Self n14 by Spanish Electronic Foundation

a stereophonic experience vol. 1 a compilation of spanish electronic music

nĂşmero 14 nov|dic 1998

electronic music non-stop

P///MICROFUSA

SELF 14 » En este número colaboran The A-Team, Alberto Balsam, Vicenç Batalla, Cromatón-Bic Jr, S. Estrada, Juan Manuel Freire, Eli Gras, Toni López, Paco y Manolo, Marc Piñol, Manel Roig, Antonio Santaeularia, Taschen, Tito y Emma Villegas.

live: festivales |4

CONCURSO DE MAQUETAS ¡Oído al parche! El indómito colectivo Exòtica Club, animoso donde los haya, en bizarra colaboración con Self, la única publicación gratuita que no mancha los dedos de tinta, invita a todos los grupos/artistas de música electrónica popular (ya sabéis: techno, house, trip-hop, industrial...) a su 1º Concurso de Maquetas. Los requisitos son mínimos: trabajar en los estilos citados o adyacentes (exclusivamente música electrónica popular, por favor), que los participantes no tengan contrato discográfico o disco en el mercado y enviar una sóla maqueta por grupo o proyecto. Los grupos y/o proyectos ganadores tendrán la oportunidad de tocar en directo en la sala Nova Jazz Cava de Terrassa (Barcelona), precioso local por donde han pasado multitud de primeros espadas del jazz mundial y, desde hace poco, también grupos electrónicos. Asimismo, los afortunados verán sus opiniones y rostros inmortalizados en una entrevista en Self y podrán, si lo desean, publicar sus temas en futuras ediciones discográficas de Self. Enviar los trabajos en cualquier tipo de formato (K7, DAT, Minidisc, Cd) junto con un pequeño dossier sobre el grupo, necesidades técnicas y teléfono y dirección de contacto a: Self, P.O. Box 10183, 08080 Barcelona, especificando en el sobre ‘Concurso Exòtica Club/Self‘. ¡Suerte!. 24|12|98 FECHA TOPE

coordinador luciano álvarez diseño juan antonio álvarez / ow redactor jesús brotons publicidad xavier vila self po box 10.183 | 08080 barcelona | t+f 93 308 25 94 | self@orangeworld.es edita orangeworld sl publicidad xavier vila | 93 231 89 55 | dexvila@redestb.es distribución en tiendas so dens distribucions | 93 268 40 35 impresión futurgràfic fotomecánica maquetprint impreso en papel 100% reciclado self, aunque la comparta, no se hace responsable de la opinión de sus colaboradores depósito legal B-39.928-95 este número ha sido compuesto con la tipografía self, creada especialmente por íñigo jerez para nosotros

número 14 nov|dic 1998

LIVE FESTIVALES

SÓNAR 98 por MARC PIÑOL

DOCTOR MUSIC 98

Vamos a dejar de quejarnos; y lo vamos a hacer quejándonos. Por mucho que la voz del amo se empecine en inmolar nuestra autoconfianza, la crítica nunca ha perjudicado directamente (venga, pónganme un ejemplo) a este tipo de actos por el hecho de redactar críticas negativas desprovistas, en unos pocos casos, de razonamientos tangibles. Algo lógico y no exento del encanto de la (inocentísima, no se lo pueden llegar a creer) crítica constructiva de algunos de los plumillas más representativos de las publicaciones más ídem de la península; hay poco tiempo en el que desentrelazar tantos caracteres, así que me apuro. Vale la pena ir aclarando que no hay, para nada, odio detrás de todas las reseñas, digamos no-buenas, que ustedes, caros lectores, examinan con microscopio en publicaciones tan singulares como ésta, sino una máxima que es inherente a todo ciudadano que se respalda en la santísima Declaración Universal de los Derechos Humanos, concretamente en el artículo 20, párrafo 2: “nadie está obligado a pertenecer a una determinada asociación”. De ideas, por ejemplo; tenemos las nuestras y pedimos ser respetados por ellas. Cabe advertir que el artículo 3, que sería el que pudieran echar en nuestra contra (“todo individuo (evento) tiene derecho a la vida, a la libertad y a su seguridad”), también la podemos aplicar, cual loción, sobre nuestras fogosas cabecitas. Aquí no hay nadie que resulte perjudicado si no hay la más leve intención de entrar en un juego la mar de inocente. No nos engañemos más. El último Sónar tuvo sus pros y sus contras, y cada uno de los que se pasó por ahí, que fueron muchísisisimos, valoró según sus gustos y apetencias. A mí no me gustó más que en otras ocasiones. Pero no hay que dramatizar. La crítica no es Atlas y jamás ha pretendido serlo: nosotros no llevamos el mundo a horcajadas, sólo somos unos humildes servidores de su persona. Eso sí, exigentes. La información debe llegar cómo llega: sin cortapisas ni baremos intelectualoides; lo de educar divirtiendo, vamos. Es la gente la que debe leer y juzgar. Los organizadores, no: lo suyo es trabajar todo el año para que el Sónar resulte un ‘tour de force’ insuperable, que es a lo que cada vez está más cerca de ser. Lo de echar las babas sobre un pedazo de papel impreso por una puñetera reseña, eso sí que es preocupante. Es, casi, casi, indignante. n

por VICENÇ BATALLA

Decido salir de la carpa Phantasy Lounge, donde el personal viene a hacer la siesta a primera hora de la tarde, para ver que hay más allá de los Ritmes Globals y las cabañas dance. Me he perdido a los Garbage y a Pulp, aunque Jarvis Cocker me ha pasado por el lado con su figura alargarda y demacrada (de cerca todavía es más ‘common people’ que sobre el escenario). Hago un poco de ejercicio al ritmo que marcan los Beastie Boys y Money Mark desde los platos. Después me encojo cerca de las vallas cuando Beth Gibbons y los Portishead recrean el ‘Roads’. Me da como no se qué darle la mano cuando baja hasta la primera fila. Tengo frío y voy a por la cazadora para no congelarme en la primera noche de baile de montaña. Por el camino oigo las versiones castizas del ‘Billy Jean’ a cargo de Los Petersellers y empiezo a impregnarme del ambiente de fiesta mayor en que se va a convertir el festival a partir de ahora. Les Rhytmes Digitales y Jon Carter hacen honor a su fama de juerguistas de los compases entrecortados. Kevin Saunderson no para de corear “Detroit! Detroit!” al lado de sus acompañantes blancos, y cuando aparece en el pedestal Josh ‘Trenzas’ Wink todo el mundo está preparado para ofrecer sus mejores coreografías de los éxitos de temporada. Vuelvo a reconfortarme al día siguiente con el viejo huraño de Bob Dylan. Y pensar que sólo toca la guitarra... Lo que viene después ya es imposible tomárselo en serio. Rosendo congrega más gente que nadie y Nick Cave se domestica en el momento central del fin de semana. Los Ktulu suenan más convincentes que algunas lumbreras techno y los Red Snapper interponen una cantante y un MC negros, aunque no les hace falta. El live de Luke Slater y la sesión de Dave Angel sólo contribuyen a que la marcha no decaiga, pero que tampoco se diferencie de otro sábado por la noche. Ian Gillan y el ‘Smoke On The Water’ a media tarde de domingo acaban por sumirme en la más extraña de las citas de verano. No tengo claro si es más divertido ver a Ronaldo al otro la-

KRAFTWERK | (F) EMMA VILLEGAS

BOARDS OF CANADA »

DOCTOR MUSIC 98

do de los Pirineos en estado epiléptico o a Iggy Pop a punto de hundirse rodeado de seguidores. El contrapunto lo tengo de la mano del ragtime electrónico de los TV People y el ‘Rock The Funky Beats’ imparable de los Natural Born Chillers. No conecto con la melancolía desafinada de Alpha a las tres de la madrusgada, pero sí con el house de HD Substance. Ante tanto despropósito, Green Velvet/Cajmere viene a poner las cosas en su sitio. O sea, frases incomprensibles y discos desconocidos. Me siento más cómodo oyendo este tipo de personajes que profesando una fe ciega al chumba chumba. Por eso me he dejado llevar por el desconcierto al aire libre. Tenía ese aspecto estrambótico tan propio de las zonas montañosas y que la masificación de las playas no conseguirá nunca. n

BENICÀSSIM 98

BENICÀSSIM | (F) EMMA VILLEGAS

por JUAN MANUEL FREIRE

Los kilómetros andados a pie, el calvario de cuatro días vividos en un campo de concentración y la sofocante calina que castigó a todo bicho viviente… intentemos olvidar, al menos en el plazo de estas líneas, los inconvenientes de una reunión que tan poco tiene que ver con regímenes de civilización, higiene o integridad personal. Peor se pasa en eventos como Glastonbury, y allí nadie se queja. En esta revista se habla de música electrónica, y la última edición del festival certificó el asentamiento definitivo de la tecnología entre los gustos del público, tanto de la masa bailonga como de un público más exigente que busca opciones al retroceso de Teenage Fanclub y Bernard Butler. Esta demanda exige instalaciones acordes al tirón de la propuesta, que este verano tuvo momentos muy álgidos dentro de la carpa Galax-Nitsa: la audiencia allí presente tuvo la oportunidad de asistir a una representación heterogénea que nunca defraudó (aunque no pregunten a algunos por el original espectáculo de Radioboy, y que entusiasmó en muchas ocasiones: el retorno siempre triunfal, copa de la organización incluida, de Chemical Brothers; el freestyle de un James Lavelle que se atrevió a pinchar canciones de Nirvana y Led Zeppelin para regocijo de advenedizos y mentes abiertas; y la fiesta interminable de Fatboy Slim y Bentley Rhythm Ace, se cuentan entre los momentos más positivos. A su vez, el escenario Maraworld presentaba un cartel poblado de luminarias alternativas con el peso de Mogwai, Tortoise y Autour De Lucie; y de nuevas realidades para la escena nacional, tal es el caso de Migala (presentando ‘Low Defences’, de su inminente segundo álbum) y Astrud, artesanos de un tecno-pop sentimental que es preferible disfrutar en formato discográfico. Como los festivales son para sufrir, el nuevo terreno era enorme y laberíntico. Lo ma-

sivo de la afluencia no evitó que todo funcionara como se esperaba (si exceptuamos un sonido a veces falto de agudos y decibelios en los alto parlantes y la inofensiva ausencia final de Morcheeba y Cornershop) en el escenario Maravillas, donde la inapelable Björk ofreció el mejor concierto del festival y uno de los espectáculos más exquisitos, a cualquier nivel, que puedan contemplarse en la actualidad. Aunque es muy significativo que una artista tan poco convencional como Björk tenga el mérito de cubrir de gloria un escenario por donde pasaron lumbreras del rock de anterior prestigio y ulterior decaimiento como Jesus And Mary Chain, quizá el mayor hito fuera enfrentar el despliegue biorrítmico de Goldie al público del escenario Maravillas por las ausencias de última hora: es difícil calibrar la aceptación inmediata del jungle y drum’n’bass de Metalheadz entre la población indie del festival, pero allí todos bailaban hasta el último minuto; lo mismo hubiera sido de sonar Atari Teenage Riot, Pan Sonic o Autechre, porque lo importante era amortizar el pago de la entrada diaria o pulsera de marras. Y también los kilómetros andados a pie, el calvario de cuatro días vividos en un campo de concentración y la sofocante calina que castigó a todo bicho viviente… n

BOARDS OF CANADA EL SUEÑO DEL ALCE LOCO

que damos a la melodía. La melodía lo es todo en Boards Of Canada. Melodías simples, sencillas. Las emociones pueden aflorar más con la sencillez de una melodía que con miles de cambios de estructura y demás complicaciones rítmicas. No marcamos el ritmo, sí la melodía. Evocadora puede serlo de la belleza y sencillez de la naturaleza". ¡Joder, no serán estos tipos unos hippies reformados!. No, en todo caso serán unos hippies bien formados, aunque de una manera un tanto heterodoxa. "La pregunta de siempre, sí. La respuesta de siempre, sí: los documentales sobre ciencia o naturaleza y programas de televisión. Evocamos la sencillez, el pasado, la infancia. Y si escuchamos un artista o un sonido de un documental lo evocamos. Usamos todo lo que queremos usar. Reinterpretamos todo lo que nos ha marcado de una forma o de otra. Pero también nos pueden gustar cosas de Jerry Goldsmith o cosas de Devo o cosas de Joni Mitchell. Son emociones, nos da igual de donde provengan".

© (T) Manel Roig + (F) Self En los bosques de Canadá, fríos e inhóspitos, deben quedar algunos animalitos vivos: mapaches, osos, ardillas, lobos y también algún alce. Los alces son aquellos animalitos tan simpáticos que comen hierba y que tienen unos cuernos (se llaman astas, amiguitos) muy muy muy grandes, como ramas de árbol, pero, fijaros, ¡¡mucho máááás fuertes!!

Lo que parece una intro a un episodio de ‘El Hombre y la Tierra’, versión infantil, acompaña las imágenes a las que Michael Sandison y Marcus Eoin han puesto música. Sin salvar ninguna diferencia, la música de Boards Of Canada es una deliciosa nana sin final. Y es que el debut de los dos chicos de la costa noreste de Escocia ha sido para un servidor el mejor, sin duda alguna, debut de un grupo en años. El sonido único de este ‘Music Has The Right To Children’ (Skam-Warp-Satélite K) invita literalmente al oyente a tener los pies unos centímetros por encima del suelo. Una invitación placentera y ensoñecedora que va invadiendo tu mente a base de preciosas melodías. "Si nuestra música tiene un aire de nostalgia y de melancolía creo que es debido a la importancia

Michael Sandison (27 años) y Marcus Eoin (25 años) llevan desde su más tierna infancia metiendo sus poros dentro de la música. Desde los 6 años ya empiezan a tocar el piano y la guitarra, y sus inquietudes creativas son el sencillo reflejo de unas personalidades nada típicas. Comienzan a crear el soporte creativo para su música, que se basa en dañar la película de 8 mm de diversas formas, consiguiendo efectos luminosos alterados sobre diferentes imágenes. ¿Quizás mensajes subliminales?

HIPPALY » "Obviamente hablarás de todo lo que habrás oído sobre nuestros directos. Música e imágenes son la misma cosa, las creamos de manera separada, pero sabemos que van a ir proyectadas con imágenes definidas. Desde que éramos pequeños el aspecto visual nos ha acompañado en nuestras mentes, junto con la música por supuesto. Proyectamos imágenes provenientes de las películas de 8 mm y de montajes de vídeo, que junto con nuestra música crea el efecto que hemos pretendido crear. Sí, claro, hay mensajes subliminales en nuestras proyecciones, sólo captados por aquellos que se dejan llevar". Por si quedaba alguna duda respecto a su interés por la imagen, la pareja nos recuerda la promesa de finalizar una película con el colectivo cinematográfico de la banda, llamado Music70, para de aquí a unos... tres años. Prisas no tienen. "Nos

que Michael le compra a un amigo un sintetizador por 100 libras, llamado por ellos ‘el arma secreta’. En esa época los cinco miembros junto al colectivo que rodea a la banda, Music70, se centran sobre todo en las creaciones visuales. "Music70 es el aspecto visual de Boards Of Canada, aunque para nosotros, como creadores, es lo mismo, tiene la misma importancia. En el año 88 éramos cinco y desde 1996 somos dos. En ese año ya había aparecido nuestro primer Ep, ‘Twoism’, que era del 95, cuando éramos tres: Marcus, Chris y yo. La gente nos pregunta que cómo puede ser que en 13 años no hallamos hecho nada más que distorsionar imágenes y hacer un solo de batería de 6 horas. Buscamos nuestro camino, sólo era eso, no tener prisas".

Violines, pianos, guitarras, teclados, voces y silencios, todo trenzado de manera sencilla a la vez que estremecedora. Gracias a la ayuda de Sean Booth (Autechre) que les pone en contacto con Skam Records, Boards Of Canada publica el 12" ‘Hi Scores’ y tocan con bandas como Autechre o Pan Sonic. Tras el citado anteriormente ‘Twoism’ (autofinanciado por ellos mismos) y este ‘Hi Scores’, sacan una cinta del proyecto Music70, llamada ‘Boc Maxima’, que recoge música de sus imaginativos experimentos visuales en vídeo y super 8 y colaboran en distintas recopilaciones de diversos sellos, para llegar finalmente a la publicación en abril de este año del sencillamente delicioso ‘Music Has The Right To Children’. ¿Y el origen de tan ‘sensacional’ nombre para la banda? “Lo sacamos de la National Filmboard Of Canada”. La naturaleza, de nuevo. n

gusta ser perfeccionistas en todo lo que hacemos, ya sea en la creación de una melodía como en la de una imagen". El embrión de Boards Of Canada viene de cuando Michael invitó a su amigo Marcus a iniciar un ‘proyecto’. Una línea repletísima de baterías, bajos, guitarras y voces (harían en el año 86 -Dios mío, trece añitos- una versión del ‘L.A.’ de The Fall), junto a una multipresencia de sintetizadores serán los instrumentos utilizados inicialmente por ellos. En ese momento son una ‘banda’ de cinco músicos. "De esa época recordamos que en uno de los conciertos invitamos a la audiencia a subir y tocar los instrumentos, sobre todo el sintetizador -uno por tecla, como afirma Michael, y bueno, también es cierto aquello de que hice una actuación -Michael de nuevo- consistente en un solo de batería, en una especie de maratón musical, de 6 horas, desde la 1 de la madrugada hasta las 7". Que horror, no quiero ni pensarlo. Una fecha clave para Boards Of Canada es el día

HIPPALY

NADA DE SERMONES

© (T) Jesús Brotons + (F) Eli Gras El hip-hop es comunicativo, cierto, y de eso se aprovechan unos cuantos mequetrefes para comunicar cuanta tontería les pasa por la cabeza. A Hippaly no les hace falta soltar dos verdades ombliguistas y cuatro insultos en cada rima para parecer auténticos. Su álbum de debut, instrumental de cabo a rabo, habla por sí mismo. Y ahora les toca a ellos. Tambores de guerra suenan en la distancia mientras peña de la facha más diversa trasiega de un lado a otro. El Sónar, claro. Es una luminosa tarde de sol y servidor se encuentra plácidamente sentado en el patio del CCCB junto a los sevillanos Hippaly, quienes poco más tarde tendrán que demostrar sus porqués sobre el escenario. Tras tantas horas de ver desfilar (en todas las acepciones del verbo) un conglomerado de gente que abarca de los hooligans más cejijuntos a los más afectados maniquíes, reconforta encontrarse ante gente como Jesús, Jorge, Sergio y Francisco (Dememcee, CRS, Kade y Phuture D, no necesariamente en este orden), seres normales, personas como las que uno se encuentra todos los días. Normales, al menos, en apariencia, ya que cuatro mendas capaces de facturar un álbum tan cojonudo como ‘El SURco Responde Al Silencio’ (Tú Pierdes, 1997) algún punto de invisible disimilitud con el resto de la peña deben de tener.

