Abendprogramm TFE Sommer 2015

Tiroler Festspiele Erl Sommer 7. — 31. Juli 2016 Passionsspielhaus und Festspielhaus

Programmheft

Oper

konzert

kammermusik

Präsident: Hans Peter Haselsteiner Gesamtleitung: Gustav Kuhn

Tiroler Festspiele Erl Sommer 2016

Grußworte

Das Land Tirol als Hauptgesellschafter der Festspielges.m.b.H. wünscht den Damen und Herren Besuchern und allen Mitwirkenden einen beglückenden Festspielsommer.

Landesrätin Beate Palfrader Landeshauptmann Günther Platter

Inhalt

Programmübersicht 8

Oper 13

konzert 57

KAMMERMUSIK & SPECIALS 105

MITWIRKENDE & BIOGRAFIEN 181

SERVICE 249

ZWISCHEN / ZEIT 254

dank 291

FREUNDE DER TIROLER FESTSPIELE ERL 292

Programmübersicht

ERÖFFNUNG Do. 7. Juli 2016 Festspielhaus, 19 Uhr 58

GIOACCHINO ROSSINI Guglielmo Tell Fr. 8. Juli 2016 Festspielhaus, 18 Uhr 14

TSCHAIKOWSKY / STRAUSS Sa. 9. Juli 2016 Passionsspielhaus, 20 Uhr 68

Sofia Symphonics So. 10. Juli 2016 (Matinee) Festspielhaus, 11 Uhr 78

Apollon Musagète Quartett Mo. 11. Juli 2016 Festspielhaus, 20 Uhr 106

Jasminka Stancˇul Klavierabend Di. 12. Juli 2016 Festspielhaus, 20 Uhr 110

Ring-Session Mi. 13. Juli 2016 Festspielhaus, 20 Uhr 116

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RICHARD WAGNER Das Rheingold Do. 14. Juli 2016 (WA-Premiere) Passionsspielhaus, 19 Uhr 26

RICHARD WAGNER Die Walküre Fr. 15. Juli 2016 (WA-Premiere) Passionsspielhaus, 17 Uhr 29

RICHARD WAGNER Siegfried Sa. 16. Juli 2016 (WA-Premiere) Passionsspielhaus, 17 Uhr 33

RICHARD WAGNER Götterdämmerung So. 17. Juli 2016 (WA-Premiere) Passionsspielhaus, 17 Uhr 38

Ring-Nachklang Leonskaja / Ensemble Risognanze Mo. 18. Juli 2016 Festspielhaus, 17 Uhr / 20 Uhr 124

Davide Cabassi Klavierabend Di. 19. Juli 2016 Festspielhaus, 20 Uhr 138

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Musicbanda Franui und Musikkapelle Innervillgraten Mi. 20. Juli 2016 Festspielhaus, 20 Uhr 143

„Una Noche de Guitarra“ Mit Julia Malischnig & Friends Do. 21. Juli 2016 Festspielhaus, 20 Uhr 148

GIOACCHINO ROSSINI Guglielmo Tell Fr. 22. Juli 2016 Festspielhaus, 18 Uhr 14

WOLFGANG AMADEUS MOZART Die Zauberflöte Sa. 23. Juli 2016 Festspielhaus, 19 Uhr 48

Haydn-Orchester So. 24. Juli 2016 (Matinee) Festspielhaus, 11 Uhr 86

Wotan und seine Töchter singen russische Lieder Mo. 25. Juli 2016 Festspielhaus, 20 Uhr 153

Signum & Cello Di. 26. Juli 2016 Festspielhaus, 20 Uhr 167

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Alma Mi. 27. Juli 2016 Festspielhaus, 20 Uhr 174

WOLFGANG AMADEUS MOZART Die Zauberflöte Do. 28. Juli 2016 Festspielhaus, 19 Uhr 48

MOZART / ROSSINI / BEETHOVEN Fr. 29. Juli 2016 Festspielhaus, 20 Uhr 94

WOLFGANG AMADEUS MOZART Die Zauberflöte Sa. 30. Juli 2016 Festspielhaus, 19 Uhr 48

BEETHOVEN-DOPPEL So. 31. Juli 2016 (Abschlusskonzert) Festspielhaus, 11 Uhr 96

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Oper

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GIOACCHINO ROSSINI (1792–1868)

Guglielmo Tell Fr. 8. Juli 2016 (Premiere) Fr. 22 Juli 2016 Festspielhaus, 18 Uhr

Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral Wilhelm Tell: Martin Berner, Giulio Boschetti, James Roser Arnold: Ferdinand von Bothmer, Iurie Ciobanu Mathilde: Lada Kyssy, Anna Princeva Walther Fürst: Szymon Chojnacki, Adam Horvath Melchthal: Francesco Facini, Johannes Schmidt Gemmy: Maria Rosaria Lopalco, Bianca Tognocchi Hedwig: Michela Bregantin, Anna Lucia Nardi Ein Fischer: Biao Li, Edoardo Milletti Leuthold: Frederik Baldus, Nicola Ziccardi Gessler: Giovanni Battista Parodi, Francesco Facini Rodolf: Luca Granziera, Giorgio Valenta Ein Jäger: Frederik Baldus, Nicola Ziccardi Orchester und Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung und Regie: Gustav Kuhn Bühnenbild: Alfredo Troisi Kostüme: Lenka Radecky Choreographie: Katharina Glas Dramaturgie: Andreas Leisner Licht: Gustav Kuhn TänzerInnen: Beate Chui, Valentin Gambino, Katharina Glas, Julia Hübner, Marie-Sophie Kreissl, Thomas Leopold, Selina Lettenbichler, Florian Pizana, Thomas Riess

2 Pausen (25 Minuten) um ca. 19.00 Uhr und 20.45 Uhr Aufführungsende gegen 22.00 Uhr

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Der historische Wilhelm Tell

Wilhelm Tell lebte im 13. Jahrhundert. Schillers Schauspiel „Wilhelm Tell“ basiert auf der Geschichte vom Schweizer Nationalhelden, der den Kampf für politische und individuelle Freiheit aller Schweizer symbolisiert. Ob Tell jemals gelebt hat, das wird bis in die heutige Zeit noch diskutiert. Der Legende nach soll er ein Bauer und Jäger des Ortes Bürglen im Kanton Uri gewesen sein und etwa im 13. bis frühen 14. Jahrhundert gelebt haben, als das Territorium der Schweiz durch Österreich und den Kaiser des Heiligen Römischen Reiches deutscher Nation regiert wurde. Man soll den Helden gezwungen haben, einen Apfel vom Kopf seines Sohnes zu schießen. Er soll dann durch den Reichsgrafen gefangen genommen worden sein, weil er dessen Leben bedroht hätte, soll ihm entkommen sein und schließlich den Reichsvogt mit einem Schuss aus der Armbrust getötet haben. Dies soll ein Signal für den Aufstand der Schweizer gegen die Österreicher und die Befreiung des Landes gewesen sein. Überliefert ist die Geschichte im „Chronicon Helveticum“ (1734–1736) von Gild Tschudi, in dem der November 1307 als Todesjahr Tells und Neujahr 1308 als Datum der Schweizer Freiheit angegeben wird. (Quelle: Bibliographisches Institut GmbH / Lernhelfer) Rossinis Tell

„Guillaume Tell“ war Rossinis letzte Oper. Sie wurde 1829 in Paris uraufgeführt und präsentierte sich von Beginn der eigenen Existenz an als ein gewaltiger Koloss von Werk, der die Möglichkeiten eines jeden Opernhauses bis heute an die Grenzen führt. Von den fünf Solocelli, die die Ouvertüre beginnen, über den bekannten Marsch-Galopp bis hin zu dem großen Dankgebet am Ende der Oper entwickelt Rossini nicht nur ein vermeintlich schweizerisches Panorama der Natur und des Freiheitsgeistes des Titelhelden, sondern auch Kaleidoskop und Seelenschau über Liebe, Hass, schreckliche Verwicklungen und Abhängigkeiten junger Liebender, das schier unerschöpflich anmutet. Dabei interessiert Rossini weniger Schillers Reflexionen über politische Freiheit und Rebellion,

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sondern seelische Freiheiten und Unfreiheiten, die den Menschen auf das Ursprüngliche des Gefühls zurückwerfen.

Bei aller Freiheit der Menschen geht es aber auch um die damit verbundene Verwurzelung eines jeden Einzelnen mit der eigenen Geschichte, der Geschichte seines Landes und seiner Heimat. Diese Aspekte bilden eine Zugehörigkeit zu einer Region und einer Gemeinschaft – dem Volk, das genau aus dieser Verwurzelung ein Nationalgefühl entwickelt. Die alte Weisheitslehre der sibirischen Altai – der „altaiische Bilik“ – bietet sogar eine Definition von „Verwurzelung“ von Sippen und ganzen Völkern als Teil ihrer Lehre von den Alterszyklen eines Volkes. Die dem gewöhnlichen Menschen zugemessene Lebenszeit „entschi tschak“ (72 Jahre) diente den altaischen Weisen dabei als Grundlage ihrer Berechnungen. So sind es genau diese 72 Jahre, die sie als „Jugend des Volkes“ definieren. In dieser ersten Periode, in der sich verschiedene Sippen zusammenschließen, bildet sich die gemeinsame geistige Basis des Volkes, es entsteht ein eigenständiges Nationalbewusstsein.

Die Verwurzelung des Volkes

Das „Alter der Verwurzelung des Volkes“ liegt laut altaiischer Alterszyklen-Lehre bei 72 x 3, also 216 Jahren. In dieser Zeit verwurzelt sich das Volk in seinem Land, beginnt das Land der Vorfahren als seinen nationalen Besitz zu betrachten. Im Bewusstsein des Volkes bilden sich die Grundlagen eines Weltbildes und die Grundzüge seines Geschichtsverständnisses heraus. Das Volk wird sich seines Platzes unter den anderen Völkern und seiner „historischen Mission“ bewusst. Es bedarf demnach also dreier Generationen, um eine echte, tragfähige Verwurzelung eines Volkes mit einem Land, mit der eigenen Heimat zu erreichen.

Bei der Idee der Verwurzelung eines Volkes mit dem von ihm besiedelten Land, der Bewusstwerdung der eigenen, bereits gelebten Geschichte und des manifestierten Ausdrucks einer Sehnsucht nach Freiheit und Zugehörigkeit im Sinne der eigenen, kollektiven Identitätsfindung setzt Rossinis

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Werk an. Zurückgehend auf diese Idee zeigt Rossini, wie Tell durch sein Handeln die Basis für die Gründung und die weitere Entwicklung der Alten Eidgenossenschaft legte, die von den ersten Bündnissen im 13./14.

Jahrhundert bis zum Einmarsch der Franzosen und dem Beginn der Helvetik 1798 bestand – und somit den Beginn eines Zeitalters markiert, das den Grundstein für die Verwurzelung eines Volkes – nämlich dessen der späteren Schweiz – legte. Kein Wunder also, dass Tell Ende des 19.

Jahrhunderts zum Nationalhelden der Schweiz erklärt wurde.

Die Verwurzelung der Oper mit der Accademia di Montegral

Besonders spannend jedoch wird es bei der Betrachtung der Rossini-Oper „Guglielmo Tell“ im Umfeld der Tiroler Festspiele Erl und ihrer Accademia di Montegral. Auch hier gibt es eine Verwurzelung und eine direkte Verbindung zur Entstehung des Werkes. Diese Verbindung ist im Sitz der Akademie in der Nähe von Lucca zu suchen, dem Kloster „Convento dell’Angelo“ in Ponte a Moriano, errichtet von Ludovico II.. Hier verbirgt sich eine Geschichte, die unsere Akademiemitglieder bei den Vorproben im Kloster nicht nur auf außergewöhnliche Weise beflügelt hat, sondern auch zu einem ganz besonderen Bezug und – wenn man so möchte – zu einer echten Verwurzelung mit dem Werk geführt hat. Gustav Kuhn beschreibt das Phänomen in einem ORF TV-Interview wie folgt: „Ludovico war im Grunde ein moderner Unternehmer. Das Kloster ist genau zu der Zeit gebaut worden, in der Rossini die letzten Takte seiner Oper ‚Guglielmo Tell‘ in Paris geschrieben hat. Er betrieb in Bagni di Lucca ein etwas zwielichtiges Touristikunternehmen – wie wir es heute wohl nennen würden. Diese Unternehmung betrachtete seine Mutter mit Argwohn, weshalb er zum Ausgleich auch noch ein Kloster baute – das heutige ,Convento dell’Angelo‘. Und so ist quasi als Gegenpol zu seinen Unternehmungen in Bagni di Lucca dieses Kloster entstanden. Dann hat er sich um ‚Guglielmo Tell‘ gekümmert, war sogar an der Übersetzung aus dem französischen Original ins Italienische beteiligt. In Paris bei der Uraufführung hatte man bereits gemerkt, dass die Lage für den Tenor aufgrund der Höhe unglaublich ungünstig war. Und so hatte man bereits

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für die italienische Erstaufführung hier in Lucca überlegt, die Tenorpartie als Hosenrolle zu gestalten, also mit einer Frauenstimme zu besetzen.

Man hat das dann tatsächlich mit einem sehr berühmten Mezzosopran probiert, aber das war auch nicht der gesuchte Erfolg. Dann kam allerdings ein junger Tenor ungefähr im Alter unseres Ludovico – ein gewisser Gilbert Duprez – und hat das alles halbwegs ordentlich gesungen, bis auf diese Steigerung, die sich da so wunderbar chromatisch raufschraubt – G, Gis, A … – bis zum hohen C. Er hat sich dann überlegt: ,Mh, irgendwie schaffe ich das nicht, das liegt so ungünstig.‘ Man hat damals nämlich die Höhen mit einer ganz leichten Kopfstimme gesungen. Das war im Belcanto ganz klar geregelt. Die Mittellage wurde mit der Bruststimme gesungen, die tiefen Lagen sehr voluminös gehalten und die Höhe im klassischen Falsett genommen. Duprez hat es dann einfach mal versucht, genau diesen aufstrebenden Schluss mit voller Stimme hinaufzubrettern bis zum hohen C. Daraufhin muss ein Publikumstumult losgegangen sein, sowas hatten die Menschen zuvor noch nicht gehört.

Und so ist in Lucca und in eben dieser Oper zum ersten Mal das hohe C gesungen worden, so wie wir es heute singen und kennen.“

Die Inszenierung wurde im Juni vom ORF aufgezeichnet und wird am Samstag, 30. Juli, ab 22.20 Uhr, in ORF 2 sowie am Sonntag, 31. Juli, ab 20.15 Uhr, in ORF III gesendet.

Eine Dokumentation zur Entstehung der Inszenierung des „Guglielmo Tell“ bei den Tiroler Festspielen Erl mit dem Titel „Wilhelm Tell – Von Lucca nach Erl“ können Sie am Sonntag, 17. Juli, ab 9.05 Uhr, in ORF 2 sowie am selben Tag ab 12.25 Uhr in ORF III erleben.

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Handlung

1. Akt Arnold, der Sohn des alten Melchthal, ist in die Habsburger Prinzessin Mathilde verliebt. Wilhelm Tell mahnt ihn an seine patriotischen Pflichten. Der Hirte Leuthold wird von kaiserlichen Reitern verfolgt, weil er einen Soldaten, der seine Tochter vergewaltigen wollte, getötet hat. Tell rudert ihn über den Vierwaldstädter See. Melchthal wird verhaftet, das Dorf in Brand gesteckt. Man schwört Rache.

2. Akt Entgegen der sie trennenden Standesunterschiede will Mathilde zu Arnold stehen. Tell hat Mathilde und Arnold gemeinsam gesehen. Er macht Arnold schwere Vorwürfe. Da erreicht sie die Nachricht, dass Arnolds Vater Melchthal von den Soldaten erschlagen wurde. Sofort schließt sich Arnold dem von Tell geführten vaterländischen Freiheitskampf an.

3. Akt Landvogt Gessler lässt den Jahrestag der Habsburgischen Herrschaft feiern. Darüber hinaus sollen sich alle vor einem Hut verneigen. Alle tun es – nur Tell und sein Sohn Gemmy nicht. Gessler befiehlt Tell, seinem Sohn einen Apfel vom Kopf zu schießen. Dieser zielt und trifft den Apfel.

Tell gesteht, dass er mit einem zweiten Pfeil den Landvogt hätte töten wollen, falls er den Apfel verfehlt hätte. Beide werden verhaftet, Gemmy aber von Mathilde befreit.

4. Akt Mathilde bringt Gemmy zu seiner Mutter zurück. Nur der gefangene Tell ist während eines Sturmes in der Lage, das Schiff Gesslers und seiner Soldaten auf dem See zu steuern. Tell springt an Land und stößt das Schiff zurück auf den See. Doch Gessler kann sich retten. Tell befreit die Schweiz schließlich von dem Tyrannen mit seiner Armbrust.

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Tiroler festspiele erl SOMMER 7. — 31. Juli 2016

2016

„Der Ring des Nibelungen“ – die Entstehungsgeschichte

Richard Wagner änderte in der Endfassung seiner Tetralogie den versöhnlichen Schluss, der in dem Erstentwurf der „Götterdämmerung“ (unter dem Titel „Siegfrieds Tod“) vorgesehen war, in einen pessimistischen ab: Die aus tiefstem Leid geläuterte Liebe schafft durch Opfertod Erlösung.

Die beiden Konfliktpole sind Macht und Liebe, erstere symbolisiert durch das Gold, das nach germanischer Auffassung die Quelle allen Unheils darstellt. Allvater Wotan trachtet nach Macht, er will aber auch von der Liebe nicht lassen. Dadurch wird er zum Repräsentanten des unheilvollen Kampfes zwischen diesen beiden Mächten und damit zum Mittelpunkt des gewaltigen Dramas, das Wagner ursprünglich „Wotan“ betiteln wollte. Ausgehend von der Siegfried-Tragödie, blieb der Komponist nicht bei dieser stehen, sondern formte aus dem gesamten Sagen- und Mythenkomplex der germanischen Vorwelt eine seiner Auffassung entsprechende Darstellung des Stoffkreises. Ausschlaggebend bei der Gestaltung des umfangreichen Materials war seine Formung für die Ausdrucksbezirke des musikalischen Dramas. Die riesigen Dimensionen bedingten nicht nur eine Verteilung auf vier Abende, sondern auch die Anwendung außergewöhnlicher musikalischer Mittel: ein um verstärkte und neuartige Bläserwirkungen bereichertes Orchester, Sänger großen Formats. Die daraus resultierende Distanz vom Opernalltag ließ gleichzeitig mit der Entstehung des Werkes die Festspiel-Idee aufkommen. Im Gegensatz zur Dichtung, die in unmittelbarer Aufeinanderfolge entstanden ist, wurde die Komposition von beträchtlichen Pausen unterbrochen, die zum Teil fühlbare Risse in der stilistischen Geschlossenheit der Tonsprache (z. B. im „Siegfried“) hinterlassen mussten. Die Einheit des Textes wird gewahrt durch die konsequente Anwendung des Stabreims, die der Musik durch die stattliche Reihe von etwa 100 Motiven, die, teils melodischer (z. B. Fluch-Motiv), teils harmonischer Natur (z. B. Wanderer-Motiv), in logischer Beziehung zueinander stehen und in meisterhafter Verarbeitung kunstvoll die dramatischen Vorgän-

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ge untermalen und seelische Regungen erläutern. Wagner ging bei der Gestaltung seines Musikdramas „Der Ring des Nibelungen“ weniger von dem mittelalterlichen Nibelungenlied aus, er griff vielmehr auf ältere nordisch-germanische Überlieferungen zurück: So gehören die Edda, ferner die Völsunga-, Wilkina- und Nornagest-Saga, aber auch deutsche Volksmärchen, wie vor allem das vom „gehörnten Siegfried“, zu dem Kreis des umfangreichen Quellenmaterials.

Wagner beschäftigte sich mit dem „Siegfried“-Stoff schon im Jahre 1846. Im November 1848 hatte er die Dichtung zu einer „großen Heldenoper“ mit dem Titel „Siegfrieds Tod“ vollendet, die den Erstentwurf der „Götterdämmerung“ darstellt und die in ihrer stilistischen Gestalt noch dem „Lohengrin“ nahe steht. Sie wurde 1852 nochmals überarbeitet und erschien 1862 bei der Veröffentlichung des gesamten NibelungenringTextes als „Götterdämmerung“ mit verändertem Schluss. Die Texte zu den weiteren Abenden entstanden in der Reihenfolge: „Jung-Siegfried“ im Juni 1851 (umgearbeitet November 1852); „Die Walküre“ am 1. Juli 1852 und im gleichen Jahre noch „Der Raub des Rheingoldes“. Mit der Komposition des „Rheingold“ begann Wagner im Herbst 1853; im Januar 1854 war die Skizze und im Mai desselben Jahres bereits die ganze Partitur fertig. „Die Walküre“ wurde im Juni 1854 begonnen und Ende des Jahres in der Skizze beendet. Die Fertigstellung der Partitur erfolgte aber erst im April 1856. Noch größer waren die Unterbrechungen der kompositorischen Arbeit bei „Siegfried“. Sie wurde im September 1856 in Angriff genommen, im Juni 1857 aber in der Mitte des II. Aktes abgebrochen und erst im Sommer 1865 wieder aufgenommen. Nach neuerlichen Pausen konnte der II. Akt endlich im Februar 1869 und der III. im September desselben Jahres in der Skizze beendet werden; die Partitur wurde am 5. Februar 1871 abgeschlossen. Noch während der Arbeit am „Siegfried“ wurde mit der Skizzierung der „Götterdämmerung“ angefangen (1869); der I. Akt war Anfang 1870, der II. im Juli des gleichen Jahres und der III. am 10. April 1872 fertig. Die Instrumentation wurde am 21. November 1874 abgeschlossen.

Die Uraufführung von „Rheingold“ erfolgte auf Wunsch König Ludwigs II. gegen Wagners Willen, der die Tetralogie als Bühnenfestspiel an besonde-

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rer Stätte geschlossen aufgeführt wissen wollte, am 22. September 1869 in München. Ebenso wurde dort „Die Walküre“ am 26. Juni 1870 uraufgeführt. Die erste zyklische Aufführung des Ringes kam im Rahmen der ersten Bayreuther Bühnenfestspiele vom 13. bis 17. August 1876 zustande, wobei „Siegfried“ (16. August) und „Götterdämmerung“ (17. August) die Uraufführung erlebten. Dirigent war Hans Richter. (Robert Minder)

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RICHARD WAGNER (1813–1883)

Der Ring des Nibelungen Vorabend: Das Rheingold Do. 14. Juli 2016, 19 Uhr (WA-Premiere) Passionsspielhaus

Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral Wotan: Michael Kupfer-Radecky, James Roser Donner: Frederik Baldus, Nicola Ziccardi Froh: Ferdinand von Bothmer, Markus Herzog Loge: Johannes Chum, Wolfgang Schwaninger Alberich: Thomas Gazheli, Stephen Owen Mime: Giorgio Valenta, Wolfram Wittekind Fasolt: Franz Hawlata, Zelotes Edmund Toliver Fafner: Michael Doumas, Andrea Silvestrelli Fricka: Hermine Haselböck, Svetlana Kotina Freia: Joo-Anne Bitter, Martina Bortolotti Erda: Rena Kleifeld, Alena Sautier Woglinde: Yukiko Aragaki, Atsuko Koyama Wellgunde: Michiko Watanabe, Soomin Yu Floßhilde: Junhua Hao, Misaki Ono

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Amboss-Spieler: Stefano Bardella, Vladimir Deiko, Jan Golubkow, Christian Jank, Lukas Kleinlercher, Oleg Knote, Camilla Leimisch, Emanuele Lippi, Thomas Mairhofer, Daniele Palma, Samuel Pfurscheller, Kurt Rampl, Hubert Tockenbacher, Clemens Zabernigg, Sebastian Zabernigg Die Erler Kinder Leitung: Maria Neuschmid Betreuung: Birgit Daxenbichler, Julia Moser, Edith Schwaighofer Orchester der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung und Regie: Gustav Kuhn Bühnenbild: Jan Hax Halama Kostüme: Lenka Radecky Dramaturgie: Andreas Leisner Licht: Gustav Kuhn

Keine Pause Aufführungsende gegen 21.30 Uhr

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Handlung

Die Rheintöchter umspielen auf dem Grunde des Rheins das Rheingold.

Der Nibelung Alberich bringt, nachdem er in seinem Liebeswerben von den Rheintöchtern verspottet und verstoßen wurde, den Schatz in seine Gewalt, indem er die Liebe verflucht. Denn nur wer der Liebe entsagt, kann sich des Goldes bemächtigen. Wotan, Gottvater und Herr des Speeres, in welchen seine Gesetze eingeschrieben sind, und Fricka, seine Frau, werden erwachend der Götterburg Walhall gewahr, die die Riesen, Fasolt und Fafner, gemäß den von Wotan erdachten Verträgen gebaut haben. Als Lohn fordern die Baumeister Freia, die Göttin der Jugend und Schönheit, die von ihren Brüdern, Donner und Froh, gegen die Zudringlichkeiten der Riesen in Schutz genommen wird. Wotan hofft auf den listigen Feuergott Loge; dieser hat aber keinen Ersatz für Freia gefunden und weiß nur zu berichten, dass Alberich aus dem geraubten Rheingold einen Ring schmieden ließ, der ihm unbegrenzte Macht verleiht. Die Riesen sind bereit, gegen das Gold Alberichs auf Freia zu verzichten, und nehmen diese als Geisel, bis Wotan den Schatz herbeigeschafft hat.

Loge und Wotan brechen in das unterirdische Reich Alberichs auf. Hier zwingt Alberich die Nibelungen, ihm Schätze aus den Tiefen der Erde zu schaffen, und seinen Bruder, Mime, aus dem Rheingold eine Tarnkappe zu schmieden. Loge verführt Alberich, mit seinen Künsten zu prahlen: Mit der Tarnkappe verwandelt sich dieser zunächst in einen Riesenwurm, dann in eine Kröte, sodass er leicht gefesselt und vor die Götter geschleppt werden kann. Als Lösegeld muss Alberich seinen ganzen Schatz hergeben. Alberich verflucht den Ring. Wotan zögert, den Riesen außer dem ganzen Schatz auch noch den Ring im Tausch gegen Freia zu geben. Die allwissende Erda warnt ihn aber vor dem Fluch, der jetzt auf dem Ring haftet. Die fürchterliche Macht des Fluchs zeigt sich sogleich: Fafner erschlägt seinen Bruder, weil sie sich bei der Teilung des Schatzes nicht einig werden. Begleitet vom Klagegesang der Rheintöchter ziehen die Götter in Walhall ein.

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RICHARD WAGNER (1813–1883)

Der Ring des Nibelungen Erster Tag: Die Walküre Fr. 15. Juli 2016, 17 Uhr (WA-Premiere) Passionsspielhaus

Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral Siegmund: Wolfgang Schwaninger, Andrew Sritheran Hunding: Michael Doumas, Raphael Sigling Wotan: Vladimir Baykov, Adam Horvath Sieglinde: Veronika Farkas, Marianna Szivkova Brünnhilde: Bettine Kampp, Mona Somm Fricka: Hermine Haselböck, Svetlana Kotina Helmwige: Susanne Geb, Magdalena Kozakiewicz Gerhilde: Giancarla Bettella, Martina Bortolotti Ortlinde: Leonora del Rio, Michiko Watanabe Siegrune: Veronika Farkas, Carolin Neukamm Roßweiße: Anna Lucia Nardi, Tamara Cardo Waltraute: Rita Lucia Schneider, Anna Werle Grimgerde: Michela Bregantin, Carolin Neukamm Schwertleite: Annette Lubosch, Alena Sautier

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Loge: Ulrich Braunegg Die Erler Kinder Leitung: Maria Neuschmid Betreuung: Maria Bachmann, Julia Moser, Edith Schwaighofer Orchester der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung und Regie: Gustav Kuhn Bühnenbild: Jan Hax Halama Kostüme: Lenka Radecky Dramaturgie: Andreas Leisner Licht: Gustav Kuhn

2 Pausen (25 Minuten) um ca. 18.00 Uhr und 20.00 Uhr Aufführungsende gegen 21.45 Uhr

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Handlung

1. Aufzug Ein Mensch wird gejagt. Mit letzter Kraft schleppt er sich in eine schützende Behausung. Die Frau, die dort wartet, erquickt ihn mit einem Trunk. Eine geheime Verwandtschaft verbindet die Frau mit dem flüchtenden Fremdling. Hunding, der Herr des Hauses, kehrt vom Kampf zurück. Auf Drängen seiner Frau gewährt er dem Unbekannten Gastrecht.

Aufgefordert zu erzählen, wer er sei, berichtet der Fremde von seiner Jugend. Sein Vater nannte sich Wolfe. Als er eines Tages mit seinem Vater von der Jagd zurückkehrte, fanden sie die Mutter ermordet, die Zwillingsschwester entführt. In den bitteren Kämpfen, die folgten, verlor er die Spur seines Vaters. Seither liegt Unheil auf ihm. Er wurde von einem Mädchen zu Hilfe gerufen. Im Kampf erschlug er die Brüder, die es wider seinen Willen verheiraten wollten. Nun wird er von der ganzen Sippe verfolgt. Hunding erkennt, dass der Gejagte an seinem Tisch sitzt.

Er fordert ihn für den nächsten Tag zum Zweikampf, bevor er sich mit seiner Frau zur Nachtruhe zurückzieht. Der Fremde ruft nach seinem Vater, der ihm ein Schwert verhieß, das er in höchster Not fände.

Heimlich kehrt die Frau zurück; sie hat Hunding einen Schlaftrunk gemischt. Um den Fremden zu retten, weist sie ihm das Schwert, das ein Einäugiger in der Esche Stamm stieß, als sie zur Hochzeit mit Hunding gezwungen wurde. Viele hatten vergeblich versucht, es aus dem Stamm zu ziehen. Als es dem Fremden nun gelingt, erkennen sich beide als die Kinder Wolfes, die Wälsungen. Siegmund erfährt seinen Namen von der Zwillingsschwester Sieglinde. In Liebe vereint sich gleiches Blut.

2. Aufzug Wotan (Wolfe) hat, um den Ring zurückzugewinnen, seine Hoffnungen auf seinen Sohn Siegmund gesetzt. Um jenem im Kampf beizustehen, entsendet er seine Lieblingstochter Brünnhilde, eine der Walküren, die Wotan mit Erda zeugte. Doch Fricka, die Hüterin der Ehe, das Zwillingspaar des Inzests und Ehebruchs bezichtigend, verlangt von ihrem Gatten, Hunding die Rache zu gewähren. Wotan, der allein mit Brünnhilde

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zurückbleibt, gesteht ihr seine Ohnmacht: Er kann als Gott, ohne seine Gesetze zu verletzen, den Ring nicht erlangen. Daher wünscht er sich den Sieg Siegmunds, der als freier Mensch dieses vermag. Siegmund jedoch hat seinerseits die Gesetze derart verletzt, dass er nun gefällt werden muss. Brünnhilde widersetzt sich dem Wunsch Wotans und gewährt Siegmund den Sieg. Daraufhin droht Wotan mit den härtesten Strafen.

Siegmund hält die fliehende Sieglinde zur Rast an. Als sie in tiefen Schlaf gesunken ist, erscheint Brünnhilde, Siegmund den nahen Tod zu verkünden. Doch er will nicht nach Walhall, wenn ihm Sieglinde dahin nicht folgen darf. In aufbäumender Wut will er seine Zwillingsschwester und sich töten. Brünnhilde hindert ihn und verspricht, sich tollkühn gegen den Befehl ihres Vaters stellend, Schutz gegen den anstürmenden Hunding. Doch Wotan greift in den Kampf ein. Er lässt Siegmunds Schwert an seinem Speer zersplittern. Hunding erschlägt Siegmund.

Heimlich flieht Brünnhilde mit Sieglinde. Wotan lässt Hunding tot neben Siegmund zusammenbrechen.

3. Aufzug Jauchzend tummeln sich die Walküren in wildem Felsengeklüft. Sie sammeln die Helden für Walhall. Doch was Brünnhilde bringt, ist kein Mann.

Keine der Walküren hat den Mut, Brünnhilde und Sieglinde vor dem Zorn Wotans zu schützen. Brünnhilde offenbart Sieglinde, dass sie den Sohn Siegmunds, Siegfried, in sich trägt und überredet sie zur weiteren Flucht, ihr die Teile des Schwertes anvertrauend.

Brünnhilde stellt sich der Strafe Wotans: Weil Liebe ihr Herz bezwang, soll jeder Mann, der sie hier wehrlos findet, zur Liebe zwingen können. Die Strafe für die Walküre wandelt sich zum bewahrenden Schutz. Brünnhildes Schlaf umgibt ein Flammenmeer, bis der kommt, der das Feuer furchtlos durchschreitet.

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RICHARD WAGNER (1813–1883)

Der Ring des Nibelungen Zweiter Tag: Siegfried Sa. 16. Juli 2016, 17 Uhr (WA – Premiere) Passionsspielhaus

Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral Siegfried: Wolfgang Schwaninger, Gianluca Zampieri Mime: Wolfram Wittekind, Giorgio Valenta Der Wanderer: Thomas Gazheli, Adam Horvath Alberich: Werner van Mechelen, Stephen Owen Fafner: Michael Doumas, Andrea Silvestrelli Waldvogel: Joo-Anne Bitter, Magadalena Kozakiewicz Erda: Rena Kleifeld, Alena Sautier Brünnhilde: Susanne Geb, Nancy Weissbach

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Harfinistinnen: Lisa-Maria Hilti, Johann Niedermaier, Magdalena Saringer, Marie Trottmann, Veronica Vacca Horn: Gabriel Cupsinar Die Erler Kinder Leitung: Maria Neuschmid Betreuung: Birgit Daxenbichler, Julia Moser, Edith Schwaighofer Orchester der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung und Regie: Gustav Kuhn Bühnenbild: Jan Hax Halama Kostüme: Lenka Radecky Dramaturgie: Andreas Leisner Licht: Gustav Kuhn

2 Pausen (25 Minuten) um ca. 18.20 Uhr und 20.10 Uhr Aufführungsende gegen 21.45 Uhr

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Handlung

An einem abgelegenen Ort zieht Mime Sieglindes Sohn auf. Sterbend übergab sie das Neugeborene dem Nibelungen, zusammen mit den zerbrochenen Stücken des Schwerts Nothung.

Mit der Fürsorge, die Mime über all die Jahre dem Waisenkind widmete, verfolgt er jedoch allein das Ziel, von dem Jungen Fafner töten zu lassen, der den Hort mit Ring und Tarnhelm in der Gestalt eines Riesenwurms hütet. Danach, weiß Mime, muss er Siegfried umbringen, damit er selbst Herr des Hortes wird.

1. Aufzug Nach vergeblichen Mühen, Nothung wieder zusammenzufügen, fertigt Mime in selbst errichteter Schmiedewerkstatt Waffen an, die Siegfried aber alle zerschlägt. Immer unwohler fühlt sich der Heranwachsende in der Umgebung Mimes. Oft neckt er seinen Ziehvater. Diesmal erschreckt er ihn mit einem Bären. Gereizt offenbart Mime dem Jungen, dass er weder sein Vater noch sonst verwandt mit ihm sei. Drängend begehrt Siegfried zu erfahren, wer seine Eltern sind. Er will ausbrechen in die Welt und befiehlt Mime, ihm Nothung zu schmieden. Der Wanderer erscheint in Mimes Schmiede. Mime weist ihn ab. Doch der Wanderer schlägt dem ungastlichen Schmied ein Rätselspiel vor, bei dem er als Preis seinen Kopf einsetzt. Mime stellt ihm drei Fragen nach der Welt, wie sie einmal war. Der Wanderer, in dem Mime Wotan zu erkennen beginnt, beantwortet sie alle. Nun geht die Wissens-Wette an ihn. Zwei Fragen kann er beantworten, aber vor der dritten, wer Nothung neu schmieden könnte, versagt er. Der Wanderer sagt es: nur der, der das Fürchten nie gelernt hat!

Verwirrt, hilflos bleibt Mime allein. Als Siegfried zurückkommt, prüft Mime, ob er der Furchtlose sei, den der Wanderer meinte. Alle Angstbilder, die Mime entwickelt, wehrt Siegfried lachend ab. Da Nothung noch immer zerbrochen liegt, schickt Siegfried sich an, das Schwert selbst zu schmieden. Mit Nothung und dem Gifttrank, den Mime für Siegfried gebraut hat, machen sich beide auf zu dem Platz, wo Fafner haust.

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2. Aufzug Seit langem wacht Alberich in Fafners Nähe, gierig nach dem Ring, aber nicht wissend, wie er ihn erlangen kann. In dem Wanderer, der aus dem Dunkel hervortritt, erkennt er Wotan. Der meldet Alberich, dass der Held naht, der Fafner tötet, Mime aber den Hort erringen will. Alberichs Verwirrung wächst, als Wotan Fafner aufweckt, damit er gewarnt würde, ohne dass dieser selbst Ansprüche auf den Ring stellt. Aufs Neue bekräftigt Alberich seinen Anspruch auf die Weltherrschaft. Als Wotan verschwindet, treffen Mime und Siegfried ein.

Bald verjagt Siegfried Mime und bleibt allein zurück. Seiner Herkunft, seinen Eltern nachsinnend, hört er Vogelstimmen. Auf einem selbst geschnitzten Holz, dann mit dem silbernen Horn, das Mime ihm schuf, will er den Stimmen antworten, sie verstehen. Aber das Horn weckt Fafner. Bedrohlich naht das Ungeheuer, Siegfried zu verschlingen.

Im Kampf stößt ihm Siegfried Nothung ins Herz. Der Sterbende warnt den Sieger vor der Zukunft. Als Siegfried Nothung aus der Wunde des Toten zieht, macht ihn das Blut welthellsichtig. Nun versteht er die Stimme des Waldvogels, der ihm rät, Ring und Tarnhelm an sich zu nehmen und vor Mimes Anschlägen auf der Hut zu sein. Indessen treffen Mime und Alberich aufeinander. In heftigem Streit machen sie gegenseitig ihren Anspruch auf den Hort geltend. Während Alberich vor Siegfried ins Dunkel zurückweicht, versucht Mime, dem Jungen den tödlichen Trank einzuflößen. Siegfried, Mimes Gedanken lesend, wehrt sich und tötet ihn mit dem Schwert. In seiner Einsamkeit weist ihm die Stimme des Waldvogels den Weg zu der Frau, die, von Feuer umschlossen, des Befreiers harrt.

3. Aufzug Nahe dem Ort, wo Brünnhilde liegt, wartet Wotan auf den, der das Feuer durchschreiten wird. Noch einmal beschwört er Erdas Weisheit, um zu erfahren, ob sich seine Absichten erfüllen werden. Sie aber verweist ihn an die Nornen und verhüllt sich, als sie von der Strafe hört, die Wotan ihrer beider Tochter auferlegte, trauernd in ewigem Schlaf.

Dem anstürmenden Siegfried stellt sich der Wanderer noch einmal

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entgegen. Spott trifft ihn, den Alten, und Unverständnis. Auch vor dem neu aufflammenden Feuer fürchtet sich Siegfried nicht. Wotans Speer zerschlägt er mit Nothung, das einst an diesem zerschellte. Der Gott tritt ab und macht dem Jungen den Weg frei.

Nach dem Weg durch das Feuer entdeckt Siegfried Brünnhilde und küsst sie wach. Den verzweifelten Liebesansturm Siegfrieds weist Brünnhilde zunächst zurück. Dann aber siegt für beide das Glück ihrer Begegnung. In ihrer Liebesumarmung bejubeln beide den Triumph absoluter Liebe.

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RICHARD WAGNER (1813–1883)

Der Ring des Nibelungen Dritter Tag: Götterdämmerung So. 17. Juli 2016, 17 Uhr (WA-Premiere) Passionsspielhaus

Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral Siegfried: George Vincent Humphrey, Gianluca Zampieri Hagen: Andrea Silvestrelli, Zelotes Edmund Toliver Brünnhilde: Bettine Kampp, Mona Somm Gunther: Michael Kupfer-Radecky, James Roser Alberich: Thomas Gazheli, Stephen Owen Gutrune: Joo-Anne Bitter, Susanne Geb Waltraute: Svetlana Kotina, Rita Lucia Schneider Erste Norn: Rena Kleifeld, Alena Sautier Zweite Norn: Michela Bregantin, Junhua Hao Dritte Norn: Joo-Anne Bitter, Marianna Szivkova Woglinde: Yukiko Aragaki, Atsuko Koyama Wellgunde: Michiko Watanabe, Soomin Yu Floßhilde: Junhua Hao, Misaki Ono

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Orchester und Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung und Regie: Gustav Kuhn Bühnenbild: Jan Hax Halama Kostüme: Lenka Radecky Dramaturgie: Andreas Leisner Licht: Gustav Kuhn Die Erler Kinder Leitung: Maria Neuschmid Betreuung: Birgit Daxenbichler, Julia Moser, Edith Schwaighofer

2 Pausen (25 Minuten) um ca. 18.50 Uhr und 20.20 Uhr Aufführungsende gegen 22.00 Uhr

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Handlung

Vorspiel Die Nornen, Töchter der Erda, suchen im Geflecht der Weltesche das Schicksal der Welt zu erfahren. Aber aus dem Seil, das sie einander zuwerfen, lesen sie nur, was war, wie alles kam. Als sie das Kommende erfassen wollen, spannt sich das Seil, bis es reißt. Die Zukunft entzieht sich altem Wissen. Blind ziehen sich die Nornen in die Tiefe der Erde zurück. Aus dem Zusammensein mit Brünnhilde drängt es Siegfried zu neuen Taten. Brünnhilde erinnert sich und ihn an die Sendung, die Welt zu erlösen. Als Liebespfand lässt er ihr den Ring zurück.

1. Aufzug Der Alberich-Sohn Hagen giert nach dem Ring und seiner Macht. Dafür spinnt er seine Intrigen. In seinen unverheirateten Halbgeschwistern Gunther, dem Herrscher im Gibichungen-Reich, und Gutrune weckt er den Wunsch zu außergewöhnlichen Ehepartnern, Brünnhilde und Siegfried, verschweigt ihnen aber deren Verbindung. In diesem Moment erscheint Siegfried vor der Gibichungenhalle, wo er willkommen geheißen wird. Gutrune reicht ihm auf Hagens Anweisung einen Betäubungstrank, der ihm die Erinnerung an Brünnhilde blockiert, so dass er für Gutrune entflammt und willig ein Blutsbündnis mit Gunther eingeht: Für ihn will er mit Hilfe des Tarnhelms Brünnhilde freien. In der Halle wachend sinniert Hagen über die Entwicklung seiner Pläne.

Aus Walhall hat sich Waltraute heimlich zu Brünnhilde gestohlen. Sie will die trostlose Lage der Götter wenden und berichtet der Schwester: Tatenlos brütet Wotan inmitten der Götter und Krieger vor sich hin; die Weltesche ließ er fällen und ihr Holz um Walhall schichten. Der Fluch, der über Götter und Menschen kam, würde nur von der Welt genommen, wenn die Rheintöchter den Ring zurückerhielten. Aber Brünnhilde kann und will nicht von Siegfrieds Liebespfand lassen.

Das aufschlagende Feuer kündigt ihr Siegfrieds Nahen an. Doch der, der das Feuer durchschreitet, ist ihr fremd. In Gunthers Gestalt verwandelt,

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bricht Siegfried Brünnhildes Widerstand, demütigt sie und entreißt ihr den Ring.

2. Aufzug Halb wachend, halb träumend gewahrt Hagen die Gestalt seines Vaters Alberich, der ihn verpflichten will, den Nibelungen den Ring zurückzuerobern. Hagen jedoch will ihn nur für sich selbst gewinnen. Mahnend verschwindet Alberich ins Dunkle. In der Morgendämmerung erscheint Siegfried und kündigt Hagen die Ankunft Gunthers mit Brünnhilde an.

Hagen ruft die Gibichungen-Mannen herbei, Gunther und dessen Braut zu empfangen. Die Intrige steigert sich, als Brünnhilde, in die Gibichungenhalle geschleppt, erkennt, dass Siegfried sich seiner Liebe zu ihr nicht mehr erinnert. Der Ring an seiner Hand ist für Brünnhilde Beweis, dass er es war, der sie überwältigte. Gutrune und Gunther sind durch die Anschuldigungen Brünnhildes zutiefst verunsichert. Doch Siegfried widersetzt sich allen Anklagen. Während seine Hochzeit mit Gutrune vorbereitet wird, beteiligt sich Brünnhilde an dem Komplott, das Hagen und Gunther zu Siegfrieds Ermordung schmieden. Ein Jagdunfall soll den schuldlos schuldig Gewordenen beseitigen.

3. Aufzug Auf der Jagd hat sich Siegfried an den Rhein verirrt, wo er auf die Rheintöchter trifft. Sie bitten ihn um den Ring. Als Siegfried sich weigert, ihn ihnen zu geben, weissagen sie dem Besitzer des Rings den baldigen Tod. Inmitten der Jagdgesellschaft erzählt Siegfried sein Leben. Als seine Erinnerung stockt, löst Hagen ihm mit einem Trank das blockierte Bewusstsein. Glücklich erinnert sich Siegfried von neuem an die Begegnung mit Brünnhilde. Hagen hat damit Siegfrieds Meineid, den Betrug an Gunther bloßgelegt. Hinterrücks sticht er Siegfried nieder, der mit dem Bekenntnis seiner Liebe zu Brünnhilde stirbt. Dunkle Bestürzung herrscht bei den Gibichungen. Gutrune klagt an der Bahre ihres Mannes. Im Streit um den Ring erschlägt Hagen auch Gunther. Dem drohenden Gemetzel gebietet Brünnhilde Einhalt. Nach alter Sitte lässt sie den Leichnam Siegfrieds

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auf einem Scheiterhaufen am Rande des Rheins bestatten. Sie schreitet in das Feuer und vereint sich so mit ihm im Tod. Der von ihr gestiftete Brand vernichtet die Gibichungenhalle und greift nach Walhall über, das mit seinen Göttern verglüht. Im über die Ufer tretenden Wasser halten die Rheintöchter den Ring. Hagen wird, als er den Ring zu greifen versucht, von ihnen in die Tiefe gezogen.

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NACHLESE: Im Osten was Neues Die Tiroler Festspiele Erl erobern Peking und Shanghai

Dass es ein gewaltiger Kraftakt für alle Beteiligten der Tiroler Festspiele sein würde, ein ganzes Festival mit sechs Wagner-Opern in zwei Wochen („Meistersinger“, „Tristan und Isolde“ sowie erstmals den 24-Stunden Ring) nach China zu bringen, war von vornherein absehbar. Neben dem Verpacken und Verschiffen von sechs(!) Containern Bühnenbild, Kostümen und Requisiten, Hotelbuchungen für 280 Vertreter der Tiroler Festspiele in Peking und Shanghai, Vorab-Proben-Dispositionen an unbekannten Orten und Spielstätten gab es die unerwartete Herausforderung, mit nicht weniger als 22 Botschaften und Konsulaten Visumsangelegenheiten für die Mitglieder des Ensembles zu regeln. Erst zwei Wochen vor dem Abflug konnte endlich für alle Beteiligten „grünes Licht“ gegeben werden. Ein wahrer „Stresstest“ für das kleine FestspielOrganisationsteam aus Erl! Zwei Jahre zuvor hatte Maestro Gustav Kuhn an gleicher Stelle und in Kooperation mit den Salzburger Osterfestspielen sowie dem „China Philharmonic Orchestra“ den „Parsifal“ aus der Taufe gehoben. Nun war er mit seinem „eigenen“ Festival zurück und legte die erste Probe des Ensembles direkt auf den Ankunftstag in Peking – der Zeitplan war unerbittlich.

Erst seit Ende der 1980er Jahre kann man vom endgültigen Durchbruch der westlichen Oper in China sprechen. Davor war hauptsächlich Hongkong als ehemals britische Kronkolonie Zielort verschiedenster Operntournee-Produktionen. Dort wurde 1972 auf dem „Hongkong Festival“ erstmals eine landeseigene Produktion aufgeführt.

1989 eröffnete in Peking ein Kulturzentrum für chinesische und westliche Oper mit einem „Fidelio-Gastspiel“ der Kölner Oper. Neun Jahre später baute man in Shanghai das moderne „Grand Theatre“, in dem neben internationalen Gastspielen auch ein eigenes Opernensemble auftritt.

Seit einigen Jahren gibt es auch in der Hauptstadt Peking Ambitionen auf ein neues, futuristisches Opernhaus. Klassik in China „boomt“ – und das Land präsentiert sich als führende Importnation für westliche Musik.

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Richard Wagner – der lebendigste deutsche Komponist in China

Die erste Erwähnung Richard Wagners in China erfolgte erst 40 Jahre nach dessen Tod – in einem Aufsatz des chinesischen Musikwissenschaftlers Liao Fushu mit dem Titel „Richard Wagners Kindheit“. Während der Kulturrevolution war es verboten, auch nur Wagners Namen zu nennen und abgesehen vom „Hochzeitsmarsch“ aus „Lohengrin“ dauerte es fast hundert Jahre, bis seine Musik dem chinesischen Publikum via Fernsehen und CDs zugänglich gemacht wurde. Jia Guoping, Professor für Komposition am „Central Conservatory of Music“ in Peking, hält Richard Wagner „dank seiner leidenschaftlichen, gefühlsbetonten Musik“ heute für den „lebendigsten deutschen Komponisten“ in China. Und an chinesischen Universitäten ist die Vermittlung Wagnerscher Leitmotivtechnik sowie dessen kompositorisches Denken seit den 1990er Jahren ein wichtiger Bestandteil europäischer Musikgeschichte.

Im Jahre 2005 brachte die Oper Nürnberg zum ersten Mal eine WagnerOper auf eine chinesische Bühne: Der erste „ganze Ring“ im Poly-Theater von Peking erregte großes Aufsehen bei Fans und Wissenschaftlern im ganzen Land. 2010 war es dann zum wiederholten Mal ein Gastspiel der Oper Köln, das anlässlich der Weltausstellung den „Ring“ mit überragendem Erfolg im Grand Theatre Shanghai aufführte.

Unerwartete Herausforderungen, eine grandiose Logistik und ein positives Résumé

Das Poly Theater liegt an einer großen Kreuzung am Rande der Altstadt. An einer vielbefahrenen achtspurigen Straße inmitten sozialistischer Hochausarchitektur verbirgt sich in einem ebensolchen Bau ein zeitlos-moderner Theaterraum mit roten Plüschsesseln und erstaunlich guter Akustik. Das hauseigene Hotel ist zudem erfreulich gut organisiert, der Weg zu Probe und Vorstellung war maximal sechs Etagen entfernt.

In seiner Begrüßung hob Veranstalter Jiatong Wu die perfekte Zusammenarbeit des eingespielten Teams hervor, das „künstlerische Arbeit aus einem Guss“ nach China gebracht habe: „Eine kostspielige, aber lohnen-

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de Angelegenheit mit spürbarer Authentizität in der Gesamtwirkung“.

Für viele Sänger und Musiker war es zudem ihr erster Auftritt im Reich der Mitte. „Isolde“-Darstellerin Mona Somm brachte es im Rahmen der ersten Pressekonferenz in Peking auf den Punkt: „Wir sind sehr stolz, unsere Musik in Ihr Land mit solch alter und reichhaltiger Kultur bringen zu dürfen.“ Richard Wagners Erbe im Reich der Mitte

Wahrscheinlich wäre auch Richard Wagner stolz gewesen. Als begeisterter Leser Schopenhauers und Anhänger von dessen Interpretation des Buddhismus hätte er die Aufführung seiner Werke im fernen Osten sicher begrüßt. Vor allem der Grundgedanke, dass Leben vornehmlich Leiden sei, faszinierte Wagner und findet sich in vielen seiner Werke wieder. In einem Brief an Mathilde Wesendonck äußerte er sich geradezu euphorisch über den Buddhismus und dass er „unwillkürlich zum Buddhisten geworden“ sei. Auch wenn der damalige Kenntnisstand östlicher Religionen sicher nicht mit dem heutigen verglichen werden kann: Die Verbindung von Christentum und Buddhismus sieht Wagner, dokumentiert in einem Brief an Franz Liszt vom 7. Juni 1855, in der universellen Leidenserfahrung und dem Mitleiden zur Aufhebung dieses Leidens. 1856 konzipierte er mit „Die Sieger“ sogar ein Drama, das auf eine buddhistische Legende zurückgeht. Vertont hat er es allerdings nie, stattdessen mit seinem „Parsifal“ die ganz eigene Interpretation einer universellen Friedensidee erschaffen. Und – um wieder ins Peking von heute zurückzukehren – nicht zuletzt in dem prinzipiell von keltischen Quellen inspirierten „Tristan und Isolde“– Stoff lässt sich seine Überzeugung erkennen.

Sachkundiges und begeisterungsfähiges Publikum

Das chinesische Wagner-Publikum des Jahres 2015 ist – für uns Europäer positiv überraschend – ein sehr sachkundiges und begeisterungsfähiges.

Wer überwiegend europäische Expats erwartet und auf höfliche, lauwar-

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me Beifallsbekundungen gefasst war, irrte: Eine Kulisse fast ausschließlich einheimischer Wagner-Fans feierte die beinahe ausverkaufte Tournee der Österreicher in Peking und Shanghai mit frenetischem Beifall, verhielt sich während der Aufführung entgegen überlieferten üblichen Verhaltens mucksmäuschenstill und verfolgte gespannt die Handlung, die mit englischen und chinesischen Untertiteln versehen war.

Auf Großleinwänden in Pekinger Einkaufspassagen war zuvor mit einem poppig-bunten Gustav-Kuhn-Konterfei geworben worden, und das „Beijing Music Festival“ verlieh ihm die Auszeichnung „Künstler des Jahres“ – für herausragende Verdienste um das Werk Richard Wagners in China. Per Internet Live-Stream konnten auch Fans im chinesischen Wohnzimmer die Aufführungen verfolgen, eine Wirtschaftsdelegation aus Tirol war angereist und wurde vor der Tristan-Vorstellung mit einem Empfang in der österreichischen Botschaft willkommen geheißen.

Beinahe eine „Wagnermania“ – von der auch die Mitwirkenden angesteckt wurden und manche widrige Bedingungen vergessen ließ: Wie den durchdringenden Smog, der in den ersten Tagen des Aufenthaltes über Peking hing und dem die Sänger trotzten, indem sie Atemschutzmasken trugen oder im Hotel geblieben waren. Glücklicherweise zeigte sich China nach drei Tagen auch wettermäßig von seiner sonnigsten Seite.

Erster 24-Stunden-Ring in Shanghai

Die Reise nach Shanghai zur zweiten Wagner-Woche trat die gesamte Truppe mit dem Zug an – wohlwissend, dass ein 24-Stunden-Ring schon im heimischen Erl kein konditioneller Pappenstil ist. Kurz vor der Abreise aus Peking war zudem durchgesickert, dass wegen eines Terminproblems mit einem Konzert von Gidon Kremer die ohnehin sehr knappe Probenzeit in der Shanghai Symphony Concert Hall nochmals reduziert werden würde.

Und wieder war die bewundernswerte Flexibilität aller Mitwirkenden der Weg zum bejubelten Ziel: Der erste 24-Stunden-Ring in China gelang bravourös, Gänsehaut-Feeling im Saal und im Orchestergraben. Das Publikum reiste den Österreichern sogar zum Teil aus Peking nach, um

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erneut mit von der Partie sein zu können. Sänger und Musiker wurden von der Woge der Begeisterung getragen.

Sechs verschiedene Opern in so kurzer Zeit – eine wahre „Mission Wagner“, ein künstlerischer und persönlicher Kraftakt, aber auch und vor allem ein wunderbarer Erfolg. Der letzte Ton der Götterdämmerung war noch nicht verklungen, da sprach man hinter den Kulissen bereits von einem nächsten Ausflug der Erler … (Iris Steiner, erschienen in: Orpheus 1/2016)

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WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756–1791)

Die Zauberflöte Sa. 23. Juli 2016, 19 Uhr (WA-Premiere) Do. 28. Juli 2016, 19 Uhr Sa. 30. Juli 2016, 19 Uhr Festspielhaus

Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral Sarastro: Michael Doumas, Giovanni Battista Parodi, Evert Sooster Tamino: Johannes Chum, George Vincent Humphrey Sprecher: Frederik Baldus, Michael Doumas Erster Priester: Markus Herzog, George Vincent Humphrey Zweiter Priester: Michael Doumas, Evert Sooster Königin der Nacht: Heera Bae, Sonia Bellugi, Claudia Sasso Pamina, ihre Tochter: Joo-Anne Bitter, Sophie Gordeladze, Paola Leggeri Erste Dame: Susanne Geb, Lada Kyssy Zweite Dame: Magdalena Kozakiewicz, Dorothea Spilger Dritte Dame: Veronika Dünser, Alena Sautier Erster Knabe: Giancarla Bettella, Atsuko Koyama Zweiter Knabe: Yuko Ugai, Soomin Yu Dritter Knabe: Tamara Cardo, Junhua Hao Papageno: James Roser, Nicola Ziccardi Papagena: Magdalena Kozakiewicz, Maria Lopalco Monostatos, ein Mohr: Richard Klein, Wolfram Wittekind Erster Geharnischter: Markus Herzog, George Humphrey Zweiter Geharnischter: Michael Doumas, Evert Sooster

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Orchester und Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung: Tito Ceccherini (23. / 30. Juli), Beomseok Yi (28. Juli) Regie, Bühne und Licht: Furore di Montegral Kostüme: Lenka Radecky Statisterie: Guled Abdi, Biibaaye Abdulle-Mahamed, Saif Al Sabi, Mohammad Alshmeri, Abdisalan Culusow, Abrahim Essa, Omar Mohammed Falih, Victoria Geiger, Hasan Guled-Muhumed, Mowlid Hassan, Sead Hussein, Faysal Mahamad, Ashir Mohamed, Ismail Mohammad, Abdilahi Malin, Bilal Rahal, Mohamad Ayman Shehada, Husein Sultan

1 Pause (25 Minuten) um ca. 20.10 Uhr Vorstellungsende gegen 22.15 Uhr

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„… ich glaube aber nicht dass es der dalk verstanden hat“ – Sendungsbewusstsein der Aufklärung und die Zauberflöte

Die Freimaurerei in Wien erlebte zwischen 1780 (Tod Maria Theresias) und 1785 (Freimaurerpatent / „Handbillet“ Josephs II.) eine kurze Blüte, etwa 1000 Mitglieder waren in bis zu acht Logen organisiert. Während einige wie die Rosenkreuzer eher unter dem Einfluss von Spiritismus, Mystik und Magie standen, hatten andere Logen enge Kontakte zu den aufklärerischen, der Sympathie für die Französische Revolution verdächtigen und deshalb in Bayern 1785 verbotenen Illuminaten. So auch die Loge „Zur Wohltätigkeit“, der Mozart 1784 beitrat und deren Nachfolgerlogen er trotz politisch widriger Umstände bis zu seinem Tode im Dezember 1791 treu blieb. Die vergebliche Hoffnung der Freimaurer auf eine Verbesserung der Lage während der Regentschaft Leopolds II. (1790–1792) mag sich im Plan zu einer Freimaureroper widerspiegeln, den Schikaneder wohl um 1790 fasste.

Emanuel Schikaneder (witzigerweise gab Mozarts bedeutendster Librettist da Ponte diesen seinen ursprünglichen Vornamen auf) wurde als Johann Josef Schickeneder 1751 in Straubing geboren. 1780 kommt es anlässlich eines Aufenthaltes der Wandertruppe Schikaneders (der Lessing, Schiller, Shakespeare, Gluck, Haydn aufführt) in Salzburg zu einer Begegnung mit Vater und Sohn Mozart. Schikaneder übernimmt 1789 das Freihaus-Theater in der Wiener Vorstadt und feiert sogleich seinen ersten Erfolg mit einer Wiener Kasperl- und Zauberoper (Wranitzkys Oberon). Das Genre war in Wien bereits seit Längerem gut eingeführt: so führte etwa Schikaneders Konkurrent Marinelli 1791 am Leopoldstädter Theater Kaspar, der Fagottist oder Die Zauberzither erfolgreich auf; Mozart war allerdings von der musikalischen Qualität wenig beeindruckt.

Dieses populäre Vehikel kombinierte der erfolgreiche Theaterpraktiker Schikaneder mit den Anliegen der Aufklärung und des Humanismus, ermöglichte Mozart durch geeignete Infrastruktur zunächst eine konzentrierte Schaffensphase und dürfte das vereinbarte, von Mozart dringend benötigte Einmalhonorar von 100 Dukaten pünktlich bezahlt haben – Tantiemen waren damals nicht üblich.

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Der wichtigste Teil der Komposition entstand also im Frühsommer 1791 unter relativ ruhigen Umständen. Allerdings notierte Mozart einige Nummern sowie die Füllstimmen der Ouvertüre erst zwei Tage vor der Uraufführung am 30. September 1791 – bei den Proben war die in der Eile stark verdünnte Tinte wohl noch nicht trocken. Eine bereits zum Zeitpunkt der Beauftragung zum Requiem (Juli 1791) begonnene Seite in Mozarts eigenhändigem Werkverzeichnis (1784–1791) dokumentiert die zeitliche Verschränkung dieser Ereignisse mit der Komposition der Huldigungsoper La clemenza di Tito im Auftrag der böhmischen Stände anlässlich der Krönung Leopolds II. zum König von Böhmen in Prag (dessen Gemahlin das in 18 Tagen vollendete Werk als „porcheria tedesca“ abtat). Damals wie heute befand sich die Ideenwelt in raschem Wandel, und es ist gut möglich, dass bereits wenige Jahre nach 1790 viele davor geläufige Begriffe und Symbole in Vergessenheit gerieten. Dies mag etwa Goethe zum Ausspruch „es gehört mehr Bildung dazu, den Wert dieses Opernbuches zu erkennen als ihn abzuleugnen“ veranlasst haben. Die defensive Haltung war aber angesichts des raschen Erfolges der Zauberflöte nur von marginaler Bedeutung: den 20 Aufführungen noch im Oktober 1791 folgten weitere 223 bis ins Jahr 1801, als Schikaneder das Theater an der Wien gründete. Nach der Uraufführung der Zauberflöte kam es zu einem regelrechten Boom an ähnlich betitelten Stücken (Paul Stefan nennt eine Auswahl von fast zwanzig Werken mit „Zauber-…“ im Titel), dazu die bei Erfolgsstücken immer schnell folgenden Parodien, Nachahmungen und Fortsetzungen. Darüber hinaus wirkte das Werk auf die Zauberund Traumstücke Raimunds und Grillparzers nach. Dieser erhielt das Textbuch von einer Magd seiner Mutter, die als Statistin (Affe) in der Uraufführung mitwirkte.

Wie Jan Assmann betont, erklang ein Werk solcher Komplexität weder vorher noch nachher in einem Wiener Vorstadttheater. Schon die Größe des Orchesters (mit Klarinetten und Posaunen) überstieg die damals in Wien übliche, und bereits die Ouvertüre kombiniert anspruchsvolle Musikstile aus verschiedenen Epochen. Die an modernen Filmschnitt erinnernde Parallelführung der verschiedenen Handlungsebenen

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erleichtert den unvoreingenommenen Zugang zur Ideenwelt der Oper, und der Text wird subtil komplementiert durch jeweils kontrastierende Kompositionsstile (Königin der Nacht / alter Aberglaube – opera seria; Nobelpaar Tamino – Pamina / Aufklärung – moderner empfindsamer Opernstil; Buffopaar / Läuterung – Singspiel im Volkston; Sarastro / Priestersphäre – hymnisch-feierlicher Duktus), ohne eklektizistische Resteverwertung musikalischer Versatzstücke. Schon der jeglicher Gefälligkeit unverdächtige Beethoven pries die klare Tonartdisposition (humoriges G-Dur, wehmütiges c-Moll, emotionsarmer Repräsentationsglanz im CDur, weihevolles Es-Dur).

All dies war also kein Zufallsprodukt: unabhängig von weiteren Motiven bei Schikaneder wie bei Mozart war beiden das Verständnis humanistischer Grundideen so wichtig, dass sie viel in deren Vermittlung investierten – im Einklang mit der Idee der Aufklärung, die Wissenden hätten eine didaktische Verantwortung gegenüber eines Großteils (!) der Menschheit und gegenüber der Vernunft schlechthin. Die anfangs zitierte Briefstelle (Wolfgang Amadeus an Constanze Mozart am 6./7. Oktober 1791) bezieht sich auf einen Zuseher im 2. Akt und liefert ein beredtes Zeugnis für das Engagements Mozarts: „aber Er, der Allwissende, zeigte so sehr den Bayern, dass ich nicht bleiben konnte, oder ich hätte ihn einen Esel heißen müssen (…) anfangs hatte ich gedult genug ihn auf einige Reden aufmerksam machen zu wollen; allein – er belachte alles: da wards mir nun zu viel – ich hieß ihn Papageno und gieng fort – ich glaube aber nicht dass es der dalk verstanden hat“.

Bis heute ist die Zauberflöte wohl eine der erfolgreichsten Opern in allen Kulturkreisen. Unzählige Interpretationsansätze, Abhandlungen und Diskurse überwölben die Rezeptionsgeschichte dieses Stücks mit seinen vielen Gesichtern – Zaubermärchen, aufklärerische Lehrparabel, humanistische Bekenntnisoper. Über all dem steht die Genialität Mozarts: seine Musik zieht uns in ihren Bann, selbst wenn wir wie Kinder ebenso unvoreingenommen wie unvorbereitet (also unverdorben?) zuhören. (Immanuel Bomze)

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Handlung

Erster Akt Tamino verirrt sich im Reich der Königin der Nacht und wird von einer großen Schlange angefallen – vor Angst fällt er in Ohnmacht. Drei Damen, die von der Königin der Nacht entsandt wurden, retten Tamino, indem sie die Schlange töten.

Papageno begegnet dem gerade erwachenden Tamino. Dieser glaubt, Papageno habe die Schlange getötet, Papageno wiederum belässt Tamino gern in dieser irrigen Annahme. Im Auftrag der Königin der Nacht eilen die drei Damen herbei und bestrafen Papageno mit einem Schloss vor dem Mund. Tamino dagegen überreichen sie ein Bild von Pamina, der Tochter der „sternflammenden Königin“. Tamino verliebt sich auf der Stelle in sie. Die drei Damen klären Tamino darüber auf, dass Pamina von ihrem Entführer Sarastro in dessen Palast gefangen gehalten werde.

Die Königin der Nacht erscheint und verspricht Tamino Paminas Hand, sollte es ihm gelingen, sie zu befreien. Tamino erhält von den drei Damen für seine Unternehmung eine Zauberflöte zur Unterstützung. Papageno, von seinem Mundschloss befreit und mit einem magischen Glockenspiel ausgerüstet, soll ihm bei der Befreiung helfen. Drei Knaben werden ihnen den Weg in Sarastros Reich zeigen.

Papageno findet Pamina im Palast, deren Fluchtversuch vom Aufpasser Monostatos gerade vereitelt worden ist. Er erzählt ihr vom Rettungsplan durch Tamino und davon, dass er selbst keine Geliebte habe – Pamina tröstet und ermutigt ihn. Inzwischen gelangen Tamino und die drei Knaben an drei Tempel. Magische Stimmen halten ihn zurück, einzubrechen. Ein Priester erscheint und zeichnet im Gespräch ein positives Bild von Sarastros Welt. Tamino beginnt begeistert, Flöte zu spielen – was nicht nur die wilden Tiere zähmt, sondern auch Papageno und Pamina herbeilockt: sie eilen jedoch direkt in die Hände von Monostatos.

Auch er und sein Gefolge werden schließlich von den Tönen des Glockenspiels gezähmt. Sarastro erscheint, Pamina und Tamino werden ihm vorgeführt. Sarastro entscheidet, dass Papageno und Tamino zu einer Reinigungszeremonie in den Prüfungstempel geführt und von Pamina getrennt werden.

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Zweiter Akt Sarastro verkündet in einer Priesterversammlung, dass Tamino und Pamina durch Götterbeschluss füreinander bestimmt worden sind. Tamino – und mit ihm Papageno – müssten dafür aber zunächst eine Reihe ernster Prüfungen bestehen. Zunächst müssen Tamino und Papageno beweisen, dass sie im Stande sind, das Schweigegebot zu erfüllen – erst den drei Damen, dann einem „alten Weib“ gegenüber. Die drei Knaben tauchen auf, um sie zu ermutigen.

Während Monostatos die schlafende Pamina bedrängt, erscheint die Königin der Nacht. Sie verlangt von ihrer Tochter, Sarastro zu ermorden.

Ihre Begründung: nur so sei der Weg zu Tamino gebahnt. In Wirklichkeit aber plant sie, auf diese Weise die Herrschaft über den Sonnenkreis wieder zu gewinnen. Sarastro eilt der verzweifelten Pamina zu Hilfe.

Während Papageno sich die von den drei Knaben überreichte Stärkung schmecken lässt, spielt Tamino auf der Flöte, was Pamina herbeilockt.

Weil Tamino sich an das Schweigegebot hält, ist Pamina enttäuscht und zweifelt an Taminos Liebe. Vor den Augen der Priester dürfen sie sich noch einmal sehen und einander Lebewohl wünschen. Vor Verzweiflung will sich Pamina das Leben nehmen, wird aber von den drei Knaben davon zurückgehalten und zu Tamino geführt.

Papageno hat die Prüfungen nicht bestanden. Wieder träumt er von einem „Mädchen oder Weibchen“ an seiner Seite. Vom Glockenspiel wird aber nur wieder die Alte angelockt. Als sie sich in die schöne junge Papagena verwandelt, wird sie ihm sofort von den Priestern entrissen.

Pamina und Tamino dürfen die letzte Prüfung gemeinsam bestehen: einen Gang durch Feuer und Wasser. Von der Zauberflöte beschützt, bestehen sie die Prüfung ohne Angst und gelangen im Triumph zum Tempel. Auch Papageno retten die drei Knaben davor, seinem Leben ein Ende zu bereiten, indem sie ihn an sein Glockenspiel erinnern. Kaum spielt er darauf, erscheint Papagena und die beiden sind endlich vereint. Die Königin der Nacht plant mit Monostatos und den drei Damen einen letzten Überfall auf Sarastro. Das Vorhaben scheitert. Tamino und Pamina aber werden als Paar in das Sonnenreich, in den Kreis der „Eingeweihten“ aufgenommen.

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Tiroler festspiele erl SOMMER 6. – 30. Juli 2017

2017

Do. 13. Juli, 19 Uhr: Das Rheingold Fr. 14. Juli, 17 Uhr: Die Walküre Sa. 15. Juli, 17 Uhr: Siegfried So. 16. Juli, 17 Uhr: Götterdämmerung Jetzt Tickets sichern! www.tiroler-festspiele.at oder direkt an der Abendkasse

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konzert

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FESTAKT ZUR ERÖFFNUNG Do. 7. Juli 2016, 19 Uhr Festspielhaus

Vier Uraufführungen russischer Komponistinnen und Komponisten Auftragswerke der Tiroler Festspiele Erl 2016 im Rahmen des Russland-Schwerpunkts

ANNA ROMASHKOVA Half awake Dirigent: Paolo Spadaro

Begrüßung Dr. Hans Peter Haselsteiner

JAN GOLUBKOW Vater unser, Dir singen wir Dirigent: Jan Golubkow

Grußworte Landeshauptmann Günther Platter

NATALIA PROKOPENKO Voices of the twilight air Dirigent: Emanuele Lippi

Eröffnung Dr. Josef Ostermayer Bundesminister a. D. für Kunst und Kultur

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OLGA BOCHIKHINA Musica sacra: Carnival Dirigent: Andreas Leisner Orchester und Damen der Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl

{Pause}

FERRUCCIO BUSONI (1866–1924) Konzert für Klavier und Orchester in C-Dur mit Männerchor op. 39 1. Prologo e Introito – Allegro, dolce e solenne 2. Pezzo giocoso – Vivacemente, ma senza fretta 3. Pezzo serioso – Andante sostenuto, pensoso 4. All’Italia – Vivace 5. Cantico – Largamento e piu moderato Orchester und Herren der Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung: Gustav Kuhn Klavier: Carlo Grante

1 Pause (25 Minuten) um ca. 20.00 Uhr Konzertende gegen 21.45 Uhr

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Anna Romashkova

In „Half awake“ beschreibt die Komponistin einen Zustand des Einschlafens, den Moment, in welchem man noch nicht schläft, aber auch nicht mehr „hier“ ist, davongleitend. Eine Melodie hängt noch in der Luft, verändert sich, erlebte Geräusche, Silben kommen hinzu und verschmelzen, irritierend. Gedanken entspringen, sinnlose Phrasen treten hervor, Fetzen von Gesprächen gleiten vorbei. Der Geist entschwindet in die Freiheit mit wilden Visionen und zufälligen Bildern der eigenen Gedanken und Gefühle.

