflessione su questo tema sembra aver perso chiarezza. Un velo di incertezza è calato tra i nostri pensieri e il mondo. Nel progetto “Site Specific” io guardo oltre questo velo. La prima limitazione di una rappresentazione è il punto di vista; cambiandolo si apre un nuovo cassetto pieno di altri significati. Adottare una posizione fluida rispetto alla realtà e agli eventi ha limitato il rischio di opinioni obbligatorie e prevedibili. Il mondo è un'installazione temporanea di strutture e infrastrutture, fondamenti del nostro senso di appartenenza allo spazio e della nostra identità, viste da lontano, come un modellino in scala: la città come incarnazione di se stessa.” (O. Barbieri)
Olivo Barbieri began the “Site Specific” series, with images taken from an aerial perspective, in the spring of 2004. He has used his trademark technique of selective focus, though this time from a helicopter, resulting in several short films in 35mm and a series of large format photographs of some major cities in the world. At first glance, Barbieri's scenery appears to be captured from a number of highly detailed miniature models, though in fact, all the images are shot in real space and real time from a helicopter flying 300 to 500 feet from the ground, redefining the public impression of otherwise familiar urban spaces. “Site Specific” is a work in progress that involves several regions of the planet. The series has been executed in the following cities: Roma, Montreal, Amman, Shangai, Las Vegas, Los Angeles, Turin.
“I took my first aerial photo as a child, the first time I flew in a light plane... I took it with a twin-lens reflex camera, which I had to turn upside down in order to reach the airplane window. There were several black-and-white photos, and I still remember the amazement of the neighbourhood photographer who developed them when he saw the picture of the town square. In those days, it was normal to fly over historic city centres at low altitude, though I believe that taking pictures was forbidden. Never has there been so great a concern to talk about cities as in the past twenty years. We have been submerged obsessively in a flood of ideas and commentary from Europe, North America, Japan and, now, almost the whole of Asia. Since September 11, however, anything expressed before that time seems to have lost clarity. A veil of uncertainty has fallen between our thoughts and the world. With the “Site Specific” project, I look beyond this veil. The first constraint of representation is viewpoint; changing it opens a new drawer full of meanings. Adopting a fluid position has limited the risk of obligatory and predictable views. The world as a temporary site-specific installation, structures and infrastructures, the foundation of our sense of belonging and our identity, seen from afar, as a great scale model: the city as an avatar of itself.” (O. Barbieri)
site
specific_ROME 04
Italia / Italy, 2004, 35mm, col., 12’, senza dialoghi / no dialogues
Fotografia / Photography: Olivo Barbieri. Montaggio / Editing: Cristiano Travaglioli. Musica, suono / Music, Sound: Romano Manfredi. Produzione / Produced by: Vivo film.
Roma diventa una gigantesca opera plastica, metropoli fantastica e posticcia in cui storia, vita quotidiana, struttura urbana e architettura perdono completamente la loro consistenza risolvendosi in una vera e propria installazione concettuale.
Rome is transformed into a gigantic artwork, a fantastic and artificial metropolis in which history, everyday life, the urban structure and the architecture totally lose their substance to be replaced by a conceptual installation.
site specific_LAS VEGAS 05
Canada - Italia / Canada - Italy, 2005, 35mm, col., 13’, senza dialoghi / no dialogues
Fotografia / Photography: Olivo Barbieri. Montaggio / Editing: Maris Marzulis. Suono / Sound: Raymond. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Wonder Inc. Coproduzione / Co-produced by: Brancolini, Grimaldi Arte Contemporanea.
site specific_LAS VEGAS 05 inizia sui deserti dell’Arizona e del Nevada e subito raggiunge il fantastico e scintillante mondo di Las Vegas. Ritratto del materialismo, il film disorienta lo spettatore mostrando passanti, auto e palazzi in miniatura che sembrano giocattoli e opere ingegneristiche monumentali (come la diga Hoover o la Fontana del Bellagio) che appaiono in tutta la loro estraneità rispetto al paesaggio naturale.
site specific_LAS VEGAS 05 begins over the deserts of Arizona and Nevada and soon reaches the fantasy glitter world of Las Vegas. A portrait of materialism, Barbieri’s film confounds: the miniature-sized pedestrians, cars and architecture appear as artificial as toys; monumental feats of engineering (The Hoover Dam or the Fountain at Bellagio) seem strangely out-of-context within the natural landscape.
site specific_SHANGAI 04
Italia / Italy, 2005, HD, col., 13’, senza dialoghi / no dialogues Sceneggiatura, fotografia / Screenplay, Photography: Olivo Barbieri. Montaggio / Editing: Cristiano Travaglioli. Musica / Music: Tiziano Popoli. Produzione / Produced by: Olivo Barbieri. Distribuzione internazionale / World Sales: Tricon Films.
site specific_SHANGHAI 04 è un film sul silenzio, il silenzio con cui l’occidente, fin dallo spargimento di sangue di piazza Tien an men (1989), ha trattato la storia del più veloce, esteso e drastico cambiamento di architettura e paesaggio urbano che un paese abbia vissuto nella storia dell’umanità.
site specific_SHANGHAI 04 is a film about silence, the silence with which, from the bloodshed in Tiananmen Square (1989), the western world has treated the story of the most rapid, sweeping and drastic changes in the urban fabric and architecture of a single country seen in the history of humanity.
TAXIDERMIA
Tassidermia
György Pálfi
Ungheria - Austria - Francia / Hungary - Austria - France 2006, 35mm, col., 91’ v.o. ungherese / Hungarian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Zsófia Ruttkay, György Pálfi. Dai racconti di / Based on the novels by Lajos Parti Nagy. Fotografia / Photography: Gergely Pohárnok. Montaggio / Editing: Réka Lemhényi. Musica / Music: Amon Tobin, Albert Márkos. Suono / Sound: Tamás Zányi. Scenografia / Art Director: Adrien Asztalos, Géza Szöllősi. Costumi / Wardrobe: Júlia Patkós. Interpreti / Cast: Csaba Czene, Gergő Trócsányi, Gina Moreno, Éva Kuli, Lajos Parti Nagy, Marc Bischoff, Adél Stanczel, István Gyuricza, Piroska Molnár, Gábor Máté, Géza Hegedûs D., István Hunyadkürti, Zoltán Koppány. Produzione / Produced by: Eurofilm Stúdió, Amour Fou Filmproduktion, Memento Films Production, La Cinéfacture. Coproduzione / Co-produced by: Arte France Cinema. Con il sostegno di / Supported by: Nemzeti Kulturális Örökség Minisztériuma, Magyar Mozgókép Közalapítvány, Duna Televízió, Austrian Film Institute, Vienna Film Fund, Austrian Broadcasting Corporation, Eurimages. Distribuzione internazionale / World Sales: Fortissimo Films.
ANTEPRIMAITALIANA / ITALIANPREMIERE
Tre storie, tre epoche, tre uomini: nonno, padre, figlio. Uno desidera l’amore, un altro il successo, un altro ancora l’immortalità. Il nonno, già militare durante la Seconda guerra mondiale, vive immerso nelle sue fantasie e nelle fredde serate invernali riscalda con i suoi sogni erotici la capanna gelata in cui vive. Il padre, obeso, spera di diventare un grande atleta - il mangiatore più veloce - nell’Unione Sovietica del dopoguerra. Da quattro anni detiene il record nella sezione ‘pasticceria’ ed è imbattibile nei wafer al cioccolato. Suo figlio, un mite e mingherlino tassidermista, aspira a qualcosa di più grande di un record di abbuffate: vuole l’immortalità. Egli sta per iniziare qualcosa che nessuno ha mai immaginato prima...
“In letteratura, il modello della saga famigliare è stato definito una volta per tutte da Thomas Mann: nel corso di tre generazioni, il capostipite getta le basi della famiglia, dà inizio a tutto; il figlio la porta ai massimi livelli della società e poi arriva il nipote, che rinuncia ai valori fondanti del successo. In Taxidermia, questo schema viene deformato, amplificato e rovesciato. Penso che la storia delle tre generazioni sia una sorta di ‘scheletro’ del film. Ecco perché deve essere integrato. Tre istantanee della vita di tre persone. Lo stacco fra le tre storie, è in qualche modo riempito dall’immaginazione ‘guidata’ dello spettatore.” (G. Pálfi)
Three stories. Three ages. Three men. Grandfather, father, son. One desires love, the other success, and the third immortality. The grandfather, an orderly during World War Two, lives in his bizarre fantasies and on cold winter evenings he warms up his freezing little shed with his feverish dreams. The huge father seeks success as a top athlete - a speedeater - in the postwar Soviet era. For four years he was the first in his section in the Confectionary Industry, unbeatable in chocolate wafers. The grandson, a meek, small-boned taxidermist, yearns for something greater: immortality. He goes in for something that nobody has ever imagined before...
“In literature, the model of the family saga was defined by Thomas Mann: through three generations, the grandfather bases the family, he starts the world; the father carries the family aloft to the very peak of society, while the son renounces the founding values of success. In Taxidermia, this scheme is deformed, amplified and turned upside down. I think of the story of three generations as a sketch film. That is why it will be integrated. Three flashes from three persons' life. The gaps between the stories are filled by the audience's guided imagination.” (G. Pálfi)
WHO’S WHO?
Pierre Coulibeuf
Francia / France
Digi Beta, col.
Sceneggiatura / Screenplay: Pierre Coulibeuf. Produzione / Produced by: Regards Productions. Courtesy: PLAY_Gallery for still and motion pictures, Berlin.
Riflessione tra vita e arte, sul tema dell’identità, il suo divenire e le sue metamorfosi. Tra ripetizione e memoria tre variazioni con fuga, tre film d’artista: Marina Abramovic in tre delle sue celebri azioni; un emozionante assolo per la ballerina e coreografa Meg Stuart, nell’alternarsi di stati emozionali espressi attraverso un suggestivo lirismo cromatico; una sparizione alla Borges per Michelangelo Pistoletto nel labirinto della città tra specchi e frammenti di opere in fuga.
“Sull’idea di ‘ritratto’: il soggetto in evoluzione costante, le fluttuazioni dell’identità, la metamorfosi, la dissoluzione del sé; lo spazio fra le immagini: il passaggio dall’immagine sociale, lo status dell’artista, a immagini immaginarie. La questione della rappresentazione: immagini come simulacri: interpretazioni: pure invenzioni. Interdisciplinarietà: ambiguità o incertezza delle identità, ma anche dei codici artistici. Inventare un luogo ‘sul confine’: fra il linguaggio del cinema e il linguaggio video.” (P. Coulibeuf)
Reflection, between life and art, on the theme of identity, the developing subject and its metamorphosis. Between repetition and memory, three variations with fugue, three extraordinary meetings: reloaded for the body artist Marina Abramovic with three of her famous actions; a moving solo for kinds of spaces of the choreographer and dancer Meg Stuart, in the alternation of emotional status expressed through an evocative chromatic lyricism; disappearance in the way of Borges by Michelangelo Pistoletto in the labyrinth of the town between mirrors and fragments of escaping works.
“About the idea of ‘portrait’: the constantly evolving subject, fluctuations of identity, metamorphosis, the dissolution of the self; the space between images: a shift from the social image, the status of the artist, to imaginary images. The question of representation: images as simulacra: interpretations: pure inventions. Cross-disciplinarity: the ambiguity or uncertainty of identities, but also of artistic codes. Inventing a place “on the frontier”: between the language of cinema and the language of video.” (P. Coulibeuf)
WHO’S MARINA ABRAMOVIC?
Chi è Marina Abramovic?
1999-2006, 9’ v.o. inglese / English o.v.
Dal film in 35mm Balkan Baroque di Pierre Coulibeuf / From the 35mm Balkan Baroque by Pierre Coulibeuf. Fotografia / Photography: Dominique Le Rigoleur. Montaggio / Editing: Pierre Coulibeuf. Suono / Sound: Eddy de Cloe. Interpreti / Cast: Marina Abramovic, Alexander Godschalk, Sean Kelly.
WHO’S MICHELANGELO PISTOLETTO?
Chi è Michelangelo Pistoletto?
1998-2006, 8’ v.o. italiana / Italian o.v.
Dal film in 35mm L’homme noir di Pierre Coulibeuf / From the 35mm L’homme noir by Pierre Coulibeuf. Fotografia / Photography: Dominique Le Rigoleur. Montaggio / Editing: Pierre Coulibeuf. Suono / Sound: JeanMarc Baudoin, Walter Tietze, Thomas Szablocs. Interpreti / Cast: Michelangelo Pistoletto, Cristina Pistoletto.
WHO’S MEG STUART?
Chi è Meg Stuart?
2004-2006, 8’ senza dialoghi / no dialogues
Dal film in 35mm Somewhere in Between di Pierre Coulibeuf / From the 35mm Somewhere in Between by Pierre Coulibeuf. Fotografia / Photography: Julien Hirsch. Montaggio / Editing: Pierre Coulibeuf. Suono / Sound: Quentin Jacques. Interpreti / Cast: Meg Stuart, Davis Freeman, Antonija Livingstone.
Iain Dilthey
SOMMER AUF HORLACHEN
Estate a Horlachen / Summer in Horlachen
Iain Dilthey
Germania / Germany
1999, 16mm, col., 26’
v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Iain Dilthey, Silke Parzich. Fotografia / Photography: Lothar Heinrich. Montaggio / Editing: Nadine Arndt. Suono / Sound: Nic Wohlleben. Interpreti / Cast: Eva Löbau, Manfred Kranich, Dirk Waanders, Sigrid Skoetz. Produzione / Produced by: Filmakademie Baden-Württemberg.
Anna vive in una fattoria sperduta nei boschi, insieme a un padre taciturno. Un giorno Hans, un operaio edile, arriva nella zona. Una novità, nella monotona vita quotidiana di Anna…
Anna lives on a remote farm in the forest with her taciturn father. One day, Hans, a construction worker, comes to the area and Anna seems to break out of the monotony of her everyday life...
ICH WERDE DICH AUF HÄNDEN TRAGEN
Ti servirò di tutto punto / I’ll Wait on You Hand and Foot
Iain Dilthey
Germania / Germany 2000, 35mm, col., 62’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Iain Dilthey, Silke Parzich. Fotografia / Photography: Sibylle Grunze. Montaggio / Editing: Barbara Hoffmann, Dirk Stoppe. Musica / Music: Stefan Schulzki. Suono / Sound: Markus Reisinger, Alex Buch. Interpreti / Cast: Eva Löbau, Dirk Waanders, Sigrid Skoetz, Manfred Kranich, David Steffen, Maximilian Hummler. Produzione / Produced by: Filmakademie Baden-Württemberg.
Ramona, non ancora diciottenne, lascia Vienna per una cittadina tedesca di provincia. Si vuole riunire a Toni, l’amore della sua vita, nonchè padre del suo bambino. La ragazza ripone tutta la sua fiducia in Toni e nella promessa, fattale un po’ per scherzo, di sposarla. Appena arrivata da lui, capisce subito che il ragazzo non è più interessato a lei. Ramona cerca comunque di realizzare il suo sogno di avere una famiglia.
Ramona, not quite 18, leaves Vienna for a German provincial town to be reunited with Toni, the love of her life and her baby’s father. The girl puts all her faith in Toni’s promises, made on a whim, to marry her. Immediately after her arrival, however, she has to realize Toni is no longer interested in her. All the same, Ramona tries to make her dream of a family come true.
DAS VERLANGEN
Il desiderio / The Longing
Iain Dilthey
Germania / Germany 2002, 35mm, col., 90’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Iain Dilthey, Silke Parzich. Fotografia / Photography: Justus Pankau. Montaggio / Editing: Barbara Hoffmann. Musica / Music: Johannes Kobilke. Suono / Sound: Hamid Tavakoliyan. Scenografia / Art Director: Eva Stiebler. Interpreti / Cast: Susanne-Marie Wrage, Klaus Grünberg, Robert Lohr, Manfred Kranich. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Filmakademie BadenWürttemberg. Coproduzione / Co-produced by: Bayerischer Rundfunk, Südwestrundfunk, TAG/TRAUM Filmproduktion, Samples & Frames.
Lena, donna apparentemente solitaria e riservata, vive con un marito tiranno, Johannes: lui è il pastore del villaggio e lei la sua fedele e servile moglie. La quotidianità di Lena è caratterizzata da una logorante monotonia, una vita passata fra fare l’infermiera, suonare l’organo in chiesa e svolgere i doveri del letto coniugale. Il misterioso assassinio di una ragazza del villaggio sveglia gli abitanti dal loro consueto torpore. È proprio in questa occasione che Lela conosce Paul, il meccanico del villaggio. Questo incontro è l’inizio di un’emancipazione che la porta a non svelare il segreto di Paul riguardo all’assassinio della ragazza, per paura di perdere quel po’ di felicità appena conquistata. Rimane in silenzio, proprio come ha fatto nei lunghi anni del suo matrimonio. Ed è così che Lena, per amore, si trasforma in un angelo nero. Pardo d’Oro a Locarno nel 2002.
Lena, an apparently solitary, reserved woman, lives with a tyrannical husband, Johannes, the village pastor, as his faithful, servile wife. Lena’s daily life is characterised by crushing monotony, a life spent at working as a nurse, playing the organ in church and fulfilling her marital duties in bed. The mysterious murder of a girl in the village awakens its inhabitants from their accustomed torpor. And it is following this event that Lena meets Paul, the village mechanic. This meeting is the beginning of an emancipation that leads her to conceal Paul’s secret concerning the murder of the girl for fear of losing that little bit of happiness she has just attained. She must keep silent again, just as she has in many years in marriage. And this is when Lena, for love, changes into a dark angel. Golden Leopard in Locarno 2002.
GEFANGENE
Prigionieri / Prisoners
Iain Dilthey
Germania - Austria / Germany - Austria 2006, 35mm, col., 89’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Ulrike Maria Hund. Fotografia / Photography: Hans Fromm. Montaggio / Editing: Christian Krämer. Musica / Music: Marius Felix Lange. Suono / Sound: William Franck. Scenografia / Art Director: Nicola Schudy. Costumi / Wardrobe: Cinzia Cioffi. Interpreti / Cast: Jule Böwe, Andreas Schmidt, Eva Löbau, Robert Lohr, Erwin Leder, Nicholas Monu, Theo Marteau, Salis Wandaogo, Nadja Vogel. Produzione / Produced by: TAG/TRAUM Filmproduktion. Coproduzione / Co-produced by: Fischer Film, ZDF/Das kleine Fernsehspiel. Con il sostegno di / Supported by: Filmstiftung NRW, Fernsehfonds Austria.
Riservata e apatica, Irene conduce un'esistenza monotona e fuori dal mondo. Malgrado alcuni amici e un lavoro come professoressa di biologia, è disperatamente sola. Assiste al formarsi e disgregarsi delle coppie intorno a sé, spettatrice della propria vita e della felicità altrui, incapace di integrarsi. In una sorta di specchio della propria desolazione, osserva dalla finestra del suo appartamento le celle della prigione di fronte a casa. Il suo destino subisce una svolta il giorno in cui un evaso entra di forza nell'appartamento e la sequestra. Per diversi giorni, due creature profondamente sole si confrontano, si osservano, si squadrano, diffidano l'una dell'altra, cercando nel contempo di vivere al meglio questa convivenza forzata. Col passare del tempo, e mantenendo sempre un atteggiamento ambiguo, i due cedono lentamente al desiderio e alla passione fisica. Non avendo più niente da perdere, data la desolazione che li circonda, ognuno trova nell'isolamento dell’altro un mezzo per riempire il proprio vuoto esistenziale, fino alla decisione di fuggire insieme.
“Come si diventa ciò che si è? Cos’è che ci fa cambiare? Sono due domande che mi assillano fin da quando ho iniziato a realizzare film. Non mi lasciano mai e arrivano puntuali ogni volta che inizio un nuovo lavoro. È come se avessi un bisogno quasi fisiologico di raccontare storie di persone che diventano libere.” (I. Dilthey)
Irene, withdrawn and somewhat indolent, lives a monotonous existence, cut off from the world. Despite having a few friends and a job as a biology teacher, she is desperately alone. She sees couples coming together and splitting up; an onlooker on her own life and on the happiness of others, she is incapable of joining in. From the window of her apartment she looks out on the cells of the prison opposite, a mirror to her own desolation. But everything changes the day that an escaped convict forces his way into her home and holds her prisoner. Over several days, these two essentially forsaken people observe and size one another up, in mutually distrust, whilst living through this enforced co-existence as best they can. As the hours go by, although they maintain their ambivalent attitudes to one another, gradually they succumb to desire and physical passion. With nothing left to lose in their desolate lives, they find in each other’s isolation the means to fill the existential void within themselves and end up fleeing together.
“How does a person become what he/she is? And what drives him/her on from there? These two questions have been with me ever since I began making films. They refuse to let me go. They arise whenever I begin to work. I have a nearly physical need to tell stories about people that set them free.” (I. Dilthey)
Robert Gligorov
LA LEGGENDA DI BOBE - ANIMANIMALE N. 1
The Legend of Bobe - Animanimal No. 1
Robert Gligorov
Italia / Italy
1998, DVD, col., 9’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, interpreti / Screenplay, Cast: Robert Gligorov. Produzione / Produced by: Galleria Pack.
Cortometraggio in slow-motion nel quale l’artista dà vita a un uccello, che esce dalla sua bocca e prende il volo. Il gesto poetico trova delle risonanze nella vita stessa di Gligorov e si riferisce a esperienze della sua infanzia. Illustra metaforicamente il rapporto tra padri e figli, traducendo il momento preciso in cui i figli devono prendere la decisione di volare, andarsene per seguire un loro percorso. La combinazione tra vegetale, animale e umano è una caratteristica della pratica artistica di Gligorov.
A slow-motion short film, in which the artist gives life to a bird which comes out of his mouth and flies off. This poetic image echoes events in Gligorov’s own life and refers to experiences in his childhood. It illustrates metaphorically the relationship between father and sons, translating the precise moment when children have to take the decision to fly away to seek their own way in life. The combination of vegetable, animal and human is typical of Gligorov’s art.
BORDERLINE. THE ORIGIN OF THE ACORN
Borderline. L’origine della ghianda
Robert Gligorov
Italia / Italy 2001, DVD, col., 9’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, interpreti / Screenplay, Cast: Robert Gligorov. Produzione / Produced by: Galleria Pack.
Il lavoro di Robert Gligorov è una finestra al limite della soglia, uno sguardo sull’abisso in cui bellezza, inquietudine, eccesso estetizzante, si confondono. L’opera Borderline pone varie domande: da dove nasce la bellezza? Che fatti orribili possono nascondersi dietro il fascino estetico? Gligorov stesso è protagonista
immagini / images
del video, per il quale indossa i panni dell’uomo d’affari. Seduto nel suo ufficio, inizia a ingoiare una bellissima rosa, poi un’altra e un’altra ancora, finché il grazioso mazzo di fiori posto in un vaso sulla sua scrivania non sparisce completamente. Colpito dalla tossicità della bellezza che ha appena ingerito, comincia allora a produrre schiuma con la bocca. La bellezza delle immagini associata all’ambiguità del loro messaggio invitano a riflettere sulle possibili trasformazioni subite dall’uomo attraverso ciò che tenta di assorbire.
Robert Gligorov’s work is a window at the very edge of the chasm where beauty, anxiety and would-be aesthetic excesses meet. Borderline asks several questions: where does beauty come from and what horrible things might lurk behind its glamour? Glirorov performs in his own video, in which he plays a businessman. Sitting in his office, he begins to swallow a beautiful rose, then another and another, until the lovely bunch of flowers in the vase in the middle of his desk has completely disappeared. He suddenly realizes how toxic the beauty he has just eaten is and his mouth begins to froth. The beauty of the images coupled with the ambiguousness of their message invite us to reflect on the possible transformation the man might have undergone thanks to what he has been trying to absorb.
MASBEDO
IL MONDO NON È UN PANORAMA
The World Is Not a Landscape
MASBEDO (Nicolò Massazza, Jacopo Bedogni)
Italia / Italy
2005, Digi Beta, col., 15’ v.o. francese / French o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Michel Houellebecq, MASBEDO. Fotografia / Photography: Gherardo Gossi, MASBEDO. Montaggio / Editing: MASBEDO. Musica / Music: Vittorio Cosma for Music Production S.r.l. Suono / Sound: Fabrizio Romagnoli, MASBEDO. Interpreti / Cast: Juliette Binoche, Caterina Silva. Voce fuori campo / Voice off: Juliette Binoche. Produzione / Produced by: Marco Noire Contemporary Art. Coproduzione / Coproduced by: Galleria Pack.
Il mondo non è un panorama è una sorta di naturale evoluzione del romanzo di Michel Houellebecq, La possibilità di un’isola. In un mondo post-nucleare pochi neo-umani, cloni di esseri umani modificati, sopravvivono conducendo una vita primitiva. Non sanno ridere e non sanno piangere. Maria 23, clone di Maria1, è una di loro e come tutti gli altri non può comunicare che in modo virtuale, soffrendo per la mancanza di contatti umani e desiderio. Spinta dal potere persuasivo ed emozionale di una poesia d’amore scritta da un umano millenni prima, esce da questo limbo per spingersi sulla terra, alla ricerca di conciliazione e re-identificazione con il suo essere originale gemello, Maria1. L’incontro avviene ma la conciliazione no; l’amore non si manifesta, la pace interna anestetizzata dei neo-umani non prevede più l’amore. Le emozioni umane non esistono più. La natura umana quindi deve essere cancellata…
Se La possibilità di un’isola poteva prevedere una speranza di felicità, ne Il mondo non è un panorama il mondo è rappresentato solo come mera sofferenza, dove ogni sconfitta ed eliminazione, necessaria e inevitabile, è già stata prevista e decisa.
Il mondo non è un panorama is the natural evolution of the Houellebecq’s novel La Possibilité d’une île. Maria 23, clone of Maria1, is there, in a post-nuclear world where the Neo-Humans (clones of human beings) are living with no emotions; no laugh and crying, no humor. Like them she can only communicate in a virtual way and suffers for the lack of contact and desire. Driven by a poetry with a persuasive and emotional power, written millenniums ago by a human, Maria 23 leaves in search for her original, Maria1, to become reconciled and identify herself with her. Their meeting occurs but no reconciliation is possible, because the inner peace of Neo-Humans doesn’t provide for Love. Human emotions doesn’t exist anymore. So, the human race has to be destroyed… In La Possibilité d'une île there was hope for happiness, but in Il mondo non è un panorama the world is evocated just as plain suffering where every defeat and elimination have already been seen and decided and it is necessary and unavoidable.
10
INSECTS TO FEED
10 insetti da nutrire
MASBEDO (Nicolò Massazza, Jacopo Bedogni)
Italia / Italy 2006, video
Versione video del cortometraggio omonimo in 35mm (v. pag. 68) pensata per video installazioni.
Video version of the short film in 35mmm of the same title (see p. 68) made for video installations.
Mauro Santini
DESALENTO
Mauro Santini
Italia / Italy
2006, Betacam SP, col., 44’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, fotografia, montaggio, suono, produzione / Screenplay, Photography, Editing, Sound, Produced by: Mauro Santini. Interpreti / Cast: Monica Cecchi.
Al balcone del ‘Flòr da Baixa’, fra le finestre vuote, una donna è seduta di fronte al mare; una nave si allontana, una lenta neve cade e conserva cose e sentimenti. Nel vecchio hotel di Lisbona il tempo è sospeso, confonde i volti, muta forme e colori, le immagini diventano eco di sogni o di ricordi: nulla è più certo, tanto meno un ritorno… Desalento racconta di un amore perduto e di un lungo viaggio per mare verso Rio de Janeiro; di un oblio necessario per sopravvivere e della deriva di un sentimento, nei vicoli bui di una città sconosciuta, dentro stanze che si affacciano su altre esistenze.
At the balcony of the ‘Flòr da Baixa’, surrounded by empty windows, sits a woman facing the sea; snowflakes drift slowly down preserving feelings and things. Time stands still in the old hotel in Lisbon, blending faces into one another, changing shapes and colours. The images become echoes of dreams and memories: nothing is more certain, least of all a return… Desalento tells the story of love lost and a long sea voyage to Rio de Janeiro; of the oblivion necessary to survive and of a feeling drifting through the dark lanes of an unknown city, slipping into rooms looking out onto other lives.
UN JOUR À MARSEILLE
Un giorno a Marsiglia / A Day in Marseille
Mauro Santini
Italia / Italy
2006, Digi Beta, col., 51’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, fotografia, montaggio, suono, produzione / Screenplay, Photography, Editing, Sound, Produced by: Mauro Santini.
Marsiglia: Boulevard d’Athénes giorno e notte, la Grande Joliette, la Corniche. Quattro storie, quattro sguardi sulla città.
“Rivedendo le immagini girate a Marsiglia per il lungometraggio Flòr da Baixa, ho subito avuto l’impressione che da quel materiale potesse nascere un nuovo lavoro, un video in gran parte già compiuto nell’atto della ripresa, con interventi minimi di montaggio, sempre a togliere, senza interventi sul tempo e sull’immagine. È nato così Un Jour à Marseille, con grande semplicità, la stessa delle piccole storie che mostra. Credo rappresenti per me un passaggio importante: dallo sguardo soggettivo dei miei primi lavori all’evidenza del reale, che è solo all’apparenza più trasparente.” (M. Santini)
Marseille, Boulevard d’Athènes by day and by night, la Grande Joliette, la Corniche. Four stories, four views of the city.
“As I was looking once again at the images I shot in Marseille for the feature film Flòr da Baixa I immediately had the impression that the material could be the basis of a new work, a video that was already completed in the moment of shooting, with a minimum amount of editing, only cutting, and without touching the time or the images. This is how Un Jour à Marseille came about, with great simplicity, the same simplicity as the small stories it tells. I think it represents an important passage for me: from the subjective view of my early works to the evidence of reality, that is only apparently more transparent.” (M. Santini)
Oliviero Toscani
L’ORFANO
The Orphan
Oliviero Toscani
Italia / Italy
2002, Betacam SP, b-n / b-w, 25’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura, fotografia / Screenplay, Photography: Oliviero Toscani. Montaggio / Editing: Stefania Calatroni. Suono / Sound: Vittorio Bossi. Interpreti / Cast: Paolo Pasimeni. Produzione / Produced by: Nessuno tocchi Caino.
“Mi chiamo Paolo Pasimeni. Ho ventitrè anni e sono rinchiuso nel carcere di Padova per l’omicidio di mio padre.” Inizia così la testimonianza che Oliviero Toscani ha raccolto sei mesi dopo la tragedia. Nel corso dei vari capitoli in cui è strutturato il film, prende forma la biografia affettiva di un ragazzo confuso e insieme lucido, in bilico fra ricordi e oblio.
“I am called Paolo Pasimeni. I am 23 years old and I am locked up in Padua jail for the murder of my father.” So begins the story that Oliviero Toscani has patched together six months after the tragic event. In the course of the various chapters into which the film is divided, the film takes the form of an affective biography of a young man who is both confused and clear-minded, suspended between memories and oblivion.
BIANCA, 16 ANNI
Bianca, 16-years old
Oliviero Toscani
Italia / Italy
2006, Betacam SP, b-n / b-w, 23’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura, fotografia / Screenplay, Photography: Oliviero Toscani. Montaggio / Editing: Giuseppe D’Orsi. Suono / Sound: Aurelio Tanzi. Interpreti / Cast: Bianca Bonaschi. Produzione / Produced by: Oliviero Toscani Studio.
Bianca consegna la propria vita alle pagine del suo diario: il padre malato, i suoi accessi di collera che le rendono la vita impossibile, quindi la sua morte. Bianca ha dei rimorsi, nega la situazione, accusa il padre di essere egoista, si ribella contro l’ingiustizia della malattia. Quando anche lei si ammalerà, finalmente capirà gli sbalzi di umore e l’inquietudine del padre… Secondo capitolo della trilogia dedicata da Toscani al disagio giovanile, il film indaga il rancore di un’adolescente vicina alla morte.
Bianca tells her diary everything: about her sick father, his fits of anger that make her life unbearable, then his death. She goes through regret, denial, fury at this injustice and accuses him of selfishness... But then she falls sick, and finally understands his moods and anxieties. Second chapter of the trilogy that Toscani dedicates to juvenile discomfort, the film explores the resentments of a teenager about to die.
update deutschland 2
DER KICK di Andres Veiel | DER LEBENSVERSICHERER di Bülent Akinci | PRINZESSIN di
Birgit Grosskopf | SO LANGE DU HIER BIST di Stefan Westerwelle | SOMMER ‘04 AN DER
SCHLEI di Stefan Krohmer | VERFOLGT di Angelina Maccarone
la commedia sociale di andreas dresen / the social comedy of andreas dresen
HALBE TREPPE (2002) | WILLENBROCK (2005) | SOMMER VORM BALKON (2006)
Update
Deutschland 2
Vincenzo Bugno, dicembre / december 2006
“Update Deutschland seconda edizione”, un nuovo sguardo trasversale e particolare sul cinema tedesco: vi proponiamo un programma di film in massima parte girati da giovani e giovanissimi autori. Nel testo introduttivo alla rassegna dello scorso anno avevo descritto il cinema tedesco come una delle realtà più creative dell’intero panorama europeo. Questa impressione nel corso dei mesi successivi si è rafforzata: il cinema tedesco continua a produrre un cinema multiforme e di alto, talvolta, altissimo livello, capace di convincere non solo il pubblico di casa ma anche quello internazionale. Grazie a strutture produttive (e di formazione) sicuramente più ricche e meglio organizzate di quelle italiane, ma soprattutto grazie alla passione, all’impegno, alla voglia di fare cinema di innumerevoli registi, autori, produttori e dei tantissimi attori e attrici capaci di dare vita con enorme intensità recitativa ai personaggi virtuali delle sceneggiature.
In “Update Deutschland 2” ci soffermeremo su pellicole e autori che non sempre, a causa della difficile situazione distributiva italiana, avranno l’opportunità di trovare un pubblico extra-festival, nelle sale e nella programmazione tradizionale.
Si tratta di un cinema spesso, a livello di tematiche, coraggioso: non solamente perché gli autori affrontano talvolta temi o situazioni narrative dimenticate, rimosse. Anzi, si tratta di un cinema spesso in grado di raccontare l’intricata banalità del quotidiano. Ma anche perché nel cinema tedesco, in molti giovani registi e sceneggiatori, sembra esistere la voglia di analizzare fino in fondo anche il malessere che ci sta intorno. I giovani registi tedeschi sembrano aver voglia di aprire gli occhi. Esiste la voglia di affrontare il dolore, di non rimuoverlo. Ma perché? Di cosa si
“Update Deutschland second edition”, a new transverse and original overview of German cinema: we will be proposing a programme of films made for the most part by young or even very young directors.
In the introduction to last year’s series, I described German cinema as one of the most creative centres of the whole of Europe. This impression has only grown over the following months; German cinema continues to produce a varied product of high, sometimes very high, quality, able to appeal not just to a domestic audience but to a foreign one too. Thanks to production (and training) centres that are clearly richer and better prepared than those in Italy, but above all thanks to the passion, commitment and desire to make films on the part of innumerable directors, authors, producers and many actors and actresses able to bring great intensity to their roles and to their virtual characters on screen.
In “Update Deutschland 2”, we shall be examining films and directors not always able to find a public outside festivals in the traditional circuit as a result of the difficult situation as regards distribution in Italy.
In terms of subject, this is a frequently courageous form of cinema, and not only because the creators sometimes tackle forgotten or neglected themes or narrative situations. Indeed, often, these films succeed in recounting the intricate banality of everyday life. They are bold also because German cinema, in many young directors and screenplay writers, seems to burst with the desire to analyse the malaise around us to the very dregs. Young German directors seem to want to open their eyes.
tratta? Il dolore è trendy in Germania? La conferma di un luogo comune? L’ennesima prova dell’incancellabile pesantezza teutonica?
Non credo. Anche perché spesso gli stessi autori e registi danno prova all’interno di opere decisamente “serie” di un’ironia e di un’auto-ironia talvolta insospettabili.
La commedia sociale di Andreas Dresen
All’interno di “Update Deutschland 2” proponiamo alcuni film di Andreas Dresen: un omaggio a un regista ancor giovane, a un grande narratore urbano, capace di raccontare in profondità la realtà spesso molto dolorosa che gli sta intorno creando efficacemente personaggi e intrecci narrativi grazie a una grande capacità analitica. Seducendo il pubblico e facendolo sorridere anche nelle situazioni più difficili. Di Andreas Dresen presentiamo tre film. Il primo Halbe Treppe (Catastrofi d’amore, 2002), venne girato con 600.000 Euro senza sceneggiatura e con un grande entusiasmo da Dresen e da un gruppo di attori straordinari. Nel film incontriamo due coppie di amici: si frequentano con assiduità, si divertono, si stimano forse. Ma quella che sembra la quotidianità cementata di due coppie semi-proletarie o piccolissimo-borghesi in realtà è un equilibrio fragile, messo in discussione dall’insoddisfazione, dal desiderio e dall’innamoramento. Sì, perché un giorno Ellen, moglie di Uwe, e Chris, marito di Karin, si innamorano. E sembrano poter gestire una doppia esistenza all’interno e all’esterno dei loro matrimoni ufficiali. Una storia raccontata cento, mille volte: ma Dresen fa di un intreccio banale un grande racconto, e di un gruppo di persone comuni degli eroi sommessi dell’esistenza quotidiana. Halbe Treppe è ambientato in una città decisamente poco sexy, Francoforte sull’Oder, grigia cittadina al confine con la Polonia. E in Polonia si dirigono i personaggi principali quando hanno bisogno di un albergo a ore per rifugiarsi nel
There is a wish to face suffering, not remove it. But why? What is this? Is suffering trendy in Germany? The confirmation of a cliché? The latest in a long line of proofs of the ineffaceable Teutonic heaviness?
I don’t think so. In part because often the same authors and directors reveal a sometimes unsuspected irony and self-irony within decidedly “serious” works.
The social comedy of Andreas Dresen
As part of the “Update Deutschland 2” series, we will be presenting some films by Andreas Dresen: a homage to a still-young director, to a great urban narrator, able to provide a probing study of the frequently painful reality around him, creating effective characters and narratives thanks to a great analytical capacity. His work appeals widely to the public for his ability to make people smile even in the most difficult situations.
We shall be presenting three films by Andreas Dresen. The first, Halbe Treppe (Grill Point, 2002), was filmed with Euros 600,000 without a screenplay but with great enthusiasm by Dresen and a group of extraordinary actors. In the film, we meet two pairs of friends; they meet frequently, enjoy themselves and perhaps have a high regard for themselves. But what seems to be the regular everyday life of two semi-proletarian or lower-middleclass couples is in fact a fragile equilibrium, called into question by dissatisfaction, desire and love. Indeed, because one day, Ellen, Uwe’s wife, and Chris, Karin’s husband, fall in love. And they seem able to control a double existence inside and outside their official marriage. Here is a story told a hundred, a thousand times, and yet Dresen has turned a banal affair into a great narrative and a group of everyday people into heroes subdued by daily life. HalbeTreppe is set in a decidedly unsexy town,
loro desiderio. Come tutti i film di Dresen Halbe Treppe è un film divertente, caldo, che lascia lo spettatore soddisfatto e quasi commosso dall’intensità umana che emana.
Il regista, nato e residente a Potsdam, prestigiosa città nel territorio dell’ex Repubblica Democratica Tedesca, ha sempre analizzato e raccontato nei suoi film la realtà di quella parte di Germania dove era cresciuto. Se nel suo film precedente Die
Polizistin Dresen ambienta la storia di una giovane agente di polizia a Rostock e prende Francoforte sull’Oder come palcoscenico di Halbe Treppe, si sposta poi a Magdeburgo per le riprese di Willenbrock (2005), un’altra città-modello della trasformazione sociale ed economica seguita alla riunificazione, dove la fine della Germania socialista ha portato una grandissima disoccupazione, con la conseguente ghettizzazione sociale di alcuni strati della popolazione, ma anche la formazione di una classe media, apparentemente soddisfatta di se stessa.
Willenbrock, nome del protagonista, è uno di quelli che sono convinti di avercela fatta: è il titolare di una florida rivendita di auto usate, particolarmente richieste da clienti dell’Europa Orientale. È un uomo sicuro di sè, incapace di immaginarsi delle sciagure peggiori di un’ingorgo stradale quando va al lavoro sulla sua macchina di grossa cilindrata. La sua vita è perfettamente organizzata: casetta con giardino, casa in campagna per il relax e per i momenti romantici. E i soldi che avanzano sono più che sufficienti per comprare una boutique alla moglie e per finanziare stanze d’albergo e champagne, knowhow necessario alle sue scappatelle. Poi cominciano i guai: il suo impero di auto usate comincia a scricchiolare, alcuni delinquenti senza scrupoli assaltano la sua casa di campagna… Willenbrock capisce che la vita non è solo divertimento… In questo film, convincente malgrado un’estetica più
Frankfurt (Oder), a grey little town on the border with Poland. And it is to Poland that the main characters travel when they need a hotel by the hour in which to hide with their desire. As in all of Dresen’s films, Halbe Treppe is entertaining, warm and leaves the spectator satisfied and almost moved by the human intensity it gives out.
The director, born and resident in Potsdam, a prestigious city in what used to be East Germany, has always analysed and recounted the reality of the Germanyin which he grew up in his films. In an earlier work, Die Polizistin, Dresen set the story of a young policeman in Rostock, used Frankfurt (Oder) as the stage for Halbe Treppe , and then for Willenbrock (2005), moved to Magdeburg, another model town for the social and economic transformation following unification; a town where the end of socialist Germany led to high unemployment and the consequent ‘ghettoisation’ of some strata of the population, but also to a new, apparently self-satisfied middle class.
Willenbrock, the protagonist, is one of those who is convinced he has made it: he is the owner of a flourishing business selling second-hand cars, particularly sought after in Eastern Europe. He is a selfconfident man, unable to imagine a worse scenario than a traffic jam as he goes to work in his powerful car. His life is perfectly organised: a little house with a garden, a cottage in the country in which to relax and pass some romantic moments. And the money left over is more than sufficient to buy a boutique for his wife and pay for hotel rooms and champagne, the necessary know-how for his escapades. But then his problems begin: his empire of secondhand cars begins to fall apart, and some unscrupulous delinquents break into his cottage… Willenbrock realises that life is not all fun… In this film, which is highly convincing despite a more conventional and television-like aesthetic than his other
convenzionale e televisiva di altri suoi film, Dresen gira con Axel Prahl, attore geniale, già tra i protagonisti di Halbe Treppe e con Inka Friedrich, che sarà anche una delle due protagoniste (insieme a Nadia Uhl), grandissime, del successivo Sommer vorm Balkon (2006).
Nike (Nadia Uhl), berlinese doc, infermiera, e Katrin (Inka Friedrich), originaria del sud della Germania e in qualche modo naufragata a Berlino, vivono nel quartiere di Berlino Est, Prenzalauer Berg. Il Balkon del titolo è quello di Katrin: le due amiche, decisamente precarie a livello professionale e privato, si sono ritagliate una spazio di felicità all’interno. Sul balcone ci passano ore, anzi addirittura nottate, chiacchierando, ridendo, bevendo vini di poco prezzo e di probabile pessima qualità. Il balcone è con loro l’assoluto protagonista del film: luogo di rifugio, di piacere e magari anche di prigionia per qualche amante non del tutto all’altezza della situazione… In questo film Dresen perfeziona ulteriormente il genere che possiamo definire “commedia sociale”. È un film dove Dresen ci fa ancora notare che il confine tra le classi (o le nuove classi) non scorre più fondamentalmente tra Est o Ovest: non tutti gli “occidentali” sono ricchi e non tutti gli “orientali” sono disoccupati.
Delle identità geografiche delle protagoniste è rimasto ben poco, a parte i gustosi lapsus dialettali di Katrin e le sue telefonate con la madre, originaria della regione intorno a Stoccarda.
Sessualità e desiderio: universo infinito
Due film in particolare si misurano con l’infinito universo della sessualità. Verfolgt (2006), di Angelina Maccarone, è la storia di un rapporto sadomasochista tra un’assistente sociale cinquantenne e un ragazzo sedicenne appena uscito dal carcere minorile; e So lange Du hier bist (2006) di Stefan Westerwelle, “diploma di laurea” alla
films, Dresen employed Axel Prahl, a genial actor, who was already one of the protagonists of Halbe Treppe, and Inka Friedrich, who would fill one of the two great starring roles (together with Nadia Uhl), of the later Sommer vorm Balkon (Summer in Berlin, 2006).
Nike (Nadia Uhl), a born-and-bred Berliner and nurse, and Karin (Inka Friedrich), originally from southern Germany and in some way left high and dry in Berlin, live in what was East Berlin, at Prenzalauer Berg. The Balkon in the title is Katrin’s: the two friends, who are alike in their precarious professional and private lives, have carved out an island of happiness. They spend hours on the balcony, even entire nights, chatting, laughing, drinking cheap probably execrable wine. The balcony is itself as much a protagonist of the film as they are: a refuge, a place for pleasure and perhaps even a prison for the occasional lover not up to the situation… In this film, Dresen further perfects the genre we May define as “social comedy”. It is a film in which Dresen again brings to our attention that the border between classes (or the new classes) no longer runs fundamentally between East and West: not all “Westerners” are rich and not all “Easterners” are unemployed. Very little has remained of the geographic identity of the protagonists, apart from the delicious dialectical slips by Katrin and her phone calls to her mother, a native of the Stuttgart area.
Sexuality and desire: an infinite universe
Two films in particular explore the infinite universe of sexuality. Verfolgt (2006) by Angelina Maccarone is the story of a sadomasochistic relationship between a fifty-year-old social worker and a sixteen-year-old boy just out of juvenile prison; and So lange Du hier bist (2006) by Stefan Westerwelle, his “degree diploma” at the Kunsthochschule für Medien in Cologne, in which the protagonists are an elderly
“Kunsthochschule für Medien” di Colonia, dove i protagonisti sono un’anziano omosessuale e un giovane marchettaro, legati precariamente e provvisoriamente da un rapporto affettivo contraddittorio. Entrambi i film, premiati al Festival di Locarno, sono narrati con grande sensibilità e attenzione per i personaggi, rendendo credibili anche relazioni sessuali spesso difficili da portare sullo schermo o affogate nel luogo comune.
Anche in Sommer 04 an der Schlei (2006) centro della narrazione è l’universo del desiderio. Stefan
Krohmer, è un giovane regista particolarmente efficace nella descrizione di dinamiche narrative e di rapporti umani intricati. Caratteristica necessaria in una storia dove la protagonista (interpretata dalla grandissima Martina Gedeck) inizia una storia con un uomo che in realtà si sente profondamente attratto dall’amica dodicenne del figlio.
Bad
Girls
Prinzessin di Birgit Grosskopf ci porta nell’universo urbano violento di alcune badgirls: ambientato in quella terra di nessuno del calendario, tra Natale e Capodanno, Prinzessin racconta la storia di alcune ragazze violentissime con se stesse e con gli altri, confrontandosi particolarmente con l’ambiente degli
Spätaussiedler, emigranti di lontana origine tedesca provenienti dall’Unione Sovietica. Prinzessin ha vinto il premio “First Steps” dedicato agli esordienti del cinema tedesco.
L’assicuratore vive in autostrada
Con “Lune d’oriente in Almanya”, la retrospettiva che ho curato nel 2002, il nostro festival ha offerto un ampio panorama del cinema turcotedesco in Germania. Anche il regista di Der Lebensversicherer, Bülent Akinci, è di origine turca: Akinci sembra essersi completamente liberato dal ghetto delle tematiche etniche. Il film è la storia,
homosexual and a young male prostitute, precariously and temporarily brought together in a contradictory relationship. Both films, prizewinners at the Locarno Film Festival, are narrated with great sensibility and attention for character, rendering credible sexual relationships that are often difficult to bring to the screen or drowned in clichés.
In Sommer 04 an der Schlei (2006) also, the focus of the narrative is the universe of desire. Stefan Krohmer is a young director who is particularly effective in the description of narrative dynamics and intricate human relationships. This is a necessary characteristic in a story in which the protagonist (played by a great Martina Gedeck) embarks on a relationship with a man who is actually deeply attracted to his son’s twelve-year-old female friend.
Bad Girls
Prinzessin (2006) by Birgit Grosskopf leads us into the violent urban universe of some bad girls: set during the no-man’s-land days between Christmas and New Year’s Eve, Prinzessin tells the story of some girls who are violent with themselves and with others, particularly taking it out on the Spätaussiedler, emigrants of a distant German origin from the former Soviet Union. Prinzessin won the “First Steps” prize, dedicated to those starting their careers in German cinema.
An insurer’s life on the motorway
With “Oriental moons in Almanya”, the retrospective I organised in 2002, our festival offered a wide-ranging overview of Turco-German film-making in Germany. The director of Der Lebensversicherer (2006), Bülent Akinci, is also of Turkish origin. However, he seems to have freed himself completely of the ghetto of ethnic themes. This film is the completely German – or even universal – story of an insurance agent, a man who seems to have lost his
completamente tedesca – o eventualmente universale – di un venditore di polizze assicurative, un uomo che sembra aver perso il contatto reale con la sua famiglia, anche se in realtà è ai familiari che pensa mentre cerca di vendere il maggior numero di polizze: la sua è un’esistenza tra parcheggi, stazioni di servizio, autostrade, apparentemente senza prospettive… Il film di Bülent Akinci ha vinto il premio attribuito al miglior film della sezione “Perspektive Deutsches Film” della Berlinale 2006.
Il documentario: un protocollo teatrale
Tra gli altri film presentati in “Update Deutschland 2” troviamo anche l’ultimo lavoro di Andres Veiel, un regista ben noto a Trieste (ricorderete Blackbox / BRD, 2001, e DieSpielwütigen, 2004). Con la consueta efficacia, Andres Veiel si confronta con un tema scottante della realtà tedesca: la condizione giovanile, spesso legata all’estremismo di destra, nella profondissima provincia semi-rurale dell’ex Repubblica Democratica Tedesca. Der Kick (2006) è la versione cinematografica di una rappresentazione teatrale ispirata a un fatto di cronaca avvenuto in un paese di cinquecento abitanti nel Brandenburgo, Potzlow, dove tre giovani estremisti di destra uccisero, dopo averlo torturato a lungo, un coetaneo. Andres Veiel resta fedele alla sua vocazione di documentarista e si confronta con la realtà dei fatti indagando al di là di ogni luogo comune e banalità.
real contact with his family, although in actual fact it is of his family that he thinks while trying to sell as many policies as possible: his life is spent amidst car parks, service stations, motorways, and apparently without prospects… Bülent Akinci’s film won the prize for best film in the “Perspektive Deutsches Film” in the 2006 Berlinale.
The documentary: a theatrical protocol
Among the other films presented in “Update Deutschland 2”, we also find the latest work of Andres Veiel, a well-known director in Trieste (you will certainly recall Blackbox / BRD, 2001, and Die Spielwütigen, 2004). With his customary effectiveness, Andres Veiel tackles another topical theme in German today: the condition of the young, often linked to far-right extremism, in the semi-rural provinces of the former DDR. Der Kick (2006) is the film version of a theatre production inspired by an event that actually took place in a Brandenburg village of 500 inhabitants called Potzlow. Here, three young right-wing extremists killed a youth their own age, after having tortured him. Andres Veiel remains faithful to his vocation as documentarist and tackles the reality of the facts, going beyond any cliché or commonplace notion.
DER KICK
A calci / The Kick
Andres Veiel
Germania / Germany 2006, 35mm, col., 82’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Andres Veiel, Gesine Schmidt, dal loro testo teatrale / from their play. Fotografia / Photography: Jörg Jeshel, Henning Brümmer. Montaggio / Editing: Katja Dringenberg. Suono / Sound: Titus Maderlechner, Martin Steyer. Scenografia / Art Director: Julia Kaschlinski. Interpreti / Cast: Susanne-Marie Wrage, Markus Lerch. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Nachtaktiv-Film. Nella notte del 12 luglio 2002, due fratelli, Marco e Marcel Schönfeld, insieme all’amico Sebastian Fink, picchiarono a morte un ragazzo di sedici anni di nome Marinus Schöberl. I tre ragazzi, dalla testa rasata, infierirono per ore sulla loro vittima, un appartenente alla scena hip hop. Si conoscevano tutti fra loro, aggressori e aggredito, perché tutti venivano da Potzlow, un villaggio 60 chilometri a nord di Berlino. Gli assassini, alla fine, bruciarono il corpo, che venne ritrovato solo quattro mesi più tardi, in un pozzo nero. Com’è comprensibile, l’incredibile crudeltà di quell’“omicidio skinhead” (come era chiamato allora) attirò l’attenzione dei media per molti mesi. Veiel ha raccolto più di venti interviste realizzate con due degli assassini, con i parenti della vittima, gli amici e i vicini di Potzlow. Il risultato di questo lavoro è un testo teatrale, già messo in scena a Berlino al Teatro Maxim Gorky, divenuto poi la sceneggiatura di questa ricostruzione cinematografica. Tutti i ruoli sono recitati da due attori vestiti di nero.
During the night of 12 July 2002, two brothers, Marco and Marcel Schönfeld, and their friend Sebastian Fink, fatally maltreated a 16-year-old boy named Marinus Schöberl. For hours on end the shaven-headed perpetrators beat their victim, a member of the Hip Hop scene. Perpetrators and victim all knew each other. They all came from Potzlow, a village sixty kilometres north of Berlin. The perpetrators buried the boy’s body, that was not found until four months later, in a cesspit. Clearly, the unbelievable cruelty of this “skinhead murder”, as it was known, attracted media attention for several months. Gathering more than twenty conversations conducted with two of the perpetrators, as well as the victims’ relatives, friends and neighbours in Potzlow, Veiel wrote a text that in its stage version was performed at Berlin’s Maxim Gorky Theatre and that was the basis for the screenplay of this cinematographic reconstruction. All the roles are played by the same two actors dressed in black.
DER LEBENSVERSICHERER
L’assicuratore / Running on Empty
Bülent Akinci
Germania / Germany
2006, 35mm, col., 97’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Bülent Akinci. Fotografia / Photography: Henner Besuch. Montaggio / Editing: Inge Schneider, Tina Baz. Musica / Music: Wim Mertens. Suono / Sound: Patrick Veigel. Scenografia / Art Director: Benedikt Lange. Costumi / Wardrobe: Dagmar Fabisch. Interpreti / Cast: Jens Harzer, Marina Galic, Anna Maria Mühe, Christian Blümel, Tom Jahn, Mehdi Nebbou, Eva Mannschott, Oliver Marlo, Birgit Funke, Patrizia Moresco, Hussi Kutlucan, Daniel Jeroma, Lukas Weerts, Irina Potapenko. Produzione, Distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Razor Film Produktion GmbH. Coproduzione / Co-produced by: ZDF, DFFB.
Sapeva che ci sarebbe voluto molto tempo, ma quanto? Burckhard Wagner, un assicuratore, ha lasciato la famiglia con la promessa, al suo ritorno, di dar loro una vita migliore. Tutto quello che deve fare è vendere tutte le sue polizze. Il tempo passa, ma Burckhard non riesce più a tornare a casa, diventando quasi l’Olandese Volante delle autostrade tedesche. I suoi contatti con la famiglia si limitano ormai a degli strani resoconti lasciati sulla segreteria telefonica. Ciononostante, Burckhard si attiene rigorosamente al suo piano iniziale. Finché un giorno, poco prima di aver venduto tutte le polizze, incontra una donna di nome Caroline…
He knew it would take a long time – but this long? Insurance salesman Burkhard Wagner left his family promising them a better life on his return. All he has to do is sell enough policies. But time drags on and Burkhard is not able to go back home, turning himself into the Flying Dutchman of Germany’s motorways. His contact with his family now boils down to him leaving the odd report on the answering machine. Nevertheless, Burkhard sticks resolutely to his plan. But then, shortly before he has sold all his policies, he meets a woman called Caroline...
PRINZESSIN
Principessa / Princess
Birgit Grosskopf
Germania / Germany
2006, 35mm, col., 81’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Birgit Grosskopf, Daniela Hilchenbach. Fotografia / Photography: Kolja Raschke. Montaggio / Editing: Lawrence Tooley.Costumi / Wardrobe: Kerstin Westermann, Judith von der Burg. Interpreti / Cast: Irina Potapenko, Henriette Müller, Desirée Jäger, Amina Schichterich. Produzione / Produced by: Colonia Media Filmproduktions GmbH. Coproduzione / Co-produced by: WDR. Con il sostegno di / Supported by: Filmstiftung NRW. Distribuzione internazionale / World Sales: Media Luna Entertainment GmbH.
La storia è ambientata fra Natale e l’arrivo dell’anno nuovo in un tipico quartiere di periferia della Germania occidentale. Le luci natalizie addobbano ancora le tristi facciate delle case, dei motel a poco prezzo e dei discount, illuminando la desolata distesa industriale come fuochi d’artificio in anticipo sul Capodanno. La diciottenne Katharina, trasferitasi in Germania dalla Russia, trascorre tutto il suo tempo con Yvonne e il resto della banda. Oltre a Yvonne ci sono la capricciosa Jenny, ossessionata da ogni genere di perversione sessuale, e l’undicenne Mandy, anche lei sessualmente piuttosto vivace. Le ragazze vagano per il quartiere in cerca di qualcosa, ma non sanno cosa. Il giorno dopo, Yvonne andrà in prigione per aver picchiato un’altra ragazza e averla quasi uccisa. Le sue amiche fanno del loro meglio per trascorrere bene l’ultima giornata insieme, ma i loro tentativi di divertirsi vengono vanificati dalla tristezza dei luoghi…
“Il posto è un quartiere di periferia qualunque della Germania occidentale, dove tutto è pulito e monotono. Un luogo da cui scappare, ma per andare dove? Le mie protagoniste cercano un modo per ribellarsi con forza alla desolazione e alla disperazione che le circonda. In fondo sono delle romantiche. Da piccole volevano crescere e diventare delle principesse. Peccato che non siano più delle bambine.” (B. Grosskopf)
It’s between Christmas and New Year’s Eve in a typical West German suburb. Christmas lights still adorn the dull apartment blocks, cheap motels and discount markets as premature fireworks echo throughout the industrial wasteland. Eighteen-year-old Katharina, who has resettled from Russia to Germany, spends her time with Yvonne and the rest of the gang: the freaky Jenny who is obsessed with all kind of sexual perversions and the eleven-year-old over sexualized Mandy. The girls roam through their territory in search of something. They don’t know what for. Tomorrow Yvonne has to go to prison for beating up another young woman nearly to death. Her friends try to make their best out of their last day together. But their efforts to “have fun” fail amongst their bleak surroundings.
“The place is some West German suburb: everything is clean and monotone. It is a place to escape from. But where to? My protagonists look for ways by rebelling with force against the desolation and despair that surrounds them. At heart they are romantics; as little girls they knew they wanted to grow up to be a princess. But they are no longer little girls.”
(B. Grosskopf)
SO LANGE DU HIER BIST
Finché sei qui / While You Are Here
Stefan Westerwelle
Germania / Germany
2006, 35mm, col., 77’
v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Stefan Westerwelle. Fotografia / Photography: Bernadette Paassen. Montaggio / Editing: Huynh Trang Lam. Musica / Music: Andreas Gilgenberg (Talking Horns), Martin Lesniak. Suono / Sound: Thomas Peters. Scenografia / Art Director: Christina Freye. Costumi / Wardrobe: Huy-Thông Tran Mai. Interpreti / Cast: Michael Gempart, Leander Lichti. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Kunsthochschule für Medien Köln. Coproduzione / Co-produced by: Stefan Westerwelle. Con il sostegno di / Supported by: Filmstiftung NRW, German Films, Kulturteam Detmold.
Georg, uomo anziano e solitario, conduce una vita in completa solitudine. Il suo unico contatto con il mondo è Sebastian, un ragazzo a pagamento che riceve regolarmente a casa sua: i loro incontri rappresentano il nucleo intorno al quale si svolge tutta la sua vita. L’uomo aspetta con impazienza ogni visita di Sebastian, cui riserva mille premure, pagandolo anche più del dovuto e offrendogli da mangiare. Il vulnerabile equilibrio entra in pericolo nel momento in cui il giovane decide di separasi da lui...
