Programmheft OPER/KONZERT/SPECIALS Winter 2015/16

Tiroler Festspiele Erl Winter 26. Dez. 2015 — 6. Jan. 2016 Festspielhaus

Programmheft

Oper

konzert

Specials

Präsident: Hans Peter Haselsteiner Gesamtleitung: Gustav Kuhn

Tiroler Festspiele Erl Winter 2015 / 2016

Grußworte

Das Land Tirol als Hauptgesellschafter der Festspielges.m.b.H. wünscht den Damen und Herren Besuchern und allen Mitwirkenden einen beglückenden Festspielwinter.

Landesrätin Beate Palfrader Landeshauptmann Günther Platter

Inhalt

Programm端bersicht 8

Oper 11

konzert 27

SPECIALS & KAMMERMUSIK 41

MITWIRKENDE UND BIOGRAFIEN 57

SERVICE 85

dank 127

FREUNDE DER TIROLER FESTSPIELE ERL 128

Programmübersicht

Gioacchino Rossini Il barbiere di Siviglia Sa. 26. Dezember, 18 Uhr (Premiere) Festspielhaus 12

GIUSEPPE VERDI Nabucco So. 27. Dezember, 18 Uhr (WA – Premiere) Festspielhaus 18

ACIES QUARTETT Mo. 28. Dezember, 18 Uhr Festspielhaus 42

GIANLUCA LITTERA Di. 29. Dezember, 18 Uhr Festspielhaus 44

MUSIKALISCHES VORSILVESTER Mi. 30. Dezember, 18 Uhr Festspielhaus 28

SILVESTERKONZERT Do. 31. Dezember, 18 Uhr Festspielhaus 30

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NEUJAHRSKONZERT Fr. 1. Januar, 11 Uhr (Matinee) Festspielhaus 32

GIUSEPPE VERDI Nabucco Sa. 2. Januar, 18 Uhr Festspielhaus 18

GIOACCHINO ROSSINI Il barbiere di Siviglia So. 3. Januar, 18 Uhr Festspielhaus 12

FRA-NUIJAHRSKONZERT Mo. 4. Januar, 18 Uhr Festspielhaus 48

MURNAU / SCHNYDER Filmkonzert: Faust Di. 5. Januar, 18 Uhr Festspielhaus 52

WEBERN / BEETHOVEN / TSCHAIKOWSKY Mi. 6. Januar, 11 Uhr (Abschlusskonzert) Festspielhaus 34

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Oper

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GIOACCHINO ROSSINI

Il barbiere di Siviglia Sa. 26. Dezember 2015 (Premiere) So. 3. Januar 2016 jeweils 18 Uhr Festspielhaus

Orchester und Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung: Andreas Leisner Regie: Gustav Kuhn Bühnenbild: Peter Schmidt, Alexander Paget Kostüme: Lenka Radecky Licht: Gustav Kuhn, Alexander Paget Rosina: Aurora Faggioli, Junhua Hao Almaviva: Francisco Brito, Julian Henao Figaro: Sergio Vitale, Nicola Ziccardi Bartolo: Oliviero Giorgiutti, Horst Lamnek Basilio: Giovanni Battista Parodi, Evert Sooster Berta: Michela Bregantin, Mariacarla Seraponte Fiorello: Frederik Baldus, Nicola Ziccardi Ufficiale: Frederik Baldus, Nicola Ziccardi Rezitative: Claudia Foresi Choreografie: Katharina Glas Tänzerinnen und Tänzer: Valentin Gambino, Katharina Glas, Marie-Sophie Kreissl, Valerie Lichtenwörther, Korbinian Reile, Stefan Putz Choreografisch-künstlerische Gesamtleitung: Beate Stibig-Nikkanen Gitarristinnen und Gitarristen: Sabine Bacher, Felix Kremsner, Ricarda Kofler, Daniel Riccabona, Magdalena Rohregger, Lukas Nisandzic

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Handlung

1. Akt Graf Almaviva hat sich in Rosina, das streng bewachte Mündel des Doktor Bartolo, verliebt. Heimlich bringt er ihr ein Ständchen. Almaviva trifft Figaro, den Barbier von Sevilla, der im Hause Bartolos verkehrt.

Von Figaro erfährt der Graf, dass der alte, geizige Bartolo Rosina heiraten will, um an ihre Erbschaft zu gelangen.

Rosina zeigt sich auf dem Balkon. Absichtlich lässt sie ein Billett fallen, dem Almaviva entnimmt, dass sie Näheres über ihren Verehrer erfahren möchte.

Als Bartolo ausgegangen ist, stellt sich der Graf Rosina als Lindoro vor und macht ihr einen Heiratsantrag. Mit einem Bestechungsgeld sichert sich der Graf Figaros Hilfe, um Rosina für sich zu gewinnen. Figaro rät Almaviva, sich in der Verkleidung eines Soldaten Zugang zu Bartolos Haus zu verschaffen.

Rosina sehnt sich nach Lindoro und schreibt ihm. Bartolo kehrt zurück und bekommt Besuch von Don Basilio, dem Musiklehrer. Er warnt Bartolo vor dem Grafen Almaviva, der es auf Rosina abgesehen habe.

Basilio weiß auch ein Mittel, um den Grafen aus der Stadt zu vertreiben: die Verleumdung.

Figaro hat die beiden belauscht und teilt ihre Absprache Rosina mit.

Sie gibt ihm einen Liebesbrief für Lindoro.

Bartolo entdeckt an Rosinas Händen Tinte, stellt fest, dass ein Bogen Briefpapier fehlt, und wird misstrauisch.

Almaviva erscheint in Bartolos Haus als gespielt betrunkener Soldat.

Rosina gegenüber gibt er sich als Lindoro zu erkennen. Bartolo will sich mit Hilfe der Wache gegen die Einquartierung Almavivas wehren.

Als der eingetroffene Offizier Lindoro jedoch nicht festnimmt, weil er über die Situation inzwischen aufgeklärt worden ist, herrscht allgemeine Verblüffung.

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2. Akt Als Musiklehrer Alonso, der den angeblich erkrankten Basilio vertritt, erscheint Almaviva erneut in Bartolos Haus. Rosina erkennt den verkleideten Lindoro sofort. Der misstrauische Bartolo lässt die beiden nicht aus den Augen. Lindoro gewinnt sein Vertrauen, als er ihm einen Brief Rosinas an Almaviva zusteckt, aus dem die geheime Verbindung der beiden hervorgeht. Es wird eine Musikstunde improvisiert; daraufhin ist Bartolo vollends beruhigt. Von dem modernen Stil der Musik Alonsos und Rosinas hält er allerdings nicht viel; er gibt ein Musikstück aus seiner Jugendzeit zum Besten.

Figaro tritt ein, um Bartolo zu rasieren. Unter einem Vorwand entwendet er dem Alten den Balkonschlüssel.

Unerwartet erscheint der angeblich kranke Basilio; doch mit Hilfe einer gut gefüllten Geldbörse des Grafen verschwindet er bereitwillig.

Figaro und Almaviva wollen Rosina um Mitternacht entführen. Begeistert stimmt Rosina dem Plan zu, denn sie möchte ihrem geliebten Lindoro folgen. Bartolo vermutet ein Komplott und jagt alle davon. Er schickt Basilio zum Notar, damit die Vorbereitungen für seine Hochzeit mit Rosina getroffen werden. Seinem Mündel gegenüber verleumdet Bartolo Lindoro. Er behauptet, auf Grund des ihm von Alonso / Lindoro zugesteckten Briefes, Lindoro wolle Rosina dem Grafen Almaviva zuspielen.

Die empörte Rosina erklärt sich daraufhin bereit, Bartolo zu heiraten, und verrät dem Alten den Entführungsplan. Bartolo eilt davon, um die Wache zu alarmieren.

Während eines Gewitters steigen der Graf und Figaro über den Balkon ins Haus ein. Die sich sträubende Rosina klärt der Graf über seine Doppelrolle als Lindoro / Almaviva auf.

Der mit dem Notar zurückkehrende Basilio vereitelt die Flucht der drei Verschwörer. Durch Bestechung kann Figaro Basilio als Trauzeugen gewinnen, dann wird der Ehevertrag zwischen Rosina und dem Grafen unterzeichnet. Dem betrogenen Bartolo überlässt der Graf als Entschädigung Rosinas Mitgift.

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Gedanken zum „Barbier“

Echte Opernklassiker, die dem heiteren Genre zuzurechnen sind, ziehen rein zahlenmäßig gegenüber Opern mit hochdramatischen oder tragischen Stoffen deutlich den Kürzeren. Während eine tragische Handlung irgendwie immer eine solche bleiben wird, wirkt manch komischer Opernstoff oft nach einiger Zeit eher etwas betulich, albern oder gar belanglos und wird vom Publikum nicht mehr als sonderlich unterhaltsam empfunden. Umso schöner, dass mit „Il barbiere di Siviglia“ von Gioacchino Rossini (1792–1868) auch ein wirklich unverwüstlicher Klassiker der Opera buffa zur nicht allzu großen Gruppe derjenigen Opern zählt, die seit ihrer Uraufführung nie aus den Spielplänen der Opernhäuser verschwunden sind. Über die Entstehung dieser Oper – Rossini soll sie im unglaublich kurzen Zeitraum von ca. zwei bis vier Wochen komponiert haben – und ihre verunglückte Uraufführung am 20. Februar des Jahres 1816 im römischen Teatro Argentina gibt es zahlreiche Legenden, die zwar sehr unterhaltsam zu lesen sind, deren Wahrheitsgehalt sich aber nicht mehr nachprüfen lässt. Fakt ist wohl, dass das Premierenpublikum die neue Oper zunächst durchfallen ließ und sich der „Barbiere“ somit in eine nicht weniger illustre Reihe später weltberühmt gewordener Opern einreihen kann, die allesamt bei ihrer Uraufführung schlichtweg durchgefallen sind.

Ein Grund für die zunächst eher ablehnende Haltung des Publikums dieser neuen Oper gegenüber könnte darin gelegen haben, dass es bereits seit Jahren eine überaus erfolgreiche Vertonung der Geschichte des Barbiers von Sevilla gab, nämlich von Giovanni Paisiello (1740–1816), einem der Komponisten aus jener Epoche, in der die italienische Opera buffa wohl ihre erfolgsreichste Phase hatte, dem letzten Drittel des 18.

Jahrhunderts nämlich. Paisiellos „Barbiere di Siviglia“ war im Jahr 1782 in St. Petersburg uraufgeführt worden, was ein deutliches Zeichen dafür ist, wie international gefragt zur damaligen Zeit eine gut gemachte italienische Opera buffa war.

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Vielleicht erschien es vielen damaligen Opernfreunden als Sakrileg, dass es ein respektloser Jungspund wie Rossini wagte, einen neukomponierten „Barbier von Sevilla“ zu präsentieren und damit der beliebten Oper der noch lebenden Legende Paisiello Konkurrenz zu machen.

Rossini war zum Zeitpunkt der Komposition gerade einmal 24 Jahre alt, hatte allerdings auch bereits schon mehr als ein Dutzend nicht gerade unerfolgreicher Opern komponiert. Dabei hat Rossini vor der Komposition seines „Barbiers“ respektvoll bei Paisiello angefragt, ob dieser etwas gegen eine erneute Vertonung dieses Stoffes habe – und der alte Meister erteilte ihm höchstpersönlich seinen Segen.

Dessen ungeachtet und womöglich auch, um den unmittelbaren Vergleich mit Paisiellos Klassiker zu vermeiden, ging Rossinis „Barbiere“ zunächst unter dem Titel „Almaviva ossia L’inutile precauzione“ („Almaviva oder Die überflüssige Vorsicht“) über die Bühne. Das Libretto hatte Cesare Sterbini (1784–1831) verfasst. Rossinis Barbier war trotz der misslungenen Uraufführung, die der Komponist angeblich mit größter Gelassenheit aufgenommen haben soll, in der Folge dann so erfolgreich, dass er den Paisiello-Barbier vollkommen von der Bühne verdrängte und man diese nicht uninteressante Oper heute nur noch unter der Rubrik „seltene Rarität“ zu sehen oder zu hören bekommt.

Bei der literarischen Vorlage zu Rossinis „Barbier von Sevilla“ handelte es sich um ein im Jahr 1775 uraufgeführtes Lustspiel („Le barbier de Séville ou La précaution inutile“) des Franzosen Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais (1732–1799), der diesem Stück noch zwei weitere Fortsetzungen folgen ließ: „La folle journée ou Le mariage de Figaro“ („Der verrückte Tag oder Figaros Hochzeit“) im Jahr 1784 – auch nicht gerade unbekannt vertont von keinem Geringeren als Wolfgang Amadeus Mozart – und „L’autre Tartuffe ou La mère coupable“ („Der andere Tartuffe oder Die schuldige Mutter) im Jahr 1792.

Wie nah zu Rossinis Zeiten komische und ernste Opern noch beieinander lagen, zeigt allein schon die Tatsache, dass die berühmte und beliebte Ouvertüre von Rossinis Barbier ursprünglich eigentlich gar nicht für diese Oper komponiert worden war, sondern zuvor bereits als Ouvertüre für die ernsten, der Gattung der Opera seria zuzuordnen-

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den Opernwerke „Aureliano in Palmira“ (1813) und „Elisabetta, Regina d’Inghilterra“ (1815) Verwendung gefunden hatte. Angesichts der fröhlichen Energie des geradezu übersprudelnden Stücks kaum vorstellbar.

Aber damals scheint dies weder den Komponisten noch das Publikum auch nur ansatzweise gestört zu haben. Möglicherweise hatte Rossini aus Zeitmangel auf die bereits mehrfach verwendete Ouvertüre zurückgreifen müssen und damit allemal ein glückliches Händchen bewiesen, denn zum „Barbier“ passt diese Ouvertüre wirklich perfekt.

Vom Aufbau her folgt Rossini beim „Barbier“ konsequent dem Ablaufschema der klassischen Opera buffa, wie sie schon zu Mozarts Zeiten gang und gäbe war: Verschiedene Solo- und Ensemblenummern – heute fast allesamt berühmteste Klassiker des Opernrepertoires – wechseln einander in bunter Reihenfolge ab und werden durch cembalobegleitete Secco-Rezitative miteinander verbunden. Auch die Tatsache, dass diese Oper in nur zwei Akte unterteilt ist, ist typisch für eine Opera buffa – immerhin entstand die Gattung als unterhaltendes Intermezzo (in zwei Teilen) zwischen den drei Akten einer ernsten Oper, bevor sie sich aufgrund zunehmender Beliebtheit beim Publikum verselbständigte und selber ein abendfüllendes Format erhielt.

Innerhalb kürzester Zeit hatte Rossinis „Barbiere di Siviglia“ die Opernbühnen Europas erobert und gelangte an für damalige Zeit so exotischen Orten wie New York und Buenos Aires zur Aufführung. Bis heute ist diese Oper mit Abstand Rossinis bekanntester und erfolgreichster Gattungsbeitrag zur komischen Oper wie auch zum Opernrepertoire im Allgemeinen. Somit sollte Beethoven mit seinem gutgemeinten Rat an Rossini dann doch irgendwie Recht behalten, als er ihm im Rahmen eines Treffens in Wien im Jahr 1822 mit auf den Weg gab, dass er den Barbier für eine sehr gelungene Oper halte und er möglichst noch viele weitere Barbiere komponieren solle. Offenbar sah Beethoven in Rossini vor allem einen begnadeten musikalischen Humoristen – genau wie seine Nachwelt.

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GIUSEPPE VERDI

Nabucco So. 27. Dezember 2015 (WA – Premiere) Sa. 2. Januar 2016 jeweils 18 Uhr Festspielhaus

Orchester und Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung: Gustav Kuhn Regie: Andreas Leisner Bühnenbild: Jan Hax Halama Kostüme: Lenka Radecky Licht: Gustav Kuhn, Alexander Paget Nabucco: Giulio Boschetti, Oliviero Giorgiutti Abigaille: Sophie Gordeladze, Lada Kyssy, Marija Mitic, Maria Radoeva Zaccaria: Franz Hawlata, Giovanni Battista Parodi Fenena: Michela Bregantin, Svetlana Kotina Ismaele: Markus Herzog, George Vincent Humphrey Anna: Maria Lopalco, Edit Suta Abdallo: Markus Herzog, Patrizio Saudelli Gran Sacerdote: Frederik Baldus, Nicola Ziccardi

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Handlung

1. Akt Im Tempel von Jerusalem beten die Hebräer zu ihrem Gott, sie vor dem babylonischen König Nabucco und dessen Heer zu beschützen. Zaccaria, der Hohepriester der Hebräer, ermahnt das Volk, auf Gott zu vertrauen: Fenena, Nabuccos jüngere Tochter, könne den Frieden herbeiführen. Aus Liebe hatte Fenena einst Ismaele, den Neffen des hebräischen Königs, aus babylonischer Gefangenschaft befreit und war mit ihm geflohen. Jetzt befindet sie sich als Geisel unter den Hebräern. Nabuccos ältere Tochter, Abigaille, dringt mit ihren Kriegern als Hebräer verkleidet in den Tempel ein. Sie liebt Ismaele ebenfalls und ist bereit, das hebräische Volk zu verschonen, wenn Ismaele ihre Liebe erwidern würde. Dieser weist sie ab.

Triumphierend erscheint Nabucco. Um eine Schändung des Tempels zu verhindern, droht Zaccaria, Fenena zu töten – doch Ismaele schützt seine Geliebte. Nabucco, Abigaille und die babylonischen Krieger üben Rache.

Zaccaria und das hebräische Volk verfluchen den Verräter Ismaele.

2. Akt Zurück in Babylon findet Abigaille ein Dokument, das ihre wahre Herkunft verrät: Sie ist nur Tochter einer Sklavin, und somit ist Fenena die rechtmäßige Thronfolgerin. Nabucco hat ihr bereits, während er sich auf einem Feldzug befindet, die Regentschaft übergeben. Der Oberpriester des Baal berichtet Abigaille, dass Fenena die nach Babylon verschleppten hebräischen Gefangenen freilassen möchte. Der Oberpriester und seine Mitverschwörer planen, Abigaille zu krönen, und verbreiten zu diesem Zweck das Gerücht, Nabucco sei im Kampf gefallen.

Zaccaria betet zu Gott, ihm beizustehen bei seinem Plan, Fenena zu bekehren. Die Leviten versammeln sich, sie sind Ismaele gegenüber unversöhnlich. Zaccaria und seine Schwester Anna bitten darum, Ismaele zu vergeben. Als Fenena hört, dass Nabucco gefallen sei und Abigaille nun Königin werden möchte, ist sie entschlossen, die babylonischen

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Rebellen zu strafen. Unterstützt vom Oberpriester versucht Abigaille, Fenena die Krone zu entreißen. Der totgeglaubte Nabucco kehrt zurück und verlangt, fortan nicht nur als König, sondern auch als Gott verehrt zu werden. Ein Blitzstrahl bestraft seine Selbstüberhebung, Nabucco wird wahnsinnig. Abigaille krönt sich selbst.

3. Akt Abigaille nimmt die Huldigungen ihrer Untertanen entgegen. Im Namen des Volkes fordert der Oberpriester die Hinrichtung der Hebräer und der konvertierten Fenena. Abigaille erhält von ihrem wahnsinnigen Vater die Zustimmung zum Todesurteil – zu spät wird Nabucco bewusst, dass er damit Fenena ausgeliefert hat. Abigaille vernichtet den Beweis ihrer Herkunft und lässt Nabucco gefangennehmen.

Die Hebräer beklagen das Schicksal ihrer Gefangenschaft. Zaccaria prophezeit ihnen den Untergang Babylons und die baldige Heimkehr.

4. Akt Fenena und die Hebräer werden zur Hinrichtungsstätte geführt. In seiner Verzweiflung betet Nabucco zu Jehova, dem Gott der Hebräer. Der Wahnsinn verlässt ihn. Mit seinen Getreuen befreit Nabucco die zu Tode Verurteilten. Nabucco bekennt sich zu Jehova und gibt den Hebräern die Freiheit. Sterbend bittet Abigaille den Gott der Hebräer um Vergebung.

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Entstehung

Nach dem Verlust seiner Familie und dem Misserfolg von „Un giorno di regno“ wollte Verdi das Komponieren aufgeben. Auftraggeber Merelli bestand aber auf Erfüllung des Vertrages der drei zu komponierenden Opern, wovon Verdi erst eine fertiggestellt hatte. Er gab Verdi das Libretto zu „Il proscritto“ von Gaetano Rossi, das dieser aber schon 1840 Otto Nicolai, dem späteren Gründer der Wiener Philharmoniker und Komponisten der komischen Oper „Die lustigen Weiber von Windsor“, zur Vertonung überließ. Dessen Oper „Il proscritto“ fiel 1841, also ein Jahr vor der Uraufführung von „Nabucco“ an der Mailänder Scala, durch. Nicolai seinerseits bekam das Textbuch von „Nabucco“ vor Verdi angeboten, lehnte es aber ab. Er schreibt in seinem Tagebuch darüber: „Ich musste es refusieren, überzeugt, dass ein ewiges Wüten, Blutvergießen, Schimpfen, Schlagen und Morden kein Sujet für mich sei. – Der ‚Nabucco‘ taugte nicht.“ (Dezember 1840) Nicolais Misserfolg bedeutete das Ende seiner Karriere in Italien und seiner Verlobung mit der Sängerin Emilia Frezzolini, die später in der Uraufführung von „I Lombardi“ mitsang; und er wurde ein Feind Verdis.

Merelli musste Verdi ein Libretto anbieten, sonst konnte dieser seinen Vertrag lösen. Deshalb hatte Merelli großes Interesse daran, dass Verdi „Nabucco“ annahm. Die Umstände beschrieb Verdi viel später in seinen viel zitierten Erinnerungen romantisch verklärt: „Auf der Straße überfiel mich eine Art ganz unerklärlichen Unwohlseins, eine abgrundtiefe Traurigkeit, die mir das Herz zusammenkrampfte. Zu Hause angelangt, warf ich das Heft mit einem heftigen Stoß auf den Tisch. Im Fallen hatte sich das Manuskript geöffnet und ohne dass ich wusste wie, hefteten sich meine Augen auf die Seite, die offen vor mir lag, und jener Vers blickte mir ins Gesicht: ‚Va, pensiero, sull’ali dorate – Zieht, Gedanken, auf goldenen Flügeln‘. Ich durchflog die folgenden Verse und wurde mächtig von ihnen ergriffen, umso mehr, als sie eine Paraphrase der Bibel waren, die ich immer über alles geliebt habe. Ich lese eine Seite, ich lese eine andere: dann, meines festen Vorsatzes gedenkend, nie wieder zu schreiben, schlage ich das Heft zu und gehe zu Bett […] Aber

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ach, Nabucco ging mir nicht aus dem Kopf! Ich konnte nicht schlafen.

