TEORIA DISEÑO INTERIORES - THE INTERIOR ARCH THEORY READER

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UNIVERSIDAD IBEROAMERICANA ESCUELA DE ARQUITECTURA ELECTIVA: DISEÑO DE INTERIORES AVANZADO PROFESOR ARQUITECTO NÉSTOR ISAAC RAMOS MARCHENA THE INTERIOR ARCHITECTURE THEORY READER GREGORY MARINIC INTEGRANTES 1. ANABELL ABREU 2.ANA FRANCINA CANAAN 3.ARLANA NICOLE CASTILLO 4.ELIZABETH DISLA RODRIGUEZ 5.WILNELYS MARÍA FERNÁNDEZ 6.ARLENE MARIE FUERTE 7.RITA GUADALUPE GARRIDO 8.VERA ALESSANDRA GÓMEZ 9.MARIA NICOLE HERRERA 10.SARA MARÍA HICIANO 11.GUILLERMO AQUILES IRIZARRY 12.KAYLA NICOLE JIMENEZ 13.SALMA SOPHIA KÜHN 14.DANNA MABEL MARTÍNEZ 15.CESAR MIGUEL ANTONIO MEJIA 16.ANGELA MERCEDES MEJIA 17.AÍDA NICOLE MÉNDEZ 18.SARAH AMELIA MORALES 19.MAYROBI NICOLE PAYANO 20.KARLLENNYS NICOLE PEÑA 21.PAMELA FRANCESCA POLANCO 22.MARIELA MARIE REYES 23.NATALIA RIZEK 24.MANUEL ANDRÉS ROJAS 25.MATHILDA ELIZABETH RON 26.HAROLD ORLANDO SALAS 27.OMAYRA SEGURA 28.CARLOS ALBERTO TIBURCIO 29.MARIELA TIBURCIO ROSADO 30.LAURA MARCELA 31.SARAH VIRGINIA VALENZUELA

BOOK EDITION

THE INTERIOR ARCH THEORY READER

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GREGORY MARINIC

PART 5:TEMPORALITIES 26. A pirouette on the orthographic hinge. Lois Weinthhal 27. Toward the immaterial. Frank Jacobus 28. Time travel:interior architecture and the exhibition space. Anne Massey 29. Productions: Spatial practices, processes, and effects. Clay Odom

P A R T 9 : G E O GR A P H I E S 46. Interiors as global constructs: Framing culture and design discourses in a world of movement.

Tasoulla Hadjiyanni 47. Hearts and minds and dishwashers: Jodi Larson 48. Public Spheres: Hong Kong’s interior urbanism. Jonathan D. Solomon 49. Altered (e)states: Architecture and its interiority. David Erdman

PART 6:MATERIALITIES 30. “Living” rooms:The hypernaturalization of the interior.

Blaine Brownell 31. Internal Disconnect: Material memory in the John Portman originals. Gregory Marinic 32. Inside-Out and Outside-in: The envelope and the search for a heterogeneous interiority. Marco Vanucci 33. Measuring the human dimension.

Zeke Leonardo

P A R T 10: E P I LO G U E 50. Why this, why now? The case for interior architecture. Gregory Marinic

PART 7:OCCUPANCIES 34. To dwell means to leave traces: Modernism, mastery, and meaning in the house museums of Gaudí and Le Corbusier. Georgina Downey 35. Event-space:A performance model for spatial design. Dorita Hannah 36. Documenting interiority/inhabiting duration: Marian Macken 37. Topology and interiority: Folding space inside. Jonah Voordouw 38. Architectural Purgatory: The car, the garage, and the house. Anthony Morey, Volkan Alkanoglu 39. Spacing and forming: A performative account of a design studio. Jan Smitheram

.04 PART 4:SENSORIALITIES 19. Sensorial Interior landscape. Laura Garófalo-Khan 20. From ambient environments to sentient spaces. Nataly Gattegno, Jason Kelly Johnson 21. Design studio through the subtle revelations of phenomenology. Ross T. Smith 22. Lines of Enquiry: Drawing out Sigmund Freud’s study and consulting room. Ro Spankie 23. On technological limits. Clare Olsen 24. Salvador Dalí’s interiors with Heraclitus’s concealment. Simon Weir 25. Touch, taste, smell: Fostering museum visitor engagement with multisensory spaces. Kirsten Brown

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.03 PART 3:SPATIALITIES 12. Inside looking in: The prospect of the aspect. Ursula Emery McClure, Michael A. McClure 13. The waiting room: Transitional space and transitional drawing.Susan Hedges.

14. Spatial seductions: The everyday interiorities of Marcel Duchamp, Edward Kienholz, and Pepón Osorio 15. Inside the prefab house: Deborah Schneiderman 16. Oceanic Interiorities: Sarah Treadwell 17. Technologies: The spatial agency of digital praxis. Erin Carraher 18. Transforming interior volumes: Volume + surface + mass. Jonathan R. and Laura Lovell-Anderson

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P A R T 2 : T E R R I T OR I E S 6. Symbiotic spaces: decolonizing identity in the spatial design of the Museum of Macu. Emily StrokesRees 7. Shape shifting: Interior architecture and dynamic design. Mark Taylor 8. Politicizing the interior: Liz Teston 9. Fabricating interiority: Marc Manack 10. Territory and inhabitation: Amy Campos 11. Swimming upstream: repositioning authorship and expanding the agency of the architect. Blair Satterfield and Marc Swackhamer

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PART 1:HISTORIES 1. (Re)constructing Histories: a brief historiography of interior architecture. Edward Hollis 2. A history of style and the modern interior from Alois Rieglto Colin Rowe. Sarah Deyong.

3. Quadrature: The joining of truth and illusion in the interior architecture of Andrea Pozzo. Jodi La Coe 4. Spatial therapies: Interior Architecture as a tool for the past, present and future. Ziad Quereshi 5. Inside out: Michael Webb

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INDICE SUMARIO // TABLE OF CONTENTS

PART 8:APPROPRIATIONS 40. Death of the architect: Appropriation and interior architecture. Markus Berger 41. The dialectics of appropriation: Graeme Brooker 42. Puzzle: Rachel Carley 43. Metropolitan hybrids: Programming for a thriving urbanity. Rafael Luna 44. Design activism: Commingling ethics of care and aesthetics. Lorella Di Cintio 45. Beyond the visible: Skillsets for future interior architecture practice. Caryn Brause

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H I S T O R I E S

01- (RE)CONSTRUCTING HISTORIES: A BRIEF HISTORIOGRAPHY OF INTERIOR ARCHITECTURE

BY EDWARD HOLLIS ANALIZADO POR: ANABELL ABREU Y ANGELA MEJIA El capítulo critica y aborda la manera de teorizar la información relacionada a los escritos del diseño de interiores. Estos toman como base los textos de John Pile, Graeme Brooker and Sally Stone, Fred Scott, Penny Sparke y Charles Rice. Es importante resaltar, que no todos estos libros tratan únicamente del diseño de interiores, sino, que también abarcan de manera más amplia el interiorismo al ligarlo a una audiencia más académica al tratar el diseño de interior desde una perspectiva arquitectónica.

Además, proporciona un lente a través del cual se puede visualizar como se construyó la identidad del diseño de interiores durante este periodo. Trata de reflejar como la historia no es solo un recuento o recolección de elementos y enseñanzas del pasado, sino, que así como el mismo diseño de interiores, es una reconstrucción de estructuras preexistentes.

Estos libros contribuyeron grandemente a lo que es hoy en día esta disciplina. Muchos de estos, brindan datos históricos, mientras otros se enfocan en la teoría del diseño de interiores. Kurtich, Stone y Brooker elaboraban síntesis de casos de estudios relacionados al área. Luego de esto, vemos como se proyecta el interiorismo a través de informes históricos que proceden o secundan los casos de estudios realizados previamente, que permiten entender un poco más a profundidad, la teoría de esta profesión en pleno desarrollo.

Se comienza a moldear una estructura basada en la teoría prevista por los autores que se mencionaron en anterioridad. La misma responde a una serie de incógnitas acerca de sus raíces y precedentes, de su construcción y de las evidencias usadas para realizar esas narrativas.

Con la llegada del siglo XXI, surge la reutilización de las edificaciones, un aspecto de suma importancia en el diseño de interiores, los cuales nacieron como Grands Projets con la intención de ocupar el terreno central en la -arquitectura. Algunos ejemplos son: Berlin Reichstag (Norman Foster, 1999) y el el Tate Modern (Herzog and De Meuron, 2000).

BERLIN REICHSTAG POR NORMAN FOSTER

Según John Kurtich “el surgimiento del diseño de interiores como una nueva profesión es una idea cuyo momento ha llegado. Es el enlace entre el arte, la arquitectura, y el diseño de interiores. Los profesionales de esta área han creado este término para expresar un enfoque humanista hacia la realización de espacios interiores.

Este enfoque, compartido por muchos profesionales del diseño ha comenzado a partir de la práctica actual.” Esta profesión es una fusión de varias ramas del arte que permite crear experiencias enriquecedoras al usuario de tiene la oportunidad de conectarse con estos proyectos. A pesar de que en comparación a otras profesiones, esta es relativamente nueva, y que su surgimiento parte de poca información y de personas que contaban del talento pero no de conocimiento a profundidad la arquitectura de interiores, si éxito ha dejado huellas.

Muchos de los escritos anteriormente mencionados, no fueron escritos por arquitectos, sino, por profesores de estudio en escuelas de arte como Brooker y Scott y porteóricos e historiadores del diseño como Rice, Pile y Sparke. Existía una dimensión profesional y política en sus esfuerzos.

Los escritos de Re-readings de Brooker and Sally Stone conectaron con el surgimiento de la arquitectura de interiores al post-modernismo, perono el estilístico de los años 80. Los libros del diseño de interiores surgieron, y sus autores reclamaron en respuesta a tres estimules principales: el creciente volumen de su campo de práctica, un conflicto político de larga data que se está produciendo entre las profesiones del diseño de interiores y la arquitectura y finalmente, la segunda ola del la práctica y teoría del postmodernismo.

El autor Sparke nos habla acerca del Interiorismo Moderno, este se dividía por dos esferas, el interior doméstico y el interior público. El interiorismo doméstico se caracterizaba por el feminismo y el

uso de texturas suaves, mientras que el interiorismo público era desarrollado por arquitectos que abordaban la materialidad y la implementación de distintas superficies al espacio. Cabe resaltar que ambas ramas eran inestables y tenían ciertas limitaciones con respecto a su desenvolvimiento, sin embargo contribuyeron a lo que fue el Interiorismo Moderno al estas aplicaciones popularizarse en la arquitectura de interiores de manera temporal.

Se identifica el interiorismo como una categoría inestable del diseño debido al constante cambio que este supone cada cierto tiempo. Los esquemas del diseño de interiores se apegan a la decoración por lo que Sparke lo propone a través de un punto de vista mucho más temporal e inconstante. El autor Pile presenta límites claros con respecto al interiorismo al introducir el uso del mobiliario a la construcción de los espacios. Por el contrario, Charles Rice contradice a Pile en su escrito “In The Emergence of The Interior´”donde este habla acerca de la representación visual de los interiores y deniega las referencias espaciales que este propone a través de la decoración y el mobiliario.

El término Arquitectura Interior como tal no surge hasta 1970 cuando el autor Kurtich escribió “Some progressive design firms began using the term interior architecture in the early 1970”. Los históricos escriben acerca de este fenómeno a partir de la separación de ambas esferas (Interior Doméstico & Interior Público) y lo llaman Arquitectura Tradicional cuyos patrones interioristas fueron propuestos por nuestros antepasados, es decir que el interior era diseñado en base a lo que las generaciones anteriores.

Queda claro que los interiores no existen de forma aislada en la forma en que una pintura o una escultura lo hace, también son repletos de una gran variedad de objetos y artefactos, esto significa que el diseño de interiores es un campo con límites poco claros.

02 - A HISTORY OF STYLE AND THE MODERN INTERIOR: FROM ALOIS RIEGL TO COLIN ROWE

BY SARAH DEYONG ANALIZADO POR: ANGELA MEJIA Una historia del estilo y el interior moderno Dado que el estilo pertenece a una sensibilidad estética que tendemos a asociar un período cultural determinado, en lugar de una disciplina, y la idea de la arquitectura moderna desde una perspectiva histórica se sostiene sobre la pregunta de estilo; para entenderla es necesario considerarla de manera integrada con la historia de sus campos afines en la medida en que constituye un campo predominantemente visual, táctil y modo de expresión fenomenológico.

Dos definiciones modernas de estilo En los esfuerzos actuales por definir estilo pueden encontrarse dos teorías opuestas: - Gofried Semper: en su libro Der Stil (1861) rastreó los orígenes de la arquitectura hasta la artesanía, técnica y performance. Enfocó su estudio en objetos con propósitos intencionados. Su definición debe haber precedido al dictamen modernista “la forma sigue a la función” pero en este sentido, es una definición que se aplica principalmente a la estructura y al exterior del edificio, mientras que consistentemente se contradice en interiores. Un ejemplo de esto es Adolf Loos, quien condenó los ornamentos en su ensayo “Ornamento y crimen”, sin embargo, se distanció de “los puristas” que en su opinión llevaron la lógica de la función al absurdo, al afirmar que el ornamento debe ser abolido sistemáticamente “. El cisma entre el interior y el exterior se puede ver en otros primeros ejemplos de la arquitectura moderna, incluida la fábrica Fagus de Gropius (1911, con Adolf Meyer), y en la historia de la propia Bauhaus. Mientras que muchos proclamaban una inclinación tajante a la perspectiva funcionalista, esto no se correspondía con su abordaje a los interiores.

- Alois Riegl: en su libro Late Roman Art Industry (1903) identificó el estilo con la psicología de la forma. Su estudio se centra en el ornamento, que

CAFÉ AUBETTE POR THEO VAN DOESBURG

definió como la expresión visible de un deseo interno (Wollen) de transformar el mundo a través de nuestra interacción con él. Consideró que “el hombre no es solo un ser que percibe exclusivamente con sus sentidos (pasivo), pero también un ser anhelante (activo). En consecuencia, el hombre quiere interpretar el mundo de la manera en que más fácilmente concuerde con su impulso interior.”

- Wilhelm Worringer: en su tesis doctoral (1907) definió el arte en términos de dos categorías similares a las de Riegl: abstracción, una sensación interior y empatía, una afinidad alegre con el mundo material.

Abstraction and the space-time continuum En busca de un nuevo estilo, muchos artistas modernos rechazaron el realismo, en concordancia con las teorías de Riegl y Worringer. De hecho, al enfrentarse a las convenciones de la pintura clásica, Paul Cézanne reformuló radicalmente el problema de la representación a principios del siglo XX y pintó no lo que el ojo ve en una especie de ilusión óptica, sino lo que el complejo mente-cuerpo percibe en el tiempo. Es decir, retratan la realidad no como se vive en un momento estático, sino en la duración de días, semanas y meses (Cézanne a veces tardaba meses en completar sus cuadros, e incluso entonces los consideraba inacabados).

Dado que la construcción en perspectiva reduce el tiempo a un momento estático, se siguió que la pintura clásica se basaba en una convención de dibujo que presenta una imagen falsa de la realidad.

Cézanne es generalmente considerado el padre del cubismo, que, a su vez, inspiró otros movimientos de vanguardia desde el suprematismo hasta De Stijl. El movimiento Dut De Stijl se esforzó por eliminar todo rastro de representación naturalista, reduciendo los elementos de la pintura al mínimo esencial abstracto: tres colores primarios (azul, rojo y amarillo) y líneas horizontales y verticales.

Dicha destilación evolucionó lentamente también en la pintura. Mientras que el artista J.J.P. Oud siguió el ejemplo de la escultura y redujo los elementos esenciales de la arquitectura a masas cúbicas, Theo van Doesburg siguió el ejemplo de la pintura y destiló los elementos esenciales en planos. En su diseño interior del Café Aubette (1927), rotó la cuadrícula abstracta de Mondrian en diagonal, posiblemente para neutralizar las líneas horizontales y verticales de la arquitectura existente (en una fotografía, van Doesburg apuntó su cámara de modo que pareciera disolverse el punto de fuga en la composición diagonal del mural).

Forma y contraforma El concepto de espacio-tiempo de De Stijl es paralelo al de otros desarrollos arquitectónicos relacionados con la pintura moderna. En los primeros años de la Bauhaus, Gropius reclutó artistas del movimiento expresionista alemán, un movimiento que a menudo se asocia con las teorías de Riegl y Worringer. Laszlo Moholy-Nagy, siguiendo sus pasos, propone una nueva visión del espacio-tiempo que luego es expandida por su estudiante Gyorgy Kepes que la define en términos de transparencia.

- Transparencia: según Kepes la percepción simultánea de múltiples ubicaciones espaciales sin destrucción óptica de todas las demás.

- Colin Rowe y el artista Robert Slutzky distinguen en su ensayo “Transparencia: fenomenal y literal” entre la transparencia literal de un material como el vidrio y la efectos visuales complejos de la composición. La originalidad de su análisis, se manifiesta en la arquitectura interior concebida como una interacción entre sólidos y vacío.

03 - QUADRATURE: THE JOINING OF TRUTH AND ILLUSION IN THE INTERIOR ARCHITECTURE OF ANDREA POZZO

BY JODI LA COE ANALIZADO POR: ELIZABETH DISLA Quadrature se publica en 1693 por Andrea Pozzo, este texto explica el método de pintura y técnicas de proyección del autor para la creación de ilusiones de espacios interiores, muestra la manera en que, a diferencia de muchos otros artistas, las técnicas de Pozzo se centraban en el observador, quien era posicionado dentro de la ilusión construida y creaba entonces una conexión sutil entre la realidad y la ilusión.

Según el filosofo francés René Descartes, dentro de la teoría de las perspectivas el espacio se concibe como un sistema homogéneo, en el cual la visibilidad del espacio se rige por diversas leyes matemáticas que colocan los objetos en un espacio indefinido compuesto por tres vértices divisibles en partes distintas con diversas formas y tamaños que pueden ser transpuestos en cualquier posición dentro del plano determinado.

Aun así, se considera que el posicionamiento del espectador dentro del espacio que comprende la perspectiva permite a Pozzo a re-centralizar al hombre dentro de un sistema de significado, tanto de manera espacial como espiritual.

Se presentan como ejemplos de este tipo de perspectiva a las perspectivas barrocas, las cuales buscaban recrear el centro del universo dentro de un espacio continuo y uniforme, así como colocando la perspectiva en el punto físico en el cual la misma converge con la realidad y se produce una experiencia única y trascendental.

A diferencia de las artes, que buscaban creal ilusiones cada vez mas cercanas a la realidad, la revolución científica trataba de encontrar un sentido lógico a los fenómenos naturales basándose en expresiones matemáticas. Esta tendencia de las ciencia provoca entonces una discrepancia centre ambos, y forman entonces un debate que abordaba la distinción entre lo que se consideraba realidad versus ilusión, cuestionando la ética de engañar a los sentidos y cuestionando el intelecto humano de

distinguir entre la realidad de la mentira.

Para Descartes, cuyo deseo de evaluar el mundo de manera objetiva y apropiada mediante la clara distinción de la realidad y la ficción, las ilusiones presentaban un obstáculo al momento de perseguir la verdad, la separación de la mentira y la realidad presento el principal problema intelectual del siglo XVII. Para Descartes los sentidos, especialmente el de la vista, no eran confiables, y por ende descarto su importancia en su modelo de pensamiento racional.

Considero al ojo meramente con un receptor pasivo de la luz, que dependía completamente de la presencia de una mente que interprete la información recibida y logre separar la ilusión de la realidad mediante el pensamiento critico de la información recibida, determinando la forma y posicionamiento del objeto que se esta viendo dentro de un plano cartesiano.

Sin embargo también establece que la mente también es capaz de producir sus propias ilusiones mediante sueños o alucinaciones, utilizando esto como justificación para establecer que la percepción sensorial parece evidentemente verdadera pero no es del todo real.

A pesar de encontrarse rodeado de ilusiones perspectivas, Descartes se oponía a cualquier tipo de arte que buscara confundir los sentidos, especialmente a aquellas ilusiones anamórficas de Jean François Niceron, estableciendo su oposición ante la disyunción de la imagen aparente y aquella reconstrucción disfrazada.

Después de Descartes, solo la vista matemática organizada podría, de manera objetiva, analizar los fenómenos naturales fijados por las coordenadas del espacio cartesiano. Esta forma de ver la perspectiva representa el mundo desde un punto monocular y fijo en un punto estático del tiempo simplificando, por consecuencia, la experiencia visual.

PERSPECTIVA PICTORUM ET ARCHITECTORUM POR ANDREA POZZO

La critica de descartes entonces se extiende a cualquier objeto visible, todas las formas de artificio, incluyendo quadrauture, se vuelven obstáculos para la búsqueda de la verdad objetiva.

Según Dalia Judovitz los resultados vistos por las filosofías de Descartes, se oponían a las intenciones originales del filosofo, y llevaron a la reducción de la experiencia sensorial de la naturaleza a un teatro de ilusiones determinadas matemáticamente.

De manera similar, las perspectivas tomaron el entendimiento del mundo real y les dieron apariencia, Andrea Pozzo reconoció esta oportunidad , en la cual la realidad se ve claramente representada en una perspectiva con ayuda de la creatividad y la imaginación, sin embargo fue la incorporación del espectador en sus trabajos que abrió nuevas oportunidades a la perspectiva ilusoria.

Pozzo, a diferencia de otros artistas de la época, se concentra en crear perspectivas que se mezclen con la realidad de manera casi imperceptible, ligando la verdad con la ilusión en un único punto del plano cartesiano con la intención de engañar a los sentidos y crear perspectivas dramáticas, compuestas de diversos puntos de fuga y deformación de los objetos con la intención de que la misma pueda ser vista en su totalidad desde un solo punto de vista.

04 -SPATIAL THERAPIES: INTERIOR ARCHITECTURE AS A TOOL FOR THE PAST PAST, PRESENT AND FUTURE

BY ZIAD QURESHI ANALIZADO POR: ANABELL ABREU, ANGELA MEJIA Y ELIZABETH DISLA El cambio sociotecnológico ha representado una constante evolución a lo largo de toda la historia, el mismo supone un potencial avance entorno ha nuestra forma tradicional de vivir en las esferas sociales, económicas y espaciales. Vemos como se plantea una estrategia para abordar la arquitectura interiorista a través del estudio de tendencias utilizadas en épocas anteriores y de esta se tiene la oportunidad dedirección las propuestas por una línea histórica y lógica de acuerdo a datos verídicos y valiosos. Por medio de esta ideología se busca una arquitectura interior que reconcilie el compromiso de lo existente con lo nuevo al replantear cada vertiente con un ojo crítico capaz de reconocer los puntos débiles y de mejora en cada uno, además de que en esta nueva disciplina se busca abordar y estabilizar las condiciones contemporáneas.

El escrito aborda la arquitectura como una terapia espacial que a través de su implementación busca la comprensión de los espacios a través de la conexión del pasado, presente y futuro dentro del diseño.

Por igual, se examina para que la arquitectura interior pueda ilustrar el potencial de esta disciplina emergente. Se demuestra que la arquitectura interior es una de las herramientas más utilizadas hoy en día al unificar la historia, la teoría y el diseño para solucionar las problemáticas que se generan.

Vemos como la industrialización, el desarrollo tecnológico y el cambio social dió lugar a preguntas sobre como reconciliar la masa en producción con la cultura; en respuesta a esto se ha adptado una visión social de las necesidades humanas satisfechas y posibilitada por nuevas tecnologías. El arquitecto Rudolf Steiner prioriza la empatía y adaptabilidad a través de medios tradicionales; la sociedad contemporánea responde en controversia esta percepción relativa prefiriendo regresar a las artes tradicionales para construir el futuro. Por otro lado, Sant’Elia presenta una visión referencial orientadoa al diseño por medio de resultados impuestos, esta propuesta equiliva lo tecnológico con lo social al implementar soluciones basadas en resultados.

El primer y segundo volúmen de “Perspectiva pictorum et Architectorum” fueron publicados originalmente en Roma en 1693 y 1700 por Giovanni Giacomo Komarek, e incluían texto en latín e italiano.

Solo el primer volumen fue traducido y ampliamente distribuido. Komarek publicó dos traducciones del primer volumen en 1700: versiones italiano-alemán e italiano-francés. Otra traducción al alemán con texto original en latín se publicó en Viena en 1706, Escrito por Jeanne Boxbarth y Conrado Bodenter.

John James de Greenwich lanzó una versión en inglés latino llamada “La perspectiva de la arquitectura y la pintura”. Giuseppe Castiglione publicó una traducción franco-flamenca en Bruselas en 1708.

Los jesuitas incluso lo tradujeron al chino en 1737.

Por otro lado, de 1676 a 1680, Pozzo viajó a Turín, Milán y Como para completar una serie de obras.

Posteriormente, se trasladó a Roma de 1681 a 1702 para pintar sus famosas obras maestras. Estas obras incluyen la nave, la cúpula y el retablo de San Ignazio en Chiesa di San Ignazio, el Teatro Verna Capella, el restaurante Trinita de Monti y el pasillo que conduce a la sala. San Ignacio en Casa Professa cerca de Il Gesú. Mientras estuvo en Roma, Pozzo también pintó lienzos y capillas imaginarios, un altar y una cúpula falsa para la Chiesa del Gesú en Frescati.

Durante dos años de viaje que realizó, Pozzo presentó más alucinaciones en los urès y palacios de Florencia, Trento y Montepulciano.

En Belluno diseñó el edificio del Colegio de los Jesuitas. Pozzo pasó los últimos años de su vida en Viena, donde diseñó ilusiones en la Universidad Universitätskirche, la Universidad Franziskanerkirchee y el Palacio Litentenstein.

Además de la Academia Belluno, Pozzo, también fue testigo de su diseño arquitectónico en Ragusa, Lubiana, Trieste, Montepulciano y Trento. Con sus numerosos diseños de altares, construyó exquisitos altares para Il Gesú y Chiesa di Sant’Ignazio en Roma.

ARQUITECTURA FUTURISTA POR ANTONIO SANT’ELIA

La desindutrialización creó una serie de oportunidades ara la arquitectura de interiores, el surgimiento de espacios post-industriales obligo a crear nuevas soluciones espaciales para estos espacios que combinaran la historia y la herencia social de estos espacios. A medida que los ambientes urbanos se densificaban surge la potencialidad de generar espacios terapéuticos que cree un balance entre lo industrial, lo histórico y lo cultural y social.

Como disciplinas orientadas al espacio, el paisajista y el diseño de interiores demuestran su potencial de retomar entornos post-industriales para abrazar tradiciones existentes y confinarlos con una innovación progresiva según las necesidades del momento. La rehabilitación de estos espacios muestran las marcas de las disciplinas que balancea una variedad de intereses y temporalidades mientras se ve sometida a cambios dramáticos en el ámbito social.

Estos cambios y esta reestructuración de los espacios también se demuestra en los ambientes post-comerciales. La reestructuración continua de los patrones de consumo, pasando de ocurrir en un ambiente físico a tornarse cada vez mas digital, han creado un enorme flujo de espacios comerciales inutilizados en el paisaje urbano, marcado por el cierre de grandes y pequeños comercios.

Esta situación marca el posible surgimiento de espacios post-comerciales, abriendo paso a una nueva respuesta de diseño en frente a esta crisis.

La revigorización de estos espacios obsoletos mediante la reutilizaron adaptativa del espacio tiene el potencial de otorgarles relevancia económica y social a estos espacios, reconectando con lo existente y lo histórico con un nuevo propósito.

Rem Koolhaas trae devuelta la visión de Victor Gruen sobre la posible importancia e impacto de estos espacios, Koolhaas considera los espacios de compra-venta como una manera esencial de

BY ZIAD QURESHI ANALIZADO POR: ANABELL ABREU, ANGELA MEJIA Y ELIZABETH DISLA a una nueva respuesta de diseño en frente a esta crisis. La revigorización de estos espacios obsoletos mediante la reutilizaron adaptativa del espacio tiene el potencial de otorgarles relevancia económica y social a estos espacios, reconectando con lo existente y lo histórico con un nuevo propósito.

Rem Koolhaas trae devuelta la visión de Victor Gruen sobre la posible importancia e impacto de estos espacios, Koolhaas considera los espacios de compra-venta como una manera esencial de comprender la urbe y proponer que estos espacios comerciales permanezcan relevantes para la ciudad a pesar de la tendencia del “mall vacío” En medio de esta situación, la reformulación de estos espacios puede suponer la trascendencia del simple re-uso e inspirar nuevas perspectivas criticas de la historia social y la herencia cultural de los mismos. El agente adaptativo de la arquitectura de interiores permite la formulación de respuestas que fomenten la creación de espacios sustentable, económica e históricamente continuos para posibles futuros comerciales.

Por otro lado, también consideramos los cambios que ha traído el siglo XXI, las tecnología emergentes han creado nuevos requerimientos y expectativas para los espacios, en un mundo que prioriza el tiempo y la capacidad productiva, los espacios proceden a devaluarse debido a las ventajas que presentan las nuevas tecnologías en cuento a ahorro de tiempo, dinero y energía.

Tecnologías como las impresoras 3d, el mapping geoespacial y demás han comenzado a impartir un profundo cambio en las necesidades y el rol del espacio físico en conjunto con la necesidad de hacer una revaluación de las necesidades de estas espacios físicos. Por estas razones los diseñadores se ven presentados con una realidad difícil en la cual surge la cuestión del rol del espacio físico y la evaluación de nuevas estrategias para responder a las nuevas necesidades.