“Com’è la vita sentimentale di un uomo anziano? La trovo una domanda interessante in un periodo in cui i giovani rivendicano il diritto a una libertà individuale, e tendono a considerare l’amore e la sessualità come delle cose scontate. Da queste considerazioni, forse banali, è nata l’idea di So lange Du hier bist. La sfida era quella di portare sullo schermo non la mia visione personale della vecchiaia, ma piuttosto di costruire un ritratto realistico di quel paesaggio sentimentale molto complesso, fragile e affascinante che ho scoperto durante il servizio civile, svolto nelle case per anziani, e grazie ai miei rapporti di amicizia con persone più grandi di me.” (S. Westerwelle)
Georg is an elderly and solitary man, who leads a totally isolated and lonely life. His only point of reference is his love towards Sebastian, a young male prostitute, and his entire life revolves around the latter’s visits. Georg waits impatiently for Sebastian’s visits, and helps out his occasional companion by paying him over the odds and giving him meals. This fragile balance is in danger of collapsing when the boy tells him he wants to leave him...
“What is an elderly man’s love life like? I find this a particularly interesting question at a time when young people demanding the right to personal freedom tend to take love and sexuality for granted. It is from these perhaps banal reflections that the idea for So lange Du hier bist developed. It was a matter not of presenting my own vision of what it is to be elderly, but rather of creating a realistic portrait of the highly complicated, vulnerable and fascinating emotional terrain I discovered during my period of citizen’s service, spent in old people’s homes, and through my friendships with older people.” (S. Westerwelle)
SOMMER ‘04 AN DER SCHLEI
Estate 2004 / Summer 04
Stefan Krohmer
Germania / Germany
2006, 35mm, col., 97’
v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Daniel Nocke. Fotografia / Photography: Patrick Orth. Montaggio / Editing: Gisela Zick. Suono / Sound: Steffen Graubaum. Scenografia / Art Director: Silke Fischer, Volko Kamensky. Costumi / Wardrobe: Silke Sommer. Interpreti / Cast: Martina Gedeck, Peter Davor, Robert Seeliger, Svea Lohde, Lucas Kotaranin. Produzione / Produced by: Ö Filmproduktion GmbH. Coproduzione / Co-produced by: SWR, BR, WDR, ARTE. Distribuzione internazionale / World Sales: Bavaria Film International.
Le vacanze estive di una famiglia moderna e liberale vengono rovinate da uno sconosciuto che involontariamente provoca emozioni che nessuno è preparato a fronteggiare. Miriam, quarantenne, è una donna bella e tranquilla, che ha fiducia in se stessa. Non ci sono divieti o taboo nella vita ordinata e gentile che conduce con il partner André e il figlio quindicenne Nils, solo comprensione e tolleranza. Se Nils invita la sua fidanzatina dodicenne, Livia, a trascorrere le vacanze con loro, va bene. Ma quando la ragazzina, sfacciatamente sensuale, comincia a flirtare con Bill, un uomo più anziano, Miriam si sente in dovere di porre fine a questa relazione alquanto discutibile. Ma quando lo fa, è lei a cadere vittima del timido e affascinanate Bill. Prende l’iniziativa, lo seduce, comincia a vederlo di nascosto. Ma Bill è attratto da Livia, non da Miriam. Tutto d’un tratto, Miriam si trasforma in una donna vittima della gelosia e del rifiuto, emozioni che si dimostreranno molto più difficili da controllare di quanto lei non creda…
The summer holidays of a modern, liberal family are shattered by a stranger who unwittingly stirs up emotions that no one is prepared to deal with. At 40, Miriam radiates serene beauty and tranquillity, confidence and self-assurance as well. There are no taboos in the polished, urbane life she shares with her partner André and their 15-year-old son Nils; there is understanding and tolerance. If Nils invites his 12-yearold girlfriend Livia to spend the holidays with them, fine. But when the brazenly sensual Livia begins flirting with an older man, Bill, Miriam feels it is her responsibility to stop the questionable relationship. But as she does so, it is she herself who falls for the shy and charmingly insecure Bill. Miriam forges ahead, seducing him, seeing him secretly. But it is Livia that Bill loves, not Miriam. And suddenly the vast horizons of her life vanish in a fog of jealousy and rejection - emotions that prove to be far less controllable than she thought...
VERFOLGT
Perseguitato / Hounded
Angelina Maccarone
Germania / Germany
2006, 35mm, b-n / b-w, 85’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Susanne Billig. Fotografia / Photography: Bernd Meiners. Montaggio / Editing: Bettina Böhler. Musica / Music: Jakob Hansonis, Hartmut Ewert. Suono / Sound: Dirk Homann. Scenografia / Art Director: Bernard Homann. Costumi / Wardrobe: Inger-Sofia Frerichs. Interpreti / Cast: Maren Kroymann, Kostja Ullmann, Markus Völlenklee, Moritz Grove, Ada Labahn, Stephanie Charlotta Koetz. Produzione / Produced By: MMM Film Zimmermann & Co. GmbH. Con il sostegno di / Supported By: Filmfund Hamburg, Kuratorium Junger Deutscher Film, Fuji, Schwarzfilm, FFA Script Funding. Distribuzione internazionale / World Sales: Media Luna Entertainment GmbH.
Assistente sociale, cinquantenne indipendente e realizzata, Elsa conduce una vita serena e confortevole, che sembra soddisfarla. Quando la figlia va a vivere fuori casa, la donna ritrova con il marito Raimar un amore fatto di complicità e dialogo. Un giorno le viene affidato Jan, ragazzo appena uscito di prigione che lei deve provvedere a reinserire nella società. Il giovane però manifesta fin da subito un forte desiderio fisico nei suoi confronti. Turbata dall'atteggiamento di Jan, ma decisa a reprimere l'attrazione che lei stessa prova, Elsa chiede al marito di occuparsi del ragazzo assumendolo nella sua officina. Ben presto Raimar si affeziona a Jan, al punto da accoglierlo in casa. Questa vicinanza spingerà Elsa a rispondere alle avances del ragazzo, abbandonandosi a pulsioni a lungo represse: i due amanti inizieranno così una relazione dalle conseguenze devastanti...
A social worker and an independent woman of fifty, fully at ease with herself, Elsa has a comfortable and fulfilling life which seems to satisfy her. Her daughter has left home, and Elsa has a companionable relationship with her husband Raimar, and one that is open to dialogue. One day, she is given the task of supervising Jan, a young man who has just been released from prison, and for whose reinsertion into society is to be responsible. Very quickly, the boy makes clear his powerful physical attraction to her. Shocked, and completely repressing her own attraction to him, Elsa asks her husband to keep him busy by taking him on at the garage where he works. Becoming fond of Jan, Raimar gradually draws him into the couple’s private life. The ensuing intimacy leads Elsa to respond to Jan’s advances and give rein to her buried desires: they then embark on a destructive affair...
la commedia sociale di andreas dresen the social comedy of andreas dresen
HALBE TREPPE
Catastrofi d’amore - Grill Pont / Grill Point
Andreas Dresen
Germania / Germany 2002, 35mm, col., 105’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Andreas Dresen e / and Steffi Kühnert, Gabriela Maria Schmeide, Thorsten Merten, Axel Prahl. Fotografia / Photography: Michael Hammon. Montaggio / Editing: Jörg Hauschild. Musica / Music: 17 Hippies. Suono / Sound: Peter Schmidt. Scenografia / Art Director: Susanne Hopf. Costumi / Wardrobe: Sabine Greunig. Interpreti / Cast: Steffi Kühnert, Gabriela Maria Schmeide, Thorsten Merten, Axel Prahl, Julia Ziesche. Produzione / Produced by: Peter Rommel Filmproduktion. Distribuzione internazionale / World Sales: Bavaria Film International.
Due coppie sposate sulla soglia della quarantina: nonostante siano tutti amici, i loro rapporti sono entrati ormai in una fase di stanca. Durante una serata in compagnia, trascorsa a guardare le fotografie delle vacanze, diventa chiaro a tutti che i loro matrimoni e la loro amicizia sono diventati poco più che una noiosa routine. Chris conduce uno show radiofonico; lui e la sua seconda moglie, Katrin, non hanno più molto da dirsi. Uwe passa quasi tutto il tempo nel suo bar, il “Grill Point”, trascurando la moglie Ellen e i bambini. Più che naturale che Ellen e Chris si avvicinino sempre di più... Andreas Dresen nei titoli di coda cita i suoi quattro attori principali come sceneggiatori; tutto il ‘gioco delle coppie’ è stato infatti creato dai quattro protagonisti durante le riprese. Gli attori non solo hanno determinato l’argomento del film ma hanno anche influenzato il ritmo di questa storia tragicomica, così da aggiungere al termine ‘attore di un film’ un nuovo significato.
Two married couples in their late thirties. Although they are all friends, their relationship has become pretty staid of late. A typical evening spent watching holiday slides together makes it abundantly clear that both their friendship and their marriages have become nothing more than a dull routine. Chris hosts a radio show; he and his second wife, Katrin, don’t have an awful lot to say to each other. Uwe spends almost all his time at his snack bar, “Grill Point” and he neglects his wife, Ellen and the kids. No wonder that the lonely Ellen and Chris begin to get closer to each other... In the film’s final credits, Andreas Dresen gives his four leading actors credits as screenwriters; this marriage merry-go-round was indeed created by the film’s protagonists during the course of the shoot. Not only did the actors in this film determine the content, they also influenced the rhythm and dramaturgy of this tragicomic story of everyday life, thus lending the term ‘actor’s film’ a entirely new dimension.
WILLENBROCK
Andreas Dresen
Germania / Germany 2005, 35mm, col., 108’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Laila Stieler, basata sul romanzo omonimo di / Based on the novel of the same title di / by Christoph Hein. Fotografia / Photography: Michael Hammon. Montaggio / Editing: Jörg Hauschild. Musica / Music: Jens Quandt. Suono / Sound: Peter Schmidt. Scenografia / Art Director: Susanne Hopf. Costumi / Wardrobe: Sabine Greunig. Interpreti / Cast: Axel Prahl, Inka Friedrich, Anne Ratte-Polle, Andrzej Szopa, Tilo Prückner, Dagmar Manzel. Produzione / Produced by: UFA Filmproduktion GmbH. Coproduzione / Co-produced by: WDR, MDR, SWR, ARTE, Trebitsch Produktion International GmbH, Studio Babelsberg, Motion Pictures. Distribuzione internazionale / World Sales: Bavaria Film International.
Bernd Willenbrock è un concessionario di auto usate. Gli affari vanno bene, Bernd ha una bella moglie, un’amante, una casa in un bel quartiere residenziale e una in campagna. Ha un unico dipendente, Jurek, un meccanico polacco molto esperto, e tanti clienti, soprattutto dell’Europa dell’Est. Uno di questi è Krilov, un sospetto uomo d’affari russo, che si fa vivo ogni tanto e compra parecchie auto alla volta. Questi affari, divenuti ormai regolari, legano i due uomini: tale legame però non è visto di buon occhio dal meccanico Jurek. Willenbrock è contento della sua vita. Un giorno, però, alcune auto spariscono dal deposito senza lasciar traccia. Le cose peggiorano ancora quando Willenbrock e la moglie vengono aggrediti e rapinati da alcuni malviventi russi mentre si trovano nella loro casa di campagna. La vita dell’uomo rischia seriamente di prendere una brutta piega e l’unico a offrirgli il suo aiuto sarà proprio Jurek.
Bernd Willenbrock is a second-hand car salesman. Business is good, he has a beautiful wife, a mistress, a house on a new estate and a place in the country. He has just one employee, Jurek, an experienced car mechanic from Poland, and many customers, especially from Eastern Europe. One of them is Krylow, a dubious Russian businessman, who turns up every few weeks or so and always buys up several cars at once. Their regular business deals mean that the two men have developed a relationship of trust of which Jurek does not approve at all. Willenbrock is quite content with his life. But then, all at once, several cars disappear without a trace from the yard. Things get worse when he and his wife are mugged at their holiday home by Russian burglars. Things threaten to spin out of control and Jurek is the only one to offer his active support.
SOMMER VORM BALKON
Un’estate sul balcone / Summer in Berlin
Andreas Dresen
Germania / Germany 2006, 35mm, col., 110’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Wolfgang Kohlhaase. Fotografia / Photography: Andreas Höfer. Montaggio / Editing: Jörg Hauschild. Musica / Music: Pascal Comelade. Suono / Sound: Peter Schmidt. Scenografia / Art Director: Susanne Hopf. Costumi / Wardrobe: Sabine Greunig. Interpreti / Cast: Inka Friedrich, Nadja Uhl, Andreas Schmidt, Stephanie Schönfeld, Christel Peters, Kurt Radeke. Produzione / Produced by: Peter Rommel Filmproduktion. Coproduzione / Co-produced by: X Filme Creative Pool GmbH, RBB, ARTE, WDR. Con il sostegno di / Supported by: Medienboard Berlin-Brandenburg, Filmstiftung NRW, FFA. Distribuzione internazionale / World Sales: X Filme Creative Pool GmbH.
“Nike ha un balcone, Katrin un figlio, Ronald guida un camion, Tina è una cameriera, Oskar e Helene sono vecchi e soli. Che si trovino nel mezzo, alla fine o all’inizio della loro vita, tutti si fanno la stessa domanda: può l’amore resistere nel tempo? O è solo una sorta di messaggero che viene e va nella mente di ognuno? Tutti hanno bisogno di qualcuno quando la luna scintilla sui tetti. La vita va avanti, come pure la morte, e a Berlino è ancora estate.” (Wolfgang Kohlhaase)
Basato sulla sceneggiatura di Wolfgang Kohlhaase, costruito in parte su dialoghi improvvisati e attori non professionisti, il film ha vinto il Premio della Giuria per la Miglior Sceneggiatura al festival di San Sebastian.
“Nike has a balcony, Katrin has a son, Ronald drives a truck, Tina’s a waitress, Oskar and Helene are old and alone. Whether in the middle of their lives or almost at the end or just at the beginning, they all ask the same question: Can love last through the seasons? Or is it just a messenger in the brain that comes and goes? Everyone needs someone when the moon shines over the city. Life goes on and death, and it is still summer in Berlin.” (Wolfgang Kohlhaase)
Based on Wolfgang Kohlhaase’s screenplay, but partly with improvised dialogue and lay actors, the film won The Jury Award for Best Screenplay at San Sebastian Film Festival.
lo schermo triestino: franco giraldi cinema people of trieste: franco giraldi
SETTE PISTOLE PER I MAC GREGOR (1966) | LA BAMBOLONA (1968) | CUORI SOLITARI (1970) | LA ROSA ROSSA (1973) | IL LUNGO VIAGGIO (1975) | COLPITA DA IMPROVVISO
BENESSERE (1976) | UN ANNO DI SCUOLA (1977) | LA CITTÀ DI ZENO. A TRIESTE CON
FIGLIO NON SA LEGGERE (1984) | IL CORSARO (1985) | ISTRIA - C’ERANO SOLTANTO
PIETRE (episodio di Ex Jugoslavia. Fogli di viaggio 1994) | LA FRONTIERA (1996)
giampaolo penco
CALLISTO, TULLIO, FRANCO E IL CINEMA (1998)
Lo schermo triestino:
Franco Giraldi (1)
Cinema People of Trieste:
Franco Giraldi (2)
Luciano De Giusti
(1) Sintesi tratta dall'introduzione al volume:
Luciano De Giusti (a cura di), Franco Giraldi, lungo viaggio attraverso il cinema, ed. Kaplan, Torino, 2006 edito in occasione della medesima retrospettiva della 18a edizione del Trieste Film Festival.
(2) Summary drawn from the introduction to:
Luciano De Giusti (edited by), Franco Giraldi, lungo viaggio attraverso il cinema, Kaplan, Turin, 2006, published for the retrospective of the 18th Trieste Film Festival.
È così ampia e articolata la produzione cinematografica di Franco Giraldi che appare arduo il tentativo di racchiuderla in una sola dimensione, di trovare una formula che la raccolga in unità, una definizione sintetica capace di fissarne i connotati. Si scorge però un filo che la lega e che consente di abbracciare il percorso di questo cineasta, nelle sue tappe e diramazioni: è la disposizione d’animo che sta alla sorgente, costituita dalla passione di fare cinema, quali che siano le diverse forme che assume, dal racconto documentario a quello di finzione, per grande o piccolo schermo.
Gettare uno sguardo retrospettivo sul suo itinerario ci permette di ripercorrere un ampio segmento della Storia del cinema italiano, dagli anni ’50 dello scorso secolo agli albori del nuovo. Sull’onda della sua filmografia ci si imbatte in momenti e passaggi cruciali come l’esplosiva fiammata dello spaghettiwestern, la stagione ben più duratura della commedia all’italiana, la fase del soccorso prestato dalla televisione pubblica alla produzione d’autore.
La passione di Giraldi per il cinema ha origine nell’immediato dopoguerra, nel clima assai teso di una città come Trieste, solcata da una linea di frontiera che attraversava anche gli animi. Presto ne scrive, continuando poi a farlo, per qualche tempo ancora, anche nella trasferta a Roma destinata a schiudergli le porte della regia nella quale rivela la propria versatile personalità. La sua duttilità si era già manifestata nella disponibile apertura alle prime esperienze di lavoro sui set. Desideroso di apprendere come il cinema si fa, quando giungono le prime occasioni non esita a svolgere mansioni diverse, allargando ogni volta il quadro delle competenze operative che acquisisce. Per Giuseppe De Santis – ricorda egli
Franco Giraldi’s production of films is so broad and wide-ranging that any attempt to pigeonhole it, to find a formula that defines it in its entirety and can summarise it in order to establish its co-ordinates, must appear an arduous task. However, it is possible to discern a common thread binding it together, which enables us to embrace the development of this filmmaker in its various stages and byways: this is the underlying spirit of each work, formed of a passion to make films, whatever form these may take, whether a documentary or fiction work, for television or cinema.
Taking a retrospective look at his career enables us to explore a broad segment of the history of Italian cinema, from the 1950s to the turn of the new century. In examining his filmography, we come across fundamental episodes such as the rapid and shortlived success of the spaghetti-western, the far more long-lasting Italian-style comedy, and the period of vital support provided by public television to the production of art films.
Giraldi’s passion for cinema has its origins in the years immediately following the war in the tense climate of Trieste, marked by a frontier that crossed the souls of its inhabitants. He was soon to write about this, and continued to do so even after his move to Rome, which was destined to open the doors to directing, a role in which he was able to reveal his versatile personality. His flexibility had already manifested itself in his willing approach in his early experiences on the set. Wishing to learn how a film is made, as soon as the first opportunities arose, he did not hesitate to take on different jobs, each time broadening the operative skills acquired. As he himself recalls, for Giuseppe De Santis, he
stesso – “feci il segretario di edizione, ma non fu un ripiego. De Santis me lo aveva detto e io lo verificai immediatamente: si impara di più facendo l’edizione di un film che l’aiuto in dieci”. È un apprendistato a largo raggio che da segretario di edizione si amplierà all’aiuto regia, a responsabile della seconda unità, fino alla scrittura di soggetti e sceneggiature. Trasportato da una passione che pian piano diventa professione, Giraldi sarà cineasta duttile per formazione e congeniale disponibilità. La provenienza dalla critica e l’apprendistato svolto con figure autorevoli, quali Pontecorvo e De Santis, potevano preludere a un esordio nel cinema d’autore. Ma, anche se potevano esservi latenti aspirazioni di questo tipo, la catena delle occasioni, che scaturisce dalla sua disponibile adattabilità, lo mette sulla strada del cinema di genere. Giraldi accoglie di buon grado l’offerta di dirigere un western e, nel nascente modulo italiano di questo genere molto popolare, lascia le tracce dello spirito con il quale lo realizza. Il disincanto dello sguardo narrante che anima Sette pistole per i MacGregor (1966) si avverte nel tono scanzonato e nella giocosa ironia con cui tiene a distanza il mondo evocato e invita lo spettatore a non prenderlo troppo sul serio, come se la sua nascita fosse propiziata da un’istanza di sovrano divertimento e fosse stato allestito per puro gioco, quello del cinema.
was responsible for “continuity, but it was no sinecure. De Santis had warned me and I was given proof of this right away: one learns more in being charge of continuity for a single film than in being the director’s assistant for ten”. It proved a broad-ranging apprenticeship that led to being director’s assistant, in charge of the second camera unit and on to the writing of story lines and screenplays.
Transported by a passion that gradually became a profession, Giraldi proved to be a flexible film maker thanks both to his training and to his congenial willingness. His origins in criticism and the apprenticeship served with authoritative figures such as Pontecorvo and De Santis, might have suggested a debut in art films. But even if there were latent aspirations in this direction, the series of opportunities arising from his willing adaptability put him on the road of genre cinema. Giraldi willingly accepted the offer to direct a western and in line with the budding Italian approach to this highly popular genre, he has left the traces of the spirit with which he made it.
Anche i successivi western, come l’originale Sugar Colt (1967), costruito sulla struttura della detection, e Sette donne per i MacGregor (1967), sequel a ricalco del primo, appaiono contrassegnati dallo spirito del gioco ironico. Con la sola eccezione di Escondido (1968), nel quale prevalgono i toni cupi e introspettivi del melodramma psicologico, essi si
The disenchantment of the narrative gaze animating Sette pistole per i MacGregor (1966) comes out in the light-hearted tone and playful irony with which he holds the world evoked at arm’s length and invites the spectator not to take it too seriously, as though its creation were the result of a desire for simple entertainment and made for fun, that of cinema.
The later westerns too, such as the original Sugar Colt (1967), built on the structure of a detective film, and Sette donne per i MacGregor (1967), a sequel to the first film, are marked by a spirit of ironic playfulness. With the sole exception of Escondido (1968), in which prevails the darker, introspective
lo schermo triestino: franco giraldi / cinema people of trieste: franco giraldi
presentano intessuti di situazioni e motivi tipici della commedia. Era dunque nell’aria, aleggiante, l’ingresso di Giraldi nel grande alveo della commedia vera e propria, che da un decennio aveva assunto una coloritura così particolare da esser detta “all’italiana” ed era diventata il filone aureo del nostro cinema. Il passaggio di genere avviene, in modo inusuale, attraverso la mediazione di un testo letterario dal quale il regista si sente toccato alla prima lettura, La bambolona, di Alba de Céspedes. In questo film Giraldi racconta, con qualche eco di Buñuel, la pulsione feticista di un borghese per un corpo erotico fuori canone, oggetto di un oscuro desiderio il cui appagamento viene ripetutamente frustrato, rinviato e ogni volta vanamente rilanciato. Sulla scia del romanzo entrano in scena molti degli umori che alimentano la contestazione giovanile e la rivendicazione femminile. Il film successivo, Cuori solitari (1970), va a formare con il precedente un singolare dittico sulla sconfitta di un maschio che, nella partita amorosa, presume di sapersi liberare dalle convenzioni e si rivela invece prigioniero di sentimenti atavici, come la gelosia e l’istinto di possesso, da cui sembrava potersi proclamare immune. Seguiranno altre commedie, La supertestimone (1971), Gli ordini sono ordini (1972) e Colpita da improvviso benessere (1976), film nei quali la donna è al centro di progetti narrativi che la vedono protagonista della propria emancipazione, economica e affettiva. La svolta più radicale nell’itinerario di Giraldi avviene attraverso un ritorno all’heimat delle fonti triestine che lo conduce al cinema d’autore, intimamente e profondamente avvertito come propria e più consonante misura estetica. Dissipando coraggiosamente un credito, anche economico, accumulato negli anni, darà libero corso espressivo alla propria poetica nella sezione più cospicua delle sue regie, quella di ispirazione letteraria. Anche su questo terreno manifesta la sua duttilità. Consapevole che il cine-
tones of psychological melodrama, they are full of situations and motifs typical of comedy. The entry of Giraldi into actual comedy, therefore, was already in the air. For the past decade, this had taken on such a particular form as to be defined “Italian-style”, and it had become the golden vein in Italian cinema.
The change in genre took place in unusual manner through the mediation of a literary text which affected the director considerably when he first read it:
La bambolona, by Alba de Céspedes. In this film, Giraldi – with the occasional echo of Buñuel –describes the fetishist urges of a middle-class man for an unusual erotic body, the object of an obscure desire which is repeatedly frustrated, postponed and each time vainly relaunched. The following film, Cuori solitari (1970), forms a single diptych with the first work on the defeat of a man who, in love, presumes to know how to free himself of conventions and instead reveals himself to be a prisoner of atavistic feelings, such as jealousy and the instinct for possession, from which he thought himself immune.
Other comedies were to follow, including La supertestimone (1971), Gli ordini sono ordini (1972) and Colpita da improvviso benessere (1976), films in which a woman is at the centre of the narrative projects that show her as the protagonist of her own emancipation as regards money and love.
The most radical change in Giraldi’s work came about through a return to the heimat of his Triestine origins, which led him to art films intimately and profoundly sensed as his personal and most appropriate aesthetic form. Courageously spending the critical and financial credit he had gained over the years, he gave free rein to his own personal poetics in the most remarkable of his films, those inspired by literary works. Once again, he revealed the flexibility of his approach. Aware that cinema is a genetically different language to that of literature, and that a film will therefore always be a different text, when he
ma è linguaggio geneticamente diverso da quello della letteratura e che dunque il film sarà sempre un altro testo, quando affronta la trascrizione de La rosa rossa di Pier Antonio Quarantotti Gambini sceglie di farlo con il passo lieve del rispetto quasi letterale della fonte, cercando di mantenere intatta l’apertura di questo romanzo ai molti sensi delle diverse letture possibili.
Nella trascrizione di Un anno di scuola di Giani Stuparich, Giraldi sceglie invece la via della rilettura interpretativa rendendo esplicito il dialogo sotterraneo tra le vicende sentimentali private e i sobbalzi della storia collettiva, attraverso una trasposizione temporale degli eventi alle soglie delle Grande guerra. Una via intermedia tra i due modelli de La rosa rossa (1973) e Un anno di scuola (1977), ovvero tra il rispetto quasi letterale del testo e la trasposizione che lo interpreta criticamente, è quella attuata per La giacca verde (1980), tratto da un racconto di Mario Soldati, rispetto al quale modifica profondamente il personaggio femminile e, allo stesso tempo, ricrea perfettamente il crudele duetto delle simulazioni dei due protagonisti maschili.
Caso a sé, in molti sensi e per tanti aspetti, fu l’irripetibile esperienza compiuta in precedenza ne Il lungo viaggio (1975): il regista si cimenta nell’operazione di adattamento di tre racconti di Dostoevskij, suturati, nella sceneggiatura di Luciano Codignola, da una cornice narrativa intessuta di riferimenti a Herzen e Turgenev. Come gli altri film di ispirazione letteraria anche l’attuazione di questo progetto colto e sofisticato, con il quale Giraldi attinge ad alcune fonti letterarie per afferrare e restituire l’anima profonda del mondo slavo, fu possibile grazie alla disponibilità di una televisione pubblica, non ancora
tackled the transcription of Pier Antonio Quarantotti Gambini’s La rosa rossa, he chose to do so with the light touch of an almost literal respect for the original, seeking to maintain intact the openness of this novel to a variety of interpretations.
In the transcription of Un anno di scuola by Giani Stuparich, Giraldi instead chose to reinterpret the text, rendering more explicit the underlying dialogue between the private sentimental events and the ups and downs of the collective story, through a temporal transposition of the events taking place just before the First World War. An intermediate way between the two approaches of La rosa rossa (1973) and Un anno di scuola (1977) – that is, between an almost word-for-word approach and a critically transposed one – was adopted for La giacca verde (1980), taken from a story by Mario Soldati. In this case, Giraldi profoundly modified the female figure and at the same time perfectly recreated the cruel duet of the pretences put forward by the two male protagonists.
The unrepeatable experience undertaken earlier in Il lungo viaggio (1975) was a separate case in many ways: the director dedicated himself to the adaptation of three tales by Dostoevsky, stitched together in the screenplay by Luciano Codignola by a narrative framework marked by references to Herzen and Turgenev. As with the other films of literary inspiration, this sophisticated project, in which Giraldi made use of some literary sources to turn the spotlight on the profound soul of the Slav world, was made possible thanks to the support from public television, not yet obliged to dedicate itself to the ephemeral terrain of chasing audience share and providing material for rapid consumption.
costretta a rincorrere quella merceologica sul terreno effimero del facile ascolto e del rapido consumo di tutto.
A partire dalla metà degli anni ’70 il piccolo schermo televisivo diventa il destinatario prevalente della produzione filmica di Giraldi. Le sue trasposizioni di romanzi come Mio figlio non sa leggere di Ugo Pirro, o de L’avventuriero , ultimo romanzo compiuto di Conrad, ne confermano la sensibilità e il talento di trascrittore, capace di ricreare con una misurata partitura di immagini e suoni, i mondi virtuali evocati dalle parole.
Grazie alla televisione Giraldi realizza anche alcune inchieste documentarie su temi che toccano la storia e la cultura della sua formazione, agevolmente identificabili fin dai titoli: La città di Zeno (1978), Trieste 1948 (1981), Ex Jugoslavia-Fogli di viaggio (1994). Anche l’esperienza della regia teatrale, già attuata nelle forme della prosa e dell’opera musicale, viene riversata nel piccolo schermo tv mettendo in scena Ivanov (1981) di Č ekov, girato interamente con telecamere in uno studio televisivo, ma scandito con le risorse di un montaggio squisitamente cinematografico.
From the middle of the 1970s, television became the most important destination for Giraldi’s films. His adaptations of novels like Mio figlio non sa leggere by Ugo Pirro, and Conrad’s last finished novel, The Rover, confirmed his sensibility and talent in adaptation, showing him able to recreate the virtual worlds evoked by the words with a measured setting of images and sounds.
Thanks to television, Giraldi undertook a number of documentary investigations into themes touching on the history and culture of his training, easily and immediately identifiable from the titles: La città di Zeno (1978), Trieste 1948 (1981), Ex Jugoslavia-Fogli di viaggio (1994). His work as a director in theatre, for which he worked both with prose and with musical works, was also transposed to television, with the adaptation of Chekhov’s Ivanov (1981), filmed entirely with TV cameras in a studio, but marked by a perfectly cinematographic editing.
L’intensa e variegata produzione televisiva non sopisce però il primigenio amore per il cinema, da fruire nello spazio collettivo della sala, per il quale Giraldi continua a filare progetti. Nel 1996 giunge in porto la trasposizione del complesso romanzo di Franco Vegliani, La frontiera, un incontro preordinato da affinità di poetica. Non poteva infatti non toccare e coinvolgere Giraldi il tema della violenza che si sprigiona dalle identità forzatamente assegnate agli uomini attraverso i confini territoriali imposti dalle
The intense and varied television production did not, however, dampen his first love for cinema, a form to be enjoyed collectively before a large screen, for which Giraldi continued to work on projects. In 1996, he adapted Franco Vegliani’s complex novel, La frontiera, in a pre-ordained meeting of poetic affinities. It was inevitable that Giraldi should be affected by the theme of the violence that breaks out by identities assigned on people through territorial borders imposed as a result of historical events. The film suffered from a limited distribution, as recurred with his next film for the cinema circuit, Voci , in 2000, freely inspired by Dacia Maraini’s novel.
As always occurs in this medium, the realised projects are offset by many that remain blocked at the
lo schermo triestino: franco giraldi / cinema people of trieste: franco giraldi
vicende storiche. Il film fu penalizzato da una limitata distribuzione, come accadde al successivo ritorno in sala, nel 2000, con Voci, liberamente ispirato al romanzo di Dacia Maraini. Come sempre accade in questo lavoro, a fronte dei progetti realizzati, sono molti quelli che rimangono bloccati allo stadio immaginativo del film sognato. Forse l’idea più a lungo accarezzata è quella de Il grande vecchio, ispirato a un fatto di cronaca degli anni ’80, anni che trascinano nel riflusso della mutazione antropologica anche il popolo della sinistra italiana che si scopre contagiato da una profonda trasformazione dell’ethos. Un progetto, più volte giunto a un passo dall’attuazione, che ci si augura trovi presto la luce dello schermo.
stage of a dream. Perhaps the idea that has been cherished longest is that of Il grande vecchio, inspired by an actual event that took place in the 1980s, a period which saw the Italian left undergoing a major anthropological shift as it discovered itself tainted by a profound transformation of the ethos. This project has several times come to within a whisker of being started; we hope it will soon see the light of the screen.
SETTE PISTOLE PER I MAC GREGOR
Seven Guns for the MacGregors
Frank Grafield (Franco Giraldi)
Italia - Spagna / Italy - Spain 1966, 35mm, col., 95’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Fernand Lion (Fernando Di Leo), Vincent Eagle (Enzo Dell’Aquila), David Moreno, Duccio Tessari. Fotografia / Photography: Alexander Ulloa. Montaggio / Editing: Mac Murray (Mario Morra), Johnny Barclay (Nino Baragli). Musica / Music: Ennio Morricone. Scenografia / Art Director: Jaime Perez Cubero. Costumi / Wardrobe: Karl Kinds (Carlo Gentili). Interpreti / Cast: Robert Woods, Manolo Zarzo, Nick Anderson, Paul Carter, Julio Perez Tabernero, Saturnino Cerra, Albert Waterman, Agatha Flory, Leo Anchoriz, Fernando Sancho, Perla Cristal, Georges Rigaud, Harry Cotton, Annemary Noè, Margaret Horowitz, Raphael Bardem, Molino Rojo. Produzione / Produced by: D.S. Jolly Film (Roma), Estela Film (Madrid).
I Mac Gregor, di origine scozzese, possiedono una fattoria non lontano dalla frontiera messicana. Un giorno, mentre in casa si trovano soltanto i vecchi genitori, la fattoria viene assalita da una banda di ladri di cavalli, costretti alla fuga dall’arrivo dei sette figli dei Mac Gregor. Questi, inviati successivamente a una fiera di bestiame per vendere i duecento cavalli dell'allevamento, s'accorgono d'essere giunti in un luogo dove a dettare legge è un prepotente apertamente spalleggiato dallo sceriffo e dall'intera banda del terribile fuorilegge Santillana, colui che aveva precedentemente organizzato l'aggressione alla loro fattoria. L'immediata reazione conduce i giovani Mac Gregor alla prigione, da dove riescono a fuggire trovando rifugio presso la fattoria di Rosita. Convinto assieme ai fratelli della necessità di affrontare direttamente Santillana, il maggiore dei ragazzi, Gregor, decide di farsi reclutare nella banda, ma viene scoperto. Dopo aver subìto crudeli torture, andrebbe sicuramente incontro alla morte se non intervenissero per tempo tutti i fratelli e persino i vecchi Mac Gregor al suono delle cornamuse. Film costellato di pseudonimi, non senza ironia. La stessa parrebbe aver provocato una svista della produzione, cui scivolò quel refuso che poi avrebbe irrevocabilmente trasformato lo pseudonimo di Frank Garfield (scelto dal regista in omaggio all’attore americano John) in ‘Grafield’.
The MacGregors, Scottish in origin, own a farm not far from the Mexican border. One day, while only their elderly parents are at home, the farm is attacked by a gang of horse rustlers, who are forced to flee when the seven sons of the Macgregors hear the resulting gunfire. Later, the sons travel to a horse fair to sell the 200 horses from their stock-raising activities, and they realise they have arrived in a place run by an overbearing man openly supported by the sheriff and entire band of outlaws run by Santillana, who had earlier organised the attack on their farm. Their immediate reaction leads the young MacGregors straight to jail, but they are able to escape and find refuge in the farm of Rosita. As convinced as his brothers of the need to tackle Santillana directly, the eldest brother, Gregor, decides to have himself recruited into the band, but he is discovered. After suffering terrible torture, he would certainly die if all his brothers and even the old MacGregors were not to intervene in time, drawn by the sounds of the bagpipes. This is a film dotted with pseudonyms and with a certain amount of irony. This apparently led to a slip-up in production and the survival of a misprint which transformed the pseudonym of Frank Garfield (chosen by the director in homage to the US actor, John) into ‘Grafield’.
LA BAMBOLONA
Big Baby Doll
Franco Giraldi
Italia / Italy
1968, 35mm, col., 107’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Ruggero Maccari, Franco Giraldi dal romanzo omonimo di / from the novel of the same title by Alba De Cèspedes. Fotografia / Photography: Dario Di Palma. Montaggio / Editing: Ruggero Mastroianni. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Fiorenzo Magli. Scenografia / Art Director: Carlo Egidi. Costumi / Wardrobe: Luciana Marinucci. Interpreti / Cast: Ugo Tognazzi, Isabella Rei, Lilla Brignone, Corrado Sonni, Roy Bosiers, Marisa Bartoli, Margherita Guzzinati, Susy Andersen, Filippo Scelzo, Grazia Fei, Ignazio Leone, Bruna Beani, Alfredo Di Stefano, Giorgio Arlorio, Brizio Montinari. Produzione / Produced by: Mega Film.
In collaborazione con / With the collaboration of: Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale.
Giulio, un brillante avvocato di mezza età, rimane turbato dall’incontro con una ragazza dalle forme giunoniche ma apparentemente apatica. Pur di raggiungere i suoi scopi non proprio onestissimi, l’avvocato si adatta a un fidanzamento ufficiale che, però si rivela del tutto inutile. Gli atteggiamenti ambigui della ragazza, a volte accondiscendenti, a volte refrattari, si sveleranno essere parte di un piano organizzato con i genitori per ricattarlo ed estorcergli del denaro.
È il primo film di Giraldi d’ambientazione non western, che si inserisce a pieno nel nascente filone della commedia all’italiana. Ugo Tognazzi, per la sua interpretazione, vinse il “Nastro d’Argento” nel 1969.
Giulio, a brilliant middle-aged lawyer, is troubled by a meeting with a girl of Junoesque form who is apparently uninterested in him. In his bid to achieve his less than honest aim, the lawyer allows himself to become officially engaged, but even this, however, proves completely fruitless. The young woman’s ambiguous, sometimes accommodating, sometimes cold, manner eventually reveals itself to be part of a plan organised with her parents to blackmail him and obtain money.
This was Giraldi’s first non-western film, and is wholly characteristic of the school of Italian-style comedy. For his role in the film, Ugo Tognazzi won the “Nastro d’Argento” in 1969.
CUORI SOLITARI
Lonely Hearts
Franco Giraldi
Italia / Italy
1970, 35mm, col., 121’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Ruggero Maccari, Franco Giraldi. Fotografia / Photography: Dario Di Palma. Montaggio / Editing: Franco Arcalli. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Fiorenzo Magli. Scenografia / Art Director: Maurizio Chiari. Costumi / Wardrobe: Luciana Marinucci. Interpreti / Cast: Ugo Tognazzi, Senta Berger, Gianna Serra, Silvano Tranquilli, Elena Persiani, Clara Colosimo, Puccio Tarantino, Mauro Bacchini, Carlo Hilpold, Piero Mazzarella, Giorgio Basso, Edda Ferronao, Maria Valente, Orso Maria Guerrini, Dominik Morawski, Maristella Piva, Licia Lombardi, Livio Ceserani, Marisa Rossi, Amato Garbini, Vittorio Sancisi, Michele Straniero, Gino Uras, Norina Detto, Vittorio Fornaro, Palmira Sala. Produzione / Produced by: Mega Film.
Marito e moglie si cimentano, un po' per noia e un po' per scherzo, nel gioco dello scambio delle coppie. All’inizio è lui a insistere, bollando l’esitazione della moglie come chiusura mentale anacronistica e perbenista. Dopo un paio di tentativi, patetici però, sarà proprio lei a portare il gioco fino in fondo e a provarci gusto.
Il film è ambientato nel ’68 e mostra la capacità del mondo borghese di assorbire certe istanze ideologiche della rivolta giovanile, come la contestazione del matrimonio, per snaturarle e privarle della loro portata storica. Giraldi però non risparmia nessuno: il film infatti presenta una galleria di ritratti grotteschi e patetici che riguardano tutte le classi sociali. Un Tognazzi controllato e persuasivo, ironico e umano, e una Senta Berger deliziosa contribuiscono all’efficacia del film.
A couple embark on a game of wife-swapping, partly through boredom and partly as a joke. At the outset, it is the husband who insists, condemning his wife’s hesitation as an anachronistic and would-be respectable mental limitation. After a couple of rather pathetic attempts, however, it is she who follows the game through and develops a taste for it.
The film is set in 1968 and shows the ability of the bourgeois world to absorb some ideological demands of the youth revolt, regarding marriage above all, only to strip them of their true nature and deprive them of their historic scope. However, Giraldi spares no-one: the film presents a gallery of grotesque, pathetic portraits regarding every social class. A restrained, persuasive, ironic and human Tognazzi and a delicious Senta Berger contribute to the effectiveness of this film.
LA ROSA ROSSA
The Red Rose
Franco Giraldi
Italia / Italy
1973, 35mm, col., 95’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Dante Guardamagna. Dal romanzo omonimo di / Based on the novel of the same title by Pier Antonio Quarantotti Gambini. Fotografia / Photography: Marcello Masciocchi. Montaggio / Editing: Mario Giacobino. Musica / Music: Luis Bacalov. Scenografia / Art Director: Niko Matul. Interpreti / Cast: Alain Cuny, Antonio Battistella, Elisa Cegani, Margherita Sala, Sergio Bardotti, Susanna Martinkova, Giampiero Albertini. Produzione / Produced by: C.E.P., Rai.
Terminato il primo conflitto mondiale, il generale Paolo Balzeri si reca in visita a Capodistria presso i cugini Piero e Ines. Fra i frammenti che si dipanano sul filo della memoria, il militare custodisce con particolare affetto il ricordo delle rose rosse che una donna misteriosa usava lasciare nella sua stanza. Una vicenda sommessa e intimista, girata con finezza e ironia, tratta dall’omonimo romanzo di Pier Antonio Quarantotti Gambini (1937). Giraldi si avventura lungo gli itinerari della memoria, ritrovando la Capodistria di Gambini attraverso i paesaggi e l’architettura dell’Istria odierna: la vecchia villa di Rovigno, il palazzo Bembo di Bale, o ancora la piazza di Albona e quella di Capodistria. Ben sostenuto dalla colonna sonora di Luis Bacalov e dalle interpretazioni di un cast di grande livello, il film ebbe numerosi riconoscimenti da parte della critica e delle giurie festivaliere.
With the First World War over, General Paolo Balzeri travels to Capodistria to visit his cousins, Piero and Ines. Among the fragments of memories the soldier retains, he has particularly fond memories of the red roses a mysterious woman used to leave in his room. This subdued, intimate story, filmed with refinement and irony, is drawn from the novel of the same title by Pier Antonio Quarantotti Gambini (1937). Giraldi explores the by-ways of memory, rediscovering Gambini’s Capodistria through the landscapes and architecture of today’s Istria: the old Rovigno villa, the Bembo palace at Bale, the squares of Albona and Capodistria. Well supported by the soundtrack of Luis Bacalov, and fine performances by a great cast, the film won considerable acclaim from critics and festival juries.
IL LUNGO VIAGGIO
The Long Journey
Franco Giraldi
Italia - Ungheria / Italy - Hungary 1975, 35mm, col., 240’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Luciano Codignola, Franco Giraldi, Erika Szanto. Fotografia / Photography: Igor Sik. Montaggio / Editing: Gabriella Cristiani. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Pal Bartos. Scenografia / Art Director: Laszlo Duba. Costumi / Wardrobe: Maria Hruby. Interpreti / Cast: Jan Englert, Ivan Darvas, Flavio Bucci, Ottavia Piccolo, Glauco Mauri, Zbigniew Brejtkopf, Miklos Zoltay, Maria Misiewicz, Bogumil Zatonski, Emilia Iwanowicz, László Kozak, Janos Zach, Nora Kovacs, László Bende, György Miklossy, László Kürthy Papp, István Szegedi Szabó, Endre Harkanyi, Péter Balasz, Károly Gyulay, István Szilagyi, Károly Pokornyi, Julius Lisowski, Henryk Machalica, Marek Wojciechowski, Tibor Kenderessy, Tibor Szilagyi, Hedy Temessy, Andrzej Graziewicz, Károly Kovacs, Sándor Danffy, László Vajda, Sara Rapisarda, Maria Rakosi, Marta Fonay, Viola Vajda, Ilka Petur, István Farady, András Kern, Károly Ujlaky. Produzione / Produced by: Al. Fran. Cinematografica per RAI Radiotelevisione Italiana, Magyar Televizió (Budapest).
Una carrozza parte da Pietroburgo per dirigersi in una sperduta città degli Urali. Vari passeggeri si succedono, ma solo due compiono il viaggio fino alla destinazione finale: sono un giovane ex impiegato disgustato dal meschino mondo burocratico di Pietroburgo, cui contrappone il mondo contadino quale depositario della vera anima russa; e un conte ricco, colto e molto più aperto all’ambiente urbano e alla civiltà occidentale.
Film realizzato per la televisione in quattro puntate (le prime due intitolate Il sosia, la terza Racconto della neve fradicia, la quarta Una brutta storia, ispirate ai racconti di F. M. Dostoevskij), in cui il racconto fatto dal giovane al conte costituisce la cornice che inquadra i tre racconti di Dostoevskij ed è la soluzione narrativa che permette un duplice viaggio, sociologico e politico (la società e la realtà russa dell’epoca), psicologico e psicanalitico (l’individuo e la sua posizione ideologica rispetto alla realtà circostante).
A carriage leaves St. Petersburg in the direction of a distant town in the Urals. A number of passengers join or leave the carriage en route, but only two go as far as the final destination: a young former clerk disgusted with the mean bureaucratic world of St. Petersburg, which he contrasts with the peasant world, seen as the depository of the true Russian soul; and a rich, cultivated count, who is far more open to the urban world and Western civilisation.
A film made for television in four episodes (the first two are called The double, the third Tale from the wet snow, and the fourth A nasty tale, inspired by the tales of F. M. Dostoevsky), in which the tale told by the young man and the count forms the frame for Dostoevsky’s three tales, in this work the narrative solution enables a double journey: a sociological and political one (Russian society and country at the time), and a psychological and psychoanalytical one (the individual and his ideological position with respect to the reality around him).
COLPITA DA IMPROVVISO BENESSERE (MERCATI GENERALI)
Struck by Sudden Prosperity (General Markets)
Franco Giraldi
Italia / Italy 1976, 35mm, col.,100’ v.o. italiana / Italian o.v.
Soggetto / Script: Barbara Alberti, Amedeo Pagani. Sceneggiatura / Screenplay: Ugo Pirro, Carlo Vanzina. Fotografia / Photography: Alberto Spagnoli. Montaggio / Editing: Raimondo Crociani. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Piero Fondi. Scenografia / Art Director: Giorgio Postiglioni. Costumi / Wardrobe: Elena Mannini. Interpreti / Cast: Giovanna Ralli, Stefano Satta Flores, Glauco Onorato, Mario Carotenuto, Franco Citti, Renato Scarpa, Ennio Antonelli, Alessandra Vazzoler, Antonio Cosenza. Produzione / Produced by: Carlo Ponti per la Champion.
In collaborazione con / With the collaboration of: Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale. Disavventure amorose e finanziarie di una giovane pescivendola, Betty, che, perseguitata e amata da un ispettore sanitario troppo zelante, si dibatte tra strozzini, funzionari corrotti e pescivendoli corruttori, tanto che anche lei deve piegarsi alla legge della tangente. Ma se un affare non troppo pulito le consente di appagare il sogno di tutta una vita (la moquette azzurra!), un altro la getta sul lastrico e la costringe a tornare a vendere il pesce in piazza.
The amorous and financial misadventures of a young fishmonger, Betty, who, pursued and loved by an overzealous health inspector, struggles with usurers, corrupt functionaries and corrupting fishmongers, to the point that she too has to resort to bribes. But while one less than squeaky-clean deal enables her to fulfil her lifelong dream (a blue carpet!), another puts her on her beam-ends and she is forced back on to the street selling fish.
UN ANNO DI SCUOLA
A Year of School
Franco Giraldi
Italia / Italy 1977, 35mm, col., 110’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Lucio Battistrada, Franco Giraldi, Lucille Laks, dal racconto omonimo di / based on the short story of the same title by Giani Stuparich. Fotografia / Photography: Dario Di Palma. Montaggio / Editing: Gabriella Cristiani. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Roberto Forrest. Scenografia, costumi / Art Director, Wardrobe: Sergio D’Osmo. Interpreti / Cast: Laura Lenzi, Stefano Patrizi, Margherita Guzzinati, Juliette Meyniel, Mario Adorf, Joško Lukeš, Mira Sardoč, Dušan Jazbec, Miranda Caharija, Mario D’Arrigo, Giovanni Visentin, Paolo Morosi, Ennio Grasso, Federico Avian, Maurizio Gasti, Sandro Marinuzzi, Davio Fabris, Paolo Bidoli, Fulvio Zinni, Mauro Vigini, Salvatore Puleo, Ezio Ciani, Ennio Demarin, Luciano Sossi, Filippo Busolini, Andrea Jachia, Fulvio Toffoli, Paolo Benedetti, Alessandro Ambrosi, Augusto Cernigoj, Franco Giraldi, Maria Serena Ciano, Antonella Ferfoglia, Rossella Brown, Elisabetta Porro, Claudia Biamonti, Roberto Ive, Oscar Griselli, Emanuela Manfredi, Dino Castelli, Zlata Rodošek. Produzione / Produced by: Arturo La Pegna per C.E.P., RAI Radiotelevisione Italiana.
Trieste, 1913. Per poter iscriversi all'Università, Edda Marty è costretta a frequentare l'ultima classe di un liceo maschile. Nonostante i suoi sforzi di stabilire un rapporto cameratesco con i compagni, la sua presenza suscita turbamenti, innamoramenti espliciti o nascosti, un tentato suicidio, l'intervento della madre possessiva di Giorgio, l'unico verso il quale Edda sente una forte attrazione. Dopo l'esame di maturità, i ragazzi si ritrovano a una cena d'addio, venata di malinconia e di tristi presagi per le avvisaglie della guerra imminente. Tratto da uno dei Racconti (1929) di Giani Stuparich - ispirato alle vicende (reali) della prima ragazza triestina che, approfittando di una concessione del governo Austro-Ungarico, s'iscrisse nel 1910 all'Università - il film venne prodotto per RaiDue che lo mandò in onda in 2 puntate. Giraldi posticipa il racconto di Stuparich dal 1909 al 1913, cosa che gli permette di mettere meglio a fuoco la psicologia dei personaggi, di rievocare in modo attendibile il clima storico-culturale della gioventù triestina del tempo e soprattutto di dare un’immagine del dramma storico che sta per accadere attraverso le vicende di una classe di liceo. (L’altro elemento del film è l’impatto dell’elemento dissonante dato dalla personalità volitiva e spregiudicata di Edda, in un contesto maschilista, diviso tra miti decadenti e accensioni nazionalistiche.)
Trieste, 1913. In order to be able to enter university, Edda Marty is obliged to frequent the last year of a boys’ secondary school. Despite her efforts to establish a normal friendly relationship with her fellow-pupils, her presence provokes disturbances, explicit or hidden cases of boys falling in love, an attempted suicide, the intervention of the possessive mother of Giorgio, the only person to whom Edda is attracted. After the exams, the boys meet for a farewell dinner, characterised by melancholy and sad presages of the imminent war. Adapted from one of Giani Stuparich’s Tales (1929), inspired by the (real) events of the first Triestine girl to take advantage of a concession granted by the Austro-Hungarian government and enter the University of Trieste in 1910, the film was produced for Rai Due, which broadcast it in two episodes. Giraldi set Stuparich’s tale not in 1909 but in 1913, which enables him to focus better on the psychology of the characters and to evoke the historic and cultural climate of Triestine youth at the time. Above all, in this way, he can paint a picture of the historic drama that is about to take place through the events in the classroom. (The other element in the film is the impact of the contrasting element arising from the volatile, unprejudiced figure of Edda within a male context, split between decadent myths and nationalistic fervour.)
LA CITTÀ DI ZENO. A TRIESTE CON ITALO SVEVO
Zeno’s Town
Franco Giraldi
Italia / Italy
1978, 35mm, col., 75’
v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Franco Giraldi, Tullio Kezich. Fotografia / Photography: Guido Bertoni. Montaggio / Editing: Giancarlo Raineri. Musica / Music: citazioni da / pieces from Verklärte Nacth di / by Arnold Schönberg, La sagra della primavera (The Rite of Spring) e /and Tango di / by Igor Stravinski. Suono / Sound: Lino Zanacchi. Intervistatore e commentatore / Interviews and comments by: Franco Giraldi. Interventi di / With the participation of: Stelio Mattioni, Vittorio Vidali, Fulvio Tomizza, Omero Antonutti, Letizia Fonda Svevo, Alma Pezzoli, Dora Oberti, Elsa Anzellotti, Fulvio Anzellotti, Anna Anzellotti, Nino Pontini, Vito Levi, Marcello Mascherini, Giorgio Voghera, Giampaolo De Ferra, Claudio Noliani, Elvia Dudine, Franco Basaglia, Antonio Pastrovicchio, Laura Weiss, Giulio Simonis, Elio Apih, Bruno Maier, Roberto Damiani, Livio Rosignano. Produzione / Produced by: RAI Radiotelevisione Italiana.
Film inchiesta televisivo realizzato in occasione del 50º Anniversario della morte di Italo Svevo, con la collaborazione di Tullio Kezich. Attraverso alcune interviste Giraldi ricostruisce il clima in cui visse lo scrittore triestino: Franco Basaglia, figura carismatica della nuova psichiatria parla del carattere ‘psicologico’ della città, mentre Giampaolo De Ferra, all’epoca rettore dell’Università di Trieste e sovrintendente del teatro Verdi, ne ricostruisce il clima musicale. Fulvio Anzellotti, nipote di Svevo, rievoca il mondo dello scrittore, mentre Giulio Simonis, uno degli ultimi testimoni dell’epoca freudiana, ricorda l’amico Edoardo Weiss e il loro incontro a Vienna con Sigmund Freud. Nel documentario anche degli inserti di alcune scene da La coscienza di Zeno tratte dall’adattamento di Tullio Kezich prodotto dal Teatro Stabile di Genova (regia teatrale: Luigi Squarzina; regia televisiva: Daniele D’Anza; interpreti: Alberto Lionello, Marzia Ubaldi, Ferruccio De Ceresa, Mario Erpichini).
An investigative television film made for the 50th anniversary of the death of Italo Svevo, with the collaboration of Tullio Kezich. Through a series of interviews, Giraldi reconstructs the climate in which the Triestine writer lived: Franco Basaglia, the charismatic promoter of new psychiatry, speaks of the “psychological” character of the city, while Giampaolo De Ferra, at the time rector of the University of Trieste and superintendent of the Verdi theatre, reconstructs its musical climate. Fulvio Anzellotti, Svevo’s grandson, evokes the writer’s world, while Giulio Simonis, one of the last witnesses of the Freudian era, recalls his friend, Edoardo Weiss, and their meeting with Sigmund Freud in Vienna. The film also includes some extracts of scenes from Zeno’s Conscience, taken from the adaptation by Tullio Kezich produced by the Teatro Stabile di Genova (theatre director: Luigi Squarzina; television director: Daniele D’Anza; cast: Alberto Lionello, Marzia Ubaldi, Ferruccio De Ceresa, Mario Erpichini).
LA GIACCA VERDE
The Green Jacket
Franco Giraldi
Francia - Italia / France - Italy
1980, 35mm, col., 102’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Lucio Battistrada, Sandra Onofri, Franco Giraldi, Cesare Garboli, dal racconto omonimo di / based on the short story of the same title by Mario Soldati. Fotografia / Photography: Dario Di Palma. Montaggio / Editing: Raimondo Crociani. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Roberto Forrest. Scenografia / Art Director: Guido Josia. Costumi / Wardrobe: Danda Ortona. Interpreti / Cast: Jean-Pierre Cassel, Renzo Montagnani, Senta Berger, Vittorio Sanipoli, Laura Trotter, Renzo Marignano, Vittorio Ripamonti, Giovanni Vannini, Enzo Spitaleri, Gianfranco Quero, Pino Lorin, Adriana Russo, Salvatore Aiesi, Pasquale Pesce, Grazia Sidella, Alessandra Tani, Adriana Falco, Siria Betti. Produzione / Produced by: Arturo La Pegna per C.E.P., RAI Radiotelevisione Italiana, FR 3 (Parigi).
1946, fine guerra: il giovane e noto direttore d’orchestra Salvini (Cassel) si accinge alle prove dell’Otello ma improvvisamente si blocca e, giustificandosi con un malore, si ritira in albergo dove spiega all’impresario il vero motivo della fuga. Ha riconosciuto nel timpanista (Montagnani) un musicista che aveva già incontrato in un paesino del Molise, dove si era rifugiato per ragioni politiche nel ‘43 facendosi passare per contabile bancario. Il timpanista, proprietario di una sfarzosa giacca verde, si vantava di essere un celebre musicista e Salvini, pur assecondandolo in pubblico, in privato lo aveva tormentato, irridendolo e giungendo persino a sottrargli l’amante.
Tratto da un racconto di Soldati del 1948, il film non perde l'inquietante complessità letteraria del contrasto tra essere e apparire e non si dimentica di trattare temi - quali la mediocrità, dignità, seduzione, talentoaggiungendo al racconto limpidezza e concretezza quotidiana. Cassel e Montagnani sono interpreti eccellenti.
1946, end of the war: a young and well-known musical conductor, Salvini (Cassel), is working on the rehearsals of Othello but he suddenly stops and, pleading illness, retires to his hotel where he explains the true motive for his flight to the impresario. He has recognised the tympanist (Montagnani) as being a musician he has already met in the past in a little village in the Molise, where he had hidden away for political reasons in 1943, passing himself off as a banking accountant. The tympanist, owner of a magnificent green jacket, was passing himself off as a famous musician and Salvini, although supporting him in public, used to torment him in private, mocking and even stealing his lover from his.
Adapted from a story by Soldati in 1948, the film does not lose the disturbing literary complexity of the contrast between being and appearing and the questioning on many themes (mediocrity, dignity, seduction, talent), adding clarity and practical daily life to the tale. Cassel and Montagnani are excellent in their roles.
IVANOV
Franco Giraldi
Italia / Italy
1981, Betacam, col.,120’ v.o. italiana / Italian o.v.
Soggetto / Script: dal dramma omonimo di / based on the play of the same title by Anton Čekov (1888). Fotografia / Photography: Angelo Pacchetti. Montaggio / Editing: Franco Giraldi. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Oreste Boschi. Scenografia / Art Director: Ludovico Muratori. Costumi / Wardrobe: Danda Ortona. Interpreti / Cast: Giovanni Visentini, Giuliana De Sio, Laura Morante, Mario Maranzana, Claudio Gora, Lydia Mancinelli, Fabio Garriba, Barbara Valmorin, Flavio Bonacci, Clara Colosimo, Giancarlo Prati, Gianni Rubens, Marino Campanaro, Mauro Ramerio, Dario Viganò, Liliana Civardi, Margherita Comussi, Patrizia Costa, Elena Roverselli. Produzione / Produced by: RAI Radiotelevisione Italiana.
Ivanov è tormentato dai debiti, ma ancora di più da un disagio esistenziale, un’insoddisfazione profonda che lo porta a trattare aspramente quanti lo circondano, la moglie malata prima fra tutti. Viene considerato da tutti un cinico e un mascalzone, ma Saša è l’unica che sa guardare fino in fondo alla sua psicologia irrequieta tanto da innamorarsene. Ivanov ha 35 anni e la sua delusione di fronte alla vita è quella di chi ha visto crollare i propri ideali; come altri intellettuali russi del suo ceto, proprietari terrieri riformatori e liberali utopisti, è sconfitto dalla Storia. Alla fine l’orrore di sè e la paura delle sofferenze che potrebbe infliggere soprattutto a chi lo ama, lo portano al suicidio.
A tre anni dalla regia teatrale de La coscienza di Zeno, Giraldi torna al teatro con un testo di Čekov il cui protagonista si avvicina sul piano psicologico allo Zeno Cosini di Svevo. L’adattamento teatrale venne realizzato per la televisione e messo in onda su Rai Due.