So stand ich also wieder auf und las das Stück, aber nicht nur einmal, sondern zwei-, dreimal, so dass ich am Morgen das ganze Libretto von Solera auswendig kannte. Aber ich wollte immer noch nicht nachgeben, und so ging ich im Laufe des Tages ins Theater zu Merelli, um ihm das Manuskript zurückzugeben. ‚Schön, nicht?‘, überfiel er mich. ‚Wunderbar!‘ ‚Na also, schreib die Musik dazu!‘ ‚Nicht im Traum, ich will nichts davon wissen!‘ ‚Schreib die Musik dazu! Schreib die Musik dazu!‘ Er nahm das Libretto, stopfte es mir in die Manteltasche, packte mich bei den Schultern und schob mich nicht nur zur Tür hinaus, sondern schloss sie vor meiner Nase mit dem Schlüssel ab. Was tun? Ich ging wieder nach Hause, mit dem ‚Nabucco‘ in der Tasche. Heute einen Vers, morgen einen anderen Vers; hier eine Note, da eine Note, mitunter sogar einen Satz – allmählich wurde die Oper! Im Herbst 1841 endlich erinnerte ich mich an das Versprechen Merellis. Ich ging zu ihm, um ihm anzukündigen, dass ‚Nabucco‘ vollendet sei und man ihn in der nächsten Saison aufführen könne“ (Pougin 1881, zit. n. Baerwald 1969). „Nabucodonosor“ war die letzte Premiere der Karnevalsaison 1842 und war ein Riesenerfolg, sie brachte den Durchbruch Verdis als Opernkomponist. Für ihn selbst begann mit diesem Werk seine Karriere (Brief an Graf Opprandino Arrivabene). Bereits in der darauf folgenden Saison wurde die Oper, noch unter dem Originaltitel „Nabucodonosor“, 57 Mal an der Scala aufgeführt und rasch in vielen Städten nachgespielt.

Die erste Aufführung außerhalb Italiens fand 1843 unter Verdis Leitung in Wien statt. Vor allem deshalb, weil Merelli nicht nur Intendant der Mailänder Scala, sondern gleichzeitig auch des Kärntnertortheaters in Wien war. Seit einer Aufführung in Korfu 1844 heißt die Oper verkürzt „Nabucco“.

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Kommentar

Verdis Darstellung seines Meinungsumschwungs und des Beginns der Komposition von „Nabucodonosor“ mag poetisch ausgeschmückt sein, jedenfalls zeigt sie, wie sehr Verdi von dem Stoff und dem Libretto fasziniert war. Was begeisterte ihn so, dass er die Oper beinahe in einem Schaffensrausch fertig komponierte und mit ihr zu seinem eigenen Stil gefunden hat?

Da ist zunächst die erhabene biblische Geschichte, die Verdi angesprochen hat. Das Schicksal eines Volkes unter der Besatzungsmacht gemahnte ihn sicher an die Situation Italiens, auch wenn die politische Absicht bei „Nabucco“ noch keineswegs so erwiesen ist, wie es später dargestellt worden ist. Es gibt keine Hinweise, dass 1842 politische Manifestationen im Zusammenhang mit dieser Oper stattgefunden haben.

Zum Symbol des Risorgimento („Wiedergeburt“ – die politische Bewegung für ein vereinigtes Italien) ist Verdi erst 1859 geworden. Das heißt aber nicht, dass Verdis Kompositionsstil keinen politischen Aspekt hat.

Gerade „Nabucco“ verwirklicht viele Ideen des italienischen Freiheitshelden und Republikaners Giuseppe Mazzini, die er in seinem Buch „Filosofia della Musica“ (1836) dargelegt hat. Er fordert eine aktivere Rolle des Chores als Verkörperung des Volkes, eine Vermeidung von Koloraturen um ihrer selbst willen und eine Aufwertung des Orchesters in der Oper. Auch Saverio Mercadante folgte in seinen Reformopern „Il giuramento“ (Der Schwur, 1837) und „La vestale“ (1840) diesen Prinzipien, wurde aber von Verdi an Einfallsreichtum, Schönheit der Melodien und dramaturgischem Geschick weit übertroffen.

Mit dem Libretto zu „Nabucco“ bekam Verdi erstmals die Möglichkeit, große Chorszenen zu komponieren, und er nutzte sie. Der „Gefangenenchor“ ist bis heute sein populärstes Musikstück geblieben. Das biblische Thema und die Bedeutung des Chores haben ein großes Vorbild, Rossinis „Mosè in Egitto“ (1818). Auch hier geht es um die Unterdrückung und Gefangenschaft der Juden und ihre Befreiung. Und beide Opern haben große Bassrollen: Prophet und Priester, Moses und Zaccaria. Im ursprünglichen Textentwurf von Solera war die Partie des Zaccaria nicht

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so prominent, seine Szene nach dem Gefangenenchor wurde erst auf Wunsch Verdis eingefügt und ersetzt ein Liebesduett zwischen Fenena und Ismaele. Da auch Donizetti einen alttestamentarischen Stoff vertont hat, „Belsazar“ (1836), setzt Verdi damit eine Tradition fort. Vermutlich am meisten werden Verdi „gewaltige Situationen, Abwechslung, Feuer, Pathos“ (Brief Verdis an Antonio Somma 22. April 1853 über die Vorzüge „Rigolettos“, zit. n. Springer 2005) begeistert haben, die aufeinander prallenden Leidenschaften, dramatisch gegensätzlichen Situationen und starken emotionalen Kontraste, die ihn sein ganzes Komponistenleben inspiriert haben.

Alle diese Faktoren dürften dazu beigetragen haben, dass Verdi mit „Nabucco“ seinen eigenen unverwechselbaren Stil entwickelte. Verdis Opern, vor allem seine frühen Werke, sind durch Kraft, Unmittelbarkeit, mitreißende Attacke und starke Kontraste gekennzeichnet („Kontrastdramaturgie“, Walter). „Feuer, Seele, Kraft und Begeisterung“ forderte Verdi auch von seinen Interpreten (Verdi an Opprandino Arrivabene, 16. April 1873). Der musikalische Ausdruck der dramatischen und emotionalen Wahrhaftigkeit hat größte Priorität. „Personen werden weder mit ihrer Entwicklung noch mit den Reaktionen ihrer Charaktere auf die Handlungsvorgänge vorgestellt. Sie kommen vielmehr mit dem Affekt auf die Bühne, den die Verwicklung gerade erfordert“ (Massimo Mila, zit. n.

Rexroth 1983). Die musikalischen Entsprechungen dieser Kerngedanken sind eine Dominanz der direkt „zu Herzen gehenden“ Gesangslinie mit wenig Verzierungen, grelle Kontraste im Orchester mit übergangslosem Wechsel von piano zu forte, häufigem Einsatz der Blechblasinstrumente und ständige Wechsel der Instrumentation. Über allem steht aber die Schönheit der Musik, sie hat für Verdi die größte Bedeutung. Und schön heißt für ihn gefühlvoll (Brief an Giovanni Ricordi, 10. Mai 1889).

Es ist naheliegend, eine Analogie zwischen Verdis Musik und seinen Charaktereigenschaften zu sehen. Seine Direktheit, Ehrlichkeit bis zur Schroffheit, die scheinbare Einfachheit mit größter Komplexität und Absicht dahinter sind auch in seinen Opern zu finden.

Das Publikum verstand die Botschaft der unmittelbaren Emotionalität, aber die zeitgenössische Kritik war vor den Kopf gestoßen, bezeichnete

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Verdis Musik als roh, vulgär und zu stürmisch. Abramo Basevi verfasste die erste Studie über Verdi (1859), worin er die Musik Bellinis als Legatound die Verdis als Staccatogesang charakterisiert. Bellini behandle die Stimmbänder wie ein Blasinstrument, Verdi wie ein Schlagzeug (zit. n.

Engelhardt 2002). Der häufigste Vorwurf war, Verdi schiele nach dem Applaus des Publikums auf Kosten der Kunst, es ginge ihm um billigen Effekt. Als Beispiel sei nochmals Otto Nicolai zitiert: „Wer jetzt in Italien Opern schreibt ist Verdi. Er hat auch den von mir verworfenen Operntext Nabucodonosor komponiert und damit großes Glück gemacht. Seine Opern sind aber wahrhaft scheußlich und bringen Italien völlig ganz herunter. Er instrumentiert wie ein Narr – ist kein Meister in technischer Hinsicht – muss ein Herz wie ein Esel haben und ist wirklich in meinen Augen ein erbärmlicher verachtenswerter Komponist. Ich denke, unter diese Leistungen kann Italien nicht mehr sinken – und jetzt möchte ich dort keine Opern schreiben“ (Tagebuch 1844).

Nun war Nicolai, wie erwähnt, voreingenommen, gekränkt und alles andere als objektiv. Aber in dieser Karikatur einer sachlichen Bewertung zeigt sich überspitzt, was damalige Musiker an Verdis Opern auszusetzen gehabt haben. Es gab aber auch andere Stimmen, Donizetti, der durchaus neidisch reagieren hätte können, soll nach einer Aufführung immer wieder ausgerufen haben: „Dieser Nabucco, herrlich, herrlich, herrlich“.

Dieses Urteil ist bis heute gültig.

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konzert

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Gold – Silber – michaelKupfer

Musikalisches Vorsilvester Mi. 30. Dezember 2015, 18 Uhr Festspielhaus

SILBERNE OPERETTE Franz Lehár (1870–1948) Die lustige Witwe – Einleitung Akt 1 – Auftrittslied des Danilo Danilowitsch: „Oh, Vaterland“ Michael Kupfer-Radecky

Emmerich Kálmán (1882–1953) Die Csárdásfürstin – Auftrittslied der Sylva Varescu: „Heia, heia, in den Bergen ist mein Heimatland“ Leonora del Rio

Die Csárdásfürstin – Duett Edwin / Sylva: „Weißt du es noch“ Leonora del Rio, Michael Kupfer-Radecky

Nico Dostal (1895–1981) Clivia – Ouvertüre Clivia – Lied des Gustav Kasulke: „Man muss mal ab und zu verreisen“ Frederik Baldus

Clivia – Ensemble: „Am Manzanares“ Leonora del Rio, Bianca Tognocchi, Frederik Baldus, Michael Kupfer-Radecky, Rodrigo Porras Garulo

Charles Kálmán (1929–2015) Pusta-Lied Bianca Tognocchi

Franz Lehár Der Zarewitsch — Lied des Zarewitsch: Wolgalied Rodrigo Porras Garulo

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Emmerich Kálmán (1882–1953) Die Csárdásfürstin – Duett Edwin / Sylva: „Tanzen möcht ich“ Leonora del Rio, Michael Kupfer-Radecky Pause

GOLDENES MUSICAL Leroy Anderson (1908–1975) Schlittenfahrt Richard Rodgers (1902–1979) Oklahoma – Lied des Curly: „Oh what a beautiful morning“ Michael Kupfer-Radecky

Oklahoma – Duett Curly / Laurie: „People will say we’re in love“ Bianca Tognocchi, Frederik Baldus

Cole Porter (1891–1964) Kiss me Kate – Lied des Fred Graham: „Where is the life“ Michael Kupfer-Radecky

Kiss me Kate – Duett Fred Graham / Lilli Vanessia: „Wunderbar“ Leonora del Rio, Rodrigo Porras Garulo

Richard Rodgers Cinderella – Lied des Prinzen: „Loneliness of evening“ Alexander Borodin (1833–1887), Robert Wright (1914–2005), George Forrest (1915–1999) Kismet – Lied des Kalifen: „Stranger in paradise“ Michael Kupfer-Radecky

Kismet – Ensemble: „Rahadlakum“ Leonora del Rio, Bianca Tognocchi, Frederik Baldus, Michael Kupfer-Radecky, Rodrigo Porras Garulo Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral Orchester der Tiroler Festspiele Erl Klavier: Paolo Troian Musikalische Leitung: Erich Polz Moderation: Michael Kupfer-Radecky

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Silvesterkonzert Do. 31. Dezember 2015, 18 Uhr Festspielhaus

Gioacchino Rossini (1792–1868) Semiramide – Ouvertüre Giacomo Puccini (1858–1924) Gianni Schicchi – Arie des Gianni: „Era uguale la voce“ Nicola Ziccardi

VINCENZO BELLINI (1801–1835) I Puritani – Arie der Elvira: „Qui la voce … vien, diletto“ Bianca Tognocchi

PIETRO MASCAGNI (1863–1945) L’amico Fritz – Intermezzo FRANCESCO CILEA (1866–1950) Adriana Lecouvreur – Arie der Prinzessin: „Acerba voluttà“ Michela Bregantin

GIACOMO PUCCINI Madame Butterfly – Duett Butterfly / Pinkerton: „Bimba dagli occhi pieni di malia“ Lada Kyssy, George Vincent Humphrey

Pause

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AMILCARE PONCHIELLI (1834–1886) La Gioconda – Danza delle ore GAETANO DONIZETTI (1797–1848) Linda di Chamonix – Arie der Linda: „La luce di quest’anima“ Bianca Tognocchi

GEORGES BIZET (1838–1875) Carmen – Arie der Carmen: Seguidilla Michela Bregantin

GIUSEPPE VERDI (1813–1901) Falstaff – Arie des Ford: „È sogno o realtà“ Nicola Ziccardi

GIACOMO PUCCINI La Fanciulla del West – Arie des Dick Johnson: „Ch’ella mi creda“ George Vincent Humphrey

GIUSEPPE VERDI Attila – Arie der Odabella: „Liberamente or piangi“ Lada Kyssy

ALFREDO CASELLA (1883–1947) Italia Op. 11

Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral Orchester der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung: Mauro Fabbri Moderation: Alexander Busche

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Neujahrskonzert Fr. 1. Januar 2016, 11 Uhr (Matinee) Festspielhaus

FRANZ VON SUPPÉ (1819–1895) Leichte Kavallerie – Ouvertüre GIOACCHINO ROSSINI (1792–1868) Wilhelm Tell – Ouvertüre Petite messe solennelle – Cum sanctu spiritu JOHANN STRAUSS SOHN (1825–1899) Rosen aus dem Süden – Walzer op. 388 JOHANN STRAUSS SOHN Eljen a Magyar! – Polka schnell op. 332 Persischer Marsch GEORG FRIEDRICH HÄNDEL (1685–1759) Messiah HWV 56 – Halleluja Pause

FRANZ VON SUPPÉ (1819–1895) Banditenstreiche – Ouvertüre WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756–1791) Die Zauberflöte – Wenn Tugend und Gerechtigkeit

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JOHANN STRAUSS SOHN Perpetuum mobile – Polka schnell op. 257 Leichtes Blut – Polka schnell op. 219 LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770–1827) Fidelio – Finale 2. Akt JOSEF STRAUSS (1827–1870) Ohne Sorgen – Polka op. 271 JOHANN STRAUSS SOHN Unter Donner und Blitz – Polka schnell op. 324

Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral Orchester und Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl Musikalische Leitung: Gustav Kuhn

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Webern / Beethoven / Tschaikowsky Mi. 6. Januar 2016, 11 Uhr (Abschlusskonzert) Festspielhaus

ANTON WEBERN (1883–1945) Sechs Stücke für großes Orchester op. 6 LUDWIG VAN BEETHOVEN (1712–1773) Klavierkonzert Nr. 1 C-Dur op. 15 PETER I. TSCHAIKOWSKY (1840–1893) Symphonie Nr. 5 e-Moll op. 64

Orchester der Tiroler Festspiele Erl Dirigent: Gustav Kuhn Klavier: Jasminka Stancˇul

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ANTON WEBERN – Sechs Stücke für großes Orchester op. 6 Dieses Werk, 1909 entstanden, wendet die in den Streichquartettstücken neu erschlossenen Möglichkeiten der atonalen Instrumentalkomposition auf ein großes Instrumentarium an, auf das größte, das Webern je vorgeschrieben hat: 4 Flöten (auch 2 kleine Flöten und 1 Alt-Flöte), 2 Oboen, 2 Englischhörner, 3 Klarinetten, 2 Bassklarinetten, 2 Fagotte (auch 1 Kontrafagott), 6 Hörner, 6 Trompeten, 4 Posaunen, Basstuba, 2 Harfen, Celesta, 3 Pauken, Triangel, Glockenspiel, Rute, Becken, Tamtam, Kleine und Große Trommel, tiefes Glockengeläute und Streicher.

Diese ungeheuren Klangmassen werden aber so gut wie nie geschlossen eingesetzt. Typisch für Weberns Instrumentation ist etwa der Beginn des ersten Stückes: Eine Melodielinie von zwei Takten Umfang ist zwischen 1. Flöte, 1. Trompete (mit Dämpfer), wiederum 1. Flöte und 3. Horn (mit Dämpfer) aufgeteilt. Daneben gibt es Massierungen von einheitlicher Klangfarbe, besonders die bedrückenden Ballungen von Blechbläsern und Schlagwerk im vierten Stück, der „marcia funebre“.

Wie viele seiner früheren Werke wurde auch die Konzeption des op. 6 durch den Tod von Weberns Mutter (1906) ausgelöst. Webern schreibt darüber kurz vor der Uraufführung am 31. März 1913 im Großen Musikvereinssaal in Wien an Arnold Schönberg, der dieses Konzert dirigierte: „Das erste Stück will meine Stimmung ausdrücken als ich noch in Wien war, bereits das Unglück ahnend, aber doch noch immer hoffend, die Mutter lebend anzutreffen. Es war ein schöner Tag, eine Minute lang glaubte ich ganz sicher, es sei nichts geschehen. Erst auf der Fahrt nach Kärnten, es war der nämliche Tag, am Nachmittag, erfuhr ich die Tatsache. Das 3. Stück ist der Eindruck des Duftes der Eriken, die ich an einer für mich sehr bedeutungsvollen Stelle im Walde pflückte und auf die Bahre legte. Das vierte Stück habe ich nachträglich marcia funebre überschrieben. Noch heute verstehe ich nicht meine Empfindung, als ich hinter dem Sarge zum Friedhof gieng. Ich weiß nur, daß ich den ganzen Weg hoch aufgerichtet gieng, vielleicht um im weiten Umkreis alles niedrige zurückzubannen.“

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Eine weitere Selbstdeutung gab der Komponist für eine – nicht zustande gekommene – Aufführung in Dortmund 1933: Diese Stücke „stellen kurze Liedformen dar, meist im dreiteiligen Sinne. Ein thematischer Zusammenhang besteht nicht, auch nicht innerhalb der einzelnen Stücke.

Diesen nicht zu geben, war sogar bewusst angestrebt: in dem Bemühen nach immerfort verändertem Ausdrucke. Um den Charakter der Stücke – sie sind rein lyrischer Natur – kurz zu beschreiben: das erste drückt die Erwartung eines Unheils aus, das zweite die Gewissheit von dessen Erfüllung; das dritte die zarteste Gegensätzlichkeit; es ist gewissermaßen die Einleitung zum vierten, einem Trauermarsche; fünf und sechs sind ein Epilog: Erinnerung und Ergebung.“ Auch der Schönberg-Schüler Erwin Stein überlieferte (1926) – abweichende – Untertitel, die Webern für die Wiener Aufführung angegeben hatte: „‚Urbild‘, ‚Verwandlung‘, ‚Rückkehr‘, ‚Erinnerung‘ und ‚Seele‘. Urbild – damit ist jenes vom Menschen gemeint, was nicht von dieser Welt ist, Verwandlung – die Menschwerdung, Rückkehr – der Tod, Seele – die kindliche, hinträumend, spielend, ungezogen, fromm.“ 1928 hat Webern eine zweite Fassung der Stücke ausgearbeitet, die neben zahlreichen veränderten Vortragsbezeichnungen vor allem den hypertrophen Orchesterapparat der Erstfassung auf das übliche Maß reduziert und dadurch die Struktur der Stücke häufig in größerer Klarheit in Erscheinung treten lässt.

LUDWIG VAN BEETHOVEN – Klavierkonzert Nr. 1 „Er bringt auf dem Clavier Schwierigkeiten und Effecte hervor, von denen wir uns nie etwas haben träumen lassen“, schrieb Carl Czerny über seinen Lehrer Beethoven. Im April 1800 führte Beethoven in Wien sein erstes Klavierkonzert auf und bewies dabei seine virtuosen Fertigkeiten als Pianist. Jahrelang hatte er an diesem Klavierkonzert gefeilt. Er würzte den Klavierpart wohl auch während diverser Konzerte mit Improvisationen, bis er 1800 die endgültige Version in den Druck gab.

Eine erste Fassung des Konzerts spielte Beethoven bereits im März 1795 im Wiener Hofburgtheater. Darüber berichtet uns sein Schüler Ferdinand

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Ries: „Erst am Nachmittag des zweiten Tages vor der Aufführung (…) schrieb er das Rondo und zwar unter ziemlich heftigen Kolikschmerzen, woran er häufig litt. Ich half durch kleine Mittel, so viel ich konnte. Im Vorzimmer saßen vier Kopisten, denen er jedes fertige Blatt einzeln übergab (…). Bei der ersten Probe, die am Tage darauf in Beethoven’s Zimmer statt hatte, stand das Klavier für die Blasinstrumente einen halben Ton zu tief. Beethoven ließ auf der Stelle diese und auch die übrige statt nach a, nach b stimmen und spielte seine Stimme aus Cis“. Beethoven versetzte das Stück also aus dem Stehgreif heraus in eine andere Tonart, was viel über seine musikalische Geistesgegenwart und sein Können aussagt. Die Wirkung des Konzerts beruht aber nicht nur auf den virtuosen Techniken des Klavierparts. Beethoven strebte in diesem Stück auch kompositionstechnische Neuerungen an. Bis dahin stellte man in Konzerten üblicherweise Individuum (den Solisten) und Gruppe (das Orchester) in einem Wechselspiel einander gegenüber. Beethoven fügte dem eine neue Ebene hinzu: Er integrierte das Klavier stellenweise sinfonisch in das Orchesterspiel und verzahnte den Solopart eng mit dem Tutti.

Beethovens frühe Werke stehen ganz im Zeichen des Klaviers. Neben der Komposition von Klaviertrios und –sonaten arbeitete er teilweise gleichzeitig an zwei Klavierkonzerten, ‚unserem‘ C-Dur und dem B-Dur-Klavierkonzert. Dabei geriet die gängige Opus-Nummerierung durcheinander; sie stellt den Entstehungsprozess auf den Kopf: Das erste Klavierkonzert ist eigentlich das zweite. Nur feilte Beethoven an dem B-Dur-Konzert noch sehr viel länger, so dass das C-Dur-Werk früher in Druck und damit auf Platz 1 gelangte.