Für diesen Zustand des „Entgleitens“ verwendet Romashkova ein altes russisches Wiegenlied, in welchem auch die Sehnsucht nach innerem Frieden erklingt.

Jan Golubkow

Von klein auf kam ich mit orthodoxen Gesängen in Berührung und diese haben eine ganz spezielle Faszination in mir ausgelöst. Sie wirken auf mich wie ein Weg, welcher einem schon lange bekannt ist, ein Weg zur Spiritualität. Die Strahlkraft der a-capella-Choräle haben maßgeblich auch zur Entwicklung der für mich beeindruckenden Kompositionen von John Tavener beigetragen, welche versuchen die orthodoxen Gesänge in einer neuen Klangsprache darzustellen, ohne dass sie die ursprüngliche Strahlkraft verlieren. Diese Komposition ist nun ein Versuch, ein Gespräch zwischen den orthodoxen Gesängen und dem Orchester zu entwickeln. Als Grundlage dienen das orthodoxe „Vater unser“ und das „Teбe пoeм“: Dir singen wir, dir segnen wir, dir danken wir, Herr, und beten zu dir, unser Gott.

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Natalia Prokopenko

Das Stück „Voices of the twillight air“ (Stimmen der Dämmerung) ist inspiriert von einem Gedicht Josef Brodkys: „Drifting clouds“ (Dahinziehende Wolken). Die Musik der Komposition stellt den Versuch dar, die innere Verbindung zwischen der poetischen Sprache Brodskys und musikalischen Klängen herzustellen.

Joseph Brodsky (1940–1996) Drifting Clouds

Do you hear, do you hear in the grove children’s singing, Over the twilight trees ringing, ringing voices, In the twilight air vanishing, fading away slowly, In the twilight air disappearing skies?

Shiny threads of rain are braiding among the trees, And quietly babble, and quietly babble in the milky grasses.

Do you hear the voices, do you see the hair with red combs, Small palms, extended to the dripping leaves?

“Drifting the clouds are; drifting the clouds, and fading …” – ‘Tis what the children are singing and singing, black branches stirring, Voices are taking off between the leaves, between the trunks unsighted, In the twilight air one can not embrace them, and can not bring back.

Only wet leaves are flying in the wind, hurrying away from the grove, Flying away, as if they hear some distant and autumnal call.

“Drifting the clouds are …” – ‘tis what the children are singing at night, at night, From the grass to tops, everything is pulsating, everything – quavering of voices.

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Drifting the clouds are; ‘tis life that’s drifting, passing us by, Get used, get used to it; ‘tis death we are carrying within, Among the black boughs, are clouds with voices, with love …

“Drifting the clouds are …” – ‘tis what the children are singing about it all.

Do you hear, do you hear in the grove children’s singing, Shiny threads of rain, braiding ringing voices, Near the narrow peaks, in the new dusk, for a moment, Once again you see, once again you see fading away skies?

Drifting the clouds are; drifting, drifting over the grove, Somewhere water is rushing, only to weep and sing, along the autumn’s fences, Ever to sob and sob, and ever to look up, be a child in the night, And ever to look up, only to weep and sing, and to know no losses.

Somewhere water is rushing, along the autumn’s fences, along the trees unsighted, In the new dusk is the singing, only to weep and sing, only the leaves to pile up.

Something’s above us. Something higher than us is drifting and fading away, Only to weep and sing, only to weep and sing, only to live up.

Olga Bochikhina

„Musica Sacra: Carnival“ (auf Texte von V. Hlebnikov, A. Achmatova) ist das neueste Werk eines Zyklus’ instrumentaler Kompositionen mit einer alles umfassenden Idee, die sich in jedem Titel prominent niederschlägt: „Musica Sacra“ (für 4 Schlagzeuger und Elektronik), „Musica Sacra II: Funeral processing“ (für Klavier und Elektronik), „Musica Sacra III: Christmas Song“ (für Ensemble). „Musica Sacra“ für Orchester ist ein orchestriertes Theater des Karnevals – Geknister, Geräusche, Getöse,

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ein Mix aus Schwingen, Winken, Wanken, Drehen, Fanfaren, Trommeln, Pfeifen, Tänze, Rythmen der Schritte. Hier dreht sich alles um Straßenkarneval, Rituale, Theater ungleicher Bewegungen verschiedener Menschen belebt durch die räumliche Ausbreitung der Straßen in der gesamten Szenerie, in der die Menschenschlange der unbeholfene, träge fließende, stampfende, alles und jeden absorbierende Hauptdarsteller ist.

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Busonis „Wolkenkratzer-Konzert“

„Ich sah ein neues Geschlecht (Thier oder Mensch ist nicht zu entscheiden); es war klein, nicht größer als eine Eichkatze. Sie hatten Eidechsenleiber mit doppelt so langem fuchsähnlichem Schwanz. Vom Kopfe ist mir nichts mehr deutlich, als daß er einen klugen, menschlichen Ausdruck hatte.

Es war ein großer Saal. Für diese Geschöpfe groß genug, daß sie – wie im Freien – sich darin bewegen und in Kutschen fahren konnten.

Die Kutschen waren sehr elegant, sogenannte Galakutschen und fuhren wie in einem Corso oder einer Procession geordnet in der Reihe. Es war wie eine große Feier. Die Geschöpfe zeigten im Ceremoniell, im Betragen eine große, alte Cultur.

Ich sprach mit einigen von ihnen und frug, warum ich sie zum ersten Mal sähe und nie von ihnen erwähnen gehört?

Man sagte mir, daß nur derjenige, der reinen Herzens geworden, sie erblicken könnte. So hätte sie das gläubige und naive Mittelalter gut gekannt und mit ihnen im Verkeh gestanden. (Jetzt erinnerte ich mich auch, wieviel im Mittelalter von Kobolden, Elementargeistern u.s.w. die Rede gewesen). Das raffinirte 18. Jahrhundert hätte sie geleugnet und infolgedessen auch wirklich nicht mehr gesehen.

Aber (sagte ich), warum will San Francesco d’Assisi, der doch gewiß reinen Herzens gewesen, nichts von ihnen wissen?

Man antwortete: San Francesco d’Assisi war gewiß reinen Herzens und hat sie gesehen; aber er hat das Gesicht für eine Versuchung des Teufels gehalten und seine Wirklichkeit geleugnet. – Das war der Traum. – …“ (Feruccio Busoni) Ferrucio Busoni war ein außergewöhnlicher Musiker und Komponist, Visionär, Vordenker, Fantast und – nach eigenen Angaben – „ein schwacher Mensch, doch ein zäher Kämpfer, von Zweifeln hin und her gehetzt; im Denken ein Meister, ein Sklave der Triebe, allen Dingen auf den Grund gehend, doch keine Antwort findend.“ 1866 als Sohn eines itali-

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enischen Klarinettenvirtuosen und einer deutschen Pianistin in Empoli bei Florenz geboren, war er wie sein Vorbild Franz Liszt der gefeiertste Pianist seiner Zeit. Wie Liszt wandte er sich früh auch der Komposition zu und war kühner Vordenker der musikalischen Moderne. Busoni war besessen von der Klaviermusik und vom Klavierspiel.

Sein Klavierkonzert ist Ausdruck eben dieser Besessenheit. Es ist monumental – und wurde vom Komponisten selbst als „WolkenkratzerKonzert“ bezeichnet. Ist das Konzert aufgrund der Länge allein schon eine enorme Herausforderung an den Pianisten und alle Beteiligten, so stellt der Solopart auch im Hinblick auf das pianistische Können allerhöchste Anforderungen an den Solisten. Und dann der Abschluss im 5. Satz – mit Männerchor! Mehr geht nicht. Und mehr sollte auch nicht kommen. Mit seinem Monumentalwerk kennzeichnet Busoni das Ende einer glanzvollen Ära: Derjenigen der romantischen Klavierkonzerte. „Die größere Technik hat ihren Sitz im Gehirn, sie setzt sich aus Geometrie, Abschätzung der Distanzen und weiser Anordnung zusammen. Aber auch damit ist nur erst ein Anfang gemacht, denn zur wirklichen Technik gehört auch der Anschlag und ganz besonders der Gebrauch der Pedale.

Zum großen Künstler gehört ferner eine ungewöhnliche Intelligenz, Kultur, eine umfassende Erziehung in allen musikalischen und literarischen Dingen und in den Fragen des menschlichen Daseins. Auch Charakter muß der Künstler haben. Fehlt eines von diesen Erfordernissen, so wird die Lücke in jeder Phrase offenbar, die er vorträgt. Dann kommt noch Gefühl, Temperament, Phantasie, Poesie und schließlich jener persönliche Magnetismus hinzu, der einen manchmal instand setzt, viertausend fremde, durch Zufall zusammengebrachte Menschen in einen und denselben Seelenzustand zu versetzen. Danach ist auch noch Geistesgegenwart zu verlangen, Herrschaft über Stimmungen unter irritierenden Begleitumständen, die Fähigkeit, des Publikums Aufmerksamkeit zu erregen, und endlich in „psychologischen Momenten“ das Publikum zu vergessen.

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Soll man noch das Gefühl für Form, für Stil, die Tugend guten Geschmacks und Originalität hinzufügen? Wie könnte man je zu Ende kommen, wenn man alles Erforderliche aufzählen wollte? Vor allem möge man eine Forderung gegenwärtig halten: Wem ein Leben nicht durch die Seele gezogen, der wird die Sprache der Kunst nicht meistern.“ (Feruccio Busoni)

Godowsky-Studien über Chopins Etüden.

Sein Zyklus „Meister der Hochromantik“, der in drei Aufführungsabenden den Komponisten Chopin, Schumann und Brahms gewidmet war, brachte ihn in den Jahren 2014–2015 in die großen Konzerthallen von New York, Wien und Berlin. Obwohl Carlo Grante sich als Interpret der Werke von Scarlatti, Mozart, Chopin, Schumann, Liszt, Busoni, Debussy und Godowsky einen Namen gemacht hat, gibt es viele zeitgenössische Werke, die ihm gewidmet wurden, unter ihnen Kompositionen von Vlad, Finnissy und Adolphe.

Er veröffentlichte um die 50 CDs; in Planung sind Einspielungen von Scarlatti (alle Sonaten), Busoni und Adolphe. Der Chefdirigent der Metropolitan Opera New York, Maestro Fabio Luisi, schrieb 2015 über Carlo Grante, er sei „einer der erstaunlichsten Künstler, die er je gekannt und mit denen er je gearbeitet habe“. Der wichtigste Kritiker der Wiener Zeitung „Die Presse“ bezeichnete ihn als einen „Klavier-Ritter ohne Furcht und Tadel“.

Carlo Grante

Carlo Grante zählt zu den führenden italienischen Konzertpianisten. Er trat in zahlreichen bedeutenden internationalen Konzertsälen auf, darunter der Wiener Musikverein (Goldenen Saal, Brahms-Saal), der Kammermusiksaal der Berliner Philharmonie, Wigmore Hall und Barbican in London, die Accademia di Santa Cecilia in Rom, das Leipziger Gewandhaus, die Semperoper in Dresden, die Stuttgarter Oper, das Prager Rudolfinum sowie das Lincoln und Kennedy Center in New York. Als Solokünstler arbeitete er mit namhaften Orchestern, u. a. mit der Staatskapelle Dresden, dem Royal Philharmonic Orchestra London, den Wiener Symphonikern, dem Orchestra dell’Accademia di S. Cecilia di Roma, dem Chamber Orchestra of Europe, dem MDR Symphonieorchester, der Philharmonia Zürich und dem Kammerorchester Concertino Wien.

Anlässlich des Newport Festivals 1995 spielte er als Welturaufführung alle 53

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music

Tanzmusik aus inneralpinem Gebiet und aus der Tiefebene, zwischen Schubert, Bartók und Osttiroler Jungbauernball.

Trauermärsche – lebendig wie nie: ein einzigartiges Dokument einer faszinierenden alpinen Musik, die zugleich weinen und lachen kann.

Richard Strauss Eine Alpensinfonie

Mit Wurzeln in der Volksmusik und Verästelungen in verschiedenste Richtungen spielt Alma Musik, die aus der Seele kommt und direkt in die Beine fährt.

Großes Kino im Kopf! Aufgenommen unweit des Wilden Kaisers in der grandiosen Akustik des Passionsspielhauses, live von den Tiroler Festspielen Erl.

www.col-legno.com

TSCHAIKOWSKY / STRAUSS Sa. 9. Juli 2016, 20 Uhr Passionsspielhaus

im Rahmen des Russland-Schwerpunkts

PETER I. TSCHAIKOWSKY (1840–1893) Klavierkonzert Nr. 1 b-Moll op. 23 1. Allegro non troppo e molto maestoso 2. Andantino semplice 3. Allegro con fuoco {Pause}

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RICHARD STRAUSS (1864–1949) Eine Alpensinfonie op. 64 1. Nacht 2. Sonnenaufgang 3. Der Anstieg 4. Eintritt in den Wald – Wanderung neben dem Bache 5. Am Wasserfall – Erscheinung 6. Auf blumigen Wiesen 7. Auf der Alm 8. Durch Dickicht und Gestrüpp auf Irrwegen 9. Auf dem Gletscher 10. Gefahrvolle Augenblicke 11. Auf dem Gipfel 12. Vision 13. Nebel steigen auf – Die Sonne verdüstert sich allmählich – Elegie – Stille vor dem Sturm 14. Gewitter und Sturm, Abstieg 15. Sonnenuntergang 16. Ausklang 17. Nacht

Orchester der Tiroler Festspiele Erl Drigent: Gustav Kuhn Klavier: Jasminka Stancˇul

1 Pausen (25 Minuten) um ca. 20.45 Uhr Konzertende gegen 22.00 Uhr

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Tschaikowskys schöne Bescherung

„Ich spielte den ersten Satz. Nicht ein Wort, nicht eine einzige kleine Bemerkung folgte … Oh, wenn es nur ein Wort, ein kleiner freundschaftlicher Tadel gewesen wäre! … Ich begehrte ein Urteil nicht über den künstlerischen Wert meiner Arbeit, sondern über seine klaviertechnische Ausführung. Das Schweigen Rubinsteins war beredt … Ich wappnete mich mit Geduld und spielte mein Konzert zu Ende. Wieder Schweigen! ‚Nun?‘ fragte ich und erhob mich vom Flügel. Und jetzt endlich ergoß sich von Rubinsteins Lippen ein wahrer Wasserfall: freundlich noch zu Beginn, steigerte er sich bald zum Wutanfall eines fürchterlich grollenden Donnergottes. Mein Konzert sei verachtenswert, einfach unspielbar und voller wirrer, zusammengestückelter und linkisch gesetzter Passagen …; das Werk sei schlecht, platt und gewöhnlich, und zudem hätte ich noch hier und da von anderen gestohlen; nur ein paar Seiten seien wenigstens von einigem Wert, bei dem großen Rest sei es dagegen besser, ihn entweder vollständig zu vernichten oder aber von Grund auf neu zu gestalten … Und das Wichtigste, nämlich den Ton, in dem das alles vorgebracht wurde, vermag ich noch nicht einmal wiederzugeben. Ein unvoreingenommener Beobachter der Szene hätte annehmen müssen, ich sei ein völlig talentloser Tölpel, irgendein Federfuchser ohne alle kompositorischen Kenntnisse, der den frevelhaften Mut besessen habe, seinen Kehricht vor ein Genie zu tragen … Das war eine Verurteilung in einer Form, die mich tödlich verletzen mußte. Ich verließ das Zimmer ohne ein Wort und ging nach oben … Wenig später kam Rubinstein mir nach, und da er sah, wie verstört und erregt ich war, bat er mich in ein abgelegenes Zimmer. Dort wiederholte er noch einmal, mein Konzert sei unmöglich, wies mich auf zahlreiche Partien hin, die völlig umgearbeitet werden müßten, und schloß endlich mit dem Angebot, er wolle mein Konzert, wenn ich es nach seinen Ratschlägen umgeformt hätte, selber spielen.“ Tschaikowsky in einem Brief über das Urteil Nicolai Rubinsteins zu dem soeben erstmals am Klavier dargebotenen Konzert am Weihnachtsabend

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1874 – ein Urteil, das nicht ewig Bestand haben sollte. Jetzt mag man aus heutiger Sicht sagen: Dreistigkeit siegt. Und irgendwie stimmt das ja auch. Aber in diesem Fall war es wohl eher der allgemeine Musikverstand des Komponisten. Er änderte keine Note, schickte das Konzert zum Pianisten und Dirigenten Hans von Bülow und ließ es von ihm 1875 in Boston uraufführen. Und plötzlich war Rubinstein ebenfalls bereit, das Werk gut zu heißen und es durch eine legendäre Aufführung in Paris zu wahrem Ruhm zu verhelfen. Heute ist es das am häufigsten eingespielte Klavierkonzert überhaupt.

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Vorwort zur Alpensinfonie

„Eine Alpensinfonie“ ist wie Filmmusik, die keine visuelle Begleitung benötigt. Wir Zuhörer projizieren unsere eigenen Bilder in die Geschichte von der Bezwingung eines Berggipfels. Der Blick hinunter ins Tal eignet sich als Sinnbild für das Betrachten einer musikalischen Welt, von der sich die Gesellschaft Anfang des 20. Jahrhunderts langsam zu lösen beginnt: Richard Strauss fordert einen riesigen Orchesterapparat (über 100 Musiker) und scheut sich nicht vor großen Gesten. Er agiert in der Funktion des Übersetzers von Tradiertem und der Avantgarde. In dieser Rolle sehen sich auch das Orchester der Tiroler Festspiele Erl und Gustav Kuhn. Es ist beeindruckend, wie sehr uns die Musik heute noch berührt. Dieser Symphonie verdanken wir großes Kino im Kopf, vor allem an einem Aufführungsort unweit des Wilden Kaisers in der grandiosen Akustik des Passionsspielhauses, live bei den Tiroler Festspielen Erl. Alpensinfonie Dialogisch (im Zwiegespräch zwischen Bergler und Wanderfrau)

Wanderfrau: dann sagen Sie mir bitte, lieber Mann vom Berge, wie erklären Sie sich so etwas: daß einem nämlich diese hundert Jahre alte Effektmusik dermaßen in die Knochen fährt, jedesmal wieder durch Mark und Bein geht (wie man sagt) Bergler: von welcher Musik sprechen Sie denn, liebe Wanderin des Abends, doch nicht von den Paradestücken so einer böhmischen Blasmusikkapelle, die ihre nummern auswendig oder von regenfesten Tintennotenblättern herunter spielt (wenn auch offenbar nicht vom Blatt), bei deren Auftritten sogar die heimischen Musikanten in Scharen hinzuströmen, um derart Vollblutmusiker in Aktion zu sehen und sich etwas davon für die eigene Spielpraxis abzuhorchen Wanderfrau: nicht dergleichen brassbands am Dorfplatz und die von ihnen dargebotenen standards meine ich, vielmehr schwebt mir ein gro-

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ßes Symphonieorchester in Gebirgsnähe vor, aus diesem oder jenem Festspielsommerbetrieb abgezogen, die Musiker allesamt um 1500 m in die Höhe versetzt, auf Wolke sieben, von himmlisch opulentem Streicherklang durchdrungen, mit ausgesuchten Bläsern und feinem Schlagwerk besetzt, samt Windmaschine und originalen Herdenglocken (und seien es scheppernde Froschmaulschellen oder weithin klingende gegossene Exemplare), oder au contraire: ich stelle mir so ein effektvolles Klangbad für die ausgefuchsten Ohren einer elegant urbanen Zuhörerschaft im großen Konzertsaal vor (samt philharmonischem Orgelton), wie es wohlig warm von einem Dirigentenmaestro (und Compositeur in Personalunion) zu Beginn des letzten Jahrhunderts in Berlin mit der Dresdner Hofkapelle uraufgeführt wird / wurde, mitten in den Ersten Welt- und Stellungskrieg hinein, zur Anbetung der ewig herrlichen natur, diesmal fernab der unverrückbaren Alpen Bergler: vielleicht kann ich eine Übertragung davon hören, oder sie ist mir unerkannt ohnedies schon einmal untergekommen, so nebenbei, im Dampfradio, doch viel wichtiger scheint mir gegenwärtig eines (was ich mir schon all die Jahre meines Hirtendaseins gewünscht habe und weiterhin wünsche): daß nämlich dieser wunderbar beruhigende friedliche Abendklang der Rindviehweideglocken einmal in voller länge aufgenommen, also gespeichert wird und somit auch außerhalb des Almsommers gehört werden kann, nämlich genau in diesem An- und Abschwellen der diversen Schellen und Glocken, von denen Sie sprechen (man sagt ja bezeichnenderweise auch: wie ,spricht‘ die Glocke), je nach Intensität und Energie der Kühe, Kalbinnen und Kälber, die übers Mattenrund verteilt ihr abendliches Almgras rupfen und deren leittiere dabei solch einen sanften Klang in den Raum setzen, ganz wie nebenbei und selbstverständlich entstanden, kommend und gehend, immer wieder mit fundamentgründendem Tiefenbaß, und erst einmal gar nicht für Zuhörer und Zuhörerinnen gemacht / gedacht Wanderfrau: damit müssen Sie sich wohl noch etwas gedulden, fürchte ich, lieber Alpenhirt, denn selbst in der neuesten Aufnahme- und Wie-

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dergabetechnik für Konzertsaal und Klangraum (etwa im sogenannten Modus 5.1) werden Sie eine Entsprechung zum gewünschten Freilufteindruck nicht erhalten, da die Raumtiefen und Echowirkungen des naturtheaters fehlen und auch nicht wirklich simuliert werden können, von begleitenden optischen und olfaktorischen Valenzen und vom selektiven Hinhorchen vor Ort ganz zu schweigen, doch hören Sie sich diese neueste Aufnahme der Alpensinfonie an, von der ich spreche und die ich Ihnen hier mitgebracht habe, aus dem kleinen ,gallischen‘ Dorf in Tirol (nein nicht Dorf Tirol), und in diesem Dokument (mit verkürzter Zählung der Teile) wieder speziell diesen 2-Minuten-Part etwas vor der Mitte des (schließlich einsätzigen) Werks (überschrieben: auf der Alm) und dann das bei Gustav Kuhn (mit dem Orchester der Tiroler Festspiele Erl) gar 6 Minuten lange vorletzte Stück nach Sonnenuntergang und vor Einbruch der nacht (genannt: Ausklang), beide in festlichem Es-Dur gehalten (wie Bachs berühmtes Tripelpräludium samt der 3-ThemenFuge), ich könnte mir vorstellen: da würden Sie auf ganz andere Weise etwas von dem hören, was Sie suchen, denn der Eins-zu-eins-Eindruck kommt ja immer nur im jeweiligen Augenblick zustande und die musikalische Umsetzung programmatischer Gedankengänge folgt anderen, eigenen Gesetzen (nicht Abklatsch, vielmehr Parallelaktion / pralle Kreation), nebenbei erwähnt: Ausklang heißt auch ein Stück von Helmut lachenmann, der vom 21. Jh. aus für Richard Strauss ins verspätete 19.

Jh. hinein eine lanze bricht Bergler: Wahrnehmungsökonomie pur, wie sie für den Hirten untertags im Suchgelände unerläßlich ist, nämlich gleichschwebende Aufmerksamkeit und gezieltes Ablauschen verdächtiger Einzelerscheinungen (Bewegungen und Geräusche), das könnte für den Komponisten auch bedeuten: einen ganzen Tageslauf im Gebirge auf eine knappe wesentliche Hörstunde zu komprimieren, in welchen fünfzig Minuten dann alles enthalten sein sollte, von der Idylle bis zum Unwetter, von der Kletterstelle über die Gletscherspalte bis zu Alphorntönen, samt Auf- und Abschwüngen, Gemütserregungen und Sinnesberuhigungen, in Korrespondenz zu Wind und Wetter, beiderseits (am Anfang und Ende) von

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Sonnenauf- und -untergang gerahmt, aus der nacht heraus- respektive in die nacht hineinsteigend, da könnte ich Ihnen von einer wirksamen Gegenbewegung erzählen, wie nämlich kurz vor Sonnenaufgang das rote Morgen-Auflicht von den Höhen (dort oben scheint die Sonne schon hin!) über die Hänge herabsteigt, bis es meinen Standpunkt bei der Hütte erreicht hat, während am Horizontkamm gegenüber das oberste Glutsegment des Sonnenballs in diesem Moment über die Geländekante blendend emporsteigt (durch die Finsternisbrille direkt hinter den Randbäumen als weiße Scheibe zu schauen), die Aufgangssonne ist an so einem wolkenlosen Morgen die Kante entlang schon wieder ein Stück Richtung Südosten (also dem Herbst entgegen) gerückt, und sie hat für die ersten Minuten Rückenlicht bis zum Auftrocknen des Morgentaus einen strahlenden nimbus (nämlich Halo) um unser beider Schattenfiguren gelegt, wie sie nebeneinander giacomettihaft langgezogen auf die taunasse Wiese gefallen sind, man kann den kurzzeitigen eigenen Heiligenschein (auf den man schaut) durch Wackeln mit dem Kopf mitbewegen und verliert ihn dabei auch nicht, jeder seinen eigenen für sich Wanderfrau: ganz wie bei einer nebelsonnenprojektion (einem Brockengespenst) in den lüften, übrigens: das von Ihnen geschilderte Herabsinken der Sonnenlichtgrenze hat besagter Komponist in eine musikalische Abwärtsbewegung umgesetzt, gleich wie das Hinansteigen der Schattengrenze am Abend, im Gegenlauf Bergler: ach ja, längst ist die Sonne dahin und schon sind ihre direkten Strahlen von den nahen Kuppen gewichen, aber ganz hinten, dort an diesem felsigen breiten Doppelhorn im Osten, bleibt ihr Schein noch lange hängen, und solch ein modellierender Fleck in der Ferne gibt Zuversicht, auch wenn jedes irrwitzige leibhaftig-Hinstreben (beamen) und Erhaschen der letzten lichtenergie an dieser Projektionswand illusorisch erscheinen muß, Frage: könnte dort auf strahlender Felstafel eine prophetische Inschrift erschienen sein Wanderfrau: wer die Partituren und Skizzen des Komponisten durch-

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forstet, wird eine Menge solcher Motive verzeichnet finden (wiederkehrender ,wie-schön‘-Ausruf, Wasserfee-Passage, Gnomen und Zwerge, Gebirgs-Motiv, Verzückungsthema, aufgeregtes Geigenrezitativ), und wie sie dem Gemüt des Hirten / der Hörerin unterwegs nahegehen, doch diese Betitelung des wandernden Bilderbogens ist vom Autor letztlich stark eingeschränkt worden, bisweilen auch inkonsistent in die größeren Bögen eingefügt, über weite Strecken programmlos (zumindest ist kein solches vermerkt), und die Auflösung der Anklänge ist uns überlassen, doch bleibt die Frage: will man sich überhaupt in eine Gefühlsbergund -talfahrt von diesem Demiurgen der Gemütszustandsschaukel (via Gehörgänge) mitreißen lassen, in die von ihm vorgegebenen Tongefilde und Stimmungen hinein Bergler: arbeiten und innehalten, tun und schauen, in den notwendigkeiten aufgehen oder die repetitiven Abläufe verweigern, hie beweglich – hie starr: wer sähe sich zwischen diesen Polen nicht immer wieder hin- und hergerissen, zaudernd, zögerlich Wanderfrau: schön steigen die unregelmäßigen Treppenschritte an 3 Stellen der Symphonie in diese b-Moll-Düsternis hinab (am Anfang / in der Mitte / am Ende, in unterschiedlicher länge), und zugleich bleibt der einzelne Schritt auf seiner jeweiligen Stufe hängen, so daß ein dichtes Tongewebe (hier ein diatonischer Cluster) entsteht, als müßte man den bisher zurückgelegten Weg an den Sohlen mitziehen und käme in der Schwärze der nacht nicht wirklich vom Fleck Bergler: in gewissen Mondnächten gelingt so etwas schon: weniger ein Holpern denn mehr ein Tasten übers Gelände (mitnichten fersengewichtig und sohlenklebend), da kann man nach Anlaufzeit bald in bedächtigen Schritten ausschreiten, fast wie untertags, allerdings ohne ein Stirnlampenlicht zu Hilfe zu nehmen (sonst würden sich die Augen an den Fußsohlen gleich wieder schließen), und wenn Sie demnächst bei Vollmond und wild beleuchtetem Wolkenzug hier bei mir anklopfen möchten, könnte ich Sie gut und gern, während die Stimmen der nacht überlaut zu vernehmen sein werden, in einem gesteigerten Wahr76

nehmungsgang über die silbernen Kuppen und durch die tiefschwarzen Schattenfluren zu einer (unserer) weit entfernten Morgenunterkunft führen / geleiten, so Sie solche Strapazen, die gewiß länger als eine Symphonie dauern, auf sich zu nehmen bereit sind (Bodo Hell) (Booklet-Text der Live-Einspielung der Alpensinfonie mit Gustav Kuhn und dem Orchester der Tiroler Festspiele Erl, erschienen auf col legno, erhältlich im Festspielshop)

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Sofia Symphonics So. 10. Juli 2016, 11 Uhr Festspielhaus

im Rahmen des Russland-Schwerpunkts

PETER I. TSCHAIKOWSKY (1840–1893) Capriccio Italien op. 45 SERGEJ PROKOFJEW (1891–1953) Romeo und Julia – Suite {Pause}

SERGEJ RACHMANINOw (1873–1941) Klavierkonzert Nr. 2 c-Moll op. 18 1. Moderato 2. Adagio sostenuto 3. Allegro scherzando

Sofia Symphonics Dirigentin: Ljubka Biagioni Klavier: Monaldo Braconi

1 Pausen (25 Minuten) um ca. 11.45 Uhr Konzertende gegen 13.00 Uhr

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Italienische Volksmusik – russisch variiert

„Ich finde, daß der Komponist sinfonischer Werke zwei verschiedene Arten der Inspiration haben kann: eine subjektive und eine objektive. Im ersten Fall drückt er in seiner Musik seine Gefühle der Freude und des Leides aus, er gießt sozusagen – einem Lyriker gleich – seine eigene Seele aus. Hier ist ein Programm nicht nur unnötig, sondern sogar unmöglich.

Ganz anders ist es, wenn der Komponist ein poetisches Werk liest, oder von einem Bild der Natur ergriffen wird und das Sujet, das seine Inspiration entzündete, in musikalischer Form ausdrücken möchte. Dann ist ein Programm unentbehrlich (…) Jedenfalls haben, meiner Meinung nach, beide Gattungen dieselbe ,raison d’être‘ (…). Selbstverständlich eignet sich nicht jedes Sujet für eine Symphonie, ebensowenig wie nicht jedes für eine Oper paßt, aber Programmusik kann und muß es nichtsdestoweniger geben. Es wäre genauso wenig sinnvoll, zu verlangen, daß die Literatur ohne epische Elemente auskommen und sich nur mit Lyrik begnügen müßte.“ Grundsätzlich unterscheidet Tschaikowsky also zwei Inspirationsquellen: Unter „subjektiver Inspiration“ versteht er sein eigenes seelisches Potential und seine emotionale Befindlichkeit. Diese im Künstler wirkenden Kräfte drängen als Musik nach außen. Die „objektive Inspiration“ dagegen geht den umgekehrten Weg, indem äußere Eindrücke seelische Reaktionen in Gang setzen. Die werden verarbeitet und in eine Musik umgesetzt, die im weitesten Sinne deskriptive Züge trägt. So geschehen im „Capriccio Italien“: Tschaikowski entwarf sein Werk während eines Romaufenthaltes 1879/80, bei dem er auch den italienischen Karneval erlebte, die Orchestrierung entstand im Mai 1880. Die Komposition fällt somit in eines der schaffensreichsten Jahre Tschaikowskis. Die Basis dieser in Musik gefassten seelischen Reaktionen auf äußere Eindrücke bilden italienische Volkslieder. Der Rest ist die russische Interpretation italienischen Exotismus – und auf diese Weise purer Musikgenuss.

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Love, oh love!

„Romantischer Kuschelgenuss in modernem italienischen Design und mit großem Jacuzzi.“ So beschreibt ein oststeirisches Hotel seine JuniorSuiten mit dem Beinamen „Romeo & Julia“. Und irgendwie trifft das auch den Nerv der Orchester-Suite von Sergeij Prokofjew – nur ohne Jacuzzi.

William Shakespeares Tragödie „Romeo und Julia“ wurde um 1597 zum ersten Mal in London aufgeführt. Das Drama spielt etwa zur selben Zeit, obwohl sein Motiv bereits in der Antike vorkam. Die jeweils einzigen Kinder der mächtigen Familien Montague und Capulet in Verona verlieben sich ineinander. Die seit langem andauernde Feindschaft zwischen den beiden Häusern beschwert ihre Liebe und treibt Romeo und Julia in den Selbstmord, in dessen Folge sich die Familien versöhnen.

Dass man das alles auch ausführlichst tänzerisch darstellen könne, davon war Prokofjew wohl so sehr überzeugt, dass er sein längstes Ballett zur größten Liebesgeschichte der Geschichte schrieb: Das Werk besteht aus drei Akten von jeweils ungefähr vierzig Minuten Dauer sowie einem etwa zehnminütigen Epilog. Dieses ebenso epische wie einzigartige Denkmal der tragischen Liebe fasste der Komponist selbst für die Konzertbühne in drei Orchester-Suiten zusammen. Es geht eben auch kürzer.

Das Ergebnis ist leider trotzdem immer dasselbe: Es endet tödlich …

Hals über Kopf zum Erfolg

Die Ungeduld trieb Rachmaninow wohl zu dieser Tat: Die Uraufführung eines Klavierkonzertes – ohne Kopfsatz, also quasi ohne musikalisches Fundament. Das tat dem Erfolg der Unternehmung keinen Abbruch. Und so schrieb Nikolai Kaschkin über die Uraufführung des 2. und 3. Satzes seines 2. Klavierkonzerts am 2. Dezember 1900: „Sein großes Talent hat schon seit langem nicht nur die Aufmerksamkeit in Russland auf sich gezogen, sondern auch im Ausland. Erst jetzt aber scheint es, als sei dieses Talent sich seiner inneren Kraft völlig bewusst und deshalb frei von dem früheren Zwang, außergewöhnlichen Effekten der Harmonik und Inst-

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rumentierung hinterherzulaufen. Die klassische Klarheit der Form, die Weite der Melodien, die Üppigkeit und Kraft der Harmonik zwingen uns, das Werk im echten Sinne des Wortes als bemerkenswert anzusehen.“ Dessen ungeachtet präsentieren wir Ihnen natürlich das ganze Werk – selbst wenn es des 1. Satzes für die Begeisterung des Publikums offenbar gar nicht bedarf. Das Konzert genießt bis heute eine große Popularität wegen seiner ganz der Romantik geschuldeten, liedhaft-melodiösen Themen – und findet aus diesem Grund auch sonst vielfache cineastische Verwendung: Im Film „Das verflixte 7. Jahr“ von 1955 lässt sich Marilyn Monroe zu Rachmaninows 2. Klavierkonzert verführen. In der Romanverfilmung „Menschen im Hotel“ von 1932 mit Greta Garbo sowie im Tanzfilm „Center Stage“ aus dem Jahr 2000 wird das Stück ebenfalls universell eingesetzt. Ein längerer Teil des Klavierkonzerts ist im Finale des Films „Symphonie des Herzens“ mit Elizabeth Taylor von 1954 zu hören.

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mentalisten der Sofia Symphonics mühelos – wohl auch, weil sie nicht aufhören, ihre Musik trotz schwieriger Zeiten lebendig und mit Herz zu präsentieren.

Orchester Sofia Symphonics

Das Orchester Sofia Symphonics ist vor allem auf Opern- und symphonische Aufführungen abseits der gängigen Praxis spezialisiert. Der gemeinsame Weg mit Ljubka Biagioni begann 2013 nach langjähriger Zusammenarbeit, aus dem gegenseitigen Wunsch heraus, dieses musikalische Wirken zu intensivieren. Namhafte Musiker aus allen großen bulgarischen Orchestern, Professoren und bekannte Solisten sind hier vertreten. Zahlreiche Konzertreisen und Engagements wie zu den Int. Herrrenchiemsee Festspielen, zu Klassik auf der Plassenburg in Kulmbach, zu Klassik am See in Erlangen sowie Einladungen zu den Erler Festspielen zeugen von internationaler Präsenz und Akzeptanz. In Bulgarien erfuhr das Ensemble durch die Einladung zur Mitgestaltung des Abschiedskonzertes von José Carreras im Dezember 2015 in Sofia große Wertschätzung besonders dadurch, dass ihnen der Künstler selbst großen Dank und höchstes Lob aussprach. Die euphorischen Reaktionen des Publikums nach der Aufführung ihrer „La Traviata“ im Nationalpalast zeigen ebenfalls, dass sich das Ensemble bereits einen besonderen Platz erobert hat. Sich auf internationalem Parkett in der übergroßen Vielfalt von Musikern zu platzieren gelingt den Instru-

Ljubka Biagioni

Die Siegerin (2002) des von der Europäischen Union ausgerichteten, internationalen Dirigenten-Wettbewerbs „Franco Capuana“, wurde als Tochter eines italienischen Politikers in Rom geboren. Nach dem Abschluss des humanistischen Gymnasiums und intensivem Klavierunterricht erhielt sie ein Stipendium an der Musikakademie von Sofia, die sie, neben einer Ausbildung in Musiktheorie, als Chor- und Orchesterdirigentin mit Auszeichnung absolvierte. Nach ihrem Diplom führten sie weitere Studien in Varna, Bulgarien zu Karl Österreicher, an die Accademia di Santa Cecilia in Rom zu Norbert Balatsch und Leonard Bernstein sowie an die Accademia Musicale Chigiana in Siena zu Ferdinand Leitner und Valery Gergiev. Von besonderer Bedeutung für ihre Laufbahn wurde 1997 schließlich die Arbeit mit Ilya Musin und Valery Gergiev in Rotterdam.Während eines zusätzlichen Studiums der Philosophie in Rom wirkte Ljubka Biagioni 3 jahre lang als assistierende Dirigentin von Gustav Kuhn in zahlreichen Produktionen mit;

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2008 mit „Nabucco“ mit Paolo Gavanelli in der Titelpartie fortführte, und in der 2009 zwei vielbeachtete und hochgelobte Aufführungen der „Cavalleria rusticana“ folgten. Die mittlerweile sehr gefragte und gefeierte Reihe wurde bei den Festspielen 2010 mit zwei Aufführungen von Verdis „Rigoletto“, 2011 mit „Falstaff“, 2013 mit „Ariadne auf Naxos“ und 2015 mit „Manon Lescaut“ fortgesetzt, wobei der besondere Charakter der Opern, durch das von Ljubka Biagioni geschaffene Konzept, bei dem sie selbst sowohl für Regie als auch für Bühne und Kostüme verantwortlich zeichnet, von Publikum und Presse stets mit großer Begeisterung aufgenommen wurde. Auch in Bulgarien führte sie – zusätzlich zu ihren Konzerten aus dem symphonischen und geistlichen Repertoire – szenische Opern mit diesem Konzept ein und feierte mit „La Traviata“, „Falstaff“ und „Rigoletto“ große Erfolge. Seit 2013 ist sie Chefdirigentin der Sofia Symphonics. 2015 wurde dieses Ensemble durch den Chor der Sofia Symphonics ergänzt. Namhafte Musiker aus allen großen bulgarischen Orchestern, Professoren und bekannte Solisten sind hier vertreten. Zusammen konzertierten sie bereits bei Klassik am See, beim Open Air auf der Plassenburg und bei den Int. Herrenchiemsee Festspielen. Einen großen persönlichen Erfolg konnte sie im Dezem-

darunter in der Tokio Suntory Hall, der Arena di Verona, bei den Salzburger Festspielen, in Florenz, Genua, Berlin, Neapel, Athen, Parma, Mailand und Garmisch. Das Repertoire, das sie sich dabei erwarb, reicht von Mozart, Bellini und Rossini über Verdi und Wagner bis Richard Strauss. Nach einem Wettbewerbs-Erfolg beim Wiener Kammerorchester gestaltete sie 1996 mit dem Ensemble eine Österreich-Tournee, die mit einem Auftritt im Wiener Konzerthaus abschloss. Im selben Jahr dirigierte sie zum ersten Mal Puccinis „Manon Lescaut“ in Lucca, Pisa und Viareggio. Zugleich erarbeitete sie eine aufwändige Produktion von Mozarts „Don Giovanni“ mit Ruggero Raimondi im Megaron Musiki in Athen.

In der Saison 1996/97 wurde sie als Erste Gastdirigentin zum Orchestra Filarmonica Marchigiana berufen, mit dem sie zahlreiche Konzerte in ganz Italien bestritt. 1997 konzertierte sie in Dänemark mit dem Aarhus Symphony Orchestra sowie in Griechenland im Rahmen einer ausgedehnten Tournee mit dem Orchester „La Camerata“.

2010 bis 2015 war Ljubka Biagioni Dirigent bei Sofia Philharmonic und beim Bulgarian National choir. Bei den Herrenchiemsee Festspielen 2007 begann sie mit G.Verdis „La Traviata“ eine Opernreihe mit halbszenischen Aufführung mit eigener Regie und Inszenierung zu dirigieren, die sie

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ber 2015 verbuchen, als ihr für die Mitgestaltung des großen Abschiedskonzertes von Jose Carreras im Palast der Kultur in Sofia der Künstler selbst höchstes Lob und großen Dank aussprach. Dass sie in Sofia mittlerweile zu den musikalischen Größen zählt, bescheinigen ihr auch die nahezu euphorischen Reaktionen auf die jüngste Aufführung ihrer „La Traviata“ im Nationalpalast. Für 2016 erfolgte wiederum eine Einladung zu den Int. Herrenchiemsee Festspielen und erstmals zu den Tiroler Festspielen Erl, wo sie und das Ensemble ein Programm mit russischer Musik präsentieren werden. Sie arbeitete mit folgenden Orchestern und Chören zusammen Wiener Kammerorchester; Orchestra dell’ Arena di Verona, Orchestra I Solisti Fiorentini, Orchestra Sinfonica Arturo Toscanini, Orchestra La Camerata Athen, Orchestra Sinfonia del Sofia, Orchestra del Teatro del Giglio – Lucca, Orchestra Sinfonica di Arhus – Dänemark, Orchestra Filarmonica Marchigiana, Orchestra Pro Arte Marche, Orchestra dei Pomeriggi musicali di Milano, Orchestra Sinfonica di Adana – Türkei, Sinfonia Varsovia – Warschau, Hofer Symphoniker, Cappella Istropolitana – Bratislava, Prager Kammerorchester, Münchner Rundfunkorchester, Tschechischer Philharmonischer Chor Brünn, Bulgarischer Nationalchor „Svetoslav Obrete-

nov“, Männerchor der KlangVerwaltung, Kammerchor München, Chor der Arena di Verona, Coro dell’opera di Lucca, Festivalchor München Monaldo Braconi

Monaldo Braconi, in Rom geboren, studierte Klavier und Kammermusik am Santa Cecilia Konservatorium in Rom. Sein Studium schloss er mit Auszeichnung ab und erhielt zudem den „Marchi-Preis“ als besondere Auszeichnung. Er perfektionierte sein Können mit Solisten wie Riccardo Brengola an der Chigiana Musikakademie in Siena, bei Oleg Malow am RimskijKorsakov-Konservatorium in St. Petersburg und bei Sergio Perticaroli Musikakademie Santa Cecilia in Rom. Er ist Doktor der Geschichte und der Musikwissenschaft an der Tor-Vergata-Universität in Rom.Er arbeitete mit herausragenden Ensembles, wie den „Schlagzeugern der Musikakademie Santa Cecilia“, den Solisten der Scala in Mailand (mit denen er eine erfolgreiche Tournee in Brasilien absolvierte), dem „Kammerensemble der Musikakademie Santa Cecilia“ und, gemeinsam mit seinem Bruder Simonide Braconi, der Erster Bratscher an der Scala in Mailand ist.

Als Solist spielte er beim „Grand Commemorative Concert for the Bologna Train

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Station Devastation“, beim EUROPALIA Festival in Brüssel und bei einem Konzert im Auditorio Pio in Rom, wo er Ravels Klavierkonzert für die linke Hand, das landesweit von RAI UNO RADIO TRE übertragen wurde, zur Aufführung brachte.

Monaldo Braconi gab Recitals in Frankreich, Deutschland, China, Ägypten, den USA, dem Iran, in Rumänien, der Ukraine und Russland und konzertierte u. a. mit dem St. Petersburger „State Academic Orchestra“, den St. Petersburger Philharmonikern, den Philharmonikern Rostov, den Nizhnij-Novgoroder Philharmonikern und dem Nationalen Symphonieorchester der Ukraine in Kiew. Er erhielt zahlreiche Preise bei Klavierwettbewerben. Seit 1993 ist er, als einziger ausländischer Pianist, Erster Solist des „State Academic Orchestra“ in St. Petersburg und wird regelmäßig zu den Festivals in Russland und anderen Ländern eingeladen. Monaldo Braconi machte zahlreiche Einspielungen für Rundfunk und Fernsehen und nahm kürzlich eine CD mit russisch-sowjetischer Musik auf und eine weitere mit Werken für Viola und Klavier – gemeinsam mit seinem Bruder Simonide Braconi.

Im März 2005 gastierte er erfolgreich in Schanghai, Peking und Hong Kong, wo sein Konzert mit mit Werken italienischer Komponisten des 20. Jahrhunderts von

RTHK (Radio Television Hong Kong) aufgenommen wurde. 2005 konzertierte er mit dem „Kammerorchester der Musikakademie Santa Cecilia“ in der Assembly Hall of Hunter College in New York. Seit 1998 ist er Leiter der Nationalakademie St. Cecilia in Rom. Monaldo Braconi wird von der IMAIE (Collecting Society Performers Right’s) unterstützt.

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HAYDN-ORCHESTER So. 24. Juli 2016, 11 Uhr (Matinee) Festspielhaus

im Rahmen des Russland-Schwerpunkts

ARVO PÄRT (1935) Cantus in Memoriam of Benjamin Britten a-Moll DMITRIJ SCHOSTAKOWITSCH (1906–1975) Konzert für Klavier, Trompete und Streichorchester op. 35 1. Allegro moderato 2. Lento 3. Moderato 4. Allegro con brio {Pause}

IGOR STRAWINSKY (1882–1971) Pulcinella-Suite 1. Serenata. Larghetto (attacca) 2. Scherzino – Allegro – Andantino 3. Tarantella (attacca) 4. Toccata. Allegro 5. Gavotta. Allegro moderato – Variazione I. Allegretto – Variazione II. Allegro più tosto moderato 6. Vivo 7. Minuetto. Molto moderato – Finale. Allegro assai

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SERGEJ Prokofjew (1891–1953) Symphonie Nr. 1 in D-Dur op. 25 – Klassische 1. Allegro 2. Larghetto 3. Gavotta: Non troppo allegro 4. Finale: Molto vivace

Haydn-Orchester von Bozen und Trient Dirigent: Arvo Volmer Klavier: Alberto Ferro Trompete: Bertold Stecher

1 Pause (25 Minuten) um ca. 11.40 Uhr Konzertende gegen 12.45 Uhr

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Die Stille vor (und nach) dem Tod

„In den zurückliegenden Jahren haben wir sehr viele Verluste für die Musik zu beklagen gehabt. Warum hat das Datum von Benjamin Brittens Tod – 4. Dezember 1976 – gerade eine Saite in mir berührt? Offenbar bin ich in dieser Zeit reif dafür geworden, die Größe eines solchen Verlustes zu erkennen. Unerklärbare Gefühle der Schuld, ja mehr als das, entstanden in mir. Ich hatte Britten gerade für mich entdeckt. Kurz vor seinem Tod bekam ich einen Eindruck von der seltenen Reinheit seiner Musik – einer Reinheit, die dem Eindruck vergleichbar ist, den ich von Balladen Guillaume de Machauts erhalten hatte. Außerdem hatte ich lange schon den Wunsch gehabt, Britten persönlich kennen zu lernen.

Es kam nicht mehr dazu.“ Pärt schuf mit seinem Werk eine Meditation über den Tod. Demnach wird dieses Stück durch die Stille am Anfang sowie am Ende geprägt. Obwohl die verschiedenen Instrumente nacheinander hinzukommen, spielen sie gedanklich alle schon von Beginn an. Die Stille schafft einen Rahmen um das Stück und hat eine religiöse oder spirituelle Bedeutung. Sie verdeutlicht den Gedanken, dass wir aus der Stille entstehen und auch zur Stille zurückkehren werden.

Einfach mal ohne Hintergedanken

Ein Doppelkonzert, bei dem eigentlich gar nicht ganz klar ist, ob es für ein- oder zwei Soloinstrumente geschrieben wurde … Nicht nur geprägt durch zwingenden Rhythmus und ostinates Stampfen, sondern auch durch Zitate anderer Komponisten, wie beispielsweise Beethovens ,Appassionata‘ und die Nähe zum Gassenhauer (durch den Part der Solotrompete). Soviel dazu. Denn dieses Konzert ist eines der wenigen Werke Schostakowitschs, in denen es nicht um tiefgreifende existentielle Fragen geht.

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Geprägt durch die Solotrompete und den dadurch entstehenden Hang zur Trivialmusik im ersten Satz, stellt sich der zweite Satz langsamer, leicht elegisch mit Walzercharakter dar. Der kurze dritte Satz erinnert beinahe an eine Improvisation, während im Finale die anfängliche Heiterkeit und die vom Komponisten durch die Trompete forcierte Plattheit wieder kehrt. So einfach kann Schostakowitsch sein.

Des einen Freud, des andern Leid

Die in den Jahren 1919/1920 komponierte Musik zum Ballett „Pulcinella“ (die Orchestersuite daraus wurde 1922 geschrieben) entstand auf Anregung von Diaghilew, dem Direktor der berühmten „Ballets Russes“ in Paris und Monte Carlo. Dem Ballett liegt der neapolitanische Schwank „Der vierfache Pulcinella“ vom Anfang des 18. Jahrhunderts zu Grunde.

Es erzählt im Stile der Commedia dell’Arte das Schicksal des langnasigen Pulcinella, einem „Vetter“ Harlekins, von dem einige Neapolitanerinnen so angetan sind, daß sie andere Bewerber um ihre Gunst vernachlässigen. Eifersüchtig versuchen diese den Konkurrenten beiseite zu schaffen, können ihn aber nicht recht fassen. Dies führt zu einem traumartigen Verwirrspiel mit allerhand tragik-komischen Verwicklungen, darunter einer Vervierfachung des Hauptakteures, die sich nach einem wilden Tarantellatanz in einem triumphalem Happy-End auflösen. Die Uraufführung des Balletts, das Picasso ausstattete, fand 1920 in Paris statt.

Das Werk kostete Strawinsky einige Freunde und versöhnte manchen Feind. „Pulcinella“ markiert nämlich den Beginn einer ganzen Reihe von „Liebesverhältnissen“ Strawinskis mit alten Meistern – in diesem unseren Fall der Musik des italienischen Barockmeisters Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736). Die Reaktion der Zeitgenossen auf den kompositorischen Rückgriff des sonst so aufmüpfigen Komponisten auf Vergangenenes war zwiespältig. Die Avantgardisten beklagten die Fahnenflucht, die Hüter des Musikerbes sprachen von Vergewaltigung, alte und neue Freunde aber von einer „sorgfältig geplanten, erfolgreich durchgeführten und vollständig ausgekosteten Verführung“. Strawinski selbst war sich

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über den Charakter seiner Eroberung auch nicht ganz im Klaren. Auf die Frage, was er von der Musik Pergolesis halte, antwortete er unter Anspielung auf die zahlreichen Fälschungen, die unter diesem Namen existieren: „Pulcinella ist das einzige Werk, was ich von ihm gern habe“.

Die Klassische des „enfant terrible“

Wieso verleiht ein junger Komponist, bekannt als „enfant terrible“ der russischen Musik, seiner ersten Symphonie das Beiwort „klassisch“? „Als sie anfing, reale Formen anzunehmen, nannte ich sie ,Klassische Symphonie‘: Erstens ist es so einfacher, zweitens aus Übermut, um die Philister zu ärgern, und drittens in der stillen Hoffnung, dass ich letzten Endes dabei gewinne, wenn sie sich im Lauf der Zeit tatsächlich als klassisch erweisen sollte.“ Und als Schirmherrn für seine apollinisch-klare, dem wirren Zeitgeschehen abgewandte Tonsprache suchte sich Prokofjew niemand Geringeren als Joseph Haydn aus: „Wenn Haydn heute noch lebte, dachte ich, würde er seine Art zu schreiben beibehalten und dabei einiges vom Neuen übernehmen.“ Haydn mit falschen Noten? Aus Prokofjews Kommentar sprechen Ironie und Unbekümmertheit sowie sein lebenslanger Hang zu humoristischer Verfremdung – für das „Sonntagskind der russischen Musik“ war dies nicht der Ort, der Zeichen von Krieg und Leid zu gedenken: Kurz nach der Uraufführung seiner „Symphonie classique“ emigrierte der Komponist nach Westeuropa und in die USA.

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Orchesters. Zahlreiche cd- und dvd-Produktionen liegen bei Agorá (ein Oratorium des Südtirolers Pater Hartmann), Amadeus (Beethovens Tripelkonzert mit dem Trio di Parma), Arts (Webers Klarinettenkonzerte mit Alessandro Carbonare), Camerata Tokyo (französische Flötenkonzerte mit Wolfgang Schulz), col legno (u. a. sämtliche Symphonien von Beethoven, Schumann und Brahms unter Gustav Kuhn), Concerto, cpo (u. a. Werke von Domenico Cimarosa, Alfredo Casella und Riccardo Zandonai sowie des Bozners Ludwig Thuille), Dynamic (Violinkonzerte von Henri Vieuxtemps mit Massimo Quarta), Multigram, Naxos (diverse Rossini-Opern), Opus Arte, rca (Donizettis Adelia), Unitel (Verdis Alzira), Universal (Opernarien mit Saimir Pirgu), vmc Classic und Zecchini vor.

Das Haydn-Orchester

Das Haydn-Orchester wurde 1960 auf Veranlassung der Städte Bozen und Trient sowie der zugehörigen Provinzialverwaltungen gegründet und wird vom zuständigen Ministerium in Rom gefördert. Das Orchester war seither in renommierten Konzertsälen in Deutschland, Italien, Japan, den Niederlanden, in Österreich (im Salzburger Mozarteum und im Wiener Musikverein), der Schweiz, in Ungarn und in den usa zu Gast und trat u. a. bei den Festspielen in Bregenz, Erl, Perugia, Pesaro und Toblach auf. Sein Repertoire reicht vom Barock bis zur zeitgenössischen Musik und schließt diverse Opern und Oratorien mit ein; Komponisten wie Luigi Dallapiccola, Luigi Nono, Luciano Berio, Franco Donatoni, Giorgio Battistelli, Matteo D’Amico und Giovanni Sollima vertrauten dem Haydn-Orchester Uraufführungen ihrer Werke an. Am Pult des Haydn-Orchesters standen Dirigenten wie Claudio Abbado, Rinaldo Alessandrini, Riccardo Chailly, Ottavio Dantone, Eliahu Inbal, Alain Lombard, Jesús López-Cobos, Neville Marriner, Riccardo Muti, Daniel Oren, José Serebrier und Alberto Zedda; als Chefdirigenten wirkten – nach dem Gründer Antonio Pedrotti – Hermann Michael, Alun Francis, Christian Mandeal und Ola Rudner. Von 2003 bis 2012 war Gustav Kuhn künstlerischer Leiter des Orchesters; seit März 2013 ist Daniele Spini verantwortlich für die künstlerische Planung des

Arvo Volmer

Der Este Arvo Volmer ist Chefdirigent des Haydn Orchesters von Bozen und Trient.

Arvo Volmer, 1962 in Tallinn geboren, studierte 1980 bis 1985 bei Olev Oja und Roman Matsov Dirigieren am Estnischen Staatlichen Konservatorium seiner Heimatstadt sowie im Anschluß danach bei Ravil Martynov am Rimskij-KorsakovKonservatorium in Leningrad, wo er 1990 sein Diplom erwarb; außerdem nahm er an Meisterkursen von Helmuth Rilling in den USA teil. 1989 wurde er beim Nikolai Malko-Wettbewerb in Kopenhagen aus-

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harmonikern und am Bolschoi-Theater in Moskau, beim Festival Europa Musicale in München, mit den Nürnberger Symphonikern, an der Norwegischen Oper in Oslo, dem Orchestre National de France und dem Orchestre Philharmonique de Radio France in Paris, dem Queensland Orchestra, dem Isländischen Philharmonischen Orchester in Reykjavik, den Sankt Petersburger Philharmonikern, der Orquesta Sinfónica do Estado de Saõ Paulo, dem Singapore Symphony Orchestra, dem Königlich Philharmonischen Orchester Stockholm, den Stuttgarter Philharmonikern, an der Opera Australia in Sydney (zuletzt mit einer Neuproduktion von Verdis Trovatore), mit dem Sydney Symphony, dem Taiwan Symphony und dem Tasmanian Symphony Orchestra sowie an der Georgischen Nationaloper in Tiflis auf. Daneben dirigierte er in Israel, Italien, in den Niederlanden, in Polen, in Portugal und in Tschechien. Arvo Volmer debütierte mit dem Haydn Orchester anläßlich der Saisoneröffnung im Oktober 2012, wobei er Werke von Brahms und Ravel dirigierte.

gezeichnet. Sein Debüt gab Volmer 1985 an der Estnischen Nationaloper in Tallinn, einer Spielstätte, der er seitdem immer verbunden geblieben ist; 2004 übernahm er dort die Position des künstlerischen Leiters und Chefdirigenten. Seit 1987 trat er auch als Gastdirigent des Estnischen Nationalorchesters auf, dessen musikalischer Leiter er von 1993 bis 2001 war. Von 1994 bis 2005 war er Chefdirigent und künstlerischer Leiter des Symphonieorchesters von Oulu in Finnland und von 2004 bis 2013 Chefdirigent des Adelaide Symphony Orchestra in Australien. Arvo Volmer trat als Gastdirigent u. a. mit dem Australian Youth Orchestra, an der State Opera South Australia (mit Salome von Strauss), mit dem West Australian Symphony und dem bbc Philharmonic Orchestra, dem Orchester der Komischen Oper, dem Konzerthaus-Orchester sowie dem Radio-Symphonieorchester in Berlin, dem City of Birmingham Symphony Orchestra, dem Orchestre de Bretagne, dem Orchestre National de Belgique in Brüssel, in Chemnitz, mit den Dortmunder Philharmonikern, den Göteborger Symphonikern, beim Menuhin-Festival in Gstaad, mit der ndr-Radiophilharmonie Hannover, an der Finnischen Nationaloper und mit dem Finnischen Radio-Symphonieorchester in Helsinki, mit den Philharmonischen Orchestern von Helsinki, Kopenhagen, Macau und Malmö, am Nationaltheater in Mannheim, mit dem Melbourne Symphony Orchestra, mit den Moskauer Phil-

Alberto Ferro

Alberto Ferro wurde 1996 in Genua geboren und besucht die 10. Jahrgangsstufe am Bellini-Musikinstitut in Catania, wo er bei Epifanio Comis studiert. Er hat außerdem Meisterkurse bei wichtigen Vertretern der internationalen Klavierszene, wie Eduardo

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er im Jahr 2012 mit dem Titel „Master of Arts“, sowie der Höchstnote absolvierte.

Bertold Stecher erspielte sich zahlreiche erste Preise beim Jugendwettbewerb „Prima la musica“ sowohl als Solist als auch in verschiedenen Kammermusik Formationen. Ab 2008 sammelte Bertold Orchestererfahrungen in verschiedenen Jugendorchestern. Er war Solotrompeter im „EUYO“ (European Union Youth Orchestra), dem „GMJO“ (Gustav Mahler Jugendorchester), dem „Schleswig Holstein Musikfestival Orchester“ sowie dem „Wiener Jeunesse Orchester“ und musizierte im Rahmen zahlreicher Tourneen mit den größten Dirigenten in einigen der bedeutendsten Konzertsäle der Welt. Gastspiele führten Bertold des Weiteren zum Mozarteum Orchester Salzburg, der Camerata Salzburg, dem Symphonieorchester des Hessischen Rundfunks in Frankfurt / Main und dem Concertgebouw Orchester von Amsterdam.

Als Solo-Trompeter spielte Bertold mit dem „Teatro la Fenice“ in Venedig, der „Accademia Nazionale di Santa Cecilia“ in Rom und dem Orchester des „Teatro alla Scala“, „Filarmonica della Scala“ in Mailand.

Bertold ist seit 2011 Ensemble Mitglied der Blechbläser Formation ProBrass. Seit Februar 2012 besetzt Bertold die Position der Ersten Trompete im Haydn Orchester von Bozen und Trient.

Hubert, Violetta Egorova, Pietro De Maria, Roberto Prosseda, Alexander Mndoyants, Leslie Howard und Vladimir Ashkenazy belegt. Als 1. Preisträger zahlreicher Wettbewerbe im In- und Ausland ist er bereits mit Soloprogrammen und Orchesterbegleitung in Italien, Russland, der Ukraine, Rumänien und Kroatien zu hören gewesen.

Beim renommierten Ferruccio Busoni International Piano Competition belegte er 2015 den zweiten Platz und wurde mit dem Haydn-Preis, einem der Sonderpreise des Wettbewerbs, bedacht. In Leipzig brillierte Ferro im März dieses Jahres mit einem Virtuosen-Programm und spielt Werke von Debussy, Rachmaninoff, Liszt und Chopin.

Bertold Stecher

Bertold Stecher wurde 1987 in Schlanders geboren und ist in Mals im Vinschgau aufgewachsen. Seinen ersten Trompetenunterricht erhielt er 1998 bei Anton Stecher an der Musikschule Obervinschgau. Von 2002 bis 2007 besuchte er das Musikgymnasium in Feldkirch Vorarlberg / Österreich, welches er mit der Matura abschloss. Parallel dazu studierte Bertold am Vorarlberger Landeskonservatorium bei Lothar Hilbrand das Hauptfach Trompete und beendete sein Bakkalaureat- Studium 2009 mit Auszeichnung. Im Anschluss folgte ein Masterstudium (IGP – Instrumental und Gesangs Pädagogik) an der Universität Mozarteum Salzburg bei Prof. Hans Gansch, welches

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MOZART / ROSSINI / BEETHOVEN Fr. 29. Juli 2016, 20 Uhr Festspielhaus

Abschlusskonzert Dirigiermasterclass Werke von Rossini, Beethoven und Mozart sowie Werke für Chor a cappella Orchester und Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung: Teilnehmer der Dirigiermasterclass Klavier: Katharina Königsfeld

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Katharina Königsfeld ist nicht kleinlich in die Idee der Accademia di Montegral und der Tiroler Festspiele Erl eingetreten. Mit der spontanen Übernahme von Rotts Symphonie Nr. 1 in einer virtuosen Klavierbearbeitung hat sie sich sozusagen auf Anhieb einen Stammplatz in der Riege der Festspiel-Interpreten gesichert. Jetzt freuen wir uns, dass sie in ihrem zweiten Erler Sommer nun mit Orchester zu hören ist. Die Sommersaison 2016 ist in vielerlei Hinsicht eine sanfte Zeitenwende im Rahmen der Festspielgeschichte. Kein Bruch, keine Hauruckaktion, sondern eben die „Kunst des Übergangs“ – von einer Generation zur anderen. Die Kunst des Übergangs ist sicher eine besondere Herausforderung beim Dirigieren. Sie gehört aber auch uneingeschränkt zum strategischen Planen eines Intendanten. Behutsam werden also Weichen gestellt, junge Dirigentinnen und Dirigenten erprobt und gefordert – das wiederum erfahrungsgemäß weniger behutsam – und Wege geebnet, die zugleich Türen für die Zukunft öffnen. Und all das unter einzigartigen Bedingungen. Kaum irgendwo sonst auf der Welt steht dem dirigentischen Nachwuchs bei einem Meisterkurs ein derart geschultes Orchester zur Verfügung. Erste Fahrstunde im Bentley sozusagen …

onen ihrer regen Konzerttätigkeit stellen die Philharmonie Essen, das Konzerthaus Dortmund, sowie die Jahrhunderthalle Bochum im Rahmen des renommierten Klavierfestival Ruhr und das Oratorio S. Caterina in Cervo, Italien dar. Auftritte als Solistin mit Mitgliedern der Bamberger Symphoniker und bei der Abschlussveranstaltung Ruhr 2010, sowie eine eigene Konzertreihe im Schloss Burgellern hinterließen nachhaltige Zeugnisse ihres Talents. Mit der Sopranistin Meike Albers verbindet sie seit 2008 eine enge Zusammenarbeit. Gemeinsam arbeiten sie mit Musikergrößen wie Justus Zeyen, Jan Philip Schulze, Christoph Eschenbach und Matthias Goerne. Katharina Königsfeld ist seit 2014 exklusiv bei Sony Classical unter Vertrag.

Katharina Königsfeld

Die Pianistin und Organistin Katharina Königsfeld, geb. 1988 in Bamberg, entdeckte bereits im Alter von 6 Jahren ihre Leidenschaft für das Klavier und die Orgel. Seit 2007 studiert sie Klavier im künstlerischen Hauptfach bei Prof. A. von Arnim, sowie seit 2012 Orgel bei Prof. R. M. Stangier an der Folkwang Universität der Künste, Essen. Sie gilt seither nicht nur bei ihren Dozenten als eines der hoffnungsvollsten deutschen Talente. Neben dem Solorepertoire beschäftigt sie sich ausführlich mit Kammermusik und Lied. Musikalische Anregungen erhielt sie u. a. bei Christoph Eschenbach, Ian Fountain, Dirk Mommertz, Grigory Gruszman, Lutz Brenner und Erwan le Prado. Einige Stati-

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BEETHOVEN-DOPPEL So. 31. Juli 2016, 11 Uhr (Matinee) Festspielhaus

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770–1827) Symphonie Nr. 6 F-Dur op. 68 – Pastorale 1. Allegro ma non troppo – Erwachen heiterer Empfindungen bei der Ankunft auf dem Lande 2. Andante molto mosso – Szene am Bach 3. Satz: Allegro – Lustiges Zusammensein der Landleute 4. Satz: Allegro – Gewitter und Sturm 5. Satz: Allegretto – Hirtengesänge – Frohe und dankbare Gefühle nach dem Sturm {Pause}

LUDWIG VAN BEETHOVEN Symphonie Nr. 7 A-Dur op. 92 1. Poco sostenuto – Vivace 2. Allegretto 3. Scherzo. Presto 4. Allegro con brio

Orchester der Tiroler Festspiele Erl Dirigent: Gustav Kuhn

1 Pause (25 Minuten) um ca. 11.40 Uhr Konzertende gegen 12.45 Uhr

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DIE SECHSTE In F-Dur

PASTORAL-SYMPHONIE oder Erinnerung an das Landleben (mehr Ausdruck der Empfindung als Malerei) Angenehme, heitere Empfindungen, welche bei der Ankunft auf dem Lande im Menschen erwachen.

Szene am Bach.

Lustiges Zusammensein der Landleute.

Donner. Sturm.

Hirtengesang. Wohltätige, mit Dank an die Gottheit verbundene Gefühle nach dem Sturm.

So etwas als Symphonie ist gar nicht möglich, war nie möglich.

Bis Er kam und es möglich machte: „Mehr Ausdruck der Empfindung als Malerei.“ Ein Wunder. Das Wunder seines gesamten Werkes.

Empfindung! Ausdruck der Empfindung! Und diese nicht mehr als assoziativ verortet, manchmal lose festgemacht. An einen Lebensraum. Wie an eine Erinnerung.

Wie kommt dieser Ort, definiert durch irgendeinen Längen-, irgendeinen Breitengrad wie Millionen anderer Orte auf dem Planeten Erde, dazu, auf diese unfassbare Weise verklärt zu werden. War hier das Paradies?

Irgendwo zwischen Grinzing, Heiligenstadt und Nussdorf bei Wien? Und nur Er weiß es, kennt es?

Arkadien auf den Ausläufern des Wienerwalds, des Herrmannskogels, des Kahlen- und des Leopoldsbergs, auf den Hügeln zwischen Nussberg und Donau? Lässt sich „Empfindung“ anhand dieses geographischen Mikrokosmos kartographisch ausdrucken? Quasi als „Aus-Druck der Empfindung“?

Zufällig gefundener, geliebter Lebensraum, angereichert mit lokaltypi-

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schem Assoziationsmaterial wie Bordunquinten, Volksmusiken, Volkstanzrhythmen, wiegenden Streicherbewegungen, seligen Holzbläserkantilenen, Vogelstimmen auch, wird zur möglichen Ortung dessen, was „Empfindung“, reine Empfindung ist. Nicht mehr, aber auch nicht weniger.

Glückliche Gegend dieser Welt, für immer mit dieser Empfindung verbunden!

Das Wunder aber bleibt die Empfindung, diese Empfindung!

Der unglücklichste Mensch dieser Erde schreibt die Musik des vollkommenen Glücks! Und selbst das sturmdurchtoste Gewitter, (oder ist es der blutrote Widerschein napoleonischer Kriege?), scheint sich nur deshalb in den verdunkelten Himmel zu bohren, um diesen erneut aufzusprengen wie nach einem bösen Traum; um ihm wieder Licht und Wärme zu entlocken. Für immer und in ewigem Frieden.

Hirtengesang, nicht enden wollend. Welche Süße der Melodie, welche nie versiegende Euphorie! Die Vision vom ewigen Frieden in „wohltätigen, mit Dank an die Gottheit verbundenen Gefühlen nach dem Sturm“, nach dem Krieg. Nach allen Kriegen. Hier und jetzt ist endlich Zeit für „wohltätige Gefühle“!

Nach der Initiation des Anfangssatzes, wenn die „angenehmen, heiteren Empfindungen, welche bei der Ankunft auf dem Lande“, will heißen, im Paradies, im ungeahnten Zustand der Seligkeit, erwacht sind, folgt die pure, die reinste Empfindung von Glück, die jemals in Musik ausgedrückt worden ist, jene „Szene am Bach“, jenes „Andante molto mosso“, das mit seinem Zwölfachteltakt jegliche Schwerkraft aufzuheben vermag und sich einem beseelt atmenden, einem wiegenden Lebensrhythmus überlässt, der, wirklich wie ein Bach, Inseln, Gemarkungen aus nichts als Schönheit zu umspülen scheint. Jede Artikulation eines jeden Instruments eine Apotheose seines Selbst.

Goethes, bzw. Fausts Lebenssehnsucht, Lebensmaxime, seine Bedingung für den Pakt mit dem Teufel: „Werd’ ich zum Augenblicke sagen: Verweile doch! Du bist so schön!

Dann will ich gern zu Grunde gehn!“, ist hier von Beethoven erfüllt, gestillt.

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Nur, Beethoven braucht keinen Dämon, keinen Teufel dazu.

Ein unglaublicher, künstlerischer Vorgang: Er erfindet die Ewigkeit, die ewige Glück-Seligkeit.

Und Nachtigall, Wachtel und Kuckuck erheben nur deshalb ihre Stimmen, um uns zu erinnern, dass dies möglich ist: die Erfindung des Glücks. (Franz Winter) (Booklettext der Einspielung der Beethoven-Symphonie mit dem Haydn-Orchester unter Gustav Kuhn, erschienen auf col legno, erhältlich im Festspielshop)

DIE SIEBTE In A-Dur Symphonie der Symphonien: „Die Unsterbliche“

Poco sostenuto Gleißend wird der Stille ein Raum entrissen, Klangraum für Rufe.