Ivanov is tormented by his debts, but even more by an existential unease, a profound dissatisfaction leading him to treat those around him harshly, especially his sick wife. He is considered a cynic and a rascal by everybody, and only Saša is able to see further and discern his restless psychology, and eventually fall in love with him. Ivanov is 35 years old and his disappointment with life is that of someone who has seen his ideals collapse, in line with other Russians of his class, reforming landowners and utopian liberals who have been defeated by history. In the end, his horror of himself and the fear of the suffering he might inflict, on those he loves above all, leads him to suicide.
Three years after the theatre presentation of The Conscience of Zeno, Giraldi returns to the theatre with a text by Chekhov, the protagonist of which is similar on a psychological level to Svevo’s Zeno Cosini. The theatre adaptation was made for television and broadcast by Rai Due.
TRIESTE 1948
Trieste in 1948
Franco Giraldi
Italia / Italy
1981, 35mm, col.,180’ v.o. italiana / Italian o.v.
Soggetto / Script: Franco Giraldi. Fotografia / Photography: Dario Di Palma. Montaggio / Editing: Massimo Latini, Massimo Quaglia. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Roberto Forrest. Interventi / With the participation of: Franco Giraldi, Vittorio Vidali, Franco Babič, Claudio Tonel, Mario Abram, Callisto Cosulich, Stanka Hrovatin, Dušan Furlan, Licia Chersovani, Aloiz Markovič “Zvonko”, Lino Crevatin, Galliano Fogar, Valerio Beltrame, Julij Beltram, Mario Lizzero, Alfredo Bonelli, Adriano Del Pont, Fulvio Tomizza. Produzione / Produced by: C.E.P. per Rai Radiotelevisione Italiana.
Nel 1981 Giraldi torna a Trieste per girare un altro documentario sulla storia della sua città. Il periodo storico considerato è però molto recente e si riferisce agli anni forse più drammatici e cruciali della città. Trieste 1948 è una raccolta di testimonianze che fanno riferimento a un tema preciso, gli effetti del Cominform sul Partito Comunista a Trieste. Il Cominform, fondato da Stalin, era l’organo che ufficialmente sanzionò l’espulsione, e dunque lo scisma, del partito comunista jugoslavo dagli altri partiti comunisti operai d’Europa. Vittorio Vidali, triestino e capo carismatico del partito comunista, pur nutrendo alcune perplessità, aderì alle decisioni del Cominform. Il partito comunista a Trieste però risultava più legato a quello jugoslavo, che a quello italiano. Sullo sfondo, la città di Trieste ancora sotto amministrazione militare anglo-americana... Giraldi ricostruisce gli avvenimenti di quell’anno drammatico, attraverso le dichiarazioni dei protagonisti di quell’episodio, dichiarando sin dall’inizio che il suo lavoro voleva solo favorire una riflessione storica su quei fatti. Il documentario venne trasmesso in due puntate sulla terza rete della Rai.
In 1981, Giraldi returned to Trieste to film another documentary on the history of his city. The historic period under consideration is very recent, however, and covers perhaps the most dramatic and crucial years of the city. Trieste in 1948 is a collection of stories revolving around a central theme: the effects of the Cominform on the Communist Party in Trieste. The Cominform, founded by Stalin, was the organ that officially sanctioned the expulsion of, and thus the schism with, the Yugoslav Communist Party from the other workers’ parties of Europe. Vittorio Vidali, a local of Trieste and charismatic leader of the Communist Party, supported the decisions of Cominform, although with some doubts. The Communist Party in Trieste was, however, closer to its Yugoslav counterpart than to the Italian one. In the background, the city is still under Allied military command… Giraldi reconstructs the events of that dramatic year through the declarations of the protagonists of the episode, stating at the outset that his work aims only to encourage a historical appraisal of those facts. The documentary was broadcast in two episodes on the third Rai channel.
MIO FIGLIO NON SA LEGGERE
My Son Can’t Read
Franco Giraldi
Italia / Italy
1984, 35mm, col., 170’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Ugo Pirro (dal suo romanzo omonimo / from his novel of the same title), Franco Giraldi, con la collaborazione di / with the collaboration of Giusi Robilotta. Fotografia / Photography: Dario Di Palma. Montaggio / Editing: Antonio Siciliano. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Roberto Forrest. Scenografia / Art Director: Umberto Turco. Costumi / Wardrobe: Marina Frassine. Interpreti / Cast: Omero Antonutti, Mimsy Farmer, Itaco Nardulli, Fabrizio D’Amelia, Nunzia Greco, Angela Doria, Laura Sancin, Lucia Catullo, Mirko Giannotta, Giuseppina Saija, Eleonora Pariante. Produzione / Produced by: Ciad Cine Audiovisual per RAI Radiotelevisione Italiana.
Umberto, figlio di genitori separati, manifesta una serie di difficoltà: non nuota, non usa la mano destra, non riesce a integrarsi nella scuola, né riesce a distinguere le successioni temporali... Casualmente il padre Ugo scopre in un libro che l’origine dei disturbi del figlio è la dislessia. Inizia così per i genitori un lungo calvario fatto di analisi e riflessioni personali, di successi e insuccessi nella lotta contro la malattia. Dopo anni di tentativi, però, Umberto impara a leggere e supera l’esame di terza media, ma decide di rompere il rapporto con il padre e di andare a vivere con la madre. Il film si ispira al libro autobiografico di Ugo Pirro (che è anche co-autore della sceneggiatura): venne realizzato per la televisione e messo in onda in due puntate.
Umberto, the son of separated parents, has a number of disabilities: he cannot swim, does not use his right hand, is unable to fit in at school and cannot distinguish between different periods in time… By chance, his father, Ugo, discovers in a book that the origin of his son’s problems is dyslexia. A long struggle begins for the parents, marked by personal analysis and reflections, of successes and failures in the battle against the disability. After years of trying, however, Umberto learns to read and passes his third form exams. But he decides to break with his father and goes to live with his mother. The film is inspired by the autobiography of Ugo Pirro (who is one of the co-authors of the screenplay) and was made for television, being broadcast in two episodes.
IL CORSARO
The Corsair
Franco Giraldi
Italia / Italy
1985, 35mm, col.,180’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Nicola Badalucco. Fotografia / Photography: Dario Di Palma. Montaggio / Editing: Massimo Latini. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Tomislav Fogec. Scenografia / Art Director: Giuseppe Mangano, Vladimir Tadej. Costumi / Wardrobe: Silvana Pantani. Interpreti / Cast: Philippe Leroy, Laura Morante, Ingrid Thulin, Fabrizio Bentivoglio, Gunter Malzacher, Gérard Sergues, Alain Cuny, Velimir Hitil, Zlatko Madunič, Slobodan Dimitrijevič, Ilija Ivezič, Damir Šaban, Rainer Penkert, Wilmut Borrel, Julije Perlaki. Produzione / Produced by: Arturo La Pegna per RAI Radiotelevisione Italiana. Coproduzione / Co-produced by: Taurus Film (Germania), Telecip (Francia), Jadran Film (Jugoslavia).
Alla fine del ‘700 l’anziano corsaro Peyrol giunge in una fattoria vicino a Tolone, dove vivono Arlette e sua zia. Quando nelle acque del golfo compare una corvetta inglese che ha il compito di impedire alla flotta di Napoleone di prendere il largo, Peyrol si fa coinvolgere in un piano organizzato da Réal, ufficiale della marina napoleonica e innamorato di Arlette, per ingannare gli inglesi. A questo scopo si sostituisce a Réal: gli inglesi cadono nella trappola ma riescono a uccidere il corsaro.
Liberamente tratto dal romanzo breve The Rover (L’avventuriero, 1923) di Joseph Conrad, il film è stato realizzato per la televisione ed è andato in onda in tre puntate.
At the end of the 18th century, the old corsair, Peyrol, arrives in the farm near Toulon in which Arlette and her aunt live. When a British corvette charged with preventing Napoleon’s fleet from breaking out appears in the gulf, Peyrol is drawn into a plan to dupe the British organised by Réal, an officer in the Napoleonic navy who is also in love with Arlette. To this end, he takes Réal’s place: the British fall into the trap but succeed in killing the corsair.
Freely drawn from Joseph Conrad’s short novel, The Rover (1923), the film was made for television and was shown in three episodes.
ISTRIA - C’ERANO SOLTANTO PIETRE
Episodio di EX JUGOSLAVIA. FOGLI DI VIAGGIO
Istria - There Were Only Stones
Episode of “Former Yugoslavia. Extracts from a Journey”
Franco Giraldi
Italia / Italy
1994, Betacam, col., 60’ v.o. italiana / Italian o.v.
Soggetto, Voce narrante / Script, Narrator: Franco Giraldi. Consulenza / Consultant: Ugo Pirro. Ricerche materiale di repertorio / Researcher Archive Footage: Ghigo Alberani. Fotografia / Photography: Claudio Elena. Montaggio / Editing: Anna D’Amici. Interventi / With the participation of: Claudio Magris, Gino Kmet, Eligio Zanini. Produzione / Produced by: RAI Radiotelevisione Italiana.
La serie Ex Jugoslavia. Fogli di viaggio è un’inchiesta televisiva realizzata per il programma “RAI DSE speciale” (a cura di Giacomo Gambetti) in sei puntate, andata in onda su Rai Due. La serie era stata concepita come un viaggio fra le popolazioni della ex-Jugoslavia, fra coloro che vivevano ai margini del conflitto ma che ne soffrivano le conseguenze, ma anche come un contributo alla conoscenza della complessità della situazione storica e politica nei Balcani attraverso l’analisi di situazioni, avvenimenti e ambienti paradossali, drammatici e spesso sorprendenti. L’episodio Istria - C’erano soltanto pietre parla dell’isola di Goli Otok, che nel 1949 era stata destinata a ospitare un carcere di massima sicurezza in cui venivano rinchiusi i prigionieri politici ostili al regime di Tito. Fino al 1956 venne utilizzata anche per i comunisti rimasti fedeli (o semplicemente simpatizzanti) al regime sovietico di Stalin. Dopo quella data (e dunque dopo lo scioglimento del Cominform, successivo alla morte di Stalin), la prigione venne aperta anche ai delinquenti comuni.
The Former Yugoslavia. Extracts from a Journey series is a television investigation for the “RAI DSE speciale” programme (directed by Giacomo Gambetti) in six episodes, broadcast by Rai Due. The series was planned as a journey amongst the populations of former Yugoslavia living on the edge of the conflicts but who suffered its consequences, and also as a contribution to a greater awareness of the complexity of the historical and political situation in the Balkans through the analysis of the situations, events and paradoxical, dramatic and often surprising events taking place there. The Istria - There Were Only Stones episode covers the island of Goli Otok, which in 1949 became a top-security prison housing political prisoners hostile to Tito’s regime. Until 1956, it was used also for those communists who had remained faithful to (or were supporters of) Stalin’s Soviet regime. After that year (and after the dissolution of the Cominform, following Stalin’s death), the prison was also opened to ordinary criminals.
LA FRONTIERA
The Border
Franco Giraldi
Italia / Italy
1996, 35mm, col.,107’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Franco Giraldi, tratto dal romanzo omonimo di / based on the novel of the same title by Franco Vegliani. Fotografia / Photography: Cristiano Pogany. Montaggio / Editing: Antonio Siciliano. Musica / Music: Luis Bacalov. Suono / Sound: Giovanni Sardo. Scenografia / Art Director: Antonino Formica. Costumi / Wardrobe: Rossana Romanini. Interpreti / Cast: Raul Bova, Marco Leonardi, Omero Antonutti, Vesna Tominac, Claudia Pandolfi, Roberto Totola, Werner Egger, Miranda Caharija, Monica Haasovà, Dario Penne, Ettore Belmondo, Giancarlo Giannini. Produzione / Produced by: Filmalpha Factory. Coproduzione / Coproduced by: RAI Radiotelevisione Italiana.
1916, Prima guerra mondiale. Emidio Orlich (Bova) è un ufficiale dell'esercito austro-ungarico. Ogni giorno si trova a dover combattere per un Impero ormai in disfacimento, del quale non si sente più parte e per il quale non vuole rischiare la propria vita. L'uomo vive una profonda crisi di coscienza e decide di disertare per passare nelle fila dell'esercito italiano. Catturato dai suoi ex commilitoni, viene processato e condannato. A venticinque anni di distanza, nel corso del secondo conflitto mondiale, un ufficiale italiano di origine dalmata, Franco Velich (Leonardi), torna nell'isola nella quale è nato per trascorrere una licenza di convalescenza. Accortosi dei danni provocati dall'invasione delle truppe italiane e tedesche nell’isola, viene tormentato dai dubbi provocati dalla fedeltà a una nazione che non riesce a sentire più patria.
Girato fra Croazia, Slovacchia e Italia il film vinse la Grolla d’Oro per la fotografia al festival di Saint Vincent di quell’anno.
1916, First World War. Emidio Orlich (Bova) is an officer in the Austro-Hungarian army. Every day, he has to fight for an empire that is falling apart, of which he no longer feels a part and for which he does not want to risk his life. The man is living through a crisis of conscience and decides to desert and join the Italian ranks. Captured by his former comrades-in-arms, he is court-martialled and sentenced. Twenty-five years later, in the Second World War, an Italian officer of Dalmatian origin, Franco Velich (Leonardi), returns on convalescent leave to the island where he was born. Becoming aware of the damage caused on the island by the invasion of the Italian and German troops, he is tormented by doubts provoked by his allegiance to a nation which he no longer feels to be his.
Filmed in Croatia, Slovakia and Italy, the film won the Grolla d’Oro for photography at the festival of Saint Vincent the same year.
CALLISTO, TULLIO, FRANCO E IL CINEMA
Callisto, Tullio, Franco and Film
Giampaolo Penco
Italia / Italy
1998, Betacam SP, col., 59’ v.o. italiana / Italian o.v.
Soggetto / Script: Giampaolo Penco. Fotografia / Photography: Bruno Beltramini. Montaggio / Editing: Zarco Šuc. Suono / Sound: Alessandro Flora. Interpreti / Cast: Alberto Farassino, Callisto Cosulich, Tullio Kezich, Franco Giraldi, Paolo Quazzolo, Omero Antonutti. Produzione / Produced by: RAI - Sede regionale del Friuli Venezia Giulia.
“Callisto, Tullio, Francoe il cinema racconta il particolare legame che unisce Callisto Cosulich, Tullio Kezich, critici cinematografici ma anche uomini di grande e vasta cultura, e Franco Giraldi, regista cinematografico, da sempre il più piccolo del gruppo, anche se sono passati 50 anni dalle loro prime frequentazioni. Nati e cresciuti a Trieste, hanno cominciato a frequentarsi nell’immediato dopoguerra, proprio perché appassionati di cinema. Con l’aiuto dello scultore Marcello Mascherini hanno fondato la sezione cinema al Circolo della Cultura e delle Arti di Trieste, quando il cinema ancora veniva considerato una specie di arte minore. Da lì è cominciata la loro crescita professionale. Non molto dopo sono partiti, chi per Milano, chi per Roma. Adesso vivono tutti a Roma e dintorni, continua il loro rapporto di amicizia oramai fraterno, a cui si è aggiunto un altro triestino, Omero Antonutti. Averli tutti assieme sul set, è stato però un lungo lavoro di organizzazione. Il documentario ripercorre le loro storie personali, le passioni, il legame con Trieste, che ‘era una città in cui il cinema era una gran cosa, un’istituzione a cui la borghesia triestina riservava passione e rispetto’.” (G. Penco)
Callisto, Tullio, Franco e il cinema describes the close bond between Callisto Cosulich and Tullio Kezich –film critics and also individuals with a vast and broad-ranging culture – and Franco Giraldi – film director and always the youngest of the group, although 50 years have passed since they first met. Born and grown up in Trieste, they began meeting in the immediate post-war years, drawn together by their passion for cinema. With the help of sculptor Marcello Mascherini, they founded the film section at the Circolo della Cultura e delle Arti di Trieste, at a time when film was still considered something of a minor art. This in turn gave rise to the development of their professional careers. Not long after, they left, for Milan or Rome. Now they all live in Rome or nearby, and their close friendship has continued, joined by another Triestine, Omero Antonutti. Having them all together on the set, however, required a considerable amount of organisation, and the documentary explores all their personal histories, their enthusiasms and their bond with Trieste, which “was a city in which cinema was something important, an institution accorded passion and respect by the bourgeoisie of Trieste”. (G. Penco)
AUFZEICHNUNGEN ÜBER DAS LEBEN DES COMTE IVAN MERDREFF (1966) | BERNHARD LUGINBÜHL (1966) | SAD-IS-FICTION (1969) | WIR BERGLER IN DEN BERGEN SIND
EIGENTLICH NICHT SCHULD, DASS WIR SIND (1974) | GRAUZONE (1979) | HÖHENFEUER (1985) | VOLLMOND (1998) | VITUS (2006)
LA LUNA, I FALÒ. Il cinema di Fredi M. Murer
THE MOON, BONFIRES.
The Cinema of Fredi M.
Murer
Paolo Vecchi
Partiamo da una serie di dati difficilmente confutabili. Fredi Melchior Murer è uno dei pochissimi registi ancora sulla breccia ad aver realizzato un capolavoro, se l’uso indecentemente disinvolto di questo sostantivo gli ha conservato un minimo di senso. Inoltre, in quaranta e passa anni di attività non ha mai abbassato la guardia, concedendosi ad un cinema che non fosse sostenuto da spessore culturale, onestà intellettuale, ricerca linguistica. Se poi si guarda ai venti titoli della sua filmografia, si può notare come egli abbia spaziato dal lungometraggio di finzione al documentario, dal corto d’avanguardia al ritratto d’artista, dallo home movie al gesto di intervento politico vero e proprio. Come ulteriore elemento per comporre una personalità che non è azzardato definire proteiforme, è opportuno aggiungere che egli è stato anche produttore, sceneggiatore, direttore della fotografia, montatore e attore; che i suoi scritti, riportati nel volume a supporto di questa rassegna, oltre a esemplificare una felicità narrativa screziata di (auto)ironia sia quando “racconta” il film, sia quando arriva all’introspezione più bruciante, oltre a indicare con lucidità, anche teorica, le direttrici di un metodo di lavoro, testimoniano della sua concezione a tutto campo del mestiere, in quanto professionista inserito in una struttura industriale che deve fare i conti con i mutamenti del mercato globale dell’audiovisivo.
Ma andiamo per ordine. Nato nel 1940 a Backenried, vicino al lago di Lucerna, Fredi M. Murer si è formato presso il dipartimento fotografico della Scuola d’Arte di Zurigo, città nella quale ha dovuto trasferirsi non senza dolorose rinunce. Inseritosi in un ambiente culturale che potremmo
Let’s begin with some facts on which all are agreed. Fredi Melchior Murer is one of the very few directors still going strong to have made a masterpiece, if the indecently cavalier use of this term has not emptied it of all meaning. Added to which, he has never let his guard down in some forty years in the cinema, consenting to make films whose main feature was intellectual integrity and artistic refinement. A glance over the twenty films he made shows how broad his range was, encompassing feature films, documentaries, experimental shorts, artist biopics, home movies and thoroughgoing political statements. To further define a personality which it is no exaggeration to call protean, it should be added that he has also been a producer, screenwriter, director of photography, film editor and actor. His writings, included in the volume dedicated to Fredi M. Murer’s tribute in our festival, display a narrative verve laced with (self-) parody, both when he “describes” his films and when he achieves the most searing introspection, and extremely clearly, and with great command of theory, illustrate his approach to his work. As such, they testify to his all-embracing conception of his occupation, as a professional working in an industry that has to come to terms with fluctuations in a global audiovisual market.
But let’s take things one step at a time. Born in Backenried, near Lake Lucerne, in 1940, Fredi M. Murer trained in the department of photography in Zurich Art School. Moving to this city cost him not a few painful sacrifices and he soon found a cultural environment that could be described as antagonistic. From his very first films (Marcel, 1962; Sylvan, 1965) he has convincingly depicted a sort of
definire antagonista, fin dai primi titoli (Marcel, 1962, Sylvan , 1965) ha saputo interpretare in maniera autorevole una marginalità in qualche modo walseriana, dando voce sia agli artisti (Chicorée, 1966, Bernhard Luginbühl ,1966, Sad-is-Fiction , 1969) che ai montanari, visti un po’ come indiani delle riserve (Wir Bergler in den Bergen sind eigentlich nicht schuld, dass wir da sind, 1974).
Con i primi ha ingaggiato dei duelli creativi, volendo in qualche modo reinventare il film nella ricerca di
Walserian marginal existence, giving voice both to artists (Chicorée, 1966; Bernard Luginbühl, 1966; Sad-is-Fiction , 1969) and to mountain-dwellers, who are seen a little like Indians in their reserves (Wir Bergler in den Bergen sind eigentlich nicht schuld, dass wir da sind, 1974).
In the former he established creative duels, with the intention of in some way reinventing film in the search for “authentic, unique faces, which were my actors and my co-authors at one and the same time”.
“volti autentici, unici, che fossero contemporaneamente i miei attori ma anche i miei coautori”.
Dei secondi ha saputo restituire in maniera precisa, affettuosa, a tratti aspra, la quotidianità arcaica e solenne, i rituali, l’organizzazione comunitaria, ma anche l’erosione alla quale viene sottoposta la loro cultura da parte di una devastante “modernità”, tracciando una sorta di sinopia storico-sociologica su cui si sarebbe innestata l’architettura narrativa di Höhenfeuer
Il suo primo lungometraggio di fiction, Grauzone (1979), è una metafora complessa e raffinatissima dalle risonanze orwelliane e come tale di bruciante attualità (il protagonista ruba per mestiere le conversazioni, una misteriosa epidemia, dapprima negata dalle autorità, minaccia il tessuto sociale...).
Raggiunge il capolavoro con Höhenfeuer (1985), Pardo d’Oro a Locarno, uno dei grandissimi film del secolo da poco conclusosi, racconto dell’amore incestuoso tra due fratelli isolati in una malga fuori dal mondo che riesce a elevarsi alla dimensione di tragedia classica, della quale sposa archetipi e picchi stilistici pur mantenendo la partecipe lontananza di uno sguardo in qualche modo a-morale o pre-morale. Nel successivo Vollmond (1998), “la storia di dodici ragazzi che in una notte di luna piena scompaiono nelle diverse regioni del paese, fornisce il topos per una narrazione a tinte drammatiche e ironiche sulla mentalità elvetica”, in cui “la Svizzera diventa una metafora per un plaidoyer <più immaginativo che logico>” e “le strade, le montagne, il modo di filmare le macchine, i segni dell’architettura umana in una natura magniloquente ne fanno risaltare un tratto insolito e curioso, ancorché inattuale, di isola più o meno felice nell’oceano dell’Europa” (Lucchini).
L’ultimo lungometraggio, Vitus (2006), passato a Berlino, Locarno, San Sebastian e Roma, dove si è aggiudicato il Premio del pubblico nella sezione
“Alice nella città”, è quello che fa più direttamente i
The Cinema of Fredi M. Murer
In the latter he managed to convey in a precise, affectionate, and at times harsh manner the archaic, grave rhythm of daily life, with its rituals and community organization, as well as the way the culture is eroded by a devastating “modernity”, tracing a sort of historical and sociological framework over which the narrative architecture of Höhenfeuer would be laid.
His first feature film, Grauzone (1979), is a complex and highly sophisticated metaphor with Orwellian undertones, and as such it is searingly topical (the main character’s job is to steal conversations, while a mysterious epidemic, whose existence is originally denied by the authorities, threatens the very fabric of society…).
His undoubted masterpiece is Höhenfeuer (Alpine Fire,1985), winner of the Golden Leopard at Locarno and one of the great films of the last century, which tells of the incestuous love between two brothers living an isolated life among the high mountain meadows. The film achieves the tone of Greek tragedy, whose archetypes and stylistic approach it borrows while still distancing itself by maintaining a kind of amoral, or pre-moral, stance.
In the following Vollmond (Full Moon,1998), “the story of twelve children who disappear in different parts of the country on a night of the full moon, provides the topos for a dramatic and ironic tale illustrating the Swiss mind-set”, in which “Switzerland becomes a metaphor for a plaidoyer <that is more imaginative than logical>” and “the roads, the mountains, the way the machines are shot, the signs of human presence visible in the buildings set in an awe-inspiring landscape bring out the unusual and curious feature, rare in a modern context, of an island more or less of happiness in the ocean of Europe” (Lucchini).
His latest feature film, Vitus (2006), screened at Berlin, Locarno, San Sebastian and Rome, where it won the Audience Prize in the “Alice in the City”
conti con le leggi dello spettacolo: raccontando una vicenda che si rivolge a una platea intergenerazionale oltre che internazionale, con una sceneggiatura che prevede più linee di intreccio, compresa una tenera quanto maldestra storia d’amore fra adolescenti; mettendo in scena non uno ma due attoribambini diretti con sicurezza e levità comenciniane; utilizzando per la prima volta un grande attore, Bruno Ganz, che è anche un po’ divo, almeno limitatamente ai frequentatori del cinema più nobile prodotto oggi; facendo leva sulla forza dionisiaca della musica (Schumann, Bach, Mozart, Ravel...).
Ma anche in questo esito insolitamente lieve, tra la fiaba e il racconto morale, non compare nessun cedimento alle logiche e agli allettamenti del mercato. È infatti sempre la stessa, inesausta curiosità degli esordi a spingere il regista svizzero a misurarsi con temi, “generi”, modalità produttive, pubblici tra loro differenti, rimanendo però sempre fedele al giuramento di moralità artistica e onestà intellettuale, oltrechè ad alcune imprescindibili costanti d’autore.
Nella sua lineare complessità, dunque, il cinema di Fredi M.Murer forse non è poi così lontano dalla temperie culturale che promana dalla Passeggiata del già citato, amatissimo Robert Walser, in quanto pervicacemente impegnato ad assumere “la forma del dire di Si a ogni immagine di vita e di morte –dell’aprirsi senza residui alle infinite possibilità dell’incontro.” (Cacciari).
Con l’evidenza della sua opera, il regista si impone dunque come punta di diamante nell’ambito di quella generazione nata negli anni Quaranta che ha visto come protagonisti i vari Dindo e Hermann, Schmid e Yersin. Come e forse più dei suoi compagni di viaggio, egli ha saputo farsi interprete del disagio di una tormentata svizzeritudine
“I miei nonni materni avevano un hotel” racconta.
“Quando chiedevo loro da dove venisse questa o
section, is the one which comes closest to accommodating the laws of show-business: the story it tells is aimed at an intergenerational, as well as international, audience, and the screenplay interweaves several strands of plot, including a tender and gauche love story between adolescents; the film includes not one but two child-actors directed with the sure-footedness and lightness of touch of a Comencini; for the first time a great actor, Bruno Ganz, who is also a bit of a star, at least as far as the audiences of today’s arthouse cinema are concerned, is brought into the production; and the Dionysian power of music is brought into play (Schumann, Bach, Mozart, Ravel…).
But even in this unusually gentle guise, halfway between a fairy-tale and a moral fable, there is no sign of any concession to the demands and temptations of the market. It is the same, limitless curiosity about new challenges which drives the Swiss director to take on different themes, “genres”, production values and audiences, while still remaining faithful to his artistic values and intellectual integrity, as well as certain quintessential features dear to the author. So in its straightforward complexity, Fredi M. Murer’s cinema is perhaps not so far removed from the cultural milieu described in The Walk by the abovementioned, highly esteemed Robert Walser, in its wilful desire to affirm “the way of embracing every image of life and death – of opening up without holding back to the infinite possibilities provided by the encounter.” (Cacciari).
Through his work the director thus puts himself at the cutting edge of the generation born in the forties, whose leading lights are Dindo, Hermann, Schmid and Yersin. Like and perhaps more than his colleagues, he has managed to convey the uneasiness of an anguished Swissness.
“My maternal grandparents ran a hotel”, he says.
quella persona, mi rispondevano sempre: ‘Dall’estero!’. E, visto che trovavo queste persone molto più interessanti degli indigeni, fin da piccolo volevo essere uno straniero. Mi ha sempre dato fastidio, poi, quando la gente mi diceva che ero svizzero; io rispondevo ogni volta allo stesso modo: ‘Non sono svizzero, sono una persona’.” Nonostante questo senso di inappartenenza, o lacerata appartenenza, e qualche velleitario tentativo di fuga, Murer è però rimasto sempre fedele alla madrepatria, intesa sia come entità geografico-culturale che come struttura produttiva. Radicandolo profondamente in un humus contraddittorio, oggetto perenne di repulsione-attrazione, ha saputo elevare il suo cinema a una dimensione universale, ad archetipi che travalicano spazio e tempo.
Ben poco era fino a oggi arrivato in Italia di Murer. Se si esclude infatti Höhenfeuer, distribuito avventurosamente in poche catacombe cineclubistiche, solo Grauzone, WirBergler... e, qualche mese fa, Vitus, sono transitati per mostre o rassegne cinematografiche. Il Trieste Film Festival offre dunque per la prima volta l’occasione di affrontarne l’opera nella quasi totalità. Quasi, perché il regista ha fatto la sua scelta, mettendo da parte quello che non ritiene essenziale nel proprio iter. E anche questo la dice lunga sul rigore, morale prima ancora che estetico, sul suo collocarsi davvero fuori dagli schemi. Il suo talento non si limita però alla regia. Murer è infatti anche un artista grafico di impronta surrealista, autore di ritratti, schizzi e composizioni geometriche, oltre che, naturalmente, degli storyboard dei suoi film. Alcuni esempi di questi lavori verrano esposti al cinema Excelsior, a ulteriore testimonianza di una personalità affascinante quanto poliedrica.
of Fredi M. Murer
“When I asked them where such and such came from, they always replied, ‘From abroad!’. And since I found these people much more interesting than the locals, I wanted to be a foreigner too, right from a very early age. I was always put out whenever people said I was Swiss; I always replied in the same way, saying ‘I’m not Swiss, I’m a person’.” In spite of this feeling of not belonging, or scarred belonging, and the occasional half-hearted attempt to escape, Murer has always stayed faithful to his homeland, both as a geographical and cultural entity and as a production base. Being so firmly embedded in a humus at odds with itself, perennially to-ing and fro-ing between attraction and repulsion, he has managed to give his cinema universal significance, creating archetypes transcending the limits of space and time.
Very little of Murer’s work has reached Italy as yet. Apart from Höhenfeuer , daringly distributed to a handful of film club catacombs, only Grauzone, Wir Bergler… and Vitus, released a few months ago, have made appearances at film festivals or other events. So Trieste Film Festival for the first time provides an opportunity to admire his work almost in its entirety. Almost, because the director has had a hand in the selection, putting aside what he does not consider to be essential in his oeuvre. And this too says a lot about his rigour, moral rather than aesthetic, and his determination not to be pigeonholed in any way.
But his talent is not confined to directing. Murer also draws in a surrealist style, as well as making portraits and geometric compositions, and naturally providing the storyboards for his films. A number of Murer’s works will be on display at the cinema Excelsior, testifying once again to the multifaceted talents of this fascinating figure.
MARCEL
Fredi M. Murer
Svizzera / Switzerland
1962, Super 8, b-n / b-w, 18’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, produzione / Screenplay, Production: Fredi M. Murer. Musica / Music: Edgar Varèse. Un ragazzo – l’undicenne Marcel – gioca con un aliante. Lo lancia in aria, lo rincorre attraverso i campi, lo prende in mano e lo rilancia ancora una volta. Un treno interrompe il divertimento per un attimo. Poi l’aliante riprende il volo. Il ragazzo cade in una fossa di ghiaia. Si perde nel giocare con i sassi, l’acqua, le canne e un vecchio copertone, esamina i vecchi macchinari sparsi qua e là, esplora la fabbrica, ritrova l’aliante e continua i sui giochi.
Fredi M. Murer gira il suo primo film in bianco e nero, su pellicola Super 8, senza sonoro, prendendo lo spunto dai classici del cinema muto.
A boy – eleven-year-old Marcel – plays with a glider. He launches it into the air, runs through the fields in pursuit, picks it up, launches it into the air once more. A train briefly interrupts his game. Then the glider flies away. The boy falls into a gravel pit. He becomes absorbed in playing with stones, water, reeds and an old car tyre, investigates the machines that stand round and about, explores the factory building, finds his glider again and moves on.
Fredi M. Murer shot his first film in black-and-white, on Super 8, with no sound, taking his cue from the silent classics.
SYLVAN
Fredi M. Murer
Svizzera / Switzerland
1965, 16mm, b-n / b-w & col., 12’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, fotografia, montaggio, produzione / Screenplay, Photography, Editing, Produced by: Fredi M. Murer. Interpreti / Cast: Sylvan von Guntern.
Sylvan prende spunto dall’espressionismo tedesco e racconta la storia di un padre morto e dei suoi tre figli. Ogni ruolo è interpretato da Sylvan von Guntern. Poco dopo aver litigato sul letto di morte del padre a causa di un misterioso portamonete, i figli si fronteggiano in uno scontro mortale sul tetto di casa. Il primo figlio muore con il tubo dell’annaffiatore intorno al collo, il secondo spira sotto il sole cocente, mentre il terzo
riesce ad afferrare il portamonete prima di cadere dal tetto e morire davanti alla porta d’entrata della casa. I figli sono morti da pochi minuti, il padre allora si alza dal letto, esce di casa e, con un sorriso sulle labbra, apre il portamonete, che contiene delle biglie di vetro. A questo punto il film passa dal bianco e nero al colore. Vediamo marito e moglie vestiti all’antica. Accovacciato ai loro piedi c’è un ragazzino che gioca con le biglie...
Sylvan takes its cue from German expressionism. It tells the story of a dead father and his three sons, with Sylvan von Guntern playing all four roles. Shortly after quarrelling at their father’s deathbed about his mysterious purse, the sons confront each other in a deadly showdown on the roof of the house. The first son dies in the noose of a water-hose, the second breathes his last under the blazing sun, while the third just manages to get hold of the purse before falling from the roof to lie dead in front of the door to the house. With his three sons only minutes dead, the father rises from his deathbed. He steps outside the house and, smiling with pleasure, opens the purse, which contains glass marbles. At this point, the black-and-white film becomes colour. We see a husband and wife dressed in old-fashioned clothes. Crouched at their feet is a young boy, who is playing with marbles...
CHICORÉE: ELF SCHIZOFRAGMENTARISCHE AUFZEICHNUNGEN ÜBER DAS LEBEN DES COMTE IVAN MERDREFF
Cicoria: dodici appunti schizoframmentarii sulla vita del conte Ivan Merdreff / Chicory
Fredi M. Murer
Svizzera / Switzerland 1966, 16mm, b-n / b-w & col., 27’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, fotografia, montaggio, produzione / Screenplay, Photography, Editing, Produced by: Fredi M. Murer. Musica / Music: Jelly Pastorini. Suono / Sound: Patric Chiha. Interpreti / Cast: Urban Gwerder, sua moglie / his wife Tina, il loro figlio / his son Wanja.
Chicorée è il primo dei tre ritratti d’artista girati da Fredi M. Murer fra il 1966 e il 1969. Il protagonista è il poeta di Zurigo Urban Gwerder. Montato per associazioni, facendo uso di temi religiosi e di un tono decisamente surrealista, Chicorée contiene scene di vita quotidiana della vita di famiglia di Gwerder in bianco e nero, mentre i suoi sogni sono a colori. Gwerder sogna di essere Salvador Dalì, i Beatles e Frank Zappa. Camminando all’indietro durante la marcia pasquale per la pace portando un cartellone con le parole “Vuoi essere urbanizzato fino all’oblio?”, deride le forme convenzionali di protesta sociale. Chicorée raggiunge l’apice in una scena di action painting, al termine della quale Gwerder salta oltre la tela e finisce nel fango. In origine, Chicorée fu proiettato con una colonna sonora per organo e strumenti a percussione; oggi esiste una versione con la musica di Jelly Pastorini.
Chicorée is the first of three artist portraits filmed by Fredi M. Murer between 1966 and 1969. The protagonist is Zurich-based poet Urban Gwerder. Associatively edited, drawing on religious themes and
distinctly surrealist in tone, Chicorée serves up everyday scenes from Gwerder’s family life in black-andwhite, while his flights into the world of his dreams are in full colour. Gwerder dreams he is Salvador Dalí, the Beatles and Frank Zappa. Walking backwards through the Easter peace march bearing a placard with the words “Do you want to be urbanized into oblivion?”, he sneers at conventional forms of social protest. Chicorée reaches its climax in an “action painting” scene, at the end of which Gwerder jumps through the canvas and lands in the mud. Originally, Chicorée was shown to a live soundtrack of organ and percussion; today, there is a version of the soundtrack with the music of Jelly Pastorini.
BERNHARD LUGINBÜHL
Fredi M. Murer
Svizzera / Switzerland 1966, 16mm, b-n / b-w, 25’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, fotografia, montaggio, suono, produzione / Screenplay, Photography, Editing, Sound, Produced by: Fredi M. Murer. Musica / Music: Quartetto Irène Schweizer.
Fredi M. Murer parla dei suoi ritratti di artisti come “duelli” tra se stesso e coloro che ritrae. Le armi dello scultore di Berna, Bernhard Luginbühl, sono il pennarello, il ferro, il fuoco, il martello, una faccia di bronzo con una sigaretta fumante e la famiglia. Murer ha passato dieci giorni assieme ai Luginbühl e il suo film prende il suo impianto dal farsi di una scultura. Ricalcando da vicino, dal punto di vista fotografico, le tecniche del realismo documentario, e con la musica del quartetto della pianista jazz Irène Schweizer come colonna sonora, Bernhard Luginbühl contiene tracce di cinéma vérité. Tuttavia, Murer non amava che la critica lo circoscrivesse in un genere cinematografico, insistendo che il suo non era cinéma vérité ma piuttosto ‘cinéma privé’.
Fredi M. Murer refers to his artist portraits as “duels” between himself and the people he is portraying. Bernebased sculptor Bernhard Luginbühl’s weapons are the felt-tip pen, iron, fire, hammer, a brazen-faced person with a smoking cigarette, and the family. Murer spent ten days living with the Luginbühls, and his film takes its structure from the evolution of a sculpture. Owing much, in photographic terms, to documentary realism, and with the music of jazz pianist Irène Schweizer’s quartet for its soundtrack, Bernhard Luginbühl has shades of cinema vérité. Murer, however, resented being lumped by the press into a cinematic genre, insisting that he didn’t make “cinéma vérité” but “cinéma privé”.
SAD-IS-FICTION
Fredi M. Murer
Svizzera / Switzerland
1969, 16mm, col., 43’
v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Fredi M. Murer. Fotografia / Photography: Fredi M. Murer, Fritz E. Maeder. Montaggio / Editing: Renzo Schraner, Fredi M. Murer. Musica / Music: The Minstrels, The Coincidence. Interpreti / Cast: Alex Sadkowsky. Produzione / Produced by: Fredi M. Murer.
Terzo film di Fredi M. Murer su un artista, Sad-is-Fiction ha come soggetto il pittore e poeta zurighese Alex Sadkowsky. “L’uomo moderno non si butta né a sinistra né a destra; continua solo a camminare”. Così comincia l’introduzione programmatica – e per il resto del film Sadkowsky fa questo. Girovaga per aerei e per Londra, saltella attraverso paesaggi rocciosi. Quando si sente solo, porta con sé un animal metaphysicum, che ha origine nei suoi quadri. Il film ritrae Sadkowsky come un sognatore visionario che –benché padre, artista, amante e soprattutto uomo che ama chiacchierare – resiste all’essere etichettato in qualsiasi modo. In Sad-is-Fiction Murer per la prima volta lavora con la presa del suono in diretta e fa uso di un collega, l’operatore Fritz E. Maeder.
Fredi M. Murer’s third artist film takes as its subject the Zurich-based painter and poet Alex Sadkowsky. “Modern man leans neither to the right nor to the left; he just keeps walking” runs the start of the programmatic introduction – and, for the rest of the film, Sadkowsky does just that. He wanders through aeroplanes and through London, and leaps across rocky landscapes. Whenever he feels lonely, he carries with him an “animal metaphysicum”, which originated in his paintings. Sad-is-Fiction portrays Sadkowsky as a visionary dreamer who – although he is in fact a father, artist, lover and, above all, a man with, to put it mildly, a gift of the gab – resists being pigeonholed in any way. In Sad-is-Fiction, Murer works for the first time with direct sound and, for the first time, employs a colleague in the shape of cameraman Fritz E. Maeder.
WIR BERGLER IN DEN BERGEN SIND EIGENTLICH
NICHT SCHULD, DASS WIR SIND
Non è colpa nostra se siamo montanari / We Mountain People in the Mountains Aren't Actually to Blame for Being Here
Sceneggiatura / Screenplay: Fredi M. Murer, Jean-Piere Hoby, Georg Kohler. Fotografia / Photography: Iwan P. Schumacher. Montaggio / Editing: Fredi M. Murer, Eveline Brombacher. Suono / Sound: Luc Yersin. Produzione / Produced by: Nemo Film AG. Con il supporto di / Supported by: Televisione Svizzera, Dipartimento Federale dell’Interno, Migros, Cantone di Uri / Swiss Broadcasting Corporation, Swiss Federal Department of Home Affairs, Migros, Canton of Uri.
In origine il regista voleva trasportare nel presente cinque leggende delle montagne del Cantone di Uri. Ma, dopo oltre sei mesi di ricerca in loco, Murer fu costretto ad ammettere che il vecchio mondo di miti e leggende era praticamente scomparso dalla cultura quotidiana degli svizzeri. Le conversazioni delle persone del luogo si incentravano sui problemi provocati dall’industrializzazione del Cantone montanaro di Uri, così come l’emigrazione dei giovani verso i centri urbani. Murer si rese anche conto che non gli interessava girare un film sugli abitanti delle montagne, ma che preferiva la possibilità di dare voce a questa gente, che nel mondo moderno corre sempre più il rischio di non essere ascoltata. Così Wir Bergler in den Bergen… è diventato un film etnografico in tre movimenti, come una sinfonia. I tre movimenti riflettono le tre diverse fasi di sviluppo che coesistono all’interno di questo cantone di montagna. In Wir Bergler in den Bergen… Murer si trova per la prima volta fuori dal suo terreno familiare del cinéma copain. Il tema e le caratteristiche formali sono gli stessi: come gli artisti e i non conformisti dei film precedenti, i contadini montanari vivono ai margini della società; per quanto rigurda la forma, Wir Bergler in den Bergen…, con i suoi sinuosi movimenti di macchina, un montaggio studiato e un’intelligente colonna sonora, ha molto in comune con una lunga ballata o una poesia. Premio FIPRESCI al Festival di Locarno.
Originally, Murer wanted to set five legends from the Uri mountains in the present. But after more than six months’ local research, Murer was forced to admit that the old world of myth and legend had all out vanished from modern-day Swiss culture. In conversations with locals, the talk is of present-day problems caused by the industrialization of the mountain canton of Uri, such as the migration of young people to the cities. It also became clear to Murer that he didn’t want to make a film about the mountain dwellers, but that he wanted to give these people – who, in the modern world, are increasingly at risk of being denied a voice – the chance to speak. Thus Wir Bergler in den Bergen… turned into an ethnographic documentary film in three movements, along the lines of a symphony. The three movements reflect the three differing stages of development co-existing within the mountainous canton. With Wir Bergler in den Bergen…, Murer finds himself for the first time outside his familiar territory of “cinéma copain”. The subject matter and formal characteristics are the same: like the artists and nonconformists of his earlier films, the mountain farmers live on the fringes of society; and, in terms of form, Wir Bergler in den Bergen…, with its gentle camerawork, organic editing and clever soundtrack, has much in common with a long ballad or a poem. The film gained the FIPRESCI Award at Locarno International Film Festival.
GRAUZONE
La zona grigia / Zones
Fredi M. Murer
Svizzera / Switzerland
1979, 16mm, b-n / b-w, 99’ v.o. svizzero tedesca - tedesca / Swiss German - German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Fredi M. Murer. Fotografia / Photography: Hans Liechti. Montaggio / Editing: Reiner Trinkler. Musica / Music: Mario Beretta, Beo Oertli. Suono / Sound: Florian Eidenbenz. Scenografia, costumi / Art Director, Wardrobe: Bernhard Sauter. Interpreti / Cast: Giovanni Fruh, Olga Piazza, Peter Siegenthaler, Walo Lüönd, Janet Haufler, Mathias Gnädiger, Michael Massen, Ernst Stiefel. Produzione / Produced by: Bernhard Lang AG.
Primo lungometraggio di finzione di Fredi M. Murer, Grauzone viene definito dal regista “un finto documentario”. L’intera vicenda si svolge nell’arco di un lungo fine settimana. Allontanandosi dal posto di lavoro il venerdì sera, Alfred M., uno specialista nel collocare “cimici” per una grossa ditta, è testimone di un presunto rapimento. Sulla strada del ritorno a casa, l’autoradio diffonde un annuncio anonimo su una misteriosa epidemia che sta infettando il paese. A casa, Alfred non racconta niente del rapimento a Julia, la moglie, così come le ha sempre nascosto la sua vita segreta. L’annuncio del contagio provoca una crisi in tutto il paese. Per evitare il panico di massa, il Consiglio Federale ordina il silenzio stampa, ma alcune radio pirata continuano a trasmettere informazioni e la maggior parte della popolazione passa il sabato sera chiusa in casa in preda all’ansia. Durante i due giorni successivi, Alfred incontra alcuni personaggi che si difendono contro “l’epidemia”. In un momento onirico, visionario, Alfred scopre di essere già stato contagiato molto tempo prima. Con le sue suggestive immagini in bianco e nero e una ben congegnata e stratificata colonna sonora, Grauzone rappresenta fedelmente il clima di depressione conformista che imperversava in Svizzera prima delle rivolte giovanili degli anni Ottanta. Nell’opera di Murer, Grauzone si colloca pressappoco tra 2069 e Vollmond e, per quanto riguarda l’aspetto realistico, anticipa in qualche modo lo scandalo sulle intercettazoni che scoppiò in Svizzera dieci anni dopo.
Grauzone is Fredi M. Murer’s first full-length fiction film, which Murer himself has described as a “fictitious documentary”. All of the action takes place over a long weekend. On Friday evening, upon leaving his place of work. Alfred M., a bugging specialist for a large combine, witnesses a suspected abduction. On his way home, he learns from the radio of an anonymous announcement that a mystery epidemic has been sweeping the country. At home, Alfred omits to tell Julia about the abduction, just as he has hidden his secret life from her. The anonymous announcement plunges the entire country into crisis. To prevent mass hysteria, the Federal Council imposes a reporting ban, but a few pirate stations continue to broadcast information and most people spend an uneasy Saturday evening at home. Over the next two days, Alfred meets a number of characters who are defending themselves against the “epidemic”. Finally, in a dreamlike, visionary moment, Alfred discovers that he was infected by the “epidemic” long ago. With its densely atmospheric black-and-white images and clever multi-layered soundtrack, Grauzone is a fairly accurate reflection of the depressive climate of conformism that shaped Switzerland shortly before the youth uprisings of the 1980s. As a part of Murer’s oeuvre, Grauzone sits somewhere between Swiss Made 2069 and Vollmond, and in terms of its realism it can be seen as anticipating the surveillance files scandal that sent shockwaves reverberating across Switzerland a decade later.
HÖHENFEUER
I falò / Alpine Fire
Fredi M. Murer
Svizzera / Switzerland
1985, 35mm, col., 117’
v.o. svizzero tedesca / Swiss German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Fredi M. Murer. Fotografia / Photography: Pio Corradi. Montaggio / Editing: Helena Gerber. Musica / Music: Mario Beretta. Suono / Sound: Florian Eidenbenz. Scenografia, costumi / Art Director, Wardrobe: Edith Pejer, Greta Roderer. Interpreti / Cast: Rolf Illig, Dorothea Moritz, Johanna Lier, Thomas Nock, Jörg Odermatt, Tilli Breidenbach. Produzione / Produced by: Bernhard Lang AG.
Il primo abbozzo di Höhenfeuer fu concepito nel 1979, sei anni prima della sua realizzazione, come un episodio di un film sul tema della sessualità che non fu mai girato. Il film racconta di un rapporto incestuoso in un maso sperduto nelle montagne svizzere. È qui che il ragazzo, nato sordomuto e che rimarrà senza nome per tutta la durata del film, vive assieme alla sorella più grande, Belli, al padre e alla madre. La famiglia ha pochi rapporti con il mondo esterno, non ha contatti con i vicini e il tragitto per raggiungere il paese per andare a messa o al mercato dura un giorno a piedi. Il ragazzo viene mandato dal padre sulla montagna per ripulire il pendio dai massi caduti. Quando Belli va a trovare il fratello in quel luogo isolato, i due diventano amanti. Nella fattoria continuano a vivere assieme ai genitori mantenendo segreto il loro amore, finché la gravidanza di Belli non rende la situazione evidente e inevitabile l’epilogo tragico.
Pardo d’Oro al Festival di Locarno nel 1985.
The first sketch of Höhenfeuer was conceived – as one episode in a multi-episode film on the subject of sexuality that was never made – in 1979, six years before it was shot. The film is a tale of incest played out on a remote Swiss mountain farm located just below the tree line. This is where the boy, who was born deaf and remains nameless for the duration of the film, lives together with his elder sister, Belli, his father and his mother. The family keeps itself to itself. They have no eye contact with their nearest neighbours and the walk to Mass or to the market in the village in the valley means a whole day’s outing. The boy has been sent high up into the mountains by his father to clear the ground of rocks. When Belli visits her brother in his isolation, the two become lovers. Back on the farm, the siblings live alongside their parents, keeping their love a secret, until Belli’s pregnancy betrays her and a tragedy becomes inevitable. The film won the Golden Leopard at the 1985 Locarno Film Festival.
VOLLMOND
Luna piena / Full Moon
Fredi M. Murer
Svizzera - Germania - Francia / Switzerland - Germany - France 1998, 35mm, col., 156’ v.o. svizzero tedesca / o.v. Swiss German
Sceneggiatura / Screenplay: Fredi M. Murer. Fotografia / Photography: Pio Corradi, Patrick Lindenmaier. Montaggio / Editing: Loredana Cristelli. Musica / Music: Mario Beretta. Suono / Sound: Henri Maikof. Scenografia / Art Director: Tom Meyer. Costumi / Wardrobe: Claudia Flutsch. Effetti speciali / Special Effects: Swiss Effects. Interpreti / Cast: Hanspeter Müller, Lilo Baur, Benedict Freitag, MarieBelle Kühn, Joseph Scheidegger, Verena Zimmermann, Soraya Gomaa, Max Rüdlinger, Sara Capretti. Produzione / Produced by: T&C Film. Coproduzione / Coproduced by: Pandorafilm, Aréna Films.
Quasi tredici anni dopo Höhenfeuer, il 22 maggio 1998, Fredi M. Murer presenta Vollmond, il suo secondo lungometraggio di finzione. Il fatto su cui si basa il film è di pura invenzione, ma ha anticipato un evento analogo verificatosi alcuni anni dopo fra l’orrore della popolazione svizzera. In una notte di luna piena della primavera del 1998, dodici ragazzi di dieci anni spariscono. L’ispettore Wasser, che si è occupato della scomparsa del primo adolescente, Toni Escher, che abitava vicino al lago di Greifen, scopre le vere dimensioni del disastro navigando su Internet. Vollmond non potrebbe essere più lontano dall’atmosfera senza tempo di Höhenfeuer. Di impressionante attualità, il film – che fustiga la società come Grauzone lo fece nel 1979 – getta uno sguardo caleidoscopico sulla società svizzera. In Vollmond, Murer impiega una forma di narrazione frammentata, fatta di tanti elementi a incastro, un miscuglio in stile New Age, una caotica contaminazione di generi in cui i destini degli individui si fondono in una grande tragedia. È stata la figlia di Murer, Sophia, a suggerirgli di girare Vollmond. In seguito al disastro nucleare di Chernobyl, chiese al padre di fare “un film su quanto siano pericolosi i grandi”.
Almost thirteen years pass before, on 22 May 1998, Fredi M. Murer presents Vollmond, his second-longest feature film after Höhenfeuer. The fictitious case on which the film is based did later happen in real life, to the horror of the Swiss population. On a full moon night in the spring of 1998, twelve ten-year-old children go missing in Switzerland. Detective Inspector Wasser, who investigated the disappearance of Toni Escher by Lake Greifen, discovers the true magnitude of the disaster while surfing the net: Vollmond could not be further removed from the leisurely timelessness that made Murer’s Höhenfeuer. Highly topical and contemporary, Vollmond – which takes society to task in the same way Grauzone did back in 1979 – takes a kaleidoscopic look at the prevailing mood of Swiss society. In Vollmond, Murer employs an unruly, jigsawlike narrative approach, serving up a New Age-style potpourri, a chaotic mix of genres in which individual fates combine into a mass tragedy. Murer was prompted to make Vollmond by his daughter Sophia, who, after the Chernobyl nuclear disaster, asked her father to make a “film about how dangerous grown-ups are”.
VITUS
Fredi M. Murer
Svizzera / Switzerland
2006, 35mm, col., 100’
v.o. svizzero tedesca - inglese / Swiss German - English o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Peter Luisi, Fredi M. Murer, Lukas B. Suter. Fotografia / Photography: Pio Corradi. Montaggio / Editing: Myriam Flury. Musica / Music: Mario Beretta. Suono / Sound: Hugo Poletti. Scenografia / Art Director: Susanne Jauch. Costumi / Wardrobe: Sabine Murer. Interpreti / Cast: Fabrizio Borsani, Teo Gheorghiu, Bruno Ganz, Julika Jenkins, Urs Jucker, Eleni Haupt, Kristina Lykowa, Tamara Scarpellini, Daniel Rohr, Norbert Schwientek, Heidy Forster. Produzione / Produced by: Vitusfilm GmbH. Coproduzione / Coproduced by: SRG SSR Idée Suisse, SchweizerFernsehen, Arte, Teleclub. Distribuzione internazionale / World Sales: Media Luna Entertainment.
Vitus è la storia di un’infanzia, la storia di un bambino dotato in modo quasi eccezionale, per il quale i genitori hanno progettato un grande futuro: vogliono che faccia il pianista. Vent’anni dopo il suo capolavoro universalmente riconosciuto, Höhenfeuer, Fredi M. Murer ancora una volta pone un ragazzo molto particolare al centro di un film: Vitus ha un talento straordinario per la musica e la matematica e potrebbe fare una brillante carriera. Ma si stanca ben presto del noioso ruolo di bambino prodigio e si rifugia in una doppia vita. Vitus è una storia universale, una dichiarazione d’amore per l’infanzia e la musica, raccontata con ironia e grazia. Il tema centrale – un giovane dotato di talento multiforme che sfida le convenzioni sociali e l’interesse per il mondo dei sensi – ne fà un tipico film “alla Murer”. È il film candidato dalla Svizzera agli Oscar nella categoria Miglior film in lingua straniera.
Vitus is the story of a childhood, or more precisely, the story of an almost unimaginably gifted boy called Vitus, whose parents have laid challenging and ambitious plans for him: they want him to become a pianist. Twenty years after his internationally acclaimed masterpiece Höhenfeuer, Fredi M. Murer once again places a very special boy at the centre of a film: Vitus possesses enormous musical and mathematical gifts and career hopes to match. But he soon tires of the tedious role of being a young pianist and child prodigy and makes a dramatic escape into a double life. Vitus is a universal story, a declaration of love to childhood and music, told with humour and poetic grace. With its thematic focus on a multi-talented (young) person who defies social conventions and its cinematographic interest in the world of the senses, it is a “typical Murer film”. Vitus is the Swiss candidate for Academy Awards in the Foreign Language Film category.
scuole di cinema / film schools
Università Nazionale di Teatro e Cinema “I.L. Caragiale” di Bucarest (UNATC)
The National University of Drama and Film “I.L. Caragiale” in Bucharest (UNATC)
17 MINUTE ÎNTÂRZIERE di Catalin Mitulescu | BUCURESTI-WIEN ORA 8.15 di Catalin
Mitulescu | CƒLƒTORIE LA ORAS di Corneliu Porumboiu | INVITATIE LA MASA di Gabriel Sîrbu
| MIHAI SI CRISTINA di Cristian Nemescu | MÎNA LUI PAULISTA di Cristian Mungiu | POVESTE
LA SCARA C di Cristian Nemescu | PREfiUL INOCENfiEI di Geanina Grigoras
Università Nazionale di Teatro e Cinema
“I.L. Caragiale” di Bucarest (UNATC)
The National University of Drama and Film
“I.L. Caragiale” in Bucharest (UNATC)
L’Istituto di Teatro e Cinema nasce nel 1954, dalla fusione fra l’Istituto Cinematografico Romeno – creato nel 1950 e comprendente tre diversi dipartimenti di recitazione, regia e fotografia – e l’Istituto teatrale “I.L. Caragiale”. Essendo l’unica realtà importante nel campo della formazione teatrale e cinematografica presente in Romania, nel 2001 diventa l’Università Nazionale di Teatro e di Cinema “I.L. Caragiale” e negli anni che seguono si fa sempre più notare e conoscere nel panorama internazionale delle scuole di cinema.
Ogni anno l’Università si avvale della collaborazione di professionisti e di esperti competenti in settori sempre più specialistici provenienti da tutto il mondo, grazie alla sinergia esistente fra i due dipartimenti che la compongono: la Facoltà di teatro e la Facoltà di cinema. La Facoltà di cinema offre molti corsi di specializzazione: Regia cinematografica e televisiva, Fotografia per il cinema e per la televisione, Montaggio e Suono in ambito multimediale, Comunicazione audiovisiva (che comprende Critica cinematografica, Sceneggiatura e Filmologia).
La struttura del percorso formativo prevede anche la formazione post-laurea, diversi Master e Dottorati di specializzazione in Teatro, Cinema e Media, sia per studenti rumeni che per studenti stranieri.
Tutti i lavori prodotti dalla scuola – fra cui quelli che vengono presentati nei festival internazionali – vengono girati in 35mm e in bianco e nero e sono le esercitazioni degli studenti del terzo anno del Dipartimento di regia. Solo al quarto anno, gli studenti girano il loro primo film a colori. Il fatto che negli ultimi anni queste produzioni, pur essendo esercitazioni scolastiche, siano state selezionate e premiate in molti fra concorsi e manifestazioni internazionali testimonia l’alto e
In 1950 were created the Romanian Film Institute (with three distinct departments for acting, film directing and cinematography) and the Drama Institute “I.L.Caragiale” and in 1954 they merged under the name of Drama and Film Institute. Being the unique high education establishment in the field of theatre and film in Romania, the institution became in 2001 The National University of Drama and Film “I.L. Caragiale” and has reached, mostly during the last 10 years period, an international recognition. The National University of Drama and Film “I.L. Caragiale” provides every year professionals in more and more complex artistic fields and competent experts all over the world by means of its two departments: The Drama Faculty and the Film Faculty. The Film Faculty contains several specialized departments, and namely: Film and television directing, Film and television cinematography, Multimedia, editing & sound, Audiovisual communication (Film critics, Screen players and Filmology).
The structure of the educational process contains as well postgraduate education, Master degrees and Doctor’s degrees in Theatre, Cinema and Media for Romanian and foreign students. All school films, among which those presented in festivals, are made on 35mm, as exercises made by the Directing Department students during their third year of study - first film on 35mm black&white - and during their fourth year of study – first film on 35mm colour. The fact that their first exercises are being selected and awarded in lots of international competitions and events during the years, proves the constant and high quality of the educational process in the UNATC Film Faculty. In spite of all inconveniences of the difficult transition in Romania, the Film
UNATC “I.L. Caragiale”
Str. Matei Voievod
nr. 75-77 - Sector 2
73224 Bucaresti Romania
tel. & fax +40 2 12525455
e-mail: ri@unatc.ro www.unatc.ro
costante livello qualitativo raggiunto dall’offerta formativa della Facoltà di cinema dell’UNATC. Nonostante tutti gli inconvenienti dovuti al periodo di transizione attraversato dal paese, la Facoltà di cinema ha formato specialisti per l’industria cinematografica, per la televisione e il multimediale, e può vantare un lungo elenco di premi ottenuti nei Festival delle scuole di cinema in tutto il mondo. Per citarne alcuni: il Premio Speciale della Giuria al Video/Short Film Festival di Edimburgo nel 1995, ottenuto da Mail Life di Marius Barna; il Grand Prix al Festival Internazionale di Karlovy Vary nel 1996 per Matrimoniale di Dan Ratiu; il premio per Miglior programma fra le scuole di cinema nel 2000 e nel 2001 al Festival delle Scuole di Cinema di Monaco; nel 2003 a Mosca, al Festival
Internazionale degli Studenti di Cinema che si tiene allo VGIK, il premio per il Miglior programma
Internazionale; al Festival di Cannes nel 2004 il premio della “Cinéfondation” per Cπlπtorie la oras di Corneliu Porumboiu e la Palma d’Oro per il Miglior cortometraggio a Trafic di Cπtπlin Mitulescu.
