Memoria de clase_ TFC: Andrea Vera

Teoría de la forma y la configuración en el

diseño editorial

Maestria en Diseño Editorial

Andrea Vera

Teoría de la forma y la configuración en el

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Maestria en Diseño Editorial Andrea Vera

Diseño: Andrea Vera 1ª edicion 2023 No se permite la reproducción total o parcial de este libro, sin el permiso previo y por escrito de los titulares del copyrigth.

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Contenido 5

Introducción

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Fenomenología de la teoría de la forma (GestaltTheory) 12

Principios de la teoría de la forma

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Conceptos de la teoría de la forma

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Aplicación de la fenomenología del concepto de transparencia en diferentes aplicaciones del diseño:

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Vanguardias del siglo XIX-XX

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Aplicación de la fenomenología de la teoría Gestalt en las Vanguardias (exprecionismo, impresionismo y cubismo)

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Aplicación de la fenomenología de la teoría Gestalt en la Vanguardia Posmoderno

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Teoría de la forma en relación con el posmoderno aplicado al diseño editorial de portada de la colección Novelas Eternas

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Introducción La fenomenología de la teoría Gestalt tiene como objetivo el análisis de la mente en sus elementos básicos, la manera en que percibimos y organizamos nuestra experiencia visual. En este libro se explica el contexto histórico, así como la aplicación de la teoría en diferentes aspectos del diseño por medio de la estructura, junto al significado de los elementos que conforman nuestra realidad visual. Se exploran las leyes y principios de la teoría Gestalt, del mismo modo como la atención prioriza la información visual.

Los proyectos que se analizan muestran tanto patrones como estructuras que ofrecen un mayor entendimiento en relación con los conceptos y principios de la teoría de la forma. Su aplicación se relaciona con las vanguardias haciendo uso de la metodología sintetizando obras para crear un lenguaje de diseño.

El objetivo es revelar relaciones visuales, explicar su aplicación aplicada a las vanguardias y el diseño editorial.

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Fenomenología de la teoría de la forma (GestaltTheory) Conocer la teoría Gastalt permite entender los procesos metodológicos aplicables a un propósito determinado. Los principios Gestalt sostienen que todo proceso cognitivo es percepción, por consiguiente, las experiencias, el ambiente social y el aprendizaje, son parte fundamental del razonamiento subjetivo del ser humano.

En el siglo XVII el filosofo y representante del empirismo John Locke (1632-1704), expuso su ensayo sobre el entendimiento humano publicado en 1690, la teoria sobre la mente como una tabula rassa donde describe a la mente como una hoja en blanco en la cual se escriben experiencias y conocimientos mediante la percepción sensorial, creando ideas complejas para construir conocimientos abstractos. El ser humano desde que nace, como ente biologico, es acreedor de un programa con la capacidad de producir ideas complejas como si fuera un software.

“Todo aquello que la mente percibe en sí misma, o todo aquello que es el objeto inmediato de percepción, de pensamiento o de entendimiento, a eso llamo idea; y a la potencia para producir cualquier idea en la mente, llamó cualidad del sujeto en quien reside ese poder. Así, una bola de nieve tiene la potencia de producir en nosotros las ideas de blanco, frío y redondo; a esas potencias para producir en nosotros esas ideas, en cuanto que están en la bola de nieve, las llamo cualidades; y en cuanto son sensaciones o percepciones en nuestro entendimiento, las llamo ideas; de las cual es ideas, si algunas veces hablo como estando en las cosas mismas, quiero que se me entienda qué significan esas cualidades John Locke (16321704)

en los objetos que producen esas ideas en nosotros.”

(John Locke, 1999, p. 113).

El empirismo sostiene que la experiencia mediante los sentidos es la base del conocimiento humano, así también su tendencia al elementalísimo, que trata de elementos simples que se combinan siguiendo ciertos principios.

Por las limitaciones percibidas del elementalísimo, surgen los principios de la psicología Gestalt valorando la organización y la experiencia global.

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Teoría de la forma

En 1870 se establece en Alemania a la psicología como una ciencia encargada del estudio de los elementos básicos de la mente humana, creando una de las primeras escuelas teóricas de la psicología conocida como estructuralismo, fundada por Wilhelm Wundt (1832-1920) quien es considerado el padre de la psicología. Propuso estudiar la mente humana desde un enfoque experimental.

Se considera al psicólogo y filosofo austriaco Christian von Ehrenfels (1859-1932) con su trabajo publicado en 1890 sobre Las cualidades de la forma, uno de los principales antecedentes y precursores de la psicología Gestalt. En su trabajo plantea como primer criterio que una melodía percibida por los sentidos no se entiende por la suma de sus notas singulares,

Wilhem wundt (1832-1920)

llevando al principio que la totalidad es más que la suma de las partes. El segundo criterio es sobre la transportabilidad de la melodía, donde la original y la trasladada no son idénticas en las notas sin embargo la melodía se mantiene, permaneciendo idéntica su cualidad de forma.

