Textos: Itzel Jacqueline Amairany Castañeda Guevara, Mariana Carballo Ortega, Ana Carolina Cerón Rueda, Lorena Mariam Carmona Oliva, Samara Yael Castillo Bello, Verany Cruz Gómez, María Renée Díaz González, Nahomi Yumira Galván Aguayo, Abigail Gómez Cadena, María Belén Hernández Trujillo, Alondra Miranda García, Emiliano Pérez Domínguez, Emiliano Pozos Rosas, Anette Alejandra Quiroz Pérez Magaña, María Fernanda Relucindo Elías, María Fernanda Romero Torres y Estefanía Tecpa Flores.
Coordinador Editorial: Adrián Lara Castillo
Las imágenes y obras mostradas pertenecen a sus respectivos autores y se utilizan únicamente con fines académicos.
Proyecto académico sin fines de lucro. Prohibida su reproducción total o parcial.
El diseño en México no avanza en línea recta: se mueve como el trazo que busca su forma, como la idea que se transforma al decirse. En ese movimiento, distintas voces visuales han ido marcando rutas propias, abiertas a la mezcla, a la intuición y a la exploración de nuevos lenguajes. A partir de esa diversidad surge este catálogo.
Su intención es sencilla, pero necesaria: reunir en un mismo espacio aquello que existe disperso. Construir una memoria cercana del presente del diseño gráfico mexicano mediante fragmentos de conversación, procesos, influencias y reflexiones compartidas por creadores activos. La mayor parte de estas páginas nace de entrevistas realizadas por un grupo universitario de diseño, guiado por la mirada crítica de nuestro curso de “Historia: Diseño Gráfico Mexicano”. Así, este documento se teje entre la curiosidad académica y la voz directa de quienes hoy están creando.
No buscamos definir tendencias ni fijar nombres en papel. Más bien, ofrecer un territorio donde distintas miradas convivan: quienes expanden la gráfica con humor y riesgo; quienes hacen del cartel, la ilustración o la tipografía un espacio para narrar; quienes resisten desde la autogestión; quienes exploran la identidad, la cultura visual o los afectos como materia de trabajo. Cada uno, desde su propio ritmo, aporta una pieza al mapa cambiante de lo que significa diseñar aquí y ahora.
Este catálogo es, ante todo, un punto de encuentro. Un intento por dejar huella del momento que habitamos y, al mismo tiempo, tender un puente hacia quienes vienen detrás. Tal vez, al recorrer estas páginas, futuras generaciones encuentren referencias, preguntas o pequeñas chispas que inspiren sus propios procesos. Si eso ocurre, este ejercicio habrá cumplido su sentido: mirar el presente para que el diseño siga moviéndose, transformándose, nombrándose de nuevo en otras manos.
Alan Guzmán
Diseñador, ilustrador y cartelista
Alán Guzmán, conocido también como Zhompi, es un diseñador gráfico mexicano originario de Guaymas, Sonora, y criado en Hermosillo. Desde muy joven mostró un fuerte interés por el dibujo, las formas y el color. Su gusto por las letras comenzó gracias a la influencia de su padre, quien era herrero y solía crear rótulos y diseños metálicos llenos de detalles ornamentales. Esa combinación entre lo manual y lo visual despertó en él una fascinación por la tipografía, el trazo y la composición.
Durante su adolescencia, Alán se involucró en la cultura urbana, especialmente el graffiti, el skate y el punk. Estos movimientos marcaron su estilo y su manera de entender el diseño como una forma de expresión más libre y personal. Al principio realizaba letras y dibujos en muros o libretas, sin pensar todavía en dedicarse al diseño profesionalmente. Sin embargo, con el tiempo descubrió que esa pasión podía convertirse en una carrera.
Cursó la licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad del Valle de México, campus Hermosillo, donde empezó a experimentar con diferentes estilos visuales y a enfocarse en el lettering. En esa etapa desarrolló un interés particular por el diseño de letras hechas a mano, ya que lo veía como una manera de unir arte y comunicación visual. Después de graduarse, decidió mudarse primero a la Ciudad de México y luego a Tijuana, buscando nuevas oportunidades y una escena creativa más amplia.
Etiqueta para Letter Drinks
Branding Cerveza Bohemia
Ha trabajado con grandes marcas como Vans, Bohemia, Coca-Cola, Bissú, Audi, Apple y Spotify, además de colaborar en campañas publicitarias y proyectos editoriales.
Uno de sus trabajos más conocidos fue su participación en la película «Cantinflas», donde se encargó del diseño tipográfico para los créditos, así como su intervención visual en el festival Corona Capital, donde creó piezas gráficas inspiradas en la mú-
En esos años, Alán comenzó a trabajar como diseñador freelance, colaborando con pequeñas marcas locales y proyectos de identidad visual. Su estilo se fue consolidando gracias a su habilidad para combinar lo artesanal con lo digital, y poco a poco su trabajo empezó a tener más visibilidad en redes sociales.
Con el tiempo, Guzmán se posicionó como uno de los diseñadores más reconocidos del país en el campo del lettering.
Logo estudio de tatuajes Cutaway
Portada para revista Líderes
Campaña de Vans
Branding Cerveza Bohemia
Etiqueta Letters Beer
sica y la energía del evento. En 2018 fundó su propio estudio, Lettres Studio, un espacio dedicado al diseño tipográfico, la creación de logotipos y la enseñanza del lettering. Desde ahí, ha impartido talleres, conferencias y cursos en diferentes partes del país, motivando a nuevas generaciones de diseñadores a experimentar con las letras como forma de expresión visual.
Su estilo se caracteriza por mezclar lo tradicional y lo moderno.
A diferencia de otros diseñadores, Alán no se limita a lo digital: le gusta empezar con bocetos a mano, jugar con texturas, trazos y materiales, y después trasladar todo eso a la pantalla. Su trabajo transmite autenticidad, energía y una conexión muy fuerte con la cultura mexicana, especialmente con los colores, los rótulos callejeros y la gráfica popular.
En los últimos años, Alán regre-
só a vivir a Hermosillo, Sonora, donde continúa trabajando de manera independiente y colaborando con marcas nacionales e internacionales.
También se ha dedicado a crear contenido educativo y compartir su proceso creativo en redes, lo que lo ha convertido en una figura muy influyente dentro de la comunidad del diseño en México.
En 2025, Alán Guzmán sigue siendo considerado uno de los diseñadores gráficos mexicanos más importantes de su generación. Su carrera representa el equilibrio entre lo artesanal y lo contemporáneo, y su enfoque demuestra que el lettering es más que una técnica: es una forma de identidad visual que conecta emociones, cultura y diseño.
Etiqueta para Letter Drinks
Alejandro Magallanes
Cartelista y diseñador gráfico
Alejandro Magallanes nació en la Ciudad de México en 1971. Desde niño descubrió en el dibujo una forma de organizar sus emociones y de ordenar el caos que lo rodeaba. Con el tiempo, esas líneas trazadas en la infancia se transformaron en un lenguaje visual con el que ha narrado historias, levantado preguntas y acompañado movimientos culturales dentro y fuera de México.
Su primera gran oportunidad llegó en 1993. Apenas egresado de la UNAM, diseñó el logotipo de la Comisión de Derechos Humanos del Distrito Federal. Ese trabajo lo puso en el mapa, aunque lo que realmente lo movía era el cartel. En la biblioteca, las revistas suizas y japonesas lo habían marcado para siempre: esas imágenes intensas le repetían una promesa, «yo también quiero hacer algo así».
De los carteles para la comisión pasó a diseñar para el cine, aunque al principio no firmaba su obra. Creía que los carteles
eran de todos y que a nadie le interesaba quién los hacía. Fue el maestro Rafael López Castro quien lo hizo cambiar de idea: había que hacerse responsable de las imágenes que uno lanzaba al mundo. De ahí en adelante, su carrera se expandió: teatro, danza, festivales culturales. Cada cartel debía ser como un «gran sándwich» con varias capas: algo que al espectador le gustara o lo incomodara, sin que pudiera explicar muy bien por qué.
Entre 1994 y 1996, Magallane s formó parte de colectivos gráficos como La Corriente Eléctrica y Fuera de Registro, además de colaborar en El Cartel de Medellín. En 1996, fundó junto a Leonel Sagahón el despacho La Máquina del Tiempo. Y en 1997 coordinó la exposición «No todos los carteles son bonitos», una muestra que desafiaba la concepción tradicional del cartel como pieza meramente estética.
A finales de los noventa y principios del nuevo milenio, su nombre ya empezaba a sonar fuerte
en el diseño gráfico mexicano. En 2001 publicó Esto no es, un libro de poesía visual que revelaba su capacidad para unir palabra e imagen con ironía y juego. En 2004 ingresó a la Alianza Gráfica Internacional (AGI), la organización más importante de diseñadores gráficos del mundo. Dos años más tarde, en 2006, participó en la Bienal Internacional de Cartel de Varsovia, donde obtuvo la prestigiosa Medalla Józef Mroszczak.
El ámbito editorial fue otro terreno donde ha dejado huella. Diseñó portadas para editoriales como Alfaguara, Tusquets, Clío y el Fondo de Cultura Económica, pero fue con Editorial Almadía donde consolidó un estilo que colocó al diseño mexicano en el mapa internacional. En sus palabras, «cada portada es una interpretación subjetiva del texto: a veces parte de una palabra, de un título o de un detalle mínimo que concentra toda la potencia del libro».
Libro «esto no es»
Portada ilustrada por Magallanes
En 2007, su libro infantil ¡Ven, hada! recibió mención en la Feria Internacional del Libro Infantil de Bolonia, y ese mismo año la SEP lo incluyó en el Programa Nacional de Lectura. En 2008, obtuvo el Golden Bee Award en la Bienal de Diseño Gráfico de Rusia por su trabajo editorial.
En 2010, presentó la exposición Posí, que reunió más de 160 carteles creados entre 2010 y 2018. En 2011, publicó ¿Con qué rima tima? Con la editorial Almadía, un libro cargado de juegos visuales y lingüísticos. En 2012, recibió la Medalla de Bronce en la Bienal
Internacional de Cartel por la Ecología (4th Block, Ucrania). Y en 2013 obtuvo el Primer lugar en la Trienal Internacional de Cartel Político en Mons, Bélgica.
Entre 2014 y 2016, sus obras formaron parte de exposiciones colectivas en Japón, Francia, España, Canadá y Argentina, y en 2017 presentó en España su primera exposición individual en ese país, consolidando su proyección internacional.
Libro ¿Con qué rima tima?
En 2018, publicó Otros títulos, un compendio de juegos visuales y textuales que refleja su gusto por la experimentación. Ese mismo año presidió el AGI Open México, encuentro internacional de diseñadores.
En 2020 se ha mantenido vigente en el ámbito cultural. Sus carteles y libros fueron incluidos en monografías y catálogos publicados en Alemania y China. En 2021 fue invitado de honor en el Festival Internacional de la Imagen (FINI) de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo. Y en los años siguientes, su producción se diversificó aún más: en 2023 y 2024 diseñó el cartel oficial del cortometraje La Gaviota, dirigido por Iván Lipkies y presentado en Shorts México, además de una serie de carteles sociales con gran carga crítica.
Cartel para cortometraje «La gaviota»
Cartel para el festival cervatino 2008
Cartel para el festival cervatino 2009
Su estilo, a veces ingenuo y naïf, esconde un rigor conceptual: la simplificación como clave para llegar a todos. Sus imágenes transmiten frescura y espontaneidad, pero también humor negro y crítica. Él mismo lo resume con una sentencia que se ha vuelto célebre: «La técnica sin idea es un engañabobos; la idea sin técnica es una lástima».
Cartel 2024
Cartel para el Vive Latino 2013
Cartel 2025 para oaxaca cine
Cartel para ambulante 2011
Hoy combina la creación con la docencia. Da clases desde hace más de diez años en el Centro de Diseño, Cine y Televisión, y desde 2021 en la Facultad de Arte y Diseño de la UNAM. Sus alumnos no solo aprenden técnica, sino también una forma distinta de mirar el mundo: con humor, con juego, con responsabilidad.