GAS WORKS PARK DE RICHARD HAAG

Inherente a la arquitectura de interiores es la aplicación de tecnologías incoativas, particularmente cuando el espacio interior ha sido disecado de manera digital y se implementa el uso de materiales novedosos en contraste con los materiales tradicionales con la intención de que, mientras transicionamos hacia un futuro cada vez mas digital, la coexistencia de ambos espacios se vuelve en algo usual.

Mediante estos sucesos se evidencia la manera en la que la arquitectura de interiores, sus estrategias y filosofía de terapia espacia demuestran el potencia que tiene la misma de responder a algunos de los grandes retos que presenta la cambiante sociedad de responder a las necesidades emergentes mediante criterios de diseño y muestra como, mediante la amalgamación critica de las épocas dentro de los espacios interiores muestra como el mismo puede funcionar como estabilizador de las condiciones vigentes.

La arquitectura de interiores entonces crea un balance entre lo histórico y los posibles futuros radicales, extendiéndose mas allá del espacio interior y llevando sus ideas y criterios a la sociedad, creando y fomentando una filosofía única donde la historia, la teoría y el diseño se unifican para posicionar a esta disciplina como una relevante herramienta en tiempos de cambios drásticos.

05 -INSIDE OUT

BY MICHAEL WEBB ANALIZADO POR: ANABELL ABREU Evidentemente, en la mayoría de los edificios, la superficie debe considerarse como perteneciente tanto al interior como al exterior. Sin embargo, en los momentos más extraños de la arquitectura moderna, esta distinción no es tan obvia. Michael Webb dibujó el primer boceto de diseño realizado por Le Corbusier para la villa Gales: el propósito es mostrar el espacio interior más grande de doble altura: el techo se ve en el medio “¿Qué pasa con la pequeña flor que parece un pájaro? Si es un pájaro, es una especie de representante incompetente del pájaro. Pero, si solo miramos al cielo en lugar del techo, ¿Se convierte en un espacio exterior? ¿No es este el césped bien cuidado del jardín de la azotea del Sr. Bestegui en París? Si es así, debe ser el paisaje exterior.

DRIVE-IN HOUSE

En cuanto al concepto de arquitectura de interiores, el autor aprovechó esta oportunidad para describir dos ejemplos de sus obras, para que él y los maestros anteriormente citados no sean mencionados al mismo tiempo. Primero, una pintura al óleo de Henry Yacht Race sin terminar: el paisaje representado en la pintura es una vista de la ruta de Henry’s Yacht Race en el Támesis; es decir, el volumen de aire, tierra y agua rodeados por el cono de visión es paralelo a la línea en perspectiva y su eje está en paralelo al ojo tuerto de la audiencia.

“Solo la palabra casa (¿teatro seguramente?) Es un nombre inapropiado manifiesto ... solo un terreno plano donde la compañía operadora proporciona imágenes visuales y sonido entubado, y el resto de la situación viene sobre ruedas. Usted trae su propio asiento, calefacción y refugio como parte del automóvil. También traes Coca-Cola, galletas, pañuelos de papel, Chesterfields, ropa de repuesto, zapatos, entre otras cosas más que no ofrecen en Radio City o, la pareja de enamorados bailando con la música de la radio en su convertible estacionado ha creado un salón de baile en el desierto (pista de baile cortesía del departamento de carreteras)”.

El reverendo C.L. estaba cerca en 1862, “deslizándose tranquilamente por el río en el clima de ensueño de la tarde dorada”. Dodgson, acompañado por Robinson Duckworth, le contó por primera vez a las niñas Liddell, sobre el gato de Cheshire. Refleja la idea de que el aire en el cono se ha solidificado mágicamente. Por lo tanto, puede eliminarse del paisaje general y usarse como núcleo de hielo para una inspección independiente. Sin embargo, a medida que el cono se mueve, el contenido del cono se convierte en parte integrante del espacio interno, y la pared del cono se convierte en una ventana infranqueable, lo que da la impresión de que su caballete no está en la misma posición que el espectador.

Algún material básico podría ser útil antes de llegar a la esencia del proyecto que casi amerita su inclusión. Así se sienten algunas personas en Gran Bretaña cuando leen la nueva carta de Reyner Banham desde los Estados Unidos en 1965. Para aquellos que regresan a casa, Barnum no elogia la arquitectura empresarial moderna proporcionada por Paul Rudolph y otros porque quiere llamar la atención de la gente. Este es el hogar de los automóviles debido a los cambios. Su libro es esencialmente estadounidense y ha dado una respuesta clara a las necesidades de nuestra sociedad dinámica, y todos hemos escuchado mucho. Sobre el drive-in, Banham escribe:

Esta visión más reciente del éxtasis en el desierto presumiblemente se disuelve cuando la pareja regresa a su automóvil y la pista de baile se convierte en un tramo de carretera… y el silencio reemplaza el sonido de la música. Ahora sabemos cómo se ve un autocine o un salón de baile ... un terreno plano, etc., pero ¿cómo se vería o se comportaría un drivein?

La imagen anexa, es una sección horizontal de una casa. (Se muestra como un techo esférico segmentado con piso rudimentario debajo).

El propósito de este diagrama es explorar el

DRIVE-IN HOUSE: HORIZONTAL SECTION CUT. 3 PHASES (1995)

mecanismo de cómo rotar el automóvil dentro de una casa (a través del tubo de admisión) mientras se mantiene un sello para evitar que el aire exterior o exterior ingrese a la habitación o al exterior. Al realizar el dibujo, aún no se ha considerado el diseño de la casa en sí, por lo que se presenta de manera simplificada. El material sólido cortado se muestra en escala de grises. La casa está ubicada en una ladera.

La imagen es tripartita e incluye imágenes consecutivas numeradas 1, 2 y 3. cumpliendo fielmente con esa convención de representación arquitectónica que requiere que la entrada principal del edificio se coloque a lo largo del borde del fondo para que nuestros ojos puedan entrar.

“Arriba” en la imagen. Aquí, nuestros ojos deben verse perturbados por la línea de visión de un solo ojo del conductor (el centro de su línea de visión), y la línea de visión es “hacia arriba” en las tres etapas, lo que significa que el edificio debe girar alrededor del conductor, en lugar del conductor alrededor del edificio. Al cumplir plenamente con estas convenciones, el propósito original es facilitar la legibilidad.

En la parte 1, el automóvil ha sido conducido a través del tubo de admisión hacia un tambor giratorio en el sentido de las agujas del reloj.

El centro de visión del conductor permanece firmemente vertical. Una línea amarilla curva marca el camino del sol a través del techo esférico.

En la Parte 2, el tambor gira más y la cantidad de aire contenido en el tambor se calienta o enfría a la temperatura interna de la casa. El centro de la línea de visión del conductor es siempre vertical, por lo que el tubo de admisión y la cabina deben seguir y girar.

En la parte 3, el tambor ha girado aún más de modo que sus paredes internas ahora se alinean con las de la casa. El coche se ha convertido en el objeto precioso que hay dentro..

.02 T E R R I T O R I E S

ABSTRACT PA R T 0 2 02. TERRITORIES ANALIZADO POR: MAYROBI PAYANO, ANA CANAÁN Y ARLANA CASTILLO 06 | SYMBIOTIC SPACES: DECOLONIZING IDENTITY IN THE SPATIAL DESIGN OF THE MUSEUM OF MACAU Symbiotic spaces reflexiona sobre el Museum of Macau (Museo de Macao) desde un punto de vista narrativo, así como su potencial para dar a conocer cómo la configuración espacial de los museos puede narrar la historia y el conocimiento que se exponen en los mismos.

07 | SHAPE SHIFTING: INTERIOR ARCHITECTURE AND DYNAMIC DESIGN Shape Shifting aborda el término de arquitectura de interiores desde la nueva perspectiva que ha adquirido desde principios de la década de 2,000, alineándose a las ideas de adaptar los edificios existentes para contener nuevos edificios influenciados por la tecnología.

08 | POLITICIZING THE INTERIOR Politicizing the interior es un análisis del carácter político de la arquitectura de interiores a través del trabajo de Marc Augé y Guy Debord, los cuales exploran la teoría cultural entre la escala urbana e interior, tomando en cuenta que ambos diseños provienen de la experiencia humana y cambian constantemente según el ritmo socioeconómico.

09 | FABRICATING INTERIORITY Fabricating Interiority inicia explicando cómo la arquitectura de interiores debe necesariamente separarse de la arquitectura para poder convertirse en un campo de estudio y práctica únicos por sí misma. Mencionando como la arquitectura, por su parte, ha tenido que demostrar su propia autonomía como disciplina en el pasado, separándose de la ingeniería.

Continúa recalcando como la base esencial de la arquitectura recae sobre el acto fundamental del diseño de espacios. Lo que nos lleva a la interrogativa de que es lo que define a la arquitectura de interiores como una disciplina

TERRITORIES

independiente. El interiorismo es más puntual, este parte de la arquitectura y no puede ser concebido por sí solo, ya que la arquitectura es el medio en el que se desarrolla. El diseño de interiores es específico y distintivo, resaltando las diferencias que se encuentran dentro de la misma arquitectura.

10 | TERRITORY AND INHABITATION Territory and Inhabitation habla de la idea de territorio desde el siglo XIX, el cual tiene un paisaje ubicado política y geográficamente hasta el territorio comprendido como un campo de acción definido, pero que no tiene lugar.

También, en este apartado se abarca la relación recíproca más que jerárquica, entre el territorio y el interior habitado.

11 | SWIMMING UPSTREAM: REPOSITIONING AUTHORSHIP AND EXPANDING THE AGENCY OF THE ARCHITECT Swimming upstream analiza ejemplos de proyectos y modelos de práctica arquitectónica de interiores construidos con herramientas personalizadas que desafían los métodos de fabricación convencionales.

06- SYMBIOTIC SPACES: DECOLONIZING IDENTITY IN THE SPATIAL DESIGN OF THE MUSEUM OF MACAU BY: EMILY STROKES-REES ANALIZADO POR: MAYROBI PAYANO, ANA CANAÁN Y ARLANA CASTILLO Este capítulo reflexiona sobre el Museum of Macau (Museo de Macao) desde un punto de vista narrativo, así como su potencial para dar a conocer cómo la configuración espacial de los museos puede narrar la historia y el conocimiento que se exponen en los mismos.

Dvora Yanow, quien ha estudiado los museos desde esta perspectiva, centra su tesis en que los museos son artefactos en sí mismos, los cuales pueden ser leídos e interpretados como parte integral de la narrativa desarrollada y transmitida junto de las exhibiciones.

De esta manera, se hace hincapié en la relación simbiótica entre los distintos elementos que forman parte de esta narrativa, de la cual puede surgir un elemento nuevo. Esta relación simbiótica ocurre entre la forma, la función, la historia del museo y entre la arquitectura exterior e interior, las cuales siguen actuando como protagonistas en la transmisión de la idea simbiótica respecto al pasado y al presente, a la forma y la función, a lo colonial y a lo poscolonial.

Los museos como espacios públicos se conectan y se establecen como propios de la comunidad, de manera tal que representan a la misma de forma simbólica. Esta representación forma parte de la identidad colectiva que se logra a través de la arquitectura mediante la relación entre la edificación y las personas. Lawrence y Low exponen este pensamiento describiendo y definiendo los edificios como un resultado tangible de los aspectos intangibles que forman parte de la cultura evolutiva de una comunidad.

De esta manera, las edificaciones comunican y transmiten las ideas y significados de los símbolos, formas de vida y de pensamiento de dicha comunidad. Reescribiendo las ideas antes mencionadas enfocadas a los museos, estos deben ser percibidos como parte de la dinámica

narrativa que se cuenta en su interior y de la cultura y la identidad social de su contexto, y no ser vistos como simples contenedores de objetos y personas. Además, estas últimas son la parte activa que aprecia la edificación y todo lo que compone a la misma. Por tal razón, las personas deben ser impactadas en todos sus sentidos para que la comunicación se pueda interpretar en todos los aspectos posibles.

Tomando en cuenta la evolución y el transcurso de la historia, la arquitectura es y siempre ha sido un eje focal para la expresión cultural a través del tiempo, por lo que es de suma importancia para la identidad o estilo nacional de esta índole en un entorno que ha pasado por una o varias etapas de colonización. De este modo, los elementos físicos heredados de una colonización pueden ser o no aprovechados por la comunidad en la que inciden, lo que lleva a un punto de debate la construcción de nuevos museos.

Esto se debe a que esta es una decisión que influye de forma muy directa en la identidad y en la forma de materializarla para transmitir los rasgos característicos de dicha ciudad o comunidad.

De esta manera, las distintas naciones eligen una u otra opción según su finalidad y modo de desarrollo urbano y contextual MACAU AND ITS MUSEUM Macau forma parte de una área administrativa regional en el sur de china, con una población de 363,200 personas viviendo en una área de 30.3km2. Su localización geográfica ha tenido una influencia palpable en la evolución del espacio; se usó como prisión, más tarde tomó la función urbana de adaptarse a un parque, en la actualidad es un museo que expresa la tolerancia interétnica que caracteriza a Macau.

SITIO WEB SECRETMACAU. Extraído de https://www.secretmacau.com/macao-museum/

Al restaurar el patrimonio postcolonial es posible observar problemáticas en su emplazamiento, el museo se encuentra sobre una colina alta, aunque esto brinda vistas atractivas de la ciudad, es difícil garantizar el flujo de usuarios que estén dispuestos a subir hasta el tope.

En adición a esto, la estructura original de la fortaleza consistía de un edificio pequeño de un solo nivel, estos antecedentes buscaban la solución hacia el emplazamiento de un museo que pudiera albergar entre 1.500 y 2.000 metros cuadrados de espacio que no corrieran el riesgo de dañar el tejido histórico y el ambiente de la fortaleza. La estrategia utilizada consistió en excavar dos pisos, los cuales se guían a través de un vestíbulo de entrada subterránea.

El diseño del Museo de Macao demuestra la posibilidad de transmitir ideas a través del espacio en sí. En este se exponen elementos de la cultura china y la cultura europea, mostrando cómo ambas conviven en simbiosis, forjando lo que es la identidad postcolonial de Macao. La culminación de la exhibición y de su travesía espacio-temporal en la que embarca a sus visitantes toma lugar en la salida del museo, ubicada en la azotea de la edificación, desde donde se puede apreciar a sus anchas las tierras de Macao gracias a su ubicación en la colina de la Fortaleza do monte o Monte Forte, antigua estructura militar construida por los portugueses durante la colonia.

Esta salida es la cúspide figurativa y literal del viaje progresivo a través de la historia que supone el Museo. Al llegar a la azotea y admirar el paisaje de Macao se llega al presente, al resultado de la coalición cultural entre Europa y Asia, y lo que esto significa en las vidas de todos los que habitan aquí, como ellos a la vez son parte de la exhibición, parte de la historia.

07- SHAPE SHIFTING: INTERIOR ARCHITECTURE AND DYNAMIC DESIGN BY: MARK TAYLOR ANALIZADO POR: MAYROBI PAYANO Este capítulo aborda el término de arquitectura de interiores desde la nueva perspectiva que ha adquirido desde principios de la década de 2,000, alineándose a las ideas de adaptar los edificios existentes para contener nuevos edificios influenciados por la tecnología.

Brooker y Stone adoptaron un enfoque más racional para comprender el interior a través de los materiales, la forma, la geometría, etc. Sin embargo, Caan reconoce que la atmósfera, el sentimiento y la presencia espacial son factores que afectan la percepción de un interior, lo que podría llamarse “interioridad”.

Gracias a que el diseño de interiores se ha visto fuertemente influenciado por los avances digitales, los espacios “supermodernos” son estudiados, identificados y dirigidos por sensores, máquinas y lectores de tarjetas. Dichos espacios son construidos de forma replicada en distintas ubicaciones del mundo, siendo este un resultado del capitalismo corporativo, la economía empresarial o los simples “diagramas de eficiencia”.

No obstante, a pesar de que vivimos en un mundo altamente conectado, la realidad es que en lo interno y emocional estamos desconectados.

Como plantea Bingham, esta desconexión es el resultado de la “sobreabundancia de información y eventos actuales, así como de la aceleración de la vida y la historia humanas, pero aún más en la proliferación de no lugares, que son inherentemente impersonales e impermanentes.”

Ole Bouman plantea que estamos en una era arquitectónica donde las personas se convierten en la interfaz con el objetivo final de “fusionar entornos digitales y físicos en una sola interfaz”.

Es decir, la nueva tecnología, redes sociales y todo el mundo digital, proponen la creación de

NETWORK EVOLUTION BY EXFO

una arquitectura basada en un dispositivo que mide y crea eventos y momentos para ocasiones específicas en el tiempo: entornos interactivos, espacios fusionados con lo real y lo digital, etc.

arquitectura misma.

Considerando lo anterior, Weinstock sugiere que “los paisajes domésticos requerirán inteligencia distribuida y sistemas de materiales activos”.

INTELLIGENT SYSTEMS En este apartado se describe el impacto que está teniendo el mundo digital y cómo éste coexiste con el mundo real que nos rodea. De esta manera, en los distintos espacios, interiores y exteriores, la conectividad de los medios se ha vuelto de gran importancia en la arquitectura de vivienda. Así mismo, Weinstock plantea que, a través de la inteligencia distribuida y sistemas de materiales receptivos, debe existir la posibilidad de cambiar los parámetros internos y los comportamientos en relación con la vida de sus habitantes y los eventos en el mundo externo; esto puede ser paredes cambiantes, alteración del mundo virtual en un tiempo real, etc.

NETWORK INFRASTRUCTURE En un inicio, como menciona el autor, la vida en el mundo físico era limitada y marcada por los cambios directos de la naturaleza: estacionales de temperatura y luz, hoy en día, estos cambios están medidos por datos generados de forma constante. Esto sugiere la existencia del desarrollo de una vida en medio de un entorno físico y uno virtual. Las tecnologías de apoyo, como el desarrollo de tecnologías portátiles, permiten que la interacción con este medio virtual no tenga que ocurrir a través de interfaces gráficas sino que puede ser por el contacto táctil y directo con los elementos del cuerpo. Esto da a entender que el entorno construido de forma artificial puede reformarse en función de las dinámicas e interacciones sociales que se estén desarrollando.

La inclusión de las tecnologías digitales en la vida cotidiana se presta a un distanciamiento entre el espacio habitable como arquitectura fija y como un flujo de información, con la capacidad de coexistir con condiciones ambientales variables. Dados estos planteamientos, se da la obligación de considerar ubicaciones, sitios y entornos alternativos como posibles espacios arquitectónicos para el interior y la vivienda individual.

De esta manera, el interior arquitectónico animado que es impulsado por la tecnología no se limita a la forma construída como el punto de arranque, más bien este ofrece un intercambio dinámico donde hay múltiples eventos ocurriendo a la vez.

The Aegis Hyposurface, concebida por Mark Goulthorp de dECOi Architects, es la primera superficie arquitectónica receptiva del mundo.

Es una obra de arte interactiva que funciona con una serie de sensores, cámaras de video y micrófonos, enviando una serie de datos a una red de pistones que activan la superficie para llevar a “Aegis a una conversación con quien haya desencadenado una respuesta”. Esta es una superficie dinámica e interactiva. Otro ejemplo es el T-Room temporal (2005) diseñado por el arquitecto japonés Kengo Kuma para la exposición Alternative Paradise celebrada en Kanazawa 21st Century Museum, este proyecto utiliza una membrana translúcida llena de aire animada por variaciones en la presión del aire.

No obstante, este no hace uso de redes de estímulo / respuesta para efectuar los cambios requeridos, más bien operó creando un ciclo de movimiento que generó una relación más íntima entre los cuerpos, así como entre el cuerpo y la

08- POLITICIZING THE INTERIOR BY: LIZ TESTON ANALIZADO POR: ANA CANAAN INTERIOR ARCHITECTURE En el siguiente capítulo se examina el carácter político de la arquitectura de interiores a través del trabajo de Marc Augé y Guy Debord, los cuales exploran la teoría cultural entre la escala urbana e interior, tomando en cuenta que ambos diseños provienen de la experiencia humana y cambian constantemente según el ritmo socioeconómico. La teoría de arquitectura de interiores es adyacente al ámbito político, aunque se ha documentado su crecimiento, se conoce que de 195 programas impartidos por el Consejo de Acreditación de Diseño de Interiores (CADI) en Estados unidos, sólo el 14% otorga diplomas en arquitectura de interiores, más allá del reconocimiento de esta nomenclatura en uno de los países más desarrollados, el nombre “arquitectura interior” sigue siendo malinterpretado como una disciplina de tendencia y técnicas de comercialización oportuna.

La arquitectura de interiores se ocupa de diseñar lugares para que las personas los ocupen, consecuentemente, los diseñadores se centran en la experiencia humana del volumen interior, la arquitectura de interiores encuentra el contraste con la arquitectura al considerar con un enfoque más preciso las características de escala, las influencias y deseos individuales que toman forma al encapsular la experiencia de una personA, también es diferente al ámbito urbano, alejada de las demandas colectivas de una ciudad o estado, la arquitectura de interiores se distingue por el factor funcional de un espacio, el sentido de estética y confort, la iluminación, ya sea artificial o natural, el mobiliario ergonómico,etc. Los proyectos más exitosos, sin importar el tipo de diseño, son aquellos que disponen de propuestas que se adaptan a múltiples escalas, pensando de macro a micro, es posible observar esto en proyectos urbanos, donde las condiciones

espaciales, aunque influenciadas por el contexto social, se enriquecen por el planteamiento de las experiencias particulares, independiente a esto la arquitectura interior asume la importancia de las sensaciones humanas en el interior: cómo las personas dejan su marca el espacio con solo existir, las acciones del dia a dia dejan una marca en el espacio, simultáneamente el espacio activa al usuario y devuelve la transmisión, los colores, texturas y luminarias de un espacio se convierten en elementos palpables en la memoria.

Es posible observar la factibilidad que brinda la dualidad de disciplinas en resultados de concursos, El premio AIA Interior Architecture, otorgado a Bestor Architecture por el proyecto Beats by Dre Headquarter, fue descrito como “cálido y acogedor” un lugar donde el trabajo resulta placentero, el diseño energiza al personal en una atmósfera activa, en otro ejemplo, el relato de las Oficinas Mundiales de IMG de la revista Studios Architecture en interiores, se centra en la materialidad y el mobiliario, los suelos de terrazo y mosaicos restaurados que sirven de fondo y contrapunto a un museo ultra contemporáneo: paredes blancas y muebles en tonos neutros forman parte de la estrategia de diseño.Al observar como los dos territorios de diferentes escalas pueden coexistir para crear un panorama innovador, al entender que los bordes de una disciplina son imaginarios, el diseño de volúmenes interiores se basa en las condiciones actuales dentro del edificio existente y depende del contexto circundante URBAN GEOGRAPHY: POLITICAL AND EXPERIENTIAL El diseño sistemático de interiores centrado en los fenómenos estéticos e individuales alimenta un estereotipo que limita el verdadero conocimiento de todo lo que implica crear una vivencia. Asimismo, el diseño urbano, que se

BEATS BY DRE HEADQUARTER, BESTOR ARCHITECTURE

dedica principalmente a las fuerzas políticas y geométricas, apoya la ilusión de una vertiente disciplinaria. Cada disciplina debe hacer uso de las fronteras más amplias de sus vecinos.

Como ha comentado Terry Meade, los diseñadores de interiores a menudo pasan por alto las discusiones críticas sobre los problemas sociopolíticos que ocurren en el entorno construido. Los espacios interiores, en su mayoría, son privatizados y no forman parte de los bienes comunes de la sociedad, como resultado, los diseñadores pueden sentir que su línea de trabajo y talento no satisface las demandas colectivas del público, considerando la falta de estimulación en los proyectos urbanos organizados por entidades políticas, es posible visualizar el potencial de arquitectura de interiores al tomar en cuenta la perspectiva urbana y antropológica, reconocer la política del interior a través de la lente de otras disciplinas mejorará tanto la teoría como la práctica de la arquitectura interior.

A través del reconocimiento de la unión viable entre los territorios interiores y urbanos, es posible descubrir la frontera que unifica estas disciplinas. Es necesario proveer espacios académicos y oportunidades destinadas hacia la investigación teórica, ya que esta analiza la memoria colectiva, las políticas de inclusión y su papel en el entorno construido, esto ayuda a reposicionar el papel del interior en el diseño contemporáneo, en adición a las trayectorias básicas, hay múltiples conflictos que intervienen con la politización del interior: La sostenibilidad de materiales, leyes de derechos civiles relacionados con el espacio y el impacto de la tendencia en los espacios corporativos, estos temas involucran implicaciones culturales proyectadas en la secuencia de espacios y su funcionalidad.

09- FABRICATING INTERIORITY BY: MARK TAYLOR ANALIZADO POR: ARLANA CASTILLO El texto inicia explicando cómo la arquitectura de interiores debe necesariamente separarse de la arquitectura para poder convertirse en un campo de estudio y práctica únicos por sí misma.

Mencionando como la arquitectura, por su parte, ha tenido que demostrar su propia autonomía como disciplina en el pasado, separándose de la ingeniería.

Continúa recalcando como la base esencial de la arquitectura recae sobre el acto fundamental del diseño de espacios. Lo que nos lleva a la interrogativa de que es lo que define a la arquitectura de interiores como una disciplina independiente. El interiorismo es más puntual, este parte de la arquitectura y no puede ser concebido por sí solo, ya que la arquitectura es el medio en el que se desarrolla. El diseño de interiores es específico y distintivo, resaltando las diferencias que se encuentran dentro de la misma arquitectura. De esta manera estas disciplinas son definidas a partir de distinciones, la arquitectura se distingue del medio ambiente en el que se emplaza, y el interiorismo distingue estos espacios que se han generado dentro de la arquitectura, en primer lugar entre ellos mismos, y en segundo entre ellos y el exterior que encapsula a ambos. Mientras la arquitectura debe circunscribirse irremediablemente en el medio natural que le rodea, al diseñar espacios interiores las posibilidades se multiplican, ya que el contexto en el que se encuentra es un espacio confinado y controlado, “un mundo artificial” por lo que no existen las mismas barreras y limitaciones presentes en el exterior. Gracias al surgimiento de la arquitectura moderna y la creación de nuevas tecnologías constructivas, el diseño de interiores pudo definir más su identidad, cobrando protagonismo en los nuevos rascacielos, donde la arquitectura del momento no se concentraba tanto en el espacio interior.

Por otro lado, surgía irónicamente a la vez una oportunidad y amenaza para el diseño de interiores, junto con los nuevos métodos constructivos llegaron los nuevos materiales, los muros cortina con su transparencia supusieron un quiebre entre la barrera física entre el interior y el exterior que significaba la arquitectura, poniendo en riesgo la distinción dentro-fuera que se menciona anteriormente al disolver visualmente los cerramientos del contenedor que representa la arquitectura.

Sin embargo, a la vez que sucedía esto, el campo del interiorismo fue adquiriendo independencia de la arquitectura. La aparición de las torres y rascacielos no sólo difuminaron la línea entre interior y exterior, sino que crearon una nueva concepción del espacio interior, más desapegada de su contenedor arquitectónico que nunca, permitiendo a los diseñadores aún más libertades para concebir estos espacios.

De esta manera el diseño de interiores busca recuperar esas distinciones entre el espacio interior y el espacio exterior que eran tan claras en el pasado, al mundo moderno. A la vez, el interiorismo comienza a visualizar el espacio a intervenir como una atmósfera unificada.

Las tecnologías existentes en la actualidad han contribuido por igual a la instauración de la identidad de esta disciplina. La digitalización, las maquinarias nuevas de producción y demás, han generado numerosas oportunidades para los diseñadores, permitiéndoles enriquecer sus creaciones. En edificaciones como el Crystal Bridges Museum Store o la Iglesia Presbiteriana del Norte se demuestra como la creación de superficies, texturas y materiales, generadas a través de métodos digitales, le otorgan identidad al espacio interior, permitiendo que este se maneje de forma independiente a la edificación arquitectónica.

TECHO IGLESIA PRESBITERIANA DEL NORTE

CRYSTAL BRIDGES MUSEUM STORE

IGLESIA PRESBITERIANA DEL NORTE

10- TERRITORY AND INHABITATION BY: AMY CAMPOS ANALIZADO POR: MAYROBI PAYANO, ANA CANAÁN Y ARLANA CASTILLO THE FRONTIER Desde el punto de vista de la frontera estadounidense del siglo XIX, el territorio hace referencia a la promesa de la propiedad de la tierra y recursos y, al mismo tiempo, sugiere la afirmación de uno mismo. La propiedad de un territorio paisajístico proporcionó la libertad social para que un dueño de tierra construyera su propia habitación en ese lugar. En este caso, la tierra es la que proporciona la estructura para el habitar y el contexto cultural que podría surgir de ella.

CONSTRUCTED TERRITORIES La Anatolia meridional neolítica representa una inversión de la jerarquía territorial de la frontera.

De este modo, la construcción de viviendas produjo un territorio fabricado sobre el que se definió una cultura pública. Antalya fue uno de los asentamientos urbanos más antiguos y singulares. El libro cuenta que en esta ciudad las casas se construyeron con ladrillos de barro reforzados con postes de madera, formadas por una gran habitación individual con cuartos de almacenamiento más pequeños construidos en la periferia. Las paredes interiores fueron enlucidas y decoradas con frecuencia; En el interior principal se construyeron plataformas para diversos usos. Estas tenían un único medio de salida, el cual era a través del techo por una escalera de madera y aberturas al exterior.

