GEOMÉTRICAMENTE
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Müller-Brockmann es conocido por sus trabajos fotográficos-tipográficos y por los carteles que realizó para la publicidad de los conciertos de Tonhalle en Zúrich, conocidos como Música Viva.
Josef Müller-Brockmann (Suiza, 1914-1996), fue un diseñador gráfico conocido como uno de los integrantes del reconocido movimiento llamado “Estilo Suizo”, que se puede notar por su claridad, sencillez, uso de la retícula y su intención por eliminar elementos decorativos de la página. Uno de sus trabajos más conocidos es el póster del concierto de Beethoven que diseñó en 1955. Este ha sido analizado por entusiastas del diseño, encontrando en él arcos que se colocan uno después del otro, doblando el diámetro del anterior, estos forman una imitación de un círculo en movimiento. La intención de Müller-Brockmann era replicar las armonías y el dramatismo de la música de Beethoven con estas formas geométricas. Este póster explora la relación entre el diseño, las matemáticas y la música al usar posiciones asimétricas y por el uso de una cuadricula para crearlo.
El ritmo según teorías esta presente desde que estamos en el vientre de nuestra madre, presenciamos sonidos, vibraciones, movimientos corporales y principalmente los latidos del corazón. Esto nos deja pensar que el ser humano tiende a buscar ritmos más regulares y simétricos, teniendo en cuenta que nuestro cuerpo funciona de esta manera, los latidos son regulares, caminar, aplaudir, etc. Por esto se entiende el porqué es tan difícil asimilar ritmos que no son regulares.
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El diseño y la música comparten conceptos como el ritmo, la armonía, el tono, repeticiones, también las imágenes que son producidas por los diseñadores pueden representar sentimientos la música expresa. El ritmo en el diseño representa lo mismo que en la música, pero gráficamente, a través de la repetición de uno o varios elementos para generar una secuencia. La armonía se define como la técnica que estudia cómo realizar la composición de sonidos o notas musicales, emitidas al mismo tiempo y la sucesión de las mismas. En términos de diseño representa el equilibrio entre las combinaciones de elementos que están puestos, con la intención de que ninguno predomine de forma inadecuada, esto nos produce la sensación de que todo está en el lugar que es apropiado. El tono se podría denominar como la «altura» del sonido. Es la cualidad que indica si un sonido es grave o agudo, dependiendo del número de vibraciones por segundo. Este en términos de diseño lo podemos ver de dos formas, la primera como una cualidad del color y la segunda como una forma de dirigirse al público a través de su obra.
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RETÍC
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La retícula no es más que el conjunto de líneas y guías que distribuyen el espacio compositivo de manera organizada. Encima de ella se sitúan los elementos compositivos de cualquier producción gráfica: títulos, subtítulos, texto, imágenes, etc. La retícula debe proporcionar uniformidad, armonía y coherencia a cualquier proyecto editorial. Las páginas permanecen así, bien estructuradas, funcionando como base para la maquetación. Está formada por las márgenes, líneas de flujo, módulos, zonas espaciales y marcadores. Las márgenes son los espacios que conforman los bordes del formato, marcan la zona de disposición de elementos, las proporciones de las márgenes requieren una profunda consideración ya que contribuyen a establecer la tensión general dentro de la composición. Estos espacios sirven como espacios de descanso para la vista. Las líneas de flujo atraviesan el espacio horizontalmente. Estas alineaciones guían a la vista por el formato y pueden servir para imponer paradas adicionales y crear puntos de inicio para incluir imágenes o textos. Los módulos corresponden a las unidades individuales de espacio que están separados por un distancia regulada cada lado. Su repetición lleva a la formación de columnas o filas. Las columnas se generan a partir de varios módulos en formación vertical y sirven colocar piezas de texto. Su anchura puede variar según el texto que vaya encima. Se le llaman zonas espaciales al grupo de módulos que juntos forman campos visiblemente localizables. Estas zonas suelen reservarse para un determinado grupo de elementos como lo pueden ser las imágenes. Los marcadores, son los encargados de señalar la posición de textos subordinados como los números de páginas, los títulos de sección o cualquier elemento que ocupe una posición única dentro de la estructura de la página.
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Existen cuatro tipos de retícula, la primera es la de manuscrito es la más sencilla que existe. Mantiene una disposición grande y rectangular, ocupando de esta manera la mayor parte de la página. Su finalidad es albergar textos largos y seguidos, tal y como podemos ver en un libro. Su estructura base está compuesta por el bloque de texto y los márgenes. Además dispone de una estructura secundaria dónde se ubican la numeración o foliado de las páginas, títulos de los capítulos y las notas al pie en caso de que existan. Siendo esta una estructura aparentemente simple es preciso tomar las decisiones que sean oportunas para favorecer la lectura cómoda. Las retículas de columnas son útiles cuando se presenta información discontinua. Esta se dispone en columnas verticales con la intención de separar los tipos de información. No obstante las columnas pueden depender unas de las otras o bien cruzarse para generar columnas más anchas. En ese sentido este tipo de retícula es muy flexible. El ancho de las columnas depende directamente del cuerpo tipográfico. Por lo tanto debemos proporcionar un ancho en el que entren todos los caracteres posibles siempre que la lectura resulte cómoda. De esta manera evitamos que existan demasiadas particiones de palabras que dificultarán la lectura en el caso de columnas estrechas y en columnas demasiado anchas al lector le costará más trabajo encontrar el principio de las líneas consecutiva.
