libro diseño gran bretaña

DISEÑO EN

GRAN BRETAÑA

Valeria Moreno - Annie Tovar

Diseño en

Gran Bretaña

DiseĂąo en

Gran BretaĂąa Annie Johana Tovar Acero Valeria Moreno Ramos

Titulo: Diseño en Gran Bretaña ©Annie Johana Tovar Acero, 2020 ©Valeria Moreno Ramos, 2020 ©Unitec, 2020 Diseño de cubierta: Annie Johana Tovar Fotografía de cubierta: Bluejack ISBN 13: 987-85-670-2356-5 ISBN 10: 84-345-6845-5 Reservados todos los derechos. No se permite reproducir, almacenar en sistemas de recuperación de la información ni transmitir alguna parte de esta publicación, cualquiera que sea el medio empleado -electrónico, mecánico, fotocopia, grabación, etc.-, sin el permiso previo de los titulares de los derechos de la propiedad intelectual Editorial Corporación Universitaria Unitec Calle 76 No. 12-58, Bogotá-Colombia Diseño y composición: Annie Johana Tovar y Valeria Moreno Ramos Fotografía de cubierta: Bluejack Coordinación de la colección: Unitec Correcciones: Julio Vanoy Tipografías utilizadas: Familias Futura y Garamond

Para el profesor Julio Vanoy, quien nos ayudo en nuestra formaciรณn mientras el mundo gritaba por miedo a un nuevo virus.

“No tengas nada en tu hogar que no tenga un uso o que no creas que es bello.�

William Morris

Introducción El siguiente libro busca dar un recorrido por la historia artística que nació en Gran Bretaña, por muchos años hemos sido espectadores y hemos sido influenciados por el diseño y arte dado en gran Bretaña, al igual que nosotros muchos de estos autores se basaron en antiguas corrientes de otras partes del mundo, pero esto es lo que nos hace ricos como especie.

Esperamos que la historia de Gran Bretaña llene y lo interese más por la historia del arte que nos rodea, por la belleza que no podemos ver por nuestra vida desenfrenada.

Índice 14.

ART NOUVEAU

46.

ART AND CRAFT

78.

MOVIMIENTO POP ART

106.

VORTICISMO

CAPITULO I MOVIMIENTO ART NOUVEAU

Origen del Art Nouveau

ART NOUVEAU EN GRAN BRETAÑA 1890–1905

“ Todo sale del gran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso.”

Antoni Gaudí.

E

n Inglaterra este movimiento tenía mas énfasis en el diseño grafico e ilustraciones, que en la arquitectura y productos.

Este movimiento se vio influenciado por el arte gótico y la pintura victoriana. La edición “el estudio” en 1983 hubo un fuerte impulso hacia

el estilo internacional. El término Art Nouveau se utiliza en la Historia del Arte con un sentido amplio, para referir a diversos movimientos de vanguardia europeos que, a partir de 1890 aproximadamente, compartían similares inquietudes respecto de la necesidad de renovación de la arquitectura y las artes aplicadas

y no pocas similitudes formales en sus producciones, aunque también reconocían diferencias nacionales. La reacción contra las reglas y postulados artísticos de las academias y contra la "historia" como base de referencia e inspiración en temas y estilos, es el común denominador de una serie de artistas y obras que, en diferentes países, recibieron diversas denominaciones para identificar esta nueva propuesta estilística. Así, "Art Nouveau" fue el nombre con que se la conoció en Francia y Bélgica; "Jugendstil" en Alemania; "Stile Liberty" en Italia; "Modernism" en España o "Sezessionstil" en Austria.

Casa Tassel

Victor Horta Vista interior; hall y escalera.

1893 Bruselas, Bélgica

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Origen del Art Nouveau

C

on sus aspectos comunes y sus diferencias regionales, y desarrollándose entre la última década del s.XIX y las primeras del XX, en su conjunto estos movimientos constituyeron la transición entre el historicismo y el “Movimiento Moderno” del siglo XX.

ciudades europeas desde mitad del siglo XVIII, un cierto cansancio de tanto historicismo comenzaba a extenderse1, ciertamente impulsado desde varias décadas atrás, por los pintores de vanguardia que ya habían roto con el pasado y con las enseñanzas académicas. Pero fue en la fabricación industrial de productos de decoración y de uso cotidiano —las llamadas artes menores o aplicadas— donde la imitación de la producción artesanal del pasado, dió por resultado una gran cantidad de objetos del peor gusto, y movió a los artistas a ocuparse de un campo que con el correr del tiempo, constituiría el hoy llamado Diseño Industrial.

Esta disconformidad con todo aquello que estaba inspirado en un pasado más o menos remoto estaba originada en el uso y abuso de los estilos históricos que, hacia fines del siglo XIX, había desembocado en la arquitectura en un "eclecticismo" que, como ya se dijo (ver Neoclacisismo), podía producir, y de hecho produjo, edificios recargados de elementos ornamentales en combinaciones arbitrarias, alejadas de todo buen criterio estético. A lo que debe agregarse que, a pesar de los excelentes ejemplos que la arquitectura neoclásica (o de otros "neo" estilos) había producido en todas las

Las primeras reacciones aparecen en Inglaterra con el movimiento "Arts and Crafts" (Artes y Oficios), inspirado por William Morris, y los escritos del influyente crítico de arte y profesor de Oxford, John Ruskin.

Sillón Rossetti

D.G.Rossetti y William Morris 1870 - 1890 Victoria & Albert Museum

[1] Esta disconformidad era manifestada por teóricos y críticos en sus escritos. L. Benevolo en su Historia de la Arquitectura Moderna, cita, por ejemplo, al italiano Camilo Boito: «... Ahora la arquitectura, salvo raras excepciones, no es más que un pasatiempo de la fantasía, una ingeniosa combinación de formas, una divagación de lápices, compases, reglas y escuadras.De la tiranía aritmética clásica no podía derivarse más que el actual desbarajuste.»; y al inglés George Gilbert Scott: «Hemos roto con la tradición que mantenía la continuidad en la historia del arte y hacía de cada estilo un desarrollo natural del anterior. Por todas partes topamos con reproducciones de los antiguos estilos, intentos de hacer revivir las tradiciones perdidas; pero ni rastro de cualquier poder creador de las nuevas formas de belleza propias de las nuevas necesidades.»

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Origen del Art Nouveau

A

mbos revalorizaban el trabajo artesanal, diezmado por la producción industrial, e inspirándose en la tradición de los oficios medievales, proponian su recuperación.

En teoría, el intento de unir arte e industria, se proponía brindar trabajo a los artesanos y elevar el nivel estético de la producción industrial.

En la práctica, los artesanos encontraban serias dificultades para adaptarse al paso de la producción manufacturada a una producción mecanizada.

Morris fundó su propia empresa en la que diseñó y produjo —con la colaboración de otros artistas como Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones— todo tipo de objetos para interiores y uso diario, que alcanzaron gran popularidad e influyeron mucho en el gusto del público.

Con su rechazo a la industrialización, no pudo dar respuesta al dilema económico de que los objetos hechos a mano resultaran más caros que los industriales,

por lo tanto reservados a sectores reducidos de mayor poder adquisitivo y fuera del alcance del gran público al que Morris quería llegar (recordemos que, con sus propuestas de reforma social, fue uno de los fundadores del socialismo organizado en la Inglaterra de fin de siglo); sin embargo, con su accionar sienta las bases para la práctica, generalizada en el siglo XX, del diseño industrial que logra aunar las necesidades del uso cotidiano y los condicionamientos de la producción mecanizada con un alto nivel estético.

Papel de Pared William Morris 1877

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Origen del Art Nouveau

Medway William Morris 1877

La búsqueda de una mayor simplicidad en todos los elementos integrantes del interior de una casa, sea mobiliario, cristalería, alfombras o revestimientos murales, fueron característicos de la producción de la firma 21

Morris & Co. Sus diseños planos, de mayor síntesis y pureza de líneas, con motivos de flores y pájaros, constituyen un antecedente directo del estilo Art Nouveau.

Origen del Art Nouveau

Ecce Ancilla Domini!

(La Anunciación) Dante Gabriel Rossett 1849 - 1850 Óleo sobre tela; 72.6 x 41.9 cm Tate Gallery, Londres

T

ambién tuvo influencia en la formación del estilo, la obra de un grupo de pintores ingleses que formaron la autodenominada "Hermandad prerrafaelita1", muy cercanos a Morris (uno de sus principales integrantes era el ya citado

Rossetti), quienes, inspirados por las ideas de J. Ruskin que recomendaba a los pintores una mayor fidelidad a la naturaleza, tomaron como modelo la pintura de los artistas de fines de la Edad Media y comienzos del Renacimiento, es decir, anteriores a Rafael, imi-

tando sus brillantes colores y la dedicada atención a los detalles naturalistas2. Otras influencias reconocibles en el Art Nouveau proceden de los grabados orientales, del arte celta y de la iluminación medieval de manuscritos.

[1] Los prerrafaelitas fueron un grupo de pintores y poetas que vivieron durante la época victoriana de Inglaterra. Fundado por William Holman Hunt, John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti en 1848, el grupo buscaba hacer frente a los ideales artísticos que se popularizaron durante el Alto Renacimiento. Específicamente, Hunt, Millais y Rossetti creían que el arte estaba en su época dorada antes de Rafael—pintor a menudo elogiado por su enfoque idealizado a la temática—y buscaban devolver el naturalismo y el detalle realista a la pintura.

[2] Un naturalista es un individuo que se muestra partidario de las ideas de la corriente filosófica del naturalismo. En esta corriente filosófica, la naturaleza es el principio básico de la realidad que existe y es a partir de ella que se entienden los fenómenos que nos rodean.

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Origen del Art Nouveau

La Ghirlandata Dante Gabriel Rossetti (1828-82)

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Origen del Art Nouveau

La Plume

Alfons Mucha.

Cartel promocional, de temática zodiacal, para el ‘Salón des Cent’ de París (1896).

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Origen del Art Nouveau

ART NOUVEAU CARACTERÍSTICAS • Aprecio por lo natural, lo orgánico, con aspecto de vida y movimiento: al igual que ocurría con la arquitectura, la pintura modernista amaba la figura de la mujer, las largas cabelleras de mechones sinuosos y la abundancia de flores, ramas y follaje. También sacaba provecho a los pliegues de las túnicas y los vestidos de las jóvenes.

• Diseños exóticos, generalmente orientales, o en su defecto provenientes de la imaginación del artista. Se inspiraban en pueblos y culturas lejanas o las inventaban a su antojo, creando escenas de ensueño.

• Se dejan atrás las temáticas vulgares, del día a día, y se pasa a intentar conseguir el núcleo más puro de la feminidad y

Mujer con abanico Gustav Klimt. Óleo sobre lienzo (1918)

[1] Conjunto de pelos o hilos que se distinguen del resto con el que forman un todo

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la fantasía, con ornamentos llamativos por toda la pieza y una refinada utilización de las posiciones corporales.

• Hablando de posiciones: un detalle que se explotaba mucho, también, fue el erotismo. En numerosas ocasiones la figura de la mujer aparecía en actitud distendida, desnuda en parte o por completo, y su postura alcanzaba lo sensual sin resultar escandaloso.

Origen del Art Nouveau

Tres novias Jan Toorop tiza sobre papel 1893

UtilizaciĂłn de todo el espacio posible sobre el lienzo o la lĂĄmina (generalmente alargada), muchas veces llegando a evitar dejar huecos libres entre un objeto y otro. Casi un ejemplo de miedo al vacĂ­o en las obras.

-Y finalmente, pero no menos importante: lĂ­neas negras que delimitaban con claridad cada uno de los tonos. Asimismo la abundancia del color y, en ocasiones, del lujo y la opulencia, era visto con frecuencia; sobre todo en telas, joyas y tocados.

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Pintura del Art Nouveau

ART NOUVEAU PINTURA E ILUSTRACIÓN

A

rtes plásticas, arquitectura y literatura son las disciplinas donde el modernismo influyó de manera importante. En la pintura, la esencia del estilo fue una ruptura notoria con cualquier canon artístico existente hasta ese momento, y en esa época Para lograrlo se aprovecharon las nuevas técnicas que traía consigo la revolución industrial, las cuales permitían por primer vez, el replicado del arte a gran escala: técnicas de impresión y serigrafía1.

Estas tecnologías en sí mismas, configuraron en no menor parte el tipo de figuras, colores, ilustraciones y mezclas que caracterizarían al estilo.

Entre los académicos no hay un acuerdo unánime sobre qué se debe clasificar como

"modernista", no pocos autores incluyen hasta el impresionismo y el cubismo como parte del movimiento.

Algunos autores del modernismo

Gustav Klimt, una colorida realidad Klimt nació en Austria en 1862, y con su estilo simbolista terminó siendo uno de los exponentes más notables del modernismo. Solía pintar murales, cuadros y trabajar en artesanías varias, pero su estilo siempre era el mismo: composiciones aderezadas con mucho color, predominantemente el amarillo y el dorado, así como una sucesión de figuras femeninas en todas sus pinturas. Se convirtió en un gran miembro de la alta sociedad de Viena, entrando en los círculos sociales e intelectuales de la época.

Baby

Gustav Klimt. Óleo sobre lienzo.

1918

[1] Técnica de impresión que consiste en grabar imágenes por medio de una pantalla de seda o tela metálica muy fina.

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Pintura del Art Nouveau

Baby

Gustav Klimt. Óleo sobre lienzo.

1918

Max Klinger y el mundo de los sueños Leipzig, Alemania, 1857. Max Klinger crece sintiendo una gran afinidad por los grabados de Goya y Menzel, y acaba convirtiéndose en un grabador con un talento y creatividad desbordantes. En 1880 se inicia en la escultura, pero no se queda allí, sino que extiende su arte igualmente a la pintura y el dibujo.

Su estilo, como el de Klimt, fue también simbolista, aunque quizá algo más sombrío y recatado; con marcados rasgos realistas y escenas oníricas, bíblicas e incluso inspiradas en su tiempo de residencia en Roma.

Cartel promocional para Job Cigarettes Alfons Mucha.

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Pintura del Art Nouveau

Alfons Mucha, lujo en flor

Franz von Stuck, el cazador de quimeras

Alfons Mucha fue el cartelista del art nouveau más conocido. Nació en Checoslovaquia en 1860, y durante su adultez trabajó como ilustrador para revistas y carteles publicitarios.

Von Stuck fue un artista polifacético, como muchos otros: pintor, arquitecto, escultor y grabador nacido en la Alemania de 1863, en cuyos trabajos destacaba el simbolismo. Estudió y vivió en Múnich desde joven, y su estilo artístico era principalmente mitológico, con un deje sensual y turbador.

Hacía uso de figuras femeninas al desnudo, rostros de mirada penetrante y una cuidada ejecución de las luces y las sombras. Además, se inspiraba en otros pintores como Böcklin, y en su enorme gusto por la escritura, para crear sus obras sobre lienzo.

Su primer cartel, anunciando la obra Gismonda de Sarah Bernhardt, fue lo que le lanzó al estrellato. Su estilo florido y opulento dio vida al modernismo que conocemos ahora, e hizo que con el tiempo Mucha se internara también en el mundo del diseño de mobiliario y joyería, esta última junto a Georges Fouquet. Este joyero de París volvió reales las sortijas, colgantes, broches y peines con los que el cartelista ataviaba a las mujeres de sus ilustraciones.

Pietà

Franz von Stuck. Óleo sobre lienzo.

1891

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Arquitectura del Art Nouveau

ARQUITECTURA EN GRAN BRETAÑA

(“momento con una estética de gran belleza en la que la naturaleza es la protagonista.”)

E

l uso de formas curvas, la asimetría, la tendencia a la sensualidad de las formas y el empleo de diversos materiales en una sola construcción son algunas de las características del art nouveau, estilo arquitectónico que pretendió crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época.

concepción de las ciudades, todavía hacía falta un lenguaje que representara la nueva época. De este modo se desarrollaron las características del art nouveau, las cuales se pueden resumir en el uso de formas curvas, la asimetría, la estilización de los ornamentos, la tendencia a la sensualidad de las formas y el empleo de diversos materiales en una sola construcción: hierro, madera, ladrillo, cerámica y vidrio.

Este estilo representó una liberación respecto de formas anteriores. Y si bien la modernidad se había extendido y ocurrieron cambios teóricos en la

La principal fuente de inspiración de este arte nuevo fue la naturaleza, de manera que tomó como ejemplo las formas orgánicas que provenían de aquélla, además de que encontró

Boceto para el Scotland street

harles Rennie Mackintosh 1904

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Arquitectura del Art Nouveau

Boceto para el Scotland street Charles Rennie Mackintosh 1904

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Arquitectura del Art Nouveau

w

E

l uso de formas curvas, la asimetría, la tendencia a la sensualidad de las formas y el empleo de diversos materiales en una sola construcción son algunas de las características del art nouveau, estilo arquitectónico que pretendió crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época.

Este estilo representó una liberación respecto de formas anteriores. Y si bien la modernidad se había extendido y ocurrieron cambios teóricos en la concepción de las ciudades, todavía hacía falta un lenguaje que representara la nueva época.

De este modo se desarrollaron las características del art nouveau, las cuales se pueden resumir en el uso de formas curvas, la asimetría, la

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estilización de los ornamentos, la tendencia a la sensualidad de las formas y el empleo de diversos materiales en una sola construcción: hierro, madera, ladrillo, cerámica y vidrio.