Pues sí. El mentado disco, para este cronista el mejor trabajo de hip-hop hecho en España el pasado año y uno de los mejores en cualquier estilo, se erige en pieza insoslayable a la hora de hacerse una idea de lo que se está cociendo en la piel de toro en lo que al sonido callejero por excelencia se refiere. Un trabajo, además, que es un auténtico ‘rara avis’ dentro del hip-hop español, género conducido casi siempre por las inexorables vias férreas de la ortodoxia. Para empezar, se trata de un álbum enteramente instrumental, algo bastante inaudito por estos lares, donde todo quisque cree estar en posesión de una verdad maravillosa y arde en deseos de compartirla con nosotros. La pregunta es obvia pero inevitable: ¿por qué aparcar los recitados? “Surgió como una propuesta que nos hizo Sergio. Había escuchado una maqueta nuestra y le

había gustado el ambiente que nuestra música creaba, así que nos propuso hacer una serie de temas instrumentales. Al principio nos costó un poco enfocar su propuesta y llenar el vacío que creaba la falta de voz, ya que lo que solíamos hacer era radicalmente distinto. Éramos un conjunto a base de letras y giradiscos”. El hip-hop podría considerarse uno de los estilos más preocupados por tender un puente entre la psique del músico y la del oyente. La necesidad de expresar una línea de pensamiento, una forma de entender las cosas y de enfrentarse a la vida es el motto de la mayoría de rappers, siendo sus manifiestos rimados los que acaban determinando gran parte de la personalidad del grupo. ¿Cómo es posible transmitir una particular idea o emoción sin una letra que exponga con claridad el mensaje? “Cada tema viene definido por el especial estado de ánimo en que uno se encuentra al empezar a trabajar, y refleja una sensación o un momento determinado. Dependiendo de la situación los temas pueden transmitir rabia, pasión... o ser cadentes y abiertos. Pero sin una voz que te vaya guiando, a veces todo esto no se percibe a la primera escucha”. Una de las primeras cosas que te enseñan en las escuelas de jazz es que las escalas menores producen una impresión de tristeza (personalmente lo considero una memez), y los ritmos quebrados inestabilidad. Así que cuando se trabaja descontextualizando y reorganizando fragmentos musicales de procedencias tan dispares como Alameda y los Crusaders, ser explícito, o al menos comunicativo, debe ser aún más difícil. “Intentamos siempre, con nuestros medios limitados, ser lo más expresivos posible respecto al concepto que enfocamos en cada tema. Luego, cada oyente lo asume a su manera”. La biopsia sonora, es decir, la toma de muestras de un cuerpo musical ajeno con el fin de separarlas de sus cualidades originales y dotarlas de otras inéditas dentro de un contexto nuevo es la base por la cual una composición adquiere calidad de abstracta. La abstracción es una de las principales características del reconocible sonido Ninja Tune. Hippaly han sido muchas veces comparados con los artistas de este sello. ¿Sienten los hispalenses afinidad con gente como Amon Tobim o The Herbaliser? “A menudo esas comparaciones nos cogen por sorpresa. Nunca hemos intentado parecernos a Ninja Tune ni a Mo’Wax, ser incluidos en una ola determinada, sino ser nosotros mismos”. Que quede claro que, si hay alguna concomitancia entre la música de Hippaly y la de los citados artesanos del recortaypega, ésta se da en lo meramente formal, a partir de un similar método compositivo. “Lo básico es escuchar toda la música que se pueda, de todo tipo, buscando muestras que vayan encajando entre sí y que todas juntas creen una atmósfera. Fundimos las muestras, hacemos las mezclas y finalmente los arreglos: scratches, etc...” Un modus operandi tan dependiente del sampler parece estar en frontal oposición con el espíritu original del hip-hop, callejero y di-

ALPHA »

recto. ¿Son Hippaly un grupo más cercano a la electrónica de laboratorio que al latido urbano del hip-hop? “Nos consideran electrónicos por nuestro instrumental a base de ordenadores, pero si los utilizamos es porque son el medio más barato y común de hacer música. El sampler que tenemos es un programa informático, hasta ahora no nos hemos podido permitir comprar uno auténtico. Preparamos nuestra música de antemano y en directo la retocamos un poco”. De alcanzar el máximo rendimiento con la mínima inversión se trata, que para eso los cuatro miembros de Hippaly son currantes. Pero, ¿y esa espontaneidad que se suele atribuir a los grupos de hip-hop? “Hay poco margen para la improvisación, aunque estamos en ello. Llevamos algo así como un guión que marca las muestras que hay que disparar, un

qué duda cabe, un grupo de chori-rap (rap chorizo). El nombre del grupo es una perversión de Híspalis (así se conocía siglos atrás a la ciudad de Sevilla), y uno de sus mejores temas está titulado en árabe. ¿Están quizá intentando desmarcarse de los estereotipos anglosajones? ¿Tienen alguna influencia de la cultura árabe? “Sí, bueno, alguna tiene que haber, de la tierra siempre te queda algo. El título es saharaui. Tenemos amigos que acogen niños saharauis, como parte de un programa de intercambio, y una de ellos puso el título”. Ciudades como El Prat del Llobregat, Torrejón de Ardoz, y en menor medida Zaragoza y Valencia, están consideradas puntos claves de nuestra geografía hip-hopera. El disco de Hippaly sirvió para situar a Sevilla en el mapa. Eso debería bastar para considerales el grupo puntero de la ciudad dentro de su estilo. “Dicho así... no sé. El representante más fuerte sí lo somos, los más conocidos. Llámanos punteros, si quieres, pero hay más grupos trabajando, y con nivel propio de disco”. Tal vez esos grupos puedan dar el salto con una ayudita. ¿Colaboran Hippaly con el resto de los parroquianos hispalenses? “Sí, hemos hecho bases para varios grupos de Sevilla. Con otros hemos comparti-

¿Cómo es posible transmitir una particular idea o emoción sin una letra que exponga con claridad el mensaje? guión a partir del cual cada uno puede improvisar como mejor le parezca”. Parece haber consenso en admitir que, tras unos años de travesía en el desierto, el panorama hip-hopero español está creciendo y desarrollándose de forma muy rápida, cuajando entre el público a nivel de ventas, algo indispensable para la perdurabilidad de cualquier estilo. El problema viene cuando, para aprovechar el tirón, se empieza a sacar a la luz grupos imberbes, gente poco preparada a la que no se le ha dado tiempo para madurar. ‘El SURco Responde Al Silencio’, una colección de canciones bien cocidas, denotaba que los Hippaly, a pesar de su escaso renombre, no eran unos recién llegados. “Dentro del movimiento hip-hop, cada uno lleva en activo entre ocho y catorce años. Como grupo, unos cuatro años. Se formó en el 94, cuando se unieron Kade y Sergio a DPC, nuestro grupo de hip-hop ‘normal’, y nos lo empezamos a tomar más en serio. Antes de esto habíamos estado produciendo a otra gente. Grabamos dos maquetas de otros grupos y después la nuestra, la que enviamos al sello”. Perspectiva no les falta, pues, para hablar del estado del hip-hop en Sevilla. ¿Existe en la capital hispalense una escena potente, con grupos, algún centro neurálgico que haga de punto de expansión, etc.? “No, no hay ningún tipo de sala. Vamos teniendo noticia de más grupos a medida que conocemos a alguno, y éste a su vez tiene conocimiento de otros. Así va pasando la bola. De momento, no hay ningún lugar donde la gente del hip-hop se pueda concentrar”. Desintegrados, pero no apocalípticos. Otros grupos hacen de la procacidad y la violencia verbal más artificiosa su principal, casi único valor, para revestirse de personalidad reconocible, y lo único que consiguen es evidenciar su dependencia de modelos yanquis de difícil extrapolación a nuestra realidad celtibérica. Hippaly no son,

do escenario, pero no como Hippaly sino como DPC”. Y hablando de directos: se encuentran en el Sónar, LA cita inexcusable para la prensa especializada española y extranjera, y también para el público, que es el que al final decide, según la posición de sus pulgares, la suerte de un grupo. ¿Cómo llevan lo de las tablas? ¿Suelen actuar mucho? “No, como Hippaly no mucho. Ésta será la tercera vez. Pero nos sentimos seguros y preparados”. Poco más tarde, sobre el escenario, los chicos se descubrieron todavía un poco peces en dominio escénico. Tanto da. Sus canciones, incluso sin letras, hablan por sí solas. n

ALPHA

EN OTRO LUGAR

Martin Barnard, front-man de pose típicamente británica; Wendy Stubbs, la mirada que más tarde brillaría sobre el escenario, ahora oculta tras unas gafas de sol; y Helen White, que en el escondite de su preciosa palidez y timidez, parece la más acorde al espíritu de la música de Alpha.

© (T) Juan Manuel Freire + (F) Self Alto, bajo, frágil Editados los ya inencontrables maxis ‘Flutes’ (Formation) y ‘Back’ (Swarf Finger), Alpha fueron fichados por Massive Attack para ser la primera nueva banda en surgir de las filas de Melankolic. Ahora deben escapar de dos sombras: la primera, pertenecer a este sello y parecer sólo ahijados de los intocables: (Corin) “No controlan nuestro trabajo desde el punto de vista creativo, en realidad sólo compraron nuestra música”; la segunda, soportar las comparaciones con Portishead que la prensa más perezosa adjudica a cada nueva proyección de pop electrónico y también electroacústico: “En realidad, creo que ni siquiera somos grupos demasiado parecidos”. Corin dice una mentira sólo a medias: ambos tratan de pulsar las teclas justas en el momento adecuado y su secuenciador no sube de los 110 golpes por minuto, se nutren de influencias cinematográficas y renuevan la tradición del crooning, pero el habitual desgarro de Gibbons contrasta con la tenue interpretación de canciones como ‘Firefly’, donde la producción de la emoción se logra mediante una cierta resistencia a ésta. Comparar a Portishead con Alpha sería comparar a Bresson con Elia Kazan. Wendy dice que Alpha “está compuesto de gente alegre”, quiere hacer gala de buen humor y me muestra una sonrisa tan dentífrica como la de Sarah Cracknell, pero no acabo de creer su versión. Si hacemos una exploración mental de las pistas de ‘Come From Heaven’, exceptuando el pequeño subidón de ‘Delaney’, cada tema de Alpha perpetúa el estándar temático del crooner: advertir la falsedad del amor romántico, retorcerse en el pensamiento pretérito y también crear una esperanza última en el futuro. El producto es otro gran puntal de la nueva melancolía que resulta de fusionar los ritmos reducidos en pegada, el anacronismo de los sonidos analógicos y la resurrección de añejas bandas sonoras; movimiento que se ha consolidado con la afiliación de bandas como Mandalay, Crustation y Baxter. Cuando hablo de estos grupos se miran unos a otros y al final asienten con algo de resignación, aunque Martin se atreve a avanzar, el paso muy prudente, hacia una valoración más certera: “Imagino que te refieres sobre todo a cierta disposición en la manera de cantar. Aunque creo que la similitud descansa más en las ideas que en el sonido”. Si por esas ideas le preguntas, se quedará en blanco y te tocará contestarlas a ti mismo: “la añoranza, la idealización del pasado, la nostalgia por el presente”. Ellos vuelven a mirarse unos a otros con otra comunión de opinión, ésta más convencida, que ahora parece decir “estamos de acuerdo”.

Un paisaje: sigues la orilla de la playa hasta el final y hay una senda por el centro de la montaña, un pequeño claro entre la hojarasca, un estrecho pasillo de suelo despejado que conduce a una casa de campo con las ventanas cerradas. Si miras a través de una ventana podrás ver el reflejo del cristal en una botella de vino francés y la colección de oldies en vinilo que adorna la moqueta del salón. Si acercas la oreja al cristal podrás escuchar el eco de la música…

Según ilustran las fotografías interiores de ‘Come From Heaven’ (Melankolic-Virgin, 97), la célula bristoliana grabó su primer disco en este refugio aislado de las confluencias de política y aristocracia, simbiótica y ética, informaciones y disecciones innecesarias, y lograron uno de esos perdurables soundtracks sentimentales que aparecen por la puerta de atrás, ocultos en medio de una escena pop que se autodevora y regenera sin concesiones, y que terminan consiguiendo la adhesión incondicional de melómanos que encuentran una sintonía donde conectar su humor. Ellos encontrarán nuevas razones para querer a Alpha en un mini-Lp - ‘Pepper’, (Melankolic-Virgin, 98) - que contiene las caras b de los singles ‘Sometime Later’ y ‘Slim’, además del tema incluido en el sampler promocional de Melankolic y una nueva versión de ‘With’ junto al rapper Lewis Parker. Tal y como demuestran de nuevo en este recopilatorio, lo suyo es el trip-hop de éter afectuoso, generado en la forma de canciones atemporales y que, como tales, en un futuro no muy lejano serán difíciles de asociar a una época concreta. Después de pasar tanto tiempo en genuflexión ante el despliegue de sensaciones que provoca su música, se hace extraño comprobar que los responsables del invento son personas corrientes, y que frente a una grabadora prefieren la conversación ligera a sacar conclusiones definitorias sobre su música. Responden con frases cortas, dudan sobre lo que han dicho diez segundos antes, y a pesar de la confusión todo parece discurrir en un clima de placidez y entendimiento mutuo. Está la formación al completo: los músicos Andy Jenks (algo introvertido, obcecado en resultar gracioso por medio de gags físicos) y Corin Dingley (verdadero maestro de ceremonias, coordinador de impresiones), y las tres voces cantantes:

LUNATIC FRINGE »

Las atmósferas que dan fondo a las nostálgicas melodías de Alpha se nutren del trip-hop más templado y exquisito hecho en Bristol, el de los primeros días de Cup Of Tea, una versión descaradamente dulce y dramática del downtempo, provista de una extraordinaria densidad ambiental que ofrece la posibilidad de escuchas infinitas. Por Alpha no pasará el tiempo, como tampoco ha pasado por las canciones de Bacharach y Hazzlewood que Dingley y Jenks saquean para beneficio de todos (Andy) “Son músicas atemporales marcadas por una gran emoción, queríamos conseguir un resultado alejado de cualquier espacio o coordenada musical” -, y que asocian a compases de soundtracks que compusieron Michel Legrand o Francis Lai: (Andy) “Además de los dos que mencionas, también hay una gran influencia de otros compositores como John Barry o Lalo Schifrin, que son también grandes autores. Buscamos entre nuestros vinilos el momento musical que queremos, y encontramos en estas músicas el grado de afecto necesario”.

en Statik Sound System (“éramos cinco tipos que trabajaban por su cuenta y más tarde trataban de unir los resultados propios”), cada miembro participa de forma activa en la composición: (Corin) “Imagino que en ese sentido se puede considerar a Alpha más una banda que Statik. Primero componemos la música y después las letras, somos un ente muy unido”. Carencia, querencia Además de dar gloriosa continuidad al post-trip-hop, Alpha también tienen a su cargo el compromiso de renovar el crédito emocional de la música moldeada a través de circuitos de ordenador, instrumentación electrónica y triquiñuelas del trabajo en estudio. De las letras se encargan los cantantes no intentes referirte a ellos como “vocalistas” -, miembros permanentes del grupo (“aunque posteriormente desaparecerán uno a uno en circunstancias misteriosas”, bromea Corin), cada uno con un método distinto para componer y una opinión distinta sobre la sinceridad de sus textos: Martin, con un registro tan vulnerable como el de Billy McKenzie, confiesa que su método es el flujo de conciencia - “no significan absolutamente nada” -, lo que quiere decir que su capacidad para ser entendidas de forma distinta según qué persona es mucho mayor, como aseguró Elizabeth Fraser al ser cuestionada sobre la inteligibilidad fonética de los textos de Cocteau Twins; Wendy reconoce que en ‘Somewhere Not Here’ hay pistas de una vivencia propia; y Helen admite que a pesar de no centrarse en una acción concreta del pasado, escribir y cantar temas como ‘Slim’ forma parte de un proceso curativo que elimina toxinas del recuerdo. Espero que continúe hablando, pero prefiere no seguir haciéndolo. Aunque hayamos terminado, en mi memoria permanece un detalle que no me resisto a excluir. Incluyen un sample de Sylvia Plath leyendo su propia poesía en el tema ‘Back’, y quiero creer que no es una casualidad. (Andy) “Lo encontré por casualidad en una librería”. (Corin)”¿Te gusta Sylvia Plath? Es muy difícil encontrar alguien a quien le interese”. Ahora que ha terminado el verano, y no podemos acudir a sus canciones como fondo para el cortejo estival, es tiempo para escuchar a Alpha como una banda sonora de la evocación. Se abandona el paisaje, se olvidan los errores y se piensa en volver a escribir cartas de amor. De regreso en la ciudad, y con muy poco esfuerzo - basta con cerrar los ojos y ver otra vez su rostro -, empiezan a volver las canciones. De noche se escucha el ruido del mar rompiendo en las calles… n

Mirando hacia atrás sin ira Corin Dingley produjo el ‘Discgrotesque’ (97) de Experimental Pop Band y Andy Jenks era parte de Statik Sound System, una de las mejores formaciones surgidas de Cup Of Tea. Ni Helen White (que también participara en aquel admirable ‘Tempesta’ de Statik Sound System) ni Jenks han trabajado en el álbum que Statik planean editar en el mes de septiembre. Donde sí estuvo Helen fue en la primera alineación de Portishead, cuando la banda más emblemática de los noventa era sólo un proyecto en ciernes. Si le preguntas por aquellos seis meses de grabación en Londres, tanto ella como el resto de la banda sugieren que “ha quedado en el pasado”, pero no deja de picarme la curiosidad sobre aquellos primeros pasos: (Helen) “Era un sonido mucho más dulce y romántico, casi no tenía nada que ver con lo que surgió al final. Era más dulce y sosegado.” En aquel tiempo Barrow, Utley y McDonald contaban con la colaboración vocal del rapper Mark Bessant y de Helen White, dueña de una voz típicamente pop que puede alcanzar grandes notas sin acabar en lo hiperbólico. En esta cooperativa, que funcionó durante un año, todos te-

“No controlan nuestro trabajo desde el punto de vista creativo, en realidad sólo compraron nuestra música”. nían parte de responsabilidad sobre el sonido definitivo, que estaba dotado de mayor programación, más satinado y brillante, al estilo de las producciones de Nellee Hooper. Muy similar en planteamiento, pensarán los más avezados, a todo lo (mucho) que ahora significan Alpha. ¿Qué sucedió entonces, Helen? “Después no sé realmente qué ocurrió, algo no funcionó…”. Tan difícil es extraer palabras de sus labios, y las que alcanza las pronuncia con tal esfuerzo de despoje, que prefiero volver a lo que parecen sugerir las miradas del resto de Alpha: la realidad presente de una formación donde, al contrario de lo que sucedía según Andy

TOUCH »

LUNATIC FRINGE

LOS RINCONES DEL SUEÑO

cio: “(Isa) Creo que ha influido la cantidad de medios de que disponemos. No es lo mismo cuando un grupo empieza, que prácticamente sólo tiene un bajo, una guitarra y un micro, que cuando lleva un poco más de tiempo y adquiere unos medios que reclaman su protagonismo.” Y que dan forma a canciones cuya irregularidad estructural las hace aún más misteriosas: “(Carlos) Nos gusta romper el esquema melódico y después volver a tomarlo.” El grupo es una democracia musical donde cada canción pertenece a los tres por igual, aunque esas oscuras y frágiles letras pertenezcan a la sensibilidad de Isa. El grueso de la columna emocional de Lunatic Fringe corre bajo su responsabilidad. Las últimas maquetas del conjunto son ‘Somnambulist’ (97) - posiblemente lo mejor que han grabado hasta la fecha - y el binomio ‘Moon One’ y ‘Moon Two’ (98), donde se cuelan, por voluntad o divina infusión, los efluvios polares de Laika (‘Ice Bear’s Dream’), un temblor propio de Portishead (‘32’) o inspiraciones melódicas (excepcional ‘Planes’, la mejor pieza de su cancionero) que llegan a transmitir tanta aflicción como pueden hacer unos Cranes, otro de los grupos que veneran. Resignados a su diferencia, Lunatic Fringe es un grupo de desembarco absolutamente necesario en un panorama - (Carlos) “A los grupos españoles les falta escuchar mucha más música de la que escuchan. Se fijan en uno o dos grupos que les gustan y se limitan a imitar su estilo” - donde la electrónica, todavía la gran asignatura pendiente de nuestra escena, aún no ha encontrado una proyección que medie entre la investigación de progreso y las emociones intemporales del pop. n

© (T) Juan Manuel Freire + (F) Self Lunatic Fringe son la mejor demostración de que economía de medios y capacidad de conmoción no son cualidades beligerantes. La última gran anomalía del pop español reside en Granada y atesora un conjunto de canciones inyectadas de puro enigma.