La retícula modular se usa principalmente para proyectos de mayor complejidad. Una retícula modular es una retícula de columnas con un gran número de líneas de flujo horizontales que subdividen las columnas en filas creando una matriz de celdas que se llaman módulos. Cada módulo es una pequeña parte del espacio informativo y que una vez agrupados crean áreas llamadas zonas espaciales. Los tamaños de los módulos se pueden determinar de varias formas. Por ejemplo se puede tener en cuenta la anchura y longitud de un párrafo de tamaño medio a un tamaño de cuerpo tipográfico determinado. Los módulos pueden ser verticales u horizontales dependiendo de las imágenes que se van a insertar o bien dependiendo de línea de trabajo que el diseñador gráfico quiera seguir. La retícula jerárquica sigue un esquema totalmente distinto a las anteriores, se basa en la proporción de los elementos. Somete a los objetos a distintas leyes: orden, objetividad, concentración y claridad. El desarrollo de este tipo de retículas comienza con el análisis de la interacción óptica que provocan los distintos elementos de la composición. A partir de estos se crea la estructura que los coordina. Este tipo de retículas se utilizan para libros, carteles e incluso se evidencia en páginas web.
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EL USO DE LA RETÍCULA IMPLICA - La voluntad de sistematizar, de aclarar.
- La voluntad de penetrar en lo esencial, de concentrar.
- La voluntad de cultivar la objetividad, en lugar de la subjetividad.
- La voluntad de racionalizar los procesos de producción creativa y técnica. - La voluntad de integrar elementos de color, forma y material.
- La voluntad de lograr el dominio arquitectónico sobre la superficie y el espacio. - La voluntad de adoptar una actitud positiva y previsora.
- El reconocimiento de la importancia de la educación y el efecto del trabajo concebido con un espíritu constructivo y creativo.
- JOSEF MÜLLER-BROCKMANN
12 Brockmann diseñó en 1951 una serie de carteles de publicidad sobre los conciertos de Tonhalle en Zúrich, estos son conocidos como Musica Viva, en estos carteles se puede evidenciar el estilo geométrico que había adoptado este diseñador, usa el constructivismo para crear un correlato visual en las armonías estructurales de la música. El Constructivismo Ruso es un movimiento artístico que triunfó en la Rusia de los años 20. La pintura, el diseño gráfico, la fotografía o el cine nos muestran su influencia, pero fue en la arquitectura donde encontró su aplicación más concreta y más revolucionaria. El movimiento surge del rechazo de los excesos decorativos y ornamentales que consideraba propios del arte burgués. Frente al neoclasicismo y el modernismo imperantes en el resto de Europa ellos van a crear un arte basado en la simplicidad, las líneas puras y las formas geométricas. El constructivismo se convirtió en el arte oficial de la Revolución Rusa tras la manifestación estética de la nueva sociedad socialista. Los constructivistas entendían el arte como una herramienta de la revolución, que debía contribuir a formar un nuevo orden social y a la difusión de la ideología socialista. Los artistas deseaban cambiar el mundo con sus obras, que consideraban siempre desde una perspectiva utilitarista y funcional.
En el diseño gráfico se evidencia a través de formas geométricas puras, linealidad, simetría, repeticiones, tipografías sencillas de palo seco, en el dominio de rojo y negro y el fotomontaje. Con estos elementos los constructivistas crearon un estilo en diseño gráfico que huye de todo artificio y que hoy en día se continúa asociando a la Rusia postrevolucionaria. Una de sus funciones era informar de la política del nuevo gobierno a una población en su mayoría analfabeta, por esto manipulaban la tipografía para dar a cada parte del texto las características (cuerpo, color) que le corresponden a su importancia en el conjunto del mensaje.
ESTILO
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En los años 50 surge en Suiza y Alemania un nuevo estilo de diseño gráfico que se convirtió en la imagen oficial de muchas instituciones del país, llamándose en un primer momento “Diseño Suizo”, se extendió universalmente por toda Europa y Estados Unidos llegando a ser el estilo predominante hasta los años 70. Suiza es un país donde sus habitantes hablan (además de su lengua materna), alemán, francés e italiano, por esto surge la necesidad de formatos multilingües y la claridad en la comunicación para sobrepasar la barrera del idioma. Sus principios se basan en los ideales del modernismo y constructivismo: buscar la sencillez y el orden bajo la reducción de ornamentos, priorizando la comprensión y organización. Por tanto el estilo suizo se caracteriza por la presentación objetiva de la información (visual y verbal) de forma clara mediante el uso de uso de una retícula modular que permite la composición asimétrica de los elementos de diseño. Además, la maquetación del texto en bandera con tipografía sans serif, se convirtió en la protagonista de los impresos frente al justificado tradicional. El diseño debía dejar de lado toda expresión artística y personal para mostrar una solución más científica y universal apoyándose por tanto en el empleo de la fotografía en blanco y negro en lugar de ilustraciones. Con este objetivo de realizar diseños funcionales caracterizados por la limpieza, legibilidad y objetividad, se creó la necesidad de una tipografía limpia y de palo seco que causara mayor impacto visual. Una de las principales influencias de este movimiento fue la Escuela de la Bauhaus donde se originó este cambio tipográfico utilizando los elementos gráficos básicos como el cuadrado, el círculo y el triángulo.
