ZET MAG December Part II

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John Chen

Taiwanese born Australian based dark artist

John grew up around the bright golden beaches of the Gold Coast Surfers Paradise where life seems perfect, if you fit in.

His art peels beneath the golden facade and explores the darker and visceral part of the human condition.

As a young child John stood out because of his nationality and tall build, this caused difficulties in ‘blending in’ with the predominantly white schools he went to, he was often bullied and teased. His small circle of friends were the outcasts, miscreants with alternative tastes in music & art.

A sculptor and painter in both digital & traditional mediums, John is prolific in his medium choices, while as a whole maintaining his esthetic in the emotional, dark and sometimes macabre subjects. His works reflect the deeper and sometimes unmanageable part of being a human.

His love for figurative subjects derives from his love for classical sculptures, good anatomy is a key ingredient to his creations, John continues to develop his anatomy skills, often looking deep beneath just skin and muscle, and at the visceral tendons & organs.

Just prior to the global pandemic John quit his day job to be a full-time artist, a blessing in disguise as this allowed him to wholly dive into his creations without distractions.

In 2021 he exhibited at two galleries in the USA and often participated in international online exhibitions.Hi

Works are available as sculptures, paintings and NFTs (Non fungible tokens). .

"I love to create forms that convey emotion and drama. There is no light without shadow & I love it under the shade."

CoMago

The beauty and elegance of abomination

I was born May 19. 1989 in a small and rural town in lower Austria. I had a happy childhood. My parents raised me to be loving, but also to be maddening. I enjoyed a lot of freedoms and was allowed to give up freely. I had my first contact with art in my early childhood. My great-grandfather was a painter and my grandfather was a musician. I was born with art, so to speak.

I started drawing when I discovered the world of anime and manga. Even then, I wanted to create my own beings and characters and came up with stories about them. So I created and drew until the age of 15 when I discovered music and metal for myself. I soon dreamed of a music career in extreme metal. I began to learn the guitar and trained my vocal cords to be instruments of bestial singing.

And what can I say I loved it. At the time, it was my best venture to deal with my depression and outbursts of anger. These came from my first teacher who had mentally abused me for years. It was discovered too late by my parents and the damage they caused was already too big. My interest in school was very low and I preferred to live in my own dark world that gave me confidence and strength. And it shaped and shaped my great imagination.

Horror stories, horror films, science fiction and cyberpunk and of course music was my refuge and my passions. After my apprenticeship, I kept myself afloat with small jobs. I had my little world, but for a long time I didn't know what to do with who my vocation was. When I then had to experience for myself that making music no longer gives

OFFICIAL WEBSITE www.comago-art.com

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me anything, it pulled me deeper into the void and my depression and anger returned.

But very soon I found a good old friend again I had long forgotten. Drawing. Only this time it wasn't childlike images that I immortalized on paper, but dark and apocalyptic, dystopian drawings that were strongly influenced by horror and cyberpunk. The years of influence of dark and morbid readings, films, death metal and comics have left their mark. I started to see something that I have never seen before. One way, one destination. and that was the visual art. But first I needed a job that I could do without despair. So my aunt and uncle gave me the chance to do an apprenticeship as a graphic designer at their publishing house.

This inevitably brought me into contact with digital art. What brought me on my

way and to the style I have today was the album "Koloss" by my favorite band Meshuggah. The cover artwork was mesmerizing for me and I wanted to know which artist created such a masterpiece.

I found out that the artist heard the name Luminokaya and his artwork blew my mind.

To this day he is one of my greatest idols and influences my art.

And of course how should it be otherwise H.R. Giger. But also Zdzisław Beksiński, Tsutomu Nihei, Peter Gric and Derek Hess. I began to create work with Photoshop and for the first time slowly immersed mine in the 3d world that never let me go. Today my main work only takes place in Blender 3D and egrush. Photoshop is only used for fine-tuning..

Tomohiro Takagi

Oil paintings by the Japanese artist Tomohiro Takagi are an intriguing combination of phantasmagoria and stunning realism.

The viewer beholds the imagined inner spirit of the presented characters painted in the image of animals. They are expressed in such a way that we involuntarily begin to think about our own nature. Where is the border between the man and a wild animal, how fragile and delicate is it?

The artist’s view on the subject of human nature was formed under the influence of his stay in Papua New Guinea among the native people who were living in a symbiosis with wild nature. In Western culture, the tradition

of interpreting a person’s character in conjunction with its similarity to various animals dates back to the totem cult of ancient times. Antique philosophers made the first attempts to describe in details properties of human character in resemblance to various animals. For example, Aristotle in his treatise “History of Animals” paid much attention to the so-called zoophysiognomy (a term coined by the art critic Jurgis Baltrušaitis). The ancients reasoned that animals do not pretend, their behavior is natural, so by following their instincts people can generalize about their character. On the

The viewer beholds the imagined inner spirit of the presented characters painted in the image of animals. They are expressed in such a way that we involuntarily begin to think about our own nature. Where is the border between the man and a wild animal, how fragile and delicate is it?

The artist’s view on the subject of human nature was formed under the influence of his stay in Papua New Guinea among the native people who were living in a symbiosis with wild nature. In Western culture, the tradition of interpreting a person’s character in conjunction with its similarity to various animals dates back to the totem cult of ancient times. Antique philosophers made the first attempts to describe in

details properties of human character in resemblance to various animals. For example, Aristotle in his treatise “History of Animals” paid much attention to the so-called zoophysiognomy (a term coined by the art critic Jurgis Baltrušaitis). The ancients reasoned that animals do not pretend, their behavior is natural, so by following their instincts people can generalize about their character. On the other hand, man is secretive and it is not always easy to understand his hidden qualities. However, man’s resemblance to one or another animal allows to delve into his soul. This practice has transformed over centuries but is still firmly incorporated into the cultural context of the East and West.

Takagi’s characters do not simply

resemble animals, but seem to be composed of two essence - animal and human. The artist introduces the image of an animal corresponding to his hero character /according to characteristic features of his character. Anthropomorphic and zoomorphic details of the portrait give them a resemblance to ancient mythological creatures or deities.

The realistic manner of Takagi reinforces this impression. The artist creates a space in which it is difficult for a viewer to distinguish between fantasy and reality. Animals introduced into a character's image encode it in a certain way prescribing the modus operandi of this hero. We see the metaphorical image fully revealing the characters temperament. The imaginary identification of the viewer with Takagi’s unfurling stories may help us to plunge deeper into our own subconscious and more clearly understand ourselves. .

Oil paintings by the Japanese artist Tomohiro Takagi are an intriguing combination of phantasmagoria and stunning realism.

Gabriel Augusto

Born in Goiânia, Brazil in 1991.

Gabriel Augusto has always been interested in art, and the ability to express himself. At the age of seven, he was taught drawing at the Goiânia Museum of Art. In 2010, he began studying graphic design at Senac Graphic Technical College. In 2014, he was admitted to Goiás Federal University.

During the course of events, many occurred in his life. Death and depression were only the tip of the iceberg. It created a growing urge for Gabriel to create something personal to soothe his mind and powerlessness. The poetics behind his works of art come from, human suffering, his pathologies, and distopia..

Laurent Fièvre

Doctor in history of Arts he has sought, for many years, to express himself artistically, in particular through writing. By chance, almost by accident, he began painting his characters, his fellows, or critters, as he likes to call them. Born of a work on expressiveness, his approach is to provoke.

Using figurative themes, he manipulates feelings, emotions, to elicit reactions, to put the viewer in front of his own condition. He openly operates macabre themes to shake the audience and reflect on the often bumpy road of life. "Everyone finds his own story, his own limits, disabilities and imperfections".

As if to counteract the ubiquitous digitization of our current environment,

texture takes a very important place in his creations. In his works, Laurent uses elements such as tissue paper to obtain a more realistic rendering for skin.

Rope filaments allow him to create natural organic forms, as well as plaster and concrete coating are reminiscent of stone. Sometimes, in the midst of this textures explosion, the artist likes to incorporate unusual elements: torn tissues, mobile phones' electronics, jewelery or rusty nails.

Absence is the primary feeling emerging from Laurent Fièvre’s work. He expresses it by amputating his characters, removing some of their senses, such as sight, speech or touch. His purpose is to resonate induced feelings. By flushing

Laurent Fièvre is a self-taught french painter, living in France.

- La tendresse du foyer Canvas (mixed media) - 112 x 62 cm - 2021

OFFICIAL WEBSITE laurentfievre.com

- Mort-né Paper (acrylic) - 42 x 29.7 cm - 2020

- - L'état second Paper (acrylic) - 42 x 29.7 cm - 2020

out the very essence of humanity through the gesture and expression of his mutilated characters, he manages to rekindle extinct looks, gazes, unlock frozen rigid movements and utter inexpressible words.

In recent years, the look has found a preponderant place in its characters: lost, pleading, glassy or determined, the eyes often offer here to see what cannot be seen. The eye searches and questions. He often asks intimate questions and questions! The artist offers no answer but suggests that everyone open their eyes to their inner nature.

appearance, but once the veil of initial apprehensions is lifted, it is clear that it is life, which is the true focus of his work.

As part of his exhibitions and his artistic research, the artist multiplies the collaborations on an international level, with painters, photographers and writers (Matt Lombard, John Santerineross, James Osmont, Anne-Sophie Saillour, Natalie Lanson, Ana Galvis). He has also illustrated one vinyl of the synthpop band Psyche.

His work was the subject of a monograph entitled "Shared intimacy" published by Jacques Flament in 2016. .

- - - Sans lendemain Paper (mixed media) - 42 x 29.7 cm - 2021 - - -

Most would not see past the fear of death, or a gruesome and painful

Born on August 31,1995 in Dr. Jose Fabella Memorial Hospital, Sampaloc Manila, 26 years of age. Graduated at Eulogio “Amang” Rodriguez Institute of Science and Technology of Bachelor in Fine Arts Major in Painting. He was natural, inspired from magazines and movies of Tim Burton, at times he put his own touches in his works. He started doing characters, putting his own imagination full of magic and fantasy as subject. It was a

discovery on his part, his realization of his strength and vulnerability as a being that he made his own world to express the beauty and positive side of darkness for us to embrace the light of goodness in life. He explores his own sensuality painting characters in their natural habitat giving life to an empty canvas. As a young artist he has so much to learn and share, to observe and explore. .

EXHIBITIONS:

He has established an early interest in art making while growing up and having experiences with Art courses for children.After finishing school, and the university he decided to follow his first passion, and studied Graphic Design for illustration and Painting in Rostock. While at the Design Academy Roberto developed a love for the dark beautiful Art. Inspired By H.R.Giger and Chris Mars he started to study the masters and their works to get a better feeling and Understanding for the twisted dark yet romantic expression.

While working mostly with pencils and acrylics, it was in the beginning of the Covid 19 Pandamic, that he implemented Digital Painting for Creating his own dark Visions.

Also during this period of time he developed the “Glas Head Series”, a collection

of portraits and paintings inspired by Masters like Peter Paul Rubens and Elisabeth Wandel, where Roberto tries to evoke Emotions of the viewer by showing a dark yet beautiful alternate Reality, where the human bodies and portraits are often presented in a painful way combined with positive symbols like Butterflies., and the usage of warm colors.

Right now Roberto Diaz is part of the HINGE Artis Collective. A young group of Artists from all over the world.

He has exhibited his work not only in Germany but internationally, mainly in Europe and the USA. His preferred medium in Painting is Acrylics on Canvas, and the Digital creations are often mixed with his sketchbook drawings. Right now he lives and works in Germany..

Roberto Diaz was born in Bad-Sülze, Germany in 1985.

Roberto Diaz

Born

Currently resides in Everett, Washington, United States. Mortimer Dempsey is an artistic nom de guerre of Scott Aaron Stine. Although he has worked semi-professionally since the late-1980s as a visual artist, he has been focusing specifically on digital art since 2010. His recent work has been the focus of a very few gallery showings; in addition to several local month-long showings, his work also appeared in collaboration with others at the Museum of Porn in Art [Zurich, Switzerland, 2017] and Locker 666 Gallery [Athens, Georgia, United States, 2019].