No había calles ni plazas que separaran los edificios independientes. La línea del techo era el marcador territorial entre el espacio interior y exterior, lo privado y lo público. De este modo, la jerarquía espacial de la frontera americana se invierte en la ciudad monolítica. Aquí, el interior construido produce un espacio público que define el territorio de la ciudad.

Un ejemplo que plantea el capítulo sobre la influencia y utilidad del diseño para transformar

espacios y jugar con el interior y exterior, lo es el siguiente: “En la planta de aviones Lockheed Burbank, en los suburbios de Los Ángeles, se contrató a equipos de diseñadores de escenografía y utilería, decoradores, directores de escena y otros expertos de las etapas de producción de Hollywood para asumir el enorme proyecto de ocultar una operación militar del tamaño de todo un barrio. Se construyó un enorme techo de malla para cubrir toda la planta, incluidos todos sus edificios, calles e infraestructura de estacionamiento, hangares de aviones y pistas de aterrizaje. La malla se erigió para parecerse a los suburbios estadounidenses que rodeaban la planta. Casas falsas delgadas como el papel, calles con carros de goma, árboles y arbustos, incluso tendederos con ropa para secar y bocas de incendio formaban el señuelo horizontal elevado. Este espacio exterior, visto solo desde arriba, produjo una nueva fachada horizontal construida como desvío periférico para una serie de acciones precisas y cerradas. La decoración del exterior, como un paisaje señuelo, actúa como una distracción arquitectónica de las operaciones encubiertas de la planta en el interior, convirtiéndose en la antítesis del adagio “la forma sigue a la función”. Se crea el interior de la planta de aviones Lockheed Burbank y encerrado por un paisaje suburbano artificial que se funde con el paisaje suburbano circundante real, ninguno de los cuales es parte integral de las operaciones internas de la planta en sí.

La interioridad existe independientemente del territorio como condición ubicada. “La planta es una isla escondida y sin lugar dentro de un paisaje intencionalmente intrascendente.

El paisaje de este suburbio falso, la malla de camuflaje, permite que el interior se libere del lugar, lo que sugiere un potencial para que exista en cualquier lugar o no.” Siendo esto así, el diseño de interiores hace uso de las actividades producidas en los tiempos específicos y adopta

PLANTA DE AVIONES LOCKHEED BURBANK BY HIPERTEXTUAL

una forma favorable y específica según la función sugerida.

THE LIBERATED INTERIOR El uso de tapices forma parte de las condiciones interiores que han tenido un largo trayecto en diferentes localizaciones geográficas, en la antigüedad, el ensayo toma como ejemplo el uso de los tapices, los cuales eran posesiones preciadas, debido a que su producción requería mucha habilidad, tiempo y capital. En los siglos XVII y XVIII, los tapices representaban escenas que ilustraban lugares lejanos o fantásticos, de esta manera se convirtieron en una ventana a otro territorio narrativo, pasaron de una generación a otra, reforzando las mitologías familiares a través de sus representaciones narrativas. Fue la movilidad de los tapices lo que los hizo estratégicamente más valiosos, precisamente por su calidad, en la actualidad, donde el avance de la tecnología y diversidad cultural prevalecen como factores que caracterizan a la sociedad, este valor se amplifica en el contexto socioeconómico, donde aspectos como la mano de obra, cambio climático e industrias cambiantes han dado lugar a cambios de mercado, recursos y personas.

Esto abre la oportunidad a un diseño de pieza/ mobiliario más complejo y diverso en su función.

TERRITORIAL TRANSIENCE En el siglo XXI, ocupar un lugar situado se hace menos importante y primordial que la capacidad de mantener múltiples condiciones y eventos simultáneos en un mismo espacio o ubicación.

Por ende, el diseño de interiores y sus objetos se han de redefinir como procesos de ocupación que crean momentos más que como elementos de una ubicación específica.

11- SWIMMING UPSTREAM: REPOSITIONING AUTHORSHIP AND EXPANDING THE AGENCY OF THE ARCHITECT BY: BLAIR SATTERFIELD AND MARC SWACKHAMER ANALIZADO POR: MAYROBI PAYANO, ANA CANAÁN Y ARLANA CASTILLO BLAIR SATTERFIELD AND MARC SWACKHAMER A través de una mayor participación en el proceso de construcción, investigación de materiales, diseño de herramientas y equipos de colaboración fuera de lo común, los diseñadores presentados a continuación han aumentado la variación formal para producir un trabajo que es más sensible al programa y al desempeño, al tiempo que disminuyen los costos. Un ejemplo de este proyecto, Swimming Upstream, especula sobre cómo los diseñadores pueden volver a retomar el control de los procesos de construcción que los han dejado cada vez más marginados como participantes en la concepción de interiores, edificios, ciudades e infraestructuras. Ofrece tácticas y estrategias como la producción de herramientas y procesos adaptables personalizados (aplicados a una variedad de trabajos con distintos materiales) para transformar y agregar materiales de construcción excesivamente estandarizados en diferentes escalas, desde interiores arquitectónicos hasta grandes infraestructuras.

THE EXPANDING SPACE OF WORK Las industrias del petróleo, software, biotecnología, metales y farmacéutica definen el espacio de trabajo como un continuo completo e inclusivo que tiene ubicación y flujo direccional.

De esta manera, las actividades realizadas se desarrollan en un área que funciona específicamente para cada una de las mismas.

El amplio acceso a la información y a las herramientas digitales está ampliando el alcance del diseñador, lo que le permite la entrada en áreas de producción y fabricación pérdidas desde hace tiempo para otras industrias y profesionales. Estas herramientas también están transformando el mercado, haciendo que los materiales lleguen a los diseñadores de forma

distinta y sean concebidos de forma distinta también. Estos cambios y transformaciones evolutivas han abierto nuevas áreas de discurso en el diseño y han cambiado la forma en que definimos la autoría.

generar ideas, formas y ensamblajes también deben evolucionar, el autor menciona el ejemplo icónico de Gehry Technologies, la cual nace del interés del arquitecto al querer desarrollar formas nuevas y más poderosas de entregar proyectos arquitectónicos complejos.

SHARED COLLABORATIVE AUTHORSHIP Se ha demostrado que la factibilidad de un diseño solo puede enriquecerse al tomar en cuenta la consultoría en la práctica, este enfoque es utilizado entre especialistas de múltiples disciplinas que trabajan en apoyo de la visión compartida, la cual origina del diseñador líder del proyecto. Al diseñar en colaboración con personas que van desde científicos de materiales, ingenieros eléctricos y biólogos celulares hasta miembros de disciplinas paralelas (diseñadores industriales, por ejemplo), resulta ser más orgánico concebir y prototipar proyectos innovadores que operan a múltiples escalas y utilizan una diversa paleta de materiales. El capítulo menciona como ejemplo, el proyecto “eSkin”, estudia el comportamiento celular basándose en la comprensión de la dinámica de las células humanas, utiliza esta relación como modelo para generar superficies arquitectónicas receptivas. Estos nuevos sistemas responden activamente a las aportaciones ambientales a un nivel microscópico. El resultado es un proyecto que se comporta más como un organismo vivo que como un edificio, al desarrollar el diseño con la ayuda de bioingeniería y la autoría colaborativa de esa investigación con consultores al principio del proceso, se desafía el proceso convencional de diseño.

Uno de los primeros en adoptar el software Building Information Management (BIM) fue Gehry Technologies. Esta empresa se valió de softwares paramétricos y herramientas de fabricación digital de otras industrias y las aplicó al diseño y la entrega de edificios. Finalmente esto condujo a colaboraciones directas con diseñadores e ingenieros aeroespaciales y automotrices para desarrollar nuevas herramientas y técnicas para su práctica.

Actualmente, Gehry Technologies es una importante consultora con servicios que incluyen el modelado y detallado de ensamblajes arquitectónicos, y la generación de modelos 4D de construcción junto con la entrega de productos. Cada vez más, cuando los arquitectos y diseñadores están insatisfechos con las herramientas disponibles para el diseño, la construcción y la entrega del proyecto, en lugar de adaptarse a los sistemas anticuados, están haciendo un esfuerzo para diseñar las herramientas. que les ayuden a diseñar su trabajo. Esto requiere nuevos conocimientos y la capacidad de colaborar y tomar prestadas ideas de otros. En el caso particular de Gehry Technologies, la insatisfacción con el software de modelado in situ llevó a la empresa a mirar más allá de los límites convencionales del campo de la arquitectura. En otros ocasiones, los diseñadores han confiado en su propia experiencia para influir en áreas de ejecución de proyectos que normalmente fuera de su control.

CREATION OF NEW TOOLS: Los medios de creación son activos mediante sus métodos de innovación, con el fin de ampliar verdaderamente los límites de las creaciones, las herramientas utilizadas para

INDUSTRIA DE PETRÓLEO BY SUEZ-AMÉRICA-LATINA

.03 S P A T I A L I T I E S

ABSTRACT PA R T 0 3 03. SPATIALITIES ANALIZADO POR: SARA HICIANO, ARLENE FUERTE, DANNA MARTÍNEZ Y KAYLA NICOLE JIMÉNEZ La Tercera Parte titulada “Spatialities” (Espacialidades) expone algunos aspectos y caracteristicas de distintas tipologías de espacios que componen el arte de la Arquitectura. La misma posee siete sub partes: 12 | INSIDE LOOKING IN: THE PROSPECT OF THE ASPECT - URSULA EMERY MCCLURE AND MICHAEL A. MCCLURE Este escrito destaca los conceptos de “El prospecto y el aspecto”. El prospecto y lo aspecto trata sobre la fluidez espacial que existe entre lo interior y lo exterior, esta relación no se limita simplemente al espacio techado y al que no lo está. También llamada, la perspectiva del aspecto describe una multiplicidad experiencial de un objeto o espacio.Utiliza como ejemplos 2 obras arquitectónicas consideradas como reliuquias históricas: el Panteón de Roma y Centro de Georges Pompidou Así también, el autor realiza un llamado de atención de que en muchos proyectos, se observa la desconexión entre el espacio arquitectónico y es contexto, dando lugar a “objetos de arte” aislados.

13 | THE WAITING ROOM: TRANSITIONAL SPACE AND TRANSITIONAL DRAWING SUSAN HEDGES Muchas veces se interpreta el momento de espera como un tiempo de pleno aburrimiento, no obstante, considero que el espacio, el lugar donde estés puede transformar ese tiempo en una experiencia gracias a la arquitectura del espacio.

La “espera” es una actividad que, sin importar el lugar o espacio, todos como humanos hemos experimentado. “La sala de espera se puede imaginar como un lugar visitado con frecuencia, una sala para quedarse, sentarse o pararse, caminar y conversar.”

14 | SPATIAL SEDUCTIONS: THE EVERYDAY INTERIORITIES OF MARCEL DUCHAMP, EDWARD KIENHOLZ, AND PEPÓN OSORIO PABLO MENINATO En este capítulo se analizan las obras de distintos artistas para describir la manera en la cual ellos desarrollaban sus propuestas y los conceptos detrás de sus obras, comparando ciertas similitudes y diferencias entre ellos. Se destaca como cada uno de ellos aportó a la arquitectura a través de sus propuestas que comunican sus ideas a través del arte.

15 | INSIDE THE PREFAB HOUSE - DEBORAH SCHNEIDERMAN Este capítulo se enfoca en desarrollar el concepto de la casa prefabricada y de cómo ciertas nociones sobre este tipo de construcción puede aportar a soluciones eficientes y asequibles. Menciona distintas obras en donde se refleja la innovación al incorporar este método constructivo, brindando distintas soluciones arquitectónicas 16 | OCEANIC INTERIORITIES - SARAH TREADWELL ¿Qué tanta relación guardamos los cuerpos humanos con los cuerpos marinos? ¿Qué relación existe entre el Mar Rojo y la sangre de un ser humano? Este capítulo se enfoca en la estrecha relación que presenta las profundas aguas del océano, con la profundidad que convela desarrollar un espacio interior; como se mantiene mediante membranas permeables que permiten la separación al tiempo que permiten conexiones a escala individual y global.

El océano cambiará la historia de la gente del Pacífico; Teresia K. Teaiwa sugiere que la gente tenga una ventaja en el Pacífico.

GALERÍA ABOVEDADA DE PALACIO DE VERSAILLES. PARÍS, FRANCIA. (EJEMPLO DE ESPACIO TRANSITORIO)

17 | TECHNOLOGIES: THE SPATIAL AGENCY OF DIGITAL PRAXIS - ERIN CARRAHER Este capítulo presenta opiniones que se han creado a lo largo de los años respecto a la fabricación digital, y expone un punto de vista crítico en donde destaca los beneficios para los diseñadores y los mismos espacios de utilizar herramientas como esta para responder a las necesidades de diseño y espacio de una manera personalizada, económica y responsable. La estética del diseño de interior está estrechamente relacionada con las herramientas que se usen para su diseño y acabado.

18 | TRANSFORMING INTERIOR VOLUMES: VOLUME + SURFACE + MASS - JONATHON R. ANDERSON AND LAURA LOVELL-ANDERSON Este capítulo se centra en los sistemas expresados físicamente, como un estudio del proceso emergente de transformación del volumen interior a través del desarrollo de topografías de diseño autógeno a escala y contexto interior.

Se menciona una investigación de las estructuras cuticulares autoorganizadas de las escamas de alas de mariposa en Callophrys rubibi por Janine Yeung, que representa un diseño topográfico autógeno que fue desarrollado por análisis de superficie y computación sistémica. Su trabajo se centró en la repetición y subdivisión de una celda de la superficie del giroide y submódulos a los que se aplicaron parámetros de entrada de un sistema biótico. La investigación de Janine Yeung destaca la importancia de la articulación estructural, especialmente en la educación académica, como una herramienta para resolver problemas de diseño que alguna vez se consideraron demasiado complejos o imposibles de construir.

12 - INSIDE LOOKING IN: THE PROSPECT OF THE ASPECT BY: URSULA EMERY MCCLURE AND MICHAEL A. MCCLURE ANALIZADO POR: SARA HICIANO A lo largo de los años, el Diseño se caracterizado por materializar la ocupación humana y sus actividades. No obstante, esta acción debe comprenderse y llevarse a cabo de una manera integral. Cada elemento que conforma una solución de diseño arquitectónica o de cualquier otra rama del Diseño, debe estar integrada dentro del gran Sistema Complejo que alberga estas soluciones.

físico de la plaza, la cual se traduce como una habitación urbana diseñada, un espacio interior dentro de lo que es la Ciudad. Tal y como lo establece el texto, “los edificios circundantes se leen como paredes interiores del espacio, no como fachadas exteriores.” Es por eso que, se aprecia una continuidad entre la relación entre las diferentes escalas espaciales, y, por consiguiente, la humana.

Es interesante comprender el poder que poseen los espacios arquitectónicos de funcionar como un “conector y separador del interior, del paisaje y de la condición urbana” (E. Mcclure y M. Mcclure, 2018). Significando así que, existe un gran valor en aquellos espacios interiores que trascienden y atraviesan las diferentes escalas y que, al mismo tiempo, unifican estos espacios.

Otro ejemplo arquitectónico que se muestra es el Centro de Georges Pompidou en París.

El cual desarrolla características similares al Panteón, pues establece una perspectiva diferente del aspecto. La plaza no actúa como un espacio antes del edificio (un espacio para ver el objeto), sino que se desliza a través del marco de acero, pareciendo pasar por debajo y por la planta baja. La f luidez se traduce de manera imparable, pues la ciudad nunca se detiene sino que atraviesa el edificio.

Este escrito destaca los conceptos de “El prospecto y el aspecto”. El prospecto y lo aspecto trata sobre la fluidez espacial que existe entre lo interior y lo exterior, esta relación no se limita simplemente al espacio techado y al que no lo está. También llamada, la perspectiva del aspecto describe una multiplicidad experiencial de un objeto o espacio.

El Panteón de Roma es una reliquia de la arquitectura que ejemplifica el tipo de conexión múltiple que puede poseer una edificación. Esta obra arquitectónica posee una relación entre sus siguientes espacios y entornos: Interior + Pórtico + Plaza + Ciudad.

Esta obra en su espacio interior posee como eje central vertical de su cúpula el óculo el cual proporciona el gran foco de iluminación hacia el interior del espacio. Este elemento “atrae la atención hacia el cielo al derrumbar experimentalmente el interior, el edificio y el exterior.” Esta lectura de relación interior y exterior se puede apreciar en el pórtico y plaza del mismo. El pórtico establece un límite

PANTEÓN DE ROMA - ITALIA

para el diseño en sus diferentes escalas y ramas.

No obstante, en muchos proyectos, se observa la desconexión entre el espacio arquitectónico y es contexto, dando lugar a “objetos de arte” aislados. El sistema actual aparentemente está configurado en contra la creación de un entorno construido complejo e integrado.

Sin embargo, esto no quiere decir que no existan ejemplos contemporáneos de entornos que exploten la perspectiva del aspecto y que apuesten a la integración de las disciplinas.

Pero, aún así, se pueden encontrar obras arquitectónicas alrededor del mundo de distintas escalas en donde los paisajes, edificios e interiores se encuentran aislados y no integrados.

A principios del Siglo XX, se presentan cambios drásticos en la manera de construir y percibir la arquitectura interior o exterior esto sucede debido a la invención del aire acondicionado. Al no presentarse la necesidad de una condición estructural que ayudara a delimitar el ambiente regulado del interior, nuevos elementos se se añaden a esta Arquitectura.

Estos nuevos cambios dieron lugar a una Arquitectura hermética, aquella que creaba un límite entre el interior y exterior. El espacio interior no necesariamente debía verse relacionada con el exterior, esto significó una fragmentación en el sistema integral del Diseño. Aquel sistema que integra la Arquitectura, el paisajismo, urbanismo, diseño de interiores y demás ramas. Los límites crearon exclusividad en las disciplinas.

Las disciplinas se encuentran en constante crecimiento y perfeccionando las habilidades

CENTRO GEORGES POMPIDOU - PARÍS, FRANCIA.

13 - THE WAITING ROOM: TRANSITIONAL SPACE AND TRANSITIONAL DRAWING BY: SUSAN HEDGE ANALIZADO POR: SARA HICIANO La “espera” es una actividad que, sin importar el lugar o espacio, todos como humanos hemos experimentado. Tal y como menciona la autora Susan Hedge, “es un lugar donde nuestra atención puede dirigirse hacia el hecho de que el paso del tiempo se ha ralentizado.” Ciertamente, en principio, la concepción de este espacio de permanencia temporal no está destinado para hacer otra actividad que simplemente “estar”.

DETALLE LOBBY , AUCKLAND RAILWAY STATION - NUEVA ZELANDA

Es interesante resaltar que esta simple actividad de esperar, adicionádole la cultura y el contexto del lugar provocan la necesidad de rasgos espaciales que respondan al mismo. Para poder desarrollar un espacio que se acomode a las personas que frecuentrarán el mismo, se pueden realizar algunas de las siguientes preguntas: ¿cómo prefieren las personas esperar en este tipo de lugares? ¿las personas tienden a hablar en grupos o permanecen en silencio? ¿se prefiere que las personas estén todas juntas o separadas?

Esta lectura utiliza como ejemplo de estudio el proyecto de la Estación de Tren de Auckland, Nueva Zelanda construida entre 1928-1930.

Una estación al caracterizarse por tener mucho movimiento dbeido a los pasajeros y los trenes a gran velocidad, los espacios de transición como las salas de esperas para el próximo tren representan una pausa en el tiempo y el movimiento.

CAFETERÍA LOBBY, AUCKLAND RAILWAY STATION - NUEVA ZELANDA

Muchas veces se interpreta el momento de espera como un tiempo de pleno aburrimiento, no obstante, considero que el espacio, el lugar donde estés puede transformar ese tiempo en una experiencia gracias a la arquitectura del espacio. La Estación de Auckland, presenta algunos de lugares de transicion y los mismos poseen una increíble arquitectura de interior, atractiva y apreciable para las personas que frecuenten el lugar.

LOBBY Y BOLETERÍA, AUCKLAND RAILWAY STATION - NUEVA ZELANDA

Hedge trata el capítulo sobre el término de el dibujo transicional o en espera.

Lo define aquel “momento para capturar un instante en unos pocos trazos rápidos, un dibujo de transición que marca el tiempo”. Muchas veces la inspiración de estos dibbujos o bocetos informales se ven influeciados por la Arqiuitectura del lugar.

Hoy en día, el espacio de espera ha evolucionado. Las soluciones de diseño se adaptan a los tiempos, uno de esas soluciones es la diversificación de usos, es decir, integrar el espacio de espera con usos diferentes que amerite la actividad y dinamismo en el espacio y no solamente el estancamiento físico.

Investigadores del tema entienden que estos espacios de espera deben ofrecer múltiples niveles de experiencia y establecer el énfasis en el movimiento en lugar de sentarse mientras se espera, lo cual elevaría por completo la experiencia de espera.

Incluso, es importante adecuar esta tipología de espacio a nuestra actualidad, muchos diseñadores han debatido acerca de la importancia de ofrevcer estos espacios en lugares que frecuenten muchas personas. Algo que los ultimos tiempos ha incursionado en el diseño arquitectónico es la variable de la salud puede alterar la manera de diseño. Espacios abiertos y amplios, o incluso, hacer de la sala de espera fisica que sea virtual, han sido alguno de las soluciones que se presentan adecuadas a nuestra realidad mundial actual.

En conclusión, los espacios de transición, incluidos aquí los de espera ,constituyen inconscientemente aquel espacio público y a la vez semi privado donde las personas pueden deternerse, observar y apreciar las bondades que posee el espacio arquitectónico o incluso recibir inspiración artística del mismo.

14 - SPATIAL SEDUCTIONS: THE EVERYDAY INTERIORITIES OF MARCEL DUCHAMP, EDWARD KIENHOLZ, AND PEPÓN OSORIO BY: PABLO MENINATO ANALIZADO POR: ARLENE FUERTE PABLO MANINATO Inicia con una porción en la cual Anthony Vilder da una descripción lírica que define ciertas tendencias en la arquitectura contemporánea.

Esta está caracterizada por una continua intención de crear una producción innovadora y sin precedentes. Ciertos elementos caracterizan estos espacios: espacios tallados, techos ondulados y superficies de tela estampadas. Se resalta cómo se exploran todas las posibilidades de innovación, tanto hasta llegar al punto que la única restricción sería la del presupuesto. Estos proyectos son caracterizados por el rechazo a la tradición, la búsqueda de la abstracción y creación de formas espaciales desprovistas de iconografía figurativa.

Van Doesburg en su obra Contra- Construction explora algunas ideas de su manifiesto. Lo que más se destaca es la manera en que elimina los elementos arquitectónicos más convencionales como lo son la puerta y la ventana, visualizando estos elementos desde otra perspectiva.

Este capítulo analiza la manera en que Marcel Duchamp, Edward Kienholz y Pepón Osorio piensan con respecto a los elementos arquitectónicos y trabajan a nivel espacial.

MARCEL DUCHAMP Las obras de Marcel Duchamp en su mayoría contradicen las nociones básicas del arte moderno y proponen una visualización diferente de los elementos existentes convencionales.

En las primeras décadas del siglo 20, Duchamp inició su análisis sobre las cualidades sutiles y escondidas que se pueden encontrar en los objetos utilizados en el día a día, llegando hasta el punto que llegó a especular si alguno de estos objetos podrían ser considerados como obras de arte. Un aspecto que se destaca de este artista es que toma los elementos cotidianos y los desliga completamente de la función esperada del objeto.

ÉTANT DONNÉS, MARCEL DUCHAMP (1966) 1. THE WATERFALL || 2. THE ILLUMINATING GAS

En comparación con la obra Contra- Construction de Van Doesburg mencionada anteriormente, Duchamp también reinterpreta en una de sus obras el sentido y funcionalidad de los elementos arquitectónicos más convencionales como lo son la puerta y la ventana. En su obra Fresh Widow (1920), Duchamp deconstruye totalmente el significado de estos elementos. Esta obra puede ser interpretada como la reinvención de los elementos convencionales de una edificación pero apartándose de su función original.

Otra obra en lo que esto se puede destacar es 1. The Waterfall, 2. The Illuminating Gas, French: Étant donnés: 1° la chute d’eau / 2° le gaz d’éclairag. En esta destacada obra de este artista, el espectador se encuentra simplemente con una puerta de madera vieja sin ningún tipo de indicación o señal. Solo algunos espectadores se darán cuenta de que esta tiene dos pequeños huecos, haciendo que el único posible uso de la puerta sea espiar. Al mirar por los huecos, el espectador se encuentra con una escultura hiperrealista. Es interesante la manera en que Duchamp le da a la puerta, la función que tendría una ventana de observar y de este modo se aprecia cómo este artista transforma los elementos cotidianos dándoles una nueva funcionalidad inesperada.

EDWARD KIENHOLZ Y OSORIO Inicia describiendo como una de las características más interesantes del cuadro contemporáneo es que se transforma en un vehículo que muchos autores utilizaban para desenmascarar problemas políticos o sociales.

Edward Kienholz y Pepon Osorio son dos ejemplos de artistas con la capacidad de hacer alusiones a problemas contemporáneos dentro de sus obras en diferentes contextos. Se marca cierto contraste con las obras de Duchamp mencionadas anteriormente.

Mientras Duchamp creaba obras a través de las cuales se reflejaba lo absurdo de la vida, Kienholz y Osorio utilizaban las mismas tácticas pero para exponer conflictos en el mundo contemporáneo.

Osorio utiliza tácticas similares a las de Kienholz, a pesar de que su narrativa es diferente. Al analizar las obras de Osorio, un aspecto de suma importancia a tener en consideración es su trasfondo cultural. Tomando en cuenta que nació y fue criado en Puerto Rico pero a sus 20 años tuvo que mudarse a nueva york. Esto le permite tener un panorama de los conflictos que surgen entre latinoamérica y los estados unidos.

Por esta razón, Osorio se refiere hacia sus obras como “Arquitectura social”. Este título se aprecia mucho en su instalación Badge of Honor (1995).

En este se plasman dos espacios diferentes reflejando el contraste entre ambas realidades.

Primeramente, a la izquierda esta la “habitación del padre”. Esta es una celda de prisión minimalista cerrada a través de unas barras de metal. A la deecha, justo al lado de la celda, esta la “habitación del hijo”. Este en contraste esta lleno de posters, trofeos, fotografías y la bandera de Puerto Rico. Entre estos dos espacios hay un gran muro grueso que los separa. Este se puede interpretar tanto como el elemento que une ambos espacios como el que los separa completamente a uno de otro.

Esta obra muestra la realidad que viven algunos niños y adolescentes cuyos padres estan en prisión. Da a mostrar el inquietante orgullo que tienen algunos niños cuyos padres estan encarcelados, por esto es su nombre de “Badge of Honor”. Esta es una insignia que aparentemente indica el coraje de los que cumplen condena.

BADGE OF HONOR, PEPÓN OSORIO (1995)

15 - INSIDE THE PREFAB HOUSE BY: DEBORAH SCHNEIDERMAN ANALIZADO POR: ARLENE FUERTE La investigación sobre este tema de prefabricación en la arquitectura ha sido bastante desarrollada durante más de un siglo pero últimamente se han omitido los documentos que relatan su importancia. Estas técnicas de prefabricación en los interiores han sido evidente por miles de años y sus aplicaciones en la arquitectura son numerosas. Los avances en la prefabricación se deben en gran parte a la investigación de conceptos relacionados al interior, sus distintos elementos y componentes arquitectónicos. Por esta razón requiere de mucho estudio y análisis.

exterior expresados a través del material y el acabado. En su interior, contiene unas unidades prefabricadas que no solo tienen función de dividir espacios sino que se le agregan otros usos como estanterías, gabinetes, closets y tocadores.

Realmente, este no fue el primer ejemplo de una casa prefabricada en acero, pero si el primero en incorporar el uso de una materialidad distinta al momento de la prefabricación. Otro aspecto interesante es la manera en que esta vivienda incluye innovaciones mecánicas para facilitar el dia a dia de los usuarios, que es un aspecto sumamente importante al diseñar un espacio.

Tener una noción de estos conceptos de prefabricación como arquitectos y diseñadores aporta en múltiples maneras ya que brinda opciones eficientes y asequibles en la construcción, también a tecnologías, diseños y soluciones más sostenibles. La primera que fue documentada como prefabricada es la ¨Manning Portable Colonial Cottage¨. En el interior de estas casas prefabricadas, la innovación variaba desde elementos individuales hasta grandes ensamblajes.

FURNITURE HOUSE: AN INTERIORIZED SYSTEM FOR CUSTOM HOUSE PREFABRICATION. Es una casa diseñada por Shigeru Ban basada en la prefabricación de un objeto de diseño de interiores: los muebles. Redefinió el uso que se le daba al mobiliario ya que pasó de un objeto simplemente agregado a la habitación, a un elemento que define los espacios y funciona como elemento estructural.

Otro ejemplo de los primeros interiores que fueron completamente prefabricados es el baño Dymaxion de R. Buminister Fuller (1936). Lo que llama la atención de este espacio es que fue diseñado en cuatro secciones básicas de una manera bastante eficiente, todo incluido dentro de cinco pies cuadrados. Este baño representa a un precursor que impulsó lo que sería la prefabricación especializada en un futuro.

También este modelo sirve como precursor de los baños tipo cápsula diseñados en la actualidad.

THE LUSTRON HOUSE Es una casa prefabricada producida en masa presentada por Carl Strundtland en 1946. Lo interesante de este proyecto es la integración conceptual entre la estructura, el interior y

THE LUSTRON HOUSE

En la fabricación de esta vivienda, Ban colaboró directamente con el fabricante de los muebles.