Die Oboe beginnt, vier Töne lang. Erneuter Blitz in die Unendlichkeit. Die Klarinette ruft, vier Töne lang. Blitzschlag. Hornruf. Blitz. Das Fagott, begleitet von Holzbläsern, vier Töne lang.

Der Raum ist erschaffen. Raum für die Suche nach der Melodie, dem Thema.

Immer wieder diese Töne, ein gelassen ausschwingender Flug über zerklüftet sich auftürmende Höhengrate der Streicher. „Und die Erde war wüst und leer“, komponiert Haydn in der „Schöpfung“.

Dann die Geburt jener sechstaktigen Melodie, die Schlüssel und Legitimation sein wird für diesen gewaltigen ersten Satz, ja, für die Form des Sonatensatzes schlechthin, der hier seine Erfüllung und Vollendung erfährt.

Nach diesem Satz, dieser Symphonie, müsste nie wieder in Sonatensatzform komponiert werden. „Dolce“ steht für die Oboe als Melodieträgerin über diesem nicht enden wollenden sechstaktigen Thema der Holzbläser, der Oboen, Klarinetten

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und Fagotte. Und wirklich, in unbeschreiblicher Zartheit und Süße gebiert sich, behutsam gewiegt, die Liebe aus dem Geist der Musik, oder die Musik aus dem Geist der Liebe.

Der schier besinnungslose Sechsachteltaumel des folgenden „Vivace“ ist atemlose Freude über die mögliche Verschmelzung von Form und Inhalt, von Thema und Rhythmus, von Gesetz und Anarchie, ist pure Freude über die Möglichkeit existentieller Unteilbarkeit.

Nie haben Hörner so jubelnd aufgeschrien.

Wenn nur das Herz, das manchmal stockt, stolpert, ja, auszusetzen scheint, nicht kollabiert unter dieser übermächtigen Erfahrung von Vollendung. „La Follia d’Amore“ – „Die Narrheit der Liebe“ (Allegretto) Im Mai 1810 hat Beethoven das Ehepaar Franz und Antonie von Brentano, die in Wien geborene Johanna Antonia Josepha Edle von Birckenstock, genannt Toni, über Vermittlung von Antonies Schwägerin Bettina Brentano, einer Freundin Goethes, kennen gelernt. Ende des Jahres 1811, Beethoven arbeitet seit September an seiner Siebten, besucht er Toni während ihrer langwierigen Krankheit fast täglich. Er vertont das Lied „An die Geliebte“ und schenkt ihr das Autograph nach überstandener Krankheit im Frühjahr 1812. „La Follia“: Einmal noch in der Musikgeschichte wählt ein Großer der Musik die seit der Renaissance gebräuchliche, aber längst aus der Mode gekommene Form, die „Follia“ als Ausdrucksmittel und setzt sie als langsamen Satz in eine Symphonie. Das überlieferte acht- bzw. sechzehntaktige Thema, dieser manisch wiederkehrende Stollen, diese „Folie“ oder „Narrheit, Verrücktheit“ war die Grundlage für kühnste Variationen und Ausweitungen, für die größten Verrücktheiten, die musikalisch vorstellbar waren, un-verrückbar gebunden nur an diese eine immer gleiche „Folie“.

(Marais, Corelli, Vivaldi etwa waren Meister dieser Form.)

Und genau dieses immer gleiche rhythmische Thema bindet Beethoven nun, nachdem er es in den tiefen Streichern exponiert hat, zur Melodie,

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Violen und Celli singen sie, und macht sie zum Synonym für die Liebe, die ihm gleichbedeutend ist mit Vergeblichkeit. Zärtlicher wurde niemals Resignation komponiert, ein Meer aus Schmerz.

Zum Wahnsinnig-Werden, wie die Liebe. An diesem Wahnsinn vermag auch eine Dur-Vision der Klarinetten und Fagotte als Beschwörung einer (vielleicht bürgerlichen) Idylle nichts zu ändern, der pochende Herzschlag-Rhythmus der „Follia“ bleibt bestehen und kann auch durch eine Fuge nicht zerrieben werden, im Gegenteil. Mit unglaublicher Wucht kehrt sie als das Unausweichliche, das immer Gleiche, zurück, einmal, zweimal, bis Beethoven sie schließlich abrupt beendet. Bis er die unortbare Atmosphäre eines faunischen Holzbläserklangs flieht, erschrocken, wie er in sie geraten war.

Presto Welches irrsinnige Fest tobt hier? Wer tanzt zu wessen diabolischem Vergnügen diese halsbrecherischen Walzer, oder sind es Polkas, mit wem?

Eine wüste Traumsequenz. Berlioz’ Ballszene aus der „Symphonie Fantastique“ ist nichts dagegen.

Und dann, plötzlich, Innehalten: Assai meno presto!

Ein von den Violinen endlos gehaltenes, oktaviertes A schafft den luftleeren Raum für einen unendlich sehnsüchtigen Gesang, vielmehr für die Quintessenz einer Weise, die aus fernen Zeiten zu stammen scheint. An einen alten Pilgerchoral soll sie erinnern. Wenn dem so ist, dann verweist diese Antiphon einer klagenden Litanei auf eine Metapher Shakespeares in „Romeo und Julia“, wo inmitten eines Festes die Liebenden einander zum ersten Mal begegnen: ROMEO: Entweihet meine Hand verwegen dich, Die Heidin sollte dir, du Heilige, dienen.

Zwei Pilger, neigen meine Lippen sich, Den herben Druck durch süßen Kuss zu sühnen.

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JULIA: Nein, Pilger, lege nichts der Hand zu schulden Für ihren andachtsvollen Gruß; Der Heiligen Hand darf die Berührung dulden, Und Hand in Hand ist frommer Pilger Kuss.

Pilgergruß und Hand und Kuss. Ein Pilgerrefrain als die zur Apotheose gesteigerte Vereinigung im Kuss. Wieder und wieder, einen ganzen Symphoniensatz lang. Und um die Liebenden tobt der Ball, den sie in ihrem Kokon nicht wahrnehmen. „Menuett. Der Teufel tanzt es mit mir“, schreibt Mahler in die fragmentarische Partitur seiner Zehnten. „Mein Engel, mein alles, mein Ich“, wird Beethoven an seine „unsterbliche Geliebte“, „T. B.“, schreiben, da ist die Siebte schon komponiert, und wird mit „ewig dein, ewig mein, ewig unß“ jenen rätselhaften Brief, den Nachhall seiner Leidenschaft, beenden und nie abschicken. Man findet ihn nach seinem Tod in einer Schreibtischlade seiner Wohnung.

Aber in jenem Sommer von 1812 reist er dem Ehepaar Brentano nach, von Wien nach Teplitz, von Teplitz nach Prag, von Prag nach Teplitz, wo es zur Begegnung mit Goethe kommt, von Teplitz nach Karlsbad, von Karlsbad nach Franzensbad, ab Prag mit den Brentanos, immer den Brief in der Tasche, bis diese in ihr Haus im Rheingau zurückkehren. „Bäderkur“ oder „Bädertour“ nannte man das.

Allegro con brio Feuer. Dieser Satz ist eine Teufelsaustreibung, ist eine Befreiung.

Der mit dem Klumpfuß wird aufgeschreckt, eine Takt-Ewigkeit lang Pause, gestellt, wieder ein Vakuum-Takt, und dann gejagt, durch einen unerhörten, ungeheueren, jedes Maß sprengenden Finalsatz.

Unter Hohngelächter flieht der Hinkende, wie in Zangen genommen von zauberformelartig wiederholten Bannsprüchen, Anathemas zu acht Takten. Ein Besessener befreit sich in einer furiosen Raserei von seinen Obsessionen und schafft damit als Künstler die Vollendung aller Symphoniensätze, die jemals mit „Allegro con brio“ überschrieben wurden.

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Nach diesem Satz, dieser Symphonie ist auf symphonischem Gebiet nichts mehr wie es war. Die Siebte ist Beethovens letzte Symphonie.

Es gibt noch ein Nachspiel, ein Satyrspiel, die Achte, als ironischen Nachruf auf die „klassische“ Symphonie, aber das Ende und die Vollendung der Gattung ist diese Siebte.

Gleichzeitig ist sie die bedingungslose Annahme eines Weges, von dem er selbst noch nicht weiß, wohin er ihn führen wird. Sie ist Lossagung, orgiastische Befreiung von bürgerlichen Zwängen wie dem Zwang der Ehe, einer Institution, von der er schmerzlich erkennen muss, dass sie niemals eine Lebensform für ihn sein kann. Abschied auch von Gefangenschaften: wilde Kopulationsphantasien werden von Jagdhörnern mit dem Teufel zum Teufel gejagt. Unter kreiselnden Sechzehntelbewegungen scheint sich die Erde wieder zur Lavamasse zu entzünden, die alles versengt, die alles verschlingt.

In dreifachem Forte wird dieser Abschied, diese Befreiung hinausgeschrien, „fff“!, so laut wie noch in keinem Werk. Wilder, kompromissloser, dem Wahnsinn näher kann kein künstlerisches Bekenntnis sein als das von Beethoven in seiner siebten Symphonie.

Und sein Bekenntnis ist sein Triumph. Der Teufel, der hinkende Popanz, ist ausgetrieben. Für immer.

In einem Skizzenbuch zur Siebten steht: „Baumwolle in den Ohren am Klavier benimmt meinem Ohr das unangenehm Rauschende.“ (Franz Winter) (Booklettext der Einspielung der Beethoven-Symphonie mit dem Haydn-Orchester unter Gustav Kuhn, erschienen auf col legno, erhältlich im Festspielshop)

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KAMMERMUSIK & SPECIALS

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Apollon Musagète Quartett Mo. 11. Juli 2016, 20 Uhr Festspielhaus

im Rahmen des Russland-Schwerpunkts

ANTON ARENSKY (1861–1906) Streichquartett Nr. 2 a-Moll op. 35 1. Moderato 2. Variationen über ein Thema von Tschaikowsky. Moderato 3. Finale: Andante sostenuto – Allegro moderato {Pause}

FRANZ SCHUBERT (1797–1828) Streichquartett Nr. 15 G-Dur D 887 1. Allegro molto moderato 2. Andante un poco moto 3. Scherzo. Allegro vivace – Trio. Allegretto 4. Allegro assai Violine: Pawel Załejski Violine: Bartosz Zachłod Viola: Piotr Szumieł Cello: Piotr Skweres

1 Pause (25 Minuten) um ca. 20.45 Uhr Konzertende ca. 21.45 Uhr

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In memoriam Tschaikowskys

Ein Streichquartett ist für gewöhnlich mit zwei Violinen, Viola und Violoncello besetzt. Der russische Spätromantiker Anton Arensky gehörte zu den wenigen Komponisten, die diese eiserne Regel durchbrachen: In seinem 2. Streichquartett a-Moll Opus 35 verdoppelte er nicht etwa die Violinen, sondern die Celli. Da Arensky der Sohn eines Cello spielenden Arztes war, konnte er die Bedeutung des Instruments in der Kammermusik seiner Zeit und dessen Klangwirkungen besonders genau einschätzen.

Für den extravaganten Klang dieses bewegenden Stückes gibt es einen besonderen Grund: es entstand als Quartett „in Memoriam“. Über vielen russischen Kammermusiken des späten 19. Jahrhunderts – Klaviertrios wie Streichquartetten – prangt eine Widmung „À la memoire de …“, denn zum Gedenken an verstorbene Freunde oder Komponistenkollegen griffen die Russen vorzugsweise zu dem intimen Genre, seit Tschaikowsky sein großes a-Moll-Trio „Dem Gedenken an einen großen Künstler“ gewidmet hatte (À la memoire d’un grand artiste). Ging es in seinem Falle um seinen Freund und Förderer Nikolaj Rubinstein, so verfassten spätere Komponisten wie der junge Sergej Rachmaninoff ihrerseits Trios und Quartette zum Gedenken an Tschaikowsky. In eben dieser Tradition steht auch das 2. Streichquartett von Anton Arensky, das 1894 zum Gedenken an Tschaikowsky geschrieben wurde. (www.kammermusikfuehrer.de) Tonale Zwischenwelten

In nur elf Tagen, fast gleichzeitig mit Beethovens Abschluss des op. 131 entstanden und jenem gleichrangig, stellt Schuberts Streichquartett Nr. 15 in G-Dur nicht nur einen Gipfel der Quartettkunst dar, sondern gehört zum Schwierigsten – in der Ausführung wie im Erfassen. Kein populäres Liedthema, keine behäbige Biedermeierseligkeit täuscht über die Ansprüche hinweg. In geradezu sinfonischen Zügen werden im Kopfsatz dramatische, in unruhigem Tremolo aufbrausende Blöcke mit lyrisch kantablen verzahnt, als eine Art „einander ablösender Varianten. Variierte Reihung kennzeichnet auch den zweiten Satz, dessen ausgedehnt singende Cello-

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Melodien wohl Beruhigung, gar Frieden auszustrahlen vermöchten, wäre ihnen nicht der Affekt der Ruhelosigkeit in den Oberstimmenfiguren beigegeben“ (Arnold Feil). Dazu kommt generell das Provokative, welches in verschiedenen Details erkennbar wird, das aber immer Teil des gestalterischen Willens, nicht Unvermögen darstellt. Ein leicht erkennbares sind die genannten, immer wieder auftretenden Tremoli. Sie sind mehr als nur eine Form klanglicher Gestaltung, enthalten sie doch ein wichtiges emotionales Potential. Sie haben zudem die Tendenz, die Tonalität zu verschleiern – kein Wunder, dass sie in der Spätromantik so beliebt sind.

Dass sich Schubert im Kopfsatz, aber auch im Finale nicht für Dur oder Moll entscheiden kann bzw. will, hat die Hörer ebenfalls irritiert, obwohl es sich dabei um ein typisches Stilmittel Schuberts handelt. Schubert hat im G-Dur-Quartett mit modernsten und ganz eigenen Mitteln nicht nur zur großen Form gefunden, sondern in den Ein- und Ausbrüchen auch Grenzen erreicht, an die er ebenso in der Lyrik der Winterreise oder in Heines Atlas („unendlich glücklich oder unendlich elend“) gestoßen ist.

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Apollon Musagète Quartett

„Wenn Apollon nicht die Leier, sondern die Violine spielen würde, dann klänge es bestimmt so.“ Süddeutsche Zeitung, November 2010 2008 gewann das Apollon Musagète Quartett nicht nur den ersten Preis, sondern beinahe alle Sonderpreise beim 57. Internationalen Musikwettbewerb der ARD. Schnell etablierte sich das junge Streichquartett als feste Größe innerhalb der europäischen Musikszene und begeistert Publikum und Presse mit seinen mitreißenden und berührenden Interpretationen gleichermaßen.

2010 debütierte es in der Berliner Philharmonie. Im Rahmen des „Rising-Stars“-Zyklus, für den es vom Wiener Konzerthaus sowie vom Wiener Musikverein nominiert worden war, begeisterte es sein Publikum in renommierten europäischen Konzerthäusern wie etwa dem Megaron in Athen, der Kölner Philharmonie, Citè de la musique Paris, Palais des Beaux Arts Brüssel, Konserthuset Stockholm, Concertgebouw Amsterdam sowie in Luxemburg, Wien und Barcelona. Das Quartett wurde 2012 zum BBC New Generation Artist ernannt, trat vielfach in Großbritannien auf und produzierte eine Vielzahl von Aufnahmen für die BBC. Vor kurzem kam der Borletti-Buitoni Trust Award 2014 dazu.

Zu den Höhepunkten der Saison 2014/15 zählen Wiedereinladungen zur Wigmore Hall in London, Carnegie Hall New York, dem Louvre Auditorium in Paris, Concertgebouw Amsterdam und DeSingel in Antwerpen. Festivals wie das Brighton Festival, Chopin Festival in Warschau, Würzburger Mozartfest und das schwedische Vinterfest werden das Quartett zu Gast haben.

Im Januar folgt eine große Tournee in der Schweiz mit Auftritten in Luzern, Genf und Fribourg. Zuletzt war das Quartett auch in Izmir und Istanbul sowie beim Eröffnungskonzert des Europejskie Centrum Muzyki Krzysztofa Pendereckiego im polnischen Lusławice zu hören gewesen.

Das Quartett arbeitete mehrfach mit bedeutenden Kammermusikpartnern wie Jörg Widmann, Ewa Kupiec und Martin Fröst.

Neben Konzerten im Rahmen von Kammermusikzyklen wie „Les Grand Interprètes“ in Genf, dem Esterházy Streichquartett Festival, La Folle Journée de Nantes und in der Alten Oper Frankfurt war das Apollon Musagète Quartett auch bei symphonischen Zyklen zu Gast.

Die Zusammenarbeit mit lebenden Komponisten ist für das Apollon Musagète Quartett von großer Bedeutung. Neben dem gängigen Streichquartettrepertoire führt das Quartett regelmäßig ihm gewidmete zeitgenössische Werke auf, die oft auf die Thematik des Musenführers Apollon Bezug nehmen. Auch ihre Eigenkompositionen Multitude for String Quartet und A Multitude of Shades integrieren sie immer wieder in ihre Programme und begeistern damit ihr Publikum.

2010 erschien die Debut-CD bei Oehms Classics, sie wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet. Daneben erfolgte eine Aufnahme des Konzerts für Streichquartett und Orchester von Martinu in Zusammenarbeit mit dem BBC Symphony Orchestra, danach erschien eine Aufnahme von Streichquartetten Lutosławskis, Pendereckis und Góreckis auf DECCA Classics, die weltweit hymnisch von der Presse gefeiert wurde. www.apollon-musagete.com

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Jasminka Stančul Klavierabend Di. 12. Juli 2016, 20 Uhr Festspielhaus

im Rahmen des Russland-Schwerpunkts

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770–1827) 32 Variationen über ein eigenes Thema c-Moll, WoO 80 Klaviersonate Nr. 13 in Es-Dur, op. 27 Nr. 1 – Sonata quasi una fantasia 1. Andante – Allegro molto 2. Adagio con espressione 3. Allegro vivace {Pause}

Peter I. Tschaikowsky (1840–1893) Aus: Die Jahreszeiten op. 37b Juni – Barkarole Komm rasch zum Ufer, die Wellen Werden uns küssen den Fuß, Sterne mit heimlichem Kummer Strahlen hoch über uns.

A. Pleščeev

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Juli – Schnitterlied Schnitter, recke dich, Greift, ihr Hände, aus, Blas uns ins Gesicht, Warmer Mittagswind!

A. Kol’cov Oktober – Herbstlied Es färbt und mausert sich unser kleiner Hag. Blätter werden gelb, im Wind flattern sie herab.

Graf A. Tolstoj November – Auf der Troika Schau den Weg niemals an mit Trauer, Lauf der Troika niemals hinterdrein.

Und bezwinge im Herzen auf Dauer Deine traurige Unrast allein.

N. Nekrasov MIKHAIL GLINKA (1804–1857) Variationen über Alabieffs Romanze „Die Nachtigall“ ALEXANDER SKRJABIN (1872–1915) Sonate Nr. 2, gis-Moll op. 19, „Sonate-Fantaisie“ 1. Andante 2. Presto Klavier: Jasminka Stancˇul

1 Pause (ca. 25 Minuten) um 20.40 Uhr Konzertende ca. 21.45 Uhr

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Beethoven I – Variationen

Bei Ludwig van Beethoven wird die Variation, noch mehr als bei Joseph Haydn, zu einer zentralen Form im Gesamtschaffen des Komponisten: Von seinen Instrumental-Kompositionen bis 1800 sind etwa ein Drittel Variationen oder enthalten Variationssätze und in der Zeit von 1800 bis 1812 wurde die Variation verstärkt in größere Formeinheiten einbezogen. Vollends trat die in einem Sonatenzyklus eingeordnete Variation in der letzten Schaffenszeit von 1818 an in den Vordergrund, sodass nun mindestens jedes zweite Werk Variationen oder variationsähnliche Sätze enthält. Beethovens 32 Variationen über ein eigenes Thema cMoll besteht aus einem achttaktigen Thema im Dreivierteltakt mit der Tempobezeichnung Allegretto und 32 Variationen desselben, die sich in Charakter, Dynamik und technischer Schwierigkeit extrem unterscheiden. Das kurze, einfache Thema und die Wichtigkeit der Basslinie legen einen musikalischen Verweis Beethovens auf die Barocktanzform der Chaconne nahe.

Beethoven II – Im Schatten des Mondscheins

Beethovens Klaviersonate, op. 27,1, ist das wenig bekannte Gegenstück zu seiner Mondscheinsonate. Für beide Sonaten, die er 1801 vollendete, wählte er den Titel Sonata quasi una fantasia, womit er auf die freien Fantasien anspielte, wie sie Pianisten damals (wie die Jazzer heute) gerne und oft im Konzert improvisierten. Die vier Sätze der Es-Dur-Sonate wirken wie vier Abschnitte einer solchen Musik aus dem Augenblick: langsame Einleitung, virtuoser Einschub, neuerlicher langsamer Teil und schnelles Finale.

Russische Jahreszeiten

Tschaikowskys „Jahreszeiten“, neben der Folge von vierundzwanzig kostbaren Klavierstücken „à la Schumann“ für Kinder (Kinderalbum op.

39) sein beliebtester Klavierzyklus, verdanken wir einer schönen Idee

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des Petersburger Verlegers Nikolaj Bernard. Im November 1875 bat er Tschaikowsky, als Musikbeilagen für die zwölf Jahrgangsnummern 1876 seiner Zeitschrift „Nouvelliste“ jahreszeitlich passende Klavierstücke zu komponieren. Tschaikowsky, gelockt durch ein hohes Honorar und „sehr in Stimmung, mich jetzt mit Klavierstücken zu beschäftigen“ schrieb die zwölf Stücke von Ende 1875 bis Mai 1876. ht für nötig befunden.

Bernard hatte nicht nur den Gesamttitel des Zyklus und die Titel der einzelnen Stücke vorgegeben, er stellte ihnen auch jeweils einige Zeilen aus Gedichten bekannter russischer Lyriker voran, die mehr oder weniger assoziativ mit den Titeln der Kompositionen harmonieren. Offenbar hat Bernard die Epigramme aber erst nach der Komposition der Stücke ausgewählt; man darf sie also nicht als „literarische Vorlage“ oder gar als „Programm“ der Kompositionen verstehen. Deren charakteristische „Bilder“, so der bekannte Musikforscher Boris Asaf'ev, stellten „eine Poetisierung der russischen Natur und des ländlichen Alltags“ dar, „betrachtet aus dem Blickwinkel des ,Lebens in den Herrenhäusern‘.“ Glinka – Es war die Nachtigall …

Die Entstehung der Klaviervariationen über Alabieffs Romanze „Die Nachtigall“ fällt in jene Zeit, als Glinka bei Siegfried Dehn in Berlin das Studium von Harmonielehre und Kontrapunkt aufnahm. Zuvor lediglich mit reicher Repertoirekenntnis ausgestattet, erhielt Glinka hier seinen ersten professionellen Kompositionsunterricht. Das Werk zeichnet sich durch einen gefälligen, brillanten Klaviersatz aus, der (wie stets bei Glinka) ein sicheres Gespür für die Möglichkeiten des Instruments bezeugt.

Denn wie in seinen Kompositionen über Opernmelodien von Donizetti und Bellini nimmt Glinka den Unterschied zwischen Gesang und Instrumentalwerk sehr ernst und entkleidet die Melodie der Romanze ihrer vokalen Eigentümlichkeiten, indem er bereits im Thema auf Alabieffs Auszierungen verzichtet und die Phrasierung deutlich pianistischer gestaltet.

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Skrjabin – Quasi una Mondschein sonata

Alexander Skrjabins 2. Klaviersonate gis-Moll op. 19 wurde vermutlich 1892 begonnen, aber erst 1897 während eines Aufenthalts auf der Krim und im Herbst desselben Jahres in Paris beendet. Das Werk ist mit „Sonate-Fantaisie“ überschrieben und teilt mit einer ebenso bezeichneten unnummerierten Jugendsonate Skrjabins von 1886 ferner sowohl Tonart als auch Zweisätzigkeit. Die Zweisätzigkeit weist außerdem zurück auf zweisätzige Sonaten Beethovens (op. 78, 90, 111). Anders als bei Beethoven haben in beiden Sätzen der Sonate Skrjabins jedoch Exposition und Reprise größeren Umfang und Gewicht als die Durchführung. Nach Skrjabins eigener Aussage ist seine 2. Sonate durch Eindrücke verschiedener Meeresstimmungen inspiriert. Der erste (überwiegend in Genua entstandene) Satz evoziert demnach abendliche Ruhe und nächtlichen Mondschein an einer Meeresküste, während der zweite stürmisch bewegtes Meer widerspiegelt.

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Jasminka Stancˇul

Jasminka Stančul, in Serbien geboren, studierte in ihrer Heimat und an der Wiener Musikhochschule bei Noel Flores und bei Maria Tipo in Genf. Sie ist Gewinnerin des 1. Preises des Internationalen BeethovenWettbewerbes Wien. In der Saison 2011/12 war die Pianistin „Artist in Residence“ im Wiener Musikverein, wo sie u. a. Mozarts Klavierkonzert KV 467 mit den Wiener Symphonikern unter Lothar Zagrosek interpretierte. Mit der Uraufführung von Franz Schmidts „Fantasiestück für Klavier und Orchester B-Dur“ mit den Wiener Symphonikern unter Fabio Luisi gastiert Jasminka Stančul auch in dieser Saison wieder im Musikverein, wo sie bereits im Frühjahr 2013 mit dem 3. Bartók-Klavierkonzert und Mozarts Klavierkonzert KV 466 zu hören war. Im Frühjahr dieses Jahres konzertierte sie erstmals beim Qatar Philharmonic Orchestra und spielte neuerlich mit den Stuttgarter Philharmonikern und dem Bournemouth Symphony Orchestra. Zuvor gab sie mit Mozarts KV 488 ihr Debüt in der Royal Festival Hall mit dem Royal Philharmonic Orchestra unter Daniele Gatti und folgte

Einladungen der Deutschen Staatsphilharmonie und der Brünner Philharmonie. In ihrer erfolgreichen Karriere konzertierte Jasminka Stančul mit vielen bedeutenden Orchestern der Welt und arbeitete folglich mit wichtigen Dirigenten wie Fabio Luisi, Lorin Maazel, Kazushi Ono, Esa-Pekka Salonen, Christian Tetzlaff und natürlich Gustav Kuhn zusammen. Sie ist beim Klavier-Festival Ruhr, Schleswig-Holstein und dem Rheingau Musik Festival, Maggio Musicale Fiorentino, Settimane Musicale di Stresa, Wiener Musiksommer, Carinthischer Sommer, Radio France Montpellier sowie in Toulouse, Besançon und Bratislava aufgetreten. Nach der erfolgreichen Debüt-CD mit Beethovens Klavierkonzerten Nr. 1 und 5 erschien Anfang 2009 eine weitere CD Jasminka Stančuls beim Label col legno.

Mit dem Haydn Orchester von Bozen und Trient unter Gustav Kuhn spielte sie dafür die Mozart-Konzerte KV 271 und 595 ein.

Mit dem Brahms-Trio, dessen Mitglied sie ist, hat sie in der vergangenen Saison bei der Internationalen Stiftung Mozarteum gastiert, sie gab ihre Debüts beim Beethoven Orchester Bonn mit dem Philharmonic Orchestra Györ.

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Ring-Session Mi. 13. Juli 2016, 20 Uhr Festspielhaus

Der Vorabend zum Vorabend Eine Leitmotiv-Revue von Angelo di Montegral mit Eduardo Javier Maffei und dem Javier Quartett

1. Siegfried Call 2. Rheingold 3. Paura – Angst-Motiv 4. Hüt du dich! (Richard Strauss) 5. Riesen-Motiv 6. Siegfrieds Traum 7. Rinuncio all’amore / Liebesentzug 8. Freischütz (Carl Maria von Weber) 9. Von Freischütz zu Froh 10. Loge-Motiv 11. Winterstürme 12. Walküren-Motiv 13. Von Walküren zu Schlachtgesang 14. Schlachtgesang (Richard Strauss) 15. Utan Svafvel (Richard Strauss) 16. Siegfried-Motiv 17. Siegfried-Swing 18. Als zullendes Kind – Rock-Rap

Keine Pause Konzertende ca. 21.00 Uhr

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Musikalische Arrangements: Mauro Fabbri, Eduardo Javier Maffei, Thomas J. Mandl Szenische Gestaltung: Gustav Kuhn Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung: Thomas J. Mandl Javier Quartett Saxophone: Eduardo Javier Maffei E-Bass: Filippo Macchiarelli Piano: Alessandro Altarocca Percussion: Enrico Montanaro

Vor dem großen Wagner-Wochenende mit dem Ring an vier aufeinanderfolgenden Tagen: Motive aus Wagners Opernepos „Der Ring des Nibelungen“ werden in neuen Stücken und jazzigen Improviationen mit dem Jägerchor aus der Oper „Der Freischütz“ von Carl Maria von Weber und ebenso eigensinnigen wie überraschenden Chorwerken für Männerchor a cappella von Richard Strauss zu einer unterhaltsam swingenden Leitmotiv-Revue mit ganz eigenem Charakters verknüpft, die als Vorabend zum Vorabend nicht nur auf die vier folgenden Ring-Abende im Passionsspielhaus einstimmen sollen, sondern – wie in den vergangenen zwei Jahren auch schon geschehen – das Publikum begeistern.

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Alessandro Altarocca

Der Gewinner des Internationalen Wettbewerbs Monte Carlo im Bereich JazzSolisten 2009 begann seine Laufbahn mit klassischer Musik im Alter von acht Jahren und stieg 1985 auf Jazz um. Er wurde von Lehrern wie Franco D’Andrea, Paolo Birro, Stefano Battaglia und John Taylor unterrichtet. 1992 fing er an, Kontrabass zu spielen, und nahm Unterricht bei Attilio Zanchi und Paolo Ghetti. In den folgenden Jahren wurde die Musik mehr und mehr zu seinem Beruf, er spielte auf Jazz- und Kunstfestivals, in Theatern und in Fernsehshows.

Darüber hinaus nahm er mehr als 30 CDs für verschiedene Pop-, Jazz- und FusionLabels auf. Wichtige Tourneen führten ihn seit 1998 in die bedeutendsten Jazz- und Konzertzentren der Welt. 2012 spielte er auf der „Start Point Tournee“ in Italien mit Dennis Chambers, Eric Marienthal, Marcello Sutera und Nicola Peruch. Vor kurzem hat er eine europäische Tour mit Frank Gambale am Klavier und Keyboard beendet. 1991 nahm er seine Lehrtätigkeit am Ravenna A. M. R. auf, dem Zentrum in Italien für das europäische Jazz-Networking. Darüber hinaus lehrte er auch in den Jahren 2000 bis 2006 an der Musikakademie in Bologna als Leiter der Fakultät für Klavier- und Keyboard, eine Tätigkeit, die er auch seit 2013 am Musikinstitut in Reggio Emilia ausübt.

Eduardo Javier Maffei

Eduardo Javier Maffei wurde am 27. Februar 1987 in Italien geboren und begann mit elf Jahren, Saxophon zu spielen. 1999 begann er ein klassisches Musikstudium am Konservatorium „G. Rossini“ in Pesa-

ro bei Enzo Veddovi. 2006 graduierte er mit höchster Auszeichnung. In den Jahren 2002 bis 2006 nahm er am Internationalen Saxophon Festival in Faenza teil, wo er seine Studien in den Meisterklassen nationaler und internationaler Berühmtheiten wie Marco Albonetti, Joseph Lullof, Kenneth Tse, Griffin Campbell, Bruno Totaro, Otis Murphy, Carrie Koffman, Steven Jordheim, John Sampen and Arno Bornkamp vervollständigte und Fortbildungen bei den JazzMeistern Jose Encarnacion, Fabio Petretti, Andrew Speight, Robert Bonisolo und Jerry Bergonzi belegte.

2006 erhielt er ein Stipendium für ein Seminar des Arcevia Jazz, wo er mit Simone La Maida studierte und abschließend als bester Musiker des Workshops mit dem Preis Raffaele Giusti ausgezeichnet wurde.

2008 nahm er erfolgreich am internationalen Wettbewerb Massimo Urbani teil. Nur zwei Jahre später wurde er als bester Solokünstler beim Mediterrranean Jazz Contest ausgezeichnet. Im Juli 2011 besuchte er die internationalen Siena Jazz-Seminare, wo er gemeinsam mit Seamus Blake, Michael Blake, Pietro Tonolo, Claudio Fasoli, Eric Harland, Avishai Cohen, Kenny Werner und Pietro Loveratto arbeitete. Im selben Monat wurde er Markenbotschafter von NEWGROOVE und BORGANI Saxophones.

Eduardo Javier Maffei gab nicht nur in seiner Heimat Konzerte, sondern auch in Budapest, Tschechien, Frankreich sowie den Vereinigten Arabischen Emiraten). Er nahm zwei Alben mit der Band „Havona“ auf und spielte mit Musikern wie Maurizio Rolli, Gianni Giudici, Daniele di Gregorio und Massimo Morganti.

Er unterrichtet Saxophon bei „schuoladimusica.org“, deren Vorstand er seit 2009 angehört. Mit Gustav Kuhn arbeitet er seit

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September 2013 als Arrangeur, Komponist und Manager der Pop- und Jazzprojekte bei der Accademia di Montegral in Lucca und bei den Tiroler Festspielen Erl zusammen.

Enrico Montanaro

Enrico Montanaro wurde am 24. November 1980 in Pesaro geboren. Bereits mit zehn Jahren begann er, sich selbst autodidaktisch am Schlagzeug auszubilden und mit verschiedenen Bands aufzutreten. Seit dem Jahre 2000 spielte er für viele Jahre in professionellen Tanzmusik-Orchestern, mit denen er durch ganz Italien auf Tournee ging und mit so namhaften Musikern wie Rocky Roberts und Don Backy auftrat. Er nahm in der Folge seine Studien bei Massimo Marchione alias Elyan Fernova auf, um sich als Tour- und Studio-Schlagzeuger ausbilden zu lassen. Ab 2003 wurde er bei Roberto Gatto im Bereich Jazz, Improvisation und Begleitung ausgebildet. Seinen Abschluss mit Auszeichnung in „Jazz Music“ erhielt er 2007 am „Conservatorio di Musica G. Rossini“ in Pesaro. Dank seiner Studien bei Lele Melotti und Daniele Di Gregorio bekam er die Möglichkeit, im Orchester von Davide Di Gregorio zahlreiche populäre Gewinner einer italienischen TalentShow zu begleiten. Seit 2013 arbeitet er als Schlagzeuger am „Conservatorio di Musica G. Rossini“ in den Klassen „Big Band“ und „Ensemble Jazz“.

schon in frühen Jahren mit verschiedenen Gruppen in ganz Italien spielte. Seine Leidenschaft wurde zum Beruf: Er gründete ein Aufnahmestudio, brachte erste eigene Produktionen heraus und half bei der Organisation von Veranstaltungen mit internationalen Größen wie Randy Crawford, George Benson, Kurt Helling, Tribal Tech, Spyro Gyra und anderen. Zahlreiche Projekte mit bedeutenden Musikern folgten.

2011 realisierte er gemeinsam mit seinen Freunden Nicola Peruch und Alessandro Altarocca ein ganz persönliches Band-Projekt mit dem Title „The Start Point“, aus dem auch ein Album mit italienischen und internationalen Künstlern hervorging, darunter Gary Novak, Eric Marienthal, Dennis Chambers, Peter Erskine, John Abercrombie, Bob Franceschini, Mark Sherman, Lenny White, Fabio Nobile, Simone La Maida und Giorgio Secco. 2012 war er mit Dennis Chambers, Eric Marienthal und Eduardo Javier Maffei auf Tour. 2013 eröffnete er mit seiner Band das Konzert der amerikanischen Band „Tribal Tech“ und spielte im selben Jahr mit Scott Henderson und Adriano Molinari. 2014 tourte die Band international mit Frank Gambale.

Marcello Sutera

Marcello Sutera wurde 1977 in Cervia geboren. Sein älterer Bruder Max teilte eine große Leidenschaft für den Bass mit ihm, die dazu führte, dass Marcello sich autodidaktisch das Instrument aneignete und

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Volksweise von 1542 Hüt du dich!

Hüt du dich!

Ich weiß mir ein Mädlein hübsch und fein, hüt du dich!

Ich weiß mir ein Mädlein hübsch und fein, Es kann wohl falsch und freundlich sein, hüt du dich!

Sie hat zwei Äuglein, die sind braun, hüt du dich!

Sie säh dich nicht an durch ein Zaun, hüt du dich!

Vertrau ihr nicht, hüt du dich!

Sie gibt dir ein Kränzlein wohlgemacht, hüt du dich!

Sie gibt dir ein Kränzlein wohlgemacht, Für einen Narr’n wirst du geacht, hüt du dich!

Vertrau ihr nicht, sie narret dich!

Friedrich Kind (1768–1843) Jägerchor

Was gleicht wohl auf Erden dem Jägervergnügen?

Wem sprudelt der Becher des Lebens so reich?

Beim Klange der Hörner im Grünen zu liegen, Den Hirsch zu verfolgen durch Dickicht und Teich, Ist fürstliche Freude, ist männlich Verlangen, Erstarket die Glieder und würzet das Mahl.

Wenn Wälder und Felsen uns hallend umfangen,

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Tönt freier und freud’ger der volle Pokal!

Jo, ho! Tralalalala!

Diana ist kundig, die Nacht zu erhellen, Wie labend am Tage ihr Dunkel uns kühlt.

Den blutigen Wolf und den Eber zu fällen, Der gierig die grünenden Saaten durchwühlt, Ist fürstliche Freude, ist männlich Verlangen, Erstarket die Glieder und würzet das Mahl.

Wenn Wälder und Felsen uns hallend umfangen, Tönt freier und freud’ger der volle Pokal!

Jo, ho! Tralalalala!

Originaltext einer schwedischen Streichholzschachtel Utan Svafvel och fosfor

Utan svafvel och fosfor Jönköpings Tändsticks Tändsticksfabriks Patent Tändsticks Tändsticksfabriks Patent Paraffinerade Paraffinerade Säkerhets-, Säkerhets Tändstickor!

Utan svafvel, utan svafvel och fosfor Och fosfor, och fosfor Utan svafvel och fosfor Tända en dast mot la-dans, Tända en dast mot la-dans, Tända en dast mot la-dans …

Tända en dast mot la-dans plån, plån!

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Ohne Schwefel und Phosphor

Ohne Schwefel und Phosphor Jonköpings Streichholz Streichholzfabrikpatent Streichholz Streichholzfabrikpatent Paraffinierte, paraffinierte Sicherheits, Sicherheitsstreichhölzer ohne Schwefel Ohne Schwefel und Phosphor Und Phosphor und Phosphor Nur an der Schachtel zünd an Nur an der Schachtel zünd an Nur an der Schachtel zünd an ….

Zünd nur an der Schachtelseite!

Johann Gottfried Herder (1744–1803) Schlachtgesang

Kein sel’ger Tod ist in der Welt Als wer vor’m Feind’ erschlagen, Auf grüner Haid’ im freien Feld Darf nicht hör’n gross Wehklagen, Im engen Bett, da ein’r allein Muss an den Todesreihen, Hie aber findt er Gsellschaft fein, Fall’n mit, wie Kräuter im Mayen.

Ich sag ohn’ Spott, Kein selig’r Tod Ist in der Welt, Als so man fällt, Auf grüner Haid,

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Ohn Klag und Leid!

Mit Trommeln Klang Und Pfeiffern G’sang, Wird man begraben, Davon thut haben Unsterblichen Ruhm.

Mancher Held fromm, Hat zugesezt Leib und Blute Dem Vaterland zu gute.

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Ring-Nachklang Mo. 18. Juli 2016, 17 Uhr / 20 Uhr Festspielhaus

Eine „Kammermusik-Apotheose“ in zwei Teilen mit Elisabeth Leonskaja und dem Ensemble Risognanze Teil I

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756–1791) Klavierquartett KV 478 1. Allegro 2. Andante 3. Rondo: Allegro JÖRG WIDMANN (1973) Elf Humoresken für Klavier Nr. 1 Kinderlied Nr. 2 Fast zu ernst Nr. 3 Anfangs lebhaft Nr. 4 Waldszene Nr. 5 Choral Nr. 6 Warum?

Nr. 7 Intermezzo Nr. 8 Zerrinnendes Bild Nr. 9 Glocken Nr. 10 Lied im Traume Nr. 11 Mit Humor und Feinsinn {Pause}

ROBERT SCHUMANN (1810–1856) Klavierquartett Es-Dur, op. 47

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1. Sostenuto assai – Allegro ma non troppo 2. Scherzo: Molto vivace 3. Andante cantabile 4. Finale: Vivace Klavier: Elisabeth Leonskaja Geige: Bogdan Božovicˇ Viola: Mariko Hara Violoncello: Giovanni Gnocchi 1 Pause (25 Minuten) um ca. 17.40 Uhr Ende des 1. Teils gegen 18.45 Uhr

Teil II

FEDERICO GARDELLA Architetture del suono e del silenzio FRANCO DONATONI Hot {Pause}

TOSHIO HOSOKAWA The Raven Monodram für Mezzosopran und 12 Spieler basierend auf „Der Rabe“ von Edgar Allan Poe (Österreichische Erstaufführung) Ensemble Risognanze Mezzosopran: Martina Belli Musikalische Leitung: Tito Ceccherini Beginn um 20.00 Uhr 1 Pause (25 Minuten) um ca. 20.25 Uhr Konzertende gegen 21.35 Uhr

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Mozarts revolutionäres Klavierquartett

1785, mitten in der Arbeit an „Figaros Hochzeit“, erhielt Mozart von seinem Verleger Franz Anton Hoffmeister den Auftrag, drei Klavierquartette zu schreiben. Nach dem Verständnis des Auftraggebers und dem der meisten Zeitgenossen gehörten Klavierquartette wie Klaviertrios zur „begleiteten“ Klaviermusik, d. h. die Streicher spielten in ihnen eine untergeordnete Rolle, das Klavier führte. Unglücklicherweise hatte Mozart eine andere Vorstellung von der Gattung. Er strebte einen echten Dialog zwischen Streichern und Fortepiano an, was er in seinen beiden Klavierquartetten exemplarisch demonstrierte. Wie neuartig dieses Stück auf die Zeitgenossen gewirkt haben muss, wird noch heute in den ersten Takten spürbar. Das schroffe Hauptthema tritt unvorbereitet ein, mit einer Energie, die an Beethovens Fünfte Symphonie erinnert. Es beherrscht den gesamten ersten Satz, wird ins Piano zurückgenommen, in die linke Hand des Klaviers versetzt, führt zu einer komplizierten Durchführung und einer wilden Coda. Über der Dynamik dieses Hauptthemas vergisst man fast, dass der Satz insgesamt vier Seitengedanken aufweist – eine verschwenderische Themenfülle, die für den Mozart der Figarozeit typisch ist. Das Andante mildert den Ernst der Einleitung. Es ist ein lyrisches Intermezzo über zwei betont schlichte, liebliche Themen, die Klavier und Streicher im Dialog entfalten. Das Rondofinale wartet mit einer Fülle vitaler Tanzthemen auf. In der Durchführung klingt freilich die Erregung des ersten Satzes noch nach, und die Coda – nach einem dramatischen Trugschluss – entlockt dem Thema, wie im ersten Satz, ungeahnte Pointen.

Widmanns pianistische Charakterstücke

Der auf Robert Schumann verweisende Titel der elf Humoresken gibt bereits den Grundton dieser zwischen romantischer und zeitgenössischer Tonsprache wechselnden Charakterstücke vor. So unterstreicht es der Komponist auch in seinem Vorwort: „Möge der Interpret in jedem der Stücke dessen ganz eigenen Tonfall entdecken und ihn, mal spöttisch,

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dann wieder trocken, hier melancholisch verhangen, aber immer mit Humor und Feinsinn zum Klingen bringen.“ Schumanns geheimnisvolles Ganzes

Robert Schumann komponierte sein einziges Klavierquartett in Es-Dur, op. 47, als letztes größeres Werk in seinem sogenannten „Kammermusikjahr“ 1842. Ende Oktober 1842 entwarf und instrumentierte er das Klavierquartett mit der ihm eigenen Schnelligkeit in nur fünf Wochen.

Bis zur Uraufführung im Leipziger Gewandhaus mit seiner Frau Clara am Klavier und Ferdinand David an der Geige vergingen freilich noch zwei Jahre intensiver Privataufführungen und Revisionen, an denen auch Felix Mendelssohn maßgeblich beteiligt war. Die vier Sätze des Klavierquartetts sind in sich und untereinander thematisch eng verwoben: Die langsame Einleitung des Kopfsatzes kehrten im Lauf des Allegro noch zweimal wieder, vor der Durchführung und der Coda.

Schumann hat diesen Zug des Satzes von Mozart übernommen (Streichquintett D-Dur, Ouvertüre zur „Zauberflöte“). Das zweite Trio greift dessen Hauptmotiv des Scherzos auf. Am Ende des langsamen Satzes wird die Kontur des Finalthemas vorweggenommen. Auf diese Weise scheinen alle Teile des Werkes zu einem geheimnisvollen Ganzen zu verschmelzen. (www.kammermusikfuehrer.de)

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Aus Klang und Stille gebaut

„Vor allem für neuere Formen der Musik, wie sie in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts entstehen, wird Stille ein unverzichtbares Element.

Sie erscheint hier als Gegensatz zu Bewegung und Fortschreitung, die ja über Jahrhunderte hinweg zum Wesen der Musik gehörten. Eine Musik aber, die jeglicher Bewegung im Sinne einer linearen Entwicklung entbehrt, ist der Stille vergleichbar – weil sie wie diese nicht in der Zeit fortschreitet, sondern sich lediglich ausbreitet. Einzelne Klangereignisse erscheinen dann als Inseln im Meer der Stille. (…) Stille ist also keineswegs das Gegenteil von Musik, sondern vielmehr ein wesentlicher Teil von ihr. Und wenn man das lautlose, grafisch-pantomimische Gestikulieren von Interpreten oder das Hören von Umweltgeräuschen als eine andere Art von Klangerlebnis anerkennt, dann kann man sogar sagen: Stille ist Musik und Musik ist Stille.“ (Philipp Ortmeier) Manche mögen’s heiß

„Hot“ selbst entwickelt sich durch Wiederholung und Transmutationen.

Der Komponist beschrieb das Stück als eine Art „imaginären Jazz“. Dieser beginnt mit einem Rhythmus – Piano, Bass und Schlagzeug – als seltsam geschnürte und zusammengesetzte Basslinie, sehr weich, aber mit sorgfältig platzierten Akzenten. Dann bringt er das Blech mit ins Spiel (gestopfte Trompete und Posaune), das im Hintergrund eine Phrase spielt, die fast ausschließlich aus Sekunden besteht, der ultimativ engsten Harmonie – eigentlich eine Art verschmiertes Unisono. Wenn das SoloSaxophon sich einbringt, hat es immer auch einen Schatten bei sich: die Klarinette, die sowohl als Echo und Ansporn dient. Donatoni steigert allmählich die Dynamik, indem er jedem Instrument reihum die Führungsrolle überträgt wie in einer klassischen Jazz-Formation. Das Stück wächst durch organische Veränderung, lebt aber zugleich von den Vorschlägen des Komponisten in Form konkreter Schlagzeugvorgaben eher konventioneller Natur, die die allgemeinen Erwartungen auch ein wenig verspotten. Mit dem Wechsel von der Marimba zu den Bongos beginnt

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er eine Überblendung, die zu einer Reprise des gesamten Prozesses führt.

Roto-Toms geleiten uns in eine Coda, die mit einer Mini-Kadenz endet.

(Anmerkungen zum Werk: LA Phil)

Rabenschwarzes Schicksal

„Als ich ‚The Raven‘ von Edgar Allan Poe las, erinnerte es mich an japanische No¯-Theaterstücke. Deren Blick auf die Welt ist nicht anthropozentrisch; einige der Hauptcharaktere im No¯ sind vielmehr Tiere und Pflanzen, andere sind unirdische Geister. Poe beschrieb den Prozess des Zusammenbruchs der modernen Welt als Konsequenz einer „Invasion“ dieser Welt durch ein seltsames Tier, das in einer anderen Dimension lebt – dem Raben. Ich habe für die Vertonung dieses Gedichts die dem No¯-Theater nahe Form des Monodrams für Mezzosopran und Ensemble gewählt.“ (Toshio Hosokawa) Edgar Allan Poe (1809–1849) Der Rabe

Als um Mitternacht ermüdet ich das düstre Haus gehütet Über manchem Buch voll Weisheit, alter, fast vergess’ner Lehr, Als ich schon mehr schlief als wachte, war mir, eh’ ich’s noch bedachte, So, als klopfte jemand sachte, sachte an die Zimmertür. „Irgend ein Besucher“, murrt’ ich, „klopft an meine Zimmertür, Das wird’s sein, nichts weiter mehr.“ Ach, im Flammenschein der roten Kohlen tanzten Unglücksboten Aus dem kalten Land der Toten, im Dezember, öd und leer.

Und wie ungeduldig sehnte ich mich nach dem Tag, als fände Mit ihm meine Qual ein Ende um Lenor, die weit von hier, Um Lenor, das Mädchen, das nun Engel preisen, weit von hier.

Ungenannter Name hier nunmehr.

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Schreckensbilder ließ mich sehen eines Purpurvorhangs Wehen, Es umhüllte und erfüllte mich mit Furcht wie keiner je vorher.

Und um meines Herzens Schläge abzuschwächen, sprach ich träge: „Nur ein Fremder, der vom Wege abkam, steht an meiner Tür, Nur ein später Gast sucht dringend Einlass hier an meiner Tür.

Das ist alles, sonst nichts mehr.“ Und sogleich verging mein Zagen, und ich hört’ mich plötzlich sagen: „Wer’s auch sei, Herr oder Dame, um Vergebung bitt’ ich sehr, Denn Ihr Klopfen war so sachte, dass ich kaum davon erwachte Und an alles andre dachte als daran, dass an die Tür Ein Besucher klopfen könnte. Und ich öffnete die Tür: Dunkel dort, nichts weiter mehr.

Und in dieses Dunkel spähend, stand ich, angstvoll um mich sehend, Zweifelnd, Träume träumend, wie sie noch kein Mensch geträumt bisher.

Ungebrochen war das Schweigen, und die Stille gab kein Zeichen, Nur ein Wort ließ mich erbleichen, das geflüstert drang zu mir, Dieses Wort Lenor, das selber ich gesprochen, raunte mir Jetzt ein Echo zu, nichts mehr.

Als ich mich ins Zimmer wandte und in mir die Seele brannte, Hörte ich erneut das Pochen, etwas lauter als vorher. „Sicher, sagt ich qualbeladen, etwas mit dem Fensterladen, Will doch seh’n, ob ohne Schaden das Geheimnis ich mir klär’, Schweig, mein Herz, dass ohne Schaden das Geheimnis ich mir klär ‚s ist der Wind, nichts weiter mehr.“ Auf warf ich den Fensterladen; flatternd und mit Flügelschlagen Trat ein Rabe ein, als ob er aus den Tagen Noahs wär.

Und nicht einen Diener macht’ er, nicht an eine Pause dacht’ er, Stolz setzt’ er sich wie ein Pachtherr über meine Zimmertür.

Setzt’ sich auf die Pallas-Büste über meiner Zimmertür.

Saß dort und nichts weiter mehr.

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Doch das schwarze Tier verführte, weil es sich so eitel zierte, Meine Kümmernis zum Lächeln, und ich sagte ungefähr: „Ist dein Helmbusch auch geschoren, scheinst du doch als Held geboren, Von der Düsternis erkoren, flogst Du weit vom Nachtland her, Sag, welch ist dein edler Name von des Pluto Nachtland her?“ Sprach der Rabe: „Nimmermehr.“ Und mein Staunen war unendlich, denn das Tier, es sprach verständlich, Schien die Antwort auch ein wenig dunkel und etwas verquer; Denn wir müssen eingestehen, dass kein Lebender gesehen Je solchen Vogel spähen oben von der Zimmertür, Einen Vogel von der Büste über seiner Zimmertür, Der sich nannte „Nimmermehr“.

Doch der Rabe, wie erhoben auf der Büste sitzend oben, Sprach aus tiefster Seele dieses eine Wort bedeutungsschwer.

Und kein andres gab er von sich, seine Federn unbeweglich, Da, kaum hörbar, sprach ich kläglich: „Gleich den andern wird auch er Mich verlassen, so wie meine Hoffnung schwindet, geht auch er.“ Sprach der Rabe: „Nimmermehr.“ Als das Schweigen war gebrochen, weil so trefflich er gesprochen, Sagte ich zu mir erschrocken: „Zweifellos, dies Wort ist der Letzte Rest, der ihm geblieben von dem Herrn, der’s einzuüben Niemals müde ward, getrieben von des Unglücks Wiederkehr, Der all seine Grabgesänge schloss in steter Wiederkehr Mit dem „Niemals-Nimmermehr“.

Doch der Vogel führte weiter aus der Trauer mich, fast heiter Rollte ich mir einen Sessel stracks zur Tür, dorthin, wo er Hockte, und ich ließ mich nieder und vertraut mich dem Gebieter Phantasie an, um darüber nachzudenken, was das Tier, Was das schwarze ungeschickte, uralt-ominöse Tier Wohl gemeint mit „Nimmermehr“.

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Dieses zu erraten saß ich, doch mit keiner Silbe maß ich Diesen Vogel, dessen Augen mich durchdrangen wie ein Speer; Dies und mehr noch wollt’ ich wissen, dabei lehnt’ ich mich auf’s Kissen, Dessen Samt im ungewissen Schein der Lampe glänzte schwer, Aber, ach, den violetten Samt im Schein der Lampe schwer Wird sie drücken nimmermehr!

Dann, so schien es mir, als schwenkte jemand Weihrauch, dabei lenkte Klingelnd ein Seraph die Schritte durch das Zimmer kreuz und quer. „Ärmster“, rief ich, „dein Gott sendet einen Engel dir und spendet Linderung, und er beendet um Lenor die Qualen schwer, Trink dies gütige Nephentes und vergiss die Qualen schwer!“ Sprach der Rabe: „Nimmermehr.“ Und ich sprach: „Prophet des Teufels, Kreatur des bösen Zweifels, Ob ein Sturm dich hierher sandte oder dich der Luzifer Hier in diesem Haus voll Schrecken hat geheißen, mich zu wecken, Um sein Urteil zu vollstrecken – ich beschwör dich, sag es mir, Wird man mich in Gilead trösten, ich beschwör dich, sag es mir!“ Sprach der Rabe: „Nimmermehr.“ „Ob du Vogel oder Teufel“, sagte ich, „nimm mir die Zweifel, Bei dem Himmel, der sich über uns erhebt, bei Gottes Ehr’, Sag der Seele, ob zu Eden sie dereinst noch wird genesen, Wenn ich küss’ das keusche Wesen, ob Lenor mir wiederkehr – Dass das wunderbare Wesen, dass Lenor mir wiederkehr!“ Sprach der Rabe: „Nimmermehr.“ „Vogel, Teufel!“, schrie ich bleichen Angesichts, „dies Wort als Zeichen Unsrer Trennung! Scher dich wieder in die Nacht, flieh übers Meer!

Lass als Lügenzeugnis keine Feder hier! Stör mir nicht meine Einsamkeit! Und nie erscheine wieder über meiner Tür!“ Aus dem Herz mir nimm den Schnabel und entfern’ dich von der Tür!“ Sprach der Rabe: „Nimmermehr.“

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Und der Rabe, unbeweglich, sitzt noch täglich, sitzt alltäglich Auf der bleichen Pallas-Büste über meiner Zimmertür; Und in seinen Augen wohnen alle Träume von Dämonen, Seinen Schatten wie geronnen wirft die Lampe schwarz und schwer Auf den Boden; doch erheben wird sich aus dem Schatten schwer Meine Seele nimmermehr. (Übersetzung: Manfred Uhlig und Ole Törner)

Elisabeth Leonskaja

„La dernière grande Dame de l’Ecole Soviétique“ schreibt ein französischer Journalist, ein spanischer Kritiker sagt: „Anti-Diva“.

Beides trifft zu. Seit Jahrzehnten gehört Elisabeth Leonskaja zu den gefeierten großen Pianistinnen unserer Zeit. In einer von den Medien dominierten Welt bleibt Elisabeth Leonskaja sich und der Musik treu, ganz in der Tradition der großen sowjetischen Musiker, wie u. a. David Oistrach, Swjatoslaw Richter, Emil Gilels, denen es trotz schwierigster politischer Bedingungen stets um die Quintessenz der Musik ging.

Ihre fast legendäre Bescheidenheit macht Elisabeth Leonskaja noch immer medienscheu. Betritt sie aber die Bühne spürt das Publikum die Kraft, die daraus erwächst, dass sie die Musik als ihre Lebensaufgabe empfindet und pflegt. Geboren in Tiflis, Georgien, in einer russischen Familie galt sie als Wunderkind, das schon mit 11 Jahren seine ersten Konzerte gab. Ihr ungewöhnliches Talent brachte sie bald zum Moskauer

Konservatorium. Noch als Studentin des Moskauer Konservatoriums gewann sie Preise bei den berühmten internationalen Klavierwettbewerben: Enescu, Marguerite Long und Queen Elisabeth. Elisabeth Leonskajas musikalische Entwicklung wurde entscheidend von ihrer Zusammenarbeit mit Swjatoslaw Richter geprägt. Der geniale Pianist erkannte ihr außergewöhnliches Talent und förderte sie nicht allein durch Unterrichten und Beraten, sondern auch indem er sie einlud, etliche Duo-Konzerte mit ihm zu spielen. Ein musikalisches Ereignis!

Die musikalische und persönliche Freundschaft zwischen Swjatoslaw Richter und Elisabeth Leonskaja hielt bis zum Ableben Richters im Jahre 1997 an. 1978 verließ Elisabeth Leonskaja die Sowjetunion, um Wahlwienerin zu werden. Ihr sensationeller Auftritt bei den Salzburger Festspielen 1979 markierte den Anfang einer stets wachsenden Konzertkarriere im Westen.

Bei aller solistischen Tätigkeit behält die Kammermusik einen großen Platz in ihrem Schaffen, und sie konzertiert immer wieder

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mit den Quartetten Emerson, Borodin und Artemis. Elisabeth Leonskaja hat lange Zeit mit dem Label Teldec aufgenommen und danach mit dem Label Dabringhaus. Ihre jüngste Solo-CD „PARIS“ erschien am 10.

Oktober 2013 bei eaSonus (www.eaSonus. com) mit Werken von Ravel, Enescu und Debussy (Solo CD des Jahres bei ICMA).

Eine komplette Aufnahme der Schubert Sonaten wird ebenso im Herbst 2015 bei eaSonus folgen. Sie ist Ehrenmitglied des Wiener Konzerthauses. Im Jahre 2006 wurde ihr ferner das Österreichische Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst erster Klasse für besondere Verdienste um die Kultur des Landes verliehen, die höchste Auszeichnung Österreichs. Heute ist aus der „Tasten-Löwin“ eine reife Ausnahmepianistin geworden, die ihre Virtuosität nie in den Vordergrund stellt und überall wärmstens gefeiert wird. Aus dem Musikmagazin „Diapason“ von Andre Boucourechliev (Paris): „Der Weg Elisabeth Leonskajas ist ein Weg der Gipfel. Indem sie sich immer wieder selbst übertrifft sowie durch ihren hohen Anspruch, ihre Leidenschaft und Intelligenz stellt sie sich in eine Reihe mit den Größten, nicht allein von heute, sondern der ganzen Epoche: in eine Reihe mit einer Clara Haskil, einem Lipatti, die Modernität kommt hinzu.“ Mariko Hara

Mariko Hara wurde 1984 in Tokio geboren, wo sie im Alter von fünf Jahren ersten Geigenunterricht an der Toho Musikschule

erhielt. 2005 wechselte Mariko zur Viola, nachdem sie die Bratscherin Nobuko Imai kennenlernte. Bei ihr sowie bei Antoine Tamestit und Steven Isserlis vervollkommnete sie ihre Ausbildung. Im Alter von 16 debütierte Mariko Hara als Solistin mit Tschaikowskys Violinkonzert mit dem Japan Philharmonic Orchestra. Mittlerweile konzertierte sie als Solistin unter anderem mit den Duisburger Philharmonikern, Georgian Symphonietta, der Deutschen Kammer Akademie, dem Symphonieorchester Tunis und den Georgischen Philharmonikern.

Konzertabende gab sie in renommierten Konzertsälen in Japan, UK, Deutschland, Holland, der Schweiz, Finland, Estland, Italien, Portugal, Georgien, Tunesien, Taiwan, Vietnam und den USA. Sie erhielt Einladungen von internationalen Musikfestivals wie zum Beispiel Verbier, Kuhmo, IMS Prussia Cove oder Luzern.

Mariko Hara ist eine begeisterte Kammermusikerin und musizierte u. a. mit Steven Isserlis, Pavel Vernikov, Arto Noras, Christian Tezlaff oder dem Tokyo Quartett. Von 2004 bis 2010 war sie Mitglied des Jupiter Quartet Japan. Ein Dokumentarfilm des Japanischen Fernsehens, in der das Quartett drei Jahre lang bei seinen Aktivitäten begleitete, gewann den renommierten „Galaxy Award“ in Japan.

Mariko Hara erhielt verschieden Stipendien und Förderungen, so zum Beispiel von der „Hugo de Senger Foundation“, der „Rohm Musik Foundation“, der „Mozart Gesellschaft in Dortmund“ und der „Dr. Carl Doerken Stiftung“. Im März 2013

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erschien Mariko Haras Debüt-SACD „Fantasie“ beim Label ARS Produktion. Zahlreiche Rundfunkanstalten stellten diese Aufnahme vor und erhielten begeisterte Kommentare. Die internationale Fachpresse überschlug sich mit Superlativen, wie zum Beispiel im deutschsprachigen Raum: „Brilliante Bratsche: Egal, ob Schumann, Brahms oder Hindemith, alles, da: Emotionen, Klangfarben, Wille zu Ausdruck und Gestaltung“ schrieb beispielsweise das Schweizer Magazin „Musik & Theater“ . „Absolut bemerkenswert!“, resümmierte die Wiener Zeitung, und die Zeitschrift AUDIO veröffentlichte eine hervorragende Rezension mit den Worten: „Mariko Hara: ein vielversprechendes Talent“. Sie gab 14 Konzerte für die Serie „Best of NRW“ (2014/15), und im Oktober 2016 wird sie im Wiener Konzerthaus spielen.

künstlerische Impulse erhielt er durch das Musizieren mit einigen seiner Kammermusikpartner wie Lukas Hagen, Steven Isserlis und Christian Tetzlaff. Er hat sich auf den Meisterkursen bei Ferenc Rados, Pamela Frank und Ogor Ozim weitergebildet. Bogdan Bozovic ist ein begeisterter Interpret zeitgenössischer Musik und hat mit Komponisten wie Heinz Holliger und Georg Friedrich Haas zusammengearbeitet.

Er spielte mit dem Ensemble Phoenix Basel, Camerata Variabile Basel, OeNM (Salzburg) und ist als Konzertmeister des Ensembles Diagonal Basel am Lucerne Festival 2011 aufgetreten. Er nahm an Festivals wie Klangspuren Schwaz und Zeitkunst (Berlin / Paris) teil. Seit dessen Gründung im Jahre 2011 ist er Mitglied des Leondari Ensembles. 2012/2013 wurde er Mitglied im Wiener Klaviertrio.

Bogdan Božovic

Giovanni Gnocchi

Bogdan Božovic, in Belgrad geboren, erhielt bereits im Alter von sechs Jahren seinen ersten Geigen- und Klavierunterricht. Er studierte bei Vesna Stankovic in Belgrad, Klara Flieder in Salzburg und Rainer Schmidt in Basel (Master mit Auszeichnung). Im Laufe seines Studiums endeckte Bogdan Bozovic seine Vorliebe für Kammermusik, was zu Engagements an zahlreichen europäischen Festivals u. a.

Prussia Cove (jährlich ab 2008; im 2011 Teilnahme an der Open Chamber Music Tour), Chamber Music Connects the World 2012, Diabelli Sommer führte. Wichtige

Giovanni Gnocchi war von 2003 bis 2010 Solo-Cellist der Camerata Salzburg und von 2011 bis 2012 Guest Principal Cellist im Royal Philharmonic Orchestra in London. Er ist Preisträger der Prague Spring Intenational Cello Competition und der Antonio Janigro Competition Zagreb. Im Duo gewann er außerdem Preisen bei dem Parkhouse Award in der Wigmore Hall sowie im Trio den Haydn Wettbewerb in dem Konzerthaus in Wien. Er debütierte als Solist mit Orchester an der Seite von Yo-Yo Ma, der sagte über ihn: „Ich hatte die Ehre mit Giovanni Gnocchi zu spielen, der sich sehr

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musikalisch und offen für neue Ideen zeigte: er ist ein wundervoll talentierter Cellist der einen wertvollen musikalischen Beitrag leisten wird wo immer ihn sein Weg auch hinführen mag“.

Wenig später trat er mit Gustavo Dudamel in Salzburg auf („…mit dem jungen Dirigenten Gustavo Dudamel, der Cellist Giovanni Giovanni demonstrierte bei Haydns Cellokonzert D-Dur technische Brillanz und sichtliche Freude am Musizieren…“) und es folgten Konzerte an der Seite von Christopher Hogwood, Carlo Rizzi, Daniel Cohen, Daniele Giorgi und Pavle Despalj in Hong Kong, Salzburg (Mozartwoche), Wien, Essen, Mannheim und Stuttgart, und oft in Italien. Dabei arbeitete er mit Orchestern wie dem Zagreb Philharmonic Orchestra, dem Orchestra della Toscana und mehrfach mit der Camerata Salzburg zusammen.

Giovanni Gnocchi war Gründungsmitglied des David Piano Trios, mit dem er zwei 1. Preise in internationalen Kammermusikwettbewerben in den USA gewann. Außerdem gewann dieses Trio den „Vittorio Gui“ Wettbewerb in Florenz. Er konzertierte bereits mit Persönlichkeiten wie den Mitgliedern des Hagen Quartetts, Leonidas Kavakos, Diemut Poppen, Thomas Riebl, Patrick Demenga, Hariolf Schlichtig, Howard Shelley, Barbara Bonney, Christine Schäfer, Vladimir Mendelssohn, Marco Rizzi, Eliot Fisk und Herbert Schuch. Darüberhinaus trat er bei bedeutenden Festivals wie Festival Casals Prades, Lugano Festival, Festival Radio-France in Montepellier, Open Chamber Music in Prussia Cove, Con-

certi del Quirinale in Rom, Schubertiade Schwarzenberg und Haydn Festspiele in Eisenstadt auf.

Aber auch als Orchestermusiker ist er gern gesehener Gast Solo-Cellist bei Klangkörpern wie Philharmonia Orchestra London, Münchner Philharmoniker, Mahler Chamber Orchestra, London Symphony, SWR Sinfonieorchester, Sydney Symphony Orchestra und Orchestra Mozart in Bologna mit Claudio Abbado. Seit 2008 ist er Mitglied im Lucerne Festival Orchestra.

In Salzburg und in England spielte er auch Brahms Doppelkonzert mit Sergey Malov, und zu seinen letzten Engagements gehören Konzerte in duo und Trio mit Alexander Lonquich und Ilya Gringolts, Brahms Sextette mit Leonidas Kavakos, Kammermusik in dem neuen Ark-Nova Hall von Matsushima in Japan mit dem Sextett von Soloist of the Lucerne Festival Orchestra (mit Wolfram Christ und JensPeter Maintz), Konzerte mit Beethoven Tripelkonzert, Tchaikowski Rokoko Variationen und Haydn, Boccherini und Dvorak Cello Konzerte in Italien, und ein Konzert als Solist zusammen mit Mario Brunello.

Er spielte auch Gulda Cellokonzert unter der Leitung von Gabor Mezaros, und er wird dieses Stück wieder im Sommer mit Orchestra Filarmonica del Teatro la Fenice di Venezia aufführen.

1977 in Cremona geboren, studierte Giovanni Gnocchi bei Rocco Filippini, Mario Brunello und Enrico Bronzi. Anschließend wechselte er an die Universität Mozarteum Salzburg in die Klasse von Clemens

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Hagen. Masterclasses führten ihn u. a. zu Heinrich Schiff, Steven Isserlis, Natalia Gutman, David Geringas, Gary Hoffman, Gabor Takács-Nagy, Erich Höbarth, Hatto Beierle und Ferenc Rados. Als Lehrer war er an der Scuola di Musica di Fiesole, der Accademia di Portogruaro und beim Festival Cameralia in Santiago de Compostela tätig. In 2008 er hat die Cello-Klasse von Accademia „Incontri col Maestro“ di Imola gegründet und in 2013 wurde er als Univ.

Professor für Violoncello an die Universität Mozarteum Salzburg berufen.

Tito Ceccherini

siehe Seite 189 Ensemble Risognanze

Vor mehr als zehn Jahren wurde das „Risognanze“ gegründet und etablierte sich sehr schnell als eines der führenden Ensembles für zeitgenössische Musik in Italien sowie in der internationalen Szene. 1996 gegründet, lag ein Hauptaugenmerk der Musikgruppe schon früh in der Interpretation der Musik des damals gerade verstorbenen Niccolò Castiglioni: Sogar der Name des Ensembles – eine Mischung aus den italienischen Begriffen für „Resonanz“ und „Traum“ – ist die geistige Erfindung des Mailänder Komponisten, der einen Kammermusikzyklus mit dieser Wortschöpfung übertitelte. Darüber hinaus zählt das Zusammentreffen mit Komponisten unserer Zeit, das mit ihnen Arbeiten und Diskutieren zu einem wichtigen und charakte-

ristischen Aspekt der eigenen Arbeit. So entwickelte sich beispielsweise auch eine bedeutende Beziehung zu Salvatore Sciarrino und seiner Musik. Die Aufführung seiner Oper „Luci mie traditrice“ – später auch als ausgezeichnete Einspielung auf CD herausgebracht – erlangte große Anerkennung sowohl von Seiten des Publikums als auch von der Kritik. Neben der Aufführung zahlreicher seiner Werke wurde dem Ensemble Risognanze auch die Uraufführung von Sciarrinos „Lohengrin 2“ beim Ravello Festival 2004 anvertraut. Eine enge und vertraute Zusammenarbeit verbindet das Ensemble u. a. auch mit Alessandro Solbiati, Stefano Gervasoni, Emanuele Casale sowie immer wieder auch mit jungen Nachwuchskomponisten.

Das Ensemble Risognanze wurde zu so renommierten Festivals wie Milano Musica, Torino Settembre Musica, die Tiroler Festspiele Erl oder das Festival Borealis eingeladen und spielt regelmäßig Konzerte in den bedeutenden Musikzentren der Welt.

Zu den Künstlern, die mit dem Ensemble gearbeitet haben, zählen beispielsweise Luisa Castellani, Giulia Lazzarini, Ruggero Laganà, Marianne Pousseur, Ottavia Piccolo und Omar Zoboli. Zahlreiche CDEinspielungen zeugen von der Vielseitigkeit und der hohen Qualität der Musiker und ihres Zusammenspiels. Seit der Gründung wird das Ensemble Risognanze von Tito Ceccherini geleitet und dirigiert.

