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Elizabeth Vargas y David Mendoza

DISEÑO ITALIANO EN EL SIGLO XX





DISEÑO ITALIANO EN EL SIGLO XX



DISEÑO ITALIANO EN EL SIGLO XX

Elizabeth Vargas y David Mendoza


Diseño italiano en el siglo XX Edición en español publicada por Editorial UNITEC - 2020

ISBN

Diseño Editorial: Elizabeth Vargas y David Mendoza RESERVADOS TODOS LOS DERECHOS Crédito a todos los referentes Categoría: Artístico


A Dios, padres y al diseĂąo



Entre el arte y el diseño hay una diferencia del objetivo en funcionalidad, con un alcance en masas donde la apreciación estética pasa a ser un significante de resolución. Anónimo



PRÓLOGO

Desde el principio de la humanidad, ha existido una constante preocupación por la forma en que podemos transmitir ideas a los demás. Si bien una definición genérica y etimológica de diseño podría ser la siguiente: “Diseñar, del italiano “disegnare”, y el latín “designare”; de signare, significa seña o signo. De tal modo, signo se define como la unidad mínima de comunicación en todos los lenguajes.” Gabriela Bustos, 2012 Resulta de una dificultad inmensa, encasillar un concepto tan complejo en unas cortas palabras, pero lo que si queda claro es que la necesidad de comunicación, está implícita en nuestro diario vivir, pues históricamente el diseño en todas sus expresiones, se ha convertido en una de las herramientas más poderosas, para persuadir; es por eso que en este libro se aborda de manera cronológica una pequeña parte de la historia, que a su vez , ha impactado profundamente la manera de comunicarnos, de graficar y codificar una idea, sea a través del arte, de la literatura, de la publicidad o de los medios digitales. A medida que avanza el tiempo y la humanidad se hace más “sofisticada”, van apareciendo ejemplos de patrones de comunicación y su representación gráfica imprescindibles que posibilitan las nuevas formas de comunicación. Poniendo en consideración las más relevantes como las pinturas rupestres que datan del año 20000 a.C., donde empieza a tomar una relevancia absoluta la representación gráfica de las historias, de los mitos, las leyendas de aquellas poblaciones prehistóricas; luego aparecen los egipcios con un sofisticado modelo de jeroglíficos que, a pesar de ser un sistema de escritura muy avanzado, se destaca por el uso de elementos gráficos para distinguir las letras. Más tarde ya entrada la edad media, aparecen elementos de ornamentaciones y decoraciones que configuran y codifican cultualmente las sociedades de aquel entonces y permiten determinar quiénes son los que tienen el poder (SANCHEZ,2015).


Lo que vendría para después, seria de los más importantes saltos en la historia, pues aparece Gutenberg en 1440 d.C. con la imprenta, un artefacto capaz de reproducir textos e imágenes sobre papel en escala masiva, toda una revolución. Es así como nace la industria de la imprenta moderna que permitió lanzar un sinfín de productos impresos en todo el mundo (SANCHEZ,2015). Para la revolución industrial, si bien no aparece un artefacto que cambien el rumbo del diseño, si aparecen nuevas formas y usos de los medios de comunicación y el diseño, porque es en ese entonces, cuando se desarrolla la técnica publicitaria y el diseño gráfico como profesión, que surge con la necesidad de enviar información a los posibles consumidores y crear necesidades, dando así paso a una nueva forma de comercio, sin dejar de lado la importancia social, política y cultural que tuvo el uso de elementos publicitarios que caldearon a la sociedad para aquella época (SANCHEZ,2015). Finalmente, aparecen las computadoras a finales del siglo XX, transformando las técnicas y herramientas para diseñar. Posibilitando todo un nuevo mundo de diseño y que más tarde serán útiles para las nuevas formas de comunicación y la virtualidad. Todo lo anterior nos lleva a pensar que somos una sociedad cambiante y que no podemos pensarnos sin todas las maneras de comunicación, sin embargo, debemos estar a la vanguardia para que el tiempo no nos relegue, porque somos parte de una nueva generación, del aquí y del ahora.

Perspectiva desde la Administración Publica. Julián Salazar.


ÍNDICE 11 - Prólogo 15 - CAP I Contexto 16 - Arte e historia 18 - Ubicación geográfica y habitantes 19 - Escuelas de diseño en Italia

45 - CAP V Propaganda Fascista 46 - Importancia de la propaganda 51 - La revista ilustrada de personas de Italia 57 - Portadas de cuadernos infantiles

61 - CAP VI Publicidad en productos 21 - CAP II Portadas de la Domenica del Corriere

62 - Los grandes ilustradores 65 - El mundo laboral experimenta una revolución

22- El semanario italiano

27 - CAP III Cartoline del publico

69 - CAP VII Agencias de diseño 70 - Entre las mejores agencias del mundo 71 - Agencias en Italia

28 - Un espacio para el publico

33 - CAP IV Corriere dei piccoli 34 - Una revista para niños 39 - Signor Bonaventura 43 - Antonio Rubino

75 - CAP VIII Diseñadores gráficos 76 - Leonetto Capiello 18 - Fortunato Depero 19 - Massimo Vignelli 16 - Giovani Pintori 18 - Franco Grignan 19 - Albe Steiner 16 - Armando Testa 18 - Bruno Munari 19 - Astrid Stavro



CAPÍTULO I Contexto


I CONTEXTO

ARTE E HISTORIA Italia, el país de cultura, arte e historia

I

talia ha estado y está en el centro de la historia, de la cultura y del arte de la antigüedad. Muchas son las pruebas de las civilizaciones del pasado que se sucedieron, reunidas en los museos, colecciones o yacimientos arqueológicos, y que todavía forman parte del panorama de nuestra cultura moderna.

Las obras de arte están por todas partes y cada rincón del país reserva infinitas y maravillosas sorpresas. Italia es uno de los mayores patrimonios artístico-culturales del mundo, declarados patrimonio de la humanidad, por la UNESCO1. Son 55 los lugares italianos incluidos en la Lista del Patrimonio de la Humanidad, la World Heritage List. Roma, Florencia, Asís, Venecia, Siena, Pisa o Nápoles son sólo algunas de las ciudades más artísticas y conocidas del país, sin embargo, el territorio está plagado de centro históricos de incomparable belleza. Los números lo confirman:

1 Información proporcionada por Italia Agenzia nazionale turismo 18


Capilla Sixtina por: Juan C. Rodriguez

95.000 iglesias monumentales, 40.000 fortalezas y castillos, 30.000 mansiones históricas con 4.000 jardines, 36.000 archivos y bibliotecas, 20.000 centros históricos, 5.600 museos y yacimientos arqueológicos y 1.500 conventos. En Italia es posible descubrir las residencias privadas de familias antiguas y nobles, visitar museos de fama mundial, como la Galería de los Uffizi de Florencia, los Museos Capitalinos de Roma y la Pinacoteca de Brera de Milán, o descubrir excepcionales yacimientos arqueológicos, como Pompeya y Herculano, donde se puede respirar la historia de un pasado emocionante y grandioso. Italia es un enorme conjunto de obras donde el paisaje y la cultura viven en comunión natural con la historia y el arte, la arquitectura y el urbanismo: visitar Italia es un viaje emocionante que empieza en la época de los antiguos romanos y griegos hasta llegar a nuestro tiempo. DISEÑO EN ITALIA

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I CONTEXTO

UBICACIÓN GEOGRÁFICA Y HABITANTES Una buena calidad de vida

I

talia contaba con 60.36 millones de habitantes, para el 2019, entre nativos y extranjeros. es un país muy poblado y tiene una densidad de población de 200 habitantes por Km2. El PIB per cápita es un muy buen indicador del nivel de vida y en el caso de Italia, en 2019, fue de 29.610€, por lo que se encuentra en el puesto 29 de los 196 países del ranking de PIB per cápita.

Mapa físico de Italia por: proyectomapamundi.com

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Bandera de Italia por: Design D’Autore

En cuanto al Índice de Desarrollo Humano o IDH, que elabora las Naciones Unidas para medir el progreso de un país y que en definitiva nos muestra el nivel de vida de sus habitantes, indica que los italianos tienen una buena calidad de vida. Si la razón para visitar Italia son negocios, es útil saber que Italia se encuentra en el 51º puesto de los 190 que conforman el ranking Doing Business, que clasifica los países según la facilidad que ofrecen para hacer negocios.


ESCUELAS DE DISEÑO EN ITALIA La funcionalidad como elemento clave

I

talia figura entre los 8 países más industrializados del mundo. Además de contar con algunas grandes compañías, tanto estatales como privadas, ha desarrollado una sólida red de pequeñas y medianas empresas, ha promocionado parques científicos y está incentivando la investigación básica y aplicada en una gran variedad de sectores disciplinarios. Italia es sin duda el punto de reunión de las nuevas generaciones creativas a nivel internacional. Este país se destaca en todos los campos del diseño industrial, automovilístico, diseño de moda, diseño de interiores y decoración, entre otros. El diseño italiano combina la funcionalidad y la ironía, dándole valor a materiales que hasta hoy se consideraban de descarte o marginales, y “reinventando” así los objetos. Se trata de un diseño agradable, fluido y al mismo tiempo complejo, debido a su carga de emociones, sugestiones e inquietudes, provenientes de los medios de comunicación y de las preocupaciones propias de la comunicación global. En consecuencia, muchos objetos no son sólo funcionales, sino que transmiten también una fuerte carga humana y afectiva. Estudiar diseño es el sueño de muchos jóvenes creativos y llenos de talento e Italia, sin duda ofrece algunas de las mejores escuelas del mundo.1

Sillón Fiorenza (Arflex, 1952), de Franco Albini. © Aldo Ballo + Marirosa Toscani Ballo, Milano 1991

1

GlobalConnection: recuperado de https://www.estudieenelexterior.com.co/ programas/estudios-superiores/italia DISEÑO EN ITALIA

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I CONTEXTO

Triennale Design Museum (ph: Gianluca Di Ioia)

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CAPĂ?TULO II Portadas de la Domenica del corriere


II PORTADAS DE LA DOMENICA DEL CORRIERE

EL SEMANARIO ITALIANO 1899 - 1989

E

n el capítulo anterior, pudimos ver que el arte a estado desde tiempos de antaño en Italia y ahora el diseño está posicionarse en el país, principalmente en el campo del diseño industrial; aún así hay un gran aporte desde el siglo xx al diseño gráfico. Salia cada domingo y era distribuido con el diario corriere dela sera (este aún está en vigencia de manera digital, desde el 2019) Tenían su sede

principal en la vía solferino 28, en Milán y tras 90 años de entrar a la casa de cada italiano y convertirse en parte de la historia de Italia, cierra las puertas para siempre. El primero de agosto de 1999, con motivo del centenario, se funda el “club Domenica del corriere” y actualmente manejan un blog, donde consignan las portadas, algunos artículos y testimonios de los semanarios que algún día se publicaron.

“El 8 de enero de 1899, “Domenica del Corriere” apareció por primera vez en los quioscos italianos. Costó 10 centavos, tenía 12 páginas y los suscriptores del “Corriere della Sera” se ofrecieron de forma gratuita. Fue inmediatamente un gran éxito, los periódicos de la época, salieron con muy pocas páginas, con pequeños títulos y textos muy largos, no había dibujos ni fotografías. Las portadas, en lugar de la Domenica del Corriere, tenían hermosos dibujos de colores hechos por un pintor, entonces desconocido, “Achille Beltrame” y dentro había muchas fotografías. Fue la evolución de la publicación.”