PETER I. TSCHAIKOWSKY – Symphonie Nr. 5 e-Moll op. 64 „Nach jeder Aufführung komme ich immer mehr zu der Überzeugung, dass meine letzte Symphonie ein misslungenes Werk ist … Sollte wirklich schon der Anfang des Endes begonnen haben?“, fragte sich Peter Tschaikowsky 1888 auch angesichts der Kritikermeinungen nach der Uraufführung seiner 5. Symphonie. Zu bunt, zu lang, zu wenig anspre-

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chend fand er sie. Er komponierte sie nach einer langen Schaffenspause und äußerte mehrmals seine Bedenken. Er war der Meinung, dass er nichts Neues komponieren könne und dass sein Genie aufgebraucht wäre. Tschaikowsky war anfangs gegenüber seiner 5. Symphonie sehr skeptisch, doch im Laufe der Fertigstellung der Symphonie gewann er zunächst erneut an Euphorie. Als die Uraufführung des Werkes aber sehr kritisch beurteilt wurde, verlor er an Selbstbewusstsein und war plötzlich der Meinung, dass die Symphonie nicht gut sei. Nach weiteren Aufführungen mit durchschlagendem Erfolg beim Publikum sah aber auch er endlich ein, dass er offenbar ein Meisterwerk komponiert hatte.

In der 5. Symphonie greift Tschaikowsky Satzstrukturen der 4. Symphonie und thematische Zyklusbildungen aus der Manfred-Symphonie auf.

Das zyklische Thema, auch Schicksalsmelodie genannt, zieht sich durch alle 4 Sätze der 5. Symphonie. Im ersten Satz erhält das Thema eine ausschließlich einleitende Funktion, welche durch die Klarinette umgesetzt wird. Dieses Thema besteht nicht aus einer markanten kurzen Fanfare, sondern aus einer langestreckten und metrischen Kantilene in e-Moll.

Wie schon zuvor beschrieben, taucht – anders als in der 4. Symphonie – das Thema nicht im Kopfsatz auf, sondern ist lediglich als Einleitungsthema verarbeitet. Allerdings wird das Thema dafür in den drei anderen Sätzen verwendet. Im zweiten Satz dient das Thema zweimal in Form eines fortissimo-Höhepunktes als Ziel eines sich stetig aufbäumenden Orchesters. Im dritten Satz, dem Walzer, stellt das Thema eine Form der „wehmütigen Erinnerung“ im pianissimo dar. Der vierte Satz, das Finale, beginnt wieder mit dem langgestreckten Thema. Die Besonderheit hierbei ist, dass das Thema nicht wie im ersten Satz in Moll, sondern nun in Dur vorgestellt wird. Außerdem wird es als Gliederungsthema zu Beginn von Durchführung und Coda verwendet, um am Schluss der Reprise nach mehrfacher Wiederholung im fortissimo endültig zu erstrahlen.

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in Toulouse, Besançon und Bratislava aufgetreten. Nach der erfolgreichen Debüt-CD mit Beethovens Klavierkonzerten Nr. 1 und 5 erschien Anfang 2009 eine weitere CD Jasminka Stančuls beim Label col legno.

Mit dem Haydn Orchester von Bozen und Trient unter Gustav Kuhn spielte sie dafür die Mozart-Konzerte KV 271 und 595 ein.

Mit dem Brahms-Trio, dessen Mitglied sie ist, hat sie in der vergangenen Saison bei der Internationalen Stiftung Mozarteum gastiert, sie gab ihre Debüts beim Beethoven Orchester Bonn mit dem Philharmonic Orchestra Györ.

Jasminka Stancˇul

Jasminka Stančul, in Serbien geboren, studierte in ihrer Heimat und an der Wiener Musikhochschule bei Noel Flores und bei Maria Tipo in Genf. Sie ist Gewinnerin des 1. Preises des Internationalen BeethovenWettbewerbes Wien. In der Saison 2011/12 war die Pianistin „Artist in Residence“ im Wiener Musikverein, wo sie u. a. Mozarts Klavierkonzert KV 467 mit den Wiener Symphonikern unter Lothar Zagrosek interpretierte. Mit der Uraufführung von Franz Schmidts „Fantasiestück für Klavier und Orchester B-Dur“ mit den Wiener Symphonikern unter Fabio Luisi gastiert Jasminka Stančul auch in dieser Saison wieder im Musikverein, wo sie bereits im Frühjahr 2013 mit dem 3. Bartók-Klavierkonzert und Mozarts Klavierkonzert KV 466 zu hören war. Im Frühjahr dieses Jahres konzertierte sie erstmals beim Qatar Philharmonic Orchestra und spielte neuerlich mit den Stuttgarter Philharmonikern und dem Bournemouth Symphony Orchestra. Zuvor gab sie mit Mozarts KV 488 ihr Debüt in der Royal Festival Hall mit dem Royal Philharmonic Orchestra unter Daniele Gatti und folgte Einladungen der Deutschen Staatsphilharmonie und der Brünner Philharmonie. In ihrer erfolgreichen Karriere konzertierte Jasminka Stančul mit vielen bedeutenden Orchestern der Welt und arbeitete folglich mit wichtigen Dirigenten wie Fabio Luisi, Lorin Maazel, Kazushi Ono, Esa-Pekka Salonen, Christian Tetzlaff und natürlich Gustav Kuhn zusammen. Sie ist beim Klavier-Festival Ruhr, Schleswig-Holstein und dem Rheingau Musik Festival, Maggio Musicale Fiorentino, Settimane Musicale di Stresa, Wiener Musiksommer, Carinthischer Sommer, Radio France Montpellier sowie

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SPECIALS & KAMMERMUSIK

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ACIES QUARTETT

Vier auf einen Streich Mo. 28. Dezember 2015, 18 Uhr Festspielhaus

MATTHIAS DRIEVKO (*1969) Streichquartett-Satz (UA) WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756–1791) Streichquartett Nr. 16 in e-Moll, KV 428 Leoš JanáCˇ ek (1854–1928) Streichquartett Nr. 2 „Intime Briefe“

Violine: Benjamin Ziervogel Violine: Raphael Kasprian Viola: Simon Schellnegger Violoncello: Thomas Wiesflecker

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Im Mai 2005 und 2006 folgten die vier jungen Musiker Einladungen zu Kursen mit Mitgliedern des Juilliard Quartetts nach New York. Im September 2006 absolvierten sie – eingeladen von der Karl Klingler Stiftung München – einen Meisterkurs bei Günter Pichler (Alban Berg Quartett) im Rahmen der Schubertiade Schwarzenberg.

Neben zahlreichen Konzerten im In- und Ausland (u. a. Slowenische Philharmonie, Cankarjev Dom Ljubljana, Teatro dei Dioscuri Rom, Musikwochen Millstatt, Klassikfest Oberneukirchen, Konzerthaus Klagenfurt) debütierte das Quartett mit dem Brucknerorchester im Brucknerhaus Linz und im Rahmen ihrer Jeunesse Österreich Tournee spielten die vier Musiker im März 2008 erstmals im Brahmssaal des Wiener Musikvereins. Im Mai 2008 folgte das Debut im Schubertsaal des Wiener Konzerthauses.

Ihr Debut-Album bei Gramola Wien erschien im Dezember 2007. Das zweite Album folgte im April 2009. Ihre Einspielung des Schubertquintetts mit David Geringas erschien in der zweiten Jahreshälfte 2009 und wurde im Dezember 2010 mit dem Supersonic Award der Zeitschrift „pizzicato“ (Luxemburg) ausgezeichnet. Mit Unterstützung des Landes Kärnten wurde den Mitgliedern des Streichquartetts im Juni 2003 von der Österreichischen Nationalbank folgende Instrumente als Leihgabe zur Verfügung gestellt: Violine „Dominicus Montagnana sub signus Cremonae Venetiis 1727“ und Viola „Giovanni Battista Ceruti, Cremona 1810“.

Von Hieronymus Köstler, Geigenbaumeister in Stuttgart, wurde ein Violoncello von Jakob Rauch (1716), und von Professor Günter Pichler eine Violine von Giovanni Francesco Pressenda (1835/38) als Leihgabe zur Verfügung gestellt.

Acies Quartett

Das Acies Quartett wurde 2000 von Studenten des Kärntner Landeskonservatoriums gegründet und erhielt den ersten Kammermusikunterricht bei Prof. Brian Finlayson. Seit 2006 besteht das Ensemble aus den heutigen Mitgliedern und studiert seit 2008 an dem Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid bei Prof. Günter Pichler (Alban Berg Quartett).

Das Acies Quartett gewann im Juni 2003 den Bundeswettbewerb ‚Prima la musica‘ mit Auszeichnung. Im Oktober 2006 wurden die vier Musiker im erstrangigen EliteWettbewerb Österreichs, dem „Gradus ad parnassum – 2006“ in Wien, mit dem „Ersten Preis in der Kategorie Streichquartett“ ausgezeichnet. Darüber hinaus errangen sie den „Mozart-Preis 2006“ für die beste Mozart-Interpretation und wurden schließlich nach ihrer Teilnahme am Preisträgerkonzert im Großen Musikvereinssaal Gewinner des „Großen gradus ad parnassum – Preises 2006“ (klassik.preis.österreich). Die vier Musiker sind Träger des Titels „Artist of the Year 2007“ der Bank Austria / Creditanstalt und „Künstler des Jahres 2007“ des österreichischen Rundfunksenders Ö1. Im Jänner 2008 gewann das Quartett den alljährlich stattfindenden Musica Juventutis Wettbewerb des Wiener Konzerthauses.

Das Ensemble war Teilnehmer zahlreicher Meisterkurse bei Mitgliedern vieler Quartette mit Weltgeltung: Internationale Sommerakademie Prag-Wien-Budapest (Alban Berg Quartett, Amadeus Quartett, Bartok Quartett, Smetana Quartett), Accademia Chigiana Siena (Alban Berg Quartett), International Mendelssohn Summer School Hamburg (Alban Berg Quartett, Guarneri Quartett), ProQuartet Paris (Alban Berg Quartett).

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GIANLUCA LITTERA

Double Breath Di. 29. Dezember 2015, 18 Uhr Festspielhaus

Klassik, Weltmusik, Jazz mit Mundharmonika

Mundharmonika: Gianluca Littera Kontrabass: Furio di Castri Klavier: Fabio Gorlier Schlagzeug: Mattia Barbieri

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etc. Er hat bei vielen Gelegenheiten mit dem Santa Cecilia Orchester der National Academy in Rom zusammen gearbeitet, sowohl bei Konzerten als auch bei Studioaufnahmen mit Maestro MW Chung, einschließlich des Eröffnungskonzertes für das New Auditorium in Rom „La Cavea“ 2003, das der Filmmusik gewidmet war (2003) und vom Oscar-Preisträger Louis Bacalov arrangiert und dirigiert wurde.

2010 gab es eine Weltpremiere, als er mit der Komposition „Immobile 2“ und dem Academy Orchestra auftrat. Dieses Werk für Mundharmonika und Orchester wurde extra für Littera von Ennio Morricone geschrieben, der an diesem Abend auch selbst dirigierte. Er spielt mit dem Kremerata Baltica Orchester des Geigers Gidon Kremer, mit dem er u. a. beim Lockenhaus Festival in Österreich (2011) auftrat. 2012 spielte er im Wiener Musikverein mit dem Tonkünstler-Orchester Niederösterreich, dirigiert von Maestro Andrea Posada. Seine Interpretation von Gordon Jacobs „Divertimento für Mundharmonika und Streicher“ (in der Bearbeitung für Streichquartett) mit dem Scala String Quartet wurde vom Asolo Musikfestival für die CD anlässlich des 30.

Jubiläums des Festivals ausgewählt. Mit dem brasilianischen Komponisten und Dirigenten Gil Jardim arbeitete er projektbezogen zusammen, u. a. entstand eine CD mit Originalkompositionen und -arrangements für Mundharmonika und Orchester. In der Welt des Jazz arbeitet er mit Künstlern des Kalibers von Ute Lemper, Hector Infanzon – mit dem er eine Europa-Tournee im November 2013 absolvierte – Eugenio Toussaint Trio oder Ivan Lins. Seine neueste CD, veröffentlicht auf dem Label Stradivarius, enthält Stücke für Mundharmonika und Orchester von Whettam, Hovaness, Tauno

Gianluca Littera

Nachdem er 1985 für sein Können auf der Violine das Zertifikat „magna cum laude“ erhielt, entdeckt Gianluca Littera etwas ganz Neues für sich: die chromatische Mundharmonika, der er sich mit Haut und Haaren widmete und sich so zu einem der wenigen Solisten entwickelte, die heutzutage sowohl klassische Musik als auch Jazz auf diesem Instrument spielen. Sein Repertoire umfasst nur original symphonische Werke und Kammermusikstücke, einschließlich des „Concerto para Harmonica“ von Heitor Villa-Lobos, der „Suite Anglaise“ für Mundharmonika und Orchester von Darius Milhaud sowie Werke von Komponisten wie Gordon Jacob, Robert Farnon, Vaughan Williams, William Walton, Luciano Chailly, James Moody und Alan Graham Whettam Hovahness.

Gianluca Littera ist regelmäßiger Gast bei bedeutenden internationalen Musikveranstaltungen und Orchestern wie z. B. der Kremerata Baltica, der Santa Cecilia Akademie, dem Arena von Verona Orchestra, dem litauischen Nationalorchester, dem Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo (Brasilien), dem italienischen Swiss Orchestra, dem Tonkünstler-Orchester Niederösterreich (Österreich), dem Orquesta Sinfónica de Bilbao (Spanien), dem Kreml Streichorchester (Russland), dem estnischen Nationalorchester, dem Orchestre Régional de Cannes Provence Alpes Côte d’Azur (Frankreich), dem Symphonieorchester von Acapulco (Mexiko), dem OFUNAM Orchestra (Mexiko), dem Symphonieorchester Castilla y Leon (Spanien), dem Region Toskana Orchestra, dem Haydn-Orchester Bozen, dem Symphonieorchester Gran Canaria (Spanien), der Virtuosi Italiani

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er einer intensiven Konzerttätigkeit nach mit überaus wechselndem Repertoire, von klassisch bis modern. Seine besondere Vorliebe gilt aber weiterhin dem Jazz. Er nahm mit verschiedenen Formationen an zahlreichen renommierten Festivals in ganz Italien teil und stand in den bedeutenden Musiktempeln wie dem „Fenice“ in Venedig auf der Bühne. Auftritte im europäischen Ausland sowie in Übersee folgten. Er spielte mit zahlreichen bedeutenden Jazzmusikern, darunter Billy Cobhan, Furio di Castri, Paolo Fresu oder Tullio de Piscopo.

Peltonen, einige davon wurden erstmalig aufgenommen und sind daher als Weltpremiere zu betrachten.

Furio di Castri

Furio Di Castri wurde 1955 in Mailand geboren und ist ein italienischer Jazz-Bassist.

Di Castri spielt seit 1977 professionell Bass, wobei er 1978 bis 1986 in der Gruppe „Lingomania“ des Saxophonisten Maurizio Giammarco und des Schlagzeugers Roberto Gatto auftrat. Ab 1981 war er auch Mitglied des Quartetts von Enrico Rava, mit dem er in Europa tourte und vier Alben aufnahm.

Er spielte unter anderem mit Dave Liebman, Albert Mangelsdorff, Steve Lacy, Joe Henderson (1988), Paul Bley (1988, 1990), Chet Baker (1979 bis 1986), Pharoah Sanders, Barry Altschul, Daniel Humair, Sal Nistico, Art Farmer, Philip Catherine, Charles Lloyd, Paul Motian, Enrico Pieranunzi und Michel Portal. Er trat auch solo, im Duo mit Lee Konitz und Paolo Fresu (in den 1990erJahren) und im Trio mit Flavio Boltro auf.

Ab 1988 war er regelmäßig Mitglied des Quartetts von Aldo Romano, mit dem er fünf Alben aufnahm. Di Castro komponiert auch und steuert Musik für Theater- und Tanztheaterprojekte, Filme und KunstPerformances bei.

Mattia Barbieri

Der 1978 geborene Mattia Barbieri probierte sich bereits im zarten Alter von drei Jahren auf dem mütterlichen Kochgeschirr als Schlagzeuger aus, worauf die erschöpften Eltern ihn mit einer Spielzeugtrommel beschenkten – die allerdings nach 3 Monaten hinüber war, so dass er ein besseres Modell vom Onkel zum Üben erhielt. Folgerichtig erhielt er mit sieben Jahren Schlagzeugunterricht, Gitarrenstunden schlossen sich an. Mit 15 begann er, in Jazz- und Coverbands zu spielen. 2000 trat er in das Europäische Jugendorchester, dirigiert von Furio di Castri, ein. Erste Konzerte führten nach Palästina und Sarajevo, wo er sowohl im Orchester als auch im Trio mit Furio di Castri und und Paolo Porta spielte. Im selben Jahr gewann er ein Stipendium für das New England Conservatory in Boston.

Am Konservatorium Giuseppe Verdi in Turin schloss er sein Jazz-Studium ab. Im Oktober 2002 wurde er von Peter Gabriels Realworld Studios gebucht. Im Juli 2004 spielte er mit dem New Quartet von Franco D’Andrea, Aldo Mella und Andrea „Ayace“ Ayassot, im September desselben Jahres

Fabio Gorlier

Fabio Gorlier hat sein Klavierstudium am Konservatorium Giuseppe Verdi in Turin mit Diplom abgeschlossen. Bereits zu Studienzeiten erwachte sein Interesse am Jazz.

Schließlich vervollständigte er sein Wissen an der Universität in Turin mit einem Abschluss in Kunst, darstellender Kunst und Musikkgeschichte. Seit einigen Jahren geht

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spielt er mit dem LabDance Orchestra, dirigiert von Furio di Castri, neben zahlreichen namhaften Gästen. Darüber hinaus ist er Teil des FuriusMingus-Projektes von Furio di Castri mit Nguyen Lee, Marco Tamburini und Achille Succi. Es besteht eine feste Zusammenarbeit mit der Band MauMau, mit der er drei Tourneen durch Italien und Europa absolvierte. Seit 2009 spielt er in dem Trio von Antonio Marangolo, und seit 2010 spielt er mit dem Alboran Trio, die beim renommierten deutschen Label ACT unter Vertrag stehen. Desweiteren spielt er im Quartett von Mauro Negri mit Bebo Ferra und Marco Micheli Mattia Barbieri, im Trio mit Rita Marcotulli und Furio di Castri.

2012 wurde er Mitglied der Gruppe „Memorie di Adriano“ mit Peppe Servillo, Furio di Castri, Rita Marcotulli, Fabrizio Bosso und Javier Girotto. Seit 2012 spielt er außerdem mit Richard Galliano im Projekt über Nino Rota, und seit 2013 ist er Teil des BBB Trios mit Flavio Boltro und Mauro Battisti. Er spielte u. a. mit diesen Musikern: Flavio Boltro, Rossana Casale, Franco D’Andrea, Francesco Bearzatti, Furio Di Castri, Gianluca Petrella, Diego Borotti, Max Carletti, Alberto Mandarinen, Emanuele Cisi, Claudio Filippini, Mario Rosini, Daniele Di Gregorio, Dino Froh, Paul Paliaga, Jino Touche, Monovox, Luca Vicini (bassvicio), Davide Di Leo (Boost), Malina, Roberto Melone, Luca Biggio, Diego Borotti, Dino Rubino, Andrea Ayassot, Giorgio Giovannini, Richard Ruggieri Francesco Brini, Danilo Pala, Giorgio Licalzi, Alessandro Maiorino, Federico Marchesano, Lorenzo Corti, Karsten Lipp.

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MUSICBANDA FRANUI

Fra-Nuijahrskonzert Mo. 4. Januar 2016, 18 Uhr Festspielhaus

Trockne Blumen * Ringelreigenwatschentanz ** Tanzfolge der entfernten Verwandtschaft aus Wien * Geistervariationen: Trauermarsch und Thema *** Das Grab * (Text: J. G. Salis-Seewis) Canederli (fatti in casa) Litanei der Flüche (Text: Johannes E. Trojer) Seligkeit * Alptraum eines österr. Pianisten * Ich ging mit Lust **** (Text: aus „Des Knaben Wunderhorn“) Wie der Bauer zur Kultur kam *

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Sowieso (pizz.) ** Tanz (Franz!) * Kupelwieserwalzer (von Richard, mit Anton) * Husch Pfusch Tusch ***** Neujahrslied (Text: anonym)

Komposition/musikalische Bearbeitung: Markus Kraler / Andreas Schett * nach Franz Schubert ** nach Béla Bartóks musikalischen Feldforschungen *** nach Robert Schumann **** nach Gustav Mahler ***** nach Motiven von F. Schubert, B. Bartók, G. Ligeti

Musicbanda Franui Klarinette, Bassklarinette: Johannes Eder Tuba: Andreas Fuetsch Sopran- und Altsaxophon, Klarinette: Romed Hopfgartner Kontrabass, Akkordeon: Markus Kraler Harfe, Zither, Gesang: Angelika Rainer Hackbrett, Gesang: Bettina Rainer Trompete, Gesang: Markus Rainer Trompete, Gesang, musikalische Leitung: Andreas Schett Ventilposaune, Gesang: Martin Senfter Violine: Nikolai Tunkowitsch

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„Dem immerwährenden Kalender zufolge ist am 4. Jänner kaum etwas passiert. Bis auf die Ausrufung der Unabhängigkeit von England, die 1948 in Myanmar gefeiert wurde. Und abgesehen von der Tatsache, dass die Beatles am 4. Jänner 1970 die Aufnahmen zu „Let it Be“ in London beendet haben. Außer der alljährlich stattfindenden Vierschanzentournee in Innsbruck, bei der noch nie ein Engländer gewonnen hat, ist am 4. Jänner seit 2001 auch der Welttag der Brailleschrift, begründet vom Englandhasser Louis Braille.

Im Jahr 2016 spielt die Musicbanda Franui am 4. Jänner in Erl zum ersten Mal ein sog. Fra-Nuijahrskonzert, bei dem natürlich allerlei lustige Stücke zu hören sind. Freilich wird auch der ein oder andere Trauermarsch geblasen, bei dem das Publikum lautstark mitklatschen darf.

Auf den englischen Gruß wird zu Gunsten der heimischen Sternsingerei verzichtet …“

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hoch gelegenen Almwiese Franui für Furore, zu dem nach einer etwa 3-stündigen Wanderung an die 1500 Besucher kamen.

