Ya asoma la primavera y eso supone que… ¡pronto empezará la fiesta! En este mes, en el que ya todo parece mejor, tras un invierno en el que también hemos disfrutado del clubbing nacional e internacional, tenemos en nuestra portada a una de las mujeres que mejor música electrónica están produciendo y pinchando en este momento, hablamos de Simina Grigoriu. Hablamos con ella largo y tendido para conocer el día a día de una top… ¡en sus manos puede estar el mejor techno de mañana!
Además, entrevistamos a Pushmann -que celebra 20 años de carrera en el techno- y, también a Karretero, Apaull, Dad Of The Year, Murad y a Berny; conocemos más a Rafa Nández y a Danny Lloyd. En la sección Stroberoom nos citamos con elimaginario & BYD; os ofrecemos las premiers mensuales del gran Kali; disfrutamos de la tech área de Gilbert Lezama; nos colamos en el estudio de Los Suruba y, en la sección ‘Newcomer’, te descubrimos a Roman.
En Off the Records nos damos un garbeo por Warp Records; pegamos un repaso a los mejores festivales internacionales de música electrónica de este 2025; os contamos lo mucho bailado y gozado en el apabullante ‘All night Long’ de Fátima Hajji en Fabrik, en el Maya Festival y en el Dreamsea Sonica 2025 de Costa Rica; viajamos para conocer el clubbing de Oslo y, en nuestra sección de deportes extremos, hablamos con Enzo Iglesias, un joven talento del mejor boxeo español.
Y, además, como todos los meses, os ofrecemos noticias, reseñas, críticas, agenda, tecnología, etc. ¡Dale volumen!
¡Todo tuyo este VICIOUS MAGAZINE nº 88!
CONSEJO
Julia Salas Alonso
Carlos Rodríguez Minguez
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Fernando Fuentes Panadero
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Jonatan Gutiérrez
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Iván Morales
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DIRECCIÓN DE ARTE Y MAQUETACIÓN
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MIXCELÁNEA
10.000 temas generados por IA se suben cada día a Deezer
Deezer informa de que unos 10.000 temas, totalmente generados por IA, se suben, cada día, a dicha plataforma parisina de streaming. La nueva herramienta de detección de música de IA de Deezer encontró que cerca del 10% de las subidas diarias son generadas por IA. Deezer busca una mayor transparencia para oyentes y artistas mediante el desarrollo de un sistema de etiquetado para las pistas identificadas generadas por inteligencia artificial. El 25% (o 4.000 millones de euros) de los ingresos de los artistas estarán en riesgo en 2028.
¿Eres una mujer, tienes más de 70 años y quieres ser DJ?
El Festival Colonia c/o Pop, junto con el NRW Landesmusikrat, ha lanzado una iniciativa contra la discriminación que sufren las mujeres mayores de 70 años en el mundo del diying. En el mismo se las invita a participar en talleres de DJ. Se les enseña las habilidades de DJ, el uso del equipo técnico en el set y la mezcla El programa “Forever Fresh” cuenta con las profesoras Anna Cainelli y Sedaction DJ. Ella son las que les enseñan las habilidades de DJ, el uso del equipo técnico en el set y la mezcla. También se les instruye sobre los diferentes estilos electrónicos, etc. ¡Y es gratis!
Tresor celebra su 34º aniversario
El icónico club berlinés Tresor confirma el cartelazo de su 34º aniversario. La fiesta maratónica, que tendrá lugar del 14 al 16 de marzo, contará con las actuaciones de Blake Baxter, Skee Mask, Juan Atkins, la española Alienata y Nadia Struiwigh. Además, Dopplereffekt, Neil Landstrumm y Plant43 actuarán en directo. Fundado por Dimitri Hegemann en 1991, Tresor es uno de los clubes de música electrónica más famosos del mundo y nadie con dos dedos de juicio techno, se debería de perder su cumpleaños… ¿nos vamos?
Aphex Twin en la camiseta de la nueva colección de Supreme
La obra de arte ‘Windowlicker’ de Aphex Twin aparece en la colección de camisetas de primavera/verano 2025 del gigante de la ropa callejera Supreme. En la parte posterior de la t-shirt se puede leer: “Supreme. Vamos, vamos a tomar un poco de ácido”. Aún no está claro cuándo se lanzará la camiseta, pero habrá que estar muy atentos porque… ¡volará! Supreme ya trabajó con Chris Cunningham, el director detrás de videos icónicos como ‘Windowlicker’ y ‘Come to Daddy’, en 2018 para otra colección de camisetas irresistibles.
ElgigantedelstreamingpresentaráenbreveunanuevaempresallamadaMusicPro. A través de ella ofrecerá audio sin pérdidas, opciones de remezcla y acceso a venta de entradas para conciertos. Los usuarios podrán mezclar canciones de diferentes artistas usando IA. Spotify también busca vender entradas para conciertos a través del acceso de preventa en las mejores zonas. Music Pro se espera que esté disponible a finales de este año, ¡atentos!
fashion
Nos pirra la moda, la ropa, los accesorios, los gadgets…¡todo! Y aquí te damos pistas sobre lo que es purita tendencia en las calles, los clubs, los festis… ¡A quemar tarjeta!
Perfume: Ambre Nuit Esprit de Parfum. www.dior.com
Oslo cuenta con una impresionante escena de música electrónica, con clubes que ofrecen experiencias únicas para los amantes del género. Desde espacios industriales hasta elegantes locales en el centro de la ciudad, estos son algunos de los mejores clubes de música electrónica en la capital noruega. Desde el emblemático Movement Electronic Music Festival hasta los íntimos locales underground, los clubes de música techno de Detroit siguen conformando la identidad de la ciudad como meca para los amantes de la música electrónica de todo el mundo. Con su dedicación a la innovación, la inclusión y la expresión artística, estos clubes encarnan el espíritu de la herencia techno de Detroit al tiempo que allanan el camino para su futura evolución.
1. BLÅ
Blå es uno de los clubes más icónicos de Oslo, situado a orillas del río Akerselva. Este espacio ofrece una atmósfera industrial con murales artísticos y un excelente sistema de sonido. Es conocido por su variada programación, que incluye noches de techno, house y otros géneros electrónicos. Además, cuenta con una terraza junto al agua que lo hace ideal para las noches de verano.
2. JAEGER
Jaeger es un club subterráneo que ha ganado reputación por su compromiso con la cultura de la música electrónica. Con un impresionante sistema de sonido Funktion-One, este lugar es una visita obligada para los amantes del techno y el house. Ofrece sesiones con DJs internacionales y locales, así como una atmósfera íntima que lo convierte en un favorito entre los residentes y turistas.
3. INGENSTEDS
Ubicado en una antigua fábrica textil, Ingensteds combina una estética industrial con modernos sistemas de sonido y luces. Es un espacio versátil que alberga desde conciertos hasta noches de club con una fuerte presencia de música electrónica. Su ubicación en el barrio de Grünerløkka lo convierte en un punto de encuentro para la escena alternativa de Oslo.
4. LAWO
Lawo es un club sofisticado en el centro de la ciudad que ofrece noches de música electrónica de alta calidad. Con un diseño moderno y un ambiente exclusivo, es popular entre quienes buscan una experiencia más refinada de clubbing. Su programación incluye una mezcla de house, deep house y techno.
5. REVOLVER
Aunque Revolver es conocido principalmente por su escena rockera, su sótano es un espacio dedicado a la música electrónica. Aquí se realizan eventos con DJs emergentes y noches temáticas que incluyen techno y otros subgéneros. Su ambiente íntimo y su ecléctica selección musical lo convierten en una joya oculta en la escena nocturna de Oslo. Estos clubes representan lo mejor de la música electrónica en Oslo, ofreciendo experiencias únicas para todos los gustos. Ya sea que prefieras una noche sofisticada en el centro de la ciudad o un espacio underground con sonido envolvente, la capital noruega tiene algo que ofrecer para todos los entusiastas del género.
Fotografía por Uve Martinez
ELIMAGINARIO & BYD
STROBE ROOM
LA COLABORACIÓN ENTRE LA MARCA DE COCHES BYD Y EL ARTISTA VISUAL ELIMAGINARIO REPRESENTA UNA FUSIÓN ÚNICADETECNOLOGÍA,ARTEYEXPERIENCIA SENSORIAL,PERFECTAPARAELMUNDODE LA MÚSICA ELECTRÓNICA.
En este innovador proyecto, la iluminación se eleva a la categoría de expresión artística, conectando la estética visual con la ingeniería avanzada de un vehículo. Cada destello y patrón lumínico diseñado por Elimaginario se refleja en la estética aerodinámica y con la tecnología de BYD, transformando la conducción en una experiencia multisensorial que va más allá de lo mecánico y se adentra en el subconsciente.
La ciudad se convierte en un lienzo de luces y reflejos, y el BYD ATTO 2 es la herramienta ideal para alimentar cada trayecto. Con su iluminación dinámica y un techo panorámico, este coche conecta al conductor con el pulso urbano, haciendo que cada recorrido se sienta como una extensión de la atmósfera clubbing que tanto amamos. La sinergia entre la luz y el sonido es tan esencial en la pista de baile como en la carretera, donde el vehículo actúa como un lienzo móvil que despierta emociones y potencia la creatividad.
Elimaginario aporta una visión vanguardista, interpretando la luz como un lenguaje capaz de expresar emociones y estados de ánimo. En este contexto, la conducción se redefine: no es solo trasladarse de un punto a otro, sino vivir una experiencia que activa procesos del cerebro relacionados con la intuición y el pensamiento subconsciente. La iluminación, meticulosamente programada, resuena con el pulso del coche y el ambiente urbano, creando un diálogo entre la estética y la funcionalidad.
Esta alianza no solo celebra la innovación en el diseño automotriz, sino que también subraya la importancia de integrar elementos artísticos en la vida cotidiana. Al igual que en un festival de música electrónica, donde la sincronización de luces y beats transforma cada noche en una experiencia única, cada trayecto a bordo del BYD ATTO 2 se convierte en un viaje de descubrimiento interior y conexión con el entorno. La fusión de la precisión tecnológica con la sensibilidad artística invita a los conductores a sentirse parte de un espectáculo en constante evolución.
En definitiva, la colaboración entre BYD y Elimaginario es un tributo a la convergencia de arte y tecnología, donde la ciudad se ilumina y cada viaje se transforma en una experiencia emocional, capaz de evocar la energía, la pasión y los sentimientos propios del universo clubbing.
OFF THE RECORDS
WARP RECORDS: PIONEROS EN LA MÚSICA ELECTRÓNICA Y SU
LEGADO INDISCUTIDO
Cuando hablamos de los sellos discográficos más influyentes en la música electrónica, no se puede pasar por alto Warp Records. Desde su fundación en 1989 en Sheffield, Reino Unido, Warp ha sido un catalizador de la experimentación sonora, fusionando géneros, rompiendo barreras y lanzando carreras que han marcado el curso de la música moderna.
Redacción: Ivan Morales
EL NACIMIENTO DE UN ÍCONO
Warp nació en un contexto post-industrial, en un Sheffield que estaba dejando atrás sus raíces fabriles, pero que, al mismo tiempo, vivía una explosión creativa. Fundado por Steve Beckett, Rob Mitchell y Grant Wilson-Claridge, el sello comenzó como una respuesta a la creciente escena underground de música electrónica en el Reino Unido. Pronto, Warp se convertiría en un refugio para artistas que no querían ajustarse a las normas comerciales de la música.
El primer éxito de Warp llegó con “Testone” de Nightmares on Wax, pero el verdadero punto de inflexión llegó en 1992 con el lanzamiento de “Artificial Intelligence”. Este compilado no solo definió una época, sino que también ayudó a consolidar a Warp como el sello más importante en el ámbito de la música electrónica experimental.
UNA REVOLUCIÓN SONORA
Warp no solo definió un estilo, sino que creó un espacio para una amalgama de sonidos que desafiaban los límites de lo establecido. La etiqueta de “intelligent dance music” (IDM) fue acuñada gracias a los sonidos cerebrales y futuristas que artistas como Aphex Twin, Autechre y Squarepusher trajeron a la escena. Este tipo de música electrónica era introspectiva, compleja y alejada de las pistas de baile comerciales.
Aphex Twin, el genio detrás de algunas de las composiciones más desafiantes y aclamadas por la crítica, fue un pilar en el catálogo de Warp. Su álbum “Selected Ambient Works 85-92” sigue siendo una referencia obligada, mostrando su capacidad para combinar beats intricados con paisajes sonoros etéreos y surrealistas. Este enfoque influyó profundamente en la música electrónica de las décadas siguientes.
Por otro lado, Autechre revolucionó la música electrónica con un enfoque aún más experimental. Sus discos, como “Tri Repetae” y “Confield”, se adentran en territorios de lo abstracto, desafiando tanto la estructura como la percepción de la música.
LA EVOLUCIÓN Y DIVERSIFICACIÓN
Con el paso de los años, Warp se expandió y abrazó una variedad de géneros dentro de la música electrónica y experimental. En los 2000s, el sello comenzó a incorporar artistas de otras vertientes del mundo digital, como la música de vanguardia, el glitch, el dubstep y el grime, con la incorporación de artistas como Flying Lotus y Hudson Mohawke.
La influencia de Warp no solo se limita a su catálogo musical. La estética visual del sello, con portadas de discos innovadoras y vanguardistas, también ha jugado un papel crucial en la creación de una identidad única. El trabajo de diseñadores como The Designers Republic ha dejado una huella indeleble en el mundo de la música, fusionando arte y música de manera revolucionaria.
WARP HOY EN DÍA:
UNA MIRADA AL FUTURO
Hoy, Warp sigue siendo un sello de referencia, a pesar de los cambios en la industria musical. La entrada en escena de artistas como Oneohtrix Point Never, James Blake y Kanye West (quien colaboró con el sello en la producción de su álbum Yeezus) demuestra que Warp no solo ha mantenido su relevancia, sino que ha sabido evolucionar y adaptarse a los nuevos tiempos. Desde los sonidos experimentales más desafiantes hasta el uso de la música electrónica en el mainstream, Warp ha sabido mantenerse a la vanguardia, siendo un punto de referencia tanto para músicos como para productores y diseñadores.
CONCLUSIÓN:
LA MAGIA DE WARP
Warp Records es mucho más que un sello discográfico; es una institución en la música electrónica. Desde sus inicios con los pioneros de la IDM hasta sus apuestas más recientes por la vanguardia digital, Warp ha demostrado que la música electrónica no tiene límites. Su legado es un testamento de innovación y experimentación, un viaje sonoro que sigue desafiando lo que entendemos por música.
Sin lugar a dudas, Warp seguirá marcando la pauta para los próximos años, guiando a nuevas generaciones hacia el futuro de la música.
DEPORTES EXTREMOS
Enzo Iglesias Pino: El Joven Talento del Boxeo Español
Autor: Redacción Vicious Magazine
El boxeo en España ha sido testigo de un gran talento emergente en los últimos años, y uno de los nombres que más está destacando es el de Enzo Iglesias Pino, un joven boxeador que, con tan solo 14 años, ya ha sido tres veces campeón internacional. Su impacto en este deporte, que exige disciplina, trabajo duro y un espíritu indomable, ha sido notable.
EL COMIENZO DE UNA PROMESA
Nacido en Madrid, en el barrio de Usera, Enzo mostró desde muy joven un interés por el boxeo. A los 10 años comenzó como un hobby bajo la guía de su primer entrenador, Jacobo Sánchez. Sin embargo, su evolución fue tan rápida que, apenas un mes después, Jacobo decidió incorporarlo al equipo de competición. Desde ese momento, empezó a entrenar con mayor intensidad, y aunque el boxeo es un deporte exigente, lo cautivó desde el primer entrenamiento.
Buscando mejorar y subir de nivel, se unió al gimnasio The Black Panther Gym, donde pronto comenzó a destacar por su esfuerzo, constancia y habilidades naturales en el ring. Su progreso fue imparable. A medida que perfeccionaba su técnica, su rapidez y su capacidad estratégica, ganó experiencia en competiciones locales y diversos torneos, acumulando victorias y consolidando su nivel competitivo.
Gracias a este crecimiento, logró convertirse en cuatro veces campeón de Madrid, campeón de España con 11 y 12 años y tres veces campeón internacional. Esto lo puso en el mapa, siendo nombrado mejor deportista de su peso de la Comunidad de Madrid por dos años consecutivos.
LAS VICTORIAS EN EL CAMPEONATO NACIONAL SCHOOLBOYS
Enzo logró lo que muchos boxeadores de su edad solo sueñan con conseguir: conquistar el título de campeón de España e internacional en la categoría Schoolboys, un logro que refleja su crecimiento y potencial en el boxeo a nivel nacional. En las finales, demostró no solo su destreza física, sino también una gran madurez mental, enfrentándose a rivales de alto nivel con una calma y estrategia dignas de boxeadores mucho más experimentados.
Lo que más destaca en su estilo es su capacidad para leer el combate, utilizando su velocidad y agilidad para esquivar golpes y lanzar contragolpes efectivos. Muchas personas dentro de la comunidad del boxeo coinciden en que su inteligencia en el ring es uno de sus mayores puntos fuertes. Además, su disciplina en los entrenamientos y su enfoque en el perfeccionamiento de su técnica lo convierten en una de las grandes promesas del boxeo juvenil español.
Su entrenador, Clark Telamanou, ha sido una pieza clave en su desarrollo, guiándolo en cada etapa de su evolución como boxeador.
En febrero de este año, Enzo debutó en la categoría junior y logró su primer título en esta división al proclamarse campeón en el Open Internacional Enrique Soria. Este triunfo marca un nuevo paso en su trayectoria, consiguiendo el cinturón en su primera competición en esta categoría y reafirmando su evolución como boxeador.
EL FUTURO DE ENZO
Los campeonatos logrados han sido solo el comienzo de una carrera que promete ser brillante. Aunque solo tiene 14 años, ya es un referente para muchos jóvenes que sueñan con alcanzar sus metas en el mundo del boxeo. Además de sus impresionantes victorias, su mentalidad ganadora le ha permitido seguir perfeccionando su estilo y buscar siempre nuevas formas de mejorar.
Los próximos años serán clave en su desarrollo. Con el apoyo de su familia, su entrenador y su equipo de trabajo, tiene el potencial para llegar lejos en el boxeo profesional. Las competiciones internacionales y las futuras categorías de su carrera lo aguardan, y no cabe duda de que seguirá dejando huella en el deporte tanto a nivel nacional como internacional.
Más allá de los logros deportivos, Enzo representa el esfuerzo, la dedicación y el sacrificio en el mundo del boxeo. Su historia demuestra que, con trabajo duro y perseverancia, los sueños pueden hacerse realidad y que la edad no es un límite para alcanzar grandes metas.
Con su carisma, pasión por el boxeo e increíble deportividad, está destinado a seguir brillando en el mundo del boxeo. El futuro es suyo, y el boxeo español está listo para seguir disfrutando de sus éxitos.
CONOCIENDO MÁS A... RAFA NANDEZ
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Casi siempre! Tengo que reconocer que pongo mucho de mi parte, pienso que estar de buen humor es más una actitud que un estado de ánimo.
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Mi mejor momento del día es el amanecer, empezar de 0 en un día lleno de posibilidades! Y el mejor momento de la noche es cuando ya termine todas mis tareas y me encuentro solo en mi estudio ,con la tranquilidad de saber que todos duermen.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿te gusta hacer deporte o eres más de serie o de peli con palomitas?
Los partidos importantes me gustan verlos con mis amigos, pero soy más de película y gominolas.
¿Eresmásdecocinatradicionalodeplatosdevanguardia?