Su andadura comenzó con Mi Diablo Va Conmigo, oscura banda que Mariano Rodríguez (guitarras, sonidos) y Carlos Pueyos (guitarras, sonidos) prefieren olvidar. Después de conocer a Isa Benedí (sobrenatural voz y guitarras), su esfuerzo se concentra ahora en encontrar tiempo para desarrollar lo que podría ser la revelación de una próxima temporada. Estas tres almas sin editorial continúan preparando maquetas (Isa: “la última se la hemos envíado a John Peel, por aquello de la suerte”), penetrados por el afán de experimentar con un método basado en la confrontación del poder evocador de las guitarras y lo que ellos llaman “sonidos encontrados”: bases tecnológicas con una entereza y calidad hipnótica que refuerzan el efecto de canciones, excursiones a la transición entre sueño y vigilia, poseídas por esa clase de tensión tranquila que nace de la decepción y el desencanto. Carlos es un verdadero connaisseur de la música más experimental de 4AD y alrededores, y cada miembro del grupo maneja referencias poco comunes en España: Cranes, Morphine, Moonshake, Spoonfed Hybrid, Flying Lizards, y otras tantas confrontaciones donde experimentación y canción se dan la mano, están entre sus debilidades. Si en sus primeras maquetas - ‘Between The Devil And The Deep Blue Sea’ (95) y ‘Colonade’ (96) - las canciones se decantaban más hacia el tratamiento intenso de las guitarras, en las últimas son casi un acompañamiento para programaciones que aprovechan por igual tiniebla y espa-

Contacto Carlos Pueyos T 958 25 00 49

P///NITSA CLUB

TOUCH

EL SUEÑO DEL ALCE LOCO

quinista es Geir Jenssen (alias Biosphere) y lo que suena es ‘Knives In Hens’, un hipnótico adagio ferroviario que hiela mente y oídos (y permíteme, de paso, recomendarte su ‘Substrata’ (97): los pasajes ambient más deliciosamente fríos de los últimos años). Nos desviamos. Otro explorador de la casa, Philip Jeck, se descuelga con un ejercicio de sincretismo tribal/maquinal y define con una delicatessen ruidista lo-fi a lo NON que podrás encontrar en su reciente álbum ‘Surf’. Pero... ¿y ese olor a incienso? Como si lo viera: interludio ‘world-music’. Bali, 1983. Como aperitivo a las danzas rituales, una orquesta gamelán improvisa con xilófonos metálicos y de madera, gongs y campanillas, mientras las mujeres hacen ofrendas a espíritus y demonios. Pienso en el tremendo parecido entre el ‘piano preparado’ de John Cage y esta postal indonesia. En Occidente una locutora repite incansable: “frío en el norte y mucho calor en el sur”. Con la tontería opiácea aún encima, me doy de morros con una demostración del Bagamoyo Group de Tanzania. En este contexto, y tocados en solita-

© (T) Toni López + (F) Self Me ciño los cascos. Volumen 10, seamos serios. ‘Play’... Una punzante ráfaga de ruido pone en guardia hasta el último hueso de mis oídos. Duele. Tras el aguardiente sonoro empieza a repiquetear ‘Otaksuma’. Son los maestros suomi del minimalismo electrónico: Panasonic. A los cinco minutos no hay marcha atrás. Que esperen todos y todo. El ‘Sampler #3’ de Touch, una de las escuderías de más prestigio y raigambre dentro de la ‘música experimental’, tiene Prioridad Absoluta.

Invitación para una persona Rechina una puerta, (en mis auriculares) la ciudad ruge en un segundo plano. Nada, un espejismo. Estamos en la selva mozambiqueña. El legendario Chris Watson (ex-Cabaret Voltaire y ex-The Hafler Trio), micrófono en ristre, captura el canto del pájaro chotacabras. Y cuando los mosquitos empiezan a encarnizarse, un anciano desde su ático pregunta dónde está su convertidor. Así empieza el collage tripartito ‘Brigthness Contrast Volume’ de AER, letras que camuflan a Jon Wozencroft, a la sazón co-fundador de Touch. La onda corta transporta retales de un espacio educativo y de un boletín ruso, y da paso a un documento puramente ‘situacionista’: la atmósfera, extremadamente amplificada, de la Biblioteca Británica deviene una sutil, riquísima, impredecible sinfonía de sonidos: hojas deslizándose, libros cerrándose, sillas moviéndose, murmullo humano... El rumor estático de un televisor reclama mi atención. Hace frío. Subo a un tren subterráneo destino Noruega. El ma-

rio, uno aprecia plenamente las cualidades acústicas de tambores, isezes y marimbas. Hay aplausos. El solaz africano salta en pedazos con la irrupción (por fin) de parte del contingente psicótico al que Touch da cobijo. Rehberg & Bauer y Farmers Manual, el caos digital con pasaporte austriaco, regurgitan sendos refritos de samples, pitidos y crujidos aleatorios. Impávido entre tanta incoherencia, Joe Banks (Disinformation) decide nadar contra corriente, aclaparado por el zumbido ultragrave que filtra desde la red eléctrica nacional y con el que por poco hunde el Museo de Instalaciones de Londres el año pasado. A su bola, Bruce Gilbert (ya saben, ex-Wire) opta por dar una vuelta de tuerca más a la técnica del ‘cut-up’ en ‘Voice’ (esto es de Mute). Alguien me rescata del infernal mosaico de voces recombinadas, despedazadas y mezcladas que ha organizado el señor del puro. Es Chris Watson y quiere que escuche atentamente la ‘Risa Demoníaca’ de la urraca tropical. Una voz femenina, sensual y dulzarrona me arrastra hacia la languidez ambiental de ‘Fuser’, epílogo pop firmado por Scala, proyecto común de Darren Seymour (Seefeel) y Mark Van Hoen (Locust). Entre algodones regreso a la comodidad de lo que todo hijo de vecino conoce como ‘música’. Silencio. Han terminado 66 minutos y 40 segundos de Touch. ¿Y ahora?... ‘Repeat’.

DEMO» Consumición voluntaria Fue en 1982. Mike Harding regentaba una pequeña discográfica y Wozencroft diseñaba y escribía reseñas de arte para una gran editorial. Su compartida devoción por Cabaret Voltaire, el punk, la cultura industrial, los dadaístas y Kandinsky, los unió de por vida. Y con la ayuda de amigos como Andrew McKenzie (primero en el grupo Flesh, luego pieza clave en The Hafler Trio) y el diseñador Garry Mouat fundaron Touch (Pulsación). Su referencia inaugural fue la K7 ‘Feature Mist’, con temas de, entre otros, New Order, Tuxedo Moon y, ¡ay!, Simple Minds. Luego editaron varias cintas en las que el artwork era tan o más importante que el componente sonoro. Así la histórica ‘Meridians Two’ contaba con el trabajo gráfico de Peter Saville o Malcom Garrett y la aportación musical de Bruce Gilbert, Nocturnal Emissions y el también genial cineasta Derek Jarman. En estos 16 años de activismo multidisciplinar -música, fanzines, instalaciones, programa de radio-, Touch siempre ha primado la calidad a la cantidad. Su catálogo cabe en apenas tres-cuatro folios, pero el índice de obras capitales por centímetro de papel es de vértigo. The Hafler Trio -clásico absoluto- ha publicado la práctica totali-

ejemplo, en menos de cinco años de proteica trayectoria ha lanzado tres tratados de voyeurismo auditivo -’Beacon’, ‘1’ y ‘2’- de Scanner (Robin Rimbaud, co-director durante un par de años); los trabajos de S.E.T.I., encarnación marciana de Andrew Lagowski; y una serie imprescindible de recopilatorios con vida propia: el europeo ‘Decay’ (con Francisco López, Panacea y Noto, entre otros), el japonés ‘Chiky(u)u’ (Aube, MSBR, Hatohan...) y el americano ‘Scatter’ (con O’Rourke y Menche a la cabeza, claro). Las cacofonías digitales de los vieneses Farmers Manual también han encontrado en Ash/Tray su segundo hogar. El aclamadísimo ‘Fsck’ así como el flamante ‘Exporers-We’ (para Or) son lo que se dice ‘a must’. Por cierto, Or puede presumir de ser el primer sello independiente que ha estampado su membrete en un MiniDisc, el de Gescom -alter ego de Autechre-, con 45 ruidosas piezas divididas en 88 puntos de entrada, que permite al oyente ‘loopear’ y ‘shufflear’ a placer. Cuando inquirimos a Mr. Harding que eligiera algunas referencias introductorias a la galaxia Touch, éste se inclinó por un menú de es-

Su catálogo cabe en apenas tres-cuatro folios, pero el índice de obras capitales por centímetro de papel es de vértigo. tricta actualidad. A saber: ‘0ºC’ de Ryoji Ikeda, extensión de su Obra Maestra ‘+/-’ (abstraccionismo digital de frecuencias subliminales y precisión nanométrica, resuelto con pureza y simplicidad zen); ‘Outside The Circle Of Fire’ de C. Watson: apasionante safari sonoro por latitudes africanas grabado con el utillaje más avanzado de la BBC; y ‘R&D2’ de Disinformation: la extasiante manifestación sonora de fenómenos geomagnéticos y electricoatmosféricos capturados por Joe Banks, algo así como el Jacques Cousteau de la electroacústica y la radioexploración. Energía en estado puro. Touch tiene distribución en España vía Rotor. Estás invitado. n

dad de sus discos en el label londinense (algunos en colaboración con la Grey Area de Mute): ‘Kuklos’, ‘Masturbatorium’, ‘The Hafler Trio Play The Hafler Trio’, ‘Walk Gently Through The Gates Of Joy’, son algunos ejemplos selectos. El voltaireano Richard H. Kirk también ha entregado en 13 Oswald Road sus trabajos con el renombre de Sandoz: desde el technoide y espacial ‘Digital Lifeforms’ al místico y ragga-dub ‘Chant To Jah’. Mención honorífica merecen también John Duncan y la sublime suite motorística ‘Contact’, al alimón con McKenzie; el mítico percusionista y performer californiano Z’ev y su ‘One Foot In The Grave’; el mutante Jim O’Rourke y su excelsa macedonia de irreconocibles guitarras con rodajas de silencio y ruido titulada ‘Whelm’ (junto a Robert Hampson de Main); y por supuesto, el francotirador industrial-noise Daniel Menche, que este año ha realizado para el sello Or (vástago de Touch) su obra más física, áspera y elegante a la vez: ‘Vent’. Y es que el clan Touch no nos da más que alegrías. El ahora extinto subsello Ash, por

DEMOS

por JESÚS BROTONS

DEMO »

HIDDEN FACE Cd-R | K7

En 1998 el drum’n’bass se ha ramificado en mil subestilos, pero su inmediato predecesor, el sonido breakbeat, también conocido como hardcore-techno, sigue teniendo fieles seguidores. Hidden Face, grupo formado por tres experimentados Dj’s de la escena hispalense, se erige en fidedigno representante del estilo, del que toma lo mejor (la contundencia, la inmediatez) y lo peor (el garrulismo, la concepción de la música como mero vehículo para el descantillamiento fiestero). En su haber los Hidden Face tienen unas aceptables programaciones y una, adivino, considerable fuerza en directo; en el debe hay que apuntar una voz endeble y unas reprobables desviaciones hacia el más terrible happy-hardcore (¡oh no, otra vez esos breaks de piano!). La comparación con los Prodigy de 1991 no está fuera de lugar y, en fin, ahora que Código De Tempo ya no existen el cetro del rave en España bien podría pasar a sus manos. Lo que pasa es que ya no se hacen raves.

nismo. Acurrucado en el sótano de tu casa, escuchas el Apocalipsis a través de un viejo equipo de radioaficionado que suena casi como una radio de galena. No estás asustado, al contrario. Te admiras del curioso collage de texturas, cercano a la Musique Concrète, que la Singularidad trae a través de las ondas hertzianas. Por tus oídos van pasando añejas marchas militares, bossanovas perdidas en la lejanía, zumbidos electrónicos, mensajes en morse, campanas de réquiem por la Humanidad, interferencias, polución sonora... hasta que, súbitamente, todo termina. El silencio te abraza y, sin que nadie te lo diga, sabes que la única música que te acompañará durante el resto de la eternidad será el agudo sonido de tus ondas mentales.

palagosos de las más ñoñas series infantiles; las melodías son, como poco, simplonas (en ‘Acuática’ hasta se acercan peligrosamente a Mecano) y, en su conjunto, las canciones reflejan un mundo pintado con ceras Dacs y rotuladores Carioca que encandilará a los fans de La Buena Vida, Le Mans y demás pusilánimes neurasténicos. Pero no me abandona la sensación de que el señor Sánchez tiene un sentido del humor más cáustico de lo que podría parecer, y que la capa de pastel enmascara una buena dosis de vitriolo y cristal molido. Lo mejor, unas líneas de ‘Él Nunca Baila’: “Se le ve por los rincones / sin saber dónde está / entre peinados de colores / sin bailar”. ¡Qué certero retrato de Félix Suárez! Por otro lado, Mannix es la plataforma que Germán utiliza para, según sus propias palabras, “cometer plagios, robos de ideas, sampleos ilegales y fechorías sónicas”. Que nadie espere, sin embargo, un ataque de terrorismo conceptual a lo John Oswald o Negativland: el proyecto Mannix recuerda un mazo a las inefables intentonas discotequeras de los Aviador Dro (estos sí, unos auténticos obreros especializados del plagio). Mediante esta hábil elipsis Germán cierra el circuito y me convence de una vez por todas de su humor caníbal. De cabeza al Colectivo AustroHúngaro.

Contacto Jordi Mitjà T 93 317 10 27 Dídac P. Lagarriga T 93 384 53 81 PO Box 9.142 08080 BCN

Contacto T 919 85 99 40 / 907 85 49 83 F 95 428 19 82.

MAISON BRICOLAGE LA PETIT DÉMO DU MONDE PARASITE (Cd-R)

Llevabas años esperando el tantas veces anunciado y siempre pospuesto fin del mundo, habías fantaseado muchas veces sobre cómo se produciría. ¿Una guerra nuclear, el choque de un cometa, el ataque de los tomates asesinos? Nada de eso. Un día, uno en apariencia tan normal como cualquier otro, fallaron todos los sistemas de seguridad de un ciclotrón estadounidense que contenía un microscópico agujero negro creado artificialmente y su pavorosa energía volvió del revés el espacio y el tiempo alrededor del planeta como si de un calcetín se tratase. En algunas zonas del globo los kilómetros se hicieron milímetros, en otras las micras se hicieron metros, y en todas partes el pasado, el presente y el futuro se fundieron en un solo plano, borrando del diccionario la palabra anacro-

Contacto Germán Sánchez T 93 435 45 56 C/ Freser 164, 1º2ª 08026 BCN

POP ARTICA

HUTTS

CUATRYCOMÍA (K7) MANNIX (K7)

MAIKI

Tras ambos seudónimos se oculta la misma persona, un auténtico enamorado del sinthypop de principios de los ochenta llamado Germán Sánchez. En ‘Cuatrycomía’, acompañado por Sonia G. a la voz, presenta cuatro temas de pop lánguido que, lo confieso, me desconciertan. Las historias que cuentan ‘Mi Amigo Esquimal’ o ‘Acuática’ parecen sacadas directamente de los capítulos más em-

Hace relativamente poco tiempo, la prensa inglesa sacó de la chistera un conejo llamado ‘emocore’, término curioso y poco apropiado que nacía para encasillar a toda la hornada de grupos de pop intelectual que tenían en un altar a torch-singers como Scott Walker o Nick Drake, torturados antidivos en perpetua crisis existencialista. Pues bien, puestos

(Cd-R) (Cd-R)

P///UNDERWORLD ZELESTE

DEMOS

por JESÚS BROTONS

UP, BUSTLE AND OUT »

a ser reduccionistas podríamos decir que Hutts practican una suerte de emocore electrónico, de Proust-pop inquietante y obsesivo emparentable a los Depeche Mode más lúgubres, y que sólo en la final ‘Sadness’ acaba hollando el territorio de Tricky. Pero hay algo en en las reverberaciones, en el empleo de guitarra acústica, en el ambiente de cielo plomizo que evocan temas como ‘Holding On’ o la esquizoide ‘Mysterious Ways’, que me acaba recordando, un poquito, al infravalorado ‘Animals’ de Pink Floyd. Canciones de compañía para espíritus en bancarrota emocional (pero pierden puntos por cantar una letra de Bono). Maiki, proyecto paralelo de dos de los componentes de Hutts, dibujan piezas instrumentales de cariz nocturno y descriptivo, con profusión de pianos y cuerdas sintéticas, viñetas cuasi sinfónicas algo afeadas por el empleo de presets mil veces oídos. A colocar junto a algunas cosas de Mark Isham.

quible para el oído medio. En ‘Holy Ground’ tienden un puente con el sonido Bristol: soul electrónico, con delicados arreglos de guitarra y volutas de wah-wah, que no desentonaría en un disco de Massive Attack; ‘Blue Sphere’ es una miniatura que ya hubiera gustado de firmar el Matt Johnson de ‘Infected’; el FM-techno del tema titular, cantado en parte en castellano, bien podría ser ese hit del que hablaba antes, y la remezcla de ‘Deep Down’ es aggrepo a lo Pop Will Eat Itself. Sólo baja unas décimas el alto nivel de la K7 la floja versión del ‘The Beautiful Dead’ de Killing Joke. Por lo demás, una gran demo de un grupo con un enorme potencial comercial.

Contacto PO Box 190, 08397 Pineda de Mar (BCN)

Contacto E.N.O. (Antonio José Albertos) C/ Dr. Montserrat, 7 P. 7 46008 Valencia T 907 14 13 51

Contacto Jordi Rovira T 93 359 19 77 Jordi Tamayo T 93 350 23 13

EVERY NO ONE THE ONLY VOICE (K7)

¡Atención! El día menos pensado este combo valenciano tendrá un hit, un exitazo que sonará mil veces al día en la FM. Concederán entrevistas en las publicaciones menos respetables, saldrán en la televisión y quién sabe si no pondrán fondo a un anuncio de refrescos. Si eso ocurre será señal de que algo estará cambiando, para bien, en nuestro ahora infame panorama mainstream. Every No One no es un proyecto (parece que hoy en día el concepto de grupo está casi abandonado, sobre todo en el ámbito electrónico), sino un grupo con todas las de la ley, con el punto de mira puesto en las canciones. Y es que aquí está parte del posible futuro éxito de E.N.O., en el énfasis que ponen en la definición de las canciones, en dotarlas de una estructura sólida. El resto lo pone un sonido oscuro, arrastrado, misterioso y atmosférico, y aun así ase-

el curioso grungetronics de ‘The Insect’ y en particular, la susurrada ‘Stenskoven’ (que varía un poco la sempiterna línea vocal del resto de temas) y la canción titular, una ‘godfleshiana’ travesía por una infecta charca de feedback donde flotan voces distorsionadas y los golpes percutivos se hunden hasta el fondo como piedras. Una demo aceptable aunque, por el momento, poco personal, aflorando las influencias a la superficie de manera harto diáfana. Y hablando de influencias, Pere: si entre ellas están, como dices, Gabriel García Márquez, Faemino y Cansado y Andrei Chikatilo, es que estás como una cabra.