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Portada 27 de diciembre de 1936

E

l gran éxito de este semanario, como bien nos dice el autor del blog, fueron sus llamativas ilustraciones en las portadas, que, en contraste a los bloques extensos de texto en otros medios, era más llamativo y fácil de atrapar la atención del espectador. Hicieron cubiertas, desde perros, música y deportes, hasta las guerras, política e historia. Si bien eran los protagonistas, usaban un encabezado mínimo de propiedad al semanario y algunos apuntes en la parte inferior de la portada.1

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Club Domenica DISEÑO EN ITALIA

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II PORTADAS DE LA DOMENICA DEL CORRIERE

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A

chille Beltrame: Fue por más de medio siglo el autor de las ilustraciones semanales de la Domenica. Se denomina como un cronista visual de la época. Usaba técnicas como pinturas al óleo, acuarela, gouache y lápiz. Nunca se movió de Milán, pero su imaginación trascendía esas barreras y permitían que su curiosidad innata, se viera reflejada el en profundo realismo de sus dibujos. Las temáticas que se veían reflejadas en las portadas, iban desde aspectos cotidianos, como experiencias ordinarias de la gente, hasta ilustraciones políticas y de guerras, así, tanto históricas como épicas, pasando por los deportes, la farándula y los OVNIS, que tuvieron suma relevancia en la década de los sesenta, además, personas de influencia durante el siglo XX y aspectos sociales, como las protestas, la música y los eventos cotidianos.

Portada 28 de abril - 5 de mayo de 1912 “Naufragio del Titanic

Portada Giro de 1950

Portada 2 de abril de 1961 DISEÑO EN ITALIA

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II PORTADAS DE LA DOMENICA DEL CORRIERE

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l éxito y la familiaridad que estas portadas generaron en los italianos todas las semanas, despertaba una gran narrativa por las expresiones que desde las cubiertas denotaban los sucesos. Ya estaban las fotografías en todo el mercado, pero la ilustración generaba cierta empatía por el color, ya que, en comparación a los demás periódicos, trabajados únicamente con las columnas y columnas de texto; la Domenica del corriere, irrumpió a tal punto de convertirse en un hito en la historia de las portadas italianas del siglo xx. Los coleccionistas de este espacio que algún día les perteneció, es el que hoy nos permite conocer esta invaluable obra, que por más de 90 años trabajó en pro del beneficio para la comunicación, y en búsqueda de las estrategias adecuadas, para entregar la noticia.

Portada Noviembre 1962

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CAPĂ?TULO III Cartoline del publico


III CARTOLINE DEL PUBLICO

UN ESPACIO PARA EL PÚBLICO

Una sección de la Domenica del corriere

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n español es postales públicas, o postales del público, y es que como bien lo dice su nombre, era un espacio para que los usuarios mostraran sus dibujos. El anuncio del 24 de febrero de 1907, pone

“Una nueva sección Todos los lectores pueden colaborar. Pero tienes que ser corto y divertido. Lo que se publica se compensa. Lea las reglas cuidadosamente e inténtelo.” “Cada trabajo, aceptado y publicado, se paga de 15 a 30 centavos por cada línea de impresión; con 3 liras cuando no supera las veinte líneas”

8 al 14 de enero de 1939 dibujo de Federico Felini

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L

a regla básica para participar, era que debía tener un tamaño postal, es decir de 15 por 9 cm, y la condición, que fuera corto y divertido. Federico Fellini, llegó a ser un gran cineasta, galardonado con un premio Oscar, como reconocimiento por su gran trabajo.

<<Las obras (dibujos cómicos, concursos, adivinanzas ...) que, por razones de espacio, no podían ser alojadas en el periódico fueron publicadas en el Corriere dei Piccoli, en la columna del gimnasio de los lectores. Hasta 1920, la remuneración para los colaboradores de la sección era de 5 liras, luego aumentó de 10 a 20 liras en 1921. A partir de la década de 1920, la sección también se enriqueció con viñetas. Entre los colaboradores o diseñadores de Domenica del Corriere, a partir del 6 de febrero de 1938 (hasta enero de 1939), había un joven Federico Fellini. >>

Cineasta Federico Fellini Por Antonio Mazón Robau

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III CARTOLINE DEL PUBLICO

Pagina del semanario Domenica del corriere edición 36 del año 1938

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D

entro del libro, apartamos este espacio, para hablar del trabajo y aporte del cineasta como satira al gobierno de su época, ya que a diferencia de nuestra actualidad, donde podemos comunicarnos y opinar de cualquier manera en los medios; Antes necesitabas pensar y dar un mensaje por medio de lo que comunicabas, pensando en la connotación y contextualización del enunciado, como complemento a la descripción gráfica que hacía. Muy similar al trabajo de los ilustradores y diseñadores actuales, en los periódicos. Posiblemente estas fueron las bases para que su trabajo sea posible hoy. En uno de estos espacios, durante la guerra, en la sección cómica, se publicó este mensaje de motivación, para que los infantes se enlistaran en la guerra:

Los invitados están interesados en Gianni, el hijo del propietario. Uno de los invitados dirigió una de las palabras habituales e inútiles al niño. • ¿Qué harás cuando seas grande? • ¡Me vestiré de soldado e iré a la guerra! • ¿Y no tienes miedo de que te maten? • ¿Por quién? • Del enemigo! • El niño está un poco desconcertado, y de repente:

6 de febrero de 1938 Dibujo por Federico Fellini

• Entonces seré el enemigo!1 1

Giannini G. Visible Cartoline dal ventinno 1938 dibujos de Federico Fedellini DISEÑO EN ITALIA

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III CARTOLINE DEL PUBLICO

Pagina del semanario Domenica del corriere Edición 36 del año 1938

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CAPĂ?TULO IV Corriere dei Piccoli


IV CORRIERE DEI PICCOLI

UNA REVISTA PARA NIÑOS

¿Qué era?

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ue una revista suplemento del corriere della sera, y se consolidó como la primera revista semanal infantil de historietas italiana. Fue creada el 27 de diciembre del 1908, con su primer director Silvio Spaventa

Portadas de Il Corriere dei Piccoli” y de Il Corriere dei Ragazzi

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Filippi, se convirtió en una lectura fundamental para varias generaciones de jóvenes italianos. La revista se publicó sin interrupciones hasta el 15 de agosto de 1995.


Portadas de Corriere dei Piccoli 1964 DISEÑO EN ITALIA

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IV CORRIERE DEI PICCOLI

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on el objetivo de llamar la atención al público infantil, sus editores apostaron por una curiosa fórmula que se denominó “protohistorieta” y que consiste en narrar una anécdota en imágenes situadas dentro de viñetas, libres de textos y bocadillos, que incluían al pie pequeños versos. Cuando en EEUU los suplementos dominicales en 1908 asumen una narrativa más ágil con la inclusión de bocadillos, en la gran mayoría de países europeos, debían considerar aquella medida como una fórmula pedagógica más conservadora. Corriere dei Piccoli tradujo al italiano muchas series de la prensa norteamericana del momento, como Buster Brown, de Richard Felton Outcault, Happy Hooligan de Frederick Burr Opper, Little Jimmy, de James Swinnerton o Little Nemo in Slumberland de Winsor McCay, retocando las viñetas para adaptarlas al sistema. En esta revista se publicó, entre otros, la historieta Signor Bonaventura.1

1 Alonso E. (2019) Corriere dei piccoli - visualido en la historia de los comics- recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/ Corriere_dei_Piccoli 38


Portada Corriere dei Picolli bienvenida año 1950

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IV CORRIERE DEI PICCOLI

40 Portada Corriere dei Picolli 1911


SIGNOR BONAVENTURA Un personaje que trescendió de la historieta

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l Signor Bonaventura demostraba que siempre había una salida para los hombres buenos. El personaje, con su sombrero y su levita roja, fue inventado por Sergio Tofano, también conocido como Sto, para mostrar cómo las buenas personas, a pesar de sus defectos, pasos en falso y errores, pueden evitar lo que puede parecer un resultado negativo predestinado incluso en la mayoría de los casos. Situaciones complicadas y en espiral descendente.

Al final de cada aventura, cuando las esperanzas ya estaban perdidas, aparecía un cheque que salvaba a este buen hombre, como reconocimiento por su noble corazón. Sergio Tofano fue un ilustrador romano, además de dramaturgo, vestuario y escenógrafo, director, actor, poeta y líder de la compañía de teatro. Signor Bonaventura apareció por primera vez en 1917, en la revista semanal para niños “Corriere dei Piccoli”; las tiras cómicas de la época no tenían globos: las palabras se colocaban como leyendas debajo de las ilustraciones, enmarcadas por pequeños rectángulos. Las viñetas a todo color de Sto iban acompañadas de texto en verso, precisamente organizado en coplas de rimas octosilábicas, que contaban la historia de un buen hombre con un don para meterse en todo tipo de problemas. En un momento dado, preocupado de que un final feliz constante pudiera volverse aburrido, Sto intentó agregar algunos episodios en los que el Signor Bonaventura tuvo tanta mala suerte de perder el millón (que en la década de 1970 se había convertido en un “billón” debido a la inflación). Los lectores protestaron con gran vehemencia. DISEÑO EN ITALIA

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IV CORRIERE DEI PICCOLI

Fotos vía: ilustraciones de: Sto, “Qui comincia l’avventura del Signor Bonaventura”, Rizzoli, Milán 1974

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entían que Bonaventura les pertenecía y que no permitirían que nadie, ni siquiera Sto, sofocara la esperanza que representaba para todos los hombres buenos.

Fotos vía: ilustraciones de: Sto, “Qui comincia l’avventura del Signor Bonaventura”, Rizzoli, Milán 1974 DISEÑO EN ITALIA

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IV CORRIERE DEI PICCOLI

Historieta de Signos Buenaventura, para Corriere dei piccoli

El escritor piamontés Gianni Rodari, que era fanático del signor Bonaventura desde la infancia, comentó acertada-mente: “Más adelante, siempre hay este millón, al igual que sobre las nubes hay sol incluso durante las tormentas más terribles”.1

1 (2014) visualizado en italian ways Signos Buenaventura - Recuperado de https://www.italianways.com/sergio-tofanos-signor-bonaventura-there-is-hope-for-all-good-men/ 44


ANTONIO RUBINO

¿Quién era?

A

ntonio Rubino (1880-1964) fue un ilustrador, dibujante, director de animación, guionista, dramaturgo, autor y poeta italiano. Uno de los ilustradores de comics más prolíficos de Italia durante la primera mitad del siglo xx. Después de colaborar con varios periódicos y revistas, en 1908, inicia como ilustrador infantil en la revista infantil Corriere dei Piccoli, para la que creó numerosos comics y personajes exitosos. Fue el creador del logo para la revista. Se retira de la revista después de la la guerra y regresa diez años después, donde realizará diversas historietas, hasta su retiro. Su obra es influenciada y atribuida al futurismo y la pintura de Asia oriental y sobre todo el art noveau.

Portada de corriere dei piccoli DISEÑO EN ITALIA

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IV CORRIERE DEI PICCOLI

Dibujos de Antonio Rubino

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CAPĂ?TULO V Propaganda Fascista


V PROPAGANDA FASCISTA

IMPORTANCIA DE LA PROPAGANDA

Un medio para mover las masas

E

n cualquier campo político, es necesario el uso de publicidad para el movimiento de masas, ya que funciona para atraerlas y poderlas controlar. Los nazis lo hicieron, la unión soviética lo utilizó, las dictaduras, los reyes, en Latinoamérica e utilizó (y se utiliza) y hasta la iglesia católica que, en su apogeo de poder, utilizaban el arte como intermediario para su dominio con el pueblo.