¿Adoras mezclar sabores?
Me encanta mezclar ! Y la cocina no podía dejar de ser parte de esa pasión!
¿En qué o quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
Soy muy obsesivo con mis proyectos personales, al meterme en la cama y cerrar los ojos solo veo stems y patrones de Maschine dando forma a mi nuevo DJ Live!, por eso soy de seguir un ritual para dormir. Cierro los ojos, luego agradezco a la vida todo lo que me dio y todo lo que esta por llegar. Y por último me pongo un documental sonoro para dejar de pensar, y a dormir!
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
Recuerdo ser muy pequeño, y encontrarme escuchando a Juan Luis Guerra mientras me quedaba dormido.
¿Con qué tres temas podíamos resumir tu vida?
Hacer Dinero - Mucho Muchacho (7notas7colores)
Tus Ojillos Negros - Camarón De La Isla Jaguar - Space Motion
¿Qué track ajeno te gustaría haber producido?
No tengo un tema insignia como tal, pero si tengo mezclas preferidas! El tributo de Peppe Citarella a Juanito Alimaña mezclado con un stem de una base más tech con mucho Groove!! Me encanta!
¿Cualquier tema pasado siempre fue mejor o para nada?
Como profesor en la academia de sonido Musiluz, estoy en constante contacto con la tecnología y su impacto en la música. La evolución tecnológica ha democratizado la producción, permitiendo que talentos sin acceso a grandes estudios creen obras increíbles. Por otro lado, también ha facilitado que la música se convierta en un medio para la popularidad inmediata, sin un verdadero interés artístico detrás. Antes, producir requería inversión y formación, lo que ayudaba a forjar talento. Hoy, la buena música sigue existiendo, pero es más difícil de encontrar. No idealizo el pasado, pero valoro cómo, con menos recursos tecnológicos, se crearon temas que aún suenan increíbles.
¿Tu mejor producción está por venir?
Si ! Este verano empiezan a salir mis primeras producciones másorientadasenlalineaAfroHouse yestoymuycontento ! El primer lanzamiento saldrá bajo el sello de Hugel! Make The Girls Dance!
CONOCIENDO MÁS A... DANNY LLOYD
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
¡Sí, por lo general sí! Siempre he sido una persona bastante activa, así que, aunque disfruto de un buen descanso, no suelo quedarme en la cama hasta muy tarde. De todas formas, no me pasa a menudo dormir hasta la tarde, pero cuando sucede, mi estado de ánimo no se ve demasiado afectado. A veces, incluso me viene bien permitirme ese pequeño lujo, sobre todo después de días intensos o semanas agotadoras. Al final, creo que lo más importante es escuchar a nuestro cuerpo y encontrar un equilibrio entre el descanso y la actividad.
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Me gusta después del almuerzo, cuando puedo tomarme un momento para relajarme. La noche, en cambio, tiene un encanto completamente diferente: adoro el silencio de la ciudad cuando empieza a ralentizarse, es una hora mágica y perfecta para dejarse inspirar.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿te gusta hacer deporte o eres más de serie o de peli con palomitas?
Cuando tengo la oportunidad, me encanta explorar los lugares que me rodean, conectar con la gente local e involucrarme en nuevas culturas. Otra de mis grandes pasiones es la bicicleta: vivir en la Toscana me permite pedalear a través de paisajes impresionantes, combinando elplacerdeldescubrimientoconelbienestardelaactividad física. Y cuando se presenta la ocasión, me gusta relajarme con una buena película en familia.
Para un italiano, la comida es algo serio, ¡JAJAJA! Amo la cocina tradicional, pero desde que mi cuñado (que es pastelero profesional) me mostró el lado más técnico de
la cocina, cada vez disfruto más experimentar. Cuando conoces bien los ingredientes, realmente puedes jugar con los sabores y crear cosas nuevas. Así que, en resumen, ¡me gustan ambas cosas!
¿En qué o quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
Casi nunca me acuesto temprano, salvo raras excepciones, porque la noche es el momento en el que mi creatividad se expresa al máximo. Sin embargo, una vez en la cama, ya he organizado mentalmente el día siguiente, así que me doy el lujo de vaciar la mente y relajarme por completo.
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
Miprimerrecuerdomusicalestáligadoamiabuelotocando el acordeón. Recuerdo que quedé fascinado la primera vez que lo escuché. Siendo del sur, sabía tocar de oído las melodías folclóricas de su tierra, y fue en ese momento cuando entendí cuánto podía afectarme el sonido de la música.
¿Con qué tres temas podíamos resumir tu vida?
¡Esta pregunta es realmente complicada para mí! Siendo un gran apasionado de la música, elegir solo tres canciones para resumir mi vida es casi imposible. ¡Jaja! La música siempre ha tenido un papel central en mi existencia, acompañándome en cada momento, desde las mayores alegrías hasta los desafíos más difíciles. Cada canción guarda un recuerdo, una emoción, un fragmento de mi historia. Por eso, en lugar de mencionar tres canciones, prefiero decirte tres artistas que han cambiado mi forma de escuchar música y que aún hoy siguen sorprendiéndome: Depeche Mode, Underworld, Everything But The Girl.
¡Espero haber respondido a la pregunta de alguna manera!
ADRIANNA
Adrianna: Fuerza, Evolución y el Poder del Techno
La DJ y productora Adrianna se ha consolidado como una de las fuerzas más innovadoras dentro del techno global. Con un enfoque cada vez más hipnótico y oscuro, su sonido ha evolucionado en los últimos años, manteniendo la energía intensa que la ha convertido en un referente en los festivales de todo el mundo.
Autor: Vicious Magazine
¡Hola Adrianna! Un gusto tenerte con nosotros… El 2024 fue un año clave para ti, con lanzamientos como Wild Electric y su remix por artistas legendarios. Mirando hacia atrás, ¿cuáles fueron los momentos más importantes que definieron esta evolución? Y… ¿Qué fue lo que sucedió en Malvinas?
El remix de Wild Electric por Monika Kruse y Gregor Tresher fue un gran momento para mí. Ver a artistas que respeto interpretar mi trabajo fue increíble.
Mi sonido ha evolucionado naturalmente. Me atraen cada vez más los sonidos más duros y me encanta ver cómo responde la gente en la pista de baile. La forma en que los bailarines reaccionan a los golpes más pesados es diferente, hay una entrega total. No puedes bailar así sujetando un teléfono o preocupándote por cómo te ves. Eso me recuerda mis mejores recuerdos de raves y afters, cuando la música y el baile eran lo único que importaba. También pasé por una experiencia personal fuerte a finales de 2022. Me enfermé gravemente en las Maldivas mientras estaba de gira y pasé semanas en el hospital durante Navidad. Los médicos decían que podía morir. Cuando me recuperé, volví a trabajar de inmediato, como siempre he hecho cuando las cosas se ponen difíciles. Pero después de recibir terapia, ese momento me hizo reflexionar sobre muchas cosas en mi vida, incluyendo cómo abordo mi música.
Terminaste el año pasado con Hallucinations, un tema que profundiza en una estética más cruda y orientada a los espacios industriales. ¿Cuál fue la inspiración detrás de este track?
Quería crear un estado de caos controlado, una energía de madrugada en la que te pierdes completamente en la música. Cuando estoy en la pista de baile, entro en trance. Es el mismo estado que consigo cuando corro o medito: mi mente se abre y las ideas fluyen. En ese espacio mental abierto surgen “alucinaciones”, donde la realidad y un estado alterado se fusionan.
Quería transmitir ese estado hipnótico, mantener la tensión sin sobrecargar el tema y darle el equilibrio justo entre restricción y liberación.
Luego lanzaste Never Never Land, que sigue un camino igualmente oscuro. ¿Será este el sonido que definirá tu 2025?
Es lo que me resulta más auténtico en este momento. Con todo lo que he vivido, no puedo entrar al estudio y hacer algo que no refleje lo que siento. Mi próximo EP en Kurai Records es una muestra de eso.
Pero también siento que he crecido mucho mental y emocionalmente en poco tiempo. La hospitalización y la terapia fueron un catalizador para mejorar mi vida. Estoy aprendiendo a ser más compasiva conmigo misma y a establecer límites saludables. Antes no quería lanzar música si no tenía un mensaje positivo, pensaba que todo tenía que ser uplifting. Ahora entiendo que hay un equilibrio: hay espacio para la luz, pero también hay autenticidad en la oscuridad.
Tu sello Temple Music ha sido clave para darle identidad a tu sonido. ¿Cómo ves su evolución y qué tipo de artistas buscas impulsar?
Temple Music está creciendo rápido. Quiero que sea una plataforma tanto para nombres consolidados como para nuevos talentos que estén impulsando la escena underground. El foco está en la música de alta energía, diseñada para el club, pero con profundidad.
Llevar un sello y mi carrera al mismo tiempo es un equilibrio constante, pero tengo un equipo increíble que ayuda a mantener todo en orden. Aunque estudié Economía y tengo algo de experiencia en negocios, mi mente es puramente creativa, así que encontrar ese balance es clave.
Este año tenemos muchas cosas emocionantes. En mayo lanzamos Ascension en Edimburgo, donde tendremos dos salas: una de techno y otra de house/tech house. También hay lanzamientos y colaboraciones importantes en camino.
Has mencionado a artistas como Mha Iri y Marie Vaunt como referencias en tu sonido. ¿Qué es lo que te atrae de su enfoque y cómo interpretas esas influencias en tu música?
ElañopasadotoquéenelSteelYardStageenCreamfields, donde conocí a Marie Vaunt. Me impresionó tanto su música como su personalidad. Ha perfeccionado su estilo de manera impecable y me inspira mucho cómo usa su voz. A veces incluyo mis propios vocales en mis temas, pero ella ha llevado eso a otro nivel.
Por otro lado, Mha Iri es alguien a quien admiro mucho. Su tema Bombay tiene un breakdown como pocos en el techno. Su sonido es muy original y siempre me ha llamado la atención.
Tus sets mantienen un equilibrio entre la energía hipnótica y los momentos de impacto. ¿Cómo influye tu forma de pinchar en tu trabajo en el estudio y viceversa?
Ser DJ es la mejor forma de probar ideas en tiempo real. Si un groove o un drop funciona bien en la pista, lo llevo al estudio para desarrollarlo más. A la vez, mis producciones influyen en mis sets porque siempre pienso en cómo encajarán en una mezcla o cómo cambiarán la energía de una sala. Es emocionante tocar un tema nuevo y ver la reacción del público cuando el drop llega en el momento justo.
Pero también depende del público. Hay sitios donde la gente prefiere menos vocales o estructuras menos convencionales.
Lo que funciona en un lugar no siempre funcionará en otro. Entender la cultura del sitio donde tocaré es clave al preparar un set o al decidir qué tipo de música quiero producir.
Con el techno en constante evolución, hay una delgada línea entre innovar y mantener tu identidad sonora. ¿Cómo navegas ese equilibrio cuando trabajas en nueva música?
Quiero sentirme libre de experimentar con nuevas técnicas y sonidos, pero siempre vuelvo a lo que me mueve: ritmos potentes, una estructura envolvente y la necesidad de expresar algo con mi música.
No me obsesiono con las tendencias. Quiero darme espacio para evolucionar, para acertar y equivocarme. Incluso con mis artistas favoritos, no me gusta cada uno de sus temas, pero eso no cambia lo que significan para mí. A veces, una canción menos popular puede ser la que más impacta en alguien.
Con Hallucinations y Never Never Land marcando el rumbo, ¿qué podemos esperar de ti en los próximos meses?
Más música, más shows y colaboraciones emocionantes. Estaré tocando tanto en el Reino Unido como en el extranjero, con muchas fechas de festivales importantes y eventos con los que he soñado durante años. También tengo lanzamientos con Temple Music y otros sellos con los que estoy encantada de trabajar.
El 2025 está tomando forma para ser un año increíble. ¡Lo mejor está por venir!
Hola Karretero, ¿qué tal has despedido este saliente 2024? ¿Cómo te ha ido el año?
La verdad que muy bien, sobre todo en el mundo de la producción con 11 Releases en el pasado 2024.
¿Y cómo afrontas este 2025 que acaba de asomar la patita?
Bastante centrado con mi equipo en todos los eventos tanto en clubs y festivales que tenemos a la vista y sobre todo el estudio no sólo por sacar releases sino a la hora de editar cosas para tener un toque diferente en las actuaciones .
Acabas de lanzar un nuevo EP en Techaway Records, pero antes de ellos has firmado una colaboración con Overtones Radio Show… ¿satisfecho de la misma?
Muy satisfecho, que la gente del otro lado del charco que está detrás de Overtones cuente tanto conmigo y con mi música (tengo otro release a finales de este mes) es algo que suma mucho sobre todo para darte a conocer en otros continentes.
Y ahora vamos con este trabajo en Techaway… ¿qué nos puedes decir de los dos temas que incluye?
Cuando produzco suelo tener 2 vías, música para pinchar y música para escuchar. En este caso el EP de Techaway tanto el groove que tiene como los elementos son tracks que encajan fácilmente en cualquier set de Tech House.
En este EP te decantas por un sonido muy club, ¿sigue siendo el principal objetivo de tú música, tanto pinchando como produciendo, hacer bailar a la gente?
Siempre quieres que la gente baile, yo en el estudio muchas veces me levanto de la silla y si el track no me genera bailar o moverme lo descarto.
Concretamente y respecto a estos dos nuevos temas, nos llama la atención la visceralidad oscura y profunda de ‘Desabafo’, ¿no dudaste en considerarlo como primer tema del trabajo frente a la elegida ‘Deconstructed’?
Si lo dudé sobre todo después de publicarlo, pero creo que fue fruto de que me llevó mas tiempo y trabajo la elaboración de Desconstructed.
En los últimos años has consolidado tu posición entre el top techno nacional, ¿cuáles han sido los hitos para conseguir auparte en este lugar de privilegio?
Sobre todo que esto sea tu pasión, al final es un mundo de reciclaje continuo y de mucho mucho trabajo no sólo en las cabinas y sobre todo intentar siempre hacer algo diferente al resto que marque que eres tú.
¿Cómo afrontas tu próximo ‘All night long’ en Bassement Club? ¿Se han convertido ya en un clásico imprescindible?
Ante todo con mucha ilusión como siempre tanto por el público como por la parte de mi equipo o de la sala. Es un evento que todo el mundo se implica mucho con mucho cariño y al final eso se nota y musicalmente hablando el día que aunque para otros puede parecer duro tocar 6h yo es el día que más disfruto porque llevas a todo el mundo a tu antojo dependiendo el momento de la noche variando bpms e intensidades.
¿Cómo ves la escena techno nacional? ¿Crees que progresa adecuadamente frente a los panoramas internacionales imperantes?
Ahora mismo España es un referente en todos los sentidos, creo que los que nos dedicamos a esto somos unos privilegiados estando aquí ya no sólo por la enorme oferta que hay sino por la evolución que tenemos. Cualquier promotor, productor, dj etc nos tiene como ejemplo.
Finalmente Karretero, ¿lanzamientos y gigs a la vista para estos primeros meses del año que acabamos de estrenar?
Lanzamientos en los próximos meses antes de verano Nervous, Saved, Deeperfect, Mood Child, Overtones, Cannivales, Bandidos, La Pera, Sight. y bastantes más cosas que están en el tintero.
Mayka Festival 2025 en Madrid
El pasado 14 de febrero de 2025, Madrid acogió la primera edición del Mayka Festival. Celebrado en el Recinto Ferial IFEMA, el festival conmemoró el 25º aniversario de la icónica marca Cocoon, ofreciendo una experiencia única para los amantes del techno y el house. Con una producción impecable y una alineación de primer nivel, Mayka Festival dejó una huella imborrable en su debut.
Autor: Fernando Fuentes
El diseño del festival estuvo a la altura de las expectativas, con un espectacular sistema de sonido y una puesta en escena hipnótica. La iluminación sincronizada con los beats, las pantallas LED y los efectos visuales crearon un entorno envolvente que transportó a los asistentesaotradimensión.LaeleccióndeIFEMA como sede permitió albergar cómodamente a más de 6.500 personas, asegurando una experiencia óptima en términos de espacio y comodidad.
Una vez más se puso de manifiesto que la política de ‘No Phone’, es un acicate para crear una conexión genuina entre los asistentes y la música. La ausencia de móviles permitió que el público viviera cada actuación de manera más inmersiva, sin distracciones, poniendo a la música siempre por delante.
Cada una de las actuaciones nos dejó un gran sabor de boca. Adam Beyer, el fundador del sello Drumcode subió al escenario con un set potente que demostró por qué sigue siendo uno de los líderes del techno mundial. Su actuación estuvo marcada por una impecable progresión de ritmos oscuros y contundentes, mezclando clásicos de su discografía con lanzamientos recientes. Destacó el uso de bombos hipnóticos y sintetizadores que mantuvieron al público en un trance inquebrantable durante más de dos horas.
Joris Voorn ofreció un set más melódico y envolvente, alternando entre el deep house y el techno progresivo. La transición entre momentos de euforia y pasajes más relajados demostró su maestría en la cabina, creando una experiencia sensorial completa para los asistentes. El veterano del acid techno Josh Wink trajo su característico sonido lleno de distorsión y energía cruda. Su capacidad para generar tensión y liberarla en momentos clave hizo que su actuación fuera una de las más intensas de la noche.
Avalon Emerson se destacó por su versatilidad y eclecticismo, fusionando géneros de manera magistral. Desde techno berlinés hasta house psicodélico, su sesión mantuvo a la audiencia en constante movimiento. Palms Trax aportó un aire fresco al festival con un set cargado de influencias disco y house. Su energía contagiosa y su habilidad para seleccionar pistas con grooves irresistibles hicieron de su actuación una de las más festivas de la noche. Nahoomie sorprendió con una sesión llena de sonidos vanguardistas y una impecable técnica en la mezcla. Su estilo, que combina elementos de house orgánico y techno atmosférico, logró captar la atención del público desde el primer momento.
Lisa Wassmann @lisawassmann
Hair/MUA: Kim Beikirch @kimbkch
Styling: Madalina Dragoi @styletraveler / @styledbymadalina
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Hola Simina, primero que todo, naciste en Rumanía y te criaste en Toronto, esa mezcla de culturas tan diferentes, ¿es algo que de alguna manera ha despertado tus intereses musicales que se reflejan en tu exitosa carrera como DJ y productora?
¡Absolutamente! Soy una verdadera anomalía musical, un producto de mis orígenes únicos y de las experiencias que me han formado a lo largo de los años. Todo lo que soy refleja la esencia de dónde vengo y el increíble viaje que he vivido a lo largo de mi vida. Y estoy eternamente agradecida por ello.
Mi familia emigró de Bucarest a Toronto cuando tenía solo tres años, y no fue hasta después de la revolución que finalmente pudimos comenzar a visitar nuestra tierra natal de nuevo. A los diez años, empecé a pasar parte de mis vacaciones de verano en Bucarest, y fue allí donde descubrí la música electrónica. Encontré un CD pirata de The Prodigy mientras hacía compras por la calle, y cambió completamente mi mundo, presentándome un paisaje sonoro completamente nuevo.
Cuando era adolescente, comencé a ir a raves de jungle los fines de semana, justo cuando la escena de la música electrónica estaba explotando tanto en Europa como en América del Norte. En esa época, no teníamos la gran cantidad de subgéneros que tenemos hoy, pero cada sala tenía su propio sonido característico, generalmente jungle, house/techno, o simplemente lo que llamábamos la sala de “rave music”. Al crecer, la música siempre estuvo presente en mi vida. La colección de vinilos y CDs de mis padres cubría todo, desde música clásica hasta pop, rock, punk y reggae. Nunca había un momento sin música en nuestra casa, y hasta el día de hoy, mi madre aún tiene todos esos CDs.