La psicología Gestalt se estableció en Alemania como movimiento en las primeras décadas del siglo XX como oposición a la psicología estructural de W. Wundt, su nombre significa Forma o en buena forma por la tendencia humana de percibir primero figuras simples caracterizada por el estudio de los sistemas totales. Se acredita la primera propuesta llamada movimiento visual al filósofo y psicólogo Max Wertheimer (1880-1943), seguido por sus colegas Kurt Koffka (1886-1941) y Wolfgang Köhler (1887-1967), quienes consideraban la percepción como parte esencial de la actividad mental, debido al éxito, la teoría se convirtió en escuela de psicología llamada la escuela de Berlín, conocida por sus métodos científicos de investigación.

Max Wertheimer (1880-1943)

M. Wertheimer y sus colegas estudiaron con el filósofo Carl Stumpf (1848-1936) de la Universidad de Berlín, quien defendía el método fenomenológico basado en la descripción neutral de las experiencias sin intentar categorizarlo ni describirlo. La teoría Gestalt parte de la corriente filosófica y psicológica de la fenomenología por que busca comprender y describir la manera en que el humano crea experiencias tal y como son vividas mediante la percepción como estructura organizada de elementos individuales.

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Los primeros estudios sobre el análisis de la percepción también llamado el fenómeno phi de M. Wertheimer en 1912, demuestran que el individuo estructura y percibe los objetos como un todo, este fenómeno se demostró mediante un experimento en donde al observador se le presento luz en su campo visual del lado izquierdo durante un minuto, después se apagaba y se encendía el lado derecho, se redujo el tiempo del encendido hasta que se percibía únicamente una sola luz que se desplazaba de izquierda a derecha. Un ejemplo en la actualidad es cuando se observan imágenes casi perfectas secuenciales que crean la ilusión de movimiento.

Esto se debe a que el ojo humano recibe quantums de luz que perduran en la retina por un intervalo de tiempo, observando una superposición que crea la ilusión de continuidad, como se puede ver en la figura 1.

Figura 1 Rudolf Arnheim (1904- 2007) psicólogo del arte en la universidad Harvard influenciado por la psicología Gestalt plantea diferentes formas de aprendizaje, centrando su estudio en la percepción y pasamiento visual: “… y seguido se admite en general que las bases de nuestro actual conocimiento de la percepción sensorial quedaron establecidas en los laboratorios de los psicólogos de la gestalt y mi propia evolución mental ha sido configurada para la obra teórica y práctica de esa escuela” (Rudolf Arnheim, 2006, p. 19).

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Teoría de la forma

Si bien la teoría Gestalt se basa en la percepción, W. Köhler presenta la tendencia del sujeto a registrar de manera inmediata lo cualitativo de los objetos, asumiendo la denominación de holista. Por lo tanto, la Gestalt se encarga de dar una explicación fenomenológica y holista de la percepción. En la actualidad la relación de establecer lo cualitativo se refuerza con la utilización instrumental de la semiótica.

Tradicionalmente la semiótica se define como la ciencia de los signos.

Actualmente es un proceso de interrelaciones intelectuales y académicas, donde se producen confluencias y confrontaciones diferentes. Aunque en

Wolfgang Köhler (1887-1967)

las culturas antiguas ya se hacía reflexión sobre el lenguaje y en la Edad Media se formulaban ideas sobre el lenguaje.

La semiótica cuenta con dos personajes, mismos que casi simultáneamente y sin conocerse formulan teorías sobre los signos: el filósofo norteamericano Charles Sanders Peirce (1838-1914) y el lingüista suizo Ferdinand de Saussure (1857-1913). Otros grandes autores también han contribuido al desarrollo de la semiótica, como Ernst Cassirer (1874-1945), Charles Morris (1901-1979), Eric Buyssens (1910-2000), Jan Mukarovsky (18911975) y Claude Lévi-Strauss (1908-2009).

Se considera al filósofo, semiólogo y lingüista suizo Ferdinand de Saussure como el fundador de la lingüística moderna y la semiótica. Enseñó Lingüística en París y Ginebra por más de 15 años, época en la que empezó a hacerse preguntas sobre la lengua en general, proponiendo un nuevo modelo para comprender el lenguaje basado en estructuras y sistemas de signos. F. Saussere crea la Semiología (ciencia que estudia los signos), teniendo como objetivo el estudio de todos los lenguajes (sistemas estructurados de signos). La semiología fue basada en el estructuralismo donde se entiende la realidad como una relación de varias partes. Además, se creó un método científico donde todo fenómeno de estudio es entendido como sistema de interrelaciones. F. Saussere da mayor peso al lenguaje oral y escrito que a los signos e insiste que la lingüística es una parte de la semiología.