Tribunal de la santa inquisición

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Mujeres italianas 1936 “el el café” DISEÑO EN ITALIA

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V PROPAGANDA FASCISTA

A

sí mismo los fascistas en Italia, emplearon este medio de comunicación y una vez lo lograron, procuraron la abolición de libertad de prensa y emplearon la propaganda para inculcar los valores de patria, raza, jefe, etc. Este campo en la política era tan importante, que los Nazis en Alemania nombraron un ministro de ilustración publica, que mostraba la propaganda del III Reich. Este fue Joseph Goebbels.

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Evidentemente, de forma paralela. Se movía el terror con la imagen atractiva que esta brindaba, ofreciendo al pueblo únicamente la versión embellecida de los hechos. Toda esta parafernalia evocó un sinfín de panfletos y carteles que sirvieron por un lado para publicitar sus atrocidades, y en otro, el avance del diseño como medio de comunicación colectiva. A diferencia del arte, que es selectivo y requiere el criterio, el diseño es general y busca alcanzar las masas.


Benito Mussolini, durante la proclamación del “Imperio italiano” el 9 de mayo de 1936 en Roma. GEORGE RINHART GETTY IMAGES

L

a gran derrota que vivieron los italianos durante la segunda guerra, sería una era inminente derrota desde antes y ellos lo sabían, aun así, decidieron, contra ir contra todo pronóstico. Se lanzaron a África como “conquistadores”, sin mayor éxito. Lo único que lograron alcanzar en este extenso periodo bélico, con su desarmado y desmoronado ejército, fue una puñalada que le

dieron por la espalda a los franceses luego de rendirse ante los alemanes. Con todas estas derrotas y fracasos militares, ¿cómo lograron seguir y animar a los jóvenes a unirse por una causa que desde el comienzo estaba perdida? Evidentemente el uso y manipulación de medios fue crucial para el envenenamiento del pensamiento italiano, que solo trajo desgracias para todos.

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V PROPAGANDA FASCISTA

Soldados del ejercito italiano, en la misión a África.

“Nadie es fascista porque alguien lo piense o lo califique así. Existió un momento histórico en que esta ideología nació, triunfó y si no desapareció se redujo considerablemente su influencia al terminar la Segunda Guerra Mundial y fracasar los países (Alemania e Italia) que la fundaron. Y parecía que la ideología que lo sustentaba quedaría extinta pero hay un renacimiento que suscita un nuevo interés por ella desde el ámbito universitario y desde las posiciones políticas contrapuestas. Y continuamente se hacen llamamientos -no siempre con atino- a su posible regreso.” Antonio Varo Baena (2020)

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LA REVISTA ILUSTRADA DE PERSONAS DE ITALIA (19040-1943)

E

n agosto de 1923, Il Popolo d’Italia (fundado por Benito Mussolini en 1914 después de dejar la dirección de Avanti) presentó su nuevo suplemento: La revista ilustrada del pueblo de Italia, un periódico que se ocupaba de la literatura, la moda, arte, deporte y, por supuesto, política. El suplemento fue inicialmente bimestral, pero luego se convirtió en mensual. Algunas de sus portadas fueron hechas por importantes artistas como Fortunato Depero, Marcello Dudovich y Mario Sironi. Arnaldo Mussolini, hermano de Benito, y director hasta la muerte (1931) del pueblo de Italia, justificó el nacimiento de la nueva revista:

Portada revista ilustrada de personas italianas

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V PROPAGANDA FASCISTA

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¿Todavía una revista? Sí, una revista hermosa, rica, variada y armoniosa que representa un intento de transmitir nuestro espíritu inquieto hacia las formas puras y serenas de belleza. Desde la ardiente fragua del “pueblo de Italia”, todos los intentos editoriales fueron coronados por el éxito más halagador. Ese pecado magnífico que es orgullo nos hace presentes que incluso en este campo estaremos a la altura de la nueva tarea.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la revista, también desde un punto de vista publicitario, se adaptó al clima de guerra. El eslogan más ut

.“Gana y gana”, tronó Mussolini el

10 de junio de 1940 desde el balcón del Palazzo Venezia, durante el discurso en el que anunció a los italianos la entrada en la guerra. Y este eslogan se trasladó al campo de la publicidad, y fue utilizado en particular por aquellas compañías que producían material de guerra.

Observará, que estos anuncios casi siempre tenían el eslogan principal “WIN”. Incluso donde no estaba presente, las referencias a la guerra eran evidentes. Las compañías constantemente presentes en todos los números analizados de la revista fueron: Ilva, Odero Terni Orlando, San Giorgio, Silurificio Whitehead, Alfa Romeo, Società Terni, Breda, Carlo Erba, Lanifici Marzotto, Fiat, Italviscosa. Con el fin afianzar y mantener alto el sentido de patria, también hubo anuncios dedicados a los agricultores (Su azada fortalece la fuerza del eje) y el cultivo de remolacha azucarera (¡Granjeros! Azúcar, los alimentos insustituibles y alcohol combustible para ejército). El último número de la revista se publicó en junio de 1943.1

Ver página 52 “anillos de boda” publicado por la Domenica del corriere en 1935, motivando a las mujeres a derretir sus anillos en beneficio de la guerra.

1 (2020) Il popolo d´Italia recuperado el 18 de mayo de wikipedia https://es.wikipedia.org/wiki/Il_Popolo_d%27Italia

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V PROPAGANDA FASCISTA

Q. E. Aero Club d’Italia, 1927

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arece ser que ilustrar las portadas de las revistas, no solo es cuestión del pasado, ya que la revista VOGUE de Italia, en la versión de enero del 2020, decidieron no publicar fotos, como gesto de favor al planeta

La tendencia favorita de la moda —la sustentabilidad— llega a las revistas impresas. El editor de la publicación llamó la atención sobre la gran huella de carbono de las sesiones fotográficas.

Portada de Vogue Italia por Vanessa Beecroft

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V PROPAGANDA FASCISTA

Una portada por Cassi Namoda con la modelo Ámbar Cristal Zarzuela.

“Ciento cincuenta personas participan. Se ocupan veinte vuelos y más o menos una decena de viajes en tren. Cuarenta autos a la espera de dar servicio. Sesenta entregas de paquetería internacional. Luces encendidas al menos diez horas sin parar, en parte gracias a generadores que funcionan con gasolina. Alimentos de los servicios de cáterin que se desperdician. Plástico para envolver las prendas. Electricidad para cargar teléfonos, cámaras…”.1

1 Testa J. (2020) Vogue Italia no publicará fotos este mes como un gesto a favor del planeta recuperado el 18 de mayo del 2020 de The New York Times https://www.nytimes.com/es/2020/01/03/espanol/estilos-de-vida/vogue-italia-no-publicara-fotos.html

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PORTADAS DE CUADERNOS INFANTILES Parte del adoctrinamiento

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a propaganda fascista, no se quedó en los carteles generales, sino que llegó hasta los infantes, adoctrinándolos a seguir sus corrientes políticas. La evolución de los gráficos durante el siglo XX también involucró las portadas de los cuadernos. Un objeto escolar destinado a convertirse también en un vehículo de propaganda: desde los discursos de Mussolini hasta la Batalla del trigo, desde la Guerra hasta la educación cívica, etc. Portadas de cuadernos

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V PROPAGANDA FASCISTA

Cubierta de cuaderno para niños italianos 1936 La foto es propiedad de Luigi y Antonio Rigorini.

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ero las portadas también hablaban de los grandes eventos del pasado y los héroes nacionales. Las imágenes coloridas y cautivadoras, además de describir la vida cotidiana y las actividades del régimen, tuvieron que impulsar no solo la compra sino también la emulación y la participación desde un punto de vista patriótico.1 “Cuaderno rayado” o “Cuaderno cuadrado” fue el orden dado por los maestros al comienzo de la lección, después de las oraciones y las canciones. Los cuadernos reglamentarios tenían 36 páginas y una cubierta de papel consistente (ni cartón ni cartón). Fueron comprados en la papelería, distribuidos por una tarifa por el profesor o regalados por el cajero de la escuela. No todos los cuadernos tenían portadas ilustradas, pero el rectángulo para el nombre del alumno no podía faltar en la primera fachada.

1 Giannini G. (2018) Cuaderno y mosquete, recuperado el 18 de mayo del 2020 - Cartoline dal Ventennio https://www.cartolinedalventennio.it/layout/left-center-innerright/237-quaderni

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V PROPAGANDA FASCISTA

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CAPĂ?TULO VI Publicidad en productos


VI PUBLICIDAD EN PRODUCTOS

LOS GRANDES

ILUSTRADORES la revolución industrial

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asta la Primera Guerra Mundial. Las grandes editoriales estaban para satisfacer las necesidades técnicas de los grandes ilustradores. La Casa Ricordi es la más avanzada desde el punto de vista técnico y empresarial, ya que tiene a los mejores músicos e ilustradores del momento. El cuidado de la clientela es exquisito, la correspondencia continua con ellos. La publicidad, como medio de comunicación, y la sociedad de masas nacen con la revolución industrial y la consolidación de los nuevos estados europeos quirúrgicos de los movimientos nacionalistas y de unificación de mediados del siglo.1

1

Giuseppe Verdi (1813-1901) y Giovanni, Tito I y Giulio Ricordi, blog 21 de febrero 2017 http://razoneseditoriales.blogspot. com/2017/02/formatos-de-la-relacion-autoreditor-el.html

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Antigua sede de la casa editorial Ricordi en el edificio del teatro Alla Scala de Milรกn.

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VI PUBLICIDAD EN PRODUCTOS

“El desarrollo de este nuevo lenguaje crea hábitos de consumo y modelos de vida desconocidos hasta el momento.”

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Eat & Drink in Italian 2014


EL MUNDO LABORAL EXPERIMENTA UNA REVOLUCIÓN La estructura social sufre un cambio radical

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l aparecer nuevas profesiones, las máquinas adquieren un papel preponderante en la producción de bienes de consumo, la neurastenia (lo que hoy se denomina ansiedad o estrés) pasa de ser una enfermedad exclusiva de la alta burguesía a generalizarse en todos los estratos sociales. Paralelamente al nacimiento de una nueva clase social, el proletariado, la élite empresarial siente la necesidad de informar a sus potenciales clientes de las bondades o, simplemente de las características, de las nuevas mercancías a lanzar al mercado. Para ello, no basta el voz a voz en

una sociedad donde la producción está alejada del punto de venta y la economía es de subsistencia. Se necesita instaurar una comunicación accesible a todos, agradable, persuasiva y que genere deseos y pulsaciones de compra. En este contexto, refiriéndose al caso español, el profesor Carlos Velasco habla de los carteles de publicidad comercial “como la forma principal de enviar mensajes e ideas claras (poco texto), inteligibles [para todos los estratos de población], amenas y bellas” ( Velasco y Eguizábal,2011: 19).