Alejandro Magallanes sigue convencido de que las palabras y las imágenes se entrelazan para crear universos. Juega con ambas porque sabe que, en el fondo, no hay fronteras entre escribir, dibujar o diseñar. Lo único que importa es provocar en otros esa emoción imposible de poner en palabras.
Cartel 2025 para feria de vino
Portada ilustrada por Magallanes
Cartel 2014 para encuentro de poesía
Cartel 2020 para maraton de teatro
Carl Forssell Méndez nació en 1983 en Ciudad de México es diseñador gráfico, director creativo y empresario sueco-mexicano, reconocido por su contribución en la imagen gráfica de marcas tan importantes como Correos de México, Moshi Moshi, Volaris y la identidad del Gobierno de México. Ha sido galardonado en más de 25 ocasiones con prestigiosos premios nacionales e internacionales en el mundo del diseño, entre ellos el premio a! Diseño, el Sociedad Mundial de Diseño de Marca, el Diseña México, y reconocimientos de LogoLounge, que destacan tanto en la calidad de sus proyectos como su aportación al desarrollo del diseño gráfico en mexicano.
Desde sus días como estudiante en la Universidad La Salle, formó parte del equipo creador del símbolo de la compañía aérea Volaris, cuando trabajaba en la firma Ideograma Consultores. El icónico logo, que ha perdurado desde 2006, fue innovador en su pixelado y se convirtió en un avance premonitorio en su campo. A lo largo de más de 20 años, ha tenido la oportunidad de desarrollar marcas en diversas áreas, incluyendo proyectos privados, políticos y organizaciones sin fines de lucro.
Entre sus logros más destacados, se encuentra su labor como diseñador gráfico en el desarrollo del proyecto de la identidad gráfica del Gobierno de México, dejando un legado histórico con este importante proyecto. También ha sido el creador de la nueva imagen de Correos de México y del Tren Maya, proyectos de gran relevancia en el país. Su más reciente trabajo es la aerolínea Mexicana Aerus, que se presenta como una excelente alternativa para los viajeros nacionales.
Volaris (2005).
Aplicación del logotipo en avión Volaris.
Con una trayectoria llena de éxitos y un enfoque versátil, Carl Forssell sigue demostrando su pasión y talento por el diseño gráfico, dejando huella en cada proyecto en el que se involucra. Su dedicación y visión lo han convertido en un referente indiscutible en la industria del diseño en México.
final, así como los fundamentos y la naturaleza de la propuesta, explicando qué es, en qué consiste y cuáles son sus cualidades principales. También pide antecedentes que permitan entender el origen y la historia de la marca, además de definir el público meta con precisión, estableciendo rango de edad, intereses y estilo de vida.
Dentro del brief se incluyen las necesidades específicas a cubrir y las posibilidades de desarrollo, así como las aplicaciones que el cliente requiere, por ejemplo tarjetas de presentación, páginas web o papelería corporativa. Otro punto fundamental es la personalidad del proyecto, donde el cliente describe cómo imagina la marca y qué atributos debería reflejar, eligiendo entre conceptos como cálido, tecnológico, joven, clásico, fresco, sofisticado, global, informal, descriptivo, inspirador, moderno, vanguardista, minimalista o festivo. De la misma manera, se propone identificar la palabra que más represente el proyecto entre opciones como orden, Aplicación en articulos.
Para él, el origen de cada proyecto está en conocer a fondo la visión del cliente y acompañarla con un proceso claro que empieza en la investigación, el análisis y el diagnóstico, sigue con la definición del territorio de marca y el desarrollo de propuestas, y culmina con los ajustes, la implementación y la entrega de un manual. Normalmente trabaja con un brief sencillo compuesto por preguntas en las que plantea una encuesta detallada que funciona como punto de partida y que ayuda tanto al diseñador como al cliente a definir con claridad la esencia de la marca. En ella se recopila información básica como el nombre del proyecto y la identidad que se desea construir, ya sea preliminar o
Correos de México(2019).
exclusivo, neutral, desorden, caos, forma, orgánica, geométrica, fría, llamativa, discreta o enigmática. En el cuestionario también aborda la competencia, señalando tanto competidores directos como indirectos, y pide referencias visuales en forma de links o imágenes de proyectos que resulten inspiradores en términos estéticos.
Finalmente, se abre un espacio para consideraciones adicionales, datos o cualquier información relevante que ayude a dar forma al trabajo. Este método refleja la importancia que Forssell le da a conocer profundamente cada marca antes de diseñar, y se convierte en una guía valiosa para cualquier futuro diseñador que aspire a trabajar con la misma rigurosidad: preguntar, investigar y entender antes de crear.
Considera que para tener un buen proyecto se tiene que destinar al menos un 25 % del esfuerzo total al desarrollo de la propuesta. Al comprender la visión del cliente, se convierte en un
acompañante que lo sensibiliza sobre el camino más adecuado para la marca. También considera fundamental la colaboración. Para él, dirigir un proyecto se parece a ser un director de orquesta: cada especialista aporta su talento y lo importante es mantener la esencia de la marca sin perder la visión global. Descubrir y potenciar las habilidades de los demás es parte de su manera de trabajar.
Entre los proyectos más retadores que ha enfrentado destaca el Tren Maya, dividido en tres grandes fases que representaron meses e incluso años de trabajo: primero la creación de la marca, luego el diseño y aplicación en los trenes y, finalmente, la señalética y la gráfica de las estaciones. Desde el inicio supo que el reto era enorme porque el proyecto tendría una implementación nacional, lo que exigía revisar cada detalle con sumo cuidado, consciente de que los costos de implementación eran mucho mayores a los de desarrollo y de que el mensaje
Gama cromática.
Diseño de papeleía institucional.
Desarrollo de la identidad (2019).
Aplicación de la identidad en el tren.
Aplicaciones en articulos. Implementación visual.
estaría expuesto a millones de personas. Carl explica que los proyectos clave en su carrera no siempre los mide por el alcance o el presupuesto, sino por lo que aportan a su desarrollo como diseñador y profesionista. Cada etapa le ha dejado aprendizajes, y tanto los proyectos de gran escala como los más pequeños han marcado momentos significativos en su trayectoria.
En cuanto a cómo surgen las oportunidades, señala que todo empezó al decidir enfocarse en un solo objetivo: ser el mejor diseñador de marcas en México. A partir de esa meta, con más de veinte años de experiencia, congruencia en su especialidad y la capacidad de reconocer oportunidades para escalar, ha logrado posicionarse como un referente en identidades y marcas de gran relevancia en el país.
Respecto a los premios y reconocimientos obtenidos, asegura que lo más importante es atreverse a participar, porque cada concurso recuerda que surgen nuevos talentos y que el diseña-
dor debe mantenerse vigente. Un proyecto merece concursar cuando cuenta una historia de manera diferenciada y atractiva frente a los demás. Finalmente, su consejo es que cada persona encuentre aquello en lo que desea ser la mejor, lo convierta en una pasión y lo acompañe siempre con disciplina, porque las recompensas se van encontrando en el trayecto.
Abrasamar (2024).
Identidad del estado de Puebla (2020).
Moshi Moshi (2017).
Melsúu (2019).
De Rancho & Puerto (2020).
Estudios Churubusco (2023).
Gobierno de México (2019). Zagala (2022).
Construcción
Aerolíneas Aerus (2022). Premio CLAP Design Awards 2023. Mejor sistema de diseño
del logotipo.
Gama cromática.
Publicidad exterior Aerus. Diseño de papeleía institucional.
Iconos de la marca.
Aplicación móvil de Aerus.
Páguina wed de Aerus.
Material gráfico.
Eric Morales, mejor conocido como Dr. Morbito, nació en la Ciudad de México en 1978. Es un diseñador gráfico y artista mexicano cuya trayectoria ha trazado un puente entre el branding, el diseño de campañas publicitarias, el packaging, la ilustración y el toy art, siempre con una profunda conexión hacia la cultura popular mexicana.
Su acercamiento al mundo del diseño comenzó en la escuela secundaria, cuando decidió inscribirse en un curso de fotografía impartido por su profesor de ciencias sociales. Aquella experiencia despertó en él una curiosidad especial que lo llevó a participar en un concurso de fotografía, donde obtuvo el primer lugar y logró exponer su trabajo en el Museo Rufino Tamayo con apenas 15 años de edad. El jurado, conformado por Graciela Iturbide y Pablo Ortiz Monasterio, reconoció su talento, y ese logro marcó el inicio de su sueño de convertirse en fotógrafo.
Tiempo después ingresó a la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) para estudiar Diseño Gráfico. Aunque en un principio no sentía afinidad por el diseño, el plan de estudios que incluía materias de fotografía, lo convenció de probar suerte. Sin embargo, su paso por la universidad no fue fácil: sus compañeros lo consideraban el peor de la clase, pues no cumplía con los estándares acadé -
micos que se exigían. Incluso algunos le sugerían cambiar de carrera a Psicología o Filosofía, ya que disfrutaba leer sobre esos temas y asistir de oyente a clases de dichas licenciaturas.
Lejos de desanimarse, Eric tomó esas críticas como un reto personal. Él mismo cuenta que se sintió identificado con Marty McFly, el protagonista de Volver al futuro, y decidió involucrarse por completo en el diseño. Su perspectiva cambió radicalmente durante una huelga universitaria, cuando visitó un museo y se encontró con una exposición de diseño gráfico mexicano organizada por la revista alternativa y experimental Fakir. Aquella muestra rompía por completo con la idea que tenía del diseño y con lo que aprendía en la escuela. Fascinado por lo que vio, buscó el contacto de Javier Caballero (Javo), uno de los diseñadores de la revista, a quien escribió un correo para solicitar la oportunidad de colaborar. Le ofrecieron una prueba que consistía en intervenir parte de la publicación, y el resultado sorprendió a todos los miembros del equipo por su creatividad y su estilo único.
Diseño de marca para Huipichil.
En un evento de Fakir, Morbito conoció a Rafael Benítez (Rafakir), quien acababa de quedarse sin diseñadora gráfica en su equipo. Tras ver el trabajo que Morbito había publicado en la revista, lo invitó a integrarse a la
agencia McCann Erickson. Gracias a un proyecto escolar que consistía en una agenda inspirada en El Santo, Eric consiguió ingresar como director de arte senior. Curiosamente, la agencia se encontraba preparando en ese momento un comercial con El Hijo del Santo, lo que le permitió demostrar su visión creativa desde el inicio, a pesar de que aquel proyecto había recibido apenas una calificación de 6 en la universidad.
Posteriormente, trabajó en la agencia Oveja Negra, donde tuvo un papel clave en la campaña gráfica de la película JC Chávez (2007), dirigida por Diego Luna y producida por Canana Films. Esta campaña representó un gran desafío, ya que Julio César Chávez no pudo participar directamente en la promoción. Ante esa situación, Morbito creó ilustraciones que fueron colocadas por toda la ciudad, convirtiéndose en una de las piezas más reconocidas de su trayectoria.
Poster de campaña publicitaria para la película «JC Chávez» de Diego Luna.
Paralelamente, decidió dar forma a proyectos más personales. En 2006, junto a su ex esposa, la diseñadora argentina Anabel Vanoni, fundó Tixinda, una marca de juguetes de autor inspirada en la tradición y la iconografía mexicana. Cada pieza combinaba elementos prehispánicos y culturales con un lenguaje visual contemporáneo. Morbito ha explicado que su trabajo parte de un profundo amor por México, amor que se hizo más consciente durante su matrimonio, cuando comenzó a reflexionar sobre la importancia de sus raíces y la riqueza cultural del país. Para él, el diseño no solo es comunicación visual, sino también una forma de preservar y reinterpretar la identidad cultural.
La propuesta de Tixinda obtuvo gran proyección y logró establecer alianzas con marcas reconocidas como Scribe. Sin embargo, el propio Morbito confesó que ese crecimiento le generó un conflicto, pues sentía que sus productos empezaban a perder
su esencia y autenticidad. La producción a gran escala amenazaba con convertir piezas con raíces mexicanas en simples objetos fabricados en serie, incluso con el riesgo de que «los productos terminaran siendo chinos».