NARCOLEPSIA NIFL-HEIM (K7)

Si es cierto que el entorno influye en la personalidad de sus habitantes, entonces Pineda de Mar debe ser un lugar realmente tétrico. Las mórbidas fotos de la carpetilla (ángeles y cristos penantes, un fiambre, la inevitable foto de Witkin) adelantan bastante de lo que vamos a escuchar: un amargo batido de ñigoñigos electrónicos, voces desgarradas y fieros guitarrazos cincelando riffs más cercanos a Los Suaves que al hardcore. De los ocho temas de ‘Nifl-Heim’ cabría destacar ‘Victimized’, casi un remake del ‘So What’ de Ministry,

OBMUZ OBMUZ (K7)

Para evitar suspicacias: servidor ha sido el responsable de grabar y editar esta cassette. Pero que uno esté directamente involucrado no interfiere para nada en su juicio crítico, y por eso la comento. Aclarado esto, pasaré a decir que Obmuz no es un grupo que componga música, sino que más bien la exuda. Así, un concierto suyo es único e irrepetible, como también lo son sus ensayos, a todos los efectos conciertos en toda regla con ausencia de público. Uno de estos ensayos, realizado como calentamiento previo a su paso por Sónar’ 98, es capturado en esta K7. Las dos caras muestran la auténtica esencia de Obmuz, un grupo que edifica castillos en el aire con la misma facilidad con que los derrumba. A ratos indulgentes, a ratos cáusticos; por momentos radicalmente electrónicos para pasar al instante al aquelarre hardrockero (increíble ese momento a lo King Crimson época ‘Red’). Una cinta difícil, no apta para todo tipo de público. Contacto DUDE | PO Box 146 08191 Rubí (BCN)

Self | PO Box 10.183 | 08080 Barcelona

P///STATIC SOUND SYSTEM

UP, BUSTLE AND OUT LA CONCIENCIA DE BRISTOL

cendidos elogios a las chicas españolas y al vino dulce de Jerez. ¿Tu forma de entender la música es viajando? Claro, con mi banda y yo solito. ¿Pero la otra mitad importante del grupo es el productor de house y garage Clandestine Ein? Es un hombre muy raro. Prefiere una vida más ordenada. Se levanta todas las mañanas a las ocho, va a nadar a la piscina, practica deporte y vuelve a su casa a las doce. Entonces empezamos a trabajar con la música en el estudio. Hace lo mismo todos los días. Nunca ha viajado a España. ¿Cuánta gente hay en la banda? Llevamos nueve años haciendo discos. De momento nos podemos pagar el alquiler. Como dijo Don Quijote, siempre hay que buscar un techo porque la comida viene gratis. ¿Siempre has hecho el mismo tipo de música? La semana pasada (en el momento de la entrevista) estuve en Japón. Conocí a una banda que hacía brit-pop, con guitarras y mucho ruido, algo horroroso. Se acercaron a mí y me pidieron si podía hacer ritmo. Aunque no me gustaba, lo hice por el placer de encontrarme con gente distinta. Fue una fusión entre dance y indi. En realidad me gustan todas las formas de música. Mi disco preferido se llama ‘La Guitarra Clásica De España’ de Manuel Cubero. Es de los años 40 y es precioso. ¿Cuándo descubriste ese tipo de discos? Mi abuela vivió durante 20 años en Andalucía y me ha contado historias de cuando estaba con los gitanos al lado del fuego. Me ha transmitido una idea muy romántica. ¿Cómo digeriste entonces toda la explosión acid house de finales de los años 80? Todo eso es una mierda. Me encanta la música española, hindú, árabe, pero si hablamos de dance a mi me gusa el hip-hop clásico, del 87 al 89. Discos, por ejemplo, de Grandmaster Flash. En cambio el acid jazz nunca me ha gustado demasiado. Me atrae el house y mucho la música latina y cubana. ¿Cómo se puede captar desde Bristol el ambiente musical de otras culturas? En Bristol hay gente muy famosa como Massive Attack, Portishead, Tricky, Apollo 440. Hay bastantes estrellitas. Es una ciudad muy cosmopolita donde encuentro personas de todas las partes del mundo. Fui al Japón, pero no es un país cosmopolita. Sólo hay japoneses y algunos ingleses enseñando inglés. Aquí, en cambio, hay indios, africanos, caribeños, cubanos, chilenos, etc. Se puede captar un poco de todo. A mí, de todas maneras, me gusta mucho viajar para ver la realidad. Tengo mi equipo de grabación, con un DAT, y registro todos los sonidos. La inspiración viene del entorno, de la gente, de la música, del mundo en definitiva. ¿Qué habíais hecho antes del disco con Ninja Tune? Grabamos bastantes discos con mi propia discográfica. Es difícil mantener tu propio sello, pero me sirvió para atraer otros sellos como Ninja Tune. Cuando ellos me escucharon, les gustó y me pidieron que les grabáramos un álbum. Ya llevo tres. ¿Cómo son vuestros conciertos en directo? Es igual que en los discos. Llevamos un guitarrista flamenco, ‘El Palito’ a la batería, un contrabajis-

© (T) Vicenç Batalla + (F) Self Del trip-hop se aprovecha todo. Y los ingleses lo saben. Por tanto Ninja Tune no se corta al dar salida a un colectivo como Up, Bustle And Out, de Bristol, que mezcla jazz y breaks con flamenco, flautas andinas y sítares. Todavía no han actuado en España, pero en Japón la gente abarrota sus conciertos.

El inspirador de este combo multirracial, Rupert Mould, alias Señor Rudy, es todo un personaje que se aleja de la imagen típica que han generado en los últimos años las lumbreras de Bristol. Comparte el café con ellos, pero prefiere perderse por los Andes o el Himalaya para encontrar la fuente de sus sonidos. Prescinde de todo ese glamour para entusiasmarse por el arte mudéjar en sus visitas a España, de momento sólo académicas. En una de sus escapadas al sur de la península, un profesor malagueño le bautizó como Señor Rudy para evitarse pronunciar Rupert Mould. Tras la publicación de su tercer disco para el sello de la tricknología, ‘Light’em Up, Blow’em Out’, y del maxi ‘Carbine 744, 520... A Dream Of Land And Freedom’ en homenaje al Che Guevara, se prepara para una gira por España la primavera que viene. No sólo abandona con frecuencia la meca que ahora es Bristol, sino que su deseo sería quedarse a vivir en la Costa del Sol. Su compromiso político no le impide ser un soñador y hacer en-

FANGORIA »

ta, la percusión y la vocalista ‘La Flor De Argentina’. Yo atiendo también a la parte vocal y la flauta. Luego paso fragmentos de ambiente de la calle. Como un bocadillo. También llevamos dos Dj’s que pinchan soul, hip-hop, drum‘n‘bass. ¿No os consideráis un grupo de música electrónica? No, a mí me gusta mucho tocar en vivo. Me interesa la interacción entre los músicos y el público. El problema es que mantener una banda cuesta muchísimo. No es fácil contentar a todos económicamente. Siempre les digo que algún día ganaremos más dinero. ¿En Inglaterra actuáis a menudo? ¿Sóis conocidos en Bristol y fuera de Bristol? Principalmente en Japón. En los conciertos se llenó la sala. Compraron casi todas mis camisetas en sólo media hora. Había unas cincuenta. ¿El disco dedicado al Che Guevara es una iniciativa vuestra o un encargo? Es una idea mía. Fui a Bolivia hace cuatro años buscando la senda de Butch Cassidy y The Sundance Kid, sobre los que está basada una película de los años 60 con Robert Redford y Paul Newman. En España se tituló ‘Dos Hombres Y Un Destino’. En esta parte de Bolivia, el Che Gevara dirigía su revolución. Leí mucho de su vida y su filosofía. Compartí el mismo tipo de vida que habían tenido los guerrilleros, siguiendo el río, viviendo al lado del fuego, subiendo las montañas. Llegué a Samaipata, donde se refugió el Che después de la revolución cubana. Allí busqué alojamiento a las dos de la madrugada después de tres semanas en la selva y como no encontré me pasé toda la noche grabando a tres músicos borrachos que cantaban en un bar. Cuando volví a Inglaterra, me di cuenta de que se me había quedado clavado en la mente que en 1967 el Che Guevara fue asesinado.

a un chico de poliomelitis, una enfermedad que ha desaparecido en el Primer Mundo. También me contó la historia de un chico que tardó tres días en cruzar el campo para que le visitase. Hay gente que me dice si la revolución no se puede hacer de forma pacífica. Yo les contesto con el ejemplo del Tíbet. Llevan 40 años esperando una paz que nunca llegará. La paz no viene sin esa voluntad popular de la que hablaba el Che. ¿Contribuyes con tu música a cambiar a la gente? Yo no voy a decir que soy revolucionario. Lo que hago es concienciar un poco a la gente, a la juventud. La gente no piensa que en el Tercer Mundo las personas viven en medio de la mierda. Con tu forma de ser, ¿cómo te llevas con todas las estrellas de Bristol? A veces voy con los Massive Attack a un café chileno de Bristol. Ellos están arriba en el cielo y yo, en cambio, gano lo justo para pagar el alquiler. Llevo una vida simple, no tengo coche. Yo les hablo de Ninja Tune y como me trata el mercado musical. Ellos me dan consejos. Únicamente compartimos ideas.

En Bristol hay gente muy famosa como Massive Attack, Portishead, Tricky, Apollo 440. Hay bastantes estrellitas. ¿No compartís música? La música que yo hago es más bien para ayudarles a ellos. Nosotros hacemos música con instrumentos. Massive Attack y grupos parecidos son más atmosfera que música. No tienen, por ejemplo, saxos, sitar, percusión. Llevan sólo un cantante.

Entonces decidí escribir una carta al presidente de Cuba Fidel Castro explicándole la idea de grabar un disco dedicado al Che. Después me fui a España a pasar la primavera y cuando regresé había recibido un montón de cintas de diálogos del Che hablando en público en la plaza de La Habana en 1959, además de fotos, camisetas y cosas así. El disco me resultó fácil de hacer porque notaba algo místico en él. Creo que se hizo a sí mismo. Yo sólo actué de guía. ¿A pesar de los cambios políticos que ha habido desde el asesinato del Che Guevara, sigues creyendo en el ejemplo de su lucha? En el mundo occidental disponemos de todas las ventajas: educación, dinero, comida, vivienda. En el Tercer Mundo, en la India, en América Latina, la pobreza es increíble. La pobreza ha dejado algo en mi después de estos viajes. Entiendo la filosofía del Che Guevara. Para que le servía a él ser médico si todo el continente estaba enfermo. Prefirió liberar a la gente. Estuve en la India hace tres meses. Mi madre es médico ahí y se desplaza en moto a los pueblos. Vi como tenía que curar

DISCOGRAFÍA Une Amitive Africaine (Forever Groove, 1991) Rustlin (Ep Ninja Tune, 1994) The Breeze Was Mellow (Ninja Tune, 1995) The Hand Of Contraband/Aqui No Ma (Ep Ninja Tune, 1995) Revolutionary Woman/African Friendship (Ep Ninja Tune, 1996) One Colour Just Reflects Another (Ninja Tune, 1996) Revolutionary Woman Remixes (Ninja Tune, 1996) Caravan Summer (Ep Ninja Tune, 1996) Silks, Perfumes And Gold (Ep Ninja Tune, 1997) Light’em Up, Blow’em Out (Ninja Tune, 1997) Carbine 744, 520... A Dream Of Land And Freedom (Ep Ninja Tune, 1997)

FANGORIA

LA VERDAD ESTÁ DENTRO gunas cosas y para otras no. (NACHO) Cada vez controlo más los aparatos, y esto hace que me cueste más trabajar con gente. Si estoy haciendo algo y de repente me dicen “¡cambia eso!”, pienso ¿por qué? Acabo cambiándolo aunque solo sea para que no me… (ALASKA) Creo que con los colaboradores lo ideal es lo que hacíamos con Big Toxic, tú trabajas en tu casa, se lo entregas a él, él trabaja sólo, te lo devuelve, etc… y no tenemos que estar todos juntos como si fuera un colegio. El próximo disco, si lo co-producimos, haremos nosotros lo que consideramos

© (T) Tito + (F) Paco y Manolo Cuando se van a cumplir 10 años del primer Lp de Fangoria, Olvido y Nacho siguen en activo, participando en proyectos ajenos (‘Spicnic En No-Mundo”, ‘Self, A Stereophonic Experience’, ‘Lemon Fly + Fangoria’…), y en propios, como los temas que periódicamente van editando para su Club de Fans y que ahora han editado en forma de recopilación. ‘Interferencias’ sirve para calmar a los que desde hace muchos años esperamos su segundo Lp. Hace años que tenemos noticias de un Lp con canciones nuevas. Hablásteis de él en uno de vuestros fanzines. (ALASKA) Cuando estábamos grabando el 3.0 hicimos como cuatro o seis canciones más, incluso había un proyecto de hacer ‘Mi Gran Noche’ en aquel momento. Son canciones que no están terminadas, podríamos decir que tenemos las maquetas de aquellas canciones. Llegamos a oir que teníais el disco acabado, pero lo habíais desechado para hacer algo mejor. (ALASKA) Tenemos canciones con programación muy avanzada y creo que de esas nos quedaremos tres o cuatro. (NACHO) Lo que pasa es que las letras son horribles, hay incluso una de uno que se está muriendo en la cama, enfermo. No tienen nada que ver con nuestra realidad. (ALASKA) Pero hay tres o cuatro que están muy bien y que las usaremos. Van a seguir tomando importancia los instrumentales o volveréis a ‘Salto Mortal’. (ALASKA) Las 10 ó 12 que hayan, tendrán sentido de Lp. Por ahora hay un instrumental, pero no está planteado como los Vulcanos, que realmente no son Lp’s, son otra cosa. (NACHO) Pero esto lo estamos diciendo ahora, igual más adelante hacemos algo completamente diferente. (ALASKA) Claro, es que es imposible decir que vamos a hacer, porque no lo planeamos, de repente empiezas a hacer canciones y salen de alguna forma. Nuestra idea , a priori, es hacer canciones cantadas. Por decirlo de alguna forma, como eran los Vulcanos sin las remezclas… (NACHO) …y el tipo de música, pues no sabemos. (ALASKA) Sigue siendo como siempre, hay alguna un poco más siniestra, que denota ciertas influencias claras. ¿Ya no estáis con Lucho y Clara (Actibeat)? (ALASKA) Lo bueno de tener colaboradores que no son del grupo es que cuentas con ellos para al-

la producción, se lo daremos a esa otra persona que lo coproduzca por no estar todos en una habitación como… ¿y esto que te parece?. De todas formas, de Lucho y Clara hay un par de canciones para el nuevo disco, de todas formas. ¿’El Electricista’? (ALASKA) Si. (NACHO) Igual si que hacen más cosas con nosotros, pero es que ahora tenemos guitarra. (ALASKA) Hoy tenemos guitarra, pero el mes que viene no lo sabemos. (NACHO) Seguramente si que la tendremos. También pensábamos que íbais a meter guitarras en el primer Lp de Fangoria (después del concierto de Iberpop y la maqueta), y al final os descolgásteis con

FANGORIA» un disco completamente electrónico. (ALASKA) Igual que el ‘Fan Fatal’, siempre digo que puede ser el último disco de Dinarama o el primero de Fangoria, en cierta forma es más el último de Dinarama por ese tipo de cosas. El concierto de Iberpop, a pesar de haber cantado canciones que después sacamos como Fangoria, es Dinarama. No está Carlos, pero incluso lo que es la formación o las canciones que estábamos componiendo (‘Perdiendo El Tiempo’, algunas de Luis Miguélez que nunca se grabaron, luego…) son más Dinarama que Fangoria. (NACHO) Conocer a Danny Hide nos cambió los conceptos, y la guitarra perdió todo sentido dentro del grupo. (ALASKA) Tampoco sé que sentido tiene ahora, lo encuentro como muy anacrónico. Por un lado me gusta muchísimo, sobre todo en directo (a mí una guitarra sucia metiendo ruido siempre me ha gustado), pero como ya lo hemos hecho, a veces tengo sensación de dejà-vu. (NACHO) Claro, pero es que ya hemos hecho de todo. (ALASKA) No se trata de sólo hacer lo que no has hecho… (NACHO) A mí ahora mismo me gustaría sonar como Marilyn Manson, pero mezclado con los Beloved. (ALASKA) Tenemos en común con los Beloved las canciones bonitas, pero tenemos ese otro punto de guitarras, Marilyn Manson, lo siniestro que siempre se nos nota, alguna canción como ‘Misterios’. En el nuevo hay una que se llama ‘Contradicción’, que es completamente siniestra. Supongo que se nos tiene que notar…

que si no te lo crees tanto no haces nada. (NACHO) En Madrid lo que pasa es que conocemos a todo el mundo, entonces ves al típico que ¿pero cómo, éste ahora?… pues sí, ahora es Dj y está poniendo drum’n’bass. (ALASKA) Como conocemos a todo el mundo, ¿quién nos va a venir a vender ahora las más auténticas y las más electrónicas?, que son de nuestra edad, o sea que si fuera alguien de 15 años que de repente acaba de comprarse un disco y descubre el mundo… (NACHO) Gente con la que hemos tenido un contacto y nos hemos peleado incluso y ahora me entero que son los responsables de llevar la programación del Festimad de música electrónica y dices, bueno… Y de todas formas a mí esta escena me parece siempre la misma gente, pero que se van cambiando y dices ¡ah mira, es la misma petarda, pero que en vez de ser indie ahora es techno!. La gente se llama de otra manera y tiene diferente edad, pero es la misma que ahora van a decir que soy divina y después que soy lo peor, siempre es igual. Igual que en la movida, igual que

Todo el mundo puede hacer un disco con una caja de ritmos y poca cosa más, y como todo el mundo puede no tiene ningún valor hacerlo. (Alaska) Vuestros discos se van distanciando cada vez más en el tiempo. Para seguiros la pista hemos de buscar vuestras canciones en bandas sonoras o recopilaciones de diferentes sellos y publicaciones… (NACHO) En realidad nunca dejamos de trabajar, cuando nos piden algo, si tenemos material, lo damos. Por ejemplo, hemos colaborado con la Semana Internacional de Cine de Terror de San Sebastián, con la revista Self, hemos participado en recopilaciones del sello Spicnic, etc… (ALASKA) Es como muy comprometido porque cada vez que te piden algo no puedes meterte en un estudio a hacer una cosa, como la primera colaboración que dimos (‘Me Quedaré Soltera’) para Disco 2000. Cuando nos piden un tema damos lo que tenemos editado en ese momento... Y la escena actual en España, ¿qué os parece? (ALASKA) Creo que siempre hay gente que está bien, pero eso no es diferente ahora que hace 10 ó 15 años, siempre está igual. (NACHO) Veo a las mismas personas con diferentes vestimentas. (ALASKA) Igual Barcelona ha cambiado… Lo que pasa es que hay una cosa que siempre ha pasado desde el punk, que tiene su lado bueno y su lado malo. Barcelona cuando de repente alguien se lo cree, se lo cree muchísimo. Los punks de Barcelona eran ni comparación con Madrid. Ya en el 77 iban superbien vestidos, eran lo más, se lo creen hasta el final. En Barcelona pasa eso, llega el Sónar, son los más electrónicos. Además los catalanes han empezado a nivel de industria del espectáculo… es decir, si están las Diabéticas Aceleradas en Madrid, se quedan en un tope, pero la gente de Barcelona no se queda en ese tope. Organizan muy bien las cosas porque se lo creen. Aquí en Madrid cómo no se lo cree nadie, y esto lo digo para lo bueno y para lo malo, porque ves a alguien que se lo cree tanto y te da mucha risa, quizá porque Nacho y yo somos muy descreídos, y esto es una virtud y es un defecto. Pero también está muy bien por-

en todo… (ALASKA) La música no está ni mejor ni peor que cuando estaban Aviador Dro, Oviformia, Décima Víctima. Pero los medios ahora están al alcance de mucha más gente. (NACHO) Entonces también, porque nosotros éramos cualquiera y cogimos un bajo y nos pusimos a tocarlo. ¿Qué os parece que los Dj’s se hayan convertido en las estrellas? (ALASKA) La música disco y el punk han conseguido cosas como que las estarlettes grabaran discos. Hay Dj’s muy creativos que son algo más que Dj’s. Nosotros no somos Dj’s creativos, ponemos un disco o trozos de canciones que nos gustan, pero supongo que como tenemos otras cosas, el grupo, lo de la creación lo tenemos cubierto. Ponemos canciones que nos gustan. De todos modos me