La controversial publicidad de “nos cocinaron en 90 minutos” para el mundial de Brasil 2014

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VI PUBLICIDAD EN PRODUCTOS

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os centraremos en el nacimiento de las campañas publicitarias gráficas italianas orquestadas por la fructífera colaboración entre empresarios, editores e ilustradores. Nos centraremos en el nacimiento de las campañas publicitarias gráficas italianas orquestadas por la fructífera colaboración entre empresarios, editores e ilustradores. La etapa de oro del cartel italiano coincide, no por casualidad, con el predominio técnico y artístico que es una empresa en Tenía otras cosas Que Nada Que bien tediar una SUS competidoras francesas (como la prestigiosa Imprimerie Chaix parisina, tuna querida por Jules Chéret), alemanas o inglesas. Ya lo largo de tres generaciones, la familia Ricordi experimentó y puso las bases de un imperio que continúan vigentes a lo largo del no vecento. con las premisas marca-das el siglo anterior. El período analizado (1890-1914) es el de mayor actividad y esplendor artístico en las artes gráficas. Son los años de los primeros pasos en el campo de la publicidad. Como en todos los comienzos, abundan las ideas, la energía, la ingeniería y las ganas de experimentar.

El sobre de una de las cartas enviada por Verdi a su editor.

Figura página 67 para Nike (2006)

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VI PUBLICIDAD EN PRODUCTOS

E

s un tiempo lleno de cambios, la transformación económica, social e industrial que vivió Europa en un lapso tan corto de tiempo es probablemente la mayor de su historia. Tiene el atractivo de guardar muchos paralelismos con el momento actual. Confianza en los avances científicos y técnicos a la vez que una gran incertidumbre sobre hacia dónde nos lleva todo eso. Cuestionamiento de la tradición buscando nuevos modelos que se adecuación a los nuevos tiempos, pero evitando rupturas traumáticas. Los carteles ya no se hacen unicamente pensando en el comportamiento del viandante, sino en el ciudadano que se desplaza en bici o en tranvía; Los textos se reducen y apoyan a una imagen sugerencia rente y evocadora (se invierten los términos de elaboración de los carteles que se han visto hasta entonces).

Cartel publicitario Bugatti (1922)

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CAPÍTULO VII Agencias de diseño


VII AGENCIAS

ENTRE LAS MEJORES AGENCIAS DEL MUNDO Leftloft

L

eftloft es una empresa italiana que ofrece «todos los servicios en diseño», con estudios en Milán y Nueva York y que formaron en 1997 Francesco Cavalli, David Pasquali, Andrea Braccaloni y Bruno Genovese. La firma de diseño y consultoría subraya la importancia de la comunicación adecuada en el ámbito digital. Los clientes de Leftloft incluyen Moleskine, Pirelli y el equipo de fútbol italiano Inter de Milán, para el que creó en 2012 una serie de estilo retro de carteles de jugadores.1

«Ayudamos a nuestros clientes a llegar a su audiencia»

1 Sánchez A. - Mejores agencias de diseño- Recuperado de Escuela Da Vinci - https://davinci.edu.ar/blog/la-mejores-50-agencias-dediseno-grafico-en-el-mundo-parte-1/ 72


AGENCIAS

EN ITALIA Promotion & Business

E

s una Agencia de marketing, comunicación y promoción, Capaz de interpretar y apoyar los objetivos del cliente y convertirse en su socio para alcanzarlos. Proyecta y organiza eventos construidos alrededor de los objetivos de marketing de las empresas clientes, intentando activar una promoción idónea y con la capacidad de cumplir aquellos objetivos para los que ha sido estudiada y realizada. Entre las diferentes propuestas que ofrece encontramos promoción dentro y fuera del local, sponsoring, proyectos de animación; además de eventos de toda índole: ferias, congresos, convenciones.

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VII AGENCIAS

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L

a historia comenzó en 1983 en un pequeño estudio, gracias a la perseverancia de su titular, la competencia del personal y la lealtad de nuestros clientes, se ha convertido en la empresa actual con una red de cientos de clientes y el personal a través de Europa. La pasión que ponemos en nuestro trabajo ha durado más de 20 años. Meeting Packet partner in fiera e oltre una organización ágil es capaz de responder con soluciones oportunas, servicios de calidad para las ferias comerciales, exposiciones y eventos, personal de servicio, servicios de catering y servicios de idiomas y la asistencia de expertos en todas estas ofertas por cortesía y versatilidad.

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1 Fernández M. - Empresas de diseño en Italia - n Ferias - Recuperado de https://www.nferias.com/ diseno-grafico/italia/ 74


Imagen de referencia canales de Venecia Italia DISEÑO EN ITALIA

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VI PUBLICIDAD EN PRODUCTOS

Ilustraciรณn Katia de Conti

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CAPÍTULO VIII DISEÑADORES GRÁFICOS


VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

LEONETTO CAPPIELLO

Padre de la publicidad moderna

D

iseñador cartelista italiano, Nació en Livorno en 1875. Perteneciente al estilo Art Decó, se caracterizó por su estilo “cheretiano”. Llegó a ser uno de los cartelistas e ilustradores más famosos de principios del siglo XX. Sus obras cuelgan en algunos de los museos más importantes del mundo. Todo empezó tras un viaje a París. Capital mundial del Arte. Es de los pocos artistas que no estudió en Academias.1 Estando en París comenzó a trabajar como caricaturista en la revista Le rire, que era una popular revista de sátira social; sus dos primeras caricaturas fueron una de Giacomo Puccini y la segunda del actor italiano Ermete Novelli. Poco a poco comenzó a colaborar en otras publicaciones como Le Figaro y l’Assiette au beurre. En esa época el cartel estaba comenzando a surgir y entre sus máximos exponentes se encontraban Toulouse-Lautrec y Jules Chéret. Este último fue el gran desarrollador del cartel como medio de publicidad y su visión lo hizo crear carteles para muchos diferentes tipos de marcas y de productos desde cabarets y teatros hasta bebidas alcohólicas, jabones, perfumes y chocolates.

1

Profenacob (2016) - cartel publicitario - recuperado de https://profeanacob.wordpress. com/2016/11/25/el-cartel-publicitario-leonetto-cappiello/

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s en los años finales del siglo XIX cuando su estilo que aún mostraba la influencia de los franceses comienza a reflejar los rasgos de alegría en los rostros y actitudes de las mujeres. En entonces donde los carteles toman una soltura y movimiento inexistente en los trabajos de los cartelistas franceses. En 1900, Cappiello, firmó una sociedad con un impresor de apellido Vercasson. Los impresores en aquellos días eran los encargados de encontrar a los clientes y representar a los artistas gráficos, así como de asignarles los trabajos.

Leonetto Cappiello – Cartel para Le Frou Frou (1899)

En 1904, los carteles de Cappiello comenzaron a ser reconocidos por el estilo propio del diseñador gráfico, gracias al cartel que creo para la marca de chocolates Klaus en el que se muestra a una elegante amazona vestida de verde montando un pequeño caballo rojo y que años más tarde para Cinzano el motivo sería mucho más llamativo, agresivo y creativo al mostrar a una figura vestida de blanco sosteniendo en una mano una botella del producto y montada sobre una cebra anaranjada.

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

Leonetto Cappiello cartel para Bitter Campari (1921)

Leonetto Cappiello cartel para Mauri Quina(1920)

Leonetto Cappiello cartel para Pates Baroni(1921)

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Leonetto Cappiello Cartel para Campari(1921) DISEÑO EN ITALIA

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

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ntes del inicio de la I Guerra Mundial Cappiello había revolucionado el arte del cartel al darle una vista más dinámica y acorde con los tiempos. Fondos oscuros con figuras muy dinámicas en colores llamativos. Nada tenían ya que ver los póster publicitarios con aquellos de finales del siglo XIX. Cappiello trabajó como intérprete para las fuerzas italianas, durante la guerra. Al final del conflicto Cappiello regresa a Francia para continuar creando carteles, en esta ocasión con el impresor Devambez. En 1930 obtiene la nacionalidad francesa. Muchos de sus mejores trabajos se dieron entonces, Campari, Dubonnet, el caldo de res KUB, Cognac Monnet y a lo largo de su vida Leonetto Cappiello creo más de 500 carteles y es uno de los cartelistas más importantes en la historia de la publicidad.1 “El cartel debe ser ante todo una experiencia gráfica, Un acto de imposición sobre el caminante o aquel que lo observa. Un cartel bien pensado y bien ejecutado puede en poco tiempo posicionar un producto nuevo o revitalizar a uno viejo u olvidado.” Entrevista radiofónica Cappiello (1939)

1 Enríquez A. (2015) Leonetto Cappiello - The point Recuperado de http://thepoint.com.mx/www/2015/04/20/ leonetto-cappiello-el-padre-del-cartel-publicitario-moderno/#sthash.X5Qt6xCa.KVVBwFhK.dpbs

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Leonetto Cappiello murió en Cannes, Francia el 2 de febrero de 1942 a los 67 años de edad, dejando un gran aporte en el desarrollo de cartel publicitario.

Leonetto Cappiello cartel para Asti Cinzano

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

FORTUNATO DEPERO

Depero futurista

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elacionado con el movimiento futurista italiano, Fortunato Depero fue aprendiz de decorador durante la Esposizione Internationale de Turín en 1910 y un año más tarde decidió convertirse en pintor. Sus primeras obras se relacionaban estilísticamente con el simbolismo y trataban temas sociales. Tras publicar en 1913 Spezzature-Impressioni: Segni e ritmi, una recopilación de su prosa y poesía acompañada de ilustraciones, se trasladó a Roma donde conoció a Filippo Tommaso Marinetti, poeta ideólogo del futurismo. A través de Marinetti, Depero trató con los pintores futuristas, que le influyeron en su interés por el estudio del dinamismo y con los que expuso en la Galleria Permanente Futurista de Roma en el verano de 1914.asta bebidas alcohólicas, jabones, perfumes y chocolates. En 1915 firmó con Giacomo Balla el manifiesto Riconstruzione futurista dell’universo y poco después fue llamado a filas para luchar en la Primera Guerra Mundial. Su débil salud provocó que poco tiempo después fuese licenciado del ejército y pudiese dedicarse de nuevo al arte. A partir de 1916 sus composiciones adquirieron un carácter mecánico que se reflejó también en las escenografías que realizó desde 1916, cuando Serguéi Diághilev le encargó la puesta en escena de Le Chant du rossignol de Igor Stravinsky, que finalmente no llegó a ser representada, y que continuó en 1918 con las grandes marionetas de Balli Plastici en el Teatro dei Piccoli de Roma. 84


Cartel futurista Fortunato Depero

En 1919 fundó la Casa d’Arte Depero y, desde entonces, él y su mujer diseñaron paneles publicitarios y diferentes utensilios para el hogar. Entre 1928 y 1930 residió en Estados Unidos, donde aumentó su dedicación al arte gráfico y la publicidad. A su regreso publicó en 1932 el Manifesto dell’arte publicitaria futurista. Paralelamente continuó cultivando su interés por la pintura y en 1929 firmó el Manifiesto dell’Aeropittura con Balla, Marinetti, Benedetta Capa y otros. A partir de entonces su pintura se centró en la importancia del color, pero perdió parte de su originalidad.1

1 Museo Nacional Thyssen Bonemisza - Fortunato Depero - Recuperado de https://www.museothyssen. org/coleccion/artistas/depero-fortunato DISEÑO EN ITALIA

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

El libro atornillado

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l contenido del este libro atornillado, contiene diferentes obras y desarrollos tipográficos, del siglo pasado. Este libro que pertenecía a Depero, contiene 234 páginas fue publicado en 1927 por la imprenta Mercurio di Rovereto que imprimió algunas copias. En ese momento, los altos costos de producción no permitieron completar la tirada de impresión inicialmente planificada, para una cuota de 2000 ejemplares. El libro puede considerarse una síntesis perfecta del pensamiento futurista e, incluso hoy, demuestra poder transmitir al lector contemporáneo la fascinación por las máquinas y por la modernidad del movimiento marinettiano. Además de numerosas palabras, el libro atornillado ofrece una muestra auténtica de los experimentos tipográficos de principios del siglo XX. Finalmente, un capítulo completo se centra en la fructífera colaboración entre Fortunato Depero y Campari, de la cual nacieron memorables campañas publicitarias.1

1 Silvestrini V. (2017) Depero Futurista “lel libro atornillado” vuelve a imprimirse - recuperado de icon desing https://icondesign.it/products/ fortunato-depero-libro-imbullonato/

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Contenido del libro atornillado Fortunato Depero (1927)

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

Etapas de Depero

• La casa de arte futurista: derivó en un estudio de arte y diseño. Como es bien sabido Depero hacía de todo. produjo diseños para pabellones, montó exposiciones y realizó carteles publicitarios o publicaciones de todo tipo. Muchos de esos trabajos para Campari, que durante muchos años fue su cliente principal. De hecho, un pabellón diseñado por Depero en 1933 sirvió de modelo para el Museo del Aperitivo Campari inaugurado hace solo cuatro años, en 2010.