Dal 1996 inoltre la Facoltà di cinema è coinvolta nell’organizzazione di “CINEMAIUBIT” il Festival Internazionale degli Studenti di Cinema, evento che riscuote molto successo e dove gli studenti dell’Università presentano per la prima volta i loro film prima di portarli nei festival internazionali.
L’Università Nazionale di Teatro e Cinema e il Senato Accademico dell’Università in qualità di rappresentanti dell’unica istituzione accademica statale nel campo delle attività audiovisive e della recitazione del paese, hanno inoltre deciso di organizzare un Centro Pilota nazionale per la formazione ad alto livello di specializzazione sia per il teatro che per il cinema rumeno.
Faculty has trained specialists for the cinema industry, for the TV and media and has been awarded a large number of prizes at film school festivals worldwide, such as, to mention only a few of them: the Jury Special Award at Video/Short Film Festival Edinburgh (1995) for Mail Life by Marius Barna; the Grand Prix (1996) at the International Film Festival Karlovy Vary for Matrimoniale by Dan Ratiu; Most Interesting School Programme (2000 and 2001) at Munich Festival of Film Schools; the prize for the Best international programme at the International Student Film Festival VGIK in Moscow (2003); in 2004 at Cannes International Film Festival, the Silver Award “Cinefondation” for the student film Cπlπtorie la oras by Corneliu Porumboiu and the Golden Palm for Best Short Film for Trafic by Cπtπlin Mitulescu. Since 1996 the Film Faculty has been involved in organizing the annual International Student Film Festival “CINEMAIUBIT”, that proved to be a real success and where the student films produced in the school had the chance to be first viewed here, before the international challenge.
The National University of Drama and Film and the Senate of the University as representatives of the only state academic institution in the fields of performing and audiovisual arts in Romania have organised a powerful National Pilot Centre for the Romanian Theatre and Film higher education.
17 MINUTE ÎNTÂRZIERE
17 minuti dopo / 17 Minutes Late
C„t„lin Mitulescu
Romania
2001, 35mm, col., 10’ v.o. rumena / Romanian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Andreea V„lean, C„t„lin Mitulescu. Fotografia / Photography: Marius Panduru. Montaggio, suono / Editing, Sound: Elena Dasc„lu. Scenografia / Art Director: Geta Danil„. Interpreti / Cast: Andrei Vasluianu, Maria Dinulescu. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: UNATC “I.L. Caragiale”.
È mattina presto. La sua giornata di lavoro inizia con un crimine. Ogni cosa è pianificata ma uno strano incidente d’auto cambia il corso degli eventi. Sta andando al bar della sua ex-fidanzata. Il posto è vuoto e calmo, gli piacerebbe restare lì un po’...
It’s early morning. His day’s work begins with a crime. Everything is planned but a strange road accident changes the order of events. He is going to his ex-girlfriend’s bar. The place is empty and quiet; he would like to stay a little while…
BUCURESTI-WIEN ORA 8.15
Bucarest-Vienna ore 8.15 / Bucharest-Wien 8:15am
C„t„lin Mitulescu
Romania
2000, Betacam SP, b-n / b-w, 13’ v.o. rumena / Romanian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: C„t„lin Mitulescu. Fotografia / Photography: Marius Panduru. Montaggio, suono / Editing, Sound: Bogdan Gheorghe. Musica / Music: Nea Jean. Scenografia / Art Director: Nicu Barbu. Costumi / Wardrobe: Aghata Moldoveanu. Interpreti / Cast: Cosmin Selesi, Andi Vasluianu. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: UNATC “I.L. Caragiale”.
Le cinque del mattino. Niki raccoglie tutte le cose di valore che possiede, mentre moglie e figlio dormono. Niki sta partendo per la Germania, si è procurato un passaporto e lavorerà clandestinamente. Cretu, il suo amico d’infanzia, andrà con lui. Insieme, credono, sarà più facile. Il viaggio, però, risulta essere più difficile del previsto…
5:00 am. Niki gathers everything valuable in his house while his child and his wife are sleeping. He is leaving for Germany. He has bought a passport and will work illegally. He is going with Cretu, his childhood friend. Leaving together will make things easier for them. But the voyage proves to be more difficult than they were expecting...
CƒLƒTORIE LA ORAS
Un viaggio in città / A Trip to the City
Corneliu Porumboiu
Romania 2003, 35mm, col., 19’ v.o. rumena / Romanian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Corneliu Porumboiu. Fotografia / Photography: Bogdan T„lpeanu. Montaggio / Editing: Roxana Szel. Musica / Music: Zdob & Zdub. Suono / Sound: Alexandru Dragomir. Scenografia / Art Director: Nicoleta Naraban. Interpreti / Cast: Constantin Di˛„, Ion S„pdaru. Produzione / Produced by: UNATC “I.L. Caragiale”.
Siamo in un piccolo paese nella campagna rumena. Un giovane professore appassionato di computer e l’autista del sindaco hanno due incarichi importanti: portare finalmente Internet nel villaggio e comperare un gabinetto nuovo per la moglie del sindaco. Così, partono insieme per un viaggio in città, che ben presto si trasforma in un viaggio simbolico dall’arretratezza alla modernità, verso un nuovo modo di vedere il mondo... Silver Award nella sezione ‘Cinéfondation’ al festival di Cannes nel 2004.
A beautiful morning, the need of the internet of a Romanian little village and the toilet that the mayor's wife is crying for, bring together the computer passioned teacher and the mayor's driver for a little trip to the city.
A trip starting from an oldobsolete mode of life and pointing to a new world outlook...
The short won the Silver Award in the Cinéfondation section at Cannes Film Festival in 2004.
INVITATIE LA MASA
Un invito a pranzo / An Invitation to Lunch
Gabriel Sîrbu
Romania
2000, 35mm, col., 13’ v.o. rumena / Romanian o.v.
Sceneggiatura, suono / Screenplay, Sound: Gabriel Sîrbu. Fotografia / Photography: Alexandru Paul. Montaggio / Editing: Melania Oproiu. Musica / Music: Euromusic. Interpreti / Cast: Aura Calarasu, Viorel Cojan, Irimia Ionita. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: UNATC “I.L. Caragiale”.
Una donna prepara la tavola, aspettando un “lui” che non arriva. Per calmarsi esce di casa a sbattere un tappeto, quando le passa accanto un gruppo di adolescenti. Uno di loro fa un apprezzamento osceno e lei lo sfida a metterlo in pratica…
A woman arranges the table, waiting for “him”. “He” doesn't come. She tries to calm down outside, cleaning a carpet. Some teenagers pass by. One of them makes a dirty remark. The woman invites him in to prove his “statement”...
MIHAI SI CRISTINA
Mihai e Cristina / Mihai and Cristina
Cristian Nemescu
Romania
2001, 35mm, b-n / b-w, 15’ v.o. rumena / Romanian o.v.
Mihai, adolescente inesperto, una notte decide di andare a trovare Cristina, una compagna di classe di cui è follemente innamorato. Lungo il tragitto dovrà affrontare una serie di avventure che lo cambieranno per sempre.
Mihai, a sexually unexperienced teenager, decides one night to pay a visit to Cristina, one of his classmates, with whom he is madly in love. On his way, he is going to be confronted with a series of adventures, that will completely change him.
MŒNA LUI PAULISTA
La mano di Paulista / The Hand of Paulista
Cristian Mungiu
Romania
1998, 35mm, col., 15‘
v.o. romena / Rumanian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Cristian Mungiu. Fotografia / Photography: Oleg Mutu. Montaggio, suono / Editing, Sound: Vadim Staver. Interpreti / Cast: Hanno Hofer, Radu Socaciu, Valeriu Andriuta. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: UNATC “I.L. Caragiale”.
È notte fonda: due senzatetto guardano una soap opera su un televisore che sta nella vetrina di un negozio. Un po’ alla volta vengono presi dalla storia che stanno guardando in televisione... Cosa succede se guardiamo troppa televisione? Rischiamo di cominciare a parlare un linguaggio che gli altri non capiscono.
Two homeless people watch a soap opera through a store window late in the night. Sooner or later they will be absorbed by the plot of the soap opera... What happens if we watch TV too much? Well, we might start talking a language that others do not understand.
POVESTE LA SCARA C
Una storia della scala C / “C” Block Story
Cristian Nemescu
Romania 2003, 35mm, col., 14’ v.o. rumena / Romanian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Tudor Voican, Cristian Nemescu. Fotografia / Photography: Liviu Marghidan. Montaggio, suono / Editing, Sound: C„t„lin F. Cristutiu. Interpreti / Cast: Alex Marginean, C„t„lina Mustata, Maria Dinulescu, Lucian Ciurariu. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: UNATC “I.L. Caragiale”.
In un condominio alla periferia di Bucarest, il timido Andrei passa le sue nottate a telefonare a una hot line per imparare come si seduce una ragazza. Il ragazzo infatti è innamorato di Monica, una vicina che prende tutti i giorni l’ascensore con lui, ma con la quale non riesce mai a dichiararsi.
The story is set in an apartment building in the outskirts of Bucharest, where Andrei, a teenager, spends his nights calling an erotic phone line to find out how he could seduce a girl. Actually, Andrei is madly in love with Monica, a neighbour, who meets every day in elevator. Being very shy, he can’t declare his love for her.
PREfiUL INOCENfiEI
Il prezzo dell’innocenza / The Price of Innocence
Geanina Grigoras
Romania
2004, 35mm, col., 17’ v.o. rumena / Romanian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Geanina Grigoras. Fotografia / Photography: Vlad Petri. Montaggio, suono / Editing, Sound: Alex Stanescu. Interpreti / Cast: Ana-Maria Toader, Sile Cojocaru, Mariana Lari. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: UNATC “I.L. Caragiale”.
Una ragazzina viene messa in vendita dai suoi genitori. I due, che hanno perso ogni traccia di umanità, sperano così di sfuggire alla povertà che li opprime. Non tutti i bambini nascono liberi, qualcuno di loro la libertà deve conquistarsela…
A young girl is turned into merchandise by her own dehumanized parents who hope to escape poverty by selling their children. Not every child is born to be free, some have to fight to gain freedom.
zone di cinema cinema zones
testimonianze / testimonies
AKROPOLIS e / and QUANDO IL FUOCO SI SPEGNE di Ivan Gergolet | RIFLESSI DEL SÉ.
VOCI, VOLTI E VISIONI DA MONDI PARALLELI di Antonio Giacomin, Alessandro Rinaldi, Nicola Gaiarin | IL TRAMONTO DI SPARTACO (ANTEPRIMA) di Ennio Guerrato
scelti dalla giuria / selected by the jury
APPUNTI INUTILI di Diego Cenetiempo, Daniele Trani | JAZ SEM KMET di Massimo Mucchiut, Ana Radoslovic, Petra Jagric | LE FAREMO SAPERE… di Corrado Travan
scelti dal pubblico / selected by the audience
MOJI MATERI – A MIA MADRE di Gregor Božič | PUAR BEPPIN di Lucia Salmaso, Daniele
Bocus, Massimo Bocus
evento speciale / special event veit heinichen: la scrittura e le immagini / veit heinichen: writings and films
COMMISSARIO LAURENTI. GIB JEDEM SEINEN EIGENEN TOD di Sigi Rothemund |
COMMISSARIO LAURENTI. DIE TOTEN VOM KARST di Sigi Rothemund
Questa sezione, di anno in anno più apprezzata dal pubblico, si configura come un ampio contenitore destinato a dare spazio e visibilità alle diverse esigenze della produzione locale e ai molteplici fermenti che la caratterizzano sia nella direzione della ricerca documentaristica legata al territorio e alla complessità della sua storia, sia nella direzione della libera sperimentazione narrativa e autoriale.
Il capitolo che abbiamo chiamato “Testimonianze” riunisce, e ne segnala l’importanza, il prezioso lavoro di ricerca di alcuni autori che, pazientemente, vanno raccogliendo e salvando come documento d’archivio di valore storico le voci ancora vive di chi ha vissuto momenti nodali della storia in queste terre di confine: la lotta partigiana, l’esperienza dei lager e la persecuzione degli Sloveni del Carso (in Akropolis e Quando il fuoco si spegne), la prigione politica di Goli Otok ( Il tramonto di SpartacoAnteprima), ma anche le intense riflessioni sul presente di personaggi autorevoli in vari campi dell’attualità che possono essere preziosi maestri per il futuro (Riflessi del Sé).
Certamente legato alla sezione “Zone di cinema” e suo ampliamento, che prende vita autonoma e diventa ricerca a se stante, è il progetto Lo schermo triestino focalizzato sull’analisi approfondita del rapporto, da sempre singolare e fecondo, tra il cinema e la città di Trieste, progetto articolato su un piano di lavoro di cinque anni da attuare in collaborazione con l’Università degli Studi di Trieste, Dipartimento di Scienze della formazione, sotto la guida scientifica del professor Luciano De Giusti. Quest’anno all’interno del festival, ma nella sezione dedicata alle monografie, viene presentata la prima parte di questo lavoro dedicata al regista Franco Giraldi, di cui
This section, appreciated more and more each year by the public, is designed as a large container offering space and visibility for locally produced films and the manifold forms of creativity associated both with documentaries covering the region and the complexity of its history, and the free narrative and artistic experimentation.
The chapter we have called “Testimonies” gathers together and stresses the important work undertaken by some researchers who have patiently collected and saved as a document of historical value the living voices of those who have experienced fundamental moments in the history of these borderlands: the partisan struggle, the concentration camps and persecution of the Slovenes on the Carso ( in Akropolis and Quando il fuoco si spegne), the political prison of Goli Otok (Il tramonto di SpartacoAnteprima), but also the intense reflections concerning the present by authoritative figures in various fields who can offer precious hints for the future (Riflessi del Sé).
Another chapter linked to the “Cinema zones” section and its expansion, although now autonomous and with its own research, is the Cinema People of Trieste project, which focuses on the in-depth analysis of the always singular and fertile relationship between cinema and the city of Trieste. This is a complex project comprising a work programme lasting five years to be implemented in collaboration with the Department of Training sciences at the University of Trieste, under the scientific guidance of professor Luciano De Giusti. The first part of this work, dedicated to the director Franco Giraldi, will be presented within the festival but in the section dedicated to monographs. Last year, “Cinema
“Zone di Cinema” ha presentato l’anno scorso La rosa rossa come annuncio/inaugurazione del progetto Lo schermo triestino. L’omaggio a Giraldi (alle pagine 157-181) è costituito da una rassegna, il più esaustiva possibile, della ricca filmografia giraldiana che attraversa tutta la storia del cinema italiano a partire dagli anni Cinquanta e che sarà l’occasione per richiamare l’attenzione sul problema della salvaguardia del patrimonio filmico non sempre adeguatamente tutelato: il corpus di tutta l’opera di Giraldi infatti è in serio pericolo (negativi originali scomparsi, copie uniche negli archivi spesso mutilate, degradate, sempre in attesa di un auspicato lavoro di recupero e restauro, copie sparse in collezioni private di difficile reperimento e usurate dal tempo). In rassegna pertanto alcuni film potranno essere presentati solamente in formato Betacam o DVD grazie alla collaborazione della RAI (Sede Regionale del Friuli Venezia Giulia e Teche RAI) e della Cineteca Nazionale, che qui ringraziamo ancora una volta.
Accompagna la rassegna un ricco volume curato dal gruppo di ricerca guidato dal prof. De Giusti, contenente saggi e interviste originali, documenti d’epoca, scritti e sceneggiature inedite dell’autore, testimonianze.
“Zone di cinema” si arricchisce quest’anno di un evento veramente “speciale”: un’inedita e divertente incursione nel campo della fiction televisiva per presentare in anteprima italiana due opere realizzate interamente nella nostra città dalla prima rete televisiva tedesca, tratte dai romanzi gialli (bestseller in Germania) di Veit Heinichen, scrittore tedesco ormai triestino (anche a detta dello stesso Claudio Magris) che ambienta e radica i suoi thriller nei “misteri” di Trieste. Trieste “zona di cinema” diventa così occa-
Zones” presented his La rosa rossa (The Red Rose) as announcement/inauguration of the Cinema People of Trieste project. The homage to Giraldi (on pages 157-181) includes the most comprehensive series possible of Giraldi’s work, which spans the whole history of Italian cinema since the 1950s and provides the opportunity to recall the problem of safeguarding the film heritage that is not always adequately protected. The entire corpus of Giraldi’s work is in serious danger (original negatives that have vanished, unique but frequently mutilated or degraded copies in the archives awaiting recovery and restoration, hard-to-find and worn-out copies dotted around private collections). Some of the films presented, therefore, will be shown solely in Betacam or DVD format thanks to the collaboration of the RAI (Sede Regionale del Friuli Venezia Giulia and Teche RAI) and the Cineteca Nazionale, which we wish to thank once again here. A fine publication edited by the research group headed by prof. De Giusti, containing essays and original interviews, documents of the period, texts and unpublished scripts by the director, as well as other memories, accompanies the series.
“Cinema Zones” is further enriched this year by a truly “special” event: a new and entertaining incursion into the field of television fiction to present the Italian premiere of two works produced entirely in our city by Germany’s leading TV channel, adapted from best-selling thrillers (in Germany) by Veit Heinichen, a German writer resident in Trieste (and according to Claudio Magris, fully a ‘Triestine’) who sets his thrillers in “mysterious” Trieste. Trieste “cinema zone” thus becomes an opportunity to pick up the discussion on the relationship between image
sione per riprendere il discorso sul rapporto tra immagine e scrittura, focalizzato l’anno scorso sul reportage, e invitare intorno a Heinichen un gruppo di esperti a dibattere sul tema “Trieste: ritratto di una città in giallo”.
Ai giovani autori indipendenti della regione il Festival offre la possibilità di confrontarsi pubblicamente, un mese prima della manifestazione, in un concorso (Anteprima Zone di Cinema, a cura di Elena Giuffrida e con la collaborazione di Bonawentura / Teatro Miela) sottoposto al giudizio del pubblico e di una giuria tecnica (composta dal regista triestino Davide Del Degan, dalla giornalista Ivana Godnik e da Fabiano Rosso, organizzatore della “Mostre del Cine Furlan” di Udine) che apre alle cinque opere ritenute migliori l’accesso al programma ufficiale di questa sezione.
I titoli “scelti dal pubblico” quest’anno sono due (A mia madre e Puar Beppin) e tre quelli votati dalla giuria ( Appunti inutili , Jaz sem kmet , Le faremo sapere). Ma è già successo, e si è ripetuto anche quest’anno, ed è un buon segnale anche per il futuro, che alcune opere, oltre a quelle selezionate dal pubblico e dalla giuria di “Anteprima Zone di Cinema” siano state inserite anche nel programma di altre sezioni per scelta dei rispettivi curatori. È nostro auspicio che le energie creative del presente sappiano trarre linfa positiva dalla conoscenza del passato e stimoli vivaci dal confronto con i maestri e con gli autori di altri paesi che sanno farsi interpreti delle nostre “zone di cinema”.
and writing, which last year focused on reporting, and invite a group of experts – together with Heinichen – to debate on the theme of “Trieste: a city cloaked in thrillers”.
The Festival offers young independent directors the possibility to compete publicly with their work in a contest a month before the event (Cinema Zones Preview, curated by Elena Giuffrida and with the collaboration of Bonawentura/Teatro Miela). This is judged by the public and a jury (made up of the director Davide Del Degan from Trieste, the journalist Ivana Godnik and Fabiano Rosso, promoter of the “Mostre del Cine Furlan” festival in Udine), which picks the five works considered best; these are then introduced into the official programme of this section.
The films “chosen by the public” this year are two in number (A mia madre and Puar Beppin), with a further three chosen by the jury (Appunti inutili , Jaz sem kmet, Le faremo sapere...). It is also a success, and a happy signal for the future, that some works – and not just those selected by the public and the jury – have been included in the programmes of other sections by choice of their respective curators. It is our hope that the creative energies of the present draw energy and inspiration from the knowledge of the past and stimuli from a comparison with the masters and directors of other countries who succeed in interpreting our “cinema zones”.
AKROPOLIS
Ivan Gergolet
Italia / Italy
2006, DV, col., 48’ v.o. slovena / Slovenian o.v.
Sceneggiatura, montaggio / Screenplay, Editing: Ivan Gergolet. Fotografia / Photography: MatjažČernic. Musica / Music: Havir Gergolet. Interpreti / Cast: Helena Jarc. Produzione, distribuzione internazionale / Produced by, World Sales: Transmedia.
QUANDO IL FUOCO SI SPEGNE
When Fire Burns Out
Ivan Gergolet
Italia / Italy
2006, 35mm, col., 14’ senza dialoghi / no dialogues
Sceneggiatura, montaggio / Screenplay, Editing: Ivan Gergolet. Fotografia / Photography: Emilio Della Chiesa. Musica / Music: Nicola Piovesan. Suono / Sound: Giovanni De Mezzo, Claudio Parrino, Giuliano Michelini. Scenografia / Art Director: Anton Spazzapan. Costumi / Wardrobe: Martina Serban. Interpreti / Cast: Vilma Braini, Nadir Furlan. Produzione, distribuzione italiana / Produced by, Distributed in Italy by: Transmedia.
Il 18 aprile 1944, Helena Jarc ha 22 anni. Quel giorno vede morire il padre sotto i suoi occhi: prelevato dai tedeschi per un caso di omonimia, viene fucilato all’istante con l’accusa di essere un partigiano. Inizia così la sua odissea personale dalle prigioni fasciste ad Auschwitz, e di nuovo a casa, in un viaggio che in realtà non è mai finito. Helena, infatti, non è mai riuscita a separarsi dai suoi ricordi e lasciarsi alle spalle il passato. Ivan Gergolet, a partire dal racconto di Helena, costruisce un documentario, Akropolis, e un cortometraggio, Quando il fuoco si spegne. La protagonista di quest’ultimo è una contadina che vive sola, sempre indaffarata nei suoi lavori quotidiani, che al calar della sera riapre la sua quotidiana e ciclica lotta contro il passato. La donna è interpretata da Vilma Braini, anch’essa reduce da un campo di sterminio. I due lavori vogliono essere non tanto una riflessione sulla Storia, quanto sulle immagini che la raccontano.
“In un’epoca dominata dal colore, le immagini di repertorio dei campi di concentramento sono già state metabolizzate nell’immaginario collettivo e collocano la Storia in un limbo fuori dal tempo. Da qui l’esigenza di cercarne di nuove, riportando un passato che ormai sembra appartenere a un incubo lontano in una dimensione presente, sostituendo alle immagini di repertorio i corpi e i gesti di due reduci, nel tentativo di rinnovare con i mezzi del cinema una memoria storica ormai sclerotizzata.” (I. Gergolet)
On 18 April 1944, Helena Jarc is 22. That day, she sees her father die before her eyes: taken away by the Germans in mistake for someone else bearing the same name, he is immediately shot, accused of being a testimonianze / testimonies
partisan. Thus begins her personal odyssey, from the Fascist jails to Auschwitz, and home again, in a journey that has never ended. For Helena has never succeeded in breaking away from her memories and leaving her past behind her. Using Helena’s story, Ivan Gergolet has put together a documentary, Akropolis, and a short film, Quando il fuoco si spegne. The protagonist of the second work is a peasant woman who lives alone, always busy with her daily tasks, but who in the evening undertakes a repeated, cyclical struggle with the past. The woman is played by Vilma Braini, she too a survivor of the camps. The two films aim to be no so much a reflection on history as on the images used to tell it.
“In an era dominated by colour, the archive images of the concentration camps have already been metabolised into the collective imagination and place history in a sort of timeless limbo. Hence the need to find new ones, bringing back a past that seems now to belong to a distant nightmare into a present dimension, replacing the archive images with the bodies and gestures of two survivors in an attempt to renew a now fossilised historical memory using the medium of cinema.” (I. Gergolet)
RIFLESSI DEL SÉ. VOCI, VOLTI E VISIONI DA MONDI PARALLELI
Reflections of the Self. Voices, Faces and Visions From Parallel Worlds
Antonio Giacomin, Alessandro Rinaldi, Nicola Gaiarin
Italia / Italy
2006, Mini DV, col., 60’ v.o. italiana / Italian o.v.
Fotografia, suono / Photography, Sound: Antonio Giacomin. Montaggio / Editing: Antonio Giacomin, Alessandro Rinaldi, Nicola Gaiarin. Interpreti / Cast: Antonella Riem, Domenico Romeo, Giannola Nonino, Roberto Moroso, Ernesto Illy, Cristina Papparotto, Margherita Granbassi, Don Mario Vatta, Pino Roveredo, Rosella Pisciotta, Maurizio Ivancich, Pier Aldo Rovatti, Furio Honsell, Moni Ovadia, Giorgio Pressburger, Cesare Pancotto. Produzione / Produced by: DOF, Fluido.tv.
Personaggi del mondo dell’arte e dello spettacolo, dello sport e dell’impresa del Friuli Venezia Giulia raccontano le loro esperienze fuori dagli schemi e dai ruoli e spiegano cosa ha significato e significa per loro avere il coraggio di “essere se stessi”. Esperienze molto diverse si sono così incontrate in un dialogo ideale a distanza, uno spazio aperto abitato da tante voci, in cui flussi di racconto lontani nello spazio si sono fusi in un’unica voce che narra il viaggio di scoperta e manifestazione del Sé.
Il documentario rappresenta la prima tappa dell’Emotional Media Project, un innovativo progetto di videoconsulting per persone e organizzazioni che si sviluppa attraverso un processo di contaminazione tra counseling e video e che, sfruttando appieno tutte le possibilità offerte dalle tecnologie digitali, comunica in forma emozionale e attraverso l'idea di "tecnologia calda" i messaggi centrali del percorso di sviluppo della persona.
Figures from the world of art and entertainment, sport and business in Friuli Venezia Giulia speak of their experiences from a point of view outside their usual roles and explain what having the courage to be themselves has meant and means for them. Very different experiences have thus met in an ideal remote dialogue, in an open space filled with many voices, in which distant flows of narrative have fused into a single
voice recounting the voyage of discovery and manifestation of the Self.
The documentary represents the first step in the Emotional Media Project, an innovative video-consulting project concerning individuals and organisations developing around a process of cross-fertilisation between counseling and video and which, exploiting all the possibilities offered by digital technologies to the full, communicates in emotional form and through the idea of “hot technology” all the central messages of the person’s development.
IL TRAMONTO DI SPARTACO (ANTEPRIMA)
The End of Spartacus (Preview)
Ennio Guerrato
Italia / Italy
2006, DV, col., 7’ v.o. italiana / Italian o.v.
Soggetto / Script: Marco Coslovich. Fotografia / Photography: Silvano Kapelj. Montaggio / Editing: Tiziano Simonutti. Interpreti / Cast: (testimoni / witnesses) Giacomo Scotti, Mario Tonzar, Gino Kmet, Silverio Cossetto, Luciano Giuricin, Aldo Juretich. Produzione / Produced by: Prospettive Storiche (Trieste).
“Anteprima – Alcuni frammenti di interviste rilasciate dagli storici Giacomo Scotti e Luciano Giuricin nonché dagli ex-deportati nei lager comunisti di Tito (Mario Tonzar, Gino Kmet, Aldo Juretich e Silverio Cossetto), si alternano alle immagini di Golj Otok (l’Isola Calva), il lager comunista più famigerato della ex-Jugoslavia. Si tratta della storia tragica dei militanti antifascisti schiacciati dalla lotta fratricida tra Tito e Stalin, quando nel 1948 si consumò lo scisma comunista tra URSS e la neonata Repubblica Federale di Jugoslavia. Una natura selvaggia e bellissima, il mare, l’isola e la costa dalmata, costituiscono la cornice della violenza e della disumanità della persecuzione comunista. Una pagina di storia con cui confrontarsi attraverso la viva voce dei suoi testimoni.” (M. Coslovich)
“Preview – Some fragments of interviews given by historians Giacomo Scotti and Luciano Giuricin and by some survivors of Tito’s communist concentration camps (Mario Tonzar, Gino Kmet, Aldo Juretich and Silverio Cossetto) alternate with images of Goli Otok, the former Yugoslavia’s most notorious concentration camp. This is the tragic story of the militant anti-fascists crushed by the fratricidal struggle between Tito and Stalin, with the onset of the communist schism in 1948 between the USSR and the new-born Federal Republic of Yugoslavia.
Wild, beautiful nature – the sea, the island and the Dalmatian coast – constitute the backdrop for the violence and inhumanity of the communist persecution. A page of history to explore through the voices of its witnesses.” (M. Coslovich)
scelti dalla giuria / selected by the jury
APPUNTI INUTILI
Useless Notes
Diego Cenetiempo, Daniele Trani
Italia / Italy
2006, mini DV, col., 16’ v.o. italiano / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Diego Cenetiempo. Basata sull’omonimo diario di / Based on the journal of the same title by Virgilio Giotti. Fotografia / Photography: Daniele Trani. Montaggio / Editing: Massimo Mucchiut. Musica, suono / Music, Sound: Thomas Balin. Costumi / Wardrobe: Marzia De Grassi. Interpreti / Cast: Werner Di Donato, Giuliana Artico, Paolo Fagiolo, Thomas Balin. Produzione / Produced by: Il Ramo d’Oro Editore.
Nel 1942 i due figli maschi di Virgilio Giotti, Franco e Paolo, partono volontari per il fronte russo nel ruolo di interpreti. Nessuno dei due farà ritorno. Il piccolo grande sogno di Giotti di vivere una vita serena fatta di tranquillità e affetti si infrange contro il muro della guerra. Egli si trova quindi costretto a costruirsi un nuovo progetto di vita, un nuovo motivo di esistenza.
“C’è un limen, una linea di confine, un muro che sancisce un Prima e un Dopo. Questa fu (questa è) la guerra. Divoratrice di uomini, ingorda di vite, distruttrice di progetti e sogni, piccoli e grandi. Il Don, fiume cantato dai poeti ucraini, fu il teatro. Molti italiani gli attori. Fra questi, due valenti giovani, di sicuro avvenire, figli di un poeta e di una benestante russa decaduta. Due giovani di talento e di bell’aspetto. Come può un padre perdere due figli così? Come può un genitore accettare la sconfitta di una missione naturale? L’essere umano nasce amaramente predisposto, quasi programmato, alla drammatica eventualità della perdita di un genitore. Risulta invece azzerato, non tarato, impreparato di fronte alla morte di un figlio. Qual è il comportamento da prendere di fronte a un drammatico accadimento di questo genere?”
(D. Cenetiempo, D. Trani)
In 1942, Franco and Paolo, Virgilio Giotti’s two sons, leave as volunteers for the Russian Front where they are to work as interpreters. Neither returns. Giotti’s cherished dream of living a life full of serenity and affection is shattered by the war. He finds himself forced as a result to build a new project for his life, a new reason for existing.
“There is a limen, a borderline, a wall sanctioning a Before and After. This was (is) the war. A devourer of men, greedy for lives, destroyer of projects and dreams, whether small or great. The Don, focus of many Ukrainian poems, was the stage. Many Italians were the actors. Among these were two bold youths with a certain future ahead of them, the sons of a poet and of a well-to-do Russian woman. Two talented and handsome young men. How can a father lose two sons in this way? How can a parent accept the defeat of a natural mission? Man is born with a bitter, almost pre-programmed predisposition for the dramatic possibility of the loss of a parent. However, he is bowled over, unprepared, numb before the death of a son or daughter. How to behave in the face of a dramatic event of this sort?” (D. Cenetiempo, D. Trani)
JAZ SEM KMET
Io sono un contadino / I Am a Farmer
Massimo Mucchiut, Ana Radoslovic, Petra Jagric
Slovenia 2006, Mini DV, col., 11’ v.o. slovena / Slovenian o.v.
Fotografia / Photography: Massimo Mucchiut, Iztok Radej. Montaggio / Editing: Massimo Mucchiut. Suono / Sound: Massimo Mucchiut, Iztok Radej, Sara Mozic. Interpreti / Cast: Gregor Jordan. Produzione / Produced by: Luksuz Produkcija Dzmp. Coproduzione / Co-produced by: Altofragile.
Gregor è un contadino. Si alza all’alba, munge le mucche, le porta al pascolo, raccoglie il fieno e prepara il formaggio. Gregor, però, non è un contadino come gli altri. Studia infatti all’Università di Lubiana, presto sarà proprietario di un ostello che lui stesso costruirà e, tra le altre cose, è uno dei “Mister Contadino della Slovenia” del 2006 con tanto di foto su un calendario che viene distribuito in tutto il paese. Un personaggio fresco, sincero e brillante che fa emergere una nuova visione del contadino in Slovenia rompendo i consueti stereotipi. Uno spaccato della vita quotidiana di una famiglia di contadini che propone un nuovo modello di professione perfettamente inserita nel mondo, per così dire, moderno.
Il documentario è stato realizzato durante il workshop “Media Without Borders 2006” a Krsko, sotto la supervisione del regista Želimir Žilnik.
Gregor is a farmer. He gets up at dawn, milks the cows, leads them to pasture, collects the hay and prepares the cheese. But Gregor is not a farmer like others. He is studying at the University of Ljubljana and will soon be the owner of a hostel he will himself build. Moreover he is one of the “Mister Farmers of Slovenia” for 2006 with a photograph on a calendar distributed throughout the country. He is a fresh, sincere, brilliant figure who brings to the fore a new vision of the farmer in Slovenia, breaking with the usual stereotypes. An overview of a family of farmers presenting a new model for the profession, perfectly a part of the so-called modern world.
The documentary was made during the “Media Without Borders 2006” workshop at Krsko under the supervision of film director Želimir Žilnik.
LE FAREMO SAPERE…
We Will Let You Know...
Corrado Travan
Italia / Italy
2006, mini DV, col., 46’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Corrado Travan. Fotografia, montaggio / Photography, Editing: Maurizio Terpin. Musica / Music: Johann Sebastian Bach Die Kunst der Fuge – Contrapunctus rectus & Contrapunctus inversus 13. Suono / Sound: Federica Zamparo. Scenografia, costumi / Art Director, Wardrobe: L’Argante. Interpreti / Cast: Francesca Campello, Corrado Travan, Paola Aiello, Giulio Cancelli, Chiara Beccari, Giulio Morgan. Produzione / Produced by: L’Argante - Interfase.
Una signorina un po’ suonata, un eccentrico studioso di farfalle, una suora piena di risorse, un attore molto espressivo. Un regista disilluso e la sua simpatica assistente devono incontrare quattro candidati per il casting del loro film. Una giornata davvero dura. Perché quando si fa un cast le sorprese non finiscono mai…
“È una piccola commedia, un omaggio divertito, ironico (e forse un po’ satirico) al mondo degli attori e alle loro stranezze, con una sorpresa finale.” (C. Travan)
A rather absent-minded young lady, an eccentric butterfly enthusiast, a resourceful nun, a highly expressive actor. A disillusioned director and his appealing assistant have to meet four candidates for the casting of their film. A really hard day. Because when a cast is put together, there are no end of surprises...
“This is a little comedy, a fun, ironic (and perhaps a little satyrical) homage to the world of actors and idiosyncrasies, with a surprise at the end.” (C. Travan)
scelti dal pubblico / selected by the audience
MOJI MATERI – A MIA MADRE
To My Mother
Gregor Božič
Slovenia
2005, S16mm, b-n / b-w & col., 13’ v.o. italiana - slovena / Italian - Slovenian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Gregor Božič. Fotografia / Photography: Aniello Grieco. Montaggio / Editing: Miloš Kalusek. Musica / Music: Gregor Stermecki. Suono / Sound: Jože Trtnik. Scenografia / Art Director: Andraž Trkman. Costumi / Wardrobe: Maja Možič. Interpreti / Cast: Fulvio Falzarano, Miranda Caharija, Alessandro Mizzi, Delfi Brero, Jana Radovič, Daniel Malalan. Produzione / Produced by: AGRFT. Coproduzione / Coproduced by: Filmski Sklad RS, Kulturni in umetniški program TV Slovenija, Kinoatelje.
Una madre, sul letto di morte, racconta qualcosa al figlio. Lui, però, non capisce quello che la donna dice: a causa delle pressioni politiche del periodo fascista, infatti, i suoi genitori non gli hanno mai insegnato lo sloveno. Da parte sua la donna, ormai sfiancata dalla malattia, non ricorda più l’italiano… Ispirato a una storia vera.
On her deathbed, a mother says something to her son, but he does not understand what she is saying: because of the political pressures during the Fascist years, his parents had never taught him Slovene. For her part, the woman, worn out by her sickness, cannot remember her Italian any more… Inspired by a true story.
PUAR BEPPIN
Povero Beppin / Poor Beppin
Lucia Salmaso, Daniele Bocus, Massimo Bocus
Italia / Italy
2005, DV, col., 3’ v.o. friulana / Friulian o.v.
Sceneggiatura, musica, suono / Screenplay, Music, Sound: Arbe Garbe. Fotografia / Photography: Massimo Bocus. Montaggio, Effetti speciali / Editing, Special Effects: Daniele Bocus. Scenografia, pupazzi / Art Director, Puppets: Lucia Salmaso. Produzione, distribuzione italiana / Produced by, Distributed in Italy by: Genia di Daniele Bocus.
Beppin, un bimbo spensierato, è educato dall’arcigno nonno Von Beppon a emularne le nefandezze e il sospetto nei confronti del prossimo. Crescendo, impara a sue spese che la vita è cattiva, mentre l’odio nei confronti del prossimo e l’avidità di possedere la terra sono le sue uniche armi di riscatto. Verrà accontentato con addirittura 3 metri di terra tutti per sé… Videoclip d’animazione dell’omonima canzone degli Arbe Garbe, contenuta nell’album Iubilaeum (2004).
Beppin, a carefree child, is taught by his frowning grandfather, Von Beppon, to imitate his iniquity and suspicion with regard to everyone else. Growing up, he learns to his cost that life can be bad and that hating his neighbour and a greed for owning land are his sole arms. He will be granted his dream with no less than three metres of land all for his own… An animated video-clip with the song of the same name by Arbe Garbe, from the Iubilaeum album (2004).
Veit Heinichen: la scrittura e le immagini
Veit Heinichen: writings and films
Elisabetta d’Erme
evento speciale / special event
Cinema e letteratura sono due tematiche che Alpe Adria Cinema ha sempre seguito con particolare attenzione. In quest’ottica la 18ma edizione del Trieste Film Festival dedica una sezione del programma allo scrittore Veit Heinichen e a due film tratti dai suoi best seller ambientati a Trieste, che hanno come protagonista l’ormai popolare commissario di polizia Proteo Laurenti: Gib jedem seinen eigenen Tod (A ciascuno la sua morte) e Die Toten vom Karst (I morti del Carso). La sezione prevede inoltre la presentazione dell’edizione italiana del suo ultimo romanzo, Le lunghe ombre della morte (ediz. e/o, traduz. di Valentina Tortelli), e la tavola rotonda: “Trieste: ritratto di una città in giallo” dove verranno analizzati i rapporti tra la città, la letteratura, il cinema e la televisione attraverso le opere di Heinichen e le loro trasposizioni cinematografiche. La tavola rotonda di cui sarà moderatrice Tatiana Rojc dell’Università di Trieste, prevede naturalmente la partecipazione dello scrittore, nonché di Luisa Altichieri, del regista Franco Giraldi, dello psicanalista Paolo Fonda e del direttore del quotidiano «Il Piccolo», Sergio Baraldi.
I due film in programma sono stati prodotti da Katharina M.Trebitsch per la prima rete televisiva tedesca, la ARD, che li ha mandati in onda nell’estate e nell’autunno del 2006. Le proiezioni nell’ambito del Festival sono un’assoluta anteprima al di fuori dei paesi di lingua tedesca. I film sono tratti dai primi due romanzi della serie di Proteo Laurenti e i successivi, Tod auf der Warteliste (Morte in lista d’attesa) e Der Tod wirft lange Schatten (Le lunghe ombre della morte) verranno tradotti per lo schermo nel corso del 2007. Le riprese sono previste per la primavera/estate e la numerosa troupe della Trebitsch
Film and literature are two fields which Alpe Adria Cinema has always focused on with particular attention. With this in mind, the 18th Trieste Film Festival is devoting a section of its schedule to the writer Veit Heinichen and to the two films based on his two bestsellers set in Trieste, both featuring the now well-known Inspector Proteo Laurenti: Gib jedem seinen eigenen Tod (To Each his Death) and Die Toten vom Karst (Death in the Carso). This section will also see the presentation of the Italian edition of his latest novel, Der Tod wirft lange Schatten (in English The Long Shadows of Death, transl. note), as well as including the round table: “Trieste: ritratto di una città in giallo” (Trieste: a city cloaked in thrillers), which will look at the relationship between the city, literature, the cinema and television through Heinichen’s works and their adaptations for the cinema. The round table will be presided over by Tatiana Rojc of Trieste University and will naturally be attended by the author, as well as Luisa Altichieri, the director Franco Giraldi, the psychoanalyst Paolo Fonda and the editor of the newspaper «Il Piccolo», Sergio Baraldi.
The two films scheduled were produced by Katharina M. Trebitsch for the leading German television station, ARD, which broadcast them in the summer and autumn of 2006. This screening at the Festival marks the first time the films have been seen outside German-speaking countries. The films are taken from the first two of the Proteo Laurenti series of novels and the latest works, Tod auf der Warteliste (in English Death on the Waiting List, transl. note) and Der Tod wirft lange Schatten, will be adapted for the screen during 2007. Shooting is to take place in spring/summer and the hordes of
Entertainment invaderà nuovamente le strade e le rive di Trieste. Sigi Rothemund ha firmato la regia e la sceneggiatura dei due film in programma al Trieste Film Festival che vedono anche la partecipazione di un importante cast di primari attori tedeschi, come Henry Huebchen (il pluri-premiato protagonista del film Alles auf Zucker! / Zucker! Come diventare ebreo in sette giorni,2005), che interpreta il commissario Laurenti, e Barbara Rudnik, nei panni di sua moglie Laura, Florian Panzner nel ruolo del poliziotto Sgubin, Catherine Flemming in quello dell’assistente Marietta, August Schmoelzer nei panni di Orlando, Capitano della Guardia Costiera, e Aleksandar Jovanović nel ruolo di Viktor Drakić, l’irriducibile nemico numero uno del commissario Laurenti. Il cast di Die Toten vom Karst conta anche la presenza di Goetz George nel ruolo del vecchio Gubian, Anne Bennent (Nicoletta), Carolina Vera (Živa Ravno), e di Hannelore Hoger nel ruolo della signora Marasi.
La scrittura di Veit Heinichen e le immagini dei telefilm a essa ispirate, ha portato Trieste nelle case e nella mente di milioni di persone, non solo tedesche, svizzere o austriache. Qualcuno lo ha paragonato a un ambasciatore culturale della città, altri vedono in lui qualcosa di simile a un “Grenzgaenger”, un contrabbandiere di storie e culture che attraversa i confini dell’indicibile per portare alla luce i segreti più scomodi di questi luoghi di frontiera.
Nato nel 1957 in una cittadina agli estremi confini sud occidentali della Rft, non lontano dalle fonti del Danubio, Veit Heinichen ama definirsi “un figlio delle frontiere” e la sua vocazione al superamento dei confini ha certamente influenzato anche la sua biografia.
the Trebitsch Entertainment film crews will once again invade the streets and seafront of Trieste. The two films included in the Trieste Film Festival were directed by Sigi Rothemund, who also wrote the screenplays, and they feature some of the foremost German actors, such as Henry Huebchen (the multi award-winning lead in Alles auf Zucker! / Go for Zucker!, 2005 ), who plays Inspector Laurenti, Barbara Rudnik, as his wife Laura, Florian Panzner in the role of the police officer Sgubin, Catherine Flemming as Laurenti’s assistant Marietta, August Schmoelzer in the part of Orlando, head of the Coast Guard and Aleksandar Jovanović in the role of Viktor Drakić, Inspector Laurenti’s sworn enemy. The cast of Die Toten vom Karst also includes Goetz George in the role of the aged Gubian, Anne Bennent (Nicoletta), Carolina Vera (Živa Ravno) and Hannelore Hoger, in the part of Signora Marasi. The writings of Veit Heinichen and the television movies based on them have brought Trieste directly into the homes of millions of people, not restricted only to Germans, Swiss or Austrians. Some have compared the author to a cultural ambassador for the city, others see him as something of a “Grenzgaenger”, a smuggler of tales and cultures across the borders of the unmentionable, bringing to light the most discomfiting secrets of these frontier zones.
Born in 1957 in a small town in the southwest corner of West Germany, not far from the source of the Danube, Veit Heinichen likes to call himself “a child of the border” and his urge to overcome frontiers has certainly been an important influence in his life. After completing his studies in economics, he worked for Daimler Benz as an executive, before deci-
Terminati gli studi di Economia, ha lavorato nella direzione della Daimler Benz, per diventare poi libraio e intraprendere successivamente la carriera di editore prima a Zurigo e a Francoforte, e poi a Berlino, dove nel 1994 ha fondato la Berlin Verlag che ha diretto fino al 1999. Alla scrittura si dedica fin dagli anni ’70. Il rapporto con Trieste è iniziato in un freddo gennaio del 1980. Nel corso degli anni l’attrazione esercitata dalla città è stata così forte da spingerlo a tornare più volte, fino a quando ne ha fatto il suo luogo di residenza. Oggi vive sulla costiera, in una vecchia casa nascosta dal verde, a metà strada tra i castelli di Miramare e di Duino. La costiera e quella casa arrampicata sui pastini, costruita nel 1914 da un comandante della marina austriaca, fanno da coulisse ai suoi romanzi più importanti e qui sono infatti nati: Gib jedem seinen eigenen Tod (2001), Die Toten vom Karst (2002), Tod auf der Warteliste (2003), e Der Tod wirft lange Schatten (2005) che gli ha valso il Radio Bremen Krimi Preis 2005, il più ambito premio letterario dei giallisti tedeschi. Nonché il contributo alla “Storia d’Italia” di Einaudi: Trieste fuori Trieste, il libro Triest - Stadt der Winde (2005) scritto a quattro mani con Ami Scabar; e la produzione giornalistica per la «Badische Zeitung», per «Die Zeit», la «FAZ», la «Tagesspiegel», e la «Sueddeutsche Zeitung». Il ciclo completo dei quattro romanzi che hanno come protagonista Proteo Laurenti (un quinto è in lavorazione) è stato pubblicato in Italia (Edizioni e/o) ed è in corso di traduzione in Olanda, Francia, Spagna, Slovenia e Norvegia.
È difficile collocare i romanzi di Veit Heinichen all’interno del genere poliziesco o del noir. Lo scrittore, già dai tempi de Schweinereien passieren montags (I casini succedono sempre di lunedì, Ed. La
ding to run a bookshop, later turning to publishing in Zurich and Frankfurt, then in Berlin, where he founded Berlin Verlag in 1994, which he ran until 1999. He has been writing since the 1970s.
His first contact with Trieste dates from the cold January of 1980. Over the years, the magnetic pull of the city has been so strong that he has returned again and again, until he caved in at last and has become resident here. He now lives on the coast road, in an old house nestling in greenery halfway between the castles of Miramare and Duino. The coast road and that house perched among the vines, built in 1914 by a captain in the Austrian navy, act as the background to his most important novels and indeed this is just where they were conceived: Gib jedem seinen eigenen Tod (2001), Die Toten vom Karst (2002), Tod auf der Warteliste (2003) and Der Tod wirft lange Schatten (2005), which won him the 2005 Radio Bremen Krimi Prize, the most prestigious German thriller prize. Here he also penned his contribution to “Storia d’Italia”, published by Einaudi: Trieste fuori Trieste , the book Triest – Stadt der Winde (2005), written in collaboration with Ami Scabar, as well as newspaper articles for «Badische Zeitung», «Die Zeit», «FAZ», «Tegesspiel» and «Sueddeutsche Zeitung». The complete cycle of four novels featuring Proteo Laurenti (a fifth is on the way) has been published in Italy and is being translated into Dutch, French, Spanish, Slovenian and Norwegian.
It is hard to slot Veit Heinichen’s novels straightforwardly within the detective story or thriller genres. Even in the earlier Schweinereien passieren montags (1995), the author was already employing the thriller as an “excuse” to study the darker corners of
Tartaruga, 1995) ha sempre usato il giallo come “pretesto” per studiare la società e i suoi lati oscuri. E come aveva fatto nei gialli di Viola Schatten ambientati a Francoforte sul Meno, così ora indaga l’anima della città “con il mare in grembo e il Carso alle spalle”. I suoi libri sono stati definiti da Walter Gruenzweig “kulturwissenschaftliche Krimis”, gialli, insomma, capaci non solo di scandagliare le pieghe del sociale, ma anche di entrare nei meandri più disparati della Storia, della cultura, della politica di un luogo, in questo caso una città di confine, borderline, dove l’argomento più interessante, più discusso, resta sempre se stessa: Trieste.
Lo sguardo naive di chi viene da un’altra città, permette al protagonista dei romanzi di Heinichen di smascherare le ipocrisie di una metropoli di provincia, spesso addormentata sui fasti del suo passato. Non bisogna infatti mai dimenticare che il commissario di polizia Proteo Laurenti non è un triestino, ma viene da Salerno, è un uomo del sud, nato e cresciuto su un altro mare. E nei confronti di quanto è altro, diverso o straniero, l’autore indica due possibili atteggiamenti: da un lato la sete di conoscenza del curioso, dall’altra il rifiuto dei farisei. Proteo Laurenti sceglie definitivamente il primo atteggiamento, ma deve però muoversi in una realtà dove la presenza di ambienti reazionari è molto radicata. “Laurenti e io non abbiamo molto in comune” – dichiara lo scrittore – “ma veniamo entrambi da fuori e, non essendo cresciuti con i tabù di questo luogo, possiamo permetterci la libertà di fare domande che gli autoctoni non si sognerebbero mai di porre.”
Apparentemente, Proteo è un uomo “senza qualità”. È pigro, distratto, e piuttosto irascibile. Ama la
society. Just as in the Viola Schatten thrillers set in Frankfurt am Main, he now picks at the soul of the city “bathed by the sea and hemmed in by the Carso”. As defined by Walter Gruenzweig, his books are “kulturwissenschaftliche Krimis”, in other words, thrillers that manage not only to investigate the nooks and crannies of society, but also to explore the tortuous meanderings of the history, culture and politics of a place, in this case a border town, where the most interesting subject, constantly the topic of conversation, is always itself: Trieste. The innocent eye of one who comes from another city enables the main character in Heinichen’s novels to lay bare the hypocrisies of a provincial city, often shown resting on the laurels of a glorious past. It should not be forgotten that Inspector Proteo Laurenti is not from Trieste, but from Salerno; he’s a southerner, born and raised on another sea. And the author suggests there are two possible attitudes to what is other, different or foreign: on the one hand, a thirst for knowledge of the puzzling, on the other the Pharisee’s rejection. Proteo Laurenti comes down squarely in favour of the former, but he has to come to terms with a milieu where reactionary attitudes are firmly entrenched. “Laurenti and I don’t have much in common”, says the writer, “but we’re both outsiders and since we didn’t grow up with the taboos of this place, we can afford to ask questions that the locals would never dream of asking.”
To all appearances, Proteo is “a man without qualities”. He is lazy, absent-minded and rather shorttempered. He loves literature, art and eating and drinking well. He too is a kind of “border-crosser”, an police inspector who is one of a kind. His opinions on old and new versions of Fascism go
Veit Heinichen
e l’attore / with the actor
Henry Hübchen
lettura, l’arte e mangiare e bere bene. Anche lui è una sorta di “transfrontaliero”, un commissario sui generis. Le sue opinioni verso vecchi e nuovi fascismi contraddicono lo stereotipo del funzionario di polizia conservatore se non addirittura reazionario. Ne I morti del Carso, ad esempio, si trova a dover risolvere una serie di omicidi che hanno luogo in una città dove antichi odi e rancori di matrice politica sembrano non essersi mai sopiti. Nelle intenzioni dello scrittore: “il commissario Laurenti è certamente una persona che si permette la libertà di pensare” e non stupisce quindi che per due anni consecutivi i poliziotti aderenti al SIULP (il sindacato di polizia di orientamento progressista), abbiano voluto riconoscere anche a Veit Heinichen il Premio Franco Fedeli.
Alla fine, ciò che interessa all’autore non è tanto il delitto (che può avere sempre un milione e più di moventi), quanto piuttosto tutto ciò che accade “attorno” al delitto. E se, come appare inevitabilmente anche dalle due trasposizioni cinematografiche di Sigi Rothemund, Trieste è la vera protagonista di questi romanzi, allora dobbiamo davvero ammettere che la coscienza inquieta della città si nasconde nella voce impersonale e saccente della terza persona narrante. Una coscienza che – all’occorrenza – sa anche ridere di se stessa. Tutti questi romanzi sono percorsi da un sottile humor nero, in alcuni momenti quasi dadaista o surreale, che potrebbe essere qui riassunto nell’invenzione del movimento animalista della MUCCA PAZZA, o del cane poliziotto in pensione Almirante, nero, brutto e bastardo, o ancora agli infiniti rimandi ad apparizioni sul Carso di strani animali, come puma, sciacalli o boa constrictor. Uno degli strumenti narrativi preferiti
against the stereotype of the conservative, if not downright reactionary, policeman. In Die Toten vom Karst, for instance, he has to solve a series of murders in a city where festering hatreds and grudges based on politics have never died away. According to the author, “Inspector Laurenti is certainly someone who feels free to think for himself”, so it comes as no surprise that for two years in a row the members of SIULP (the Italian progressive police trade union) awarded Veit Heinichen the Franco Fedeli Prize.
At the end of the day, what interests the author is not so much the criminal act itself (for which there are always millions of motives), but rather everything that happens around that act. And if, as seems inevitable from Sigi Rothemund’s two film adaptations, Trieste is the real subject of these novels, then we have to admit that the city’s troubled conscience lurks in the impersonal and all-knowing voice of the third-person narrator. It is a conscience that, where necessary, knows how to laugh at itself. All these novels are suffused by a subtle, dark humour, which at times has a Dadaist or surreal tone, best illustrated in the invention of the MAD COW animal rights movement, or the black, ugly and mongrel retired police dog Almirante, or the constant references to the appearance of strange animals in the Carso, such as pumas, hyenas or boa constrictors. One of the writer’s favourite narrative ruses is to invent situations bordering on the absurd, which enable him to view certain local habits from a completely new and original angle.
Claudio Magris has written that “Veit Heinichen is fully qualified to be considered a local writer, more so than someone born and brought up in the city
dallo scrittore è infatti la creazione di situazioni al limite dell’assurdo, che gli permettono di smascherare certi vezzi locali da una prospettiva completamente nuova e originale.
Claudio Magris ha scritto che “Veit Heinichen ha tutti i requisiti per essere considerato uno scrittore triestino, forse più di chi è nato e cresciuto nella città e ne condivide quindi meno l’anima plurima e randagia”.
“Trieste è una città alla quale è impossibile attribuire una singola identità, – ricorda il giallista – perché è il prodotto di una serie di complementarietà e di opposizioni. Ovvero: ciò che non è più, e ciò che potrebbe – nuovamente – essere, se solo lo volesse.” Questa visione dello “stato delle cose” lo ha spinto a prendere anche chiare posizioni politiche e a dare il suo personale contributo alla creazione di progetti per il futuro della città. Nei suoi romanzi non troviamo infatti traccia della solita rappresentazione della Trieste asburgica, del porto imperialregio e dello splendore di tempi che non torneranno più. Heinichen è calato nel nostro presente, un presente marchiato dalla corruzione internazionale, da nuove forme di schiavitù, dal traffico di armi, droga, esseri umani e di organi, dalla collusione tra servizi segreti e criminalità organizzata. In questo quadro il passato non è il nostalgico refrain dei bei tempi andati, ma una pesante eredità. Si spiega quindi l’interesse dell’autore per le vicende delle foibe, uno dei temi trattati nel romanzo I morti del Carso, proposto con intelligenza anche nella riduzione cinematografica di Sigi Rothemund, o l’interesse per gli omicidi insoluti di Diego de Henriquez e di Gaetano Perusini, probabilmente legati alla strategia della tensione degli anni ’70, Gladio, la P2 e altre pagine della storia ancora oscura di quegli
and who thus does not share to the same extent its multifaceted and roving soul”.
“Trieste is a city that cannot be pinned down to a single identity,” claims Heinichen, “because it is the product of a series of factors reinforcing and contradicting one another. In other words, what is no longer and what could – once again – be, if only it so wished.” This view of “the state of things” has led him to take a clear political stance and to provide his own personal backing to projects for the future of the city. There is no trace in his novels of the usual depiction of Trieste as a Hapsburg city, with its port serving an empire, and of the glory of times past, never to return. Heinichen has a firm grip of the present, a present tarnished by international corruption, new forms of slavery, trafficking in drugs, arms, human beings and organs, and collusion between secret services and organized crime. In this context the past is not a nostalgic refrain for the good old days, but a weighty legacy. This explains the author’s interest in the “foibe” (sink holes into which people were thrown, often still alive, at the end of the Second World War – transl. note), one of the subjects touched on in the novel Die Toten vom Karst, which is also intelligently handled in Sigi Rothemund’s filmed adaptation. His interest in the past also extends to the unsolved murders of Diego de Henriquez and Gaetano Perusini, which are probably connected to the terrorism of the seventies, Gladio, the P2 masonic lodge and other aspects of that period which are still little understood and which constitute one of the narrative threads of his latest novel Der Tod wirft lange Schatten, to be presented during the Trieste Film Festival. It took Heinichen over seven years to complete the book and the
anni che sono uno dei tanti elementi narrativi del suo ultimo romanzo Le lunghe ombre della morte che verrà presentato durante le giornate del Trieste Film Festival. La realizzazione del libro è costata oltre sette anni di lavoro e il regista Giampaolo Penco ha documentato il work in progress degli ultimi due in un filmato prodotto dalla Videoest, e trasmesso dalla RAI nell’inverno del 2005.
“Trieste non ha la bellezza immediata di tante città italiane, non è Firenze, Venezia o Roma. È un luogo molto soggettivo” ha dichiarato spesso lo scrittore, aggiungendo che “Per amare Trieste devi riuscire a cogliere il carattere misto della sua identità, il ritmo sincopato della sua storia: italiana, slava, austriaca, greca, ebraica, mitteleuropea e levantina. Ieri come oggi, perché Trieste è il prototipo della città europea.” Heinichen è dunque affascinato dalle metamorfosi subite da questo luogo, non ultime le metamorfosi dei cognomi della sua gente, che ricostruisce attraverso la lettura delle lapidi dei cimiteri della città. Ma è interessato anche dalle presenze “marginali” che popolano Trieste, come quelle dei camionisti turchi, dei marinai in rada sulle grandi navi container, dei sordomuti che si aggirano tra i tavoli dei ristoranti deponendo animaletti di peluche in cambio di elemosina.
La Trieste descritta in questi romanzi non è solo quella della corruzione e del crimine, è fatta anche di sapori e di odori che si manifestano al lettore nella descrizioni di pranzi e spuntini, di cene e grigliate, nei ristoranti, bar e buffet più amati dallo scrittore. Non a caso anche il commissario Proteo Laurenti è un gourmet e spesso alla scelta di un buon ristorante dedica più attenzione che non a un problema di lavoro. Nei romanzi di Veit Heinichen, Trieste è ripro-
director Giampaolo Penco recorded the last two of this work in progress in a film produced by Videoest and broadcast by RAI in the winter of 2005.
