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T H E AT E R ZEITUNG

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Blue Moon © Moritz Schell

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VORWORT Schon während der langen und anstrengenden Proben – vom 12. November bis zur Premiere am 3. März 1875 wurde fast täglich geprobt – erlebte Bizet schmerzliche Ablehnung und Feindseligkeit. Die Choristen protestierten und erklärten ihre Partien als unsingbar, zumal sie während des Singens agieren sollten. Das Orchester rebellierte, weil die Partitur zu ausgefeilt war. Das Personal der Opéra Comique fühle sich überbeansprucht: Man drehte Bizet den Rücken zu, wenn man ihm zufällig begegnete. Die beiden Librettisten weigerten sich, Textänderungen vorzunehmen. Camille du Locle, der Auftraggeber der Oper, weigerte sich, einflussreiche Persönlichkeiten zur Premiere einzuladen [...] Nur die beiden Hauptdarsteller Célestine Galli-Marié und Paul Lhérie hielten zu Bizet.

Dann kam die Premiere. Bis zum Auftritt des Toreros im 2. Akt wurde das Werk gut aufgenommen, der Rest ging in Missbilligung, Unverständnis und Kälte unter. Lediglich die Blumenarie der Micaela erfreute das Publikum, doch da erhob sich Charles Gounod und rief: «Das hat er von mir gestohlen!»

(Quelle: «Immer bekommt der blöde Tenor die Dame. Opern-Anekdoten.» F. C. Raderer u. Rold Weheimer, 2010)

Mit einem turbulenten Start trat Bizets Carmen im März 1875 in die Opernwelt ein, avancierte aber trotzdem rasch zum Kassenschlager und Publikumsmagneten. Alle wollten die Brüskiertheit über Inhalt und Darstellungsweise der besagten Oper selber nachvollziehen können und in den Grundtenor des maulenden Publikums einsteigen.

Ja, zu jener Zeit war es noch an der Tagesordnung seinem Unmut (oder seiner Begeisterung) schon während der Vorstellung kund zu tun – sei dies mit Zurufen verbaler Art oder dem Anwerfen von Gemüse oder anderem. Man wollte ganz einfach seine Meinung äussern und diese auch gehört wissen.

Heute haben wir als Publikum es gelernt, unsere Ansicht über das sich auf der Bühne Abspielende bis zum Ende einer Vorstellung für uns zu behalten. Es wird als Frage des Anstandes und der Achtung gewertet, auch die Schauspieler «ausreden» zu lassen.

Mit Freuden aber beobachte ich, in den Reihen des Stadttheaters sitzend, dass diese Zurückhaltung je länger desto mehr nicht einfach in einem höflichen Applaus resultiert. Unser Publikum hat es diese Saison vermehrt gepflegt, wo Begeisterung war, diese auch zu zeigen. Sei dies mit lang anhaltendem Applaus, Standing-Ovations oder vermehrten «Bravo»-Rufen. Eigentlich eine schöne Entwicklung, denn wo Grossartiges geleistet wird, darf auch eine entsprechende Anerkennung stattfinden.

«Bravo!» also, für eine wunderbare Saison, die nicht an Highlights sparte! «Bravo!» der vergangenen Saison, für Dank, Zufriedenheit und Begeisterung. «Bravo!» auch Ihnen, liebes Publikum, zum wiedergefundenen Mut, Emotion zu zeigen und zu einem Publikum, das Leistung und Qualität stets aufs Neue zu schätzen weiss – und dank seiner Treue die Säle des Stadttheaters immer wieder füllt.

Gerne blicke ich mit Ihnen gespannt auf die noch folgenden Glanzlichter dieser Saison und auf jene, die mit Sicherheit auch in der nächsten Saison zu erwarten sind. Und ich freue mich mit Ihnen, den Mut wiedergefunden zu haben, Gutes als solches zu erkennen – und trotzdem die Einsicht zu haben und den Respekt zu wahren, die Tomaten und Eier zu Hause zu lassen.

Edith Schoger Redakteurin Theaterzeitung

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I N H A LT Vorwort 3 Geächtet 6 a cappella night

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Blue Moon

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La Cenerentola

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Backstage 24 Falstaff 30 Tell 34 Carmen 38 GĂśnnerInnen-Vereinigung 41 Sponsoren und Medienpartner

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Adressen und Ortsplan, Vorschau

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GEÄCHTET SCHAUSPIEL VON AYAD AKHTAR Amir Kapoor ist ein erfolgreicher New Yorker Anwalt. Er arbeitet in einer renommierten Kanzlei in Manhattan, trägt Hemden, die 600 Dollar das Stück kosten und lebt mit seiner Frau Emily, einer aufstrebenden Künstlerin, in einem schicken Loft an der Upper East Side. Kurz: der Sohn pakistanischer Einwanderer lebt den perfekten amerikanischen Traum. Von seiner Religion hat er sich losgesagt und steht dem Islam jetzt äusserst kritisch gegenüber. Im Gegensatz zu seiner Frau Emily, einer weissen Amerikanerin, die die islamische Kultur durch ihre Malerei für sich entdeckt hat. Sie drängt ihren Mann dazu, sich vor Gericht für einen angeklagten Imam einzusetzen – was schwerwiegende Folgen für Amir haben wird. Bei einem Abendessen einige Wochen später mit dem jüdischen Kurator Isaac und dessen Frau Jory, einer schwarzen Rechtsanwältin, fällt das Gespräch auf das Thema religiöse Traditionen. Die vier könnten unterschiedlicher nicht sein, entsprechend ihre Einstellung und Sichtweise auf das Thema.

Es folgt eine spannende und konfliktreiche Auseinandersetzung mit unüberwindbaren ideologischen Barrieren zwischen den vier Beteiligten.

Im Jahr 2012 von Ayad Akhtar geschrieben, war «Geächtet» ein Broadway-Erfolg und löste in New York hitzige Diskussionen aus. In Deutschland wurde das Stück 2016 von «Theater heute» zum besten ausländischen Stück gekürt, 2017 erhielt Ayad Akhtar für das Werk den Nestroy Autorenpreis. Mit «Geächtet» verfolgte der amerikanische Autor den Anspruch der allgemeinen Gültigkeit: In New York angesiedelt müssten die im Werk diskutierten Themen, sei es Religion, Rassismus, Toleranz oder Vorurteile auf der ganzen Welt verstanden werden und auf die eigenen Umstände applizierbar sein.

«Geächtet» ist ein Stück, das mit genau dieser Anwendbarkeit auf das eigene Ich und das eigene Umfeld aufrüttelt. Es bewegt und schockiert und hält zum bewussten Reflektieren an.