Nadie’! El mundo de la gente realmente interesada en estas músicas es muy reducido, somos nosotros en este salón, habrá otro salón en Barcelona… pero fuera de los salones hay un mundo. La realidad está ahí fuera y la realidad es así de horrible. ¿Por qué creéis que Fangoria está tan desprestigiado? (ALASKA) Al principio Kaka de Luxe era lo menos, cuando salieron los Pegamoides, Kaka de Luxe eran lo más, ahora para que Fangoria fuera lo más tendríamos que deshacer Fangoria y llamarnos de otra forma, y entonces nos dirían ¡qué buenos érais como Fangoria! (NACHO) Aún así, con Fangoria fue la primera vez que nos dijeron que éramos muy buenos. Cuando fuimos a Barcelona el Rock de Lux dijo que éramos lo más, y pensamos, uy, uy, uy… la caída va a ser tremenda, porque igual que nos ponen tan bien nos pondrán fatal.

gusta más pinchar en los bares, porque puedes poner una serie de música o canciones que no necesariamente la gente viene y te dice ¡oye, qué tengo pedo y se me va a bajar, a ver si pones otra cosa!. Hace unos años que no paran de surgir grupos en España que utilizan la música electrónica como soporte, ha habido un resurgimiento a nivel de industria y de público. De todos estos grupos ¿hay algo qué os interese...? (NACHO) Españoles: Astrud, del disco ‘Lujo Y Miseria’ me gusta casi todo, Madelman, Teen Marcianas, Parade está muy gracioso; oigo montones de grupos electrónicos que no me dicen nada. De los extranjeros, Marilyn Manson… (ALASKA) Suede. (NACHO) Depeche Mode, Pet Shop Boys, Erasure, Madonna, Michael Jackson, Janet Jackson me encanta… (ALASKA) No, Janet Jackson no… (NACHO) Todo el rap. Roni Size me encanta, me gusta mucho el drum’n’bass. (ALASKA) Estoy harta de comprar discos para pinchar y ni poder pincharlos ni poder oirlos. Estoy con el revival del 87, totalmente. Lo que pasa es que a mí no me gusta pinchar para que la gente baile… (NACHO) A mí sí que me gusta… (ALASKA) … lo ideal para mí es que me llamaran para pinchar en un chill-out, solamente una vez he podido pinchar en uno y es total. En general, me gusta mucho la música que se hace ahora. Al final de los 80 decían ¡ya no hay música buena! Y pensaba, pero si hay esto, esto, esto y lo otro. (NACHO) El 90% del techno no me dice nada, no tiene personalidad, encima, incluso, muchos grupos españoles tienen nombres en inglés y no sabes ni de dónde es el grupo. Nombre en inglés, no tiene letra la canción, no hay foto y si la hay van vestidos como si fueran de no se dónde. Te está expresando que este chico se ha comprado un equipo, ha sampleado los sonidos de moda… (ALASKA) El 90% de las cosas que pincho, si tuviera una caja de ritmos y un teclado de fondo, podría tocarlas en directo. Me gusta pincharlo, pero tampoco le doy un valor muy grande a muchas de esas canciones, las pincho porque me gusta crear ese ambiente, charlando y no necesariamente bailando. La gente se pregunta si vas a arrancar de un momento a otro… (ALASKA) A veces arranco en la última media hora, pero ya por desesperación, por obligación. Es que hay mucha gente que es muy burra. Van a un concierto, y si antes pongo música, los ves debajo del escenario mirando para arriba. El escenario está vacío, estoy pinchando y se supone que es una discoteca. A veces se ponen a mirarme en la cabina como si ese fuese el concierto. Una vez nos vino un empresario de una discoteca (lo peor de Palma de Mallorca) y nos dice ¡es qué no hacéis ningún espectáculo mientras pincháis, tengo unos Dj’s que juegan al ping-pong mientras pinchan! Pero cuando pinchas, mucha gente va a verte a ti, no les preocupa la música que pongas… (ALASKA) Eso siempre me lo encuentro. A veces cuando pincho la gente me dice ¡no vas a poner ‘Bailando’ o ‘Ni Tú Ni

Entonces no tiene ninguna importancia. Además, si nos dices quién dice esto de nosotros, te podría decir, si… Ya se comienza a hablar de la resaca del techno… (ALASKA) Si soy Tomás Fernando Flores y cada día me oigo las maquetas que me mandan los grupos de España, resaca no, estaría ingresada en la UVI. (NACHO) Es que en nombre del techno se está colando casa cosa… ¿Por eso tienen tanto valor propuestas como el Sonajero…? (ALASKA) Tampoco es el motivo por el que hay que darle tanto valor, porque no es más que una pura respuesta. O Spicnic… (ALASKA) Pero Spicnic no tienen una postura anti-nada. A ellos les gustan los Ramones, Sigue Sigue Sputnik, se cuela Kraftwerk, son grandes fans… sin embargo el Sonajero lo veo más como ¡vamos en contra de…! (NACHO) Para mí Genís es

JAY-JAY JOHANSON »

una estrella y está por encima del bien y del mal. (ALASKA) Es que Genís no consideró que fuera el Sonajero en ese sentido… Nacho y yo estamos como en una ventana y vemos pasar las cosas, pasa uno que es muy estrella, otro que es encantador, pero nosotros lo vemos como externo a nosotros y entonces no nos afecta, no nos enfada porque lo ves como ¡mira éste qué gracioso, éste otro qué nosecuanto!. (NACHO) Me siento como en la portada del ‘Interferencias’. Metido en una escafandra veo pasar todo, pero nada me afecta… (ALASKA) Siempre he sido muy observadora, y me siento aquí y ¡ahora nos dicen qué somos lo peor, hay que pena, ahora que somos lo más, mira qué bien! Es algo ajeno a ti, es como ver pasar el mundo por una ventana. La gente que se lo cree es porque lo vive con otro espíritu, se involucra más, para lo bueno y para lo malo. (NACHO) Creo que Genís está siendo mal interpretado… (ALASKA) Por ejemplo, Boy George es simpatiquísimo, pero hemos conocido a algunos que son lo peor… (NACHO) Marc Almond es lo más, Siouxie también… (ALASKA) Es que debe ser como muy raro que saques un disco o un maxi, o que toques en tu pueblo o tu ciudad, y

para la que no haya nada… O gente para la que Madelman sea igual que el típico grupo de house progresivo, y no lo es. (NACHO) No sé sabe porqué, igual que en los grupos de rap, de guitarras… Lo que pasa es que en el rock o en el pop, como tienen que cantar, se supone tienen que tener una imagen, tienen que tener un nombre de grupo, tienen que hacer ese esfuerzo, pero como en un grupo techno a priori no tienen que tener nada, entonces es la expresión de la nada. Y no deja de tener su gracia, pero acaba aburriendo. (ALASKA) Esto para nosotros es inconcebible con lo mitómanos que somos, para nosotros tiene que haber algo más que la música, conozco la biografía de los grupos electrónicos que más me gustan. Los Orbital porque esto, los Orb porque aquello. Aphex Twin que si el asma… Toda esta mitomanía queda reflejada en vuestras letras… (NACHO) El problema de las letras es que como hago tantas para tantos grupos, no pueden ser todas de marcianos o de terror, y como ella dice que tiene una edad que no quiere cantar canciones de terror ni de marcianos… (ALASKA) Es que no me siento…’Jason Y Tú’ me está muy bien cantarla en un disco, pero me sentiría incapaz de cantarla en directo, no siento ninguna relación con esa letra, lo veo como anecdótico. Tampoco me veo cantando historias de terceros, ahora, el mes que viene no lo sé… (NACHO) También como he vuelto a hacer letras con Carlos… (ALASKA) Las letras de este disco de Carlos son, con salvedad, muchísimo mejores que las del disco an-

El mundo de la gente realmente interesada en estas músicas es muy reducido, somos nosotros en este salón, habrá otro salón en Barcelona… pero fuera de los salones hay un mundo. La realidad está ahí fuera y la realidad es así de horrible. (Alaska)

de repente tengas una gran crítica, y ese año seas la gran esperanza del pop internacional. En estos casos debe ser crudísimo, hay gente que no lo asimila bien… (NACHO) La mayoría de los technos madrileños son realmente antipáticos y desagradables. Te encuentras por la calle a una persona que ha estado días enteros contigo y de repente no te saluda o te mira así, por encima del hombro. Bueno, pero éste que ha hecho a parte de programar su caja de ritmos durante media hora y sacar un disco. (ALASKA) Querer ser una estrella es lícito, lo que pasa es que tienes que encontrar tu público. Todo el mundo puede hacer un disco con una caja de ritmos y poca cosa más, y como todo el mundo puede, no tiene ningún valor hacerlo. No tiene la menor importancia, si alguien se cree otra cosa, pues… Porque de repente hay cosas en que hay algo más, pues porque hay algo más. Para nosotros en Orbital hay algo más, pero habrá gente

terior. (NACHO) Pero Carlos estaba pasando una situación personal… (ALASKA) …las situaciones personales malísimas dan de sí muchísimo. (NACHO) Estaba de gafas negras todo el día. Era tremendo, por eso las letras son todas así. Supongo que en el próximo, que empezamos mañana a componerlo, estará de otra manera. Muchos teníamos ganas de volver a ver juntos a Carlos y a ti. ¿Tendrá continuidad o se quedará en algo puramente anecdótico? (ALASKA) No estoy segura, pero creo que las estrellas nunca deben trabajar entre sí. n

P///DISCORDER

JAY-JAY JOHANSON WHISKEY Y TATUAJES

talmente decisivo. Trabajé en el estudio con un pianista, tocando los ‘esqueletos’ de las canciones, estructuradas de una forma muy simple, muy sencilla: voz y piano, nada más. Hicimos demos y más demos. Tengo muchas versiones de cada tema. Después trabajamos con las guitarras, las cajas de ritmos y las baterías y todo aquello que fui incorporando, como la sección de cuerdas. Así es como he trabajado en ‘Tattoo’, algo totalmente distinto a como lo hice en ‘Whiskey’, que fue más rápido y precipitado.

© (T) Manel Roig + (F) Self Me sumerjo en las oficinas de RCA donde el sempiterno hombre feliz y amigo Marc Bassols me espera. Literalmente me mete de cabeza en el speaker de su hi-fi Pioneer. Tras un larguisímo tiempo de escucha (escasos quince minutos) del último trabajo de Jay-Jay Johanson, ‘Tattoo’, llego a dos conclusiones: 1) ¡viva la bossanova! (ya me explicaré, ¿sí?) y 2) nunca llevaré un imán en la oreja durante mucho tiempo ya que se te adhieren todo tipo de sonidos que me e-n-c-a-n-t-a-n, pero que pueden joderme mi, ya de por sí delicado, sistema auditivo (ya me explicaré, ¿no?). Está claro que ‘Tattoo’ (RCA-BMG) es un disco sobresaliente en (casi) todos los aspectos. Como ‘Whiskey’, pero más y mejor, vamos. “¡¡¡ Hola Barcelona !!! ¿Qué tal?”. Eso es lo que oigo tras esbozar un ¿JayJay?. Sí, Jay-Jay Johanson está de buen humor y contento. Bien, adios entrevista depresiva, hoy toca versión Viva Las Vegas. Hola Jay-Jay ¿Cómo van las cosas por ahí? (tres días después lo teníamos aquí en el Sónar). Oh, ¡con muuuuuuuchas ganas de venir!. Me muero por estar en Barcelona. Jay-Jay no está contento, está eufórico. Bueno Jay-Jay. Felicidades de verdad por el disco, es precioso y me ha gustado un montón, aunque no he tenido más que veinte minutos para apreciar todos y cada uno de los detalles que has dejado en el disco, que son muchos. ¡¡¡ Hey, muchísimas gracias !!! ¡¡¡ Me alegra muuuuuuucho que te haya gustado !!! Es muy importante lo que la gente piense sobre mi trabajo. Eso me anima mucho, te lo aseguro. Me gusta más que ‘Whiskey’ porque es mucho más variado y está, no sé, como mejor grabado. No sé si me explico bien. Bueno, a mí también me gusta más que ‘Whiskey’. Eso era casi una maqueta de lo que yo era capaz de hacer, lo digo en el sentido de que es un esbozo de lo que yo realmente me veía capaz de crear. Me gusta en todos los aspectos. A nivel de producción y, por supuesto, de composición. Globalmente es mejor disco que ‘Whiskey’, para mí está claro. Además creo que no me he repetido mucho, aunque se encuentra, claro está, en la línea de mi primer trabajo... ¡¡¡ continúo siendo Jay-Jay Johanson !!! Añadí más elementos que no pude introducir en ‘Whiskey’ por falta de más tiempo y de mayor conocimiento de hasta dónde podía llegar con mi voz y qué podía hacer musicalmente. Además, tuve más tiempo de estudio, lo que para mí fue to-

Sí Jay-Jay, y un poco más limpio. ‘Tattoo’ suena casi a demo, mientras que aquí todo suena mucho más claro y definido, aunque dejas esas baterías crunchies marca de la casa. Sí, eso es. Más tiempo y más facilidades a la hora de trabajar, de dar con el sonido que quería realmente plasmar.Ese ruido de fondo tenía que estar ahí. Pero no se trataba tan solo de scratchear y no aportar nada nuevo. ¿Cómo has realizado las composiciones? ¿Primero las letras, después la música, viceversa o a la vez? Me interesa saberlo... Bien, las melodías las saco espontáneamente, por la calle o cuando estoy en casa sin hacer nada, silbándolas incluso (risas). Las letras igual, las voy recitando. Así empiezo. Después de escribirlas voy al piano y compongo la música. Tengo un inicio de melodía. El tono en el que acaba puede variar, pero la idea inicial permanece en mi cabeza. Cojo la caja de ritmos y el piano...

ERIC LYON »

Hay un aspecto que me ha gustado especialmente: la incursión de una forma excelente en la bossa-nova, junto a ese trip-hop que practicas. Me refiero a ‘Quel Dommage’, por ejemplo. Se nota que te gustan cosas como Jobim o Vinicius de Moraes... Sí, es verdad, porque la bossa es algo que está presente en mi discoteca. Y el jazz también. Me encanta Chet Baker. Creo que lo único que hago es juntar las cosas que me gustan en un saco, las agito y después salen como yo las veo. No pretendo crear nada nuevo, sólo hacer lo que me gusta hacer. Por ese motivo creo que lo mío no es ni pop ni jazz ni bossa, creo yo. No estoy a la altura de Vinicius de Moraes, de Chet Baker o de Scott Walker o de otro artista con que la prensa me haya comparado. No entiendo porqué algunos intentan compararme con gente tan intocable, no sé. Esto debe formar parte del periodismo, comparar a alguien que empieza con alguien que ya ha escrito un pedazo de historia de

te opine sobre lo que le parece mi música, es positivo y enriquecedor, pero si se argumenta esa opinión es perfecto. Oye, no me has dejado decirte que temas como ‘Quel Dommage’, ‘Even In The Darkest Hour’ o ‘She’s Mine But I’m Not Her‘s’ son intachables, de lo mejor que se ha hecho este año. Muchas gracias. Curiosamente esos temas que has citado son mis favoritos, junto a ‘A Letter To Lula Mae’. Tu ‘Holly Golighty’ particular, supongo. ¡Hey, es la primera entrevista en que álguien lo dice. Has dado en el clavo! Tiene una historia bastante personal, pero supongo que... de todas formas... ya no tiene mucha importancia. La verdad es que rompí con mi novia y ésa es mi personal carta para mi Lula Mae. Ya está superado. Para mí, escribir es una forma de terapia. Así que si hay algo que me atormenta, trato de sacarlo de mi interior para convertirlo en canción. Por cierto, no has olvidado tu vocación de Dj pinchando música de los 80... Ja, ja. Eso es una broma que quería hacer. El pasado está para reírse de él. Además no me arrepiento de haber pinchado todo eso, fue una etapa muy divertida... ¿Hacia dónde va el nuevo Jay-Jay? Bueno, aún estoy con este disco y todavía no sé que haré en el siguiente. Cuando entro en el estudio no tengo ni idea de lo que va a salir... ¿Nada? No, que va. Ya te he dicho que lo que traigo son esqueletos, las canciones desnudas y luego es en el estudio donde les doy forma. No sé cómo va a sonar del todo. Traigo alguna idea de cómo quiero sonar, pero hay versiones distintas de todos los temas.

Creo que lo único que hago es juntar las cosas que me gustan en un saco, las agito y después salen como yo las veo. la música universal. No entiendo esta obsesión con las comparaciones, de verdad. Ya. Pero perdura el trip-hop, ¿no? Me refiero, y no te enfades, a Portishead. Hay un par de temas que, honestamente, me han sonado 100% a Portishead. Bueno, la verdad es que yo no lo veo así. No hago música como lo hacen ellos, mi forma de hacer las cosas es totalmente diferente. Geoff Barrow hace la música y después Beth Gibbons añade las voces, adecuadas a la forma musical que Geoff le ha dado. Mientras que yo hago precisamente lo contrario, así que no creo que me parezca a Portishead en la forma de trabajar y de crear. Correcto Jay-Jay, pero sólo hacía mención a ese deje inicial que queda en la primera escucha de algunas canciones. Por eso me gusta más ‘Tattoo’ que ‘Whiskey’, porque allí sí creo que parecía evidente una influencia en la plasmación de ideas, de alguna forma cercana a lo que hace Portishead. Bien, eso es cierto, por eso me gusta más ‘Tattoo’... No te enfades hombre, sólo son apreciaciones personales. Nunca he dicho que copies -como otros sí que han dicho- a Portishead. Al contrario, creo que ya tienes un sonido propio... No, no me enfado. Para mí es algo positivo que la gen-

¿Has escuchado a Arto Lindsay? Lo digo porque mezclar bossa con elementos electrónicos de la forma que lo hace él sería una evolución normal para tí. Es que te veo por ahí... Sí, podría ser perfectamente. Conozco lo que hace Arto Lindsay. Es brasileño aunque haya estado media vida en Nueva York, así que para él es normal desenvolverse de la forma que lo hace. Ya te he dicho que no sé cómo o por dónde irán las líneas de mi próximo trabajo. No me volveré a meter en el estudio hasta el año 1999, así que podría ser una opción. Podría ser... Y con ese podría ser y los clásicos nos vemos en el Sónar. Suerte con tu gira y todo lo que se suele decir en las despedidas. Yo feliz y él feliz. Pues todos felices. Porque sólo te sientes bien cuando quieres sentirte bien. n

ERIC LYON

RUIDO ELEGANTE

Captain Beefheart. Eso me ayudó a comprender las innovaciones de gente como The Beatles, Led Zeppelin o XTC. Pero realmente esta música nunca ha tenido un impacto directo sobre lo que hago, ya que compongo música instrumental casi exclusivamente a partir de experimentos en el ordenador. Aunque tengo que reconocer que desde que a los 12 años me interesé por la música contemporánea, esa fue la primera vez que expandí mi interés musical hacia otros estilos. Cuándo escribes tus composiciones, ¿qué importancia tiene para ti los aspectos técnicos? Directamente no la tiene, pero naturalmente la tiene por otros motivos. Cuando compones música estás pensando en ella, no en el instrumento en que la estás componiendo, pero la estructura de éste condiciona la manera de componer. Por ejemplo, los glisandos y microtonos no están cuando compones, pero cuando el ordenador no tiene lo que buscas, lo programas y ya lo tienes. Es una nueva situación por la que puedes exteriorizar cualquier intuición artística e institucionalizarla. Si hace tiempo que no escribo fugas y se me olvida como hacerlas, construyo un programa con los suficientes conocimientos y lo puedo retomar años más tarde y ya lo recuerdo todo. Realmente estoy sorprendido y contento con los resultados. ¿Vivir y trabajar en Japón ha sido importante a la hora de crear tus composiciones? Me ha influido como persona y, naturalmente, como compositor, aunque no ha sido de forma directa. No empezé a componer Gagaku o a incorporar elementos estilísticos japoneses en mi música, pero si observé algo más importante, la facilidad que hay en Japón para absorver y hacer suyo cualquier artefacto cultural que viene de Occidente. Es algo hermoso y encantador ver a Jodie Foster en los anuncios hablando de una forma que nunca la había oído en Occidente o pizzas con maíz, espárragos y mayonesa. Creo que son estos aspectos simpáticos los que han arraigado en mí y en mis características personales, por lo que hacen de Japón un sitio, psicológicamente hablando, muy cómodo para mí. En ‘Retirement Found’ has trabajado con la voz humana. ¿Qué posibilidades tiene este instrumento dentro de la experimentación electrónica? La voz es especial ya que produce sonidos musicalmente puros en potencia. En los textos tradicionales (los lieder de Schubert, por ejemplo), la idea era armonizar esos potenciales. Robert Ashley dijo que para ser un compositor vocal hay que ver a las palabras y a la música como algo único. Pero yo soy un compositor instrumental y pienso que existe una oposición tensa entre texto y música. Algunas veces el tratamiento musical

© (T) The A-Team + (F) Self Eric Lyon es uno de los talentos más desconocidos, por el momento, de la música electrónica experimental que se realiza en estos tiempos. Empezó a componer desde muy pequeño en su natal New Jersey. Luego emigró a San Diego (California) para intensificar sus estudios de música electrónica, y desde 1993 vive y trabaja en Japón. Desde su pequeño sello, Smart Noise Records, ha editado tres Cd’s: ‘Red Velvet’ (1996) y las dos partes de una ópera de cámara, ‘Retirement Found’ (1997-1998), realizada con el escritor y vocalista Erik Belgum. A continuación os presentamos una entrevista con Lyon, en la que nos presenta sus obras e impresiones.