Ferdinand de Saussure (18571913)

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Así como los humanos interpretamos y entendemos la realidad mediante el uso de conceptos opuestos y complementarios como por ejemplo el día y la noche, el bien y el mal, también F. Saussere propone el uso opuestos y complementarios para entender las leyes de los signos. Define al signo estructuralmente, como una unidad dual conformada por significado y significante, en otras palabras, concepto e imagen acústica. El significado o concepto es la idea que se presenta en la mente de las personas al momento de representar o interpretar un signo bajo un estímulo perceptivo. Por otro lado, el significante o imagen acústica, se puede entender como la parte física del signo.

Charles Sanders Peirce (1839-1914) fue un filósofo, científico y humanista norteamericano, considerado el fundador del pragmatismo que habla sobre el método lógico para esclarecer conceptos, así como de la semiótica moderna. La mayor parte de los escritos de C. Peirce fueron publicados después de su muerte por Harvard University Press con el título Collected Papers of Charles Sanders Peirce. Sus trabajos hicieron posible que la semiótica se considere como una disciplina. Para C. Peirce la semiótica es la base para el estudio de otras disciplinas en cualquier campo. Considera a la semiótica como la identificación de un conjunto de operaciones mentales e incluye al interpretante, que es quien descifra el signo. La palabra signo proviene del término latín signum, los signos en términos generales pueden ser visuales, auditivos, táctiles, olfativos o gustavos. Se puede decir que la interpretación que damos a los signos es individual y personal, viéndose influenciada por el contexto donde se dé además de cuestiones culturales y sociales.

C. Peirce formula la concepción triádica del ser, con conceptos simples aplicables a todo tema. Estos conceptos son las categorías universales de Primeridad, Segundidad y Terceridad correspondiendo a los tres modos del ser. La Primeridad se entiende que el sujeto sea como es sin considerar nada más (presencia presente), la Segundidad se refiere a los hechos reales es decir a lo que efectivamente es pero que solo se sabe cuándo ya ocurrió (acción-reacción) y la Terceridad es un poco más compleja de entender, pero es la categoría que es mediación entre otros dos.

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Charles Sanders Peirce (1839-1914)

Teoría de la forma

Uno de los principales objetivos de la teoría Gestalt es demostrar mediante experimentos la conceptualización de la percepción, creando los principios básicos de la Gestalt. En el libro de Morfogenetica. El lenguaje iconográfico de la Teoría de la forma o Gestaltheory para la Arquitectura, Diseño gráfico y Diseño industrial (2023) de J. Olivares plantea con base en la vinculación semiótica los siguientes principios y conceptos:

Principios de la teoría de la forma

Figura 2

Figura fondo; nuestra percepción es categórica, se enfoca dos regiones diferentes en una imagen (figura 2). Principio de proximidad; la cercanía de los objetos ayuda a establecer relaciones entre ellos (figura 3). Principio de pregnancia; es la simplicidad de las formas visuales para llamar la atención (figura 4). Principio de la invariancia tipológica; capacidad perceptiva de reconocer un objeto en diferentes posiciones (figura 5).

Figura 3

Figura 4

Figura 5

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Principio de los pesos visuales; capacidad de un elemento de ejercer mayor énfasis en una composición (figura 6). Principio de la iluminación de la forma; funciona con el sentido perceptivo visual creando jerarquías de figura y fondo (figura 7). Principio de textura; se crea un efecto perceptivo con el color y la diferencia de tamaño en materiales (figura 8). Principio de la atención de la forma; cualquier anomalía produce la atención (figura 9).

Figura 6

Figura 7

Figura 8

Figura 9

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Teoría de la forma

Conceptos de la teoría de la forma Arquetipo; aquella figura que puede verificar su existencia idéntica de su forma en los documentos de la historia de la humanidad (figura 10). Bioforma; interpretación de las formas biológicas (figura 11).

Bordes; deformaciones espaciales utilizando el concepto de cerramiento (figura 12). Caos; fenómenos que son complejos e impredecibles (figura

Figura 10

13). Cerramiento; elementos que delimitan y condicionan un espacio mediante el principio de proximidad de las figuras (figura 14). Coherencia formal; mediante la fusión, sobreposición o toque se crean figuras complejas con figuras simples (figura 15).

Continuidad; la forma es mejor percibida con un recorrido continuo (figura 16). Corte o sustracción; se eliminan partes de figuras simples sobrepuestas para crear una nueva figura (figura 17).

Figura 11

Figura 12

Figura 13

Figura 14

Figura 15

Figura 16

Figura 17 14

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Disgregación; separación de sus partes sin perder visualmente su estructura por completo. (figura 18).