Geächtet © Sabine Haymann

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Mi 21. März

Jillian Anthony studierte Schauspiel an der Akademie für Darstellende Kunst Rheinland-Pfalz und war von 2001 bis 2004 festes Ensemblemitglied am Stadttheater Koblenz.

Dort spielte sie zahlreiche Hauptrollen, z.B. in «Sommernachtstraum», «Drei Schwestern», «Ein Volksfeind», «Fräulein Julie», «Nathan der Weise», «Mephisto», «Frühlingserwachen» und «Kabale und Liebe». Gastengagements führten sie nach Erfurt, Heidelberg, Stuttgart, Kempten, Celle und Berlin. Zuletzt war sie am Schlosstheater Celle in «Charleys Tante» als Kitty zu sehen. Am Neuen Globe Theater Berlin spielte sie Luciana und die Kurtisane in der «Komödie der Irrungen» sowie Orlando in «Wie es euch gefällt». Ausserdem ist sie in verschiedenen Film- und Fernsehproduktionen, wie z.B. im «Tatort», zu sehen.

ABO A, S, F freier Verkauf Abendkasse Werkeinführung Beginn Ende ca.

Schüler, Auszubildende und Studierende 50% Ermässigung.

Inszenierung Ausstattung

Karin Boyd Barbara Krott

Patrick Khatami Jillian Anthony Natalie O’Hara Markus Angenvorth Mark Harvey Mühlemann

Pulitzerpreis 2013

Patrick Khatami © patrickkhatami.de

Geächtet © Sabine Haymann

Markus Angenvorth absolvierte seine Ausbildung an der Schauspielschule Arturo in Köln. Anschliessend ging er von 2002 bis 2004 ins Festengagement ans Theater Trier, danach für fünf Jahre ans Theater der Stadt Koblenz. Zu seinen Rollen gehören u.a. die Titelrollen in «Hamlet», «Jedermann», «Elling» und «Klamms Krieg», Paul Sheldon in «Misery», Simon Zealo-

Amir Jory Emily Isaac Abe

18.30 Uhr 19.00 Uhr 19.30 Uhr 21.20 Uhr

Preise 50.– / 40.– / 30.–

Natalie O‘Hara absolvierte nach dem Abitur eine dreijährige Musicalausbildung in Hamburg, nahm Schauspielunterricht und liess sich in Method Acting ausbilden. Seitdem war sie in zahlreichen TV-Produktionen zu sehen, z.B. in Pilcher-Verfilmungen, im «Tatort», in «Grossstadtrevier», «Der Dicke», «Traumschiff», «SOKO Köln / Stuttgart / Wien», «Um Himmels Willen» u.v.a. Seit 2007 gehört sie zum Hauptcast der ZDFSerie «Der Bergdoktor», in der sie die Gastwirtin Susanne Dreiseitl verkörpert. Ausserdem spielt sie leidenschaftlich Theater, u.a. an den Hamburger Kammerspielen, am FritzRémond-Theater Frankfurt und an der Komödie im Bayerischen Hof München.

Schauspielbühnen Stuttgart Thespiskarren

19.30 Uhr

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GEÄCHTET SCHAUSPIEL VON AYAD AKHTAR tes in «Jesus Christ Superstar», Stuart in «Kochen mit Elvis», Frank Gardner in «Frau Warrens Gewerbe», Jacob in «La Cage aux Folles», der Tambourmajor in «Woyzeck», König Artus in «Merlin», der Feldprediger in «Mutter Courage», Chandebise/Poche in «Der Floh im Ohr» und viele andere. Seit 2009 arbeitet er als freier Schauspieler.

Patrick Khatami absolvierte sein Schauspielstudium an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst in Frankfurt a. M. Seine Anfänge im Theater machte er in Darmstadt, und über Engagements an der Landesbühne Niedersachsen, dem Stadttheater Pforzheim und den Münchner Kammerspielen gelangte er nach Berlin, wo er die verschiedensten Bühnen bespielte. Seit 2001 arbeitet er parallel für Film und TV u.a. in «Freitagnacht», «Für alle Fälle Stefanie», «Dreck», «Western», «Chickens Club», «Der letzte Gang» und «Die Reise». Er spielte für ARD,

ZDF, SAT.1, u.a. in «Tatort», «Soko Wismar», «Die Pfefferkörner» «Der Kriminalist» und «Ein Sommer in Sizilien». Auf der Kinoleinwand zeigt er 2015 in «Marcel über den Dächern» und 2017 in «Wir schaffen das schon» sein schauspielerisches Können. 2017 spielt er in der Serie «Für Umme».

Mark Harvey Mühlemann, gebürtiger Kolumbianer, wuchs in der Schweiz auf und erhielt seine Schauspielausbildung von 2013 bis 2017 an der Filmschauspielschule Berlin. Während seiner Ausbildung spielte er im Stück «Kein Ausweg» unter der Regie von Serkan Öz im Ensemble GAF. Sein erstes Engagement führte ihn ans Deutsche Theater Berlin. Seit der Spielzeit 2016/2017 übernimmt er dort die Hauptrolle im Klassenzimmerstück «Komm Näher!». Im Sommer 2017 spielte er den Romeo aus «Romeo und Julia» bei Klassik am Meer auf Usedom unter der Regie von Thomas Wingrich.

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A CAPPELLA NIGHT MEDLZ – ONAIR – BLISS Es ist ein Abend, der den Gesang und die Stimme in den Mittelpunkt rückt. Bei der a cappella night sind neben den Schweizer Mannsbildern von Bliss auch die bezaubernden medlz aus Dresden dabei, die das Publikum auf eine unvergessliche Reise durch die Musikgeschichte entführen. Nicht zuletzt beeindrucken die Senkrechtstarter ONAIR aus Berlin mit ihren atemberaubenden Stimmen und ihrem charismatischen Sound.

MEDLZ Die medlz, das sind: Sabine, Nelly, Joyce und Silvana. Sie gelten als die beste weibliche a cappella-Popband Europas.

Kennen lernten sich die Dresdnerinnen im Philharmonischen Kinderchor Dresden, in welchem sie 10 Jahre lang ihr Handwerk erlernten und die Liebe zur a cappella Musik entdeckten.

Unter dem Namen «nonets» machten sie sich seit 1999 einen Namen.