Empecé a usar Ableton a mediados de mis 20 años y me atrajo de inmediato trabajar con samples. Me encantaba la idea de tomar un sonido con el que me conectaba y transformarlo en algo completamente nuevo. Mis primeras canciones incorporaron mucho de lo que escuchaba mientras crecía: usaba samples de hip-hop para el bajo, guitarras de grunge para pads y efectos vocales para añadir profundidad y atmósfera. Experimenté mucho. Nunca tomé cursos formales de producción musical; aprendí a través de ensayo y error, amigos y tutoriales online. Más tarde, comencé a trabajar con ingenieros para profundizar mi comprensión de la producción musical y el diseño de sonido.
“SOYUNAVERDADERAANOMALÍAMUSICAL”.
¿Cómo fue ese momento cuando, siendo una niña, estudiabas violín y piano mientras al mismo tiempo descubrías el techno de Detroit a través de Jeff Mills, Josh Wink y Juan Atkins cuando fueron a tocar en clubs de Toronto?
Estudié música mientras asistía a la Claude Watson School for the Arts desde los 9 hasta los 14 años, una escuela verdaderamente única. Cada año, 60 estudiantes eran seleccionados por audiciones entre casi 3,000 solicitantes, lo que hacía que las apuestas fueran increíblemente altas. A pesar de ser un programa artístico riguroso, también era la única escuela pública de arte en nuestra área, lo que hacía que el acceso fuera aún más competitivo. Cuando me aceptaron, mis padres estaban eufóricos ¡escuela de arte gratuita! pero la carga de trabajo era intensa. A los 9 años, equilibrábamos los estudios académicos estándar con formación en todas las disciplinas artísticas. En los dos últimos años (séptimo y octavo grado), nos especializamos en una “carrera”. Comencé con danza, luego cambié a artes visuales, alejándome gradualmente de los instrumentos a favor de otras actividades creativas. La secundaria fue más de lo mismo, con énfasis en las artes visuales mientras completaba mis estudios, y me adentré en la música como hobby. Me gustaba el rap y comencé a escribir rimas, y mi Sony Walkman o mi Panasonic Shockwave me acompañaban a todas partes. Nunca me faltaba música en los oídos y un marcador Sharpie negro en la mano. No solía meterme en problemas, pero alguna que otra vez me enviaban a la oficina del director por vandalizar propiedades escolares. Así era yo entonces y todavía soy un poco así hoy. Más o menos. Sin el vandalismo. Mi introducción al techno llegó más tarde, a través de la escena underground de raves de Toronto. Exploraba diferentes géneros escarbando en tiendas de discos y saqueando las colecciones musicales de mis amigos. Me hice amiga del increíble equipo de Platform Entertainment Productions muchos de los cuales siguen siendo mis mejores amigos. A través de sus fiestas, conocí casi a todos en la escena del techno de Toronto. Platform fueron los primeros en traer DJs de techno alemanes a la ciudad, y mientras me sumergía en la música, me di cuenta de que quería más. No solo quería bailar al ritmo, quería ser parte de ello. Fue entonces cuando tomé prestados unos decks, compré monitores de segunda mano, ahorré para mi propio XONE:92 nadie tenía uno para prestarme y era muy caro alquilarlos y armé un equipo básico de DJ en mi apartamento junto al lago en Toronto. Nunca olvidaré el día en que le dije a mi mamá que necesitaba ahorrar 2k para comprar una mezcladora. Ella me dijo que podía tomar prestada la suya ¡pensó que quería hacer un pastel! Mis días los pasaba en mi trabajo corporativo, pero las noches eran para la música: Después del trabajo, comía algo rápido y me ponía a pinchar discos, experimentando en Ableton, repitiendo el ciclo a diario. Los fines de semana eran para las fiestas de Platform en Footwork y más tiempo en mi pequeño estudio en casa. Toqué en algunos shows pequeños en Toronto, pero no fue hasta que me mudé a Berlín en octubre de 2008 que realmente me concentré. Finalmente, tenía el tiempo y el espacio para dedicarme a la música a tiempo completo mientras navegaba por la vida en una nueva ciudad. Aprender alemán fue lo siguiente y casi 17 años después, sigo trabajando en ello.
“CUANDOMEMUDÉABERLÍNENOCTUBREDE2008,LAMÚSICAPASÓA
Uno de los momentos que más podría haber impactado positivamente tu carrera fue cuando te mudaste a Berlín... ¿qué significó eso para ti? ¿Hubo un antes y un después en tu camino como DJ y productora emergente?
Los fines de semana trabajaba como camarera y pasaba todo mi tiempo libre aprendiendo a pinchar y experimentando con Ableton. Pero cuando me mudé a Berlín en octubre de 2008, la música pasó a ser mi enfoque a tiempo completo. Me conseguí un par de Technics (llevando mi XONE:92 desde Toronto) y me sumergí por completo: pasaba mis días aprendiendo Ableton, mezclando discos, haciendo nuevos amigos y descubriendo la ciudad. Para el verano siguiente, ya me había unido a una agencia y estaba de gira por toda Alemania. Ese ritmo, tocando 7-8 shows al mes, sacando EPs y remixes donde pudiera, continuó durante años. En 2014, me quedé embarazada de Isabella y la vida, de alguna manera, tanto se desaceleró como aceleró de una nueva manera. Durante esos nueve meses, produje alrededor de diez canciones, inicialmente planeando lanzarlascomounálbum.Perocuandounamigosugirió que ya era momento de empezar mi propio sello, la idea hizo clic de inmediato. Había pasado casi un año desarrollando esa música y necesitaba su propio hogar. Enlugardeunálbum,dividílascancionesenEPsylancé Kuukou Records, liberándolos al mundo, siempre a mis propios términos. El debut del sello, Techno Monkey / Ninja Princess, incluyó cuatro remixes, y hasta el día de hoy, Ninja Princess sigue siendo una de mis canciones favoritas.Representaamiprimerahija,IsabellaAmelie,y aunque mi sonido ha cambiado en una década y media, siempre tendrá un lugar en mi lista de reproducción, generalmente como canción de cierre. Avanzamos casi ocho años y llegamos a nuestro lanzamiento número 100, celebrando con Iron Angel, una canción dedicada a mi segunda hija, Victoria Rosalie, ahora de cuatro años. Ahora, con nuestro plan de lanzamientos para 2025 en pleno movimiento, puedes esperar más de lo que Kuukou representa: discos curados conscientemente diseñados para hacerte mover, saltar y perderte en la pista de baile.
“¿QUÉ ES LA VIDA SI NO LA ESTÁS VIVIENDOPLENAMENTE?”.
¿Cómo está la salud de tu sello, Kuukou Records, en 2025? ¿Sigues sacando un EP cada seis semanas?
¡Kuukou Records va a toda velocidad! Estamos sacando músicanuevacadadossemanas,yelsellohaganadoun impulso increíble. Estoy muy orgullosa de lo que hemos construido y me siento increíblemente afortunada de trabajar con un equipo tan talentoso y dedicado. Este pequeño sello de techno mío ha crecido en algo mucho másgrandedeloquejamásimaginé,yverloevolucionar ha sido una experiencia muy gratificante. Todavía recuerdo el lanzamiento de Kuukou en julio de 2016 con nada más que una visión y la determinación de hacerlo realidad. Lo que no me di cuenta en ese momento fue cuánto trabajo, esfuerzo y persistencia se necesitaría para convertir esa visión en realidad. Dirigir un sello no solosetratadesacarmúsica,setratadecurarunsonido, construir una marca, crear oportunidades para artistas y adaptarse constantemente a una industria que nunca deja de cambiar. Cada desafío, cada obstáculo
y cada “imposibilidad” ha sido una lección disfrazada. Algunos de los momentos más difíciles resultaron ser las mayores oportunidades para crecer, y no cambiaría esas experiencias por nada. No estaríamos aquí hoy, con una lista de artistas tan increíble, si no fuera por el constante proceso de redirección. He aprendido que el éxito no se trata de forzar que las cosas sucedan; se trata de estar abierta, ajustar el rumbo cuando sea necesario y confiar en que todo se desenvuelve como debe. No creo en accidentes ni en coincidencias, solo en el tiempo, la persistencia y la energía correcta. Mirando hacia atrás, a lo largo de estos ocho años, puedo ver que cada paso del viaje, cada desafío y cada triunfo ha moldeado a Kuukou exactamente como debía ser. Y esto es solo el comienzo. El sello sigue creciendo y, con cada lanzamiento, nos adentramos más en nuevos territorios sonoros mientras nos mantenemos fieles a nuestra identidad central. A medida que avanzamos, mi objetivo sigue siendo el mismo: ofrecer música que haga que la gente se mueva, sienta y se conecte, crear momentos en la pista de baile que se queden contigo mucho después de que termine la noche.
“¡KUUKOU RECORDS VA A TODA VELOCIDAD!”.
De todos los lanzamientos que has firmado hasta ahora, ¿cuáles consideras que han sido los más decisivos para llegar hasta donde estás ahora? ¿Fue ‘Techno Monkey’ uno de ellos? ¿O quizás, incluso más, sus remixes?
¡Esa es una pregunta difícil! Realmente creo que cada disco que he lanzado ha jugado un papel en mi desarrollo como artista. Incluso si no me di cuenta en ese momento, cada lanzamiento fue un peldaño—una lección, un desafío, una pieza del cuadro más grande. Algunas canciones marcaron hitos importantes, mientrasqueotrasmoldearondemaneramásdiscreta mi sonido, mi confianza y mi enfoque hacia la música. Mi primer lanzamiento, Mukluks & Ponytails (2010), fue un momento significativo. En una de las canciones, sampleé el icónico clásico folklórico rumano de Maria Tănase, Un Țigan Avea O Casă. Esa fusión de elementos tradicionales y electrónicos se sintió profundamente personal, un homenaje a mis raíces y un experimento temprano en sonido. Desde ahí, seguí avanzando, lanzando en sellos emergentes, haciendo remixes de todas las canciones que podía conseguir y refinando mi identidad musical. En 2012, lancé mi único álbum completo hasta la fecha, Exit City, originalmente en Susumu Records. Cuando el sello cerró, recuperé el álbum y más tarde lo relancé en Kuukou Records. Ese álbum fue un capítulo importante, pasé casi un año en el estudio, durmiendo allí si era necesario, para cumplir con la fecha de entrega. Pero no me detuve ahí. Continué sacando EPs, remixes y colaboraciones hasta que, finalmente, lancé mi propio sello. Una canción que fue verdaderamente crucial para mí fue ‘Techno Monkey’. Años después de su lanzamiento original, tuve la idea de sacar un disco de remixes y cuando pregunté a varios artistas y se lo propuse, la respuesta fue fenomenal y realmente me sorprendió cuántos artistas estaban interesados en ser parte de este proyecto. Terminamos sacando nueve remixes en tres partes durante un año, con algunos de los nombres más grandes de la industria, y eso llevó a Kuukou Records a un nivel completamente nuevo. Fue más que un lanzamiento fue una declaración, un momento de crecimiento y un cambio de impulso. Más allá de Kuukou, estoy increíblemente orgullosa de mis lanzamientos en Drumcode, We Are The Brave, OFF Recordings, Tronic, Rave The Planet, Prospect, FORM y Kneaded Pains. Estos sellos me han proporcionado increíbles plataformas para mi música y cada experiencia me ha moldeado de maneras que no podría haber previsto. Al final del día, creo que todo lo que sacas como artista deja una huella. Incluso si una canción no parece impactar tu carrera, te impacta a ti. Las piezas que amas, las que olvidas, incluso las que ya no soportas, todas importan. Todas contribuyen al próximo proyecto, a la próxima idea, a la próxima evolución. Como seres humanos, somos la suma de nuestras experiencias. Como artistas, somos la suma de nuestra producción.
¿Cómo te organizas para equilibrar tu rol como directora de sello, DJ, productora y madre de dos hijos?
El equilibrio lo es todo, y tener un sistema de apoyo fuerte marca la diferencia. Cuando me comprometo con algo, lo hago con todo mi ser, ya sea mi carrera o mi familia. Cuando estoy en casa, estoy completamente presenteconmishijas.Valoroesetiempoymeaseguro de que siempre sepan que ellas son mi prioridad.
Cuando estoy de gira, tengo la tranquilidad de saber que están en las mejores manos, con el apoyo amoroso de la familia. Además, tengo a una niñera increíble que se ha convertido en parte de nuestra familia extendida, ayudando a que todo funcione sin problemas cuando no estoy. Realmente se necesita una comunidad, y estoy agradecida todos los días por las personas en mi vida que hacen todo esto posible. Siempre he sido abierta con mis hijas sobre lo que hago y por qué lo hago. Les hablo de la importancia de seguir sus sueños y hacer lo que les llena el corazón. Para mí, eso significa dos cosas: estar con ellas y expresarme a través de la música y el arte. Ahora ellas lo entienden, y espero que, al vivir mi pasión siendo madre, les esté mostrando que ellas también pueden perseguir sus sueños sin comprometerse.
La gestión del tiempo ha sido clave para que todo funcione. A lo largo de los años, he tocado en toda Europa y más allá, y en este punto de mi carrera, tengo la suerte de poder elegir mis conciertos. En 17 años, creo que he tocado en cada ciudad y pueblo alemán, y he pagado mi precio. Ya no es necesario decir sí a todo. He pasado la fase de viajes interminables y shows constantes, y ahora me enfoco en la calidad sobre la cantidad. Ese cambio me ha permitido encontrar un ritmo que funciona, equilibrando la maternidad y mi carrera de una manera que se siente sostenible y satisfactoria.
Pero más allá de horarios y logística, he aprendido que el verdadero equilibrio proviene de estar presente, ya sea detrás de los platos o en casa con mis hijas. El tiempo es lo único que nunca podemos recuperar, y soy profundamente consciente de lo fugaces que son estos años. Mis hijas solo tienen una infancia, y yo solo tengo una infancia con ellas. Así que aprovecho al máximo ese tiempo, incluso si eso significa no hacer nada en absoluto: solo estar juntas, reír, hablar o simplemente disfrutar de la compañía de las demás. Este equilibrio no siempre es perfecto, pero es real. Y al final del día, saber que puedo dar mi corazón tanto a la música como a mi familia sin sacrificar una por la otra es la sensación más satisfactoria de todas.
“SABERQUEPUEDODAR
¿Escuchas algo más que techno en casa?
Casi nunca escuchamos techno en casa. Con tantos gustosdiferentesenlacasa,lamúsicaesunaexperiencia compartida, una que requiere equilibrio, negociación y, a veces, un poco de paciencia. Nos turnamos para poner nuestras canciones favoritas porque, honestamente, tenemos que hacerlo. La demanda es alta, y con eso vienen conflictos constantes, aunque no graves, entre las niñas. Cada quien tiene un deseo musical específico en cualquier momento dado y, a veces, elegir quién pone la próxima canción se siente más intenso que una cola de DJ en hora punta.
A Izzy le gusta el pop, el rock y el lo-fi. Le encanta la música con melodías fuertes y un toque indie. Por otro lado, Rosie está obsesionada con Coldplay y lo que solo puedo describir como música infantil rápida y llena de energía: de alto voltaje y mucha alegría. Mientras tanto, mis propias selecciones son bastante diferentes. A menudopongomúsicaespiritual,quevadesdelosIcaros de Ayahuasca hasta frecuencias curativas inspiradas en la medicina de plantas. Hay algo que te conecta con la tierra en esos sonidos; crean una atmósfera pacífica que equilibra el caos de la vida cotidiana.
Dicho esto, mis gustos personales son mucho más amplios. Todavía me encanta el grunge, el punk y el rap gangsta, géneros que marcaron mi adolescencia y, en muchos aspectos, quien soy hoy. Pero aunque me encantaría poner a todo volumen The Infamous o 36 Chambers por la casa, estoy posponiendo introducirle a mis hijas el rap gangsta por ahora. Por más que aprecie su energía cruda y sus historias, es agresivo en su núcleo y tenemos una vibra diferente en casa: la atención plena y la suavidad son valores fundamentales. Además, ya maldigo como un marinero la mayoría de las veces, realmente no necesito que ellas aprendan más groserías. Más allá de solo escuchar, la música es algo con lo que interactuamos activamente como familia. Isabella ha empezado recientemente a aprender Ableton y ha estado experimentando con diferentes máquinas y técnicas de producción. Está sumergiéndose en ello, poco a poco encontrando su camino, y me encanta ver esa chispa en ella. Al mismo tiempo, también es profundamente espiritual, atraída por trabajar con pociones y cristales. Su creatividad va más allá de la música y se extiende al mundo de la energía y la intención.
Mis hijas son extremadamente artísticas y expresivas a su manera, ya sea a través de la música, la danza, el teatro o las artes visuales. Como madre, mi rol no es empujarlas en ninguna dirección, sino apoyarlas en explorar lo que les llame. Creo firmemente que la creatividad es una parte vital del autodescubrimiento, y darles el espacio para experimentar, jugar y conectarse con diferentes formas de arte es uno de los mayores regalos que puedo ofrecerles. Ya sea que terminen persiguiendo la música, el arte o algo completamente diferente, lo que más importa es que tengan la libertad de crear y la confianza para expresarse.
Al final del día, nuestra casa está llena de sonido, no solo música, sino risas, ideas y el ritmo de una familia que abraza la creatividad en todas sus formas. Y mientras el techno puede dominar los clubes, aquí en casa, la banda sonora es tan diversa y dinámica como las personas que viven en ella.
¿Todavía te gusta que tu sonido se defina como “techno con sentimiento”? ¿Qué más agregarías a eso?
Sí, eso es. Es un techno que te hace vibrar el corazón, con un ritmo que te hace mover los pies. El tipo de techno que te agarra por el pecho y no te suelta. También me encanta el techno industrial, y aunque mi gusto abarca muchos géneros, hay algo en el techno oscuro, de máxima energía, con toques femeninos hermosos, que realmente resuena conmigo. Las vocales no son imprescindibles, pero cuando se usan bien, aportan una profundidad completamente nueva a la pista, una carga emocional que se entrelaza con el ritmo impulsante. Y no olvidemos la base de bajo rumble, esa energía profunda y ondulante que mueve a la gente instintivamente en la pista de baile. Cuando todos estos elementos se combinan de la manera correcta, creando esa armonía perfecta entre intensidad, groove y emoción, ahí es donde vivo musicalmente.
“MITECHNOTEHACEVIBRAREL
HACEMOVERLOSPIES”.
Vamos a ser curiosos, ¿con qué sueles empezar cuando creas una nueva pista?
Melodía. Siempre empiezo con la melodía. Establece el estado de ánimo, el sentimiento, la base de todo lo que viene después. Una vez que eso está en su lugar, construyo el groove principal: empiezo con el bombo, luego el bajo, seguido por el sub-bajo para darle ese peso y calidez. A partir de ahí, todo lo demás comienza a superponerse, llenando el espacio y dando vida a la pista.
Tus pistas están especialmente bien masterizadas... ¿quién te ayuda con eso?