From a young age, he was primarily a self-taught artist, inspired mostly by old-school surrealism, with Francis Bacon and Marcel Duchamp wielding the greatest influence on his work, both aesthetically and thematically. That said, he cites the whole of modern art as relevant inspirations, particularly cubism, abstract expressionism, impressionism and art nouveau. Some of his favorite artists also include Salvador Dali, Alphonse Mucha, Leo & Diane Dillon, Maxfield Parrish, Max Ernst, Hans Bellmer, H.R. Giger, Alberto Giacometti, Robert Rauschenberg, Gunther Brus,

1968 in Sacramento, California, United States.

Scott Stine

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Out of sheer necessity, Mr. Dempsey reluctantly embraced the world of digital art circa 2010, in spite of his technological illiteracy. Drawing on decades of exploration into more traditional mediums, he sought to create visions that he could not have achieved through purely non-digital means. This also gave him a greater opportunity to employ the “cutup technique” as pioneered by Tzara and later perfected by Burroughs and Gysin, transposing the experimental literary method into a purely visual idiom. Much of his work employs this process,

randomly combining photography of his own with sordid “stock” images usually culled from crime scene photos, hardcore pornography, graphic surgery footage, and the like. Aside from his reliance on art as catharsis, the artist's goal has always been to create something aesthetically pleasing—even beautiful—out of such disparate, unpleasant sources; any successes are entirely up to the viewer

It was mentioned and published on Inter | Sekt Magazine from December 2017 to July 2018 and was interviewed for Twisting Pixels Magazine in October 2018. .

- “Living in the Trenches” 18x12”, Digital, 2021

- - “Everything We Repress, Consumes Us” 18x12”, Digital, 2021

- - - “Seventh Day Regrets” 18x12”, Digital - 2021

M.C. Escher, and Jeffrey Catherine Jones.

Cos’è una donna?

«Scriveva Virginia Woolf in Professions for Women nel 1931: “Voglio dire cos’è una donna? Ve lo assicuro, non lo so. Non credo proprio che voi lo sappiate. Non credo assolutamente che qualcuno possa saperlo finché non si sia espressa in tutte le arti e professioni disponibili alle capacità umane”. Oggi, nel 2021, lottiamo ancora per l’emancipazione femminile. La donna deve ancora difendersi ogni giorno e combattere per essere rispettata. Nel video di “Psyco”, attraverso un linguaggio moderno, ad emergere è la voglia di libertà. Una libertà di espressione artistica slegata da i soliti pregiudizi e dal giudizio altrui. “Psyco” è una canzone che parla di me, di come sono, di come la penso sull'amore adesso, dall’ultima volta che mi ha delusa. Sento il bisogno di sentirmi indipendente dall’amore di un uomo, e di credere che posso farcela da sola a fare tutto, senza dare adito a chi mi giudica “Psyco” solo perché scelgo di essere felice e di vivere come mi va».

Il suo ultimo singolo “PSYCO” ha sonorità più elettroniche rispetto ai lavori precedenti. Come mai questo cambio di sound?

Io sono una sperimentatrice di natura. Mi piace paragonarmi ad una “spugna” che raccoglie tutta l’acqua per poi strizzare quella in accesso. Così è nato il singolo “Psyco”, ascolto ogni genere di musica, viaggio e abbraccio nuove culture e mi lascio trasportare dalle emozioni che si traducono in suoni e parole.

Sempre parlando del suo ultimo brano “PSYCO” il testo parla di come vede: l’amore, indipendente e forte e senza pregiudizi. Come nasce questo brano e cosa rappresenta per lei.

Un frutto va colto quando è maturo. Così nasce il brano “Psyco” che è il risultato di nuove consapevolezze personali, di esperienze vissute sulla pelle. Oggi è necessario allontanarsi da certi dogmi del passato e riscrivere un rapporto sereno con l’amore e la propria sessualità.

Nel 2009 vince il 59° festival di Sanremo tra le nuove proposte con il brano “Sincerità”. Quanto è cambiata come artista da all'ora.

by Daniele Borgia

Sono camaleontica nel mio aspetto esteriore ma sono la stessa ragazza del 2009: sognatrice, entusiasta, ricettiva, comunicativa e grata alla vita che mi ha dato la possibilità di poter fare ciò che più amo al mondo: essere ed esprimere la mia Arte.

Ha partecipato a diversi festival di Sanremo: nel 2009 con il brano “Sincerità”, nel 2010 con il brano “Malamorenò”, nel 2012 con il brano “La notte” arrivando al secondo posto, nel 2014 con i brani “Lentamente” (il primo che passa) scritto da Cristina Donà e Saverio Lanza ed il brano “Controvento” e nel 2015 con il brano “Guardando il cielo”. Cosa le ha lasciato il palco dell’Ariston e quanto è stato importante per la sua carriera.

Ogni mi partecipazione al Festival, la posso paragonare come ad un finale dei mondiali di pallone: ti prepari a lungo per dare il meglio nella partita più importante. C’è un brano, all’interno del mio ultimo album “Una nuova Rosalba in città”, si chiama la “La domenica dell’anima” e dice “si affaccia il sole che ci bagna, l’ombra è complice, e questo già mi dà speranza, hai dato un nome a tutto quello che sogno sempre, con gli occhi pieni di smeraldo, ho sognato di far goal al Brasile”. Così sono io. Ogni incontro è importante e mi arricchisce e mi consente di evolvere come persona e artista.

Il 7 dicembre del 2013 in occasione della ventunesima edizione del concerto di Natale ha duettato con la cantautrice americana Patty Smith nel suo brano “People Have the Power”, cosa ricorda di questa esperienza.

Ho un ricordo nitido di questa esperienza. Avverto ancora oggi la sensazione di devozione, fascino, gratitudine dinanzi ad un Artista del suo calibro e che ha scritto la storia della musica nel mondo. Poter essere parte di questo progetto al suo fianco per me è stato un dono inaspettato che conservo e costudisco come un bene prezioso.

Il 2020 è stato un anno molto difficile per tutti a causa della pandemia da covid 19 mettendo in crisi molti settori lavorativi, ma maggiormente è stato penalizzato il mondo dello spettacolo e della musica. Lei come ha vissuto questo periodo tanto difficile.

Ho vissuto due fasi distinte della pandemia: una più introspettiva e di ricerca interiore, studi e di lettura e quella successiva più produttiva elaborando nuovi brani. Fortunatamente, con il rispetto delle norme anti-Covid, sono riuscita a muovermi in tour e ritrovare la gioia e l’energia della condivisione con il mio pubblico.

Il 19,20 e 21 maggio del 2017 si è esibita a Tokyo durante l'evento ITALIA, AMORE MIO. Come sono visti in Giappone gli artisti italiani secondo lei.

Gli artisti italiani in Giappone sono accolti con entusiasmo e la musica italiana nel mondo per antonomasia è sinonimo del “bel canto”. La cultura giapponese è attenta ai dettagli e legata alle tradizioni e sancisce un unione perfetta con l’Italia ricca di storia, di emigrazione, di conquiste.

Io mi sono sentita accolta e amata dal pubblico italiano in Giappone e nel mio hinterland Milanese sono vicina al popolo giapponese perché sono affascinata dalla loro dottrina, dalle arti di questo popolo in continua evoluzione.

Ritornando al suo ultimo singolo “PSYCO” nel videoclip la si vede dipingere, si potrebbe dire che la pittura sarà un suo nuovo percorso artistico, una nuova forma di arte che in un prossimo futuro la vedremo intraprendere.

In tutta “sincerità”, dipingere è parte della mia modalità espressiva che si esplica nella produzione di immagini, di colori, di luce, di sovrapposizioni, di materiali di diversa natura. Sovente sono tele astratte ma mi rappresentano completamente. .

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Vittorio Nocenzi

Ciao Vittorio, tu e i tuoi compagni della band nel 1972, avete concepito Darwin, come si è evoluta la musica da allora?

Io sono profondamente convinto che ogni forma d’arte, tra cui la musica, abbia come presupposto della propria nascita il contesto sociale storico in cui affiora. Questa società nel tempo si è degradata verso un consumismo materialistico ed ha rimosso completamente il senso etico, la cultura, l’equità sociale, che erano le fondamenta del cammino del progresso umano, quindi non possiamo parlare di progresso. Facendo così si è denigrata quella che possiamo chiamare tranquillamente “Anima” reputandola accessoria, inutile, una zavorra. Ma ci si dimentica che è proprio da lì che partono i nostri sogni, le nostre idee, le nostre speranze, i valori di riferimento, i punti prospettici, senza dei quali non possiamo affrontare nessuna criticità. Quindi in questo periodo di pandemia mi sono

reso conto che oltre al Covid, c’è un virus ben peggiore, più letale, che ha completamente rimosso tanti valori e soprattutto la meritocrazia. Sta trionfando l’ignoranza presuntuosa.

Allora è difficile scrivere musica adesso, perché chi ascolta potrebbe non recepire.

Negli anni ‘70 produrre il nostro tipo di musica aveva un senso. Oggi che senso avrebbe? Oggi ne ha ancora di più, anzi ce n’è il bisogno. Noi abbiamo sperato che con la divulgazione della conoscenza, si evolvesse la sensibilità sociale, individuale. Se crei una tensione etica nella tua composizione avrai una forza emotiva e di comunicazione, che sicuramente gioverà all’estetica e allo sviluppo.

Ma un concept è come un libro, va ascoltato dall’inizio alla fine, in questo mondo consumistico come pensi che possa arrivare il suo

by Andrea Ferrara

Oggi siamo in compagnia di Vittorio Nocenzi, leader storico del Banco del Mutuo Soccorso, e con lui parleremo di musica e…

messaggio? O come può arrivare ad un ragazzo nato in quest’epoca?

Non ho mai fatto calcoli su questo e credo che la voglia del sapere ci sia sempre anche se é sotto molti strati di terra. Scrivere o comporre non è mai garanzia di successo, ma non si deve mai rinunciare a fare dei prodotti culturali che diano un segnale.

Come sei cambiato dopo la perdita di Francesco e Rodolfo?

Non sono cambiato, sono più triste. La contrapposizione delle gags dell’incredulo Francesco alle affermazioni astrologiche di Rudy mi mancano. Grandi musicisti ma soprattutto grandi amici. Tante risate, 50 anni e oltre 5500 concerti insieme non sono pochi.

Un legame particolare

Con Rodolfo condividevamo l’amore per la storia dell’arte e in ogni città dove suonavamo, andavamo a vedere anche i sassi. Musicalmente era il top e dovetti insistere purché lui venisse a suonare con il Banco. Con lui, Francesco e mio fratello Gianni, abbiamo seguito il sogno utopistico dell’arte totale, quando la musica diventa gesto, balletto, iconografia.

Però questo può creare una scrittura che non viene recepita immediatamente.

Dipende dal linguaggio che adoperi, più è complesso e più ha bisogno di tempo per essere recepito.

Quindi possiamo dire che la musica

è globalità, non ci sono più generi.

Si divide in due. Quella buona e quella cattiva. La prima cerca di evitare il luogo comune la banalità, non puoi fare l’artista ed essere un conservatore. Devi essere curioso, devi scoprire, sperimentare, rischiare…

Anche contaminare.

Certo. É stata sempre la nostra filosofia. La contaminazione si può paragonare alla diversità che è il sale della vita umana. Amare una diversità ti da l’opportunità di conoscere nuove possibilità. La ricerca della conoscenza ti offre la possibilità di altro e quindi di vedere oltre. Chi ha paura di quello che non conosce ha paura di non poterlo controllare, gestire e soprattutto di minimizzare il proprio potere, se pur piccolo.

Quindi anche dell’amore.

Il fascino di un estraneo ti può far innamorare. É il mistero della non conoscenza .Questo tema ci ha ispirato il testo di “750.000 anni fa l’amore”. La paura dello scimmione che teme di essere rifiutato dalla donna che ama. Il no che uccide più di un pugnale. L’amore umano, in tutte le sue forme, è il tema che sta ispirando il nuovo album concept “ Orlando”, di cui stiamo ultimando le registrazioni della pre-produzione.

A proposito di composizione, dopo i gravi lutti dove hai trovato la forza di continuare .

Sono stati due i motivi principali. Il tenere in vita Francesco e Rodolfo e

l’affetto dei Fans. Ho scoperto persone che hanno fatto scelte di vita grazie alla nostra musica, questa è una responsabilità molto forte. Un artista se è qualcosa è grazie proprio a loro.

Tu quando componi parti dal testo o dalla musica?

Creando un concept devi partire dal soggetto ovviamente, poi dipende non ho una regola. Scrivo con una certa libertà e per me è importante la parte letteraria, affrontare temi scottanti e scomodi che non si possono tollerare. Questi erano e saranno alla base dei nostri testi. Non si può ignorare l’intollerabile.