Das jüngste Programm „Tanz Boden Stücke“ (feat. Wolfgang Mitterer) hatte 2014 bei der Stiftung Mozarteum in Salzburg Premiere und wird im Februar 2016 auf CD erscheinen. Seit Mai 2015 steht Franui im Mittelpunkt des jährlich stattfindenden Festivals „Gemischter Satz“, bei dem im Wiener Konzerthaus Musik, Bildende Kunst, Literatur und Wein in einem neuen Zusammenspiel präsentiert werden.

FRANUI Musicbanda

Franui ist der Name einer ganz bestimmten Almwiese im kleinen, 1402 Meter über dem Meer gelegenen Osttiroler Dorf Innervillgraten, in dem die Musiker von Franui großteils aufgewachsen sind. Das Wort ist rätoromanischen Ursprungs und verweist auf die geografische Nähe Innervillgratens zum ladinischen Sprachraum in den Dolomiten.

Die Musicbanda gleichen Namens spielt seit 1993 in nahezu unveränderter Besetzung und ist bei vielen Festivals und Konzertveranstaltern zu Gast (u. a. Wiener Konzerthaus, Burgtheater Wien, Salzburger Festspiele, Stiftung Mozarteum Salzburg, Tiroler Festspiele Erl, Bregenzer Festspiele, Ruhrtriennale, Radialsystem V Berlin, KunstFestSpiele Herrenhausen, Ludwigsburger Schlossfestspiele, Schauspielhaus Hamburg, Philharmonie Köln, Elbphilharmonie Hamburg, Theater Basel, Philharmonie und Grand Théatre Luxemburg, Les Nuits de Fourvière Lyon, Holland Festival).

Die CDs von Franui erscheinen beim Label col legno und wurden mit mehreren Preisen ausgezeichnet (Preis der deutschen Schallplattenkritik, Pasticcio-Preis von Radio Ö1, Toblacher Komponierhäuschen). 2012 erschienen die „Schubertlieder“, „Brahms Volkslieder“ und „Mahlerlieder“ als 3-CDBox. Zum 20-Jahr-Jubiläum der Musicbanda erschien 2013 erstmals ein Vinyl-Album („Franui ist eine Almwiese“).

Mit dem Singspiel „Steine und Herzen“ (Ruhrtriennale 2005) begann eine intensive Zusammenarbeit mit dem Schauspieler und Regisseur Sven-Eric Bechtolf, der mit Franui regelmäßig als Rezitator auftritt.

Neben der Konzerttätigkeit realisieren die Musiker von Franui immer wieder auch Musiktheaterproduktionen. U. A.: „Fool of Love“, Shakespeare-Sonette mit dem Sänger und Pianisten Karsten Riedel und dem Puppenspieler Nikolaus Habjan (Burgtheater Wien), „Meine Bienen. Eine Schneise“ (Salzburger Festspiele 2012. Libretto: Händl Klaus). Zum 20jährigen Bestehen des Ensembles sorgte ein Konzert auf der 2300 m

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MURNAU / SCHNYDER

Filmkonzert: Faust Di. 5. Januar 2016, 18 Uhr Festspielhaus

Live-Musik von Daniel Schnyder zum Stummfilm „Faust“ von Friedrich Murnau (1926)

Saxophone: Daniel Schnyder Bassposaune: Brandt Attema Klavier: Matt Herskowitz

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Über das Projekt

Stummfilm und Musik erzählen Geschichten ohne Worte. Werden sie ineinander verwoben, wird hörbar, was dem Auge verborgen bleibt, und sichtbar, welcher Klang in Bildern wohnt.

Fasziniert von Friedrich Murnaus epochalem „Faust“-Stummfilm aus dem Jahr 1926, hat der Komponist und Saxophonist Daniel Schnyder Musik geschaffen, welche die Sage um die Verführung und Zerstörung der menschlichen Seele mit ihren Spuren in der europäischen Musikgeschichte verbindet. Inspiriert von der kühnen Dramatik in Murnaus Bildersprache und von Fausts Vermächtnis in klassischen Werken aus drei Jahrhunderten, begleitet Schnyder mit seinem Trio Words within Music bestimmte Schlüsselszenen des Films mit durchkomponierten Stücken und Adaptionen, während Handlung und Gedankenfluss der Protagonisten in den verbindenden Filmsequenzen improvisierend begleitet werden.

Es handelt sich hier also nicht um eine Filmmusik im traditionellen Sinn, welche die Komplexität von Bildern und ihren Geschichten auf eine lineare, emotional erfassbare Perspektive reduziert. Schnyder vervielfacht die Ebenen der Erzählung, fächert die Blickwinkel auf und lässt sich mit diesem gewaltigen Film auf einen Dialog ein, der einen Wagemut von geradezu faustischen Ausmaßen erfordert …

Die Uraufführung dieses Projekts fand 1999 anlässlich des GoetheJahrs in der Alten Oper Frankfurt statt. Die amerikanische Erstaufführung wurde 2002 in der National Gallery in Washington D. C. durchgeführt. Die Musik zum Film ist auf col legno erschienen.

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ter, Solisten, Schauspielern und Film. Er schrieb die „Oriental Suite“ (2006) und das afrikanische Oratorium „Sundiata Keita“, das 2010 in der Berliner Philharmonie mit Musikern aus Mali, Chor und Orchester uraufgeführt wurde. Schnyders „klassisches Werk“ umfasst vier Symphonien, fünf Streichquartette, drei Opern, mehr als ein Dutzend Konzerte sowie Kammermusikwerke, die regelmäßig erklingen und auf CDs aufgenommen wurden. Derzeit entstehen eine neue Oper für die Philadelphia Opera Company, ein Werk für das Artemis Quartett und ein Fagottkonzert für Phillip Zeller.

Als Jazzmusiker spielte Schnyder mit Paquito D’Rivera, Lee Konitz, Ray Anderson, Abdullah Ibrahim, Lew Soloff, Victor Lewis und Hubert Laws, was auf mehr als zwei Dutzend CDs dokumentiert ist. Seine Werke für Blechblasinstrumente, gespielt von Wolfgang Bauer, Joe Alessi, David Taylor, Stefan Schulz, Henning Wiegraebe, Graham Ashton, Jim Pugh, Adam Unsworth und Reinhold Friedrich, entpuppten sich als wegweisend. Schnyder erhielt viele Auszeichnungen, wurde für den Grammy (2000) sowie für den Deutschen Musikautorenpreis (2010) nominiert.

Daniel Schnyder

Der 1961 in Zürich geborene Daniel Schnyder gehört zu den aktivsten und meistgespielten Komponisten seiner Generation.

Seit 1992 lebt Schnyder, zugleich Saxofonist und Flötist, in New York City.

Der weltweit agierende Künstler war als „Composer in Residence“ beim Zermatt Festival 2012 mit dem Scharoun Ensemble der Berliner Philharmoniker, beim Moritzburg Festival (2010), beim Orchestre de Chambre de Lausanne OCL (2009), beim Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin (2008) sowie bei vielen anderen Orchestern und Festivals eingeladen. Schnyders Werk ist eine Musik der Integration und spiegelt die urbane Realität unserer multikulturellen Gesellschaft wider. Sein umfangreicher Werkkatalog enthält Kompositionen aller Werkgattungen. Schnyder beschäftigt sich zu gleichen Teilen mit Jazz, klassischer und improvisierter Musik. Sein Personalstil nimmt Einflüsse der Neuen Musik ebenso auf wie alte Musik, ethnische Musik, multimediale Konzepte und Crossover.

Meisterwerke von der Renaissance bis zum Jazz bearbeitet er, sodass sie anders und neu erlebt werden können. In diesem Sinne kreiert er im Auftrag namhafter Festivals neuartige Programmkonzepte, die exotische Instrumente und Musikstile einschließen – zum Beispiel das Projekt „Traveling East“ für das Schleswig-Holstein Festival 2012, „Arabian Nights“ für das Absolute Ensemble unter Kristjan Järvi und ein Bach-Programm mit Uri Caine und Gregor Hübner für die Bachakademie Stuttgart. Schnyder gestaltet als Komponist und Solist ganze Konzertabende und stellt sie gezielt in außermusikalische Kontexte. Ein Beispiel dafür sind seine Faust-Projekte mit Orches-

Brandt Attema

Brandt Attema spielt beim Radio Filharmonisch Orkest (Philharmonisches Radioorchester der Niederlande RFO) sowie beim Nederlands Blazers Ensemble (Netherlands Wind Ensemble) die Bass- und Kontrabassposaune. Er ist auch Mitglied und – zusammen mit Jörgen van Rijen – künstlerisch für das New Trombone Collective und für die halbjährlichen Posaunenfeste „SlideFabrik“ verantwortlich. Im Jahr 2008 waren Brandt und Harfenistin Astrid Haring

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und Rhythmen und schafft auf diese Weise innovative globale Kammermusik des 21.

Jahrhunderts.

die ersten Künstler weltweit, die ein Duo mit Bassposaune und Harfe bildeten. Seitdem wurden mehr als 15 Kompositionen speziell für diese Kombination vertont, es folgten Konzerte in Südamerika, Asien, Norwegen und Spanien. Als Bassposaunenlehrer arbeitet Brandt mit dem Codarts Konservatorium in Rotterdam sowie dem Königlichen Konservatorium in Den Haag zusammen. Er produzierte mehrere Aufnahmen als Solokünstler und gastiert auf den Bühnen der ganzen Welt. Brandt studierte bei Ben van Dijk und beendete sein Masterstudium im Jahr 2003 mit Bestnote.

Neben seinem Unterricht bei Ben bildete er sich stets bei anderen Lehrern weiter, darunter Michel Becquet, Christian Lindberg, George Wiegel, Bart van Lier, Charley Vernon, Blair Bollinger, Joe Alessi und Michael Mulcahy.

Matt Herskowitz

Pianist, Komponist, Songwriter und Arrangeur – Matt Herskowitz’ musikalisches Talent und Betätigungsfeld zeichnet sich durch ungeheuren Facettenreichtum aus, der dem Ausnahmetalent in der Musikwelt einen einzigartigen Ruf einbringt. Seine breit gefächerte Beschäftigung und Erfahrung mit verschiedensten Musikgenres, sei es Klassik, Jazz, Pop oder Weltmusik, versteht der einstige Absolvent des Curtis Institute of Music und der New Yorker Juilliard School auf meisterhafte Weise für sich zu nutzen und in seinen Kompositionen bzw. Arrangements kunstvoll miteinander zu verbinden. So kombiniert er etwa in seinem Album „Jerusalem Trilogy“ (Justin Time Records) zeitgenössischen Jazz und Klassik mit einer raffinierten Mischung aus arabischen und jüdischen Musikstilen

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MITWIRKENDE & BIOGRAFIEN

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ORGANISATION DER TIROLER FESTSPIELE ERL Präsident: Dr. Hans Peter Haselsteiner Intendant: Dr. Gustav Kuhn Chefdramaturg / Stellv. Künstlerischer Leiter: Andreas Leisner Senior Consultant: Dr. Christin Kirn, Andreas Schett Leitung Kommunikation und Theatermanagement: Alexander Busche Kaufmännische Direktion: Dr. Regina Wenzel-Kneringer Technische Leitung: Alexander Paget Leitung Abteilung Musik: Jan Golubkow Leitung Abteilung Szene: Natalie Ortner Künstlerisches Betriebsbüro: Camilla Leimisch, Jochen Schmidtberger Referentin für Presse und Kommunikation: Angelika Ruge Assistenz Kaufmännische Direktion: Barbara Falbesoner Mitarbeit Kaufmännische Direktion: Julia Dresch Assistenz Technische Leitung: Doris Truttenberger Mitarbeit Künstlerisches Betriebsbüro: Uta Einwaller, Katherina Purger Persönliche Referentin Gustav Kuhn: Anna Leisner Konsulenz: Francesco Canessa, Jasper Parrott, Dr. Wolf-Dieter Stöffel Kartenverkauf: Monika Spindler-Barsony, Christina Walker Haustechnik: Tim Herold, Georg Schindlholzer, Hans Ullrich Auszubildende Direktion: Ana Škarica

Kostümmanufaktur Gesamtleitung Kostümmanufaktur: Lenka Radecky Assistenz Gesamtleitung Kostümmanufaktur: Gabi Eberwein Stellvertretende Gesamtleitung Kostümmanufaktur / Gewandmeisterin Damen und Herren: Natalie Schust Assistenz Gewandmeisterin: Anna-Sophie Lienbacher Leitung Produktion Kostüm / Fundusverwaltung / Statisterie: Juliane Trockenbacher, Karin Waltenberger Gewandmeisterinnen: Barbara Hölzl, Marion Ruetz Assistenz Produktionsleitung: Julia Avi Schneiderei: Regina Eberwein, Regina Hauser, Magdalena Lunger, Elisabeth Moser, Melanie Niebelschütz, Julia Thaler, Christine Vogl Schneiderei Auszubildende: Theresa Peter Garderobendienst: Julia Avi, Magdalena Lunger, Theresa Peter, Julia Thaler, Christine Vogl

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Leitung Maske: Stefan Winkler Maske Solo: Herbert Maier, Antje Schmidt-Linke, Almuth Simonides, Stefan Winkler, Maske Chor: Andrea Dorn, Martina Hering, Britta Kraft, Julia Wolfrum

Bühnenwerkstätten in Zusammenarbeit mit dem Ensemble Porcia Leitung Bühnenwerkstätten: Michael Beyermann Mitarbeiter: Florian Malle, Willi Mosser, Georg Schusteritsch

TECHNIK Technik: Mario Baeger, Stefan Kitzbichler, Oliver Mühlbach, Harald Schmied, Florian Wurster, Frank Zaback Lichttechnik: Johannes Laugwitz, Ellen Paget Requisite: Giacomo Callari

MITARBEITER TIROLER FESTSPIELE ERL Winter 2015 / 2016 Musikalische Leitung: Gustav Kuhn, Mauro Fabbri, Andreas Leisner, Emanuele Lippi, Erich Polz, Andreas Schett Musikalische Assistenz: Cristina Broccardo, Claudia Foresi, Jan Golubkow, Emanuele Lippi, Yuna Saito, Paolo Troian Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral siehe Besetzungslisten und Biografien siehe S. 65 folgend › Sänger Tutor: KS Oskar Hillebrandt Regie: Gustav Kuhn, Andreas Leisner Regieassistenz: Wolfgang Berthold Inspizienz: Paolo Montoya Übertitel-Inspizienz: Lukas Leipfinger Bühnenbild: Peter Schmidt, Jan Hax Halama, Alexander Paget Kostüme: Lenka Radecky Licht: Gustav Kuhn, Alexander Paget

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OCHESTER DER TIROLER FESTSPIEL ERL Orchesterbetreuung: Vladimir Deiko 1.Violine: Henrykh Fuks (Konzertmeister), Francesco Iorio (Konzertmeister), Fiodar Lushch (Konzertmeister), Katsiaryna Astayeva, Paolo Ghidoni, Alexei Grekov, Aliaksandra Kachytskaya, Ewelina Karna, Mirjana Kelecˇ, Ninela Lamaj, Pavel Likhavets, Hanna Pukinskaya, Alena Ramzayeva, Juliane Reiss, Hleb Tkachuk 2.Violine: Anastasiya Sychova (Stimmführerin), Darya Lushch (stellvertretende Stimmführerin), Fabio Acone, Ketevan Abiatari, Anastasiya Galkina, Alena Kulikouskaya, Alessandro Malizia, Andon Manushi, Matija Matijevicˇ, Zorana Mihailovicˇ, Anhelina Panamarova, Zarina Sitsinskaya, Maryna Volskaya, Viola: Anton Hubert (Stimmführer), Ala Shamela (stellvertretende Stimmführerin), Katsiaryna Ananich, Liudmila Jowtschewa, Ewa Krawiec, Aliaksandra Patsiomina, Zita Pintér, Oxana Protsenko, Alfons Puschej, Aliaksandra Shastapalava, Elena Tratsiakova Cello: Antonio Mostacci (Stimmführer), Tatsiana Deiko (stellvertretende Stimmführerin), Zhanna Darashkova, Florian del Core, Volha Hranionava, Sebastian Jolles, Alexey Okounev, Canseli Cifci Kontrabass: Igor Vasiliuk (Stimmführer), Jesus Paniagua (stellvertretender Stimmführer), Francesco Barile, Joao Wesley Brasil da Silva, Tamas Schultz, Oleksandr Myzjuk Flöte: Maria Beatrice Cantelli (Solo-Flöte), Nadzeya Mialeshka, Anton Pfisterer, Viachaslau Radkevich Oboe: Alejandro Tello (Solo-Oboe), Maryna Babeyeva, Aliya Battalova, Pavel Kot, Hanami Sakurai Klarinette: Karin Mischl (Solo-Klarinette), Arnold Plankensteiner (Bassklarinette), Anton Loginov, Alexei Yaskeltchik Fagott: Vadzim Shleh (Solo-Fagott), Arlette Probst (Kontrafagott), Andrei Khalomkin, Hakan Isiklilar Horn: Gabriel Cupsinar (Solo-Horn), David Fliri (Solo-Horn), Markus Daxer, Siarhei Ihnatovich, Yan Zubaryk Trompete: Aliaksandr Akhremka (Solo-Trompete), Tobias Karall, Johannes Lugger, Yury Slabodchykau Posaune: Domenico Brancati (Solo-Posaune), Angelo Iacona (Bassposaune / Kontrabassposaune), Mattia San Lorenzo, Cristian Marcuzzo Tuba: Andreas Fuetsch Schlagzeug: Oleg Knote, Marcel Morikawa, Daniele Daldoss Pauke: Tom Betsalel Harfe: Johann Niedermaier, Sarah Cocco

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CHORAKADEMIE DER TIROLER FESTSPIELE ERL in Zusammenarbeit mit der Capella Minsk Chorleitung: Jan Golubkow Choreinstudierung Capella Minsk: Liudmila Efimova Natallia Adamovich, Liudmila Aleksandrova, Vitali Ambrazhevich, Galina Astankovich, Aksana Bayeva, Giancarla Bettella, Iryna Bialevich, Ivan Burak, Aliaksandr Chumakov, Liudmila Chystiakova, Artsiom Dashkevich, Daria Dziatko, Boris Efimov, Liudmila Efimova, Siarhei Hryharovich, Maksim Hulai, Alena Kamianetskaya, Natallia Karetskaya, Olga Karpei, Andrei Karpievich, Alexander Kirienko, Svetlana Kochirets, Dmitri Koulakov, Aliaksandr Krainik, Helena Lackner, Denis Lazovskiy, Vikoryia Liashkevich, Yulya Malykh, Aleh Mashera, Dietwalt Mauruschat, Valentin Metelskij, Loussine Nalbandian, Mechislau Novik, Aliaksei Pilipavets, Natallia Reshetniak, Aleh Shastak, Anton Sidorchyk, Ala Sivitskaya, Pavel Sopot, Yulia Stakhouskaya, Alena Tauhen, Yuko Ugai, Dzianis Vishniakou, Vitali Zapiokin

SERVICE Shuttle-Fahrer: Wolfgang SchrĂśder, Jan Van der Meijden KĂźnstlerbuffet: Christa Pemler, Simon Wax (Rolleria, Oberaudorf) Einlasspersonal und Besucherservice: Martina Harlander, Renate Harlander, Stefanie Haselsberger, Alexander Jungmann, Stefan Jungmann, Sophia Maier, Andrea Moser, Elisabeth Neuschmid, Johanna Neuschmid, Sara Osterauer, Eva Ritzer, Gabriela Schwaiger, Daniel Spindler, Carina Unterlechner, Josef Wieser, Judith Wieser, Verena Wieser Mitarbeit Festspielshop: Martina Harlander Facilitiy Management: Clean Service, Julia Daxauer

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mit „Fidelio“ in Chicago), an der Opéra national in Paris („Così fan tutte“, 1982), an der Mailänder Scala („Tannhäuser“, 1984) und in der Arena von Verona („Un ballo in maschera“, 1986).

Seit 1986 widmet sich Gustav Kuhn auch der Opernregie, um eine noch größere künstlerische Einheit zwischen optischem und musikalischem Erleben zu erreichen.

So inszenierte und dirigierte er u. a. „Der fliegende Holländer“ (Triest), „Parsifal“ und „La Bohème“ (Neapel), „Don Carlos“ und „Don Carlo“ (Turin), Da Ponte Trilogie (Festival di Macerata), Rossinis „Otello“ (Berlin, Braunschweig und Tokio), „La Bohème“, „Falstaff“ und „La Traviata“ (Tokio), „Capriccio“ (Parma). Nach seinem Debüt als Opernregisseur (Bühnenbild und Kostüme Peter Pabst) entwickelte er für die Suntory Hall in Tokio die Konzeption der „hallopera“.

Den Salzburger Festspielen blieb er bis zum Jahre 1997 treu (Debüt 1978, 1980 „Figaro“, 1989 „Un ballo in maschera“, 1992, 1994 und 1997 „La clemenza di Tito“). Von 1980 bis 1983 war Kuhn Musikdirektor in Bern (Konzerte und Oper), von 1983 bis 1985 Generalmusikdirektor der Oper der Stadt Bonn. In der Folge wurde er zum Chefdirigenten des Teatro dell’Opera in Rom und später zum künstlerischen Leiter des Teatro di San Carlo in Neapel ernannt.

Von 1990 bis 1994 hatte er die Leitung des Festivals in Macerata inne und im Anschluss daran die künstlerische Leitung der Filarmonica Marchigiana. Von Januar 2003 bis Dezember 2012 war er künstlerischer Leiter des Haydn Orchester von Bozen und Trient. Im Oktober 2013 dirigierte Gustav Kuhn zwei Aufführungen von Wagners „Parsifal“ in Peking. Ein ganz besonderes Ereignis, denn nie zuvor wurde Wagners

Gustav Kuhn

Geboren im steirischen Turrach und aufgewachsen in Salzburg, studierte Gustav Kuhn an den Musikhochschulen von Wien und Salzburg Dirigieren bei Hans Swarowsky, Bruno Maderna und Herbert von Karajan, promovierte aber an der Salzburger Universität gleichzeitig in den Fächern Philosophie, Psychologie und Psychopathologie. Im Alter von 24 Jahren gewann er den ersten Preis beim internationalen Dirigierwettbewerb des ORF. Von 1970 bis 1977 war er zunächst Chordirektor und Dirigent am Opernhaus in Istanbul, dann Erster Kapellmeister am Opernhaus Dortmund. In dieser Zeit gastierte er auch schon in Palermo, Neapel, Bologna. Gastdirigate in Rom, Florenz, Venedig und Zürich folgten. Später dirigierte er die Berliner Philharmoniker, die Dresdner Staatskapelle, das Israel Philharmonic, das London Philharmonic und das London Symphony Orchestra, das Royal Philharmonic Orchestra, das Orchestra Filarmonica della Scala in Mailand, das Orchestre National de France in Paris, die Accademia Nazionale di Santa Cecilia in Rom sowie das NHK Orchestra in Tokio, und nicht zuletzt die Wiener Philharmoniker.