He tenido la suerte de trabajar con algunos ingenieros increíblemente talentosos que realmente entienden mi sonido y me ayudan a llevarlo a su máximo potencial. Uno de mis colaboradores habituales es Hollen, de Italia, un auténtico maestro del sonido. Trabajamos juntos con frecuencia y recientemente lanzamos nuestro EP de tres pistas Remote Control en Kuukou Records. Está funcionando de maravilla en la pista de baile. Para la masterización de Kuukou, solemos trabajar con Rob Small en el Reino Unido. Tiene un oído increíble y un enfoque meticuloso que garantiza que cada pista suene pulida y potente. Y, por supuesto, no puedo dejar de mencionar a mi hermano, Daniel Grigoriu, alias Moe Danger. Es músico, productor e ingeniero de sonido con sede en Montreal. Daniel vivió en Berlín durante siete años, y durante ese tiempo creamos mucha música juntos. Su enfoque del sonido es increíblemente dinámico y sabe exactamente cómo darle forma y realzar la energía de una pista. Recientemente, se mudó de nuevo a Canadá, donde está centrado en proyectos allí, pero nuestra colaboración está lejos de haber terminado. Siempre será una parte clave de mi viaje musical. Al
final, la mezcla y la masterización son más que solo hacer que una pista suene bien: se trata de refinar y elevar las emociones ya presentes en la música. Es el paso final para asegurar que cada pista tenga el máximo impacto, ya sea en un club íntimo o en el escenario principal de un festival. No soy ingeniero, y creo firmemente que para convertirte en el mejor en algo, tienes que rodearte de los mejores. Nunca he afirmado ser el productor más hábil técnicamente, de hecho, todo lo contrario. La verdad es que veo la producción musical como un proceso de aprendizaje continuo, uno que requiere crecimiento constante, adaptación y colaboración. Por eso es tan importante para mí trabajar con ingenieros experimentados. Su experiencia me permite expandir mis conocimientos, refinar mi sonido y empujar mis límites creativos. Cada sesión, cada pista, cada discusión es una oportunidad para absorber algo nuevo, ya sea una técnica sutil de mezcla, un enfoque fresco del diseño sonoro, o una forma completamente nueva de pensar sobre la música. Estoy increíblemente agradecido por los ingenieros y productores con los que he tenido el privilegio de trabajar a lo largo de los años. No solo me han ayudado a dar vida a mis visiones musicales, sino que también han jugado un papel crucial en mi desarrollo como artista.
“SIEMPREEMPIEZOCONLA MELODÍA”.
¿Qué tienes planeado lanzar en los próximos meses para el mercado y las pistas de baile?
Tengo muchos proyectos emocionantes en marcha, pero como muchos aún están por finalizar, prefiero mantener las fechas de lanzamiento en sorpresa… por ahora. Lo que puedo compartir es que 2023 marcó mi debut en Drumcode Records, un hito del que estoy increíblemente orgulloso, y he seguido trabajando con algunos de mis sellos favoritos, como We Are The Brave, Tronic, Rave The Planet y OFF Recordings. Este año traerá más de los mismos lanzamientos de alta energía, ¡y no puedo esperar para que todos escuchen lo que viene a continuación! Uno de los proyectos que es especialmente cercano a mi corazón es una colaboración con Kelli Ali de The Sneaker Pimps. He sido un gran fan suyo desde los 90, así que cuando contacté con su equipo para ver la posibilidad de trabajar juntos, me emocionó muchísimo saber que ella estaba tan emocionada con la idea como yo. Comenzamos a trabajar en Temple Dancer el año pasado, fusionando sus vocales etéreas y cautivadoras con mi techno más oscuro y orientado al groove. Sin embargo, como suele ocurrir en los proyectos creativos, ambos tuvimos que alejarnos brevemente para terminar otros compromisos. Ahora, la pista está finalmente completa y no podría estar más feliz con el resultado. Aunque aún no estamos listos para revelar los detalles del lanzamiento, puedo prometer que llegará pronto… y será algo especial.
Tienes una relación muy especial con tus fans y siempre eres muy receptiva con ellos cuando estás de DJ... ¿es eso un reflejo de tu personalidad?
Absolutamente, es una calle de dos direcciones. Yo llevo mi energía al público y, a cambio, me alimento de la suya. Es un intercambio mutuo, basado en una comprensión tácita y un respeto profundo. Mi trabajo como artista es presentarme, estar presente y dar todo lo que tengo en ese momento. La mayoría de las veces, estoy emocionada por subirme al escenario y perderme en la música, pero en las raras ocasiones en que no me siento con ganas, ya sea por agotamiento, estrés o simplemente un mal día, me recuerdo a mí misma por qué estoy allí. Pienso en las personas que han venido a vivir ese momento conmigo, la pasión que me trajo aquí en primer lugar y lo increíblemente afortunada que soy por poder hacer lo que amo para ganarme la vida. En el momento en que cambio mi mentalidad, la energía cambia al instante. Ganar la vida haciendo lo que te apasiona es uno de los mayores lujos de la vida y nunca lo doy por sentado. La industria de la música es impredecible, cambia constantemente y evoluciona sin previo aviso. Las tendencias cambian, las plataformas suben y bajan, y lo que funcionaba ayer puede que no funcione mañana. Sin embargo, a pesar de toda esa incertidumbre, he podido seguir haciendo lo que amo, tocando para públicos de todo el mundo, y eso es un regalo que nunca dejaré de agradecer. Al final del día, todo se trata de conexión. Cuando subo al escenario, no solo se trata de poner música; se trata de crear una experiencia, un momento compartido en el que todos en la sala se mueven, sienten y existen juntos. Eso es lo que me motiva y lo que hace que todo valga la pena.
“YOLLEVOMIENERGÍAAL
PÚBLICOY,ACAMBIO,ME ALIMENTODELASUYA”.
En España cada vez tienes más seguidores y más bolos cada año... ¿es un público especial para ti? ¿Por qué?
Siempre he sentido una conexión profunda y especial con España y su gente. A lo largo de los años, he viajado mucho por el país, experimentando su rica cultura, paisajes impresionantes y su increíble energía. Ya sea en las playas bañadas por el sol de Ibiza, las animadas calles de Barcelona, o las montañas serenas y agrestes de Cataluña, donde me retiro para mis escapadas espirituales semestrales, España siempre ha sido como una segunda casa para mí. Algunos de mis amigos más cercanos son de España, y la comunidad techno española ha sido una fuente constante de apoyo desde el principio de mi carrera. Aún recuerdo tocar en pequeños bares y clubes underground de Barcelona, donde la energía del público era magnética. La calidez, pasión y dedicación de la gente allí siempre me ha hecho sentir increíblemente bienvenida, y ese apoyo ha continuado a medida que mi carrera ha crecido.
De hecho, cuando consideraba mudarme a Europa, estaba dividida entre dos ciudades: Berlín y Barcelona. Ambas tenían escenas musicales vibrantes, historias
ricas y la energía creativa que buscaba. Durante un tiempo, estuve completamente indecisa, sin saber qué dirección tomar. Pero como la vida se desarrolla de manera impredecible, terminé en Berlín, una decisión de la que no me arrepiento ni un segundo. Berlín se convirtió en la base de mi carrera, mi hogar y el lugar donde construí mi vida. Pero mi amor por España nunca ha desaparecido.
Todavía sueño con tener una pequeña cabaña en algún lugar de España, tal vez escondida en las colinas o cerca del mar, un refugio tranquilo donde pueda desacelerar, disfrutar de la belleza del país y aún tener mis equipos de DJ listos para tocar cuando la inspiración llegue. Tal vez sea cuando sea mayor, pero una cosa es segura: España siempre tendrá un lugar especial en mi corazón.
“ESPAÑASIEMPREHASIDOCOMO UNASEGUNDACASAPARAMÍ”.
Para terminar, Simina, ¿qué esperas del 2025, que parece que será aún mejor para ti que el ya extraordinario 2024?
En general, trato de evitar poner expectativas rígidas, algo que he aprendido profundamente en los últimos años. Pero al mismo tiempo, sí espero mucho, principalmente de mí misma. Trabajo duro y me encanta rodearme de personas que compartan esa energía. Me alimento del momentum y en este momento hay mucho movimiento en mi vida.
Se vienen grandes cambios personales. Estoy en el proceso de buscar una nueva propiedad en Berlín, lo cual es un paso emocionante y significativo. Mis hijos están creciendo a una velocidad que parece de otro mundo, y nuestros días están llenos de actividades, aventuras y esos pequeños momentos que hacen que la vida sea tan especial. Kuukou Records sigue prosperando y, a medida que avanza la temporada de verano, mi agenda se está llenando más.
Dicho esto, también he aprendido la importancia de desacelerar, al menos a veces. Mi estado natural es ir, ir, ir, siempre hacia adelante, siempre persiguiendo el próximo objetivo. Pero con el tiempo me he dado cuenta de que parar, realinear y simplemente estar presente también es esencial y crucial para mi salud mental. La vida se mueve rápido, más rápido de lo que esperamos. Mi mayor recordatorio del paso del tiempo es ver cómo mis hijas crecen; parece que están creciendo como jirafas, una constante señal visual de que los años están volando. Así que, a medida que el tiempo sigue pasando, yo me muevo con él. Me mantengo abierta a nuevos desafíos, nuevas posibilidades y nuevas experiencias mientras continúo gestionando mi negocio, persiguiendo mis sueños y cuidando de mi familia. Todo se trata de esa danza delicada y en constante evolución: el equilibrio entre la ambición y la presencia, entre el movimiento y la quietud. Porque, ¿qué es la vida si no la estás viviendo plenamente?
En sus dos décadas de carrera, Pushmann se ha labrado, por méritos propios, un puesto de privilegio en la mejor escena techno underground nacional e internacional, con hitos alucinantes como, por ejemplo, haber publicado un álbum en el sello Axis de Jeff Mills y ser un habitual en las exigentes cabinas del club berlinés Tresor o del festival Monegros. Hacemos repaso de lo que ha conseguido y disfrutado hasta el momento, sabiendo que lo mejor de este artista turiasonense está por venir… ¡atentos!
Autor: Fernando Fuentes
Fotos: Raúl Castaños/ Guillermo L.
Hola Pushmann, enhorabuena, acabas de cumplir 20 años de carrera como DJ y productor en las lides del mejor techno underground, ¿qué autobalance haces de estas dos décadas de trayectoria?
Creo que es balance es muy positivo, son muchos años mezclando discos en los mejores clubs de España y Europa, también en Latinoamérica y lanzando música en sellos que siempre admire. Si lanzo una mirada atrás y veo mi música firmada en sellos como Axis, Symbolism, Hardgroove o Soma, entre otros, es inevitable sentir un poco de orgullo propio. O pinchando en lugares como Tresor, Florida135, Monegros Festival… En este aspecto, sin duda, logré alcanzar algunos de mis sueños; pero esto sigue y tenemos que seguir apoyando esta cultura y tratando de dejar un legado positivo.
¿En qué se parece -y diferencia- la escena techno que descubriste, y en la que te adentraste, hace ahora 20 años, con la actual?
He de decir que el sonido actual es muy parecido al del 2000, 2005, ritmos rápidos, tribales y llenos de groove, artistas que están entendiendo muy bien que todavía se puede ser fresco en cuanto a la música que hagas, y que, aun estando todo inventando, siempre hay un lugar para esa frescura que te comento, por ese lado estoy super feliz de que así sea. Sin embargo, creo que hay mucha competición entre productores y artistas y promotores, gente que cree que esto es una carrera por ver quien la tiene más larga y quien hace más música o tiene más gigs, o quién es mejor promotor y, honestamente, esto es una carrera de fondo, de muchos años de constante trabajo y buen hacer. Y creo que en la época actual que vivimos estamos llenos de artistas muy jóvenes con mucha energía, pero que, sinceramente, no están entendiendo nada, y eso cuando yo empecé, no recuerdo que ocurriese lo mismo. No sé, quizás las redes sociales tengan parte de culpa, o qué sé yo… (Risas).
Y tu techno, ¿cómo ha ido progresando? ¿Cómo era hace 20 años y es ahora?
Sin duda antes era mucho más tribal, lleno de samples, y creo que, aun trabajando mucho sinte etc. Sigo sampleando mucho. Me encanta samplear cortes del viejo Jeff Mills, cosas de Todd Terry… son perfectas para hacer el techno que hago en mi versión más funky… Sin embargo, cuando estoy fluyendo en algo más hipnótico, me dejo llevar por una buena caja de ritmos y alguna maquina o VST hasta el punto de poder hacerme jams de 20 o 25 minutos. Creo que la evolución esta más en cómo se hace, que en el sonido que finalmente suena en un club. Por lo menos yo así lo veo… El techno es techno.
Lo que es una evidencia es que la esencia del techno de Pushmann sigue siendo la misma, teniendo como base Detroit y dejándote felizmente influenciar, sin ambages, por Berlín y Birmingham… ¿pero es quizá ahora el techno europeo el que más se pueda reconocer en tus sets y producciones?
No sabría que decirte, últimamente estoy tocando tracks antiguos de Surgeon; de vez en cuando tiro algo de Dj Godfather; de repente vuelvo con un track de Jeroen Search, no sé… Me gusta pinchar de todo mientras sea bueno, me haga sentir algo especial y haga bailar al público.
¿Sigue siendo para ti los vinilos unas herramientas imprescindibles para entender y disfrutar el techno con plenitud y como mandan los cánones?
Si me preguntas por un dj que esté empezando, te diré que para mí es esencial que empiece con vinilos, se gana oído, tacto, e incluso gusto a la hora de mezclar. De esta forma todo se entiende mejor y se disfruta mucho más. En la actualidad no ando tocando con plásticos. El motivo no es otro que la dificultad de encontrar unos decks en condiciones en cada gig. Sufrí mucho en el pasado con esto, y los cdjs para mí son una comodidad total. Quizás este sea uno de los verdaderos motivos por los que algunos djs están dejando de usar este formato.
¿Cuál es el secreto para saber haber ido adaptándote a los cambios que ha sufrido en techno desde primeros de este nuevo siglo y hasta este momento?
Creo que el secreto ha sido siempre mantenerme fiel a lo que me hace sentir cosas frente a otros estilos o tendencias que no lo hacen. No tiene mucha más explicación. Creo que es la mejor forma de ir adaptándose a la evolución constante del techno, seguir fiel a lo que te gusta, escuchar mucha música, descubrir nuevos productores, djs…
¿Por qué teniendo en España a tantos buenos artistas(DJSyproductores),sellosyclubs,seguimos sin ser un referente mundial de este estilo?
Porque en España hay más envidia por metro cuadrado que en cualquier otro lugar. Es la verdad. Y no me refiero al público, me refiero a gente que estamos dentro de la escena de verdad. Cómo vamos a ser un referente mundial en este estilo, si no nos apoyamos ni siquiera entre nosotros. Promotores que buscan contratar cada fin de semana lo mismo
que suena en Berghain, Berlín o Ámsterdam, mirando redes sociales… Sin darse de cuenta de que los mejores djs están aquí, y está comprobado. He visto sets en Berghain o Tresor que no había por donde pillarlos. Luego llegan Anika Kunst, Alienata, Kwartz y la gente flipa. Creo que vivimos en una envidia constante y así no vamos a avanzar. Este es el verdadero problema, la maldita competición que hay.
Has pinchado en multitud de clubs y festivales de auténtico postín -caso de Tresor, Monegros, Florida 135, Renate, Industrial Copera, Kalchno Col, etc.- pero si tuvieras que quedarte con tres citas solo… ¿cuáles serían y por qué?
Mi primer Tresor en 2018, el cierre en el aniversario de Florida 135 en el 2021 y mi primer Monegros. Y el motivo es el mismo, los tres fueron lugares muy importantes para mí y donde pude ir descubriendo mucho de lo que hoy soy en la música.
En el pasado 2024 actuaste por primera vez en Malta y en México, ¿qué nos puedes contar de ambas citas? ¿Volverás?
Ambas fueron unas noches super buenas. Me encantó la energía en Malta, me habían hablado muy bien y no defraudó. Un club con un sonido cuidado y con un público preparado para darlo toda esa noche. En cuanto a México puedo decir que me fui con un muy buen sabor de boca, el club estaba lleno desde temprano, los promotores hicieron una buenísima labor de promoción, buen sonido, poca luz, mucho baile y una gente super amable… Sí, ¡sin duda en este 2025 estaremos de nuevo en ambos!
Tus B2B con Paula Cazenave que ya son como un clásico imprescindible en los mejores festivales patrios de techno, caso de Monegros… ¿cómo los organizáis? ¿O todo fluye?
Paula y yo tenemos un estilo muy parecido; los primeros B2B que hicimos sí recuerdo que mirábamos los tracks y demás. E incluso en una ocasión practicamos en el estudio de Paula, pero nada más. Cuando vamos a un nuevo gig directamente fluimos, nos dejamos llevar, y creo que eso es muy bueno para que salga bien, dejarse llevar por la atmósfera del lugar donde estás…
Por cierto, Pushmann, no hay tercera sin cuarta… ¿volverás este 2025 a pinchar en Monegros Desert?
Pues me temo que no, ya son tres ediciones seguidas y quizás este año toca un descanso, ¡espero para el 2026 se vuelva a dar!
En lo que afecta a producciones; sabiendo que has firmado referencias en sellos capitales y referenciales como son Axis, Hardgroove, Symbolism, KMS Records, Be As One, End Of Dayz o SOMA, te vamos a pedir que tú
mismo selecciones tus tres releases propios favoritos…
Me quedaría con el álbum en Axis, ya que siempre quise trabajar con Jeff Mills, y sin duda fue un sueño cumplido. Poder lanzar en uno de mis sellos favoritos de siempre e, incluso, intercambiar correos o conversaciones con Jeff, fue algo que me causo un shock muy positivo durante todo el tiempo que fui trabajando con el disco. Luego me quedaría con mi segundo álbum en Matterwave, donde me alejé un poco del sonido más ambient que trabaje en Axis, yendo por el detroit techno e incluso electro y donde pude trabajar con Ben Sims, Jeroen Search, Alexander Kowalski o Head Front Panel. Y, por último, no sé, quizás el EP ‘Augua Do Binies’ en Hardgroove, sello de Ben Sims; quizás fue mi EP más funky y para la pista de baile hasta el momento…
Por cierto, ¿con qué artistas, con el que todavía no has trabajado, te gustaría hacerlo en un futuro y por qué?
No sé, quizás Ruskin y Surgeon. Son la gente que siempre seguí desde mis principios, son como ejemplos para mí, ya sabes… Son como la definición de la palabra techno.
Sabemos que no eres de los que se pasan la gran parte del día y la noche encerrado en el estudio pergeñando nueva música, ¿es porque te sigues sintiendo DJ por encima de todo? ¿Y cómo consigues sacar tan buenos temas con tanta frecuencia?
Últimamente le estoy cogiendo más gusto a producir nuevos tracks. Quizás voy aprendiendo más y más cada día y por eso me divierto más. Pero sí, no soy de pegarme 10 horas en el estudio o dándole vueltas a un track por varios días. Muchas de las veces estoy haciendo edits de algún track viejo que quiero volver a pinchar, así que siempre acabo en lo mismo, hacer tracks para tocarlos el fin de semana, no para firmarlos en un sello u otro. Sí, definitivamente soy dj, ¡me divierte y no me causa este tipo de stress!
En la actualidad sigues imparable y, también, como promotor; actualmente trabajas en tus propias fiestas llamadas LILA en Zaragoza, en Höhle club, ¿qué nos puedes contar de ellas?
Es sin duda alguna mi proyecto más personal, en el mejor lugar que podía ser y rodeado de un equipo perfecto. El club es increíble, donde todos los artistas que venimos del más puro underground definimos como “el club”. Un sonido muy bestia, casi perfecto, un club muy cuidado… Los djs que están viniendo nos están diciendo que, probablemente, estamos ante uno de los clubs más bestias de Europa. La vibra que se vive ahí dentro no la vi nunca y esto es culpa de la gente que cada evento de LILA está en la puerta media hora antes esperando a que abramos… ¡Está siendo jodidamente bonito!