Ihr damals erschienenes Album «samtweich» wurde in San Francisco für den «Contemporary A Cappella Recording Award 2004» als bestes Rock / Pop-Album nominiert. Beim Westspitzen-Festival errangen Sie Platz 1 in der Sparte a cappella. 2002 kürte der Radiosender Antenne Mecklenburg-Vorpommern die 5 Mädels zu seinen «Youngstars 2002».

Im Juni 2005 unterschrieb die Band ihren Künstlerexklusivvertrag beim Label SONY BMG, welchem 2006 die Veröffentlichung eines Albums folgte.

Am 20. Oktober 2005 wechselte die Band ihren Namen von «nonets» in «medlz».

Es folgten erfolgreiche Fernsehauftritte wie «Die Goldene Henne» (MDR), das ZDF-Sommerhitfestival oder der ZDF Fernsehgarten. 2009 wurde der Vertrag mit SONY BMG in gegenseitigem Einvernehmen aufgehoben und die musikalischen Zügel in die eigene Hand genommen. Das eigene Label und Studio «samtweich»

wurden gegründet. 2012 wurden die Künstlerinnen mit der «Freiburger Leiter» ausgezeichnet, dem Preis der Fachbesucher der Internationalen Kulturbörse Freiburg für den besten Auftritt im Bereich «Musik».

2013 erhielten sie beim Internationalen a cappella-Wettbewerb in Graz ein Golddiplom und machten den 2. Platz im Pop. 2015 erschien die neue Show «medlz – von Mozart bis Mercury». 2017 tourten die medlz ganzjährig und waren u.a. auf der MS Europa 2 mit dem aktuellen Programm «von Mozart bis Mercury» zu Gast. Im Juli sangen sie mit dem Philharmonischen Orchester Würzburg beim Mozartfest.

Fr 23. März

19.30 Uhr

ONAIR Als sie sich im Frühjahr 2013 trafen, um Stefans Arrangement des Volkslieds «Wenn ich ein Vöglein wär» anzustimmen, konnten Jennifer, Marta, André, Stefan, Patrick und Kris noch nicht ahnen, wohin es sie innerhalb kürzester Zeit wehen würde.

In ihrem ersten Jahr gewannen ONAIR gleich zwei grosse Wettbewerbe in Dänemark und Österreich, so dass schnell der Ruf nach einem eigenen Konzertprogramm laut wurde.

Ihr Debutprogramm «Take Off» brachte sie nicht nur auf etliche Bühnen in ganz Deutschland, sondern auch nach Finnland, Taiwan und in die USA. Und während sie mit dem Programm unterwegs waren, wuchs der Wunsch, neben das bestehende Sounddesign auch eine passende Lichtästhetik zu stellen. Nicht viel später erstrahlte «Take Off» in einer aufwendigen Lichtinstallation.

Passend zum Programm erschien die erste CD «Moon», die zu ihrer eigenen Überraschung zum besten a cappella Album Europas gekürt wurde. Ihre Version des Songs «Wolf & I» erhielt sogar das Prädikat «Bester Pop/Rock Song des Jahres 2015», verliehen von der internationalen a cappella Organisation CASA. Auf der Suche nach dem passenden Repertoire für das zweite Programm «Illuminate» wurden die ersten Songs von ihnen selbst geschrieben und für das neue Programm massgeschneidert. Ausserdem bekamen sie Lust auf deutsche Lieder und schreckten dabei nicht vor Rammstein oder Herbert Grönemeyer zurück. Das «Vöglein» ist auch heute noch fester Bestandteil von ONAIRs Programm und verbindet die Band mit ihren Anfängen.

Schüler, Auszubildende und Studierende 50% Ermässigung.

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18.30 Uhr 19.30 Uhr 22.20 Uhr

Preise 70.– / 60.– / 50.–

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ONAIR © Andreas Krause

Foto: Medlz © Robert Jentzsch | Onair © Michael Petersohn | Bliss © bliss.ch

Bliss © bliss.ch

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A CAPPELLA NIGHT MEDLZ – ONAIR – BLISS

BLISS Alles begann mit einer geselligen Runde. Um für einen Freund an dessen Fest eine spontane Gesangseinlage darzubringen, sass zusammen, was einigermassen singen konnte. Zwar konnte sich das Resultat weder hören noch sehen lassen, doch es kam von Herzen. Weitere Konzerte im kleinen Rahmen kamen dazu – BLISS war geboren. 2005 folgte mit «Herrlich Dämlich» das erste Bühnenprogramm und das Debütalbum «O-Ton».

Zwei Jahre später und nach drei personellen Änderungen gelang BLISS mit «SuperStern» der nationale Durchbruch. Die gleichnamige CD erschien und rund 130 Shows folgten. 2010 startete BLISS ihre «Euromission» durch die Schweiz und das deutschsprachige Ausland.

Die aufwändig konzipierte Show, eine Persifla-

ge an den Eurovision Song Contest, brachte BLISS u.a. ans Arosa Humorfestival.

Eine Pannenshow mit Happy End, das war «Die Premiere». Über hundert Mal legten sie den roten Teppich für ihre Gäste aus. Die Show feierte Ende Januar 2016 Dernière.

Im Frühling 2016 stand erstmals eine Tour in Asien im Kalender: Bliss spielten zwei Wochen in Taiwan. Auch sonst ist die Band häufig aus­ serhalb der Schweizer Grenze anzutreffen, sei es in Österreich, Liechtenstein oder natürlich in Deutschland, wo das helvetisch-germanische Programm «Tell’s Angels» zum Besten gegeben wird. Der neuste Streich heisst «Mannschaft». In diesem Stück schauen die fünf Männer der Realität des Mann-Seins schonungslos und selbst­ ironisch ins Auge und liefern dabei Antworten auf Fragen, die so noch nie gestellt wurden.

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EINE MUSIKALISCHE HOMMAGE AN BILLIE HOLIDAY

B LU E M O O N

von Torsten Fischer und Herbert Schäfer Dialoge in deutscher, Songs in englischer Sprache

Im Haar eine weisse Gardenie, im Hirn Bilder von gelynchten Schwarzen, unter der Haut angefressen vom weissen Schnee Heroin.

Im Mittelpunkt steht das kurze Leben der Jazzgesang-Ikone Billie Holiday zwischen Triumph und Absturz, Rampenlicht und Gefängnis, Höhenflug und Drogensumpf. Die Hommage «Blue Moon» beleuchtet schlaglichtartig und ungeschönt das tragische Dasein der grossen Sängerin, lässt in Erzählpassagen auch ihre männlichen Wegbegleiter zu Wort kommen und widmet sich vor allem den unvergesslichen Songs der Lady Day: u. a. «Body and Soul», «The Man I Love», «All of Me», «As Time Goes By» und natürlich «Blue Moon».