“Trieste does not have the beauty of many Italian cities – Florence, Venice or Rome it isn’t. It’s a very atmospheric place,” the writer has often said, adding that “in order to love Trieste you have to appreciate the mixed character of its identity, the syncopated rhythm of its history, in which Italian, Slav, Austrian, Greek and Jewish influences have drawn it to both ‘Mitteleuropa’ and the Levant. Today as yesterday, because Trieste is the prototype of the European city”. Heinichen is thus fascinated by the metamorphoses it has undergone – not least in the changes to peoples’ names, which he rebuilds by reading the names on the gravestones in the city’s cemeteries. But he is also interested in the “marginal” figures peopling Trieste, such as Turkish lorry drivers, sailors from the huge container ships moored offshore, and the deaf-mutes wandering among restaurant tables setting down soft toys to be exchanged for a donation.
The Trieste described in these novels is not only embroiled in corruption and crime, it is also permeated by the tastes and smells of the lunches, snacks, dinners and grills in the author’s favourite restaurants, bars and buffets in the city. It is no surprise that Inspector Proteo Laurenti is something of a gourmet and often takes more care in choosing the right restaurant than in getting down to the job in hand. In Veit Heinichen’s novels, Trieste is described just as it is: “streets, squares and buildings are depicted on a comic and alienating 1:1 scale”, as the journalist Raffaele Oriani has acutely observed. And his view of the city is so subjective that it has
dotta a dimensioni reali: “vie, piazze, palazzi, sono descritti in una comica e straniante scala 1:1” come ha acutamente scritto il giornalista Raffaele Oriani. E la sua visione della città è così soggettiva da aver spinto il regista Guenter Schilhan a dedicargli un documentario di 45 minuti dal titolo Veit Heinichen: Mein Triest, andato in onda nel dicembre del 2005 su 3Sat. Non ha potuto resistere neanche Walter Cusmich, proprietario del “Gran Malabar”, che sull’amico Veit ha girato nell’estate 2006 un divertente cortometraggio satirico.
Oggettiva resta invece la descrizione della natura che circonda Trieste: dal Carso, metafora del turbolento inconscio della città, alla costa e al mare, che dà consolazione allo sguardo e refrigerio nella calura estiva. L’orizzonte aperto sul golfo. Il gioco delle nuvole e del vento. I colori delle albe e dei tramonti.
Di fronte alla presenza schiacciante della città, tutte le altre figure che popolano i romanzi di Veit Heinichen finiscono per passare quasi in secondo piano, compreso lo stesso commissario Laurenti, il formidabile medico legale, Galvano, i due assistenti di Proteo, Marietta e Sgubin, l’ammaliante Živa, e naturalmente tutti i componenti della sua scomoda, debordante, famiglia. Diventano strumentali anche figure misteriose e intriganti come quelle realmente esistite di De Henriquez e di Perusini, che vanno a confondersi con altri morti, altre figure immaginarie di vittime e di carnefici. Quanto di questo mondo è stato tradotto in immagini? Certamente la sua essenza è stata colta in
led to the director Guenter Schilhan to devote a 45minute documentary to him entitled Veit Heinichen: Mein Triest, broadcast by 3Sat in December 2005. Walter Cusmich, the owner of the “Gran Malabar”, has also been unable to resist and made an amusing satirical short film on his friend Veit in the summer of 2006.
But Heinichen’s eye remains objective in his descriptions of the landscape around Trieste, from the Carso, a metaphor for the city’s turbulent unconscious, to its coast and sea, soothing to the eye and a place to cool off in the summer heat. The horizon stretches across the bay. The clouds are swept across by the wind. Dawn and dusk are tinged with myriad colours.
In the face of the overweening presence of the city all the other figures in Veit Heinichen’s novels end up almost being pushed into the background, including Inspector Laurenti, the formidable coroner, Galvano, Proteo’s two assistants, Marietta and Sgubin, the alluring Živa, and naturally all the members of his awkward, exacerbating family. A key part is also played in his stories by mysterious and intriguing figures who really existed, such as De Henriquez and Perusini, which blend in with other corpses and other imaginary victims and murderers.
How much of this world has been transferred onto film? Its essence has certainly been captured in both films being screened at the Festival. The medium of film necessarily entails selection and
entrambe i film proposti dal Festival. Il mezzo cinematografico impone necessariamente una selezione e una sintesi. La sceneggiatura di un testo letterario impone sempre il taglio di figure ed episodi secondari, che vanno sacrificati a beneficio di una maggiore compattezza della narrazione. Nella trasposizione cinematografica il commissario Laurenti ha il viso stanco e distante di Henry Huebchen, un attore di formazione teatrale, nato sessanta anni fa nella Rdt, a Berlino est. Huebchen ha dichiarato che lui, a differenza di Bertold Brecht, non legge gialli, ma di essere stato nondimeno folgorato dalla bellezza della sceneggiatura che gli aveva proposto Katharina Trebitsch. È infatti interessante notare come il regista Sigi Rothemund abbia adottato anche per la sua sceneggiatura la sofisticata struttura narrativa di Heinichen che procede per alternanza di analessi e di prolessi, ovvero in un continuo contrapporsi di tempi narrativi che riguardano il passato o il presente. Il risultato finale è un prodotto cinematografico decisamente fuori degli attuali standard delle fiction televisive nazionali o estere, e ciò grazie non solo ai soggetti e alla scelta di un cast di altissimo livello, ma anche per la peculiare location; forse perché “i luoghi complessi sono sempre anche luoghi letterari”.
compression. Making a screenplay from a literary text always involves eliminating minor characters and episodes, which are sacrificed in the interests of greater narrative impact. In the filmed adaptations Inspector Laurenti has the tired, drawn features of the sixty-year-old Henry Huebchen, an actor with a background in the theatre who was born in Berlin and grew up in the GDR. Huebchen has stated that unlike Bertold Brecht, he does not read thrillers, but he was none the less left speechless by the screenplay shown him by Katharina Trebitsch. As a matter of fact, it is interesting to note how the director Sigi Rothemund has made use in her screenplay of Heinichen’s sophisticated narrative structure, alternating between analexis and prolexis, with the narrative continually switching from the present to the past and viceversa. The final result is a film which is decidedly beyond the usual standards of Italian or foreign television fiction, thanks not only to the plots and the consistently high quality of the cast, but also to the spell of the location itself; perhaps because “complex places are also always literary places”.
LUISA ALTICHIERI
Tavola Rotonda “Trieste: ritratto di una città in giallo”
Round Table “Trieste: a city cloaked in thrillers”
SERGIO BARALDI
Nata in provincia di Verona, vive a Padova, dove ha lavorato come psicologa infantile e poi come insegnante. Ha coltivato sempre un interesse per la letteratura "gialla", nelle sue diverse tipologie.
Born in the province of Verona, she lives in Padova, where she worked first as a child psychologist before turning to teaching. She has had a life-long interest in thrillers in their various forms.
PAOLO FONDA
Nato a Siena nel 1953, giornalista professionista, ha lavorato a «L’Ora» di Palermo e al «Paese Sera», ha diretto l’AGL (Agenzia Giornali Locali) e i giornali del Gruppo Editoriale L’Espresso «La Provincia Pavese», la «Gazzetta di Mantova» e «Il Messaggero Veneto». Dal 21 maggio del 2005 è direttore de «Il Piccolo» di Trieste.
Born in Siena in 1953, he is a professional journalist. He has worked for the Palermo newspaper «L’Ora» and «Paese Sera» and has been the head of AGL (Agenzia Giornali Locali) and editor of «La Provincia Pavese», «La Gazzetta di Mantova» and «Il Messaggero Veneto», newspapers in the Espresso publishing group. He has been editor of the Trieste daily «Il Piccolo» since 21 May 2005.
Nato a Trieste nel 1942, appartiene alla comunità slovena. Medico psichiatra, libero professionista (SPI). È stato primario presso i Servizi psichiatrici di Trieste e dirigente del Servizio di Psicologia e Psicoterapia dell’Età Evolutiva. È direttore dell’Istituto di Training Psicoanalitico per l’Europa dell’Est dell’Associazione Psicoanalitica Internazionale.
Born in Trieste in 1942. He is a member of the Slovene minority and a consultant psychiatrist (SPI). He has been chief physician of Trieste Psychiatric Services and director of Developmental Psychology and Psychotherapy Services. He is at present director of the International Psychoanalytical Association’s Institute of Psychoanalytical Training for Eastern Europe.
Nato a Comeno (ora Komen, Slovenia) nel 1931. Critico cinematografico e poi aiuto regista. Esordisce come regista nel 1966 con Sette pistole per i Mac Gregor. Questa edizione del Trieste Film Festival gli dedica una sezione retrospettiva. Tra i film più recenti: La frontiera (1996) e Voci (2001).
Born in Comeno (now Komen, Slovenia) in 1931. He began his career as a film critic, before working as an assistant director. His first film as director was Sette pistole per i MacGregor (Seven Guns for the MacGregors), made in 1966. The present Trieste Film Festival includes a retrospective section devoted to his works. Among his most recent films are La frontiera (1996) and Voci (2001).
Nato in Germania nel 1957, scrittore. Ha lavorato prima alla Mercedes-Benz, poi come editore a Zurigo, Francoforte e Berlino. Vive a Trieste. I suoi bestseller sono tradotti in numerose lingue, in Italia dalle Edizioni e/o: I morti del Carso (2003), Morte in lista d’attesa (2004), A ciascuno la sua morte (2005) e Le lunghe ombre della morte (2006).
Born in Germany in 1957, he is now a full-time writer. His first job was with Mercedes-Benz, and he later turned to publishing in Zurich, Frankfurt and Berlin. He lives in Trieste. His best-selling novels have been translated into several languages and are published in Italy by e/o: Die Toten vom Karst (2003), Tod auf der Warteliste (2004), Gib jedem seinen eigenen Tod (2005) and Der Tod wirft lange Schatten (2006).
Docente di Lingua e Letteratura Slovena presso gli Atenei di Udine e Trieste e, in passato, professore incaricato all’Università di Roma “La Sapienza”. Critica letteraria, collabora a giornali e riviste italiani e sloveni. È autrice di trasmissioni radiofoniche e televisive per la RAI. Nel 2004 ha pubblicato il saggio Le lettere slovene dalle origini all’età contemporanea (ed. Goriška Mohorjeva).
She teaches Slovenian Language and Literature at the universities of Udine and Trieste and was previously temporary professor at “La Sapienza” University in Rome. She is a literary critic and writes for Italian and Slovenian newspapers and magazines, as well as producing radio and television programmes for RAI. In 2004 she published the study Le lettere slovene dalle origini all’età contemporanea (Slovenian Literature from the Origins to the Present Day).
FRANCO GIRALDI
VEIT HEINICHEN
TATJANA ROJC
COMMISSARIO LAURENTI. GIB JEDEM SEINEN EIGENEN TOD
Commissario Laurenti. A ciascuno la sua morte / Inspector Laurenti. To Each his Death Sigi Rothemund
Germania / Germany
2006, Betacam SP, col., 90’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Sigi Rothemund. Basata sul romanzo omonimo di / Based on the novel of the same title by Veit Heinichen. Fotografia / Photography: Dragan Rogulj. Montaggio / Editing: Darius Simaifar. Musica / Music: Oliver Kranz, Fabian Römer. Suono / Sound: Kai Storck. Scenografia / Art Director: Björn Nowak. Costumi / Wardrobe: Bettina Catharina Proske. Interpreti / Cast: Henry Hübchen, Barbara Rudnik, Florian Panzner, Catherine Flemming, Sergej Moya, Sophia Tomalla, August Schmölzer, Aleksandar Jovanović, David Rott, Claudia Mehnert. Produzione / Produced by: Trebitsch Entertainment. Un lussuoso motoscafo si arena di fronte alla costiera triestina. Il proprietario, Bruno de Kopfersberg, imprenditore austriaco residente a Trieste, è scomparso. Anni prima il commissario di polizia Proteo Laurenti lo aveva accusato della morte della moglie, ma non era riuscito a farlo condannare. Ora Laurenti dovrà scoprire cosa si nasconde dietro alla sua scomparsa e incontrerà nel socio di de Kopfersberg, Viktor Drakić, il suo peggior nemico. Altre morti complicheranno l’estate caldissima di Laurenti e della sua vivace famiglia. Una moglie inquieta, una figlia in lizza per Miss Trieste e un figlio troppo spesso ospite della questura non riusciranno però a distrarlo abbastanza per non scoprire un traffico internazionale di prostituzione e tangenti.
“Non sempre il commissario Laurenti mi è simpatico. Naturalmente a volte capita che frequentiamo gli stessi bar. Ma potete esser certi che quando entra lui, esco io.” (V. Heinichen)
A luxury speedboat runs aground off the coast near Trieste. Its owner, Bruno de Kopfersberg, an Austrian businessman living in Trieste, has disappeared. Years before, Inspector Proteo Laurenti had charged him with his wife’s murder, but had failed to convince the court. Now Laurenti will have to discover what lies behind his disappearance and will come up against a redoubtable enemy in de Kopfersberg’s partner, Viktor Drakić. Other deaths complicate the long, hot summer for Laurenti and his family. But he manages to put aside the distractions of a restless wife, a daughter competing to be Miss Trieste and a son who has had rather too many brushes with the law to lay bare an international prostitution and corruption racket.
“I don’t always like Inspector Laurenti. Of course, we sometimes happen to have a drink in the same bar. But you can be sure that when he comes in, I walk out.” (V. Heinichen)
COMMISSARIO LAURENTI. DIE TOTEN VOM KARST
Commissario Laurenti. I morti del Carso / Inspector Laurenti. Death in the Carso Sigi Rothemund
Germania / Germany
2006, Betacam SP, col., 90’ v.o. tedesca / German o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Sigi Rothemund. Basata sul romanzo omonimo di / Based on the novel of the same title by Veit Heinichen. Fotografia / Photography: Dragan Rogulj. Montaggio / Editing: Darius Simaifar. Musica / Music: Fabian Römer, Oliver Kranz. Suono / Sound: Christoph Köpf. Scenografia / Art Director: Björn Nowak. Costumi / Wardrobe: Bettina Catharina Proske. Interpreti / Cast: Henry Hübchen, Barbara Rudnik, Florian Panzner, Catherine Flemming, Sergej Moya, Götz George, August Schmölzer, Carolina Vera, Arthur Brauss, Anne Bennent, Hermann Beyer, Hannelore Hoger. Produzione / Produced by: Trebitsch Entertainment. Trieste è battuta da una gelida Bora nera che ben si confà all’umore del commissario Proteo Laurenti, impantanato nel bel mezzo di una crisi coniugale. Il panorama è ulteriormente oscurato da una serie di delitti. Una casa sul Carso esplode nella notte con tutti i suoi abitanti. Un pescatore perde la vita in mare e il proprietario del peschereccio viene ritrovato giustiziato in modo misterioso non lontano dalla Foiba di Basovizza. Contrapposti desideri di vendetta governano i sentimenti di Nicoletta Marasi e del vecchio Gubian. Per Proteo, una schiarita sembra arrivare con Živa Ravno, magistrata croata, che fornirà un aiuto importante alla soluzione d’una catena di omicidi provocati da cupidigia, ritorsione e amore non corrisposto. “Laurenti è un normale impiegato. A volte va a lavorare volentieri, altre meno. A volte ha problemi con la moglie, altre con i figli. Il privato non si può cancellare neanche quando stai cercando un assassino. Trovo questa complessità molto autentica e difficile da raccontare, per non parlare della sua ironia, che per me è molto importante.” (H. Hübchen)
Trieste is buffeted by a freezing Bora, which perfectly matches the mood of Inspector Laurenti, whose marriage is on the rocks. His life is further complicated by a series of crimes. A house in the Carso explodes during the night, killing the occupants. A fisherman drowns and the owner of the boat is found mysteriously murdered, apparently in revenge, not far from the Foiba di Basovizza, a deep pothole in the hills above the city. Competing desires for revenge govern the feelings of Nicoletta Marasi and the old Gubian. A chink of light for Proteo seems to be provided by Živa Ravno, a Croatian magistrate, who helps solve a chain of murders committed out of greed, blackmail and unrequited love.
“Laurenti is a normal office worker. Sometimes he is happy to go to work, sometimes less so. Occasionally he has problems with his wife, and other times with his children. You can’t eliminate private life even when you’re looking for a murderer. I find this complexity highly convincing and difficult to convey, not to mention his sense of humour, which to me is very important.” (H. Hübchen)
ma l’amore no... looking for alida valli
IL GRIDO di Michelangelo Antonioni (1957)
Usare gli aggettivi non sta bene, non è elegante dicono.
Eppure. Eppure per Alida Valli, pensandola, ripercorrendo con la memoria la sua carriera e l’immensa quantità di ritratti che l’hanno accompagnata, per primi ti vengono in mente gli aggettivi. Una serie di aggettivi: brava, bellissima sempre, misteriosa spesso, aristocratica e umile insieme, distante, elegante, dignitosa, passionale, riservata, generosa fino alla dissipazione di sé, inquieta, coraggiosa, curiosa, amante del lavoro e del lavorare e quasi indifferente o inconsapevole del successo, solitaria… E si potrebbe continuare a lungo. Cercando parole per lei, così avara di parole in tutta la sua lunga vita (avara in pubblico, con i giornali e i giornalisti, perché invece gli amici, pochi e privatissimi, la raccontano loquace, amante della convivialità e del riso, capace persino di lunghe telefonate nel cuore della notte), finisce che trovi quasi solo degli aggettivi. E senti che gli aggettivi non ti bastano: vorresti qualcosa di più.
È così che, quando era ancora in vita, ho cominciato a pensare a ripercorrere insieme al pubblico e agli addetti ai lavori la sua lunga carriera: invece di un film alla volta, ogni tanto – una volta dall’America, un’altra dall’Inghilterra o dalla Francia, tante volte dall’Italia da dove è partita e dove è ritornata a vivere e a lavorare – tanti film insieme, un festival dedicato a lei e al suo lavoro di attrice, per onorarla come meritava e merita, certo, ma anche per la voglia di osservarla intensamente e a lungo dentro ai suoi personaggi, tutti in fila, uno dietro l’altro, al fine di capire, di entrare di più e meglio in quel qualcosa di misterioso e segreto che, nonostante tutto, è rima-
The use of adjectives is not ‘done’; it’s not elegant, supposedly.
And yet. And yet if we consider Alida Valli, recall her career and immense number of portraits that have accompanied her, it is adjectives that first come to mind. A series of adjectives: skilled, always beautiful, often mysterious, both aristocratic and humble, distant, elegant, dignified, passionate, reserved, generous, restless, fearless, curious, a lover of work and working and almost indifferent to or unaware of success, solitary… And so on and on. Seeking out words for her, who has been so spare in using them throughout her long life (sparing in public that is, with newspapers and journalists, while with her friends – few and very private – she was loquacious, convivial and full of laughter, given even to long phone calls in the dead of night), results merely in ending with a series of adjectives. And one feels that these are not enough: one would like something more.
This is why, while she was still alive, I began to consider how to explore her long career in the company of public and professionals: instead of a film at a time, every so often – once from America, another from England or France, many times from Italy, which she left and returned to in which to live and work – I opted for lots of films at once, a festival dedicated to her and her work as actress. This in order to honour her as she deserved and deserves, of course, but also through a desire to observe her intensely for a prolonged period within her characters, all in a row, so as to understand and enter that secret, mysterious something that has always remained the common factor in her as actress and
Ma l’amore no...
Looking for Alida Valli
Anna Maria Mori
sta la sua cifra di attrice e di donna. E una volta messa in piedi la rassegna, sognavo che fosse anche un alibi per carpire finalmente dalla sua voce quel qualcosa di più che non ha mai detto: speravo di andare da lei con un registratore e farla finalmente parlare, parlare a lungo e liberamente come faceva con gli amici più intimi. Volevo un festival dedicato a lei, con la sua voce registrata che facesse da guida dentro il labirinto. Se n’è andata un attimo prima che questo potesse realizzarsi: il festival già stava prendendo forma grazie alla passione e al lavoro delle amiche fiorentine del Laboratorio Immagine Donna, all’entusiasmo della direttrice del Trieste Film Festival, Annamaria Percavassi, e alla generosa attenzione dedicata al progetto dall’Assessorato alla Cultura della Regione Friuli Venezia Giulia; da parte mia continuavo a mantenere i contatti telefonici con l’attrice, aspettando il momento opportuno per inoltrare la mia richiesta “posso venire da lei, signora, con un registratore?”. Ma lei, con un ultimo colpo di teatro, dopo l’ultima telefonata che ci eravamo fatte due giorni prima, se n’è andata di colpo, c’era la sera, la mattina dopo non c’era più: ha evitato di dirmi di no, ed è riuscita a rimanere fedele alla sua riservatezza. Al suo mistero. Come anticipazione della rassegna (il cui titolo è “Ma l’amore no… Looking for Alida Valli”: saranno film, testimonianze, convegni, mostre fotografiche) che vedremo ad aprile nel primo anniversario della
woman. And once the series was up and running, I dreamed that this would provide the means at last to snatch that something extra from her voice that she had never enunciated; I hoped to go to her with a recorder and at last make her speak, speak at length and freely as she did with her closest friends. I wanted a festival dedicated to her, with her recorded voice acting as guide within the labyrinth. She died just before this all came about: the festival was already coming together, thanks to the passion and work of our Florentine friends at the Laboratorio Immagine Donna, to the enthusiasm of the director of the Trieste Film Festival, Annamaria Percavassi, and to the generous attention dedicated to the project by the Assessorato alla Cultura of the Regione Friuli Venezia Giulia. For my part, I continued to maintain phone contacts with the actress, awaiting the right moment to ask her: “Can I come and visit with a tape recorder?” But with a last dramatic move, she suddenly departed the scene, two days after our last conversation by phone. In the evening, she was with us, and in the morning no more. She managed to avoid saying no to me and thus remained faithful to her private nature. And her mystery.
As a preview for the series (to be entitled “Ma l’amore no… Looking for Alida Valli” and including films, conversations, congresses and photographic exhibitions) to be presented in April for the first anniver-
morte della grande attrice, la Regione Friuli Venezia Giulia, all’interno del Trieste Film Festival, offre la riedizione del film di Michelangelo Antonioni del ’57 Il grido, nel quale Alida Valli gioca il ruolo della protagonista accanto a Steve Cochran (il film viene tre anni dopo Senso di Visconti, e quattro anni prima della grandissima interpretazione dell’attrice ne Une aussi longue absence / L’inverno ti farà tornare di Henri Colpi, Palma d’oro a Cannes).
Bentornata a Trieste, Alida Valli: è partita da poco più in là, era nata a Pola, come molti ormai sanno, è dentro questo mare e sotto questo cielo terso che si è formata la sua bellezza adolescente, il suo portamento regale ha forse qualcosa a che vedere con l’abitudine bambina di sfidare la bora a testa alta, la sua inquietudine non può che essere anche l’inquietudine di queste terre. È giusto e bello che sia
Trieste per prima a ricordarla in maniera completa.
sary of the great actress’s death, the Regione Friuli Venezia Giulia will be offering the new edition of Michelangelo Antonioni’s 1957 film, Il Grido (The Cry) within the setting of the Trieste Film Festival. In this work, Alida Valli played the starring role alongside Steve Cochran (the film was made three years after Senso by Visconti and four years before the actress’s great role in Une aussi longue absence / The Longue Absence by Henri Colpi, Palme d’or at Cannes).
Welcome back to Trieste, Alida Valli. She started from not far away, as she was born in Pula, as many people now know; it was within this sea and beneath this clear sky that her adolescent beauty blossomed, together with her regal deportment, perhaps itself partly a result of her habit as a child to brave the bora with her head held high. Her restlessness can only be the restlessness of this land. It is right and appealing that Trieste should be the first city to commemorate her in such a comprehensive manner.
IL GRIDO
The Cry
Michelangelo Antonioni
Italia / Italy
1957, 35mm, b-n / b-w, 102’ v.o. italiana / Italian o.v.
Sceneggiatura / Screenplay: Michelangelo Antonioni, Elio Bartolini, Ennio de Concini. Fotografia / Photography: Gianni di Venanzo. Montaggio / Editing: Eraldo da Roma. Musica / Music: Giovanni Fusco. Scenografia / Art Director: Franco Fontana. Costumi / Wardrobe: Pia Marchesi. Interpreti / Cast: Steve Cochran, Alida Valli, Dorian Gray, Betsy Blair, Lyn Shaw, Mirna Girardi, Gabriella Pallotta, Pina Boldrini, Gaetano Matteucci, Guerrino Campanili. Produzione / Produced by: SPA cinematografica (Roma). Coproduzione / Co-produced by: Robert Alexander Productions (New York).
In collaborazione con / In collaboration with: Laboratorio Immagine Donna (Firenze), Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale.
In un paese sulle rive del Po, il muratore Aldo (Steve Cochran) e Irma (Alida Valli) vivono assieme, pur non essendo sposati: stanno insieme da una decina d’anni e hanno due bambini. Aldo vorrebbe regolarizzare la loro situazione ma non è possibile: Irma infatti è sposata con un uomo che è emigrato in Australia e non si è fatto più vivo. Il film inizia con l’arrivo di una notizia dall’Australia: il marito di Irma è morto. È una notizia che dà alla donna grande tristezza e nervosismo e Aldo non capisce: le lascia qualche giorno per riflettere e poi la mette alle strette. La donna gli confessa che è innamorata di un altro e che vuole iniziare con lui una nuova vita. Aldo non si dà pace, prova in tutte le maniere a farla desistere dal suo proposito ma alla fine si deve rassegnare. Lascia il lavoro, se ne va di casa e dal paese e intraprende un lungo viaggio attraverso la pianura padana, portando con sé la piccola figlia. Il suo pellegrinaggio si popola d'incontri che diventano altrettante tappe, sempre alla ricerca di una parte di sé che sembra non poter trovare. Si tratta di donne che condividono con lui un senso d'inquietudine e d'emarginazione: Elvia, un’amica riemersa dal suo passato, e la giovane sorella di lei; Virginia, una benzinaia che vive con il vecchio padre in un’opprimente solitudine; Andreina, una prostituta che coltiva ingenuamente la speranza di fuggire lontano dalla sua piccola provincia, per trovare un luogo nel mondo dove cominciare una nuova vita. Con ognuna di loro, Aldo tenta di allacciare un rapporto, ma senza riuscirci. Staccatosi dalla bambina, Aldo continua il suo vagabondaggio fino a che decide di tornare sui propri passi, di tornare al paese. Rivede la sua casa, ritrova il lavoro ma rivede anche Irma, che ormai si è costruita un’altra vita...
Aldo, a bricklayer (Steve Cochran) and Irma (Alida Valli) live together in a small town on the banks on the Po river, although not married; they have been together for about ten years and have two children. Aldo would like to ‘regularise’ their relationship but it is not possible: Irma is married to a man who emigrated to Australia and never got in touch with her. The film starts with some news from Australia: Irma’s husband is dead. This makes Irma both sad and irritable, a fact Aldo cannot understand. He leaves her for a few days to reflect, but then forces her into a corner. The woman confesses that she is in love with someone else and wants
to start a new life with this man. Aldo cannot come to terms with this, and tries in every way possible to make her change her mind. In the end, however, he has to resign himself to the facts. He leaves his job, moves out, leaves the town and goes on a long journey across the north Italian plains, taking his little daughter with him. His pilgrimage is dotted with encounters that become stages in his voyage, a quest to seek a part of himself he seems unable to find. He meets women who share his sense of restlessness and alienation: Elvia, a friend who has re-emerged from his past, and her younger sister; Virginia, a petrol station attendant who lives with her elderly father in oppressive solitude; Andreina, a prostitute who ingenuously cultivates the hope of fleeing her little province to a place in which she can start a new life. With each of these, Aldo tries to create a relationship, but without success. Separated from his daughter, Aldo continues on his wanderings until he decides to retrace his steps and go back to his town. He sees his house once more, regains a job but also sees Irma again, who has since made a new life for herself...
dizionario dei registi dictionary of directors
dizionario dei registi / dictionary of directors
Peter Aerschmann
Videoartista, è nato a Friburgo nel 1969. Dal 1994 al 1999 ha studiato presso la Hochschule f. Gestaltung und Kunst di Berna, città dove tuttora vive e lavora. Ha partecipato, individualmente o all’interno di mostre collettive, a moltissime manifestazioni e presentato le sue video installazioni in importanti gallerie di arte contemporanea e festival internazionali. Aerschmann porta avanti una riflessione sull’arte come mezzo di comunicazione interattivo e lo fa a partire dai paesaggi urbani, dai movimenti e dai gesti ripetitivi della quotidianità che, rielaborati, diventano punto di partenza e setting delle sue video installazioni.
Peter Aerschmann is a video-artist. Born in 1969 in Freiburg, from 1994 to 1999 he studied at Hochschule f. Gestaltung und Kunst in Bern where currently lives and works. He partecipated to many exhibitions (solo or group exhibitions) and presented his video installations in important contemporary art galleries and international festivals. Aerschmann, in his reflections on interactive art, takes the urban landscape and the movements and repetitions of daily life as the starting point and setting of his installations.
Nato ad Ankara, in Turchia, nel 1967, si è trasferito in Germania nel 1970. Prima di iscriversi ai corsi della Libera Università di Berlino, dove ha studiato filosofia, storia dell’arte, teatro e cinema, ha fatto il musicista, la guardia giurata e l’assicuratore. Nel 1996 si è iscritto all’Accademia tedesca del cinema e della televisione (DFFB) di Berlino. Ha realizzato diversi cortometraggi. Der Lebensversicherer, presentato a Berlino, è il suo primo lungometraggio.
Bülent Akinci was born in Ankara in 1967. He moved to Berlin in 1970. He was a musician, security guard and an insurance salesman before taking final school examinations and studying philosophy, art history, drama and film at the Free University in Berlin. He took up studies at the German Film and Television Academy (DFFB) in Berlin in 1996. He realized some short films. Der Lebensversicherer, screened at Berlinale, is his first feature-length film.
filmografia scelta / selected filmography 1996 Was vom Leben übrig Bleibt cm, doc. 1997 Eines langen Augenblickes Reise in die Nacht cm 1998 Kälte cm 1999 Die letzten Bilder cm 2000 Broken cm 2001 Eine kleine Geschichte cm 2006 Der Lebensversicherer
Domenico Alecci
Nato nel 1980 a S. Vito al Tagliamento (PN), dopo la maturità classica ha conseguito il diploma di Grafico Pubblicitario presso l’Istituto Andrea Palladio di Verona. Nel 2005 ha terminato il corso biennale di Perfezionamento in Cinema d’Animazione presso l’Istituto Statale d’Arte di Urbino. Collabora con Luis Rosati alla creazione di cortometraggi, spot e animazioni.
Domenico Alecci was born in 1980 at S. Vito al Tagliamento (PN). After school he gained a diploma in Advertising Graphics at the Istituto
Andrea Palladio in Verona. In 2005, he finished a two-year finishing course in Animation Film-making at the Istituto Statale d’Arte in Urbino. He works with Luis Rosati in the creation of shorts, commercials and animations.
2002 Tauromachia cm, animazione / animation (diretto con / directed with Luis Rosati) 2003 Sottovoce cm, animazione / animation (diretto con / directed with Luis Rosati) 2004 Nome-Hiv cm, video (diretto con / directed with Luis Rosati); L’ombra cm, video (diretto con / directed with Luis Rosati); Giostra cm, video (diretto con / directed with Luis Rosati) 2005 2 metri quadrati cm, video (diretto con / directed with Luis Rosati); Guscio cm, video (diretto con / directed with Luis Rosati) 2006 Salvate una sirena cm, animazione / animation (diretto con / directed with Luis Rosati); Falò cm, animazione / animation (diretto con / directed with Luis Rosati); Le cose lì dentro cm, video (diretto con / directed with Luis Rosati); Il segreto del fiume cm, video (diretto con / directed with Luis Rosati)
Michelangelo Antonioni
Nato a Ferrara nel 1912, dopo aver frequentato il ginnasio e l'Istituto Tecnico, si laurea in Economia e Commercio, a Bologna. Durante il periodo universitario si interessa di teatro e contemporaneamente collabora come critico cinematografico al «Corriere padano», il quotidiano di Ferrara. Nel 1940 decide di trasferirsi a Roma per avvicinarsi al mondo del cinema. Entra nella redazione della rivista «Cinema», si iscrive al Centro Sperimentale di Cinematografia e nel 1942 collabora alla stesura della sceneggiatura di Un pilota ritorna (1942) di Roberto Rossellini. Dopo essere stato aiuto regista di Marcel Carné in Francia per Les Visiteurs du soir (L'amore e il diavolo, 1942), nel 1943 rientra in patria a causa degli eventi bellici e inizia a girare il suo primo cortometraggio, Gente del Po, che riesce a terminare soltanto nel dopoguerra. Continua la sua attività di sceneggiatore (Caccia tragica di Giuseppe De Santis del 1946) a cui fa seguito la regia del suo secondo documentario, N.U. Nettezza Urbana. Dopo altri cortometraggi, nel 1950 riesce finalmente a dirigere il suo primo lungometraggio Cronaca di un amore (restaurato nel 2004) con Lucia Bosé e Massimo Girotti, ritratto dell'alta borghesia milanese che viene accolto con favore dalla critica e dal pubblico. Seguono, tra gli altri, La signora senza camelie (1953), impietoso ritratto del mondo del cinema, e Le amiche (1955), angosciata lettura del bel racconto di Pavese Tra donne sole. Già in questi lavori si delineano nettamente quelle che saranno le coordinate dell’opera del cineasta romagnolo: la difficoltà a stabilire rapporti interpersonali veri, l’inafferrabilità del reale, lo spaesamento dell’individuo alle prese con una società neocapitalista fredda e disumana. La rottura con il cronachismo neorealistico è evidente e si fa netta ne Il grido (1957), che sposta dall’ambiente borghese a quello proletario le tematiche del malessere esistenziale. Con L'avventura (1960, Premio Speciale della Giuria a Cannes) inizia quella che è stata definita la “trilogia dell’incomunicabilità” che comprende anche La notte (1961, Orso d’Oro a Berlino) e L’eclisse (1962 Premio Speciale della Giuria a Cannes), film che lo impongono definitivamente a livello internazionale. L'avventura segna anche l’inizio della collaborazione artistica con Monica Vitti (alla quale rimarrà legato sentimentalmente per molti anni). Nel 1964 abbandona il bianco e nero e passa al colore (Deserto rosso, 1964 Leone d’Oro a Venezia) per raccontare le inquietudini di Giuliana, moglie insoddisfatta e adultera infelice, con Monica Vitti ancora una volta protagonista. A metà degli anni '60 si sposta in Inghilterra, dove gira il celeberrimo Blow-up (1966,
dizionario dei registi / dictionary of directors
Palma d’Oro a Cannes) adattamento di un racconto di Julio Cortázar, e poi si trasferisce negli Stati Uniti dietro le tracce della contestazione giovanile americana ( Zabriskie Point , 1970), dove immortala 'l'esplosione' della società consumistica alla luce di 17 macchine da presa. Il celebre piano sequenza finale di Professione: reporter (1974), invece, viene realizzato tenendo ferma una specialissima macchina da presa per ben sette minuti: opera interessante dal punto di vista narrativo e straordinaria da quello figurativo, segna il ritorno di Antonioni ai temi prediletti della modernità e dello smarrimento esistenziale. Dopo lo sperimentale Il mistero di Oberwald (1980) realizzato in alta definizione per la televisione, torna al cinema con Identificazione di una donna (1982). Nel 1983 la Mostra del Cinema di Venezia gli assegna il Leone d’Oro alla Carriera. In seguito gira uno spot per la Renault e realizza un videoclip per una canzone di Gianna Nannini, Fotoromanza. Nel 1985, viene colpito da un ictus cerebrale che lo priva dell'uso della parola. Con l'aiuto della moglie Enrica Fico riesce a lavorare ancora. Insieme a lei incontra Wim Wenders con cui gira Al di là delle nuvole (1995), e sempre nello stesso anno riceve a Hollywood l’Oscar alla carriera. Dopo aver compiuto ottanta anni è di nuovo sul set per girare uno dei tre episodi che compongono il film Eros (2004), gli altri due diretti da Steven Soderbergh e Wong Kar Wai, presentato fuori concorso alla Mostra del cinema di Venezia di quell’anno.
Michelangelo Antonioni was born in Ferrara in 1912, after attending high school and the Technical Institute, he graduated in Economics and Business studies from Bologna. During his university years, he revealed an interest in theatre and at the same time worked as a film critic for «Corriere padano», the newspaper of Ferrara. In 1940, he decided to move to Rome to be closer to the world of cinema. He joined the editorial team of a magazine called «Cinema», joined the Centro Sperimentale di Cinematografia and in 1942 collaborated in the drafting of the script for Roberto Rossellini’s Un pilota ritorna (1942). After acting as assistant director for Marcel Carné in France for Les Visiteurs du soir (The Devil’s Envoys, 1942), in 1943 he returned to Italy as a result of the war and began filming his first short film, Gente del Po, which he succeeded in finishing only after the end of the war. He continued his work as scriptwriter (Caccia tragica by Giuseppe De Santis in 1946), and this was followed by his directing his second documentary, N.U. Nettezza Urbana. Following further shorts, in 1950 he managed finally to film his first feature-length film, Cronaca di un amore (restored in 2004) with Lucia Bosé and Massimo Girotti, providing a portrait of high society in Milan. This was favourably received by critics and the public. Other films to follow included La signora senza camelie (1953), a pitiless portrayal of the cinema world, and Le amiche (1955), an emotional interpretation of Pavese’s fine story, Tra donne sole. In these works, the elements that would form the mainstays of the director in the future were already plain to see: the difficulty of establishing true interpersonal relationships, the elusiveness of the real, the alienation of the individual within a cold, inhuman neo-capitalist society. The break with neo-realistic chronicling is evident in Il grido (The Cry, 1957), which shifts the theme of existential malaise from a bourgeois to a proletarian setting. L'avventura (The Adventure,1960, Jury Special Prize at Cannes) marked the first of what has been defined the “trilogy of incommunicability”, which also includes La notte (The Night, 1961, Golden Bear in Berlin) and L’eclisse (Eclipse, 1962, Jury Special Prize at Cannes); these were films that definitively established him at an international level. L'avventura also marked the start of his
collaboration with Monica Vitti (with whom he was sentimentally linked for many years). In 1964, he abandoned black and white in favour of colour (Deserto rosso / The Red desert, 1964, Golden Lion at Venice Film Festival) to recount the apprehensions of Giuliana, a dissatisfied wife and unhappy adulteress, with Monica Vitti once again playing the lead role. Midway through the 1960s, he moved to England, where he filmed his famous Blow-up (1966, Golden Palm at Cannes), adapted from a story by Julio Cortázar, and then on to the United States, following the traces of young American protest (Zabriskie Point, 1970), where he immortalised the ‘explosion’ of consumer society through the use of 17 cameras. The celebrated slow final sequence of Professione: reporter (The Passenger, 1974), instead, was done by holding a special camera still for no less than seven minutes. This is an interesting film from a narrative point of view and extraordinary from a figurative one, and it marked the return of Antonioni to his preferred themes of modernity and existential bewilderment. After the experimental Il mistero di Oberwald (The Mistery of Oberwald, 1980), filmed in high definition for television, he returned to cinema with Identificazione di una donna (Identification of a Woman, 1982). In 1983, the Venice Film Festival assigned him a Golden Lion for Lifetime Achievement. He subsequently made a commercial for Renault and a video for a song by Gianna Nannini, Fotoromanza. In 1985, he suffered an apoplectic stroke that left him unable to speak. With the help of his wife, Enrica Fico, he managed to carry on working. With her, he met Wim Wenders, with whom he filmed Al di là delle nuvole (Beyond the clouds, 1995), and in the same year received an Oscar for Lifetime Achievement in Hollywood. After his 80th birthday, he was once more on the set to film one of the three episodes forming the film called Eros (2004), the other two being directed by Steven Soderbergh and Wong Kar Wai. The film was presented out of competition at the Venice Film Festival in the same year.
1943-47 Gente del Po cm, doc. 1948 N.U. - Nettezza urbana cm, doc. 1949 L’Amorosa menzogna cm; Superstizione cm; Sette canne un vestito cm 1950 La villa dei mostri cm; La funivia del Caloria cm; Cronaca di un amore 1952 I vinti 1953 La signora senza camelie 1953 Tentato suicidio (episodio di / episode of Amore in città diretto con Federico Fellini, Alberto Lattuada, Carlo Lizzani, Francesco Maselli, Dino Risi, Cesare Zavattini) 1955 Le amiche 1957 Il grido (The Cry); Premi / Awards: Locarno - Pardo d’Oro / Golden Leopard 1960 L’avventura (The Adventure); Premi / Awards: Cannes - Premio Speciale della Giuria / Jury Special Prize 1961 La notte (The Night); Premi / Awards: Berlino - Orso d’Oro / Berlin - Golden Bear 1962 L’eclisse (The Eclipse); Premi / Awards: Cannes - Premio Speciale della Giuria / Jury Special Prize 1964 Deserto rosso (Red Desert); Premi / Awards: Mostra del Cinema di Venezia - Leone d’Oro / Venice Film Festival - Golden Lion 1965 Il provino (episodio di / episode of I tre volti diretto con / directed with Mauro Bolognini, Franco Indovina) 1966 Blow-up; Premi / Awards: Cannes - Palma d’Oro / Golden Palm 1970 Zabriskie Point 1972 Chung Kuo, Cina doc. 1974 Professione: reporter (The Passenger) 1980 Il mistero di Oberwald (The Mistery of Oberwald) 1982 Identificazione di una donna (Identification of a Woman) 1983 Ritorno a Lisca Bianca cm, doc. 1984 Fotoromanza cm, videoclip 1989 Kumbha Mela cm, doc. 1990 Roma (episodio di / episode of 12 registi per 12 città diretto con / directed with Bernardo Bertolucci, Giuseppe Bertolucci, Mauro Bolognini, Alberto Lattuada, Carlo Lizzani, Mario Monicelli, Ermanno Olmi, Gillo Pontecorvo, Francesco Rosi, Mario Soldati, Lina Wertmüller, Franco Zeffirelli) 1992 Noto, mandorli, vulcano,
dizionario dei registi / dictionary of directors
Stromboli, carnevale (diretto con / directed with Enrica Fico Antonioni) cm, doc. 1995 Al di là delle nuvole (Beyond the Clouds; diretto con / directed with Wim Wenders) 2004 Il filo pericoloso delle cose (episodio di / episode of Eros diretto con Steven Soderbergh, Wong Kar Wai); Lo sguardo di Michelangelo cm, doc.
Janko Baliak
È nato nel 1965 a Belgrado. Si è diplomato in regia all’Accademia di Arti Drammatiche di Belgrado. Autore di molti programmi d’arte e di cultura per la televisione di Belgrado, è uno dei fondatori della casa di produzione B92, per cui ha prodotto una serie di documentari premiati in patria e all’estero. Dal 1995 è assistente di Goran Marković all’Accademia di Arti Drammatiche di Belgrado.
Janko Baljak was born in 1965 in Belgrade. He graduated film and TV directing from the Drama Academy in Belgrade. He is the author of scores of art and culture programmes for TV Belgrade and one of the founders of B92 film and TV production, for which he produced a series of documentaries, successfully shown and awarded in the country and abroad. Since 1995, he has been working as teaching assistant for professor Goran Marković at the Drama Academy in Belgrade.
1986 Zbog osnovane sumnje cm 1987 Slušate “Novosti dana” doc., 16mm 1988 Apsolutni sluh (episodio del film collettivo / episode of the omnibus film Šta radiš večeras, diretto con / directed with Predrag Velinović, Ivan Markov); Nepodoban doc. 1989 Derbi doc. 1990 Dugi život bračnog dara Kos mm, doc. TV 1991 Bilo jednom Srbiji doc. 1993 Eco Aqua di Montenegro doc.; Slike žalosnih doga}aja doc.; Ekstemni Beograd doc. 1994 Novinar Brki ć , sam protiv svih doc.; Svi Predsednikovi dnevnici doc.; Kosovska trilogija doc.; Beogradski radio mladoženja doc. 1995 Vidimo se u čitulji doc 1998 Etnički čisto doc.; Duvanski put doc., video 2000 02:06 - Anatomija bola doc 2001 Mrtvi ubijaju - Anatomija bola 2 doc. 2002 Srbija u kontejneru doc., serie TV / TV series 2006 Vukovar - Poslednji rez doc.
Olivo Barbieri
Nato a Carpi nel 1954, inizia l’attività espositiva nel 1978. Dal 1989 viaggia regolarmente in Oriente, particolarmente in Cina. Negli anni Novanta partecipa a tre edizioni della Biennale di Venezia e a numerosi eventi internazionali dedicati alle arti visive. Nel 1996 il Folkwang Museum di Essen gli dedica una retrospettiva. Nel 2003 partecipa a “Strangers”, la prima Triennale di fotografia e video organizzata dall’ICP di New York. Nel 2004 ha dato inizio al progetto “Site Specific”, di cui i lavori dedicati a Roma, Las Vegas e Shangai sono stati selezionati e presentati in importanti festival cinematografici internazionali fra cui Rotterdam, Sundance, Hong Kong e Locarno. Sempre nel 2004, con site specific_ROME 04 inaugura “FotoGrafia, Festival Internazionale di Roma”, negli spazi dei Mercati Traianei. Opere di Barbieri sono conservate nelle più importanti istituzioni museali e universitarie in Italia e nel mondo. Al suo lavoro sono stati dedicati anche numerosi libri.
Olivo Barbieri was born in Carpi in 1954 and began exhibiting in 1978. He has travelled regularly to the Far East since 1989, especially China. In the Nineties he took part in three editions of the Venice Biennale and several international events associated with the visual arts. In 1996 the Folkwang Museum in Essen devoted a retrospective to him. In 2003 he took part in “Strangers”, the first triennial photographic and video exhibition, organized by the ICP in New York. In 2004 he launched the
“Site Specific” project and the works depicting Rome, Las Vegas and Shanghai were selected for screening at important film festivals, including Rotterdam, Sundance, Hong Kong and Locarno. In 2004, as part of site specific_ROME 04 he also inaugurated “FotoGrafia, Festival Internazionale di Roma” in Trajan’s Market. Barbieri’s works are to be found in the leading museums and universities in Italy and throughout the world and numerous books on his oeuvre have been published.
2004 site specific_ROME 04 cm 2005 site specific_LAS VEGAS 05 cm; site specific_SHANGAI 04 cm 2006 Seascape#1 Night, China Shenzhen, 05 cm, video; Seascape#2 Castel dell’Ovo, Napoli, 06 cm, video; Sevilla → (∞) 06 cm
Belma Bas
È nata nel 1969 a Ordu in Turchia. Ha studiato all’Università di Istanbul, dove nel 1992 si è laureata in Letteratura inglese. Per sette anni ha lavorato come responsabile delle relazioni internazionali di istituzioni turche che si occupano di cinema, da 15 anni lavora anche come traduttrice. Poyraz, il suo cortometraggio di debutto, è stato presentato in numerosi festival internazionali, fra cui Cannes e Locarno.
Belma Bas was born in 1969, in Ordu (Turkey). She studied at the University of Istanbul where she received a BA degree in English Literature in 1992. She served as international relations manager to Turkish film institutions for seven years and has been working as literary translator for fifteen years. Poyraz her debut short film was presented in a large number of international film festivals, among them Cannes and Locarno.
2006 Poyraz cm
Giedrė Beinoriūtė
Nata a Vilnius nel 1976, ha studiato alla Facoltà di teatro e cinema dell’Accademia lituana di musica, dove nel 2002 si è diplomata e specializzata in regia televisiva. Dal 2002 collabora con Valdas Navasaitis, documentarista lituano e produttore indipendente, e il suo VG Studio. Fra il 2002 e il 2003 ha lavorato come aiuto-regista alle riprese del film di Šarūnas Bartas Septyni nematomi žmonės. Nel 2004 è stata aiuto-regista di Arūnas Matelis per il documentario Prieš išskrendant įžemę, primo film lituano ad essere candidato agli Oscar. Dal 2004 fa parte dell’Associazione dei cineasti lituani.
Giedrė Beinoriūtė was born in 1976 in Vilnius. She studied TV directing at the Faculty of Theatre and Film of the Lithuanian Academy of Music, where in 2002, she received her MA in TV directing. Since 2002 she collaborates with Lithuanian documentarist and independent producer Valdas Navasaitis and makes films in his VG Studio. In 2002-2003, she worked as a film director’s assistant during the shooting of Septyni nematomi žmonės (Seven Invisible Men, 2005) by Sharunas Bartas. In 2004, she worked as a film director’s assistant during the shooting of Prieš išskrendant įžemę, a documentary film by Arūnas Matelis, first Lithuanian film to be nominated in the Foreign Language Film Category for the Academy Awards. Since 2004 she is a member of the Lithuanian Cinematographers’ Association.
1997 Mano vienišos draugės cm, video 1999 Mama, tėtis, brolis, sesė cm, video 2002 Troleibusų miestas cm, doc., video 2004 Egzistencija cm 2005 Vulkanovka. Po didžiojo kino mm, doc., video
dizionario dei registi / dictionary of directors
Matteo Bellinelli
Nato nel 1950 a Lugano, si è laureato in Filosofia all'Università di Parigi. Lavora dal 1974 come produttore, giornalista e direttore dell’Radio e Televisione Svizzera in lingua italiana (RTSI). Ha intervistato e realizzato lunghi ritratti filmati di molti protagonisti della letteratura contemporanea mondiale (da Isaac B. Singer a Saul Bellow, da Toni Morrison ad Alice Walker, da Nadine Gordimer a Elie Wiesel, e molti altri) e di registi quali Truffaut, Losey, Saura, Sautet, Sirk. In Israele ha realizzato ritratti filmati degli scrittori A.B. Yehoshua, David Grossmann, Amos Oz e Yoram Kaniuk. Collabora al settimanale italiano «Diario», e con le Edizioni Casagrande (Bellinzona, Svizzera). Nel 2000 ha pubblicato tre libri dedicati agli scrittori israeliani Amos Oz, A.B. Yehoshua e David Grossman. Nel 2005, sempre presso le Edizioni Casagrande, sono apparsi due altri volumi: Isaac B. Singer - Come mai Dio non è vegetariano? e Paul Auster - Le Trame della scrittura
Matteo Bellinelli was born in 1950 in Lugano. Graduate in Philosophy from the University of Paris, since 1974 works as a producer, journalist and director at Italian Swiss Broadcasting Service (RTSI). Furthermore, he has also filmed interviews and long portaits of the worldwide representatives of contemporary literature, from Isaac B. Singer to Saul Bellow, from Toni Morrison to Alice Walker, from Nadine Gordimer to Elie Wiesel (and many others), but also directors, such as Truffaut, Losey, Saura, Sautet, Sirk, etc. In Israel, he filmed portraits of the writers A.B. Yehoshua, David Grossman, Amoz Oz and Yoram Kaniuk. He writes for the Italian weekly magazine «Diario» and collaborates with Edizioni Casagrande (Bellinzona, CH). In 2000, he published three books dedicated to the Israeli writers, Amos Oz, A.B. Yehoshua and David Grossman. In 2005 he also published two books, Isaac B. Singer - Come mai Dio non è vegetariano?, and Paul Auster - Le trame della scrittura
filmografia scelta / selected filmography 1970 L'Anticittà 1984 Isole perdute doc. TV 1985 Eva e Dio 1986 L'Inghilterra reale doc. TV 1987 L'internazionale involontaria del giovane Cinema doc. TV 1991 Volti svizzeri 1994 Infanzia in primo piano mm, doc. TV; Schiavo mm, doc. TV; Diavolo ’94 mm, doc. TV; Vita da pretiUomini e preti mm, doc. TV 1995 San Francisco Museum of Modern Art - Un occhio per la città doc. TV; Carl Djerassi - Pillole di vita mm, doc. TV 1996 Pianeta notte mm, doc. TV 1997 La terza luna 1998 Il sogno di Israele doc. TV 1999 Ghetto: il cuore della memoria doc. TV; Il dolore della memoria doc. TV 2000 Parole dall’ombra doc. TV; Deserto e vita doc. TV 2001 Angeli non ne ho mai visti film TV 2002 Un cuore che guarda doc. TV; SOS Calcio: soldi o sogni doc. TV 2003 600 pagine per un salame cm, doc. TV; I labirinti di Paul Auster doc. TV 2004 Nella tana del lupo mm, doc. TV; La mensa e il gregge mm, doc. TV; Fine pena, mai cm, doc. TV; Il giardino dei giochi segreti mm, doc. TV 2005 L’amore in guerra doc. TV; Un eroe tranquillo cm, doc. TV; Maddalene per sempre cm, doc. TV 2006 Cenerentola non abita più qui mm, doc. TV
Artemio Benki
È nato nel 1967. Ha lavorato come giornalista e fotografo prima di dedicarsi alla regia. Si trasferisce a Praga nel 1992. Nel 1994 ha fondato la propria compagnia di produzione, Sirena Film (e successivamente la filiale francese, Vendetta Films), con cui ha finanziato alcuni film “collettivi” diretti da giovani registi dell’Est. Oltre a essere casa di produzione, la Sirena Film supporta le produzioni
straniere e locali che girano nella Repubblica Ceca. I suoi cortometraggi Ostrov na Střeše e Intrusion sono stati presentati in competizione al Trieste Film Festival, rispettivamente nel 2002 e nel 2003.
Artemio Benki was born in 1967. He worked as a journalist and photographer before dedicating himself to directing. He moved to Prague in 1992. In 1994, he founded his own production company, Sirena Film (and later its Paris-based branch, Vendetta Films), with which he financed a number of “collective” films directed by young East-European directors. Besides producing its own projects, Sirena Film is also a provider of production services for film commissioned by local and foreign clients who are interested shooting in Czech Republic. The Trieste Film Festival presented two of his short films, both in competition: in 2002 Ostrov na Střeše, in 2003 Intrusion
1988 Gloria L cm 1990 Roms: Refugees in CSR cm, doc. 1992 4000 Costumes doc.; 64 cases doc.; Terrorism Art doc. 1993 Má Puda cm, doc. 1994 Mēsíční údolí docu-fiction (diretto con / directed with Julia Szederkenji, Mira Erdevicki, Natalia Koryncka-Gruz, Mikael Dovlatian) 1999 Praha Očima (diretto con / directed with Vladimír Michálek, Michaela Pavlátová, Martin Šulík) 2000 Střecha cm 2001 Ostrov na Střeše cm 2002 Intrusion cm 2006 Nouvelle Génération cm
Daniele Bocus
Nato ad Aviano il 18/02/1976 è stato animatore e ha curato la regia e il montaggio dei corti in stop motion realizzati nel corso degli anni assieme al fratello Massimo e a Lucia Salmaso. È titolare di una ditta di produzione video e grafica che ha sede in Aviano (PN). Ha insegnato video digitale e montaggio presso lo IAL di Pordenone.
Daniele Bocus was born at Aviano on 18/02/1976. He has been a cartoon animator and directed and edited some stop motion shorts produced over the years with his brother, Massimo, and Lucia Salmaso. He owns a video and graphic production business based in Aviano (near Pordenone). He has taught digital video production and editing at the IAL in Pordenone.
2005 Puar Beppin cm, videoclip (diretto con / directed with Massimo Bocus, Lucia Salmaso)
Massimo Bocus
È nato ad Aviano il 19/05/1974. Oltre ai lavori in stop motion realizzati assieme a Lucia Salmaso, è stato aiuto regista del mediometraggio Il Castello degli Arcani di Giuseppe Molinari, ambientato nel medioevo friulano, vincitore del premio del pubblico ad “Anteprima Zone di Cinema” del Trieste Film Festival, edizione 2005.
Massimo Bocus was born at Aviano on 19/05/1974. On top of his stop motion work made with Lucia Salmaso, he was co-director for the medium-length film Il Castello degli Arcani by Giuseppe Molinari, set in medieval Friuli, which won the public’s prize in “Anteprima Zone di Cinema” at the 2005 edition of the Trieste Film Festival.
2005 Puar Beppin cm, videoclip (diretto con / directed with Daniele Bocus, Lucia Salmaso)
dizionario dei registi / dictionary of directors
Andreas Bolm Nato nel 1971 a Colonia, si è trasferito a Manchester nel 1992, dove ha lavorato come musicista. Allo stesso periodo risale la scoperta della passione per la fotografia e i primi esperimenti con il video. Nel 1994 ha lasciato l’Inghilterra per l’Ungheria, paese dove aveva vissuto durante l’infanzia, e l’anno dopo si trasferisce a Berlino per studiare cinema e teatro. Si è poi iscritto alla FAMU di Praga nel 1997, e dal 1999 frequenta i corsi di regia del documentario della HFF di Monaco. I suoi cortometraggi sono stati presentati nell’ambito di diversi festival internazionali. Jaba, cortometraggio documentario, è stato presentato nella sezione Cinéfondation di Cannes.
Andreas Bolm was born 1971 in Cologne, Germany. In 1992 he went to Manchester working as a musician. At the same time he discovered photography and began to experiment with video. In 1994 he left England for Hungary, where he has lived in his childhood. In 1995 he moved to Berlin to study film and theatre science. In 1997 he enrolled at the film academy FAMU in Prague and since 1999 Bolm is a student at the documentary department of the HFF school in Munich. His short films have been screened in various film festivals. Jaba, a short documentary, was presented in the Cinéfondation section at Cannes Film Festival.
1996 Gradually we hit the target cm, doc., Super8 1998 Ivana cm, 16 mm 2000 Ròzsa cm, doc., 16mm 2003 Die Schläfer mm, doc., 16mm 2006 Jaba cm
Gregor Božič
È nato nel 1984 a Šempeter pri Gorici (Slovenia). Dopo il liceo, si è iscritto all’AGRFT (Accademia per il teatro, radio, film e TV) di Lubiana. Dopo essersi occupato di fotografia, è passato al cinema. Recentemente, ha partecipato a uno stage di regia di quattro mesi al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma. Ha girato alcuni documentari, sia in digitale che in pellicola, di cui uno è dedicato ad Avgust Šek, artista che lavora con la ceramica.
Gregor Božič was born in 1984 at Šempeter pri Gorici (Slovenia). After secondary school, he entered the AGRFT (Academy for theatre, radio, film and TV) in Ljubljana. After working with photography, he moved into cinema. Recently, he participated in a four-month work experience in directing at the Centro Sperimentale di Cinematografia in Rome. He has produced a number of documentaries, both in digital and in film format, one of which is dedicated to Avgust Šek, an artist working with pottery.
filmografia non disponibile / filmography not available 2005 Moji materi - A mia madre cm, S16mm
Nancy Brandt
È nata a Halle Saale, Germania, nel 1979. Dal 1998 al 2004, ha studiato Tecnologie multimediali all’Università di Scienze applicate di Lipsia. Dal 2005 studia regia documentaristica e giornalismo televisivo presso l’Accademia di televisione e cinema (HFF) di Monaco. Lavora anche come fotografa freelance.
Nancy Brandt was born in Halle Saale, Germany, in 1979. From 1998 to 2004 she studied Media Technologies at Leipzig University of Applied Sciences. Since 2005 she has been a student at Munich Academy for
Television and Film (HFF), department of documentary film and TV journalism. She also works as freelance photographer.
2000 vivre cm, video 2003 What to Drink? mm, doc., 16mm 2005 Das Rabet und andere Geheimnisse cm, doc., video 2006 Die gute Lage cm, doc., 16mm
Erich Busslinger
Nato a Baden nel 1949, ha studiato pedagogia dell’arte alla Scuola di Arte e Design di Lucerna. Ha poi studiato Etnologia e Storia dell’arte all’Università di Zurigo e ha cominciato a realizzare opere alla fine degli anni ‘70. Durante un periodo trascorso alla Cité Internationale des arts a Parigi come ricercatore residente, ha conosciuto Nam June Paik, uno dei padri della videoarte: un incontro che lo ha stimolato a lavorare coi media elettronici. Dagli anni ‘80 è stato artista residente a Firenze, Genova, di nuovo Parigi, Mosca. Nel 1983 si è trasferito a Basilea, dove attualmente vive. È direttore, autore e membro della cooperativa di media “Point de vue”. Insegna in varie scuole, in Svizzera e all’estero, ed è tutor per i progetti artistici e video della Scuola di Arte e Design di Basilea. Con le sue opere, per cui è stato più volte premiato, ha partecipato a vari festival cinematografici e video in numerosi paesi del mondo e alcuni suoi lavori sono stati trasmessi dalle reti televisive di Svizzera, Germania, Olanda, Lituania, Russia, Macedonia. Importanti musei hanno acquisito le sue opere, dal Kunsthaus di Zurigo al Musée de Beaux Arts di Losanna.