Finalizando Pushmann, ahora te vamos a pedir que nos des una exclusiva mundial para despedir la entrevista… ¡vamos, que esto es Vicious!
Se viene pronto un EP muy chulo para Truncate. Además de una serie de discos que voy a hacer en Rekids llamados ’Samplin & dancin’ donde me voy al hardgroove más puro, sampleando ritmos, vocales y sintes del pasado…
FATIMA HAJJI ALL NIGHT LONG
En el mes de enero en Fabrik ya empieza a ser tradición la apuesta por un nombre referente en el techno más contundente. Fatima Hajji se volvió a convertir el pasado sábado 18 del primer mes de 2025, en la reina de la Main Room del templo madrileño en una noche que solo podía clausurar poniendo el cartel de Sold Out, como ya sucedió el año anterior. Un éxito rotundo para empezar la temporada de 2025 en Fabrik, y el año de Fatima Hajji.
Autor: Vicious Magazine
Una fecha para guardar que todos sus seguidores marcaron a fuego en el calendario, resultando en la sala a reventar cuando la protagonista de la velada subió al escenario a medianoche. La evolución de la escena techno queda patente con este apoyo del públicoenunaépocaquehastahacerelativamente poco tiempo, era muy difícil por la coyuntura postnavidades. Sin embargo, esta apuesta consecutiva por combatir las semanas más difíciles del año con una programación potente, está claro que ya está totalmente establecida. Una noche de altos vuelos, y muchos BPM’s en Fabrik.
Fabrik completó su propuesta con un full line up en Satélite y Crystal Room, junto a los djs residentes de la sala como Nuke, César Almena o Parsa Jafari. Programación completa tanto en el espacio Satélite con nombres del circuito nacional como Raúl Pacheco o de fuera de nuestras fronteras Per Pleks. Sonidos frenéticos y revolucionados con sets de Caravel o Køzløz o el italiano Luca Agnelli. Como en la Crystal Room, que no se quedó atrás, con sets enfocados al hard techno de la mano de Manu Sánchez, Mr Machine o Ed E.T entre otros.
Pero la verdadera estrella de la noche fue Fatima Hajji, principal reclamo, que consiguió mantener la Main Room en punto de ebullición durante toda la noche. El sonido de la salmantina acompañado de una producción de alto nivel sin precedentes en la sala con una atmósfera visual y un sonido de calidad que hizo vibrar al público desde el primer minuto al último. Uno de los momentos estelares fue sin duda la intro, ofreciendo un montaje visual nunca visto en un show suyo. Hajji arrancaba su set haciendo homenaje a su propio sonido y presentando un track propio que verá la luz en su propio sello nuevo, Ströbo.
La evolución del set de Fatima Hajji desde la medianoche, ha conseguido hacer un auténtico homenaje a su propio sonido, donde ha habido espacio para para sus últimas producciones como ‘Oxitocina’ , guiños a clásicos atemporales como ‘Sweet Dreams’ o su tema original ‘Violines’, hits como ‘Toro’, de El Columpio Asesino o el remix de ‘Hello’, sonidos tribales y sobre todo la arrolladora energía de la dj y productora, conectando con un público rendido a su manera de interpretar un All Night Long, con la fuerza que la caracteriza. Un sonido frenético desde el inicio de un show que se prolongaba hasta el cierre de Fabrik.
UNA FUSIÓN DE MÚSICA, CREATIVIDAD Y CONEXIÓN
Una energía innegable vibra a una frecuencia que se niega a ser ignorada, una oleada que exige atención simplemente por existir.
Durante los últimos tres años, se ha formado una ola trascendental en la costa pacífica de Costa Rica. Un espectáculo alimentado por el ritmo, la creatividad, la conexión y la creencia inquebrantable de que la música no es solo sonido, sino una experiencia compartida que nos une a todos.
Texto: Michael Blair
Enclavado en lo profundo de la jungla de Tamarindo, en Costa Rica, pero justo al borde de la impresionante costa, Dreamsea Surf Camp ha sido durante mucho tiempo un santuario para los buscadores de aventuras. Desde su inicio en diciembre de 2013, el campamento ha recibido a más de 14.000 viajeros convirtiéndose de manera constante en uno de los albergues más populares de toda América Central.
En Enero de 2025, Dreamsea se transforma una vez más y da luz a un evento inmersivo: Dreamsea Sonica.
Las raíces de este evento se remontan a julio de 2022, cuando el fundador de Dreamsea, Carlos Tello y el equipo de Ibiza Sonica cruzan sus caminos. Ibiza Sonica, nacida en 2006 se ha posicionado como una estación de radio en la vanguardia de la música electrónica mundial.
Ese encuentro marcado por el destino tuvo lugar en Kumharas Ibiza, un bar emblemático famoso por sus puestas de sol y punto de interés cultural. Allí nació la idea que, solo seis meses después, en enero de 2023, llevó al equipo de Ibiza Sonica hasta Costa Rica.
Durante ese viaje, lo que comenzó como una sesión de DJ íntima junto a la piscina se convirtió en una visión mucho más ambiciosa: un evento que fusiona la belleza salvaje de Costa Rica con los profundos paisajes sonoros electrónicos de Ibiza.
Avanzamos rápidamente hasta enero de 2024, cuando Dreamsea Sonica debutó oficialmente como un evento a gran escala. Dos escenarios, veinte DJs y una noche inolvidable de música y arte. La recepción y el impulso de esa primera edición llegan hasta en enero de 2025, cuando Dreamsea Sonica regresa con más fuerza.
El evento de este año contó con la presencia de otros veinte DJ de todo el mundo (España, Costa Rica, Brasil, México, Panamá, Estados Unidos...) reunidos en dos escenarios ambientados en la jungla, durante dos días, más de veintidós horas de música ininterrumpida. Diez de los DJ del año anterior regresaron, lo que demuestra la naturaleza magnética del evento, creando una atmósfera donde el sonido y la naturaleza se mezclaron a la perfección.
Más allá de la música en sí, que contó con cabezas de cartel de renombre como Héctor Couto, Valentín Huedo y Blancah, entre otros, el festival fue una explosión general de expresión artística. Los bailarines de fuego iluminaron la noche, los camiones de comida alimentaron a los asistentes, los pintores en vivo convirtieron el ritmo en color y un mercadillo de artistas y vendedores agregó un ambiente aún más creativo a la experiencia.
La energía de ambos días fue innegable. El sábado, el cartel contó con una electrizante lista de trece DJs, mientras que el domingo, el cartel más íntimo de cinco DJs, continuó con la tendencia del fin de semana, y cada artista trajo su propio sabor distintivo al escenario.
Desde los ritmos profundos y conmovedores del house hasta los ritmos hipnóticos de los beats progresivos, el afro house, el latin tech house y el deep house, el público se vio transportado a un viaje a través de diversos paisajes electrónicos. Cada set estuvo marcado por una huella internacional; las influencias de todos los artistas combinados reflejaron universalidad.. Cada actuación capturó un equilibrio perfecto entre arte y vitalidad, asegurando una multitud involucrada y bailando de principio a fin.
El evento también reunió a una mezcla ecléctica de asistentes de todos los rincones del mundo: la gente era tan diversa como la música en sí, con edades que iban desde enérgicos jóvenes de 18 años hasta experimentados amantes de la música que rondaban los 60. Todo un testimonio del atractivo universal de un evento que atrajo a personas de todos los orígenes y estilos de vida. La variedad de perspectivas y culturas creó una atmósfera inclusiva y vibrante donde todos se sintieron bienvenidos y parte de algo verdaderamente especial.
Héctor Couto, uno de los cabezas de cartel del sábado, en el sentir detrás de los platos la conexión pura entre la música y la multitud, incluso se quitó los zapatos a mitad del concierto para vivir las vibraciones aún más profundamente, un gesto simbólico que encarnaba la magia cruda y sin filtros de Dreamsea Sonica. Tras su actuación expresaba: “Había una energía increíble en el escenario, y nadie usando sus teléfonos celulares, todos completamente inmersos en el baile y unidos en el momento”.
La música no es solo algo que creamos o escuchamos como humanos: está entretejida en nuestro ADN, bombeando por nuestras venas con tanta naturalidad como las mareas del océano.
Es la misma pasión inquebrantable que ha impulsado tanto a Dreamsea Costa Rica como a Ibiza Sonica Radio durante años. Esta fusión de valores nunca se trató solo de organizar un festival. Se trataba de unir dos mundos basados en un amor compartido por la música, la cultura, la creatividad y la conexión.
Carlos Tello describe la colaboración como algo más profundo que solo música: “Dreamsea Costa Rica e Ibiza Sonica son una pareja perfecta porque ambas se basan en
el poder de la conexión. Dreamsea ha sido durante mucho tiempo un catalizador para unir a las personas, mientras que Ibiza Sonica usa la música como un lenguaje universal para unir a diversas audiencias”. — De cara al futuro, imagina que Dreamsea Sonica se convertirá en un centro creativo, un lugar de encuentro para artistas, músicos y profesionales de los medios para superar los límites de la expresión artística.
El ya consagrado locutor de Ibiza Sonica, Karlos Sense, quien también fue DJ en ambos festivales, comparteunavisiónsimilar:“Ambas marcas priorizan la autenticidad, la curaduría de alta calidad y la conexión con su entorno, lo que hace que la colaboración sea muy natural y fluida”. — Él cree que Dreamsea Sonica tiene el potencial de convertirse en un verdadero punto de encuentro para los amantes de la música electrónica, evolucionando hacia
una experiencia que va más allá de una fiesta y se convierte en algo más inmersivo y profundamente conectado.
Mientras los últimos compases resonaban en la jungla y el evento llegaba a su fin bajo un manto de estrellas, Dreamsea Sonica 2025 dejó atrás más que recuerdos. Se consolidó como una experiencia cultural en evolución.
Con el paso de un año, la filosofía compartida de libertad, expresión y creatividad se hizo más fuerte, consolidando aún más el vínculo entre Dreamsea Costa Rica, Ibiza Sonica y cada individuo presente. Esta unidad allana el camino para que 2026 sea un año en el que el evento alcance nuevas alturas.
Mientras tanto, los ritmos y la energía de Dreamsea Sonica 2025 permanecen. Hasta la próxima...
DAD OF THE YEAR
RITUALES AFTER-HOURS Y SONIDOS QUE
ROMPEN LAS REGLAS
Conocido por sus maratónicas sesiones en los clubes after-hours de Montreal, Dad of the Year ha trazado un camino único en la música electrónica. Más allá de su reputación como DJ de sets extendidos, ha fundado DOTY Records, un sello que refleja su visión de llevar la música downtempo y experimental a nuevos niveles. Su regreso a Montreal, tras un tiempo en Costa Rica, ha marcado el comienzo de una nueva etapa creativa, fusionando su legado con nuevas influencias.
En esta entrevista exclusiva con Vicious Mag, habla sobre su enfoque narrativo, el equilibrio entre la oscuridad y la luz en sus producciones, y lo que podemos esperar del futuro de su sello.
Te han llamado un pionero de la cultura de la música electrónica en Montreal. ¿Cómo ha influido ese legado en la dirección de DOTY Records?
Montreal siempre ha sido un epicentro de la música electrónica en Norteamérica. Su mezcla única de influencias europeas y americanas, junto con eventos de renombre mundial y clubes after-hours legendarios, ha cultivado un público profundamente conocedor y apasionado. DOTY Records nace de esa cultura, con la intención de mantener vivo el espíritu del underground.
Tus sets extendidos son legendarios. ¿Cómo influye ese enfoque narrativo en tus producciones y en la curaduría de tu sello?
Mis sesiones de cinco u ocho horas en clubes after-hours me enseñaron a guiar a la audiencia por un viaje sonoro profundo. Esa narrativa se refleja en mis producciones, donde busco crear pistas especiales, difíciles de clasificar, pero perfectas para momentos únicos en la noche.
Ahora que has regresado a Montreal, ¿cómo ha influido el cambio de entorno en tu proceso creativo?
Viví tres años increíbles en Costa Rica, pero ahora estoy de vuelta en Montreal. Echo de menos la jungla y los monos, pero regresar a mis raíces ha renovado mi enfoque y mi creatividad.
Tu música aborda tanto lo oscuro como lo melódico. ¿Cómo logras equilibrar estas emociones contrastantes?
La oscuridad y la luz son esenciales en la narración musical. Las transiciones entre intensidad y calma, momentos de presión y liberación, son clave en el viaje que un DJ ofrece. Me gusta llevar a la gente a lugares oscuros, pero siempre guiarlos de vuelta hacia la luz.
¿Por qué elegiste a Landhouse para el primer lanzamiento de DOTY Records?
Landhouse es una de mis mayores influencias y la razón por la que me adentré en el downtempo. Fue lógico invitarlo a inaugurar el sello, y lo hizo de manera impecable, sentando las bases de lo que está por venir.
Con remixes de K2W0 y tú mismo en el EP From Nowhere, ¿qué buscabas aportar con estas reinterpretaciones?
Mi intención con el sello es mostrar música que desafíe los límites, que se sienta diferente y única. En mi caso, más que reinterpretar el tema original, quise transformarlo en una experiencia más enfocada en el club.
Has lanzado música en The Magic Movement, Random Collective y EXPmental Records. ¿Cómo han moldeado esas experiencias tu visión para DOTY Records?
Trabajar con personas como Eddy Romero y Adrian de Magician on Duty me ha enseñado mucho sobre profesionalismo en la industria. Yo manejo mi propia empresa con 15 empleados, y valoro mucho la organización y la puntualidad. Rodearme de personas que trabajan con ese mismo compromiso ha sido clave para mi visión en DOTY Records.
¿Qué sigue para DOTY Records? ¿Podemos esperar colaboraciones o presentaciones en vivo pronto?
Lo próximo es mi track original There’s No Rule, con un remix fantástico de Thea & Schtu. Después viene un potente EP de Eternal Moment, con remixes de Nada y AmuAmu. Y eso es solo el comienzo. Estamos preparando algo especial para esta primavera… ¡pronto revelaremos más detalles!
MURAD GASTELUM
EL FUNDADOR DE CROSS BORDER WARRIORS (CBW)
En el corazón del movimiento electrónico underground, Murad Gastelum ha construido un legado que trasciendefronteras.ComofundadordeCrossBorderWarriors(CBW),halogradoconectarcomunidades musicales desde Juárez hasta Austin y más allá, creando un colectivo que no solo celebra la diversidad cultural, sino que también impulsa el talento emergente. Además, con su sello We Are Warriors y su innovador podcast Destroyed x Humans (DXH), Gastelum ha establecido un espacio auténtico para la música electrónica de vanguardia.
En esta entrevista exclusiva para Vicious Mag, exploramos su visión, los desafíos que ha enfrentado y el impacto que su trabajo sigue teniendo en la escena global.
Hola Murad, un placer tenerte en Vicious. ¿Cuál fue la visión original detrás de la creación de Cross Border Warriors (CBW) y cómo ha evolucionado el colectivo a lo largo de los años?
CBW nació con la idea de unir comunidades de música electrónica más allá de las fronteras, comenzando en Juárez, México, y expandiéndose a Estados Unidos. Queríamos crear una plataforma donde artistas y amantes de la música pudieran conectarse sin importar la geografía, impulsando el talento underground y fusionando culturas. Con el tiempo, CBW ha crecido de ser un movimiento de base a convertirse en un colectivo influyente, expandiéndose a CBW Juárez (CBWJRZ) y CBW Austin, y evolucionando en el sello We Are Warriors.
¿Cómo lograste introducir actos electrónicos importantes como I Hate Models y Charlotte de Witte en la escena musical de Dallas?
Fue un trabajo de mucho esfuerzo, construcción de redes y entendimiento profundo de lo que le faltaba a la escena underground de Dallas. Identificamos la oportunidad de traer artistas de techno vanguardistas antes de que se convirtieran en cabezas de cartel de festivales. Manteniéndonos a la vanguardia de las tendencias y colaborando con agencias de booking, logramos crear eventos con una producción de alta calidad que atrajeron talento de primer nivel.
¿Cómo se desarrollaron CBW Juárez y CBW Austin, y qué distingue a cada escena?
CBWJRZ nació de la fuerte escena underground de Juárez, con un enfoque en el techno en ambientes íntimos y crudos. Con NÜ Same como cofundador, consolidamos nuestra presencia allí. En cambio, CBW Austin, con PCMX al mando, amplió nuestro alcance en una ciudad conocida por su diversidad musical, donde conviven sonidos de house, techno y música experimental.
¿Cuál es la misión de We Are Warriors y qué tipo de artistas buscan promover?
El sello se enfoca en música electrónica innovadora, con énfasis en techno, house y sonidos experimentales. Queremos dar una plataforma a artistas que desafíen los límites creativos, manteniendo la energía cruda del underground. Nos centramos tanto en talentos emergentes como en artistas consolidados que compartan nuestra visión de música auténtica y de alta calidad.
¿Qué te inspiró a crear el podcast Destroyed x Humans (DXH)?
La idea surgió de la necesidad de profundizar en las historias de artistas, promotores y creativos que moldean el mundo de la música electrónica. Queríamos tener conversaciones reales sobre el proceso creativo, las técnicas de producción y los desafíos de la escena underground, humanizando a los artistas y mostrando la realidad detrás de la industria.
Con invitados como Pleasurekraft y Yulia Niko, ¿cuáles han sido los momentos más memorables del podcast?
Cada episodio aporta algo único, pero destacan conversaciones como la de Pleasurekraft, quien explicó su filosofía del cosmic techno, o la historia inspiradora de Yulia Niko, que compartió su viaje personal alrededor del mundo. Otro momento especial fue analizar la evolución del techno en Estados Unidos con Juheun y Michelle Sparks.
¿Cuál es tu visión para el REZET Festival y cómo logran equilibrar la autenticidad underground con el reconocimiento internacional?
El REZET Festival fue creado como un espacio donde el underground se encuentra con una producción de clase mundial. Nos enfocamos en lineups cuidadosamente seleccionados que mezclan talentos internacionales con artistas locales, manteniendo así la esencia auténtica mientras crecemos a nivel global.
¿Qué proyectos futuros te entusiasman más en CBW, DXH o tus otras iniciativas?
Tenemos mucho en camino. En DXH, se vienen invitados increíbles, mientras que las próximas ediciones del REZET Festival prometen ser más grandes que nunca. Con We Are Warriors, seguiremos expandiendo nuestra visión global, colaborando con artistas internacionales y ofreciendo experiencias únicas en cada evento.
FESTIVALES INTERNACIONALES 2025
Los mejores festivales internacionales de 2025
Prepara las maletas que este año toca ver mundo
En el número pasado te trajimos los mejores festivales nacionales del año y en este queríamos ampliar horizontes para que puedas viajar y conocer otras ciudades de la mejor forma: con el turismo electrónico. Saca papel y boli que estos son 10 festivales internacionales que no te puedes perder en 2025.
Texto: Israel Méndez
ULTRA MUSIC FESTIVAL
Dónde: Miami, Estados Unidos
Cuándo: 28, 29 y 30 de Marzo
Ultra Music Festival es mucho más que un festival de música electrónica; es una experiencia icónica que ha definido la cultura rave moderna durante más de dos décadas. Celebrado anualmente en el Bayfront Park de Miami, UMF 2025 promete ser una cita obligada para los amantes de la música electrónica y de festivales de todo el mundo. Lo que hace que Ultra sea tan especial no es solo su cartel lleno de superestrellas, sino la experiencia única que ofrece.