Commendatore Campari (Depero, 1926) - Museo dell’aperitivo (Mario Botta, 2010)

• Vida en New York: Depero se asentó durante unos años a partir de 1929. La ciudad le inspiró algunas de sus pinturas más dinámicamente futuristas, un poco a lo Balla y aquí en sus versiones monocromas en gris-sepia (normalmente utilizó tinta china y tempera). Pero francamente lo más chocante fueron sus portadas para Vanity Fair, Vogue y Spark. 88


Por el tipo de ilustración y pensaba que sorprendería muchísimo en los Estados Unidos, pero no fue así. Justo en 1930 el Art Deco era el estilo dominante en el diseño y la arquitectura de las grandes ciudades americanas y el futurismo ya maduro de Depero venía a ser una vuelta de tuerca en un ambiente muy favorable a la figuración geométrica. Lo cual no impide que sean estupendas.

New York (Depero, 1930)

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

• Regreso a Italia: Es la segunda guerra mundial y Depero recibe encargos del partido fascista, sin serlo, se tenía la tendencia de relacionarlos directamente, así como los colegas contemporáneos en Rusia, con el constructivismo. A diferencia de ellos, Depero se saltó esos niveles, en vez de representar la calle en los museos, prefirió salir a la calle, a transformar el día a día de las personas. Y aunque eso ni justifica una peripecia política ni justificaría su (magnífica) obra, hace que sea recordado por ser diferente.1

1 Costa J. (2014) - Fortunato Depero un futurista en la calle recuperado de el diario.es https://www.eldiario.es/cultura/arte/Fortunato-Depero-futurista-calle_0_314618790.html

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

MASSIMO VIGNELLI

El hombre que hizo el mapa del metro de New York

F

ue un importante y afamado diseñador gráfico e industrial italiano del siglo XX. Trabajó en varios trabajos importantes de diseño de muebles, diseño de salas de exposición y diseño de almacenes. Creó su propia firma, Vignelli Associates, junto con su esposa. Basó su obra en el modernismo y simplicidad, que se manifiesta a través de su gusto por el uso de diseño geométricos.

Nació el 10 de enero de 1931, en Milán. Asistió a una escuela de en Brera, antes de obtener su título de arquitectura en la universidad porno de Milán. Durante los años 1953 y 1957, asistió también a la Escuela de Arquitectura en la universidad de Venecia. En los comienzos de su carrera profesional, su área de especialización será el diseño gráfico para la creación de productos e identidades corporativas. A finales de la década de 1950, obtuvo una beca para estudiar en Estados Unidos, concretamente en Towle Silversmiths, Massachusetts y en el Instituto de diseño de Chicago.

“la vida del diseñador es una vida de lucha, una lucha contra la fealdad” Vignelli

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El calendario Stendig, creado por Vignelli, edición 2020

El 27 de mayo del 2014 murió, dejando a su paso grandes trabajos como la construcción del mapa del metro New York y el logo de American Airlines, tras luchar por algun tiempo, contra una grave enfermedad. Trabajó codo a codo con su esposa, fundando diferentes agencias a lo largo de su vida. Vignelli fue cofundador de la empresa de diseño Unimark International en 1964, que se especializó en identidades corporativas hasta su cierra. En esos tiempos trabajó con grandes empresas como Ford, IBM, etc, entre otras muchas compañías internacionales. No

fue hasta 2013, que la empresa American Airlines decidió cambiar el diseño que Vignelli había creado, en un cambio rodeado de mucha controversia. Varios años después de trabajar con American Airlines, Vignelli llegó a diseñar uno de los mapas más icónicos, importantes y controvertidos ideados jamás: el diseño de las vías del metro de Nueva York, su mayor obra hasta la fecha. Sin embargo, dicho mapa no era un mapa, sino que eran representaciones destinadas a que las rutas y paradas fueran mucho más fáciles de entender.

Izquierda, logo diseñado por Vignelli, derecha, Re-diseño de 2013 DISEÑO EN ITALIA

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

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En 1972, Vignelli diseñó un mapa del metro de Nueva York, junto con su sistema de señalización, para el complejo sistema que supone una red de metro para una ciudad de este calado. Un diseño colorido y basado en ángulos rectos, que influyó directamente a la ciudad. En el año 1979, la ciudad decidió reemplazarla por otra más nueva geográficamente. Sin embargo, dentro de la comunidad de diseñadores, siempre se ha considerado el diseño de Vignelli como el mejor. Vignelli, que fue un verdadero modernista, creía en la simplicidad para sus diseños, y en la cuadrícula como base fundamental del diseño gráfico. No hay diseño suyo en el que esto no sea vea claro, y el Calendario Stendig es un buen ejemplo de ello. Diseñado en 1966.

Mapa metro de New York

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

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elvética es probablemente la tipografía más famosa del planeta. Diseñada por el diseñador italiano Massimo Vignelli, esta tipografía clásica se ha utilizado en todas partes desde su nacimiento en la década de 1950 hasta nuestros días. Su tremenda popularidad puede atribuirse al hecho de que todavía para una tipografía moderna, versátil y confiable. Hay pocos diseñadores que pueden afirmar que su trabajo haya afectado directamente a más de un millón de personas diariamente. Massimo Vignelli puede considerarse uno de los pocos que sí han tenido semejante influencia. Sin duda una mente prodigiosa que marcó historia dentro del diseño gráfico gracias a sus creaciones, que a día de hoy todavía siguen teniendo una influencia enorme dentro de nuestra sociedad. Muchas de sus tipografías, como Helvética, se siguen usando a día de hoy, y no indicios que indiquen que eso vaya a cambiar. Una mente que se adelantó al futuro.1

1 Víctor F. (2019) - ¿Quién fue Massimo Vignelli - recuperado de vgnelli http://www.vignelli.com/

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Póster de Helvética, por Vegnelli


Especimen tipografíco de Helvética neue, variación de Helvética por Clement Thorez

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

GIOVANI PINTORI

El hombre que con soluciones visuales

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ue un diseñador gráfico italiano conocido principalmente por su trabajo publicitario con Olivetti. Es conocido por su uso de formas geométricas y estilo minimalista en sus carteles publicitarios, específicamente sus carteles para Lettera 22 y el logotipo de Olivetti. Nacido el 14 de julio de 1912 en Tresnuraghes, en la isla Cerdeña, su padre era trabajador lechero su madre ama de casa. Hasta 1930, Pintori vivió en Cerdeña y encontró trabajo como mecanógrafo a partir de 1927. Fue durante su tiempo como mecanógrafo que frecuentaba una galería propiedad del fotógrafo Piero Pirari. Pirari sugirió que Pintori solicitara una beca para el Instituto Superior de Industrias Artísticas (ISIA), al que comenzó a asistir en 1930 después de recibir la beca. Durante su tiempo en ISIA, Pintori estudió con Elio Palazzo, director de ISIA y profesor de geometría descriptiva. Al graduarse en 1936, Pintori fue a trabajar para Olivetti, una empresa de máquinas de escribir italiana fundada en 1908. Trabajó en el departamento de publicidad antes de convertirse en director de arte en 1950. Fue durante su tiempo con Olivetti que Pintori apareció por primera vez en su trabajo.

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Giovanni Pintori Olivetti elettrosumma 22 , 1956

Recibió muchos premios mientras trabajaba en Olivetti, incluido el Palma d’Oro de 1950 de la Federación Italiana de Publicidad y Certificación en Excelencia de Artes Gráficas de la Asociación de Diseño Gráfico Americano. Además de su trabajo en el Museo de Arte Moderno, también tuvo exhibiciones en Londres y el Louvre en París.1

1 Giovanni Pintori rescatado de https://peoplepill.com/people/giovanni-pintori/ DISEÑO EN ITALIA

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

Pintori decidió abandonar Olivetti en 1967, 7 años después de la muerte de Adriano Olivetti, debido a las diferencias con la nueva administración de la compañía. Fue aquí donde comenzó a trabajar como diseñador independiente fuera de Milán, abriendo su propio estudio. Continuó haciendo trabajo independiente para Olivetti, pero también trabajó con muchas otras compañías en el área de Milán. Su trabajo incluyó diseños para revistas y libros, y la campaña de 1980 para la empresa de logística Mezzario SpA, que sería su último trabajo publicitario antes de su muerte. Trabajaría en diseño hasta que terminara la campaña Mezzario, cuando comenzara a pintar exclusivamente. Si bien sus pinturas aparecen en algunos de sus trabajos para agencias de publicidad a lo largo de su carrera, dejó de usar el diseño gráfico en su trabajo e incorporó muchas imágenes de movimiento perpetuo en su trabajo, Sin embargo, muchas de las obras pintadas posteriores de Pintori son poco conocidas, ya que mantuvo su trabajo bastante privado. Pintori solo tuvo una exhibición pública de pinturas, en 1981 en Milán.

El estilo de Pintori es más comúnmente reconocido por su uso de colores y formas geométricas, junto con un estilo minimalista. Muchos de sus diseños giraron en torno a objetos simplificados en lugar de una reproducción directa de un objeto. Esto significaba que podía representar claramente los productos en su publicidad con imágenes fuertes y colores básicos. Los últimos años de Pintori más allá de trabajar en Olivetti lo llevaron a un trabajo independiente, que comenzó cuando todavía era director de arte durante la década de 1950. Dejó Olivetti en 1967 y abrió su propio estudio en Milán, Italia, donde continuó haciendo trabajos de diseño independiente. Comenzó a trabajar exclusivamente en pintura en 1983 después de “desilusionarse” con el diseño gráfico moderno. Permanecería en Milán hasta su muerte el 15 de noviembre de 1999, a la edad de 87 años.