La principal fuente de inspiración de este arte nuevo fue la naturaleza, de manera que tomó como ejemplo las formas orgánicas que provenían de aquélla, además de que encontró motivos

Arquitectura del Art Nouveau

Ornamentación para escaleras

Artista desconocido

ornamentales con temas de flores y de Es importante destacar que este estilo arquitectónico fue el primero que no buscó imitar ni replicar un estilo anterior, por lo cual se puede afirmar que fue un movimiento original.

muros, sillas, mesas, balcones, pinturas, etcétera, bajo las mismas premisas estéticas que lograban un conjunto armónico en los espacios, cuestión que ha sido admirada hasta la actualidad.

Horta, Henry Van de Velde y Antonio Gaudí, y la segunda, o geométrica, se distinguiów por el uso de formas más rectas y cuyos representantes fueron Otto Wagner, Charles Mackintosh y Frank Lloyd Wright.

Las formas orgánicas y libres rápidamente se trasladaron al diseño industrial. Por eso, en el estilo art nouveau los edificios llegaron a ser obras integrales de maravillosa belleza en las que se podían observar ventanas,

Si bien las curvas son parte casi indispensable de este estilo arquitectónico, existieron dos variantes: la primera, u orgánica, se caracterizó por las formas curvas y cuyos principales representantes fueron Víctor

de motivos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual.

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Decoración del Art Nouveau

ART NOUVEAU EN DECORACIÓN (“El movimiento se enfrentaba tanto al pasado como al futuro”)

E

l Art Nouveau ó modernismo no sólo se dió en pintura, escultura, sino también en artes aplicadas o decorativas y en artes gráficas. Influyó en el diseño de mobiliario, cerámica, cristalería, lámparas, joyería, etc.

En definitiva, influyó en todo tipo de objetos útiles de la vida cotidina.

Sintetizando todos estos antecedentes, hace eclosión hacia

1890 un estilo decorativo caracterizado fundamentalmente por las líneas curvas, sinuosas y entrelazadas de neta inspiración vegetal, que invade el diseño arquitectónico, la decoración de interiores y el diseño y producción de todo tipo de objetos para ornamentación y uso diario.

marrones, aceitunas y lilas. Las paredes se cubren de hermosos estampados, incluso excesivos.

Estos colores también se combinan en los característicos patrones de mosaico de art nouveau. Estos mosaicos van siempre entremezclados con azulejos blancos que aportan esta estética tan peculiar. Los Los colores característicos del colores del art nouveau deestilo art nouveau son tonos ben repetirse por todo lados. suaves dentro de las paletas de los grises, amarillos mostazas,

Glass Lamp Tiffany Louis Comfort 1933

Se interesó por la técnica de la elaboración del vidrio. Quería crear una pantalla de lámpara con cristal de colores para la “nueva luz eléctrica”, que era considerablemente más luminosa que la obtenida por las lámparas de queroseno. Las creaciones de Tiffany se hicieron populares muy rápidamente y él estableció una joyería que fabricaba lámparas, joyas y porcelana. Louis Comfort Tiffany es conocido internacionalmente como uno de los principales artistas en el campo de los vitrales y el Art Noveau.

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Decoración del Art Nouveau

L

a búsqueda de una mayor simplicidad en todos los elementos integrantes del interior de una casa, sea mobiliario, cristalería, alfombras o revestimientos murales, fueron característicos de la producción de la firma Morris & Co. Sus diseños planos, de mayor síntesis y pureza de líneas, con motivos de flores y pájaros, constituyen un antecedente directo del estilo Art Nouveau.

decorativo caracterizado fundamentalmente por las líneas curvas, sinuosas y entrelazadas de neta inspiración vegetal, que invade el diseño arquitectónico, la decoración de interiores y el diseño y producción de todo tipo de objetos para ornamentación y uso diario.

Empresas líderes en la difusión del estilo fueron, entre otras, la londinense "Liberty & Co." —cuyo nombre fue tomado en Italia para denominar al estilo—, y la neoyorquina "Tiffany Glass & Decorating Co." famosa por sus lámparas de mesa y todo tipo de objetos de vidrio, diseñados por su propietario, Louis Comfort Tiffany.

Otras influencias reconocibles en el Art Nouveau proceden de los grabados orientales, del arte celta y de la iluminación medieval de manuscritos. Sintetizando todos estos antecedentes, hace eclosión hacia 1890 un estilo

Glass Lamp Tiffany Louis Comfort 1933

Glass Lamp Tiffany Louis Comfort 1933

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Aubrey Beardsley del Art nouveau

Auterretrato Aubrey Beardsley 1892

LA ILUSTRACIÓN DE AUBREY BEARDSLEY, ART NOUVEAU EN BLANCO Y NEGRO. El peculiar humor de sus dibujos a tinta escandalizó a la sociedad de la época

A

ubrey Vincent Beardsley nació un 21 de agosto de 1872, en pleno Londres victoriano, falleciendo 26 años más tarde en una pequeña localidad de Francia. Cómo es que logró causar tanto revuelo en apenas tres décadas, pocos lo saben. Pero quizá, si nos ponemos a pensar, descubramos que la principal razón reside en su ácido humor y su incapacidad para callar aquello de lo que deseaba reírse.

Como uno de los exponentes de art nouveau, desarrolló una técnica limpia y curvilínea,

plagada de matices y delicadas filigranas, pero en su ilustración quedaba más que patente la clara intención del escándalo.

Un camino propio En un principio parecía irse a decidir por la arquitectura, pero la ilustración le hizo cambiar de parecer. El pintor prerrafaelita Edward Burne-Jones le propuso dedicarse al arte como modo de vida, y un año más tarde el joven Aubrey ya se había enrolado en la Escuela de Arte de Westminster.

Pero su espíritu rebelde le impidió mantenerse demasiado

[1] Colonia de organismos animales o vegetales que ataca y destruye los cultivos y las plantas..

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tiempo por esos lares, por lo que se convirtió en un artista completamente autodidacta y se dedicó a recibir encargos durante el resto de su vida.

Beardsley no dibujaba por agradar, por enriquecer el concepto de belleza ni por ningún tipo de fin estético, fuera cual fuere aquel: su objetivo era dar a entender algo, hacer un pequeño guiño, ilustrar su humor más fino con líneas en blanco y negro.

Aubrey Beardsley del Art nouveau

La economía del modernismo Quizá ese fue un concepto explorado por Aubrey Beardsley antes que nadie. Podemos apreciar en sus obras una clara influencia de la época, pero también del arte ja ponés tradicional (grabados, Ukiyo-e) y de sus propias metáforas internas. La opulencia vigente en el modernismo de la época quizá era para él, pero con condiciones: los intrincados diseños confrontaban espacios del más absoluto vacío, que balanceaban el recargado virtuosismo que demostraba, y su estilo se decantaba en la mayoría de las ocasiones por un patrón simple y conciso.

Con un contraste dramático, casi tétrico, entre blancos y negros, y líneas rotundas y firmemente trazadas, creaba personajes que ilustraban las obras de autores como Oscar Wilde o Sir Thomas Malory. Quizá sin la fidelidad que se esperaba de un ilustrador de la época, daba rienda suelta a su propia interpretación de los textos y con ellos retorcía la visión en su cabeza, dejándose llevar por el soplo artístico y dando lugar a piezas que, si bien se encontraban algo alejadas de aquello para lo que eran requeridas, eran apreciadas por lo que eran: fragmentos1 de un alma innovadora y plagada de genialidad.

A Devil in Womans Likeness Aubrey Beardsley ilustración en tinta. ( ‘La morte d’Arthur’, de sir Thomas Malory).

1893

[1] Pedazo de una cosa que se considera parte de un todo, usualmente tras romperse, partirse, dividirse.

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Aubrey Beardsley del Art nouveau

Excalibur in the Lake

Aubrey Beardsley ilustración en tinta. ( ‘La morte d’Arthur’, de sir Thomas Malory).

1893

También llegó a trabajar diseñando carteles publicitarios e imágenes para revistas populares de la época, ganando reconocimiento progresivo hasta el mismo momento de su muerte. Pese a sus problemas de salud trabajó durante toda su vida, y tal y como su obra tomaba influencias de diversos artes, fue la que inspiró e impulsó otros movimientos, y la aceptación del arte como concepto de interés industrial.

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Tipografía del Art nouveau

TIPOGRAFÍA EN EL ART NOUVEAU (“ La tipografía se trata como imagen mas que como texto.”)

A

ntes de todo, se debe hacer mención a un elemento distintivo del movimiento en la época, y es que muchos autores preferían crear sus propias escrituras manuales, alejándose de las tipografías de la época, dándole a sus creaciones un aspecto único y personal.

Es por ello que es muy difícil hablar de tipografías específicas de la época; de todas formas, hay cánones generales y específicos de las fuentes tipográficas.

Siguiendo los cánones de la época, los carteles debían ser leídos desde lejos y generalmente desde abajo, poseyendo grandes dimensiones (tal como se puede ver en la mayoría de tamaños de los carteles de la época) y, por consiguiente, los tamaños tipográficos eran de cuerpo grande, a su vez.

El uso de las mayúsculas de propaganda se diferenciaba por el espesor de la línea, haciéndose más ancha hacia los extremos. Para

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facilitar la legibilidad, existe una preponderancia de las mayúsculas de tipo normando simple procedentes.

Las tipografías que corresponden a los carteles de anuncios Art Nouveau se pueden calificar como fuentes de exhibición, y, en especial, dentro de estas, de las decorativas debido a sus características formales, ya que son recurrentes los ornamentos y serigrafías con formas abstractas.

TipografĂ­a del Art nouveau

Portada the Studio

Aubrey Beardsley 1893

Portada de Libro

Aubrey Beardsley

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Publicidad y Cartelismo Art nouveau

PUBLICIDAD EN EL ART NOUVEAU

(“ pioneros en el lenguaje gráfico publicitario que se exponían en las calles de las ciudades”)

Entre los últimos años del siglo XIX y las primeras décadas del XX, se vivió en Europa la época dorada de los carteles, llamativos reclamos realizados por artistas plásticos. Esos affiches, pioneros en el lenguaje gráfico publicitario que se exponían en las calles de las ciudades iban dirigidos a la burguesía urbana que, ávida de novedades, podía adquirir los atractivos productos que se leofrecían.

Eran imágenes seductoras, de vivos colores primorosamente

reproducidas sobre papel gracias a la nueva técnica de la litografía y a la imparable evolución de la industria gráfica.

Aquellos pintores encargados de crear estos anuncios se inspiraban en los estilos artísticos de la época y utilizaban los códigos visuales que conocían para situarlos junto al nombre comercial anunciador.

Aquella incipiente actividad publicitaria buscaba -entonces y ahora- emocionar, sorpren-

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der, divertir, persuadir… e invitar a los consumidores a a comprar lo que se les ofrecía. Se trataba de crear una etérea y delicada línea de comunicación entre el anunciante y el viandante observador. Por eso resultaba adecuado utilizar como vehículo el estilo dominante en toda Europa, el del “modernismo”; que se llamaba Art Nouveau en Francia, Jugendstyle en Alemania, Seccesion en Austria, Liberty en Italia o Modern Style en Gran Bretaña.

Publicidad y Cartelismo Art nouveau

La diferencia entre el pintor y el cartelista, esto es, entre el artista y el publicista, estaba basada en la intencionalidad. El principio que movía al artista era la estética, mientras que para la publicidad el objetivo primordial era la eficacia comercial.

Se buscaba un lenguaje visual más estudiado y un mensaje más elaborado que el de los artistas de las décadas anteriores.

Los lenguajes publicitarios comenzarían ya a utilizar conceptos como la iconicidad, o grado de semejanza de la imagen con el producto que se trata de representar. La cuestión figuración/ abstracción, tan presente en las discusiones artísticas de la época, se incorporaba también al lenguaje de la publicidad. Así, un grado de iconicidad alto, esto es, más parecido a la realidad, era adecuado para públicos generales; un grado medio de iconicidad, menos realista, para públicos más evolucionados; y un grado bajo de iconicidad1, con una mayor abstracción, para públicos sofisticados, o para anunciar productos, servicios o ideas más difíciles de representar

La función de los anuncios había de ser ante todo persuasora. Los carteles tenían que seducir al instante e invitar a la compra, o como mínimo, al recuerdo de la marca que firmaba el mensaje.

Esto exigía una búsqueda permanente de la novedad en los estilos visuales y en los recursos gráficos. La publicidad comenzaba a asumir que era claramente coyuntural, con fecha de caducidad y obsolescencia programada.

El impacto emocional en los colores, en las formas, en las imágenes, en las letras… se convertía en la herramienta básica de la creatividad publicitaria.

Alibaba

Aubrey Beardsley ilustración en tinta. ( ‘La morte d’Arthur’, de sir Thomas Malory).

1893

[1] La iconicidad, en la lingüística funcional-cognitiva y en semiótica, es la similitud o analogía entre la forma de un signo (lingüístico o no) y su significado. Se trata de la relación de parecido o similitud entre los dos aspectos de un signo: su forma y su significado.

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Publicidad y Cartelismo Art nouveau

CARTELISMO EN EL ART NOUVEAU

(“ Las primeras distribuciones masivas de carteles fueron llevadas a cabo en Gran Bretaña)

E

l cartel fue introduciéndose lentamente en otros países pero a partir de 1880, se aceleró su popularidad. En cada país, el cartel fue protagonista también de todos los eventos culturales de importanciade la sociedad europea. En Francia, el culto del café (absenta y otros productos alcohólicos) era omnipresente; en Italia la ópera; en España las corridas de toros y los festivales; en la literatura y los productos para el hogar; en las ferias comerciales, en los diarios literarios de Gran Bretaña y de América y en el circo.

Las primeras distribuciones masivas de carteles fueron llevadas a cabo en Gran Bretaña e Italia en 1894, en Alemania en 1896, y en Rusia en 1897. La más importante fue llevada a cabo en Reims, Francia en 1896 y repartió 1.690 carteles por todo el país.

En los años setenta del siglo XIX, la industria y el comercio se percataron de que necesitaban un aliado que les permitiera divulgar sus marcas en los grandes centros de aglomeración de viandantes. Hasta entonces, los medios de prensa eran los soportes habituales de la publicidad. Pero ahora se trataba de llegar a los trabajadores que pululaban por las calles, gentes con sueldos y, en su gran mayoría, analfabetos.

Y, así, un buen día, las grandes capitales amanecieron adornadas de elegantes

carteles comerciales deslumbrando, con sus vivos colores, a los peatones. Todos los carteles tenían el mismo carácter claro, expresivo y empalagoso, y algunos de ellos, aquellos realizados por caricaturistas de la prensa, presumían de humor. Los carteles divulgaban alimentos, bebidas, productos de higiene personal y para el hogar, artículos de belleza, moda, remedios farmacéuticos, puros, chocolates, espectáculos artísticos, sitios turísticos, urbanizaciones…; en definitiva, anunciaban lo que la marca que los financiaba producía; y lo hacían de tal forma que aún los que no sabían leer no sólo los comprendían, sino que deseaban el artículo expuesto en las calles, en las estaciones de trenes y en los bulevares por los que transitaban.

El cartel publicitario tuvo tanto éxito que llegó para quedarse. Eran tan lindos que se volvieron motivo de colección, tan populares que los artistas de la época vieron en ellos una forma segura de garantizarse el sustento y, a la vez, darse a conocer por el gran público -como ejemplo cito los famosos carteles de ToulouseLautrec anunciando espectáculos artísticos, y los de Alphonse Mucha y Ramón Casas divulgando marcas comerciales.

En el cartel publicitario el texto disminuye y la imagen aumenta. Pero el texto no desaparece, sino que es condensado hasta el extremo de presumir de unas pocas líneas. Esta expresión visual, con toques naturalistas, realistas, fovistas, impresionistas, futuristas, produce tal impacto en el espectador que lo convierte, sin darse cuenta, en un consumidor.

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Publicidad y Cartelismo Art nouveau

HUMBER CYCLES

Aubrey Beardsley

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Publicidad y Cartelismo Art nouveau

E

l cartel publicitario explota el poder de deseo que anida en el hombre y nos habla de la vida moderna que, en la época de la que hablamos, se presenta como un caballo de carreras en plena competición.

Si ya de por sí, como hemos podido apreciar, el cartel de corte clásico u humorístico es llamativo, con el Art Nouveau adquiere una dimensión superior. El Art Nouveau convierte el cartel publicitario en un objeto bello y sofisticado, en un objeto de arte.

Pero el cartel Art Nouveau tiene su lado menos conocido. Los artistas Art Nouveau se propusieron acercar la cultura al pueblo. Ya no se trataba solamente de vender un producto, una marca, sino de aprovecharse de este método de divulgación para acercar a la masa las nuevas corrientes artísticas y los nuevos movimientos liberales del siglo XIX, que los artistas, en su gran mayoría, compartían.

Por ejemplo, si nos fijamos en la figura femenina, figura imprescindible de la cartelería Art Nouveau, apreciamos que su protagonismo no es casual. Esa figura femenina, centrada como una reina en el medio del cartel, no sólo vende un artículo. Esa figura, que hace que todas las miradas se depositen primero en ella y luego en el producto que publicita, tiene un mensaje subliminal, tiene la misión de representar, en la llamada Segunda Revolución Industrial, los movimientos que defendían el derecho al sufragio femenino.

NOMBRE DESCONOCIDO Aubrey Beardsley

y nadan de orilla a orilla, uniendo los intereses comerciales con los personales, dejándose ver tras el artículo anunciado.