En muchos casos, el mobiliario funciona como interiores, exteriores y estructura, teniendo acabados tanto en el interior como en el exterior.

Un aspecto de suma importancia que aportó el diseño de esta vivienda fue que permitió la reconceptualización de la jerarquía tradicional en la construcción. En este diseño, se elimina la jerarquía y “los muebles y la casa son uno”.

Hay muchos beneficios al construir esta tipología de construcción: reducido tiempo de construcción, materiales sobrantes reducidos, y una cantidad reducida de mano de obra para construir la casa.

MANNING PORTABLE COLONIAL COTTAGE

THE FURNITURE HOUSE

BAÑO DYMAXION DE R. BUMINISTER FULLER (1936)

16 - OCEANIC INTERIORITIES BY: SARAH TREADWELL ANALIZADO POR: DANNA MARTÍNEZ Ya que el agua ocupa el 70% de nuestra tierra, se puede decir que los océanos constituyen el espacio interior más grande que alguna vez hemos visto, y del cual dependemos para subsistir.

Todas las capas que presenta el mar son capas por descubrir, capa vez más profundas y que al parecer no tienen fin. Si pensamos en el espacio, ha existido una evolución por años pero todavía queda mucho por descubrir; muchas “capas” que explorar a través de los espacios y cómo nos afectan como seres humanos.

El texto comienza hablando sobre las personas que viven en el Pacífico Sur, y cómo estas personas deben de tener una conexión mayor con el océano debido a su posición territorial.

La poeta Teresia Teaiwa expone” Sudamos y lloramos agua salada, así que esto nos confirma que llevamos el océano en nuestra sangre.”

De igual manera El artista Robert Smithson dio forma a la tierra y el agua en una espiral con el entendimiento de que había una conexión entre el Mar Rojo y la sangre.

Estas referencias que quieren lograr los artistas, de la estrecha relación que tenemos con el océano ayudarán a explicar en este texto la relación que existe de igual forma con la interioridad oceánica y la profundidad de los espacios arquitectónicos.

“El mar nos define, nos conecta y nos separa” De esta misma forma sucede con los espacios y la capacidad que tienen de unir diferentes personalidad, como también tiene el poder de separar esas personalidades o hacer que no lleguen a coincidir nunca.

SPIRAL JETTY, ROBERT SMITHSON (1970)

Cada espacio interior es, en algún sentido, el océano: siendo “líquido y permeable ( a través de las ventanas, puertas y cualquier abertura).

Están construidos con figuras geométricas.

Capaces de contaminados o aprovechados.

Algunas veces contienen nueva vida, historias, vivencias, recuerdos.

Como diseñadores debemos de comprender la grandeza de diseñar y crear un espacio, ya que este puede cambiar la vida de una persona, afecta directamente y contribuye a la sociedad en donde se emplea.

“El interior inmersivo es, en cierto sentido, un espacio uterino; un espacio de comienzo que repite sin cesar los dramas ordinarios de la vida y reconoce una exterioridad interior que no puede ser expulsada.” El artista expone estas palabras dejando dicho que el espacio del océano está expandiéndose y extendiéndose y siempre ha estado ahí para que el ser humano lo explore y lo descubra.

Este capítulo relaciona las emociones y experiencias que ocasiona algo tan profundo, tan misterioso y tan único como el mar con lo emocional y experimental que puede llegar a ser un espacio arquitectónico.

IMÁGEN REPRESENTACIÓN DE METÁFORA, OCEANIC INTERIOR.

SPIRAL JETTY VISTA AÉREA, ROBERT SMITHSON (1970)

17 - TECHNOLOGIES: THE SPATIAL AGENCY OF DIGITAL PRAXIS BY: ERIN CARRAHER ANALIZADO POR: DANNA MARTÍNEZ Las nuevas tecnologías digitales se han convertido parte integral de la práctica de arquitectura e interiorismo. Estas han permitido explorar las posibilidades de los espacios de una manera más amplia, ofreciendo algo más que la simple línea recta y dando posibilidad a formas orgánicas y únicas.

De igual manera los procesos de fabricación digital abrieron un sin número de puertas a nuevas técnicas de construcción. Uno de los primeros proyectos en utilizar estas oportunidades tecnológicas fue el diseño de Frank Gehry para el museo de Guggenheim en Bilbao en el 1997. Actualmente el diseño digital ha evolucionado de tal forma que mediante algoritmos y fórmulas se pueden generar espacios interiores prefabricados.

Sin embargo, a pesar de todas las oportunidades que trajo consigo la prefabricación digital, muchas fueron las opiniones en su contra: dedicada a una parte privilegiada de la sociedad, insuficiencia de material, exceso de la expresión formal; estas fueron solo algunas de las opiniones. Este capítulo presenta un punto de vista crítico sobre el debate y expone el potencial que tiene la fabricación digital.

“La arquitectura siempre está entre la ideología y la utopía, nos encontramos en un punto donde la arquitectura debe de redefinirse y reposicionarse, estamos buscando una nueva ideología, un nuevo estándar” Antoine Picon.

Legado espacial del modernismo Los espacios concebidos con tecnología digital poseen una codificación completamente diferente a la que presenta el modernismo.

Mientras que el último busca un lenguaje universal, el espacios digitales son más atrevidos y únicos

El discurso del minimalismo trajo consigo un enfoque tan grande en la función, que poco a poco desapareció la forma creativa y se dió paso a una arquitectura neutral.

La práctica digital contemporánea ofrece un balance entre estos dos discursos, la posibilidad de crear un espacio neutral y funcional,como también la posibilidad de experimentar de diversas formas. Impulsa a los diseñadores hacia la diversidad, autenticidad y pluralidad.

La tecnología de la fabricación.

La estética de los espacios interiores está estrechamente relacionada con las herramientas utilizadas para su diseño. El libro destaca la importancia para cualquier arquitecto de conocer a profundidad las herramientas digital, ya que “El arquitecto solo dibuja lo que sabe y construye lo que dibuja” Branko Kolarevic.

Actualmente estamos en una fase de familiarización y adaptación a las nuevas herramientas. Allen exponía en los 1990 que existían 3 fases: descubrimiento, experimentación y dominio completo.

INSTALACIÓN DUNESCAPE, FOREIGN OFFICE ARCHITECTS (2000)

La agencia espacial de la praxis digital.

La “agencia” es la habilidad de actuar conforme las estructuras sociales. Según explica Giddens, la habilidad que tiene el diseñador de estructurar la sociedad, depende directamente del nivel de entendimiento por el sistema de la sociedad que tenga el que diseña.

El desafío dentro de la arquitectura de interiores es identificarse y legitimarse tanto dentro del ámbito tradicionalmente definido de la práctica espacial, como dentro de lo que espera el público que lo consume estableciendo una forma de hablar sobre su agencia.

MUSEO DE GUGGENHEIM, FRANK GEHRY (1997)

INSTALACIÓN PARA THEVERYMANY, MARC FORNES (2014)

18 - TRANSFORMING INTERIOR VOLUMES: VOLUME + SURFACE + MASS BY: JONATHON R. ANDERSON AND LAURA LOVELL-ANDERSON ANALIZADO POR: KAYLA NICOLE JIMÉNEZ Sistemas que son abstractos intangibles, nociones teóricas o físicas definidas por la naturaleza material pueden ser el método de transformar un volumen interior en una expresión visual realizada. Este capítulo Transformación de volúmenes interiores (volumen + superficie + masa) se centra en los sistemas expresados físicamente, como un estudio del proceso emergente de transformación de volúmenes interiores a través del desarrollo de topografías de diseño autógeno a escala y contexto interior.

La fórmula para el desarrollo de sistemas de diseño autógeno comienza simplemente, forma < superficie < volumen. En el sentido más primitivo, la forma son las primitivas bidimensionales, como puntos y líneas, y la superficie es un conjunto interconectado de puntos y líneas de largo y ancho y el volumen es el espacio tridimensional rodeado por una colección de superficies.

Jonathon R. Anderson y Laura Lovell-Anderson sugieren que un enfoque basado en sistemas para la transformación del volumen interior implica la comprensión de que la base conceptual para identificar y transformar volúmenes interiores a través de las matemáticas de la superficie visible es un sistema, un conjunto de elementos o partes organizados en un patrón y coherentemente interconectados. Para construir un modelo, la aplicación de los principios de diseño autógeno y la teoría del sistema requiere una representación abstracta del sistema construido para ayudar en el análisis y la predicción de sus acciones.

El proceso de modelado, un método integral para construir y evaluar modelos, es la siguiente secuencia en la transformación del volumen interior. El procesamiento sistémico y la secuencia de comandos sensorial es donde una serie de agentes o nodos de nivel micro se extraen de una fuente de datos.

THE GYROID BY JANINE YEUNG

En el capítulo menciona un investigación de las estructuras cuticulares autoorganizadas de las escamas de alas de mariposa en Callophrys rubibi realizada por Janine Yeung lo cual representa una topografía de diseño autógeno que fue desarrollada por análisis de superficie y computación sistémica. Su trabajo se centró en la repetición y subdivisión de una celda de la superficie del giroide y submódulos a los que se aplicaron parámetros de entrada de un sistema biótico que constaba de una densidad de llenado del 50 por ciento y una porosidad del 50 por ciento.

Tal como se aplicó en The Gyroid realizada por Janine Yeung, los datos de entrada sistémica autógena se extrajeron de la aparición de la estructura del giroide en nanoestructuras naturales, específicamente en el estudio de las escamas de las alas en la especie de mariposa Callophrys rubi, donde la forma del giroide es adoptada por la estructura cutícula.

Una topografía y geometría espacial donde los sistemas físicos se autoorganizan visualmente en un patrón tridimensional distintivo es el resultado de esta investigación.

Los procesos autógenos utilizados para la organización espacial permiten interpretar los diseños y sus significados como productos de cálculos realizados de acuerdo con las reglas de composición y las reglas de definición correlativa. The Gyroid de Janine Yeung destaca la importancia de la articulación estructural, especialmente en la educación académica como herramienta para la resolución de problemas.

La conclusión final de este capítulo es que la teoría estructural y la computación en arquitectura y diseño de interiores aplicados a estructuras espaciales permiten la conceptualización, simulación y realización fabricada de diseños que alguna vez se consideraron demasiado complejos o imposibles

de construir.

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.04 S E N S O R I A L I T I R S

ABSTRACT PART 4

BY NATALY GATTEGNO AND JASON KELLY JOHNSON ANALIZADO POR: KARLLENNYS PEÑA Dentro del capitulo de SENSORIALITIES, se encuentran sub-capitulos que exploran los distintos niveles de experiencias sensoriales que la Arquitectura de Interiores puede ofrecer, desde paisajes interiores sensoriales, casos de estudio para analizar la manera en la que esos espacios pueden provocar sensaciones distintas que alberguen espacio para la manifestación completa e integral de los sentidos del usuario.

Tacto, gusto, olfato, vista y sonido.

01 | SENSORIAL INTERIOR LANDSCAPE LAURA GARÓFALO-KHAN Este capitulo expone una exploración de la arquitectura de interiores donde surge y es formado literalmente a partir del paisaje. Sin embargo, se encuentra intencionalmente desligado de su contexto, no imita su forma o estructura exterior, lo que lo convierte en una manifestación distintivamente interna.

02 | FROM AMBIENT ENVIRONMENTS TO SENTIENT SPACES - NATALY GATTEGNO, JASON KELLY JHONSON Este capitulo explora el diseño de entornos impactantes e inmersivos que no solo transmiten información, sino que también producen y se hacen parte de experiencias y secuencias espaciales más amplias.

03 | DESIGN STUDIO THROUGH THE SUBTLE REVELATIONS OF PHENOMENOLOGY ROSS T. SMITH Este capitulo explora la filosofía en la enseñanza del estudio de diseño que combina dos modos de participación, sinérgicos y complementarios, siendo este ultimo la “integración” de la arquitectura de interiores con el “ser” de la fenomenología.

La fenomenología, es el estudio filosófico del mundo, como este se manifiesta en la conciencia y estudia los procesos de la experiencia

Murmur Wall - YBCA

subjetiva. La enseñanza de esta rama, busca impregnar en los estudiantes el modificar las formas en que perciben el mundo y a sí mismos en él, como objeto, material, atmósfera y estados de transición y efímero.

04 | LINES OF ENQUIRY: DRAWING OUT SIGMUND FREUD’S STUDY AND CONSULTING ROOM - RO SPANKIE Este capítulo analiza las motivaciones del diseñador al considerar cómo el fundador del psicoanálisis, Sigmund Freud, organizó su estudio y consultorio.

Refiriéndose a las discusiones contemporáneas sobre el pensamiento topológico, la arquitectura interior de Freud tiene la capacidad de ser compatible con una serie de cualidades extensas, como lo es la distancia, el área o el volumen, y también el estilo, mientras se conserva su función. El capítulo sugiere que Freud también construyó una arquitectura interior que funcionó como parte integral de ese instrumento.

05 | ON TECHNOLOGICAL LIMITS. CLARE OLSEN Reconociendo los límites de costos prohibitivos de los materiales estándar de la industria de la impresión 3D para la arquitectura de interiores, Ron Rael y Virginia San Fratello, cofundadores de Rael San Fratello, crean una rama de su práctica llamada Emerging Objects, centradoa en la investigación de diseño y fabricación a través de la impresión 3D. Uno de los canales más claros a través de los cuales los diseñadores prueban nuevas ideas es a través de las tecnologías de producción.

Las máquinas generalmente se entienden como herramientas finitas, que realizan sus actividades dentro del contexto del diseño donde se marcan las normas, convirtiendo las máquinas en un

Metaphysical Interior with Biscuits - Dali

método productivo para la experimentación.

06 | SALVADOR DALÍ’S INTERIORS WITH HERACLITUS’S CONCEALMENT - SIMON WEIR Dalí produjo un interior arquitectónico en su propia casa que continúa con este tema, pero posiciona el desplazamiento del deseo en un espacio interior. El aforismo de Heráclito sobre el que Dalí reflexionó tres décadas antes resuena claramente en esta extraordinaria invención arquitectónica del interior cerrado y oculto.

Como aclara la teorización de la decoración surrealista de Dalí, la materialización artística de la premisa del ocultamiento natural se ve comprometida por cualquier acción que revele el ocultamiento. Combinando un ocultamiento hábilmente diseñado y una experiencia extrema de interioridad pacífica, la habitación cumple la interpretación de Dalí del huevo como símbolo del paraíso intrauterino.

07 | TOUCH, TASTE, SMELL FOSTERING MUSEUM VISITOR ENGAGEMENT WITH MULTISENSORY SPACES - KIRSTEN BROWN Este capítulo muestra algunos ejemplos que sirven para ilustrar las formas en que los espacios de los museos pueden facilitar una experiencia de museo más significativa al incorporar elementos que funcionan para atraer al público más allá del ámbito visual utilizando el tacto, el gusto y el olfato.

Los museos han adoptado una variedad de métodos para facilitar los encuentros táctiles con las colecciones en la forma en que construyen los espacios de exhibición y lo que eligen incluir dentro del espacio.

Emerging object - Ronald Rael

19/20- Sensorial Interior Landscapes - Laura Garófalo-Khan

BY LAURA GARÓFALO-KHAN ANALIZADO POR: KARLLENNYS PEÑA Este capítulo habla de la gruta artificial y cómo esta es la piedra para la exploración de la arquitectura interior contemporánea. Habla sobre como la gruta a pesar de parecer una estructura diseñada para el exterior puede integrarse como un elemento de la arquitectura de interiores, debido a la fabricación digital, nuevos materiales y al deseo de integrar los paisajes y la naturaleza y a nuestra forma de vida moderna.

Las grutas se podrían también definir cómo la forma de romper la barrera naturaleza/cultura concretizada por el movimiento modernista, esto se conecta con una teoría conocida como biofilia, que se basa en que debido a la evolución el humano esta biológicamente conectado con los paisajes y todo lo natural que sea nohumano. También expone que esta conexión es vital para el bienestar del ser humano.

En cuanto a la historia, las grutas de una forma u otra siempre han formado parte del estilo de vida de los humanos, desde la antigua Grecia se utilizaban las grutas encontradas en cuevas, la Antigua Roma. El Renacentista Italiano y los paisajes Ingleses son ejemplos de las mismas.

En Grecia las grutas era consideradas santuarios en los se adoraba a la naturaleza y debido a las aguas termales que hacían de las grutas un lugar fresco y agradable, se fueron convirtiendo en el lugar más deseado por todos los griegos.

En Roma, la grutas artificiales eran vitales para los majestuosos jardines de las Villas Romanas, a pesar de ya no estar en cuevas y no tener una conexión directa con la naturaleza,

el deseo por controlar la naturaleza hacían de las grutas algo inevitablemente atractivas para los Romanos.Los Romanos incrustaban las grutas al piso, integraban un sistema de agua y la parte interior era articulada y distinta a la exterior.

En el Renacentismo, las grutas se modernizaron mas y se separaron de la idea de que debían imitar a la naturaleza, pintaban en las paredes buscando distraer al visitante de la realidad del exterior y las cubrían con narrativas fantásticas, plantas vivas y goteras tratando de crear un mundo fantástico.

Las Grutas Renacentista del Jardín de Felipe II

En Inglaterra, las grutas formaron parte de los pintorescos paisajes y grandes jardines de las fincas inglesas, a pesar de esto las grutas volvieron a formar parte de la arquitectura de interiores en Inglaterra.

Estos ejemplos muestran el potencial de redefinir una estetica de ambiente interior, uno que define un paisaje interior sensorial que une la desconexión entre el refugio construido y el ambiente natural. Y aunque este tipo de arquitectura de interior se muestre como una apropiación de la naturaleza, su resultado queda lejos. Este tipo de estructuras-grutas contemporáneas descarta la dicotomía del arte y la naturaleza, son ambas arte y naturaleza a la misma vez.

Grutas Griegas

Natural o artificial, santa o profana las grutas son un evento espacial, un lugar donde las personas se sumergen en su propia cosmología.

Grutas Artificiales Romanas

Hylozoic Soil, Instalación en el Museo de Bellas Artes de Montreal - Philip Beesley

20- From Ambient Environments to sentient spaces

BY NATALY GATTEGNO AND JASON KELLY JOHNSON ANALIZADO POR: KARLLENNYS PEÑA Proyectos como “Standard of Living Package” de Baham, realzan la necesidad de responder a entradas y producir variables que cambien y dinamicen las experiencias espaciales incorporada en capas de información.

Encontrando la necesidad de explorar mas alla, se direcciona a una exploraración del diseño de importantes e inmersivos ambientes que no solo transmitan información, pero que tambien se pueda volver parte de algo mas grande, mas completas y generales, la hacen parte de experiencias y secuencias espaciales más amplias.

general y macro como es la recogida de sonido del parque, museo, ciudad, y alrededores. Esto puede ser descrito como múltiples interiores, múltiples grado y zonas de activación que el rango en escala y la percepción multicapa encuban interioridades.

FOGATA

MICROEVENTOS Y MICROAMBIENTES

La experiencia que Banham describe con referencia a la que produce una fogata, comparándola con la arquitectura, no se puede esperar que la arquitectura se iguale a su libertad y variabilidad. Banham expresa múltiples cualidades ambientales con diferentes grados de interioridad. Estas zonas espaciales alrededor de la fogata puedes traducirse para crear múltiples interiores creados por simples variaciones experimentales y ambientales.

Transformando la energia de las necesidades de una casa en lo que es una maquina de sensaciones Banham crea “el sueño de UnHouse”. Este busca convertir los espacios en un sistema de vida nómada y transitivo. Por ejemplo, Superstudio lleva este termino un poco mas alla cuando habla de “la vida sin objetos”.

Con una estructura sensitiva, capaz de sentir sus alrededores y a la vez proveer múltiples grados de espacios alrededor de si mismo. El lograr proveer también de soporte mecánico, tecnológico y emotivo, le permite ser un mayor proveedor de energía, donde energía se refiere a una cualidad esencial de la infraestructura de la vida diaria.

El proyecto Lightswarm de Future Cities Lab es una instalación de luz interactiva que reacciona a los sonidos, este crea grados y zonas de ocupación diversas. Desde una escala mas intima, como aplaudir para producir alguna respuesta de la fachada, hasta una escala mas

Lightswarm - Future Cities Lab , YBCA

Las cualidades interactivas de Lightswarm le permiten ser un registro directo del entorno sonoro de la ciudad circundante, así como un activador de los espacios ubicados a ambos lados.

Se plantea de una desconstruccion de la arquitectura donde exista un paisaje divorciado de cualquier tipo de cierre o inclusive divorciado de cualquier membrana ambiental. Se trata de una red de energía e información que sea extendida por todas partes habitadas y no habitadas, ver la ciudad como una red de energía y comunicaciones. Nomadismo, movilidad y transitoriedad son los términos que rigen esta nueva manera de vivir. Para Superstudio, el mundo se volvió algo que no era ni interior ni exterior, un mundo de variación continua, nómada que constituía una secuencia de eventos y espacios.

intensidad lumínica y de sonido. La instalación otorga un espacio de calma donde se puede observar el flujo de datos de fuentes cercanas y lejanas. Al una persona acercase a la instalación, los sensores se activan y las orbes se iluminan dejando visualizarse lo que esta siendo motivo de discusión en las redes.

Murmur Wall, ofrece una pequeña visión en el futuro inmediato. Es una arquitectura con Inteligencia Artificial que “susurra” lo que la ciudad piensa, siente y habla. El muro le permite a los visitantes a travez de su estructura metálica con aparatos electrónicos y digitales, poder evidenciar la data fluyendo por el muro en forma de luces LED animadas. Este se vuelve asi, un lugar de desenvolvimiento social, donde los habitantes pueden reunirse, charlar y ver lo que la ciudad ansia en tiempo real.

Estas instalaciones crean microeventos y a la vez microambientes alrededor de ellos que aspiran a ser “fogatas” en un paisaje urbano.

Buscan atraer a las personas creando distintos niveles de proximidad e intimidad al crear rangos de experiencias y participación. De modo en como la ciudad va emergiendo donde las cualidades como ambiente y sensibilidad entran en un proceso de hibridación espacial. Se busca experimentar en diseños donde las habitaciones, edificaciones y ciudades se vuelvan mas sensibles e integrales a la transformación de un ambiente rico y lleno de informaciones para experimentar.

Datagrove, colecta información del ambiente urbano en el que se encuentra. Este recolecta data y los convierte en distintas variaciones de

Datagrove - Art and Tecnology Bienal

Murmur Wall - YBCA

21/ 22- DESIGN STUDIO TROUGH SUBTLE REVELATIONS OF PHENOMOLOGY // LINES OF ENQUIRY: DRAWING OUT SIGMUND FREUD’S STUDY AND CONSULTING ROOM

BY ROSS T. SMITH // RO SPANKIE ANALIZADO POR: VERA GOMEZ La arquitectura no se presenta aislada de sus alrededores o del ser humano, su integridad con el interior le da un valor esencial a nuestro diario vivir. En este capítulo se relaciona el diseño interior con el método de la fenomenología, como una teoría filosófica y herramienta experimental de aprendizaje de los estudiantes en el proceso de diseño.

La enseñanza y aprendizaje de Arquitectura en las universidades, no solo concierne a los edificios desde el punto de vista externo, sino que abarca la creatividad de los espacios o condiciones interiores. Dicha creatividad permite entender el contexto del proyecto e interpretarlo de forma integral, creando un diseño permeable a la vida de los usuarios involucrados.

El deber de dicha enseñanza es cultivar e identificar las habilidades o características del ser humano enriqueciendo la experiencia sensorial y física de los espacios diseñados.

Segú nel filósofo francés Maurice MerleauPonti, la fenomenología no se basa en cómo percibimos el mundo realmente, sino que el mundo es lo que percibimos. En ese aspecto nos mantenemos abiertos a las revelaciones o experiencias que nos brinda la vida en orden de obtener dicha percepción.

La fenomenología describe nuestro contacto directo con lo objetivo y no objetivo del mundo: lo material, inmaterial y efímero, tales como destellos de luz, matices de color, sonidos de la naturaleza, etc.

La práctica de la misma (fenomenología) nos exhorta a observar y analizar a nivel sensoral, con más detalle. Esto ofrece una clara actitud hacia el estudiante de arquitectura o diseño

interior de cómo puede percibir y expresar sus propias experiencias directas en sus diseños.

En Arquitectura, el rol del taller de diseño tiene un valor o enfoque predominante, donde el profesor brinda al estudiante una variedad de disciplinas prácticas, tanto físicas como intelectuales. Siendo el desafío, según Botond Bognor, delimitar la precipitada carrera por formalizar y racionalizar las experiencias humanas a través de la estricta linealidad de los programas informáticos y sus seductores valores operativos”.

Es decir, es aquel espacio donde se deja a un lado el aspecto digital, y el modelado manual, dibujo a mano y el proceso artesanal de crear es lo primordial y protagonista. Por ende es importante romper con las tendencias de hoy en día, donde existe una menor conexión con el mundo real e inmediato que con lo digital o virtual, logranfo así un resurgimiento de lo fenomenológico y experimental en el proceso de aprendizaje, logrando que los estudiantes se enfoque en el acto del cuerpo existente y sensorial.

Lines of Enquiry Una de las diferencias definitorias entre diseñar un interior, a diferencia de todo el edificio que lo contiene, es la falta de control sobre el producto final. Los interiores están compuestos por elementos móviles, como muebles y accesorios, que el ocupante ordena y reordena según sus necesidades, gustos y costumbres.

El acto de organizar el mobiliario permite al usuario establecer su propia identidad y crear una arquitectura interior personal que desafía la comprensión tradicional del papel del diseñador y las preocupaciones de forma, función y estilo.

Este capítulo considera las motivaciones del

Dibujo a ciegas. Estudiante: Tarik S Engulec. (2015)

ocupante como diseñador al considerar cómo el fundador del psicoanálisis, Sigmund Freud, organizó su estudio y consultorio.

La primera de las dos habitaciones que utilizaba Freud contenía el sofá del terapeuta y el sillón de este. Quizás se podría decir que el elemento más icónico de dicho espacio, el diván, representa la práctica del psicoanálisis, el cual este mobiliario fue regalado por un paciente agradecido en 1891, y el cual lo convierte en un mueble doméstico pero a la vez un objeto nostálgico y con identidad del usuario.

La habitación contigua, conectada por puertas dobles abiertas, contenía lo que Freud llamaba el “santuario interior”: su escritorio, silla y su biblioteca. Era un ambiente que miraba hacia adentro, con el escritorio colocado al lado de grandes ventanales que dan a las puertas dobles y al sofá. Fred colocó (tanto en el apartamento en Viena como en el de Londres posteriormente) un gran escritorio de madera donde podía ver el sillón de consultoría, de modo que al regresar a su escritorio al final del día estaba literalmente reflexionando sobre su trabajo diario, la conexión visual ayudando a recordar.

Hoy en día, este arreglo es una práctica psicoanalítica aceptada del consultorio/estudio y se considera un componente esencial del proceso terapéutico.

Siendo este caso un claro ejemplo de como el diseño de interiores otorga al usuario la opción de manupilar el espacio y apropiarlo en base a sus necesidades.

Planta esquemática consultorio de Sigmund Freud

ANALIZADO POR: MARIELA REYES

23- ON TECHNOLOGICAL LIMITS BY: CLARE OLSEN

24- SALVADOR DALÍ ́ S INTERIORS WITH HERACLITUS ́ S CONCEALMENT

BY: SIMON WEIR

25- OUCH, TASTE, SMELL. FOSTERING MUSEUM VISITOR ENGAGAEMENT WITH MULTISENSORY SPACES. BY: KIRSTEN BROWN

El diseño está basado en los distintos parámetros que delimitan la noción de crear algo, diseñar.

Aquellos limites son los que definen el proyecto, las normativas, el contexto, el mismo estilo. Y es por esos parámetros que el diseño posee gran peso al momento realizar un proyecto. ¿Como puedo hacer algo distinto cuando todos tenemos los mismos parámetros?

Nos volvemos más conscientes de la necesidad de distintas herramientas, técnicas y tecnología de la disciplina en la que los parámetros o limitantes se en envuelta. Con el paso del tiempo, la tecnología y la innovación que esta conlleva es lo que ha transformado esta profesión sin ninguna duda. Debido a la Revolución Industrial nace nuevos materiales y métodos de manufactura de estos. Similar con las computadoras, que una vez se dieron cuenta de todas las facilidades que esta posee, las comenzaron a introducir en estudios profesionales como académicos, enfocándose en la fabricación de diseños digitales.

Todos estos cambios expanden los parámetros/ límites del diseño.

Las tecnologías digitales han permitido una gran autonomía en la arquitectura de interiores, como el diseño de tácticas y nuevas técnicas constructivas. Pudiendo así explorar las sensaciones que el usuario esta envuelta antes siquiera de crear el espacio interior: que si la textura de las superficies, si se busca un ambiente cálido o frio; Se amplifican todos los deseos y se exploran sin la necesidad de realizar cambios físicos en el espacio.

Todo lo mencionado anteriormente son consecuencias de las innovaciones en la que la tecnología se ha visto envuelta.

El lado positivo de conocer los nuevos límites tecnológicos es que todo lo que no está prohibido está permitido. Entrando en un juego donde se explora hasta el límite para crear una arquitectura interior única y especial.

Basándose en el movimiento surrealista, se explora y contempla en ensayo ́ The Conquest of the Irrational ́ un legado escrito que ha sido analizado y estudiado por diferentes personas.