Triumph für eine Schauspielerin. Sona MacDonald brilliert mit einer Palette schillernder Tonfarben und melodiöser Lautmalerei in allen nur vorstellbaren Facetten. Jedes der bekannten Lieder ist ein Gesamtkunstwerk für sich. MacDonald setzt

nicht so sehr Holiday ein Denkmal als sich selbst als Jazz-Interpretin: Soul mit Sona, im Sinne von Seele, so könne man diesen Abend betrachten.

Der donnernde Applaus für jede Nummer wirkt absolut verdient. Okonkwo als vitaler Verehrer, Misshandler und Erzähler ist gleichfalls grossartig.

Ebenso die Band (Christian Frank, Herbert Berger, Andy Mayerl, Klaus Peréz-Salado). Jazz-Habitués mögen über dieses kitschige Konzerttheater die Nase rümpfen. Die Premierenbesucher waren begeistert. (Die Presse)

Billie Holiday (1915-1959), ihre Geburtsurkunde lautete noch auf den Namen Elenora Fagan, wurde in katastrophale soziale Verhältnisse hineingeboren. Auf die elterlichen Pflichten der Mutter war kein Verlass, einen Vater gab es nicht. Es heisst, sie wäre bereits mit 10 Jahren vergewaltigt worden, lebte eine Zeit lang in einer Erziehungsanstalt und hielt sich mit nur 15 Jahren mit Prostitution und kleinen Ge-

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Di 24. April

sangseinlagen in Nachtclubs von Harlem über Wasser. Dort wurde sie dann auch von John Hammond entdeckt. 1953 ermöglichte er ihr eine erste Plattenaufnahme. Schnell wurde sie zu einer Ikone der Swing-Ära. Der Wendepunkt im "Café Society", dem ersten New Yorker Jazzclub ohne Rassentrennung, in dem es sogar möglich war, einen Song wie "Strange Fruit" zu singen, eine offene Anklage gegen die rassistische Lynch-Justiz der Südstaaten.

Fortan trat Billie Holiday mit verschiedenen Bandformationen auf, unter anderem mit Artie Shaws Band als erste schwarze Sängerin einer weissen Band. Nach weiteren Auftritten mit Orchestern und dem Plattenvertrag mit Decca (1943) kam die Flucht in den Alkohol, in Drogen und diverse Liebeleien. Billie Holiday fand in ihrer Arbeit keine individuelle Entfaltungsmöglichkeit, was sie mit ihrem künstlerischen Ethos nicht vereinbaren konnte. Ihre Karriere wurde zur Achterbahn: Auf grossartige Platten folgten Abstürze und Verhaftungen wegen Drogenbesitz. Ihre Männer waren halb Dealer, halb Zuhälter, die ihre Drogensucht ausnutzten.

1952 dann kam die fruchtbare Zusammenarbeit mit dem Produzenten Norman Granz: Innerhalb von nur fünf Jahren machte Holiday über einhundert Aufnahmen, mit den besten Musikern der Szene, die ihr Norman Granz zur Seite stellte. Endlich konnte sie sich musikalisch entfalten und die Musik machen, die ihr schon immer vorschwebte.

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Fotos: Blue Moon © Moritz Schell

mit Sona MacDonald und Nikolaus Okonkwo

18.30 Uhr 19.00 Uhr 19.30 Uhr 21.30 Uhr

Preise 60.– / 50.– / 40.–

Theater in der Josefstadt, Wien Landgraf Regie Torsten Fischer Bühnenbild und Kostüme Herbert Schäfer, Vasilis Triantafillopoulos Licht-Design Rolf Spahn Musikalische Einstudierung Christian Frank Live-Band Christian Frank (Klavier), Herbert Berger (Klarinette, Saxophon, Flöte), Andy Mayerl (Kontrabass), Klaus Pérez-Salado (Schlagzeug)

19.30 Uhr

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BLUE MOON EINE MUSIKALISCHE HOMMAGE AN BILLIE HOLIDAY Am 17. Juli 1959 starb Billie Holiday an einer Leberzirrhose. Den letzten Haftbefehl reichten ihr Beamte des Rauschgift-Dezernats auf dem Sterbebett.

2015 wäre Billie Holiday hundert Jahre alt geworden, mit 40 Jahren hatte sie gerechnet, 44 sind es geworden.

Sona MacDonald machte ihre umfassende Ausbildung in London (LAMDA), in den USA und in Wien. An der Freien Volksbühne Berlin debütierte sie als Cecily in Peter Zadeks Inszenierung von «Bunbury».

Danach folgten Engagements ans Schillertheater Berlin, ans Bayerische Staatstheater München und ans Theater in der Josefstadt.

Auch musikalisch betätigte sich Sona MacDonald immer wieder: sie wirkte nicht nur in

zahlreichen Musicals mit, sondern begab sich auch mit musikalischen Abenden immer wieder auf Tourneen in Europa und den USA (z. B. «Die sieben Todsünden – Kurt Weill-Abend», «American Rhapsody», «Lost in Stars & Stripes»).

Grosse Aufmerksamkeit im In- und Ausland erzielte sie überdies mit der Neueinspielung der «Dreigroschenoper» (BMG Records) mit dem Ensemble Modern unter der Leitung von H. K. Gruber. Darin singt Sona MacDonald die Polly mit Max Raabe als Macky Messer.

Auch in Film und Fernsehen konnte man die Allrounderin schon in vielen Rollen bewundern.

Sona MacDonald ist Trägerin des O. E. HassesPreises, des Kurt Meisel-Preises sowie des Nestroy-Preises (2009 & 2016), der höchsten oesterreichischen Auszeichnung.

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OPER VON GIOACHINO ROSSINI

L A C E N E R E N TO L A

Melodramma giocoso in zwei Akten Libretto von Jacopo Ferretti In italienischer Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln In seiner komischen Oper «La Cenerentola» erzählt Gioachino Rossini die berühmte Mär vom Aschenputtel mit spielerischer Leichtigkeit – und blickt doch zugleich tief in die Abgründe des Märchens. Im Mittelpunkt: Angelina (das «Aschenputtel»), die von ihren boshaften Stiefschwestern tagein, tagaus gedemütigt wird und sich trotzdem vom «hässlichen Entlein» zum schönen Schwan entwickelt. Als sie schliesslich sogar den Prinzen ihres Herzens findet, steht dem «Triumph des Guten» (wie es im Untertitel der Oper heisst) nichts mehr im Weg! Der italienische Regisseur Antonio Latella, Theaterintendant der Biennale Venedig und mit seinen Arbeiten bereits mehrfach am Theater Basel zu sehen, setzt sich mit einem der italienischen Opernklassiker schlechthin auseinander und inszeniert einen ebenso vergnüglichen wie sinnlich-poetischen Theaterabend für die ganze Familie.