Scrivi tutto tu? Musica e parole?

Ho scoperto in mio figlio (Michelangelo ndr) il mio alter ego musicale e in Paolo Logli il mio alter ego nei testi.

E gli altri del gruppo?

Intanto bisogna dire che i nuovi li ho selezionati prima umanamente e poi musicalmente: se manca la sintonia umana prima o poi i nodi vengono al pettine. Inoltre, sono musicisti fantastici e hanno libertà di espressione anche sui brani storici del Banco. Loro sono stati accolti a braccia aperte dai fans e non sarebbe mai accaduto se non ci fossero stati certi presupposti umani.

Ci lasciamo con una stretta di mano e con un arrivederci. La personalità di un uomo colto che ha scritto pagine importanti della musica italiana, si rispecchia in quel che compone e credo che i lavori futuri lasceranno il segno sulla scia dei vecchi successi. .

Flavio Oreglio

L'occasione per sentire insieme due cantautori, entrambi diversamente storici, è finalmente arrivata a maggio 2021: Flavio Oreglio e Roberto Vecchioni con una versione inedita di « Stranamore », la meravigliosa ballata che Vecchioni pubblicò nel 1979 nell’album omonimo.

È uscito il 28 maggio « Milano OltrePop », un grande omaggio alla canzone popolare d’autore milanese, fortemente voluto dal canta-attore di Peschiera Borromeo, che riscopre sia brani tradizionali che capisaldi della musica d’autore italiana, interpretati dallo stesso Flavio con la complicità degli Staffora Bluzer e di ospiti prestigiosi.

Quattordici tracce, dalle tradizionali ballate autoctone ( « El magnan », « La povera Rosetta » ) a quelle dei protagonisti del cabaret del secondo dopoguerra (« El purtava i scarp del tennis », « Faceva il palo », « Il Riccardo », « La canzone intelligente ») fino alle canzoni d’autore

degli anni Settanta (« Stranamore », « La radio ») dentro le quali incappiamo, oltre a Roberto Vecchioni, in Alberto Fortis, Roberto Brivio, Umberto Faini, David Riondino, Germano Lanzoni, Cochi Ponzoni, Ricky Gianco, Paolo Tomelleri, Enrico Intra, Fabio Treves e Lucio « violino » Fabbri.

L'idea, nata qualche anno fa da Oreglio e dal suo produttore (il cantautore mantovano Luca Bonaffini) in seno alla trilogia « Anima popolare », con questo disco approda al secondo capitolo di un progetto discografico che, se da una parte mira alla valorizzazione del patrimonio artistico, storico e culturale della tradizione popolare italiana e in particolare della musica delle Quattro Province, dall'altra ci restituisce un Flavio Oreglio « musicista e autore di testi » che, giunto al suo nono album dall'esordio con « Melodie e parodie » del 1987, si fa ancora oggi portatore coerente di genere cantautorale. Un album da collezione.

by SirJ.

ha già portato alla produzione di due album: il primo, pubblicato nel 2018 con lo stesso titolo del progetto e il secondo, “Milano OltrePop”, uscito nel 2021. Entrambi gli album sono stati pubblicati dall’etichetta LDP di Luca Bonaffini.

Un artista a tutto tondo, poliedrico nel suo modo di essere e nel suo modo di interpretare l’arte, nel senso più generico del termine. Stiamo parlando del canta-attore Flavio Oreglio. Noto alla platea italiana per le sue molteplici apparizioni su “Zelig”, in cui le “poesie catartiche” hanno creato una vera e propria colonna sonora della comicità italiana, ancora oggi fonte di ispirazione per molteplici cabarettisti, quest'oggi lo conosceremo, meglio, nella veste di autore e musicista, relativamente all’uscita del suo ultimo disco, dal titolo “Milano OltrePop”. Tale opera, è un grande omaggio alla canzone popolare d’autore milanese.

S.J.: Ciao Flavio, spero di non offenderti se ti do del tu, così... per rompere il ghiaccio. Complimenti, innanzitutto, per questo tuo ennesimo progetto musicale. Se possibile, puoi raccontare particolarmente ai nostri lettori, che cosa rappresenta realmente per te, questo disco?

F.O. In linea generale quest’album per me rappresenta un “andare avanti” con coerenza, non è altro che un nuovo passo della mia avventura artistica perché per indole non amo vivere sugli allori e mi piace proporre sempre cose nuove.

S.J.: Il disco è il secondo capitolo di un progetto musicale alquanto impegnativo. Puoi spiegarmi meglio in cosa consisterà l'intera produzione artistica e se vi partecipano altri artisti?

F.O Tutto è nato nell’agosto del 2017, quando - in occasione del secondo Genetliaco del Circolo dei Poeti Catartici che ha sede al Passo del Brallo, nell’Oltrepò pavese - ho incontrato Stefano Faravelli e Matteo Burrone, due musicisti da tempo dediti alla “Musica delle quattro province”, genere coltivato da secoli nelle province di Pavia, Genova, Alessandria e Piacenza (e per questo motivo chiamato così) e caratterizzato da sonorità particolari (piffero, fisarmonica, müsa) e da balli altrettanto peculiari. Con questa Stefano e Matteo animano le tradizionali feste popolari della zona e quando ci siamo incontrati è nata l’idea – buttata lì quasi per gioco – di lavorare attorno a un progetto-canzone che avesse come perno l’utilizzo proprio di quelle sonorità per caratterizzarne il sound. Così è stato… abbiamo cominciato a scrivere canzoni originali e a rielaborare brani storici. In quest’ottica è nato il progetto “Anima Popolare” che

S.J.: La band! A vederli dalle foto sembrano abbastanza... "fuori di testa". Ti spiacerebbe descriverli o presentarli, uno ad uno?

F.O. Guarda… “Fuori di testa” è un concetto un po’ troppo banale e scontato, va bene per chi vuole autoproclamarsi tale forse per rimarcare una presunta diversità che altrimenti non traspare. Per trovare gli Staffora Bluzer devi andare ben oltre quei confini ed esplorare le lande dell’altrove… Ma bando a

disquisizioni pseudo filosofiche aberranti, te li presento: anzitutto parto da Stefano Faravelli che suona il piffero caratteristico autoctono, e Matteo Burrone, giovanissimo fisarmonicista d’assalto. A loro devi associare il terzo fondamentale elemento: Daniele Bicego che oltre alla müsa suona tromba, sax, flauti e bouzouki. Loro tre costituiscono il nucleo identitario che ci lega al territorio dell’Oltrepò e al genere musicale di cui parlavo prima. A loro si sono aggiunti tre musicisti di estrazione più jazz e rock che sono Giacomo Lampugnani al basso, Cristiano Giovanetti alla batteria e Fabio Casali alle chitarre. Poi ci sono io che suono il pianoforte.

S.J.: Flavio, perché hai così tanto a cuore la tradizione popolare, e in particolare quella lombarda? E' una questione di riscoperta di valori di un tempo, oppure un "sano edonismo intellettuale/dialettale"? Hai qualche motivazione recondita

Ho il piacere e l’onore di intervistare un grande personaggio dello spettacolo e della Radiotelevisione italiana.

che ti avvicina al "mondo popolare", in modo tanto particolare?

F.O. La riscoperta della tradizione popolare è uno dei pilastri artistici che stanno alla base della nascita della canzone d’autore in Italia (e non solo). Basti pensare al lavoro svolto dai Cantacronache alla fine degli anni ’50 a Torino poi confluito nel Nuovo Canzoniere Italiano a Milano nel corso degli anni ’60. Eravamo agli albori di quella canzone d’autore che fu influenzata anche dagli chansonnier francesi del secondo dopoguerra, dall’esistenzialismo e, in seguito, dalle dinamiche più anglosassoni legate ai poeti della beat generation, a Bob Dylan e – a seguire - all’avvento dell’era rock (soprattutto il momento “prog” finito nel dimenticatoio mediatico). Riscoprire questo approccio è stato importantissimo per tentare di riposizionare le idee nella giusta ottica, non già per nostalgia ma per guardare avanti con consapevolezza e cognizione di causa.

S.J.: Scusami, ma è giunto il momento di rivolgerti una domanda un "cincinin" cattivella. Ritieni che il genere popolare da te proposto, e che immagino suoni durante i "live", possa piacere e attirare gente, i ragazzi di oggi, oppure, semplicemente, non te ne frega una beata m... e lo fai per il gusto di suonare e divertirti?

F.O. Io faccio quello che faccio perché mi esprimo in questo modo e mi piace rivolgermi agli esseri umani, senza minimamente preoccuparmi dell’età di chi mi ascolta. Verosimilmente ci saranno giovani, adulti e anziani cui queste cose piaceranno e ci saranno giovani, adulti e anziani cui queste cose non piaceranno. Com’è giusto e ovvio che sia. Io non inseguo ragionamenti marketing-oriented e non mi adeguo alle presunte leggi del cosiddetto “mercato”. Detto in

altre parole, io non cerco nessuno, chi c’è, c’è.

S.J.: Conosciamo meglio il tuo spettacolo e il tuo disco. Quello che proponi, consiste in una riproduzione di brani tradizionali popolari milanesi, oppure alterni anche nuovi brani inediti? E, per caso, nei "live", talvolta, alterni la musica con divertenti performance cabarettistiche?

F.O. Questo punto è molto importante… il progetto “Anima Popolare” è un work in progress musicale che parte da alcuni presupposti molto precisi come il recupero e l’utilizzo delle sonorità della “Musica delle quattro province” e la contaminazione con altri generi musicali come jazz, rock e blues. In questo senso ho definito il nostro approccio come tipicamente prog. L’inquadratura musicale fa da cornice a diversi step operativi: nel primo disco abbiamo realizzato una serie di brani inediti corredati da una cover del brano “Ma mi” di Carpi-Strelher, nel secondo disco (più “concept”) ci siamo concentrati su una cernita di brani storici della realtà milanese per evidenziare il concetto dell’unitarietà che esiste tra canzone popolare, canzone d’autore e cabaret, concetto emerso dagli studi dell’Archivio Storico del Cabaret Italiano che ho costituito e che dirigo. Sia ben inteso che la parola “cabaret” va interpretata nella giusta accezione che non ha niente a che vedere con i “comici”, perché nel cabaret i “comici” non ci sono, anche se nel cabaret si ride. Quindi per rispondere alla tua domanda, nel nostro live proponiamo sia brani inediti sia cover di brani della tradizione. Non siamo però una tribute band, se è questo che vuoi sapere, infatti i brani che abbiamo ripreso sono stati completamente arrangiati ex novo e reinterpretati (se ne vuoi la prova fai il confronto tra i brani originali e le nostre versioni). Per quello che riguarda le dinamiche del live, oltre alle canzoni ci sono le chiacchiere… è da

by Andrea Ferrara

Iron Maiden Senjutsu

sempre il mio stile, non potrei fare diversamente.

S.J.: Una domanda d'obbligo: Puoi rivelarci il tour dei tuoi prossimi concerti, così da venire a seguirti?

F.O. Per il momento non abbiamo un tour predefinito ma navighiamo a vista, per sapere cosa succede basta consultare le news in perenne aggiornamento sul mio sito www.flaviooreglio.it. In ogni caso di volta in volta muoviamo anche i social.

S.J.: Un'ultima domanda: sappiamo che sei uno scrittore di successo, che ha pubblicato molteplici raccolte di poesie, con diverse case editrici, di genere sostanzialmente comico. Ne vuoi citare qualcuna in particolare, cui ti senti particolarmente legato? Vuoi indicarci qualche pubblicazione che possa racchiudere il tuo pensiero?

F.O. Ti segnalo due libri pubblicati da Sagoma Editore negli ultimi due anni: il primo è “L’Arte Ribelle” e contiene il risultato degli studi che ho effettuato grazie a i documenti dell’Archivio Storico del Cabaret Italiano (studi su cui si basa, come ti ho detto prima, la realizzazione del disco “Milano OltrePop”) e il secondo che s’intitola “Brev Art” pubblicato nel dicembre del 2020 in occasione del ventennale del “momento catartico”. È un’antologia con il meglio di tutta la mia produzione di scrittura breve.

Ti saluterei, come d'obbligo, in questo modo: "In bocca al lupo, in bocca al lupo, in bocca al lupo! Coglione d'un lupo! E chiudila sta' bocca!" .