Esa preocupación lo llevó a rechazar un contrato con Distroller y a fundar en 2013 su propia agencia de diseño, Sideral, desde la cual decidió enfocarse en
Fuby Grabado Japomex.
Cuadernos de marca Scribe con ilustraciones de Tixinda.
proyectos de marcas pequeñas, con conciencia social y un enfoque sustentable.
Entre sus trabajos más destacados se encuentran las exposiciones San Toys y Abuso de Conciencia, en las que intervino muñecos populares para invitar a reflexionar sobre el consumo, la idolatría y la cultura cotidiana. También destacan las colecciones de Tixinda, con figuras emblemáticas como El Venado
Fuby Chicle - Art Toy de vinyil con aroma a chicle y chocolate.
Branding y packing para Miel Peregrinas.
Branding de cerveza Turulata.
Solar y El Jaguar de la Noche, que combinan líneas limpias, colores contrastantes y referencias a lo prehispánico, lo religioso y lo festivo.
Su estilo y su enfoque le han valido reconocimientos en festivales internacionales como la Fundación para la Internacionalización de las Administraciones Públicas (FIAP), el London Festival, el New York Festival y el Círculo de Oro, además de aparecer en diversos periódicos, libros y revistas como a! Diseño, Día Siete, Play Load, Laus 05 y Cuatro Logos, entre otros.
Dentro de su agencia, Morbito ha mostrado especial interés por trabajar en proyectos relacionados con cervezas y tequilas, lo que lo llevó a crear su propia marca de cerveza artesanal, Wirra. También ha compartido su experiencia en un curso de Domestika, donde enseña cómo desarrollar una marca de cerveza artesanal desde la conceptualización hasta la producción
Diseño de marca de suplementos deportivos NTS.
y presentación final. Este curso ofrece a otros creativos la oportunidad de aprender a construir un producto real aplicando principios de diseño y branding de manera práctica y directa.
Actualmente, Morbito ya no se dedica de manera activa al diseño gráfico de marca, aunque mantiene un fuerte vínculo con
la creatividad a través de sus proyectos personales, especialmente el art toy, campo en el que continúa lanzando figuras que han recorrido diversos lugares del mundo. Además, ha expresado su deseo de retomar la fotografía con un enfoque cinematográfico, una pasión que lo ha acompañado desde sus inicios.
Cartón de la cerveza artesanal Wirra. Atlix - Art Toy de Dr. Morbito
Cecygraphic
Cecilia García Baldenegro
Diseñadora en identidad visual para artistas
Cecilia García Baldenegro, conocida como CecyGraphic, es una diseñadora gráfica de Ciudad Obregón, Sonora. Estudió Diseño Gráfico en el Instituto Tecnológico de Sonora (2020-2024) y actualmente, transita de la vida universitaria a la laboral como creativa independiente. Desde pequeña, su interés por la música y la cultura pop la llevó a experimentar, camino que la condujo de manera natural al diseño gráfico. Hoy centra su trabajo en pósters, collages, mix media y motion graphics, principalmente vinculados a la industria musical y dirigidos a públicos jóvenes.
La difusión de su trabajo en Instagram, TikTok y Behance ha sido clave para su trayectoria. Aunque de niña tuvo una cuenta anónima, fue en 2022 cuando
creó @cecygraphic, espacio donde comenzó a compartir sus proyectos, recibiendo desde el inicio el impulso y respaldo de sus amigos. Desde entonces, las redes le han abierto grandes oportunidades, experiencias que confirma su idea de que «nunca sabes a quién le va a llegar lo que subes.»
Su trayectoria se ha caracterizado por un crecimiento constante en la experimentación visual y en la diversificación de medios. Desde sus primeros pósters en 2022, inspirados en artistas como Rusherking, Sofía Reyes, María Becerra o Litkillah, se observa una clara inclinación hacia el diseño musical como campo de exploración, recurriendo al cartel como formato central para traducir identidades sonoras en piezas gráficas. En esta primera etapa, también sobresalen sus incursiones en el cartel tipográfico (como en los trabajos dedicados a Lana del Rey y Mac Miller), donde el uso de la palabra como recurso visual se integra con la cultura pop.
Cartel collage Taylor Swift “Anti-hero.”
Cartel tipográfico de Lana del Rey «Video Games.»
Durante 2023, su obra se expande hacia la fotografía y el collage, con propuestas que incluyen tanto registros documentales —como la serie de la marcha del 9M— como experimentaciones plásticas en collage analógico y digital. Paralelamente, comienza a explorar con motion graphics y la animación mix-media, trabajando con referentes internacionales como Rauw Alejandro, Zayn Malik, Olivia Rodrigo y Kendrick Lamar, lo que le permite consolidar un lenguaje híbrido que combina diseño, video y música.
Proceso de elaboración del mix-media de Olivia Rodrigo.
Cartel collage de Kali Uchis. Cartel collage de Rauw Alejandro. Collage resultado de photoshoot.
El año 2024 marca un punto de inflexión en su trabajo. A partir de este periodo, Cecy se involucra en proyectos más complejos, como la dirección de videoclips, el diseño de portadas de álbumes y la animación de piezas para artistas emergentes. Aquí, el carácter interdisciplinario de su obra se vuelve más evidente: la fotografía, la animación digital, el collage y el diseño editorial convergen en proyectos que no solo acompañan la promoción musical, sino que fortalecen la construcción de la identidad visual de los artistas.
Cartel collage de Lana del Rey. Collage del video musical de Magdalena Bay
En 2025, su trabajo refleja madurez y consolidación, con encargos de portadas oficiales para músicos como ISAN´G o animaciones para videos musicales para Cheko MG, además de proyectos de intervención fotográfica, pósters para artistas de alcance internacional como Tokischa, The Marías, Rosalía y Tyler, the Creator. Esta etapa evidencia cómo la diseñadora ha logrado vincular su fluidez creativa con una práctica profesional que no se limita a un solo formato, sino que responde a las necesidades expresivas y comunicativas de cada proyecto.
Cartel collage de Rosalía.
Cartel de gira nacional de Neto Peña.
Toda esta experiencia le permite reconocer un proceso creativo en el que predomina la espontaneidad y el impulso personal, lo que ella misma describe como la decisión de «empezar a subir sin pensarlo», dejando que el diseño fluya como extensión de su cuerpo y su mente. Esta forma de pensar se traduce en una práctica que combina sensibilidad estética, cercanía con la cultura musical y un profundo interés por la relación entre diseño y comunidad.
Motion graphic de «Sugar On My Tongue» de Tyler The Creator.
Cartel «Stop Playing With Me» de Tyler the Creator.
Diseño de title card para el video clip «Problemón» de Adair.
Cartel de Akribb.
Cartel «Berghain» de Rosalía.
Charlotte Karla Hernández
Ilustradora en productos
Nació el 4 de noviembre de 1991, en la Ciudad de México.es diseñadora gráfica e ilustradora mexicana egresada de la FES Acatlán (UNAM) con experiencia en branding y el desarrollo de ilustraciones con acuarela y digital. El diseño de identidad de marca, es su principal pasión porque le gusta involucrar procesos de ilustración experimentado y explorando distintos estilos de acuerdo a las necesidades de cada proyecto.
Su mayor inspiración es la figura femenina, el color y las líneas orgánicas de la naturaleza. Le gusta combinar todos estos elementos y crear escenarios que transmitan emociones, magia y fantasía.
Ha colaborado con marcas como Shake Shake, Nespress, Glenmorangie, Halls, Adidas, Loly in the sky, Warner Brothers, DC, The Glenrotes, Marc Jacobs, entre otras.
Como diseñadora gráfica e ilus-
tradora, Karla Hernández Murguía ha sabido capturar esencia de la figura femenina en cada trazo y color. Sus creaciones no solo son visualmente atractivas, sino que también transmiten emociones y fantasía a través de líneas orgánicas y paletas cromáticas vibrantes.
La invitaron a ser parte de la introducción del primer perfume de la colección Gucci Flora. Realizó algunos posts ilustrados, fotografías e historias de Instagram conviviendo con el producto, además de una participación en un pequeño pop up de lanzamiento para la marca. Colaboró con Gorgeous Jazmine y las ilustraciones para otros 2 perfumes de la colección «Gucci Flora».
«The Glenrotes 2020»
Ilustraciones del proyecto «Atmósferas»
Desarrollo una ilustración para promocionar la marca de whisky en la CDMX además de una intervención de la botella. El icono del río es muy importante para la marca, ya que su whisky viene de dos fuentes de agua de manantial, el Brauchill, el Ardcanny Spring, es por eso que en la ilustración trato de transmitir el río junto con un aire majestuoso y mágico que envuelve a la botella con los colores principales de la marca, naranja, rojo, amarillo y morado.
«Nesspreso»
Realizó una serie de ilustraciones para la campaña digital #reciclaconespresso La campaña buscó promover y motivar al usuario a reciclar y darle una segunda vida a las cápsulas de aluminio y utilizar los residuos de café como composta.
«Ganso Café»
Campaña de redes sociales para la promoción de Gucci Flora Gorgeous Gardenia en México
Serie de ilustraciones para campaña digital #reciclaconnespresso.
Producto The Glenrotes, 2020
Es una muestra de su distintivo estilo que mezcla la cultura oriental, especialmente la japonesa, con la fantasía, el folclore y el diseño gráfico para crear figuras femeninas etéreas y llenas de color y textura.
El trabajo de la artista se caracteriza por la profundidad y el significado que logra a través de la combinación de estos elementos, resultando en composiciones visualmente ricas y estéticamente refinadas.
«CyA Lum»
Colaboró como artista invitada, para el diseño e ilustración de la colección anual «Latidos Unidos Mexicanos»
2021 para la CyA México, que consistió en más de 100 piezas, entre ellas sudaderas, playeras, vestidos, camisas, accesorios, calzado, etc. Para la sección de mujer, hombre, niños y niñas. También tuvo la oportunidad de trabajar en la dirección de arte de la campaña para la promoción de la colección en toda la República Mexicana.
Daniela Garza Diseñadora Gráfica de Marca
La historia de Daniela Garza dentro del diseño gráfico es un ejemplo claro de cómo la formación académica, la experiencia profesional y la búsqueda constante de nuevos lenguajes visuales pueden articularse en una carrera que evoluciona con coherencia y profundidad. Originaria de Querétaro, su recorrido refleja no solo el desarrollo de una diseñadora, sino también la consolidación de una directora creativa capaz de dirigir un estudio internacional con una visión estratégica y auténtica.
Su camino inició en la Universidad Anáhuac Querétaro, donde estudió la licenciatura en Diseño Gráfico entre 2011 y 2017. Durante este periodo, comenzó a explorar las bases teóricas y técnicas de la disciplina, al mismo tiempo que se acercaba a la práctica profesional mediante colaboraciones tempranas. Una de sus primeras experiencias significativas se dio en 2015 en Alfiler Branding Studio, ubicado en su ciudad natal. Esta etapa le permitió comprender de cerca los procesos de construcción de identidad y la importancia del diseño como un lenguaje que trasciende lo estético para convertirse en una herramienta de comunicación con objetivos específicos.
Posteriormente, en 2017, Garza se incorporó a Savvy Studio en la Ciudad de México. Esta experiencia representó un punto de inflexión, pues le permitió trabajar en proyectos de mayor alcance y en un entorno donde la exigencia profesional era considerablemente más alta. En Sav-
vy Studio pudo observar cómo la investigación, la estrategia y la creatividad convergen para dar forma a soluciones visuales que responden a necesidades concretas del mercado. Esta etapa no solo fortaleció su disciplina, sino que también alimentó en ella el deseo de construir un camino propio dentro del mundo del diseño.
Everyday Avtivewear, 2023.
Momentuity,
Aldea Kids, branding, España.
Kosmetrics, Branding México/Corea.