In der Titelpartie ist die russische Mezzosopranistin Vasilisa Berzhanskaya zu erleben, Ensemblemitglied der Deutschen Oper Berlin, die

2016 den Grand Prix beim internationalen Muslim Magomaev Gesangswettbewerb in Moskau erhielt und seitdem u.a. am Moskauer Bolschoitheater, in der New Yorker Carnegie Hall und bei den Festspielen in Salzburg und Pesaro Erfolge feierte.

ERSTER AKT Angelina lebt seit dem Tod ihrer Mutter mit ihrem Stiefvater Don Magnifico und dessen Töchtern Clorinda und Tisbe zusammen, die die Erbschaft Angelinas verprasst haben und sie als Aschenputtel erniedrigen. Alidoro, der für seinen Schützling, den Prinzen Ramiro, auf Brautschau ist und sich dabei als Bettler ausgibt, wird Zeuge von der Hartherzigkeit der beiden Schwestern – und der Güte Angelinas.

Als die Nachricht eintrifft, dass der Prinz alle jungen Damen des Landes zum Ball auf sein Schloss lädt, wähnen sich Clorinda und Tisbe bereits als Auserwählte. Ramiro, als sein Diener Dandini verkleidet, erscheint und verliebt sich in Angelina. Don Magnifico und seine Töchter

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Sa 28. April

umschwärmen hingegen Dandini, der als Prinz verkleidet den Schwestern den Hof macht. Don Magnifico verwehrt Angelina die Bitte, ebenfalls den Ball des Prinzen besuchen zu dürfen und behauptet gegenüber Alidoro, der alle drei Töchter kennenlernen möchte, dass das Aschenputtel nur eine niedrige Dienstmagd und seine dritte Tochter verstorben sei. Alidoro tröstet Angelina und verspricht, ihr zu helfen.

Auf dem Ball ernennt Dandini, noch immer als Prinz verkleidet, Don Magnifico zum höfischen Hauptmundschenk, der sein neues Amt mit Eifer ausübt. Unerwartet und unerkannt erscheint Angelina, in festlicher Kleidung. Alle sind betroffen, wie ähnlich die schöne Unbekannte dem Aschenputtel sieht.

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Angelina Don Ramiro Dandini Alidoro Don Magnifico Clorinda Tisbe

Vasilisa Berzhanskaya Juan José de León Vittorio Prato Tassos Apostolou Andrew Murphy Sarah Brady* Anastasia Bickel*

Sinfonieorchester Basel Chor des Theater Basel * Mitglied des Opernstudios OperAvenir Chor des Theater Basel

Fotos: La Cenerentola © Priska Ketterer

Daniele Squeo Antonio Latella Antonella Bersani Graziella Pepe Francesco Manetti Pavel B. Jiracek

19.30 Uhr 22.30 Uhr

Besuch im Theater Basel

ZWEITER AKT Bevor Angelina den Ball verlässt, überreicht sie Ramiro, der sich noch immer als Diener ausgibt, ein Armband, das sie von Alidoro erhalten hat. Sie fordert Ramiro auf, er solle sich auf die Suche nach ihr begeben. Ein identisches Armband, das sie stets trage, werde es ihm ermöglichen, sie zu erkennen. Zurück zuhause, kehrt Angelina wieder an ihren gewohnten Platz zurück. Don Magnifico und seine beiden Töchter sind wütend über den Ausgang des Balls.

Auf der Suche nach der schönen Unbekannten kommt Ramiros Kutsche bei einem Unwetter vor dem Hause Don Magnificos zum Erliegen. In seiner wahren Gestalt tritt der Prinz ein – und erkennt Angelina. Unter den fassungslosen Augen des wütenden Don Magnifico und seiner Töchter bittet Ramiro Angelina, seine Frau zu werden. Prinzessin Angelina vergibt ihrer Stieffamilie die durch sie erlittenen Grausamkeiten.

(Quelle: Theater Basel) Musikalische Leitung Inszenierung Bühne Kostüme und Puppen Choreografie Dramaturgie

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B AC K S TAG E

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Q U A R T E T TO D I C R E M O N A EDITH SCHOGER

Während nach der Pause Türen zum Saal langsam wieder geschlossen werden und die letzten Gäste auf ihre Plätze huschen, setze ich mich zu Paolo Andreoli, der 2. Violine des Quartetto di Cremona, im Untergeschoss Fotos Backstage: André Albrecht

des Stadttheaters. Oben erklingt in weiter Ferne der Beginn des Forellenquintetts, das mit nur einer Geige besetzt ist, so haben wir Zeit, uns etwas zu unterhalten.

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Zu Beginn des Konzertes wurde es kurz angekündigt: Seit letztem Herbst seid Ihr im Besitz des «Paganini»-Quartetts [ein Quartett von extra zusammengestellten Stradivari-Instrumenten, die alle im Besitz Paganinis waren].

Wie geht es Ihnen mit den neuen Instrumenten?

Am Anfang war es nicht einfach, die Instrumente sind sehr anders als unsere alten Instrumente. Uns wurde das Quartett vorerst bis Ende Oktober zugesprochen, wir bemühen uns allerdings darum, eine Verlängerung zu erwirken. Denn in der Regel braucht man ca. ein Jahr, bis man ein Instrument wirklich kennt.

Lucas Hagen zum Beispiel, der Cristianos [1. Violine des Quartetts] Geige vor Ihm hatte, hat ihm einige Tipps gegeben und ihm gesagt, dass er sein Instrument erst nach ca. sechs Monaten richtig kannte.

Da man aber jeden Tag auf dem Instrument spielt, entdeckt man schnell viele neue Klangfarben und Finessen des Instrumentes. Meine Geige ist für mich in der Zwischenzeit fast fertig vorbereitet.

Nun hat nicht nur ein Quartettmitglied sein Instrument gewechselt, sondern gleich alle vier.

Musstet ihr zu Beginn einen «neuen Klang» finden?

Nein. Die Instrumente stammen alle aus einer Hand, das merkt man, denn sie haben alle mehr oder weniger den gleichen Klang. So mussten wir uns nicht mit Balance-Problemen herum-

schlagen und konnten uns gleich von Beginn an auf die Musik und jedes Quartettmitglied auf sein eigenes Instrument konzentrieren.