Dalí estudia el fragmento ́It pleases nature to conceal itself ́ o ́La naturaleza ama esconderse ́.

En la época, este ensayo estaba en su momento de reconocimiento, por lo cual todos estaban analizando lo que conlleva que la naturaleza se escondiera, específicamente en el surrealismo.

Es en 1919 que Savino explora la ironía como primera interpretación de ensayo the conquest of the irrational, describiendo su relación entre el hombre y la naturaleza. Comentando que la ironía es la base de todas las pinturas y describiendo la como aquella consecuencia ética de la desnudes natural. Como segunda interpretación del ensayo, Savinio sugiere que la naturaleza no se revela a través de la apariencia, sino que se esconde de ella misma. Causando así que los artistas, en su mayoría pintores, interpretaran la naturaleza.

En otro ensayo, L ́ Amic de les Arts, Dalí experimenta con el surrealismo, elevando el concepto de la ironía el cual es el equivalente de la realidad desnuda.

Dalí categoriza objetos surrealistas basado en el deseo que este puede ocasionar en el ensayo ́The objetc as revealed ́ basándose en cuatro niveles de compromiso: 1) Cuando no se toma ninguna parte de él.

2) El objeto actúa sobre las contemplaciones.

3) El objeto actúa simbólicamente.

4) El objeto atrae con el deseo de ser comido.

El primer ejemplo que Dalí realiza de este manifiesto es en una pintura donde introduce alimentos como galletas, macarrones etc.

El segundo ejemplo es decoración comestible donde unifica un teléfono con una langosta.

Y el último ejemplo un espacio interior consolidando toda la información previa, donde se caracteriza por ser un espacio ovalado basándose en un huevo como símbolo.

Los Museos, por diseño son aquellas instituciones que muestran la importancia de la cultura, mostrando así los cambios y avances del arte, historia, ciencia y las sociedades del mundo.

Estas instituciones han cambiado en las últimas dos décadas. En su comienzo, el museo animaba el encuentro con los objetos, donde la visitante tenía total libertad de ver, oler, tocar y hasta probar los objetos, examinándolos hasta mas no poder. Sin embargo, con el paso del tiempo las audiencias crecieron y los museos tomaron las medidas necesarias para preservar las colecciones, los museos pasaron de ser multisensoriales a ser unisensorial.

A pesar de que no todos los museos han salido de la etapa anteriormente mencionada, hay otras que sí, que buscan nuevos métodos para incorporar simulaciones sensoriales.

Decisiones de diseño pueden ayudar significativamente para lograr de forma exitosa la experiencia que se desea.

Se proponen ejemplos que ayudan a entender las nuevas metodologías que se están implementando en los museos. A parte de apreciar y visualizar los objetos, se incorpora el toca el arte, donde en comparación con los otros museo, los cuales tienen barreras físicas, alarma y seguridad; este te invitaa que utilices los objetos, te lo pongas, si puedes, como es en el caso de Old Sturbridge Village, donde te muestran el proceso de realizar zapatos a mano y te permiten probarlos. Luego está el buen gusto de todo, la experiencia humana del gusto, del sabor, los ingredientes que identifican una cultura son marcas que quedan en nuestra persona, recordando toda la experiencia como única. El museo nacional del Indio Americano muestra el proceso de preparación mediante vitrinas y al final las distribuye para que lo prueben.

Por último, La nariz sabe, el sentido del olfato es uno de los sentidos que pasa más desapercibidos, sin embargo, es el que mejor nos puede ubicar, en un lugar, y eso es lo que están haciendo, colocando los olores característicos de un lugar.

Nuevos parámetros tecnológicos

La sutileza de lo Natural

Los Sentidos en los museos

.05 T E M P O R A L I T I E S

26 - A PIROUTTE ON THE ORTOGRAPHIC HINGE

BY LOUIS WEINTHAL ANALIZADO POR: AIDA MENDEZ, LAURA URIBE Y MARIELA TIBURCIO Se hace referencia a la autora Virginia Woolf, quien nos narra en su novela “Orlando” como la luz se convierte en un medio para que las acciones de los ayudantes sean captadas por el personaje principal, utilizando por la época seleccionada lámparas de aceite, y el personaje principal mirando desde una distancia considerable. Esta narración de Woolf nos da a entender cómo el uso de esta nos ayuda a manejar y planificar la percepción que tienen las personas de un espacio, viendo también cómo están conectados el movimiento de las personas y la luz. Al entender esto vemos como la práctica del diseño de interiores tiene la capacidad de anticipar el movimiento de las personas tomando como factor el tiempo y los eventos que toman lugar en ese momento.

Los interiores diseñados tomando en cuenta los eventos basados en el tiempo son los que distinguen esta práctica de la arquitectura estática. Esto anticipa el movimiento de los usuarios, basándose en el tiempo como la variable que revela eventos temporales que ocurren en estos espacios. Los eventos que se diseñan pensando en el tiempo, aunque distinguen los espacios interiores de la forma estática propia de la arquitectura, ambos espacios se documentan en dibujos ortográficos como forma de representación.

Los dibujos ortográficos funcionan bien para registrar formas que no prevén ningún cambio o movimiento. En esto también entra la forma de representación de los dibujos arquitectónicos, ya que representa formas que no tendrán cambio alguno, y no proyectan los movimientos que pueden interrumpir en el espacio.

Tenemos como ejemplo un espacio iluminado por la luz de la luna, el dibujar este no contempla el movimiento de las personas al pasar y mantiene el dibujo limpio y objetivo. Con este capítulo podemos entender y analizar cuando el método ortográfico del dibujo deja de representar todo lo que un diseñador tiene en mente en un proyecto. Se toma como referencia diferentes escenarios para comparar la dinámica vida del diseño de interiores con lo estático que es la arquitectura. Ya mencionado la representación ortográfica, vemos más a fondo que se trata de un sistema de dibujo en la arquitectura de

ESTUDIO DE LA ERGONÓMICA

interior que proyecta las medidas reales de un espacio para poder pasar esta información a las personas necesarias para su construcción.

Los dibujos ortográficos funcionan bien para registrar formas que no prevén ningún cambio o movimiento. Esta promueve una forma de comunicación universal tomando en cuenta una serie de variables hasta lograr un dibujo objetivo.

De esto nacen las plantas, elevaciones y secciones que informan una con la otra creando una colección de vistas bidimensionales que unificadas dan la impresión de cómo se comporta el diseño de manera tridimensional.

Lo que puede aparecer como una línea en una planta, en una elevación puede verse como un plano, creando la necesidad de múltiples vistas de un proyecto para así poder colocar todos esos dibujos juntos y comprender el diseño en su totalidad. En esto recae la necesidad de esta representación y su funcionamiento.

Con esta serie de reglas que debe seguir esta representación surge la duda de cómo se podrían representar los movimientos a los que se somete un espacio, y se ve la limitante que tiene el dibujo ortográfico para poder sustentar la visión del diseñador. Los interiores contemplan las actividades temporales, pero generalmente están ausentes en los dibujos ortográficos. Sin embargo, siguen siendo parte importante de la arquitectura cuando se realiza la ocupación del interior. Esto revela la vida dinámica de interiores que existen simultáneamente con el ámbito arquitectónico estático.

Orlando describió sobre cómo los movimientos del cuerpo se comportan cuando realizan tareas domésticas. Hace énfasis en los movimientos como agacharse, arrodillarse, levantarse, recibir, guardar, entre otros. Nosotros conocemos la acción de arrodillarse en el contexto de una tarea doméstica como la acción de poner elementos o guardarlos en otro lugar, como limpiar el piso también y entre más acciones. En un nivel formal los diseñadores pueden categorizar estas tareas con programas y términos y la alternativa puede ser el situar estas acciones en un contexto de estudios antropomórficos.

La diferencia entre estos dos puede parecer sutil ya que uno está basado en el otro, pero

se distingue por la diferencia que hay entre la programación de espacios por programas o diagramas, versus los documentos empíricos que tienen que ver con la acción del cuerpo.

Callaghan y Palmer eran ingenieras industriales que condujeron una investigación en 1940 enfatizando la mejora del diseño de los espacios domésticos del hogar documentando cómo se movía el cuerpo y entendiendo las tareas domésticas. Ellas pudieron capturar el movimiento y categorizar dentro de tareas, pero su intención fue primero al ver cómo el cuerpo se mueve en el tiempo y espacio antes de ponerse a asumir sobre la programación de espacios interiores. También supieron cómo separar programas de los estudios antropomórficos.

Para poder estudiar estos movimientos ellas crearon métodos de documentación utilizando cámaras fotográficas de 35mm acompañadas por una transición de imágenes en modelos tridimensionales. Sus estudios documentan personas llevando a cabo diferentes actividades simples cómo lavarse el pelo, cambiarse, entre otros. Estos resultados fueron resumidos y publicados en su libro de 1944 llamado “Midiendo así el tiempo”, este libro describe su intención en estos experimentos de desarrollar técnicas en el espacio usando humanos; llevando a cabo sus diferentes actividades mediante la grabación, la medida y reproducción tridimensional que pueda ser utilizada y estandarizada para su funcionalidad en un diseño de un hogar común.

Callaghan y Palmer desarrollaron un sistema de documentación que lleva a sus modelos al papel proyectando con ayuda de un escenario y múltiples cámaras de 35mm, como también espejos en diferentes localizaciones. Ellas documentaron a los actores en tres o más vistas simultáneas en diferentes tiempos y este método que está relacionado con la perspectiva presenta una escala de espacio y forma. Como conclusión podemos observar cuán importante es tener un entendimiento completo del uso y funcionalidad de un espacio para así poder tener unos regímenes que siempre van a funcionar para que así cada vez más sus diseños y sus intenciones tengan la meta deseada y poder proporcionar el confort máximo del ser humano.

27 - TOWARD DE IMMATERIAL

BY FRANK JACOBUS ANALIZADO POR: LAURA URIBE Un espacio construido siempre va a ser un reflejo de la cultura y un mecanismo de comunicación. la materialidad puede llevar mensajes en su ambiente espacial cuando refleja una sensibilidad y una inteligencia cultural Pero que también promete acciones futuras y deseos de evolución y adaptación. Hay que tener en cuenta no solamente la evolución que promete la construcción de nuevas edificaciones sino también hay que considerar los pensamientos humanos en términos de la materialidad en la construcción. Esto nos da a pensar que la arquitectura interiorista en términos de espacio y construcción significa la preservación cultural y los deseos personales de las personas que la habitan.

Nosotros tratamos de mantener viva a través del tiempo las memorias y pensamientos del ser humano, pero siempre, donde se puede ver incluso en el cambio de piedra a papel, y luego bytes y diversas tecnologías para la preservación de dichas memorias. Los edificios y espacios interiores actúan más que un techo para resguardar diversas actividades humanas, tiene la función de preservar también la historia de las personas que lo utilizan. Una referencia a esto lo dice Victor Hugo, quien se refiere a las edificaciones como “libros de piedra”, entiendo que la cultura pre-Gutenberg, escribió sus momentos más importantes en estos monumentos.

Dentro de la historia de la evolución de la

recolección y preservación de estas memorias e historias, se encuentra el concepto de la transferencia del pensamiento humano. Con cada nuevo registro, inventos y tecnologías, aumentan las posibilidades de accesibilidad y transferencias, lo que puede ser una herramienta que nos permita preservar la historia por mucho más tiempo y mejorar la calidad de estas memorias. Mientras más evolucionan estas tecnologías y medios de registro, empezamos a experimentar la vida de una forma diferente, tenemos un nuevo modo de crear nuevas memorias.

Giedion expuso en su libro “Mechanization takes command” el hecho de que los registradores culturales se han encargado de dividir el cómo sentimos la vida de nuestro modo de pensar.

Como ya he expresado anteriormente, Victor Hugo se refiere a los edificios como una forma de expresarse, comparándolos así con la literatura, ya que se asemeja a un monumento el cual preserva el pensamiento humano.

Al ver esto, entendemos la arquitectura de interiores como una forma de expresión cultural.

Esto ocurre mediante la espacialidad y la materialidad escogida, así como la tecnología utilizada. Ya que esto define las sensaciones de familiaridad y la manera de percibir un espacio es un factor vital en el crear nuevas memorias y poder experimentar la cultura ya presente en el entorno. La función de la arquitectura de interiores es el revitalizar un espacio, para así

EL PATRIMONIO Y SU CONSERVACIÓN CULTURAL

crear sensaciones al usuario y poder contribuir a su estilo de vida, percibiendo también de manera adecuada su entorno, y que vaya de acuerdo con las intenciones originales del espacio.

Tenemos como ejemplo el factor de preservación de memoria que son los patrimonios. Estos son contenedores de historia, que pasan de generación a generación con su presencia. Las personas al estar en su presencia reviven los acontecimientos que ocurrieron en ese lugar, o experimentando la esencia que sintieron las demás personas en el evento que tomó lugar ahí. La cultura define un país, o una ciudad en particular, es la personalidad y esencia de un colectivo de personas, es lo que representa quienes son, por lo que mantenerse fiel a su historia y llevarla a traves de generacion es lo que mantiene vivo un espacio, lo que le da personalidad y distingue de lo demás.

28 - TIME TRAVEL: INTERIOR ARCHITECTURE AND THE EXHIBTION SPACE

BY ANNE MASSEY ANALIZADO POR: AIDA MENDEZ La arquitectura de interiores es una nueva disciplina que tiene como objetivo explorar y dar cuenta del diseño, la construcción y el uso del espacio interior. La palabra interiorismo se sitúa entre la arquitectura y la interioridad, es decir, el cuerpo o caparazón de un edificio y los sentimientos o armonía que los espacios dan a las personas.

Al intentar acercarse a la arquitectura de interiores, algunas personas tenderán a gravitar más hacia un punto de vista arquitectónico, porque como el campo del interior se ha percibido como carente y marginal.

Este capítulo habla de una consideración del interior, que mira no solo un antes y un después, sino también múltiples antes y después, hará que la experiencia sea aún mejor. Al abrazar la dimensión del tiempo en esta disciplina de la arquitectura de interiores, estamos abiertos a nuevas lecturas y puntos de vista introduciendo una comprensión más amplia y mucho mayor de los contextos sociales, políticos y culturales.

La exposición de Lawrence Alloway, Richard Hamilton y Victor Pasamore como “Una obra de arte habitable”. Esto se llevó a cabo del 13 al 24 de agosto de 1957, se creó un espacio para que el visitante navegara como quisiera.

El primer piso era un espacio semiprivado y semipúblico, había un espacio para miembros, pero el visitante también puede comprar una

membresía de un día, había un bar para miembros, pero también un programa de eventos públicos. Se invita a los visitantes a jugar un juego, a explorar los límites entre las disciplinas del arte y el diseño, la arquitectura de interiores y la instalación de exposiciones.

La exhibición se parecía a cualquier otra exhibición con grandes ventanales y accesorios de principios del siglo XIX, pero a diferencia de cualquier otra exhibición, la pintura se colgó en paneles particulares, diseñados por Jane Drew y Maxwell Fry. Las pantallas eran de doble cara y estaban cubiertas con una tela azul, esto hizo que a Richard Hamilton, una persona que instaló muchas de las exposiciones del ICA, le resultara difícil trabajar con la exposición. Esto se debió a que desde el punto de vista expositivo era que las características arquitectónicas y el estilo del lugar no eran propicias para colgar la pintura correctamente, las mamparas estaban cubiertas con fieltro azul y las paredes de los extremos eran lustrosas.

Durante la exposición se llevaron a cabo una serie de eventos en el espacio. Algunos de estos eventos son que las pantallas se trasladaron a un lugar de almacenamiento, y bailes y otros eventos públicos como la transformación del imperio británico en la Commonwealth británica ocurrieron en esta instalación segura de una exhibición.

RELACION ARQUITECTURA INTERIOR / EXTERIOR

A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, el espacio se siguió utilizando de la misma manera con muchas exposiciones y eventos. Finalmente, el ICA había superado a Dover Street y se mudó a una nueva ubicación.

Esta nueva ubicación, diseñada por John Nash, ofrecía un espacio de galería extendido, un cine y un teatro con oficinas superiores con vista al Green Park y las Casas del Parlamento.

29 - PRODUCTIONS: SPATIAL PRACTICES,PROCESSES AND EFFECTS

BY CLAY ODOM ANALIZADO POR: MARIELA TIBURCIO Hoy en día, las prácticas de diseño centradas en el interior, los conceptos tradicionales de generación de formas y planificación formal se han convertido en una consideración secundaria en la agencia fundamental para producir efectos espaciales y atmósfera. Las prácticas contemporáneas de orientación espacial que funcionan a través de proyectos iterativos y distribuidos tienden a generar inferioridades que no son discretas. Estos desafían las nociones preconcebidas del interior por su enfoque en la producción de espacio y efímeros.

La noción de producción comienza a circunscribir lo que podría verse como formas a la vez fundamentales y exploratorias de la creación cultural contemporánea. Es entonces cuando la subjetividad comienza a perfilar cualidades generadas a través de procesos productivos.

Esta noción ha sido un aspecto central en el desarrollo de la arquitectura del paisaje, el teatro y el cine. Los procesos basados en la producción que son más generativos tienen una gama de condiciones materiales que ofrecen aspiraciones para otras prácticas espaciales.

Hoy en día vemos una proliferación de proyectos orientados a la producción (POP). Estos proyectos surgen de las condiciones culturales contemporáneas, pero también son el resultado de un continuo de proyectos conceptuales y teóricos radicales producidos en la década de 1960 que se ocuparon de la forma, la atmósfera

y la tecnología. Los proyectos producidos por COP en los últimos diez a quince años tienden a involucrar la temporalidad y la efímera atmosférica, así como cuestiones de formación de objetos y articulación de la superficie.

Las prácticas espaciales que no se centran en la forma se basan en el desarrollo de relaciones sistematizadas e iterativas impulsadas por procesos entre los efectos materiales, tecnológicos y espaciales. Esto desarrolla un nuevo rigor centrado en los procesos a través del material de patrones, el espacio y la secuencia, y se ajusta a las condiciones subjetivas. Aquí el sistema incluye la instalación, los efectos generados, las condiciones emergentes y las experiencias humanas combinadas en una.

Incluso si las producciones son fundamentalmente transitorias y efímeras en muchos sentidos, sus realidades son las que las impulsan dentro de las prácticas orientadas a la producción. Muchos proyectos, como el Blur Building, son diagramas para producciones de experiencia publicitaria efímera. Hoy en día, las instalaciones contemporáneas, la escenografía y las intervenciones interiores temporales son de especial interés porque se han convertido en los territorios más accesibles para las metodologías emergentes. Este trabajo comienza a generar una variedad de condiciones potenciales en lugar de centrarse en la meditación y la resolución de problemas como el objetivo final del diseño.

BLUR BUILDING: INSTALACIONES CONTEMPORANEAS DE EXPERIENCIA

En última instancia, esta tensión por las prácticas contemporáneas de diseño espacial se está convirtiendo en una condición productiva más que problemática. Sin embargo, el vacío entre las realidades de la fabricación y las capacidades productivas del diseño y la fabricación en tándem puede convertirse en un espacio donde las prácticas especulativas y críticas, como los COP, pueden salir victoriosas. Los COP deben cuestionar la gama de procesos y productos de aquellos como fundamentales para las prácticas especulativas del interior. Comprender esto hará que los diseñadores se muevan libremente entre procesos y resultados para “negociar un campo en el que lo real y lo virtual asuman personalizaciones más profundas.

.06 M A T E R I A L I T I E S

30- “LIVING” ROOMS: THE HYPERNATURALIZATION OF THE INTERIOR.

BY BLAINE BROWNELL ANALIZADO POR: RITA GARRIDO En los años 1920, la mecanización total de una vivienda era un deseo o más bien una aspiración de la arquitectura de la época. Esto fue posible gracias a la industrialización, que lo permitió con la aparición de sus nuevas herramientas.

En ese momento, era muy conocida la frase del arquitecto Le Corbusier, en la cual decía “La maison est une machine à démeurer” es decir “la vivienda es una maquina para vivir”. Sin embargo casi un siglo más tarde el ámbito de la construcción cambió por completo, teniendo que adaptarse a las nuevas modernidades y a las tecnologías, tomando en cuenta su la vez a las ciencias naturales y a su comportamiento.

Se ve la implementación de un sin número de elementos naturales utilizados como anexos para lograr los objetivos arquitectónicos deseados. Incluso, otras disciplinas utilizan una relación más cercana a la naturaleza para poder innovar en sus campos de trabajo.

Según Blaine Brownell, si Le Corbusier estuviese vivo diría que “la vivienda es una máquina viva” o “the house is a living machine”. Esto se debe a que la arquitectura hoy en día ha sido utilizada para poner a prueba la aplicación de elementos naturales para crear espacios capaces de animar, responder y ser sensibles.

Con el tiempo vemos cómo los interiores se han vuelto cada vez más tecnológicos, integrando lo que llamamos hoy en día la demótica. Estos se parecen cada vez más a la vida cotidiana de las personas facilitándoles así su experiencia de vida dentro de la vivienda.

Este primer capitulo, explora las posibles intersecciones entre la arquitectura de interiores y las ciencias naturales, evaluando tanto los materiales como el proceso. Estas intersecciones están englobadas dentro de 3 grandes categorías que son : properties, processes y phenomena.

CHRYSALIS III BY MATSYS

PROPERTIES Primeramente, el concepto de properties. Este se relaciona con la composición y la estructura de los elementos, incluyendo sus atributos físicos y químicos. Estos elementos pueden ser tanto estáticos como dinámicos y lo más importante es saber que si los diseñadores o arquitectos los utilizan tomando en cuenta todos sus atributos y especificaciones, pueden crear espacios que vayan más de la mano con los principios científicos.

Una de las estrategias más utilizadas por los diseñadores a la hora de implementar elementos naturales a sus diseños, es la calidad que tienen los mismos de reutilizar recursos para crear un ambiente más sostenible y satisfactorio para el usuario, Vivian Loftness llama este fenómeno “environmental surfing”. Un ejemplo muy utilizado es el de las plantas que se utilizan para purificar el aire de un espacio. El CASE “Center of Architecture Science and Ecology”, diseñó un muro viviente interior a base de plantas hidrópicas capaces de absorber las toxinas producidas en el interior a través de sus raíces y a la vez expulsar oxígeno para los usuarios del espacio.

Otra opción de “environmental surfing” sería la energía solar, la cual ha evolucionado de manera positiva y muy significante a través del tiempo y se utiliza mediante paneles solares que convierten el calor del sol en energía eléctrica.

Otra de las estrategias utilizadas por los diseñadores es la de jugar con la escala de los elementos naturales para crear estructuras hechas por sistemas naturales. En efecto, vemos hoy en día la implementación de la impresión 3D utilizada en muchas firmas para crear grandes estructuras con formas peculiares que tal vez no pudieran ser logradas de otra manera. Estas utilizan materiales biodegradables para ayudar al ambiente.

Existe además un gran grupo de investigación acerca de la “arquitectura animal”, es decir espacios arquitectónicos diseñados específicamente para la raza no humana. Esta arquitectura se caracteriza por crear espacios eficientes en recursos y por tener una calidad visual atractiva. Existe un ejemplo muy famoso de esta arquitectura llamado Chrysalis III de Matsys, un espacio paramédico de investigación que estudia el comportamiento de los percebes marinos con tamaños irregulares.

Este tipo de arquitectura se utiliza regularmente para habitar especies que están en amenaza o en peligro de extinción.

Finalmente, la última estrategia mencionada en la categoría de properties es la de utilizar los espacios arquitectónicos para presentar, o exhibir artefactos naturales y así compartir el conocimiento natural. Existe un ejemplo muy famoso del United Kingdom Pavilion en la Expo mundial de Shanhgai en el 2010, el cual fue diseñado como un banco de semillas.

Esta estructura servía para exhibir y compartir el conocimiento botánico, haciendo que los visitantes se sintieran completamente sumergidos y atraídos por él mismo.

Es sumamente interesante ver esta intersección entre el mundo tecnológico y el mundo natural ya que hoy en día tendemos a inclinarnos mas hacia la tecnología, dejando a un lado la naturaleza y todos los beneficios que esta tiene para aportarnos. Como primer acercamiento de relación entre la tecnología y la naturaleza, podemos ver como de una manera tan simple como lo es la materialidad y el proceso de construcción nos permiten acercarnos hacia un mundo más funcional y más eficiente. Tomando en cuenta todos los beneficios que tanto los sistemas tecnológicos como los sistemas naturales tienen para ofrecernos, se logra hacer que ambas razas tanto la humana como la animal, convivan.

31- INTERNAL DISCONNECT: MATERIAL MEMORY IN THE JOHN PORTMAN ORIGINALS

BY GREGORY MARINIE ANALIZADO POR: WILNELYS FERNANDEZ Internal disconnect Material memory in the John Portman originals Una procedencia interior - exterior En los antiguos siglos, las cualidades de la tectónica y la condición de los materiales era evidente, igual la forma de construcción del espacio pues había de esto en todos lados.

Esta forma de ver las cosas y de diseñar llamó la atención de John Portman, quien tomó como lenguaje arquitectónico toda la inspiración que ya había visto.

Realmente John Portman dentro de su haceres laborales como arquitecto y desarrollador realizó grandes proyectos. En el año 1967 trabajó con el Hyatt Regency Atlanta.

[Irreverente] desmaterialización Regency Atlanta

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Hyatt

La cadena en su totalidad completó la fase final de una transformación de unos 65 millones de dólares.

La compañía Hyatt Regency Atlanta es parte del bloque 14 de Peachtree Center masterplan plan. Más que un hotel realmente Portman creó una pieza sustancial del urbanismo. En él se encontraban túneles, tragaluces, arcadas, atrios y demás, todo diseñado para ser conveniente, a prueba de agua y mucho más seguro que el mismo downtown.

Las formas brutalistas y las calidades espaciales eran parte de la forma de ver las cosas de Portman. Para los años 2000s empezó el cambio de estilo y de gustos. Aquí empezaron los cambios y las renovaciones a lo largo de muchos proyectos realizados.

HYATT REGENCY ATLANTA

Un ejemplo de esto anteriormente planteado es el mismo Hyatt Regency Atlanta. Dicho hotel sufrió diverso cambios todo como puente para lograr un refrescamiento de los espacios y el lobby.

Se puede decir que se quedó como se explicó por unos años, pero ya para el 2010 se removieron todos los pisos blancos helado terracota del atrio y las áreas comunes. Cambios y renovaciones fue lo que más se vivió en estos espacios.

Básicamente me atrevería a decir que Portman era muy arriesgado, pero a la vez dudaba mucho de su trabajo y de sí mismo.

[Superficial] Adaptación | Westin Peachtree Plaza El hotel Westin Peachtree Plaza abrió en el 1976 en Atlanta. Funcionaba igual, bajo los mismo principios que él utilizaba.

En los años iniciales de los 2000s los cambios continuaron , tanto así que hasta su nombre cambió, ahora sería GM Renaissance Center todos los remozamiento/trabajos de remodelación/ideas y todo cambió.

Los originales de Portman a través del lente de Lefebvre, Baudrillard y Jameson Desde los años 1960s y 1970s, los originales de Portman fueron altamente criticados por su arrogancia en cuanto a las ciudades. Como generadores de urbanismo, ellos intentan renovar ciudades americanas. Este siempre fue el sueño de Portman, lograr sus ambiciones sociales con proyectos realmente grandes.

Normalmente se veía a los originales de Portman

como los viables para los continuos rediseños, sin embargo luego se empezaron a mostrar como una imagen alternativa de la ciudad y un mundo interior hermético.

Hoy en día los interiores de los hotel realizados por John Portman son caracterizados mucho menos por la permanencia de su diseño original interior de la arquitectura y mucho más por la temporalidad y tendencia influenciada del diseño de interior.

Las renovaciones de los originales de John Portman sobre los principios de los anos 2000, no han sido bien documentadas.

Las teorías espaciales de Lefebvre y criticas tempranas sobre el trabajo de John Portman por Baudrillard y Jameson afirman que los edificios comúnmente son criticados mas rigurosamente en su forma original y los cambios en el interior regularmente son olvidados.

32- INSIDE-OUT AND OUTSIDE-IN: THE ENVELOPE AND THE SEARCH FOR A HETEROGENEOUS INTERIORITY

BY MARCO VANUCCI ANALIZADO POR: GUILLERMO IRIZARRY El envolvente arquitectónico y la búsqueda de una interioridad heterogénea En este capítulo se plantea la idea central de que de todos los elementos que forman la arquitectura, el envolvente de una obra juega el rol más relevante, definiendo la relación entre el entorno de la obra y la unión con la espacialidad interior de la misma. En particular, a través de nuevos conocimientos en la arquitectura contemporánea se busca crear nuevos espacios con constructos espaciales heterogéneos. Más allá del contraste entre la forma y el programa de una obra, se explica que la arquitectura interior puede ser redescubierta a través de la unión de cubiertas dinámicas y performativas.

Desde hace más de 50 años el discurso arquitectónico progresivo ha estado polarizado por la investigación de formas complejas, por un lado, y por la unión innovadora del programa, por el otro. Estos dos aspectos de la arquitectura de interiores han sido investigados de forma extensa, las cuestiones relacionadas con la unión del espacio interior no han recibido el nivel de crítica correspondiente. El discurso que rodeaba el diseño espacial paradógicamente sé había centrado en la descripción de aspectos que influencian la forma de la espacialidad, sin involucrarse con un entendimiento más profundo de la calidad de los interiores.