Formas, flores, frutos exóticos, curvas que ascienden, inspiraciones cargadas de aires japoneses, líneas, la mujer como centro del reclamo, alegría y color para una nueva forma de observar, de ver. Para una nueva manera de hacer arte.

Arte, porque la finalidad del cartel Art Nouveau no es, como podemos apreciar, solamente comercial. Es aquí, en este punto, en el de las intenciones, donde el cartel Art Nouveua se separa del convencional y lindo, que sólo pretende anunciar un producto.

Los artistas Art Nouveau anhelan cambiar la sociedad, y lo hacen a través de la belleza del arte.

Pero hay más, el Art Nouveau resalta la naturaleza, se inspira en ella con la clara intención de llamar la atención de los hombres embutidos en las ciudades industrializadas.

El Art Nouveau invoca que sin la naturaleza es imposible la vida. Denuncia la destrucción del medio ambiente con el único propósito de producir riqueza. Nos dice, como podría afirmarlo cualquier ecologista a día de hoy, que los seres vivos no sólo se relacionan entre sí, sino también con el medio en el que viven, y recuerda que esta ley natural no puede obviarse.

La marca que paga manda. Los artistas lo saben 45

Publicidad y Cartelismo Art nouveau

El cartel Art Nouveau fue un vehículo de comunicación visual entre el artista y el pueblo en una época donde las propuestas liberales y socialistas habían dejado de gatear gracias a la ayuda de intelectuales y periodistas interesados en elevar el nivel cultural de la población.

Hay que recordar que estos carteles se exhibían en ayuntamientos, estaciones de ferrocarriles y vallas colocadas en donde el ir y venir era constante y, por tanto, eran contemplados por miles de ojos ávidos.

Los artistas Art Nouveau se definen por la curva. Es la curva, como obra gráfica independiente del conjunto, lo que los identifica.

La curva simboliza los grandes desplazamientos, el movimiento constante del ir y venir de gentes, el hormigueo de las ciudades. Y también simboliza la fuerza cósmica, el carácter empírico de la naturaleza.

ACCIÓN DE GRACIAS

E

Aubrey Beardsley

l cartel Art Nouveau, decorativo e industrial, conoció el esplendor de las exposiciones y galerías. Pero también se hizo popular porque consiguió fusionar lo práctico y lo exclusivo. Los llamativos carteles podían adquirirse a bajo precio y esto era un incentivo añadido para los artistas, que veían cómo las gentes sencillas eran receptivas a sus novedosas ideas expuestas con claridad.

Los consumidores de clase media sentían más apego por el anuncio que entendían que por una pintura que no comprendían. Y esto, además del bajo costo, era un incentivo añadido para el coleccionista amateur1. La ama de casa sentía que ella también consumía arte cuando colgaba en una pared un rótulo bonito.

Los ornamentos botánicos también tienen su espacio en la cartelería Art Nouveau, no sólo por lo arriba expuesto, sino también porque en los finales del siglo XIX hubo un gran interés por la biología y la botánica.

La mujer también es otro elemento distintivo de este género artístico.

Hermosas y desenvueltas aparecen en los carteles anunciando todo tipo de artículos -para entonces ya ocupaban puestos de trabajo cara al público.

[1] El término amateur proviene del francés. Y así ha pasado al español. Es una

palabra presente desde el siglo XV en Francia, su variante femenina amatrice y que proviene de amaor derivada del latín amator cuyo significado es el que ama.

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Publicidad y Cartelismo Art nouveau

LOVE DRINK Aubrey Beardsley

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CAPITULO II MOVIMIENTO ART AND CRAFT

Origen del Art and Craft

ART AND CRAFT EN GRAN BRETAÑA (“Artes y oficios o tambien artes y artesanias”)

E

s un movimiento artístico que surge en las últimas décadas del siglo XIX en Inglaterra. Argumenta que la base verdadera del arte reside en la artesanía, rechazando y reaccionando en contra de la creciente industrialización y producción en serie que se había estado desarrollando en Inglaterra a lo largo de ese siglo, el llamado Estilo Victoriano.

Se dice que cuando los visitantes de la Feria Universal de 1851 llegaban al Crystal Palace de Londres, además de asombrarse por los avances técnicos, se sorprendían por el mal gusto de todo lo que se fabricaba en masa. De manera que la idea de progreso industrial comenzó a mezclarse con la intuición de que era necesaria una reacción que devolviera a los objetos de la vida cotidiana una cierta dimensión estética, que acompañase a las funciones naturales para las que eran fabricados. Esa reacción se denominó Arts and Crafts, Artes y Oficios, ya que pretendió elevar la dignidad social y estética del diseño y de todas las artes aplicadas, integrándolas en un entorno arquitectónico armonioso y bello.

La mecanización de procesos y producción de objetos en serie, 50

la ausencia de originalidad y la estética industrial, restaban valor al objeto. No solo eran tildados de feos, sino que no tenían alma.

Y este sentimiento poco a poco, se hizo extensivo para algunos, a otros ámbitos de la realidad, de la cotidianeidad, que se percibe de una manera sórdida y deshumanizada.

El intento de huida de esta realidad, lleva a la formación de una hermandad, Los Prerrafaelitas, activa entre 1848 y 1861, con ideales comunes y de profunda componente romántica, que abogan por un estilo de vida sencillo y cercano a la Naturaleza, mezclado con un deseo de moralidad, les lleva a buscar referentes en el pasado, concretamente, en Edad Media, que entrañaba para ellos una integridad espiritual y creativa que se había perdido en épocas posteriores, ejemplificado en el primitivismo pictórico anterior a Rafael, valorando la honestidad de los materiales, la belleza de los objetos cotidianos, línea y dibujo y obviando fórmulas más sofisticadas como la perspectiva y el volumen como pretexto para crear espacio.

Un primitivismo de profunda raigambre artesanal que admiraban en el hacer medieval de los gremios.

Origen del Art and Craft

Tapiz

William Morris Año desconocido

Líneas y dibujo, minuciosidad fotográfica, al servicio de ideas más morales que técnicas, con tintes simbólicos.

Como la mayoría de los movimientos que vendrán posteriormente, intentan transformar la realidad en la que habitan, militan en un socialismo utópico que pretende mejorar la vida con el arte.

Pasado un primer momento, representado por figuras como Millais, W. Holman-Hunt y Ruskin como ideólogo, la segunda etapa estará marcada por Burnet Jones y William Morris como ideólogo y padre fundador.

William Morris (1834-96) supuso un antes y un después en la concepción de las artes decorativas.

Comprometido con la sociedad, intenta redimir y transformar las condiciones de vida del proletariado, devolviéndole la dignidad por medio del arte, en toda su expresión, tanto en el todo como en las pequeñas cosas, incorporando aspectos estéticos a la producción de bienes de uso para el hombre, en contraposición de lo que representaban los objetos industriales. La bondad y belleza de los objetos que rodean al hombre no puede ser industrial. Y ya no tanto por su factura, sino por sus cualidades estéticas y sensoriales.

Las manifestaciones artísticas, cada vez irán abandonando la moralidad, para centrarse en la estética curva, colorido veneciano, ornamentación y la figura de la mujer.

Esta nueva generación de artistas-artesanos, arquitectos y diseñadores, no establecen diferencias entre artes mayores y menores en su creación, centrándose en un modo de producción artesanal. El arte se extiende a todos los ámbitos, y la casa ahora se entiende como un todo estético-moral, los muebles y los objetos. de uso común pretenden contribuir al bienestar.

Tapiz

William Morris Año desconocido

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Origen del Art and Craft

Embroidery May Morris AĂąo desconocido

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Origen del Art and Craft

CARACTERÍSTICAS DEL ART AND CRAFT (“Artes y oficios Objetos utiles y funcionales”)

E

ntre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes: 1. Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.

2. Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.

3. Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.

4. Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño.

Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX. 5.

Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.

6. Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

Tapiz Interior William Morris Año desconocido

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Origen del Art and Craft

Papeles pintados y estampados William Morris AĂąo desconocido

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Origen del Art and Craft

T

ambién coinciden todos en que el Movimiento Arts and Crafts dio lugar a la idea de Artesanía Artística (“Fine Craft”) del los siglos XX y XXI, donde el artista-artesano produce muebles, vidrio, cerámica, joyería, textiles, prendas de vestir y otros tipos de artes aplicadas que los museos, galerías y coleccionistas consideran como una parte más de las bellas artes, o al menos de su misma calidad estética1.

De hecho, ahora que museos, galerías comerciales y compradores de obras de arte se han entremezclado abandonando la idea de las habilidades individuales del artista como criterio de excelencia exclusivo, la Artesanía Artística ha satisfecho la necesidad de aquellos que aprecian el trabajo minucioso y delicado.

La palabra «arte» originalmente significaba «artesanía» o «habilidad”, y la palabra «artística» — o «bella» (de Bellas Artes) — aparece ligada conjuntamente con la anterior como medio de elevarlo como un arte liberal análogo a la poesía. Actualmente las cosas han vuelto al punto de partida; o casi.

Los estudiosos del movimiento también están de acuerdo en que el movimiento se inspiró en una amplia gama de objetos culturales histórica o geográficamente dispares y de ideales que van desde Pugin y el medievalismo de Ruskin a los objetos de cerámica y laca de Japón. Hasta aquí, existe consenso. Las dificultades surgen cuando se trata de decidir con precisión qué diseñadores y qué objetos deben ser considerados genuinos de Arts and Crafts. Un problema importante aparece en el hecho de que, como Clive Wainright señala en «El arquitecto y las artes decorativas”, el ideal del artífice-artesano como un inspirado artista independiente, idea que forma parte de nuestra cultura contemporánea.

[1] La estética puede definirse estrechamente como la teoría de la belleza, o más ampliamente como la filosofía del arte. El interés tradicional en la belleza misma se ha ampliado desde el siglo XVIII incluyendo lo sublime desde la filosofía occidental, y desde 1950 aproximadamente el número de conceptos estéticos puros discutidos en la literatura se ha ampliado aún más.

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Escultura del Art and Craft

ESCULTURA DEL ART AND CRAFT

(“Plazmando Belleza y admiración de la naturaleza”)

A

rts and Crafts fue un movimiento social y estético nacido en Inglaterra que pretendía rescatarla importancia del trabajo artesanal. Un movimiento que empezaba a caracterizarse por un retorno a la naturaleza, formas graciosas, onduladas, delicadas, donde frecuentemente se ven reflejadas las formas de la naturaleza en flores, insectos, aves, peces e incluso en animales mitológicos como los dragones. Todas estas figuras y dentro de ellas la humana son utilizadas como elementos decorativos sin tener gran significado.

El movimiento arts and crafts buscaba regresar a aquel hecho por los artesanos medievales. Por lo mismo se decía que el arte devía ser “creado por el hombre y para el hombre”.

En la escultura se utilizaba como decorativa y se buscaba representar la felicidad y el espíritu.

La escultura de “David tocando frente Saul” muestra la función decorativa que se utilizaba en la época y la manera de regresar al medioevo. Los humanos son representado como lo hacían en tales épocas regresando a lo que es un acercamiento a lo real sin darle un sentido imaginativo o enaltecido.

Polifacético

Eric Gill Año desconocido

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Escultura del Art and Craft

buscó inspiración en el arte primitivo y en la monumentalidad erótica de la India. Abundan esculturas del autor de un contenido sexual bastante explícito, como Ecstasy o Votes for Women. Esta última obra, por cierto, la adquirió John Maynard Keynes por cinco libras y su paradero actual es un misterio. Al mismo tiempo, los pruritos espirituales de Gill -fue un hombre de profundas convicciones religiosas- le llevaron a producir obras de colisión temática (aunque no desde su propio punto de vista) entre religión y sexualidad: A Roland for an Oliver (Joie de Vivre) por ejemplo. En 1913 se convirtió al catolicismo, lo que contribuyó a incrementar los límites de su life in the wilderness (en expresión de MacCarthy) en un entorno mayoritariamente

Eric Gill destaca por ser un artista polifacético, y su obra está compuesta por esculturas, tallados, grabados y distintas fuentes tipográficas. Recuperó la técnica del tallado a mano sobre piedra y algunas de sus creaciones están inspiradas en el arte primitivo y en la monumentalidad erótica de la India. En el campo de la tipografía, por otro lado, se le recuerda por su minuciosidad procedente de su actividad como grabador y por la finura de los trazos de su formación caligráfica. Tras morir en 1940, fue sepultado con una lápida que diseñó él mismo.

No se trata sólo de arte institucional. Gill, al igual que otros escultores rebeldes, recuperó la técnica del tallado a mano sobre piedra y

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Ilustración del Art and Craft

ILUSTRACIÓN DEL ART AND CRAFT (“Artes y oficios o tambien artes y artesanias”)

E

n este campo el movimiento es de especial importancia, a partir de mediados del siglo XIX, debido a que la ilustración se inicia con el nacimiento de la imprenta, y por tanto es un importante suceso para el desarrollo cultural. La invención de la imprenta dio un golpe de muerte a los manuscritos, los miniaturistas se dedicaron a ilustrar con sus composiciones y rúbricas iluminadas las iniciales y márgenes de los hoy llamados incunables. Por estas razones la también conocida como “Edad Dorada de la Ilustración” fue un periodo de una calidad sin precedentes en la ilustración de libros y revistas. Se debió a los avances en tecnología, que permitieron una reproducción del arte certera y económica, combinada con la voraz demanda de un nuevo arte gráfico.

Este campo tuvo un número importante de lectores de mediana edad y por tanto un gran número de artistas que creaban dichas imágenes, en este caso caracterizado por un retorno a la naturaleza a través de formas onduladas y delicadas.

Con William Morris, Aubrey Beardsley y Walter Crane surgió entonces el renacimiento en la ilustración de los libros modernos tal y como lo conocermos hoy.

The Wheel of Fortune Edward Burne-Jones Año desconocido

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Ilustración del Art and Craft

Love and the Pilgrim Edward Burne-Jones 1896–97

Sir Edward Coley Burne-Jones (1833-1898) es una de las figuras clave del arte británico en la segunda mitad del siglo XIX; siendo uno de los principales artistas del movimiento prerrafaelita y pionero del simbolismo europeo. Junto con el diseñador y reformador social William Morris, también fue un miembro destacado del movimiento Arts & Crafts y un precursor del diseño moderno.

Aunque Burne-Jones es reconocido como uno de los principales artistas británicos y europeos, esta será la primera exposición monográfica sobre el artista en Escandinavia, presentándole a una nueva audiencia. La exposición y su catálogo acompañante también explorarán el impacto de Burne-Jones en el arte y el diseño escandinavo.

Home Decour

Edward Burne-Jones Año desconocido

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IlustraciĂłn del Art and Craft

Colgaduras de Cama, May Morris AĂąo desconocido

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Ilustración del Art and Craft

A Pond

Frances MacDonald 1894

The May Queen MacDonald Año desconocido

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William Morris

WILLIAM MORRIS Y EL MOVIMIENTO ARTS AND CRAFTS EN GRAN BRETAÑA (“Artes y oficios o tambien artes y artesanias”)

W

illiam Morris (18341896) es una de las figuras más relevantes de las artes, las letras y la cultura británica de finales del siglo XIX. Esta exposición, producida por la Fundación Juan March y el Museu Nacional d’Art de Catalunya, de Barcelona, pretende explorar y apreciar en profundidad las múltiples facetas del diseñador, artesano, empresario, poeta, ensayista y agitador social, así como una de las principales figuras del movimiento británico Arts and Crafts.

En vida, Morris fue conocido sobre todo como escritor, poeta, diseñador y fundador de la compañía Morris, Marshall, Faulkner & Co. –a partir de 1875, Morris & Co.-, dedicada a las artes decorativas y a la decoración de interiores.

Y también por ser el fundador y líder indiscutible del movimiento que hoy en día conocemos por el nombre, simple y compuesto a la vez, de Arts and Crafts -las artes y los oficios artesanales.

William Morris Artista desconocido Año desconocido

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William Morris

E

l movimiento Arts and Crafts surgió en torno a 1880 y se convirtió en la corriente dominante en la artesanía y el diseño británicos hasta aproximadamente 1914, aunque su influencia persistió en algunas zonas hasta bien entrado el siglo XX. El ideario del movimiento, basado en las ideas de William Morris acerca del proceso de trabajo, el diseño y la vida en general, no tardó en traspasar las fronteras de Gran Bretaña, extendiéndose por el resto de Europa, Estados Unidos y el resto del mundo.

fe en el trabajo colaborativo y el compañerismo, además de una visión moral de la vida.

El ideario básico, común a todos ellos, fue la defensa de un estilo de vida sencillo e inspirado en la naturaleza, que dio lugar a la creación de objetos domésticos caracterizados por su calidad, su carácter funcional y el respeto a la autenticidad de las téque nocnicas y materiales utilizados.

Como el propio Morris afirmó en The beauty of life [La belleza de la vida], su célebre conferencia de 1880: “No tengas nada en tu casa que no sepas que es útil o que no consideres bello”.

En su momento álgido, entre 1890 y 1910, fue considerado como la corriente estética más influyente y de mayor alcance surgida en Gran Bretaña en la era moderna. Una nueva generación de arquitectos, diseñadores, artistas y artesanos -entre los que podríamos destacar a Charles Robert Ashbee, Mackay Hugh Baillie Scott, Ernest Willliam Gimson, William Richard Lethaby y Charles F. A. Voysey- compartieron su

Inteligente, enérgico y con una inagotable capacidad de aprender diversos oficios, William Morris fue un hombre renacentista en una época, la victoriana, marcada por un gusto decorativo exagerado y dudoso, así como por la sensibilidad romántica, el embate del industrialismo y las fallas sociales que éste produjo y, finalmente, por un renovado esplendor de la artesanía, al que Morris contribuiría decisivamente.