Dices que el descubrimiento del punk y del pop electrónico y experimental ha sido una fuente de inspiración para ti. ¿En qué sentido? Las descubrí en mi época de Dj en el colegio. En esa época tenía un punto de vista muy oscuro sobre el pop, pero me atrajo la agresividad del punk. Siempre me ha gustado la música con riesgo (Varese, Bartok o Monteverdi), así que esa atracción fue inevitable, como también fui atraído por la psicodelia demente de The Residents o

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oscurece parte o todo el texto, y otras veces pasa al revés, convirtiendo la música en muzak atonal. En ‘Retirement Found’ al ser el protagonista un sargento loco, las convenciones narrativas desaparecen a favor de un mayor aprovechamiento del tiempo, y esto es, en mi forma de ver, muy susceptible en el tratamiento musical. El texto como sonido vocal es tratado como un objeto abstracto en el caso del pop. Idealmente las precondiciones para los sucesos musicales deben parecer algo misteriosos desde allí si no se tiene un aparente armazón teórico para enganchar. En muchos casos aparece de forma inexplicable, quizás esto es algo de estética japonesa a pesar de que Erik Belgum vive en Estados Unidos. En los últimos tiempos la música electrónica experimental interesa a muchos medios informativos. ¿Piensas que esto es positivo o es un peligro para ella? No pienso que sea demasiado peligroso ni para ella ni para mí. La masificación requiere una adherencia a ciertos fundamentos a los

Fundaste Smart Noise para dar a conocer tu trabajo y también para dar oportunidades a otros artistas que consideres interesantes. ¿Qué condiciones crees que han de tener estos artistas? Smart Noise todavía no ha crecido lo suficiente para poder ayudar a otros artistas, pero indudablemente hay artistas con gran talento y gente que está muy interesada en este proyecto. Quisiera empezar con ellos, pero por ahora estoy más interesado en contactar con gente que domine el tema de la distribución. Gasto mucho tiempo en componer música y escuchando lo que realizan otros artis-

Pero yo soy un compositor instrumental y pienso que existe una oposición tensa entre texto y música. que el público responde (pulso inmediato, melodía y estructura narrativa). Esto es lo que ofrece el pop. Por lo tanto no creo que el trabajo de Gordon Mumma o David Tudor se masifique, pero estaría bien que estos trabajos se conociesen mejor. Esto puede ser válido en lo concerniente a la estética del drum’n’bass, ya que mucho de lo que se realiza ahora resulta extremadamente blando. Pero, insisto, este problema no existe en la música experimental, ya que esta sigue siendo underground, aunque se trate de engañar al público poniendo discos de Tomita o Philip Glass en los apartados de experimental de las tiendas de discos. Aunque, naturalmente, habría que hablar mucho sobre el término ‘experimental’, ya que muchos compositores de este sello te pueden dar definiciones diferentes y contradictorias. Mucha gente cree que la música experimental es una cosa seria, pero creemos que tiene mucho sentido del humor. ¿Qué piensas de ello? ¿Crees que es una cuestión importante? Siempre hay sentido del humor en la música ‘seria’, quizás el ejemplo más famoso sea el de Haydn, pero en la música del siglo XX lo podemos encontrar en Carter, Varese, Xenakis y también en Stockhausen. Hasta en los pasajes más oscuros de Beethoven hay momentos chispeantes. Yo pienso que el humor es una cosa muy seria que debe ser utilizado en cualquier oportunidad. En ‘Retirement Found Part 1’ lo hay, pero hay más en la segunda parte (‘Retirement Found Part 2 The Audit’), aunque hay presentes algunos temas serios, que se relacionan con organismos como la religión, el gobierno, el dinero y la guerra. Lo que más me gusta de Erik Belgum es que pone el dedo en la llaga cuando crees que no la pone. Por ejemplo, Erik expresó desconcierto en una reciente representación de la obra, cuando describió la obra como ‘anti-bélica’ sin dar a entender que fuera ‘pro-bélica’. En ese momento no sabía si lo decía en serio ya que sus textos tienden a proyectar una serie de ambiguedades subjetivas en grandes dosis con las que te lleva a la desorientación.

tas y, por lo tanto, no soy un entendido a la hora de dedicarme al negocio discográfico. Bien, hasta aquí la entrevista realizada por correo electrónico con el compositor Eric Lyon. Si algún lector está interesado en el trabajo de este músico puede visitar su dirección en Internet. www.iamas.ac.jp/-eric/SmartNoise.html.n

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SCHNEIDER TM MOIST City Slang | Caroline España UP-TIGHT (12”) City Slang | Caroline España

Si aislamos los rasgos que determinan en una canción pop tal condición (minutaje estrecho, urgencia comunicativa, estructura clásica y riqueza melódica, básicamente) y los cotejamos con lo que hace el alemán Dirk Dresselhaus, concluiremos con que Schneider TM no es pop. Y sí que lo es, aunque por supuesto no en la manera en que lo concebían, por citar dos visiones bien diferentes, Spector o Hazelwood. Hidra de mil cabezas que rehúsa cualquier sesudo intento de definición, el pop occidental ha mutado década tras década hasta alcanzar en los 90 un estadio de exitosa, y lógica, hibridación con prácticamente cualquier género o elemento, por incompatible que parezca. Mouse On Mars o Stereolab son cabeza de puente del movimiento de electro-pop experimental al que también cabría añadir a To Rococo Rot, Elizabeth Esselink (Solex) o al mentado Dresselhaus. En su primer álbum y 12” como Schneider TM el hombre subvierte todas y cada una de las convenciones genéricas que enumero más arriba sin que sus heterogéneas mixturas de pop con techno (‘Raum Im Ort’), cadencioso lounge-bossa (‘Masters’), noise cósmico (‘Starfuck’) y hasta instalaciones electroacústicas (‘Roc’) pierdan la denominación de origen. ¿Cuánto hace que no escuchas un álbum de electrónica del que puedas recordar todos los temas al finalizar su audición? JESÚS BROTONS

VAINIO-VAISANEN-VEGA ENDLESS Blast First | Mute

Aunque la herida llevaba varios años abierta parecía haber cicatrizado; daba la apariencia de que ahora Suicide sólo era un trozo de piel muerta al que mirar con desidia en nuestros ratos de aburrimiento. Nada más lejos; la temible imaginería de Pan Sonic actualizó el legado de una de las bandas underground más mitificadas -opinión personal- del siglo, y Alan Vega se levanta el sombrero de forma palpable cola-

borando en un Lp de los fineses. ‘Endless’, pues, se ha convertido en uno de esos discos que antes de su edición ya podemos calificar, sin temor a equivocarnos, como un clásico de los 90. Por momentos Vega parece convertirse en una suerte de bufón mongólico, incapaz de articular algo que no sean susurros y gritos entrecortados envueltos en un mar de delays, ecos y humaredas polirrítmicas; pero, de hecho, eso es lo mismo que hizo Scott Walker en ‘Tilt’ y todos se atrevieron a apuntar que por ahí empezaba ya a gatear una nueva forma de entender la música pop. Así que Mika Vainio e Ilpo Vaisanen sólo han tenido que ofrecerle un vehículo producido con mano de santo para que Vega dé rienda suelta a sus más bajos instintos laringíticos, nasales y físicos. Y lo han conseguido. Imposible destacar una pieza de ‘Endless’ sin referirse a un conjunto que cojea todo lo que puede cojear una obra demasiado fiel a sus principios (presuntamente) vanguardísticos. Si el significado de las tres B es bueno, bonito y barato, el de las tres V puede ser violencia (Vainio), viento (Vaisanen) y vicio (Vega) en estado puro. ‘Endless’ es una puñetera obra maestra, en lo bueno y en lo malo. Es una obra maestra porque, como la ola que viene y va, todos los residuos que flotan a su alrededor es lo que recordamos de forma inexorable. Por suerte o por desgracia.

SCHNEIDER TM

para crear un nuevo concepto del horror sonoro: un disco en vivo y en directo donde abundan los samples de presentadores televisivos religiosos, los sonidos extremos, las melodías estúpidas y los ritmos más arrítmicos. No es que sea una rareza, es que es, en sí, algo muy raro. Así que ustedes dirán lo que quieran, pero a mí me parece que alguien que se compra un disco así o bien está como una chota o es que tiene suficiente pasta como para comprarse todos los discos que le salen de las pelotillas. Es una opinión, claro. MARC PIÑOL

NUE 99 LA NOCHE DE LOS SORDOS Doctor Tumbadiscos NUE 99

MARC PIÑOL

RANCHO RELAXO ALL STARS LIVE AT LUV PARADE (VOLUME 2) Disko B | So Dens

No hace falta decir que en Disko B la gente es muy rara. Para acabar de evidenciarlo, pues está la serie que se avecina como uno de los pozos negros más epatantes que se hayan podido crear jamás: Rancho Relaxo. Que es lo mismo que Abe Duque, John Selway, Jochen Reiter, Dietrich Schoenemann, Taylor Deupree, Prozac, Jason Szostek y, como estrellas invitadas, Stroboscopic y dos fineses afincados en Barcelona: Jimi Tenor y Mika Vainio. Pues si con el primer volumen, ‘Hygiene Mental’, los chicos Rancho no tuvieron suficiente, la plataforma más freak del panorama más techno-freak se atreve a tomarse unas cuantas cervezas más

En contraposición al anonimato contra natura que caracteriza a gran parte de los géneros musicales basados en mayor o menor medida en la electrónica -hay excepciones-, el hip-hop sigue siendo una música que funciona como excelente tarjeta de visita de sus artífices. Este es, por ejemplo, el caso de Nue 99, grupo que vendría a ocupar el puesto dejado vacante por Misión Imposible y Foreign Nation en la escena del hip-hop zaragozano. De la escucha de los quince temas que conforman su primer álbum podemos hacernos una idea aproximada de su forma de pensar y realidad circundante, gracias a un saludable eclecticismo estilístico (del techno a los sonidos de cuerda, e incluso al rock ácido en la toma en directo de ‘La Generación Del Miedo’) y a unas letras que navegan de la viñeta costumbrista (‘Así Que Baila’, ‘Insert Coin’) a la descripción de hechos luctuosos (‘Tan Solo Son Niños’, ‘Accidente Mortal’), haciendo escala en obvios manifiestos de autoafirmación y enérgica repulsa (‘La Generación Del Miedo’, ‘La Noche De Los Sordos’) y una carga contra cierto personajillo de la escena musical española (‘¿Cuál Es Su Nombre?’). Un debut que dista de ser redondo, pero que en absoluto carece de atractivo. Seguro que pueden dar más de sí. Contacto: Zaragoza Zulú P.O. Box 1466. 50080 Zaragoza JESÚS BROTONS

P///SCIENCE FICTION VINYLS

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STEREOLAB ALUMINIUM TUNES (SWITCHED ON VOUME 3) Warp | Satélite K

Stereolab recibió la oferta de elaborar una banda sonora para una exposición del escultor Charles Long. Las esculturas venían acompañadas de unos auriculares y así el observador se convertía a la vez en oyente y le permitía adentrarse en el mundo repleto de fascinación que ofrecía la escultura. Fascinación, onirismo, dulces ángeles (¡ay, Laetitia, Laetitia), pop elevado unos pies por encima del suelo (roza las nubes), moogs que vienen y van, violines que dibujan un cielo de querubines; sencillamente delicioso. Pero es que el último trabajo de Stereolab es eso y mucho, mucho más. Los 6 primeros temas son los de la exposición. Los 19 restantes son un regalo a la altura del anterior: singles, caras b, rarezas, remezclas y nuevas versiones de temas pertenecientes a la época de ‘Mars Audio Quintet’, ‘Emperor Tomato Ketchup’ o ‘Laminations’; es decir, un acto de gratitud con sus fans. ¿Quién puede estar en Japón en un concierto suyo o en Londres en una actuación sorpresa, lugares dónde se vendían las citadas piezas?. Yo no. Gracias chicos. MANEL ROIG

BIYI LA MÁQUINA DEL TIEMPO Tú Pierdes

Las personas de naturaleza nómada hallan placer en el trayecto, en la sensación de movimiento y de cambio: de lugar, de vida, de personalidad... El viajero genuino ama dejar las cosas atrás y no pararse mucho tiempo en un lugar, disfruta de los paisajes que salen a su encuentro y se pierden de inmediato, huyendo de la vista pero alojándose en la memoria durante largo tiempo. Biyi es un viajero nato. Pero no en un sentido geográfico ni en uno temporal, a pesar de lo que el título de su ópera prima pueda sugerir: no, Biyi practica el nomadismo musical. Partiendo de la original metáfora del sampler como una auténtica máquina del tiempo, capaz de traer al presente fragmentos del pasado con los que sentar las bases de una posible

tica que se les puede hacer (y no estoy siendo peyorativo, malpensados: es un buen trabajo).

música del futuro, el productor habitual de La Puta Opepé (quienes aquí, por fortuna, se han abstenido de abrir la boca) describe una panorámica instrumental mostrando diferentes electropaisajes de un mundo inexplorado en el que no faltan, imprescindible ancla para no ir a la deriva, las referencias familiares (muestras del film de Georges Pal, cachondeos a costa de Kraftwerk...) Perder el miedo a lo desconocido es la clave para hacer grandes descubrimientos.

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SUKIYAKI | ZONITES SPLIT EP Ovni | Green UFOs BIYI

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FUN’DA’MENTAL EROTIC TERRORISM Everlasting | Beggars Banquet | Caroline España

¿Son compatibles la música y la política? ¿Es lícito valerse de una forma de expresión en esencia epicureísta para transmitir un ideario? La licitud de tal práctica daría materia para un debate que excede los estrechos límites de esta crítica. En todo caso, comentar un disco de un grupo tan politizado y radicalmente subjetivo como Fun’da’mental bien merece que uno se moje un poco y exprese una opinión igualmente subjetiva: la inoculación más o menos explícita de ideología a través de la música es casi inevitable y se viene practicando desde su mismo principio como medio de comunicación consciente. Demos otra vuelta de tuerca: cualquier opción artística conlleva de forma implícita una opción política. Incluso aquel creador que adopta la simplona postura del hedonismo apolítico está de hecho haciendo una elección (lamentable, por cierto). Y, desde el mismo momento en que uno elige una u otra opción, está efectivamente tomando partido, se está posicionando ideológicamente. Ergo, está haciendo política. Fun’da’mental, al igual que Public Enemy, no dicen nada que cualquiera que esté al tanto de la desoladora realidad que vivimos no sepa, pero se permiten gritar su repulsa alto y fuerte. No van a arreglar nada (mejor; Dios nos libre de un mundo bajo el yugo prohibicionista de esta gente), pero al menos se desahogan. Y sí, ya sé que no he hablado del álbum, pero creo que exponer una reflexión extramusical a partir de un disco de Fun’da’mental representa la mejor crí-

FUN’DA’MENTAL

SUKIYAKI

La razón de querer a Sukiyaki estriba más en su potencial que en su identidad real. Es así porque al escuchar las dos canciones que aparecen en este single compartido con Zonites (atinado proyecto de space-rock surgido del ánimo de Javier ‘Sick Buzos’ Neria), tienes la certeza de que Aldo, Jorge y Elena tienen los mismos discos que tú en su colección. Y podría tomar como segura referencia los de Magnetic Fields, Spring y The Pastels, pero me quedaré en el plano de la hipótesis por miedo a equivocarme. La que es evidente es su afición a la melancolía. El trío afincado en Madrid dispone en clave de baja fidelidad los caminos que quisieran recorrer y que aún cruzan de puntillas: un tecno-pop muy íntimo que encuentra el refugio sentimental en los sonidos analógicos, recuerda los últimos días de la música disco en ‘Odio Todos Esos Cafés A Los Que Me Has Llevado’, y evoca el recitado perezoso del Donosti Sound en ‘Qué Harás Cuando Te Alejes’, la canción que llora cómo de “sola está la calle sin los dos”. Qué pocas palabras y cuanto sentimiento. JUAN MANUEL FREIRE

PASCAL COMELADE ZUMZUM-KA G3G

PASCAL COMELADE

Ahora que, tras su aireada colaboración con PJ Harvey, Comelade está ampliando su público hacia sectores poco atentos al devenir de la música, ejem, experimental (el saco en el que el músico franco-catalán se ha visto confinado, a pesar del sustrato popular y mediterráneo de su música), conviene apuntar que, más allá del superficial conocimiento que de él se tiene (le gente le recuerda sobre todo por sus instrumentos de juguete, sin duda importantes en su música pero no vitales), si algo debería caracterizarle es su continua huida hacia adelante en busca de nuevos campos sonoros que desarrollar, dife-

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rentes estilos que explorar: del repetitivismo y la música industrial de sus comienzos a los quebradizos y evocadores haikus sonoros de discos como ‘El Primitivismo’ o ‘Cent Regards’, estilos en apariencia poco afines, en los que Comelade ha impreso su personalidad hasta hacerlos en ocasiones indisociables de él mismo. Música tan evocadora no podía dejar indiferentes a los creadores de las artes plásticas. Si ya hace cuatro años sirvió para acompañar una obra de Jean Genet representada en el Mercat de les Flors y este mismo año una versión electrónica de uno de sus temas podía escucharse en el ‘Faust 3.0’ de La Fura Dels Baus, es ahora la compañía de danza de Cesc Gelabert la que se beneficia de una banda sonora de lujo, compuesta además para la ocasión, en la que el versátil Pascal hasta se permite flirtear con el hardrock (‘Game Boy’). Como cualquier otro disco suyo, una buena inversión. JESÚS BROTONS

AQUAPLANE PHREAK CITY GROOVE Ovni | Green UFOs

Andrew Philip Jarman lleva veinte años cruzando distintos panoramas, épocas y cambios de sentido, y continúa en su empeño de hacer música británica dentro de territorio español. Él era el hombre detrás de A Popular History Of Signs (punk ‘DIY’ de los tiempos en que ‘Anarchy In The U.K.’ inspiraba a todo alumno de ciencias políticas), Miss America (que llegaron a ser fichados por Non-Fiction, subsello del mítico Fiction) y los malogrados Strange Fruit, continuación de Miss America con un sonido en vivo que nunca lograrían emular en sus grabaciones. En su nuevo proyecto, el combo dance Aquaplane, Jarman (acompañado por Eva Puga y Javi Román, un tercer posible Propellerhead) da otra vuelta de tuerca a la psicodelia bailable del sonido Madchester que ensayara en Strange Fruit, ahora desde el prisma lúdico y vertiginoso del big beat, ese combinado de electro, funk y breakbeat que trae de cabeza al sector más hedonista de los aficionados. Lo mejor es la versión petarda del ‘Sex And Drugs And Rock And Roll’ de Ian Dury & The Blockheads, ya incluida anteriormente en el re-

ATARI TEENAGE RIOT

copilatorio ‘Punkadelia’ del Colectivo Karma. Aquaplane no añaden nada nuevo al panorama y deberían poner más esmero en la parte vocal, pero pueden animar fiestas de fin de curso, carpas dance en festivales de verano o, por qué no, los días que falten hasta volver a alguna de las dos. Panacea para el sopor post-estival.