La exploración de la complejidad y las formas geométricas informales abrieron nuevas formas de pensar sobre la relación entre forma y función. Muchos proyectos de la época posmoderna definieron el camino hacia un mayor entendimiento de la relación entre materialidad, estructura y desempeñó en la arquitectura.

The performative envelope El envolvente de un edificio es un diafragma que articula la forma y afecta el programa. Este proporciona una condición espacial particular en el interior mientras crea la escena para un evento, que es cultivado por el constructo espacial. Si lo llevamos a su forma más pura el envolvente de un edificio protege el espacio interior de un ambiente exterior hostil. Se relaciona con su entorno económicamente, socialmente, psicológicamente y políticamente.

El envolvente o la cubierta de un edificio es considerada el más viejo y más fundamental de todos los elementos arquitectónicos, este funciona como la separación entre adentro y afuera, lo natural y lo artificial, lo privado y lo publico.

El paradigma moderno fue basado en el planteamiento de “form follows function” e implica la correspondencia entre la unión interna y la manifestación de la forma construida. La obra de Le Corbusier “La máquina de habitar” representa la respuesta funcional al problema de la forma arquitectónica y define los estratos materiales del mismo.

Con la llegada de la globalización socioeconómica a finales del siglo XX, surgieron nuevas tipologías híbridas y de uso mixto. Surge un nuevo estilo de diseño urbano donde ya no existe una relación con el contexto, sino que la envolvente se impone al mismo. Como resultado surge la desconexión total entre el interior y el exterior.

Hyperarticulation of differentiated envelopes El espacio interior se define como el límite que

LAMINAE - OPENSYSTEMS ARCHITECTURE

diferencia el envolvente exterior de un edificio con el interior. Existen diferencias claves entre el espacio que rodea un edificio y el interior del mismo, tales como la temperatura, humedad y la iluminación.

La definición de una envolvente performativa, permite la unión de un espacio interior que ya no provee un espacio homogéneo como resultado de una búsqueda formal y programática. En cambio, una condición espacial heterogéneo es alcanzada a través de una unión del envolvente del edificio por una organización material diferenciada. La desvinculación de la idea de un espacio interior homogéneo para así incorporar una espacialidad heterogénea verdaderamente diferenciada permite un entendimiento profundo del la dicotomía tradicional entre la forma y la función en la arquitectura.

Surge una nueva sensibilidad en la que se implementan los materiales computacionales para establecer una relación entre materialidad, estructura y desempeñó. La posibilidad de recolectar y manejar grandes cantidades de datos permite la integración de información a través de procesamientos computacionales, dentro del tejido del envolvente arquitectónico.

Ambientes heterogéneos llenos de información son el resultado de un proceso de manejo y cruces de datos dentro de un proceso de diseño integrado. Como resultado las variaciones continuas de componentes del edificio permiten la actualización de una condición espacial diferenciada que responde a los cambios que surgen en su entorno.

32- MEASURING THE HUMAN DIMENSION: DOMESTIC SPACE, MATERIALITY, AND MAKING IN JAPAN

BY ZEKE LEONARD ANALIZADO POR: SALMA KÜHN El capítulo 33 “Measuring the human dimension”, habla sobre la importancia de crear espacios con escala humana y para humanos, y como esta es una práctica que en el occidente cada vez se va perdiendo más. Toma como referencia de comparación la cultura japonesa, una cultura con alta espiritualidad y que valora la conexión a los espacios, naturaleza, entornos, y entiende cómo esta puede influir en el bienestar del usuario. La cultura japonesa se conoce por sus casas pequeñas y todo adaptándose a la necesidad y función, evitando excesos, y esto se traduce en la arquitectura.

La materialidad influye profundamente en los espacios y cómo se perciben, creando una experiencia sensorial. En Japón, esto se exhibe de múltiples maneras, desde algo tan sencillo como quitarse los zapatos al entrar a la casa, donde uno conecta con el tatami mediante las plantas de los pies, donde el mismo da una sensación acogedora, de calor y comodidad, teniendo cierta suavidad que simula la grama en el exterior. Para conectar con los materiales, no es de costumbre revestir los mismos y quitarles su forma y esencia natural, así exaltando una experiencia multisensorial muy única y específica de esta cultura. Aparte de la vista y el tacto, los materiales en el interior del hogar conectan con los sentidos del olfato y el oído, al dejar los materiales puros y vistos, se pueden escuchar y sentir sus imperfecciones y aroma de naturalidad.

La escala humana prevalece a partir del tatami, el cual simula y conecta con las dimensiones humanas reales. El tatami, con una dimensión de aprox. 1.8 x 0.90 metros, emula la dimensión real de un humano, y los espacios de los hogares se construyen a partir de esto mismo, de tal manera que esto directamente influye en la escala y en la cantidad de personas que

MATERIALIDAD JAPONESA

pueden existir cómodas en los espacios. Los japoneses crean arquitectura para las personas, siempre pensando que el usuario es el que va a ser dueño del espacio, no el espacio dejar que el usuario exista en él. De esta manera, los espacios no pierden escala humana, ya que no es de costumbre tener un espacio de más de 10 tatamis sin una división.

La profundidad del tatami y su importancia en la cultura japonesa conecta directamente con la importancia de la misma de conectar con la naturaleza. Como previamente mencionado, los tatamis emulan texturas naturales, tanto por la suavidad de la grama, como los materiales con las que se construyen. Tradicionalmente hechas a mano, las mismas se crean con materiales renovables y naturales del contexto, permitiendo así al usuario a conectar profundamente con el entorno en el que se encuentra, ya que todo lo que le rodea proviene del entorno, así evita aislar al humano dentro de un hogar y olvidarse del mundo exterior. Esto tiene un impacto en la cultura sumamente relevante, ya que crea una sensibilidad y aprecio al entorno del cual nos olvidamos en la cultura de occidente.

La arquitectura se vuelve local, proveniente del entorno y haciendo sentir al usuario al encontrarse sentado y rodeado de la misma, que igualmente pertenece al entorno en el que se encuentra, y todo lo creado alrededor, proviene igualmente de personas que se identifican con el mismo entorno. Esta es la importancia de evitar los materiales superficiales y artificiales, y optar por materiales contextuales, con una historia y un significado.

La conexión de los materiales, y la tradición cultural que rechaza revertir o cambiar los materiales de su estado natural crea una arquitectura detallista, con materiales de calidad y sentimentalidad, ya que al solo verse en su estado natural, esto se vuelve algo importante

para construir los espacios. Mientras más amplia la escala y más lejanos los materiales, esto mismo se traduce a las emociones que transmiten los espacios, y consecuentemente a como se siente el usuario dentro de este entorno; se siente distante y que no pertenece al igual que los materiales que lo rodean.

Tradicionalmente en occidente esta es la costumbre: materiales que sirven propósitos estéticos para una agenda específica, o en el mejor de los casos materiales que sirven ambas estéticamente y funcionalmente. Esto separa al usuario de su entorno, y a diferencia de japón, donde la arquitectura es dinámica y tiene una conexión directa con el usuario, nos alejamos de la materialidad que nos rodea con algo tan sencillo como un llavín de puerta.

En la cultura japonesa, los arquitectos no funcionaban como algo alejado de la obra, ni siquiera existían arquitectos, si no maestros especializados en cada disciplina que ponían la salud emocional del usuario y la sinfonía de los materiales por encima de decisiones estéticas.

Esta separación se ha pronunciado a partir de la segunda guerra mundial, donde se empezó a construir masivamente, tanto en cantidad como en tamaño, perdiendo así la escala humana.

El usuario no prima en la construcción de las viviendas actuales, si no primas los objetos que lo rodean. El usuario por consecuencia no logra conectar a nivel espiritual con su entorno, y se vuelve una arquitectura donde el usuario existe, pero no conecta ni vive experiencias con su entorno.

Debemos tomar ejemplo de los japoneses y volver nuevamente a la arquitectura arte. Crear un espacio donde verdaderamente el usuario tenga experiencias sensoriales y conecte con sus entornos en vez de crear una arquitectura lujosa que busque impresionar a todos menos a su dueño.

.07 O C C U P A N C I E S

ABSTRACT PA R T 0 7 ESCRITO POR: SARAH MORALES, NATALIA RIZEK Y SARAH VALENZUELA A continuacion, en este capítulo 7 titulado Ocupancias, se redactan una serie de escritos por los siguientes autores destacados: - Georgia Downey - Dorita Hannah - Marian Macken - Johan Voordouw - Anthony Morey - Volkan Alkanoglu - Jan Smitheram Estos tienen la intención de recopilar informacion relevante al estudio y análisis de las ocupancias, dentro del diseño de interiores. Cada uno se basa en premisas de su práctica profesional particular, así como en estudios encontrados en la historia del arte y la arquitectura. Con el transcurso de cada capítulo, los diálogos van redefiniendo lo que significa “Ocupar,” finalmente otorgandole al lector un gran rango de interpretaciones y casos de estudio.

Georgia Downey introduce la temática de habitar, bajo el punto partis de que habitar significa dejar huellas (“uso, vida y más allá”). Introduce el concepto de la huella auténtica, y cómo el espacio de vivienda deja rastros de quien fue el dueño, ya sea por el diseño de sus espacios o por su mobiliario. Ejemplifica a maestros como Gaudí y Le Corbusier, quienes con sus hogares demuestran cómo sus casa-museos pueden ser una exposición de sus vidas y a la vez traer un sin número de incógnitas.

Marian Macken, en su ensayo sobre la ocupancia y temporalidad, explora la efectividad

DESCRIPCION DE IMAGEN

de medios como el estudio-museo y las fotografias de preservar la esencia del espacio interior habitado. Se reconoce que la actividad humana deja rastros en los espacios donde ocurre, los cuales al ser capturados generan una burbuja en el tiempo. Allí, el espectador puede tener contacto con ese pasado, ya sea experimentando el espacio tridimensional o visualizando las capturas fotográficas.

Johan Voordouw luego nos enseña sobre la topología, y el impacto que tiene hoy en día sobre la arquitectura. Siendo esta una disciplina matemática del estudio de las geometrias y superficies, es posible lograr una abstracción total del espacio interior, corriendo el riesgo de hacerlo desaparecer por completo en el diseño.

Este proceso esta apoyado en el desarrollo digital de computadoras y programas arquitectónicos, los cuales han abierto las puertas a mayores posibilidades formales paramétricas.

En el 5to subcapítulo, mediante Anthony Morey y Volkan Alkanoglu, empezamos a conocer como ciertos objetos que han formado parte de nuestra vida cotidiana, se vuelven imprescindibles a considerarse en el momento de diseñar para las personas. Entre estos se incluyen los carros, el cual a partir del siglo XIX ha transformado el mundo de la arquitectura.

Podremos ver ejemplos de como la arquitectura ha acogido cierta invención en su mundo, desde la arquitectura moderna, pasando por Le Corbusier, hasta Frank Lloyd Wright. La fascinación de los arquitectos por los avances del automóvil en cuanto a su producción, ha impactado el mundo en el que vivimos en más

aspectos de los cuales nos hemos imaginado.

Finalmente Jan Smitheram, mediante la exposición de un caso de studio dirigido por análisis estudiantiles, demuestra el importante campo en el cual colindan estas dos ramas: la arquitectura y el interiorismo. Recalcando nuevamente la importancia de intervenir un espacio con el conocimiento previo sobre la relación del cuerpo humano al espacio a intervenir, y las formas que lo afectan (ocupancia y formación). Exponiendo ideas que si se ponen en práctica nos guían hacia un mejor resultado en cuanto al diseño. El diseño del interior y la arquitectura deben pensarse simultáneamente.

34- TO DWELL MEANS TO LEAVE TRACES: MODERNISM, MASTERY, AND MEANING IN THE HOUSE MUSEUMS OF GAUDI AND LE

BY GEORGINA DOWNEY ANALIZADO POR: SARAH AMELIA MORALES Durante el período moderno, las viviendas de gran peso arquitectónico que fueron diseñadas por arquitectos para ellos mismos, se convirtieron en grandes legados e hitos de estudio.

de estudio, y fue originalmente construida como una casa de exposición en el año para un amigo de Gaudi. Al construirla, es interesante cómo se dirigió hacia el resto de

El título “To dwell means to leave traces,” se traduce a siendo esta la premisa del mismo.

Las viviendas-museo fueron conservadas y convertidas en un legado del mismo arquitecto, así como un museo de acceso práctico e interactivo para los estudiantes y practicantes del diseño, arquitectura e historia del arte. Una “habilidad de pararse dentro de la historia.”

Es evidente que la interacción que produce estas viviendas es más robusta, directa y real, y claramente Gennaro Postiglione lo deduce ocupante puede analizar la intención del hábitat y el “por qué” de sus espacios. Este menciona que se puede deducir la disciplina y hábitos del arquitecto por la distribución y diálogo de sus espacios, y cómo en muchos casos usan este ejercicio para manifestarse poéticamente.

Casi un siglo después, se convirtió en Patrimonio Cultural por la UNESCO. A pesar de que tras la muerte de Gaudí, la casa fue vendida, los siguientes dueños eran seguidores de las obras de Gaudí y la llamaron Casa Gaudí, siguiendo su legado. En 1960, la fundación de la Sagrada Museo. La Casa Gaudí se convirtió en un espacio de exhibición de muebles, y junto con todos sus demás diseños en diferentes localidades, se puede analizar la intención del arquitecto.

Algo sumamente interesante es el gran contraste de sus diseños estrambóticos en comparación con el diseño abnegado y minimalista de su vivienda. Esto dejaba entender lo misteriosa que era la vida privada de Gaudí y lo poco que realmente daba a la luz, detalle que es sorprendente solamente mirando sus obras, ya que estas son muy extrovertidas y expresivas.

Cabanon, la casa de Le Corbusier, es otra

En estos sitios sucede una energía tal donde y los visitantes tratan de experimentar lo vivido por los antiguos dueños; sentir profundamente los espacios para así desatar memorias e interpretaciones. Este ensayo abre a la conversación sobre la concepción moderna de que el interior doméstico es una representación del individuo, mediante la exploración de dos hogares: La Casa Museo Gaudí en el Parque Güell en Barcelona, por en arquitecto Antonio Gaudí, y la Cabanon, por el arquitecto Le Corbusier, localizada en Roquebrune-Cap-Martin, en la Riviera Francesa.

Casa Museo Gaudí (1905) es la primera casa

Es diseñada en base al modernismo y a las unidades prefabricadas. Es una casa que tiene un terraza que da al océano, un terreno en frente del mismo que le agrega valor al hogar. Un detalle de suma importancia del Cabanon es que se rige por las medidas que el mismo Le Corbusier escribió en el Modulor.

Eileen Gray, el E.1027 y las Unités de Camping. realmente, por más años que puedan pasar en que un arquitecto viva, culmine su vida y su casa sea entregada para propósitos de estudio y análisis de lo que era su vida y su estilo de hogar, el arquitecto siempre estará vivo entre lsus coas, y sus experiencias podrán ser compartidas con quienes quieran revivirla in situ.

El análisis ocurrido en este ensayo es primordial para entender cómo las casas-museo de estos dos arquitectos se presentan con diferentes análisis curatoriales y, sin embargo, la materialidad de los espacios se remonta a la ocupación corporal. En el caso de las casas-museo de ambos arquitectos, existe una táctica deliberada de la curaduría de las mismas de hacer que las interpretaciones sean bastante abiertas ya que ambos personajes se mantienen sumamente discretos acerca de su vida persona, y se sienten como un enigma a resolver, más que un libro abierto. En ambos casos también se anima a los visitantes a pensar y experimentar los espacios como auténticos, mientras se señaliza lo que es y no es original.

Casa Gaudí se presenta no como un hogar, per se, sino como una exposición. Lo que no se sabe a simple vista es que los espacios más privados como la cocina y la habitación tienen un sentido muy profundo de interioridad y privacidad, característica que el arquitecto siempre mantuvo en el transcurso de su vida.

“Uso, vida y más allá.”

Al igual que la Casa Gaudí, el Cabanon

puede permitir que las interioridades de los

en

del presente. Por esto la premisa dicta que “to dwell means to leave traces,” porque

un

período

largo

de

tiempo.

feminismo en su hogar, y cómo era la relación con su pareja Yvonne, así como con su otra pareja

CASA MUSEO GAUDÍ Y LA CABANON DE LE CORBUSIER.

interpretado como lo sienta en el presente.

35- EVENT - SPACE: A PERFORMANCE MODEL FOR SPATIAL DESIGN

BY DORITA HANNAH ANALIZADO POR: SARAH AMELIA MORALES El diseño de interiores articula, moldea y detalla ambos el espacio y la experiencia del usuario. Son esta declaración inicia este ensayo prometedor. Trasciende lo que es un mero espacio y se traduce a convertirse en una Hannah presenta que el diseño de interiores sobrepasa lo físico y mundando, llegando a ser metafísico y con eterna apariencia, y existe con y sin la presencia de la arquitectura.

De aquí nace el termino “diseño espacial,” el cual sobresale los mundos virtuales y viscerales, hasta un espacio más fuera de lo convencional, fuera de lo que son espacios de eventos.

En ensayo llega a la conclusión de que proyectar una actuación o “performance” en la arquitectura requiere que adoptemos lo que otro teórico del performance, Richard Schechner, llama “un enfoque de amplio espectro.” Este reconoce algo muy importante y nortorio que es que si no todo es ya un performance consciente, todo puede ser estudiado como uno, incluidos los aspectos de diseño, de estética y actos que ocurren más allá del teatro.

Event-space and spacial events “building performance” que no es nada menos que una herramienta técnica y diagnóstica ambiente constructivo.

Promueven la premisa de que quizas es mas productivo si uno se pregunta, más que qué es

El concepto de PERFORMANCE se basa en la mezcla de ambientes que no necesitan estar percibidos ya como trabajos SINGULARES de aquitectura, sino como espacios MULTIMODALES, espacios !

How space does

Como fenómeno de “performance”, nuestros espacios de eventos diarios cuestionan tanto la materialidad del mundo construido como la inmaterialidad del evento, revelando el mundo vivido como un espacio de potencialidad.

Disciplinary maneuvers, post-catastrophe pausa de interrupción. Van juntos de una manera dramática, son conceptos productivos, genéticos, prácticos, y los convierte en estáticos y expresivos.

Personalmente, estoy de acuerdo con la autora en que para diseñar un espacio, se debe poder crear no solo un espacio funcional y que opere correctamente, pero un espacio que produzca

Figura A: Jacques Derrida - Point de Folie

EVENT-SPACE: Performance Design

humano, sino que los objetos inanimados puede ser percibido como un sujeto “performer.”

las disciplinas de arquitectura y performance, que con la utilización del hyphen (-), hace

“Not what built space is, but what it does”

Traducido por Sarah Amelia Morales.

Bernart Tschumi siempre ha tenido el mantra de que no existe un espacio sin un evento, basicamente defendiendo una arquitectura activa y con propósito. Este vínculo entre el evento y el espacio cuestiona la asociación tradicional de la arquitectura con la continuidad, coherencia y autonomía al centrarse en el tiempo, la acción y

Este sub-tema trae a la luz un argumento sumamente interesante, que es el de la imposición de los monumentos en las sociedades. Pone el ejemplo del evento 9/11, durante el cual la “libertad” fue atacada y cortada, y notan cómo la arquitectura fue atacada deliberadamente por lo que representaba. Como dice el escritor surrealista Georges Bataille, los monumentos arquitectónicos son en sí mismos fenómenos violentos que debían ser erradicados por su imponente demanda de silencio a las multitudes.

Tambien porque inspiran comportamiento socialmente acceptable y muchas veces un miedo real.

36 - DOCUMENTING INTERIORITY / INHABITING DURATION

BY MARIAN MACKEN ANALIZADO POR: NATALIA RIZEK 18-0030 Ya sea por su valor histórico, cultural o personal, el ser humano siempre ha buscado preservar sus recuerdos de alguna manera para la posteridad. En el sentido de la interioridad, la preservación de los recuerdos se manifiesta en la preservación de lugares donde estos eventos ocurrieron, o más bien la esencia de estos lugares.

Marian Macken hace hincapié en los Estudio-Museos y las fotografías, como métodos de preservación del pasado interior, para explorar las limitaciones y facilidades que tienen la preservaciones de los espacios.

Primeramente se estudia el EstudioMuseo de Brett Whitley, un pintor Australiano que vivió desde 1939 hasta 1992. En este tipo de preservación, el estudio de trabajo del artista es preservado tal y como lo utilizaba Whitley, pareciendo ser que este simplemente ha pausado su día de trabajo y podría volver en cualquier momento a retomar su labor.

De esta manera, los visitantes no solo tienen la experiencia didáctica de un museo al aprender sobre el personaje, sino que tienen la oportunidad de sentirse en sus zapatos, dándole mayor dimensión a la experiencia.

autenticidad del espacio original habitado. El visitante se imagina junto al artista, buscando sentir lo que este sintió, a pesar de que estas condiciones y emociones se encuentran perdidas en el pasado.

Este interés por el espacio, surge debido a que el artista ya no se encuentra produciendo piezas nuevas, por lo que el espacio se vuelve de interés al capturar la esencia del proceso de crear dichas obras famosas. El espacio, de alguna manera, se vuelve la pieza final, encapsulando al artista, sus obras y su medio en una sola visita.

El preservar un espacio, y por ende los restos de la actividad que ocurrió allí, preserva la idea de este. Sin embargo surge la duda sobre su originalidad. El momento que este se vuelve una preservación, renuncia a su originalidad ya que la actividad capturada no está ocurriendo y no volverá a ocurrir de la misma manera ni en el mismo espacio.

“Rather than gazing at paintings, the studio-museum visitor may take an active role and walk into the space, be immersed and enclosed within the same space as that the artist once worked in.”

- Marian Macken

Como segundo análisis, Marian Macken se refiere a las fotografías de Thomas Demand como medio de preservar el espacio. En sus obras, Demand hace réplicas escenográficas de los momentos que quisiera capturar, acercándose lo más posible al interiorismo que rodea momentos históricos en el mundo. Luego de tomar sus fotografías, destruye dichas escenografías, y las imágenes permanecen como el documento primario de preservación replicada.

Esta expectativa del visitante, según Macken, permite que la temporalidad del espacio sea manipulada. Es decir, que el tiempo transcurrido entre el fallecimiento del artista y la visita del espectador se reduzca a nada en la mente del visitante, ya que este anda en busca de la

En este caso, el espectador no es capaz de caminar en la tridimensionalidad del momento, si no mirarlo capturado, pausado para siempre en el tiempo. Considero peculiar la manera en que Demand prefiere capturar los espacios no habitados, es decir sin presencia

Brett Whitley, Raper Street Studio (1988-89), Andrew Fisher

de actores. De esta manera el insinua que el gran evento está a punto de ocurrir, ya ocurrió, o está ocurriendo en la cercanía de la captura.

El espectador, similarmente al estudio-museo, se vuelve el responsable de agregarle el valor emocional a la experiencia y crear la expectativa del momento en su mente.

De acuerdo a ambos casos, el mero acto de documentar algo y preservarlo, corta la unión del espacio con el presente, pues este ya no puede ser afectado por los eventos contemporáneos. El documento de interioridad se vuelve intocable, congelado en el tiempo, el cual no es parte de su pasado original ni su presente actual. Debido a esta separación, su autenticidad es puesta en duda, ya que al no tener las actividades originales ocurriendo, estas documentaciones podrían considerarse meras réplicas del original.

“The document therefore carries forward not evidence of the past so much as that something has passed, and it shows us something that even the past may not have recognized till now, too late.”

- Charles Merewether Es decir, el documento encapsula los restos humanos o la idea de que el humano deja a tras un registro de sus acciones, dentro de los espacios que habita. Si no fuese por esta esencia, los documentos permanecieran meramente formales, sin emociones. La colaboración entre el documentador y el espectador es relacionarse con esa dimensión humana de siempre dejar una marca en los espacios que atravesamos.

Brett Whitley Studio (2007), Graham McCarter

37 - TOPOLOGY AND INTERIORITY

BY JOHAN VOORDOUW ANALIZADO POR: NATALIA RIZEK 18-0030 El concepto de Interior, visto como el espacio delimitado dentro de la arquitectura, es usualmente interpretado como la contraparte del exterior. Sin un exterior, no existe el espacio interior para refugiar al humano.

Tradicionalmente, este interior es definido por elementos fisicos arquitectonidos, que le otorgan dimension a dicho espacio.

En el caso del estudio de la Topología, se reinterpreta el interior y su verdadera necesidad para crear arquitectura. La topologia es el estudio geometrico de las deformaciones, superficies, y relaciones de formas sin considerar necesariamente una escala o medida. Si no la deformacion como elemento de valor en si mismo.

Conceptualmente, la topologia y la arquiectura se contradicen: “Mathematically, topology deals with scaleless deformation undermining a critical dimension of architecture; topologies are geometrical relationships devoid of scale and measure.... topology studies the surface of geometry - it has no space.” - Voordouw Sin embargo, hoy en dia la topología es una parte importante del desarrollo a futuro de la arquitectura.

Estas deformaciones de superficies se pueden ver mayormente en arquiectura luego de la revolucion digital iniciada en los años 80, la cual permitio el apoyo en coputadoras para la generacion de volumenes y formas alternativas a la arquitectura tradicional. Especificamente en lo conocido como “arquitectura parametrica” o “paraboloide” se puede ver claramente la topologia de la arquitectura. Aqui una gran superficie es manipulada, se crean dobleces y

curvas que transicionan de ser muros, a techos, a suelos, sin necesariamente tener algun quiebre. Esto transforma la idea tradicional de cerramiento y hace mucho mas permeable el concepto de interior.

El hecho de que un espacio “interior” pueda fluir a un espacio “exterior” de manera directa gracais a estas nuevas morfologias, hace dudar si existe un verdadero interior en estos casos o simplemente un exterior continuo. La fachada tradicional deja de tener su utilidad de defensa y frente, ya que la union del terreno y interior es bienvenida.

Como apoyo al concepto de que el espacio interior necesita limites para existir, se asume que el espacio exterior ya tiene una existencia irrevocable en si misma.

topologia explorada por si sola no es suficiente para crearlo. Debe utilizar las dimensiones y condiciones que el humano necesita para vivir sus actividades de manera comoda.

Realmente habitar el espacio. No solo actual en concecuencia de la forma que este tenga.

Es posible un interior que conecte de manera sinuosa con el exterior, es posible que espacios interconecten de manera fluida, y que la edificacion sea liberada de la rigurosidad perpendicular. Sin embargo esto debe buscar ser espacio, no simplemente la apertura de huecos y vacios que permitan el paso. El exterior, a diferencia del interior, es imposible de encapsular. Nada puede contener el exterior, por lo que pretender que el interior sea parte de este, niega la ideologia de interior en su base.

“Architectural space remains in a virtual space of ‘becoming’ while the city and environment already pulsate with life....

How do we define interiority when space is continually linked physically, virtually, and digitally to the complex network beyond?”

- Voordouw Es decir, sin generar verdaderamente un nuevo espacio que se adicione al resto del exterior, realmente estamos creando arquitectura? o simplemente un volumen extra dentro del espacio exterior existente? Segun Voordouw, una revolucion arquitectonica que no logra crear un nuevo tipo de espacio, no ha realizado todo su potencial. Permaneceria simplemente como una ideologia, sin materializar su innovacion para la vida humana.

Cuando se considera que el esapcio interior es el que la arquietctura genera para ser habitado, es importante reconocer que la

Teshima Art Centre (2010). A hovering surface that defines an enclosure. Iwan Baan.

Rolex Learning Centree at the Ecole Polytechnique Federale de Lausanne (2010). Iwan Baan.

38 - ARCHITECTURAL PURGATORY: THE CAR, THE GARAGE, AND THE HOUSE

BY ANTHONY MOREY AND VOLKAN ALKANOGLU ANALIZADO POR: SARAH VALENZUELA “Ni el Diseño ni la Función, Ni la Circulación ni el Programa, Ni el Espacio ni el Lugar, Ni el objeto ni el Habitante, Ni el Interior ni el Exterior”

Se reconoce que la arquitectura no tuvo respuesta, asimilación ni integración, solo produjo un espacio para un objeto, uno que se usaba según se necesitaba y se olvidaba cuando no.

Desde la invención del automóvil, ha sido una prioridad para los arquitectos la inclusión del espacio para el vehículo en las edificaciones que se diseñan. Actualmente, la humanidad se traslada constantemente en los interiores, desde nuestras viviendas, los automóviles, a las oficinas, el mundo para la humanidad se ha convertido en un interior constante.

Incluso hoy en día, un garaje se conoce como parte de una casa y “se asocia como un objeto parásito adherido contra la voluntad de la casa”.

En el paso del tiempo, al el desplazamiento en automóvil ser parte esencial de la vida cotidiana, se han producido vías, parqueos y espacios dedicados al automóvil, como los talleres y estaciones de combustible. Se habla de cómo el auto cambió la forma en la que se deben diseñar los asentamientos urbanos, siendo la vivienda una parte fundamental.El auto empezó a requerir de la arquitectura, tanto como las personas que los manejan.

Incluso, Alkanoglu afirma: “ El automóvil dominó la arquitectura. La restringió, la obligó a cumplir y reinventó el método y el punto de partis de la arquitectura. La arquitectura se había centrado históricamente en la interacción y el habitar de la figura humana.” Demostrando que aunque durante mucho tiempo se había centrado en este ámbito de la sociedad, la arquitectura se empezó a ver controlada, manipulada y persiguiendo constanemente los objetivos de la industria del automóvil por las comodidades que nos brinda.

La solución arquitectónica a este gran demanda esporádica de vehículos, y todo lo que conlleva su mantenimiento en la sociedad, fue el garage. El lugar reconocido como el purgatorio arquitectónico...