In einem Interview las ich, dass ihr euch freut, Schubert auf den Instrumenten zu spielen. War das Ergebnis wie erwartet?

Es war viel besser! Vorher hatten wir auch sehr gute und alte Instrumente. Aber alle waren von verschiedenen Geigenbauern. Jetzt harmonieren die Instrumente so gut, dass man sich beim Spiel voll auf die Musik konzentrieren kann.

Gerade bei Schubert ist es schwierig den perfekten Klang in der Musik zu finden und die musikalischen Nuancen herauszusprühen. Das ist jetzt viel einfacher.

Seit Euren Anfängen hat das Quartett viel erreicht: Ihr tourt weltweit, habt den grossartigen Beethovenzyklus aufgenommen und jetzt seid ihr im Besitz der Stradivari-Instrumente. Gibt es noch zu erreichende Träume und Ziele?

Natürlich ist es unser Ziel, das Beste zu behalten, sprich so weiterzumachen und z.B. die Stradivari-Instrumente länger zu behalten. Demnächst werden wir auch eine Schubert-Aufnahme mit diesen Instrumenten machen und wir freuen uns sehr auf die bevorstehende Reise nach Japan. Nippon [Music Foundation], die Stiftung, welche die Instrumente zur Verfügung stellt, will, dass sie mind.

1 Mal pro Jahr «zu Hause» sind.

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Als Nächstes geht es jetzt zurück nach Italien. Sowieso spielen Sie verhältnismässig viele Konzerte in Italien. Ist es Ihnen wichtig, die Wurzeln zu wahren?

Genau, wir spielen als nächstes zwei Konzerte auf Sizilien.

Auch wenn man das nicht gerne sagt, wir sind praktisch das einzige Streichquartett Italiens. Natürlich gibt es auch andere Quartette, oft sind das aber Orchestermusiker die neben ihrer eigentlichen Arbeit auch als Quartett miteinander spielen.

Wir hingegen spielen jeden Tag als Quartett. Daher kommen so viele Anfragen für Konzerte direkt zu uns.

Diese Situation besteht seit etwa zehn Jahren. In den letzten Jahren wurden vermehrt auch Künstler aus dem Ausland zu Konzerten nach Italien eingeladen. Dann aber oft auch mit einem «ausländischen» Programm. Wir bringen die Musik Italiens auf die Bühne.

Bestimmt wissen Sie, dass wir auch unterrichten. Eines unserer Ziele ist es nun, den Quartettnachwuchs in Italien zu fördern, sei dies bei jungen oder schon älteren Musikern.

Fotos Backstage: André Albrecht

Danke Paolo!

Ich schleiche mich zurück in den Konzertsaal, denn auch ich will mir noch den 4. Satz aus dem Forellenquintett anhören und der perfekten Symbiose dieses Klanges lauschen.

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OPER VON GIUSEPPE VERDI

FA L S TA F F

In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln

Versoffen, lüstern, überbordend, egozentrisch und in seiner Grandiosität doch zutiefst einsam: Falstaff pfeift auf Konvention und Kater, ist Störenfried, ein subversives Element in der engen, kleinbürgerlichen Welt von Windsor. Nein, das darf nicht sein: sofort domestizieren! Denn in Windsor soll Ordnung herrschen, Anstand muss gewahrt sein, Töchter wollen standesgemäss verheiratet werden. Panik, Hektik, Atemlosigkeit! Schnelle Tempi, kurze Motive, Melodiefetzen, attacca! Die Gesellschaft beobachtet jedoch Falstaff genau und hegt eine klammheimliche Freude über das Ungeschick dieses Ritters von trauriger Gestalt, der es verpasst, die angebeteten (und verheirateten) Damen Alice Ford und Meg Page individuell zum Rendezvous zu bitten. Er schickt ihnen gleichlautende Briefe. Ein Fauxpas, der ihn erst in einem Wäschekorb landen lässt, dann in der Themse, später im Wald, wo sich Waldelfen und Geister

herumtreiben und sich Liebespaare finden, die sich eigentlich nicht finden sollten.

Am Ende stimmt Verdis letzte grosse Opernfigur die Fuge an, die das Stück beendet: «Tutto nel mondo è burla», die ganze Welt ist Spass, alles eine grosse Farce. Der knapp 80-jährige Komponist schreibt einen Abgesang auf das Leben: Die Konflikte, die Fehden sind vergessen, die Streitlust vergangener Jahre ist einem milden, resignativen Lächeln gewichen.

Elisabeth I. sah Shakespeares «Heinrich IV» und verliebte sich in die Nebenfigur des dicken Ritters Sir John Falstaff und wünschte ihn sich als Hauptfigur, so heisst es. Shakespeare gehorchte und schrieb eines seiner schwächeren Dramen, «Die lustigen Weiber von Windsor», das allerdings auf der Opernbühne in Vertonungen von Nicolai und Verdi reüssierte.

(Quelle: Luzerner Theater)

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Sa 5. Mai

ERSTER AKT Cajus platzt in das Wirtshaus «Zum Hosenbande» und beschuldigt den zechenden, dicken, alten Ritter Falstaff seinen Diener geschlagen, seine Stute zu Schanden geritten und in sein Haus eingebrochen zu haben. Falstaff lässt die Klagen über sich ergehen und zwingt Cajus unverrichteter Dinge wieder zu gehen. Beim Begleichen der Rechnung merkt Falstaff, dass es ihm an Geld fehlt. Er setzt zwei identische Liebesbriefe an die beiden wohlhabenden Bürgersgattinnen Alice Ford und Meg Page auf und bittet sie um ein Treffen, bei dem er hoffentlich mit seinem Charme an deren Geld gelangen kann.

Dem Schwindel auf die Spur gekommen, beschliessen die beiden ihm eine Lehr zu erteilen. Alice will ihn zu einem Rendez-vous einladen, bei dem er wegen seiner Lüsternheit und Dickleibigkeit zum Gespött gemacht werden soll. Auch Ford, der Ehemann von Alice, erfährt von dem Brief. Er will Falstaff in sein Haus locken und ihn mit Alice in flagranti erwischen.

Unbemerkt wegen des ganzen Trubels schwören Fords Tochter Nannetta, die Cajus versprochen ist, und Fenton einander ihre Liebe.