Erich Busslinger was born in Baden in 1949 and studied Art Teaching at the School of Art and Design in Lucerne. He then studied Ethnology and Art History at Zurich University and began to create works himself at the end of the Seventies. During a period he spent in Paris as resident researcher at the Cité Internationale des Arts, he met Nam June Paik, one of the fathers of videoart. This encounter inspired him to work with electronic media. Since the Eighties he has spent various spells as resident artist in Florence, Genoa, again Paris and Moscow. He moved to Basel in 1983, where he still lives. He is the founder, director and member of the media cooperative “Point de Vue”. He teaches in various schools, in Switzerland and abroad, and is an art and video projects tutor of the Basel School of Art and Design. His works have won multiple awards and have been shown at film and video festivals and in several countries around the world, and some have been broadcast on Swiss, German, Dutch, Lithuanian, Russian and Macedonian television. Important museums have purchased his works, including the Zurich Kunsthaus and the Musée des Beaux Arts in Lausanne.
videografia / videography
1979 Instant camera mm (installazione / installation) 1982-84 DER TIEGEL cm 1985 WENDEZEIT cm 1986 IRIS cm (installazione / installation) 1987 SOL mm (installazione / installation) 1988 BALL suchen cm 1988 Membran mm (installazione / installation) 1989 An der Mauer cm; Cut-up cm (installazione / installation) 1990 ASYUT cm; Das Kunsthotel mm 1991 GESICHTER 1 + 2 cm; HAPPY BIRTHDAY OSHO cm 1992 MOI NON PLUS cm; VORSPIEL cm 1993 ZEIT-ALTER (installazione / installation) 1994 Moskauer Ballade cm (installazione / installation) 1995 MOSKAU - JOURNAL mm 2001 Wanderlust TV project; Inland Archiv I - IV (installazione / installation) 2003 Inland Archiv TV project; Nachtleben cm 2004-2006 Inland Archiv (installazione / installation) 2006 Orte I - IV cm
Kujtim Çashku
Nato a Tirana nel 1950, si è diplomato presso l’Accademia di Arti drammatiche di Tirana (nel 1972) e l’Istituto di Cinema e Teatro di Bucarest (nel 1975). Ha iniziato come documentarista nel 1975, ma anche nei successivi lungometraggi ha parlato di eventi reali avvenuti nel suo paese, scelta pagata spesso con la censura (il suo Pas vdekjes, del 1980, è rimasto bloccato per dieci anni). Il suo Kolonel Bunker (1996), presentato anche al Trieste Film Festival, è stato candidato agli Oscar nella categoria Miglior film in lingua straniera. Çashku fa parte della European Film Academy ed è fra i promotori della prima edizione dello Human Rights International Film Festival, svoltosi in Albania l’anno scorso.
Kujtim Çashku was born in 1950 in Tirana (Albania). A graduate of the Academy of Dramatic Art in Tirana (in 1972) and the Film and Theatre School in Bucharest (in 1975), he started out as a documentary maker, but his feature films also deal mainly with real events in his native land. This caused him many censorship problems (for example, his Pas vdekjes, 1980, was banned for ten years). His feature Kolonel Bunker (1996), presented also at the Trieste Film Festival, was nominated for an Academy Award in the Best Foreign Language Film category. Kujtim Çashku is a member of the European Film Academy and a founder of the 1st Human Rights International Film Festival in Albania in2006.
1977 Ata ishin kater cm; Pranverë në zemrat tona 1979 Ballë për ballë 1980-1990 Pas vdekjes 1982 Shokët 1983 Dora e ngrohtë 1985 Te paftuarit 1987 Vrasje ne gjueti 1989 Balada e Kurbinit 1996 Kolonel Bunker 1999 The Tears of Kosova mm, doc. 2002 Equinox doc. 2005 Magic Eye
Diego Cenetiempo
È nato a Trieste nel 1978. Dal 1997 a oggi, ha sceneggiato e diretto vari cortometraggi in collaborazione con Daniele Trani. Nel 2004 ha scritto la sceneggiatura de L’assassinio di via Belpoggio di Alberto Guiducci, tratto dal racconto omonimo di Italo Svevo. Con Daniele Trani, è stato fra i vincitori - con Le formiche sono tristi e Domani usciamo, rispettivamente del 2004 e del 2005 - di “Anteprima zone di cinema” e presentati al Trieste Film Festival nella sezione “Zone di cinema”. Nel 2006 ha sceneggiato il lungometraggio italo-sloveno Razlika - la differenza di prossima uscita.
Diego Cenetiempo was born in Trieste in 1978. He has written the screenplays for and directed various short films in collaboration with Daniele Trani. He wrote the screenplay for L’assassinio di via Belpoggio by Alberto Guiducci. Le formiche sono tristi (2004) and Domani usciamo (2005) gained him and his co-director Daniele Trani the “Anteprima Zone di Cinema” award. Both the short films were screened at the Trieste Film Festival, “Zone di Cinema” section. In 2006 he wrote the screenplay for Razlika - la differenza, an Italian-Slovenian coproduction.
1997 La stanza cm, video (diretto con / directed with Daniele Trani) 2000 L’occhio cm, video (diretto con / directed with Daniele Trani); La pace cm (diretto con / directed with Daniele Trani); Shhht!!! cm, video (diretto con / directed with Daniele Trani) 2001 L’inevitabile cm, video (diretto con / directed with Daniele Trani) 2002 Zone d’ombra cm, video (diretto con / directed with Daniele Trani) 2004 Le formiche sono tristi cm, video (diretto con / directed with Daniele Trani); Home Sweet Home
cm, video (diretto con / directed with Daniele Trani) 2005 Domani usciamo cm, video (diretto con / directed with Daniele Trani); Un pesce fuor d’acqua cm, video 2006 Appunti inutili cm, video (diretto con / directed with Daniele Trani)
Ivan Čerkelov Regista e sceneggiatore, è nato a Lovetsch (Bulgaria) nel 1957. Si è diplomato in regia presso l’Istituto di Arti teatrali di Sofia nel 1982.
Ivan Cherkelov, director and screenwriter, was born in Lovetsch (Bulgaria) in 1957. He graduated from the High Institute of Theater Arts in 1982, with a degree in film directing.
1989 Parcheta lyubov 1995 Tarkalyashti se kamani 1999 Stakleni topcheta 2006 Obarnata elcha (diretto con / directed with Vasil Živkov; Premi / Awards: Karlovy Vary, Premio speciale della Giuria / Special Prize of the Jury
Nuri Bilge Ceylan È nato a Instanbul nel 1959. Dopo essersi laureato in Ingegneria presso l’Università del Bosforo, ha studiato per due anni regia all’Università Mimar Sinan di Instanbul. Nel 1995 ha diretto il primo cortometraggio, Koza, presentato in concorso a Cannes. Del 1997 è invece il primo lungometraggio, Kasaba Mayis Sikintisi, del 2000, è stato presentato in concorso a Berlino. Nel 2003, Uzak ha vinto il Gran premio e il premio per il Miglior Attore a Cannes, oltre a quello come Miglior Lungometraggio della quindicesima edizione del Trieste Film Festival.
Nuri Bilge Ceylan was born in Istanbul (Turkey) in 1959. After graduating from Bosphorus University in Engineering, he studied filmmaking for two years at the Mimar Sinan University of Istanbul. In 1995 he directed his first short film Koza which was in competition at Cannes Film Festival. He realized his first feature film, Kasaba, in 1997. He also directed Mayis Sikintisi which was shown in competition at the Berlin Film Festival in 2000. In 2003 his film Uzak received the Grand Prix of the Jury and Best Actor prize at Cannes and won the prize as Best Feature Film at Trieste Film Festival’s 15th edition.
1995 Koza cm 1997 Kasaba 1999 Mayis Sikintisi ( Nuvole di maggio / Clouds of May) 2002 Uzak (Distant); Premi / Awards: Cannes - Gran Premio della Giuria a Cannes, Miglior Attore a / Grand Prix of the Jury, Best Actor to Muzaffer Özdemir & Mehmet Emin Toprak; AAC Trieste Film Festival - Miglior Lungometraggio / Best Feature Film 2006 Iklimler (Il piacere e l’amore / Climates); Premi / Awards: Cannes - Premio FIPRESCI / FIPRESCI Prize
José Corvaglia
Nato a Poggiardo nel 1974, vive e lavora tra Roma, Milano e Lecce integrando progetti di visual design, product design, interior design e cinema. Fra il 1999 e il 2004 ha collaborato con la Pablo Film di Gianluca Arcopinto a diversi progetti. Nel 1997 ha prodotto il mediometraggio Il viaggio, nel 1999 è stato assistente alla regia per Sangue vivo di Edoardo Winspeare.
Born in Poggiardo in 1974, José Corvaglia lives and works in Rome, Milan and Lecce combining different projects of visual design, product design, interior design with cinema. From 1997 to 2004 he collaborated with Pablo Film by Gianluca Arcopinto on various projects. In 1997 he
dizionario dei registi / dictionary of directors
produced the medium length Il viaggio, in 1999 he was Edoardo Winspeare’s assistant director for the film Sangue vivo
1997 Il viaggio mm 2005 La cena di Emmaus cm
Pierre Coulibeuf
È nato nel 1949 a Elbeuf, in Francia. Vive a Parigi, dove lavora come regista e artista. Dopo un dottorato in letteratura moderna su Klossowski e von Sacher Masoch, Coulibeuf si è dedicato al cinema, creando una serie di opere il cui tratto caratteristico e originale è la vicinanza con altre forme di discipline artistiche, fra cui le arti visive, la danza e la letteratura. Incrociando generi cinematografici diversi (fiction, documentario, sperimentale) e utilizzando supporti molto diversi – dal classico 35mm all’installazione e alla fotografia – ha saputo creare, con i suoi lavori, uno spazio o un linguaggio vicini a forme d’arte diverse, criticando quelli ufficiali e mettendo in discussione il modo abituale di rappresentare la realtà. Dal 1987 a oggi ha realizzato corti e lungometraggi su Pierre Klossowski, Michelangelo Pistoletto, Marina Abramovic, Michel Butor, Jean-Marc Bustamante, Jan Fabre, Meg Stuart. Presentati in numerosi festival internazionali e sotto forma di installazioni nei circuiti dell’arte contemporanea (come nel 2005 alla Biennale d’Arte Contemporanea di Porto Alegre in Brasile), i suoi film fanno parte di diverse collezioni pubbliche, dal Centre Pompidou a Parigi alla GAM di Torino.
Pierre Coulibeuf was born in Elbeuf (France) in 1949. He lives in Paris where he works as film-maker and artist. He was awarded a doctorate in modern literature with a dissertation on P. Klossowski and L. von Sacher Masoch. Pierre Coulibeuf has achieved a cinematographic body of works that owns its originality to its close relation to other artistic disciplines (i.e. visual arts, choreography, literature). Crossing cinematographic genres (fiction, documentary, experimental) as well as always presenting the image with different supports (35mm projection, installation, photography) has given his movies the chance of inventing a place or a language closely related to other forms of art, criticizing the more established ones and questioning the ways reality has always been presented. Since 1987 he made short and feature films about Pierre Klossowski, Michelangelo Pistoletto, Marina Abramovic, Michel Butor, Jean-Marc Bustamante, Jan Fabre, Meg Stuart. His films, selected by many international festivals and presented as installation pieces in the world of contemporary art (in 2005 he was invited to the Biennale Porto Alegre, in Brasil), are included in important international collections, like Centre Pompidou and GAM (Turin).
1987-88 Klossowski, peintre-exorciste cm 1989 Le gai savoir de Valerio Adami cm; Divertissement à la maison de Balzac cm 1990 La chambre des muses cm; Alechinsky sur Rhône cm 1991 PAB l’enchanteur cm 1991-93 C’est de l’art 1992 Samout et Moutnefret cm; L’oeil du poète cm 1993-98 L’homme noir 1995 Le démon du passage cm; Rubato video 1995-97 Le grand récit 1998 Cartographie cm 1999 Balkan Baroque 2000 Michel Butor Mobile mm 2002 Les guerriers de la beauté; Lost Paradise cm 2002-2003 Lost Paradise 2 & 3 video 2004 Somewhere in Between 2005 Amour Neutre 2006 Pavillon Noir; Who’s who? video; Delectatio morosa video
Vittorio Curzel
È nato a Trento nel 1952. Psicologo e giornalista, autore di saggi su cinema, televisione, fotografia e comunicazione pubblica, è autore di
programmi radiofonici Rai (fra cui le serie “I suoni del Cinema” e “Canto Nomade - Musiche, parole e immagini di popoli in viaggio”) e di film documentari. Insegna attualmente Comunicazione pubblica e Marketing sociale presso l'Università di Trento e Sociologia dei Nuovi Media presso l'Università di Bologna. Ha diretto dal 1980 al 1986 il Settore Audiovisivi didattici della Provincia Autonoma di Trento. Successivamente e fino al 1995, ha coordinato il Centro di Documentazione Visiva di Trento, organizzando e dirigendo anche numerose manifestazioni cinematografiche fra cui “Trento CinemaIncontri Internazionali con la Musica per il Cinema” e il Concorso Internazionale di Composizione “Trento Cinema - La Colonna Sonora”.
Vittorio Curzel was born in Trento in 1952. A psychologist and journalist, as well as author of essays in cinema, television, photography and communications, he has also produced radio programmes for the Rai (including the “The sounds of cinema” series and “Nomad song - The music, words and images of travelling populations”) and documentaries. He currently teaches public communications and social marketing at the University of Trento and sociology of the new media at the University of Bologna. From 1980 to 1986, he directed the didactic audio-visual sector of the Provincia Autonoma di Trento. Subsequently, and until 1995, he co-ordinated the Centro di Documentazione Visiva of Trento, organising and directing numerous film events, including “Trento Cinema - International meetings with music for the cinema” and the international composing competition, “Trento Cinema - The Sound track”.
1994 Canto dell'Arte contro la guerra - Per Sarajevo doc.; Dresda 19451994, 14 febbraio doc. 2000 Art note book n.1: Paolo Tait 2006 Nach Dresden doc.
Viktor Dašuk Nato nel 1938 a Chojniki, in Bielorussia, si è laureato in Giornalismo presso l’Università di Stato della Bielorussia. Alla fine degli anni ’60 frequenta per due anni lo VGIK di Mosca, dipartimento di regia, sotto la supervisione di Andrej Tarkovskij. In seguito a questo incontro, per lui fondamentale, Dašuk decide di dedicarsi alla regia di documentari. A partire dal 1960, lavora per lo studio Belarusfilm, collaborando a oltre cento fra lungometraggi di fiction e documentari, basati principalmente su suoi soggetti. Dal 1989 al 1993 è stato docente e direttore del dipartimento di regia documentaristica presso l’Accademia d’arte bielorussa. Attualmente dirige lo studio Spadar D.
Viktor Dashuk was born in 1938 in Khoiniki, Belarus. He graduated from Belarusian State University, Journalism faculty. At the end of Sixties he moved to Moscow where he attended for two years the VGIK high school, film directing department, under the supervision of Andrey Tarkovsky: owing to this Dashuk decided to dedicate himself to documentary directing. Since 1960, he has been working as film director for Belarusfilm Studio directing over 100 documentary and feature films mainly based on his own scripts. From 1989 to 1993 he was Professor and head of the documentary film directing department at Belarusian Academy of Arts. Now he manages the Spadar D studio. filmografia scelta / selected filmography
1987 Dvoe na ostrove slyoz 1997 Between Satan and God doc. 1999 Noch dlinnyks nozhej mm, doc., video 2001 Reportazh iz kletki dlia krolikow mm, doc. 2004 The Belarusian Decameron doc. 2006 Magnum misteria mm, doc., video
Iain Dilthey
È nato a Irvine, in Scozia, nel 1971. Dal 1992 al 1997 ha studiato chimica e farmacia a in Germania, dedicandosi poi al cinema. Ha lavorato come sceneggiatore, aiuto regista e segretario di produzione per diversi documentari e lungometraggi. Tra il 1997 e il 2002 ha studiato regia all’Accademia di cinema di Baden-Württemberg. Da studente realizza diversi cortometraggi e nel 1999 inizia una trilogia sul desiderio con il cortometraggio Sommer auf Horlachen. Il progetto è composto anche dal mediometraggio Ich werde dich auf Händen tragen (2000) e da Das Verlangen, suo film di diploma e Pardo d’Oro a Locarno nel 2002. Gefangene è il primo lungometraggio che realizza da quando ha finito la scuola.
Iain Dilthey was born in Irvine, Scotland, in 1971. From 1992 to 1997, he studied chemistry and pharmacy in Germany, before devoting himself to cinema. He worked as a script-writer, assistant director, and assistant producer on several documentaries and fiction films. Between 1997 and 2002 he studied filmmaking at the Film Academy in BadenWürttemberg. During this time, he made numerous short films and in 1999 began a trilogy about desire with the short Sommer auf Horlachen. This project also included the mid-length film Ich werde dich auf Händen tragen (2000) and Das Verlangen (The Longing), his graduation film, which won the Golden Leopard in Locarno in 2002. Gefangene is his first feature film out of academic context.
1995 Es war einmal ein Kind cm 1996 Gegen die Stile cm 1998 Bergpredigt cm; Joseph 98 cm 1999 Partisanen! cm; Sommer auf Horlachen cm 2000 Ich werde dich auf Händen tragen mm 2002 Das Verlangen (The Longing); Premi / Awards: Locarno - Pardo d’Oro / Golden Leopard 2006 Gefangene
Rä di Martino
È nata a Roma nel 1975. Prima di trasferirsi a New York, dove vive e lavora, ha vissuto a Londra, dove ha conseguito nel 2004 un Master in belle arti presso la Slade School of Art. Sempre nello stesso anno ha ricevuto il Premio New York, una borsa di studio della Columbia University. I suoi film e i suoi video sono stati presentati in molti festival in tutto il mondo. Nel 2005 è stata allestita la sua seconda mostra personale presso la galleria Monitor di Roma. Ha anche esposto alla Triennale di Torino, curata da Francesco Bonami e Carolyn ChristovBakargiev.
Rä di Martino was born in Rome, in 1975. Before moving to New York, where lives and works, had lived in London where she received her MFA at the Slade School of Art in 2004. In 2004 she was also awarded the Premio New York, a research grant at Columbia University. Her films and videos have been shown in many festivals around the world. In 2005 she had her second solo exhibition at the Monitor Gallery in Rome. Has also been at the Turin Triennial curated by Francesco Bonami and Carolyn Christov-Bakargiev.
filmografia scelta / selected filmography
2001 Between video 2002 NOT360 16mm 2003 Untitled (rambo) video
2004 CanCan! video 2005 The Dancing Kid video 2006 La camera cm,16mm
Andreas Dresen Nato a Gera (Germania) nel 1963, ha cominciato a girare filmati amatoriali nel 1979. Dopo aver lavorato come ingegnere del suono presso lo Schwerin Theatre (1984-85) e aver fatto un tirocinio allo studio DEFA (dove ha lavorato come assistente alla regia di Günter Reisch), si è iscritto ai corsi di regia dell’HFF “Konrad Wolf” di Potsdam-Babelsberg. Nel 1991 si è diplomato e l’anno dopo ha realizzato il suo primo lungometraggio, Stilles Land. Sceneggiatore e regista televisivo, è diventato membro, nel 1998, dell’Accademia berlinese delle Arti. Nel 2002, Halbe Treppe (Catastrofi d’amore) ha vinto l’Orso d’Argento a Berlino per la regia.
Andreas Dresen was born in Gera (Germany) in 1963. He began making amateur films in 1979. He worked as a sound engineer at Schwerin Theatre in 1984-85 and from 1985 to 1986 he was a trainee at the DEFA feature film studio, where he was assistant director to Günter Reisch. He studied directing at HFF “Konrad Wolf” in Potsdam-Babelsberg, where he graduated in 1991. The following year he realized his first feature film, Stilles Land. He works also as screenwriter and TV director. In 1998, he became a member of the Berlin Academy of Arts. In 2002 Halbe Treppe (Grill Point) won the Silver Bear for Best Direction in Berlin.
1985 Der Kleine Clown cm 1987 Schritte des Anderen cm 1988 Was Jeder Muss... doc. 1989 Jenseits von klein Wanzleben doc.; Zug in die Ferne cm 1990 So schnell geht es nach Istanbul cm 1991 Es Bleibt Alles Ganz Anders doc., TV; Die Narren Sterben Nicht Aus doc., TV 1992 Stilles Land 1993 Krauses Kneipe doc., TV 1994 Kuckuckskinder doc., TV; Das Andere Leben Des Herrn Kreins film TV; Mein Unbekannter Ehemann film TV 1995 Alte Freunde (episodio della serie televisiva / an episode by TV series Sommer-Geschichten); Sprung Ins Glück (episodio della serie televisiva / an episode by TV series SommerGeschichten); Achterbahn (episodio della serie televisiva / an episode by TV series Freundin Wider Willen) 1996 Der Tausch (episodio della serie televisiva / an episode by TV series Polizeiruf 110) 1997 Raus Aus Der Haut (episodio della serie televisiva / an episode by TV series Wilde Herzen) 1999 Nachtgestalten 2000 Die Polizistin 2002 Halbe Treppe (Catastrofi d’amore / Grill Point); Premi / Awards: Berlino - Orso d’Argento per la regia / Berlin - Silver Bear for Best Direction 2003 Herr Wichmann von der CDU doc. 2005 Willenbrock 2006 Sommer vorm Balkon (Summer in Berlin); Premi / Awards: San Sebastian Film Festival - Premio della Giuria per la Miglior Sceneggiatura / Jury Award for Best Screenplay
Jan Hinrik Drevs È nato nel 1968 a Lubecca. Dopo aver studiato retorica, Scienze politiche e Lingue all’Università di Tubinga, si è specializzato in produzione televisiva e cinema a San Francisco e ha cominciato a lavorare come giornalista in diversi programmi e canali televisivi. Dal 1992 lavora come regista, autore e produttore per la televisione. Herr Pilipenko und sein U-Boot, diretto insieme a René Harder, è il suo primo lungometraggio documentario.
Jan Hinrik Drevs was born in 1968 in Lübeck. After studying rhetoric, political sciences and languages at the University of Tuebingen, he took a specialization in broadcasting and film in San Francisco and started working as TV journalist for various programs and channels. Since 1992 he has worked as a director, author and producer for television. Herr
dizionario dei registi / dictionary of directors
Pilipenko und sein U-Boot, directed with René Harder, is his first fulllength documentary film.
filmografia scelta / selected filmography
1992 Caffé Trieste - Nostalgia dei sensi cm, doc. 2001 Dogsworld - Der Hund, das intelligente Wesen mm, doc. 2002 Monsterkrabben im Polarmeer mm, doc. 2003 Mit Flügeln über den Ärmelkanal; Cornwall 2004 Mauritius; Im Reich der Paco-Pacos mm, doc., TV; Alaska - Auf der Wasserstrasse der Goldgräber; Pommersche Bucht 2005 Am Kap der Guten Hoffnung; Katzen in St. Petersburg mm, doc. TV; Azoren 2006 Herr Pilipenko und sein U-Boot (diretto con / directed with René Harder)
Alen Drljević
Nato a Sarajevo, si è diplomato in regia presso l’Accademia d‘Arte drammatica di Sarajevo nel 2005. Il suo film di diploma, Prva plata, ha ricevuto una nomination per il Miglior cortometraggio dello European Film Academy.
Alen Drljević was born in Sarajevo. He graduated in directing from the Academy of Performing Arts in Sarajevo in 2005. His graduation film, Prva plata, was nominated for the Best Short Film Award of the European Film Academy.
2005 Prva plata cm 2006 Karneval doc., video
Deniz Gamze Ergüven
Nata nel 1978 ad Ankara, è cresciuta a Parigi. Ha vissuto anche in Turchia e in Sud Africa. Dopo aver studiato Letteratura e storia africana, nel 2002 si è iscritta alla scuola di cinema La fémis dove si è diplomata nel 2006. Bir damla su è stato presentato lo scorso anno a Cannes, nella sezione ‘Cinéfondation’.
Deniz Gamze Ergüven was born in Ankara in 1978. She grew up in Paris, living by period in Turkey and South Africa. After studies in Literature and African History, she integrated La fémis film school in Paris in 2002 as a student director where she finished her studies in june 2006. Bir damla su was in the official selection of the ‘Cinéfondation’ at the latest Cannes Film Festival.
2004 Libérables cm, doc., video 2005 Mon trajet préféré cm; Ondes cm, 16mm 2006 Bir damla su cm
S
ławomir Fabicki
Nato a Varsavia nel 1970, ha studiato sceneggiatura e regia presso la Scuola Nazionale di Cinema (PWSFTviT) di Łódź. Nel 2003 si è diplomato presso la Mistrzowska Szkoła Reżyserii Filmowej Andrzej Wajda (Scuola di specializzazione in regia Andrzej Wajda). Dal 2001 è membro della European Film Academy. Nel 2001, il suo cortometraggio Meska sprawa, presentato anche al Trieste Film Festival, è stato in corsa per l’Oscar nella categoria Live Action Short Film. Z odzysku è il suo primo lungometraggio ed è stato presentato a Cannes nella sezione “Un Certain Regard”.
S ł awomir Fabicki was born in 1970, in Warsaw. He studied Screenwriting and Direction at PWSFTviT in Łódź. In 2003 he graduated from the Mistrzowska Szkoła Reżyserii Filmowej Andrzej Wajda (Andrzej Wajda Master School of Film Directing). Since 2001 he
is a member of the European Film Academy. His short film Meska sprawa, screened also at the Trieste Film Festival, was nominated for an Academy Award in the Live Action Short Film category and for the European Short Film Award 2001. Z odzysku is his debut feature film and was selected in Cannes, in the “Un Certain Regard” section.
1997 Wewnętrzny 55 cm, doc., video 1999 Bratobójstwo cm; Po drugiej stronie lasu cm, doc., 16mm; Kaśka, bimber i motocykl cm 2001 Męska sprawa cm 2003 Łucja i jej dzieci film TV 2004 Wesołe miasteczko film TV 2006 Z odzysku; Premi / Awards: Salonicco, Festival Internazionale del film - Miglior regista, Miglior Attore / Thessaloniki International Film Festival Best Director, Best Actor
Fabiola Faidiga
È nata a Trieste nel 1958, dove vive e lavora. Ha seguito i corsi di figura del prof. Nino Perizi al Museo Revoltella di Trieste e quelli di grafica tenuti da Corrado Albicocco presso il Museo Spazzapan di Gradisca d’Isonzo. Ha sviluppato la sua ricerca artistica e creativa utilizzando mezzi espressivi diversi (foto, collages, video, scultura, performance). Ha collaborato, fra gli altri, con il Gruppo 78 International Contemporary Art e con la Rivista «Juliet» di Trieste alla realizzazione di mostre di arte contemporanea. Ha esposto i suoi lavori sia in mostre personali che collettive.
Fabiola Faidiga was born in Trieste in 1958 and lives and works there. She frequented life classes under prof. Nino Perizi at the Museo Revoltella in Trieste and those of drawing under Corrado Albicocco at theMuseo Spazzapan in Gradisca d’Isonzo. She has developed her artistic and creative research using different expressive means (photography, collage, video, sculpture, performance). Among those she has worked with are Gruppo 78 International Contemporary Art and the «Juliet» magazine of Trieste in the realisation of contemporary art exhibitions. She has exhibited in both one-man and group shows.
1998 Sensi accesi/Lavoro d’ufficio video 2001 Il viaggio video 2002 Le madri al mare video; Mattino, pomeriggio, sera video 2004 Controventi, settembre 2004 video 2005 La misura è colma video (diretto con / directed with Luca Gabrielli) 2006 Controventi, il laboratorio video; Circus meme (diretto con / directed with Ennio Guerrato); La città di Odradek cm, video
Nicola Gaiarin
Dopo la laurea in Filosofia, si è formato presso la Scuola di Process Counseling di Udine, lavorando sull’integrazione fra modelli di consulenza, sviluppo personale e potenziamento della creatività. Nel suo modello di lavoro, utilizza il cinema e la narrazione come risorse per il cambiamento personale e organizzativo. Attivo come blogger, tiene una rubrica sul mensile «Persone & conoscenze», collabora con varie testate web e ha pubblicato Counseling per manager (scritto con Alessandro Rinaldi ed Enrico Folchini).
Nicola Gaiarin, following his degree in Philosophy, trained with the School of Process Counseling in Udine, working on the integration of models for consultancy, personal development and increase of creativity. In his work model, he uses cinema and narrative as resources for personal and organisational change. Active as a blogger, he has a column in the monthly «Persone & conoscenze», works with various web titles and has published Counseling per manager (written with Alessandro Rinaldi and Enrico Folchini).
2006 Riflessi del Sé. Voci, volti e visioni da mondi paralleli doc., video (diretto con / directed with Antonio Giacomin, Alessandro Rinaldi)
Tony Gatlif
Di origini gitane e nazionalità francese, è nato ad Algiers (Algeria) nel 1948. Ha studiato Arti Drammatiche alla Scuola di Belle Arti di Parigi. Esordisce alla regia nel 1973 con il cortometraggio Max l'indien e due anni dopo gira il suo primo lungometraggio, La Tête en ruine. Il suo film rivelazione è Les Princes (L’uomo perfetto, 1982), molto apprezzato dalla critica. Nel 1993 esce Latcho Drom, documentario interamente dedicato alla cultura e alla musica gitane, che viene presentato a Cannes nella sezione “Un Certain Regard”. Nel 2004 Exils gli fa vincere il premio per la Miglior regia a Cannes. Gatlif, che è pure attore e produttore dei suoi film e collabora alla stesura della musica per i suoi lavori, ha realizzato anche documentari per la televisione, fra cui Lucumi e I Muvrini, entrambi per il canale Arte. Transylvania è stato il film di chiusura della scorsa edizione del festival di Cannes.
Tony Gatlif was born in 1948 in Algiers (Algeria) of Gypsy origin and French nationality. He studied dramatic arts at Ecole de Beaux-Arts in Paris. In 1973, he realized his first short film, Max l’indien, and in 1975 La tête en ruine, his first feature film. His revelatory film is Les Princes (1982), which earned great critical acclaim. In 1993 he realized Latcho Drom, a documentary about gipsy culture and music, presented in Cannes in the section “Un Certain Regard”. In 2004, Exils gained him the Best Director Award in Cannes. Gatlif, who also plays, writes and produces his films, also realized documentary films for television, like Lucumi and I Muvrini (both for Arte Channel). Transylvania, his last feature film, was the closing film, out of competition, at the latest Cannes Film Festival.
1973 Max l'indien cm; Maussane cm 1975 La tête en ruine 1978 La terre au ventre 1981 Canta Gitano cm 1982 Les princes (L’uomo perfetto); Corre Gitano cm 1985 Rue du départ (La ragazza senza fissa dimora) 1988 Pleure pas My Love 1990 Gaspard et Robinson 1993 Latcho Drom doc. 1995 Lucumi doc., TV; Mondo 1996 I Muvrini doc., TV 1997 Gadjo Dilo (Gadjo Dilo, lo straniero pazzo) 1998 Je suis né d'une cigogne 2000 Vengo (Vengo - Demone flamenco) 2002 Swing 2004 Exils; Premi / Awards: Cannes – Miglior regia / Best Director; Paris by Night (episodio di / an episode from Visions of Europe diretto con / directed with F. Akin, B. Albert, Š. Bartas, A. Bausch, C. Boe, F. Comencini, S. Coninx, C. Giannaris, S. Gedeon, C. Georgiou, P. Greenwaz, M. Hermoso, A. Iho, A. Kaurismaki, D. Kozole, L. Pakalniņa, K. Scicluna, M. Šulík, M. Syumowska, B. Tarr, J. Troell, T. Van Gogh, T. Villaverde, A. Walsh) 2006 Transylvania
Ivan Gergolet Nato a Monfalcone (GO) nel 1977, si è laureato nel 2006 al DAMS Cinema dell’Università di Bologna. Il suo primo lavoro del 2002 è un corto documentario in digitale, Migranti. Fra il 2003 e il 2004 collabora alla realizzazione di eventi culturali bolognesi, come Premio D.A.M.S. e AlmaJazz. Nel 2005 è cominciata la sua collaborazione con l’Ente Teatrale Regionale del FVG per il progetto Teatro & Scuola e l’attività di consulenza con alcuni istituti scolastici del goriziano per la realizzazione di progetti audiovisivi.
Ivan Gergolet was born in Monfalcone (GO) in 1977. He graduated in 2006 from the DAMS Cinema at the University of Bologna. His first
work in 2002 was a short documentary in digital format, Migrants Between 2003 and 2004, he worked on the realisation of cultural events in Bologna, such as the Premio D.A.M.S. and AlmaJazz. In 2005, he began working with the Ente Teatrale Regionale of Friuli Venezia Giulia for the Teatro & Scuola (Theatre & School) project and as consultant with some schools around Gorizia for the realisation of audio-visual projects.
2002 Migranti, cm, doc., video 2003 Purple News cm, video (diretto con / directed with Marcello Taibi, Giuseppe D’Agostino) 2006 Akropolis mm, doc., video; Quando il fuoco si spegne cm
Antonio Giacomin
Nato a Trieste nel 1974, si occupa di video dal 1993. Nel 1994 partecipa al Videoart Festival di Locarno con La rosa. Del 2002 è il suo primo lungometraggio sperimentale Ø, commistione di video, teatro, musica, performance. L’anno dopo dà vita con l’artista Elisa Vladilo al “duopixel”, che si occupa di installazioni artistiche interattive, e relaizzano Videoelogio alla lentezza . Nel 2004 presenta mør3l , performance interattiva di video-danza; ha realizzato poi altri video, fra cui DanSneg, presentato al Trieste Film Festival. Nel 2005 ha realizzato il suo primo documentario, Za svobodo - Per la libertà, anch’esso presentato a Trieste. Nel corso del 2006 ha fondato rvnet.eu, web TV di concezione innovativa e dato vita, in partnership con Dof, all’Emotional Media Project.
Antonio Giacomin was born in Trieste in 1974. He has been working with video since 1993, the year in which he partecipated in the Locarno Videoart Festival with La rosa. His first experimental feature-lenght film, Ø, dates from 2002; it is a mixture of video, theatre, music and performance. The following year he started “duopixel”, together with the artist Elisa Vladilo, who works with interactive artistic installations: they produce Videoelogio alla lentezza. In 2004, he presented mør3l, an interactive video-dance performance. He then made the video DanSneg, which was screened at the Trieste Film Festival. In 2005 he realized his first documentary film, Za svobodo - Per la libertà, also screened at our festival. During 2006 he founded rvnet.eu, an innovative web television and created, in partnership with Dof, the Emotional Media Project.
1993 Speranze e paure della vecchia Europa, paure e speranze della nuova Europa cm, video 1994 La rosa cm, video; War Games cm, video; Goodbye Cruel World cm, video 1997 Der neue Postmodernismus cm, video 1998 Insomnia solvet cm, video 2002 Ø (diretto con / directed with Roberto Ferluga) 2003 One cm, video 2004 Topolaus cm, video; DanSneg cm, video 2005 Za svobodo - Per la libertà mm, doc., video (diretto con / directed with Simoneta Biserka) 2006 Riflessi del Sé. Voci, volti e visioni da mondi paralleli doc., video (diretto con / directed with Alessandro Rinaldi, Nicola Gaiarin)
Franco Giraldi Nato nel 1931 a Comeno (ora Komen, Slovenia). Comincia a interessarsi di cinema negli anni Cinquanta prima come critico e giornalista (assieme ai triestini Kezich e Cosulich), per poi diventare l’assistente di Giuseppe De Santis in Uomini e lupi (1956). Lavora anche con Carlo Lizzani ne Il gobbo (1960), con Sergio Leone nel 1964 come regista di seconda unità in Per un pugno di dollari e con Valerio Zurlini ne Le soldatesse (1966). Debutta come regista nel 1966 con Sette pistole per
dizionario dei registi / dictionary of directors
i Mc Gregor che firma con lo pseudonimo di Frank Grafield, a cui segue, nel 1967, Sette donne per i Mc Gregor. Nel 1968 si cimenta nella “commedia all’italiana” con La bambolona interpretato da Ugo Tognazzi. Molto attivo negli anni Settanta, nel 1973 firma La rosa rossa, dal romanzo omonimo di Quarantotti Gambini, con Alain Cuny, produzione Rai. Sempre per la Rai dirige nel 1977 Un anno di scuola, tratto da un racconto di Giani Stuparich. Attivo anche come regista televisivo e di teatro, ha diretto anche documentari di carattere storico fra cui Ex-Jugoslavia, fogli di viaggio del 1994. La frontiera del 1996, con Giancarlo Giannini, Raoul Bova e Claudia Pandolfi, è stato premiato a Saint Vincent con la Grolla d’oro per la Migliore fotografia.
Franco Giraldi was born in Comeno (now Komen, Slovenia) in 1931. In the ‘50s he started his film career as a critic and journalist at first (with Kezich and Cosulich, also from Trieste) and then he became the assistant to Giuseppe De Santis in Uomini e lupi (1956). He worked also with Carlo Lizzani in Il gobbo(1960), with Sergio Leone as a second unit director in Per un pugno di dollari (1964) and Valerio Zurlini in Le soldatesse (1966). In 1966 he directed his first feature film, Sette pistole per i Mc Gregor, which he signed under the pseudonym of Frank Grafield, and in 1967 he made Sette donne per i Mc Gregor. In 1968 he measured with the “Italian comedy” directing La bambolona with Ugo Tognazzi. His activity was very fruitful in the ‘70s: in 1973 he made La rosa rossa, based on the homonymous novel by Quarantotti Gambini, with Alain Cuny, a Rai Production. In 1977, always for Rai he directed Un anno di scuola, based on a short story by Giani Stuparich. An active television and theatre director, too he made also historical documentaries among which Ex-Jugoslavia, fogli di viaggio (1994). His La frontiera (1996), with Giancarlo Giannini, Raoul Bova and Claudia Pandolfi, was awarded the Grolla d’oro for Best Photography at Saint Vincent.
1960 La Trieste di Svevo cm; Il Carso cm 1966 Sette pistole per i Mc Gregor 1967 Sugar Colt; Sette donne per i Mc Gregor 1968 Escondido / Un minuto per pregare, un istante per morire; La bambolona 1970 Cuori solitari 1971 La supertestimone 1972 Gli ordini sono ordini 1973 La rosa rossa 1975 Il lungo viaggio serie TV / TV series 1976 Colpita da improvviso benessere (Mercati generali) 1977 Un anno di scuola film TV 1978 La città di Zeno. A Trieste con Italo Svevo doc. 1980 La giacca verde 1981 Trieste 1948 doc. TV; Ivanov adattamento TV / TV adaptation; Cosa staranno dicendo (episodio di / episode of 1981: Anno internazionale degli handicappati diretto con / directed with Liliane De Kermandec) serie TV / TV series 1983 Ho ancora una valigia a Berlino programma TV / TV program 1984 Mio figlio non sa leggere serie TV / TV series 1985 Il Corsaro serie TV / TV series 1986 La fronda inutile. Ciano, Bottai e Grandi film TV 1987 Nessuno torna indietro serie TV / TV series 1988 Luisa film TV 1989 La bugiarda film TV 1991 Una vita in gioco film TV 1993 Ritratti di cantanti lirici. Beniamino Gigli programma TV / TV program 1994 Ex-Jugoslavia. Fogli di viaggio serie TV / TV series 1995 40 anni di Teatro Stabile a Trieste. Testimonianze e incontri programma TV / TV program 1996 La Frontiera 1997-99 L’Avvocato Porta serie TV / TV series 1999 Il centravanti è stato assassinato verso sera film TV; Alla ricerca di Sheherazade film TV 2000 Voci 2001 Un altro mondo è possibile doc. (film collettivo ideato e coordinato da / a collective work conceived and coordinated by Francesco Maselli) 2003 Firenze, il nostro domani doc. (film collettivo ideato e coordinato da / a collective work conceived and coordinated by Francesco Maselli)
Matthias Glasner È nato ad Amburgo nel 1965. Dopo aver lavorato al teatro dell’Opera della sua città fatto il proiezionista e vissuto in Russia e negli Stati Uniti, ha cominciato e girare film con Birgit Staudt. Nel 1993, ha fondato con Bernd Staudt la Jack Film & Music Productions e l’anno successivo ha prodotto il suo primo lungometraggio, Die Mediocren. Successivamente, ha fondato la Schwarzweiss Film Productions con Jürgen Vogel, per realizzare progetti futuri. Vive a Berlino.
Matthias Glasner was born in 1965 in Hamburg. After working at Hamburg Opera House and as a film projectionist, living abroad in Russia and United States, in 1983 he started making films with Birgit Staudt. In 1993, Glasner founded Jack Film & Music Productions with Bernd Medek and in 1994 he produced his feature film debut, Die Mediocren. He then founded Schwarzweiss Film Productions with Jürgen Vogel for future projects. He lives in Berlin.
1983 Why don’t we do it in the road video 1985 Requiem 1990 Schicksal und Zufall (diretto con / directed with Birgit Staudt) 1993 Herzblatt oder die sexuellen cm 1994 … Mein Süsses Hässliches Mädchen cm 1995 Die Mediocren 1996 Sexy Sadie; Einsatz HamburgSüd serie TV / TV series 1997 Die Mordkommission serie TV / TV series 1998 Fandango - Members Only 2000 Schimanski Muss leiden (episodio della serie TV / an episode from TV series Schimanski) 2001 Das Staatsgheimnis film TV; 99 Euro Films (episodio di / an episode from Die Selbsttötung der Sara W.) 2002 Flashback (episodio della serie TV / an episode from TV series Tatort) 2003 Die Fremde Frau film TV; Blond: Eva Blond! - Wie das Leben so spielt film TV 2005 Blond: Eva Blond! - Der sechste Sinn TV 2006 Der Freie Wille; Premi / Awards: Berlino - Orso d’Argento a Jürgen Vogel in qualità di produttore, sceneggiatore e attore protagonista / Berlin - Silver Bear for Outstanding Artistic Contribution to Jürgen Vogel as producer, writer and main actor; Tribeca Film Festival, Miglior Attore a / Best Actor to Jürgen Vogel
Robert Gligorov È nato nel 1960, a Kriva Palanca (Macedonia). Vive e lavora fra Milano e New York. Attore, illustratore, performer, utilizza il video e la fotografia, l’installazione e la pittura piegandoli alle esigenze di una ricerca che si misura sempre con i limiti e le ambiguità della rappresentazione e che sperimenta sempre materiali e linguaggi diversi. Artista poliedrico per eccellenza, Gligorov indaga continuamente, meticolosamente, le mutevoli sfaccettature della realtà, testando d’un lato l’artificioso volto delle cose e rovesciando dall’altro ciò che pare reale e attendibile per renderlo talvolta fantasioso, talvolta ironico. Le sue immagini esplorano un’identità in continua trasformazione spalancando le prospettive di una dimensione post-umana in cui il corpo, il volto e la pelle diventano piani di mutazione e di reinvenzione continua. Ormai conosciuto a livello internazionale, ha presentato i suoi lavori, in mostre personali e collettive, in gallerie, festival e manifestazioni internazionali di tutto il mondo. Fra i lavori in video di Robert Gligorov presentiamo La leggenda di Bobe - Animanimale n.1 (1998) e Borderline. The Origin of the Acorn (2001).
Robert Gligorov was born in Kriva Palanca (Macedonia) in 1960. He lives and works in Milan and New York. He is an actor, illustrator and performer, making use of photography, installations and painting and bending them to his needs as he presses forward the boundaries and
ambiguity of representation, always experimenting with new materials and techniques. All-rounder par excellence, Gligorov constantly and meticulously explores the changing aspects of reality, on the one hand testing the artificial face of things and on the other turning upside down what seems real and believable, making it sometimes fantastic and sometimes ironic. His pictures explore a constantly changing identity, laying bare the perspective of a post-human dimension, in which the body, face and skin become the planes of a continuous metamorphosis and reinvention. Gligorov now has a worldwide reputation and his works have been exhibited in one-man and group shows in galleries, festivals and international events throughout the world. Robert Gligorov’s video works which are being screened at this festival include The Legend of Bobe - Animanimal no.1 (1998) and Borderline. The Origin of the Acorn (2001).
Geanina Grigoras
Nata nel 1973, si è diplomata in regia all’UNATC “I.L. Caragiale”. Pre˛ul inocen˛ei è stato presentato in concorso al Festival International du Court-métrage di Clermont-Ferrand, dove ha vinto il premio della Stampa.
Geanina Grigoras was born in 1973 and graduated from UNATC “I.L. Caragiale”. Pre˛ul inocen˛ei was selected in competition at ClermontFerrand Festival International du Court-métrage, where won the Press Award.
2001 Cuminteia pamintului cm 2002 Zbor cm 2003 Izvor cm; Cuibul salbatic cm 2004 Pre˛ul inocen˛ei cm
Rajko Grlić
Nato a Zagabria nel 1947, si è diplomato in regia presso la FAMU di Praga. Dopo una serie di cortometraggi e documentari per la televisione, nel 1975 realizza il suo primo lungometraggio, Kud puklo da puklo. Grlić ha scritto inoltre diverse sceneggiature, prodotto quattro lungometraggi e due serial televisivi. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, fra cui un premio dell’UNESCO e un premio FIPRESCI. Attualmente, è Ohio Eminent Scholar in cinema presso la Ohio University (Athens, OH) e Direttore artistico del Motovun Film Festival.
Rajko Grlić was born 1947 in Zagreb, Croatia. He graduated in feature film directing from the FAMU Film Academy in Prague, Czech Republic. In 1974 he realized his first feature film, Kud puklo da puklo. Grlić has also written around 12 screenplays, produced four feature films and two television serials. He has received numerous awards for writing including a UNESCO award and a FIPRESCI award. Currently, he is Ohio Eminent Scholar in Film at Ohio University (Athens, OH) and Artistic Director of Motovun Film Festival, Croatia.
1966 Prolazak cm 1967 Vipra vej mi něco héskicho cm; {ur}a cm 1968 Nedorozumeni cm; Mi iz Praga cm, doc.; Svaki je čovjek dobar čovjek u r}avom svijetu doc., TV 1969 Hamlet cm 1970 Sve jedno drugo pojede cm 1971 Predgovor cm; Pohvale (6 ep.) doc. TV 1974 Pričam ti priču cm; Pitka voda i sloboda I cm; Kud puklo da puklo 1976 Zestoke proce (6 ep.) doc. TV 1978 Bravo Maestro; Zagreb cm 1981 Samo jednom se ljubi 1984 U raljama života 1986 Pitka voda i sloboda II cm; Za sreču je potrebno troje 1987 Bajka o Zagrebu cm 1989 {avoli raj 1991 Čaruga; Pariži, Istra cm 1997 Pasta Paolo cm 1999 Pitka voda i sloboda III cm 2001 Novo, novo vrijeme doc. (diretto con Igor Mirković,
Ivan Mirković) 2002 Josephine; Stina cm 2004 Roberto & Paolo mm, doc. 2006 Karaula
Birgit Grosskopf
È nata nel 1972 a Colonia. Dal 1993 al 1996 ha frequentato i corsi di cinema e teatro presso l’Università di Reading, in Inghilterra. Nel 1996 è tornata in Germania, dove si è iscritta all’Accademia tedesca del cinema e della televisione (DFFB) di Berlino e ha cominciato a girare i suoi primi cortometraggi. La Grosskopf collabora con alcune prestigiose società di produzione tedesche. Prinzessin è il suo primo lungometraggio.
Birgit Grosskopf was born in 1972 in Cologne (Germany). From 1993 to 1996 she studied film and drama at Reading University, England. In 1996 she moved to Germany, where enrolled the German Film and Television Academy in Berlin (DFFB) and began shooting her first short films. Grosskopf collaborates with some prestigious German film companies. Prinzessin is her first feature film.
1998 Babys in Taschen cm, 16mm 2000 Der Pilot cm, 16mm 2001 Jungs zum Anfassen cm 2003 Tabula Rasa cm, S16mm 2006 Prinzessin
Ennio Guerrato
Dopo gli studi inizia nel 1984 come attore marionettista con la compagnia i “Nuovi Piccoli di Podrecca” presso il Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia. Nel 1989 si attiva nel mondo della produzione video come regista e montatore. Realizza numerosi documentari per la RAI, videoclip per EMI e WEA, filmati istituzionali e promozionali per importanti aziende e istituzioni italiane. Parallelamente è attivo con Barbara Della Polla in produzioni teatrali che hanno la caratteristica di essere realizzati in spazi non convenzionali. Dal 1998 espone presso numerose gallerie d’arte usando come mezzo espressivo la videoinstallazione.
After his studies, Ennio Guerrato began work in 1984 as a puppet actor with the “Nuovi Piccoli di Podrecca” company with the Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia. In 1989, he entered the video production world as director and editor. He has made numerous documentaries for the RAI, videoclips for EMI and WEA, institutional and promotional films for major companies and Italian organisations. At the same time, he is active with Barbara Della Polla in theatre productions staged in nonconventional spaces. Since 1998, he has exhibited in numerous art galleries, using video-installations as his expressive medium.
filmografia non disponibile / filmography not available 2006 Il tramonto di Spartaco (Anteprima) cm, video
Aleksandr Gutman
Nato nel 1945, si laurea nel 1968 al Politecnico di Leningrado (ora San Pietroburgo). Nel 1978 si diploma allo VGIK di Mosca. Nei successivi trent’anni lavora come produttore, regista e cameraman (al suo attivo più di 100 film), accumulando una lunga lista di riconoscimenti. Tiene regolarmente lezione agli studenti dello VGIK e a quelli della Scuola di cinema di San Pietroburgo. Attualmente, collabora con il St. Petersburg Documentary Film Studio. Solnečnaja storona trassy è stato presentato l’anno scorso al Trieste Film Festival in Concorso documentari.
dizionario dei registi / dictionary of directors
Alexandr Gutman was born in 1945. He graduated from leningrad (now St. Petersburg) Polytechnic in 1968 and from Moscow’s Film School (VGIK) in 1978. He has been working as a producer, director and cameraman (he shot over 100 films) during the last 30 years and has a long list of prizes. Gutman regularly gives cinema lectures to the students of VGIK and St. Petersburg’s Film School. Currently, he’s working mostly with the St. Petersburg Documentary Film Studio. Solnečnaja storona trassy was selected in Documentary Competition at the latest Trieste Film Festival.
filmografia scelta / selected filmography
1991 Russkie ušli 1994 1244, 1245, 1246 1996 Telo bez golovy ili bodibilding 1998 Tri dnja i bo ľš e nikogda mm, doc.; Brubek vozvraščaetsja v Moskvu 2002 Putešestvie vjunosť 2004 Solnečnaja storona trassy doc.; Freski doc. 2005 V poiskach sčasťja mm, doc. 2006 Boris Eifman. Repetiziya baleta doc.; Skifskya suita
Misha Györik
Nato a Basilea nel 1971, dal 1991 al 1997 ha studiato regia cinematografica e televisiva all’Accademia di Cinema e Arti drammatiche di Budapest. Ha poi seguito, dal 1999 al 2001, corsi di sceneggiatura a Los Angeles, presso la University of Southern California. Ha realizzato alcuni cortometraggi e scritto due sceneggiature di lungometraggi.
Misha Györik was born in Basel in 1971, from 1991 to 1997 he studied film and theatre directing at the Budapest Academy of Cinema and Dramatic Arts. From 1999 to 2001, he then attended screenplay courses in Los Angeles at the University of Southern California. He has made some shorts and written two screenplays for feature films.
1992-93 The Railway Station cm, 16mm; Sounds from a Merman cm, 16mm 1994 The Amazing Alexander cm, 16mm 1996 Murder-They Said! cm 1998 Cross-roads mm; Non c’è più Paradiso cm TV, video 1999 Fleur Jaeggy - la paura del cielo cm, doc.. video 2001 Sierra Valley, tracce di Leventina in California mm, doc., video 2002 Storie di volontaria amicizia doc., video 2006 Strada Üllöi 22. Budapest 1956 mm, doc., video
Szabolcs Hajdu
Nato nel 1972 a Debrecen, in Ungheria. Ha studiato all’Università di teatro e cinema di Budapest e in seguito a inziato a lavorare come attore. Dopo alcuni cortometraggi, nel 2000 ha girato il suo primo lungometraggio, Macerás ügyek, che ha vinto il premio come Miglior film di esordio alla Settimana del cinema ungherese. Fehér tenyér è stato presentato nella Quinzaine des Réalisateurs a Cannes.
Szabolcs Hajdu was born in 1972 in Debrecen, Hungary. He studied at the Theatre and Film University in Budapest, then worked as an actor. After some short films, in 2000 he made his first feature Macerás ügyek, that won Best First Film Director Prize at the Hungarian Film Week. Fehér tenyér was premiered in Cannes’ Directors’ Fortnight.
1997 Nekropolisz cm 1998 Valaki kopog - Kicsimarapagoda cm 2000 Macerás ügyek 2004 Tamara; Hétköznapi enciklopédia I. cm 2006 Fehér tenyér; Premi / Awards: Budapest, Settimana del cinema unghereseMiglior regia - Miglior fotografia - Miglior montaggio / Budapest, Hungarian Film Week - Best Director - Best Cinematography - Best Editor; Karlovy Vary - Menzione speciale / Special Mention.
René Harder
Nato a Costanza nel 1971, ha studiato teatro e regia teatrale a San Pietroburgo e teatro a Giessen. Si è diplomato in regia presso l’Istituto di teatro, musical e cinema dell’Università di Amburgo. Dal 1998 lavora come regista, autore e attore in diversi teatri, ad Amburgo, Görlitz e Lipsia. Oltre a recitare in diverse produzioni televisive e cinematografiche tedesche, scrive anche pièces teatrali. Nel 2001 ha iniziato a scrivere anche sceneggiature per il cinema e a realizzare cortometraggi. Vive con la famiglia ad Amburgo.
René Harder was born in 1971 in Konstanz. He studied drama and stage direction in St. Petersburg and applied theatre studies in Giessen. He graduated in directing from the Institute of Theatre, Musical Theatre and Film at the University of Hamburg. Since 1998 he has been working as a director, author and actor at several theatres in Hamburg, Görlitz and Leipzig. Besides acting in German film and television productions and working in classical drama productions, he began writing own plays. In 2001 he began writing screenplays and realizing short films. René Harder lives with his family in Hamburg.
2001 Nah dran cm 2002 Der erste Blick cm (diretto con / directed with Christof Rupprecht) 2006 Herr Pilipenko und sein U-Boot (diretto con / directed with Jan Hinrik Drevs)
Villi Hermann
Nato nel 1941 da madre ticinese e padre svizzero tedesco, studia arti figurative a Lucerna, Krefeld e Parigi. Negli anni 1964-65 espone a Lucerna e Lugano i suoi primi quadri e disegni, e le sue litografie. In seguito frequenta la London School of Filmtechnique (LSFT), dove si diploma nel 1969. Tornato in Svizzera (dapprima a Zurigo, poi in Ticino), inizia a lavorare come cineasta indipendente, collaborando parallelamente con la Televisione svizzera - DRS Zürich e RTSI Lugano - per documentari e servizi culturali. Dal 1976 lavora con il Filmkollektiv di Zurigo. Nel 1981 fonda la propria casa di produzione, Imago Film, a Lugano. Attualmente vive nel Malcantone. Nel 2005 il Trieste Film Festival gli ha dedicato un omaggio.
Villi Hermann was born in 1941 of a mother from the Canton Ticino and Swiss German father, he studied figurative arts in Lucerne, Krefeld and Paris. In 1964-65, he exhibited his first paintings, drawings and lithographs at Lucerne and Lugano. Subsequently, he frequented the London School of Film Technique (LSFT), from which he graduated in 1969. After returning to Switzerland (first to Zurich, then to the Ticino), he began working as an independent film-maker, collaborating at the same time with Swiss television – DRS Zürich and RTSI Lugano – on documentaries and cultural reports. From 1976, he worked with the Filmkollektiv of Zurich. In 1981, he founded his own production house, Imago Film, in Lugano. He currently lives in the Malcantone. In 2005 the Trieste Film Festival dedicated a tribute to him.
1969 Fed up cm, 16mm 1970 10e Essai cm, 16mm; 24 su 24 (il contrabbandiere) 16mm, doc. 1974 Cerchiamo per subito operai, offriamo... mm, doc., 16mm 1977 San Gottardo 16mm, docufiction; Premi / Awards: Locarno - Pardo d’argento / Silver Leopard 1980 Es ist kalt in Brandenburg (Hitler töten) Niklaus Meienberg e Hans Stürm 16mm, docufiction 1981 Matlosa 1986 Innocenza 1989 Bankomatt 1992 En voyage avec Jean Mohr doc., 16mm 1996 Per un raggio di gloria doc., video 1998 Giovanni Orelli. Finestre aperte cm, doc., video;
dizionario dei registi / dictionary of directors
Tamaro. Pietre e angeli. Mario Botta Enzo Cucchi doc. 2000 Luigi Einaudi. Diario dell’esilio svizzero doc., video 2003 Mussolini, Churchill e cartoline. Fotoreporter Christian Schiefer 1896-1998 doc., video 2004 Walker. Renzo Ferrari mm, doc., video 2005 Sam Gabai. Presenze doc. 2006 Greina doc.; Pédra. Un reporter senza frontiere - L’avventura di Jean-Pierre Pedrazzini grande reporter di «Paris Match» doc., video
Erika Hniková
Nata nel 1976 a Praga, si è diplomata alla FAMU in regia documentaristica. Ha girato alcuni cortometraggi e documentari. È inoltre capo redattore della rivista «Novż Prostor».
Erika Hniková was born in 1976 in Prague and graduated in documentary filmmaking at FAMU film school. She realized short and documentary films. She is also chief editor of «Nov˝ Prostor» magazine.
2000 Čtyři kroky dvojpůlka cm 2001 Naše třída cm 2003 Ženy pro měny doc.; Modelování života cm 2004 Ženy pro měny; Jablunkov mm (episodio di / episode by Den E, diretto con / directed with Vít Janeček, Ivana Miloševičová) 2006 Sejdeme se v Eurocampu mm, doc. video
Andreas Horvath
È nato nel 1968 a Salisburgo, in Austria. È fotografo, regista e autore di libri fotografici sul Midwest Americano (1993) e sulla città siberiana di Yakutsk (2003).
Andreas Horvath was born in 1968 in Salzburg (Austria). He is a photographer, film director and author of a book of photographs on the American Midwest (1993) and the Siberian city of Yakutsk (2003).
filmografia scelta / selected filmography
1998 Clearance cm, video 1999 Poroerotus mm, doc., video (diretto con / directed with Clemens Haider) 2001 The Silence of Green mm, doc., Super8 2004 This Ain’t no Heartland doc.; Premi / Awards: Chicago, Festival Internazionale del documentario - Primo premio / International Documentary Film Festival - Main Prize 2006 Views of a Retired Night Porter mm, doc., video; Premi / Awards: Karlovy VaryMiglior Documentario Corto / Best Short Documentary
Vardan Hovhannisyan
Nato nel 1968 in Armenia, ha iniziato la sua carriera di documentarista nel 1985 lavorando come assistente alle riprese presso lo Yerevan Documentary Film Studio. Dopo aver prestato servizio per due anni nell’Armata Rossa, dal 1986 al 1988, è diventato operatore freelance: ha seguito le vicende tormentate e i conflitti etnici scoppiati nelle regioni un tempo sotto il controllo dell’Unione Sovietica, per conto di agenzie di stampa internazionali come CBS, Australian Broadcast Corporation (ABC), WTN (World Television News), Vesti (Russian TV News Program) e molte altre. Nel 1993, ha fondato il Bars Media Documentary Film Studio e ha cominciato a lavorare a progetti documentaristici sull’Armenia post-sovietica. È stato anche produttore esecutivo di documentari per organizzazioni internazionali come le Nazioni Unite e il British Council. I suoi lavori sono stati trasmessi da diversi canali televisivi di molti paesi.