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Davide Cabassi Klavierabend Di. 19. Juli 2016, 20 Uhr Festspielhaus

im Rahmen des Russland-Schwerpunkts

SERGEJ Prokofjew (1891–1953) Visions fugitives op. 22 Lentamente – Andante – Allegretto – Animato – Molto giocoso – Con eleganza – Pittoresco – Commodo – Allegretto tranquillo – Ridicolosamente – Con vivacità – Assai moderato – Allegretto – Feroce – Inquieto – Dolente – Poetico – Con una dolce lentezza – Presto agitatissimo e molto accentuate – Lento irrealmente PETER I. TSCHAIKOWSKY (1840–1893) Nussknacker-Suite op. 71 a in einer Bearbeitung von Mikhail Pletnev Ouverture miniature: Allegro giusto Danses caractéristiques: Marche: Tempo di marcia viva Danse de la Fée Dragée (Tanz der Zuckerfee): Andante non troppo Danse russe Trepak (Russischer Tanz): Tempo di Trepak, molto vivace Danse arabe (Arabischer Tanz): Allegretto Danse chinoise (Chinesischer Tanz): Allegro moderato Danse des mirlitons (Tanz der Rohrflöten): Moderato assai, 2/4 Takt, D-Dur Valse des fleurs (Blumenwalzer): Tempo di Valse

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{Pause}

MODEST MUSSORGSKY (1839–1881) Bilder einer Ausstellung 1. Promenade 2. Gnomus – Promenade 3. Das alte Schloss – Promenade 4. Tuilerien. Spielende Kinder im Streit 5. Bydlo – Promenade 6. Ballet der Kücklein in ihren Eierschalen 7. Samuel Goldenberg und Schmuyle – Promenade 8. Der Marktplatz von Limoges 9. Die Katakomben. Mit den Toten in der Sprache der Toten 10. Die Hütte der Baba-Yaga 11. Das große Tor von Kiew Klavier: Davide Cabassi

1 Pause (25 Minuten) um ca. 20.40 Uhr Konzertende ca. 22.00 Uhr

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Flüchtige Erscheinungen

Die „Visions fugitives“ op. 22 sind eine Sammlung 20 kurzer Klavierstücke. Sie wurden von Prokofiev zwischen 1915 und 1917 geschrieben und beziehen sich auf ein Gedicht des russischen Lyrikers Konstantin Balmont (1867–1942), der in einem Vers schreibt: „In jeder flüchtigen Erscheinung sehe ich Welten, voll vom Wechselspiel der Regenbogenfarben …“ Musikalischer Zuckerguss

„Der Nussknacker“ ist sicher einer der größten Klassiker Tschaikowskys.

Unübertroffen die musikalische Meisterschaft: Zauberhafte Melodien, Dramatik, Farbenreichtum – eingängliche Musik, die wie mit einem musiaklischen Zuckerguss überzogen scheint, dabei aber nie wirklich kitschig wird oder Gefahr läuft, in die bloße Banalität der Gefälligkeit abzurutschen. Glanzstücke wie diese inspirieren immer wieder zu Bearbeitungen. Die wohl bekanntesten für Klavier sind die Konzertsuiten von Mikhail Pletnev. Der Pianist, Dirigent und Komponist hat ein Faible für romantische und russische Musik. Pletnev erweitert das pianistische russische Repertoire, indem er selber immer wieder Arrangements und Transkriptionen beisteuert.

Bilder eines verstorbenen Freundes

Innerhalb kurzer Zeit, zwischen dem 2. und 22. Juni 1874, schrieb Modest Petrowitsch Mussorgski den Klavierzyklus „Bilder einer Ausstellung“ (Kartinki s wystawki). Dem plötzlich verstorbenen Freund Viktor Alexandrowitsch Hartmann (1834–1873) war auf Betreiben des Kunstkritikers Wladimir Wassiljewitsch Stassow eine Ausstellung mit künstlerischen Arbeiten (Zeichnungen, Aquarelle, Entwürfe u. ä.) gewidmet worden, und Mussorgski fasste den Entschluss, das Andenken Hartmanns durch eine Sammlung von Klavierstücken, die einige seiner Werke musikalisch darstellen sollten, zu ehren. Ursprünglich hieß dieser Zyklus

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„Hartmann“. Mussorgski lernte Hartmann, der an der Petersburger Akademie der Künste studiert hatte, wahrscheinlich um 1870 bei Stassow kennen. Für seinen Zyklus wählte Mussorgski überwiegend Zeichnungen und Aquarelle aus, die Hartmann von seinen Auslandsreisen, u. a. nach Italien und Frankreich, mitgebracht hatte. Der vorliegenden Ausgabe liegt ein Faksimiledruck des Autographs (vgl. Kritische Anmerkungen) zugrunde. Fünf der Bilder und Zeichnungen von Viktor Hartmann sind in der vorliegenden Urtextausgabe vierfärbig abgebildet.

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Davide Cabassi

Davide Cabassi, Finalist des Van Cliburn Klavier-Wettbewerbs 2005, feierte sein Debüt im Alter von 13 Jahren mit dem RAI Radio-Symphonie-Orchester in Mailand. Er spielte außerdem mit namhaften Orchestern wie den Münchner Philharmonikern, der Neuen Philharmonie Westfalen, der Russischen Kammerphilharmonie, dem OSI Lugano, dem Orchestre Romantique Paris sowie mit unterschiedlichen italienischen Orchestern und Dirigenten, wie u. a. Gustav Kuhn, James Conlon, Asher Fish, Vladimir Delman und Antonello Manacorda. Er spielte bei den Serate Musicali und bei der Societa dei Concerti in Mailand sowie beim Festival Pianistico in Brescia und Bergamo.

Davide Cabassi gab Konzerte in Österreich, China, Frankreich, Deutschland, Japan, Portugal, Russland, Skandinavien und der Schweiz. Besonders hervorzuheben sind seine Auftritte im Mozarteum Salzburg, im Münchner Gasteig, der Rachmaninoff-Halle in Moskau, in Roque d’Anthéron und bei den Tiroler Festspielen Erl. Er wurde prominent in die Filmdokumentation über den 12. Van Cliburn Klavierwettbewerb einbezogen. 2008 widmete ihm der italienische Sender „Classica“ ein Special in der Serie „Note-Voli“.

Besonders geschätzt für die Wärme und Ernsthaftigkeit seiner Interpretation, ist Cabassi seit 2005 auch in den USA bei Veranstaltern und Publikum außerordentlich beliebt. Er spielte unter anderem nach Auswahl durch die Association of Performing Arts Managers (APAP) in der Carnegie Hall New York, in Amarillo, Hartford, Imperial (FL), bei verschiedenen

Symphonie-Orchestern in Mid-Texas und unternahm eine Konzerttournee mit dem Orchester des Manchester Music Festival, die ihn unter anderem nach Vermont und New York führte. Er wurde für verschiedene Konzerte und Lehraufträge der Purdue University in West Lafayette (IN), der University of Wyoming in Laramie und beim Portland Piano International Festival in Oregon engagiert. 2007/2008 trat er in 15 US-Staaten auf, unter anderem mit den Symphonie-Orchestern von Illinois und Florida West Coast.

Internationale Engagements brachten ihn nach Finnland, Deutschland, Italien, Polen und Frankreich, wo er im Louvre in Paris auftrat. Im Oktober 2010 gab er sein Debüt in der Mailänder Scala mit Mozarts Klavierkonzert KV 488. Cabassis Debüt-CD für Sony BMG, „Dancing with the Orchestra“, mit Werken von Bartók, De Falla, Ravel und Strawinsky erschien im Frühjahr 2006 weltweit. Sie wurde mit dem Italienischen Kritikerpreis für die beste Debütaufnahme der Saison ausgezeichnet. 2007/2008 nahm Cabassi Brahms-Konzerte und das Schumann-Konzert mit dem Haydn Orchester von Bozen und Trient unter der Leitung von Maestro Gustav Kuhn für col legno auf. In den USA wurden Pictures und Escaping beim Label Allegro aufgenommen.

2010 nahm er eine CD mit den 40 Danzas Cubanas von Cervantes auf. 2011 sind zwei weitere Alben für Concerto Classics veröffentlicht worden (darunter Almost Fantasy mit Musik von Beethoven und Cherubini), eine CD für das Magazin Amadeus (mit seinem Quintett Five lines) und weitere Aufnahmen für col legno und Universal.

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Musicbanda Franui & Musikkapelle Innervillgraten „Vom Endchen der Welt“ Mi. 20. Juli 2016, 20 Uhr Festspielhaus

Trauermärsche und -musik von Johannes Brahms, Bernhard Linhart, Gustav Mahler, Rudolf Melusin, August Ritzberger, Franz Schubert, Josef Steidl sen., Josef Steidl jun., Erwin Trojan u. a.

Texte von Johannes E. Trojer Sprecher: Ulrich Reinthaller Musikkapelle Innervillgraten Leitung: Hannes Schett, Manuela Lusser Musicbanda Franui Violine: Nikolai Tunkowitsch Klarinette, Bassklarinette: Johannes Eder Sopran- und Altsaxophon, Klarinette: Romed Hopfgartner Hackbrett, Gesang: Bettina Rainer Harfe, Zither, Gesang: Angelika Rainer Trompete, Gesang: Rainer Annewandter Trompete, Gesang: Andreas Schett Ventilposaune, Gesang: Martin Senfter Tuba: Andreas Fuetsch Kontrabass, Akkordeon: Markus Kraler Konzeption: Markus Kraler / Andreas Schett Musikalische Gesamtleitung: Andreas Schett

Keine Pause Konzertende ca. 21.30 Uhr

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Wann immer in Innervillgraten jemand stirbt – sei es ein stilles Mitglied der Dorfgemeinschaft, sei es ihr verdienstvollster Vertreter –, an jedem Tag der Woche und bei jeder Witterung rückt die örtliche Musikkapelle in voller Besetzung aus. Mit klingendem Spiel begleiten die Musikanten die Toten von ihren Heimathäusern, wo sie bis heute aufgebahrt werden, zur Kirche und auf den Friedhof zur letzten Ruhe. Fast nirgendwo in den Alpen ist diese schöne Tradition noch so lebendig wie in dem kleinen, auf 1.402 m ü. d. M. gelegenen Osttiroler Dorf.

Die Musiker von Franui sind großteils in Innervillgraten aufgewachsen und mit ihrer Interpretation von Trauermärschen sowie Liedern von Schubert, Schumann, Brahms und Mahler international bekannt geworden. Es war hoch an der Zeit, die beiden Ensembles in Erl erstmals zusammen auf die Bühne zu bringen, auf dass sie miteinander diese genuine und geniale alpine Musik spielen, die zugleich weinen und lachen kann!

Begleitet wird dieses besondere Derby von Texten des Villgrater Volksschullehrers und Schriftstellers Johannes E. Trojer (1935–1991), dem sprachsensiblen Archäologen des dörflichen Lebens: „Gleichgültig, wo ich anpacke, an jedem Endchen erwische ich den Anfang der Welt“, schrieb Trojer einmal. Und in einem seiner Journale notierte er knapp: „Beim Begräbnis des alten Wegmachers sind der Musikkapelle die Instrumente während des Stückes eingefroren, der Trauermarsch endete wie ein Stück Kabarett.“ Der Musikwissenschaftler und Volksmusikforscher Thomas Nußbaumer schreibt im Booklet zur CD „Nachklänge“ der Musikkapelle Innervillgraten (erhältich bei col legno): Ein Blick auf die Titelliste zeigt, dass die Musikkapelle Innervillgraten, wenn sie Trauermärsche spielt, vor allem in der österreichischen Blas- und Militärmusiktradition verwurzelt ist. Komponisten wie Rudolf Melusin (1826–1887), August Ritzberger (1872–1943), Erwin Trojan (1888–1957) oder Hans Kliment (1906–2006) sind im ganzen Alpenraum bekannt, Karl Oberthor oder Bernhard Linhart scheinen hingegen eher im regionalen Nahbereich verortet zu sein. Sehr typisch sind

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auch die Titel der pathosreichen Musikstücke: „Ruhe sanft“, „Abschiedsklänge“, „Nachklänge“, „Der letzte Seufzer“, „Trost in Tränen“ usw. Beachtenswert ist, dass die meisten dieser Werke nicht einfach „aufgelegt“ und abgespielt werden können, sondern immer wieder der Bearbeitung, der „Einrichtung“ für die jeweils aktuelle Besetzung der Innervillgrater Musikkapelle bedürfen.

Zu arrangieren war in der Praxis der Blasmusik immer schon gang und gäbe und kaum jemand weiß das besser als die Innervillgrater aus langer historischer Erfahrung. Zu den schillerndsten Persönlichkeiten des Innervillgrater Musiklebens zählen die beiden „Högger“-Bauern Josef Steidl d. Ä. (1864–1945) und sein Sohn Josef Steidl d. J. (1905–1979).

Beide wirkten jahrzehntelang als Kapellmeister. Insbesondere Steidl d. Ä. leistete in dieser Funktion von 1892–1934 wahre Pionierarbeit und wäre, wenn ihm sein Vater eine Kirchenmusikausbildung in Regensburg erlaubt hätte, wohl ein bedeutender Musiker geworden. Er ist mit einem selbstkomponierten „Trauermarsch“ auf dieser CD vertreten (bzw. in diesem Konzert zu hören, Anm.).

Seine handschriftlichen Erinnerungen „Mein Lebenslauf als Musiker“ (veröffentlicht in den „Tiroler Heimatblättern“ 1983), die bis 1936 reichen, verdeutlichen, wie sehr im dörflichen Milieu persönliches Engagement und Flexibilität erforderlich waren, um eine musikalische Festund Feierkultur aufrechtzuerhalten. Als Organist, Kirchenchorleiter und Kapellmeister bildete Steidl d. Ä. unermüdlich junge Musikanten aus.

Viele Musikalien hat er „aus meiner Geldtasche“, wie er öfter betont, für die Kapelle angeschafft und „für Gotteslohn“ bearbeitet. Steidl, der seine musikalischen Kenntnisse neben seinem Beruf als Landwirt vorwiegend autodidaktisch erwarb, war imstande, Schubert-Messen oder MozartOpernouvertüren für Blasmusik zu arrangieren. (…)

Josef Steidl d. J. stand seinem Vater als Arrangeur und Komponist in nichts nach. Seine beiden Grablieder „Mein Trost in Tränen“ und „Wie die Glocken düster dröhnen“ (ebenfalls in diesem Konzert zu hören, Anm.) unterstreichen den tröstlichen Aspekt der Trauermusik. Trauermusik ist letztlich eine Kulturtechnik zur Bewältigung der Todeserfahrung.

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FRANUI Musicbanda

Franui ist der Name einer ganz bestimmten Almwiese im kleinen, 1402 Meter über dem Meer gelegenen Osttiroler Dorf Innervillgraten, in dem die Musiker von Franui großteils aufgewachsen sind. Das Wort ist rätoromanischen Ursprungs und verweist auf die geografische Nähe Innervillgratens zum ladinischen Sprachraum in den Dolomiten.

Die Musicbanda gleichen Namens spielt seit 1993 in nahezu unveränderter Besetzung und ist bei vielen Festivals und Konzertveranstaltern zu Gast (u. a. Wiener Konzerthaus, Burgtheater Wien, Salzburger Festspiele, Stiftung Mozarteum Salzburg, Tiroler Festspiele Erl, Bregenzer Festspiele, Ruhrtriennale, Radialsystem V Berlin, KunstFestSpiele Herrenhausen, Ludwigsburger Schlossfestspiele, Schauspielhaus Hamburg, Philharmonie Köln, Elbphilharmonie Hamburg, Theater Basel, Philharmonie und Grand Théatre Luxemburg, Les Nuits de Fourvière Lyon, Holland Festival).

Mit dem Singspiel „Steine und Herzen“ (Ruhrtriennale 2005) begann eine intensive Zusammenarbeit mit dem Schauspieler und Regisseur Sven-Eric Bechtolf, der mit Franui regelmäßig als Rezitator auftritt.

Neben der Konzerttätigkeit realisieren die Musiker von Franui immer wieder auch Musiktheaterproduktionen. U. a.: „Fool of Love“, Shakespeare-Sonette mit dem Sänger und Pianisten Karsten Riedel und dem Puppenspieler Nikolaus Habjan (Burgtheater Wien), „Meine Bienen. Eine Schneise“ (Salzburger Festspiele, Libretto: Händl Klaus). Zum 20jährigen Bestehen des Ensembles sorgte ein Konzert auf der 2300 m hoch gelegenen Almwiese Franui für Fu-

rore, zu dem nach einer etwa 3-stündigen Wanderung an die 1500 Besucher kamen.

Das jüngste Programm „Tanz Boden Stücke“ (feat. Wolfgang Mitterer) hatte 2014 bei der Stiftung Mozarteum in Salzburg Premiere und erschien im Februar 2016 unter dem Titel „Tanz! (Franz)“ auf CD. Im Wiener Konzerthaus steht Franui seit 2015 jährlich im Mittelpunkt des Festivals „Gemischter Satz“, bei dem Musik, Bildende Kunst, Literatur und Wein in einem neuen Zusammenspiel präsentiert werden.

Die CDs von Franui erscheinen beim Label col legno und wurden mit mehreren Preisen ausgezeichnet.

Musikkapelle Innervillgraten

Die Musikkapelle Innervillgraten wurde im Jahre 1831 gegründet.

Die schillerndste Persönlichkeit in der Geschichte der Musikkapelle dürfte wohl Josef Steidl (1864–1945) vulgo „Högger“gewesen sein. Im Alter von 14 Jahren war er als EsKlarinettist der Musikkapelle beigetreten, übernahm mit 28 Jahren das Kapellmeisteramt und übte dieses von 1892 bis 1934 aus, wobei er in den letzten Jahren eng mit seinem Sohn und Nachfolger zusammenarbeitete.

Im Jahre 1934 wurde er zum Ehrenkapellmeister der Musikkapelle Innervillgraten ernannt. Er war in Sachen Kirchenmusik auch durch Eigenkompositionen und Arrangements für die Blasmusik tätig. Seine Kompositionen und Nachbearbeitungen diverser Werke großer Komponisten wie z. B. von W. A. Mozart bereichern auch heute noch das Repertoire der Musikkapelle Innervillgraten.

Von 1935 bis 1974 führte Josef Steidl jun.

(1905–1979, Sohn des Ehrenkapellmeisters

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Josef Steidl sen.) die Musikkapelle Innervillgraten an. Auch dieser tat sich durch viele Eigenkompositionen und Arrangements hervor, die auch heute noch gerne von den Musikanten gespielt werden.

Gleichzeitig leitete er den Kirchenchor und spielte bis zu seinem Lebensende die Orgel in der Pfarrkirche St. Martin in Innervillgraten.

Ulrich Reinthaller

geb. 1964 in Wien. Mitglied der MozartSängerknaben. Schauspielausbildung am Max-Reinhardt-Seminar in Wien. 19851993 festes Ensemblemitglied am Wiener Burgtheater, seither freier Schauspieler.

Zahlreiche Rollen in Kinofilmen (Zusammenarbeit u.a. mit Michael Haneke und Michael Kreihsl) und Fernsehserien (Durchbruch mit der Rolle des Dr. Markus Kampmann in der TV-Serie „Hallo, Onkel Doc“, 1993–1998).

Seit 2002 Rezitations- und Leseaufführungen (u.a. mit Siegfried Jerusalem, Robert Holl, Anika Vavic, Ensemble Cinquecento und den Vienna Horns).

Seit 2011 geschäftsführender Gesellschafter des Seminar.Kunst.Haus PHÖNIXBERG im niederösterreichischen Pielachtal. Sommer / Herbst 2013: Eröffnung des Instituts „Dialogikum Phönixberg“ ebendort.

Johannes E. Trojer

sellschaftskritischer Aufsätze und Glossen und als Herausgeber der Kulturzeitschrift Thurntaler (1977–1987). Zum 20. Todestag Trojers 2011 erschien bei Haymon eine 4-bändige Werkausgabe, der die in diesem Konzert gelesenen Texte entnommen sind: Band 1 umfasst Trojers literarisches und journalistisches Schaffen, darunter auch seine Lyrik, die in Hinblick auf den Zeitkontext große Aussagekraft birgt. Band 2 enthält seine zeithistorischen Arbeiten, u. a. die berühmte Studie Hitlerzeit im Villgratental über den dort geleisteten Widerstand gegen das NS-Regime. Band 3 bietet u. a. eine repräsentative Auswahl von Beiträgen aus der von ihm herausgegebenen Kulturzeitschrift Thurntaler, während Band 4 als Begleitband Trojers methodisch innovative Denk- und Arbeitsweise dokumentiert.

Die Schriftstellerin Anita Pichler (19481997) schrieb über Johannes E. Trojer: „Eine ganze Generation hat von ihm gelernt, daß es Wege gibt, jenseits von gefühlsdusliger Heimattümelei und großkotzigem Weltbürgertum, wo auch die Dörfer Welt sind, die man anschauen kann, ohne zu verdammen oder zu verherrlichen. Diese Wege sind vielleicht nicht gerade, aber auch die Oberfläche der Welt ist krumm, man findet auf diesen Wegen selten Lohn oder Lob, doch es lohnt sich auf jeden Fall, sie zu gehen, denn sie öffnen den Blick für die Wirklichkeit, für das Leben, Tun und Sterben der Menschen, machen ihn frei und liebevoll.“

Der Schriftsteller Johannes E. Trojer (1935– 1991) lebte, arbeitete und wirkte im abgelegenen Osttiroler Villgratental. Über die Grenzen des Bezirks Lienz hinaus erwarb er sich als hervorragender Kenner der Regionalgeschichte und Volkskunde Anerkennung, war bekannt als Verfasser ge-

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„Una Noche de Guitarra“ mit Julia Malischnig Do. 21. Juli 2016, 20 Uhr Festspielhaus

im Rahmen des Russland-Schwerpunkts

JULIA MALISCHNIG Kiev Meditation ASTOR PIAZZOLLA La Muerte del Ángel JOHANN SeBaSTIAN BACH / Alexander Lackner 1060/3 MAURO GIULIANI Grande Ouverture op.61 DIMITRI ILLARIONOV Rhapsody on a theme of Gershwin „Hopeness“ ROLAND DYENS Tango en skaï {Pause}

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CARLOS PIÑANA Templanza (Farruca) Guajirón (Guajira) Rubato (Taranta / Bulería) JULIA MALISCHNIG I tua wohl – Pedacito de Alma ISAAC ALBÉNIZ Asturias Gitarre, Gesang: Julia Malischnig Gitarre: Dimitri Illarionov Flamenco Gitarre: Carlos Piñana Percussion: Miguel Ángel Orengo Tap Dance: Sabine Hasicka Bass: Alexander Lackner

1 Pause (25 Minuten) um ca. 20.40 Uhr Konzertende ca. 22.00 Uhr

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Nach dem umjubelten Premierenkonzert von Una Noche de Guitarra 2015 mit Julia Malischnig, den Katona Twins und Gerardo Nuñez, das in Erl völlig neue musikalische Dimensionen eröffnet hat, findet der spanische Gitarrenabend nun seine Fortsetzung. Julia Malischnig ist „master mind“ des Abends. Selbst österreichische „Großmeisterin der Gitarre“ holt sie sich für Una Noche de Guitarra Part 2 wiederum hochkarätige MusikerInnen zur Seite: den russischen Ausnahmegitarristen Dimitri Illarionov, den spanischen Flamenco Gitarristen Carlos Piñana, Bassist Alexander Lackner und den spanischen Percussionisten Miguel Ángel Orengo, sowie die bekannte Stepp Tänzerin Sabine Hasicka. Sie spannen einen weiten musikalischen Bogen von Klassik bis zu Eigenkompositionen, wobei Virtuosität mit Impulsivität einhergeht. Der Facettenreichtum eines Instruments wird in den Mittelpunkt gestellt, indem brillante Musiker ihre Individualität demonstrieren. Ein einzigartiger Gitarrenabend mit Julia Malischnig & Friends voller Leidenschaft und Emotion!

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Julia Malischnig

Dimitri Illarionov

Julia Malischnig zählt zu den führenden Musikerinnenpersönlichkeiten der aktuellen Gitarrenszene. Gefühlvolle Tiefe und sinnliche Kraft prägen die musikalische Sprache der Gitarristin, Sängerin und Komponistin, deren Vielseitigkeit sie immer wieder über stilistische Grenzen hinausführt. In ihrem Spiel vereint sie auf authentische Weise Virtuosität und Emotionalität. Geboren in Villach, Österreich, studierte Julia Malischnig klassische Gitarre an der Universität für Musik in Wien bei Konrad Ragossnig, an der Musikakademie in Basel bei Oscar Ghiglia, sowie u. a. bei Pepe Romero, Frank Bungarten, Alexander Swete. Dem Würdigungspreis des BMUKK Österreich für ihren ausgezeichneten Studienerfolg folgten zahlreiche andere Auszeichnungen. Einladungen zu internationalen Festivals führen sie – über Europa hinaus – insbesondere nach Südamerika, Südafrika, Südkorea und in die Vereinigten Arabischen Emirate. 2015 erschien nach Joy und dem Doppelalbum City of Dreams ihr neues Album Kiss of Life, aufgenommen im Tiroler Festspielhaus Erl. Seit 2015 ist die Initiatorin und Leiterin des Internationalen Gitarrenfestivals La Guitarra esencial auch Master Mind von Una Noche de Guitarra in Erl. Julia Malischnig ist eine musikalische Grenzgängerin, die sich – so eigenwillig wie einzigartig – allen Modetrends entzieht.

1979 geboren in Kischinjow (Moldauische SSR), absolvierte Dimitri Illarionov eine Klasse des Tschaikowsky-Konservatoriums bei N. Dmitrijewa. Ein Studium bei A. Frautschi an der Gnessin-Musikakademie schloss er 2002 erfolgreich ab. Bereits im Jahr 2000 errang er den Zweiten Preis im Rahmen des Tansman-Wettbewerbs in Lodz. 2002 gewann er den Wettbewerb der Guitar Foundation of America in Miami, Florida. Ausgedehnte Konzerttourneen führten ihn seitdem durch ganz Osteuropa sowie unter anderem nach Deutschland, Italien und Spanien, Mexiko, USA und Kanada wie auch nach Südkorea und Japan. Als erster russischer Gitarrist gewann er 2008 den Internationalen Francisco-TarregaGitarrenwettbewerb. Seit 2003 ist er neben seiner weltweiten Konzerttätigkeit auch als Professor für Gitarre an der Russischen Gnessini Musikakademie in Moskau tätig.

Carlos Piñana

Carlos Piñana wurde 1976 in Cartagena (Murcia) geboren und entstammt einer Familie mit großer Flamenco Tradition.

Sein Vater Antonio Piñana ist ebenfalls Gitarrist. Sein gleichnamiger Großvater ist ein berühmter Flamencosänger. Carlos Piñana begann seine Ausbildung zunächst 1966 als Klassikgitarrist am Konservatorium von Cartagena. Später wechselte er

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zum Flamenco und wurde von Legenden wie Manolo Sanlúcar, Rafael Riqueni und Enrique de Melchor unterrichtet. Er wurde u. a. mit den Preisen Bordón Minero 1996 in La Unión und Ramón Montoya 1998 in Córdoba ausgezeichnet. 2001 erhielt er eine hohe Auszeichnung der Emma Egea Foundation für sein bisheriges künstlerisches Schaffen. Carlos Piñana hat mehrere CDs veröffentlicht und neben seinen zahlreichen Kompositionen für Gitarre Solo und Orchester auch Filmmusik und Musik für Flamenco Shows komponiert. Carlos Piñana gehört zu den bekanntesten und innovativsten Gitarristen der internationalen Flamenco-Szene. In Erl wird er im Duo mit dem spanischen Perkussionisten Miguel Ángel Orengo auftreten.

Alexander Lackner

Bassist und Komponist Alexander Lackner ist ein wahrer musikalischer Allrounder.

Obwohl er sein Zuhause am ehesten im Jazz bzw. der improvisieren Musik sieht, wo er mit zahlreichen internationalen Größen (Andy Sheppard, Dave Liebman, Lew Soloff) Konzerte und Tonträger (ein) gespielt hat, bewegt er sich doch mit gleicher Stilsicherheit in der Weltmusik (Dobrek Bistro, Shlomit Butbul), im Pop (Dorretta Carter, Agnes Heginger), in der zeitgenössischen Klassik (Medellin Quartett, Ensemble Max Brand, Volksopernorchester) als auch in der Wiener Musik (DIe Eiserne Zeit, Michael

Heltau, Adi Hirschal). Alexander Lackner komponiert für zahlreiche Ensembles, Theater und Festivals und unterrichtet in Wien am Vienna Music Institute.

Sabine Hasicka

Ausgebildet in New York (Lehrling von Manhattan Tap unter der Leitung von Heather Cornell, und Schülerin von Taplegende Buster Brown), Buenos Aires (Tango) und Wien (Ballett), lebt Sabine Hasicka heute wieder in ihrer Heimatstadt Wien, wo sie in ihrem eigenen Studio unterrichtet und mit Musikern, Sängern und Tänzern verschiedenster Genres und Kontinente zusammenarbeitet. In langjähriger Kollaboration mit dem Bassisten und Komponisten Alexander Lackner erforschte Sabine Hasicka neue kompositorische Herangehensweisen an Stepptanz. Sabine Hasicka zählt zu den interessantesten Vertretern des zeitgenössischen Steptanz / tapdance. Ihr liebevollironischer Umgang mit der Tradition, sowie ihr feiner Sinn für Experimente mit anderen musikalischen und tänzerischen Ausdrucksmitteln erschließen Formate, innerhalb derer faszinierende Interaktion mit anderen Musikern, aber auch bemerkenswerte Neudefinitionen von Steptanz passieren: Sabine Hasicka setzt die Stepschuhe als Klangkörper in ein neues Licht und erobert – durch Crossovers verschiedenster Tanzstile und Musikrichtungen wie Jazz, Tango, Kammermusik – neue musikalische Welten.

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Wotan & seine Töchter singen russische Lieder Mo. 25. Juli 2016, 20 Uhr Festspielhaus

im Rahmen des Russland-Schwerpunkts

MICHAIL GLINKA (1804–1857) Ne iskushay menya bez nuzhdy – Verleite mich nicht unnötig Skazhi zachem – Sag mir, wozu ALEXANDER DARGOMYSCHSKI (1813–1869) Mne grusno – Ich bin traurig Ja vse yeshche yego lyublyu – Ich liebe ihn immer noch PETER I. TSCHAIKOWSKY (1840–1893) To bylo ranneyu vesnoy! – Es war im frühen Frühling V ogorode, vozle brodu – Im Garten, bei der Furt Den’ li tsarit – Regiert etwa der Tag NIKOLAI MEDTNER (1880–1951) Chto ty klonish’ nad vodami – Was kniest du über den Wassern Elfenliedchen Mechtatelyu – Dem Träumer PETER I. TSCHAIKOWSKY (1840–1893) Rassvet – Morgendämmerung Ja li v pole da ne travyshka byla … – War ich im Feld doch nicht ein Gräschen

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NIKOLAI RIMSKI-KORSAKOV (1844–1908) O chem v tishi nochey – Worüber in den Stillen der Nächte Ne veter veya s vysoty – Nicht er Wind bläst von der Höhe Angel’ i Demon’ – Der Engel und der Dämon {Pause}

SERGEJ RACHMANINOW (1873–1943) Dichtungen für Gesang und Klavier op.38 1. Nachts in meinem Garten – Lento (g-Moll) 2. Zu ihr – Andante (F-Dur) 3. Gänseblümchen – Lento (F-Dur) 4. Der Rattenfänger – Non Allegro. Scherzando (C-Dur) 5. Traum – Lento (D-Dur) 6. A-u! – Andante (D-Dur) GEORGI SWIRIDOW (1915–1998) „Aufbrechendes Russland“ (1987) (Texte nach Sergej Jessenin) 1. Herbst 2. Ich verließ das Elternhaus 3. Öffne mir, Wächter über den Wolken 4. Silbriger Weg 5. Aufbrechendes Russland 6. Simon Petrus … Wo bist du? Komm!

7. Wo bist du, wo bist du, Vaterhaus 8. Dort, hinter den milchigen Hügeln 9. Es erschallt, es erschallt das verhängnisvolle Horn 10. Herbstlich schreit die Eule 11. Oh ich glaube, ich glaube, es gibt das Glück!

12. O Heimat, glückliche und endlose Stunde

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Bariton: Vladimir Baykov Sopran: Lada Kyssy, Anna Princeva, Maria Radoeva Mezzosopran: Svetlana Kotina Klavier: Jacob Katsnelson, Tito Ceccherini

1 Pause (25 Minuten) um ca. 20.45 Uhr Konzertende ca. 21.45 Uhr

Das russische Kunstlied erlangte, wie die Russische Nationalmusik im Allgeminen, im 19. Jh. seine Blüte. In Russland werden Lieder mit Klavierbegleitung, die Sehnsüchte und persönliche Emotionen der Menschen ausdrücken, Romanzen genannt. Sie gehören dort zu den beliebtesten musikalischen Gattungen. Ähnlich wie das deutsche Kunstlied mehrere Epochen der Musik geprägt und entwickelt hat, ist die russische Romanze eine eigene Kunstform, die sogar bis in die Gegenwart von Sängern und Komponisten gepflegt wird. Unzählige Romanzen wurden im 19. Jahrhundert gedichtet und vertont, Liebe, Leidenschaft und intimster Klagegesang bilden darin eine Einheit. Äußere Impulse für die Entstehung der Romanze waren die Napoleonischen Kriege, die auch zu einer Begegnung mit der westeuropäischen, vor allem französischen Kultur, führten.

Durch diesen Einfluß gewann die russische Sprache wichtige Anregungen, sie wurde eleganter, ausdrucksvoller. Die russischen Dichter inspirierten sich u. a. bei Heinrich Heine oder Byron. Allen voran repräsentieren Alexander Puschkin, Alexei Tolstoj oder Michail Lermontow diese russische Poesie, die in der Begegnung mit Westeuropa zu einer Poesie von Weltrang wurde. Komponisten wie Nikolaj Rimski-Korsakow und Peter Tschaikowsky haben diese Lyrik in Musik gesetzt, aus den Gedichten vom Klavier begleitete, in der Regel durchkomponierte Lieder gemacht, die mit ihrer Melodieführung und harmonischen Ausdeutung als die „Russischen Romanzen“ in die Musikgeschichte der Welt eingingen. Kaum ein Klassiker von Michail Glinka bis Dmitri Schostakowitsch hat dieses Genre unbeachtet gelassen.

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Alexander Alexandrovich Blok (1880–1921) Nachts in meinem Garten

Nachts in meinem Garten bei mir schluchzet die klagende Weide, O, wie untröstlich sie ist, ärmste, traurige Weide.

Jugendlich glänzet und prangt Morgenrot, holdestes Mädchen.

Weide doch schluchzt, ihr ist wehe, Träne verrinnt im Gelock.

Boris Nikolajevich Bugajev (1880–1934) Zu ihr

Tau schlingt ums Gras den Perlenkranz.

Fernher kommen mir bangende Grüsse, so bang und hold zugleich …

Liebliche, kommst du? Liebliche!

Abend entflammt in Strahlenflut, Abend erblüht in Rosenglut Sehnende Arme warten dein, Liebliche, kommst du, Liebliche?

Sehnende Arme warten dein, Braut du in Lethes Wasserschoß schimmernder Lethe Wasserschoß …

Liebliche, kommst du? Liebliche!

Igor Severyanin (1887–1941) Gänseblümchen

O sieh doch, sieh, die vielen Margariten, Sieh dort, sieh hier die holde Zier, ein ganzes Meer von Blüten.

O, wie das blüht! Mit dreigezackten Blättchen wie Flügel, wie Seide fein.

Voll Sommerglut, voll Lust ohn’ Mass und Zügel, voll Licht und Schein.

Wohlan, du Land! Schenk Trank aus Tau den Blüten und Kraft zumal! …

O Mädchen ihr, Ihr holden Margariten, ich lieb Euch all!

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Valery Yakovlevich Bryusov (1873–1924) Der Rattenfänger

Spiel ein Liedlein auf der Flöte Spiel ein Liedlein auf der Flöte Wem zur Freude ist es da.

Horch das Bächlein murmelt leise.

Und die Lämmchen ruhn im Kreise, Still die Felder fern und nah.

Schlaft Ihr Lämmchen, wohl behütet.

Hinter Wiesen, rot beblütet Hoch stehn schlanke Pappeln da.

Steht ein Häuschen dort am Saume, Holdes Kind, es fühlt im Träume, Wie mein Herz dem ihren nah.

Und der Flöte zartem Worte, Folgt sie hin zum sichern Orte, Schnell und scheu, ob’s Keiner sah.

Dann in dunkler Eiche Schatten Ruhn wir still, wenn Schlafs Ermatten Alles bannt, so fern, so nah.

O, wie will ich sie umfassen, Küssen bis zum Stern erblassen, Müd vom Glück, das uns geschah.

Trau’ dann tauschend mit den Ringen Sehn wir zu der Lämmlein Springen, Hoch stehn schlanke Pappeln da.

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Fjodor Sologub (1863–1927) Der Traum

Nichts hält Sehnsucht gebannt, nichts lockt so wie der Traum.

Zauber ist sein Gewand und die Stille sein Saum.

Seine Lippen umschwingt weder Lächeln noch Leid; Doch aus Augen tief blinkt Trostes köstlich Geschmeid.

Seiner Flügel Paar reicht schimmernd weit, o, so weit, Und ist leicht, o, so leicht wie die Dämmernachtszeit.

Unfassbar, wie er trägt, und wohin und wozu, Der die Flügel nicht regt in erhabener Ruh …

Konstantin Dmitrijevich Balmont (1867–1942) A-u!

Dein Lachen sang, ein Märchen war’s, ein bunt Berükken, Es rief, als wie im Traum der Flöte Sang.

Und jetzt, mit Kranz und Lied, nah’ ich mich, dich zu schmücken, So komm, empor, mit mir den Berges hang.

Doch wo bist du?

Der Fels nur tönt wie sanfte Glocken.

Und Licht an Licht entflammt der Blumen Reih’, Es lacht, mich tief hinab zum Grund zu locken Ich sing, es sucht “A-u!“ „A-u! mein Schrei.

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Georgy Swiridow (1915–1998) Aufbrechendes Russland Texte nach Sergej Jessenin (1895–1925) 1. Herbst

Es ist still in dem Wacholderdickicht über dem Abgrund. die fuchsrote Stute Herbst kämmt ihre Mähne. Über dem Wasserschleier der Ufer tönt das dunkelblaue Klappern ihrer Hufe Der Wind, der strenge Mönch, wälzt mit sachten Schritten das Laub über die Wegvorsprünge und küßt auf dem Ebereschenstrauch dem unsichtbaren Christus die roten Wunden.

2. Ich verließ das Elternhaus

Ich verließ das Elternhaus, ließ das blaue Rußland zurück.

In drei Sterne brennt der Birkenwald über dem Teich den Kummer der alten Mutter.

Wie ein goldener Frosch hat sich der Mond über dem stillen Wasser ausgestreckt.

Wie die Apfelblüte haben sich weiße Haare dem Vater in den Bart ergossen.

Ich werde nicht so bald, nicht so bald zurückkehren!

Lange muss der Schneesturm singen und heulen.

Es bewacht das blaue Rußland, der alte Ahorn auf einem Bein.

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Und ich weiß, es ist Freude in ihm Darüber, wer den regen seiner Blätter küßt, weil dieser alte Ahorn meinem Kopfe ähnlich ist.

3. Öffne mir, Wächter über den Wolken

Öffne mir, Wächter über den Wolken, die blauen Türen des Tages.

Der weiße Engel hat um Mitternacht mein Pferd entführt.

Gott braucht das Überflüssige nicht, mein Pferd ist meine Kraft und meinen Stärke.

Ich höre, wie es kläglich wiehert, in die goldene Kette verbissen.

Ich sehe, wie es ausschlägt, sich hin und her wirft und an dem straffen Lasso zerrt, und von ihm fliegt, wie von dem Mond, falbes Fell in den Nebel.

4. Silbriger Weg

Silbriger Weg, wohin rufst du mich?

Wie eine Gründonnerstagskerze brennt über mir ein Stern.

Läßt du Kummer oder Freude strahlen?

Oder lenkst du den Lauf in den Wahnsinn?

Hilf mir, mit dem Frühlingsherzen deinen harten Schnee zu lieben.

Gib mir das Morgenrot auf den Schlitten, einen Weidenzweig für den Zaum.

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Vielleicht werde ich mich selbst zum Tor des Herrn führen.

5. Aufbrechendes Rußland

Mein goldenes Land!

Herbstlicher, heller Tempel!

Ein Schwarm schreiender Gänse Jagt zu den Wolken davon.

Das ist das zahllose Heer verwandelter Seelen, das sich von den schlafenden Seen erhoben hat, es fliegt in den himmlischen Garten.

Und ihnen voraus ein Schwan.

In seinen Augen Trauer, wie ein Hain.

Weinst du nicht im Himmel, aufbrechendes Rußland?

Fliege, fliege, plage dich nicht, jedem seine Stunde und sein Ufer.

Die Winde fließen in ein Lied, und das Lied verschwindet für immer.

Fliege, goldenes Rußland!

6. Simon Petrus … Wo bist du? Komm!

„Simon Petrus … Wo bist du? Komm!“ Die Silberweiden fuhren auf: „Dort, voraus!“ „Simon Petrus … Wo bist du? Ich rufe!“ Jemand flüstert: „Schrei ins Blau!“

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Er schrie – und laut bäumte sich die Finsternis auf.

Ein fuchsroter Fischer stieg mit seiner Schultertasche heraus. „Freund … woher kommst du?“ – „Ich ging hinter dir her …“ „Wer bis du?“ – „Judas“, murmelte die Brandung.

7. Wo bist du, wo bist du, Vaterhaus

Wo bist du, wo bist du, Vaterhaus, das mir den Rücken gewärmt hat am Fuße des Hügels?

Meine blaue, blaue Blume, unberührter Sand.

Wo bist du? Hinter dem Fluß kräht ein Hahn – dort hütete der Hirte die Herden und schimmerten aus dem Wasser drei ferne Sterne.

Die Zeit – die Mühle versenkt mit einem Flügel hinter dem Dorf den Mond wie ein Pendel in den Roggen, den unsichtbaren Regen der Stunden zu vergießen.

Dieser kleine Regen begann mit einer Menge von Pfeilen in den Wolken mein Haus zu drehen, mähte die blaue Blume, presste den goldenen Sand zusammen.

Wo bist du, wo bist du, Vaterhaus?

8. Dort, hinter den milchigen Hügeln

Dort, hinter den milchigen Hügeln, inmitten der himmlischen Pappeln,

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stürzte über uns der silbersaitige Wassermann.

Mit dem Großen Bären aus dem Lasurblau – wie aus dem Fass mit einer Kelle.

Der in den Himmel gesprungene Sturm setzte sich rittlings auf den Mond.

Mir träumt im Wirbelwind eine Versammlung von Toten, ein Milch rauchender Garten.

Ich sehe, mein Großvater zieht mit einer Reuse die Sonne von Mittag zum Sonnenuntergang.

9. Es erschallt, es erschallt das verhängnisvolle Horn!

Es erschallt, es erschallt das verhängnisvolle Horn!

Was nun, was sollen wir jetzt tun auf den ausgetretenen Schenkeln der Wege?

Bald bleicht der Herbstfrost mit Kalk diese Siedlung und die Wiesen, nirgendwo können wir uns vor dem Tod verbergen, nirgendwohin vor dem Feind fliehen.

Da ist er, da ist er, mit dem eisernen Wanst zieht er zum Schlund die flache Hand der Ebenen …

Es erschallt, es erschallt das verhängnisvolle Horn!

10. Herbstlich schreit die Eule

Herbstlich schreit die Eule über die Weite der frühen Tageszeit.

Mein Kopf fällt herab, der goldene Strauch der Haare welkt.

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„Ku-hu“ des Feldes und der Steppe, sei gegrüßt, Mutter blaue Espe!

Bald wird sich der im Schnee badende Mond in die schütteren Locken deines Sohnes setzen.

Bald wird mir kalt werden ohne Laub, das die Ohren mit dem Klirren der Sterne füllt.

Ohne mich werden die Jünglinge singen, nicht mir werden die Greise lauschen.

Ein neuer Dichter wird vom Felde kommen, in einem neuen Pfeifen der Wald widerhallen.

Herbstlich streut der Wind, herbstlich flüstern die Blätter.

11. Oh ich glaube, ich glaube, es gibt das Glück!

Oh ich glaube, ich glaube, es gibt das Glück!

Noch ist die Sonne nicht erloschen.

Durch ein rotes Gebetbuch prophezeit die Morgenröte die gnädige Botschaft.

Klinge, klinge, goldenes Rußland, erhebe dich, unbändiger Wind!

Selig ist, wer mit Freude bemerkte deine Hirtentrauer.

Ich liebe das Murren der ungestümen Wasser und auf der Welle den Sternenglanz.

Das gepriesene Leiden, das preisende Volk.

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12. O Heimat, glückliche und endlose Stunde!

O Heimat, glückliche und endlose Stunde!

Es gibt nichts Besseres, nichts Schöneres Als deine kuhgleichen Augen.

Dir, deinen Nebeln und Schafen auf den Feldern, bringe ich die Sonne, wie eine Hafergarbe, in den Armen.

Geheiligt seist du zu Mittpfingsten und zu Weihnachten sei geheiligt, daß die nach dem Wachen Dürstenden sich an Unsterblichkeit satt trinken können.

Dir, deinen Nebeln und Schafen auf den Feldern, bringe ich die Sonne, wie eine Hafergarbe, in den Armen.

Und nicht einen einzigen Stein wird durch Schleuder und Bogen das Heben der göttlichen Hände auf uns schlagen.

Dir, deinen Nebeln und Schafen auf den Feldern, bringe ich die Sonne, wie eine Hafergarbe, in den Armen. (Übersetzung: Manuela Jobs)

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Jacob Katsnelson

Jacob Katsnelson ist 1976 in Moskau geboren. Von 1981 bis 1993 besuchte er die „Spezielle Musikschule“ für begabte Kinder der Gnessin Musikschule und wählte die Instrumente Klavier und Flöte, dazu den Tanzunterricht. 1993 schloss er mit dem Diplom in den Fächern Flöte und Klavier mit Auszeichnung ab. Anschließend studierte er am staatlichen Tschaikowsky Konservatorium in Moskau bei Frau Professor Elisso Wirssaladze im Fach Klavier (Abschluss Konzertdiplom). 1992 erhielt er eine Auszeichnung beim russischen AllUnion-Wettbewerb für junge Künstler, sowie am 10. Internationalen J. S. BachWettbewerb in Leipzig. 1999 war er Finalist am Concours Musical International Reine Elisabeth de Belgique in Brüssel mit anschliessenden Konzerten in Belgien. 2000 war er Halbfinalist am Concours Géza Anda in Zürich. 2001 war er Preisträger und bekam einen Spezialpreis für die beste Interpretation eines Werkes von Beethoven am 2. Internationalen Klavierwettbewerb in Tbilisi (Georgien). 2003 war er Finalist am Concours Clara Haskil in Vevey und 2005 gewann er den 2. Preis am 1. Internationalen Klavierwettbewerb Svjatoslav Richter in Moskau. Mit seinem Trio gewann er 1999 den ersten Preis beim Taneyew Kammermusik-Wettbewerb in Kaluga (Russland) und ein Jahr später bekam das Trio den zweiten Preis am Internationalen Kammermusik-Wettbewerb in Trapani (Sizilien). Er gab Solo- und Kammermusikkonzerte in Russland (z. B. jedes Jahr im Moskauer „Homecoming-Festival“), in Deutschland (Gewandhaus Leipzig, Philharmonie Berlin, Festival Oleg Kagan Kreuth am Tegernsee, Viersen / Düsseldorf, Festival Usedom, Fes-

tival Münster), Belgien, Holland (Kamermuziek Festival Utrecht, in verschiedenen Formationen mit Janine Jansen, Boris Brovtsyn, Maxim Rysanov, Misha Maisky u. a.), Frankreich, Schweiz (u. a. Tonhalle Zürich), England, Nordirland, USA, Spanien, Italien, Ungarn, Polen, Estland (Festival Hiiumaa), Lettland, Finnland, Georgien, Kasachstan, Bosnien, Israel, etc. Er trat mit verschiedenen namhaften Orchestern auf (z. B. mit der Saratower Philharmonie, der St. Petersburger Philharmonie, der Salzburger Kammerphilharmonie), u. a. in Moskau, Sankt Petersburg, Saratow, Nizhny Nowgorod, sowie in Belgien, Schweiz, Polen, Georgien, Chisinau / Moldawien, Baku / Aserbeidjan, Rhodos. Er spielte mit namhaften Dirigenten, u. a. V. Ashkenasy, G. Roschdestwenski, R. Kofman, V. und I. Verbitsky, I. Solzhenitsin, A. Levin, V. Ponkin, Keith Clark, Yoon Kuk Lee … Nebst zahlreichen Rezitalmitschnitten in den Konzertsälen des Tschaikowsky Konservatoriums hat Jacob Katsnelson eine CD mit Solo-Werken von J. S. Bach und verschiedene CDs mit der Cellistin Kristine Blaumane und / oder dem Bratschisten Maxim Rysanov mit Werken von Beethoven, Brahms, Grieg, Barber und Martinů aufgenommen; Die CD mit SoloWerken von Bach wurde von der Fachpresse, u. a. der amerikanischen Zeitschrift „Fanfare“, sehr gelobt. Jacob Katsnelson ist Professor am Tschaikowsky-Konservatorium in Moskau und unterrichtet das Fach Liedgestaltung an der Gnessin Musikschule in Moskau.

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Signum & Cello Di. 26. Juli 2016, 20 Uhr Festspielhaus

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685–1750) Italienisches Konzert, BWV 971 1. Allegro 2. Andante 3. Presto GYÖRGY LIGETI (1923–2006) Sechs Bagatellen für Saxophon Quartett 1. Allegro con spirito 2. Rubato – Lamentoso 3. Allegro grazioso 4. Presto ruvido 5. Adagio. Mesto (Béla Bartók in memoriam) 6. Molto vivace – Capriccioso THIERRY ESCAICH (*1965) Tango Virtuoso für vier Saxophone ASTOR PIAZOLLA (1921–1992) Le Grand Tango für Violoncello und Saxophon-Quartett (arr. Miha Ferk) {Pause}

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OTTORINO RESPIGHI (1879–1936) Il tramonto – Lyrisches Gedicht von P. B. Shelly (arr. für Violoncello und Saxophon-Quartett) JOSEPH HAYDN (1732–1809) Cello Konzert Nr.1 in C-Dur (arr. Christoph Enzel) 1. Moderato 2. Adagio 3. Allegro molto Signum saxophone quartet Sopran Sax: Blaž Kemperle Alt Sax: Erik Nestler Tenor Sax: Alan Lužar Bariton Sax: Guerino Bellarosa Violoncello: Matthias Bartolomey

1 Pause (25 Minuten) um ca. 20.45 Uhr Konzertende ca. 21.45 Uhr

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Tango in Österreich – ein Skandal!

„Nur hat der Erzbischof, Kardinal Piffl (mit dem Namen kann man nur Dummheiten machen!) einen entsetzlichen Streich begangen – er hat die ‚modernen Tänze‘ verboten!!! Also Verzweiflung sur toute la ligne – die frömmsten Mütter schäumen. Nicht nur sie sind empört, dass man überhaupt annehmen kann, dass ihre Mädeln – ich bitte Sie ihre Töchter!

– irgendwann irgendwie Anstand und Sitte vergessen könnten – Aber wie sollen dieselbigen Töchter jemals einen Ehegatten kriegen, wenn die jungen Herrn, welche die alten Tänze verachten, sich stützig melden und nicht kommen! Es ist ein heißer Kampf entbrannt – einerseits die rasenden Mütter mit einigen wohlwollenden Abbés und schlauen Jesuitenpatres – von der anderen Seite horribile dictu – die alten Jungfern (die den ganzen Skandal angestiftet haben und es enorm genossen, dem armen entsetzen Cardinal die schlüpfrigsten Geschichten aufzutischen) – hinter ihnen der orthodoxe Clerus und Seine Eminenz!! Aber die Mädeln kümmern sich nicht um den Kampf – es wurden alle Tänze umgetauft und es wird tapfer getanzt, Piffl-Tänze – und verkappte Teufelstänze! Et tout est pour le mieux dans le meilleur des mondes!“ Fürstin Marie von Thurn und Taxis in einem Brief vom 16. Februar 1924 an Rainer Maria Rilke über die sogenannte Wiener Tango-Affäre Gusto italiano

Johann Sebastian Bach schrieb das „Concerto nach Italienischem Gusto“ (BWV 971) eigentlich für das zweimanualige Cembalo während seiner Zeit als Thomaskantor in Leipzig, wo es 1735 im Druck erschien. Im klassischen Konzert zur Zeit Bachs wurde ein Soloinstrument und ein Orchester einander gegenübergestellt, Tutti- und Solopartien wechselten einander ab. Bach immitiert dies durch die Gegenüberstellung der unterschiedlichen Klangfarben der beiden Cembalomanuale. Mit mehreren Instrumenten lässt sich der konzertante Aspekt natürlich noch besser herausarbeiten, insbesondere, wenn man zwischen chorischer und solistischer Besetzung abwechselt. Und so präsentiert das Signum Sax

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Quartett eine ganz eigene Fassung – mit Cello im Solopart, das den vier Saxophonen gegenüber gestellt wird.

Sechs aus zwölf

Die sechs Bagatellen sind eine Auskopplung Ligetis aus seinem berühmten Klavierzyklus „Musica ricercata“. Mal wild, mal freudig, dann wieder komplentativ oder aufgeregt – jede der Miniaturen hat ihren ganz eigenen, unverwechslichen Charakter. Die minimalistischen Bagatellen existieren in zahlreichen Bearbeitungen – u. a. für Blasquintett, Bläserensemble und Akkordeon. Eine neuerliche Bearbeitung durch das französische „Habanera Saxophonquartett“ unter Mitwirkung Ligetis.

Dieses Arrangement wurde vom Komponisten später als Original-Werk autorisiert. Eine andere Saxophon-Version erklingt allerdings im heutigen Konzert: sie stammt von Guillaume de Bourgogne.

Lied ohne Worte

Das Gedicht „The Sunset“ – „Il tramonto“ handelt von einem Liebespaar, das in der Sommersonne wandert. In dem Bewusstsein, die Sonne eigentlich nie richtig gesehen zu haben, sehnt sich der Mann nach dem nächsten Tag. Aber am anderen Morgen findet ihn seine Geliebte tot auf.

Anders als in vielen Werken der romantischen Literatur lässt der Autor sie jedoch nicht mit ihm sterben, sondern sie lebt weiter und versorgt ihren alten Vater. Aber die Sehnsucht nach der Liebe und dem Frieden mit dem Geliebten bleibt. In der Originalfassung des Kunstliedes passt sich die deklamatorisch empfundene Vokallinie des Liedes „Il tramonto“ den Akzenten und Klängen des Textes, einer italienischen Übersetzung des ursprünglich englischen Gedichtes, genau an. Außerdem ließ sich Respighi, wie es generell für sein Schaffen typisch ist, auch hier von außermusikalischen Eindrücken inspirieren. Shelleys Text bietet dafür eine Fülle an Material, sowohl in den Naturbeschreibungen als auch in der Art und Weise, wie die weibliche Hauptfigur portraitiert wird. Das Signum Sax Quartett überträgt diese Fülle an Klangfarben und Elemen-

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ten gesanglicher Ausdruckskraft im eigenen Arrangement vornehmlich auf die Gesangslinie des Solocellisten.

Vier zu eins

Das Cellokonzert Nr. 1 in C-Dur (Hob. VIIb:1) von Joseph Haydn wurde wahrscheinlich um 1762–1765 für den Freund Joseph Franz Weigl komponiert, der damals der erste Cellist beim Fürsten Esterházy war.

Das Werk entstand zwar in der Zeit der Klassik, trägt aber noch stark ausgeprägte Zeichen des Spätbarocks. Aus dem gesamten thematischen Material, das in der Exposition durch das Orchester im ersten Satz vorgetragen wird, greift sich das Solocello einige Teile heraus. In aller Kürze spielt es den Seitensatz. In der Durchführung fließen keine Themenstücke mit ein. Prägnant ist auch der Wechsel von Solo- und Tutti-Blöcken, die als ein Charakteristikum normalerweise in Concerti erwartet werden. Das Adagio ist kantabileartig und monothematisch. Der Cellist übernimmt hier die Melodie der Violinen am Anfang des Satzes und führt diese weiter fort. Eine Herausforderung stellt vor allem die relativ hohe Lage über weite Teile des Soloparts dar. Der dritte Satz wird musikantisch schwungvoll gespielt und gleicht im Aufbau dem 1. Satz. Die Besetzung des Orchesters ist in der Originalfassung mit zwei Oboen, zwei Hörnern und Streichern verhältnismäßig klein, zudem ist ein Generalbass ausgeschrieben. Es lag also nahe, sich eben dieses Konzertes anzunehmen und es für Saxophonquartett und Solocello zu bearbeiten. So geschehen durch Christoph Enzel.

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Signum saxophone quartet

Mit jugendlicher Energie, überzeugendem Talent und ausgefallenen Ideen bringt das SIGNUM saxophone quartet seit einigen Jahren frischen Wind in die europäischen Konzertsäle und Festivals.

Ob an der Carnegie Hall NY oder auf den Schnee bedeckten Berggipfeln der italienischen Dolomiten spielend, die Experimentierfreude und Vielseitigkeit der SIGNUMs spiegelt sich sicherlich nicht nur in ihren originellen Programmen wider. Die vier jungen Musiker sind in klassischen Quartett-Formationen zu hören, und kreieren gleichzeitig immer wieder spannende, nie gesehene Kollaborationen und Klänge. Souverän und meist ohne Noten spielend, nutzt dieses junge Ensemble die neu gewonnene Freiheit auf der Bühne. Als Fair-Players unterstützen die Saxophonisten ehrenamtlich das Projekt „Rhapsody in School“ – für das Publikum von Morgen.

Die vier Musiker Blaž Kemperle, Erik Nestler, Alan Lužar und Guerino Bellarosa sind sich in Köln begegnet, wo sie 2006 das SIGNUM saxophone quartet gegründet haben. Studiert haben die Saxophonisten in Köln, Wien und Amsterdam; das Quartett erhält regelmäßig Anregungen und Inspiration durch das Quatuor Ébène, das Artemis Quartett und Gabor Takács-Nágy.

Nach Preisen bei internationalen Wettbewerben u. a. in Lugano und Berlin spielt SIGNUM mittlerweile in Konzertsälen und bei Festivals in Europa und der ganzen Welt; im Jahr 2013 folgte das Debut an der Carnegie Hall NY. Eine ganz besondere Auszeichnung ist die Ernennung zu „ECHO-Rising Stars 2014/2015“ durch die European Concert Hall Organisation (ECHO).

Das Jahr 2015 hat die SIGNUMs an die größten Säle und Festivals Europas gebracht, darunter: Barbican Centre London, Konzerthaus Wien, Concertgebouw Amsterdam, Palais des Beaux-Arts Bruxelles, Teatro della Pergola Florenz, Gulbenkian Lissabon, Festspielhaus Baden-Baden, Philharmonie Luxembourg, Elbphilharmonie Hamburg, Konzerthaus Dortmund, Philharmonie Köln, Schleswig Holstein Musik Festival, Folle Journée Nantes, Schwetzingen Festival, MDR Musiksommer, uvm. Weiter geht es 2015/16 u. a. mit Barbican Center, Grand Philharmonic Hall St. Petersburg.

Philharmonia Moscow, Kremlin Concert Hall Nizhny Novgorod, Philhamonie Luxembourg, Mozarteum Salzburg, Tonhalle Zürich, Paul Klee Zentrum Bern, BASF, Musikfest Bremen, Frauenkirche Dresden, Folle Journée Nantes & Japan, und dem Debüt am Seoul Arts Center.

SIGNUM sucht beständig nach neuen Herausforderungen und Begegnungen, so zum Beispiel mit: Folkert Uhde (ION / Radialsystem Berlin) in einer Inszenierung von Bachs Kunst der Fuge; oder mit verschiedenen Kammermusik-Partnern, darunter: Mario Brunello, Matthias Bartolomey und Harriet Krijgh am Cello, der junge litauische Akkordeon-Spieler Martynas, und die Pianisten Michail Lifits oder Julien Quentin.

Die SIGNUMs haben solistisch mit diversen Orchestern gearbeitet (Bob Mintzer, Rhythm of the Americas); und ab 2016 steht das Konzert von P. Glass für Orchester und Sax Quartett auf dem Programm, u. a. in Vilnius.

Diese Spielzeit nähern sich die 4 jungen Saxophonisten dem Musiktheater für Kinder und Jugendliche. Im Januar Jahr 2016 werden die SIGNUMs erstmals mit einer eigenen Show für Kids debütieren: „Stand by

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me – the SIGNUM sound experience“ (8+) ist ein visuelles Konzert über Klang, Imagination und Freundschaft, produziert von der Philharmonie Luxembourg und Kölner Philhamonie (Regie: Letizia Renzini).

Die erste CD des Quartetts „DEBUT“ ist 2011 mit Werken von Grieg, Ravel, Bartók und Schostakowitsch erschienen; eine zweite CD mit dem Titel „Balkanication“ ist seit 2015 auf dem Markt; für 2016 ist ein weiteres CD-Projekt in Planung. SIGNUM ist D’ADDARIO Artist.

Matthias Bartolomey

Matthias Bartolomey wurde 1985 in Wien geboren. Im Alter von sechs Jahren erhielt er den ersten Cellounterricht von seinem Vater, Franz Bartolomey. Er studierte in der Konzertfachklasse bei Prof. Valentin Erben an der Universität für Musik in Wien und bei Prof. Clemens Hagen am Mozarteum Salzburg, wo er 2010 seine Ausbildung mit Auszeichnung abschloss.

Im Jahr 2000 gewann Matthias den 1. Preis und wurde Bundessieger beim Jugendwettbewerb Prima la Musica. 2004 gewann er den 1. Preis bei Musica Juventutis. 2006 war er Preisträger beim Internationalen Brahms Wettbewerb in Pörtschach. Im November 2009 verlieh ihm die Mozartgemeinde Wien den „Ernst-Schenk-Preis“ für junge Musiker.

Beim österreichischen „Gradus ad Parnassum“-Wettbewerb erhielt er 2009 den „ESTA“-Preis für die beste Interpretation der Solo-Sonate von György Ligeti. Er war von 2000–2004 Teilnehmer des Internationalen Orchesterinstitut Attergau unter der Patronanz der Wiener Philharmoniker, unter den Dirigenten Valery Gergiev, Mariss Jansons und Bobby McFerrin.

Er absolvierte Meisterkurse u. a., bei Mstislaw Rostropowitsch und Janos Starker in Kronberg, bei Patrick Demenga und Heinrich Schiff, Kammermusikspezialkurse bei Prof. Günther Pichler (Alban Berg Quartett) in Siena. Im Zuge seiner solistischen Tätigkeiten arbeitete er u. a. mit dem Wiener Kammerorchester, der Wiener Kammerphilharmonie, dem Symphonieorchester der Universität Mozarteum und dem „Symphonie in C/Philadelphia“ zusammen.

Als Kammermusiker tritt Matthias Bartolomey regelmäßig u. a. im Wiener Musikverein und dem Wiener Konzerthaus, bei den internationalen Festivals in Österreich (Carinthischer Sommer, OÖ Stiftskonzerte, Attergauer Kultursommer) und Deutschland (Schwäbischer Frühling, Pfingstfestival Gartow), sowie in Italien, Slowenien, Japan und China auf. .

2012 gründete er mit dem Geiger und Mandolaspieler Klemens Bittmann das Duo BartolomeyBittmann – die Formation führt im Zusammenspiel ihr stark in der klassischen Musiktradition verankertes Instrumentarium auf einen neuen Weg. Mit Spontanität und Improvisation der Jazzästhetik verbinden sie intim groovende und kraftvoll rockende Elemente.

Im Bereich der Orchestermusik wirkt Matthias im Orchester der Wiener Staatsoper und bei den Wiener Philharmonikern, beim Chamber Orchestra of Europe und dem Mahler Chamber Orchestra mit. Seit 2011 spielt er als Solo-Cellist beim Concentus Musicus Wien unter Nikolaus Harnoncourt.

Matthias Bartolomey spielt ein Violoncello von David Tecchler, Rom 1727 mit einem Saitenbezug von Thomastik-Infeld.

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ALMA Mi. 27. Juli 2016, 20 Uhr Festspielhaus

Junge Volksmusik FLUVIUS fluvius (Latein) – Flu.ss Substantiv (der) 1. ein größeres fließendes Gewässer. „Der Inn ist ein Fluss in Tirol.“ 2. geh. der (ununterbrochene) Ablauf einer Sache. „der Fluss der Zeit“ Geige, Gesang, Komposition: Julia Lacherstorfer Geige, Gesang: Evelyn Mair Geige, Gesang, Komposition: Matteo Haitzmann Diat. Harmonika, Gesang: Marie-Theres Stickler Kontrabass, Gesang: Marlene Lacherstorfer

Keine Pause Konzertende ca. 21.40 Uhr

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Wer denkt bei ALMA nicht unweigerlich an Alpen, Almen und den weiblichen Vornamen? Alles richtig, verbindet doch die fünfköpfige Truppe die Traditionen des Alpenraumes – und so ist der Titel gleich in mehrfacher Weise Programm. Doch keine Alpen, kein Gebirge, kein Gipfel ohne Tal. Kein Tal ohne reißende Gebirgsbäche und breite Flüsse, die Schneisen durch den Fels ziehen und sich geduldig den Weg bahnen.

Stetig. Pulsierend. Unaufhörlich. Der hier entstehende Seins-Zustand „im Fluss sein“ ist titelgebend für das Konzert: „fluvius“, lat.: Fluss, der.

Ferner beschreibt er auch die Arbeits-Modi der MusikerInnen: die Musik stets im Fluss, die Seele im Fluss, ALMA im Fluss. Neue Stücke fließen in das bestehende Programm ein, bis es schließlich ein anderes, neues geworden ist.

ALMA bieten keine Alpen-Zaubershow sondern gewachsene alpine Seelenmusik. Nicht nur, dass die Geburtsorte der fünf Musikerinnen und Musiker einen großen Teil des alpenländischen Raums vom Schneeberggebiet über das oberösterreichische Bad Hall und das Salzburger Land bis hin nach Südtirol überspannen. Auch musikalisch bedienen sie sich mit Geigen, Akkordeon, Kontrabass und Gesang den überlieferten Melodien und Harmonien alpiner Prägung, die sie allesamt mit der Muttermilch aufgesogen haben. Und doch weisen die Klänge des jungen Gespanns weit über die geografischen, zeitlichen und gelegentlich auch gedanklichen Grenzen des Brauchtums hinaus.

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ALMA

Die Seele.

Eine berühmte Künstlerin.

Die Alm? ALMAs Musik findet ihre Wurzeln nicht nur in der österreichischen Volksmusik, sondern lässt sich vielmehr als eine augenzwinkernde Verbeugung vor selbiger betrachten. Allesamt in musizierenden Familien aufgewachsen, spielte die Auseinandersetzung mit traditioneller Musik für die fünf jungen MusikerInnen von Kindesbeinen an eine ebenso große Rolle wie zur Schule gehen oder Radfahren. Das fünfköpfige Ensemble haucht alten Traditionen neues Leben ein und lässt sich selbst genug Raum um eigene musikalische Wurzeln zu erkunden. Diese werden vielfältig interpretiert und originell in einen neuen Zusammenhang gesetzt. Die Mitglieder des Ensembles sind allesamt in Wien wohnhaft, wo sie sich längst vor ihrer Gründung bereits in der einschlägigen Volksmusikstammtisch- und WorkshopSzene beäugt und beschnuppert haben.

Seinen Anfang fand das Ensemble dann 2011. Seitdem verbindet ALMA volksmusikalische Bodenständigkeit spielerisch mit komplexen Arrangements, und tourt durch die Weltgeschichte.

Der englische Journalist Gavin Plumley schreibt über Almas Musik: „Wir wandern, um unsere Neugier zu stillen, die Sehnsucht zu heilen, und uns ebenso „zu Hause“ in der Welt zu fühlen … Musik, die aus der Seele kommt und Menschen

dort erreichen möchte, wo deren eigene Wurzeln schlummern.“ 2013 erschien ihr Debütalbum „Nativa“ auf dem Label col legno, ihr zweites Album mit dem Titel „Transalpin“ folgte im Mai 2015.

Bei Alma verwirklichen fünf junge Musiker_innen ihre Vorstellungen, wie die österreichische Volksmusik-Tradition an die Jetztzeit und die Menschen, die in ihr leben, angepasst werden kann. Mit Violinen, Bass, Akkordeon und Gesang sowie mit großer Leichtigkeit, Leidenschaft und Fantasie lassen sie aus den Wurzeln vielfältige musikalische Triebe und Blüten wachsen. Ihre Musik hat keine geografische Zugehörigkeit, lässt sich nicht an einem bestimmten musikalischen Stil festmachen und bleibt offen für Einflüsse, wie zum Beispiel die von den jüngst getätigten Reisen.

Julia Lacherstorfer

Wo soll ich anfangen? Am besten am Anfang … und der liegt in Bad Hall / OÖ, wo ich am 18.09.1985 in eine Familie namens Lacherstorfer hineingeboren wurde. Mama Elfriede, von Beruf Lehrerin, verbringt ihre Freizeit liebend gern im Garten und spielt daneben auch noch Kontrabass. Papa Franz, von Beruf Lehrer, sammelt alles, was ihm unter die Finger kommt – angefangen von Wilhelmsburger Geschirr bis hin zu gusseisernen Grabkreuzen, die er dann im Garten einbetoniert – und ist zu allem Überdruss noch leidenschaftlicher Dudelsack- und Drehleierspieler, was mir und meiner Schwester Marlene oft das eine

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oder andere unsanfte Erwachen am Morgen bescherte. Und da beginnt auch schon meine volksmusikalische Laufbahn. Inspiriert durch die elterliche Gruppe „Kremsmünsterer Bock- und Leiermusik“ und das Akkordeongequetsche meines Großvaters bildete ich mir mit 6 Jahren ein, unbedingt Geige lernen zu wollen, was mir auch genehmigt wurde. Mit dem Üben hatte ich’s ja noch nicht so damals, dafür hörte ich mir umso lieber Unmengen an CDs mit Jodlern, Wienerliedern, Gstanzln und estnischer Dudelsackmusik an und verspürte mit der Zeit einen unheimlichen Drang, diese Höreinflüsse in eine musikalische Tat umzusetzen.

Anfangs versuchten wir das als „Lacherstorfer Soatnkråtzer“, was damals auch wirklich noch mehr ein Gekratze war. Als ich dann 2003 endlich nach Wien kam um Musikerziehung und Psychologie / Philosophie zu studieren, verwirklichten sich nach und nach meine musikalischen Visionen: Alte traditionelle Schriften ausgraben und zum Eigenen machen. Unbekanntes aus aller Welt entdecken und damit Bekanntschaft schließen. Leute finden, die Dinge wissen, die ich noch nicht weiß, damit ich wieder ein bisschen mehr weiß. Mit Menschen spielen und kleine musikalische Welten erschaffen.

Nach einiger Zeit des Studierens von Menschen, Musik und des „Lebens-an-sich“ hat sich eine neue Leidenschaft zu den vorangegangenen dazugesellt, nämlich die Improvisation. Weil sie einen so näher bringt, näher zu sich selbst und näher zu

den Leuten mit denen und für die man spielt. So bin ich nun auch in Linz an der Anton-Bruckner-Privatuniversität gelandet, wo ich unter anderem bei Andi Schreiber Jazz und improvisierte Musik studiere.

Evelyn Mair

Ich erblickte am 19.10.1988, als Tochter einer Südtiroler Bahnangestellten und Hobbymusikerin und eines Süditalienischen Bahnangestellten und Hobbyzeichners, das Licht der Welt in Sterzing. Als ich so einigermaßen sprechen konnte, fing ich auch an zu singen, und zwar mit meinem Großvater, der sich autodidaktisch das Harmonikaspielen beibrachte und uns beim Singen somit immer begleiten konnte. Aber oftmals musizierten wir nicht nur im Duett, sondern auch im Terzett, da manchmal auch meine Mutter mit der Gitarre mitspielte und auch mitsang. So kam ich schon in meinen jungen Jahren in Berührung mit alten Schlagern und Volksliedern.

Aber das Singen allein war mir dann mit 6 Jahren einfach nicht mehr genug. Ich wollte unbedingt in die Musikschule und ein Instrument erlernen. Für mich kam aber nicht nur ein Instrument in Frage, sondern gleich 3: Querflöte, Hackbrett und Geige. So wie heute fiel es mir schon damals recht schwer, eine Entscheidung zu treffen. Das hängt vielleicht von meinem Sternzeichen ab.