Visto como un espacio poco convencional dentro del tejido urbano convencional, el garaje se ha convertido en el hogar de innumerables revueltas modernas, ha reintroducido diferentes perspectivas y nociones de tecnología, las cuales en la actualidad, son comodidades vitales para el ser humano. “¿Qué es un coche sin conductor? ¿Qué es un coche sin destino? ¿Qué es un automóvil que ya no necesita una carretera para viajar? ¿Qué es un automóvil si se conduce solo? ¿Qué es una casa sino un coche parado?”

Es tiempo de repensar los espacios como el garaje y los parqueos ya que el automóvil ha encontrado una manera de comprender el hogar, la vivienda y la vida humana, por ende, ha logrado entender la esencia de la arquitectura.

El carro pasa de ser una maquina sucia, sino un ejemplo concreto de la tecnología.

Entonces, si en el carro es posible hablar, comer y dormir, ¿cuál es el beneficio de la comunidad, los barrios o los pueblos? Parece haber más en juego que un automóvil que se puede enchufar a la pared o una batería que se puede recargar en ocho horas o menos.

El automóvil pasa de considerarse como el objeto principal del purgatorio arquitectónico, a un esapcio de integración y de socialización tanto para una persona, una familia, o una comunidad.

DIAGRAMA SOBRE LA EVOLUCION DEL AUTOMOVIL EN LAS VIVIENDAS

Figura A: Top, Casa Weissen, Le Corbusier 1927;2 Bottom, Park Residence, Volkan Alkanoglu 20123 ¿Qué podemos hacer para involucrar al vehículo a la vida humana, de manera en la que su espacio se convierta en un lugar de convergencia?

Debemos entender que el automóvil ahora puede ser tratado como un habitante dentro del interior de la casa. El garaje se ha vuelto innecesario en el dia de hoy debido a lo rápido que el transporte ha ido cambiando. Por ende, la arquitectura debe dirigirse an un momento ideal para replantear lo que el auto representa, para así permitir nuevamente una riqueza espacial que conecte con la vida humana, dejando atrás los espacios muertos, donde no haya cupo para la socialización.

Esto permitría que la arquitectura recupere la oportunidad espacial que le dio al garaje por necesidad de acomodar a un habitante indeseable y no invitado.

39 - SPACING AND FORMING: A PERSPECTIVE ACCOUNT OF A DESIGN STUDIO

BY JAN SMITHERAM ANALIZADO POR: SARAH VALENZUELA En este capítulo, Jan Smitheram relata los objetivos y las conclusiones de un curso de estudio realizado en la Universidad Victoria en Wellington.

Con esto se obtuvo el beneficio de saber diseñar para todo tipo de cuerpo.

Es impresionante conocer los resultados que se obtienen cuando se dirigen los estudiantes hacia el espaciamiento ya que les permite enfocarse en el cuerpo vivido, sin embargo, la experiencia es completa cuando se enfocan primero en la ocupación, ya que los estudiantes pudieron explorar y expresar cómo el cuerpo y el espacio se afectan mutuamente.

El estudio consistía en dos asignaciones: - Ocupación - Formando Con el propósito de entender cómo se comporta el humano con el espacio y la forma del espacio.

Existen muchas teorias sobre como el cuerpo ocupa el espacio, frecuentemente, se han visto casos en los que el espacio excluye al cuerpo.

En una investigación realizada por Robert Imrie sobre cómo los arquitectos conciben el cuerpo se arrojaron resultados que destacan como los arquitectos en su mayoría, no consideran el cuerpo a medida que se concibe el diseño.

Esto suele suceder debido a que si se considera el cuerpo humano como punto de partida para el diseño, se opta por pensar en un cuerpo ideal o en el cuerpo propio del arquitecto únicamente.

El objetivo de este estudio es que lo estudiantes asocien la ocupación del espacio con empatía y con una comprensión del cuerpo inscrita, por ejemplo, por la memoria, el tacto, la vista.

Precisamente esta técnica parece ser la indicada cuando se desea explorar conjuntamente la arquitectura conjunto al interiorismo, para el desarrollo integral y holístico del proyecto.

Imágen de un modelo desarrollado a mano del manubrio de una puerta, por Matty Nuku, en la asignación de “Ocupación” (2010)

La exploración de la ocupación por parte de los estudiantes les permitió cruzar los límites disciplinarios, a través de escalas cambiantes, que no eran unidireccionales y sin jerarquía.

Finalmente, Smitheram :

como

bien

establece

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La Escala

El siguiente término crítico para este estudio fue el espaciamiento.

La escala es la posición en el espacio a través de una medida estándar; la misma nos proporciona una forma particular de entender los interiores, la arquitectura y el urbanismo. La escala es un lenguaje que define el espacio y lo divide de una forma en la que es más manipulable y estudiable para los humanos.

El espaciado, para Crouch, “es ciertamente un término incómodo. Si bien es incómodo, en mi propia investigación había sido útil como una forma de describir la ocupación del espacio como performativa en lugar de entender el cuerpo y el espacio como entidades separadas desde el principio”.

El estudio aborda distintas escalas, por ende, se les sugirió a los estudiantes que cambiaran entre escalas y, en la última etapa del proyecto, que se movieran hacia arriba y hacia abajo entre escalas, sin una jerarquía preconcebida de dónde se termina un diseño o qué escala de diseño es más crítica.

CUERPO OCUPANDO EL ESPACIO, M. MACPHERSON (2010)

“El trabajo de diseño que crearon los estudiantes y el proceso de enseñanza no situaron los interiores como algo posterior a la arquitectura.”

Sino que enseñaron que es parte de un proceso de diseño en el que cada disciplina se envuelve y se logran combinar para generar mejores resultados.

Diagrama básico, MacPherson (2010)

Movimiento

OCUPACION ATMOSFERICA, BEN ALLNATT (2010)

Meghan

.08

A P P R O P I AT I O N

40- DEATH OF THE ARCHITECT: APPROPRIATION AND INTERIOR ARCHITECTURE

BY MARKUS BERGER ANALIZED BY: ANDRÉS ROJAS La arquitectura de interior, se propone diseñar espacios para ser ocupados. Por consiguiente, los diseñadores de interiores se centran en crear experiencias atreves del volumen interior.

La arquitectura se diferencia de la arquitectura de interior, por razones de escala. En la arquitectura de interiores el espacio es primordial, además de que las fuerzas políticas, geometrías y red urbana influyen indirectamente al considerar la escala de ciudad, mientras que, en la escala de interiores, esas influencias son menos perceptibles, y pasan a considerarse las influencias individuales, en las que prevalece la iluminación, las texturas y el mobiliario que facilitan la lectura del entorno.

En La muerte del autor, de Roland Barthes, este examina la relación compleja entre el autor y su creación, así como el papel del lector en la crítica literaria, en este caso el usuario, el enfoque principal se basa en separar lo personal de lo analítico. Barthes compara y contrasta la forma en que se ve diseñador en la narración de historias, también cómo se desplaza en varias culturas y períodos de tiempo. Por lo que el conocimiento del autor hace que las personas vean una obra de arte como el producto de la identidad y la situación de cada uno.

Puede ser cierto que el buen diseño a menudo debe separarse de las intensas emociones humanas que son ajenas al tiempo, que no cambian y de alguna manera universalmente efectivas, en contraste con el argumento de Barthes, también parte de que el arte más grande del mundo proviene de la lucha personal y la emoción que el autor puede retransmitir.

Diseñar al igual que escribir es la destrucción de la propia voz o el borrado del "yo". A medida que el diseño comienza, el autor comienza a entrar en su propia muerte. No es el autor el que habla en el diseño, sino el idioma en que lo

Evolución arquitectónica

hace. Lingüísticamente, el autor no es nada; por lo tanto, es el lenguaje el que funciona.

Para el arquitecto tan pronto como comienza a diseñar, está muerto, porque cuando se expresa no tiene control sobre la el mensaje, y depende de la interpretación de los lectores. El autor usa el lenguaje para ponerlo en infinitos significados y a su vez les permite a los lectores interpretar el texto. Como resultado, el lector produce múltiples significados. Entonces, abierto a múltiples significados lecturas y apropiación creativa haciendo y rehaciendo el mundo en el que vivimos la arquitectura, con manifiestos, cambios de estilo y avances en material y tecnología. Este enfoque de apropiación tiene profundas implicaciones para práctica profesional y educación en arquitectura y reubica disciplinas más jóvenes de la arquitectura de interiores y el diseño de interiores como no marginal pero integral a él.

El pasado de los edificios no puede narrarse meramente desde un singular origen arquitectónico, sino que debe pensarse a través de sus diversos y vidas culturales. El arquitecto ya no puede simplemente representar el cuerpo y alma de un edificio, más bien las formas y los espacios acumulan significados a través de años de apropiación y actos de vivir. este capítulo explora una hoja de ruta alternativa para práctica de la arquitectura en general.

La apropiación desvanece las ideas de autoría, originalidad y autenticidad establecidas por el arte convencional historia, pero relacionar lo viejo con lo nuevo es una intervención creativa que pone en marcha las múltiples posibilidades de recontextualización.La apropiación en el arte ha desencadenado nuestra noción preconcebida de cosas u objetos y su lugar en el tiempo, nos ha mostrado las posibilidades creativas de considerar múltiples puntos de vista y tiempo no lineal. La práctica de la arquitectura nos permite formar una relación

mucho más dinámica con los espacios de vida y respiración que asumimos y rehacemos en nuevos campos de significado. En lugar de ver un edificio con una sola identidad, la apropiación reconoce el potencial de múltiples autores, múltiples pasados, y la formación de una multiplicidad de futuros.

El aprendiz aprende copiando al maestro; repitiendo sin ningún pensamiento o experimentación original. La apropiación no es más que una simple imitación del maestro, es una larga acumulación de habilidades que se convierten en propias. Esto es fundamental para la creación una tradición que no es estática. El logro mismo de la maestría requiere que el aprendiz agregue algo a lo que se ha copiado. Nuestra apropiación en este sentido también reconoce tomar y rehacer, por lo que se detalla explícitamente la idea de que la arquitectura de interiores debe de abordar elementos distintos, que puedan aportar a la arquitectura, permitiendo que existan implicaciones en la profesión misma. Haciendo énfasis en la importancia de las formas y los espacios que acumulan los significados a través del tiempo.

La arquitectura de interior debe romper con los marcos de la arquitectura convencional y su teoría, para pasar a desarrollar sus propias herramientas conceptuales que pueden remodelar la arquitectura, construyendo un proceso de diseño reflexivo, rehaciendo e uso de los espacios, así como su resiliencia y sustentabilidad. Del mismo modo es necesario contemplar que un trabajo nunca se completa sin ningún accidente como la satisfacción o el cansancio, porque en relación con lo que se está produciendo siempre se encuentra en una serie de transformaciones, que pueden proceder de distintos factores, mencionados anteriormente, desde escalas, influencias políticas y culturales, como personales. Y es en estos factores que la apropiación suprime la idea de originalidad.

41- THE DIALECTICS OF APPROPRIATION

BY GRAEME BROOKER ANALIZED BY: ANDRÉS ROJAS Existen diversos procesos de apropiación que informan la base de la disciplina de arquitectura de interior. La percepción se manifiesta en la visión que proviene de del sujeto con fundamentos historias, teóricos y normativos.

Primero la calidad del interior, es de suma importancia, lejos de ser una condición negativa, es una condición única y rasgo fundamental de la asignatura. En segundo lugar, que la sustancia de este ambigüedad espacial, disciplinaria y profesional, se manifiesta principalmente como una construcción compuesta de ideas, objetos y elementos apropiados. Este capitulo explora la semántica, lo intrínseco, y la ambigüedad espacial.

Graeme sugiere que estas cualidades son elementales para la arquitectura de interior y para muchos aspectos del tema porque la apropiación y reutilización son enfoques basados ​en procesos para formular que la arquitectura de interior crea en última instancia un lenguaje de diseño particular. La arquitectura se puede comprender y avanzar a través de la exploración de una serie de dualidades. Estas dualidades, o la dialéctica de la apropiación, son ideas y procesos que informan a los sujetos culturas distintivas de investigación, práctica y educación. Estas dualidades a menudo pueden verse en desacuerdo con los demás, sin embargo, se entiende que el conflicto dialéctico, es una noción redundante en este contexto. Los elementos existentes se toman prestados y sacado de su antiguo entorno para ser aplicado a un nuevo contexto. Para que esto suceda, una interrupción y una ruptura deben suceder, favoreciendo el enfrentamiento con algo nuevo.

La reutilización, es una combinación creativa de viejos y nuevos elementos cuyo objetivo es llevar el concepto más lejos. Cuando la reutilización y la apropiación se utilizan como instrumentos críticos de formación de interiores, se produce un cambio fundamental en los materiales utilizados para la adaptación

Técnicas de apropiación de espacio

Independientemente de cómo se utilicen la reutilización y la apropiación en el entorno construido, es el papel del arquitecto de interior dirigir y manipular esta distribución de fuerzas, maniobrando la apropiación. Hay un cambio claro en el significado, ya que los elementos experimentan un cambio significativo en el forma en que se utilizan, un cambio que también puede resultar en su desaparición. Un punto enfatizado por Hegewald y Mitra cuando afirman: “Un aspecto importante de la reutilización es que es perspicaz y fluida, y que Considerando que algunos elementos se adoptan y adquieren un nuevo significado, otros se ven privados y vacíos de significado o incluso destruidos ".

Guggenheim propone que hasta la década de 1970, los ocupantes de los edificios a menudo se utilizaban simplemente para fines de escala, particularmente en representaciones del entorno construido, y sugiere que una preocupación central de cualquier disciplina de interior, es la ocupación humana. Guggenheim desarrolló tres enfoques. Los describió como tecnológico, semiótico y sociológico.

Tecnologías describe la comprensión del edificio a través de la función, y cómo un uso particular afectado al usuario.

En otras palabras, posiciones de pensamiento orientadas tecnológicamente el edificio por tipo o uso. Por el contrario, un enfoque semiótico se centra en el signo o símbolo del edificio, más que sus aspectos materiales. El Las propiedades semióticas de un edificio se describen como signos que incitan al usuario asumir una respuesta particular. Él edificio se definiría por su nuevo uso. Explica que esto se debe a que se erige un edificio y en nuestra percepción, su tecnológico y las propiedades semióticas están más o menos intactas, estables y guían a los usuarios. Al cambiar el uso, lo que puede suceder sin ningún cambio

material del edificio, las propiedades sociológicas toman el mando. La construcción se define ahora en gran medida por sus usos.

No significa que las características tecnológicas ya no jueguen papel, o que en el proceso de cambio de uso los arquitectos y constructores no están alterando materialmente el edificio. Sin embargo, las propiedades se vuelven relativamente menos importantes.

Guggenheim sugiere que durante el cambio de uso la tipología, la clasificación del edificio se vuelve ambigua, principalmente porque se interrumpe y los significados se cambian a través de los procesos del uso. Las enseñanzas arquitectónicas tienden a repudiar un estudio detallado del interior que no se limita a la sección esquemática de este espacio, sino que, evidencien el compromiso de ocupar el interior en sí mismo. A lo largo del documento, se prestó especial, el interior fue labrado en una variedad de representaciones arquitectónicas utilizando diferentes medios.

Los estudiantes deben investigar cómo los objetos domésticos, podrían funcionar como catalizadores en la formación de espacios interiores innovadores. . Estos métodos de instigar cambios a cualquier material implica que el dinamismo, resultado de los procesos de recombinación de elementos diferentes, así como las cosas que nunca fueron pensadas para juntarse pueden provocar un escalofrío.

Esta alteración supone una fuerza dinámica que estimula nuevos valor y, por tanto, significado en los elementos apropiados y reutilizados

42- PUZZLE

BY RACHEL CARLEY ANALIZED BY: OMAYRA SEGURA Este capítulo examina cómo se pueden implementar las restricciones para activar el espacio interior y su contenido en ricos y variados detalles. Se identifica cómo el novelista francés George Perec recurre a restricciones voluntarias para fabricar, abrir y reconceptualizar el espacio interior potencial en su novela, Life: A User's Manual, basándose en las relaciones entre ocupantes, objetos y habitaciones.

Además, se analizan sus métodos de construcción literaria, los cuales abren numerosos discursos y debates con respecto a cómo se puede enseñar la arquitectura interior y cómo se podrían implementar “capas” de restricciones para generar diseños innovadores. Desde su publicación y hasta hoy, esta obra ha despertado el interés de muchos académicos y grupos de lectores. En los últimos quince años, los investigadores han analizado las resonancias sociopolíticas que operan en la enumeración de espacios de este autor. Los artículos arrojan luz sobre su complejo uso de arbitrariedad formal limitaciones y su impacto en la continuidad diegética.

Las restricciones son inherentes a los medios que usamos para representar ideas en forma escrita o visual. Dentro de la práctica literaria existen una serie de limitaciones primarias que enmarcan el esfuerzo creativo, incluidas las cuestiones de gramática, ortografía y composición escrita. Además de estos, hay las limitaciones de género que sustentan la expresión literaria. Sin embargo, si se realiza un paralelo con el concepto de arquitectura y arquitectura de interior nos damos cuenta de que también es una práctica sujeta a múltiples limitaciones primarias y de que existen las limitaciones dentro de la industria, que guían el complejo proceso de desarrollo y entrega de un proyecto, con sus requisitos programáticos específicos.

También hay restricciones impuestas por presupuestos, códigos de construcción y las exigencias específicas del sitio y el contexto circundante en el que trabajar. Además, del modo convencional de representación arquitectónica interior, tales como planos, secciones, elevaciones, y perspectivas, imponen sus propias limitaciones sobre cómo se analiza y se comprende el interior.

Pero si se observa desde otra perspectiva, estas restricciones pueden adaptarse para mejorar prácticas tanto literarias como de arquitectura interior, a través de una ingeniosa y sistemática manipulación de restricciones que puede permitir un amplio margen para innovación. Se propone que el estudio de arquitectura interior pueda ser un sitio vital de experimentación mediante el uso de restricciones arbitrarias, abrir nuevos territorios de invención espacial, material y tecnológica.

En la obra de Georges Perec, se analiza cada espacio como un pieza del rompecabezas que se adapta a cada circunstancia y que se moldea de a partir de estas restricciones que tanto condicionan nuestros espacios, nuestra manera de concebirlos, de construirlos y de representarlos.

Life A User's Manual - Evening All Afternoon

Los comentarios de Perec dan valor a la investigación basada en la práctica y experimentación. Otro lugar donde se fomentan estos valores es el estudio de arquitectura interior, donde se anima a los estudiantes a probar nuevas ideas, explorar nuevos modos de representación del diseño y desarrollar el pensamiento crítico habilidades a través de la investigación basada en la práctica. La novela Life de Perec demuestra cómo las limitaciones pueden ser creativamente desplegadas para activar interiores. La vida describe un edificio de apartamentos parisino situado en 11 Rue Simon-Crubellier, en donde la fachada del edificio se ha despegado para exponer una sección transversal del interior, que representa el apartamento y sus habitantes en un momento en el tiempo. El tema clave de la novela gira alrededor del complejo arte del rompecabezas, inaugurando un diálogo entre el creador de acertijos y el rompecabezas, el escritor y el lector.

Sección Tranversal: Edificio de Life: A User’s Mnaual El rompecabezas se convierte en una metáfora de las restricciones o limitaciones literarias superpuestas a la narrativa: el rompecabezas ha anticipado cada movimiento que hará el rompecabezas; cada combinación se ha calculado de antemano. El lector necesita aproximadamente en cada capítulo de la novela ser como una pieza de rompecabezas que se relaciona con un historia o imagen.

43- METROPOLITAN HYBRIDS: PROGRAMMING FOR A THRIVING URBANITY

BY RAFAEL LUNA ANALIZED BY: HAROLD SALAS Como cada día vamos limitando más y más los terrenos, el objetivo de este sería minimizar la tierra disponible para la construcción, de esta manera, aumentamos el valor de las bienes raíces. Existe una mayor necesidad de apropiarse de los edificios existentes para abordar la demanda para acomodar diversos programas en una ciudad en crecimiento. Esto ha condicionado el desarrollar nuevas t i p o l o gíasderivadasderelaciones programáticas inscritas en estructuras ya existentes y surge de la necesidad de mantener un paisaje urbano y adaptando las infraestructuras en el mismo. Por tanto, como objetivo principal el reconocer la importancia de la programación y arquitectura de interiores como estrategias de desarrollo arquitectura contemporánea, no solo a través de la reutilización adaptativa, sino también a través de nueva construcción. En esta discusión, es importante diferenciar las categorías de programación. Estos términos a veces se usan de manera intercambiable, sin embargo, describen una lógica interior muy diferente con intenciones muy diferentes. Por ejemplo, en el siglo XXI, la programación se puede clasificar en 4 categorías: edificios de un solo uso, edificios de uso mixto, metropolitana e híbridos, y podemos postular que existe una relación entre los diferentes niveles de urbanidad y las diferentes tipologías de edificación ellos crean.

Los niveles urbanos se pueden dividir en aldea, pueblo, ciudad y metrópolis. La aldea, con una población de 100 a 1000 personas, es Caracterizado por edificios de un solo uso. La ciudad, con una población de 1.000–100.000 personas, introduce edificios de uso mixto (generalmente un programa en encima de otro) como apartamentos encima de tiendas minoristas como edificios de baja o media altura. La ciudad, con una población de 100.000 a 1.000.000 de habitantes, desarrolla el rascacielos. El rascacielos permite que existan múltiples programas verticalmente.

Este es el desarrollo prototípico de uso mixto, que intenta maximizar la propiedad inmobiliaria

Hibrido urbano: Zona Metropolitana

También es la tipología por excelencia para la concepción de la arquitectura metropolitana. El siguiente nivel de urbanidad, la metrópoli, con una población de 1.000.000 y más, comienza a generar el híbrido metropolitano. Con esto podemos concluir que: “Los edificios de un solo uso y de uso mixto pertenecen a un grupo de programación, mientras que la arquitectura metropolitana y los híbridos pertenecen a un grupo conceptual.” La reevaluación de la ciudad existente, con la creencia de que barrios degenerados contenían en sí mismos un la riqueza y la diversidad no son posibles en selecciones monolíticas, y Asimismo, la reutilización de e d i f i c i o s a n t i g u o s , e n t e n d i d a c o m o naturalmente mucho más heterogéneo que cualquier nuevo factible reemplazos, se implementaron como base para el comercio minorista apropiación.

En general, las tendencias suburbanas parecen estar favorecido y poco o nada nuevo se sugiere cuando se trata de las zonas realmente problemáticas o las más cercanas al centro de nuestras ciudades…. En todos estos enfoques intermedios, el suburbanismo parece prevalecer sobre urbanismo. El núcleo cívico definiría el centro de la ciudad, que alguna vez fue el corazón de la ciudad vieja, y actuaría como actor. Otro ejemplo de esto ocurrió en Boston en 2014. Que se concluye en que, a través de la reutilización adaptativa, una ciudad podría marcarse a sí misma creando estos sistemas, como se vio en Venecia para la Bienal, Venecia, donde toda la ciudad funciona como un museo mediante la distribución de exposiciones en varios palacios por toda la ciudad.

Según Jacobs tenia la idea de crear una ciudad diversa, activa y metropolitana. Su argumento a favor de la programación de uso mixto, notas breves, edificios de uso mixto, y una densidad suficiente son válidos para ese ideal mientras reutilizando el almacén existente del edificio.

Por otro lado, McMorrough señalaba que todo esto se quedaba como simples “buenas intenciones” que terminan siendo explotadas como comerciales desarrollos presentados como edificios de uso mixto.

La continuidad del crecimiento y la prosperidad en nuestras ciudades depende de comprender diferentes intenciones programáticas. No debe confundir la comercialización de inmuebles y el verdadero potencial de inyectar híbridos de programación que intensifica el núcleo, genera sistemas para la ciudad, y optimiza la infraestructura. El híbrido metropolitano permite la evolución de la ciudad como especulación inmobiliaria, cambios en la industria, cambios en la política, el poder y la renovación urbana.

44- DESIGN ACTIVISM: COMMINGLING ETHICS OF CARE AND AESTHETICS

BY LORELLA DI CINTIO ANALIZED BY: CARLOS TIUBURCIO En este capítulo, varios autores plantean discusiones en torno a cuestiones éticas y filosóficas abstractas para argumentar que la llamada violación de la primera ha ocurrido dentro de la comunidad de diseño. El libro de Jean Baudrillard, el sistema de objetos, por ejemplo, sugiere que el diseño está llegando a su fin en términos de ser verdaderamente socialmente progresista o incluso significativo.

Franco Beradi ha postulado que la obsesión de la sociedad por el futurismo y el progreso debe llegar a su fin, y que la carrera por el ingenio ha fracasado. En su ensayo "Exceso humano", Jean Luc intenta vincular el exceso con la responsabilidad de la humanidad. En este, podemos empezar a comprender que el tamaño de la humanidad la hace inseparable de la mortalidad y, del mismo modo, la dignidad, y se incluye la necesidad de hacer justicia. Como resultado de su discurso antes mencionado, creo que los diseñadores contemporáneos se enfrentan actualmente a nuevas preguntas sobre el diseño. En donde se crea la cuestionante “Is desing dead?” – “Esta muerto el dieño?”.

Las discusiones sobre el exceso y la responsabilidad han revelado prácticas discriminatorias que se encuentran dentro de la profesión del diseño y han simultáneamente alimentó a los disidentes que intentaban hacer cambios. En una teoría de Justicia, John Rawls ofrece a los diseñadores algunas ideas para el cambio, como enfatizó la necesidad de considerar el comportamiento sociocultural como una mezcla de igualdad y justicia.

Este capítulo se basa en los más conocidos y conocidos de Rawls. término citado con frecuencia, "justicia como equidad", junto con sus conceptos de un "velo de ignorancia ”y la“ posición original ”. por lo tanto, esta discusión se basa en el premisa de que para que la justicia se distribuya de manera justa y la legalidad de la construcción de la igualdad se va a solidificar, entonces una nueva disciplina de diseño debe surgir.

Taller de diseno.

En ocasiones, en este capítulo, los dos temas principales: la ética de cuidado y de la estética: se explorarán por separado para proporcionar información histórica contexto; en otros, se discutirán juntos. Similar a Jacques La investigación de Ranciere sobre lo que vincula la estética con la política, aquí el diseño es explorado en lo que respecta a la justicia.

Finalmente, esta discusión explorará el posible necesidad de reorientar la práctica del diseño hacia el activismo del diseño. Eso desafía a los diseñadores a practicar la ética del cuidado o la estética ética, y politizar su producción como una actividad diaria. estos procesos Fomentar un cambio de paradigma en el que la educación y la práctica deben cambiar, Los métodos de conocimiento experto deben difundirse y las prácticas impulsadas por el mercado. debe reducirse drásticamente.

Según los antiguos epicúreos, "el bien es igual al placer" y "el mal es igual a dolor." notaron que el consumo excesivo causa dolor físico al externo cuerpo físico: este dolor se propaga y daña la mente interna de tranquilidad.

Según el modelo ético kantiano, es importante Mantener compromisos con valores específicos. El imperativo categórico de Kant puede definirse como una forma de evaluar las motivaciones para la acción. Argumentó que Los individuos deben vivir según el siguiente imperativo categórico, que ayuda identificar los deberes morales: “Actúe de modo que utilice la humanidad, ya sea en su propio persona o en la persona de cualquier otro, siempre al mismo tiempo que un fin, nunca simplemente como un medio ".

Esta estrategia potencial podría considerarse una especie de promesa al campo de la estética, una que es altamente táctica, que requiere una reelaboración de los valores sistemáticos del paradigma de diseño dominante. La producción de diseño impulsada por el mercado ha sido el paradigma dominante y ha aún no se ha interrumpido por completo.

Al igual que en varios grupos de activistas, los diseñadores necesidad de volver a teorizar el poder para pasar a cualquier forma de activismo de diseño, mientras tendrá que ser una respuesta cultural. La "estética de la existencia" de Foucault ha sido utilizado tácticamente por grupos marginados tales como feministas y activistas por los derechos y la cultura queer, pero dentro de la disciplina del diseño ha solo se ha utilizado de forma tangencial con respecto al medio ambiente o la sostenibilidad cuestiones.

45- BEYOND THE VISIBLE: SKILLSETS FOR FUTURE INTERIOR ARCHITECTURE PRACTICE

BY CARYN BRAUSE ANALIZED BY: CARLOS TIBURCIO En los próximos años, la arquitectura interior tiene el potencial de ocupar el mismo centro de la práctica del diseño arquitectónico. Como proporción de todos los dólares gastado dentro del mercado de la construcción, el sector de las "reformas" se ha elevado a nuevas alturas durante la última década. Se prevé que esta tendencia continúe a medida que demografía y otros factores, tales como vacantes comerciales y fuerza laboral cada vez más móvil, liderar la industria para dedicar menos participación de mercado a nuevas construcciones y más a renovar las instalaciones existentes. En un futuro probablemente se caracteriza por una creciente escasez de recursos, encontrando la mayor La solución adecuada a un problema de diseño dado puede significar favorecer una reinvención inventiva de las infraestructuras actuales en lugar de centrarse en nuevas construcción. Reclamar este papel central en una práctica alterada requerirá practicantes de la arquitectura interior para desarrollar nuevas actitudes y habilidades para el éxito futuro.

El Futuro de la Arquitectura Interior Para abordar las realidades de esta futura práctica, el campo del interior La arquitectura debe ir más allá de las superficies físicas visibles que puede ver y tocar; más bien, debe defender la inteligencia espacial como uno de sus servicios profesionales básicos.