Un año después, participó en el Taller ADG en Ciudad de México, organizado por la Asociación de Diseñadores Gráficos. La experiencia le permitió tener un contacto más directo con otros profesionales de la disciplina y comprender el diseño desde una perspectiva global, en la que convergen diferentes corrientes y maneras de pensar la comunicación visual. Este encuentro con nuevas formas de entender el diseño fue decisivo para dar el siguiente paso en su carrera: la fundación de su propio estudio.
Ese mismo año nació Lunch Branding and Design Studio, un proyecto independiente que comenzó como un espacio personal de experimentación y que pronto se consolidó como un estudio de branding, diseño web y comunicación visual con alcance internacional. Lunch Studio se concibió desde el inicio con la intención de romper con el esquema rígido del 9 a 5, defendiendo la idea de que la creatividad no surge únicamente
Momentuity, Everyday Avtivewear, 2023.
desde la disciplina horaria, sino también desde la inspiración, la observación y el contacto con la vida cotidiana. Bajo esta filosofía, comenzó a posicionarse como una diseñadora independiente con un estilo propio, capaz de responder a las necesidades de sus clientes sin perder autenticidad.
En 2021, tomó la decisión de mudarse a Barcelona, un paso importante tanto en lo personal como en lo profesional. El traslado a un nuevo país significó iniciar prácticamente desde cero en cuanto a contactos y redes laborales, pero también le abrió la posibilidad de expandir la proyección de Lunch Studio hacia un público internacional.
En la capital catalana, cursó un posgrado en ilustración en el Instituto de Estudios de Diseño de Barcelona (2021–2022). Aunque el programa no se centraba en la enseñanza técnica de la ilustración, le brindó herramientas para explorar los distintos estilos y aplicaciones de esta disciplina en diferentes industrias.
Design, Web Design, Colombia - 2021
De esta manera, la ilustración se convirtió en una habilidad complementaria que enriqueció notablemente la propuesta visual de sus proyectos de branding, permitiéndole desarrollar identidades con mayor complejidad y versatilidad gráfica.
Desde su llegada a Barcelona, ha continuado trabajando de
manera remota con clientes tanto en México como en otras partes del mundo, consolidando su perfil como directora creativa. Su rol ha evolucionado hacia la gestión de equipos multidisciplinarios, integrando diseñadores, ilustradores y programadores en procesos claramente definidos, donde la organización y la claridad comunicativa se
Identity
vuelven tan importantes como la creatividad misma. Esta transición de diseñadora independiente a líder de estudio refleja el desarrollo de habilidades blandas y técnicas que resultan esenciales en el crecimiento de cualquier creativo: la organización, la dirección de proyectos y la capacidad de articular procesos estratégicos.
Hoy en día, después de más de una década de experiencia, Daniela Garza ha logrado construir una trayectoria marcada por la autenticidad, el compromiso con la estrategia y la apertura hacia nuevas influencias visuales. Su práctica no se limita a seguir tendencias, sino que parte de un análisis profundo de la competencia, el público y el contexto cultural de cada marca. Al mismo tiempo, mantiene un proceso creativo permeado por la intuición y la inspiración cotidiana, entendiendo que el diseño no es únicamente la aplicación de métodos, sino también un ejercicio de sensibilidad.
Kosmetrics, Branding México/Corea.
Su evolución desde sus primeros pasos en estudios locales hasta la dirección de su propio estudio en Europa muestra cómo la constancia, la formación continua y la autenticidad pueden consolidar una carrera en un mercado tan competitivo como el del diseño. Lunch Studio se ha convertido en un reflejo de esa filosofía: crear marcas que no solo respondan a necesidades comerciales, sino que también representen un impacto positivo en la forma en que las personas se relacionan con ellas.
Federico López Escalante
El alma creativa de un corazón curioso
Esta es la historia de uno de los corazones mexicanos llenos de pasión, curiosidad y aprendizajes. Federico López es una mezcla de enseñanzas y de la propia voz que muestra que la constancia hace la gran diferencia y puede llegar a ser un parteaguas. Algunos podrían llamarte «rebelde», para otros, ser un ejemplo a seguir.
Hay diseñadores que trazan líneas, y hay otros que trazan destinos. Federico López pertenece a los segundos. Su relación con el diseño no nació en un aula, sino en la intuición de un niño que veía en cada objeto una historia posible, en cada trazo una emoción contenida. Desde entonces entendió que diseñar no es embellecer, sino revelar lo invisible.
«Crecí rodeado de curiosidad, no de certezas. Creo que sería un poco arrogante decir que desde pequeño traía la idea de ser diseñador. Lo que siempre tuve fue una enorme necesidad de entender cómo estaban hechas las cosas».
Estudió en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana, un espacio donde el arte, la experimentación y la libertad se mezclaban con la vida cotidiana. Llegar a Xalapa no fue sencillo. Federico trabajaba mientras estudiaba, sorteando horarios y cansancio, enfrentando las dudas que lo asaltaban cada vez que veía el talento de sus compañeros. «A veces sentía que no estaba a la altura, pero entendí que todos tenemos un ritmo distinto para florecer», recuerda.
Esas primeras experiencias moldearon su ética: la disciplina, la observación y la constancia son herramientas tan importantes como la inspiración. Ahí nació el germen del diseñador que no solo piensa en resultados, sino en procesos, en caminos que se recorren con sentido.
«Filología Cardíaca» – Cartel para obra de Rabi Montoya
Cartel WDiplomado en Neurociencia del Bienestar y Artes Escénicas»
«Filología Cardíaca» – Cartel para obra de Rabi Montoya
A principios de los 90’s nacío su inquitud de abrir un espacio para la difusión y creación del diseño. Fue ahí que gracias a un equipo de fotografía que se empeñó se pudo lograr apoyar económicamente para abrir formato libre. Junto con dos grandes compañeras, lograron abrir un taller que no solo se convirtió en su taller, sino en un nido para varias y varios diseñadores que encontraron ahí una familia creativa. Desde ese lugar se gestaron proyectos que unieron identidad, comunicación y arte visual, siempre con un sello muy humano: Formato Libre, inaugurado en enero de 1993.
«No teníamos muebles, pero teníamos intención. Mucha intención», recuerda con una sonrisa. Formato Libre nació con precariedades materiales, pero con una fuerza interior inmensa: la de querer hacer del diseño una conversación abierta, una plataforma de formación y difusión del diseño gráfico en Veracruz. «Con dos grandes compañeras logramos abrir este espacio. No
sabíamos hasta dónde llegaríamos, pero sabíamos que el diseño tenía que sentirse, no solo verse»
Formato Libre se consolidó con el tiempo como un referente local y nacional. Sus proyectos, exposiciones y colaboraciones se volvieron un ejemplo de trabajo colectivo y de compromiso con la cultura visual mexicana.
Recepción del estudio Formato Libre
Federico López no busca impresionar: busca conmover. Su proceso creativo es casi ritual; empieza observando, luego calla. El silencio es su herramienta valiosa, ese espacio donde las ideas respiran antes de volverse forma. En su estudio, el ruido se disuelve, y lo que queda es la conversación íntima entre él y la materia. «El diseño me ha enseñado a escuchar lo que no tiene voz».
A lo largo de su carrera, ha trabajado en proyectos que van desde la identidad visual institucional hasta exposiciones culturales y materiales editoriales que honran la gráfica mexicana. Su trabajo destaca por su claridad conceptual, su sensibilidad hacia la tipografía, y por una profunda conexión con la narrativa visual que cada encargo requiere.
Ha colaborado con instituciones culturales, universidades, ferias del libro y proyectos independientes que han fortalecido el tejido del diseño en el país. En cada uno de ellos, Federico imprime un sello de honestidad, detalle y coherencia visual.«El diseño no se impone, se propone. Y cada propuesta debe tener alma, porque lo que no tiene alma no perdura».
Cuando trabaja, lo hace desde la intuición, desde esa chispa que no se enseña ni se copia. Su mirada está siempre en lo cotidiano, en los gestos simples que otros pasarían por alto. Allí, en lo que parece insignificante, encuentra la belleza que sostiene el mundo. «Lo pequeño también puede ser eterno» Federico López ha logrado construir un lenguaje donde el diseño no solo comunica. En cada proyecto suyo parece tener un pulso propio, una emoción que trasciende el papel, la pantalla o el objeto.
Hablar con Federico es adentrarse en una conversación donde cada palabra parece cuidadosamente diseñada. No busca convencer; busca compartir. Su discurso fluye entre lo técnico y lo emocional, entre la razón que sostiene una composición y la pasión que la impulsa. Dice que como si cada proyecto fuera un espejo que devuelve una parte de sí mismo.
Su obra se distingue por un equilibrio entre lo funcional y lo poético. No hay exceso, no hay ornamento innecesario; todo responde a una intención clara, a una idea que respira con naturalidad. Ese dominio silencioso, casi invisible, es lo que lo hace memorable. En un mundo saturado de ruido visual, su propuesta es un susurro que se queda. En su estudio, los materiales conviven como personajes de una historia: el papel tiene voz, la tinta tiene carácter, la tipografía se convierte en una emoción tangible. «No diseño para llenar espacios, diseño para crear encuentros».
Entiende el diseño como un acto de honestidad. No busca esconder la imperfección, sino integrarla como parte del relato. «La belleza también vive en lo que no es perfecto» confiesa con serenidad, como quien sabe que lo humano es la materia más noble del arte. La historia de Federico López, más que una trayectoria profesional, es un manifiesto silencioso sobre la sensibilidad y la búsqueda. Es un recordatorio de que el diseño no es solo una disciplina, sino una forma de mirar el mundo con curiosidad, ternura y compromiso.
La lotería un Homenaje Ilustrado- 2015
Cartel de Federico López- 2025
«Diseñar es aprender a mirar de nuevo» dice, con la misma calma de quien ha encontrado en su oficio un modo de habitar la vida.Y quizás ahí reside su mayor legado: enseñarnos que el diseño no termina en el objeto, sino en la emoción que despierta. Que lo que realmente perdura no es la forma, sino el sentimiento que provoca. Que cada trazo, cada textura, cada decisión, puede ser también una declaración de amor.
Federico, muchas gracias por abrirnos las puertas de tu estudio creativo, sino también las ventanas de tu corazón curioso, lleno de creatividad y constancia. Gracias por recordarnos que el diseño no se impone, se comparte; que la pasión, la constancia y combinada con la emoción, puede llevarnos muy lejos.
Homenaje a los Sones Mexicanos, museo Kaluz- 2023
Cartel «Día mundial del corazón»- 2020
Diseño es vivir, Cartel homenaje cumpleaños número 53
Cartel homenajea los 95 años de la
Flavia Zorrilla
Ilustradora y Diseñadora Gráfica
Flavia Zorrilla Drago nació en la Ciudad de México en 1985. Desde pequeña mostró una inclinación natural hacia el dibujo: llenaba cuadernos con animales fantásticos, criaturas imaginarias y escenas de cuentos. Esa fascinación infantil por la imagen y las historias fue el punto de partida de un camino que la llevaría a convertirse en una de las ilustradoras mexicanas más reconocidas de su generación.
En 2003 inició la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad La Salle (México). Posteriormente se especializó en ilustración en la Escola Massana de Barcelona (2008) y en la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de París (2009). Más adelante cursó una maestría en libros ilustrados infantiles en la Anglia Ruskin University (Inglaterra, 2012–2014).
Su carrera profesional comenzó en el ámbito del diseño gráfico y el branding, colaborando en campañas, empaques, logotipos y productos para marcas como Nestlé, Pepsico y Hermès, además de agencias creativas entre 2006 y 2012. Con el tiempo, su práctica se orientó hacia la ilustración, donde encontró un medio más personal para expresar emociones, narrativas y personajes.
Diseño de tazas para Nestlé
Empaque de chocolate navideño Cruch.
Un momento decisivo llegó en 2014, cuando obtuvo el Primer lugar del XXIV Catálogo de Ilustradores de Publicaciones Infantiles y Juveniles (FILIJ-Conaculta) por su obra . Este reconocimiento impulsó su presencia en el ámbito de la ilustración mexicana y consolidó su estilo: personajes expresivos, colores vibrantes y un profundo sentido narrativo.