Naja, entschieden habe ich mich (nicht meine Eltern) dann für die Geige. Es folgen 8 Jahre Musikschulunterricht bei Frau

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Barbara Palfrader. Sie gründete die Volksmusikgruppe „Puschtra Vielsaitign“, bei der ich bis heute mitspiele. In diesen 8 Jahren kamen dann noch 2 Instrumente hinzu: die Querflöte und das Klavier. Nach 8 Jahren Geigenunterricht in der Musikschule entschied ich mich, Geige zu studieren, und nahm dann 5 Jahre lang Privatunterricht bei Frau Irene Troi.

Während der Zeit der Musikschule und des Privatunterrichts wurde ich mehrfache Preisträgerin von Landeswettbewerben und Mitglied mehrerer klassischer Gruppen, mit denen ich im In- und Ausland oftmals auch solistisch auftrat. Volksmusikalisch bildete ich mich auf Kursen und Seminaren in Südtirol, aber auch in Österreich bei Otto Ehrenstrasser und bei Peter Reitmeier weiter. Mit Frau Verena Gamper bereitete ich mich für die Aufnahmeprüfung an der Universität für Musik und Darstellende Kunst Wien vor. Dort studiere ich nun seit 2009 bei Frau Ulrike Danhofer klassische Violine mit den Schwerpunkten Volksmusikforschung / Ethnomusikologie und Elementare Musikpädagogik.

Nach nur einem halben Jahr in Wien durfte ich ganz unerwartet in die Formation „Aufstrich“ als Substitutin einsteigen und dies ermöglichte es mir, meine ersten Schritte in der Wiener Volksmusikszene zu machen.

Heute wirke ich neben „Alma“ noch in einigen anderen Formationen mit – wie z. B. „AasGeiger“.

Matteo Haitzmann

Matteo Haitzmann – also Ich! Ich bin im April 1990 geboren. Damals war es ein Karfreitag, der 13.. Da Hexenverbrennungen zum Glück kein Thema mehr sind / waren, hatte ich eine wunderbare Kindheit im Salzburger Land (Pinzgau). Die Inspiration kam, als ich 3 Jahre alt war. Ich (nicht meine Eltern) entschied mich für die Geige.

Meine Eltern (nicht Ich) entschieden, dass ich noch 3 Jahre warten solle. Sechs geworden, Geige besorgt, Lehrer organisiert. So folgten viele Jahre des Geigenunterrichts.

Angefangen mit Klassik, übergegangen zu viel Volksmusik, schlussendlich abgeschweift in Pop, Improvisation und wieder Klassik, studiere ich nun seit 2013 an der Anton-Bruckner-Universität Jazz und Improvisation bei Andi Schreiber. Zu hören – neben „ALMA“ – in verschiedenen Bands, die da wären: „Friedrich & Ludwig“, „Belly Swing Orchestra“, „AasGeiger“.

Marie-Theres Stickler

1988 geboren und aufgewachsen im niederösterreichischen Schneeberggebiet, der oftmals sogenannten Wiege der Alpenländischen Dreistimmigkeit – das Jodeln sollte aber erst viel später ein zentraler Punkt in ihrem Leben sein – begann Marie-Theres Stickler im Alter von 6 Jahren autodidaktisch das Harmonikaspiel. Auslöser dazu waren gleichermaßen ihre musikbegeisterte und engagierte Mutter Helen und der Musiker Hubert von Goisern, der mit seinem Hit

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„Hiatamadl“ die Charts stürmte. Es folgen Jahre mit vielen Musikveranstaltungen und Harmonikatreffen – die ersten Lehrmeister sind im „Wirtshaus“ anzutreffen – Musikseminare, erste Ensembles, selbst erfolgreich absolvierte Harmonikawettbewerbe zählen zu den Referenzen der jungen Marie-Theres Stickler. Im Alter von 13 Jahren nimmt sie Unterricht beim Harmonikaspieler Hans Schröpfer, viele unterschiedlichste Musikgruppen kommen und gehen. Seit 2006 studiert sie Instrumentalpädagogik „Volksmusikinstrumente“, Hauptfach Diatonische Harmonika am Mozarteum Salzburg, kurz darauf kam der Einstieg ins Ensemble „Die Tanzgeiger“ in Wien. Die unterschiedlichen Volksmusiklandschaften mit ihren Musizierstilen, in diesem Fall Ost- und Westösterreich (Wien – Salzburg), unter einen Hut zu bringen, sprich in einer Musikerin zu vereinen, wurde zur Herausforderung, die sich schließlich als große Bereicherung entpuppte. Viele Engagements, Konzerte, Workshops, Seminare und Reisen folgen.

In der jungen Volksmusikszene Wiens finden sich schließlich viele gleichgesinnte Musiker, es entsteht ein großer Kreis an Musikanten, der unter dem Namen „Aasgeiger“ in unterschiedlichen Besetzungen spielt und eine rege Stammtischkultur gedeihen lässt.

Seit einigen Jahren beschäftigt sich Marie mit Faltenradios und Quetschkommoden vieler Art: Diatonisch – die Steirische Harmonika – chromatisch – die Wiener Schrammelharmonika oder auch eine Mischung aus beiden – die Chemnitzer Kon-

zertina, der Vorläufer des Bandoneon. So spielt sie diatonisch, chromatisch, steirisch, wienerisch, hin und wieder theoretisch, aber viel lieber praktisch.

Neben „ALMA“, in dem Eigenes, Neuartiges, aber auch Traditionelles vermischt wird, gibt es noch weitere beständige Gruppen, in denen Marie-Theres Stickler mitmischt – so spielt sie lebendige traditionelle Musik in „Die Tanzgeiger“, neue Wiener Weltmusik auf jazzige Art interpretiert mit „Martin Spengler und die foischn Wiener“ und alles andere, das sich nur irgendwie ergibt, in vielen Projekten, die das Leben bereichern.

Marlene Lacherstorfer

1982 in Bad Hall (OÖ) geboren. Beginnt mit 8 Jahren, Klavier zu spielen, und versucht sich in den darauffolgenden Jahren an verschiedenen Instrumenten wie Geige, Cello oder Harfe, bis sie schließlich mit 18 Jahren beim E-Bass und in weiterer Folge beim Kontrabass landet. Nach einem längeren Südamerika-Aufenthalt im Jahr 2002 ist Wien ihre neue Heimatstadt. Seit 2003 ist sie Bassistin bei der Indie-Band „VELOJET“. Seit 2008 ist sie immer wieder auch bei anderen Bands der Wiener Musikszene wie z. B. „Ernst Molden“, „Meena Cryle“, „Trouble Over Tokyo“ live zu sehen und gelegentlich auch als Studiomusikerin (u. a. für Wolfgang Ambros) tätig.

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MITWIRKENDE & BIOGRAFIEN

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ORGANISATION DER TIROLER FESTSPIELE ERL Präsident: Dr. Hans Peter Haselsteiner Intendant: Dr. Gustav Kuhn Chefdramaturg und stellvertretender künstlerischer Leiter: Andreas Leisner Senior Consultant: Dr. Christin Kirn, Andreas Schett Leitung Kommunikation und Theatermanagement: Alexander Busche Kaufmännische Direktion: Dr. Regina Wenzel-Kneringer Technische Leitung: Alexander Paget Leitung Abteilung Musik: Jan Golubkow Musikalischer Referent: Beomseok Yi Leitung Szene: Natalie Ortner Künstlerisches Betriebsbüro: Ulrich Braunegg, Camilla Leimisch Mitarbeit Künstlerisches Betriebsbüro: Uta Einwaller Referentin für Presse und Kommunikation: Angelika Ruge Assistenz Kaufmännische Direktion: Julia Dresch, Barbara Falbesoner Buchhaltung: Bettina Weigl Assistenz Technische Leitung: Doris Truttenberger Persönliche Referentin Gustav Kuhn: Anna Leisner Konsulenz: Jasper Parrott, Francesco Canessa, Dr. Wolf-Dieter Stöffel Kartenverkauf: Monika Spindler-Barsony, Jutta Klein, Christina Walker Haustechnik: Georg Schindlholzer, Hans Ullrich Auszubildende Kaufmännische Direktion: Ana Škarica

Kostümmanufaktur Gesamtleitung Kostümmanufaktur: Lenka Radecky Assistenz Gesamtleitung Kostümmanufaktur: Gabi Eberwein Stellv. Gesamtleitung Kostümmanufaktur / Gewandmeisterin Damen und Herren: Natalie Schust Leitung Produktion Kostüm / Fundusverwaltung / Statisterie: Juliane Trockenbacher, Karin Waltenberger, Claudia Thaler Gewandmeisterinnen: Barbara Hölzl, Marion Ruetz Assistenz Produktionsleitung: Julia Avi Kostümassistenz: Kim Scharnitzky

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Schneiderei: Regina Hauser, Magdalena Lunger, Elisabeth Moser, Melanie Niebelschütz, Julia Thaler, Denesne Toth, Christine Vogl Schneiderei Auszubildende: Theresa Peter Garderobendienst: Julia Avi, Magdalena Lunger, Theresa Peter, Julia Thaler, Christine Vogl

MASKE Leitung Maske: Stefan Winkler Maske Solo: Silvia Fischer, Simone Neufischer, Antje Schmidt-Linke, Stefan Winkler, Julia Wolfrum Maske Chor: Ute Baumann, Marion Bähr, Laura Bertoldi, Tatjana Bösch, Silvia Fischer, Walter Geimeier, Sabine Gutwenger, Martina Hering, Britta Kraft, Simone Neufischer, Heike Puzicha, Antje Schmidt-Linke, Katinka Wischnewski, Julia Wolfrum

Bühnenwerkstätten in Zusammenarbeit mit dem Ensemble Porcia Leitung Bühnenwerkstätten: Michael Beyermann Mitarbeiter: Florian Malle, Willi Mosser, Georg Schusteritsch

TECHNIK Bühneninspektor: Tim Herold Bühnentechnik: Mario Bäger, Eik Hellwig, Stephan Kitzbichler, Ingo Köller, Oliver Mühlbach, Rajmund Rémai, Harald Schmied, Florian Wurster, Frank Zaback, Matthias Zühlke Lichttechnik: Carolina Agostini Operator Licht Passionsspielhaus: Julian Paget (Fa. Crossfade GmbH) Operator Licht Festspielhaus: Ellen Paget (Fa. Crossfade GmbH) Tontechnik: Philipp Engel Requisite: Giacomo Callari, Sarah Ganter

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STATISTERIE DER TIROLER FESTSPIELE ERL Guled Abdi, Biibaaye Abdulle-Mahamed, Saif Al Sabi, Mohammad Alshmeri, Ulrich Braunegg, Abdisalan Culusow, Abrahim Essa, Omar Mohammed Falih, Victoria Geiger, Hasan Guled-Muhumed, Mowlid Hassan, Sead Hussein, Faysal Mahamad, Ashir Mohamed, Ismail Mohammad, Abdilahi Malin, Bilal Rahal, Mohamad Ayman Shehada, Husein Sultan

MITARBEITER TIROLER FESTSPIELE ERL SOMMER 2016 Musikalische Leitung: Gustav Kuhn, Helge Dorsch, Jan Golubkow, Andreas Leisner, Emanuele Lippi, Thomas J. Mandl, Andreas Schett, Paolo Spadaro, Beomseok Yi Musikalische Assistenz: Claudia Foresi, David Holzinger, Sharolyn Kimmorley, Thilo Lange, Emanuele Lippi, Yuna Saito, Stefano Teani, Paolo Troian Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral (siehe Besetzungslisten und Biografien) Sänger Tutor: KS Oskar Hillebrandt Regie: Gustav Kuhn, Furore di Montegral Regieassistenz: Wolfgang Berthold, Muhamed Hrustanovic, Valentin Lewisch Inspizienz: Paolo Montoya, Florian Pilz Übertitel: Lukas Leipfinger Orchesterwartin: Susy Garesci Bühnenbild: Jan Hax Halama, Furore di Montegral, Alfredo Troisi Kostüme: Lenka Radecky Licht: Gustav Kuhn

OCHESTER DER TIROLER FESTSPIELe ERL Orchesterbetreuung: Vladimir Deiko 1.Violine: Fiodar Lushch (Konzertmeister), Henrykh Fuks (Konzertmeister), Francesco Iorio (Konzertmeister), Katsiaryna Astayeva, Aksana Budchanka, Volha Drazhenka, Alexei Grekov, Keti Ikonomi, Aliaksandra Kachytskaya, Ewelina Karna, Mirjana Kelec, Pavel Likhavets, Diana Minevich, Roberta Palmigiani, Hanna Pukinskaya, Juliane Reiß, Luba Soloduhina, Hleb Tkachuk 2.Violine: Anastasiya Sychova (Stimmführerin), Darya Lushch, (stellvertretende Stimmführerin), Ketevan Abiatari, Fabio Acone, Daniele Cabassi, Anastasiya Galkina,

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Katsiaryna Kindzel,Alena Kulikouskaya, Alessandro Malizia, Andon Manushi, Matija Matijevic´, Zorana Mihailovic´, Angelina Panamarova, Maryna Volskaya, Polina Zakharyan Viola: Katsiaryna Ananich (Stimmführerin), Aliaksandra Shastapalava (stellvertretende Stimmführerin), Ala Shamela, Dino Dragovic, Filippo Laneri, Liudmila Jowtschewa, Ewa Krawiec, Semen Lebedyev, Vitali Mikhin, Zita Pintér, Oxana Protsenko, Alfons Puschej, Alena Tretjakova Cello: Antonio Mostacci (Stimmführer), Tatsiana Deiko (stellvertretende Stimmführerin), Tatsiana Borava, Ba ak Canseli Cifci, Zhanna Darashkova, Florian del Core, Vladimir Drobnjak, Enrico Guerzoni, Volha Hranionava, Sebastian Jolles, Beata Kolodziej, Alexey Okounev Kontrabass: Igor Vasiliuk (Stimmführer), Brett Graeme Berthold (stellvertretender Stimmführer), Francesco Barile, Joao Wesley Brasil da Silva, Massimo Di Moia, Csaba Fervagner, Szabolcs Agoston Korkos Csik, Janos Kurucz, Tamas Schultz Flöte: Mattia Petrilli (Solo-Flöte), Luca Bossi, Nadezhda Mialeshka (Solo-Flöte), Anton Pfisterer, Viachaslau Radkevich Oboe: Alejandro Tello (Solo-Oboe), Aleh Alisjuk, Maryna Babeyeva, Juan Manuel Garcia-Cano Ruiz (Englisch-Horn), Gunther Joppig, Pavel Kot (Englisch-Horn) Klarinette: Karin Mischl (Solo-Klarinette), Harald Fleißner, Alexei Yaskeltchik, Anton Loginov, Arnold Plankensteiner (Bass-Klarinette) Fagott: Vadzim Shleh (Solo-Fagott), Andrei Khalomkin, Maria Palme, Arlette Probst Horn: Gabriel Cupsinar (Solo-Horn), David Fliri (Solo-Horn), Cristian Borcan, Markus Daxer, Eric Kosak, Sergej Ihnatovich, Michael Reifer, Nevena Sunajac, Emanuele Urso, Jan Zubaryk Wagnertuba: Gisela Burgstaller, Manuel Egger, Elisabeth Hirzinger, Peter Lengyelvari, Gregor Lentjes Trompete: Aliaksandr Akhremka (Solo-Trompete), Tobias Karall, Johannes Lugger, Yury Slabodchykau, Francisco Olmedo Molina (Basstrompete) Posaune: Domenico Brancati (Solo-Posaune), Angelo Iacona, Cristian Marcuzzo, Luca Mazzalupo, Mattia San Lorenzo Tuba: Francesco Porta (Solo-Tuba), Kazuto Chikara Schlagzeug: Stefano Bardella, Oleg Knote, Daniele Palma, Stefano Tononi Pauke: Tom Betsalel, Christian Jank Harfe: Johann Niedermaier, Lisa-Maria Hilti, Magdalena Saringer, Sophia Marie Schmidt, Marie Trottmann, Veronica Vacca Celesta: Paolo Troian, Emanuele Lippi Orgel: Lukas Hasler

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CHORAKADEMIE DER TIROLER FESTSPIELE ERL in Zusammenarbeit mit der Capella Minsk Chorleitung: Jan Golubkow Choreinstudierung Capella Minsk: Liudmila Efimova Liudmila Aleksandrova, Vitali Ambrazhevich, Donato Asquino, Galina Astankovich, Ihar Bandarevich, Pavel Berkov, Giancarla Bettella, Iryna Bialevich, Ivan Burak, Tamara Cardo, Damiano Cerutti, Aliaksandr Chumakou, Liudmila Chystiakova, Artsiom Dashkevich, Valeriy Druhovskyy, Dario Dziatko, Luca Granziera, Siarhei Hryharovich, Maksim Hulai, Alena Kamianetskaya, Natallia Karetskaya, Olga Karpei, Dmitri Khliavitch, Alexander Kirienko, Dzmitry Klachko, Svetlana Kochirets, Magdalena Koszakiewicz, Aliaksandr Krainik, László Ladjánszki, Denis Lazovskiy, Vikoryia Liashkevich, Pavel Makarevich, Aleh Mashera, Valentin Metelskij, Evsei Montvolinski, Loussine Nalbandian, Mechislau Novik, Aliaksei Pilipavets, Natallia Reshetniak, Aleh Shastak, Valentin Shmulevich, Anton Sidorchyk, Pavel Sopot, Aliaksandr Tumash, Yuko Ugai, Dzianis Vishniakou, Vitali Zapiokin

SERVICE Shuttle-Fahrer: Josef Neuschmid, Maartje Schernhammer, Wolfgang Schröder, Jan van der Meijden Künstlerbuffett: Christa Pemler, Rolleria (Oberaudorf) Einlasspersonal und Besucherservice: Michael Aicher, Angelika Danner, Anna Laura Edinger, Joy Einwaller, Anna Gatterer, Elisabeth Glarcher, Beatrix Gstir, Martina Harlander, Renate Harlander, Alexander Jungmann, Stefan Jungmann, Andrea Moser, Nicole Neumeier, Elisabeth Neuschmid, Johanna Neuschmid, Mike Niederhuber, Josef Rainer, Lukas Rainer, Patricia Rainer, Daniel Spindler, Carina Unterlechner, Josef Wieser Mitarbeit Festspielshop: Martina Harlander Mitarbeit Kommunikation und Festspielshop: Teresa Gatterer Facility Management: Clean Service, Julia Daxauer

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Printing Passion

Gustav Kuhn

Geboren im steirischen Turrach und aufgewachsen in Salzburg, studierte Gustav Kuhn an den Musikhochschulen von Wien und Salzburg Dirigieren bei Hans Swarowsky, Bruno Maderna und Herbert von Karajan, promovierte aber an der Salzburger Universität gleichzeitig in den Fächern Philosophie, Psychologie und Psychopathologie. Im Alter von 24 Jahren gewann er den ersten Preis beim internationalen Dirigierwettbewerb des ORF. Von 1970 bis 1977 war er zunächst Chordirektor und Dirigent am Opernhaus in Istanbul, dann Erster Kapellmeister am Opernhaus Dortmund. In dieser Zeit gastierte er auch schon in Palermo, Neapel, Bologna. Gastdirigate in Rom, Florenz, Venedig und Zürich folgten. Später dirigierte er die Berliner Philharmoniker, die Dresdner Staatskapelle, das Israel Philharmonic, das London Philharmonic und das London Symphony Orchestra, das Royal Philharmonic Orchestra, das Orchestra Filarmonica della Scala in Mailand, das Orchestre National de France in Paris, die Accademia Nazionale di Santa Cecilia in Rom sowie das NHK Orchestra in Tokio, und nicht zuletzt die Wiener Philharmoniker.

1974 gründete er in Salzburg das Institut für aleatorische Musik. 1977 debütierte er an der Wiener Staatsoper mit „Elektra“ von Richard Strauss, 1978 an der Bayerischen Staatsoper und bei den Salzburger Festspielen. In der darauf folgenden Saison dirigierte er erstmalig am Royal Opera House Covent Garden in London und wurde 1979 Generalmusikdirektor in Bern. 1980 eröffnete er die Festspiele von Glyndebourne.

Bald darauf erfolgten die Debüts in den Vereinigten Staaten (1981 mit „Fidelio“ in

Chicago), an der Opéra national in Paris („Così fan tutte“, 1982), an der Teatro alla Scala di Milano („Tannhäuser“, 1984) und in der Arena von Verona („Un ballo in maschera“, 1986).

Seit 1986 widmet sich Gustav Kuhn auch der Opernregie, um eine noch größere künstlerische Einheit zwischen optischem und musikalischem Erleben zu erreichen.

So inszenierte und dirigierte er u. a. „Der fliegende Holländer“ (Triest), „Parsifal“ und „La Bohème“ (Neapel), „Don Carlos“ und „Don Carlo“ (Turin), Da Ponte Trilogie (Festival di Macerata), Rossinis „Otello“ (Berlin, Braunschweig und Tokio), „La Bohème“, „Falstaff“ und „La Traviata“ (Tokio), „Capriccio“ (Parma). Nach seinem Debüt als Opernregisseur (Bühnenbild und Kostüme Peter Pabst) entwickelte er für die Suntory Hall in Tokio die Konzeption der „hallopera“.

Den Salzburger Festspielen blieb er bis zum Jahre 1997 treu (Debüt 1978, 1980 „Figaro“, 1989 „Un ballo in maschera“, 1992, 1994 und 1997 „La clemenza di Tito“). Von 1980 bis 1983 war Kuhn Musikdirektor in Bern (Konzerte und Oper), von 1983 bis 1985 Generalmusikdirektor der Oper der Stadt Bonn. In der Folge wurde er zum Chefdirigenten des Teatro dell’Opera in Rom und später zum künstlerischen Leiter des Teatro di San Carlo in Neapel ernannt.

Von 1990 bis 1994 hatte er die Leitung des Festivals in Macerata inne und im Anschluss daran die künstlerische Leitung der Filarmonica Marchigiana. Von Januar 2003 bis Dezember 2012 war er künstlerischer Leiter des Haydn Orchester von Bozen und Trient. Im Oktober 2013 dirigierte Gustav Kuhn zwei Aufführungen von Wagners „Parsifal“ in Peking. Ein ganz besonderes Ereignis, denn nie zuvor wurde Wagners

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Oper in China auf die Bühne gebracht.

Seit 1987 ist Gustav Kuhn künstlerischer Leiter des internationalen Gesangswettbewerbs „Neue Stimmen“ der Bertelsmann Stiftung in Gütersloh. 1992 gründete er die Accademia di Montegral, die seit 2000 ihren Sitz im Convento dell’Angelo, Lucca (Toskana) gefunden hat. 1998 begann Kuhn seine eigenen Festspiele in Erl. Nach mehreren Jahren der Arbeit an Wagners „Ring“ gingen die Tiroler Festspiele Erl 2005 erstmals auf Tournee (Santander) und produzierten in Erl den legendär gewordenen 24-Stunden-Ring. Im selben Jahr erklärte sich Dr. Hans Peter Haselsteiner bereit, die Präsidentschaft der Tiroler Festspiele Erl zu übernehmen. Sein Wirken ermöglichte den Bau des neuen Festspielhauses. Die feierliche Eröffnung des Festspielhauses erfolgte am 26. Dezember 2012.

Alljährlich wird die Sommersaison der Tiroler Festspiele Erl nun in der Zeit vom 26. Dezember bis 6. Januar um eine Wintersaison unter der künstlerischen Gesamtleitung von Gustav Kuhn ergänzt. Auf dem Programm stehen dann vornehmlich Werke des zeitgenössischen Repertoires, des Belcanto sowie Werke von Bach und Mozart – Komponisten, die Kuhn ganz besonders am Herzen liegen.

Das Passionsspielhaus bleibt den Festspielen im Sommer als wichtiger Aufführungsort für die großen Werke von Wagner und Strauss beispielsweise erhalten. Mit der Inszenierung des „Lohengrin“ hat Gustav Kuhn im Juli 2012 seinen Zyklus der zehn großen Wagneropern in eigener Regie im Erler Passionsspielhaus abgeschlossen.

Einer Einladung nach China folgend dirigierte Gustav Kuhn die chinesischen Erstaufführungen von „Tristan und Isolde“ und „Die Meistersinger von Nürnberg“ im Okto-

ber 2015 in Peking sowie den 24-StundenRing in Shanghai. Für sein erfolgreiches Engagement hinsichtlich der Rezeption von Richard Wagners Werken in China wurde er dort zum „Künstler des Jahres“ ernannt.

Seine Kompositionen umfassen Orchesterwerke, Messen und Solostücke, großen Erfolg hatte auch seine Instrumentation von Janáčeks „Tagebuch eines Verschollenen“ an der Opéra national de Paris (erschienen bei Edition Peters). 2007 bis 2011 gastierte er regelmäßig mit seiner Konzertreihe Delirium in seiner Heimatstadt Salzburg.

Aufnahmen von Gustav Kuhn gibt es bei dem ihm eng verbundenen Label col legno sowie bei BMG, EMI, CBS, Capriccio, Supraphon, Orfeo, Koch / Schwann, Coreolan, ARTE NOVA etc. Sein Buch „Aus Liebe zur Musik“ erschien im Henschel Verlag.

Tito Ceccherini

Tito Ceccherini studierte Klavier, Komposition und Dirigieren am Konservatorium Giuseppe Verdi in Mailand. Seine Fertigkeiten vertiefte er anschließend bei Peter Eötvös, Sandro Gorli und Gustav Kuhn. Bei zahlreichen traditionellen Symphonieorchestern stand Tito Ceccherini bereits am Pult, darunter das BBC Symphony Orchestra, das Orchestre Philharmonique de Radio France, das HR-Symphonieorchester, das Radio-Symphonieorchester Stuttgart, das Philharmonia Orchestra, das Tokyo Philharmonic oder das Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI. Er hat Flaggschiffe der zeitgenössischen Musik wie das Ensemble Intercontemporain, Klangforum Wien oder das Ensemble Contrechamps geleitet und war Gast u. a. beim Lucerne Festival, Festival d’Automne, bei den Schwetzingen Festspiele, der Biennale München,

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März Musik u. v. m. Als Operndirigent war Ceccherini am Moskauer Bolshoi-Theater, an der Opéra National de Paris, am Grand Théâtre de Genève, am Nationaltheater Mannheim und am Teatro Bellini in Catania tätig. In der kommenden Saison wird er u. a. am Théâtre du Capitole de Toulouse, an der Oper Frankfurt und im Teatro Colón in Buenos Aires zu erleben sein. Tito Ceccherinis CD-Einspielungen wurden mit Preisen wie dem „Choc“ der Zeitschrift „Le Monde de la Musique“ und dem „Diapason d’Or“ ausgezeichnet.

Katharina Glas

Die gebürtige Oberbayerin fand erst mit 15 Jahren – also unüblicherweise spät – zum Tanz. Trotzdem konnte sie nach dem Abitur einen Studienplatz für „klassischen und zeitgenössischen Tanz“ am Konservatorium Privatuniversität der Stadt Wien ertanzen und schloss dort ihre Ausbildung im Sommer 2015 mit Auszeichnung und dem „Bachelor of Arts“ ab. Bereits während des Studiums tanzte sie in Werken namhafter Choreographen wie Willi Dorner („notes on blank 1“), Doris Uhlich („energetic bodies“), Anton Lachky („golden jumpers“), Liz King („swanlake remixed“) und Trisha Brown („set and reset“). Zu sehen war sie hierbei nicht nur in den großen Häusern, wie dem Festspielhaus St. Pölten, dem Akademietheater Wien oder der Staatsoper in Bratislava, sondern auch in der kleinen, freien zeitgenössischen Szene Wiens mit ihren Off-Theatern. Ebenso tanzte sie in diversen Show-, Opern- und Operettenproduktionen. Als Choreographin arbeitete sie schon früh mit Komponist Hans-Jürgen Doetsch zusammen („Undine“ 2011, „Sommerbilder“ 2015). Ihre letzte choreographische

Arbeit vor Probenbeginn bei den Tiroler Festspielen Erl Winter 2015/16 führte sie nach Rumänien, wo sie in der Nationaloper von Cluj im Rahmen eines Ballettabends von Simona Noja ihre Choreographie Sail präsentierte.

Jan Golubkov

Jan Golubkow wurde in Moskau geboren, fing in jungen Jahren bei den Wiltener Sängerknaben zu singen an, maturierte am Musikgymnasium Innsbruck, genoss Gesangsunterricht bei Martin Senfter und Johannes Stecher. Zurzeit studiert er Musikpädagogik mit den Fächern Klavier (bei Eva Salmutter) und Gesang (bei Vera Schoenenberg) am Mozarteum Salzburg (Abteilung Innsbruck) und ist darüber hinaus Student der Slawistik an der Universität Innsbruck. Er konnte sowohl als Solist als auch mit verschiedenen Ensembles ausgezeichnete Erfolge bei zahlreichen Wettbewerben im In- und Ausland feiern.

Von 2007 – 2015 war er Chorleiterassistent bei den Wiltener Sängerknaben, von 2010 bis 2015 leitete er den gemischten Chor „InnStimmen“ und ist nebenher gefragter Assistent und Leiter für musikalische Projekte unterschiedlichster Genres. Jan Golubkow absolvierte Kurse im Chordirigieren bei Martin August Fuchsberger und Maria Goundorina, sowie Meisterkurse bei Ragnar Rasmussen und Erwin Ortner. Seit Herbst 2012 studiert er am Tiroler Landeskonservatorium Dirigieren bei Tito Ceccherini und Dorian Keilhack. Seit Herbst 2015 arbeitet er als Leiter der Abteilung Musik bei den Tiroler Festspielen Erl mit Gustav Kuhn zusammen.

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Jan Hax Halama

Oskar Hillebrandt

Jan Hax Halama war bis zu seinem Engagement bei den Tiroler Festspielen Erl freischaffender Bühnen- und Kostümbildner.

Er arbeitet seit über 15 Jahren für Theater und Bühnen in Deutschland, Italien den Niederlanden und Österreich. Nach Ausbildung und Assistenzen am Stadttheater Gießen, an der Folkwanghochschule Essen, dem Landestheater Mecklenburg Vorpommern, Neustrelitz, und Städtische Bühnen Münster folgten Engagements als Bühnenbildner und Kostümbildner in Münster, Marburg, Gießen, Neustrelitz, Frankfurt / Main, Amsterdam und Linz. Seit 1998 lebt und arbeitet Jan Hax Halama in Linz. Zuerst als Ausstattungsassistent am Landestheater Linz, wechselt er 2003/2004 für drei Jahre als Ausstattungsleiter an das Theater des Kindes. In der gesamten Zeit entstanden Ausstattungen in allen Bereichen des Theaters (Schauspiel, Oper, Tanz / Ballett) für das Landestheater Linz, Stadttheater Gießen, Städtische Bühnen Münster, Theater des Kindes, Opera da Camera, Theater der Jugend Wien, Vereinigte Bühnen Bozen und Brucknerhaus Linz, sowie für Filmproduktionen. Neben seiner Arbeit für die Bühne entwickelt Halama als freier Graphiker und Ausstatter Konzepte für Werbe- und Plakatkampagnen, Buch- und Katalogillustrationen, Werbeauftritte und Firmenevents. Das für das Landestheater Linz entstandene Bühnen- und Kostümbild für Robert Pooles Ballett zum Werk von William Blake „Songs of …“ wurde beim World Stage Design Award in Toronto in der Kategorie „Set Design“ nominiert und mit der Bronzemedaille ausgezeichnet.

Kammersänger Oskar Hillebrandt, Heldenbariton, wurde in Schopfheim geboren.

Sein Gesangsstudium absolvierte er bei Kammersänger Professor Josef Metternich an der Hochschule für Musik in Köln. Seit seinem ersten Auftritt an der Württembergischen Staatsoper Stuttgart erhielt er Engagements an allen großen europäischen Opernhäusern: Mailand, Turin, Venedig, Florenz, Rom, Neapel, Paris, Bordeaux, Toulouse, Marseille, Genf, London, Dublin, Madrid, Barcelona, Valencia, Lissabon, Antwerpen, Oslo, Kopenhagen, Athen, Bukarest, Tbilissi sowie am Bolschoi in Moskau. Im deutschsprachigen Raum sang er regelmäßig an der Deutschen Oper Berlin (u. a. Mandryka in „Arabella“ mit Lucia Popp unter Sinopoli, Hans Sachs in „Meistersinger“ unter Thielemann), der Staatsoper Berlin, der Bayerischen Staatsoper München (u. a. Alberich in „Rheingold“, Mandryka unter Sawallisch und Ritorno d’Ulisse unter Henze), der Hamburgischen Staatsoper (u. a. Hans Sachs unter Metzmacher sowie in Stuttgart, Düsseldorf, Köln, Bonn, Zürich und seit 1991 an der Staatsoper Wien (Wotan in „Walküre“ mit Domingo und Behrens Wanderer Telramund, Kurwenal, Amfortas, Holländer, Alberich Klingsor, Mandryka u. a.). Auch außerhalb Europas wurde er an viele Opern- und Konzerthäuser verpflichtet. So trat er häufig am Teatro Colón in Buenos Aires, in Santiago de Chile, in Tokio, in Melbourne und in Neuseeland (Auckland, Christchurch, Wellington) auf. Weitere Auftritte führten ihn nach Montreal („Parsifal“ mit Jessye Norman), Ottawa, Seattle, Cleveland (Kreon und Bote in „Oedipus Rex“ von Strawinski) und der Carnegie Hall in New York (der

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Auserwähle in Schönbergs „Jakobsleiter“).

In Japan sang er in Tokio, Nagoya und Osaka das Bass-Solo in Mahlers 8. Symphonie (London Philharmonic Orchestra unter Sinopoli). Mit der Deutschen Oper Berlin gab er den Telramund unter Christian Thielemann in Tokio, den Don Pizarro mit der Wiener Staatsoper in Yokohama und im New National Theater Tokio den Alberich im Ring des Nibelungen. Oskar Hillebrandt wirkte auch bei vielen internationalen Festspielen mit. In Bayreuth gab er den Telramund unter Antonio Pappano, in Glyndbourne den Mandryka, mit den Bayreuther Festspielen unter Sinopoli den Telramund in Taormina und in Bregenz den Fliegenden Holländer. Bei den Festspielen in München sang er unter Sinopoli die „Gurrelieder“ von Schönberg. Bei den Tiroler Festspielen Erl gab er Hans Sachs, Holländer und Telramund unter Gustav Kuhn. Adam Fischer verpflichtete ihn für mehrere Partien im „Ring“ beim Budapest Festival. Beim Northwest Pacific Festival in Seattle sang er neben Kurewenal den Alberich sowie Klingsor beim Spoleto Festival in South Carolina. Im Brucknerhaus Linz trat er als Telramund, Alberich und Kurwenal auf. Im Herodes Attikus in Athen sang er Jochanaan in „Salome“ und in Spanien trat er bei den Festivals in Cuenca und Santander auf. Oskar Hillebrandt hat u. a. mit folgenden Dirigenten gearbeitet: Antonio Pappano, Wolfgang Sawallisch, Giuseppe Sinopoli, Christoph von Dohnanyi, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Adam Fischer, Donald Runnicles, Jun Märkl, Franz Paul Decker, Gustav Kuhn, Sir Charles Mackerras, Rafael Frübeck de Burgos, Gabor Ötvös, Sir Jeffrey Tate, Horst Stein, Giuseppe Patané, Ferdinand Leitner, Heinrich Hollreiser, Hans Werner Henze,

Gerd Albrecht, Peter Schneider, Marek Janowski, Sir Collin Davis, Silvio Varviso u. a.

Gesungen hat er mehr als 150 Rollen, darunter alle wichtigen Heldenbariton-Partien von Richard Wagner (Hans Sachs, Wotan, Alberich, Holländer, Kurwenal, Amfortas, Klingsor, Wolfram u. a.), außerdem Mandryka, Jochanaan, und Robert Storch von Richard Strauss sowie die Verdi-Partien des Jago („Otello“), Nabucco, Macbeth, Simone Boccanegra, Falstaff und Carlos („Forza der destino“). Weiter Partien sind Scarpia („Tosca“), Kaspar („Der Freischütz“), Don Pizarro („Fidelio“), Escamillo („Carmen“), Dr. Schön („Lulu“), Fürst Igor u. v. a. Seine rege Konzerttätigkeit führte ihn außerdem durch Europa, Nord- und Südamerika und Australien mit Oratorien, Messen und Symphonien von Mahler, Bach, Beethoven, Brahms, Bruckner, Gluck, Haydn, Mendelssohn, Mozart und Rossini. Zahlreiche Mitschnitte bei internationalen Rundfunkanstalten sowie Aufnahmen bei der Deutschen Grammophon, Telefunken, Morgan Records (Ambroise Thomas’ „Hamlet“) u. a. dokumentieren seinen künstlerischen Weg. Andreas Leisner

Andreas Leisner studierte Theaterwissenschaften, Geschichte und Philosophie in München sowie Musiktheater-Regie an der Universität für Musik und Darstellende Kunst in Wien. Regieassistenzen und Regiemitarbeit führten ihn an die Wiener Staatsoper, das Royal Opera House Covent Garden London, das Teatro alla Scala, Mailand, das Teatro di San Carlo Neapel, die Staatsoper unter den Linden, die Opéra National de Paris u. v. a. Noch während des Studiums erarbeitete er als Regisseur an der Universität u. a. Inszenierungen der Urauf-

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führung N. N. von Gernot Schedlberger und von Kreneks Dark Waters. Auf der Burgruine Hohenegg in Niederösterreich realisierte er im Rahmen eines von ihm gegründeten Barockfestivals Händels Flavio und Alcina.

Im Oktober 2003 brachte er eine CarmenInszenierung in der Epua Punka Hall in Sapporo heraus. Im März 2006 inszenierte er die Uraufführung von Thomas Pernes’ Zauberflöte 06, die im Rahmen des Wiener Mozartjahrs von der Neuen Oper Wien produziert wurde. Andreas Leisner ist Initiator und Mitbegründer des progetto semiserio und führte sowohl bei Giulio Cesare (2001/2003) als auch Il Trionfo (2005) und Romeo +– Julia (2008) Regie. 2006 wurde er mit der operativen Leitung der Tiroler Festspiele Erl betraut, wo er mit Maestro Kuhn sowohl als Regisseur („Nabucco“) als auch als Dirigent arbeitet (Eröffnung 2012/13, 2013, Silvesterkonzerte 2013 und 2014, „Il barbiere di Siviglia“ 2015/16). Er ist Mitglied der Accademia di Montegral.

Emanuele Lippi

Emanule Lippi studierte Klavier am Konservatorium von Florenz bei Maestro V. Vavolo und schloss sein Studium 1997 mit Auszeichnung ab. Er setzte sein Studium zunächst bei Maria Tipo an der Scuola di Musica von Fiesole fort und belegte 2000 einen Kurs für Vertretungslehrer am Teatro Lirico Sperimentale, Spoleto. Dirigieren studierte er bei Maestro L. Korchmar am Mariinsky Theater und am Konservatorium „R. Korsakov“ in St. Petersburg sowie bei Maestro Gustav Kuhn. Er arbeitete für die Pariser Oper, die „Canadian Opera Company“ in Toronto, für das Theater in Santiago, Chile, für das Teatro Lirico Sperimentale von Spoleto, die Oper von Rom, die Marche

Philharmonie, das Theater Bozener Stadt, Ferrara, Giglio von Lucca, die Sagra Musicale Umbra, für das Theater von Rovigo, Japan, Russland, Kroatien, Marokko, Bulgarien, Rumänien, für den Wettbewerb „Capuana“ in Spoleto, „ Neue Stimmen „der Bertelsmann Stiftung,“ Pedrotti „in Trento, und für das Mozarteum in Salzburg. Seit 2004 ist er für das „Zhou Xiaoyan“ von Shanghai tätig. Seit 2003 arbeitet er für das „Musica Riva Festival“ und für den internationalen Wettbewerb „R. Zandonai“, sowohl in Riva di Garda als auch 2010 anlässlich der Expo in Shanghai.. Seit 2002 ist er Assistent des Dirigenten Gustav Kuhn in vielen Theatern und darüber hinaus aktiv beim Haydn-Orchester Bozen, dem Südtirol Festival in Toblach, der Accademia di Montegral und den Tiroler Festspielen Erl, für das er als Dirigent und Coach unter Vertrag steht. Zur Eröffnung des neuen Festspielhauses in Erl im Dezember 2012 dirigierte er das Finale von Donizettis „Diluvio Universale“. Ebenfalls 2012 trat er mit der Sopranistin Michela Sburlati am Glasunow Konzerthalle in Sankt Petersburg auf sowie in einem Konzert „Verdi Wagner“ in der Toyota Concert Hall in Japan. Er war der Pianist der Aufzeichnung der Petite Messe Solennelle anlässlich des Festivals Collegno, dirigiert von Gustav Kuhn. Im Jahr 2013 arbeitete er sowohl im Opernhaus von Rio de Janeiro als auch als Chef-Korrepetitor bei der COC für die Aufführung der Oper „La Bohème“ unter der musikalischen Leitung von Maestro C. Rizzi; er war Assistent von Maestro Kuhn in Peking für Wagners „Parsifal“, einer Koproduktion der „Semperoper Dresden“, der „Osterfestspiele Salzburg“ und des „Beijing Music Festivals“. Im Jahr 2014 dirigierte er die Ouvertüre Leonore III und

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IV Beethoven-Symphonie. Wiederum in Erl war er musikalischer Assistent beim „Ring“ sowie in allen anderen Wagner-Opern und bei den symphonischen Aufführungen der Festspiele. Im Jahr 2015 war er als Stellverteter für Maestro M. Hofstetter für „Don Giovanni“ bei der COC (Canadian Opera Company) tätig, einer Ko-Produktion mit dem „Teatro Real“ in Madrid, dem „Bolschoi-Theater“ in Moskau und dem Festival von Aix-en-Provence.

Lenka Radecky

Lenka Radecky begann ihre künstlerische Tätigkeit als Kostümassistentin an der Bayerischen Staatsoper München, wo ihr ab der Spielzeit 1997/98 die Leitung der Abteilung für Kunstgewerbe übertragen wurde.

In dieser Funktion arbeitete sie u. a. mit Kostümbildnern wie Jürgen Rose, Herbert Wernicke, Buki Shiff, Reinhard Heinrich, Gottfried Pilz, Andrea Schmitt-Futterer und Anthony Mc Donald zusammen. Seit 1998 ist sie als freischaffende Kostümbildnerin tätig. Produktionen im Bereich der Oper waren u. a. „Rusalka“ (Landestheater Detmold), „La Cenerentola“ (Staatstheater Saarbrücken), „Guntram“ (Teatro Bellini Catania) und „Wiener Blut“ (Alte Oper Frankfurt). 2001 übernahm sie die Leitung der saisonalen Kostümabteilung der Tiroler Festspiele Erl, die seit September 2007 als Kostümmanufaktur der Tiroler Festspiele Erl zu einem ganzjährigen Betrieb umgewandelt wurde. In deren Rahmen entwarf sie die gesamten Kostüme aller Produktionen der Tiroler Festspiele Erl, u. a. zehn Opern von Richard Wagner, „Elektra“, „Fidelio“, „Die Zauberflöte“, „Herzog Blaubarts Burg“, „Le nozze di Figaro“. Mit dem Choreografen Jörg Mannes verband sie seit

2003 eine konstante Zusammenarbeit. Es entstanden „Movimenti“ (2004) und „Romeo und Julia“ (2006) am Landestheater Linz sowie für die Staatsoper Hannover „Molière“ (2006), „Romeo und Julia“ (2007), „Beethoven 4“ (2007), „Pulcinella / Stabat Mater“ (2008), „Cinderella“ (2008).

An der Bayerischen Staatsoper entstand im Dezember 2007 das Ballett Shakespeares „Der Sturm“ und 2010 ein Ballettabend zu verschiedenen Kompositionen von Maurice Ravel. Für die Passionsspiele in Erl 2008 wurde ihr die Neugestaltung von über 600 Kostümen übertragen. Zur Wiederaufnahme zum 400-jährigen Jubiläum der Passionsspiele im Mai 2013 überarbeitete Lenka Radecky ihr Kostümkonzept von 2008. Im Oktober 2013 gestaltete sie das Kostümbild der Neuproduktion des „Parsifal“ von Philippe Arlaud im südkoreanischen Seoul.

Paolo Spadaro

Paolo Spadaro studierte Klavier bei Emilio Bonino, Komposition bei Paul Arca und Gianni Possio, Dirigieren bei Donato Renzetti und Gustav Kuhn, Vokale Kammermusik bei Daniela Uccello, Jazz Piano mit Franco D’Andrea, Coaching mit Robert Kettelson.

Er dirigiert derzeit an der Teatro alla Scala di Milano „Die Zauberflöte für Kinder“. Seit 1998 ist der bei den Tiroler Festspielen Erl Assistent von Gustav Kuhn und hier sein Debüt im nationalen Fernsehen ORF und in Anwesenheit des Bundespräsidenten bei der Eröffnung des neuen Festspielhauses 2012. Seither ist er regelmäßig als Gastdirigent des Orchesters der Tiroler Festspiele Erl tätig. Der renommierte Kulturjournalist Alexander Raskatov schrieb über ihn, dass Paolo „ein wunderbarer Dirigent ist“.

Nachdem er in zahlreichen Theatern in

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Italien und im Ausland gearbeitet hatte, wurde er als Coach und musikalischer Assistent im Jahre 2002 auf unbestimmte Zeit an die Teatro alla Scala di Milano verpflichtet, wo er bei der musikalischen Erarbeitung von Werken wie „Orfeo“ unter der Leitung von Rinaldo Alessandrini und „Pelleas et Melisande“ unter Leitung von Georges Prêtre über „Così fan tutte“ unter der Leitung von Ottavio Dantone und „Die Soldaten“ von Zimmermann unter der Leitung von Ingo Metzmacher bis hin zu Puccinis „Il trittico“ und „Jeanne d’Arc“ unter der Leitung von Riccardo Chailly, „Tosca“ dirigiert von Lorin Maazel, „Der Rosenkavalier“ dirigiert von Zubin Mehta sowie „Siegfried“ und „Rheingold“ unter der musikalischen Leitung von Daniel Barenboim. Barenboim war es auch, der ihm nach dem Brahms-Konzert der Sonaten für Viola und Klavier während eines internationalen Wettbewerbs vor allen Anwesenden ein großes Lob aussprach: „Ich habe Sie gerufen, weil ich Ihnen persönlich sagen wollte, dass Sie hervorragend sind!“ Als Pianist begleitete er in Frankreich, Österreich, Spanien, Deutschland, Russland, Israel, Griechenland, der Türkei, Norwegen und Hong Kong große Künstler wie Anita Rachvelisvili, Roberto Scandiuzzi, Mariella Devia, Massimo Cavalletti, Nino Machaidze, Luciana D’Intino. Die Presse kommentierte das so: „Paolo Spadaro ist ein exzellenter Begleiter auf dem Klavier.“ Als Continuo-Spieler tritt er sowohl an der Teatro alla Scala di Milano (zuletzt im Händel-Oratorium „Il Trionfo del tempo e del disinganno“ unter der Leitung von Diego Fasolis) als auch häufig bei internationalen Festivals auf. Sein Spiel auf dem Cembalo erhielt besondere Erwähnung von Susanna Toffaloni von „OperaClick“

und von Paolo Isotta im „Corriere della Sera“. Als Chorleiter arbeitet er seit mehreren Jahren mit Ghislieri Musik in Pavia – hier entstand eine CD, die auf Harmonia Mundi veröffentlicht wurde. Er leitet den Universitätschor mit einem Repertoire von Vivaldi, Mozart, Haydn und Fauré bis hin zu Zeitgenossen wie Edoardo Farina. Spadaro ist Dozent an der Akademie der Scala in Mailand, wo er im Laufe der Jahre mit Leyla Gencer, Mirella Freni, Luciana Serra und Renato Bruson arbeitete und 2001 mit Bestnote sein Fachstudium für Coaching und Musikalische Beratung abschloss.

Alfredo Troisi

Alfredo Troisi ist einer der angesehensten und vielseitigsten Künstler, sein Ruf als Bühnenbildner, Kostümbildner und Video-Designer ist erstklassig. Er wurde in Neapel geboren, wo er an der Akademie der Schönen Künste studierte. Dank seiner Spezialisierung auf dem Gebiet der Kunstvideos gelang es ihm, seine Kenntnis der klassischen Theater-Szenografie mit modernen Techniken und persönlichem Stil zu verbinden. 1991 gab er sein Debüt als Bühnen- und Kostümbildner für das historische Galakonzert zum 30-jährigen Jubiläum von Luciano Pavarotti im Teatro Valli, Reggio Emilia. Das war der Startschuss für weitere Engagements an große Bühnen auf nationaler und internationaler Ebene: Monte Carlo (Bühnenbild und Kostüme für „Macbeth“ anlässlich 700 Jahre Grimaldi-Dynastie), Marseille („Faust“ von Gounod), Tokio („Macbeth“ und „Lucia di Lammermoor“), Brasilia („Un ballo in maschera“), Rio de Janeiro („Turandot“), Seoul („Turandot“), Tel Aviv („Nabucco“), Baal Beeck („Tosca“), Festival

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di Avenches („Nabucco“ und „Il trovatore“), Sevilla („Hänsel und Gretel“), Bilbao („Les pêcheur des perles“), La Coruna („La sonnambula“ und „Norma“). Er arbeitete an folgenden Häusern: Teatro dell’Opera di Roma („La sonnambula“), Teatro Massimo Vittorio Emanuele di Palermo („Hänsel und Gretel“), Teatro Giuseppe Verdi di Trieste („Nabucco“), Teatro Politeama di Lecce („Macbeth“, „Nabucco“, „Il trovatore“, „Il trittico“, „Tosca“, „Carmen“, „Rigoletto“, „Attila“, „Die Zauberflöte“, „Don Giovanni“), Teatro Piccinni von Bari („La Traviata“) und Teatro Vittorio Emanuele von Messina („Don Giovanni“). Von ihm stammen Bühnenbild und Kostüme für verschiedene Produktionen, darunter: „Amelia al ballo“ und „La sonnambula“ am Teatro Regio di Parma; „Nabucco“, „La forza del destino“ und „La sonnambula“ an der Oper Ravenna; „La Traviata“ an der Oper von Piacenza; „Turandot“ in Lucca, Pisa und Livorno; „Il barbiere di Siviglia“ in Zusammenarbeit mit Fondazione Arturo Toscanini von Parma; „Un ballo in maschera“ und „La forza del destino“ im Teatro Sociale von Rovigo; „El retablo de Maese Pedro“ an der Oper in Cagliari; „Rigoletto“, „Cavalleria rusticana“ und „Tosca“ am Theater Sassari; „Carmen“, „Die lustige Witwe“ und „Madama Butterfly“ in Taormina; „La Cenerentola“, „Otello“, „Turandot“ und „Madama Butterfly“ in Trapani; „Nabucco“, „Un ballo in maschera“, „Carmen“ und „Norma“ in Reggio Calabria, Cosenza und Catanzaro; „Nabucco“, „Il barbiere di Siviglia“, „Cavalleria rusticana“, „La sonnambula“, „Rigoletto“ in Salerno; „La sonnambula“ im Perez Galdos Theater in Las Palmas; „Il barbiere di Siviglia“ und „L’elisir d’amore“ auf dem Festival delle Ville Vesuviane; „Tosca“ in der Arena Flegrea in Neapel. Unter den

Regisseuren, mit denen er gearbeitet hat, sind Katia Ricciarelli, Daniel Oren, Lorenzo Amato und Riccardo Canessa. Sein Debüt als Regisseur machte er in Spanien mit den Produktionen „Nabucco“, „Macbeth“ und „Il trovatore“.

Beomseok Yi

Beomseok Yi wurde in Seoul, Südkorea geboren. Zuerst studierte er Geschichte und Archäologie an der Universität seiner Heimatstadt. Er begann seine Ausbildung zum Dirigenten an der Musikakademie Kassel an und setzte seine Studien an der Kunstuniversität Graz mit Prof. Martin Sieghart (Orchesterdirigieren) und Günter Fruhmann (Korrepetition) fort. Im Sommer 2015 schloss er sein Masterstudium mit Auszeichnung ab. Während der Ausbildung dirigierte er bereits zahlreiche Opern und Konzerte. Einen Erfolg konnte mit seiner Arbeit als musikalischer Leiter des Opernprojektes „Die Fledermaus“ und „Don Pasquale“ in einer Kammerorchesterversion verzeichnen. Von 2014–2016 arbeitete er als Bühnenmusikdirigent und Korrepetitor an der Oper in Graz. Seit dem Frühjahr 2016 arbeitet als musikalischer Referent von Gustav Kuhn bei den Tiroler Festspielen Erl.

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Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral Yukiko Aragaki

Yukiko Aragaki hat an der staatlichen Hochschule für Musik und bildende Künste in Tokyo im Hauptfach Gesang promoviert.

Sie hat den Master mit Auszeichnung und dem Preis „Ataka“ abgeschlossen. Sie hat schon während ihres Studiums mehrere Preise gewonnen, unter anderem bei wichtigen Gesangswettbewerben in Japan. 2007 Debüt in der Rolle der Diana in der Operette „Orphèe aux Enfers“, Dirigent T. Ban im Nissay Theatre Tokio. Im selben Jahr Debüt in der Rolle der Gretel in „Hänsel und Gretel“ am Hyogo Performing Arts Centre, eines der renommiertesten Opernhäuser Japans, Dirigent Yutaka Sado. Wiederholung 2009. 2008 erhielt sie ein Stipendium der japanischen Regierung (Agency for Cultural Affairs, Government of Japan), das es ihr ermöglichte, in Rom bei Mariella Devia privat zu studieren.

Während ihres Studiums in Italien nahm sie an Meisterkursen bei Renata Scotto teil.

Im selben Jahre debütierte sie in der Partie der Lauretta in „Gianni Schicchi“ mit dem Orchestra Sinfonica di Lecco in Pavia, in der Rolle der Conie in „Quinta Donna“ als Erstaufführung im Teatro Bonci di Cesena, Italien. Ein Jahr später debütierte sie als Zerlina in „Don Giovanni“ am Teatro Consorziale di Budrio in Bologna. In 2010 gab sie ein Konzert mit dem Haydn-Orchester von Trient und Bozen unter der Leitung von Maestro Gustav Kuhn. Im Juli 2011 feierte Yukiko Aragaki ihr Debüt als Liù in „Turandot“ in Tokyo, unter der Leitung von Dirigent Gian Luigi Gelmetti. Noch im selben Monat wurde die Sopranistin als

Musetta in „La Bohème“ engagiert. Yukiko Aragaki war in zahlreichen Konzerten mit dem Tokyo Symphony Orchestra in Japan unter der Leitung von H. Soudant zu erleben. Im November 2013 gab sie ihr Debüt in der Rolle der Giulietta in „I Capuleti e i Montecchi“ von V. Bellini in Osaka. 2014 war sie das erste Mal bei den Tiroler Festspielen Erl als Woglinde („Das Rheingold“ und „Götterdämmerung“) zu Gast.

Heera Bae

Die Koreanische Sopranistin Heera Bae studierte Gesang an der Hanyang Universitäi in Korea, Operngesang an der „The Academy“ in Milano und am Konservatorium „Arigo Boito“ im Parma, Italien. In Frankreich absolvierte sie den „Professional course“ an der Consevatoire National de Région Pierre Barbizet (Marseille). Sie besuchte Meisterkurse bei Luciana Serra.

Sie ist Preisträgerin des Bellini-Gesangswettbewerbs in Paris, des Carmini-Gesangswettbewerbs in Parma, des MartiniGesangswettbewerbs in Mantova, des Alfredo-Giacomotti-Gesangswettbewerbs in Pavia, des Art-Lyrique-Gesangswettbewerbs in Vivonne, des Ernst-HaefligerGesangswettbewerbs in Schwiez und des „Chant Lyrique de Bourgogne“. Zu einem der wichtigsten Auftritte ihrer jungen Karriere zählte ihr Debüt 2004 als Erste Dame in der Mozart-Oper „Die Zauberflöte“ in Seoul, Süd Korea. Seit 2011 sang sie folgende Partien: Gilda („Rigoletto“) in Parma und Torrechiara, Fanny in Rossinis Oper „La cambiale di matrimonio“ in Carpi, die Olympia in „Les contes d’Hoffmann“ (Offenbach) in Mailand. Ebenfalls 2011 sang sie verschiende Konzerte, darunter in Vezelay mit der Sopranistin Leontina

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Valuva. Sie trat in in Paris in der Kathedrale Notre Dame d’Auteuil auf und der Kathedrale Notre Dame in Dijon, im Chateau de Chastellux in der Bourgogne. Sie war in Brescia, Parma und Mailand zu erleben.

2013 sang sie die Königin der Nacht in „Die Zauberflöte“ beim Open Air Opernfestival in Paris, beim Menuhin Musikfestival in Gstaad und im Deagu Opera House in Südkorea.

te in diesem Jahr umfassen die Carmina Burana von Orff und das Verdi-Requiem.

Als Liedsänger arbeitet Frederik Baldus mit den Pianisten Thomas Palm und Katharina Königsfeld zusammen. Er wurde vom Internationalen Schumann Verein Düsseldorf wiederholt als Sänger für Schumanns „Dichterliebe“ engagiert. Frederik Baldus war im Jahr 2008 Stipendiat des internationalen Richard-Wagner-Verbandes.

Frederik Baldus

Vladimir Baykov

Frederik Baldus schloss sein Gesangsstudium 2011 bei Prof. Konrad Jarnot an der Robert Schumann Hochschule Düsseldorf mit dem Konzertexamen ab, nachdem er bei Prof. Angela Nick an der Musikhochschule Freiburg seine Diplome in Lied und Oratorium sowie Operngesang absolviert hatte. Er nahm an Meisterkursen bei Inge Borkh, Anna Tomowa-Sintow, Françoise Pollet, Tom Krause und René Jacobs teil.

Zudem war er Finalist beim „Ad honorem Mozart“-Wettbewerb in Prag. Als gefragter Opernsänger gastierte er bereits an den Theatern in Luzern, Freiburg, Regensburg und Gelsenkirchen. Im Konzertfach debütierte er bereits 2007 im Palacio de Bellas Artes (Mexiko) als Solist in Beethovens 9.

Symphonie und erfreut sich seitdem reger Konzerttätigkeit – zuletzt mit den Hamburger Symphonikern als Haushofmeister in Richard Strauss’ „Capriccio“ unter Jeffrey Tate in der Hamburger Laeiszhalle. Seit dem Jahr 2011 singt Frederik Baldus als Mitglied der Accademia di Montegral bei den Tiroler Festspielen Erl. Hier tritt er nicht nur im Opern- sondern auch im Konzertfach auf, wiederholt mit dem Bach’schen Weihnachtsoratorium, 2016 auch erstmals in der Matthäuspassion. Weitere Konzer-

Der russische Bassbariton Vladimir Baykov hat sich in kurzer Zeit einen Namen als eines der vielversprechendsten neuen Talente im dramatischen Fach gemacht. Geboren wurde Vladimir Baykov 1974 in Moskau.

Nach seinem Diplom als Ingenieur für Kybernetik an der Mendeleev Universität für Chemische Technologie begann er ein Gesangsstudium in Moskau, bevor er 1996 an das Tschaikowsky Konservatorium Moskau wechselte. Er schloss dieses Studium 2001 mit Diplom ab. 2010 war er Stipendiat des Richard-Wagner-Verbands bei den Bayreuther Festspielen. In der Spielzeit 2012/13 gab er sein Debüt am Mariinsky Theater St. Petersburg, wo er den Gunther in „Götterdämmerung“ sang. Darüber hinaus gab er Partiendebüts als Blaubart in „Herzog Blaubarts Burg“ an der Finnish National Opera Helsinki und als Donner in „Das Rheingold“ an der Nederlandse Opera. Im Januar 2014 kehrt er für die Wiederaufnahme des Rings nach Amsterdam zurück. Darüber hinaus ist er in der Spielzeit 2013/14 als Angelotti an das Gran Teatre del Liceu Barcelona sowie für die Titelpartie in „Fürst Igor“ an die New Israeli Opera verpflichtet. Zu den wichtigsten Opernrollen bis zum heutigen Zeitpunkt zählen Ruprecht in Prokofievs „Der feurige

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Engel“ am Concertgebouw Amsterdam und am Teatro Colòn in Buenos Aires, Sandoval in Donizettis „Le duc d’Albe“ an der Vlaamse Opera Antwerpen / Gent (2012; Weltpremiere in französischer Sprache).

2006 sang er die Titelpartie in „Boris Godounow“ am Théâtre Royal de la Monnaie in Brüssel und am Staatstheater Darmstadt.

Eine regelmäßige Zusammenarbeit verbindet ihn mit der Finnischen Nationaloper Helsinki, wo er 2009 sein vielbeachtetes Debüt als Wassermann in Dvořáks „Rusalka“ gab, eine Rolle, die auch am Concertgebouw Amsterdam und der Bonner Oper sang. Am Teatr Wielki in Warschau war er als Méphistophélès in Goundos „Faust“ in der viel gelobten Inszenierung von Robert Wilson zu hören. Weitere viel beachtete Interpretationen Vladimir Baykovs sind Kaspar in „Der Freischütz“ (Weber) und Peter in „Hänsel und Gretel“ (Humperdink) an der Hamburger Staatsoper, Jochanaan in „Salome“ im der Moskauer Novaya Opera, Tomskij in Tschaikowskys „Pique Dame“, Warlaam und Pimen in Borid Gudonow am Teatro Regio Turin, Escamillo in „Carmen“ am Mariinsky Theater; am Theater St. Gallen sang er den Don Silva in „Ernani“ (Verdi) und Leporello in Mozarts „Don Giovanni“; an der Oper Bonn den Tcherevik in „Sorochinskaya jamarka“, er interpretierte den Heerufer in „Lohengrin“ und Kothern in „Die Meistersinger von Nürnberg“, in der Rachmaninov-Oper „Aleko“ sang er die Titelrolle, in Tschaikowskys „Francesca da Rimini“ den Lanceotto, und an der Moskauer Novaya Oper den Figaro in Mozarts „Le nozze di Figaro“ sowie den Capuletti in Gounods „Roméo et Juliette“. Er tritt regelmäßig bei den Tiroler Festspielen Erl auf, hier ist er auch im Festspielsommer 2016 als Wotan in der „Walküre“ zu sehen. Die

Hamburgische Staatsoper engagierte ihn für die kommende Spielzeit fest für die Partien Fürst Igor (Alexander Borodin), Tomskij in „Pique Dame“, Heerufer in „Lohengrin“ und Klingsor („Parsifal“). Unter Vladimir Baykovs Konzertverpflichtungen sind Beethovens 9. Symphonie in der Münchner Philharmonie, der Alten Oper Frankfurt und im Berliner Konzerthaus unter Justus Frantz sowie Verdis „Messa da Requiem“ in der Philharmonie Berlin und der Alten Oper Frankfurt unter Enoch zu Guttenberg besonders hervorzuheben. Zu seinem BachRepertoire zählen Oratorien wie das Magnifikat; die h-Moll-Messe, die Johannes- und Matthäus-Passion, die Kantanten BWV 82 und 173; weiters die Krönungsmesse von Mozart sowie die Requiems von Mozart und Salieri, „Die Schöpfung“, „Die Messe in der Bedrängnis“ und die „Nikolaimesse“ von Haydn, das Weihnachtsoratorium von Saint-Saëns, Mendelssohns „Elias“, Rachmaninovs „Die Glocken“, Schostakowitschs Symphonien Nr. 13 und 14 sowie „Das Lied von den Wäldern“ und die „MichelangeloSuite“, Spohrs „Die letzten Dinge“ sowie Philipp Glass’ Symphonie Nr. 5. Vladimir Baykov arbeitete mit namhaften Dirigenten zusammen, darunter Gennady Rozhdestvensky, Valery Gergiev, Gianandrea Noseda, Paolo Carignani, Gustav Kuhn, Cazushi Ono, Alan Curtis, Vassily Sinaisky, Kirill Petrenko, Jaap an Zweden, Leif Segerstam, Stefan Soltesz, Tugan Sokhiev, Mikko Frank, Woldemar Nelsson und Justus Franz. Zu den Regisseuren der Werke, in denen er auftrat, gehören Robert Wilson, Robert Carsen, Jochannes Schaaf, Giancarlo del Monaco, Tony Palmer, Claus Michael Gruber, Simon Mc Burney, Andrey Konchalovsky, Steven Lowless, Yury Alexandrov und Jacob Peters-Messer.

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Martina Belli

Die italienische Mezzosopranistin Martina Belli studierte an der Accademia Nazionale di Santa Cecilia in Rom und debütierte 2003 als Alisa in „Lucia di Lammermoor“.

Seither sang sie Zweite Magd („Elektra“) in der Oper in Rom, Dritte Dame („Die Zauberflöte“) in Viterbo, L’Humana fragilità und Melanto („Il ritorno d’Ulisse in patria“) in einer Tourneeproduktion mit Vorstellungen in der Cîté de la musique, Paris, und dem Amsterdam Concertgebouw, Maddalena („Rigoletto“) am Concertgebouw, Smeton („Anna Bolena“) unter der Leitung von Fabio Biondi beim Reate Festival, Anassandro („Oracolo in Messenia“) in London und Japan, ebenfalls unter der Leitung von Fabio Biondi, Federica („Luisa Miller“) am Teatro San Carlo, Neapel, und Lola, Enrichetta („I puritani“) und Linetta („Die Liebe zu den drei Orangen“) am Teatro Comunale, Florence.

Belli singt regelmäßig mit den Ensembles La Venexiana und Europa Galante und war als Solistin an wichtigen Barockmusik-Festivals, wie den Tagen Alter Musik in Regensburg und Stuttgart Barock, sowie auch am Bologna Festival und MITO Settembre Musica in Mailand. Sie ist bei Konzerten in Bozen, Trento, und New York aufgetreten und hat bei einer Aufnahme von Caldaras Oratorium „Morte e sepoltura di Cristo“ mitgewirkt.

Sonia Bellugi

Die Koloratursopranistin Sonia Bellugi hat italienisch–amerikanische Wurzeln und begann ihre Karriere mit einer Berufsausbildung zur Tänzerin im Bereich klassischer, moderner und zeitgenössischer

Tanz mit den besten Lehrer dieser Zunft.

Sonia Bellugi studierte in verschiedenen Meisterklassen mit Patrizia Morandini, Susanna Rigacci, Marcel Vanaud, Elsa Maurus, Fusako Kondo (Pariser National Régional Konservatorium, wo sie mit höchster Auszeichnung graduierte), Barbara Bonney (Mozarteum Salzburg), Robert Dume, Leonardo De Lisi, Mariella Devia, Leone Magiera, Michel Senechal. Sie gewann den internationalen Wettbewerb „Benvenuto Franci“, initiiert vom namhaften Bariton Rolando Panerai und Adua Veroni Pavarotti. Sie debütierte an der Opéra Bastille in den Rollen von Flora und Le Canard in der französischen zeitgenössischen Oper „Chat Perché“, 2011 geschrieben von Jean Marc Singier. Diese beiden Rollen sang sie in vielen anderen französischen Konzerthäusern (z. B. in Bordeaux, Rennes und Limoges) sowie in der Schweiz.

Die Oper war so erfolgreich, dass weitere Aufführungen an der Opéra Bastille und 2017 in Hongkong folgen. Darüber hinaus wurde die Oper auf dem TV-Sender Arte ausgestrahlt. 2015 sang sie die Königin der Nacht in Mozarts Oper „Die Zauberflöte“ anl. des Maggio Musical Fiorentino unter der Leitung von Massimiliano Caldi. Dieses Jahr singt sie die Partien der Gilda auf einer Tournee durch Frankreich und Spanien unter der Leitung von Martin Mazik und die Königin der Nacht an der Opéra de Massy unter der Leitung von Dominique Rouits. 2014 sang sie – unter Leitung von Andrea Colombini – ein Galakonzert im Musikverein Wien. Im Jahr 2015 war sie Cover für die Rolle von Olympia („Hoffmanns Erzählungen“) in den Theatern von Piacenza, Modena und Reggio-Emilia unter der Leitung von Christopher Franklin. Mit dieser Rolle erhielt sie auch die höchste

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Auszeichnung des L.T.L. Opera Studios in Livorno, es folgte dort eine Ausbildung mit dem Dirigenten Guy Condette. Sie sang die Leyla in „Les pêcheurs de Perles“ von Bizet am Theater von Neuilly unter der Leitung von Dominique Sourisse und die Lauretta („Gianni Schicchi“) unter der Leitung von Pierre Michel Durand. Im Jahr 2011 sang sie Stabat Mater und Opernarien unter der Leitung ihres Großvaters Piero Bellugi in Krasnojarsk. Sie singt ebenso Barockarien wie Liederabende mit Gershwin-Kompositionen.

In diesem Jahr wird sie die Rolle der Königin der Nacht unter der Anleitung von Gustav Kuhn bei den Tiroler Festspielen Erl verfeinern.

Martin Berner

Der gebürtige Hamburger und Sängerknabe des Hamburger Knabenchores, studierte zunächst an der Musikhochschule seiner Heimatstadt bei Wolfgang Löser und Burkhard Kehring (Liedklasse). Sein Konzertexamen machte er an der Musikhochschule Mannheim in der Klasse von Rudolf Piernay, mit dem er nach wie vor eng zusammenarbeitet. Meisterkurse bei Irwin Gage, Pierre Vallet, Malcom Martinu und Wolfram Rieger rundeten seine Ausbildung ab. Er ist Stipendiat des Richard-WagnerVerbandes, des „Steans Institute for Young Artists“ (Ravinia Festival Chicago) und der Internationalen Bachakademie Stuttgart, sowie Preisträger zahlreicher Wettbewerbe (u. a. Internationaler Bachwettbewerb Leipzig, Robert Stolz Wettbewerb, Bundeswettbewerb Gesang) und der „Deutschen Schubert-Gesellschaft“. Martin Berner war festes Ensemblemitglied am Theater Aachen und am Staatstheater Nürnberg

und sang dort neben den grossen Mozart Partien (Papageno, Don Giovanni, Il Conte, Guglielmo) auch italienisches und französisches Repertoire (Belcore, Marcello, Ford, Albert, Valentin und Guillaume Tell). In der Spielzeit 2012/13 erstmalig auch den Kurwenal in Wagners „Tristan und Isolde“ in Nürnberg. Er gastierte u. a. an den Opernhäusern von Hamburg, Köln, Basel, Bremen und dem Münchner Theater am Gärtnerplatz. Am Staatstheater Hannover sang er 2011 an der Seite von Bryn Terfel den Ford in Verdis Falstaff und kehrte ein Jahr später mit der gleichen Partie ans Haus zurück. Bei der Münchner Biennale verkörperte der Bariton die Titelrolle in Philip Maintz Oper „Maldoror“. Auch als Konzertsänger ist er international gefragt.

Konzerte führen ihn immer wieder ins Inund Ausland in die grossen Säle Europas.

Im Jahr 2013 machte er eine Konzertreise mit dem Noord Nederlands Orchester durch Holland und in dieser Saison arbeitete er zum ersten Mal mit dem Barockorchester Le Concert Lorraine unter der Leitung von Christoph Pregardien und tourte gemeinsam mit dem Balthasar- Neumann-Chor mit der Matthäus Passion durch Europa (u. a. Philharmonie Paris, Konzerthaus Luzern). Im Liedbereich arbeitet er u. a. mit der Pianistin Rita Kaufmann – zuletzt Dichterliebe, Liederkreis, Songs of Travel- und war bereits auf mehreren Festivals zu Gast (De Singel Antwerpen, Fränkischer Sommer, Mörser Musiksommer). 2012 erschien bei Coviello die DVD „Die Meistersinger von Nürnberg“ unter der Leitung von Markus Bosch mit der Staatsphilharmonie Nürnberg (Kothner) und diverse CD-Aufnahmen (Brahms-Requiem, Missa Solemnis, Krönungsmesse und Christus von Franz Liszt) sind mit dem Symphonieorchester Aachen

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ebenfalls unter der Leitung von Marcus Bosch erschienen.