Eccomi a scrivere una recensione importante per me, perché andrò ad analizzare l’ultimo lavoro di uno dei miei gruppi preferiti, gli Iron Maiden. Senjutsu! Un classico album dei Maiden, registrato e suonato molto bene. I Fan più accaniti possono stare tranquilli, le sonorità, il groove, le melodie e le sovrapposizioni di chitarre su terze ed ottave, che sono alla base della musica del gruppo inglese, ci sono eccome. Dickinson sfoggia sempre una voce importante anche se, visto il passare del tempo, è un pò più compassata, ma sempre efficace e tagliente. I ragazzacci della sezione ritmica sono ormai collaudatissimi e affidabili nella loro performance, come i tre menestrelli delle sei corde che si intrecciano senza calpestarsi l’un l’altro. Il risultato del connubio di questi sei artisti non può che essere un lavoro piacevole all’ascolto e non pesante, nonostante ci siano brani con un minutaggio degno di una Prog band. Anche i testi sono ricercati e si rifanno a battaglie epiche e ad un richiamo a difendere i propri valori, la propria storia. Abbiamo aspettato sei anni da The Book of souls, ma l’attesa è stata ripagata eccome. .

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CONTACS

A: Vorrei parlare con voi dell’emozione che c’è nel presentare una nuova storia;

Franz Di Cioccio: Siamo felici di questo disco perché nasce in un momento importante, particolare, la pandemia, dopo un tour di un anno, ci siamo trovati spiazzati perché non potevamo fare più concerti. Allora ci siamo detti che visto che ci ritroviamo tranquilli, per modo di dire, facciamo un disco nuovo. Poi non è facile dire ‘facciamo un disco nuovo’ e poi lo fai. Però noi siamo molto legati perché in primis siamo la ritmica, poi abbiamo una buona vena creativa e ci siamo messi nel piccolo studio a casa di Patrick e

piano piano abbiamo incominciato a scrivere quello che volevamo raccontare. Abbiamo attinto dalla nostra passione per il cinema e in special modo per i film di fantascienza. Siamo andati spesso al cinema a vedere dei capolavori ed in special modo Blade Runner. Questo film non ha alieni ma una cosa particolare, i replicanti che sono persone che non sono delle persone e la cosa che ci ha colpiti di più del film e che ci ha dato spunto è stato quando stavano interrogando un personaggio che avevano arrestato e non potendo chiedergli se fosse un replicante, allora gli fecero una domanda a trabocchetto che era ‘senta ci parla un po’ di sua madre’ e questo

è andato fuori di testa. Allora abbiamo detto, OK stiamo vivendo una vita talmente caotica che io mi aspetto che prima o poi siamo talmente dentro a questa vita che stiamo facendo, super, iper-connessa ma in realtà non siamo mai connessi con noi stessi siamo più connessi con una serie di cose che ci stanno aiutando e forse stiamo perdendo un po’ il nostro punto di vista umano per quello che sta succedendo. L’idea era stimolante ed è partita questa idea del disco e finché non abbiamo avuto tutto non ci siamo fermati.

by Andrea Ferrara

Patrick Djivas: Beh come dice Franz abbiamo incominciato come facciamo

sempre molto pin pong e quindi, ha ho questa idea che ne pensi ah bello bello, facciamo in modo di Arrangiarlo in quel modo lì o la lasciamo così, così come facciamo da tantissimi anni ed abbiamo sempre fatto così, un po’ con la PFM e adesso siamo io e Franz ma anche quando eravamo diversi eravamo un po’ la stessa cosa ed abbiamo sempre lavorato in quel modo lì ed è il nostro sistema e la cosa bella è che finché non soddisfa tutti continuiamo a lavorare e questo è una specie di marchio di fabbrica, una specie di garanzia di qualità, come dire, se c’è uno di noi due che ha un dubbio vuol dire che c’è qualche cosa che non va e quindi continuiamo e quello che abbiamo fatto su questo disco e malgrado le peripezie dovute più che altro a problemi tecnici perché le distanze, le cose, non ci facevano stare tutti insieme, Marco (SFOGLI) è a Cremona e per lui era difficile scendere qui, anche Franz è abbastanza lontano da casa mia, però dovevamo farlo per forza, quindi si girava con le autocertificazioni e fortunatamente non abbiamo mai avuto grossi problemi, però abbiamo portato avanti il lavoro in quel modo lì poi in studio abbiamo avuto altri problemi, ma diciamo che il disco ha preso più tempo di quello che avrebbe dovuto, però non è stato un tempo dovuto da indecisioni o cose di questo genere ma semplicemente dalle situazioni pratiche tecniche e dai momenti che non si capiva bene. Adesso siamo molto più tranquilli ma un anno fa eravamo un po’ confusi, un giorno era in un modo un giorno in un altro e quindi il disco è nato è nato con questa aura intorno, ma a noi dell’aura non ce ne frega niente, perché ne abbiamo avute tante nella nostra vita, sono 49 anni che faccio dischi con Franz e quindi siamo andati dritti sempre per la nostra strada e siamo molto felici di quello che abbiamo fatto, anzi direi che questo, degli ultimi dischi è quello che preferisco.

A: Due domande vorrei farvi che magari non metterò nell’intervista ma sono curioso, il secondo blade runner vi è piaciuto, avete preso un film fantastico per stimolarvi, ma

visto il momento di pandemia, non vi è passato per la testa di scrivere una cosa sulla pandemia?

F: Fare la cronaca di quello che sta avvenendo è veramente complesso, io penso sempre che la cosa migliore sia affidarsi alla nostra fantasia, la cosa più bella dell’uomo è avere dei sogni e poterli realizzare. Il sogno nostro è quello di poter fare la musica a modo nostro e di poter raccontare storie, e le storie si devono basare su qualche cosa. La storia che volevamo raccontare ha come protagonista un uomo normale che però non riesce più a sognare liberamente perché viviamo sul nostro pianeta e contemporaneamente su un mondo parallelo, invisibile. Un pianeta che però è in un mare di giga in un arcipelago di algoritmi quindi tutti quanti siamo ormai, ieri è saltato WhatsApp e tutto il mondo era in crisi; quindi, voglio dire che questa cosa mi fa pensare. Al di là del problema che poi vuoi che tutto torni e stavi facendo una serie di cose e ti manca però in una storia da raccontare questo è un bell’argomento. Tutti insieme d’ispirazione non che abbiamo fatto blade runner su un disco l’ispirazione è il fatto di come può una persona che sembra normale che invece è una persona sintetica e alcuni di noi stanno diventando, no una persona sintetica, però essendo connessi con tutto il mondo però non siamo più connessi con noi stessi, e questa cosa qui invece ti da lo slancio soprattutto se fai un mestiere come il musicisti dove hai bisogno di sogni di emozioni di grandi ispirazioni, e l’ispirazione t viene dicendo ‘non è che ci stiamo chiudendo molto dentro noi stessi e non abbiamo più la voglia di andare a vedere cosa succede dall’altra parte. Quindi la cosa migliore era far vivere questo sogno con una storia che è questa. L’album ha un Overture che è un’allegoria in cui c’è un mondo molto bello dove c’è la musica classica e poi diventa un mondo utopico despotico e questo ti fa capire che stiamo rilanciando un prodotto molto molto particolare perché apriamo con un brano strumentale e finiamo con una jam session e non so chi chiude un album con una

jam session. Questa è la capacità che hanno i grandi di essere folli ma con i piedi per terra, che è una cosa diciamo la ricetta giusta.

A: infatti una domanda che mi ero preparata era proprio sull’overture e sul finale con l’uscita che mi è sembrato molto vivere. Alla fine, ragazzi dovete vivere e non essere legati al virtuale. Le jam son questo no?

P: Diciamo che il primo brano in un album è una specie di dire buongiorno come state? Io sono qua ed incominciamo a chiacchierare. Il disco sarà questo ed incominciamo a chiacchierare. Allora siamo partiti che abbiamo fatto in 5 6 minuti una parte classica, una PFM nostra abbastanza normale, basso chitarra e batteria, poi una parte distopica che messa insieme anche per dare a noi stessi la certezza di essere in grado di mettere tre cose così con totale armonia e totale bellezza, perché non è facile. Mettere male insieme tre cose così diventa un collage, ed è stata una cosa importante e siamo fieri di averla fatta perché non era semplice da fare. Noi volevamo, lo abbiamo fatto sia per noi stessi che per la gente che ascolterà. Invece l’ultimo ci siamo tolti un sassolino dalla scarpa, perché avevamo tanta voglia di suonare, purtroppo non riusciamo più a suonare dal vivo e in questo momento è molto difficile quindi abbiamo deciso di fare quello che facciamo dal vivo lo facciamo nel disco e qui abbiamo fatto una jam session, per modo di dire, perché è il nostro modo di vedere il gruppo perché siamo tutti che improvvisano li, non è una ritmica ed un solista che suona sopra, ma è un’improvvisazione globale totale, come abbiamo sempre fatto dai tempi di, da sempre, e quindi volevamo farlo a tutti i costi e devo dire che è una delle più belle che abbiamo fatto e sono molto molto felice di questa cosa qua. Marco Sfogli ha dato il meglio di sé e le cose mirabilanti

A: a me è piaciuto molto, io amo il progressive e per questo mi hanno fatto fare questa intervista a voi, mi

è piaciuta molto Moondi Paralleli sulla parte finale dove entrava la parte di pianoforte di Umani Alieni con questo stacco molto progressive.

P: in 45 minuti succede l’ira di Dio, si passa dalla musica classica e si va a finire ad un pezzo cantato, insomma una cosa che ci è piaciuta molto questa ed era come doveva venire quindi…

A: Diciamo è un po’ un vs marco di fabbrica, per dire il progressive ha un po’ tutto, dai 12/8 ai tempi dispari, alla fine non è un genere, ma una serie di generi messi insieme che si sprigionano in questo album, anche un po’ di fusion.

F: Il progressive non è uno stile musicale, praticamente è un modo di concepire di alcuni musicisti di esprimersi e poter attingere in varie situazioni e racchiude tante sfumature artistiche, tante cose, questi cambi che tu hai parlato li sento appieno e dopo questi due pezzi c’è per esempio Ombre amiche che è un brano molto sfumato, e si basa su un canto semplice ed il testo dice che il silenzio ci da la possibilità di riflettere e di fare, ed è importante quindi memore di canzoni tipo sound of silence che è un capolavoro assoluto, ecco che nella musica che tu fai rientra tutto quello che hai frequentato, chi ha la musa progressive, sa di aver frequentato tanta tanta musica. E solo così diventa un genere divertente, importante che ha avuto il suo spazio e continua ad averlo nel panorama musicale.

A: Io ho notato che all’interno ci sono delle variazioni nella parte centrale del brano, poi correggetemi, cambi di tonalità che mi sono piaciute, e l’ho catalogata come una colonna sonora, Ombre amiche, mi ha dato questa sensazione, la musica da emozioni quindi poi ognuno la interpreta a suo gusto.

P: ho capito di quale parte parli la parte centrale ci sono delle melodie, delle modulazioni interessanti, infatti una delle cose belle di questo brano, è

un brano che parla di pace di silenzio di trovare se stesse e via dicendo arriva dopo l’ira di Dio, 8/9 minuto dove succede di tutto, dall’introduzione e quindi è bellissimo questo ritorno no alla calma alla riflessione al silenzio, però non poteva mancare in mezzo la perizia PFM nella modulazione, nella conoscenza dell’armonia nel saper trattare certe cose con classe ed interesse.

A: Poi rimane piacevole e ci devi far caso, io l’ho dovuto studiare però è come con i tempi dispari che fate, sono talmente fatti bene, coesi che con tutte le parti

F: che sembrano pari.

A: non ti metti a, poi di solito i dispari si cantano e per questo alla fine rimane piacevole .

P: perché vedi i tempi dispari sono utilizzati un po’ come per dire ‘guardate sono capace di fare questo’ i realtà non è assolutamente difficile fare un tempo disparo ma è solo una questione di, per me che sono greco ho ascoltato musica greca da quando sono piccolo suonare i 7/8 o i 15/16 è come suonare i 4/4 perché così è la musica normale greca e però la cosa bella è che è una necessità suonare un tempo dispari, perché è la melodia che ci porta a dire che un tempo deve essere diaspri, se tu fai il tempo disparo forzato per far vedere che sei bravo non ottieni niente, se invece fai un 7/8 perché la melodia porta a farlo allora è la cosa giusta. E noi l’abbiamo fatto sui nostri brani, anche se molto complesso sul piano ritmico però non te ne accorgi perché in realtà è la melodia che segui ed è lei che richiede la complessità armonica, ed è il modo con cui abbiamo sempre affrontato i tempi dispari.