Entre 2015 y 2018, trabajó con editoriales y revistas nacionales e internacionales, así como con la Secretaría de Educación Pública (SEP). También participó en proyectos de ilustración editorial, creación de personajes, diseño de productos y escenografías para empresas como Televisa y Plaza Sésamo.
Cuento de hadas Grimm, 2014
Una versión rusa de La Bella y la Bestia.
Solitario en la ciudad, 2014.
Gustavo el fantasma tímido, 2020.
Como autora e ilustradora, ha alcanzado proyección internacional con títulos como Gustavo the Shy Ghost (2020), Leila the Perfect Witch (2022) y Vlad the Fabulous Vampire (2023), publicados por Walker Books (Reino Unido) y Candlewick Press (EE. UU.). Traducidos a varios idiomas, estos libros reflejan su dominio de la narrativa visual, su manejo del color y su habilidad para crear personajes entrañables que abordan temas humanos como la timidez, la autoaceptación y la autenticidad.
Cada proyecto de Zorrilla Drago está impregnado de una estética reconocible: combina acuarela, gouache y collage con retoque digital, generando atmósferas expresivas y llenas de textura. En su universo, los monstruos, lo mágico y lo emocional se funden con calidez y humor, transformando lo inquietante en algo profundamente humano.
Además, ha colaborado en portadas de libros, carteles culturales y diseño de personajes para proyectos editoriales y audiovisuales. En años recientes, ha participado en festivales de ilustración, ferias del libro internacionales y exposiciones de arte narrativo, donde comparte su visión creativa y su proceso artístico.
Vlad, El vampiro fabuloso, 2023.
Desde 2019, Flavia también se dedica a la docencia, impartiendo cursos en plataformas como Domestika, donde enseña sobre la creación de álbum ilustrado, narrativa visual, color y composición. Su labor pedagógica ha inspirado a miles de estudiantes en distintas partes del mundo a encontrar su propia voz artística.
Ilustraciones sobre el Día Internacional de la Mujer.
Arte Popular Méxicano.
Matlatzinca, Proyecto 68 Voces.
Indi Maverick Indra Sánchez Ramírez
Indi Maverick es una fuerza disruptiva dentro del diseño mexicano contemporáneo. Su enfoque irreverente y profundamente personal desafía las normas establecidas, fusionando influencias culturale con una estética audaz y sin compromisos. Cada una de sus piezas es una declaración de libertad creativa, donde el color, la textura y la forma dialogan con la identidad, la emoción y el espíritu rebelde que caracteriza su visión.
Detrás del nombre Indi Maverick está Indra Sánchez Ramírez, diseñadora gráfica e ilustradora, originaria de la Ciudad de México, actualmente radica en Querétaro. Bajo el alter ego de Indi Maverick, ha construido un universo propio en el que el diseño se convierte en un lenguaje de resistencia, autenticidad y autoexploración.
Su formación en el diseño comenzó en la academia UVM Campus Lomas verdes. Desde entonces, ha cultivado una obra sensible y personal, donde predominan los tonos pastel, las texturas florales y la presencia constante de figuras femeninas, animales y elementos naturales que dialogan entre lo geométrico y lo emocional.
Su interés por el diseño gráfico comenzó gracias a la influencia del arte que se le inculcó desde niña, gracias a ello también conoció la ilustración y así comezó a desarrollar ese lado artístico y creativo. Su trabajo se fue dando a conocer gracias a ella misma ya que sus colaboraciones y proyectos llegaron gracias a la exposición de su trabajo en Instagram. Es diseñadora freelance y el mayor reto que se enfrenta es que no siempre va a ver proyectos para trabajar, los clientes no llegan mágicamente y no siempre van a pagar lo que realmente vale.
FANCY ANIMALS
It’s A Pink World After All
Su trabajo se caracteriza por una delicadeza visual que, sin embargo, transmite fuerza narrativa y profundidad conceptual. En sus ilustraciones, cada trazo parece contar una historia íntima. Ya sea en colaboraciones o proyectos personales, Indi ha logrado construir un estilo sólido, reconocible y entrañable, que la ha llevado a conectar con públicos diversos y marcas afines a su sensibilidad artística.
Y esto es gracias a que ella se mantiene fiel a ella misma, no se guía por tendencias y simplemente se adapta al entorno sin cambiar su estilo. La colaboración que la marcó fue una con Palacio de Hierro. En ella hizo ilustraciones florales de forma editorial para su libro amarillo. En estas ilustraciones pudo experimentar con un estilo realista, algo muy diferente a lo que suele hacer, y gracias a ello se atrevió a seguir aplicando ese estilo y pudo diversificar su cartera de clientes.
Illustrations #2’ DEARS
El Libro Amarillo ss19
Para ella, la etapa fundamental para el proceso de trabajo es tener siempre una fuente de inspiración para saber por dónde empezar. Cuando trabajaba en la CDMX esto influía en ciertas colaboraciones, ya que estas eran presenciales y la gente la podía ver ilustrando en vivo. Pero la mayor influencia que tiene al residir actualmente en Querétaro y haber nacido en la CDMX es que puede trabajar remotamente con agencias e incluso con clientes extranjeros.
En toda está trayectoria se ha encontrado con obstáculos en dónde siempre busca aprender algo nuevo, sus palabras son: «cuando no tenía experiencia en ciertos programas o procesos, me apoyé en tutoriales y cursos, lo que además me permitió ampliar mis servicios como freelance y me ayudó adaptarme rápido a diferentes necesidades o procesos de trabajo.
1. Todo depende del cliente, si es una categoría que lo permite siempre es posible adaptar un estilo de ilustración para lograr un branding homogéneo.
2. Las ilustraciones siempre se cobran a parte. No vale lo mismo hacer un logo que una ilustración.
3. Existen estilos de ilustración y todos tienen un precio diferente y un tiempo de creación diferente.
4. No siempre serás el dueño de tu obra porque el cliente la compra y debes de considerar que tanto la explotará el cliente para tu no perder en tus ganancias.
En este catálogo, su presencia invita a mirar más allá de lo convencional y a conectar con lo genuinamente provocador. Porque ser maverick no es una moda, es una forma de ser. Cómo diseñadora gráfica e ilustradora freelance nos deja como recomendación lo siguiente:
Altar de Día de Muertos
Su primera exposición llegó en 2013, cuando presentó una ilustración en el Auditorio Nacional con motivo del concierto de DLD, marcando así el inicio de una serie de colaboraciones artísticas de alto perfil. Ese mismo año, sus ilustraciones fueron publicadas en la edición #30 de unonuevedos magazine, posicionándose como una joven promesa del diseño editorial.
VIERNES
unonuevedos magazine #30
En 2016, su trabajo traspasó fronteras con una participación en una exposición colectiva en Bogotá, Colombia y colaboró con importantes marcas como Travesías, creando una ilustración de mapamundi, y Sidral Mundet, para quien realizó piezas gráficas bajo el concepto #ALaMexicana.
Muerte lenta Exposición colectiva en Bogotá, Colombia.
Mapamundi para Revista Travesías Edición Junio 2016
#ALaMexicana
Uno de sus proyectos más relevantes se dio en 2017, cuando fue comisionada por Sidral Mundet para ilustrar a reconocidos actores mexicanos en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia. Ese mismo año, colaboró con Revista Quién con ilustraciones digitales.
Revista QUIÉN - Editorial illustrations
PÓCIMA ® | in-dice
Morelia Film Fest / FICM
En años posteriores, se involucró en proyectos de branding y diseño de empaque para diversas marcas, como la línea de jabones artesanales Pócima (2015), el whisky bourbon Billy Budd Bourbon (2018), y la edición especial Perfect Skin (2018). Su enfoque visual fresco y detallado también atrajo la atención de marcas internacionales: en 2020 colaboró con Stella Artois y creó una edición especial para Loly In The Sky.
BILLY BUDD BOURBON - Branding
Stella Artois Collaboration
Special edition packing Perfect Skin®
En 2022, realizó una interveción mural para Merz Aesthetics y una creativa ilustración para las cajas de Amazon, en una colaboración con American Express México, integrando arte y funcionalidad de forma innovadora.
#ConfidenceToBe by Merz Aesthetics
Amazon Boxes for American Express
Más recientemente, su trabajo ha seguido evolucionando. En 2025 participó en una colaboración especial con Rosy McMichael x Casetify. Ese mismo año, asumió un nuevo reto creativo al encargarse del branding y la identidad visual de Il Bastardo, una cocina oscura italiana, donde combinó el diseño gráfico con la narrativa gastronómica.
Collab Rosy McMichael x Casetify
IL BASTARDO
A lo largo de su trayectoria, esta diseñadora ha demostrado una capacidad única para adaptarse a diferentes formatos y estilos, manteniendo una estética reconocible y una profunda sensibilidad visual. Su trabajo no solo ha sido parte de proyectos comerciales, sino también de expresiones culturales y artísticas que la consolidan como una figura destacada en el panorama del diseño contemporáneo en México.
Ixchel Estrada
Diseñadora gráfica e ilustradora
Nació en la Ciudad de Méxco en 1977. Desde pequeña mostró interés por el dibujo, los recortes y los materiales cotidianos. Durante su niñez desarrolló la costumbre de guardar papeles, cartones y objetos que llamaban su atención, práctica que más adelante sería fundamental en su estilo artístico.
A finales de 1990 estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (hoy Facultad de Artes y Diseño). En este periodo descubrió que su manera de trabajar se inclinaba hacia el collage, ya que le resultaba más expresivo que el dibujo académico tradicional.
Posteriormente cursó un diplomado en Ilustración en la EDINBA y un diplomado en Arteterapia en el CENESDI y el Taller Mexicano de Arteterapia. Esta formación académica, diversa y multidisciplinaria, fue el cimiento de su carrera profesional.
En el año 2000 comenzó formalmente su vida laboral como ilustradora. Sus primeros proyectos estuvieron ligados al mundo editorial, colaborando con revistas y publicaciones independientes. Pronto empezó a ilustrar libros para editoriales como Fondo de Cultura Económica y Editorial Castillo. Estos primeros años fueron cruciales para definir su estilo, basado en recortes, texturas y composiciones con humor e imaginación.
Portada de Toda la verdad — Ejemplo del humor y la expresividad visual que distinguen la obra de la ilustradora mexicana.
La domadora de miedos donde particpo como ilustradora
Entre 2006 y 2010, Estrada amplió su portafolio y trabajó con editoriales como Alfaguara Infantil, SM, Pearson y Océano. Durante este tiempo publicó varios libros ilustrados que tuvieron difusión nacional e internacional.
Su estilo de collage empezó a ser reconocido por la crítica especializada, lo que le abrió las puertas a participaciones en catálogos y exposiciones colectivas.
¿Barriga llena ? libros ilustrados por Ixchel
Portada de No traces en ese cartón —Uno de los primeros libros ilustrados por Ixchel
Ladridos y conjuros donde Ixchel partcipo como ilustradora
Cantarino cantarino libro editorial pearsondonde participo cocomo ilustradora
A partir de 2011 su obra alcanzó una proyección mayor. Fue seleccionada en distintas ediciones del Catálogo de Ilustradores de Publicaciones Infantiles y Juveniles del CONACULTA, obteniendo menciones de honor.
En 2014 y 2015 representó a México en la Bienal de Ilustraciones de Bratislava, un evento de gran prestigio internacional en el ámbito de la ilustración infantil.
de Breve catálogo de qués — Libro que destaca por su composición lúdica y su exploración de lo cotidiano a través del collage.
Portada
En esta etapa también participó en proyectos innovadores como «Diccionario para Armar», ganador del BolognaRagazzi Award en la categoría Nuevos Horizontes, y en la serie animada «Imaginantes» de Televisa, premiada en festivales como el New York Film Festival, Promax y Animacor.
Durante estos años, Estrada combinó su producción artística con la docencia. Se incorporó como profesora en la Universidad de La Salle Pachuca, donde impartió clases de ilustración, materiales y prototipos.