Giancarla Bettella

Giancarla Bettella stammt aus Padua und absolvierte ihr Gesangsstudium am Conservatorio statale di musica „Antonio Buzzolla“ Adria mit Bestnote. Sie nahm an verschiedenen Masterkursen unter den Dozenten Claudio Desderi, Serge Wilfart, Romano Roma, Giorgio Zancanaro und Sherman Lowe teil und setzt ihre Studien mit den beiden Letztgenannten immer noch fort. 2007 debütierte sie al Annina in „La Traviata“ unter der Leitung von Elisabetta Maschio. Ebenfalls ein Debüt war die Gilda in „Rigoletto“ im Auditorium Chioggia unter der musikalischen Leitung Leitung von Pietro Perini. Als weitere Rollen zählen zu ihrem Repertoire: Lucia („Lucia di Lammermoor“), Amina / Lisa („La sonnambula“), Elvira („I Puritani“), Donna anna („Don Giovanni“), Contessa („Le nozze di Figaro“), Königin der Nacht („Die Zauberflöte“), Elvira („L’Italiana in Algeri“), Ardina („Elisir d’amore“), Cunegonda („Candide“).

Seit 2007 ist sie Mitglied der Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl, 2008 war sie als Sopransolistin in Hadyns „Mariazeller Messe“ zu erleben. 2009 und 2011 war sie Lehrbube in „Die Meistersinger von Nürnberg“. Seit 2012 gibt sie mit verschiedenen Vocalensembles Konzerte. Konservatorium Antonio Buzzolla von Adria mit Bestnote.

Sie nahm an verschiedenen Masterkursen unter den Dozenten Claudio Desderi, Serge Wilfart, Romano Roma, Giorgio Zancanaro und Sherman Lowe teil und setzt ihre Studien mit den beiden Letztgenannten immer noch fort. 2007 debütierte sie al Annina in „La Traviata“ unter der Leitung

von Elisabetta Maschio. Ein weiteres Debüt war Gilda in „Rigoletto“ im Auditorium Chioggia unter der musikalischen Leitung Leitung von Pietro Perini. Als weitere Rollen zählen zu ihrem Repertoire: Lucia („Lucia di Lammermoor“), Amina / Lisa („La sonnambula“), Elvira („I Puritani“), Donna anna („Don Giovanni“), Contessa („Le nozze di Figaro“), Königin der Nacht („Die Zauberflöte“), Elvira („L’Italiana in Algeri“), Ardina („Elisir d’amore“), Cunegonda („Candide“). Seit 2007 ist sie Mitglied der Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl, 2008 war sie als Sopransolistin in Hadyns „Mariazeller Messe“ zu erleben. 2009 und 2011 war sie Lehrbube in „Die Meistersinger von Nürnberg“. Seit 2012 gibt sie mit verschiedenen Vocalensembles Konzerte.

Joo-Anne Bitter

Joo-Anne Bitter begann ihre private Gesangsausbildung in Wien erst nach Abschluss eines geisteswissenschaftlichen Studiums (LMU München). Im Sommer 2014 gastierte die deutsche Sopranistin Joo-Anne Bitter bei den Tiroler Festspielen erstmals mit den Partien der Freia in Wagners Rheingold und der 3. Norn (Cover) in „Die Götterdämmerung“. Anschließend debütierte sie dort erfolgreich als Eva in Wagners „Die Meistersinger von Nürnberg“ und wird in diesem Jahr neben den RingPartien Freia im „Rheingold“ und Waldvogel in „Siegfried“ als Pamina in Mozarts „Zauberflöte“ zu hören sein. Während dieser Spielzeit gastierte sie unter anderem mit dem Tiroler Festspielensemble und der „Meistersinger“-Produktion beim Beijing Music Festival sowie an der Staatsoperette Dresden mit der Titelpartie in Smetanas „Die verkaufte Braut“ und am National-

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theater Prag mit Strauss’ „Vier letzte Lieder“ unter der Leitung von Libor Pešek.

Sie debütierte 2008 an der Hamburger Kammeroper als Donna Anna in Mozarts „Don Giovanni“ und anschließend sang sie beim Opera Festival Mauritius die Partie der Leïla in Bizets „Les pêcheurs de perles“.

Am Südthüringischen Staatstheater Meiningen gastierte sie als Laura in Millöckers beliebter Operette „Der Bettelstudent“. Zu den Partien, die sie bereits auf der Bühne gesungen hat, gehören u. a. Agathe in Webers „Der Freischütz“, Micaëla in Bizets „Carmen“, Malwina und Janthe in Marschners „Der Vampyr“, Rosalinde in Strauss’ „Die Fledermaus“ und Pamina in Mozarts „Zauberflöte“. Internationale Konzertauftritte führten sie außerdem nach Mexiko, Norwegen, Tschechien, Italien und Österreich mit dem Cape Town Philharmonic Orchestra, der Nordböhmischen Philharmonie, dem Karlsbader Symphonieorchester und dem Orchestra Regionale Filarmonia Veneta. 2013 gewann die deutsche Sopranistin den dritten Platz beim Internationalen Gesangswettbewerb ArtOpera in Frankfurt, 2012 den zweiten Platz beim 47. Internationalen Gesangswettbewerb Antonín Dvořák (CZ) und beim Internationalen Gesangswettbewerb „La città sonora“ (I). Sie gewann drei Mal in Folge den deutschen Förderwettbewerb „Jugend musiziert“.

Martina Bortolotti

Nach ihrem Abschluss mit dem Akademischen Diplom Operngesang und Kammermusik mit Auszeichnung am „Verdi“ Konservatorium in Mailand begann sie ihre weiterführenden Studien an der Akademie des Teatro alla Scala und an der Hochschu-

le für Musik in München bei Prof. Helmut Deutsch und Maria Cavazza. Meisterkurse mit Teresa Berganza, Raina Kabaivanska, Brigitte Fassbaender, M° Gustav Kuhn, Helmut Deutsch, Sara Mingardo Rene’ Clemencic, Erik Battaglia und Dalton Baldwin prägten sie zusätzlich. Gesangsunterricht erhielt sie zudem bei Vito Maria Brunetti und bei Herrn Kammersänger Oskar Hillebrandt. Sie ist Gewinnerin internationaler Wettbewerbe, darunter „Neue Puccini Stimmen“ (Wien-Innsbruck). Rege Tätigkeit im internationalen Opern- und Konzertbereich (Europa, Vereinigte Staaten, Russland, China, Südkorea) fürhten sie zu Auftritten unter anderem an der Scala von Mailand, am Residenztheater in München, bei den Tiroler Festspielen (Pamina, Fiordiligi, Gerhilde, Freia, Woglinde), am Staatstheater von Peking. Die großen Partien des lyrischen Sopranfachs gehören zu ihrem Kernrepertoire. Darüber hinaus interessiert udn interpretiert sie auch gerne Partien zeitgenössischer Komponisten wie Kristin in der Oper „Julie“ von Boesmanns (Stadttheater Bozen), Laura in der Weltpremiere der Oper „Der Misogyne“ (Stadttheater Wolfsburg, Lessingtheater Wolfenbüttel) von H. Wilhelm Plate, „Le Lagrime di Geremia“ von Carlo Galante beim MITO Festival in Mailand. Als Solosopran war sie in der 9. Symphonie von Beethoven im Stadttheater von Brescia, Vicenza, Fano und in der Basilica di Santa Maria delle Grazie in Mailand bei der EXPO 2015 zu erleben. Sie sang das Brahms-Requiem am Centro Santa Chiara in Trient mit dem Haydn Orchester unter der Leitung von Maestro Kuhn und beim Brahmsfestival in Poland. Sie wurde vom Smithsonian Museum in Washington DC und von der Public Library in New York zu einem Opern- und Liederabend eingeladen

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und hat eine Tournèe in Uruguay (Theater SODRE von Montevideo) absolviert. Sie pflegt eine regelmäßige Zusammenarbeit mit dem Ensemble Amarida und den Archi della Scala in Mailand, mit denen Sie das Requiem, die B-Dur Messe, die „Vespri solenni de confessore“ von Mozart sowie das „Stabat Mater“ von Pergolesi und von Boccherini aufgeführt hat. Fehrnseh- und Rundfunkübertragungen im Bayerischen Rundfunk, Sky Classica und Rai dokumentieren ihre Gesangskarriere. Außerdem war sie bei Benefizveranstaltungen u. a. für The Heart of Children mit Schauspielerin Ornella Muti zu Gast. Mit den Tiroler Festspielen Erl wird sie im Oktober 2015 auch im Ring in Shanghai als Gerhilde und Woglinde gestieren.

Giulio Boschetti

Giulio Boschetti studierte Gesang in Parma mit Unterstützung der „Arturo Toscanini Stiftung“. Seine Lehrer waren Renato Bruson, Leo Nucci, Virginia Zeani, Alain Billard und Beppe De Tomasi. Im April 2003 gewann er den internationalen Gesangswettbewerb „City of Neptune“ in Rom. Im Laufe seiner noch recht jungen Karriere hat Boschetti bereits einen Großteil der bedeutenden Partien seines Fachs gesungen. Neben seiner Tätigkeit auf der Opernbühne hat er sich auch auf traditionelle italienische und neapolitanische Lieder spezialisiert, mit besonderer Affinität zu Werken von Francesco Paolo Tosti. Zahlreiche Konzerttourneen führten Boschetti ins In- und Ausland. Er arbeitete eine Zeit lang mit der musikalischen Abteilung der Kathedrale von Assisi zusammen und trat in Zusammenarbeit mit dieser als Solist im Jahr 2000 im Vatikan in Anwesenheit

von Papst Johannes Paul II auf. Während dieser Zeit nahm er zahlreiche CDs auf, vor allem mit Werken des 17. und 18. Jahrhunderts aus den Archiven der Kathedrale von Assisi. Zuletzt war Giulio Boschetti bei den Tiroler Festspielen Erl als Figaro in „Le nozze di Figaro“, Gran sacerdote di Belo in „Nabucco“, Giorgio Germont in „La Traviata“ und Scarpia in „Tosca“ zu erleben.

Ferdinand von Bothmer

Ferdinand von Bothmer, in München geboren, studierte zunächst Musiktheaterregie an der Musikhochschule Wien. Von 1995 bis 1999 absolvierte er ein Gesangsstudium, von 1997 bis 2000 ergänzende Studien im Fach Lied und Oratorium bei Charles Spencer an der Musikhochschule in Wien.

Von 1999 bis 2007 gehörte Ferdinand von Bothmer zum festen Ensemble der Wiener Volksoper, wo er u. a. als Symon („Der Bettelstudent“), Camille („Die lustige Witwe“), Alfred („Die Fledermaus“), Tamino, Don Ottavio und Tito zu hören war. Gastverträge führten den Künstler darüber hinaus nach Innsbruck und an die Oper Leipzig sowie als Edwin zu den Seefestspielen Mörbisch (2002). Seine internationale Karriere setzte er an der Washington Opera, am Teatro alla Scala di Milano, am Opernhaus Zürich und am Théâtre de la Monnaie in Brüssel, an der Oper in Tokio und an den Opernhäusern in Düsseldorf und Hamburg fort. Beim Rossini Festival in Pesaro trat er erstmalig im Sommer 2006 auf und war dort u. a. als Otello und Pilade in „Ermione“ unter der Leitung von Roberto Abaddo zu hören. Mit der Festivalproduktion von Rossinis „Otello“ gastierte er im November 2008 in Japan. 2008 sang er den Léopold in „La Juive“ in einer Neuproduktion an

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der Staatsoper Stuttgart und debütierte in dieser Partie an der Wiener Staatsoper. Kurz darauf war er dort auch als Almaviva zu hören. 2009 sang Ferdinand von Bothmer u. a. Tamino an der Staatsoper Stuttgart und gab mit großem Erfolg sein Debüt als Narraboth beim Festival di Canarias. 2010 debütierte er als Giasone in Mayrs „Medea in Corinto“ an der Bayerischen Staatsoper München. 2011 folgten Gastspiele an der Staatsoper Stuttgart in den Partien des Max („Der Freischütz“) und Erik. 2013 war er an den Staatsopern von Vilnius und Bratislava als Lohengrin zu hören. Im selben Jahr sang er die Partie des Jupiter in Händels „Semele“ am Gärtnerplatztheater München.

Sein Konzertrepertoire erstreckt sich vom barocken über das klassische bis hin zum romantischen und modernen Repertoire.

Hier hat er u. a. mit Fabio Biondi, Hellmuth Rilling, Ivor Bolton und Alberto Zedda zusammengearbeitet. Mit Charles Spencer spielte er eine CD mit Liedern von Franz Liszt ein. Ferdinand von Bothmer gab sein Debüt bei den Tiroler Festspielen Erl in der Partie des Erik im Sommer 2010.

Michela Bregantin

Michela Bregantin schloss ihr Studium am Konservatorium A. Buzzolla mit Höchstnote ab. Sie studierte bei Arrigo Pola, Wilma Vernocchi, Danilo Rigosa und Luisa Giannini und gewann zahlreiche internationale Wettbewerbe, u. a. Selinus di Castelvetrano, Donne pucciniane (Lucca), Gaspare Stampa (Abano Terme), Martinelli – Pertile (Montagnana) und beim Frühlingsfestival in Pyongyang (Korea), wo sie Italien vertrat.

1999 debütierte sie als Berta in „Il barbiere di Siviglia“. Zu ihrem Opern-Repertoire zählen Partien aus u. a. „Gioconda“, „La

favorita“, „Carmen“, „Don Carlo“, „Cavalleria rusticana“, „Forza del Destino“, „Tosca“, „Turandot“, „Aida“, „Rigoletto“, „Dido und Aeneas“, „Tannhäuser“. Bregantin widmet sich auch intensiv der geistlichen Musik, sie sang u. a. Verdis „Requiem“, Rossinis „Petite Messe Solennelle“, Pergolesis „Stabat Mater“, Bachs „Matthäuspassion“, Haydns „Mariazellermesse“ und „NelsonMesse“. Bregantin ist seit 2008 Mitglied der Accademia di Montegral.

Tamara Cardo

Die italienische Mezzosopranistin Tamara Cardo schloss ihr Studium am Giuseppe Verdi-Konservatorium Turin im Alter von 22 Jahren ab.Schon während ihrer Studienzeit sang sie mit dem Mozart-Chor Turin in vielen Aufführungen, darunter die „Carmina Burana“ von Carl Orff, das Requiem von Mozart, „La Traviata“ von Verdi und „Tosca“ von Puccini. Im Jahr 2012 war sie Cherubino in Mozarts „Le nozze di Figaro“ am Teatro Sociale in Pinerolo (Turin). Seit 2013 ist sie Mitglied des Chores der AsLiCo (Associazione Lirica Concertistica Italiana) und sang mit diesem Chor in vielen Opernproduktion wie z. B. „Nabucco“, „Otello“ und „La Traviata“ von Verdi, „Madama Butterfly“ und „Turandot“ von Puccini und „Adriana Lecouvreur“ von Cilea. Seit 2015 ist sie Mitglied der Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl. 2016 sang sie die „Rosina“ in „Il barbiere di Siviglia“ von Rossini im Auditorium Trezzo (Mailand).

Szymon Chojnacki

Szymon Chojnacki wurde 1984 in Poznan / Polen geboren. Er schloss sein Studium an der Jerzy Kurczewski Nationale

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Chorschule in seiner Heimatstadt in den Fächern Gesang und Klavier mit Auszeichnung ab. Während dieser Zeit war er Solist des weltberühmten Knabenchors „Polnische Nachtigallen“. Im Juni 2008 schloss er sein Gesangsstudium bei Prof. Andrzej Ogórkiewicz an der Musik Akademie in Poznan / Polen mit Auszeichnung ab. Von Oktober 2007 an studierte er parallel an der Musikhochschule in Lübeck bei Prof.

Günter Binge und beendete sein Studium 2010 mit Diplom-und Postgraduate Diplom.

Szymon Chojnacki war Gast bei verschiedenen Musikfestivals, wie z. B. den Tiroler Festspielen in Erl, Eutiner Festspielen und als Gast am Theater Kiel in „Songs, Drones and Refrains of Death“ von George Crumb auf. In der Spielzeit 2008/2009 gehörte er dem Internationalen Opernstudio des Theater Lübeck an. In der Spielzeit 2009/2010 gastierte er am Lübecker Theater, u. a. als Tom in Verdis „Un ballo in maschera“, Kruschina in Smetanas „Die verkaufte Braut“, Schmidt in Giordanos „Andrea Chenier“, Stefano in Adès „The Tempest“ und der Sprecher in Mozarts „Die Zauberflöte“. Von Oktober 2010 bis Juli 2011 war Szymon Chojnacki Mitglied des Opernstudios der Staatsoper Stuttgart. Hier übernahm er Partien wie den Drum Maker in Doves „The Adventures of Pinocchio“, den Marchese d’Obigniy in Verdis „La Traviata“ und den zweiten Kommissar in Poulencs „Dialogues des carmélites“. Seit August 2011 ist er Mitglied des Ensembles am Luzerner Theater.

Hier sang er bereits Zoroastro in „Orlando“ Publio in „La Clemenza di Tito“, Alidoro in „La Cenerentola“, die Titelpartie in „Don Pasquale“. In 2014/15 folgten Partien wie Colline in „La Bohème“ und Truffaldin in „Ariadne auf Naxos“. An der Wiener Staatsoper war er Cover für die Partie des Stefa-

no in Adès „The tempest“. In der Spielzeit 2015/16 wird er in Luzern in Partien wie u. a. Mr. Budd in „Albert Herring“, Somarone in „Béatrice et Bénédict“ und Lord Sidney in „Il viaggio a Reims“ zu hören sein.

Als Gast an den Bühnen Baden bei Wien wird er in 2015/16 sein Debüt als Sarastro in Mozarts „Die Zauberflöte“ geben. In der Spielzeit 2016/17 wird er zum Ensemble des Landestheater Niederbayern gehören.

Johannes Chum

Johannes Chum ist Österreicher und stammt aus Vorau in der Steiermark und erhielt seinen ersten musikalischen Unterricht als Wiener Sängerknabe. Neben einem Theologie- und Musikpädagogikstudium in Graz absolviert Chum ein Sologesangstudium an der Wiener Musikhochschule. Heute ist der Tenor als Opern- und Konzertsänger international tätig. Harry Kupfer entdeckt Johannes Chum und engagiert ihn als Tamino für die Salzburger Mozartwoche und für die Komische Oper Berlin. Für diese Rolle erhält der Tenor im Jahr 2000 die Eberhard-WaechterMedaille als Österreichs Opernsänger des Jahres. 2001 wird er für seinen Belfiore in Mozarts „La finta giardiniera“ in Graz mit dem Karl-Böhm-Interpretations-Preis des Landes Steiermark ausgezeichnet. In den folgenden 10 Jahren musiziert Chum Haydn („L’isola disabitata“ und „Armid“) unter Adam Fischer in Eisenstadt, Mozart (u. a. „Così fan tutte“ unter Adam Fischer in Mannheim, unter Kirill Petrenko in Berlin, unter Howard Arman in Köln, „Don Giovanni“ unter Paolo Carignani in Frankfurt und unter Philippe Jordan in Graz, „Die Entführung aus dem Serail“ unter Attilio Cremonesi im KKL Luzern, „La clemenza di

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Tito“ unter Yakof Kreizberg in Berlin, unter Alessandro de Marchi in Prag, und unter Paolo Carignani im Theater an der Wien, „Idomeneo“ in Graz und Wiesbaden, „Lucio Silla“ unter Adam Fischer in Amsterdam) und Barockmusik (u. a. Monteverdis „Orfeo“ unter Rène Jacobs in Berlin, Paris und New York). Weitere Engagements in dieser Zeit führen Chum nach Barcelona (Libenskof in Rossinis „Il viaggio a Reims“ unter Jesús López Cobos), Paris Bastille (Jüngling in Strauss’ „Frau ohne Schatten“ unter Ulf Schirmer), Theater an der Wien (Kudrjasch in Janaceks „Katja Kabanowa“ unter Kirill Petrenko, Hohenzollern in Henzes „Prinz von Homburg“ unter Marc Albrecht), Komische Oper Berlin (Romeo in Gounods „Romeo et Juliette“ unter Yakof Kreizberg, Piquillo in Offenbachs „La Perichole“ unter Markus Poschner), De Nederlandse Opera (Menelaos in Trojahns „Orest“ unter Marc Albrecht), Styriarte Graz (Barbebleue in Offenbachs „Le sire de Barbebleue“ unter Nikolaus Harnoncourt), Theatre de MetzMétropole (Flamand in Strauss’ „Capriccio“ unter Benjamin Pioneer). In den vergangenen beiden Jahren wird der Tenor zunehmend für jugendlich-dramatische Rollen engagiert: „Lohengrin“ unter Julien Salemkour in Graz, Paul in Korngolds „Die tote Stadt“ unter Dirk Kaftan in Graz. In Klagenfurt Mathias Freudhofer in Kienzels „Evangelimann“ (Köpplinger) und Amazan in Cherubinis „Kougourgi“ (Köpplinger). Lyonel in Flotows „Martha“ in einer Loriot-Inszenierung in Heilbronn.

Für das Theater an der Wien wird er als Max engagiert, für dasselbe Haus engagiert Nikolaus Harnoncourt ihn als Florestan.

Gustav Kuhn engagiert Chum in Erl für den „Rheingold“-Loge und den Stolzing sowie als Evangelisten für die „Matthäuspassion“.

Mit Frank Beermann bringt der Tenor den Stolzing konzertant in Chemnitz und Neuschwanstein zur Aufführung.

Iurie Ciobanu

Iurie Ciobanu ist in Moldavien geboren und begann seine Karriere in Cluj (Rumänien). Er studierte Gesang am Musischen Gymnasium in Cluj bei Carmen Negulescu, an dem Konservatorium für Musik „Gh. Dima“ Cluj bei Gheorghe Rosu und Marius Budoiu sowie am „Conservatoire de Musique“ Luxemburg bei Ionel Pantea. 2006 war er Gewinner des ersten Preises des „Int. Hans Gabor Belvedere Gesangwettbewerbs“ und gab sein Operndebüt im Teatro Pavarotti Modena und im Teatro Comunale di Ferrara mit Belmonte „Die Entführung aus dem Serail“. In der Spielzeit 2008/09 gab er sein Operndebüt als Almaviva / „Il barbiere di Siviglia“ an der Wiener Staatsoper. Nach seinen ersten Auftritt 1996 als Don Ottavio an der Rumänischen Staatsoper Timisoara folgten Gastspiele an der rumänischen Nationaloper in Cluj, der Nationaloper Bukarest, am Theater Constanta, und am Theater Magdeburg war er unter anderem als Almaviva / „Il barbiere di Siviglia“ zu sehen. Der junge Tenor trat u. a. als Don Ramiro / „La Cenerentola“, Nadir / „Les pêcheurs de perles“, Edwin und Boni / „Die Csárdásfürstin“, Graf Tassilo / „Grafin Mariza“, Ferrando / „Così fan tutte“, Belmonte / „Die Entführung aus dem Serail“, Ernesto / „Don Pasquale“, Barinkay / „Zigeunerbaron“, Nemorino / „L’elisir d’amore“, Jaquino / „Fidelio“, Tamino / „Die Zauberflote“, Leicester / „Maria Stuarda“, Rodolfo / „La bohème“, Il Duca / „Rigoletto“, Alfredo / „La Traviata“, Pelléas / „Pelleas et Melisande“ und David / „Die Meistersinger

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von Nurnberg“ in Erl und Beijing unter Maestro Gustav Kuhn auf. Iurie Ciobanu arbeitet mit namhaften Dirigenten, SängerInnen und RegisseurInnen wie Dennis Russell Davies, Gustav Kuhn, Stefan Soltesz, Ralf Weikert, Victor Dumănescu, Gaetano d’Espinosa, Kurt Rydl, René Kollo, Ludovic Spiess, Christa Ludwig, Adrian Eröd, Olivier Tambosi, David Pountney, Stefano Poda, Achim Freyer, Amon Miyamoto, Beverly Blankenship, Julian Pölsler und Robert Wilson zusammen. Er gewann Preise bei internationalen Gesangswettbewerben wie dem Tenor-Wettbewerb „Traian Grozavescu“ in Rumänien, dem „Concours National“ in Luxemburg und den ersten Preis des „Int. Hans Gabor Belvedere Gesangwettbewerbs“. Er ist festes Ensemblemitglied des Landestheaters Linz, wo er in den zentralen Partien seines Faches zu hören ist. Zudem sang er erfolgreich im Brucknerhaus Linz den Tenor in Beethovens 9. Symphonie und Jaquino in „Fidelio“ neben Kurt Rydl und Endrik Wottrich unter Dennis Russell Davies. Im Laufe seiner Karriere sang er in Wien, Graz, Salzburg, Magdeburg, Heilbronn, Nürnberg und Wiesbaden und gab auch zahlreiche Konzerte in der Schweiz, Holland, Luxenburg, Frankreich, Belgien, Deutschland, Rumänien, Ungarn, Italien, Sizilien und Zypern.

Michael Doumas

Michael Doumas wurde in Bielefeld geboren, wo er zunächst Amerikanistik, Geschichts- und Literaturwissenschaft studierte. Anschließend studierte der Bass an der Hamburger Hochschule für Musik und Theater bei Tom Krause. Meisterkurse bei Kurt Moll und James Wagner sowie ein Richard-Wagner-Stipendium erweiterten

seine Ausbildung. Nach einem Festvertrag am Theater Regensburg, wo er u. a. Sarastro, Großinquisitor, Colline und Alidoro sang, ist Michael Doumas freischaffend tätig. Gastengagements führten in nach Hamburg, Mannheim, Antwerpen, Wien, Luxemburg, Santander, Shanghai und Beijing. Er wurde zum Schleswig-HolsteinMusikfestival eingeladen und ist den Tiroler Festspielen Erl seit 2005 verbunden.

Dort wirkte das Mitglied der Accademia die Montegral in „Das Rheingold“, „Tannhäuser“, „Lohengrin“, „Parsifal“, „Die Meistersinger von Nürnberg“, „Elektra“ und „Die Zauberflöte“ mit. Daneben gab Michael Doumas Liederabende und hat sich alle wichtigen Oratorienpartien seines Fachs erarbeitet. Seit 2011 ist er Mitglied des Männerquintetts cantoSonor.

Veronika Dünser

Geboren in Feldkirch, studierte Veronika Dünser bei Mag. Dora Kutschi-Doceva Sologesang, sowie Instrumental- und Gesangspädagogik am Landeskonservatorium Vorarlberg, wo sie 2010 ihren Bachelor mit Auszeichnung erhielt. Im Juni 2014 schloss sie ihr Masterstudium in der Klasse für Lied und Oratorium, bei o.Univ.-Prof. KS Marjana Lipovšek, an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien ab und nahm Gesangsunterricht bei Alfred Burgstaller.

2006 wurde ihr beim Wettbewerb „Prima la musica“ der 1. Preis mit Auszeichnung zugesprochen. Das Preisträgerkonzert wurde im Schloss Esterházy in Eisenstadt für CD aufgezeichnet. 2012–2014 war sie Stipendiatin der Thyll-Dürr-Stiftung. Erste Bühnenerfahrungen sammelte sie als Brautjungfer in Webers „Der Freischütz“, am Landestheater Vorarlberg in Bregenz,

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als Hänsel in Humperdincks „Hänsel und Gretel“ in Feldkirch, als Annina wie auch als Flora in Verdis „La Traviata“, als Golde im Musical „Anatevka“ und als Haushälterin in „Der Mann von La Mancha“. 2011 sang sie am Vorarlberger Landestheater Bregenz in einer Produktion von Mozarts „Die Zauberflöte“ unter Gérard Korsten die 3. Dame. In gleichem Maße im Konzertbereich tätig, interpretierte sie anlässlich der Eröffnung der Bregenzer Festspiele 2009 Mozarts „Missa brevis in B“ mit den Wiener Symphonikern unter der Leitung von Elgar Polzer. Im Sommer 2013 war sie in einer Produktion der Salzburger Festspiele in William Shakespeare’s „Ein Sommernachtstraum“ mit der Musik von Felix Mendelssohn-Bartholdy zu erleben.

Am Landestheater Bregenz verkörperte sie im Januar und Februar 2014 die Rolle der Maddalena in Verdis „Rigoletto“. Weiters konnte man sie im Juli 2014 an der Accademia Filarmonica Romana im Rahmen eines Liederabends hören. Im August 2014 sang sie mit Mitgliedern der Wiener Symphoniker die Zauberflötenmesse im Kloster Mariastern-Gwiggen in Bregenz. Mozarts Nocturnes sang Sie im August 2015, im Rahmen der Bregenzer Festspiele, mit Mitgliedern der Wiener Symphoniker.Weiters war sie bereits in zahlreichen Konzerten und Messen in Österreich, Deutschland, Italien, Polen, Israel, Liechtenstein und der Schweiz zu hören.

Francesco Facini

Der Bass Francesco Facini wurde in Lucca geboren. Er absolvierte sein Gesangsstudium am dortigen Conservatorio Luigi Boccherini, außerdem schloss er ein Studium der Pädagogik an der Universität Florenz

ab. Er studierte bei Franco Calabrese, Paolo Washington, Ettore Campogalliani sowie mit Giulietta Simionato und Sena Jurinac in Salzburg und Wien. Sein Debüt machte er beim Festival dei Due Mondi in Spoleto mit „L’ultimo selvaggio“ von Giancarlo Menotti, der bei dieser Produktion auch Regie führte. Seine internationale Karriere begann in Luzern (Schweiz), wo er u. a. den Figaro in „Le nozze di Figaro“, Rodolfo in „La sonnambula“, Ferrando in „Il trovatore“, Papageno in „Die Zauberflöte“ und Bartolo in „Il barbiere di Siviglia „mit Ramon Vargas und Selim in „Il turco in Italia“ sang. Er trat in den wichtigsten Konzerthäusern in und außerhalb Italiens auf. In den folgenden Jahren sang er Don Magnifico in „La Cenerentola“ in Tel Aviv und Helsinki unter der Leitung von Alberto Zedda und der Regie von Michael Hampe; Alidoro in „La Cenerentola“ in Teatro Bellini in Catania unter Leitung von Stefano Ranzani; Don Bartolo in „Il barbiere di Siviglia“ in Washington D. C. mit Vivica Geneaux sowie in Düsseldorf und Verona; Don Pasquale an der Oper Köln; Don Alfonso in „Così fan tutte“ in der letzten Produktion von Giorgio Strehler am Teatro Piccolo in Mailand und auf der sich anschließenden Tournee in Lucca, Madrid, Athen, Peking, St. Petersburg und Moskau.

In letzter Zeit interpretierte er die Rolle des Dulcamara in „L’elisir d’amor“ von Donizetti an der Schottischen Oper in Glasgow, die auf BBC3 übertragen wurde – ein Auftritt, der ihm die Rolle des Don Bartolo in „Le nozze di Figaro“, inszeniert von Sir Thomas Allen ebenfalls an der Schottischen Oper, einbrachte. In vielen Produktionen der Oper in Rom wirkte er mit, darunter in „Tosca“ als Angelotti, als Sagrestano in Franco Zeffirelli letzter Regiearbeit, Selim in „Die

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Entführung aus dem Serail“, Cloteau in „Marie Victoire“ von Respighi und Ashby in „La fanciulla del West“ unter der Leitung von G. Gelmetti, Regie führte G. Del Monaco. Im Opernhaus in Helsinki sang er die Rolle des Don Profondo in „Il viaggio a Reims“ von Rossini, inszeniert von Dario Fo unter der musikalischen Leitung von M. Barbacini. Zuletzt sang er den Rambaldo in „La Rondine“ von Puccini in Lucca, Pisa, Livorno, Ravenna und Modena unter der Leitung von Massimiliano Stefanelli, er war Alvaro in „Alzira“ von Verdi in einer DVDProduktion unter der Leitung von Gustav Kuhn. In dieser Saison sang er die Rolle des Bartolo in „Il barbiere di Siviglia“ am Teatro Sociale di Sondrio, die musikalische Leitung hatte Daniele Agiman inne, und in der nächsten Zeit wird er in „La bohème“ mit der Deutschen Radio Philharmonie Saarbrücken und ihrem Chefdirigenten Mark Karel Chichon zu hören sein.

Veronia Farkas

Veronika Farkas studierte Gesang an den Hochschulen für Musik in München und Würzburg und besuchte Meisterkurse u. a. von Grace Bumbry, Julia Hamari, Thomas Quasthoff, Patricia Wise und Irwin Gage.

Sie ist Preisträgerin nationaler und internationaler Wettbewerbe sowie Stipendiatin der Hans und Eugania Jütting-Stiftung (Stendal), und des Internationalen RichardWagner-Verbandes. Noch während ihres Studiums debütierte Veronika Farkas als Dido („Dido und Aeneas“) am Markgräflichen Opernhaus Bayreuth und verkörperte die Titelpartie in „Gypsy“ von Jule Styne am Tiroler Landestheater Innsbruck unter der Regie von Brigitte Fassbaender. Es folgten Partien wie Lola („Cavalleria rustica-

na“), Fenena („Nabucco“), Prinz Orlofsky („Die Fledermaus“), Dorabella („Così fan tutte“), Octavian („Der Rosenkavalier“), Komponist („Ariadne auf Naxos“) und Carmen. Auslandsengagements führten die Mezzosopranistin u. a. nach Japan und Katar, wo sie als Donna Elvira („Don Giovanni“) und Gertrud („Hänsel und Gretel“) zu hören war.

Thomas Gazheli

Der deutsche Bassbariton Thomas Gazheli gehört zu den international gefragten Interpreten des Helden- und Charakterbaritonrepertoires. Die Spielzeit 2015/2016 eröffnete er mit grossem Erfolg als Rheingold Alberich am NNT Tokyo, gefolgt von seinem von Publikum und Presse gefeierten Wotan / Wanderer in einer Neu-Inszenierung von Graham Vick am Teatro Massimo Palermo. Anschliessend gab er sein Rollendebüt als Barnaba („La Gioconda“) am NCPA Beijing. Es folgten Der Sprecher / „Die Zauberflöte“ in der Semperoper Dresden und Ondino („La Campana Sommersa“ von Respighi) am Teatro Lirico di Cagliari. Als Fliegender Holländer war er am NCPA Beijing, in der Königliche Oper Kopenhagen, Semperoper Dresden, Nationaloper Budapest, Nationaloper Athen („Odeon of Herodes Atticus“), Opéra de Montréal und Michigan Opera Detroit.

Weitere Highlights seiner Karriere sind: Alberich bei den internationalen Festspiele von Santander, an der Oper Leipzig, Ópera Oviedo, am Aalto Theater Essen und Teatro Petruzzelli Bari, Telramund am Teatro Massimo Palermo, Wanderer und Gunther am Teatro Petruzzelli Bari, Jochanaan am Teatro Verdi Trieste, Don Pizarro am Teatro Regio Turin und an der Opéra Liège,

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Papageno am Teatro alla Scala Mailand und in Rom, Ebn-Chakia am Theater an der Wien und Alberich, Wanderer, Telramund, Amfortas, Don Pizarro und Nabuco unter Gustav Kuhn bei den Tiroler Festspielen Erl. Desweiteren sang er Gunther in Essen, Amfortas in Breslau, Rigoletto in Saarbrücken, Gusmano („Alzira“ von G. Verdi) bei den Südtiroler Festspielen, Orest in Detroit und Palermo, 4 Bösewichter („Les contes d’Hoffmann“) in Essen und an der Volksoper Wien, Friedrich (Wagners Liebesverbot), Kunrad („Feuersnot“ von R. Strauss), Don Giovanni und Guglielmo Tell am Prinzregententheater München, Lescaut in Henzes „Boulevard Solitude“ an der Oper Frankfurt, Ford an der Oper Bonn, Monterone an der Staatsoper München, Hauptmann in „Gurlitt Wozzeck“ in Luzern, Friedhold („Guntram“ von Strauss) in Catania, Escamillo, Kaspar etc. am Gärtnerplatztheater München, Dr. Panglos / Martin („Candide“) in der Berliner Philharmonie.

Thomas Gazheli wurde in Karlsruhe geboren, wo er seine musikalische Laufbahn mit Geigen- und Trompetenspiel begann. Noch während des Gesangsstudiums in Frankfurt wurde er von Donald Runnicles ans Theater Freiburg engagiert, wo er vier Spielzeiten blieb. Danach folgten Festengagements am Theater Basel und Staatstheater am Gärtnerplatz in München, wo er sich ein breites Repertoire erarbeitete. Darüber hinaus ist Thomas Gazheli auch ein gefragter Oratorien und Konzertsänger. Er konzertierte im Wiener Musikvereinssaal, in der Alten Oper Frankfurt, in der Berliner Philharmonie, in der Kölner Philharmonie, in der Musikhalle Hamburg, in der Stuttgarter Liederhalle, im Brucknerhaus Linz, in der Philharmonie am Gasteig München, im Herkulessaal, im Konzerthaus Bozen sowie in den USA

mit dem Charleston Symphony Orchestra.

Thomas Gazheli arbeitete mit Dirigenten wie P. Carignani, D. Harding, G. Kuhn, T. Iimori, R. Muti, D. Oren, S. Anton Reck, D. Runnicles, M. Viotti, W. Weller und mit Regisseuren wie L. Bondy, P. Boysen, R. Carsen, H. de Ana, W. Düggelin, A. Everding, C. Guth, C. Loy, P. L. Pizzi, V. Nemirova, G. Vick, H. Wernicke und F. Winter.

Susanne Geb

Susanne Geb studierte am Konservatorium ihrer Heimatstadt Nürnberg Gesang, privat bei Prof. Josef Metternich sowie an der Musikhochschule Wien bei Prof. Rotraud Hansmann. Ihre Engagements führten die Sopranistin an die Staatstheater Braunschweig, Dresden, Kassel, Mainz, Nürnberg, Saarbrücken und Wiesbaden, an das Nationaltheater Mannheim, an die Theater in Leipzig, Wuppertal, Dortmund, Chemnitz und Augsburg sowie an die Staatsoper Prag, das Landestheater Linz und die Theater Bern und Luzern. Dabei war sie in Inszenierungen u. a. von Tatjana Gürbaca, Axel Köhler, Peter Lund, Vera Nemirova, Joan Anton Rechi, Olivier Tambosi und Katharina Wagner zu erleben. Wichtige musikalische Impulse erhielt sie u. a. von Jean-Pierre Faber, Michael Hofstetter, Konrad Junghänel, Alexander Joel, Daniel Raiskin, Konstantin Trinks und Gustav Kuhn. Das Repertoire der gefragten Sängerin umfasst neben Mimì („La Bohème“), Micaëla („Carmen“), Marie („Die verkaufte Braut“) und Agathe („Der Freischütz“) auch die wichtigen Mozart-Partien ihres Fachs wie Donna Elvira („Don Giovanni“), Contessa („Le nozze di Figaro“) und Fiordiligi („Così fan tutte“). Daneben trat sie in zahlreichen Operetten-Produktionen

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auf, u. a. als Rosalinde („Die Fledermaus“) sowie in den Titelpartien von „Die lustige Witwe“ und „Gräfin Mariza“. Einen besonderen Erfolg feierte Susanne Geb im Januar 2011 mit ihrer Interpretation der Roksana in Karol Szymanowskis Oper „Król Roger“. Im Sommer 2011 gab sie ihr umjubeltes Debüt als Eva („Die Meistersinger von Nürnberg“). Weitere von ihr interpretierte Wagner-Partien sind das 1.

Blumenmädchen („Parsifal“) sowie Freia, Helmwige und die 3. Norne („Der Ring des Nibelungen“). In der Saison 2011/12 debütierte sie als Waltraute („Walküre“), Gutrune („Götterdämmerung“) sowie als Elsa („Lohengrin“). Weitere Engagements führten sie in der jüngsten Vergangenheit u. a. an die Städtischen Bühnen Wuppertal, wo sie als Hanna Glawari in der Neuproduktion „Die lustige Witwe“ auftrat, das Staatstheater Braunschweig, die niederländische Reisopera Enschede sowie an das Teatro Colon in Buenos Aires.

Sophie Gordeladze

Sophie Gordeladze wurde in Georgien geboren. Sie schloss sowohl ihr Gesangs- als auch das Klavierstudium am staatlichen Konservatorium der Stadt Tiflis ab. Weitere Studien führten sie nach Italien zu den anerkannten Sopranistinnen Mirella Freni, Lella Cuberli, Maria Cioni, Marilla Devia und Elizabeth Schwarzkopf. Gordeladze konnte schon rund zehn internationale Gesangswettbewerbe für sich entscheiden, z. B. den Bellini-Gesangswettbewerb, Aragall, Magda Olivero, F. Labo, Giacomotti, Tagliavini. Als Studentin debütierte sie in Tiflis als Norina in „Don Pasquale“, es folgten Gilda in „Rigoletto“ und Ismene in „Mitridate, re di Ponto“ und die Sopran-

Partie in „Carmina Burana“. 2010 gab Gordeladze ihr Debüt in Österreich als Violetta in „La Traviata“ im Rahmen der Opern Air Festspiele Gars am Kamp. 2012 war sie dort auch als Gilda zu hören. In der Saison 2011/12 sang sie am Teatro Carlo Felice, Genua, und am Grand Théâtre de Genève Musetta, Lauretta, Serafina, Pagagena. Zu ihrem Repertoire zählen auch die Partien der Adina, Giulietta, Juliette, Mimi und Pamina. 2012 debütierte Gordeladze am Chicago Opera Theatre als Lusya in Schostakowitschs „Moscow, Cheryomushki“ und bei den Tiroler Festspielen Erl als Susanna in „Le nozze di Figaro“. Im Sommer wurde sie zunächst bei den Tiroler Festspielen Erl als Gilda gefeiert, um dann beim Rossini Opera Festival in Pesaro in „Il Viaggio a Reims“ unter Maestro Alberto Zedda zu reüssieren. In Leon (Mexico) war sie 2014 als Violetta in „La Traviata“ zu hören. 2014 stand Sophie Gordeladze wieder bei den Tiroler Festspielen Erl auf der Bühne: als Zerlina in „Don Giovanni“ und Despina in „Così fan tutte“. Ihre nächsten Engagements führen sie nach Bern, wo sie die Gräfin in „Figaros Hochzeit“ und Marguerite in Gounods „Faust“ singen wird, bevor es weiter nach Lyon geht, wo sie als Rosalinde in „Die Fledermaus“ debütieren wird.

Luca Granziera

Luca Granziera, geboren 1981 in Mailand, nahm bereits als Jugendlicher sein Gesangsstudium bei Carla Vannini auf und schloss seine Studien am Konservatorium Giuseppe Verdi in Mailand mit Diplom und Bestnote ab. Er nahm an zahlreichen Meisterkursen, spezialisiert auf barocke und klassische Musik sowie Didaktik, teil.

Zu seinen bestens reputierten Dozenten

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zählten Enzo Dara, Giovanna Canetti, Maurizio Arena, Marin Pennicchi, Vittorio Terranova und Jaume Aragall. Von 2006 bis 2012 arbeitete er kontinuierlich mit dem Chor der Accademia Teatro alla Scala („Il barbiere di Sivigliy“, „Così fan tutte“, „Le nozze di Figaro“, „Ascanio in Alba“ und zahlreiche Kammerkonzerte) und mit der Associazione Lirica e Concertistica di Como, wo er in zahlreichen Produktionen („Macbeth“, „Lucia di Lammermoor“, „Tosca“, „La Traviata“, „Faust“, „Madama Butterfly“, „Rigoletto“, „L’italian in Algeri“, „Norma“, „Medea“ und „La sonnambula“) auftrat. Er sang mit dem Orchestra dei Pomeriggi Musicali di Milano, dem Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI, dem Orchester der Accademia del Teatro alla Scala, dem Orchester des Konservatoriums Giuseppe Verdi und in Konzerthäusern wie dem Teatro Ponchielli von Cremona, Teatro Grande Brescia, Teatro alla Scala in Mailand, Teatro Pavarotti in Modena, im Mozarteums Salzburg, Teatro Sociale di Como und Teatro degli Arcimboldi Mailand, der Aichi-Konzerthalle in Nagoya, Iga City Cultural Hall, Niigata Stadt Performing Arts Center, Kyoto Performing Arts Center, Symphony Hall Acros Fukuoka unter der Leitung von Dirigenten wie Walter Attanasi, Ottavio Dantone, Daniele Rustioni, Philippe Auguin, Giovanni Antonini und Bruno Nicoli, darunter auch viele Live-Konzerte, die über das italienische Staatsfernsehen ausgestrahlt wurden und von denen es teilweise CD-Aufnahmen gibt. Seit 2010 steht er regelmäßig bei den Tiroler Festspielen Erl unter der Gesamtleitung von Maestro Gustav Kuhn auf der Bühne und sang dort 2013 in „La Traviata“ und „Il trovatore“; er war auf der Gastspielreise der Tiroler Festspiele Erl im Oktober 2015 in China

in „Die Meistersinger von Nürnberg“ dabei und wird bei den Sommerfestspielen 2016 den Rodolfo in Rossinis „Guglielmo Tell“ singen. 2011 nahm er an zwei Produktionen der Ticino Musica-Veranstaltungen „La scala di seta“ und „L’occasione fa il ladro“ von G. Rossini teil, die im Kongresspalast Lugano zur Aufführung kamen. Er ist Tenorsolist der Musikkapelle des Mailänder Doms (mit der er auch eine CD für Amadeus 2015 aufnahm). Mit diesem Chor sang er sowohl für seine Heiligkeit Papst Franziskus anlässlich der Diözesenwallfahrt von Mailand nach Rom mit Kardinal Angelo Scola als auch anlässlich der Seligsprechung von Papst Paul VI, begleitet von der Päpstlichen Musikkapelle „Sistine“. Seit 2014 überprüft er das Auswahlverfahren des Knabenchors der Musikkapelle des Mailänder Doms als alleiniger Prüfer. Es selbst ist Teil des Coro Virile dieser Kapelle und trat in dieser Funktion als Solist in den namhaftesten Spielstätten Japans auf, darunter auch in der Kathedrale von Tokio im Beisein des italienischen Botschafters.

Hermine Haselböck

Die österreichische Mezzosopranistin studierte an den Musikhochschulen in Wien und Detmold. Ihre internationale Tätigkeit als Lied- und Konzertsängerin führte sie in die Carnegie Hall (New York), das Wiener Konzerthaus, den Musikverein Wien, das Mozarteum Salzburg, die Accademia Nazionale di Santa Cecilia Rom, das Gewandhaus Leipzig, die Philharmonie im Gasteig München, die Frauenkirche Dresden und das Teatro San Carlo. Zu ihren Opernrollen gehören Dorabella („Così fan tutte“ – Concertgebouw Amsterdam), 2. Dame („Die Zauberflöte“ – Theater an der Wien und

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Grand Théâtre de la Ville Luxemburg), Ramiro („La finta giardiniera“ – Nationaloper Tokio), Hänsel und zuletzt Mutter („Hänsel und Gretel“ – Volksoper Wien), Mercedes („Carmen“), Odetta („Adelia“ – Donizetti), Ernesto („Il mondo della luna“), 3. Magd („Elektra“ – Festspiele Baden-Baden), Magdalene („Die Meistersinger von Nürnberg“), Flosshilde („Das Rheingold“) und Brangäne („Tristan und Isolde“). Sie arbeitet mit Dirigenten wie Bertrand de Billy, Nikolaus Harnoncourt, Gustav Kuhn, Fabio Luisi, Kirill Petrenko und Christian Thielemann.

Neben zahlreichen Rundfunkaufnahmen umfasst ihre Diskographie Lieder von Zemlinsky, Schreker, Mahler (Bridge Records), Donizetti „Adelia“ (Sony BMG), Beethoven „Missa Solemnis“ und Symphonie Nr. 9 (col legno), Mahler „Lied von der Erde“ (CAvi), Schuberts Messen in Es Dur und As Dur (ORF) sowie Strauss „Elektra“ (Unitel) und Wolflieder auf DVD (Departure).

Junhua Hao

Junhua Hao wurde in Shanxi / China geboren. An der dortigen Musikhochschule, einem Ableger der Shanxi University, sowie am Shanghai Conservatory of Music studierte sie Gesang und machte ihren Abschluss mit der Höchstzahl der zu vergebenden Punkte. Seit 2010 ist sie Mitglied der Opernschule im italienischen Bologna und konnte bei verschiedenen Produktionen mitwirken. Im November desselben Jahres wirkte sie auch an der Produktion „Rossini Cards“ am Teatro Comunale di Bologna teil. Im Januar 2011 war sie als Zweite Kreatur Teil der Produktion von A. Sottos „Frankenstein“, die in Theatern in der Provinz Bologna im Rahmen der Ausstellung „La Provincia all’opera“ ge-

zeigt wurde. Im Mai desselben Jahres, während der symphonischen Saison des Teatro Comunale di Bologna, nahm sie an den Festlichkeiten zum 200. Geburtstag von Franz Liszt unter der Leitung von Tamás Pál teil. Im Oktober 2011 interpretierte sie die Rolle der Suzuki in „Madama Butterfly“ am Teatro Lirico di Cagliari, dirigiert von Julian Kovatchev. Die Regie führte Mariusz Trelinski. Anfang 2012 sang sie die Amneris in „Aida“ am Teatro Regio in Parma; Dirigent war Antonino Fogliani, Direktor Joseph Franconi Lee, gefolgt von Suzuki anlässlich des „Madama Butterfly“Konzertes am Teatro Alessandro Bonci in Cesena und am Teatro Diego Fabbri in Forli, dirigiert von Paolo Olmi. Im Mai 2012 gewann sie den Preis Tito Titano für Verdi Stimmen innerhalb des internationalen Wettbewerbs EurOrchestra Tito Titano in Bari. Im Februar 2013 interpretierte sie im nationalen Zentrum für darstellende Künste in Peking (China) die Mercedes in „Carmen“. Es dirigierte Maestro Guoyong Zhang, Regie führte Francesca Zambello.

Im Mai 2013 spielte sie die Fenena in „Nabucco“, wieder am nationalen Zentrum für darstellende Künste in Peking (China), unter der musikalischen Leitung von Maestro Eugene Kohn. Regie führte Gilbert Deflo.

Im Juni 2013 besuchte sie einen weiterführenden Kurs für Gesang mit Schwerpunkt Verdi-Repertoire. Zwischen Juli und Oktober interpretierte sie die Federica in „Luisa Miller“ in den Theatern von Busseto und Piacenza, dirigiert von Donato Renzetti, theatralisch in Szene gesetzt von Maestro Leo Nucci. Bei den Tiroler Festspielen Erl sang sie bei den Sommerfestspielen 2015 die 2. Norn in der „Götterdämmerung“. Sie trat anläßlich der China-Tournee der Festspiele als Floßhilde im „Rheingold“ und in

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der „Götterdämmerung“ in Shanghai und bei den Winterfestspielen 2015/16 als Rosina in „Il barbiere di Siviglia“ auf. Bei den Sommerfestspielen 2016 wird sie in Mozarts „Zauberflöte“ zu hören sein.

Franz Hawlata

Franz Hawlata wurde in Eichstätt / Bayern geboren. Er studierte dort Musikwissenschaft, bevor er 1983 an die Musikhochschule München ging und dort bei Ernst Häfliger, Hans Hotter und Erik Werba sein Gesangsstudium absolvierte. Bereits 1986 gab er sein Bühnendebüt am Gärtnerplatztheater. Nach einigen Jahren in München, Coburg und an der Komischen Oper Berlin begann 1992 seine internationale Karriere mit Gastspielen in Lyon, Pretoria, Cardiff und San Francisco. 1994 wurde Franz Hawlata an die Wiener Staatsoper verpflichtet und hat dort bisher in mehr als 200 Aufführungen nahezu alle bedeutenden Partien seines Fachs gesungen. Sein überaus erfolgreiches Debüt an der Metropolitan Opera gab der Sänger mit dem Ochs im Februar 1995, im Oktober des gleichen Jahres folgte sein erster Auftritt an der Bastille Paris in Weills „Mahagonny“ und im November 1996 wurde er als Leporello zum ersten Mal im Royal Opera House in London begeistert gefeiert. Mit der MET und der Bastille Paris verbindet den Künstler bis heute eine enge Zusammenarbeit.

Regelmäßige Gastspiele führten ihn inzwischen nach München, Berlin, Essen, Brüssel, Barcelona, Florenz, Turin, Genua, New York, Chicago, San Diego und Tokio.

Im Frühjahr 2001 sang Franz Hawlata mit großem Erfolg seinen ersten Wotan am Staatstheater Meiningen in den Aufsehen erregenden Inszenierungen von Christine

Mielitz, 2003 folgte das Debüt als Hans Sachs in Essen, eine Partie, die er unter der Leitung von Zubin Mehta auch im Maggio Musicale 2004 in Florenz gesungen hat und mit der er 2007 in Bayreuth debütiert hat.

Im gleichen Jahr folgte sein erster Barak in Chicago, Anfang 2008 dann in Paris (Bastille). Bei den Salzburger Festspielen sang Franz Hawlata erstmals den Osmin 1997.

Diese Produktion wurde 1998 wiederholt.

1999 folgte der Leporello sowie 2000 und 2001 Don Alfonso in „Così fan tutte“ und 2004 der Ochs in „Der Rosenkavalier“. Im Mozartjahr 2006 hat er hier als auch in Wien wieder den Osmin gesungen. Seine Verpflichtungen führten ihn im Juni 2008 wieder an die Wiener Staatsoper mit einer Neuproduktion von „Capriccio“ (LaRoche), danach folgten die Bayreuther Festspiele (Sachs). Die Saison 2008/09 begann mit einer Produktion der „Verkauften Braut“ in Paris (Bastille), es folgten Vorstellungen an der Deutschen Oper Berlin („Der Rosenkavalier“, „La Bohème“ und „Der Freischütz“), und „Der Rosenkavalier“ in Baden-Baden (Thielemann), „Die Meistersinger von Nürnberg“ (Pogner) in Erl sowie zwei Konzerte beim Edinburgh Festival 2009. Die Saison 2009/10 begann mit konzertanten Aufführungen des „Rosenkavalier“ in Sao Paulo, gefolgt von einer Neuinszenierung der „Schweigsamen Frau“ in Sevilla. Den Morosus sang Franz Hawlata auch in der Festspielpremiere 2010 in München. Unter den wichtigen Produktionen des Jahres 2011 waren der „Rosenkavalier“ in Tokio sowie „Meistersinger“ (Pogner) und „Parsifal“ (Gurnemanz) bei den Tiroler Festspielen in Erl. Höhepunkte des Jahres 2012 waren ein Gastspiel in Tokio mit den „Lustigen Weibern von Windsor“, eine neue Produktion der „Schweigsamen

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Frau“ (Morosus) in Chemnitz, König Marke bei den Tiroler Festspielen sowie der „Rosenkavalier“ (Ochs) und „Don Pasquale“ (Titelpartie) in München. Ein großer Erfolg des vergangenen Jahres war der Wotan in den Neuproduktionen von „Rheingold“ und „Walküre“ im Teatro Massimo in Palermo.

Es folgten Gastspiele in Budapest und Warschau mit „Capriccio“ (LaRoche) und „Tristan und Isolde“ (Marke) sowie der Daland im „Fliegenden Holländer“ in Peking. Im Juni war Franz Hawlata wiederum Gast am Teatro Real in Madrid in der Rolle des Doktors in Berg’s Oper „Wozzeck“. Im Sommer hörte man ihn bei den Tiroler Festspielen im „Nabucco“ als Zaccaria. Die Saison 2013/14 begann mit einer Neuinszenierung von Mozarts „Entführung“ (Osmin) in Liège, der Wiederaufnahme der „Schweigsamen Frau“ (Morosus) in Chemnitz und dem „Fidelio“ (Rocco), wiederum in Liège.

Unter den Audioproduktionen des Sängers sind besonders zu erwähnen: Spohrs „Faust“, Lieder und Gesänge von Loewe (mit Juliane Banse und Helmut Deutsch), Loewes Oper „Die drei Wünsche“, Szenen und Arien aus Opern von Verdi, Marschners „Vampir“, Nicolais „Lustige Weiber“, Dvořáks „Rusalka“, Beethovens „Leonore“, Franz Schmidts „Buch mit sieben Siegeln“ und Berlioz’ „Benvenuto Cellini“. Auch als Lied- und Konzertsänger sehr gefragt, ist Franz Hawlata regelmäßig in den großen Konzertsälen des In- und Auslands und bei internationalen Festspielen zu hören.

Markus Herzog

Im Chiemgau aufgewachsen, ist der Tenor Markus Herzog schon im fünften Jahr in Erl mit dabei. Nach Lehrjahren in Ulm konnte er bei den Orff-Festspielen in An-

dechs das erste Mal das Publikum als Solist in einer größeren Produktion von sich überzeugen. Über Regensburg und Augsburg folgte der Sprung an die Münchner Staatsoper, an der er drei Spielzeiten tätig war. Auch als Konzert- und Liedsänger ist er vornehmlich in Bayern, aber auch im Ausland präsent. Das neueste Projekt ist ein hochqualitatives Männerquartett mit unterhaltsam-klassischem Repertoire. Seit nunmehr sieben Jahrensteht er bei den Tiroler Festspielen Erl auf der Bühne. Zuletzt als Hirt in „Tristan und Isolde“, als Moser in den „Meistersingern von Nürnberg“ (beide Wagner-Rollen sag er auch anläßlich der Gastspielreise der Festspiele in Peking, China) sowie in Verdis „Nabucco“ als Ismaele und Abdallo. Im Sommer 2016 wird er bei den Festspielen als Erster Priester in Mozarts „Zauberflöte“ auftreten. Im weiteren Verlauf ders Jahres wird er den Max im „Der Freischütz“ (Karl Maria von Weber) singen und 2017 Don José in „Carmen (Georges Bizet) Adam Horvath

Der Bassbariton Adam Horvath stammt aus Ungarn und hat an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Graz zwei Masterstudien in Gesang und Musiktheater in der Klasse von Prof. Claudia Rüggeberg mit Auszeichnung abgeschlossen. Seit 2006 ist er Solist an der ungarischen Staatsoper Budapest, wo er u. a. die Partien des Don Giovanni und den Grafen in „Le nozze di Figaro“ gesungen hat. Seine Engagements führten ihn nach Deutschland an das Hessische Staatstheater Wiesbaden (Verdi: „La Traviata“ – G. Germont), nach München, in die Arena di Verona in Italien, in die USA, nach Österreich und Spanien. Er arbeitete

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mit Dirigenten wie Christoph Eschenbach, Andrés Orozco Estrada, Georg Rath, Tamás Vásáry, János Kovács, Wolfgang Schmid, Adam Medveczky. Auf CD Aufnahmen sang er den Don Giovanni neben Ferruccio Furlanetto als Leporello in 2006, den Papageno neben Elena Mosuc als Königin der Nacht und László Polgár als Sarastro in 2005, die Titelpartie in Bartók’s „Herzog Blaubarts Burg“. Unter der musikalischen Leitung von Christoph Eschenbach hat er 2012 in „Eugen Onegin“ die Titelpartie gesungen (Tatiana: Michaela Kaune, Gremin: Ferruccio Furlanetto).

George Vincent Humphrey

George Vincent Humphrey, Tenor, wurde in Colorado geboren. Er erhielt seinen Masters of Music von der University of Colorado, sowie einen Masters of Education in Chorleitung von der Vandercook College of Music in Chicago. Er war Finalist und ist Preisträger wichtiger Wettbewerbe in Amerika. Seit seinem Aufenthalt in Europa studierte Herr Humphrey mit mit mehreren ehrwürdigen Sängern, u. a. mit Sir Donald McIntyre, Anna Reynolds, und Gail Gilmore. Seine Tätigkeit in den USA dokumentiert eine rege Zusammenarbeit mit Opernhäuser in Denver, CO; Midland-Odessa, TX; Ft. Collins, CO; Durham, NC; Boulder, CO; und in Austin, TX. Er verbrachte einen Sommer mit der Austrian American Mozart Academy in Salzburg unter der Leitung von Tenor William Lewis, mit Vorstellungen in Salzburg, Steyr, Bad Ischl, und am Attersee, und konzertierte in Deutschland, Irland, und Südafrika. Seit seiner Emigration nach Europa ist Herr Humphrey hauptsächlich in Deutschland und Österreich tätig. In 2011 machte er sein Debut an der Bayerischen

Staatsoper in „Rothschild’s Geige“. Weitere Vorstellungen in der Saison waren, u. a. bei den Jungen Münchner Symphonikern, der Camerata München, und Don José, in Dachau. Sein weites Repertoire umfasst italienische Partien wie Andrea Chénier, Calaf, Cavaradossi, Radames, Manrico und Canio; das deutsche Fach ist mit Bacchus, Florestan, Erik, Tristan, Siegfried, Siegfried „Götterdämmerung“ vertreten. George Humphrey ist auch in Liederabenden zu bewundern – z. B. sang er 2012 Mahlers „Lied von der Erde“ im Rahmen der Alto Adige Festival unter der Leitung von Gustav Kuhn – und Oratorien, darunter Händels „Messias“, Beethovens „9. Symphonie“, „Missa Solemnis“, Bruckners „Te deum“, oder Mendelssohns „Elias“. Nach seinem gefeierten Debüt bei den Tiroler Festspielen Erl im Sommer 2013 sang George Vincent Humphrey Duca di Mantua in „Rigoletto“ sowie zahlreiche Konzerte. Darüber hinaus war er Cover für Ismaele in „Nabucco“ und für Manrico in „Il trovatore“. In der vergangenen Winter-Saison wurde er als Florestan in „Fidelio“ gefeiert. In der Sommer-Saison 2015 war Herr Humphrey Siegfried „Götterdämmerung“. Eine Rolle, die er dann zusammen mit Gustav Kuhn als Dirigent, Regisseur und dem Ensemble der Tiroler Festspiele Erl in Shanghai, China im Oktober wiederholte. Weitere Aufführungen in der 2015/16 Saison sind Ismaele in „Nabucco“, Konzerte in Italien und Österreich, sowie Kirchenkonzerte mit der hoch geschätzten Sängerin, Angela Wiedl.

Im Frühjahr 2016 stieg Herr Humphrey als Tristan in mehreren Vorstellungen in Passau / Landshut ein und wiederholt seinen Erfolg als Siegfried „Götterdämmerung“ in der Sommersaison 2016 in Erl.

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Bettine Kampp

Die in Stuttgart geborene Sängerin absolvierte ihr Gesangsstudium an der Musikhochschule Würzburg, nachdem sie das Studium der Schulmusik mit dem ersten Staatsexamen abgeschlossen hatte. Nach zwei Jahren als Mitglied des Opernstudios der Deutschen Oper am Rhein Düsseldorf wurde sie in das Ensemble des Staatstheaters Schwerin aufgenommen und begann dort ihr Repertoire mit Partien wie „Figaro“-Gräfin, Fiordiligi, Donna Elvira und zahlreichen Operettenpartien u. a.

Hanna Glawari, Lisa und Csárdásfürstin aufzubauen. Ihre freischaffende Tätigkeit führte sie u. a. an die Staatstheater Oldenburg und Köln, die Staatsoper Hamburg und an die Opernhäuser von Düsseldorf, Mainz, Meiningen, Dessau sowie auf die Wartburg. Auch auf internationalen Podien und Bühnen sang sie mit nachhaltigem Erfolg, so u. a. in Prag, Belgrad, Japan, Sofia, Baden bei Wien und den Tiroler Festspielen Erl. Unter der Regie von Andrea Moses debütierte sie mit großem Erfolg in den Titelpartien der Strauss-Opern „Salome“ (Inszenierung des Jahres 2008 DLF) und „Elektra“ am Staatstheater Meiningen. Sowohl die „Elektra“, als auch die „Lohengrin“-Inszenierung in Dessau, in der sie als Elsa zu hören war, wurden für den renommierten Theater-Preis „Faust“ nominiert. In der Philharmonie Sofia gastierte sie mit den „Vier letzten Lieder“ von Richard Strauss.

Als „Fidelio“-Leonore und Elektra war sie sowohl in Meiningen als auch bei den Tiroler Festspielen in Erl engagiert. Im italienischen Fach war sie bereits als Leonora in „La forza del destino“, Amelia „Un ballo in maschera“ und als Abigaille in „Nabucco“ verpflichtet. Im Herkulessaal

München gastierte sie mit dem „Requiem“ von Verdi. Zu Ihrem Wagner Repertoire gehören heute: Ortlinde, Elisabeth und Venus (Dresdner Fassung „Tannhäuser“), Isabella („Liebesverbot“), Elsa, Sieglinde (Cover), Brünnhilde („Siegfried“), Senta und Isolde (Debüt Tiroler Festspiele Juli 2012). In der laufenden Spielzeit ist sie als Isolde, Venus, Fidelio und Brünnhilde („Walküre“) unter Vertrag. In Vorbereitung sind die Brünnhilde in „Götterdämmerung“ und Ariadne in „Ariadne auf Naxos“ von Richard Strauss.

Rena Kleifeld

Die Altistin studierte Gesang an den Musikhochschulen Würzburg und München.

Anschließend ermöglichte ihr ein Stipendium der Puccini Foundation in New York ein Aufbaustudium bei Dolora Zajick. Nach ihrem Debüt bei den Tiroler Festspielen in Richard Wagners „Walküre“ (Rossweiße, Schwertleite) ist sie dort ein gern gesehener Gast und sang unter anderem die Erste Magd aus „Elektra“ von Richard Strauss, die Erste Norn aus Richard Wagners „Götterdämmerung“ und 2015 erfolgt nun das Rollendebüt der „Siegfried“ Erda . In der Spielzeit 2009/10 trat Rena Kleifeld an der Oper Görlitz mit der Partie der Ulrica aus „Un ballo in Maschera“ von G. Verdi auf und in den Spielzeiten 2011–14 war sie in verschiedenen Partien am Theater Hagen zu hören, u. a. als Brenda in der deutschen Erstaufführung von „Selma Jezkova“ von Poul Ruders. 2014 debütierte sie am Theater Gießen und an der Deutschen Oper am Rhein in der Rolle der Mary aus „Der Fliegende Holländer“. In der Uraufführung der im Rahmen des „düsseldorf festival!“ in Düsseldorf als auch in Israel aufgeführten Oper „Abraham“ von Daniel Schnyder

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übernahm sie 2014/15 erfolgreich die Rolle der Sarah. In der Spielzeit 2015/16 wird Rena Kleifeld Richard Wagners „Rheingold“ Erda am Theater Kiel singen, ihr Asiendebüt unter Gustav Kuhns Leitung als „Siegfried“-Erda und „Erste Norn“ aus der „Götterdämmerung“ in Shanghai geben und als Mary erneut an die Deutsche Oper am Rhein zurückkehren. Neben ihrer Operntätigkeit ist Rena Kleifeld eine gefragte Altistin in Oratorien-und Passionskonzerten. Ihr Repertoire umfasst dabei die großen Werke vom Barock bis zur Moderne.

Richard Klein

Der Tiroler Tenor Richard Klein absolvierte sein Studium im Bereich Jazzklavier am Konservatorium des Landes Tirol und entdeckte dabei seine Vorliebe zum klassischen Gesang.Von 2006 bis 2012 studierte er an der Universitat fur Musik und darstellende Kunst in Wien in der Klasse von Univ.Prof.

Karlheinz Hanser und Prof. Charles Spencer. Sein Repertoire reicht von Barockmusik uber klassische Oper und Operette bis zu zeitgenossischem Musiktheater. Auftritte fuhrten ihn bisher unter anderem an das Tiroler Landestheater, an die Berliner Staatsoper unter den Linden, zu den Innsbrucker Festwochen, an das Kinderzelt der Wiener Staatsoper, zu Sirene Operntheater in Wien, zur Wiener Taschenoper, zum Festival Musica Strasbourg, zur Elbphilharmonie in Hamburg, an das Konzerthaus Wien, das Staatstheater Oldenburg, an das Stadttheater Klagenfurt, das Schloss Esterhazy und an das Landestheater Linz. Dabei durfte er unter anderem mit Dirigenten wie Rene Jacobs, Konrad Junghanel, Dietfried Bernet, Thomas Rosner und Karsten Januschke zusammenarbeiten. Im Sommer

2008 schloss er erfolgreich das Studium der Rechtswissenschaften an der Universitat Innsbruck ab.

Svetlana Kotina

Die Mezzosopranistin Svetlana Kotina wurde in Samara / Russland, geboren. Ihre musikalische Ausbildung begann an der dortigen Musikschule mit Klavierunterricht. Sie studierte Gesang bei N. Dmitrieva an der Russian Gnessin Musikakademie.

2005 wurde sie ins Galina Vishnevskaya Opera Centre aufgenommen, wo sie sich bis 2007 fortbildete. Dort erfolgten ihre ersten Opernauftritte in Rollen wie Arsace in „Semiramide“, Angelina in „La Cenerentola“, Maddalena in „Rigoletto“, Olga in „Evgeny Onegin“, Rosina in „Il barbiere di Siviglia“. Weitere Engagements brachten sie nach Georgien und Mazedonien. Unter der Leitung von Kent Nagano sang sie in einer konzertanten Aufführung die Siegrune in Wagners „Walküre“ in der Moskauer Tschaikowsky Konzerthalle. 2012 sang sie Gustav Mahlers „Lied von der Erde“ bei den Festspielen Südtirol in Italien. 2013 folgte die Carmen in Bizets gleichnamiger Oper in der Philharmonic Hall in Moskau.

Magdalena Kozakiewicz

Magdalena Kozakiewicz (geboren am 19.09.1991 in Olsztyn, Polen) begann ihre Gesangsausbildung im Jahr 2008 in der Fryderyk-Chopin-Musikhochschule in Olsztyn. Am 30. Mai 2016 schloss sie das Studium an Ignacy Jan Paderewski Musikakademie in Posen (Polen) in der Gesangsklasse von Professor Iwona Hossa mit dem Mastertitel ab. Außerdem nahm sie Meisterklassen teil, u. a. bei Matjaz Ro-

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bavs, Stella Parenti, Ubaldo Fabbri, Bożena Harasimowicz, Urszula Kryger. Dreimal gewann sie ein künstlerisches Stipendium. Während des Studiums nahm sie an Studenten-Aufführungen der Opern „Die Zauberflöte“ von W. A. ​​Mozart, „Acis und Galatea“ von G. F. Haendel teil. Beide Produktionen wurden auf dem Bydgoszcz Opera Festival in Bydgoszcz (Polen) gezeigt. Sie debütierte im Jahr 2015 in demnach dem polnischen Komponisten Stanisław Moniuszko benannten Theater Wielki (Posen) in der Oper „L’Enfant et les Sortilèges“ von Maurice Ravel in denPartien La Chatte und La Bergère. Im Jahr 2016 März sang sie die Rolle der Susanna in „Le nozze di Figaro“ von Mozart in der Gorzów Philharmonie.

Seit dem Winter 2015 singt sie im Chor der Tiroler Festspiele Erl und bereitet sich als Cover für verschiedene Rollen, darunter die Helmwige in Wagners „Die Walküre“ vor.

Im Oktober 2015 nahm sie an der Tournee der Tiroler Festspiele China Tournée in Peking und Shanghai teil. Neben Opernaufführungen singt sie gern bei Liederabenden und Oratorien. Sie setzt sich sehr für die Verbeitung polnischer Musik, besonders des Komponisten Karol Szymanowski, ein Atsuko Koyama

In Osaka (Japan) geboren, schloss sie ihre Gesangsausbildung am „Doshisha Women’s College of Liberal Arts“ in Kyoto ab. 2002 wann sie den 1. Preis des „Italo-japanischen Gesangswettbewerbs“. Außerdem debütierte sie als Gretel in Humperdincks „Hänsel und Gretel“ in Osaka. In der Folge gab sie die Susanna in „Le nozze di Figaro“, Nanetta in „Falstaff“, Gilda in „Rigoletto“ und Lauretta in „Gianni Schicchi“. Erst dann zog sie nach Italien, wo sie mit Auszeich-

nung am Konservatorium „G. B. Martini“ in Bologna ihre weiteren Studien abschloss.

Atsuko Koyama gewann den 2. Preis beim 23. Internationalen Wettbewerb „Ismaele Voltolini“. Meisterklassen besuchte sie bei Claudio Desideri, Fernando Cordeiro Opa und Franscesca Pedaci waren ihre Lehrer.