Para empezar, la localización es espectacular. Bayfront Park está situado en pleno corazón de Miami, con vistas al océano y un entorno tropical que añade una magia especial al festival. El ambiente es incomparable: una ciudad llena de vida, con temperaturas cálidas, rodeada de rascacielos y el mar, creando una mezcla perfecta entre lo urbano y lo natural. Al caer la noche, la ciudad brilla al ritmo de la música mientras las luces de los escenarios iluminan el cielo. El ambiente eléctrico de Miami se fusiona con la música, generando una energía difícil de encontrar en otros eventos.
Ultra también destaca por su impresionante producción y tecnología de última generación. Desde escenarios futuristas hasta espectaculares juegos de luces y pirotecnia, cada detalle está diseñado para llevar a los asistentes a otro nivel de inmersión. No importa si eres fan del techno más profundo o del comercial más enérgico, el festival ofrece una variedad de estilos en un entorno lleno de pasión por la música.
Otro motivo para asistir a Ultra es la comunidad global que lo visita. Gente de todos los rincones del mundo viaja a Miami para vivir este evento, lo que crea una atmósfera de unidad y diversidad.
TIME WARP
Dónde: Mannheim, Alemania
Cuándo: 5deAbril
El próximo 5 de abril de 2025, la ciudad de Mannheim, Alemania, volverá a ser el epicentro del techno mundial con el regreso de Time Warp, uno de los festivales más icónicos del género. Con más de 25 años de historia, Time Warp no solo celebra sus raíces, sino que sigue innovando en sonido y producción, consolidándose como un evento imprescindible para los amantes del techno en todo el planeta. Así que si lo que buscas es una noche inolvidable con beats duros, visuales de último nivel y una atmósfera donde la música es la auténtica protagonista, Time Warp en su país de origen es tu destino.
A lo largo de su trayectoria, el festival se ha mantenido como el estandarte de los festivales de techno, famoso por su capacidad de reunir a los nombres más grandes de la escena junto a talentos emergentes. Desde lo melódico y minimalista, hasta lo industrial y contundente, cada edición es una celebración de todas las vertientes del techno. Este año vuelve a celebrarse durante una noche tras una pasada edición espectacular en la que el festival se celebró durante dos días para celebrar su 30 aniversario.
El cartel ya se conoce y las expectativas no pueden ser más altas. El festival contará con gigantes del género como Charlotte de Witte, Amelie Lens, Richie Hawtin, Carl Cox, Adam Beyer y Nina Kraviz, entre muchos otros. Si eres un verdadero fan del techno, Time Warp 2025 es la cita que no puedes perderte.
MOVEMENT ELECTRONIC MUSIC FESTIVAL
Dónde: Detroit, Estados Unidos
Cuándo: 24, 25 y 26 de Mayo
Movement Detroit es uno de los festivales de música electrónica más icónicos del mundo, y su edición de 2025 promete ser uno de los eventos más destacados del año. Celebrado del 24 al 26 de mayo durante el fin de semana del Memorial Day, el festival regresa a su hogar en Hart Plaza, en el corazón de Detroit, la cuna del techno. Este evento no solo es un festival, sino una celebración de las raíces de la música electrónica, en especial del techno, en la ciudad donde todo comenzó.
El cartel de 2025 ya ha comenzado a revelarse con grandes nombres de la escena global. Carl Cox ofrecerá su aclamado “Hybrid Live Set”, un espectáculo único que mezcla tecnología avanzada con su reconocida habilidad detrás de los platos. John Summit, uno de los artistas más populares del momento, cerrará el festival con un set explosivo, mientras que Jamie xx debutará en Movement presentando su segundo álbum, ‘In Waves’. El festival también contará con la presencia de viejos conocidos como Carl Craig y DJ Minx, pioneros del techno de Detroit, así como nombres internacionales como Patrick Topping, o Marcel Dettmann.
Pero más allá del cartel, lo que realmente hace especial a Movement Detroit es su legado. Este festival es una celebración de la historia de la música electrónica, particularmente del techno, que nació en las calles de Detroit. Los asistentes no solo disfrutan de la mejor música, sino que también se conectan con las raíces de un género que ha trascendido fronteras. Para cualquier fanático del techno o la música electrónica en general, Movement es un lugar de peregrinación. Es donde la cultura de clubbing cobra vida de una manera auténtica y sin adornos comerciales.
Hart Plaza, ubicado a orillas del río Detroit, se transforma en un espacio único donde miles de personas se unen para experimentar no solo los mejores sets del mundo, sino también la energía única de esta ciudad histórica y es que Movement Detroit es más que música, es un viaje a los orígenes del sonido electrónico.
ELECTRIC FOREST
Dónde: Michigan, Estados Unidos
Cuándo: 19, 20, 21 y 22 de Junio
El esperado Electric Forest Festival ya tiene las fechas y un cartel muy interesante para su próxima edición. Del 19 al 22 de junio, los mágicos bosques de Sherwood, en Rothbury, Michigan, se llenarán de música electrónica, jam bands y una atmósfera única que combina naturaleza y arte. Este festival, conocido por su fuerte sentido de comunidad y descubrimiento, vuelve con una de las alineaciones más diversas y emocionantes de los últimos años.
Entre los artistas destacados, encontramos a leyendas de la electrónica como Justice y Disclosure, Tiësto, el dúo Louis The Child o al productor de bass music Liquid Stranger. Además, el cartel incluye a Khruangbin, WORSHIP, Fisher, Barry Can’t Swim y Mochakk, lo que asegura una variedad de estilos para todos los gustos.
El festival también trae un extenso elenco de artistas más allá de los headliners, tales como Crankdat, Moody Good, Mersiv, Zingara, 33 Below, Mindchatter, Beltran, Hamdi, Lilly Palmer y Jade Cicada, entre otros. Todo el que ha ido a este festival siempre ha quedado impresionado por la ambientación y lo distinto que es a lo que estamos acostumbrados.
Una de las atracciones recurrentes de Electric Forest son los dos conciertos de los íconos del jam band, The String Cheese Incident, que año tras año emocionan al público con su mezcla de rock y psicodelia. Este festival, que comenzó en 2011, ha ganado el cariño de sus asistentes por fusionar lo mejor de la música electrónica con bandas y otros géneros afines. Es la mejor excusa para ir a Michigan a comienzo de verano.
KAPPA FUTURFESTIVAL
Dónde: Turín, Italia
Cuándo: 4, 5 y 6 de Julio
El Kappa FuturFestival se ha consolidado como uno de los eventos más destacados en la escena de la música electrónica en Europa. Celebrado anualmente en el emblemático escenario postindustrial de Parco Dora, en Turín, este festival no solo atrae a los mejores djs y productores del mundo, sino que también sirve como punto de encuentro para una comunidad global de amantes de la música. La próxima edición promete seguir batiendo récords de asistencia, con participantes de más de 200 nacionalidades en sus ediciones recientes.
Lo que distingue a este festival de los otros es su capacidad para ofrecer una experiencia única que va mucho más allá de la música. El festival combina arte, tecnología y cultura en un formato donde los sets se entrelazan con instalaciones digitales inmersivas. Este año, artistas de renombre como Peggy Gou, Solomun, Boris Brejcha o Joseph Capriati encabezarán un cartel estelar, donde también habrá espacio para talentos emergentes y actuaciones en vivo que transformarán Parco Dora en un crisol sonoro de creatividad e innovación.
Además de los sets de renombrados artistas internacionales, Kappa FuturFestival ofrece experiencias VIP diseñadas para los más exigentes. La Gold Experience incluye acceso exclusivo a áreas privilegiadas y afterparties, mientras que la Art+Techno combina la música con un recorrido cultural por los rincones artísticos más icónicos de Turín. Con cada edición, el festival reafirma su posición como un referente no solo en la música electrónica, sino también como un espacio donde la vanguardia artística y tecnológica se encuentran en perfecta armonía. Un evento 100% cultural que crece mucho año a año y eso solo pasa cuando las cosas se hacen bien.
Dónde: Novi Sad, Serbia
Cuándo: 10, 11, 12 y 13 de Julio
Un cuarto de siglo de música, libertad y unión, del 10 al 13 de julio de 2025 la Fortaleza de Petrovaradin se convertirá en el epicentro de la escena musical global para celebrar los 25 años de EXIT Festival. Esta edición histórica del festival serbio marcará el inicio de una nueva era para el festival, prometiendo la mayor evolución en la experiencia de sus asistentes hasta la fecha. EXIT ha crecido desde sus humildes inicios hasta convertirse en un fenómeno mundial, siendo mucho más que un festival de música: es un símbolo de unidad y un lugar donde, durante 25 años, han creado recuerdos inolvidables entre sus millones de asistentes.
Con más de 1.000 artistas y más de 40 escenarios y zonas, EXIT ha ganado el prestigio de ser uno de los festivales más importantes de Europa, recibiendo premios como “Mejor Festival Europeo” en 2013 y 2017. Su influencia en la escena musical global, junto con los valores que promueve, lo han convertido en un referente cultural.
Para esta celebración histórica, los Sex Pistols encabezarán el cartel, junto al pionero de la electrónica Tiësto, el legendario Eric Prydz, y las divas del techno Indira Paganotto y Sara Landry, quienes presentarán en exclusiva su b2b. El festival también contará con Bob Geldof, que conmemora el 40 aniversario de Live Aid, y artistas como DYEN, Nico Moreno, Gloryhammer, The Drows, y muchos más, ofreciendo un evento lleno de diversidad musical.
La electrónica no es el estilo principal en EXIT pero es un festival que merece mucho la pena y ayudarles a soplar las velas de sus 25 años siempre es un extra de motivación para viajar a Serbia por unos días.
TOMORROWLAND
Dónde: Boom, Bélgica
Cuándo: 18, 19 y 20 - 25, 26 y 27 de Julio
Este verano, Tomorrowland regresará a Boom, Bélgica, para su 19ª edición, prometiendo dos fines de semana llenos de magia y música electrónica bajo el nuevo tema “Orbyz”. Este fascinante universo, inspirado en un reino de hielo habitado por criaturas míticas, transformará los paisajes de De Schorre y sumergirá a los asistentes en una aventura inolvidable. Con más de 600 artistas de nivel mundial repartidos en 16 escenarios, el festival sigue siendo un referente global, recibiendo a más de 400.000 personas de más de 200 países.
El cartel de este año incluirá a gigantes de la música electrónica como Martin Garrix, Swedish House Mafia, Amelie Lens, Armin van Buuren, David Guetta, Solomun y muchos más. Además, los amantes de los sets únicos podrán disfrutar de una variedad de presentaciones exclusivas, como el b2b de Axwell, Sebastian Ingrosso y Steve Angello en el que prometen un regreso al house muy lejos de los que les escuchamos como Swedish House Mafia, o la vuelta de artistas icónicos como Fisher, Ben Böhmer y Damian Lazarus. La diversidad de géneros, desde el house hasta el techno más contundente, asegura que cada rincón de Tomorrowland ofrezca algo especial para todos los gustos.
Tomorrowland no solo es un festival de música, es una celebración de la diversidad y la unidad global. Año tras año, este evento no solo destaca por su impresionante producción escénica y su atención al detalle, sino por la atmósfera de buen rollo y el espíritu inclusivo que convierte a los asistentes en la “People of Tomorrow”, una comunidad unida por su pasión por la música y la libertad de expresión. Tomorrowland es, sin duda, un must al que hay que ir al menos una vez en
DECIBEL OUTDOOR
Dónde: Beekse Bergen, Países Bajos
Cuándo: 15, 16 y 17 de Agosto
Los decibelios se miden por la intensidad del sonido. Lo que comenzó como una pasión por reunir a la comunidad de los estilos más duros en un evento al aire libre en 2002, creció hasta convertirse en un enorme festival de tres días en los Países Bajos. Decibel Outdoor se ha convertido en la ciudad más ruidosa del mundo gracias a ediciones para enmarcar en las que miles de personas bailaron a cargo de los mejores djs del género.
En un mundo en el que cada vez los festivales del género se están comercializando a niveles insospechados, Decibel queda como uno de los festivales de hard que sigue fiel a sus orígenes ofreciendo una experiencia única a sus visitantes y priorizándolos por encima de todo, algo que se agradece en estos días.
Agosto es un mes de vacaciones y para aquellos que buscan el siguiente paso en su pasión por los estilos más duros de la música electrónica, Beekse Bergen debería de ser un lugar al que tienen que ir para vivir en la ciudad más ruidosa del mundo durante tres días. En Decibel siempre se respira un ambiente muy local, lo cual es un gran aliciente que da a entender cómo de importante es este festival dentro de la cultura holandesa, cuna de este estilo de música.
MYSTERYLAND
Dónde: Haarlemmermeer, Países Bajos
Cuándo: 22, 23 y 24 de Agosto
Mysteryland es un festival que destaca no solo por tener un cartel que año tras año es considerado uno de los mejores de la temporada, sino también por la experiencia inmersiva que ofrece en su ambientación y el ambiente incomparable que se vive allí. Este evento, que se celebra en un hermoso entorno natural en las afueras de Ámsterdam, ofrece una propuesta única que combina la música electrónica con una estética increíblemente cuidada y detalles sorprendentes en cada rincón del recinto.
Desde el majestuoso escenario principal, cargado de tecnología de vanguardia y una envergadura que impresiona desde el primer vistazo, hasta los escenarios más escondidos en lo profundo del bosque, cada espacio del festival ofrece algo especial. Algunos de esos escenarios parecen salidos de un cuento, como el famoso tiovivo donde puedes perderte entre luces y sonidos, o incluso pequeños rincones con música en vivo que puedes disfrutar desde la comodidad de un sofá. En total, más de una decena de escenarios repartidos a lo largo del recinto, lo que te garantiza una experiencia variada y emocionante a cada paso.
Para la edición de este año, aunque aún no se han desvelado todos los detalles, lo que sí está confirmado son las fechas, y eso es suficiente para que muchos ya tengan el evento marcado en su calendario. Mysteryland es uno de esos festivales que cierra la temporada veraniega por todo lo alto y que ha ganado popularidad no solo por su increíble organización, sino porque es un plan perfecto para disfrutar con amigos. Su propuesta musical abarca una amplia gama de estilos dentro de la electrónica, lo que hace que sea ideal tanto para los fanáticos del house más comercial como para los amantes del techno más oscuro. Además, también puedes disfrutar de géneros como trance, hardstyle, deep house y muchos otros, lo que garantiza que haya algo para todos los gustos.
AMSTERDAM DANCE EVENT
Dónde: Ámsterdam, Países Bajos
Cuándo: 22, 23, 24, 25 y 26 de Octubre
El Amsterdam Dance Event (ADE) celebrará su 30ª edición del 22 al 26 de octubre de 2025, un hito importante para este festival y conferencia de música electrónica que ha ganado renombre mundial. La edición de 2025 coincidirá con la semana final de las celebraciones de los 750 años de la ciudad de Ámsterdam, lo que promete convertir a la ciudad en un epicentro de eventos culturales y musicales durante todo el año. ADE, como parte de este aniversario histórico, lanzará diversas iniciativas para conmemorar esta ocasión tan especial, con novedades que se irán revelando en los próximos meses.
El ADE 2025 se presenta como uno de los eventos más esperados del calendario global de música electrónica. Tras el éxito de la edición anterior, que destacó por un programa más amplio y una nueva dirección artística bajo el paraguas de “Arte y Cultura”, las expectativas para esta edición son altas. Como siempre, no solo será una oportunidad para disfrutar de la mejor música electrónica, sino también un espacio para la reflexión y el intercambio de ideas dentro de su extenso programa de conferencias, donde se discutirán tendencias, innovaciones y el futuro de la industria.
Con más de 2.900 artistas, 1.000 eventos y 200 recintos, ADE 2025 continuará consolidándose como el mayor festival de música electrónica basado en clubes del mundo. Este evento, que abarca desde actuaciones en directo hasta instalaciones artísticas y paneles de discusión, reunirá a la comunidad global de la música electrónica para celebrar tanto el pasado como el futuro de esta cultura.
La fundación detrás de ADE sigue comprometida con el fomento del desarrollo, la innovación y el talento en la música electrónica, contribuyendo a la creación de una plataforma que impulse las futuras generaciones de artistas.
VICIOUS CHART
BY KARLOS MOLINA
Jon Towell 49 Miles (Original Mix) KEEP THINKING
Ocean of Emotion Above the Horizon (Jolo Remix) CONSAPEVOLE RECORDINGS
Mira (Berlin) Laika (Original Mix) LNDKHN
Secret Factory Voices Of Bah (Original Mix) ISOLATE
Zehv Cyclone (Original Mix) KEEP THINKING
ooka Shade Push Me (Adana Twins Remix) BLAUFIELD MUSIC
Thomas Sol Glimpse Of You (Original Mix) BIG MAMA’S HOUSE RECORDS
Anido Horus (Original Mix) URGE TO DANCE
¡Apóyanos! No descargues música ilegalmente
Nick Stoynoff Dirtsy Flirtsy (Original Mix) SELADOR
Thimble Is Going On (Original Mix) ISOLATE
Encuentra todos los tracks de Vicious Chart en las
Desde sus colaboraciones internacionales hasta sus constantes innovaciones en el estudio, Berny ha sabido mantenerse a la vanguardia en la escena ‘indie dance’ global. Con lanzamientos recientes que han escalado las listas de Beatport y una energía creativa que desafía las etiquetas, el productor italiano continúa sorprendiendo tanto en el estudio como en la cabina.
En esta entrevista exclusiva para Vicious Mag, Berny nos comparte detalles sobre sus proyectos actuales, sus colaboraciones con artistas como Leonor, Mijo y Prins Thomas, y cómo logra equilibrar la nostalgia rave de los 90 con la producción contemporánea.
¡Hola Berny! Un placer tenerte en Vicious. Tu colaboración con Leonor en Groovy Psycho alcanzó el Top 10 en la lista Indie Dance Hype de Beatport. ¿Cómo surgió esta colaboración y cuál fue el proceso creativo detrás del track?
Leonor y yo somos grandes amigos y nos gusta compartir ideas y proyectos. Ya habíamos lanzado algo juntos en New Day Everyday en 2023, pero esta vez dimos un verdadero salto de calidad. Ambos temas entraron en el Top 10 y también están funcionando muy bien en Spotify.
Tienes otro lanzamiento emocionante recién salido del horno: el EP Papaya con Mijo en Phisica. ¿Qué nos puedes contar sobre el concepto de este EP y la química que tienes con Mijo?
La colaboración con Mijo era algo que deseaba desde hace tiempo y comenzó a finales del año pasado. Nuestra armonía en términos de gusto es casi total. Decidimos producir música House/Indie Dance con un enfoque sexy y energético, sin adaptarnos a estereotipos ni seguir tendencias. Yo suelo iniciar el proceso creativo y él se encarga de los arreglos y la producción final. ¡Ya tenemos tres EPs listos!
La canción NANANANA combina la nostalgia de las raves de los 90 con una producción moderna. ¿Cómo lograste equilibrar estas influencias en el estudio?
Este track es increíble porque logré combinar elementos de diferentes géneros musicales. La base es un loop musical muy trabajado que me tomó varios días de creación. No es un sample, sino una mezcla de sonidos creados a mano. Cuando grabamos las voces, encajaron perfectamente. Queríamos producir algo realmente nuevo y diferente, y creo que lo conseguimos.
Estás planeando algunas fechas promocionales en México con Mijo. ¿Qué detalles puedes compartir sobre estos eventos?
Sí, como cada principio de año, organizo una gira en México. Esta vez, con Mijo, estamos planeando tocar juntos en varias fechas, comenzando en Bar Oriente en Ciudad de México. Después estaré en Guadalajara, Monterrey y Tulum.