Clemens Heil Benedikt von Peter Natascha von Steiger Ulrike Scheiderer Mark Daver Brigitte Heusinger

Sir John Falstaff Ford Fenton Dr. Cajus Bardolfo Pistola Mrs. Alice Ford Nannetta Mrs. Quickly Mrs. Meg Page

Claudio Otelli Jason Cox Eleazar Rodriguez Robert Maszl Hans-Jürg Rickenbacher Vuyani Mlinde Rebecca Krynski Cox Magdalena Risberg Sarah Alexandra Hudarew Caroline Vitale

Chor des LT Luzerner Sinfonieorchester

Abo A, M, F kein freier Verkauf Beginn Ende ca.

19.30 Uhr 22.05 Uhr

Besuch im Theater Luzern

Fotos: Falstaff © luzernertheater.ch

Musikalische Leitung Inszenierung Bühne Kostüme Choreinstudierung Dramaturgie

19.30 Uhr

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FALSTAFF OPER VON GIUSEPPE VERDI ZWEITER AKT Falstaff ist glücklich, denn alles verläuft nach seinen Vorstellungen: Alice Ford will ihn treffen und Ford, der sich ihm als Signor Fontana ausgibt, will ihm Geld bieten, um Alice zu verführen. Als Falstaff zum vereinbarten Treffen kommt, taucht zuerst – wie mit Alice vereinbart – die eifersüchtige Meg auf. Dann, zu aller Überraschung, auch Alices Ehemann. Dieser stürmt in das Haus und durchsucht jeden Winkel nach Falstaff. Den Frauen gelingt es, diesen gerade noch rechtzeitig im Wäschekorb zu verstecken, der dann von den Dienern in die Themse geleert wird. Ford glaubt, angelockt von lauten Küssgeräuschen, den Verdächtigen hinter dem Wandschirm gefunden zu haben – beim Öffnen entlarvt er jedoch Nanneta und Fenton.

DRITTER AKT Übelgelaunt sinniert Falstaff bei Wein über die Schlechtheit seiner Umwelt. Mrs. Quickly überbringt ihm einen Brief von Alice Ford mit einer

erneuten Einladung zum Rendez-vous um Mitternacht. Um ihn zu erkennen, bittet Alice darum, dass er sich als schwarzer Jäger mit Hirschgeweih auf dem Kopf verkleidet. Den Trubel will Ford nutzen, um seine Tochter mit Dr. Cajus, der als Mönch verkleidet sein wird, zu verheiraten. Mrs. Quickly hat ihn jedoch belauscht: Fenton wird ebenfalls als Mönch verkleidet erscheinen.

Als sich Falstaff und Alice im Wald treffen, erwacht der Wald zum Leben: Alle sind als Feen und Geister verkleidet und machen sich über Falstaff her: Fallstraff soll bereuen. Als er jedoch Bardolfo an seiner Schnapsfahne erkennt, durchschaut er den Spuk. Als Höhepunkt der Maskerade soll nun eine Doppelhochzeit stattfinden. Ford vermählt die beiden verkleideten Paare. Als sie die Verkleidung ablegen, erkennen alle, dass er Nannetta und Fenton verheiratet hat – und Dr. Cajus mit Bardolfo. Falstaff beschliesst mit seinem Fazit: «Alles ist Spass auf Erden, der Mensch als Narr geboren.»

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SCHAUSPIEL VON DANIELA JANJIC

TELL

nach «Wilhelm Tell» von Friedrich Schiller

Entfacht durch das Aufbegehren der Innerschweizer gegen den Reichsvogt Gess­ler und durch das Einschreiten von Wilhelm Tell, befreien sich die Eidgenossen von der Willkür der Habsburger.

Wie jedem Gründungsmythos ist auch die Tell-Legende mit unterschiedlichen historischen und gesellschaftlichen Bedeutungen aufgeladen: Freiheitskampf, Staatsgründung, Lob der Gemeinschaft, genauso aber auch mit der Abschottung von der Aussenwelt. Sowohl die «hellen» wie die «dunklen» Seiten der Tell-Saga prägen die Schweizer Identitätsfindung bis heute. Auf der einen Seite steht der demokratische Staat, der auf Freiheit und Gleichheit fusst und sich über Vernunft und Solidarität de-

finiert. Auf der anderen Seite steht die Instrumentalisierung genau dieser Werte, um Rückzug und Ausgrenzung zu rechtfertigen. Steht uns mit Wilhelm Tell ein Attentäter oder ein Freiheitskämpfer gegenüber?

Begriffe wie Freiheit und Sicherheit lassen Spielraum für verschiedene Auslegungen.

Was bedeutet uns Tell heute? Was passiert mit dem grösseren Zusammenhalt in einem bröckelnden Europa? Wer sind heute die Tyrannen, und wer die Unterdrückten?

Wer darf «Obergrenzen» bestimmen? Und gibt es eine berechtigte Form der Gewalt ausserhalb der Gesetze?

Unter der Leitung von Regisseur Jérôme Junod, der Autorin Daniela Janjic und TOBSTheaterpädagogin Isabelle Freymond nä-

Vincent Fontannaz (links), Günter Baumann (rechts) © tobs.ch

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Do 17. Mai

hern sich junge SpielerInnen unterschiedlicher Herkunft zusammen mit dem Schauspielensemble über die Dauer der ganzen Saison dem Mythos Wilhelm Tell.

Das Zusammenspiel verschiedener Sprachen und Kulturen wird die Vielfalt und Pluralität unserer Gesellschaft lustvoll aufgreifen und auf die Bühne bringen.

Daniela Janjic erweitert den Stoff um einen neuen Blick befragt und belebt ihn. Sie wurde in Bosnien und Herze­ gowina geboren und ist in der Schweiz aufgewachsen.

Studiert hat sie am Schweizerischen Literaturinstitut in Biel. Heute lebt sie in Berlin.

(Quelle: Theater Orchester Biel Solothurn)

Abo B, S, Y, F freier Verkauf Abendkasse Werkeinführung Beginn Ende ca.

Schüler, Auszubildende und Studierende 50% Ermässigung.