A: il tempo dispari non è una fede .

F: deve solo avere fluidità, come se fosse una cosa normale, e se fila non ti accorgi che è dispari, e se segui l’onda e l’onda ti porta bene, ti porta lontano, nessuno si è mai chiesto

quanti tempi ha dietro e la stessa cosa vale per Mondi Paralleli e tanti di questi pezzi che non li mettiamo per fare sfoggio ma perché devono dare un sapore, come una spezie che da sapore ad un piatto buono che stai mangiando. In una canzone non devi aver paura di mettere dentro più cose, perché non sono canzoni che fanno le canzoni che devono rappresentare quel genere. La PFM fa la PFM suona tutto quello che gli piace nel momento che gli piace, è andata così e sono contento. Dai risultati avuti o e Patrick siamo veramente felici, perché volevamo scrivere un disco diverso che fosse pieno di sensazioni perché dopo la pandemia avevamo voglia di fare un disco belo che riempisse il cuore.

A: Sicuramente uno mentre compone non è che dice, questo si, questo no, pensa di sbrigarsi a comporre; infatti, credo sia stato un buon lavoro molto equilibrato, registrato molto bene. L’ho sentito in 4 devices diversi e mi sembra fatto molto bene. Contenti voi ma anche il pubblico PFM e non gradirà sicuramente.

P: abbiamo avuto degli ottimi riscontri.

A: L’importante che siete contenti voi.

P: questo è obbligatorio sennò non sarebbe uscito. Noi abbiamo questo modo di lavorare che è anche la nostra fortuna che poi in due siamo in due a valutare le composizioni e via dicendo e quindi se uno di noi due ha un dubbio su qualche cosa anche se l’altro è stra convinto ci si lavora finché il dubbio sparisce quindi abbiamo una garanzia di qualità che deve piacere nello stesso modo ad entrambi.

A: Una specie di doppio editing.

F: non siamo mai accomodanti perché siamo amici ed essendo basso e batteria dobbiamo andare d’accordo per forza e quando sentiamo che la cosa c’è facciamo le capriole, una cosa che abbiamo scritto e viene come l’abbiamo immaginata non puoi capire che

soddisfazione e poi la lotta è chiuderlo bene e non farla essere una canzonetta e neanche un pezzo difficile per far vedere quanto sei bravo Vogliamo fare un disco che abbia un’impronta che lasci il segno fatto in un momento storico in cui abbiamo dato il nostro punto di vista con questo lavoro e la bellezza di essere artisti è questo dare il meglio in questo momento e ci sembrava giusto farlo.

P: in questo momento c’era anche un po’ di faciloneria e normale, però certi artisti di un certo credito si sono abbassati a dei livelli incredibili, dei live sulle sociali cose scandalose. Ma non è perché siamo tutti in una situazione particolare e facciamo la cosa su internet alla come ci riesce, non va fatta, perché sei un artista e devi dare il meglio di te sempre, sempre dare il meglio di te, mai una cosa al di sotto del massimo che tu sei in grado di fare. Questa è la chiave per essere un artista.

A: Su questa cosa che Lei ha detto vorrei dire solo una cosa, spesso alcuni artisti sono populisti tra virgolette e danno quello che vuole il popolo e magari nel progressive non è proprio così perché c’è una libertà di espressione che magari in altri generi non c’è perché sei legato a degli schemi e per questo c’è differenza tra artisti ed artisti.

F: la nostra storia parla per noi e dice che questo disco è un nuovo anello di una lunga catena che parte da 50 anni fa quindi stiamo festeggiando i nostri 50 anni .

A: quindi questo sarà l’album dei 50 anni o avete qualche nuova idea?

F: No non lo sappiamo, Adesso ho detto i 50 anni perché mi è venuto in mente cosa scrivevamo 50 anni fa e nessuno lo capiva al momento e lo dico proprio perché siamo stati sempre estroversi io suono la batteria in un modo molto particolare, non suono pensando a ciò che devo fare ma guardo in faccia la gente e mi sembra che la gente mi dica, ‘suona questo’ ma perché mi sembra

di interpretarli e mi sembra che io stia suonando quello che loro vogliono. Idem quando vedo Patrick che suona, infatti lui è uno dei pochi bassisti che fa il solista sulla base ritmica che non è una cosa facile. In questo modo noi ci ritroviamo a suonare dei brani diversi uno dall’altro uno con diverse ispirazioni, con un tema di fantascienza che però tocca la quotidianità ed ogni brano c’è questo. In pecore elettriche il testo dice dal blues al rock dal funky al jazz finalmente. È un gioco di parole che quando arrivi finalmente vuol dire che hai toccato tutto e non c’è nessun problema perché la musica è bella tutta è lei che ti cattura e non sei tu che la scegli. La musica ti sembra che la scegli, ma lei ti emoziona talmente tanto che è lei che ti entra dentro; quindi, quanto senti un brano e ti piace non vedi che prima è pari poi è dispari, classica poi però arriva il finale con un assolo di chitarra mentale.

A: anche su pecore elettriche fa un bel solo.

P: secondo me pecore elettriche è una citazione per noi ecco perché è proprio così, parte funky molto credibile, fatto con tutti i crismi, spirito giusto, ovviamente ci sono delle armonizzazioni al di fuori del funky perché ovviamente siamo noi e poi va nello stile Broadway dove ci sono altre armonizzazioni per andare dopo in una condizione ancora diverse fino ad un Marco Sfolgi che sfoggia il metal che è in lui, quindi lì è fantastico. È un o piccolo manifesto della PFM, è uno showcase.

F: quindi quando noi l’abbiamo fatto una volta io e una volta lui dicevamo, qui fallo funky vediamo che esce, ah è bello, poi andiamo in Broadway. Sicuro? Si vai, ma sai è bello poi dopo? Finalmente e lì è partito Marco. Chi lo ascolta riceve uno shock emotivo molto forte, perché c’è veramente di tutto e c’è da divertirsi in un brano così.

P: se sei un musicista cogli di più le sfumature

F: per arrivare al pezzo successivo che

è un affresco musicale incredibile con due ospiti che ti lasciano senza fiato. Ian Anderson quando entra col flauto rimani così perché è realmente lui che fa gli assoli ed inizia con un mantra e dice che la terra ha bisogno di rinascere perché noi siamo spacciati e lo diciamo con la musica, e idem anche in inglese, è il tempo di rinascere per il pianeta terra. Poi c’è anche Mister non lo so che è un’altra chiave di lettura molto ironica, sono tutte storie che ti fanno vedere dei trailer di film, questo è quello che noi volevamo. Se tu hai avuto questa sensazione ci fai felici perché volevamo che all’ascoltatore arrivasse.

A: vi volevo chiedere proprio questo, ne Il respiro del tempo c’è la citazione Miseria e nobiltà; quindi, voi ai film siete legati e mi sembrava una citazione a Totò.

F: si miseria e nobiltà c’è nella musica, magari hai fatto tanti soldi ma non ti sei divertito tanto e se fai la musica solamente per te stesso a volte rimani chiuso nel tuo essere, la cosa migliore sarebbe trovare la formula giusta logica dove sei libero e dai a tutti la sensazione di esserlo e che se fai questo lavoro hai questo dono. Hai scelto di far la musica e se le cose ti vengono bene vuol dire che fai star bene altre persone e per questo, nella musica c’è miseria e nobiltà. Nella musica ci sono cose adamantine .

A: come tutte le forme d’arte.

F: esatto.

(Salutiamo Franz che deva andare da Feltrinelli.)

A: quando scegliete di inserire una contaminazione, in fase di composizione o dopo aver già strutturato il brano?

P: la contaminazione non deve essere una cosa fine a stessa, la contaminazione è bella quando è funzionale e quando il brano lo richiede. Quando tu fai una cosa forzandola si sente che stona. Stai parlando con una persona

che crede di essere stata una delle prime al mondo, suonavo con gli AREA e con loro penso che siamo stati il primo gruppo, perché eravamo noi i contaminati, gli elementi del gruppo erano due greci, un mezzo ungherese ed un italiano, ognuno con il suo background che non veniva imposto ma che si faceva apprezzare cosicché la contaminazione veniva da sola. Anche con la PFM succede questo. Negli anni abbiamo imparato da soli, questo è stato un grosso vantaggio. Nel periodo della nostra gioventù, 15 a6 anni, non c’era un maestro, i tutorial, niente. E nessuno suonava bene, era tutto istinto. Solo musicisti classici, se avessi voluto sentire qualcosa di particolare saresti dovuto andare al Casinò di Montecarlo. Io neanche sapevo come mettere le mani perché non avevo mai visto nessuno suonare. L’unica scuola che c’era era il conservatorio, ma musica classica. Allora SI faceva a tentativi, si ascoltava tantissima musica e da ognuna di queste si prendeva qualcosa. Ti facevi il tuo background di ascolto. Più Ascoltavo musiche diverse, più apprendevo ed era quello che volevo fare. Quando tu ascolti così tanto a quell’età, ti rimane impresso per tutta la vita e diventi musicista prima di diventare strumentista. Noi ci abbiamo messo molto di più per imparare a suonare. Adesso è il contrario, vai in una scuola ed in base al chitarrista che ti piace ti danno il maestro con il profilo giusto. Però poi sai fare solo quel tipo di musica, e non sei un musicista. Noi abbiamo fatto il contrario. Per imparare le scale ci abbiamo messo due anni, siamo in grado di suonare le classiche, il jazz, De André, noi abbiamo la musica dentro.

A: il disco è cantato sia in italiano che in inglese. Nella vostra storia avete suonato spesso all’estero ma la scelta non è stata per far capire i testi, ma perché l’inglese sprigiona una lingua diverso.

P: Ma diciamo che storicamente dal 74 abbiamo iniziato a scrivere in inglese perché siamo una band internazionale noi abbiamo fatto 5/600 concerti in America, come facevano tutti i gruppi

internazionali, una tournee europea, una asiatica una sudamericana, una nordamericana ed una inglese. Questo era abbastanza complicato per noi anche se era la vita normale di una band internazionale che però aveva nell’Inghilterra e nell’America un passaggio naturale. Noi siamo italiani, e tanti concerti anche in Italia. Un massacro, quindi facevamo un numero enorme di concerti, anche due nello stesso giorno. Pomeriggio e sera. Un anno feci il calcolo che facemmo in un anno più di 400 concerti. Tutti i gg una roba allucinante. Era la nostra condizione. I primi dischi sono usciti con l’etichetta di Emerson Lake e Palmer. I testi ce li scriveva Sinfield e tra l’altro è lui che ha avuto l’idea di cambiare il nome in PFM, perché Premiata Forneria Marconi nessuno riusciva a dirlo. Siamo partiti così e due tre dischi li abbiamo fatti solo in inglese.

A: e questo disco segue la scia degli altri?

P: Abbiamo un contratto discografico con la InsideOut che è un’etichetta internazionale che esce in tutto il mondo, quindi farlo uscire solo in italiano. Ma non ti nascondo che molti fan, giapponesi, inglesi, sudamericani, preferiscono ascoltarci in italiano. Però noi siamo in dovere di scrivere in inglese perché siamo un gruppo internazionale. Abbiamo la fortuna di avere Marva Marrow una persona straordinaria che conosciamo da tanto tempo che ha collaborato con noi per tanti nostri brani famosi ed ha collaborato anche per questo disco dando lo stesso titolo in inglese, però i brani non sono uguali, e li ha fatti con le sue idee. Queste non hanno stravolto il lavoro fatto in italiano ma lavorando a braccetto da tanto tempo, le sue idee sono molto vicine alle nostre. Le abbiamo lasciato totale libertà e devo dire che ha fatto dei brani meravigliosi. Sia tecnicamente che sul suo significato. Non ti nascondo che non è una cosa semplice, perché cantare in inglese o in una lingua che non è la tua non è così facile. Ma è un piccolo sacrificio da fare ed è giusto farlo. Perché se lo aspettano da noi. .

Giuseppina Torre

Quando compone come sceglie lo strumento, ovvero la melodia verrà creata subito al pianoforte e la contamina con altri strumenti e sceglie il protagonista. Oppure l’idea è già ben precisa per uno strumento specifico.