Giovanni Pintori, carpeta de ventas de la máquina de escribir 82 Diaspron, 1959. Olivetti

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Diferentes posters publicitarios para Olivetti por Giovanni Pintori

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

FRANCO GRIGNAN

Un diseñador que experimentaba

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ue un diseñador gráfico italiano fue un arquitecto, diseñador gráfico y artista italiano. Es mejor conocido por los gráficos en blanco y negro, en particular el logotipo de Woolmark , que fue votado como “Mejor logotipo de todos los tiempos” por Creative Review Magazine en 2011. Sorprendentemente, muchas de sus reflexiones siguen siendo muy contemporáneas. Al igual que el diseñador gráfico suizo Rolf Rappaz, su práctica de diseño gráfico se llevó a cabo en paralelo con una práctica artística intensa.

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En los años 70 produjo y recopiló documentación detallada de su trabajo que tuvo una gran influencia en el arte gráfico internacional. En ese momento, muchas publicaciones presentaron su trabajo. Sus obras de arte y obras experimentales todavía se encuentran en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Stedelijk en Amsterdam, el Museo de Arte Moderno de Varsovia y el Museo Victoria and Albert de Londres. Se han realizado numerosas exposiciones personales en Italia y otros países. La evolución constante de su trabajo gráfico, su pintura, así como la coherencia de su método, siempre han despertado un gran interés entre los jóvenes diseñadores gráficos, ¡comenzando por nosotros!.

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

G

rignan en algum momento dijo “He hecho todo lo posible para resistir todos los factores externos y he tratado de ampliar el alcance de mi propia actividad al obligarme a un trabajo experimental que a menudo invade los campos científicos de la filosofía y la física. Es solo a través de la fusión de diversos elementos tanto como la decantación y la contaminación, que el arte gráfico completará su evolución a través de nuevas formas y expresiones.”

La urgencia condiciona la calidad, los límites impuestos por el sujeto ralentizan el espíritu creativo, también existe la coherencia del estilo, todos estos obstáculos dificultan el carácter individual del diseñador gráfico

“La marcada tendencia que siento por los experimentos, o mejor, mi inclinación por las ciencias de la imaginación, probablemente proviene de mi formación como arquitecto. No limité mi actividad experimental a un marco matemático rígido, por el contrario, fui lo más lejos posible más allá de este límite. Como ejemplo, puedo citar mis experiencias con distorsiones ópticas y tensiones estructurales.” El ojo humano “ve” a través de las emociones y las sugerencias, por lo que la geometría plana o una composición equilibrada son demasiado lógicas para tener la fuerza necesaria para desencadenar la reacción del ojo. La mayoría de las veces, vemos anuncios junto a otros carteles, naturalmente, esta promiscuidad requiere que cada cartel publicitario tenga su propia autonomía física de expresión, y por “autonomía”, me refiero a la posesión de este valor traumático que captura instantáneamente la mirada del espectador y le hace sentir cierta vergüenza de percepción, una irregularidad creada por tensiones.

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Franco Grignani, Dissociazione dal bordo, 1969

La frase más celebre y que siempre recordaba Grignal es “el diseño gráfico tiene poder”

1952 Franco Grignani,

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A

través de la reproducción mecánica y la difusión, el arte gráfico se ha convertido en el medio más importante de comunicación y propagación de la cultura. Todos los días, hojeando un periódico o una revista, o mirando una fila de carteles en las paredes, consciente o inconscientemente, recibimos mensajes. El diseñador gráfico representa un poder fundamental en el mundo. Vierte “cultura” en la calle, la distribuye al hombre de la calle y le permite asimilar la comunicación.

El periodo fluido en mi investigación se limitó a crear imágenes indefinidas o signos muy vagos, para despertar la observación y el espíritu creativo. Luego, este estudio cambió a imágenes incompletas (completadas mediante recortes fotográficos) que, por su “contenido” de información, tenían la intención de estimular el proceso de pensamiento. 1

Franco Grignani, poster “gráfica cinetica”

1 (2013) Franco Grignani - rescatado de graphéine https://www.grapheine. com/en/history-of-graphic-design/graphic-designer-franco-grignani

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Franco Grignani, serigrafía para Pirelli

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ALBE STEINER

En búsqueda de la claridad y legibilidad del lenguaje visual

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ació en 1913 en Milán. Comenzó su trabajo como artista gráfico en 1939 cuando aún no existía como actividad. Después de la Liberazione italiana, trabajó para la edición y el arreglo gráfico de “Politecnico” y “Milano Sera”.

Su carrera lo lleva a México en el período comprendido entre 1946 y 1948, donde se muda junto con su familia y Hannes Meyer, ex director de la Bauhaus;1 los dos participan en la campaña nacional dirigida a mejorar y ampliar la educación. En 1948, regresa a Milán, donde comienza a enseñar en el ConvittoScuoladellaRinascita. Durante este tiempo continúa su trabajo como diseñador gráfico colaborando con numerosas revistas (Domus, Metron, Edilizia moderna), las editoriales italianas más importantes (Feltrinelli, Einaudi, Zanichelli), muchos periódicos de izquierda (l’Unità, Il Contemporaneo, Vie Nuove, Rinascita, Movimento operaio, Rivista storica del socialismo, Studi storici, Tempi moderni, Problemi del socialismo, L’Erba voglio, Mondo Operaio, Italia contemporanea) y algunas corporaciones (Pirelli, Olivetti).2

1 Bauhaus era una escuela alemana de diseño que reunia artistas , artesanos y diseñadores de diferentes áreas. 2 Albe Steiner - recuperado del Museo del marchio italiano http://www.museodelmarchioitaliano.com/route4/albe-steiner.php

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Anuncio por Albe Steiner, 1941

En el período comprendido entre 1950 y 1954 se convierte en director de arte de Rinascente, y será uno de los promotores de la exposición que inspirará el premio “Compassod’Oro” (Golden Compass). Durante estos años también es profesor en la sociedad humanitaria de Milán; También impartirá cursos en la Universidad de Venecia, en el ISIA de Urbino y en los institutos de arte de Parma, Roma y Florencia. El año 1963 ve el nacimiento del primer “supermercado sin servicio” (que se conocerá como COOP en los años siguientes) en Reggio-Emilia, y Steiner será designado para diseñar su primer logotipo. Trabaja junto con organismos e instituciones gubernamentales como Rai, el Teatro Piccolo, la Triennale di Milano, la Tetropopolareitaliano, Italia ‘61, la Bienal de Venezuela. Es miembro fundador de la Asociación de Diseño Industrial,

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

Anuncio por Albe Steiner

Colabora con organismos e instituciones culturales como Rai, el Teatro Piccolo, la Trienal de Milán, el teatro popular italiano, Italia ‘61, la Bienal de Venecia. Junto con el arquitecto Lodovico di Belgioioso diseñó el primer museo en el Deportado político y racial de Carpi. El museo, aún abierto, fue inaugurado en 1973. Fue miembro fundador de la Asociación de Diseño Industrial y miembro de AGI Alliance Graphique Internationale y del Centro Internacional de Artes Tipográficas.

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Logos hechos por Albe Steiner

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Albe Steiner y su Lica entre 1973 y 1974

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u diseño para formar, contenido y color crea una sensación tridimensional. Todo se ve perfecto a pesar de que no había photoshop en ese momento. En el congreso de AGI en Polonia, mostró imágenes y textos escritos con amor para ser una herramienta de aprendizaje, comprensión y apreciación sobre el diseño. Murió repentinamente en Sicilia el 17 de agosto de 1974. En su tumba en Mergozzo, un bloque de granito lleva la inscripción “Albe Steiner, partisano”. Su actividad intelectual y gráfica es continuada por su esposa Lica, una compañera de arte y vida, quien murió en 2008, por su hija Anna y por su yerno Franco Origoni.1

Tres institutos profesionales estatales fueron nombrados en su honor, en Milán, Turín y Rávena.

1 Sadha A. (2011) Pensando en Albe Steiner recuperado de Thinin form https://thinkingform.nyc/2011/11/15/thinking-albe-steiner-11-15-1913/ DISEÑO EN ITALIA

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VIII DISEÑADORES GRÁFICOS

ARMANDO TESTA

Un diseñador que se convirtió en marca

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n diseñador, de los pocos en esta lista de autores gráficos italianos, que tuvo la visión de dejar más que su trabajo personal para el futuro publicitario de su país. Massimo Vignelli también generó escuelas y agencias, pero su trabajo fue de más relevante en los Estados Unidos, mientras que Testa, dejó un gran legado en Italia, que proporciona actualmente oportunidades de desarrollo intelectual en el ambiente creativo y opciones laborales para muchos.

Publicidad para Pirelli 1950, por Armando Testa

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rmando Testa (23 de marzo de 1917 20 de marzo de 1992) fue un diseñador gráfico, dibujante, animador y pintor italiano.

Nacido en Turín, Testa trabajó como maquinista hasta los 20 años. Fue iniciado en la carrera artística por el pintor abstracto Ezio D’Errico, quien fue uno de sus profesores en la Escuela de Impresión Vigliardi-Paravia a la que asistió. Después de ganar un concurso de diseño de carteles en 1937, comenzó a trabajar en la industria publicitaria, y en 1946 abandonó su trabajo como impresor y abrió un estudio gráfico en su ciudad natal. En 1956, fundó Studio Armando Testa junto con su esposa, Lidia, y el asociado Franco de Barberis, y su estudio pronto se convirtió en una de las agencias más grandes de Italia, en asociación con Benton & Bowlesen los Estados Unidos y estableciendo varias sucursales en toda Europa. Un papel clave en el éxito de Testa tuvo comerciales de televisión, particularmente los creados para Carosello . En 1959 creó el logotipo oficial de los Juegos Olímpicos de Verano de 1960 . Los clientes de Studio Armando Testa incluyen Nestlé , Lavazza y Barilla .

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Utilizaba en sus diseños, las combinaciones metafísicas para transportar verdades elementales referidas al tema, de manera que fuera efectiva la comunicación visual que representaba.

Publicidad para Carpano por Armando Testa

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Carteles publicitarios por Armando Testa

A partir de mediados de la década de 1980, Testa se centró en la pintura y en el diseño de carteles para campañas culturales y sociales. En 1985 fue nombrado laureado de honor en Fort Collins , Colorado. Como lo mencionamos al inicio de esta sección, Testa desde muy temprano abrió su propia agencia de diseño con su nombre como marca, al punto de convertirse en la más importante de Italia a la fecha. En su página oficial ponen el siguiente enunciado como referencia de su trabajo y trayectoria en el mercado:

Armando Testa es el grupo de comunicación italiano más grande del mundo, con oficinas en Turín, Milán, 14 oficinas en Europa y Los Ángeles. Nos han enloquecido las ideas desde 1946. Siempre agregamos una visión estratégica precisa a la creatividad. Nuestra capacidad es reconocida en las industrias automotriz, de estilo de vida, moda, distribución a gran escala, alimentos y farmacéutica. Logo de la agencia Armando Testa, creado por él mismo.

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BRUNO MUNARI

El diseño como soluciónde necesidades y problemas

El cliente principal del Diseñador es la industria. El Diseño resuelve las necesidades y problemas que detecta la industria.