Tejido Honeysuckle William Morris Año desconocido

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Art and Craft Cartelismo

CARTELISMO Y PUBLICIDAD EN EL ARTS AND CRAFTS EN GRAN BRETAÑA (“Artes y oficios o tambien artes y artesanias”)

E

ste movimiento surgió en las últimas décadas del siglo XIX como una fuerte reacción contra el primer estilo industrial desarrollado en Inglaterra. La rebeldía te esa situación imperante, tenía como fin elevar la calidad estética del diseño y de todaslas artes aplicadas, integrándolas en un entorno arquitectónico armonioso y bello.

Así,Arts & Crafts es el primer movimiento que toma conciencia tanto de la función del diseñador, como de las consecuencias sociales de la industrialización.

Sus seguidores se basaron en un socialismo utópico, que defendía la artesanía y la organización gremial para dignificar el trabajo. William Morris fue su principal representante, un férreo defensor de los trabajos artesanos dedicado a la arquitectura bajo la influencia de John Ruskin, quien llegaría a vincularse con el prerrafaelismo y a reaccionar contra el materialismo de la era victoriana, denunciando los peligros de la industrialización.

Asi mismo, propugnaba1 la vuelta a la artesanía imperante en la Edad Media, para proporcionar al obrero una actividad independiente, que lo librara de la dependencia capitalista.

Jeanne D´ Arc Eugene Grasset 1893

[1] Quien propugna algo, por lo tanto, lo protege, adopta o difunde. Propugnar implica una acción que busca cuidar y/o impulsar aquello en lo que se cree. Por ejemplo: “Debemos propugnar una educación de calidad para nuestros niños”, “No creo que ninguna persona de bien pretenda propugnar un sistema económico que deje en la marginalidad a millones de compatriotas”, “Voy a propugnar una revisión de los objetivos corporativos”.

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Art and Craft Cartelismo

The well at the World´s End William Morris 1896

Graphic Style

Steven Heller y Seymour 1888

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Art and Craft Cartelismo

The Fairy Tale Art Walter Crane 1893

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Art and Craft Cartelismo

W

alter Crane (1845-1915), fue un artista ingles nacido en Liverpool, participo activamente en el movimiento artistico Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) que se desarrolla en Inglaterra y Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del XX este movimiento se ocupa de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa, el movimiento reivindicó los antiguos oficios en plena época victoriana, abogando así por la primacía del ser humano sobre la máquina y siendo en principio contracultural.

Oponía la creatividad y el arte a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo.

Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines. Tuvo gran influencia en el Art Nouveau y el Art Decó entre 1910 y 1925.

Walter Crane perfecciono su técnica del grabado con William James Linton, uno de los grandes maestros de la epoca, de quien fue aprendiz por tres años, entre 1859 y 1862.

Durante su vida ilustro innumerables obras con sus grabados inimitables en madera, pero su arte no se limito a la ilustración grafica, también incluye relieves en yeso, mosaicos, vitrales, alfarería, empapelados y diseños textiles, en todo lo cual aplicó el principio de que en el arte decorativo “los artistas trabajan mejor y más libremente sin una referencia directa a la naturaleza, y deben haber aprendido las formas que usan.

Solidarity of Labour Walter Crane 1888

excesivamente grande por lo cual se desdibuja un tanto, les aconsejo amplíen a tamaño grande, es suficiente para apreciar todos los detalles.

Walter Crane fue un artista inglés nacido en Liverpool que participó del movimiento Arts and Crafts. Realizó pinturas, ilustraciones, libros para niños, mosaicos, y otros objetos decorativos, igualmente trabajaba con el grabado de madera.

Como característica propia de este movimiento se encuentran las lianas, hojas largas, e infinidad de objetos naturales que generalmente se ven en patrón, como un estampado. En esta imágen se ve lo importante de las lianas en este estilo.

De sus ilustraciones graficas he escogido ocho libros para presentarles una muestra de su talento.

Para ver el titulo pasen el cursor sobre la imagen, para ampliar (muy recomendado para apreciar los detalles), pulsen. Una observación, el tamaño original quedo 67

Arquitectura Art and Craft

ARQUITECTURA EN EL ARTS AND CRAFTS EN GRAN BRETAÑA (“Vivir en un entorno feliz y estetico”)

E

l Arts and Crafts fue un movimiento de enor me ambición de la arquitectura moderna que abarcaba la creación y el diseño en toda su amplitud, desde casas esmaltadas hasta iglesias, en lugares tan diversos como Budapest y California. Nacido de pensadores y profesionales en Francia-paris, tenía una clara intencionalidad "moral": suponía una posibilidad de reacción a la industrialización y las formas de vida modernas que habían sustituido al trabajo manual por el trabajo mecanizado. Tras ello había una utopía social ejemplificada en el deseo manifiesto de volver atrás para "regenerar" al hombre mediante la artesanía. Buscaba respetar y cuidar los materiales, y la forma en que se utilizaban.

Se trataba de mostrar cómo se construyeron las cosas, de modo que parecían diferentes de lo que eran en realidad.

Igualmente, se trataba de respetar al creador.

Sobre un fondo de la inmundicia, degradación e industrialización, el movimiento quería que la gente trabajase en un entorno feliz, sano, y que disfrutaran de lo que hacían. Uno de los corolarios fundamentales de este enfoque en el medio ambiente era una nueva preocupación por lo doméstico y lo cotidiano, surgiendo así la necesidad de producir muebles y artículos de hogar, partiendo de diseños que eran a la vez prácticos y estéticamente agradables.

En el mundo de la arquitectura, para el diseñador Michel Ashbee, “las artes y el movimiento mecanico comenzaron con el objetivo de hacer cosas útiles, de hacerlas bien y de hacerlas bellas; la buena calidad y la belleza eran los líderes de los movimientos homólogos”.

Particularmente estridente fue la llamada a la

Vidriera Red House Philip webb 1893

68

Arquitectura Art and Craft

jerarquía artística que había estado en funcionamiento desde el Renacimiento, y que priorizaba la arquitectura, la pintura y la escultura por encima de las llamadas artes “mayores”.

Si bien nunca se puede negar la importancia de la mecánica y la escultura, los artistas de Arts and Crafts otorgaron un nuevo valor a las artes mecánicas y aplicadas e insistieron en que éstas se convirtiesen en una parte integral de cualquier diseño más grande. Ya no era suficiente confiar en la casualidad o capricho personal para la elección de los sillones en una sala de estar o el ahorcamiento de un tapiz en una iglesia. Con el objetivo de reflejar la noción de la “obra de arte total” o Gesamtkunstwerk, que el compositor Richard Wagner había descrito como el objetivo de sus producciones de ópera a mediados del siglo XIX, cada elemento tenía que ser diseñado como parte de un todo orgánico.

Vidriera Red House Philip webb 1893

A

a planteamientos socialistas, quisieron crear una arquitectura para el pueblo, pero la elaboración a mano y la exigencia de los detalles hizo que las construcciones del movimiento del Arts & Crafts resultaran caras e inaccesibles a las clases populares, mientras que la clase burguesa1 los acogió y facilitó su difusión. La economía de la época hace que surja una nueva clase media que rechaza el recargado estilo victoriano y, aunque no está de acuerdo con la filosofía del Arts & Crafts, sí les gusta la estética.

partir de la década de 1940 surgen obras, artículos y conferencias de autores y teóricos de la estética que critican el arte del siglo XIX, como Augustus Pugin, John Ruskin o Henry Cole. Estos teóricos buscan en la historia inglesa y se encuentran con la artesanía de la época medieval, gótica sobre todo, la cual toman como modelo.

El movimiento experimentó un gran empuje cuando en 1861 William Morris, uno de los miembros más conocidos de la tendencia, fundó en Londres, junto a un grupo de artesanos y arquitectos, la empresa Morris, Marshall, Faulkner & Company. Su actividad era muy variada, se destinó a la construcción y a la producción de objetos de uso diarios como tejidos, libros, papeles pintados, mobiliario, etc. creados artesanalmente. Próximos

1 El término burguesía deriva del francés bourgeoisie, para referirse a las personas que vivían en ciudades en las que tenían ciertos privilegios laborales como ser comerciantes o artesanos. La burguesía es un término que representa a las personas que no hacen ningún tipo de trabajo manual y que poseen una importante acumulación de bienes y dinero que los convierte en personas adineradas. Por tanto, es un término que designa a la clase media acomodada

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Arquitectura Art and Craft

Philip Webb es considerado como el primer arquitecto del Arts and Crafts. Construyó la “Casa roja” para William Morris, donde abandonó la simetría clásica para buscar efectos plásticos y funciona les más próximos al gótico rural.

tienen forma de mariposa. De sus edificios se dice que poseen un sentido simbólico, lleno de detalles constructivos.

Edwin Lutyens es uno de los arquitectos más reconocidos entre los que concluyeron su formación en las décadas finales del XIX. Influido por Ruskin como muchos de sus compañeros, construyó numerosas casas de campo de gran originalidad y se embarcó después en diseños urbanísticos para la India. Sus edificios alcanzan, en las mejores ocasiones, una fuerza y dimensión clásicas.

George Devey fue un arquitecto que diseñó más de veinte casas de campo siguiendo las ideas de Ruskin y del Arts and Crafts. De él se ha dicho que tenía un gran sentido del lugar en el que emplazaba sus edificios y un uso muy creativo de los materiales.

Frank Lloyd Wright es, para muchos, el más grande arquitecto americano y uno de los más destacados de todos los tiempos. Su concepto de casa de campo así como su filosofía “organicista” deben mucho al movimiento Arts and Crafts, que a lo largo de su vida desarrolló hacia formas más industriales y modernas. Sus obras poseen siempre una fuerte carga emocional y simbólica.

Charles Rennie Mackintosh es uno de los grandes arquitectos y diseñadores del siglo XX. Una de sus obras más conseguidas es la famosa Escuela de Arte de Glasgow, pero además construyó bellísimas casas de campo y fue un consumado acuarelista.

E. S. Prior fue muy valorado como arquitecto por la originalidad de sus plantas, que a veces

Imrie

George Devey 1893

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Arquitectura Art and Craft

Vidriera Red House Philip webb 1893

Entre las ideas más características del Arts & Crafts no solo se encuentran principios estéticos, sino también filosóficos, éticos y políticos. Algunos de los más destacados eran: El rechazo de la separación entre arte y artesanía; el diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.

El rechazo de los métodos industriales de trabajo que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentando sus tareas.

Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en arquitectura como en las artes aplicadas.

Proponen la arquitectura como centro de todas las actividades del diseño.

Proponen la agrupación de artesanos en talleres y guildas, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.

Vidriera Red House

Creen en el trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio, tanto para el cliente, como para el artista.

Philip webb 1893

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Tipografía Art and Craft

TIPOGRAFÍA EN EL ARTS AND CRAFTS EN GRAN BRETAÑA (“Artes y oficios o tambien artes y artesanias”)

S

e fundo en 1890, en general todos los libros incluyen algo de ornamentación.

Para Morris la propia belleza de la tipografía era suficiente para hacer ediciones de primera calidad, como ya lo habían conseguido los impresores de la primera época.Las Obras de Chaucer es el libro más importante entre los editados por la Kelmscott Press. Un libro anacrónico, de gran tamaño en folio mayor, impecablemente producido, y con ilustraciones y orlas grabadas en madera. Sólo en el diseño de las dos páginas iniciales invirtió Morris más de quince días. El resultado fue uno de los diseños editoriales más impactantes de todos los tiempos. La idea de crear la

Kelmscott Press parece que le llegó a Morris en 1888, tras escuchar una conferencia que Walker pronunció en la Sociedad Arts & Crafts de Londres, sobre la relación entre los libros impresos y los primeros incunables. Las encuadernaciones, diseñadas en ocasiones por el propio Morris, eran también de extraordinaria calidad gráfica y de materiales. El libro como forma de arte. Maneja la xilografía1. No utiliza ni los adornos ni las tipografías convencionales, llega tras una investigación a unas nuevas tipografías, apostando por una estética medieval. El Arts and Crafts tendrá influencia en prácticamente todo lo que tenga que ver con el diseño.

[1] La xilografía es una técnica de impresión en relieve realizada sobre una matriz de madera. La diferencia fundamental con el linóleo es que la veta de ésta se aprecia al ser estampada, realzando la belleza de la imagen.

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Tipografía Art and Craft

La máxima de ésta será diseñar de forma integral todo lo que concierne al cliente (casa, mobiliario, decoración, vestuario…) Arthur Heygate Mackmurdo, es otro representante del Arts & Crafts, usando la línea ondulada abundante simulando vegetación en movimiento.

Charles R. Ashbeen (1890) de forma natural el Arts and Crafts va mueriendo convirtiéndose en el Art Nouveao, modernismo. * Aparece la tipografía ornamentada. * Composición tipográfica entre las formas naturales

* Acabados más finos, más trabajo en la elaboración de la tipografía. * Composiciones simétricas y ordenadas. * Ornamentación principalmente en letras mayúsculas.

Libro the work William Morris 1888

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Tipografía Art and Craft

ERIC GILL,Y SU TIPOGRAFÍA GILL SANS (“Artes y oficios o tambien artes y artesanias”)

Eric Gill

Artista desconocido 1888

E

ric Gill es un tipógrafo y escultor inglés que hizo una gran aportación al campo de la tipografía al crear Gill Sans, una fuente muy utilizada a nivel institucional. La obra de Eric Gill no se limita solo a la tipografía, sino que se extiende hacia otros oficios como la de tallador en piedra o grabador.

Eric Gill (1882, Sussex – 1940, Uxbridge) comenzó sus estudios en la escuela de Arte de Chichester a los 17 años y continuó su formación en la Central School of Arts and Crafts en Londres, donde fue alumno del tipógrafo y calígrafo Edward Johnston. Durante sus años de estudiante, Gill solía hacer trabajos arquitectónicos y de escultura, aunque también creaba portadas para diversos libros con base al grabado en madera.

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Tipografía Art and Craft

Entre 1913 y 1917 la dedicación principal del escultor fue la talla de las Estaciones del Viacrucis de la Catedral de Westminster, trabajo que lo convirtió en unos de los principales escultores ingleses contemporáneos. Sin embargo, en 1914, tras conocer a Stanley Morison, colaboró con él realizando diversos trabajos en la editorial Burns & Oates.

año creó la tipografía Golden Cockerel Roman y trabajó diseñando e ilustrando The Four Gospels, uno de sus trabajos más notables.

En el mundo tipográfico, Gill Sans es una tipografía muy utilizada en el ámbito institucional inglés, como en la identidad visual de British Railways o la BBC. Además, también ha sido utilizada por la editorial Penguin Books, la Iglesia de Inglaterra e incluso por la Administración General del Estado y por el Gobierno de España. La obra de Eric Gill como escultor puede encontrarse por todo el territorio inglés en forma de memoriales de guerra. La BBC Broadcasting House, la Catedral de Westminster o el Palacio de las Naciones en Ginebra también cuenta con trabajos del también escultor.

trabajaba para la empresa Monotype como consejero tipográfico. Cuatro años más tarde y tras un largo periodo de trabajo, Eric Gill creó su primera tipografía, Perpetua.

En 1931 publicó su libro An Essay on Typography en el que describía sus puntos de vista sobre tipografía, utilizando su propio tipo, Joanna, para ilustrar sus palabras. Ese mismo

Eric Gill

Artista desconocido 1888

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Tipografía Art and Craft

Tipografía y sus varaciones Artista desconocido

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Tipografía Art and Craft

Eric Gill

Artista desconocido 1888

Gill Sans fue el primer tipo de Eric Gill para Monotype y uno de los que, junto con la Futura de Renner, terminarían siendo más usados a partir de los años treinta. Frente a su competidora alemana, Gill Sans muestra un origen caligráfico y una irreverencia que la proporcionó éxitos inmediatos, si bien, quedó limitado en los primeros tiempos a la rotulación exterior por su parentesco con los tipo de Johnston, cuya influencia sobre Gill no puede ser desdeñada1 Otros tipos de letra suyos fueron la Solus, de 1929, la Bunyan, de 1936 y reonvertida por Monotype en la Pilgrim en 1953, y la Joanna, un tipo romano, originalmente creado para Hague & Gill en 1930.

1 Este termino es de uso anticuado, la definición de desdeñado hace referencia a una persona menospreciador, humillador, huraño, insociable y desabrido que se siente aparado hacia los demás y que desprecia a alguien. Esta expresión era usada como sustantivo.

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Tipografía Art and Craft

L

a intención de Gill era mejorar el trabajo de su maestro Johnston creando una tipografía absolutamente fácil de entender, “a prueba de tontos”. Empezó a diseñarla en 1926 cuando le encargaron el letrero para una tienda en su ciudad natal, Bristol. La fundición Monotype, conociendo su trabajo, le pidió que la desarrollara por completo y en 1928 se lanzó con el nombre de su autor: Gill Sans (Sans indica que una tipografía no tiene serifas, esos pequeños detalles al final de los trazos, como los de la Times New Roman).

La primera versión de la Gill Sans solo tenía mayúsculas como las que había utilizado en la tienda, porque Gill las diseñaba esculpiéndolas en lápidas que los vecinos le traían, pero en siguientes versiones llegaron las minúsculas. La

Gill Sans se hizo muy famosa rápidamente. Además de en logos españoles podemos encontrarla en el de la BBC o en los libros de Penguin.