1974 gründete er in Salzburg das Institut für aleatorische Musik. 1977 debütierte er an der Wiener Staatsoper mit „Elektra“ von Richard Strauss, 1978 an der Bayerischen Staatsoper und bei den Salzburger Festspielen. In der darauf folgenden Saison dirigierte er erstmalig am Royal Opera House Covent Garden in London und wurde 1979 Generalmusikdirektor in Bern. 1980 eröffnete er die Festspiele von Glyndebourne. Bald darauf erfolgten die Debüts in den Vereinigten Staaten (1981

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ber 2015 in Peking sowie den 24-StundenRing in Shanghai. Für sein erfolgreiches Engagement hinsichtlich der Rezeption von Richard Wagners Werken in China wurde er dort zum „Künstler des Jahres“ ernannt.

Seine Kompositionen umfassen Orchesterwerke, Messen und Solostücke, großen Erfolg hatte auch seine Instrumentation von Janáčeks „Tagebuch eines Verschollenen“ an der Opéra national de Paris (erschienen bei Edition Peters). 2007 bis 2011 gastierte er regelmäßig mit seiner Konzertreihe Delirium in seiner Heimatstadt Salzburg.

Aufnahmen von Gustav Kuhn gibt es bei dem ihm eng verbundenen Label col legno sowie bei BMG, EMI, CBS, Capriccio, Supraphon, Orfeo, Koch / Schwann, Coreolan, ARTE NOVA etc. Sein Buch „Aus Liebe zur Musik“ erschien im Henschel Verlag.

Oper in China auf die Bühne gebracht.

Seit 1987 ist Gustav Kuhn künstlerischer Leiter des internationalen Gesangswettbewerbs „Neue Stimmen“ der Bertelsmann Stiftung in Gütersloh. 1992 gründete er die Accademia di Montegral, die seit 2000 ihren Sitz im Convento dell’Angelo, Lucca (Toskana) gefunden hat. 1998 begann Kuhn seine eigenen Festspiele in Erl. Nach mehreren Jahren der Arbeit an Wagners „Ring“ gingen die Tiroler Festspiele Erl 2005 erstmals auf Tournee (Santander) und produzierten in Erl den legendär gewordenen 24-Stunden-Ring. Im selben Jahr erklärte sich Dr. Hans Peter Haselsteiner bereit, die Präsidentschaft der Tiroler Festspiele Erl zu übernehmen. Sein Wirken ermöglichte den Bau des neuen Festspielhauses. Die feierliche Eröffnung des Festspielhauses erfolgte am 26. Dezember 2012.

Alljährlich wird die Sommersaison der Tiroler Festspiele Erl nun in der Zeit vom 26. Dezember bis 6. Januar um eine Wintersaison unter der künstlerischen Gesamtleitung von Gustav Kuhn ergänzt. Auf dem Programm stehen dann vornehmlich Werke des zeitgenössischen Repertoires, des Belcanto sowie Werke von Bach und Mozart – Komponisten, die Kuhn ganz besonders am Herzen liegen.

Das Passionsspielhaus bleibt den Festspielen im Sommer als wichtiger Aufführungsort für die großen Werke von Wagner und Strauss beispielsweise erhalten. Mit der Inszenierung des „Lohengrin“ hat Gustav Kuhn im Juli 2012 seinen Zyklus der zehn großen Wagneropern in eigener Regie im Erler Passionsspielhaus abgeschlossen.

Einer Einladung nach China folgend dirigierte Gustav Kuhn die chinesischen Erstaufführungen von „Tristan und Isolde“ und „Die Meistersinger von Nürnberg“ im Okto-

Mauro Fabbri

Mauro Fabbri (1970 in Lucca geboren) schloss sein Klavierstudium mit Höchstnote bei Gloria Belli und sein Studium der Komposition bei Pietro Rigacci am Musikinstitut L. Boccherini in Lucca ab. Dirigieren studierte er im Anschluss bei Bruno Rigacci und Piero Bellugi. Fabbri konnte verschiedene nationale Wettbewerbe als Solist und mit kammermusikalischen Formationen für sich entscheiden. Von 1997 bis 2008 arbeitete er mit der Cappella S. Cecilia der Kathedrale von Lucca zusammen. Während dieser Zusammenarbeit entstanden zahlreiche CD-Einspielungen mit Werken von Porpora, Piccinni, Sammartini, Bellini, G. Puccini beim Label Bongiovanni. 2007 gab er sein Debüt als Chorleiter in der Oper „La Bohèhme“ am Theater Verdi in Gorizia.

2002 komponierte er den „Mottettone“ für das Fest der Kreuzerhöhung in Lucca, 2003

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nicht nur in den großen Häusern, wie dem Festspielhaus St. Pölten, dem Akademietheater Wien oder der Staatsoper in Bratislava, sondern auch in der kleinen, freien zeitgenössischen Szene Wiens mit ihren Off-Theatern. Ebenso tanzte sie in diversen Show-, Opern- und Operettenproduktionen. Als Choreographin arbeitete sie schon früh mit Komponist Hans-Jürgen Doetsch zusammen („Undine“ 2011, „Sommerbilder“ 2015). Ihre letzte choreographische Arbeit vor Probenbeginn bei den Tiroler Festspielen Erl Winter 2015/16 führte sie nach Rumänien, wo sie in der Nationaloper von Cluj im Rahmen eines Ballettabends von Simona Noja ihre Choreographie „Sail“ präsentierte.

veröffentlichte er 2 Stücke für Klavier: „Immagini musicali“, verlegt von Eufonia und anschließend von Giuliano Bellorini eingespielt , und „5 preludi“ (Berben). 2008 und 2009 werden die beiden Auftragswerke der Fondazione Orchestra Sinfonica di San Remo „Sinfonia Concertante per due flauti e orchestra“ und „Haydniana“ vom Sinfonieorchester San Remo uraufgeführt.

Es folgten Assistenzen und Dirigate am Opernhaus Merzig sowie bei den Festspielen von St. Margarethen und Casciano Terme. Fabbri arbeitete mit dem Orchester von Bozen und Trient, den Sinfonieorchestern Arezzo und San Remo, dem Orchester und Chor des Theater Minsk, der Orchesterakademie des Schloss Esterhazy und dem Minsker Orchester zusammen. Seit 2002 ist er musikalischer Assistent am Teatro del Giglio in Lucca. Seit 2012 arbeitet er mit Gustav Kuhn bei den Tiroler Festspielen Erl und in der Accademia di Montegral zusammen. Mauro Fabbri unterrichtet am Musik-Lyzeum A. Passaglia in Lucca.

Oskar Hillebrandt

Kammersänger Oskar Hillebrandt wurde in Schopfheim geboren. Sein Gesangsstudium absolvierte er bei Kammersänger Prof. Josef Metternich an der Staatlichen Hochschule für Musik in Köln. Seit seinem ersten Auftritt an der Württembergischen Staatsoper Stuttgart erhielt er Engagements an allen großen europäischen Opernhäusern: Mailand, Paris, London sowie an der Moskauer Bolschoi Oper. Im deutschsprachigen Raum sang er regelmäßig an der Deutschen Oper Berlin, der Staatsoper Berlin, der Bayerischen Staatsoper München sowie in Stuttgart und an der Staatsoper in Wien („Walküre“-Wotan mit Domingo und Behrens, Wanderer, Telramund, Kurwenal u. a.). Aber auch außerhalb Europas wurde er an viele Opern- und Konzerthäuser berufen. So sang er häufig am Teatro Colón in Buenos Aires, in Santiago de Chile, in Tokio und in Neuseeland. Weitere Auftritte hatte er in Montreal und Ottawa,

Katharina Glas

Die gebürtige Oberbayerin fand erst mit 15 Jahren – also unüblicherweise spät – zum Tanz. Trotzdem konnte sie nach dem Abitur einen Studienplatz für „klassischen und zeitgenössischen Tanz“ am Konservatorium Privatuniversität der Stadt Wien ertanzen und schloss dort ihre Ausbildung im Sommer 2015 mit Auszeichnung und dem „Bachelor of Arts“ ab. Bereits während des Studiums tanzte sie in Werken namhafter Choreographen wie Willi Dorner („notes on blank 1“), Doris Uhlich („energetic bodies“), Anton Lachky („golden jumpers“), Liz King („swanlake remixed“) und Trisha Brown („set and reset“). Zu sehen war sie hierbei

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in Cleveland und in der Carnegie Hall in New York. Oskar Hillebrandt wirkte aber auch bei einer Reihe von internationalen Festspielen mit. In Bayreuth sang er unter Antonio Pappano den Telramund, in Glyndebourne den Mandryka in „Arabella“, in Bregenz den Fliegenden Holländer, bei den Festspielen in München, ebenfalls unter Sinopoli, die Gurrelieder. Beim Northwest Pacific Festival in Seattle sang er den Alberich und Kurwenal, beim Spoleto Festival in South Carolina den Klingsor in Parsifal. Im Brucknerhaus in Linz trat er als Telramund, Alberich und Kurwenal auf. Bei den Tiroler Festspielen Erl sang er unter Gustav Kuhn den Hans Sachs in den Meistersingern sowie den Fliegenden Holländer. Gesungen hat er mehr als 180 Rollen, darunter alle wichtigen Partien des Heldenbaritonfaches von Richard Wagner, außerdem Simone Bocchanegra, Falstaff, Dr. Schön („Lulu“), den Auserwählten („Jakobsleiter“), und viele mehr. Auf seinem Weg begleiten ihn zahlreiche Auftritte bei internationalen Rundfunkanstalten und Schallplattenaufnahmen bei der Deutschen Grammophon, Telefunken, Morgan Records u. a.

Noch während des Studiums erarbeitete er als Regisseur an der Universität u. a. Inszenierungen der Uraufführung N. N. von Gernot Schedlberger und von Kreneks Dark Waters. Auf der Burgruine Hohenegg in Niederösterreich realisierte er im Rahmen eines von ihm gegründeten Barockfestivals Händels Flavio und Alcina. Im Oktober 2003 brachte er eine Carmen-Inszenierung in der Epua Punka Hall in Sapporo heraus.

Im März 2006 inszenierte er die Uraufführung von Thomas Pernes’ Zauberflöte 06, die im Rahmen des Wiener Mozartjahrs von der Neuen Oper Wien produziert wurde.

Andreas Leisner ist Initiator und Mitbegründer des progetto semiserio und führte sowohl bei Giulio Cesare [2001 / 2003] als auch Il Trionfo [2005] und Romeo +– Julia [2008] Regie. 2006 wurde er mit der operativen Leitung der Tiroler Festspiele Erl betraut, wo er mit Maestro Kuhn sowohl als Regisseur („Nabucco“) als auch als Dirigent arbeitet (Eröffnung 2012/13, 2013, Silvesterkonzerte 2013 und 2014, „Il barbiere di Siviglia“ 2015/16). Er ist Mitglied der Accademia di Montegral.

Andreas Leisner

Der in der Steiermark geborene Dirigent kam 2004 zunächst für ein Weinbau- und Wirtschaftsstudium nach Wien. Daneben begann er in den renommierten Chören Wiens zu singen, was zu einer immer intensiveren Auseinandersetzung mit dem klassischen Repertoire führte. In weiterer Folge begann Erich Polz im September 2008 sein Dirigierstudium in der Klasse von Prof. Georg Mark an der Konservatorium Wien-Privatuniversität. 2011 wurde er ausgewählt, das Gustav Mahler Jugendorchester bei dessen Sommertournee als

Erich Polz

Andreas Leisner studierte Theaterwissenschaften, Geschichte und Philosophie in München sowie Musiktheater-Regie an der Universität für Musik und Darstellende Kunst in Wien.

Regieassistenzen und Regiemitarbeit führten ihn an die Wiener Staatsoper, das Royal Opera House Covent Garden London, das Teatro alla Scala, Mailand, das Teatro di San Carlo Neapel, die Staatsoper unter den Linden, die Opéra National de Paris u. v. a.

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nerin tätig. Produktionen im Bereich der Oper waren u. a. „Rusalka“ (Landestheater Detmold), „La Cenerentola“ (Staatstheater Saarbrücken), „Guntram“ (Teatro Bellini Catania) und „Wiener Blut“ (Alte Oper Frankfurt). 2001 übernahm sie die Leitung der saisonalen Kostümabteilung der Tiroler Festspiele Erl, die seit September 2007 als Kostümmanufaktur der Tiroler Festspiele Erl zu einem ganzjährigen Betrieb umgewandelt wurde. In deren Rahmen entwarf sie die gesamten Kostüme aller Produktionen der Tiroler Festspiele Erl, u. a. zehn Opern von Richard Wagner, „Elektra“, „Fidelio“, „Die Zauberflöte“, „Herzog Blaubarts Burg“, „Le nozze di Figaro“. Mit dem Choreografen Jörg Mannes verband sie seit 2003 eine konstante Zusammenarbeit. Es entstanden „Movimenti“ (2004) und „Romeo und Julia“ (2006) am Landestheater Linz sowie für die Staatsoper Hannover „Molière“ (2006), „Romeo und Julia“ (2007), „Beethoven 4“ (2007), „Pulcinella / Stabat Mater“ (2008), „Cinderella“ (2008).

An der Bayerischen Staatsoper entstand im Dezember 2007 das Ballett Shakespeares „Der Sturm“ und 2010 ein Ballettabend zu verschiedenen Kompositionen von Maurice Ravel. Für die Passionsspiele in Erl 2008 wurde ihr die Neugestaltung von über 600 Kostümen übertragen. Zur Wiederaufnahme zum 400-jährigen Jubiläum der Passionsspiele im Mai 2013 überarbeitete Lenka Radecky ihr Kostümkonzept von 2008. Im Oktober 2013 gestaltete sie das Kostümbild der Neuproduktion des „Parsifal“ von Philippe Arlaud im südkoreanischen Seoul.

Dirigierstipendiat zu begleiten, was ihm Assistenzen bei Dirigenten wie Sir Colin Davis, David Afkham und Daniele Gatti ermöglichte. Darüber hinaus absolvierte der junge Dirigent im Mai desselben Jahres sein öffentliches Diplomkonzert am Pult der Bratislava Symphoniker im Radiokulturhaus Wien. Im Juni 2012 debütierte Erich Polz als Leiter der Wiener Konzertvereinigung, deren Chefdirigent er seit 2014 ist, im Wiener Konzerthaus.

Im Zuge seiner Masterprüfung, die er mit Auszeichnung bestand, war der Dirigent im März 2013 auch musikalischer Leiter einer Serie von vier Vorstellungen „Così fan tutte“ im neuen Konzertsaal der Wiener Sängerknaben. Außerdem gründete er in diesem Jahr das Kammerorchester „MODUS 21“, das sich aus Spitzentalenten (Staatskapelle Dresden, Wiener Philharmoniker, Brucknerorchester Linz, Gustav Mahler Jugendorchester u. a.) aus ganz Europa zusammensetzt. Mit diesem Orchester will sich Erich Polz neben dem klassischen Repertoire auch verstärkt der zeitgenössischen Literatur widmen, was er äußerst erfolgreich bei den ersten Konzerten mit diesem Klangkörper demonstrierte.

Lenka Radecky

Lenka Radecky begann ihre künstlerische Tätigkeit als Kostümassistentin an der Bayerischen Staatsoper München, wo ihr ab der Spielzeit 1997/98 die Leitung der Abteilung für Kunstgewerbe übertragen wurde.

In dieser Funktion arbeitete sie u. a. mit Kostümbildnern wie Jürgen Rose, Herbert Wernicke, Buki Shiff, Reinhard Heinrich, Gottfried Pilz, Andrea Schmitt-Futterer und Anthony Mc Donald zusammen. Seit 1998 ist sie als freischaffende Kostümbild-

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Giulio Boschetti

Sängerinnen und Sänger der Accademia di Montegral

Giulio Boschetti studierte Gesang in Parma mit Unterstützung der „Arturo Toscanini Stiftung“. Seine Lehrer waren Renato Bruson, Leo Nucci, Virginia Zeani, Alain Billard und Beppe De Tomasi. Im April 2003 gewann er den internationalen Gesangswettbewerb „City of Neptune“ in Rom. Im Laufe seiner noch recht jungen Karriere hat Boschetti bereits einen Großteil der bedeutenden Partien seines Fachs gesungen. Neben seiner Tätigkeit auf der Opernbühne hat er sich auch auf traditionelle italienische und neapolitanische Lieder spezialisiert, mit besonderer Affinität zu Werken von Francesco Paolo Tosti. Zahlreiche Konzerttourneen führten Boschetti ins In- und Ausland. Er arbeitete eine Zeit lang mit der musikalischen Abteilung der Kathedrale von Assisi zusammen und trat in Zusammenarbeit mit dieser als Solist im Jahr 2000 im Vatikan in Anwesenheit von Papst Johannes Paul II auf. Während dieser Zeit nahm er zahlreiche CDs auf, vor allem mit Werken des 17. und 18. Jahrhunderts aus den Archiven der Kathedrale von Assisi. Zuletzt war Giulio Boschetti bei den Tiroler Festspielen Erl als Figaro in „Le nozze di Figaro“, Gran sacerdote di Belo in „Nabucco“, Giorgio Germont in „La Traviata“ und Scarpia in „Tosca“ zu erleben.

Frederik Baldus

Frederik Baldus schloss sein Gesangsstudium 2011 bei Prof. Konrad Jarnot an der Robert Schumann Hochschule Düsseldorf mit dem Konzertexamen ab, nachdem er bei Prof. Angela Nick an der Musikhochschule Freiburg seine Diplome in Lied und Oratorium sowie Operngesang absolviert hatte. Er nahm an Meisterkursen bei Inge Borkh, Anna Tomowa-Sintow, Françoise Pollet, Tom Krause und René Jacobs teil.

Zudem war er Finalist beim „Ad honorem Mozart“ in Prag. Im Oktober vergangenen Jahres nahm er an den 9. Internationalen Neue Stimmen Meisterklassen unter der Leitung von Edda Moser, Francisco Araiza und John Norris teil. Bereits während seines Studiums gastierte er an den Theatern in Luzern, Freiburg, Regensburg und Gelsenkirchen. Im Sommer 2012 war er als Heerrufer unter der Leitung von Gustav Kuhn bei den Tiroler Festspielen Erl zu erleben. Im Konzertfach debütierte er bereits 2007 im Palacio de Bellas Artes (Mexiko) als Solist in Beethovens 9. Symphonie und erfreut sich seitdem reger Konzerttätigkeit – zuletzt mit den Hamburger Symphonikern als Haushofmeister in Richard Strauss’ „Capriccio“ unter Jeffrey Tate in der Hamburger Laeiszhalle. Als Liedsänger arbeitet Frederik Baldus mit Thomas Palm zusammen und wurde vom Internationalen Schumann Verein Düsseldorf wiederholt als Sänger für Schumanns „Dichterliebe“ engagiert. Frederik Baldus ist Stipendiat des Richard-Wagner-Verbandes und Preisträger der Kammeroper Schloss Rheinsberg.

Michela Bregantin

Michela Bregantin schloss ihr Studium am Konservatorium A. Buzzolla mit Höchstnote ab und startete gleich darauf ihre Karriere als Sopranistin. Sie gewann zahlreiche internationale Wettbewerbe und gastierte auf vielen Bühnen weltweit, wo sie Partien aus „Tosca“, „La Bohème“, „Turandot“, „Il trovatore“ und „Aida“ sang. Nach weite-

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Scuola dell’Opera Italiana di Bologna, wo er sich auf Rossini-Partien spezialisierte. Er gastierte u. a. beim Rossini Opernfestival in Pesaro, am Teatro Municipale Piacenza, am Teatro Pavarotti Modena, am Teatro Argentino de La Plata Buenos Aires sowie beim Festival della Valle d’Itria und am Teatro Comunale Bologna. Weitere Engagements umfassen u. a. Carmina Burana in Mannheim und Florville „Il signor Bruschino“ am Teatro la Fenice Venedig.

ren Jahren im Sopranfach wurde deutlich, dass ihre Stimme vom Tonumfang und Klang doch eher im Mezzosopran zur vollen Schönheit erblühen könnte. In dieser Stimmlage sang sie folglich mit angeborener, natürlicher Intensität und überzeugte sowohl ihr Publikum als auch die Presse von Beginn an. Michela Bregantin sang an allen wichtigen, traditionellen Opernhäusern Italiens und im Ausland, wo sie nicht nur wegen ihres italienischen Repertoires – darunter Santuzza, Amneris, Maddalena, Fenena, Azucena und die Principesssa di Bouillon – geschätzt wird, sondern auch wegen ihrer Interpretation der französischen Opern des 18. Jahrhunderts in Partien wie Carmen, Dalila, Maguerite und Charlotte. Seit 2008 gehört sie zu den Solisten der Accademia di Montegral unter der Leitung von Maestro Gustav Kuhn, mit dem sie begann, vermehrt auch deutsches Repertoire zu studieren.

Leonora del Rio

Die in Buenos Aires geborene Sopranistin Leonora del Rio wuchs in Deutschland auf.

Sie studierte nach dem Abitur Gesang und Klavier an der Musikhochschule Köln. Als Gesangsstudentin von KS Prof. Edda Moser wurde sie schon während ihrer Studienzeit am Opernstudio der Deutschen Oper am Rhein in Düsseldorf engagiert. Gleichzeitig debütierte sie am Tiroler Landestheater Innsbruck als Saffi im „Zigeunerbaron“ von Johann Strauß. An der Opera de Metz (FR) feierte sie als Agathe im „Freischütz“ von Carl Maria von Weber die ersten großen Erfolge. Es folgten zahlreiche internationale Auftritte, die sie bis nach Südamerika führten, u. a. als Mimi in Puccinis „La Bohème“. Leonora Del Rio besitzt ein weit gefächertes Repertoire, das von Mozart über Verdi und Puccini bis zur Operette, zum Musical und Jazz reicht. Zuletzt sang sie sehr erfolgreich am Teatro Colòn (Buenos Aires) die Titelpartie der „Lustigen Witwe“ von Franz Lehár.