Portada de Diccionario para Armar — Proyecto innovador ganador del BolognaRagazzi Award en la categoría Nuevos Horizontes. Estrada plasmó su visión experimental del collage.
Ixchel Estranda impartiendo clases
de Eu sou a monstra — Uno de los proyectos más personales y queridos de la artista, que combina fuerza visual y sensibilidad narrativa. Ilustraciones del libro Eu sou a moustra
Portada
Hilustracion Ixchel estrada
Además, ofreció talleres como «Hilustración», en el que se experimentaba con hilos y textiles como medios de expresión visual. También fue invitada a dar conferencias, como en la Universidad de Costa Rica, donde compartió su experiencia y visión artística.
Conferencia en la Universidad de Costa Rica — Fotografía de su participación como ponente invitada, compartiendo su experiencia y proceso creativo.
Trabajos realizadis por Ixchel Estrada presentadas en su pág web
Conferencia de Ixchel Estrada
Conferencia de Ixchel Estrada
Trabajos de Ixchel Estrada
En la actualidad, Ixchel Estrada continúa activa en el ámbito editorial y cultural. Ha ilustrado más de 22 libros, algunos de los cuales han sido traducidos a idiomas como chino, coreano y portugués. Sus obras siguen formando parte de exposiciones colectivas y proyectos culturales que buscan difundir la ilustración mexicana a nivel internacional.
Hoy es considerada una de las ilustradoras más relevantes de México, no solo por la originalidad de su estilo, sino también por su capacidad de inspirar a nuevas generaciones de diseñadores e ilustradores.
Su carrera demuestra cómo la creatividad, el trabajo constante y la fidelidad a un lenguaje visual propio pueden abrir puertas en el escenario global.
Trabajos realizadis por Ixchel Estrada presentadas en su pág web
Leticia González Ramos
Letizilla Diseñadora e ilustradora
Leticia González Ramos es originaria de Tuxtla Gutiérrez, Chiapas. Nació el 4 de enero de 1989. Egresada de la UVM de la carrera de diseño gráfico del campus Tuxtla Gutiérrez. Letizilla (su nombre profesional) necesitaba un ingreso extra, por lo que en 2010 empezó a hacer ilustraciones en tinta china a mano. Se ponía en bazares y vendía sus ilustraciones, stickers, pines, tarjetas y muñecos personalizados.
Al graduarse después de un tiempo, su primer trabajo fue en un estudio fotográfico, precisamente en edición de fotografía de eventos, como bodas, bautizos, cumpleaños. En este trabajo permaneció más o menos 1 año.
Algo que Letizilla quería evitar a toda costa era el trabajar para el gobierno, pero desafortunadamente como es común debido a la necesidad, la falta de trabajo y oportunidades se vio forzada a entrar a trabajar para gobierno, en este trabajo permaneció 3 años hasta que apareció Instagram.
Se fue involucrando en esta red social poco a poco, empezó subiendo sus fotografías editadas con las herramientas limitadas de la propia app, así fue como comenzó su carrera de creadora de contenido, fue creciendo su contenido a medida que iba llamando la atención y la misma app la recomendara. Este hecho propició que las marcas la empezaron a conocer y comenzaran las campañas publicitarias,
A finales del 2014 y principios del 2015 empezó a trabajar en campañas, la primera que se acercó fue Netflix y la segunda fue Absolut; Afortunadamente le iba muy bien con las campañas publicitarias, por lo que ahorro y tiempo después se fue a vivir a la Ciudad de México, dudó mucho para dar este paso, ya que iba a ciegas sin trabajo y sus padres tenían miedo de cómo resultaría este gran cambio, pero se arriesgó y lo hizo.
En ese tiempo fueron los premios Elliot, premios en los que ganó el premio de «Instamarkers», en este evento Leticia tuvo la oportunidad de conocer
Letizilla en instagram, publicación por su cumpleaños 2023
Colaboración con Buenonft y Human kindaart
Letizilla en instagram, publicación por su cumpleaños 2024
a varios creadores de contenido entre ellos Rafa Polinesio, que le ofreció ayuda en caso de que se fuera a vivir a la ciudad, Leticia le tomó la palabra y fue así como instalada en CDMX en 2017 empezó a trabajar para Los Polinesios como directora de arte, con ellos duró 9 meses, debido a que el trabajo era muy cansado y pesado, fue una buena experiencia por la gente que pudo conocer, pero realmente no era eso lo que ella quería hacer, no se había mudado a la CDMX a trabajar para alguien más, su prioridad era trabajar para Letizilla, su marca, su esencia y el poder ser su propia jefa. Así fue como en 2018 se lanzó como freelancer hasta la fecha.
Se han presentado varios obstáculos a lo largo de estos años, uno de los más comunes es el bloqueo creativo, esto es algo que nos pasa a todos y ocurre debido al estrés y presión por toda la información que uno recibe en tan poco tiempo, a lo que nuestro cerebro no sabe cómo reaccionar y se aturde. Letizilla lidia con estos bloqueos creativos y estrés tratando de
Ilustración Letizilla con sus mascotas Ringo y Murphy
Ilustración para dinamica de Inktober 2023
Ilustración de Septiembre basado en «Robot Dreams»
Ilustración de las olimpiadas 2024
relajarse escuchando música y despejándose en exteriores, es como parar un momento y pensar bien las cosas con más calma. Para ella es más fácil atravesar estos momentos al lado de su pareja. Siempre es bueno tener a alguien a tu lado para ayudarte en estos momentos. En sus redes sociales de sus inicios ahora han cambiado mucho, las fotos que publicaba y cómo editaba, diseñaba e ilustraba antes han evolucionado mucho. Fue algo que con los años fue puliéndose. Realmente no se quería encasillar en un solo estilo, pero en sus diseños se puede notar la esencia de ella se puede ver su personalidad en cada diseño nuevo que hace.
Conforme transcurren los años, el proceso se hace más fácil. La práctica constante hace mejorar a la persona en el ámbito creativo, ya que en el primer intento no vas a hacer el mejor diseño, en la experiencia de Letizilla de ser constante y firme en lo que quiere lograr es la manera de poder crear una marca propia. Si hay talento, uno tiene que hacerlo y seguir adelante.
Ilustraciónen tributo al fallecimiento del actor Matthew Perry Ilustración en honor a el grupo The Beatles
Ilustración en apoyo al #starterpacknoai
Ilustración por los Oscars 2025
Una colaboración muy importante fue su participación en el MUMEDI, algo que para ella como diseñadora gráfica era una gran aspiración, en noviembre de 2023 hizo pública su primera escultura expuesta en el MUMEDI. Fueron 30 días de largo trabajo y desvelos, pero con un equipo que la apoyó pudo sacar este proyecto adelante, fue un gran momento en su carrera el ser seleccionada.
Escultura por el 60 aniversario de la pantera rosa
De sus colaboraciones más destacadas y reciente fue con Coldplay, esto se logró ya que una conocida que seguía mucho el contenido de Letizilla era cercana al manager de Coldplay, y como la banda estaba buscando ilustradores, la recomendó para su nuevo videoclip. Y tiempo después le llegó un correo informándole que habia sido seleccionada como una de las 150 artistas en todo el mundo para participar en el videoclip titulado «JUPiTER (A film for the future)», y podemos ver su animación en el minuto 2:28. Esta fue una oportunidad que nunca
se imaginó y cuando esta apareció era algo de no creer, ya que llegó en un punto crucial de su vida
Entrevista con TV Azteca
Promoción del videoclip, Letizilla con el disco de Coldplay
Fragmento inicial de su animación para el videoclip Otro vistazo de su participación en el videoclip
Letizilla ha realizado hasta la fecha 65 campañas publicitarias para diferentes marcas, tanto nacionales como internacionales.
El proyecto Letizilla siga dándose a conocer mucho más pero no tiene una meta con alguna marca en particular, es una persona que sigue trabajando duro y centrada en lo que esta haciendo actualmente y no está esperanzada con el mejor escenario posible.
La principal meta de Letizilla es seguir haciendo lo que le gusta, está muy contenta con la evolución que ha tenido a lo largo de estos años, tanto personal como creativamente, aspira a continuar en la línea que lleva y no rendirse, lo mejor es intentar e intentar, ser alguien creativo es muy difícil pero la perseverancia nos puede llevar a grandes lugares.
Colaboración con La Villita
Publicidad con NFL México
Luis Pacheco
Diseñador de Logotipos e Identidad de Marca
Luis Antonio Pacheco Cáceres nació en Mérida Yucatán, el 13 de mayo de 1983. Su formación comenzó en el Centro de Estudios Las Américas, donde primero estudió Artes Plásticas, disciplina que le permitió explorar su sensibilidad creativa.
Posteriormente, decidió cambiarse a la licenciatura de Diseño Gráfico, carrera con la que definiría su camino profesional. Fue un familiar quien lo animó a formalizar su talento y estudiar diseño, así ingreso a esta licenciatura.
La historia de Luis Pacheco como diseñador comenzó a temprana edad, casi por casualidad. A los trece años, un amigo mayor le pidió que realizara un logotipo para unas playeras. Aunque no tenía experiencia formal, aceptó el reto y trabajó en Paint, programa donde creó su primer diseño. Ese archivo, lejos de perderse, lo conserva hasta hoy como recuerdo de sus inicios.
Durante la universidad, realizó su servicio social en el Ayuntamiento de Mérida, dentro de la Dirección de Desarrollo Social, específicamente en el área de Mérida Joven. Allí diseño logotipos para programas juveniles y campañas de salid, además de materiales de difusión institucional.
Estos primeros proyectos le enseñaron a entender el diseño como una herramienta de impacto social, más allá de lo estético. Tras graduarse, permaneció un par de años más en la institución, fortaleciendo su experiencia y desarrollando la capacidad de trabajar en entornos con alta demanda y tiempos limitados.
Logotipo creado en 2020
Su siguiente etapa profesional lo llevó a una productora en la que incursionó en el diseño de escenografías para obras de teatro y espectáculos.
Fue un periodo de exploración más artística y experimental, en el que pudo trasladar su creatividad hacia el espacio escénico y descubrir otra faceta de diseño.
Más adelante, trabajó en una empresa estadounidense especializada en diseño paramétrico, donde aprendió modelado 3D y programación de producto.
Aunque la experiencia fue enriquecedora en términos técnicos, pronto comprendió que no era un ámbito que lo apasionara. Permaneció cinco años en el empresa, tiempo suficiente para ampliar su bagaje profesional y confirmar la necesidad de buscar un campo más cercano a su esencia.
Logotipo creado en 2020
Logotipo creado en 2021
Logotipo creado en 2021
Aunque en sus primeros años aún no se enfocaba en el branding, si no en proyectos generales de publicidad y comunicación visual decide mudarse a Cuernavaca.
Allí trabajó primero en una agencia editorial y posteriormente en una agencia de diseño gráfico. Fue en esta última donde se descubrió su verdadera vocación: el branding.
La construcción de marcas le permitió unir creatividad y estrategia, dos pilares que definieron su estilo de trabajo.
«Ahí empezó el boom de lo que realmente me encantaba hacer», esta etapa marcó un antes y un después en su carrera, al punto que decidió independizarse. Desde hace casi una década trabaja de manera autónoma, enfocándose en proyectos de branding y consolidando su propuesta personal.
monogramic concept. Paris, France. E O L O S - Logo
Colección de logotipos 2020
Desarrollo de identidad
Desarrollo de identidad
Crévita Final Proyect.
Desarrollo de marca para Unilogic
Desarrollo de la identidad
Desarrollo de la identidad
Diseño de papeleía oficial
Brand identity for Plug the people
Aplicación en articulo
Aplicación en articulo
Desarrollo de la identidad
Aplicación en articulo
Identidad de marca para De Rancho y Puerto
Branding para un restaurante
Rebranding de identidad
Diseño de identidad de marca para hycrete
Si bien se sostiene que el dibujo no es indispensable, reconoce que el bocetaje es una herramienta poderosa para aterrizar ideas.