Vardan Hovhannisyan was born in 1968 in Armenia. He began his documentary career in 1985 as an assistant cameraman at Yerevan Documentary Film Studio. After serving in the Soviet Army from 1986-
1988 Vardan became a freelance cameraman and covered the hot regions and ethnic conflicts related to the post-Soviet transition for international news agencies like CBS, Australian Broadcast Corporation (ABC), WTN (World Television News), Vesti (Russian TV News Program), and many others. In 1993 he founded Bars Media Documentary Film Studio and began working on documentaries about post-Soviet Armenia. Vardan was the Executive Producer of documentaries for organisations such as the United Nations and the British Council. His documentaries have been broadcast on various Tv stations in different countries.
filmografia non disponibile / filmography not available 2006 A Story of People in War and Peace doc. video
Victor Ibañez
È nato a Salem nell’Oregon (USA) nel 1959, ma è cresciuto nella bay area di San Francisco in California. Sin da giovane si è occupato di fotografia e video. Verso la fine degli anni settanta ha preso parte al movimento punk suonando il basso in un gruppo e fotografando e documentando la scena musicale dell’epoca in California. Con la rivoluzione digitale della metà degli anni novanta, lascia l’Italia, dove si era nel frattempo trasferito, per tornare nel Nord della California e terminare gli studi in scienze della comunicazione presso l'Università di Sonoma State in California. Attualmente, continua la sua attività di ricerca ed esplorazione del mondosotterraneo delle Performance Arts in una serie di brevi documentari.
Victor Ibañez was born in Salem, Oregon, in1959 but grew up in the San Francisco bay area. He has been involved in photography and video from his teen years. His work evolved out of the Punk music scene of the late seventies. He played bass in a band and photographed others on and off stage. With the digital revolution of the mid nineties Ibañez left his new home in Italy and returned to Northern California to finish a degree in communications at Sonoma State University. At present he is continuing his research, exploring the Underworld of the Performing Arts in a series of short documentaries.
filmografia non disponibile / filmography not available 2006 Franko B cm, video
José Enrique Iglesias Vigil È nato a Oviedo, in Spagna, nel 1972. Dopo aver studiato Filosofia all’Università della sua città, nel 1999 si è iscritto al Dipartimento di teatro, televisione e cinema della Scuola Nazionale di Cinema polacca (PWSFTviT) di Łódź, dove si è diplomato nel 2006, primo spagnolo a raggiungere tale obiettivo. Ha diretto diversi cortometraggi e documentari e ha anche lavorato come attore. Collabora anche con le più affermate compagnie teatrali polacche.
José Enrique Iglesias Vigil was born in Oviedo (Spain) in 1972. After studying Philosophy at Oviedo’s University, in 1999 he enrolled in the Department of Drama, Television and Film Direction at the Polish National Film School (PWSFTviT) in Łódź, gaining his degree in 2006, the first Spaniard ever to graduate from said school. He has directed several short films and documentaries and worked as an actor. He also collaborates with the well known Polish theatrical companies.
2000 Synowie Czlowieka cm, doc. 2001 Through the clouds cm 2002 Fulfilment cm, doc., video 2006 Pomiędzy cm
dizionario dei registi / dictionary of directors
Petra Jagric
È nata nel 1977 a Celje in Slovenia. Vive e lavora a Krsko. Fa parte di DZMP Luksuz produkcija e lavora come regista di documentari dal 2002. Ha al suo attivo reportage per televisioni locali e regionali e spesso lavora come operatore alle riprese nei documentari. I film da lei realizzati o per cui ha lavorato sono stati presentati in vari festival nazionali e internazionali di cinema indipendente e in televisioni locali e regionali.
Petra Jagric was born in 1977 in Celje (Slovenija). Currently living and working in Krsko. As a member of DZMP Luksuz produkcija, Petra Jagric is actively engaged in documentary filmmaking since 2002. Having experience in making reportages for local and regional TV, camera for documentary films. Films that she did or participated in were presented in various national and international independent film festivals and local and regional TV stations.
2004 Fashion girls cm, doc., video 2005 Attractive cactus on Venus cm, doc., video 2006 Pilotprojekt cm, doc., video; Bothsnian cm, doc., video; Jaz sem kmet cm, video (diretto con / directed with Massimo Mucchiut, Ana Radoslovic)
Salome Jashi
È nata a Tbilisi nel 1981. Giovane regista e giornalista georgiana, ha studiato all’Università di Tbilisi e si è diplomata, nel 2003, alla Scuola Caucasica di giornalismo e media management. Ha poi lavorato come giornalista per Rustavi 2, rete televisiva georgiana. Ha realizzato anche delle video-installazioni e da poco ha completato i suoi studi di regia documentaria alla Royal Holloway, Università di Londra. Attualmente, lavora per un canale televisivo georgiano e porta avanti la sua attività di documentarista freelance.
Salome Jashi was born in Tbilisi in 1981. She is a young filmmaker and journalist from Georgia. After Graduating from Tbilisi State University and Caucasus School of Journalism and Media Management in 2003, Salome Jashi worked for Georgian Broadcasting Company Rustavi 2 as a journalist. Along with television production she worked on short video installations. She has recently completed MA in Documentary by Practice at Royal Holloway, University of London. Currently, she works for a Georgian television company and is a freelance documentary filmmaker.
2006 One of Me cm, doc., video; Resistance for Existence cm, doc., video; Their Helicopter cm, doc., video
Francesco Jost
Nato a Locarno nel 1962, Franceso Jost lavora dapprima come grafico, fotografo e montatore. Nel 2003 realizza Il re è nudo, il suo primo cortometraggio. Jolido è stato presentato a Locarno, in concorso nella sezione ‘Pardi di domani’. È pittore e videoartista.
Born in Locarno in 1962, Francesco Jost worked as a graphic artist, photographer and editor before starting to make short films in 2003 with Il re è nudo Jolido was in competition at the Locarno Film Festival, in the ‘Leopards of Tomorrow’ section. Jost works also as a painter and videoartist.
2003 Il re è nudo cm 2006 Jolido cm
Radu Jude È nato a Bucarest nel 1977. Nel 2003 si è diplomato in regia presso la Universitatea Media di Bucarest. Ha lavorato come assistente alla regia in diverse produzioni romene (fra cui Moartea domnuluiLazarescu di Cristi Puiu) e internazionali, girate in Romania, come Amen di Costa Gavras. Ha diretto per la televisione romena diversi spot commerciali e alcuni episodi di serie televisive. Il suo Corp la corp è stato presentato in concorso al Trieste Film Festival nel 2004.
Radu Jude was born in Bucharest in 1977, where in 2003 he graduated in filmmaking at Media University. He worked as an assistant director for several Romanian and foreign features shot in Romania, including Amen by Costa Gavras and Moartea domnuluiLazarescu by Cristi Puiu. He directed some TV commercials and episodes of several TV series. His short Corp la corp was in competition at the Trieste Film Festival in 2004.
2000 Domnul Popescu doc. 2001 Problema cm 2003 Corp la corp cm
2004 The Black Sea cm 2006 Lampa cu caciula cm; Premi / Awards: Cottbus Film Festival - Gran Premio / Main Prize
Ágnes Kocsis
È nata a Budapest nel 1971. Dopo essersi laureata alla Facoltà d’arte dell’Università Eötvös Loránd di Budapest, si è specializzata in Lingua e letteratura polacca, in Estetica e Teoria del cinema. Nel 2003 ha trascorso un periodo di studi a Roma, al Centro sperimentale di cinematografia. Nel 2005 si è diplomata in regia presso l’Accademia ungherese di teatro e cinema di Budapest. Con A vírus ha vinto il terzo premio della Cinéfondation a Cannes. L’anno scorso ha realizzato il suo primo lungometraggio, Friss levegő, presentato a Cannes nella Settimana Internazionale della critica.
Ágnes Kocsis was born in Budapest, in 1971. After receiving her diploma from Eötvös Loránd University, Faculty of Arts, Budapest, she majored in Polish language and literature, Aesthetics, and Film-theory. In 2003 she attended two semesters at the Italian National Film School in Rome (aka Centro Sperimentale di Cinematografia) with a scholarship studying directing and scriptwriting. In 2005 she graduated as a film director from the Hungarian Academy of Theatre and Film Art Budapest. Her short film A vírus won the third prize of the Cinéfondation at the 59th Cannes Film festival, and Friss levegő, her first feature film was presented in the International Critics’ Week section of the same edition of the Cannes festival.
2000 Szortírozott levelek cm 2001 Ugyanúgy volna, mint Sandokan cm, doc., video 2003 18 kép egy konzervgyári lány életéből cm 2005 A vírus cm 2006 Friss levegő
Petar Krelja
Nato a Štip, in Macedonia, nel 1940. Critico cinematografico, a lungo redattore della radio croata, ha una laurea in letteratura comparata conseguita all’Università di Zagabria. Lavora nel cinema dagli anni ’60 e, a partire dagli anni ’70, si è affermato come autore di documentari socialmente impegnati. Negli anni ’90, di fronte alle conseguenze della guerra in Croazia, ha spesso lavorato su temi come il destino delle vittime dei conflitti. Nel corso degli anni, ha girato anche diversi lungometraggi di finzione.
Petar Krelja was born in Štip, Macedonia, in 1940. Film critic, and a long-standing film editor for Croatian Radio. He has a degree in comparative literature from the Faculty of Philosophy in Zagreb, and he has been a film professional since late 1960s. In 1970s, he established himself as the author of socially engaged documentaries. In 1990s, faced with consequences of the war in Croatia, he frequently worked on topics such as the fate of victims of war. He also made some feature films.
filmografia scelta / selected filmography
1969 Ponude pod broj… cm, doc. 1971 Budnica cm, doc.; Coprnice cm, doc. 1972 Recital cm, doc. 1973 Splendid Isolation cm, doc. 1975 Povratak cm, doc. 1976 Njegovateljica cm, doc. 1977 Prihvatna stanica cm, doc.; Vrijeme igre cm, doc. 1978 Radni tjedan cm, doc.; Usvojenje 16mm, mm 1979 Godišnja doba 1981 Vlakom prema jugu 1990 Stela 1991 Kovačica/Ljubičin dar cm, doc. 1992 Zoran Šipoš i njegova Jasna cm, doc. 1993 Hrvatski triptih doc. (diretto con / directed with Edi Mudronja); Kukuruzni put cm, doc.; Suzanin osmijeh mm, doc. 1995 Ana i Josip u carskom gradu mm, doc. 1998 Američki san; Moj brat Ante 2002 Spaljeno sunce mm, doc. 2003 Ispod crte 2005 Maratonac doc. 2006 Moja susjeda Tanja doc.
Stefan Krohmer
È nato a Balingen, in Germania, nel 1971. Ha studiato regia alla Filmakademie Baden-Württemberg di Ludwigsburg, dove ha realizzato Barracuda Dancing, adattato per il piccolo schermo. Dal 1999, lavora come freelance fra Berlino e Amburgo. Sommer ‘04 an der Schlei è stato presentato all’ultimo Festival di Cannes, nella Quinzaine.
Stefan Krohmer was born in Balingen in 1971. He studied directing at the Filmakademie Baden-Württemberg in Ludwigsburg, where he made Barracuda Dancing, which was also adapted for television. Since 1999 he has been working as a freelance in Berlin and Hamburg. Sommer ‘04 an der Schlei was presented at the latest Cannes Film Festival, in the “Quinzaine” section.
filmografia scelta / selected filmography
1999 Barracuda Dancing mm, TV 2000/01 Ende der Saison film TV 2003 Sie haben Knut; Familienkreise film TV 2004 Ein toter Bruder film TV 2006 Sommer ‘04 an der Schlei
Sergej Loznica
È nato a Barnoviči (oggi Bielorussia) nel 1964. Nel 1986 si è laureato al Politecnico di Kiev in Matematica. Dal 1987 al 1991 ha lavorato presso l’Istituto di Cibernetica di quella città, specializzandosi in sistemi complessi e intelligenza artificiale. Nel 1996 ha terminato i suoi studi di cinema allo VGIK di Mosca. Si è trasferito in Germania nel 2001, ma lavora ancora in Russia. Landschaft nel 2003 e il successivo Fabrika (2004) sono stati presentati entrambi in concorso al Trieste Film Festival.
Sergei Loznitsa was born in Baranowitschi (now Belarus), in 1964. In 1986, he graduated from the Kiev Polytechnic University (Faculty of Applied Mathematics). From 1987 to 1991 he worked at the University of Cybernetics (involved in specialist systems and artificial intelligence) in Kiev. In 1996, he took a degree in film directing from VGIK in Moscow. In 2001 he moved to Germany, but still works in Russia. His documentaries Landschaft in 2003 and Fabrika in 2004 were both in competition at the Trieste Film Festival.
1996 Segodnja my postroen dom cm, doc. (diretto con / directed with Marat Magambetov) 1998 Žizn’, osen’ mm, doc. (diretto con / directed with Marat Magambetov); Premi / Awards: Vila do Conde (Portogallo), Festival Internazionale del cortometraggio - Miglior documentario / Vila do Conde (Portugal), International Short Film Festival - Best Documentary 2000 Polustanok cm, doc. 2001 Poselenie doc. 2002 Portret cm, doc. 2003 Landschaft mm, doc. 2004 Fabrika mm. Doc 2005 Blokada mm, doc.; Premi / Awards: Festival Internazionale di Cracovia - Gran Premio “Drago d’Oro” / Cracow International Film Festival - Gran Prix “Golden Dragon” 2006 Artel’ mm, doc.
Agnieszka Lukasiak
Nata in Polonia nel 1977, è arrivata in Svezia come rifugiata politica all’età di sette anni. Ha compiuto i suoi studi a Stoccolma per poi trasferirsi a Łódź, dove ha frequentato la scuola di cinema dal 1997 al 2001. Ha realizzato diversi documentari e cortometraggi.
Agnieszka Lukasiak was born in Poland in 1977 and came to Sweden as a political refugee at the age of 7. She attended school in Stockholm before studying at the film school in Łódź (Poland) from 1997 to 2001. Agnieszka Lukasiak made short and full-length documentaries.
filmografia scelta / selected filmography
2000 Error cm, doc., 16mm; Bihm mm, doc., 16mm 2002 Algeria doc. 2003 Ya basta! cm, doc., video 2005 Bortglömda doc., video
Angelina Maccarone
Nata a Colonia nel 1965, ha studiato Letteratura tedesca, Letteratura americana e cinema all’Università di Amburgo. Prima di dedicarsi alla regia ha scritto diverse sceneggiature per la televisione. Nel 1994 ha girato il suo primo film televisivo, Kommt Mausi raus? diretto assieme ad Alexander Scherer. A questo ne sono seguiti altri, presentati e premiati in diversi festival internazionali. Nel 2005, ha realizzato Fremde Haut, suo debutto sul grande schermo, presentato a Berlino. Il film ha vinto il Gran premio della Giuria al festival di Montreal e il Premio del pubblico al festival di Toronto. Verfolgt, presentato a Locarno, ha vinto il Pardo d’Oro nella sezione “Cineasti del presente”. Il suo ultimo lavoro è Vivere
Angelina Maccarone was born in Cologne in 1965 and studied German and American Literature and Film at the University of Hamburg. She wrote several scripts for television films before devoting herself to her own projects. Maccarone made her directorial debut in 1994 with Kommt Mausi raus? (co-directed with Alexander Scherer). All her films received several awards in international film festivals. Fremde Haut (2005), presented at Berlin Film Festival, was her debut on large screen and won the Jury Grand Prix in Montreal and the Audience Award in Toronto. Verfolgt was presented in competition in Locarno, in the section “Filmmakers of the Present” and won the Golden Leopard. Her last feature film is Vivere
filmografia scelta / selected filmography 1994 Kommt Mausi raus? film TV (diretto con / directed with Alexander Scherer) 1997 Alles wird gut film TV; Ein Engel schlaegt zurueck film TV 2005 Fremde Haut; Premi / Awards: Toronto International Film Festival - Premio del pubblico / Audience Award 2006 Verfolgt; Premi / Awards: Locarno - Pardo d’Oro “Cineasti del Presente” / Golden Leopard “Filmmakers of the Present”; Vivere
dizionario dei registi / dictionary of directors
MASBEDO
Sono Nicolò Massazza (nato nel 1973 a Milano) e Jacopo Bedogni (nato nel 1970 a Sarzana, La Spezia). Vivono e lavorano a Milano. Hanno dato inizio alla loro collaborazione nel 1999, interessati entrambi a utilizzare le tecnologie più moderne per strutturare la loro ricerca artistica sulla mescolanza di media diversi, dalla fotografia al video, dal teatro alla musica. I loro lavori - video, video installazioni, ma anche fotografie e foto installazioni - sono stati presentati nei più importanti musei e manifestazioni internazionali. All’inizio del 2002 hanno collaborato con Michel Houellebecq a un allestimento ispirato al suo libro di poesia Il senso della lotta (Bompiani, 2000). La collaborazione è continuata l’anno successivo con 11.22.03, installazione audio e video che prende spunto da un saggio dello stesso Houellebecq, Rester Vivant, e prodotta dalla galleria LipanjePuntin artecontemporanea di Trieste. Fra le loro opere ricordiamo: Tossico della luce (2003), 11.45.03 (2004), Notte 266 (2004), Il mondo non è un panorama (2005), Gelo verticale (2005), Soltanto essere (2005). 11.45.03 e Notte 266 sono stati presentati l’anno scorso al Trieste Film Festival.
MASBEDO are Nicolò Massazza (1973, Milan, Italy) and Jacopo Bedogni (1970, Sarzana - La Spezia, Italy). They live and work in Milan (Italy). MASBEDO started their artistic collaboration in 1999 with the common intention to take advantage of the latest technologies in order to structure their artistic research on the mixing of different media such as photography, video, theater and music. Their works (videos, video installations, photographies, photo installations) have been presented in the most important international museums and public events. At the beginning of 2002 they have closely collaborated with the French writer Michel Houellebecq on an exhibition project inspired by his poetry book titled Le sens du combat (Flammarion, 1996). Their collaboration with the writer continued in 2003 with 11.22.03, an audio-video installation inspired by an essay book of Houellebecq, Rester Vivant, and produced by LipanjePuntin artecontemporanea of Trieste in 2003. Among their works there are: Tossico della luce (2003), 11.45.03 (2004), Notte 266 (2004), Il mondo non è un panorama (2005), Gelo verticale (2005), Soltanto essere (2005). 11.45.03 and Notte 266 were screened at the latest Trieste Film Festival.
Frédéric Mermoud
Nato a Sion nel 1969, ha studiato alla Scuola Cantonale d’Arte di Losanna (ECAL). Nel 1999, il suo film di diploma, Les électrons libres, è stato premiato al Festival di Locarno. Nel 2004, L’escalier, presentato anche al Trieste Film Festival, ha vinto il Pardino d’oro a Locarno.
Frédéric Mermoud was born in 1969 in Sion, he studied at the Cantonal School of Art of Lausanne (ECAL). In 1999, his diploma film, Les électrons libres, was awarded at Locarno Film Festival. L’escalier (2004), which was presented also at the Trieste Film Festival, won the Golden Baby Leopard in Locarno.
1996 Sinner cm, videoclip 1998 Délit mineur cm; Aller-retour cm; Nocturne cm, doc., video (diretto con / directed with Ph. Mach); Son jour à elle cm 1999 Les électrons libres cm; Premi / Awards: Locarno“I Pardi di domani” Premio Action Light / “The Leopards of Tomorrow” Action Light Prize 2000 Les paysages intérieurs de Gottfried Tritten cm, doc., video 2002 Dissonance: des idées dans la tête mm, doc., video 2003 L’escalier cm; Premi / Awards: Locarno - Pardino d’Oro / Golden Baby Leopard; Interview avec Tonie Marshall cm, doc. 2004 Bonhomme de chemin film TV 2006 Rachel cm
Catalin Mitulescu È nato a Bucarest nel 1972. Nel 1992 si è iscritto all’Università ma nel 1993 ha lasciato gli studi per venire a lavorare in Italia. Nel 1996 è ritornato in Romania e si è iscritto all’Università Nazionale di Teatro e Cinema (UNATC) di Bucarest, dove si è laureato nel 2000. Nel 1997 ha realizzato il suo primo cortometraggio, Un lucru care vine de la sine, e nel corso degli anni ha girato diversi spot e video musicali. Nel 2000, il cortometraggio Bucuresti - Wien 8:15 è stato presentato in numerosi festival internazionali, fra cui Cannes, Cottbus, Karlovy Vary. Trafic, del 2004, ha vinto la Palma d’Oro a Cannes come Miglior Cortometraggio. Cum mi-am petrecut sfârsitul lumii è il suo primo lungometraggio.
Catalin Mitulescu was born in 1972 in Bucharest. In 1992 he enrolled in University but in 1993 he interrupted his studies to work in Italy. In 1996 he came back to Rumania and enrolled in the Bucharest National Theatre and Film University (UNATC), where he graduated in 2000. In 1997 he realized his first short film, Un lucru care vine de la sine. He directed also commercials and music videos. In 2000, his short film Bucuresti - Wien 8:15 was presented in many important international film festivals, like Cannes, Cottbus, Karlovy Vary. In 2003, Trafic was selected in Cannes’s Short Film Competition and won the Palme d’Or. Cum mi-am petrecut sfârsitul lumii is his first feature film.
1997 Ingerii cm, video; Un lucru care vine de la sine cm, video 1998 La amiaza cm, video, 16mm 1999 Cea mai frumoasa este Ana cm; Adrian Copilul Minune cm, doc., video 2000 Asa cum vrei tu cm; BucurestiWien 8:15 cm 2001 17 minute întârziere cm 2002 Gerone cm 2004 Trafic cm; Premi / Awards: Cannes - Palma d’Oro / Palme d’Or 2006 Cum mi-am petrecut sfârsitul lumii
Massimo Mucchiut È nato a Trieste nel 1980. Dopo studi di psicologia, filosofia e un anno al Dams di Gorizia (con indirizzo cinema) decide di passare alla pratica. Realizza i primi video nel 2003, frequenta un workshop in Slovenia e inizia a collaborare con altri videomakers italiani, sloveni, serbi e croati. Video maker di professione, dal 2006 ha iniziato un’attività di video installazioni, video live performances e vjing che lo portano a esibirsi in vari festival e club nazionali e stranieri. Il suo corto Ultima chiamata ha vinto “Anteprima Zone di Cinema” ed è stato presentato, nel 2005, nella sezione “Zone di Cinema” del Trieste Film Festival.
Massimo Mucchiut was born in Trieste in 1980. After studying psychology and philosophy, and spending a year at the Dams in Gorizia (concentrating on cinema), he decided to pass to practical matters. In 2003 he made his first videos and frequented a workshop in Slovenia, and soon began to collaborate with other Italian, Slovene, Serb and Croat video-makers. A video-maker by profession, in 2006 he started working also as video artist, video live performer and vj in several festivals and clubs in Italy and abroad. His short Ultima chiamata was awarded in the “Anteprima Zone di Cinema” and screened, in 2005, at the Trieste Film Festival in “Zone di Cinema” section.
2003 SuperBubbaZinga cm, video 2004 Ultima chiamata cm, video 2006 Jaz sem kmet cm, video (diretto con / directed with Petra Jagric, Ana Radoslovic)
Cristian Mungiu
È nato nel 1968 a Iasi. Ha studiato Letteratura anglo-americana e si è laureato nel 1988. Ha iniziato a lavorare come insegnante d’inglese e
poi anche come giornalista. Ha fatto esperienza come intrattenitore per la radio e producer di serie televisive di intrattenimento. Nel 1998 si è laureato in regia all’UNATC, la Scuola di cinema e teatro di Bucarest. Durante gli studi ha lavorato come assistente alla regia per parecchi film francesi e americani girati in Romania, tra gli altri con Bertrand Tavernier per Le Capitaine Conan e con Radu Mihaileanu per Train de vie. È membro dell’UCIN (Unione dei registi rumeni) dal 1998. Occident, il suo primo lungometraggio, presentato nella Quinzaine a Cannes e ad Alpe Adria Cinema nel 2003, ha vinto diversi premi, fra cui il premio Fipresci al festival di Sofia e il premio del Pubblico a Salonicco. Nel 2005 ha preso parte con Turkey Girl al film collettivo Lost and Found, cui hanno partecipato altri sei giovani registi dell’Europa dell’Est. Nel 2003 ha fondato, con Hanno Hofer e Oleg Mutu, la società di produzione Mobra Films. All’attività di regista, Mungiu affianca quella di scrittore: nel 2002 è uscito il suo primo libro, Cristian Mungiu: 7 screenplays.
Cristian Mungiu was born in 1968 at Iasi. He studied Anglo-American literature and graduated in 1988. He began working as an English teacher and then also as journalist. He gained experience as an entertainer on radio and as producer of a television entertainment series. In 1998, he graduated in directing from the IATC, the Bucharest school of cinema and theatre. During his studies, he worked as assistant to the director on a number of French and American films made in Romania, including with Bernard Tavernier on Le Capitaine Conan and with Radu Mihaileanu on Train de Vie. He has been a member of UCIN (Union of Romanian film-directors) since 1998. Occident, his first feature-length film, was premiered at Quainzaine des Realisateurs in Cannes and presented in 2003 at Alpe Adria Cinema, won many prizes, among them the Fipresci Award at International Film festival and the Auydience Award in Thessaloniki. Nel 2005 he took part, with Turkey Girl, to Lost and Found, an omnibus film involving other six young east-European filmmakers. In 2003, he created, along with Hanno Hofer and Oleg Mutu, the production company Mobra Films. Besides filmmaking, Cristian Mungiu is also active in literary circles: his first book, Cristian Mungiu: 7 screenplays was published in 2002.
1994 Everything OK cm, video 1995 Late Awakening cm, video 1996
Cazul Horia Viorel 16mm, cm, doc. 1997 Mariana cm 1998 Mina Lui Paulista cm 2000 Nici o Intimplare cm; Zapping mm; Corul Pompierilor mm 2002 Occident; Premi / Awards: Salonicco, FestivalInternazionale del cinema - Premio del pubblico / International Thessaloniki Film Festival - Audience Award; Sofia, FestivalInternazionale del cinemaPremio FIPRESCI / FIPRESCI Award 2005 Turkey Girl (episodio di / episode of Lost and Found diretto con / directed with Stefan Arsenijević, Nadejda Koseva, Mait Laas, Kornél Mundruczó, Jasmila Žbanić)
Radu Muntean
Nato nel 1971 in Romania, si è diplomato in regia nel 1994 presso l’Università di Teatro e Cinema di Bucarest (UNATC). Nel 1992 realizza il primo cortometraggio documentario, Si ei sunt ai nostri, e due anni dopo esordisce nel lungometraggio con Ea . Il documentario successivo, Viata e in alta parte, viene presentato a Locarno, dove vince il Premio speciale del Concorso video. Muntean ha inoltre collaborato con i più importanti gruppi rock del suo paese realizzando una decina di videoclip e diretto più di trecento spot pubblicitari per
agenzie come McCann Ericsson, Saatchi & Saatchi, Leo Burnett, fra le altre. Hîrtia va fi albastra, selezionato in diversi festival internazionali, ha ottenuto la Menzione speciale della Giuria a Sarajevo e Cottbus.
Radu Muntean was born in 1971 in Romania. He graduated in 1994 from the Theatre and Film Academy (UNATC), the Film Direction section. In 1992, he realized his first short documentary, Si ei sunt ai nostri, and in 1994 he shot his first feature film, She. His following documentary film, Viata e in alta parte, was presented at Locarno Film Festival and won the Special prize of Compétition vidéo. Muntean also worked with the biggest Romanian rock bands, realizing many music videos and realized more than three hundred commercials for agencies such as McCann Ericsson, Saatchi & Saatchi, Leo Burnett among the others. Hîrtia va fi albastra, selected in various film festivals, was awarded the Special Jury Mention in Sarajevo and Cottbus.
1992 Si ei sunt ai nostri cm, doc., 16mm 1994 Lindenfeld 1994 doc., video; Ea 1996 Tragica poveste de dragoste a celor doi video; Viata e in alta parte doc., video; Premi / Awards: Locarno - Premio Speciale del Concorso video / Special Prize in the Video Competition 2002 Furia 2006 Hîrtia va fi albastra; Premi / Awards: Sarajevo Film FestivalMenzione speciale della Giuria / Jury Special Mention; Cottbus Film Festival - Menzione speciale della Giuria / Jury Special Mention
Fredi M. Murer
È nato nel 1940 a Beckenried vicino al Lago di Lucerna. A 17 anni si trasferisce a Zurigo, dove dal 1959 comincia a studiare disegno tecnico all’Istituto di Design di quella città. Dopo due anni passa a studiare fotografia nel corso sepcializzato tenuto da Serge Stauffer (più tardi fondatore della Scuola d’Arte indipendente F+F) e Walter Binder (che poi diventerà il curatore della Fondazione Svizzera per la fotografia). Nel 1964, Murer espone una mostra di sue fotografie dal titolo “Jugend 1320” all’interno del padiglione “Schulwesen und Erziehung” nell’ambito dell’EXPO 64 di Losanna e inizia a lavorare al film Pazifik – oder die Zurfriedenen. Nel 1970 si trasferisce con la famiglia a Londra, quasi una sorta di “esilio”, dove tiene delle conferenze presso la Guildford Arts School. Nel 1971 ritorna in Svizzera dove fonda la compagnia di produzione Nemo Film GmbH assieme ad Alexander J. Seiler, Georg Radanowicz, Kurt Gloor, Claude Champion, Yves Yersin, Hans-Ulrich Schlumpf e Ywan Schumacher. Dal 1975 al ’76 va negli Stati Uniti per un viaggio di studio. Dal 1995 Murer vive e lavora a Zurigo. Dal 1992 al 1996 è stato presidente dell’Associazione dei Filmmaker svizzeri. Come filmmaker indipendente e aperto alla sperimentazione, Murer ha contribuito più di tutti alla rinascita del cinema svizzero. Nel 1995 ha vinto il Premio della Città di Zurigo per l’Arte, mentre nel 1997 è stato insignito del Premio Nazionale della Svizzera per la Cultura. Nel 2005 gli è stato inoltre conferito un Premio alla carriera dalla Fondazione di Zurigo per l’Etica e la Cultura occidentale: per la prima volta questo premio è stato attribuito a un filmmaker, il cui lavoro nell’ambito del cinema svizzero viene descritto come “esemplare per la forza del suo messaggio”.
Born in 1940 in Beckenried by Lake Lucerne, at the age of 17 Fredi M. Murer moved to Zurich, where, from 1959, he studied technical drawing at the School of Design. After two years, he transferred to the specialist photography class run by Serge Stauffer (later founder of the independent arts school F+F) and Walter Binder (later curator of the Swiss Photography Foundation). In 1964 he published the collection of
dizionario dei registi / dictionary of directors
his photographs “Jugend 13-20” in the “Schulwesen und Erziehung” pavilion at the national EXPO 64 exhibition in Lausanne and began making his film Pazifik - oder die Zurfriedenen. In 1970 he and his family went into “exile” in London for a year, where he served as a visiting lecturer at the Guildford Arts School. In 1971 he returned to Switzerland where he founded the Nemo Film GmbH production company, together with Alexander J. Seiler, Georg Radanowicz, Kurt Gloor, Claude Champion, Yves Yersin, Hans-Ulrich Schlumpf and Ywan Schumacher. In 1975/76 he went to the USA for a study visit. Since 1995 Murer has lived and worked in Zurich. From 1992 to 1996, he was President of the Swiss Film-Makers Association. As an innovative and independent filmmaker, Murer has made a major contribution to the renaissance of the Swiss cinema. Winner of the City of Zurich Arts Prize in 1995 and the Central Swiss Cultural Prize in 1997, in 2005 he was honoured by the Zurich Foundation for Western Ethics and Culture with a lifetime achievement award. This was the first time the prize had been conferred on a film-maker, the position of his work in the world of the Swiss cinema being described as “exemplary for the power of its message”.
1962 Marcel cm,Super8 1965 Pazifik - oder die Zurfriedenen 16mm; Balance cm, 16mm; Sylvan cm, 16mm 1966 Chicorée: elf schizofragmentarische Aufzeichnungen über das Leben des Comte Ivan Merdreff cm,16mm; Bernhard Luginbühl cm, 16mm 1967 High and Heimkiller cm, 16mm 1969 Sad-is-Fiction mm, 16mm; Vision of a Blind Man mm, 16mm; 2069 - oder dort, Wo sich Futurologen und Archäologen gute Nacht sagen mm (episodio di / episode of Swissmade diretto con / directed with H. R. Giger, Fritz E. Mäder, Yves Yersin) 1972 Passagen mm, 16mm 1973 Christopher & Alexander mm, 16mm 1974 Wir Bergler in den Bergen sind eigentlich nicht schuld, dass wir da sind 16mm; Premi / Awards: Locarno - Premio FIPRESCI / FIPRESCI Prize 1979 Grauzone 16mm 1985 Höhenfeuer (Alpine Fire); Premi / Awards: Locarno - Pardo d’Oro / Golden Leopard 1987 Sehen mit anderen Augen mm, doc., 16mm 1990 Der grüne Berg doc., 16mm 1998 Vollmond (Full Moon) 2004 Downtown Switzerland doc. 2006 Vitus
Cristian Nemescu (1979 – 2006)
Nato a Bucarest nel 1979, si è diplomato nel 2003 presso l’UNATC “I.L. Caragiale” della sua città. Durante l’ultimo anno di scuola ha girato, Poveste la scara C, presentato con successo in diversi festival internazionali e in lizza agli European Academy Awards come Miglior cortometraggio dell’anno. Nel 2006 ha girato Marilena de la P 7, mediometraggio presentato a Cannes nella Settimana Internazionale della critica. Nell’agosto dello stesso anno è morto, insieme al suo amico e tecnico del suono Andrei Toncu, in un incidente stradale a Bucarest. Aveva appena finito di girare il suo primo lungometraggio, California Dreaming, all’epoca in fase di post-produzione.
Cristian Nemescu was born in Bucharest in 1979 and graduated from the UNATC “I.L. Caragiale” in 2003. During his final year in the academy he made a short film, Poveste la scara C, that was screened in various film festivals, receiving several awards and got a nomination for "best short film" for the European Film Academy's Awards in 2004. In 2006 he realized Marilena de la P 7, a 45-minute feature film presented in Cannes at International Critics’ Week. Nemescu, along his friend and sound engineer Andrei Toncu, died in August 2006 in a car crash in Bucharest. At that time he just finished shooting his first feature film, California Dreaming. The film was in post-production.
2000 La bloc oamenii mor dupaamuzicaa cm 2001 Kitschitoarele 2FM cm, doc.; Mihai si Cristina cm 2002 Mecano cm 2003 Poveste la Scara C cm 2006 Marilena de la P 7 mm
Radoy Nikolov
Nato in Bulgaria nel 1973, studia fotografia e regia. Nel 2005 si diploma in regia e regia televisiva al NATFA (Accademia nazionale del teatro e del cinema) di Sofia. Dal 2002 lavora anche come assistente alla regia. TIR è il suo lavoro di diploma.
Radoy Nikolov was born in Bulgaria in 1973, he studied photography and then filmmaking. In 2005 he graduated from NATFA (National Academy for Theatre and Film Arts) in Sofia. Since 2002 he has been working also as assistant director. TIR is his diploma film.
2001 The Coach cm 2003 Echo cm; 40 Days Life cm; 30 Years Later doc. 2005 TIR cm
Petar Odažiev
È nato nel 1962 a Plovdiv in Bulgaria. Diplomatosi nel 1992 presso l’Accademia di musica “Pancho Vladigerov” in regia operistica, nel 2000 si è poi specializzato in regia cinematografica e televisiva all’Accademia nazionale di teatro e cinema “Krastyo Sarafov” di Sofia. Oltre a essere produttore (è general manager della compagnia di produzione indipendente Odavision, specializzata in produzione cinematografica, televisiva e teatrale), Odažiev ha diretto diverse opere liriche, pubblicità e video musicali.
Petar Odazhiev was born in Plovdiv (Bulgaria) in 1962. Graduated in 1992 from Musical Academy “Pancho Vladigerov” in musical theatre directing. In 2000 he also graduated in film and TV directing from National Academy of Theatre & Film Arts “Krastyo Sarafov” (Sofia). Also a producer (he is general manager of Odavision, an indipendent production company specialized in film and Tv production and theatre production), he directed several operas, many commercials and musical videos.
1993 Peperudata cm 1994 Paradoksi cm 1995 Asansort cm 1996 Fuete cm 1997 Passions by Dostoevski 1999 Celuvka za leka nošč cm 2001 Kamerata sitcom TV 2002 Prikazkite na šecherezada dnes doc.; 11 Septemvri, načaloto doc. 2003 Muzikata na južnite ostrovi doc.; Za smecha doc. 2003-2005 Chotel Balgarija serie 2005 Edin kinoman v načaloto na veka mm, doc.; Ot prastitena starite majstori doc. 2006 Uzana doc.
Matteo Oleotto È nato a Gorizia nel 1977. Nel 2001 si è diplomato in recitazione presso la Civica Accademia d’Arte Drammatica “Nico Pepe” di Udine. Nel 2005 ha terminato i suoi studi presso il Centro Sperimentale di Cinematografia - Scuola Nazionale di cinema di Roma, dove si è diplomato in regia. Di Matteo Oleotto, Trieste Film Festival ha presentato nel 2003 il cortometraggio Passeranno anche stanotte e nel 2005 Stanza 21.
Matteo Oleotto was born in Gorizia in 1977. In 2001 earned a diploma in recital from the Civica Accademia d’Arte Drammatica “Nico Pepe” in Udine and a diploma in film directing in 2005 from the Centro Sperimentale di Cinematografia - Scuola Nazionale di Cinema in Rome.
In 2003, the Trieste Film Festival presented his short Passeranno anche stanotte and in 2005 his Stanza 21
1997 Vite invisibili doc. 1998 Domani si comincia cm 1999 Campi neutrali cm 2001 La luna ci guarda cm 2002 Il popolo delle fate e Beleno cm; Fantasie disperse cm; Passeranno anche stanotte cm 2004 Stanza 21 cm 2006 A doppio filo cm
Laila Pakalniņa È nata nel 1962 a Liepaja, Lettonia. Nel 1986 si è laureata in giornalismo televisivo presso l’Università di Mosca. Si è successivamente diplomata in regia, nel 1991, allo VGIK di Mosca. Ha realizzato diversi documentari e due lungometraggi, presentati e premiati in molti festival internazionali. Il Trieste Film Festival ha presentato nel 2005 i suoi Buss e Leiputrija
Laila Pakalniņa was born in 1962 in Liepaja (Latvia). In 1986, she graduated in TV journalism at the Moscow University. Then, in 1991, she graduated in Film Direction at the Moscow VGIK. She has made numerous documentaries and two feature films that also received awards at international festivals. Leiputrija and Buss were both presented in 2005 at the Trieste Film Festival.
1988 Un doc. 1991 Doms doc.; Veļa doc.; Iešana doc. 1992 Annas Ziemassvētki cm, video 1993 Baznīca doc. 1994 Prāmis doc. 1995 Pasts doc.; Ubāns doc. 1997 Ozols doc. 1998 Kurpe 2000 Mostieties! doc. 2001 Papa Gena cm, doc. 2002 Mārtiņš doc. 2003 Pitons 2004 Būs labi cm, S16mm (episodio di / an episode of Visions of Europe); Buss mm, doc.; Leiputrija mm, video 2006 Ūdens cm; Ķīlnieks
Thierry Paladino
Nato nel 1981, ha studiato ad Aix-en-Provence e all’Accademia di Belle Arti di Marsiglia. Si è diplomato poi in regia documentaristica presso la Scuola di cinema Andrzej Wajda (Mistrzowska Szkoła Reżyserii Filmowej Andrzeja Wajdy).
Thierry Paladino was born in 1981. He studied in Aix-en-Provence and then at the Academy of Fine Arts in Marseille. He graduated from the Documentary Course at the Andrzej Wajda Master School of Film Directing.
2005 Cisza II cm, doc., video (diretto con / directed with Jean-Baptiste Delannoy, Marcin Janos Krawczyk, Magda Kowalczyk, Anna Skorupa, Marcin Sauter) 2006 W sklepie doc.; Na działce cm, doc.
György Pálfi
È nato a Budapest nel 1974. Nel 1995 si è iscritto all’Accademia d’Arte drammatica e Cinematografica e ha realizzato alcuni corti, invitati nei principali festival internazionali. Nel 2002 si è diplomato in regia e ha iniziato a sviluppare il progetto di Hukkle, suo primo lungometraggio, premiato alla Settimana del cinema ungherese e in altri festival importanti. Il film è stato presentato anche al Trieste Film Festival. L’anno dopo realizza Táltosember vs. Ikarus, un segmento del film collettivo Jött egy busz..., che vince il premio per la Miglior Regia alla Settimana del cinema ungherese. Taxidermia, scritto con la moglie Zsófia Ruttkay, ha vinto diversi premi, fra cui quello di Miglior Film alla Settimana del Cinema Ungherese di Budapest. È stato presentato a Cannes nella sezione “Un Certain Regard”.
György Pálfi was born in Budapest in 1974. In 1995, he entered at the Academy of Dramatic and Cinematographic Arts and produced several short films that were screened in leading international festivals. In 2000, he earned a diploma in directing and began to develop the project for Hukkle, his first feature film, whiche gained an award at the Hungarian Cinema Week in Budapest and at other international festivals. The film was also screened at the Trieste Film Festival. He shared the Best Director prize at the 35rd Hungarian Filmweek for his segment, Táltosember vs. Ikarus, in the omnibus film Jött egy busz... (A Bus Came…). Taxidermia, which he co-wrote with his wife, Zsófia Ruttkay, won the award for Best Film and the Gene Moskowitz Prize of Foreign Critics at the 37th Hungarian Filmweek. The film was also screened in Cannes, in the “Un Certain Regard” section.
1994 Break és Csekk II cm 1997 A hal- Ikhthüsz cm 1998 Valaki kopog - Hetedik szoba: Az ördöglakat cm; Körbe cm 2002 Hukkle; Premi / Awards: Budapest, Settimana del cinema ungherese - Miglior Opera prima, Premio Gene Moskowitz dei critici stranieri / Budapest, Hungarian Film Week - Best First Film, Gene Moskowitz Prize of Foreign Critics; San Sebastian - Premio speciale nella categoria “Opera prima” / Special Prize of the First Film Competition; Cottbus, Festival del cinema dell’Europa dell’Est - Premio speciale, Premio del pubblico, Premio della giuria di sutdenti / Cottbus, Festival of East European Cinema - Special Prize, Audience Prize, Prize of the Student Jury 2003 Táltosember vs. Ikarus cm (episodio del film / an episode of the film Jött egy busz..., diretto con / directed with Viktor Bodó, Kornél Mundruczó, Árpád Schilling, Ferenc Török) 2006 Taxidermia; Premi / Awards: Budapest, Settimana del cinema ungherese – Miglior Film, Miglior attrice non protagonista, Miglior attore non protagonista, Miglior scenografia, Premio Gene Moskowitz dei critici stranieri / Budapest, Hungarian Film Week - Main Prize, Best Supporting Actress, Best Supporting Actor, Best Art Director, Gene Moskowitz Prize of Foreign Critics
Petar Pašić
È nato a Belgrado nel 1973. Ha studiato produzione cinematografica e televisiva alla facoltà di Arti Drammatiche di Belgrado. Vive da anni in Slovenia, dove ha realizzato video pubblicitari e musicali. Nel 2000 ha esordito nella regia con Soliter, premiato al Festival Internazionale di Cinema e Video Indipendente di New York. Il suo corto Zadnja želja è stato presentato in concorso, nel 2004, al Trieste Film Festival. Nel 2006 ha girato il suo primo lungometraggio Mi nismo an}eli 3: Rokenrol uzvraća udarac
Petar Pašić was born in Belgrade in 1973. He studied film and television production at the faculty of Dramatic Arts in Belgrade. He then moved to Slovenia, where he mostly directed commercials and music videos. In 2000 his directorial debut, Soliter, won him an award at the New York International Independent Film and Video Festival. In 2004, his short Zadnja želja was in competition at the Trieste Film Festival. In 2006 he realized his first feature film, Mi nismo an}eli 3: Rokenrol uzvraća udarac
2000 Soliter video 2003 Zadnja želja cm 2005 Ohcet cm 2006 Mi nismo an}eli 3: Rokenrol uzvraća udarac
dizionario dei registi / dictionary of directors
Goran Paskaljević È nato a Belgrado nel 1947. Dal 1967 al 1971 ha studiato alla FAMU di Praga. Il suo primo cortometraggio Pan Hrstka, del 1969, venne censurato dal regime cecoslovacco. Il film venne comunque notato da Milos Forman, Jiří Menzel e Věra Chytilová. Dal 1971 a oggi, ha girato documentari (soprattutto su tematiche sociali), cortometraggi e quattordici lungometraggi. Molti di questi sono stati premiati e apprezzati nei festival più prestigiosi, a cominciare dal suo primo lungometraggio Čuvar plaže u zimkom periodu, del 1976, presentato al Festival di Berlino, dove vince il Premio Internazionale della Critica. Nel 1992, il dilagare del nazionalismo in Jugoslavia lo costringe a lasciare il paese. Tornato nel 1998 per realizzare Bure baruta (La polveriera), subisce attacchi pesanti dalla stampa per le sue continue critiche al regime di Milosević. Decide quindi di lasciare una seconda volta il suo paese, alla ricerca di un luogo dove poter realizzare il suo film How Harry Became a Tree, che infatti viene girato in Irlanda. Ha potuto far ritorno a Belgrado solo dopo la caduta di Milosević
Goran Paskaljević was born in Belgrade in 1947. Between 1967 and 1971, he studied at FAMU, in Prague. His first short film Pan Hrstka (1969) was banned by the Czechoslovakian regime. The film, however, was noticed by Milos Forman, Jiří Menzel and Věra Chytilová. From 1971 to the present, he has made many documentaries (expecially on social themes), short films and 14 feature films, many of which have been awarded and acclaimed at the most prestigious international film festivals. His first feature film, Čuvar plaže u zimkom periodu (1976) was shown at the Berlin Festival, where it gained the International Critics’ Prize. The rise of nationalism in Yugoslavia forced him to leave his country in 1992. In 1998 he returned to make Bure baruta (The Powder Keg) but his constant criticism of Milosevic’s regime met with violent, menacing attacks in the official press. Therefore, he decided once more to leave his native land in search of a country where he could make his film, How Harry Became a Tree: the movie was shot in Ireland. He returned to Belgrade upon the collapse of the Milosević’s regime.
1969 Pan Hrstka cm 1970 Několik slov o lásce cm 1971 Legenda o Lapotu cm 1971-74 Dosljaci serie TV / TV series 1973 Deca serie TV / TV series; Sluga cm, doc. 1974 Teret doc.; Potomak cm; Kapetan Janko cm, doc., TV 1975 Iz pobede u pobedu cm, doc., TV 1976 Čuvar pla že u zimkom periodu; Premi / Awards: Berlino - Premio della critica / Berlin - Critics’ Prize; Pula Film Festival - Arena d’oro, Premio della critica / Golden Arena, Critics’ Prize; Film dell’anno in Jugoslavia / Film of the Year in Yugoslavia 1978 Pas koji je voleo vozeve; Premi / Awards: Berlino - Premio della critica / Berlin - Critics’ Prize 1979 ...Zemaljski dani teku; Premi / Awards: Mostra del Cinema di Venezia - Premio FIPRESCI / Venice Film Festival - FIPRESCI Prize; Film dell’anno in Jugoslavia / Film of the Year in Yugoslavia; Sipad cm, doc. 1980 Poseban tretman; Premi / Awards: Cannes - Premio come Miglior Attrice non protagonista a / Best Supporting Actress to Milena Dravić; Pula Film Festival - Arena d’oro / Golden Arena 1982 Twilight Time (Il tempo del crepuscolo) 1984 Varljivo leto ‘68 1987 An}eo čuvar 1990 Vreme cuda; Premi / Awards: San Sebastian Film Festival - Premio FIPRESCI / FIPRESCI Prize 1992 Tango Argentino; Premi / Awards: San Francisco Film Festival - Premio del pubblico / Public Prize 1995 Someone Else’s America; Premi / Awards: Cannes - Premio speciale del pubblico / Special Prize of the Audience 1998 Bure baruta (La polveriera / The Powder Keg); Premi / Awards: Mostra del Cinema di Venezia - Premio FIPRESCI / Venice Film Festival - FIPRESCI Prize
2001 How Harry Became a Tree (Come Harry divenne un albero) 2004 San zimske noći (Midwinter Night’s Dream); Premi / Awards: San Sebastian Film Festival - Premio Speciale della Giuria / Special Prize of the Jury 2006 Optimisti
Joseph Péaquin È nato ad Avignone in Francia da genitori valdostani nel 1971. Dopo essersi laureato in Scienze della comunicazione all’Università di Grenoble e dopo alcune esperienze lavorative fra Parigi e Torino, torna alle sue origini in Valle d’Aosta e si dedica esclusivamente alla regia di film documentari. Il suo primo lavoro, Paris, Val d’Aoste, è del 1997. Fino a oggi, ha realizzato 15 documentari, distribuiti e diffusi su televisioni satellitari o via rete, e selezionati in vari festival europei. È stato consigliere dell’Associazione Documentaristi Italiani - DOC/IT di cui è tuttora socio. Nel 2003 crea DOCFILM, specializzata nella produzione e realizzazione di film documentari. Nell’aprile del 2006, ha collaborato come operatore con il regista Lech Kowalski per la realizzazione del documentario Doubly Mad: a Soft Revolution
Joseph Péaquin was born in Avignon, France, of Valdaostan parents in 1971. After graduating in Communication Sciences from the University of Grenoble and working in Paris and Turin, he returned to his roots in Aosta Valley and devoted himself exclusively to directing documentaries. He made his first film Paris, Val d’Aoste in 1997. From 1997 to the present, he has made 15 documentaries, distributed and shown on satellite television or networks and selected for various film festivals. He has been counsellor of the Italian Association of Documentary Filmmakers - DOC/IT, of which he is still a member. In 2003 he created the DOCFILM production documentaries company. In April 2006 he collaborated as operator with the director Lech Kowalski on the documentary Doubly Mad: a Soft Revolution
1997 Paris, Val d’Aoste mm, doc. 1998 Fare impresa sociale mm, doc. 2000 D’ici et d’ailleurs cm, doc. 2001 Fleur Bleue cm, doc.; La Terre cm, doc.; Ceci n’est pas une montagne mm, doc. 2002 Edy cm, doc. 2003 …all’alba mm, doc. 2004 Viva la musica popolare! cm, doc. 2005 CRAL Cogne, la nascita del dopo lavoro cm, doc.; La civiltà dell’acciaio cm, doc.; Giovanni Thoux, legno e radici cm, doc.; Une montagne de dangers mm, doc. 2006 Stephen Cox and the St. Anselm’s Altar cm, doc.; Il était une fois… les délices du petit monde mm, doc., video
Giampaolo Penco
È nato a Trieste nel 1954, dove nel 1979 si è laureato in Lettere Moderne con una tesi in Storia del Cinema. In seguito si è specializzato in cinema presso l’Association Varan di Parigi, sotto la guida di Jean Rouch e Nestor Almendros. Regista televisivo dal 1983, dal 1990 è uno dei soci fondatori e responsabile artistico della Videoest di Trieste. Ha scritto, diretto e prodotto numerosi film di tipo artistico, storico, naturalistico, così come film pubblicitari, industriali e videoclip musicali (fra gli altri ha lavorato con Alice, Roberto Vecchioni, Angelo Branduardi). Nel 1995 ha collaborato alla realizzazione del documentario di Franco Giraldi 40 anni di Teatro Stabile a Trieste
Giampaolo Penco, born in Trieste in 1954, he earned a degree in Modern Literature in the same city in 1979 with a thesis on the history of cinema. Subsequently, he specialised in cinema at the Association Varan of Paris, under the direction of Jean Rouch and Nestor Almendros. A television director since 1983, in 1990 he was one of the
founding members of Videoest in Trieste, of which he has since been artistic director. He has written, directed and produced numerous artistic, historical and nature films, as well as advertising and industrial commercials and music videos (he has worked with Alice, Roberto Vecchioni and Angelo Branduardi, amongst others). In 1995, he worked on the production of Franco Giraldi’s documentary, 40 anni di Teatro Stabile a Trieste.
1987 Per altre vie, per altri porti film TV 1993 Miramare, il sogno di Massimiliano mm TV 1994 Revoltella, storia di un barone e del suo museo mm, doc. TV 1995 Timavo il fiume fantasma mm 1996 Egidio Marzona; collezionista mm, doc. TV 1997 Luciano Fabro: artista doc. TV 1998 Callisto, Tullio, Franco e il cinema doc. TV 1999 Zoran Music: un pittore a Dachau doc. TV; Your action world cm TV; Da Samo a Basquiat mm, doc. TV; Biennale backstage mm, doc. TV; Alpi Giulie: storie, percorsi e rifugi doc. TV 2000 Musica senza suono mm TV; La casa del poeta cm TV 2001 Potessi essere tutte le persone in tutti i posti film TV 2002 Trieste, un secolo ha attraversato una piazza film TV; Gillo Dorfles, pittore clandestino cm, doc. TV 2003 Chen Zhen cm, doc. TV 2004 Kimsooja in Italia cm, doc.; Daniel Buren: un’opera in diretta mm, doc.; Giuseppe Panza di Biumo, collezionista doc. 2005 Getulio Alviani, saper fare le cose mm, doc. TV; Villa Manin, un teatro per l’arte mm, doc. TV; Le lunghe ombre della morte film TV 2006 The Eye of the Beholder (diretto con / directed with Eva Ch. Nilsen) cm
Corneliu Porumboiu È nato nel 1975 a Vasliu, in Romania. Dopo essersi diplomato in management presso l’Accademia di Scienze Economiche di Bucarest, si è iscritto nel 1999 ai corsi di regia dell’Università Statale di Teatro e Cinema “I.L. Caragiale” (UNATC) della stessa città. Durante gli anni dell’università ha realizzato quattro cortometraggi. Calatorie la oras, suo film di diploma, ha vinto il Silver Award nella sezione “Cinéfondation” al festival di Cannes 2004.
Corneliu Porumboiu was born in 1975, Vasliu, Romania. After graduating in 1998 at the Economic Sciences Academy in Bucharest, Management Faculty, in 1999 he is admitted at the National University of Drama and Film “I.L. Caragiale” (UNATC) in Bucharest, Film FacultyDirecting Department. During the university studies (1999-2003) he makes, as a student director, 4 short films. Calatorie la oras, his diploma film, won the Silver Award of the Cinéfondation at Cannes 2004.
2000 Graffiti cm 2001 Love... sorry cm; Made in Cartier cm, doc. 2002 Pe aripile vinului cm; Suspendat cm 2003 Calatorie la oras cm; Premi / Awards: Cannes - Cinéfondation, Silver Award; Montpellier, Festival del Cinema Mediterraneo - Gran premio / Mediterranean Film FestivalGrand Prix; Visul lui Liviu mm 2006 A fost sau n-a fost?
Costanza Quatriglio
È nata a Palermo nel 1973. Dopo essersi laureata in Giurisprudenza, ha frequentato il Centro Sperimentale per la Cinematografia. Vive a Roma. L’isola, il suo primo lungometraggio coprodotto da Rai Cinema, è stato presentato nel 2003 al Festival di Cannes nella “Quinzaine des Réalisateurs” ed è poi stato distribuito in Francia e in altri paesi, ottenendo importanti riconoscimenti internazionali e il Nastro D’Argento per la colonna sonora originale di Paolo Fresu.
Costanza Quatriglio was born in Palermo in 1973. After graduating in Law, she attended the Centro Sperimentale di Cinematografia-CSC film school. She lives in Rome. Her first feature film, L'isola, coproduced by RAI Cinema, was presented in the Directors' Fortnight section at the Cannes Film Festival in 2003. It won great critical acclaim both in Italy (where gained a prize for the original soundtrack, realized by Paolo Fresu) and internationally and was distributed in various countries, first and foremost France.
1996 Lettera a monsieur cinema cm, video 1997 L’albero cm, 16mm 1998 Anna! cm 1999 Il giorno che ho ucciso il mio amico soldato cm 2000 Écosaimale? doc.; 106 nonna Caterina cm, doc.; Una sera cm 2001 L’insonnia di Devi doc.; Per una famiglia adottiva 1 e 2 video; Le donne di Tara doc., video; BNL le radici del futuro: il cinema video; Il bambino Gioacchino cm, doc. 2002 La borsa di Helene cm, doc. 2003 L’isola; Racconti per l’isola - appunti di lavoro per un film cm, doc. 2004 Raìz. Radici a Capo Verde serie TV / TV series; Comandare. Una Storia Zen cm, doc.; Capo Verde cm, doc. 2005 Metro ore 13 cm, TV 2006 Il mondo addosso doc.
Ana Radoslovic È nata nel 1980 a Rijeka (Fiume) in Croazia. Si è diplomata in grafica. Lavora come designer e realizza performance live. Nell’estate del 2006 ha preso parte a un workshop sul film documentario, tenutosi a Krsko e organizzato da DZMP.
Ana Radoslovic was born 1980 in Rijeka, Croatia. She graduated in graphic technology. She usually works in fields of graphic design and live visual performances. In summer 2006, she took part at a documentary film workshop in Krsko provided by DZMP department.
2006 Jaz sem kmet cm, video (diretto con / directed with Massimo Mucchiut, Petra Jagric)
Marina Razbežkina
È nata nel 1956, si è laureata in Lettere presso l’Università Kazan di Mosca nel 1971. Dopo aver lavorato come insegnante nella scuola di un villaggio e come giornalista, ha cominciato nel 1986 a scrivere sceneggiature per documentari. Nel 1989 passa alla regia di documentari, film per la televisione e cortometraggi. Vremja žatvy, il suo primo lungometraggio, ha vinto la 16a edizione del Trieste Film Festival.
Marina Razbezhkina was born in 1956. She studied Literature at Moscow’s Kazan University, where she graduated in 1971. After working as a teacher in a rural school and as journalist, in 1986 she began writing scripts for documentary films. Since 1989 she has written and directed documentaries, TV movies and short films. Vremja žatvy, her first feature film, won the Trieste Film Festival’s 16th edition.
1989 I vozljubi ego v serce svojom cm; Dom cm 1990 Burja mgloju... cm 1991 Konec puti cm 1994 A čelovek igraet na trube cm 1995 Strannaja svoboda bytija doc. 1998 Nasledniki raja cm 1999 Slavjanskije tancy doc. 2000 Čuvstvuju, pora proščatsja cm 2001 Chočetsja peť cm; Tot samyi Ajgi cm 2002 Prosto žizn’ cm; Žizn’ - sapožok neparnyj cm 2004 Vremja žatvy 2005 Čužaya strana doc. 2006 Kanikuly doc.
Alessandro Rinaldi
Dopo una laurea in Lettere e filosofia con una tesi su Peter Brook e il
dizionario dei registi / dictionary of directors
Mahabharata, si dedica per anni allo studio del teatro rituale e dello spazio sacro, mettendo in scena diversi spettacoli di teatro di processo insieme a organizzazioni nazionali e internazionali. Dal 1989 si dedica allo studio della meditazione come processo di esplorazione degli stati di coscienza e dal 1994 a quello delle arti marziali come via di integrazione tra la mente e il corpo. Fondatore con Paolo Callegari del Process Counseling, metodo di sviluppo delle potenzialità personali e organizzative, lavora dal 1990 a livello nazionale e internazionale sulla visione pluralista di incontro tra arte, filosofia e psicologia per la valorizzazione delle risorse più profonde dell’essere umano.
Alessandro Rinaldi following a degree in Literature and philosophy, with a thesis on Peter Brook and the Mahabharata, he dedicated himself for years to the study of ritual theatre and the sacred space, staging various theatre process shows together with national and international organisations. Since 1989, he has dedicated himself to the study of meditation as a process for exploring the states of consciousness and since 1994 to the martial arts as manner of integration between mind and body. Co-founder with Paolo Callegari of Process Counseling, a method for developing personal and organisational potential, he has since 1990 worked in Italy and abroad on the pluralist vision of the meeting between art, philosophy and psychology for making best use of the deepest resources of human beings.