Le mie composizioni nascono quasi sempre per pianoforte che per le sue infinite capacità espressive e dinamiche è lo strumento polifonico per eccellenza ma, come è successo in precedenti lavori discografici, ho scritto anche composizioni per pianoforte e voce e pianoforte con quartetti d’ archi.

Le sue composizioni rimangono fresche e moderne benché provengano da studi “classici” quanto è cambiata la musica classica: ovvero rimane eterna o si sta evolvendo verso nuove sperimentazioni? Quindi di conseguenza Cosa pensa della situazione musicale attuale e quanto spazio musicale ha la “musica classica”?

La musica classica intesa come sinonimo di musica colta che vide la sua

epoca d’ oro che va dal seicento fino a fine ottocento è e resterà eterna. Ha i propri cultori ed estimatori che molto spesso storcono il naso verso le “nuove leve”. Io penso che tutto sia attribuibile a una errata classificazione che ha generato confusione poiché spesso all‘espressione “musica classica” si associano compositori moderni come autori di musica contemporanea. Allo stesso tempo, però, trovo riduttivo, in una società in continua evoluzione, classificare i compositori moderni catalogandoli come appartenenti a un genere specifico. Oggi c’è più libertà di espressione e l’artista moderno, in quanto tale, vive il suo tempo ed è portato a sperimentare e ad osare di più. Ogni compositore si identifica per il proprio modo di scrivere con un linguaggio musicale originale, difficilmente classificabile e lontano dalle ferree regole stilistiche imposte dalla musica classica.

Nelle sue melodie possiamo ritrovare e ascoltare la scuola giapponese “yiruma e sakamoto” come si avvicinata a loro e in che modo hanno influenzato il suo lavoro artistico?

by Andrea Ferrara

Di Yiruma amo il “respiro” che attribuisce a ogni singola nota e di Sakamoto amo il suo continuo contaminarsi passando dal pop alla dance per poi ritornare al pianoforte solo. Mi piace il suo concetto di fare Duty Free Music cioè musica libera da doveri. Cerco di fare tesoro di ciò che loro rappresentano con la loro arte, assimilandolo e traducendolo con il mio modo di sentire la musica come atto libero, puro ed emozionale.

A quale genere musicale si sente più vicina e quindi a quale si vorrebbe e potrebbe avvicinare oltre al classico? Di conseguenza Scriveresti canzoni per altri generi?

Ho composto un brano per pianoforte e voce (soprano) scrivendo anche il testo in latino ed è stata una bella sfida. Sono molto attratta dall’ elettronica e mi piacerebbe l’idea di sperimentare qualcosa proprio perché non voglio porre limiti alla mia creatività.

La sua Sicilia nel cuore, melodie che riportano alla sua terra. Melodie attraverso le quali si scoprono i sapori delle sue origini. Quanto è importante per lei rappresentarla nella sua musica?

La Sicilia è presente in ogni mia composizione nelle quali aleggia quella malinconia che è tipica di ogni siciliano. Nel mio disco “Life Book” le ho dedicato una traccia dal titolo “Dove sei” in cui esprimo il sentimento di nostalgia di chi si è dovuto a malincuore allontanare da essa. La Sicilia in quanto isola ti “isola” e ti costringe ad allontanarti da essa ed ecco che si innesca un sentimento di odio e amore e più ti allontani da essa più ti tira a sé.

“Never Look Back” il video clip dove si crea una sinergia fra le sue note e la natura. Uno spettacolo fatto di sensazioni sia visive che uditive. Perché ha scelto questo connubio e quanto è legata alla natura?

“Never look back” è la traccia portante del disco “Life book” e vuole esprime quella sensazione di libertà dopo un

periodo della mia vita piuttosto travagliato. Nel videoclip esprimo questa sensazione di libertà immergendo me e il pianoforte nella natura e facendomi trasportare dalla sua bellezza verso orizzonti infiniti...

Con quale cantante italiano le piacerebbe comporre e quindi collaborare e perché.

Un artista che stimo e ammiro tantissimo per il suo modo di descrivere le emozioni attraverso la musica e le parole è Pacifico. Quando ho bisogno di emozionarmi, di ricordare, di soffermarmi a pensare ascolto lui perché le sue canzoni portano a questo e mi piacerebbe un giorno comporre e collaborare con lui.

Giuseppina Torre si è contraddistinta negli anni con la sua musica conquistando anche il pubblico americano. Una carriera che ha le sue origini a Vittoria, provincia di Ragusa, dove Giuseppina Torre è nata, cresciuta e ha intrapreso gli studi musicali.

Negli Stati Uniti si è aggiudicata numerosi premi: Los Angeles Music Awards (“International Artist of the Year” e “International Solo Performer of the Year”), Akademia Awards di Los Angeles (“Ambiental/Instrumental”) e 5th I.M.E.A. Awards 2018. Ha tenuto concerti in Italia e all’estero, suonando anche per Papa Francesco in occasione del Concerto dell'Epifania andato in onda su Rai 1 (2014) e in Vaticano presso la Casina di Pio IV - Pontificia Accademia delle Scienze alla presenza del Cardinale Lorenzo Baldisseri (2017). Opening act del concerto de Il Volo all’Arena di Verona (24 settembre 2019) e protagonista delle ultime edizioni di Piano City Palermo (2019), Piano City Napoli (2020) e Piano City Milano (2021).

Il 3 maggio 2021 a Giuseppina Torre è stata conferita dal Presidente della Repubblica Sergio Mattarella, su segnalazione della Prefettura di Ragusa, l’onorificenza di Cavaliere dell’Ordine “Al Merito Della Repubblica Italiana” .

Luca Bonaffini

D. Lei è un cantautore e autore musicale firmando molte canzoni per grandi interpreti della scena musicale italiana. Quanto è cambiata la figura del cantautore negli ultimi anni?

by Daniele Borgia

IT indipendenti, alcune di queste anche molto rinomate. Quanto è importante per un giovane artista essere supportato da un’etichetta indipendente rispetto a una major.

B. Il mondo, con l’avvento di internet, ha cambiato radicalmente le attività sociali e le relazioni interpersonali. Il cantautore era quello dei dischi, delle radio e dei concerti, ma anche quello che ascoltavi intorno a un fuoco o dopocena. E’ la musica che non ha più la stessa funzione di un tempo, non il genere cantautorale

D. Ha partecipato a numerosi premi nella sua carriera, prestigiosi come: “il premio Rino Gaetano, il premio Giorgio Gaber, il premio Luigi Tenco” solo per citarne alcuni. Quanto è importante e che riconoscimento danno alla carriera di un artista premi del genere al giorno d'oggi.

B. Poco. Un tempo era un elemento distintivo, oggi un fatto di mercato. Buona pubblicità.

D. Il suo ultimo disco IL PARACADUTE DI TACCOLA è il secondo capitolo di una trilogia da titolo: Wings Stellar Tower. Quando e perché è nata la necessità di scrivere e produrre una trilogia? E, se vuole, mi racconti di questo progetto.

B. Non è una necessità, ma una scelta editoriale. Mi piaceva l’idea di lasciare al pubblico un filo conduttore, anche se ideale, sulla mia idea di “volo”. Da sempre l’uomo sogna l’altezza, l’oltre. Io, da essere umano, mi elevo tramite la ricerca dell’amore, delle emozioni e del pensiero. Tramite la musica, s’intende.

D. Nel 2013 avviene il suo debutto come scrittore con il libro ”LA NOTTE IN CUI SPUNTÒ LA LUNA DAL MONTE” ispirato dal suo incontro con Pierangelo Bertoli, perché questo incontro fu così importante per lei da scriverne un libro?

B. Bertoli si prese cura di me, credette nella mia voce e nel mio modo di scrivere fin dal primo giorno che ci incontrammo. Lo corteggiai artisticamente per molti anni, poi mi prese al suo fianco come braccio destro. Racconto quindi non solo un momento professionale, ma storia di vita. Lui, disabile di successo, io ragazzino sognatore con un maestro inarrivabile. Insieme, noi, abbiamo creato una sinergia che ha fatto s^ che canzoni come “CHIAMA PIANO” e “DAL VERO” diventassero evergreen suoi, miei e della storia della musica leggera. SPUNTA LA LUNA è tutto questo. La somma, l’epilogo.

D. Oggi nell'industria discografica ci sono moltissime etichette

B Zero. Meglio le major. È una guerra persa battersi contro una dittatura commerciale. Le piccole etichette possono affiancare un musicista-imprenditore consigliandolo e dandogli degli strumenti, quella è la funzione giusta, corretta. Ma non deve illudere gli artisti.

D. Come abbiamo detto prima lei ha scritto canzoni a molti nomi della scena musicale italiana. Che tipo di consiglio darebbe a chi volesse intraprendere la carriera di autore.

B Scrivere bellissime canzoni, senza arrendersi mai. Per sé stesso, senza curarsi di dove finiranno. Poi, qualcosa succede quasi sempre.

D. Nel2018 ha fondato la LONGDIGITALPLAYLINGSRLS.ci parli di questo progetto.

B È una casa editrice musicale a misura di cantautore, uno strumento per dialogare con addetti ai lavori e mercato discografico. Sono felice perché stiamo crescendo anche se con molto realismo e doverosa prudenza. Il 2022 sarà decisivo. .

GAZEBO

D. La sua carriera inizia principalmente con diversi generi musicali, tra cui jazz, rock e punk rock, quanto sono cambiati per lei oggi questi generi musicali.

G. Domanda difficile ... il jazz per definizione è in continua evoluzione e pertanto è impossibile fare il punto, questo è il bello del jazz... il punk è stato anche un fenomeno legato ad un periodo storico preciso (fine anni Settanta) e pertanto credo si sia fermato, sicuramente il grunge degli anni 90' ne ha preso spunto ed il rock in generale nelle sue infinite diramazioni.

D. nel 1983 esce sotto contratto discografico della baby Records il suo singolo I LIKE CHOPIN scritto insieme a Pierluigi Giombini brano di grandissimo successo che resterà in vetta alle classifiche di tutta Europa per molte settimane, diventando a tutti gli effetti uno dei brani più iconici della musica pop. Secondo lei oggi è ancora possibile scrivere brani di così grande successo che entreranno a far parte della storia della musica.

G. Non saprei, oggi è tutto molto diverso, ruota intorno alle visualizzazioni su YouTube e sui social. Ogni tanto esce qualche brano bello, sarà il tempo a darci una risposta.

D. Nel 1984 comincia la sua carriera come produttore discografico. Anche se pur rimanendo nell'ambito musicale perché questa decisione di intraprendere una carriera tanto diversa da quella di cantante.

G. Per interesse (ho sempre avuto la passione per la registrazione e la produzione) e per caso ... finito il mio rapporto con la Baby Records ero libero di fare le mie scelte.

D. Oggi nel mondo della musica non si fa che parlare di un revival dei

by Daniele Borgia

suoni più tipici degli anni 80, dove ciò che è stato sembri stia tornando prepotentemente nelle composizioni di giovani artisti e produttori. Anche lei la vede così e in che modo queste sonorità del passato stanno tornando.

G. Si, mi sembra che più che le sonorità ci senta la mancanza di idee musicali valide e originali. L'uso dei loops comprati e che tutti usano ha appiattito il senso di originalità che c'era negli

vogliamo aiutando giovani artisti se pur anche senza uno studio vero e proprio della teoria musicale a comporre veri e propri brani, basti pensare a software come REASON o FL STUDIO. Lei è favorevole a questo nuovo modo di comporre musica e a queste nuove tecnologie o secondo lei serve ancora uno studio vero ed effettivo degli strumenti e della teoria musicale.

G. La musica è un'arte e pertanto ha un suo percorso, non ci si può improvvisare musicisti. Ai miei tempi dovevi saper suonare uno strumento per scrivere, non c'erano scorciatoie. Chi usa le scorciatoie e non conosce la musica lavora su una piattaforma molto più ristretta, come vivere in tonalità di grigi ... non sa usare i colori, peccato, no?

anni 80'

D. Il suo ultimo album in studio risale al 2018.Ed è un album che ripercorre il periodo anni 80 con grandi hit di quel decennio "come EASY LADY di Ivana Spagna, HAPPY CHILDREN di P.lion" solo per citarne due dal titolo ITALO BY NUMBERS in cui al suo interno è possibile trovare anche il brano inedito dal titolo DIVINA. Perché questa decisione di produrre un brano di cover rispetto ad un brano interamente di inediti.