Francisco Brito

Francisco Brito war bis zur Spielzeit 2012/13 Mitglied des Opernstudios der Oper Frankfurt. Er war hier u. a. an Cavalieris „Das Spiel von Seele und Körper“ beteiligt und trat zuletzt als Giannetto in Rossinis „La gazza ladra“ sowie als Fenton in Verdis „Falstaff“ auf. Der Tenor sang jüngst Ferrando / „Così fan tutte“ in Paphos und Graf Almaviva in „Der Barbier von Sevilla“ in Cosenza. Zuvor sang er Don Ramiro „La Cenerentola“ an der Semperoper Dresden, wo er bereits in „Anna Bolena“ auftrat, sowie Dorvil „La scala di seta“ am Nationaltheater Mannheim. Der gebürtige Argentinier studierte in seinem Heimatland und in Italien an der Accademia d’Arte Lirica di Osimo sowie an der

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„Clemenza di Tito“ und „Così fan tutte“ in Modena, Reggio Emilia und Erl. 2015 brachte ihr Auftritte in Berlioz’ „Orpheus und Eurydike“ in der Rolle des Amor in den Opernhäusern von Palermo und Neapel. Im September 2015 debütierte sie bei der Rossini Opernakademie in Kanada als Solistin in Rossinis „Petite Messe Solenelle“. Bei den Winterfestspielen in Erl 2015/16 wird sie die Rolle der Rosina in Rossinis „Barbiere di Siviglia“ übernehmen.

Aurora Faggioli

1992 in Bozen geboren, entdeckte Aurora Faggioli ihre Leidenschaft für den Gesang bereits im Alter von 14 Jahren und begann fortan mit privatem Gesangsunterricht. Nur wenig später startete sie ihre Karriere als junge Solistin und wurde zu zahlreichen Opernkonzerten ihrer Heimatregion eingeladen. Mit 19 Jahren erwarb sie bereits ihr Diplom im Fach Operngesang am Konservatorium F. A. Bonporti in Trient bei Mattia Nicolini mit Auszeichnung. Als Gasthörerin besuchte sie das Fortbildungsprogramm der Accademia Rossiniana ROF in Pesaro, das von Alberto Zedda abgehalten wird. Aurora Faggioli gewann die „Menzione speciale“ beim Wettbewerb Premio Nazionale delle Arti 2008 / 2009 des Unterrichtsministeriums in der Sektion „Canto bandito“. Außerdem ist sie Trägerin des „Primo premio ex-equo“ beim V° Concorso Internazionale di Canto Lirico 2012 des Centro sperimantale lirico F. M. Martini in Mantua. Weitere Konzert und Festivalauftritte in Prag, Lienz, Locarno und Paris komplettieren ihren bisherigen Werdegang. 2012 wurde sie Mitglied der von Gustav Kuhn gegründeten Accademia di Montegral. Im Juli desselben Jahres gab sie bei den Tiroler Festspielen Erl ihr Debüt in der Rolle des Zweiten Knappen in Wagners „Parsifal“ unter der Leitung von Gustav Kuhn. Anlässlich der Eröffnung des Festspielhauses Erl war sie in Bachs „h-Moll Messe“ zu hören. 2013 war sie Finalistin des Internationalen Gesangswettbewerbs für Barockoper Pietro Antonio Cesti und wurde eingeladen, 2014 Tiberino in Cestis „L’Orontea“ zu singen. Im Rahmen der Festkonzerte des Orchesters Pupur war sie in Ossiach und Wien zu erleben. 2014 sang sie Annio und Dorabella in Mozarts

Oliviero Giorgiutti

Der Bariton Oliviero Giorgiutti begann seine musikalische Karriere als Oboist. Erst später widmete er sich mit großem Erfolg dem Gesang. Im Jahr 2000 gewann er die internationalen Wettbewerbe As. Li. Co (Mailand) und Toti dal Monte (Rovigo).

2002 konnte er sich beim Wettbewerb Comunità Europea in Spoleto durchsetzen.

Sein umfangreiches Rollenrepertoire führte ihn an verschiedene italienische Theater, wie z. B. an die Theater von Cremona, Bergamo, Spoleto, Turin. Auch Auftritte im Ausland folgten, so war Oliviero Giorgiutti in Nizza und im Bunka Kaikan in Tokio zu sehen. Der Bariton fühlt sich nicht nur im klassischen Opernrepertoire zu Hause, sondern widmet sich auch der Kammermusik und dem Oratorienfach.

Sophie Gordeladze

Sophie Gordeladze wurde in Georgien geboren. Sie schloss sowohl ihr Gesangs- als auch das Klavierstudium am staatlichen Konservatorium der Stadt Tiflis ab. Weitere Studien führten sie nach Italien zu den anerkannten Sopranistinnen Mirella Freni, Lella Cuberli, Maria Cioni, Marilla Devia

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und Elizabeth Schwarzkopf. Gordeladze konnte schon rund zehn internationale Gesangswettbewerbe für sich entscheiden, z. B. den Bellini-Gesangswettbewerb, Aragall, Magda Olivero, F. Labo, Giacomotti, Tagliavini. Als Studentin debütierte sie in Tiflis als Norina in „Don Pasquale“, es folgten Gilda in „Rigoletto“ und Ismene in „Mitridate, re di Ponto“ und die SopranPartie in „Carmina Burana“. 2010 gab Gordeladze ihr Debüt in Österreich als Violetta in „La Traviata“ im Rahmen der Opern Air Festspiele Gars am Kamp. 2012 war sie dort auch als Gilda zu hören. In der Saison 2011/12 sang sie am Teatro Carlo Felice, Genua, und am Grand Théâtre de Genève Musetta, Lauretta, Serafina, Pagagena. Zu ihrem Repertoire zählen auch die Partien der Adina, Giulietta, Juliette, Mimi und Pamina. 2012 debütierte Gordeladze am Chicago Opera Theatre als Lusya in Schostakowitschs „Moscow, Cheryomushki“ und bei den Tiroler Festspielen Erl als Susanna in „Le nozze di Figaro“. Im Sommer wurde sie zunächst bei den Tiroler Festspielen Erl als Gilda gefeiert, um dann beim Rossini Opera Festival in Pesaro in „Il Viaggio a Reims“ unter Maestro Alberto Zedda zu reüssieren. In Leon (Mexico) war sie 2014 als Violetta in „La Traviata“ zu hören. 2014 stand Sophie Gordeladze wieder bei den Tiroler Festspielen Erl auf der Bühne: als Zerlina in „Don Giovanni“ und Despina in „Così fan tutte“. Ihre nächsten Engagements führen sie nach Bern, wo sie die Gräfin in „Figaros Hochzeit“ und Marguerite in Gounods „Faust“ singen wird, bevor es weiter nach Lyon geht, wo sie als Rosalinde in „Die Fledermaus“ debütieren wird.

Junhua Hao

Junhua Hao wurde in Shanxi / China geboren. An der dortigen Musikhochschule, einem Ableger der Shanxi University, sowie am Shanghai Conservatory of Music studierte sie Gesang und machte ihren Abschluss mit der Höchstzahl der zu vergebenden Punkte. Seit 2010 ist sie Mitglied der Opernschule im italienischen Bologna und konnte bei verschiedenen Produktionen mitwirken. Im November desselben Jahres wirkte sie auch an der Produktion „Rossini Cards“ am Teatro Comunale di Bologna mit. Im Januar 2011 war sie als Zweite Kreatur Teil der Produktion von A. Sottos „Frankenstein“, die in Theatern in der Provinz Bologna im Rahmen der Ausstellung „La Provincia all’opera“ gezeigt wurde. Im Mai desselben Jahres, während der symphonischen Saison des Teatro Comunale di Bologna, nahm sie an den Festlichkeiten zum 200. Geburtstag von Franz Liszt unter der Leitung von Tamás Pál teil. Im Oktober 2011 interpretierte sie die Rolle der Suzuki in „Madama Butterfly“ am Teatro Lirico di Cagliari, dirigiert von Julian Kovatchev.

Die Regie führte Mariusz Trelinski. Anfang 2012 sang sie die Amneris in „Aida“ am Teatro Regio in Parma; Dirigent war Antonino Fogliani, Direktor Joseph Franconi Lee, gefolgt von Suzuki anlässlich des „Madame Butterfly“-Konzertes am Teatro Alessandro Bonci in Cesena und am Teatro Diego Fabbri in Forli, dirigiert von Paolo Olmi. Im Mai 2012 gewann sie den Preis Tito Titano für Verdi Stimmen innerhalb des internationalen Wettbewerbs EurOrchestra Tito Titano in Bari. Im Februar 2013 interpretierte sie im nationalen Zentrum für darstellende Künste in Peking (China) die Mercedes in „Carmen“. Es dirigierte Maestro

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den Künstler bis heute eine enge Zusammenarbeit. Regelmäßige Gastspiele führten ihn inzwischen nach München, Berlin, Essen, Brüssel, Barcelona, Florenz, Turin, Genua, New York, Chicago, San Diego und Tokio. Im Frühjahr 2001 sang Franz Hawlata mit großem Erfolg seinen ersten Wotan am Staatstheater Meiningen in den Aufsehen erregenden Inszenierungen von Christine Mielitz, 2003 folgte das Debüt als Hans Sachs in Essen, eine Partie, die er unter der Leitung von Zubin Mehta auch im Maggio Musicale 2004 in Florenz gesungen hat und mit der er 2007 in Bayreuth debütiert hat. Im gleichen Jahr folgte sein erster Barak in Chicago, Anfang 2008 dann in Paris (Bastille). Bei den Salzburger Festspielen sang Franz Hawlata erstmals den Osmin 1997. Diese Produktion wurde 1998 wiederholt. 1999 folgte der Leporello sowie 2000 und 2001 Don Alfonso in „Così fan tutte“ und 2004 der Ochs im „Rosenkavalier“. Im Mozartjahr 2006 hat er hier als auch in Wien wieder den Osmin gesungen. Seine Verpflichtungen führten ihn im Juni 2008 wieder an die Wiener Staatsoper mit einer Neuproduktion von „Capriccio“ (LaRoche), danach folgten die Bayreuther Festspiele (Sachs). Die Saison 2008/09 begann mit einer Produktion der „Verkauften Braut“ in Paris (Bastille), es folgten Vorstellungen an der Deutschen Oper Berlin („Rosenkavalier“, „La Bohème“ und „Freischütz“), und der „Rosenkavalier“ in Baden-Baden (Thielemann), „Die Meistersinger von Nürnberg“ (Pogner) in Erl sowie zwei Konzerte beim Edinburgh Festival 2009. Die Saison 2009/10 begann mit konzertanten Aufführungen des „Rosenkavalier“ in Sao Paulo, gefolgt von einer Neuinszenierung der „Schweigsamen Frau“ in Sevilla. Den Morosus sang Franz

Guoyong Zhang, Regie führte Francesca Zambello. Im Mai 2013 spielte sie die Fenena in „Nabucco“, wieder am nationalen Zentrum für darstellende Künste in Peking (China), unter der musikalischen Leitung von Maestro Eugene Kohn. Regie führte Gilbert Deflo. Im Juni 2013 besuchte sie einen weiterführenden Kurs für Gesang mit Schwerpunkt Verdi-Repertoire. Zwischen Juli und Oktober interpretierte sie die Federica in „Luisa Miller“ in den Theatern von Busseto und Piacenza, dirigiert von Donato Renzetti, theatralisch in Szene gesetzt von Maestro Leo Nucci.

Franz Hawlata

Franz Hawlata wurde in Eichstätt / Bayern geboren. Er studierte dort Musikwissenschaft, bevor er 1983 an die Musikhochschule München ging und dort bei Ernst Häfliger, Hans Hotter und Erik Werba sein Gesangsstudium absolvierte. Bereits 1986 gab er sein Bühnendebüt am Gärtnerplatztheater. Nach einigen Jahren in München, Coburg und an der Komischen Oper Berlin begann 1992 seine internationale Karriere mit Gastspielen in Lyon, Pretoria, Cardiff und San Francisco. 1994 wurde Franz Hawlata an die Wiener Staatsoper verpflichtet und hat dort bisher in mehr als 200 Aufführungen nahezu alle bedeutenden Partien seines Fachs gesungen. Sein überaus erfolgreiches Debüt an der Metropolitan Opera gab der Sänger mit dem Ochs im Februar 1995, im Oktober des gleichen Jahres folgte sein erster Auftritt an der Bastille Paris in Weills „Mahagonny“ und im November 1996 wurde er als Leporello zum ersten Mal im Royal Opera House in London begeistert gefeiert. Mit der MET und der Bastille Paris verbindet

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Konzertsälen des In- und Auslands und bei internationalen Festspielen zu hören.

Hawlata auch in der Festspielpremiere 2010 in München. Unter den wichtigen Produktionen des Jahres 2011 waren der „Rosenkavalier“ in Tokio sowie „Meistersinger“ (Pogner) und „Parsifal“ (Gurnemanz) bei den Tiroler Festspielen in Erl. Höhepunkte des Jahres 2012 waren ein Gastspiel in Tokio mit den „Lustigen Weibern von Windsor“, eine neue Produktion der „Schweigsamen Frau“ (Morosus) in Chemnitz, König Marke bei den Tiroler Festspielen sowie der „Rosenkavalier“ (Ochs) und „Don Pasquale“ (Titelpartie) in München. Ein großer Erfolg des vergangenen Jahres war der Wotan in den Neuproduktionen von „Rheingold“ und „Walküre“ im Teatro Massimo in Palermo.

Es folgten Gastspiele in Budapest und Warschau mit „Capriccio“ (LaRoche) und „Tristan und Isolde“ (Marke) sowie der Daland im „Fliegenden Holländer“ in Peking. Im Juni war Franz Hawlata wiederum Gast am Teatro Real in Madrid in der Rolle des Doktors in Berg’s Oper „Wozzeck“. Im Sommer hörte man ihn bei den Tiroler Festspielen im „Nabucco“ als Zaccaria. Die Saison 2013/14 begann mit einer Neuinszenierung von Mozarts „Entführung“ (Osmin) in Liège, der Wiederaufnahme der „Schweigsamen Frau“ (Morosus) in Chemnitz und dem „Fidelio“ (Rocco), wiederum in Liège.

Unter den Audioproduktionen des Sängers sind besonders zu erwähnen: Spohrs „Faust“, Lieder und Gesänge von Loewe (mit Juliane Banse und Helmut Deutsch), Loewes Oper „Die drei Wünsche“, Szenen und Arien aus Opern von Verdi, Marschners „Vampir“, Nicolais „Lustige Weiber“, Dvořáks „Rusalka“, Beethovens „Leonore“, Franz Schmidts „Buch mit sieben Siegeln“ und Berlioz’ „Benvenuto Cellini“. Auch als Lied- und Konzertsänger sehr gefragt, ist Franz Hawlata regelmäßig in den großen

Julian Henao

Julian Henao wurde in Kolumbien geboren.

Seine musikalische Ausbildung und Gesangsunterricht erhielt er bei Prof. Bernardo Sánchez und Maestro Detlef Scholz an der Universidad de Antioquia und der Academia Bernardo Sanchez in seinem Heimatland. Er war Preisträger mehrerer Gesangswettbewerbe, bei denen die Jurys ihm nicht nur eine schöne, sehr hohe Stimme attestierten, sondern auch eine außerordentliche Musikalität sowie gute technische Kenntnisse. Er absolvierte mehrere Meisterkurse unter der Leitung von Enric Serra, Maestro Arno Leicht und Prof. Helena Łazarska. Sein Bühnendebüt gab er in der Zarzuela „Luisa Fernanda“ (in der Rolle des Saboyano) im Opernhaus von Medellin, wo er später auch die Partie des Remendado in „Carmen“ sang. Darüber hinaus verfügt Julian Henao bereits über Erfahrung im Oratorienfach. So sang er z. B. die Tenorpartien in Puccinis „Messa di Gloria“ und in J. S. Bachs „Kaffeekantate“ mit dem Philharmonischen Orchester von Medellin sowie in dem Projekt „Mozart für alle“, wo er die Rolle von Don Ottavio interpretierte. Im Juni 2009 bestand er die Aufnahmeprüfung an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien, wo er in der Folge seine Ausbildung bei der bekannten Sopranistin K. S. Edith Lienbacher aufnahm. Derzeit wird er von Regine Köbler an der Universität und von Bojidar Nikolov, einem erfolgreichen bulgarischen Tenor, privat unterrichtet.

Im August 2010 wirkte er bei den Festspielen Golling in Salzburg in der Rolle

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list in einer größeren Produktion von sich überzeugen. Über Regensburg und Augsburg folgte der Sprung an die Münchner Staatsoper, an der er drei Spielzeiten tätig war. Durch den Intendantenwechsel wurde er nicht mehr berücksichtigt und die Wanderjahre begannen erneut und endeten, zumindest zeitweise, immer wieder in Erl. Auch als Konzert- und Liedsänger ist er vornehmlich in Bayern, aber auch im Ausland präsent. Das neueste Projekt ist ein hochqualitatives Männerquartett mit unterhaltsam-klassischem Repertoire.

des Rodolfo in der Oper „La Bohème“ mit, im September desselben Jahres sang er beim „Przy Swiecach“ (Polen) im Lubostron Palace ein Konzert, das landesweit live übertragen wurde. Es folgte 2011 eine Einladung zum berühmten kolumbianischen Festival, dem „De regreso a mi tierra Xl version“ in Cali. Ebenfalls 2011 sang er beim Festival „Wielki Turniel Tenoró“ in der Oper „Na Zamku“ in Polen. Im September 2011 wirkte er bei einem südamerikanischen Festival in der Rolle des Don Ottavio in der Oper „Don Giovanni“ mit. Weiter ging es mit Wien, wo er im März 2012 am Schlosstheater Wien die Rolle des Lurcanio in der Oper „Ariodante“ von Händel sang.

Im August 2012 trat er im Ruhpoldinger Kurhaus (Bayern, Deutschland) in der Rolle des Mengone aus der Oper „Lo Speziale“ von Haydn auf. Das folgende Jahr brachte ihn zurück ans Schlosstheater Wien, wo er im März 2013 die Tenorpartie des Comedia del arte in der Ballettoper „Pulcinella“ von Tschaikowsky sang. Es folgte im Mai am Schlosstheater Wien die Rolle des Igel von Stachelstein aus der Oper „Der Stern“ von E. Chabrier. Derzeit wirkt der Tenor Julian Henao bei den Projekten „Die drei Tenöre“ und „Opera al dente“ mit und singt mehrmals pro Monat Strauß- und MozartKonzerte im Kursalon Hübner in Wien. Bei den Tiroler Festspielen Erl gibt er in dieser Saison als Graf Almaviva in Rossinis „Il barbiere di Siviglia“ sein Debüt.

George Humphrey

George Vincent Humphrey studierte Gesang an der University of Colorado Boulder und an der University of Northern Colorado sowie Chorleitung am Vandercook College of Music in Chicago. Er war Finalist und ist Preisträger wichtiger Wettbewerbe und besuchte Meisterkurse u. a. von Sir Donald McIntyre, dessen Student er fünf Jahre lang war. Seine Tätigkeit in den USA dokumentiert eine rege Zusammenarbeit mit der Colorado Opera Troupe, Denver Lyric Opera, Dupage Opera, Light Opera Company of Salisbury Connecticut, University of Colorado Opera, University of Texas Opera, University of Northern Colorado Opera. In Europa war er vor allem im süddeutschen Raum, u. a. bei den Jungen Münchner Symphonikern, der Camerata München und in „Rothschild’s Geige“ an der Bayerischen Staatsoper zu erleben. Sein weites Repertoire umfasst italienische Partien wie Andrea Chénier, Calaf, Cavaradossi, Radames, Manrico oder Canio, das deutsche Fach ist mit Florestan, Erik, Siegmund und Walther von Stolzing vertreten. George Vincent Humphrey ist auch in Liederabenden – z. B.

Markus Herzog

Im Chiemgau aufgewachsen, ist der Tenor Markus Herzog schon im fünften Jahr in Erl mit dabei. Nach Lehrjahren in Ulm konnte er bei den Orff-Festspielen in Andechs das erste Mal das Publikum als So-

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einer konzertanten Aufführung die Siegrune in Wagners „Walküre“ in der Moskauer Tschaikowsky Konzerthalle. 2012 sang sie Gustav Mahlers „Lied von der Erde“ bei den Festspielen Südtirol in Italien. 2013 folgte die Carmen in Bizets gleichnamiger Oper in der Philharmonic Hall in Moskau.

sang er 2012 Mahlers „Lied von der Erde“ im Rahmen der Festspiele Südtirol unter Gustav Kuhn – und Oratorien zu hören, darunter Händels „Messias“, Orffs „Carmina Burana“ oder Mendelssohns „Elias“. Nach seinem gefeierten Debüt bei den Tiroler Festspielen Erl im Sommer 2013 sang George Vincent Humphrey Cavaradossi in „Tosca“ sowie zahlreiche Konzerte. Darüber hinaus war er Cover für Ismaele in „Nabucco“ und für Manrico in „Il trovatore“. In der kommenden Saison wird er zunächst Florestan in „Fidelio“ singen, im Sommer dann erneut den Siegfried in Erl sowie Erik im „Holländer“ geben. Für die vergangene Saison standen die Rollendebüts von Kaiser in „Die Frau ohne Schatten“, Calaf in „Turandot“ und Tannhäuser auf dem Programm. Im Oktober sang er nach seinem erfolgreichen Siegfried-Debüt im Sommer bei den Tiroler Festspiele Erl dieselbe Partie beim legendären Gastspiel der Festspiele in Shanghai im 24-Stunden-Ring.

Michael Kupfer-Radecky

Michael Kupfer-Radecky wurde in Ravensburg geboren. Nach dem Abschluss einer kaufmännischen Ausbildung nahm er sein Gesangsstudium am Mozarteum in Salzburg bei KS Wilma Lipp auf. Er vervollständigte sein Studium bei Prof. Hanno Blaschke, KS Astrid Varnay und Prof. Carol Richardson und wurde kurz darauf Mitglied im Opernstudio der Bayerischen Staatsoper München. Sein erstes Festengagement führte ihn an das Theater der Stadt Koblenz. Es folgten Verpflichtungen nach Bremerhaven sowie an das Theater Krefeld / Mönchengladbach. Hier sang er Partien wie Posa in „Don Carlo“, Nick Shadow in „The Rake’s Progress“ und Zar Peter I in „Zar und Zimmermann“. Michael Kupfer-Radecky gewann 1993 u. a. einen Förderpreis beim Internationalen Gesangswettbewerb „Neue Stimmen“. Im Jahre 2009 wurde er vom Opernfachmagazin „Opernwelt“ zum „besten Nachwuchssänger der Saison“ gekürt. Während er sich auf der Bühne in den wichtigen Opernpartien seines Fachs genauso zu Hause fühlt wie in eher unbekannten, wird Kupfer-Radecky bei seiner regen Konzerttätigkeit gerne für die großen Klassiker eingesetzt. So sang er Haydns „Schöpfung“ und „Die Jahreszeiten“, „Johannes-Passion“ und „MatthäusPassion“ von Bach, Beethovens 9. Symphonie, das Brahms-Requiem, Mahlers 8.