Die Partie der Liu in Puccinis „Turandot“ interpretierte sie beim „Piccolo Festival Friuli Venezia Giulia“, darüber hinaus war sie bei der „Fondazione Teatro Lirico Giuseppe Verdi“ in Triest in „Gianni Schicchi“ (Lauretta) und „Tabarro“ zu erleben. Atsuko Koyama nahm an zahlreichen Opernworkshops teil und erweiterte dabei sukzessive ganz gezielt ihr umfassendes Repertoire.

2013 sang sie beim 59. Puccini Festival in Torre del Lago den Pagen in „Rigoletto“ unter Boris Brott sowie in „Turandot“ unter der musikalischen Leitung von Daniel Oren. Im selben Jahr gestaltete sie das Weihnachtskonzert der Accademia di Montegral im Convento dell’Angelo unter der musikalischen Leitung von Gustav Kuhn mit. Ohnehin gibt Atsuko Koyama häufig Konzerte in Italien und war bisher u. a. mit Mozarts „Exultate, jubilate“, Pergolesis „Stabat mater“, Vivaldis „Magnificat“ und „Gloria“ sowie in Brahms „Ein Deutsches Requiem“ zu erleben.

Michael Kupfer-Radecky

Michael Kupfer-Radecky wurde in Ravensburg geboren. Nach dem Abschluss einer kaufmännischen Ausbildung nahm er sein Gesangsstudium am Mozarteum in Salzburg bei KS Wilma Lipp auf. Er vervollständigte sein Studium bei Prof. Hanno Blaschke, KS Astrid Varnay und Prof. Carol Richardson und wurde kurz darauf Mitglied im Opernstudio der Bayerischen

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Staatsoper München. Sein erstes Festengagement führte ihn an das Theater der Stadt Koblenz. Es folgten Verpflichtungen nach Bremerhaven sowie an das Theater Krefeld / Mönchengladbach. Hier sang er Partien wie Posa in „Don Carlo“, Nick Shadow in „The Rake’s Progress“ und Zar Peter I in „Zar und Zimmermann“. Michael Kupfer-Radecky gewann 1993 u. a. einen Förderpreis beim Internationalen Gesangswettbewerb „Neue Stimmen“. Im Jahre 2009 wurde er vom Opernfachmagazin „Opernwelt“ zum „besten Nachwuchssänger der Saison“ gekürt. Während er sich auf der Bühne in den wichtigen Opernpartien seines Fachs genauso zu Hause fühlt wie in eher unbekannten, wird Kupfer-Radecky bei seiner regen Konzerttätigkeit gerne für die großen Klassiker eingesetzt. So sang er Haydns „Schöpfung“ und „Die Jahreszeiten“, „Johannes-Passion“ und „MatthäusPassion“ von Bach, Beethovens 9. Symphonie, das Brahms-Requiem, Mahlers 8.

Symphonie und vieles mehr unter vielen bedeutenden Dirigenten unserer Zeit und an wichtigen Konzerthäusern der Welt. Seit 2000 ist Kupfer regelmäßig Gast bei den Tiroler Festspielen Erl. Dort sang er u. a.

Eisenstein, Donner und Gunther, Kurwenal und Klingsor sowie in vielen Konzerten und Liederabenden. Im Sommer 2009 gab er hier sein Debüt als Orest in „Elektra“ von Richard Strauss, 2011 sang er in Erl seinen ersten Wolfram. 2012 debütierte der Bariton am Moskauer Bolschoi als Faninal in einer Neuproduktion von Richard Strauss’ „Rosenkavalier“. 2013 sang er seinen ersten „Rheingold“-Wotan am Theatro Municipal in São Paulo. Am Royal Opera House Stockholm war er zu Beginn des Jahres 2014 zum ersten Mal als Jochanaan in R. Strauss „Salome“ zu erleben sein. Im

selben Jahr hat er die Aufnahmen für sein zweites Solo-Album erfolgreich beendet, das nach der CD-Produktion mit Schuberts „Winterreise“ den Liederzyklus „Die schöne Müllerin“ im eigenen Label präsentiert. Gastauftritte führten ihn in 2015 noch einmal an das Bolschoi Theater und nach China (Beijing) für „Der Rosenkavalier“ sowie zu den Wagner Festspielen in Wels, wo er den Kurwenal sang. Im Oktober 2015 war er im Palast der Künste Budapest in der Rolle des Kommandanten der Stadt in der selten aufgeführten Strauss-Oper „Friedenstag“ zu sehen. Im Anschluss fand die Gastspielreise der Tiroler Festspiele Erl nach China statt, wo er – neben dem Wotan in „Rheingold“ – den Hans Sachs sang, mit dem er bei den Sommerfestspielen in Erl 2015 sein gefeiertes und viel beachtetes Rollendebüt gab. Im November 2015 folgte eine CD-Einspielung der Operette „Polnische Hochzeit“ von Joseph Beer mit dem Rundfunkorchester München unter der Leitung von Ulf Schirmer. Im März gab Michael Kupfer-Radecky ein gelungenes Debüt in den „Meistersingern“ unter der musikalischen Leitung von Philippe Jordan der Opéra National de Paris als Hans Sachs.

Im April 2016 stand er erneut als „Faninal“ auf der Bühne, diesmal an der Deutschen Oper Berlin unter der musikalischen Leitung von Ulf Schirmer. Im November 2016 wird er – erstmalig in dieser Rolle – als Wotan in Wagners „Walküre“ an der Staatsoper Budapest auf der Bühne stehen.

Lada Kyssy

Lada Kyssy wurde in Kasachstan geboren, wo sie bereits im Alter von 6 Jahren ihr Gesangsstudium und ihre Karriere als Solistin begann. Im Jahr 2002 schloss sie ihr

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Studium am Staatlichen Konservatorium mit Bestnote ab, gleich darauf folgte ein Engagement an die Staatsoper Abay in Almaty, Kasachstan. In den vergangenen 10 Jahren ihrer jungen Karriere sang sie mit großem Publikumserfolg Rollen wie Violetta und Gilda aus den Verdi-Opern „La Traviata“ und „Rigoleto“, Lucia in „Lucia di Lammermoor“ Donizetti, Michaela aus „Carmen“ (Bizet), Anna Glavari in „Die lustige Witwe“ in der Filarmonia di Piacenza, Liu aus Puccinis „Turandot“ und Mimi aus „Boheme“ (Puccini) in Treviso, Tatjana von Eugene Onegin, Marfa aus der „Braut des Zaren“, die Contessa in Mozarts „Le nozze di Figaro“ in Sardegna (Italien) sowie die Erste Dame in „Die Zauberflöte“, ebenfalls von Mozart und die Mathilde in „Wilhelm Tell“ (Rossini). Für die beiden letztgenannten Rollen wurde sie auch von den Tiroler Festspielen Erl im Sommer 2016 engagiert.

Dort ist sie auch bei den Winterfestspielen ein gern gesehener Gast und sang sowohl im Silvesterkonzert 2015 als auch im Neujahrskonzert 2016 und war darüber hinaus als Sopran im Weihnachtsoratorium und in der Matthäuspassion im Festspielhaus Erl zu hören. Lada Kyssy gelang es, sich als eine der bedeutendsten Solistinnen am Staatstheater Kasachstan zu etablieren, sie ist ebenso gern gesehener Gast bei Fernsehsendungen wie auch bei großen Galakonzerten in ihrem Heimatland. Im Jahr 2011 machte sie ein Praktikum in Pesaro an der „Accademia di canto Renata Tebaldi e Mario del Monaco“, gefolgt von einem Fortbildungskurs am Teatro Pergolesi Spontini in Jesi, Italien in dieser Zeit erhielt sie mehrere Einladungen zu Konzerten Zandonai Italien. Außerdem gewann sie zahlreiche Wettbewerbe, u. a.

Il Premio Riccardo Zandonai (Italien) und

den Sonderpreis des Theater Ciao Opera in Sao Paulo (Brasilien) oder Marie Kraja (Albanien). Um ihre Stimme zu schulen und zu verbessern, nimmt sie regelmäßig Unterricht bei den Großen dieses Fachs, darunter Mirella Freni, Mario Melani, Mietta Sighele, Tamara Novichenko, Eldar Gezadze, Alla Simoni, Evghenia Dundekova, William Matteuzzi. Zu ihren Lehrern gehören auch namhafte Pianisten und Gesangslehrer wie z. B. Giulio Zappa, Matteo Pais, Luca Saltini, Paola Mariotti, Paola Mollinari, Joyce Fieldsend, Inga Balabanova, Carlo Morganti, Elisa Cerri, Salvatore Francavilla, Lorenzo Bavai, James Rochetti, Emmanuel Lippi.

Paola Leggeri

Paola Leggeri wurde in Florenz geboren.

Sie begann ihre musikalische Laufbahn mit Klavierunterricht bei Lydia Rocchetti am Cherubini Konservatorium in Florenz. Parallel dazu studiert sie Gesang bei Kate Lafferty und schloss ihr Studium mit Bestnote ab. Sie setzte ihre Ausbildung mit deutschsprachigem Repertoire bei der Sopranistin Charlotte Lehmann in Hannover fort. Ihre Gesangstechnik umfasst eine enorme Bandbreite, die von Barock (z. B. Galatea in „Acis und Galatea“ von Händel, die Partie der Atenaide im gleichnamigen Werk von Vivaldi u. a. im Teatro della Pergola in Florenz) bis zur zeitgenössischen Musik (darunter die Böse Königin in „Schneewittchen“ von Luigi Zaninelli) reicht. Sie ist Gewinnerin und Finalistin mehrerer internationaler Wettbewerb und erhält, neben Persönlichkeiten wie Seiji Ozawa und Roberto Benigni, als vielversprechende junge Opernsängerin den renommierten Premio Galileo: „Ein Leben

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für die Musik“. Unter der Leitung der berühmten Sopranistin Renata Scotto nimmt sie an der Fachausbildung für Operngesang an der Nationalen Akademie Santa Cecilia teil und war Mitglied des „Opera Ensemble dell’Accademia“. Paola Leggeri trat bei vielen renommierten nationalen und internationalen Festivals auf. Bei den Tiroler Festspielen Erl wird sie in der Wintersaison 2014/2015 die Marzelline in „Fidelio“ singen und als Sopransolistin in der zeitgenössischen Kantate „Die Nachtigall und die Rose“ des deutschen Komponisten Mathias Drievko auftreten.

Biao Li

Li Biao wurde in Gansu (China) geboren und nahm im Alter von 16 Jahren sein Gesangsstudium auf. 2011 machte er seinen Abschluss am Konservatorium von Sichuan. Er gewann diverse Preise und war Finalist bei zahlreichen internationalen Gesangswettbewerben, darunter der VIII. Internationale Opernwettbewerb „Magda Olivero“. Seine Studien setzte er mit Maestro Vittorio Terranova, Stara Carmen und William Matteuzzi fort, er nahm 2012 in der Meisterklasse von Maestro Vittorio Terranova teil sowie 2014 in der Meisterklasse von Wojciech Maciejowski und absolvierte im selben Jahr das Konservatorium Giuseppe Verdi in Mailand mit Maestro Luigi Petroni. Ebenfalls 2014 debütierte er in Saronno in Mozarts Oper „Così fan tutte“.

Er arbeitete in der Dirigiermeisterklasse des Konservatoriums Giuseppe Verdi in Mailand an der Inszenierung von Mozarts „Così fan tutte“ für das Mailänder Teatro dal Verme und debütierte mit dieser Oper in San Maurizio d’Opaglio. Im Kurhaus Bad Schwalbach sammelte er mit „Ope-

ra Classica Europa“ erste Erfahrungen in Deutschland und debütierte mit „Le nozze di Figaro“ am Kurtheater Bad Ems. Das Opernstudio des Konservatorium Giuseppe Verdi erwählte ihn für die Rolle des Ernesto in Donizettis „Don Pasquale“ im Jahr 2014. In diesem Jahr sang er beim großen Festkonzert der Heiligen Musik in der bedeutenden Pfarrkirche St. Francesca Romana (Rom). Es folgte die Rolle als Tenor bei Händels Messias mit dem „Ensemble Mignon“ in der Pfarrkirche Mater Amabilis (Mailand) im Januar 2015 sowie die Tenorpartie in Mozarts Requiem in Mailand im April 2015, zusammen mit dem „Milan Chamber Orchestra“. Das Institut La Bottega dell’Opera wählte ihn für die Rolle des Ferrando in „Così fan tutte“ im Teatro Bonoris in Montichiari aus. Desweiteren wurde er von der Società Filarmonia und Maestro Beniamino Prior für seine Debüt als Lindoro in „L’italiana in Algeri“ sowie den Grafen Almaviva in „Il barbiere di Siviglia“ ausgewählt. Er trat mit Maestro Alfredo Barchi auf dem Domplatz von Udine auf, in Tolmezzo (Teatro Comunale Luigi Candoni), Gemona (The Gemonensis Auditorium) und in der Arena von Pula (Kroatien). Darüber hinaus sang er den Grafen Almaviva am Teatro Sociale in Mantova (Italien) im Dezember 2015. Er debütierte als Barinkay im „Zigeunerbaron“ von Johann Strauss (Sohn) am Teatro Nuovo in Turin, Teatro Toselli von Cuneo, Teatro Coccia in Novara, Teatro Alfieri im April 2016. Ausgewählt vom Verein „Europa in Canto“ debütierte er als Don Ramiro in Rossinis „La Cenerentola“ am Teatro Argentina (Rom), Teatro San Carlo (Neapel), Teatro Regio von Parma und am Teatro Comunale von Treviso im April und Mai 2016. Im Juni 2016 steht er als Camillo in der Operette „Die lustige Witwe“

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von Franz Léhar in Udine auf der Bühne.

Zu seinem Repertoire gehören – außer den bereits erwähnten – drei Rollen aus BelliniOpern: Elvino („La sonnambula“), Arturo („I Puritani“) und Tebaldo („I Capuleti e i Montecchi“), Don Ottavio aus Mozarts „Don Giovanni“, ein Fischer aus Rossinis „Guglielmo Tell“, Tonio aus Donizettis „La fille du régiment“ und Nemorino aus „L’elisir d’amore“ sowie das Stabat Mater von Rossini.

Maria Rosaria Lopalco

Die Sopranistin Maria Rosaria Lopalco begann ihr Gesangsstudium am Konservatorium Ottorino Respighi in Latina (Lazio) bei ihrem Lehrer Carlo Tuand und verbessert derzeit ihre Fähigkeiten in der Stimmtechnik mit der Sopranistin Gertrud Ottenthal in Wien. Bereits mit 22 Jahren gewinnt sie im Rahmen des nationalen Gesangswettbewerbs Piergiorgio Frassati den Beniamino Gigli-Preis als beste Sängerin sowie den Gesangswettbewerb Giacomo Lauri Volpi in der Kategorie „Junge Talente der Oper“ im selben Jahr. Im Jahr darauf wurde sie mit dem Ehrenpreis des MusicaRiva Festivals ausgezeichnet. Ebenfalls 2009 besucht sie die Meisterklasse der Accademia di Santa Cecilia in Rom unter der Leitung von Renata Scotto und wird engagiert für die Rolle des Amore in „Orpheus und Eurydike“. Im November 2009 gewann sie die internationale Ausschreibung – organsiert vom Philharmonischen Theater Verona in Zusammenarbeit mit UNESCO – für die Partie der Musetta, die ihr ein erfolgreiches Debüt bescherte. 2010 sang sie die Sopranpartie im „Stabat Mater“ von Giovanni Battista Pergolese am Teatro San Carlo in Neapel und war in zwei weiteren Werken

des Komponisten zu erleben. Der November 2010 brachte ihr den 2. Platz der 17. Maria Caniglia International Singing Competition sowie zusätzlich den Publikumspreis ein.

Im Dezember wurde sie Finalistin des Pavarotti Gesangswettbewerbs für junge Sänger.

2011 interpretierte sie die Rolle der Juliette in Charles Gounods Oper „Romeo et Juliette“ in Piacenza, Modena und Bozen unter der Leitung von Manfred Schweigkofler.

Im März 2013 gewann sie den Ehrenpreis als beste Sopranistin beim internationalen Gesangswettbewerb „Città di Bologna“, der ihr die Teilnahme an der Meisterklasse mit June Anderson ermöglichte. Im Folgemonat debütierte sie als Rosina in Giovanni Paisiellos „Barbiere di Siviglia“ in Aquila und Sulmona. Im Mai 2013 errang sie als Ehrenpreis des Gesangwettbewerbs Riccardo Zandonai einen Auftritt bei den Tiroler Festspielen Erl unter der Leitung von Gustav Kuhn. 2014 gastierte sie in Bologna während der Sommersaison als Blumenmädchen in Richard Wagners „Parsifal“.

Darüber hinaus sang sie die Lauretta in Giacomo Puccinis „Gianni Schicchi“, die Elvira in „Schicchi und Puccini“, die Violetta („La Traviata“) und Serpina in der Oper „La serva padrona“ von Giovanni Paisiello in Bologna. Neben ihrer intensiven Konzerttätigkeit in verschiedenen Theatern und Kulturvereinen Italiens wird sie auch in Zukunft bei den Tiroler Festspielen Erl des Öfteren auf der Bühne zu erleben sein.

Bei den Winterfestspielen 2015/16 interpretiert sie die Anna in Giuseppe Verdis „Nabucco“, ein Wiedersehen gibt es dann bei den Sommerfestspielen 2016, wo sie die Partie der Papagena in Wolfgang Amadeus Mozarts „Die Zauberflöte“ singt.

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Werner van Mechelen

Werner Van Mechelen gehört sowohl in der Oper als auch im Konzert und mit Liederabenden international zu den wichtigen Sängern seines Fachs. Der vielseitige belgische Bassbariton studierte am LemmensInstitut in Leuven und wurde mit mehreren internationalen Preisen ausgezeichnet, so beim Königin Elisabeth Wettbewerb in Brüssel, beim Internationalen Gesangswettbewerben in ’s-Hertogenbosch sowie bei der Cardiff Singer of the World Competition. Werner Van Mechelens Opernrepertoire reicht von Barock- über MozartPartien und deutsches und italienisches Repertoire bis hin zum modernen Repertoire einschließlich vieler UraufführungsPartien. Ein Schwerpunkt liegt jedoch im deutschen Repertoire, namentlich in den wichtigsten Fachpartien bei Wagner und Strauss. Den Alberich hat er dabei an der Opéra Royal de Wallonie, der Nederlandse Opera Amsterdam, der Vlaamse Opera Antwerpen und Gent sowie dem Teatro La Fenice Venedig mit viel Erfolg verkörpert.

Beim Sopot Wagner-Festival sang er seinen ersten Wotan und 2016 an der Hamburgischen Staatsoper zum ersten Mal die Partie des Kurwenal. Zu seinem StraussRepertoire gehört Faninal, Musiklehrer, Jochanaan und Mandryka. Eine intensive Zusammenarbeit verbindet den Künstler mit den belgischen und niederländischen Opernhäusern La Monnaie, der Vlaamse Opera sowie der Nederlandse Opera. Weitere Gastspiele führten den Bassbariton an die Opéra d’Avignon, an das Gran Teatre del Liceu sowie an die Opernhäuser in Paris, Zürich, Köln u. a. Wichtige Partner am Pult sind Barock-Spezialisten wie Sigiswald Kuijken, Ton Koopman und Marc

Minkowski sowie Dirgenten wie Hartmut Haenchen, Kent Nagano, Antonio Pappano und Jeffrey Tate. Die besondere Zuneigung Werner Van Mechelens gilt dem Lied sowie dem Konzertrepertoire: Letzteres reicht von den Passionen J. S. Bachs über romantische Werke wie „Elias“ oder das Brahms-Requiem und die Liedzyklen und Symphonien Gustav Mahlers bis zu Werken des 20. und 21. Jahrhunderts. Sein reichhaltiges Liedrepertoire umfasst nicht nur die großen Liedzyklen von Schubert, Schumann und Brahms, sondern auch viele Werke abseits des gängigen Repertoires.

Edoardo Milletti

Geboren in Assisi im Jahr 1987, beginnt er seine Studien in Perugia – hauptsächlich unter der Anleitung der Mezzosopranistin Carmen Gonzales – sowie am Konservatorium F. Morlacchi. Er verfeinerte seine Stimme mit Lehrern wie Renato Bruson, Luciana d’Intino, Luciana Serra, Luigi Alva, Lella Cuberli, Francisco Araiza – um nur einige zu nennen. Ab 2007 debütierte er in vielen geistlichen Werken wie Händels Messias in der Basilika San Pietro in Perugia, der „Misa Criolla“ von Ramirez in Rotterdam, der „Christnacht“ von Hugo Wolf und der „Petite Messe Solennelle“ von Rossini in der Basilika Santa Maria sopra Minerva in Rom, der „Auferstehung“ von Händel in der Basilika St. Giovanni in Laterano sowie im „Stabat Mater“ von Rossini in Wien im Auditorium der Wiener Sängerknaben.

Er hat zahlreiche Wettbewerbe gewonnen, darunter der Preis Opera Studio der Scuola dell’Opera Italiana des Teatro Comunale di Bologna, der Mongini-Preis (Varese), der Operngesangswettbewerb des Teatro Sperimentale Spoleto und der internationale

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Gesangswettbewerb Ottavio Ziino in Rom. Sein Bühnendebüt absolvierter er in der Show „Carnet de Notes“ von und mit der Schauspielerin Franca Valeri sowei in den komischen Opern von Jacques Offenbach „Monsieur Choufleuri restera chez lui“ und „Pomme d’Api“ am Teatro Comunale von Bologna. Er sang die Partie des Macacco in „Die drei Gobbi“ von Ciampi, er war Nick in „La fanciulla del West“ von Puccini, Alfredo in Verdis „La Traviata“, Ernesto in Donizettis „Don Pasquale“, Sklave in der Strauss-Oper „Salome“, Orpheus in der zeitgenössischen Oper „Euridice e Orfeo“ von Scappucci, das Kind in „Doglie“ von Sannicandro (ebenfalls eine zeitgenössische Oper), Porsugnacco in „Grilletta und Porsugnacco“ von Orlandini, Quill in Puccinis „Tosca“, Bewusstsein in „Der Spieler von Carrara“ (zeitgenössische Oper), Rinuccio in „Gianni Schicchi“ von Puccini, Norman in Donizettis „Lucia di Lammermoor“ u. a. im Teatro alla Scala di Milano, im Teatro Comunale in Bologna, im Teatro Politeama / Lecce, im Teatro Morlacchi und im Teatro Nuovo Menotti sowie beim Festival dei Due Mondi in Spoleto. Er arbeitete mit Dirigenten wie Nicola Luisotti, Carlo Palleschi, Roberto Polastri, Marco Angius, Stefano Ranzani und Regisseuren wie Gabriele Lavia, Paolo Rossi und Mary Zimmermann.

Im Jahr 2013 bestand er die Aufnahmeprüfung zur Accademia Teatro alla Scala.

2014 debütierte er dort in „La Cenerentola für Kinder“ von Rossini und sang in der Scala während der Spielzeiten 2014/2015 und 2015/2016. Im Jahr 2015 machte er seinen Abschluss an der Accademia del Teatro alla Scala und gab dort sein Debüt als Graf Almaviva in Rossinis „Il barbiere di Siviglia“, unter der Regie von Jean-Pierre Ponnelle und der musikalischen Leitung

von Massimo Zanetti. Vor kurzem stand er anläßlich des Paphos Aphrodite Festival in Zypern erstmalig in „La cenerentola“ auf der Bühne und schloss darüber hinaus sein Studium der Kommunikationswissenschaften an der Universität von Perugia ab. Bei den Tiroler Festspielen Erl Sommer 2016 wird er in Rossinis „Guglielmo Tell“ als ein Fischer zu hören sein Anna Lucia Nardi

Die gebürtige Südtirolerin Anna Lucia Nardi studierte Gesang am Monteverdi-Konservatorium in Bozen bei Luise Gallmetzer sowie Sabina von Walther und besuchte daneben Meisterkurse bei Christa Ludwig, Brigitte Fassbaender, Gertrud Ottenthal und Kurt Widmer. Anna Lucia Nardi gewann den ersten Preis beim internationalen Wettbewerb „VI. Concorso Internazionale di Canto Lirico e da Camera Oper Rinata“ in Biella und wurde beim internationalen Gesangswettbewerb in Vercelli für die beste Interpretation in der Sparte Kammermusik ausgezeichnet; daneben erhielt sie auch den Sonderpreis „Therme Meran“ beim ersten internationalen Gesangswettbewerb in Meran. Auch als Solistin in Oratorien ist Anna Lucia Nardi sehr gefragt. Ihr Repertoire schließt Werke wie Händels „Messias“, Bachs „Johannespassion“ Pergolesis „Stabat Mater“ und seine „Messa in Re“ (bei deren Uraufführung im Teatro Olimpico von Vicenza sie mitwirkte), Rossinis „Petite Messe Solennelle“ und Beethovens „Missa Solemnis“. Sie war bereits mehrfach Altsolistin in Beethovens „9. Symphonie“ sowohl im Rahmen der Konzertreihe „Beethoven Energy“ in Bozen als auch bei den Tiroler Festspielen Erl. Ihr weitgefächertes Liedrepertoire umfasst auch Werke von

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Felix Resch, Heinrich Unterhofer, Michael Loesch und Girolamo Deraco, deren Werke sie uraufführte. Das Operndebüt erfolgte im Teatro Comunale in Piacenza als 1. Magd in Strauss’„Elektra“. Es folgten weitere Opernauftritte im In- und Ausland wie zum Beispiel in Mozarts „Le nozze di Figaro“, „Cosí fan tutte“ und „Zauberflöte“, Verdis „La Traviata“, „Rigoletto“ und „Alzira“, Wagners „Parsifal“, „Die Meistersinger von Nürnberg“ und „Tristan und Isolde“, Strauss’ „Salome“, Smetanas „Verkaufte Braut“ und Bergs „Lulu“. Seit dem Herbst 2013 ist Anna Lucia Nardi Mitglied der Accademia di Montegral von Maestro Gustav Kuhn. Unter seiner Leitung ist sie regelmäßig als Solistin bei den Tiroler Festspielen Erl zu hören. Bei den Südtiroler Operetten Spielen begeisterte sie als Prinz Orlofsky in der Operette „Die Fledermaus“ von Johann Strauss und als Wirtin vom „Weissen Rößl“ in der gleichnamigen Operette von Ralph Benatzky sowohl mit ihren stimmlichen als auch mit ihren schauspielerischen Fähigkeiten das Publikum. Im Jahre 2015 hat Anna Lucia Nardi sowohl bei den SommerFestspielen Erl als auch bei einer ChinaTournee unter der Leitung von Maestro Gustav Kuhn die Rolle der Magdalene in Richard Wagners „Die Meistersinger von Nürnberg“ und jene der Rossweisse in der „Walküre“ gesungen. Im Herbst 2016 wird sie Ihr Debüt am berühmten Theater San Carlo in Neapel in Alexander von Zemlinskys „Der Zwerk“ geben.

Misaki Ono

Die Mezzosopranistin Misaki Ono wurde in Japan geboren. Sie absolvierte ihr Studium an der Staatlichen Universität für Musik und Darstellende Kunst in ihrer Heimat-

stadt Tokio. Nachdem ihr bereits während dieser Zeit mehrere Förderpreise verliehen wurden und sie das Diplom 2004 mit Auszeichnung bestanden hatte, wechselte sie an die Hochschule für Musik und Theater in München, wo sie bis 2008 ihr Masterstudium absolvierte. Seit 2005 war sie mehrfach am Münchener Prinzregententheater zu hören, als Olga in Eugen Onegin und als Dorabella in Così fan tutte. Des Weiteren übernahm sie die Partie der Erda und Flosshilde in dem von Philippe Arlaud inszenierten „Der Ring an einem Abend“ in Bayreuth und war als Holofernes in Juditha Triumphans in Budapest zu erleben. Misaki Ono sang als Ensemblemitglied am Theater Regensburg u. a. Partien wie Rosina in Il barbiere di Siviglia, Flora in La Traviata und Bianca in The Rape of Lucretia. Am New National Theatre Tokyo die Lucienne in Die tote Stadt, das Blumenmädchen in Parsifal und die 3. Dame in der Zauberflöte, wo sie 2016 wieder als Schwartleite in der Walküre zu erleben sein wird. Misaki Ono trat im Lied-, Konzert- und Oratorienfach in Europa und Asien auf. Als Alt-Solistin sang sie in Tokyo Bunka Kaikan den „Messias“ von Händel und das „Stabat Mater“ von Rossini, sowie die 9. Symphonie von Beethoven. In Italien sang sie unter der Leitung Gustav Kuhn Rossinis „Petite Messe“, sowie in Deutschland Kantaten von Bach. Misaki Ono war Preisträgerin des Internationalen Gesangswettbewerbes der Kammeroper Schloss Rheinsberg, Stipendiatin des Deutschen Akademischen Austauschdienstes und des Government Overseas Study Programme for Artists in Japan.

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Stephen Owen

Der Bassbariton Stephen Owen wurde in China geboren und wuchs in Kalifornien auf. Nach dem Studium der Philosophie (Wheaton College) und Theologie (Princeton Theological Seminary) war er mehrere Jahre als Sänger in den USA tätig. Seine europäische Karriere begann er 1990 in Salzburg als Gunther („Götterdämmerung“). Das deutsche Fach ist seitdem ein Schwerpunkt seiner sängerischen Karriere geblieben. Don Pizarro („Fidelio“) verkörperte er bisher in zwölf Produktionen, u. a. in Graz, Darmstadt, Weimar, Klagenfurt, Pisa, und Tours. Den Don Fernando der gleichen Oper sang er in Rio de Janeiro und in der Carnegie Hall. Neunmal übernahm Stephen Owen die Titelpartie in „Der fliegende Holländer“, u. a. in Graz, Kassel, Aachen, Rennes und Schloss Neuschwanstein. Seinen ersten Jochanaan („Salome“) sang er in Las Vegas. Er wiederholte diese Partie am Teatro Massimo / Palermo sowie in Graz und Nantes. Sein Debüt als Kaspar („Der Freischütz“) gab er in Tours. In Graz stand er als Kurwenal („Tristan und Isolde“), Orest („Elektra“) und Peter („Hänsel und Gretel“) auf der Bühne. In Spoleto, Italien, debütierte er als Heerfurtet („Lohengrin“) und in Dortmund als Alberich („Das Rheingold“). In Kassel sang er auch den Musiklehrer („Ariadne auf Naxos“).

Alban Bergs „Lulu“ spielt eine große Rolle in Stephen Owens Karriere. Er gab sein Debüt am Teatro Colón / Buenos Aires als Tierbändiger / Athlet. 2001 übernahm er die Hauptpartie des Dr. Schön in Palermo.

Zu seinem Repertoire mit Werken des 20.

Jahrhunderts zählen außerdem die Titelpartie in „Blaubarts Burg“ (Graz, Salzburg), Kissinger in „Nixon in China“ (English

National Opera), Grandpa Moss in „The Tender Land“ (BBC Symphony), Balstrode in „Peter Grimes“ (Kassel) und Kreon / Bote („Oedipus Rex“). 1999 sang er den Teufel in Gerd Kührs „Tod und Teufel“ und 2004 die Partie des Dirigenten in Battistellis „Prova d’Orchestra“ in Linz, eine Partie, die er in Antwerpen, Gent, und Nürnberg wiederholte. Die belgische Produktion ist auf CD (Ricordi / Stradivarius) dokumentiert.

Stephen Owens italienisches Repertoire umfasst Partien im Bariton- und Bassfach.

So verkörperte er sowohl Schaunard als auch Colline („La Bohème“) in Graz. Dort sang er ebenso Amonasro, Alfio, Leporello, Sharpless, Raimondo und Sparafucile. Sein Scarpia („Tosca“) in Aachen wurde durch die ARD ausgestrahlt. Er sang Paolo („Simone Boccanegra“) in Kassel. Sein französisches Repertoire umfasst Escamillo (Graz, Kuala Lumpur) und die Vier Bösewichte (Klagenfurt, Kassel). Von 2009 bis 2014 war Stephen Owen in Augsburg engagiert, wo er 2013 den Theaterpreis gewann. Dort wiederholte er vieles aus seinem Hauptrepertoire und sang zusätzlich den Großinquisitor in „Don Carlo“, Timur in „Turandot“, den Dreieinigkeitsmoses in „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“, die Titelpartie in von Rezniceks „Ritter Blaubart“ , Simone (Korngolds „Violanta“), Golaud („Pelléas et Mélisande“) und Dr. Vigelius in „Der Ferne Klang“ (dokumentiert auf einer CD des Labels Ars). Letztere Partie wiederholte er 2012 an der Opéra national du Rhin in Straßburg. An der Opéra national de Lyon hat er den Offizier in „In the Penal Colony“, Tod in „Der Kaiser von Atlantis“ und Grandpa Moss gesungen. 2015 gab er sein schweizerisches Debut in Turnages „Greek“ in Bern. 2016 und 2017 wird er dort Bartolo in „Le nozze di Figaro“ singen. Im April

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2016 verkörperte er den Alten Zwangsarbeiter in „Lady Macbeth von Mzensk“ in Augsburg.

Giovanni Battista Parodi

1976 in Genua geboren, begann er sein Gesangsstudium 1992 bei Prof. Paolessi und Prof. Arcidiacono, ab 1997 dann bei R. Negri an der Accademia di Palazzo Ducale.

Er nahm an verschiedenen Wettbewerben teil, darunter der Wettbewerb Leoncavallo in Locarno und Premio Caruso. 1999 wurde er in die Accademia di perfezionamento des Teatro alla Scala di Milano aufgenommen und nahm an der Eröffnung der Spielzeit 1999/2000 teil. In der Folge war er unter R. Muti in „Tosca“ zu hören. An der Teatro alla Scala di Milano war er in folgenden Produktionen zu erleben: „Adriana Lecouvreur“, „La Bohème“, „Il trovatore“, „La Traviata“, „Un ballo in maschera“, „Il barbiere di Siviglia“, „Oberto conte di San Bonifacio“, „Otello“ und „Iphigénie en Aulide“. In „La Bohème“ war er auch an den Theatern von Florenz, Bologna, Neapel, Torino und an der Opéra National de Paris, in „Manon“ in Triest, in „Adriana Lecouvreur“ an der Opera di Roma, in „Il barbiere di Siviglia“ in Tokio, in „Aida“ in der Arena di Verona und in „Otello“ beim Maggio Musicale Fiorentino zu hören. Zahlreiche Engagements in den bedeutenden Partien seines Fachs führten ihn an die wichtigen Opernhäuser der Welt, darunter nach Paris, Bologna, London und Amsterdam. Er arbeitete u. a. mit Daniele Gatti, Fabio Luisi, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Daniel Oren, Mstislav Rostropovic, Christophe Rousset. Zuletzt stand er erfolgreich in Verdis „Falstaff“ als Pistola in Amsterdam sowie der Teatro alla Scala di Milano auf der

Bühne. Seine Engagements der nächsten Monate führen ihn nach Straßburg („La Calisto“ von Franceso Cavalli), Piacenza („La Wally“ von Alfredo Catalani) und zu denTiroler Festspielen Erl, wo er im Sommer 2016 in Mozarts „Zaubererflöte“ und Rossinis„Guglielmo Tell“ zu sehen ist sowie im Winter 2016/17 in „L’Italiana in Algeri“ (Rossini) und „La Traviata“ (Verdi).

Anna Princeva

Geboren in St. Petersburg, begann Anna Princeva ihre musikalische Ausbildung im Alter von fünf Jahren und schloss in den Fächern Klavier, Dirigieren und Gesang ab.

2008 erlangte sie ihren Master-Abschluss in klassischem Gesang in Italien und nahm darüber hinaus an etlichen nennenswerten Master-Classes, wie zum Beispiel mit Francesco Araiza, Grace Bumbry, Lela Cuberli oder Bianca Maria Casoni, teil. Mittlerweile debütierte Princeva in zahlreichen Rollen: Violetta in Verdis „La Traviata“; Pia in Donizettis „Pia de Tolemei“; Pamina in Mozarts Oper „Die Zauberflöte“ im Teatro Comunuale Luciano Pavarotti in Modena; Desdemona in Rossinis „Otello“; der Titelrolle in Verdis „Alzira“, Contessa Almaviva in Mozarts „Le nozze di Figaro“; Fiordiligi in Mozarts „Così fan tutte“ bei den Tiroler Festspielen Erl; Leonora in Verdis „Il trovatore“ an den Theatern Freiburg und Kazan sowie Donna Anna in Mozarts Oper „Don Giovanni“ am Estates Theater in Prag. Sie coverte die Leonora (Anja Harteros) in „Il trovatore“ an der Bayeischen Staatsoper in München und die Marguerite (Sonya Yoncheva) in „Faust“ am Festspielhaus Baden-Baden. Zu ihren letzten Engagements zählten die Titelrolle in Verdis „Giovanna D’Arco“ und Hélène in „Jérusalem“ unter

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der musikalischen Leitung von W. Humburg, die Teresa in Berlioz’ „Benvenutto Cellini“ unter der musikalischen Leitung von S. Blunier am Theater Bonn sowie die Fiordiligi in Mozarts „Così fan tutte“ inszeniert von C. Bieito am Theater Basel. Im Rahmen ihrer Konzertauftritte sang Princeva die Sopran-Solos sowohl in Mozarts als auch in Verdis Requiem, Haydns Lord Nelson Messe und Beethovens „Neunte Symphonie“ in Graz. Darüber trat sie beim Grand Gala Opening Konzert anlässlich der Eröffnung des neuen Festspielhauses in Erl auf, welches auch live im österreichischen Fernsehen übertragen wurde.Nächste Engagements: Leonora in „Oberto, Conte di San Bonifacio“ von G. Verdi, Anna Reich in „Die lustigen Weiber von Windsor“ von O. Nicolai, Nedda in „Pagliacci“ von R. Leoncavallo an den Opernhäusern Sydney und Melbourne.

Maria Radoeva

Maria Radoeva wurde in Sofia geboren.

An der Nationalen Musikakademie ihrer Heimatstadt studierte sie von 2003–2006 bei Liyudmila Hadjieva und Plamen Beykov und setzte ihr Studium in Modena mit Raina Kabaivanska fort. Nach ihrem Operndebüt als Zerlina in „Don Giovanni“ konzentrierte sie sich auf Barock- und Belcanto-Opern, darüber hinaus spezialisierte sie sich auf Mozart-Partien (Susanna, Despina, Pamina, Fiordiligi) und auf Oratorien, darunter der „Messias“ und Pergolesis „Stabat Mater“. Radoeva hat mit den historischen Instrumenten-Ensemble Concerto Antico in Werken von Bach, Händel und Vivaldi zusammengearbeitet. Im Jahr 2008 wurde sie von Christophe Rousset für sein Monteverdi-Projekt in Siena ausgewählt und trat

mit Les Talents Lyriques auf. Aebr sie hat auch moderne Werk ein ihrem Repoertoire, darunter Schostakowitschs Sieben Romanzen – nach Gedichten von Alexander Blok –, das sie gemeinsam mit dem Ensemble Risognanze aufgeführt hat. Im Dezember gab sie ihr Debüt im Opernhaus von Sofia als Musetta in „La Bohème“. Vor kurzem nahm sie Rossinis „Petite Messe Solennelle“ auf. Maria Radoeva kann sich über verschiedene Wettbewerbserfolge freuen, dazu gehören Sonderpreise an der Georgi ZlatevCherkin Wettbewerb im Jahr 2005 und der Goldene Preis des 2005 Spring Festival of Arts, Korea. Sie nahm an Meisterkursen bei Gustav Kuhn, Francisco Araiza, Siegfried Jerusalem und Katia Ricciarelli teil.

James Roser

Der australische Bariton James Roser wurde in Sydney geboren. Er schloss sein Studium der Umweltwissenschaften an der NSWUniversität mit Auszeichnung ab und entschloss sich dann, Gesang zu studieren.

Er ist Preisträger mehrerer Gesangswettbewerbe in Australien, u. a. des Mietta Song Recital Award, Vienna State Opera Award und Britten-Pears Young Artist Award.

2012 erhielt er ein Stipendium an der Wiener Staatsoper und sang dort mehrere kleinere Partien. James Roser sang bisher u. a. Rigoletto, Beckmesser („Die Meistersinger von Nürnberg“), Gunther („Götterdämmerung“), Escamillo („Carmen“), Graf („Le nozze di Figaro“), Guglielmo („Così fan tutte“), Owen Wingrave, Peter („Hänsel und Gretel“), Feenkönig, Harald („Die Feen“).

Er gibt regelmäßig Liederabende in Österreich, Kanada, England und Australien, er trat u. a. bei Artsong NSW, Chamber Music Australia, Oxford Lieder Festival, Franz

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Schubert Institut, Australian Brandenburg Orchestra auf und war in Rundfunkaufnahmen der 2MBS-FM, 3MBS-FM und ABC Classic FM in Australien zu hören.

Claudia Sasso

Die in Bordighera geboren Sopranistin Claudia Sasso diplomierte 2009 am Konservatorium Giuseppe Verdi in Turin. Es folgten Meisterkurse bei Mietta Sighele, Eva Mei, Mirella Freni und Claudio Desderi. 2015 war sie Finalistin beim Internationalen Wettbewerb „Toti dal Monte“ in Treviso, und Siegerin des Internationalen Wettbewerbs „Comunità europea“ für junge Opernsänger in Spoleto. Seit 2009 wirkte sie bei verschiedenen Produktionen als Solistin mit, darunter „Le nozze di Figaro“ (Susanna) im Theater von Pisa, „Rigoletto“ (Gilda, cover) am Theater von Parma, „La Bohème“ (Musetta) am Theater Experimental von Spoleto, „L’elisir d’Amore“ (Adina) in Tour, Piemont, „Die Dreigroschenoper“ (Polly) und „Les contés d’Hoffmann“ (Olympia) in den Opernhäusern von Lucca, Pisa und Livorno, „Bastien und Bastienne“ (Bastienne)anl. der Woche Mozartiana in Chieti (Abruzzen), „Alfred, Alfred“ (Erste Krankenschwester Ann) am Theater Experimental von Spoleto.

Auch Operettenpartien gehören zu ihrem Repertoire, sie sang in Franz Lehars „Die Lustige Witwe“ Valencienne und Hanna Glawari sowie in den Strauss-Operetten „Eine Nacht in Venedig“ (Annina) und „Der Zigeunerbaron“(Arzena). Sie war Solistin bei den Premieren der Werke „Solaris“ (Harey) beim MITO Festival Turin und „Il Piccolo Principe“ (Der kleine Prinz) von Alberto Caruso am Teatro Carignano in Turin.

Alena Sautier

Die deutsche Mezzosopranistin Alena Sautier ist in Bologna geboren und aufgewachsen. 2008 schloss sie ihr Gesangsstudium mit Auszeichnung am Vorarlberger Landeskonservatorium ab. Außerdem nahm und nimmt sie Unterricht bei Rita Loving, Prof. Loibl, Prof. Dunja Vejzovic Danilo Rigosa und Bianca Maria Casoni. Sie führt eine rege Konzerttätigkeit, vor allem in Österreich, Frankreich, Deutschland, Italien, Spanien und der Schweiz. Alena Sautier hat u. a. am Teatro Comunale Bologna sowie an den Theatern und Opernhäusern in Genua, München und in der Tonhalle Zürich gesungen. Darüber hinaus hat sie an zahlreichen Opernfestivals teilgenommen. Zu ihrem Repertoire gehören „Così fan tutte“ (Dorabella), „Samson et Dalila“ (Dalila), Norma (Clotilde), „Die lustigen Weiber von Windsor“ (Frau Reich), „Poro, Re dell’Indie“ (Gandarte), „Die Fledermaus“ (Orlofsky), „Les mamelles de Tirésias“, „La Traviata“ (Flora und Annina), „La clemenza di Tito“ (Annio), „Jakob Lenz“, „Parsifal“ (3. Blumenmädchen und 2. Knappe), „Die Walküre“ (Schwertleite), „Siegfried“ (Erda), „Götterdämmerung“ (1. Norn und Waltraute)„Hänsel und Gretel“ (Hänsel), „Elektra“ (2. Magd und Vertraute). Sie hat mit Dirigenten wie Gustav Kuhn, Roberto Abbado, Lothar Zagrosek, Marco Angius und Fabio Luisi, sowie mit Regisseuren wie Romeo Castellucci, Henning Brockhaus, Philippe Arlaud, Guy Joosten und David Carsen gearbeitet.

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Johannes Schmidt

Rita Lucia Schneider

Johannes Schmidt schloss sein Studium mit dem Meisterklassendiplom an der Hochschule München ab. Als junger Sänger debütierte er in „Salome“ an der Staatsoper Wien und wurde kurz darauf als Papageno für eine Neuinszenierung der „Zauberflöte“ an das Opernhaus Graz verpflichtet.

Seine weitere Karriere führte ihn in die Ensembles der Opernhäuser Essen, Berlin und Hannover. Sein dort gesungenes Repertoire umfasst alle wichtigen Basspartien. Der Bassist ist Preisträger mehrerer renommierter Wettbewerbe und erhielt die Richard-Strauss-Plakette in Silber.

Zahlreiche Gastspiele, Konzerte und Liederabende führten ihn in die wichtigsten Musikzentren Europas, nach Japan, Singapur und in die USA. Er sang u. a. bei den Festspielen in Salzburg, Bregenz, Wien, Berlin und Schleswig-Holstein. Es folgten Engagements an die Opéra National de Paris und an die Opernhäuser Graz, Oslo, Bergen sowie an das Schauspielhaus Zürich. 2011/2012 debütierte er in Wagners „Ring“ als Hagen, Hunding und Fafner in Paris, Porto, Straßburg, Luxemburg, Caen, Reims, Trento und Reggio Emilia, sowie als Gurnemanz in Erl und Oberlin („Jakob Lenz“) im Concertgebouw Amsterdam. 2013 folgten u. a. Einladungen an den Palau de les Arts Reina Sofía Valencia, an die Opéra Bastille Paris und wiederum an das Concertgebouw Amsterdam. Er hat u. a. mit den Dirigenten Vladimir Jurowski, Kirill Petrenko, Jakov Kreizberg, Philippe Jordan, Sylvain Cambreling, Heinz Holliger, Sir Charles Mackerras, Leonard Slatkin, Hans Zender und Thomas Hengelbrock zusammengearbeitet.

Die vielseitige Mezzosopranistin Rita-Lucia Schneider startete ihre internationale Karriere an der Volksoper Wien als Anita in Philippe Arlauds Produktion der „West Side Story“. Seit dem hat sie eine Vielzahl an Partien verkörpert, und in den letzten Jahren zahlreiche dramatische Mezzo-Rollen wie Carmen, Eboli, Azucena, Venus und Waltraute in ihr Repertoire aufgenommen.

Große Erfolge feierte sie am Landestheater Detmold als Azucena, eine Rolle die sie auch bei den Tiroler Festspielen Erl unter Gustav Kuhn gecovert hat, sowie als Carmen in der Erfolgsproduktion von Kay Metzger. Am Theater Ulm debütierte sie außerdem als Mère Marie („Dialogues des Carmélites“), Zia Principessa („Suor Angelica“), Fricka (Loriots „Der Ring an einem Abend)“, in der Mezzo-Partie in einer szenischen Umsetzung des Verdi-Requiems und als Auntie in „Peter Grimes“. In 2016 kehrt sie als Charlotte in Werther und als Ortrud in Lohengrin nach Ulm zurück.

Weitere wichtige Gastauftritte der letzten Zeit waren Mère Marie in der Ulmer Produktion von „Dialogues des Carmélites“ am Theater Heilbronn, Marcellina („Le nozze di Figaro“) am Teatro Sociale di Trento sowie bei den Tiroler Festspiele Erl (Eröffnung des neuen Festspielhauses), Venus in „Tannhäuser“ bei den Tiroler Festspielen Erl, Waltraute in Ausschnitten aus „Götterdämmerung“ im Barocksaal Wien, Carmen am Slowenischen Nationaltheater Maribor unter der Leitung von Karen Kamensek, Santuzza und Eboli mit der Slovak Symphonietta Žilina und Donna Elvira, welche sie erstmals 2009 auf Tournee durch Japan interpretierte. In vorangegangenen Saisonen war sie vor allem als Titelheld

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in Richard Strauss’ Der Rosenkavalier zu hören, den sie 2005 zum ersten Mal an der Staatsoper Danzig verkörperte. Bald wurde der Octavian zu einer ihrer Paraderollen, und sie interpretierte ihn in zahlreichen Theatern in Österreich, Deutschland, Frankreich, der Schweiz und zuletzt in Spanien.

Eine weitere Partie, welche sie zu zahlreichen Erfolgen führte war Nicklausse / Muse in „Les Contes’d Hoffmann“, mit dem sie 2004 an der Städtischen Oper Stettin debütierte. Im Charakterfach hatte sie Erfolge als Marquise de Berkenfield in „La fille du régiment“ (Oper Klosterneuburg), als Jade Boucher in Jake Heggies „Dead Man Walking“ (Theater an der Wien) und als Czipra in „Der Zigeunerbaron“, eine Rolle mit der sie an Theatern und bei Festivals in Österreich, Belgien, Holland und Liechtenstein gastierte. Weitere Engagements führten sie ans Theater Baden, zu den Opernfestspielen St. Margarethen, den Opernfestspielen Stift Melk, den Schlossfestspielen Langenlois sowie ans Schlosstheater Schönbrunn und das Eduard-von-Winterstein-Theater Annaberg, dessen Ensemblemitglied sie 2003/04 war. Als Konzertsängerin eignete sich Rita-Lucia Schneider über die Jahre ein großes Repertoire an Liedern (Mahlers Rückert-Lieder, Wagners WesendonckLieder), Oratorien (Händels „Messiah“, Dvořáks Requiem und Stabat Mater, Bachs Johannes- und Matthäus-Passion, sowie Mozarts und Verdis Requiem) und Messen an. Sie sang mit renommierten Orchestern, wie dem Tonkünstler-Orchester, dem Symphonieorchester des Nationaltheaters Prag, dem Barockensemble der Wiener Symphoniker und dem Orquestra Nacional do Porto, und mit namhaften Dirigenten wie Gustav Kuhn und Franz Welser-Möst. RitaLucia Schneider wurde in Wien geboren,

und genoss sieben eine Ballettausbildung an der Royal British Dancing School in Wien. Sie studierte Gesang bei Hana Janku, KS Walter Berry, Petra Chiba, KS Oskar Hillebrandt und derzeit Glenys Linos, und absolvierte Meisterkurse bei Hilde RösselMajdan sowie Franz Lukasovsky.

Wolfgang Schwaninger

Wolfgang Schwaninger begann seine Karriere als lyrischer Tenor am Staatstheater am Gärtnerplatz in München und erweiterte sein Repertoire dann durch das deutsche Fach: Max (Dresden) Florestan (Leipzig und Tokio), Bacchus (München, Wiesbaden, Darmstadt, Leipzig) zählen zu seinen Partien. Gastspiele führten den Tenor in viele Länder Europas sowie nach Korea, Japan, USA und Kanada und Israel. Wolfgang Schwaninger arbeitete mit namhaften Regisseuren – darunter August Everding, John Dew, Claus Guth, Hans Peter Lehmann, Loriot und Klaus Maria Brandauer – und so herausragenden Dirigenten wie zum Beispiel Herbert Blomstedt, Lawrence Foster, Gustav Kuhn und Constantinos Carydis. Er partezipierte an zahlreichen Rundfunkproduktionen und Konzerten beim SWR, MDR und BR. 2004 folgte die Nominierung zum Theaterpreis des Münchner Merkur. Im Sommer 2007 debütierte Wolfgang Schwaninger bei den Tiroler Festspielen Erl als Loge im „Rheingold“, im Oktober 2007 als Siegmund in der „Walküre“ und im Frühjahr 2008 in der Titelpartie in Wagners „Tristan und Isolde“ am Stadttheater in Münster. Im Oktober 2009 gab er sein Debüt als Walter von Stolzing in Wagners „Die Meistersinger von Nürnberg“ am Theater in Hildesheim.

Eine Nominierung zum Sänger des Jahres

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der Zeitschrift „Opernwelt“ für die Produktionen „Les contes d’Hoffmann“ und „Mahagonny“ erfolgte 2009. Im Jahr 2010 trat er in der koreanischen Uraufführung von Alban Bergs „Lulu“ an der National Opera Seoul auf, im Jahr darauf fanden weitere Gastspiele mit „Mahagonny“ in Istanbul, Tel Aviv und München sowie ein Tristan in Augsburg statt. Die folgenden Jahre brachten ihm Engagements für die Neuproduktionen „Peter Grimes“ und „Oberon“ in Münster, den Siegmund in „Die Walküre“ in Taiwan, den Paul in „Die tote Stadt“ am Landestheater Innsbruck, den Doctor in D. Argentos „The voyage of E. A. Poe“ am Staatstheater Braunschweig. 2014 sang er den Bacchus in Peking, Candide in Berlin und Jimmy Mahoney in Innsbruck, 2015 führt ihn mit „Die tote Stadt“ nach St. Gallen und Magdeburg und als Siegmund zu den Tiroler Festspielen Erl. Im nächsten Jahr geht es für ihn zunächst weiter mit „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ in Münster.

Raphael Sigling

Raphael Sigling begann seine musikalische Ausbildung bei den Regensburger Domspatzen. Er studierte an der Hochschule für Musik in München bei Prof. Rita HirnerLill und KS Astrid Varney. Meisterkurse besuchte er bei KS Prof. Jan Hendrik Rootering, Maestro Carlo Bergonzi und Prof.

Helmut Deutsch. Stipendien erhielt er vom Richard Wagner Verband Bayreuth, von der Accademia Chigana di Siena, der Kammeroper Schloss Rheinsberg. Er war Mitglied im Förderverein der Studienstiftung „Live music now“ von Sir Yehudi Menuhin und ist Mitglied der Accademia di Montegral. Noch während des Studi-

ums führten Raphael Sigling erste Engagements an die Theater von Wuppertal und Gelsenkirchen, die Bayerische Staatsoper München, die Royal Albert Hall, in das Auditorio Rai / Triest und La Pergola Florenz.

Es folgten weitere Engagements ans Teatro Carlo Felice Genua, Teatro Massimo Bellini Catania, Teatro di San Carlo Napoli, an die Theater von Bozen und Meran, ans Teatre du Annecy, an die Theater von Shanghai und Peking, an die Alte Oper Frankfurt am Main und an das Theater Freiburg. In Konzerten war er zu hören im Herkulessaal der Residenz München, der Residenz Dresden, in Kloster Andechs, in den Kathedralen von Reims, Rennes, Paris, Florenz, Rom, Siena, Assisi, Pisa, Arezzo Perugia, den Domen von Nürnberg, München, Regensburg und Würzburg. Er war zu Gast bei den Tiroler Festspielen Erl, dem luzerne festival, dem Festival International de Santander, dem Chiemgauer Opernsommer, der accademia tirolensis, dem Festspielhaus St. Pölten, der night of the proms london, den Opernfestspielen München und am Festspielhaus Bregenz. Dabei musiziert Raphael Sigling u. a. mit dem Orchester der Bayerischen Staatsoper München, den Münchner Bachsolisten, dem BBC-Orchestra London, dem RAI Roma sowie mit vielen weiteren renommierten internationalen Orchestern und Barockorchestern. Neben Auftritten bei Fernseh- und Rundfunksendern wie ARTE, 3sat, BR, HR, ORF und RAI runden CDund DVD-Produktionen sein musikalisches Schaffen im Opern- und Konzertbereich ab. Raphael Sigling arbeitete dabei mit Dirigenten und Regisseuren wie Roberto Abado, Matthias Ank, Pierre Audi, Serge Aubry, Dietfried Bernet, Michael Boder, Attilio Cremonesi, Andreas Hutter, Lü Jia, Jan-Lathan Koenig, Gustav Kuhn, Markus

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Langer, Anton Ludwig Pfell, Georg Ratzinger, Joachim Schlömer, Reinhard Seehafer, Frank Shipway, Markus Stenz, Marcello Viotti und Ulrich Weder.

Andrea Silvestrelli

Andrea Silvestrelli ist seit ihrer Gründung Mitglied der Accademia di Montegral und gilt als einer der gefragtesten Bassisten der Opernwelt. Bei den Tiroler Festspielen Erl gilt er als Publikumsliebing, ein Status, den er sich u. a. mit seiner Interpretation der Titelrolle in „Herzog Blaubarts Burg“ von Béla Bartók oder im Wagnerschen „Ring des Nibelungen“ als Fafner („Das Rheingold“) und Hagen „Götterdämmerung“) erwarb. Die Saison 2012/2013 der San Francisco Opera eröffnete er als Sparafucile in „Rigoletto“ unter der musikalischen Leitung von Nicola Luisotti.

Außerdem kehrte er an die Lyric Opera of Chicago zurück, wo er Sparafucile, Colline („La Bohème“) und den Nachtwächter in Wagners „Die Meistersinger von Nürnberg“ sang. An die Metropolitan Opera New York kehrte er 2012/2013 für eine Produktion von „Ernani“ ebenfalls zurück, nachdem er an diesem Haus bereits in der Saison 2010/2011 erfolgreich als Sparafucile in der „Rigoletto“-Inszenierung von Otto Schenk debütiert hatte. In der Saison 2011/2012 der Houston Grand Opera übernahm er die Rolle des Filippo in Verdis „Don Carlo“. Er war in der Hauptrolle von „Blaubarts Burg“ mit dem Milwaukee Symphony Orchestra und mit Edo de Waart zu hören. Desweiteren interpretierte er die Partie des Basilio in „Il barbiere di Siviglia“ an der Los Angeles Opera und den Fafner („Das Rheingold“) an der Deutschen Oper Berlin. Zusammen mit dem Atlanta Symphony Orchestra war er in

Verdis Requiem zu hören. Im Sommer 2010 gab er den Sarastro („Die Zauberflöte“) an der Santa Fe Opera. Andrea Silvestrelli eröffnete die Saison 2008/2009 an der Los Angeles Opera als Simone in Woody Allens Produktion „Gianni Schicchi“, darauf folgte die Partie des Osmin (Mozarts „Die Entführung aus dem Serail“) an der Bayerischen Staatsoper München und an der Lyric Opera in Chicago, sowie Sparafucile in „Rigoletto“ an der Houston Grand Opera.

Er beendete die Saison als Hunding und Fasolt an der Seattle Opera im Rahmen des Rings. An der San Francisco Opera war er als Bass-Solist in Verdis „Messa da Requiem“ zu hören. Die Saison 2007/2008 führte Andrea Silvestrelli als Osmin in „Die Entführung aus dem Serail“ an die Houston Grand Opera, als Colline in „La Bohème“ nach Chicago, als Sparafucile an die Washington National Opera, als Fasolt an die San Francisco Opera, als Basilio in „Il barbiere di Siviglia“, als Osmin nach München und Chicago. Bei der Einspielung des „Don Giovanni“ unter John Eliot Gardiner für die Deutsche Grammophon hat er die Partie des Commendatore übernommen – eine Produktion, die 1995 mit dem Grammy ausgezeichnet wurde. Außerdem wirkte er 1996 bei der Einspielung von Haydns „L’anima del filosofo“ für Decca mit.

Mona Somm

Mona Somm wurde in der Schweiz geboren. Nach ersten Studien in Luzern und Zürich folgte ein Studienaufenthalt in New York, an der Manhatten School of Music in New York. Dort besuchte sie die Gesangsklasse der Opernsängerin Mignon Dunn. Eva Krasznai-Gombos aus Basel begleitete die Sängerin danach während zehn

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Jahren in der weiteren Laufbahn. Heute lebt die Sängerin in St. Gallen, Schweiz. Im Opernfach interpretierte sie 2009 Elektra von Richard Strauss bei den Tiroler Festspielen Erl. Kurz darauf folgte eine Spanientournee mit der Tschechischen Oper Prag als Senta in „Der fliegende Holländer“. Sie übernahm in 2010 die Partie der Ortlinde in Wagners „Walküre“ in Frankfurt / Main.

Mit Sieglinde und Brünnhilde / “Siegfried“ hat die Sopranistin unter der Leitung von Gustav Kuhn in Trento konzertiert. 2011 debütierte die Sängerin an den Tiroler Festspielen Erl mit Venus in „Tannhäuser“ (Pariser Fassung) und Kundry in „Parsifal“.

In Freiburg im Breisgau debütierte sie im Frühling 2012 als Sieglinde in der Oper „Walküre“ von Richard Wagner. Nach „Parsifal“ und „Tannhäuser“ stand Mona Somm erneut 2011 in Erl auf der Bühne des Passionsspielhauses. Ein neues wichtiges Rollendebüt folgte im Jahr 2013 mit der Ortrud in der Neuinszenierung des „Lohengrin“ von Richard Wagner. Mit dieser Partie wurde sie im selben Jahr nach Litauen, Slowakei und nach Russland, Moskau eingeladen. Im Sommer 2014 debütierte Somm als Brünnhilde in der Oper „Die Walküre“ und „Götterdämmerung“ bei den Tiroler Festspielen. Sie debütierte bei der Canadian Opera Companie in in der Oper „die Walküre“ als Ortlinde und wurde als Cover für die Rolle der Brünnhilde verpflichtet. Diesen Sommer 2015 wird mit Isolde die letzte grosse Wagner Partie von Mona Somm in Erl zu hören sein.

Evert Sooster

Evert Sooster studierte Gesang sowohl am St. Petersburger Konservatorium als auch an der Staatlichen Theaterschule und wech-

selte 1990 an die Musikhochschule nach Wien – Gesangsklasse von KS Prof. Margarita Lilowa. Nach seinem Abschluss setzte er seine Studien fort und nahm an zahlreichen Meisterkursen teil, so bei Jewgenij Nesterenko, Inge Borgh, Irina Archipova und Sergeij Leiferkus. Privatunterricht bei Simon Baddi, Wien. Außerdem studierte er in der Konzertgattung „Lied und Oratorium“ in der Klasse von Kammersänger Prof.

Kurt Equiluts und bei Prof. Charles Spencer sowie Operndarstellung in der Klasse von Prof. Wolfgang Gabriel und Prof. Kurt Malm. Gastauftritte führten ihn u. a. an die Wiener Kammeroper, zu den Schwetzinger Festspielen, an die Opéra Marseille sowie ans Teatro San Carlo in Neapel, an die Bayerische Staatsoper in München sowie an das Hessische Staatstheater Wiesbaden (Titelpartie in „Boris Godunow“) und an das Volkstheater Rostock. 2003 war er an der Seite von Placido Domingo in „Samson et Dalila“ bei den Salzburger Festspielen zu erleben. Des Weiteren sang er an der Finnischen NationaloperHeinrich VIII. in Donizettis „Anna Bolena“. Auch als Filmschauspieler wurde er engagiert („Peacemaker“, 1996, und „München“, 2005) und arbeitete u. a. mit Steven Spielberg zusammen. Im August 2007 sang er bei den Festspielen in Reinsberg den Eremiten in „Der Freischütz“.

Bereits in der Saison 2004/2005 war er am Landestheater Niederbayern in der Rolle des Philippe in Verdis „Don Carlo“ und als Fiesco in „Simon Boccanegra“ zu erleben.

Von 2007 bis 2011 war Evert Sooster fest im Ensemble des Landestheaters Niederbayern engagiert und war u. a. als Don Basilio in Rossinis „Der Babier von Sevilla“, Fürst Gremin in „Eugen Onegin“ zu hören. Er übernahm des Weiteren die Hauptpartien in Bellinis „Norma“, Mozarts „Titus“ und

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Verdis „Otello“. Im März 2010 sang Evert Sooster die Partie des Mephisto in „La damnation de Faust“ von H. Berlioz beim Budapester Frühlingsfestival. Diese Rolle war auch seine letzte Arbeit als Ensemblemitglied beim Niederbayerischen Landestheater. Seit Beginn der Spielzeit 2011/2012 ist Evert Sooster freischaffend tätig. Im Juli 2012 sang er die Partie des Priesters bei der Aufführung von Pizzettis „Assassino nella cattedrale“ im Mailänder Dom. In der Spielzeit 2012/2013 sang er sowohl bei zahlreichen Konzerten als auch als GastSolist beim Stadttheater Freiburg, wo er im vergangenen Jahr die Partien des Truffaldin in „Ariadne auf Naxos“ von Richard Strauss und des Surin in Tschaikowsky’s „Pique Dame“ übernahm. In der Spielzeit 2013/2014 war Evert Sooster in zahlreichen wichtigen Produktionen des Freiburger Theaters zu hören, darunter „Gegen die Wand“ von Ludger Vollmer Auch als Konzertsänger wird Evert Sooster in dieser Saison aktiv. So ist er im November 2013 bei den Aufführungen Verdis Requiems in Herford und in Bad Kissingen beschäftig. In der Spielzeit 2014/2015 sang Evert Sooster in Partien wie Ferrando / „Il trovatore“ von Verdi und Zuniga / „Carmen“ von Bizet zu hören. Ausserdem sind für die laufende Spielzeit zahlreiche Konzertauftritte mit seiner Beteiligung in Österreich und in Deutschland vorgesehen. Seit November 2014 ist Evert Sooster Professor für Gesang an der Wiener Musikakademie. In der Spielzeit 2014/2015 sang Evert Sooster in Partien wie Ferrando / „Il trovatore“ von Verdi und Zuniga / „Carmen“ von Bizet zu hören. Im Jahr 2016 war er bereits bei den Tiroler Festspielen als Coverbesetzung für Don Basilio in „Il Barbiere di Seviglia“ von Rossini vorgesehen und sang die

Role des Sprechers in der „Zauberflöte“Inszenierung am Stadttheater in Baden.

Ausserdem sind für die laufende Spielzeit zahlreiche Konzertauftritte mit seiner Beteiligung in Österreich und in Deutschland vorgesehen. Seit November 2014 ist Evert Sooster Professor für Gesang an der Wiener Musikakademie.

Dorothea Spilger

Die Mezzosopranistin Dorothea Spilger wurde 1989 in Landshut geboren und studierte an der Hochschule für Musik und Theater München bei Prof. Fenna KügelSeifried. 2013 absolvierte sie ihre Diplome in Musiktheater und Konzertgesang. Auf der Opernbühne war sie unter anderem als Prinz Orlofsky in „Die Fledermaus“, Ruggiero in „Alcina“, Ramiro in „La finta giardiniera“ und Dorabella in „Così fan tutte“ zu sehen. Mit dem Orchester des Bayrischen Rundfunks sang sie die Tisbe in einer Kinder-Adaption von „La Cenerentola“ unter Rasmus Baumann. In der Partie der Tigrana wirkte sie 2011 an der deutschen szenischen Erstaufführung von Puccinis Frühwerk „Edgar“ durch die Opera Incognita München mit. Zur Spielzeit 2012/13 wurde sie an das Studio der Opéra National de Lyon unter Leitung von Jean- Paul Fouchécourt engagiert. Im Januar 2013 debütierte sie dort als Lapak in Janáčeks „Das schlaue Füchslein“ unter Leitung von Tomas Hanus und Regie von André Engel.

Unter Stefano Montanari sang sie dort im selben Jahr die dritte Dame in Mozarts „Die Zauberflöte“ in der Regie von Luc de Wit und Pierrick Sorin. In der Spielzeit 2014/15 war sie am Theater Erfurt als Nerone in „L’incoronazione di Poppea“ und Siebel in „Faust“ zu sehen. In der Spielzeit 2015/16

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binden sie Gastverträge an das Staatstheater am Gärtnerplatz München sowie an das Nationaltheater Prag Dorothea Spilger wurde während ihres Studiums von der Hanns-Seidel-Stiftung gefördert und ist seit 2014 Stipendiatin von Yehudi Menuhin Live Music Now. Sie ist Preisträgerin des Wettbewerbs Kammeroper Schloss Rheinsberg 2012 sowie des Competizione dell’Opera 2013. Beim internationalen Johannes-Brahms-Wettbewerb 2013 wurde sie in der Sparte Lied mit dem zweiten Preis ausgezeichnet. Aus dem internationalen Antonin-Dvorak-Wettbewerb 2014 ging sie mit dem jeweils zweiten Preis in den Sparten Oper und Lied sowie zahlreichen Sonderpreisen hervor. Mit dem Symphonie-Orchester des Tschechischen Rundfunks spielte sie unter Leitung von Ondrej Lenard 2015 ein Solo-Programm mit Opernarien ein.

Andrew Sritheran

Der neuseeländische Tenor Andrew Sritheran wurde in Wellington geboren, wo er auch sein Gesangsstudium begann. Weitere Stationen seiner Ausbildung waren die Eastman School of Musik in New York, die Music Academy in Santa Barbara, wo er intensiv von Marilyn Horne betreut wurde, und das Royal Northern College of Music in Manchester. Andrew Sritheran ist Preisträger zahlreicher Wettbewerbe. So gewann er 2002 den nationalen Mozart-Wettbewerb in Großbritannien, 2004 den ersten Preis der britischen Richard-Wagner-Gesellschaft und wurde 2011 in New York mit dem „Wagnerian Division Encouragement Award“ im Rahmen der International Vocal Competition der Gerda Lissner Foundation ausgezeichnet. Von 2005 bis 2007

war der Tenor Mitglied des „Jette Parker Young Artists Programme“ am Royal Opera House Covent Garden in London, wo er als Malcolm in „Macbeth“ und als Snout in „A Midsummer Night’s Dream“ zu erleben war. Darüber hinaus fungierte er als Cover für Partien wie Cavaradossi in Tosca und Calaf in Turandot. Außerdem gastierte er als Don José in „Carmen“ beim International Youth Festival in Aberdeen, als Pollione in Norma an der Preston Opera Lancashire und als Pinkerton in „Madama Butterfly“ am Clonter Opera Theatre in Cheshire.

Mit großem Erfolg sang der Tenor in den Spielzeiten 2008/09/10/11 den Siegmund in „Die Walküre“ am Theater Lübeck und war dort auch als King of Naples in „The Tempest“ zu hören. Von 2009 bis 2011 gehörte Andrew Sritheran zum Ensemble des Anhaltischen Theaters in Dessau, wo er u. a. mit seinem ersten Lohengrin einen großen persönlichen Erfolg feiern konnte.

Danach gab er am Theater Koblenz sein erfolgreiches Rollendebüt in der Titelpartie von „Les contes d’Hoffmann“. 2013 feierte Andrew Sritheran unter Leitung von Fabio Luisi sein Debüt an der Metropolitan Opera, als er bei der Wiederaufnahme von „Die Walküre“ kurzfristig als Siegmund eingesprungen ist. Mit dieser Partie war er auch 2014 bei den Tiroler Festspielen Erl zu erleben. Außerdem gab er im Oktober 2013 sein Rollendebüt als Otello am Theater Ulm. In der Spielzeit 2014/15 gastierte er als Florestan an der Lithuanian National Opera in Vilnius und als Siegmund in Erl sowie beim Gastspiel der Tiroler Festspiele Erl im Herbst 2015 in Peking und Shanghai.

2016 ist Andrew Sritheran u. a. erneut als Florestan in Vilnius und als Siegmund bei den Tiroler Festspielen zu hören. Andrew Sritheran ist auch ein gefragter Konzert-

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sänger. Zu seinem Repertoire gehören u. a. das Requiem von Verdi, Puccinis Messa di Gloria und Händels Messiah.

Marianna Szivkova

1997–2001 Studium Chorleitung an der Pädagogischen Universität in Szombathely. 2004–2008 Studium Gesangspädagogik und Kammermusik-Gesang am Varga Tibor Institut für darstellende Kunst an der Széchenyi-István-Universität in Gyõr.