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BAU HAUS Fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura surgida de la unión de la Escuela de Bellas Artes con la escuela de Artes y Oficios por medio del arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania) y conocida oficialmente como la Staatliches Bauhaus («Casa de la Construcción Estatal»). La Bauhaus es sinónimo de modernidad, de colores primarios, nuevas concepciones del espacio y de la forma e integración de las artes. La escuela tuvo su sede en tres ciudades: Weimar, Dessau y Berlín. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, los procesos políticos y sociales tuvieron gran influencia. Con el final de la Primera Guerra Mundial comenzaron a surgir movimientos revolucionarios que aspiraban provocar una renovación radical de la sociedad. Con ella se trataba de unir todas las artes estableciendo así una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana, “desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo” (Heinrich von Eckardt). Por primera vez, el diseño industrial y gráfico fueron considerados como profesiones ya que se establecieron las bases normativas y los fundamentos académicos tal y como los conocemos en la actualidad.
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La primera etapa abarca desde la fundación de la escuela en 1919 hasta 1923, en esta etapa se realiza la Primera Exposición de la Bauhaus. Es la fase idealista, expresionista y de experimentación de formas, productos y diseños, se utilizan las formas geométricas básicas (el círculo, el cuadrado y el triángulo) junto con los tres colores primarios como base aunque los colores principales fueron negro, blanco y rojo. La segunda etapa abarca de 1923 hasta 1925. Con la llegada de László Moholy-Nagy a la dirección de la Escuela, se empezó a introducir la idea del Constructivismo Ruso y el Neoplacismo (movimiento artístico iniciado en Holanda con el ideal de llegar a la esencia del arte eliminando lo superfluo). En esta época Herbert Bayer, que estudió en la escuela durante 4 años, fue el publicista más destacado de la Bauhaus y Gropius lo nombró director de impresión y publicidad. En 1925, siguiendo el principio de eliminar lo superfluo y dejar lo esencial, diseñó un estilo tipográfico en donde eliminó las mayúsculas y las serifas, creando una fuente geométrica, universal, cuya versión digital recibe el nombre Architype Bayer. Con estos principios se estableció un nuevo estilo tipográfico. La tercera etapa transcurre desde 1925 hasta el cierre de la escuela en 1933. Se trabajaba durante semanas con el objetivo de fomentar el trabajo en equipo y promover la relación entre la Bauhaus y los ciudadanos, ya que la escuela estaba considerada como socialista y contaba con más de un enemigo. Con la llegada de los nazis a Dessau en 1932 vino el cese de la ayuda financiera a la institución por parte del gobierno y la escuela se trasladó a Berlín hasta que fue ordenada su clausura el 11 de abril de 1933 por las autoridades alemanas nazis para eliminar cualquier rastro de “cosmopolitismo judío” y de arte “decadente y bolchevique”.
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Estudió arquitectura, diseño e historia del arte en la Universidad de Zúrich y en su Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos). Desde 1951 produjo carteles de conciertos para el Auditorio de Zúrich. En 1958 se convirtió en editor y fundador, junto con Richard P. Lohse, Carlo L. Vivarelli y Hans Neuburg, de la revista New Graphic Design, que en 18 números y entre 1958 y 1965, revolucionó el diseño gráfico. Fue autor de las influyentes obras El artista gráfico y sus problemas de diseño y Sistemas de retículas en el diseño gráfico en 1961, y de Historia de la comunicación visual e Historia del póster en 1971. En sus textos de carácter histórico analiza la imagen gráfica desde una concepción absolutamente personal ligada a la práctica profesional. A pesar de poseer un estudio dedicado a la publicidad su relación con este tipo de comunicación no fue nunca del todo satisfactoria pues, por un lado, suponía un obstáculo insalvable para el desarrollo de su rígido lenguaje visual, pero también suponía una contradicción la responsabilidad social. Los avatares de su vida quedan reflejados en una obra de carácter autobiográfico publicada con el título Lúdicamente serio, seriamente lúdico, que recoge la tragedia personal que marcó su vida. Su primera mujer, la concertista de piano Verena Brockmann, de la que tomó el apellido, murió en un accidente de automóvil al que el propio Josef Müller-Brockmann sobrevivió. Su hijo Andreas murió de cáncer en 1993. Josef Müller-Brockmann falleció el 30 de agosto de 1996 a los 82 años.
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En una entrevista de 1996 en la Revista Eye, respondió a la pregunta: “¿Qué significa orden para usted?”, Brockmann responde: “El conocimiento de las reglas que rigen la legibilidad”.