Svetlana Kotina

Die Mezzosopranistin Svetlana Kotina wurde in Samara / Russland, geboren. Ihre musikalische Ausbildung begann an der dortigen Musikschule mit Klavierunterricht. Sie studierte Gesang bei N. Dmitrieva an der Russian Gnessin Musikakademie.

2005 wurde sie ins Galina Vishnevskaya Opera Centre aufgenommen, wo sie sich bis 2007 fortbildete. Dort erfolgten ihre ersten Opernauftritte in Rollen wie Arsace in „Semiramide“, Angelina in „La Cenerentola“, Maddalena in „Rigoletto“, Olga in „Evgeny Onegin“, Rosina in „Il barbiere di Siviglia“. Weitere Engagements brachten sie nach Georgien und Mazedonien. Unter der Leitung von Kent Nagano sang sie in

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mit Bestnote ab, gleich darauf folgte ein Engagement an die Staatsoper Abay in Almaty, Kasachstan. In den vergangenen 10 Jahren ihrer jungen Karriere sang sie mit großem Publikumserfolg Partien wie Violetta und Gilda in den Verdi-Opern „La Traviata“ und „Rigoletto“, Michaela in „Carmen“ (Bizet), Liu in Puccinis „Turandot“ und Mimi in „La bohème“ (Puccini), Tatjana in „Eugene Onegin“, Marfa in „Die Zarenbraut“ und viele andere. Stets gelang es ihr, diese doch so verschiedenen Rollen in der jeweiligen Charaktereigenschaft einfühlsam zu interpretieren. Lada Kyssykova gelang es, sich als eine der bedeutendsten Solistinnen am Staatstheater Kasachstan zu etablieren, sie ist ebenso gern gesehener Gast bei Fernsehsendungen wie auch bei großen Galakonzerten in ihrem Heimatland. Im Jahr 2011 machte sie ein Praktikum in Pesaro an der „Accademia di canto Renata Tebaldi e Mario del Monaco“, gefolgt von einem Fortbildungskurs am Teatro Pergolesi Spontini in Jesi, Italien. In dieser Zeit erhielt sie mehrere Einladungen zu Konzerten in Italien. Darüber hinaus gewann sie zahlreiche Wettbewerbe, u. a. „Il Premio Riccardo Zanai“ (Italien) und den Sonderpreis des Theater Ciao Opera in Sao Paulo (Brasilien) oder Marie Kraja (Albanien). Außerdem sang sie die Gräfin in „Die Hochzeit des Figaro“ in Cagliari, Anna Glavari in „Die lustige Witwe“ in der Filarmonia di Piacenza sowie die Rolle der Violetta in „La Traviata“ am Nationaltheater in Medellin (Kolumbien). Um ihre Stimme zu schulen und zu verbessern, nimmt sie regelmäßig Unterricht bei den Großen dieses Fachs, darunter Mirella Freni, Mario Melani, Mietta Sighele, Tamara Novichenko, Eldar Gezadze, Am Simoni, Evghenia Dundekova, William Matteuzzi. Zu ihren

Symphonie und vieles mehr unter vielen bedeutenden Dirigenten unserer Zeit und an wichtigen Konzerthäusern der Welt. Seit 2000 ist Kupfer-Radecky regelmäßig Gast bei den Tiroler Festspielen Erl. Dort sang er u. a. Eisenstein, Donner und Gunther, Kurwenal und Klingsor sowie in vielen Konzerten und Liederabenden. Im Sommer 2009 gab er hier sein Debüt als Orest in „Elektra“ von Richard Strauss, 2011 sang er in Erl seinen ersten Wolfram. 2012 debütierte der Bariton am Moskauer Bolschoi als Faninal in einer Neuproduktion von Richard Strauss’ „Rosenkavalier“. 2013 sang er seinen ersten „Rheingold“-Wotan am Theatro Municipal in São Paulo. Am Royal Opera House Stockholm war er zu Beginn des Jahres 2014 zum ersten Mal als Jochanaan in R. Strauss „Salome“ zu erleben sein. Im selben Jahr hat er die Aufnahmen für sein zweites Solo-Album erfolgreich beendet, das nach der CD-Produktion mit Schuberts „Winterreise“ den Liederzyklus „Die schöne Müllerin“ im eigenen Label präsentiert.

Gastauftritte führten ihn in 2015 noch einmal an das Bolschoi Theater und nach China (Beijing) für „Der Rosenkavalier“ sowie zu den Wagner Festspielen in Wels, wo er den Kurwenal gab. Als Sachs gab Michael Kupfer-Radecky bei den Tiroler Festspielen Erl im Sommer 2015 sein gefeiertes und viel beachtetes Rollendebüt und präsentierte die Partie auch auf dem Gastspiel der Festspiele nach China in Peking.

Lada Kyssy

Lada Kyssy wurde in Kasachstan geboren, wo sie bereits im Alter von 6 Jahren ihr Gesangsstudium und ihre Karriere als Solistin begann. Im Jahr 2002 schloss sie ihr Studium am Staatlichen Konservatorium

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führten ihn seither nach Wien (Wiener Festwochen), Budapest (Fauré-Requiem) und Athen („les noces“ von Igor Stravinsky). Im Sommer 2007 verkörperte der Bassbariton den Gefängnisdirektor Frank in der „Fledermaus“ sowohl im Schlosstheater Schönbrunn als auch bei den Operettenfestspielen Haindorf in Niederösterreich.

Es folgten Auftritte bei den Herbsttagen in Blindenmarkt wo Horst Lamnek den Baron Weps in Carl Zellers „Vogelhändler“ sang.

Nächste Engagements führten den Sänger nach Villars-sur-Glane / Schweiz mit Bachs „Magnificat“ und der Kantate 63, sowie mit den Bass-Arien in der „Matthäus-Passion“ nach Lübeck. Im Frühjahr 2008 gab Horst Lamnek als Sparbüchsen Bill in „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ sein Debüt an der Komischen Oper in Berlin. 2009 gastierte der Bassbariton am Theater Hagen in „Salsipuedes“ als Coronel und Colette von D. Catán (europäische Erstaufführung) und als Don Magnifico in „La Cenerentola“.

Außerdem war Horst Lamnek wieder Gast an der Komischen Oper: Als Leander in der „Liebe zu den drei Orangen“ von Sergej Prokofjew, wie schon in der vorherigen Spielzeit als Sparbüchsen Bill in „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ und als Gefängnisdirektor Frank in „Die Fledermaus“ von Johann Strauß. In diesen Stücken war der Sänger in der Saison 2009 / 2010 erneut Gast an der Komischen Oper Berlin. Im Rahmen des Osterklangfestivals 2014 sang Horst Lamnek in Bachs „Johannespassion“ mit den Wiener Symphonikern im Konzerthaus Wien unter Giovanni Antonini.

Zuletzt gastierte Horst Lamnek am Theater an der Wien, am New National Theatre, Tokyo (Frank in der „Fledermaus“) und bei den Opernfestspielen in Sankt Margarethen (Sagrestano in „Tosca“). In der kommen-

Lehrern gehören auch namhafte Pianisten und Gesamgslehrer wie z. B. Giulio Zappa, Mateo Pais, Luke Saltini, Paola Paola Mariotti Mollinari, Joyce Fieldsend, Inga Balabanova, Carlo Morganti, Elisa Cerri, Salvatore Francavilla, Lorenza Bavai, James Rochetti.

Horst Lamnek

Der Wiener Bassbariton Horst Lamnek studierte in Wien u. a. bei Charles Spencer, Brigitte Fassbaender, Dietrich FischerDieskau und Nicolai Gedda. Er erhielt den Würdigungspreis des Österreichischen Kulturministeriums. Nach Engagements am Internationalen Opernstudio Zürich und dem Theater Ulm gastierte er an den Opernhäusern in Bonn, Essen, Hagen, Regensburg, Wiesbaden, Leipzig und am Landestheater Linz. Besonders verbunden ist der Bassbariton der Komischen Oper Berlin, wo er heuer bereits die sechste Saison in Folge engagiert sein wird. Sein breites Repertoire reicht von der Alten Musik über die Opern Mozarts (Figaro, Bartolo, Leporello, Don Alfonso) und Rossinis bis zu Prokofjew („Die Liebe zu den drei Orangen“), Poulenc („Dialogues des Carmelites“) und zeitgenössischer Oper (Rihm, Henze) sowie Operette („Die Fledermaus“, „Die lustige Witwe“ und „Wiener Blut“). Lamnek arbeitete mit Regisseuren wie Andreas Homoki, Reto Nickler, Sven-Eric Bechtolf, Matthias Hartmann und Robert Dornhelm sowie mit den Dirigenten Michael Gielen, Stefan Soltesz, Stefan Blunier, Dirk Kaftan, Martin Haselböck, Marcello Viotti, Peter Schneider, Ulf Schirmer, Alfred Eschwé und Franz Welser-Möst. Nach zahlreichen Festengagements ist Horst Lamnek seit Herbst 2006 freischaffend tätig. Konzertauftritte

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in Charles Gounods Oper „Romeo et Juliette“ in Piacenza, Modena und Bozen unter der Leitung von Manfred Schweigkofler.

Im März 2013 gewann sie den Ehrenpreis als beste Sopranistin beim internationalen Gesangswettbewerb „Città di Bologna“, der ihr die Teilnahme an der Meisterklasse mit June Anderson ermöglichte. Im Folgemonat debütierte sie als Rosina in Giovanni Paisiellos „Barbiere di Siviglia“ in Aquila und Sulmona. Im Mai 2013 errang sie als Ehrenpreis des Gesangwettbewerbs Riccardo Zandonai einen Auftritt bei den Tiroler Festspielen Erl unter der Leitung von Gustav Kuhn. 2014 gastierte sie in Bologna während der Sommersaison als Blumenmädchen in Richard Wagners „Parsifal“.

Darüber hinaus sang sie die Lauretta in Giacomo Puccinis „Gianni Schicchi“, die Elvira in „Schicchi und Puccini“, die Violetta („La Traviata“) und Serpina in der Oper „La Serva Padrona“ von Giovanni Paisiello in Bologna. Neben ihrer intensiven Konzerttätigkeit in verschiedenen Theatern und Kulturvereinen Italiens wird sie auch in Zukunft bei den Tiroler Festspielen Erl des Öfteren auf der Bühne zu erleben sein.

Bei den Winterfestspielen 2015/16 interpretiert sie die Anna in Giuseppe Verdis „Nabucco“, ein Wiedersehen gibt es dann bei den Sommerfestspielen 2016, wo sie die Partie der Papagena in Wolfgang Amadeus Mozarts „Die Zauberflöte“ singt.

den Saison wird Horst Lamnek sein Debut als Theaterdirektor La Roche in Richard Strauss’ „Capriccio“ an der Oper in Metz, Frankreich, geben.

Maria Lopalco

Die Sopranistin Maria Rosaria Lopalco begann ihr Gesangsstudium am Konservatorium Ottorino Respighi in Latina (Lazio) bei ihrem Lehrer Carlo Tuand und verbessert derzeit ihre Fähigkeiten in der Stimmtechnik mit der Sopranistin Gertrud Ottenthal in Wien. Bereits mit 22 Jahren gewinnt sie im Rahmen des nationalen Gesangswettbewerbs Piergiorgio Frassati den Beniamino Gigli-Preis als beste Sängerin sowie den Gesangswettbewerb Giacomo Lauri Volpi in der Kategorie „Junge Talente der Oper“ im selben Jahr. Im Jahr darauf wurde sie mit dem Ehrenpreis des MusicaRiva Festivals ausgezeichnet. Ebenfalls 2009 besucht sie die Meisterklasse der Accademia di Santa Cecilia in Rom unter der Leitung von Renata Scotto und wird engagiert für die Rolle des Amore in „Orpheus und Eurydike“. Im November 2009 gewann sie die internationale Ausschreibung – organsiert vom Philharmonischen Theater Verona in Zusammenarbeit mit UNESCO – für die Partie der Musetta, die ihr ein erfolgreiches Debüt bescherte. 2010 sang sie die Sopranpartie im „Stabat Mater“ von Giovanni Battista Pergolese am Teatro San Carlo in Neapel und war in zwei weiteren Werken des Komponisten zu erleben. Der November 2010 brachte ihr den 2. Platz der 17. Maria Caniglia International Singing Competition sowie zusätzlich den Publikumspreis ein.

Im Dezember wurde sie Finalistin des Pavarotti Gesangswettbewerbs für junge Sänger.

2011 interpretierte sie die Rolle der Juliette

Marija Mitic

Marija Mitić wurde 1988 in Belgrad geboren. Seit 2011 studiert sie an der Universität der Künste Berlin in der Klasse von KS Peter Maus und Michaela Kaune. Sie hat an verschiedenen Meisterkursen in Serbien, Deutschland und Österreich teilgenommen,

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gri an der Accademia di Palazzo Ducale.

Er nahm an verschiedenen Wettbewerben teil, darunter der Wettbewerb Leoncavallo in Locarno und Premio Caruso. 1999 wurde er in die Accademia di perfezionamento des Teatro alla Scala di Milano aufgenommen und nahm an der Eröffnung der Spielzeit 1999 / 2000 teil. In der Folge war er unter R. Muti in „Tosca“ zu hören. An der Mailänder Scala war er in folgenden Produktionen zu erleben: „Adriana Lecouvreur“, „La Bohème“, „Il Trovatore“, „La Traviata“, „Un ballo in maschera“, „Il barbiere di Siviglia“, „Oberto conte di San Bonifacio“, „Otello“ und „Iphigénie en Aulide“. In „La Bohème“ war er auch an den Theatern von Florenz, Bologna, Torino und an der Opéra National de Paris, in „Manon“ in Triest, in „Adriana Lecouvreur“ an der Opera di Roma, in „Il barbiere di Siviglia“ in Tokio, in „Aida“ in der Arena di Verona und in „Otello“ beim Maggio Musicale Fiorentino zu hören. Zahlreiche Engagements in den bedeutenden Partien seines Fachs führten ihn an die wichtigen Opernhäuser der Welt, darunter nach Paris, Bologna, London und Amsterdam. Er arbeitete u. a. mit Daniele Gatti, Fabio Luisi, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Daniel Oren, Mstislav Rostropovic, Christophe Rousset. Zuletzt war er u. a. in „La Bohème“ in Neapel zu erleben.

u. a. bei Nena Brzaković, Rudolf Piernay, KS Biserka Cvejić. Seit 2012 arbeitet sie eng mit Nena Brzaković am Institut für Gesang und Atemschulung in Berlin zusammen.

Marija Mitić war Finalistin und Preisträgerin des internationalen Wettbewerbs für Opernsänger Lazar Jovanović. Sie wurde 2013 Finalistin beim Wettbewerb Jeunesses Musicales und war Preisträgerin beim Wettbewerb Bruna Špiler in Montenegro.

Beim Opernwettbewerb der Kammeroper Schloss Rheinsberg debütierte sie 2013 als Arsena in der Operette „Der Zigeunerbaron“. Die Partie der Arsena sang sie auch am Staatstheater Braunschweig. Konzertante Auftritte umfassen ein Galakonzert zusammen mit Edita Gruberova und dem Orchester der Deutschen Oper am Rhein in Händels „Messiah“ unter dem Dirigat von Heribert Beissel sowie Auftritte mit der Klassischen Philharmonie Bonn, der österreichischen Erstauffürung von Rossinis „La Riconoscenza“ im Haydnsaal Schloss Esterhazy mit Dirigent Massimiliano Murrali und schließlich mit dem Franz Liszt Kammerorchester Budapest. 2014 debütierte Marija Mitić als Pamina in Mozarts „Die Zauberflöte“ in der Kammeroper Schloss Rheinsberg. Im Konzert sang sie die Uraufführung von Sigfried Matthus „Von der Macht des Gesanges“ mit der Singakademie Frankfurt Oder und in 2015 „Messa di Requiem“ von Giuseppe Verdi. 2016 wird sie als Sandrina in „La finta giardiniera“ von W. A. Mozart unter dem Dirigat von Christoph Hagel in Berlin debütieren.

Rodrigo Porras Garulo

Rodrigo Porras Garulo ist in Mexico City geboren. 2014 gab er sein Debüt an der Oper Leipzig in der Titelpartie der Oper „Aladin“ von Nino Rota. Andere Partien in der Spielzeit 2014/15 waren Eisenstein in Strauß’ „Die Fledermaus“, Alfredo in Verdis „La Traviata“ am Südthüringischen Staatstheater Meiningen, Don José in „Carmen“

Giovanni Battista Parodi

1976 in Genua geboren, begann er sein Gesangsstudium 1992 bei Prof. Paolessi und Prof. Arcidiacono, ab 1997 dann bei R. Ne-

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bei Liyudmila Hadjieva und Plamen Beykov und setzte ihr Studium in Modena mit Raina Kabaivanska fort. Nach ihrem Operndebüt als Zerlina in „Don Giovanni“ konzentrierte sie sich auf Barock- und Belcanto-Opern, darüber hinaus spezialisierte sie sich auf Mozart-Partien (Susanna, Despina, Pamina, Fiordiligi) und auf Oratorien, darunter der „Messias“ und Pergolesis „Stabat Mater“. Radoeva hat mit den historischen Instrumenten-Ensemble Concerto Antico in Werken von Bach, Händel und Vivaldi zusammengearbeitet. Im Jahr 2008 wurde sie von Christophe Rousset für sein Monteverdi-Projekt in Siena ausgewählt und trat mit Les Talents Lyriques auf. Aber sie hat auch moderne Werke in ihrem Repertoire, darunter Schostakowitschs Sieben Romanzen – nach Gedichten von Alexander Blok –, das sie gemeinsam mit dem Ensemble Risognanze aufgeführt hat. Im Dezember gab sie ihr Debüt im Opernhaus von Sofia als Musetta in „La Bohème“. Vor Kurzem nahm sie Rossinis „Petite Messe Solennelle“ auf. Maria Radoeva kann sich über verschiedene Wettbewerbserfolge freuen, dazu gehören Sonderpreise beim Georgi ZlatevCherkin Wettbewerb im Jahr 2005 und der Goldene Preis des 2005 Spring Festival of Arts, Korea. Sie nahm an Meisterkursen bei Gustav Kuhn, Francisco Araiza, Siegfried Jerusalem und Katia Ricciarelli teil.

von Bizet am Theater Plauen-Zwickau und Zarewitsch in Lehárs gleichnamiger Operette an der Staatsoperette Dresden und in Meiningen. Seit 2010 ist er ein Mitglied des Meininger Ensembles, wo er bereits in Partien wie Duca in Verdis „Rigoletto“, Rinuccio in Puccinis „Gianni Schicchi“, Tamino in Mozarts „Die Zauberflöte“, Walther von der Vogelweide in Wagners „Tannhäuser“, Claudio in Wagners Frühwerk „Das Liebesverbot“, Jacopo Foscari in Verdis „I due Foscari“ u. a. gefeiert wurde sowie in den Titelpartien verschiedener deutschsprachiger Opern und Operetten. Im Sommer 2009 wurde er beim Opernfestival Mauritius als Nadir für Bizets „Les Pêcheurs de Perles“ engagiert und anschließend debütierte er als Nemorino in Donizettis „L’elisir d’amore“ an der Hamburger Kammeroper.

Er gastierte erfolgreich am Landestheater Coburg, Mainfranken Theater Würzburg, sowie in Konzerten in Norwegen, Mexiko, Tschechische Republik, Italien, Österreich und Deutschland. 2012 sang er beim Eröffnungskonzert der neuen Staatsoper Astana unter der Leitung von Alan Buribayev. Rodrigo Porras Garulo studierte an der Universität Mozarteum Salzburg bei KS Helene Schneiderman und privat bei Antonio Carangelo. Seine Ausbildung ergänzte er u. a. bei Barbara Bonney, Josef Protschka, Markus Eiche, Enza Ferrari, Jean-Pierre Fabre und Eike Grams. Er ist Preisträger des 44. Internationalen Antonín Dvořák Wettbewerbs und Stipendiat des Richard Wagner Verbandes.

James Roser

Der australische Bariton James Roser wurde in Sydney geboren. Er schloss sein Studium der Umweltwissenschaften an der NSWUniversität mit Auszeichnung ab und entschloss sich dann, Gesang zu studieren. Er ist Preisträger mehrerer Gesangswettbewerbe in Australien, u. a. des Mietta Song Reci-

Maria Radoeva

Maria Radoeva wurde in Sofia geboren.

An der Nationalen Musikakademie ihrer Heimatstadt studierte sie von 2003–2006

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ter“ sowie die „Krönungsmesse“ und das „Requiem“ von Mozart. Er hat unter der musikalischen Leitung von so bedeutenden Dirigenten wie Bruno Campanella, Riccardo Chailly, Asher Fisch, Daniele Gatti, Gustav Kuhn, Riccardo Muti gesungen und war in Inszenierungen renommierter Regisseure wie Giancarlo Del Monaco, Werner Herzog, Mario Martone, Michele Placido und Franco Zeffirelli zu erleben. Zahlreiche Verpflichtungen führten ihn in der jüngsten Zeit immer wieder an das Teatro alle Scala di Milano, wo er beispielsweise unter Riccardo Muti in „Falstaff“ zu sehen war und in „Ariadne auf Naxos“, dirigert von Jeffrey Tate. 2010 gestaltete er die Saisoneröffnung durch sein Mitwirken in Zeffirellis „Falstaff“ am Teatro dell’Opera di Roma mit und gab in der Folge seine Debüts am Theatre des Champs Elysées in Paris sowie am Opernhaus Zürich unter Daniele Gatti.

Zuletzt überzeugte er in „Falstaff“ beim Verdi Festival in Parma.

tal Award, Vienna State Opera Award und Britten-Pears Young Artist Award. 2012 erhielt er ein Stipendium an der Wiener Staatsoper und sang dort mehrere kleinere Partien. James Roser sang bisher u. a. Rigoletto, Escamillo („Carmen“), Graf und Antonio („Die Hochzeit des Figaro“), Guglielmo („Così fan tutte“), Owen Wingrave, Peter („Hänsel und Gretel“), Johann („Werther“), Feenkönig, Harald („Die Feen“). Er gibt regelmäßig Liederabende in Österreich, Kanada, England und Australien, er trat u. a. bei Artsong NSW, Chamber Music Australia, Oxford Lieder Festival, Franz Schubert Institut, Australian Brandenburg Orchestra auf und war in Rundfunkaufnahmen der 2MBS-FM, 3MBS-FM und ABC Classic FM in Australien zu hören.