La sorpresa con el tradicional y religioso Eric Gill saltó mucho después de su muerte, cuando se encontraron sus diarios. En ellos había anotado cada acto impuro que cometía: en ellos detallaba que había practicado adulterio y homosexualidad, además de pedofilia, zoofilia e incesto.

Muchos se escandalizaron, pero la mayoría decidió separar sus acciones en vida de las magníficas obras que había creado, y hoy en día Gill Sans sigue siendo una de las tipografías más extendidas del mundo.

Bocetacion Tipografica Artista desconocido

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Tipografía Art and Craft

Tipografía y sus varaciones Artista desconocido

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Art Pop

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Características

CAPITULO III MOVIMIENTO POP ART

The Velvet Underground & Nico Andy Warhol 12 de marzo de 1967

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Art Pop

ART POP ORIGEN

E

l pop art, conocido en español como arte pop, es un movimiento plástico que tuvo su origen en la década de 1950. Nació entre Gran Bretaña y Estados Unidos, pero fue este último el país que se convirtió en el abanderado del movimiento. Sin embargo, el arte pop generó una onda expansiva en todo el mundo, tanto en Europa como en América Latina, Asia y Oceanía.

El arte pop se contextualiza en el pleno proceso de conformación de la sociedad de consumo, cuyo impulso definitivo tuvo lugar tras la segunda guerra mundial y la llegada de la televisión, la nueva invasora de los hogares.

Este estilo artístico nació como un intento de hacer un arte que tomara en cuenta el universo de símbolos y temas de interés masivo, es decir, los símbolos "populares" a los

cuales la élite cultural parecía dar la espalda y negar su movilizadora penetración en el imaginario colectivo.

El Pop Art surgió como reacción al Expresionismo Abstracto a partir, fundamentalmente, de un cambio de fuentes: las raíces surrealistas de aquel movimiento se sustituyeron por las dadaístas del Pop, dado el interés de sus precursores por las fronteras del arte y por Duchamp, el primero en exponer objetos cotidianos, fabricados en serie, en galerías o museos.

Giant Three Way Plug Claes Oldenburg 1970

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Origen

32 Campbell’s Soup Cans Andy Warhol 1962

T

ambién se considera a Yves Klein antecedente del Pop por su uso de la monotonía y la indiferenciación, que lo emparenta con Warhol, pero resultaron vitales para el nacimiento de esta corriente las anteriores experimentaciones con las posibilidades del collage, que los cubistas inventaron para explorar las diferencias entre realidad y representación. Dadaístas y surrealistas ampliaron su potencial y en la posguerra se convirtió en el arte del assemblage, que permitía crear arte a

partir de elementos preexistentes y diversos entre los que se establece relación. El MoMA dedicó en 1961 una exposición a “El arte del assemblage”, medio que sería punto de partida del environment y el happening.

na norteamericana, en la que se cuestionaba la solemnidad romántica del arte británico de los cuarenta.

Sus impulsores convirtieron la trivialidad en un tema digno de tratamiento estético y la moEl nacimiento del Pop Art tuvo, numentalizaron recurriendo a además, mucho que ver con la la ampliación y reflejando los cultura inglesa y estadounidense iconos de la cultura de masas de de posguerra: dio sus primeros forma inteligente y crítica. Pese pasos en Reino Unido y creció a su impulso popular, el estilo se a raíz de los debates planteados orientó a partir de la reivindicaen el Independent Group en el ción de Duchamp de que el arte ICA sobre la nueva cultura urba- debía ser, ante todo, inteligente.

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Art Pop

A

unque los asuntos abordados fuesen banales, los medios estéticos de los artistas Pop solían ser sofisticados. Este fue un arte de reflexión crítica que reclamaba la ausencia de prejuicios tanto por parte de los artistas como por parte de la audiencia.

Los creadores pop americanos, más pragmáticos, se inspiraron en la publicidad; en Inglaterra predominó la representación de los símbolos de la producción y el consumo de masas. Buscaron, unos y otros, dar forma a un arte que fuera tan vital y diverso como la vida contemporánea tras la II Guerra Mundial, accesible a todas las capas sociales, y abrieron las puertas entre arte y vida cotidiana, entre arte y kitsch.

Independent Group en el ICA 1952-55

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Características

ART POP CARACTERÍSTICAS

Inspiración en la cultura de masas Si los antiguos habían representado la imagen del mundo como lo conocían y concebían en sus obras, era obligación de los artistas contemporáneos hacer lo propio. Los artistas pop acudirían a aquellos objetos cotidianos que se estaban convirtiendo en los nuevos símbolos de “civilización”: ídolos mediáticos1, figuras políticas, objetos fabricados en serie, tiras cómicas (cómics), carteles, embalajes y toda clase de imágenes simbólicas (señales de tráfico, collages, etc.).

Whaam!

Roy Lichensteins Óleo y pintura acrílica sobre lienzo 1963

[1] referirnos a todo aquello que tenga relación con los medios de comunicación, especialmente cuando llegan a grandes masas (masivos), como ocurre con la televisión. Existen propagandas mediáticas, llamadas así, pues se hacen por esas vías y entran en los hogares de la gente apoderándose de sus decisiones de consumo, al crear la falsa ilusión de que no serán felices, o sus familias no estarán saludables o protegidos o no agradarán socialmente, si no usan determinados productos.

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Art Pop

Ampliación de la noción de belleza al repertorio de símbolos pop El pop art comprendía que incluso los objetos de la cultura de masas podían contener elementos de belleza, y no solamente las venus y madonas de la Antigüedad. Claro que esto no dejará de ser también una provocación para el entorno intelectual, aspecto que los artistas pop aprovechan muy bien a su favor.

El Museo Andy Warhol Pittsburgh

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Características

Persimmon Robert Rauschenberg Óleo y serigrafía sobre tela 1964

Descontextualización Una de las estrategias del pop art fue tomar los objetos prestados y descontextualizarlos. Por ejemplo, sacar de su contexto una lata de sopa, un cuadro famoso o una fotografía, intervenirlos y transformarlos en una obra o una nueva obra. Algo semejante habían hecho los dadaístas con su técnica ready made desde que Marcel Duchamp creó su famosa Fuente: un urinal intervenido con la firma del artista, bajo el seudónimo R. Mutt, y que fue presentado como una obra museística.

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Art Pop

Negación del virtuosismo Estos artistas no preconizaban el virtuosismo como un valor. Con esto, el arte pop rompía con la idea de una obra de arte como resultado de un proceso complejo, largo y difícil, lo que favorecía el principio de reproducción múltiple.

Por ello, implementaron técnicas absolutamente inusuales en el campo de las bellas artes, como la serigrafía, el cómic con sus viñetas y estilo de la línea, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva, además de collages y fotografías.

Algunos artistas fueron más radicales y produjeron happenings y espectáculos interactivos, lo que asestaba un golpe contra el coleccionismo y la mercantilización del arte.

Elvis doble Andy Warhol Serigrafía y polímero sintético sobre tela 1963

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Características

Lápiz labial en ascenso Claes Oldenburg Acero resistente a la intemperie 1969

Incongruencia El universo de símbolos que ofrecía el arte pop no era muy fácil de asimilar para los intelectuales de la vieja escuela, y, además, los artistas pop tampoco tenían una única posición frente a lo que representaban, lo que dificultaba las cosas. Por ende, sus propósitos no necesariamente estaban claros. ¿Criticaban el consumo? ¿Validaban el consumo? ¿Sacaban provecho de las circunstancias? Creaban así imágenes aparentemente incongruentes y provocadoras.

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Art Pop

Humor Como no pretendía ser un arte intelectual, el arte pop fue también un movimiento cargado de humor y guiños cómplices al espectador.

Lejos de las posturas infatuadas de los grandes teóricos e intelectuales del medio, los artistas pop ironizaban y reían del orden circundante. Quizá era un modo diferente de hacer crítica.

Retrato ridículo

(con cello y querubín) May Wilson Serie: Retratos ridículos Técnica mixta 1972

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Características

Tres banderas Jasper Johns Encáustica sobre lienzo 1958

Provocación Todo esto hizo del arte pop un arte provocador, incitante, polémico. Por ejemplo, al cuestionar la idea de originalidad cuestionaban también la superioridad del genio creador, figura a la que se le rendía tributo desde el renacimiento. Cuestionaban asimismo el papel de los críticos, de los historiadores del arte, el concepto de los museos, los criterios de selección, los principios de la museografía...

Pero más allá de todo lo que hace interesante al pop art, es evidente que nada surge por generación espontánea, y que, antes de que los artistas pop se formularan este programa estético, generaciones previas fueron creando las condiciones para esta auténtica revuelta de los signos artísticos.

Veamos cuáles fueron sus antecedentes y qué relaciones tenía el arte pop en el contexto creativo de los años 50.

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Art Pop

L

as características del arte pop que hemos expuesto ponen en evidencia que este movimiento tuvo un sentido profundo, al contrario de las sentencias que lo acusan de superficial.

En un sentido amplio, por medio de la incorporación de los símbolos de la sociedad de consumo, el arte pop no solo ampliaba el repertorio de los temas iconográficos del arte, sino que fijaba posición frente a dos cosas: el reordenamiento de la sociedad de consumo y la negativa Este movimiento puede ser visto de las élites intelectuales a reconocomo un arte sin compromiso, cer que este fenómeno atravesaba pero algunas veces esta afirma- toda la cultura. ción puede resultar injusta. Es cierto que tiene una fuerte carga Así, Marilyn Monroe, Elvis Presley, visual, es cierto que no se escan- Mao Tse Tung, Superman o Batdaliza ante los símbolos de la cul- man resultaban tan “culturales” y tura masiva, pero también existe dignos de atención para su mundo un sentido en el fondo de ello. contemporáneo como el repertorio de afroditas, venus, adonis, apolos, En el caso muy particular de los vírgenes, santos, aguadores, pastoartistas de EE.UU. a estos les res, paisajes, reyes y personalidades interesaba indagar sobre la esencia para el siglo XVI. última del norteamericanismo en medio de esta vuelta de tuercas de significaba el paso a la sociedad de masas. Junto a esto, de algún modo también pretendían redescubrir la pintura figurativa que el expresionismo abstracto había escondido detrás del ropero.

Pero en términos generales, los artistas pop de todo el mundo tenían claro que la ironía les permitía hacer ver que el materialismo y la vulgaridad participaban del orden hegemónico que el campo masivo ha establecido ya entre 1950 y 1970.

Sin título del portafolio Andy Mouse Keith Haring Serigrafía en papel 1986

Al mismo tiempo, reconocían lo que los nuevos símbolos tenían de manifestación clara y continuada de los valores culturales en transformación, lo que muchas veces les permitió observar los nuevos íconos sin emitir juicios de valor.

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CaracterĂ­sticas

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Art Pop

ART POP LOS DEFENSORES DE LO BANAL

C

onsiderado neodadaísta por algunos expertos, Robert Rauschenberg exploró en sus assemblages lo mínimo, inestable y efímero. Formado en la Academie Julien y en el Black Mountain College, junto a Albers, pintó en los cincuenta cuadros totalmente blancos cuya imagen era la sombra del espectador, o totalmente negros, después de las monocromías de Fontana y Klein. Posteriormente tanteó la Combine Painting, combinando superficies pintadas y objetos

pegados a la hora de generar piezas tridimensionales autoestables (recordad Monogram).

Su filosofía estética se relaciona con la de John Cage, favorable a “desenfocar” la mente del espectador e inducirle a abrirse a su conciencia y ambiente. Sus cuadros vivos rodean, o casi, a quien los observa.

La obra de Jasper Johns es más disciplinada e irónica. A diferencia de Rauschenberg, utilizó imágenes aisladas y banales (números, dianas, mapas, ban-

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deras) que destacan por su falta, aparentemente, de relevancia: el espectador busca un significado concreto; el artista, crear una superficie.

Johns se interesó por la inercia pictórica y por la noción de la pintura como objeto, más que como representación. A veces ensambló lienzos subrayando el punto en que se juntan o pegó reglas, cucharas o escobas. Junto al de Rauschenberg, su trabajo representa un alejamiento de la pintura pura.

Defensores

Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?

Richard Hamilton 1956

Flags

Jasper Johns 1986

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Art Pop

Con ellos se relaciona a Jim Dine, pintor de assemblages que estudió las variedades de la realidad: fijó a sus lienzos uno o varios objetos prefabricados y los acompañó de pinceladas sueltas.

Richard Hamilton, miembro del Independent Group, presentó en 1956, en la exposición “This is tomorrow” de la Whitechapel, su obra fundamental: Qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos. En ella vemos un atleta recortado de una revista culturista y una bailarina de striptease, y el primero lleva en una mano un pirulí con la palabra Pop.

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Este trabajo inspiró muchas de las ideas que regirían el movimiento y resume sus características: mezcla fascinación e ironía por los símbolos de opulencia americanos; se trata de un collage, una técnica típicamente pop y su composición es sofisticada, plena de alusiones, en contraste con la banalidad del tema tratado.

Hamilton exigiría un año después al arte contemporáneo ser popular, efímero, prescindible, ingenioso, cachondo, atractivo y también estar dotado de “malabarismo mecánico”, cualidades que venerarían los artistas Pop británicos en los sesenta y también después.

Defensores

Portrait of an Artist David Hockney 1972

David Hockney se formó en el Royal College of Art y adoptó en sus comienzos un estilo faux-naif tomado de caricaturas de prensa y dibujos infantiles de cuidada ironía. Autor de grabados como los de la serie Las hazañas del libertino, sobre el sueño americano, su pintura se volvió paulatinamente más seca y cercana al realismo: algunos de sus paisajes californianos evocan a Hopper.

Deudor estilístico de R.B. Kitaj, buscó crear un idioma visual comprensible en el contexto de una nueva figuración. Su enfoque no es ilusionista y sus figuras son signos pictóricos abreviados.

Destaca su placer por contar historias.

Kitaj, por su parte, fue autor de una obra compleja y hermética que evoca la literatura de Ezra Pound. Incluyó densos patrones de imágenes eclécticas que exigían del público una actitud intelectual. Buen dibujante y seco colorista, su producción fue casi siempre gráfica y literaria.

Warhol pintó, filmó películas y buscó una notoriedad próxima a la de las celebridades. Declaró que quería ser una máquina capaz de hacer productos industriales en lugar de pinturas.

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Art Pop

Su lenguaje pictórico se nutre de lugares comunes y de objetos impersonales producidos a máquina propios de los sesenta.

Usó la fuerza y la vitalidad visual propias de la publicidad, que presta más atención al envase que al contenido, y aceptó costumbres y héroes populares sin enjuiciarlos. Al asumir su inevitabilidad, los hace más fáciles de manejar que si se opusiera a ellos.

Otras veces busca anestesiar nuestra reacción ante lo que nos enseña, pues incluye asociaciones morbosas: Jackie tras el asesinato de Kennedy, Marilyn

tras su suicidio, accidentes, instantáneas de delincuentes… Repitió imágenes en ampliaciones fotográficas que serigrafiaba en lienzo modificándolas solo con capas de color sintético. Repetición y color son sus claves.

Roy Lichtenstein comenzó trabajando con tiras cómicas en las que reprodujo minuciosamente hasta los puntos. Decía que su obra se diferenciaba de las tiras iniciales en que cada marca está en un sitio distinto. Para él, el acto de mirar se basa en un modo de construir un patrón unificado de visión, así que buscaba inducirnos a cuestio98

nar nuestra escala (artística) de valores.

Como él, Rosenquist aceptó las limitaciones de la superficie plana y fue, en gran parte, formalista. Sus fragmentos de imágenes de cartelera se mezclan con efectos abstractos.

Los desnudos de Tom Wesselman devinieron siluetas planas y arbitrarias de las que desaparece toda presencia humana. Él demuestra que el Pop, pese a ser un movimiento figurativo, no se sirve de la imagen observada de primera mano, sino que la procesa.

Defensores

Sunrise

Roy Lichtenstein 1965

Seascape (Foot) Tom Wesselmann.

1968

Kienholz se acercó a la tendencia del Funk Art por su búsqueda de lo enfermizo, andrajoso, vulgar, viscoso y sexual, por oposición a la pureza un tanto impersonal de buena parte del arte contemporáneo. Aquella corriente fue más que una moda pasajera y creó algunas de las imágenes más alarmantes del arte de los sesenta.

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Art Pop

ART POP ESCULTURA

E

l Pop Art nace en Estados Unidos a finales de los años 50 teniendo precisamente a Claes Oldenburg como uno de sus pioneros. En este lugar este arte nació como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista, además trajo consigo el regreso de la ironía y la parodia para compensar el simbolismo personal que se encontraba en el expresionismo abstracto; y a mediados de los años 50 nace en el Reino Unido, en este caso el origen de este arte fue la imaginación paradójica1 de la cultura popular americana. Sin embargo, el Pop Art también es conocido como la continuación de algunos aspectos del expresionismo abstracto como la creencia en las posibilidades de hacer arte en obras de grandes proporciones. Pablo Picasso y Marcel Duchamp son algunos de los artistas considerados como los precursores del Las fuentes del pop se inspiran con la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.

A partir de 1976, Claes Oldenburg colabora con Coosje Van Brunggen en proyectos de gran escala aplicados a ingeniería urbana y que constituyen un verdadero alarde de ingenio e ironía.