Enlace; Capacidad de un plano o una line para crear volumen (figura 19). Espacialidad; cualidad del espacio para generar una fuerza que va desde el centro hasta el exterior (figura 20). Espacio cóncavo; el centro cóncavo está determinado por la figura más pequeña y alrededor las más grandes (figura 21). Espacio Figura 18

conexo; se coloca en el centro la figura más grande y alrededor de menor tamaño (figura 22). Estructura modular del cuadrado; fractales o pixeles de un cuadrado que crean figuras organizadas y modulares (figura 23). Explosión-implosión; momento preciso donde se desintegra parte de la estructura de una figura (figura 24). Ilusión óptica; se percibe la realidad de varias formas (figura 25).

Figura 19

Figura 20

Figura 23 15

Figura 21

Figura 22

Figura 24

Figura 25

Teoría de la forma

Movimiento rotación; cuando varias figuras rotan sobre su mismo eje generando una forma compleja (figura 26). Ritmo; movimiento de las formas acompasado (figura 27). Textura; característica sobrestuctural de la forma que produce un sensación táctil y visual (figura 28). Transparencia; efecto visual por la sobreposición de dos figuras que produce un cambio ya sea en color, texturas, deformaciones, brillante disminución o Figura 26

Figura 27

aumento (figura 29)

Figura 29

Figura 28

Aplicación de la fenomenología del concepto de transparencia en diferentes aplicaciones del diseño: Se observar en la figura 30, el concepto transparencia insertado en el diseño gráfico, en una composición de figuras geométricas. Con el mismo uso de figuras como el cuadrado y la línea se crea en fotografía un efecto visual de negativo y positivo como se observa en la figura 31. En tipografía se observa un cambio de color con la sobreposición del concepto y la letra.

Figura 30

Figura 31

Figura 32 16

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La teoría Gestalt sostiene que la atención es un componente esencial de la percepción y organización de la experiencia visual, por la manera en que se enfoca atención en elementos específicos estructurando la información en totalidades significativas que impactan la percepción y comprensión del entorno.

La metodologia de la teoría de la forma desde la atencion se aplica en el diseño editorial para analizar diferentes portadas de libro: Figura 33

Se observa en la figura 32 la utilización del concepto cerramiento creando un icono visual de reja. Con ayuda de la figura fondo y el contraste de color en la tipografía se percibe la sobre posición entre la textura de bloques formada de figuras simples y los objetos.

La tipografía hace uso del acento en color rojo creando pregnancia. La eliminación del contexto y la falta de figura humana lo vuelve una composición anómala.

La figura 34 en comparación de la figura 32 nos muestra objetos complejos, a pesar del ambiente incongruente podemos observar los objetos silla y puerta insertados en el concepto de espacialidad, creando un espacio convexo. La iluminación intencionada produ-

Figura 34

ce jerarquía visual llamando la atención del receptor hacía el concepto transparencia.

La figura 35 hace uso de la figura humana con el principio de ambigüedad donde podemos observar en cada ojo de la figura un mapache, creando una composición dinamica. El concepto de línea crea un efecto visual en el pelo, como resultado se percibe una portada minimalista.

Podemos decir que la figura 33 hace buen uso de la atención siendo agradable perceptivamente por las figuras simples y el uso de conceptos 17

Figura 35

Teoría de la forma

Vanguardias del siglo XIX-XX En esta línea de tiempo se estructuran las vanguardias y los principales acontecimientos del siglo XIX y XX, donde se registra la información indispensable para conocer su evolución.

Impresionismo

1874

Sigmund Freud enuncia su Teoría

1896

Psicoanalítica

19051910

Fauvismo

Cubismo

1907

Futurismo

1910

1914 1918

18

Primera guerra mundial Enfrentamiento militar a gran escala de las principales potencias del momento

Maestría en Diseño Editorial

Dadaísmo

1916

19051920

Expresionismo

1917

Surrealismo

Constructivismo

1920

19201930

Art Deco

Se crea la Unión Soviética, el primer estado socialista

1922

Se funda la revista Time en Estados Unidos

1923

19

Teoría de la forma

Segunda Guerra Mundial Conflicto militar

1939

global por la invasión de Alemania a Polonia

19451991

Guerra Fría

19501960

Pop art

Op Art

1958

Hippie es un movimiento contracultural, libertario y pacifista

1960

Muro de Berlín

1961

Posmoderno

1970

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La teoría de la forma sirve de herramienta para explicar desde un método fenomenológico las vanguardias. Partiendo del contexto histórico en Europa en el siglo XIX, artistas e intelectuales impulsados por ideologías liberales abren camino al pueblo en el arte y la literatura política como cultural. Con el final de las revoluciones europeas a mediados del siglo, llega la crisis y ruptura por la estética de esa época, llevando a poetas, artistas y escritores afectados que participaron en la derrota de la comuna al distanciamiento político. Aquí es donde se hace evidencia el nacimiento de las vanguardias.