Jérôme Junod © tobs.ch

Friedrich Schiller © Anton Graff

Jérôme Junod Isabelle Freymond Nathalie Lutz Anna von Zerboni Marc Ugolini Christoph Brunner Margrit Sengebusch

Gessler Günter Baumann Attinghausen Barbara Grimm Hedwig Tell Atina Tabé Melchtal Tom Kramer Bertha von Bruneck Tatjana Sebben Rudenz Raphaël Olivier Tschudi Wilhlem Tell Vincent Fontannaz Walther Fürst Jens Ole Schmieder Junges Ensemble (Junges Theater Biel): Vera Bolliger, Nadine Bourban, Emilia Catalfamo, Manuel Djurovic, Pajtime Dodaj, Fiona Fankhauser, Beqir Fetahi, Fabiola Filippopulus, Heston Graber, Asso Husseini, Martina Inniger, Melani Kostadinova, Antonia Laubscher, Gino Roesselet, Eva Schneider, Aline Schüpbach, Paul Wongprakon, Jessica Woodtli

18.30 Uhr 19.00 Uhr 19.30 Uhr 21.45 Uhr

Preise 50.– / 40.– / 30.–

TOBS Theater Orchester Biel Solothurn Inszenierung Leitung Junges Ensemble Bühnenbild Kostüme Choreographie Musik Dramaturgie

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OPER VON GEORGES BIZET

CARMEN

Opéra comique in vier Aufzügen. Libretto von Henri Meilhac und Ludovic Halévy nach einer Erzählung von Prosper Mérimée. In französischer Sprache mit deutschen Übertiteln.

Auf den ersten Blick hat Bizet mit Carmen, einem der berühmtesten und meistgespielten musikalischen Bühnenstücke der Welt, eine Choroper geschrieben. Im Kern ist es jedoch ein Stück über zwei Personen, über deren gegenseitiges Liebeswerben um Sehnsucht und Ablehnung, um Selbstverlust und Selbstaufgabe. So oft auch die mit spanischer Folklore, Zigeunern und Tabakromantik angereicherten Gruppenszenen im Vordergrund stehen, sollten sie nicht verdecken, was sie einrahmen: einen Machtkampf zwischen zwei Menschen, die sich besser nie begegnet wären: Carmen und José. Für dieses Paar dienen die anderen Figuren als Kontrastfolie und illustrieren, wie Carmens und Josés Persönlichkeitseigenschaften, ihre Erwartungen und Vorstellungen so inkompatibel sind, dass ihr Kampf umeinander im Tod enden muss. Doch Carmen ist keine Frau, die mit Konventionen ringt oder an ihnen scheitert; sie ist es, die das Geschehen be-

stimmt. Bizet stellt in Carmen dar, wie eine Frau mit sich kämpft und an sich scheitert. Gerade die Liebe erlebt Carmen als unbeherrschbares, äusseres Phänomen, ein «oiseau rebelle, que nul ne peut apprivoiser, et c’est bien en vain qu’on l’appelle…» – ein Vogel, der sie willkürlich anfliegt. Der einzige, der Carmen in ihrem Kampf um sich selbst ebenbürtig ist, in dem sie sich spiegeln kann und dem sie Macht über sich zugesteht, ist der Tod. Diese Gratwanderung zwischen leidenschaftlicher Hingabe und Sehnsucht nach Entgrenzung ist Ausgangspunkt der musikalischen und inszenatorischen Herangehensweise von Dirigent Mario Venzago und Regisseur Stephan Märki. Sie werden ein Psychogramm zeichnen, dem der bildende Künstler und Bühnenbildner Philipp Fürhofer, dessen Arbeiten internationales Aufsehen erregen, Räume geben wird.

(Quelle: Konzert Theater Bern)

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ERSTER AKT Ein Platz vor einer Zigarettenfabrik in Sevilla: Soldaten vertreiben sich die Zeit. Micaela sucht unter ihnen ihren Freund José, einen Sergeant. Beim Klang der Fabrikglocke treten die Arbeiterinnen heraus. Die Schönste ist die Zigeunerin Carmen. Sie besingt José mit ihrer berühmten Arie «L’amour est un oiseau rébelle», er aber ignoriert sie. Micaela überbringt José einen Brief seiner Mutter, die ihm rät, Micaela zur Braut zu nehmen. Plötzlich kommt es zum Durcheinander: Carmen hat eine Kollegin im Streit mit einem Messer verletzt. José führt sie in Fesseln ab, ist von ihr aber so angetan, dass er sie entkommen lässt.

Sa 26. Mai Abo C, F kein freier Verkauf

ZWEITER AKT Im Wirtshaus von Lillas Pastia singt und tanzt Carmen abends mit ihren Freundinnen. Sie erfährt, dass José wegen ihres Entkommens eine Strafe absitzen musste. Der gerade siegreiche Stierkämpfer Escamillo tritt unter Jubel ein. Sein Interesse an Carmen weist diese zurück. Als das Wirtshaus schliesst, suchen Schmuggler nach jemandem, der die Wachen ablenkt. Carmen kann nicht helfen, da sie José erwartet. Sie tanzt für ihn und will, dass er nicht in die Kaserne zurückkehrt, sondern ihr in die Berge folgt. Da stürzt Josés Chef in das Wirtshaus. Die beiden kämpfen, bis sie auseinandergezogen werden. Nun bleibt José nichts anderes mehr übrig, als Carmen und den Schmugglern zu folgen.

Beginn Ende ca.

Philipp Fürhofer Tabea Martin Zsolt Czetner Katja Bury

Chor Konzert Theater Bern Orchester Berner Symphonieorchester

Mercedes Micaela Carmen Remendado Don José Dancairo Morales Escamillo Zuniga Joker/ Tanz

Eleonora Vacchi Evgenia Grekova Claude Eichenberger Andries Cloete Xavier Moreno Nazariy Sadivskyy Carl Rumstadt Jordan Shanahan Young Kwon Winston Ricardo Arnon

Mario Venzago

Plakat zur Uraufführung © Arist unknown

VIERTER AKT Vor der Stierkampfarena: Es herrscht ein buntes Treiben. Escamillo und Carmen sind zusammen dort, ihre Freundinnen warnen, dass auch José vor Ort ist. Beim Aufeinandertreffen beteuert dieser Carmen seine Liebe. Carmen weist ihn aber ab. Als er erkennt, dass seine Liebe aussichtslos ist, ersticht er sie.

Mario Venzago Stephan Märki

19.30 Uhr 22.00 Uhr

Besuch im Konzert Theater Bern

DRITTER AKT Im Versteck in den Bergen verliert Carmen langsam das Interesse an José. Die Zigeunermädchen sehen in den Karten, dass die beiden bald dem Tod in die Augen sehen müssen. Unterdessen ist Micaela unterwegs zur Kaserne mit einer Nachricht an José.

Escamillo tritt auf und zeigt erneut sein Interesse an Carmen.

José fordert ihn heraus und tötet den Stierkämpfer beinahe.

Endlich findet Micaela den Sergeanten und berichtet, dass dessen Mutter im Sterben liegt. Er geht mit ihr mit, verspricht Carmen aber wiederzukehren.

Musikalische Leitung Regie Bühne und Kostüme Choreografie und Regiemitarbeit Chor Dramaturgie

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Vor dem Theater…

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