G. Il disco è nato per divertimento e senza una vera e propria programmazione … ho voluto dedicare un disco alla Italo Disco e mi sono divertito moltissimo!

D. Oggi la tecnologia è entrata a far parte del mondo musicale in maniera prepotente e sfrontata se

D. Oggi il web può definirsi una grande vetrina per giovani artisti, musicisti, cantanti e produttori. Secondo lei è una prerogativa solo degli artisti emergenti della scena underground o è utile anche a big nonostante usufruiscano anche di passaggi televisivi e radiofonici di grosso calibro.

G. È utile a tutti ... si ha la possibilità di comunicare con il proprio pubblico in maniera più organica... più viscerale... si diventa tutti parte di una grande comitiva

D. nel 1984 la sua hit I LIKE CHOPIN viene inserita nel primo cine panettone di Carlo Vanzina "Vacanze di Natale". Il cinema ha dato lustro a molte canzoni più o meno famose ma è capitato avvolte anche il contrario. Quanto è importante oggi per un artista vedere inserita in un film la propria canzone.

G. I Like Chopin era già una hit e pertanto il film non le è stato vitale... semmai le ha prolungato la vita in classifica. Certo per un brano inedito il cinema può essere un ottimo mezzo promozionale e pertanto vedo la cosa in modo molto favorevole ;-) .

Daniele: Nel 2001 esce il tuo singolo più conosciuto dal titolo “Tre parole” incluso nell’album “Ricordatevi dei fiori” scritto con Liliana Richter e Francesco Cabras. Un grande successo divenuto il successo di quell’anno.

Valeria: si è stato un successo inaspettato.

D: quant’è cambiata la musica italiana da quel giorno ad oggi?

V: la cosa che mi colpisce di più oggi è la Trap, perché ha questo disordine caotico tipo lava. Questi ragazzi che tirano fuori questo disordine volgare che per noi nati con una educazione sembra volgare, ma in realtà sono la rappresentazione sonora del rumore collettivo di questo movimento storico.

D: dunque la musica ad oggi ha avuto un’evoluzione metropolitana?

V: non so se chiamarla evoluzione, il concetto di progresso non combacia, ma è un momento vivo che stiamo attraversando dove loro sono nati, mentre noi siamo un’altra generazione e ci siamo appoggiati ad una generazione che aveva schemi.

D: quindi è cambiata in maniera positiva?

V: non c’è un negativo o positivo.

D: nel 2001 hai vinto il festival bar che ora non esiste più. Secondo te,

Valeria Rossi

by Andrea Ferrara

quanto è stata importante quella manifestazione per la sponsorizzazione di un artista?

V: il festival bar non lanciava nessuno, eri già conosciuto, nella compilation non c’è “tre parole” per esempio, che è la canzone che ha vinto. Per cui dovetti fare tutte le date con Tre parole ma nella compilation non c’era. Era una versione estiva di Sanremo, con location importanti.

D: più un festival per ascoltare buona musica?

V: una consacrazione della stagione. Una cassa di risonanza. Girando tutta Italia con le hit dell’anno, aveva il suo valore.

D: cosa pensi del fatto che non venga più realizzato?

V: un vero peccato.

D: tu hai avuto importanti contratti discografici con importanti major tipo BMG ed EMI, oggi molti artisti si autoproducono, secondo te è importante avere ancora una buona casa di produzione alle spalle o basta far da soli con i social

V: se ne hai una è meglio, c’è poco da fare, perché comunque una struttura che ti sostiene è sempre meglio averla.

D: si è molto divisi su questo fatto.

V: da soli è difficile, poi a me piace capire i meccanismi e devo capire come

funziona e se non ci sei dentro non lo capisci.

D: la casa discografica ti dà modo di crescere fare esperienza e fare conoscenza con musicisti produttori?

V: io ho avuto questa chance ho fatto la mia gavetta, ma una serie di professionalità a tua disposizione può solo aiutare.

D: anche arrivare alle radio è difficile, perché queste trattano solo con le etichette e non con i cantanti

V: hanno rapporti consolidati che vanno costruiti nel tempo, non piovono dal cielo. Non arrivi subito così di punto in bianco.

D: anche tanta fortuna, crearsi le occasioni

V: anche un po’ di incoscienza, bisogna essere un po’ folli. Non c’è un percorso o una scuola.

D: affidarsi a dei professionisti ti possono dare una via più agiata?

V: sicuramente sì, ovviamente anche essere imprenditori come casa discografica è importante. Non si fanno più dischi fisici, non c’è industria ci si deve reinventare. Non si può fare l’artista capriccioso, bisogna avere qualcuno alle spalle che sappia fare delle valutazioni e delle scelte.

D: non essendo una strada definita avere una casa discografica è importante?

V: almeno una squadra, qualcuno che ti aiuti.

D: avere un ufficio Booking è importante? oramai la musica si regge sui concerti

V: i live hanno fatto un passo in avanti rispetto alla vendita dei CD.

D: ritornando a “tre parole”, doveva avere un titolo diverso “sono un guaritore” ci puoi dire del perché di questo cambio di Tirolo e di testo?

V: anche lì ho incontrato un qualcuno che ci ha fatto cambiare idea su una cosa che eravamo convinti. Il primo arrangiamento era molto Dark come la mia natura, però mi sono convinta a farmi consigliare per il meglio.

D: non avrebbe avuto quel successo?

V: no, infatti, in questa apertura molto aerea, anche se commerciale, ho provato a metterci le parole metricamente insieme a Cabras, è uscito TRE PAROLE. Ed ho inserito il testo che avevo già scritto in questo arrangiamento.

D: se non ci fosse stato lui non avresti avuto successo?

V: in quel momento eravamo una squadra vincente. Loro hanno lavorato ottimamente. Ero nel posto giusto al momento giusto e mi sono fidata. La loro capacità mi ha aiutata.

D: nella tua carriera hai avuto anche modo di scrivere una canzone per Mietta “Hai vent’anni” nell’album 74100, parlaci un po’ di questa collaborazione

V: in realtà ci siamo incontrate ad un festival e mi ero ripromessa di scrivere qualcosa per lei, in realtà ho scritto anche per altri ma le canzoni non sono ancora uscite, perché le uscite delle canzoni sono imprevedibili. E per tutti uguale. Ho scritto per Tiziano Ferro e per una ragazza a Sanremo che è arrivata seconda ai giovani. Jessica Branda.

D: perché questa mutazione tra interprete ad autrice di canzoni?

V: diciamo che scrivere è l’espressione più bella che ho e richiede un altro tipo di esposizione.

D: sei più a tuo agio?

V: è una questione di energie. I live sono belli ma richiedono uno sforzo maggiore. Devi dedicare tutte le energie al live. Io ho anche altri interessi e preferisco fare delle partecipazioni dove posso viaggiare leggera, sola o magari in due e non con tutta la band.

D: è una cosa meno impegnativa e più pratica?

V: sì meno stressante. I live sono molto belli ma richiedono il 100%.

D: la discografia è molto cambiata. Si punta alla produzione di EP o più singoli. Come lo vedi questo cambio?

V: è la fotografia del momento. Adesso è così non lamentiamoci perché viviamo in questa epoca che vuole questo, consumistica, fluida, scorrevole. Mancano progetti a lungo termine e ve bene così.

V: io ho fatto questa scelta di partecipare per soldi, non lo avrei fatto se non ci fosse stato questo contro bilanciamento, anche perché sono concorsi trita tutto e lì devi correre, l’audience. Per me non ha senso ma l’ho fatto perché nasceva e moriva lì, non c’era nessuna aspettativa. Era solo un passaggio televisivo. Il protagonista era il format ed il presentatore. La cosa buona era Orietta Berti.

D: Come ti sei trovata con lei?

V: una persona piena di qualità. Per cui è stato un bel momento. Lei un bel modello da seguire. La devi vivere da vicino per renderti conto di chi è. Lei come i grandi, Morandi ecc.…

D: della vecchia scuola?

V: si pazzeschi.

D: artisti che non devono dimostrare nulla?

V: è così. Anche se non mi ha portato a niente è stato molto bello. Ho ricevuto anche molte critiche, ma non si può fare un paragone tra me e lei. due categorie diverse.

D: il tuo ultimo album risale al 2014 e si chiama “Bimbi in cucina” Hai progetti nel prossimo futuro

V: no. Però sono imprevedibile, nel senso che poi seleziono. Se c’è un’idea una folgorazione, un’opportunità la valuto. Scrivere e collaborare mi piace, ho un team che tu conosci ed è fantastico quindi, chissà.

D: secondo te il web ha influito?

V: sì certo, perché ha velocizzato il processo ed accorciato le distanze. Dà la possibilità di esprimersi senza esporsi.

D: nel 2018 sei tra i concorrenti del talent “Ora o mai più” sotto la direzione artistica di Orietta Berti ed hai presentato il tuo brano “La gente non parla”, parlaci di questa esperienza?

D: so che hai scritto anche un libro

V: si è uscito a gennaio. Sono molto contenta. Molto personale, non autobiografico, e non so cosa aspettarmi come riscontro.

D: ti auguro il meglio. È importante scrivere e ti faccio i miei migliori auguri per tutto.

V: grazie è stato un piacere. .

Daniele: Oggi la musica è cambiata molto è in continua evoluzione tra suoni e generi musicali come la trap e la reggaeton, alcuni grandi nomi della scena musicale italiana si sono avvicinati a queste nuove sonorità, tu come ti rapporti con questi generi musicali che dominano la scena musicale italiana?

Silvia: Io trovo che la musica in tutte le sue estensioni è una forma d’arte, quindi non c’è un genere superiore all’altro. C’è spazio per tutti e tutti vanno rispettati, la fruibilità della musica ad oggi è molto ampia che ognuno può scegliere ciò che più gli piace. Poi c’è da mettere in conto i momenti storici, dal periodo che andava il canto alla Claudio Villa a quello di Massimo Rainieri e cosi via. È chiaro che poi ci sono delle evoluzioni e quindi ritengo che ognuno abbia bisogno del suo periodo storico. I ragazzi di oggi hanno trovato questo linguaggio che proviene un pò dagli Stati Uniti, un po' dal centro America, questo è figlio di un movimento precedente che ha dato un concatenamento di generi musicali. Non posso certo dire che un genere sia meglio o peggio di un altro anche se a me piace il cantautoriale, ma con un occhio anche ad altri generi in quanto ho una adolescente a casa e quindi non può essere che così.

D: loro ascoltano queste nuove sonorità?.

S: loro ascoltano la gran parte della musica contemporanea e nello stesso

Silvia Salemi

by Andrea Ferrara

tempo anche quella cantautoriale, italiana e internazionale, a più ampio respiro insomma, quella che può essere una world music o black, a casa mia si ascolta la musica e loro ascoltano anche la mia per cui ci scambiamo tra di noi i più disparati artisti

D: Nel 2015 sei stata la Presidente in giuria di Castrocaro, quant’è importante per te questa manifestazione e quanto può aiutare ancora gli artisti emergenti.

S: Innanzitutto bisogna dire che è una manifestazione di tutto rispetto dove sono usciti tantissimi artisti tra cui Luca Barbarossa per citarne uno ma ne sono passati molti da lì. Io fui l’ultima vincitrice che da lì entrava di diritto a Sanremo giovani, quindi ti conquistavi la serata su Raiuno e questo aveva un valore enorme. Oggi è una manifestazione che da una visibilità televisiva a chi arriva in finale. Quando ero io presidente i miei colleghi di giuria erano Malgioglio, Max Tortora, Max Giusti, una situazione di livello insomma. Bisogna lottare per farla vivere perché comunque è una manifestazione che lancia talenti.

D: quindi secondo te aiuta ancora gli emergenti.

S: Considera che quando si parla di musica o lo si fa nei Talent o nelle serate prettamente musicali tipo Castrocaro è un faro, anche se un gradino sotto Sanremo, ma ha pur sempre un valore. Danno visibilità e credibilità agli artisti.

D: in due tuoi videoclip “Il mutevole abitante del mio solito involucro” e “Ormai” si può vedere alla regia l’esordio di due nomi importanti come Giorgio Pasotti e Giuseppe Fiorello. Come è stato lavorare con loro e si potrebbe dire che i tuoi brani hanno contribuito alla loro carriera di registi?