Impresionismo (1874) El rechazo por el realismo a finales del siglo XIX, llevo a artistas franceses como el pintor Édouard Manet principal exponente de este movimiento, al uso de colores claros con gran luminosidad, creando impresión en sus colegas pintores. El objetivo de este movimiento era representar la espontaneidad del mundo, uno de los defensores y promotores de esta corriente fue Claude Monet con sus obras llenas de descomposición de la luz.

Impresión, sol naciente – Claude Monet

Fauvismo (1905-1910) El termino fauvismo surge del apodo que el crítico Louis Vauxcelles les puso a los artistas André Derain y Henri Matisse, después de observar que sus obras tenían mucha violencia, los apodo pintores fauves (animales salvajes). Esta corriente se caracteriza por el empleo de colores puros aplicados agresivamente a los lienzos.Otros artistas del fauvismo son Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck.

Botes en Martigues – Raoul Dufy 21

Teoría de la forma

Cubismo (1907) En 1907 nace el movimiento con la obra señoritas de Avignon de Pablo Picasso, cambiando la realidad de una imagen a una representación pictórica, creando un propio espacio que se imprime en formas simples, acercándose al signo y lo figurativo.

Señoritas de Avignon – de Pablo Picasso

Futurismo (1910) Parte del movimiento cubista en Italia, donde su principal característica es la sensación del movimiento creando velocidad, dinamismo o disonancia. Se le atribuye a Filippo Tommaso Marinetti quien defendía la primicia del maquinismo, creando el Manifiesto del futurismo, seguido del pintor anti tradicionalista Umberto Boccioni quien aporto a fundar el movimiento.

Dinamismo de un ciclista – Umberto Boccioni

Dadaísmo (1916) Nace en el siglo XX en Europa, se origina por un grupo de artistas atraídos por diferentes estilos. El movimiento Dadaísmo denotaba la lucha contra el pasado, el sistema político, social y artístico. Su mayor exponente fue Tristan Tzara seguido del artista Marcel Duchamp.

La fuente – Marcel Duchamp

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Expresionismo (1905 - 1920) Surge como una reacción de los artistas jóvenes alemanes ante las tendencias artísticas de la época. Inicio de la pintura abstracta en el sentido estricto. La forma, color y textura representan el estado de ánimo del autor. Uno de sus principales exponentes fue Vasily Kandinsky y Edvard Munch.

El grito – Edvard Munch

Surrealismo (1917) Guillaume Apollinaire acuñó el término “surrealismo” en París en el año 1917, para describir dos ejemplos de innovación artística como algo más allá del realismo.

En 1924 el escritor André Breton en Manifeste du surréalisme, adopta el término surrealista para describir su propia práctica literaria, así como la de sus amigos.

Los artistas y escritores surrealistas compartieron intereses comunes, temas y materias, el surrealismo nunca fue un estilo como tal y adoptó diversas formas.

Existen dos grupos de pintores surrealistas: los surrealistas figurativos como Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí y Marc Chagall y los surrealistas abstractos como Alberto Giacometti, Henrry Moore, Alex Clader y Man Ray.

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El ángel del hogar – Max Ernst

Teoría de la forma

Constructivismo (1920) En el Manifiesto Productivista (1920) fue uno de los primeros documentos constructivistas de los rusos Alexander Rodchenko y Varvara Stepanova, donde establecen una ideología y organización de los materiales por parte del artista. El constructivismo fue una vanguardia artística que tiene sus orígenes en Rusia, ¡Libros! – Alexander Rodchenko

por lo que tiene una alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa. La Revolución Rusa adoptó y difundió el constructivismo, con especial énfasis en el diseño gráfico, teniendo gran aceptación. Como se puede apreciar en los carteles y afiches de propaganda de la URSS para influir en la sociedad.

Art Deco (1920-1930) Nace en el siglo XX, el origen de su nombre es la contracción del evento Exposition Internationale Des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, llevado a cabo en París en 1925. Pero fue hasta el año 1966 que se bautizó como Art Déco. A partir de esta exposición este movimiento comenzó a expandirse por todo el mundo, influyendo en diversas áreas como la moda textil, la arquitectura, la mercadotecnia, el comercio, el diseño gráfico e industrial y la tecnología. Se caracterizó por presentar un estilo clásico, simétrico, rectilíneo, coloración llamativa, el uso de materiales caros y moEdificio chrysler – Willian van Alen

tivos vanguardistas. sus exponentes principales fueron Paul Landowsky, Tamara de Lempicka y William van Alen.

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Pop art (1950-1960) El por art surge en Inglaterra, teniendo impacto en la sociedad norteamericana. Se caracterizó por emplear imágenes de la cultura popular tomadas de los diversos medios de comunicación, separándolas de su contexto y asilándolas o combinándolas con otras. Con la finalidad de resaltar el aspecto banal o kitsch del elemento cultural. Algunos de los artistas más famosos son Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Robert Rauschenberg.