THE FUTURE OF WAR Digital Hardcore Recordings | Caroline España

JUAN MANUEL FREIRE AQUAPLANE

VV. AA. BENICÀSSIM’98 Sala Maravillas | EMI

Estoy escuchando los volúmenes 4 y 5 (los que se ocupan de la programación dance) del recopilatorio que ha confeccionado la organización del FIB para su última edición y no tengo más remedio que quitarme el sombrero ante tanta calidad-cantidad reunida. Pese a la ausencia de los Basement Jaxx, de Morcheeba y de varios de los que aparecieron por el chillout (tenerlos todos hubiera significado un sexto volumen, todo un hito por estos lares), lo que se ha elegido es fiel reflejo de los tiempos que corren por la pista de baile actual. Esperemos que el del año que viene sea, como mínimo, igual de bueno que éste, que sigo disfrutándo.

BENICÀSSIM’98

ALBERTO BALSAM ATARI TEENAGE RIOT

VV. AA. WE ARE REASONABLE PEOPLE Warp | Satélite K

Que el mejor catálogo de música electrónica lo tiene Warp lo sabe todo el mundo. Y para demostrarlo celebra su single nº 100, recopilando lo mejorcito del sello (curioso que coincida con lo mejorcito de la escena actual): el jazzambient de Squarepusher, las melodías ensoñadoras de Boards Of Canada, los imposibles y deliciosos sonidos polirrítmicos de Autechre, el Jimi Tenor más funky que nunca o la ultraceleración de un Mark Bell speedico, por citar tan sólo a cinco de los doce artistas reunidos. Las claves del éxito de este Cd son dos (los detalles a encontrar son un millón): 1) lo inédito del material, y 2) la variedad y riqueza de su contenido: inquietud, experimentación, sonidos, emociones, música.

INTRONAUTAS

“Destruyamos el futuro, aquí y ahora”. Nos lo dice, o mejor dicho, nos lo exige Alec Empire. Berlinés, 26 años y un cabreo de aquí te espero. No me hubiera gustado cruzarme en su camino cuando dio el portante a la cuadrilla arty de Mille Plateux (un label mucho más interesante que DHR, qué queréis que os diga) y de paso mandó al carajo el techno, la escena de clubs y la madre que los parió a todos. Ése fue el germen de la ‘digital punk revolution’, o eso es al menos lo que cuentan las revistas más moderniquis en sus odiosas secciones de tendencias. Los que sufrísteis su actuación en Festimad o en Barcelona ya sabéis de qué va: Empire, su Atari 1040 ST, dos amiguetes igual de cabreados -MC Carl Crack y la ‘scream-queen’ Hanin Elias- y los veinte signos de admiración que cierran cada frase en el libreto del Cd ,convertidos en un torbellino decibélico que desconoce el significado de la palabra ‘misericordia’. Los gamberros del Atari han liberado el hardcore y el gabber de las connotaciones fascistoides que tan bien conocemos por estos lares, y han paseado por todo el mundo esta inflamable colección de arengas políticas anti-fascistas y me-cago-en-todo con una belicosidad genuinamente punkarra que los sitúa más cerca de unos Dead Kennedys del siglo XXI que de la ultraviolencia por-la-cara de makineros como D.O.A. o Dj Skinhead, por ejemplo. ‘The Future Of War’ es su mejor disco y el que les ha granjeado más fama popular. Gabber y jungle con anabolizantes, hip-hop atronador, distorsión a mansalva, acoples guarrísimos, guitarrazos sampleados (como el de Slayer en ‘Destroy 2000 Years Of Culture’) y un furibundo guirigay de gritos y consignas que consigue ponerle a uno de verdadera mala hostia. Claro que sí ¡A la mierda la música rave! ¡Fuck all! TONI LÓPEZ

INTRONAUTAS EL TERCER OJO Spicnic

Lo primero que te atrae del último trabajo de los Intronautas es la portada. Todos sabemos que Aramburu hace grandes portadas, pero

MANEL ROIG

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una vez más hay que decir que se supera. La primera decepción viene cuando empiezas a escuchar el disco; no es que sea un disco malo, pero de un grupo como los Intronautas te esperas siempre mucho más, o igual es que tengo en mente ‘Comunión’, un gran disco que todavía pongo a menudo. Lo cierto es que lo encuentro flojo, aunque no falten grandes canciones como ‘El Tercer Ojo’, que da nombre al disco. En general los temas, sin ser malos, no llegan a ser aquellas pequeñas obras maestras de su anterior disco. Sus referentes son los mismos de siempre: Ramones, Cramps, Sigue Sigue Sputnik… con algunas versiones (como la de ‘Amor Industrial’ de Aviador Dro) y con las clásicas cortinillas de Calígula 2000, que en este disco se me antojan más desangeladas que en otras ocasiones. Y es que ‘El Tercer Ojo’ podría llamarse como lo último de Los Nikis: ‘Más de lo mismo’… pero peor. En definitiva, este es el disco más flojo de uno de los grandes grupos de nuestro país. Sé que pueden hacerlo mucho mejor. S. ESTRADA

FLY GANG DISCO MACHINE Medcom | Mastertrax

En la segunda mitad de los setenta la música disco era el triunfo de la vulgaridad, lo hortera elevado a código de estilo: pantalones de pata de elefante (¡qué bien barrían el suelo!), frondosas patillas y solapas como alas delta. ¡Y la música! Una degradación sin manías del funk y el soul que hermanó en despendolamiento a la élite chic con los garrulos de los barrios bajos, todos arrastrados por el sudoroso frenesí sexual que provocaban sus pimpantes ritmos sincopados. En contrapartida, la sociedad bienpensante y el lumpen punkoide se hermanaron a la hora de echarse las manos a la cabeza. ¿Recordáis las famosas chapas que rezaban “Disco Sucks!” que los primeros punks se prendían en la chupa? Pues como los tiempos cambian que es una barbaridad, hoy es el cadáver del punk el que apesta (¿Green Day? ¿NOFX? ¡Venga, hombre!) y el disco, devuelto a la actualidad por el mecanismo reciclador de la industria, ha adquirido legitimidad. En este con-

HOLGER CZUCKAY & DR. WALKER

texto, la grasienta Disco Machine de la Peña Elegante tiene todos los números para hacerse con un importante hueco horario en tus noches de furor bailongo. Disco festivo y setentero con toques de contundente house: como las gaseosas, tomado a sorbitos resulta refrescante, pero en grandes dosis hincha el estómago y las narices. Escuchar el álbum de principio a fin es tan árido como tragarse la obra entera de Thomas Köner de un tirón, pero dos o tres cancioncillas de vez en cuando te pueden propulsar a la estratosfera. Y en la pista de baile ya debe ser el acabose, discoheads.

CLASH Sideburn | So Dens

NAJWAJEAN

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NAJWAJEAN NOT BLOOD Subterfuge

Najwajean son, en este año 1998, el hype mejor cuidado de la península ibérica. Protesta denegada: la actriz Najwa Nimri es una contorsionista de las cuerdas vocales y el productor Carlos Jean demuestra conocer al dedillo los secretos del estudio. El sonido que consigue es elegante, capaz de aglutinar con precisión todas las constantes del trip-pop, lo que permite que algunas canciones superen el aprobado (‘Dead For You’, ‘Smile’, la afectada versión del ‘Crying’ de Roy Orbison) y que los minutos de ‘Mind Your Head’ sean cuatro de los mejores grabados en este país durante el año que transcurre. Protesta admitida: los inconvenientes creados por las múltiples convenciones de unas letras que deambulan entre la víscera del sentimiento real y la corrosión sin pretensión, que es muchas veces síntoma de mediocridad. En la mezcla de lo verdadero y de lo falso, lo verdadero resalta lo falso, lo falso impide creer en lo verdadero y surge la contradicción. ‘Not Blood’ es un simple divertimento, y esta superficialidad puede nublar el afecto hacia una tentativa que, en cualquier caso, está destinada a compensar (en la medida de lo posible, y con todos sus defectos y notables virtudes), la tan lamentable como inexplicable ausencia en el mercado español de producciones que se atrevan a crear pop de emociones intensas a través de la tecnología. Lo dejaremos en caso sobreseído.

H. CZUCKAY & DR. WALKER

PRO-TECH

JESÚS BROTONS

PRO-TECH ORBITING CATHEDRALS Dossier Records | Dock

Mientras Rhys Fulber parece haberse convertido definitivamente en el quinto miembro del combo metalero Fear Factory, la otra mitad del mítico grupo EBM de Vancouver Front Line Assembly, Bill Leeb, sigue enfrascada en un sinfín de proyectos. El historial del también exSkinny Puppy es completísimo: Delerium, Noise Unit (con el Klinik M. Verhaeghen), Cyberaktif (junto a Goettel y C. Key de Skinny Puppy), Synaesthesia, Will... Precisamente en esta última encarnación también participaba Chris

JUAN MANUEL FREIRE

La anunciada colaboración entre el excéntrico ex-bajista de Can y el factótum del colectivo colonés Air Liquide no es tal: para colaborar hay que tener un objetivo común, que se alcanza enfocando los esfuerzos en una única dirección. El título del disco que recoge sus jam-sessions conjuntas en Colonia, San Francisco y Minneapolis dice más de lo que parece. ‘Clash’ testimonia una auténtica colisión, un choque frontal entre dos generaciones de músicos, dos maneras diferentes de trabajar, no siempre compatibles. Walker y Czuckay , probablemente muy seguros de sí mismos, crearon sus partes en solitario, uno trazando líneas rítmicas aceptables aunque poco sorprendentes, y el otro echando mano de su familiar armada de sampler, dictáfonos y cintas. Un método interesante, a priori. El problema es que los ambientes radiofónicos de Czuckay no terminan de encajar en los moldes rítmicos de Walker. Así, lo que prometía ser en directo un divertimento sin mayores pretensiones se convierte enlatado en un plomo autoindulgente. Con toda seguridad los incontinentes músicos (¿2 Cd’s? ¿pa’ qué tanto?) se divirtieron de lo lindo, pero el oyente, en casa y privado del acompañamiento visual que amenizaba las jams, se ve irremisiblemente abocado al tedio. Es una lástima que el regreso a los escenarios del gran Holger sea con un experimento tan poco excitante.

P///SHOCK

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Peterson, partenaire de Leeb en el proyecto que nos ocupa: Pro-Tech. Si bien Will basaba sus canciones en samples de óperas y películas creando un ambiente gótico y oscuro, la propuesta de Pro-Tech es mucho más amplia, quizá incluso peque de dispersión. ‘Orbiting Cathedrals’ bebe de muchísimas y distintas fuentes: techno, drum’n’bass, EBM, breakbeat... Todo ello moldeado en temas largos de progresión lenta, con delicadísimas melodías sintéticas: un acabado perfecto y una atmósfera fría y nostálgica que delata su pasado ochentero. La calidad es indiscutible, el problema es que la capacidad de sorpresa es nula. Dock: 918521722

‘Zwei Osterei’, se trata de una obra seminal de la música industrial y el ambient más incómodo (¿se sigue diciendo ‘aislacionismo’?): una larga y tensa improvisación electroacústica de reverberaciones catedralicias, un viaje al subconsciente de escucha o-bli-ga-to-ria para cualquier aficionado cabal. Nada de buceos arqueológicos, éste es un fragmento del pasado de plena vigencia en la actualidad.

KLUSTER

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POP-OFF TUESDAY UNWORDLY Pickled Egg | Elefant

L’AUGMENTATION TASCHEN

SOLEIL Pickled Egg | Elefant

KLUSTER

THE FREED UNIT

ERUPTION Marginal Talent | Dock

WIDDERSHINS Pickled Egg | Elefant

El tercer álbum de Kluster, originalmente publicado en 1971, tiró 300 copias y después pasó al limbo, una dimensión en la que flotan todos esos discos minoritarios de los que mucho se escribe, pero pocos han llegado a escuchar. Tal seudoexistencia acaba dotando a estos álbumes ilocalizables de una aureola mítica, status de leyenda, marcados a fuego en el inconsciente colectivo, continuarían existiendo incluso en el supuesto de que todas las copias se perdieran para siempre. Ocurre que, cuando alguno de esos incunables es eventualmente reeditado, su mágica aureola desaparece al verse enfrentado con la idealización utópica, con la imagen de tesoro oculto que de él nos habíamos forjado. No resistiendo la comparación con la imagen que se refleja en el espejo de nuestra imaginación, el disco acaba perdiéndose de nuevo, uno más entre el río de ediciones que día a día nos desborda. Este podría ser el caso de ‘Eruption’. Reeditado veintisiete años después, los descreídos fans de los 90, que parece estemos de vuelta de todo, encontramos que aquella música considerada en el pasado transgresora y radical ya no nos sorprende. Pero que no nos rompa los esquemas no implica que tengamos que cometer la injusticia de relegar ‘Eruption’ al olvido. Al igual que sus predecesores ‘Klopfzeichen’ y

Nigel Turner, líder del grupo de pop prístino The Melons, conduce desde Leicester un pequeño sello donde edita regularmente muestras de pop experimental que hacen las delicias de investigadores del vinilo y melómanos que aprecian el pop indie británico más allá de Cast, Shed Seven, The Supernaturals y todo ese largo etcétera que no merece la pena enumerar. Los últimos tres estrenos - distribuidos en España por los nunca bien ponderados responsables de Elefant - hacen de la excepcionalidad su bandera, compartiendo una orientación de la música popular que en nada sugiere el diligente cumplimiento de órdenes. Pop-Off Tuesday es un dúo de trip-pop llegado de Osaka que ha encontrado en John Peel a un seguidor incondicional: minimalistas, inquietantes y creadoras de una melancolía personal (sutil mixtura de su tradición melódica nativa y las influencias anglófonas), el propio Nigel no se equivoca al describir su música como un cruce entre la Velvet Underground y el intimismo onírico de 4AD. Por su parte, el primer single de L’Augmentation - quinteto de Birmingham, la ciudad que vio nacer a otras lumbreras del post-pop como Novak, Plone y Broadcast - entra por derecho propio en el apartado de rara avis: en el primer lado presentan una travesura de aire funámbulo que

debe colocarse junto a las colaboraciones más insensatas de Stereolab; en el segundo, un embrujador segmento ambiental que es pura carne de ambigú. El último lanzamiento hasta la fecha de Pickled Egg lo rubrican The Freed Unit, que resucitan el espíritu de Kraftwerk a través de las enseñanzas del moog y el vocoder, llevando su sincretismo, talento analógico y sensibilidad de clínica al proceder de música mucho más orgánica. Editan sus discos en su propio sello (OutThere), y estas dos canciones (‘Widder-shins’, ‘Stormtroopers Of Moog’) no estarán incluidas en otro sitio que en este single: como el acceso a cualquier innovación que de cuando en cuando deparan sellos diminutos, disfrutarlas es uno de esos privilegios que sólo ostentarán los más valientes. JUAN MANUEL FREIRE

FANGORIA

FANGORIA INTERFERENCIAS Subterfuge

Creo que una cosa está clara: Alaska y Nacho han sido y son una de las páginas más brillantes del pop de nuestro país. Fangoria fueron un proyecto innovador y, en cierta forma, pionero en lo que se refiere a música electrónica. En el año 1998 no tienen que demostrar nada, han hecho de todo y lo han hecho bien; han sido punto de referencia cuando en España habían muy pocas cosas más y casi todas detestables. Pero en nuestro país la fidelidad no es un don muy preciado, y los hijos, ya adultos, han crecido, se han independizado y reniegan constantemente de sus progenitores. Por decirlo de otra manera, Fangoria aunque sigan siendo uno de nuestros mejores grupos, se han pasado de moda simplemente por ser quienes son Alaska y Nacho, y ya no queda tan bien nombrarlos entre tus referencias. Pero esto a Fangoria no parece afectarles, se sienten como en la portada de su disco, dentro de una escafandra; desde ella ven pasar a grupos que se suponen la salvación de la música electrónica nacional, los que mañana todo el mundo tendrá dificultades para recordar su nombre, estrellas pasajeras que pasarán de largo mientras ellos permanecen, inalterables, flo-

P///LA BOÎTE

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tando en su órbita, sabiendo que el tiempo pondrá cada cosa en su sitio. ¡Ah! ¿Qué cómo es ‘Interferencias’? Es un disco hecho por fans (Fangoria son grandes fans) para sus fans. Versiones de canciones que les han gustado toda la vida (‘Mi Noche’ de Raphael, ‘Sono Come Tu Mi Voi’ de Mina, ‘Bailar Hasta Morir’ de Casal... ), grabadas junto a grupos que forman lo más granado del pop español (Le Mans, Family, Madelman, Iluminados… ), que originariamente se prensaron en flexis que el grupo envía por correo a sus fans una vez al año (este próximo año toca una canción de Los Planetas versioneada junto al grupo barcelonés Astrud). El conjunto es desigual, con verdaderas joyas (‘Mi Noche’, ‘Interferencias’ o ‘El Signo De La Cruz’), y canciones que son un poco más flojas, aunque no desmerezcan del conjunto (‘Sueño Nº 7’, ‘Bailar Hasta Morir’ o ‘Viva El Rock’). Es un disco para fans de Fangoria y yo, que me considero un fan incondicional y para toda la vida, lo recibo como una de las joyas de este año, y espero con ansiedad su próximo trabajo. TITO

BILL LASWELL OSCILLATIONS 2 Sub Rosa | BOA

Al montón de bienintencionados homenajes póstumos aparecidos tras el óbito de William Burroughs une Laswell este ‘Oscillations 2’, álbum erróneamente etiquetado por algún publicista algo sorderas -o listillo- como ‘advanced drum’n’bass’. Erróneamente, digo, ya que lo que este compacto contiene es ni más ni menos que jazz-rock, un género apasionante y, según parece, indetectable a la mínima mutación por los oídos poco entrenados. No es, por supuesto, el jazz-rock de toda la vida, ni tampoco el que centrifuga Tom Jenkinson, aunque comparta con éste el gusto por la digitación virtuosa cabalgando a lomos de un breakbeat encabritado. Más bien podría definirse como una versión futurista, lúgubre y minimal del latido urbano, sofocante como asfalto recalentado, que caracterizaba al mejor grupo que Laswell haya tenido jamás, Material. A destacar la atmosférica ensoñación de ‘El Hombre Invisible’, corte que no hubiera desentonado en el ‘Ambient 4: On

Land’ de otro personaje tan genial y discreto como el mismo Burroughs, Brian Eno. JESÚS BROTONS

VV. AA. FUNKUNGFUSION Ninja Tune | So Dens

¿Estás preparado para un viaje destinado a buscar nuevas emociones? Sí, ¡pues vamos! Sin lugar a dudas esta compilación, lista para ser admirada, es un fiel reflejo del pasado-presentefuturo de Ninja Tune y de sus subsellos. Una obra de gran valor intrínseco con raíces hedonistas, para menús de alta categoría con un total de 27 variedades. Antes de analizar de forma angular este trabajo hay que comentar que Ninja Tune ya ha publicado más de 100 referencias. Además dispone de 3 subsidiarias (Miscellanious, la más joven, Ntone y Big Dada). En total, 150 identidades desde su bautizo. El disco es un puzzle de fichas doradas: Chocolate Weasel y su hit ‘Music For Body Lockers’, lleno de grooves profundos; Amon Tobin, la nueva sensación, con una pieza universal como es ‘Sordid’; la colaboración de Kid Koala con Mark Ramos Nishita (Money Mark); el regalo de Coldcut en forma de ‘More Beats & Pieces’; la presencia de uno de los artistas actuales más apetecibles, Luke Vibert; DJ Vadim y sus nuevos proyectos; el fondo de sombras y niebla de Funki Porcini; y los detalles magnéticos de Neotropic, Animals On Wheels, DJ Food, Override o el auténtico ‘movie soundtrack’ de Journeyman, forman este maravilloso cóctel. Sumérgete.