Oldenburg y Coosje van Bruggen trabajaron por primera vez juntos en la reconstrucción y la reubicación del alto de pie 41 Trowel (1971-76; originalmente situado en Sonsbeek Park de Arnhem, Países Bajos) localizado actualmente en el Museo Kröller-Müller en Otterlo (Gelderland, Países Bajos). Oldenburg y van Bruggen se casaron en 1977 y han continuado su colaboración artística durante más de 25 años. Ambos ciudadanos estadounidenses, el trabajo de Oldenburg y de van Bruggen refleja una sensibilidad creativa que esta influenciada por su países de origen, por sus historias educativas y profesionales, y por sus personalidades.

Manzana mordida Claes Oldenburg

[1] suele referirse a aquellos hechos que “resultan contrarios a las expectativas razonables”[1]. Es aquello que sucede contrario a lo que se opina que debería de suceder, es decir, al sentido común. Las paradojas son consideradas el fermento de la filosofía, el punto de partida para la reflexión. Son para Sorensen, “preguntas […] que nos dejan suspendidos con demasiadas buenas respuestas” 100

Escultura

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Art Pop

Amerindio

Claes Oldenburg

E

n mayo de 2002, Oldenburg y van Bruggen instalan cuatro esculturas a gran escala en el jardín del ático del Metropolitan Museum of Art, titulado Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen on the Roof (Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen en el Tejado). Más tarde, ese mismo verano, después de anunciar que habían adquirido “la más grande colección de dibujos de Oldenburg en el mundo”, el Museo Whitney de arte estadounidense presentó dos colecciones consecutivas de obras de los artistas. Claes Oldenburg Drawings (1959-1977) fue la exposición más grande desde 1977 dedicada a las primeras obras de Oldenburg , con la exposición de Coosje van Bruggen Drawings (1992-1998) presentando varias obras de colaboración a gran escala.

El equipo artístico tiene ejecutado más de 40 esculturas permanentemente situados en escala arquitectónica a lo largo de los Estados Unidos, Europa y Japón, incluyendo Spoonbridge y Cherry- Cuchara y cereza (1988), Minneapolis Mixtos (Matchcover- Cerillas) (1992), Barcelona; Volantes (1994), Kansas City; Saw- Serrucho (1996), Tokio; Needle, Thread and Knot (Aguja, hilo y Nudo) (2000), Milán; y más recientemente, el cono de 40 metros de altura (2001) encima de la Galería de Neumarkt en Colonia, Alemania. Su colaboración también ha abarcado pequeño parques y esculturas de jardín además de instalaciones interiores.

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Origen

Corridor Pin, Blue Claes Oldenburg

El botón y la aguja Escultura del Garment Worker New York

El trabajo de Oldenburg y de van Bruggen puede encontrarse en numerosas colecciones públicas, incluyendo: el instituto de arte de Chicago(Chicago,USA), la Fundación Chinati (Marfa, Texas, USA), el Museo de arte de Dallas (Texas,USA), el Museo Hirshhorn y el jardín con esculturas (Washington, USA), el Museo de Israel (Jerusalén, Israel),Instituto Valenciano de Arte Moderno Julio González (Valencia, España), el Museo de arte de Basilea (Suiza), el Museo de arte contemporáneo de Los Ángeles (California, USA), el museo Moderno (Estocolmo,Suecia); el Museo Nacional de Arte Moderno Georges Pompidou (París, Francia), el Museo de arte moderno (Nueva York, USA),la Galería Nacional de Arte (Washington, USA), el Museo de arte moderno de San Francisco (California, USA), el museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York, USA), el museo Urbano (Ámsterdam, Holanda) la galería Tate (Londres, R.Unido), el Walker Art Center (Minneapolis, USA) y el museo Whitney de arte americano (Nueva York, USA).

Oldenburg y van Bruggen actualmente viven y trabajan en el centro de Manhattan, en California y en una finca con siglos de antigüedad en el Valle de Loire, Francia, cuyo entorno natural y cultural han favorecido la inspiración de los artistas.

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Art Pop

ART POP PUBLICIDAD

M

uchos investigadores, se han centrado en el tema de la publicidad y el arte, ya que sus vinculaciones son evidentes y con el paso de tiempo continuarán estrechándose. Aida María de Vicente Domínguez (2011), menciona que el vocablo “arte” se utiliza para describir a la publicidad. Luis Bassat en el mismo artículo, define la publicidad como “el arte de convencer consumidores” y Francisco García como “el arte de vender persuadiendo” (p. 24).

También este vocablo es utilizado, como contenido del anuncio publicitario, denominando arte al producto que venden generando un valor añadido al mismo, una estrategia comercial. Centrándonos en la persona como artista o como creador de publicidad, podemos encontrar conexiones, como que ambos generan ideas y las desarrollan. En ocasiones los publicitarios, acuden a los artistas, para que les realicen el diseño de las marcas con las que trabajan. Otro elemento que une a la publicidad y el arte, como expone Aida María de Vicente (2011) mencionando a Almela, es que “La publicidad ha utilizado los medios y los avances artísticos para promover el consumo y el arte se apropia de la misma estrategia variando el tono y subvirtiendo la forma como recurso de resistencia” (p. 24).

sacó su faceta de director creativo, ya que para conseguir que una pintura no saliera a la luz, lo que hizo fue llamar por teléfono, desarrollando así las funciones y las acciones actuales de este cargo profesional (Pérez Gauli, 1988, p. 183). La publicidad ha sido capaz de aportar a muchos artistas una nueva técnica como es la litografía, generando una nueva manera de trabajar y proporcionándolos diferentes modalidades de comunicación. El arte también ha cogido de la publicidad un gran elemento, ya que ha conseguido sacarlo de los museos, siendo la calle un nuevo medio de comunicar el arte, de enseñarlo. Según González Martín (1977) “El arte y la publicidad se desarrollan y se cumplen en un mutuo juego disolvente de especulación, consumo simbolización y objetualidad en un universo cada vez más globalizado e indiferenciado de comunicación” (p. 57).

El cartel es una modalidad muy usada y que ha ido evolucionando, a pesar de aparecer nuevos medios de propaganda, nuevos estilos, se sigue utilizando con mucha frecuencia. En las primeras vanguardias, hemos podido ver, como autores asumían presupuestos, autores como Gispen o Kampmann, los cuales cogen ideas que provienen de las vanguardias, y las reinterpretan, la adaptan al lenguaje publicitario (Pérez Gauli, p. 183). Otro acercamiento entre arte y publicidad se plasma en la historia de Moholy-Nagy en 1922, el cual 104

Publicidad

Estos artistas utilizan objetos de la vida cotidiana, tomados por ejemplo de la publicidad, como metáforas para ejemplificar la sociedad de consumo en la que viven. Estas obras, parecer anuncios publicitarios en sí mismos, con un trasfondo de reflexión que los artistas introducían en sus obras de arte. Las imágenes que utilizan estos autores son impactantes, llaman la atención del espectador, textos expresivos, concisos y llamativos como si fuese un eslogan, colores vivos, todo ello nos lleva claramente al mundo de la publicidad.

También es cierto que existen diferencias claras, ya que la función que tiene la publicidad es vender un producto, mientras que el arte, desempeña una función estética, genera una reflexión, se hace para ser admirado, comentado, para hacer una crítica, etc. Es evidente que el arte no es publicidad y la publicidad no es arte, pero es cierto que el arte en muchos movimientos artísticos utiliza elementos publicitarios claramente apreciables, y la publicidad utiliza ideas plásticas del arte, el contenido de un cuadro e incluso la idea del artista en la obra de arte para plasmarla en una obra publicitaria. Las obras de arte han sido y siguen siendo

Never Hide Andy Warhol

ideas de donde reflexionar y sacar ideas nuevas para las agencias de publicidad. Respecto a esto, Aida María de Vicente en su artículo, “Algunas relaciones entre el arte y la publicidad” (2011, p.

28), nombra a Fernández Polanco, que opina que “son muchos los casos en los que conscientemente la publicidad acude al arte para pedirle prestado su “aura” y así “dignificarse y dignificar”.

Un ejemplo de esto, lo encontramos claramente en las obras de Warhol, en las cajas de detergente o latas de sopa que aparentemente parecen publicidad, pero no lo son. Por otro lado también los bodegones contemporáneos de Wesselmann y el tratamiento de la mujer, que también se aplica en sus obras, donde utiliza los diferentes gestos o posiciones sensuales que llevan a provocar al público. La publicidad al igual que otros lenguajes como la fotografía utiliza, un modelo de representación de lo real, que proviene del arte. Por otra parte, también mucho publicitarios, se han acercado más al arte con sus anuncios, gráficas, etc., al huir de lo convencional, de los estereotipos, de lo ya fijado. Además hay investigadores que afirman que el arte de la publicidad consiste en la creación de comunicación de carácter persuasivo.

Finalmente se puede decir que la publicidad es capaz de tener rasgos muy similares con el arte, ya que se desarrolla la idea a través de una idealización realista, y ambas artes juegan un papel importante en la sociedad como transformadoras de la misma. La publicidad toma características de estilos artísticos, a través de la intertextualidad re-interpreta obras maestras, se basa en la estética de ciertos estilos, etc. (Bonazzoli y Robecchi, 2013).

Por otro lado, hay una serie de temas que me parecen realmente puntos de unión entre el arte y la publicidad, como son el collage, el tratamiento del cuerpo humano, los estereotipos, porque en la publicidad de hoy, se puede apreciar el tratamientos de la técnica del collage, la utilización del cuerpo humano y del cuidado del mismo como un punto fuerte a la hora de congeniar con el público, y por supuesto, los estereotipos que vienen evolucionando desde el inicio de la publicidad. El tratamiento del cuerpo humano en el arte es un tema fundamental que también se trabaja en la publicidad. Juan Carlos Pérez Gauli (2000), menciona en su libro que el tratamiento del cuerpo desnudo en

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Art Pop

publicidad “hasta finales de los 60 el carácter era marcadamente sexista. Desde la década de los 60 hasta nuestros días, nuevos grupos realizaran enfoques diferentes sobre el cuerpo desnudo, desvinculándolo de carácter exclusivamente sexual” (p. 42). En la publicidad el tratamiento del cuerpo femenino aparece a finales del siglo XIX y principio del XX mientras que en el arte, el tratamiento de los cuerpos femeninos viene desde sus inicios. Como hemos ido viendo a lo largo de la evolución de la sociedad se van cambiando los comportamientos y con ello los estilo de vida, se desarrolla un culto al cuerpo que magnifica el concepto del erotismo convirtiéndolo en un reclamo tanto publicitario como artístico. En este apartado como podemos ver nos centramos en el cuerpo femenino ya que según Pérez Gauli (2000) “el desnudo de hombre, prácticamente desaparece de la escena artística debido a tres razones: la creciente importancia de las corrientes no figurativas, la confluencia del ideal de belleza y el ideal de belleza sobre la mujer y la proyección del erotismo en el cuerpo desnudo de la mujer” (p. 45), también es cierto que vamos a centrarnos en el movimiento del Pop Art donde lo que predominan son desnudos de mujeres en el trabajo de algunos autores, las pocas imágenes de la representación del cuerpo masculino, son explicables con la evolución de la sociedad y las características del movimiento. El canon de belleza, también es un punto importante en arte y en publicidad ya que es, el que ha determinado lo que es bello y lo que no lo es. En diferentes momentos en arte y en la publicidad se ha representado el canon del momento. En el movimiento artístico en el que nos centramos, el canon de representación que se plasma es el de la sociedad de consumo, una sociedad preocupada por la apariencia física, donde tanto el hombre como la mujer se representan musculosos, cuidados, deportivos y sanos.

La introducción del Pop Art en el mundo publicitario se hace con el fin de que permanezca en la mente del consumidor generando una forma de expresión habitual. Para introducir esta estética, se han utilizado diferentes medios como los eventos con estilos Pop Art, el Street Marketing, Internet, Merchandising, carteles, spot, etc.

Como veremos en los ejemplos más adelante. Es

Coca-Cola Publicidad

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Publicidad

una técnica que por su estética, llama la atención y el interés del público. Se utiliza en publicidad para romper con lo tradicional ya que sus colores, sus formas, y los mensajes sencillos atraen al público de una manera más eficaz. En definitiva, es un movimiento artístico, que se ha acercado de algún modo al mundo publicitario, al mundo gráfico, en este campo, podemos ver infinidad de carteles o anuncio publicitarios que utilizan las técnicas empleadas en el movimiento artístico, constituyendo así un modelo de expresión más llamativo en los medios publicitario.

La idea está clara, utilizar el estilo Pop como base de la publicidad actual, pero realmente con fines completamente opuestos ya que el movimiento Pop, tenía otras prioridades. En primer lugar las obras de los artistas Pop, se hacían como una crítica a la sociedad del momento, a la sociedad de consumo que se estaba generando, era una forma de expresión por parte de los artistas, para poder enseñar sus quejas, sus críticas sobre la sociedad. También, planteaban una reflexión sobre el propio hecho artístico en sí. En cambio en la actualidad se utiliza la estética Pop para todo lo contrario. Es decir, al ser un estilo llamativo, y con el que las personas se sienten identificadas, los publicitarios lo están utilizado para fomentar el consumo, para conseguir sus objetivos, que en la mayoría de los casos es vender más, conseguir que el producto que se publicita obtenga los mayores beneficios posibles. Por lo que nos encontramos con la utilización de un estilo para fomentar1 el consumo, cuando su verdadera idea fue para generar críticas sobre esa sociedad de consumo. Me resulta realmente interesante esta idea, ya que se utiliza un mismo estilo, creado para un fin, para inducir, animar o promover todo lo contrario.

En definitiva, hemos podido comprobar cómo el arte, es capaz de adquirir elementos de la publicidad para completarse y como la publicidad se basa en el arte en muchas de sus obras. Con esto vemos que es cierto que existen muchos elementos que separan a estas dos arte, pero que hay muchos otros en los que ambos caminos se cruzan. Me resulta interesante que la publicidad pueda utilizar pinceladas de obras de arte, basarse en un movimiento concreto como hemos visto, o simplemente utilizar sus espacio como hemos mencionado con anterioridad, ya que ayudan a que surja una nueva comunicación, más creativa y completa. La publicidad lo que quiere es comunicar, llegar a su target de una manera creativa, eficaz, intentando llegar al recuerdo de la marca y del producto y en muchas ocasiones lo hace con las referencias al mundo del arte, como hemos podido comprobar con el análisis de los casos anteriores. Me atrevería a decir, que dudo que haya alguien que no asocie la botella de Absolut Vodka con Warhol, y a su vez a Warhol con el Pop Art. [1] modo que una acción se desarrolle o que aumente un aspecto positivo de ella. “el curso está destinado a fomentar la búsqueda de trabajo; se estudian prácticas encaminadas a fomentar el desarrollo 107

CAPITULO IV MOVIMIENTO VORTICISMO

Vorticismo

VORTICISMO EN GRAN BRETAÑA (“Una mezcla única de Cubismo y Futurismo”)

U

na mezcla única de Cubismo y Futurismo , El vorticismo fue un importante británico arte de vanguardia movimiento de principios del siglo XX, aunque duró oficialmente no más de dos años. La figura central del movimiento fue el pintor, escritor y polemista inglés. Percy Wyndham Lewis (1882-1957), mientras que el poeta estadounidense Ezra Pound acuñó el nombre,

refiriéndose al vórtice emocional que se consideraba la fuente necesaria de la creación artística.

Estos dos, junto con miembros del Centro de Arte Rebelde fundaron Vorticism en 1914. La revista “ Blast “, publicada solo dos veces (en 1914 y 1915) proclamó el Manifiesto Vorticista y proporcionó publicidad para el movimiento. Dos exposiciones en Londres de arte futurista fueron catalizadores importantes para el lanzamiento del movi-

miento, mientras que el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 condujo a su desaparición prematura.Como resultado, solo se realizó una exposición vorticista. El movimiento se disolvió efectivamente en 1915 debido al impacto de la guerra y la pérdida de apoyo financiero de su patrocinador, la artista Kate Lechmere (1887-1976). La filosofía vorticista revivió brevemente en 1920 con la formación de Lewis del Grupo X.

Rojo y malva Wyndham Lewis

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Origen

Arte brito

Wyndham Lewis

Cafe de Percy

Wyndham Lewis

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E

Vorticismo

l movimiento vorticista comenzó a unirse alrededor de octubre de 1913, inspirado en parte por dos importantes exhibiciones de arte futurista celebradas en Londres, en 1912 y 1913, y en parte por el establecimiento del efímero Rebel Art Center. Este último fue fundado por Lewis y varios asociados en abril de 1914 cuando dejaron la empresa de artes decorativas Omega Workshops luego de una pelea con su propietario.

Roger Fry (1866-1934). Además de Lewis, los miembros del Centro de Arte Rebelde incluyeron a Jessica Dismorr (1885-1939), Frederick Etchells (1886-1973), Christopher Richard Wynne Nevinson (1889-1946), Helen Saunders (1885-1963) y Edward Wadsworth (1889-1949).

En junio de 1914 se realizó una exposición colectiva de obras de artistas del Centro Rebelde en la Asociación de Artistas Aliados, y el centro cerró en julio.

El movimiento Vorticismo se lanzó en el mismo mes, con la publicación de la primera edición de la revista Blast: Review of the Great English Vortex , que contenía el Manifiesto Vorticista. Este último ’criticó’ lo que se vio como la complacencia presumida del establecimiento artístico y cultural británico y anunció la nueva estética vorticista: “El nuevo vórtice se hunde en el corazón del presente: producimos una nueva abstracción viviente”. Los firmantes del Manifiesto incluyeron a Lewis, Pound, Dismorr y Wadsworth, así como al escultor francés.

Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915) y el pintor inglés William Roberts (1895-1980), un amigo cercano de Lewis.

Desafortunadamente, con el inicio de la guerra, los vorticistas lograron realizar una sola exposición de arte, en junio de 1915, en la Galería Doré de Londres. El mes siguiente se publicó la segunda y última edición de Blast . Con contribuciones de Ezra Pound y TS Eliot, así como de los propios vorticistas, además de reproducciones de obras vorticistas ahora perdidas de Lewis y otros, Blast ahora es visto por algunos críticos como uno de los catalizadores del renacimiento en el diseño gráfico que ocurrió en Europa durante las décadas de 1920 y 1930.

Además de los miembros vorticistas mencionados anteriormente, algunos otros artistas estuvieron estrechamente asociados con el movimiento, incluido el muy subestimado pintor David Bomberg (1890-1957), el escultor nacido en Estados Unidos Jacob Epstein (1880-1959), que se estableció en Londres en 1905, y el fotógrafo británico de origen estadounidense Alvin Langdon Coburn (1882-1966) destacó por sus vanguardistas fotografías abstractas en blanco y negro, conocidas como Vortographs .

Un enemigo Genial Wyndham Lewis

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Origen

Lady Naomi Mitchison Wyndham Lewis

Froanna, the Artist’s Wife Wyndham Lewis

E

l vorticismo terminó efectivamente como movimiento en 1916. Gaudier-Brzeska ya estaba muerto, otros miembros habían sido dispersados ​​por las demandas de la guerra, y el público no estaba interesado en los modernistas. Pinturas del siglo 20 , sin importar lo que representaran.

No hubo más shows de Vorticist y no más problemas de Blast .

El vorticismo combina la fragmentación geométrica del cubismo con imágenes de máquina de estilo futurista, para ilustrar el dinamismo del mundo moderno. Lewis consideraba que el vorticismo era una alternativa genuinamente independiente tanto al cubismo como al futurismo. Quedó impresionado por la fuerte estructura de Pintura cubista ,

pero declaró que carecía de vida en comparación con el arte futurista. Este último, sin embargo, criticó por su falta de estructura.

El vorticismo pretendía combinar los mejores elementos de ambos. Aunque, ópticamente, la pintura vorticista puede parecerse mucho a las obras futuristas, filosóficamente son relativamente distintas. Porque si bien el movimiento era la característica clave del futurismo, la industrialización moderna era el motivo clave del vorticismo, expresado en un estilo angular ’seco’, despojado y angular.

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Vorticismo

CARACTERISTICAS DEL VORTICISMO (“Una mezcla única de Cubismo y Futurismo”)

• Movimiento vanguardista inglés fundado mos en todo momento a Wyndham Lewis, por Percy Wyndham Lewis en 1914. Relase debe a que es la figura más notoria del cionado con el cubismo y con el futurismo movimiento al punto que, muchos años italiano, se denomina así justamente por una después, él afirma en catálogo de una muesobservación del futurista Boccioni, quien tra retrospectiva: “El vorticismo, de hecho, sostiene que todo arte emana1 de un vórtice fue lo que yo, personalmente, hice, y dije, en (una especie de remolino) emocional. una época determinada”.

• Según su fundador, el vorticismo busca combinar la vitalidad y movimiento de la • Aunque desaparece muy pronto (durante la Primera Guerra Mundial), este movimiento pintura futurista con las propuestas estruces considerado de vital importancia como turales del cubismo, cuya pintura carece de primera tendencia hacia la abstracción en el esa vitalidad. arte inglés.

• Una diferencia que marca Lewis con el futurismo es que los italianos buscan imitar el movimiento de la máquina. Los vorticistas, en cambio, desean transmitir la brutalidad de la vida mecánica.

• Si cuando hablamos de vorticismo nombra-

Percy 1882

Wyndham Lewis

114

Pintura

PINTURA EN EL VORTICISMO

E

(“Una mezcla única de Cubismo y Futurismo”)

dward Wadsworth, el único hijo de Fred Wadsworth y Hannah Smith, nació en Cleckheaton , West Yorkshire , el 29 de octubre de 1889. Su madre, que era pintora aficionada, murió de fiebre puerperal poco después de dar a luz a Edward. Su padre era un industrial de peinado que era dueño de la firma E. Wadsworth & Sons.

gún David Boyd Haycock, esto fue "porque en su mayoría usaban jerseys negros, bufandas escarlatas y gorras o sombreros negros como los vendedores ambulantes que vendían frutas y verduras en carros en la calle". Nevinson argumentó en su autobiografía, Paint and Prejudice (1937) comentó que Slade "estaba lleno de una multitud de hombres como nunca antes había visto".

Después de estudiar en el Fettes College , se fue por un año a Munich (1906–7) para aprender el dibujo de máquinas y el idioma alemán. En la Knirr School of Art experimentó con la impresión, el grabado en madera, la pintura y el dibujo no técnico y decidió que quería convertirse en artista. Esto molestó a su padre, que esperaba que él se hiciera cargo del funcionamiento de la empresa familiar.

En 1908 fue a la Bradford School of Art , y al año siguiente ganó una beca para la Slade School of Fine Art . Se hizo amigo de un grupo de estudiantes muy talentosos. Esto incluyó a CRW Nevinson , Stanley Spencer , John S. Currie , Mark Gertler , Maxwell Gordon Lightfoot , Adrian Allinson y Rudolph Ihlee . Este grupo se hizo conocido como la Pandilla Coster. Se-

Edward Wadsworth era un artista muy talentoso y ganó los primeros premios de paisaje en 1910 y de pintura de figuras en 1911. Se lo consideraba uno de los líderes de la Banda Coster. El autor de A Crisis of Brilliance (2009) ha argumentado: "Todos tenían sus propias teorías sobre cómo se podía producir un gran arte, con Maxwell Lightfoot y Edward Wadsworth entre los más fervientes en el avance de sus ideas y asesorando a sus compañeros". Uno de sus maestros, Henry Tonks , reconoció su talento, pero los encontró demasiado rebeldes y luego comentó: "Qué cría he criado".

Edward Wadsworth desconocido

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Vorticismo

Ocean Edward Wadsworth 116

Pintura

Bronze Ballet

Edward Wadsworth

The Beached Margin Edward Wadsworth

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Vorticismo

Según Christopher Green, este Estudio vorticista, una composición claramente basada en la mecanización moderna, debe fecharse en 1914, en los primeros momentos del vorticismo. Richard Cork lo titulaba Estudio para una pintura vorticista, ya que la técnica empleada, una combinación de gouache y acuarela, y la gama de color se asemejan a las de un estudio para Cabo de Buena Esperanza, un óleo hoy desaparecido.

Por su parte, Mark Glazebrook, en su introducción de la exposición de Wadsworth en Colnaghi and Co., en 1974, opinaba que se trata de un estudio para El puerto, una

pintura también perdida presente en la exposición Twentieth Century Art. A Review of Modern Movements, organizada por David Bomberg en la Whitechapel Art Gallery de Londres en 1914, que representaba una vista aérea y geometrizada de un puerto. Finalmente, Christopher Green, en su detallado texto sobre este estudio, consideraba que se trata de una composición mecánica, sin referencia a ningún asunto concreto. Por tanto, más que referirse a un tema determinado, esta composición de formas elaboradas con la objetividad impersonal propia de Wadsworth responde a lo que Ezra Pound definía como «la delectación por la belleza mecánica».

Bronze Ballet

Edward Wadsworth

PAINTINGS Edward Wadsworth

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Pintura

Kissable

Edward Wadsworth

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Vorticismo

Regalia

Edward Wadsworth

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Pintura

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Vorticismo

D

avid Garshen Bomberg (5 de diciembre de 1890 – 19 de agosto de 1957) era un pintor inglés, y uno de los muchachos de Whitechapel.

Bomberg fue uno de los más audaces de la excepcional generación de artistas que estudió en la Escuela de Arte Slade bajo Henry Tonks, y que incluyó Mark Gertler, Stanley Spencer, C.R.W. Nevinson y Dora Carrington. Bomberg pintó una serie de complejas composiciones geométricas que combinaban las influencias del cubismo y el futurismo en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial; Usando típicamente un número limitado de colores llamativos, dando vuelta a seres humanos en formas simples, angulares, ya veces superponiendo la pintura entera un esquema fuerte de la rejilla-colorante del trabajo.

Fue expulsado de la Slade School of Art en 1913, con un acuerdo entre los maestros principales Tonks, Frederick Brown y Philip Wilson Steer, debido a la audacia de su ruptura con el enfoque convencional de la época.

Ya sea porque su fe en la era de la máquina había sido destrozada por sus experiencias como un soldado privado en las trincheras o debido a la actitud retrógrada omnipresente hacia el modernismo en Gran Bretaña Bomberg se trasladó a un estilo más

figurativo en la década de 1920 y su trabajo se convirtió cada vez más dominada por retratos Y los paisajes dibujados de la naturaleza. Desarrollando gradualmente una técnica más expresionista viajó ampliamente a través de Oriente Medio y Europa.

De 1945 a 1953, trabajó como profesor en la Borough Polytechnic (ahora Londres South Bank University) en Londres, donde sus alumnos incluyeron Frank Auerbach, Leon Kossoff, Philip Holmes, Cliff Holden, Dorothy Mead, Gustav Metzger, Dennis Creffield, Cecil Bailey Y Miles Richmond. David Bomberg House, una de las residencias estudiantiles de la London South Bank University, es nombrada en su honor.

Bomberg nació en el área de Lee Bank en Birmingham el 5 de diciembre de 1890. Fue el séptimo de once hijos de un trabajador de cuero inmigrante judío polaco, Abraham, y su esposa Rebecca. Él era ortodoxo pero ella menos y apoyó las ambiciones de pintura de David. En 1895, su familia se trasladó a Whitechapel en el extremo del este de Londres donde él debía pasar el resto de su niñez.

David Garshen Desconocido

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Pintura

David Garshen Desconocido

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Vorticismo

David Garshen Desconocido

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Pintura

D

espués de estudiar arte en City and Guilds, Bomberg regresó a Birmingham para entrenar como litógrafo1, pero dejó de estudiar bajo Walter Sickert en la Westminster School of Art de 1908 a 1910. El énfasis de Sickert en el estudio de la forma y la representación de los ” “De la vida urbana fueron una influencia temprana importante en Bomberg, junto a la exposición Manet de 1910 de Roger Fry y los postimpresionistas, donde vio por primera vez la obra de Paul Cézanne.

Los estudios artísticos de Bomberg habían implicado dificultades financieras considerables, pero en 1911, con la ayuda de John Singer Sargent y de la Jewish Education Aid Society, consiguió un lugar en la Slade School of Art. En la Escuela de Bellas Artes de Slade Bomberg fue una de las extraordinarias generaciones de artistas descritas hoy como la “crisis de brillantez” de la escuela que estudió bajo Henry Tonks e incluyó a Stanley Spencer, Paul Nash, Ben Nicholson, Mark Gertler e Isaac Rosenberg. Bomberg y Rosenberg, con antecedentes similares, se habían conocido algunos años antes y se habían hecho amigos íntimos como resultado de sus intereses mutuos2.

El énfasis en la enseñanza en el Slade fue sobre la técnica y el dibujo, a la que Bomberg estaba bien adaptado – ganando el Premio Tonks por su dibujo de su compañero Rosenberg en 1911. Su propio estilo se estaba alejando rápidamente de estos métodos tradicionales, La influencia de la exposición de Londinistas italianos de Londres de 1912 que lo expuso a la abstracción dinámica de Francis Picabia y Gino Severini, y la segunda exposición Post impresionista de Fry en octubre del mismo año, que mostró las obras de Pablo Picasso,

Henri Matisse y el Fauvists junto con los de Wyndham Lewis, Duncan Grant y Vanessa Bell.

La respuesta de Bomberg a esto se hizo evidente en pinturas como Visión de Ezequiel (1912), en la que demostró que “podía absorber las ideas europeas más experimentales, fusionarlas con influencias judías y proponer una alternativa sólida”. Sus representaciones dinámicas y angulares de la forma humana, combinando la abstracción geométrica del cubismo con la energía de los futuristas, establecieron su reputación como miembro contundente de la vanguardia y el más audaz de sus contemporáneos; Trayéndolo a la atención de Wyndham Lewis (quien lo visitó en 1912) y Filippo Marinetti. En 1913, año en el que fue expulsado del Slade por el radicalismo de su acercamiento, viajó a Francia con Jacob Epstein, donde entre otros conoció a Amedeo Modigliani, André Derain y Pablo Picasso.

Expulsado de la Slade en el verano de 1913, Bomberg formó una serie de afiliaciones sueltas con varios grupos involucrados con la vanguardia inglesa contemporánea, emprendiendo una breve y acrimoniosa asociación con los Talleres Omega del Grupo Bloomsbury antes de exponer con el Camden Town Group en Diciembre de 1913. Su entusiasmo por el dinamismo y la estética de la era de la máquina le dio una afinidad natural con el movimiento vortista emergente de Wyndham Lewis, y cinco de sus obras figuran en la exposición fundadora del Grupo de Londres en 1914.

Sin embargo, Bomberg fue firmemente independiente y A pesar de los intentos de Lewis nunca se unió oficialmente al vortismo. En julio de 1914 se negó a participar en la revista literaria Vorticist BLAST y en junio del año siguiente su trabajo aparece sólo en la sección “Invitado a mostrar” de la exposición vorticista en la Galería Dore de Londres.

[1] Es el personal de un procedimiento de impresión en el cual se reproduce un dibujo o grabado realizado sobre la superficie de una piedra al estamparlo sobre una hoja de papel.

[2] acción que dos seres o más desarrollan de manera recíproca o a aquello que tiene consecuencias similares para un grupo de individuos, eventos, etc.

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Vorticismo

Portrait

David Garshen

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Pintura

1914 vio el punto culminante de su carrera temprana – una exposición individual en la galería de Chenil en Chelsea que atrajo revisiones positivas de Rogelio Frey y de T. E. Hulme y atrajo la atención favorable de artistas experimentales nacionalmente e internacionalmente. La exposición ofreció varias de las obras maestras tempranas de Bomberg, sobre todo el baño de fango (1914), que fue colgado en un muro exterior rodeado por las banderas de la unión – haciendo “los caballos que dibujan el autobús 29 … para tímido en él mientras que vino alrededor del Esquina de King’s Road “.

“Miro a la naturaleza mientras vivo en una ciudad de acero”, explicó en el catálogo de la exposición “APELO a un sentido de la forma …

Mi objeto es la construcción de la Forma Pura.

Rechazo todo en la pintura que no es la Forma Pura. ” Con la ayuda de Augustus John, Bomberg vendió dos cuadros de esta exposición al influyente coleccionista estadounidense John Quinn.

A pesar del éxito de su exposición en la Galería Chenil, Bomberg siguió siendo perseguido

por problemas financieros. En 1915, se alistó en el Royal Engineers, transfiriendo en 1916 al Royal Rifle Corps del Rey y en marzo de ese año, poco después de casarse con su primera esposa, siendo enviado al Frente Occidental.

La Primera Guerra Mundial debía traer un cambio profundo a la perspectiva de Bomberg. Sus experiencias de matanza mecanizada y la muerte de su hermano en las trincheras, así como las de su amigo Isaac Rosenberg y su partidario T. E. Hulme, destruyeron permanentemente su fe en la estética de la era de la máquina. Esto se puede ver más claramente en su comisión para el fondo canadiense de los monumentos de la guerra, Sappers at Work (1918-1919): su primera versión de la pintura fue descartada como un “aborto futurista” y fue substituida por una segunda versión mucho más representativa.

Pluma

David Garshen

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Vorticismo

La sufragista Una Dugdale Duval levantó las cejas en 1912 cuando ella se negó a usar la palabra "obedecer" en sus votos matrimoniales. Más tarde, ese mismo año, publicó un panfleto, Amor y honor, pero no obedece , y su compañero de campaña Ethel Wright pintó su retrato. Presentada frente a su piano, la imagen de elegancia con un vestido de seda verde esmeralda, Dugdale Duval no se parece en nada a las sufragistas en mal estado demonizadas por el Daily Mail. La pelea de gallos que comienza en la pantalla dorada detrás de ella es una alusión satírica a los modales de los diputados varones.

Las imágenes de la feminidad moderna ocupan un lugar destacado en esta exposición en Pallant House Gallery. Mujeres radicales: Jessica Dismorr y sus contemporáneos cuenta la historia de un grupo de artistas femeninas de principios del siglo XX en Gran Bretaña que se dedicaron al arte, la literatura y la política progresistas. Como el título lo indica, la estrella del espectáculo es Dismorr, quien a pesar de sufrir una enfermedad mental fue pionera en cuatro movimientos modernistas: ritmo,

vorticismo , figuración y abstracción modernista de la posguerra . La pequeña pero segura exposición exhibe su vida y la de sus aliados a través de pinturas, esculturas, artes gráficas y más.