Los trazos iniciales les permiten explorar posibilidades y dar forma a conceptos que luego se concretan en propuestas gráficas más elaboradas. Asimismo, concede gran importancia a la defensa de sus propuestas frente al cliente. Para él, un diseñador no puede limitarse a entregar lo que se le pide de manera literal: debe justificar cada decisión con argumento sólidos.
«Si te contratan es por que confían en lo que haces. Lo que yo busco es explicar por que una propuesta es valiosa y cómo puede marcar una diferencia real para la marca».
Su portafolio incluye colaboraciones con agencias para gobiernos estatales y municipales.
Desarrollo de la identidad
Desarrollo de la identidad
Desarrollo de la identidad
Desarrollo de la identidad
Desarrollo de la identidad
Desarrollo de la identidad
Desarrollo de la identidad
identidad gráfica para el Gobierno del Estado de Guerrero, México.
Desarrollo de la identidad
Diseño de papeleía oficial
Aplicación de identidad en mural
Aplicación en articulo
Identidad para Turismo de Puebla. Diseño de papelería.
Desarrollo de marca y línea de comunicación para la Embajada de Canadá en México
Desarrollo de la identidad
Desarrollo de la identidad
Diseño de papeleía oficial
Entre sus metas a corto plazo está la creación de contenido audiovisual que muestre procesos creativos y ayude a otros diseñadores a comprender la dimensión estratégica del branding. A largo plazo, su objetivo es dejar huella duradera en el diseño mexicano, impulsando a un cambio de mentalidad en clientes y creativos para superar lo básico y apostar por propuestas innovadoras.
«Hay muy buen diseño en México, pero muchas veces se queda en lo elemental. Mi meta es demostrar que podemos llegar más lejos, con un diseño que se defienda, que tenga identidad y que logre marcar diferencia».
Hoy, Luis Pacheco continúa su carrera independiente con una visión clara: contribuir a elevar la calidad del diseño gráfico en México.
Busca dejar huella no solo a través de proyectos estéticos, sino defendiendo la investigación y conceptualización como pilares del oficio. Logotipo creado en 2021
Logotipo creado en 2020
Marbella Lizárraga
Conciencia social en cada imagen
Diseñadora gráfica, ilustradora y muralista. Es licenciada en Diseño Gráfico por la Universidad de Monterrey (UDEM) y cuenta con un máster en Ilustración y Narrativa Gráfica por la Facultad de Diseño e Ingeniería de Barcelona (ELISAVA).
Su obra se distingue por un lenguaje visual vibrante y narrativo, con el que ha colaborado con marcas de gran reconocimiento. Su trayectoria profesional comenzó en 2020, cuando, a través de redes sociales, dio visibilidad a su trabajo con ilustraciones centradas en luchas sociales como el feminismo, utilizando desde sus inicios el diseño y la ilustración como medios de reflexión y diálogo entorno a estos temas. En 2022 colaboró con la Ellaz,
marca mexicana de productos y moda femenina creada por y para mujeres, enfocada en solucionar problemas cotidianos de comodidad y estilo. Para esto realizó ilustraciones y tarjetas. Al año siguiente creó un mural para las oficinas de la misma marca, en el que encapsula su esencia, mostrando a dos mujeres seguras de sí mismas irradiando confianza y abrazando su cuerpo.
También en 2023, hizo una colaboración con Mural Agency, un mural para la tienda Invictus en Monterrey, marca mexicana de calzado, ropa y accesorios de moda urbana y estilo deportivo. En este mural capturó el espíritu activo que representa la marca, integrando el color de manera fluida en el espacio. Al fusionar la estética del baloncesto y lo urbano, la obra se muestra como una representación visual de Invictus y su dedicación tanto al deporte como al estilo.
Mural en las oficinas de Ellaz.
Mural para Invictus.
Ese mismo año participó en el proyecto Promoción de Paz, en conjunto con la asociación del mismo nombre, dedicada a fomentar una cultura de paz en prisiones, centros de rehabilitación y espacios vulnerables. El proyecto abordaba el estigma hacia las personas privadas de la libertad, que limita sus posibilidades de reintegración social, laboral y personal. Este trabajo fue finalista en los Latin American Design Awards 2023, el mayor premio de diseño en América Latina, que reconoce la excelencia en la industria creativa a través de la innovación, el impacto y la creatividad.
Ilustraciones y aplicaciones para Promoción de Paz.
Más tarde en el mismo año colaboró nuevamente con Mural Agency en un mural e ilustraciones para una sucursal de Shake Shack en Monterrey, en el que, a través de personajes y símbolos icónicos de la ciudad, creó una composición vibrante que refleja la esencia de la marca con un toque fresco y femenino.
En 2024 desarrolló dos murales y una playera para el festival Tecate Pa’l Norte. Uno de los murales y la camiseta fueron realizados en colaboración con Médicos Sin Fronteras, organización médica y humanitaria internacional que brinda ayuda a las víctimas de desastres naturales o humanos y de conflictos armados, como parte del plan de sustentabilidad del festival. Los fondos recaudados por las ventas fueron destinados a la organización. En la obra se muestra a un león que protege al mundo, acompañado de notas musicales que simbolizan ayuda y apoyo.
Mural para Tecate Pa’l Norte.
Diseño de playera para Tecate Pa’l Norte. Ilustración aplicada para Shake Shack.
Además, realizó un mural conmemorativo por el 23° aniversario de Sally Beauty en México, instalado en la primera sucursal de la marca en Monterrey. El mural busca capturar la esencia de Sally Beauty, mostrando a mujeres disfrutando de los productos que pueden encontrar en la tienda.
Con esta trayectoria, reafirma el poder del diseño como medio de diálogo social, cultural y comercial. Su lenguaje vibrante y narrativo no solo consolida su lugar como una de las voces emergentes más relevantes del diseño, sino que también contribuye a la construcción de una identidad visual fresca y significativa dentro del panorama del diseño gráfico mexicano contemporáneo.
Mural para Sally Beauty
Marbella pintando el mural.
Close up de mural para Sally Beauty.
Rafael Mayani
Diseñador e Ilustrador gráfico de personajes
Rafael Mayani es un diseñador gráfico nacido el 18 de julio de 1988 en la Ciudad de México. Estudió Diseño Industrial en la UNAM, y posteriormente realizó un curso de Artes Visuales en Atelier Design School en Barcelona. Actualmente se desempeña en Vancouver, Canadá como director creativo en el estudio Giant Ant y como ilustrador freelance.
Mayani mantiene su Instagram, su Behance y su galería oficial y actualiza su portafolio con series personales. También ofrece al público prints de edición limitada, posters y colecciones personales en su tienda oficial.
En 2013 empezó su carrera como ilustrador de personajes extravagantes que juegan con la forma, la escala, el color y la perspectiva. En su tiempo libre también se dedica a crear sus propias ilustraciones inspiradas en todo lo que le gusta.
En 2015 publicó 36 Days of Type, un «abecedario ilustrado» con el objetivo de que gente de todo el mundo trabajara en interpretaciones gráficas de cada letra. Cada letra se asocia con el objeto o escenario. Esa pieza documenta su paso de México a Europa y su gusto por series de trabajo. En el mismo año Adobe lo entrevistó por su participación en proyectos desarrollados en Barcelona.
Ilustraciones del proyecto 36 Days of Type.
En noviembre de 2017 hizo algunas ilustraciones para Spotify para el proyecto Day of the Dead Portraits para celebrar a algunos artistas famosos que han marcado la historia, y que le ha gustado mucho para celebrar el Día de Muertos.
Ilustraciones de artistas famosos para el proyecto Spotify Day of the Dead Portraits.
En ese mismo año ha colaborado con la Iniciativa de Arte Nórdico (NAI) para llevar el arte al Hospital Infantil de Liubliana, en Eslovenia. Mayani ha convertido el vestíbulo del hospital en un mundo imaginario de naturaleza prístina, donde los niños y sus fieles compañeros buscan medicinas milagrosas. También ha pintado murales en espacios comunitarios.
Ilustraciones en espacios hospitalarios y comunitarios en Eslovenia.
En septiembre del 2018 colaboró con Google y diseñó un Doodle para la celebración del día de la Independencia de México. Quiso contribuir a los Doodles durante mucho tiempo para hacerlo realidad.
Doodle del Día de la Independencia de México.
Proyecto GOOGLE GSUITE, donde participó como director de arte e ilustración
En agosto de 2020 participó en el «Vancouver Mural Festival» con un gran tríptico de iconografía mesoamericana, trabajó en muros de gran formato colaborando con amigos y asistentes en pintura rural. En este tríptico se encuentra una representación de Tláloc en el centro, con colmillos y ojos saltones formados por dos serpientes entrelazadas. A la izquierda está su primera esposa, Xochiquétzal, diosa de las flores y el arte. A la derecha está Chalchiuhtlicue, su segunda esposa, diosa de los ríos, lagos y arroyos.
Mural en tríptico del Vancouver Mural Festival - «Tlaloc».
En el mismo año, diseñó y pintó para las oficinas de Callisto Media en Nueva York murales que representa distintas fases del espacio/aventura. Una pieza que representa la curiosidad que hay ahí fuera. Intentando encontrar nuevas fronteras. Cada planta representa una parte diferente de la experiencia espacial: aventura, exploración y expansión.
Murales en las oficinas de Callisto Media en Nueva York.
En 2021 diseñó algunos pósters de juegos nocturnos de la NBA, como el juego de los Raptors contra los Nets o los Raptors contra los Toros de Chicago. También diseñó un póster de jugadores de diferentes equipos y otro para el torneo del Play-In.
Pósters para la NBA.
En mayo de 2025 colaboró con Youtube y diseñó un Yoodle (similar a los Doodles) del Gran Premio de Mónaco de la Fórmula 1 y en octubre del mismo año diseñó otro para celebrar el Gran Premio de México con la ayuda de Elías Velho en la animación de esos dos trabajos.
Yoodles de celebraciones de Grandes Premios de Fórmula 1.
Santiago Solís Montes de Oca
Diseñador, ilustrador y cartelista
Santiago Solís Montes de Oca nació en la Ciudad de México el 1 de noviembre de 1982, y formado entre el bullicio capitalino y la calma de Durango, su camino hacia el diseño no fue una decisión planeada, sino una intuición. «Como todo adolescente no sabía qué quería estudiar. Vivía en Durango y no tenía muchas opciones como nos pasa a los que somos de provincia: era Pintura o Diseño».
Eligió el diseño, y en la Universidad Autónoma de Durango descubrió que más allá de los programas académicos, su verdadera escuela sería la curiosidad. «Creo que mi formación es muy autodidacta, entre leer, tomar talleres y echar a perder fui llenando los huecos que tuvo mi educación. La curiosidad es una herramienta vital para la creatividad».
Cartel Película Margarita
Cartel 100 Años Pablo Neruda
En sus primeros pasos fue fundamental el encuentro con el ilustrador Gerardo Suzán, quien le mostró el oficio desde adentro. «Era muy mágico ver su forma de trabajar. Aunque con él nunca dibujé nada, me prestaba muchos libros y me dio información valiosa para mi formación». Más adelante, en la Ciudad de México, trabajó con Alejandro Magallanes, a quien considera un maestro generoso. «Su manera de trabajar me impulsó a intentar también ser ilustrador».
Desde pequeño, el libro fue parte natural de su vida. «En mi casa siempre hubo muchos libros, a mis padres les gustaba leer; a mí me gustaban más los libros de imágenes y leía poco las letras». Esa fascinación lo llevó al INBA, donde cursó la especialidad en Diseño Editorial. «Estar en clase con otros veinte colegas, hablando de libros, tipografías, papeles, métodos de impresión o encuadernación, fue como encontrar a tu tribu».