“Hay que detectar y evitar las ocasiones en que la industria inventa necesidades falsas para vender nuevos productos.” Bruno Munari

Bruno Munari As art 1966

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runo Munari nació en Milán el 24 de octubre de 1907, pero a la edad de seis años se fue a vivir a Badia Palestine, una pequeña ciudad del norte de Italia situada en la provincia de Rovigo en la que sus padres gestionaban un albergue. Allí pasó la mayor parte de su infancia y adolescencia. En 1925, con 18 años, vuelve a Milán y comienza a trabajar con su tío ingeniero. En 1926 publica sus primeras creaciones en revistas de la época. Eran firmadas como bum, porque en esos tiempos Munari se hacía llamar así. En este mismo año, entró en contacto con el movimiento futurista y, entre 1927 y 1933, participó en las exposiciones colectivas de la Galería Pesaro, así como en las Bienales y Cuadrienales de los años treinta

Munari y el futurismo

El futurismo es un movimiento de las corrientes de vanguardia artísticas, fundada en Italia por Filippo Tommaso Marinetti. Sus ideas se basan en rechazar la estética tradicional e intentar ensalzar la vida contemporánea, basándose en dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. De este modo, recurría a cualquier medio expresivo capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir un nuevo orden en el mundo. En 1930, realiza la estructura que se considera como el “primer móvil” de la historia del arte, denomi-

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nado Máquina Aérea, que Munari replantea en 1972 y del cual diseña 10 ejemplares para las ediciones Danese de Milán. En 1933, otra de sus aportaciones al futurismo son las llamadas «Máquinas Inútiles» (Macchine inutili), sobre las que prosigue la investigación de obras de arte en movimiento, unos objetos suspendidos donde todos los elementos están en una relación armónica entre sí por sus medidas, formas y pesos. Durante estos años, expuso junto a Marinetti en varias muestras. Ese mismo año, durante un viaje a París, conoce a Louis Aragon y André Breton.


Máquina inútil de Bruno Munari, 1951

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En 1938, comenzó a colaborar con el pintor Ricardo Ricas Castagnedi, con quien trabajó como diseñador gráfico. Con él abre el estudio gráfico donde trabaja con el grabado y experimenta técnicas innovadoras. “El mayor obstáculo para apreciar una obra de arte es tratar de entenderla” Bruno Munari

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Autor de libros infantiles

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esde 1939 a 1945 trabajó como director artístico de la Revista Tempo, y como diseñador gráfico en la editorial Mondadori. En esta época comienza a leer cuentos para su hijo Alberto, pero encontró un problema: los libros infantiles eran aburridos, apagados y sin sorpresas para el lector. Decidió aplicar su creatividad y así surgieron una serie de libros que despliegan el espacio interno, rompiendo con su estructura clásica. Los probó con su hijo, y al poco tiempo fueron publicadas las primeras ediciones en la editorial Mondadori. También fue un precursor de ediciones para la primera infancia, y diseñó los Pre-Libro: textos para primeros lectores basados en la exploración sensorial. El resultado fue todo un éxito marcando una tendencia Tienen el objetivo de promover la pintura no figurativa, y, concretamente, aquella predominantemente geométrica. Este movimiento sirve como punto de encuentro entre las muestras abstractas italianas en una prospección de «síntesis de las artes», en el sentido de incorporar a la pintura tradicional nuevos instrumentos de comunicación y de demostrar la posibilidad de una fusión entre arte y técnica. Portadas de cuentos por Bruno Munari

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partir de los 50 realiza numerosos trabajos en los que se mezclan diferentes disciplinas. Sus investigaciones visuales lo llevan a crear los Negativos-Positivos. Es en 1951 cuando presenta las Máquinas Arrítmicas en las que el movimiento repetitivo de la máquina se interrumpe mediante intervenciones humorísticas. Más tarde, en 1953 presenta Il mare come artigiano (El mar como artesano) una investigación realizada a partir de la recuperación de objetos modificados por el mar. En el 58 crea el lenguaje de señas por medio de Forchette parlanti (tenedores parlantes), y en 1959 crea «Fósiles del 2000», una reflexión sobre la obsolescencia de la tecnología moderna. Munari nos brindó la colección de Máquinas inútiles (1948), Libros ilegibles (1950) y Objetos encontrados (1951).

Contenido de cuentos por Bruno Munari

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Iluatraciones de cuentos por Bruno Munari

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Los 60 y la influencia de Japón en su obra

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a década de los 60 es una época de rápidas transformaciones para el diseño gráfico, que apenas había empezado a profesionalizarse y ya debía abordar cuestiones fundamentales como la relación entre arte y diseño o entre artesanía e industria. Fue en esta época cuando Munari planteó un profundo cambio de marco al tratar de superar el academicismo y su binomio bello/ feo y abogar, en cambio, por los principios de coherencia formal y funcional y el binomio acertado/erróneo. Los elementos de coherencia formal y funcional y el binomio acertado/erróneo. Los elementos de esa transformación se tradujeron en una nueva aproximación a los principios, leyes y posibles realizaciones del diseño gráfico, y a una oportuna reflexión sobre las metodologías didácticas de la comunicación visual. Es en esta década cuando comienza a viajar con frecuencia a Japón. En la cultura japonesa encuentra retroalimentaciones precisas en su interés por el espíritu zen. Queda fascinado por la belleza y la simplicidad de formas de la cultura. En 1965 diseña en Tokio la Fontanna a cinque gocce. También durante esta década realiza algunas experimentaciones cinematográficas con el filme I colori ella luce (Los colores de la luz); “Inox”, “Moire”, Tempo nel Tempo, Scatto Matto (Jaquemate), Sulle scale mobili (sobre las escaleras eléctricas) … Junto a Marcello Piccardo y a sus cinco hijos en Cardina, sobre la colina de Monteolimpino, entre 1962 y 1972, realizó películas cinematográficas de vanguardia.

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Una meta de toda una vida

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urante toda su vida, Bruno Munari tuvo una meta: la búsqueda de formas de simplificar y calificar el proceso del diseño, llegando a apostar por una educación en el diseño que comenzara en las guarderías. En 1971, con una edad madura, Bruno Munari ya había superado con creces su etapa creativa más productiva y se centró en los contenidos de tipo más didáctico para alcanzar este fin. En estos años, se centró en temas relacionados con la didáctica, la psicología y la pedagogía. Fue en esta etapa donde comenzó a volcar todos sus conocimientos sobre el papel, y publicó varios libros que hoy en día se estudian en las escuelas de arte y diseño. Además de escribirlos, como

buen diseñador, participaba de manera directa en su configuración y diseño. Es en este periodo cuando escribe Artista y diseñador. En este libro el maestro Munari analiza la dialéctica, siempre manifiesta entre ambos campos. Con suma claridad, se adentra en el lenguaje visual creado por esos dos universos -el del arte y el del diseño- que a menudo confluyen y se entrelazan, pero que en otras ocasiones se distancian y se ignoran. También en estos años lanza Fantasía, donde se presentan algunos de los secretos de la invención y la imaginación -que junto a la fantasía-, se configuran como tres capacidades básicas que hoy englobaríamos bajo el término de creatividad.

“Cuando alguien dice: esto también yo lo sé hacer, significa que sabe hacer de nuevo, de lo contrario lo hubiera hecho antes.” Bruno Munari

Bruno Munari 1954

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Plus y Minus juego visual diseñado por Bruno Munari y Giovanni Belgrano.

Plus y Minus es un juego visual maravillosamente inventivo e imaginativo creado por los maestros italianos Bruno Munari y Giovanni Belgrano Se compone de 72 tarjetas, con 48 transparentes que se pueden superponer para componer imágenes complejas y estimular la creatividad de un niño. Al superponer imágenes de árboles, puede crear una madera. Al agregar algo de lluvia, el sol o la luna, o algunas aves, un perro que pasa, o lo que sea, la imagen general se puede cambiar continuamente.

En el campo teórico, Munari contribuyó con sus fundamentos sobre el proceso del diseño. Magistralmente nos explicó Cómo nacen los objetos (1983), un libro donde el milanés demostraba cómo el hecho de diseñar una marca, un catálogo o un cartel es tan sencillo como cocinar, siempre que se siga un método u orden lógico en el proceso. En los últimos años de su vida la creatividad no desaparece y realiza diversos ciclos de óperas: las esculturas de «Filipesi» (1981), las composiciones gráficas de los nombres de amigos y coleccionistas (desde 1982), los Rotori (1989), las estructuras Alta Tensione (1990), entre muchas otras. DISEÑO EN ITALIA

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Un legado literario

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pesar de que Munari comenzó a volcar sus conocimientos sobre el papel al final de su brillante carrera como diseñador, su obra literaria se extiende a lo largo de toda su carrera. Con su trabajo y experiencia, mezclados con una gran genialidad, ha regalado al mundo libros artísticos, libros infantiles, manuales, ensayos técnicos, textos escolares, cartillas publicitarias. Una amplia obra literaria con contenidos para todos los públicos: desde niños hasta profesionales del diseño, pasando por estudiantes universitarios y recién licenciados.

Páginas de contenido libro: Diseño y comunicación visual por Bruno Munari

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Las obras de Munari están basadas en una experimentación exhaustiva, fruto de sus muchos años de trabajo. Bruno Munari explica lo que observa, y comparte sus logros e investigaciones. Este fuerte impulso experimental lo lleva a explorar formas innovadoras e insólitas. La lista adjuntada a continuación contiene una parte referencial de la amplia obra literaria del diseñador italiano.

Desing As Art por Bruno Munari

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ras padecer una larga enfermedad, falleció el 30 de septiembre de 1998 a los 90 años en su Milán natal. Su figura es recordada como la de pionero del diseño industrial y como la de un protagonista irónico y sonriente de la vanguardia artística y de la vida cultural italiana a lo largo de más de 60 años. En su vida como diseñador ha sido reconocido con diversos galardones como el premio Andersen al mejor autor de cuentos para niños o el Premio Lego en 1986 por sus contribuciones excepcionales en el desarrollo de la creatividad en los más pequeños. Responder a la pregunta de ¿quién fue Bruno Munari? No es tarea fácil. Sus condiciones de artista multidisciplinar lo convierten, sin duda, en una de las referencias mundiales del arte del siglo XX.1

1 Proporcionado por Colomer C (2020) de gráffica https://graffica.info/bruno-munari-una-vida-dearte-y-diseno/ DISEÑO EN ITALIA

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ASTRID STAVRO

Una diseñadora multi-disciplinaria

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strid Stavro una de las diseñadores que más prestigio y reconocimiento tiene por su peculiar diseño y enfoque que combina ideas, tipografía y arte. La sólida experiencia de Stavro –que desarrolla desde la consultoría de diseño Atlas, Premio Gràffica 2016– abarca identidades de marca, libros, revistas, exposiciones y packaging para clientes conocidos, entre ellos Phaidon, Camper, The National Portrait Gallery, Laurence King, revista Elephant, el Museo Reina Sofía, la Fundación Miró, Lars Müller Publishers y el Museo del Diseño de Barcelona.

“Me siento orgullosa de haber sido invitada a ser socia de Pentagram –comenta Astrid Stavro–.Durante mucho tiempo admiré su trabajo y su incansable pasión por el diseño atemporal y significativo”.

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Sus clientes abarcan los mundos culturales y comerciales, y su trabajo abarca identidad de marca, diseño editorial y de exhibición, así como sistemas de orientación y empaque. Lideró el célebre rediseño de la revista de arte y cultura Elephant, con sede en Londres, donde fue directora de arte y editora colaboradora de 20132017. También creó la identidad para el Museo del Diseño de Barcelona y la marca de ropa masculina Jijibaba para Jasper Morrison y Jaime Hayon. Los clientes recientes también incluyen a Tate, Phaidon, Camper, McKinsey & Company, AB InBev, Fedrigoni, revista Port, Laurence King Publishing, The National Portrait Gallery, Museo Reina Sofía, Mahou San Miguel, la Fundación Miró, Cahiers du Cinéma y la revista Wallpaper.