Una década después de graduarse de la Escuela de Bellas Artes Slade en 1906, Dismorr se había unido a dos grupos alineados con la lucha por el sufragio. El ritmo se caracterizaba por escenas rurales representadas con colores intensos y a menudo contradictorios, mientras que el vorticismo combinaba una paleta más tenue con la fragmentación del cubismo y las imágenes angulares levantadas del entorno urbano. La ciudad puede haber sido un espacio masculino, pero en su arte las mujeres eran libres de navegar como quisieran. En Abstract Composition, pintada alrededor de 1915, Dismorr toma un puñado de fragmentos arquitectónicos y los reajusta para crear la ilusión de profundidad. Su trabajo se mostró junto con el de su buena amiga Helen Saunders, cuyo Dibujo sin título, un enamoramiento de figuras encajonadas, alude al encarcelamiento de activistas en favor del sufragio.

Autorretrato de Paule Vézelay

Jessica Dismorr

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Pintura

Autorretrato de Paule VĂŠzelay Jessica Dismorr

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Vorticismo

PUBLICIDAD EN EL VORTICISMO (“Una mezcla única de Cubismo y Futurismo”)

H

acia 1914, en Londres, se comenzó a editar el primer número de la revista Blast. Un nuevo movimiento, del que Blast era el órgano oficial, fue llamado Vorticismo por Ezra Pound, siendo Pound y Wyndham Lewis sus principales publicistas.

El advenimiento de Blast fue anunciado en la contraportada del Egoist (publicación en la que Pound colaboraba) con un anuncio que proclamaba: “Fin de la Era Cristiana”.

Poemas del mismo Lewis, como “Enemy of stars”, contenían cierta declaración del movimiento: “Our Vortex is not afraid of the Past: it has forgotten its existence. / Our Vortex regards the Future as as sentimental as the past”.

Sin embargo, Pound siempre aclaró (a diferencia del futurismo) que el Vorticismo no sólo contenía un torbellino “donde las ideas

se precipitan constantemente”; Se trataba, más bien, de un movimiento que estaba en diálogo con lo mejor de las tradiciones (era el momento en el que Pound encontraba similitudes entre el imaginismo y la poesía de oriente…): Poesía China (Li Po), Cátulo, Propercio, Bertan de Born y otros autores del panteón poundiano.

Fue Pound el que inventó el término “vorticista”. Proviene de vortex, vórtice, el punto máximo de energía, torbellino o centro de un ciclón.

Los poemas vorticistas se representan por su carácter experimental, reflejado en la sensación del vértigo que comunica, la serie de enumeraciones no relacionadas, el uso de las formas (y por tanto dinamismo) en la velocidad y simultaneidad en el que las piezas se relacionan (como en un cuadro abstracto) en planos que juegan/interaccionan.

Revista Blast David Garshen

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Revista Blast David Garshen

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Vorticismo

Revista Blast ilustración David Garshen

Los vorticistas publicaron un periódico, BLAST, que editaba Lewis. Contenía la obra de Ezra Pound y T. S. Eliot así como de los propios vorticistas. El carácter aventurero de su tipografía fue mencionado por El Lissitzky como uno de los principales precursores de la revolución en el diseño gráfico de los años veinte y treinta.

circunstancias y referencias a la traducción.

Posteriormente en el club nocturno El Vellocino de Oro, se celebró la cena y fiesta Blast, en las cuales se expusieron el trabajo de William Roberts que llevó por título “Los vorticistas en el café de la Torre Eiffel: primavera de 1915 el cual a la fecha se encuentra en la Tate Gallery londinense.

Con motivo de la exposición de la Fundación Juan March en Madrid, “Wyndham Lewis (1882-1957)”, se ha editado una edición semi-facsímil del primer número de la impactante revista. La traducción corre a cabo de Yolanda Morató, especialista y traductora de la obra de Lewis.

Para dar de qué hablar, contribuyeron con la publicación de artículos en lo que denominaron las listas de “Blast”, entre estos Explosión en su acepción literal y “Blesses”, una expresión que significaba “buena suerte”, cuyas listas condenadas o alabadas por el público e instituciones de la época.

Cuenta, además, con unos apéndices imprescindibles para la mayoría de los desconocedores del movimiento. Kevin Power (que ya publicara un artículo sobre el tema en 1980, en la revista Poesía) aporta un conjunto de perfiles muy interesantes sobre los vorticistas. Paul Edwards, uno de los máximos especialistas ingleses, colabora con un prólogo. Manuel Fontán, director de exposiciones de la Juan March, ofrece una nota sobre la revista y Yolanda Morató añade un glosario de todos los nombres,

Desde el punto de vista artístico y bajo la pluma de Lewis, las páginas de Blast nos han dejado las más acertadas críticas al futurismo y al cubismo que han permanecido en el tiempo.

En Blast también se podían encontrar extractos del libro del pintor escritor Vasili Kandinsky “De lo espiritual en el arte”, lo que proporcionó la idea acertada de la de la intención de los artistas de trascender más allá de lo eminentemente pintoresco.

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ESCULTURA EN EL VORTICISMO (“Una mezcla única de Cubismo y Futurismo”)

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enri Gaudier-Brzeska: Escultor primitivista: Ahora visto como uno de los grandes escultores de su generación, el artista francés Henri Gaudier-Brzeska es famoso por su estilo de talla directa primitivo, tosco y tosco.

Autodidacta en el arte de la escultura , llegó a Londres en 1911, a la edad de 20 años, donde fue influenciado por el artista bohemio Jacob Epstein (1880-1959), el campeón de primitivismo .

Durante los siguientes cuatro años, Gaudier-Brzeska desarrolló su estilo característico de arte plástico – Una fusión única de formas orgánicas y cubistas, ejecutada con una aspereza1 expresionista. Su nuevo enfoque revolucionario parece aún más extraordinario, dada su extrema juventud, falta de capacitación y escasos recursos. Se hizo amigo del pintor Percy Wyndham Lewis (1882-1957) y otras figuras artísticas destacadas, incluido el poeta Ezra Pound (1885-1972), y su trabajo se mostró en varias exposiciones de arte de vanguardia .

Junto con Lewis, también fue signatario del manifiesto de junio de 1914 de la Vorticismo movimiento: otros miembros fundadores incluidos, Epstein, el pintor figurativo William Roberts (1895-1980), los artistas abstractos Edward Wadsworth (1889-1949), David Bomberg (18901957) y Jessica Dismorr (1885-1939). También estuvo involucrado en ilustración de libro y produjo varios dibujos de animales excepcionales.

Gaudier-Brzeska fue asesinado en acción en el

Frente Occidental, en 1915. Aunque su carrera duró solo cuatro años, y su trabajo fue apreciado durante su vida solo por un pequeño círculo, ahora es visto como una influencia significativa en otros Escultores del siglo XX , y algo así como un genio incumplido. Después de su muerte, fue objeto de una biografía de HS (Jim) Ede, llamada Savage Messiah , que el director Ken Russell convirtió en 1972 en una película de culto.

Nacido Henri Gaudier en Saint-Jean-de-Braye, cerca de la ciudad de Orleans, antes de mudarse a París, parece haber recibido muy poca capacitación formal en dibujo o cualquier otro tipo de arte fino , antes de su decisión en 1910 de tomar la escultura, una decisión que se dice que fue inspirada por su padre, que era carpintero y tallador de madera.

Lo máximo que sabemos es que comenzó a estudiar arte el año anterior, mientras trabajaba como ingeniero textil en París. En cualquier caso, logró acumular conocimiento de Escultura griega y también Escultura renacentista , junto con un profundo respeto por el arte de Auguste Rodin (18401917), el más grande de todos Escultores del siglo XIX . También en 1910, mientras estaba en la Bibliotheque Sainte-Genevieve, conoció a Sophie Brzeska, una escritora polaca veinte años mayor que él, con quien formó una relación intensamente cercana, compartiendo apellidos en el proceso.

En enero de 1911 se mudaron a Londres, una ciudad que Gaudier había visitado dos veces antes, en 1906 y 1908, y vivió durante varios meses en la

[1] Calidad de áspero; rugosidad de una superficie que la hace carente de suavidad.

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Escultura

pobreza extrema. Inicialmente, tenía pocos contactos, poco dinero para materiales escultóricos y casi ningún conocimiento de los desarrollos actuales en escultura.

Poco después de establecerse en Londres, Gaudier-Brzeska se unió al movimiento de vorticismo de Ezra Pound y Percy Wyndham Lewis , una rama de corta duración de Cubismo y Futurismo .

Esto, y la publicación de algunos de sus dibujos en la revista de arte Rhythm , en 1912, lo pusieron en contacto con las dos personas que iban a ser extremadamente influyentes en su estética y técnica: el poeta Ezra Pound y el escultor Jacob Epstein. Pound lo introdujo en el arte chino y en la forma filosófica del dibujo oriental conocida como caligrafía . También compró una serie de

tallas de Gaudier-Brzeska y encargó un retrato especial, para el cual compró al artista un bloque de mármol. Epstein – él mismo algo así como un niño terrible por su rechazo a Alta escultura griega clásica en favor de Escultura africana , el primitivismo de arte tribal y estilo asirio Arte mesopotámico – instó a Gaudier-Brzeska a rechazar las convenciones académicas de escultura de piedra y seguir una dirección más innovadora. Al mismo tiempo, sus contactos con otros vorticistas engendraron un respeto por el cubismo y sus formas facetadas. Más tarde, su trabajo fue ilustrado en la revista Vorticist Blast .

Henri Gaudier desconocido

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Vorticismo

Escultura en piedra Henri Gaudier

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Escultura

Escultura en piedra Henri Gaudier

Escultura en piedra Henri Gaudier

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APÉNDICE El presente y futuro del arte en Gran Bretaña después del Brexit

S

i hace un mes casi 282 instituciones artísticas en Gran Bretaña llamaban a oponerse al Brexit, hoy la escena cultural en Inglaterra y los países vecinos enfrenta una nueva realidad al ver concretado lo que tanto temían.

Algunos directores de museos, como Martin Roth, del Museo Victoria & Albert en Londres, creen que esto podría significar pasar de ser el centro del arte europeo a ocupar un segundo lugar tras ciudades como Berlín, Alemania.

Artistas de todo el mundo, principalmente europeos, se manifestaron a través de su trabajo para oponerse a la medida. Uno de ellos fue el alemán Wolfgang Tillmans, quien alcanzó el éxito y la consagración mientras vivía en Londres. Sus afiches fueron usados como voz de muchos que veían en la posibilidad del Brexit un signo desalentador de la realidad internacional en la actualidad.

Harriet Lucy Bridgeman, fundadora de la Librería de Arte Bridgeman, ve con buenos ojos el alejamiento. Sus argumentos se basan en la disparidad de los fondos que destina la UE al arte en los diversos países miembros. En 2014 Reino Unido recibió 11,1 millones de euros, menos que Francia y Alemania, con 54 y 25 millones obtenidos del fondo “Creative Europe”, respectivamente.

Una de las razones que preocupa a los artistas es el financiamiento de sus proyectos. La Unión Europea patrocina con millones de euros a diversos museos, galerías y artistas en el país. Ejemplos de aquello son obras como el Angel del Norte de Antony Gormley.

Pequeños vendedores de arte y dueños de galerías se preocupan del impacto que esto podría tener en las tasas de importación y en la circulación de muestras y exposiciones. Las Grandes galerías como Thaddaeus Ropac, de origen francesa, no se han ahuyentado ante las posibles amenazas que conlleva el Brexit1. Se espera que en los próximos años los franceses abran su primera filial en Londres.

Entre los que promueven el llamado a la desanexión de Gran Bretaña de la UE, están aquellos que se oponen al derecho de reventa artístico, legislación introducida por la Unión Europea en 2006. Por cada obra vendida sobre los €1,000, el autor se hace acreedor de un 4% del total del precio. El derecho continúa vigente hasta 70 años después de la muerte del artista. Aunque la mayoría valora la moción, muchos ven con recelo la pérdida de competitividad de la industria, ahora en desventaja con mercados como Hong Kong o Nueva York, en donde este tipo de ley no existe.

AAL Arte Al Límite

[1 ]Brexit es una abreviatura de las palabras inglesas Britain (Gran Bretaña) y exit (salida), y es el término acuñado para referirse a la salida de Reino Unido de la Unión Europea (UE).

Reino Unido se sumó al bloque continental, actualmente conformado por 28 países, el 1 de enero de 1973, pero en junio de 2016 los británicos decidieron abandonar la UE y poner fin a una relación de más de cuatro décadas.

ANEXOS Las aplicaciones de impresión directa desde internet también destacan como preferencia de inversión en todas las regiones, señal, por un lado, de la importancia que tiene ofrecer una plataforma de comercio electrónico y, por otro, de la necesidad de atraer a clientes a través de la Red. Las tecnologías de la información constituyen otro de los ámbitos de inversión prioritarios, ya que estas cada vez son más determinantes para el negocio de la impresión.

Todo parece indicar que la inversión general a escala internacional será considerable a medida que las condiciones económicas mejoren y la confianza regrese lentamente. En este sentido, Norteamérica marca la pauta preparándose para una gran transformación con inversiones notables en tecnología de impresión, soluciones informáticas y nuevos servicios.

También destacan otras regiones, como Australia/Oceanía, que están preparadas para realizar un cambio estructural y cuyas empresas de impresión intentan diferenciarse y reinventar el modelo de negocio. En las economías en vías de desarrollo, todavía es posible aumentar la capacidad, pero los impresores de estas zonas también se están dando cuenta de que deben invertir de cara al futuro, incorporar servicios nuevos y evitar la trampa de la comoditización.

Tendencias y cambios en el mercado internacional de las artes gráficas

GLOSARIO HISTORICISMO (PAG-3) nombre masculino Tendencia intelectual o método de conocimiento que sostiene que la naturaleza de las personas y de sus obras y actos solo es comprensible si se considera a estos como parte integrante de un proceso histórico continuo.

ECLECTICISMO (PAG-3) nombre masculino 1. Cualidad de las obras o del pensamiento eclécticos.

2. Actitud o comportamiento de la persona ecléctica.

NEOCLASICISMO (PAG-3) El neoclasicismo o estilo neoclásico fue un movimiento cultural, artístico y literario que se desarrolló en Francia desde mediados del siglo XVIII hasta las primeras décadas del siglo XIX, que después fue sustituido por el Romanticismo.

INDUSTRIALIZACIÓN (PAG-4) nombre femenino 1. Sometimiento de un producto o una actividad económica a la explotación organizada del proceso industrial.

2. Desarrollo de la actividad industrial en una región o país implantando en él industrias o desarrollando las que ya existen.

ADQUISITIVO (PAG-4) adjetivo 1.Que sirve para adquirir.

2. De adquisición.

ORGÁNICO (PAG-6) adjetivo 1.De los órganos o los organismos, o relacionado con ellos.

2.[sustancia] Que compone los seres vivos.

3.[cuerpo, ser] Que tiene vida.

4.Que está compuesto por unidades que forman un conjunto organizado u ordenado.

5. Que atañe a la constitución de corporaciones o entidades colectivas, o a sus funciones o ejercicios.

6.Del sistema político en que no hay libertad de asociación y la representación ciudadana se establece por organismos y entidades.

7.medicina Se aplica a los síntomas y trastornos en los cuales la alteración patológica de un órgano va acompañada de lesiones visibles y relativamente duraderas.

ORNAMENTACIÓN (PAG-6) Ornamentación Cómo se pronuncia nombre femenino 1. Acción de ornamentar.

2. Conjunto de cosas que sirven para adornar u ornamentar.

SERIGRAFIA (PAG-7) nombre femenino Técnica de impresión que consiste en grabar imágenes por medio de una pantalla de seda o tela metálica muy fina.

UNÁNIME (PAG-7) adjetivo 1. [decisión, opinión] Que es común a todos los miembros de un grupo de personas.

2. [conjunto de personas] Que tiene la misma opinión o el mismo sentimiento sobre algo.

ONÍRICAS (PAG-8) adjetivo Del sueño o relacionado con las imágenes y sucesos que se imaginan mientras se duerme.

BREXIT

Es una abreviatura de las palabras inglesas Britain (Gran Bretaña) y exit (salida), y es el término acuñado para referirse a la salida de Reino Unido de la Unión Europea (UE).

Reino Unido se sumó al bloque continental, actualmente conformado por 28 países, el 1 de enero de 1973, pero en junio de 2016 los británicos decidieron abandonar la UE y poner fin a una relación de más de cuatro décadas.

CIBERGRAFĂ?A https://arteentodo.com/pintura/art-nouveau-la-pintura-caracteristicas/ https://arteentodo.com/pintura/principales-representantes-del-modernismo-art-nouveau/ https://arteentodo.com/ilustracion/la-ilustracion-de-aubrey-beardsley-art-nouveau-en-blancoy-negro/ https://www.culturagenial.com/es/arte-pop https://masdearte.com/especiales/ pop-art-ser-trivial-ser-sofisticado/ http://popart30.blogspot.com/p/escultura.html https://fabianfajardoescobar.wordpress. com/2016/11/30/arte-pop-y-publicidad/ http://hacerartepop.blogspot.com/2013/12/arquitectura-pop-art.html http://popart30.blogspot.com/p/arquitectura. html https://www.arteallimite.com/2016/06/24/elpresente-y-futuro-del-arte-en-gran-bretana-despues-del-brexit/ https://www.bbc.com/mundo/noticias-internacional-46521624 https://graffica.info/tendencias-artes-graficas/

Este libro se acabรณ de editar en los talleres de editorial, en la Corporaciรณn Universitaria Unitec, de Bogotรก Colombia, el 26 de mayo del 2020.

DISEÑO EN

GRAN BRETAÑA El arte es la representación más pura de los sentimientos, deseos y actos humanos, Gran Bretaña fue uno de los grandes países que hizo historia con el nacimiento de diferentes formas para la demostración del ser.