2006 Riflessi del Sé. Voci, volti e visioni da mondi paralleli doc., video (diretto con / directed with Antonio Giacomin, Nicola Gaiarin)
Luis Rosati
Nato nel 1982 a Quito, in Ecuador, ha conseguito il diploma presso l’Istituto Statale d’Arte di Urbino e ha frequentato il corso di Perfezionamento in Cinema d’Animazione. Nel 2005 si è iscritto all’Accademia di Belle Arti di Urbino. Collabora con Domenico Alecci alla creazione di cortometraggi, spot e animazioni.
Luis Rosati was born in 1982 in Quito, Ecuador, he gained a diploma from the Istituto Statale d’Arte in Urbino and has attended the finishing course in Animation Film-making. In 2005, he joined the Accademia di Belle Arti in Urbino. He works with Domenico Alecci in the creation of shorts, commercials and animations
2002 Tauromachia cm, animazione / animation (diretto con / directed with Domenico Alecci) 2003 Sottovoce cm, animazione / animation (diretto con / directed with Domenico Alecci) 2004 Nome-Hiv cm, video (diretto con / directed with Domenico Alecci); L’ombra cm, video (diretto con / directed with Domenico Alecci); Giostra cm, video (diretto con / directed with Domenico Alecci) 2005 2 metri quadrati cm, video (diretto con / directed with Domenico Alecci); Guscio cm, video (diretto con / directed with Domenico Alecci) 2006 Salvate una sirena cm, animazione / animation (diretto con / directed with Domenico Alecci); Falò cm, animazione / animation (diretto con / directed with Domenico Alecci); Le cose lì dentro cm, video (diretto con / directed with Domenico Alecci); Il segreto del fiume cm, video (diretto con / directed with Domenico Alecci)
Sigi Rothemund
Sigi Rothemund è stato negli anni Settanta assistente di registi come Peter Weck e Jack Gold. Si è aperto la strada con Timm Thaler (1979), una trasmissione per ragazzi tanto amata e di grande successo. Di
molti lavori da lui diretti ha scritto anche le sceneggiature: dalla sua penna sono usciti ad esempio Affäre Nachtfrost (1988), Knallhart daneben (1995) e anche tre produzioni del 1996, Ehebruch - eine teuflische Falle!, Schlag 12 e Tod im Paradies. È coautore tra l’altro anche di Jack Holborn (1981), di Jenseits der Morgenröte (1985), di Der Ochsenkrieg (1987) e di Unsere Kinder! - Verschollen im Urlaub (1998). Ha scritto inoltre la sceneggiatura di entrambi gli episodi che vedono protagonista il Comissario Laurenti, Gib jedem seinen eigenen Tod e Die Toten vom Karst basati sui romanzi omonimi di Veit Heinichen.
Sigi Rothemund was the assistant of directors like Peter Weck and Jack Gold during the Sixties. His first work as director was Timm Thaler (1979), a much-loved and highly successful children’s programme. He has also written the screenplay for many of the films he has directed: for instance, Affäre Nachtfrost (1988) and Knallhart daneben (1995), as well as three 1996 productions, Ehebruch - eine teuflische Falle!, Schlag 12 and Tod im Paradies. He is the co-author of Jack Holborn (1981), Jenseits der Morgenröte (1985), Der Ochsenkrieg (1987) and Unsere Kinder! - Verschollen im Urlaub (1998), and wrote the screenplay for both films based on Veit Heinichen’s Inspector Laurenti novels of the same title, Gib jedem seinen eigenen Tod (Inspector Laurenti. To Each his Death) and Die Toten vom Karst (Inspector Laurenti. Death in the Carso).
filmografia selezionata / selected filmography
1995 Das wilde Mädchen film TV 1996 Schlag 12 film TV; Tod im Paradies; Ehebruch - Eine teuflische Falle! film TV; Nach uns die Sintflut film TV 1997 Frau zu sein bedarf es wenig film TV; Vorübergehend verstorben film TV; Die letzte Rettung film TV; Zwischen den Feuern film TV; Lebenslang ist nicht genug film TV 1998 Unsere Kinder!Verschollen im Urlaub film TV; Das Finale film TV; Der Clown serie TV / Tv series 1999 Gestern ist nie vorbei film TV 2001 Ein Vater zum Verlieben film TV; Bronski & Bernstein serie TV / Tv series; Opferlamm - Zwischen Liebe und Hass film TV 2002 Donna Leon - Nobiltà serie TV / Tv series; Donna Leon - In Sachen Signora Brunetti serie TV / Tv series; Maximum Speed - Renn’ um Dein Leben film TV; Nicht ohne Deine Liebe film TV; Rotlicht - Die Stunde des Jägers film TV; Wilde Engel film TV 2003 Donna Leon - Feine Freunde serie TV / Tv series; Donna Leon - Venezianisches Finale serie TV / Tv series; Rotlicht - Im Dickicht der Großstadt film TV 2004 Ein einsames Haus am See film TV; Donna Leon - Sanft entschlafen serie TV / Tv series; Donna LeonAcqua Alta serie TV / Tv series 2005 Donna Leon - Beweise, dass es böse ist serie TV / Tv series; Donna Leon - Verschwiegene Kanäle serie TV / Tv series 2006 Commissario Laurenti - Die Toten vom Karst film TV; Commissario Laurenti - Gib jedem seinen eigenen Tod film TV
Lucia Salmaso
Nata ad Aviano nel 1981, è laureanda in pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia. Ha realizzato le scenografie e i pupazzi per una serie di corti animati con la tecnica dello stop motion insieme ai cugini Daniele e Massimo Bocus.
Lucia Salmaso was born in Aviano in 1981 and is a graduand in painting from the Accademia di Belle Arti di Venezia. She has produced the sets and puppets for a series of animated short films using the technique of stop motion, together with her cousins Daniele and Massimo Bocus.
2004 Questione di sopravvivenza cm, video 2005 Puar Beppin cm, videoclip (diretto con / directed with Daniele Bocus, Massimo Bocus)
Mauro Santini
È nato a Fano nel 1965. Da oltre dieci anni realizza video con i quali ha partecipato a numerosi festival nazionali e internazionali (Locarno, Montpellier, Nemo, Cinéma Different, Rencontres Internationales Paris/Berlin, Pesaro, Infinity, Invideo ecc.). Con Da lontano ha vinto il Torino Film Festival 2002 nella sezione Spazio Italia. I suoi video sono distribuiti dal “Collectif Jeune Cinéma” di Parigi e sono stati recentemente presentati al festival sudcoreano di Jeonju. Nel 2006 ha realizzato il suo primo lungometraggio Flòr da Baixa, in concorso all’ultima edizione del Torino Film Festival. Nel 2005 il Trieste Film Festival gli ha dedicato una personale.
Born in Fano in 1965. For over ten years, he has been producing videos which he has taken to numerous Italian and international festivals (Locarno, Montpellier, Nemo, Cinéma Different, Rencontres Internationales Paris/Berlin, Pesaro, Infinity, Invideo, etc.). With Da lontano, he won the Spazio Italia category Turin Film Festival 2002. His videos are distributed by the “Collectif Jeune Cinéma” of Paris and have recently been presented at the South Korean festival of Jeonju. In 2006 he made his first film Flòr da Baixa, in competition at the latest Turin Film Festival. In 2005 the Trieste Film Festival dedicated to him a tribute.
1991 H video 1992 Carie video; Come sei calzini a bagno in un catino di plastica rosa video; Come un Dio americano video 1994 Lorelai video 1996 Lavorare stanca video (diretto con / directed with Fabrizio Bartolucci) 2000 Dove sono stato cm, video 2001 Di ritorno cm, video; Dal cortile video; Dietro i vetri cm, video 2002 Acquatico video installazione / video installation; Da lontano cm; Premi / Awards: Torino Film Festival - Concorso Spazio Italia Kataweb - Miglior Video / Italian Competition Kataweb - Best Video; Il blu del fondo, il rosa del voltoun quadro di Emilio Furlani cm; Lontano video installazione / video installation 2003 Fermo del tempo cm, video; Petite mémoire cm, video; Da qui, sopra il mare cm, video; Vert_ video installazione / video installation 2004 Anticamera video installazione / video installation; Distante video installazione / video installation; Flòr da Baixa cm, video; Limbo video installazione / video installation; Neve video installazione / videoinstallation; Raccolta dei giorni video installazione / video installation 2006 Flòr da Baixa; Desalento mm, video; Un Jour à Marseille mm, video
Petra Seliskar
È nata a Lubiana nel 1978. Nel 1997 si è trasferita ad Amsterdam, dove ha cominciato a studiare regia presso NFTA (Accademia di Cinema e Televisione dei Paesi Bassi) per poi specializzarsi in regia e produzione documentaria. Successivamente si è trasferita a Sheffield, alla Northern Media School, dove ha completato i suoi studi di cinema e produzione. Nel 2002, ha fondato la società di produzione Petra Pan. Vive fra Skopje e Lubiana. Il suo ultimo documentario, Babice revolucije, è stato presentato in anteprima all’IDFA di Amsterdam.
Petra Seliskar was born in 1978 in Ljubljana and she moved to Amsterdam, where she took up directing. After specializing in documentary directing and production at NFTA (The Netherlands Film and Television Academy) in Amsterdam, she changed her place of
study, moving to Northern Media School, Sheffield, where she finished studying directing and production. In 2002, she founded her production company Petra Pan. Lives in Skopje and Ljubljana. Babice revolucije, her last documentary, was premiered at IDFA in Amsterdam.
1999 Illusion cm 2000 The Goldfish cm 1999-2001 Con-Fusion Chefs and DJ doc. 2001 Iz prahu soncnih zarkov mm, 16mm 2002 Okno cm 2003 Balkan - Kri in med doc. TV 2005 Turkish tea serie doc. / doc. series 2006 Babice revolucije doc. video
Charlotte Siebenrock
Nata nel 1982, ha studiato recitazione a Berlino fino al 1986. Nel 1984 ha cominciato a lavorare in ambito cinematografico. Fra il 1997 e il 2000 ha scritto e diretto diversi cortometraggi di fiction per la televisione. Dal 2000 è a capo del settore casting della Grundy UFA TV Production Ltd. Open è il suo primo cortometraggio per il cinema.
Charlotte Siebenrock was born in 1962 and completed her acting studies in Berlin in 1986. In 1984 she began working in the field of cinema. Between 1997 and 2000 she wrote and directed fictional television shorts. In 2000 she became the head of the casting department for Grundy UFA TV Production Ltd. Open is her first short film for cinema.
2005 Open cm
Gabriel Sîrbu
È nato a Bucarest nel 1970. Si è diplomato presso l’UNATC “I.L. Caragiale” nel 2002. Invitatie la masa è stato presentato in diversi festival internazionali e in concorso al Festival International du courtmétrage di Clermont-Ferrand.
Gabriel Sîrbu was born in Bucharest in 1970. In 2002, he graduated from UNATC “I.L. Caragiale”. Invitatie la masa was screened in various film festivals and was in competition at Clermont-Ferrand Festival International du court-métrage.
1998 Hands that speak 16 mm, cm, doc. 1999 Filmul…cum era? Cm 2000 Invitatie la masa cm
Marko Škop
È nato nel 1974 a Prešov (ora Slovacchia). Si è laureato in giornalismo nel 1996 presso l’Università Commenius di Bratislava e, nel 2001, in Regia documentaristica alla Facoltà di cinema e televisione presso l’Accademia delle Arti Musicali (VŠMU) della stessa città. Fa parte del LITA, un’organizzazione che si occupa della tutela dei diritti di copyright dei registi televisivi. Ha realizzato vari documentari per la televisione pubblica slovacca (STV), la televisione ceca e altre reti, fra cui anche la RAI. Dirige anche la società ARTILERIA specializzata nella produzione di documentari.
Marko Škop was born in 1974 in Prešov (now Slovakia). He graduated in Journalism at Commenius University in Bratislava in 1996 and, in 2001, in Documentary Film Directing at the Academy of Musical Arts (VŠMU) in Bratislava. He is a member of LITA, an organization protecting copyright for TV direction. He made documentaries for Slovak State Television (STV), Markíza TV (private commercial TV) and Italian TV channel RAI. He also worked with Czech Television. He
dizionario dei registi / dictionary of directors
manages also the company ARTILERIA specialized on documentary film production.
filmografia scelta / selected filmography
1999 Ochrana úradu cm, doc., video; Duše doc. 2000 Deňččloveka pod hviezdami doc.; Labyrint cm, 16mm 2001 Rómsky dom mm, doc., 16mm; Tucet - Patrik Dubovský doc. 2002 Čačipen= Pravda cm, doc., video 2004 Pohľady na folklór cm, doc., video 2005 Slávnosť osamelej palmy mm, doc., video (diretto con / directed with Juraj Johanides) 2006 Iné svety doc.; Premi / Awards: Karlovy Vary - Menzione Speciale della Giuria, Premio del Pubblico / Special Mention of the Jury, Audience Award
Hannah Skrinar
Nata nel 1978 a Christchurch, in Inghilterra, è cresciuta in due paesini del Galles, Ruthin e Llandrindod Wells. Dopo aver studiato spagnolo, ceco e slovacco a Oxford, ha lavorato per due anni come giornalista alla Radio Slovakia International di Bratislava. Ha conseguito un diploma in Arti visive alla Northern Media School di Sheffield. Attualmente, lavora come interprete, montatrice e sound designer.
Hannah Skrinar was born in Christchurch, England, in 1978. She grew up in the small Welsh towns of Ruthin and Llandrindod Wells. After studying Spanish, Czech and Slovak at Oxford University she worked for two years as a broadcast journalist at Radio Slovakia International in Bratislava. She completed an MA in Screen Arts at the Northern Media School in Sheffield and is working as a freelance interpreter and editor/sound designer.
2004 Petrzalka cm, doc. 2005 Homeland mm, doc., video
Ivan Talijančić
Artista multidisciplinare, è attivo come regista, coreografo, visual & graphic designer, videoartista. Ha ottenuto un master in regia presso la Columbia University di New York e ha lavorato come assistente alla regia per Robert Wilson e Julie Taymor. Dirige insieme a Erika Latta, la compagnia WaxFactory, per cui ha realizzato spettacoli come LULU, QUARTET V2.0 e la performance/installazione LADYFROMTHESEA, considerata dalla rivista Ballet-Tanz International come “una delle produzioni più innovative del 2001”. Sempre con la stessa compagnia, all’interno dell’Exodos Festival Ljubljana del 2003, ha diretto lo spettacolo CLEANSED di Sarah Kane, e …SHE SAID, presentato nel 2005 in co-produzione con lo Cankarjev Dom di Lubiana. I suoi lavori sono stati presentati in manifestazioni e festival internazionali, fra cui l’ICA/Institute of Contemporary Arts (Londra), il Gulbenkian Museum (Lisbona), SommerSzene (Salisburgo), OLTRE90 (Milano), il FIT/Festival Internacional de Teatro (Caracas, Venezuela), il MESS (Sarajevo) e presso lo Cankarjev Dom di Lubiana. Attualmente, sta portando in giro negli fra Stati Uniti, in Europa e in Australia, il suo progetto di performance WILD ANIMUS
Ivan Talijančić is a multidisciplinary artist: director, choreographer, visual and graphic designer, video- and film-maker. Ivan has received his Master of Fine Arts degree in Directing from Columbia University in New York and has previously been assistant director in opera productions with Robert Wilson and Julie Taymor. Along with Erika Latta, he is the current artistic co-director of WaxFactory. His WaxFactory directing credits include LULU, QUARTET V2.0, and a site
specific installation/the performance LADYFROMTHESEA, praised by «Ballet-Tanz International» as one of “most innovative productions in 2001”. Also for the company, he directed Sarah Kane's CLEANSED at the Exodos Festival Ljubljana in 2003, and …SHE SAID, which premiered in 2005 in co-production with Cankarjev Dom in Ljubljana, Slovenia. His work has been presented at numerous international venues and festivals such as the ICA/Institute of Contemporary Arts (London, UK), the Gulbenkian Museum (Lisbon, Portugal), SommerSzene (Salzburg, Austria), OLTRE90 (Milan, Italy), FIT/Festival Internacional de Teatro (Caracas, Venezuela), MESS (Sarajevo, Bosnia) and Cankarjev Dom center for the performing (Ljubljana, Slovenia), among others. His WILD ANIMUS street-based performance art project is currently touring 40 cities in the United States, Europe and Australia.
filmografia non disponibile / filmography not available 2005 neither cm, video
Oliviero Toscani
È nato a Milano nel 1942. Dal 1961 al 1965 ha studiato fotografia e grafica presso la Kunstgewerbeschule di Zurigo. Ha lavorato per Esprit, Fiorucci, Valentino, Prénatal. Come fotografo di moda ha collaborato e collabora per giornali come «Elle», «Vogue», «GQ», «Harper’s Bazaar», «Esquire», «Stern» nelle edizioni di tutto il mondo. Fra il 1982 e il 2000 ha fatto della United Colors of Benetton uno dei marchi più conosciuti al mondo, creandone l’immagine e la strategia di comunicazione. Nel 1990 ha ideato, creato e diretto «COLORS», assieme a Tibor Kalman, il primo giornale globale al mondo, facendolo diventare un giornale di culto. Nel 1993 è stato co-fondatore di Fabrica, il Centro internazionale per le arti e la ricerca della comunicazione moderna. Oggi, dopo 30 anni di innovazione editoriale, pubblicità, film e televisione, si interessa di creatività della comunicazione applicata ai new media. Vive in Toscana, dove produce olio d’oliva e alleva cavalli.
Oliviero Toscani was born in Milan. From 1961 to 1965, he studied photography and graphic arts at the Kunstgewerbeschule of Zurich. He has worked for Esprit, Fiorucci, Chanel and Prenatal. As fashion photographer, he has worked and continues to do so for magazines such as «Elle», «Vogue», «GQ», «Harper’s Bazaar», «Esquire» and «Stern» in their various editions world-wide. Between 1982 and 2000, he helped make United Colors of Benetton into one of the most wellknown brands in the world, creating for the company its trademark, and advertising strategy. In 1990, he thought of, created and directed «COLORS», together with Tibor Kalman, the first global newspaper in the world, which soon became a cult newspaper. In 1993, he cofounded Fabrica, the international centre for the arts and research in modern advertising. Today, after more than 30 years of publishing innovation, advertising, films and television, he is now taking an interest in advertising creativity applied to the new media. He lives in Tuscany, producing olive oil and breeding horses.
1994 Street Music cm, video (diretto con / directed with Tibor Kalman) 2002 L’orfano cm, video 2003 Morocco cm, video 2006 Bianca, 16 anni cm, video
Daniele Trani
È nato a Trieste nel 1977. Dopo aver frequentato un corso per operatore macchina, si iscrive all’Accademia dell’Immagine de L’Aquila. Qui studia con Vittorio Storaro, Luciano Tovoli e Marco
dizionario dei registi / dictionary of directors
Incagnoli fra gli altri. Laureatosi nel 2003, inizia a lavorare a diversi progetti come direttore della fotografia. Fra i lavori più importanti: Interno 9, vincitore del Fano Film Festival, Demetria, mediometraggo sperimentale di fantascienza in concorso a Fano e L’eredità di Caino Ha lavorato come operatore per il programma televisivo di Mediaset Il grande fratello. Da tempo collabora alla regia con Diego Cenetiempo, con cui ha realizzato diversi cortometraggi. I loro lavori Le formiche sono tristi e Domani usciamo – rispettivamente del 2004 e del 2005 –sono stati fra i vincitori di “Anteprima zone di cinema” e presentati al Trieste Film Festival nella sezione “Zone di cinema”.
Daniele Trani was born in Trieste in 1977. After frequented a course for cameramen, he entered the Accademia dell’Immagine at L’Aquila. Here, he studied under Vittorio Storaro, Luciano Tovoli, Marco Incagnoli and others. Graduating in 2003, he began working on various projects as director of photography. Among his most important works: Interno 9, winner of the Fano Film Festival, Demetria, an experimental mediumlength science-fiction film competing at Fano, and L’eredità di Caino. He has worked as a cameraman on Mediaset’s TV show Il grande fratello (The Big Brother). He has for some time worked on directing with Diego Cenetiempo, with whom he has made a number of shorts. Their Le formiche sono tristi (2004) and Domani usciamo (2005) gained him and his co-director Diego Cenetiempo the “Anteprima Zone di Cinema” award. Both the short films were screened at the Trieste Film Festival, “Zone di Cinema” section.
1997 La stanza cm, video (diretto con / directed with Diego Cenetiempo) 2000 L’occhio cm, video (diretto con / directed with Diego Cenetiempo); La pace cm (diretto con / directed with Diego Cenetiempo); Shhht!!! cm, video (diretto con / directed with Diego Cenetiempo) 2001 L’inevitabile cm, video (diretto con / directed with Diego Cenetiempo) 2002 Zone d’ombra cm, video (diretto con / directed with Diego Cenetiempo) 2004 Le formiche sono tristi cm, video (diretto con / directed with Diego Cenetiempo 2005 Domani usciamo cm, video (diretto con / directed with Diego Cenetiempo) 2006 Appunti inutili cm, video (diretto con / directed with Daniele Trani)
Corrado Travan
Nato nel 1968 a Trieste, ha frequentato fin da ragazzo corsi di dizione e recitazione. Da più di quindici anni svolge un’intensa attività di attore, regista e organizzatore della compagnia teatrale indipendente “L’Argante”, con cui ha messo in scena più di quaranta spettacoli, spaziando fra un gran numero di autori e generi. Ha anche collaborato con la Rai – Radiotelevisione Italiana. Ha scritto sceneggiature per il cinema e testi teatrali, sia comici che drammatici.
Corrado Travan, born in Trieste in 1968, he has attended diction and recital courses since a boy. For more than 15 years, he has had a busy activity as actor, director and organiser of the independent theatre company, “L’Argante”, with which he has produced more than 40 shows from a broad range of authors and genres. He has also worked with the Rai – Radiotelevisione Italiana. He has written both comic and dramatic scripts for cinema and theatre.
2006 Le faremo sapere… mm, video
Djamshed Usmonov Nato nel 1965 ad Asht (Tagikistan), si è diplomato in teatro presso l’Accademia di Belle Arti di Dušambe. Dal 1986 ha lavorato come produttore, sceneggiatore e montatore per lo studio Tadjikfilm di Dušambe. Si è trasferito a Mosca nel 1993 dove si è diplomato in regia allo VGIK. Nel 1998 ha codiretto, insieme al regista coreano Min Biong Hun, il suo film d’esordio, Parvaz-e zanbur, presentato a Karlovy Vary e premiato ai festival di Torino e di Salonicco. Il suo cortometraggio Tchoch è stato presentato al Trieste Film Festival nella XII edizione, come pure Farištaj Kifti Rost (tit. it. L’angelo della spalla destra), nel 2003. Ha anche recitato nel film di Darežan Omirbaev, Žol, presentato al Trieste Film Festival nel 2002 nella sezione “Stelle della Steppa”.
Djamshed Usmonov was born in Asht in Tajikistan in 1965, he gained a diploma in theatre from the Academy of Fine Arts at Dushambe. Since 1986, he has worked as director, producer, screenplay writer and editor for the Tadjikfilm studios in Dushambe. He moved to Moscow in 1993 where he gained a diploma in directing at the VGIK. In 1998, he codirected his first film Parvaz-e zanbur with the Korean director Min Biong Hun. The film was presented at Karlovy Vary and won a prize at the Turin and Thessaloniki festivals. His short film, Tchoch, was presented at the 12th edition of Trieste Film Festival as well as Farištaj Kifti Rost in the14th edition. He also worked as an actor in Darezhan Omirbayev’s film Žol, screened at the Trieste Film Festival in 2002, in the section “Stars of the Steppe”.
1989 Mard cm 1998 Parvaz-e zanbur (diretto con / directed with Min Biong Hun); Premi / Awards: Torino Film Festival - Miglior Film / Turin Film Festival - Best Film 1991-2000 Tchoch mm 2002 Farištaj Kifti Rost (L’angelo della spalla destra) 2006 Bihisht faqat baroi murdagon
Andres Veiel È nato a Stoccarda nel 1959. Nel 1988 si laurea in Psicologia a Berlino. Dal 1985 al 1989 prende parte a seminari internazionali di sceneggiatura tenuti alla Künstlerhaus Bethanien di Berlino. Viene particolarmente influenzato dalle lezioni di Krzysztof Kieślowski. Scrive testi teatrali e sceneggiature e insegna Sceneggiatura alla Libera Università di Berlino. Nel 2001 ha vinto il premio per il Miglior Documentario allo European Film Award con Black Box BRD (presentato anche al Trieste Film Festival). Die Spielwütigen, presentato anch’esso a Trieste, ha vinto il Premio del Pubblico alla Berlinale del 2004.
Andres Veiel was born in Stuttgart in 1959. In 1988, He graduated in Psychology in Berlin. Between 1985 and 1989, he participated in a number of international workshops on Screenplay-writing held at the Künstlerhaus Bethanien in Berlin. He was particularly influenced by Krzysztof Kieślowski’s lessons. He also writes for the theatre and screenplays and teaches Screenplay-writing at the Free University of Berlin. In 2001, his documentary Black Box BRD (presented also at the Trieste Film Festival) won the European Film Award for Best Documentary. Die Spielwütigen, also screened in Trieste, won the Audience Award at the Berlin Film Festival in 2004.
1982 Machbar doc., video (diretto con / directed with Klaus Jürgen Gergs) 1985 Warum Läuft Herr Z. Nicht Amok? cm 1992 Winternachstraum doc., TV 1993 Balagan doc. 1996 Die Üeberlebenden doc. 2001 Black Box BRD doc.; Premi / Awards: European Film Award - Miglior Documentario / Best Documentary 2004
Die Spielwütigen; Premi / Awards: Berlino, Premio del Pubblico / Berlin - Audience Award 2006 Der Kick
Stefan Westerwelle
Nato nel 1980 a Detmold in Germania, ha lavorato come grafico e webdesigner per l’agenzia di pubblicità Visart. Nel 1998 ha iniziato a studiare arte, design e cinema a Bielefeld. In seguito ha realizzato numerosi cortometraggi e videoclip. Nel 2001 viene ammesso alla Scuola superiore di arti e media di Colonia. So lange Du hier bist è il suo film di diploma.
Born in 1980 in Detmold in Germany, Stefan Westerwelle started out working as a graphic artist and web-designer for the advertising agency Visart. In 1998, be began studying art, design and film at Bielefeld. He made several short films and several music videos. In 2001, he enrolled at the Media and Arts School in Cologne. So lange Du hier bist is his graduation film.
2000 Kommunikation cm 2001 Psychonormal cm 2002 Simplicity and Complexity Is One cm; 27/08. Ein Sonntag cm 2003 Weil Nun Die Nacht Kommt cm 2004 An Die: Mich Liebten cm; Neues Von Gestern cm; Fern Von Dem cm; Denk Dir Uns Zwei cm 2006 So lange Du hier bist; Premi / Awards: Locarno, Menzione speciale della Giuria / Special Mention of the Jury; Nach Oben Offen doc.
Tomasz Wolski
Nato nel 1977, si è diplomato presso la Scuola di cinema Andrzej Wajda (Mistrzowska Szkoła Reżyserii Filmowej Andrzeja Wajdy), ha realizzato alcuni cortometraggi documentari. Il suo If I Were a Fish è stato presentato nell’ambito del Berlinale Talent Campus.
Tomasz Wolski was born in 1977 and is a graduate of the Andrzej Wajda Master School of Film Directing (Mistrzowska Szkoła Reżyserii Filmowej Andrzeja Wajdy). He made some short documentary films. If I Were a Fish was presented in Berlinale Talent Campus.
2002 Warsztaty szkolne cm, doc. 2003 Cisza cm, doc. 2004 If I Were a Fish cm, doc. 2006 Klinika cm, doc., video
Arman Yeritsian
È nato nel 1975 a Yerevan, in Armenia. Nel 1997, si è diplomato in regia presso l’Università pedagogica di Yerevan.
Arman Yeritsyan was born in 1975 in Yerevan (Armenia). In 1997, he graduated from the Directing Department of Yerevan Pedagogical University.
2002 Sip of the Sun doc. 2003 End doc. 2004 I Want to Say doc. 2005 Pod otkritim nebom mm, doc., video 2006 Hello, Fellini doc.
Želimir Žilnik
È nato a Niš (ora Serbia) nel 1942. Inizia la carriera come cineamatore, mentre debutta come professionista nel 1967 con il film Žurnal o omladini na selu-Zimi. Ha lavorato per la Neoplanta film di Novi Sad e occasionalmente anche per la Pan film di Pan ć evo. Come sceneggiatore dimostra grande attenzione alla realtà socio-politica e diventa uno degli esponenti del cinema politico jugoslavo. Il suo primo lungometraggio Rani radovi (1969), che parla di un gruppo di giovani
che vogliono essere padroni del proprio destino, viene premiato a Berlino ma il regista, considerato politicamente sospetto, non lavorerà più in Jugoslavia per oltre un decennio. Dal 1974 al 1976 è in Germania, dove realizza alcuni documentari. Con il film autobiografico Druga generacija (1983) ritorna a lavorare in Jugoslavia. Molti dei suoi progetti successivi vengono considerati altamente innovativi e provocatori, come il lungometraggio del 1985, Lijepe žene prolaze kroz grad, che anticipa le tensioni nazionalistiche che porteranno alla disgregazione della Jugoslavia. Nel 1994, con Tito po drugi put mešu srbima, collabora alla nascita della realtà più radicale e indipendente jugoslava del tempo, B92 di Belgrado. Il suo lungometraggio del 1995, Dupe Od Mramora, viene premiato a Berlino e raccoglie consensi in tutto il mondo. I suoi ultimi progetti sono due documentari sul destino della gente comune che vive nell’Europa centro-orientale: Trdnjava Evropa (2000), e Kenedi se vraća kući (2003). Nel 2005 ha curato il coordinamento artistico del progetto Petrovaradinsko pleme.
Želimir Žilnik was born in Niš (now Serbia) in 1942. He started out as amateur film director, and debuted as a professional in 1967 with the film Žurnal o omladini na selu-Zimi. He worked a lot for Neoplanta Film in Novi Sad, and occasionally also for Pan Film in Panćevo. As screenwriter, he focused his attention especially on social and political problems, which made him one of the main exponents of Yugoslav political cinema. His first feature, Rani Radovi (1969), which deals with a group of young people who want to be masters of their own destinies, received an award in Berlin, but the director was considered politically suspect and did not work in Yugoslavia for over a decade. Between 1974 and 1976, he made some documentaries in Germany. With the autobiographical film Druga generacija (1983) he began working in Yugoslavia again. Several of his next projects were regarded as highly innovative and provocative: the feature Lijepe žene prolaze kroz grad (1985) predicts that nationalistic tensions will lead to the disintegration of Yugoslavia. In 1994, with Tito po drugi put mešu srbima, Žilnik also helped in initiating the most radical and independent media in Yugoslavia at that time - B92, in Belgrade. His feature film of 1995, Dupe Od Mramora, was awarded at the Berlin Film Festival, and afterwards attracted great attention around the world. His last two projects were two documentaries, Trdnjava Evropa (2000), and Kenedi se vraća kući (2003), which portray the destinies of common people from Central and Eastern Europe. In 2005 he was the artistic coordinator for the Petrovaradinsko pleme project.
filmografia scelta / selected filmography
1967 Laku noć Snjuka cm; Pioniri maleni, mi smo vojska prava, svakog dana ničemo ko zelena trava cm; Žurnal o omladini na selu-Zimi 1968 Nezaposleni ljudi 1969 Lipanjska gibanja cm; Rani radovi 1970 Crni film cm 1971 Žene dolaze cm 1972 Ustanak u Jasku cm; Sloboda ili Strip (incompiuto / incomplete) 1975 Unter Denkmalschutz cm; Der Antrag cm; Öffentliche hin-richtung cm; Hausordnung cm; Inventur cm 1976 Abschied cm; Paradies 1978 Placmajstori TV 1979 Sedam mašarskih balada cm, TV 1980 Istarski italijani cm, TV 1981 Vera i Eržika cm, TV 1983 Druga generacija 1984 Stanimir silazi u grad cm, TV 1985 Beograde dobro jutro cm, TV; Sve zvezde cm TV; Lijepe žene prolaze kroz grad; Posrnule ovčice cm TV 1987 Vruče plate serie TV / TV series 1988 Tako se kalio čelik 1989 Stara mašina TV 1994 Tito po drugi put mešu srbima; Time 1995 Dupe Od Mramora 1998 Svetozar Udovički; Kud plovi ovaj brod 2000 Trdnjava Evropa doc. 2003 Kenedi se vraća kući doc. 2005 Evropa preko plota doc.; Gde je bio Kenedi 2 godine? cm, doc.
Vasil Živkov
Nato a Sofia nel 1948, si è diplomato in regia allo VGIK di Mosca nel 1974. È stato il direttore dell’Archivio nazionale del cinema bulgaro dal 1991 al 1998 e a capo dell’Istituto bulgaro di cultura a Mosca dal 1998 al 2001. Fino al 1990, i suoi film erano proibiti dalla censura e non avevano il permesso di partecipare a nessun festival di cinema al di fuori dei confini della Bulgaria. Obarnata elcha è il suo primo lungometraggio di finzione.
Vasil Zhivkov was born in Sofia in 1948. He took a degree in film directing at the Moscow film school VGIK in 1974. From 1991 to 1998 he was the head of the Bulgarian National Film Archive. In 1998 he moved to Moscow, where was nominated Head of the Bulgarian Cultural Institute until 2001. Many of his films were banned by the censorship in the years before 1990, none of them were allowed to participate at any film festivals outside Bulgaria. Obarnata elcha is his first feature film.
1975 Sheshkingrad doc. 1978 Sled deloto doc. 1980 Tam kraj rekata doc. 1982 Tigrite na okeana 1983 Dni v Zheravna doc. 1985 Parvite 20 godini doc. 1986 Kavarna doc. 1987 Blagopoluchen luchai doc. 2006 Obarnata elcha (diretto con / directed with Ivan Čerkelov); Premi / Awards: Karlovy Vary, Premio speciale della Giuria / Special Prize of the Jury
repertorio dei produttori e dei distributori esistenti
AGRFT (Akademija za gledališče, radio, film in televizjo) Accademia di Teatro, Radio, Cinema e Televisione Nazorjeva 3 1000 Lubiana Slovenia www.agrft.uni-lj.si
Domenico Alecci Via Verdi 3/A 33072 Casarsa (PN)
Italia tel. +39 0434 868844
Amour Fou Filmproduktion Lindengasse 32 A-1070 Vienna
Austria
tel. +43 1 99499110 fax +43 1 994991120
e-mail: office@amourfou.at www.amourfou.at
Antena1
25-27 Ploiesti Str. - Sector 1 Bucarest Romania
e-mail: office@antena1.ro www.antena1.ro
Artileria Drobného 23, 84101 Bratislava
Slovacchia tel. +42 1 903789198
e-mail: artileria@artileria.sk www.artileria.sk
Atelie-Film-Alexander Kolomenskaja 28 apt. 9 191119 San Pietroburgo
Russia
tel. & fax +7 812 7645591
e-mail: afakino@mail.ru
Atrix Films
Aggensteinstrasse, 13 a 81545 Monaco
Germania
tel. +49 89 64282611 fax +49 89 64957349
e-mail: info@atrix-films.com
Olivo Barbieri
372 Richmond Street West ON M5V 1X6 Toronto
Canada
tel. +416 3419926
e-mail: info@triconfilms.com www.triconfilms.com
Bars Media Documentary Film Studio
20 Sepuhi Ave. 375009 Yerevan
Armenia
tel. +374 1 226733 fax +374 1 253365
e-mail: info@barsmedia.am www.barsmedia.am
Bavaria Film International Bavariafilmplatz 8 D-82031 Geiselgasteig
Philip and Madeleine Zepter Kralja Petra 32 11000 Belgrado
Serbia
www.musicfeel.com
MUSICFEEL
Musiche
MusicFeel è un progetto permanente per la produzione di musica originale per cortometraggi e lungometraggi. Fondata dai compositori Stefano
Cretarola e Marco Fedele nel settembre 2003
MusicFeel riunisce esperienza, professionalità e passione offrendo, oltre alla realizzazione di musiche originali, anche una preziosa collaborazione artistica ad autori, registi, produttori, sceneggiatori.
Musicfeel si rivolge anche a registi/produttori emergenti (offrendo loro delle condizioni molto favorevoli) che necessitano di una colonna sonora originale per poter distribuire la loro opera cinematografica attraverso canali TV terrestri, satellitari, Internet e qualsiasi altra forma di diffusione.
Musicfeel lavora normalmente con registi di tutta Europa, grazie al proprio sito www.musicfeel.com che permette di ospitare le stesure provvisorie delle colonne sonore in corso. Tramite la rete il regista/produttore puo’ facilmente visionare le bozze del proprio film con le musiche in lavorazione e comunicare ai compositori, di volta in volta, le proprie osservazioni e indicazioni.
Nel 2005 Musicfeel, con l’obiettivo di promuovere vigorosamente l’utilizzo di musiche originali, ha ideato il Premio Musicfeel che sta riscuotendo un notevole successo in tutta Italia. Il Premio, che viene assegnato nei migliori festival italiani ai registi vincitori, consiste nella composizione e realizzazione delle musiche originali per la loro prossima opera cinematografica.
MusicFeel is a permanent project for the production of original soundtracks for short and full-length films. Founded by the composers Stefano Cretarola and Marco Fedele on September 2003, MusicFeel gathers experience, professionalism and enthusiasm by offering, besides the realization of original music, also a precious artistic cooperation with composers, directors, producers and scriptwriters.
Musicfeel addresses also to up-and-coming directors/producers (by offering them very easy terms) who need a soundtrack in order to distribute their film through cable and satellite television, Internet and any other media.
Musicfeel usually cooperates with directors from all over Europe thanks to its web site www.musicfeel.com that enables to publish the temporary drafts of the soundtracks in progress. Through the Net the director can easily see his short film with the music in progress and report each time his remarks and comments to the composers.
Aiming at promoting the use of original music, in the year 2005 Musicfeel has created the Musicfeel Prize that is meeting with success throughout Italy. The Prize is awarded to the winning directors during the best Italian festivals and consists in the composition and realization of the original soundtracks for their next film.
Associazione Festival
Italiani di Cinema (Afic)
Via Villafranca, 20 00185 Roma
Italia
AFIC Associazione Festival Italiani di Cinema
The Association of Italian Film Festivals
Nel complesso del sistema audiovisivo italiano, i festival rappresentano un soggetto fondamentale per la promozione, la conoscenza e la diffusione della cultura cinematografica e audiovisiva, con un’attenzione particolare alle opere normalmente poco rappresentate nei circuiti commerciali come ad esempio il documentario, il film di ricerca, il cortometraggio. E devono diventare un sistema coordinato e riconosciuto dalle istituzioni pubbliche, dagli spettatori e dagli sponsor. Per questo motivo e per un concreto spirito di servizio è nata nel novembre 2004 l’Associazione Festival Italiani di Cinema (AFIC). Gli associati fanno riferimento ai principi di mutualità e solidarietà che già hanno ispirato in Europa l’attività della “Coordination Européenne des Festivals”. Inoltre, accettando il regolamento, si impegnano a seguire una serie di indicazioni deontologiche tese a salvaguardare e rafforzare il loro ruolo.
L’ AFIC nell’intento di promuovere il sistema festival nel suo insieme, rappresenta già oggi più di 30 manifestazioni cinematografiche e audiovisive italiane ed è concepita come strumento di coordinamento e reciproca informazione. Aderiscono all’AFIC le manifestazioni culturali nel campo dell’audiovisivo caratterizzate dalle finalità di ricerca, originalità, promozione dei talenti e delle opere cinematografiche nazionali ed internazionali. L’AFIC si impegna a tutelare e promuovere, presso tutte le sedi istituzionali, l’obiettivo primario dei festival associati.
With the framework of the Italian audiovisual system, festival represent a fundamental means for the promotion, knowledge and diffusion of film and audiovisual culture, with particolar attention to works that normally receive little attention in commercial circuits, like documentaries, research films and shorts. They must also become a coordinated system that is recognized by public institutions, audience and sponsors.
For this reason, and in a concrete spirit of service, the Italian Film Festivals Association (AFIC) was created in November 2004. Association members adhere to the principle of mutuality and solidarity that inspire the activities of the Coordination Européenne des Festivals in Europe. Moreover, by accepting the regulations, they promise to follow a series of deontological indications whose purpose is to safeguard and strengthen their role. AFIC’s aim is to promote the festival system as a whole, and already today it represents over thirty Italian cinematographic and audiovisual manifestations.
AFIC members include cultural manifestations in the audiovisual field that are characterized by research, originality and the promotion of talents and cinematographic works, both at home and abroad.
AFIC also strives to protect and promote at every institutional level the primary objective of the associated festivals.
info: EEIG
64, Rue Philippe le Bon B-1000 Bruxelles
Tel. +32 2 280 13 76
Fax +32 2 230 91 41 www.eurofilmfest.org
Coordinamento Europeo dei Festival di Cinema European Coordination of Film Festivals
Il Coordinamento Europeo dei Film Festival, Gruppo di Interesse Economico Europeo (EEIG) comprende più di 250 festival di varie dimensioni e con un’ampia sfera di interessi specifici, tutti impegnati nella tutela e nella promozione del cinema europeo. Sono rappresentati tutti i Paesi dell’Unione Europea, così come molte altre nazioni europee (Russia, Turchia, Croazia, Svizzera...).
Il Coordinamento sviluppa attività collettive e comuni ai suoi membri attraverso forme di collaborazione in senso ampio, con lo scopo di promuovere e sviluppare la circolazione dei film europei attraverso la compilazione di programmi di film, la creazione di programmi di formazione nell’audiovisivo, l’organizzazione di scambi di staff, ma anche con conferenze, tavole rotonde e corsi di formazione per staff di festival... Il Coordinamento pubblica una rivista trimestrale per diffondere informazioni sulle proprie attività, sui propri progetti e notizie riguardanti i festival membri. Come nel 2005, il Coordinamento ha sviluppato un progetto per promuovere il cinema europeo in festival al di fuori dell’Unione Europea.
Oltre a queste attività comuni, il Coordinamento incoraggia e facilita la collaborazione bilaterale e niultilaterale tra i propri membri. Le attività del Coordinamento sono finanziate dai contributi dei membri e da sovvenzioni dal settore pubblico e privato, provenienti soprattutto dall’Unione Europea. I membri contribuiscono anche a un numero di progetti specifici. Il Coordinamento si impegna a favore dei Film Festival e dell’industria dell’audiovisivo presso varie istituzioni europee, dando voce ai loro interessi per lo sviluppo e nel processo di realizzazione, Il Coordinamento redige relazioni e indicazioni per queste istituzioni e varie altre organizzazioni interna-
The European Coordination of Film Festivals, a European Econornic lnterest Group (EEIG) brings together more than 250 festivals of varying scale and with a wide range of special interests, all of whom are committed to the defense and prornotion of European cinema. All Member Countries of the European Union are represented as well as several other European countries (Russia, Turkey, Croatia, Switzerland...).
The Coordination develops common and collective activities for its Members, through cooperation in the broadest sense, in the aim of promoting and improving the circulation of European films: film programs are compiled, audiovisual education projects are created, staff exchanges organized, as well as conferences, round table meetings, and training courses for festival staff... The Coordination publishes a quarterly review providing information about its activities and projects and news concerning member festivals. As of 2005, the Coordination is also developing a program to promote European cinema at festivals outside of the European Union. In addition to these common activities, the Coordination also encourages and facilitates bilateral and multilateral cooperation among its Members. The Coordination’s activities are financed through membership fees and grants from both the public and private sectors, notably from the European Union. Members also make contributions to a number of specific projects.
The Coordination also lobbies on behalf of film festivals and the audio-visual industry with various European institutions, representing their concerns in the policy development and implementation process. The Coordination compiles reports and guidelines to these institutions, and various other interna-
zionali su diverse questioni riguardanti le attività dei Film Festival.
Il Coordinamento ha sviluppato un codice etico adottato da tutti i suoi membri, finalizzato ad armonizzare ed estendere gli standard professionali e le procedure a tutti i Festival membri.
Il Coordinamento è anche un centro di informazione e un punto di riferimento per i Festival, un luogo per scambiare idee ed esperienze.
tional organizations, on a number of issues concerning Film Festival activities.
The Coordination has developed a code of ethics, adopted by all its members, aimed at harmonizing and enhancing professional standards and practices at alI Member Festivals. The Coordination in also an information centre and a focal point for Festivals to meet and exchange ideas and experience.
CENTEAST
Il Coordinamento dei festival dell’Europa centro-orientale
The Alliance of Central and Eastern European Film Festivals
CENTEAST riunisce i più importanti festival di cinema che si occupano dell’area europea centro-orientale. Ogni paese è rappresentato da un festival. Lo scopo di CENTEAST è quello di promuovere il cinema europeo, ponendo particolare attenzione a quanto prodotto in Europa centro-orientale. Questo avviene aiutando i film di quest’area a raggiungere il mercato internazionale, e incoraggiando la collaborazione fra i festival membri. CENTEAST è nato nell’autunno 2001 da un’idea del Festival Internazionale del Cinema di Varsavia, ma è stato fondato ufficialmente durante il Festival di Cottbus nel novembre 2003.
Per qualunque informazione relativa a Centeast, si prega di contattare i Coordinatori: Stefan Laudyn, Festival Internazionale di Varsavia –centeast@wff.pl
Roland Rust, Cottbus Film festival –r.rust@filmfestivalcottbus.de
CENTEAST is a network of key film festivals of feature films in Central and Eastern Europe, which includes one festival for country. The purpose of CENTEAST is promoting European cinema, with special attention paid to the cinema from Central and Eastern Europe, helping films from the region to find a place on the international market, and encouraging the collaboration between the member festivals. CENTEAST was initiated by the Warsaw International Film Festival in the autumn 2001, and was officially founded at the Cottbus Film Festival on November 7th, 2003.
For all issues related to CentEast please contact its Coordinators: Stefan Laudyn, Warsaw International Film festival –centeast@wff.pl
Roland Rust, FilmFestival Cottbusr.rust@filmfestivalcottbus.de
Fanno parte di CENTEAST / The list of the members:
contatto / contact: Annamaria Percavassi - direttore / director date/dates: 18-25 gennaio 2007 / January 18-25 2007
Lettonia / Latvia - Riga RIGA INTERNATIONAL FILM FORUM “ARSENALS” e-mail: programm@arsenals.lv www.arsenals.lv contatto / contact: Augusts Sukuts - direttore / director date / dates: settembre 2008 (ogni due anni) / September 2008 (every two years)
Lituania / Lithuania - Vilnius, Kaunas, Klaipeda NORDIC FILM FORUM SCANORAMA
e-mail: info@kino.it www.scanorama.lt contatto / contact: Grazina Arlickaite - direttore artistico / artistic director date / dates: novembre 2007 / November 2007
Macedonia - Skopje INTERNATIONAL SKOPJE FILM FESTIVAL
e-mail: filmfest@mol.com.mk www. www.sff.com.mk
contatto / contact: Dejan Pavlović - direttore / director date / dates: marzo 2007 / March, 2007
Polonia - Varsavia / Poland - Warsaw
WARSAW INTERNATIONAL FILM FESTIVAL
e-mail: festiv@wff.pl
www.wff.pl
contatto / contact:
Stefan Laudyn - direttore / director date / dates: ottobre 2007 / October, 2007
Romania - Cluj Napoca, Sibiu
TRANSILVANIA INTERNATIONAL FILM FESTIVAL
e-mail: info@tiff.ro
www.tiff.ro
contatto / contact:
Mihai Chirilov - direttore / director date / dates: giugno 2007 / June, 2007
Russia - Mosca / Moscow
MOSCOW INTERNATIONAL FILM FESTIVAL
e-mail: info@miff.ru
www.miff.ru
contatto / contact:
Aleksandr Kotelevskij - direttore organizzativo / executive director date / dates:
23 giugno - 2 luglio 2007 / June 23 - July 2, 2007
Serbia - Belgrado / Belgrade
BELGRADE INTERNATIONAL FILM FESTIVAL, FEST
e-mail: info@fest.org.yu www.fest.org.yu
contatti / contacts:
Miloš Paramentić - direttore FEST / FEST director; Miroljub Vučković direttore programmazione / programme director date / dates:
23 febbraio - 4 marzo 2007/February 23 - March 4, 2007
Slovacchia / Slovakia - Bratislava INTERNATIONAL FILM FESTIVAL BRATISLAVA e-mail: iffbratislava@ba.sunnet.sk www.iffbratislava.sk
contatti / contacts:
Peter Nagel - programmazione / programme director date / dates: dicembre 2007 / December 2007
Slovenia - Lubiana / Ljubljana LJUBLJANA INTERNATIONAL FILM FESTIVALLIFFe
e-mail: jelka.stergel@cd-cc.si www.ljubljanafilmfestival.org contatto / contact: Jelka Stergel - direttore / director date / dates: novembre 2007 / November 2007
Ucraina - Kiev / Ucraine - Kyiv KYIV INTERNATIONAL FILM FESTIVAL MOLODIST e-mail: infoiamolodist.com www.molodist.com contatti / contacts: Andriy Khalpachci - direttore generale / general director date / dates: ottobre 2007 / October, 2007
L’iniziativa è gentilmente sostenuta da / The initiative is friendly supported by:
Repubblica Ceca / Czech Republic - Karlovy Vary KARLOVY VARY INTERNATIONAL FILM FESTIVAL program@iffkv.cz www.kviff.com contatto / contact: Eva Zaoralová - direttore artistico / artistic director date / dates: 29 giugno - 7 luglio 2007 / June 29 - July 7, 2007
indice dei film/ index of films indice dei registi / index of directors
68 10 Insects to Feed (132)
204 17 minute întârziere
68 A doppio filo
215 Akropolis
172 Anno di scuola (Un)
218 Appunti inutili
69 A vírus
80 Babice revolucije
167 Bambolona (La)
192 Bernhard Luginbühl
135 Bianca, 16 anni
43 Bihisht faqat baroi murdagon
70 Bir damla su
81 Blokada
130 Borderline. The Origin of the Acorn
82 Bortglömda
204 Bucures ti-Wien ora 8.15
205 Calatorie la oras
181 Callisto, Tullio, Franco e il cinema
115 Camera (La)
70 Cena di Emmaus (La)
105 Cenerentola non abita più qui
191 Chicorée: elf schizofragmentarische
Aufzeichnungen über das Leben des Comte Ivan Merdreff
116 Città di Odradek (La)
173 Città di Zeno. A Trieste con Italo Svevo (La)
171 Colpita da improvviso benessere
- Mercati generali
236 Commissario Laurenti. Gib jedem seinen eigenen Tod
237 Commissario Laurenti. Toten vom Karst (Die)
178 Corsaro (Il)
45 Cum mi-am petrecut sfârs itul lumii
168 Cuori solitari
133 Desalento
83 Edin kinoman v načaloto na veka
103 Evropa preko plota
47 Fehér tenyér
116 Franko B
49 Freie Wille (Der)
180 Frontiera (La)
129 Gefangene
174 Giacca verde (La)
195 Grauzone
244 Grido (Il)
84 Gute Lage (Die)
152 Halbe Treppe
85 Herr Pilipenko und sein U-Boot
51 Hîrtia va fi albastra
196 Höhenfeuer
86 Homeland
127 Ich werde dich auf Händen tragen
63 Iklimler
117 Il était une fois…les délices du petit monde
87 Iné svety
118 Inland Archiv
206 Invitatie la masa
179 Istria - C’erano soltanto pietre
175 Ivanov
71 Jaba
219 Jaz sem kmet
72 Jolido
133 Jour à Marseille (Un)
88 Kanikuly
53 Karaula
89 Karneval
146 Kick (Der)
119 Ķīlnieks
90 Klinika
72 Lampa cu caciula
147 Lebensversicherer (Der)
220 Le faremo sapere…
130 Leggenda di Bobe - Animanimale n. 1 (La)
170 Lungo viaggio (Il)
55 Magic Eye
91 Magnum misteria
190 Marcel
206 Mihai s i Cristina
207 Mîna lui Paulista
177 Mio figlio non sa leggere
92 Moja susjeda Tanja
221 Moji materi - A mia madre
104 Mondo addosso (Il)
131 Mondo non è un panorama (Il)
94 Nach Dresden
93 Na działce
120 Neither
73 Nouvelle génération
57 Obarnata elcha
73 Ohcet
74 Open
59 Optimisti
134 Orfano (L’)
106 Pèdra. Un reporter senza frontiere
95 Pod otkrytim nebom
74 Pomiędzy
207 Poveste la scara C
75 Poyraz
208 Pre˛ul inocen˛ei
148 Prinzessin
222 Puar Beppin
215 Quando il fuoco si spegne
75 Rachel
216 Riflessi del Sé. Voci, volti e visioni da mondi paralleli
120 Rooftop
169 Rosa rossa (La)
193 Sad-is-Fiction
121 Segreto del fiume (Il)
96 Sejdeme se v Eurocampu
166 Sette pistole per i Mac Gregor
123 site specific_LAS VEGAS 05
123 site specific_ROME 04
123 site specific_SHANGAI 04
149 So lange Du hier bist
150 Sommer ‘04 an der Schlei
127 Sommer auf Horlachen
154 Sommer vorm Balkon
97 Story of People in War and Peace (A)
107 Strada Üllöi 22. Budapest 1956
190 Sylvan
124 Taxidermia
98 Their Helicopter
76 Tir
217 Tramonto di Spartaco - Anteprima (Il)
65 Transylvania
176 Trieste 1948
77 Ūdens
151 Verfolgt
128 Verlangen (Das)
100 Views of a Retired Night Porter
199 Vitus
197 Vollmond
99 V poiskach sčasťja
101 Vukovar - Poslednji rez
102 Vulkanovka. Po didžiojo kino
125
Who’s Who? - Who’s Marina Abramovic?
126 Who’s Who? - Who’s Meg Stuart?
126
Who’s Who? - Who’s Michelangelo Pistoletto?
153 Willenbrock
194 Wir Bergler in den Bergen sind eigentlich nicht schuld, dass wir sind
125 Z odzysku
Aerschmann Peter 120, 248
Akinci Bülent 147, 248
Alecci Domenico 121, 248
Antonioni Michelangelo 244, 248
Baljak Janko 101, 250
Barbieri Olivo 123, 250
Bas Belma 75, 250
Beinoriūtė Giedrė 102, 250
Bellinelli Matteo 105, 251
Benki Artemio 73, 251
Bocus Daniele 222, 251
Bocus Massimo 222, 251
Bolm Andreas 71, 252
Božič Gregor 221, 252
Brandt Nancy 84, 252
Busslinger Erich 118, 252
Çashku Kujtim 55, 253
Cenetiempo Diego 218, 253
Čerkelov Ivan 57, 253
Ceylan Nuri Bilge 63, 253
Corvaglia José 70, 253
Coulibeuf Pierre 125, 126, 254
Curzel Vittorio 94, 254
Dašuk Viktor 91, 254
Dilthey Iain 127-129, 255 di Martino Rä 115, 255
Dresen Andreas 152-154, 255
Drevs Jan Hinrik 85, 255
Drljević Alen 89, 256
Ergüven Deniz Gamze 70, 256
Fabicki Sławomir 61, 256
Faidiga Fabiola 116, 256
Gaiarin Nicola 216, 256
Gatlif Tony 65, 257
Gergolet Ivan 215, 257
Giacomin Antonio 216, 257
Giraldi Franco 159-180, 257
Glasner Matthias 49, 258
Gligorov Robert 130, 258
Grigoras Geanina 208, 259
Grlić Rajko 53, 259
Grosskopf Birgit 148, 259
Guerrato Ennio 217, 259
Gutman Aleksandr 99, 259
Györik Misha 107, 260
Hajdu Szabolcs 47, 260
Harder René 85, 260
Hermann Villi 106, 260
Hniková Erika 96, 261
Horvath Andreas 100, 261
Hovhannisyan Vardan 97, 261
Ibañez Victor 116, 261
Iglesias Vigil José Enrique 74, 261
Jagric Petra 219, 262
Jashi Salome 98, 262
Jost Francesco 72, 262
Jude Radu 72, 262
Kocsis Ágnes 69, 262
Krelja Petar 92, 262
Krohmer Stefan 150, 263
Loznica Sergej 81, 263
Lukasiak Agnieszka 82, 263
Maccarone Angelina 151, 263
MASBEDO 68, 131, 132, 264
Mermoud Frédéric 75, 264
Mitulescu Catalin 45, 204, 264
Mucchiut Massimo 219, 264
Mungiu Cristian 207, 264
Muntean Radu 51, 265
Murer Fredi M. 185-199, 265
Nemescu Cristian 206, 207, 266
Nikolov Radoy 76, 266
Odažiev Petar 83, 266
Oleotto Matteo 68, 266
Pakalniņa Laila 77, 119, 267
Paladino Thierry 93, 267
Pálfi György 124, 267
Pašić Petar 73, 267
Paskaljević Goran 59, 268
Péaquin Joseph 117, 268
Penco Giampaolo 181, 268
Porumboiu Corneliu 205, 269
Quatriglio Costanza 104, 269
Radoslovic Ana 219, 269
Razbežkina Marina 88, 269
Rinaldi Alessandro 216, 269
Rosati Luis 121, 270
Rothemund Sigi 236, 237, 270
Salmaso Lucia 222, 270
Santini Mauro 133, 271
Seliskar Petra 80, 271
Siebenrock Charlotte 74, 271
Sîrbu Gabriel 206, 271
Škop Marko 87, 271
Skrinar Hannah 86, 272
Talijančić Ivan 120, 272
Toscani Oliviero 134, 135, 272
Trani Daniele 218, 272
Travan Corrado 220, 273
Usmonov Djamshed 43, 273
Veiel Andres 146, 273
Westerwelle Stefan 149, 274
Wolski Tomasz 90, 274
Yeritsian Arman 95, 274
Žilnik Želimir 103, 274
Živkov Vasil 57, 275
Il prestigio in ogni dettaglio.
Immagina di trovarti in un luogo dove lo stile e la cura del particolare sono di casa.
Pensa di poter volare portando sempre con te una parte di Italia.
La presenza capillare negli aeroporti regionali, l’appartenenza al network Lufthansa Regional, la qualità del servizio sono gli altri motivi per viaggiare con Air Dolomiti, la compagnia regionale italiana del Gruppo Lufthansa.
Dall’aeroporto più vicino a te puoi volare in tutto il mondo grazie al network dei partner Star Alliance ed investire così il tuo tempo mentre viaggi.
Ovunque tu sia non puoi confonderti. Non è un sogno, è Air Dolomiti.
MusicFeel è un progetto permanente per la produzione di musica originale per cortometraggi, lungometraggi e documentari. Fondata dai compositori Stefano Cretarola e Marco Fedele nel settembre 2003 MusicFeel riunisce esperienza, professionalità e passione offrendo, oltre alla realizzazione di musiche originali, anche una preziosa collaborazione artistica ad autori, registi, produttori, sceneggiatori.
Musicfeel si rivolge anche a registi/produttori emergenti (offrendo loro delle condizioni molto favorevoli) che necessitano di una colonna sonora originale per poter distribuire la loro opera cinematografica attraverso canali TV terrestri, satellitari, Internet e qualsiasi altra forma di diffusione.
Musicfeel lavora normalmente con registi di tutta Italia, grazie al proprio sito www.musicfeel.com che permette di ospitare le stesure provvisorie delle colonne sonore in corso.Tramite la rete il regista puo' facilmente visionare il proprio cortometraggio con le musiche in lavorazione e comunicare ai compositori, di volta in volta, le proprie osservazioni e indicazioni.
Nel 2005 Musicfeel, con l'obiettivo di promuovere vigorosamente l'utilizzo di musiche originali, ha ideato il Premio Musicfeel che sta riscuotendo un notevole successo in tutta Italia. Il Premio, che viene assegnato nei migliori festival italiani ai registi meritevoli di sensibilita' musicale, consiste nella composizione e realizzazione delle musiche originali per la loro prossima opera cinematografica.
Contattaci, saremo lieti di lavorare al tuo fianco con passione e professionalità.