S: diciamo che quando hanno fatto questa regia loro erano in momenti artistici diversi. Peppe (FIORELLO) già faceva l’attore ma non aveva mai fatto la regia. Un esordio molto piacevole e serio in quanto lui è molto professionale e attento. Molto interessante lavorare con lui, ma si percepiva che era una battesimo. Giorgio Pasotti invece aveva già fatto un paio di regie ed era avvezzo a stare dietro la macchina da presa ma con una anima che non mi aspettavo. L’ho visto sempre come attore e vederlo con quella generosità che deve avere un regista, mi ha colpito molto. Alla fine sono venuti fuori due mini film che rendono valore al loro genio e al loro talento che si sprigiona dietro e davanti la macchina da presa. È stupefacente vedere questa cosa perché non è facile.

D: allora possiamo dire che i tuoi brani hanno contribuito.

S: Sicuramente si. Peppe l’ha scelto il mutevole abitante del mio solito involucro perché è stato colpito dal testo, dall’arrangiamento un pò rock, perché lui ha un pò quell’anima lì,quindi sicuramente più che contribuire ci siamo scelti a vicenda. E la stessa cosa è accaduta con Giorgio che ha scelto Ormai facendoci vincere il premio Roma video clip perché ha colpito nel

nel segno. Invece con Peppe è stato premiato al venice music award di Venezia. Quindi comunque hanno attirato l’attenzione. Questo tipo di collaborazioni sono stimolanti sia per il pubblico che per la critica.

D: Nel tuo ultimo singolo, I sogni nelle tasche possiamo vedere la partecipazione di alcuni nomi importanti del panorama musicale italiano. Marco Masini, Valerio Carboni e Barbara Montecucchi come nasce questa collaborazione.

S: in un momento storico molto particolare fatto di stanze, quindi ritrovarsi intorno ad un testo è come ritrovarsi intorno ad un tavolo che ti scalda il cuore, quindi è stato molto interessante. Un nuovo modo di lavorare che non è da artista che di solito si incontra con gli altri suonano, parlano si scambiano opinioni. Se vedi i grandi tipo John Lennon e Paul McCarthy loro scrivevano di sera o in viaggio. Le grandi scritture nascono dallo stare vicini, viversi molto. La pandemia ci ha tolto questa capacità di viverci vederci, ed il senso di questa canzone è più forte perché , come quando vuoi avere assolutamente un figlio e quel figlio nasce, quindi ha una forza propulsiva ancora più forte, di quando nasce in condizioni normali.

D: quindi si è creata una bella sinergia fra voi.

S: assolutamente sì e poi non mancherà assolutamente l’occasione di suonarla insieme, soprattutto con Marco Masini che è un performer, ci sarà l’occasione perché mi darà un suo momento canoro, anche perché lui la canterebbe in modo diverso. Comunque la musica in primis è bella perché dà un senso di libertà che le altre arti non sempre riescono a dare.

D: Parlando sempre de i sogni nelle tasche è un brano che parla di speranza e di seguire i propri sogni, imparare a convivere con se stessi e di darsi una seconda opportunità per le avversità della vita. Quanto c’è di autobiografico in questo

brano?

S: Io credo che tutti dobbiamo credere nei sogni, darci una seconda possibilità per guardare verso orizzonti nuovi, sognare, immaginare, non credo che sia solo autobiografico ma che abbia un ampio respiro per tutti, certo è che i miei sogni più importanti li ho realizzati quasi subito.Quello di cantare, avere il mio pubblico, fare tante tournée, viaggiare, conoscere tante persone, esistere artisticamente. Avere le mie figlie, una famiglia, quelle sono cose personali.

Tutto quello che viene è sempre in più. Sono una persona soddisfatta e sono grata a quello che ha fatto e a quello che riesco a fare, sono poliedrica e quando sei contenta ti apri anche ad altre cose che mai metto in discussione, anche perché sai che il tuo punto fermo è la musica e quindi puoi spaziare e fare altre cose. Quindi possiamo dire che è autobiografico e ricordo a tutti che niente è impossibile.

D: quindi è un messaggio per altri giovani artisti.

S: è un messaggio che dice di essere forte, convinti e disciplinati, no perdite

di tempo, abbandonare i falsi miti, non esiste il campo dei miracoli, sei vuoi fare l’artista, non semini monete e poi trovi l’alberello con i soldi, devi studiare mettiti in gioco, porte in faccia, delusioni e ricominci, finché il tuo momento arriverà.

D:

L’importante è perseverare.

S: si ma con umiltà, perché pensando di esser il meglio non si va da nessuna parte. I grandi discografici, le grandi Major si accorgono sia del talento che dell’umiltà. Di gente presuntuosa non ce ne è bisogno. I nostri ragazzi vanno incoraggiati e spronati, quello sì, ma devono sapere che c’è tanto studio. È come il nostro tennista che è arrivato in finale a Wimbledon, ha assolutamente studiato, ovvero si è allenato per ore rinunciando alla sua età, una rinuncia che l’ha portato ad un obiettivo sano, di costruzione della persona, che ti porta via dalla noia dai pericoli, dalle distrazioni.

L’eccessiva noia ti porta a fare scelte sbagliate.

D. Nella tua carriera ci sono molte collaborazioni a programmi televisivi e radiofonici e anche a Talent show musicali, Music Farm, Tale e quale, Tra sogno e realtà, ora o mai più, solo per citarne alcuni. Adesso l’opinione pubblica è molto divisa per quanto riguarda i talent show, c’è chi ne è favorevole e chi dice che sono solo programmi per fare spettacolo alle spalle di artisti emergenti, Dal tuo punto di vista quanto sono importanti e quanto servono davvero alla carriera di una artista emergente:

S: diciamo che ti da un momento di esposizione, di conosciuto, un momento che sei valutato ed anche valorizzato. Poi sta a te non diventare carne da macello, cioè cercare di non entrare nel sistema del trita carne in cui tu studi un anno e poi vieni buttato via, molto talento, molto studio. Emma Marrone e Alessandra Amoroso sono figlie dei talent ma non sono sparite mai. Poi alla fine chi l’ha dura la vince,

chi ha qualità ed ha qualcosa da dire resiste. Se non sei preparato e non hai carattere vieni buttato via.

D: diciamo che è l’artista che deve saper dire qualcosa, più che il talent.

S: sì altrimenti vieni bruciato. Se fossi un discografico mi accorgerei se un ragazzo ha talento se ha qualcosa da dire nei testi, se scrive bella musica, se è preparato, se ha il fuoco sacro e un carattere forte altrimenti si brucia da solo. Io credo che ci siano artisti tipo Marco Mengoni che ha una grande carriera. Quindi dipende dal soggetto. Il talent ti dà una grande chance ma sta a te sapertela giocare.

D: tu hai partecipato a quattro festival di Sanremo, nel 1996 tra le nuove proposte con il brano Quando il cuore, tra i big nel 1997 con a casa di Luca, nel 1998 con Pathos e nel 2003 con il brano Il cuore delle donne, è cambiato il festival e in che modo.

S: è cambiato come è cambiato il mondo. C’è più tecnologia in studio, abbiamo l’HD, le immagini molto più nitide, lo spettacolo è molto più complesso, è migliorato tutto dalla regia all’audio, tutto è variato, dalla musica alla produzione, c’è molta più pubblicità, molti più soldi, più sponsor, prima era solo una manifestazione di rete, Adesso è una manifestazione dove in una settimana succede di tutto, ma è diventato un momento di economia con tutto l’indotto che ci guadagna. E molti sono li come le radio a fare vetrina. Prima facevi le foto e te le tenevi tu, adesso le metti sui social, quindi aumenti la pubblicità nella pubblicità, è cambiato il mondo e nel mondo c’è Sanremo.

D: è un universo a parte?

S: fa parte dell’universo mondo che è cambiato in questi ultimi 20 anni, il business la tv la musica, tutto è cambiato ed è giusto che sia cosi. Ci siamo accorti durante la pandemia

che la musica non è soltanto ciò che ascoltiamo nelle cuffie, ma da lavoro a molte persone, che sono rimaste a casa. Un business sano, dipendenti di case discografiche che sono rimasti a casa. Negozi di dischi che chiudono, tutto un mondo di micro economie che è cambiato.

D: un effetto domino?

S:assolutamente sì. Prima andavi a Sanremo ed era un passaggio televisivo, adesso ci vai e ti porti dietro tutto un mix di cose che incrementano il business. Di questo non mi meraviglio e lo dico con serenità d’animo perché dove ci sono grandi platee arrivano grandi investimenti. Vado a Sanremo quando ho un grande testo che mi sento cucito addosso e quando posso fare una bella figura proprio perché sto dentro un grande contenitore e va fatto con la massima serietà. Non si fa dicendo vado a Sanremo e vediamo che succede, questo mai.

D: come fanno tanti?

S: molti lo fanno due tre anni di fila, lo dico con rispetto, perché per loro esistere musicalmente è passare da quel palco. Io ho fatto altre scelte. Ho pubblicato, due tre dischi, poi faccio radio, poi faccio teatro, poi mi fermo poi faccio vento puntate di una serie su rete quattro che si chiama Piccole luci. Non mi Faccio stritolare. Sono scelte artistiche personali.

D: nel 2019 hai partecipato ad un talent che si chiama Ora o mai più e ti sei classificata terza con Marcella Bella, cosa ti ha lasciato personalmente e artisticamente questa collaborazione con un artista di grande spessore come lei.

S: Mi ha fatto molto piacere perché è un’artista che ascoltavo da bambina, mi ricordavo tutte le sue canzoni, ho seguito molto il fratello come autore, mi piaceva questo fatto di essere affiancata in una gara canora da una cantante con una grande storia alle spalle, poi è un personaggio naïf

divertente camaleontico, una persona gradevole con un calore siciliano che la contraddistingue, quindi ci siamo trovate e credo si sia creata un alchimia unica, tutti hanno riconosciuto che eravamo una coppia bellissima sia visivamente che musicalmente. Risentendo le canzoni cantate in quelle serate che erano meravigliose già di loro ed in più fatte insieme a lei, due persone con timbriche diverse, con calore diverso, è stato veramente istruttivo.

D: tutte arrangiate nuovamente.

S: si tutte. È stato istruttivo perché lei è sempre lei con il suo standard ma è bello vedere come una signora si approcci a delle canzoni che comunque hanno 40 anni di storia.

D: 2017 esce 23 il tuo ultimo disco. Il tuo ritorno musicale dopo dieci anni. Dopo escono 3 singoli di successo come Era digitale presentato in anteprima al talent ‘ora o mai più’ nel 2019 poi Chagal nel 2020 e nel 2021 i sogni nelle tasche. È previsto un tuo nuovo album e se sì di cosa parla.

S: vorrei fare una raccolta di questi brani e fare un album , ma mi sta prendendo gusto a pubblicare quando ho qualcosa da dire in quel momento, senza aspettare di avere altri sei o sette brani per fare uscire tutto. Questa è la grande fortuna tra il passato ed oggi. Prima dovevi fare un album e raccogliere dodici brani, ora con il digitale fai come vuoi così non ti precludi di raccontare una piccola storia, perché la canzone è una piccola storia di quattro minuti ed inizia e finisce. Di significato compiuto. Magari ci metti due anni a fare un album e non vedi l’ora di finirlo e ti fai delle domande su come verrà, diversamente invece di quando fai un brano e lo finisci subito. Come fare dei piccoli passi oppure mangiare poco tutto il giorno invece di abbuffarsi. Tutti piccoli pasti buoni. Adesso non ho in mente un album perché non sono pronta con un’altra canzone questa è la verità.

D: diciamo che è un pò il futuro della musica perché i singoli vanno più dei dischi

S: in streaming li prendi uno alla volta

D: il tuo ragionamento l’ho riscontrato in molti artisti sia emergenti che big.

S: perché soddisfa un bisogno artistico del momento e non perdi nulla, sei onesto perché racconti una storia che senti in quel momento e che non ti si invecchia in mano aspettandone altri dieci.

D: I ritardi della pubblicazione…

S: a volte si scrivono dieci canzoni e poi per completarlo te ne servivano altre due che magari non hai e ci mettevi mesi a scriverle perché non avevano senso con le altre, quindi dovevi violentarti. Per questo io ho fatto sempre album eterogenei, molto variegati, molto diversi. Adesso li faccio sempre diversi ma pubblicando singoli. . .

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