El Futuro del Espacio Interior

Espacio Interior Industrializado

Esta inteligencia espacial permite a los profesionales Primero evalúe el almacén de edificios existente para los programas programáticos inmediatos. potencial y "próximo uso", y luego aplique tácticas que pongan en primer plano la flexibilidad y adaptabilidad. Este capítulo examina el valor de la inteligencia espacial en a la luz de las condiciones emergentes y sugiere estrategias materiales que pueden ser aplicada a la práctica futura (como reconfigurabilidad, modularidad y planeando acomodar renovaciones futuras) y diseñando para permitir personalización personal en curso.

Interés por los aspectos materiales y táctiles del entorno interior. atrae a muchos a las profesiones del diseño. Es apropiado, y muy probable, esencial: que tanto los estudiantes como los profesionales encuentren oportunidades para hacer ejercicio los músculos del diseño necesarios para crear contenido significativo, expresivo y tangible productos de diseño. Sin embargo, las fuerzas que se alinean para dar forma al futuro de La práctica exige que los diseñadores cultiven un adicional, aunque más difícil de describir, conjunto de habilidades para producir productos y servicios de diseño que aventurarse más allá de lo visible, agrupado aquí bajo el término "espacial inteligencia."

Diseñadores experimentados, especialmente aquellos que trabajan habitualmente. con edificios, paisajes e infraestructuras existentes: confíe instintivamente sobre la inteligencia espacial al tomar muchas de sus decisiones de diseño. Varios Las cualidades discretas de este enfoque pueden aislarse, sin embargo, para examen. El primero se relaciona con la identificación de soluciones de diseño que privilegian lo espacial sobre lo abiertamente táctil. El segundo implica la aplicación sistémica en lugar de soluciones materiales, que a menudo se obtienen al mirar más allá límites disciplinarios a un campo ampliado de servicios. El tercero Planificación de primeros planos para cambios en el uso espacial a lo largo del tiempo.

Identificar soluciones que privilegien el despliegue de espacios la inteligencia acepta directamente la escasez de recursos como un desafío creativo. Adoptar este enfoque no significa necesariamente, sin embargo, que un diseño La solución no tiene componentes físicos ni implicaciones materiales.

.09 G E O G R A P H I E S

ABSTRACT PA R T 0 9

BY EDWARD HOLLIS ANALIZADO POR: CESAR MEJIA, MATHILDA RON Y PAMELA POLANCO En este noveno capitulo se puede apreciar como se discuten y analizan estos cuatro subcapitulos que se basan en diferentes puntos de la arquitectura en diferentes posiciones y opiniones.

46 | INTERIORS AS GLOBAL CONSTRUCTS: FRAMING CULTURE AND DESIGN DISCOURSES IN A WORLD OF MOVEMENT Tasoulla Hadjiyanni La cultura es un concepto abstracto que no se ha podido definir con exactitud. Muchos lo ven como “esencia” mientras que los académicos la definen como “un sistema integrado de conocimientos aprendidos por generaciones en una sociedad”. Aunque no se pueda definir con exactitud se puede decir que cada cultura es auténtica. El interiorismo, al igual que el baile, la comida, la música y la vestimenta es un medio que se utiliza para comunicar esta autenticidad.

Esto se logra mediante disposiciones espaciales, elección de materiales, colores, y espacios de las áreas. La cultura cambia cada día y la arquitectura debe de adaptarse a la misma, entonces ¿Cuál es el rol del diseñador en cuanto a la cultura?

47 | HEARTS AND MINDS AND DISHWASHERS - JODI LARSON Los líderes de la Unión Soviética y los Estados Unidos durante la Guerra Fria mantuvieron un debate apodado el «debate de la cocina». La arquitectura de interiores, muy frecuentemente es etiquetada como una nueva disciplina, fue de hecho la herramienta elegida para luchar por el dominio filosófico en la Guerra Fría, aunque el diseño siempre ha sido clave para las maniobras sociales y políticas, los años siguientes a la WWII se centraron específicamente en el diseño de interiores de viviendas, diseño del espacio y la infraestructura en el ámbito doméstico.

El «debate de la cocina» se convirtió en un

enfrentamiento simbólico del poder mundial ya que el tema de la remodelación de la casa y sus interiores había sido una discusión permanente a lo largo del siglo XX. 48 | HEARTS AND MINDS AND DISHWASHERS - JODI LARSON El capítulo habla sobre el urbanismo de la ciudad de Hong-Kong, donde domina una apariencia artificial intensa en la que se contradice con frecuencia la relación entre lo público y lo privado que tiende a dominar la espacialidad interior. Características como densidad, topografía y economía en esta ciudad han creado un urbanismo que carece de las relaciones figura-fondo que tradicionalmente traen orden al espacio público en la tradición occidental u oriental: no hay ejes, bordes ni centro. Incluso el terreno mismo no es compatible con lo social: calles, patios y plazas son reemplazados por pasillos de varios niveles que conectan los centros comerciales y las terminales de tránsito. Las redes de peatones que se extienden por kilómetros a través de Hong Kong crean un urbanismo de “interioridad” continua que no siempre se relaciona con el “interior”. Estas distinciones se ven aún más borrosas por la calidad altamente producida del ambiente al aire libre de la ciudad; acre con olores, amortiguado por la luz y el ruido, y rodeado por paredes, el “exterior” no es un entorno menos fabricado que el interior. La ciudad (interior y exterior) es un interior extenso y continuo.

49 | ALTERED (E)STATES: ARCHITECTURE AND ITS INTERIORITY - DAVID ERDMAN Las cuestiones de interioridad y el tema de la alteración pueden convertirse en centrales en el trabajo de muchos arquitectos contemporáneos.

En gran medida, la necesidad de involucrar al sujeto de manera creativa y teórica es

URBANISMO INTERIOR VERTIGINOSO - HONG KONG

circunstancial. Cada vez más, la práctica de la arquitectura asume proyectos que son una mezcla de alcance que involucra una parte de arquitectura, una parte de interior, una parte de conservación, una parte de paisaje y una parte de diseño de productos (o alguna variación de los mismos). Es igualmente importante buscar formas de teorizar este tipo de oportunidades y al mismo tiempo trabajar para comprenderlas dentro del contexto de sus paisajes urbanos.

Cuando hablamos del todo arquitectónico, estamos hablando efectivamente de grados de “objetividad”. Tradicionalmente, los arquitectos consideran los objetos como entidades completamente integradas; interior y exterior, estructura y piel, etc. Cuando la adaptación se trata de que los objetos se ajusten a su entorno, la alteración se trata de reconfigurar el interior del objeto. Hasta qué punto esa reconfiguración puede desprenderse del objeto original y formar nuevos objetos, o remodelar el original en un nuevo objeto colectivo, es donde la alteración mantiene su promesa. La alteración tiene el potencial de mantener cierto grado de objetividad y, sin embargo, en sí misma es fragmentaria y episódica. La alteración es un ejercicio para ajustar áreas seleccionadas e inconexas, no todo el objeto original.

46 - INTERIORS AS GLOBAL CONSTRUCTS: FRAMING CULTURE AND DESIGN DISCOURSES IN A WORLD OF MOVEMENT

BY Tasoulla Hadjiyanni ANALIZADO POR: Cesar Mejia Vivimos en una época en donde los productos, las personas, las ideas y la información se mueven de manera extremadamente rápida.

Las disciplinas que están directamente relacionadas con la forma de vivir del ser humano se ven afectadas por esta rapidez de movimiento, la arquitectura de interiores siendo una de las más controversiales en el momento.

La globalización significa que diferentes culturas están presentes en todos los lados del mundo.

En el caso de Estados Unidos específicamente, se ve un crecimiento exponencial de inmigrantes anualmente, siendo la mayoría mejicanos. La arquitectura de interiores se ha presentado con nuevos desafíos, los hogares de estos inmigrantes deben de funcionar como un tipo de “soporte” a su cultura permitiéndolos practicar sus tradiciones. En el caso de los musulmanes puede ser un área anti-moho que permita el baño antes de rezar y en el caso de los mejicanos puede ser un área de cocina amplia con buena ventilación para el preparamiento de sus alimentos tradicionalmente olorosos.

La arquitectura de interiores al igual que la cultura evoluciona y se manifiesta de manera económica, social, cultural y política. Tasoulla Hadjiyanni llama a este tipo de diseño adaptable como Culturally Sensitive Design (CSD) o Diseño Culturalmente Sensible, su principal característica es su flexibilidad y adaptabilidad dependiendo de cómo el usuario interprete su cultura y su significado de la vida.

El CSD aun no es un tipo de diseño establecido oficialmente pero se necesita tener conversaciones y teorizar sobre el mismo para expandir la forma de diseñar. Hadjiyanni plantea que el diseño de interiores actualmente ve a la cultura como algo estático y monolítico, y no captura su esencia compleja, dinámica, multidimensional y siempre cambiante.

Hadjiyanni hace mucha referencia a Renato Rosaldo y su libro Culture and Truth en cuanto

a cómo debe de ser estudiada la cultura, “Se debe dejar de estudiar cómo –definir- cultura y hacer una transición a como la cultura se construye y se produce, moviéndonos de la singular a lo plural, de lo estático a lo dinámico, ver las múltiples formas en que se puede interpretar al mundo”.

El concepto de cultura ha sido discutido por muchos años y aún no se puede definir con exactitud. Muchos lo ven como “esencia” mientras que académicos lo ven como “un sistema integrado de conocimientos aprendidos por generaciones por una sociedad”. Aunque no se pueda definir con precisión, se puede decir que la cultura es auténtica. Cada cultura tiene su autenticidad y esta puede ser tangible e intangible, compuesta de distintitos elementos. El interiorismo, al igual que el baile, la comida, la forma de vestir, la religión, las relaciones sociales, la música es un medio por el cual uno puede entender y empatizar con la forma distinta de vivir de cada sociedad.

En el interiorismo es igual, distribuciones espaciales, patrones decorativos, el tamaño de cada espacio, las actividades que se realizan en ellos, la iluminación, la elección de los materiales, la técnica constructiva son aspectos de cada cultura y transmiten la “esencia” de cada país o región.

El desafío que deben de enfrentarse los arquitectos de interiores es poder situarse en el medio de dos narrativas dominantes, la de asimilación y la de resistencia. La de asimilación plantea que tarde o temprano, definir elementos de los nuevos inmigrantes, su cultura, lenguaje y religión no es tan importante porque estas van a eventualmente mezclarse en la modalidad Americana. La narrativa de resistencia plantea que existen en Estados Unidos más de 62 millones de personas que hablan diferentes lenguajes en sus casas, entonces por esto los hogares deben de actuar como sitios de

resistencia de los ideales y valores del país de residencia, permitiendo la expresión libre de sus culturas y que permanezca su sentimiento de individualidad.

Entonces, ¿cuál es el rol de los diseñadores? El diseñador debe de poder capturar la esencia cultural de su cliente y crear un espacio en el cual este pueda desenvolverse de manera libre sin obstaculizar su forma de vivir ni sus pensamientos filosóficos. Es imposible adentrarse por completo a una cultura ajena.

Por ejemplo, ¿Qué pasa si a un diseñador le toca diseñar para una persona de una religión completamente diferente? Aristóteles escribió hace 2,300 años una forma interesante de como pensar sobre este tema. Plantea que la felicidad es cualquier actividad que entretiene el alma.

Con esto se quiere dejar dicho que aunque no se captura por completo la esencia de una cultura, si el diseñador logra brindar felicidad a la persona su trabajo fue satisfactorio.

En fin, es un hecho que la globalización es el futuro de todos los países del mundo. El individualismo, cultura y la espiritualidad es algo central en la vida de la mayoría de las personas, esta mezcla cultural marca la evolución de la arquitectura y de la arquitectura de interiores.

Se deben de tomar en consideración todos los conceptos mencionados anteriormente para maximizar el bienestar de sus diferentes usuarios. Los profesionales deben de estudiar y mantenerse al tanto de las diferentes culturas a sus alrededores y diseñar acorde a esto, respetándolas ante todo. El interiorismo es al igual que costumbres y tradiciones una forma de expresar identidad, la elección de los materiales y sus colores transmite la esencia del lugar.

INTERVENCIONES CULTURALES EN CASAS AMERICANAS. - COCINAS CON POCA VENTILACION PARA UN COCINADO

47 - HEARTS AND MINDS AND DISHWASHERS

BY JODI LARSON ANALIZADO POR: MATHILDA RON Los líderes de la Unión Soviética y los Estados Unidos en 1959 durante la Guerra Fria mantuvieron un debate informal apodado el “debate de la cocina”. Esta amistosa batalla de la cultura pop en el escenario mundial fue el fin de décadas de conspiración que utilizaron la disciplina de la arquitectura de interiores como un medio para debatir la vida tal como la conocemos. La arquitectura de interiores, muy frecuentemente es etiquetada como una nueva disciplina, fue de hecho la herramienta elegida para luchar por el dominio filosófico en la Guerra Fría, aunque el diseño siempre ha sido clave para las maniobras sociales y políticas, los años siguientes a la WWII se centraron específicamente en el diseño de interiores de viviendas, diseño del espacio y la infraestructura en el ámbito doméstico.

El “debate de la cocina” se convirtió en un enfrentamiento simbólico del poder mundial ya que el tema de la remodelación de la casa y sus interiores había sido una discusión permanente a lo largo del siglo XX. Por ejemplo cuando el American Taylorism se encontró con el German Wohnkultur, y produjo resultados como la Cocina de Frankfurt donde se racionalizaba espacio y eficientizaba la manera de hacer las tareas.

Casas cómo la casa suburbana prefabricada enviada desde Minneapolis fue construida por carpinteros que trabajaban las veinticuatro horas del día. La casa resultante, completa con estacionamiento techado, encarnaba la promesa estadounidense de que los ciudadanos se beneficiaban más apoyando las innovaciones que presionando contra ellas.

En cierto nivel, tanto el diseño industrial como la arquitectura de interiores fueron vistos como una forma de encantar a los consumidores a elegir con qué sistema económico y político alinearse.

El planificador de defensa civil John Bradley escribió un memorando a sus superiores que mencionaba la posibilidad de un bombardeo nuclear con las tormentas invernales que estaban ocurriendo en la época preguntando hasta que punto seria autosuficiente una casa urbana. Esa visión simplista de un ataque atómico aplazo el camino para que los hogares estadounidenses fueran juzgados como supervivencia. La administradora de la FCDA, Katherine Graham Howard, adoptó una estrategia orientada hacia el hogar y ayudó a desarrollar una política oficial que se centraba en la propia casa de la familia nuclear y las acciones para sobrevivir a un ataque con bomba. Para probar estructuras y productos alimenticios en caso de exposición nuclear, la “Operación Doorstep” organizó, en el desierto de Nevada, una familia de maniquíes en una variedad de habitaciones interiores, en conclusion una casa moderna con infraestructura modernizada podría salvar vidas. El vicepresidente Richard Nixon, se convirtió en el punto que impulsó la arquitectura de interiores más allá del escenario mundial. El “debate de la cocina” no fue planeado como un debate en absoluto.

La Exposición Nacional Estadounidense de 1959 en el Parque Sokolniki de Moscú fue otra de las exposiciones de diseño que se había convertido en una muestra anual en países con una gran participación en la Guerra Fría.

Se mostraron múltiples interiores de casas, cocinas y planos de planta. Una cocina RCA / Whirlpool estaba poblada por tecnología que ahorra trabajo y la facilidad de presionar un botón, incluido un robot de limpieza de pisos y poca necesidad de que el cocinero siquiera se levante de una silla, como se menciono anteriormente es un diseño que hoy en día se usa, no necesariamente es solamente un pensamiento de arquitectura interior moderna.

Los bienes de consumo y las comodidades

COCINA DE FRANKFURT - SHAMEFUL HOUSE

interiores se convirtieron rápidamente en una táctica política. Nixon señalo que los dispositivos que ahorran mano de obra se habían convertido en una fase indispensable de la infraestructura de un hogar promedio, por ejemplo algunos aparatos que vendían la liberación del ama de casa de la esclavitud en el hogar.

Los hombres estando en la cocina hablaban sobre los resultados reales de cada grandioso modelo económico y cómo se filtraría a los lavaplatos y dormitorios de una familia promedio. Esto, en resumen, es el tema del “debate de la cocina”. Nunca se trató de bienes de consumo, sino de los sistemas económicos que gobernaban y manipulaban la adquisición de esos bienes de consumo.

La idea del interior de la casa, como un logro abstracto de la clase media, cómo la propiedad de bienes y electrodomésticos, fue fundamental para liberar la Guerra Fría.

La arquitectura de interiores a menudo se promociona como una disciplina emergente, pero realmente sí nos fijamos ha estado desde la vanguardia de los debates académicos durante al menos el siglo XX. Las interioridades se convirtieron en la herramienta más utilizada y desplegada para explicar y librar la Guerra Fría a través del consumismo y la economía.

El poder que ejerce la arquitectura de interiores en la vida cotidiana ha sido fundamental para familiarizar a las personas con las estrategias políticas. En la Guerra Fría, esto significó que la infraestructura doméstica era el eje de si el capitalismo de libre elección o controlado para ser una mejor ración. En el presente, la arquitectura de interiores todavía está haciendo el duro trabajo de familiarizar y influir en la opinión a través de las interioridades.

48 - PUBLIC SPHERES

BY JONATHAN D. SOLOMON ANALIZADO POR: PAMELA POLANCO El autor habla como en la ciudad de Hong Kong predomina la artificialidad en las ciudades, convirtiendo el urbanismo existente en un gran espacio interior, ya que le dan prioridad a la política del interior sin importar que el espacio sea público o privado. No existe una diferencia clara entre el exterior y el interior, es decir, el que el interior y el exterior ya no poseen distinciones políticas o culturales significativas en la ciudad.

El “urbanismo interior” que se da en la ciudad de Hong Kong, no es un urbanismo del interior, sino que todo espacio tiene el mismo potencial para pasar a formar parte de una esfera pública o privada en función de su ocupación. Las jerarquías que determinan cómo se ocupa el espacio no se basan en lo que conocemos como llenos y vacíos, o sea, interiores como espacios llenos de objetos o edificios como objetos colocados en un vacío; sino más bien mediante el control de la atmósfera de cada espacio; por ejemplo, los ámbitos que definen que los espacios son públicos o privados están definidos, valga la redundancia, por ambientes públicos y privados.

La ciudad de Hong Kong posee una densidad, topografía y economía que acondiciona el urbanismo existente, el cual carece de las relaciones figura-fondo que tradicionalmente traen orden al espacio público, como se conoce mundialmente. No existen ejes, bordes ni centros. Incluso el terreno mismo de la ciudad no es compatible con lo social, las calles, parques y plazas son reemplazados por pasillos de varios niveles que conectan a espacios macro-interiores, como centros comerciales y las terminales de tránsito. Estas distinciones entre el interior y el exterior se ven aún más indefinidas por la calidad altamente producida del ambiente al aire libre de la ciudad: arboles con olores, cargados de partículas, opacados por las luces y el ruido, rodeados de paredes… hacen que el “exterior” sea un entorno fabricado

tal como lo es el interior. La ciudad es un interior extenso y continuo.

El autor Solomon hace referencia a múltiples autores con respeto a la importancia de las atmosferas al crear o diseñar un espacio, todo para poner en perspectiva el funcionamiento del urbanismo en la ciudad de Hong Kong.

Menciona los orígenes de múltiples factores culturales, económicos, políticos, sociales y ambientales que inciden en la disposición de dicha ciudad, basándose en como autores, y arquitectos en general, son fascinados por las atmosferas de los espacios públicos y privados, porque crean alternativas a la narrativa de los edificios, de donde parten para sus relatos y teorías. Concluyendo en que la atmosfera de los espacios, tienen pequeñas condiciones sobre el orden social como espacio, la interioridad no es una distinción disciplinaria o espacial, sino una serie de teorías fundamentadas para comprender el orden social. El urbanismo de Hong Kong es una prueba espectacular de esta aplicación.

La política está muy presente en los espacios púbicos de Hong Kong, en parte porque la ciudad tiene muy pocos espacios tradicionales de poder estatal, como se entiende en el canon oriental u occidental. Como tantas otras cosas en esta ciudad, la densidad empeora la interioridad.

El edificio más antiguo de Hong Kong pasó de ser un volumen con elementos arquitectónicos de una sede del gobierno occidental, a un nuevo complejo parecido a un parque de oficinas suburbano que, aunque no son espacios que tradicionalmente se relacionan con la presencia del Estado, poseen un urbanismo interior con espacios potenciales de acción política, es decir, los espacios urbanos formales de esta ciudad no representan las narrativas, sino que su ocupación tiende a hacerlo.

Frente a este complejo de edificios (HSBC) se han dado numerosas manifestaciones, una de

TEMPERATURAS DE HONG KONG DEFINEN LOS ESPACIOS DE LA CIUDAD.

ellas fue realizada por el Movimiento Occupy, compuesto por el conjunto de trabajadoras domésticas provenientes de Filipinas que fueron marginadas de la sociedad. Este grupo de personas son un ejemplo de la influencia de la atmosfera pública de la ciudad: emanaban sus propios sonidos y aromas, lo que propicio a establecer límites culturales temporales entre este grupo de personas y el centro financiero.

Dicha manifestación superpuso el espacio del capital global y compartió espacio con la ocupación informal de trabajadoras domésticas que lo precedieron. Se realizaron ocupaciones visibles de espacios públicos formales y calles, en Hong Kong, ninguna calle o plaza ocupa un lugar tan simbólico en el centro de la vida pública de la ciudad. Más bien, la esfera pública de la ciudad persiste en acciones, asignaciones y ocupaciones a pequeña escala de infraestructura privada, pública y semipública. Este es el territorio de la política de Hong Kong.

Las esferas públicas de Hong Kong demuestran una discrepancia entre el ‘exterior’ y el ‘interior’.

La interioridad es expansiva, y se convierte en un espacio dentro del cual operan tanto la arquitectura como el urbanismo. Condición general que se aplica a todos los espacios de la vida pública y privada en los que la calidad atmosférica determina la ocupación y prepara el escenario para la política, la interioridad es cada vez más el modelo rector del urbanismo en ciudades de rápido crecimiento y campus suburbanos privatizados por igual. En Hong Kong, estos efectos son difíciles de encontrar.

Todo esto es posible porque un urbanismo interior permite una mutabilidad de jerarquía en un viento cambiante.

49 - ARCHITECTURE AND ITS INTERIORITY

BY DAVID ERDMAN ANALIZADO POR: MATHILDA RON, CESAR MEJIA Y PAMELA POLANCO Si los interiores son simplemente una categoría de trabajo profesional que se produce en el interior de los edificios, la «interioridad» es el estado de ánimo y la percepción inducida por un entorno arquitectónico que se centra en el interior. Un entorno de esta naturaleza puede tener distintos «grados de interioridad», pero no se limita a si se encuentra físicamente dentro o fuera de un edificio. La interioridad, un concepto de creciente importancia en los centros urbanos de hoy, permite a los arquitectos considerar cómo alterar el estado de varios entornos. Abre una vía productivamente disciplinaria para diseñar interiores, sin dejar de considerarlos explícitamente arquitectónicos.

En cambio, el diseño jugará un papel más importante al dar cohesión a experiencias que actualmente son dispares, creando nuevos tipos de totalidades, al tiempo que permite la coexistencia de la semiautonomía de interiores y exteriores.

Se han dado algunos avances notables en los espacios interiores y exteriores de la que se manifiestan en una serie de formas formales, paramétricas y experimentos geométricos, es difícil ignorar el papel de la adaptación en la profesión a través de ideas de “reutilización adaptativa”, utilizada más a menudo como una estrategia de marketing que como una oportunidad conceptual, sin embargo, está madura para la expansión teórica y la interrogación tectónica, particularmente en relación con las ideas de interioridad. En su mayor parte, los proyectos de «adaptación» arquitectónica se conciben desde cero, introduciendo un sistema arquitectónico integral y completo en un contexto.

La “alteración”, por otro lado, abre un nuevo territorio discursivo que se basa en las ideas de adaptación al hacer frente a la estandarización, con algunas distinciones.

La práctica de la arquitectura asume proyectos que son una mezcla de alcance donde se incluye una parte de arquitectura, una de interiores, una de conservación, una de paisaje y una de diseño de productos. Es igual de importante buscar formas de teorizar este tipo de oportunidades al mismo tiempo que se trabaja en ellas, para comprenderlas dentro del contexto de sus paisajes urbanos.

una percepcion del pubico totalmente diferente.

Experimentar con los limites de la continuidad y la fragmentacion a traves de la alteracion hace que se puedan apreciar la arquitectura desde otro punto de vista. Si podemosaplicar la alteracion para pensar diferente sobre la arquitectura como tal, el futuro de la interioridad podria abrirse a una gama de posibilidades muy amplia.

Cuando la adaptación se trata de que los objetos se ajusten a su entorno, la alteración se trata de reconfigurar el interior del objeto. Esa reconfiguración puede desprenderse del objeto original y formar nuevos objetos, o remodelar el original en un nuevo objeto. La alteración tiene el potencial de mantener cierto grado de objetividad pero sin dejar la opción de la fragmentación episódica.

En esos proyectos donde el autor trabajo, los objetos se insertan dentro de objetos en algunas escalas, mientras que en otras escalas se instrumentaliza una multiplicidad de objetos para imbuir colectivamente un grado de objetividad a gran escala. Cada técnica, me di cuenta, invoca grados de interioridad perceptiva, que no siempre se manifiesta a través de una intervención en el interior.

El movimiento hacia el trabajo con objetos interiorizados, por lo tanto, fue algo natural para el trabajo debido a estar inmerso y practicar en ese contexto.

El proyecto de “The Repulse Bay Complex” es un ejemplo perfecto de esto. Debido a su estructura poco humana y su poca adaptacion con su paisajismo y terreno: fracaso. Se hizo una intervencion del mismo utilizando tecnolgias para cambiar la estructura de manera que no se produjeran rupturas y se rediseño por completo su parque o “landscape”. El resultado fue satisfactorio y el proyecto tuvo

EDIFICIOS ENSEÑANDO SUS CAPACIDADES INTERIORISTAS Y INTERVENCIONISTAS EN HONG-KONG

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EPILOGUE

50- WHY THIS, WHY NOW? THE CASE FOR INTERIOR ARCHITECTURE

BY GREGORY MARINIC

ANALIZED BY: KAYLA NICOLE JIMENEZ, MARIA NICOLE HERRERA, ELIZABETH DISLA Habiendo finalizado ”The Interior Architecture Theory Reader'' de Gregory Marinic con el capítulo 50 “¿Por qué esto, por qué ahora? El caso de la arquitectura de interiores.” Los autores que participaron en su elaboración no solo tuvieron la oportunidad de describir el campo de la arquitectura de interiores, sino también de discutir y criticar los márgenes entre diseño de interiores y arquitectura.

La arquitectura interior se define como un reflejo del método gradual de crecimiento y desarrollo inspirado en observaciones interdisciplinarias sobre la configuración espacial como una disciplina en crecimiento que vive en la periferia. Para el diseño de interiores, la arquitectura de interiores encarna una migración continua hacia la complejidad, mientras que para la arquitectura, intenta un análisis más profundo de los parámetros interiores del diseño en la construcción.

En el campo, las capacidades modernas han cambiado significativamente los medios y mé to d o s d e co n stru cci ó n d e l e n to r n o construido. Las nuevas concepciones de la arquitectura de interiores se ven como una ruptura de barreras y distinciones entre los territorios de la arquitectura y el diseño de interiores que tradicionalmente han sido

aislados y típicamente controvertidos. A cambio, esta distorsión ha reformado cómo operan los diseñadores y cómo se brindan los servicios de diseño, así como la manera en que los diseñadores, consumidores y fabricantes trabajan juntos.

La arquitectura de interiores como filosofía fomenta nuevas redes espaciales, campos para ser investigados, representados y construidos. A través del tiempo la arquitectura de interiores ha sido marginalizada y cualquierizada, sin embargo este mismo hecho es lo que ha logrado darle mayor fuerza. Los representantes de esta disciplina han sido cuestionados muchas veces en cuanto a cuáles son las especificidades de esta materia, que representa y quienes están calificados para ejercerla.

A diferencia de la arquitectura o del diseño de interiores, la arquitectura de interiores busca la adaptabilidad de su práctica y, en lugar de centrarse en una meta general, trata de responder a las condiciones del entorno en el cual se desarrolla. De esta manera se aleja de las expectativas del público y realiza una crítica a las prácticas normativas mediante un enfoque hacia nuevas oportunidades que se presentan en el diseño espacial.

El libro crea entonces un pronóstico de la evolución de la arquitectura de interiores, mostrando a la misma como una disciplina en pleno desarrollo que cuenta con conocimientos y actitudes sumamente diversas que enriquecen su versatilidad y su capacidad adaptativa. También es posible identificar las sugerencias provistas por los diversos autores que participaron en la elaboración del texto, las cuales hablan de una educación y práctica especializada que vayan desde la domesticidad hasta una escala mucho mayor.

Siguiendo las conclusiones del autor, la arquitectura de interiores posee un enorme potencial debido a su separación tanto de la arquitectura como del diseño de interiores. La misma no se ve contenida por los límites poco estudiados del diseño de interiores y no se ve influenciada por las tendencias que suelen guiar a la arquitectura, sino que crea su propio espacio, mediante la compatibilidad de aspectos sumamente distintos de ambas carreras y creando sus propias reglas y cualidades.