Serie Marilyn Monroe – Andy Warhol

Op Art (1958) Op Art, abreviatura de Optical Art, es un estilo de arte abstracto asociado a ilusiones ópticas. Los artistas de esta vanguardia utilizan formas geométricas simples y colores muy contrastantes para crear obras de artes que “engañan a la vista”. Los fenómenos ópticos son los que crean sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, patrones de vibración, imágenes ocultas o intermitentes; por lo que es necesario la participación del espectador. Los principales artista de esta vanguardia son Bill Chessell, Rene Parola, Susan Hirth, Philip Crusch, Myra Fernandez.

Twisted cord illusion – Bill Chessell

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Teoría de la forma

Posmodernismo (1970) Surge en el siglo XX como una oposición al racionalismo de la época moderna, siendo un punto de partida que separa y contrapone al modernismo. Considerando que la modernidad se caracterizaba con la idea del progreso, la investigación científica e innovación tecnológica para lograr y planificar tanto el mundo social como el mundo físico; el postmodernismo en contraparte se caracteriza por aceptación del desorden y del caos, descentramiento del sujeto, énfasis de la forma y el estilo, fragmentación, hiperrealidad, perdida de la voluntad de propósitos, presente perpetuo, reversión del consumismo y la producción, tolerancia y apertura.

Uno de los principales pensadores posmodernista fue el filósofo francés Jean Francois Lyotard (1924-1998) que introdujo el concepto de posmodernidad en los años 70´s del siglo XX. Fue profesor de la universidad de París y cofundador del colegio internacional de filosofía. En su informe al consejo universitario de Quebec en 1979 expuso los cambios que habría en las sociedades postindustriales desarrolladas por la influencia de la nueva tecnología informática, dando lugar a la discusión filosófica de la posmodernidad. Este informe fue publicado como La condición posmoderna: informe sobre el saber en 1979. Otras obras de este autor son la Fenomenología (1954) la confesión de Agustín (1998).

Jean Francois Lyotard (1924-1998)

F. Lyotard, emplea los términos relato, grandes relatos y metarrelato para referirse a los discursos legitimadores empleados en los niveles ideológicos, sociales, políticos y científicos para oprimir a la sociedad. F. Lyotard define un metarrelato como una gran narración con pretensiones justificadoras y explicativas de ciertas instituciones o creencias compartidas. La característica principal de un discurso legitimador es su prosa argumentativa, teniendo como intención el totalitarismo e imponer un solo punto de vista por todos los medios posibles. En otras palabras, los metarrelatos son supuestamente las verdades absolutas, universales o últimas empleadas para legitimar proyectos políticos, científicos y otras creencias, como por ejemplo la emancipación de la humanidad a través de los obreros de Karl Marx (1818-1883), la creación de la riqueza de Adam Smithd (17231790), la dominación de lo inconsciente de Sigmund Freud (1856- 1939) y la evolución de las especies de Charles Darwin (1809-1882).

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Los nuevos pensamientos del mundo posmodernista trae como consecuencia la muerte de los metarrelatos, es decir se crea una ruptura ya que no cumplen con la realidad compleja de la sociedad por lo que no se puede tener un solo relato para la humanidad. La humanidad es diversa y compleja en todos los sentidos, cada región existencial del ser humano tiene su propio relato, llamados microrrelatos. El microrrelato a diferencia del metarrelato solo pretende dar sentido a una parte delimitada de la realidad y la existencia.

El concepto de pensamiento débil es conceptualizado por el filosofo y politico italiano Gianni Vattimo (1936-2023), siendo un pensamiento eminentemente crítico, donde no se tolera ninguna pretensión totalitaria sobre la realidad, nada que traspase los microrrelatos. Las ideas totalitarias traen consigo un interés por el poder y quiere supeditar la realidad, para controlar a la humanidad de hacer y crear mundos diversos.

La posmodernidad a pesar de ser polifacética, no significa que carezca de valores éticos, pues su principal influencia es el relativismo cultural.

La moral posmoderna cuestiona el cinismo religioso predominante en la

Gianni Vattimo (1936-2023)

cultura occidental, haciendo énfasis en una ética basada en la intencionalidad de los actos y la compresión inter y transcultural de los mismo.

Abriendo camino hacia la tolerancia y la diversidad, según G. Vattino.

La posmodernidad incluye un amplio número de movimiento artísticos, culturales, literarios y filosóficos desde finales de los años sesenta del siglo XX hasta principios del siglo XXI, también el capitalismo posindustrial ha influido en ella. Existen diferentes tipos de pensamientos al estudiar la posmodernidad, se considera que pertenece a la modernidad mientras otros la rechazan por completo.