En abril, actuarás en el House of Yes en Nueva York. ¿Qué significa para ti esta oportunidad y cómo surgió?
Ya toqué en Nueva York el pasado febrero en la sala principal para la fiesta House Of Love. Este año, tocaré en el segundo piso, en la Onyx Room, invitado por mis amigos Eliezer y REFRAKT (NY), quienes organizan su fiesta allí una vez al mes. ¡No puedo esperar!
Tu sencillo The Only Constant Is The Change en IDWT cuenta con la participación de Mmyylo y Kiki. ¿Cómo surgió esta colaboración y qué aportó cada artista a la canción?
Mmyylo y Kiki son amigos míos desde hace tiempo. Primero envié la versión inicial a Mmyylo, quien se encargó de mejorarla y mezclarla. La versión original tenía un bucle vocal simple que encontré en una biblioteca, pero luego involucré a Kiki, quien grabó una parte vocal original que le dio el toque final perfecto al tema.
Has trabajado con Luca Vera en Vikingo Disko, que cuenta con un remix de Prins Thomas. ¿Cómo se desarrolló este proyecto y qué sentiste al involucrar a Prins Thomas?
Luca Vera es un amigo italiano y productor con mucha experiencia. Estábamos preparando un álbum para IRMA Records, pero con este track pensé en enviarlo al A&R de Internasjonal, el sello de Prins Thomas. En cuanto lo enviamos, nos respondieron de inmediato para firmarlo, ¡y Thomas mismo se ofreció a hacer el remix!
¿Qué otros proyectos, giras o colaboraciones tienes en el horizonte?
A finales de febrero, tengo la última presentación de IN DARK WE TRUST en el Renate de Berlín antes de su cierre definitivo, acompañado de Nici Palm, Enzio Etchaberri y Jepe. También estoy terminando un tercer EP con Mijo tras los dos primeros en Phisica y Somatique Music. Planeamos colaborar con Robert Owens en un EP explosivo. Además, vienen lanzamientos con Mmyylo y Ademarr en Innisfallen Records.
APAULL
APAULL NOS HABLA SOBRE HOMOGENY, SU EVOLUCIÓN
Y EL ARTE DE LA PRODUCCIÓN ATEMPORAL
Con su segundo álbum de estudio, Homogeny, apaull nos sumerge en un universo sonoro donde la identidad individual se desmorona en un mundo digitalmente programado. Inspirado por los cambios sociales y políticos de los últimos años, el productor holandés-canadiense nos presenta un trabajo cargado de crítica, explorando los límites entre techno industrial, indie dance y synth wave. En esta entrevista, profundizamos en el proceso creativo de Homogeny, el impacto de la pandemia en su música, la importancia de la estética visual y su conexión con artistas legendarios de la escena electrónica.
Hola apaull!, un placer tener en Vicious Magazine, Homogeny explora el colapso de la individualidad en un mundo programado digitalmente. Mirando hacia atrás, ¿qué despertó tu interés en este tema y cómo dio forma a la identidad sonora del álbum?
Homogeny es una historia sobre la devolución. Nos prometen un mundo de individualidad, pero al mismo tiempo nos empujan a una homogeneidad insípida. Gran parte de esto surge de la manipulación de lo que se considera verdad e información. Durante la pandemia, hubo una urgencia por descubrir la verdad, pero al mismo tiempo, una incapacidad para permitir que esta evolucionara con nuevas evidencias. Los gobiernos tomaron el control en lugar de sus ciudadanos, castigando a quienes cuestionaban las “verdades establecidas” y etiquetando como desinformación todo lo que no encajaba en su agenda.
La historia de Homogeny lleva esta idea al futuro. Hoy imaginamos a los extraterrestres como ese “pequeño ser gris” que aparece en la portada del álbum. ¿Y si este es el destino evolutivo de la humanidad?
El álbum proyecta un mañana donde la sociedad ha perdido su identidad, un mundo andrógino sin individualidad, donde la verdad está estrictamente limitada. El sonido del álbum refleja este concepto. Aunque hay elementos de felicidad artificial en las pistas, cuando rascas la superficie te das cuenta de que la realidad en la que creías ha cambiado para siempre.
El álbum equilibra tonos industriales e hipnóticos con influencias de indie dance y synth wave. ¿Cómo fue el proceso creativo para fusionar estos estilos en un sonido cohesivo?
Los elementos industriales de mis pistas suelen encontrarse en las capas de ruido, los bombos, las líneas de
bajo y las voces, mientras que los matices de indie dance y synth wave están presentes en los pads, teclados y percusión. No me propongo fusionar géneros de manera deliberada, simplemente dejo que la música fluya. Cuando compongo, empiezo con muchas partes y las voy probando en diferentes combinaciones. Elimino lo que no funciona y añado nuevos elementos hasta sentir que tengo el material suficiente para producir una pista. Al final del día, quiero que la gente baile con mi música, y creo que los elementos de indie dance y synth wave aportan esa energía. Sin embargo, aquellos que quieran profundizar encontrarán mensajes ocultos en cada producción.
Comenzaste en la producción musical más tarde en tu vida, después de una exitosa carrera en la ciencia ambiental y los negocios. Con Homogeny como tu segundo LP, ¿cómo ha evolucionado tu enfoque en comparación con tu álbum debut, Fought and Won?
Siendo más mayor, siento la necesidad de avanzar rápido. No tengo el mismo tiempo que alguien en sus veinte años, así que me impulsa la urgencia de producir constantemente.
En Fought and Won, el álbum fue simplemente una recopilación de pistas que ya tenía terminadas. El concepto y la estética surgieron después, influenciados por la pandemia y los desafíos de la vida.
Con Homogeny, la aproximación fue diferente. La idea surgió a mitad del proceso de composición, lo que me permitió tejer una historia de manera más intencional. Ya tengo claro el concepto de mi tercer álbum, lo que me ayuda a pensar en la producción de un disco como si estuviera escribiendo una novela o pintando una serie de cuadros. Necesita tener una continuidad.
Tu música siempre tiene un mensaje detrás, y Homogeny no es la excepción. ¿Hubo algún momento o evento en particular que reforzara la urgencia de transmitir esta idea?
La pandemia y sus consecuencias fueron el detonante. Ya antes de la crisis sanitaria, sentía que las libertades individuales estaban en riesgo, pero este evento aceleró su erosión. La libertad de expresión, de pensamiento y de movimiento, que son la base de la sociedad occidental, continúan siendo atacadas
El álbum cuenta con una estética visual impactante, con portada de Jay Hodgson y lettering de Al Diaz, colaborador de Basquiat. ¿Cómo surgieron estas colaboraciones y qué papel juegan los visuales en tu proceso artístico?
Para mí, la música debe ir acompañada de una identidad visual fuerte. No solo ayuda a transmitir la historia y el concepto del álbum, sino que también aporta coherencia a la marca.
Trabajé con Jay Hodgson, un profesor de música y artista visual en Canadá, para la portada. La idea de la imagen era mía, pero él fue quien la plasmó: una mezcla de logotipos corporativos distorsionados con la figura de un “ser gris” que nos observa. Por otro lado, Al Diaz ha creado los títulos de mis lanzamientos desde mi segunda producción. Lo conocí en una exhibición en Nueva York y me fascinó su trabajo con letras. ¡Su estilo me recuerda a las portadas de KMFDM, que siempre tienen una estética reconocible creada por Aidan “Brute!” Hughes. Quiero lograr algo similar con mi música. También he trabajado con Dave Clarke, leyenda del techno y fotógrafo, quien ha capturado todas mis imágenes promocionales. Para este álbum, hicimos una sesión en las calles de Ámsterdam y un atelier en Amberes. Para mí, la imagen es la representación visual de mi sonido. Quiero que el público vea lo que escucha.
Algunos de tus tracks han sido remezclados por artistas de renombre como Christian Smith, Neil Landstrumm y Rhys Fulber. ¿Cómo ha sido ver tus ideas reinterpretadas y te ha sorprendido alguna de estas versiones?
Elijo a mis remezcladores con mucho cuidado. Primero, porque respeto su arte, y segundo, porque confío en su visión. No les doy muchas indicaciones, salvo la petición de que incluyan algunos elementos vocales originales en sus versiones. Hasta ahora, los remixes han funcionado mejor que mis mezclas originales. No me molesta, pero trabajo duro para cambiarlo.
Lo que más me ha sorprendido es lo mucho que aprendo de cada remezclador. Por ejemplo, Christian Smith probó sus remixes en clubes y en Berlin’s HOR antes de finalizarlos, algo que yo no sabía que se podía hacer. Neil Landstrumm es una máquina creativa, y su ética de trabajo me inspira. Y colaborar con Rhys Fulber, alguien a quien he escuchado desde los inicios de Front Line Assembly, fue un sueño hecho realidad.
Ahora que Homogeny está finalizado, ¿qué sigue para ti en 2025? ¿Habrá presentaciones en vivo, colaboraciones o proyectos inesperados?
Voy a lanzar cada tema de Homogeny como single con su respectivo remix hasta septiembre. También estoy trabajando en una gira de DJ sets y presentaciones en vivo, incluyendo una serie de conciertos en iglesias históricas del Reino Unido en mayo con Ross Harper. Además, ya estoy preparando mi tercer álbum, que verá la luz en 2026.
¿Cuál es vuestro proceso compositivo?
Hace unos años, solíamos empezar los temas montando la base rítmica, pero con el tiempo nos dimos cuenta de que es mucho más fácil arrancar con el gancho, un sonido característico o con algo melódico que tenga personalidad.
Cuando empiezas con la base, puede que te guste mucho como te ha quedado el groove, pero muchas veces te atascas buscando ese elemento clave que le dé personalidad al tema. En cambio, si arrancas con un sonido con carácter, lo tienes mucho más fácil para terminarlo. Además, ese sonido suele marcar el espectro sonoro del track y definir el camino que seguirá la canción.
Si el sonido inicial no te acaba de convencer, ya sabemos cómo acaba eso…un churro. Por eso, ahora siempre empezamos por ese elemento central que define el alma del track y luego construimos el resto alrededor de él.
¿De qué partes os ocupáis cada uno al crear un tema?
Igual que cuando pinchamos, cada uno tiene su fuerte: uno es más creativo y el otro más organizado, así que nos complementamos muy bien. Mientras uno organiza plugins o instala cosas, el otro puede estar creando bases o trabajando en nuevas ideas.
Ahora trabajamos con dos portátiles, lo que nos da más flexibilidad. Antes, cuando teníamos un ordenador fijo, era todo mas limitado, pero ahora podemos avanzar por separado y luego ponerlo en común. El centro del estudio es Ableton Live, uno manejando el programa y el otro va soltando ideas, y viceversa.
De todas formas, nos juntamos todos los días aquí en nuestro estudio, en Suruvilla, nuestra base de operaciones. Aquí estamos todo el día, ya sea produciendo, diseñando, trabajando en nuestro sello o gestionando todo lo demás. Cuando no está uno produciendo, el otro está diseñando o trabajando en el sello o pinchando. No nos aburrimos nunca, todo el día frikeando.
¿Sois de los que generan ideas sin preocuparse mucho de la mezcla técnica al principio?
Normalmente, al principio del día, cuando nuestros oídosestánfrescos,prestamosmásatenciónalamezcla.
Pero, a medida que avanza la sesión y aparece la fatiga auditiva, nos enfocamos en la estructura y los detalles creativos. Al día siguiente, con los oídos descansados, ajustamos la mezcla.
Es un equilibrio entre creatividad y técnica que nos ayuda a fluir y sacar lo mejor de cada sesión.
¿Con qué equipo producís en el estudio?
Ableton Live es el centro de todo, para nosotros es mucho más que un secuenciador: lo usamos casi como un instrumento más. Trabajamos con plugins virtuales de Arturia, Native Instruments y Universal Audio (procesados con la UAD Apollo), combinándolos con
hardware analógico como Elektron (Rytm, Four, Heat) y sintetizadores como el Model D de Behringer, el Ensoniq SQ1 o cajas de ritmos como el Arturia Drumbrute. Hemos tenido un montón de sintes como el OB-6, Moog Voyager, Peak, Nord Lead, etc. Pero, cuando dejamos de usarlos, preferimos venderlos. Aunque tener un estudio lleno de cacharros mola un montón, también puede generar ansiedad por no usarlos. Así que, al venderlos, reinvertimos en probar nuevas tecnologías e instrumentos.
Nuestro equipo actual incluye:
• MacBook Pro M2PRO, Apollo UAD 2 DUO, Ensoniq SQ1, Elektron Analog Heat, Elektron Analog Rytm, Elektron Analog Four, Eventide H3000-DSX, SPL Mixdream XP, SSL, Simmons SDS400, The Ekdahl Moisturizer, MXR Stereo EQ, Behringer Model D, Behringer TD3, Arturia Keystep, Dynaudio BM6A, Yamaha HS10, Harley Benton Digital Delay, EarthQuaker Avalanche Run, Focusrite LiquidMix, Native Instruments Komplete Kontrol S49, Roland Handsonic 10, Korg Kaoss Pad, Playdifferently Model-1.
¿En qué os inspiráis para producir nueva música?
Somos melómanos y nos gusta toda la música que sea buena: clásica, jazz, hip-hop, rumba, reggae, dub, metal, techno, house, minimal… Por eso, cualquier tema puede inspirarnos. Además, creemos que un productor de música electrónica debe salir a escuchar a otros productores, nosotros muchas veces comentamos cuando un artista hace tracks y sale a bailar y escuchar otros djs … se nota en las producciones.
Puedes ir a un concierto de Metallica y flipar con cómo empiezan su show, o ver un Tiny Desk y flipar con su flow. Lo mismo pasa si vas a una sesión de electrónica y escuchas a alguien nuevo que te sorprende.
La inspiración también puede venir de películas, situaciones o cualquier cosa que nos haga sentir algo especial.
¿Pensáis en el público mientras producís o eso viene después?
Al principio, producíamos pensando en un sello o un tipo de público. Pero con el tiempo, cambiamos esa mentalidad. Ahora hacemos lo que realmente nos apetece y nos gustaría pinchar, sin preocuparnos por encajar en ningún parámetro. Esto nos permite fluir mejor y ser más libres creativamente.
Cuando te pones muchas limitaciones, es fácil atascarte. Terminas haciendo varias versiones del mismo tema y frenando tu creatividad. Por eso preferimos trabajar con libertad y enfocarnos en hacer música auténtica.
¿Cuánta importancia le dais a la experimentación?
Le damos muchísima importancia, aunque creemos que el mayor enemigo es el tiempo. Entre gigs, compromisos, asuntos domésticos, mascotas, tener que ir al taller y las mil cosas del día a día, es difícil encontrar un momento para sentarte tranquilo a experimentar.
Experimentar es esencial para evolucionar. Es la manera en la que amplías tus conocimientos y exploras. Por ejemplo, puedes retomar un sintetizador que tienes desde hace años y dedicarle tiempo a descubrir nuevos sonidos, a darle vueltas, a jugar con él, pura diversión! Al final, la experimentación es lo que mantiene fresco y vivo al artista.
¿Es clave equilibrar el flujo creativo y la organización?
Totalmente. Cuando empezamos un track, el flujo creativo es lo principal. Vamos probando ideas y dejamos que todo fluya, sin preocuparnos por cosas como nombrar pistas o organizarlas. Una vez que tenemos la base y el loop principal, nos ponemos a ordenar: nombramos las pistas, las agrupamos por colores y organizamos todo para que sea más fácil seguir trabajando. Nos ha llevado años encontrar nuestro método de trabajo pero parece que ya lo estamos consiguiendo.
¿Cómo sabéis que un tema está terminado?
Sinceramente,untemaestáterminadocuando,después de muchos intentos, sentimos que ya no podemos añadir más arreglos, detalles o mezclas y pensamos que es suficiente. Pero la verdad es que, en mi caso (Delmar), como soy bastante perfeccionista, para mí nunca está terminado.
Eso a veces nos genera problemas, porque ha habido mucha música que no hemos lanzado porque pensábamos que no estaba lista. Luego, con el tiempo, la escuchamos y pienso: “Ah, pues sí estaba de pm. ”Así que, al final, muchas veces tenemos que decir “basta” por obligación, porque si fuera por mí, seguiría ajustando cosas eternamente jejej.
Hoy en día, es muy fácil trabajar en un tema, hacer un home master y probarlo esa misma noche en un club. Ver cómo reacciona el público nos ayuda a identificar qué funciona o qué cambios necesita. Además, escuchamos nuestras producciones en diferentes sitios (coches, cabina de DJ, móviles) para asegurarnos de que suenen bien. Después lo enviamos a mastering y lo damos por terminado y repetimos el master hasta que nos guste.
¿Preferís autoeditar vuestra música o lanzarla en otros sellos?
Desde que empezamos, nos dimos cuenta de que al principio no es fácil que otros sellos escuchen o publiquen tu música. Por eso, en 2005 creamos nuestro propio sello, Suruba Records, para tener el control sobre nuestras producciones.
Con el tiempo, hemos logrado un equilibrio: lanzamos música en nuestros sellos (Suruba Records, Suruba X, Suruba Digital y Nazca) y también trabajamos con otros sellos como Crosstown Rebels, Get Physical ó Dreams on Wax, entre otros. Lo que ha hecho que nos hayan podido remezclar artistas como Solomun, Clarian, Theus Mago, Eric Volta, Sepp o Adriatique.
Autoeditar te da libertad total: eliges los remixes, el tracklist, la promo y las fechas de lanzamiento. Pero trabajar con otros sellos te permite llegar a un público más amplio y colaborar con artistas que, de otra forma, sería complicado.
ROMAN NEWCOMER
Valentín Romano, conocido en la escena como ‘Roman’, es un talentoso DJ / Productor nacido en Mendoza, Argentina, y actualmente radicado en Málaga, España. Con 24 años, Roman ha logrado destacarse en la escena electrónica internacional gracias a su pasión y dedicación a la música.
Desdejoven,mostróungraninterésporlamúsica electrónica, influenciado por los sonidos Funky / Disco que sus padres solían escuchar. A los 12 años, comenzó a interesarse por la producción de su propia música, lo que lo llevó a embarcarse en un camino autodidacta en la producción musical.
El año 2024 marcó el debut de Roman en la escena musical, con presentaciones en eventos de prestigio como: Ministry of Sound, Londres; Eden Ibiza, Ibiza; Official After Brunch Electronik, Vicious Live, True Club e Industrial Copera, Granada. Roman compartió escenario con artistas renombrados como Hernan Cattaneo, Guy J, Dixon, Alan Fitzpatrick, Morten, Product Of Us, Sam Supplier, Maur, Stone Van Broken, entre otros.
Además, Roman ha recibido apoyo y reconocimiento de la industria musical, con artistas destacados como Hernan Cattaneo, Nick Warren, Eelke Kleijn, Ezequiel Arias, Mariano Mellino, Paul Thomas, Graziano Rafa, Josh Gigante, entre otros, mostrando su admiración por su trabajo y apoyando su música.
Con un futuro prometedor en la escena electrónica, Roman sigue trabajando en nuevas producciones y presentaciones, consolidándose como un talento emergente en la escena global de la música electrónica.