2007–2009 Masterstudium in Gesang bei Claudia Rüggeberg und Musikdramatische Darstellung bei Barbara Beyer und Frank Cramer an der Kunstuniversität Graz. Die ungarische Sopranistin lebt in Wien. 2010 Auftritte an der Kunstuniversität bei „Best of“ mit Ö1 (Romanzen nach Gedichten von Alexander Blok von Schostakowitsch, gemeinsam mit dem Colombran Trio), sowie in Mumuth als Nella in „Gianni Schicchi“ von Puccini, als Diana in „Dafne in lavro“ von Fux, im Juni 2011 als Gräfin in „Figaros Hochzeit“ von Mozart sowie 2012 als Mutter in Humperdincks „Hänsel und Gretel“. In Grazer Stefaniensaal 2011 als Marie in „Wozzeck Bruchstücke“ von Alban Berg und 2012 A. Zemlinsky „Maiblumen blühten überall“. Weitere Konzertauftritte in Ungarn und Graz. Mit Judit vom Béla Bartóks „Herzog Blaubarts Burg“ debütierte im Dezember 2012 in Erl bei der Eröffnung des neuen Tiroler Festspielhauses. Bei den Tiroler Festspielen unter der künstlerischen Gesamtleitung von Gustav Kuhn sang sie 2012 die Partie der Sieglinde in Walküre und Dritte Norn in Götterdämmerung von Richard Wagner und die Partie der Judit in Herzog Blaubarts Burg von Béla Bartók. Sie ist Stipendiatin der „Rimsky-Korsakow“– Musikakademie St. Petersburg (2007), des

Forums Hungaricum Graz (2009), von AIMS (2010) und der Richard-Wagner-Stiftung (2011), Erster Preis beim Internationalen Richard-Wagner-Wettbewerb La Spezia in Italien (2013). Im Rahmen des Festivals der Bezirke der Wiener Festwochen 2016 sang sie mit Wiener Stella-Artis-Ensemble im Kammerkonzert „Russische Seelenklänge“ sinnliche spätromantische Romanzen von Sergei Rachmaninov op.38. und Dmitri Schostakowitschs eindringlichen Liederzyklus für Sopran und Klaviertrio nach den visionären Versen Alexander Bloks.

Bianca Tognocchi

Die in Como geboren Sopranistin Bianca Tognocchi diplomierte 2010 am Konservatorium Giuseppe Verdi in Mailand mit Auszeichnung. Es folgten Meisterkurse bei M. Sighele, V. Lucchetti, R. Coviello, J. Anderson, L. Serra, B. M. Casoni. Tognocchi ist Finalistin und Gewinnerin zahlreicher internationaler Wettbewerbe: 2009 gewann sie den Sonderpreis der Jury beim 6. Wettbewerb für Lyrischen Gesang „Prinzessin Cristina Trivulzio di Belgiojoso“, den Preis „Entdeckung“ beim Wettbewerb FMI, sie war Finalistin des A. Giacomotti Wettbewerbs in Pavia, war Siegerin des XXVIII Wettbewerbs R. Zandonai in Riva del Garda, belegte den zweiten Rang und gewann den Publikumspreis beim Wettbewerb G. Zecca in Pavia, den Publikumspreis beim Wettbewerb A. Colzani, den dritten Preis beim Wettbewerb Franca Mattiucci in Asti und den Publikumspreis beim Wettbewerb M. Olivero in Mailand, den 2. Preis des Wettbewerbs G. B. Rubini in Mailand, den 1. Preis beim Opernwettbewerb in Forli sowie einen weiteren 2. Preis beim Wettbewerb Marcella Pobbe in Vicenza. Im Januar

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2014 gewann sie beim 65. Internationalen Wettbewerb der As.Li.Co (Associazione Lirica Concertistica Italiana) den 1. Preis in der Rolle der Olympia in „Les contes d’Hoffmann“. Seit 2010 wirkte sie bei verschiedenen Produktionen des As. Li. Co. in bedeutenden italienischen Theatern mit, mit, darunter Mozarts „Le nozze di Figaro“ (Barbarina) und „Die Zauberflöte“ (Papagena) sowie Verdis „Traviata“ (Annina) und „Rigoletto“ (Page) sowie in „La finta semplice“, Pergolesis „La serva padrona“ und „Livietta e Tracollo“, Rossinis „La cambiale del matrimonio“ u.v.m. Seit 2012 ist sie regelmäßiger Gast der Tiroler Festspiele Erl, sie coverte z. B. Susanna („Le nozze di Figaro“) und Zerlina („Don Giovanni“).

Solistisch trat sie anlässlich der Eröffnung des Festspielhauses Erl 2012 sowie des Silvesterkonzertes 2012 und im Weihnachtsoratorium auf. Seit 2013 ist sie Mitglied der Accademia di Montegral. 2013 trat sie als Solistin von Bach-Kantaten zusammen mit dem Haydn Orchester von Bozen und Trient auf. Sie gehörte zu den Solisten der Weltpremiere der Oper „L’amor che move il sole e l’altre stelle“ von A. Guarnieri unter der musikalischen Leitung von C. Mazzavillani Muti bei den Festivals von Ravenna und Due Mondi, Spoleto. Unter Maestro Riccardo Muti sang sie die Nannetta in Verdis „Falstaff“. In letzter Zeit debütierte sie in der Titelrolle der „Lucia di Lammermoor“, als Giulia in „La scala di seta“ von Rossini, als Adina in Donizettis „L’elisir d’amore“ und als Giannetta im Teatro alla Scala di Milano unter der musikalischen Leitung von Fabio Luisi und der Regie von Grisha Asagaroff.

Zelotes Edmund Toliver

Geboren auf Long Island, debütierte Zelotes Edmund Toliver am Michigan Opera Theatre, nachdem er seinen Doktor der Musikwissenschaften abgeschlossen hatte. Die Cincinnati Opera, New York City Opera und die Lyric Opera of Chicago sind wichtige Auftrittsorte in seiner Heimat. Er gastierte als Gurnemanz an der Washington Opera und der Staatsoper Berlin und als Hunding und Osmin an der Metropolitan Opera New York. In Europa begann Toliver mit einem Festvertrag an der Wiener Staatsoper. Weiters sang er mehrere Spielzeiten an den Opernhäusern in Coburg, Dortmund und Graz. Gastverträge führten ihn an die Züricher Oper, die Deutsche Oper Berlin, das Théâtre du Châtelet in Paris, die Bayerische Staatsoper München, die Nederlands Opera, das Grand Théâtre de Genève und die Opera La Monnaie Brüssel. Zu Tolivers Repertoire zählen die wichtigsten Bassrollen seines Faches wie Sarastro, Fürst Gremin, Don Basilio, Sparafucile, König Phillip und Ramphis, zudem die großen Wagnerrollen wie König Heinrich, Gurnemanz, König Marke und Pogner. Als Fasolt, Hunding, Fafner und Hagen begeisterte er in der Grazer Produktion von Wagners „Ring des Nibelungen“. Toliver gewann zahlreiche Preise, z. B. beim Verdi-Gesangswettbewerb in Busseto / Italien und beim TschaikowskyGesangswettbewerb in Moskau. Er erhielt Stipendien der Grinnell Foundation, des Nationalen Operninstituts und des Metropolitan Opera National Councils. Unter dem Dirigat von James Conlon wirkte er bei CD-Gesamtaufnahmen von Puccinis „Madama Butterfly“ und Zemlinskys „Der Traumgörge“ mit. Eine CD-Aufnahme mit dem Titel „Songs of Old Souls“ dokumen-

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tiert, mit welchem Feingefühl Toliver die Lieder seiner Vorfahren interpretiert. In der Saison 2012/13 gab er sein Debüt in Rio / Brasilien mit einer Wiederaufnahme der Henze-Oper „El Cimmaron“ und gab Konzerte in Deutschland und den Niederlanden. In der Saison 2013/14 ging es zurück zum Concertgebouw in Amsterdam, wo er die Rolle des Pagano in Verdis „I Lombardi“ sang, sowie später nach Linz, wo er eine führende Rolle bei Showboat innehatte. Zelotes Edmund Toliver ist nicht nur ein Gast vieler europäischer und amerikanischer Opern- und Konzertbühnen. Er war ein außerordentlicher Professor für Gesang in der School of Music an der Boston University. Derzeit unterrichtet er an der Fakultät der Folkwang Musikhochschule (Hochschule) in Essen und an der Hochschule in Münster.

Yuko Ugai

Yuko Ugai wurde in Osaka, Japan geboren und studierte zunächst traditionellen japanischen Tanz. Nach ihrem Musikstudium am Osaka College of Music ging sie nach Italien um ihr Gesangstudium zu vervollkommnen. Sie schloss ihre Diplomprüfung am Conservatorio di Musica L. Refice in Frosinone mit der Höchstnote ab, im selben Jahr machte sie noch ein Diploma di Perfezione an der Arts Academy of Rome.

Ihre Lehrer an beiden Musikinstituten waren: Alberta Valentini, Walter Alberti und Joseph Giardina. Ihrem Interesse an Regiearbeit nachgebend, begann sie eine Assistenz beim Opernregisseur Mario Mearelli für zwei Produktionen von Madama Butterfly und Il Signor Bruschino bei den Festspielen in Civitanova. Gleichzeitig arbeitete sie auch in der Szenischen Ab-

teilung der vom Vatikan geleiteten Musikschule Ludovico della Vittoria. Hier übernahm sie die Regie der Uraufführung des Szenischen Oratoriums: Sicut Lilium inter Spinas von Aurelio Porfiri in der Sala Paolo Vl im Vatikan. Für den plötzlich verstorbenen Mearelli erarbeitete sie dann noch eine Butterfly-Produktion in Biarritz und Toulouse. Das abschliessende Masterdiplom in Gesang absolvierte sie bei der Sopranistin Michela Sburlatti am Conservatorio di Perugia. Ihre Masterarbeit schrieb sie über die Entwicklung des Liedgesangs in Japan zu Beginn des 20. Jahrhunderts, und im besonderen über den Beitrag des Komponisten Kousaku Yamada, der den Versuch unternahm, die traditionelle Musik Japans mit dem westlichen Musikstil zu vereinen. Über ihre Lehrerin, Michela Sburlatti lernte sie Maestro Kuhn kennen, und seit 2007 verbringt sie ihre Sommer in Erl als Mitglied der Chorakademie der Tiroler Festspiele. Yuko Ugai, die inzwischen auch ein italienisches Dolmetscherpatent besitzt, lebt als freischaffende Künstlerin in Rom. Giorgio Valenta

Giorgio Valenta wurde in Coburg (Bayern) geboren. Ein Gesangsstudium an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien bei Leopold Spitzer und Kammersänger Walter Berry schloss er mit dem Bachelor of Arts ab. In Italien vervollständigte er seine Ausbildung anschließend in Meisterklassen bei Luciano Pavarotti, Mirella Freni und Dr. Rudolfo Celletti. Er ist als Gastsänger unter anderem an der Staatsoper Prag, der Oper Leipzig, dem Volkstheater Rostock in Opern von Mozart, Donizetti, Verdi, Wagner sowie den klassischen Operetten von Lehar, Kalman,

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Strauss, Benatzky, Abraham u. a. aufgetreten. Mit Operettenensembles gastierte er an mehr als 60 italienischen Theatern, hervorzuheben sind hierbei das Teatro Goldoni Venezia, das Teatro Metropolitan Catania, das Teatro Nazionale di Milano sowie das Teatro Alfieri in Turin. Seit 2006 Mitwirkung bei den Tiroler Festspielen Erl, wo er in „Parsifal“, „Fidelio“, „Die Meistersinger von Nürnberg“, „Das Rheingold“ und „La Traviata“ zu hören war. Für das Mailänder Label Operadiscovery hat er kürzlich im Projekt „Treasures o Versimo“ die Opern „Vanna“ von Lamberto Pavanelli und „Pinotta“ von Pietro Mascagni auf CD aufgenommen.

Michiko Watanabe

Die in Osaka geborene Sopranistin erhielt 1995 an der Soai-Universität ihren ersten Gesangsunterricht, schloss ihr Studium Solo-Gesang 1999 mit Auszeichnung ab und absolvierte ein Aufbaustudium an der Toho-Universität. Als Gewinnerin des japanischen Tama-Fresch-Wettbewerbs und Stipendiatin der Internationalen RotaryStiftung kam sie 2004 an das Salzburger Mozarteum, wo sie bis 2007 studierte. 2004 debütierte Michiko Watanabe in Salzburg als Gretel in der Märchenoper Hänsel und Gretel (Humperdinck). Es folgten weitere Engagements in Österreich und Deutschland mit verschiedenen Barockund Mozart-Partien. Ein Ausschnitt des Repertoires, das Michiko Watanabe bisher gestaltet hat, umfasst z. B. die Gerechtigkeit aus Die Schuldigkeit des ersten Gebots (Mozart), Hyacinthus aus „Apollo et Hyacinthus“ (Mozart), jeweils gesungen bei den Salzburger Festspielen 2006 und als DVD Produktionen dokumentiert (erschie-

nen bei Deutsche Grammophon), Fiordiligi aus „Così fan tutte“ (Mozart), eine Partie, mit der sie in Deutschland, Österreich und in der Schweiz anlässlich einer Tournee aufgetreten ist, Susanna aus „Le nozze di Figaro“ (Mozart), Pamina aus „Die Zauberflöte“ (Mozart), Gretel sowie Sand- und Taumännchen aus „Hänsel und Gretel“ (Humperdinck), Lusette aus „Cendrillon“ (Massenet), Violetta aus „La Traviata“ (Verdi), die Anna aus „Le Villi“ (Puccini) und Rosalinde aus „Die Fledermaus“.

2009 gewann sie den zweiten Preis beim Matsukata Wettbewerb in Japan. Bei den Tiroler Festspielen Erl 2009 wirkte sie als Marzeline (Cover) in Beethovens „Fidelio“, 2010 als 2.Knabe in Mozarts „Zauberflöte“, einer Uraufführung von Ernst Ludwig Leitners „Die Hochzeit“, 2011 und 2012 als Blumenmädchen in Wagners „Parsifal“ und 2014 sowie 2015 als Wellgunde in „Der Ring des Nibelungen“. 2013 trat sie als Solistin bei der 9. Symphonie vom Beethoven in der Berliner Philharmonie auf. Michiko Watanabes Repertoire umfasst ein breites Spektrum von Oper, Lied und Oratorium.

Aufgrund ihrer Erfahrung mit zeitgenössischer Musik wird Michiko Watanabe regelmäßig auch für Uraufführungen neuer Kompositionen engagiert.

Nancy Weissbach

Die Sopranistin Nancy Weißbach wurde in Berlin geboren. Sie erhielt ihre erste musikalische Ausbildung in ihrer Heimatstadt und studierte an der Musikhochschule „Franz Liszt“ in Weimar sowie am Königlichen Konservatorium in Den Haag bei Cristina Deutekom und Diane Forlano. Sie hat erfolgreich an mehreren Wettbewerben teilgenommen, etwa beim „Prix Jeunes-

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se“ in Amsterdam. Zuerkannt wurden ihr außerdem der erste Stipendien-Preis beim Belcanto-Festival in Mailand und das Bayreuth-Stipendium des Richard-WagnerVerbandes Amsterdam. Bereits während des Studiums sang sie Dido („Dido und Aeneas“ Henry Purcell) u. a. an der Opéra comique in Paris und an der Opéra de Rennes. Nach ihrem erfolgreichen Examen wurde Nancy Weißbach ans Südthüringische Staatstheater in Meiningen engagiert, wo sie u. a. die Partie der Marschallin („Der Rosenkavalier“) und der Santuzza („Cavalleria rusticana“) unter Kirill Petrenko interpretierte. Eine weitere Saison blieb sie dem Meininger Theater als Gast für diese Partien verbunden. An der Opéra national du Rhin in Strasbourg sang sie danach mit großem Erfolg die Chrysothemis („Elektra“) in der Inszenierung von Stéphane Braunschweig.

Diese Rolle folgte erneut am Théâtre Royal de la Monnaie in Brüssel unter Kazushi Ono sowie am Nationaltheater Mannheim in der Inszenierung von Ruth Berghaus. Sie sang Gutrune und 3. Norne an der Opéra Royal de Wallonie in Liège und am Théâtre du Capitol in Toulouse. Am Staatstheater Schwerin und in Dessau gastierte sie als Fremde Fürstin („Rusalka“ von Antonín Dvořák).

Es folgte eine beeindruckende Interpretation der Euryanthe von Carl Maria von Weber unter Klaus Peter Flor an der Opéra national du Rhin in Strassburg. Am Teatro Lirico „Giuseppe Verdi“ in Triest gab sie ihr erfolgreiches Debut als Ariadne, die gleiche Partie gab sie darauf auch am Staatstheater Darmstadt, am Stadttheater Bozen sowie in Limoges und Metz. Unter der Leitung von Daniel Inbal sang sie die Sopranpartie in Beethovens 9. und Mahlers 2. und 4.

Symphonie. Regelmäßige Einladungen zu Operetten- und Galakonzerten folgten. Sie

debütierte als Agathe („Der Freischütz“) an der Opéra Royal de Wallonie in Liège sowie als Vitellia („La Clemenza di Tito“) in der Inszenierung von Uwe Eric Laufenberg am Schlosstheater Sanssouci in Potsdam. Sie sang die Marschallin unter Asher Fisch in der Regie von Maximillian Schell an der New Israeli Opera Tel Aviv und am Theater Bonn (Regie: Cesare Lievi). Zu den weiteren Engagements zählen Sieglinde, Dritte Norn, Gutrune in Liège und Strasbourg, „Vier letzte Lieder“ (R. Strauss) und The Governess („The Turn of the Screw“) in Liège und Teneriffa, Senta in Monte Carlo und am „Herodeon“ in Athen. Darüber hinaus sang sie die Marschallin am Staatstheater Nürnberg und an der Oper Köln, Chrysothemis am Nationaltheater Weimar, die Elisabeth („Tannhäuser“) in Triest und Erl, Helmwige in „Die Walküre“ am Teatro Massimo in Palermo, „Siegfried“-Brünnhilde 2014 und 2015 in Erl. Ab der Spielzeit 2017 singt sie die Partie der Brünnhilde im gesamten „Ring“ am Staatstheater Oldenburg. Ihre Konzertengagements umfassen die „Folksongs“ von Berio, „Les nuits d’été“ von Berlioz, die „Wesendonck-Lieder“ mit den Kölner Philharmonikern, die Sopranpartie „Magna Peccatrix“ in Mahlers 8. Symphonie in Ankara sowie Rescitals mit Liedern von Rachmaninov, Tschaikowsky, Brahms, Mahler und Strauss.

Anna Werle

Die junge Mezzosopranistin Anna Werle studierte Gesang an der Universität der Künste Berlin bei Prof. Robert Gambill, (Abschluß 2012 mit Auszeichnung). Liedklassen von Eric Schneider und Axel Bauni, Meisterkurse bei Montserrat Caballé, dem Regisseur Michael Hampe sowie die Teil-

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nahme an der Opera Academy von Grace Bumbry runden ihre Ausbildung ab. Anna Werle ist Preisträgerin mehrerer internationaler Wettbewerbe (1. Preis und einen Sonderpreis beim Concorso Cittá di Alcamo (Italien), 2. Preis beim 42. Bellini Wettbewerb. (Italien), 1. Preis beim Canto Festival Amandola (Italien), Kritikerpreis beim Internationalen Gesangswettbewerb G. B. Velluti (Italien), Preisträgerin (Sonderpreis Konzertengagements) beim Podium Junger Gesangssolisten des Verbandes Deutscher Konzertchöre und offiziell empfohlene Solistin der Organisation sowie 2. Preis und Preis für die schönste Mezzosopranstimme beim Wettbewerb der Accademia Belcanto in Graz. Bereits während ihres Studiums debütierte sie als Dorabella in „Così fan tutte“ am Anhaltischen Theater Dessau sowie in derselben Partie im Sommer 2011 bei der Jungen Oper Schloss Weikersheim (Jeunesses Musicales). Ebenfalls im Jahr 2011 sang sie auf Einladung von Montserrat Caballé beim Konzert „Voces de Montserrat Caballé“ in Zaragoza. Es folgten Galakonzerte in Italien u. a. mit dem Orchestra Sinfonica Siciliana. Ein Höhepunkt im Jahr 2012 war eine Italientournee (u. a. Teatro San Carlo Felice in Genua; Auditorium Manzoni Bologna) mit der h-moll Messe von J. S. Bach unter dem Dirigat von Helmuth Rilling, bei der sie die Alt-Partie sang. Anna Werle war von 2012–2015 festes Ensemblemitglied am Landestheater Detmold und war dort u. a. als Rosina, Mercédès, Hänsel, Roßweisse (Walküre), 3. Blumenmädchen („Parsifal“), Flora, Ciesca und La Zelatrice („Il Trittico“), Angel 2 / Marie („Written on Skin“), Page („Salome“), Emilia („Otello“), Dolly Fleuriot in Benatzkys „Meine Schwester und ich“ sowie als 2. Dame und Ramiro („La finta giardinera“) zu hören. In der Spielzeit

2014/15 gastierte Anna als La Ciesca an der Komischen Oper Berlin, als Lola in Cavalleria rusticana am Stadttheater Klagenfurt, beim Yuri Bashmet Festival im Rahmen der olympischen Winterspiele in Sochi, am Gewandhaus Leipzig in der Altpartie im Weihnachtsoratorium von J. S. Bach sowie im Konzerthaus Berlin in Kurt Weills ‚Silbersee‘ unter dem Dirigat von Ivàn Fischer. In der Spielzeit 2015/16 kehrt Anna als Gast in der Partie des Ramiro an das Landestheater Detmold zurück. Außerdem gastiert sie an der Oper Kiel als Mercédès, am Staatstheater Mainz als La Ciesca / Gianni Schicchi und singt erstmals die AltPartie im Verdi-Requiem unter dem Dirigat von Peter Aderhold im Berliner Dom sowie im großen Sendesaal des RBB. Außerdem singt Anna erneut mit der Philharmonie Baden-Baden unter dem Dirigat von Pavel Baleff. Die Spielzeit 2016/17 führt Anna an das Teatro comunale Bolzano in der Partie Angel2 / Marie in „Written on skin“.

Außerdem wird sie an der Staatsoperette Dresden als Cherubino debütieren.

Wolfram Wittekind

Bevor Wolfram Wittekind die Sängerlaufbahn einschlug, absolvierte er in Düsseldorf ein Studium der evangelischen Kirchenmusik. Er studierte nach seinem Staatsexamen 1992 am selben Institut Gesang bei HansDieter Saretzki. Seine Abschlußprüfung bestand er mit Auszeichnung. Später ergänzte er seine Studien bei Edeltraud Blanke und Otto Hieronimi. Im Sommer 1994 gewann er den Orpheuspreis für Nachwuchssänger als Don José in „Carmen“ bei den Opernfestspielen in Bad Hersfeld. Es folgten Gastengagements im italienischen Fach an verschiedenen Opernhäusern. Zu seinen

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Partien gehörten bisher der Cavaradossi („Tosca“) und Radames („Aida“), Harry („La fanciulla del West“) am Theater der Stadt Bonn, Ismaele („Nabucco“), Riccardo („Ein Maskenball“), Boris („Katja Kabanova“), Alfredo in „La Traviata“ und Victorin („Die tote Stadt“) u. a. in Kiel, Bonn, Mannheim.

Seine ausgedehnte Konzerttätigkeit mit dem Schwerpunkt im romantischen und modernen Repertoire führte ihn an viele zentrale Stätten des Konzertlebens u. a. ans Teatro Piccolo nach Mailand, in Hamburg an St. Michaelis und zum „Millenium Pace Festival“ nach Valencia. Er war Gast als Lohengrin und als Don José („Carmen“) am Theater der Stadt Hagen und in einer modernen Opernproduktion am Schauspielhaus in Wien. Bei den Erstaufführungen der Oratorien von Sophia Gubaidulina mit der Bachakademie Stuttgart unter Helmut Rilling war er im Jahre 2007 engagiert.

Unter Gustav Kuhn sang er 2007 bei einer CD-Produktion der „Missa solemnis“ von Beethoven. Besonderer Schwerpunkt seines Wirkens ist der Konzert- und Oratorienbereich, einschließlich der jüdischen Kantorenmusik. Vielfältige Engagements führen ihn seit Jahren durch ganz Deutschland und in viele Länder.

Soomin Yu

Geboren in Seoul, schloss Soomin Yu zunächst an der Korea National University of Arts das Gesangsstudium mit dem Bachelor ab, bevor sie ihre Studien nach Deutschland brachten. Seit 2011 studiert sie an der Hochschule für Musik und Theater Munchen bei Prof. Daphne Evangelatos und besucht nun, nach der Meisterklasse für Musiktheater, die Liedklasse von Prof. Donald Sulzen und Prof. Tobias Truniger. Die

Stipendiatin der Christl und Klaus Haack Stiftung sammelte bereits in Korea erste Bühnenerfahrungen als Contessa in „Le nozze de Figaro“. Im Prinzregententheater München war sie 2012 in Leŏs Janáčeks „Das schlaue Füchslein“ zu erleben, im Jahr darauf als Rosmene in der Inszenierung der Theaterakademie von Händels „Imeneo“ in der Reaktorhalle. Im April 2015 sang sie nochmals die Gräfin in der Hochschulproduktion. Im Juli und im März 2016 war sie weiter als Leila in Bizets „Les pêcheurs de perles“ im Stadtsaal Fürstenfeldbruck zu sehen. Die Tiroler Festspiel Erl haben sie für den Sommer 2016 für die Rolle der Wellgunde in „Das Rheingold“ und „Götterdämmerung“ verpflichtet.

Gianluca Zampieri

Gianluca Zampieri wurde in Venedig geboren und lebt zurzeit in Rom. Der Tenor debütierte bereits 1992, noch während seines Studiums in Wien, als Don José in Bizets Oper „Carmen“. Im gleichen Jahr gewann er den Gesangswettbewerb Mattia Battistini in Rieti und den der Masterclass von Franco Corelli an der Hochschule Wien. 2005 wurde er mit dem LibusekPreis der tschechischen Press Association für seine Interpretation von Laca in der Oper „Jenůfa“ ausgezeichnet. In einer Koproduktion des Badischen Staatstheaters Karlsruhe mit dem NDM Ostrava gewann er für seine Darstellung von Alfanos Cyrano De Bergerac 2007 den „Thalia Award“ in Prag, welches die bedeutendste künstlerische Auszeichnung in Tschechien ist. Für den „Oscar der Opernwelt“ nominierte ihn 2010 die Zeitschrift Opernwelt für seine Interpretation von Boitos NERONE beim Antik Festival Trier. Seine Aufsehen erre-

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gende Karriere führte ihn an alle großen Opernhäuser Italiens, darunter die Theater von Venedig, Bologna, Genua, Palermo, Catania und Turin. Aber auch international reüssierte er und gastierte u. a. am Opernhaus Zürich, in Tokyo, Shangai, Peking, Budapest, Prag, Monte Carlo, Bonn, Frankfurt, um nur einige zu nennen. Dabei sang er unter der Stabführung von Dirigenten wie Maurizio Arena, Daniel Oren, Nello Santi, Bruno Bartoletti und Gustav Kuhn.

Zu seinen erfolgreichsten Partien gehören der Don José in „Carmen“, die Titelpartie von „Andrea Chénier“ und „Peter Grimes“, der Turriddu in „Cavalleria rusticana“, der Canio in „I pagliacci“, der Pollione in „Norma“, Verdis Otello und Cyrano de Bergerac in Alfanos gleichnamiger Oper, für die er den Theaterpreis Thalia gewann. Aber auch im deutschen Fach ersang sich Zampieri große Erfolge, nicht zuletzt in Bratislava als Bacchus, als Guntram in Catania und Erl, sowie als Froh, Siegfried und Tristan bei den Tiroler Festspielen Erl unter der Leitung von Gustav Kuhn.

Nicola Ziccardi

Gelobt für seinen „dunklen, rollenden Bariton“ (Münchener Merkur) und sein „weiches und kompaktes Timbre“ (Corriere del Ticino), ist der italienische Bariton Nicola Ziccardi ein gefragter Darsteller in ganz Europa. Unter der Leitung von Maestro Gustav Kuhn wurde Ziccardi zu einem ständigen Ensemblemitglied der Tiroler Festspiele Erl. In der Wintersaison der Jahre 2011 und 2012 coverte Ziccardi Antonio und den Grafen in „Le nozze di Figaro“ sowie den Gran Sacerdote in „Nabucco“.

Im Sommer 2013 war er Cover für die Rollen von Germont in „La Traviata“ und

Marullo in „Rigoletto“. Im Winter desselben Jahres trat er als Sciarrone in „Tosca“ auf und coverte sowohl den Masetto als auch die Titelrolle in „Don Giovanni“. Im Sommer 2014 war er Zweitbesetzung für Donner in „Das Rheingold“, im vergangenen Winter für Guglielmo in „Così fan tutte“. 2014 sang er auch das Bass-Solo in Bachs „Weihnachtsoratorium“. Ziccardis erste Rolle nach Abschluss seines Gesangsstudiums war Prosdocimus in Rossinis „Il turco in Italia“ in einer Koproduktion der Associazione Teatrale Tito Gobbi und der Accademia del Teatro alla Scala, die im Teatro dell’Opera di Roma zur Aufführung kam. Zu weiteren Rossini-Rollen, die Ziccardi interpretierte, zählen der Figaro im „Il barbiere di Siviglia“ im Teatro San Pietro, Rom, und der Blansac in „La scala di seta“ als Teil des Musikfestival Tessin im Kongresspalast Lugano unter der musikalischen Leitung von Umberto Finazzi. Er sang Uberto in „La serva padrona“ von Pergolesi an mehreren Theatern in Italien, darunter das Teatro dell’Aquila in Fermo. Hohe Anerkennung erhielt er für seine Darstellung des Grafen in „Le nozze di Figaro“, die er in Wales (UK) sowie im Teatro Mela in Trieste und im Giovanni da Udine-Theater präsentierte. Sein weiteres Opernrepertoire umfasst Marcello in „La Bohème“, Monterone in „Rigoletto“, Morales in „Carmen“, Figaro in „Le nozze di Figaro“, Don Giovanni und Leporello in „Don Giovanni“, Belcore in „L’elisir d’amore“, Papageno in „Die Zauberflöte“ und Germano in Rossinis „La scala di Seta“. Ziccardi studierte an der Hochschule für Musik in Campobasso mit Anna Vandi Gaggiotti und setzte seine Ausbildung am Fermo Konservatorium mit Nazzareno Antinori fort. Er besuchte die Internationale Universität der Oper in

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Sulmona für ein Jahr und studierte dort mit Luciana Serra, Bernadette Manca di Nissa, Umberto Finazzi, Carmela Remigio und Leone Magiera. 2014 sang Ziccardi den Marcello in „La Bohème“ in der Pasinger Fabrik (München) – vierzig Mal in deutscher Sprache. Bald darauf war er Finalist beim Internationalen Musikwettbewerb in Pienza unter der Leitung von Rolando Panerai. Als Gewinner des Sesto San Giovanni Wettbewerbes sang er 2015 den Masetto in „Don Giovanni“ (Mailand). Vor kurzem debütierte Nicola Ziccardi am Teatro Stabile in Potenza, Italien, als Schaunard in „La Bohème“. Diese sehr erfolgreiche Produktion wurde musikalisch von Joshua Dos Santos geleitet, die Regie führte der bestens reputierte Alberto Paloscia.

Bei den Tiroler Festspielen Erl Sommer 2015 debütierte er als Ortel in Wagners „Die Meistersinger von Nürnberg“, die musikalische Leitung hatte Gustav Kuhn inne. Im Oktober desselben Jahres stand er anlässlich der Chinatournee der Tiroler Festspiele Erl wieder als Ortel beim Bejing Music Festival auf der Bühne und war gleichzeitig als Cover für Kothner mitgereist. Gleich im Anschluss flog er für sein Debüt als Germont in „La Traviata“ nach Miami. In der Wintersaison 2015/2016 kehrte er nach Erl zurück, um dort die Titelpartie in „Il barbiere di Siviglia“ und den Gran Sacerdote in „Nabucco“ zu singen. Bei den Tiroler Festspielen Er Sommer 2016 wird Nicola Ziccardi erstmalig die Rolle des Lethold in „Guglielmo Tell“ singen sowie den Papageno in Mozarts „Die Zauberflöte“ und Donner in „Das Rheingold“. Im Winter 2016/17 wird er dort als Haly in Rossinis Oper „L’italiana in Algeri“ zu sehen sein.

Nicola Ziccardi wird von Claudio Ferri Royal Artists Management vertreten.

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zu gast im Festspielhaus

Zwischen / Zeit 2016/17 Die Kammermusikreihe der Münchner Philharmoniker 1. Kammerkonzert Fr. 14. Oktober 2016, 19 Uhr

Steve Reich zum 80. Geburtstag STEVE REICH „Music for Pieces of Wood“ „Clapping Music“ „Drumming“, Part One „Mallet Quartet“ „Marimba Phase“ „Pendulum Music“

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2. Kammerkonzert Sa. 11. Februar 2017, 19 Uhr

Aus zwei mach sechs – vom Duo bis zum Sextett SERGEJ RACHMANINOW „Trio élégiaque“ Nr. 1 für Violine, Kontrabass und Klavier g-Moll JOHANN NEPOMUK HUMMEL Quintett für Klavier, Violine, Viola, Violoncello und Kontrabass es-Moll op. 87 ASTOR PIAZZOLLA Drei Tangos für Violine und Kontrabass MIKHAIL GLINKA Grand Sextett für Klavier, Streichquartett und Kontrabass Es-Dur

3. Kammerkonzert Sa. 18. März 2017, 19 Uhr

Wenn einer nichts zu sagen hat, hört man es sofort WOLFGANG AMADEUS MOZART Quintett für Klavier, Oboe, Klarinette, Horn und Fagott Es-Dur KV 452 KRZYSZTOF PENDERECKI Sextett für Klarinette, Horn, Streichtrio und Klavier LUDWIG VAN BEETHOVEN Quintett für Oboe, Klarinette, Fagott, Horn und Klavier Es-Dur op. 16

Kartenpreise: Kat. I € 30,– / Kat. II € 20,– ABO (alle 3 Konzerte mit 20 % Erm.): Kat. I € 70,– / Kat. II € 50,–

zu gast im Festspielhaus So. 29. Januar 2017, 11 Uhr

Das Große Chinesische Neujahrskonzert 2017 feiert das Große Chinesische Neujahrskonzert sein 20. Jubiläum und blickt auf 121 unvergessliche Konzerte in 16 Ländern, 53 Städten und 59 Konzerthallen zurück. Bereits im dritten Jahr in Folge bietet in dieser erfolgreichen Konzertreihe ein traditionelles chinesisches Orchester dem Publikum in Erl die Möglichkeit, die vielfältigen ethnischen Musikrichtungen Chinas zu entdecken.

Kat. I € 80,– / Kat. II € 50,–

Ostern in Erl Karfreitag, 14. April 2017, 15 Uhr

MATTHÄUS-PASSION Johann Sebastian Bach Matthäus-Passion BWV 244 Sängerinnen und Sänger der Tiroler Festspiele Erl Orchester und Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung: Gustav Kuhn Einheitspreis € 50,–

Der Vorverkauf für alle Veranstaltungen beginnt mit der Eröffnung der diesjährigen Sommersaison am 7. Juli 2016!

6. April bis 9. April 2017

Klaviertage der Tiroler Festspiele Erl Innerhalb der neuen KLAVIERTAGE der Tiroler Festspiele Erl präsentieren wir die Pianistenschule der Accademia di Montegral mit Sitz im Kloster dell’Angelo in Lucca. In Anlehnung an den Namen des Klosters und Akademiesitzes nennen sie sich PIANISTI DELL’ANGELO. Durch eine gezielte Auswahl an Interpreten und Werken aller Epochen – von Johann Sebastian Bach über Wolfgang Amadeus Mozart bis hin zu Anton von Webern – haben wir den großen Anspruch, die klanglich spannende, ernstzunehmende Interpretation der Klaviermusik innerhalb der KLAVIERTAGE wieder in den etwas vergessenen Fokus zu rücken.

Do. 6. April 2017, 20 Uhr – Festspielhaus

AUFTAKT: Die Klaviatoren Ein Universum in schwarz und weiß – entdeckt unter der Anleitung von Maestro Gustav Kuhn Preise: Kat I 30,– / Kat II 20,– Fr. 7. April 2017, 20 Uhr – Festspielhaus

PIANISTI DELL’ANGELO Die pianistische Künstlergruppe der Accademia di Montegral stellt sich vor Preise: Kat. I € 30,– / Kat. II € 20,– Sa. 8. April 2017, 20 Uhr – Festspielhaus

SIGNUM UND KLAVIER Pianistisches Stelldichein mit vier Saxophonen Preise: Kat. I € 30,– / Kat. II € 20,– So. 9. April 2017 (Palmsonntag), 11 Uhr – Festspielhaus

KLAVIER-KONZERT-MATINEE Symphonisch-pianistisches Abschlussfeuerwerk mit dem Orchester der Tiroler Festspiele Erl und Künstlern der PIANISTI DELL’ANGELO / Musikalische Leitung: Gustav Kuhn Preise: Kat. I € 50,– / Kat. II € 40,–

Jetzt Tickets sichern! www.tiroler-festspiele.at oder direkt an der Abendkasse

Tiroler Festspiele Erl Winter 26. Dezember 2016 — 8. Januar 2017 Festspielhaus Präsident: Hans Peter Haselsteiner Gesamtleitung: Gustav Kuhn

Karten: T 0043 5373 81000-20 karten@tiroler-festspiele.at · www.tiroler-festspiele.at und bei allen Vorverkaufsstellen von München Ticket sowie heute hier in der Pause und nach der Vorstellung an der Kasse

Oper

Gioacchino Rossini L’italiana in Algeri Mo. 26. Dezember 2016 / Sa. 7. Januar 2017 jeweils 18 Uhr, Festspielhaus

Giuseppe Verdi La Traviata Fr. 30. Dezember 2016 / Fr. 6. Januar 2017 jeweils 18 Uhr, Festspielhaus Konzert

Silvesterkonzert Sa. 31. Dezember 2016 18 Uhr, Festspielhaus

Neujahrskonzert So. 1. Januar 2017 11 Uhr (Matinee), Festspielhaus

Webern / Beethoven / Tschaikowsky So. 8. Januar 2017 11 Uhr (Abschlusskonzert), Festspielhaus KAMMERMUSIK

Viola(ob)session Mariko Hara, Nobuko Imai Do. 29. Dezember 2016 18 Uhr, Festspielhaus

Liederabend Michael Kupfer-Radecky Mo. 2. Januar 2017 18 Uhr, Festspielhaus

Verdi Extension Di. 3. Januar 2017 18 Uhr, Festspielhaus SPECIALS

Tanz! (Franz) Franui Mi. 28. Dezember 2016 18 Uhr, Festspielhaus

Federspiel Mi. 4. Januar 2017 18 Uhr, Festspielhaus

Neujahrs-Hahnsinn Do. 5. Januar 2017 18 Uhr, Festspielhaus Weihnachten in Erl

Klavierabend Johann Sebastian Bach Davide Cabassi Weihnachtsoratorium I–VI feat. Tatiana Larionova Di. 27. Dezember 2016 18 Uhr, Festspielhaus

So. 18. Dezember 2016

11 Uhr (Matinee), Festspielhaus

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Samstag, 23.7.

Abschlusskonzert der Meisterklasse Opernworkshop Michael Kupfer-Radecky & Lenka Radecky 20.00 Uhr, Sun Tower, Wörgl

Freitag, 29.7.

Fritz-Atzl Preisträgerkonzert mit Preisträger 2015 Justus Seeger, Bariton, Deutschland 20.00 Uhr, Hotel Panorama Royal, Bad Häring

Freitag, 5.8.

Abschlusskonzert der Meisterklasse Prof. Karlheinz Hanser – Die Stimme als Instrument 20.00 Uhr, Sun Tower, Wörgl

Samstag, 13.8.

Abschlusskonzert der Meisterklasse Prof. Konrad Jarnot & Julia Stemberger Darstellung & Gesangstechnik 20.00 Uhr, Pfarrkirche Kirchbichl

Sonntag, 21.8.

Abschlusskonzert der Meisterklasse KS Prof. Helen & Klaus Donath Lied, Oper & Oratorium 20.00 Uhr, Hotel Panorama Royal, Bad Häring

Montag, 29. 8.

Abschlusskonzert der Meisterklasse KS Prof. Christa Ludwig Deutsches Lied & Oper 20.00 Uhr, Hotel Panorama Royal, Bad Häring

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OperettenSommer Kufstein 29. Juli bis 14. August 2016

Tiroler Festspiele Erl 07. Juli bis 31. Juli 2016

Passionsspiele Thiersee 12. Juni bis 02. Oktober 2016

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dem Thema gesagt haben, viel eher jedoch stammt die Aussage von dem Rapper HaHaND$, dem Drechsler handfester Sprüche.

Aus heimischen Politikerkreisen war zuletzt wenig zu vernehmen, nicht zum Thema Handformat, sondern ganz allgemein.

Ein neuerliches Gutachten der Argru HAND (Heutige Angehende Neue Denker) will nun einen Zusammenhang zwischen dem Lesen des Handformats in kritischen Kreisen und der Handlichkeit unbeugsamen Journalismus im Allgemeinen herstellen, was wohl insofern als gegeben zu erachten ist, als die Neuen Denker überdurchschnittlich häufig auch Abonnenten einer gewissen Qualitätszeitung – Name der Redaktion bekannt – sind. Nimm das, Max Manus!

Als Nachtrag mag an dieser Stelle noch angeführt werden, dass sich das Handformat entgegen der Vermutung der Argru HAND nicht im Inhalt unterscheidet, sondern lediglich im Umfang. Das bedeutet, dass keine Kürzung der einzelnen Artikel zu erwarten ist, sondern eine Auswahl von Artikeln in voller Länge, was eine rasche Informationsaufnahme aus erster Nehmen und Geben ein partners von ihrem GegenÖsterreich – Immer mehr Men- heit erwarten oder doch wenigstens zweiter GrundvoraussetAugenhöhe auf Unabhängigkeit Dass über diese schen suchen Kontakt zu einem über Seriosität, im In- zung ist, überrascht nicht weiter. Hand ermöglicht. der LeserInnen Unbeugsamkeit sogar und auch dabei der flexiblen Partner, Selektion im Sinn Flexibilität im Offenheit, Neugierde und Dialogauch noch ein kleineres, ruhig unbeugsam ausfallen darf. halt, wenn auch als Plus gese- fähigkeit gelten hier als positive hinausHandformat zum Einsatz Besonderer Wert wird dabei häu- Format durchaus eben bei der weib- Eigenschaften. fig auf Inhalt bei gleichzeitiger hen wird, und zwar um- kommt, sorgt für ein besonderes, besonders eben wählt Man männlichen der Vollständigkeit gelegt. Charakter- lichen wie bei kompaktes Leseerlebnis auch gleichermaßen. sichtig, wen man täglich beim lich gefestigte Personen mit star- Bevölkerung unterwegs. des Diskurs- Frühstück vor sich hat. ker eigener Meinung und Offen- Dass bei der Wahl Waidegg – Das Handformat macht mit der Aktion „Jetzt 3 Wochen gratis testen“ derzeit von sich reden. Max Manus, Österreichs führender Hersteller von Handtellern in Originalgröße, bezichtigt den STANDARD, seine Kompakt-Ausgabe im Handformat in Anlehnung an seine linke Hand gestaltet zu haben. Eine Klage wird in zweiter Instanz in Erwägung gezogen, in erster Instanz ist sie bereits abhandengekommen. Derzeit geht man in belesenen Kreisen davon aus, dass das Handformat an sich wohl schon fast so alt ist, wie die Hand selbst – oder doch so alt wie das beliebte Gesellschaftsspiel „Schere, Stein, Papier“, in dem jedes Handformat ein anderes schlägt. „Wenn eine Zeitung schon im Handformat erscheint, warum dann bitte ohne Finger?“, soll eine anonyme deutsche Politikerin zu

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der Standard: als Klassik, Kompakt oder E-Paper Liechtenstein/Wien – Kompakte Länder wie Liechtenstein können aufatmen: Kompaktheit wurde jetzt erstmals offiziell als nützlich nachgewiesen.

Dies gelang einer 19-jährigen Abonnentin aus dem Wiener Alsergrund, die nach der neunwöchigen Lektüre des STANDARDkompakt einen deutlichen Wissensvorsprung gegenüber ihrem sozialen Umfeld aufwies, dabei aber die vorteilhaften Inhalte weiterhin unterwegs und in kürzester Zeit konsumieren konnte.

Damit wird auch für die Frage, ob kompakte Lebensmittel wie straff gerollte Dosenfische oder besonders eng gepackte Walnüsse

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für den Menschen von Vorteil sind, mit einer positiv ausfallenden Antwort gerechnet.

In der wissenschaftlichen Community hat die Gewissheit über diesen schon lang vermuteten Vorteil von Kompaktheit einen wahren Kompakt-Boom ausgelöst.

Kompakte Studien zu kompakten Themen mit kompakten Ergebnissen erfreuen sich unter Forschern immer großer Beliebtheit.

Für den kompaktfreudigen Laien gilt, was der Volksmund schon seit Generationen predigt: In der Kürze liegt die Würze.

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Dank

Die Tiroler Festspiele Erl danken den Sponsoren, Partnern und Freunden

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Freunde der Tiroler Festspiele Erl Werden Sie Mitglied!

Wer einmal in Erl war, der weiß: Die Tiroler Festspiele Erl sind mehr als ein kulturelles Ereignis, sie sind ein Lebensgefühl, bei dem vor allem die Musik den Ton angibt.

Wenn Sie sich wünschen, mehr als nur Zuhörer zu sein, besteht im Verein der Freunde die Möglichkeit, das Gesamterlebnis Tiroler Festspiele Erl noch intensiver zu erleben – als Freund, Förderer, Stifter, Sponsor, Gönner oder Mäzen. Der Förderbeitrag dient der Unterstützung junger KünstlerInnen und ausgewählter Projekte der Tiroler Festspiele Erl. Mit dem Betrag von 40.000 Euro wurden alle Künstlerhonorare (Solisten, Korrepetitor und Orchester) und deren Übernachtungskosten für Proben und Aufführung von J. S. Bachs „Matthäus Passion“ am 25. März 2016 im Festspielhaus Erl übernommen. Mit den Einnahmen durch den Kartenverkauf und dieser Spende konnte die Aufführung programmiert und durchgeführt werden.

In der Festspielsaison 2014 / 2015 wurden 90.000 Euro zur Verfügung gestellt. Damit konnten sieben Musiker der Horngruppe, eine der komplexesten Gruppen im Orchester, im Rahmen von Coachings und Sektionsproben ihre Ausbildung vertiefen. Weiters konnten u. a. der junge Bass Giovanni Battista Parodi und James Roser mit speziellen Coaches weiter an ihrem Karriereaufbau arbeiten. 18 ChoristInnen kamen in den Genuss von Einzelcoachings, Stimmgruppenarbeit und Ensembleproben.

Gekrönt wurde diese anspruchsvolle Arbeit mit der erneuten Aufführung der „Ring Session“ am 29. Juli 2015.

In der Festspielsaison 2013 / 2014 wurde mit einem Betrag von 40.000 Euro folgenden KünstlerInnen die Weiterentwicklung im Rahmen der Tiroler Festspiele Erl und in der Accademia di Montegral ermöglicht: Joo-Anne Bitter (Sopran), Sophie Gordeladze (Sopran), Federica Lombardi (Sopran), Anton Pfisterer (Flöte), Eduardo Maffei (Komponist, Saxophonist), Frederik Baldus (Bariton).

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Nicht nur der finanzielle Beitrag ist uns besonders wichtig, sondern auch die damit verbundene ideelle Unterstützung, mit der jedes Mitglied ganz persönlich zum Erfolg der Festspiele beiträgt. Wir danken allen Mitgliedern sehr herzlich!

Je nach Förderbeitragshöhe erwarten Sie zumindest folgende Leistungen: · bevorzugte Kartenbestellung vor dem offiziellen Versand der Programmbroschüre und Beginn des Kartenverkaufs · Sicherung der besten Plätze · 10 % Ermäßigung auf Kartenpreise und Abos der Tiroler Festspiele Erl (2 Karten pro Vorstellung bzw. Abo) · 20 % Ermäßigung auf Produkte aus dem Festspiel-Shop · Besuch einer Haupt- oder Generalprobe · namentliche Erwähnung im Jahresprogramm und in den Abendprogrammen · Einladung zu Pressekonferenzen der Tiroler Festspiele Erl

Unsere Aktivitäten 2015/2016: · 17.03.2015: Pressekonferenz Tiroler Festspiele Erl Winter 2015/2016 · 06.07.2015: Besuch der Generalprobe „Die Meistersinger von Nürnberg“ · 17.07.2015: Erich Polz, ein junger, aufstrebender Dirigent Gast bei der 6. Generalversammlung · 07.10.2015: Pressekonferenz Tiroler Festspiele Erl Sommer 2016 · 01.01.2016: Neujahrsumtrunk im Festspielhaus Erl · 31.01.2016: 1. Künstlerischer und Kulinarischer Freundetreff im Premierenhaus in Erl mit KünstlerInnen der Tiroler Festspiele Erl,

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Maestro Kuhn und Festspielpräsident Dr. Hans Peter Haselsteiner · 04.–06.03.2016: Reise ins Convento dell’Angelo, Sitz der Accademia di Montegral mit Probenbesuch und gemeinsamem Abendessen mit Künstlern und Maestro Kuhn im Refektorium des Conventos · 15.03.2016: Pressekonferenz Tiroler Festspiele Erl Winter 2016/2017 · 09.07.2016: Dr. Christin Kirn Gast bei der 7. Generalversammlung: „Die Accademia di Montegral“ · 12.07 2016: Besuch der Generalprobe: Richard Wagner: Götterdämmerung

Mehr Informationen www.freunde-tiroler-festspiele.at office@freunde-tiroler-festspiele.at oder mth.mueller@freunde-tiroler-festspiele.at T 0043 (0)664 4001173

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Präsidium

Dr. Sixtus Lanner, Präsident Maria Fischbacher-Jaehner, Kassier Dr. Christian Apprich, Kassier-Stellvertreter Maria-Theresia Müller, Schriftführerin Reg. Rat Werner Andergassen, Schriftführer-Stellvertreter Ehrenmitglieder

Dr. Fritz Hakl (Innsbruck) · Andrea Kuhn (Innsbruck) Sponsor

Hans H. & Ingrid Harrant (Franking) Stifter

Brigitte Geiger & Mag. Reinhard Kastner (Schwaz) · Dr. Heinz Giger (Wien) · Dr. Erhard F. Grossnigg & Mag. Margit Kleinhagauer (Wien) · Dr. Michael & Daniela Inhester (Scheffau a. Wilden Kaiser) · Uta Ludwina Maria & Dieter Knoll (Grünwald) · Dr. Herbert & Frederike Koch (Wien) · Robert Muckenschnabel (Wien) · Pflaum Karlberger Wiener Opetnik (Wien) · Susanne & Paul Singer (Niederndorferberg) Förderer

Mag. Klaus Adamer & Helmut Ramsauer (Kufstein) · Dr. Christian Apprich (Kirchbichl) · Dr. Thomas & Jutta Birtel (Mülheim a. d. Ruhr) · Dr. Christof Ebersberg (Vaduz) · Ulli Ehrlich (Kitzbühel) · Anne-Christin Falke & Hanspeter Schuller (Aurach) · RA Dr. Sieglinde Gahleitner & Dr. Christoph Klein (Wien) · Hans-Jürgen & Maria Hinrichs (Traunstein) · Hans Huber & Dorothea Eschbach-Huber (München) · Dipl.-Ing. Roland & Marianne Jurecka (Leonding) · Dr. Brigitte Klenner-Kaindl (Reichenau) · Helga Kreitmair (München) · Helmut & Gabriele Menzel (Bruck-Alxing) · Univ. Prof. Dr. Mathias M. Müller & Dr. Andrea Griesbacher (Wien) · Burghilde & Rainer Neumann (Grünwald) · Ing. Fritz & Maria M. Oberlerchner (Wien) · Dr. Detlef & Brigitte Peters (München) · Dr. Ilona & Dr. Florian Pichler (Bayrisch Gmain) · Mag. Edith Raidl (Wien) · Alexandra & Markus Sappl (Kirchbichl) · Hon. Prof. Dr. Georg Schima (Wien) · Dr. Georg & Margareta Schneider (Kelheim) · Dr. Wilfried & Dr. Gisela Studeny (Gräfelfing) · Charlotte & Fritz-Herko von Schwartz (Oberaudorf) · Wilhelm & Maria Weiss (Spittal an der Drau) · Ursula Wohlfarth (Oberaudorf)

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Freunde

Dr. Josef Abfalter (Eben-Maurach) · Otto-Edward & Ahlborn Helga (Holzkirchen) · Dipl.-Ing. Dr. Dietmar Aichhorn & Sabine Embacher-Aichhorn (Niederau) · Reg.-Rat Werner Andergassen (Hall in Tirol) · Dr. Ewald & Winfrieda Andratsch (Roma) · Urs Anliker (Unterengstringen) · Mag Brigitte Apprich (Kirchbichl) · Hildegard Arnold (Nußdorf) · Dr. med. Reinhard & Sylvia Ascher (Kundl) · Dr. Hermann Aspöck (Salzburg) · Helga Aust (Wien) · Dr. Hermann Axt (Frasdorf) · Dr. Friedrich Barounig (Berlin) · Ulrike Barounig (Bruneck) · Marion Barthe (München) · Dr. med. Peter & Maria-Elisabeth Bauer (Kirchberg in Tirol) · Silvia Baumann (Bad Aibling) · Prof. Dr. Walter & Ursula Beck (Gmund / Tegernsee) · Maria Luise & Mag. Claus Benedict (Reith b. Kitzbühel) · Mag. Angela Benesch & Hans Gramshammer (Schwaz) · Walter & Gudrun Beyer (Oberaudorf) · Helene Bichler (Ellmau) · Alex Bischof & Edith Bischof-Mark (Teufen) · Hartmut & Katharina Boese (Wien) · Doz. Dr. Gerhard Bonelli (St. Pölten) · Harald Bortolotti (Kufstein) · Dr. Alfred Bösl (Schleching) · Mag. Karin Brandl (Schwaz) · Prof.

Gottfried & Jutta Brandner (Brannenburg) · Urs & Elisabeth Brodbeck (Flüh) · Dagmar Brummeisl (Nußdorf) · Inge Brunner (Leonding) · Dkfm. Ing. Helmut Baldur & Susanne Buchinger (Baden bei Wien) · Hedi & Gerd Chwala (Kufstein) · Michael Daiminger (Eichstätt) · Dr. Christoph & Eleonore David (Bad Aibling) · Ilka Demmer (Kitzbühel) · Prof. Mag. Brigitte Derntl (Mauthausen) · Dr. Siegfried & Anneliese Dillersberger (Kufstein) · Alexander Ditze & Evelyne Lechenperg (Kitzbühel) · Dr. Hans & Lissy Dobida (Graz) · Mag. Ingrid & Alexander Dreihann-Holenia (Kitzbühel) · Johann & Claudia Dresch (Erl) · Altwirtin Karin Duftner (Alpbach) · Dr. Hans-Christian & Gabriele Duewel (Stephanskirchen) · Ingeborg Ebenbichler (Lechaschau) · Dr. Christian & Alexandra Ebner (Nußdorf) · Otto Ebster (Rottach-Egern) · Dr. Josef & Dr. Barbara Egerbacher (Itter) · Margarethe & Roland Egger (Langkampfen) · Mag. Isabella Ehart & Mag. Karl Peinsipp (St. Pölten) · Werner Elsäßer (Vaterstetten) · Dr. Kay & Heidi Enke (AschauSachrang) · MR Dr. med. Peter Erhart & Martina Moser (Rattenberg) · Mag. Karin Erharter (Walchsee) · Dr. med. Aldo & Dr. Eva-Maria Fach (Stephanskirchen) · Dipl.-Ing. Eugen & Waltraud Feichtinger (Imst) · Herbert & Hildegard Felberbauer (Kufstein) · KR Johann & Getraud Felder (Absam) · Monika Fichtner & Walter Theimer (Wien) · Horst & Christine Findeis (Oberaudorf) · Maria Fischbacher-Jaehner (Walchsee) · Lothar & Gisela Fischer (Herten) · Adelheid & Dr. Franz Fischler (Absam) · Maria Flörl (Walchsee) · Dr. Ernst & Mag. Theresa Frank (Birgitz) · Dr. Dieter & Ana Maria Frisee (Kirchberg) · Dr. Peter & Ass.-Prof. Dr. Esther Fritsch (Innsbruck) · Sabina & Dipl.-Ing. Bernd Frohwitter (München) · Ing. Franz Fröschl (Hall) · KR Andreas Fuchs (Kirchbichl) · Ing. Ingrid & Dipl. Ing. Dieter Führlinger (Walchsee) · Paul & Franziska Funk (Oberaudorf) · Katharina Fürstin von Wrede & Carl Friedrich Fürst von Wrede (Westendorf) · Brigitta & Elisabeth Gartner (Kirchberg i. T.) · Hubert Gaun & Ernestine Hetzenauer (Ebbs) · KR Sebastian & Martha Gitterle (Landeck) · Prof.Dr.Dr.h.c. Karl Heinz Gössel (München) · Dr. Johanna & Helmut Grams (Bremen) · Anita Gratz & Norbert Schauer (Kufstein) · Dr. Stephan Greiderer (Niederndorf) · Dr. Ludwig & Elisabeth Gruber (Axams) · Mag. Barbara Gugenberger (Innsbruck) · Dr. Margarete & Klaus Haase (Ebersberg) · Christa &

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Ludwig Hagn (München) · Karl & Inge Haidacher (Kufstein) · Dipl. Ing. Gottfried & Annelies Hain (Pfaffing) · Dr. Ulrike & Otto Haller (Salzburg) · Kathi Hamberger (Brannenburg) · Ute Harms (Tegernsee) · Dr. Paul & Elisabeth Hassler (Wien) · Mag. Dieter Heidecker (Kufstein) · Edith Heindl (Söchtenau) · Dipl.-Ing. Rudolf Heller & Annelie Jordan (Innsbruck) · Brigitte Hennig (Berlin) · Johanna Herzog & Konrad Estermann (Bad Goisern) · Renate Hess-Müller & Reinhard Müller (Brannenburg) · Dr. Reinhard & Kirstin Hesse (Freising) · Dr. Thomas Heyn (München) · Dipl.-Ing. Dr. Christopher Hoeckel & Stephanie Baumann (Brannenburg) · Dipl. BW Johann & Helga Höfer (Flintsbach) · Ing. Erwin & Hildegund Hofreiter (Kitzbühel) · Ing. Georg & Astrid Höger (Wörgl) · Claus & Herlinde Höhne (Tegernsee) · Mag. Florian Höllwarth (Mayrhofen) · Peter & Andrea Horngacher (St. Johann i. Tirol) · Emilie Huber (Raubling) · Mag. pharm.

Hans Huber (Kirchberg) · Mag. Maria-Luise Janota (Wien) · Dr. Jost Jungwirth (Petronell-Carnuntum) · Mag. Dr. Eugen Kabelik & Dr. Karin Thron (Wien) · Josef & Renate Kalina (Wien) · Helene Kaltschmid (Vomp) · Horst & Waltraud Kanior (Kiefersfelden) · Univ. Prof. DDr. h.c. Ekkehard & Doris Kappler (Innsbruck) · Franz Karner & Trude Treul (Gunskirchen) · Mag. Liane & Mag. Josef Karner (Kufstein) · Peter & Anna Käsemann-Wilke (Oberaudorf) · Petra Katzlberger & Irene Utz (Innsbruck) · Sylvia Kiehne & Johanna Krajatsch (Linz) · Mag.(FH) Christine Kirchmair (Kufstein) · Marianne KirsteinJacobs & Wilhelm Kirstein (Wien) · Christa Ursula & Dipl.-Ing. Guntram Klapprott (Kiefersfelden) · Sabine Klarner (Hamburg) · Elisabeth Klema-Knappe & Dr. Herbert Klema (Hainfeld) · Dr. Helmut Klemm & Dr. Inge Kern (Schechen) · Dipl.-Ing. Dr. Arnold Klotz (Innsbruck) · Dipl.-Ing. Walter & Lilo Kneidl (Putzbrunn) · Gertrud Kneissl (Kufstein) · Barbara Kneringer (Erl) · Dr. Heribert Knoglinger (Sauerlach) · Elfriede Kocian & Karl Jäger (Kufstein) · Dr. Barbara Kolm (Innsbruck) · Dr. Helga Konrad (Wien) · Robert & Marlene Köstlinger (Kufstein) · Univ. Prof. Dr. Herwig Kostron & Brigitte Kostron-Schön (Innsbruck) · Helmuth & Dr. Doris Kraus (Ottobrunn) · Dr. Margrit & Dr. med. Hans Krexa (Samerberg) · Walter & Edeltraud Kuchler (Kolbermoor) · Mag. Luise & Dr. Robert Kührer (Salzburg) · Charlotte & Dieter Laggner (St. Johann i. Tirol) · Dr. Helmut & Freya Lamprecht (Aldrans) · Dr. Sixtus Lanner & Ing. Angela Lanner (Wien / Wildschönau) · Otto & Angelika Lauinger (Erl) · Werner Laus & Brigitte LoiblLaus (Stockdorf) · Prof. Dr. Dr. h.c. Alfred & Gisela Leidig (Prutting) · Dr. Uwe Leithäuser & Dr. Ursula Gradl-Leithäuser (Aschau i. Ch.) · em. Univ. Prof. Ernst Ludwig Leitner (Wels) · Heidemarie Lerchster (Kössen) · Dr. Susanne Leutgeb & Richard Krenauer (Linz) · Robert & Renate Lindner (Schwaz) · Prof. Mag. Herbert Madl & Dr. med. Mariette Jourdain-Madl (Kufstein) · Dr. Wolfgang & Mag. Rosmarie Magnet (Innsbruck) · Rudolf Maragetes (Nussdorf-Haunsberg) · Dr. Raimund & Katharina Margreiter (Reith) · Elisabeth Marrone & Erwin Kleinheinz (Kufstein) · Prof. Dr. Johannes M. & Ingrid Martinek (Perchtoldsdorf) · Gregor & Erika Marx (Bremen) · Gräfin Renate Matuschka (München) · Dr. Peter Mayr & Mag. Annemarie Mayr-Grafl (Kufstein) · Dr. Norbert & Dr. Elisabeth Meinl (Wien) · Volker & Ute Meis (Bad Wiessee) · Margarita Mengedoht & Gerhard Märkl (Rottau) · Dr. Hans-Walter & Helga Metten (Mainz) · Antje & Hans-Peter Metzler (Bregenz) · Dr. Dirk Meyer-Jürgens (Samesberg) · Peter Michalka & Johannes Stahl (München) · Margit & Ing. Gottfried Mixner (Münster) · Arch. Dipl.-Ing Matthias Molz-

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bichler (Wien) · KR Peter & Maria Morandell (Wörgl) · Brigitta Moser (Kufstein) · Hubert & Gundi Moser (Kufstein) · Marlies Muhr (Salzburg) · Maria-Theresia & Reinhard Müller (Telfs) · Irmgard Mumelter (Götzens) · Rudolf & Bernadette Nagele (Karres) · Dr. Rainer & Eva-Maria Neumann (Bad Aibling) · Dr. Monika Niedermayr (Innsbruck) · Helene Oberluech-Mayr & Markus Mayr (Kirchbichl) · Ernst Ochs & Gerhild Holicke (St. Georgen) · Gerd Otto (Naila) · Dr. Florian & Susanne Papp (Mittersill) · Prof. Dr. Erich Pauer & Dr. Regine Mathias-Pauer (Ebsdorfergrund) · Dr. Sabine Peinsipp-Hölzl (Kirchdorf) · Dr. Wolfram & Inge Peitzsch (Baldham) · Mag. Helmut & Gundelinde Peter (St. Wolfgang) · Dr. Johann & Susanne Peter (Bad Ischl) · Michael & Hildegard Pfeffer (Wörgl) · Kurt Pfeifer & Christa Pfeifer-Chorus (Stephanskirchen) · Dr. Dietmar Pflacher & Ortrud von Pflacher (Lochen) · Dr. Walter Phleps (Fieberbrunn) · Dipl.-Ing. Albert & Heidelore Pietsch (Breitenwang) · Dr. Franz & Felicitas Pistoja (Kirchdorf) · Christel & Herbert Pokorny (Itter) · Dipl.-Ing. Peter Pollhammer (Bad Häring) · Helgid & Jürgen Popp (Neukirchen-Adorf) · Dkfm. Dr. Rudolf & Johanna Potocnik (Wien) · Dr. Armin Pretzsch (Kiefersfelden) · Sabine Rabe (Oberhaching) · Michaela & Fredor Radmann (Teufen / AR) · Mag. Walter & Mag. Annelie Rafelsberger (Kirchdorf) · Dipl. Ing. Franz Rankl (Wien) · Gabriela Sophia Reckstat (Riemerling) · Herbert Redinger (Innsbruck) · Jürgen & Ingeborg Reimann (München) · Dr. Jutta & Dr. Heinrich Reinhart (Bad Schallerbach) · Phillipp Reisinger (St. Johann) · StD Regina & Dr. Robert Reiter (Wien) · Edith & Anna Reschreiter (Lech am Arlberg) · Richard-Wagner-Verband Innsbruck-Bozen (Innsbruck) · Johann & Anna Rieder (Kufstein) · Erni Rieder-Schwaiger (Kufstein) · Ilse Riedl (Wien) · Dr. Wolfgang Ritter (Wuppertal) · KR Mag. Ernst Rosi & Sylvia Pessl (Wien) · Dipl.V.W.(FH), Erster Polizei Hauptk., AltBgm Siegfried Rübensaal (Lengdorf) · Johann Ruisz (Salzburg) · Dkfm. Konrad Rumpold (Perchtoldsdorf) · Inge Saacke (Oberaudorf) · Irmgard Sailer (Kolsassberg) · Reinhold & Edeltraud Sauer (Oberaudorf) · Hans & Barbara Sautter (Aschau) · Ingeborg Schaefer (Schwaig b. Nürnberg) · Dr Konrad & Mag. Petra Schaefer (Kundl) · Wolfgang Scheibenbauer & Dr. Andrea Haid (Salzburg) · Burgl Scherlin (Erl) · Dr. Christoph & Ulla Schindler (Neuhofen im Innkreis) · Lieselotte Schmidt (München) · Dr. Guido & Stephanie Schmidt-Chiari (St. Anton a. Arlberg) · Dr. Franz Schneider (St. Pölten) · Dipl.-Ing. Gerhard Schneider (Schwoich) · Dr. Michael Schnitzenbaumer & Angelika Schnitzenbaumer-Dieterich (Neubeuern) · Norbert & Sigrid Schön (Oberaudorf) · Sylvia & Peter Schönleber (Aschau) · Hermann Schreder sen.

(Waidring) · Dr. Gerlinde Schuchter-Schwab & Dr. Gerbert Schuchter (Kufstein) · Marianne Schwaiger & Dipl.-Ing. Norbert Schulz (Fieberbrunn) · Elisabeth Seibold-Bickel (Rosenheim) · Julia Sevenich & Mag. Gerhard Mayr (Kufstein) · Monika & Anton Silbernagl (Kastelruth) · Nora Smole (Maria Rain) · Mag. Renate Socher (Ramsau) · Ingrid Spangenberg (Burghausen) · Heinrich Spängler (Salzburg) · Dr. Reinfried & Ingrid Spazier (Kufstein) · Jutta Sperling (Hof) · Ing. Friedrich & Hedda Spielthenner (Gries) · Dr. phil. Herta Spornberger (Waldhausen i. Strudengau) · Gabriela & Dipl.-Ing. Richard Stadler (Ebbs) · Leonie Stahl (Hofheim) · Elfriede & Dipl. Chem. Arnulf Stangelmayer sen. (Neubeuern) · KR Helmut & Greti Stanger (Innsbruck) · Univ. Prof. Dr. med. Klemens P. Stehr (Walchsee) · Albina & Hans-Peter Steinacher sen. (Zell am See) · Andreas & Mathilde Steiner (Wörgl) · Hans Steinke & Eva-Maria Siegel (Brannenburg) · Margot

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Stenzel (Kufstein) · BMaD. Dr. Sonja & Dr. Wilhelm Stiegelbauer (Bad Vöslau) · Dipl.Ing. Dr. Siegfried & Astrid Streit (Wien) · B. A. M. A. Robert Strondl & Mag Beatrix Winkler (Wien) · Wolfgang P. M. Strubel (Neu Anspach) · Mag. Elisabeth Tautschnig (Hof) · Dr. Renate Tianis (St. Johann) · Dipl.-Ing. Alexander & Agnes Tima (Kufstein) · Gertraud & Hansjörg Tipotsch (Tux) · Martin & Gisela Trainer (Rosenheim) · Ing. Hans & Monika Treichl (Kufstein) · Marlies & Hermann Trockenbacher (Erl) · Dr. Michael & Dr. Renate Trockenbacher (St. Johann i. Tirol) · Dkfm. Ingrid Trybus (Mödling) · Peter Unger & Erni Brandauer (Walchsee) · Dr. Florian Unterluggauer & Karin Sorger (Kufstein) · Dr. Helmut Vockner & Inge-Maria Staudinger (Saalfelden) · Dr. Johann & Irmingard Völkl (Ismaning) · Renate & Günter Jürgen Vorbauer (Kitzbühel) · em. RA Mag. Dr. Helga Wagner (Wien) · Margit Warmer & Waltraud Vorbauer (Innsbruck) · Michal Werlberger (Going a. Wilden Kaiser) · Dr. Gabriele Werner & Dipl.-Ing. Günter Rhomberg (Wien) · Dagmar & Hans-Dieter Werno (Holzkirchen) · Hubert & Hanna Widschwenter (Kufstein) · Dr. Julius Wiegele (Ebbs) · Helena Winkler (Kössen) · Herwig Winkler (Neumarkt a. Wallersee) · Klaus Winkler (Pullach) · Reinhold Winkler & Maria Ehn (Salzburg) · Brigitte Winterstetter & Karin Duftner (Alpach) · Dr. Dieter & Gisela Wirsing (Oberaudorf) · Gerd & Christine Witzmann (München) · Thomas & Angelika Wohlfarth (Kiefersfelden) · Anneliese Wohnlich (Oberaudorf) · Gerhard & Caroline Wöhrl (München) · Dr. Heinfrid & Elfriede Wolfsgruber (Grünwald) · Markus & Bernadette Wörgötter (St. Ulrich a. Pillersee) · RA Senator Dr. Ernst & Helga-Waltraud Wunderbaldinger (Innsbruck) · Eva Wuppinger (Mattsee) · Irma Wurnig (Kufstein) · Franz & Catrin Wurzenrainer (Jochberg) · Stephan & Gabriele Wüst (Hausham) · Jutta Wutz & Jutta Brucker (Oberaudorf) · Kazuko Xeniadis (Wien) · Annemarie & Laura Ziepl (Westendorf) · Christina & Dr. Elmar zur Hörst (Neubeuern) Stand 8. Juni 2016

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Impressum

Herausgeber und Veranstalter Tiroler Festspiele Erl Betriebsges.m.b.H. Mühlgraben 56 a, 6343 Erl (A) T +43 (0)5373 / 81 000, F +43 (0)5373 / 81 000 85 info@tiroler-festspiele.at www.tiroler-festspiele.at Redaktion: Alexander Busche, Andreas Leisner, Angelika Ruge Texte: ALMA, Olga Bochikhina, Alexander Busche, Jan Golubkow, Bodo Hell, Toshio Hosokawa, Robert Minder, Philipp Ortmeier, Natalia Prokopenk, Anna Romashkova, Franz Winter, Bibliografisches Institut GmbH/Lernhelfer, www.kammermusikführer.de, (Originalbeiträge unterliegen dem © Tiroler Festspiele Erl / Autor) Übersetzungen: Vladimir Baykov (russ.), Jan Golubkow (russ.), Manuela Jobs (russ.), Ole Törner (engl.), Manfred Uhli (engl.)

Anzeigen: Angelika Ruge Druck: Alpina Druck, Innsbruck Grafische Gestaltung: Circus. Büro für Kommunikation und Gestaltung, Innsbruck / Wien Redaktionsschluss: 21. Juni 2016 Satz- und Druckfehler bzw.

Besetzungs- und Programmänderungen vorbehalten.

Wir danken den KünstlerInnen, Künstleragenturen und allen, die uns Texte zur Verfügung gestellt haben und möchten an dieser Stelle ausdrücklich darauf hinweisen, dass die Künstlerinnen und Künstler selbst für die Inhalte der von Ihnen gelieferten Biografien verantwortlich sind.

Spielort: Festspielhaus, Mühlgraben 56 a, 6343 Erl (A)

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