Otro pensador pormodernista fue Jaques Derrida (1930-2004), filósofo francés cuyo trabajo origina la escuela de la deconstrucción. Esta teoría puede ser aplicada a diversas disciplinas como literatura, lingüística, filosofía, jurisprudencia y arquitectura. En 1967 público; De la gramatología, La voz y el fenómeno y La escritura y la diferencia, donde introdujo el punto de vista deconstructivista en la lectura de los textos, otra obra imJaques Derrida

portante fue la diseminación.

(1930-2004) 27

Teoría de la forma

Michel Foucault (1926-1984) pensador pormodernista fue un filósofo francés y uno de sus primeros libros que alcanzo gran popularidad fue Las palabras y las cosas, sus obras se ubican dentro de la filosofía del conocimiento. Sus primeras obras son estructuralistas; Historia de la locura en la época clásica, El nacimiento de la clínica y La arqueología del saber. Pero debido a sus obras posteriores como Vigilar y castigar y La historia de la sexualidad es considerado como un postestructuralista. M. Foucault trata principalmente el tema del poder, donde cambia los conceptos clásicos de este término.

Michel Foucault (1926-1984)

El posmodernismo también lo podemos observar en las diferentes manifestaciones culturales como el arte, la literatura y la arquitectura. A continuación, se abordarán estos temas.

El arte posmoderno se caracteriza por su despreocupación de la configuración de la realidad social, es una cultura de simulacro y no de representación, constituyendo una de las muchas realidades alternativas.

Alcanzando un grado de independencia con respecto a la realidad no artística, cosa impensable con los modernistas. La importancia de las obras se mide en función de su publicidad y reputación, así como de la eficacia de las máquinas de reproducción y copia. Así se acaba con el concepto de original y se le da más importancia al número de copias vendidas y no lo copiado.

Se considera literatura posmoderna a todo lo publicado después de la Segunda Guerra Mundial, adoptando temas como la locura, las inmundicias o la degradación moral, etc. Una característica peculiar es que los autores se pueden desplazar por diversos estilos literarios, quedando las obras entre la ficción y el ensayo, la novela y el relato, existiendo otros ejemplos. Dando lugar a que los artistas se expresen de forma libre.

La arquitectura posmoderna tiene sus inicios en los años setenta del siglo XX, se caracterizó por promover la incorporación del ingenio y la ornamentación al estilo de construcción industria. Mantienen un estilo propio de tipo plástico y escultural, con total libertad en la creación donde se 28

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puede apreciar la apariencia antropomorfa, la inspiración de la naturaleza y el predominio del blanco. Otros estilos arquitectónicos que se pueden incluir son la Arquitectura Sostenible, Deconstructivismo, Arquitectura Orgánica y la corriente High-tech.

El arte posmoderno tiene la característica de combinar la alta y baja cultura a través del uso de materiales industriales y de imágenes de la cultura pop. También tiene una manera peculiar de percibir entre el arte fino o alto y lo que se considera arte bajo o kitsch. Jackson Pollock, en las décadas de los cuarenta a cincuentas revolucionó las artes contemporáneas al proponer nuevas formar de crear el arte como: trabajar en el suelo, lienzo crudo sin estirar, utilizar materiales industriales, imágenes, etc. Las nuevas técnicas empleadas por Pollock sirvieron de inspiración para muchos otros artistas.

Algunos de los máximo exponentes del arte posmoderno son: Andy Warhol (1929-1987), Jean-Michel Basquiat (1960-1988), Joseph Kosuth (1945-actuliadad), Jeff Koons (1955-actualidad), Damian Hirst (1965-actualidad), Cindy Sherman (1954-actualidad), Barbara Kruger (1945-actualidad), Carolee Schneemann (1939-2019) y Frank Gehry (1929-actualidad)

Walt Disney Concert Hall , Los Angeles, California-Frank Gehry

No necesitamos otro heroe-Barbara Kruger

Campbell’s soup cans – Andy Warhol 29

Teoría de la forma

Aplicación de la fenomenología de la teoría Gestalt en las Vanguardias (exprecionismo, impresionismo y cubismo): La fenomenología Gestalt aplica la experimentación para conocer y entender un objeto. Para llegar al resultado es necesario sintetizarlo mediante un modelo iconográfico, pasando de un proceso de abstracción al proceso creativo aplicando la morfogénesis para un equilibrio entre la inspiración biológica y la utilidad práctica. Una manera de aplicarlo es tomando una imagen pictórica de una vanguardia y abstraerla para observar la percepción del espacio, encontrar patrones perceptivos, geometrías y elementos para emplearlos en diferentes enfoques del arte como lo es el expresionismo, el impresionismo y el cubismo. Se parte desde el modelo, en este caso la pintura la Virgen, el niño Jesús y Santa Ana de Leonardo da Vinci (figura 36), se buscan las relaciones mediante figuras simples entrelazadas (figura 37) para posteriormente encontrar significados abstrayéndolos iconográficamente (figura 38) convirtiéndolo en un icono robotizado (figura 39) llegando al resultado en la aplicación de las vanguardias como el realismo (figura 40), impresionismo (figura 41) y el cubismo (figura 42).