PREMIERE
Texto: Kali
Orlando Voorn - Unknown Amounts Dark Distorted Signals
El legendario productor Orlando Voorn vuelve a estar en el centro de la escena con su nuevo EP Activate, lanzado a través de Dark Distorted Signals. Reconocido como uno de los pioneros del techno, Voorn ha sido una figura clave en la fusión entre el sonido Detroit y las corrientes electrónicas europeas. Su habilidad para mezclar géneros es evidente en esta obra, que refleja un dominio absoluto de la ingeniería sonora. Dentro de este EP, “Unknown Amounts” se presenta como un corte enigmático pero lleno de poder rítmico, encapsulando lo mejor de su herencia electro-techno. Con una duración breve pero intensa, el track equilibra líneas de sintetizador oscuras con patrones de percusión minimalista, diseñados para explotar en el ambiente de club.
Bastion – Kingdom Come The Tabula Rasa Record Company
Bastion regresa con su nuevo lanzamiento, Lost In, un viaje sonoro a través de la luz y la oscuridad, presentado por The Tabula Rasa Record Company. Este EP, que vio la luz el 31 de enero de 2025, continúa expandiendo los límites de la música electrónica contemporánea, evocando referencias a artistas como Four Tet, Bonobo, y Jamie xx. Dentro de este fascinante trabajo, el corte “Kingdom Come” destaca por su enfoque atmosférico y envolvente. Los delicados paisajes sonoros se entrelazan con texturas rítmicas profundas, creando una experiencia casi trascendental. Bastion construye una narrativa introspectiva que oscila entre lo introspectivo y lo expansivo, instando a los oyentes a rendirse por completo al momento.
Rea K & WM feat. MIU – Twilight Zone Black and White Records
El techno underground recibe una nueva y poderosa entrega con “Torii Gate EP”, la última colaboración entre las djs y productoras Rea K, WM y MIU. Con lanzamiento previsto para el 21 de febrero de 2025 a través de Black and White Records, este EP de cuatro pistas fusiona sintetizadores ácidos, voces profundas y ritmos hipnóticos, transportando al oyente a un territorio sonoro que oscila entre la luz y la sombra, la realidad y el sueño. Inspirado en el Torii Gate japonés, un símbolo de transición entre mundos, el EP explora la fusión de texturas orgánicas y mecánicas, integrando influencias orientales y occidentales a través de una combinación inquietante de voces en inglés y japonés. Desde la profundidad atmosférica de “Why Am I” hasta la energía arrolladora de “Timebomb”, cada pista construye un camino envolvente hacia las zonas más oscuras e hipnóticas del techno.
Landhouse – From Nowhere D.O.T.Y. Records
D.O.T.Y. Records arranca su andadura con un primer lanzamiento que marca el tono de lo que está por venir: una apuesta decidida por el downtempo más evocador y sofisticado. Para ello, cuentan con Landhouse, un nombre que resuena con fuerza dentro de la escena gracias a su capacidad de crear paisajes sonoros hipnóticos y orgánicos. “From Nowhere” se desliza con una elegancia etérea, entre capas de texturas cálidas y un groove pausado pero implacable. Es un track que atrapa sin estridencias, donde cada elemento respira en su propio espacio, creando una sensación de ingravidez que transporta al oyente a dimensiones desconocidas.
Bonnie Drasko - Twilight Glide EXPmental Records
Expmental Records sigue consolidándose como un referente en la música electrónica underground con el lanzamiento de Mental Picks Vol. 47. Este primer lanzamiento del año celebra 17 años en la industria, reafirmando la trayectoria del sello, que ha entregado una cuidada selección de deep house, minimal y deep tech a lo largo de más de 180 lanzamientos digitales y varios proyectos en vinilo. Uno de los momentos más destacados de esta edición es el debut de Bonnie Drasko, productor español que aporta su característico enfoque deep house a la etiqueta. Su track Twilight Glide es un viaje hipnótico e inmersivo, donde fusiona melodías meticulosamente trabajadas, ritmos envolventes y paisajes sonoros profundos. Una pieza que encarna a la perfección el espíritu de Expmental Records: texturas ricas, dinamismo y una elegancia sutil.
VAN HUST BAND – Arieline Melómana Records
Melómana Records continúa el 2025 con un debut contundente y enigmático, presentando a VAN HUST BAND a través de su nueva referencia, Reference #47. El dúo andaluz formado por Lebollet & David Moreno plasma su sinergia musical en tres pistas originales, fusionando dark disco, synthwave y nu-disco, con matices hipnóticos de acid y EBM. El track en premiere, “Arieline”, marca el tono del EP con sus bajos profundos y envolventes, atmósferas oscuras y progresiones sintéticas cinematográficas. La pieza captura la esencia retro-futurista del underground, canalizando la nostalgia de los sintetizadores de los 80 mientras mantiene una energía lista para dominar la pista de baile. Combinando elegancia oscura con una dinámica rítmica cruda, Arieline es un viaje sonoro que sumerge al oyente en una hipnosis electrónica perfecta para los clubes más selectos.
Fear-E – Dark Material Posh End Music
El sello Posh End Music continúa su evolución con el lanzamiento de su 12ª referencia, un EP dividido entre su fundador Fear-E y el talentoso productor Casual Treatment. Bajo el título Green Places & Pink Cities, este trabajo reúne a dos potencias del techno underground, ofreciendo una selección de tracks intensos y listos para arrasar en la pista de baile. Disponible a partir del 21 de febrero de 2025, este lanzamiento fusiona la identidad sonora única de cada artista mientras mantiene una energía cruda y envolvente. Desde Toulouse y ahora afincado en Berlín, Casual Treatment ha dejado huella con lanzamientos en sellos de prestigio como Hayes, Kazerne (subsello de Mord), Axis y Hardgroove/Symbolism de Ben Sims. Sus temas “Occitania” y “Gold Coast” reflejan su capacidad para construir un techno hipnótico y contundente, con una precisión milimétrica en su producción.
Accelerated Corrosion – Superdark Banshees Records
El productor extremeño Accelerated Corrosion, alias de David Hernández, regresa con un lanzamiento arrollador que explora las profundidades más oscuras de la música electrónica. Extraído de su próximo EP, Superdark es una fusión implacable de techno industrial y EBM que refleja la conexión de Hernández con la escena underground y sus raíces como DJ en los años 90. Con ritmos contundentes, texturas atmosféricas inquietantes y una energía cruda y mecánica, Superdark demuestra la habilidad de Hernández para crear paisajes sonoros envolventes mientras mantiene una potencia demoledora pensada para pistas de baile industriales y sesiones nocturnas en almacenes.
DEEP / PROGRESSIVE
BY DANNY LLOYD
HERNAN CATTANEO & MERCURIO CLIFF TO NOWHERE (ORIGINAL MIX) SUDBEAT MUSIC
Un viaje sonoro refinado e hipnótico, Cliff to Nowhere encarna la esencia del progressive house de Hernan Cattaneo y Mercurio. Atmósferas etéreas, groove calibrado y una construcción melódica impecable dan vida a una pista que oscila entre la energía y la introspección. Perfecta tanto para el dancefloor como para una escucha inmersiva, esta pista confirma una vez más la calidad de Sudbeat Music.
CENDRYMA WELLSTOP (ORIGINAL MIX) CYDANA SOUNDS
Cendryma firma otra joya sonora con Wellstop, una mezcla perfectamente equilibrada entre un groove hipnótico y una profundidad melódica. La pista se abre con una rítmica decidida y un bajo envolvente, construyendo una atmósfera progresiva que captura desde el primer beat. Los sintetizadores pulsantes y las texturas sonoras estratificadas crean una tensión constante, manteniendo la atención del oyente alta. Con su capacidad para unir energía y sofisticación, Wellstop es una pista versátil, adecuada tanto para el club como para una escucha inmersiva. Un lanzamiento que confirma el talento de Cendryma y la calidad de las producciones de Cydana Sounds.
ALEX O’RION TUNNEL (ORIGINAL MIX) MEANWHILE RECORDINGS
“Tunnel” de Alex O’Rion es un viaje sonoro hipnótico entre un groove pulsante, melodías etéreas y un diseño sonoro refinado. Con una progresión envolvente, arpegios luminosos y un breakdown atmosférico, la pista equilibra energía y profundidad, perfecta para dancefloors sofisticados y escuchas inmersivas.
CENDRYMA ASSET CONTROL (ORIGINAL MIX) ROKU
Asset Control es un viaje de siete minutos entre sonidos electrónicos refinados. Cendryma crea melodías intensas, mezclando bajos en evolución, pads envolventes y una línea principal emocionante. Las percusiones enérgicas y los efectos reelaborados dan a la pista un groove cautivador, perfecto para el club pero también lleno de atmósfera. La pista crece constantemente, combinando elementos místicos y ritmos decididos para un efecto hipnótico. Si te gusta la música electrónica melódica con un toque profundo, ¡“Asset Control” es para escuchar!
MURAT GRAYSON FREE YOUR MIND (DAY VERSION) HOROSHO
Con Free Your Mind (Day Version), Murat Grayson ofrece una pista energética y luminosa, perfecta para las horas diurnas. Los beats pulsantes y las melodías uplifting crean una atmósfera vivaz, transportando al oyente a un viaje sonoro positivo y envolvente. A diferencia de la Night Version, que se enfoca en sonoridades más profundas y misteriosas, esta versión se construye sobre ritmos vibrantes y tonos aireados, ideales para momentos de movimiento y ligereza. Si buscas un sonido electrónico que transmita energía y ligereza, ¡“Free Your Mind (Day Version)” es una escucha que no te puedes perder!
MELODIC TECHNO
BY IOKHONDA
LINSKA BAD BOY (GENESI EXTENDED REMIX) REALM RECORDS
El productor italiano GENESI vuelve a la carga con una reinterpretación explosiva de “Bad Boy”, lanzada bajo el prestigioso sello REALM Records. Con su característico enfoque tech-house progresivo, este Extended Remix transforma el track original en una poderosa arma de club. Este remix demuestra por qué GENESI sigue consolidándose como uno de los nombres más frescos de la escena, entregando una producción redonda, potente y altamente bailable.
El esperado “Shadow”, colaboración entre Marino Canal y Kotiēr, es una producción cautivadora con la vocal de SADE que lleva la música electrónica a un plano más introspectivo y envolvente. Con una atmósfera densa y profunda, este Original Mix destaca por su enfoque minimalista pero meticulosamente detallado, generando una sensación de viaje sonoro hipnótico.
CAFE DE ANATOLIA, YINYANG PROJECT MYSTIC OF DESERT CAFE DE ANATOLIA
Mystic of Desert es una verdadera joya de la música organic house, donde Cafe De Anatolia y YinYang Project consiguen fusionar la mística del desierto con una atmósfera profundamente envolvente. El track abre con ritmos étnicos sutiles, respaldados por instrumentos tradicionales que evocan el paisaje del Medio Oriente. Lo que destaca en este original mix es su capacidad para equilibrar la delicadeza melódica con una base rítmica lo suficientemente sólida como para mantener el dinamismo en la pista.
CHRIS OJEDA LOS TUXTLAS FLUG LAB
Chris Ojeda nos presenta “Los Tuxtlas”, un tema con una marcada influencia tribal y progressive house. Inspirado en paisajes exóticos, el track combina bajos potentes con percusiones tribales que transportan al oyente a un entorno selvático. La progresión es hipnótica, con una atmósfera oscura pero cautivadora que está pensada para sesiones de club intensas. A medida que el tema avanza, Ojeda introduce efectos y capas sonoras que aportan profundidad sin saturar la mezcla. El resultado final es una producción en la que los elementos tradicionales y modernos coexisten en perfecta armonía.
SHRI & BRIAN DAVID BACK FLUG LAB
“Back” es un ejemplo de cómo SHRI & Brian David dominan la fusión entre el deep house y el tech house. Lanzado por Flug Lab, el tema destaca por su groove contundente y una línea de bajo que define la dirección de la pista. Los elementos vocales sutiles, junto con synths que flotan a lo largo del track, crean una atmósfera envolvente. Es una producción que se siente tan funcional como versátil, ideal tanto para warm-ups como para momentos de máxima energía en el dancefloor. “Back” demuestra que la simplicidad bien ejecutada puede ser profundamente efectiva.
TRANCE
BY IVAN MORALES
D72 ENJOY THE NIGHT BLACK HOLE RECORDINGS
D72, también conocido como Dirk Wershofen, ha tenido un notable viaje por el mundo de la música electrónica. Entró por primera vez en la escena techno con sólo 15 años, pero en 1991 dio un paso atrás, dejando en suspenso sus sueños de DJ y producción. En 2020, durante la pandemia, Dirk redescubrió su pasión por la música electrónica, reavivando un fuego que había estado ardiendo durante décadas. Este renacimiento dio lugar a un sonido fresco y de alta energía, que fusiona a la perfección trance y techno. Tras el éxito de sus dos últimos lanzamientos, ‘Here We Go’ y ‘Oblivion’, D72 está de vuelta con otra magnífica producción. ‘Enjoy
MARIO DE CAINE PATAGONIA (SOLARSTONE PURE MIX) PURE TRANCE
Un nuevo ‘Pure Mix’ de Solarstone marca el primer lanzamiento de su sello Pure Trance en este 2025. Se trata de uno de los cortes destacados de la compilación ‘In Search Of Sunrise 20’ de Solarstone, que recibe el renombrado tratamiento ‘Pure Mix’ con todos los hermosos elementos que componen su melodía y acordes. ‘Patagonia’ presenta todos esos sonidos característicos de una de las principales figuras de la escena progressive-trance, inyectados, además, con una vertiginosa dosis de euforia.
CIARAN MCAULEY FEAT. SHELBY THE PARTY BLACK HOLE RECORDINGS
Uno de los sellos distintivos del irlandés Ciaran McAuley es recurrir a voces distintas y originales con las que enmarcar sus producciones (Audrey Gallagher, Christina Novelli, Clara Yates y Linney son grandes ejemplos de ello). Sin embargo, con Shelby Merry, esa metodología puede haber alcanzado un nuevo cénit. Shelby, una cantante y compositora nacida en Ohio y afincada en Nashville, pasó por primera vez de sus raíces country, folk y blues a la escena de la música electrónica a través de su extenso trabajo en el álbum de 2024 junto a John Askew.
ADAM TAYLOR BEYOND REASON NEON
Adam Taylor regresa a NEON con un nuevo lanzamiento, el primero de este 2025, y que supone una continuación en solitario de su co-producción con James Kitcher, ‘Utopia at Midnight’.
Se trata de un brillante track de 140 BPMs titulado ‘Beyond Reason’. Este tema lanza un enfoque musical perfecto para cualquier pista de baile, llevándonos por un viaje trance que nunca es predecible, sino siempre sorprendente y alegre.
PAUL BRENNING & MAOUS CHANGE SONGSPIRE RECORDS.
Maous, el proyecto de Paul Brenning, presenta su segundo single, ‘Change’, un impresionante tema de electrónica indie destinado a capturar el corazón de los oyentes. El track crea una atmósfera que se integra suavemente con la expresiva voz de Brenning, mientras que el emotivo piano te invita a presionar el botón de reproducción una y otra vez. El lanzamiento incluye dos grandes remixes. Seth Schwarz y Gabriel Ananda ofrecen una versión electrizante, con percusión magnética y ritmos suaves que crean un ambiente rico y profundo. Por su parte, Erdi Irmak agrega su toque orgánico característico, haciendo que la pista sea perfecta tanto para presentaciones en vivo como para sesiones de DJ. Otra manera de contemplar el sonido trance.
TECH AREA
Texto: Gilbert Lezana
ACE STUDIO: LA IA QUE REVOLUCIONA LA CREACIÓN DE VOCES VIRTUALES
ACE Studio es una innovadora inteligencia artificial diseñada para generar voces a partir de archivos MIDI, letras o grabaciones de tu propia voz. Esta herramienta permite transformar una interpretación vocal en distintos estilos, cambiar la letra, modificar el tono e incluso ajustar detalles como el vibrato o la respiración.
Con más de 80 voces disponibles en géneros como Pop, Soul, Latino, Cinemático y Ópera, ACE Studio ofrece una amplia variedad para crear armonías, coros y personalizar cada matiz vocal. Además, brinda la opción de entrenar un modelo de voz propio y todo el contenido generado está libre de royalties.
Aunque el resultado puede requerir ajustes para alcanzar una calidad profesional, su capacidad para experimentar con estilos vocales y explorar nuevas posibilidades creativas es innegable. ACE Studio no solo facilita la producción musical, sino que también plantea un fascinante (y para algunos inquietante) vistazo al futuro de la creación sonora.
MASCHINE+ RECIBIRÁ MASCHINE 3 Y SOPORTE PARA KONTAKT 8 EN 2025
Native Instruments ha confirmado que Maschine+ no quedará en el olvido. La plataforma autónoma recibirá la esperada actualización a Maschine 3 en el segundo trimestre de 2025, con importantes novedades como el soporte para Kontakt 8, lo que permitirá ejecutar librerías seleccionadas, incluidas las de la Play Series. Además, Maschine 3 incorporará la tan solicitada función bounceto-audio, permitiendo exportar pistas directamente desde el hardware.
Antes de esta gran actualización, Maschine+ recibirá una última versión de Maschine 2, enfocada en corregir errores y garantizar una experiencia estable para quienes prefieran permanecer en esa versión.
En cuanto a la función de separación de stems, Native Instruments ha señalado que sigue en desarrollo, aunque su implementación en Maschine+ tomará más tiempo debido a obstáculos técnicos.
Por otro lado, la compañía también ha anunciado Maschine 3.1 para ordenadores en el primer trimestre de 2025, con un sistema de escaneo de plugins más rápido y la función User Chords en su versión final.
AUDIO-TECHNICA R-SERIES: LA NUEVA GAMA DE AURICULARES ABIERTOS
Audio-Technica ha presentado su nueva línea de auriculares abiertos R-Series, compuesta por los ATH-R70xa, ATH-R50x y ATH-R30x, ampliando así su catálogo con opciones ideales para músicos, productores e ingenieros que buscan precisión y comodidad.
El ATH-R70xa es el modelo más avanzado de la serie, con transductores de 45 mm, un rango de frecuencia de 5 Hz a 40 kHz, y una impedancia de 470 ohmios, lo que requiere un amplificador de calidad. Su diseño ligero (menos de 200 g) y el cable extraíble de doble conexión destacan entre sus características. Ya está disponible a un precio de 349 €.
Por su parte, el ATH-R50x ofrece un diseño similar con transductores de 45 mm e impedancia de 50 ohmios, adecuado para equipos más convencionales. Incluye dos cables de distinta longitud y tiene un precio de 169 €, aunque su disponibilidad se espera en unos dos meses.
Finalmente, el ATH-R30x es el modelo más asequible, con transductores de 40 mm, un rango de frecuencia de 15 Hz a 25 kHz y un precio oficial de 99 $, con lanzamiento previsto para la primavera.
LYNX MESA: UNA INTERFAZ DE AUDIO DE ALTA GAMA CON GRABACIÓN MICROSD PARA HOME STUDIOS
Lynx Studio, conocido por sus productos para estudios profesionales, presenta Mesa, una interfaz de audio de alta gama diseñada para home studios. Aunque su precio de 2499 $ es elevado, representa un enfoque más accesible dentro del catálogo de la marca, manteniendo la calidad de conversión profesional en un formato de escritorio compacto y funcional.
La interfaz ofrece cuatro previos combo XLR/TRS, dos salidas TRS principales, y dos salidas de auriculares independientes con controles dedicados. En el apartado digital, cuenta con entradas y salidas ADAT, S/PDIF, word clock y un puerto USB-C con conectividad Thunderbolt.
Destaca por su ranura MicroSD, que permite realizar grabaciones directamente en la interfaz. Su panel de control incluye una pantalla a color, un dial multifunción y botones de acceso rápido.
Lynx Mesa estará disponible en la primavera de 2025 a un precio de 2499 $.