BILL LASWELL

ROBERT GÖRL

MARC PIÑOL

VV. AA. COFFEE TABLE MUSIC Cup Of Tea | So Dens

COFFEE TABLE MUSIC

ANTONIO SANTAEULARIA

ROBERT GÖRL SEX DROPS Disko B | So Dens

La portada ya acojona. Porno duro, techno minimalista y mala leche. Bajo esas tres coordenadas, la mitad no hispana (es decir, que de Gabi Delgado nada de nada) de D.A.F. se ha unido al talentoso porte monorrítmico de un Regis en la cumbre -Downwards se ha convertido ya en un label de culto en medio mundo- y entrega en uno de los sellos más de la broma del nuevo pa-

norama electrónico uno de los discos más desasosegantes del nuevo panorama ácido. Además, si a lo otro se atreven a llamarlo ácido, a esto deberían añadirle detrás lo de sulfúrico, de ése que te toca un trozo de carne y lo funde en un plis plas, del que duele. Si Görl se llega a meter realmente de cabeza en el proyecto (parece más un disco de Regis que no de él, aunque respete ciertos parámetros -la repetición, los bucles agudos en plan acid- claramente D.A.F.) poniéndose a, digámoslo de aquella manera, cantar como lo hacía en sus buenos tiempos, éste sería sin duda alguna uno de los hits -por lo de golpe, digo- más sonados del nuevo (¿o era viejo?) underground berlinés. Cómprenselo. Y vayan con cuidado, porque escuchar más de veinte minutos seguidos puede dañar seriamente los cerebros más delicados. Dios sabe que no miento.

El sonido Bristol no sería el mismo que ahora conocemos (y en algunos casos, veneramos) de no nacer Cup Of Tea, ese pionero sello de cuya cantera no ha surgido hasta la fecha ningún sleeper, y que al ritmo que llevan (al ritmo moroso y especialmente atmosférico que es distintivo del downtempo), tiene difícil conseguir su porción de estrellato. Eso sí, el capo Ben Dubuisson sigue en sus trece, y el apoyo de sus seguidores (amantes del puro placer estético que se esconde entre los surcos de viejas bandas sonoras) evita que nunca pierda la compostura: si Monk & Canatella no funcionan en ventas como Beck, será por el limitado alcance del aparato promocional; si Statik Sound System no conquistan a los seguidores de Portishead o Attica Blues, puede ser a causa del desinterés de ciertos medios. Nada queda demasiado claro, y nadie conoce muy bien la respuesta. Para aquel interesado en el devenir de esta empresa, la recopilación llevada a cabo por Grantby - artista habitual en el catálogo de Cup Of Tea - es el disco idóneo para iniciarse en la colorista concepción del trip-hop que promueve el sello. Siguiendo el corte y confección de

P///DIAGONAL MUSIC CENTER

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sus compilaciones, ‘Coffee Table Music’ (bautizado en homenaje a sus menos imaginativos detractores) es un recorrido por los lugares más significativos de su geografía : un escaparate de ambientes vaporosos, cinefilia del todo asumida, luminosidad; y una ambición creativa que, además de cultivar el estereotipo desde la ironía, deja hueco para el sentimiento. Estos rasgos de estilo amparan una selección homogénea donde destacan los temas del propio Grantby, ‘Timebooth’ y ‘R53’, éste último bajo el seudónimo de Albert Hall. Movimientos febriles convertidos en el eco de nuestra memoria peliculera y, por ende, de emociones no por ficticias menos decisivas. JUAN MANUEL FREIRE

MIND DA GAP SEM CERIMÓNIAS BOA | UDO

Ahora que le han concedido un óscar a Saramago la ocasión es perfecta para girar la vista hacia Portugal y chequear el estado de salud del que gozan nuestros vecinos en lo que a textos -rapeados- se refiere. Debo admitir mi total desconocimiento de la escena hip-hop lusa, pero si Mind Da Gap es la medida por la que debe ser estimada entonces hay que colegir que goza de buena salud. El grupo formado por Dj C-Real (¿cerril?) y los emcees Presto y Ace presentan un disco, su segundo, emparentable a los de Wu-Tang Clan por su sonoridad urbana, dura pero sin llegar a gangsta. La producción del neoyorquino Troy Highwater y la inclusión de un tema en inglés dotan a ‘Sem Cerimónias’ de un aire internacionalista de lo más exportable, impresión incrementada por la temática de las letras. Mind Da Gap aluden en canciones de inequívoco título como ‘O Pensamento É A Minha Droga’ u ‘O Inimigo Foi Vincido’ a lo habitual en estos casos: defensa a ultranza de los usos y modos de la Nación Hip-hop (nacionalismo musical, vaya), culto a la propia personalidad, acoso y derribo verbal a figuritas y figurones nacionales e importados... todo enmarcado dentro de la habitual manía persecutoria que padecen los que abrazan el hip-hop adaptando demasiado al pie de la letra los cánones yanquis. Si salvas el hueco idiomático y el dejà-

vu temático, podrás sacar jugo de un disco sólido, homologable al 100% con cualquier producto similar facturado en los USA. JESÚS BROTONS

IN THE NURSERY LINGUA ITN Corporation | Dock

Durante estos 15 años de andadura, el grupo inglés liderado por los gemelos Nigel y Klive Humberstone ha forjado una prolífica trayectoria marcada por la coherencia, el buen hacer y una vocación cosmopolita de aúpa. Vocación que ahora llega a su máxima expresión en esta torre de babel que es ‘Lingua’. La cantante, o mejor, la rapsoda Dolores Marguerite pone su sedosa y políglota garganta al servicio de épicas y relajadas composiciones escritas en español, francés, yugoslavo, maya y japonés. Casi nada. Aunque lo realmente importante es la habilidad que conserva ITN para amasar en perfecto equilibrio sinfonismo y modernidad, electrónica y pop, atmósferas aterciopeladas con ritmos sutilmente bailables (‘Mute Harmony’ recuerda poderosamente el ‘It’s No Good’ de Depeche Mode), lo acústico con lo sintético. Dos años después del álbum ‘Deco’, los también autores de ‘Sense’ y ‘Anatomy Of A Poet’, han firmado uno de sus discos más balsámicos, que rezuma en todo momento esa sensibilidad pseudomística que a los de Sheffeild les ha hecho compartir seguidores con otras bandas como Dead Can Dance (inevitable recordarlos con ‘Biello Dumb’) u otros ilustres gemelos, los Cocteau Twins.

MIND DA GAP

JAZZ TWO

ca, pero qué le voy a hacer); esa techumbre de muestras de terciopelo es apuntalada con vigas rítmicas de hormigón, phat-beatz en primer plano de los que rebotan en el pecho a la que subes un poco el control de graves. Contrasta también el fraseo monocorde y falto de matices de Dave con el correoso, puro nervio, de su compinche Dobleache, desde ya uno de los mejores emcees del país, y quizá el menos confundible. La claridad de dicción de ambos contrasta con lo embrollado de las letras: incomprensibles y rebuscadas, y a menudo descacharrantes (a Accidents Polipoètics les han salido competidores). Pero el contraste más intenso, creo yo, es el que representa el tono elegante de Jazz Two, heredero de Gangstarr, frente a la chusca tosquedad, heredera de los Hermanos Calatrava, de gran parte de sus correligionarios hispanos, curiosamente los que más éxito obtienen. Como del día a la noche, como del blanco al negro. JESÚS BROTONS

MASTRETTA HIGHBALLITO Subterfuge

MASTRETTA

TASCHEN

JAZZ TWO PURA COINCIDENCIA Avoid Records NOMON Avoid Records

Jazz Two es un dúo que, de manera consciente o no, gustan de jugar a los contrastes. En primer lugar, Dave ‘Comunicología’ Bee! hace honor al nombre del grupo creando bases a estricta dieta de jazz a medio tiempo, cool y terso, de aquel que recuerda noches inacabables de humo, música y alcohol (sí, ya sé que es una imagen tópi-

Nacho Mastretta (ex Manos de Orlac) firma con su apellido, casi tan exótico como los aromas de su debut como hombre orquesta, y compone con el mismo deleite por lo pintoresco que moviera a Nino Rota en su trabajo junto a Fellini. El turista envía una tarjeta postal que remite a tres escalas: la página de sucesos (el titular reza ”Vecinos de Villar del Río toman represalias”) que inspira ‘Altercado En Puebla Nº 9’, el intento de seducción en Saint Tropez que esconde ‘Háblame de mí´, y un ensayo de kermesse galáctica que el turista presenciara alrededor de las playas de Torremolinos (‘Highballito’). Mostrando más imaginación y riesgo que la mayoría del grueso de actuales manipuladores de lo kitsch, tildarlo de mero easy listening o enésimo soundtrack para una verbena lounge sería reducirlo al anonimato. También rozaría lo criminal no hablar de esos ciertos destellos de ingenio, de las ocasionales marcas de brillantez de este peso ligero. Mastretta ofrece turismo de calidad para viajantes sin exceso de equipaje. JUAN MANUEL FREIRE

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MERZBOW TAUROMACHINE

LULL MOMENTS Release

Release (en inglés: descarga, escape) es la otra cara, digamos, electrónica, experimental e industrial-noise del potente sello norteamericano Relapse, con una clientela más bien avezada a géneros metálicos como el grindcore o el death. Eso por un lado. Por el otro, sus capitostes Carl Schultz y Gordon Conrad son más listos que los ratones coloraos. Me explico: (casi) siempre juegan sobre seguro, eligen a artistas ya ‘consagrados’ -a nivel underground y gracias a otros sellos, se entiende-, y les invitan a realizar su obra más salida de madre garantizándoles una excelente distribución. Nadie rechaza tal oferta. Y nosotros, vistos los resultados, celebramos que así sea. Masami Akita, mayormente conocido por el renombre de Merzbow, aceptó el convite por primera vez en el 94 y facturó el apabullante ‘Venereology’, uno de sus trabajos más influyentes y de más repercusión mediática. De hecho, si uno repasa entrevistas a militantes del japanoise, rara es la vez que no mencionan este título junto a otros como ‘Ecobondage’ (87), ‘Cloud Clock 00 Ground’ (90) o ‘Noisembryo’ (94), todos ellos discos capitales que han inspirado a una generación entera de ruidistas orientales. Transcurridos ya dos años desde su última colaboración con Release -la edición limitada de ‘Pulse Demon’- Merzbow se ha vuelto a encerrar en los míticos estudios ZSF Produkt de Tokyo dispuesto a defender su ampuloso título de Emperador Del Ruido. Cualquiera que conozca mínimamente la carrera del autista acoquinatímpanos sabrá que éste saca discos como churros (¡ya lleva más de 200!) y que, como es lógico, no todos valen la pena. ¿Por qué debemos entonces prestarle especial atención a éste? Pues porque para servidor, ‘Tauromachine’ figurará, sin duda alguna, entre lo más descollante e intenso de todos estos 18 años de sobreproducción. Tiene pulsación por doquier y unas es-

tructuras compositivas bastante definidas. Está muy lejos, pues, de ser otro infrangible muro de ruido a lo ‘Noisembryo’ o, dicho de otra manera, lejos de lo que el siempre atinado Udo Látex (en paz descanse) bautizó en estas mismas páginas como el ‘sonido Fuenteovejuna: todos a una’. Entendámonos: Akita ofrece un nuevo atracón de power-electronics con desarmantes oleadas de rever-

Lull también se las trae. En exposiciones largas, ‘Moments’ embriaga, aturde, desorienta, como un gas deletéreo en lenta combustión. Posiblemente estamos ante el definitivo ‘momento de calma’ (traducción del inglés ‘lull’) que Mick Harris (Scorn, Painkiller, Napalm Death...) perseguía desde 1991, cuando concibió este proyecto de ambient terminal, vírgen de beats. Sentrax y Subharmonic editaron las tres primeras entregas de Lull que, tras varios 7 “ para Aquese -ahora recopilados en ‘Ternure’-, contactó con Realease. ‘Continue’ (96), primer fruto de la nueva sociedad, dividió a la afición: sus 62 minutos de bajas frecuencias en forma de un único, lineal y obsesivo zumbido convencieron a muy pocos. ‘Moments’ es otra cosa. Hace algunos años Harris acuñó el concepto ‘radiator music’ en referencia a la banda sonora de ‘Eraserhead’, obra maestra de David Lynch y film favorito del de Birmingham. “Escucha a tu ciudad, es el clamor y la textura de tus pensamientos, es lo que conoces y lo que más te asusta, es el ritmo de tu alma urbana”. Este mensaje del compositor Alan Splet (1936-94), el hombre que hizo ‘cantar’ al radiador, ha impregnado la música de gente como Main, Coil, Zoviet France o Lustmord, y ahora galvaniza más que nunca el sonido de Lull. ‘Moments’ es el perpetuo, lento y mántrico vaivén de una ponzoñosa marea de ruido en la que, una vez más, sale a flote el don de Harris para hallar los tonos y los timbres perfectos para inducir a la respiración profunda. Un flujo ininterrumpido en el que podemos apreciar 33 variaciones o movimientos, pero que está editado en 99 cortes, cosa que nos permite gozar de infinitas e imprevisibles combinaciones dándole al ‘random-play’. Im-po-si-ble escuchar este Cd sin que tu cerebro se empeñe en ponerle imágenes, y proyecte una perturbadora retahíla de fotografías mentales cuyo grado de ‘suspense’ y naturaleza más o menos agradable, dependerán siempre del estado de ánimo con que uno afronte esta auténtica experiencia sonora.

beración, ganancias y feedback, pero en esta ocasión explora y ordena una gama mucho más amplia de texturas discontinuas, mudables. Fijáos si no en cómo enjarreta texturas acuosas, freáticas entre los violentos cimbronazos de ‘Soft Water Rhinoceros’, o en cómo construye el tempo frenético de ‘Emission’ (cuya versión original quizá ya conocíais por el Cd que Blast First adjuntó a la revista Freize Magazine) y la cadencia mecánica de ‘Wounded Cycad Dub’, siete orgásmicos minutos de rhythm’n’noise que sobreexcitarán a los paladares industriales. Más que catártico, purgante. Las secuelas psicosomáticas de lo último de

TONI LÓPEZ

P///PINK RECORDS

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REPHLEX NIGHT

MÚSICA VENENO

Nitsa (Barcelona) | 10 de octubre

Fiesta Mayor de Terrassa | 3 de julio

Haga viento o caiga granizo. Ésta es la filosofía de la vida (nocturna) de unos cuantos clubbers que se dedican a dilatar las pupilas cada fin de semana en la Sala Apolo. A ellos les da lo mismo si pincha Carl Craig, Ed Upton o si se vienen Bandulu o Boo Williams a quemar la pista. Por desgracia aún no se habían encontrado ni vientos tan gélidos, ni granizo tan duro: primero por Cylob, que salió al escenario visiblemente entrompado luciendo en su cabeza un espectacular sombrero poncho de dos metros de diámetro, se peleó con el electro más de videojuego y consiguió que riéramos como hacía tiempo que no lo hacíamos. Casi, casi, como en los tiempos de Pedro Reyes. Pero tenía que ir a más. Richard D. James tenía pensado conseguir que la sala se quedara vacía. Lo que al principio de la noche se divisaba como un irrebatible llenazo (en la kilométrica cola se oía “¡oh, vamos a ver si pincha house!”), a última hora de la noche se descubrió como una agradable morgue invadida por las fuerzas del mal. Cayeron cosas de Position Chrome, del ruidismo más burro, del house más pelado, del electro más epiléptico y, sí, un par de escarceos gabber deliciosos y el “refinitivo” ‘Come To Daddy’. Sólo quedaron en pie los valientes en, quizás, la sesión del año.

Víctima de las influencias de la Música Concreta y el heavy metal más carrasposo, este angelical joven, ex-Popular 66, ha abandonado el grabador de fogueo para ponerse a disparar con balas de las que salen por el otro lado. Como un japonista ruidoso más, agazapado sobre un puñado de diminutos aparatos electrónicos y armado de afiladas garras plunderfónicas, arremetió feroz contra los asistentes con ritmos de textura sospechosa, que se abrían paso a codazos hacia nuestros oídos desvalidos. Intenté luchar contra sus poderes psíquicos: ir a tomar un refresco, pero no pude, porque me encontaba atrapado en una espiral tímbrica, casi sísmica, que fue debilitando mi voluntad hasta que, al despertar, me sorprendí aplaudiendo como una foca, víctima de este temible delincuente de las ondas. Miré a mi alrededor y ¿qué ví? Niñas jugando, mozos bailando y unos seres alargados de apariencia experimental que, sonrientes, oscilaban a causa del viento radiactivo que soltaban los bafles. ¿A cuántos habrá inyectado ya Jesús Brotons su veneno musical, haciendoles perder la inocencia a golpe de pizzas sinoidales? ¿Cuántas almas cándidas sacudidas por los ardores de la pubertad habrán visto de repente la verdad de la vida y pedirán a los Reyes Magos una caja de ritmos y un MS 20? Música Veneno fue la alternativa a la ineludible tómbola y resabida pachanga. De la mano del colectivo Exòtica Club, nos llegó aire nuevo ante el monótono panorama de una fiesta mayor más que tópica. Hay que esperar que a este chico le nazca un Cd de los que dan vueltas. Puede que nos lleve de excursión a lugares peligrosos y oscuros, aunque no esté allí Indiana Jones para salvarnos.

MARC PIÑOL

CROMATÓN-BIC JR.

DEPECHE MODE Palau Sant Jordi (Barcelona) | 16 de octubre

Una de las noches más tristes de la historia de la música pop pasó por delante de nuestros ojos. Me considero un verdadero fan de Depeche Mode: atesoro todos sus discos y vídeos y había disfrutado muchísimo en sus cuatro anteriores visitas. Y por eso considero que tengo suficientes argumentos a mi favor para emitir un juicio que no huela al típico acoso y derribo del grupo de turno. Lo de esa ‘velada’ fue vergonzoso: más acomodados que nunca, más desganados que nunca, más previsibles que nunca, más aburridos que nunca, más cutres que nunca, más acabados que nunca. La verdadera dimensión de un dinosaurio tocado de muerte. Alan Wilder se lo debió oler y prefirió abandonar antes de ver como uno de los proyectos musicales más exquisitos se convertía en uno de los cadáveres artísticos más repugnantes. ALBERTO BALSAM DEPECHE MODE | (F) EMMA VILLEGAS

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