Astrid, miembro de Alliance Graphique Internationale (AGI), la asociación de diseño más prestigiosa del mundo, crea el trabajo que «traspasa los límites de nuestra disciplina, creando soluciones de diseño significativas y duraderas con un propósito y valor reales», según afirmó Angus Hyland, el también socio de Pentagrama. Además, Stavro da conferencias por todo el mundo y ha presidido y juzgado numerosas competiciones de diseño. Su trabajo ha sido reconocido con más de 200 premios creativos, incluido el Art Directors Club de Nueva York, la Society of Publication Designers, D&AD, el Type Directors Club de New York y la Society of Typographic Designers. “Estoy encantada de que Astrid nos acompañe en Pentagram, su trabajo es hermoso e increíblemente estimulante. Espero poder presenciar de primera mano todas las cosas maravillosas que creará bajo nuestro techo”, concluyó Marina Willer, socia de Pentagram.1

“Una de las cosas que me entusiasma es la cultura única de Pentagram, la experiencia compartida y el conocimiento de los socios pasados ​​ y presentes”, enfatiza la diseñadora.

1 Información proporcionada por Pentagram https://www.pentagram.com/about/astrid-stavro DISEÑO EN ITALIA

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Nacido en Trieste, Italia, Stavro habla cinco idiomas y ha vivido en Italia, España, los Países Bajos, los Estados Unidos y el Reino Unido. Estudió diseño gráfico en Central Saint Martins College of Art & Design (BA) y Royal College of Art (MA), graduándose con distinción en ambas universidades. Stavro dirigió su propio estudio en Barcelona durante diez años, y en 2013 cofundó la consultora de marca y diseño Atlas con Pablo Martín.

Proyectos

Cartele para promocionar el Concurso Internacional de Piano Maria Canals. Son dos carteles y ambos funcionan como calendarios visuales, destacando las fechas más importantes de la competencia. El cartel gris usa teclas de piano para representar las fechas importantes de la competencia: hay muchas teclas en la primera línea y disminuyen progresivamente hasta el día en que se declara al ganador de la competencia una sola tecla de piano por sí sola.

Cartel para Concurso Internacional de Piano Maria año (2007 - 2008)

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Tres guías diseñadas y producidas para celebrar el Congreso AGI Barcelona como un regalo para los miembros de AGI que asisten al Congreso. “B” significa Edificio, una guía sobre la arquitectura de Barcelona. “C” significa Carácter, un ensayo escrito por Andreu Balius sobre el sistema modular SuperVeloz utilizado para la identidad del Congreso AGI y el Abierto AGI. “N” significa Red, una serie de textos escritos por miembros internacionales de AGI que recomiendan sus lugares favoritos en la ciudad. Cuando se colocan uno al lado del otro, los títulos dicen “BCN”, el acrónimo de Barcelona. Con Pablo Martín, Mario Eskenazi, Andreu Balius y Patrick Thomas

Guías del congreso AGI BCN Catálogo (2011) DISEÑO EN ITALIA

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Mercé Rodoreda Espejo de lenguas Catálogo año ( 2009)

El catálogo de una exposición basada en la traducción de The Time of Doves de Rodoreda a diferentes idiomas ha sido diseñado en un formato que evoca la naturaleza transitada de las palabras de Rodoreda. Evitando el formato de libro tradicional de quedarse en casa, el catálogo está diseñado como un paquete de once postales, cada una con una traducción de idioma diferente del párrafo inicial de The Time of Doves. Cada tarjeta está codificada por colores para diferenciar los idiomas y relacionarse con un cuadro que desglosa la distribución de las traducciones del trabajo de Rodoreda en todo el mundo. Cada postal está colocada en una fuente que refleja el idioma de un país, por ejemplo Didot para Francia y Baskerville para el Reino Unido. También hay un póster desplegable A2 con portadas de cuarenta y ocho ediciones de novelas de Rodoreda en diferentes idiomas desde la década de 1960 hasta ahora.

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Los premios C de C se dividieron en segmentos de mercado y se juzgaron en dos categorías principales: Ideas y Ejecución. Fuimos llamados a diseñar una publicación anual que reflejara claramente esta idea nueva y pionera. Para reflejar el concepto sobre la ejecución y la sustancia sobre el estilo, reproducimos las entradas en la sección Ideas usando solo versiones dibujadas a mano del trabajo. Los bocetos a lápiz siguen siendo un elemento básico del proceso de desarrollo de conceptos y argumentos en todo, desde productos y diseño gráfico hasta publicidad clásica. El trabajo debe ser juzgado por su contenido y no por su aspecto. Las entradas en Ejecución se reproducen a todo color y utilizan técnicas especiales de impresión en papel recubierto para mejorar las cualidades del trabajo. Ilustraciones de Joan Chito y Llorenç PB.

Anual de publicidad Española Libro año ( 2011)

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APÉNDICE

Metodología proyectual por Bruno Munari

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ay personas que frente al hecho de tener que observar reglas para hacer un proyecto, se sienten bloqueadas en su creatividad. ¿En qué queda entonces la personalidad?, se preguntan. ¿Nos estamos volviendo todos locos? ¿Todos robots? ¿Todos nivelados, todos iguales?, y empiezan desde cero a reconstruir la experiencia necesaria para proyectar bien. Les costará bastante llegar a entender que algunas cosas hay que hacerlas primero y otras después. Malgastarán mucho tiempo en corregir los errores que no habrían cometido de haber seguido un método proyectual ya experimentado. Creatividad no quiere decir improvisación sin método: de esta forma sólo se genera confusión y los jóvenes se hacen ilusiones de ser artistas libres e independientes. La serie de operaciones del método proyectual obedece a valores objetivos que se convierten en instrumentos operativos en manos de proyectistas creativos. ¿Cómo se reconocen los valores objetivos? Son valores reconocidos por todos como tales. Por ejemplo, si yo afirmo que mezclando el color amarillo limón con el azul turquesa, se obtiene un verde, tanto si se emplean pinturas al temple, al óleo o acrílicas, como rotuladores, o pasteles; estoy afirmando un valor objetivo. No se puede decir: para mí el verde se consigue mezclando el rojo con el ma-

rrón. En este caso sale un rojo sucio, aunque aún así, un testarudo podrá decir que para él aquello es un verde, pero lo será sólo para él y no para todos los demás. El método proyectual para el diseñador no es algo absoluto y definitivo; es algo modificable si se encuentran los valores objetivos que mejoren el proceso. Y este hecho depende de la creatividad del proyectista que, al aplicar el método, puede descubrir algo para mejorarlo. En consecuencia, las reglas del método no bloquean la personalidad del proyectista, sino, que, al contario, le estimulan al descubrir algo, que, eventualmente, puede resultar útil también a los demás. Desdichadamente una forma de proyectar muy común en nuestras escuelas es la de incitar a los alumnos a encontrar nuevas ideas, como si cada vez hubiera que inventarlo todo desde el principio. Obrando de este modo no se les facilita a los jóvenes una disciplina profesional, sino que se les desorienta, con lo que cuando salgan de la escuela se verán ante grandes dificultades en el trabajo que hayan elegido.1

1 Texto extraído de: Cómo nacen los objetos. Apuntes para una metodología proyectual. Bruno Munari. Gustavo Gili. Barcelona, 1.983.



ANEXO

La participación de cada uno de los diseñadores, durante el siglo XX, permite que tengamos una secuencia de tiempo, donde apreciemos la cronología e importancia de los mismos, dependiendo de la época en la que estaban.



GLOSARIO

Calado: Labor que consiste en taladrar el papel, tela, madera, metal u otra materia, con sujeción a un dibujo. Constructivismo: Movimiento artístico de vanguardia, surgido en Rusia tras la Primera Guerra Mundial, interesado especialmente por la organización de los planos y volúmenes. Contemporaneo: Que existe al mismo tiempo que otra cosa, que pertenece a la misma época que ella. Cuadricula: Trazar líneas que formen una cuadrícula en algo. Perteneciente o relativo a la cuadrícula. Cubierta: Parte exterior delantera que cubre los pliegos de un libro y que suele reproducir los datos de la portada. Deantación: La decantación es un método físico utilizado para la separación de mezclas heterogéneas, el cual se usa para separar un sólido de uno o dos líquidos de diferente densidad. Dramaturgo: Persona que adapta textos y monta obras teatrales. Emulación: mitación que se hace de una cosa o de una persona procurando igualarla o incluso ser mejor.

Figurativo: Que es representación o figura de otra cosa. Funcionalidad: Que se caracteriza por tener una utilidad eminentemente práctica. Gouache: Técnica pictórica y un tipo de pintura relativamente moderna, que ha evolucionado a partir de técnicas más antiguas como la aguada,​​ y la acuarela.​ Ilustración: Fotografía, dibujo o lámina que se coloca en un texto o impreso para representar gráficamente lo expuesto, ejemplificarlo o hacer más atractivo el resultado. Minimalismo: Corriente artística contemporánea que juega con elementos limitados. Octosílabo: Se utiliza para designar en poesía a los versos que constan de ocho sílabas métricas. Reinventar: Volver a inventar. Semanario: Periódico que se publica semanalmente. Sencillez: Sencillez, candor. Tipografía: Modo o estilo en que está impreso un texto.



CIBERGRAFÍA GLOBALCONNECTION: recuperado de https://www.estudieenelexterior.com.co/ programas/estudios-superiores/italia HISTORIA DE LOS COMICS- recuperado de https:// es.wikipedia.org/wiki/Corriere_dei_Piccoli SIGNOS BUENAVENTURA - Recuperado de https:// www.italianways.com/sergio-tofanos-signor-bonaventura-there-is-hope-for-all-good-men/ CARTOLINE DAL VENTENNIO https://www.cartolinedalventennio.it/layout/left-center-innerright/237-quaderni wikipedia https://es.wikipedia.org/wiki/Il_Popolo_ d%27Italia http://razoneseditoriales.blogspot.com/2017/02/formatos-de-la-relacion-autoreditor-el.html https://profeanacob.wordpress.com/2016/11/25/el-cartel-publicitario-leonetto-cappiello/ ICON DESING https://icondesign.it/products/fortunato-depero-libro-imbullonato/ THININ FORM https://thinkingform.nyc/2011/11/15/ thinking-albe-steiner-11-15-1913/ GRÁFFICA https://graffica.info/bruno-munari-una-vida-de-arte-y-diseno/ PENTAGRAM https://www.pentagram.com/about/astrid-stavro



Este libro se acabรณ de editar en los talleres de editorial, en la Corporaciรณn Universitaria Unitec, de Bogotรก Colombia, el 25 de mayo del 2020.




DISEÑO ITALIANO EN EL SIGLO XX Italia, prominente desde antaño por el desarrollo arquitectónico, artístico y político, Sigue aportando al conocimiento y desarrollo del diseño como disciplina, proporcionando grandes diseñadores que han construido metodologías de estudio donde la diferenciación del arte y de la copia son pilares para la producción de una comunicación asertiva. Sin importar el oscuro contexto político, minado por la guerra, desarrollaron para beneficio o no de la misma, grandes obras que se convirtieron en las claves para el avance del diseño. Reconociendo el trabajo invaluable que sigue siendo indispensable en nuestros escritorios para el progreso creativo, Llegan desde el siglo pasado para recordarnos el recorrido y la trascendencia que promueven un oficio de funcionalidad y entrega por la experimentación, pensado siempre en el valor colectivo.