Figura 36

Figura 40

Figura 37

Figura 38

Figura 41 30

Figura 39

Figura 42

Maestría en Diseño Editorial

Aplicación de la fenomenología de la teoría Gestalt en la Vanguardia Posmoderno Una forma de entender pinturas es desde la teoría de la forma donde se define y crean herramientas que nos permita analizar las características del posmodernismo aplicadas en otras vanguardias, así como conceptos y principios que las diferencien o vinculen.

Figura 36. David – Miguel Angel

La descontextualización, que implica aislar elementos visuales para cambiar su significado, es una característica de la teoría Gestalt. En el posmodernismo, se observa una tendencia a descontextualizar elementos culturales para cuestionar sus significados tradicionales.

Se observa en la figura 36 y 38 las obras originales, donde se hace uso de la figura humana. Las obras posmodernistas de la figura 37 y 39 le dan énfasis única-

37. FEl nacimiento de Venus – Sandro Botticelli

mente al rostro, esto se debe a la pregnancia, el rostro es más comprensible y práctico de sintetizar. El posmodernismo hace uso de la mezcla de estilos, como es el caso de la figura 39 de Andy Warhol, donde se aplica el pop art y el principio de la iluminación. Se observa en la figura 37 el uso de acento de color, cambiando la interpretación en la cultura visual.

En la figura 40 se hace uso de la teoría Gestalt para sin-

Figura 38 . El nacimiento de Venus – Sandro Botticelli

tetizar la obra del nacimiento de venus de Andy Warhol, creando una reinterpretación del posmodernismo, aplicando también la vanguardia cubista.

Figura 39. El nacimiento de Venus – Andy Warhol Figura 40.

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Teoría de la forma

Teoría de la forma en relación con el posmoderno aplicado al diseño editorial de portada de la colección Novelas Eternas Las cubiertas de los libros evolucionan a través del tiempo y del contexto donde se realizan. En el siglo XIX, empieza la época victoriana con el ascenso de la Reina Victoria I al trono del Reino Unido en 1837. Surge el estilo victoriano y las cubiertas se ven influenciadas por este estilo. Pretendían distinguirse con su encuadernación de lujo vinculado con característica decorativo sobrio, florones simples y motivos clásicos. La colección Cranford público a finales del siglo XIX por la editorial británica Macmillan es un referente claro de las portadas de la época.

En octubre de 2020, RBA Coleccionables lanzó en México la colección Novelas Eternas, inspiradas en la colección Cranford, creando un diseño posmoderno influenciado por el estilo victoriano.

Dado el contexto social del posmodernismo, las personas están interesadas en traer el pasado a la actualidad, por lo que un libro con cubierta de estilo victoriano resulta atractivo. La posmodernidad abarca una variedad de estilos y estéticas, combinando elementos de diferentes épocas y estilos artísticos en una misma obra.

Por lo anterior se plantea analizar las características editoriales y la aplicación del estilo victoriano en la colección de novelas eternas.

Analisis

Se observa la colocación de cada elemento en una composición estructurada y controlada, tanto la figura 36 como la figura 37 se conforman de 49 flores, sin embargo, la 36 tiene 25 botones y la 37 cuenta con 41, creando en la interpretación posmodernista una composición limpia y visualmente cómoda, sin embargo, se observa la aplicación del realismo integrando colores y detalles a comparación del diseño Cranford que opta solo por la utilización del laminado en oro en fondo verde. La tipografía es clave en la Colección Novelas Eternas, en ella se percibe el posmodernismo, haciendo uso de san serif alineada horizontalmente, caracterizada por ser geométrica y denotar estabilidad en comparación a la figura 37 con tipografía orgánica y ceñida al círculo.

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Maestría en Diseño Editorial

Al sintetizar las cubiertas se observa el uso de círculos y triángulos en el diseño de las flores de ambas portadas, así mismo una circunferencia central que inserta la tipografía creando el concepto figura fondo. En la figura 36 se aplica otro elemento a base de triángulos que es la mariposa. La utilización de ocho columnas nos muestra la organización de cada tallo, que pasa desde la parte inferior de la composición hasta la superior, creando cerramientos a comparación de la figura 37, que a pesar de tener la misma estructura al contener más elementos, no se percibe.

Cubierta de la colección Cranford

Cubierta de la colección Novelas Eternas

figura 36

figura 37

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Teoría de la forma

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Maestría en Diseño Editorial

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Teoría de la forma

Este libro fue diseñado en la Universidad Gestalt de Diseño.

Fue impreso en Productos Digitales, Xalapa, Veracruz, en noviembre del 2023.

Para la composición de cubiertas y de los interiores se utilizó la tipografía Avenir y Owen Pro. 36