Patrizio Saudelli

Patrizio Saudelli hat Klavier, Horn und Gesang am Konservatorium G. Rossini in Pesaro studiert. Er hat an allen großen Häusern in Italien und im Ausland gesungen, darunter das Teatro di San Carlo di Napoli, La Fenice in Venedig, das Teatro alla Scala di Milano, sowie die Opernhäuser in Toronto, Chicago, Tokio, Moskau, St. Petersburg, Budapest, Madrid, Hamburg, Berlin und Frankfurt. Zu seinem festen Repertoire gehören die wichtigsten lyrischen (Belcanto-) Partien seines Fachs wie die in „I Puritani“, „La Sonnambula“, „Don Pasquale“, „Elisir d’Amore“, „Falstaff“, „Turandot“, „Carmen“, „Tannhäuser“ und „Meistersinger“ – um nur einige zu nennen. Im Konzertsektor glänzt Patrizio Saudelli vor allem im Bereich der sakralen Konzertliteratur. Zu seinen Standardwerken gehören Rossinis „Petite Messe Solennelle“ oder „Messa di Gloria“ ebenso wie Pergolesis „Stabat Ma-

Mariacarla Seraponte

Mariacarla Seraponte schloss ihr Gesangsstudium mit Höchstnote und Auszeichnung am Konservatorium San Pietro a Majella in Neapel ab. Sie perfektionierte sich bei L. Serra, P. Molinari, C. Desderi und M. Lipovsek am Salzburger Mozarteum. Unter der Leitung von C. Desderi debütierte sie in der Partie der Donna Anna in Mozarts „Don Giovanni“. Es folgten die Partien der Contessa („Le nozze di Figaro“), Fiordiligi („Così fan tutte“), Donna Elvira („Don Giovanni“), Gilda („Rigoletto“), Violetta („La Traviata“) und Lucy („Il Telefono“).

Zu ihrem Konzertrepertoire zählen Rossinis „Petite Messe Solennelle“, Haydns „Theresienmesse“, Faurés „Requiem“ und Mo-

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Landestheater Niederbayern in der Rolle des Philippe in Verdis „Don Carlo“ und als Fiesco in „Simon Boccanegra“ zu erleben.

Von 2007 bis 2011 war Evert Sooster fest im Ensemble des Landestheaters Niederbayern engagiert und war u. a. als Don Basilio in Rossinis „Der Babier von Sevilla“, Fürst Gremin in „Eugen Onegin“ zu hören. Er übernahm des Weiteren die Hauptpartien in Bellinis „Norma“, Mozarts „Titus“ und Verdis „Otello“. Im März 2010 sang Evert Sooster die Partie des Mephisto in „La damnation de Faust“ von H. Berlioz beim Budapester Frühlingsfestival. Diese Rolle war auch seine letzte Arbeit als Ensemblemitglied beim Niederbayerischen Landestheater. Seit Beginn der Spielzeit 2011 / 2012 ist Evert Sooster freischaffend tätig. Im Juli 2012 sang er die Partie des Priesters bei der Aufführung von Pizzettis „Assassino nella cattedrale“ im Mailänder Dom. In der Spielzeit 2012 / 2013 sang er sowohl bei zahlreichen Konzerten als auch als GastSolist beim Stadttheater Freiburg, wo er im vergangenen Jahr die Partien des Truffaldin in „Ariadne auf Naxos“ von Richard Strauss und des Surin in Tschaikowskys „Pique Dame“ übernahm. In der Spielzeit 2013 / 2014 war Evert Sooster in zahlreichen wichtigen Produktionen des Freiburger Theaters zu hören, darunter „Gegen die Wand“ von Ludger Vollmer. Auch als Konzertsänger wird Evert Sooster in dieser Saison aktiv. So ist er im November 2013 bei den Aufführungen Verdis Requiems in Herford und in Bad Kissingen beschäftig. In der Spielzeit 2014 / 2015 sang Evert Sooster Partien wie Ferrando / „Il Trovatore“ von Verdi und Zuniga / „Carmen“ von Bizet.

Außerdem sind für die laufende Spielzeit zahlreiche Konzertauftritte mit seiner Beteiligung in Österreich und in Deutschland

zarts „Krönungsmesse“. Seraponte konnte verschiedene nationale und internationale Wettbewerbe für sich entscheiden.

Evert Sooster

Evert Sooster studierte Gesang sowohl am St. Petersburger Konservatorium als auch an der Staatlichen Theaterschule und wechselte 1990 an die Musikhochschule nach Wien – Gesangsklasse von KS Prof. Margarita Lilowa. Nach seinem Abschluss setzte er seine Studien fort und nahm an zahlreichen Meisterkursen teil, so bei Jewgenij Nesterenko, Inge Borgh, Irina Archipova und Sergeij Leiferkus.

Privatunterricht bei Simon Baddi, Wien.

Außerdem studierte er in der Konzertgattung „Lied und Oratorium“ in der Klasse von Kammersänger Prof. Kurt Equiluts und bei Prof. Charles Spencer sowie Operndarstellung in der Klasse von Prof. Wolfgang Gabriel und Prof. Kurt Malm. Gastauftritte führten ihn u. a. an die Wiener Kammeroper, zu den Schwetzinger Festspielen, an die Opéra Marseille sowie ans Teatro San Carlo in Neapel, an die Bayerische Staatsoper in München sowie an das Hessische Staatstheater Wiesbaden (Titelpartie in „Boris Godunow“) und an das Volkstheater Rostock. 2003 war er an der Seite von Placido Domingo in „Samson et Dalila“ bei den Salzburger Festspielen zu erleben.

Des Weiteren sang er an der Finnischen Nationaloper Heinrich VIII. in Donizettis „Anna Bolena“. Auch als Filmschauspieler wurde er engagiert („Peacemaker“, 1996, und „München“, 2005) und arbeitete u. a. mit Steven Spielberg zusammen. Im August 2007 sang er bei den Festspielen in Reinsberg den Eremiten in „Der Freischütz“.

Bereits in der Saison 2004 / 2005 war er am

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vorgesehen. Seit November 2014 ist Evert Sooster Professor für Gesang an der Wiener Musikakademie.

Bianca Tognocchi

Die in Como geboren Sopranistin Bianca Tognocchi diplomierte 2010 am Konservatorium Giuseppe Verdi in Mailand mit Auszeichnung. Es folgten Meisterkurse bei M. Sighele, V. Lucchetti, R. Coviello, J. Anderson, L. Serra, B. M. Casoni. Tognocchi ist Finalistin und Gewinnerin zahlreicher internationaler Wettbewerbe: 2009 gewann sie den Sonderpreis der Jury beim 6. Wettbewerb für Lyrischen Gesang „Prinzessin Cristina Trivulzio di Belgiojoso“, den Preis „Entdeckung“ beim Wettbewerb FMI, sie war Finalistin des A. Giacomotti Wettbewerbs in Pavia, war Siegerin des XXVIII Wettbewerbs R. Zandonai in Riva del Garda, belegte den zweiten Rang und gewann den Publikumspreis beim Wettbewerb G. Zecca in Pavia, den Publikumspreis beim Wettbewerb A. Colzani, den dritten Preis beim Wettbewerb Franca Mattiucci in Asti und den Publikumspreis beim Wettbewerb M. Olivero in Mailand. Im Januar 2013 war sie Finalistin des Wettbewerbs As. Li.Co. Seit 2010 wirkte sie bei verschiedenen Produktionen des As. Li. Co. mit, darunter Mozarts „Le nozze di Figaro“ (Barbarina) und „Die Zauberflöte“ (Papagena) sowie Verdis „Traviata“ (Annina) und „Rigoletto“ (Page). Seit 2012 ist sie regelmäßiger Gast der Tiroler Festspiele Erl, sie coverte z. B. Susanna („Le nozze di Figaro“) und Zerlina („Don Giovanni“). Solistisch trat sie anlässlich der Eröffnung des Festspielhauses Erl 2012 sowie des Silvesterkonzertes 2012 auf.

Seit 2013 ist sie Mitglied der Accademia di Montegral. 2013 trat sie zusammen mit dem Haydn Orchester von Bozen und Trient auf. Im selben Jahr sang sie die Partie der Ninetta in Mozarts „La finta semplice“ an den Theatern von Cremona, Pavia,

Edit Suta

Die ungarische Sopranistin Edit Suta begann ihre Ausbildung am Konservatorium Béla Bartók in Békéscsaba, Ungarn.

Ihren Abschluss im Fach Gesang machte sie aber an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Banská Bystrica in der Slowakei. Dank des europäischen Studentenaustauschprogramms ERASMUS war es ihr vergönnt, ein halbes Jahr am Konservatorium A. Buzzola an der italienischen Adria zu studieren. Nach dieser einzigartigen Erfahrung fand sie bald in Italien ihre neue Heimat. Sie studierte bei Stefano Gibellato in Venedig und nahm an zahlreichen Wettbewerben und Meisterklassen u. a. bei Mara Zampieri, Mirella Freni, Luciana D’Intino und während ihrer Zeit als Mitglied im Opernstudio des Theatre of Carlo Felice in Genua mit Donata D’Annunzio Lombardi.

Sie war Finalistin beim 67. Internationalen Gesangswettbewerb A. Belli in Spoleto. Als Giuseppe Verdis Annina, Flora und Ines debütierte sie bei unterschiedlichen Opernfestivals in Italien. Seit 2010 ist sie Mitglied der Chorakademie der Tiroler Festspiele Erl unter der künstlerischen Leitung von Gustav Kuhn. 2012 coverte sie das 1. Blumenmädchen in Richard Wagners „Parsifal“ bei den Tiroler Festspielen Erl. Heute lebt sie in Genf, wo sie die „Haute école de musique“ besucht und bei Nathalie Stutzmann studiert.

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Macerata Opera Festival. Im vergangenen Winter war Nicola Ziccardi Sciarrone in der Neuproduktion von „Tosca“ bei den Tiroler Festspielen Erl und Cover für Masetto und die Titelpartie in „Don Giovanni“ unter der musikalischen Leitung von Maestro Kuhn.

Im Juni 2014 und Winter 2014 interpretierte er die Partie des Marcello in einer „La Bohème“-Produktion in der Pasinger Fabrik in München. Im vergangenen Festspielwinter hat er die Partie des Guglielmo in „Così fan tutte“ sowie die Basspartie im Weihnachtsoratorium von Bach gecovert.

Im September 2014 gewann Nicola Ziccardi im Concorso Internazionale Città di Sesto San Giovanni eine Hauptrolle in Mozarts „Don Giovanni“ in einer Neuproduktion im Januar 2015. Außerdem war er Finalist im Concorso Città di Pienza, Präsident der Jury war Rolando Panerai.

Como und Brescia, Giannetta in Donizettis „L’Elisir d’Amore“ in Trient sowie Fanny in Rossinis „La Cambiale di Matrimonio“ in Lugano.

Nicola Ziccardi

Der Bariton Nicola Ziccardi wurde in Campobasso geboren. Er begann sein Studium am Konservatorium Perosi in Campobasso und setzte es am Konservatorium Pergolesi in Fermo fort, wo er diplomierte. Er debütierte als Prosdocimo in „Il turco in Italia“ am Teatro Nazionale di Roma. In der Partie des Figaro war er in „Il barbiere di Siviglia“ in Rom, als Uberto in Pergolesis „La serva padrona“ am Teatro dell’Aquila in Fermo, als Graf in Mozarts „Figaro“ in Wales, am Teatro Mela in Triest sowie am Teatro Giovanni da Udine zu sehen. Eine rege Konzerttätigkeit mit vielen halbszenischen und konzertanten Opernaufführungen ermöglichten Ziccardi, sich ein überaus interessantes und abwechslungsreiches Repertoire anzueignen mit Partien wie Leporello, Monterone, Papageno und Germano in Rossinis „La scala di seta“ beispielsweise.

Der Bariton nimmt regelmäßig an Meisterkursen von Luciana Serra, Bernadette Manca di Nissa, Carmela Remigio, Leone Magiera teil. Beim Ticino Music Festival war er in der Partie des Blansac in „La scala di seta“ zu erleben. 2011 wirkte er erstmals bei den Festspielen Südtirol unter der Leitung von Gustav Kuhn mit. Er war Finalist des internationalen Gesangswettbewerbs Anita Cerquetti. Bei den ersten Tiroler Festspielen Erl im Winter 2012/13 coverte er den Conte und Antonio in „Le nozze di Figaro“ sowie den Gran Sacerdote di Belo in „Nabucco“. 2013 sang er Don Tritemio in Galuppis „Il filosofo di campagna“ beim

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zu gast im Festspielhaus

Zwischen / Zeit 2015/16

DAS GROSSE CHINESISCHE NEUJAHRSKONZERT So. 31. Januar 2016, 11.00 Uhr

Das Jahr des Affen Nach dem großen Publikumserfolg im vergangenen Januar begleitet auch 2016 ein traditionelles chinesisches Orchester die Zuschauer ins Neue Jahr.

Preis: KAT. 1 € 50,– / KAT. 2 € 40,–

DIE KAMMERMUSIKREIHE DER MÜNCHNER PHILHARMONIKER Do. 10. März 2016, 19.30 Uhr

Göttliche Quellen WOLFGANG AMADEUS MOZART Klavierquartett g-Moll KV 478 FRANZ SCHUBERT Streichtrio B-Dur D 471 Klavierquintett A-Dur D 667 „Forellenquintett“ Preis: KAT. 1 € 30,– / KAT. 2 € 20,–

Tickets an der heutigen Abendkasse sowie unter www.tiroler-festspiele.at

Tiroler Festspiele Erl Sommer 7. — 31. Juli 2016 Passionsspielhaus und Festspielhaus Präsident: Hans Peter Haselsteiner Gesamtleitung: Gustav Kuhn

Karten: T 0043 5373 81000-20 karten@tiroler-festspiele.at · www.tiroler-festspiele.at und bei allen Vorverkaufsstellen von München Ticket

Oper

Konzert

Gioacchino Rossini Guglielmo Tell

Eröffnung

Mo. 18. Juli 2016

Do. 7. Juli 2016

Elisabeth Leonskaja 17 Uhr /

Fr. 8. / Fr. 22. Juli 2016

19 Uhr, Festspielhaus

Ensemble Risognanze 20 Uhr,

jeweils 18 Uhr, Festspielhaus

Richard Wagner Das Rheingold Do. 14. Juli 2016

Ring Nachklänge Eine „Kammermusik Apotheose“

Festspielhaus

Tschaikowsky / Strauss Sa. 9. Juli 2016 20 Uhr, Passionsspielhaus

19 Uhr, Passionsspielhaus

Davide Cabassi Klavierabend Di. 19. Juli 2016 20 Uhr, Festspielhaus

Sofia Symphonics Richard Wagner Die Walküre

So. 10. Juli 2016 11 Uhr (Matinee), Festspielhaus

Fr. 15. Juli, 2016 17 Uhr, Passionsspielhaus

Haydn Orchester

Mi. 20. Juli 2016

So. 24. Juli 2016

20 Uhr, Festspielhaus

Richard Wagner Siegfried

11 Uhr (Matinee), Festspielhaus

Sa. 16. Juli 2016

Mozart / Rossini / Beethoven

17 Uhr, Passionsspielhaus

Musicbanda Franui und Musikkapelle Innervillgraten

Una Noche de Guitarra mit Julia Malischnig & Friends

Fr. 29. Juli 2016

Do. 21. Juli 2016

Richard Wagner Götterdämmerung

20 Uhr, Festspielhaus

20 Uhr, Festspielhaus

So. 17. Juli 2016

Beethoven-Doppel

17 Uhr, Passionsspielhaus

So. 31. Juli 2016 (Matinee)

Wotan und seine Töchter singen russische Lieder

11 Uhr, Festspielhaus

Wolfgang Amadeus Mozart Die Zauberflöte

Mo. 25. Juli 2016 20 Uhr, Festspielhaus

Kammermusik

Sa. 23. / Do. 28. / Sa. 30. Juli 2016 jeweils 19 Uhr, Festspielhaus

Apollon Musagète Quartett Mo. 11. Juli 2016

Signum Sax Quartett und Matthias Bartolomey Di. 26. Juli 2016 20 Uhr, Festspielhaus

20 Uhr, Festspielhaus

Jasminka Stancˇ ul Klavierabend Di. 12. Juli 2016 20 Uhr, Festspielhaus

Ring Session Mi. 13. Juli 2016 20 Uhr, Festspielhaus

Alma Junge Volksmusik Mi. 27. Juli 2016 20 Uhr, Festspielhaus

The Metropolitan Opera im Kino 03. Oktober 2015 bis 30. April 2016

Academia Vocalis

22. Juli bis 29. August 2016

OperettenSommer Kufstein 29. Juli bis 14. August 2016

Tiroler Festspiele Erl

26. Dezember 2015 bis 06. Januar 2016 07. Juli bis 31. Juli 2016

Passionsspiele Thiersee 12. Juni bis 02. Oktober 2016

KUlturaBetriebe finden Sie unter www.kultur-tirol.at www.kufstein.com www.kultur-tirol.at

KONZERTE 2016

2 8 J a h r e A c a d e m i a Vo c a l i s 22. 07. 2016

Volksmusikabend Hof der Wallfahrtskirche Mariastein, 20.00 Uhr

23. 07. 2016

Abschlusskonzert Opernworkshop Michael Kupfer-Radecky & Lenka Radecky

29. 07. 2016

Preisträgerkonzert, Preisträger 2015 Justus Seeger, Bariton, Deutschland Hotel Panorama Royal, Bad Häring, 20.00 Uhr

05. 08. 2016

Abschlusskonzert „Die Stimme als Instrument“ Univ.- Prof. Karlheinz Hanser Sun Tower, Wörgl, 20.00 Uhr

13. 08. 2016

Abschlusskonzert „Darstellung & Gesangstechnik“ Prof. Konrad Jarnot & Julia Stemberger

21. 08. 2016

Abschlusskonzert „Lied, Oper & Oratorium“ KS Prof. Helen & Klaus Donath Hotel Panorama Royal, Bad Häring, 20.00 Uhr

26. 08. 2016

Abschlusskonzert „Oper & Lied“ KS Prof. Julia Varady

29. 08.2016

Abschlusskonzert „Deutsches Lied & Oper“ KS Prof. Christa Ludwig Hotel Panorama Royal, Bad Häring, 20.00 Uhr

KINDEROPER „MAX & MORITZ – 7 lustige Streiche“ 24. 09. 2016 25. 09. 2016

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Mag. Klaus Adamer & Helmut Ramsauer (Kufstein) · Dr. Christian Apprich (Kirchbichl) · Dr. Thomas & Jutta Birtel (Mülheim an der Ruhr) · Dr. Christof Ebersberg (Vaduz) · Ulli Ehrlich (Kitzbühel) · Anne-Christin Falke & Hanspeter Schuller (Aurach) · RA Dr. Sieglinde Gahleitner & Dr. Christoph Klein (Wien) · Mag. Kerstin Gelbmann (Wien) · Hans-Jürgen & Maria Hinrichs (Traunstein) · Hans Huber & Dorothea Eschbach-Huber (München) · Dipl.-Ing. Roland & Marianne Jurecka (Leonding) · Dr. Brigitte KlennerKaindl (Reichenau) · Helga & Willi Kreitmair (München) · Johanna Marchesani-Reisch (Wien) · Helmut & Gabriele Menzel (Bruck-Alxing) · Marlies Muhr (Salzburg) · Univ.

Prof. Dr. Mathias M. Müller & Dr. Andrea Griesbacher (Wien) · Burghilde & Rainer Neumann (Grünwald) · Ing. Fritz & Maria M. Oberlerchner (Wien) · Dr. Detlef & Brigitte Peters (München) · Dr. Florian & Dr. Ilona Pichler (Bayerisch Gmain) · Mag. Edith Raidl (Wien) · Hon. Prof. Dr. Georg Schima (Wien) · Erni Rieder-Schwaiger (Kufstein) · Alexandra & Markus Sappl (Kirchbichl) · Dr. Georg & Margareta Schneider (Kelheim) · Anne-Christin Schöberlein & Hanspeter Schuller (Aurach) · Dr. Martin Schoell & Terri Stuart (Berkeley, CA) · Dr. Wilfried & Dr. Gisela Studeny (Gräfelfing) · Charlotte & Fritz-Herko von Schwartz (Oberaudorf) · Wilhelm & Maria Weiss (Spittal an der Drau) · Ursula Wohlfahrt (Oberaudorf) Freunde / Friends / Amici

Otto-Eduard & Helga Ahlborn (Holzkirchen) · Dipl.-Ing. Dr. Dietmar Aichhorn & Sabine Embacher-Aichhorn (Niederau) · Reg.-Rat Werner Andergassen (Hall in Tirol) · Dr. Ewald & Winfrieda Andratsch (Rom) · Urs Anliker (Unterengstringen) · Mag Brigitte Apprich (Kirchbichl) · Hildegard Arnold (Nußdorf) · Dr. med. Reinhard & Sylvia Ascher (Kundl) · Dr. Hermann Aspöck (Salzburg) · Dr. Klaus & Maria Auer (Söll) · Helga Aust (Wien) · Dr. Hermann Axt (Frasdorf) · Dr. Friedrich Barounig (Berlin) · Ulrike Barounig (Bruneck)

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Impressum

Herausgeber und Veranstalter Tiroler Festspiele Erl Betriebsges.m.b.H. Mühlgraben 56 a, 6343 Erl (A) T +43 (0)5373 / 81 000, F +43 (0)5373 / 81 000 85 info@tiroler-festspiele.at www.tiroler-festspiele.at Redaktion: Alexander Busche, Andreas Leisner, Angelika Ruge Texte: Bayerische Staatsoper (S. 13–14), Manfred Angerer / Universal Edition (S. 35–36), Sophie Becker / Bayerische Staatsoper (S. 19–20), klassik-musica-classica.blogspot.co.at (S. 15–17), Barbara Paul / SWR2 (S. 36–37), Andreas Schett (S. 49–51), Georg Titscher / „Viva Verdi“ Amalthea Verlag (S. 21–25) (Originalbeiträge unterliegen dem © Tiroler Festspiele Erl / Autor) Anzeigen: Angelika Ruge Druck: Alpina Druck, Innsbruck Grafische Gestaltung: Circus. Büro für Kommunikation und Gestaltung, Innsbruck / Wien Redaktionsschluss: 5. Dezember 2015 Satz- und Druckfehler bzw.

Besetzungs- und Programmänderungen vorbehalten.

Wir danken den KünstlerInnen, Künstleragenturen und allen, die uns Texte zur Verfügung gestellt haben.

Spielort: Festspielhaus, Mühlgraben 56 a, 6343 Erl (A)

Informationen und Karten: T +43 (0) 53 73 / 81 000 20 karten@tiroler-festspiele.at www.tiroler-festspiele.at