Cartel Malpaís10, Diez años fuera del margen
En Durango, junto con Jesús Castagni y Marcela Román, fundó el estudio Mano de Papel, un espacio de experimentación gráfica que sentó las bases de su pensamiento colaborativo. Años más tarde, decidió ir un paso más allá creando Libros de Mano, un sello independiente que le permite editar sus propios proyectos y los de otros. «Un día pensé: pues si yo sé hacer todo —diseñar, ilustrar, gestionar la imprenta—, ¿por qué no hago un sello y publico lo que me gusta? El riesgo es mío si falla: aprendí algo. Si se vende bien, entonces puedo hacer otro libro. Se gana sí o sí».
Cartel 10 Años Casa Tinta
Libro La multitud que he sido, de Santiago Solís
Su obra no se define por un solo estilo, sino por la idea que la origina. «Más que pensar en la representación, pienso primero la idea… y la puntada invisible que zurce lo que diseño o ilustro, según yo, es el humor». Esa flexibilidad creativa ha llevado su trabajo a escenarios internacionales, con selecciones en catálogos como CJ Books o la Trienal de Mons. «Estar seleccionado en un concurso es un apapacho al ego, pero hay que tener los pies en la tierra. Para mí conlleva la responsabilidad de seguir intentando subir el nivel».
Su filosofía de trabajo ha madurado con los años, especialmente en la relación con los clientes. «Yo creo que me he ganado el derecho a opinar y a defender una idea. Cuando empiezas, cedes en muchas cosas; hoy soy muy tajante: cuando el cliente no respeta el proceso, prefiero salirme. Trato de establecer un puente, que va de ida y vuelta. Las opiniones son válidas si están sostenidas con argumentos». Esa búsqueda de equilibrio
Ilustraciones para Revista ¿Cómo ves?
se traduce en una preferencia clara: «Prefiero proyectos pequeños pero fluidos a grandes y llenos de problemas. Paz mental ante todo».
Más allá de los reconocimientos, su legado también se mide en las palabras que dedica a las nuevas generaciones. «Diría que hay dos caminos: ser samurái o ser armero. El samurái va a buscar el máximo filo posible de su espada. El armero (como yo) va a saber usar la lanza, la espada, los chacos… Ningún camino es incorrecto, es solo fluir y ser fiel a uno mismo». Y a quienes sueñan con dedicarse al diseño editorial, les lanza un consejo contundente: «Si quieres hacer libros, debes tener sí o sí muchos libros en tu casa. Te debe obsesionar el objeto. Estar pendiente de las tendencias, de los creadores y cercano a su historia. En el pasado hay respuestas para el futuro».
Cartel proyecto de lectura
Ilustraciones para libro «Mi historia comienza aquí», texto de Deborah Ellis
Ilustración para libro «Sol de Monterrey» de Alfonso Reyes Hoy, desde la Ciudad de México, sigue explorando los límites entre diseño e ilustración, convencido de que ambas disciplinas, aunque distintas, se complementan. «Diseñar es planear, es adelantarse a los sucesos. Ilustrar es crear un mundo imposible, verosímil». En esa dualidad habita su obra: entre la precisión del diseño y la imaginación de la ilustración, entre el oficio aprendido y la curiosidad que nunca se apaga.
Cartel proyecto de lectura
Cartel EZLN
Sofía
Diseñadora gráfica y muralista mexicana
Sofía Castellanos es una artista, muralista, ilustradora y diseñadora gráfica mexicana nacida en la Ciudad de México en 1992. Desde pequeña siempre mostró un gran interés por el dibujo y la narración visual, creando historietas y personajes que más tarde se convertirían en su estilo propio. Criada en una familia con tendencia artística y tras haber vivido un tiempo en un pueblo cerca de Cuernavaca, siempre tuvo claro que el arte formaría parte de su vida. Desde la secundaria y la preparatoria comenzó a enfocarse de manera más consciente en el dibujo, convirtiéndolo en su mayor pasión.
Realizó la licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana y cursó una especialización en la técnica de lápiz oriental en el Centro Cultural Michiko, además de un curso intensivo de Fine Art History, Painting and Drawing en la Academia de Arte de Florencia. Trabajó en el estudio del artista Gildo Medina, una experiencia que marcó un punto de inflexión en su carrera al ampliar su visión del arte y la disciplina que el diseño exige.
Sofía y sus trabajos.
Sus obras se caracterizan por un estilo que ella describe como «surrealismo pop» en el cual predominan los colores brillantes, los elementos fantásticos y la naturaleza como símbolo de fuerza, transformación y belleza. En sus obras abundan los personajes femeninos, los animales y escenas que celebran la vida. Las mariposas ocupan un lugar fundamental: en su niñez los insectos le producían miedo, pero con el tiempo descubrió en las mariposas —en especial las monarca— una metáfora de cambio y resiliencia.
Para ella representan la capacidad del ser humano de transformarse, de volar más allá de lo imaginable y de encontrar siempre un hogar. Sofía se ve reflejada en ese insecto, reconociendo en las mariposas la fragilidad, la fortaleza y la belleza que definen también su propio camino artístico.
Mural Ventana al cosmos, 2023.
El proceso creativo de Sofía Castellanos parte de la observación y la conexión con su entorno. Al enfrentarse al reto de pintar un muro, analiza a la comunidad y el espacio para que la obra hable con quienes la habitan. Busca que sus murales no solo decoren, sino que se integren en la vida cotidiana y transmitan mensajes de esperanza.
En poco más de siete años ha realizado alrededor de 50 murales en varios tamaños en países como Portugal, Tailandia, Miami, Estados Unidos y México. Entre sus proyectos más significativos se encuentra Ventana al Cosmos, en Brownsville, Texas, en colaboración con SpaceX. En este trabajo unió el universo con las especies endémicas de la región, trabajando junto a diez habitantes de la comunidad local. El resultado fue una obra que no solo embelleció un espacio, sino que también abrió una puerta metafórica hacia el cosmos y la esperanza de un futuro compartido.
Mural para la película Encanto de Disney, 2022.
Castellanos también ha colaborado con marcas de gran reconocimiento como Cerveza Indio, Chanel, Nike, Fendi, Carolina Herrera, Sephora, Stella Artois, IKEA, OPPO, BBVA y Champion, entre muchas otras. Su primera experiencia fue en la universidad, cuando su diseño fue seleccionado para la etiqueta del 120 aniversario de la Cerveza Indio, lo que significó que una ilustración de su autoría llegara a un producto masivo. Posteriormente, participó en proyectos como la campaña «31 of Mexico’s most important women» con Chanel y la revista Quién, y en diversas iniciativas culturales y publicitarias que le han permitido acercar el arte a públicos que no siempre acuden a museos o galerías. También colaboró en festivales como el Corona Capital, diseñando vallas que dividían los escenarios, y trabajó en un mural para la película de Disney: Encanto.
Diseño de empaque para Alpura, 2024.
Ilustración para CHANEL&REVISTA QUIEN.
Murales para Topo Chico.
Su mirada, 2023.
Diseño de empaque para Bombay Sapphire, 2019.
Ilustraciones para Carolina Herrera. Mural (ROJO) en Wynwood, Miami.
Su versatilidad la ha llevado a explorar distintos formatos, desde ilustración en productos hasta el arte digital con proyectos de NFT, como Cripto Lotería, y exposiciones individuales como la de 2022, donde presentó cinco piezas de gran formato junto con otras más pequeñas, resultado de un periodo de reflexión tras la pandemia. Para ella, esa exposición representó un renacer creativo, una forma de plasmar sus «fantasías posibles» llenas de color, símbolos y mensajes de transformación.
A lo largo de su trayectoria también ha colaborado con la Unión Europea en murales dedicados a los profesionales de la salud, reafirmando la capacidad del arte para inspirar, sanar y generar comunidad.
Sofía se define como alguien soñadora, convencida de que el arte es diversión, pasión y esfuerzo constante. Se considera una artista multidisciplinaria y una diseñadora compulsiva, pues su creatividad se expande hacia cualquier espacio posible.
Mural Unidos somos más fuertes.
Entre sus influencias reconoce a James Jean y al español Okuda San Miguel, además de artistas latinoamericanos como Paola Delfín, Lourdes Villagómez y el propio Gildo Medina.
Su filosofía de vida es clara: «no esperes a ser quien eres para empezar a compartir tu trabajo». Ve al arte como un proceso de constante evolución, donde cada paso es un aprendizaje. Su mayor miedo es olvidar quién es y lo que ha vivido, por lo que su obra funciona también como un registro personal de memorias, emociones y sueños.
De cara al futuro, Sofía Castellanos se visualiza representando a México en distintos escenarios internacionales, exponiendo en espacios de gran prestigio y creando obras cada vez más significativas. Su propósito se mantiene firme: compartir un mundo de color, fuerza y esperanza, donde el arte sea un puente de conexión y transformación.
Peekaboo, Fendi 10 aniversario, 2019.
Huerta Yazmin
Artista gráfica, diseñadora audiovisual y terapeuta
Mexicana nacida en el sur de Ciudad de México, Yazmín Huerta se autodenomina un pájaro de mil ojos que diseña, dibuja y anima; que ama el color, los patrones y las texturas para plasmar todo en collages surrealistas. Artista gráfica, diseñadora audiovisual y terapeuta. Estudió Diseño y Comunicación Visual en la FAD/ UNAM, facultad de arte y diseño de la universidad nacional autónoma de mexico, con especialidad en diseño editorial.
Ha trabajado como Editora Gráfica e Ilustradora en varias revistas mexicanas, donde ganó el premio a! Diseño por su trabajo innovador en narración editorial, docente de diseño editorial experimental, ilustración experimental, tipografía, branding y nuevos medios, broadcast designer,animadora autodidacta y directora de arte audiovisual artista de collage para diversos proyectos culturales y marcas globales.
Artwork / 1-1 By Davy Lorenzo
Tribal / Promotional Artwork
Reside en Pachuca de Soto Hidalgo México. Describe su trabajo de diseñadora y artista visual como una experiencia liberadora para armonizar la empatía y la funcionalidad del diseño con la individualidad y la autoexpresión del arte.
Ahora trabaja como directora de arte para diversas marcas y proyectos culturales, como artista visual independiente para ONGs, marcas, sellos discográficos, artistas, músicos y revistas, y como docente y tallerista en algunas universidades mexicanas.
Ancestral / Digital Artwork
Atelier De Hoteles / 19+36
Junto con su enseñanza, trabajó como ilustradora para una amplia gama de revistas que incluyen El Fanzine, Life & Style, S1ngular, Dálmata, Reforma Newspaper, Tercera Vía Portal y Laboratorio Arte Alameda. Después de seis años de trabajo de publicación e ilustración, Yazmin decide cambiar su camino y migrar al diseño multimedia. Yazmín es una firme creyente en el empoderamiento femenino a través del arte, el diseño y la creatividad, explora el divino femenino, el tarot y la astrología como instrumentos de autoconocimiento y el rescate de las culturas y saberes ancestrales.
Miedo A Lo Ordinario Obra De Arte Ep
Era Del Vacío / Molinette Cinema
Después de graduarse, Yazmín comenzó a trabajar como editora gráfica en Picnic, una prestigiosa revista mexicana, ¡donde ganó el premio Gold Promax por su trabajo innovador en narrativa editorial! Al mismo tiempo, se convirtió en maestra asistente del decano de diseño publicitario en su alma mater algunos.
Ancestral / Digital Artwork
Fade Away / Single Artwork
El «Premio Gold Promax» se refiere a la máxima distinción para reconocer los logros en marketing, promoción y diseño de entretenimiento agencias de marketing de latinoamérica a exponer y ser reconocidos por sus campañas y proyectos destacados.
Su objetivo como instructora era enseñar a los estudiantes cómo poner en práctica la teoría para convertirse en diseñadores revolucionarios de la información. Yazmín es un ejemplo vivo para sus estudiantes.
Cultura La Aire Libre
Comenzó a trabajar como diseñadora de movimiento en la televisión pública en el Canal Once de la Ciudad de México. Después de solo seis meses de trabajo en Canal Once, Yazmin ganó el Gold Promax BDA Latin America Award por su campaña de impresión general. Dos años más tarde, Yazmin se convirtió en la Director de Arte de Central Once, y su programación se centró en inspirar, cultivar y destacar a jóvenes talentos en México.
